El pasado jueves 30 de abril, en el predio abierto de Tecnópolis, se llevo a cabo el recital de Megadeth. Bajo la producción de AKE y la apertura de los locales Against, la banda de Mustaine volvió una vez más a su tierra preferida para empezar a decir adios. Adios que se extenderá por lo menos a una vuelta más en los años venideros. Un show que dejó mucho para pensar y reflexionar. El staff de Track To Hell se hizo presente y te cuenta sus sensaciones.
Una experiencia que me deja con sensaciones encontradas. Por un lado, la banda estuvo impecable. Sonando muy bien, afinada y como un relojito. Quizas para mi, que era mi primera vez viendo al colorado, el setilist se hizo muy pobre. No por el hecho de priorizar temas de su último disco, porque es entendible, lo estan promocionando. Más bien, porque a esta altura del partido se hace innegociable que saquen temas como Trust, A tout le monde y Angry Again, para darle lugar a ocurrencias como Ride the lightning.
El show me resultó demasiado corto para lo que salían las entradas y para lo que se acostumbra de estas bandas (2 horas mínimo) pero se entiende que es lo que hoy por hoy puede dar Dave arriba del escenario. Show corto, directo y con poca cercanía al público. ¿Lo mejor? lo bien que siguen sonando a esa edad. ¿Lo peor? el predio hermano…pobrisimo el lugar, horrible, malos accesos, a contramano de todos…dale viejo, 200 lucas una entrada.
En resumen, la banda 10 puntos, un poco apáticos y cortos, pero musicalmente nada para cuestionarles. Esperemos que la real despedida sea un poco diferente con las condiciones necesarias que se merece la mejor banda de thrash metal y un público que pese a las adversidades económicas, siempre acompaña.
Más allá de que finalmente no sea la última vez que veamos a Mustaine con una guitarra sobre el escenario en el país, debo confesar que tenía mis dudas sobre si asistir o no a este show. Teniendo en cuenta la gran cantidad de bandas que están diciendo adiós de forma definitiva, el hecho de que a Megadeth ya lo había visto en el pasado y las tibias sensaciones que me había dejado su nuevo trabajo, la verdad no me desesperaba tanto como para ir a esta “despedida” ni tampoco era precisamente la mayor de mis prioridades. Sin embargo, las ansias ganaron. Y mi fanatismo inclinó la balanza hacia la fecha en tecnopolis.
Afortunadamente, puedo decir que fue la mejor decisión que pude haber tomado. Y es que superó totalmente mis expectativas. Desde el sonido hasta la actuación del grupo. Todo resultó mucho mejor de lo esperado. El show contó con una producción impecable. Las guitarras sonaron fenomenalmente extraordinarias y con el brillo exacto. La puesta en escena también destacó y en líneas generales, se trató de una presentación sin ningún tipo de fisuras.
El repertorio pese a haber sido más corto que en otros países, tuvo una performance de mayor calidad. Y si bien Mustaine, tuvo sus limitaciones vocales, con la guitarra demostró que conserva la magia de sus dedos intacta. Reafirmando porque es unos de los mejores compositores de la historia.
En algún punto tenía miedo. Miedo de pensar que el único recuerdo e imagen que iba a tener del colorado en el escenario, fuera la de aquella última presentación en el Movistar Arena, en abril del 2024. Fecha a la cual asistí. Por suerte, ahora tengo otro. Mucho mejor. Y quien sabe, tal vez tenga un tercer round. De momento, me quedó con Dave echando fuego en “Holy Wars…” con su Flying V pintada con la bandera argentina, y el pogo multitudinario al ritmo de “Megadeth, Megadeth, Megadeth, aguante Megadeth”.
El nuevo paso de Megadeth por Argentina estuvo marcado por la noticia, largamente anticipada, de que ésta sería la última gira de la banda. Si es cierto o no solo lo sabremos con el tiempo.
Lo verdaderamente concreto es que a pesar de que hay una nueva generación de público para la banda norteamericana, y que tiene características muy diferentes a los metaleros de otras décadas; lo que no cambia es la relación especial entre los fans argentinos y Megadeth. Esta noche no fue la excepción.
El show tuvo lugar en Tecnópolis, lugar incómodo para llegar y sobre todo para salir, que se lo vio casi colmado con unas 30.000 almas que cantaron y apoyaron durante todo el show.
Para amenizar la espera tuvimos la oportunidad de disfrutar de Against, con un corto pero certero set que confirma su calidad y garra.
Ya a las 21:30 comenzó el plato fuerte con uno de los cortes de su última placa, la feroz “Tipping Point”. Sonido arrollador y una puesta mínima: apenas un telón de fondo y dos pantallas sobre los costados que solo amplificaban lo que sucedía sobre el escenario, sin visuales ni parafernalia. Un par de intervenciones de Vic Rattlehead, la mascota del grupo, aportaron un poco de color en un show donde lo destacado fue la música y no otra cosa.
Megadeth hoy se completa con Teemu Mäntysaari en guitarra, James LoMenzo en bajo y Dirk Verbeuren en batería; todos de excelente performance, aunque la realidad es que poco importa quienes acompañen al colorado. En definitiva, Megadeth es Dave Mustaine y es él quien acapara todas las miradas y aplausos. Justamente fue su voz, bastante afectada, el único detalle de ejecución. El tiempo pasa para todos y esta observación no llegó a opacar una gran presentación.
En cuanto al setlist, uno a uno fueron pasando los temas que recorrieron casi toda su discografía, predominando aquellos de sus años más logrados, y alternando con algunos nuevos. Eso sí, hubo poco lugar para alguna joya como resultó ser la excelente “Hook in Mouth”.
Lo que Dave anunció como una sorpresa, que no lo era en absoluto, fue la ejecución de “Ride The Lightning” de Metallica, canción que no dejo de pensar que sobra en el repertorio de la banda. Y por supuesto hubo lugar para el Aguante Megadeth durante “Symphony of Destruction”, quizás el clímax de toda presentación de Megadeth en Argentina. Un acompañamiento que hace rato ha cobrado repercusión mundial.
El cierre, como era de esperarse, fue con “Holy Wars… The Punishment Due” con Mustaine empuñando su guitarra ploteada con la bandera argentina. Un gran detalle que marca agradecimiento, cariño y respeto mutuos, del artista al público y del público al artista.
Quisiera creer que no fue el final, que no fue la despedida. Y aunque alguna vez va a suceder, albergo la esperanza de que tendremos una nueva oportunidad de disfrutarlos en vivo.
Como dice su último álbum: “I came, I ruled, now I disappear”.
El evento, enmarcado dentro del “Ravage of Empires Spanish Tour 2026” y orquestado por Manguales, Benediction aterrizó en la sala Lennon’s Club con un cartel que completaban Unbounded Terror y Perpetual. Lamentablemente, no llegué a tiempo para presenciar la descarga de los primeros, pero lo que vino después compensó con creces cualquier ausencia.
La noche en L’Hospitalet respiraba azufre, sudor y una electricidad densa, casi palpable. No todos los días se alinean los astros para presenciar a una institución del death metal patrio como Unbounded Terror compartiendo tablas en una cita de este calibre. Y cuando la formación liderada por Vicente J. Payá tomó posiciones, quedó claro que aquello no iba a ser un simple concierto: era una declaración de guerra.
El asalto comenzó con la oscura majestuosidad de “Dreamlord”, una invocación perfecta para abrir las puertas del caos. Desde ese instante, la dupla de guitarras entre Payá y Ancor Ramírez levantó una muralla sónica infranqueable. Con “Fear” y “Dead (by Deceit)”, la sala se convirtió en una caldera a punto de estallar: el bajo de Andrew Spinosa golpeaba el pecho como un ariete mientras su voz escupía cada verso con una ferocidad primigenia.
El ritual alcanzó nuevas cotas con “Immortal Violence” y “Slaves of Suffrage”. Aquí, Engelbert Rodas se erigió como el motor implacable de la banda, desplegando una batería técnica, veloz y devastadora que sostuvo el peso de temas tan densos como “Mankind Mind” sin ceder un ápice.
El tramo final fue un descenso sin retorno a las raíces más salvajes del género. “E.N.D. (Enjoyment Near Your Death)” y “Sarcastic Souls” desataron un mosh pit en ebullición, una tormenta de cuerpos y adrenalina donde la comunión entre banda y público alcanzó su punto álgido. La inclusión de “Hiding From The Light” fue celebrada como un himno, un proyectil directo al corazón que preparó el terreno para el desenlace.
El cierre, con la asfixiante “Echoes of Despair”, dejó la sala suspendida en una nube de distorsión y catarsis. Tras décadas de historia, Unbounded Terror no solo resiste: renace con una segunda juventud que suena más afilada, más hambrienta y más relevante que nunca. Payá ha sabido forjar una alineación donde la sangre nueva no sustituye al legado, sino que lo amplifica hasta hacerlo retumbar con una fuerza renovada.
Una noche de puro death metal, cruda y sin concesiones, que reafirma que en Mallorca se sigue templando el acero más pesado del país.
La noche en que la pequeña Lennon’s dejó de ser sala para convertirse en trinchera, el aire se volvió denso como plomo fundido. No era un concierto: era una invocación. En pleno 2026, el espíritu del old school death metal emergía con violencia primitiva de la mano de Benediction, guardianes de un sonido que no entiende de concesiones.
Desde Birmingham, cuna de acero y ceniza, la banda aterrizaba en uno de esos momentos donde la historia y el presente chocan sin pedir permiso. Con Ravage of Empires aún ardiendo en las entrañas del circuito y la ausencia forzada de Dave Ingram, la responsabilidad recaía sobre los hombros de Oscar Rilo, quien no vino a sustituir: vino a combatir.
El asalto comenzó con “Engines of War”, y aquello fue el primer impacto de artillería. Las guitarras de Darren Brookes y Peter Rew no sonaban: aplastaban. Un muro sónico, áspero, sin pulir, como si cada riff hubiese sido arrancado de una mina de hierro. En una sala tan pequeña, el sonido no se expandía… se acumulaba, chocando contra el pecho de cada asistente hasta obligarlo a rendirse o entrar en guerra.
“Oscar” se erguía frente a la tormenta, con la mirada clavada en la pantalla que escupía las letras como si fueran mandamientos. No había margen de error, no había red: solo respeto absoluto por un repertorio sagrado. Y lo defendió con una fiereza que no imitaba a Ingram, sino que lo honraba desde su propia garganta, rasgando el aire en “Unfound Mortality” y “The Crooked Man” como si cada verso fuera el último.
Mientras tanto, en las primeras filas, la batalla física alcanzaba niveles de ritual. Cuerpos chocando contra los monitores de retorno, golpes secos que hacían vibrar el escenario, sudor y empujones convertidos en lenguaje. Nadie retrocedía. Nadie quería.
El momento de comunión llegó entre los ecos de “Artefacted Irreligion / Subconscious Terror”. Darren, con la guitarra colgada como un arma ancestral, no podía ocultar la sonrisa. Miraba a Oscar con complicidad, con gratitud visible. No hacía falta discurso: ese intercambio de miradas era el reconocimiento de que, contra todo pronóstico, el legado estaba a salvo… y más vivo que nunca.
El centro de la sala se transformó en un vórtice de caos durante “Foetus Noose”. El wall of death, comprimido en un espacio imposible, fue una detonación a quemarropa. Dos masas humanas colisionando sin espacio ni piedad. No era espectáculo: era catarsis pura, death metal en su forma más honesta.
Con “The Grotesque” y “Crawling over Corpses”, el orden terminó de desaparecer. Las guitarras sonaban como si arrastrasen cadenas oxidadas por el suelo, mientras Nik Sampson sostenía el pulso con una base densa, casi tectónica. Todo vibraba. Todo crujía.
Y entonces llegó el final. “The Dreams You Dread”. No fue un cierre: fue un epitafio grabado a fuego. Cuando el último acorde se extinguió, la Lennon’s no aplaudió… rugió. Un grito colectivo, primitivo, de quienes sabían que habían sobrevivido a algo más que un concierto. Brazos extendidos, gargantas rotas, rostros empapados. Devoción absoluta.
Y como toda batalla digna de ser recordada, quedó inmortalizada en una photofinish final: la banda al borde del escenario, el público fundido en una sola masa sudorosa, puños en alto, rostros desencajados por la euforia. Un instante suspendido en el tiempo donde no había separación entre artista y devoto.
Entonces llegó el gesto que selló la noche: púas surcando el aire como metralla, baquetas lanzadas como reliquias de guerra. Cada objeto atrapado era un trofeo, una prueba física de haber estado allí, de haber resistido la embestida.
Darren volvió a abrazar a Oscar, y esa imagen quedó grabada como símbolo de una noche irrepetible. No fue solo un concierto. Fue una ceremonia para elegidos. Una descarga reservada únicamente para quienes tienen nervios de acero… y el corazón latiendo al ritmo del death metal más puro. Aquella noche, Benediction no solo defendió su historia. la convirtió en leyenda inmortal.
Siempre es un placer volver a Amager Bio, donde la calidad de sonido nunca falla. Todas las bandas sonaron increíble de principio a fin. El lugar tiene muy buena acústica y un ambiente muy íntimo. Hasta tuve la suerte de moverme al ritmo de Iotunn al lado de Tijn Bosters, vocalista de Nephylim, entre la gente.
La noche arrancó con Nephylim, que claramente se está ganando un lugar como una joya dentro del metal underground. Esta banda neerlandesa de death metal melódico tiene un estilo que te atrapa muy fácil desde el primer tema. No es solo “ruido pesado”, ni mucho menos: se nota que hay mucha intención detrás de cada composición. Todo está muy cuidado, desde la estructura de los temas hasta ese juego de guitarras duales, creando capas que se van cruzando constantemente. A eso se le suma una voz con muchísima potencia, que no solo impone por fuerza sino también por cómo transmite.
