Si uno tiene que pensar en bandas que han generado divisiones de opiniones más radicales en la última década dentro del metal, una de ellas sería Arch Enemy sin duda y es que a la banda encabezada por Alissa White Gluz le cuesta cada vez más convencer a sus seguidores de que aún tienen cosas interesantes para ofrecer y al mismo tiempo cada vez tocan en recintos más grandes (En España, la última vez llegaron al Palacio Vistalegre de Madrid convocando a más de 9000 personas, cifra nada despreciable no creen?).

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Pero con su nuevo disco, me parece que la balanza no se va a inclinar del lado defensor de Arch Enemy, si no en un punto intermedio, pero que sabe a poco teniendo en cuenta de que banda estamos hablando.

Y es que lo que nos vamos a encontrar en estas nuevas 11 canciones, quizás no sea lo mejor que estos chicos tienen para ofrecer tras más de 20 años de carrera.

Ya desde el comienzo con “Dream Stealer“, uno de los cortes que más convence por sus cambios de ritmo, Arch Enemy vuelve a desplegar sus recursos habituales, con esa velocidad en las guitarras y la batería y una Alissa que sigue cantando de manera impecable, pero que quizás en el disco donde la banda no la acompaña del todo, y el solo es una prueba evidente de ello, ya que hemos podido escuchar muchas veces el mismo estilo de Amott en los tres discos anteriores con la peliazul vocalista.

Pero luego nos vamos a encontrar con un disco que simplemente está ahí, continúa todo lo que Arch Enemy ha venido haciendo desde la entrada de Alissa a la banda, pero no hay apenas evolución desde el último disco hasta este “Blood Dynasty“.

Ojo, los singles promocionales, sobre todo “Liars & Thieves“, suenan muy bien, es más se entiende porque ha sido elegido para promocionar el disco hace unos meses, pero cuando dentro del mismo hay piezas tan “intrascendentes” como “Presage“, “The Pendulum” o “A Million Suns“, es inevitable sentir una especie de “Preocupación” ante el alarmante estado de “estancamiento” por parte de Alissa y los suyos.

Y Alissa?, pues aunque a los “haters” de esta época de la banda se refiere, sigue cantando muy bien, su voz está impecable, los guiños melódicos siguen siendo coquetos y quizás es aún agradable verla cantar en un tono más accesible, pero lo que en “War Eternal“, era innovador, aquí ya empieza a quedarse obsoleto y falto de gancho.

Aunque evidentemente la sorpresa mayúscula llega con los primeros acordes de “Vivre Libre“, una especie de power ballad, que pese al desconcierto inicial, paradójicamente es de los momentos en donde la banda más ha arriesgado en todo este nuevo disco.

La pieza contiene la intensidad necesaria para acompañar quizás al mejor momento vocal de Alissa en todo el álbum y es que ese tono (ahora) melancólico y pausado si que da los resultados que la canción pide y sin duda los tonos más agudos son una absoluta delicia para el oído…

Ahora bien ¿Cuál es el papel de esta canción en el disco?, esa respuesta y mejor dicho su pregunta, evidencia muy claramente que no sabemos exactamente que es lo que ha querido ofrecer Arch Enemy en este disco.

Y a pesar de contar con solo 11 canciones, el disco se te acaba haciendo un poco repetitivo y falto de gancho, pero gracias a canciones como “Illuminate the Path“, “Paper Tiger” e incluso la propia “Vivre Libre”, aún confío en que la banda pueda revertir su situación de cara al próximo disco, porque en este si aprueban es gracias a la trayectoria y la experiencia que tienen y la cual les ha permitido crear algunas canciones destacables en el álbum, pero cuidado, porque esto está lejos de ser un álbum notable y su acercamiento al abismo ha estado muy cerca.

En Suecia se erige un gran monolito del post-metal llamado Cult of Luna. Esa es una presencia ineludible, que proyecta una sombra que desde hace décadas marca el tiempo, cual reloj solar, del género a nivel mundial. Esa sombra, sin dudas, debe ser más oscura dentro del propio territorio sueco. Sin embargo, también prospera la vida en ausencia de la luz y, por lo general, suele tratarse de organismos más extraños, que despliegan modos increíbles de adaptarse. KOLLAPS\E es un grupo relativamente nuevo de post- metal, oriundo de Helsingborg, un cuarteto que está encontrando su nicho en un ecosistema desafiante. Tras editar el single The Pandemic Sessions en 2021, y luego el LP debut Phantom Centre en 2023, ahora nos presentan “KLPS” (modo en que a partir de este lanzamiento se estiliza el nombre de la banda), que suena como la consolidación de una propuesta musical sobre la que hay bastante que decir.

El comienzo del disco es brutal con “Subverse“. Una voz furiosa se despliega sobre una afilada estructura musical de las que se desprenden riffs como puntas penetrantes. Esto no quita que, de hecho, haya momentos calmos y melancólicos. No obstante, el canto nunca es melódico, no cesan los guturales rabiosos. Es un primer track bien arraigado en un terreno abonado por la referencia monumental que dimos al principio. Encontraremos letras tanto en inglés como en sueco.

“Katarsis” continúa en una vena similar, desarrollando mayor versatilidad en la ejecución instrumental y el esquema compositivo, aunque sigue sin distanciarse del cobijo de la penumbra generacional. Siendo un fanático del post-metal, en general, y de COL, en particular, no puedo evitar mencionarlo. Quizás pueda afirmarse que KLPS se mantiene siempre más afín al sludge y al hardcore, y no se adentra en ámbitos más propios del folk, como sí hacen sus predecesores. En “Tribulation” se confirma que hasta las elecciones armónicas remiten a esa influencia crucial, y ni hablar del arte de tapa de todos sus lanzamientos hasta el momento, que parecen variaciones de la idea expuesta en “Vertikal“. Aparecen tramos atmosféricos que también recuerdan a Isis y Rosetta. Otra banda que se me viene a la mente es Fall of Efrafa.

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En “Nattvarst” encontramos la irrupción de un ímpetu un poco más diverso. Hay un nivel parejo de intensidad transversal a todas las canciones, y lo mismo puede decirse con respecto a la emotividad que convocan. Tal vez sería interesante una mayor exploración de las posibilidades expresivas que, sin dudas, este grupo posee. Más allá de las líneas de guitarra, la base rítmica es de una ejecución tremendamente efectiva. “Undertow” sigue trazando el mismo diseño general, y en este punto, podría pensarse que hay algo brutalista en el enfoque de estos suecos.

De hecho, si volvemos al arte de tapa, esta noción se vería reforzada. Recordemos que el brutalismo como estilo arquitectónico creaba monumentales obras de concreto, fuertes y honestas, genuinas en la intención de hallar la funcionalidad en lo sublime y la magnificencia en la humildad de las formas. El aporte de la electrónica en este track también introduce un fugaz factor de heterogeneidad. El final llega con “Aureola“, donde encontramos lapsos en los que las guitarras se animan a tener un mayor vuelo. Así termina un muy buen trabajo que marca un paso adelante en la metamorfosis que ojalá convierta a KLPS en una criatura aún más sorprendente.

Desde las profundidades del metal extremo, Cabal regresa con una nueva manifestación de oscuridad y brutalidad sonora con Everything Rots, su cuarto álbum de estudio, ya disponible bajo el sello de Nuclear Blast. Esta obra representa la evolución definitiva de la banda danesa, que ha perfeccionado su fórmula de deathcore opresivo, elementos industriales desgarradores y una atmósfera tan densa que parece descomponerse desde adentro. Para marcar el lanzamiento, el grupo ha revelado el videoclip de Snake Tongues, un tema que encapsula a la perfección el caos y la agresión que definen este nuevo capítulo en su discografía.

Con una trayectoria que los ha llevado a pisar escenarios en Europa, Norteamérica, Japón y Australia, además de festivales de renombre como Roskilde, Copenhell, Summer Slaughter y Brutal Assault, Cabal se ha convertido en una de las propuestas más implacables del metal contemporáneo. Su sonido fusiona la ferocidad del death metal con la agresividad del metalcore moderno y la frialdad electrónica, logrando una expresión sonora de intensidad abrumadora.

