Hermética X Pato Strunz, el flamante proyecto internacional de Claudio Strunz que interpreta canciones de su ex-banda, va a presentarse en El Teatrito el próximo 5 de diciembre. Desde TrackToHell nos pusimos en contacto con el querido baterista para conversar sobre lo que se viene.

Están bastante ocupados, ¿qué me podés contar de la gira que se viene?

Estamos con el inicio de Volver al Origen Tour 2025. Estamos en Happy Together que es la productora en la cual estamos trabajando, en Caballito. Ya hace unas dos semanas que estamos acá en Argentina ensayando. Mañana arrancamos la gira, así que hoy tuvimos un ensayo muy, muy intenso, como seis horas. Estamos muy felices.

¿Ya tuvieron una fecha en Los Ángeles, verdad?

Exactamente, el debut fue en Los Ángeles. Yo estoy viviendo en Miami. Tanto Pablito como Nico viven ahí, al lado.

¿Quiénes conforman la banda? ¿Tiene que ver con Ithaca, que es el proyecto que presentaste el año pasado?

Sí, sí, y ese proyecto sigue estando. Pero en esta oportunidad arrancamos con Hermética X Patro Strunz y acá en Argentina el bajista es Marcelo Bracalente, de Jerikó, Chino Gorosito en guitarra y bueno, la voz en todos lados es Niko García y Pablo Giménez, un hermano venezolano que tenemos tocando la guitarra en Estados Unidos y que nos está acompañando en toda la gira acá también. Así que estamos muy contentos de empezar esta gira. Nos tomó por sorpresa la cantidad de fechas que salieron. La verdad que es increíble todas las fechas que hay , está buenísimo.

Hablando del vocalista, Niko García, a mí me gustó, por los temas que escuché que grabaron, cómo se adapta al registro de Ricardo, pero también el de O´Connor.  Por ejemplo en Del Camionero, que tiene que combinar ambos y queda bien en los dos.

La verdad que sí. Y esto es el inicio… no es que yo estaba buscando hacer algo, digamos, como Hermética X Pato Strunz, sino que  yo estaba en Estados Unidos, tenía otro proyecto, de hecho tenía un tributo a Pappo también porque tocábamos en el circuito latino. Y un día me llamaron, me dijeron si no quería ir a un show que había, que era un tributo a Los Redondos y tributo a La Renga. Y bueno, por suerte fui, por esas cosas de la vida, porque yo estaba recién llegado a Estados Unidos y estaba justo ese día solo y me mandé. Y cuando salió Maltratados, que es el tributo a La Renga que tiene Niko García y dije wow, loco ¿de dónde salió? Impresionante el vozarrón que tenía, la impronta, la actitud, la energía y dije epa, cómo canta este loco. Ahí nos pusimos a charlar después del show y dijimos cuándo vamos a comer un asado, juntémonos. Yo ahí ya ví a alguien que me sorprendió, porque tenía todo lo que tiene que tener un cantante. Entonces lo primero que le propuse fue que yo hacía mucho tiempo que quería grabar un tema que era El Inventor del Mal, de Los Antiguos. Justo él conocía la banda y le gustó la idea. Empezamos con eso y cuando lo escuché cantar El inventor del Mal digo “este tipo puede cantar las canciones de Hermética”. Y bueno, ahí empezamos a desarrollar el proyecto, y acá estamos.

¿Cómo se explica que Hermética, tanto tiempo después, sigue vigente? Incluso más que antes, me atrevo a decir.

Y es increíble porque a través del paso del tiempo, Hermética nació como una banda musical, pero se convirtió en un fenómeno social. Entonces creo que eso fue el pasar diferentes barreras y estar en el tiempo. El que escucha heavy metal, siente el heavy metal, no es una moda. Entonces a través de los años sigue estando, por su mensaje, por sus letras. Entonces llegó un momento donde obviamente la gente tomó como propias esas canciones. las letras y ahí es como que se disparó. La gente está enamorada de esas canciones, y hacen que siga la llama viva. ¿Eso es increíble, no? Yo siempre digo que a mí me van a cerrar la tapa del cajón y me va a seguir gustando Hermética. Y son mis versiones estas. Ahora era una muy buena oportunidad para poder plasmar canciones que quizás no estaban tan bien grabadas, grabarlas de nuevo con un audio nuevo, fresco, moderno y creo que eso se nota en el trabajo que hicimos. Estamos muy contentos de cómo está funcionando, de cómo quedó el registro de las canciones y en particular como está siendo recibido el proyecto.

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Ya grabaron algunas canciones.

Sí, estuvimos un montón de tiempo ensayando las canciones hasta que dijimos “bueno, es el momento de grabar algo”. Y la primera canción que grabamos fue Tú Eres Su Seguridad, en conjunto con Atravesando Todo Límite y Vida Impersonal. De estas tres canciones, la única que tiene video es Tú Eres Su Seguridad que está grabado en Marquee Studios, una sala de ensayo hermosa que hay allá en Miami, que es donde ensaya Nicko McBrain. Un lugar alucinante. Y grabamos ahí que tienen un estudio, la verdad es un lugar muy lindo. Pero después yo no quedé conforme con cómo había quedado la mezcla. Y justo yo venía para Argentina y llamé a mi gran amigo Álvaro Villagra, que es el que grabó absolutamente todo. Y le digo Alvarito, necesito que me mezcles esto. Pero por supuesto me dijo… fui una tarde, fuimos a comer algo, y lo mezcló en unas tres horas al tema. Es una bestia. Así que feliz, feliz de volver a trabajar con él, que es una eminencia, más allá de que sea mi amigo. Y ahí fue como el puntapié, fue muy bien recibido el video, con no sé qué cantidad de vistas tiene. Esa fue la punta de lanza que hizo que las otras dos canciones salieran pero en audio, no en video, vía los formatos digitales.

Después de eso, nos propusieron de Realm26, que es un estudio, grabar un streaming. Y yo le dije mirá,  grabémoslo así en formato en vivo, pero no lo streamiemos. Grabamos y lo mezclamos bien, porque yo soy un hinchapelotas del audio. En el medio habíamos firmado el contrato con Happy Together, que es una una productora acá de Buenos Aires, para el contenido digital y demás. Ahí se grabó el último disco de Charly García, por ejemplo. y bueno, empezamos a trabajar juntos, grabando también otras cosas y ahí se fue terminando de mezclar. En Realm26 hicimos cinco canciones más. Ayer se estrenó “Del Camionero”, que es la cuarta canción. Y la última canción que queda, que todavía está sin estrenar, es Robo un Auto.

Con respecto a tu estilo de tocar, de aquellas versiones originales que grabaste con Hermética ¿ahora, cambiaste algo, las fuiste adaptando? Porque son canciones que tocaste toda tu vida.

Exactamente, más de treinta años. Básicamente están tocadas como las grabé. La diferencia es obviamente el audio que se está usando, el sampleo, las baterías. Pero lo que es tocadas son los mismos arreglos porque a mí me gusta respetar como son. Una de las cosas que yo tenía en la cabeza cuando fuimos a grabar estas canciones era respetar la esencia de esas canciones. Entonces es como que para mí era súper específico tocarlas igual, o sea en la impronta. Después obviamente va a cambiar porque usas un audio nuevo, un audio más moderno… producir la canción desde otro lado desde el aspecto del audio. Pero en la tocada respetar la esencia.

Para dar la  misma sensación que tiene el  que escuchó los discos toda la vida, ¿no?

Exactamente. Y sí, lo que tiene de color, obviamente, es que Nico es un cantante muy versátil y que está como en el medio, ¿no? En el medio de Ricardo y de Claudio. Pero obviamente lo comparan con el Chizzo porque él ama La Renga, y es increíble como canta esas canciones también. Pero creo que obviamente encontró su lugar, encontró su impronta Y hoy tiene su estilo, es su versión. La verdad yo estoy muy contento. En cada canción como que le ponía un poquito más de sal a la cosa y quedó increíble, espectacular.

Los esperamos a todos el 5 de diciembre en El Teatrito, con Hermética X Pato Strunz. Vamos a tocar veinte canciones de Hermética, seguramente vamos a tener un par de invitados. Están todos invitados para participar de lo que seguramente va a ser una gran fiesta de Heavy Metal

Muchas gracias, Pato.

El año ha sido muy movido para los chicos de Ancient Settlers y es por este motivo que me junté con ellos para saber un poquito la actualidad de la banda y como afrontan el 2026 con sus nuevas integrantes.

Muy buenas chicos, aquí os escribe Lucas de Tracktohell y quería saber cómo nace la idea de volver a grabar “Autumnus” y cómo fue reencontrarse con aquellas canciones en manos de dos vocalistas nuevas como Nía Creak y Noelia FJ.

¡Muy buenas, Lucas! Un placer volver a saludarte.

La idea de revisitar Autumnus llevaba tiempo rondándonos. Ese EP fue nuestro primer paso como banda y, aunque le tenemos muchísimo cariño, siempre sentimos que las canciones podían expandirse y llegar más lejos con los medios y la madurez que tenemos ahora. 2021 fue un momento clave para nosotros, pero también un punto de partida muy distinto al actual.

Reencontrarse con esos temas ha sido casi como abrir un viejo diario. Ves lo que eras, lo que querías decir y cómo has crecido desde entonces. Y, por supuesto, contar con Nía y Noelia ha sido decisivo: han aportado nuevas texturas, nuevos enfoques vocales y una energía completamente renovada. No se limitaron a “interpretar” las canciones, sino que las hicieron suyas, respetando el espíritu original pero llevándolo a otro nivel.

Justamente de Nía, quería saber cómo surge la idea de sumarla a la banda y qué os ha aportado ella a nivel profesional en el repertorio.

La idea de incorporar a Nía surgió casi de manera natural. Queríamos ampliar el abanico de rangos vocales, para dotar de mayor personalidad al proyecto. Ya le conocíamos y sabíamos que entendía la esencia melódica pero agresiva del proyecto y que se entendería fácilmente con Noe.

Profesionalmente ha aportado muchísimo: presencia escénica, potencia, una interpretación muy emocional y una visión fresca a la hora de plantear líneas vocales. Ha hecho que algunas canciones cobren un nuevo significado y ha añadido capas que antes no existían.

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Este verano habéis compartido escenario con Ignea, ¿cómo fue la experiencia?

Increíble. Ignea son una banda que admiramos desde hace años y compartir escenario con ellos ha sido un verdadero placer. Más allá del hecho artístico, son personas cercanas, humildes y muy generosas. Su energía en directo es brutal, y eso siempre te impulsa a dar un poco más en tu propio show.

Además, compartir espacios con bandas que trabajan tan duro te recuerda por qué hacemos lo que hacemos y por que es importante ser humildes y consistentes.

Ancient Settlers es uno de los nombres propios del metal pesado actual junto a Bloodhunter, Death & Legacy o Hiranya, ¿cómo veis la escena actual en España?

La escena está en uno de sus mejores momentos. Hay muchísimas bandas trabajando a nivel internacional, con propuestas sólidas, profesionales y con una identidad marcada. El metal español ha dejado de ser “promesa” para convertirse en una realidad.

Lo que necesitamos ahora es que el público, los promotores y los medios sigan apoyando ese crecimiento, porque el talento está ahí y la profesionalidad también. España está exportando metal de primer nivel y eso es motivo de orgullo.

¿Cómo vivisteis el ciclo de Oblivion’s Legacy y qué supuso para vosotros fichar con Scarlet Records?

El ciclo de Oblivion’s Legacy fue un punto de inflexión. Fue un álbum muy trabajado, muy personal y con una producción que nos permitió crecer musicalmente. Lo vivimos con mucha intensidad: fueron 38 conciertos en 14 países, salas, festivales… muchas anécdotas y grandes dificultades, además de videoclips, eventos… y sobre todo mucho aprendizaje.

Firmar con Scarlet Records fue un enorme paso adelante. Para nosotros significó entrar en una plataforma internacional que entiende el tipo de música que hacemos y que trabaja con bandas que admiramos. Sentimos que el álbum tuvo una visibilidad que habría sido difícil obtener en solitario y eso nos abrió muchas puertas, por lo que en general ha sido un paso importante para la banda, sin ninguna duda.

Nía y Noelia, ¿Cuáles fueron las vocalistas que os inspiraron a cantar este tipo de sonido?

Nía: Mis influencias vienen de vocalistas que combinan técnica con mucha personalidad, como Rocío Jurado, Nino Bravo y dentro del metal Amy Lee o Noora de Battle Beast, todas las vocalistas que han intervenido al frente de Nightwish o Britney de Unleash the Archers. Siempre me ha inspirado esa capacidad de moverse entre lo melódico y lo extremo sin perder emoción. Además, de sentir que parte de mi influencia proviene de voces teatrales o cinematográficas.

Noelia: Tengo muchísimas influencias porque siempre me ha interesado entender las distintas técnicas y colores que se pueden conseguir dentro del metal extremo. Me inspiran vocalistas muy versátiles como Peter Tägtgren (Hypocrisy), Tatiana Shmayluk (Jinjer), Maurizio Iacono (Kataklysm), Mikael Stanne (Dark Tranquillity) y Mikael Åkerfeldt (Opeth), porque dominan múltiples registros y saben mover la emoción dentro de la agresividad.

También admiro a Angela Gossow y Alissa White-Gluz (Arch Enemy), así como a Nergal (Behemoth), por la forma tan clara en la que articulan incluso en registros extremos.

De las voces más graves me han marcado muchísimo Simone “Som” Pluijmers (Cerebral Bore) y Mallika Sundaramurthy (Abnormality), por la profundidad y brutalidad de sus guturales.

En el extremo contrario, me flipan los agudos de Dark Funeral, esa tensión tan afilada que manejan.

Y luego está Jeff Walker (Carcass), que admiro por la naturalidad con la que hace parecer fácil algo que en realidad es muy complejo. Cada vocalista me aporta algo distinto, cada uno tiene su porqué, ¡jajajaj!

¿Y que si me los he estudiado a todos? Sí, tengo diseccionadas todas sus técnicas guturales, ¡jajajaj!

¿Cuáles son los planes para la banda de cara a 2026? ¿Habrá gira nacional, festivales…?

El 2026 será un año intenso, pero con otra perspectiva. De momento tenemos previsto seguir presentando Autumnus y ya estamos trabajando en nuevo material para nuestro 3er Lp. Nuestra intención es combinar fecha por la península con algunos conciertos en Europa, además de volver a festivales —algo que siempre disfrutamos muchísimo.

No podemos confirmar todas las fechas todavía, pero sí podemos decir que habrá movimiento, y del bueno.

La Armada nació en Santo Domingo con una visión política y punk, tras emigrar a EE.UU., evolucionaron mezclando hardcore con ritmos caribeños y se consolidaron en Chicago. Su nuevo sencillo “Over” aborda la explotación histórica en República Dominicana y adelanta un sonido más experimental rumbo a su próximo EP “Ofensas”.

Para quienes aún no los conocen, ¿cómo nació La Armada y cuál fue la visión inicial del proyecto cuando comenzaron en República Dominicana? 

La Armada nace en Santo Domingo en 2001, poco después de la llegada del internet a nuestra isla, descubrimos el mundo del punk y hardcore, con el cual nos identificamos, políticamente, el país salía de una dictadura de más de 12 años, y nos vimos reflejados más en la estética punk que en el grunge o el hair metal, que en ese entonces era más popular en el país.

La visión inicial fue denunciar las atrocidades cometidas por el gobierno dictatorial de Joaquín Balaguer, quien gobernó durante nuestra niñez, incluso, la banda se dio a conocer cuando nuestra primera canción “Ha Muerto Ya” se viralizó localmente, al celebrar la muerte del ex tirano y por el subsecuente Partido de Liberación Dominicana, quien fue conocido por su corrupción y estuvo al mando durante nuestra adolescencia.  

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¿Qué desafíos encontraron al salir de la escena dominicana para expandirse a otros países, y cómo esos retos moldearon su sonido e identidad? 

El primer reto fue emigrar a Estados Unidos: aprender a vivir y adaptarse a las normas de un país nuevo y rígido, al principio, estábamos en un pueblo pequeño en Florida, donde no eran comunes los latinos, mucho menos los dominicanos. 

Emigrar influyó bastante en nuestro sonido, estando ya inmersos en el circuito de conciertos, fuimos expuestos a subgéneros como el power-violence y el grindcore, si bien no son nuestro plato principal, dejaron huella en nuestro estilo. 

Otro reto fue aprender a ser una banda de giras, pasamos de un país pequeño, con una sola ciudad para conciertos de rock, a estar expuestos a 50 estados y miles de ciudades, poco a poco aprendimos sobre logística, rendimiento y cómo hacer funcionar la operación con pocos recursos, tocamos casi una década en circuitos independientes (casas, sótanos y bares) hasta que finalmente comenzamos a girar de forma profesional. 

Su música mezcla hardcore punk con ritmos caribeños y una fuerte carga política y social. ¿En qué momento decidieron que esa fusión sería parte esencial de su ADN como banda? 

Como inmigrantes, empiezas a añorar lo que dejaste atrás, ya establecidos en Estados Unidos, la música de nuestros padres “a la que nos rebelamos de niños” comenzó a atraernos, ese deseo por conectar con nuestras raíces nos llevó a explorar esos ritmos, entendimos que incorporarlos nos diferencia, pero no lo hacemos por hacerlo, sino cuando tiene sentido y aporta a la música. 

Mirando hacia atrás, ¿cuál consideran que fue el punto de quiebre o el momento que les permitió consolidarse fuera de su país? 

El punto de quiebre fue mudarnos de Florida a Chicago, allí encontramos una escena de música pesada en español que opera de forma independiente a la anglosajona, esto nos dio un espacio para pertenecer y experimentar, la atención que captamos en esa escena hizo que nuestro nombre comenzara a sonar en los circuitos anglosajones, y así hemos venido construyendo camino e identidad propia. 

¿Qué aspectos de la realidad dominicana siguen presentes en su música y mensajes, a pesar del tiempo viviendo fuera? 

Seguimos abordando el neocolonialismo: cómo potencias, empresas e ideales del primer mundo aún extraen recursos de Latinoamérica sin devolver nada, esto va desde lo político (como la situación de EE.UU. en Venezuela), lo corporativo (la extracción de oro de Barrick Gold en nuestro país) hasta lo mental y cultural (el consumo de contenido en redes que termina por extraer más que aportar).
Ese mensaje de cuestionar esas realidades sigue vigente y nuestro país sigue siendo parte de ese contexto. 

Hablemos de su nuevo sencillo “Over” —¿Cuál fue la inspiración detrás de este tema y qué mensaje buscan transmitir con él? 

“Over” está inspirada en una novela dominicana del mismo nombre sobre la explotación en los campos de caña de azúcar durante la ocupación norteamericana de la isla, la novela usa anglicismos que la canción a su vez honra con frases en inglés. El coro dice: “El hombre por hombre, traiciona su ser en nombre del poder,” resaltando competencia versus cooperación; ley de jungla versus comunidad.

A nivel musical, ¿qué diferencia a “Over” de sus trabajos anteriores? ¿Hay nuevas influencias o elementos sonoros que quisieron explorar? 

Musicalmente, la canción se construye sobre un groove que sube y baja en intensidad, manteniendo la atención del oyente, al final, el ritmo y la música se vuelven espaciales y el vocalista recita un pasaje desgarrador del libro: “¿Dónde aprendiste a humillar así?”. Esta progresión musical refleja la intensidad emocional y temática de la historia detrás de la canción.

Ese universo sonoro del final es parte de lo que vamos a venir incorporando mas en las composiciones.  

Finalmente, ¿qué sigue para La Armada luego de este lanzamiento? ¿Podemos esperar un nuevo disco, giras o colaboraciones próximamente?

Acabamos de cerrar nuestro ciclo de giras de 2025 con una gira de tres semanas por el oeste de Estados Unidos junto a Agnostic Front y Strung Out, ahora el enfoque será continuar lanzando sencillos hasta completar el EP “Ofensas”, con nuestras composiciones más desafiantes. 

“Ofensas” es una invitación a mirar adentro y a cuestionar cómo la sociedad moderna influye en el hombre, musicalmente, buscamos equilibrio entre lo memorable y lo experimental; para eso hemos colaborado con percusionistas y compositores afrocaribeños, también, en partes del disco, el reto fue simplificar hasta que el mensaje o la melodía fueran el centro. 

Los tarraconenses CRIM acaban de estrenar su nuevo álbum Futur Medieval, confirmando una vez más que el punk catalán no tiene freno y que al mismo tiempo las canciones siguen bien presentes. Hablamos con Adrià Bertran (voz y guitarra) y Quim Mas (guitarra) sobre su nuevo trabajo y cómo es mantener una banda en un mundo tan volátil. 

TTH: Primero quería agradecerle a la banda y a toda la gente de la organización por poder hacer esta entrevista, y también agradecerles a ustedes por la nota. Quería, como suelo hacer, empezar preguntándote cómo vienen las cosas con la banda. Hace poco tuvieron el recital en la previa de Refused y ahora van a sacar un nuevo disco, así que deben estar bastante atareados con todo eso.

Quim: Bueno, a tope, tío, muy muy a tope. La promo del disco, todo es bastante jaleo, y encima hemos tenido fechas importantes durante todo este proceso. Pero bueno, como se puede, se va llevando.

TTH: Sí, encima, por lo que tengo entendido, la banda para ustedes es algo de tiempo completo. Al menos la última vez que vi, no tenían otro trabajo aparte ni nada de eso, sino que viven de esto.

Quim: Bueno, sí, tenemos trabajos aparte, pero el grupo es lo principal hoy en día. Tenemos trabajos que nos permiten dedicarle el tiempo que necesitamos a CRIM. Siempre que tenemos que ir a tocar afuera o lo que sea, podemos organizarnos. Además, todos trabajamos bastante dentro del mundo de la música, de una forma u otra, así que más o menos se puede intentar cuadrar todo.

