Asspera lanzó este 2025 su más reciente album Cronica de una Verga anunciada y el éxito es tal que hoy los coloca como una de las bandas más masivas y escuchadas de la escena. Tuvimos la oportunidad de charlar un poco en un corto pero profundo ida y vuelta con Julian Barret, más conocido como Rockardo, y esto fue lo que nos dijo desde su lado más personal.

Hola Rockardo! Hoy escuchaba su anterior disco Garcha2 x To2 La2 que salió todavía en épocas de pandemia. Entonces, Crónica de una Verga Anunciada es el primer material de Asspera pos-pandemia ¿Que grandes cambios notan para estos nuevos tiempos?¿El público en recitales se comporta igual? ¿La forma de promocionar su música es la misma?

Bueno, en principio haciendo un pantallazo rápido de la pandemia, la verdad que todo a lo que nos había obligado cambió inmediatamente una vez que se normalizó la cosa, o sea, volvimos a la vida de antes y yo creo que nos desacostumbramos rápido de esos momentos. En aquella época quizás lo veíamos como “que bajón!” y hoy en día lo vemos como que copado que estaba no tener la misma cantidad de obligaciones y moverse menos. Bueno, muchos la sufrieron a nivel económico de manera muy horrible quizás, eso es otro tema aparte, pero los que quizás tuvieron la suerte de seguir laburando desde la casa o haciendo cosas nuevas para subsistir y les fue bien, bueno, lo pueden recordar de otra manera. Pero yo creo que hoy en día ya el público volvió a la normalidad, creo que no hay ningún cambio. Lo que yo observé, por lo menos, es que no hay ningún cambio. Lo último que hizo verdaderamente cambiar a la escena rockera argentina fue Cromañon. Hay un antes y un después en los recitales con Cromañón, pero no con la pandemia. Yo creo que la gente sigue normal, volvió a dejar el distanciamiento, se abrazan, se comparten transpiración en el pogo, quedó totalmente distinto.

Y la forma de promocionar la música también creo que fue la misma durante, antes y después. Hoy en día las redes sociales lo son todo, existe esta nueva etapa de democratización de los medios involuntaria y de alguna manera casual por el fenómeno de internet y el fenómeno de redes sociales. Antes, cuando yo era chico, había una sola radio que pasaba heavy metal. Esa única radio tenía un solo programa que pasaba heavy metal nacional, que era la Heavy Rock and Pop, y era imposible escuchar otra radio y los 50, 100 mil, 200 mil, 500 mil metaleros que existieran en la Argentina tenían que unirse para escuchar esa radio. Eso tenía muchísimos beneficios y otras contras. El poder estaba centralizado en un solo encargado artístico que era el que decidía que iba ahí y que no iba. No estoy hablando ni mal ni bien, no sé ni quién era.

Hoy en día puedo decir que soy amigo de algunas personas que estaban en ese programa, o conocido también, como César Fuentes Rodríguez, como Nagui, como el Ruso Verea, que lo entrevisté para mi programa justamente en pandemia. Bueno, nada, creo que la forma de promocionar música de aquella época era únicamente de esa manera. Con el tiempo aparecieron las radios under, los fanzine under, pero no tenian tanta trascendencia y hoy en dia cualquiera se abre una red social y tiene su propio medio. De ahí a que tenga o no éxito, dependera del contenido y de la forma en la que lo genere. Y eso también va para las bandas. Hay bandas que creen que hoy en día no están funcionando o tienen la fantasía de que no funcionan porque no tienen publicidad o no tienen prensa, y…la verdad que hoy en día lo que funciona y lo que le gusta a la gente se viraliza de forma automática y sin poner un solo peso. De hecho así fue que le pasó a Asspera. Asspera no tiene compañía discográfica, nunca la tuvo y nunca ha invertido ni siquiera un peso en ninguna red social para tener más trascendencia y la verdad que no hemos tenido ninguna dificultad para hacer crecer nuestra banda, dado que llamaba tanto la atención que creció de forma viral.

Lo viral se hace viral de forma gratuita si llama la atención. No quiere decir que por eso un proyecto artístico no sea bueno o no merezca más éxito comercial, o no lo vaya a tener porque invirtiendo dinero y recursos no fue la forma en la que por lo menos Asspera se hizo viral y tuvo éxito, ni veo que sea una forma viable porque veo muchísimos artistas invertir muchísima plata y que no pase nada. Creo que una cosa potencia a la otra, si un proyecto artístico es requerido por la masa y tiene éxito probablemente con una inversión de plata lo tenga más rápido y más grande, pero no veo que si el proyecto artístico no llama la atención pueda llegar a tener éxito.

También pude notar en sus últimas obras, sobre todo este último disco, que tienen una cuota más fuerte de crítica social, sin dejar de lado la impronta del metal bizarro. Me ha llamado la atención ver tanta gente ofendida con canciones como Jesucripto porque aborda temas más políticos ¿qué opinan de la gente que amenaza con dejar escuchar Asspera por esta razón?

Y, bueno, nada. ¿Qué le podría decir a una persona que decide dejarnos de escuchar por la forma en la que escribimos nuestra poesía? Bueno, lo lamento muchísimo. Le deseo suerte. Nosotros escribimos lo que tenemos en el corazón, lo que sentimos y lo que nos parece que está bien. Si no lo compartís, y bueno…hay muchísimas bandas para escuchar. A todos nos ha pasado, incluso a nosotros, que hemos dejado de escuchar artistas porque ya no nos gustaba lo que escribía. Ahora, por una canción que quizás te interpela tanto que te sentís tocado negativamente, bueno, dejar de escuchar toda la discografía de la banda me parece una boludés, pero cada uno está en todo su derecho. Nosotros escribimos con el corazón, escribimos lo que nos gusta y lo hacemos desde la mejor buena leche. Nos parece que a nosotros como electorado nos han hecho el cuento del tío una vez más, otra vez. Me parece una pelotudez olímpica no gritarlo a los cuatro vientos. Nos parece que es muy necesario que los artistas digamos algo al respecto. Me parece muy necesario.

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-Mientras escucho su música estoy haciendo un esfuerzo sideral por no dejar una catarata de improperios que puedan comprometer al medio. Bueno para ustedes esto nunca ha sido un problema ¿o si? ¿Alguna vez enfrentaron algún tipo de denuncia por sus letras y videos? ¿Tuvieron que retractarse de algo?

Sí, hemos tenido problemas con una persona de la iglesia que fue encarcelado por abuso infantil y sin embargo tuvo la caradurez de enviarnos cartas de documento para que saquemos del aire una canción nuestra y unos flyers. No lo puedo nombrar por una cuestión legal, pero fue muy bizarro. Fue muy bizarro que suceda una cosa de esas. Pero bueno, la justicia es para todos, así dicen, y si sirvió para algo para nosotros, es para que sigamos haciendo la música con más fuerza.

-Es cierto que la gente idealiza la vida de las bandas, como si todos pudieran vivir el sueño de rockstar, de solo salir y tocar y ver llover el dinero. En realidad hay un gran esfuerzo a pulmón para producir los discos, mover todo lo que uno mueve en cada gira, ¿Podrían contarnos un poco cómo se arma una gira de Asspera? ¿Se autogestionan o delegan el trabajo a alguien más? ¿Hotel 5 estrellas? ¿O un motel de mala muerte a la vera de la ruta?

Bueno, sí, sí, nos ha pasado de que gente cree que somos todos rockstar y vamos a tocar y nos llevamos un millón de dólares cada uno. De hecho, acaba un amigo recién de hacer una cuenta y me dijo “¿Cuánta gente los fue a ver el sábado?” Y le digo “Y…en el festival Argentina Metal Fest había unas 2.000 personas” Y dice, “¿Y cuánto estaba la entorada?” “50.000 pesos” le digo. Hizo la cuenta rápida y me dice, “Ah, te llenaste de oro”. No es así. Es propio de la gente que no tiene idea de eso. Como todos, no todos podemos saber de todo. Entonces algunos sabemos de algo y otros saben de otras cosas. Y siempre hay un especialista para cada rama. Bueno, el que no es especialista en el conciertos, no tiene ni idea. Que sí hay artistas que son millonarios, seguro, pero son muy pocos y son los que son reconocidos a nivel mundial. Nosotros nos autogestionamos, vivimos en la Argentina, tocamos a pulmón. A veces no ganamos mucha plata, a veces ganamos muy poca, pero por suerte somos de las muy poquísimas bandas que pueden ganar un banco para vivir, eso es una realidad también, somos de los pocos artistas. Pero bueno, ninguno puede vivir de esto solo.

Todos tenemos, o bien otros trabajos en otras áreas de la música como yo, que puedo dar clase, mezclar artistas, producir alguna canción o dar clase de guitarra y en el caso de otros integrantes de Asspera que se dedican a otras cosas, como 3,14J que repara impresoras, como el Terro que repara motos, como el Buitre que es bancario, como Richard que a veces hace diseño gráfico. Todos tenemos algún laburo con el cual complementamos lo que ganamos en la banda, que ayuda y está buenísimo, pero somos de los pocos artistas. La mayoría no gana ninguno. No tenemos vida de rockstar y hemos ido a hoteles que realmente eran tan malos que hemos preferido no dormir, eso nos ha pasado no una, sino millones de veces, así que no creo para nada que haya que mantener un cierto estatus de rockstar para que la gente te tenga respeto, me parece una pelotudez. Somos tipos humildes, tranquilos, vamos a tocar, nos divertimos y lo hacemos por amor y tenemos la suerte que lo que a nosotros nos llena el alma y nos encanta hacer, también nos da un poco de comer.

-Por último y no menos importante, la reciente partida de Ozzy nos dejó muchísimo pensando en que entramos en el periodo de partida de las grandes leyendas ¿Cómo ven el metal a futuro? ¿Puede mantenerse este nivel de masividad o seguirá volviendose más nicho? ¿ven a Asspera como un referente del metal argentino en este momento? ¿Y en el futuro?

Bueno, en principio la partida de Ozzy y nos jodió a todos porque todos amamos este estilo de música y nos encanta y lo adoramos y este estilo de música es el que elegimos como modo de vida, o sea, es lo que nos entretiene, es lo que nos divierte, es lo que nos ayuda con las angustias, es lo que nos acompaña en la soledad y es el mejor compañero que tenemos, entonces que parta el artista que fue pionero en toda esta movida, la verdad que nos dolió muchísimo. Nosotros escuchamos Black Sabbath y Ozzy prácticamente desde que tenemos uso de razón, y bueno, nos jodió, nos jodió muchísimo.

Es verdad, se empiezan a ir las leyendas del metal, se empiezan a ir las leyendas de este género, y es doloroso, pero es parte de la realidad, así como…así como nos vamos a ir algún día nosotros, se van los más grandes y lo único que nos queda a nosotros es seguir luchando por esta escena metalera, que realmente le ofrece a los pibes y a los adolescentes que sienten que no encajan, que no les gustan los estándares de la pelotudez humana, que se puede ver reflejado en la mayoría de las subculturas de moda, nosotros le estamos dando un lugar de pertenencia a esa gente que siente que no pertenece a esos ámbitos y es propiamente una contención que es muy necesaria. Y así todos nosotros con nuestros problemas de chicos, hemos sentido en el metal una pertenencia y un lugar de contención y eso creo que es el mayor esfuerzo que hacemos por esta escena y es para que eso siga existiendo y así será, así será por siempre, así que creo que Asspera no es un referente del metal argentino, porque no lo es, pero creo que cumple un papel importantísimo. Por eso Pogo es Salud Tour cumple un papel importantísimo de contención a todos esos pibes que sienten que no pertenecen, que quizás no se habían interiorizado del metal porque no les llamaba la atención aquella solemnidad del metal de otras bandas y Asspera les ha dado un lugar para que después escuchen otras bandas, así que nada, en el futuro espero que sigamos tocando y sigamos haciendo música que es lo que nos gusta y agrandando este lugar de contención para aquellos adolescentes que dicen con esta mierda yo no encajo.

Martín Cirillo entrevista a Tuomas Saukkonen, baterista y guitarrista de la banda finlandesa de death metal melódico Before The Dawn que va a sacar su nuevo álbum Cold Flare Eternal este 5 de septiembre.

Hablan sobre las múltiples bandas en las que participa Tuomas, su manera de componer, lo que lo llevó a traer de vuelta a Before The Dawn y más.

La historia de la leyenda sueca del doom metal Candlemass parece siempre girar alrededor de su bajista y líder Leif Edling, quien fundara la banda a principios de los ochentas y quien también es el único miembro constante a través de la historia del grupo. Pero alguien que está muy cerca de ser una figura inseparable en la carrera de Candlemass es su guitarrista rítmico Mats “Mappe” Björkman, que con poquísimas excepciones ha estado presente en casi toda su discografía desde el legendario debut Epicus Doomicus Metallicus de 1985. Ahora con Candlemass celebrando 40 años de carrera y a punto de que comiencen su gira latinoamericana y su concierto en Buenos Aires, Argentina, tuvimos el gusto de hablar extensamente con Björkman, que repasó el pasado, presente y futuro de estos titanes de los riffs lentos, además de criticar profundamente por el ninguneo que siente por parte de la industria musical sueca, lo que fue comenzar una banda de este estilo cuando reinaba el thrash metal y el pop en Suecia, y el documental que se viene sobre Candlemass.

—Antes que nada, Mats, quería agradecerte mucho por esta entrevista.

¡Tendría que agradecerle a ustedes por hacer estas entrevistas! A la gente que todavía quiere tener entrevistas con nosotros, yo debería agradecerles a ustedes.

—¡Es un honor! Primero, quería preguntarte cómo vienen las cosas últimamente, con la banda y con todo.

Sí, puedo decir que hemos estado durante cuarenta años. Este año es nuestro 40° aniversario y cambiamos de cantantes y esas cosas, pero nunca hemos tenido tanta armonía en Candlemass desde que Johan [Langquist] volvió, eso seguro y puedo hablar en nombre de todos acerca de eso. La armonía en Candlemass nunca ha sido mejor, jamás. Y nos está yendo genial, con grandes conciertos, y estamos felices con ello, hablamos de eso la semana pasada cuando tocamos en Francia, que lo logramos en cada ocasión, una y otra vez. Y la cosa es que tocamos todo material viejo, no tuvimos ni una canción que haya salido después de 1989, y veía a la audiencia y no habría más de 15 o 20% que hubiera nacido cuando sacamos Epicus Doomicus Metallicus y estaban cantando todas las canciones. Ese es el mayor respeto y honor que puedes tener como una banda, cuando tienes a una nueva generación, tal vez la tercera generación que está escuchando a Candlemass. Así que eso es lo mejor, es una de las mayores razones por la que continuar con la banda: en vez de ser una banda que es sólo nostalgia, donde sólo escuchas las canciones que escuchaste en 1985 y listo. Ahora hay fans nuevos viniendo. Así que la banda se está poniendo mejor que nunca

—Sí, con muchas bandas ves que casi todos los fans en los conciertos son personas que vivieron cuando la banda comenzó.

Exacto. Uno de mis mejores amigos es John Levén de Europe, la banda sueca. Tenemos un restaurante juntos, y él decía que ellos son más una banda nostálgica con todas esas canciones. Tienen muy buenas canciones con toneladas de respeto y llevan mucha gente a los conciertos, pero no les pasa lo mismo con la gente nueva: escuchan el mismo material viejo. Pero algo pasó, y creo que es algo así: cuando comenzamos con Candlemass, estábamos totalmente por fuera de toda la otra música, porque eran todas bandas de thrash. Estábamos nosotros y estaba Trouble, y obviamente Black Sabbath lo había hecho antes. Pero cuando nosotros aparecimos, fue una onda: “¿Qué es esta mierda?”. Éramos los perdedores todo el tiempo. ¡Perdedores! ¡Perdedores! No es que la gente se riera de nosotros, pero era como que decían: “Ah, estos Candlemass son tan divertidos, hacen estas canciones de 12 minutos”. (Risas) ¡Una mierda lenta! Y ahora, 40 años después, nos votaron como la mejor banda sueca de metal de la historia. Pasaron tantas cosas, ¿sabes? Porque ves a estas bandas como Black Sabbath, Dio, Judas Priest, que no van a estar tocando más luego de esta gira, y hay bandas nuevas… no digo que vayamos a estar al mismo nivel que Black Sabbath, ¡no hay manera! Pero me refiero a que escuchan a esas bandas y estamos en la misma onda. Nosotros no comenzamos la onda “doom”, eso lo comenzaron otros. Pero ese primer disco se llamó Epicus Doomicus Metallicus y después todas las bandas tocaban doom metal. Nunca dijimos nada acerca de eso, pero ahora hay festivales de doom, revistas de doom, ¡y eso es fantástico! Nunca me hubiera imaginado eso cuando comenzamos Candlemass, de ninguna manera. ¡Es un honor para nosotros!

—No hay muchas bandas que logran ponerle nombre a su propio género y que ese género se vuelva masivo.

No, no, no, no, no. Si alguien me hubiera dicho eso en 1985, hubiera pensado que esa persona estaba enferma. No lo hubiéramos creído, de ninguna puta manera. Y ahora estamos aquí, a Jan [Lindh] lo votaron como el mejor baterista de doom después de Bill Ward. Pero no hemos dejado que esto afecte a la banda, en estos 40 años siempre hemos hecho lo nuestro. Nunca sonamos en la radio y nos nominaron en Estados Unidos para un Grammy y la televisión sueca ni siquiera nos mencionó. Candlemass y Ghost son las únicas bandas que lo han logrado, pero Ghost es una banda más amigable para la radio, Ghost suena en la radio todo el tiempo. Nunca hemos estado en los medios ni nada, así que ni mencionan que fuimos nominados a un Grammy en los Estados Unidos. A nosotros no nos importa Suecia, hicimos un recital en Suecia por nuestro 40° aniversario y lo hicimos por nuestros fans, no por Suecia sino por nuestros fans que viven en Suecia. Tocamos en todos los otros países y no nos importa Suecia.

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—Justo que hablabas de otros países, la semana que viene van a estar dando tres conciertos en Sudamérica, en Chile, Brasil y en mi país, Argentina. Tocaron en Chile y Brasil en 2023, pero esta va a ser su primera vez en Argentina desde 2016, hace casi 10 años. ¿Cuáles son sus expectativas acerca de este regreso? ¿Recordás algo de aquella vez en Argentina hace 10 años? Como dijimos, no hay problema si no recordás…

[Interrumpe] ¡Lo recuerdo muy bien! Lo recuerdo bien por dos razones, y te vas a morir de risa. Comencemos con la primera: nos encanta ir a Sudamérica. Grecia y Sudamérica tienen los mejores públicos para nosotros, cada vez que hemos estado en Sudamérica ha sido genial. En Argentina me pasó que se me rompieron las zapatillas, así que llegué al hotel y tenían una zapatería ahí así que me compré unos nuevos. De ahí nos llevaron a comer, y Argentina es el mejor lugar del mundo en lo que concierne a la carne en los restaurantes, una cosa nunca antes vista.

Y bueno, es lo mismo en Sudamérica. São Paulo también es muy bueno con la comida. Quiero decir, amamos la comida, sabes, salimos y es de lo mejor que hay. Por eso lo recuerdo tan bien, y el público siempre está como… muy feliz de vernos, y para nosotros es un honor venir al otro lado del mundo a tocar para personas que escuchan tu música. Tienes que ser respetado por esa gente, un 100% de respeto: eso es algo muy importante para nosotros. Así que nos sentimos muy honrados.

—Entonces, ya sabes, manteniendo un poco el tema… Estábamos hablando de otros países, mencionaste Argentina, obviamente también mencionaste Brasil. ¿Hay algún lugar en el que te gustaría tocar y en el que aún no hayas estado?