En vivo, la banda sube todavía más el nivel. Tienen mucha energía en el escenario; se nota que están metidos de lleno en lo que hacen y lo disfrutan. Más allá de la excelente ejecución, lo que termina de cerrar la experiencia es la cercanía con el público. No hay sensación de distancia fría entre la banda y la gente; al contrario, el público está incluido en el show. Cada tema te va llevando de un clima a otro sin perder intensidad, y eso hace que no te desconectes en ningún momento. Nephylim en vivo realmente termina de convencer con una propuesta honesta, intensa y muy bien trabajada.
Arrancó el turno de In Vain, que desde el primer momento deja en claro que se diferencia del montón. Originarios de Noruega, se destacan por mezclar death metal progresivo con ritmos melódicos, black metal y mucha atmósfera. El resultado es un sonido muy propio, difícil de encasillar y que se siente como un viaje espiritual podrido.
Una de las cosas que más llama la atención es el trabajo vocal. No hay un solo cantante principal: las voces se reparten entre cuatro integrantes de la banda, creando por momentos un coro dinámico que parece un soundtrack de película de fantasía. Pasan de guturales profundos a voces limpias, finas y etéreas que arman coros hipnóticos. Bajan un cambio y te hacen sentir en paz por unos segundos antes de devolverte a la intensidad. Se percibe una dualidad muy marcada entre melodías inspiradoras y guturales más crudos, con un balance muy bien logrado y transiciones fluidas.
Musicalmente también están muy arriba. Hay riffs pesados y largos que te hacen cabecear sin darte cuenta, mientras que el juego entre los músicos mantiene todo en constante movimiento. Las voces entran y salen, se combinan de a dos, de a tres o de a cuatro, creando superposiciones melódicas que hacen que siempre esté pasando algo interesante. Es difícil construir esas líneas sin caer en lo meloso, pero ellos logran mantenerse en un terreno épico sin exagerar.
Un detalle a destacar es que el cantante principal llevaba una remera de Wardruna, y en algunos momentos eso se nota. Hay pasajes donde aparece una influencia más folk y espiritual, aportando un aire nórdico tradicional dentro de ese muro sonoro. No es dominante, pero suma identidad. Queda claro que In Vain no es una banda para escuchar de fondo: es para meterse de lleno y dejarse llevar.
Finalmente, llegó el turno de Iotunn, oriundos de Dinamarca y las Islas Feroe, con un enfoque progresivo muy marcado dentro del death metal melódico, creando un sonido amplio, dinámico y lleno de matices.
En vivo, lo primero que llama la atención es su estética y presencia. Jón Aldará, el vocalista, aparece con su característica túnica tipo capa y un báculo con aro de luz, aportando una vibra mística, como si fuera un guía en medio de la oscuridad. Su presencia escénica encaja perfecto con la atmósfera: cuando no está cantando, realiza movimientos que parecen una danza ritualista. Su voz es uno de los grandes puntos fuertes de la banda, alternando de forma impecable entre registros limpios, melódicos e hipnóticos, y guturales profundos y agresivos. Todo fluye sin forzarse, logrando una combinación entre lo hermoso y lo brutal.
A su alrededor, los hermanos Jesper y Jens Gräs en guitarras crean paisajes sonoros que te sumergen en un estado de trance, con riffs largos que evolucionan constantemente. La base rítmica, con Eskil Rask en bajo y Bjørn Wind Andersen en batería, sostiene todo con una solidez impresionante. El doble pedal hace vibrar literalmente el piso y el pecho, generando esa sensación física que todo show extremo debería tener. La agresividad de la batería, en contraste con la voz celestial de Jón Aldará, genera momentos que erizan la piel.
Canciones como “Mistland” y “Kinship Elegiac” se destacaron especialmente, con una carga mística enorme y una atmósfera envolvente. Con duraciones extensas, de nueve y trece minutos respectivamente, van guiando por distintas emociones sin perder esa esencia contemplativa. Otros temas como “The Anguished Ethereal” se mueven en terrenos más instrumentales y atmosféricos, llevando a viajes introspectivos. Se abordan temáticas existenciales, reflexiones y una especie de rebelión contra el cambio.
Cada instrumento tiene su espacio, pero todos funcionan de manera integrada. Es una construcción sonora equilibrada, donde cada elemento se percibe con claridad y, en conjunto, genera una experiencia inmersiva. Las letras aportan un componente emocional fuerte, con historias personales que conectan fácilmente. Se nota una entrega total en la interpretación, tanto de la banda como del público, que acompaña con la misma intensidad.
Es un claro ejemplo de cómo el melodeath progresivo puede ser técnico sin perder emoción. Manejan estructuras complejas sin dejar de lado la sensibilidad, alternando entre agresividad y momentos más abiertos con total naturalidad. Ese equilibrio es justamente lo que los hace destacar.
Un detalle original fue que, al ser el último concierto de la gira, integrantes de las distintas bandas y miembros del staff subieron al escenario durante algunos temas. Caminaban con luces y molestaban de forma graciosa a los músicos con objetos random. Se notaba el buen ambiente y que todos estaban disfrutando el cierre tanto como el público.
En definitiva, Iotunn no solo toca bien: construye mundos. Y en vivo, esos mundos se sienten místicos, inmersivos y difíciles de olvidar.
En lo que a sonidos alternativos en el viejo continente se refiere, sobra decir que los finlandeses The Rasmus, fueron uno de los nombres propios a comienzos de la década de los 2000, sobre todo gracias a su multiplatino Dead Letters, editado en 2003 y que llegó a vender la friolera de dos millones (hoy seguramente se acerquen a los casi cuatro) de copias alrededor del mundo y codeándose con nombres tan importantes de aquella época como Linkin Park, Evanescence, Papa Roach o HIM, con quienes comparten más de un ADN sonoro.
Tras los ruegos y plegarias de sus seguidores, que no pueden o no quieren ir al Resurrection Fest, la banda finalmente ha accedido a dar dos únicas fechas como cabezas de cartel, para los que prefieran verles en distancias cortas, algo que no pasa en nuestro país desde hace más de una década (Sin contar su visita a la Pre-Party de Eurovisión, donde ellos fueron parte del concurso en 2022).
El 10 de octubre Madrid tiene una cita ineludible para las almas nocturnas: la sala Revi Live, que se ha erigido como uno de los templos del metal más destacados de la capital, acogerá a bandas internacionales de los géneros post-metal, blackened vibes, sludge y post-hardcore, tales como Orly y Alta Rossa.
Junto a ellos exhibirán su trabajo artistas plásticos y visuales tan destacados como Nihil, Sylwia Mazurek, Michał Karcz y nuestra española de fama internacional, Esther Limones.
Se tratará de un evento muy exclusivo: quienes deseen cruzar el umbral deberán reservar su entrada con la mayor antelación. Una vez cerradas las puertas, no se permitirá el acceso a más personas.
Las primeras entradas, a precio especial early bird ya están disponibles en: www.moldedinblackness.com
Sigue a Track to Hell para conocer todas las novedades sobre este evento único, cubierto de sombras, distorsión y oscuridad.
Extingue Tu Credo estrena el videoclip de “Bajando el Río”
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La banda de metal paraguayo, Extingue Tu Credo, sigue preparando el lanzamiento de su nuevo disco y por este motivo han estrenado “Bajando el Río”, su segundo y emotivo adelanto, muy en la órbita de los años noventa y en concreto de los medios tiempos que muchas bandas lanzaron en aquella época.
“Bajando el Río” es una reflexión personal del vocalista y compositor Diego López en donde hace analogía de una búsqueda personal de realización propia.
El videoclip fue rodado en las ciudades de Ytu, San Bernardino y Pirayu a cargo de la dirección de Van Raid de Boralá Films, la dirección de fotografía estuvo a cargo de Steven Sosa y la dirección artística fue de José Mora (guitarrista y productor de la banda).
Podéis ver y escuchar como suena la banda a continuación:
Los alemanes The Narrator han sacado un álbum (el segundo LP de su carrera) que dará muchísimo que hablar a lo largo de 2026. Phosphor se presenta cómo una oda al Metalcore Moderno y marca un antes y un después para la banda.
El trabajo arranca con una canción homónima y nos indica que no hay intención alguna de perder el tiempo. Un tema con todos los elementos “básicos” del género (riffs pesados, un Fabian a la voz que no hace más que mejorar en varios registros con el paso del tiempo y un breakdown absolutamente demoledor).
Continuamos con la que es para mi una de las mejores canciones del álbum. “Aurora” ya se presentó como single y tuvo una recepción increíble por parte de críticos y público general. En este caso, nos llevan hacia un terreno un poco más melódico que el primer tema sin perder la agresividad que caracteriza a la banda y con un importante mensaje “político” en su letra. Cabe destacar que a nivel producción/mezcla es uno de los trabajos más pulidos de lo que llevamos de año y Ted Jansen de Sterling Sound (Bring Me The Horizon, Korn, Green Day) tiene mucho que ver con ello.
Vamos ahora con uno de los temas más pesados que es “Modern Age Blasphemy”. Una canción que nos enseña la versión más cruda de la banda y que está ganando popularidad dentro de la escena. Sin dejar de contar con un estribillo memorable y cantable para los directos, el ritmo y la atmósfera me hacen acordar de bandas del estilo de Paleface Swiss y similares con esa sensación de agobio y caos tan característicos.
“Stasis” fue otro de los singles previos al álbum de los que pudimos disfrutar. En este caso nos encontramos con una colaboración con la banda Avralize (también originarios de Alemania) que aporta un poco más de profundidad y variedad al tema. Un concepto parecido a “Aurora”, con la estructura típica del género, otro estribillo para el recuerdo y un solo final replicando la melodía del mismo que le da un aire fresco al cierre de la canción.
El álbum sigue con “Pills From The Start”. Una canción que se publicó en 2025 y que nos recibe con un riff especialmente contundente sin introducción alguna. Volvemos a la cara más “pesada” de la banda y con un tema que por el título se podría deducir que habla del posible abuso de sustancias pero que si prestamos atención a las letras (especialmente importantes con The Narrator) vemos que trata sobre las relaciones tóxicas.
En “Agnosia” nos reencontramos con la parte más moderna de la banda. Un riff más adaptado a las tendencias de 2026, otro increíble estribillo como es habitual en la banda y un breakdown para perder la cabeza. Creo que es importante volver a destacar el trabajo de Ted en álbum para resaltar la claridad y la contundencia con la que se escuchan todos los instrumentos, pistas y voces a lo largo de todo el disco pero especialmente en esta canción.
Para “Two Lives” (otro de los singles), volvemos a la faceta más polivalente de la banda y especialmente de Fabian (voz). Contamos con una introducción que consta de la voz melódica y varias pistas a nivel atmosférico que nos acompañan hasta el épico estribillo (otra vez) del tema. Repetimos la estructura para la segunda parte del tema pero incorporando la batería y algún que otro arreglo de guitarra antes de volver al estribillo. Eso sí, pese a la mayor presencia de voz melódica y la aparente tranquilidad del tema, nos regalan un breakdown final que pega especialmente bien en esta canción.
Por si nos habíamos olvidado de la pegada de The Narrator, “Dissection” nos devuelve a la senda del agobio y la violencia. Podríamos definir el tema como un breakdown de 2 minutos y 30 segundos de duración con nula presencia de voces melódicas. Una descarga de energía y rabia que actúa de antesala al cierre del disco.
“Iron Grip” y “9010” son un perfecto reflejo de todo el álbum y de la propia banda en si. Una mezcla perfectamente equilibrada entre riffs, breakdowns, guturales, voces melódicas y estribillos que no tardaremos en aprender para cantarlos en futuros conciertos. Un trabajo que nos demuestra que el Metalcore Moderno está en muy buenas manos, sin duda.
Baest en Copenhague: “Death metal con alma rockera”
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Como comentamos varias veces en este espacio, la escena danesa está generando bandas que están ganando renombre y prestigio en la escena europea. Una de las más destacadas es Baest, grupo de death metal oriundo de la ciudad de Aarhus. La característica distintiva del grupo es su influencia de rock clásico, detalle que se destaca en su nuevo trabajo, Colossal, editado en 2025.
El día 24 de abril de 2026, la banda decidió hacer la presentación del álbum en la sala Vega, lugar de mucho prestigio en la ciudad y que Baest pudo llenar en su totalidad. Obviamente, no fueron los únicos en presentarse: los locales Livløs y los belgas Coffin Feeder se ocuparon de calentar el escenario.
Los primeros dieron un show contundente, desplegando todo su poder mediante un death metal melódico muy agresivo, claramente influenciados por At The Gates. Contaban con muchos fanáticos entre los presentes, y estos respondieron con pogo y hasta un wall of death. El cantante respondió a semejante ofrenda con otra de igual calibre, tirándose al público y cantando entre el mismo. Si bien la banda tocó bien, hubo un problema, y este fue el sonido: el bajo estaba tan alto que saturaba. Esto tapaba a las guitarras, que a su vez carecían de volumen y definición, por lo que musicalmente fue un show difícil de apreciar.
La cuestión sonora mejoró notablemente con los invitados internacionales, donde el sonido fue claro, nítido y potente. El bajo sonaba crujiente y pesado, al igual que la guitarra rítmica, que lo acompañó de la mejor manera con unos machaques asesinos. El bombo de la batería tenía la función de fundir cerebros, ya que contaba con mucho ataque y un volumen central en la mezcla. La voz y la guitarra principal estaban arriba y tenían mucha presencia. La gente tardó en prenderse, pero gracias al gran carisma del vocalista Sven de Caluwé (Aborted), el público se encendió y respondió con pogos brutales. Luego de una presentación contundente y potente, los belgas se retiraron triunfantes y ovacionados.
Llegó el turno de la banda principal y la euforia se notó en el ambiente. El público se amontonó adelante y comenzó a clamar el nombre del grupo. Tras una breve introducción, las estrellas de la noche subieron a escena y dio inicio la locura, de la mano de la seguidilla asesina de “Depraved World”, la clásica en sus shows “Necro Sapiens” y la pesada “Gula”.