TTH: Ah, sí, sí, sí. Uno escucha a las bandas que hablan de tener que balancear entre el trabajo que tienen, y a veces tienen que pedir vacaciones para poder hacer alguna gira internacional o lo que sea. Suena como una locura.

Quim: Y eso fue así toda la vida para nosotros también, hasta que llegó un punto en el que, por suerte, CRIM pasó a ser la prioridad. Pero bueno, además todos tenemos otras bandas y seguimos igual.

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TTH: Así que ahora tienen un nuevo álbum, Futur Medieval. Quería que me cuenten un poco acerca de esto. Ya sé que es una observación muy obvia, creo que fue lo primero que aparecía en las entrevistas que hicieron., que el título muestra un contraste entre el futuro y lo medieval, lo que se considera como “primitivo”. ¿Cuál es la idea detrás de ese título y del álbum en general?

Adrià: Bueno, pues el mundo actual, ¿no? Es un contraste, pero tal como lo es el mundo. Nos pareció una buena manera de definirlo, de seguir hablando de lo que está ocurriendo, mezclando lo del pasado y lo del futuro. Esa sería, supongo, la idea principal.

TTH: Lo primero que pensé cuando vi el título fue en todos esos lugares del mundo donde están, por ejemplo, eligiendo políticos cuya idea de campaña es “vamos a volver a esa época”, “vamos a retroceder en el tiempo a una era que consideramos mucho mejor”, porque este avance ya no da más. Eso fue lo primero que se me vino a la cabeza.

Adrià: Pues era la intención, pero está bien. [Risas]

TTH: ¿Cómo describirían el sonido de este nuevo álbum? Obviamente, CRIM es una banda que no sé si tiene muchos cambios de estilo ni nada de eso. No me parece que vaya tanto por ese lado, pero ¿cómo describirían la idea detrás del sonido de este nuevo disco? ¿Cómo se lo plantearon?

Quim: Bueno, sigue siendo CRIM. A la primera se nota claramente que seguimos siendo nosotros, pero en este disco las canciones son un poco más distintas entre sí de lo habitual, algo que siempre intentamos hacer. Hay bastantes momentos duros, bastante cañeros, canciones rápidas, y también algunos experimentos, cosas un poco más raras, sonidos nuevos… pero siempre sin dejar de lado nuestro sonido básico, ese que es característico, pienso yo. Que apenas escuchas diez segundos, ya sabes que somos nosotros.

TTH: Sí, obvio, obviamente. Creo que no van a dejar el punk de lado ni nada de eso… por ahora, me imagino. Ya sé que hoy en día uno dice “no, nunca vamos a abandonar nuestro estilo” y todo eso, pero bueno, mañana quién sabe. Aunque es difícil que pase. Claramente, cuando uno lo escucha, dice: “esto es CRIM”.

Quim: ¡Es lo que sabemos hacer!

TTH: Yo mencionaba antes que hace poco estuvieron como teloneros de Refused. ¿Cómo fue esa experiencia?

Adrià: Muy increíble, una sensación muy fuerte de haberlo conseguido. No era un sueño que yo tuviera marcado como “tengo que tocar con Refused”, pero cuando estábamos ahí fue una sensación bastante impresionante. Además, tocamos en Madrid, que no es nuestro terreno, pero sí tenemos público ahí, cosa que todavía nos sorprende. Y aparte, el privilegio de tocar con una banda que además te elige, porque de las propuestas que les hicieron entendemos que la nuestra les pareció bien, fue un honor increíble. Además, nos lo pasamos súper bien, fue un conciertazo, creo.

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TTH: Saber que ustedes estuvieron como teloneros de Refused, pero también han hecho covers de bandas como Turbonegro y Cock Sparrer, creo que dice bastante sobre el sonido de CRIM. Esto que mencionamos antes, que si bien es una banda punk, toma influencias de diferentes lugares al momento de hacer sus canciones.

Quim: Sí, nosotros siempre hemos escuchado música muy variada y fuera del punk rock. Pero la gracia del punk en general es que abarca tantos subgéneros, estilos y grupos. Siempre nos impactó mucho cuando una banda salía con algo nuevo, como Refused, por ejemplo, que hace más de 20 años propuso algo distinto. Nosotros éramos chavales y alucinamos cuando apareció ese nuevo concepto, que era hardcore, sí, pero con esta elegancia. A nosotros siempre nos ha interesado tanto lo clásico, como Cock Sparrer y los primeros del género, como también cuando descubrimos cosas más nuevas, por ejemplo Turbonegro o Refused. Somos bastante abiertos, y creo que eso se nota bastante a la hora de componer. No nos ceñimos a un estilo o a un tipo de sonido determinado. No hay muchas canciones que suenen solo a Ramones o solo a algo específico, porque nos gusta mezclar todas las influencias y naturalmente nos sale. Es natural, supongo.

TTH: Mezclar todo y ver cómo sale, ver lo que surge a partir de eso.

Quim: Claro, que se note que somos cuatro personas con nuestras bandas favoritas y nuestras propias ganas de hacer. Es algo bueno, creo, que pasa entre nosotros, que tenemos esa polivalencia de gustos. Al final siempre sale algo genuino, aunque tenga colores distintos, y eso está guay.

TTH: Esto es una cosa que se menciona en cada entrevista y ya creo que deben de tener un poquito hinchadas las pelotas con esto, como se diría acá, pero tengo que mencionarlo y voy a tratar de hacerlo una sola vez. Siendo obviamente una banda que canta en catalán, lograron tocar en Alemania, en Francia, en Inglaterra, en Portugal, incluso una vez en Estados Unidos, en el festival este… ¿cómo era? Punk…

Adrià: Punk & Bowling.

TTH: Punk & Bowling. ¿En qué lugar les gustaría tocar donde no lo hayan hecho ya? ¿Dónde dicen “fa, cómo me gustaría tocar en este lugar específico”, pero todavía no se dio por ahora?

Adrià: ¡En Corea del Norte!

TTH: Ah bueno, sí. ¡Laibach hizo eso!

Adrià: ¿Laibach? Normal, normal. Es que van vestidos como si fueran ya, o sea, que quedarían super disimulados entre las filas militares.

TTH: Bueno, ellos cumplieron el sueño, así que…

Adrià: A ver, no sé… Es que en mi caso hemos tocado en muchos más sitios de los que nunca hubiera soñado, imaginado o planteado haberlo hecho. Entonces, ya como decimos aquí, un canto en los dientes, no sé si está satisfecho en este aspecto o qué. No es una cuestión de “buah, ahora lo siguiente sería tocar aquí”. Siendo consecuentes, siendo sinceros y honestos con lo que hacemos, creo que hemos llegado mucho más lejos de lo que… no sé, muchas veces hemos tenido la sensación de “¿Qué coño hacemos aquí? ¿Qué es esto? ¿Cómo hemos llegado acá? ¿Qué es esta maravilla?”. Así que no sé, sitios nuevos, muchos no… en Japón, hombre.

Quim: A ver, yo creo que a veces sí. Últimamente comentamos lo de Latinoamérica, que nunca hemos estado, y sí… Y Asia, a mí me haría mucha ilusión tocar en China, por ejemplo, o en Japón. En Japón ya ni te digo, pero sí, Colombia, México, Argentina, también Chile, que hay bastante movida. Alguna vez nos han propuesto, pero mira, no ha cuadrado, y yo creo que puede ser lo próximo.

TTH: Y lo que decían acerca de pensar en el lugar en el que están… Obviamente, cuando uno arranca una banda, o sea, cuando ustedes arrancaron, me imagino que no se imaginaban estar en el lugar donde están ahora.

Adrià: Claro, es que es eso.

Quim: No imaginábamos ni tocar en Barcelona, que está a 100 kilómetros, o sea que sí. Ya cuando nos invitaron la primera vez fue como: “Hostia, pues bueno, pues vamos”. De hecho, tocamos antes en Barcelona que en Tarragona muchas veces. ¡Ya era como irse de gira mundial para un grupo como CRIM!

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TTH: Creo que fue en una entrevista que ustedes habían dado, que en un momento mencionaron a Berri Txarrak, la banda vasca, y decían que ellos son más aceptados en el País Vasco que ustedes en Barcelona o en Tarragona.

Adrià: Bueno, fueron unas declaraciones con las que tampoco estamos muy de acuerdo, porque tampoco era eso, era el clickbait. Es que en la situación de la conversación se sacó eso, se extrajo ese titular. 

TTH: Ah sí, entiendo.

Adrià: Realmente a mí me tocó mucho la polla. O sea, no no no pensamos eso tampoco, la verdad, porque al final depende de la gente, no de las instituciones.

TTH: Obvio obvio, no es que estén obligados.

Adrià: O sea, el tema es que creemos que seguramente en Cataluña hay un trato hacia la música más político, y en el País Vasco hay otro. Esto sí que es verdad. Aparte, con todo el respeto a lo que han logrado Berri Txarrak en su carrera y todos los esfuerzos que han hecho, quiero decir que, estén donde estén, lo han hecho bien, y no pretendíamos con este comentario ser comparados.

TTH: Sí, sí, sí, sí. Tampoco es que la gente de tal región tenga que sentir una obligación con una banda de su propia región.

Adrià: Obvio, obvio.

TTH: Sí, hablando de entrevistas, esta vez no tan clickbait como esa, recuerdo una frase que, parafraseando, decía: “El punk sigue siendo necesario al menos como forma de resistencia cultural”. Y creo que eso es extremadamente cierto, mencionaba acá a Quim que tenemos esta época donde hay políticos de ciertas tendencias queriendo mostrarse como contraculturales y todo eso, pero vos analizás un poquito y te das cuenta de que no es así. Y encima tenés gente, que ustedes seguro habrán leído algún comentario así, que decía algo como: “En esta época, ahora lo punk es ser conservador”.

Adrià: [Risas]

Quim: Realmente es una tontería que se digan esas cosas, cuando hay motivos más que de sobra para seguir haciendo punk y sintiéndose así. No hace falta que venga de otros colectivos o de ideas totalmente contrarias, porque no es así, o sea, hay motivos de sobra, vamos. Cada uno en su parcela, tanto musical como en esto que dices tú, que a veces dicen “Ahora lo punk es ser conservador”. No sé, no sé dónde le ve la gente que dice eso la lógica.

Adrià: Bueno, eso normalmente lo dice gente conservadora que quiere ser aceptada como algo rompedor, seguramente, ¿no? Eso no lo dirá la gente de que no lo seamos.

TTH: Sí, gente que en su vida fue a un recital punk, en muchos casos. Y tal vez incluso les espantaría la idea.

Adrià: ¡Seguramente!

TTH: Mencionábamos antes esto de que cuando uno arranca una banda no se puede imaginar tal cual cómo va a ser dentro de unos años. Tal vez uno arranca una banda con la idea de ser una estrella de la música en nada de tiempo, y eso no se da. Y a veces uno arranca una banda pensando que va a tocar en un par de bares y termina tocando en un estadio al poco tiempo. Y viendo lo que era Crim sobre los inicios, cuando empezaron a delinear las cosas de la banda, porque yo creo que al inicio no tenían muy en claro, por ejemplo el tema del idioma, que al principio iban a cantar en inglés y después decidieron: “No, vamos a cantar en catalán porque es el idioma que utilizamos todos los días”. ¿Cómo creen que evolucionó la banda desde sus inicios? No necesariamente en temas de popularidad, sino cómo creen que evolucionó tanto en el sonido como en la manera de trabajar.

Adrià: Bueno, te lo vas tomando más en serio y vas viendo que cuanto más das, más te exige. Es muy distinto empezar una banda, cargar un coche con lo que quepa, te metes en el coche y te vas a una ciudad más o menos cercana, a cuando la cosa se pone más seria: vas tocando cada vez más, vas necesitando más gente que te ayude, más equipo, sonar mejor, intentarlo, invertir tiempo y dinero. Se ha ido profesionalizando sin querer, y hemos notado ese cambio desde cuando empezamos, que era simplemente un accidente bonito, a tener que mantener ese accidente y hacerlo aún más bonito. Hemos tenido que tomárnoslo de la misma manera, pero más en serio, supongo. Si antes era simplemente quedar para ensayar a ver qué salía con unos amigos, pues ahora es mantener esto, que es difícil después de cinco discos. Y la única manera de mantenerlo o mejorarlo es dando cada vez más de nosotros.

TTH: Cuando arrancan la idea era, “Ah, sí, un día podemos agarrar y tocar en Barcelona, que está acá cerca”, y ahora es “Pudimos tocar en Alemania o en Francia”, uno no se imagina eso. Aparte de este Futur Medieval, ¿qué se viene en el “futuro medieval” de CRIM? ¿Qué tienen planeado?

Quim: Ahora presentar el disco por todo lo que se pueda. Nos vamos a Alemania ahora dentro de dos semanas y luego empezamos la gira de salas por Cataluña, por el resto de la península, y luego veremos. Supongo que nosotros siempre hacemos una gira más larga luego por Europa. Supongo que a final de este año, no está todavía planeado, nos gustaría salir a algún sitio que nunca hayamos estado. Si puede ser, eso el tiempo lo dirá. Pero básicamente ahora estaremos bastante atareados con esto. No estamos pensando en empezar a componer otra vez, ¿no? Esto todavía no ha salido este, pues vamos a darle su tiempo y presentarlo en todos los sitios que nos dejen.

TTH: Próximamente, no sé, Andorra.

Quim: Ya estuvimos hace poco. [Risas] En un festival, sí.

TTH: Bueno, San Marino, otro lugar chico.

Quim: [Refiriéndose a Andorra] Lo tenemos a tres horas. Ya hemos estado un par de veces, pero bueno.

TTH: ¿Qué querrían decirle a los que va a estar escuchando el nuevo disco Futur Medieval, a la gente que los va a estar viendo en vivo, a todos? ¿Qué querrían decirle a todos ellos?

Adrià: Pues darle las gracias por dedicar tiempo a esto, que sabemos que es lo más caro que hay hoy en día: la atención, el tiempo, no sé, ocupar la cabeza y el corazón de la gente, pues es increíble. Así que nada, agradecer el tiempo y que les guste el disco, obviamente. ¿Quim?

Quim: Nada, esperamos que les guste a quien tenga el rato para escucharnos y muchas gracias, de verdad. Nosotros todavía lo agradecemos después de unos cuantos discos. Es tanto esfuerzo que después, si viene alguien y te dice: “He escuchado el disco, pero no me ha gustado tanto”, bueno, pero ya lo has escuchado.

TTH: ¡No se puede contentar a todo el mundo!

Quim: No no, faltaría más. Nosotros hacemos lo que nos gusta a los cuatro, y luego, si gusta, pues mejor. Nadie lo puede negar. 

TTH: Si gusta, bien, y si no, bueno, ¿qué se le va a hacer? No se puede con todos. 

Quim:  Haremos otro. [Risas]

Moths es una de las bandas de metal más interesantes que hayan salido del caribe en los últimos años. Su intensa mezcla de prog, stoner y avant-garde es una gran muestra de que los estereotipos de música regionales se han visto cada vez más empequeñecidos con el auge de la propagación de música digital, tanto así que este tipo de bandas pueden llegar a países como México, compartiendo un metal que por lo general se espera de latitudes más específicas, como es el caso de su gira que empezará por nuestro territorio este próximo 20 de noviembre en Puebla. En este contexto, tuvimos la suerte entrevista a Weslie Negrón, bajista de esta excepcional banda de Puerto Rico.

Esta gira por México los llevará a Puebla, Morelia, CDMX y Querétaro. ¿Cómo se sienten ante su primera visita al país y qué esperan del público mexicano?

Nos sentimos super ansiosos de presentarnos por primera vez en México. Desde siempre hemos escuchado sobre lo apasionado que son los mexicanos sobre el Metal y poder llegar a experimentar eso de primera instacia es algo que nos emociona mucho. Estamos preparados para dar mucha energía y esperamos recibirla igualmente del público presente.

¿Cómo surge la idea de los pecados capitales para “Septem” y qué buscaban transmitir con este concepto?

La idea surge de un artículo que leí hace mucho tiempo en National Geographic que hablaba de los demonios que la iglesia Católica le asignaba a cada uno de los pecados. Al leerlo pensé que sería una excelente idea para tenerlo como concepto de un disco y poder presentar la experiencia audiovisual del mismo con buen arte proyectando los demonios, etc. Al pasar los años y poder presentarle la idea a la banda, se convirtió en un ejercicio muy interesante en la cual tratamos de, dentro nuestro estilo y percepción, poder crear la atmósfera que cada uno de los pecados transmite. En relación a las letras no quería que fuera otra crítica a la Iglesia o a la religión, más bien una exploración interna sobre los pecados y como se aplican en nuestro día a día, así pudiendo tener introspección y poder tratar de ser mejores seres humanos. Al final, dentro de nuestra manera muy peculiar, creo que llegamos a lograrlo.

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¿Qué impacto tuvo en el sonido final del disco el haber grabado en Argentina y haber masterizado con Jens Borgen en Suecia?

Muchísimo. Yo digo que este disco es tanto argentino como es puertorriqueño. Las condiciones en la cuales grabamos este disco en Argentina influyeron mucho en la composición final de algunas de las canciones, al igual que el sonido persé, ya que en Romaphonic, el estudio donde grabamos, nos asignaron un equipo de primera que entendió el sonido y la intención de lo que estabamos haciendo. Estuvimos 1 semana grabando todos los instrumentos, con sesiones de hasta 10 horas corridas, la cual fue un proceso totalmente nuevo para nosotros. La masterización con Jens Bogren llevó el sonido del disco a un nivel que es esperado de alguien que tiene el resumé que él tiene. Yo llevaba mucho tiempo queriendo trabajar con él ya que ha trabajando en mucho de mis discos favoritos y es un placer ser parte de su lista de discos trabajados. Estamos contentos con el resultado final.

En comparación con Space Force, ¿cómo describirían la evolución de MOTHS en este nuevo material?

Este nuevo material es mucho más oscuro, menos experimental que lo que hicimos en “Space Force”. Diría que también es un poco más al grano que lo que es nuestro material anterior. Eso pasó también por las circunstancias en las cuales escribimos estos temas. De hecho, dos de los temas los terminamos en el estudio y de ahí parte esto. También al ser el primer material que grabamos con Mariel en las voces, le da un tono único al incluir sus influencias de Metal sinfónico, el cual es algo que no habíamos experimentado anteriormente. Tenemos influencias más extremas como de death y black metal, el cual somos fanáticos, pero no habíamos implementado anteriormente en nuestra música. Al final, pienso que esto es un escalón a lo que de verdad puede llegar a ser nuestro sonido y eso me emociona porque explorar con eso significa que hay mucho más potencial dentro de nosotros que le podemos sacar provecho.

¿Cómo logran mantener cohesión entre tantas influencias distintas?

Creo que esto funciona porque somos una banda que nos reunimos en persona a escribir estos temas, explorar los “riffs” y lo que salga mientras y tenemos conversaciones de lo que creemos que funciona y lo tratamos sin prejuicios. Al final es la mezcla de un montón de influencias individuales que terminan cuajandose y ser nuestro sonido. Pero como dije anteriormente, creo que todavía no hemos llegado a lo que de verdad sería nuestro sonido y eso suena como una aventura muy divertida.

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¿Qué podrá esperar el público mexicano de sus shows en esta gira?

Mucha energía. Vamos a estar tocando “Septem” en su totalidad y varios temas más. Puede esperar calor boricua y un show bien genuino. Somos una banda totalmente en vivo, donde cada show puede tener algo distinto ya sea porque queremos tener mas un “jam” o puede ser más heavy, todo depende de la energía que recibamos de vuelta.

¿Qué es lo que más esperan de esta experiencia, qué es lo que más han escuchado hablar de México?

En realidad es experimentar la energía y la pasión del público mexicano sobre el Metal. Hemos escuchado de lo mucho que se viven este estilo de vida y es algo que no es muy usual acá en PR, aunque hay mucha pasión por el Metal también. Otra cosa que de verdad estamos bien curiosos es de explorar las ciudades a donde vamos dentro del tiempo que podamos al igual que la gastronomía, eso está #2 en nuestra lista de prioridades, jajaja.

Puerto Rico no siempre aparece en el mapa del metal latinoamericano. ¿Qué significa para ustedes llevar esa bandera y representar a su escena fuera del Caribe?

La realidad es que Puerto Rico es muy rico en bandas de Metal, la escena lleva viva desde finales de los 80s con muchos buenos exponentes que, por una razón u otra, no han tenido la exposición que merecen. No creo que necesariamente nosotros seamos la única banda que esté “cargando la bandera” ya que hay múltiples bandas que nos están representando a nivel internacional, pero sí puedo decir que nos llena de mucho orgullo y es parte de nuestra responsabilidad dejarle saber a la gente que acá se hace buen metal también. Puerto Rico, generacionalmente, ha tenido excelentes músicos en distintos géneros musicales y el Metal no se queda atrás.

¿Hay algo más que quieran hacer saber a nuestros lectores?

Sigan apoyando las bandas independientes del país y/o género que les gusta, esto es esencial para el continuo crecimiento del género a nivel mundial. Aunque no necesitemos la cobertura de medios principales, es un movimiento que significa mucho más que solo la música que se consume. Muchas personas consideran esto como su comunidad, su casa, donde único son entendidos y debemos valorar y cuidar eso. ¡Los esperamos en nuestros shows en México!

Desde Getafe, Mvrmvr emerge como una de las propuestas más inquietantes y profundas del metal atmosférico español. Su nuevo trabajo, Red Hill, es un álbum conceptual que entrelaza historia, simbología, crítica y emoción, tomando como eje el Cerro de los Ángeles y su carga espiritual, política y social. En esta entrevista, la banda nos habla sobre la gestación del disco, sus influencias, su relación con la ciudad y la manera en que transforman el dolor histórico en arte sonoro.

• Red Hill es un álbum conceptual muy ambicioso. ¿Cómo definirían la historia que quieren contar y cómo conecta con su ciudad y su historia?

