Mvrmvr, formación española con gusto por las texturas densas, presenta “Red Hill”, un trabajo que ellos mismos lanzaron el seis de noviembre de 2025. El grupo se mueve entre el post-black metal, el doom y el blackgaze, construyendo un sonido que apuesta fuerte por la atmósfera y los desarrollos progresivos.

El disco se abre con sonidos naturales y guitarras limpias que van marcando el tono antes de que aparezcan solos de aire post-metal. Desde el principio queda claro que Murmur apuesta por composiciones largas, de esas que se cuecen a fuego lento, con pasajes lentos muy influenciados por el doom más pesado.

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A lo largo del álbum, la música adquiere un carácter envolvente mientras las voces se inclinan hacia alaridos afilados propios del black metal. Los instrumentos suenan contundentes y, entre capas, surgen detalles progresivos y toques shoegaze que aportan un punto emocional y expansivo.

Cuando la banda pisa el acelerador emergen ráfagas de tremolo picking y blast beats que endurecen la propuesta. El conjunto juega sin miedo con cambios de ritmo y añade elementos como guturales puntuales, melodías escondidas entre los riffs, susurros y hasta breves pasajes hablados y coros que aparecen hacia el final. La producción es limpia y poderosa, y las letras se sumergen en metáforas de tono ocultista para abordar temas sociales.

En Legends, Sabaton vuelve a presentarnos su mezcla habitual de historias épicas y power metal directo, pero también deja ver que la fórmula empieza a sentirse usada. El disco reúne once relatos sobre figuras históricas conocidas, cada una con su propia carga dramática. La idea es atractiva y, como suele pasar con la banda, la puesta en escena es grande y ruidosa. Aun así, para quienes venimos siguiendo su carrera, se nota que el grupo repite estructuras y trucos que ya dominan, sin dar un salto tan fuerte como en otros trabajos.

La producción es clara y potente, y la participación de todos los miembros en la composición aporta una energía interesante. Sin embargo, esa frescura no alcanza para disimular que Sabaton vuelve a moverse dentro de un esquema muy seguro. Las canciones cargan con el típico ritmo marcial, las voces profundas de Joakim y los estribillos enormes que buscan levantar el puño en alto. Todo funciona, pero pocas veces sorprende. Hay momentos en los que asoma algo distinto, un clima más emotivo o una atmósfera particular, pero son excepciones dentro de un conjunto bastante previsible.

Dicho esto, el álbum no falla por completo. Las historias están bien contadas y tienen esa capacidad de transportar al oyente que la banda sabe manejar desde hace años. La interpretación vocal es sólida, las guitarras rugen cuando tienen que rugir y la base rítmica mantiene el pulso sin flaquear. Incluso cuando la fórmula se siente familiar, Sabaton tiene suficiente oficio como para sostener el interés. El disco fluye con naturalidad y casi no presenta momentos flojos o incómodos.

También ayuda que Legends tenga una duración razonable y no se vuelva pesado. La diversidad de personajes históricos mantiene cierto dinamismo, lo que evita que la repetición se convierta en monotonía total. Aun así, queda la sensación de que el grupo está tan acostumbrado a su propio estilo que le cuesta salirse del molde. No es que necesiten reinventarse por completo, pero sí se nota la ausencia de riesgos reales o giros creativos que renueven el impacto.

En resumen, Legends no es un mal disco; simplemente es Sabaton siendo Sabaton. Para quienes disfrutan de su fórmula, hay mucho aquí para seguir celebrando. Para quienes esperan una evolución más clara, el álbum puede dejar un sabor a “más de lo mismo”. No decepciona, pero tampoco deslumbra. Es un trabajo efectivo, bien producido y lleno de historias llamativas, aunque atrapado dentro de una estructura que, con el tiempo, empieza a mostrar señales de agotamiento.

A veces la excelencia de una obra musical no está necesariamente construida en una reproducción de larga duración. Grandes méritos se han visto en algunos EPs de ciertas bandas por encima de sus mas elaborados LPs. El pasado 22 de octubre Nvlo volvió a los primeros planos con Noxa, su nuevo EP, el que lisa y llanamente reivindica a la banda como una de las mejores actuales de la escena del metal extremo argentino.

La obra, como mencione anteriormente, de corta duración, está conformada por 4 piezas que suman en total unos 13 minutos. Una corta pero explosiva descarga de energía, eso, es lo que mejor resume a Noxa.

Al inicio nos encontramos con “Ambición” que sin dar muchas vueltas arranca con todo el poderío al que Nvlo nos tiene acostumbrado. Una canción que como promete en sus palabras, nos deja con la sensación de sentirnos imparables. Los sutiles pasajes de voces limpias a guturales de Leon son por demás de una excelsa performance vocal.

Sin que uno pudiera distinguir el fin de la primera pieza, comienza “El Ritual” haciendo la escucha muy dinámica y fluida, como si lo que importara es el resultado homogéneo y no cada canción por si sola. Aquí, lo que se manifiesta, es el precio a pagar por los atajos para alcanzar lo tan anhelado.

“El Abismo” tiene una corta pero gran introducción de guitarras. Un tema que, de alguna manera, suena algo diferente a sus 2 predecesoras. Este es el grito de guerra definitivo, el comienzo del desenlace del nudo. La actitud de la banda está representada mejor que nunca en este segmento del disco. El fraseo de Leon, previo al final, es otra clara muestra del gran manejo de matices vocales que hace este joven cantante.

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Y como no podía ser de otra manera, a lo último viene la “Redención” por el fallido proceso de autorrealización. Mi pieza favorita de Noxa sin lugar a duda porqué lo tiene todo. Con una ligera pero mayor complejidad que el resto del disco, al tener pasajes intermedios donde se logra apreciar el cuerpo del bajo, las armonías de las guitarras y el gran trabajo de ambientación de los sintetizadores, es esta canción la que evidencia el gran trabajo que Nvlo viene haciendo con sus producciones.

Noxa no es otra cosa que una obra que viene a saciar la necesidad de escuchar nuevo material de la banda y vaya que lo hace muy bien. De corta duración, si, pero que con esos 13 minutos nos deja más que satisfecho. Un pasaje por 4 etapas de transición que se ven manifestadas en cada una de las piezas.

El arte de tapa es de Dark Blessed, uno de los grandes artistas gráficos que se dedican a este tipo de obras. Todo Noxa es una muestra del gran momento que Nvlo está viviendo. Una banda que relativamente joven pero que ha atravesado por mucho que a otras les llevo más años. A todos los músicos se los nota finamente alineados y con energía, pero sin dudas que la performance de Leon lo pone como uno de los mejores cantantes del momento. A veces, no hace falta más que entusiasmo y vocación para lograr grandes resultados y este disco, es una clara muestra de ello.

A pesar de haber tardado seis años entre Ordhalia, su flamante nuevo disco y Dark Mother, su predecesor con el cual llegaron por primera vez a España acompañando a Infected Rain, los italianos 5rand tienen todo para que 2026 sea su año de explosión definitiva.

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Con la talentosa Julia Elenoir al frente la banda vuelve al ruedo con diez nuevos y feroces cortes, donde continúan la evolución marcada por su trabajo anterior, pero con una mejora más que evidente tanto a nivel musical como de producción.

Y es que ya desde la inicial “Lullaby From the Broken”, vemos una muestra clara de como la oscuridad, la melodía y la brutalidad se siguen dando la mano de manera perfecta a la hora de moldear las canciones de 5RAND.