¡Sí! Hace un par de meses tocamos en Venezuela, fue fantástico. Y el presidente se encargó de cuidar de nosotros, de la seguridad y esas cosas. Pero el tema es que si lo mencionas en las redes sociales entonces nunca jamás podrás ir a los Estados Unidos a tocar. (Risas) ¡Él dijo eso! Porque hay una mesa donde el presidente de Venezuela revise a los visitantes, que tiene su libro y los retratos de los otros presidentes. Y le dije al guardia: “¿Me puedo tomar una foto aquí?”. Y me respondió: “Sí, puedes hacerlo, pero no la subas a Facebook ni a ningún lado, porque entonces vas a quedar vetado en Estados Unidos para siempre”.

Pero, para responder a tu pregunta, sí, me gustaría ir a Australia. En realidad, nunca hemos tocado allí. Creo que en Tasmania.

—Sí, ustedes tocaron en Australia, en Tasmania.

Entonces no tocamos en la Australia continental, solo aterrizamos ahí. Nunca hemos tocado allí. Me gustaría ir alguna vez, todavía no lo hemos hecho.

Mi mejor amigo toca en una banda llamada Opeth. De hecho, es mi vecino aquí en Estocolmo. Vivimos cerca el uno del otro, así que prácticamente nos vemos todos los días. La cosa es que ellos tocaron en India. Y yo quisiera ir a India a tocar. Sería fantástico, con la comida y todo. Él me dijo que es increíble, que está más allá de todo lo que puedas imaginar.

También me gustaría volver a Japón. Hemos estado ahí tres veces ya, y me encanta Japón y su gente, es fantástico.

La última vez que estuvimos… ¿Fue en León? León, México. Sí, eso fue increíble. Ese concierto fue realmente muy bueno.

Ya tocamos con Johan en Sudamérica, pero no estuvo en Argentina, será la primera vez con él. Y él es espectacular.

—No han tocado en África o en Oceanía. Podrían hacerla fácil y tocar en Nueva Zelanda.

(Risas) Sí, eso sería genial, todavía no tocamos ahí.

Hoy en día es bastante difícil tocar en Estados Unidos. Quiero decir, viste lo que pasó con Trump y todo eso. Ahora es complicado que muchas bandas vayan, muchos de mis amigos de otras bandas simplemente no quieren hacer giras por Estados Unidos en este momento, debido a los problemas para obtener permisos de trabajo, es un infierno. Así que no les importa Estados Unidos, y Sudamérica es genial para nosotros. Canadá también es un lugar que íbamos a visitar pero fue cancelado por alguna razón que no conozco, tendríamos que haber dado tres recitales ahí. Ahí se puede ir sin permiso de trabajo.

Así que, bueno, América también está un poco vetada para nosotros porque trae demasiados problemas. Tenemos muchos otros países donde tocar; hacemos muchos conciertos en Europa también. Por ejemplo, Portugal y España: vamos a ir a España después de volver de Sudamérica.

Eso va a estar bien. Lo de Sudamérica va a ser fantástico. Tenemos muchas ganas de que llegue.

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—Sí, es muy raro. Hace décadas nadie podría imaginar que a futuro se diría que muchas bandas intentarían no ir a Estados Unidos. Porque históricamente tenías que tocar allí, tenías que tocar en Estados Unidos.

Es que los estadounidenses la tienen bastante bien, puedes hacer muchos buenos conciertos allí, pero los permisos de trabajo en Estados Unidos son complicados y ahora con Trump es aún más difícil. No tenemos nada programado en Estados Unidos en este momento y veremos qué surge con Sudamérica y Europa.

Lo que sí haremos es un concierto realmente bueno en Estocolmo. Es uno de los mejores lugares que tenemos aquí y va a ser divertido, ya está agotado.

Así es como lo hacemos y creo que recibimos mejor trato cuando vamos a Sudamérica. Venezuela fue fantástica y también algunos otros lugares en Europa. En Suecia, en cambio, el trato es distinto. Eso es algo muy sueco, siempre ha sido así.

Hay una cosa de celos en Suecia, así funciona el país y siempre ha sido así. Tienes que hacer música para la radio y estar con la discográfica correcta, de lo contrario no te apoyan. Pero nosotros no estamos en una discográfica sueca.

Y lo mismo pasa con el premio Polar. Hay un premio en Suecia llamado Polar, y eso es algo muy importante en el país, el rey y la reina están ahí con toda la realeza. Hablé con Tobias de Ghost, es un muy buen amigo mío, como mi hermanito. Y recuerdo que nos sentamos en mi cocina y le dije: “Por favor, tú tienes todos los contactos. ¿Puedes asegurarte de que ninguna de esas bandas suecas horribles vaya a tocar antes de Metallica?”. Porque es vergonzoso lo que el Premio Polar va a aceptar, van a ser bandas comerciales y mediocres, porque debe estar en la compañía correcta, en Universal porque eso le pertenece a Polar. Quieren bandas de Universal.

Y él me dijo: “En realidad, lo voy a hacer. Quieren a Ghost”. “Oh, gracias, Señor”, le dije, “eso es fantástico”. Pero me dice que quiere que Candlemass toque junto a él, y le dije que eso no iba a pasar, que no estábamos en la misma compañía discográfica, porque Ghost estaban en Universal y estaban por sacar su nuevo álbum. Y entonces le dije que podía preguntarles, y ellos respondieron: “¿Ah, de otra manera no tendremos a Ghost?”. Así que terminó siendo Ghost y Candlemass tocando con Metallica para la familia real. No somos una banda para la radio ni una banda de Universal, pero vimos la oportunidad y la aprovechamos.

Es una historia graciosa, pero así funcionan las cosas en Suecia.

—Es interesante pensar eso, porque cuando vivís en Sudamérica, o directamente cuando no vivís en Europa, ves un montón de bandas de metal sueco y la gente parece ver a Suecia como la tierra prometida del metal. Pero entonces escuchás acerca de los sellos suecos y que a ellos no les importa el metal.

¡Para nada! Tenemos un artista aquí, no lo conoces porque es sueco pero es muy grande en Suecia: está en televisión todo el tiempo, le hacen entrevistas y toca por aquí en Suecia. Y hace un par de meses había todo un bombo publicitario porque iba a estar tocando en Nueva York, y había 70 personas. ¡50 eran sus amigos!

—Dios santo.

Y entonces ves a Amon Amarth tocando para 70.000 personas en el Hellfest, y ellos nunca suenan en la radio. Es fantástico. Y con bandas como Candlemass, tienes a muchas de ellas que son las mayores exportaciones para la música sueca, no el tipo que se sienta en la televisión y le da publicidad porque va a ir a Nueva York a tocar para 100 o 70 personas. Eso es una mierda, y Amon Amarth nunca han sonado en la radio o estado en la televisión. Ve el recital que dieron en Hellfest dos años atrás, estamos hablando de 80.000 personas.

—Es una locura.

¡No son 70 personas y que 50 sean sus amigos! Me hace reír, es ridículo.

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—¿Cómo describirías un recital de de Candlemass como experiencia? Obviamente tenés el nombre de la banda, podría ser como una misa (“mass”) con velas (“candle”).

Lo describiría como que no somos una banda a la que no le gusta tener mucha pirotecnia ni nada de eso, y es como debería ser. Somos un poco más vieja escuela y estamos enfocados en el sonido, y eso tiene sentido porque tenemos tantas buenas reseñas en estos días: 5/5, 4/5.

Nos enfocamos en tocar muy bien. Y lo más importante es el sonido. Nuestro sonidista es como el sexto miembro de la banda. Muy seguido escuchamos que, cuando tocamos en festivales, el sonido que tenemos está por encima del de los demás. Entonces lo que hacemos es enfocarnos en la música, en tocar bien en vivo, en que las canciones sean sólidas y que el sonido sea increíble. Eso es en lo que ponemos la atención.

Y no usamos pantallas LED enormes ni nada de eso. Usamos lo de la vieja escuela: un telón de fondo gigante. Y tocamos bien.

Creo que puedo entender que muchas bandas ahora se enfocan demasiado en las pantallas LED, en que debería haber esto y aquello. Y sí, visualmente puede ser muy llamativo, pero nosotros pensamos que lo más importante es otra cosa. Es vieja escuela, como Motörhead por ejemplo. El tema es que ellos no tienen un buen sonido, y ahí es donde fallan. En nuestro caso, diría que nos enfocamos en tocar realmente bien, sonar pesados como el infierno y con un sonido de gran calidad. Así es como lo hacemos.

—Hablaste un poco sobre la historia de Candlemass y quería preguntarte sobre eso. Aparte de Leif, vos sos la persona que ha estado más tiempo en la banda, has pasado por casi todas las formaciones. Cuando te uniste a Candlemass, ¿alguna vez pensaste que la banda seguiría existiendo más de 40 años después y que todavía formarías parte de ella? ¿Cómo fueron esos días?

No, para nada. Cuando Leif comenzó con Nemesis, yo era amigo de Matz Ekström (Nota: Primer baterista de Candlemass). Me reuní con él una vez y me dijo que estaba ensayando con un tipo llamado Leif en Upplands Väsby, que es de donde son. Me pregunto si podía venir porque no tenía un guitarrista que tocara los riffs, los riffs vieja escuela de Sabbath. Le dije que podía ir e intentarlo, pero era una cosa para pasar el rato, como para ver a unos amigos. Me encontré con Leif, y nos fuimos a ensayar ese mismo día. Me gustó tanto, era algo nuevo para mí, no había tenido esa experiencia con la música antes. A partir de ahí nos volvimos muy buenos amigos y nos pusimos a ensayar. Fue entonces que apareció el tipo de Manilla Road (Nota: Se refiere a Mark Shelton, cantante y guitarrista de los estadounidenses Manilla Road), que estaban en Black Dragon Records, y Leif les mandó un cassette y él lo estaba escuchando, y dijo que tenían que contratar a esta banda. Ese fue el primer demo de Epicus.

Creo que en ese momento sólo teníamos cuatro canciones, e íbamos a hacer un álbum. ¿Cómo? ¡Esa no era la idea! Pero estaba bien. Como dije al principio, éramos los perdedores porque éramos de la misma área que Europe, Treat y todas esas bandas de pop rock suecas que hacían música para la radio. No le importábamos a nadie , pero a nosotros nos había contratado un sello pequeño en Francia e íbamos a hacer un álbum. El presupuesto era extremadamente diminuto. Las grabamos, nos llaman y nos dicen que nos hacían falta seis minutos más para el álbum, porque de otra manera va a ser demasiado corto y no nos podían contratar. Lo recuerdo bien, era 1985, y Leif me llamó y me dijo: “Mappe, ¿podemos ir a la sala de ensayo? Tengo un riff muy fácil, lo vas a aprender en diez segundos y ya tendremos listo el álbum”. Era relleno, y esa canción era “Solitude”. Esa es la única canción que hemos tocado en todos los recitales desde entonces, y era relleno porque la compañía lo quería. Es una historia fantástica.

Pero no, no creía que estaríamos todavía porque ni siquiera éramos una banda en vivo, nadie hablaba acerca de dar recitales. Matz, el baterista, no quería tocar en vivo porque tenía miedo de tocar frente a un público, además tenía un nuevo departamento con su novia y un gran trabajo y no podía pasar más tiempo enfocándose en esto.

Después tuvimos un nuevo contrato con otro sello, porque Epicus había recibido muy buenas reseñas… en Estados Unidos, ¡no en Suecia, por supuesto! (Risas), sino en todos los otros países. Teníamos algunas canciones, y de repente nos llama un tipo desde el sur de Suecia, un loco total. Era era Messiah, que había escuchado Epicus y había encontrado el número de Leif. En realidad, ningún cantante quería estar en la banda.

—Exacto, porque el primer álbum había tenido un vocalista de sesión.

Tal cual, no querían estar porque era más como un hobby, para pasar el rato. Cuando hicimos Epicus, hasta el último minuto Leif estaba cantando en el álbum. Pero el baterista Matz dijo que conocía a alguien que podía cantar, que lo podía llamar para que nos ayudara. Ese era Johan Langquist, y queríamos que estuviera en la banda pero él ya tenía la suya, Jonah Quizz. Con ellos se suponía que iban a firmar con un sello sueco pero no terminó ocurriendo.

Nos llama Messiah, y era un loco que estaba sentado en su casa cantando “Solitude” en el teléfono. ¿Qué teníamos que hacer? Lo trajimos a Estocolmo para ver qué onda con él, y no teníamos ningún cantante justo cuando teníamos que hacer un nuevo álbum. Si él estaba de acuerdo entonces no teníamos otra opción, porque no teníamos a nadie más. Él se mudó a Estocolmo al mismo tiempo, viajó todo eso hasta quedarse en un departamento (Nota: Messiah vivía en Ronneby, que está a 500 kilómetros de Estocolmo). Era onda “¡Hey! ¡Voy a estar en la banda!” (Risas). Fue a partir de ahí que comenzamos a tocar en vivo. Creo que hay una sola foto promocional que tiene tanto a Matz como a Messiah, eso es entre Epicus y Nightfall, aparezco yo, Leif, Matz y Messiah Fue cuando grabamos “Bewitched” y “Battlecry”, teníamos a “Battlecry” como una canción extra en Nightfall, y esas canciones se suponía que las íbamos a grabar con Johan, pero justo llegó Messiah y Johan no quería estar en Candlemass.

La historia de Candlemass es como la “maldición de Candlemass”, la llamamos de esa manera todo el tiempo. Esa es nuestra banda.

—Sé que esta es una noticia vieja, pero quería tu opinión acerca de esto. Es algo que leí acerca de Back To The Beginning, el show que Black Sabbath dio. Leí muchas discusiones acerca de esto, porque claramente la lista de bandas la eligió Sharon Osbourne y ella quería todas las bandas de rock para la radio, como las describiste.

Exacto.

—Y leí a alguien diciendo que la lista tendría que haber tenido más bandas doom. Sé que la idea del concierto era recaudar dinero para caridad y que una banda como, no sé, Electric Wizard y otras que están extremadamente influenciadas por Black Sabbath no van a llenar un estadio, por más buenas que sean. Pero vi a un montón de gente diciendo que Candlemass debería haber estado en Back To The Beginning, un montón de gente.

Tony Iommi tocó como invitado en Candlemass, en el anteúltimo álbum, y dijo que estaba orgulloso de haber aparecido, lo dijo en su página, que éramos la mejor banda sueca y que éramos los que íbamos a ocupar su lugar cuando se retirara, así que pienso en ello todo el tiempo. La gente me ha dicho que nosotros deberíamos haber estado ahí justamente por eso, pero como bien dijiste eso no iba a pasar porque Sharon quiere que esté Foo Fighters y Steven Tyler.

—Ella quiere que esté el tipo de Disturbed.

Es una estupidez. (Risas) O sea, amo el viejo Aerosmith porque los estaba escuchando en 1975 cuando tenía 12 años, tengo un montón de respeto por el viejo Aerosmith, pero no por la mierda nueva, los viejos son muy buenos. Pero, ¿qué mierda tiene que ver Aerosmith con Black Sabbath? (Risas) Me apena decirlo, pero a ellos no les importaba Black Sabbath en 1976, de ninguna manera, y lo mismo con tantas otras bandas: no les gustaba Black Sabbath a fines de los setentas, creía que era una banda de mierda. A bandas como Aerosmith a fines de los setentas no les importaba Black Sabbath, ahora está muy de moda que los hayan invitado a ese show y están muy tristes por todo, me parece patético. Pero no me sorprende por parte de Sharon Osbourne, entiendo que quiere dinero para caridad o lo que sea y que así funcionan las cosas, hemos estado en esto por 40 años.

No estoy enojado con respecto a esto, es la manera en la que trabajamos. Pero el tema es que estamos tocando mejor que nunca, sonando mejor que nunca. Eso es lo único que importa para alguien como yo. Y que tenemos a una nueva generación escuchándonos. No me importa toda esa mierda vieja, por mí que inviten a Aerosmith a hacer cualquier cosa.

Pero estamos muy felices de tocar en Sudamérica y en Grecia. Vamos a ir a Alemania e Inglaterra, también son espectaculares. Francia la última semana fue espectacular. Sé que con Back To The Beginning tenían todo lo de caridad, pero creo que podrían habernos invitado porque somos una de las bandas que siguió a Black Sabbath cuando comenzamos, tanto Candlemass como Trouble.

—Y así es cómo funcionan las cosas en la industria de la música.

¡Obvio! ¡Obvio! Y así han sido las cosas por 40 años, y es una pena que no se termine. Pero mientras hagamos bien las cosas, nos divirtamos, a la gente le guste lo que hacemos y tengamos más fans que nunca, entonces estaré feliz.

—Hace un par de semanas anunciaron que estaban produciendo un documental acerca de la historia de Candlemass llamado Nine Lives of Doom. ¿Qué nos podés contar acerca de este proyecto?

Justamente vamos a estar mostrando no la película, sino el tráiler hoy a la noche, todos los periodistas y músicos están invitados a un lugar grande en Estocolmo. Este proyecto se dio porque he estado filmando cosas desde 1988, 1987, con cuatro cámaras diferentes con diferentes tipos de cintas, las he tenido en mi sótano durante años. Y ahora estoy filmando con mi cámara digital, siempre me ha gustado filmar cosas en el bus de giras y en restaurantes mientras discutimos. La película no va a ser como un concierto, sino que va a ser sobre un montón de cosas que hemos estado haciendo desde 1988. Va a tener algunas cosas en vivo, también. Y uno de mis mejores amigos desde que teníamos 12 años, Jonas Åkerlund, va a ser el productor, es uno de los mayores productores cinematográficos. Hizo el documental de Metallica, hizo el de Billy Idol, hizo la película de Rammstein, es uno de los más grandes productores de películas sobre bandas. Trabajó con Lady Gaga, Paul McCartney, ganó premios y un Oscar. Y el primer video que hizo fue el de “Bewitched”.

—Legendario.

No podía ni ver esa mierda. (Risas) Ahora lo puedo hacer, pero él todavía está orgulloso de eso porque fue lo primero que hizo. Y él se lo mostró a Madonna, a Metallica y a todos, y decían “¿Qué es esta mierda?”. (Risas) El tema es que comenzamos a hablar sobre esto hace un par de años, sobre hacer una película de Candlemass, porque hay tanto material que sería interesante incluso para la gente que no sabe acerca de Candlemass. No hace falta que seas un fan de Candlemass, vas a ver un buen documental, será divertido.

Agarraron todas mis cintas y las digitalizaron hace medio año, empezaron a hacer pequeños clips con eso, cosas que ni siquiera yo recuerdo a pesar de que yo grabé todo porque hay tanto material. Y Jonas dijo que podría ser el productor ejecutivo en este proyecto. Cuando su nombre apareció, la gente se volvió loca: “¿Jonas Åkerlund está haciendo un documental sobre Candlemass?”. Y fue recién ahí que a los medios en Suecia les importó, no saben qué decir porque nos invitan a hacer cosas y es demasiado tarde, deberían haberlo hecho hace muchos años. Lo hacen ahora porque tenemos el documental y la gente va a estar hablando. Tendremos nuestro primer meet&greet hoy, y es espectacular que podamos hacer eso después de 40 años. He visto clips y puedo decir que va a ser una muy buena película.

—¡La estoy esperando con ansias!

¡Sí!

—¿Qué se viene después para Candlemass? Mencionaste antes que tienen los conciertos, ¿pero qué viene después? ¿Cuáles son los planes?