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Liderados por Andreas Bjulver en la voz, la alineación ha demostrado una cohesión inquebrantable, construyendo un sonido tanto devastador como intrincado. Sobre este nuevo lanzamiento, Bjulver comenta: “Estamos más que emocionados de compartir por fin Everything Rots con el mundo. Este álbum es la culminación de años de trabajo duro y representa la esencia de lo que nos hemos convertido como banda. Todas las cosas buenas terminan, todos mueren y todo se pudre”.

Pero Everything Rots no solo destaca por su crudeza sonora, sino también por su profundidad lírica. Las canciones abordan temas como la depresión, el trauma y la adicción desde una perspectiva desgarradoramente honesta. “Still Cursed” examina la lucha interminable contra los trastornos mentales, mientras que la homónima “Everything Rots” se erige como un himno para generaciones atrapadas en la desesperanza de un mundo en colapso. “No Peace” narra la impactante experiencia de hallar a una víctima de suicidio en las calles de Copenhague, una imagen brutal que se refleja en su sonido demoledor. Por otro lado, “Unveiled” y “Forever Marked” enfrentan la realidad del abuso desde diferentes ángulos, explorando la ira, la traición y la culpa en un viaje catártico de dolor y venganza.

La producción del álbum es una obra maestra en sí misma, combinando una instrumentación asfixiante con elementos electrónicos y paisajes sonoros apocalípticos. Cabal no deja espacio para la comodidad: su música es una confrontación directa con lo más oscuro de la condición humana, presentando su mensaje con una crudeza que resulta imposible de ignorar.

Los norteamericanos Underoath quizás sean de las bandas de su generación que mejor han resistido el paso del tiempo y las modas, entregando en los últimos 15 años, discos tan interesantes como Ø (Disambiguation) o Erase Me, ambos con excelente respuesta por parte del público y también de la prensa y es que Spencer Chamberlain y los suyos siguen sonando muy sólidos e interesantes demostrando que en su caso la palabra “Evolución” está bien empleada.

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Ahora regresan tras tres años desde su último trabajo y lo hacen con The Place After This One, un disco que continúa la senda de su predecesor y que de haber salido hace unos años atrás los llevaría a recintos aún más grandes de los que se presentan actualmente y que es lo que aquí encontramos es muy superior a la media actual dentro del género.

Ya desde el potente inicio con “Generation No Surrender”, te das cuenta como sin tener la mega fama de My Chemical Romance o Avenged Sevenfold, estos chicos pavimentaron un camino y una forma de ejecutar el estilo que luego sería imitada (aunque nunca igualada) por bandas como Wage War, Falling In Reverse (sobre todo en el primer disco), Of Mice & Men o I Prevail, entre otros.

Pero lejos de quedarse en la esquina maldiciendo a todo dios (perdón por la broma), Underoath han construido una carrera sólida y eso se traduce en como este nuevo disco, ya el décimo de su carrera, bien podría parecer de los primeros, con una banda llena de fuerza y ganas por seguir bien arriba en la lucha.

Por esta misma razón cuando se ponen modernos y presentan “Teeth”, lejos de parecer un tema postizo y para subirse al carro de lo que “ahora se lleva”, la banda suena muy bien y las voces de Spencer y Aaron, siguen cautivándonos como antaño.

Las diferencias quizás estén en que este disco es más directo para el oyente que los últimos tres, dejando de lado la experimentación y volviendo a disparar directo y a la diana, con excelentes resultados traducidos en canciones como “Lifeline”, el tremendo dueto con Troy Sanders de Mastodon en “Vultures”, “All The Love Is Gone” que podría pasar por un tema de los The Used más enroscados o ese bombazo que es “Shame”, todo bien calibrado y sin alargarse más de la cuenta.

Y es que a 26 años desde su álbum debut, Underoath siguen sonando más que potentes e interesantes, sin inventar nada nuevo ni buscar hacer su sonido más “artificial” para destacar, pero con la suficiente convicción para entregar un disco mucho más disfrutable que el de algunos de sus compañeros de profesión y eso es cuanto menos para aplaudirles.

En su quinta entrega, la banda de thrash metal Bark nos ofrece The Time Has Come, un disco que, aunque aún no ha salido a la venta (se espera su lanzamiento para finales de abril), hemos tenido la oportunidad de escuchar en su totalidad. Liderada por Ron Bruynseels y con la presencia del guitarrista argentino Martin Furia (Destruction), la formación de la banda se ha mantenido estable en los últimos cinco años, consolidándose con la incorporación de Toon Huet a las guitarras.

Bajo el sello Listenable Records, el álbum arranca con fuerza con “Negativist“, único adelanto publicado hasta el momento, que ya daba pistas del vendaval que se avecinaba: velocidad, potencia y agresividad sin concesiones. “Shaman” y “Dodge the Bullet” continúan la senda con estribillos pegadizos y coros diseñados para ser coreados en directo. En este último caso, es inevitable encontrar reminiscencias a Amon Amarth y Machine Head, tanto en la energía como en la contundencia sonora.

La tormenta sigue con “On No One’s Word“, un tema que invita al headbanging y que marca el primer gran solo de guitarra del álbum, acompañado de coros contundentes. “Whisky Rivers” y “Faceless” aceleran aún más, sin frenos ni tregua, evocando imágenes de pogos desatados en sus presentaciones en vivo.

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A mitad de camino encontramos “Wanted Man“, que engaña con un arranque más calmado, solo para lanzarse de nuevo al caos y cerrar con la misma atmósfera tranquila del inicio, otorgando un efímero respiro tras la devastación. Le sigue “Seven“, que, curiosamente, ocupa el octavo lugar en el tracklist. Este corte mantiene la velocidad y la épica, destacando por otro solo de guitarra magistral, al igual que “Wildheart“, “Lord of the Skies” y “Wrath Unchained“, que refuerzan la identidad del disco con su fiereza y precisión.

El cierre llega con “The Curse from Above“, un tema que apuesta por un ritmo más pausado, sin perder la intensidad. Con sus coros imponentes y guitarras afiladas, representa la banda sonora de un mundo inmerso en el caos, la violencia y la crudeza del día a día.

Así transcurren los 12 temas de “The Time Has Come“, un álbum directo, crudo y feroz que cumple con creces su cometido: riffs afilados, solos vibrantes, estribillos coreables y un ritmo trepidante que no da respiro. Ideal para la batalla, la locura del moshpit o simplemente para liberar energía en el día a día. No queda más que recomendarlo y dejar que cada oyente saque sus propias conclusiones.

Desde 2009, los norteamericanos Lady Beast han llevado con orgullo la bandera del heavy metal clásico. Originarios de Pittsburgh, Estados Unidos, la banda ha forjado su sonido bajo la influencia de gigantes como Motörhead, Dio, Black Sabbath, Iron Maiden, Judas Priest y Mercyful Fate. A lo largo de su trayectoria, han consolidado un estilo inconfundible, basado en armonías de guitarra precisas y la poderosa voz de Deborah Levine. Su discografía incluye Lady Beast (2012), Lady Beast II (2015), Vicious Breed (2017) y The Vulture’s Amulet (2020). Ahora, tras cinco años de espera, regresan con The Inner Alchemist, a través de Dying Victims Productions.

The Inner Alchemist es un álbum que combina la esencia del heavy metal de los años 80 con una producción moderna que resalta la contundencia de la banda. Con un sonido que oscila entre la velocidad del speed metal y la majestuosidad del NWOBHM, el disco está lleno de guitarras armonizadas, guitarras gemelas y una sección rítmica demoledora. Gracias a la claridad del sonido global, la banda ha logrado una experiencia intensa y envolvente, ideal para cualquier fan del metal.

En cuanto a la voz, todavía no me convence del todo. No es que las vocales sean malas, en absoluto, pero siento que Deborah Levine se contiene un poco más de lo que debería en algunas canciones. Para advertirles lo que encontrarán en este nuevo lanzamiento, resumiré brevemente cada una de las canciones a continuación.