Momentos destacados de la lista fueron las canciones que contaron con invitados. Estos casos fueron “Misfortunate Son”, con los chicos de Orm, y “King of the Sun”, con la vocalista femenina Pernille Rohsendal.
El sonido fue potente y limpio, destacando la característica de Baest de hacer death metal pero con aires rockeros. El único problema fue que el micrófono falló durante el tramo final del show, detalle que afectó bastante las últimas canciones.
La presentación fue arrolladora en todos los aspectos, desde lo técnico hasta la conexión con el público. La banda no paró de arengar, y esto fue correspondido con el piso de abajo entero convertido en un gran pit y crowdsurfers volando por los aires. El final con “Stormbringer” y “Crosswhore” dio el broche de oro para una noche potente y que quedará para el recuerdo de la banda y sus fans.
Baest está ganando mucho reconocimiento a base de discos interesantes, divertidos y personales. Esto es respaldado por conciertos brutales, que terminan de confirmar que se merecen este momento y todo lo bueno que les espera.
Los metaleros vallisoletanos Xeria han dado un paso muy importante en su carrera y es que la banda liderada por Marina Sweet ha sido fichada por Art Gates Records, donde compartirán casa con bandas como Kubika, Death & Legacy o 5RAND, entre otros.
Tras un excelente segundo disco como fue Fuego en 2024, la banda ahora encara esta nueva etapa, con la cual esperemos acaben por confirmarse como una de las sensaciones del metal moderno hecho en nuestro país y hasta fuera del mismo.
Estaremos atentos a próximas novedades y mientras tanto os dejamos con uno de sus singles más recientes para que los vayáis descubriendo en caso de no conocerlos mucho.
Los death metaleros neerlandeses Pestilence han confirmado que a su ya confirmada gira española del próximo verano, se suma una fecha más, concretamente en la hermosa y única ciudad de Granada, la cual vibrará a ritmo de death metal con estas leyendas del género.
El Ginetarock 2026 cierra su cartel de manera notable
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Los festivales nacionales siguen cerrando sus carteles del 2026, ya que con la primavera a la vuelta de la esquina y el calor comenzando a mostrar sus afiladas y abrasadoras garras, se empieza a sentir en el aire la temporada festivalera. Por esta razón, el Ginetarock 2026 ya ha desvelado las bandas que completarán su edición de este año.
Los metaleros sinfónicos Xandria y la presencia de Saratoga, referente indiscutible del heavy metal nacional, son los dos nombres propios que aportarán su poderoso sonido al festival, el cual se completa con las siguientes bandas:
Uno de los nombres propios de las seis cuerdas como es el australiano Plini está muy cerca de regresar a España gracias a Madness Live, para deleitarnos con su exquisito y complejo sonido, cercano al progresivo y con uno matices que solamente el le da a la hora de colgarse la guitarra.
Sobra decir que si te gusta el progresivo o eres de paladar exigente y quieres descubrir propuestas de alta calidad, no puedes perderte a Plini en las siguientes fechas:
16 de Mayo – Barcelona (L’Hospitalet de Llobregat) – Salamandra (+ Sungazer)
Lucifer en Buenos Aires: “Danzando al ritmo del diablo”
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Un jueves vintage vivió la ciudad de Buenos Aires hace unos días. Más en concreto, la zona del Abasto. Y es que el Uniclub retrocedió en el tiempo y nos trasladó directo a los 70’, de la mano de Lucifer. El aclamado grupo regresó el pasado 23 de abril y dejó latente su sello musical una vez más en el país.
No había pasado mucho tiempo de la última visita de la banda, ya que en octubre de 2024 había venido con nuevo disco bajo el brazo. Sin embargo, Johanna Sadonis, cantante y líder decidió volver para reafirmar sus lazos con su público, y presentar al mundo su nueva formación.
Y es que si bien pasaron apenas 18 meses, dentro del mundo Lucifer pasaron muchas cosas. La más impactante: la salida del batero y compositor sueco, Nicke Anderson. El multiinstrumentalista puso fin a su relación tanto romántica como profesional con la vocalista y con él, se fueron Martin Nordin, Linus Björklund y Harald Göthblad. En otras palabras, solo quedó Johanna.
De esta manera, la banda se refundó totalmente para seguir adelante y dar vuelta de página lo más rápido posible. Y es con esta gira, que vinieron a proyectar esta nueva alineación comprendida mayormente por integrantes femeninas.
El arranque corrió a cargo de Martes Negro y Vivenmueren, dos grupos cuyas propuestas encajaron a la perfección con el tono oscuro y setentero de la fecha.
Primero fue el turno Martes Negro, un trío de doom Metal formado en la localidad de Hurlingham. Con algunas pinceladas de Stoner, y una propuesta muy heredera de nombres como The Obssesed y Electric Wizard, la banda no tuvo un inicio del todo prominente en términos de audio. La guitarra sonaba muy fuerte, el bajo retumbaba más de lo debido, y en general, se percibía un nivel de sonido ensordecedor y taladrante, que impedía a los presentes quedarse adelante para escucharlo.
Afortunadamente, la banda se percató de esto y con unos pequeños arreglos, fueron bajando el volumen hasta llegar a un punto más amigable.
Por su parte, Vivenmueren contó con un sonido más limpio y no tan distorsionado. Este grupo comenzó la noche practicando un doom metal clásico de la escuela de Saint Vitus, pero con la particularidad de hacerlo de forma instrumental. Una cualidad un tanto curiosa, por no decir extraña en este género. Sin embargo, a medida que avanzó el show fueron mutando hacia un estilo más atmosférico y cercano al post metal de unos God Is An Astronaut o Distant Dreams, permitiendo así, una actuación más dinámica y atractiva para el oyente.
Consumado los actos nacionales, el público se fue congregando lentamente dentro del recinto, con cerveza en mano, y mucha expectativa por ver nuevamente a Johanna sobre el escenario. Si bien la jornada arrancó con un nivel bajo de audiencia, para antes del comienzo del acto central, ya había una cantidad más que suficiente que comprobaba que la banda ya tiene una base de fanáticos bastante establecida en este lado del charco.
Pasadas las 21:30, Lucifer apareció y en medio de una cortina de humo llena de oscuridad, dio el puntapié inicial ni más ni menos que con “Anubis”, su primer single oficial. Un tema que con su riff sabatiano, le puso tono y color a un show que nos iba a llevar en el tiempo, más específicamente a la década de los 70’. Un arranque para nada casual, que sirvió como declaración de principios para marcar el inicio de esta nueva etapa, pero retomando las raíces de origen.
“Ghosts” y “Crucifix (I Burn for You)” fueron las dos siguientes en caer, y ya empezarían a evidenciar algunos aspectos que se fueron observando a lo largo de la noche. El primero y más notorio: el protagonismo de Johanna. Por si quedaba alguna duda dando vuelta acerca de su liderazgo, la alemana se encargó de difuminarlas con su canto y encanto. Desde el segundo uno, se mostró imponente y firme. Con su cautivador catsuit negro de estética retro, demostró que ella es mucho más que sólo la voz. Es la imagen, la mente y el corazón de Lucifer. Es la pieza que mueve todo el engranaje. La que le da forma. Y la que maneja todos los hilos. En otras palabras, es el alma del grupo.
Y así como no podemos concebir a la banda sin ella, también hay que decir que el nuevo relevo parece haberse amoldado muy bien a su ritmo sobre el escenario porque se trató de una actuación muy sobria desde lo instrumental, con un bajo participativo y una dupla de guitarras que no perdieron el tiempo y brillaron en cada ocasión que pudieron, resultando ser el segundo aspecto resaltable de la jornada, por detrás de su líder.
El audio de la banda acompaño desde el inicio y no presentó ningún inconveniente más allá de un micrófono roto. Por su parte, el setlist estuvo repartido entre su segundo, tercer, cuarto y quinto álbum, habiendo un mayor enfoque en Lucifer V (2024), con temas como “Riding Reaper”, “Slow Dance in a Crypt” y “At the Mortuary”.
Con velocidad y dinámica, las canciones fueron pasando hasta llegar el final con un cover de Kiss, “Goin’ Blind” y la electrizante “Fallen Angel” que puso a todos los presentes a bailar y saltar al compás de la voz de Johanna.
De esta forma, el tercer paso de Lucifer por Argentina resultó positivo y auspicioso, ya que se trató de una actuación con grandes hallazgos colectivos y con la confirmación de que las bandas pueden sobrellevar las distintas adversidades que la vida les presenta. En esta ocasión, con Johanna sacando adelante a su bestia con puro rock and roll.
Agradecemos a la gente de Noiseground por la acreditación.
El sábado arrancaríamos fuerte con Heaven in Her Arms interpretando entero su letal The End Of Purification. Una maravilla poder ver a estos japoneses que ya desde primera hora, darían una de las mejores actuaciones del festival entero. Pasaríamos sin dilación a la presentación del nuevo trabajo de las Blackwater Holylight, el nuevo combo con espíritu a SubRosa salido en los últimos años. La suya sería una actuación delicada y bella que contentaría a los numerosos seguidores que por allí pululaban.
Pasaríamos de la serenidad de las chicas de Blackwater, a la negrura absoluta que envolvería toda la actuación de Primitive Man, la primera que darían, recordando sus primeros y más letales tiempos. Interpretando cortes que hacía eones que no tocaban en directo y como de costumbre, despeinándonos con el atroz volumen que manejan.
Nos enteraríamos de un secret show de Agriculture en una de las salas pequeñas y hasta allí nos desplazamos para ver una vez más a la banda del momento, en este caso en formato más garajero y espontaneo. Sería otra de las actuaciones del festi, sobra decir. Como también lo sería el siguiente show secreto que enlazaríamos casi por casualidad. El de Inter Arma destruyendo el Skate Park mientras interpretaban de un lado a otro, su primer Sky Burial. Otro de esos momentos que no se pueden pagar con dinero.
En medio de tanto show secreto, tuvimos un momento para meternos en medio del pogo que montaban Ameretat, comandados por su furibunda cantante iraní. Una cantante que, por su procedencia, lógicamente tuvo el ímpetu para proclamar palabras de desprecio hacía los regímenes totalitarios. Algo que, por cierto, los Agriculture también habían hecho un rato antes, aunque su procedencia fuese la opuesta.
Llegaríamos al capitulo final del sábado, con uno de los platos fuertes absolutos del Roadburn 2026, Oathbreaker regresando después de un parón de varios años a la que había sido su casa hasta el momento y encima interpretando íntegramente Rheia, un disco que cuando se publicó no marcó época, pero que hoy en día esta visto como un trabajo de culto absoluto. Su actuación sería una ensoñación con Caro enfundada en un delicado vestido rojo, mientras sus melenas se agitaban a golpes de ventilador.
La noche terminaría para nosotros con Slift demostrando los galones que han ido adquiriendo en estos últimos años. Los franceses están a punto de editar su tercer trabajo y en Roadburn sonaron más psicodélicos de lo que nunca los habíamos visto. Su sencilla puesta en escena no escondería, sin embargo, la impresionante técnica que atesoran estos tres galos. Otro de los grupos del momento, en su mejor encarnación y en el instante preciso. Otro combo al que el tiempo pondrá en un altísimo pedestal.
Robert Jon & The Wreck en Barcelona: “Arrolladores”
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Elde Orange County, plaza habitual de las bandas de hardcore melódico, se ha convertido en un asiduo de las salas barcelonesas des del 2015 presentando su segundo álbum Glory Bound, cuando empezó a pisar el minúsculo escenario de ese templo musical llamado Rocksound, reducido a escombros por la voracidad inmobiliaria que reina en la ciudad hace unos cuantos años.
Desde aquel entonces Rob siguió visitando año tras año aquel santuario de la calle Almogavers, sin interrupción hasta 2019. Tras la pandemia, su número de seguidores aumentó, y pasó a salas como Upload (2022), o Wolf en 2024, para ahora duplicar esos números de asistencia, y rondar el lleno en una Razzmatazz 2, con capacidad aproximada de setecientas almas, algunas a las que ya sueles encontrar en primera línea de esta onda musical, o sorprendentemente, a otras asiduas a descargas del metal más extremo.
Su gira europea Heartbreaks & Last Goodbyes European Tour se divide en dos partes, una primaveral, y una segunda para el próximo octubre ambas concentradas en el Reino Unido y Centroeuropa, así como su paso por diversas poblaciones de la península ibérica, con un total de seis fechas que finalizan en Barcelona, en esta ocasión junto a la banda local invitada, The Sleeping Circus.
Los catalanes demoraron su entrada unos diez minutos, a expensas de que la sala dos de Razzmatazz contara con algo más de presencia, debiendo iniciar su actuación ante poco más de un centenar de veteranos del rock’n’roll de la vieja escuela, y lo hicieron subidos en su “Red Chevy Corvette”, y galopando a lomos de “Horses”.
Su guitarra solista, Eddie Alpuente, preguntó en catalán si ya íbamos bien bebidos, y de lo contrario, induciéndonos al consumo de alcohol antes de atacar con “Hippie”, y con “Find Myself”, todas las mencionadas, pertenecientes a su álbum debut, y sobre el que sustentaron unos cuarenta vivaces y floridos minutos de directo.
Aparte de sus propias composiciones se marcaron un par de versiones de alcurnia, como el “Questions” de una banda californiana de los sesenta de escasa trayectoria, pero considerable legado como fueron Buffalo Springfield, o la final “Already Gone” de los también angelinos, Eagles, con mucho más recorrido, éxito, y extrema popularidad.
Pues nada mal, no nos adormilamos que ya es mucho, con esa propuesta, trasnochada quizás, que transmite ese rock de los 60-70’s, con poderosas influencias de gente más próxima en el vector espacio tiempo, como The Black Crowes, Coverdale, o Gary Moore en su más notoria faceta bluesman.
