Tenemos entre manos el nuevo lanzamiento de los estadounidenses que practican un tech/melodeath más que interesante, The Ossuary Lens de Allegaeon, en este caso se trata del séptimo disco, la noticia interesante, para entrar un poco en contexto en este esperado Full-length, es la vuelta del vocalista Ezra Haynes, luego de un hiato de aproximadamente 8 años. Su sucesor/antecesor, Riley McShane, es un vocalista que aportó una voz de tipo más gutural, que, si bien su forma de vocalizar no es tan típica del melodeath, sino más bien de un death metal en la vena del brutal, lograba acoplarse muy bien a la propuesta sonora de la banda.

En líneas generales, se puede apreciar y aseverar que a nivel compositivo se sigue la misma línea que la banda venía teniendo en las últimas grabaciones. Con todos los elementos que la suelen caracterizar, como ser esos riffs con tapping, el uso de guitarras acústicas en varios puntos (de hecho la intro del disco tiene este componente), power chords como el recurso más reconocible dentro del melodeath, los solos con sweep picking y tapping (o sweep tapping), pasajes con voz limpia, y en la batería una variedad de recursos más que suficiente para complementar, incluyendo los tan queridos blast-beats y algunos contratiempos en algunas ocasiones. En fin, muchos de los elementos a los que nos tienen habituados las bandas de death metal técnico modernas desde la salida del Epitaph de Necrophagist, aunque son pocas las bandas que logran un buen balance para no sonar monótono y terminar siendo más bien un despliegue de licks de guitarra con blast-beats y alguna letra random en clave de guturales, o bien una banda con riffs mediocres con sweep picking metidos a la fuerza durante el resto de la canción, una formula que salió de muchas bandas que quisieron imitar lo hecho por Brain Drill, aunque sin éxito y sonando totalmente genéricas.

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Antes de hablar puntualmente de los temas, me gustaría remarcar la producción a nivel general del disco, nuevamente un excelente trabajo por parte de Dave Otero, quien viene acompañando en este sentido a la banda desde sus inicios prácticamente (incluso participando en el primer EP, exceptuando Formshifter, el segundo trabajo discográfico), por lo cual conoce a la banda perfectamente a través de toda la evolución que tuvieron en estos 17 años de banda (19 si contamos los 2 años previos donde la banda se llamaba Allegiance), todos los instrumentos se escuchan perfectamente, posiblemente el único instrumento que no se sienta tan presente es el bajo, quizá un +1db le hubiera sentado bien, aunque honestamente no veo esto como un problema, sino más bien algo dentro del campo del criterio personal, ya que hay pasajes donde el bajo destaca, como en “Dark Matter Dynamics” donde el pasaje acústico en el intermedio permite darle bastante presencia aportando un solo, aunque está claro que no es una agrupación donde este instrumento en si destaque mucho. Volviendo a los demás instrumentos, tengo que destacar también el sonido de las guitarras acústicas, con un sonido cristalino, muy agradable al oído, incluso muy bien mezclado cuando suena toda la banda completa y perfectamente audible.

Ya los dos adelantos que habían mostrado daban cuenta de lo que se avecinaba, estamos hablando de “Driftwood” y “The Swarm”, el primero siendo una canción más “medio tempo” (las comillas responden a que dentro del estilo de la banda este tema no es tan veloz en cuanto a la notación en términos generales, sin embargo, no tiene un tempo tan lento, unos +/-117.5 BPM o +/-235 BPM según la notación que se tome de referencia, pero se puede hacer mención del caso de los blast-beats en semicorcheas a 235 BPM aprox.), cuya letra habla de forma introspectiva fantasmas del pasado, muy probablemente de cuestiones relacionadas a las adicciones, siendo al mismo tiempo uno de los temas más melódicos del disco; y en contraste, tenemos a “The Swarm”, cuya letra es totalmente lo opuesto como se puede apreciar en el videoclip, también es uno de los temas rápidos del disco, promediando una velocidad de +/-154 BPM, trazando un paralelismo en el blast-beat, podemos hablar de semicorcheas a +/-308 BPM, ya desde el arranque con el rasgueo marcando una especie de funky con esteroides se distingue que va a ser una canción bien rápida, este tema incluso tiene un coqueteo con el slamming brutal death, los más puristas dirían que técnicamente no se puede aseverar que sea un slam, aunque se entiende que quisieron jugar un poco con este recurso.

Si tenemos que hablar de canciones para destacar, realmente está muy difícil, el repertorio es muy variado y todos los temas tienen su gancho desde la apertura con “Chaos Theory” que es un excelente opener, tanto para el disco como para alguna presentación en vivo estimo, hasta el final. Hay lugar para un cierre épico, arrancando con “Wake Circling Above”, cuya velocidad va en el orden de +/- 168 BPM para ir bajando de a poco, hasta llegar al final con “Scythe”. Una formula que yo considero muy efectiva, esta de cerrar un disco con temas que no sean tan rápidos, cosa muy usual por ejemplo en bandas como Behemoth.

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Como para ir cerrando y no ponerme a comentar cada detalle del disco, seguramente algo se me escaparía, tenemos 2 posibles caminos:

1 – Si ya conoces Allegaeon, este disco claramente no te va a defraudar para nada, a excepción de que te hayas acostumbrado al estilo vocal que tenían previamente, en ese caso, igualmente dale una oportunidad, te aseguro que no habrá un gran problema en este sentido, de cualquier forma, si seguís la banda desde sus inicios, incluso al contrario, te resulte una buena noticia.
2 – Si no conoces la banda, pero te gusta el melodeath y/o el tech death, este disco sin dudas va a ser una excelente adición para escuchar este año, y quien sabe, tal vez te hagas fan de la banda, gran exponente del género junto con Arsis.

Dicen que Tobias Forge lo tiene todo finamente planificado cuando se trata de su proyecto de banda Ghost y a priori pareciera resultar totalmente cierto. Durante estos últimos meses nos hemos ido enterando progresivamente sobre un montón de novedades de la banda. La asunción del nuevo Papa Perpetua V, el anuncio del nuevo disco Skeleta, la nueva gira mundial correspondiente y demás cuestiones que no son tan importantes. Si bien pudiéramos pasar horas y horas hablando sobre cada una de las maniobras de Forge dentro del lore de Ghost, hoy venimos a reseñar su reciente y última obra, como ya mencionamos, Skeleta, lanzado a través del sello Loma Vista Recording, que fue acompañado de eventos de trasnoche, simultáneos, en varías disquerías del hemisferio norte (muy mal por nosotros los sudamericanos).

Por mi parte, debo advertirles que esta reseña puede estar sesgada en ciertos momentos por mi ligero fanatismo, así que si lo que buscan es un análisis con mejor criterio, los invito a leer el segmento debajo de mi colega Gastón. Y no es que este encantando con su lore o lo visual, algo que el músico sueco maneja muy bien, sino que, fue Ghost una banda que me devolvió después de mucho tiempo, esa sensación de aire fresco, de emociones altas, cuando se escucha algo nuevo.

El disco comienza con las 3 piezas que sirvieron como singles promocionales y que fueron saliendo en el orden contrario al que se encuentran en él. “Peacefield”, que representa la esperanza, es la canción con la que nos encontramos en la apertura, pero con una significativa diferencia con el single: esta vez es una versión extendida. Por casi 1 minuto, tenemos anexada al principio una introducción de coros en crescendo, con la predominancia de una voz que pareciera ser infantil. Gran punto a favor para esta pieza que, si ya en el corte promocional parecía muy buena, con este agregado es aún mejor. El estribillo, por su parte, trajo rápidamente desde mi memoria implícita, la canción “Separate Ways” de la banda Journey (y seguramente haya sido igual para ustedes). Un gran comienzo de disco pensado para un gran comienzo de show. Luego, nos podemos hacer de “Lachryma”, segundo corte que fue promocionado con una gran videoclip que rememora lo mejor del cine de horror de los 80s y un poco también a aquella producción de Dokken para la película Pesadilla en Elm Street. Otro gran tema, de nuevo con gran calidad y una perfecta combinación entre lo sombrío de sus estrofas y la dulzura de su estribillo, con un maravilloso solo de guitarra anexado. Para completar la tanda de sencillos, tenemos a mi favorito de todos ellos, “Satanized”, que también fue presentado con una producción audiovisual un poco más minimalista que su sucesora. De aquí destaca enormemente ese estribillo por demás contagioso y nuevamente los solos de guitarra al mejor estilo Judas Priest. La canción se narra desde la perspectiva de alguien que confunde estar enamorado con estar poseído. Esta primer triada corona un excelente arranque de disco.

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Lo que sigue es “Guiding Lights”, que en un primer momento fue pensada para la serie Arcane. Una excelente balada que combina muy bien los diferentes elementos musicales para bajar un poco ese ritmo alto con el que veníamos. “De Profundis Borealis”, que arranca con un tímido piano para desembocar en un excelente riff al mejor estilo Iron Maiden, es uno de los puntos fuertes de este disco. Bueno, podríamos decir que toda esta pieza podría pertenecer a cualquiera de los últimos albums de la doncella. En el sexto lugar “Cenotaph”, que no encuentro calificativo alguno para describir a la obra maestra que se encuentra aún en la sencillez de esta pieza. Un segmento musical donde lo que impera es la lírica.

Hasta aquí, podemos decir que el disco cumplió con creces y con una puntuación perfecta y lo que viene de ahora en más, no significa que sea necesariamente malo, sino, más bien, que quizás no pueda seguir el alto nivel que el disco venía trayendo (veran ustedes luego, como me contradigo). La delgada línea entre el amor y el odio queda demarca entre la anterior canción y “Missila Amori”, que lejos de ser mala, termina apelando al buen trabajo que han venido haciendo sus antecesoras para hacerse de nuestra escucha. Lo que viene contiguo, es la canción que, en mi opinión, contiene el mejor riff de guitarra de toda la obra, “Marks Of The Evil One”, y que, dicho sea de paso, recobra el muy buen nivel con el que el disco venía(se los dije). Aún mejor es la narrativa sobre los 4 jinetes del apocalipsis que armoniza con la excelente melodía que acompaña por detrás. “Umbra” tiene un comienzo descomedidamente ochentoso, con sintetizadores muy potentes y la entrada de un riff de guitarra acompañado de un cencerro, para entregar otra excelente historia de amor y satanismo con el sello Ghost.

El disco cierra con “Excelsis” que no es otra cosa que eso, un cierre. Una canción larga para lo que la banda acostumbra pero que necesariamente así lo es para ir construyendo naturalmente la conclusión de Skeleta. Lo importante es lo que ella narra, para entender el porque de la última posición de esta pieza. Algunos prefieren un cierre más enérgico. Por mi parte, me gustan cuando nos traen la melancolía de un adiós.

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No olvidemos pasar por alto la excelente portada, inspirada en Ciudadano Kane y Odisea en el espacio y diseñada por el celebre artista Zbigniew M. Bielak. Tampoco podemos dejar de darle su reconocimiento a los impresionantes solos de Fredik Akkeson, que no tienen un gramo de desperdicio.

Skeleta como idea general, es un disco en el cual ya empezamos a notar la “formula” composicional de la banda. Con esto quiero decir, en simples palabras, que no esperen nada nuevo o sorprendente, si es que vienen siguiendo su carrera desde el principio. Y no se alarmen, es un proceso natural para una banda que ya cuenta 6 discos y otros tantos EP. Por el contrario, para aquellos aventureros que se atrevan a escucharlos por primera vez a través de este álbum, podría parecerles el mejor de todos.

AOR de los 80s pero al mismo tiempo moderno, excelsos solos de guitarras y riffs, gran despliegue de sintetizadores y teclados y, obviamente, formidables historias. Este álbum podrá ser de mayor o menor gusto para cada quien, pero que lo tiene todo, lo tiene. Por mi parte, y más allá de las primeras buenas impresiones que anteriormente les mencioné, creo firmemente que esta obra va a envejecer muy bien y será mejor apreciada con el tiempo. Y si de conjeturas se trata, también creo que Tobías Forge pensó a Skeleta como un álbum para ser presentado en vivo porque, en definitiva, eso es Ghost, una banda que está construida y pensada para encantarse con las experiencias en directo y no la miles de etiquetas que sus seguidores puedan ponerles al no poder encasillarlos (aunque bueno, podríamos decir entonces que es una banda de shock rock, ja!). De todas maneras, por una u otra razón, Skeleta es un álbum que ha sido muy bien recibido y que aún con sus cuestionamientos todos se han atrevido a darle al menos una escucha. Un disco que, sin duda alguna, fue el más esperado del mes, y quizás también del año ¿Por qué no?

