La apertura de la velada en la sala no fue un simple calentamiento, sino una inmersión total en un futuro distópico. A las 19:00, cuando las luces viraron a un rojo industrial y el humo comenzó a invadir el escenario, Wasteland Clan hizo su aparición. La banda alemana no solo ofreció música, sino un concepto visual completo: ataviados con cueros desgastados, protecciones metálicas de desguace y pinturas de guerra que evocaban la estética de Mad Max o Fallout, transformaron el escenario en un páramo de supervivencia.
El asalto sonoro comenzó con “Go to Hell”, un puñetazo de thrash/power metal que presentó sus credenciales. Desde el primer segundo, todas las miradas se centraron en Jessabell Blake. La vocalista es, sin duda, el alma del clan: presencia escénica imponente y una energía que parecía alimentarse del caos. Su rango vocal resultó envidiable, alternando guturales rasgados con estribillos melódicos de enorme potencia.
Sin dar respiro, encadenaron “Unleash the Demon”. Aquí, la sección rítmica —Rayne y Zacharias— ofreció una lección de contundencia: el doble bombo retumbaba en los cimientos de la sala, creando una atmósfera opresiva y adictiva. La guitarra de Mashl J. brilló con riffs afilados que cortaban el aire, tendiendo un puente perfecto entre el metal moderno y las raíces clásicas del género.
Uno de los momentos más coreados fue “All For One”, un himno de hermandad que redujo ligeramente la velocidad, pero elevó la épica. El público, que a esa hora ya llenaba gran parte de la pista, respondió con los puños en alto. La banda regresó pronto a la oscuridad con “Dark Matter”, un tema denso en el que los teclados pregrabados aportaron una capa de ciencia ficción clave para su propuesta.
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El bloque central trajo la crítica social con “Wasted” y “The End of Time”. Fue aquí donde Jessabell Blake lanzó mensajes de resistencia y concienciación, destacando la lucha contra la violencia machista, eje fundamental de su discurso lírico y un valor añadido poco habitual en el género.
No todo fue perfecto. Durante “Murderer”, el sonido se volvió algo embarrado: las frecuencias graves de la sala restaron nitidez a los solos y, por momentos, la voz quedó sepultada. Pese a ello, la banda compensó los problemas técnicos con una entrega física incuestionable.
El cierre, con “Gods of War”, fue apoteósico. Wasteland Clan desplegó toda su artillería rítmica y convirtió la pista en un campo de batalla. Un broche de oro para 40 minutos que supieron a poco y confirmaron su enorme proyección en la escena europea.
Tras este arranque, el relevo llegó con una propuesta radicalmente distinta. Los alemanes Rook Road apostaron por un sonido que bebe del hard rock de los 70, pero con una pegada moderna que encajó a la perfección en la noche.
Desde los primeros acordes de “Heart of the Sea”, quedó claro que el protagonista era el órgano Hammond. Con un rugido que evocaba a Jon Lord, la banda construyó una base sonora rica y profunda. El vocalista Patrick Jost se adueñó del escenario desde el inicio, con un registro potente y una calidez que conectó rápidamente con el público.
El set avanzó con “World of Betrayal”, donde la sección rítmica mostró gran solidez, permitiendo que teclado y guitarra se entrelazaran con naturalidad. “Romeo” y la introspectiva “Sometimes” ofrecieron un respiro, evidenciando su versatilidad entre hard rock, AOR y tintes de blues.
El punto álgido llegó con “Killing The Giant”, que puso a buena parte de la sala a cabecear al unísono. La banda desplegó aquí todo su potencial técnico, con un solo de guitarra impecable y un Hammond desbordante. La intensidad se mantuvo con “Falling” y “Sam Rogers”, confirmando que Rook Road es mucho más que una banda de sonido retro.
Cerraron con “Talk Too Much”, en clave festiva. Para entonces, ya habían conquistado al público barcelonés, que respondió con una ovación cerrada.