Ahora estamos enfocados en Sudamérica. Y después eso iremos a Grecia para hacer un show único con Messiah después de 25 años, un solo show con él. Eso es para los fans, lo hacemos en Grecia y ya está todo vendido, pero gente de 40 países diferentes compró entradas, no lo podemos creer. Nos estamos enfocando en eso, en ensayar, y este año estaremos trabajando en la película y esperamos que pueda salir en febrero. Esos son los planes, y tenemos un par de recitales el año que viene pero Leif va a estar componiendo nuevas canciones, planeamos hacer un nuevo álbum pero todavía no sabemos cuándo saldrá. Johan es un cantante fantástico y Leif está componiendo buenas canciones, cuando Leif lo diga lo haremos. Así que Candlemass sigue adelante, no tenemos planes de decir que esto va a ser lo último de Candlemass, para nada. Lo hicimos hace un par de años, pero eso fue porque no nos sentíamos cómodos con la banda, con los miembros y todo, pero ahora nos divertimos y tocamos bien, no tenemos razón para dejar de hacerlo o para no seguir adelante.

—¿Hay algo que quisieras decirle a la gente que va a ir a ver a Candlemass en Argentina?

Lo único que quiero decir es que es un honor para nosotros volver a ver a nuestros fans en Buenos Aires. Estamos tan felices, la gente nos dice “Muchas gracias por venir” y no, es agradecerle a USTEDES por traernos a su país.

El metalcore en estos días no es nada nuevo, y aunque hay bandas que sacan buen material a veces es complicado encontrar nuevas maneras de interpretar este sonido. Pero los suecos Imminence han sabido hacerse un espacio en una escena sobrepoblada no sólo a través de sus influencias más rockeras y melódicas, sino también por la particular inclusión del violín como instrumento habitual en sus canciones. El encargado del violín es el también vocalista Eddie Berg, quien nos regaló unos minutos de su vida para poder responder algunas de nuestras preguntas, en ocasión de la que será la primera gira de Imminence por Latinoamérica en septiembre próximo, en apoyo de su exitoso nuevo álbum The Black (2024).

Bienvenido a Track To Hell y gracias por tu tiempo, Eddie. Esta será su primera gira por América Latina. ¿Qué han escuchado sobre los conciertos acá y qué esperan de esta experiencia?

Exacto, es la primera gira por ahí. Estamos muy emocionados, porque vamos a estar visitando un continente nuevo. Nos tiraron muchos comentarios, sobre lo emocionales que son al momento de mostrar el amor por la banda.

¿Cómo describirías un concierto de Imminence? Para la gente que aún no los ha visto en vivo.

Es una cosa muy enérgica, muy emocional. Aunque diría que es complicado decir cómo es un recital de la banda porque nosotros siempre estamos arriba del escenario. [Risas]

¿Cómo describirías el sonido de Imminence? ¿Cuáles son sus influencias?

Somos una cruza entre el death metal clásico sueco, que son las raíces de todos en la banda, con el sonido del metalcore y el post hardcore, además de una variedad de otras influencias. Obviamente lo que más le llama la atención a la gente es el sonido del violín.

El violín como instrumento habitual tiene que ser una de las cosas más singulares de su sonido. Traté de pensar en bandas de metalcore con algún sonido similar y no se me ocurrió ninguna. Me llamó la atención leer que estabas más metido en la música clásica y que cuando escuchabas metal no buscabas bandas que usaran esos instrumentos.

Escuchaba alguna que otra banda que usaba el violín, pero lo usaban más para acompañar las voces u otros instrumentos, no tanto que fueran el centro de atención.

Su último álbum The Black parece ser el punto donde todo realmente despegó. ¿Por qué crees que el disco ha tenido tanto éxito? ¿Qué fue diferente en este caso?

Este es un disco que es una verdadera culminación del desarrollo del sonido de Imminence, donde de verdad sonamos bien, donde se puede apreciar todo lo que hacemos. Además de

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Ya que te tengo acá, quería hacerte una pregunta sobre el segundo disco, This Is Goodbye. Poner una despedida en el título del segundo álbum es un tanto particular.

This is Goodbye fue un disco muy diferente con respecto a nuestro debut. Marcó un cambio claro en el sonido de la banda y representó una evolución importante en todos los aspectos.

El año pasado también lanzaron una regrabación de su álbum debut I, titulada The Reclamation of I. ¿Cómo describirías la evolución de la banda desde sus inicios?

La idea es que ese disco, la regrabación, es como para cerrar un ciclo, como para volver al inicio. Porque la idea es que, bueno, cumpliéndose ya 10 años de ese álbum, es para mostrar la evolución del grupo, y no queríamos hacer como un remix del álbum, una remezcla, sino que prefirieron agarrar y mostrarles a los fans otra versión actualizada del mismo. Y ese disco, I, es medio como un disco tapado en la discografía de Imminence, al punto de que algunos creían que The Reclamation of I era un nuevo álbum y no una regrabación.

Justo leí muchas reseñas y ciertamente había un par que no sabían que era una regrabación. Pero lo que también noté era que había muchas reseñas positivas, algo que no suele pasar con las regrabaciones, y que muchos mencionaban la mejora en las voces.

Exacto, exacto.

¿Qué te gustaría decirles a los fans argentinos que los verán en septiembre?

Esperamos verlos, pasarla bien y dar un gran recital. Como es un nuevo país vamos a ver si tenemos tiempo libre para recorrer la ciudad, pero siempre pensamos en ir para dar un recital antes que todo. ¡Nos vemos ahí!

La voz emblemática que transformó el metal extremo rompiendo estereotipos desde los tiempos de Cradle of Filth, habla sin filtros sobre sus comienzos, las colaboraciones que marcaron su carrera, los desafíos como artista solista y la emocionante vuelta a los escenarios con Covenant. En vísperas de su visita a la Argentina, Sarah Jezebel Deva comparte sus inicios, sus proyectos solistas, lecciones de vida, verdades sobre la industria musical y la auténtica pasión que mantiene viva su leyenda.

1. Empezaste en bandas de metal extremo como Cradle of Filth cuando pocas mujeres tenían protagonismo. ¿Cómo fue romper esos estereotipos? ¿Sentiste resistencia o tu voz abrió puertas para otras artistas?

Era muy joven. Antes de Cradle of Filth, estuve en una banda punk llamada Mad Dog en Londres. Hice un show y un álbum con ellos, pero no era para mí. Cuando comencé con Cradle of Filth, era la única corista en una banda de black metal. En ese momento pensé: “Esto es emocionante, es el comienzo de mi carrera“. No enfrenté resistencia, pero los tiempos eran diferentes: no había teléfonos móviles ni computadoras, todo era mediante cartas, llamadas y revistas. No recibí mucho crédito por lo que hacía; la gente no lo tomaba en serio. Era solo una chica joven haciendo coros en una banda de black metal desconocida del Reino Unido.

Cuando comenzamos a girar en 1997, en The Rape and Ruin of Europe, los fanáticos fueron asombrosos. Al principio hubo actitudes sexistas y fue difícil encajar, porque en la escena del metal extremo había muy pocas mujeres. Pero los fanáticos sí me tomaron en serio. Otras bandas también lo notaron, y de esa gira surgieron muchas ofertas, lo que me llevó a formar Covenant. Aunque pasé por malas actitudes y tratos, al final condujo a cosas buenas.

2. Covenant marcó un cambio radical en tu carrera, alejándote del metal extremo. ¿Fue una decisión consciente de “reinventarte” o surgió orgánicamente? ¿Cómo manejaste la reacción de fans “puristas”?

Cuando salió Nexus Polaris, aún tenía elementos extremos, pero llevó la música a un lugar diferente. Ganamos un Grammy noruego por ese álbum. Todos en la banda veníamos de otros proyectos extremos, pero Covenant era muy diferente. La respuesta fue fenomenal. No nos preocupamos por los “puristas”; todos tenemos entre 40 y 50 años, y ya no nos importa eso. La música es un arte que cambia, y nuestras influencias también. No puedes ser de mente cerrada al escribir música, de lo contrario no avanzas. Perderás algunos fanáticos, pero ganarás otros. El enfoque debe estar en hacer lo correcto para nosotros como artistas.

3. Has colaborado con artistas tan diversos como Therion y Mortiis. ¿Qué colaboración te sorprendió o hizo crecer más? ¿Hay algún proyecto que rechazaste y ahora lamentas?

Es una pregunta realmente difícil de responder, tendría que decir Therion. Christopher Johnsson me dijo que nunca contrataba cantantes no entrenadas, pero yo fui la excepción. Cantar en Theli entrenó mi voz y me ayudó a alcanzar notas que no creía posibles, creo, porque tenía el trasfondo de venir de Cradle of Filth. Vineyard me escuchó cantar en esos álbumes. Pero él nunca, nunca contrataba personas que no fueran cantantes de ópera entrenados y me contrató a mí.

Pero cada álbum que hice con cualquier banda, hubo cosas que miré hacia atrás y pienso que podría haberlo hecho de manera diferente, pero en su mayor parte simplemente abrí la boca, canté y esperé que salieran las notas y eso es todo.

Álbumes que significan mucho para mí: no sé si preguntas esto en otro lugar, pero los álbumes que significan mucho para mí son definitivamente “Nexus Polaris“, “Vampire“, “The Empire“, “Midian“. Incluso amo “The Stargate” de Mortiis y “God Has a Plan for Us All” de Angtoria.

Que algunas personas podrían decir: “Bueno, no, no estás vendiendo álbumes. No estás haciendo esto. No eres una cantante principal“. No se trata de eso. No mido mi éxito por aparecer en una portada o ganar mucho dinero. Es autosatisfacción y lo que hago por la gente y el producto final. También hice un montón de canciones de Mortiis el año pasado y el anterior que aún no se han lanzado.

No me arrepiento de ningún proyecto rechazado, excepto de no haber cantado “Christian Woman” con Type O Negative en vivo cuando Peter Steele me lo pidió. Es mi mayor arrepentimiento.

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4. Fuera del metal, ¿hay algún género o artista que te influencie y sorprendería a tus fans? ¿Has explorado hacer música completamente distinta a tu estilo actual?

Me gusta la música pop de los 80 y 90, y las bandas sonoras de películas. La música es música: si te hace sentir bien, no importa si es Bee Gees, Abba, no debería importar si es Dissection o Cannibal Corpse o Billie Holiday. Olvida la imagen; si te gusta, abrázala.

Recientemente, trabajar con Trym de Emperor en su álbum solista The Saga of the North me ha llevado a territorios diferentes, con un sonido similar a una banda sonora. También estoy trabajando en proyectos con Andreas (“Heljarmadr” Vingbäck) de Dark Funeral y Mortiis, lo que me ha hecho explorar estilos fuera de mi zona de confort. El canto que hago para esos tres tipos normalmente no haría pero cuando lo escuchás decís “ah, esa es Sarah“.

5. Tu imagen siempre fue tan icónica como tu voz (desde looks góticos hasta estilos etéreos). ¿Cómo decidías esos cambios? ¿Hay alguna etapa que ahora veas y pienses “¿qué estaba pensando?”

No me arrepiento de ninguna etapa de mi imagen. Con Covenant, Nagash me dijo que no necesitaba usar maquillaje si no quería, lo que fue liberador. Obviamente, en el escenario tenemos una imagen, pero ahora podemos ser quienes queremos ser. Ya no me preocupa lo que la gente piense visualmente; están ahí para escuchar la voz. Si sueno bien, es un bonus; si además me veo bien en el escenario, mejor. A los 48 años, hay cosas que ya no me siento cómoda haciendo.

6. Con el regreso de Covenant y posible música nueva, ¿qué te gustaría explorar que no hayas hecho aún? ¿Hay algún artista emergente que admires y con quien quieras colaborar?

El nuevo álbum de Covenant aún no está escrito. Nagash tiene millones de ideas de riffs, y Steiner también, pero nada es sólido. Nadie sabe qué dirección tomará, pero será una combinación de los cuatro álbumes anteriores. No queremos sonar como alguien específico; si planeas demasiado, sale mal. Me gustaría que el álbum tuviera un sonido cinematográfico, pero con elementos industriales y black metal.

Admiro a bandas como Swallow the Sun, Tiamat y My Dying Bride, pero no sé si Covenant podría ir en una dirección doom.

7. ¿Qué te inspiró a convertirte en cantante?

Desde muy pequeña, todo lo que quería hacer era cantar.

8. ¿Qué fue lo más difícil de trabajar con Cradle of Filth y por qué decidiste dejar la banda?

Los principales desafíos ocurrieron en los primeros días: actitudes sexistas, que me dijeran qué hacer, que me callara, que me insultaran. Esa actitud nunca vino de Dani; él estaba en una posición donde tenía que elegir sus batallas. Con el tiempo, mucha gente por encima de él tomaba decisiones con las que él no estaba contento, pero tenía que aceptar para mantener a la banda a flote. Siento que pudo haber defendido mi posición más en decisiones como la de “Nymphetamine”, donde grabé la versión original pero fui reemplazada, aunque luego se aseguró de que mi versión se lanzara en la edición especial.

Llegué a un punto en 2008 donde había tenido suficiente. Decidí renunciar y mudarme a Australia, y no me arrepiento. Dani suele llevar la culpa de todo, pero no siempre fue él; mucha gente detrás de escena arruinó las mejores formaciones.

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9. ¿Qué te motivó a crear Angtoria y en qué se diferencia tu trabajo solista de tus colaboraciones?

Angtoria nació de una gira con Dimmu Borgir y Evergrey. Chris Ren y yo creamos un demo, y luego se unió su hermano Tommy. Deberíamos haber sido más grandes, pero fue mi culpa: no quise dejar Cradle of Filth, Chris tenía un hijo pequeño, y Tommy también. Éramos demasiado jóvenes para comprometernos con un proyecto desde cero. Tenía miedo de fallar.

Angtoria fue muy diferente a todo lo que había hecho antes. Luego, con Chris, creamos “Between Two Worlds“, una continuación de ese proyecto. Mi trabajo solista fue más difícil: cuando intenté lanzarme como solista en 2008, una discográfica arruinó las canciones. No sirvo para ser frontwoman; creo que nací para ser corista, brillando en palabras sueltas, narraciones y “oohs” y “ahs“.

10. ¿Cómo fue la recepción de tu material solista vs. tus trabajos con bandas grandes?

La recepción de Angtoria fue increíble y aún perdura. La gente me cuenta cómo ese álbum les cambió la vida. Como solista, el timing fue erróneo; no tenía apoyo, y la discográfica arruinó las canciones. Reedité “A Sign of Sublime” con Lindsay Schoolcraft y Charles de Mayhem, pero sigo sin conseguir que lo solista funcione. Estoy muy feliz siendo corista.

11. ¿Qué te motivó a volver a Covenant después de tantos años?

No tenía motivación para cantar de nuevo. Cuando Lindsay Schoolcraft dejó Cradle of Filth, empezamos a hablar. Ella insistía en que la gente me quería de vuelta, y luego músicos famosos me contactaron para ayudarme. Mathias de Hypocrisy me compró equipo, Chris Ren me ayudó mucho, y Lindsay también. Nunca planeé volver a la música, pero ahora lo amo más que nunca. La escena ha cambiado: pasó de ser un ambiente inmaduro y desagradable a uno familiar y de apoyo. Ensayar en Noruega fue increíble. Ahora con Charles en la banda, no hay drama, es profesional, y disfruto la música como nunca.

12. ¿Cómo te preparas para un show en vivo después de un largo descanso y qué expectativas tienes para el concierto en Buenos Aires?

La gira sudamericana será “amazing“. Esa parte del mundo es fenomenal: la gente es graciosa, humilde, amable y educada. No me preparo de manera especial: un poco de calentamiento vocal, mucha agua. Bebemos en su mayoría agua antes del show; quizá una o dos cervezas, pero no hay alcohol en el backstage. No es una fiesta borracha como antes; ahora somos mayores. El backstage es calmo: reímos, hablamos, y nos preparamos estando tranquilos, sabiendo que tenemos un trabajo que hacer para el público.

13. ¿Cómo defines tu identidad musical después de tantos proyectos y cuál es la lección más valiosa que has aprendido en tu carrera?

Me defino como una corista. Abro la boca, espero que salgan las palabras y que esté bien. Soy una cantante profesional pero no entrenada. Solo quiero divertirme, hacer mis “oohs” y “ahs“, y cautivar a la gente.

La lección más valiosa es: no alabes a las personas por ser famosas. Alábalas por cómo te tratan. Todos estamos aquí para apoyarnos. Aprendí esto especialmente en Hellfest. No tolero el ego ni las malas actitudes. Si alguien no tiene cinco segundos para saludarte, no merece tu tiempo. Olvida que son famosos; son humanos como tú y como yo. Trátalos como ellos te tratan. Intento siempre saludar a todos; si no tengo tiempo para un autógrafo, al menos doy un abrazo o una foto. Nunca quiero molestar a nadie. Hay que aprender a diferenciar entre la gente buena y la mala.

Gracias por la entrevista. Significa mucho que me hayas hecho estas preguntas y que quieras hablar conmigo. Espero que nos crucemos algún día.

En esta ocasión, tuvimos el privilegio de charlar con Jamie Moreno, baterista de Edge of Paradise, la innovadora banda de metal cinematográfico originaria de Los Ángeles. A través de sus respuestas, Jamie nos adentró en los orígenes de la agrupación, su evolución musical, y el fascinante concepto detrás de su más reciente trabajo, Prophecy. Además, nos compartió reflexiones sobre el sonido único de la banda, sus influencias y hasta su festival soñado.

Desde aquí, agradecemos enormemente a Néstor de Heresy Metal Media por hacer posible este acercamiento y facilitar un diálogo tan enriquecedor con uno de los integrantes de esta propuesta que no deja de reinventarse. ¡Acompáñennos a descubrir más sobre Edge of Paradise!

1. Edge of Paradise surgió en 2011 en Los Ángeles. ¿Qué momento exacto o conversación los impulsó a crear esta banda? ¿Cómo decidieron el nombre “Edge of Paradise”?

⁃ Cuando Margarita conoció a Dave, ambos habían sido contratados para colaborar en una canción. En ese momento, los dos se encontraban en una encrucijada. La banda anterior de Dave se había detenido cuando el cantante Robin McAuley se fue de gira con Survivor. Margarita acababa de mudarse a Los Ángeles después de estudiar actuación en Nueva York, pero quería crear algo propio, algo en lo que pudiera invertir completamente sin depender de los proyectos de otras personas. Su conversación reveló un deseo compartido de tomar el control de su destino creativo. Sabían que sería muy difícil, pero sería algo que ellos podrían moldear. Cuando llegó el momento de elegir un nombre, querían algo que reflejara sus estilos contrastantes. Dave aportaba la fuerza y la intensidad, mientras que Margarita traía melodías cinematográficas y emoción. Y viviendo en Los Ángeles, un lugar que a menudo parece un paraíso en la superficie, pero si vives aquí, entiendes lo fácil que es caer al borde. Esa dualidad se convirtió en su nombre: Edge of Paradise.

2. ¿Cómo evolucionó Edge of Paradise desde su debut hasta ahora?

⁃ Según Margarita la banda no ha parado de evolucionar. Pero un punto clave fue cuando se grabó “Universe”. La banda comenzó a encontrar su sonido a partir de este álbum y a condensar más su alineación con la llegada de Jamie en la Batería, que entró a partir del álbum The Unknown, y después la llegada de Kenny en Bajo. Con una alineación ya decidida y consistente, la creatividad fluye mucho mejor y se comenzó a moldear lo que ahora es EOP. Hasta ahora la evolución no para y seguimos trabajando incansablemente para sacar este proyecto adelante.

3. Han tenido varios cambios de alineación. ¿Cómo afectó esto su dinámica creativa? ¿Algún miembro anterior dejó una huella especial en la banda?

⁃ En realidad todos los miembros fueron importantes y Edge of Paradise siempre estará agradecida con la contribución de cada uno de ellos. En general todos ponemos lo mejor de nosotros para que la banda sea exitosa, y lo mismo con todos los miembros anteriores.

4. Su sonido mezcla metal, electrónica y toques cinematográficos. ¿Cómo definirían su género actual?

⁃ A nosotros nos gusta definirlo como rock/metal cinematográfico. Aunque hemos escuchado muchas personas decir: industrial melodic metal, o metal sinfónico, etc., etc. ¡Tantas y tantas! Pero en general nos gusta ser únicos y pues puede variar mucho entre álbumes.