Como fan desde sus inicios, siempre he apreciado cómo la banda mantiene una mezcla de tradición y experimentación en cada uno de sus álbumes. Sin embargo, lo que realmente destaca de Ghost es que, más allá de su elaborado universo, lo que los hace verdaderamente atractivos son sus canciones: grandes melodías que dejan una huella en quien las escucha.

Ghost, la banda liderada por Tobias Forge, ha logrado consolidar su estatus gracias a su particular mezcla de hard rock y pop accesible, pensada para las masas. Con su reciente Skeletá, sexto álbum de estudio a la fecha, siguen explorando este sonido híbrido, canalizando lo mejor del pop y el hard-rock de los 80. El título del álbum evoca imágenes simbólicas de huesos, y los temas de mortalidad e inmortalidad dominan el disco. Esta nueva placa tiene la sensación de una obra conceptual para el alma, con una voz que, aunque sigue siendo teatral, transmite una cruda sinceridad.

Desde sus comienzos, hasta la explosión global con temas como “Mary On A Cross” que explotó gracias a plataformas con TikTok, Ghost ha recorrido un largo camino. A lo largo de los años, su sonido ha evolucionado gradualmente, pasando de las atmósferas oscuras de Opus Eponymous (2010) hasta Impera (2022). Líricamente, encontramos los dobles sentidos, los motivos religiosos y la carga emocional que ya son característicos pero a medida que avanza el disco, la magia de álbumes previos parece desvanecerse. Aunque Skeletá continúa con el estilo híbrido de la banda, combinando heavy metal, rock clásico y synthpop ochentero, no consigue el gancho instantáneo de otras entregas tornándose repetitivo.

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Centrándonos netamente en las canciones, esta edición comienza con la intrigante “Peacefield”, una pieza que mezcla armonías corales y un potente rock. Aunque su solo de guitarra es destacado, la canción no logra alcanzar la fuerza de otros temas previos de la banda. A continuación, “Lachryma” introduce un giro más oscuro y pesado, con riffs intensos y un gancho melódico que engancha rápidamente. La estética vampírica de su video refuerza el tema de lucha interna y el costo de la fama, convirtiéndo se en uno de los puntos más fuertes del álbum.

“Satanized” sigue con un ritmo pegajoso y cánticos latinos que elevan la canción a un nivel de energía y dinamismo. Aunque no trata sobre el diablo, como podría sugerir el título, se centra en el amor y su poder destructivo, mostrando una faceta inesperada pero cautivadora de Ghost. La balada introspectiva “Guiding Lights” toma un tono más reflexivo, pero no logra la magia de otras canciones similares de la banda. Aunque la entrega vocal de Forge es sobresaliente, el tema deja una sensación de desilusión.

En “De Profundis Borealis”, inspirada en Oscar Wilde, las guitarras estallan en una tormenta emocional, reflejando temas de encarcelamiento y libertad mientras que “Cenotaph” presenta una mezcla de horror ochentero con sintetizadores vibrantes y un ritmo pegajoso, explorando la conexión eterna entre pasado, presente y futuro. Aunque su encanto crece con cada escucha, algunas cancionees no logra igualar a las piezas más complejas del álbum. Llegado el momento de “Missilia Amori”, la sensualidad se apodera de la canción, con un ritmo de guitarras llenas de pasión. Sin embargo, su energía se ve opacada por la mayor profundidad de otras canciones, como “Lachryma” y “Satanized” indicadas anteriormente.

“Marks of the Evil One” se adentra en el apocalipsis con referencias bíblicas y un ritmo de batalla. Aunque su gancho es fuerte, su falta de contenido más allá de su pegajoso sonido, la convierte en la pieza más débil del disco. “Umbra”, se presentan ante los oyentes con sonidos de sintetizadores al estilo Blade Runner, explorando temas de amor y muerte, pero no termina de atrapar por completo aunque mantiene la esencia de Ghost. Finalmente, “Excelsis” cierra el álbum con una balada tipo vals, reflexionando sobre la redención y los nuevos comienzos. Aunque suave y melancólica, deja la sensación de que el álbum podría haber sido más potente si se hubiera logrado una mejor fusión de sus elementos.

Skeletá muestra a Ghost explorando diferentes estilos, pero con altibajos que dejan una sensación ambigua. Algunas canciones destacan por su autenticidad y poder, mientras que otras parecen quedar a medio camino, sugiriendo que la banda podría estar preparando el terreno para una nueva fase en su evolución musical. A pesar de sus virtudes y defectos, Skeletá exige múltiples escuchas para ser apreciado, y a pesar de los intentos de encontrar un clic emocional, algo parece faltar.

Tobias Forge ha sugerido que este nuevo lanzamiento musical podría marcar el fin de una era dentro del universo de Ghost. En ese caso, Excelsis, la pista final, suena como una despedida a los personajes papales que han sido su sello distintivo. Si realmente es así, el álbum funciona como un cierre contemplativo, maduro y arriesgado, aunque no llega a la altura de su antecesor. En definitiva, Skeletá es un buen álbum, pero no alcanza las expectativas creadas por sus anteriores trabajos, dejándonos con la sensación de que Ghost aún tiene mucho por ofrecer, pero quizás en una nueva dirección.

Luego de unas vacaciones musicales no programadas, retorno a la actividad con un nuevo disco para reseñar y que me ha dejado muy buenas primeras impresiones. El punto clave para mi favorecida opinión acerca de este material, tiene que ver con la excelentísima producción y la muy buena colección de canciones que consolidaron en un mismo disco. Y es que uno cuando escucha a una banda under se deja llevar por los prejuicios típicos relacionados al mal sonido que puedan tener por la obvia falta de recursos (que no es una queja, sino más bien la simple realidad).

En estas fechas de festividad religiosa aprovecho los feriados para analizar Beyond, la nueva obra de la banda italiana Moonlight Haze. Para ponerlos en sintonía, les puedo contar que esta es una agrupación relativamente nueva que se encuentra en actividad desde el año 2018. Estos chicos italianos, comandados por el baterista y tecladista Giulio Capone y la cantante Chiara Tricarico, ofrecen una experiencia que oscila constantemente entre el hard rock melodico, el power metal y el sinfónico. Beyond entonces, es su nuevo y cuarto álbum de estudio, y verá la luz recién el 23 de mayo, bajo el sello Scarlet Records.

El disco comienza con la pieza de nombre homónimo, una composición sostenida por la bonanza de un reconocible piano, como esos que acompañaban a las melodías vocales de Amy Lee hace 2 décadas atrás (o al menos a mí, es lo que me recuerda). Chiara aquí acompaña con un pequeño relato susurrado, que no se extiende por más de 10 líneas y que me motiva a pensar que “Beyond” obra como una suerte de obertura.

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Párrafo aparte para “Tame The Storm“, su único single promocional al momento de escribir este artículo. De entrada, nos aborda una espectacular producción audiovisual, donde a priori podemos notar a Chiara encarnando a 2 personajes, entre como ella misma suele ser y algo que pareciera un ente sobrenatural, un espíritu, un demonio o cualquier otra cosa que pueda surgirles de su imaginación. ¿Y por qué destaco estos personajes? Porque ambos forman el dueto vocal principal donde la virtuosa cantante pone de manifiesto sus habilidades no solo para el canto de tipo popular, sino también en su versión de canto lírico.  Como si ello no fuera poco, hacia el final podemos notar algunas líneas narradas en guturales. Esto es una constante en todo el disco, una banda que por demás acompaña muy bien, pero la que se lleva todos los premios es sin dudas Chiara.

Lo siguiente en venir es “Crystallized“, mi segmento favorito del disco, que suena como cualquier banda de power de los 2000 y que aquellos que andamos por encima de los 30 años hemos sabido escuchar hasta el hartazgo. Creo, más bien, que más me recuerda a la extinta banda Alyson Avenue de la cantante Annete Olzon. Punto para ese gran bajo galopante. Lo que sigue, “Chaste The Light” y “Would You Dare“, son 2 piezas con una sintonía muy similar a la anterior. Mucha melodía, estribillos por demás gancheros, algunos coros masculinos y algún que otro gutural, excelentes solos de guitarra.

Comenzando la segunda mitad del álbum llega la primer y única balada, “L’eco Del Silenzo“, que tiene también como particularidad que la segunda mitad está narrada en italiano (y que bien que quedan las lenguas romances en las baladas). “D.N.A“, “Untold” y “Time To Go“, son 3 temas que pasan en una misma escucha muy bien, sin grandes sobresaltos o diferencias respecto a lo que venimos escuchando, pero conservando el gran nivel en todas las aristas.

¿”Awakening“? Un cierre maravilloso para coronar un gran disco que, sin dudarlo, me ha toma por sorpresa por todo lo que les mencioné en el primer párrafo.

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La banda se completa con la participación de Marco Falanga y Alberto Melinato en guitarras y Alessandro Jacobi en bajo. Los 5 funcionan muy bien y hacen notar con elocuencia el despliegue de sus instrumentos, pero insisto, quien se lleva todos los laureles aquí es Chiaria, por su excelentísimo trabajo vocal. Pero no debe ser un gran desafío para alguien que es invitada recurrente en los shows de Avantasia y que colaboró en el último EP de Manowar. No he hecho mención o cita alguna a las letras puesto que no creo que sean realmente un punto fuerte, pero lejos están de ser un desacierto. Simplemente son las típicas letras del género, pero que, al mismo tiempo, no pueden ser de otra manera. La producción se hizo en colaboración con Sascha Paeth, logrando un sonido más natural y orgánico, lejos de las modernas producciones super editadas y artificiales, pero pudiendo sacar todo el brillo a cada uno de los componentes musicales de esta obra. El arte de tapa estuvo a cargo de la diseñadora gráfica Beatrice Demori.

Por alguna de esas razones que uno no puede explicar, porque de creencias y sensaciones se trata, tengo el presentimiento que este álbum va a quedar como uno de mis favoritos del año y es que Moonlight Haze lo ha hecho demasiado bien. Una banda joven, muy joven, pero que pareciera que vienen haciendo su música con la sinergia producto de sus músicos desde hace décadas. ¿Con que lo puedo emparentar para que tomen de referencia y decidir si le dan (o no) una oportunidad? Bueno, estimados lectores, diría que en esta ocasión confíen en mi palabra y simplemente se la den, pero por si acaso, si les gusta el Nightwish de Anette Olzon en Imaginaerum (o Alyson Avenue como ya mencioné), si anhelan los buenos tiempos de power metal allá por la primera década de los 2000, Beyond podría encajar muy bien con sus gustos.

La nueva entrega de esta gran dupla conformada por Adrian Smith (Iron Maiden, ASAP, Urchin, Psycho Motel) y Richie Kotzen (Mr. Big, Poison, The Winery Dogs, Forty Deuce) Smith / Kotzen se puede definir como una obra de arte auditiva donde lo majestuoso se vuelve auditivo y lo extra sensorial se convierte en melodía. 

Esta tercera grabación de estudio refleja claramente lo que dos grandes músicos pueden llegar hacer si se complementan y se entienden perfectamente al momentos de tomas sus guitarras y crear música nueva que sale directamente de sus corazones, Black Light / White Noise como su nombre lo dice, plasma el sentido de los dos artistas involucrados en él, por un lado tenemos a un Richie más tipo “Black Light” y por el otro a un Adrian más “White Noise”, ambas frases revelan sus personalidades muy bien, para los que han llegado a tratarlos, saben a qué me refiero. 

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Para abrir con broche de oro, “Muddy Water” entra con una dupla de guitarras melódicas a más no poder, rodeada de unas voces que hacen que cada frase suenen tipo gospel; luego 2 temas que dan forma al disco, por un lado “White Noise” con armonías lentas muy a lo que ha hecho Kotzen en su carrera solista, y luego sigue “Black Light” en donde Smith ayuda de gran manera con su voz a crear un tema más rápido pero sin perder el hilo, ambas canciones se complementan entre sí para dar título al álbum. 

Un riff que recuerda los lados b de Iron Maiden, es el de “Blindsided”, empieza como si fuera una toma alterna del Somewhere In Time, pero pronto cambia y se convierte en uno de la dupla Kotzen/Smith; “Outlaw” es el último de los 9 temas que componen el disco pero puede ser de los mejores, muy ochentero y con una línea de bajo muy marcada, la encargada de esto es nada más y nada menos que Julia Lage (Vixen) esposa de Kotzen.