Con un retraso de treinta minutos sobre el horario previsto apareció Robert Jon y los suyos entonando esa sinfonía al dolor que abre su Ride Into the Light (2023), “Pain No More”, seguida por “Blame It on the Whiskey” con excelso e interminable solo de slide guitar a cargo de Henry JamesSchneekluth. Redoble acelerado de batería de Andrew Spantman, para rockear un poco con el single “Sittin’ Pretty”.
Un pequeño receso para que Robert pueda pegarle un trago a una lata de cerveza, antes de bajar a lo más profundo con “Highway”, y volver a subir de octanaje con “Long Gone”, ambas desde su Heartbreaks & Last Goodbyes (2025). Una breve mención para los chicos de Sleeping Circus, antes de anunciarnos una nueva composición, la titulada “Arroyo”, con notable presencia a los teclados de Jack Abenarthie, y lanzada pocos días después de este concierto en la Ciudad Condal, e incluida en el nuevo álbum recopilatorio Wreckage Vol.3.
Introducción a base de bajo, batería y teclados para una relajada y ampulosa “Red Moon Rising”, pero con mucho groove, eso sí, y aderezada con fragmentos del “Eminence Front” de The Who. Cambio de coreografía con “Life Between The Lines”, que sonó eléctrica y correosa, con Abenarthie en plano purpleliano.
Agradecimientos de Robert Jon antes de recordar que es el último show de la gira estatal, y es como estar en casa, de ahí a una sentimental y melancólica “Bring me Back Home Again”. Cambio de tercio, y de guitarras para una celebradísima “Oh Miss Carolina”, para la que Robert Jon quiso provocarnos con la clásica rivalidad y enfrentamiento Madrid-Barcelona, aludiendo lo bien que la cantaron los madrileños, y que, tras una larga interpretación conjunta de banda y fans, R.J. concluyó que esa noche en la capital catalana fue mejor que la realizada en la sala But.
Rob cambia al agua, mientras Henry James afina su guitarra para deleitarnos por dieciséis minutos de un “Cold Night”, repleto de duelos instrumentales, palmas, coros y guitarras dobladas, con la que desaparecieron de escena tras tremenda ovación. Volvieron al cabo de un par de minutos por sonora petición popular, para despedirse definitivamente con “Do You Remember”.
Una noche para recordar en el tiempo con esta excelsa banda de músicos liderados por R. J. Burrison, que convierten lo complejo en fácil y natural, puede que demasiado, pero algo falto de expresividad, sentimiento, corazón y ternura, en unos noventa minutos de perfecta aleación de rock, blues ysouthern rock, pero como decía, demasiado perfecta y virtuosista quizás.
Tras haber ofrecido un show soberbio en Málaga, ahora los muchachos de Avalanch siguen por Andalucía conmemorando su 30º Aniversario y demostrando que aunque los cambios son duros, a veces son para mejor y en el señor José Pardial, han encontrado a una de las mejores voces de nuestro país, le pese a quien le pese.
Gracias a Duque Producciones, podremos disfrutar del potente directo de la banda liderada por Alberto Rionda en la preciosa ciudad andaluza de Granada en la siguiente fecha:
Alissa White Gluz se convierte en la nueva vocalista de Dragonforce
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Aunque podría parecer el “Dia de los Inocentes”, lo cierto es que el metal acaba de ser sacudido de forma implacable al conocer que la señorita Alissa White Gluz, es desde hoy mismo, la flamante nueva vocalista de Dragonforce, si como estáis leyendo, la peliazul canadiense se pone al frente del micrófono tras el excelente resultado obtenido en “Burning Heart”, para el asombro de todos los seguidores tanto de ella como de la banda británica y compartirá este papel con Marc Hudson, quedando la banda como un sexteto.
La banda ha emitido la noticia en todas su redes sociales acompañada por una espectacular foto con su nueva compañera, de la cual esperamos tener música nueva lo antes posible y ver como encaja su particular voz en una banda ya establecida como Dragonforce.
Mayo comienza con calor por muchos puntos de España y que mejor manera de celebrar la ante sala de la primavera que con el regreso de los californianos Mad Caddies a nuestro país.
Anneke van Giersbergen: “Lo importante para triunfar es ser una misma y crear desde el corazón”
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Anneke van Giersbergen es una de esas artistas carismáticas e inmarcesibles que una vez tras otra nos regalan trabajos impecables. Habrá quien la conozca por su recorrido con The Gathering, con VUUR o con uno de sus diferentes proyectos en solitario, como Agua de Annique o el actual firmado con su propio nombre. También es posible encontrar su voz luminosa en sus múltiples colaboraciones con grandes nombres como Devin Townsend, Ayreon o Within Temptation. Talento y presencia se unen en una mujer poderosa y que nunca para de trabajar. Ella es la sonrisa del metal. Y hemos tenido la suerte de poder entrevistarla sobre los múltiples proyectos en los que está metida.
Hola, muchas gracias por concederme esta entrevista. Sé que estás muy ocupada estos días, con el disco La Mort, y girando tanto con tu proyecto personal como con The Gathering 30 aniversario… ¿Cómo estás viviendo esta etapa tan bulliciosa?
Estoy muy ilusionada, porque estamos a punto de salir de gira con The Gathering, que es algo genial. Ya hicimos algunos shows el año pasado con la formación original de la banda y se siente genial volver a los escenarios y cantar nuestras canciones. Estoy deseando hacer conciertos todo el año… Y desde luego con mi propia banda acabamos de sacar el nuevo EP y está funcionando muy bien. Creo que nos están prestando mucha atención, como vosotros, por ejemplo, con esta entrevista… Es muy agradable poder hablar con todo el mundo sobre el nuevo EP y las nuevas canciones. No me puedo quejar.
He estado escuchando La Mort, es un trabajo maravilloso. El anterior, La Vie, también lo era. Por favor, ¿me puedes hablar un poco de este formato y del papel de cada EPs dentro de la trilogía?
Sí. Serán tres EP y sus títulos La Vie, La Mort, L’Amour, con como los tres pilares de la vida: la vida y la muerte, y lo que mantiene todo unido, que es el amor. Y en mis canciones hablo de estas cosas: del amor, de la pérdida, de la naturaleza… de las cosas que me suceden a mí personalmente. Hay muchos temas en los tres EPs, pero son temas comunes a todas las personas, o eso creo… Porque me he dado cuenta de que a veces escribo sobre mis cosas, lo que pienso o siento, y a veces llego a pensar que son cosas mías muy personales y que a lo mejor a nadie le interesará lo que cuento: desde luego, eso no importa ya que yo hago música porque amo hacer música… Pero lo curioso es que muy a menudo la gente me dice “estoy pasando por lo mismo”, o “yo también pienso sobre estas mismas cosas”… Entonces me hace sentir bien el poder compartir esas cosas. Reflexionar sobre la vida, la muerte, el amor… y estos temas. Así que para resumir, sería como una gran cesta donde caben distintos temas de la vida, divididos en estos tres pilares.
Me han encantado las letras. Me ha encantado leerlas y creo que tanto la primera como la última puedo entender sus metáforas, por favor, corrígeme si me equivoco, pero creo que “Fade In Fade Out” nos habla sobre nacer, vivir, morir y nuestro legado… y “Sail Towards The Sun” es una hermosa canción que, ya has mencionado en otras entrevistas que le has dedicado a la memoria de tus padres…
Sí, así es, me alegro que te hayan gustado.
Son maravillosas. Y me encantaría que nos hablaras un poco más sobre las otras dos, que me resultan más enigmáticas por ejemplo sobre “Red Sky”, me encantaría saber ¿qué significa ese cielo rojo hacia el que te guían tus sueños?
Claro, verás. No sé si te ocurre a ti, pero yo sueño mucho y cuando me despierto puedo recordar casi todo. Y en mis sueños puedo hacerlo todo, lo sé todo… En los sueños uno no tiene límites. En mis sueños puedo volar, componer música preciosa para toda una orquesta… y luego ¡me despierto! Y no puedo hacer todas esas cosas. Y me pregunto ¿por qué es así?… Y sobre la metáfora, siento que hay una gran nube, una nube repleta con todo el conocimiento del mundo, y podemos adentrarnos en ella en los sueños, pero cuando despertamos tenemos que aprender. La vida es más dura. Tenemos que atravesar muchas dificultades para aprender ciertas cosas en la vida… y quería escribir sobre esto. Sobre por qué la vida nos pone tantas dificultades y por qué no es más sencillo simplemente volar como en un sueño y alcanzar el conocimiento, aprender de una vez y sin dolor todo aquello que necesitamos para vivir y sobrevivir. Puede parecer un tema algo pesado, pero también puede ser ligero, si lo tomamos literal es la sensación de despertar de un sueño y darnos cuenta de que: ¡vaya! No lo se todo, no puedo volar, pero puedo aprender algunas cosas de esa experiencia.
Muchas gracias, es una preciosa metáfora. La otra canción de la que quería preguntarte es “Handle Me With Care”, que me da la sensación de tratar sobre la competitividad o las personas tóxicas ¿cómo la describirías tú?
Algo parecido. Hay un contraste, porque la música es muy bailable, pero las letras sí, son más profundas. A veces la gente asume que eres de una determinada manera pero por dentro tú sientes que eres una persona totalmente distinta. Y a veces tienes que trabajar mucho para que la gente te tome en serio. De eso trata. Son unas letras algo más poéticas y abstractas que otras más directas. Pero ya sabes que la gente que escucha música también puede proyectar en ella sus propias ideas y sentimientos, su propia historia. También puedo decirte de ella que esta canción en concreto funciona muy bien en directo, suena muy bien y me gusta cantarla en directo así que va a estar en nuestro setlist en el tour.
Estoy deseando veros en directo y precisamente te quería preguntar ¿es difícil componer y coordinar una banda tan grande como la que te acompaña en este proyecto?
No, no es difícil. Me gusta mucho. Lo bueno de tener una banda grande es que hay muchos buenos músicos y todos tienen buenas ideas y opciones que ofrecer. Es todo un lujo tenerlos a mi lado. Y para componer, mi sistema de composición sigue un orden determinado: empiezo componiendo yo sola, por mí misma, casi siempre con la guitarra, a veces con el ordenador o con algunos bits de batería… voy grabando las demos, hago las canciones completas, y con este material acudo a la banda, a los componentes más centrales: la guitarra, el bajo, la batería… Y trabajamos en las canciones. Después vienen los demás, el violín, los vientos… vienen después. Es un proceso de composición que me gusta mucho. Porque cuando empiezo componiendo yo sola, puedo pensar en qué es lo que quiero, tomarme mi tiempo… si tengo uno de esos días en el que no avanzo, no pasa nada, está bien, no hay presión. Resulta muy liberador componer por mí misma, pero también necesito a la banda porque lo completan todo y tienen ideas muy bonitas. Por ejemplo tenemos un teclista que hace unas preciosas melodías… Así que las canciones sí que crecen gracias a tener una banda grande en el estudio y en directo.
También estás trabajando en la tercera entrega, L’amour ¿nos puedes adelantar alguna cosilla de lo que vamos a encontrar en L’amour?
Sí, ya tengo algunas canciones en marcha… muchas ideas en las que quiero trabajar… todo está de momento en mi cabeza, tengo muchas cosas que aún quedan por desarrollar… pero ahora vamos a estar de gira y haciendo muchos conciertos, por lo que creo que será cuando llegue el verano que por fin podré sentarme y trabajar en todas las cosas que tengo en mi cabeza y todos esos pedacitos de canción que ya tengo en marcha. También creo que me va a venir bien la influencia de estos viajes… cuando viajo en las giras, sea porque brilla el sol, o porque conozco gente nueva… al final surgen nuevas ideas en las giras, y eso es lo que voy a hacer estos meses. Creo que me va a ayudar a sentarme en serio este verano a componer unas cuatro, cinco o a lo mejor seis canciones más.
Por cierto, que al leer el nombre de la trilogía: La Vie, La Mort, L’Amour me ha recordado a esta canción clásica de Nana Mouskouri, que trata los mismos temas en otro orden, La Vie, L’Amour, La Mort… me preguntaba si te has inspirado en ella.
No… no la conozco, creo. Sí conozco a Nana Mouskouri y me gusta mucho, mi familia ha escuchado siempre sus álbumes, y yo la he escuchado en casa un montón cuando era joven, pero no recordaba esta canción en concreto. ¡Ahora que me lo dices la voy a buscar! La verdad es que llegué a este título porque estaba escuchando una entrevista con un director de cine francés, o alguien dedicado al cine, no puedo precisar… Lo importante es que él hablaba de estos tres pilares de la vida, los mencionó en francés y me pareció muy inspirador.
Anneke, por favor, dime ¿Cuántos idiomas hablas? porque hablas inglés, entiendo que tu idioma natal es neerlandés, también entiendes francés y me consta que también español… ¿Cuántos idiomas hablas?
Bueno, un poco de todos estos idiomas, pero no tanto, sólo lo suficiente para manejarme un poco en las giras… ya sabes, cuando viajas vas recogiendo palabras aquí y allá. Desde luego el inglés… también escucho alemán, español, quizás francés… creo que estos serían los idiomas que más escucho cuando viajo, y puedo decir algunas cosas, pero creo que no podría por ejemplo hacer toda esta entrevista en español ¡aunque me encantaría! La verdad es que en los 90 empecé un curso de español, cuando estábamos de gira con The Gathering, hacíamos muchas giras, así que empecé este curso de español pero por los propios viajes terminé dejándolo, quizás debería haber seguido.
Eres muy querida aquí en España y en otros países de habla hispana en latinoamérica ¿Sientes tú también esa conexión especial con el público hispanohablante?