5. ¿Puedes explicar la historia conceptual detrás de Prophecy?

⁃ En Prophecy, continuamos la historia planteada por nuestros álbumes anteriores, llevándola hasta un punto de quiebre existencial—lo que comúnmente se conoce como La Singularidad. Este es el momento profetizado en el que la humanidad se enfrenta cara a cara con la decisión de fusionarse con la inteligencia artificial, desencadenando un posible cambio que podría redefinir la vida, la conciencia y la realidad misma.
El álbum explora temas como el control, la identidad y la esencia de lo que nos hace humanos. ¿Quién dará forma al futuro—nuestra propia voluntad, o los sistemas que hemos creado? ¿A qué nos aferramos cuando la tecnología empieza a reemplazar no solo nuestros cuerpos, sino también nuestras mentes y almas?
Prophecy también representa un punto de inflexión creativo para nosotros. Por primera vez, tomamos una postura clara a favor de la humanidad. En medio del caos, la manipulación y la seducción de la inmortalidad digital, elegimos luchar por el espíritu humano—imperfecto, emocional, hermoso—y por el derecho a definir nuestro propio destino.
Al final, Prophecy es un espejo. Le pregunta al oyente: ¿qué estás dispuesto a sacrificar para sobrevivir, y qué preservarás para realmente vivir?

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6. Sus letras exploran la IA y distopías. ¿Son advertencias o solo narrativa?

⁃ ¡Definitivamente narrativas! ¿O advertencias? En este mundo en el que estamos ya no sabemos qué puede pasar. Pero a Marg siempre le ha fascinado ese tema, entonces lo narra en sus letras.

7. ¿Qué canción de su discografía creen que mejor los representa y por qué?

⁃ Para ser sincero, todas las canciones tienen algo especial para mí. Desde mi ingreso en el 2019 cuando comenzamos a grabar The Unknown, el concepto cambió bastante y la banda comenzó a generar su imagen un poco mejor. Pero en mi opinión, las canciones “Hologram” y “Digital Paradise” representan lo que la banda estaba apuntando a lograr: heavy guitars, punchy y pegajosas baterías, y pues la voz de Margarita ¡que es mágica!

8. Si pudieran armar el lineup de su festival ideal, ¿qué 5 bandas serían imprescindibles y en qué orden tocaría Edge of Paradise?

⁃ Hmmm, ¡qué pregunta más difícil! Hahaha.

• Rammstein

• Gojira

• Slipknot

• Bad Omens

• Edge of Paradise

9. Para finalizar, ¿qué mensaje les enviarías a tus fans argentinos?

⁃ Amigos argentinos, para nosotros es un placer que ustedes escuchen nuestra música. Como latinoamericano, sé la variedad de artistas que su país nos ha ofrecido, así que es un honor que le den un chance a Edge of Paradise. Todos los miembros ponemos el alma en lo que hacemos y les agradecemos el inmenso soporte.
⁃ Esperamos algún día poder visitar la hermosa Argentina y poder compartir con ustedes nuestra música en vivo. ¡¡Love ya all!!

El gran vocalista Mark Boals (Yngwie Malsmteen, Ted Nugent, Savoy Brown, Ring of Fire, Royal Hunt), nos cuenta algunas historias de su vida y de como fue el paso de el por algunas bandas muy importantes, además de el proceso de creación de sus álbumes solistas.

¿Qué recuerdos tienes de cuando hiciste el álbum Trilogy con Yngwie Malmsteen? 

Bueno, fue una época de locos por muchas razones, era mi primera vez en un gran estudio grabando mi primer gran álbum, un gran contrato discográfico sabes, teníamos un contrato de 6,8 millones de dólares con Polygram Worldwide, y también fue el primer gran contrato para ellos y para Yngwie. Ya había publicado dos álbumes antes pero solo con Polygram, así que no fue gran cosa; viví momentos de locura en el estudio, nos pasamos semanas y semanas en el, no sé, quizá dos meses grabando el disco y quizá un mes arreglando las canciones antes de entrar al estudio, así que, bueno, quedó genial, esos chicos estarán en mi corazón para siempre. 

Cuéntanos cómo llegaste a formar parte de Royal Hunt.

De hecho, fue a través del sello discográfico italiano Frontiers, es la banda de André Andersen, ya sabes, él estaba haciendo audiciones y pidió a todos que grabaran algunas canciones, así que grabé un par de ellas y se las envié, Frontiers me recomendó, de hecho, pueden encontrar en YouTube mis audiciones para Royal Hunt, hay dos canciones para las que audicioné.

Así fue como entré en la banda, luego grabé dos álbumes con ellos y recientemente di algunos conciertos con ellos en Japón y Europa, probablemente daré más conciertos con ellos, ya tienen un EP a punto de salir en el que no canté. 

Canté una canción en los dos últimos álbumes antes de Dystopia 1 y 2. Pero no canté en el EP. Creo que son algunas canciones que ya habían grabado las que están saliendo ahora, supongo que estoy respondiendo demasiado largamente a tu pregunta. 

No, me encanta toda esta información, gracias por explicar tan bien. El álbum Broken Bones de Dokken es un disco mucho más maduro. ¿Te gustó el resultado porque colaboraste con él? 

Sí, Don Dokken es un buen amigo mío, estábamos haciendo algunos conciertos acústicos juntos cuando su guitarrista tuvo que operarse el hombro, tuvieron que arreglarle un hueso, reemplazarle algo en el hombro o algo así, no pudo tocar durante un año y medio, así que yo estaba haciendo conciertos acústicos con él y él estaba grabando el álbum. Me pidió que hiciera los coros con él y lo hice y en ese momento, no estaba contento con su bajista, así que me pidió que tocara el bajo y también lo hice, toqué el bajo con ellos en vivo durante un par de años, de hecho pero hice conciertos por todas partes.

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¿Cómo es el proceso de creación de tus álbumes en solitario? ¿Cómo salen las ideas?  

Es diferente cada vez, mi primer disco solista sólo salió en Japón, escribí todo yo sólo y elegí a los mejores para tocar en el, Chris Frazier en la batería, Barry Dunaway en el bajo, fue un proceso diferente para hacerlo, después creamos Ring of Fire, tenía una banda completa con Tony Macalpine, Vitalij Kuprij, al final fue una gran banda, y para mi tercer disco solista use varios guitarristas y colaboran varias personas, así que el sonido es algo similar, también estoy haciendo un nuevo disco solista ahora, tengo un par de guitarristas diferentes, pero el sonido va a ser prácticamente el mismo en todo el álbum. 

¿Podrías nombrar cinco canciones clásicas de rock y metal que aún te parezcan increíbles? 

Hay demasiadas, es difícil elegir cinco, es difícil elegir una, de verdad, porque hay muchísimas, deberías haberme preparado para esto. ¿Puedo buscarlo en Google? (risas).

Bueno, supongo que cuando Dio empezó a cantar con Black Sabbath, me quedé alucinado con todo el material del álbum Heaven and Hell; todo el álbum era increíble y antes de eso, Ian Gillan con Deep Purple, los primeros álbumes de Deep Purple, de pequeño, lo oía cantar con sus gritos altos y cosas así, me encantaba todo eso. También está Judas Priest, no sé qué canción, hay muchísimas, sólo nombraré bandas. Rob Halford es un cantante increíble, Bruce Dickinson de Iron Maiden, me gusta Don Dokken, Scorpions, entre el Dokken de los primeros tiempos y todo lo de Scorpions, me encantan las voces de ambos en su época dorada. 

¿Puedes contarnos la historia de cómo Mark Boals se convirtió en cantante? 

Escuchaba la radio, mis padres me compraron una pequeña radio de transistores, era grande y tenía auriculares y cuando estaba en la escuela, escuchaba rock and roll, me enganché a la música enseguida y entrá a clases de canto, de hecho, también empecé a cantar en la iglesia. 

Mi padre tenía una grabadora y empecé a grabar mi voz, escuché cómo sonaba y pensé: “Creo que puedo hacerlo“. Era muy tímido, así que empecé a tocar el bajo en los grupos, así podía hacer coros en la banda y como resultado, me convertí en cantante principal y bajista, luego descubrí que cantar por sí solo era más desafiante porque podía profundizar en el arte de cantar cuando no tocaba un instrumento aunque me gusta hacer ambas cosas. 

¿Qué opinas sobre los nuevos álbumes de Yngwie Malmsteen? 

La verdad es que no los he escuchado, simplemente no creo que estén a la altura de los álbumes anteriores, primero, no hay química con los músicos porque lo hace todo él mismo y canta solo, eso es algo diferente, bueno, todavía toca genial y todo, pero creo que las canciones y el resultado no son tan buenos como los anteriores, es solo mi opinión.

Han sido muchos años de carrera artística. ¿Cuál ha sido el mejor momento de tu carrera? 

Ha habido muchos, muchos, muchos, pero uno que se me quedó grabado es el primer concierto que di con Yngwie, fue en un estadio con 80.000 personas, era el festival “Day on the Green”, en el Estadio Oakland, California y se transmitió en directo por MTV, no sé qué pasó con ese vídeo, todavía no lo encuentro, pero está circulando por ahí, tiene que estar, ese fue un momento increíble, pude conocer a Sammy Hagar y a Neal Schon de pie al lado del escenario mirándome, personas a las que admiraba mucho e hice un gran trabajo, estoy muy orgulloso de ese momento, se me quedó grabado para siempre. 

¿Cómo fue tu tiempo en Savoy Brown? 

Era el bajista principal, actuábamos como trío y así fue como conseguí el trabajo con Ted Nugent. Tocábamos en el Texas Jam, un gran festival en Texas y Ted Nugent me vio y me dijo: “Oye, te quiero en mi banda“. Así fue como conseguí el puesto, no sé si fue una buena decisión o no pero fue divertido. Estuve con Kim Simmonds en su banda Savoy Brown durante al menos dos años y medio, principalmente tocando en directo, grabamos algunas cosas, pero nunca terminamos un álbum. Grabamos un montón de canciones para un disco pero nunca salió. Savoy Brown es una banda increíble pero es muy diferente. Es jazz, blues, rock, es blues británico y blues rock, fue una época divertida.

Gracias por tu tiempo Mark. Por favor, unas últimas palabras para que la gente lee Track to Hell.

Es un placer para mí, denle un vistazo a Track to Hell, es una gran web llena de información.

Desde Tracktohell tuvimos el placer de entrevistar a Susanna Radimovskaya de Star Crystal, la banda ucraniana que mantiene viva la esencia glam del hard rock ochentero. Hablamos sobre su historia, el origen del nombre, su estética “sexy y liberada”, el impacto de la guerra en su creatividad y su visión sobre la música actual. Agradecemos especialmente a la producción de Heresy por confiar en nosotros para que nuestros lectores puedan descubrir más sobre la vida y pasión de la banda.

1) ¿Cómo se formó Star Crystal y qué representa el nombre?

Eso empezó allá por 2012, cuando yo —Susanna— decidí que ya estaba harta de solo soñar con tener una banda de rock y quise crear una. Desde chica estaba obsesionada con cantantes como Tina Turner y bandas como Scorpions, y cuando conocí a Alex, el guitarrista, pensamos: “¿Por qué no empezamos la nuestra?”. Conseguir al resto de los chicos llevó un poco de tiempo, pero lo logramos. Pensamos en llamarnos simplemente “Crystal” (porque suena como champán), pero sentimos que necesitábamos algo con alma rockera. Así que le sumamos “Star”, en referencia a una estrella de rock, y así nació Star Crystal.

2) ¿Cómo definen la estética “sexy y liberada” que promueve la banda?

Mucha gente se queda encerrada en su propio mundo y se pierde la vida, y creemos que música como la nuestra puede ayudarles a abrirse. Lo que queremos es revivir ese sonido del glam y heavy metal de los 80’s con el que crecimos, eso que tocábamos con guitarras de aire mientras soñábamos con multitudes metaleras gritando. En nuestras canciones mostramos la pasión, el amor y la fuerza de las personas decididas, y siempre volcamos todo lo que sentimos y vivimos.

3) ¿Cómo escriben letras que empoderan a las mujeres sin caer en los clichés?

La verdad, no lo pienso demasiado; las palabras simplemente salen y escribimos sobre eso.

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4) Como banda ucraniana, ¿cómo impactó el conflicto en su país en el proceso creativo y en la escena local?

La verdad que es un bajón ver lo que está pasando; mata bastante la vibra creativa. Ahora estamos todos viviendo en distintos países, así que hacemos todo a distancia, y no es lo ideal. En Ucrania, todo lo que sea más pesado que el pop-rock es prácticamente underground, así que nuestro estilo glam/hard rock no tuvo mucha repercusión local. Por eso empezamos a tocar y hacer giras fuera de Ucrania. Los fans del rock están en todas partes, y sentimos que compartir nuestra música con el mundo es lo correcto.

5) Si pudieran resucitar a un ícono del glam para colaborar, ¿quién sería?

La verdad, sería increíble tener a John Sykes y Whitesnake de los 80’s en el escenario con nosotros y tocar juntos “Still of the Night”. Sería un sueño hecho realidad.

6) ¿Qué opinan sobre usar inteligencia artificial para crear sonidos musicales y arte de discos?

Creo que es solo una herramienta, algo que está en manos de un artista para expresar sus ideas y sentimientos. Así como la fotografía no mató a la pintura, o el cine no reemplazó al teatro. El sampling y la música electrónica no son enemigos de la música tradicional, solo son otra manera de hacer algo copado. Siempre hubo miedo de que la tecnología nueva destruyera el arte viejo, pero la mayoría de las veces solo suma algo nuevo o mejora lo que ya existía.

7) Si pudieran armar el line-up de su festival soñado, ¿qué 5 bandas serían esenciales y en qué orden tocaría Star Crystal?

Whitesnake, Mr. Big, Jon Bon Jovi, Guns N’ Roses, Def Leppard. No puedo ponerlos en orden, son todas leyendas.

8) Para cerrar, ¿qué mensaje le mandarían al público argentino?

Queremos decirles: amen más, vivan a pleno y déjense enamorar de nuestra música. Creemos de verdad que la música en vivo y el rock ’n’ roll todavía tienen el poder de levantar a la gente e incluso cambiar el mundo. Si todavía no escucharon a Star Crystal, dennos una oportunidad: nuestras canciones están para ayudarlos a atravesar malos momentos, encontrar su chispa o simplemente escapar y pasarla bien.
Nos encantaría tocar en Latinoamérica y estamos trabajando activamente para organizar una gira completa por allá, con Argentina como destino clave.

Darse cuenta de que “20 años atrás” se refiere a la década del 2000 y no a los ochentas es uno de los momentos donde uno se da cuenta del paso del tiempo. Pero el punto es mantenerse joven mentalmente, y esa es la idea detrás de Sudarshana: la banda argentina de pop punk y hardcore volvió al ruedo en 2023 tras 11 años de ausencia, demostrando que mantienen la misma energía que en aquellos años. Y ahora se ponen a la tarea de celebrar los 20 años de La Rebelión del Corazón, álbum del 2004 que muchos consideran el punto más alto de su discografía. Para hablar sobre esto, hablamos con su bajista Matías Solo para hablar sobre aquellos años, el presente y también el futuro de estos punks espirituales.

—Un saludo a toda la gente de Sudarshana, queríamos arrancar agradeciéndoles por tomarse el tiempo de responder nuestras preguntas. ¿Cómo los encontramos en estos momentos?

En primer lugar muchas gracias por el espacio y la difusión. Estamos realmente a las corridas con los preparativos para el show de Vorterix. Ensayando a pleno y ocupados con la organización de semejante desafío. Obviamente muy entusiasmados y felices de estar en esta instancia de la banda.

—Ahora se van a estar presentando el 26 de julio en Vorterix como parte de los festejos por los 20 años de La Rebelión del Corazón. ¿Qué recuerdos tienen de aquellos años como banda?

Muchísimos, los incontables shows que dimos en lo que era como una gira interminable, que en principio nos llevó por el circuito de CABA, hicimos fechas en lugares míticos como CEMENTO, ARLEQUINES dos noches seguidas, PETECOS en zona sur o el MOCAMBO de Haedo, para luego continuar con incontables shows en el interior y lo que para nosotros fue un flash que fue empezar a viajar al exterior en giras que nos llevaron a varios países de Latinoamérica como Brasil, Colombia y Chile donde llegamos a hacer hasta 3 viajes al año.

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—¿Qué nos pueden contar de lo que fue estar componiendo y grabando el álbum hace 20 años?

Fue una experiencia muy linda porque a nivel técnico era una época donde estaba ocurriendo el cambio tecnológico a nivel métodos de grabación, de hecho el disco se grabó en cierta medida de manera híbrida, donde grabamos lo que fue todas las baterías, bajos y guitarras bases en el mítico estudio EL PIE, con sistema analógico en cinta abierta y luego se realizaron grabaciones y mezcla en sistema digital, lo cual sentimos que le aportó al audio del disco algo único e irrepetible.

—¿Cómo ven a La Rebelión del Corazón en el contexto de la discografía de Sudarshana?

Siempre sentimos que fue un disco que marcó un quiebre, históricamente es el primer disco en el cual sentimos que quedó plasmado casi al 100% la idea que teníamos en la cabeza. También sentimos que ese quiebre fue recibido por la gente de manera positiva y eso se hizo notar en la convocatoria y en la respuesta en los shows.

—¿Cómo surgió el título de La Rebelión del Corazón en su momento?

Lleva el nombre de uno de los temas del disco, y es un poco una filosofía que nos representa como banda, es rebelarse y cuestionarse y cuestionar ante lo establecido, pero desde un lado espiritual, de no violencia y desde adentro de una mismo. Creo que es nuestro lema de vida sin darnos cuenta.

—Viéndolo en retrospectiva, y con el beneficio del tiempo, ¿creen que hay algo que hubieran cambiado del disco si lo grabaran ahora?

Siento que al oírlo no haríamos otra cosa distinta, pero si lógicamente con el paso del tiempo uno adquiere nuevas influencias e inspiraciones, entonces no se si ese disco no existiera si hoy lo compusiéramos o grabáramos 100% igual, pero es lógico siendo que somos personas con 20 años más. Insisto que al escucharlo siento que la obra plasmó quienes éramos en ese momento y lo que queríamos mostrar en ese momento.

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—¿Cómo creen que han cambiado las cosas desde que saliera La Rebelión del Corazón?

En algunos sentidos muchísimo, son 20 años en la vida de una persona, una sociedad, un país, han pasado muchísimas cosas. Cada uno de nosotros es una persona distinta, creería que más maduros, pero otras cosas siguen siendo iguales, como nuestra pasión por la música, nuestra amistad como banda y nuestras ganas de seguir teniendo aventuras como fue el tour del 2023 por Centroamérica, o este tour de los 20 años del disco La Rebelión Del Corazón.

–Siendo que ahora lo van a estar recordando en vivo, ¿qué canción específica es la más divertida de arriba del escenario?

Hay muchas, cada una tiene su favorita, en alguna coincidimos los cuatro pero en lo personal puedo decir que “La rebelión del corazón” es mi favorita. Creo que musicalmente genera un clima que da una reacción abajo del escenario que nos inspira mucho.

—Después de este concierto, ¿tienen ya planes a futuro?

Si, por un lado la gira que se está cerrando por Latinoamérica y otros destinos, de hecho ya en Marzo hicimos un show en Brasil, además de eso estamos terminando el disco nuevo de Sudarshana.

—¿Quisieran dejarles un mensaje a todos los que vayan a verlos el 26 de julio en Vorterix?

Si, que los esperamos y esperamos que vengan llenos de energía y con ánimos de celebrar juntos un show que va a ser único e irrepetible.