“Wraith” es un tema un poco más sintetizado pero con más cambios de tiempo, algo como lo que hizo Rush en los ochentas; “Darkside” es más en la onda tipo acústico, más campirano por decirlo de alguna manera; “Heavy Weather” va por el mismo camino al inicio, pero cobra un poco de velocidad a medida que el tema se desarrolla; y “Life Unchained” sigue los pasos de estas dos pero un poco más balada al inicio, con un intro largo pero que después del minuto la cosa cambia y las guitarras llegan por todos lados. 

Black Light / White Noise nos muestra lo virtuosos que son estos dos genios, cada tema tiene algo del siguiente pero sin caer en lo repetitivo y cada solo de guitarra nos transporta a diferentes épocas, sólo queda cruzar los dedos y esperar que este proyecto siga y siga por muchos años más. 

Las chicas de Cobra Spell han estrenado su nuevo EP Anthems of the Venomous Hearts , donde reinterpretan algunas de sus piezas clásicas, pero con la voz poderosa y única de Kristina Vega, ya asentada como vocalista principal de la banda y visto lo que ofreció desde su llegada a la misma, la mejor que han tenido sin duda ni debate alguno.

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Así pues, el EP cuenta con seis temas, por todos conocidos y que se abre ni más ni menos que con “Poison Bite“, que si bien ya pudimos escuchar en directo, ahora en el estudio evidencia que a veces los cambios en las bandas son necesarios para mejorar y este tema ahora si cuenta con el poder y la convicción necesaria que le faltaba a la versión original y que además se mejora instrumentalmente con Hale a los parches, mucho más solida que el batería que grabó aquel trabajo de Cobra Spell, donde está esta canción.

El agudo final te deja noqueado y muestra claramente la capacidad inmensa de Kris, muy superior a la de su predecesor y que deja paso al clásico “Addicted to the Night“, con ese comienzo guitarrero por parte de Sonia que ya es marca registrada y en directo impone aún más ver la versatilidad de la rubia guitarrista a las seis cuerdas.

El tema, no difiere mucho de la versión original, pero si que lo mejora en términos de pronunciación y es que el inglés de Kris, es cristalino y entra mucho mejor que en la versión antigua de la canción.

Para “Flaming Heart“, poco se puede añadir ya que fue el debut con el pie derecho para esta nueva etapa de Cobra Spell, así que vamos con la curiosidad del EP que es la versión en japonés de esta canción.

Y efectivamente es bastante particular escuchar esta canción en el idioma nipón, pero evidencia una vez más porque Kris Vega es una de las mejores y más completas artistas de este país y es que esta chica suena tan bien que de no existir la versión en inglés, podríamos llegar a pensar en Cobra como una banda de rock nipona al menos con esta nueva versión de Flaming Heart, ahora rebautizada como “Moeru Kokoro” y que suena impecable.

“Shake Me“, es quizás la pieza que menos sorprende del disco y es que la versión original estaba mejor que quizás Poison Bite o Accelerate, por citar dos clásicos de Cobra, lo que si hay que destacar es la mejora en intensidad instrumental, con ese solo espectacular de Sonia y la energía renovada que le inyecta Kristina a la canción.

Y como ocurre en sus directos, las chicas cierran el EP con “Accelerate“, temazo veloz y directo al que ahora le hacen justicia a todos los niveles, con mejor precisión en la batería y las guitarras, Sonia puede brillar y la voz de Kris, no solamente no la opaca si no que es el acompañamiento ideal en todo momento, con tonos mucho mejor seleccionados y que cierran al 100% para el oído del oyente habitual de Cobra como para quienes recién hayan llegado a su música.

Si bien la banda nunca ha pretendido inventar nada nuevo, si que es agradable volver a escuchar sus primeras canciones y sentir que tienen el cuerpo que entonces les faltaba y que ahora si la nueva etapa de Cobra Spell es la adecuada al 100% y no tener la incertidumbre que me generaron sus dos primeros EP’s , antes de que salga su segundo disco, este pequeño, pero necesario trabajo certifica el gran momento que están viviendo y al cual no dejaremos de seguirle la pista.

Los noruegos In the Woods… siguen demostrando que es una banda inclasificable. Otra, su séptimo álbum de estudio, es una experiencia que se ubica entre lo etéreo y lo desgarrador, una obra donde conviven el black, el doom, el metal progresivo y el gótico bajo una misma atmósfera. Con una formación estable por primera vez en años y una dirección clara, el grupo entregó uno de sus trabajos más accesibles (pero nada despreciable) editados hasta la fecha.

Con letras inspiradas en el río Otra, que cruza el sur de Noruega hasta desembocar en el Skagerrak, este nuevo lanzamiento es una exploración sonora similar a un recorrido geográfico y emocional. Esta conexión con su tierra natal se refleja en una obra cargada de simbolismo, profundidad y belleza. Es una placa que nos invita a ser escuchado por completo, de principio a fin, para así adentrarnos en un mundo absorbente y melódico.

La estabilidad en la formación se nota: las composiciones tienen solidez y la producción es tan limpia como detallada. A diferencia de otras entregas, aquí las canciones parecen construidas con una claridad de propósito, como si la banda supiera exactamente qué quiere decir y cómo decirlo. La voz de Bernt Fjellestad brilla con fuerza: su interpretación es teatral, rica en matices, y domina cada tema con dramatismo controlado. Su rango va desde lo hipnótico hasta lo explosivo, complementando a la perfección los climas creados por Anders Kobro (batería), Kåre André Sletteberg (teclados) y Nils Olav Drivdal (bajo).

Aunque el black metal aparece en momentos puntuales —como en The Things You Shouldn’t Know, The Crimson Crown y Come Ye Sinners—, su rol es más bien decorativo, al servicio de un sonido más progresivo. El álbum encuentra su fuerza en la fusión de estilos: post-black, doom, gothic que conviven con naturalidad, ofreciendo paisajes sonoros tan bellos como inquietantes. La influencia de bandas como Ulver, Borknagar, Enslaved, Saturnus o Shores of Null se siente, pero sin perder la identidad única de In the Woods…

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Los siete temas que componen Otra están llenos de transiciones delicadas, ganchos melódicos y una ambientación casi cinematográfica. The Things You Shouldn’t Know abre el álbum con un contraste entre suavidad inicial y estallidos blackened, recordando a Green Carnation en su etapa más experimental. La batería de Anders y los teclados de Kåre elevan el tema a alturas vanguardistas, mientras que la voz de Fjellestad introduce el dramatismo que será una constante.

El primer corte adelanto que dieron la banda dió a conocer se tituló A Misrepresentation of I, la misma propone un ritmo a medio tiempo con algunos momentos desconcertantes: progresiones poco convencionales y voces ásperas que se fusionan con un registro femenino que nos endulza el oído. En cambio, The Kiss and the Lie retoma el enfoque atmosférico, con pasajes folk y un gran trabajo en los registros limpios, que le dan una sensación serena y sombría al mismo tiempo.

Let Me Sing es uno de los puntos altos del disco: comienza con un aire a dungeon synth, pero evoluciona hacia un riff denso y oscuro, con un aura que remite a Type O Negative y The Vision Bleak. El bajo de Nils cobra protagonismo, aportando una profundidad que realza el dramatismo vocal. Las anteriormente mencionadas Come Ye Sinners y The Crimson Crown continúan ese camino, balanceando secciones melódicas con estallidos de agresividad, destacándose especialmente esta última por su estribillo a lo Borknagar y un gran manejo vocal.

The Wandering Diety es la encargada de cerrar el disco, una pieza que envuelve al oyecte y juega entre la crudeza demostrada en los primeros discos y la serenidad. En menos de seis minutos In the Woods…nos muestra todo su ADN: oscuridad, teatralidad y una capacidad admirable de mezclar géneros sin perder coherencia para seguir ganando nuevos adeptos.

En resumen, Otra es una obra madura, profunda y cautivadora. Nos entregaron uno de los discos más completos y disfrutables, ideal tanto para quienes seguimos la trayectoria de la banda como para quienes busquen una experiencia distinta, más emocional y envolvente. Sin dudas, se perfila como uno de los grandes candidatos a álbum del año.

Landmvrks es una de las bandas que más fuerte está pegando encima de la mesa en esta nueva generación. Pudiendo considerarse como “el máximo referente en el Core francés”, el grupo de Marsella ha sabido perfectamente cuales son las exigencias de la audiencia, para así traer temas que casi siempre están en la perfección. Los encabezados por Florent “Flo” Salfati, lanzan este próximo 25 de abril su cuarto álbum de estudio titulado The Darkest Place I’ve Ever Been, habiendo presentado hasta la fecha cinco sencillos el mismo.

Este nuevo material trae grandes aspectos innovadores, los cuales iré comentando a medida que avancemos por esta nueva experiencia traída de la mano de los de la Côte Bleue. El tema homónimo al álbum, es el encargado de abrir, trayéndonos fuertes recuerdos a anteriores trabajos bajo un manto de melancólia bañada en incertidumbre con un toque de oscuridad y añoranza, calibrándonos para lo que tratará el resto del álbum con una amplia variedad vocal por parte de Safiati con importantes armónicos.

“Creature” es el primer sencillo que nos encontramos de los cuatro que hay en total. Con una intro empapada en hip hop y estrofas rapeadas por Flo en su idioma natal, la cual precede a una estrofa cargada de blastbeats y nerviosismo. La vuelta es un punto enorme a remarcar; melódica y cargada emocionalmente, hablando sobre nuestros puntos más bajos, en los que nos sentamos a reflexionar sobre los errores y miedos del pasado, para así hacer una redención y volver más fuertes. La lírica va perfectamente acompañada al ámbito instrumental recordándonos a estilos similares a Polaris o Currents.

Se podría decir que en “A Line In The Dust” viajamos al 2012 en un core más clásico. Con grandes influencias en Bullet For My Valentine o Atreyu mezclado con una base contemporánea, complementando el apartado vocal con la colaboración de Matt Welsh (While She Sleeps), viendo como el álbum se mueve en una amplia variedad de estilos como en la siguiente canción; “Blood Red“. Jugando con la variedad entre el género urbano en francés en la estrofa y el metalcore más inspirador, este es otro de los temas que muchos podrían considerar “fuerte” en la parte emocional. Admirablemente, Landmvrks está explorando una inmensa variedad de facetas pero a su vez, sin perder la identidad; cosa que muchas bandas no consiguen y que hace que gane el doble de mérito.

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“Sulfur” da un rollo mucho más movido, con un sonido más industrial con ciertas inspiraciones en Linkin Park, atreviéndose a añadir scratches de vinilo en el tema. Mantiene el mismo esquema; Exposito y Cordebard interpretando unos acordes abiertos en un ritmo lento y pesado de la parte de Kevin D’Agostino acompañando a la voz melódica de Salfati. La balanza entre la agresividad frenética y la amplitud de los coros está mas que equilibrada en mi opinión, no se me hace repetitiva ninguna parte en ningún momento, además que contamos con un breakdown con un increíble growl por parte de Flo para cerrar la canción.

Llegamos al primer y único tema intelúdico del álbum, “Sombre 16“, donde contamos con un rap en idioma galo que estira aún más el toque urbano, dando a conocer la escena del lugar procedente de la banda en Marsella. “The Great Unknown” proyecta una gran aura a la agrupación del recordado Chester Benninton, especialmente a uno de sus temas más virtuosos, “Crawling“. Repiten la fórmula de acordes abiertos con armónicos, rozando el plagio el cual intenta interpretar un homenaje a la banda estadounidense. Aún así, he podido observar que intentan abarcar mucho, por lo que es una apuesta bastante atrevida y que, se va a hacer cada vez más con los cuatro temas restantes, sobretodo con el siguiente.

En “La Valse Du Temps“, contamos con un sólido vals (como ya bien dice el título) con unas sensibles vocales de Flo, y gran semajanza a lo realizado por Architects. Aquí, realmente se coronan en términos de originalidad, ya que mantienen ese 3/4 bien estructurado. Intercalando growls, un breakdown increíble para llegar a una vuelta en acústico, dando pase al último loop con unos coros que cierran el tema a lo grande.

“Deep Inferno” trae consigo una fórmula muy similar a uno de sus mayores temas, “Self-Made Blackhole“. Un buen repaso a la era Old School de la banda, el cual precede al penútlimo tema del álbum; “Requiem“. Un comienzo lento, pesado, dinámico en donde drásticamente va cambiando a una especie de blackened deathcore con aspectos groovies manteniendo el dinamismo presentado al principio.  Los galos despiden el álbum con “Funeral“, con una exhibición al piano acompañado de vocales en La Menor, siendo esta una original forma de despedir este nuevo trabajo.