La noche culminó con Rage, y lo hizo con la sensación de estar presenciando algo más que un concierto: una reivindicación viva de su legado. La sala Razzmatazz 2, prácticamente llena, respiraba ese ambiente eléctrico tan característico de las grandes citas, donde conviven generaciones distintas bajo un mismo lenguaje sonoro. Camisetas desgastadas de los 80 y 90 se mezclaban con rostros jóvenes, todos reunidos por una misma expectativa.
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Desde la intro orquestal, que retumbó con una solemnidad casi cinematográfica, se percibía que el show estaba planteado como una experiencia total. La entrada de Peavy Wagner desató una ovación inmediata. Su figura, ya icónica, proyecta esa mezcla de cercanía y autoridad que solo poseen los músicos curtidos en décadas de carretera. El arranque con “Resurrection Day” fue fulminante: velocidad, melodía y precisión al servicio de un tema que funciona como puente entre el presente y el pasado de la banda.
Uno de los aspectos más destacables fue el equilibrio sonoro. A diferencia de otros momentos de la noche, Rage logró domar la acústica de la sala, ofreciendo una mezcla clara donde cada instrumento encontraba su espacio. Este control permitió apreciar mejor los matices de las composiciones, especialmente en los pasajes más técnicos.
Peavy Wagner se erigió como eje absoluto del concierto. No solo por su papel como bajista y vocalista, sino por su capacidad para dirigir emocionalmente el show. Sus intervenciones entre canciones, breves pero sinceras, reforzaron la conexión con el público. Su voz, lejos de mostrar desgaste, mantiene ese carácter rasgado que añade personalidad a cada interpretación.
Jean Bormann, por su parte, asumió el reto de sostener el legado guitarrístico de la banda con una solvencia admirable. Su ejecución fue precisa, pero también expresiva. En temas como “Unity”, logró recrear la complejidad neoclásica sin caer en la mera reproducción, aportando matices propios que enriquecieron la interpretación. Su química con Peavy fue evidente, especialmente en los momentos en los que ambos compartían protagonismo escénico.
En la batería, Vassilios “Lucky” Maniatopoulos aportó no solo solidez técnica, sino también dinamismo visual. Su forma de tocar, intensa y física, elevó la energía del directo, convirtiéndolo en un espectáculo también desde lo gestual. Su precisión en los cambios de ritmo fue clave para mantener la tensión narrativa del concierto.
El repertorio funcionó como un recorrido inteligente por la historia de la banda. Las canciones más recientes, como “Freedom” o “The Age of Reason”, se integraron con naturalidad junto a clásicos incontestables. Lejos de percibirse como bloques separados, el set fluyó con coherencia, mostrando una evolución sólida y consistente.
El tramo central fue especialmente celebrado. “Solitary Man” y “Black in Mind” desataron la respuesta más visceral del público, con pogos espontáneos y un nivel de participación que convirtió la pista en un hervidero. Sin embargo, el momento más emotivo llegó con “Don’t Fear the Winter”, donde la comunión entre banda y público alcanzó su punto máximo. La canción trascendió su condición de clásico para convertirse en un auténtico ritual colectivo.
Tras una breve pausa, los bises mantuvieron el listón alto. “Straight to Hell” aportó un tono más oscuro y pesado, preparando el terreno para el cierre definitivo. “Higher Than the Sky” no fue solo una canción final, sino una celebración extendida. La banda jugó con el público, alargando el tema en un intercambio constante de cánticos y respuestas, generando una sensación de complicidad difícil de replicar.
Más allá de la ejecución técnica, lo que realmente destacó fue la honestidad del espectáculo. Rage no necesita artificios: su fuerza reside en la coherencia de su propuesta y en una conexión genuina con su audiencia. En una escena en constante cambio, su capacidad para mantenerse relevantes sin renunciar a su esencia es, quizá, su mayor logro.