Luis María González entrevista en la calle a Agnes Alder, cantante de la banda escocesa de doom gótico Cwfen (pronunciado “Coven”), quienes acaban de lanzar su LP debut: Sorrows.

Asspera lanzó este 2025 su más reciente album Cronica de una Verga anunciada y el éxito es tal que hoy los coloca como una de las bandas más masivas y escuchadas de la escena. Tuvimos la oportunidad de charlar un poco en un corto pero profundo ida y vuelta con Julian Barret, más conocido como Rockardo, y esto fue lo que nos dijo desde su lado más personal.

Hola Rockardo! Hoy escuchaba su anterior disco Garcha2 x To2 La2 que salió todavía en épocas de pandemia. Entonces, Crónica de una Verga Anunciada es el primer material de Asspera pos-pandemia ¿Que grandes cambios notan para estos nuevos tiempos?¿El público en recitales se comporta igual? ¿La forma de promocionar su música es la misma?

Bueno, en principio haciendo un pantallazo rápido de la pandemia, la verdad que todo a lo que nos había obligado cambió inmediatamente una vez que se normalizó la cosa, o sea, volvimos a la vida de antes y yo creo que nos desacostumbramos rápido de esos momentos. En aquella época quizás lo veíamos como “que bajón!” y hoy en día lo vemos como que copado que estaba no tener la misma cantidad de obligaciones y moverse menos. Bueno, muchos la sufrieron a nivel económico de manera muy horrible quizás, eso es otro tema aparte, pero los que quizás tuvieron la suerte de seguir laburando desde la casa o haciendo cosas nuevas para subsistir y les fue bien, bueno, lo pueden recordar de otra manera. Pero yo creo que hoy en día ya el público volvió a la normalidad, creo que no hay ningún cambio. Lo que yo observé, por lo menos, es que no hay ningún cambio. Lo último que hizo verdaderamente cambiar a la escena rockera argentina fue Cromañon. Hay un antes y un después en los recitales con Cromañón, pero no con la pandemia. Yo creo que la gente sigue normal, volvió a dejar el distanciamiento, se abrazan, se comparten transpiración en el pogo, quedó totalmente distinto.

Y la forma de promocionar la música también creo que fue la misma durante, antes y después. Hoy en día las redes sociales lo son todo, existe esta nueva etapa de democratización de los medios involuntaria y de alguna manera casual por el fenómeno de internet y el fenómeno de redes sociales. Antes, cuando yo era chico, había una sola radio que pasaba heavy metal. Esa única radio tenía un solo programa que pasaba heavy metal nacional, que era la Heavy Rock and Pop, y era imposible escuchar otra radio y los 50, 100 mil, 200 mil, 500 mil metaleros que existieran en la Argentina tenían que unirse para escuchar esa radio. Eso tenía muchísimos beneficios y otras contras. El poder estaba centralizado en un solo encargado artístico que era el que decidía que iba ahí y que no iba. No estoy hablando ni mal ni bien, no sé ni quién era.

Hoy en día puedo decir que soy amigo de algunas personas que estaban en ese programa, o conocido también, como César Fuentes Rodríguez, como Nagui, como el Ruso Verea, que lo entrevisté para mi programa justamente en pandemia. Bueno, nada, creo que la forma de promocionar música de aquella época era únicamente de esa manera. Con el tiempo aparecieron las radios under, los fanzine under, pero no tenian tanta trascendencia y hoy en dia cualquiera se abre una red social y tiene su propio medio. De ahí a que tenga o no éxito, dependera del contenido y de la forma en la que lo genere. Y eso también va para las bandas. Hay bandas que creen que hoy en día no están funcionando o tienen la fantasía de que no funcionan porque no tienen publicidad o no tienen prensa, y…la verdad que hoy en día lo que funciona y lo que le gusta a la gente se viraliza de forma automática y sin poner un solo peso. De hecho así fue que le pasó a Asspera. Asspera no tiene compañía discográfica, nunca la tuvo y nunca ha invertido ni siquiera un peso en ninguna red social para tener más trascendencia y la verdad que no hemos tenido ninguna dificultad para hacer crecer nuestra banda, dado que llamaba tanto la atención que creció de forma viral.

Lo viral se hace viral de forma gratuita si llama la atención. No quiere decir que por eso un proyecto artístico no sea bueno o no merezca más éxito comercial, o no lo vaya a tener porque invirtiendo dinero y recursos no fue la forma en la que por lo menos Asspera se hizo viral y tuvo éxito, ni veo que sea una forma viable porque veo muchísimos artistas invertir muchísima plata y que no pase nada. Creo que una cosa potencia a la otra, si un proyecto artístico es requerido por la masa y tiene éxito probablemente con una inversión de plata lo tenga más rápido y más grande, pero no veo que si el proyecto artístico no llama la atención pueda llegar a tener éxito.

También pude notar en sus últimas obras, sobre todo este último disco, que tienen una cuota más fuerte de crítica social, sin dejar de lado la impronta del metal bizarro. Me ha llamado la atención ver tanta gente ofendida con canciones como Jesucripto porque aborda temas más políticos ¿qué opinan de la gente que amenaza con dejar escuchar Asspera por esta razón?

Y, bueno, nada. ¿Qué le podría decir a una persona que decide dejarnos de escuchar por la forma en la que escribimos nuestra poesía? Bueno, lo lamento muchísimo. Le deseo suerte. Nosotros escribimos lo que tenemos en el corazón, lo que sentimos y lo que nos parece que está bien. Si no lo compartís, y bueno…hay muchísimas bandas para escuchar. A todos nos ha pasado, incluso a nosotros, que hemos dejado de escuchar artistas porque ya no nos gustaba lo que escribía. Ahora, por una canción que quizás te interpela tanto que te sentís tocado negativamente, bueno, dejar de escuchar toda la discografía de la banda me parece una boludés, pero cada uno está en todo su derecho. Nosotros escribimos con el corazón, escribimos lo que nos gusta y lo hacemos desde la mejor buena leche. Nos parece que a nosotros como electorado nos han hecho el cuento del tío una vez más, otra vez. Me parece una pelotudez olímpica no gritarlo a los cuatro vientos. Nos parece que es muy necesario que los artistas digamos algo al respecto. Me parece muy necesario.

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-Mientras escucho su música estoy haciendo un esfuerzo sideral por no dejar una catarata de improperios que puedan comprometer al medio. Bueno para ustedes esto nunca ha sido un problema ¿o si? ¿Alguna vez enfrentaron algún tipo de denuncia por sus letras y videos? ¿Tuvieron que retractarse de algo?

Sí, hemos tenido problemas con una persona de la iglesia que fue encarcelado por abuso infantil y sin embargo tuvo la caradurez de enviarnos cartas de documento para que saquemos del aire una canción nuestra y unos flyers. No lo puedo nombrar por una cuestión legal, pero fue muy bizarro. Fue muy bizarro que suceda una cosa de esas. Pero bueno, la justicia es para todos, así dicen, y si sirvió para algo para nosotros, es para que sigamos haciendo la música con más fuerza.

-Es cierto que la gente idealiza la vida de las bandas, como si todos pudieran vivir el sueño de rockstar, de solo salir y tocar y ver llover el dinero. En realidad hay un gran esfuerzo a pulmón para producir los discos, mover todo lo que uno mueve en cada gira, ¿Podrían contarnos un poco cómo se arma una gira de Asspera? ¿Se autogestionan o delegan el trabajo a alguien más? ¿Hotel 5 estrellas? ¿O un motel de mala muerte a la vera de la ruta?

Bueno, sí, sí, nos ha pasado de que gente cree que somos todos rockstar y vamos a tocar y nos llevamos un millón de dólares cada uno. De hecho, acaba un amigo recién de hacer una cuenta y me dijo “¿Cuánta gente los fue a ver el sábado?” Y le digo “Y…en el festival Argentina Metal Fest había unas 2.000 personas” Y dice, “¿Y cuánto estaba la entorada?” “50.000 pesos” le digo. Hizo la cuenta rápida y me dice, “Ah, te llenaste de oro”. No es así. Es propio de la gente que no tiene idea de eso. Como todos, no todos podemos saber de todo. Entonces algunos sabemos de algo y otros saben de otras cosas. Y siempre hay un especialista para cada rama. Bueno, el que no es especialista en el conciertos, no tiene ni idea. Que sí hay artistas que son millonarios, seguro, pero son muy pocos y son los que son reconocidos a nivel mundial. Nosotros nos autogestionamos, vivimos en la Argentina, tocamos a pulmón. A veces no ganamos mucha plata, a veces ganamos muy poca, pero por suerte somos de las muy poquísimas bandas que pueden ganar un banco para vivir, eso es una realidad también, somos de los pocos artistas. Pero bueno, ninguno puede vivir de esto solo.

Todos tenemos, o bien otros trabajos en otras áreas de la música como yo, que puedo dar clase, mezclar artistas, producir alguna canción o dar clase de guitarra y en el caso de otros integrantes de Asspera que se dedican a otras cosas, como 3,14J que repara impresoras, como el Terro que repara motos, como el Buitre que es bancario, como Richard que a veces hace diseño gráfico. Todos tenemos algún laburo con el cual complementamos lo que ganamos en la banda, que ayuda y está buenísimo, pero somos de los pocos artistas. La mayoría no gana ninguno. No tenemos vida de rockstar y hemos ido a hoteles que realmente eran tan malos que hemos preferido no dormir, eso nos ha pasado no una, sino millones de veces, así que no creo para nada que haya que mantener un cierto estatus de rockstar para que la gente te tenga respeto, me parece una pelotudez. Somos tipos humildes, tranquilos, vamos a tocar, nos divertimos y lo hacemos por amor y tenemos la suerte que lo que a nosotros nos llena el alma y nos encanta hacer, también nos da un poco de comer.

-Por último y no menos importante, la reciente partida de Ozzy nos dejó muchísimo pensando en que entramos en el periodo de partida de las grandes leyendas ¿Cómo ven el metal a futuro? ¿Puede mantenerse este nivel de masividad o seguirá volviendose más nicho? ¿ven a Asspera como un referente del metal argentino en este momento? ¿Y en el futuro?

Bueno, en principio la partida de Ozzy y nos jodió a todos porque todos amamos este estilo de música y nos encanta y lo adoramos y este estilo de música es el que elegimos como modo de vida, o sea, es lo que nos entretiene, es lo que nos divierte, es lo que nos ayuda con las angustias, es lo que nos acompaña en la soledad y es el mejor compañero que tenemos, entonces que parta el artista que fue pionero en toda esta movida, la verdad que nos dolió muchísimo. Nosotros escuchamos Black Sabbath y Ozzy prácticamente desde que tenemos uso de razón, y bueno, nos jodió, nos jodió muchísimo.

Es verdad, se empiezan a ir las leyendas del metal, se empiezan a ir las leyendas de este género, y es doloroso, pero es parte de la realidad, así como…así como nos vamos a ir algún día nosotros, se van los más grandes y lo único que nos queda a nosotros es seguir luchando por esta escena metalera, que realmente le ofrece a los pibes y a los adolescentes que sienten que no encajan, que no les gustan los estándares de la pelotudez humana, que se puede ver reflejado en la mayoría de las subculturas de moda, nosotros le estamos dando un lugar de pertenencia a esa gente que siente que no pertenece a esos ámbitos y es propiamente una contención que es muy necesaria. Y así todos nosotros con nuestros problemas de chicos, hemos sentido en el metal una pertenencia y un lugar de contención y eso creo que es el mayor esfuerzo que hacemos por esta escena y es para que eso siga existiendo y así será, así será por siempre, así que creo que Asspera no es un referente del metal argentino, porque no lo es, pero creo que cumple un papel importantísimo. Por eso Pogo es Salud Tour cumple un papel importantísimo de contención a todos esos pibes que sienten que no pertenecen, que quizás no se habían interiorizado del metal porque no les llamaba la atención aquella solemnidad del metal de otras bandas y Asspera les ha dado un lugar para que después escuchen otras bandas, así que nada, en el futuro espero que sigamos tocando y sigamos haciendo música que es lo que nos gusta y agrandando este lugar de contención para aquellos adolescentes que dicen con esta mierda yo no encajo.

Martín Cirillo entrevista a Tuomas Saukkonen, baterista y guitarrista de la banda finlandesa de death metal melódico Before The Dawn que va a sacar su nuevo álbum Cold Flare Eternal este 5 de septiembre.

Hablan sobre las múltiples bandas en las que participa Tuomas, su manera de componer, lo que lo llevó a traer de vuelta a Before The Dawn y más.

La historia de la leyenda sueca del doom metal Candlemass parece siempre girar alrededor de su bajista y líder Leif Edling, quien fundara la banda a principios de los ochentas y quien también es el único miembro constante a través de la historia del grupo. Pero alguien que está muy cerca de ser una figura inseparable en la carrera de Candlemass es su guitarrista rítmico Mats “Mappe” Björkman, que con poquísimas excepciones ha estado presente en casi toda su discografía desde el legendario debut Epicus Doomicus Metallicus de 1985. Ahora con Candlemass celebrando 40 años de carrera y a punto de que comiencen su gira latinoamericana y su concierto en Buenos Aires, Argentina, tuvimos el gusto de hablar extensamente con Björkman, que repasó el pasado, presente y futuro de estos titanes de los riffs lentos, además de criticar profundamente por el ninguneo que siente por parte de la industria musical sueca, lo que fue comenzar una banda de este estilo cuando reinaba el thrash metal y el pop en Suecia, y el documental que se viene sobre Candlemass.

—Antes que nada, Mats, quería agradecerte mucho por esta entrevista.

¡Tendría que agradecerle a ustedes por hacer estas entrevistas! A la gente que todavía quiere tener entrevistas con nosotros, yo debería agradecerles a ustedes.

—¡Es un honor! Primero, quería preguntarte cómo vienen las cosas últimamente, con la banda y con todo.

Sí, puedo decir que hemos estado durante cuarenta años. Este año es nuestro 40° aniversario y cambiamos de cantantes y esas cosas, pero nunca hemos tenido tanta armonía en Candlemass desde que Johan [Langquist] volvió, eso seguro y puedo hablar en nombre de todos acerca de eso. La armonía en Candlemass nunca ha sido mejor, jamás. Y nos está yendo genial, con grandes conciertos, y estamos felices con ello, hablamos de eso la semana pasada cuando tocamos en Francia, que lo logramos en cada ocasión, una y otra vez. Y la cosa es que tocamos todo material viejo, no tuvimos ni una canción que haya salido después de 1989, y veía a la audiencia y no habría más de 15 o 20% que hubiera nacido cuando sacamos Epicus Doomicus Metallicus y estaban cantando todas las canciones. Ese es el mayor respeto y honor que puedes tener como una banda, cuando tienes a una nueva generación, tal vez la tercera generación que está escuchando a Candlemass. Así que eso es lo mejor, es una de las mayores razones por la que continuar con la banda: en vez de ser una banda que es sólo nostalgia, donde sólo escuchas las canciones que escuchaste en 1985 y listo. Ahora hay fans nuevos viniendo. Así que la banda se está poniendo mejor que nunca

—Sí, con muchas bandas ves que casi todos los fans en los conciertos son personas que vivieron cuando la banda comenzó.

Exacto. Uno de mis mejores amigos es John Levén de Europe, la banda sueca. Tenemos un restaurante juntos, y él decía que ellos son más una banda nostálgica con todas esas canciones. Tienen muy buenas canciones con toneladas de respeto y llevan mucha gente a los conciertos, pero no les pasa lo mismo con la gente nueva: escuchan el mismo material viejo. Pero algo pasó, y creo que es algo así: cuando comenzamos con Candlemass, estábamos totalmente por fuera de toda la otra música, porque eran todas bandas de thrash. Estábamos nosotros y estaba Trouble, y obviamente Black Sabbath lo había hecho antes. Pero cuando nosotros aparecimos, fue una onda: “¿Qué es esta mierda?”. Éramos los perdedores todo el tiempo. ¡Perdedores! ¡Perdedores! No es que la gente se riera de nosotros, pero era como que decían: “Ah, estos Candlemass son tan divertidos, hacen estas canciones de 12 minutos”. (Risas) ¡Una mierda lenta! Y ahora, 40 años después, nos votaron como la mejor banda sueca de metal de la historia. Pasaron tantas cosas, ¿sabes? Porque ves a estas bandas como Black Sabbath, Dio, Judas Priest, que no van a estar tocando más luego de esta gira, y hay bandas nuevas… no digo que vayamos a estar al mismo nivel que Black Sabbath, ¡no hay manera! Pero me refiero a que escuchan a esas bandas y estamos en la misma onda. Nosotros no comenzamos la onda “doom”, eso lo comenzaron otros. Pero ese primer disco se llamó Epicus Doomicus Metallicus y después todas las bandas tocaban doom metal. Nunca dijimos nada acerca de eso, pero ahora hay festivales de doom, revistas de doom, ¡y eso es fantástico! Nunca me hubiera imaginado eso cuando comenzamos Candlemass, de ninguna manera. ¡Es un honor para nosotros!

—No hay muchas bandas que logran ponerle nombre a su propio género y que ese género se vuelva masivo.

No, no, no, no, no. Si alguien me hubiera dicho eso en 1985, hubiera pensado que esa persona estaba enferma. No lo hubiéramos creído, de ninguna puta manera. Y ahora estamos aquí, a Jan [Lindh] lo votaron como el mejor baterista de doom después de Bill Ward. Pero no hemos dejado que esto afecte a la banda, en estos 40 años siempre hemos hecho lo nuestro. Nunca sonamos en la radio y nos nominaron en Estados Unidos para un Grammy y la televisión sueca ni siquiera nos mencionó. Candlemass y Ghost son las únicas bandas que lo han logrado, pero Ghost es una banda más amigable para la radio, Ghost suena en la radio todo el tiempo. Nunca hemos estado en los medios ni nada, así que ni mencionan que fuimos nominados a un Grammy en los Estados Unidos. A nosotros no nos importa Suecia, hicimos un recital en Suecia por nuestro 40° aniversario y lo hicimos por nuestros fans, no por Suecia sino por nuestros fans que viven en Suecia. Tocamos en todos los otros países y no nos importa Suecia.

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—Justo que hablabas de otros países, la semana que viene van a estar dando tres conciertos en Sudamérica, en Chile, Brasil y en mi país, Argentina. Tocaron en Chile y Brasil en 2023, pero esta va a ser su primera vez en Argentina desde 2016, hace casi 10 años. ¿Cuáles son sus expectativas acerca de este regreso? ¿Recordás algo de aquella vez en Argentina hace 10 años? Como dijimos, no hay problema si no recordás…

[Interrumpe] ¡Lo recuerdo muy bien! Lo recuerdo bien por dos razones, y te vas a morir de risa. Comencemos con la primera: nos encanta ir a Sudamérica. Grecia y Sudamérica tienen los mejores públicos para nosotros, cada vez que hemos estado en Sudamérica ha sido genial. En Argentina me pasó que se me rompieron las zapatillas, así que llegué al hotel y tenían una zapatería ahí así que me compré unos nuevos. De ahí nos llevaron a comer, y Argentina es el mejor lugar del mundo en lo que concierne a la carne en los restaurantes, una cosa nunca antes vista.

Y bueno, es lo mismo en Sudamérica. São Paulo también es muy bueno con la comida. Quiero decir, amamos la comida, sabes, salimos y es de lo mejor que hay. Por eso lo recuerdo tan bien, y el público siempre está como… muy feliz de vernos, y para nosotros es un honor venir al otro lado del mundo a tocar para personas que escuchan tu música. Tienes que ser respetado por esa gente, un 100% de respeto: eso es algo muy importante para nosotros. Así que nos sentimos muy honrados.

—Entonces, ya sabes, manteniendo un poco el tema… Estábamos hablando de otros países, mencionaste Argentina, obviamente también mencionaste Brasil. ¿Hay algún lugar en el que te gustaría tocar y en el que aún no hayas estado?