Posiblemente este álbum no sea para todos por lo comentado anteriormente; la intención de abarcar tantos estilos en un único álbum, dejando en duda a muchos como si de una crisis existencial se tratase al no dejar claro el género; con la diferencia de que sea el que sea, sabes que es Landmvrks. Y eso es de admirar. Esperemos al lanzamiento para ver lo que opina la audiencia, aunque personalmente creo que pueden mantener las expectativas altas; no se decepcionarán.

The Body es un proyecto que se caracteriza por ser extremadamente prolífico en discos propios y en colaboraciones. El año pasado lanzaron dos excelentes álbumes: uno en conjunto con Dis Fig (alias de la cantante, DJ y productora estadounidense Felicia Chen) titulado Orchards of a Futile Heaven, y otro a cargo solamente de ellos llamado The Crying Out of Things. Continuando con el furor creativo, ya a principios de este 2025 sale esta obra cooperativa con el dúo industrial canadiense Intensive Care, una vez más para deleite de la audiencia ávida de vanguardismo musical en territorios oscuros. Siempre es bueno recordar algunos de los antecedentes colaborativos para tomar una noción más certera de la fuerte intencionalidad comunitaria y exploradora de The Body: Braveyoung (2011), Thou (2015), Krieg (2015), Full of Hell (2016 y 2017), Uniform (2018 y 2019), HEALTH (2022), etc. Intensive Care, por su lado, sacó dos discos en 2022: That We May Be Worthy y Antibodies, y una colaboración con Full of Hell en 2018.

Entonces, en esta ocasión, el dúo experimental de sludge metal con mucho noise y elementos industriales, conformado por Chip King y Lee Buford, une fuerzas con la pareja constituida por Andrew Nolan y Ryan Bloomer, que hacen una mezcla de metal industrial, hardcore y powerviolence, todo atravesado por la electrónica.

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“Mistakes Have Been Made” es un comienzo relativamente calmo, casi dub, al menos para quienes ya estamos habituados (y amamos) los agudos alaridos asordinados de King, que siempre suena como un fantasma histérico, a veces más frenético que otras. Una base percusiva y ruidos sintetizados son todo el acompañamiento necesario, hasta que el panorama vocal empieza a diversificarse. En “Swallowed by God”  irrumpe un bajo distorsionado a más no poder, y todo se vuelve agresivo. La estridencia vocal persiste, pero se suman nuevas voces, guturales o parcialmente limpias, a cargo de los canadienses.

A medida que va avanzando la obra, la referencia ineludible de Godflesh va resonando con más potencia. “The Misunderstanding” empieza con un bajo de oscilaciones catastróficas, aunque la canción tiene momentos más calmos y minimalistas, con una sonoridad coral psicodélica. “At Death’s Door” sigue profundizando en la veta noise, aunque el instrumento de las emisiones graves vuelve a adquirir mayor protagonismo. Junto con el canto, los ecos de los íconos industriales ya mencionados se vuelven más intensos.

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“The Riderless Mount” se torna más lisérgico y, en este punto, puede afirmarse que en este disco hay cierta impronta dub, como ya mencionamos anteriormente. No obstante, “Cartography of Suffering” impone un giro radical, nuevamente hacia espacios lúgubres, como húmedas y herméticas recámaras subterráneas. La distorsión y la reverberación son brutales. La multiplicidad de voces despliega un histrionismo que prácticamente monta una escena dramática.

“Unwanted” es un track en el que la desesperación adquiere tintes claustrofóbicos para luego dar paso a un teclado casi cinematográfico. “Mandelbrot Anamnesis” es la composición más extensa de todo el álbum, más que canto hay un discurso, y de fondo, por supuesto, ese banshee corrosivo característico de The Body. Hacia el final resurge el canto con cadencia declamatoria, montado sobre una nube de moscas ruidosas rumbo a las pilas de cadáveres en un mundo apocalíptico, o las colecciones pútridas de pensamientos obsoletos que se acumulan en la mente de alguien anónimo. Si les gusta lo ominoso, Intensive Care y The Body tienen de sobra.

Bleed from Within acaba de lanzar su séptimo disco de estudio llamado Zenith. La banda escocesa con raíces de metalcore ha evolucionado con el pasar del tiempo y como es de costumbre los breakdowns estarán a la orden del día.

Son tres años desde el último disco, y a pesar de que lanzaron dos singles antes de la fecha del lanzamiento, mantuvimos a raya las ganas de escucharlos para así tener la experiencia completa: la primera impresión.

Y cuesta encontrar palabras para describir cómo comienza Violent Nature, con una pequeña intro que se traduce rápidamente en una bestialidad de riffs, con un sonido y una producción que, desde ya, deja en claro que esta será una de aquellas experiencias. Con un sonido más agresivo y con mucho más “punch” que discos anteriores, pavimenta el camino y nos invita a recorrerlo con mucho headbang de por medio.

Y así continúa, tema tras tema, con un ritmo implacable, demostrando que la experiencia que han ganado a través de sus 20 años como banda es puesta en práctica disco tras disco, y Zenith no es la excepción. A la ya potente y característica voz de Scott Kennedy, ahora se agrega de forma más constante la voz limpia del guitarrista Steven Jones, que nos permite comprobar que la raíz deathcore sigue presente y vigente.

Y el disco, vaya que tiene sorpresas. Una de ellas es la participación de Brann Dailor, mejor conocido por ser el baterista de Mastodon. Y como si no fuese suficiente, también cuenta con la participación y voz de Josh Middleton, guitarrista, vocalista y líder de Sylosis, y también ex-Architects. Como si todo eso fuese poco, la participación de Brann es en el séptimo tema del disco, y la de Josh en el décimo tema. Una total locura.

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Como parte de esta reseña, y para entregar un análisis con un condimento extra, escogí cuatro temas para analizarlos un poco más en profundidad:

El antes mencionado Violent… no puede ser un mejor inicio para un disco de metal, con una mezcla de algo nuevo para el sonido de Bleed from Within, algo que recuerda a los discos de Chimaira, con la distorsión de las guitarras, un poco al sonido del antiguo pero no olvidado metal industrial, para que en el segundo 25 explote con la voz y la batería.

Si bien los breakdowns son el plato fuerte hoy en día en los discos modernos, la madurez de la banda queda demostrada ya en este primer track, donde marcan paso y cambios sin necesidad de un breakdown típico. Ya avanzado el minuto 3, nos encontramos con el primer rebaje medio tempo, más pesado, sin abusar de ningún palm muting ni doble pedal. Una puta obra maestra. Ali Richardson se convierte, con el pasar del tiempo, en un batero de excelencia mundial.

La letra, en resumidas cuentas, trata (a interpretación de este redactor) de un tipo de conversación donde se deja en claro que no estamos solos, que vivimos experiencias como un grupo, y que la resiliencia y la lucha son características propias de quien relata la letra.

El séptimo tema del disco, Immortal Desire, comienza de manera épica con un canto grupal y una instrumentalización de fondo. Al segundo 11, entra de golpe la distorsión, el doble pedal, el palm muting y, de fondo, continúa la armonía vocal hasta que, antes del segundo 40, da paso a una voz carrasposa acompañada de los cleans del guitarrista, mutando nuevamente en estos cambios entre false cords y cleans, finalizando con la frase “I’d give life to save you”, en donde reaparece este coro que da lugar a otro breakdown de esos que nos hacen cabecear como si quisiéramos desprender la cabeza de nuestros cuellos. El tema concluye con una mezcla de la sección vocal inicial y más false cords.

La letra, desde mi perspectiva (y esto es lo hermoso de la música/metal), nos cuenta una lucha interna de cambios y crecimiento, momentos críticos y bajos, para luego afrontar el infierno y la muerte con un deseo de victoria, como lo dice parte de la letra:

“I won’t fear hell, it’s a part of me, engraved in the fabric of my being, i have lived through worse, nNo, death is not the end”

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Con respecto a Known by No Name, no tengo palabras para la intro. Es algo totalmente nuevo en la discografía de la banda, algo que no puedo describir y que tienen que vivir ustedes mismos. Si somos puristas, el inicio del tema puede parecer fuera de contexto dentro del disco, pero nuevamente un canto angelical de fondo nos hace recordar un poco a Immortal Desire. Y en el momento en que Scott Kennedy y su voz entran en juego, las guitarras alinean sus riffs y Ali Richardson aparece para darle el punch y el cambio de atmósfera necesarios.

El tema puede sentirse un poco corto, y es por la intro de casi un minuto para un tema de 3:52 de duración total. Pero sin lugar a duda toma ritmo, y nuevamente nos incita a cabecear cuando Kennedy canta: “Shit filled shelters serving as home, Dead men are digging, they bury their own.”

El track Edge of Infinity cierra el disco con una estructura nueva, que no suena similar a las otras piezas del álbum. Durante los casi cinco minutos y medio que dura la canción, nos recuerda a lo que hicieron muchas bandas de thrash metal a finales de los 80 o principios de los 90, como Testament, Metallica, entre otras. Un tema que sale bastante natural y que da cierre a un tremendo disco, que mezcla perfectamente un sonido nuevo para la banda con el sonido característico del metalcore, groove y metal moderno.

El álbum tiene una duración de 47 minutos que, les aseguro, se sentirán como un suspiro. No es un disco repetitivo, y eso es algo que se agradece. Por la estructura del deathcore y groove metal, es bastante común sentir en algún momento de los discos esa sensación de repetitividad.

Podemos ser fans o no de un estilo musical, tener nuestras preferencias y gustos, pero no debemos dejar que eso nos cierre ante la eventualidad de que este disco perfectamente puede estar entre los mejores del año.

A estas alturas del partido, yo creo que no hace falta hacer presentaciones ni desmentir que Disturbed han sido y siguen siendo una de las bandas más populares de su generación, siempre un escalón por debajo de Korn, Linkin Park, Slipknot y System of a Down, en cuanto a ventas y popularidad se refiere.

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Solo con ver que la celebración del 25 aniversario de su álbum debut The Sickness, al menos en Europa, se va a llevar a cabo en grandes pabellones y con !Megadeth¡ como artista invitado, evidencia de forma clarísima lo que acabo de decir.

Por eso analizar la nueva edición de The Sickness, es un trabajo meramente lúdico, sobre todo teniendo en cuenta que la banda no ha arriesgado mucho, por no decir nada en esta “nueva” edición, aunque viene presentada en un precioso doble digipack y que tiene como curiosidad dos caras B: “God Of The Mind” y “A Welcome Burden“, mientras que el resto del segundo disco se completa con las versiones demo de gran parte del álbum original y dos remixes de “Stupify” y “Glass Shatters“.

La banda de Chicago debutó en el año 2000 con este disco, donde si bien navegaban en la ola del nu metal, lo suyo tampoco era ni tanto ni tan poco y es que David Draiman nunca tuvo ese “flow” para rapear que tenía Fred Durst, tampoco la sensibilidad torturada de Jonathan Davis y Chino Moreno y muchísimo menos la brutalidad vocal de Corey Taylor, sin embargo y aunque os duela admitirlo, tiene una voz tan particular que si pones en la tele un tema de Disturbed, enseguida sabrás que son ellos aunque no sepas cual canción está sonando y eso es como mínimo de admirar. Quizás Disturbed estaba más cerca de las bandas que venían detrás de ellos como puedan ser Godsmack o Sevendust y pavimentó el terreno para la posterior aparición de combos como Five Finger Death Punch, combinando ese metal moderno con toques groove y algo de melodía accesible.

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Temas como “Voices“, el himno “Down With The Sickness” (uno de los 5 mejores temas de su carrera lejos, a pesar de lo delicada de su letra), la desafiante “Stupify” o “Want“, siguen sonando bien a pesar del paso del tiempo y aunque no sean lo más original del mundo, si que forman parte por derecho propio de un género que aunque ya no goce ni por asomo de la popularidad que tuvo a comienzos de la década del 2000, si que son claves para entender un poquito lo que se escuchaba por aquellos días y que es lo que bandas como Disturbed querían ofrecer y visto las cifras millonarias de este primer disco, tampoco es que estuvieran muy equivocados con lo que hacían ni la forma en la que plasmaron su sonido por aquel entonces.

Las versiones demo, son básicamente una simple curiosidad para los fans más acérrimos de los norteamericanos, aunque he de admitir que las versiones de “Stupify” y sobre todo “Shout“, porque evidencia que no se equivocaron al versionar aquel clásico de Tears For Fears, son bastante simpáticas. Quizás el “pero” que se le puede poner es no haber incluido un dvd con los videoclips de los singles y la particular performance en el Ozzfest 2000, pero aún así es una buena manera de echar la vista atrás y recordar uno de los discos más destacados de su generación.