Sí. Eso es verdad. Y mira, mucha gente me pregunta por qué los títulos de la trilogía están en francés y siempre les digo que “porque es un idioma muy bonito” y también pienso que me gustaría hacer algo en español en el futuro próximo, pero estaba pensando en hacer una canción con la letra toda en español… también es un idioma muy bonito y muy universal. Sería muy natural para mí. La verdad es que en Europa el francés y el español son importantes y son idiomas que mueven el mundo. Además recuerda que yo vengo de Holanda y nuestro idioma hay que admitir que es un poco duro. Escuchar el idioma español, da igual lo que se diga, suena bonito, y me encanta dirigirme al público hispanohablante y también escucharles a ellos.
Además vamos a poder verte en el Rock Imperium de Cartagena… Ya nos has visitado otras veces ¿Hay algo que tengas ganas de ver o de hacer en tu paso por España?
Sobre todo a la gente. Me gusta porque en España la gente habla con el corazón. Cuando algo les gusta, se nota, hacen ruido, nos demuestran su amor. Y cuando algo no les gusta también se nota, lo dejan ver. En Holanda la gente es más reservada. Eso también está bien, me gusta ver a la gente que disfruta la música y cierra los ojos y se deja llevar por el sonido simplemente. Pero también me gusta venir aquí al sur de Europa, todo el Mediterraneo, la gente es más pasional, sobre todas las materias: la cultura, las películas, el arte, la música… Todo eso me hace mucha ilusión a mí y a toda la banda.
También quería preguntarte por esta gira de aniversario de The Gathering 30 aniversario ¿Cómo surgió este reencuentro?, ¿quién tuvo la idea?
Fué idea de René, el guitarrista de The Gathering. La verdad es que llevábamos unos años sin hablar mucho. No teníamos ningún problema pero todos estábamos ocupados con nuestras cosas. Pero entonces mi mamá murió hace dos años. Y ella nos había acompañado mucho con The Gathering en nuestros primeros tiempos, los chicos la conocían y la guardaban mucho cariño. Entonces tanto René como su hermano Hans me mandaron unos mensajes preciosos para decirme cuánto lo sentían y cuánto querían a mi madre. Fué precioso. Así que después pensamos en vernos y tomar un café, ponernos al día, charlar.. Y después de quedar ya varias veces, un día René nos dijo que efectivamente el álbum Mandylion iba a cumplir treinta años. Por él habíamos obtenido un disco de oro en Holanda. Era un buen motivo de celebración y nos planteamos qué podríamos hacer que fuera bonito, como un concierto grande o algo así… entonces yo dije: “Si vamos a hacerlo, hay que hacerlo bien, a conciencia”. Por eso llamamos a Jelmer y fué muy agradable reunirnos de nuevo, la formación original. Empezamos a ensayar y nos gustó mucho. Las canciones antiguas seguían ahí y nos sentimos muy bien de tocarlas de nuevo. Nos sentimos hermanados todos. En realidad fue bastante espontáneo. Y además a la gente le gustó mucho. Sí que sabíamos que a la gente le iba a gustar, iban a disfrutar de vernos de nuevo con la formación clásica, y que iban a disfrutar celebrando el álbum Mandylion, pero de verdad que no esperábamos tanto entusiasmo. Estamos muy contentos.
Siempre te has movido mucho, has colaborado con muchas personas y te has destacado como Frontwoman, abriéndole el camino a otras mujeres en este mundo de la música. ¿Cómo ves el tema de mujer e igualdad de género en la música actualmente?
Me siento orgullosa. Creo que sí, que con The Gathering fuimos capaces de inspirar a otras mujeres, no solo vocalistas, también instrumentistas, o fotógrafas, o mujeres en general de la escena del metal. Estoy orgullosa. Pero todo sucedió muy espontáneamente. La banda buscaba vocalista. Yo hice la audición y salió muy bien, todo encajó. Nunca pensamos en que yo era una chica y ellos chicos. No estábamos pensando en cambiar nada en la escena del metal, que efectivamente era como de un 99% masculina. Simplemente pensamos “esto suena bien”. Así que quizás la fortaleza en la banda y nuestra música es la espontaneidad, sentir que funcionaba. Y ahora que ha pasado el tiempo, como compositora y como vocalista, creo que lo más importante es trabajar con tu propia visión y con lo que a tí te guste de verdad, de corazón. Fíjate, he visto a vocalistas ceñirse a un estilo musical simplemente porque había pocos ejemplos. Estoy pensando en los 90. Teníamos a Whitney Houston, teníamos a Bjork… eran geniales, pero muy específicas, y había otras cantantes que trataban de seguirles la estela a ellas como modelo concreto. Pero creo que lo importante para triunfar es ser una misma, cantar desde el corazón, usar tu creatividad y tu poder. Si lo haces así, da igual tu género, podrás aportar algo.
Pero efectivamente, hay algo diferente en la energía masculina y la femenina. Y creo que la energía femenina combina muy bien con los sonidos pesados del rock y el metal. Es una combinación perfecta. Y a mí me encanta también compartir y trabajar con esa energía masculina. Pero también me hace feliz ver que más mujeres, desde los 90, han entrado a formar parte de este mundo. En realidad diría que tenemos algo bueno en la escena del heavy metal, porque creo que sí es una escena muy abierta a las mujeres y al poder y la energía femeninas. Estoy feliz de ello. Desde luego queda mucho por hacer, pero en comparación con otros aspectos de la vida, creo que en el heavy metal las mujeres son muy respetadas. En cambio en los negocios, el deporte, la política… no es así. Hay mucho que conquistar aún para las mujeres, tanto a nivel de respeto como en cuanto a paga, a economía y más cosas. Por ello yo estoy feliz de trabajar en la música y en concreto en el heavy metal.
También quería preguntarte por algo relacionado con tu país, que es el parque de atracciones de las hadas: Efteling. Voy a ir con mi hijo de cinco añitos este verano y tengo entendido que podremos escuchar tu voz en el parque Efteling ¿por favor, me puedes contar algo más sobre ello?
¡Oh! Tu niño de cinco añitos, ¡qué mono! Es cierto: mi voz se puede oír en la atracción “Baron”, pero creo que es para más mayores. A mí la verdad es que me da algo de respeto montar: es una montaña rusa bastante grande y al principio hay un baile con fantasmas, que es donde se escucha mi canción. Así que si lo que quieres es escuchar mi voz, tal vez podéis hacer la cola, que es muy bonita y tematizada, pero no montar en el carro. Creo que podéis salir sin llegar a montar, es lo que yo haría porque de verdad que me asusta esa montaña rusa. Lo hice alguna vez: entrar para escuchar la música y salir sin llegar a montar. Es bonita pero da respeto. Espero que lo paséis muy bien.
Es que haces de todo. También vas a estar haciendo algo en el teatro ¿es así?
Sí. De vez en cuando me gusta participar en el teatro de aquí… hacemos proyectos con otra gente de mi banda… y elegimos temas que nos puedan gustar. Ahora vamos a hacer un proyecto teatral basado en la música irlandesa. Lo hemos comenzado este año y ahora hemos parado pero continuará el año próximo. Es algo bastante diferente a mi música habitual y es que ¡es una locura cuántos teatros tenemos aquí en Holanda! Me siento muy afortunada porque creo que actuamos en total unas ochenta veces en diferentes teatros con este proyecto. Así que más adelante pensaremos otra idea bonita y haremos otras ochenta funciones. Es algo que hago de forma no exactamente paralela, pero sí algo diferente a mi música habitual.
Nunca paras
No. ¡Me encanta cantar!
Y también estás trabajando con Devin Townsend, con quien has colaborado otras veces. Apareces en el álbum The Moth que sale ahora en mayo. ¿Nos cuentas un poco sobre esto?
Claro. Como ya sabrás, Devin ha estado trabajando en esto durante varios años, y muchos más años antes de eso yo había colaborado con él y ya me enseñó algunas demos… era un trabajo enorme, me explicó que habría cuerdas y un coro… ya se veía que iba a ser un proyecto enorme. Recuerdo que pensé que iba a ser una locura de bueno y de grande. Y lo és. Y ya está a punto de salir. Estoy muy agradecida de que me haya invitado a colaborar en algunas canciones de este proyecto tan grande y tan bonito.
Muchas gracias por tu tiempo, Anneke, y mucha suerte con todos los proyectos.
Gracias a ti por dedicarme el tuyo, espero verte en España muy pronto.
Machine Head en Málaga: “Su Imperio Sigue Siendo Indestructible”
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Los norteamericanos Machine Head volvían a la capital de la costa del sol en el marco de su nueva gira europea, la cual volvía a contar con el formato al que la banda que lidera Rob Flynn denominó “An Evening With Machine Head”, la cual nos ofrecería nuevamente lo mejor de la carrera de estos titanes del metal contemporáneo durante casi 3 horas y sin teloneros.
Conforme las horas pasaban, la gente iba llegando a la imponente Paris 15, la cual sigue firme como una de las mejores salas de España, amén de ser la mejor de toda Andalucía y competir incluso con pesos pesados como Razzmatazz o Santana 27, siendo igual o casi mejor que estas.
Para las 19.00, el recinto presentaba un número enorme de gente, la cual se vio sorprendida cuando el mítico himno pop noventero “Everybody”, que popularizaron Backstreet Boys allá por finales de los 90, se hizo presente por los altavoces de la sala, provocando una mezcla de incredulidad, risas incómodas al no entender bien que estaba sucediendo y algún que otro “metalero trve” que canturreaba el estribillo, porque si amigos, este tema sonó hasta la saciedad y ya es un clásico del pop moderno, lo quieras admitir o no.
Tras corretear a investigar el merch de la banda, donde hubo luces y sombras, sobre todo en lo que a los precios se refiere, pudimos escuchar el clásico “Bohemian Rhapsody” de Queen, donde si bien, no tiene mucho que ver con el sonido de MH, si que goza de un respeto por parte de la comunidad metalera, al tratarse de una de las bandas de rock más importantes y relevantes de la historia.
Y sin tiempo a pensar o en pedirte un cubata, la sala se vino abajo cuando los primeros acordes de “Imperium”, comenzaron a sonar, si, los californianos abrían fuego e incendiaban Málaga sin piedad con una de sus mejores piezas, la cual se podría haber esperado para la mitad del set y no para abrir el mismo.
A partir de aquí, todo fue cuesta arriba y con los muchachos en un excelente estado de forma, combinando piezas como “Ten Ton Hammer” o “None But My Own”, con otras más nuevas como “These Scars Won’t Define Us”, la cual estrenaron en esta gira, todas ellas muy bien recibidas por el público malagueño y de alrededores, que ya estaba encendido.
Otro momento álgido del show fue el binomio formado por el mega clásico “Old”, al cual le siguió ni más ni menos que “Darkness Within”, la cual fue interpretada en acústico, poniendo los pelos de punta a los allí presentes y demostrando lo gran disco que fue Through the Ashes of Empire, el cual fue el punto de “Retorno” de la mejor versión de MH.
Lo bueno del set, fue la combinación de todas las etapas de la banda y lo bien que han envejecido temas clásicos como “From This Day” o la controvertida “Bulldozer”, de lo único que se podía rescatar del nefasto Supercharger, pero que en vivo suena como un cañón y del mismo modo, ver que sus temas más nuevos como es el caso de “Outsider”, pueden convertirse en pequeños clásicos de la banda en un futuro no muy lejano.
Uno puede pensar que otra gira con el mismo formato (si obviamos su ultima gira conjunta con Amon Amarth) es un pelín excesivo, pero cuando un grupo tiene como últimos cartuchos “Davidian” y “Halo”, sobran las palabras y lo cierto es que Machine Head volvieron a conquistar Málaga, prometiendo volver y dejando al público hecho trizas con un show imponente, sin apenas fisuras y siendo justos, al alcance de muy pocas bandas actuales.
Uno de los nombres propios dentro del metal pesado nacional como son Bloodhunter han sido confirmados como la banda que acompañará ni más ni menos que a Crypta en su paso por España el próximo mes de junio, configurando así un doblete incendiario e imponente para el género, amén de reunir en un mismo escenario a dos portentos vocales como son Fernanda Lira, voz y bajista de las brasileñas/internacionales con Diva Satanica, sin duda la mejor vocalista del genero en nuestro país.
Abril pasó con una carga enorme de shows entre masivos y under, bandas clásicas y bandas nuevas. Mayo no da respiro y promete ser otro mes de grandes visitas antes de la baja temporada de invierno.
Algunas visitas muy esperadas como Korn y otras mas de nicho como Draconian. La agenda completa a continuación.
UDO Dirkschenider Fecha: 1 de mayo
As I Lay Dying Fecha: 1 de mayo
Midnight Fecha: 1 de mayo Bane & Stick To Your Guns Fecha: 3 de mayo French Police Fecha: 5 de mayo Graveyard Fecha:5 de mayo Zabala & Frezza Fecha: 8 de mayo Nocturnal Fecha: 9 de mayo Vader Fecha: 10 de mayo Korn & Spiritbox Fecha: 10 de mayo Chameleons Fecha: 14 de mayo Balance And Composure Fecha: 14 de mayo Gatos Sucios Fecha: 16 de mayo Cult Of Fire Fecha: 17 de mayo Draconian Fecha: 17 de mayo The Amity Affliction Fecha: 22 de mayo Danko Jones Fecha: 23 de mayo Drowning Pool Fecha: 26 de mayo Kampfar Fecha: 30 de mayo
Como cada mes, desde el staff de TTH te traemos nuestras recomendaciones de lo que estuvimos escuchando. En esta oportunidad hubieron grandes exponentes de bandas consagradas y nuevas propuestas para el deleite de nuestros oídos.
1) Astraya – Atropine
Astraya mediante este álbum te lleva a un viaje oscuro y hermoso que no te suelta fácil. Este segundo álbum de la banda alemana de Stuttgart construye una atmósfera densa y melancólica que recuerda en espíritu a lo que Katatonia supo hacer con la tristeza: convertirla en arte. La voz de Melina Abele es el centro de todo, hipnótica y poderosa, capaz de arrastrarte sin que te des cuenta. El disco mezcla dark rock, doom y metal con una coherencia conceptual sólida, explorando temas como la muerte, el tiempo y la fragilidad humana.