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El viaje comienza con “The Oracle’s Omen“, una poderosa introducción repleta de acordes agresivos y una base rítmica aplastante que prepara el terreno para lo que será un himno de batalla. A continuación, “Through the Eyes of War” intensifica la experiencia con riffs melódicos a toda velocidad, creando una atmósfera oscura rematada por un solo de excelente calidad. Cuando llega el momento de “The Inner Alchemist“, Deborah toma el protagonismo con su pegajosa melodía vocal y una estructura que invita al oyente al headbanging.

El disco sigue su curso con “Starborn“, que arranca con una introducción atmosférica de bajo y guitarra antes de estallar en un torbellino de riffs pesados y armonías llenas de poder. Luego, “Crone’s Crossroads” sube la apuesta con un enfoque más agresivo y veloz, incorporando influencias thrash que evocan la ferocidad de bandas como Megadeth y Metallica. En contraste, “Feed Your Fire” trae de vuelta el clásico heavy metal con una energía imparable, riffs afilados y un estribillo que invita a corear con el puño en alto.

En el tramo final, “Witch Light” se presenta como un interludio fugaz pero feroz, con un despliegue de ideas melódicas en apenas dos minutos. La magia del heavy metal ochentero regresa con “The Wild Hunt“, una pieza oscura y misteriosa donde las guitarras crean melodías memorables y la interpretación vocal de Levine está cargada de dramatismo. Finalmente, “Off With Her Head” cierra el álbum de manera explosiva, con una estructura rápida y directa que recuerda a los grandes himnos del metal clásico, incorporando influencias de Motörhead y dejando al oyente con ganas de más.

Lady Beast ha logrado con The Inner Alchemist una obra que reafirma su identidad y fortalece su legado dentro del heavy metal. Cada canción tiene esa necesidad de ser coreada y sentida con intensidad. El resultado global es contundente, haciendo de este un álbum imprescindible para todos los amantes del género.

Los monstruitos del hard rock finlandés Lordi vuelven este 2025 con su decimotercer trabajo de estudio Limited Deadition, donde siguen la línea que los caracteriza combinando ese hard rock pesado pero con toques melódicos y ciertas pinceladas de heavy metal, que los han llevado a coronar todo tipo de corazones entre el público alternativo.

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En esta ocasión, Mr.Lordi, Hella y compañía se despachan con la friolera de 16 nuevas canciones, para demostrar una vez más que su horror rock tiene aún muchas alegrías que darnos. Y quizás sea eso lo único “negativo” del disco y es que 16 canciones igual se te pueden atragantar un poquito sobre todo hacia el final del disco.

Sea como sea, la banda sigue sólida y en este nuevo trabajo así lo demuestra desde la inicial “Legends are Made of Clichés”, con ese teclado a lo HIM del principio a cargo de la princesita del horro rock Hella y unas guitarras bien coquetas y góticas que se complementan con ese tono raspado y tan característico de Mr.Lordi, que sin duda puede sorprender al oyente ya que predomina la melancolía por encima de la “Fiesta” que suelen llevar por bandera estos chicos.

Lo mismo ocurre con temas como “Syntax Terror”, de nuevo con unos teclados de Hella, ultra pegadizos y con la mirada puesta en los 80, que quizás sea una vertiente que a Lordi le queda como un guante, en lugar de querer emular 100% a sus héroes Kiss, Twisted Sister o W.A.S.P., entre otros.

Pero cuenta con un agudo de Mr.Lordi espectacular y que puede ser brutal en directo si es capaz de reproducirlo.

Y se corona con un solo brutal de Kone, que quizás está mucho más inspirado en las seis cuerdas que en su anterior trabajo.

La caña sigue de la mano del binomio “Skelephant in the Room” y “Killharmonic Orchestra”, siendo un corte más AOR y hard rock melódico el primero y donde podemos ver el lado más heavy clásico el segundo, pero ambos se complementan a la perfección y le dan al disco esa variedad sonora que tanto apreciamos en Lordi.

Las revoluciones bajan un poquito en “Collectable”, con Hella siendo protagonista una vez más con ese piano que acompaña a Mr.Lordi y el cual está bastante bien en este tono, aún sabiendo que quizás su fuerte sean los temas más cañeros, pero los coros de Hella son una delicia y endulzan un poquito la canción, oxigenando al disco justo en el momento necesario.

Kone nos vuelve a regalar un bonito solo de guitarra y convierte a esta pieza a una de las que sería genial poder escuchar en directo en su próxima gira por nuestro país.

La adrenalina vuelve a subir con “Fangoria”, un corte que podría ser soundtrack de cualquier serie de los 80 y evidencia lo bien absorbido que tienen Lordi el sonido de aquella época, con Hella pletórica a las teclas, guitarras trepidantes y un ritmo de batería super contagioso y directo que te hará vibrar desde el minuto uno en que escuches esta pieza.

El fantástico single “Hellizabeth”, se complementa con la rockera y más “estandarizada” “Retropolis”, pero con otra gran demostración vocal por parte de Mr.Lordi, quien con los recursos que tiene sabe hacer cosas muy interesantes.

La recta final comienza de forma titubeante con “Frighteousness”, una especie de medio tiempo edulcorado, que quizás tenga en los momentos más veloces sus partes más interesantes, mientras que el resto no me termina de encajar con la canción en si misma.

El corte que da título al disco levanta un poquito lo ofrecido en su predecesora y vuelve a mostrarnos el excelente equilibrio que Lordi tiene como banda, combinando partes más rockeras, otras más accesibles y alguna pincelada heavy. Sin duda Hella sigue siendo la carta ganadora ya que sus coros a lo largo del disco son casi tan notables como sus partes con los teclados.

Con la más clásica y contundente “You Might Be Deceased”, el disco llega a su fin de una forma más que interesante y mucho mejor de lo que muchos podrían esperar de Lordi, quienes recordemos con este ya llevan 13 discos a sus espaldas, pero y contrario de lo que pueda parecer, la banda sigue en un estado de forma más que notable.

Quizás los días de “Hard Rock Hallelujah” ya no vayan a volver más, en cuanto a popularidad se refiere, pero si tras 13 discos, Lordi siguen al nivel mostrado en Limited Deadition, ojalá sigan con nosotros muchos años más y podamos seguir disfrutando de discos tan bien ejecutados como este.

No me sorprende si no les suena el nombre de Tiktaalika, siendo que hoy estamos hablando de su álbum debut al menos bajo esta denominación. Pero puede que les suene el nombre de Charlie Griffiths, el hombre detrás de este particular grupo: Griffiths ha sido guitarrista de los progresivos pesados ingleses Haken casi desde sus inicios, con casi dos décadas demostrando su habilidad con las ocho cuerdas en canciones retorcidas y complicadas. En 2022 Griffiths comenzó su carrera solista con su debut Tiktaalika, y ahora decidió adoptar el nombre de ese debut como la denominación de su banda, ahora acompañado por su compañero en Haken Conner Green como bajista y el incansable Darby Todd (Devin Townsend, Jordan Rudess) en batería.

El particular nombre de este proyecto viene de “tiktaalik”, una palabra de las lenguas inuit con la que se bautizó a un fósil de alrededor de 375 millones de años encontrado en Canadá, muchas veces descrito como un “pez caminante” que se considera como un fósil transicional entre los peces y los animales terrestres, y por lo tanto un ancestro de todos los seres terrestres y por extensión de los seres humanos. El nombre tiene mucho sentido, porque tanto ese primer disco como este segundo Gods of Pangaea, editado el 14 de marzo a través del sello de metal progresivo InsideOut, sigue un concepto referido a la geología y dinosaurios, una temática que se ve de vez en cuando en el metal y que personalmente creo que se merece su propio espacio, de la misma manera que el metal vikingo y el metal pirata.

Con una portada a cargo de Dan Goldsworthy que parece ser un homenaje al estilo de Ed Repka, queda claro ya desde el inicio la intención por parte de Griffiths y compañía de establecer su propio sonido aparte de Haken. Mientras que en el primer álbum se podía sentir como una extensión obvia de lo hecho por el guitarrista en su banda madre, en Gods of Pangaea lo tenemos haciendo mucho más énfasis en el costado más thrashero de su sonido, sin tanto machaque djent en sus cuerdas. 