Tres bandas, tres estilos y una sola pasión. Desde la rabia distópica de Wasteland Clan, pasando por el alma retro de Rook Road, hasta la veteranía imbatible de Rage, se vivió una noche de heavy metal auténtico, honesto y, por encima de todo, memorable
La apertura de la velada en la sala no fue un simple calentamiento, sino una inmersión total en un futuro distópico. A las 19:00, cuando las luces viraron a un rojo industrial y el humo comenzó a invadir el escenario, Wasteland Clan hizo su aparición. La banda alemana no solo ofreció música, sino un concepto visual completo: ataviados con cueros desgastados, protecciones metálicas de desguace y pinturas de guerra que evocaban la estética de Mad Max o Fallout, transformaron el escenario en un páramo de supervivencia.
El asalto sonoro comenzó con “Go to Hell”, un puñetazo de thrash/power metal que presentó sus credenciales. Desde el primer segundo, todas las miradas se centraron en Jessabell Blake. La vocalista es, sin duda, el alma del clan: presencia escénica imponente y una energía que parecía alimentarse del caos. Su rango vocal resultó envidiable, alternando guturales rasgados con estribillos melódicos de enorme potencia.
Sin dar respiro, encadenaron “Unleash the Demon”. Aquí, la sección rítmica —Rayne y Zacharias— ofreció una lección de contundencia: el doble bombo retumbaba en los cimientos de la sala, creando una atmósfera opresiva y adictiva. La guitarra de Mashl J. brilló con riffs afilados que cortaban el aire, tendiendo un puente perfecto entre el metal moderno y las raíces clásicas del género.
Uno de los momentos más coreados fue “All For One”, un himno de hermandad que redujo ligeramente la velocidad, pero elevó la épica. El público, que a esa hora ya llenaba gran parte de la pista, respondió con los puños en alto. La banda regresó pronto a la oscuridad con “Dark Matter”, un tema denso en el que los teclados pregrabados aportaron una capa de ciencia ficción clave para su propuesta.
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El bloque central trajo la crítica social con “Wasted” y “The End of Time”. Fue aquí donde Jessabell Blake lanzó mensajes de resistencia y concienciación, destacando la lucha contra la violencia machista, eje fundamental de su discurso lírico y un valor añadido poco habitual en el género.
No todo fue perfecto. Durante “Murderer”, el sonido se volvió algo embarrado: las frecuencias graves de la sala restaron nitidez a los solos y, por momentos, la voz quedó sepultada. Pese a ello, la banda compensó los problemas técnicos con una entrega física incuestionable.
El cierre, con “Gods of War”, fue apoteósico. Wasteland Clan desplegó toda su artillería rítmica y convirtió la pista en un campo de batalla. Un broche de oro para 40 minutos que supieron a poco y confirmaron su enorme proyección en la escena europea.
Tras este arranque, el relevo llegó con una propuesta radicalmente distinta. Los alemanes Rook Road apostaron por un sonido que bebe del hard rock de los 70, pero con una pegada moderna que encajó a la perfección en la noche.
Desde los primeros acordes de “Heart of the Sea”, quedó claro que el protagonista era el órgano Hammond. Con un rugido que evocaba a Jon Lord, la banda construyó una base sonora rica y profunda. El vocalista Patrick Jost se adueñó del escenario desde el inicio, con un registro potente y una calidez que conectó rápidamente con el público.
El set avanzó con “World of Betrayal”, donde la sección rítmica mostró gran solidez, permitiendo que teclado y guitarra se entrelazaran con naturalidad. “Romeo” y la introspectiva “Sometimes” ofrecieron un respiro, evidenciando su versatilidad entre hard rock, AOR y tintes de blues.
El punto álgido llegó con “Killing The Giant”, que puso a buena parte de la sala a cabecear al unísono. La banda desplegó aquí todo su potencial técnico, con un solo de guitarra impecable y un Hammond desbordante. La intensidad se mantuvo con “Falling” y “Sam Rogers”, confirmando que Rook Road es mucho más que una banda de sonido retro.
Cerraron con “Talk Too Much”, en clave festiva. Para entonces, ya habían conquistado al público barcelonés, que respondió con una ovación cerrada.