¡Sí! Hace un par de meses tocamos en Venezuela, fue fantástico. Y el presidente se encargó de cuidar de nosotros, de la seguridad y esas cosas. Pero el tema es que si lo mencionas en las redes sociales entonces nunca jamás podrás ir a los Estados Unidos a tocar. (Risas) ¡Él dijo eso! Porque hay una mesa donde el presidente de Venezuela revise a los visitantes, que tiene su libro y los retratos de los otros presidentes. Y le dije al guardia: “¿Me puedo tomar una foto aquí?”. Y me respondió: “Sí, puedes hacerlo, pero no la subas a Facebook ni a ningún lado, porque entonces vas a quedar vetado en Estados Unidos para siempre”.

Pero, para responder a tu pregunta, sí, me gustaría ir a Australia. En realidad, nunca hemos tocado allí. Creo que en Tasmania.

—Sí, ustedes tocaron en Australia, en Tasmania.

Entonces no tocamos en la Australia continental, solo aterrizamos ahí. Nunca hemos tocado allí. Me gustaría ir alguna vez, todavía no lo hemos hecho.

Mi mejor amigo toca en una banda llamada Opeth. De hecho, es mi vecino aquí en Estocolmo. Vivimos cerca el uno del otro, así que prácticamente nos vemos todos los días. La cosa es que ellos tocaron en India. Y yo quisiera ir a India a tocar. Sería fantástico, con la comida y todo. Él me dijo que es increíble, que está más allá de todo lo que puedas imaginar.

También me gustaría volver a Japón. Hemos estado ahí tres veces ya, y me encanta Japón y su gente, es fantástico.

La última vez que estuvimos… ¿Fue en León? León, México. Sí, eso fue increíble. Ese concierto fue realmente muy bueno.

Ya tocamos con Johan en Sudamérica, pero no estuvo en Argentina, será la primera vez con él. Y él es espectacular.

—No han tocado en África o en Oceanía. Podrían hacerla fácil y tocar en Nueva Zelanda.

(Risas) Sí, eso sería genial, todavía no tocamos ahí.

Hoy en día es bastante difícil tocar en Estados Unidos. Quiero decir, viste lo que pasó con Trump y todo eso. Ahora es complicado que muchas bandas vayan, muchos de mis amigos de otras bandas simplemente no quieren hacer giras por Estados Unidos en este momento, debido a los problemas para obtener permisos de trabajo, es un infierno. Así que no les importa Estados Unidos, y Sudamérica es genial para nosotros. Canadá también es un lugar que íbamos a visitar pero fue cancelado por alguna razón que no conozco, tendríamos que haber dado tres recitales ahí. Ahí se puede ir sin permiso de trabajo.

Así que, bueno, América también está un poco vetada para nosotros porque trae demasiados problemas. Tenemos muchos otros países donde tocar; hacemos muchos conciertos en Europa también. Por ejemplo, Portugal y España: vamos a ir a España después de volver de Sudamérica.

Eso va a estar bien. Lo de Sudamérica va a ser fantástico. Tenemos muchas ganas de que llegue.

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—Sí, es muy raro. Hace décadas nadie podría imaginar que a futuro se diría que muchas bandas intentarían no ir a Estados Unidos. Porque históricamente tenías que tocar allí, tenías que tocar en Estados Unidos.

Es que los estadounidenses la tienen bastante bien, puedes hacer muchos buenos conciertos allí, pero los permisos de trabajo en Estados Unidos son complicados y ahora con Trump es aún más difícil. No tenemos nada programado en Estados Unidos en este momento y veremos qué surge con Sudamérica y Europa.

Lo que sí haremos es un concierto realmente bueno en Estocolmo. Es uno de los mejores lugares que tenemos aquí y va a ser divertido, ya está agotado.

Así es como lo hacemos y creo que recibimos mejor trato cuando vamos a Sudamérica. Venezuela fue fantástica y también algunos otros lugares en Europa. En Suecia, en cambio, el trato es distinto. Eso es algo muy sueco, siempre ha sido así.

Hay una cosa de celos en Suecia, así funciona el país y siempre ha sido así. Tienes que hacer música para la radio y estar con la discográfica correcta, de lo contrario no te apoyan. Pero nosotros no estamos en una discográfica sueca.

Y lo mismo pasa con el premio Polar. Hay un premio en Suecia llamado Polar, y eso es algo muy importante en el país, el rey y la reina están ahí con toda la realeza. Hablé con Tobias de Ghost, es un muy buen amigo mío, como mi hermanito. Y recuerdo que nos sentamos en mi cocina y le dije: “Por favor, tú tienes todos los contactos. ¿Puedes asegurarte de que ninguna de esas bandas suecas horribles vaya a tocar antes de Metallica?”. Porque es vergonzoso lo que el Premio Polar va a aceptar, van a ser bandas comerciales y mediocres, porque debe estar en la compañía correcta, en Universal porque eso le pertenece a Polar. Quieren bandas de Universal.

Y él me dijo: “En realidad, lo voy a hacer. Quieren a Ghost”. “Oh, gracias, Señor”, le dije, “eso es fantástico”. Pero me dice que quiere que Candlemass toque junto a él, y le dije que eso no iba a pasar, que no estábamos en la misma compañía discográfica, porque Ghost estaban en Universal y estaban por sacar su nuevo álbum. Y entonces le dije que podía preguntarles, y ellos respondieron: “¿Ah, de otra manera no tendremos a Ghost?”. Así que terminó siendo Ghost y Candlemass tocando con Metallica para la familia real. No somos una banda para la radio ni una banda de Universal, pero vimos la oportunidad y la aprovechamos.

Es una historia graciosa, pero así funcionan las cosas en Suecia.

—Es interesante pensar eso, porque cuando vivís en Sudamérica, o directamente cuando no vivís en Europa, ves un montón de bandas de metal sueco y la gente parece ver a Suecia como la tierra prometida del metal. Pero entonces escuchás acerca de los sellos suecos y que a ellos no les importa el metal.

¡Para nada! Tenemos un artista aquí, no lo conoces porque es sueco pero es muy grande en Suecia: está en televisión todo el tiempo, le hacen entrevistas y toca por aquí en Suecia. Y hace un par de meses había todo un bombo publicitario porque iba a estar tocando en Nueva York, y había 70 personas. ¡50 eran sus amigos!

—Dios santo.

Y entonces ves a Amon Amarth tocando para 70.000 personas en el Hellfest, y ellos nunca suenan en la radio. Es fantástico. Y con bandas como Candlemass, tienes a muchas de ellas que son las mayores exportaciones para la música sueca, no el tipo que se sienta en la televisión y le da publicidad porque va a ir a Nueva York a tocar para 100 o 70 personas. Eso es una mierda, y Amon Amarth nunca han sonado en la radio o estado en la televisión. Ve el recital que dieron en Hellfest dos años atrás, estamos hablando de 80.000 personas.

—Es una locura.

¡No son 70 personas y que 50 sean sus amigos! Me hace reír, es ridículo.

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—¿Cómo describirías un recital de de Candlemass como experiencia? Obviamente tenés el nombre de la banda, podría ser como una misa (“mass”) con velas (“candle”).

Lo describiría como que no somos una banda a la que no le gusta tener mucha pirotecnia ni nada de eso, y es como debería ser. Somos un poco más vieja escuela y estamos enfocados en el sonido, y eso tiene sentido porque tenemos tantas buenas reseñas en estos días: 5/5, 4/5.

Nos enfocamos en tocar muy bien. Y lo más importante es el sonido. Nuestro sonidista es como el sexto miembro de la banda. Muy seguido escuchamos que, cuando tocamos en festivales, el sonido que tenemos está por encima del de los demás. Entonces lo que hacemos es enfocarnos en la música, en tocar bien en vivo, en que las canciones sean sólidas y que el sonido sea increíble. Eso es en lo que ponemos la atención.

Y no usamos pantallas LED enormes ni nada de eso. Usamos lo de la vieja escuela: un telón de fondo gigante. Y tocamos bien.

Creo que puedo entender que muchas bandas ahora se enfocan demasiado en las pantallas LED, en que debería haber esto y aquello. Y sí, visualmente puede ser muy llamativo, pero nosotros pensamos que lo más importante es otra cosa. Es vieja escuela, como Motörhead por ejemplo. El tema es que ellos no tienen un buen sonido, y ahí es donde fallan. En nuestro caso, diría que nos enfocamos en tocar realmente bien, sonar pesados como el infierno y con un sonido de gran calidad. Así es como lo hacemos.

—Hablaste un poco sobre la historia de Candlemass y quería preguntarte sobre eso. Aparte de Leif, vos sos la persona que ha estado más tiempo en la banda, has pasado por casi todas las formaciones. Cuando te uniste a Candlemass, ¿alguna vez pensaste que la banda seguiría existiendo más de 40 años después y que todavía formarías parte de ella? ¿Cómo fueron esos días?

No, para nada. Cuando Leif comenzó con Nemesis, yo era amigo de Matz Ekström (Nota: Primer baterista de Candlemass). Me reuní con él una vez y me dijo que estaba ensayando con un tipo llamado Leif en Upplands Väsby, que es de donde son. Me pregunto si podía venir porque no tenía un guitarrista que tocara los riffs, los riffs vieja escuela de Sabbath. Le dije que podía ir e intentarlo, pero era una cosa para pasar el rato, como para ver a unos amigos. Me encontré con Leif, y nos fuimos a ensayar ese mismo día. Me gustó tanto, era algo nuevo para mí, no había tenido esa experiencia con la música antes. A partir de ahí nos volvimos muy buenos amigos y nos pusimos a ensayar. Fue entonces que apareció el tipo de Manilla Road (Nota: Se refiere a Mark Shelton, cantante y guitarrista de los estadounidenses Manilla Road), que estaban en Black Dragon Records, y Leif les mandó un cassette y él lo estaba escuchando, y dijo que tenían que contratar a esta banda. Ese fue el primer demo de Epicus.

Creo que en ese momento sólo teníamos cuatro canciones, e íbamos a hacer un álbum. ¿Cómo? ¡Esa no era la idea! Pero estaba bien. Como dije al principio, éramos los perdedores porque éramos de la misma área que Europe, Treat y todas esas bandas de pop rock suecas que hacían música para la radio. No le importábamos a nadie , pero a nosotros nos había contratado un sello pequeño en Francia e íbamos a hacer un álbum. El presupuesto era extremadamente diminuto. Las grabamos, nos llaman y nos dicen que nos hacían falta seis minutos más para el álbum, porque de otra manera va a ser demasiado corto y no nos podían contratar. Lo recuerdo bien, era 1985, y Leif me llamó y me dijo: “Mappe, ¿podemos ir a la sala de ensayo? Tengo un riff muy fácil, lo vas a aprender en diez segundos y ya tendremos listo el álbum”. Era relleno, y esa canción era “Solitude”. Esa es la única canción que hemos tocado en todos los recitales desde entonces, y era relleno porque la compañía lo quería. Es una historia fantástica.

Pero no, no creía que estaríamos todavía porque ni siquiera éramos una banda en vivo, nadie hablaba acerca de dar recitales. Matz, el baterista, no quería tocar en vivo porque tenía miedo de tocar frente a un público, además tenía un nuevo departamento con su novia y un gran trabajo y no podía pasar más tiempo enfocándose en esto.

Después tuvimos un nuevo contrato con otro sello, porque Epicus había recibido muy buenas reseñas… en Estados Unidos, ¡no en Suecia, por supuesto! (Risas), sino en todos los otros países. Teníamos algunas canciones, y de repente nos llama un tipo desde el sur de Suecia, un loco total. Era era Messiah, que había escuchado Epicus y había encontrado el número de Leif. En realidad, ningún cantante quería estar en la banda.

—Exacto, porque el primer álbum había tenido un vocalista de sesión.

Tal cual, no querían estar porque era más como un hobby, para pasar el rato. Cuando hicimos Epicus, hasta el último minuto Leif estaba cantando en el álbum. Pero el baterista Matz dijo que conocía a alguien que podía cantar, que lo podía llamar para que nos ayudara. Ese era Johan Langquist, y queríamos que estuviera en la banda pero él ya tenía la suya, Jonah Quizz. Con ellos se suponía que iban a firmar con un sello sueco pero no terminó ocurriendo.

Nos llama Messiah, y era un loco que estaba sentado en su casa cantando “Solitude” en el teléfono. ¿Qué teníamos que hacer? Lo trajimos a Estocolmo para ver qué onda con él, y no teníamos ningún cantante justo cuando teníamos que hacer un nuevo álbum. Si él estaba de acuerdo entonces no teníamos otra opción, porque no teníamos a nadie más. Él se mudó a Estocolmo al mismo tiempo, viajó todo eso hasta quedarse en un departamento (Nota: Messiah vivía en Ronneby, que está a 500 kilómetros de Estocolmo). Era onda “¡Hey! ¡Voy a estar en la banda!” (Risas). Fue a partir de ahí que comenzamos a tocar en vivo. Creo que hay una sola foto promocional que tiene tanto a Matz como a Messiah, eso es entre Epicus y Nightfall, aparezco yo, Leif, Matz y Messiah Fue cuando grabamos “Bewitched” y “Battlecry”, teníamos a “Battlecry” como una canción extra en Nightfall, y esas canciones se suponía que las íbamos a grabar con Johan, pero justo llegó Messiah y Johan no quería estar en Candlemass.

La historia de Candlemass es como la “maldición de Candlemass”, la llamamos de esa manera todo el tiempo. Esa es nuestra banda.

—Sé que esta es una noticia vieja, pero quería tu opinión acerca de esto. Es algo que leí acerca de Back To The Beginning, el show que Black Sabbath dio. Leí muchas discusiones acerca de esto, porque claramente la lista de bandas la eligió Sharon Osbourne y ella quería todas las bandas de rock para la radio, como las describiste.

Exacto.

—Y leí a alguien diciendo que la lista tendría que haber tenido más bandas doom. Sé que la idea del concierto era recaudar dinero para caridad y que una banda como, no sé, Electric Wizard y otras que están extremadamente influenciadas por Black Sabbath no van a llenar un estadio, por más buenas que sean. Pero vi a un montón de gente diciendo que Candlemass debería haber estado en Back To The Beginning, un montón de gente.

Tony Iommi tocó como invitado en Candlemass, en el anteúltimo álbum, y dijo que estaba orgulloso de haber aparecido, lo dijo en su página, que éramos la mejor banda sueca y que éramos los que íbamos a ocupar su lugar cuando se retirara, así que pienso en ello todo el tiempo. La gente me ha dicho que nosotros deberíamos haber estado ahí justamente por eso, pero como bien dijiste eso no iba a pasar porque Sharon quiere que esté Foo Fighters y Steven Tyler.

—Ella quiere que esté el tipo de Disturbed.

Es una estupidez. (Risas) O sea, amo el viejo Aerosmith porque los estaba escuchando en 1975 cuando tenía 12 años, tengo un montón de respeto por el viejo Aerosmith, pero no por la mierda nueva, los viejos son muy buenos. Pero, ¿qué mierda tiene que ver Aerosmith con Black Sabbath? (Risas) Me apena decirlo, pero a ellos no les importaba Black Sabbath en 1976, de ninguna manera, y lo mismo con tantas otras bandas: no les gustaba Black Sabbath a fines de los setentas, creía que era una banda de mierda. A bandas como Aerosmith a fines de los setentas no les importaba Black Sabbath, ahora está muy de moda que los hayan invitado a ese show y están muy tristes por todo, me parece patético. Pero no me sorprende por parte de Sharon Osbourne, entiendo que quiere dinero para caridad o lo que sea y que así funcionan las cosas, hemos estado en esto por 40 años.

No estoy enojado con respecto a esto, es la manera en la que trabajamos. Pero el tema es que estamos tocando mejor que nunca, sonando mejor que nunca. Eso es lo único que importa para alguien como yo. Y que tenemos a una nueva generación escuchándonos. No me importa toda esa mierda vieja, por mí que inviten a Aerosmith a hacer cualquier cosa.

Pero estamos muy felices de tocar en Sudamérica y en Grecia. Vamos a ir a Alemania e Inglaterra, también son espectaculares. Francia la última semana fue espectacular. Sé que con Back To The Beginning tenían todo lo de caridad, pero creo que podrían habernos invitado porque somos una de las bandas que siguió a Black Sabbath cuando comenzamos, tanto Candlemass como Trouble.

—Y así es cómo funcionan las cosas en la industria de la música.

¡Obvio! ¡Obvio! Y así han sido las cosas por 40 años, y es una pena que no se termine. Pero mientras hagamos bien las cosas, nos divirtamos, a la gente le guste lo que hacemos y tengamos más fans que nunca, entonces estaré feliz.

—Hace un par de semanas anunciaron que estaban produciendo un documental acerca de la historia de Candlemass llamado Nine Lives of Doom. ¿Qué nos podés contar acerca de este proyecto?

Justamente vamos a estar mostrando no la película, sino el tráiler hoy a la noche, todos los periodistas y músicos están invitados a un lugar grande en Estocolmo. Este proyecto se dio porque he estado filmando cosas desde 1988, 1987, con cuatro cámaras diferentes con diferentes tipos de cintas, las he tenido en mi sótano durante años. Y ahora estoy filmando con mi cámara digital, siempre me ha gustado filmar cosas en el bus de giras y en restaurantes mientras discutimos. La película no va a ser como un concierto, sino que va a ser sobre un montón de cosas que hemos estado haciendo desde 1988. Va a tener algunas cosas en vivo, también. Y uno de mis mejores amigos desde que teníamos 12 años, Jonas Åkerlund, va a ser el productor, es uno de los mayores productores cinematográficos. Hizo el documental de Metallica, hizo el de Billy Idol, hizo la película de Rammstein, es uno de los más grandes productores de películas sobre bandas. Trabajó con Lady Gaga, Paul McCartney, ganó premios y un Oscar. Y el primer video que hizo fue el de “Bewitched”.

—Legendario.

No podía ni ver esa mierda. (Risas) Ahora lo puedo hacer, pero él todavía está orgulloso de eso porque fue lo primero que hizo. Y él se lo mostró a Madonna, a Metallica y a todos, y decían “¿Qué es esta mierda?”. (Risas) El tema es que comenzamos a hablar sobre esto hace un par de años, sobre hacer una película de Candlemass, porque hay tanto material que sería interesante incluso para la gente que no sabe acerca de Candlemass. No hace falta que seas un fan de Candlemass, vas a ver un buen documental, será divertido.

Agarraron todas mis cintas y las digitalizaron hace medio año, empezaron a hacer pequeños clips con eso, cosas que ni siquiera yo recuerdo a pesar de que yo grabé todo porque hay tanto material. Y Jonas dijo que podría ser el productor ejecutivo en este proyecto. Cuando su nombre apareció, la gente se volvió loca: “¿Jonas Åkerlund está haciendo un documental sobre Candlemass?”. Y fue recién ahí que a los medios en Suecia les importó, no saben qué decir porque nos invitan a hacer cosas y es demasiado tarde, deberían haberlo hecho hace muchos años. Lo hacen ahora porque tenemos el documental y la gente va a estar hablando. Tendremos nuestro primer meet&greet hoy, y es espectacular que podamos hacer eso después de 40 años. He visto clips y puedo decir que va a ser una muy buena película.

—¡La estoy esperando con ansias!

¡Sí!

—¿Qué se viene después para Candlemass? Mencionaste antes que tienen los conciertos, ¿pero qué viene después? ¿Cuáles son los planes?