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Al igual que con el álbum debut, en Gods of Pangaea Griffiths deja las voces a una selección bastante exclusiva de cantantes invitados, todos ellos salidos de la escena progresiva. El que más podemos escuchar es al neerlandés Daniël de Jongh (Textures): en la inicial “Tyrannicide” lo escuchamos con un estilo agresivo donde combina voces limpias y gritadas, dando un estilo muy de thrash tradicional a las canciones, como algo podría haber salido en 1989 o 1990. En las otras dos “Give Up The Ghost” y la extensa “Gods of Pangaea” se escuchan influencias más progresivas, a veces metiendo cierto groove a los riffs.

Después tenemos al serbio Vladimir Lalić (Organized Chaos), quien aporta sus voces en solitario en “Mesozoic Mantras” y en compañía del cantante de apoyo Neil Purdy (Luna’s Call) en “The Forbidden Zone”. Su estilo agudo y melódico, por momentos cayendo en el falsetto, puede sonar un tanto fuera de lugar, pero en repetidas escuchas me terminó convenciendo, dándole mucha identidad a sus tracks al mezclarse con los riffs thrasheros. 

Los otros dos cantantes se reparten una canción cada uno. Rody Walker (Protest The Hero) hace lo suyo en “Fault Lines”, con sus características voces limpias, y Tommy Giles Rogers (Between The Buried And Me) se deja la garganta en la retorcida “Lost Continent”, la cual tiene de los momentos más técnicos de toda la placa. Ya para el final nos queda el bonus track “Chicxulub”, un instrumental que cierra el álbum a puro doble bombo y guitarras soleando con muy buen gusto.

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Gods of Pangaea es un disco muy particular, tanto en su estética como en su sonido: aunque a la primera uno pensaría que dedicaría sus 54 minutos a homenajear ese sonido de thrash clásico crudo y directo, con el paso de los minutos queda claro que Griffiths en realidad usa esas influencias como un trampolín para sus propias ideas, y las contribuciones de los cantantes con sus estilos característicos le dan una identidad propias a las canciones: claramente no son las voces que escucharíamos en un disco de Forbidden, Exodus, Overkill o cualquier otro gigante del thrash under. Pero el fan de este sonido todavía tiene mucho para apreciar en este álbum: Griffiths es un amo del instrumento pero no abruma con un festival de notas, y sus compañeros de banda aportan ese empuje fuerte que el estilo requiere.

Seas fan del thrash, del progresivo, de dejarte la vida en el mosh y/o de los dinosaurios, Gods of Pangaea es un disco como para darle play y dejar que nos transporte cientos de millones de años al pasado. Una de las sorpresas de este mes, sin lugar a dudas.

Blood Ties, el nuevo disco solista del líder de The Almighty, Black Star Riders y Circus Diablo, Ricky Warwick, suena a la continuación de Wrong Side of Paradise (Black Star Riders) con algo de Thin Lizzy, está más que claro ver de donde vienen las raíces de este gran músico que viene de Irlanda del norte.

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Desde las primeras notas de “Angels of Desolation” hasta hasta los últimos tonos de “The Town That didn´t Stare”, se puede percibir el aire setentero y acústico que el álbum depara, es todo un gusto auditivo poder apreciar estas 10 canciones que Ricky a lanzado para esta obra musical cuya producción está a cargo de Keith Nelson, ex guitarrista de Buckcherry y que además cuenta con invitados como Billy Duffy de The Cult, Charlie Starr de Blackberry Smoke y la grandiosa Lita Ford.

Algunas de las letras del disco muestran a un Ricky Warwick reformado ya que dejó a un lado la bebida para concentrase en temas más importantes, nunca es tarde para eso y el lo sabe, aunque aprendió algo tarde dice estar en un buen momento de su vida y eso se nota en todo el álbum.

Al escucharlo varias veces, se nota todavía que el estilo medio punk sigue en el, en especial en el riff de “Wishing You Life Away”, como también las guitarras dobles se hacen presentes en “The Crickets Stayed in Clovis” muy al estilo de Phil Lynott.

Pero sin duda alguna, el mejor acierto del disco fue el dueto con Lita Ford (The Runaways), “Don´t Leave Me in the Dark” suena mágico, un tema  a medio tiempo en donde parece que Lita dejó esa voz grabada hace 3 décadas, suena como si fuera una joven cantante en The Runaways, increíble como lograron esto.

Con este disco, Ricky Warwick sigue demostrando que tiene mecha para rato, esperemos que en un futuro no muy lejano vuelva a grabar algo con la banda que lo hizo famoso a finales de los 80´s, The Almighty.

La banda gallega Cruzeiro nos hizo llegar de manera anticipada su segundo LP Hic Sunt Dracones, a editarse el 26 de marzo a través de la discográfica Rubia Producciones. Así que lo mínimo que podíamos hacer es dedicarle una reseña y decirles qué nos parece este flamante nuevo álbum de parte de estos oriundos de La Coruña.

El nombre de la banda me habrá hecho creer por un momento que era una banda brasileña, el título del álbum podría ser de algún grupo de power metal (es la frase original en latín de cómo Avantasia llamó a su último álbum Here Be Dragons, justamente) y su tapa podría hacer creer que estamos ante un grupo de black metal, pero Cruzeiro no tienen nada (o casi nada) que ver con alguna de estas tendencias en la música pesada. Este cuarteto formado en 2019 se sumerge de cuerpo completo en las aguas del stoner y el doom, trayendo al frente esa mezcla de riffs de distorsión analógica y ritmos aletargados, sonando a través de una espesa nube de humo.

“Sybil of the Rhine” no deja dudas al respecto en cuanto al estilo de Cruzeiro, arrancando con ese riff cabalgante a cargo del guitarrista Gon B., esa línea de bajo punzante de Raposa y la batería fuerte y cálida de Rust. Es ahí cuando entra Beatriz Onix, cantante cuya voz inmediatamente me hace pensar en la movida del rock ocultista de hace unos años, como si una bruja estuviera cantando en una cueva enorme. Todos estos son elementos corrientes en el mundo del stoner doom, pero la gracia está en hacer buenas canciones y Cruzeiro lo logran en este primer track, con solos llenos de efectos y una atmósfera oscura y lisérgica que no por eso oprime.

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“Death Mountain” pone énfasis en la parte “doom” del stoner doom, apretando el freno ante un ritmo que ya de por sí no era muy rápido y dejando los riffs gruesos al frente, y aunque la voz de Beatriz pueda quedar un tanto tapada por momentos está claro que el foco debe estar de lleno en los instrumentos, con esos solos bien setentas revoloteando.

Más adelante tenemos otras como “Galaxies Waltz”, que hace honor a su título con una atmósfera espacial, y la funeraria “Velvet Heart”, que contrasta inmediatamente con la siguiente “Hic Sunt Dracones”, un instrumental con fuertes tintes entre hardrockeros y punks. Es interesante cómo este track de apenas dos minutos y monedas da paso a “Figa!”, la canción final que diría que es mi preferida, siendo una mezcla de todos los mejores elementos mostrados por Cruzeiro a lo largo de la placa: más riffs de cabalgata, más efectos de guitarra, la voz de Beatriz abriéndose paso entre los instrumentos y esos ritmos que son tanto para agarrar el auto e ir por el desierto o tirarse en un puff en tu habitación y dejar que todo comience a hacerte efecto.

Como se habrán dado cuenta, no hablé de todas las canciones de Hic Sunt Dracones. Como casi cualquier álbum de stoner doom, el estilo es bastante uniforme a lo largo de todo el disco y creo que es mejor dejar algo breve en vez de andar repitiéndose por el simple objetivo de andar llenando espacio. Es un disco hecho claramente para fans de esta onda, con todas las canciones (con excepción del tema título) superando los cinco minutos y mostrando cierto sentido de jam, como si estuvieran todos los músicos estuvieran haciendo la canción en el momento. Pero siempre se mantiene disfrutable para quienes somos fans de estos riffs de sonido analógico y bien setentas, donde uno puede sentir el humo metiéndose entre los equipos. Puede ponerse monótono si uno se pone a hilar fino, pero en conjunto todo el álbum cierra de manera positiva.