Tenemos entre manos el nuevo lanzamiento de los estadounidenses que practican un tech/melodeath más que interesante, The Ossuary Lens de Allegaeon, en este caso se trata del séptimo disco, la noticia interesante, para entrar un poco en contexto en este esperado Full-length, es la vuelta del vocalista Ezra Haynes, luego de un hiato de aproximadamente 8 años. Su sucesor/antecesor, Riley McShane, es un vocalista que aportó una voz de tipo más gutural, que, si bien su forma de vocalizar no es tan típica del melodeath, sino más bien de un death metal en la vena del brutal, lograba acoplarse muy bien a la propuesta sonora de la banda.

En líneas generales, se puede apreciar y aseverar que a nivel compositivo se sigue la misma línea que la banda venía teniendo en las últimas grabaciones. Con todos los elementos que la suelen caracterizar, como ser esos riffs con tapping, el uso de guitarras acústicas en varios puntos (de hecho la intro del disco tiene este componente), power chords como el recurso más reconocible dentro del melodeath, los solos con sweep picking y tapping (o sweep tapping), pasajes con voz limpia, y en la batería una variedad de recursos más que suficiente para complementar, incluyendo los tan queridos blast-beats y algunos contratiempos en algunas ocasiones. En fin, muchos de los elementos a los que nos tienen habituados las bandas de death metal técnico modernas desde la salida del Epitaph de Necrophagist, aunque son pocas las bandas que logran un buen balance para no sonar monótono y terminar siendo más bien un despliegue de licks de guitarra con blast-beats y alguna letra random en clave de guturales, o bien una banda con riffs mediocres con sweep picking metidos a la fuerza durante el resto de la canción, una formula que salió de muchas bandas que quisieron imitar lo hecho por Brain Drill, aunque sin éxito y sonando totalmente genéricas.

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Antes de hablar puntualmente de los temas, me gustaría remarcar la producción a nivel general del disco, nuevamente un excelente trabajo por parte de Dave Otero, quien viene acompañando en este sentido a la banda desde sus inicios prácticamente (incluso participando en el primer EP, exceptuando Formshifter, el segundo trabajo discográfico), por lo cual conoce a la banda perfectamente a través de toda la evolución que tuvieron en estos 17 años de banda (19 si contamos los 2 años previos donde la banda se llamaba Allegiance), todos los instrumentos se escuchan perfectamente, posiblemente el único instrumento que no se sienta tan presente es el bajo, quizá un +1db le hubiera sentado bien, aunque honestamente no veo esto como un problema, sino más bien algo dentro del campo del criterio personal, ya que hay pasajes donde el bajo destaca, como en “Dark Matter Dynamics” donde el pasaje acústico en el intermedio permite darle bastante presencia aportando un solo, aunque está claro que no es una agrupación donde este instrumento en si destaque mucho. Volviendo a los demás instrumentos, tengo que destacar también el sonido de las guitarras acústicas, con un sonido cristalino, muy agradable al oído, incluso muy bien mezclado cuando suena toda la banda completa y perfectamente audible.

Ya los dos adelantos que habían mostrado daban cuenta de lo que se avecinaba, estamos hablando de “Driftwood” y “The Swarm”, el primero siendo una canción más “medio tempo” (las comillas responden a que dentro del estilo de la banda este tema no es tan veloz en cuanto a la notación en términos generales, sin embargo, no tiene un tempo tan lento, unos +/-117.5 BPM o +/-235 BPM según la notación que se tome de referencia, pero se puede hacer mención del caso de los blast-beats en semicorcheas a 235 BPM aprox.), cuya letra habla de forma introspectiva fantasmas del pasado, muy probablemente de cuestiones relacionadas a las adicciones, siendo al mismo tiempo uno de los temas más melódicos del disco; y en contraste, tenemos a “The Swarm”, cuya letra es totalmente lo opuesto como se puede apreciar en el videoclip, también es uno de los temas rápidos del disco, promediando una velocidad de +/-154 BPM, trazando un paralelismo en el blast-beat, podemos hablar de semicorcheas a +/-308 BPM, ya desde el arranque con el rasgueo marcando una especie de funky con esteroides se distingue que va a ser una canción bien rápida, este tema incluso tiene un coqueteo con el slamming brutal death, los más puristas dirían que técnicamente no se puede aseverar que sea un slam, aunque se entiende que quisieron jugar un poco con este recurso.

Si tenemos que hablar de canciones para destacar, realmente está muy difícil, el repertorio es muy variado y todos los temas tienen su gancho desde la apertura con “Chaos Theory” que es un excelente opener, tanto para el disco como para alguna presentación en vivo estimo, hasta el final. Hay lugar para un cierre épico, arrancando con “Wake Circling Above”, cuya velocidad va en el orden de +/- 168 BPM para ir bajando de a poco, hasta llegar al final con “Scythe”. Una formula que yo considero muy efectiva, esta de cerrar un disco con temas que no sean tan rápidos, cosa muy usual por ejemplo en bandas como Behemoth.

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Como para ir cerrando y no ponerme a comentar cada detalle del disco, seguramente algo se me escaparía, tenemos 2 posibles caminos:

1 – Si ya conoces Allegaeon, este disco claramente no te va a defraudar para nada, a excepción de que te hayas acostumbrado al estilo vocal que tenían previamente, en ese caso, igualmente dale una oportunidad, te aseguro que no habrá un gran problema en este sentido, de cualquier forma, si seguís la banda desde sus inicios, incluso al contrario, te resulte una buena noticia.
2 – Si no conoces la banda, pero te gusta el melodeath y/o el tech death, este disco sin dudas va a ser una excelente adición para escuchar este año, y quien sabe, tal vez te hagas fan de la banda, gran exponente del género junto con Arsis.

Dicen que Tobias Forge lo tiene todo finamente planificado cuando se trata de su proyecto de banda Ghost y a priori pareciera resultar totalmente cierto. Durante estos últimos meses nos hemos ido enterando progresivamente sobre un montón de novedades de la banda. La asunción del nuevo Papa Perpetua V, el anuncio del nuevo disco Skeleta, la nueva gira mundial correspondiente y demás cuestiones que no son tan importantes. Si bien pudiéramos pasar horas y horas hablando sobre cada una de las maniobras de Forge dentro del lore de Ghost, hoy venimos a reseñar su reciente y última obra, como ya mencionamos, Skeleta, lanzado a través del sello Loma Vista Recording, que fue acompañado de eventos de trasnoche, simultáneos, en varías disquerías del hemisferio norte (muy mal por nosotros los sudamericanos).

Por mi parte, debo advertirles que esta reseña puede estar sesgada en ciertos momentos por mi ligero fanatismo, así que si lo que buscan es un análisis con mejor criterio, los invito a leer el segmento debajo de mi colega Gastón. Y no es que este encantando con su lore o lo visual, algo que el músico sueco maneja muy bien, sino que, fue Ghost una banda que me devolvió después de mucho tiempo, esa sensación de aire fresco, de emociones altas, cuando se escucha algo nuevo.

El disco comienza con las 3 piezas que sirvieron como singles promocionales y que fueron saliendo en el orden contrario al que se encuentran en él. “Peacefield”, que representa la esperanza, es la canción con la que nos encontramos en la apertura, pero con una significativa diferencia con el single: esta vez es una versión extendida. Por casi 1 minuto, tenemos anexada al principio una introducción de coros en crescendo, con la predominancia de una voz que pareciera ser infantil. Gran punto a favor para esta pieza que, si ya en el corte promocional parecía muy buena, con este agregado es aún mejor. El estribillo, por su parte, trajo rápidamente desde mi memoria implícita, la canción “Separate Ways” de la banda Journey (y seguramente haya sido igual para ustedes). Un gran comienzo de disco pensado para un gran comienzo de show. Luego, nos podemos hacer de “Lachryma”, segundo corte que fue promocionado con una gran videoclip que rememora lo mejor del cine de horror de los 80s y un poco también a aquella producción de Dokken para la película Pesadilla en Elm Street. Otro gran tema, de nuevo con gran calidad y una perfecta combinación entre lo sombrío de sus estrofas y la dulzura de su estribillo, con un maravilloso solo de guitarra anexado. Para completar la tanda de sencillos, tenemos a mi favorito de todos ellos, “Satanized”, que también fue presentado con una producción audiovisual un poco más minimalista que su sucesora. De aquí destaca enormemente ese estribillo por demás contagioso y nuevamente los solos de guitarra al mejor estilo Judas Priest. La canción se narra desde la perspectiva de alguien que confunde estar enamorado con estar poseído. Esta primer triada corona un excelente arranque de disco.

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Lo que sigue es “Guiding Lights”, que en un primer momento fue pensada para la serie Arcane. Una excelente balada que combina muy bien los diferentes elementos musicales para bajar un poco ese ritmo alto con el que veníamos. “De Profundis Borealis”, que arranca con un tímido piano para desembocar en un excelente riff al mejor estilo Iron Maiden, es uno de los puntos fuertes de este disco. Bueno, podríamos decir que toda esta pieza podría pertenecer a cualquiera de los últimos albums de la doncella. En el sexto lugar “Cenotaph”, que no encuentro calificativo alguno para describir a la obra maestra que se encuentra aún en la sencillez de esta pieza. Un segmento musical donde lo que impera es la lírica.

Hasta aquí, podemos decir que el disco cumplió con creces y con una puntuación perfecta y lo que viene de ahora en más, no significa que sea necesariamente malo, sino, más bien, que quizás no pueda seguir el alto nivel que el disco venía trayendo (veran ustedes luego, como me contradigo). La delgada línea entre el amor y el odio queda demarca entre la anterior canción y “Missila Amori”, que lejos de ser mala, termina apelando al buen trabajo que han venido haciendo sus antecesoras para hacerse de nuestra escucha. Lo que viene contiguo, es la canción que, en mi opinión, contiene el mejor riff de guitarra de toda la obra, “Marks Of The Evil One”, y que, dicho sea de paso, recobra el muy buen nivel con el que el disco venía(se los dije). Aún mejor es la narrativa sobre los 4 jinetes del apocalipsis que armoniza con la excelente melodía que acompaña por detrás. “Umbra” tiene un comienzo descomedidamente ochentoso, con sintetizadores muy potentes y la entrada de un riff de guitarra acompañado de un cencerro, para entregar otra excelente historia de amor y satanismo con el sello Ghost.

El disco cierra con “Excelsis” que no es otra cosa que eso, un cierre. Una canción larga para lo que la banda acostumbra pero que necesariamente así lo es para ir construyendo naturalmente la conclusión de Skeleta. Lo importante es lo que ella narra, para entender el porque de la última posición de esta pieza. Algunos prefieren un cierre más enérgico. Por mi parte, me gustan cuando nos traen la melancolía de un adiós.

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No olvidemos pasar por alto la excelente portada, inspirada en Ciudadano Kane y Odisea en el espacio y diseñada por el celebre artista Zbigniew M. Bielak. Tampoco podemos dejar de darle su reconocimiento a los impresionantes solos de Fredik Akkeson, que no tienen un gramo de desperdicio.

Skeleta como idea general, es un disco en el cual ya empezamos a notar la “formula” composicional de la banda. Con esto quiero decir, en simples palabras, que no esperen nada nuevo o sorprendente, si es que vienen siguiendo su carrera desde el principio. Y no se alarmen, es un proceso natural para una banda que ya cuenta 6 discos y otros tantos EP. Por el contrario, para aquellos aventureros que se atrevan a escucharlos por primera vez a través de este álbum, podría parecerles el mejor de todos.

AOR de los 80s pero al mismo tiempo moderno, excelsos solos de guitarras y riffs, gran despliegue de sintetizadores y teclados y, obviamente, formidables historias. Este álbum podrá ser de mayor o menor gusto para cada quien, pero que lo tiene todo, lo tiene. Por mi parte, y más allá de las primeras buenas impresiones que anteriormente les mencioné, creo firmemente que esta obra va a envejecer muy bien y será mejor apreciada con el tiempo. Y si de conjeturas se trata, también creo que Tobías Forge pensó a Skeleta como un álbum para ser presentado en vivo porque, en definitiva, eso es Ghost, una banda que está construida y pensada para encantarse con las experiencias en directo y no la miles de etiquetas que sus seguidores puedan ponerles al no poder encasillarlos (aunque bueno, podríamos decir entonces que es una banda de shock rock, ja!). De todas maneras, por una u otra razón, Skeleta es un álbum que ha sido muy bien recibido y que aún con sus cuestionamientos todos se han atrevido a darle al menos una escucha. Un disco que, sin duda alguna, fue el más esperado del mes, y quizás también del año ¿Por qué no?

