Lo que comenzó “como un juego” en el Resurrection Fest acabó convirtiéndose en una de las propuestas más frescas y sinceras de la escena hardcore actual. Fuet! es energía, honestidad y catarsis en estado puro. Desde sus inicios improvisados hasta ganar el Mad Cool Talent y compartir cartel con bandas como Refused o Bring Me The Horizon, el grupo madrileño ha recorrido un camino tan inesperado como apasionante. Con su primer álbum, Make It Happen, confirman que lo suyo va en serio: un disco crudo y emocional que captura la fuerza del directo y la vulnerabilidad del proceso creativo. Charlamos con ellos sobre sus comienzos, el presente de la escena hardcore estatal y el viaje que los ha llevado a convertir lo espontáneo en una realidad a la que mirar de frente.
– Todo empezó “como un juego” en el Resurrection Fest. ¿Cuándo se dieron cuenta de que aquello iba en serio?
La verdad es que nos seguimos encontrando ante situaciones que nos van llevando a confiar más y más en el proyecto. Cada oportunidad que nos surge nos hace creernos más que esto está teniendo cabida real, que el público lo valora, y, sobre todo, que nosotros seguimos disfrutando igual o más cada vez que nos subimos al escenario.
Como hitos, si es verdad que nuestro primer concierto fue un antes y un después, ya que la respuesta del público fue muy favorable y nosotros sentimos cosas que son muy difíciles de expresar, pero las cuales no queremos dejar de sentir. Sin embargo, la banda iba poco a poco apagándose y no fue hasta ganar el concurso de Mad Cool Talent y posteriormente tocar en el festival, que decidimos apostar seriamente por esto.
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– El nombre FUET! tiene ese toque de humor y cercanía. ¿Esperaban que un proyecto tan espontáneo acabara girando por festivales como el Mad Cool o el Tsunami Xixón?
En absoluto. La banda, en sus inicios, no tenía pretensión de ser una banda y estamos hablando de cumplir sueños. Mad Cool y Tsunami Xixón son festivales donde hemos podido ver a artistas a los que admiramos y poder participar en ellos es algo que creemos que, a día que hoy, no somos capaces de asimilar plenamente. Si a eso le sumas los buenos comentarios que hemos recibido de ambos conciertos, se vuelve aún más complejo de asimilar.
– ¿Qué aprendieron de aquella primera etapa del EP de 2020, que aplicaron o querían superar en este álbum?
Quizá la lección más importante es que en aquel momento hicimos lo que nos hacía felices y decidimos seguir haciéndolo. El contexto es tan distinto (formación, inquietudes, situación de la banda…) que comparar es realmente difícil. Lo que sí tenemos claro es que queremos que el grupo siga dando cabida a plasmar lo que sentimos y en esa dirección hemos continuado.
– Venís de la escena madrileña, pero vuestra proyección ya es nacional. ¿Cómo ven la escena hardcore estatal en este momento?
Allá donde vamos nos encontramos con personas y proyectos increíbles, desde el personal técnico (sonido, luces) hasta los músicos. Nos encontramos con bandas como Víbora, Not Your Business, Neboas, Viva Belgrado y otras tantas que ponen su corazón en todo lo que hacen. Creemos que la escena está muy viva, aunque a veces ensombrecida por grandes eventos y quizá con mayores dificultades como los precios de las salas o el cierre de muchos centros sociales autogestionados (que solían dar mucha cabida a esta escena).
– Sus conciertos se describen como “explosivos”. ¿Qué pasa por sus cabezas cuando ven al público tan entregado?
Creemos que la entrega del público tiene que ver con la entrega que ponemos nosotros. Intentamos crear un espacio que la gente pueda utilizar de catarsis. Que puedan bailar, saltar y gritar, porque nosotros lo vamos a hacer. También debemos decir que en el último concierto en la sala El Sol de Madrid, el público ayudó a generar ese espacio y así generar una gran conexión. Siempre que vemos al público así de entregados no podemos evitar sonreír. Es emotivo. Intentamos tomarnos cada concierto como un lugar donde dejarnos llevar y donde podamos desfogar todo el estrés acumulado. Los conciertos con catárticos para nosotros y creemos que de ahí puede venir.
– ¿Qué peso tiene el directo en la forma de componer?
Actualmente, mucho. Por cómo se ha dado la historia del grupo, hemos tenido que terminar composiciones mientras girábamos, y eso ha influido mucho en el sonido, la pegada, las letras y la honestidad de los temas. Ha habido canciones que hemos probado sobre el escenario y hemos ido ajustando poco a poco. La vida de la banda se ha desarrollado sobre el escenario, así que necesariamente esto iba a influir lo que queríamos expresar.
– En los festivales han compartido cartel con nombres muy potentes. ¿Hay alguna banda que les haya marcado tocar o coincidir?
Hemos compartido cartel con bandas como Refused, Sex Pistols, Viva Belgrado, Carolina Durante, Bring me the horizon….
Sin embargo, es difícil, con el ritmo frenético de los festivales, poder compartir mucho tiempo con las bandas. Siempre nos hemos encontrado mucho cariño, pero quizá Heavy Lungs fue la banda que más nos marcó. Estuvieron viéndonos encima del escenario y poder ver ese aprecio a lo que hacemos por una banda que admiramos es algo que nos llevamos de por vida.
– ¿Qué significa para vosotros MAKE IT HAPPEN?
El disco se puede entender como una suerte de diario de abordo que hemos ido escribiendo durante este último año, desde que se diese pistoletazo de salida a la incursión en Mad Cool y FUET! se convirtiese en una realidad a la que mirar de frente para nosotros mismos. Hay que tener en cuenta que la banda nació sin más pretensión que la de sacar un EP entre amigos, y si ha llegado a suceder que nos encontremos aquí, ha sido gracias a la respuesta que ha tenido el público desde el primer bolo que nunca ibamos a dar. El álbum es el broche que enmarca todo este tiempo en el que FUET! ha acabado por suceder.
– El disco suena crudo pero también emocional, con mucha rabia y sensibilidad a la vez. ¿Cómo encontraron ese equilibrio en el estudio?
Plasmando lo que sentíamos en cada momento, sin darle especial importancia. El disco es una representación de cómo ha sido nuestro proceso como banda, y en ese proceso, ha habido mucha emoción acumulada. Vulnerabilidad, rabia y felicidad. El equilibrio ha surgido de la propia naturalidad con la que hemos tratado todo, sin más pretensión que hacer lo que nos hace felices.
– ¿Hubo algún tema del disco que marcara un punto de inflexión durante la grabación, algo que dijeran “vale, ahora sí, esto es FUET”?
Es verdad que los tres primeros temas que compusimos (“Green Lights”, “Becoming a Ghost” y “Doomed”) tuvieron mucho impacto en marcar unas líneas, pero cada una de las composiciones que hemos ido haciendo han ampliado el espectro de todo lo que puede explorar FUET! en su sonido. “LDG” también nos ayudó a entender que equilibrar lo melódico y el grito también nos sentaba muy bien. Lo que tenemos claro es que en nuestra coctelera para componer tiene todo cabida, siempre que sea algo que nos nazca.
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– En el hardcore muchas veces se prioriza la energía sobre la producción. ¿Cómo fue el proceso de grabación? ¿Buscaron capturar el directo o experimentar con el sonido?
Intentamos mimar el sonido, y en ese sentido, decidimos grabar en un muy buen estudio, como es Westline Studios. La propuesta tenía que entenderse, y para entender la energía de nuestros directos es a veces también necesario utilizar buen material. En ese sentido, no hemos hecho una gran producción, más allá de cuidar que plasmásemos, mientras tocábamos y grabábamos, la fuerza que tenemos en directo.
– Si tuvierais que describir MAKE IT HAPPEN en tres palabras para alguien que no los ha escuchado nunca, ¿cuáles serían?
Catarsis, honestidad y energía.
– Por último, después de este lanzamiento y la presentación en la Sala El Sol, ¿qué viene ahora para FUET!? ¿Habrá gira, nuevos vídeos o colaboraciones?
Estamos pendientes de anunciar lo que será la gira de presentación de nuestro primer disco y esperamos ver ciudades nacionales e internacionales dentro de ella.
Hoy tenemos una entrevista especial con Annisokay, una de las bandas más destacadas del metal moderno alemán. Aprovechando su paso por España como cabezas de cartel, hablamos sobre su nueva etapa con Abyss – The Complete Edition, su conexión con el público español y la evolución de su sonido. Con su mezcla de potencia, melodía y emoción, Annisokay demuestra por qué se ha convertido en una referencia del género.
- Bien, chicos, bienvenidos. Primero que nada, es su segunda vez en España, creo. Esta vez estuvieron aquí con Within Temptation el año pasado, ¿verdad?
Sí, en el festival, esta sería la tercera vez.
- Pero ahora ustedes son los cabezas de cartel, lo cual es genial para mí. Los sigo desde 2018, así que es increíble verlos creciendo y haciendo las cosas tan bien. ¿Cómo se sienten al encabezar esta vez? ¿Cómo va la gira? He visto algunos shows en solitario, casi en solitario también.
Bueno, puedo hablar por todos: estamos realmente felices con toda la gira hasta ahora. Es muy emocionante y estamos muy agradecidos de que tanta gente venga, incluso de distintos países, lejos de Alemania, y que canten todas las letras y se vuelvan locos. Significa mucho para nosotros.
En España, especialmente, antes de tocar con Within Temptation no habíamos tenido contacto con el público español en giras o shows. Pero el año pasado tocamos en esa gira y también en un festival por primera vez, el Z! Live Festival, en Zamora. Fue muy bueno, aunque hacía muchísimo calor. Tocamos tarde, así que estuvo bien. Con Within Temptation tocamos en Barcelona y Madrid, creo.
Sí, fue genial. Es un gran país para nosotros.
- Mucha gente aquí los aprecia mucho.
Sí, la gente con la que hablamos la última vez estaba muy agradecida de que por fin tocáramos aquí.
- Y ahora, siendo los cabezas de cartel, también es algo increíble. No tenemos tantas bandas de metal moderno viniendo a España; la escena aquí no es tan grande como en Alemania. Su nuevo álbum sale el 24 de noviembre, titulado Abyss – The Complete Edition. ¿Cómo surgió la idea? ¿Pensaron desde el inicio en hacer una primera parte más suave, otra más pesada, y luego unirlas? ¿O fue algo espontáneo?
En realidad, cuando empezamos a escribir las primeras canciones, la idea era hacer un álbum. No pensábamos en EPs. Esa idea surgió después, cuando vimos que no éramos lo suficientemente rápidos componiendo canciones que nos dejaran conformes. Teníamos algunas muy buenas, pero no un disco completo. Queríamos publicar algo, así que decidimos lanzar un EP… luego otro.
El arte de la portada, la mujer con dos rostros, iba a ser originalmente la imagen principal del álbum. Luego pensamos en dividirla: usar una mitad primero, y la otra después. Finalmente decidimos combinar ambos EPs, pero no queríamos simplemente juntarlos, así que agregamos tres canciones nuevas para completar el concepto y cerrar la historia, el “capítulo final”.
Musicalmente, hay una conexión entre Into the Abyss y Inner Sanctum: comparten melodías y letras, funcionan como marco del disco. Las tres canciones nuevas se ubican entre esos dos EPs.
Si tienes el vinilo, puedes unir las portadas de ambos EPs, y ahora con la nueva edición hay una imagen intermedia que da otra capa visual y conceptual. Lo mismo ocurre con la música: añadimos profundidad al conjunto para hacerlo más completo.
—Las dos canciones nuevas son una mezcla perfecta entre los dos primeros EPs. Esa era la idea: el punto de unión.
- Y falta una canción más, que se publicará junto con el álbum…
Sí, y en mi opinión es la mejor del disco.<¿
- Genial. Ahora, ya que están en España, ¿qué es lo que más les gusta del país? ¿La comida, la gente, el clima?
El clima es increíble. Hoy se sentía como un día de verano. La última vez fuimos a la playa, comimos tapas, y todos fueron muy amables. Es un ambiente relajado, algo que no siempre pasa en Alemania. Además, muchos alemanes vienen aquí de vacaciones, y ahora venir a trabajar y hacer música en el mismo lugar donde normalmente pasarías tus vacaciones es algo muy especial. Me encanta eso.
- Volviendo a la parte musical: cuando comienzan a escribir canciones, ¿por dónde empiezan? ¿Por la letra, la melodía, la instrumentación?
Depende del tema, pero generalmente empiezo con una idea lírica. Tener el concepto o las palabras me inspira melodías. Si es una canción de amor, tengo ciertos tipos de melodías; si es una canción sobre guerra o algo más agresivo, es otra cosa. Me gusta que la música tenga sentido con el mensaje.
Después suelo componer primero el coro, porque es la parte más importante hoy en día. Luego muestro mis ideas al resto; si no les convence, ya sé qué líneas seguir o qué descartar. A veces hacemos varias versiones del mismo coro hasta encontrar la mejor. Luego grabamos demos y en el estudio cada uno aporta sus ideas. Así es como trabajamos.
- Última pregunta: si alguien que nunca escuchó a Annisokay tuviera que oír solo una canción para conocerlos, ¿cuál sería?
—Para mí, “Never Enough”.
—Yo diría “Silent Anger”, aunque todavía no salió, pero representa todo lo que es Annisokay.
—Para mí, “Human”, por el mensaje tan fuerte que tiene.
—Y yo elijo “Like a Parasite”, porque es experimental, tiene partes pesadas, un coro melódico y un interludio tipo drum and bass. Lo tiene todo.
- Así que ahí tienen cuatro canciones para empezar a conocer a Annisokay.
Etiquetas: Annisokay, Entrevista, Metalcore
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En el marco de la inminente aparición de la banda italiana en el Madrid Death Fest Vol. 2 (Sala Moby Dick, Madrid – viernes 7 de noviembre de 2025) y tras el buen recibimiento de su último álbum XUL, hablamos con el guitarrista/compositor Mario Di Giambattista para conocer los entresijos del nuevo trabajo, la filosofía de la banda y las expectativas para su actuación en Madrid.
Mario, ¿qué te trae de vuelta a nuestro país?
Honestamente, siempre es un placer volver a España. El ambiente aquí es increíble: la gente, la comida, la energía. Cada vez que tocamos aquí, se siente como si estuviéramos con la familia. La escena española siempre nos ha apoyado mucho, así que regresar se siente totalmente natural.
Este verano tuvimos la oportunidad de tenerte en el Move Your Fucking Brain EF; ¿qué opinas del público hispano?
¡El público hispano es una locura, en el mejor sentido posible! Tenéis muchísima pasión. La energía es increíble de principio a fin. No solo veis el concierto, lo vivís.
Eso realmente nos impulsa a dar aún más sobre el escenario. Es uno de esos públicos que hacen que cada show sea inolvidable.
Hablando de vuestro último álbum XUL, la prensa destaca que ha sido un paso adelante en vuestra carrera. ¿Cómo lo ves en retrospectiva?
Sí, creo que es cierto. XUL definitivamente marcó un punto de inflexión para nosotros, nos esforzamos mucho en ese disco, tanto musical como conceptualmente.
Mirando atrás, creo que es el álbum en el que encontramos el equilibrio perfecto entre atmósfera y brutalidad. Sigue sonando a Devangelic, pero con más profundidad y una visión más clara de quiénes somos.
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¿Podrías contarnos un poco sobre el concepto lírico y estético de XUL?
El concepto principal gira en torno a la dualidad de la naturaleza humana, la lucha constante entre el bien y el mal dentro de uno mismo, donde a menudo prevalecen los demonios interiores.
Este tema es más relevante que nunca, considerando los trágicos acontecimientos que afectan a varios países europeos.
Para la portada del álbum, colaboramos una vez más con Nick Keller, como hicimos en nuestro lanzamiento anterior, Ersetu. Él capturó perfectamente la esencia de nuestro concepto, dando vida a nuestra visión con una obra de arte extraordinaria.
La imagen muestra a un demonio gigante sosteniendo a una figura humana, simbolizando cómo la humanidad suele ser incapaz de superar sus propias debilidades; nuestros demonios internos inevitablemente triunfan sobre nosotros.
El proceso creativo fue muy colaborativo: intercambiamos muchas ideas, correos y videos describiendo diversos demonios antiguos. Fue un proceso muy interesante, especialmente porque resultaba difícil plasmar visualmente un tema tan complejo.
El demonio principal está inspirado en Humbaba, una deidad mesopotámica asociada con los terremotos, a menudo representada con dientes de dragón y un rostro grotesco hecho de entrañas: una imagen realmente brutal.
La canción vinculada a esta obra explora cómo los humanos, capaces de cometer actos atroces y perversos contra otros y contra la naturaleza, pueden caer en la ilusión de la omnipotencia y la inmortalidad. Sin embargo, impulsados por su propia maldad, terminan condenados a un sufrimiento eterno, un tormento que los consume mental y físicamente.
Desde el punto de vista musical, habéis comentado que os habéis movido hacia un death metal “más clásico”. ¿Qué significó eso para la composición, el sonido y el directo?
Queríamos volver un poco a las raíces: menos demostrar técnica y más escribir canciones que golpeen fuerte. Nos inspiramos en el sonido old-school, con esa vibra cruda y poderosa, pero con nuestro propio toque. Los riffs respiran más, los grooves son más pesados, y todo suena más orgánico. En directo, aún mejor: las canciones son más dinámicas y pegan más duro.
Hablando de los directos otra vez: ¿qué podemos esperar del show en Madrid el 7 de noviembre? ¿Alguna preparación especial?
¡Podéis esperar caos total, en el buen sentido, por supuesto!, hemos preparado un setlist muy potente, con canciones de XUL y algunos temas antiguos.
España siempre aporta una energía loca, así que estamos más que listos para igualarla.
Finalmente: un mensaje para los fans que van a veros en Madrid y para quienes están descubriendo ahora a Devangelic.
A todos los que vayan al concierto de Madrid: gracias por el apoyo, de verdad significa mucho, tenemos muchas ganas de veros y compartir esa energía una vez más y si estás descubriendo ahora a Devangelic, ¡bienvenido!. Ven a un concierto, escucha XUL y descubre de qué va esto. Es oscuro, es pesado y es real. ¡Nos vemos en el pit!
La banda portuguesa de brutal death metal Analepsy regresa mañana a los escenarios españoles como parte del Madrid Death Fest 2, un evento que reunirá a algunas de las formaciones más potentes del género. En plena preparación de su nuevo material y tras tres años de giras con Quiescence, el guitarrista y fundador Marco Martins nos habla sobre la evolución del grupo, su conexión con el público español y lo que los fans pueden esperar de su demoledor directo en la capital.
Marco, estáis a punto de regresar a los escenarios españoles en el Madrid Deathfest. ¿Qué significa esta fecha para Analepsy y cómo se están preparando para el evento?
Siempre es un placer tocar en España, y volver después de todos estos meses nos hace muchísima ilusión. La última vez que tocamos en Madrid fue hace ya unos años, así que tenemos muchas ganas de esta fecha. Hemos estado afinando todos los detalles para el show, y además traemos material nuevo que nunca hemos tocado en directo. El Madrid Deathfest será la primera vez que alguien los escuche en vivo, así que va a ser una noche especial.
Han pasado ya tres años desde la publicación de Quiescence, un disco que consolidó vuestro sonido y os posicionó como una de las bandas más potentes del género. ¿Qué balance haces de este trabajo ahora que ha tenido tiempo de respirar en directo?
Quiescence ha sido nuestro foco principal durante estos últimos años, prácticamente en cada gira o concierto desde su lanzamiento. Tocarlo en vivo le dio a las canciones una nueva energía. Algunas partes sonaron más contundentes de lo que esperábamos, y otras cobraron una vida distinta dependiendo del público. También nos mostró que podíamos explorar un lado más atmosférico y dinámico sin alejarnos de lo que define el sonido de Analepsy. Mirando atrás, fue un álbum que ayudó mucho a marcar la dirección que estamos tomando ahora.
Quiescence fue un álbum destacado en su lanzamiento no solo por su nivel técnico y sonoro, sino también por su concepto cósmico y filosófico. ¿Qué queríais transmitir con esa narrativa de destrucción y renacimiento?
Siempre hemos preferido alejarnos de los temas típicos del gore o el shock. Queríamos explorar algo más reflexivo. No es una idea completamente nueva dentro del género, pero siempre nos ha atraído más la narrativa científica o cósmica. En Quiescence, el foco estaba en los ciclos: destrucción, renacimiento y la quietud que existe antes y después de que todo colapse. Esa atmósfera es la que impulsa todo el concepto del disco.
En estos últimos meses habéis publicado dos nuevos singles: “Doomsday Protocol” y “Cryogenic Rebirth”. ¿Qué representan estos temas dentro de la evolución de la banda? ¿Son una continuación del universo de Quiescence o el inicio de algo nuevo?
Estos dos temas son en realidad regrabaciones de canciones antiguas que escribimos en la época de Atrocities from Beyond, entre 2016 y 2017. En su momento quedaron como caras B, pero siempre sentimos que tenían potencial. Así que decidimos recuperarlas y reconstruirlas desde cero, reescritas y reinterpretadas con la formación actual. En cierto modo, sirven como una mirada retrospectiva a nuestras raíces mientras seguimos escribiendo nuestro próximo disco. Era el momento perfecto para darles la atención que merecían.
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Ambos singles mantienen vuestra identidad brutal, pero con una producción más pulida y una atmósfera más expansiva. ¿Podemos interpretarlo como una pista de hacia dónde se dirige Analepsy en el futuro?
Sí, totalmente. Aunque estas canciones vienen de material antiguo, fueron completamente reescritas con un enfoque más denso y atmosférico. Es una especie de retrospectiva que mezcla el crecimiento y la profundidad que encontramos en Quiescence con la potencia y agresividad de Atrocities from Beyond. Estamos poniendo mucho más énfasis en la ambientación, el peso y la dinámica, pero sin perder lo que hace que sonemos a nosotros. Esa dirección es la que llevaremos al próximo disco.
Precisamente muchos fans han empezado a especular con la posibilidad de un nuevo álbum. ¿Podemos esperar un nuevo trabajo de estudio en 2026, o de momento preferís centraros en los directos y los lanzamientos individuales?
Nuestro objetivo es 2026 o principios de 2027. Ahora mismo estamos muy metidos en el proceso de composición del nuevo disco, aunque lo compaginamos con las giras. Los singles que hemos sacado no formarán parte del álbum; son más bien un puente entre capítulos, algo para ofrecer al público mientras seguimos tocando y preparando lo que viene.