Si uno tiene que pensar en bandas que han generado divisiones de opiniones más radicales en la última década dentro del metal, una de ellas sería Arch Enemy sin duda y es que a la banda encabezada por Alissa White Gluz le cuesta cada vez más convencer a sus seguidores de que aún tienen cosas interesantes para ofrecer y al mismo tiempo cada vez tocan en recintos más grandes (En España, la última vez llegaron al Palacio Vistalegre de Madrid convocando a más de 9000 personas, cifra nada despreciable no creen?).

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Pero con su nuevo disco, me parece que la balanza no se va a inclinar del lado defensor de Arch Enemy, si no en un punto intermedio, pero que sabe a poco teniendo en cuenta de que banda estamos hablando.

Y es que lo que nos vamos a encontrar en estas nuevas 11 canciones, quizás no sea lo mejor que estos chicos tienen para ofrecer tras más de 20 años de carrera.

Ya desde el comienzo con “Dream Stealer“, uno de los cortes que más convence por sus cambios de ritmo, Arch Enemy vuelve a desplegar sus recursos habituales, con esa velocidad en las guitarras y la batería y una Alissa que sigue cantando de manera impecable, pero que quizás en el disco donde la banda no la acompaña del todo, y el solo es una prueba evidente de ello, ya que hemos podido escuchar muchas veces el mismo estilo de Amott en los tres discos anteriores con la peliazul vocalista.

Pero luego nos vamos a encontrar con un disco que simplemente está ahí, continúa todo lo que Arch Enemy ha venido haciendo desde la entrada de Alissa a la banda, pero no hay apenas evolución desde el último disco hasta este “Blood Dynasty“.

Ojo, los singles promocionales, sobre todo “Liars & Thieves“, suenan muy bien, es más se entiende porque ha sido elegido para promocionar el disco hace unos meses, pero cuando dentro del mismo hay piezas tan “intrascendentes” como “Presage“, “The Pendulum” o “A Million Suns“, es inevitable sentir una especie de “Preocupación” ante el alarmante estado de “estancamiento” por parte de Alissa y los suyos.

Y Alissa?, pues aunque a los “haters” de esta época de la banda se refiere, sigue cantando muy bien, su voz está impecable, los guiños melódicos siguen siendo coquetos y quizás es aún agradable verla cantar en un tono más accesible, pero lo que en “War Eternal“, era innovador, aquí ya empieza a quedarse obsoleto y falto de gancho.

Aunque evidentemente la sorpresa mayúscula llega con los primeros acordes de “Vivre Libre“, una especie de power ballad, que pese al desconcierto inicial, paradójicamente es de los momentos en donde la banda más ha arriesgado en todo este nuevo disco.

La pieza contiene la intensidad necesaria para acompañar quizás al mejor momento vocal de Alissa en todo el álbum y es que ese tono (ahora) melancólico y pausado si que da los resultados que la canción pide y sin duda los tonos más agudos son una absoluta delicia para el oído…

Ahora bien ¿Cuál es el papel de esta canción en el disco?, esa respuesta y mejor dicho su pregunta, evidencia muy claramente que no sabemos exactamente que es lo que ha querido ofrecer Arch Enemy en este disco.

Y a pesar de contar con solo 11 canciones, el disco se te acaba haciendo un poco repetitivo y falto de gancho, pero gracias a canciones como “Illuminate the Path“, “Paper Tiger” e incluso la propia “Vivre Libre”, aún confío en que la banda pueda revertir su situación de cara al próximo disco, porque en este si aprueban es gracias a la trayectoria y la experiencia que tienen y la cual les ha permitido crear algunas canciones destacables en el álbum, pero cuidado, porque esto está lejos de ser un álbum notable y su acercamiento al abismo ha estado muy cerca.

En Suecia se erige un gran monolito del post-metal llamado Cult of Luna. Esa es una presencia ineludible, que proyecta una sombra que desde hace décadas marca el tiempo, cual reloj solar, del género a nivel mundial. Esa sombra, sin dudas, debe ser más oscura dentro del propio territorio sueco. Sin embargo, también prospera la vida en ausencia de la luz y, por lo general, suele tratarse de organismos más extraños, que despliegan modos increíbles de adaptarse. KOLLAPS\E es un grupo relativamente nuevo de post- metal, oriundo de Helsingborg, un cuarteto que está encontrando su nicho en un ecosistema desafiante. Tras editar el single The Pandemic Sessions en 2021, y luego el LP debut Phantom Centre en 2023, ahora nos presentan “KLPS” (modo en que a partir de este lanzamiento se estiliza el nombre de la banda), que suena como la consolidación de una propuesta musical sobre la que hay bastante que decir.

El comienzo del disco es brutal con “Subverse“. Una voz furiosa se despliega sobre una afilada estructura musical de las que se desprenden riffs como puntas penetrantes. Esto no quita que, de hecho, haya momentos calmos y melancólicos. No obstante, el canto nunca es melódico, no cesan los guturales rabiosos. Es un primer track bien arraigado en un terreno abonado por la referencia monumental que dimos al principio. Encontraremos letras tanto en inglés como en sueco.

“Katarsis” continúa en una vena similar, desarrollando mayor versatilidad en la ejecución instrumental y el esquema compositivo, aunque sigue sin distanciarse del cobijo de la penumbra generacional. Siendo un fanático del post-metal, en general, y de COL, en particular, no puedo evitar mencionarlo. Quizás pueda afirmarse que KLPS se mantiene siempre más afín al sludge y al hardcore, y no se adentra en ámbitos más propios del folk, como sí hacen sus predecesores. En “Tribulation” se confirma que hasta las elecciones armónicas remiten a esa influencia crucial, y ni hablar del arte de tapa de todos sus lanzamientos hasta el momento, que parecen variaciones de la idea expuesta en “Vertikal“. Aparecen tramos atmosféricos que también recuerdan a Isis y Rosetta. Otra banda que se me viene a la mente es Fall of Efrafa.

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En “Nattvarst” encontramos la irrupción de un ímpetu un poco más diverso. Hay un nivel parejo de intensidad transversal a todas las canciones, y lo mismo puede decirse con respecto a la emotividad que convocan. Tal vez sería interesante una mayor exploración de las posibilidades expresivas que, sin dudas, este grupo posee. Más allá de las líneas de guitarra, la base rítmica es de una ejecución tremendamente efectiva. “Undertow” sigue trazando el mismo diseño general, y en este punto, podría pensarse que hay algo brutalista en el enfoque de estos suecos.

De hecho, si volvemos al arte de tapa, esta noción se vería reforzada. Recordemos que el brutalismo como estilo arquitectónico creaba monumentales obras de concreto, fuertes y honestas, genuinas en la intención de hallar la funcionalidad en lo sublime y la magnificencia en la humildad de las formas. El aporte de la electrónica en este track también introduce un fugaz factor de heterogeneidad. El final llega con “Aureola“, donde encontramos lapsos en los que las guitarras se animan a tener un mayor vuelo. Así termina un muy buen trabajo que marca un paso adelante en la metamorfosis que ojalá convierta a KLPS en una criatura aún más sorprendente.

Desde las profundidades del metal extremo, Cabal regresa con una nueva manifestación de oscuridad y brutalidad sonora con Everything Rots, su cuarto álbum de estudio, ya disponible bajo el sello de Nuclear Blast. Esta obra representa la evolución definitiva de la banda danesa, que ha perfeccionado su fórmula de deathcore opresivo, elementos industriales desgarradores y una atmósfera tan densa que parece descomponerse desde adentro. Para marcar el lanzamiento, el grupo ha revelado el videoclip de Snake Tongues, un tema que encapsula a la perfección el caos y la agresión que definen este nuevo capítulo en su discografía.

Con una trayectoria que los ha llevado a pisar escenarios en Europa, Norteamérica, Japón y Australia, además de festivales de renombre como Roskilde, Copenhell, Summer Slaughter y Brutal Assault, Cabal se ha convertido en una de las propuestas más implacables del metal contemporáneo. Su sonido fusiona la ferocidad del death metal con la agresividad del metalcore moderno y la frialdad electrónica, logrando una expresión sonora de intensidad abrumadora.