Pero las cosas comienzan a subir de nivel con “Bloodlife”, el single más reciente de la banda y una patada en el estómago al más puro estilo Infected Rain, Kittie o The Agonist, que ya desde su afiladísimo riff inicial, te deja sin aire y noqueado, sumado a unas voces super agresivas por parte de Julia, que van a sorprender a más de uno.

Lo mismo ocurre con el corte que da título al disco y con ese imponente dueto en “The Nihilist”, donde cuentan con la participación especial de Milo Silvestro, conocido por ser la voz actual de Fear Factory y donde la banda hace un gran uso de su gusto por el groove metal moderno con el toque personal que tiene la banda, con un ritmo trepidante, agresivo y si, con cierta influencia de Fear Factory, Machine Head y los Sepultura de la era Roots, demostrando que a veces si para volver a grabar un disco hay que esperar mucho tiempo, se espera y el resultado puede ser el deseado, aquí 5rand, no solamente aprueban con nota alta, si no que rozan el sobresaliente.

Con “Double Bind”, llegamos al ecuador del álbum, con oscuridad, pasajes muy densos y una Julia que sigue sorprendiendo con el tratamiento que ha dado a su voz en este disco, para desmarcarse un poco de otras bandas lideradas por compañeras como podrían ser perfectamente Arch Enemy y Jinjer, no, 5rand no son una banda más de death metal melódico o groove/djent, aunque se muevan entre ambos estilos, ya comienzan a tener un sello propio y aquí lo evidencian, quizás más en las partes melódicas, ligeramente más accesisibles que en sus dos trabajos previos, pero con el gancho suficiente como para captar a los amantes del metal moderno más pesado.

La segunda mitad del disco, continúa más o menos por la misma senda, ahora bien, si crees que la banda se puede haber “ablandado” en algún momento, espera a escuchar “Turbid”. que ya desde su título, advierten que no vienen a pasar el rato, si no a arrasar con todo a su paso y es que esta es una de las canciones más pesadas, intensas y abrumadoras de la banda hasta la fecha.

Creo firmemente que el disco debería marcar un punto y aparte para la banda originaria de Roma, sin duda es el mejor trabajo de los chicos hasta la fecha y puede ser el principio de una nueva etapa brillante, la cual ha tenido un comienzo inmejorable con estas nuevas canciones, que si todo va bien, harán temblar la escena en los próximos meses y está más que justificado que esto suceda.

Tras dos décadas construyendo un nombre dentro del metalcore, The Devil Wears Prada vuelve con un nuevo álbum que, aunque mantiene cierta calidad en producción y algunas ideas interesantes, confirma un giro evidente hacia terrenos mucho más comerciales. Desde los primeros adelantos ya se intuía un cambio de rumbo, pero escuchando el disco completo la sensación es clara: las guitarras agresivas y la dupla vocal que definía su personalidad quedan en segundo plano para dejar sitio a estructuras pop y estribillos repetidos hasta la saciedad.

El arranque con “Where the Flowers Never Grow” deja una buena primera impresión. Aunque también apuesta por un sonido más suave y lleno de sintetizadores, conserva cierta emoción y una atmósfera que funciona. Sin embargo, el espejismo dura poco. En “Everybody Knows” la banda se sumerge de lleno en un pop-rock demasiado genérico, con guitarras domesticadas y una presencia del vocalista principal tan reducida que cuesta reconocer la esencia de sus trabajos anteriores. Algo similar ocurre en “So Low”, donde los intentos de mezclar partes más pesadas con un enfoque claramente comercial terminan chocando entre sí.

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Hay un pequeño rayo de esperanza con “All Out”, el tema que más recuerda a la banda de siempre. Aquí vuelven los riffs con gancho y la energía que muchos echamos de menos en el resto del disco. Es un corte disfrutable, pero también da la sensación de ser un oasis aislado dentro de un trabajo que parece decidido a alejarse de su identidad. “When You’re Gone” también aporta algo de carácter, con un tono más oscuro y un final potente, aunque el contraste con el resto del álbum resulta demasiado brusco.

La recta final no consigue remontar. “The Silence” se adentra sin complejos en el synth-pop, prácticamente eliminando la presencia instrumental que hizo grande al grupo. “Eyes” y “Wave” mantienen este enfoque suave y centrado en estribillos, pero terminan siendo cortes olvidables que se pierden entre capas de sintetizador y letras que, aunque honestas, no logran dejar huella. La despedida con “My Paradise” confirma esta tendencia, ofreciendo un cierre correcto pero totalmente anticlimático.

En resumen, el disco no es un desastre y tiene momentos disfrutables, pero deja claro que la banda ha apostado por sonar accesible a toda costa. El problema no es que experimenten, sino que la dirección elegida diluye lo que los hacía especiales. El resultado es un trabajo bien producido, con buenos arreglos aquí y allá, pero que transmite la sensación de una banda que ha tirado demasiado hacia lo comercial. Ojalá este desvío sea solo una etapa y no el camino definitivo, porque talento y trayectoria les sobran para recuperar el pulso en su próximo lanzamiento.

Agnostic Front vuelve con Echoes in Eternity reafirmando una verdad que ha acompañado a la banda desde sus inicios: tienen una fórmula, la repiten sin pudor y, a diferencia de muchas agrupaciones que pierden rumbo al aferrarse a patrones gastados, a ellos les sigue funcionando. El nuevo disco es un recordatorio de que el hardcore neoyorquino no necesita reinvenciones grandilocuentes para mantenerse vigente, sólo convicción, calle y una identidad a prueba de modas. Lo que el grupo entrega aquí es exactamente eso: contundencia directa, sin adornos ni desvíos innecesarios.

El álbum, compuesto por quince temas en menos de media hora, se siente como un golpe continuo, compacto y preciso. Desde el inicio con “Way of War”, queda claro que Agnostic Front no contempla la opción de bajar la intensidad. La voz de Roger Miret escupe mensajes de descontento social con la misma autoridad de siempre, reforzada por guitarras afiladas y ritmos que avanzan sin descanso. La banda vuelve a demostrar que la brevedad no es una limitación, sino un arma.

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A lo largo del disco aparecen pequeños giros dentro de su propio marco, pero nunca al punto de diluir su esencia. Canciones como “You Say” empujan la agresividad hacia terrenos casi caóticos sin perder control, mientras que “Matter of Life & Death” incorpora un cruce con el rap callejero que encaja de forma natural, recordando que el hardcore y el hip-hop compartieron la misma acera en Nueva York mucho antes de que las fusiones fueran tendencia. Esta variedad interna es mínima pero suficiente para mantener el pulso del álbum siempre en movimiento.

Temas cortos y demoledores (como “Art of Silence”) muestran que la banda sigue dominando el arte de decirlo todo en pocos segundos. Otros, como “Skip the Trial” o “Turn Up the Volume”, parecen escritos directamente para detonar el caos en vivo. Los solos y detalles melódicos aparecen lo justo, funcionando como ráfagas que enriquecen la mezcla sin comprometer la dureza general. El resultado es un disco que suena fresco sin traicionar el molde de Agnostic Front.

Echoes in Eternity confirma que, mientras muchas bandas de larga trayectoria tropiezan intentando modernizarse o replicar glorias pasadas, Agnostic Front sigue adelante porque nunca ha pretendido ser otra cosa que lo que es. Su fórmula —simple, directa y feroz— continúa siendo no sólo efectiva, sino necesaria dentro de un género que valora la autenticidad por encima de cualquier artificio. Tras décadas de historia, el grupo demuestra que la eternidad también se construye a base de consistencia, actitud y ruido del bueno.