No es un disco fácil ni festivo, pero si buscás música que te hable de verdad en los momentos más grises, Astraya encontró las palabras que vos no podías.
2) At The Gates – The Ghost Of A Future Dead
Hay discos que trascienden lo musical, y este es uno de ellos. Grabado antes de que Tomas “Tompa” Lindberg perdiera su batalla contra el cáncer en 2025, este cierre discográfico es una despedida devastadora y un documento de fuego puro a la vez. La voz rota y feroz de Tompa suena como si viniera del fondo del alma, con riffs que siguen siendo inalcanzables para cualquier otro.
No es el disco más fácil de escuchar sabiendo lo que sabemos, pero sí uno de los más necesarios: un epitafio brillante para uno de los más grandes del metal.
Nos encontramos ante el cuarto álbum del proyecto solista indonesio de Januaryo Hardy, y viene con una propuesta clara: el black metal atmosférico como lamento por un mundo que lo exige todo y devuelve casi nada.
El disco es más frío y agresivo que su aclamado antecesor Hymn to the Woeful Hearts, pero no pierdas la paciencia: debajo de esa superficie áspera vive la misma melancolía de siempre, solo que más enterrada. Saxofón, órgano Hammond, trip hop y canto gutural conviven en apenas cinco canciones sin desperdiciar un solo segundo.
Si te va el post-black metal con corazón y verdad, es obligación escuchar este disco.
1) Sugar Spine – Soul Before Spirit
El EP Soul Before Spirit de Sugar Spine es un trabajo breve pero muy efectivo que combina partes melódicas con momentos más agresivos cercanos al metalcore y deathcore. Desde la intro “Daun”, que marca el tono del disco con una progresión creciente, hasta temas como “The Coldness Of Your Absence” y “Chained To Your Garden”, la banda demuestra un buen manejo de los contrastes entre intensidad y melodía. El cierre con “Prisioner of More” deja una sensación sólida, confirmando que se trata de un EP compacto, bien ejecutado y que posiciona al grupo como una propuesta a tener en cuenta.
Vomitory se mantiene fiel a su esencia en In Death Throes, ofreciendo un death metal directo, contundente y sin intención de reinventarse, pero sí de afinar su fórmula. Tras una trayectoria marcada por discos clave y un breve parón, su regreso reciente consolidó un sonido que combina agresividad, riffs efectivos y toques de grindcore. En este nuevo trabajo, apuestan por un enfoque algo más equilibrado, manteniendo la fuerza habitual pero con estructuras más trabajadas y ritmos menos desbocados, lo que aporta variedad sin perder identidad. El resultado es un álbum sólido que recoge elementos de distintas etapas de la banda, reforzando su propuesta clásica con pequeños matices que enriquecen la escucha sin desviarse de su ADN.
3) As Everything Unfolds – Did You Ask To Be Set Free?
El nuevo trabajo de As Everything Unfolds, Did You Ask To Be Set Free, llega tras tres años de espera y marcado por la pérdida de su batería, consolidando a la banda dentro del metal alternativo actual. Con una propuesta versátil que mezcla pop, rock, metal e incluso electrónica, el álbum destaca tanto por la variedad instrumental como por la evolución vocal de Charlie Rolfe, quien alterna melodías pegadizas con registros más agresivos. A lo largo del disco, la banda explora diferentes emociones y dinámicas, desde temas más intensos hasta momentos más calmados, siempre con una producción moderna y cuidada que prioriza la atmósfera y el mensaje por encima del virtuosismo técnico. El resultado es un álbum sólido, accesible y emocional, que aborda el duelo y las dificultades personales mientras reafirma el potencial del grupo en la escena actual.
De nuevo. No me gusta taaaanto el metalcore. Se me hace muy poco orgánico y para alguien muy atado a lo humano, puede ser un dolor de hue…La cuestión es que esta banda la rompe y este disco más aún. Es una producción muy bien lograda, con una mezcla perfectamente equilibrada de guturales y voces limpias y canciones con melodías muy pegadizas. Para mi, por lo que implica que un disco de metalcore, le gusta a alguien como yo, este se lleva el primer puesto.
2) Saratoga – En Estado Puro
Una banda que escucha mucho en mi adolescencia y después empecé a dejar de lado como todo el power metal, para adentrarme en géneros mas extremos. Se me dio por escuchar este, su último disco, el viernes pasado ni bien salió y fue enorme la sorpresa que me llevé. La rompe. Asi, lisa y llanamente. Power metal español con una producción muy natural, muy 2milera si me permiten el adjetivo. Encima con muy buenas letras y la voz de Tete Novoa que es de las mejores (sino es la mejor) del metal en español.
Y si, no mucho para decir. Creo que Immolation no ha sacado un disco malo. Dedicar unos 40 minutos de tu vida a escuchar discos de estos tipos, es apostar a la buena calidad ya de antemano. El buen death metal que da gusto escuchar. No mucho más para decir.
Para los aficionados al Death Metal Melódico este bien puede ser el mejor disco de todo el año además de uno de los más esperados. Supone un retorno magistral a las raíces de la banda, logrando un hermoso equilibrio entre la agresividad de Slaughter Of The Soul y la profundidad de At War With Reality. La vuelta del guitarrista Anders Björler es clave: su composición a medias con su hermano Jonas recupera ese sonido directo y con dejes thrash que los hizo leyenda, pero inyectando esta vez pasajes progresivos y una ferocidad renovada que lo posiciona, desde ya, como un clásico de su discografía.
Y desde luego, este álbum no solo supone un nuevo hito en el sonido de Gotemburgo, de manos de una de sus bandas más representativas, es que además encierra el legado del tristemente fallecido Tomas “Tompa” Lindberg. En el disco, Lindberg desarrolla un rango vocal tan tremendo y potente como siempre, que nos permite recordarle con todo su esplendor artístico. El single “The Fever Mask” viene acompañado de un emotivo videoclip que repasa algunos momentos significativos de su vida profesional y personal. Su memoria nos acompañará siempre. Lee la reseña completa ➤ Aquí
2) Lord Of The Lost – Opvs Noir Vol 3
Tenemos entre manos un disco muy atractivo, muy glam y muy noir, con canciones de enorme calidad y variedad en la que cada uno de los cinco instrumentistas tiene su momento de virtuosismo y lucimiento, así como el vocalista Chris Harms, quien hace gala de todo su rango e incluso nos regala una perfecta pronunciación en francés en la canción “La Vie Est Hell”.
Me resulta muy difícil destacar cuál es mi tema favorito, pero sin duda “My Funeral” y “I Hate People” son algunos de los que se han insertado en mi cerebro y van a acompañarme por una larga temporada.
Además, el trabajo viene acompañado con un montón de videoclips interesantes y toda una plétora de colaboraciones (Saltatio Mortis, Wednesday 13, Hannes Braun, Xandria y Cats In Space), todas deliciosas guindas en un pastel oscuro y pegajoso como el chocolate fundido. Una impecable manera de cerrar este ambicioso proyecto, en forma de trilogía, que los alemanes comenzaron el pasado verano de 2025.
Y como no solo de metal vive el hombre, o en mi caso la mujer, también ha estado escuchando muchísimo el nuevo EP de Anneke van Giersbergen. Un trabajo tremendamente personal y único, que no encaja exactamente en ningún género definido, pero que conecta perfectamente con la sensibilidad del metal por parte de una veterana de la escena.
Se trata de la segunda parte de su trilogía: La Vie, La Mort, L’Amour. Canciones íntimas y luminosas, que sin embargo tratan temas complicados. Un equilibrio que Anneke consigue desarrollar a la perfección en este proyecto en solitario.
La perfección técnica y la honestidad de su sonido, que para nada depende de elementos de postproducción, lo convierte en una pequeña joya, de apenas cuatro canciones, que sin embargo pintan un paisaje muy completo, cada una con diferentes variaciones y matices. Impecable, como todo lo que hace ella.
La banda comandada por Helena Kotina y Prika Amaral, han vuelto este 2026 con uno de sus mejores trabajos hasta la fecha, demostrando que cuando quieren pueden, entregando un ejercicio impecable de brutalidad sonora, destreza instrumental y un combinado de canciones más que notables y donde podemos ver que aún tienen mucho que dar dentro de su escena.
La aportación de Michaela Naydendova a los parches es otro de los puntos positivos del disco, justificando de sobra su regreso a la banda y veremos cuanto más son capaces de sorprendernos estas cinco reinas del metal extremo actual.
Con su nuevo disco, la banda sevillana, evidencia como no es necesario recurrir siempre a mirar lo que se hace fuera, para tener un disco lleno de calidad y grandes canciones, sobre todo en un estilo tan complejo y lleno de matices como el metal sinfónico.
Sin embargo, lo que Bethany Neumann y compañía ofrecen, es de una calidad, un buen gusto y un grado de epicidad que van a sorprender a todos los amantes del sonido sinfónico, gracias a temazos como “Omen” o “Dark Shadows of Ulderion”.
Tras su salida de Blind Channel, Joel Hokka, demuestra con este nuevo proyecto personal, como su calidad artística es indiscutible y presenta un sonido delicado, moderno, cañero, melódico y con muchos matices a descubrir en cada escucha que uno le de a este primer disco de la banda finlandesa.
Las referencias son fáciles de identificar, pero lejos de ser una mera copia, Hokka toman todos los elementos que los han influenciado y los inyectan con sus diferentes personalidades, dando como resultado un debut que está muy por encima de lo que se podía esperar.
Un album que demuestra que At the Gates todavia tenia cosas por decir. Con otro disco fenomenal donde los riffs melodicos mezclados con la violencia de la bateria y las voces logran una conjuncion tremenda y efectiva.
Lastimosamente, tambien sirve como homenaje y despedida al fallecido vocalista, Tomas “Tompa” Lindberg. Figura clave en el death metal melodico sueco.
Los cuernos en alto para despedir a Thomas y a At the Gates, que se fueron por la puerta grande.
Immolation es una banda que no falla con sus discos. Hace años que vienen entregando trabajos de una calidad tremenda. Este no es la excepción, pero a diferencia de sus trabajos anteriores, este busca crear una atmosfera densa, pesada y envolvente. Todo gracias a riffs demoledores, una bateria completamente desquiciada, solos alocados y una densidad creada por todos los instrumentos a la vez que se siente tan pesada que dan ganas de abrirse una cerveza y mover la cabeza.
Que gran mes para el death metal! Y vamos a cerrarlo con este gran disco de Vomitory. No inventa mas nada, pero esta plagado de riffs macabros y malevolos. Estos acompañados con ritmos de bateria asesinos, que te obligan a mover la cabeza y agitar el puño. La voz, esta salida del infierno. Es un vomito bien grave que no para de escupir blasfemias y relatos e asesinatos. Un disco de death metal con todas las letras.
Después de ocho años, COC vuelven a las andadas. Considerando la salida de por medio de Mike Dean en 2024, no me esperaba mucho de esta nueva entrega de los de Carolina del Norte, pero me callan la boca con una colección de canciones en el punto justo de riffs, melodías y pesadez, con ese toque de metal sureño tan característico de ellos.
2) At The Gates – The Ghost of a Future Dead
Con la muerte de Tomas “Tompa” Lindberg, se fue una de las voces más características de la movida melodeath sueca de los noventas. Pero por suerte, el cantante no se fue sin antes dejar grabado el mejor álbum de la “nueva etapa” de At The Gates, sin grandes cambios en su sonido pero ajustando todo lo que venían demostrando e intentando en el nuevo milenio. Un gran tributo al cantante. Lee la reseña completa ➤ Aquí
3) Kaatayra – Caminhos de água
Todo indicaba que Inpariquipê sería el último álbum del proyecto brasileño Kaatayra, pero a cinco años de aquel álbum Caio Lemos vuelve al ataque con su particular interpretación del metal, completamente sumergido en la humedad y oscuridad de las selvas brasileñas y dominado por las guitarras acústicas. Una atmósfera alejada de la civilización, pero con la sensación constante de que todo pudiera terminar en cualquier momento.
In Flames en Buenos Aires: “Conservando un estatus”
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La popularidad de un grupo no se mide solo en sus puestos de rankings, ni en la cantidad de premios que obtienen y ni tampoco en sus números de visitas en las plataformas digitales. A veces se necesita revalidarlo sobre el escenario. Mediante el nivel de convocatoria. Y esa es una de las principales virtudes de In Flames, quién a lo largo de los años, fue elevando la cantidad de fanáticos y aficionados que los siguen.
En esta oportunidad, los suecos visitaron el país por 5ta vez, en el marco de una gira que prometía dos cosas: reafirmar ese estatus de popularidad que fueron ganando con el tiempo y repasar los mayores hits de su carrera.
Para ello, el conjunto liderado por Anders Fridén se presentó en el Teatro Flores. Escenario en el cuál dijeron presente por primera vez, tras haber tocado anteriormente en recintos de menor capacidad (por excepción de su última visita en el Arena Sur).
Un pequeño adelanto que presagiaba que se podía llegar a tratar de una noche cargada y movida de gente. ¿El resultado? Por lo pronto, para haber sido un domingo de superclásico en Argentina, el recinto ya disponía de una buena cantidad de fanáticos para cuando arrancó BloodParade.
20:30 estaba programado la hora de arranque para el elenco nacional que tuvo que reemplazar a Crown, debido a que los rosarinos se tuvieron que dar de baja unos días antes por problemas de salud de uno de sus miembros
Como todo sucedió de forma repentina, evidentemente se tuvo que recurrir a una solución inmediata. Y para tratarse de una aparición de última hora, la verdad que la propuesta de BloodParade terminó encajando mucho mejor de lo esperado con la temática de la noche.