Ahora estamos enfocados en Sudamérica. Y después eso iremos a Grecia para hacer un show único con Messiah después de 25 años, un solo show con él. Eso es para los fans, lo hacemos en Grecia y ya está todo vendido, pero gente de 40 países diferentes compró entradas, no lo podemos creer. Nos estamos enfocando en eso, en ensayar, y este año estaremos trabajando en la película y esperamos que pueda salir en febrero. Esos son los planes, y tenemos un par de recitales el año que viene pero Leif va a estar componiendo nuevas canciones, planeamos hacer un nuevo álbum pero todavía no sabemos cuándo saldrá. Johan es un cantante fantástico y Leif está componiendo buenas canciones, cuando Leif lo diga lo haremos. Así que Candlemass sigue adelante, no tenemos planes de decir que esto va a ser lo último de Candlemass, para nada. Lo hicimos hace un par de años, pero eso fue porque no nos sentíamos cómodos con la banda, con los miembros y todo, pero ahora nos divertimos y tocamos bien, no tenemos razón para dejar de hacerlo o para no seguir adelante.

—¿Hay algo que quisieras decirle a la gente que va a ir a ver a Candlemass en Argentina?

Lo único que quiero decir es que es un honor para nosotros volver a ver a nuestros fans en Buenos Aires. Estamos tan felices, la gente nos dice “Muchas gracias por venir” y no, es agradecerle a USTEDES por traernos a su país.

El metalcore en estos días no es nada nuevo, y aunque hay bandas que sacan buen material a veces es complicado encontrar nuevas maneras de interpretar este sonido. Pero los suecos Imminence han sabido hacerse un espacio en una escena sobrepoblada no sólo a través de sus influencias más rockeras y melódicas, sino también por la particular inclusión del violín como instrumento habitual en sus canciones. El encargado del violín es el también vocalista Eddie Berg, quien nos regaló unos minutos de su vida para poder responder algunas de nuestras preguntas, en ocasión de la que será la primera gira de Imminence por Latinoamérica en septiembre próximo, en apoyo de su exitoso nuevo álbum The Black (2024).

Bienvenido a Track To Hell y gracias por tu tiempo, Eddie. Esta será su primera gira por América Latina. ¿Qué han escuchado sobre los conciertos acá y qué esperan de esta experiencia?

Exacto, es la primera gira por ahí. Estamos muy emocionados, porque vamos a estar visitando un continente nuevo. Nos tiraron muchos comentarios, sobre lo emocionales que son al momento de mostrar el amor por la banda.

¿Cómo describirías un concierto de Imminence? Para la gente que aún no los ha visto en vivo.

Es una cosa muy enérgica, muy emocional. Aunque diría que es complicado decir cómo es un recital de la banda porque nosotros siempre estamos arriba del escenario. [Risas]

¿Cómo describirías el sonido de Imminence? ¿Cuáles son sus influencias?

Somos una cruza entre el death metal clásico sueco, que son las raíces de todos en la banda, con el sonido del metalcore y el post hardcore, además de una variedad de otras influencias. Obviamente lo que más le llama la atención a la gente es el sonido del violín.

El violín como instrumento habitual tiene que ser una de las cosas más singulares de su sonido. Traté de pensar en bandas de metalcore con algún sonido similar y no se me ocurrió ninguna. Me llamó la atención leer que estabas más metido en la música clásica y que cuando escuchabas metal no buscabas bandas que usaran esos instrumentos.

Escuchaba alguna que otra banda que usaba el violín, pero lo usaban más para acompañar las voces u otros instrumentos, no tanto que fueran el centro de atención.

Su último álbum The Black parece ser el punto donde todo realmente despegó. ¿Por qué crees que el disco ha tenido tanto éxito? ¿Qué fue diferente en este caso?

Este es un disco que es una verdadera culminación del desarrollo del sonido de Imminence, donde de verdad sonamos bien, donde se puede apreciar todo lo que hacemos. Además de

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Ya que te tengo acá, quería hacerte una pregunta sobre el segundo disco, This Is Goodbye. Poner una despedida en el título del segundo álbum es un tanto particular.

This is Goodbye fue un disco muy diferente con respecto a nuestro debut. Marcó un cambio claro en el sonido de la banda y representó una evolución importante en todos los aspectos.

El año pasado también lanzaron una regrabación de su álbum debut I, titulada The Reclamation of I. ¿Cómo describirías la evolución de la banda desde sus inicios?

La idea es que ese disco, la regrabación, es como para cerrar un ciclo, como para volver al inicio. Porque la idea es que, bueno, cumpliéndose ya 10 años de ese álbum, es para mostrar la evolución del grupo, y no queríamos hacer como un remix del álbum, una remezcla, sino que prefirieron agarrar y mostrarles a los fans otra versión actualizada del mismo. Y ese disco, I, es medio como un disco tapado en la discografía de Imminence, al punto de que algunos creían que The Reclamation of I era un nuevo álbum y no una regrabación.

Justo leí muchas reseñas y ciertamente había un par que no sabían que era una regrabación. Pero lo que también noté era que había muchas reseñas positivas, algo que no suele pasar con las regrabaciones, y que muchos mencionaban la mejora en las voces.

Exacto, exacto.

¿Qué te gustaría decirles a los fans argentinos que los verán en septiembre?

Esperamos verlos, pasarla bien y dar un gran recital. Como es un nuevo país vamos a ver si tenemos tiempo libre para recorrer la ciudad, pero siempre pensamos en ir para dar un recital antes que todo. ¡Nos vemos ahí!

La voz emblemática que transformó el metal extremo rompiendo estereotipos desde los tiempos de Cradle of Filth, habla sin filtros sobre sus comienzos, las colaboraciones que marcaron su carrera, los desafíos como artista solista y la emocionante vuelta a los escenarios con Covenant. En vísperas de su visita a la Argentina, Sarah Jezebel Deva comparte sus inicios, sus proyectos solistas, lecciones de vida, verdades sobre la industria musical y la auténtica pasión que mantiene viva su leyenda.

1. Empezaste en bandas de metal extremo como Cradle of Filth cuando pocas mujeres tenían protagonismo. ¿Cómo fue romper esos estereotipos? ¿Sentiste resistencia o tu voz abrió puertas para otras artistas?

Era muy joven. Antes de Cradle of Filth, estuve en una banda punk llamada Mad Dog en Londres. Hice un show y un álbum con ellos, pero no era para mí. Cuando comencé con Cradle of Filth, era la única corista en una banda de black metal. En ese momento pensé: “Esto es emocionante, es el comienzo de mi carrera“. No enfrenté resistencia, pero los tiempos eran diferentes: no había teléfonos móviles ni computadoras, todo era mediante cartas, llamadas y revistas. No recibí mucho crédito por lo que hacía; la gente no lo tomaba en serio. Era solo una chica joven haciendo coros en una banda de black metal desconocida del Reino Unido.

Cuando comenzamos a girar en 1997, en The Rape and Ruin of Europe, los fanáticos fueron asombrosos. Al principio hubo actitudes sexistas y fue difícil encajar, porque en la escena del metal extremo había muy pocas mujeres. Pero los fanáticos sí me tomaron en serio. Otras bandas también lo notaron, y de esa gira surgieron muchas ofertas, lo que me llevó a formar Covenant. Aunque pasé por malas actitudes y tratos, al final condujo a cosas buenas.

2. Covenant marcó un cambio radical en tu carrera, alejándote del metal extremo. ¿Fue una decisión consciente de “reinventarte” o surgió orgánicamente? ¿Cómo manejaste la reacción de fans “puristas”?

Cuando salió Nexus Polaris, aún tenía elementos extremos, pero llevó la música a un lugar diferente. Ganamos un Grammy noruego por ese álbum. Todos en la banda veníamos de otros proyectos extremos, pero Covenant era muy diferente. La respuesta fue fenomenal. No nos preocupamos por los “puristas”; todos tenemos entre 40 y 50 años, y ya no nos importa eso. La música es un arte que cambia, y nuestras influencias también. No puedes ser de mente cerrada al escribir música, de lo contrario no avanzas. Perderás algunos fanáticos, pero ganarás otros. El enfoque debe estar en hacer lo correcto para nosotros como artistas.

3. Has colaborado con artistas tan diversos como Therion y Mortiis. ¿Qué colaboración te sorprendió o hizo crecer más? ¿Hay algún proyecto que rechazaste y ahora lamentas?

Es una pregunta realmente difícil de responder, tendría que decir Therion. Christopher Johnsson me dijo que nunca contrataba cantantes no entrenadas, pero yo fui la excepción. Cantar en Theli entrenó mi voz y me ayudó a alcanzar notas que no creía posibles, creo, porque tenía el trasfondo de venir de Cradle of Filth. Vineyard me escuchó cantar en esos álbumes. Pero él nunca, nunca contrataba personas que no fueran cantantes de ópera entrenados y me contrató a mí.

Pero cada álbum que hice con cualquier banda, hubo cosas que miré hacia atrás y pienso que podría haberlo hecho de manera diferente, pero en su mayor parte simplemente abrí la boca, canté y esperé que salieran las notas y eso es todo.

Álbumes que significan mucho para mí: no sé si preguntas esto en otro lugar, pero los álbumes que significan mucho para mí son definitivamente “Nexus Polaris“, “Vampire“, “The Empire“, “Midian“. Incluso amo “The Stargate” de Mortiis y “God Has a Plan for Us All” de Angtoria.

Que algunas personas podrían decir: “Bueno, no, no estás vendiendo álbumes. No estás haciendo esto. No eres una cantante principal“. No se trata de eso. No mido mi éxito por aparecer en una portada o ganar mucho dinero. Es autosatisfacción y lo que hago por la gente y el producto final. También hice un montón de canciones de Mortiis el año pasado y el anterior que aún no se han lanzado.

No me arrepiento de ningún proyecto rechazado, excepto de no haber cantado “Christian Woman” con Type O Negative en vivo cuando Peter Steele me lo pidió. Es mi mayor arrepentimiento.

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4. Fuera del metal, ¿hay algún género o artista que te influencie y sorprendería a tus fans? ¿Has explorado hacer música completamente distinta a tu estilo actual?

Me gusta la música pop de los 80 y 90, y las bandas sonoras de películas. La música es música: si te hace sentir bien, no importa si es Bee Gees, Abba, no debería importar si es Dissection o Cannibal Corpse o Billie Holiday. Olvida la imagen; si te gusta, abrázala.

Recientemente, trabajar con Trym de Emperor en su álbum solista The Saga of the North me ha llevado a territorios diferentes, con un sonido similar a una banda sonora. También estoy trabajando en proyectos con Andreas (“Heljarmadr” Vingbäck) de Dark Funeral y Mortiis, lo que me ha hecho explorar estilos fuera de mi zona de confort. El canto que hago para esos tres tipos normalmente no haría pero cuando lo escuchás decís “ah, esa es Sarah“.

5. Tu imagen siempre fue tan icónica como tu voz (desde looks góticos hasta estilos etéreos). ¿Cómo decidías esos cambios? ¿Hay alguna etapa que ahora veas y pienses “¿qué estaba pensando?”

No me arrepiento de ninguna etapa de mi imagen. Con Covenant, Nagash me dijo que no necesitaba usar maquillaje si no quería, lo que fue liberador. Obviamente, en el escenario tenemos una imagen, pero ahora podemos ser quienes queremos ser. Ya no me preocupa lo que la gente piense visualmente; están ahí para escuchar la voz. Si sueno bien, es un bonus; si además me veo bien en el escenario, mejor. A los 48 años, hay cosas que ya no me siento cómoda haciendo.

6. Con el regreso de Covenant y posible música nueva, ¿qué te gustaría explorar que no hayas hecho aún? ¿Hay algún artista emergente que admires y con quien quieras colaborar?

El nuevo álbum de Covenant aún no está escrito. Nagash tiene millones de ideas de riffs, y Steiner también, pero nada es sólido. Nadie sabe qué dirección tomará, pero será una combinación de los cuatro álbumes anteriores. No queremos sonar como alguien específico; si planeas demasiado, sale mal. Me gustaría que el álbum tuviera un sonido cinematográfico, pero con elementos industriales y black metal.

Admiro a bandas como Swallow the Sun, Tiamat y My Dying Bride, pero no sé si Covenant podría ir en una dirección doom.

7. ¿Qué te inspiró a convertirte en cantante?

Desde muy pequeña, todo lo que quería hacer era cantar.

8. ¿Qué fue lo más difícil de trabajar con Cradle of Filth y por qué decidiste dejar la banda?

Los principales desafíos ocurrieron en los primeros días: actitudes sexistas, que me dijeran qué hacer, que me callara, que me insultaran. Esa actitud nunca vino de Dani; él estaba en una posición donde tenía que elegir sus batallas. Con el tiempo, mucha gente por encima de él tomaba decisiones con las que él no estaba contento, pero tenía que aceptar para mantener a la banda a flote. Siento que pudo haber defendido mi posición más en decisiones como la de “Nymphetamine”, donde grabé la versión original pero fui reemplazada, aunque luego se aseguró de que mi versión se lanzara en la edición especial.

Llegué a un punto en 2008 donde había tenido suficiente. Decidí renunciar y mudarme a Australia, y no me arrepiento. Dani suele llevar la culpa de todo, pero no siempre fue él; mucha gente detrás de escena arruinó las mejores formaciones.

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9. ¿Qué te motivó a crear Angtoria y en qué se diferencia tu trabajo solista de tus colaboraciones?

Angtoria nació de una gira con Dimmu Borgir y Evergrey. Chris Ren y yo creamos un demo, y luego se unió su hermano Tommy. Deberíamos haber sido más grandes, pero fue mi culpa: no quise dejar Cradle of Filth, Chris tenía un hijo pequeño, y Tommy también. Éramos demasiado jóvenes para comprometernos con un proyecto desde cero. Tenía miedo de fallar.

Angtoria fue muy diferente a todo lo que había hecho antes. Luego, con Chris, creamos “Between Two Worlds“, una continuación de ese proyecto. Mi trabajo solista fue más difícil: cuando intenté lanzarme como solista en 2008, una discográfica arruinó las canciones. No sirvo para ser frontwoman; creo que nací para ser corista, brillando en palabras sueltas, narraciones y “oohs” y “ahs“.

10. ¿Cómo fue la recepción de tu material solista vs. tus trabajos con bandas grandes?

La recepción de Angtoria fue increíble y aún perdura. La gente me cuenta cómo ese álbum les cambió la vida. Como solista, el timing fue erróneo; no tenía apoyo, y la discográfica arruinó las canciones. Reedité “A Sign of Sublime” con Lindsay Schoolcraft y Charles de Mayhem, pero sigo sin conseguir que lo solista funcione. Estoy muy feliz siendo corista.

11. ¿Qué te motivó a volver a Covenant después de tantos años?

No tenía motivación para cantar de nuevo. Cuando Lindsay Schoolcraft dejó Cradle of Filth, empezamos a hablar. Ella insistía en que la gente me quería de vuelta, y luego músicos famosos me contactaron para ayudarme. Mathias de Hypocrisy me compró equipo, Chris Ren me ayudó mucho, y Lindsay también. Nunca planeé volver a la música, pero ahora lo amo más que nunca. La escena ha cambiado: pasó de ser un ambiente inmaduro y desagradable a uno familiar y de apoyo. Ensayar en Noruega fue increíble. Ahora con Charles en la banda, no hay drama, es profesional, y disfruto la música como nunca.

12. ¿Cómo te preparas para un show en vivo después de un largo descanso y qué expectativas tienes para el concierto en Buenos Aires?

La gira sudamericana será “amazing“. Esa parte del mundo es fenomenal: la gente es graciosa, humilde, amable y educada. No me preparo de manera especial: un poco de calentamiento vocal, mucha agua. Bebemos en su mayoría agua antes del show; quizá una o dos cervezas, pero no hay alcohol en el backstage. No es una fiesta borracha como antes; ahora somos mayores. El backstage es calmo: reímos, hablamos, y nos preparamos estando tranquilos, sabiendo que tenemos un trabajo que hacer para el público.

13. ¿Cómo defines tu identidad musical después de tantos proyectos y cuál es la lección más valiosa que has aprendido en tu carrera?

Me defino como una corista. Abro la boca, espero que salgan las palabras y que esté bien. Soy una cantante profesional pero no entrenada. Solo quiero divertirme, hacer mis “oohs” y “ahs“, y cautivar a la gente.

La lección más valiosa es: no alabes a las personas por ser famosas. Alábalas por cómo te tratan. Todos estamos aquí para apoyarnos. Aprendí esto especialmente en Hellfest. No tolero el ego ni las malas actitudes. Si alguien no tiene cinco segundos para saludarte, no merece tu tiempo. Olvida que son famosos; son humanos como tú y como yo. Trátalos como ellos te tratan. Intento siempre saludar a todos; si no tengo tiempo para un autógrafo, al menos doy un abrazo o una foto. Nunca quiero molestar a nadie. Hay que aprender a diferenciar entre la gente buena y la mala.

Gracias por la entrevista. Significa mucho que me hayas hecho estas preguntas y que quieras hablar conmigo. Espero que nos crucemos algún día.

En esta ocasión, tuvimos el privilegio de charlar con Jamie Moreno, baterista de Edge of Paradise, la innovadora banda de metal cinematográfico originaria de Los Ángeles. A través de sus respuestas, Jamie nos adentró en los orígenes de la agrupación, su evolución musical, y el fascinante concepto detrás de su más reciente trabajo, Prophecy. Además, nos compartió reflexiones sobre el sonido único de la banda, sus influencias y hasta su festival soñado.

Desde aquí, agradecemos enormemente a Néstor de Heresy Metal Media por hacer posible este acercamiento y facilitar un diálogo tan enriquecedor con uno de los integrantes de esta propuesta que no deja de reinventarse. ¡Acompáñennos a descubrir más sobre Edge of Paradise!

1. Edge of Paradise surgió en 2011 en Los Ángeles. ¿Qué momento exacto o conversación los impulsó a crear esta banda? ¿Cómo decidieron el nombre “Edge of Paradise”?

⁃ Cuando Margarita conoció a Dave, ambos habían sido contratados para colaborar en una canción. En ese momento, los dos se encontraban en una encrucijada. La banda anterior de Dave se había detenido cuando el cantante Robin McAuley se fue de gira con Survivor. Margarita acababa de mudarse a Los Ángeles después de estudiar actuación en Nueva York, pero quería crear algo propio, algo en lo que pudiera invertir completamente sin depender de los proyectos de otras personas. Su conversación reveló un deseo compartido de tomar el control de su destino creativo. Sabían que sería muy difícil, pero sería algo que ellos podrían moldear. Cuando llegó el momento de elegir un nombre, querían algo que reflejara sus estilos contrastantes. Dave aportaba la fuerza y la intensidad, mientras que Margarita traía melodías cinematográficas y emoción. Y viviendo en Los Ángeles, un lugar que a menudo parece un paraíso en la superficie, pero si vives aquí, entiendes lo fácil que es caer al borde. Esa dualidad se convirtió en su nombre: Edge of Paradise.

2. ¿Cómo evolucionó Edge of Paradise desde su debut hasta ahora?

⁃ Según Margarita la banda no ha parado de evolucionar. Pero un punto clave fue cuando se grabó “Universe”. La banda comenzó a encontrar su sonido a partir de este álbum y a condensar más su alineación con la llegada de Jamie en la Batería, que entró a partir del álbum The Unknown, y después la llegada de Kenny en Bajo. Con una alineación ya decidida y consistente, la creatividad fluye mucho mejor y se comenzó a moldear lo que ahora es EOP. Hasta ahora la evolución no para y seguimos trabajando incansablemente para sacar este proyecto adelante.

3. Han tenido varios cambios de alineación. ¿Cómo afectó esto su dinámica creativa? ¿Algún miembro anterior dejó una huella especial en la banda?

⁃ En realidad todos los miembros fueron importantes y Edge of Paradise siempre estará agradecida con la contribución de cada uno de ellos. En general todos ponemos lo mejor de nosotros para que la banda sea exitosa, y lo mismo con todos los miembros anteriores.