En cuanto al directo, ¿cómo estáis planteando el setlist para Madrid? ¿Habrá espacio para estos nuevos singles junto a los clásicos de vuestro repertorio?
Por supuesto. Tocaremos ambos nuevos singles en directo por primera vez, así que eso será algo especial para Madrid. Además, el set recorrerá todas nuestras etapas: un poco de todo, desde Atrocities, Quiescence y el EP inicial Dehumanization by Supremacy.
La escena europea del brutal death metal parece estar viviendo un renacimiento, con bandas cada vez más técnicas y producciones más ambiciosas. ¿Dónde se sitúa Analepsy dentro de este panorama actual?
Intentamos no pensar demasiado en eso. Nos centramos en hacer música que sea auténtica para nosotros y que mantenga nuestra identidad. Si la gente conecta con ella, eso siempre es un plus. La escena está creciendo mucho, especialmente en Europa, y hay muchas bandas haciendo cosas increíbles ahora mismo. Nosotros nos vemos como parte de esa ola, aportando nuestro propio enfoque.
Eres el único miembro original que continúa desde los inicios de la banda. ¿Cómo ha influido tu visión personal en mantener la coherencia de Analepsy a lo largo de los años y en la incorporación de nuevos músicos?
Sí, es cierto. Para mí es muy importante mantener a la banda avanzando sin perder lo que siempre ha representado Analepsy. Al mismo tiempo, me aseguro de que cada miembro aporte algo propio. Calin, Léo y Jacinto tienen sus ideas y estilos, y eso es lo que mantiene viva la evolución del grupo, en lugar de simplemente repetir el pasado. Se trata de conservar el núcleo, pero llevarlo más lejos.
Finalmente, ¿qué pueden esperar los fans españoles de vuestro concierto en el Madrid Deathfest y qué mensaje les mandarías antes del festival?
Podéis esperar un show pesado y directo al grano. Traemos una mezcla de material nuevo y clásico, y no podemos esperar para tocar estas canciones por primera vez en vivo. Mil gracias a nuestros hermanos que nos han apoyado durante todo este tiempo. ¡Nos vemos en Madrid!
En los primerísimos años del nuevo milenio, los canadienses Despised Icon se pudieron contar entre los pioneros de uno de los sonidos que dominaría gran parte de la música pesada durante poco más de una década: el deathcore. Mezclando death metal con hardcore y breakdowns, esta nueva escena ganó una cantidad enorme tanto de seguidores fieles como de detractores, acusándolo de ser “falso metal”. Pero Despised Icon no estuvieron durante sus años más álgidos, separándose justo en 2010. Pero tras su vuelta en 2014 la banda ha ido recuperando el tiempo perdido, y ahora con la salida de su nuevo trabajo Shadow Work verán de recuperar los seis años que han pasado desde el último Purgatory de 2019. En entrevista con el guitarrista Éric Jarrin, nos contó los detalles detrás de este nuevo capítulo en la historia de Despised Icon.
TTH: Antes que nada, bienvenido al canal de Track to Hell, y muchas gracias. Felicitaciones por el nuevo álbum Shadow Work: sé que todavía no ha salido, pero tuve la oportunidad de escucharlo y es realmente genial. ¿Cómo vienen las cosas?
Éric: Oh, todo va muy bien. Y gracias por tus amables palabras sobre el álbum, me alegra que te haya gustado. Ha sido un tiempo bastante ocupado últimamente, preparando todo para el lanzamiento del disco, que saldrá el 31 de octubre.
TTH: ¡En Halloween!
Éric: ¡Sí, en Halloween! Ya tenemos dos singles para los que hicimos videos. El último fin de semana grabamos un video para un tercer single que va a salir el 17 de octubre. Así que sí, hemos estado bastante ocupados. Recién tocamos dos shows el último mes, en un festival en Nueva Inglaterra. Nos estamos preparando para esta nueva gira norteamericana, que vamos a hacer por Estados Unidos durante todo el mes de noviembre, muy ocupados con eso.
TTH: Estos fueron sus primeros shows de este año, los últimos los habían dado en 2024.
Éric: Exactamente. ¿Sabes? Ya no somos una banda que esté girando a tiempo completo, sólo tocamos 25 a 30 shows cada año. Tratamos de combinar todo en una sola gira. Estuvimos en Europa el año pasado para toda una gira con Dying Fetus y Chelsea Grin, y ahora sólo tomamos dos shows. Pero fueron muy emocionantes, porque no tenemos tantas oportunidades de tocar tan seguido. Siempre es lindo volver al escenario, y especialmente para estos shows. Tocamos una canción nueva para los fans, “Over My Dead Body”. Todo se ve muy bien y estoy muy ansioso por estar en la ruta de vuelta durante todo el mes que viene.
TTH: Sí, escuchas hablar sobre esas bandas que dan 50 o 60 shows cada año y me parece una locura, aunque sólo sea un show por semana.
Éric: Bueno, en aquellos tiempos cuando estábamos de gira a tiempo completo, creo que fue después del lanzamiento del álbum The Ills of Modern Man, tocamos 208 shows en un solo año.
TTH: Dios, ni me puedo imaginar eso.
Éric: ¡Imagínate que se estaban comenzando a formar tensiones entre los miembros!
TTH: Justamente tengo un par de preguntas sobre eso. Pero quería preguntarte algo, porque han pasado seis años desde Purgatory, el último álbum. Eso es mucho tiempo, y tengo que preguntarles: ¿qué pasó para que tardaran tanto tiempo en sacar nuevo material?
Éric: Bueno, de esos seis años, se pueden descartar fácilmente unos tres, porque justo después del lanzamiento de Purgatory en 2019 llegó la pandemia. Y, bueno, durante unos dos años, aquí en Canadá, las restricciones y confinamientos del gobierno fueron muy intensos y severos. Incluso tuvimos toque de queda. Así que, por más de un año, si no más, no pudimos reunirnos como banda, vernos ni trabajar en música. Mhm. Así que todos estábamos, quizás, en casa; yo, por ejemplo, en mi estudio escribiendo música solo. Pero, claro, ese no es el modo en que normalmente trabajamos como banda. Así que perdimos como un buen año, o más, solo por eso.
Y ahora el álbum ya está grabado desde hace un tiempo, pero a veces entregas el álbum al sello y, como tienen muchas otras bandas con lanzamientos, ellos eligen cuándo quieren publicarlo. Además, hoy en día necesitan tener el álbum con seis a nueve meses de anticipación para poder hacer una promoción adecuada, enviarlo a periodistas y todo eso. Así que, sí… en mi mente, han sido más como tres años. Pero, con todos estos retrasos y la pandemia, sí, han sido seis años.
Aunque también queríamos tomarnos nuestro tiempo. Honestamente, no creo que eso haga tanta diferencia para nuestros fans, porque no somos una banda joven que necesite desarrollarse y estar de gira constantemente. Llevamos casi 25 años como banda, así que preferimos enfocarnos en escribir música, estar satisfechos con los resultados y las canciones, y tomarnos el tiempo para lanzar algo que los fans disfruten, y que nosotros también disfrutemos.
TTH: Sí, ya sabes, se escucha de muchas bandas que sacaron un álbum a fines de 2019, en 2020 o a comienzos de 2020, y esos fueron como sus “años perdidos”. No pudieron hacer nada.
Éric: Es un poco triste porque creo que Purgatory fue un buen álbum, pero nunca recibió la atención que merecía, ya que se lanzó en noviembre de 2019. Y todos los shows y festivales en los que íbamos a tocar durante el verano de 2020 para promocionarlo simplemente desaparecieron. Se esfumaron.
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TTH: ¿cómo describirías Shadow Work? ¿Cómo lo compararías con los álbumes anteriores? Aunque, bueno, ambos sabemos que Despised Icon no es una banda que cambie con cada disco, no es ese tipo de banda. Pero, ¿cómo describirías este álbum?
Eric: Bueno, aunque creo que somos una banda que siempre se mantuvo fiel a su sonido, pienso que este álbum representa una evolución lógica respecto a todos los anteriores que hicimos desde que volvimos con Beast. Ya sabes, Beast, Purgatory y Shadow Work. Para mí se siente como una evolución natural. Pero, al mismo tiempo, con todo lo que pasó, y también porque nosotros cambiamos como músicos y como personas, nos permitimos experimentar un poco más y jugar más con los extremos. Algunas canciones son de las más rápidas que hemos grabado, y algunos breakdowns son de los más pesados, lentos y afinados en tonos más bajos que hemos hecho.
También tuvimos una artista invitada, Misstiq, de Australia, que hace arreglos orquestales para distintas bandas, y ella participó en el álbum. Además, invitamos a algunos amigos a colaborar en las voces: Tom de Chelsea Grin, Scott de Carnifex y Matt de Kublai Khan. Así que sí, nos tomamos nuestro tiempo y experimentamos un poco más, incluso con partes más melódicas.
Así que creo que es simplemente una evolución lógica, pero sigue sonando a Despised Icon. Cuando escuchás las canciones, aunque haya algo diferente, la gente seguramente dirá “sí, reconozco esta banda, reconozco esas voces”. No cambiamos demasiado quiénes somos, pero nos dimos la libertad de experimentar un poco más.
TTH: ¿Cómo se dio el tener a los cantantes invitados?
Éric: No habíamos tenido invitados desde hacía mucho. Creo que la última vez que tuvimos vocalistas invitados fue en el álbum Day of Mourning, y fueron principalmente amigos cercanos de bandas como Beneath the Massacre y Ion Dissonance, porque todos somos de la misma ciudad. Pero decidimos invitar a estos músicos porque tenemos una historia con sus bandas.
Con Carnifex, por ejemplo, hemos hecho muchas giras juntos. Son buenos amigos. Scott es un gran amigo; incluso cuando no estamos de gira, seguimos en contacto, nos mandamos mensajes, él y Alex hablan por teléfono de vez en cuando cada año. Lo mismo con Tom: hicimos una gira completa por Europa con él. Antes solíamos girar con Dan, cuando era el vocalista de Lorna Shore. Así que tenemos una relación de amistad con Tom, y lo mismo con Matt. A Kublai Khan los llevamos de gira con nosotros en 2019, durante el ciclo del álbum Purgatory, y ahí conectamos con Matt, nos hicimos amigos.
Así que, para nosotros, la decisión de tenerlos en el álbum fue principalmente porque tenemos una historia con ellos y con sus bandas. Los apreciamos, los respetamos y son amigos. Así que sí, fue sobre todo por esas razones que los invitamos a participar en el disco.
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TTH: Así que, para este álbum, tienen nuevamente a Eliran Kantor haciendo la portada, igual que en Purgatory. No sé cuánto trabajaron junto a él en esta portada en particular. ¿Tuvieron alguna participación o aporte en la idea? Porque tengo que decir que me encanta la portada del álbum. Sé que se ve totalmente aterradora. La vi y enseguida supe: “ah, este es Eliran Kantor”. Reconocí su estilo, y me encanta; se ve aterradora. Entonces, ¿cómo describirías la portada del álbum?
Éric: Sí, Eliran se ha convertido en un amigo desde que trabajamos con él en Purgatory. Pero lo curioso es cómo llegamos a conocerlo. Tal vez un mes o dos antes de tener que entregar el álbum (hablo de Purgatory) a Nuclear Blast Records, no nos gustaba el arte de portada que teníamos en ese momento, en el que habíamos estado trabajando. Así que le pedimos al sello que nos ayudara a encontrar a otro artista para hacer la portada.
Y, como él había trabajado con bandas como Thy Art Is Murder, Testament, Hatebreed y otras del mismo sello, Nuclear Blast nos puso en contacto con él. En cuestión de un mes, él pintó la portada de Purgatory. Pero en ese momento todavía no habíamos hablado con él directamente.
Después empezamos a hacer giras para Purgatory y, en algunas de las giras por Europa, cada vez que tocábamos en Berlín, él venía al show para conocernos, y finalmente pudimos presentarnos en persona. Ahí fue cuando empezamos a hacernos amigos y a hablar más con él.
En la última gira (o, bueno, en la gira anterior que hicimos por Europa) nos reunimos con él y le contamos que estábamos trabajando en nuevo material, que teníamos nuevas canciones. Le compartimos el concepto del álbum. En ese momento no estoy seguro de si ya sabíamos que se llamaría Shadow Work, pero el concepto iba por esa línea. Pasamos el día con él en Berlín y nos dijo: “es una locura que estén hablando de todo esto, porque anoche tuve una pesadilla en la que me arrancaba la mandíbula y la sostenía en las manos”. Y agregó: “eso podría parecer una corona”. Y nosotros dijimos: “hombre, es una gran idea”.
Y bueno, pensamos que las cosas no pasan por casualidad, así que dijimos: “usemos esa pesadilla que tuviste, dibuja algo a partir de eso y trabajemos sobre esa idea”. Y así fue como surgió la portada del álbum.
TTH: Sí, esa es una de las pesadillas más aterradoras que he escuchado. Tuvo esa visión, esa pesadilla, y a partir de eso creó la portada, y yo pensé: “wow, eso está genial”. Suena casi más aterrador que la propia portada. Dios… Así que quería preguntarte algo. Tuve otra entrevista con músicos de deathcore, y me interesa saber si creés que ha habido un cambio en cómo la gente percibe el deathcore en los últimos años. Porque me parece interesante la historia de la banda: ustedes se separaron en, creo que fue en 2010, ¿no? Y en ese momento el deathcore estaba en su punto más alto. Desde entonces hasta hoy, ¿creés que la percepción del deathcore ha cambiado?
Éric: Es difícil de decir, pero creo que los puristas del metal, los fans más hardcore, siempre van a criticar el deathcore y a odiarlo. En ese sentido, sí, siempre habrá quienes lo desprecien.
Pero creo que ha empezado a ser un poco más aceptado, y hay una nueva generación de fans que son menos elitistas con los géneros y, bueno, más abiertos de mente. Recuerdo que cuando nos separamos en 2010, ya empezaba a haber cierto rechazo hacia el deathcore. No era odio total, pero sí: cada género del metal se burlaba un poco del deathcore, diciendo “estos son posers, esto es falso, no es metal de verdad”, cosas así.
Creo que con los años eso ha cambiado. Ahora se ha demostrado que es un género que llegó para quedarse. Nosotros empezamos a tocar lo que hoy se llama deathcore en 2002, y en ese momento ni siquiera tenía nombre. Así que supongo que nunca va a desaparecer; va a seguir ahí, igual que el black metal, el slam, el power metal o cualquier otro género. Sí, creo que la percepción ha cambiado un poco, pero siempre habrá algunos que lo odien, y no hay nada que podamos hacer al respecto.
TTH: Sí, es verdad. Recuerdo haber leído hace unos meses sobre Hellfest, uno de esos festivales de metal europeos donde tocan bandas de black metal y death metal, pero también había como cabeza de cartel una banda como Slipknot. Y me pareció interesante, porque si hablamos ahora del deathcore, antes de eso estaba el nu metal, ¿te acordás de cómo la gente hablaba de ese género? En su momento se usaba casi como un insulto, y ahora está teniendo una especie de resurgimiento, con gente que lo abraza sin problema.
Y con el deathcore pasa algo parecido. Hoy en día veo muchas bandas que no tienen ningún problema en que las llamen deathcore. Es interesante porque, en el caso de Despised Icon, ustedes parecen ser de las pocas bandas de esa primera ola que no rehúyen de esa etiqueta. Muchos músicos prefieren no ser llamados así, dicen “somos una banda de death metal a la que le gusta mucho el hardcore o el hardcore punk”. Pero ustedes nunca negaron esa identidad, y eso me parece muy interesante.
Éric: Sí, tal vez en algún momento, cuando como decís era algo más negativo y la gente se burlaba de ese término, no estábamos tan contentos de que nos asociaran con él. Pero eso no duró mucho, y tal vez fue divertido, porque creo que la primera vez que vi la palabra deathcore fue en una de nuestras primeras camisetas de merchandising, en 2003 o 2004. Tenía el logo de Despised Icon en letras grandes, y abajo decía “Montreal Deathcore”, porque ya sabíamos que estábamos mezclando influencias de death metal y hardcore.
No sabíamos que se iba a convertir en algo así; era más bien una frase que nuestro cantante, Alex, había inventado. Pero tenés razón: hoy en día aceptamos completamente que somos una banda de deathcore, porque eso es lo que hacemos. Tomamos elementos del hardcore y del death metal, y los mezclamos. Ya no peleamos contra esa etiqueta, y hasta siento un poco de orgullo de ser una de las primeras bandas en hacerlo.
Así que sí, acepto el título, ya sea que nos llamen los reyes del deathcore, los abuelos del deathcore o los padres del deathcore, está bien. Para nosotros sigue siendo solo música metal. Escucho metal, hardcore, glam metal, hard rock… y cuando agarro la guitarra, sale lo que salga.
TTH: No hay muchas bandas que puedan ponerle nombre a un género. No sé si la gente usaba el término deathcore antes de esa camiseta, pero no son muchas las bandas que logran eso. Es como Candlemass poniéndose Epicus Doomicus Metallicus a un disco y que a partir de ese momento le digan “doom metal épico” a su estilo.
Éric: Sí, exactamente. Lo mismo pasa con otras bandas, y yo tengo mucho respeto por Candlemass y su música. Así que todo está bien.
Otra cosa que me dicen mucho es que, aunque somos una de las bandas originales de la primera ola del deathcore, la mayoría de las bandas que hoy en día se etiquetan como deathcore no suenan mucho a Despised Icon. Tienen todos esos sonidos orquestales…
TTH: ¡El sonido Lorna Shore!
Éric: Sí, exactamente. Creo que no suena en nada a Despised Icon. Si pones una canción de Lorna Shore y una de Despised Icon lado a lado…
TTH: No se parecen en nada.
Éric: Sí, es muy amplio. Hay muchas formas de integrar elementos de hardcore y death metal en la música.
TTH: Bueno, de la misma manera, cuando el género todavía no estaba definido, había bandas como Bring Me the Horizon o Suicide Silence, ese tipo de cosas. Y creo que no suenan en nada a Despised Icon, pero es un género realmente amplio. Sí, exactamente. Incluso las bandas que incorporan electrónica muestran que es un género muy amplio.
Antes mencionabas que tuvieron sus primeros conciertos en 2025. ¿Cómo se siente tocar después de nueve meses desde el último show? ¿Qué se siente volver a subir al escenario?
Éric: Se siente genial. Siempre nos sentimos un poco oxidados, porque ya todos estamos bien pasados de los 40; algunos casi llegando a los 50. Así que necesitamos calentar, hacer ejercicios y practicar un poco más. Pero en cuanto tocamos la primera nota, ver a los fans, la reacción del público… se siente increíble. Olvidas todos los problemas, los físicos o lo que sea, y simplemente te concentras en el show, y es maravilloso.
Además, sigue siendo increíble poder tocar canciones nuevas que a la gente le gustan y quiere escuchar. Porque algunas bandas grandes sacan álbumes nuevos cada cierto tiempo, y los fans ni se interesan; solo quieren escuchar los temas antiguos. Pero afortunadamente, para nosotros, la gente todavía se interesa por el material nuevo y las canciones nuevas que lanzamos. Así que sí, se siente genial.
TTH: Entonces, ¿qué sigue para Despised Icon? ¿Cuáles son sus planes? Escuché que tienen una gira planeada.
Éric: Sí, este año nuestro siguiente paso va a ser hacer una gira completa por Estados Unidos. Después de eso, me encantaría tocar un poco más aquí en Canadá, porque no hemos tocado mucho. Canadá es un país muy grande y nosotros estamos en la parte este, pero me gustaría ir a la parte oeste, así que quizá trabajemos en eso.
Además, hace tanto que no lanzamos material nuevo y viendo la reacción tan positiva que ha tenido la gente, siento que cuando volvamos a casa para el nuevo año probablemente vamos a empezar a escribir cosas nuevas, planear nuevas canciones y entrar al estudio para poder lanzar un álbum antes de que pasen otros cinco o seis años.
TTH: Oh, espero que sea así. Y, una última cosa: ¿Qué les dirías a las personas, a los fans que van a escuchar Shadow Work cuando salga, y que nos van a ver en la gira por Estados Unidos y luego en Canadá? ¿Qué mensaje les darías?
Éric: Bueno, todo lo que puedo decir es un agradecimiento muy sincero y honesto. Gracias por apoyar a la banda, por estar con nosotros todos estos años, por escuchar nuestra música y comprar el merchandising. Eso realmente nos ayuda y nos da la motivación para seguir adelante.
No damos nada por sentado y estamos realmente, realmente agradecidos con todos los fans que siguen escuchándonos y apoyándonos después de todos estos años. Ha sido un viaje increíble; ya casi son 25 años. Y sí, creo que todavía nos queda mucho por dar. Queremos seguir desafiándonos a nosotros mismos y continuar escribiendo y sacando música.
Etiquetas: Canadá, Deathcore, Despised Icon
A propósito de la gira que la espectacular banda de heavy/power metal Lörihen empezará gira por nuestro país empezando este jueves 30 de octubre en la ciudad de Puebla, nos tomamos la libertad de platicar un rato con Emiliano Obregón, líder y fundador de la banda de 1996, donde platicamos un poco sobre sus experiencias y expectativas para este segundo tour en tierras mexicanas.
Hola Emiliano, muchísimo gusto y muchas gracias tu tiempo para tomar este entrevista. Antes que nada, cuéntame, ¿esta es la primera vez que vienen a México o ya nos habían visitado antes?
Okay, perfecto, entonces me parece que la gira que están ahorita moviendo es para su álbum Magia del Caos, ¿correcto?, ¿también el año pasado fue para el mismo material?
Órale pues entonces imagino que les fue muy bien la vez pasada para volver tan pronto.
Sí, sí, sí, se habló, hablamos y a ver si dejábamos pasar un año, si no, y bueno, se dijo que nada, nos parecía a todos coherente volver porque aparte el recibimiento fue muy bueno en todas las plazas, así que estamos con mucha ansiedad y ganas de llegar a México nuevamente.
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¿Fueron las mismas fechas o están complementando algunos lugares que no pudieron visitar la vez pasada?
De acuerdo, entonces a ver, vamos a manejarlo de una manera diferente, está muy interesante eso que hayan venido hace tan poco, ¿Cómo les fue el año pasado? Empecemos por ahí, ¿Cuáles fueron sus primeras impresiones en nuestra tierra?