Red Hill es un álbum muy conectado con nuestra ciudad y nuestras vivencias. De ahí toma el nombre, Cerro Rojo, pero en inglés obviamente, en referencia al nombre que se le dio al Cerro de los Ángeles en un corto periodo de tiempo en 1937. El Cerro de los Ángeles, que hay quien lo considera centro geográfico de la Península, es un lugar cargado de simbolismo e historia, pero para nosotros representa un catalizador de dolor y represión que se alza en forma de monumento religioso.

Tal vez mucha gente de Getafe, o de cualquier parte de España, no conoce o no ha hecho por conocer todo lo que representa este lugar. Es cierto que el disco no se centra únicamente en un episodio durante la Guerra Civil, sino que abarca mucho más, desde épocas pasadas hasta lo que supone este monumento para nosotros en la actualidad.

• Han trabajado con Víctor Saiz en California Studios para grabar, mezclar y masterizar el disco. ¿Cómo influyó su trabajo en la atmósfera final del álbum?

Víctor es un gran profesional y California Studios es un lugar inmejorable para grabar hoy en día en Madrid. Ya teníamos la experiencia previa de trabajar juntos con Pvtrefactio y el resultado fue muy positivo. En esta ocasión las dos partes nos conocíamos mejor y todo ha fluido con mucha naturalidad y entendimiento.

A la hora de tomar decisiones existe cierto diálogo, siempre escuchamos y respetamos las sugerencias de Víctor y algunas de las decisiones recaen sobre él. En todo momento buscamos un sonido orgánico, que todo suene bien pulido pero real. Además, a la hora de grabar el ambiente siempre es muy distendido, sin nada de presión, y así las cosas salen mejor.

El resultado final, mezcla y masterización, nos parece que tiene ese sello de identidad de California. Es una gozada escuchar un metal tan oscuro, con tantos matices y elementos, y sentir que todo está en su sitio, que todo tiene protagonismo.

• La portada de Azahara G. Martínez refleja un ambiente muy oscuro y simbólico. ¿Qué importancia tiene el arte visual para la narrativa de Red Hill?

Creemos que lo habéis definido muy bien, el Cerro de los Ángeles es un lugar lúgubre y oscuro. A priori puede parecer un lugar de paz y reconciliación. De hecho, creemos que la Iglesia así lo pretende. Pero a nada que tengas una mirada crítica, te das cuenta de que es una colina cargada de muerte y de odio.

Todo esto se trata de transmitir desde esa portada sobria, que de alguna manera supone una mirada invertida a la historia, a lo que la mayoría dormida puede creer hoy en día. Si subes hasta la cima y entras en el templo, es un lugar que realmente da miedo.

Luego tenemos ese sentido reforzado de que la portada del disco es realmente lo que es: ahí tienes el Cerro Rojo, renovado tras su destrucción. Lo que una vez fue destruido, a día de hoy se eleva aún más alto (666 metros para ser exactos), alzado por la dictadura franquista como un elemento de control que te vigila desde cualquier parte allí arriba. De alguna manera, nosotros queremos bajarlo de ahí.

• El disco aborda la relación entre la Iglesia y la dictadura franquista en el Cerro de los Ángeles. ¿Qué los motivó a explorar ese episodio histórico desde una perspectiva musical?

Al final es una herida abierta, y cada ciudad, cada pueblo de España tendrá su propio Cerro de los Ángeles. No diremos que este punto negro en la historia de España —que hemos tenido muchos, pero quizá este sea el más grande de todos— no haya sido tratado antes por otros artistas. Sin embargo, creemos haber hecho un acercamiento diferente, tal vez más profundo, más cercano y, desde luego, mucho más incómodo.

Parece un cliché que una banda de metal europea ataque a la Iglesia, y en parte es cierto, porque muchos lo hacen vagamente desde la fe o desde la ficción. Nosotros no hablamos de demonios, ni rituales, ni invocaciones, tampoco tratamos de ser despectivos con una fe milenaria. Creemos que vamos a un problema mucho más tangible, que señala a una entidad y una cúpula a los que la religión les importa bien poco. En la Iglesia como institución en España anidó el mal por mucho tiempo y fue el azote para muchos españoles tan humildes como inocentes.

• Su sonido mezcla post black, blackgaze, atmospheric black, doom y toques progresivos. ¿Cómo trabajan para mantener coherencia entre tanta diversidad sonora?

Mantener la coherencia es tan importante como complejo. Hemos tenido grandes disputas para poder hacer sonar todo lo más aunado y coherente posible. Al final somos una banda que tratamos de pulir mucho todos los aspectos, quizá más de lo que deberíamos, aunque luego da sus frutos.

A todos nos gustan diferentes estilos, incluso géneros más allá del metal, y la música hay que disfrutarla. Por esta mezcla, Red Hill es un disco muy ameno, que invita a ser reescuchado y no se hace pesado. El post metal, donde intentamos mantenernos, ofrece mucha libertad y muchas posibilidades. Las canciones tan largas, con estructuras tan variables, suponen un reto como músicos, pero también un universo infinito en el que probar y jugar.

• Las letras de Red Hill contienen metáforas ocultistas y ritualísticas. ¿Qué papel juega lo simbólico y místico a la hora de componer música tan intensa y envolvente?

Para nosotros es crucial, ya que nos da la libertad de poder decir lo que queremos de una forma más velada, que invita al oyente a leerse las letras, analizarlas y reflexionar sobre ellas. Nos gusta que las personas que nos escuchan saquen sus propias conclusiones acerca de lo que se habla en la canción, así como utilizar estos recursos más “místicos” para poder reivindicar temas sociales y mundanos, jugando con esa antítesis.

Además, a nivel personal, encontramos mucha inspiración en la simbología alquímica, el ocultismo y las tradiciones.

• Algunos comparan su estilo con Amenra, Deafheaven o Mgła. ¿Cuáles son sus principales influencias y cómo las adaptan a su propio universo sonoro?

Para nosotros es todo un honor, ya que son tres bandas que nos han influenciado mucho a lo largo de estos años en Murmur.

También tenemos influencias muy variadas y dispares entre nosotros, y creemos que eso se transmite en nuestra música. Vemos esto como algo muy positivo, ya que nos ayuda a no sonar repetitivos o “parecidos a”, intentando siempre crear algo original.

Para este álbum yo citaría a una banda pilar en nuestras influencias: los irlandeses Altar of Plagues, sobre todo en Red Hill 2, así como ya en algunos temas de Pvtrefactio.

Las partes más pesadas y atmosféricas tal vez nos acerquen a proyectos como Amenra, mientras que las secciones más melódicas y de blackgaze evocan a Deafheaven o Heretoir. Por último, con Red Hill siempre citamos ese intento de dotar al disco de un lado ‘folk’, ya que hablamos sobre lugares de nuestra ciudad natal, con influencias de Agalloch, Wolves in the Throne Room o Falls of Rauros.

• Red Hill parece buscar una experiencia sensorial completa para el oyente. ¿Cómo trasladan esa intensidad y atmósfera a sus conciertos?

Tiene cierta complejidad, especialmente después de los dos videoclips tan ambiciosos que hemos podido realizar, llevar un directo que no quede carente en comparación.

Nosotros vemos nuestro directo como un añadido a esa experiencia. Siempre intentamos cuidar la escenografía y el vestuario para generar un ambiente propicio. Como nuestras letras, nuestros conciertos tienen ese tono ritualístico llevado a cabo por Beatriz (la vocalista). Para este álbum, hemos cambiado la propuesta a una mucho más sobria, que evoque a la nostalgia y al dolor. Ahora más que un ritual, llevamos a cabo un rito de sepultura, una despedida.

A nuestro vestuario también le hemos dado un toque más bélico, desgastado, mientras que Beatriz luce como una plañidera que transmite esa frialdad y ese lamento mientras guía el rito en sí mismo.

• Tras Red Hill, ¿qué dirección imaginan para Murmur? ¿Más exploración conceptual, nuevos elementos musicales o mantener la misma senda atmosférica y oscura?

Ahora mismo, y aun estando tan centrados en la salida del álbum, tenemos ideas puestas sobre la mesa. Lo conceptual, así como ese tono oscuro y reflexivo, es algo que caracteriza la esencia de la banda, por lo que seguirá apareciendo en nuestros nuevos trabajos.

A nivel musical, intentamos ir evolucionando, aprendiendo y llevando la madurez que da la experiencia a nuestros temas. Tampoco somos una banda que se cierre a las pretensiones ligadas a un género determinado, por lo que creemos que lo que venga en el futuro mantendrá nuestra esencia, pero seguirá siendo una nueva cara a descubrir de Murmur.

Tras varios años de separación y proyectos aparte, los abanderados del hardcore argentino Nueva Etica estuvieron de regreso para reunirse con sus fans el domingo 9 de noviembre en el Teatro Flores, en una fecha tan violenta y catártica como emotiva. Para esta ocasión hablamos con el guitarrista Lisandro Guerra sobre tan esperada fecha.

—Muchas gracias a todos en Nueva Ética por darnos tiempo para esta entrevista. ¿Cómo vienen las cosas ahora con la banda? ¿Cómo se están dando los preparativos para la fecha de regreso?

Hola a todos, muchas gracias por brindarnos este espacio y por tomarse el tiempo en realizarnos esta entrevista. Estamos laburando a full para que la noche el 9 de noviembre en el Teatro Flores sea una velada única e inolvidable, un reencuentro de lujo con tantos amigos de la banda que no vemos hace mucho.

—¿Cómo se sintió reunir a Nueva Ética después de casi una década y media?

Una felicidad enorme poder volver a preparar a la máquina para estar en un escenario, en nuestro hogar, ya que la ultima vez que pudimos juntarnos fue en un gira por EE.UU. así que no podemos más de las ganas.

—¿Creen que la escena hardcore haya cambiado en estos años que Nueva Ética estuvo alejado de los escenarios?

Por supuesto que si. Es algo natural, la escena hardcore siempre va cambiando con las décadas, ingresa nueva gente, nuevas bandas, pero a pesar de eso la esencia siempre es la misma.

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—He visto gente joven, que lo más seguro no haya podido verlos durante esa primera etapa, descubriendo a Nueva Ética en estos años. ¿Creen que mantener joven a la escena es algo importante?

La escena es un lugar de encuentro de jóvenes y no tan jóvenes con las ganas de unos y la experiencia de los otros, es lo que a la larga genera los mejores momentos y esta claro que sin los jóvenes se marchitaría irremediablemente.

—Hablando acerca de la fecha en el Teatro Flores, ¿cómo armaron la lista de canciones? ¿Cuáles creen que tienen sí o sí que estar presentes en un concierto de Nueva Ética?

Con la lista buscamos un equilibrio entre los temas de todos las épocas para que gente que no vio nunca a Nueva pueda saber de qué se trataba y los más conocedores se sientan satisfechos de que escucharon los temas que querían escuchar. Son varios que no pueden faltar.

—Creo que la pregunta obvia es acerca del futuro. ¿Qué viene después de esta fecha para el futuro de Nueva Ética? ¿Cuáles son los planes?

La verdad es que ni nosotros mismos sabemos a dónde nos llevará la vida, ahora estamos enfocados en esta fecha para dar lo mejor, después mientras estemos juntos quien sabe…

1914 es una banda que puede decir que ha experimentado, de una forma u otra, las cosas de las que hablan en sus canciones. Rhapsody of Fire nunca pelearon con dragones, Running Wild nunca saquearon navíos en sus aventuras como piratas, Mastodon nunca se enfrentaron a una enorme ballena blanca, y ninguna banda de black metal se habrá encontrado con Satanás, pero estos ucranianos dedicados de lleno a la temática de la Primera Guerra Mundial pueden decir que han experimentado la guerra en primera persona. Formados en 2014 justo a tiempo tanto para el centenario de la Gran Guerra como para el comienzo de la invasión rusa a su país natal, el cuarteto de la ciudad de Lviv trata de representar el conflicto bélico con la mayor precisión posible, no sólo por su respeto a los hechos históricos sino también por vivir en una zona de guerra, y a pesar de tener ahora a uno de sus integrantes peleando en las fuerzas ucranianas la máquina de 1914 no para. 

Es así que a poco de que salga su nuevo álbum Viribus Unitis el 14 de noviembre, pudimos hablar largo rato con el cantante Dmytro Kumar, o “2.Division, Infanterie-Regiment Nr.147, Oberleutnant – Ditmar Kumarberg” como se presenta en los últimos álbumes, tanto sobre este nuevo trabajo como de la manera en la que se habla sobre la Primera Guerra Mundial en los medios y entre otras bandas de metal, la actualidad en Ucrania, la importancia de la representación certera de los hechos históricos y un sinfín más de temas.

Track To Hell: Le hice una entrevista a la banda hace como cuatro o cinco años, ¿sabés? Estábamos con Vitaliy, creo.

Dmytro: ¡Sí! Con un tipo grandote, ¿no?

Track To Hell: Así es, en noviembre de 2021, cuando lanzaron Where Fear and Weapons Meet. Y obviamente estábamos en la pandemia, así que las cosas deben haber cambiado mucho en 1914. ¿Cómo está todo?

Dmytro: Vitaliy ahora está en el ejército, así que le puedes mandar un saludo.

Track To Hell: Ah, mierda.

Dmytro: ¡Así es la vida! ¿Cómo han cambiado las cosas? Bueno, pasamos lentamente de la pandemia a la guerra, a la Gran Guerra. Nosotros la llamamos la Gran Guerra porque para nosotros los ucranianos la guerra comenzó hace más de 11 años, por Crimea, por la región de Donetsk y todo eso. Pero hace más de tres años empezó realmente la invasión a gran escala, y la llamamos la Gran Guerra.

TTH: La banda comenzó con la guerra, básicamente.

Dmytro: Sí, la banda comenzó en el centenario de la Gran Guerra y también cuando comenzó la guerra entre Rusia y Ucrania.

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TTH: Me da un poco de vergüenza admitir que tardé un tiempo largo en darme cuenta de que 1914 se había formado justo cuando se cumplían 100 años de la Primera Guerra Mundial. Así que… hablemos un poco acerca del gran tema que tenemos hoy. [Risas] Así que tienen un nuevo álbum, que estará saliendo en un par de días, y se llama Viribus Unitis. Contamos un poco acerca de la estructura de este álbum, porque obviamente es acerca de la Primera Guerra Mundial porque ese es el concepto alrededor del cual gira la banda, pero cada disco parece que trata acerca de la guerra desde diferentes ángulos, diferentes frentes. Y por lo que vi de este Viribus Unitis, los títulos de las canciones van en orden cronológico y además es acerca de un solo soldado. Contanos acerca de eso.

Dmytro: Todo el álbum está basado en el la historia de guerra de un soldado de nuestra ciudad natal Lviv, o Lemberg, de la región de Galitzia, donde nació la banda. Todo lo relacionado con este álbum se basa en sus memorias de guerra, cartas desde la cautividad y hechos históricos reales. He combinado todo esto en un álbum para reconstruir, año tras año, paso a paso, su camino de guerra, su destino y cómo reaccionó, cómo comenzó esta guerra.

Se trasladó desde Lemberg, porque los rusos invadieron y capturaron mi ciudad natal. Este soldado, nuestro protagonista, se mudó a Przemyśl, y luego de Przemyśl a los Montes Cárpatos. Desde los Cárpatos, después de una de las batallas más grandes de la Primera Guerra Mundial, la Operación Invierno de los Cárpatos, él y su regimiento se trasladaron al frente italiano, donde pasó más de dos años.

Fue capturado, y la historia relata cómo escapó y regresó de la cautividad. Desde Viena volvió a Lviv, nuestra ciudad natal, para luchar contra las tropas polacas que invadieron después de la Primera Guerra Mundial en lo que se llama la Guerra Polaco-Ucraniana.

Nuestros vecinos de Polonia invadieron nuestra ciudad natal y Galitzia. Él regresó desde Austria a Lemberg para luchar contra los polacos y murió el último día de la ofensiva. Es una historia sin un final feliz, y fue enterrado en una tumba desconocida, como muchos otros soldados desconocidos, como el soldado desconocido del ejército ucraniano, y es ahí donde termina todo. Es una historia que provoca horror que no es sólo acerca de un soldado, sino que muestra toda la historia ucraniana.

Sabes, cada vez que luchamos, siempre estamos esforzándonos por nuestra independencia, y tenemos muchos enemigos. Los rusos nos invadieron durante la Primera Guerra Mundial. Los rusos nos invadieron durante la Segunda Guerra Mundial. Los invasores rusos volvieron de nuevo, y cada vez nos enfrentamos al mismo enemigo y repetimos las mismas historias. Mucha gente nuestra ha muerto porque queremos ser un país normal, con nuestra independencia, nuestro idioma, historia y cultura. Queremos ser un país democrático normal en el corazón de Europa.

Pero cada vez nos enfrentamos a invasores, a vecinos que intentan robar una parte de nuestra tierra, de nuestra historia. Este álbum, en realidad, no trata solo sobre un soldado ucraniano, sino sobre todos los soldados ucranianos que han luchado y muerto por nuestra independencia.

TTH: Recuerdo haber leído una entrevista donde no sé si eras tú o alguien más, creo que eras tú, diciendo que no muchas personas hablan sobre los combates luchados en el frente oriental.

Dmytro: ¡Sí!

TTH: Que el frente occidental recibe mucha más atención porque están involucrados, ya sabes, los ingleses y los franceses… 

Dmytro: Vamos a llamarlos, digamos, [hace comillas con los dedos] “los europeos”. Porque para la mayoría de los europeos, en realidad, los pueblos eslavos, de Polonia, de Ucrania, de Eslovaquia, no son realmente considerados “europeos”.

TTH: Son algo diferente.

Dmytro: Sí, algunos eslavos de mierda de los que nos podría importar una mierda su existencia. Y reaccionaron de esa manera.

TTH: Lo del frente oriental y el frente occidental me recuerda a lo que pasa también con la Segunda Guerra Mundial. Obviamente muchos hablan acerca de los alemanes y los rusos y Stalingrado y demás, pero aparte de eso no se habla mucho. Y eso es algo que aprecio acerca de la banda, que no estén hablando sólo sobre las guerras y las batallas más famosas.

Dmytro: Por ejemplo, si hablamos acerca de los horrores del frente oriental… ¿De dónde eres?

TTH: Argentina.

Dmytro: (Se queda pensando porque claramente no se lo esperaba) ¡Ah!

TTH: Lo sé, lo sé.

Dmytro: OK, OK. (Se ríe)

TTH: Muchos creen que soy de España porque la página es de España, pero…

Dmytro: Bastante alejado de aquí.

TTH: Bueno, España tiene una Galicia, así que…

Dmytro: Lo sé, lo sé. Tenemos las mismas regiones que los celtas gallegos en España y la Galitzia de Ucrania, y probablemente la misma historia de las tribus celtas. Si hablamos del frente oriental, una de las batallas más horribles y sangrientas de la Primera Guerra Mundial ocurrió aquí, en Ucrania. Por ejemplo, la operación invernal de los Cárpatos, con alrededor de dos millones de bajas. ¿Te lo puedes imaginar? Dos millones de muertos, de gente en las montañas. Es una locura. 

Verdún tuvo alrededor de un millón de muertos, de ambos lados, pero Verdún es una marca muy conocida.

Sí, sí. Todo el mundo conoce Passchendaele, todo el mundo conoce Verdún, todos conocen Ypres o Somme.

TTH: Esas tienen una canción de Iron Maiden sobre ellas.

Dmytro: Exacto, pero nadie conoce el Frente Oriental y, en realidad, a la gente no le importa en absoluto un carajo. Por ejemplo, la segunda batalla más grande del frente oriental ocurrió aquí, en Ucrania, y se llama la Ofensiva Brusilov. Puedes buscarlo en Google y te vas a impresionar: más de dos millones y medio de bajas. Dos millones y medio. Es una cantidad enorme de heridos y muertos, y enormes pérdidas para el Imperio Húngaro. Después de la Ofensiva Brusilov, nunca se recuperaron realmente. Ellos simplemente lo perdieron todo, por eso colapsaron. Y nadie conoce esta parte de la historia, por eso intento difundir las historias y los mensajes. Cantamos muchas canciones sobre el frente occidental; tenemos una canción sobre Verdún, otra sobre Passchendaele, pero siempre intentamos combinarlo, por ejemplo, con el Imperio Otomano, o con la batalla de los soldados ucranianos como Philip Konowal, o con los Arditi, los soldados italianos. Siempre intentamos mostrar que la Primera Guerra Mundial no fue solo sobre alemanes, británicos y franceses. Muchas naciones estuvieron involucradas. Tengo en mente muchas historias que contar, y para los nuevos álbumes también. Por eso este disco está basado en el destino de un soldado ucraniano, para mostrar su historia, la historia de Ucrania y todos estos eventos históricos al mundo. Por ejemplo, en Europa ni siquiera saben mucho sobre el frente italiano.

TTH: Exacto.

Dmytro: Saben sobre el frente occidental, pero el frente italiano no estaba en occidente, ¿viste? Es como un poco al sur, así que no saben nada al respecto. Cuando intentas hablar con alemanes, franceses, belgas o con gente de los Países Bajos sobre el frente italiano… No, no saben nada, ni siquiera sobre Italia. Para ellos, Ucrania es otro planeta, ¿entiendes? Muchos ucranianos sirvieron en el frente italiano, por eso es que incluí esta gran historia sobre los acontecimientos ucranianos, luego el frente italiano, la captura y la fuga a través de Austria, y después regresar nuevamente a Ucrania, donde finalmente falleció.

TTH: Reuniendo todas las diferentes partes de la guerra en una sola historia.

Dmytro: Ajá.

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TTH: Entonces, quiero… Si no me equivoco, la canción “1919 (The Home Where I Died)” nos lleva a la época posterior a la guerra.

Dmytro: Sí. “1919” trata en realidad sobre la guerra ruso-ucraniana o ruso-polaco-ucraniana. E incluso uso la expresión “la guerra que nunca termina”, porque, como sabes, cada vez que nosotros, los ucranianos, nos enfrentamos a guerras de mierda, como las guerras polaco-ucranianas, luego los bolcheviques intentaron conquistar Ucrania, y después de ellos los rojos, como la Unión Soviética, vinieron aquí, y luego los alemanes vinieron y trataron de conquistarnos, y de nuevo los comunistas… es una locura. Cada vez que intentamos construir nuestra independencia, siempre nos enfrentamos a toda esta mierda.