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Liderados por Andreas Bjulver en la voz, la alineación ha demostrado una cohesión inquebrantable, construyendo un sonido tanto devastador como intrincado. Sobre este nuevo lanzamiento, Bjulver comenta: “Estamos más que emocionados de compartir por fin Everything Rots con el mundo. Este álbum es la culminación de años de trabajo duro y representa la esencia de lo que nos hemos convertido como banda. Todas las cosas buenas terminan, todos mueren y todo se pudre”.

Pero Everything Rots no solo destaca por su crudeza sonora, sino también por su profundidad lírica. Las canciones abordan temas como la depresión, el trauma y la adicción desde una perspectiva desgarradoramente honesta. “Still Cursed” examina la lucha interminable contra los trastornos mentales, mientras que la homónima “Everything Rots” se erige como un himno para generaciones atrapadas en la desesperanza de un mundo en colapso. “No Peace” narra la impactante experiencia de hallar a una víctima de suicidio en las calles de Copenhague, una imagen brutal que se refleja en su sonido demoledor. Por otro lado, “Unveiled” y “Forever Marked” enfrentan la realidad del abuso desde diferentes ángulos, explorando la ira, la traición y la culpa en un viaje catártico de dolor y venganza.

La producción del álbum es una obra maestra en sí misma, combinando una instrumentación asfixiante con elementos electrónicos y paisajes sonoros apocalípticos. Cabal no deja espacio para la comodidad: su música es una confrontación directa con lo más oscuro de la condición humana, presentando su mensaje con una crudeza que resulta imposible de ignorar.

Los norteamericanos Underoath quizás sean de las bandas de su generación que mejor han resistido el paso del tiempo y las modas, entregando en los últimos 15 años, discos tan interesantes como Ø (Disambiguation) o Erase Me, ambos con excelente respuesta por parte del público y también de la prensa y es que Spencer Chamberlain y los suyos siguen sonando muy sólidos e interesantes demostrando que en su caso la palabra “Evolución” está bien empleada.

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Ahora regresan tras tres años desde su último trabajo y lo hacen con The Place After This One, un disco que continúa la senda de su predecesor y que de haber salido hace unos años atrás los llevaría a recintos aún más grandes de los que se presentan actualmente y que es lo que aquí encontramos es muy superior a la media actual dentro del género.

Ya desde el potente inicio con “Generation No Surrender”, te das cuenta como sin tener la mega fama de My Chemical Romance o Avenged Sevenfold, estos chicos pavimentaron un camino y una forma de ejecutar el estilo que luego sería imitada (aunque nunca igualada) por bandas como Wage War, Falling In Reverse (sobre todo en el primer disco), Of Mice & Men o I Prevail, entre otros.

Pero lejos de quedarse en la esquina maldiciendo a todo dios (perdón por la broma), Underoath han construido una carrera sólida y eso se traduce en como este nuevo disco, ya el décimo de su carrera, bien podría parecer de los primeros, con una banda llena de fuerza y ganas por seguir bien arriba en la lucha.

Por esta misma razón cuando se ponen modernos y presentan “Teeth”, lejos de parecer un tema postizo y para subirse al carro de lo que “ahora se lleva”, la banda suena muy bien y las voces de Spencer y Aaron, siguen cautivándonos como antaño.

Las diferencias quizás estén en que este disco es más directo para el oyente que los últimos tres, dejando de lado la experimentación y volviendo a disparar directo y a la diana, con excelentes resultados traducidos en canciones como “Lifeline”, el tremendo dueto con Troy Sanders de Mastodon en “Vultures”, “All The Love Is Gone” que podría pasar por un tema de los The Used más enroscados o ese bombazo que es “Shame”, todo bien calibrado y sin alargarse más de la cuenta.

Y es que a 26 años desde su álbum debut, Underoath siguen sonando más que potentes e interesantes, sin inventar nada nuevo ni buscar hacer su sonido más “artificial” para destacar, pero con la suficiente convicción para entregar un disco mucho más disfrutable que el de algunos de sus compañeros de profesión y eso es cuanto menos para aplaudirles.

En su quinta entrega, la banda de thrash metal Bark nos ofrece The Time Has Come, un disco que, aunque aún no ha salido a la venta (se espera su lanzamiento para finales de abril), hemos tenido la oportunidad de escuchar en su totalidad. Liderada por Ron Bruynseels y con la presencia del guitarrista argentino Martin Furia (Destruction), la formación de la banda se ha mantenido estable en los últimos cinco años, consolidándose con la incorporación de Toon Huet a las guitarras.

Bajo el sello Listenable Records, el álbum arranca con fuerza con “Negativist“, único adelanto publicado hasta el momento, que ya daba pistas del vendaval que se avecinaba: velocidad, potencia y agresividad sin concesiones. “Shaman” y “Dodge the Bullet” continúan la senda con estribillos pegadizos y coros diseñados para ser coreados en directo. En este último caso, es inevitable encontrar reminiscencias a Amon Amarth y Machine Head, tanto en la energía como en la contundencia sonora.

La tormenta sigue con “On No One’s Word“, un tema que invita al headbanging y que marca el primer gran solo de guitarra del álbum, acompañado de coros contundentes. “Whisky Rivers” y “Faceless” aceleran aún más, sin frenos ni tregua, evocando imágenes de pogos desatados en sus presentaciones en vivo.

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A mitad de camino encontramos “Wanted Man“, que engaña con un arranque más calmado, solo para lanzarse de nuevo al caos y cerrar con la misma atmósfera tranquila del inicio, otorgando un efímero respiro tras la devastación. Le sigue “Seven“, que, curiosamente, ocupa el octavo lugar en el tracklist. Este corte mantiene la velocidad y la épica, destacando por otro solo de guitarra magistral, al igual que “Wildheart“, “Lord of the Skies” y “Wrath Unchained“, que refuerzan la identidad del disco con su fiereza y precisión.

El cierre llega con “The Curse from Above“, un tema que apuesta por un ritmo más pausado, sin perder la intensidad. Con sus coros imponentes y guitarras afiladas, representa la banda sonora de un mundo inmerso en el caos, la violencia y la crudeza del día a día.

Así transcurren los 12 temas de “The Time Has Come“, un álbum directo, crudo y feroz que cumple con creces su cometido: riffs afilados, solos vibrantes, estribillos coreables y un ritmo trepidante que no da respiro. Ideal para la batalla, la locura del moshpit o simplemente para liberar energía en el día a día. No queda más que recomendarlo y dejar que cada oyente saque sus propias conclusiones.

Desde 2009, los norteamericanos Lady Beast han llevado con orgullo la bandera del heavy metal clásico. Originarios de Pittsburgh, Estados Unidos, la banda ha forjado su sonido bajo la influencia de gigantes como Motörhead, Dio, Black Sabbath, Iron Maiden, Judas Priest y Mercyful Fate. A lo largo de su trayectoria, han consolidado un estilo inconfundible, basado en armonías de guitarra precisas y la poderosa voz de Deborah Levine. Su discografía incluye Lady Beast (2012), Lady Beast II (2015), Vicious Breed (2017) y The Vulture’s Amulet (2020). Ahora, tras cinco años de espera, regresan con The Inner Alchemist, a través de Dying Victims Productions.

The Inner Alchemist es un álbum que combina la esencia del heavy metal de los años 80 con una producción moderna que resalta la contundencia de la banda. Con un sonido que oscila entre la velocidad del speed metal y la majestuosidad del NWOBHM, el disco está lleno de guitarras armonizadas, guitarras gemelas y una sección rítmica demoledora. Gracias a la claridad del sonido global, la banda ha logrado una experiencia intensa y envolvente, ideal para cualquier fan del metal.

En cuanto a la voz, todavía no me convence del todo. No es que las vocales sean malas, en absoluto, pero siento que Deborah Levine se contiene un poco más de lo que debería en algunas canciones. Para advertirles lo que encontrarán en este nuevo lanzamiento, resumiré brevemente cada una de las canciones a continuación.