Si bien se trató de un estilo gótico más industrial, con una estética visual que trajo a Rammstein a la mente de más de uno, en términos musicales no estuvo tan alejado de la línea moderna de trabajo que viene manejando In Flames en el último tiempo. Por lo que en ese sentido, la presencia de esta banda resultó positiva.
Lo que quizás no fue tan positivo fue el sonido, que no se acabó acomodando y dio como resultado una actuación más diluida y ruidosa que prolija. Eso sí, el grupo compensó estas dificultades con compromiso y actitud.
La salida de In Flames también se dio a horario. 21:30 puntual los suecos ya estaban incendiando el lugar con “Pinball Map”, desatando la euforia y locura de un público que recibió con los brazos abiertos el impacto musical de los de Gotemburgo.
Lamentablemente los problemas técnicos de sonido dijeron presente nuevamente y se mantuvieron durante gran parte de la noche. Y acá hay que hacer un punto, porque así como hay bandas con fama de ser demoledores en vivo, hay otras que tienen la desdicha de no sonar tan bien sobre el escenario. Y tristemente In Flames, entra en el segundo lote. O al menos, sus presentaciones en Argentina siempre se caracterizaron por eso. Y en esta oportunidad, no fue la excepción.
Las guitarras no hallaron nunca la nitidez y claridad que debían. Sonaban sucias y desdibujadas. Como si le faltaran definición. En su lugar, se percibía una bola distorsionada que no le permitió brillar ni a Björn Gelotteni ni a Chris Broderick.
Por su parte, la voz Anders Fridén tampoco terminó por alcanzar vuelo. Se lo escuchaba bajo en la mezcla, y un poco apartado del resto de los instrumentos. Un desajuste vocal que se sostuvo durante los primeros minutos.
Afortunadamente, a medida que avanzaron los temas, el sonido terminó por encontrar esa definición que precisaba la música de In Flames. Y es que el set del quinteto tuvo un fuerte enfoque en su etapa más moderna y en su último trabajo, Foregone (2023). En piezas como “In The Dark” y “Voices” cuyos riffs y estribillos gancheros pusieron a la gente a corearlos.
Sin embargo, la verdadera fiesta comenzó cuando empezaron a caer los clásicos más populares del grupo. Y es que a partir de “Cloud Connected” hubo una seguidilla de hits como “Trigger” y “Only for the Weak” que pusieron a todo el mundo en el Teatro a saltar.
A estas alturas, ya pocas esperanzas la quedaban a los fanáticos que asistieron soñando con que el grupo se saque del baúl de los recuerdos, alguna perla de su etapa primeriza perteneciente al melodeath. En especial, aquellos que fueron pensando que capaz había un guiño con “Moonshield” o “Graveland” por el 30 aniversario de The Jester Race (1996)
Pero tal como se olía, al final nada de eso sucedió. Y el show siguió su curso con piezas de su era moderna y con un sonido que dejó atrás el mal sabor a boca del comienzo. De esta forma, la jornada culminó con “Take This Life”, que desató la última batalla campal del domingo.
Los suecos cumplieron. Al menos con sus dos grandes propósitos, ya que en primer lugar, tocaron la mayoría de sus éxitos modernos con solvencia y calidez. Y en segundo, porque reafirmaron esa admiración y devoción que despiertan en sus fanáticos. Con una gran convocatoria, In Flames demostró que su nombre sigue resonando. Que su gente responde. Y que su estatus de popularidad se preserva.
Agradecemos a Icarus Music por la acreditación y la realización del evento.
Ópera Magna es una banda muy querida en la capital, aunque nos visiten poco, y esta noche se había anunciado un completo sold out. Es por eso que desde muy temprano se acumulaban los primeros valientes a las puertas del club Rockville. Nervios y alegría removían a los congregados, que corrieron al frente de la alargada sala en cuanto se abrieron las puertas. Apenas cabían unas diez o doce personas en cada fila y allí se fueron situando los más devotos, dispuestos a esperar lo que hiciera falta para disfrutar de una de las mejores bandas del metal sinfónico que ha dado nuestro país.
Los encargados de abrir el evento fueron los también valencianos Astral Experience. Lo que significa que el batería Juan Lahuerta, que integra ambos proyectos, iba a tener una noche de aúpa. Pero él es incansable e hizo que incluso pareciera sencillo desplegar tanta energía sobre el escenario.
La experiencia astral comenzó con un inserto techno que animó mucho a la audiencia, para después golpear con un metalcore pesado e interesante, con toques progresivos. Exploraron la disonancia, tanto en lo instrumental como en la combinación de dos vocalistas, para limpios y guturales.
La banda, que se fundó hace más de diez años con un planteamiento más cercano al progpower, ha evolucionado bastante desde entonces, con un resurgimiento importante a partir de 2024. Su vocalista habitual es el carismático Ovidi Bea: un frontman experimentado, quien ahora comparte generosamente las voces con el recién incorporado Jaime “Jaiscream”, encargado de los mencionados guturales. Han compuesto nuevas canciones pensando ya en dos micros (como “Versus”, una de las más nuevas), o incluso diría que tres, ya que el guitarrista, Rubén Albaladejo, realiza bonitos coros, además de hacer verdaderas virguerías en sus técnicos solos.
Les acompañaba para el directo el bajista Jesús Parejo y debo decir que su presencia tanto en el sonido, como en el escenario, son muy potentes. Además se prodigó en tapping y palm mutes, para acentuar el carácter djent que también explora la banda.
Causaron una muy buena impresión y se ganaron un buen puñado de fans, que iluminaron la sala con sus móviles en “A Tu Lado” y brincaron hasta el techo en varias ocasiones. La versión del “Get Lucky” de Daft Punk sorprendió positivamente, recuperando los insertos techno del comienzo de la actuación.
Salvo por algún problema técnico con el micro de Ovidi, que nos dificultó en un par de temas escuchar su hermosa voz, hicieron un gran trabajo calentando al público. Jaiscream se esforzó por implicar a la audiencia e incluso se mezcló con el público, bajando a cantar junto a él: consiguió abrir las aguas del Mar Rojo, que rápidamente volvieron a cerrarse ya que nadie quería perder su puesto al frente de la sala, ante la inminente entrada de Ópera Magna.
Tras un intermedio para cambiar el equipo, en el que Juan Lahuerta aprovechó para refrescarse y metamorfosearse en el batería de Ópera Magna, la banda entró en el pequeño escenario, que temblaba por los vítores del público. Se sumaron progresivamente: Nacho Sánchez a los teclados, Enrique Mompó y F. Javier Nula a las guitarras, Alejandro Penella al bajo y, finalmente, con la mayor ovación si cabe, el vocalista José Vicente Broseta.
Una bienvenida muy cálida y esperada, que se extendió las casi dos horas que duró el set, pues el público demostró su devoción en cada minuto de la actuación: alabando y haciendo reverencias a la banda, intercambiando saludos y sobre todo, cantando todas y cada una de las canciones.
Y es que el público cantó las letras, cantó los solos y tarareó las melodías. Todo el grupo estaba visiblemente encantado. José Broseta tuvo que parar en alguna ocasión para decir con una gran sonrisa: “si es que os las sabéis mejor que yo”.
Realizaron un set tremendamente generoso, intercalando los temas más emblemáticos de su último disco, Heroica, con los de Poe, cuyo 15º aniversario es el motivo principal de la gira. Y desde luego, también tocaron sus grandes éxitos, muchos de los pertenecientes a su trilogía Del Amor y otros Demonios. Parafraseo una conversación escuchada entre el público, pues creo que es muy acertada: “no dejan de tocar temazos” decía un amigo “es que solo tienen temazos” le contestaba el otro.
Por todo ello, es difícil señalar un momento álgido en este concierto; mantuvieron la sala en alto en todo momento. Aunque sí debo destacar la colaboración de Mar López, violinista de Circe, en “El momento y la eternidad”, adornando aún más, con su música y su carismática presencia una composición muy hermosa. También presente en la sala estaba Joaquín Padilla, que no actuó, pero que es amigo de la banda y les da cabida en su proyecto Legado De Una Tragedia: fue saludado desde el escenario.
Cada uno de los miembros de la banda tuvo su momento de oro. Es todo un placer presenciar los solos de Javier Nula: elásticos y cristalinos. Nacho Sánchez hizo las delicias de todos con su teclado, sobre todo en la intro de “El retrato oval”. Alejandro Penella, muy dinámico, me hipnotizó tocando sus particulares cuerdas de bajo color rosa neón, y Enrique Mompó, con su larga melena rizada acariciando su sonrisa, nos ofreció una magnífica guitarra rítmica, así como emocionantes coros. Se vieron en todo momento muy arropados por el calor del público.
Hacia el final de la actuación, la banda bromeó con la audiencia y preguntó si adivinarían las últimas canciones, cosa que hicieron infaliblemente. También retaron a Broseta a cantar “El Último Caballero”, pero eso deberá ser en otra ocasión.
Generosos hasta el final, la banda emplazó a sus fans para saludarse tras la actuación, cosa que hicieron en cuanto hubieron recogido el equipo. Todo el mundo quedó satisfecho.
En resumen, un llenazo en toda regla. Una experiencia de amor y devoción en la que el público no sólo acudía a escuchar las canciones sino a cantarlas con toda la banda y vivirlas con ellos.
Que Ópera Magna, una banda tan querida, tan experimentada y con tanta calidad musical, no esté girando por más y más grandes salas de toda la geografía española, me hace entristecerme un poco por el panorama de la industria musical en España. Pero afortunadamente este año aún les quedan varias fechas por delante: Murcia el 22 de mayo, Bilbao el 30, Valencia en julio (junto a Warcry), Castrillo Metal Fest en agosto y finalmente Alicante en diciembre para el festival Desolation.
Machine Head sin filtros: noche completa en el O2 Academy
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Machine Head regresará a Glasgow el próximo 14 de mayo con un formato especial bajo el concepto “An Evening With…”, presentándose en el O2 Academy sin bandas soporte. Este tipo de show permite a la banda desarrollar un set más extenso, con espacio para recorrer distintas etapas de su carrera y ofrecer una experiencia más completa para el público.
Con una trayectoria consolidada dentro del metal moderno, el grupo liderado por Robb Flynn ha sabido mantener una conexión constante con su audiencia a través de directos intensos y bien estructurados. En este formato, se espera un repertorio amplio que combine clásicos con material más reciente, adaptado a una noche donde la banda será la única protagonista.
La fecha en Glasgow apunta a ser una de las más especiales del tour, precisamente por el enfoque del show y la cercanía que ofrece la sala. Si quieres formar parte de esta noche dedicada íntegramente a Machine Head, puedes conseguir tus entradas aquí y asegurar tu lugar con antelación.
El grindcore es un género que tuvo una evolución muy grande. Empezando como una excusa para tocar rápido y pesado, supo mezclarse con otros géneros y lograr nuevas identidades. Entre estos ejemplos tenemos su mezcla con el death metal y con otros géneros alejados como la electrónica, el jazz o el ska. Eso hizo que ganase una base de fans muy leal y que, aún hoy en día, 40 años después de su creación, siga generando nuevos exponentes que continúan aportando a la diversidad del género.
Uno de los mayores representantes es Full of Hell, grupo estadounidense que mezcla grindcore con death metal, noise y muchos otros elementos, según sean requeridos. Lo principal es la consola de sonidos que usa el micrófono. La mayoría de los efectos están en la voz, pero hay otros que suenan por su cuenta. Estos se encuentran de gira presentando sus últimos trabajos: el disco de 2024 Coagulated Bliss y su EP de 2025, Broken Sword, Rotten Shield.
Como acompañantes del tour, eligieron bandas que practican distintos géneros del hardcore extremo, por lo que la velada en Lille Vega fue variada y entretenida. Los primeros fueron los polacos de Jad, quienes ejecutaron un hardcore punk muy pesado y distorsionado, con voces gritadas al extremo y ritmos muy rápidos, pero que tenían un espíritu punk bailable muy presente. La presentación fue entretenida y corta, con bloques de tres canciones tocadas seguidas y una pausa para tomar agua y hacer chistes con el público. Un buen inicio.
La segunda banda fue Jarhead Fertilizer, quienes llevaron la velocidad y el peso de la música a niveles mucho más altos. Lo suyo era una mezcla de grindcore y death metal visceral: cruda, violenta y elaborada. El vocalista principal, también baterista, pasaba de growls profundos y densos a gritos agudos, mientras que los guitarristas apoyaban con voces más gritadas. Las canciones eran cortas, pero contaban con muchas partes. Estas fluían con naturalidad y daban la sensación de ser más largas de lo que eran. Tras una presentación que apenas pasó la media hora, se retiraron ovacionados.
Para la hora de The Body, la velocidad bajó muchos escalones, pero no así la distorsión y la violencia. El dúo contaba con un baterista súper talentoso, que se encargó de llevar el ritmo y de darle vida a los lentos y colgados riffs de guitarra. Este músico demostró ser un estudioso del instrumento, mostrando influencias de otros estilos, especialmente el jazz y el rock progresivo. La guitarra era lenta, sucia, distorsionada y generadora de acoples que se iban transformando en riffs pesadísimos. El punto en contra de la presentación fue que la voz estaba muy baja. Esta aparecía poco, y se entiende que buscaban enterrarla en la mezcla para que no se robe el protagonismo, pero, a mi parecer, hubiera quedado mucho mejor si los gritos hubieran sido ensordecedores. Dejando de lado este detalle, lograron sumergir a la gente en un viaje pausado y ruidoso.
Llegó la hora del plato principal y el entusiasmo era mayor. Esto se reflejó en la respuesta del público, que ni bien comenzó la música armó un pit enorme y agresivo. La banda lo correspondió dándolo todo en el escenario, tanto técnica como energéticamente. Durante todo momento se movieron y arengaban a la gente, sobre todo el vocalista, quien cantó muy cerca del público y hacía gestos teatrales para atraer la atención.