TTH: Sí, porque si escuchas a mucha, mucha gente hablando de esa época, de esa era en Europa, podrías pensar que, cuando terminó la Primera Guerra Mundial…

Dmytro: ¡Que todo estaba bien!

TTH: Que todo fue paz hasta la Segunda Guerra Mundial, digamos. 21 años de paz, y no es así.

Dmytro: Y nosotros nos olvidamos completamente del fascismo en Italia, de cómo empezó. Después de la Primera Guerra Mundial, directamente nos olvidamos de las guerras balcánicas, de cómo Serbia invadió todo. Nos olvidamos por completo de las revoluciones en Alemania y de cómo continuó la República de Weimar. Y nos olvidamos de la guerra polaco-ucraniana y de la guerra polaco-rumana, y luego Rumania también invadió Ucrania, una enorme cantidad de guerras.

TTH: Eran cuatro años de guerra y luego nada más, hasta que Hitler invadió Polonia. 

Así que hay un detalle sobre la banda que quería preguntarte y es sobre los pseudónimos, los nombres que usan. Todos en la banda usan un pseudónimo con un rango muy largo y un nombre, y, si no me equivoco, los cambian con cada álbum para ajustarse al concepto. Quería preguntarte, ¿cómo los eligen? Porque suenan como nombres reales, pero muchas veces también suenan muy cercanos a sus nombres reales. Es algo en lo que he estado pensando desde la primera entrevista.

Dmytro: Un segundo, voy a agarrar el vinilo y lo leeré directamente de donde lo tenemos. (Se va a buscar el vinilo y vuelve unos segundos después). Así que, por ejemplo, en la vida real nuestro baterista se llama Rostyslav Potoplyak. Si chequeas el nombre, verás que aquí se llama Rostislaw Potoplacht, como una versión alemana de los apellidos ucranianos. Lo mismo para mí: aquí soy Ditmar Kumarberg y en la vida real soy Dimitri o Dmytro, así que es la versión germánica de mi nombre. Entonces reaccionamos de esta manera, usando los típicos nombres ucranianos y eslavos, con algo de pronunciación germánica debido al Imperio Austrohúngaro y porque ellos intentaban germanizar todo.

TTH: Diferentes versiones.

Dmytro: Exacto, diferentes versiones de los nombres reales. Otro ejemplo es el de nuestro bajista Armen Ohanesian, que en la transcripción germana es algo como Armen Howhannisjan.

TTH: No lo había notado, te agradezco mucho. Entonces algo que realmente aprecio de 1914 es que se adentran profundamente en, digamos, los aspectos menos gloriosos de la guerra. Obviamente, hay muchas bandas que hablan sobre la guerra; por ejemplo, hace un par de semanas estaba escuchando el nuevo disco de Sabaton y pensaba en eso. (Dmytro mira con la mirada más desaprobatoria que haya visto en mi vida).Sí, lo sé. Pero ustedes toman otra ruta: muchas bandas hablan de eventos históricos, pero suenan como la versión musical de la versión de Hollywood de esos hechos históricos. Ustedes, en cambio, hablan de cosas como soldados ejecutados por deserción, como en la canción “Coward”, de Where Fear and Weapons Meet. Ahora, ¿tienen algún comentario sobre cómo tratan estos eventos históricos en sus canciones?

Dmytro: Primero que nada, el principal problema de este tipo de bandas, como Sabaton y muchas otras que cantan sobre la guerra, es que quieren ser estrellas del rock y actúan como un típico rockstar o un típico fanático del metal.

TTH: Tienen que comprimir todo este evento histórico en una canción de tres minutos y medio.

Dmytro: Ellos quieren ser estrellas de rock, y yo no quiero serlo. (Risas). Entonces, esta es la razón principal. Yo me meto a fondo: hago una enorme investigación histórica. Para este álbum, pasé alrededor de seis meses en archivos, leyendo muchas cartas de soldados desde la cautividad, muchas memorias de guerra. ¿Quién quiere hacer esto? ¿Sabaton? No, ellos no quieren leer sobre eso; solo abren Wikipedia, leen sobre algún evento y luego piden a Chat GPT que les proporcione letras genéricas, combinan su música genérica con esas letras genéricas y obtienen lo mismo de álbum en álbum. Pero la gente sigue consumiendo esa porquería, se trata sobre el coeficiente intelectual en el mundo y no sobre la música.

TTH: Y hay gente que dice que se interesó en la historia gracias a Sabaton. Pero no los tomarías como una fuente confiable.

Dmytro: Oh sí, ellos leyeron Wikipedia. Tantas cosas geniales. (Risas). ¡A la mierda con esto! No puedo parar de reírme si seguimos hablando sobre este “metal Disney”. Mi misión principal es difundir mensajes y contar historias. No soy un fanático del metal, no soy músico, no soy cantante. Soy un nerd de la historia, y no quiero ser una estrella de rock. Por eso reacciono de manera completamente diferente. Para mí es más importante tener una historia con precisión histórica completa que los riffs poderosos o grandes letras con estribillos y versos que la gente recuerde y cante, a la mierda con eso. No, yo tengo letras 100 % históricamente precisas y un trasfondo y narrativa históricamente exactos. Y para mí esto es más importante que cualquier festival enorme o cosas por el estilo. Esa es una manera completamente diferente de pensarlo.

TTH: Es como si estuvieran cantando sobre estos eventos históricos reales como si estuvieran hablando de El Señor de los Anillos, ¿sabes? Si hablas de ficción, hazlo como quieras. Pero estos son eventos históricos reales con personas reales involucradas.

Dmytro: Desde hace unos 20 años estoy excavando a los soldados muertos de la Primera Guerra Mundial. Empecé en las montañas Cárpatos, en el bosque de Volinia, y los enterramos. Vi muchos restos humanos, muchos esqueletos con cartas, por ejemplo, dirigidas a sus madres, y nos sentábamos a leerlas. Y es como… mierda. No sólo te da inspiración, sino que te cambia mucho la manera de pensar, ¿sabes?

TTH: Esta es gente de verdad. 

Dmytro: Sí, es real. Aquí desentierras a un soldado muerto de verdad, con su maldito rifle, con sus malditos restos, con su maldita mochila con pan dentro. Y nosotros, como ucranianos, hemos enfrentado la guerra durante más de 11 años. Todo esto te da un punto de vista completamente diferente. Te cambia la mente, la forma de pensar y cómo reaccionas ante muchas, muchas cosas en la vida. Realmente creo que todos los ucranianos que se quedaron en Ucrania ahora mismo tienen alguna forma de estrés postraumático, porque cada vez te enfrentas a drones, ataques con misiles de crucero y esas noticias horribles. Así que sí, como nación tenemos un gran estrés postraumático. Si comparas esta experiencia con la “mierda” de experiencia de Sabaton, ellos solo están tomando cerveza y divirtiéndose, haciendo música para fiestas o eventos, y vienen a nuestro show a tomar cerveza y pasarla bien. La guerra no es eso. La guerra no es diversión, y no, no me impresiona toda esa mierda genérica.

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TTH: Así que, cuando hablas de la muerte como algo que no se puede separar de la guerra, estaba pensando en la portada del álbum con la enorme Parca en la parte trasera, y la Parca está obviamente en todas las portadas de los discos. Eso es algo que realmente aprecio de la banda, porque nos recuerda que la muerte siempre está presente cuando hablamos de guerra. Cuéntanos un poco sobre la portada del álbum.

Dmytro: Como mencionaste, sí, se trata de eso. Sabes, por un lado tenemos al arcángel, y uno podría pensar “oh, es nuestro arcángel, probablemente se trata de algo divino, de la salvación, del salvador”. Pero no, nada de eso. El arcángel está ahí como un cómplice de la Parca, y juntos hacen un enorme baño de sangre, como si estuvieran cortando vidas, una tras otra. Se trata de una cantidad enorme de gente muerta, y no tiene nada que ver con la protección, ni con la fe, ni con Dios, ni con nada de eso. La guerra solo tiene que ver con esa maldita Parca, y aunque intentes confiar en el lado divino, no: están juntos en el mismo crimen.

TTH: Recuerdo que alguien decía que 1914 nunca falla con las portadas de sus álbumes, que siempre son geniales. Pero al ver esta portada en particular, me hace… sabes, me hace pensar.

Dmytro: Incluso en el caso de la portada, porque Viribus Unitis tiene un significado un poco distinto si hablamos del disco en su conjunto. Pero si hablamos del arte del álbum: ese arcángel y la Parca juntos, con sus fuerzas unidas, te matan.

TTH: Porque cuando pensamos en el arcángel pensamos en el cielo, y con la Parca pensamos en el infierno. Pero están trabajando juntos.

Dmytro: El infierno está aquí.

TTH: Estamos en medio del cielo y el infierno.

Dmytro: En el medio del cielo y el infierno, tienes la guerra, tienes la trinchera.

TTH: Tengo un par de amigos que son realmente, realmente grandes fanáticos de los juegos de guerra, especialmente juegos de estrategia bélica. Especialmente World of Warships, pero también Isonzo, es como, ya sabes…

Dmytro: Conozco ese juego.

TTH: Sí, y ellos estaban realmente emocionados cuando les conté que iba a entrevistarte. Y conozco un par de personas que se interesaron mucho en la Primera Guerra Mundial gracias a ustedes, gracias a la banda. Principalmente porque la mayoría de las canciones de metal sobre guerras tratan sobre la Segunda Guerra Mundial, que recibe mucha más atención. ¿Recibes comentarios similares sobre personas que se interesan en la Primera Guerra Mundial gracias a 1914?

Dmytro: Por supuesto, por supuesto. Y no solo recibo comentarios, tengo muchísimas respuestas de belgas, franceses, alemanes… Y lo más importante es que no se trata solo de mensajes. Van a nuestros shows con toda la familia: el padre, la madre, el abuelo, y traen muchos recuerdos familiares. Me dicen: “Mira, aquí está la fotografía de mi abuelo. Él luchó aquí, murió aquí”. Y me traen balas, fragmentos, cruces de tumbas de guerra, monedas conmemorativas, libros… Cada vez que hacemos giras por Europa recibo una cantidad enorme de regalos de familias, porque esta parte de la historia es muy importante para ellos. Y no son metaleros, ¿sabes? Este verano, por ejemplo, tocamos en Bélgica, y había una abuela con su nieto que fue directamente a nuestro concierto porque cantábamos sobre un regimiento belga. Ella conocía la canción porque su abuelo había servido en ese regimiento, y para ella fue realmente importante ver a esos “tipos raros” de Ucrania que cantaban sobre su abuelo. Nadie en Bélgica lo hacía, pero sí unos chicos de Ucrania.

Ella me llevó una foto y una pequeña bala de un fusil belga como regalo. Para mí, eso significa muchísimo. Me da muchísima inspiración, me pone la piel de gallina. Tengo una gran colección de estos regalos, de todo eso.

Y, por supuesto, también recibimos muchos mensajes de gente que nos dice: “Nos inspiraron”, “Nos dieron una dirección correcta para nuestras investigaciones históricas”, y cosas así. Porque, sabes, yo no soy metalero, no soy músico. Solo soy un nerd de la historia. Mi misión es difundir el mensaje y contar las historias. Lo más importante para mí es contar las historias sobre la Gran Guerra. Esa es nuestra diferencia total con otras bandas de metal que cantan sobre la guerra: nosotros no lo hacemos para entretener, ni para divertirnos y beber cerveza. Esto es una parte real de nuestra vida, de nuestra experiencia, de nuestra existencia.

TTH: Es sobre la educación.

Dmytro: Y sí, es sobre la educación.

TTH: En febrero lanzaron una colaboración con Ship Her Son, llamándose la Barney Hines Band, en honor al soldado australiano de la Primera Guerra Mundial, Barney Hines.

Dmytro: Ah, lo conoces. Eso está bien.

TTH: Lo tuve que buscar, lo siento, pero fue un artículo muy interesante. Juntos hicieron un cover de The Prodigy, de “Invaders Must Die”. ¿Cómo se dio eso? Porque esas son tres cosas que no me imaginaría juntar: ustedes, una banda rara industrial y una canción de The Prodigy.

Dmytro: Sí, primero que todo, no soy un fan del metal. Soy un gran fan de la música industrial. Estoy completamente inmerso en música industrial, música marcial, dark folk y, por supuesto, punk rock. Para mí, colaborar con artistas industriales es natural.

Si revisas los álbumes anteriores de 1914, como Where Fear and Weapons Meet, en los LP adicionales tenemos versiones especiales llamadas “versiones Shell-Shocked”, que son canciones industriales enormes. También tenemos unos remixes electrónicos, por ejemplo en Blind Leading the Blind hay una versión de “…and a Cross Now Marks His Place”, y en nuestro primer álbum, donde incluimos dos remixes industriales/electrónicos como material adicional. Con cada álbum siempre he intentado incluir algo de material industrial o electrónico. Incluso en la edición de tres LP del nuevo álbum, hay una versión de “Die Karpathenschlacht” a cargo de Ship Her Son, y la siguiente canción es con Kadaitcha, uno de los proyectos de noise e industrial más famosos de Ucrania. 

Entonces, nuevamente, como bonus en vinilo tenemos un remix de Kadaitcha y adicionalmente dos canciones de 1914 junto con dos remixes industriales. Para mí, esto es una forma de pensar y de expresar la música. Por ejemplo, la canción “Invaders Must Die” en mi mente se habría lanzado originalmente como 1914, sin sellos ni contratos, pero estando bajo Napalm Records tenemos un contrato que nos impide lanzar canciones sin sello. Por eso creamos, en colaboración, la Barney Hines Band, para poder sacar material de manera libre fuera de las restricciones de 1914. Algo justo en el medio entre Ship Her Son y 1914.

TTH: Como si fuera otro proyecto.

Dmytro: Exacto, como un proyecto aparte. Así que grabamos “Invaders Must Die” y lo sacamos. Lo pensé como un regalo para los soldados ucranianos, para el regimiento de nuestro guitarrista, que lo pudieran lanzar a través de su canal de Youtube. Pero en el último minuto, Napalm Records me contactó con un mensaje diciendo que ellos lo lanzarían, que no lo publicara, pero que sería desde el canal de Napalm Records, no desde el nuestro.

Eso arruinó un poco mi plan original, pero esta canción era una colaboración pensada como un apoyo, un regalo para los soldados ucranianos y para nuestros fans que están entre las filas del ejército ucraniano. Recibí muchísimos videos de chicos con nuestro merch en las trincheras, usando chalecos antibalas con camisetas de 1914, parches, uniformes, etc. Eso te da mucha inspiración y escalofríos. Esta canción, en esencia, nació como un regalo para ellos.

TTH: Entonces, quería preguntarte, ya sabes, para cerrar, ¿qué te gustaría decirles a los fans y a las personas que estarán escuchando este nuevo álbum? ¿Qué quisieras decirles?

Dmytro: Uh, ¡odio este tipo de preguntas!

TTH: ¡Lo sé! ¡Lo sé!

Dmytro: No quiero decirles nada. Solo escuchen el álbum, pongan play y, ya sabes, aprendan un poco. Eso es todo. Edúquense y prepárense para la guerra, porque la Tercera Guerra Mundial ya está aquí. Entonces, prepárense: compren armas, compren fusiles, practiquen disparar, consigan medicina táctica y prepárense.

En una ocasión tuvimos la oportunidad de conversar con los muchachos de Cruces Negras, la banda tributo a Black Sabbath, quienes se presentarán este viernes 21 de noviembre en Club V con su espectáculo “Homenaje a Ozzy Osbourne”. El show llega tras su última aparición el 7 de julio de 2025 y luego del fallecimiento de Ozzy, ocurrido el 22 del mismo mes, hecho que marcó profundamente al mundo metalero.

Cruces Negras nace como un tributo, pero después de 20 años ¿sienten que se convirtieron en una banda con identidad propia más allá del homenaje?

Si, sin dudas. Podes tomar el homenaje como una excusa para que un grupo de amigos se junten a hacer música. Todos arrancamos haciendo canciones de otros artistas. Nosotros continuamos y lo hacemos con mucho respeto.

¿Qué elementos creen que distinguen a Cruces Negras de otros tributos a Sabbath que existen en la escena local e internacional?

Ya de por sí somos 6 músicos. Algunos grupos prefieren ser solo 4 integrantes por el formato en el que se presentó Black Sabbath, pero lo real es que en los discos hay más instrumentos involucrados y de eso se trata, sonar lo más parecido al disco y no depender de una pista. Quizas seria mas facil, pero cómo interpretamos un grupo donde los músicos tocaban de verdad, preferimos que los músicos hagan lo mismo.

Reproducir el sonido de Sabbath implica también reproducir su energía. ¿Cómo se traduce esa búsqueda en los ensayos y en el vivo?

En el caso de Adrian (guitarrista), se tomó la molestia de ver cómo hace los arreglos Iommi dado la condición de él. Hubo algunas canciones que Sabbath nunca tocó en vivo, por lo que también se tuvo que dar una idea de cómo resolverlas. Ale (baterista) fue raro al principio ya que escuchaba a Purple y Zeppelin, y Bill Ward es un batero mas rustico y menos técnico, tuvo que aprender a ser más sencillo.
Renzo (voz) llegó para darle el toque de Dio, pero en esa oportunidad al homenajear a Ozzy es un nuevo desafío. Nico (tecladista) hace todo tipo de arreglos orquestales, en el disco hay bajo más allá del bajo y el te lo traduce en el teclado o bien si hay un solo con 2 guitarras, sabe dónde apoyarse en la base.

¿Hay algún tema que todavía represente un desafío técnico o emocional para la banda?

En 20 años te diría que los temas que aún no hemos tocado en vivo. Son los que arriba del escenario te generan más adrenalina, en su mayoría no son clásicos y a pesar de eso están buenísimos.

¿Cómo ven el vínculo de las nuevas generaciones con la música de Sabbath, en tiempos dominados por el consumo rápido y el algoritmo

Nosotros somos de edades distintas y cada uno tiene su manera de usar las redes. Pero en algo coincidimos: el público que te ve en vivo, se acuerda. Hoy todo pasa por la pantalla, entonces cuando alguien vive un show de verdad, con el cuerpo ahí, eso pega distinto. La pantalla puede intentar imitarlo, pero no llega. Es como las fotos con filtro: sí, están buenas, pero sabés que no son reales. En cambio un show no tiene filtro, es lo que está pasando ahí, no puede imitarse. Es auténtico.

La noticia de la muerte de Ozzy los reunió de nuevo. ¿Qué emociones aparecieron al tocar sus canciones después de ese impacto?

Tristeza y Respeto. Nadie esperaba su muerte tan rapido. Fue shockeante.

Más allá del homenaje, ¿Cómo los marcó Ozzy como artistas y como personas?

Ozzy fue un personaje introvertido. Cada uno lo conoció de manera distinta. Julian creó Cruces Negras justamente por el legado importante que le dieron al metal. Adrian conoció a Ozzy en su etapa solista, y asi cada uno tiene su versión.

¿Cómo imaginan la continuidad del proyecto: más shows tributo, material propio, cruces con otras disciplinas?

El proyecto esta vigente, son etapas, a veces tenemos muchos shows, a veces pocos. Cuando nos invitan a tocar y los 6 podemos vamos y la pasamos bien. En esta oportunidad el show lo gestionamos nosotros porque los 6 queriamos hacer este homenaje

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Cruces Negras está formado por Renzo Favaro en voz, Julián Rodríguez en bajo y coros, Ale Reggiani en batería, Adrián Daguerre y Prati Suárez en guitarras, y Nicolás Loto en teclados. A diferencia de Black Sabbath, que solía recurrir a músicos de apoyo ocultos detrás del escenario para reproducir los arreglos de estudio, Cruces Negras eligió ponerlos de cara al público. Por eso la formación se completa con seis integrantes en escena, buscando sonar tan fieles a los discos como sea posible.

Renzo Favaro es también la voz principal de Fughu y participó en el último trabajo de Jerikó, teloneando a Steve Harris. Julián Rodríguez, con experiencia en proyectos tributo a Judas Priest, Iron Maiden y Mercyful Fate, fue bajista de Matan S.A. y en los 90 compartió con Adrián Daguerre y Prati Suárez la banda de thrash Complex. Ale Reggiani, músico egresado, sesionista y fotógrafo de rock, trabajó junto a Juan del Barrio (Spinetta Jade, Los Abuelos de la Nada, Suéter) y la agrupación Awkanya. Por su parte, Nicolás Loto, DJ de la movida house con una marcada influencia del metal, integró previamente The Tripolares —proyecto de rock progresivo instrumental junto a  Ale  Reggiani— y Stargazer, tributo a Rainbow.

📍 Viernes 21 de Noviembre – 20 hs – Club V – Corrientes 5008, CABA

🎟️ Entradas a la venta $15.000 ALIAS: crucesnegras (a nombre de Alejandro Reggiani)

Enviar comprobante vía WhatsApp al 1165512753 o 1133581638

Lo que comenzó “como un juego” en el Resurrection Fest acabó convirtiéndose en una de las propuestas más frescas y sinceras de la escena hardcore actual. Fuet! es energía, honestidad y catarsis en estado puro. Desde sus inicios improvisados hasta ganar el Mad Cool Talent y compartir cartel con bandas como Refused o Bring Me The Horizon, el grupo madrileño ha recorrido un camino tan inesperado como apasionante. Con su primer álbum, Make It Happen, confirman que lo suyo va en serio: un disco crudo y emocional que captura la fuerza del directo y la vulnerabilidad del proceso creativo. Charlamos con ellos sobre sus comienzos, el presente de la escena hardcore estatal y el viaje que los ha llevado a convertir lo espontáneo en una realidad a la que mirar de frente.