Como fan desde sus inicios, siempre he apreciado cómo la banda mantiene una mezcla de tradición y experimentación en cada uno de sus álbumes. Sin embargo, lo que realmente destaca de Ghost es que, más allá de su elaborado universo, lo que los hace verdaderamente atractivos son sus canciones: grandes melodías que dejan una huella en quien las escucha.

Ghost, la banda liderada por Tobias Forge, ha logrado consolidar su estatus gracias a su particular mezcla de hard rock y pop accesible, pensada para las masas. Con su reciente Skeletá, sexto álbum de estudio a la fecha, siguen explorando este sonido híbrido, canalizando lo mejor del pop y el hard-rock de los 80. El título del álbum evoca imágenes simbólicas de huesos, y los temas de mortalidad e inmortalidad dominan el disco. Esta nueva placa tiene la sensación de una obra conceptual para el alma, con una voz que, aunque sigue siendo teatral, transmite una cruda sinceridad.

Desde sus comienzos, hasta la explosión global con temas como “Mary On A Cross” que explotó gracias a plataformas con TikTok, Ghost ha recorrido un largo camino. A lo largo de los años, su sonido ha evolucionado gradualmente, pasando de las atmósferas oscuras de Opus Eponymous (2010) hasta Impera (2022). Líricamente, encontramos los dobles sentidos, los motivos religiosos y la carga emocional que ya son característicos pero a medida que avanza el disco, la magia de álbumes previos parece desvanecerse. Aunque Skeletá continúa con el estilo híbrido de la banda, combinando heavy metal, rock clásico y synthpop ochentero, no consigue el gancho instantáneo de otras entregas tornándose repetitivo.

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Centrándonos netamente en las canciones, esta edición comienza con la intrigante “Peacefield”, una pieza que mezcla armonías corales y un potente rock. Aunque su solo de guitarra es destacado, la canción no logra alcanzar la fuerza de otros temas previos de la banda. A continuación, “Lachryma” introduce un giro más oscuro y pesado, con riffs intensos y un gancho melódico que engancha rápidamente. La estética vampírica de su video refuerza el tema de lucha interna y el costo de la fama, convirtiéndo se en uno de los puntos más fuertes del álbum.

“Satanized” sigue con un ritmo pegajoso y cánticos latinos que elevan la canción a un nivel de energía y dinamismo. Aunque no trata sobre el diablo, como podría sugerir el título, se centra en el amor y su poder destructivo, mostrando una faceta inesperada pero cautivadora de Ghost. La balada introspectiva “Guiding Lights” toma un tono más reflexivo, pero no logra la magia de otras canciones similares de la banda. Aunque la entrega vocal de Forge es sobresaliente, el tema deja una sensación de desilusión.

En “De Profundis Borealis”, inspirada en Oscar Wilde, las guitarras estallan en una tormenta emocional, reflejando temas de encarcelamiento y libertad mientras que “Cenotaph” presenta una mezcla de horror ochentero con sintetizadores vibrantes y un ritmo pegajoso, explorando la conexión eterna entre pasado, presente y futuro. Aunque su encanto crece con cada escucha, algunas cancionees no logra igualar a las piezas más complejas del álbum. Llegado el momento de “Missilia Amori”, la sensualidad se apodera de la canción, con un ritmo de guitarras llenas de pasión. Sin embargo, su energía se ve opacada por la mayor profundidad de otras canciones, como “Lachryma” y “Satanized” indicadas anteriormente.

“Marks of the Evil One” se adentra en el apocalipsis con referencias bíblicas y un ritmo de batalla. Aunque su gancho es fuerte, su falta de contenido más allá de su pegajoso sonido, la convierte en la pieza más débil del disco. “Umbra”, se presentan ante los oyentes con sonidos de sintetizadores al estilo Blade Runner, explorando temas de amor y muerte, pero no termina de atrapar por completo aunque mantiene la esencia de Ghost. Finalmente, “Excelsis” cierra el álbum con una balada tipo vals, reflexionando sobre la redención y los nuevos comienzos. Aunque suave y melancólica, deja la sensación de que el álbum podría haber sido más potente si se hubiera logrado una mejor fusión de sus elementos.

Skeletá muestra a Ghost explorando diferentes estilos, pero con altibajos que dejan una sensación ambigua. Algunas canciones destacan por su autenticidad y poder, mientras que otras parecen quedar a medio camino, sugiriendo que la banda podría estar preparando el terreno para una nueva fase en su evolución musical. A pesar de sus virtudes y defectos, Skeletá exige múltiples escuchas para ser apreciado, y a pesar de los intentos de encontrar un clic emocional, algo parece faltar.

Tobias Forge ha sugerido que este nuevo lanzamiento musical podría marcar el fin de una era dentro del universo de Ghost. En ese caso, Excelsis, la pista final, suena como una despedida a los personajes papales que han sido su sello distintivo. Si realmente es así, el álbum funciona como un cierre contemplativo, maduro y arriesgado, aunque no llega a la altura de su antecesor. En definitiva, Skeletá es un buen álbum, pero no alcanza las expectativas creadas por sus anteriores trabajos, dejándonos con la sensación de que Ghost aún tiene mucho por ofrecer, pero quizás en una nueva dirección.

Luego de unas vacaciones musicales no programadas, retorno a la actividad con un nuevo disco para reseñar y que me ha dejado muy buenas primeras impresiones. El punto clave para mi favorecida opinión acerca de este material, tiene que ver con la excelentísima producción y la muy buena colección de canciones que consolidaron en un mismo disco. Y es que uno cuando escucha a una banda under se deja llevar por los prejuicios típicos relacionados al mal sonido que puedan tener por la obvia falta de recursos (que no es una queja, sino más bien la simple realidad).

En estas fechas de festividad religiosa aprovecho los feriados para analizar Beyond, la nueva obra de la banda italiana Moonlight Haze. Para ponerlos en sintonía, les puedo contar que esta es una agrupación relativamente nueva que se encuentra en actividad desde el año 2018. Estos chicos italianos, comandados por el baterista y tecladista Giulio Capone y la cantante Chiara Tricarico, ofrecen una experiencia que oscila constantemente entre el hard rock melodico, el power metal y el sinfónico. Beyond entonces, es su nuevo y cuarto álbum de estudio, y verá la luz recién el 23 de mayo, bajo el sello Scarlet Records.

El disco comienza con la pieza de nombre homónimo, una composición sostenida por la bonanza de un reconocible piano, como esos que acompañaban a las melodías vocales de Amy Lee hace 2 décadas atrás (o al menos a mí, es lo que me recuerda). Chiara aquí acompaña con un pequeño relato susurrado, que no se extiende por más de 10 líneas y que me motiva a pensar que “Beyond” obra como una suerte de obertura.

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Párrafo aparte para “Tame The Storm“, su único single promocional al momento de escribir este artículo. De entrada, nos aborda una espectacular producción audiovisual, donde a priori podemos notar a Chiara encarnando a 2 personajes, entre como ella misma suele ser y algo que pareciera un ente sobrenatural, un espíritu, un demonio o cualquier otra cosa que pueda surgirles de su imaginación. ¿Y por qué destaco estos personajes? Porque ambos forman el dueto vocal principal donde la virtuosa cantante pone de manifiesto sus habilidades no solo para el canto de tipo popular, sino también en su versión de canto lírico.  Como si ello no fuera poco, hacia el final podemos notar algunas líneas narradas en guturales. Esto es una constante en todo el disco, una banda que por demás acompaña muy bien, pero la que se lleva todos los premios es sin dudas Chiara.

Lo siguiente en venir es “Crystallized“, mi segmento favorito del disco, que suena como cualquier banda de power de los 2000 y que aquellos que andamos por encima de los 30 años hemos sabido escuchar hasta el hartazgo. Creo, más bien, que más me recuerda a la extinta banda Alyson Avenue de la cantante Annete Olzon. Punto para ese gran bajo galopante. Lo que sigue, “Chaste The Light” y “Would You Dare“, son 2 piezas con una sintonía muy similar a la anterior. Mucha melodía, estribillos por demás gancheros, algunos coros masculinos y algún que otro gutural, excelentes solos de guitarra.

Comenzando la segunda mitad del álbum llega la primer y única balada, “L’eco Del Silenzo“, que tiene también como particularidad que la segunda mitad está narrada en italiano (y que bien que quedan las lenguas romances en las baladas). “D.N.A“, “Untold” y “Time To Go“, son 3 temas que pasan en una misma escucha muy bien, sin grandes sobresaltos o diferencias respecto a lo que venimos escuchando, pero conservando el gran nivel en todas las aristas.

¿”Awakening“? Un cierre maravilloso para coronar un gran disco que, sin dudarlo, me ha toma por sorpresa por todo lo que les mencioné en el primer párrafo.

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La banda se completa con la participación de Marco Falanga y Alberto Melinato en guitarras y Alessandro Jacobi en bajo. Los 5 funcionan muy bien y hacen notar con elocuencia el despliegue de sus instrumentos, pero insisto, quien se lleva todos los laureles aquí es Chiaria, por su excelentísimo trabajo vocal. Pero no debe ser un gran desafío para alguien que es invitada recurrente en los shows de Avantasia y que colaboró en el último EP de Manowar. No he hecho mención o cita alguna a las letras puesto que no creo que sean realmente un punto fuerte, pero lejos están de ser un desacierto. Simplemente son las típicas letras del género, pero que, al mismo tiempo, no pueden ser de otra manera. La producción se hizo en colaboración con Sascha Paeth, logrando un sonido más natural y orgánico, lejos de las modernas producciones super editadas y artificiales, pero pudiendo sacar todo el brillo a cada uno de los componentes musicales de esta obra. El arte de tapa estuvo a cargo de la diseñadora gráfica Beatrice Demori.

Por alguna de esas razones que uno no puede explicar, porque de creencias y sensaciones se trata, tengo el presentimiento que este álbum va a quedar como uno de mis favoritos del año y es que Moonlight Haze lo ha hecho demasiado bien. Una banda joven, muy joven, pero que pareciera que vienen haciendo su música con la sinergia producto de sus músicos desde hace décadas. ¿Con que lo puedo emparentar para que tomen de referencia y decidir si le dan (o no) una oportunidad? Bueno, estimados lectores, diría que en esta ocasión confíen en mi palabra y simplemente se la den, pero por si acaso, si les gusta el Nightwish de Anette Olzon en Imaginaerum (o Alyson Avenue como ya mencioné), si anhelan los buenos tiempos de power metal allá por la primera década de los 2000, Beyond podría encajar muy bien con sus gustos.

La nueva entrega de esta gran dupla conformada por Adrian Smith (Iron Maiden, ASAP, Urchin, Psycho Motel) y Richie Kotzen (Mr. Big, Poison, The Winery Dogs, Forty Deuce) Smith / Kotzen se puede definir como una obra de arte auditiva donde lo majestuoso se vuelve auditivo y lo extra sensorial se convierte en melodía. 

Esta tercera grabación de estudio refleja claramente lo que dos grandes músicos pueden llegar hacer si se complementan y se entienden perfectamente al momentos de tomas sus guitarras y crear música nueva que sale directamente de sus corazones, Black Light / White Noise como su nombre lo dice, plasma el sentido de los dos artistas involucrados en él, por un lado tenemos a un Richie más tipo “Black Light” y por el otro a un Adrian más “White Noise”, ambas frases revelan sus personalidades muy bien, para los que han llegado a tratarlos, saben a qué me refiero. 

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Para abrir con broche de oro, “Muddy Water” entra con una dupla de guitarras melódicas a más no poder, rodeada de unas voces que hacen que cada frase suenen tipo gospel; luego 2 temas que dan forma al disco, por un lado “White Noise” con armonías lentas muy a lo que ha hecho Kotzen en su carrera solista, y luego sigue “Black Light” en donde Smith ayuda de gran manera con su voz a crear un tema más rápido pero sin perder el hilo, ambas canciones se complementan entre sí para dar título al álbum. 

Un riff que recuerda los lados b de Iron Maiden, es el de “Blindsided”, empieza como si fuera una toma alterna del Somewhere In Time, pero pronto cambia y se convierte en uno de la dupla Kotzen/Smith; “Outlaw” es el último de los 9 temas que componen el disco pero puede ser de los mejores, muy ochentero y con una línea de bajo muy marcada, la encargada de esto es nada más y nada menos que Julia Lage (Vixen) esposa de Kotzen.