De acuerdo. ¿Y entonces qué están esperando para este año?
OK. ¿Y pues bueno, qué representa para ustedes el hecho de poder volver tan pronto? ¿Consideran es algo que les ha pasado en otros países antes?
Claro, por supuesto. ¿Con qué sellos están distribuidos por acá?
¿Desde hace cuánto que están de manera independiente?
¿Cuál dirías que son las ventajas y las desventajas de ambos modelos?
Mira, las ventajas son que las decisiones las toma uno. Entiendo que con los años también. Son muchos años, hace 30 años que estamos en esto. En lo personal yo me dedico a producir un poco todo lo que es la parte de show, la parte discográfica. Y la realidad es que al no estar por ahí metidos en lo que es el mainstream, es preferible siempre optimizar los recursos y que haya menos manos en el plato para que entiendo que, como te decía anteriormente, las decisiones sean las mejores para la banda y no para un aspecto financiero. Somos de confiar mucho en las decisiones que tomamos también y pretendemos que así siga siéndolo por muchos años.
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Claro, la autonomía. Entonces, ya hablando un poco de esta gira, ¿Hay algo que podamos esperar diferente al respecto de la vez pasada en cuanto a setlist o en cuanto a show?
Sí, obviamente tenemos sorpresas, tenemos algunas cosas que no sonaron la vez pasada. La realidad es que la gira fue agotadora porque sobre la marcha se movieron dos o tres plazas, entonces nos quedó cambiado el recorrido. Tuvimos que tocar. Tocamos un domingo en Guadalajara y el martes estábamos tocando en Chihuahua, con todo lo que eso implica. Y volviendo después tuvimos que pegar la vuelta para volver a tocar en Toluca a las 48 horas. Con lo cual hubo un montón de kilómetros que se hicieron que podrían haberse optimizado. En esta ocasión, como lo armamos desde la autogestión y ofreciendo las plazas a productores. Pero dentro de lo que a nosotros nos resulta más cómodo, va a ser un show mucho más relajado, en el cual entiendo que el setlist va a pasar por el último disco, pero va a repasar la discografía y algunos temas que el año pasado quedaron afuera.
Okay. ¿Cómo consideran a México para tourear? ¿Qué tan diferente lo han sentido, no sé, respecto a España o a la misma Argentina?
En relación a lo que es la Argentina, es muy parecido porque son distancias largas. España es… una vuelta a España es mucho más corta. Vos pensá que de Madrid a Málaga tenés, no sé, 500 kilómetros, que es lo que tenés de acá a Mar del Plata. La Argentina en ese sentido es muy parecida a México porque tenés plazas en 1.200, 1.400, 1.600, 1.800 kilómetros, con lo cual hay recorridos que hay que hacerlos en avión.
Eso te acorta y te acorta los tiempos de descanso y te alarga, te alarga a veces los tiempos de viaje porque parece que no, pero uno tiene que llegar al vuelo tres horas antes, sale tres horas después, a veces el vuelo llega demorado. Entonces creo que la particularidad que tiene Europa es que con una van te moves fácilmente y podés hacer muchísimas plazas en muy poco tiempo. Es mucho menos estresante en infraestructura, creo que México tiene una infraestructura enorme, la verdad que encontramos una calidad de venues buenísima. En algunos aspectos superior a los venues, a los lugares que uno encuentra acá en Buenos Aires o en Argentina. Y bueno, nada, y la calidad humana y el recurso humano lo mismo, son dos países muy parecidos. Así que nada, la verdad que es una plaza que queremos mucho, con la que conectamos rápidamente, lo sabíamos porque hoy en día todo lo que son las estadísticas de las plataformas digitales te permiten saber dónde pisa fuerte la banda, dónde puede llegar a tener más audiencia, más influencia. Así que bueno, nada, un poco ir a comprobarlo y este año ir a consolidar.
Claro. Me hablabas de venues que te han gustado mucho, por ejemplo, ¿Cuál consideras tú que fue el mejor venue de la gira pasada?
Mira, el año pasado estuvimos en Pistoleros, por ejemplo, abriendo el show de Sonata (Arctica) en Chihuahua. La verdad que me pareció un venue excepcional en cuanto al recurso técnico, a la sala en sí. Después estuvimos, bueno, en Guadalajara, estuvimos en un foro en Nmor Lab, un foro chiquito pero también muy bonito, muy prolijo, con un recurso técnico, la verdad que de 10 puntos. Este año vamos a estar en el Foro Independencia en Guadalajara, vamos a estar en el Gato Calavera en Ciudad de México, en el bit 803 en Puebla, en Monterrey, vamos a estar en La Tumba. Son venues por ahí pequeños, pero me parece que cubren, la verdad que cubren las expectativas y lo que es el rider técnico que hemos pasado queda súper cubierto y estamos conformes con todo eso.
Me parece curioso porque Chihuahua no es una ciudad donde lleguen tantos actos de heavy metal y en general uno pensaría que está un poco recluida de la escena nacional por lo mismo que está allí pegadito a la frontera. Entonces también enterarme que existe un venue así de profesional para ese tipo de eventos es una excelente noticia, si me lo preguntas.
Si, es un venue grande, es un venue muy grande, Tiene capacidad para 3.000 personas, es enorme y la verdad que nos sorprendió la cantidad de gente que conocía la banda y que se movilizó para el evento. Así que nada, este año volvemos justamente ahí, entendemos que va a ser una fiesta excelente.
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De hecho sí, México es un país que se caracteriza mucho en su escena metalera porque está muy pegadito a ese tipo de géneros que rozan entre el power, heavy, folk, influencias, no sé, el mismo nombre de la banda: Lörihen. A la gente le gusta mucho la fantasía medieval, le gusta mucho ese tipo de música, hay un gran público para ese tipo de propuestas. Y, entonces, a lo que me lleva, ¿Con qué tipo de bandas compartieron la vez pasada? ¿Han escuchado algunas de las bandas con las compartirán esta vez o aunque no vayan a tocar con ellos, cuál sería su opinión de la escena nacional?
Bueno, yo he trabajado, yo trabajé de productor muchos años, he grabado discos de unas cuantas bandas mexicanas, latinoamericanas, pero en México, un amigo de muchos años, Fernando de Azeroth, Fer Richardulli estuvo residiendo allá en México y un poco vinieron a grabar acá su vuelta a Buenos Aires, estamos hablando hace quince, veinte años atrás, él vino con su banda a grabar acá, banda mexicana, después volvió allá, se instaló, hoy está radicado acá nuevamente en Chihuahua.
Vamos a tocar con los chicos de Séptimo Ángel, una banda bastante conocida, vamos a estar con los chicos de Sucubus en Puebla, vamos a estar con la gente de… Perdón, pero tengo la memoria… sabe qué me venimos con lo que se anunció recién la gira por España y se anunció y venimos de hacer la gira por Centroamérica, así que tengo en la cabeza, tengo un matete, pero ya te digo lo que tenemos acá en Guadalajara por ejemplo, vamos a estar con los chicos de Cabaret, los chicos de Poseidón, son bandas, lo mismo, son súper conocidas. ¿Qué más tengo por acá? Tengo la compu acá ya con las fechas, con los flyers. ¿Esto dónde es? En Monterrey. Monterrey. Están los chicos de John Glass, Ira. Bueno, nada, me parece que lo que está bueno es que vamos a compartir con un montón de bandas de la escena mexicana, algunas se repiten del año pasado, otras no. Bueno, la idea y la intención es que haya un intercambio también por ahí en un futuro no muy lejano que alguna de las bandas pueda acercarse acá a Buenos Aires a compartir con nosotros alguna fecha.
Seguro que sí. Oye, ya son 30 años de carrera de Lörihen. ¿Con qué versión llegan de nuevo a nuestro país? ¿Dónde se encuentra la alineación actual?
Mirá, la verdad es que estamos en el mejor momento de la banda. No es un cassette, sino que estamos con una conexión súper importante entre los chicos de la banda. Son muchos años y por ahí la formación hoy nos agarra con una estabilidad y con una sintonía entre nosotros mismos que también es súper importante para poder llevar adelante tantos viajes, tantos compromisos y bueno, estar tan conectados. Así que creo que llevamos para allá la mejor versión de la banda, sin lugar a duda.
Excelente. Oye, también estaba viendo que tienen una activación ahí en el tianguis del Chopo, una especie de Meet and Greet, una firma de autógrafos. ¿Ya estuvieron el año pasado también en el Chopo?
No pasamos por el Chopo, yo pasé, en su momento pasé, pero como a buscar discos, encontrarme con gente. En esta ocasión vamos a ir a hacer firma seguramente al stand de un amigo. Así que nada, va a ser una ocasión súper importante para encontrarnos con un montón de gente que accede y que se acerca a esta feria que es tan importante.
¿Cómo pueden ir los fans a esta activación?
No, vamos a estar ahí, vamos a estar ahí. En realidad estamos terminando de ver si se oficializa, si hay un mini show o si nos acercamos al stand que diremos el número en el que vamos a estar. Va a haber venta de merchandise, seguramente y un intercambio con la gente. La idea es estar, es conocer gente que no conocemos, bueno, estar cerca de nuestros seguidores y compartir un rato ameno. Seguramente estemos hasta las dos, tres de la tarde, porque esa noche tocamos en Querétaro.
Okay, vale, vale. ¿Tienen alguna otra actividad planeada para esta gira, más o menos de ese calibre?
Mirá, vamos a estar haciendo seguramente algunas notas presenciales. Viajamos con Lucas dos días antes, el 27 estamos por allá, el 29 tenemos un acústico y el 30 ya vamos para Puebla, volvemos y el 31 hacemos el show de Ciudad de México, el primero en Querétaro y por la mañana el Chopo y el 2, domingo 2, día de los Muertos, vamos a estar en Guadalajara.
Okay, perfecto. Antes, para finalizar, ¿alguna otra cosa que quisieran hacerle saber a su público aquí en México que los está esperando?
No, agradecer, agradecer el cariño, contacto. Bueno, de alguna manera cómo ha crecido exponencialmente en los últimos tiempos la cantidad de gente que nos sigue, nos escucha, entiendo que nosotros somos muy de generar eso, pero la verdad que creo, en mi caso, México es como si fuera un segundo hogar, porque más allá de todo esto tengo ascendencia mexicana, tengo familia mexicana ya, así que es un placer siempre estar visitándolos.
¿De dónde es tu familia?
Del norte. Ciudad Obregón, yo soy “Obregón”.
Ah, perfecto. Muchos amigos de por allá.
Sí, sí, totalmente.
Conversamos con el vocalista de Avatar, Johannes Eckerström, sobre el proceso creativo del nuevo álbum de la banda, su evolución musical, la estética de los conciertos y su conexión con el cine de terror. Desde Finlandia, donde reside hace más de una década, Johannes comparte su visión artística y filosófica sobre la música, la autenticidad y la emoción detrás del metal.
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Hola Johannes, ¡gracias por tu tiempo! Vamos a hablar de su nuevo álbum, que saldrá dentro de poco. Para comenzar: ¿cómo fue el proceso de composición de este nuevo trabajo?
Creo que fue una evolución natural de nuestro trabajo conjunto. Hay ciertos elementos que se mantienen, pero siempre dejamos mucho espacio para experimentar. Como dice nuestro productor Jay Rustin, somos la banda más democrática con la que ha trabajado. Eso significa que todos participamos activamente. Aunque algunos solemos iniciar ideas —Jonas, Tim y yo—, lo que realmente transforma una canción en algo propio de Avatar es el trabajo colectivo.
No tenemos reglas estrictas sobre el sonido, más allá de que lo toquemos nosotros y que sea, de alguna manera, metal. Nuestro enfoque es más parecido al de The Beatles que al de AC/DC: nos gusta explorar, cambiar, descubrir. En este álbum, el proceso fue más intuitivo, dejando que las ideas maduraran en el subconsciente. Muchas letras nacieron de recuerdos y sueños. Confié en que, al final, cobrarían sentido, y así fue. Es un proceso muy sincero, una búsqueda constante de autenticidad.
Eso se nota mucho. Tus canciones suelen empezar de una forma y terminar de otra completamente distinta. Además, cada álbum tiene un sonido único. He leído que en otros discos solías viajar para buscar inspiración. ¿Siguió siendo así esta vez?
En parte sí. A veces nos gusta reunirnos en una cabaña, aislarnos unos días, y trabajar juntos en un entorno tranquilo. Esas experiencias son muy creativas. No es que viaje específicamente para componer, pero esos entornos ayudan mucho. Cuando nos juntamos, muchas ideas ya están encaminadas, pero el ambiente inspira nuevas canciones. Diría que el viaje no es tanto físico, sino más bien una forma de alejarnos del ruido y enfocarnos.
¿Sentiste algún desafío especial en este proceso comparado con el álbum anterior?
Siempre es un desafío, y lo buscamos a propósito. Queremos aprender algo nuevo cada vez. Nos gusta sentirnos principiantes en algo con cada álbum, lo cual se vuelve más difícil con los años, pero también más emocionante. Lo importante es asegurarnos de que la música nos emocione y aporte algo nuevo a lo que ya hemos hecho.
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Cada álbum de Avatar tiene una estética distinta, tanto musical como visual. ¿Qué podemos esperar de esta nueva etapa?
En el escenario nos estamos inclinando más hacia la idea del “circo metalero”, visualmente hablando. Hemos incorporado tecnología con elementos móviles controlados, lo que nos permite una producción más avanzada. Además, estamos tocando en recintos más grandes, lo que nos da más espacio para un espectáculo visual más potente. El show se dividirá en tres partes: un tercio con material nuevo, otro con canciones poco tocadas o sorpresas, y otro con nuestros clásicos. Queremos que cada tema tenga su momento y que el público sienta una verdadera conexión con nosotros.
He visto videos de tus conciertos, especialmente en Argentina, y la interacción con el público es increíble. Lamentablemente aún no los he visto en vivo, pero planeo ir al show en Copenhague en febrero.
¡Perfecto! Tendremos tiempo para preparar algo especial para esa gira.
Aunque su música es muy versátil, siento que los sencillos de este álbum tienen un enfoque más épico, incluso con toques folk. ¿El resto del álbum sigue esa línea?
Diría que es un álbum muy melódico, más que los anteriores, especialmente en lo vocal. Tiene sus momentos extremos, por supuesto, pero las melodías son muy ricas. Hay influencias de muchos lugares: algunas canciones tienen toques persas, ritmos latinos o acordes inspirados en música balcánica. Es un trabajo muy cosmopolita.
Cuando hablas de lo épico, pienso en bandas como Blind Guardian.
¡Claro! Soy gran fan de Blind Guardian. De niño comencé con Helloween, luego Blind Guardian, Rhapsody, y más tarde me adentré en el death y black metal. También tengo una gran influencia de los años 60 y 70: Black Sabbath, The Beatles, entre otros. Todo eso se mezcla en nuestra música.
Para mí, un buen riff no solo depende de la guitarra, sino del ritmo correcto. Cuando lo logras, te transporta a otro lugar: puede ser el infierno, un campo de batalla, o incluso un paisaje marítimo. Esa sensación cinematográfica es esencial; muchas canciones nacen de imágenes mentales, de una especie de película que se proyecta en mi cabeza.
Hablando de imágenes, ¿este álbum tiene un concepto detrás?
No exactamente. Más que un concepto narrativo, hay un enfoque en el método. Después de álbumes conceptuales como Feathers & Flesh y Avatar Country, esta vez quisimos dejar fluir las cosas con más libertad. La mitad de las canciones nacen del subconsciente, de sueños y recuerdos, sin preocuparnos tanto por su significado inmediato. Al final, todo cobró sentido: hay un hilo conductor en mantener vivos los sueños y la mirada interior.
La portada del disco me llamó mucho la atención, con esa atmósfera misteriosa y oscura. Parece inspirada en el cine de terror, ¿fue intencional?
En parte sí. Surgió de forma bastante natural. Estábamos experimentando con luces y globos en el bosque, y surgió esa imagen inquietante. Hay una clara influencia de películas como The Shining o The Blair Witch Project. Me fascina esa sensación de girar una esquina y encontrar algo inesperado y aterrador.
Además, creo que el terror es un género muy saludable. Nos enseña empatía, porque para que algo te asuste, primero tiene que importarte lo que le pasa al personaje. Las mejores películas de terror te hacen preocuparte por alguien antes de asustarte. En ese sentido, es más humano que muchas películas de superhéroes.
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Totalmente de acuerdo. Quería preguntarte sobre tu voz. Tienes un rango muy amplio, desde guturales profundos hasta tonos muy limpios. ¿Cómo trabajas esa versatilidad?
Lo principal es la técnica y la constancia. Llevo muchos años entrenando, haciendo calentamientos vocales clásicos, respiración y escalas. En este álbum exploré más mi registro limpio y grave. También usamos coros reales en varias canciones, como “Captain Goat”. Me gusta aprender algo nuevo en cada disco, también en lo vocal.
Excelente. Para finalizar, ¿qué esperas que sienta el público al escuchar este álbum?
Cada oyente encontrará su propio significado, y eso es lo hermoso. Solo espero que logremos conectar emocionalmente. Si la música inspira a la gente a unirse, a crear, a sentir, entonces habremos cumplido nuestro objetivo.
Etiquetas: Alternative Metal, Avatar, Johannes Eckerström, Melodic Death Metal, Metalcore
Elderstag son una cosa difícil de etiquetar: algo de groove, algo de progresivo, algo de stoner, algo de alternativo. Pero lo que sí estamos seguros es que estos portugueses quieren hacer algo propio, como se puede ver en su debut Elderstag, editado este año de manera independiente. Hablamos con la banda para que nos pongan en claro todo lo relacionado con ellos, su música y su futuro.
—Hola a todos en Elderstag. Bienvenidos a esta entrevista con Track To Hell. ¿Cómo están en este momento?
Hola chicos, gracias por la invitación. ¡Todo bien por acá! Ocupados con la organización de los próximos shows y la promoción de nuestro primer álbum que debutó este año.
—Para la gente que quizá no los conoce, ¿cuál es la historia detrás de Elderstag? ¿Cómo empezaron?
Elderstag comenzó en 2020 con Tiago Oliveira, Gonçalo Assunção y João Carmo, después de que nuestra banda anterior, Voidust, entrara en una pausa. Como todavía queríamos seguir tocando juntos, decidimos intentarlo. Al ser un proyecto nuevo, también queríamos que fuera una vía para otras influencias que teníamos y, al mismo tiempo, una manera de salir de nuestra zona de confort. No queríamos que Elderstag fuera simplemente una continuación.
En 2023 se unió Diogo Belo y completó la formación. Para 2024 terminamos y grabamos nuestro primer álbum, que debutó en enero de 2025.
—Si alguien les preguntara “¿Cómo suena Elderstag?”, ¿qué responderían? ¿Cuál es su identidad como banda?
Tal como decimos en nuestras redes sociales: “una especie de rock, una especie de metal”. Llevamos nuestras influencias de metal, stoner y progresivo a este proyecto. Así que creemos que somos una banda de metal… pero también de rock. Es difícil ser precisos al definirnos. Tenemos ideas raras, complejas e impredecibles tanto como las más básicas y previsibles. Tenemos las partes pesadas y agresivas tanto como las pegadizas. A veces vamos por voces limpias y melódicas, otras veces necesitamos las voces rasposas. Todo depende de lo que queramos en ese momento y de nuestro estado de ánimo. Recomendamos a la gente escucharnos e intentar ayudarnos con eso.
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—Ustedes vienen de distintas bandas de metal con estilos bastante diferentes a lo que hace Elderstag. ¿Siempre fue la idea hacer algo realmente distinto de sus proyectos anteriores?
Así es. Como mencionamos antes, queríamos salir de nuestra zona de confort y también que fuera una vía de escape para otros tipos de influencias.
—Cuéntennos un poco sobre este álbum debut. ¿Cuánto tiempo estuvieron escribiendo las canciones? ¿Qué inspiró las letras?
Comenzamos a componer alrededor de 2019. Empezamos de a poco, sin nada demasiado serio. Lamentablemente la pandemia se cruzó en el camino y ralentizó aún más las cosas, pero seguimos componiendo. Respecto a las letras, queríamos que fuera un álbum conceptual, así que empezamos a crear este universo ficticio y cada letra cuenta una parte de esa historia. Es complejo y todavía lo seguimos construyendo, ya que los próximos discos seguirán desarrollando esta trama. En pocas palabras: todos los humanos están siendo transformados en animales. Hay tres personajes principales: Elderstag, The Shepherd y Tavern Crawler. Elderstag fue transformado en un ciervo pero conservó su conciencia y recuerdos humanos. The Shepherd tiene una misión. Tavern Crawler tiene una larga historia y sabe más que cualquier otro ser vivo. Invitamos a todos a leer las letras e interpretarlas a su manera. Continuaremos narrando esta historia en el próximo álbum.
—Estuve escuchando el álbum y debo decir que realmente me gustó la producción. ¿Qué sonido querían lograr en las canciones?
Nuestro álbum fue totalmente DIY. Grabamos todo el disco y lo autoprodujimos. Nuestro objetivo era transmitir la sensación de una banda tocando junta en una sala y lograr un sonido algo crudo, a pesar de grabar todos los instrumentos por separado.
—El track 6, “The Cycle”, funciona como un interludio y tiene a una cantante invitada: Maytê de Castro. ¿Cómo decidieron sumar una voz femenina en esa canción?
Maytê es nuestra amiga y parte del “equipo”. Sabemos que puede cantar y tiene una voz limpia y dulce que sentimos que encajaría perfectamente en esa canción. Su participación añade algo diferente al álbum que nuestras voces no podían aportar.
—La portada del álbum se ve fenomenal, con los colores cálidos y esa vibra mística. ¿Cómo la describirían? ¿Cuál es la idea detrás?
La portada fue realizada por el increíble @drawordie_art. La sombra del ciervo proyecta un reflejo con forma humana en el estanque, mostrando que sigue siendo un humano por dentro. Detrás de él se ve un sol poniente que ocupa gran parte de la portada, envolviendo la figura del ciervo. Dentro del sol se distingue la silueta de un anciano, The Shepherd, el ser responsable de la transformación de Elderstag. La portada también representa un atardecer, símbolo del fin de un ciclo.
—¿Cuáles son sus próximos planes para el futuro?
Promocionar este álbum tanto como sea posible. Trabajar en dos nuevos videos. Preparar un “making of” del disco y algo especial para sumar al concepto de Elderstag. Hacer una pequeña gira en Portugal y otra en Europa en 2026. Finalizar la escritura y composición de nuestro próximo álbum para 2026… o tal vez 2027. ¡Ya veremos!