Hermética X Pato Strunz, el flamante proyecto internacional de Claudio Strunz que interpreta canciones de su ex-banda, va a presentarse en El Teatrito el próximo 5 de diciembre. Desde TrackToHell nos pusimos en contacto con el querido baterista para conversar sobre lo que se viene.

Están bastante ocupados, ¿qué me podés contar de la gira que se viene?

Estamos con el inicio de Volver al Origen Tour 2025. Estamos en Happy Together que es la productora en la cual estamos trabajando, en Caballito. Ya hace unas dos semanas que estamos acá en Argentina ensayando. Mañana arrancamos la gira, así que hoy tuvimos un ensayo muy, muy intenso, como seis horas. Estamos muy felices.

¿Ya tuvieron una fecha en Los Ángeles, verdad?

Exactamente, el debut fue en Los Ángeles. Yo estoy viviendo en Miami. Tanto Pablito como Nico viven ahí, al lado.

¿Quiénes conforman la banda? ¿Tiene que ver con Ithaca, que es el proyecto que presentaste el año pasado?

Sí, sí, y ese proyecto sigue estando. Pero en esta oportunidad arrancamos con Hermética X Patro Strunz y acá en Argentina el bajista es Marcelo Bracalente, de Jerikó, Chino Gorosito en guitarra y bueno, la voz en todos lados es Niko García y Pablo Giménez, un hermano venezolano que tenemos tocando la guitarra en Estados Unidos y que nos está acompañando en toda la gira acá también. Así que estamos muy contentos de empezar esta gira. Nos tomó por sorpresa la cantidad de fechas que salieron. La verdad que es increíble todas las fechas que hay , está buenísimo.

Hablando del vocalista, Niko García, a mí me gustó, por los temas que escuché que grabaron, cómo se adapta al registro de Ricardo, pero también el de O´Connor.  Por ejemplo en Del Camionero, que tiene que combinar ambos y queda bien en los dos.

La verdad que sí. Y esto es el inicio… no es que yo estaba buscando hacer algo, digamos, como Hermética X Pato Strunz, sino que  yo estaba en Estados Unidos, tenía otro proyecto, de hecho tenía un tributo a Pappo también porque tocábamos en el circuito latino. Y un día me llamaron, me dijeron si no quería ir a un show que había, que era un tributo a Los Redondos y tributo a La Renga. Y bueno, por suerte fui, por esas cosas de la vida, porque yo estaba recién llegado a Estados Unidos y estaba justo ese día solo y me mandé. Y cuando salió Maltratados, que es el tributo a La Renga que tiene Niko García y dije wow, loco ¿de dónde salió? Impresionante el vozarrón que tenía, la impronta, la actitud, la energía y dije epa, cómo canta este loco. Ahí nos pusimos a charlar después del show y dijimos cuándo vamos a comer un asado, juntémonos. Yo ahí ya ví a alguien que me sorprendió, porque tenía todo lo que tiene que tener un cantante. Entonces lo primero que le propuse fue que yo hacía mucho tiempo que quería grabar un tema que era El Inventor del Mal, de Los Antiguos. Justo él conocía la banda y le gustó la idea. Empezamos con eso y cuando lo escuché cantar El inventor del Mal digo “este tipo puede cantar las canciones de Hermética”. Y bueno, ahí empezamos a desarrollar el proyecto, y acá estamos.

¿Cómo se explica que Hermética, tanto tiempo después, sigue vigente? Incluso más que antes, me atrevo a decir.

Y es increíble porque a través del paso del tiempo, Hermética nació como una banda musical, pero se convirtió en un fenómeno social. Entonces creo que eso fue el pasar diferentes barreras y estar en el tiempo. El que escucha heavy metal, siente el heavy metal, no es una moda. Entonces a través de los años sigue estando, por su mensaje, por sus letras. Entonces llegó un momento donde obviamente la gente tomó como propias esas canciones. las letras y ahí es como que se disparó. La gente está enamorada de esas canciones, y hacen que siga la llama viva. ¿Eso es increíble, no? Yo siempre digo que a mí me van a cerrar la tapa del cajón y me va a seguir gustando Hermética. Y son mis versiones estas. Ahora era una muy buena oportunidad para poder plasmar canciones que quizás no estaban tan bien grabadas, grabarlas de nuevo con un audio nuevo, fresco, moderno y creo que eso se nota en el trabajo que hicimos. Estamos muy contentos de cómo está funcionando, de cómo quedó el registro de las canciones y en particular como está siendo recibido el proyecto.

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Ya grabaron algunas canciones.

Sí, estuvimos un montón de tiempo ensayando las canciones hasta que dijimos “bueno, es el momento de grabar algo”. Y la primera canción que grabamos fue Tú Eres Su Seguridad, en conjunto con Atravesando Todo Límite y Vida Impersonal. De estas tres canciones, la única que tiene video es Tú Eres Su Seguridad que está grabado en Marquee Studios, una sala de ensayo hermosa que hay allá en Miami, que es donde ensaya Nicko McBrain. Un lugar alucinante. Y grabamos ahí que tienen un estudio, la verdad es un lugar muy lindo. Pero después yo no quedé conforme con cómo había quedado la mezcla. Y justo yo venía para Argentina y llamé a mi gran amigo Álvaro Villagra, que es el que grabó absolutamente todo. Y le digo Alvarito, necesito que me mezcles esto. Pero por supuesto me dijo… fui una tarde, fuimos a comer algo, y lo mezcló en unas tres horas al tema. Es una bestia. Así que feliz, feliz de volver a trabajar con él, que es una eminencia, más allá de que sea mi amigo. Y ahí fue como el puntapié, fue muy bien recibido el video, con no sé qué cantidad de vistas tiene. Esa fue la punta de lanza que hizo que las otras dos canciones salieran pero en audio, no en video, vía los formatos digitales.

Después de eso, nos propusieron de Realm26, que es un estudio, grabar un streaming. Y yo le dije mirá,  grabémoslo así en formato en vivo, pero no lo streamiemos. Grabamos y lo mezclamos bien, porque yo soy un hinchapelotas del audio. En el medio habíamos firmado el contrato con Happy Together, que es una una productora acá de Buenos Aires, para el contenido digital y demás. Ahí se grabó el último disco de Charly García, por ejemplo. y bueno, empezamos a trabajar juntos, grabando también otras cosas y ahí se fue terminando de mezclar. En Realm26 hicimos cinco canciones más. Ayer se estrenó “Del Camionero”, que es la cuarta canción. Y la última canción que queda, que todavía está sin estrenar, es Robo un Auto.

Con respecto a tu estilo de tocar, de aquellas versiones originales que grabaste con Hermética ¿ahora, cambiaste algo, las fuiste adaptando? Porque son canciones que tocaste toda tu vida.

Exactamente, más de treinta años. Básicamente están tocadas como las grabé. La diferencia es obviamente el audio que se está usando, el sampleo, las baterías. Pero lo que es tocadas son los mismos arreglos porque a mí me gusta respetar como son. Una de las cosas que yo tenía en la cabeza cuando fuimos a grabar estas canciones era respetar la esencia de esas canciones. Entonces es como que para mí era súper específico tocarlas igual, o sea en la impronta. Después obviamente va a cambiar porque usas un audio nuevo, un audio más moderno… producir la canción desde otro lado desde el aspecto del audio. Pero en la tocada respetar la esencia.

Para dar la  misma sensación que tiene el  que escuchó los discos toda la vida, ¿no?

Exactamente. Y sí, lo que tiene de color, obviamente, es que Nico es un cantante muy versátil y que está como en el medio, ¿no? En el medio de Ricardo y de Claudio. Pero obviamente lo comparan con el Chizzo porque él ama La Renga, y es increíble como canta esas canciones también. Pero creo que obviamente encontró su lugar, encontró su impronta Y hoy tiene su estilo, es su versión. La verdad yo estoy muy contento. En cada canción como que le ponía un poquito más de sal a la cosa y quedó increíble, espectacular.

Los esperamos a todos el 5 de diciembre en El Teatrito, con Hermética X Pato Strunz. Vamos a tocar veinte canciones de Hermética, seguramente vamos a tener un par de invitados. Están todos invitados para participar de lo que seguramente va a ser una gran fiesta de Heavy Metal

Muchas gracias, Pato.

El año ha sido muy movido para los chicos de Ancient Settlers y es por este motivo que me junté con ellos para saber un poquito la actualidad de la banda y como afrontan el 2026 con sus nuevas integrantes.

Muy buenas chicos, aquí os escribe Lucas de Tracktohell y quería saber cómo nace la idea de volver a grabar “Autumnus” y cómo fue reencontrarse con aquellas canciones en manos de dos vocalistas nuevas como Nía Creak y Noelia FJ.

¡Muy buenas, Lucas! Un placer volver a saludarte.

La idea de revisitar Autumnus llevaba tiempo rondándonos. Ese EP fue nuestro primer paso como banda y, aunque le tenemos muchísimo cariño, siempre sentimos que las canciones podían expandirse y llegar más lejos con los medios y la madurez que tenemos ahora. 2021 fue un momento clave para nosotros, pero también un punto de partida muy distinto al actual.

Reencontrarse con esos temas ha sido casi como abrir un viejo diario. Ves lo que eras, lo que querías decir y cómo has crecido desde entonces. Y, por supuesto, contar con Nía y Noelia ha sido decisivo: han aportado nuevas texturas, nuevos enfoques vocales y una energía completamente renovada. No se limitaron a “interpretar” las canciones, sino que las hicieron suyas, respetando el espíritu original pero llevándolo a otro nivel.

Justamente de Nía, quería saber cómo surge la idea de sumarla a la banda y qué os ha aportado ella a nivel profesional en el repertorio.

La idea de incorporar a Nía surgió casi de manera natural. Queríamos ampliar el abanico de rangos vocales, para dotar de mayor personalidad al proyecto. Ya le conocíamos y sabíamos que entendía la esencia melódica pero agresiva del proyecto y que se entendería fácilmente con Noe.

Profesionalmente ha aportado muchísimo: presencia escénica, potencia, una interpretación muy emocional y una visión fresca a la hora de plantear líneas vocales. Ha hecho que algunas canciones cobren un nuevo significado y ha añadido capas que antes no existían.

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Este verano habéis compartido escenario con Ignea, ¿cómo fue la experiencia?

Increíble. Ignea son una banda que admiramos desde hace años y compartir escenario con ellos ha sido un verdadero placer. Más allá del hecho artístico, son personas cercanas, humildes y muy generosas. Su energía en directo es brutal, y eso siempre te impulsa a dar un poco más en tu propio show.

Además, compartir espacios con bandas que trabajan tan duro te recuerda por qué hacemos lo que hacemos y por que es importante ser humildes y consistentes.

Ancient Settlers es uno de los nombres propios del metal pesado actual junto a Bloodhunter, Death & Legacy o Hiranya, ¿cómo veis la escena actual en España?

La escena está en uno de sus mejores momentos. Hay muchísimas bandas trabajando a nivel internacional, con propuestas sólidas, profesionales y con una identidad marcada. El metal español ha dejado de ser “promesa” para convertirse en una realidad.

Lo que necesitamos ahora es que el público, los promotores y los medios sigan apoyando ese crecimiento, porque el talento está ahí y la profesionalidad también. España está exportando metal de primer nivel y eso es motivo de orgullo.

¿Cómo vivisteis el ciclo de Oblivion’s Legacy y qué supuso para vosotros fichar con Scarlet Records?

El ciclo de Oblivion’s Legacy fue un punto de inflexión. Fue un álbum muy trabajado, muy personal y con una producción que nos permitió crecer musicalmente. Lo vivimos con mucha intensidad: fueron 38 conciertos en 14 países, salas, festivales… muchas anécdotas y grandes dificultades, además de videoclips, eventos… y sobre todo mucho aprendizaje.

Firmar con Scarlet Records fue un enorme paso adelante. Para nosotros significó entrar en una plataforma internacional que entiende el tipo de música que hacemos y que trabaja con bandas que admiramos. Sentimos que el álbum tuvo una visibilidad que habría sido difícil obtener en solitario y eso nos abrió muchas puertas, por lo que en general ha sido un paso importante para la banda, sin ninguna duda.

Nía y Noelia, ¿Cuáles fueron las vocalistas que os inspiraron a cantar este tipo de sonido?

Nía: Mis influencias vienen de vocalistas que combinan técnica con mucha personalidad, como Rocío Jurado, Nino Bravo y dentro del metal Amy Lee o Noora de Battle Beast, todas las vocalistas que han intervenido al frente de Nightwish o Britney de Unleash the Archers. Siempre me ha inspirado esa capacidad de moverse entre lo melódico y lo extremo sin perder emoción. Además, de sentir que parte de mi influencia proviene de voces teatrales o cinematográficas.

Noelia: Tengo muchísimas influencias porque siempre me ha interesado entender las distintas técnicas y colores que se pueden conseguir dentro del metal extremo. Me inspiran vocalistas muy versátiles como Peter Tägtgren (Hypocrisy), Tatiana Shmayluk (Jinjer), Maurizio Iacono (Kataklysm), Mikael Stanne (Dark Tranquillity) y Mikael Åkerfeldt (Opeth), porque dominan múltiples registros y saben mover la emoción dentro de la agresividad.

También admiro a Angela Gossow y Alissa White-Gluz (Arch Enemy), así como a Nergal (Behemoth), por la forma tan clara en la que articulan incluso en registros extremos.

De las voces más graves me han marcado muchísimo Simone “Som” Pluijmers (Cerebral Bore) y Mallika Sundaramurthy (Abnormality), por la profundidad y brutalidad de sus guturales.

En el extremo contrario, me flipan los agudos de Dark Funeral, esa tensión tan afilada que manejan.

Y luego está Jeff Walker (Carcass), que admiro por la naturalidad con la que hace parecer fácil algo que en realidad es muy complejo. Cada vocalista me aporta algo distinto, cada uno tiene su porqué, ¡jajajaj!

¿Y que si me los he estudiado a todos? Sí, tengo diseccionadas todas sus técnicas guturales, ¡jajajaj!

¿Cuáles son los planes para la banda de cara a 2026? ¿Habrá gira nacional, festivales…?

El 2026 será un año intenso, pero con otra perspectiva. De momento tenemos previsto seguir presentando Autumnus y ya estamos trabajando en nuevo material para nuestro 3er Lp. Nuestra intención es combinar fecha por la península con algunos conciertos en Europa, además de volver a festivales —algo que siempre disfrutamos muchísimo.

No podemos confirmar todas las fechas todavía, pero sí podemos decir que habrá movimiento, y del bueno.

La Armada nació en Santo Domingo con una visión política y punk, tras emigrar a EE.UU., evolucionaron mezclando hardcore con ritmos caribeños y se consolidaron en Chicago. Su nuevo sencillo “Over” aborda la explotación histórica en República Dominicana y adelanta un sonido más experimental rumbo a su próximo EP “Ofensas”.

Para quienes aún no los conocen, ¿cómo nació La Armada y cuál fue la visión inicial del proyecto cuando comenzaron en República Dominicana? 

La Armada nace en Santo Domingo en 2001, poco después de la llegada del internet a nuestra isla, descubrimos el mundo del punk y hardcore, con el cual nos identificamos, políticamente, el país salía de una dictadura de más de 12 años, y nos vimos reflejados más en la estética punk que en el grunge o el hair metal, que en ese entonces era más popular en el país.

La visión inicial fue denunciar las atrocidades cometidas por el gobierno dictatorial de Joaquín Balaguer, quien gobernó durante nuestra niñez, incluso, la banda se dio a conocer cuando nuestra primera canción “Ha Muerto Ya” se viralizó localmente, al celebrar la muerte del ex tirano y por el subsecuente Partido de Liberación Dominicana, quien fue conocido por su corrupción y estuvo al mando durante nuestra adolescencia.  

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¿Qué desafíos encontraron al salir de la escena dominicana para expandirse a otros países, y cómo esos retos moldearon su sonido e identidad? 

El primer reto fue emigrar a Estados Unidos: aprender a vivir y adaptarse a las normas de un país nuevo y rígido, al principio, estábamos en un pueblo pequeño en Florida, donde no eran comunes los latinos, mucho menos los dominicanos. 

Emigrar influyó bastante en nuestro sonido, estando ya inmersos en el circuito de conciertos, fuimos expuestos a subgéneros como el power-violence y el grindcore, si bien no son nuestro plato principal, dejaron huella en nuestro estilo. 

Otro reto fue aprender a ser una banda de giras, pasamos de un país pequeño, con una sola ciudad para conciertos de rock, a estar expuestos a 50 estados y miles de ciudades, poco a poco aprendimos sobre logística, rendimiento y cómo hacer funcionar la operación con pocos recursos, tocamos casi una década en circuitos independientes (casas, sótanos y bares) hasta que finalmente comenzamos a girar de forma profesional. 

Su música mezcla hardcore punk con ritmos caribeños y una fuerte carga política y social. ¿En qué momento decidieron que esa fusión sería parte esencial de su ADN como banda? 

Como inmigrantes, empiezas a añorar lo que dejaste atrás, ya establecidos en Estados Unidos, la música de nuestros padres “a la que nos rebelamos de niños” comenzó a atraernos, ese deseo por conectar con nuestras raíces nos llevó a explorar esos ritmos, entendimos que incorporarlos nos diferencia, pero no lo hacemos por hacerlo, sino cuando tiene sentido y aporta a la música. 

Mirando hacia atrás, ¿cuál consideran que fue el punto de quiebre o el momento que les permitió consolidarse fuera de su país? 

El punto de quiebre fue mudarnos de Florida a Chicago, allí encontramos una escena de música pesada en español que opera de forma independiente a la anglosajona, esto nos dio un espacio para pertenecer y experimentar, la atención que captamos en esa escena hizo que nuestro nombre comenzara a sonar en los circuitos anglosajones, y así hemos venido construyendo camino e identidad propia. 

¿Qué aspectos de la realidad dominicana siguen presentes en su música y mensajes, a pesar del tiempo viviendo fuera? 

Seguimos abordando el neocolonialismo: cómo potencias, empresas e ideales del primer mundo aún extraen recursos de Latinoamérica sin devolver nada, esto va desde lo político (como la situación de EE.UU. en Venezuela), lo corporativo (la extracción de oro de Barrick Gold en nuestro país) hasta lo mental y cultural (el consumo de contenido en redes que termina por extraer más que aportar).
Ese mensaje de cuestionar esas realidades sigue vigente y nuestro país sigue siendo parte de ese contexto. 

Hablemos de su nuevo sencillo “Over” —¿Cuál fue la inspiración detrás de este tema y qué mensaje buscan transmitir con él? 

“Over” está inspirada en una novela dominicana del mismo nombre sobre la explotación en los campos de caña de azúcar durante la ocupación norteamericana de la isla, la novela usa anglicismos que la canción a su vez honra con frases en inglés. El coro dice: “El hombre por hombre, traiciona su ser en nombre del poder,” resaltando competencia versus cooperación; ley de jungla versus comunidad.

A nivel musical, ¿qué diferencia a “Over” de sus trabajos anteriores? ¿Hay nuevas influencias o elementos sonoros que quisieron explorar? 

Musicalmente, la canción se construye sobre un groove que sube y baja en intensidad, manteniendo la atención del oyente, al final, el ritmo y la música se vuelven espaciales y el vocalista recita un pasaje desgarrador del libro: “¿Dónde aprendiste a humillar así?”. Esta progresión musical refleja la intensidad emocional y temática de la historia detrás de la canción.

Ese universo sonoro del final es parte de lo que vamos a venir incorporando mas en las composiciones.  

Finalmente, ¿qué sigue para La Armada luego de este lanzamiento? ¿Podemos esperar un nuevo disco, giras o colaboraciones próximamente?

Acabamos de cerrar nuestro ciclo de giras de 2025 con una gira de tres semanas por el oeste de Estados Unidos junto a Agnostic Front y Strung Out, ahora el enfoque será continuar lanzando sencillos hasta completar el EP “Ofensas”, con nuestras composiciones más desafiantes. 

“Ofensas” es una invitación a mirar adentro y a cuestionar cómo la sociedad moderna influye en el hombre, musicalmente, buscamos equilibrio entre lo memorable y lo experimental; para eso hemos colaborado con percusionistas y compositores afrocaribeños, también, en partes del disco, el reto fue simplificar hasta que el mensaje o la melodía fueran el centro. 

Los tarraconenses CRIM acaban de estrenar su nuevo álbum Futur Medieval, confirmando una vez más que el punk catalán no tiene freno y que al mismo tiempo las canciones siguen bien presentes. Hablamos con Adrià Bertran (voz y guitarra) y Quim Mas (guitarra) sobre su nuevo trabajo y cómo es mantener una banda en un mundo tan volátil. 

TTH: Primero quería agradecerle a la banda y a toda la gente de la organización por poder hacer esta entrevista, y también agradecerles a ustedes por la nota. Quería, como suelo hacer, empezar preguntándote cómo vienen las cosas con la banda. Hace poco tuvieron el recital en la previa de Refused y ahora van a sacar un nuevo disco, así que deben estar bastante atareados con todo eso.

Quim: Bueno, a tope, tío, muy muy a tope. La promo del disco, todo es bastante jaleo, y encima hemos tenido fechas importantes durante todo este proceso. Pero bueno, como se puede, se va llevando.

TTH: Sí, encima, por lo que tengo entendido, la banda para ustedes es algo de tiempo completo. Al menos la última vez que vi, no tenían otro trabajo aparte ni nada de eso, sino que viven de esto.

Quim: Bueno, sí, tenemos trabajos aparte, pero el grupo es lo principal hoy en día. Tenemos trabajos que nos permiten dedicarle el tiempo que necesitamos a CRIM. Siempre que tenemos que ir a tocar afuera o lo que sea, podemos organizarnos. Además, todos trabajamos bastante dentro del mundo de la música, de una forma u otra, así que más o menos se puede intentar cuadrar todo.