Cuando hablamos de Mägo de Öz, siempre hay alguien que tiene algo que decir, ya sea a favor o en contra, pero lo cierto es que la banda madrileña sigue estando en boca de muchos, por mucho que os pese.

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Por eso con el lanzamiento de Malicia: La Noche de las Brujas, la banda que lidera Txus Di Fellatio y que cuenta ahora con Xana Lavey y Rafa Blas como cantantes ya fijos desde su anterior trabajo, pero ahora afianzados y con confianza, que se ha podido trasladar al conjunto de una obra, a la cual si somos justos, pocos peros le podemos encontrar.

Aunque la idea principal, era la de hacer un disco doble al más puro estilo Gaia II: La Voz Dormida o el histórico Finisterra, al final los chicos han optado por dividirla en dos partes, o al menos eso es lo que Txus ha confirmado en varias entrevistas hablando del álbum y seguramente haya sido una buena idea, porque este disco tiene mucho para ofrecer y analizar en cada escucha.

Así pues, en “Malicia”, corte que da título al disco ya podemos encontrar muchos de los ingredientes habituales de la banda, pero condimentados y adaptados a la actualidad, porque señores ya está bien de pedirles que hagan Gaia o La Leyenda de la Mancha una y otra vez, porque no ponemos un poquito de sensatez y dejamos que la banda siga creciendo, evolucionando y ofreciendo pinceladas de color a un cuadro, que si somos justos, le venía bien una mano de barniz reluciente.

Las voces tanto de Rafa Blas, poderoso como el solo, demostrando que su elección como vocalista para Mägo, no ha sido casualidad ya que el caudal que maneja es muy superior al de su predecesor, mientras que de Xana Lavey, poco podemos decir que ya no sepáis, esta chica es una de las mejores voces de la actualidad en rock nacional y su delicadeza, clase, estilo y pureza vocal le otorga a Mägo un toque aún más especial en varias de las canciones del álbum.

En cuanto a la temática del disco, una vez más, vamos a encontrarnos con una banda abierta a hablar de muchas cosas: Desde el abandono emocional, las crisis internas que uno puede vivir con sus propios demonios o simplemente el aislamiento y auto aislamiento en canciones como “Ríos de Lágrimas” y la escalofriante “No Me Dejes Solo”, ambas de lo mejorcito del disco, con las guitarras de Valieri, Jorge Salan y Víctor de Andrés sonando perfectas y muy bien complementadas unas con otras y es que sin desmerecer a ningún miembro pasado, quizás estos tres tipos son los mejores y más completos hachas que hayan pasado por la formación madrileña hasta la fecha.

Pero luego las cosas se ponen serias en “Mi Cuerpo y Yo Nos Dejamos de Hablar”, seguramente una de las canciones más intensas y excesivamente delicadas en cuanto a letra, en la cual prefiero no hondar porque se te corta la respiración al escucharla y saber que muchas veces, la propia sociedad mira hacia otro lado en situaciones como la que la canción cuenta y que sin duda debería hacer pensar largo y tendido ya no solo a los fans de Mägo si no también a la gente en general.

“Malicia”, por su parte parece como un viaje recordatorio de la historia de la banda, con el ritmo trepidante combinando el heavy/power metal clásico con los aportes celtas en el violín de Moha y la flauta de Diego Palacio y con ese toque rockero que aportan Ix, Jorge y Víctor a las guitarras.

Xana brilla en su parte solista y los coros la acompañan de forma discreta, pero efectiva, dándole el espacio que ella necesita en la pieza.

Cortes como “El Último Rezo”, aportan un toque más moderno y combativo, lleno de fuerza y con un ritmo bastante potente a la vez que accesible, que seguramente no hubiese estado de más en discos como Hechizos, Pócimas y Brujería, mostrando que Mägo de Öz siempre están en la búsqueda de la evolución, de dar con la tecla adecuada para sorprender al oyente y esta canción es un ejemplo de que a veces la encuentran a la primera.

Por supuesto que la parte celta de Mägo jamás se ha dejado a un lado y en este disco no iba a ser la excepción ya que canciones como “La Noche Celta” y “Mil Ojos Tiene La Noche”, así lo certifican y evidencian que ese supuesto “Cambio Musical” de Mägo de Öz, jamás existió, simplemente los años pasan, llegan las tendencias nuevas y la banda de manera muy inteligente (y con algún tropiezo que otro, también es cierto eso) ha sabido integrarlas en su ADN musical y como resultado no quedarse estancados en el 2000 si no como vuelven a demostrar con Malicia, sonar actuales sin perder sus credenciales habituales.

Para ejemplificar esto que apunto, que mejor que escuchar “Los Fantasma de la Fe”, un corte compuesto íntegramente (para que luego no se diga que en Mägo todo lo hace su fundador…) por el señor Ix Valieri y que muestra varios guiños a Ghost, muy bien aplicados y sin sonar a burda copia o intento fallido, si no abriendo un horizonte más que puede dar sus frutos en próximos trabajos.

Vuelvo a repetir que es un disco con muchos matices a descubrir en cada escucha que uno le de y el cual se cierra con el himno positivo “Siempre Juntos”, con el cual Mägo dejan claro que siguen en plena forma, le pese a quien le pese y que la energía que han aportado las incorporaciones más recientes (Xana, Rafa, Chesco, Ix y el regreso triunfal de Jorge Salán), los ha hecho levantar el vuelo con fuerza y sin ninguna intención de mirar al pasado, si no continuar el camino con paso firme y dirección concreta.

Los madrileños Fuet! han decidido hacer honor a su nombre con Make It Happen, un debut que golpea con fuerza, sin pedir permiso y dejando claro que el hardcore estatal tiene nueva sangre corriendo por sus venas. El disco, publicado tras más de un año de lanzamientos por entregas, podría haber corrido el riesgo de sonar como una simple recopilación, pero el quinteto ha sabido hilar cada tema con inteligencia, logrando una obra sólida, directa y con identidad propia.

Formados en pleno caos pandémico de 2020, Fuet! comenzaron con un EP homónimo que ya mostraba su querencia por los riffs afilados y la actitud callejera. Sin embargo, no fue hasta su regreso triunfal en 2023, con un concierto en la Wurlitzer Ballroom de Madrid, cuando la banda encendió de nuevo la mecha. A partir de ahí, no hubo vuelta atrás: una sucesión de singles demoledores, videoclips que cuidaban tanto la estética como el mensaje y un directo que convirtió cada sala en un campo de batalla.

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Musicalmente, Make It Happen funciona como una carta de presentación perfecta. El álbum se mueve entre la energía desbordante del hardcore más actual y la versatilidad del rock alternativo, con guiños al grunge y al punk melódico. Temas como “THINK THINK THINK”, “KitKat” o la propia “Make It Happen” son auténticos puñetazos sónicos que podrían medirse sin complejos con nombres internacionales como Turnstile o Refused. Pero Fuet! no se limita a la agresividad: cortes como “LDG” o “Glowing” demuestran una sensibilidad melódica que amplía su registro sin traicionar su esencia.

La voz de Rubén Armisen es otro de los pilares del disco, alternando entre gritos viscerales y pasajes más limpios que recuerdan por momentos a Brian Molko (Placebo). Esa dualidad vocal, sumada a una producción firme de Juan Blas (Nothink, Minor Empires), da como resultado un sonido robusto y moderno, sin caer en clichés. Cada tema tiene su espacio, su color y su intención, mostrando una banda que ha sabido crecer sin prisa, pero con una dirección clara.