—¿Qué les gustaría decirle a nuestros lectores?
Escuchen nuestro álbum debut. Miren nuestros videos. Vean nuestros shows en vivo. Si les gusta, estén atentos porque habrá más. Apoyen los recitales locales. Apoyen a las bandas locales. Apoyen a los artistas creativos y genuinos. No apoyen el entretenimiento artificial disfrazado de arte que ofrece el mainstream.
Etiquetas: Elderstag, Groove Metal, Hard Rock, Portugal
El pasado 12 de octubre, en los minutos previos a la apertura de puertas de The Garage en Glasgow —donde más tarde se presentaría un triple cartel formado por High Parasite, Messa y Paradise Lost—, tuve la oportunidad de conversar con los cuatro integrantes de Messa. Con The Spin ya superando el medio año desde su lanzamiento, y tras incontables entrevistas alrededor de Europa, el desafío era intentar adentrarse en aspectos del disco y del proceso creativo de la banda que aún no hubieran sido explorados en profundidad.
La jornada fue, además, un momento especial: el debut de Messa en Escocia. A pesar de que muchos asistentes no conocían a la banda antes de esa noche, el magnetismo de su actuación fue tal que, una vez terminado el concierto, decenas de personas se acercaron al puesto de merchandising para felicitarlos, comprar camisetas y discos, y compartir impresiones con los músicos. En un gesto que refleja la cercanía que los caracteriza, el grupo no dudó en firmar vinilos, entradas y posar para fotos con quienes se lo pedían, prolongando la experiencia más allá del escenario.
Entonces, chicos, mencionaron que durante la grabación de The Spin hubo canciones que les parecieron demasiado “típicas de Messa”, y que por eso fueron descartadas. ¿Alguna vez pensaron en sacar un disco con todo ese material que quedó afuera, o eso todavía no está sobre la mesa?
Sara: Mi opinión —no sé si los demás la comparten— es que si algo fue descartado, hay una razón para ello. ¿Están de acuerdo?
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Alberto: Sí, sí, sí. Quiero decir, la razón por la que algunas canciones fueron descartadas no fue porque fueran viejas o algo así, sino porque quizás no estaban enfocadas en el camino que Messa estaba tomando con el álbum.
Se mencionó que durante la grabación usaron varios equipos vintage y métodos de producción antiguos. ¿Por qué creen que en los últimos años ha habido, digamos, una creciente tendencia o interés por volver a esas técnicas, ese equipamiento y ese sonido más clásico?
Alberto: Bueno, simplemente porque suena bien y nos ayudó a ir en la dirección que queríamos lograr. En cuanto definimos que el disco tendría una vibra muy ochentera, dijimos: “ok, usemos cosas que realmente se usaban en los 80”. Era importante, digamos, estar atados a esa maquinaria, de modo que el resultado fuera creíble dentro de ese contexto. Porque, por ejemplo, con un teclado: puedes usar uno nuevo, que es mucho más fácil de tocar, pero no se parece al original. El instrumento viejo va a ser más difícil, pero también más auténtico.
Sara: Algo que dijiste una vez, y que me parece totalmente acertado, es que algunos instrumentos te obligan a trabajar de cierta manera. Y eso fue crucial para Messa durante el desarrollo, la grabación y la escritura de The Spin. Porque el instrumento en sí te empuja hacia una dirección concreta; es casi como una lucha con él, porque estás forzado a adaptarte. Tiene ciertos límites, digamos, pero esos límites pueden transformarse en algo creativo e interesante al final.
Y ahora, Sara, y ustedes también: ¿qué canción sienten que más resuena con cada uno de ustedes en The Spin? Digamos, ¿cuál sienten más propia cuando la tocan?
Sara: Bueno, es una pregunta difícil, porque para mí es como tener hijos: no puedes elegir uno como favorito, los amas a todos. Pero siendo honesta, hay una canción que ocupa un lugar especial para mí. Probablemente mi favorita es “Thicker Blood”.
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¿Y ustedes?
Alberto: Para mí es “Immolation”, por ejemplo.
Rocco: Sí, coincido totalmente con Sara: “Thicker Blood”. Y también “Reveal”, me gusta mucho tocarla. Pero si tengo que elegir una sola, sin duda “Thicker Blood”.
Marco: La mía es “The Dress”. Es una de las más desafiantes de tocar.
Sara: Dolor y placer. La bendición y la maldición.
¿Cuánto impacto, si es que alguno, tienen los externos —me refiero al sello discográfico, la gerencia, y todo el entorno que acompaña a la banda— en el proceso de composición o producción de un disco de ustedes?
Sara: Ninguno. En absoluto.
Marco: Totalmente ninguno. Puedes escribir un cero grande.
Entonces, ustedes han hablado muchas veces sobre la libertad al componer. ¿Cómo reconocen el momento en que una canción encuentra su propia forma y deja de “pertenecerles”, como si empezara a tener vida propia?
Sara: Bueno, después de meses, primero que nada, y después de ser muy tercos y trabajar mucho en ella. Creo que para mí —no sé si para los demás es igual— es como un candado cuya llave se tira una vez que el disco sale.
Rocco: Sí, si no, nunca terminarías.
Sara: Exacto, sería interminable. Una vez que grabas, y ya tienes la mezcla y el máster, ahí es cuando realmente la canción termina. Porque ya no puedes volver a meterle mano.
Bueno, aunque siempre se pueden hacer remixes o cosas así.
Alberto: Sí, quizá, si no tuviéramos que pagar por el estudio de grabación, yo todavía estaría allá.
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Sí, sé exactamente a lo que te refieres. Ahora, respecto al título del álbum: la palabra Spin puede significar muchas cosas —rotación, desorientación, engaño o narración, por ejemplo—. ¿Cuál fue la razón emocional o simbólica detrás de elegir esa palabra como título del disco?
Sara: Bueno, digamos que mientras filmábamos el video de “At Races”, el primer sencillo de The Spin, estábamos manejando por algún lugar perdido, en medio de la nada, en Bosnia. Y en un momento, esa palabra simplemente apareció en mi cabeza. Sentí que describía perfectamente lo que queríamos expresar con este disco, y que encajaba con el lenguaje que estábamos construyendo —el sonoro, el visual—. De pronto todo empezó a tener más sentido. Creo que era una buena palabra porque representa el giro de las ruedas, tiene sentido visualmente, líricamente y musicalmente. Así que sí, era una palabra adecuada para representar lo que queríamos decir. Y, bueno, fue algo bastante simple: la anoté en las notas del teléfono y, más adelante, cuando empezamos a hablar del título, la propuse y todos estuvieron de acuerdo. No fue, digamos, tan complicado como con otros discos de Messa.
Y última pregunta. Ahora que se podría decir que se han alejado un poco del doom en sí, y abrazado otras estéticas, ¿sienten algún tipo de presión —interna o externa— por redefinir cómo “debería sonar” Messa?
Sara: Bueno, siendo honesta, nunca nos hemos puesto límites, aparte de nuestro propio gusto personal, claro. Es como… no sé, una serpiente que muda de piel. El ADN de la banda sigue ahí. Tenemos la misma formación desde el inicio, así que nuestras personalidades están completamente presentes, y el núcleo del grupo sigue siendo fuerte. Dicho esto, también es bueno cambiar algunas cosas aquí y allá. Para algunos ya no tocamos metal; para otros sí. Recibimos muchas opiniones distintas respecto al género, pero sinceramente, no nos importa demasiado mientras estemos contentos con el disco y con lo que representa. Lo hemos dicho muchas veces: si tocáramos siempre el mismo material, nos aburriríamos. Nos gusta cambiar cosas, explorar nuevos territorios sonoros, que es algo que me parece muy interesante. Y también, cambiamos todo el tiempo y somos oyentes muy activos. No somos una tienda sellada al vacío, nos dejamos contaminar.
Rocco: Y además es un reto para nosotros como músicos intentar tocar algo diferente, en lugar de repetir lo mismo. Siempre es desafiante intentar inspirarte en algo que te gusta, pero que nunca habías pensado tocar. Con el sonido ochentero, cada uno de nosotros tenía sus propias referencias de la música de esa época, pero creo que antes del concepto de The Spin, ninguno había pensado hacer un álbum con ese tipo de sonido. Pero dijimos: “¿Por qué no intentarlo?”. Y fue simplemente eso: “Sí, ¿por qué no?”. Así empezó todo el proceso.
Sara: El camino se revela solo. Nunca comenzamos con una idea precisa en mente; era más bien: “Bueno, ¿qué haremos ahora?”. Recogemos y reunimos ideas, y luego vemos hacia dónde nos llevan —tanto de forma voluntaria como involuntaria— dentro de los límites de ciertos instrumentos. Reunimos todo, lo metemos en un gran frasco, y ahí queda hasta el siguiente disco.
Quiero agradecer sinceramente a Sara, Alberto, Marco y Rocco por haber dedicado parte de su tiempo, en una jornada tan intensa, para realizar esta entrevista para Track to Hell. Fue un verdadero placer conversar con ellos y conocer más a fondo el universo detrás de The Spin. Espero con muchas ganas volver a verlos en noviembre, cuando regresen al Reino Unido para su presentación en el Damnation Festival.
Etiquetas: At Races, doom metal, Escocia, Glasgow, Immolation, Messa, Reino Unido, Scotland, The Dress, The Garage, The Spin, Thicker Blood, UK
A finales de los setenta, mientras el punk agitaba las calles británicas y el rock clásico dominaba las listas, una nueva generación de bandas comenzaba a forjar su propio sonido.
Desde Newcastle surgía una bestia metálica llamada Tygers of Pan Tang, una de las pioneras de la New Wave of British Heavy Metal, junto a Iron Maiden, Def Leppard y Saxon.
Hoy, casi medio siglo después, conversamos con Robb Weir, fundador y guitarrista original, quien nos transporta a aquellos primeros años donde todo era nuevo, salvaje y lleno de energía, esta es la historia de una era dorada, contada por uno de sus protagonistas.
¿Cómo recuerdas aquellos primeros años de la NWOBHM cuando Tygers of Pan Tang comenzaba a hacerse un nombre?
Tygers of Pan Tang empezó a hacerse un nombre en la escena musical, fundé Tygers of Pan Tang a principios de 1978, hace unos 47 años, aquella época era muy diferente a la actual, recuerdo que fue un gran momento para estar en la industria musical, la nueva ola del heavy metal británico estaba en auge.
Estaba empezando a tomar forma, pero aún no había recibido atención de la prensa musical, aunque ya existían bandas como Iron Maiden, Def Leppard, Saxon y Tygers, todas estábamos tocando nuestra música y empezando a ganar popularidad en el circuito.
Pero en ese momento, la prensa musical aún no había hablado de la nueva ola del heavy metal británico, creo que fue en 1979 cuando Geoff Barton, uno de los principales editores del periódico Sound Music, solíamos tener cuatro periódicos de gran formato, todos estaban dedicados a la música, ahora ya no existen, estaban Sounds, New Musical Express, Melody Maker y… ¿cuál era el cuarto? Record Mirror.
Sounds se centraba en el rock y el heavy rock, el heavy metal no era un término común entonces, se hablaba de rock o heavy rock, bandas como Black Sabbath, Uriah Heep y Deep Purple se clasificaban como heavy rock.
Geoff Barton escribió sobre estas nuevas bandas que emergían en la escena, las primeras cuatro fueron Tygers, Def Leppard, Saxon y Iron Maiden, él escribió sobre nosotros y eso marcó el inicio de la nueva ola del heavy metal británico, abrió las puertas para que otras bandas de la época formaran parte de este movimiento, fue una época muy emocionante para la música, recuerdo con cariño ese momento, cuando todos estábamos explorando nuevos caminos.
No sabíamos adónde íbamos ni cómo iba a terminar, porque era algo totalmente nuevo, podríamos decir que la vieja escuela del heavy metal eran Black Sabbath, Led Zeppelin, Deep Purple y The Who y luego estaban bandas como The Sensational Alex Harvey Band, Nazareth, Thin Lizzy, todas esas bandas geniales que me encantan.
Con la aparición de estas nuevas bandas, se empezó a hablar de la “nueva ola”, ya que eran nuevas bandas de rock pesado británicas, así fue como todo comenzó, fue una época maravillosa para estar involucrado en la industria musical.
Wouuu que buena respuesta, muchas gracias por ser tan específico.
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¿Qué tan difícil era para una banda emergente triunfar en la escena musical británica a finales de los 70 y principios de los 80?
Cuando escribieron sobre la nueva ola del heavy metal británico, todas las grandes compañías discográficas, muchas que ya no existen ahora, desafortunadamente, todas querían firmar con una banda de la nueva ola, creo que era mucho más fácil conseguir un contrato discográfico en aquella época, porque las discográficas buscaban activamente bandas, mientras que hoy las bandas buscan discográficas porque casi no quedan.
En aquella época, había muchísimas discográficas: CBS, MCA (con la que firmamos), Arista, Chrysalis (con la que firmó UFO), EMI… ¡Había muchísimas! CBS era una discográfica enorme, con Judas Priest, Phonogram Records tenía a Status Quo y a Def Leppard, era increíble la cantidad de sellos discográficos que había.
No sé qué salió mal en la industria musical, pero creo que hoy en día solo quedan tres grandes discográficas: Sony, MCA y ¿EMI sigue existiendo? No estoy seguro, es una pena que hayamos perdido todas esas discográficas y esa escena musical.
Dicen que es progreso, pero a veces damos dos pasos adelante y uno atrás, así que, a veces, avanzar no es realmente avanzar, pero así es la vida.
¿Qué opinas del álbum New Wave of British Heavy Metal ´79 Revisited creado por Lars Ulrich de Metallica?
Es un gran disco, se creó en la época de la NWOBHM, con todas las bandas importantes de 1979, y nosotros también estamos en la portada, sí, es un gran álbum, sin duda.
Lars Ulrich es un gran fan de la new wave of British heavy metal.
Si tu buscas Metallica en Wikipedia y miras su historia, de hecho dice que Lars Ulrich fundó Metallica con un anuncio en el periódico New York Recycler: “Baterista busca músicos para tocar Tygers of Pan Tang y Diamond Head“.
Creo que fuimos responsables de que Metallica se formara, eso es algo muy bueno, y de hecho, a menudo se ve en fotos de prensa, se me aguan los ojos con ello, se ve que James Hetfield suele llevar nuestra camiseta cuando sale a la calle.
¿Cuál es vuestra banda favorita, aparte de Tygers of Pan Tang, dentro del movimiento de la Nueva Ola del Heavy Metal Británico?
¡Ay, vaya!
Dime dos, por favor.
Dos, Saxon y Def Leppard. ¡Muy fácil! Sin dudarlo.
Tygers of Pan Tang siempre ha tenido un sonido muy particular dentro de la nueva ola del heavy metal. ¿Qué influencias fueron importantes en tu estilo de guitarra y composición?
Buena pregunta, cuando compuse la música para Wildcat, no me di cuenta hasta años después de lo punk que era mi música, así que seguramente escuchaba a Sex Pistols en secreto y eso influyó en mi forma de componer, supongo. Si tomas a Sex Pistols y reemplazas a Johnny Rotten por Jon Deverell (el cantante de Tygers) o Bruce Dickinson, tienes una banda de heavy metal, sólo Johnny Rotten hizo que Sex Pistols fuera punk, porque Steve Jones toca una Les Paul con un amplificador Marshall y toca un estilo de heavy metal/hard rock.
Así que Sex Pistols, sin un cantante punk, habría sido una banda de hard rock, es muy interesante, creo que recibí mucha influencia del movimiento punk, aunque probablemente de forma inconsciente.
No tengo ídolos de la guitarra pero si tuviera que elegir a alguien, diría que me encantaba Mick Box de Uriah Heep, era un buen guitarrista, tocaba solos geniales con el pedal wah-wah, me gustaba Glenn Tipton de Judas Priest, porque tocaba de forma muy fluida, no era un virtuoso, pero tocaba muy bien, y Bernie Marsden de Whitesnake es un gran guitarrista de blues, muy elegante, creo que esa es la respuesta.
¿Y Jimi Hendrix?
Sí, Jimi Hendrix… Definitivamente influyó, nunca me gustó mucho Jimi Hendrix, tenía demasiada distorsión, compuso grandes canciones, era un gran cantante y guitarrista, pero no era mi estilo.
La banda ha sufrido muchos cambios de formación a lo largo de los años. ¿Fue complicado mantener la esencia de la banda?
Para nada. Cuando dices que la banda ha sufrido muchos cambios, ¿acaso no ha pasado lo mismo con todas las bandas?. Esta pregunta es muy interesante porque hay bandas hoy en día que están de gira sin ningún miembro original. ¿Cómo funciona eso? ¿Cómo es posible? Personalmente, creo que no está bien, creo que una banda en gira debe tener al menos un miembro original.
En el caso de Tygers, sí, soy el miembro original, pero escribo las canciones, así que sé cómo debe sonar Tygers. ¿Es así?
Sí.
Ahora, en Tygers, en 2025, todos escribimos, pero la primera pregunta que nos hacemos cuando se presenta una nueva canción es: ¿suena a Tygers?. Tenemos un control de calidad muy estricto, y si la canción no suena a Tygers, la descartamos, todas nuestras canciones suenan a Tygers.
Hoy en día escribimos canciones nuevas, el nuevo álbum ya está terminado, solo falta grabarlo, las baterías ya están grabadas en Copenhague, volaremos al Reino Unido y empezaré a grabar las guitarras, continuaremos con el proceso y con suerte, el álbum estará terminado antes de Navidad y se lanzará el verano que viene.
Que buena noticia.
¿Qué recuerdos tienes del proceso de grabación de Wildcat o Spellbound?, álbumes muy importantes para los fans.
“Wildcat” se grabó muy rápido, este en particular, grabamos Wildcat y se mezcló en 13 días, de principio a fin, se grabó muy rápido, trabajamos con Chris Tsangarides, nuestro primer productor, sabía exactamente qué quería lograr y qué sonido quería darnos, fue una combinación ganadora, porque el álbum al ser lanzado, entró directamente en la lista de éxitos de álbumes británicos, no en la lista de rock, sino en la lista general, con artistas como David Bowie, Michael Jackson, Gloria Gaynor, todas las grandes estrellas del pop, nuestro álbum entró directamente en el puesto número 13.
Recuerdo que estábamos en Londres, ya que la banda es originaria de Newcastle en el norte de Inglaterra, fuimos a Londres para reunirnos con Chris nuestro productor, cuando nos enteramos de que habíamos entrado en el puesto 13 de la lista de éxitos, fuimos a desayunar cerca de la estación de King’s Cross.
Recuerdo que Chris nos dijo: “Chicos, creo que tenemos un éxito en las manos”, cuando cambiaron los integrantes para el álbum Spellbound, con la incorporación de John Deverill y John Sykes, grabamos el álbum rápidamente, en unas tres semanas con Chris.
Entró en la lista de éxitos británica en el puesto 18, justo el día que se anunciaban las clasificaciones. Estábamos en Cardiff, Gales, dando un concierto, estábamos esperando el anuncio para ver en qué puesto estaba nuestro nuevo álbum, llegó en el puesto 18 por supuesto, estábamos todos muy emocionados de que el nuevo álbum, con los nuevos miembros, hubiera alcanzado ese puesto, el concierto esa noche fue fantástico.
¿Qué opinas de la escena del heavy metal actual comparada con la época dorada del heavy metal británico?
Bueno, son épocas completamente diferentes, hay que aceptar lo que tenemos ahora, es como si no pudiéramos mirar atrás porque entonces retrocedemos en lugar de avanzar.
Me explico, si hoy compras un vaso de vino por 10 libras, no puedes decir: “¡Hace 40 años costaba solo 1 libra!”. Las cosas evolucionan, tenemos tecnología increíble hoy en día, lo que ha cambiado la producción musical.
Tenemos internet y móviles. No teníamos nada de eso cuando salieron esos discos, imagina un mundo sin internet ni móviles, si alguien en Australia quería comprar el nuevo disco de Tygers, Spellbound, en 1981, teníamos que ir a correos y enviárselo, tardaba tres o cuatro semanas en llegar, ahora, si quieren el último disco de Tygers, solo hacen clic y lo tienen en un segundo, es muy fácil, la tecnología ha avanzado, si es algo bueno o malo, cada uno decide.
Si pudieras hablar con el joven Rob que fundó la banda, ¿qué consejo le darías?
Le diría: «¡Buen trabajo, chico! No lo has hecho mal».
Cuéntame por favor, una anécdota con John Sykes en la banda.
Sí, claro, cuando John Sykes estaba en la banda, compartíamos habitación en los hoteles durante las giras por todo el mundo, éramos los más traviesos de la banda, siempre hacíamos bromas a los demás, hacíamos de todo, éramos muy traviesos.
Recuerdo una ocasión… ¡Hay tantas que podría contarte! Una vez, nuestro compañero que vendía las camisetas vino a nuestro cuarto, llamó a la puerta y entró, era antes del concierto, a la hora de comer, estábamos en Liverpool, actuando en el Royal Court, durante la gira de Spellbound, se llamaba Saul, entró, charlamos un rato y dijo que estaba muy cansado, le dijimos: “No te preocupes, descansa si quieres”.
Se tumbó y se durmió, lo cual no era buena idea en nuestra habitación. John y yo nos miramos, ni siquiera tuvimos que hablar, le quitamos la ropa, excepto la ropa interior y los calcetines, y lo cubrimos de espuma de afeitar, la espuma blanca que se usa para afeitarse, pusimos cerillas, las de antes para encender cigarrillos, las colocamos en la espuma y las encendimos y él se despertó en llamas, gritando.
Nos dimos cuenta de que estaba en llamas, corrimos al baño, cogimos agua y lo apagamos, estaba muy asustado, como es lógico, cubierto de espuma y sin ropa, le pedimos disculpas, lo llevamos al bar y le compramos una bebida, al final, se rió de la situación; John y yo éramos muy traviesos.
¡Hacíamos de todo!, me puse muy triste cuando me enteré de que John había fallecido a causa del cáncer, esa terrible enfermedad para la que aún no hemos encontrado cura, pero estoy seguro de que ahora está allá arriba riéndose de mí y seguramente me está haciendo equivocarme en las notas durante los conciertos, seguro que está metido en todo eso.