TTH: Ah, sí, sí, sí. Uno escucha a las bandas que hablan de tener que balancear entre el trabajo que tienen, y a veces tienen que pedir vacaciones para poder hacer alguna gira internacional o lo que sea. Suena como una locura.

Quim: Y eso fue así toda la vida para nosotros también, hasta que llegó un punto en el que, por suerte, CRIM pasó a ser la prioridad. Pero bueno, además todos tenemos otras bandas y seguimos igual.

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TTH: Así que ahora tienen un nuevo álbum, Futur Medieval. Quería que me cuenten un poco acerca de esto. Ya sé que es una observación muy obvia, creo que fue lo primero que aparecía en las entrevistas que hicieron., que el título muestra un contraste entre el futuro y lo medieval, lo que se considera como “primitivo”. ¿Cuál es la idea detrás de ese título y del álbum en general?

Adrià: Bueno, pues el mundo actual, ¿no? Es un contraste, pero tal como lo es el mundo. Nos pareció una buena manera de definirlo, de seguir hablando de lo que está ocurriendo, mezclando lo del pasado y lo del futuro. Esa sería, supongo, la idea principal.

TTH: Lo primero que pensé cuando vi el título fue en todos esos lugares del mundo donde están, por ejemplo, eligiendo políticos cuya idea de campaña es “vamos a volver a esa época”, “vamos a retroceder en el tiempo a una era que consideramos mucho mejor”, porque este avance ya no da más. Eso fue lo primero que se me vino a la cabeza.

Adrià: Pues era la intención, pero está bien. [Risas]

TTH: ¿Cómo describirían el sonido de este nuevo álbum? Obviamente, CRIM es una banda que no sé si tiene muchos cambios de estilo ni nada de eso. No me parece que vaya tanto por ese lado, pero ¿cómo describirían la idea detrás del sonido de este nuevo disco? ¿Cómo se lo plantearon?

Quim: Bueno, sigue siendo CRIM. A la primera se nota claramente que seguimos siendo nosotros, pero en este disco las canciones son un poco más distintas entre sí de lo habitual, algo que siempre intentamos hacer. Hay bastantes momentos duros, bastante cañeros, canciones rápidas, y también algunos experimentos, cosas un poco más raras, sonidos nuevos… pero siempre sin dejar de lado nuestro sonido básico, ese que es característico, pienso yo. Que apenas escuchas diez segundos, ya sabes que somos nosotros.

TTH: Sí, obvio, obviamente. Creo que no van a dejar el punk de lado ni nada de eso… por ahora, me imagino. Ya sé que hoy en día uno dice “no, nunca vamos a abandonar nuestro estilo” y todo eso, pero bueno, mañana quién sabe. Aunque es difícil que pase. Claramente, cuando uno lo escucha, dice: “esto es CRIM”.

Quim: ¡Es lo que sabemos hacer!

TTH: Yo mencionaba antes que hace poco estuvieron como teloneros de Refused. ¿Cómo fue esa experiencia?

Adrià: Muy increíble, una sensación muy fuerte de haberlo conseguido. No era un sueño que yo tuviera marcado como “tengo que tocar con Refused”, pero cuando estábamos ahí fue una sensación bastante impresionante. Además, tocamos en Madrid, que no es nuestro terreno, pero sí tenemos público ahí, cosa que todavía nos sorprende. Y aparte, el privilegio de tocar con una banda que además te elige, porque de las propuestas que les hicieron entendemos que la nuestra les pareció bien, fue un honor increíble. Además, nos lo pasamos súper bien, fue un conciertazo, creo.

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TTH: Saber que ustedes estuvieron como teloneros de Refused, pero también han hecho covers de bandas como Turbonegro y Cock Sparrer, creo que dice bastante sobre el sonido de CRIM. Esto que mencionamos antes, que si bien es una banda punk, toma influencias de diferentes lugares al momento de hacer sus canciones.

Quim: Sí, nosotros siempre hemos escuchado música muy variada y fuera del punk rock. Pero la gracia del punk en general es que abarca tantos subgéneros, estilos y grupos. Siempre nos impactó mucho cuando una banda salía con algo nuevo, como Refused, por ejemplo, que hace más de 20 años propuso algo distinto. Nosotros éramos chavales y alucinamos cuando apareció ese nuevo concepto, que era hardcore, sí, pero con esta elegancia. A nosotros siempre nos ha interesado tanto lo clásico, como Cock Sparrer y los primeros del género, como también cuando descubrimos cosas más nuevas, por ejemplo Turbonegro o Refused. Somos bastante abiertos, y creo que eso se nota bastante a la hora de componer. No nos ceñimos a un estilo o a un tipo de sonido determinado. No hay muchas canciones que suenen solo a Ramones o solo a algo específico, porque nos gusta mezclar todas las influencias y naturalmente nos sale. Es natural, supongo.

TTH: Mezclar todo y ver cómo sale, ver lo que surge a partir de eso.

Quim: Claro, que se note que somos cuatro personas con nuestras bandas favoritas y nuestras propias ganas de hacer. Es algo bueno, creo, que pasa entre nosotros, que tenemos esa polivalencia de gustos. Al final siempre sale algo genuino, aunque tenga colores distintos, y eso está guay.

TTH: Esto es una cosa que se menciona en cada entrevista y ya creo que deben de tener un poquito hinchadas las pelotas con esto, como se diría acá, pero tengo que mencionarlo y voy a tratar de hacerlo una sola vez. Siendo obviamente una banda que canta en catalán, lograron tocar en Alemania, en Francia, en Inglaterra, en Portugal, incluso una vez en Estados Unidos, en el festival este… ¿cómo era? Punk…

Adrià: Punk & Bowling.

TTH: Punk & Bowling. ¿En qué lugar les gustaría tocar donde no lo hayan hecho ya? ¿Dónde dicen “fa, cómo me gustaría tocar en este lugar específico”, pero todavía no se dio por ahora?

Adrià: ¡En Corea del Norte!

TTH: Ah bueno, sí. ¡Laibach hizo eso!

Adrià: ¿Laibach? Normal, normal. Es que van vestidos como si fueran ya, o sea, que quedarían super disimulados entre las filas militares.

TTH: Bueno, ellos cumplieron el sueño, así que…

Adrià: A ver, no sé… Es que en mi caso hemos tocado en muchos más sitios de los que nunca hubiera soñado, imaginado o planteado haberlo hecho. Entonces, ya como decimos aquí, un canto en los dientes, no sé si está satisfecho en este aspecto o qué. No es una cuestión de “buah, ahora lo siguiente sería tocar aquí”. Siendo consecuentes, siendo sinceros y honestos con lo que hacemos, creo que hemos llegado mucho más lejos de lo que… no sé, muchas veces hemos tenido la sensación de “¿Qué coño hacemos aquí? ¿Qué es esto? ¿Cómo hemos llegado acá? ¿Qué es esta maravilla?”. Así que no sé, sitios nuevos, muchos no… en Japón, hombre.

Quim: A ver, yo creo que a veces sí. Últimamente comentamos lo de Latinoamérica, que nunca hemos estado, y sí… Y Asia, a mí me haría mucha ilusión tocar en China, por ejemplo, o en Japón. En Japón ya ni te digo, pero sí, Colombia, México, Argentina, también Chile, que hay bastante movida. Alguna vez nos han propuesto, pero mira, no ha cuadrado, y yo creo que puede ser lo próximo.

TTH: Y lo que decían acerca de pensar en el lugar en el que están… Obviamente, cuando uno arranca una banda, o sea, cuando ustedes arrancaron, me imagino que no se imaginaban estar en el lugar donde están ahora.

Adrià: Claro, es que es eso.

Quim: No imaginábamos ni tocar en Barcelona, que está a 100 kilómetros, o sea que sí. Ya cuando nos invitaron la primera vez fue como: “Hostia, pues bueno, pues vamos”. De hecho, tocamos antes en Barcelona que en Tarragona muchas veces. ¡Ya era como irse de gira mundial para un grupo como CRIM!

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TTH: Creo que fue en una entrevista que ustedes habían dado, que en un momento mencionaron a Berri Txarrak, la banda vasca, y decían que ellos son más aceptados en el País Vasco que ustedes en Barcelona o en Tarragona.

Adrià: Bueno, fueron unas declaraciones con las que tampoco estamos muy de acuerdo, porque tampoco era eso, era el clickbait. Es que en la situación de la conversación se sacó eso, se extrajo ese titular. 

TTH: Ah sí, entiendo.

Adrià: Realmente a mí me tocó mucho la polla. O sea, no no no pensamos eso tampoco, la verdad, porque al final depende de la gente, no de las instituciones.

TTH: Obvio obvio, no es que estén obligados.

Adrià: O sea, el tema es que creemos que seguramente en Cataluña hay un trato hacia la música más político, y en el País Vasco hay otro. Esto sí que es verdad. Aparte, con todo el respeto a lo que han logrado Berri Txarrak en su carrera y todos los esfuerzos que han hecho, quiero decir que, estén donde estén, lo han hecho bien, y no pretendíamos con este comentario ser comparados.

TTH: Sí, sí, sí, sí. Tampoco es que la gente de tal región tenga que sentir una obligación con una banda de su propia región.

Adrià: Obvio, obvio.

TTH: Sí, hablando de entrevistas, esta vez no tan clickbait como esa, recuerdo una frase que, parafraseando, decía: “El punk sigue siendo necesario al menos como forma de resistencia cultural”. Y creo que eso es extremadamente cierto, mencionaba acá a Quim que tenemos esta época donde hay políticos de ciertas tendencias queriendo mostrarse como contraculturales y todo eso, pero vos analizás un poquito y te das cuenta de que no es así. Y encima tenés gente, que ustedes seguro habrán leído algún comentario así, que decía algo como: “En esta época, ahora lo punk es ser conservador”.

Adrià: [Risas]

Quim: Realmente es una tontería que se digan esas cosas, cuando hay motivos más que de sobra para seguir haciendo punk y sintiéndose así. No hace falta que venga de otros colectivos o de ideas totalmente contrarias, porque no es así, o sea, hay motivos de sobra, vamos. Cada uno en su parcela, tanto musical como en esto que dices tú, que a veces dicen “Ahora lo punk es ser conservador”. No sé, no sé dónde le ve la gente que dice eso la lógica.

Adrià: Bueno, eso normalmente lo dice gente conservadora que quiere ser aceptada como algo rompedor, seguramente, ¿no? Eso no lo dirá la gente de que no lo seamos.

TTH: Sí, gente que en su vida fue a un recital punk, en muchos casos. Y tal vez incluso les espantaría la idea.

Adrià: ¡Seguramente!

TTH: Mencionábamos antes esto de que cuando uno arranca una banda no se puede imaginar tal cual cómo va a ser dentro de unos años. Tal vez uno arranca una banda con la idea de ser una estrella de la música en nada de tiempo, y eso no se da. Y a veces uno arranca una banda pensando que va a tocar en un par de bares y termina tocando en un estadio al poco tiempo. Y viendo lo que era Crim sobre los inicios, cuando empezaron a delinear las cosas de la banda, porque yo creo que al inicio no tenían muy en claro, por ejemplo el tema del idioma, que al principio iban a cantar en inglés y después decidieron: “No, vamos a cantar en catalán porque es el idioma que utilizamos todos los días”. ¿Cómo creen que evolucionó la banda desde sus inicios? No necesariamente en temas de popularidad, sino cómo creen que evolucionó tanto en el sonido como en la manera de trabajar.

Adrià: Bueno, te lo vas tomando más en serio y vas viendo que cuanto más das, más te exige. Es muy distinto empezar una banda, cargar un coche con lo que quepa, te metes en el coche y te vas a una ciudad más o menos cercana, a cuando la cosa se pone más seria: vas tocando cada vez más, vas necesitando más gente que te ayude, más equipo, sonar mejor, intentarlo, invertir tiempo y dinero. Se ha ido profesionalizando sin querer, y hemos notado ese cambio desde cuando empezamos, que era simplemente un accidente bonito, a tener que mantener ese accidente y hacerlo aún más bonito. Hemos tenido que tomárnoslo de la misma manera, pero más en serio, supongo. Si antes era simplemente quedar para ensayar a ver qué salía con unos amigos, pues ahora es mantener esto, que es difícil después de cinco discos. Y la única manera de mantenerlo o mejorarlo es dando cada vez más de nosotros.

TTH: Cuando arrancan la idea era, “Ah, sí, un día podemos agarrar y tocar en Barcelona, que está acá cerca”, y ahora es “Pudimos tocar en Alemania o en Francia”, uno no se imagina eso. Aparte de este Futur Medieval, ¿qué se viene en el “futuro medieval” de CRIM? ¿Qué tienen planeado?

Quim: Ahora presentar el disco por todo lo que se pueda. Nos vamos a Alemania ahora dentro de dos semanas y luego empezamos la gira de salas por Cataluña, por el resto de la península, y luego veremos. Supongo que nosotros siempre hacemos una gira más larga luego por Europa. Supongo que a final de este año, no está todavía planeado, nos gustaría salir a algún sitio que nunca hayamos estado. Si puede ser, eso el tiempo lo dirá. Pero básicamente ahora estaremos bastante atareados con esto. No estamos pensando en empezar a componer otra vez, ¿no? Esto todavía no ha salido este, pues vamos a darle su tiempo y presentarlo en todos los sitios que nos dejen.

TTH: Próximamente, no sé, Andorra.

Quim: Ya estuvimos hace poco. [Risas] En un festival, sí.

TTH: Bueno, San Marino, otro lugar chico.

Quim: [Refiriéndose a Andorra] Lo tenemos a tres horas. Ya hemos estado un par de veces, pero bueno.

TTH: ¿Qué querrían decirle a los que va a estar escuchando el nuevo disco Futur Medieval, a la gente que los va a estar viendo en vivo, a todos? ¿Qué querrían decirle a todos ellos?

Adrià: Pues darle las gracias por dedicar tiempo a esto, que sabemos que es lo más caro que hay hoy en día: la atención, el tiempo, no sé, ocupar la cabeza y el corazón de la gente, pues es increíble. Así que nada, agradecer el tiempo y que les guste el disco, obviamente. ¿Quim?

Quim: Nada, esperamos que les guste a quien tenga el rato para escucharnos y muchas gracias, de verdad. Nosotros todavía lo agradecemos después de unos cuantos discos. Es tanto esfuerzo que después, si viene alguien y te dice: “He escuchado el disco, pero no me ha gustado tanto”, bueno, pero ya lo has escuchado.

TTH: ¡No se puede contentar a todo el mundo!

Quim: No no, faltaría más. Nosotros hacemos lo que nos gusta a los cuatro, y luego, si gusta, pues mejor. Nadie lo puede negar. 

TTH: Si gusta, bien, y si no, bueno, ¿qué se le va a hacer? No se puede con todos. 

Quim:  Haremos otro. [Risas]

Moths es una de las bandas de metal más interesantes que hayan salido del caribe en los últimos años. Su intensa mezcla de prog, stoner y avant-garde es una gran muestra de que los estereotipos de música regionales se han visto cada vez más empequeñecidos con el auge de la propagación de música digital, tanto así que este tipo de bandas pueden llegar a países como México, compartiendo un metal que por lo general se espera de latitudes más específicas, como es el caso de su gira que empezará por nuestro territorio este próximo 20 de noviembre en Puebla. En este contexto, tuvimos la suerte entrevista a Weslie Negrón, bajista de esta excepcional banda de Puerto Rico.

Esta gira por México los llevará a Puebla, Morelia, CDMX y Querétaro. ¿Cómo se sienten ante su primera visita al país y qué esperan del público mexicano?

Nos sentimos super ansiosos de presentarnos por primera vez en México. Desde siempre hemos escuchado sobre lo apasionado que son los mexicanos sobre el Metal y poder llegar a experimentar eso de primera instacia es algo que nos emociona mucho. Estamos preparados para dar mucha energía y esperamos recibirla igualmente del público presente.

¿Cómo surge la idea de los pecados capitales para “Septem” y qué buscaban transmitir con este concepto?

La idea surge de un artículo que leí hace mucho tiempo en National Geographic que hablaba de los demonios que la iglesia Católica le asignaba a cada uno de los pecados. Al leerlo pensé que sería una excelente idea para tenerlo como concepto de un disco y poder presentar la experiencia audiovisual del mismo con buen arte proyectando los demonios, etc. Al pasar los años y poder presentarle la idea a la banda, se convirtió en un ejercicio muy interesante en la cual tratamos de, dentro nuestro estilo y percepción, poder crear la atmósfera que cada uno de los pecados transmite. En relación a las letras no quería que fuera otra crítica a la Iglesia o a la religión, más bien una exploración interna sobre los pecados y como se aplican en nuestro día a día, así pudiendo tener introspección y poder tratar de ser mejores seres humanos. Al final, dentro de nuestra manera muy peculiar, creo que llegamos a lograrlo.

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¿Qué impacto tuvo en el sonido final del disco el haber grabado en Argentina y haber masterizado con Jens Borgen en Suecia?

Muchísimo. Yo digo que este disco es tanto argentino como es puertorriqueño. Las condiciones en la cuales grabamos este disco en Argentina influyeron mucho en la composición final de algunas de las canciones, al igual que el sonido persé, ya que en Romaphonic, el estudio donde grabamos, nos asignaron un equipo de primera que entendió el sonido y la intención de lo que estabamos haciendo. Estuvimos 1 semana grabando todos los instrumentos, con sesiones de hasta 10 horas corridas, la cual fue un proceso totalmente nuevo para nosotros. La masterización con Jens Bogren llevó el sonido del disco a un nivel que es esperado de alguien que tiene el resumé que él tiene. Yo llevaba mucho tiempo queriendo trabajar con él ya que ha trabajando en mucho de mis discos favoritos y es un placer ser parte de su lista de discos trabajados. Estamos contentos con el resultado final.

En comparación con Space Force, ¿cómo describirían la evolución de MOTHS en este nuevo material?

Este nuevo material es mucho más oscuro, menos experimental que lo que hicimos en “Space Force”. Diría que también es un poco más al grano que lo que es nuestro material anterior. Eso pasó también por las circunstancias en las cuales escribimos estos temas. De hecho, dos de los temas los terminamos en el estudio y de ahí parte esto. También al ser el primer material que grabamos con Mariel en las voces, le da un tono único al incluir sus influencias de Metal sinfónico, el cual es algo que no habíamos experimentado anteriormente. Tenemos influencias más extremas como de death y black metal, el cual somos fanáticos, pero no habíamos implementado anteriormente en nuestra música. Al final, pienso que esto es un escalón a lo que de verdad puede llegar a ser nuestro sonido y eso me emociona porque explorar con eso significa que hay mucho más potencial dentro de nosotros que le podemos sacar provecho.

¿Cómo logran mantener cohesión entre tantas influencias distintas?

Creo que esto funciona porque somos una banda que nos reunimos en persona a escribir estos temas, explorar los “riffs” y lo que salga mientras y tenemos conversaciones de lo que creemos que funciona y lo tratamos sin prejuicios. Al final es la mezcla de un montón de influencias individuales que terminan cuajandose y ser nuestro sonido. Pero como dije anteriormente, creo que todavía no hemos llegado a lo que de verdad sería nuestro sonido y eso suena como una aventura muy divertida.

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¿Qué podrá esperar el público mexicano de sus shows en esta gira?

Mucha energía. Vamos a estar tocando “Septem” en su totalidad y varios temas más. Puede esperar calor boricua y un show bien genuino. Somos una banda totalmente en vivo, donde cada show puede tener algo distinto ya sea porque queremos tener mas un “jam” o puede ser más heavy, todo depende de la energía que recibamos de vuelta.

¿Qué es lo que más esperan de esta experiencia, qué es lo que más han escuchado hablar de México?

En realidad es experimentar la energía y la pasión del público mexicano sobre el Metal. Hemos escuchado de lo mucho que se viven este estilo de vida y es algo que no es muy usual acá en PR, aunque hay mucha pasión por el Metal también. Otra cosa que de verdad estamos bien curiosos es de explorar las ciudades a donde vamos dentro del tiempo que podamos al igual que la gastronomía, eso está #2 en nuestra lista de prioridades, jajaja.

Puerto Rico no siempre aparece en el mapa del metal latinoamericano. ¿Qué significa para ustedes llevar esa bandera y representar a su escena fuera del Caribe?

La realidad es que Puerto Rico es muy rico en bandas de Metal, la escena lleva viva desde finales de los 80s con muchos buenos exponentes que, por una razón u otra, no han tenido la exposición que merecen. No creo que necesariamente nosotros seamos la única banda que esté “cargando la bandera” ya que hay múltiples bandas que nos están representando a nivel internacional, pero sí puedo decir que nos llena de mucho orgullo y es parte de nuestra responsabilidad dejarle saber a la gente que acá se hace buen metal también. Puerto Rico, generacionalmente, ha tenido excelentes músicos en distintos géneros musicales y el Metal no se queda atrás.

¿Hay algo más que quieran hacer saber a nuestros lectores?

Sigan apoyando las bandas independientes del país y/o género que les gusta, esto es esencial para el continuo crecimiento del género a nivel mundial. Aunque no necesitemos la cobertura de medios principales, es un movimiento que significa mucho más que solo la música que se consume. Muchas personas consideran esto como su comunidad, su casa, donde único son entendidos y debemos valorar y cuidar eso. ¡Los esperamos en nuestros shows en México!

Desde Getafe, Mvrmvr emerge como una de las propuestas más inquietantes y profundas del metal atmosférico español. Su nuevo trabajo, Red Hill, es un álbum conceptual que entrelaza historia, simbología, crítica y emoción, tomando como eje el Cerro de los Ángeles y su carga espiritual, política y social. En esta entrevista, la banda nos habla sobre la gestación del disco, sus influencias, su relación con la ciudad y la manera en que transforman el dolor histórico en arte sonoro.

• Red Hill es un álbum conceptual muy ambicioso. ¿Cómo definirían la historia que quieren contar y cómo conecta con su ciudad y su historia?