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En definitiva, Make It Happen es mucho más que el debut de una joven promesa: es una declaración de principios y una sacudida necesaria dentro del panorama nacional. Fuet! han logrado convertir lo que empezó como una serie de singles dispersos en un álbum redondo, vibrante y con carácter. Si aún no te has cruzado con ellos, es momento de hacerlo: porque, aunque no te guste el fuet, este disco te va a volar la cabeza.

Cuando una figura alcanza el estatus de leyenda viviente dentro del doom metal, el peso de las expectativas puede convertirse en una carga paralizante que empuja hacia la autoimitación o la nostalgia complaciente. Scott “Wino” Weinrich, arquitecto fundamental del sonido de The Obsessed, Saint Vitus y Spirit Caravan, se enfrenta a este dilema con “Create or Die“, su más reciente álbum solista que sigue a “Forever Gone” (2020) tomando una dirección considerablemente diferente. Este no es un regreso triunfal ni un ejercicio de revisionismo histórico, sino algo más visceral y honesto: un hombre creando como si su existencia dependiera literalmente de ello, porque probablemente así sea.

Originalmente concebido como un álbum acústico, las composiciones desarrollaron gradualmente dientes y músculos que demandaban amplificación, baterías y ese kick eléctrico inconfundible que ha definido la carrera de Wino. Esta evolución orgánica del material se refleja en la textura final del disco, donde elementos de classic rock, folk, americana, southern rock y blues se entrelazan con el doom y stoner rock característicos sin que ninguno domine completamente el panorama sonoro. El resultado es un trabajo que tiene más en común estilísticamente con The Obsessed que con la introspección más contenida de “Forever Gone”, aunque opera con una paleta emocional y musical considerablemente expandida.

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“Anhedonia” abre el álbum como un banger directo de stoner rock que establece inmediatamente las credenciales pesadas del disco. El groove es inmediato y familiar para cualquiera familiarizado con el trabajo de Wino, pero hay una urgencia renovada en la ejecución que sugiere que esto no será simplemente otro capítulo del mismo libro. Las vocales de Wino mantienen ese comando autoritario que ha caracterizado su trabajo durante décadas, pero hay una vulnerabilidad subyacente que se hace más evidente conforme avanza el álbum.

El contraste llega abruptamente con “New Terms”, un número semi-acústico que incorpora banjo y bodhrán (tambor irlandés tradicional) en una mezcla inesperada que evoca comparaciones con Stan Ridgway en su capacidad para fusionar elementos folk con peso rock sin que ninguno suene forzado. Este track comienza con un groove inquieto antes de tomar giros sorprendentes donde los instrumentos acústicos se entrelazan con guitarras pesadas, ganando intensidad progresivamente. Es aquí donde la naturaleza camaleónica del álbum se hace más evidente: Wino no está interesado en mantener una consistencia estilística artificial cuando las canciones demandan exploración.

“Carolina Fox” y “Never Said Goodbye” continúan esta exploración de territorios menos transitados en su discografía solista. La última incorpora hebras de energía post-rock que contrastan dramáticamente con las vibraciones más reconocibles de The Obsessed y Spirit Caravan que aparecen en “Hopeful Defiance”. Esta yuxtaposición de influencias podría resultar esquizofrénica en manos menos experimentadas, pero Wino las unifica a través de su presencia vocal distintiva y una honestidad lírica que atraviesa todas las variaciones estilísticas.

“Us or Them” representa uno de los momentos más crudos y directos del álbum, un statement impulsado por riffs que es pesado tanto en sonido como en convicción. El roots-driven blues rock energy que emerge en esta segunda mitad añade una atmósfera granulosa y orgánica que ancla incluso los pasajes más experimentales. “Cold or Wrong” y “Lost Souls Fly” permiten a Wino explorar su propio legado y experiencias personales a través del prisma del doom y stoner rock, creando narrativas que resuenan con una autenticidad de “vida real” que trasciende la postura típica del género.

“Bury Me in Texas” y “Noble Man” funcionan como cierre progresivamente más tranquilo y contemplativo del álbum. El último es particularmente efectivo en su simplicidad despojada: simplemente voz y guitarra demostrando que a veces eso es todo lo necesario para transmitir peso emocional. Esta reducción a lo esencial funciona como declaración filosófica sobre el título del álbum mismo: crear no requiere exceso ni ornamentación cuando la necesidad de expresión es genuina.

La producción mantiene deliberadamente una calidez rugosa que evita cualquier pulido digital excesivo. Los amplificadores prácticamente brillan con presencia en la mezcla, creando una sensación de inmediatez que hace sentir como si Wino estuviera tocando en la habitación contigua. Esta cualidad orgánica es fundamental para el éxito del álbum: nada suena procesado o artificial, sino cálido, áspero y rebosante de vida humana imperfecta.

“Create or Die” puede ser el mejor trabajo solista de Wino hasta la fecha precisamente porque no intenta ser más de lo que necesita ser. Es simplemente un maestro convirtiendo emociones en riffs y frustración en ritmo, probando que el verdadero rock and roll todavía corre por sus venas después de décadas en las trincheras del doom metal.

El nuevo EP de Trivium, Struck Dead, es una descarga de pura rabia concentrada en tres temas que demuestran que los de Florida no han perdido ni un gramo de su fiereza. Es un trabajo breve, directo y brutal, que reafirma a la banda como una de las pocas capaces de mantenerse fiel a sus raíces sin sonar repetitiva. A estas alturas, cuando muchos esperaban un viraje hacia lo cómodo, Trivium responde con un golpe sobre la mesa: siguen tan hambrientos y despiadados como en sus mejores días.

El arranque con “Bury Me With My Screams” es una auténtica declaración de guerra. Matt Heafy alterna melodía y furia con una facilidad insultante, mientras Corey Beaulieu dispara riffs tan afilados que podrían cortar el aire. La canción recuerda a la era Ascendancy, pero con la contundencia técnica que solo años de carretera pueden aportar. Es un tema que no da tregua: suena clásico y moderno al mismo tiempo, como si el pasado y el presente del metalcore colisionaran de frente.

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El segundo corte, “Struck Dead”, es una muralla sonora construida sobre el bajo denso de Paolo Gregoletto y el doble bombo atronador de Alex Bent, que parece querer despertar a los muertos del título. Es el tema más explosivo del EP, una combinación perfecta entre groove, agresividad y un estribillo diseñado para romper cuellos en el mosh pit. Si hay una canción que define el espíritu del disco, es esta: directa, pesada y sin concesiones.

Cierra el trabajo “Six Walls”, una pieza que arranca con un tono engañosamente calmado antes de desplegar toda su oscuridad en un crescendo demoledor. Es el corte más largo y atmosférico del EP, mostrando a Trivium en su versión más introspectiva, pero sin perder la pegada. La sensación final es la de una catarsis total: tres canciones, treinta minutos y un recordatorio de que esta banda no sigue tendencias, las desafía.

En un panorama donde muchos suavizan su sonido para agradar al algoritmo, Trivium se mantiene feroz, honesto y absolutamente inquebrantable. Struck Dead no busca complacer a nadie, sino reafirmar lo que siempre han sido: una fuerza del metal moderno que sigue rugiendo con la misma furia que en sus inicios. Y ojalá sigan así.