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El viaje comienza con “The Oracle’s Omen“, una poderosa introducción repleta de acordes agresivos y una base rítmica aplastante que prepara el terreno para lo que será un himno de batalla. A continuación, “Through the Eyes of War” intensifica la experiencia con riffs melódicos a toda velocidad, creando una atmósfera oscura rematada por un solo de excelente calidad. Cuando llega el momento de “The Inner Alchemist“, Deborah toma el protagonismo con su pegajosa melodía vocal y una estructura que invita al oyente al headbanging.

El disco sigue su curso con “Starborn“, que arranca con una introducción atmosférica de bajo y guitarra antes de estallar en un torbellino de riffs pesados y armonías llenas de poder. Luego, “Crone’s Crossroads” sube la apuesta con un enfoque más agresivo y veloz, incorporando influencias thrash que evocan la ferocidad de bandas como Megadeth y Metallica. En contraste, “Feed Your Fire” trae de vuelta el clásico heavy metal con una energía imparable, riffs afilados y un estribillo que invita a corear con el puño en alto.

En el tramo final, “Witch Light” se presenta como un interludio fugaz pero feroz, con un despliegue de ideas melódicas en apenas dos minutos. La magia del heavy metal ochentero regresa con “The Wild Hunt“, una pieza oscura y misteriosa donde las guitarras crean melodías memorables y la interpretación vocal de Levine está cargada de dramatismo. Finalmente, “Off With Her Head” cierra el álbum de manera explosiva, con una estructura rápida y directa que recuerda a los grandes himnos del metal clásico, incorporando influencias de Motörhead y dejando al oyente con ganas de más.

Lady Beast ha logrado con The Inner Alchemist una obra que reafirma su identidad y fortalece su legado dentro del heavy metal. Cada canción tiene esa necesidad de ser coreada y sentida con intensidad. El resultado global es contundente, haciendo de este un álbum imprescindible para todos los amantes del género.

Los monstruitos del hard rock finlandés Lordi vuelven este 2025 con su decimotercer trabajo de estudio Limited Deadition, donde siguen la línea que los caracteriza combinando ese hard rock pesado pero con toques melódicos y ciertas pinceladas de heavy metal, que los han llevado a coronar todo tipo de corazones entre el público alternativo.

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En esta ocasión, Mr.Lordi, Hella y compañía se despachan con la friolera de 16 nuevas canciones, para demostrar una vez más que su horror rock tiene aún muchas alegrías que darnos. Y quizás sea eso lo único “negativo” del disco y es que 16 canciones igual se te pueden atragantar un poquito sobre todo hacia el final del disco.

Sea como sea, la banda sigue sólida y en este nuevo trabajo así lo demuestra desde la inicial “Legends are Made of Clichés”, con ese teclado a lo HIM del principio a cargo de la princesita del horro rock Hella y unas guitarras bien coquetas y góticas que se complementan con ese tono raspado y tan característico de Mr.Lordi, que sin duda puede sorprender al oyente ya que predomina la melancolía por encima de la “Fiesta” que suelen llevar por bandera estos chicos.

Lo mismo ocurre con temas como “Syntax Terror”, de nuevo con unos teclados de Hella, ultra pegadizos y con la mirada puesta en los 80, que quizás sea una vertiente que a Lordi le queda como un guante, en lugar de querer emular 100% a sus héroes Kiss, Twisted Sister o W.A.S.P., entre otros.

Pero cuenta con un agudo de Mr.Lordi espectacular y que puede ser brutal en directo si es capaz de reproducirlo.

Y se corona con un solo brutal de Kone, que quizás está mucho más inspirado en las seis cuerdas que en su anterior trabajo.

La caña sigue de la mano del binomio “Skelephant in the Room” y “Killharmonic Orchestra”, siendo un corte más AOR y hard rock melódico el primero y donde podemos ver el lado más heavy clásico el segundo, pero ambos se complementan a la perfección y le dan al disco esa variedad sonora que tanto apreciamos en Lordi.

Las revoluciones bajan un poquito en “Collectable”, con Hella siendo protagonista una vez más con ese piano que acompaña a Mr.Lordi y el cual está bastante bien en este tono, aún sabiendo que quizás su fuerte sean los temas más cañeros, pero los coros de Hella son una delicia y endulzan un poquito la canción, oxigenando al disco justo en el momento necesario.

Kone nos vuelve a regalar un bonito solo de guitarra y convierte a esta pieza a una de las que sería genial poder escuchar en directo en su próxima gira por nuestro país.

La adrenalina vuelve a subir con “Fangoria”, un corte que podría ser soundtrack de cualquier serie de los 80 y evidencia lo bien absorbido que tienen Lordi el sonido de aquella época, con Hella pletórica a las teclas, guitarras trepidantes y un ritmo de batería super contagioso y directo que te hará vibrar desde el minuto uno en que escuches esta pieza.

El fantástico single “Hellizabeth”, se complementa con la rockera y más “estandarizada” “Retropolis”, pero con otra gran demostración vocal por parte de Mr.Lordi, quien con los recursos que tiene sabe hacer cosas muy interesantes.

La recta final comienza de forma titubeante con “Frighteousness”, una especie de medio tiempo edulcorado, que quizás tenga en los momentos más veloces sus partes más interesantes, mientras que el resto no me termina de encajar con la canción en si misma.

El corte que da título al disco levanta un poquito lo ofrecido en su predecesora y vuelve a mostrarnos el excelente equilibrio que Lordi tiene como banda, combinando partes más rockeras, otras más accesibles y alguna pincelada heavy. Sin duda Hella sigue siendo la carta ganadora ya que sus coros a lo largo del disco son casi tan notables como sus partes con los teclados.

Con la más clásica y contundente “You Might Be Deceased”, el disco llega a su fin de una forma más que interesante y mucho mejor de lo que muchos podrían esperar de Lordi, quienes recordemos con este ya llevan 13 discos a sus espaldas, pero y contrario de lo que pueda parecer, la banda sigue en un estado de forma más que notable.

Quizás los días de “Hard Rock Hallelujah” ya no vayan a volver más, en cuanto a popularidad se refiere, pero si tras 13 discos, Lordi siguen al nivel mostrado en Limited Deadition, ojalá sigan con nosotros muchos años más y podamos seguir disfrutando de discos tan bien ejecutados como este.

No me sorprende si no les suena el nombre de Tiktaalika, siendo que hoy estamos hablando de su álbum debut al menos bajo esta denominación. Pero puede que les suene el nombre de Charlie Griffiths, el hombre detrás de este particular grupo: Griffiths ha sido guitarrista de los progresivos pesados ingleses Haken casi desde sus inicios, con casi dos décadas demostrando su habilidad con las ocho cuerdas en canciones retorcidas y complicadas. En 2022 Griffiths comenzó su carrera solista con su debut Tiktaalika, y ahora decidió adoptar el nombre de ese debut como la denominación de su banda, ahora acompañado por su compañero en Haken Conner Green como bajista y el incansable Darby Todd (Devin Townsend, Jordan Rudess) en batería.

El particular nombre de este proyecto viene de “tiktaalik”, una palabra de las lenguas inuit con la que se bautizó a un fósil de alrededor de 375 millones de años encontrado en Canadá, muchas veces descrito como un “pez caminante” que se considera como un fósil transicional entre los peces y los animales terrestres, y por lo tanto un ancestro de todos los seres terrestres y por extensión de los seres humanos. El nombre tiene mucho sentido, porque tanto ese primer disco como este segundo Gods of Pangaea, editado el 14 de marzo a través del sello de metal progresivo InsideOut, sigue un concepto referido a la geología y dinosaurios, una temática que se ve de vez en cuando en el metal y que personalmente creo que se merece su propio espacio, de la misma manera que el metal vikingo y el metal pirata.

Con una portada a cargo de Dan Goldsworthy que parece ser un homenaje al estilo de Ed Repka, queda claro ya desde el inicio la intención por parte de Griffiths y compañía de establecer su propio sonido aparte de Haken. Mientras que en el primer álbum se podía sentir como una extensión obvia de lo hecho por el guitarrista en su banda madre, en Gods of Pangaea lo tenemos haciendo mucho más énfasis en el costado más thrashero de su sonido, sin tanto machaque djent en sus cuerdas. 