Etiquetas: Geoff Barton, Heavy Metal, NWOBHM, Robb Weir, Spellbound, Tygers of Pan Tang, Wildcat
Lo que comenzó “como un juego” en el Resurrection Fest acabó convirtiéndose en una de las propuestas más frescas y sinceras de la escena hardcore actual. Fuet! es energía, honestidad y catarsis en estado puro. Desde sus inicios improvisados hasta ganar el Mad Cool Talent y compartir cartel con bandas como Refused o Bring Me The Horizon, el grupo madrileño ha recorrido un camino tan inesperado como apasionante. Con su primer álbum, Make It Happen, confirman que lo suyo va en serio: un disco crudo y emocional que captura la fuerza del directo y la vulnerabilidad del proceso creativo. Charlamos con ellos sobre sus comienzos, el presente de la escena hardcore estatal y el viaje que los ha llevado a convertir lo espontáneo en una realidad a la que mirar de frente.
– Todo empezó “como un juego” en el Resurrection Fest. ¿Cuándo se dieron cuenta de que aquello iba en serio?
La verdad es que nos seguimos encontrando ante situaciones que nos van llevando a confiar más y más en el proyecto. Cada oportunidad que nos surge nos hace creernos más que esto está teniendo cabida real, que el público lo valora, y, sobre todo, que nosotros seguimos disfrutando igual o más cada vez que nos subimos al escenario.
Como hitos, si es verdad que nuestro primer concierto fue un antes y un después, ya que la respuesta del público fue muy favorable y nosotros sentimos cosas que son muy difíciles de expresar, pero las cuales no queremos dejar de sentir. Sin embargo, la banda iba poco a poco apagándose y no fue hasta ganar el concurso de Mad Cool Talent y posteriormente tocar en el festival, que decidimos apostar seriamente por esto.
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– El nombre FUET! tiene ese toque de humor y cercanía. ¿Esperaban que un proyecto tan espontáneo acabara girando por festivales como el Mad Cool o el Tsunami Xixón?
En absoluto. La banda, en sus inicios, no tenía pretensión de ser una banda y estamos hablando de cumplir sueños. Mad Cool y Tsunami Xixón son festivales donde hemos podido ver a artistas a los que admiramos y poder participar en ellos es algo que creemos que, a día que hoy, no somos capaces de asimilar plenamente. Si a eso le sumas los buenos comentarios que hemos recibido de ambos conciertos, se vuelve aún más complejo de asimilar.
– ¿Qué aprendieron de aquella primera etapa del EP de 2020, que aplicaron o querían superar en este álbum?
Quizá la lección más importante es que en aquel momento hicimos lo que nos hacía felices y decidimos seguir haciéndolo. El contexto es tan distinto (formación, inquietudes, situación de la banda…) que comparar es realmente difícil. Lo que sí tenemos claro es que queremos que el grupo siga dando cabida a plasmar lo que sentimos y en esa dirección hemos continuado.
– Venís de la escena madrileña, pero vuestra proyección ya es nacional. ¿Cómo ven la escena hardcore estatal en este momento?
Allá donde vamos nos encontramos con personas y proyectos increíbles, desde el personal técnico (sonido, luces) hasta los músicos. Nos encontramos con bandas como Víbora, Not Your Business, Neboas, Viva Belgrado y otras tantas que ponen su corazón en todo lo que hacen. Creemos que la escena está muy viva, aunque a veces ensombrecida por grandes eventos y quizá con mayores dificultades como los precios de las salas o el cierre de muchos centros sociales autogestionados (que solían dar mucha cabida a esta escena).
– Sus conciertos se describen como “explosivos”. ¿Qué pasa por sus cabezas cuando ven al público tan entregado?
Creemos que la entrega del público tiene que ver con la entrega que ponemos nosotros. Intentamos crear un espacio que la gente pueda utilizar de catarsis. Que puedan bailar, saltar y gritar, porque nosotros lo vamos a hacer. También debemos decir que en el último concierto en la sala El Sol de Madrid, el público ayudó a generar ese espacio y así generar una gran conexión. Siempre que vemos al público así de entregados no podemos evitar sonreír. Es emotivo. Intentamos tomarnos cada concierto como un lugar donde dejarnos llevar y donde podamos desfogar todo el estrés acumulado. Los conciertos con catárticos para nosotros y creemos que de ahí puede venir.
– ¿Qué peso tiene el directo en la forma de componer?
Actualmente, mucho. Por cómo se ha dado la historia del grupo, hemos tenido que terminar composiciones mientras girábamos, y eso ha influido mucho en el sonido, la pegada, las letras y la honestidad de los temas. Ha habido canciones que hemos probado sobre el escenario y hemos ido ajustando poco a poco. La vida de la banda se ha desarrollado sobre el escenario, así que necesariamente esto iba a influir lo que queríamos expresar.
– En los festivales han compartido cartel con nombres muy potentes. ¿Hay alguna banda que les haya marcado tocar o coincidir?
Hemos compartido cartel con bandas como Refused, Sex Pistols, Viva Belgrado, Carolina Durante, Bring me the horizon….
Sin embargo, es difícil, con el ritmo frenético de los festivales, poder compartir mucho tiempo con las bandas. Siempre nos hemos encontrado mucho cariño, pero quizá Heavy Lungs fue la banda que más nos marcó. Estuvieron viéndonos encima del escenario y poder ver ese aprecio a lo que hacemos por una banda que admiramos es algo que nos llevamos de por vida.
– ¿Qué significa para vosotros MAKE IT HAPPEN?
El disco se puede entender como una suerte de diario de abordo que hemos ido escribiendo durante este último año, desde que se diese pistoletazo de salida a la incursión en Mad Cool y FUET! se convirtiese en una realidad a la que mirar de frente para nosotros mismos. Hay que tener en cuenta que la banda nació sin más pretensión que la de sacar un EP entre amigos, y si ha llegado a suceder que nos encontremos aquí, ha sido gracias a la respuesta que ha tenido el público desde el primer bolo que nunca ibamos a dar. El álbum es el broche que enmarca todo este tiempo en el que FUET! ha acabado por suceder.
– El disco suena crudo pero también emocional, con mucha rabia y sensibilidad a la vez. ¿Cómo encontraron ese equilibrio en el estudio?
Plasmando lo que sentíamos en cada momento, sin darle especial importancia. El disco es una representación de cómo ha sido nuestro proceso como banda, y en ese proceso, ha habido mucha emoción acumulada. Vulnerabilidad, rabia y felicidad. El equilibrio ha surgido de la propia naturalidad con la que hemos tratado todo, sin más pretensión que hacer lo que nos hace felices.
– ¿Hubo algún tema del disco que marcara un punto de inflexión durante la grabación, algo que dijeran “vale, ahora sí, esto es FUET”?
Es verdad que los tres primeros temas que compusimos (“Green Lights”, “Becoming a Ghost” y “Doomed”) tuvieron mucho impacto en marcar unas líneas, pero cada una de las composiciones que hemos ido haciendo han ampliado el espectro de todo lo que puede explorar FUET! en su sonido. “LDG” también nos ayudó a entender que equilibrar lo melódico y el grito también nos sentaba muy bien. Lo que tenemos claro es que en nuestra coctelera para componer tiene todo cabida, siempre que sea algo que nos nazca.
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– En el hardcore muchas veces se prioriza la energía sobre la producción. ¿Cómo fue el proceso de grabación? ¿Buscaron capturar el directo o experimentar con el sonido?
Intentamos mimar el sonido, y en ese sentido, decidimos grabar en un muy buen estudio, como es Westline Studios. La propuesta tenía que entenderse, y para entender la energía de nuestros directos es a veces también necesario utilizar buen material. En ese sentido, no hemos hecho una gran producción, más allá de cuidar que plasmásemos, mientras tocábamos y grabábamos, la fuerza que tenemos en directo.
– Si tuvierais que describir MAKE IT HAPPEN en tres palabras para alguien que no los ha escuchado nunca, ¿cuáles serían?
Catarsis, honestidad y energía.
– Por último, después de este lanzamiento y la presentación en la Sala El Sol, ¿qué viene ahora para FUET!? ¿Habrá gira, nuevos vídeos o colaboraciones?
Estamos pendientes de anunciar lo que será la gira de presentación de nuestro primer disco y esperamos ver ciudades nacionales e internacionales dentro de ella.
Hoy tenemos una entrevista especial con Annisokay, una de las bandas más destacadas del metal moderno alemán. Aprovechando su paso por España como cabezas de cartel, hablamos sobre su nueva etapa con Abyss – The Complete Edition, su conexión con el público español y la evolución de su sonido. Con su mezcla de potencia, melodía y emoción, Annisokay demuestra por qué se ha convertido en una referencia del género.
- Bien, chicos, bienvenidos. Primero que nada, es su segunda vez en España, creo. Esta vez estuvieron aquí con Within Temptation el año pasado, ¿verdad?
Sí, en el festival, esta sería la tercera vez.
- Pero ahora ustedes son los cabezas de cartel, lo cual es genial para mí. Los sigo desde 2018, así que es increíble verlos creciendo y haciendo las cosas tan bien. ¿Cómo se sienten al encabezar esta vez? ¿Cómo va la gira? He visto algunos shows en solitario, casi en solitario también.
Bueno, puedo hablar por todos: estamos realmente felices con toda la gira hasta ahora. Es muy emocionante y estamos muy agradecidos de que tanta gente venga, incluso de distintos países, lejos de Alemania, y que canten todas las letras y se vuelvan locos. Significa mucho para nosotros.
En España, especialmente, antes de tocar con Within Temptation no habíamos tenido contacto con el público español en giras o shows. Pero el año pasado tocamos en esa gira y también en un festival por primera vez, el Z! Live Festival, en Zamora. Fue muy bueno, aunque hacía muchísimo calor. Tocamos tarde, así que estuvo bien. Con Within Temptation tocamos en Barcelona y Madrid, creo.
Sí, fue genial. Es un gran país para nosotros.
- Mucha gente aquí los aprecia mucho.
Sí, la gente con la que hablamos la última vez estaba muy agradecida de que por fin tocáramos aquí.
- Y ahora, siendo los cabezas de cartel, también es algo increíble. No tenemos tantas bandas de metal moderno viniendo a España; la escena aquí no es tan grande como en Alemania. Su nuevo álbum sale el 24 de noviembre, titulado Abyss – The Complete Edition. ¿Cómo surgió la idea? ¿Pensaron desde el inicio en hacer una primera parte más suave, otra más pesada, y luego unirlas? ¿O fue algo espontáneo?
En realidad, cuando empezamos a escribir las primeras canciones, la idea era hacer un álbum. No pensábamos en EPs. Esa idea surgió después, cuando vimos que no éramos lo suficientemente rápidos componiendo canciones que nos dejaran conformes. Teníamos algunas muy buenas, pero no un disco completo. Queríamos publicar algo, así que decidimos lanzar un EP… luego otro.
El arte de la portada, la mujer con dos rostros, iba a ser originalmente la imagen principal del álbum. Luego pensamos en dividirla: usar una mitad primero, y la otra después. Finalmente decidimos combinar ambos EPs, pero no queríamos simplemente juntarlos, así que agregamos tres canciones nuevas para completar el concepto y cerrar la historia, el “capítulo final”.
Musicalmente, hay una conexión entre Into the Abyss y Inner Sanctum: comparten melodías y letras, funcionan como marco del disco. Las tres canciones nuevas se ubican entre esos dos EPs.
Si tienes el vinilo, puedes unir las portadas de ambos EPs, y ahora con la nueva edición hay una imagen intermedia que da otra capa visual y conceptual. Lo mismo ocurre con la música: añadimos profundidad al conjunto para hacerlo más completo.
—Las dos canciones nuevas son una mezcla perfecta entre los dos primeros EPs. Esa era la idea: el punto de unión.
- Y falta una canción más, que se publicará junto con el álbum…
Sí, y en mi opinión es la mejor del disco.<¿
- Genial. Ahora, ya que están en España, ¿qué es lo que más les gusta del país? ¿La comida, la gente, el clima?
El clima es increíble. Hoy se sentía como un día de verano. La última vez fuimos a la playa, comimos tapas, y todos fueron muy amables. Es un ambiente relajado, algo que no siempre pasa en Alemania. Además, muchos alemanes vienen aquí de vacaciones, y ahora venir a trabajar y hacer música en el mismo lugar donde normalmente pasarías tus vacaciones es algo muy especial. Me encanta eso.
- Volviendo a la parte musical: cuando comienzan a escribir canciones, ¿por dónde empiezan? ¿Por la letra, la melodía, la instrumentación?
Depende del tema, pero generalmente empiezo con una idea lírica. Tener el concepto o las palabras me inspira melodías. Si es una canción de amor, tengo ciertos tipos de melodías; si es una canción sobre guerra o algo más agresivo, es otra cosa. Me gusta que la música tenga sentido con el mensaje.
Después suelo componer primero el coro, porque es la parte más importante hoy en día. Luego muestro mis ideas al resto; si no les convence, ya sé qué líneas seguir o qué descartar. A veces hacemos varias versiones del mismo coro hasta encontrar la mejor. Luego grabamos demos y en el estudio cada uno aporta sus ideas. Así es como trabajamos.
- Última pregunta: si alguien que nunca escuchó a Annisokay tuviera que oír solo una canción para conocerlos, ¿cuál sería?
—Para mí, “Never Enough”.
—Yo diría “Silent Anger”, aunque todavía no salió, pero representa todo lo que es Annisokay.
—Para mí, “Human”, por el mensaje tan fuerte que tiene.
—Y yo elijo “Like a Parasite”, porque es experimental, tiene partes pesadas, un coro melódico y un interludio tipo drum and bass. Lo tiene todo.
- Así que ahí tienen cuatro canciones para empezar a conocer a Annisokay.
Etiquetas: Annisokay, Entrevista, Metalcore
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En el marco de la inminente aparición de la banda italiana en el Madrid Death Fest Vol. 2 (Sala Moby Dick, Madrid – viernes 7 de noviembre de 2025) y tras el buen recibimiento de su último álbum XUL, hablamos con el guitarrista/compositor Mario Di Giambattista para conocer los entresijos del nuevo trabajo, la filosofía de la banda y las expectativas para su actuación en Madrid.
Mario, ¿qué te trae de vuelta a nuestro país?
Honestamente, siempre es un placer volver a España. El ambiente aquí es increíble: la gente, la comida, la energía. Cada vez que tocamos aquí, se siente como si estuviéramos con la familia. La escena española siempre nos ha apoyado mucho, así que regresar se siente totalmente natural.
Este verano tuvimos la oportunidad de tenerte en el Move Your Fucking Brain EF; ¿qué opinas del público hispano?
¡El público hispano es una locura, en el mejor sentido posible! Tenéis muchísima pasión. La energía es increíble de principio a fin. No solo veis el concierto, lo vivís.
Eso realmente nos impulsa a dar aún más sobre el escenario. Es uno de esos públicos que hacen que cada show sea inolvidable.
Hablando de vuestro último álbum XUL, la prensa destaca que ha sido un paso adelante en vuestra carrera. ¿Cómo lo ves en retrospectiva?
Sí, creo que es cierto. XUL definitivamente marcó un punto de inflexión para nosotros, nos esforzamos mucho en ese disco, tanto musical como conceptualmente.
Mirando atrás, creo que es el álbum en el que encontramos el equilibrio perfecto entre atmósfera y brutalidad. Sigue sonando a Devangelic, pero con más profundidad y una visión más clara de quiénes somos.
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¿Podrías contarnos un poco sobre el concepto lírico y estético de XUL?
El concepto principal gira en torno a la dualidad de la naturaleza humana, la lucha constante entre el bien y el mal dentro de uno mismo, donde a menudo prevalecen los demonios interiores.
Este tema es más relevante que nunca, considerando los trágicos acontecimientos que afectan a varios países europeos.
Para la portada del álbum, colaboramos una vez más con Nick Keller, como hicimos en nuestro lanzamiento anterior, Ersetu. Él capturó perfectamente la esencia de nuestro concepto, dando vida a nuestra visión con una obra de arte extraordinaria.
La imagen muestra a un demonio gigante sosteniendo a una figura humana, simbolizando cómo la humanidad suele ser incapaz de superar sus propias debilidades; nuestros demonios internos inevitablemente triunfan sobre nosotros.
El proceso creativo fue muy colaborativo: intercambiamos muchas ideas, correos y videos describiendo diversos demonios antiguos. Fue un proceso muy interesante, especialmente porque resultaba difícil plasmar visualmente un tema tan complejo.
El demonio principal está inspirado en Humbaba, una deidad mesopotámica asociada con los terremotos, a menudo representada con dientes de dragón y un rostro grotesco hecho de entrañas: una imagen realmente brutal.
La canción vinculada a esta obra explora cómo los humanos, capaces de cometer actos atroces y perversos contra otros y contra la naturaleza, pueden caer en la ilusión de la omnipotencia y la inmortalidad. Sin embargo, impulsados por su propia maldad, terminan condenados a un sufrimiento eterno, un tormento que los consume mental y físicamente.
Desde el punto de vista musical, habéis comentado que os habéis movido hacia un death metal “más clásico”. ¿Qué significó eso para la composición, el sonido y el directo?
Queríamos volver un poco a las raíces: menos demostrar técnica y más escribir canciones que golpeen fuerte. Nos inspiramos en el sonido old-school, con esa vibra cruda y poderosa, pero con nuestro propio toque. Los riffs respiran más, los grooves son más pesados, y todo suena más orgánico. En directo, aún mejor: las canciones son más dinámicas y pegan más duro.
Hablando de los directos otra vez: ¿qué podemos esperar del show en Madrid el 7 de noviembre? ¿Alguna preparación especial?
¡Podéis esperar caos total, en el buen sentido, por supuesto!, hemos preparado un setlist muy potente, con canciones de XUL y algunos temas antiguos.
España siempre aporta una energía loca, así que estamos más que listos para igualarla.
Finalmente: un mensaje para los fans que van a veros en Madrid y para quienes están descubriendo ahora a Devangelic.
A todos los que vayan al concierto de Madrid: gracias por el apoyo, de verdad significa mucho, tenemos muchas ganas de veros y compartir esa energía una vez más y si estás descubriendo ahora a Devangelic, ¡bienvenido!. Ven a un concierto, escucha XUL y descubre de qué va esto. Es oscuro, es pesado y es real. ¡Nos vemos en el pit!
La banda portuguesa de brutal death metal Analepsy regresa mañana a los escenarios españoles como parte del Madrid Death Fest 2, un evento que reunirá a algunas de las formaciones más potentes del género. En plena preparación de su nuevo material y tras tres años de giras con Quiescence, el guitarrista y fundador Marco Martins nos habla sobre la evolución del grupo, su conexión con el público español y lo que los fans pueden esperar de su demoledor directo en la capital.
Marco, estáis a punto de regresar a los escenarios españoles en el Madrid Deathfest. ¿Qué significa esta fecha para Analepsy y cómo se están preparando para el evento?
Siempre es un placer tocar en España, y volver después de todos estos meses nos hace muchísima ilusión. La última vez que tocamos en Madrid fue hace ya unos años, así que tenemos muchas ganas de esta fecha. Hemos estado afinando todos los detalles para el show, y además traemos material nuevo que nunca hemos tocado en directo. El Madrid Deathfest será la primera vez que alguien los escuche en vivo, así que va a ser una noche especial.
Han pasado ya tres años desde la publicación de Quiescence, un disco que consolidó vuestro sonido y os posicionó como una de las bandas más potentes del género. ¿Qué balance haces de este trabajo ahora que ha tenido tiempo de respirar en directo?
Quiescence ha sido nuestro foco principal durante estos últimos años, prácticamente en cada gira o concierto desde su lanzamiento. Tocarlo en vivo le dio a las canciones una nueva energía. Algunas partes sonaron más contundentes de lo que esperábamos, y otras cobraron una vida distinta dependiendo del público. También nos mostró que podíamos explorar un lado más atmosférico y dinámico sin alejarnos de lo que define el sonido de Analepsy. Mirando atrás, fue un álbum que ayudó mucho a marcar la dirección que estamos tomando ahora.
Quiescence fue un álbum destacado en su lanzamiento no solo por su nivel técnico y sonoro, sino también por su concepto cósmico y filosófico. ¿Qué queríais transmitir con esa narrativa de destrucción y renacimiento?
Siempre hemos preferido alejarnos de los temas típicos del gore o el shock. Queríamos explorar algo más reflexivo. No es una idea completamente nueva dentro del género, pero siempre nos ha atraído más la narrativa científica o cósmica. En Quiescence, el foco estaba en los ciclos: destrucción, renacimiento y la quietud que existe antes y después de que todo colapse. Esa atmósfera es la que impulsa todo el concepto del disco.
En estos últimos meses habéis publicado dos nuevos singles: “Doomsday Protocol” y “Cryogenic Rebirth”. ¿Qué representan estos temas dentro de la evolución de la banda? ¿Son una continuación del universo de Quiescence o el inicio de algo nuevo?
Estos dos temas son en realidad regrabaciones de canciones antiguas que escribimos en la época de Atrocities from Beyond, entre 2016 y 2017. En su momento quedaron como caras B, pero siempre sentimos que tenían potencial. Así que decidimos recuperarlas y reconstruirlas desde cero, reescritas y reinterpretadas con la formación actual. En cierto modo, sirven como una mirada retrospectiva a nuestras raíces mientras seguimos escribiendo nuestro próximo disco. Era el momento perfecto para darles la atención que merecían.
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Ambos singles mantienen vuestra identidad brutal, pero con una producción más pulida y una atmósfera más expansiva. ¿Podemos interpretarlo como una pista de hacia dónde se dirige Analepsy en el futuro?
Sí, totalmente. Aunque estas canciones vienen de material antiguo, fueron completamente reescritas con un enfoque más denso y atmosférico. Es una especie de retrospectiva que mezcla el crecimiento y la profundidad que encontramos en Quiescence con la potencia y agresividad de Atrocities from Beyond. Estamos poniendo mucho más énfasis en la ambientación, el peso y la dinámica, pero sin perder lo que hace que sonemos a nosotros. Esa dirección es la que llevaremos al próximo disco.
Precisamente muchos fans han empezado a especular con la posibilidad de un nuevo álbum. ¿Podemos esperar un nuevo trabajo de estudio en 2026, o de momento preferís centraros en los directos y los lanzamientos individuales?
Nuestro objetivo es 2026 o principios de 2027. Ahora mismo estamos muy metidos en el proceso de composición del nuevo disco, aunque lo compaginamos con las giras. Los singles que hemos sacado no formarán parte del álbum; son más bien un puente entre capítulos, algo para ofrecer al público mientras seguimos tocando y preparando lo que viene.