Red Hill es un álbum muy conectado con nuestra ciudad y nuestras vivencias. De ahí toma el nombre, Cerro Rojo, pero en inglés obviamente, en referencia al nombre que se le dio al Cerro de los Ángeles en un corto periodo de tiempo en 1937. El Cerro de los Ángeles, que hay quien lo considera centro geográfico de la Península, es un lugar cargado de simbolismo e historia, pero para nosotros representa un catalizador de dolor y represión que se alza en forma de monumento religioso.

Tal vez mucha gente de Getafe, o de cualquier parte de España, no conoce o no ha hecho por conocer todo lo que representa este lugar. Es cierto que el disco no se centra únicamente en un episodio durante la Guerra Civil, sino que abarca mucho más, desde épocas pasadas hasta lo que supone este monumento para nosotros en la actualidad.

• Han trabajado con Víctor Saiz en California Studios para grabar, mezclar y masterizar el disco. ¿Cómo influyó su trabajo en la atmósfera final del álbum?

Víctor es un gran profesional y California Studios es un lugar inmejorable para grabar hoy en día en Madrid. Ya teníamos la experiencia previa de trabajar juntos con Pvtrefactio y el resultado fue muy positivo. En esta ocasión las dos partes nos conocíamos mejor y todo ha fluido con mucha naturalidad y entendimiento.

A la hora de tomar decisiones existe cierto diálogo, siempre escuchamos y respetamos las sugerencias de Víctor y algunas de las decisiones recaen sobre él. En todo momento buscamos un sonido orgánico, que todo suene bien pulido pero real. Además, a la hora de grabar el ambiente siempre es muy distendido, sin nada de presión, y así las cosas salen mejor.

El resultado final, mezcla y masterización, nos parece que tiene ese sello de identidad de California. Es una gozada escuchar un metal tan oscuro, con tantos matices y elementos, y sentir que todo está en su sitio, que todo tiene protagonismo.

• La portada de Azahara G. Martínez refleja un ambiente muy oscuro y simbólico. ¿Qué importancia tiene el arte visual para la narrativa de Red Hill?

Creemos que lo habéis definido muy bien, el Cerro de los Ángeles es un lugar lúgubre y oscuro. A priori puede parecer un lugar de paz y reconciliación. De hecho, creemos que la Iglesia así lo pretende. Pero a nada que tengas una mirada crítica, te das cuenta de que es una colina cargada de muerte y de odio.

Todo esto se trata de transmitir desde esa portada sobria, que de alguna manera supone una mirada invertida a la historia, a lo que la mayoría dormida puede creer hoy en día. Si subes hasta la cima y entras en el templo, es un lugar que realmente da miedo.

Luego tenemos ese sentido reforzado de que la portada del disco es realmente lo que es: ahí tienes el Cerro Rojo, renovado tras su destrucción. Lo que una vez fue destruido, a día de hoy se eleva aún más alto (666 metros para ser exactos), alzado por la dictadura franquista como un elemento de control que te vigila desde cualquier parte allí arriba. De alguna manera, nosotros queremos bajarlo de ahí.

• El disco aborda la relación entre la Iglesia y la dictadura franquista en el Cerro de los Ángeles. ¿Qué los motivó a explorar ese episodio histórico desde una perspectiva musical?

Al final es una herida abierta, y cada ciudad, cada pueblo de España tendrá su propio Cerro de los Ángeles. No diremos que este punto negro en la historia de España —que hemos tenido muchos, pero quizá este sea el más grande de todos— no haya sido tratado antes por otros artistas. Sin embargo, creemos haber hecho un acercamiento diferente, tal vez más profundo, más cercano y, desde luego, mucho más incómodo.

Parece un cliché que una banda de metal europea ataque a la Iglesia, y en parte es cierto, porque muchos lo hacen vagamente desde la fe o desde la ficción. Nosotros no hablamos de demonios, ni rituales, ni invocaciones, tampoco tratamos de ser despectivos con una fe milenaria. Creemos que vamos a un problema mucho más tangible, que señala a una entidad y una cúpula a los que la religión les importa bien poco. En la Iglesia como institución en España anidó el mal por mucho tiempo y fue el azote para muchos españoles tan humildes como inocentes.

• Su sonido mezcla post black, blackgaze, atmospheric black, doom y toques progresivos. ¿Cómo trabajan para mantener coherencia entre tanta diversidad sonora?

Mantener la coherencia es tan importante como complejo. Hemos tenido grandes disputas para poder hacer sonar todo lo más aunado y coherente posible. Al final somos una banda que tratamos de pulir mucho todos los aspectos, quizá más de lo que deberíamos, aunque luego da sus frutos.

A todos nos gustan diferentes estilos, incluso géneros más allá del metal, y la música hay que disfrutarla. Por esta mezcla, Red Hill es un disco muy ameno, que invita a ser reescuchado y no se hace pesado. El post metal, donde intentamos mantenernos, ofrece mucha libertad y muchas posibilidades. Las canciones tan largas, con estructuras tan variables, suponen un reto como músicos, pero también un universo infinito en el que probar y jugar.

• Las letras de Red Hill contienen metáforas ocultistas y ritualísticas. ¿Qué papel juega lo simbólico y místico a la hora de componer música tan intensa y envolvente?

Para nosotros es crucial, ya que nos da la libertad de poder decir lo que queremos de una forma más velada, que invita al oyente a leerse las letras, analizarlas y reflexionar sobre ellas. Nos gusta que las personas que nos escuchan saquen sus propias conclusiones acerca de lo que se habla en la canción, así como utilizar estos recursos más “místicos” para poder reivindicar temas sociales y mundanos, jugando con esa antítesis.

Además, a nivel personal, encontramos mucha inspiración en la simbología alquímica, el ocultismo y las tradiciones.

• Algunos comparan su estilo con Amenra, Deafheaven o Mgła. ¿Cuáles son sus principales influencias y cómo las adaptan a su propio universo sonoro?

Para nosotros es todo un honor, ya que son tres bandas que nos han influenciado mucho a lo largo de estos años en Murmur.

También tenemos influencias muy variadas y dispares entre nosotros, y creemos que eso se transmite en nuestra música. Vemos esto como algo muy positivo, ya que nos ayuda a no sonar repetitivos o “parecidos a”, intentando siempre crear algo original.

Para este álbum yo citaría a una banda pilar en nuestras influencias: los irlandeses Altar of Plagues, sobre todo en Red Hill 2, así como ya en algunos temas de Pvtrefactio.

Las partes más pesadas y atmosféricas tal vez nos acerquen a proyectos como Amenra, mientras que las secciones más melódicas y de blackgaze evocan a Deafheaven o Heretoir. Por último, con Red Hill siempre citamos ese intento de dotar al disco de un lado ‘folk’, ya que hablamos sobre lugares de nuestra ciudad natal, con influencias de Agalloch, Wolves in the Throne Room o Falls of Rauros.

• Red Hill parece buscar una experiencia sensorial completa para el oyente. ¿Cómo trasladan esa intensidad y atmósfera a sus conciertos?

Tiene cierta complejidad, especialmente después de los dos videoclips tan ambiciosos que hemos podido realizar, llevar un directo que no quede carente en comparación.

Nosotros vemos nuestro directo como un añadido a esa experiencia. Siempre intentamos cuidar la escenografía y el vestuario para generar un ambiente propicio. Como nuestras letras, nuestros conciertos tienen ese tono ritualístico llevado a cabo por Beatriz (la vocalista). Para este álbum, hemos cambiado la propuesta a una mucho más sobria, que evoque a la nostalgia y al dolor. Ahora más que un ritual, llevamos a cabo un rito de sepultura, una despedida.

A nuestro vestuario también le hemos dado un toque más bélico, desgastado, mientras que Beatriz luce como una plañidera que transmite esa frialdad y ese lamento mientras guía el rito en sí mismo.

• Tras Red Hill, ¿qué dirección imaginan para Murmur? ¿Más exploración conceptual, nuevos elementos musicales o mantener la misma senda atmosférica y oscura?

Ahora mismo, y aun estando tan centrados en la salida del álbum, tenemos ideas puestas sobre la mesa. Lo conceptual, así como ese tono oscuro y reflexivo, es algo que caracteriza la esencia de la banda, por lo que seguirá apareciendo en nuestros nuevos trabajos.

A nivel musical, intentamos ir evolucionando, aprendiendo y llevando la madurez que da la experiencia a nuestros temas. Tampoco somos una banda que se cierre a las pretensiones ligadas a un género determinado, por lo que creemos que lo que venga en el futuro mantendrá nuestra esencia, pero seguirá siendo una nueva cara a descubrir de Murmur.

Tras varios años de separación y proyectos aparte, los abanderados del hardcore argentino Nueva Etica estuvieron de regreso para reunirse con sus fans el domingo 9 de noviembre en el Teatro Flores, en una fecha tan violenta y catártica como emotiva. Para esta ocasión hablamos con el guitarrista Lisandro Guerra sobre tan esperada fecha.

—Muchas gracias a todos en Nueva Ética por darnos tiempo para esta entrevista. ¿Cómo vienen las cosas ahora con la banda? ¿Cómo se están dando los preparativos para la fecha de regreso?

Hola a todos, muchas gracias por brindarnos este espacio y por tomarse el tiempo en realizarnos esta entrevista. Estamos laburando a full para que la noche el 9 de noviembre en el Teatro Flores sea una velada única e inolvidable, un reencuentro de lujo con tantos amigos de la banda que no vemos hace mucho.

—¿Cómo se sintió reunir a Nueva Ética después de casi una década y media?

Una felicidad enorme poder volver a preparar a la máquina para estar en un escenario, en nuestro hogar, ya que la ultima vez que pudimos juntarnos fue en un gira por EE.UU. así que no podemos más de las ganas.

—¿Creen que la escena hardcore haya cambiado en estos años que Nueva Ética estuvo alejado de los escenarios?

Por supuesto que si. Es algo natural, la escena hardcore siempre va cambiando con las décadas, ingresa nueva gente, nuevas bandas, pero a pesar de eso la esencia siempre es la misma.

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—He visto gente joven, que lo más seguro no haya podido verlos durante esa primera etapa, descubriendo a Nueva Ética en estos años. ¿Creen que mantener joven a la escena es algo importante?

La escena es un lugar de encuentro de jóvenes y no tan jóvenes con las ganas de unos y la experiencia de los otros, es lo que a la larga genera los mejores momentos y esta claro que sin los jóvenes se marchitaría irremediablemente.

—Hablando acerca de la fecha en el Teatro Flores, ¿cómo armaron la lista de canciones? ¿Cuáles creen que tienen sí o sí que estar presentes en un concierto de Nueva Ética?

Con la lista buscamos un equilibrio entre los temas de todos las épocas para que gente que no vio nunca a Nueva pueda saber de qué se trataba y los más conocedores se sientan satisfechos de que escucharon los temas que querían escuchar. Son varios que no pueden faltar.

—Creo que la pregunta obvia es acerca del futuro. ¿Qué viene después de esta fecha para el futuro de Nueva Ética? ¿Cuáles son los planes?

La verdad es que ni nosotros mismos sabemos a dónde nos llevará la vida, ahora estamos enfocados en esta fecha para dar lo mejor, después mientras estemos juntos quien sabe…

1914 es una banda que puede decir que ha experimentado, de una forma u otra, las cosas de las que hablan en sus canciones. Rhapsody of Fire nunca pelearon con dragones, Running Wild nunca saquearon navíos en sus aventuras como piratas, Mastodon nunca se enfrentaron a una enorme ballena blanca, y ninguna banda de black metal se habrá encontrado con Satanás, pero estos ucranianos dedicados de lleno a la temática de la Primera Guerra Mundial pueden decir que han experimentado la guerra en primera persona. Formados en 2014 justo a tiempo tanto para el centenario de la Gran Guerra como para el comienzo de la invasión rusa a su país natal, el cuarteto de la ciudad de Lviv trata de representar el conflicto bélico con la mayor precisión posible, no sólo por su respeto a los hechos históricos sino también por vivir en una zona de guerra, y a pesar de tener ahora a uno de sus integrantes peleando en las fuerzas ucranianas la máquina de 1914 no para. 

Es así que a poco de que salga su nuevo álbum Viribus Unitis el 14 de noviembre, pudimos hablar largo rato con el cantante Dmytro Kumar, o “2.Division, Infanterie-Regiment Nr.147, Oberleutnant – Ditmar Kumarberg” como se presenta en los últimos álbumes, tanto sobre este nuevo trabajo como de la manera en la que se habla sobre la Primera Guerra Mundial en los medios y entre otras bandas de metal, la actualidad en Ucrania, la importancia de la representación certera de los hechos históricos y un sinfín más de temas.

Track To Hell: Le hice una entrevista a la banda hace como cuatro o cinco años, ¿sabés? Estábamos con Vitaliy, creo.

Dmytro: ¡Sí! Con un tipo grandote, ¿no?

Track To Hell: Así es, en noviembre de 2021, cuando lanzaron Where Fear and Weapons Meet. Y obviamente estábamos en la pandemia, así que las cosas deben haber cambiado mucho en 1914. ¿Cómo está todo?

Dmytro: Vitaliy ahora está en el ejército, así que le puedes mandar un saludo.

Track To Hell: Ah, mierda.

Dmytro: ¡Así es la vida! ¿Cómo han cambiado las cosas? Bueno, pasamos lentamente de la pandemia a la guerra, a la Gran Guerra. Nosotros la llamamos la Gran Guerra porque para nosotros los ucranianos la guerra comenzó hace más de 11 años, por Crimea, por la región de Donetsk y todo eso. Pero hace más de tres años empezó realmente la invasión a gran escala, y la llamamos la Gran Guerra.

TTH: La banda comenzó con la guerra, básicamente.

Dmytro: Sí, la banda comenzó en el centenario de la Gran Guerra y también cuando comenzó la guerra entre Rusia y Ucrania.

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TTH: Me da un poco de vergüenza admitir que tardé un tiempo largo en darme cuenta de que 1914 se había formado justo cuando se cumplían 100 años de la Primera Guerra Mundial. Así que… hablemos un poco acerca del gran tema que tenemos hoy. [Risas] Así que tienen un nuevo álbum, que estará saliendo en un par de días, y se llama Viribus Unitis. Contamos un poco acerca de la estructura de este álbum, porque obviamente es acerca de la Primera Guerra Mundial porque ese es el concepto alrededor del cual gira la banda, pero cada disco parece que trata acerca de la guerra desde diferentes ángulos, diferentes frentes. Y por lo que vi de este Viribus Unitis, los títulos de las canciones van en orden cronológico y además es acerca de un solo soldado. Contanos acerca de eso.

Dmytro: Todo el álbum está basado en el la historia de guerra de un soldado de nuestra ciudad natal Lviv, o Lemberg, de la región de Galitzia, donde nació la banda. Todo lo relacionado con este álbum se basa en sus memorias de guerra, cartas desde la cautividad y hechos históricos reales. He combinado todo esto en un álbum para reconstruir, año tras año, paso a paso, su camino de guerra, su destino y cómo reaccionó, cómo comenzó esta guerra.

Se trasladó desde Lemberg, porque los rusos invadieron y capturaron mi ciudad natal. Este soldado, nuestro protagonista, se mudó a Przemyśl, y luego de Przemyśl a los Montes Cárpatos. Desde los Cárpatos, después de una de las batallas más grandes de la Primera Guerra Mundial, la Operación Invierno de los Cárpatos, él y su regimiento se trasladaron al frente italiano, donde pasó más de dos años.

Fue capturado, y la historia relata cómo escapó y regresó de la cautividad. Desde Viena volvió a Lviv, nuestra ciudad natal, para luchar contra las tropas polacas que invadieron después de la Primera Guerra Mundial en lo que se llama la Guerra Polaco-Ucraniana.

Nuestros vecinos de Polonia invadieron nuestra ciudad natal y Galitzia. Él regresó desde Austria a Lemberg para luchar contra los polacos y murió el último día de la ofensiva. Es una historia sin un final feliz, y fue enterrado en una tumba desconocida, como muchos otros soldados desconocidos, como el soldado desconocido del ejército ucraniano, y es ahí donde termina todo. Es una historia que provoca horror que no es sólo acerca de un soldado, sino que muestra toda la historia ucraniana.

Sabes, cada vez que luchamos, siempre estamos esforzándonos por nuestra independencia, y tenemos muchos enemigos. Los rusos nos invadieron durante la Primera Guerra Mundial. Los rusos nos invadieron durante la Segunda Guerra Mundial. Los invasores rusos volvieron de nuevo, y cada vez nos enfrentamos al mismo enemigo y repetimos las mismas historias. Mucha gente nuestra ha muerto porque queremos ser un país normal, con nuestra independencia, nuestro idioma, historia y cultura. Queremos ser un país democrático normal en el corazón de Europa.

Pero cada vez nos enfrentamos a invasores, a vecinos que intentan robar una parte de nuestra tierra, de nuestra historia. Este álbum, en realidad, no trata solo sobre un soldado ucraniano, sino sobre todos los soldados ucranianos que han luchado y muerto por nuestra independencia.

TTH: Recuerdo haber leído una entrevista donde no sé si eras tú o alguien más, creo que eras tú, diciendo que no muchas personas hablan sobre los combates luchados en el frente oriental.

Dmytro: ¡Sí!

TTH: Que el frente occidental recibe mucha más atención porque están involucrados, ya sabes, los ingleses y los franceses… 

Dmytro: Vamos a llamarlos, digamos, [hace comillas con los dedos] “los europeos”. Porque para la mayoría de los europeos, en realidad, los pueblos eslavos, de Polonia, de Ucrania, de Eslovaquia, no son realmente considerados “europeos”.

TTH: Son algo diferente.

Dmytro: Sí, algunos eslavos de mierda de los que nos podría importar una mierda su existencia. Y reaccionaron de esa manera.

TTH: Lo del frente oriental y el frente occidental me recuerda a lo que pasa también con la Segunda Guerra Mundial. Obviamente muchos hablan acerca de los alemanes y los rusos y Stalingrado y demás, pero aparte de eso no se habla mucho. Y eso es algo que aprecio acerca de la banda, que no estén hablando sólo sobre las guerras y las batallas más famosas.

Dmytro: Por ejemplo, si hablamos acerca de los horrores del frente oriental… ¿De dónde eres?

TTH: Argentina.

Dmytro: (Se queda pensando porque claramente no se lo esperaba) ¡Ah!

TTH: Lo sé, lo sé.

Dmytro: OK, OK. (Se ríe)

TTH: Muchos creen que soy de España porque la página es de España, pero…

Dmytro: Bastante alejado de aquí.

TTH: Bueno, España tiene una Galicia, así que…

Dmytro: Lo sé, lo sé. Tenemos las mismas regiones que los celtas gallegos en España y la Galitzia de Ucrania, y probablemente la misma historia de las tribus celtas. Si hablamos del frente oriental, una de las batallas más horribles y sangrientas de la Primera Guerra Mundial ocurrió aquí, en Ucrania. Por ejemplo, la operación invernal de los Cárpatos, con alrededor de dos millones de bajas. ¿Te lo puedes imaginar? Dos millones de muertos, de gente en las montañas. Es una locura. 

Verdún tuvo alrededor de un millón de muertos, de ambos lados, pero Verdún es una marca muy conocida.

Sí, sí. Todo el mundo conoce Passchendaele, todo el mundo conoce Verdún, todos conocen Ypres o Somme.

TTH: Esas tienen una canción de Iron Maiden sobre ellas.

Dmytro: Exacto, pero nadie conoce el Frente Oriental y, en realidad, a la gente no le importa en absoluto un carajo. Por ejemplo, la segunda batalla más grande del frente oriental ocurrió aquí, en Ucrania, y se llama la Ofensiva Brusilov. Puedes buscarlo en Google y te vas a impresionar: más de dos millones y medio de bajas. Dos millones y medio. Es una cantidad enorme de heridos y muertos, y enormes pérdidas para el Imperio Húngaro. Después de la Ofensiva Brusilov, nunca se recuperaron realmente. Ellos simplemente lo perdieron todo, por eso colapsaron. Y nadie conoce esta parte de la historia, por eso intento difundir las historias y los mensajes. Cantamos muchas canciones sobre el frente occidental; tenemos una canción sobre Verdún, otra sobre Passchendaele, pero siempre intentamos combinarlo, por ejemplo, con el Imperio Otomano, o con la batalla de los soldados ucranianos como Philip Konowal, o con los Arditi, los soldados italianos. Siempre intentamos mostrar que la Primera Guerra Mundial no fue solo sobre alemanes, británicos y franceses. Muchas naciones estuvieron involucradas. Tengo en mente muchas historias que contar, y para los nuevos álbumes también. Por eso este disco está basado en el destino de un soldado ucraniano, para mostrar su historia, la historia de Ucrania y todos estos eventos históricos al mundo. Por ejemplo, en Europa ni siquiera saben mucho sobre el frente italiano.

TTH: Exacto.

Dmytro: Saben sobre el frente occidental, pero el frente italiano no estaba en occidente, ¿viste? Es como un poco al sur, así que no saben nada al respecto. Cuando intentas hablar con alemanes, franceses, belgas o con gente de los Países Bajos sobre el frente italiano… No, no saben nada, ni siquiera sobre Italia. Para ellos, Ucrania es otro planeta, ¿entiendes? Muchos ucranianos sirvieron en el frente italiano, por eso es que incluí esta gran historia sobre los acontecimientos ucranianos, luego el frente italiano, la captura y la fuga a través de Austria, y después regresar nuevamente a Ucrania, donde finalmente falleció.

TTH: Reuniendo todas las diferentes partes de la guerra en una sola historia.

Dmytro: Ajá.

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TTH: Entonces, quiero… Si no me equivoco, la canción “1919 (The Home Where I Died)” nos lleva a la época posterior a la guerra.

Dmytro: Sí. “1919” trata en realidad sobre la guerra ruso-ucraniana o ruso-polaco-ucraniana. E incluso uso la expresión “la guerra que nunca termina”, porque, como sabes, cada vez que nosotros, los ucranianos, nos enfrentamos a guerras de mierda, como las guerras polaco-ucranianas, luego los bolcheviques intentaron conquistar Ucrania, y después de ellos los rojos, como la Unión Soviética, vinieron aquí, y luego los alemanes vinieron y trataron de conquistarnos, y de nuevo los comunistas… es una locura. Cada vez que intentamos construir nuestra independencia, siempre nos enfrentamos a toda esta mierda.