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Al igual que con el álbum debut, en Gods of Pangaea Griffiths deja las voces a una selección bastante exclusiva de cantantes invitados, todos ellos salidos de la escena progresiva. El que más podemos escuchar es al neerlandés Daniël de Jongh (Textures): en la inicial “Tyrannicide” lo escuchamos con un estilo agresivo donde combina voces limpias y gritadas, dando un estilo muy de thrash tradicional a las canciones, como algo podría haber salido en 1989 o 1990. En las otras dos “Give Up The Ghost” y la extensa “Gods of Pangaea” se escuchan influencias más progresivas, a veces metiendo cierto groove a los riffs.

Después tenemos al serbio Vladimir Lalić (Organized Chaos), quien aporta sus voces en solitario en “Mesozoic Mantras” y en compañía del cantante de apoyo Neil Purdy (Luna’s Call) en “The Forbidden Zone”. Su estilo agudo y melódico, por momentos cayendo en el falsetto, puede sonar un tanto fuera de lugar, pero en repetidas escuchas me terminó convenciendo, dándole mucha identidad a sus tracks al mezclarse con los riffs thrasheros. 

Los otros dos cantantes se reparten una canción cada uno. Rody Walker (Protest The Hero) hace lo suyo en “Fault Lines”, con sus características voces limpias, y Tommy Giles Rogers (Between The Buried And Me) se deja la garganta en la retorcida “Lost Continent”, la cual tiene de los momentos más técnicos de toda la placa. Ya para el final nos queda el bonus track “Chicxulub”, un instrumental que cierra el álbum a puro doble bombo y guitarras soleando con muy buen gusto.

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Gods of Pangaea es un disco muy particular, tanto en su estética como en su sonido: aunque a la primera uno pensaría que dedicaría sus 54 minutos a homenajear ese sonido de thrash clásico crudo y directo, con el paso de los minutos queda claro que Griffiths en realidad usa esas influencias como un trampolín para sus propias ideas, y las contribuciones de los cantantes con sus estilos característicos le dan una identidad propias a las canciones: claramente no son las voces que escucharíamos en un disco de Forbidden, Exodus, Overkill o cualquier otro gigante del thrash under. Pero el fan de este sonido todavía tiene mucho para apreciar en este álbum: Griffiths es un amo del instrumento pero no abruma con un festival de notas, y sus compañeros de banda aportan ese empuje fuerte que el estilo requiere.

Seas fan del thrash, del progresivo, de dejarte la vida en el mosh y/o de los dinosaurios, Gods of Pangaea es un disco como para darle play y dejar que nos transporte cientos de millones de años al pasado. Una de las sorpresas de este mes, sin lugar a dudas.

Blood Ties, el nuevo disco solista del líder de The Almighty, Black Star Riders y Circus Diablo, Ricky Warwick, suena a la continuación de Wrong Side of Paradise (Black Star Riders) con algo de Thin Lizzy, está más que claro ver de donde vienen las raíces de este gran músico que viene de Irlanda del norte.

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Desde las primeras notas de “Angels of Desolation” hasta hasta los últimos tonos de “The Town That didn´t Stare”, se puede percibir el aire setentero y acústico que el álbum depara, es todo un gusto auditivo poder apreciar estas 10 canciones que Ricky a lanzado para esta obra musical cuya producción está a cargo de Keith Nelson, ex guitarrista de Buckcherry y que además cuenta con invitados como Billy Duffy de The Cult, Charlie Starr de Blackberry Smoke y la grandiosa Lita Ford.

Algunas de las letras del disco muestran a un Ricky Warwick reformado ya que dejó a un lado la bebida para concentrase en temas más importantes, nunca es tarde para eso y el lo sabe, aunque aprendió algo tarde dice estar en un buen momento de su vida y eso se nota en todo el álbum.

Al escucharlo varias veces, se nota todavía que el estilo medio punk sigue en el, en especial en el riff de “Wishing You Life Away”, como también las guitarras dobles se hacen presentes en “The Crickets Stayed in Clovis” muy al estilo de Phil Lynott.

Pero sin duda alguna, el mejor acierto del disco fue el dueto con Lita Ford (The Runaways), “Don´t Leave Me in the Dark” suena mágico, un tema  a medio tiempo en donde parece que Lita dejó esa voz grabada hace 3 décadas, suena como si fuera una joven cantante en The Runaways, increíble como lograron esto.

Con este disco, Ricky Warwick sigue demostrando que tiene mecha para rato, esperemos que en un futuro no muy lejano vuelva a grabar algo con la banda que lo hizo famoso a finales de los 80´s, The Almighty.

La banda gallega Cruzeiro nos hizo llegar de manera anticipada su segundo LP Hic Sunt Dracones, a editarse el 26 de marzo a través de la discográfica Rubia Producciones. Así que lo mínimo que podíamos hacer es dedicarle una reseña y decirles qué nos parece este flamante nuevo álbum de parte de estos oriundos de La Coruña.

El nombre de la banda me habrá hecho creer por un momento que era una banda brasileña, el título del álbum podría ser de algún grupo de power metal (es la frase original en latín de cómo Avantasia llamó a su último álbum Here Be Dragons, justamente) y su tapa podría hacer creer que estamos ante un grupo de black metal, pero Cruzeiro no tienen nada (o casi nada) que ver con alguna de estas tendencias en la música pesada. Este cuarteto formado en 2019 se sumerge de cuerpo completo en las aguas del stoner y el doom, trayendo al frente esa mezcla de riffs de distorsión analógica y ritmos aletargados, sonando a través de una espesa nube de humo.

“Sybil of the Rhine” no deja dudas al respecto en cuanto al estilo de Cruzeiro, arrancando con ese riff cabalgante a cargo del guitarrista Gon B., esa línea de bajo punzante de Raposa y la batería fuerte y cálida de Rust. Es ahí cuando entra Beatriz Onix, cantante cuya voz inmediatamente me hace pensar en la movida del rock ocultista de hace unos años, como si una bruja estuviera cantando en una cueva enorme. Todos estos son elementos corrientes en el mundo del stoner doom, pero la gracia está en hacer buenas canciones y Cruzeiro lo logran en este primer track, con solos llenos de efectos y una atmósfera oscura y lisérgica que no por eso oprime.

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“Death Mountain” pone énfasis en la parte “doom” del stoner doom, apretando el freno ante un ritmo que ya de por sí no era muy rápido y dejando los riffs gruesos al frente, y aunque la voz de Beatriz pueda quedar un tanto tapada por momentos está claro que el foco debe estar de lleno en los instrumentos, con esos solos bien setentas revoloteando.

Más adelante tenemos otras como “Galaxies Waltz”, que hace honor a su título con una atmósfera espacial, y la funeraria “Velvet Heart”, que contrasta inmediatamente con la siguiente “Hic Sunt Dracones”, un instrumental con fuertes tintes entre hardrockeros y punks. Es interesante cómo este track de apenas dos minutos y monedas da paso a “Figa!”, la canción final que diría que es mi preferida, siendo una mezcla de todos los mejores elementos mostrados por Cruzeiro a lo largo de la placa: más riffs de cabalgata, más efectos de guitarra, la voz de Beatriz abriéndose paso entre los instrumentos y esos ritmos que son tanto para agarrar el auto e ir por el desierto o tirarse en un puff en tu habitación y dejar que todo comience a hacerte efecto.

Como se habrán dado cuenta, no hablé de todas las canciones de Hic Sunt Dracones. Como casi cualquier álbum de stoner doom, el estilo es bastante uniforme a lo largo de todo el disco y creo que es mejor dejar algo breve en vez de andar repitiéndose por el simple objetivo de andar llenando espacio. Es un disco hecho claramente para fans de esta onda, con todas las canciones (con excepción del tema título) superando los cinco minutos y mostrando cierto sentido de jam, como si estuvieran todos los músicos estuvieran haciendo la canción en el momento. Pero siempre se mantiene disfrutable para quienes somos fans de estos riffs de sonido analógico y bien setentas, donde uno puede sentir el humo metiéndose entre los equipos. Puede ponerse monótono si uno se pone a hilar fino, pero en conjunto todo el álbum cierra de manera positiva.