Mvrmvr, formación española con gusto por las texturas densas, presenta “Red Hill”, un trabajo que ellos mismos lanzaron el seis de noviembre de 2025. El grupo se mueve entre el post-black metal, el doom y el blackgaze, construyendo un sonido que apuesta fuerte por la atmósfera y los desarrollos progresivos.

El disco se abre con sonidos naturales y guitarras limpias que van marcando el tono antes de que aparezcan solos de aire post-metal. Desde el principio queda claro que Murmur apuesta por composiciones largas, de esas que se cuecen a fuego lento, con pasajes lentos muy influenciados por el doom más pesado.

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A lo largo del álbum, la música adquiere un carácter envolvente mientras las voces se inclinan hacia alaridos afilados propios del black metal. Los instrumentos suenan contundentes y, entre capas, surgen detalles progresivos y toques shoegaze que aportan un punto emocional y expansivo.

Cuando la banda pisa el acelerador emergen ráfagas de tremolo picking y blast beats que endurecen la propuesta. El conjunto juega sin miedo con cambios de ritmo y añade elementos como guturales puntuales, melodías escondidas entre los riffs, susurros y hasta breves pasajes hablados y coros que aparecen hacia el final. La producción es limpia y poderosa, y las letras se sumergen en metáforas de tono ocultista para abordar temas sociales.

En Legends, Sabaton vuelve a presentarnos su mezcla habitual de historias épicas y power metal directo, pero también deja ver que la fórmula empieza a sentirse usada. El disco reúne once relatos sobre figuras históricas conocidas, cada una con su propia carga dramática. La idea es atractiva y, como suele pasar con la banda, la puesta en escena es grande y ruidosa. Aun así, para quienes venimos siguiendo su carrera, se nota que el grupo repite estructuras y trucos que ya dominan, sin dar un salto tan fuerte como en otros trabajos.

La producción es clara y potente, y la participación de todos los miembros en la composición aporta una energía interesante. Sin embargo, esa frescura no alcanza para disimular que Sabaton vuelve a moverse dentro de un esquema muy seguro. Las canciones cargan con el típico ritmo marcial, las voces profundas de Joakim y los estribillos enormes que buscan levantar el puño en alto. Todo funciona, pero pocas veces sorprende. Hay momentos en los que asoma algo distinto, un clima más emotivo o una atmósfera particular, pero son excepciones dentro de un conjunto bastante previsible.

Dicho esto, el álbum no falla por completo. Las historias están bien contadas y tienen esa capacidad de transportar al oyente que la banda sabe manejar desde hace años. La interpretación vocal es sólida, las guitarras rugen cuando tienen que rugir y la base rítmica mantiene el pulso sin flaquear. Incluso cuando la fórmula se siente familiar, Sabaton tiene suficiente oficio como para sostener el interés. El disco fluye con naturalidad y casi no presenta momentos flojos o incómodos.

También ayuda que Legends tenga una duración razonable y no se vuelva pesado. La diversidad de personajes históricos mantiene cierto dinamismo, lo que evita que la repetición se convierta en monotonía total. Aun así, queda la sensación de que el grupo está tan acostumbrado a su propio estilo que le cuesta salirse del molde. No es que necesiten reinventarse por completo, pero sí se nota la ausencia de riesgos reales o giros creativos que renueven el impacto.

En resumen, Legends no es un mal disco; simplemente es Sabaton siendo Sabaton. Para quienes disfrutan de su fórmula, hay mucho aquí para seguir celebrando. Para quienes esperan una evolución más clara, el álbum puede dejar un sabor a “más de lo mismo”. No decepciona, pero tampoco deslumbra. Es un trabajo efectivo, bien producido y lleno de historias llamativas, aunque atrapado dentro de una estructura que, con el tiempo, empieza a mostrar señales de agotamiento.

A veces la excelencia de una obra musical no está necesariamente construida en una reproducción de larga duración. Grandes méritos se han visto en algunos EPs de ciertas bandas por encima de sus mas elaborados LPs. El pasado 22 de octubre Nvlo volvió a los primeros planos con Noxa, su nuevo EP, el que lisa y llanamente reivindica a la banda como una de las mejores actuales de la escena del metal extremo argentino.

La obra, como mencione anteriormente, de corta duración, está conformada por 4 piezas que suman en total unos 13 minutos. Una corta pero explosiva descarga de energía, eso, es lo que mejor resume a Noxa.

Al inicio nos encontramos con “Ambición” que sin dar muchas vueltas arranca con todo el poderío al que Nvlo nos tiene acostumbrado. Una canción que como promete en sus palabras, nos deja con la sensación de sentirnos imparables. Los sutiles pasajes de voces limpias a guturales de Leon son por demás de una excelsa performance vocal.

Sin que uno pudiera distinguir el fin de la primera pieza, comienza “El Ritual” haciendo la escucha muy dinámica y fluida, como si lo que importara es el resultado homogéneo y no cada canción por si sola. Aquí, lo que se manifiesta, es el precio a pagar por los atajos para alcanzar lo tan anhelado.

“El Abismo” tiene una corta pero gran introducción de guitarras. Un tema que, de alguna manera, suena algo diferente a sus 2 predecesoras. Este es el grito de guerra definitivo, el comienzo del desenlace del nudo. La actitud de la banda está representada mejor que nunca en este segmento del disco. El fraseo de Leon, previo al final, es otra clara muestra del gran manejo de matices vocales que hace este joven cantante.

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Y como no podía ser de otra manera, a lo último viene la “Redención” por el fallido proceso de autorrealización. Mi pieza favorita de Noxa sin lugar a duda porqué lo tiene todo. Con una ligera pero mayor complejidad que el resto del disco, al tener pasajes intermedios donde se logra apreciar el cuerpo del bajo, las armonías de las guitarras y el gran trabajo de ambientación de los sintetizadores, es esta canción la que evidencia el gran trabajo que Nvlo viene haciendo con sus producciones.

Noxa no es otra cosa que una obra que viene a saciar la necesidad de escuchar nuevo material de la banda y vaya que lo hace muy bien. De corta duración, si, pero que con esos 13 minutos nos deja más que satisfecho. Un pasaje por 4 etapas de transición que se ven manifestadas en cada una de las piezas.

El arte de tapa es de Dark Blessed, uno de los grandes artistas gráficos que se dedican a este tipo de obras. Todo Noxa es una muestra del gran momento que Nvlo está viviendo. Una banda que relativamente joven pero que ha atravesado por mucho que a otras les llevo más años. A todos los músicos se los nota finamente alineados y con energía, pero sin dudas que la performance de Leon lo pone como uno de los mejores cantantes del momento. A veces, no hace falta más que entusiasmo y vocación para lograr grandes resultados y este disco, es una clara muestra de ello.

A pesar de haber tardado seis años entre Ordhalia, su flamante nuevo disco y Dark Mother, su predecesor con el cual llegaron por primera vez a España acompañando a Infected Rain, los italianos 5rand tienen todo para que 2026 sea su año de explosión definitiva.

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Con la talentosa Julia Elenoir al frente la banda vuelve al ruedo con diez nuevos y feroces cortes, donde continúan la evolución marcada por su trabajo anterior, pero con una mejora más que evidente tanto a nivel musical como de producción.

Y es que ya desde la inicial “Lullaby From the Broken”, vemos una muestra clara de como la oscuridad, la melodía y la brutalidad se siguen dando la mano de manera perfecta a la hora de moldear las canciones de 5RAND.