En cuanto al directo, ¿cómo estáis planteando el setlist para Madrid? ¿Habrá espacio para estos nuevos singles junto a los clásicos de vuestro repertorio?
Por supuesto. Tocaremos ambos nuevos singles en directo por primera vez, así que eso será algo especial para Madrid. Además, el set recorrerá todas nuestras etapas: un poco de todo, desde Atrocities, Quiescence y el EP inicial Dehumanization by Supremacy.
La escena europea del brutal death metal parece estar viviendo un renacimiento, con bandas cada vez más técnicas y producciones más ambiciosas. ¿Dónde se sitúa Analepsy dentro de este panorama actual?
Intentamos no pensar demasiado en eso. Nos centramos en hacer música que sea auténtica para nosotros y que mantenga nuestra identidad. Si la gente conecta con ella, eso siempre es un plus. La escena está creciendo mucho, especialmente en Europa, y hay muchas bandas haciendo cosas increíbles ahora mismo. Nosotros nos vemos como parte de esa ola, aportando nuestro propio enfoque.
Eres el único miembro original que continúa desde los inicios de la banda. ¿Cómo ha influido tu visión personal en mantener la coherencia de Analepsy a lo largo de los años y en la incorporación de nuevos músicos?
Sí, es cierto. Para mí es muy importante mantener a la banda avanzando sin perder lo que siempre ha representado Analepsy. Al mismo tiempo, me aseguro de que cada miembro aporte algo propio. Calin, Léo y Jacinto tienen sus ideas y estilos, y eso es lo que mantiene viva la evolución del grupo, en lugar de simplemente repetir el pasado. Se trata de conservar el núcleo, pero llevarlo más lejos.
Finalmente, ¿qué pueden esperar los fans españoles de vuestro concierto en el Madrid Deathfest y qué mensaje les mandarías antes del festival?
Podéis esperar un show pesado y directo al grano. Traemos una mezcla de material nuevo y clásico, y no podemos esperar para tocar estas canciones por primera vez en vivo. Mil gracias a nuestros hermanos que nos han apoyado durante todo este tiempo. ¡Nos vemos en Madrid!
En los primerísimos años del nuevo milenio, los canadienses Despised Icon se pudieron contar entre los pioneros de uno de los sonidos que dominaría gran parte de la música pesada durante poco más de una década: el deathcore. Mezclando death metal con hardcore y breakdowns, esta nueva escena ganó una cantidad enorme tanto de seguidores fieles como de detractores, acusándolo de ser “falso metal”. Pero Despised Icon no estuvieron durante sus años más álgidos, separándose justo en 2010. Pero tras su vuelta en 2014 la banda ha ido recuperando el tiempo perdido, y ahora con la salida de su nuevo trabajo Shadow Work verán de recuperar los seis años que han pasado desde el último Purgatory de 2019. En entrevista con el guitarrista Éric Jarrin, nos contó los detalles detrás de este nuevo capítulo en la historia de Despised Icon.
TTH: Antes que nada, bienvenido al canal de Track to Hell, y muchas gracias. Felicitaciones por el nuevo álbum Shadow Work: sé que todavía no ha salido, pero tuve la oportunidad de escucharlo y es realmente genial. ¿Cómo vienen las cosas?
Éric: Oh, todo va muy bien. Y gracias por tus amables palabras sobre el álbum, me alegra que te haya gustado. Ha sido un tiempo bastante ocupado últimamente, preparando todo para el lanzamiento del disco, que saldrá el 31 de octubre.
TTH: ¡En Halloween!
Éric: ¡Sí, en Halloween! Ya tenemos dos singles para los que hicimos videos. El último fin de semana grabamos un video para un tercer single que va a salir el 17 de octubre. Así que sí, hemos estado bastante ocupados. Recién tocamos dos shows el último mes, en un festival en Nueva Inglaterra. Nos estamos preparando para esta nueva gira norteamericana, que vamos a hacer por Estados Unidos durante todo el mes de noviembre, muy ocupados con eso.
TTH: Estos fueron sus primeros shows de este año, los últimos los habían dado en 2024.
Éric: Exactamente. ¿Sabes? Ya no somos una banda que esté girando a tiempo completo, sólo tocamos 25 a 30 shows cada año. Tratamos de combinar todo en una sola gira. Estuvimos en Europa el año pasado para toda una gira con Dying Fetus y Chelsea Grin, y ahora sólo tomamos dos shows. Pero fueron muy emocionantes, porque no tenemos tantas oportunidades de tocar tan seguido. Siempre es lindo volver al escenario, y especialmente para estos shows. Tocamos una canción nueva para los fans, “Over My Dead Body”. Todo se ve muy bien y estoy muy ansioso por estar en la ruta de vuelta durante todo el mes que viene.
TTH: Sí, escuchas hablar sobre esas bandas que dan 50 o 60 shows cada año y me parece una locura, aunque sólo sea un show por semana.
Éric: Bueno, en aquellos tiempos cuando estábamos de gira a tiempo completo, creo que fue después del lanzamiento del álbum The Ills of Modern Man, tocamos 208 shows en un solo año.
TTH: Dios, ni me puedo imaginar eso.
Éric: ¡Imagínate que se estaban comenzando a formar tensiones entre los miembros!
TTH: Justamente tengo un par de preguntas sobre eso. Pero quería preguntarte algo, porque han pasado seis años desde Purgatory, el último álbum. Eso es mucho tiempo, y tengo que preguntarles: ¿qué pasó para que tardaran tanto tiempo en sacar nuevo material?
Éric: Bueno, de esos seis años, se pueden descartar fácilmente unos tres, porque justo después del lanzamiento de Purgatory en 2019 llegó la pandemia. Y, bueno, durante unos dos años, aquí en Canadá, las restricciones y confinamientos del gobierno fueron muy intensos y severos. Incluso tuvimos toque de queda. Así que, por más de un año, si no más, no pudimos reunirnos como banda, vernos ni trabajar en música. Mhm. Así que todos estábamos, quizás, en casa; yo, por ejemplo, en mi estudio escribiendo música solo. Pero, claro, ese no es el modo en que normalmente trabajamos como banda. Así que perdimos como un buen año, o más, solo por eso.
Y ahora el álbum ya está grabado desde hace un tiempo, pero a veces entregas el álbum al sello y, como tienen muchas otras bandas con lanzamientos, ellos eligen cuándo quieren publicarlo. Además, hoy en día necesitan tener el álbum con seis a nueve meses de anticipación para poder hacer una promoción adecuada, enviarlo a periodistas y todo eso. Así que, sí… en mi mente, han sido más como tres años. Pero, con todos estos retrasos y la pandemia, sí, han sido seis años.
Aunque también queríamos tomarnos nuestro tiempo. Honestamente, no creo que eso haga tanta diferencia para nuestros fans, porque no somos una banda joven que necesite desarrollarse y estar de gira constantemente. Llevamos casi 25 años como banda, así que preferimos enfocarnos en escribir música, estar satisfechos con los resultados y las canciones, y tomarnos el tiempo para lanzar algo que los fans disfruten, y que nosotros también disfrutemos.
TTH: Sí, ya sabes, se escucha de muchas bandas que sacaron un álbum a fines de 2019, en 2020 o a comienzos de 2020, y esos fueron como sus “años perdidos”. No pudieron hacer nada.
Éric: Es un poco triste porque creo que Purgatory fue un buen álbum, pero nunca recibió la atención que merecía, ya que se lanzó en noviembre de 2019. Y todos los shows y festivales en los que íbamos a tocar durante el verano de 2020 para promocionarlo simplemente desaparecieron. Se esfumaron.
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TTH: ¿cómo describirías Shadow Work? ¿Cómo lo compararías con los álbumes anteriores? Aunque, bueno, ambos sabemos que Despised Icon no es una banda que cambie con cada disco, no es ese tipo de banda. Pero, ¿cómo describirías este álbum?
Eric: Bueno, aunque creo que somos una banda que siempre se mantuvo fiel a su sonido, pienso que este álbum representa una evolución lógica respecto a todos los anteriores que hicimos desde que volvimos con Beast. Ya sabes, Beast, Purgatory y Shadow Work. Para mí se siente como una evolución natural. Pero, al mismo tiempo, con todo lo que pasó, y también porque nosotros cambiamos como músicos y como personas, nos permitimos experimentar un poco más y jugar más con los extremos. Algunas canciones son de las más rápidas que hemos grabado, y algunos breakdowns son de los más pesados, lentos y afinados en tonos más bajos que hemos hecho.
También tuvimos una artista invitada, Misstiq, de Australia, que hace arreglos orquestales para distintas bandas, y ella participó en el álbum. Además, invitamos a algunos amigos a colaborar en las voces: Tom de Chelsea Grin, Scott de Carnifex y Matt de Kublai Khan. Así que sí, nos tomamos nuestro tiempo y experimentamos un poco más, incluso con partes más melódicas.
Así que creo que es simplemente una evolución lógica, pero sigue sonando a Despised Icon. Cuando escuchás las canciones, aunque haya algo diferente, la gente seguramente dirá “sí, reconozco esta banda, reconozco esas voces”. No cambiamos demasiado quiénes somos, pero nos dimos la libertad de experimentar un poco más.
TTH: ¿Cómo se dio el tener a los cantantes invitados?
Éric: No habíamos tenido invitados desde hacía mucho. Creo que la última vez que tuvimos vocalistas invitados fue en el álbum Day of Mourning, y fueron principalmente amigos cercanos de bandas como Beneath the Massacre y Ion Dissonance, porque todos somos de la misma ciudad. Pero decidimos invitar a estos músicos porque tenemos una historia con sus bandas.
Con Carnifex, por ejemplo, hemos hecho muchas giras juntos. Son buenos amigos. Scott es un gran amigo; incluso cuando no estamos de gira, seguimos en contacto, nos mandamos mensajes, él y Alex hablan por teléfono de vez en cuando cada año. Lo mismo con Tom: hicimos una gira completa por Europa con él. Antes solíamos girar con Dan, cuando era el vocalista de Lorna Shore. Así que tenemos una relación de amistad con Tom, y lo mismo con Matt. A Kublai Khan los llevamos de gira con nosotros en 2019, durante el ciclo del álbum Purgatory, y ahí conectamos con Matt, nos hicimos amigos.
Así que, para nosotros, la decisión de tenerlos en el álbum fue principalmente porque tenemos una historia con ellos y con sus bandas. Los apreciamos, los respetamos y son amigos. Así que sí, fue sobre todo por esas razones que los invitamos a participar en el disco.
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TTH: Así que, para este álbum, tienen nuevamente a Eliran Kantor haciendo la portada, igual que en Purgatory. No sé cuánto trabajaron junto a él en esta portada en particular. ¿Tuvieron alguna participación o aporte en la idea? Porque tengo que decir que me encanta la portada del álbum. Sé que se ve totalmente aterradora. La vi y enseguida supe: “ah, este es Eliran Kantor”. Reconocí su estilo, y me encanta; se ve aterradora. Entonces, ¿cómo describirías la portada del álbum?
Éric: Sí, Eliran se ha convertido en un amigo desde que trabajamos con él en Purgatory. Pero lo curioso es cómo llegamos a conocerlo. Tal vez un mes o dos antes de tener que entregar el álbum (hablo de Purgatory) a Nuclear Blast Records, no nos gustaba el arte de portada que teníamos en ese momento, en el que habíamos estado trabajando. Así que le pedimos al sello que nos ayudara a encontrar a otro artista para hacer la portada.
Y, como él había trabajado con bandas como Thy Art Is Murder, Testament, Hatebreed y otras del mismo sello, Nuclear Blast nos puso en contacto con él. En cuestión de un mes, él pintó la portada de Purgatory. Pero en ese momento todavía no habíamos hablado con él directamente.
Después empezamos a hacer giras para Purgatory y, en algunas de las giras por Europa, cada vez que tocábamos en Berlín, él venía al show para conocernos, y finalmente pudimos presentarnos en persona. Ahí fue cuando empezamos a hacernos amigos y a hablar más con él.
En la última gira (o, bueno, en la gira anterior que hicimos por Europa) nos reunimos con él y le contamos que estábamos trabajando en nuevo material, que teníamos nuevas canciones. Le compartimos el concepto del álbum. En ese momento no estoy seguro de si ya sabíamos que se llamaría Shadow Work, pero el concepto iba por esa línea. Pasamos el día con él en Berlín y nos dijo: “es una locura que estén hablando de todo esto, porque anoche tuve una pesadilla en la que me arrancaba la mandíbula y la sostenía en las manos”. Y agregó: “eso podría parecer una corona”. Y nosotros dijimos: “hombre, es una gran idea”.
Y bueno, pensamos que las cosas no pasan por casualidad, así que dijimos: “usemos esa pesadilla que tuviste, dibuja algo a partir de eso y trabajemos sobre esa idea”. Y así fue como surgió la portada del álbum.
TTH: Sí, esa es una de las pesadillas más aterradoras que he escuchado. Tuvo esa visión, esa pesadilla, y a partir de eso creó la portada, y yo pensé: “wow, eso está genial”. Suena casi más aterrador que la propia portada. Dios… Así que quería preguntarte algo. Tuve otra entrevista con músicos de deathcore, y me interesa saber si creés que ha habido un cambio en cómo la gente percibe el deathcore en los últimos años. Porque me parece interesante la historia de la banda: ustedes se separaron en, creo que fue en 2010, ¿no? Y en ese momento el deathcore estaba en su punto más alto. Desde entonces hasta hoy, ¿creés que la percepción del deathcore ha cambiado?
Éric: Es difícil de decir, pero creo que los puristas del metal, los fans más hardcore, siempre van a criticar el deathcore y a odiarlo. En ese sentido, sí, siempre habrá quienes lo desprecien.
Pero creo que ha empezado a ser un poco más aceptado, y hay una nueva generación de fans que son menos elitistas con los géneros y, bueno, más abiertos de mente. Recuerdo que cuando nos separamos en 2010, ya empezaba a haber cierto rechazo hacia el deathcore. No era odio total, pero sí: cada género del metal se burlaba un poco del deathcore, diciendo “estos son posers, esto es falso, no es metal de verdad”, cosas así.
Creo que con los años eso ha cambiado. Ahora se ha demostrado que es un género que llegó para quedarse. Nosotros empezamos a tocar lo que hoy se llama deathcore en 2002, y en ese momento ni siquiera tenía nombre. Así que supongo que nunca va a desaparecer; va a seguir ahí, igual que el black metal, el slam, el power metal o cualquier otro género. Sí, creo que la percepción ha cambiado un poco, pero siempre habrá algunos que lo odien, y no hay nada que podamos hacer al respecto.
TTH: Sí, es verdad. Recuerdo haber leído hace unos meses sobre Hellfest, uno de esos festivales de metal europeos donde tocan bandas de black metal y death metal, pero también había como cabeza de cartel una banda como Slipknot. Y me pareció interesante, porque si hablamos ahora del deathcore, antes de eso estaba el nu metal, ¿te acordás de cómo la gente hablaba de ese género? En su momento se usaba casi como un insulto, y ahora está teniendo una especie de resurgimiento, con gente que lo abraza sin problema.
Y con el deathcore pasa algo parecido. Hoy en día veo muchas bandas que no tienen ningún problema en que las llamen deathcore. Es interesante porque, en el caso de Despised Icon, ustedes parecen ser de las pocas bandas de esa primera ola que no rehúyen de esa etiqueta. Muchos músicos prefieren no ser llamados así, dicen “somos una banda de death metal a la que le gusta mucho el hardcore o el hardcore punk”. Pero ustedes nunca negaron esa identidad, y eso me parece muy interesante.
Éric: Sí, tal vez en algún momento, cuando como decís era algo más negativo y la gente se burlaba de ese término, no estábamos tan contentos de que nos asociaran con él. Pero eso no duró mucho, y tal vez fue divertido, porque creo que la primera vez que vi la palabra deathcore fue en una de nuestras primeras camisetas de merchandising, en 2003 o 2004. Tenía el logo de Despised Icon en letras grandes, y abajo decía “Montreal Deathcore”, porque ya sabíamos que estábamos mezclando influencias de death metal y hardcore.
No sabíamos que se iba a convertir en algo así; era más bien una frase que nuestro cantante, Alex, había inventado. Pero tenés razón: hoy en día aceptamos completamente que somos una banda de deathcore, porque eso es lo que hacemos. Tomamos elementos del hardcore y del death metal, y los mezclamos. Ya no peleamos contra esa etiqueta, y hasta siento un poco de orgullo de ser una de las primeras bandas en hacerlo.
Así que sí, acepto el título, ya sea que nos llamen los reyes del deathcore, los abuelos del deathcore o los padres del deathcore, está bien. Para nosotros sigue siendo solo música metal. Escucho metal, hardcore, glam metal, hard rock… y cuando agarro la guitarra, sale lo que salga.
TTH: No hay muchas bandas que puedan ponerle nombre a un género. No sé si la gente usaba el término deathcore antes de esa camiseta, pero no son muchas las bandas que logran eso. Es como Candlemass poniéndose Epicus Doomicus Metallicus a un disco y que a partir de ese momento le digan “doom metal épico” a su estilo.
Éric: Sí, exactamente. Lo mismo pasa con otras bandas, y yo tengo mucho respeto por Candlemass y su música. Así que todo está bien.
Otra cosa que me dicen mucho es que, aunque somos una de las bandas originales de la primera ola del deathcore, la mayoría de las bandas que hoy en día se etiquetan como deathcore no suenan mucho a Despised Icon. Tienen todos esos sonidos orquestales…
TTH: ¡El sonido Lorna Shore!
Éric: Sí, exactamente. Creo que no suena en nada a Despised Icon. Si pones una canción de Lorna Shore y una de Despised Icon lado a lado…
TTH: No se parecen en nada.
Éric: Sí, es muy amplio. Hay muchas formas de integrar elementos de hardcore y death metal en la música.
TTH: Bueno, de la misma manera, cuando el género todavía no estaba definido, había bandas como Bring Me the Horizon o Suicide Silence, ese tipo de cosas. Y creo que no suenan en nada a Despised Icon, pero es un género realmente amplio. Sí, exactamente. Incluso las bandas que incorporan electrónica muestran que es un género muy amplio.
Antes mencionabas que tuvieron sus primeros conciertos en 2025. ¿Cómo se siente tocar después de nueve meses desde el último show? ¿Qué se siente volver a subir al escenario?
Éric: Se siente genial. Siempre nos sentimos un poco oxidados, porque ya todos estamos bien pasados de los 40; algunos casi llegando a los 50. Así que necesitamos calentar, hacer ejercicios y practicar un poco más. Pero en cuanto tocamos la primera nota, ver a los fans, la reacción del público… se siente increíble. Olvidas todos los problemas, los físicos o lo que sea, y simplemente te concentras en el show, y es maravilloso.
Además, sigue siendo increíble poder tocar canciones nuevas que a la gente le gustan y quiere escuchar. Porque algunas bandas grandes sacan álbumes nuevos cada cierto tiempo, y los fans ni se interesan; solo quieren escuchar los temas antiguos. Pero afortunadamente, para nosotros, la gente todavía se interesa por el material nuevo y las canciones nuevas que lanzamos. Así que sí, se siente genial.
TTH: Entonces, ¿qué sigue para Despised Icon? ¿Cuáles son sus planes? Escuché que tienen una gira planeada.
Éric: Sí, este año nuestro siguiente paso va a ser hacer una gira completa por Estados Unidos. Después de eso, me encantaría tocar un poco más aquí en Canadá, porque no hemos tocado mucho. Canadá es un país muy grande y nosotros estamos en la parte este, pero me gustaría ir a la parte oeste, así que quizá trabajemos en eso.
Además, hace tanto que no lanzamos material nuevo y viendo la reacción tan positiva que ha tenido la gente, siento que cuando volvamos a casa para el nuevo año probablemente vamos a empezar a escribir cosas nuevas, planear nuevas canciones y entrar al estudio para poder lanzar un álbum antes de que pasen otros cinco o seis años.
TTH: Oh, espero que sea así. Y, una última cosa: ¿Qué les dirías a las personas, a los fans que van a escuchar Shadow Work cuando salga, y que nos van a ver en la gira por Estados Unidos y luego en Canadá? ¿Qué mensaje les darías?
Éric: Bueno, todo lo que puedo decir es un agradecimiento muy sincero y honesto. Gracias por apoyar a la banda, por estar con nosotros todos estos años, por escuchar nuestra música y comprar el merchandising. Eso realmente nos ayuda y nos da la motivación para seguir adelante.
No damos nada por sentado y estamos realmente, realmente agradecidos con todos los fans que siguen escuchándonos y apoyándonos después de todos estos años. Ha sido un viaje increíble; ya casi son 25 años. Y sí, creo que todavía nos queda mucho por dar. Queremos seguir desafiándonos a nosotros mismos y continuar escribiendo y sacando música.
Etiquetas: Canadá, Deathcore, Despised IconA propósito de la gira que la espectacular banda de heavy/power metal Lörihen empezará gira por nuestro país empezando este jueves 30 de octubre en la ciudad de Puebla, nos tomamos la libertad de platicar un rato con Emiliano Obregón, líder y fundador de la banda de 1996, donde platicamos un poco sobre sus experiencias y expectativas para este segundo tour en tierras mexicanas.
Hola Emiliano, muchísimo gusto y muchas gracias tu tiempo para tomar este entrevista. Antes que nada, cuéntame, ¿esta es la primera vez que vienen a México o ya nos habían visitado antes?
Okay, perfecto, entonces me parece que la gira que están ahorita moviendo es para su álbum Magia del Caos, ¿correcto?, ¿también el año pasado fue para el mismo material?
Órale pues entonces imagino que les fue muy bien la vez pasada para volver tan pronto.
Sí, sí, sí, se habló, hablamos y a ver si dejábamos pasar un año, si no, y bueno, se dijo que nada, nos parecía a todos coherente volver porque aparte el recibimiento fue muy bueno en todas las plazas, así que estamos con mucha ansiedad y ganas de llegar a México nuevamente.
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¿Fueron las mismas fechas o están complementando algunos lugares que no pudieron visitar la vez pasada?
De acuerdo, entonces a ver, vamos a manejarlo de una manera diferente, está muy interesante eso que hayan venido hace tan poco, ¿Cómo les fue el año pasado? Empecemos por ahí, ¿Cuáles fueron sus primeras impresiones en nuestra tierra?