“Wraith” es un tema un poco más sintetizado pero con más cambios de tiempo, algo como lo que hizo Rush en los ochentas; “Darkside” es más en la onda tipo acústico, más campirano por decirlo de alguna manera; “Heavy Weather” va por el mismo camino al inicio, pero cobra un poco de velocidad a medida que el tema se desarrolla; y “Life Unchained” sigue los pasos de estas dos pero un poco más balada al inicio, con un intro largo pero que después del minuto la cosa cambia y las guitarras llegan por todos lados. 

Black Light / White Noise nos muestra lo virtuosos que son estos dos genios, cada tema tiene algo del siguiente pero sin caer en lo repetitivo y cada solo de guitarra nos transporta a diferentes épocas, sólo queda cruzar los dedos y esperar que este proyecto siga y siga por muchos años más. 

Las chicas de Cobra Spell han estrenado su nuevo EP Anthems of the Venomous Hearts , donde reinterpretan algunas de sus piezas clásicas, pero con la voz poderosa y única de Kristina Vega, ya asentada como vocalista principal de la banda y visto lo que ofreció desde su llegada a la misma, la mejor que han tenido sin duda ni debate alguno.

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Así pues, el EP cuenta con seis temas, por todos conocidos y que se abre ni más ni menos que con “Poison Bite“, que si bien ya pudimos escuchar en directo, ahora en el estudio evidencia que a veces los cambios en las bandas son necesarios para mejorar y este tema ahora si cuenta con el poder y la convicción necesaria que le faltaba a la versión original y que además se mejora instrumentalmente con Hale a los parches, mucho más solida que el batería que grabó aquel trabajo de Cobra Spell, donde está esta canción.

El agudo final te deja noqueado y muestra claramente la capacidad inmensa de Kris, muy superior a la de su predecesor y que deja paso al clásico “Addicted to the Night“, con ese comienzo guitarrero por parte de Sonia que ya es marca registrada y en directo impone aún más ver la versatilidad de la rubia guitarrista a las seis cuerdas.

El tema, no difiere mucho de la versión original, pero si que lo mejora en términos de pronunciación y es que el inglés de Kris, es cristalino y entra mucho mejor que en la versión antigua de la canción.

Para “Flaming Heart“, poco se puede añadir ya que fue el debut con el pie derecho para esta nueva etapa de Cobra Spell, así que vamos con la curiosidad del EP que es la versión en japonés de esta canción.

Y efectivamente es bastante particular escuchar esta canción en el idioma nipón, pero evidencia una vez más porque Kris Vega es una de las mejores y más completas artistas de este país y es que esta chica suena tan bien que de no existir la versión en inglés, podríamos llegar a pensar en Cobra como una banda de rock nipona al menos con esta nueva versión de Flaming Heart, ahora rebautizada como “Moeru Kokoro” y que suena impecable.

“Shake Me“, es quizás la pieza que menos sorprende del disco y es que la versión original estaba mejor que quizás Poison Bite o Accelerate, por citar dos clásicos de Cobra, lo que si hay que destacar es la mejora en intensidad instrumental, con ese solo espectacular de Sonia y la energía renovada que le inyecta Kristina a la canción.

Y como ocurre en sus directos, las chicas cierran el EP con “Accelerate“, temazo veloz y directo al que ahora le hacen justicia a todos los niveles, con mejor precisión en la batería y las guitarras, Sonia puede brillar y la voz de Kris, no solamente no la opaca si no que es el acompañamiento ideal en todo momento, con tonos mucho mejor seleccionados y que cierran al 100% para el oído del oyente habitual de Cobra como para quienes recién hayan llegado a su música.

Si bien la banda nunca ha pretendido inventar nada nuevo, si que es agradable volver a escuchar sus primeras canciones y sentir que tienen el cuerpo que entonces les faltaba y que ahora si la nueva etapa de Cobra Spell es la adecuada al 100% y no tener la incertidumbre que me generaron sus dos primeros EP’s , antes de que salga su segundo disco, este pequeño, pero necesario trabajo certifica el gran momento que están viviendo y al cual no dejaremos de seguirle la pista.

Los noruegos In the Woods… siguen demostrando que es una banda inclasificable. Otra, su séptimo álbum de estudio, es una experiencia que se ubica entre lo etéreo y lo desgarrador, una obra donde conviven el black, el doom, el metal progresivo y el gótico bajo una misma atmósfera. Con una formación estable por primera vez en años y una dirección clara, el grupo entregó uno de sus trabajos más accesibles (pero nada despreciable) editados hasta la fecha.

Con letras inspiradas en el río Otra, que cruza el sur de Noruega hasta desembocar en el Skagerrak, este nuevo lanzamiento es una exploración sonora similar a un recorrido geográfico y emocional. Esta conexión con su tierra natal se refleja en una obra cargada de simbolismo, profundidad y belleza. Es una placa que nos invita a ser escuchado por completo, de principio a fin, para así adentrarnos en un mundo absorbente y melódico.

La estabilidad en la formación se nota: las composiciones tienen solidez y la producción es tan limpia como detallada. A diferencia de otras entregas, aquí las canciones parecen construidas con una claridad de propósito, como si la banda supiera exactamente qué quiere decir y cómo decirlo. La voz de Bernt Fjellestad brilla con fuerza: su interpretación es teatral, rica en matices, y domina cada tema con dramatismo controlado. Su rango va desde lo hipnótico hasta lo explosivo, complementando a la perfección los climas creados por Anders Kobro (batería), Kåre André Sletteberg (teclados) y Nils Olav Drivdal (bajo).

Aunque el black metal aparece en momentos puntuales —como en The Things You Shouldn’t Know, The Crimson Crown y Come Ye Sinners—, su rol es más bien decorativo, al servicio de un sonido más progresivo. El álbum encuentra su fuerza en la fusión de estilos: post-black, doom, gothic que conviven con naturalidad, ofreciendo paisajes sonoros tan bellos como inquietantes. La influencia de bandas como Ulver, Borknagar, Enslaved, Saturnus o Shores of Null se siente, pero sin perder la identidad única de In the Woods…

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Los siete temas que componen Otra están llenos de transiciones delicadas, ganchos melódicos y una ambientación casi cinematográfica. The Things You Shouldn’t Know abre el álbum con un contraste entre suavidad inicial y estallidos blackened, recordando a Green Carnation en su etapa más experimental. La batería de Anders y los teclados de Kåre elevan el tema a alturas vanguardistas, mientras que la voz de Fjellestad introduce el dramatismo que será una constante.

El primer corte adelanto que dieron la banda dió a conocer se tituló A Misrepresentation of I, la misma propone un ritmo a medio tiempo con algunos momentos desconcertantes: progresiones poco convencionales y voces ásperas que se fusionan con un registro femenino que nos endulza el oído. En cambio, The Kiss and the Lie retoma el enfoque atmosférico, con pasajes folk y un gran trabajo en los registros limpios, que le dan una sensación serena y sombría al mismo tiempo.

Let Me Sing es uno de los puntos altos del disco: comienza con un aire a dungeon synth, pero evoluciona hacia un riff denso y oscuro, con un aura que remite a Type O Negative y The Vision Bleak. El bajo de Nils cobra protagonismo, aportando una profundidad que realza el dramatismo vocal. Las anteriormente mencionadas Come Ye Sinners y The Crimson Crown continúan ese camino, balanceando secciones melódicas con estallidos de agresividad, destacándose especialmente esta última por su estribillo a lo Borknagar y un gran manejo vocal.

The Wandering Diety es la encargada de cerrar el disco, una pieza que envuelve al oyecte y juega entre la crudeza demostrada en los primeros discos y la serenidad. En menos de seis minutos In the Woods…nos muestra todo su ADN: oscuridad, teatralidad y una capacidad admirable de mezclar géneros sin perder coherencia para seguir ganando nuevos adeptos.

En resumen, Otra es una obra madura, profunda y cautivadora. Nos entregaron uno de los discos más completos y disfrutables, ideal tanto para quienes seguimos la trayectoria de la banda como para quienes busquen una experiencia distinta, más emocional y envolvente. Sin dudas, se perfila como uno de los grandes candidatos a álbum del año.

Landmvrks es una de las bandas que más fuerte está pegando encima de la mesa en esta nueva generación. Pudiendo considerarse como “el máximo referente en el Core francés”, el grupo de Marsella ha sabido perfectamente cuales son las exigencias de la audiencia, para así traer temas que casi siempre están en la perfección. Los encabezados por Florent “Flo” Salfati, lanzan este próximo 25 de abril su cuarto álbum de estudio titulado The Darkest Place I’ve Ever Been, habiendo presentado hasta la fecha cinco sencillos el mismo.

Este nuevo material trae grandes aspectos innovadores, los cuales iré comentando a medida que avancemos por esta nueva experiencia traída de la mano de los de la Côte Bleue. El tema homónimo al álbum, es el encargado de abrir, trayéndonos fuertes recuerdos a anteriores trabajos bajo un manto de melancólia bañada en incertidumbre con un toque de oscuridad y añoranza, calibrándonos para lo que tratará el resto del álbum con una amplia variedad vocal por parte de Safiati con importantes armónicos.

“Creature” es el primer sencillo que nos encontramos de los cuatro que hay en total. Con una intro empapada en hip hop y estrofas rapeadas por Flo en su idioma natal, la cual precede a una estrofa cargada de blastbeats y nerviosismo. La vuelta es un punto enorme a remarcar; melódica y cargada emocionalmente, hablando sobre nuestros puntos más bajos, en los que nos sentamos a reflexionar sobre los errores y miedos del pasado, para así hacer una redención y volver más fuertes. La lírica va perfectamente acompañada al ámbito instrumental recordándonos a estilos similares a Polaris o Currents.

Se podría decir que en “A Line In The Dust” viajamos al 2012 en un core más clásico. Con grandes influencias en Bullet For My Valentine o Atreyu mezclado con una base contemporánea, complementando el apartado vocal con la colaboración de Matt Welsh (While She Sleeps), viendo como el álbum se mueve en una amplia variedad de estilos como en la siguiente canción; “Blood Red“. Jugando con la variedad entre el género urbano en francés en la estrofa y el metalcore más inspirador, este es otro de los temas que muchos podrían considerar “fuerte” en la parte emocional. Admirablemente, Landmvrks está explorando una inmensa variedad de facetas pero a su vez, sin perder la identidad; cosa que muchas bandas no consiguen y que hace que gane el doble de mérito.

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“Sulfur” da un rollo mucho más movido, con un sonido más industrial con ciertas inspiraciones en Linkin Park, atreviéndose a añadir scratches de vinilo en el tema. Mantiene el mismo esquema; Exposito y Cordebard interpretando unos acordes abiertos en un ritmo lento y pesado de la parte de Kevin D’Agostino acompañando a la voz melódica de Salfati. La balanza entre la agresividad frenética y la amplitud de los coros está mas que equilibrada en mi opinión, no se me hace repetitiva ninguna parte en ningún momento, además que contamos con un breakdown con un increíble growl por parte de Flo para cerrar la canción.

Llegamos al primer y único tema intelúdico del álbum, “Sombre 16“, donde contamos con un rap en idioma galo que estira aún más el toque urbano, dando a conocer la escena del lugar procedente de la banda en Marsella. “The Great Unknown” proyecta una gran aura a la agrupación del recordado Chester Benninton, especialmente a uno de sus temas más virtuosos, “Crawling“. Repiten la fórmula de acordes abiertos con armónicos, rozando el plagio el cual intenta interpretar un homenaje a la banda estadounidense. Aún así, he podido observar que intentan abarcar mucho, por lo que es una apuesta bastante atrevida y que, se va a hacer cada vez más con los cuatro temas restantes, sobretodo con el siguiente.

En “La Valse Du Temps“, contamos con un sólido vals (como ya bien dice el título) con unas sensibles vocales de Flo, y gran semajanza a lo realizado por Architects. Aquí, realmente se coronan en términos de originalidad, ya que mantienen ese 3/4 bien estructurado. Intercalando growls, un breakdown increíble para llegar a una vuelta en acústico, dando pase al último loop con unos coros que cierran el tema a lo grande.

“Deep Inferno” trae consigo una fórmula muy similar a uno de sus mayores temas, “Self-Made Blackhole“. Un buen repaso a la era Old School de la banda, el cual precede al penútlimo tema del álbum; “Requiem“. Un comienzo lento, pesado, dinámico en donde drásticamente va cambiando a una especie de blackened deathcore con aspectos groovies manteniendo el dinamismo presentado al principio.  Los galos despiden el álbum con “Funeral“, con una exhibición al piano acompañado de vocales en La Menor, siendo esta una original forma de despedir este nuevo trabajo.