Pero las cosas comienzan a subir de nivel con “Bloodlife”, el single más reciente de la banda y una patada en el estómago al más puro estilo Infected Rain, Kittie o The Agonist, que ya desde su afiladísimo riff inicial, te deja sin aire y noqueado, sumado a unas voces super agresivas por parte de Julia, que van a sorprender a más de uno.

Lo mismo ocurre con el corte que da título al disco y con ese imponente dueto en “The Nihilist”, donde cuentan con la participación especial de Milo Silvestro, conocido por ser la voz actual de Fear Factory y donde la banda hace un gran uso de su gusto por el groove metal moderno con el toque personal que tiene la banda, con un ritmo trepidante, agresivo y si, con cierta influencia de Fear Factory, Machine Head y los Sepultura de la era Roots, demostrando que a veces si para volver a grabar un disco hay que esperar mucho tiempo, se espera y el resultado puede ser el deseado, aquí 5rand, no solamente aprueban con nota alta, si no que rozan el sobresaliente.

Con “Double Bind”, llegamos al ecuador del álbum, con oscuridad, pasajes muy densos y una Julia que sigue sorprendiendo con el tratamiento que ha dado a su voz en este disco, para desmarcarse un poco de otras bandas lideradas por compañeras como podrían ser perfectamente Arch Enemy y Jinjer, no, 5rand no son una banda más de death metal melódico o groove/djent, aunque se muevan entre ambos estilos, ya comienzan a tener un sello propio y aquí lo evidencian, quizás más en las partes melódicas, ligeramente más accesisibles que en sus dos trabajos previos, pero con el gancho suficiente como para captar a los amantes del metal moderno más pesado.

La segunda mitad del disco, continúa más o menos por la misma senda, ahora bien, si crees que la banda se puede haber “ablandado” en algún momento, espera a escuchar “Turbid”. que ya desde su título, advierten que no vienen a pasar el rato, si no a arrasar con todo a su paso y es que esta es una de las canciones más pesadas, intensas y abrumadoras de la banda hasta la fecha.

Creo firmemente que el disco debería marcar un punto y aparte para la banda originaria de Roma, sin duda es el mejor trabajo de los chicos hasta la fecha y puede ser el principio de una nueva etapa brillante, la cual ha tenido un comienzo inmejorable con estas nuevas canciones, que si todo va bien, harán temblar la escena en los próximos meses y está más que justificado que esto suceda.

Tras dos décadas construyendo un nombre dentro del metalcore, The Devil Wears Prada vuelve con un nuevo álbum que, aunque mantiene cierta calidad en producción y algunas ideas interesantes, confirma un giro evidente hacia terrenos mucho más comerciales. Desde los primeros adelantos ya se intuía un cambio de rumbo, pero escuchando el disco completo la sensación es clara: las guitarras agresivas y la dupla vocal que definía su personalidad quedan en segundo plano para dejar sitio a estructuras pop y estribillos repetidos hasta la saciedad.

El arranque con “Where the Flowers Never Grow” deja una buena primera impresión. Aunque también apuesta por un sonido más suave y lleno de sintetizadores, conserva cierta emoción y una atmósfera que funciona. Sin embargo, el espejismo dura poco. En “Everybody Knows” la banda se sumerge de lleno en un pop-rock demasiado genérico, con guitarras domesticadas y una presencia del vocalista principal tan reducida que cuesta reconocer la esencia de sus trabajos anteriores. Algo similar ocurre en “So Low”, donde los intentos de mezclar partes más pesadas con un enfoque claramente comercial terminan chocando entre sí.

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Hay un pequeño rayo de esperanza con “All Out”, el tema que más recuerda a la banda de siempre. Aquí vuelven los riffs con gancho y la energía que muchos echamos de menos en el resto del disco. Es un corte disfrutable, pero también da la sensación de ser un oasis aislado dentro de un trabajo que parece decidido a alejarse de su identidad. “When You’re Gone” también aporta algo de carácter, con un tono más oscuro y un final potente, aunque el contraste con el resto del álbum resulta demasiado brusco.

La recta final no consigue remontar. “The Silence” se adentra sin complejos en el synth-pop, prácticamente eliminando la presencia instrumental que hizo grande al grupo. “Eyes” y “Wave” mantienen este enfoque suave y centrado en estribillos, pero terminan siendo cortes olvidables que se pierden entre capas de sintetizador y letras que, aunque honestas, no logran dejar huella. La despedida con “My Paradise” confirma esta tendencia, ofreciendo un cierre correcto pero totalmente anticlimático.

En resumen, el disco no es un desastre y tiene momentos disfrutables, pero deja claro que la banda ha apostado por sonar accesible a toda costa. El problema no es que experimenten, sino que la dirección elegida diluye lo que los hacía especiales. El resultado es un trabajo bien producido, con buenos arreglos aquí y allá, pero que transmite la sensación de una banda que ha tirado demasiado hacia lo comercial. Ojalá este desvío sea solo una etapa y no el camino definitivo, porque talento y trayectoria les sobran para recuperar el pulso en su próximo lanzamiento.

Agnostic Front vuelve con Echoes in Eternity reafirmando una verdad que ha acompañado a la banda desde sus inicios: tienen una fórmula, la repiten sin pudor y, a diferencia de muchas agrupaciones que pierden rumbo al aferrarse a patrones gastados, a ellos les sigue funcionando. El nuevo disco es un recordatorio de que el hardcore neoyorquino no necesita reinvenciones grandilocuentes para mantenerse vigente, sólo convicción, calle y una identidad a prueba de modas. Lo que el grupo entrega aquí es exactamente eso: contundencia directa, sin adornos ni desvíos innecesarios.

El álbum, compuesto por quince temas en menos de media hora, se siente como un golpe continuo, compacto y preciso. Desde el inicio con “Way of War”, queda claro que Agnostic Front no contempla la opción de bajar la intensidad. La voz de Roger Miret escupe mensajes de descontento social con la misma autoridad de siempre, reforzada por guitarras afiladas y ritmos que avanzan sin descanso. La banda vuelve a demostrar que la brevedad no es una limitación, sino un arma.

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A lo largo del disco aparecen pequeños giros dentro de su propio marco, pero nunca al punto de diluir su esencia. Canciones como “You Say” empujan la agresividad hacia terrenos casi caóticos sin perder control, mientras que “Matter of Life & Death” incorpora un cruce con el rap callejero que encaja de forma natural, recordando que el hardcore y el hip-hop compartieron la misma acera en Nueva York mucho antes de que las fusiones fueran tendencia. Esta variedad interna es mínima pero suficiente para mantener el pulso del álbum siempre en movimiento.

Temas cortos y demoledores (como “Art of Silence”) muestran que la banda sigue dominando el arte de decirlo todo en pocos segundos. Otros, como “Skip the Trial” o “Turn Up the Volume”, parecen escritos directamente para detonar el caos en vivo. Los solos y detalles melódicos aparecen lo justo, funcionando como ráfagas que enriquecen la mezcla sin comprometer la dureza general. El resultado es un disco que suena fresco sin traicionar el molde de Agnostic Front.

Echoes in Eternity confirma que, mientras muchas bandas de larga trayectoria tropiezan intentando modernizarse o replicar glorias pasadas, Agnostic Front sigue adelante porque nunca ha pretendido ser otra cosa que lo que es. Su fórmula —simple, directa y feroz— continúa siendo no sólo efectiva, sino necesaria dentro de un género que valora la autenticidad por encima de cualquier artificio. Tras décadas de historia, el grupo demuestra que la eternidad también se construye a base de consistencia, actitud y ruido del bueno.