De acuerdo. ¿Y entonces qué están esperando para este año?
OK. ¿Y pues bueno, qué representa para ustedes el hecho de poder volver tan pronto? ¿Consideran es algo que les ha pasado en otros países antes?
Claro, por supuesto. ¿Con qué sellos están distribuidos por acá?
¿Desde hace cuánto que están de manera independiente?
¿Cuál dirías que son las ventajas y las desventajas de ambos modelos?
Mira, las ventajas son que las decisiones las toma uno. Entiendo que con los años también. Son muchos años, hace 30 años que estamos en esto. En lo personal yo me dedico a producir un poco todo lo que es la parte de show, la parte discográfica. Y la realidad es que al no estar por ahí metidos en lo que es el mainstream, es preferible siempre optimizar los recursos y que haya menos manos en el plato para que entiendo que, como te decía anteriormente, las decisiones sean las mejores para la banda y no para un aspecto financiero. Somos de confiar mucho en las decisiones que tomamos también y pretendemos que así siga siéndolo por muchos años.
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Claro, la autonomía. Entonces, ya hablando un poco de esta gira, ¿Hay algo que podamos esperar diferente al respecto de la vez pasada en cuanto a setlist o en cuanto a show?
Sí, obviamente tenemos sorpresas, tenemos algunas cosas que no sonaron la vez pasada. La realidad es que la gira fue agotadora porque sobre la marcha se movieron dos o tres plazas, entonces nos quedó cambiado el recorrido. Tuvimos que tocar. Tocamos un domingo en Guadalajara y el martes estábamos tocando en Chihuahua, con todo lo que eso implica. Y volviendo después tuvimos que pegar la vuelta para volver a tocar en Toluca a las 48 horas. Con lo cual hubo un montón de kilómetros que se hicieron que podrían haberse optimizado. En esta ocasión, como lo armamos desde la autogestión y ofreciendo las plazas a productores. Pero dentro de lo que a nosotros nos resulta más cómodo, va a ser un show mucho más relajado, en el cual entiendo que el setlist va a pasar por el último disco, pero va a repasar la discografía y algunos temas que el año pasado quedaron afuera.
Okay. ¿Cómo consideran a México para tourear? ¿Qué tan diferente lo han sentido, no sé, respecto a España o a la misma Argentina?
En relación a lo que es la Argentina, es muy parecido porque son distancias largas. España es… una vuelta a España es mucho más corta. Vos pensá que de Madrid a Málaga tenés, no sé, 500 kilómetros, que es lo que tenés de acá a Mar del Plata. La Argentina en ese sentido es muy parecida a México porque tenés plazas en 1.200, 1.400, 1.600, 1.800 kilómetros, con lo cual hay recorridos que hay que hacerlos en avión.
Eso te acorta y te acorta los tiempos de descanso y te alarga, te alarga a veces los tiempos de viaje porque parece que no, pero uno tiene que llegar al vuelo tres horas antes, sale tres horas después, a veces el vuelo llega demorado. Entonces creo que la particularidad que tiene Europa es que con una van te moves fácilmente y podés hacer muchísimas plazas en muy poco tiempo. Es mucho menos estresante en infraestructura, creo que México tiene una infraestructura enorme, la verdad que encontramos una calidad de venues buenísima. En algunos aspectos superior a los venues, a los lugares que uno encuentra acá en Buenos Aires o en Argentina. Y bueno, nada, y la calidad humana y el recurso humano lo mismo, son dos países muy parecidos. Así que nada, la verdad que es una plaza que queremos mucho, con la que conectamos rápidamente, lo sabíamos porque hoy en día todo lo que son las estadísticas de las plataformas digitales te permiten saber dónde pisa fuerte la banda, dónde puede llegar a tener más audiencia, más influencia. Así que bueno, nada, un poco ir a comprobarlo y este año ir a consolidar.
Claro. Me hablabas de venues que te han gustado mucho, por ejemplo, ¿Cuál consideras tú que fue el mejor venue de la gira pasada?
Mira, el año pasado estuvimos en Pistoleros, por ejemplo, abriendo el show de Sonata (Arctica) en Chihuahua. La verdad que me pareció un venue excepcional en cuanto al recurso técnico, a la sala en sí. Después estuvimos, bueno, en Guadalajara, estuvimos en un foro en Nmor Lab, un foro chiquito pero también muy bonito, muy prolijo, con un recurso técnico, la verdad que de 10 puntos. Este año vamos a estar en el Foro Independencia en Guadalajara, vamos a estar en el Gato Calavera en Ciudad de México, en el bit 803 en Puebla, en Monterrey, vamos a estar en La Tumba. Son venues por ahí pequeños, pero me parece que cubren, la verdad que cubren las expectativas y lo que es el rider técnico que hemos pasado queda súper cubierto y estamos conformes con todo eso.
Me parece curioso porque Chihuahua no es una ciudad donde lleguen tantos actos de heavy metal y en general uno pensaría que está un poco recluida de la escena nacional por lo mismo que está allí pegadito a la frontera. Entonces también enterarme que existe un venue así de profesional para ese tipo de eventos es una excelente noticia, si me lo preguntas.
Si, es un venue grande, es un venue muy grande, Tiene capacidad para 3.000 personas, es enorme y la verdad que nos sorprendió la cantidad de gente que conocía la banda y que se movilizó para el evento. Así que nada, este año volvemos justamente ahí, entendemos que va a ser una fiesta excelente.
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De hecho sí, México es un país que se caracteriza mucho en su escena metalera porque está muy pegadito a ese tipo de géneros que rozan entre el power, heavy, folk, influencias, no sé, el mismo nombre de la banda: Lörihen. A la gente le gusta mucho la fantasía medieval, le gusta mucho ese tipo de música, hay un gran público para ese tipo de propuestas. Y, entonces, a lo que me lleva, ¿Con qué tipo de bandas compartieron la vez pasada? ¿Han escuchado algunas de las bandas con las compartirán esta vez o aunque no vayan a tocar con ellos, cuál sería su opinión de la escena nacional?
Bueno, yo he trabajado, yo trabajé de productor muchos años, he grabado discos de unas cuantas bandas mexicanas, latinoamericanas, pero en México, un amigo de muchos años, Fernando de Azeroth, Fer Richardulli estuvo residiendo allá en México y un poco vinieron a grabar acá su vuelta a Buenos Aires, estamos hablando hace quince, veinte años atrás, él vino con su banda a grabar acá, banda mexicana, después volvió allá, se instaló, hoy está radicado acá nuevamente en Chihuahua.
Vamos a tocar con los chicos de Séptimo Ángel, una banda bastante conocida, vamos a estar con los chicos de Sucubus en Puebla, vamos a estar con la gente de… Perdón, pero tengo la memoria… sabe qué me venimos con lo que se anunció recién la gira por España y se anunció y venimos de hacer la gira por Centroamérica, así que tengo en la cabeza, tengo un matete, pero ya te digo lo que tenemos acá en Guadalajara por ejemplo, vamos a estar con los chicos de Cabaret, los chicos de Poseidón, son bandas, lo mismo, son súper conocidas. ¿Qué más tengo por acá? Tengo la compu acá ya con las fechas, con los flyers. ¿Esto dónde es? En Monterrey. Monterrey. Están los chicos de John Glass, Ira. Bueno, nada, me parece que lo que está bueno es que vamos a compartir con un montón de bandas de la escena mexicana, algunas se repiten del año pasado, otras no. Bueno, la idea y la intención es que haya un intercambio también por ahí en un futuro no muy lejano que alguna de las bandas pueda acercarse acá a Buenos Aires a compartir con nosotros alguna fecha.
Seguro que sí. Oye, ya son 30 años de carrera de Lörihen. ¿Con qué versión llegan de nuevo a nuestro país? ¿Dónde se encuentra la alineación actual?
Mirá, la verdad es que estamos en el mejor momento de la banda. No es un cassette, sino que estamos con una conexión súper importante entre los chicos de la banda. Son muchos años y por ahí la formación hoy nos agarra con una estabilidad y con una sintonía entre nosotros mismos que también es súper importante para poder llevar adelante tantos viajes, tantos compromisos y bueno, estar tan conectados. Así que creo que llevamos para allá la mejor versión de la banda, sin lugar a duda.
Excelente. Oye, también estaba viendo que tienen una activación ahí en el tianguis del Chopo, una especie de Meet and Greet, una firma de autógrafos. ¿Ya estuvieron el año pasado también en el Chopo?
No pasamos por el Chopo, yo pasé, en su momento pasé, pero como a buscar discos, encontrarme con gente. En esta ocasión vamos a ir a hacer firma seguramente al stand de un amigo. Así que nada, va a ser una ocasión súper importante para encontrarnos con un montón de gente que accede y que se acerca a esta feria que es tan importante.
¿Cómo pueden ir los fans a esta activación?
No, vamos a estar ahí, vamos a estar ahí. En realidad estamos terminando de ver si se oficializa, si hay un mini show o si nos acercamos al stand que diremos el número en el que vamos a estar. Va a haber venta de merchandise, seguramente y un intercambio con la gente. La idea es estar, es conocer gente que no conocemos, bueno, estar cerca de nuestros seguidores y compartir un rato ameno. Seguramente estemos hasta las dos, tres de la tarde, porque esa noche tocamos en Querétaro.
Okay, vale, vale. ¿Tienen alguna otra actividad planeada para esta gira, más o menos de ese calibre?
Mirá, vamos a estar haciendo seguramente algunas notas presenciales. Viajamos con Lucas dos días antes, el 27 estamos por allá, el 29 tenemos un acústico y el 30 ya vamos para Puebla, volvemos y el 31 hacemos el show de Ciudad de México, el primero en Querétaro y por la mañana el Chopo y el 2, domingo 2, día de los Muertos, vamos a estar en Guadalajara.
Okay, perfecto. Antes, para finalizar, ¿alguna otra cosa que quisieran hacerle saber a su público aquí en México que los está esperando?
No, agradecer, agradecer el cariño, contacto. Bueno, de alguna manera cómo ha crecido exponencialmente en los últimos tiempos la cantidad de gente que nos sigue, nos escucha, entiendo que nosotros somos muy de generar eso, pero la verdad que creo, en mi caso, México es como si fuera un segundo hogar, porque más allá de todo esto tengo ascendencia mexicana, tengo familia mexicana ya, así que es un placer siempre estar visitándolos.
¿De dónde es tu familia?
Del norte. Ciudad Obregón, yo soy “Obregón”.
Ah, perfecto. Muchos amigos de por allá.
Sí, sí, totalmente.
Conversamos con el vocalista de Avatar, Johannes Eckerström, sobre el proceso creativo del nuevo álbum de la banda, su evolución musical, la estética de los conciertos y su conexión con el cine de terror. Desde Finlandia, donde reside hace más de una década, Johannes comparte su visión artística y filosófica sobre la música, la autenticidad y la emoción detrás del metal.
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Hola Johannes, ¡gracias por tu tiempo! Vamos a hablar de su nuevo álbum, que saldrá dentro de poco. Para comenzar: ¿cómo fue el proceso de composición de este nuevo trabajo?
Creo que fue una evolución natural de nuestro trabajo conjunto. Hay ciertos elementos que se mantienen, pero siempre dejamos mucho espacio para experimentar. Como dice nuestro productor Jay Rustin, somos la banda más democrática con la que ha trabajado. Eso significa que todos participamos activamente. Aunque algunos solemos iniciar ideas —Jonas, Tim y yo—, lo que realmente transforma una canción en algo propio de Avatar es el trabajo colectivo.
No tenemos reglas estrictas sobre el sonido, más allá de que lo toquemos nosotros y que sea, de alguna manera, metal. Nuestro enfoque es más parecido al de The Beatles que al de AC/DC: nos gusta explorar, cambiar, descubrir. En este álbum, el proceso fue más intuitivo, dejando que las ideas maduraran en el subconsciente. Muchas letras nacieron de recuerdos y sueños. Confié en que, al final, cobrarían sentido, y así fue. Es un proceso muy sincero, una búsqueda constante de autenticidad.
Eso se nota mucho. Tus canciones suelen empezar de una forma y terminar de otra completamente distinta. Además, cada álbum tiene un sonido único. He leído que en otros discos solías viajar para buscar inspiración. ¿Siguió siendo así esta vez?
En parte sí. A veces nos gusta reunirnos en una cabaña, aislarnos unos días, y trabajar juntos en un entorno tranquilo. Esas experiencias son muy creativas. No es que viaje específicamente para componer, pero esos entornos ayudan mucho. Cuando nos juntamos, muchas ideas ya están encaminadas, pero el ambiente inspira nuevas canciones. Diría que el viaje no es tanto físico, sino más bien una forma de alejarnos del ruido y enfocarnos.
¿Sentiste algún desafío especial en este proceso comparado con el álbum anterior?
Siempre es un desafío, y lo buscamos a propósito. Queremos aprender algo nuevo cada vez. Nos gusta sentirnos principiantes en algo con cada álbum, lo cual se vuelve más difícil con los años, pero también más emocionante. Lo importante es asegurarnos de que la música nos emocione y aporte algo nuevo a lo que ya hemos hecho.
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Cada álbum de Avatar tiene una estética distinta, tanto musical como visual. ¿Qué podemos esperar de esta nueva etapa?
En el escenario nos estamos inclinando más hacia la idea del “circo metalero”, visualmente hablando. Hemos incorporado tecnología con elementos móviles controlados, lo que nos permite una producción más avanzada. Además, estamos tocando en recintos más grandes, lo que nos da más espacio para un espectáculo visual más potente. El show se dividirá en tres partes: un tercio con material nuevo, otro con canciones poco tocadas o sorpresas, y otro con nuestros clásicos. Queremos que cada tema tenga su momento y que el público sienta una verdadera conexión con nosotros.
He visto videos de tus conciertos, especialmente en Argentina, y la interacción con el público es increíble. Lamentablemente aún no los he visto en vivo, pero planeo ir al show en Copenhague en febrero.
¡Perfecto! Tendremos tiempo para preparar algo especial para esa gira.
Aunque su música es muy versátil, siento que los sencillos de este álbum tienen un enfoque más épico, incluso con toques folk. ¿El resto del álbum sigue esa línea?
Diría que es un álbum muy melódico, más que los anteriores, especialmente en lo vocal. Tiene sus momentos extremos, por supuesto, pero las melodías son muy ricas. Hay influencias de muchos lugares: algunas canciones tienen toques persas, ritmos latinos o acordes inspirados en música balcánica. Es un trabajo muy cosmopolita.
Cuando hablas de lo épico, pienso en bandas como Blind Guardian.
¡Claro! Soy gran fan de Blind Guardian. De niño comencé con Helloween, luego Blind Guardian, Rhapsody, y más tarde me adentré en el death y black metal. También tengo una gran influencia de los años 60 y 70: Black Sabbath, The Beatles, entre otros. Todo eso se mezcla en nuestra música.
Para mí, un buen riff no solo depende de la guitarra, sino del ritmo correcto. Cuando lo logras, te transporta a otro lugar: puede ser el infierno, un campo de batalla, o incluso un paisaje marítimo. Esa sensación cinematográfica es esencial; muchas canciones nacen de imágenes mentales, de una especie de película que se proyecta en mi cabeza.
Hablando de imágenes, ¿este álbum tiene un concepto detrás?
No exactamente. Más que un concepto narrativo, hay un enfoque en el método. Después de álbumes conceptuales como Feathers & Flesh y Avatar Country, esta vez quisimos dejar fluir las cosas con más libertad. La mitad de las canciones nacen del subconsciente, de sueños y recuerdos, sin preocuparnos tanto por su significado inmediato. Al final, todo cobró sentido: hay un hilo conductor en mantener vivos los sueños y la mirada interior.
La portada del disco me llamó mucho la atención, con esa atmósfera misteriosa y oscura. Parece inspirada en el cine de terror, ¿fue intencional?
En parte sí. Surgió de forma bastante natural. Estábamos experimentando con luces y globos en el bosque, y surgió esa imagen inquietante. Hay una clara influencia de películas como The Shining o The Blair Witch Project. Me fascina esa sensación de girar una esquina y encontrar algo inesperado y aterrador.
Además, creo que el terror es un género muy saludable. Nos enseña empatía, porque para que algo te asuste, primero tiene que importarte lo que le pasa al personaje. Las mejores películas de terror te hacen preocuparte por alguien antes de asustarte. En ese sentido, es más humano que muchas películas de superhéroes.
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Totalmente de acuerdo. Quería preguntarte sobre tu voz. Tienes un rango muy amplio, desde guturales profundos hasta tonos muy limpios. ¿Cómo trabajas esa versatilidad?
Lo principal es la técnica y la constancia. Llevo muchos años entrenando, haciendo calentamientos vocales clásicos, respiración y escalas. En este álbum exploré más mi registro limpio y grave. También usamos coros reales en varias canciones, como “Captain Goat”. Me gusta aprender algo nuevo en cada disco, también en lo vocal.
Excelente. Para finalizar, ¿qué esperas que sienta el público al escuchar este álbum?
Cada oyente encontrará su propio significado, y eso es lo hermoso. Solo espero que logremos conectar emocionalmente. Si la música inspira a la gente a unirse, a crear, a sentir, entonces habremos cumplido nuestro objetivo.
Etiquetas: Alternative Metal, Avatar, Johannes Eckerström, Melodic Death Metal, Metalcore
Elderstag son una cosa difícil de etiquetar: algo de groove, algo de progresivo, algo de stoner, algo de alternativo. Pero lo que sí estamos seguros es que estos portugueses quieren hacer algo propio, como se puede ver en su debut Elderstag, editado este año de manera independiente. Hablamos con la banda para que nos pongan en claro todo lo relacionado con ellos, su música y su futuro.
—Hola a todos en Elderstag. Bienvenidos a esta entrevista con Track To Hell. ¿Cómo están en este momento?
Hola chicos, gracias por la invitación. ¡Todo bien por acá! Ocupados con la organización de los próximos shows y la promoción de nuestro primer álbum que debutó este año.
—Para la gente que quizá no los conoce, ¿cuál es la historia detrás de Elderstag? ¿Cómo empezaron?
Elderstag comenzó en 2020 con Tiago Oliveira, Gonçalo Assunção y João Carmo, después de que nuestra banda anterior, Voidust, entrara en una pausa. Como todavía queríamos seguir tocando juntos, decidimos intentarlo. Al ser un proyecto nuevo, también queríamos que fuera una vía para otras influencias que teníamos y, al mismo tiempo, una manera de salir de nuestra zona de confort. No queríamos que Elderstag fuera simplemente una continuación.
En 2023 se unió Diogo Belo y completó la formación. Para 2024 terminamos y grabamos nuestro primer álbum, que debutó en enero de 2025.
—Si alguien les preguntara “¿Cómo suena Elderstag?”, ¿qué responderían? ¿Cuál es su identidad como banda?
Tal como decimos en nuestras redes sociales: “una especie de rock, una especie de metal”. Llevamos nuestras influencias de metal, stoner y progresivo a este proyecto. Así que creemos que somos una banda de metal… pero también de rock. Es difícil ser precisos al definirnos. Tenemos ideas raras, complejas e impredecibles tanto como las más básicas y previsibles. Tenemos las partes pesadas y agresivas tanto como las pegadizas. A veces vamos por voces limpias y melódicas, otras veces necesitamos las voces rasposas. Todo depende de lo que queramos en ese momento y de nuestro estado de ánimo. Recomendamos a la gente escucharnos e intentar ayudarnos con eso.
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—Ustedes vienen de distintas bandas de metal con estilos bastante diferentes a lo que hace Elderstag. ¿Siempre fue la idea hacer algo realmente distinto de sus proyectos anteriores?
Así es. Como mencionamos antes, queríamos salir de nuestra zona de confort y también que fuera una vía de escape para otros tipos de influencias.
—Cuéntennos un poco sobre este álbum debut. ¿Cuánto tiempo estuvieron escribiendo las canciones? ¿Qué inspiró las letras?
Comenzamos a componer alrededor de 2019. Empezamos de a poco, sin nada demasiado serio. Lamentablemente la pandemia se cruzó en el camino y ralentizó aún más las cosas, pero seguimos componiendo. Respecto a las letras, queríamos que fuera un álbum conceptual, así que empezamos a crear este universo ficticio y cada letra cuenta una parte de esa historia. Es complejo y todavía lo seguimos construyendo, ya que los próximos discos seguirán desarrollando esta trama. En pocas palabras: todos los humanos están siendo transformados en animales. Hay tres personajes principales: Elderstag, The Shepherd y Tavern Crawler. Elderstag fue transformado en un ciervo pero conservó su conciencia y recuerdos humanos. The Shepherd tiene una misión. Tavern Crawler tiene una larga historia y sabe más que cualquier otro ser vivo. Invitamos a todos a leer las letras e interpretarlas a su manera. Continuaremos narrando esta historia en el próximo álbum.
—Estuve escuchando el álbum y debo decir que realmente me gustó la producción. ¿Qué sonido querían lograr en las canciones?
Nuestro álbum fue totalmente DIY. Grabamos todo el disco y lo autoprodujimos. Nuestro objetivo era transmitir la sensación de una banda tocando junta en una sala y lograr un sonido algo crudo, a pesar de grabar todos los instrumentos por separado.
—El track 6, “The Cycle”, funciona como un interludio y tiene a una cantante invitada: Maytê de Castro. ¿Cómo decidieron sumar una voz femenina en esa canción?
Maytê es nuestra amiga y parte del “equipo”. Sabemos que puede cantar y tiene una voz limpia y dulce que sentimos que encajaría perfectamente en esa canción. Su participación añade algo diferente al álbum que nuestras voces no podían aportar.
—La portada del álbum se ve fenomenal, con los colores cálidos y esa vibra mística. ¿Cómo la describirían? ¿Cuál es la idea detrás?
La portada fue realizada por el increíble @drawordie_art. La sombra del ciervo proyecta un reflejo con forma humana en el estanque, mostrando que sigue siendo un humano por dentro. Detrás de él se ve un sol poniente que ocupa gran parte de la portada, envolviendo la figura del ciervo. Dentro del sol se distingue la silueta de un anciano, The Shepherd, el ser responsable de la transformación de Elderstag. La portada también representa un atardecer, símbolo del fin de un ciclo.
—¿Cuáles son sus próximos planes para el futuro?