4. Su sonido mezcla metal, electrónica y toques cinematográficos. ¿Cómo definirían su género actual?

⁃ A nosotros nos gusta definirlo como rock/metal cinematográfico. Aunque hemos escuchado muchas personas decir: industrial melodic metal, o metal sinfónico, etc., etc. ¡Tantas y tantas! Pero en general nos gusta ser únicos y pues puede variar mucho entre álbumes.

5. ¿Puedes explicar la historia conceptual detrás de Prophecy?

⁃ En Prophecy, continuamos la historia planteada por nuestros álbumes anteriores, llevándola hasta un punto de quiebre existencial—lo que comúnmente se conoce como La Singularidad. Este es el momento profetizado en el que la humanidad se enfrenta cara a cara con la decisión de fusionarse con la inteligencia artificial, desencadenando un posible cambio que podría redefinir la vida, la conciencia y la realidad misma.
El álbum explora temas como el control, la identidad y la esencia de lo que nos hace humanos. ¿Quién dará forma al futuro—nuestra propia voluntad, o los sistemas que hemos creado? ¿A qué nos aferramos cuando la tecnología empieza a reemplazar no solo nuestros cuerpos, sino también nuestras mentes y almas?
Prophecy también representa un punto de inflexión creativo para nosotros. Por primera vez, tomamos una postura clara a favor de la humanidad. En medio del caos, la manipulación y la seducción de la inmortalidad digital, elegimos luchar por el espíritu humano—imperfecto, emocional, hermoso—y por el derecho a definir nuestro propio destino.
Al final, Prophecy es un espejo. Le pregunta al oyente: ¿qué estás dispuesto a sacrificar para sobrevivir, y qué preservarás para realmente vivir?

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6. Sus letras exploran la IA y distopías. ¿Son advertencias o solo narrativa?

⁃ ¡Definitivamente narrativas! ¿O advertencias? En este mundo en el que estamos ya no sabemos qué puede pasar. Pero a Marg siempre le ha fascinado ese tema, entonces lo narra en sus letras.

7. ¿Qué canción de su discografía creen que mejor los representa y por qué?

⁃ Para ser sincero, todas las canciones tienen algo especial para mí. Desde mi ingreso en el 2019 cuando comenzamos a grabar The Unknown, el concepto cambió bastante y la banda comenzó a generar su imagen un poco mejor. Pero en mi opinión, las canciones “Hologram” y “Digital Paradise” representan lo que la banda estaba apuntando a lograr: heavy guitars, punchy y pegajosas baterías, y pues la voz de Margarita ¡que es mágica!

8. Si pudieran armar el lineup de su festival ideal, ¿qué 5 bandas serían imprescindibles y en qué orden tocaría Edge of Paradise?

⁃ Hmmm, ¡qué pregunta más difícil! Hahaha.

• Rammstein

• Gojira

• Slipknot

• Bad Omens

• Edge of Paradise

9. Para finalizar, ¿qué mensaje les enviarías a tus fans argentinos?

⁃ Amigos argentinos, para nosotros es un placer que ustedes escuchen nuestra música. Como latinoamericano, sé la variedad de artistas que su país nos ha ofrecido, así que es un honor que le den un chance a Edge of Paradise. Todos los miembros ponemos el alma en lo que hacemos y les agradecemos el inmenso soporte.
⁃ Esperamos algún día poder visitar la hermosa Argentina y poder compartir con ustedes nuestra música en vivo. ¡¡Love ya all!!

El gran vocalista Mark Boals (Yngwie Malsmteen, Ted Nugent, Savoy Brown, Ring of Fire, Royal Hunt), nos cuenta algunas historias de su vida y de como fue el paso de el por algunas bandas muy importantes, además de el proceso de creación de sus álbumes solistas.

¿Qué recuerdos tienes de cuando hiciste el álbum Trilogy con Yngwie Malmsteen? 

Bueno, fue una época de locos por muchas razones, era mi primera vez en un gran estudio grabando mi primer gran álbum, un gran contrato discográfico sabes, teníamos un contrato de 6,8 millones de dólares con Polygram Worldwide, y también fue el primer gran contrato para ellos y para Yngwie. Ya había publicado dos álbumes antes pero solo con Polygram, así que no fue gran cosa; viví momentos de locura en el estudio, nos pasamos semanas y semanas en el, no sé, quizá dos meses grabando el disco y quizá un mes arreglando las canciones antes de entrar al estudio, así que, bueno, quedó genial, esos chicos estarán en mi corazón para siempre. 

Cuéntanos cómo llegaste a formar parte de Royal Hunt.

De hecho, fue a través del sello discográfico italiano Frontiers, es la banda de André Andersen, ya sabes, él estaba haciendo audiciones y pidió a todos que grabaran algunas canciones, así que grabé un par de ellas y se las envié, Frontiers me recomendó, de hecho, pueden encontrar en YouTube mis audiciones para Royal Hunt, hay dos canciones para las que audicioné.

Así fue como entré en la banda, luego grabé dos álbumes con ellos y recientemente di algunos conciertos con ellos en Japón y Europa, probablemente daré más conciertos con ellos, ya tienen un EP a punto de salir en el que no canté. 

Canté una canción en los dos últimos álbumes antes de Dystopia 1 y 2. Pero no canté en el EP. Creo que son algunas canciones que ya habían grabado las que están saliendo ahora, supongo que estoy respondiendo demasiado largamente a tu pregunta. 

No, me encanta toda esta información, gracias por explicar tan bien. El álbum Broken Bones de Dokken es un disco mucho más maduro. ¿Te gustó el resultado porque colaboraste con él? 

Sí, Don Dokken es un buen amigo mío, estábamos haciendo algunos conciertos acústicos juntos cuando su guitarrista tuvo que operarse el hombro, tuvieron que arreglarle un hueso, reemplazarle algo en el hombro o algo así, no pudo tocar durante un año y medio, así que yo estaba haciendo conciertos acústicos con él y él estaba grabando el álbum. Me pidió que hiciera los coros con él y lo hice y en ese momento, no estaba contento con su bajista, así que me pidió que tocara el bajo y también lo hice, toqué el bajo con ellos en vivo durante un par de años, de hecho pero hice conciertos por todas partes.

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¿Cómo es el proceso de creación de tus álbumes en solitario? ¿Cómo salen las ideas?  

Es diferente cada vez, mi primer disco solista sólo salió en Japón, escribí todo yo sólo y elegí a los mejores para tocar en el, Chris Frazier en la batería, Barry Dunaway en el bajo, fue un proceso diferente para hacerlo, después creamos Ring of Fire, tenía una banda completa con Tony Macalpine, Vitalij Kuprij, al final fue una gran banda, y para mi tercer disco solista use varios guitarristas y colaboran varias personas, así que el sonido es algo similar, también estoy haciendo un nuevo disco solista ahora, tengo un par de guitarristas diferentes, pero el sonido va a ser prácticamente el mismo en todo el álbum. 

¿Podrías nombrar cinco canciones clásicas de rock y metal que aún te parezcan increíbles? 

Hay demasiadas, es difícil elegir cinco, es difícil elegir una, de verdad, porque hay muchísimas, deberías haberme preparado para esto. ¿Puedo buscarlo en Google? (risas).

Bueno, supongo que cuando Dio empezó a cantar con Black Sabbath, me quedé alucinado con todo el material del álbum Heaven and Hell; todo el álbum era increíble y antes de eso, Ian Gillan con Deep Purple, los primeros álbumes de Deep Purple, de pequeño, lo oía cantar con sus gritos altos y cosas así, me encantaba todo eso. También está Judas Priest, no sé qué canción, hay muchísimas, sólo nombraré bandas. Rob Halford es un cantante increíble, Bruce Dickinson de Iron Maiden, me gusta Don Dokken, Scorpions, entre el Dokken de los primeros tiempos y todo lo de Scorpions, me encantan las voces de ambos en su época dorada. 

¿Puedes contarnos la historia de cómo Mark Boals se convirtió en cantante? 

Escuchaba la radio, mis padres me compraron una pequeña radio de transistores, era grande y tenía auriculares y cuando estaba en la escuela, escuchaba rock and roll, me enganché a la música enseguida y entrá a clases de canto, de hecho, también empecé a cantar en la iglesia. 

Mi padre tenía una grabadora y empecé a grabar mi voz, escuché cómo sonaba y pensé: “Creo que puedo hacerlo“. Era muy tímido, así que empecé a tocar el bajo en los grupos, así podía hacer coros en la banda y como resultado, me convertí en cantante principal y bajista, luego descubrí que cantar por sí solo era más desafiante porque podía profundizar en el arte de cantar cuando no tocaba un instrumento aunque me gusta hacer ambas cosas. 

¿Qué opinas sobre los nuevos álbumes de Yngwie Malmsteen? 

La verdad es que no los he escuchado, simplemente no creo que estén a la altura de los álbumes anteriores, primero, no hay química con los músicos porque lo hace todo él mismo y canta solo, eso es algo diferente, bueno, todavía toca genial y todo, pero creo que las canciones y el resultado no son tan buenos como los anteriores, es solo mi opinión.

Han sido muchos años de carrera artística. ¿Cuál ha sido el mejor momento de tu carrera? 

Ha habido muchos, muchos, muchos, pero uno que se me quedó grabado es el primer concierto que di con Yngwie, fue en un estadio con 80.000 personas, era el festival “Day on the Green”, en el Estadio Oakland, California y se transmitió en directo por MTV, no sé qué pasó con ese vídeo, todavía no lo encuentro, pero está circulando por ahí, tiene que estar, ese fue un momento increíble, pude conocer a Sammy Hagar y a Neal Schon de pie al lado del escenario mirándome, personas a las que admiraba mucho e hice un gran trabajo, estoy muy orgulloso de ese momento, se me quedó grabado para siempre. 

¿Cómo fue tu tiempo en Savoy Brown? 

Era el bajista principal, actuábamos como trío y así fue como conseguí el trabajo con Ted Nugent. Tocábamos en el Texas Jam, un gran festival en Texas y Ted Nugent me vio y me dijo: “Oye, te quiero en mi banda“. Así fue como conseguí el puesto, no sé si fue una buena decisión o no pero fue divertido. Estuve con Kim Simmonds en su banda Savoy Brown durante al menos dos años y medio, principalmente tocando en directo, grabamos algunas cosas, pero nunca terminamos un álbum. Grabamos un montón de canciones para un disco pero nunca salió. Savoy Brown es una banda increíble pero es muy diferente. Es jazz, blues, rock, es blues británico y blues rock, fue una época divertida.

Gracias por tu tiempo Mark. Por favor, unas últimas palabras para que la gente lee Track to Hell.

Es un placer para mí, denle un vistazo a Track to Hell, es una gran web llena de información.

Desde Tracktohell tuvimos el placer de entrevistar a Susanna Radimovskaya de Star Crystal, la banda ucraniana que mantiene viva la esencia glam del hard rock ochentero. Hablamos sobre su historia, el origen del nombre, su estética “sexy y liberada”, el impacto de la guerra en su creatividad y su visión sobre la música actual. Agradecemos especialmente a la producción de Heresy por confiar en nosotros para que nuestros lectores puedan descubrir más sobre la vida y pasión de la banda.

1) ¿Cómo se formó Star Crystal y qué representa el nombre?

Eso empezó allá por 2012, cuando yo —Susanna— decidí que ya estaba harta de solo soñar con tener una banda de rock y quise crear una. Desde chica estaba obsesionada con cantantes como Tina Turner y bandas como Scorpions, y cuando conocí a Alex, el guitarrista, pensamos: “¿Por qué no empezamos la nuestra?”. Conseguir al resto de los chicos llevó un poco de tiempo, pero lo logramos. Pensamos en llamarnos simplemente “Crystal” (porque suena como champán), pero sentimos que necesitábamos algo con alma rockera. Así que le sumamos “Star”, en referencia a una estrella de rock, y así nació Star Crystal.

2) ¿Cómo definen la estética “sexy y liberada” que promueve la banda?

Mucha gente se queda encerrada en su propio mundo y se pierde la vida, y creemos que música como la nuestra puede ayudarles a abrirse. Lo que queremos es revivir ese sonido del glam y heavy metal de los 80’s con el que crecimos, eso que tocábamos con guitarras de aire mientras soñábamos con multitudes metaleras gritando. En nuestras canciones mostramos la pasión, el amor y la fuerza de las personas decididas, y siempre volcamos todo lo que sentimos y vivimos.

3) ¿Cómo escriben letras que empoderan a las mujeres sin caer en los clichés?

La verdad, no lo pienso demasiado; las palabras simplemente salen y escribimos sobre eso.

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4) Como banda ucraniana, ¿cómo impactó el conflicto en su país en el proceso creativo y en la escena local?

La verdad que es un bajón ver lo que está pasando; mata bastante la vibra creativa. Ahora estamos todos viviendo en distintos países, así que hacemos todo a distancia, y no es lo ideal. En Ucrania, todo lo que sea más pesado que el pop-rock es prácticamente underground, así que nuestro estilo glam/hard rock no tuvo mucha repercusión local. Por eso empezamos a tocar y hacer giras fuera de Ucrania. Los fans del rock están en todas partes, y sentimos que compartir nuestra música con el mundo es lo correcto.

5) Si pudieran resucitar a un ícono del glam para colaborar, ¿quién sería?

La verdad, sería increíble tener a John Sykes y Whitesnake de los 80’s en el escenario con nosotros y tocar juntos “Still of the Night”. Sería un sueño hecho realidad.

6) ¿Qué opinan sobre usar inteligencia artificial para crear sonidos musicales y arte de discos?

Creo que es solo una herramienta, algo que está en manos de un artista para expresar sus ideas y sentimientos. Así como la fotografía no mató a la pintura, o el cine no reemplazó al teatro. El sampling y la música electrónica no son enemigos de la música tradicional, solo son otra manera de hacer algo copado. Siempre hubo miedo de que la tecnología nueva destruyera el arte viejo, pero la mayoría de las veces solo suma algo nuevo o mejora lo que ya existía.

7) Si pudieran armar el line-up de su festival soñado, ¿qué 5 bandas serían esenciales y en qué orden tocaría Star Crystal?

Whitesnake, Mr. Big, Jon Bon Jovi, Guns N’ Roses, Def Leppard. No puedo ponerlos en orden, son todas leyendas.

8) Para cerrar, ¿qué mensaje le mandarían al público argentino?

Queremos decirles: amen más, vivan a pleno y déjense enamorar de nuestra música. Creemos de verdad que la música en vivo y el rock ’n’ roll todavía tienen el poder de levantar a la gente e incluso cambiar el mundo. Si todavía no escucharon a Star Crystal, dennos una oportunidad: nuestras canciones están para ayudarlos a atravesar malos momentos, encontrar su chispa o simplemente escapar y pasarla bien.
Nos encantaría tocar en Latinoamérica y estamos trabajando activamente para organizar una gira completa por allá, con Argentina como destino clave.

Darse cuenta de que “20 años atrás” se refiere a la década del 2000 y no a los ochentas es uno de los momentos donde uno se da cuenta del paso del tiempo. Pero el punto es mantenerse joven mentalmente, y esa es la idea detrás de Sudarshana: la banda argentina de pop punk y hardcore volvió al ruedo en 2023 tras 11 años de ausencia, demostrando que mantienen la misma energía que en aquellos años. Y ahora se ponen a la tarea de celebrar los 20 años de La Rebelión del Corazón, álbum del 2004 que muchos consideran el punto más alto de su discografía. Para hablar sobre esto, hablamos con su bajista Matías Solo para hablar sobre aquellos años, el presente y también el futuro de estos punks espirituales.

—Un saludo a toda la gente de Sudarshana, queríamos arrancar agradeciéndoles por tomarse el tiempo de responder nuestras preguntas. ¿Cómo los encontramos en estos momentos?

En primer lugar muchas gracias por el espacio y la difusión. Estamos realmente a las corridas con los preparativos para el show de Vorterix. Ensayando a pleno y ocupados con la organización de semejante desafío. Obviamente muy entusiasmados y felices de estar en esta instancia de la banda.

—Ahora se van a estar presentando el 26 de julio en Vorterix como parte de los festejos por los 20 años de La Rebelión del Corazón. ¿Qué recuerdos tienen de aquellos años como banda?

Muchísimos, los incontables shows que dimos en lo que era como una gira interminable, que en principio nos llevó por el circuito de CABA, hicimos fechas en lugares míticos como CEMENTO, ARLEQUINES dos noches seguidas, PETECOS en zona sur o el MOCAMBO de Haedo, para luego continuar con incontables shows en el interior y lo que para nosotros fue un flash que fue empezar a viajar al exterior en giras que nos llevaron a varios países de Latinoamérica como Brasil, Colombia y Chile donde llegamos a hacer hasta 3 viajes al año.

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—¿Qué nos pueden contar de lo que fue estar componiendo y grabando el álbum hace 20 años?

Fue una experiencia muy linda porque a nivel técnico era una época donde estaba ocurriendo el cambio tecnológico a nivel métodos de grabación, de hecho el disco se grabó en cierta medida de manera híbrida, donde grabamos lo que fue todas las baterías, bajos y guitarras bases en el mítico estudio EL PIE, con sistema analógico en cinta abierta y luego se realizaron grabaciones y mezcla en sistema digital, lo cual sentimos que le aportó al audio del disco algo único e irrepetible.

—¿Cómo ven a La Rebelión del Corazón en el contexto de la discografía de Sudarshana?

Siempre sentimos que fue un disco que marcó un quiebre, históricamente es el primer disco en el cual sentimos que quedó plasmado casi al 100% la idea que teníamos en la cabeza. También sentimos que ese quiebre fue recibido por la gente de manera positiva y eso se hizo notar en la convocatoria y en la respuesta en los shows.

—¿Cómo surgió el título de La Rebelión del Corazón en su momento?

Lleva el nombre de uno de los temas del disco, y es un poco una filosofía que nos representa como banda, es rebelarse y cuestionarse y cuestionar ante lo establecido, pero desde un lado espiritual, de no violencia y desde adentro de una mismo. Creo que es nuestro lema de vida sin darnos cuenta.

—Viéndolo en retrospectiva, y con el beneficio del tiempo, ¿creen que hay algo que hubieran cambiado del disco si lo grabaran ahora?

Siento que al oírlo no haríamos otra cosa distinta, pero si lógicamente con el paso del tiempo uno adquiere nuevas influencias e inspiraciones, entonces no se si ese disco no existiera si hoy lo compusiéramos o grabáramos 100% igual, pero es lógico siendo que somos personas con 20 años más. Insisto que al escucharlo siento que la obra plasmó quienes éramos en ese momento y lo que queríamos mostrar en ese momento.

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—¿Cómo creen que han cambiado las cosas desde que saliera La Rebelión del Corazón?

En algunos sentidos muchísimo, son 20 años en la vida de una persona, una sociedad, un país, han pasado muchísimas cosas. Cada uno de nosotros es una persona distinta, creería que más maduros, pero otras cosas siguen siendo iguales, como nuestra pasión por la música, nuestra amistad como banda y nuestras ganas de seguir teniendo aventuras como fue el tour del 2023 por Centroamérica, o este tour de los 20 años del disco La Rebelión Del Corazón.

–Siendo que ahora lo van a estar recordando en vivo, ¿qué canción específica es la más divertida de arriba del escenario?

Hay muchas, cada una tiene su favorita, en alguna coincidimos los cuatro pero en lo personal puedo decir que “La rebelión del corazón” es mi favorita. Creo que musicalmente genera un clima que da una reacción abajo del escenario que nos inspira mucho.

—Después de este concierto, ¿tienen ya planes a futuro?

Si, por un lado la gira que se está cerrando por Latinoamérica y otros destinos, de hecho ya en Marzo hicimos un show en Brasil, además de eso estamos terminando el disco nuevo de Sudarshana.

—¿Quisieran dejarles un mensaje a todos los que vayan a verlos el 26 de julio en Vorterix?

Si, que los esperamos y esperamos que vengan llenos de energía y con ánimos de celebrar juntos un show que va a ser único e irrepetible.

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