Cuando hablamos de Mägo de Öz, siempre hay alguien que tiene algo que decir, ya sea a favor o en contra, pero lo cierto es que la banda madrileña sigue estando en boca de muchos, por mucho que os pese.

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Por eso con el lanzamiento de Malicia: La Noche de las Brujas, la banda que lidera Txus Di Fellatio y que cuenta ahora con Xana Lavey y Rafa Blas como cantantes ya fijos desde su anterior trabajo, pero ahora afianzados y con confianza, que se ha podido trasladar al conjunto de una obra, a la cual si somos justos, pocos peros le podemos encontrar.

Aunque la idea principal, era la de hacer un disco doble al más puro estilo Gaia II: La Voz Dormida o el histórico Finisterra, al final los chicos han optado por dividirla en dos partes, o al menos eso es lo que Txus ha confirmado en varias entrevistas hablando del álbum y seguramente haya sido una buena idea, porque este disco tiene mucho para ofrecer y analizar en cada escucha.

Así pues, en “Malicia”, corte que da título al disco ya podemos encontrar muchos de los ingredientes habituales de la banda, pero condimentados y adaptados a la actualidad, porque señores ya está bien de pedirles que hagan Gaia o La Leyenda de la Mancha una y otra vez, porque no ponemos un poquito de sensatez y dejamos que la banda siga creciendo, evolucionando y ofreciendo pinceladas de color a un cuadro, que si somos justos, le venía bien una mano de barniz reluciente.

Las voces tanto de Rafa Blas, poderoso como el solo, demostrando que su elección como vocalista para Mägo, no ha sido casualidad ya que el caudal que maneja es muy superior al de su predecesor, mientras que de Xana Lavey, poco podemos decir que ya no sepáis, esta chica es una de las mejores voces de la actualidad en rock nacional y su delicadeza, clase, estilo y pureza vocal le otorga a Mägo un toque aún más especial en varias de las canciones del álbum.

En cuanto a la temática del disco, una vez más, vamos a encontrarnos con una banda abierta a hablar de muchas cosas: Desde el abandono emocional, las crisis internas que uno puede vivir con sus propios demonios o simplemente el aislamiento y auto aislamiento en canciones como “Ríos de Lágrimas” y la escalofriante “No Me Dejes Solo”, ambas de lo mejorcito del disco, con las guitarras de Valieri, Jorge Salan y Víctor de Andrés sonando perfectas y muy bien complementadas unas con otras y es que sin desmerecer a ningún miembro pasado, quizás estos tres tipos son los mejores y más completos hachas que hayan pasado por la formación madrileña hasta la fecha.

Pero luego las cosas se ponen serias en “Mi Cuerpo y Yo Nos Dejamos de Hablar”, seguramente una de las canciones más intensas y excesivamente delicadas en cuanto a letra, en la cual prefiero no hondar porque se te corta la respiración al escucharla y saber que muchas veces, la propia sociedad mira hacia otro lado en situaciones como la que la canción cuenta y que sin duda debería hacer pensar largo y tendido ya no solo a los fans de Mägo si no también a la gente en general.

“Malicia”, por su parte parece como un viaje recordatorio de la historia de la banda, con el ritmo trepidante combinando el heavy/power metal clásico con los aportes celtas en el violín de Moha y la flauta de Diego Palacio y con ese toque rockero que aportan Ix, Jorge y Víctor a las guitarras.

Xana brilla en su parte solista y los coros la acompañan de forma discreta, pero efectiva, dándole el espacio que ella necesita en la pieza.

Cortes como “El Último Rezo”, aportan un toque más moderno y combativo, lleno de fuerza y con un ritmo bastante potente a la vez que accesible, que seguramente no hubiese estado de más en discos como Hechizos, Pócimas y Brujería, mostrando que Mägo de Öz siempre están en la búsqueda de la evolución, de dar con la tecla adecuada para sorprender al oyente y esta canción es un ejemplo de que a veces la encuentran a la primera.

Por supuesto que la parte celta de Mägo jamás se ha dejado a un lado y en este disco no iba a ser la excepción ya que canciones como “La Noche Celta” y “Mil Ojos Tiene La Noche”, así lo certifican y evidencian que ese supuesto “Cambio Musical” de Mägo de Öz, jamás existió, simplemente los años pasan, llegan las tendencias nuevas y la banda de manera muy inteligente (y con algún tropiezo que otro, también es cierto eso) ha sabido integrarlas en su ADN musical y como resultado no quedarse estancados en el 2000 si no como vuelven a demostrar con Malicia, sonar actuales sin perder sus credenciales habituales.

Para ejemplificar esto que apunto, que mejor que escuchar “Los Fantasma de la Fe”, un corte compuesto íntegramente (para que luego no se diga que en Mägo todo lo hace su fundador…) por el señor Ix Valieri y que muestra varios guiños a Ghost, muy bien aplicados y sin sonar a burda copia o intento fallido, si no abriendo un horizonte más que puede dar sus frutos en próximos trabajos.

Vuelvo a repetir que es un disco con muchos matices a descubrir en cada escucha que uno le de y el cual se cierra con el himno positivo “Siempre Juntos”, con el cual Mägo dejan claro que siguen en plena forma, le pese a quien le pese y que la energía que han aportado las incorporaciones más recientes (Xana, Rafa, Chesco, Ix y el regreso triunfal de Jorge Salán), los ha hecho levantar el vuelo con fuerza y sin ninguna intención de mirar al pasado, si no continuar el camino con paso firme y dirección concreta.

Los madrileños Fuet! han decidido hacer honor a su nombre con Make It Happen, un debut que golpea con fuerza, sin pedir permiso y dejando claro que el hardcore estatal tiene nueva sangre corriendo por sus venas. El disco, publicado tras más de un año de lanzamientos por entregas, podría haber corrido el riesgo de sonar como una simple recopilación, pero el quinteto ha sabido hilar cada tema con inteligencia, logrando una obra sólida, directa y con identidad propia.

Formados en pleno caos pandémico de 2020, Fuet! comenzaron con un EP homónimo que ya mostraba su querencia por los riffs afilados y la actitud callejera. Sin embargo, no fue hasta su regreso triunfal en 2023, con un concierto en la Wurlitzer Ballroom de Madrid, cuando la banda encendió de nuevo la mecha. A partir de ahí, no hubo vuelta atrás: una sucesión de singles demoledores, videoclips que cuidaban tanto la estética como el mensaje y un directo que convirtió cada sala en un campo de batalla.

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Musicalmente, Make It Happen funciona como una carta de presentación perfecta. El álbum se mueve entre la energía desbordante del hardcore más actual y la versatilidad del rock alternativo, con guiños al grunge y al punk melódico. Temas como “THINK THINK THINK”, “KitKat” o la propia “Make It Happen” son auténticos puñetazos sónicos que podrían medirse sin complejos con nombres internacionales como Turnstile o Refused. Pero Fuet! no se limita a la agresividad: cortes como “LDG” o “Glowing” demuestran una sensibilidad melódica que amplía su registro sin traicionar su esencia.

La voz de Rubén Armisen es otro de los pilares del disco, alternando entre gritos viscerales y pasajes más limpios que recuerdan por momentos a Brian Molko (Placebo). Esa dualidad vocal, sumada a una producción firme de Juan Blas (Nothink, Minor Empires), da como resultado un sonido robusto y moderno, sin caer en clichés. Cada tema tiene su espacio, su color y su intención, mostrando una banda que ha sabido crecer sin prisa, pero con una dirección clara.