TTH: Sí, porque si escuchas a mucha, mucha gente hablando de esa época, de esa era en Europa, podrías pensar que, cuando terminó la Primera Guerra Mundial…

Dmytro: ¡Que todo estaba bien!

TTH: Que todo fue paz hasta la Segunda Guerra Mundial, digamos. 21 años de paz, y no es así.

Dmytro: Y nosotros nos olvidamos completamente del fascismo en Italia, de cómo empezó. Después de la Primera Guerra Mundial, directamente nos olvidamos de las guerras balcánicas, de cómo Serbia invadió todo. Nos olvidamos por completo de las revoluciones en Alemania y de cómo continuó la República de Weimar. Y nos olvidamos de la guerra polaco-ucraniana y de la guerra polaco-rumana, y luego Rumania también invadió Ucrania, una enorme cantidad de guerras.

TTH: Eran cuatro años de guerra y luego nada más, hasta que Hitler invadió Polonia. 

Así que hay un detalle sobre la banda que quería preguntarte y es sobre los pseudónimos, los nombres que usan. Todos en la banda usan un pseudónimo con un rango muy largo y un nombre, y, si no me equivoco, los cambian con cada álbum para ajustarse al concepto. Quería preguntarte, ¿cómo los eligen? Porque suenan como nombres reales, pero muchas veces también suenan muy cercanos a sus nombres reales. Es algo en lo que he estado pensando desde la primera entrevista.

Dmytro: Un segundo, voy a agarrar el vinilo y lo leeré directamente de donde lo tenemos. (Se va a buscar el vinilo y vuelve unos segundos después). Así que, por ejemplo, en la vida real nuestro baterista se llama Rostyslav Potoplyak. Si chequeas el nombre, verás que aquí se llama Rostislaw Potoplacht, como una versión alemana de los apellidos ucranianos. Lo mismo para mí: aquí soy Ditmar Kumarberg y en la vida real soy Dimitri o Dmytro, así que es la versión germánica de mi nombre. Entonces reaccionamos de esta manera, usando los típicos nombres ucranianos y eslavos, con algo de pronunciación germánica debido al Imperio Austrohúngaro y porque ellos intentaban germanizar todo.

TTH: Diferentes versiones.

Dmytro: Exacto, diferentes versiones de los nombres reales. Otro ejemplo es el de nuestro bajista Armen Ohanesian, que en la transcripción germana es algo como Armen Howhannisjan.

TTH: No lo había notado, te agradezco mucho. Entonces algo que realmente aprecio de 1914 es que se adentran profundamente en, digamos, los aspectos menos gloriosos de la guerra. Obviamente, hay muchas bandas que hablan sobre la guerra; por ejemplo, hace un par de semanas estaba escuchando el nuevo disco de Sabaton y pensaba en eso. (Dmytro mira con la mirada más desaprobatoria que haya visto en mi vida).Sí, lo sé. Pero ustedes toman otra ruta: muchas bandas hablan de eventos históricos, pero suenan como la versión musical de la versión de Hollywood de esos hechos históricos. Ustedes, en cambio, hablan de cosas como soldados ejecutados por deserción, como en la canción “Coward”, de Where Fear and Weapons Meet. Ahora, ¿tienen algún comentario sobre cómo tratan estos eventos históricos en sus canciones?

Dmytro: Primero que nada, el principal problema de este tipo de bandas, como Sabaton y muchas otras que cantan sobre la guerra, es que quieren ser estrellas del rock y actúan como un típico rockstar o un típico fanático del metal.

TTH: Tienen que comprimir todo este evento histórico en una canción de tres minutos y medio.

Dmytro: Ellos quieren ser estrellas de rock, y yo no quiero serlo. (Risas). Entonces, esta es la razón principal. Yo me meto a fondo: hago una enorme investigación histórica. Para este álbum, pasé alrededor de seis meses en archivos, leyendo muchas cartas de soldados desde la cautividad, muchas memorias de guerra. ¿Quién quiere hacer esto? ¿Sabaton? No, ellos no quieren leer sobre eso; solo abren Wikipedia, leen sobre algún evento y luego piden a Chat GPT que les proporcione letras genéricas, combinan su música genérica con esas letras genéricas y obtienen lo mismo de álbum en álbum. Pero la gente sigue consumiendo esa porquería, se trata sobre el coeficiente intelectual en el mundo y no sobre la música.

TTH: Y hay gente que dice que se interesó en la historia gracias a Sabaton. Pero no los tomarías como una fuente confiable.

Dmytro: Oh sí, ellos leyeron Wikipedia. Tantas cosas geniales. (Risas). ¡A la mierda con esto! No puedo parar de reírme si seguimos hablando sobre este “metal Disney”. Mi misión principal es difundir mensajes y contar historias. No soy un fanático del metal, no soy músico, no soy cantante. Soy un nerd de la historia, y no quiero ser una estrella de rock. Por eso reacciono de manera completamente diferente. Para mí es más importante tener una historia con precisión histórica completa que los riffs poderosos o grandes letras con estribillos y versos que la gente recuerde y cante, a la mierda con eso. No, yo tengo letras 100 % históricamente precisas y un trasfondo y narrativa históricamente exactos. Y para mí esto es más importante que cualquier festival enorme o cosas por el estilo. Esa es una manera completamente diferente de pensarlo.

TTH: Es como si estuvieran cantando sobre estos eventos históricos reales como si estuvieran hablando de El Señor de los Anillos, ¿sabes? Si hablas de ficción, hazlo como quieras. Pero estos son eventos históricos reales con personas reales involucradas.

Dmytro: Desde hace unos 20 años estoy excavando a los soldados muertos de la Primera Guerra Mundial. Empecé en las montañas Cárpatos, en el bosque de Volinia, y los enterramos. Vi muchos restos humanos, muchos esqueletos con cartas, por ejemplo, dirigidas a sus madres, y nos sentábamos a leerlas. Y es como… mierda. No sólo te da inspiración, sino que te cambia mucho la manera de pensar, ¿sabes?

TTH: Esta es gente de verdad. 

Dmytro: Sí, es real. Aquí desentierras a un soldado muerto de verdad, con su maldito rifle, con sus malditos restos, con su maldita mochila con pan dentro. Y nosotros, como ucranianos, hemos enfrentado la guerra durante más de 11 años. Todo esto te da un punto de vista completamente diferente. Te cambia la mente, la forma de pensar y cómo reaccionas ante muchas, muchas cosas en la vida. Realmente creo que todos los ucranianos que se quedaron en Ucrania ahora mismo tienen alguna forma de estrés postraumático, porque cada vez te enfrentas a drones, ataques con misiles de crucero y esas noticias horribles. Así que sí, como nación tenemos un gran estrés postraumático. Si comparas esta experiencia con la “mierda” de experiencia de Sabaton, ellos solo están tomando cerveza y divirtiéndose, haciendo música para fiestas o eventos, y vienen a nuestro show a tomar cerveza y pasarla bien. La guerra no es eso. La guerra no es diversión, y no, no me impresiona toda esa mierda genérica.

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TTH: Así que, cuando hablas de la muerte como algo que no se puede separar de la guerra, estaba pensando en la portada del álbum con la enorme Parca en la parte trasera, y la Parca está obviamente en todas las portadas de los discos. Eso es algo que realmente aprecio de la banda, porque nos recuerda que la muerte siempre está presente cuando hablamos de guerra. Cuéntanos un poco sobre la portada del álbum.

Dmytro: Como mencionaste, sí, se trata de eso. Sabes, por un lado tenemos al arcángel, y uno podría pensar “oh, es nuestro arcángel, probablemente se trata de algo divino, de la salvación, del salvador”. Pero no, nada de eso. El arcángel está ahí como un cómplice de la Parca, y juntos hacen un enorme baño de sangre, como si estuvieran cortando vidas, una tras otra. Se trata de una cantidad enorme de gente muerta, y no tiene nada que ver con la protección, ni con la fe, ni con Dios, ni con nada de eso. La guerra solo tiene que ver con esa maldita Parca, y aunque intentes confiar en el lado divino, no: están juntos en el mismo crimen.

TTH: Recuerdo que alguien decía que 1914 nunca falla con las portadas de sus álbumes, que siempre son geniales. Pero al ver esta portada en particular, me hace… sabes, me hace pensar.

Dmytro: Incluso en el caso de la portada, porque Viribus Unitis tiene un significado un poco distinto si hablamos del disco en su conjunto. Pero si hablamos del arte del álbum: ese arcángel y la Parca juntos, con sus fuerzas unidas, te matan.

TTH: Porque cuando pensamos en el arcángel pensamos en el cielo, y con la Parca pensamos en el infierno. Pero están trabajando juntos.

Dmytro: El infierno está aquí.

TTH: Estamos en medio del cielo y el infierno.

Dmytro: En el medio del cielo y el infierno, tienes la guerra, tienes la trinchera.

TTH: Tengo un par de amigos que son realmente, realmente grandes fanáticos de los juegos de guerra, especialmente juegos de estrategia bélica. Especialmente World of Warships, pero también Isonzo, es como, ya sabes…

Dmytro: Conozco ese juego.

TTH: Sí, y ellos estaban realmente emocionados cuando les conté que iba a entrevistarte. Y conozco un par de personas que se interesaron mucho en la Primera Guerra Mundial gracias a ustedes, gracias a la banda. Principalmente porque la mayoría de las canciones de metal sobre guerras tratan sobre la Segunda Guerra Mundial, que recibe mucha más atención. ¿Recibes comentarios similares sobre personas que se interesan en la Primera Guerra Mundial gracias a 1914?

Dmytro: Por supuesto, por supuesto. Y no solo recibo comentarios, tengo muchísimas respuestas de belgas, franceses, alemanes… Y lo más importante es que no se trata solo de mensajes. Van a nuestros shows con toda la familia: el padre, la madre, el abuelo, y traen muchos recuerdos familiares. Me dicen: “Mira, aquí está la fotografía de mi abuelo. Él luchó aquí, murió aquí”. Y me traen balas, fragmentos, cruces de tumbas de guerra, monedas conmemorativas, libros… Cada vez que hacemos giras por Europa recibo una cantidad enorme de regalos de familias, porque esta parte de la historia es muy importante para ellos. Y no son metaleros, ¿sabes? Este verano, por ejemplo, tocamos en Bélgica, y había una abuela con su nieto que fue directamente a nuestro concierto porque cantábamos sobre un regimiento belga. Ella conocía la canción porque su abuelo había servido en ese regimiento, y para ella fue realmente importante ver a esos “tipos raros” de Ucrania que cantaban sobre su abuelo. Nadie en Bélgica lo hacía, pero sí unos chicos de Ucrania.

Ella me llevó una foto y una pequeña bala de un fusil belga como regalo. Para mí, eso significa muchísimo. Me da muchísima inspiración, me pone la piel de gallina. Tengo una gran colección de estos regalos, de todo eso.

Y, por supuesto, también recibimos muchos mensajes de gente que nos dice: “Nos inspiraron”, “Nos dieron una dirección correcta para nuestras investigaciones históricas”, y cosas así. Porque, sabes, yo no soy metalero, no soy músico. Solo soy un nerd de la historia. Mi misión es difundir el mensaje y contar las historias. Lo más importante para mí es contar las historias sobre la Gran Guerra. Esa es nuestra diferencia total con otras bandas de metal que cantan sobre la guerra: nosotros no lo hacemos para entretener, ni para divertirnos y beber cerveza. Esto es una parte real de nuestra vida, de nuestra experiencia, de nuestra existencia.

TTH: Es sobre la educación.

Dmytro: Y sí, es sobre la educación.

TTH: En febrero lanzaron una colaboración con Ship Her Son, llamándose la Barney Hines Band, en honor al soldado australiano de la Primera Guerra Mundial, Barney Hines.

Dmytro: Ah, lo conoces. Eso está bien.

TTH: Lo tuve que buscar, lo siento, pero fue un artículo muy interesante. Juntos hicieron un cover de The Prodigy, de “Invaders Must Die”. ¿Cómo se dio eso? Porque esas son tres cosas que no me imaginaría juntar: ustedes, una banda rara industrial y una canción de The Prodigy.

Dmytro: Sí, primero que todo, no soy un fan del metal. Soy un gran fan de la música industrial. Estoy completamente inmerso en música industrial, música marcial, dark folk y, por supuesto, punk rock. Para mí, colaborar con artistas industriales es natural.

Si revisas los álbumes anteriores de 1914, como Where Fear and Weapons Meet, en los LP adicionales tenemos versiones especiales llamadas “versiones Shell-Shocked”, que son canciones industriales enormes. También tenemos unos remixes electrónicos, por ejemplo en Blind Leading the Blind hay una versión de “…and a Cross Now Marks His Place”, y en nuestro primer álbum, donde incluimos dos remixes industriales/electrónicos como material adicional. Con cada álbum siempre he intentado incluir algo de material industrial o electrónico. Incluso en la edición de tres LP del nuevo álbum, hay una versión de “Die Karpathenschlacht” a cargo de Ship Her Son, y la siguiente canción es con Kadaitcha, uno de los proyectos de noise e industrial más famosos de Ucrania. 

Entonces, nuevamente, como bonus en vinilo tenemos un remix de Kadaitcha y adicionalmente dos canciones de 1914 junto con dos remixes industriales. Para mí, esto es una forma de pensar y de expresar la música. Por ejemplo, la canción “Invaders Must Die” en mi mente se habría lanzado originalmente como 1914, sin sellos ni contratos, pero estando bajo Napalm Records tenemos un contrato que nos impide lanzar canciones sin sello. Por eso creamos, en colaboración, la Barney Hines Band, para poder sacar material de manera libre fuera de las restricciones de 1914. Algo justo en el medio entre Ship Her Son y 1914.

TTH: Como si fuera otro proyecto.

Dmytro: Exacto, como un proyecto aparte. Así que grabamos “Invaders Must Die” y lo sacamos. Lo pensé como un regalo para los soldados ucranianos, para el regimiento de nuestro guitarrista, que lo pudieran lanzar a través de su canal de Youtube. Pero en el último minuto, Napalm Records me contactó con un mensaje diciendo que ellos lo lanzarían, que no lo publicara, pero que sería desde el canal de Napalm Records, no desde el nuestro.

Eso arruinó un poco mi plan original, pero esta canción era una colaboración pensada como un apoyo, un regalo para los soldados ucranianos y para nuestros fans que están entre las filas del ejército ucraniano. Recibí muchísimos videos de chicos con nuestro merch en las trincheras, usando chalecos antibalas con camisetas de 1914, parches, uniformes, etc. Eso te da mucha inspiración y escalofríos. Esta canción, en esencia, nació como un regalo para ellos.

TTH: Entonces, quería preguntarte, ya sabes, para cerrar, ¿qué te gustaría decirles a los fans y a las personas que estarán escuchando este nuevo álbum? ¿Qué quisieras decirles?

Dmytro: Uh, ¡odio este tipo de preguntas!

TTH: ¡Lo sé! ¡Lo sé!

Dmytro: No quiero decirles nada. Solo escuchen el álbum, pongan play y, ya sabes, aprendan un poco. Eso es todo. Edúquense y prepárense para la guerra, porque la Tercera Guerra Mundial ya está aquí. Entonces, prepárense: compren armas, compren fusiles, practiquen disparar, consigan medicina táctica y prepárense.

En una ocasión tuvimos la oportunidad de conversar con los muchachos de Cruces Negras, la banda tributo a Black Sabbath, quienes se presentarán este viernes 21 de noviembre en Club V con su espectáculo “Homenaje a Ozzy Osbourne”. El show llega tras su última aparición el 7 de julio de 2025 y luego del fallecimiento de Ozzy, ocurrido el 22 del mismo mes, hecho que marcó profundamente al mundo metalero.

Cruces Negras nace como un tributo, pero después de 20 años ¿sienten que se convirtieron en una banda con identidad propia más allá del homenaje?

Si, sin dudas. Podes tomar el homenaje como una excusa para que un grupo de amigos se junten a hacer música. Todos arrancamos haciendo canciones de otros artistas. Nosotros continuamos y lo hacemos con mucho respeto.

¿Qué elementos creen que distinguen a Cruces Negras de otros tributos a Sabbath que existen en la escena local e internacional?

Ya de por sí somos 6 músicos. Algunos grupos prefieren ser solo 4 integrantes por el formato en el que se presentó Black Sabbath, pero lo real es que en los discos hay más instrumentos involucrados y de eso se trata, sonar lo más parecido al disco y no depender de una pista. Quizas seria mas facil, pero cómo interpretamos un grupo donde los músicos tocaban de verdad, preferimos que los músicos hagan lo mismo.

Reproducir el sonido de Sabbath implica también reproducir su energía. ¿Cómo se traduce esa búsqueda en los ensayos y en el vivo?

En el caso de Adrian (guitarrista), se tomó la molestia de ver cómo hace los arreglos Iommi dado la condición de él. Hubo algunas canciones que Sabbath nunca tocó en vivo, por lo que también se tuvo que dar una idea de cómo resolverlas. Ale (baterista) fue raro al principio ya que escuchaba a Purple y Zeppelin, y Bill Ward es un batero mas rustico y menos técnico, tuvo que aprender a ser más sencillo.
Renzo (voz) llegó para darle el toque de Dio, pero en esa oportunidad al homenajear a Ozzy es un nuevo desafío. Nico (tecladista) hace todo tipo de arreglos orquestales, en el disco hay bajo más allá del bajo y el te lo traduce en el teclado o bien si hay un solo con 2 guitarras, sabe dónde apoyarse en la base.

¿Hay algún tema que todavía represente un desafío técnico o emocional para la banda?

En 20 años te diría que los temas que aún no hemos tocado en vivo. Son los que arriba del escenario te generan más adrenalina, en su mayoría no son clásicos y a pesar de eso están buenísimos.

¿Cómo ven el vínculo de las nuevas generaciones con la música de Sabbath, en tiempos dominados por el consumo rápido y el algoritmo

Nosotros somos de edades distintas y cada uno tiene su manera de usar las redes. Pero en algo coincidimos: el público que te ve en vivo, se acuerda. Hoy todo pasa por la pantalla, entonces cuando alguien vive un show de verdad, con el cuerpo ahí, eso pega distinto. La pantalla puede intentar imitarlo, pero no llega. Es como las fotos con filtro: sí, están buenas, pero sabés que no son reales. En cambio un show no tiene filtro, es lo que está pasando ahí, no puede imitarse. Es auténtico.

La noticia de la muerte de Ozzy los reunió de nuevo. ¿Qué emociones aparecieron al tocar sus canciones después de ese impacto?

Tristeza y Respeto. Nadie esperaba su muerte tan rapido. Fue shockeante.

Más allá del homenaje, ¿Cómo los marcó Ozzy como artistas y como personas?

Ozzy fue un personaje introvertido. Cada uno lo conoció de manera distinta. Julian creó Cruces Negras justamente por el legado importante que le dieron al metal. Adrian conoció a Ozzy en su etapa solista, y asi cada uno tiene su versión.

¿Cómo imaginan la continuidad del proyecto: más shows tributo, material propio, cruces con otras disciplinas?

El proyecto esta vigente, son etapas, a veces tenemos muchos shows, a veces pocos. Cuando nos invitan a tocar y los 6 podemos vamos y la pasamos bien. En esta oportunidad el show lo gestionamos nosotros porque los 6 queriamos hacer este homenaje

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Cruces Negras está formado por Renzo Favaro en voz, Julián Rodríguez en bajo y coros, Ale Reggiani en batería, Adrián Daguerre y Prati Suárez en guitarras, y Nicolás Loto en teclados. A diferencia de Black Sabbath, que solía recurrir a músicos de apoyo ocultos detrás del escenario para reproducir los arreglos de estudio, Cruces Negras eligió ponerlos de cara al público. Por eso la formación se completa con seis integrantes en escena, buscando sonar tan fieles a los discos como sea posible.

Renzo Favaro es también la voz principal de Fughu y participó en el último trabajo de Jerikó, teloneando a Steve Harris. Julián Rodríguez, con experiencia en proyectos tributo a Judas Priest, Iron Maiden y Mercyful Fate, fue bajista de Matan S.A. y en los 90 compartió con Adrián Daguerre y Prati Suárez la banda de thrash Complex. Ale Reggiani, músico egresado, sesionista y fotógrafo de rock, trabajó junto a Juan del Barrio (Spinetta Jade, Los Abuelos de la Nada, Suéter) y la agrupación Awkanya. Por su parte, Nicolás Loto, DJ de la movida house con una marcada influencia del metal, integró previamente The Tripolares —proyecto de rock progresivo instrumental junto a  Ale  Reggiani— y Stargazer, tributo a Rainbow.

📍 Viernes 21 de Noviembre – 20 hs – Club V – Corrientes 5008, CABA

🎟️ Entradas a la venta $15.000 ALIAS: crucesnegras (a nombre de Alejandro Reggiani)

Enviar comprobante vía WhatsApp al 1165512753 o 1133581638

Lo que comenzó “como un juego” en el Resurrection Fest acabó convirtiéndose en una de las propuestas más frescas y sinceras de la escena hardcore actual. Fuet! es energía, honestidad y catarsis en estado puro. Desde sus inicios improvisados hasta ganar el Mad Cool Talent y compartir cartel con bandas como Refused o Bring Me The Horizon, el grupo madrileño ha recorrido un camino tan inesperado como apasionante. Con su primer álbum, Make It Happen, confirman que lo suyo va en serio: un disco crudo y emocional que captura la fuerza del directo y la vulnerabilidad del proceso creativo. Charlamos con ellos sobre sus comienzos, el presente de la escena hardcore estatal y el viaje que los ha llevado a convertir lo espontáneo en una realidad a la que mirar de frente.