Posiblemente este álbum no sea para todos por lo comentado anteriormente; la intención de abarcar tantos estilos en un único álbum, dejando en duda a muchos como si de una crisis existencial se tratase al no dejar claro el género; con la diferencia de que sea el que sea, sabes que es Landmvrks. Y eso es de admirar. Esperemos al lanzamiento para ver lo que opina la audiencia, aunque personalmente creo que pueden mantener las expectativas altas; no se decepcionarán.

The Body es un proyecto que se caracteriza por ser extremadamente prolífico en discos propios y en colaboraciones. El año pasado lanzaron dos excelentes álbumes: uno en conjunto con Dis Fig (alias de la cantante, DJ y productora estadounidense Felicia Chen) titulado Orchards of a Futile Heaven, y otro a cargo solamente de ellos llamado The Crying Out of Things. Continuando con el furor creativo, ya a principios de este 2025 sale esta obra cooperativa con el dúo industrial canadiense Intensive Care, una vez más para deleite de la audiencia ávida de vanguardismo musical en territorios oscuros. Siempre es bueno recordar algunos de los antecedentes colaborativos para tomar una noción más certera de la fuerte intencionalidad comunitaria y exploradora de The Body: Braveyoung (2011), Thou (2015), Krieg (2015), Full of Hell (2016 y 2017), Uniform (2018 y 2019), HEALTH (2022), etc. Intensive Care, por su lado, sacó dos discos en 2022: That We May Be Worthy y Antibodies, y una colaboración con Full of Hell en 2018.

Entonces, en esta ocasión, el dúo experimental de sludge metal con mucho noise y elementos industriales, conformado por Chip King y Lee Buford, une fuerzas con la pareja constituida por Andrew Nolan y Ryan Bloomer, que hacen una mezcla de metal industrial, hardcore y powerviolence, todo atravesado por la electrónica.

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“Mistakes Have Been Made” es un comienzo relativamente calmo, casi dub, al menos para quienes ya estamos habituados (y amamos) los agudos alaridos asordinados de King, que siempre suena como un fantasma histérico, a veces más frenético que otras. Una base percusiva y ruidos sintetizados son todo el acompañamiento necesario, hasta que el panorama vocal empieza a diversificarse. En “Swallowed by God”  irrumpe un bajo distorsionado a más no poder, y todo se vuelve agresivo. La estridencia vocal persiste, pero se suman nuevas voces, guturales o parcialmente limpias, a cargo de los canadienses.

A medida que va avanzando la obra, la referencia ineludible de Godflesh va resonando con más potencia. “The Misunderstanding” empieza con un bajo de oscilaciones catastróficas, aunque la canción tiene momentos más calmos y minimalistas, con una sonoridad coral psicodélica. “At Death’s Door” sigue profundizando en la veta noise, aunque el instrumento de las emisiones graves vuelve a adquirir mayor protagonismo. Junto con el canto, los ecos de los íconos industriales ya mencionados se vuelven más intensos.

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“The Riderless Mount” se torna más lisérgico y, en este punto, puede afirmarse que en este disco hay cierta impronta dub, como ya mencionamos anteriormente. No obstante, “Cartography of Suffering” impone un giro radical, nuevamente hacia espacios lúgubres, como húmedas y herméticas recámaras subterráneas. La distorsión y la reverberación son brutales. La multiplicidad de voces despliega un histrionismo que prácticamente monta una escena dramática.

“Unwanted” es un track en el que la desesperación adquiere tintes claustrofóbicos para luego dar paso a un teclado casi cinematográfico. “Mandelbrot Anamnesis” es la composición más extensa de todo el álbum, más que canto hay un discurso, y de fondo, por supuesto, ese banshee corrosivo característico de The Body. Hacia el final resurge el canto con cadencia declamatoria, montado sobre una nube de moscas ruidosas rumbo a las pilas de cadáveres en un mundo apocalíptico, o las colecciones pútridas de pensamientos obsoletos que se acumulan en la mente de alguien anónimo. Si les gusta lo ominoso, Intensive Care y The Body tienen de sobra.

Bleed from Within acaba de lanzar su séptimo disco de estudio llamado Zenith. La banda escocesa con raíces de metalcore ha evolucionado con el pasar del tiempo y como es de costumbre los breakdowns estarán a la orden del día.

Son tres años desde el último disco, y a pesar de que lanzaron dos singles antes de la fecha del lanzamiento, mantuvimos a raya las ganas de escucharlos para así tener la experiencia completa: la primera impresión.

Y cuesta encontrar palabras para describir cómo comienza Violent Nature, con una pequeña intro que se traduce rápidamente en una bestialidad de riffs, con un sonido y una producción que, desde ya, deja en claro que esta será una de aquellas experiencias. Con un sonido más agresivo y con mucho más “punch” que discos anteriores, pavimenta el camino y nos invita a recorrerlo con mucho headbang de por medio.

Y así continúa, tema tras tema, con un ritmo implacable, demostrando que la experiencia que han ganado a través de sus 20 años como banda es puesta en práctica disco tras disco, y Zenith no es la excepción. A la ya potente y característica voz de Scott Kennedy, ahora se agrega de forma más constante la voz limpia del guitarrista Steven Jones, que nos permite comprobar que la raíz deathcore sigue presente y vigente.

Y el disco, vaya que tiene sorpresas. Una de ellas es la participación de Brann Dailor, mejor conocido por ser el baterista de Mastodon. Y como si no fuese suficiente, también cuenta con la participación y voz de Josh Middleton, guitarrista, vocalista y líder de Sylosis, y también ex-Architects. Como si todo eso fuese poco, la participación de Brann es en el séptimo tema del disco, y la de Josh en el décimo tema. Una total locura.

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Como parte de esta reseña, y para entregar un análisis con un condimento extra, escogí cuatro temas para analizarlos un poco más en profundidad:

El antes mencionado Violent… no puede ser un mejor inicio para un disco de metal, con una mezcla de algo nuevo para el sonido de Bleed from Within, algo que recuerda a los discos de Chimaira, con la distorsión de las guitarras, un poco al sonido del antiguo pero no olvidado metal industrial, para que en el segundo 25 explote con la voz y la batería.

Si bien los breakdowns son el plato fuerte hoy en día en los discos modernos, la madurez de la banda queda demostrada ya en este primer track, donde marcan paso y cambios sin necesidad de un breakdown típico. Ya avanzado el minuto 3, nos encontramos con el primer rebaje medio tempo, más pesado, sin abusar de ningún palm muting ni doble pedal. Una puta obra maestra. Ali Richardson se convierte, con el pasar del tiempo, en un batero de excelencia mundial.

La letra, en resumidas cuentas, trata (a interpretación de este redactor) de un tipo de conversación donde se deja en claro que no estamos solos, que vivimos experiencias como un grupo, y que la resiliencia y la lucha son características propias de quien relata la letra.

El séptimo tema del disco, Immortal Desire, comienza de manera épica con un canto grupal y una instrumentalización de fondo. Al segundo 11, entra de golpe la distorsión, el doble pedal, el palm muting y, de fondo, continúa la armonía vocal hasta que, antes del segundo 40, da paso a una voz carrasposa acompañada de los cleans del guitarrista, mutando nuevamente en estos cambios entre false cords y cleans, finalizando con la frase “I’d give life to save you”, en donde reaparece este coro que da lugar a otro breakdown de esos que nos hacen cabecear como si quisiéramos desprender la cabeza de nuestros cuellos. El tema concluye con una mezcla de la sección vocal inicial y más false cords.

La letra, desde mi perspectiva (y esto es lo hermoso de la música/metal), nos cuenta una lucha interna de cambios y crecimiento, momentos críticos y bajos, para luego afrontar el infierno y la muerte con un deseo de victoria, como lo dice parte de la letra:

“I won’t fear hell, it’s a part of me, engraved in the fabric of my being, i have lived through worse, nNo, death is not the end”

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Con respecto a Known by No Name, no tengo palabras para la intro. Es algo totalmente nuevo en la discografía de la banda, algo que no puedo describir y que tienen que vivir ustedes mismos. Si somos puristas, el inicio del tema puede parecer fuera de contexto dentro del disco, pero nuevamente un canto angelical de fondo nos hace recordar un poco a Immortal Desire. Y en el momento en que Scott Kennedy y su voz entran en juego, las guitarras alinean sus riffs y Ali Richardson aparece para darle el punch y el cambio de atmósfera necesarios.

El tema puede sentirse un poco corto, y es por la intro de casi un minuto para un tema de 3:52 de duración total. Pero sin lugar a duda toma ritmo, y nuevamente nos incita a cabecear cuando Kennedy canta: “Shit filled shelters serving as home, Dead men are digging, they bury their own.”

El track Edge of Infinity cierra el disco con una estructura nueva, que no suena similar a las otras piezas del álbum. Durante los casi cinco minutos y medio que dura la canción, nos recuerda a lo que hicieron muchas bandas de thrash metal a finales de los 80 o principios de los 90, como Testament, Metallica, entre otras. Un tema que sale bastante natural y que da cierre a un tremendo disco, que mezcla perfectamente un sonido nuevo para la banda con el sonido característico del metalcore, groove y metal moderno.

El álbum tiene una duración de 47 minutos que, les aseguro, se sentirán como un suspiro. No es un disco repetitivo, y eso es algo que se agradece. Por la estructura del deathcore y groove metal, es bastante común sentir en algún momento de los discos esa sensación de repetitividad.

Podemos ser fans o no de un estilo musical, tener nuestras preferencias y gustos, pero no debemos dejar que eso nos cierre ante la eventualidad de que este disco perfectamente puede estar entre los mejores del año.

A estas alturas del partido, yo creo que no hace falta hacer presentaciones ni desmentir que Disturbed han sido y siguen siendo una de las bandas más populares de su generación, siempre un escalón por debajo de Korn, Linkin Park, Slipknot y System of a Down, en cuanto a ventas y popularidad se refiere.

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Solo con ver que la celebración del 25 aniversario de su álbum debut The Sickness, al menos en Europa, se va a llevar a cabo en grandes pabellones y con !Megadeth¡ como artista invitado, evidencia de forma clarísima lo que acabo de decir.

Por eso analizar la nueva edición de The Sickness, es un trabajo meramente lúdico, sobre todo teniendo en cuenta que la banda no ha arriesgado mucho, por no decir nada en esta “nueva” edición, aunque viene presentada en un precioso doble digipack y que tiene como curiosidad dos caras B: “God Of The Mind” y “A Welcome Burden“, mientras que el resto del segundo disco se completa con las versiones demo de gran parte del álbum original y dos remixes de “Stupify” y “Glass Shatters“.

La banda de Chicago debutó en el año 2000 con este disco, donde si bien navegaban en la ola del nu metal, lo suyo tampoco era ni tanto ni tan poco y es que David Draiman nunca tuvo ese “flow” para rapear que tenía Fred Durst, tampoco la sensibilidad torturada de Jonathan Davis y Chino Moreno y muchísimo menos la brutalidad vocal de Corey Taylor, sin embargo y aunque os duela admitirlo, tiene una voz tan particular que si pones en la tele un tema de Disturbed, enseguida sabrás que son ellos aunque no sepas cual canción está sonando y eso es como mínimo de admirar. Quizás Disturbed estaba más cerca de las bandas que venían detrás de ellos como puedan ser Godsmack o Sevendust y pavimentó el terreno para la posterior aparición de combos como Five Finger Death Punch, combinando ese metal moderno con toques groove y algo de melodía accesible.

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Temas como “Voices“, el himno “Down With The Sickness” (uno de los 5 mejores temas de su carrera lejos, a pesar de lo delicada de su letra), la desafiante “Stupify” o “Want“, siguen sonando bien a pesar del paso del tiempo y aunque no sean lo más original del mundo, si que forman parte por derecho propio de un género que aunque ya no goce ni por asomo de la popularidad que tuvo a comienzos de la década del 2000, si que son claves para entender un poquito lo que se escuchaba por aquellos días y que es lo que bandas como Disturbed querían ofrecer y visto las cifras millonarias de este primer disco, tampoco es que estuvieran muy equivocados con lo que hacían ni la forma en la que plasmaron su sonido por aquel entonces.

Las versiones demo, son básicamente una simple curiosidad para los fans más acérrimos de los norteamericanos, aunque he de admitir que las versiones de “Stupify” y sobre todo “Shout“, porque evidencia que no se equivocaron al versionar aquel clásico de Tears For Fears, son bastante simpáticas. Quizás el “pero” que se le puede poner es no haber incluido un dvd con los videoclips de los singles y la particular performance en el Ozzfest 2000, pero aún así es una buena manera de echar la vista atrás y recordar uno de los discos más destacados de su generación.