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En definitiva, Make It Happen es mucho más que el debut de una joven promesa: es una declaración de principios y una sacudida necesaria dentro del panorama nacional. Fuet! han logrado convertir lo que empezó como una serie de singles dispersos en un álbum redondo, vibrante y con carácter. Si aún no te has cruzado con ellos, es momento de hacerlo: porque, aunque no te guste el fuet, este disco te va a volar la cabeza.

Cuando una figura alcanza el estatus de leyenda viviente dentro del doom metal, el peso de las expectativas puede convertirse en una carga paralizante que empuja hacia la autoimitación o la nostalgia complaciente. Scott “Wino” Weinrich, arquitecto fundamental del sonido de The Obsessed, Saint Vitus y Spirit Caravan, se enfrenta a este dilema con “Create or Die“, su más reciente álbum solista que sigue a “Forever Gone” (2020) tomando una dirección considerablemente diferente. Este no es un regreso triunfal ni un ejercicio de revisionismo histórico, sino algo más visceral y honesto: un hombre creando como si su existencia dependiera literalmente de ello, porque probablemente así sea.

Originalmente concebido como un álbum acústico, las composiciones desarrollaron gradualmente dientes y músculos que demandaban amplificación, baterías y ese kick eléctrico inconfundible que ha definido la carrera de Wino. Esta evolución orgánica del material se refleja en la textura final del disco, donde elementos de classic rock, folk, americana, southern rock y blues se entrelazan con el doom y stoner rock característicos sin que ninguno domine completamente el panorama sonoro. El resultado es un trabajo que tiene más en común estilísticamente con The Obsessed que con la introspección más contenida de “Forever Gone”, aunque opera con una paleta emocional y musical considerablemente expandida.

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“Anhedonia” abre el álbum como un banger directo de stoner rock que establece inmediatamente las credenciales pesadas del disco. El groove es inmediato y familiar para cualquiera familiarizado con el trabajo de Wino, pero hay una urgencia renovada en la ejecución que sugiere que esto no será simplemente otro capítulo del mismo libro. Las vocales de Wino mantienen ese comando autoritario que ha caracterizado su trabajo durante décadas, pero hay una vulnerabilidad subyacente que se hace más evidente conforme avanza el álbum.

El contraste llega abruptamente con “New Terms”, un número semi-acústico que incorpora banjo y bodhrán (tambor irlandés tradicional) en una mezcla inesperada que evoca comparaciones con Stan Ridgway en su capacidad para fusionar elementos folk con peso rock sin que ninguno suene forzado. Este track comienza con un groove inquieto antes de tomar giros sorprendentes donde los instrumentos acústicos se entrelazan con guitarras pesadas, ganando intensidad progresivamente. Es aquí donde la naturaleza camaleónica del álbum se hace más evidente: Wino no está interesado en mantener una consistencia estilística artificial cuando las canciones demandan exploración.

“Carolina Fox” y “Never Said Goodbye” continúan esta exploración de territorios menos transitados en su discografía solista. La última incorpora hebras de energía post-rock que contrastan dramáticamente con las vibraciones más reconocibles de The Obsessed y Spirit Caravan que aparecen en “Hopeful Defiance”. Esta yuxtaposición de influencias podría resultar esquizofrénica en manos menos experimentadas, pero Wino las unifica a través de su presencia vocal distintiva y una honestidad lírica que atraviesa todas las variaciones estilísticas.

“Us or Them” representa uno de los momentos más crudos y directos del álbum, un statement impulsado por riffs que es pesado tanto en sonido como en convicción. El roots-driven blues rock energy que emerge en esta segunda mitad añade una atmósfera granulosa y orgánica que ancla incluso los pasajes más experimentales. “Cold or Wrong” y “Lost Souls Fly” permiten a Wino explorar su propio legado y experiencias personales a través del prisma del doom y stoner rock, creando narrativas que resuenan con una autenticidad de “vida real” que trasciende la postura típica del género.

“Bury Me in Texas” y “Noble Man” funcionan como cierre progresivamente más tranquilo y contemplativo del álbum. El último es particularmente efectivo en su simplicidad despojada: simplemente voz y guitarra demostrando que a veces eso es todo lo necesario para transmitir peso emocional. Esta reducción a lo esencial funciona como declaración filosófica sobre el título del álbum mismo: crear no requiere exceso ni ornamentación cuando la necesidad de expresión es genuina.

La producción mantiene deliberadamente una calidez rugosa que evita cualquier pulido digital excesivo. Los amplificadores prácticamente brillan con presencia en la mezcla, creando una sensación de inmediatez que hace sentir como si Wino estuviera tocando en la habitación contigua. Esta cualidad orgánica es fundamental para el éxito del álbum: nada suena procesado o artificial, sino cálido, áspero y rebosante de vida humana imperfecta.

“Create or Die” puede ser el mejor trabajo solista de Wino hasta la fecha precisamente porque no intenta ser más de lo que necesita ser. Es simplemente un maestro convirtiendo emociones en riffs y frustración en ritmo, probando que el verdadero rock and roll todavía corre por sus venas después de décadas en las trincheras del doom metal.

El nuevo EP de Trivium, Struck Dead, es una descarga de pura rabia concentrada en tres temas que demuestran que los de Florida no han perdido ni un gramo de su fiereza. Es un trabajo breve, directo y brutal, que reafirma a la banda como una de las pocas capaces de mantenerse fiel a sus raíces sin sonar repetitiva. A estas alturas, cuando muchos esperaban un viraje hacia lo cómodo, Trivium responde con un golpe sobre la mesa: siguen tan hambrientos y despiadados como en sus mejores días.

El arranque con “Bury Me With My Screams” es una auténtica declaración de guerra. Matt Heafy alterna melodía y furia con una facilidad insultante, mientras Corey Beaulieu dispara riffs tan afilados que podrían cortar el aire. La canción recuerda a la era Ascendancy, pero con la contundencia técnica que solo años de carretera pueden aportar. Es un tema que no da tregua: suena clásico y moderno al mismo tiempo, como si el pasado y el presente del metalcore colisionaran de frente.

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El segundo corte, “Struck Dead”, es una muralla sonora construida sobre el bajo denso de Paolo Gregoletto y el doble bombo atronador de Alex Bent, que parece querer despertar a los muertos del título. Es el tema más explosivo del EP, una combinación perfecta entre groove, agresividad y un estribillo diseñado para romper cuellos en el mosh pit. Si hay una canción que define el espíritu del disco, es esta: directa, pesada y sin concesiones.

Cierra el trabajo “Six Walls”, una pieza que arranca con un tono engañosamente calmado antes de desplegar toda su oscuridad en un crescendo demoledor. Es el corte más largo y atmosférico del EP, mostrando a Trivium en su versión más introspectiva, pero sin perder la pegada. La sensación final es la de una catarsis total: tres canciones, treinta minutos y un recordatorio de que esta banda no sigue tendencias, las desafía.

En un panorama donde muchos suavizan su sonido para agradar al algoritmo, Trivium se mantiene feroz, honesto y absolutamente inquebrantable. Struck Dead no busca complacer a nadie, sino reafirmar lo que siempre han sido: una fuerza del metal moderno que sigue rugiendo con la misma furia que en sus inicios. Y ojalá sigan así.