La noche culminó con Rage, y lo hizo con la sensación de estar presenciando algo más que un concierto: una reivindicación viva de su legado. La sala Razzmatazz 2, prácticamente llena, respiraba ese ambiente eléctrico tan característico de las grandes citas, donde conviven generaciones distintas bajo un mismo lenguaje sonoro. Camisetas desgastadas de los 80 y 90 se mezclaban con rostros jóvenes, todos reunidos por una misma expectativa.
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Desde la intro orquestal, que retumbó con una solemnidad casi cinematográfica, se percibía que el show estaba planteado como una experiencia total. La entrada de Peavy Wagner desató una ovación inmediata. Su figura, ya icónica, proyecta esa mezcla de cercanía y autoridad que solo poseen los músicos curtidos en décadas de carretera. El arranque con “Resurrection Day” fue fulminante: velocidad, melodía y precisión al servicio de un tema que funciona como puente entre el presente y el pasado de la banda.
Uno de los aspectos más destacables fue el equilibrio sonoro. A diferencia de otros momentos de la noche, Rage logró domar la acústica de la sala, ofreciendo una mezcla clara donde cada instrumento encontraba su espacio. Este control permitió apreciar mejor los matices de las composiciones, especialmente en los pasajes más técnicos.
Peavy Wagner se erigió como eje absoluto del concierto. No solo por su papel como bajista y vocalista, sino por su capacidad para dirigir emocionalmente el show. Sus intervenciones entre canciones, breves pero sinceras, reforzaron la conexión con el público. Su voz, lejos de mostrar desgaste, mantiene ese carácter rasgado que añade personalidad a cada interpretación.
Jean Bormann, por su parte, asumió el reto de sostener el legado guitarrístico de la banda con una solvencia admirable. Su ejecución fue precisa, pero también expresiva. En temas como “Unity”, logró recrear la complejidad neoclásica sin caer en la mera reproducción, aportando matices propios que enriquecieron la interpretación. Su química con Peavy fue evidente, especialmente en los momentos en los que ambos compartían protagonismo escénico.
En la batería, Vassilios “Lucky” Maniatopoulos aportó no solo solidez técnica, sino también dinamismo visual. Su forma de tocar, intensa y física, elevó la energía del directo, convirtiéndolo en un espectáculo también desde lo gestual. Su precisión en los cambios de ritmo fue clave para mantener la tensión narrativa del concierto.
El repertorio funcionó como un recorrido inteligente por la historia de la banda. Las canciones más recientes, como “Freedom” o “The Age of Reason”, se integraron con naturalidad junto a clásicos incontestables. Lejos de percibirse como bloques separados, el set fluyó con coherencia, mostrando una evolución sólida y consistente.
El tramo central fue especialmente celebrado. “Solitary Man” y “Black in Mind” desataron la respuesta más visceral del público, con pogos espontáneos y un nivel de participación que convirtió la pista en un hervidero. Sin embargo, el momento más emotivo llegó con “Don’t Fear the Winter”, donde la comunión entre banda y público alcanzó su punto máximo. La canción trascendió su condición de clásico para convertirse en un auténtico ritual colectivo.
Tras una breve pausa, los bises mantuvieron el listón alto. “Straight to Hell” aportó un tono más oscuro y pesado, preparando el terreno para el cierre definitivo. “Higher Than the Sky” no fue solo una canción final, sino una celebración extendida. La banda jugó con el público, alargando el tema en un intercambio constante de cánticos y respuestas, generando una sensación de complicidad difícil de replicar.
Más allá de la ejecución técnica, lo que realmente destacó fue la honestidad del espectáculo. Rage no necesita artificios: su fuerza reside en la coherencia de su propuesta y en una conexión genuina con su audiencia. En una escena en constante cambio, su capacidad para mantenerse relevantes sin renunciar a su esencia es, quizá, su mayor logro.
Tres bandas, tres estilos y una sola pasión. Desde la rabia distópica de Wasteland Clan, pasando por el alma retro de Rook Road, hasta la veteranía imbatible de Rage, se vivió una noche de heavy metal auténtico, honesto y, por encima de todo, memorable