Promocionar este álbum tanto como sea posible. Trabajar en dos nuevos videos. Preparar un “making of” del disco y algo especial para sumar al concepto de Elderstag. Hacer una pequeña gira en Portugal y otra en Europa en 2026. Finalizar la escritura y composición de nuestro próximo álbum para 2026… o tal vez 2027. ¡Ya veremos!
—¿Qué les gustaría decirle a nuestros lectores?
Escuchen nuestro álbum debut. Miren nuestros videos. Vean nuestros shows en vivo. Si les gusta, estén atentos porque habrá más. Apoyen los recitales locales. Apoyen a las bandas locales. Apoyen a los artistas creativos y genuinos. No apoyen el entretenimiento artificial disfrazado de arte que ofrece el mainstream.
Etiquetas: Elderstag, Groove Metal, Hard Rock, Portugal
El pasado 12 de octubre, en los minutos previos a la apertura de puertas de The Garage en Glasgow —donde más tarde se presentaría un triple cartel formado por High Parasite, Messa y Paradise Lost—, tuve la oportunidad de conversar con los cuatro integrantes de Messa. Con The Spin ya superando el medio año desde su lanzamiento, y tras incontables entrevistas alrededor de Europa, el desafío era intentar adentrarse en aspectos del disco y del proceso creativo de la banda que aún no hubieran sido explorados en profundidad.
La jornada fue, además, un momento especial: el debut de Messa en Escocia. A pesar de que muchos asistentes no conocían a la banda antes de esa noche, el magnetismo de su actuación fue tal que, una vez terminado el concierto, decenas de personas se acercaron al puesto de merchandising para felicitarlos, comprar camisetas y discos, y compartir impresiones con los músicos. En un gesto que refleja la cercanía que los caracteriza, el grupo no dudó en firmar vinilos, entradas y posar para fotos con quienes se lo pedían, prolongando la experiencia más allá del escenario.
Entonces, chicos, mencionaron que durante la grabación de The Spin hubo canciones que les parecieron demasiado “típicas de Messa”, y que por eso fueron descartadas. ¿Alguna vez pensaron en sacar un disco con todo ese material que quedó afuera, o eso todavía no está sobre la mesa?
Sara: Mi opinión —no sé si los demás la comparten— es que si algo fue descartado, hay una razón para ello. ¿Están de acuerdo?
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Alberto: Sí, sí, sí. Quiero decir, la razón por la que algunas canciones fueron descartadas no fue porque fueran viejas o algo así, sino porque quizás no estaban enfocadas en el camino que Messa estaba tomando con el álbum.
Se mencionó que durante la grabación usaron varios equipos vintage y métodos de producción antiguos. ¿Por qué creen que en los últimos años ha habido, digamos, una creciente tendencia o interés por volver a esas técnicas, ese equipamiento y ese sonido más clásico?
Alberto: Bueno, simplemente porque suena bien y nos ayudó a ir en la dirección que queríamos lograr. En cuanto definimos que el disco tendría una vibra muy ochentera, dijimos: “ok, usemos cosas que realmente se usaban en los 80”. Era importante, digamos, estar atados a esa maquinaria, de modo que el resultado fuera creíble dentro de ese contexto. Porque, por ejemplo, con un teclado: puedes usar uno nuevo, que es mucho más fácil de tocar, pero no se parece al original. El instrumento viejo va a ser más difícil, pero también más auténtico.
Sara: Algo que dijiste una vez, y que me parece totalmente acertado, es que algunos instrumentos te obligan a trabajar de cierta manera. Y eso fue crucial para Messa durante el desarrollo, la grabación y la escritura de The Spin. Porque el instrumento en sí te empuja hacia una dirección concreta; es casi como una lucha con él, porque estás forzado a adaptarte. Tiene ciertos límites, digamos, pero esos límites pueden transformarse en algo creativo e interesante al final.
Y ahora, Sara, y ustedes también: ¿qué canción sienten que más resuena con cada uno de ustedes en The Spin? Digamos, ¿cuál sienten más propia cuando la tocan?
Sara: Bueno, es una pregunta difícil, porque para mí es como tener hijos: no puedes elegir uno como favorito, los amas a todos. Pero siendo honesta, hay una canción que ocupa un lugar especial para mí. Probablemente mi favorita es “Thicker Blood”.
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¿Y ustedes?
Alberto: Para mí es “Immolation”, por ejemplo.
Rocco: Sí, coincido totalmente con Sara: “Thicker Blood”. Y también “Reveal”, me gusta mucho tocarla. Pero si tengo que elegir una sola, sin duda “Thicker Blood”.
Marco: La mía es “The Dress”. Es una de las más desafiantes de tocar.
Sara: Dolor y placer. La bendición y la maldición.
¿Cuánto impacto, si es que alguno, tienen los externos —me refiero al sello discográfico, la gerencia, y todo el entorno que acompaña a la banda— en el proceso de composición o producción de un disco de ustedes?
Sara: Ninguno. En absoluto.
Marco: Totalmente ninguno. Puedes escribir un cero grande.
Entonces, ustedes han hablado muchas veces sobre la libertad al componer. ¿Cómo reconocen el momento en que una canción encuentra su propia forma y deja de “pertenecerles”, como si empezara a tener vida propia?
Sara: Bueno, después de meses, primero que nada, y después de ser muy tercos y trabajar mucho en ella. Creo que para mí —no sé si para los demás es igual— es como un candado cuya llave se tira una vez que el disco sale.
Rocco: Sí, si no, nunca terminarías.
Sara: Exacto, sería interminable. Una vez que grabas, y ya tienes la mezcla y el máster, ahí es cuando realmente la canción termina. Porque ya no puedes volver a meterle mano.
Bueno, aunque siempre se pueden hacer remixes o cosas así.
Alberto: Sí, quizá, si no tuviéramos que pagar por el estudio de grabación, yo todavía estaría allá.
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Sí, sé exactamente a lo que te refieres. Ahora, respecto al título del álbum: la palabra Spin puede significar muchas cosas —rotación, desorientación, engaño o narración, por ejemplo—. ¿Cuál fue la razón emocional o simbólica detrás de elegir esa palabra como título del disco?
Sara: Bueno, digamos que mientras filmábamos el video de “At Races”, el primer sencillo de The Spin, estábamos manejando por algún lugar perdido, en medio de la nada, en Bosnia. Y en un momento, esa palabra simplemente apareció en mi cabeza. Sentí que describía perfectamente lo que queríamos expresar con este disco, y que encajaba con el lenguaje que estábamos construyendo —el sonoro, el visual—. De pronto todo empezó a tener más sentido. Creo que era una buena palabra porque representa el giro de las ruedas, tiene sentido visualmente, líricamente y musicalmente. Así que sí, era una palabra adecuada para representar lo que queríamos decir. Y, bueno, fue algo bastante simple: la anoté en las notas del teléfono y, más adelante, cuando empezamos a hablar del título, la propuse y todos estuvieron de acuerdo. No fue, digamos, tan complicado como con otros discos de Messa.
Y última pregunta. Ahora que se podría decir que se han alejado un poco del doom en sí, y abrazado otras estéticas, ¿sienten algún tipo de presión —interna o externa— por redefinir cómo “debería sonar” Messa?
Sara: Bueno, siendo honesta, nunca nos hemos puesto límites, aparte de nuestro propio gusto personal, claro. Es como… no sé, una serpiente que muda de piel. El ADN de la banda sigue ahí. Tenemos la misma formación desde el inicio, así que nuestras personalidades están completamente presentes, y el núcleo del grupo sigue siendo fuerte. Dicho esto, también es bueno cambiar algunas cosas aquí y allá. Para algunos ya no tocamos metal; para otros sí. Recibimos muchas opiniones distintas respecto al género, pero sinceramente, no nos importa demasiado mientras estemos contentos con el disco y con lo que representa. Lo hemos dicho muchas veces: si tocáramos siempre el mismo material, nos aburriríamos. Nos gusta cambiar cosas, explorar nuevos territorios sonoros, que es algo que me parece muy interesante. Y también, cambiamos todo el tiempo y somos oyentes muy activos. No somos una tienda sellada al vacío, nos dejamos contaminar.
Rocco: Y además es un reto para nosotros como músicos intentar tocar algo diferente, en lugar de repetir lo mismo. Siempre es desafiante intentar inspirarte en algo que te gusta, pero que nunca habías pensado tocar. Con el sonido ochentero, cada uno de nosotros tenía sus propias referencias de la música de esa época, pero creo que antes del concepto de The Spin, ninguno había pensado hacer un álbum con ese tipo de sonido. Pero dijimos: “¿Por qué no intentarlo?”. Y fue simplemente eso: “Sí, ¿por qué no?”. Así empezó todo el proceso.
Sara: El camino se revela solo. Nunca comenzamos con una idea precisa en mente; era más bien: “Bueno, ¿qué haremos ahora?”. Recogemos y reunimos ideas, y luego vemos hacia dónde nos llevan —tanto de forma voluntaria como involuntaria— dentro de los límites de ciertos instrumentos. Reunimos todo, lo metemos en un gran frasco, y ahí queda hasta el siguiente disco.
Quiero agradecer sinceramente a Sara, Alberto, Marco y Rocco por haber dedicado parte de su tiempo, en una jornada tan intensa, para realizar esta entrevista para Track to Hell. Fue un verdadero placer conversar con ellos y conocer más a fondo el universo detrás de The Spin. Espero con muchas ganas volver a verlos en noviembre, cuando regresen al Reino Unido para su presentación en el Damnation Festival.
Etiquetas: At Races, doom metal, Escocia, Glasgow, Immolation, Messa, Reino Unido, Scotland, The Dress, The Garage, The Spin, Thicker Blood, UK
A finales de los setenta, mientras el punk agitaba las calles británicas y el rock clásico dominaba las listas, una nueva generación de bandas comenzaba a forjar su propio sonido.
Desde Newcastle surgía una bestia metálica llamada Tygers of Pan Tang, una de las pioneras de la New Wave of British Heavy Metal, junto a Iron Maiden, Def Leppard y Saxon.
Hoy, casi medio siglo después, conversamos con Robb Weir, fundador y guitarrista original, quien nos transporta a aquellos primeros años donde todo era nuevo, salvaje y lleno de energía, esta es la historia de una era dorada, contada por uno de sus protagonistas.
¿Cómo recuerdas aquellos primeros años de la NWOBHM cuando Tygers of Pan Tang comenzaba a hacerse un nombre?
Tygers of Pan Tang empezó a hacerse un nombre en la escena musical, fundé Tygers of Pan Tang a principios de 1978, hace unos 47 años, aquella época era muy diferente a la actual, recuerdo que fue un gran momento para estar en la industria musical, la nueva ola del heavy metal británico estaba en auge.
Estaba empezando a tomar forma, pero aún no había recibido atención de la prensa musical, aunque ya existían bandas como Iron Maiden, Def Leppard, Saxon y Tygers, todas estábamos tocando nuestra música y empezando a ganar popularidad en el circuito.
Pero en ese momento, la prensa musical aún no había hablado de la nueva ola del heavy metal británico, creo que fue en 1979 cuando Geoff Barton, uno de los principales editores del periódico Sound Music, solíamos tener cuatro periódicos de gran formato, todos estaban dedicados a la música, ahora ya no existen, estaban Sounds, New Musical Express, Melody Maker y… ¿cuál era el cuarto? Record Mirror.
Sounds se centraba en el rock y el heavy rock, el heavy metal no era un término común entonces, se hablaba de rock o heavy rock, bandas como Black Sabbath, Uriah Heep y Deep Purple se clasificaban como heavy rock.
Geoff Barton escribió sobre estas nuevas bandas que emergían en la escena, las primeras cuatro fueron Tygers, Def Leppard, Saxon y Iron Maiden, él escribió sobre nosotros y eso marcó el inicio de la nueva ola del heavy metal británico, abrió las puertas para que otras bandas de la época formaran parte de este movimiento, fue una época muy emocionante para la música, recuerdo con cariño ese momento, cuando todos estábamos explorando nuevos caminos.
No sabíamos adónde íbamos ni cómo iba a terminar, porque era algo totalmente nuevo, podríamos decir que la vieja escuela del heavy metal eran Black Sabbath, Led Zeppelin, Deep Purple y The Who y luego estaban bandas como The Sensational Alex Harvey Band, Nazareth, Thin Lizzy, todas esas bandas geniales que me encantan.
Con la aparición de estas nuevas bandas, se empezó a hablar de la “nueva ola”, ya que eran nuevas bandas de rock pesado británicas, así fue como todo comenzó, fue una época maravillosa para estar involucrado en la industria musical.
Wouuu que buena respuesta, muchas gracias por ser tan específico.
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¿Qué tan difícil era para una banda emergente triunfar en la escena musical británica a finales de los 70 y principios de los 80?
Cuando escribieron sobre la nueva ola del heavy metal británico, todas las grandes compañías discográficas, muchas que ya no existen ahora, desafortunadamente, todas querían firmar con una banda de la nueva ola, creo que era mucho más fácil conseguir un contrato discográfico en aquella época, porque las discográficas buscaban activamente bandas, mientras que hoy las bandas buscan discográficas porque casi no quedan.
En aquella época, había muchísimas discográficas: CBS, MCA (con la que firmamos), Arista, Chrysalis (con la que firmó UFO), EMI… ¡Había muchísimas! CBS era una discográfica enorme, con Judas Priest, Phonogram Records tenía a Status Quo y a Def Leppard, era increíble la cantidad de sellos discográficos que había.
No sé qué salió mal en la industria musical, pero creo que hoy en día solo quedan tres grandes discográficas: Sony, MCA y ¿EMI sigue existiendo? No estoy seguro, es una pena que hayamos perdido todas esas discográficas y esa escena musical.
Dicen que es progreso, pero a veces damos dos pasos adelante y uno atrás, así que, a veces, avanzar no es realmente avanzar, pero así es la vida.
¿Qué opinas del álbum New Wave of British Heavy Metal ´79 Revisited creado por Lars Ulrich de Metallica?
Es un gran disco, se creó en la época de la NWOBHM, con todas las bandas importantes de 1979, y nosotros también estamos en la portada, sí, es un gran álbum, sin duda.
Lars Ulrich es un gran fan de la new wave of British heavy metal.
Si tu buscas Metallica en Wikipedia y miras su historia, de hecho dice que Lars Ulrich fundó Metallica con un anuncio en el periódico New York Recycler: “Baterista busca músicos para tocar Tygers of Pan Tang y Diamond Head“.
Creo que fuimos responsables de que Metallica se formara, eso es algo muy bueno, y de hecho, a menudo se ve en fotos de prensa, se me aguan los ojos con ello, se ve que James Hetfield suele llevar nuestra camiseta cuando sale a la calle.
¿Cuál es vuestra banda favorita, aparte de Tygers of Pan Tang, dentro del movimiento de la Nueva Ola del Heavy Metal Británico?
¡Ay, vaya!
Dime dos, por favor.
Dos, Saxon y Def Leppard. ¡Muy fácil! Sin dudarlo.
Tygers of Pan Tang siempre ha tenido un sonido muy particular dentro de la nueva ola del heavy metal. ¿Qué influencias fueron importantes en tu estilo de guitarra y composición?
Buena pregunta, cuando compuse la música para Wildcat, no me di cuenta hasta años después de lo punk que era mi música, así que seguramente escuchaba a Sex Pistols en secreto y eso influyó en mi forma de componer, supongo. Si tomas a Sex Pistols y reemplazas a Johnny Rotten por Jon Deverell (el cantante de Tygers) o Bruce Dickinson, tienes una banda de heavy metal, sólo Johnny Rotten hizo que Sex Pistols fuera punk, porque Steve Jones toca una Les Paul con un amplificador Marshall y toca un estilo de heavy metal/hard rock.
Así que Sex Pistols, sin un cantante punk, habría sido una banda de hard rock, es muy interesante, creo que recibí mucha influencia del movimiento punk, aunque probablemente de forma inconsciente.
No tengo ídolos de la guitarra pero si tuviera que elegir a alguien, diría que me encantaba Mick Box de Uriah Heep, era un buen guitarrista, tocaba solos geniales con el pedal wah-wah, me gustaba Glenn Tipton de Judas Priest, porque tocaba de forma muy fluida, no era un virtuoso, pero tocaba muy bien, y Bernie Marsden de Whitesnake es un gran guitarrista de blues, muy elegante, creo que esa es la respuesta.
¿Y Jimi Hendrix?
Sí, Jimi Hendrix… Definitivamente influyó, nunca me gustó mucho Jimi Hendrix, tenía demasiada distorsión, compuso grandes canciones, era un gran cantante y guitarrista, pero no era mi estilo.
La banda ha sufrido muchos cambios de formación a lo largo de los años. ¿Fue complicado mantener la esencia de la banda?
Para nada. Cuando dices que la banda ha sufrido muchos cambios, ¿acaso no ha pasado lo mismo con todas las bandas?. Esta pregunta es muy interesante porque hay bandas hoy en día que están de gira sin ningún miembro original. ¿Cómo funciona eso? ¿Cómo es posible? Personalmente, creo que no está bien, creo que una banda en gira debe tener al menos un miembro original.
En el caso de Tygers, sí, soy el miembro original, pero escribo las canciones, así que sé cómo debe sonar Tygers. ¿Es así?
Sí.
Ahora, en Tygers, en 2025, todos escribimos, pero la primera pregunta que nos hacemos cuando se presenta una nueva canción es: ¿suena a Tygers?. Tenemos un control de calidad muy estricto, y si la canción no suena a Tygers, la descartamos, todas nuestras canciones suenan a Tygers.
Hoy en día escribimos canciones nuevas, el nuevo álbum ya está terminado, solo falta grabarlo, las baterías ya están grabadas en Copenhague, volaremos al Reino Unido y empezaré a grabar las guitarras, continuaremos con el proceso y con suerte, el álbum estará terminado antes de Navidad y se lanzará el verano que viene.
Que buena noticia.
¿Qué recuerdos tienes del proceso de grabación de Wildcat o Spellbound?, álbumes muy importantes para los fans.
“Wildcat” se grabó muy rápido, este en particular, grabamos Wildcat y se mezcló en 13 días, de principio a fin, se grabó muy rápido, trabajamos con Chris Tsangarides, nuestro primer productor, sabía exactamente qué quería lograr y qué sonido quería darnos, fue una combinación ganadora, porque el álbum al ser lanzado, entró directamente en la lista de éxitos de álbumes británicos, no en la lista de rock, sino en la lista general, con artistas como David Bowie, Michael Jackson, Gloria Gaynor, todas las grandes estrellas del pop, nuestro álbum entró directamente en el puesto número 13.
Recuerdo que estábamos en Londres, ya que la banda es originaria de Newcastle en el norte de Inglaterra, fuimos a Londres para reunirnos con Chris nuestro productor, cuando nos enteramos de que habíamos entrado en el puesto 13 de la lista de éxitos, fuimos a desayunar cerca de la estación de King’s Cross.
Recuerdo que Chris nos dijo: “Chicos, creo que tenemos un éxito en las manos”, cuando cambiaron los integrantes para el álbum Spellbound, con la incorporación de John Deverill y John Sykes, grabamos el álbum rápidamente, en unas tres semanas con Chris.
Entró en la lista de éxitos británica en el puesto 18, justo el día que se anunciaban las clasificaciones. Estábamos en Cardiff, Gales, dando un concierto, estábamos esperando el anuncio para ver en qué puesto estaba nuestro nuevo álbum, llegó en el puesto 18 por supuesto, estábamos todos muy emocionados de que el nuevo álbum, con los nuevos miembros, hubiera alcanzado ese puesto, el concierto esa noche fue fantástico.
¿Qué opinas de la escena del heavy metal actual comparada con la época dorada del heavy metal británico?
Bueno, son épocas completamente diferentes, hay que aceptar lo que tenemos ahora, es como si no pudiéramos mirar atrás porque entonces retrocedemos en lugar de avanzar.
Me explico, si hoy compras un vaso de vino por 10 libras, no puedes decir: “¡Hace 40 años costaba solo 1 libra!”. Las cosas evolucionan, tenemos tecnología increíble hoy en día, lo que ha cambiado la producción musical.
Tenemos internet y móviles. No teníamos nada de eso cuando salieron esos discos, imagina un mundo sin internet ni móviles, si alguien en Australia quería comprar el nuevo disco de Tygers, Spellbound, en 1981, teníamos que ir a correos y enviárselo, tardaba tres o cuatro semanas en llegar, ahora, si quieren el último disco de Tygers, solo hacen clic y lo tienen en un segundo, es muy fácil, la tecnología ha avanzado, si es algo bueno o malo, cada uno decide.
Si pudieras hablar con el joven Rob que fundó la banda, ¿qué consejo le darías?
Le diría: «¡Buen trabajo, chico! No lo has hecho mal».
Cuéntame por favor, una anécdota con John Sykes en la banda.
Sí, claro, cuando John Sykes estaba en la banda, compartíamos habitación en los hoteles durante las giras por todo el mundo, éramos los más traviesos de la banda, siempre hacíamos bromas a los demás, hacíamos de todo, éramos muy traviesos.
Recuerdo una ocasión… ¡Hay tantas que podría contarte! Una vez, nuestro compañero que vendía las camisetas vino a nuestro cuarto, llamó a la puerta y entró, era antes del concierto, a la hora de comer, estábamos en Liverpool, actuando en el Royal Court, durante la gira de Spellbound, se llamaba Saul, entró, charlamos un rato y dijo que estaba muy cansado, le dijimos: “No te preocupes, descansa si quieres”.
Se tumbó y se durmió, lo cual no era buena idea en nuestra habitación. John y yo nos miramos, ni siquiera tuvimos que hablar, le quitamos la ropa, excepto la ropa interior y los calcetines, y lo cubrimos de espuma de afeitar, la espuma blanca que se usa para afeitarse, pusimos cerillas, las de antes para encender cigarrillos, las colocamos en la espuma y las encendimos y él se despertó en llamas, gritando.
Nos dimos cuenta de que estaba en llamas, corrimos al baño, cogimos agua y lo apagamos, estaba muy asustado, como es lógico, cubierto de espuma y sin ropa, le pedimos disculpas, lo llevamos al bar y le compramos una bebida, al final, se rió de la situación; John y yo éramos muy traviesos.
¡Hacíamos de todo!, me puse muy triste cuando me enteré de que John había fallecido a causa del cáncer, esa terrible enfermedad para la que aún no hemos encontrado cura, pero estoy seguro de que ahora está allá arriba riéndose de mí y seguramente me está haciendo equivocarme en las notas durante los conciertos, seguro que está metido en todo eso.
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