Técnicamente la banda sonó como un reloj, muy a tiempo y desplegando una ejecución sólida, contundente y que se escapaba de un show tradicional del estilo. Más allá de los momentos musicales donde bajaron la velocidad y buscaron un sonido más atmosférico, se dieron el lujo de contar con un colosal solo de batería. El sonido fue muy bueno, pero tuvo una particularidad: la casi ausencia de la voz. Los instrumentos sonaron potentes, en el volumen y la definición correctos, pero la voz se escuchaba muy poco. Esto afectó el resultado del concierto, ya que una banda que experimenta tanto con las vocales, sonando sin ellas, dejó la sensación de estar incompleta.
Sin embargo, la mayor parte de la gente disfrutó de la energía y de los instrumentos, por lo que los estadounidenses se fueron muy aplaudidos. Full of Hell demostró en vivo que puede ser uno de los mayores exponentes del género, aunque lamentablemente deben resolver detalles en cuanto al sonido para alcanzar ese lugar.
Un show íntimo, sin banda soporte, sólo los “Machine Fucking Head” tocando durante casi tres horas en Razzmatazz, a nada de estar “Sold Out”, con un setlist que nos llevó a recorrer toda su discografía, y el público eufórico de principio a fin.
Después de la intro “In Comes The Flood” con esos riffs espectaculares, “Imperium” y “Ten Ton Hammer” fueron las elegidas para dar comienzo al concierto, con flashes al ritmo de cada golpe y una pantalla gigante envolviendo el escenario de la sala, seguida “Choke on the Ashes of Your Hate” para inaugurar el circle pit pedido por Rob Flynn, vocalista y guitarrista de la banda.
Sin respiro alguno, “Now We Die” y “The Blood, The Sweat, The Tears” o “The Beers” con muchas cervezas volando entre el público. Una fiesta total.
La lista continuó con “Is There Anybody Out There? ” y “Now I lay Thee Down” con la energía intacta.
En un momento de la noche, a modo de seguir con la intimidad entre la banda y su público, Rob Flynn dio la opción de elegir al público entre “Aesthetics of Hate” o “Blood for Blood”, ganando la primera.
“Game over” y el clásico “Old” dieron paso al momento acústico del concierto, donde Rob Flynn solo con su guitarra tocó “Circle the Drain” y “Darkness Within” junto al bajista Jared MacEachern.
Todavía quedaba, al menos, una hora de concierto cuando sonó “Outsider” y “Bonescraper”, de su último disco “Unatoned” publicado el año pasado, con su nuevo guitarrista Reece Scruggs.
Llegando al final de una “Evening” increíble a puro metal, Machine Head nos detona con “Bulldozer”, “From This Day” y “Davidian”. Y por su puesto “Halo” para terminar.
Victorius es una de esas bandas de power metal tan desenfadadas y algo inocentonas que resultan perfectas para fiestas, festivales, escuchar en el gimnasio o incluso para disfrutarlas con los pequeños de la casa. Algo del estilo de Grailknights, Angus McSix, All for Metal o incluso Feuerschwanz en sus inicios (aunque estos ya han ascendido a otro nivel).
Los conocí hace unos años y todo en ellos me evocaba “juventud”: la voz de David Baßin es muy juvenil, las guitarras son muy vivas y elásticas y toda la estética de la banda con disfraces, mascarillas, armas locas y láseres me hacía pensar en los protagonistas de algún anime de adolescentes, ¡desde luego en el buen sentido!
Ha pasado el tiempo y estos alemanes han madurado, se han cambiado el peinado, han colgado los trajes negros de ninjas espaciales y… ¡se han subido a sus dinosaurios para seguir haciendo lo mismo de siempre! Y saben hacerlo muy bien.
La verdad es que ver sus actualizaciones de Instagram suele ser uno de mis momentos favoritos de la semana. Son divertidos, están llenos de amigos y además hacen buena música. Con lo mal que está la vida, Victorius es una ráfaga de aire fresco.
World War Dinosaur es nada más y nada menos que lo que uno espera: riffs muy épicos, solos power-metaleros, escalas mayores que levantan el ánimo y letras que se esfuerzan en detallar toda una diversidad de soldados-dinosaurio. Nos hablan de unidad, libertad, honor, eternidad… pero sin tomarse muy en serio a sí mismas.
Nos recibe además con una portada loquísima de colores neón en la que un megalodón gigante (y uno pequeñito al fondo) luchan contra dinosaurios robóticos capitaneados por la banda con uniformes dorados de superhéroes. Ah, y también hay ninjas ¡nunca se fueron!, solo habían salido un momento para recoger sus espadas láser.
El tópico de los dinosaurios en guerra se va desarrollando a lo largo de todo el disco y el orden de las canciones tiene lógica interna (aunque sin ser exactamente un disco conceptual de los de planteamiento, nudo y desenlace). Tienen algunos videoclips muy simpáticos como “Kingdom of the Strong”, con temática medieval, o “Brachio Bazooka Battalion”, de dibujos animados. Creo que los mejores temas del álbum son precisamente estos dos y también “Golden Glory”, que empieza con un guitarreo muy rápido y una voz susurrada muy sugerente. También tiene interés la canción homónima del disco en la que colaboran Angus McSix y Orden Ogan.
La formación ha sufrido algunos cambios a lo largo del tiempo pero lleva estable desde 2016 y además, el núcleo principal de David Baßin (voces), Dirk Scharsich (guitarra) y Andreas Dockhorn (bajo) es el mismo desde su fundación en 2004; quizás por eso su buena química y compenetración hacen que parezca fácil tocar de forma tan fluida y virtuosa. Por cierto que todos reciben apodos prehistóricos: Baßin es “T‑Rex”, Scharsich es “Raptor”, Dockhorn es “Triceratops”, el batería, Frank Koppe, es “Pteranodon” y el otro guitarrista, Florian Zack, recibe el nombre más friki de todos: “Lasertooth Tiger” (“tigre dientes de láser”, en lugar de “dientes de sable”). En el videoclip “Raptor Squad Attack” podemos ver además cuáles son sus armas y habilidades espaciales, con una divertida estética de videojuego retro.
La principal pega que podemos ponerles es que el álbum se hace un tanto repetitivo. No cansa, porque es una música ligera y agradable de escuchar. Pero, pese a un par de pequeños experimentos aquí o allá (como unos guturales en “Evil Mean Megalodon” y alguna locución épica aquí y allá), el conjunto suena muy uniforme.
Por otro lado, el exagerado tema bélico, que en otras circunstancias sería simplemente un toque de humor o la trama de una serie animada de los ochenta… en 2026 se me hace más difícil de digerir. Lo entiendo: ¿qué clase de Power Metal podríamos hacer sin batallas? Es un tema clásico y está abordado desde una perspectiva cien por cien lúdica y de fantasía disparatada: son braquiosaurios con bazucas y raptores de choque. Pero cuando el mundo real se está rompiendo en pedazos por la guerra y la codicia, se me hace más difícil escuchar canciones que exaltan el honor en los conflictos, la heroicidad de los soldados que dan el primer golpe o la gloria de la victoria. No hay en todo el disco ni una sola reflexión sobre el género humano ni la política, toda relación que podamos encontrar con la actualidad es puramente casual. Y sin embargo esto tampoco borra mis reparos a escuchar canciones desenfadadas sobre una guerra global, aunque esta sea protagonizada por dinosaurios futuristas.
Entonces, me resulta una música muy disfrutable pero algo frívola. Está para pasarlo bien sin pensar demasiado, ¡y quizás eso ya sea suficiente! Verlos en directo tiene que ser super divertido, cosa que podremos hacer en diversos festivales veraniegos a lo largo de Europa, como Metal Frenzy, AHAU Open Air, Rock Castle y Rock Dievillage. Por el momento no tienen planes de visitar España.
Bajo el cielo plomizo de Granollers, aquel sábado 18 de abril de 1026 no amaneció: se invocó. Crucé el umbral de la Nau B1 como quien entra en una cripta, con la certeza de que lo que aguardaba dentro no era música, sino una forma antigua de comunión: un pacto sellado con sudor, distorsión y una fe torcida. Con los cambios de horario, el aire ya estaba denso, cargado de esa electricidad previa al derrumbe, y cuando Arkhaeth descargó el primer golpe a las 16:00, sentí cómo algo en mi interior se alineaba con el caos: no había melodía, había fricción, acero contra hueso.
Cuando Abysmal Lord irrumpió, la sala dejó de ser sala: era fosa. Todo era suciedad, crudeza sin domesticar, una violencia informe que me arrastraba sin pedir permiso. La penumbra se espesó con Necroracle, cuyo descenso a “Depths of Tartarus” no fue un tema, sino un sepulcro abierto bajo nuestros pies: una masa sonora adherida a la piel como una segunda sombra.
Más tarde, Adorior emergió como una herida abierta; vi a Julie Kiss escupir cada verso como si expulsara siglos de veneno acumulado, y cuando “Author of Incest” me atravesó, entendí que aquello no era un repertorio, sino una disección. “Ophidian Strike” y “Bleed on My Teeth” no se escuchaban: se sufrían. Y yo permanecía allí, inmóvil y entregado, mientras el sonido me erosionaba por dentro.
Pero fue Wrang quien me empujó definitivamente al borde; su liturgia de blasfemia y melancolía —articulada en un set que avanzaba como una invocación (Doodgeslagen onschuld, Haatspraak, Nachten in Wahlheim, Domstad swart metael, Voor ons de zee, Morbide Delirium)— transformó el pogo en un ritual tribal donde cada cuerpo chocaba como si quisiera desintegrarse en el otro, y no cerró su actuación: la dejó suspendida en el aire, como un presagio oscuro que sugería que aún no habíamos tocado fondo.
Y entonces llegó el momento en que el tiempo dejó de avanzar. A las 22:20, cuando Tom Gabriel Warrior apareció al frente de Triumph Of Death, no vi a un músico: vi a un custodio de algo primigenio, un canal abierto hacia los cimientos mismos del metal extremo. El primer acorde de “The Third of the Storms (Evoked Damnation)” no sonó: descendió. Fue como si el aire se rasgara y dejara pasar una corriente antigua, un eco directo de Hellhammer que me golpeó el pecho con una gravedad casi física. Sentí el riff como una pulsación mineral, como si la sala entera respirara a través de amplificadores moribundos. Cada tema fue una invocación deliberada: “Massacra” y “Maniac” no eran canciones, eran reliquias afiladas, huesos desenterrados que aún conservaban carne; “Blood Insanity” me atravesó con su lentitud malsana, como un veneno que decide tomarse su tiempo, y “Decapitator” cayó sobre nosotros con la inevitabilidad de una sentencia ya escrita. Pero lo que realmente me desgarró fue ese tono de guitarra, ese sonido sucio, cavernoso, casi enfermo, que Warrior arrastraba como una cadena oxidada: no buscaba perfección, buscaba verdad, y la encontró en cada nota torcida, en cada silencio incómodo.
Cuando atacaron “Chainsaw” y “Reaper”, sentí que el suelo desaparecía bajo mis pies; el público ya no era público, éramos un solo organismo convulsionando, un coro sin voz entregado al pulso primitivo que ellos dictaban. Y entonces llegó “Messiah”, y en ese instante supe que no estaba presenciando un homenaje, sino una resurrección incompleta, deliberadamente imperfecta, como todo lo verdaderamente vivo. El guiño a Celtic Frost con “Visions of Mortality” abrió una grieta de solemnidad, una belleza oscura que contrastaba con la crudeza anterior, y yo me encontré suspendido entre dos eras, dos formas de entender la misma oscuridad. Pero el final… el final no fue un final. “Triumph of Death” se desplegó como una plegaria agonizante, repetitiva, casi hipnótica, y en su cadencia lenta sentí algo parecido a la rendición: no al cansancio, sino a la aceptación de que esa música no se posee, te posee. Miré a Warrior, su figura rígida, casi hierática, y comprendí que él no interpretaba esas canciones: las mantenía vivas, como brasas que se niegan a extinguirse.
Cuando Naglfar tomó el relevo, el frío escandinavo limpió parcialmente la herida, elevando el espíritu con una precisión casi quirúrgica, pero ya era tarde: yo seguía atrapado en el eco anterior. Pestkraft volvió a sumergirnos en la rabia, y Caveman Cult selló la noche con una violencia terminal, como si todo debiera terminar reducido a escombros. Salí de nuevo a las calles de Granollers con los oídos en llamas y el alma extrañamente serena, consciente de haber atravesado algo irrepetible. Aún ahora, mientras recuerdo, los riffs de Hellhammer siguen resonando dentro de mí, como un latido antiguo que insiste en recordarme que, en lo más hondo del abismo, siempre arde una luz negra que no guía… sino que reclama.
El segundo día comenzaría mucho más pronto para nosotros, desde primera hora con Yellow Eyes y su Black Metal de nuevo cuño. El suyo fue uno de los discos más sorprendentes del pasado 2025 y en la Engine Room lo pudieron desplegar debidamente. Son una de esas bandas destinadas a crecer mucho, aunque no tanto como los belgas Wiegedood, quienes hace años que se pasaron el juego en Roadburn, y cada nueva edición tratan de hacer algo nuevo para saltar la banca. En esta ocasión, reinterpretaron parte de su discografía, acompañados por los vientos de los Blind Man. Una autentica locura que solo puede ocurrir una vez en la vida y que solo puede darse en este maravilloso festival.
Atropelladamente comprobamos un rato la mala hostia que se gastan los Planning For Burial, para llegar hasta otro de los grandes momentos del festi. Agriculture presentando uno de los grandes discos de los últimos tiempos. El sonido espiritual de los americanos pasaría por encima del 013 como un tornado y constató lo mucho que han mejorado desde su primera comparecencia en la misma plaza. Lo que antes era timidez, ahora sería confianza absoluta y una puesta en escena propia de grandes estrellas. Seguramente sean la banda de Post Black más en forma del momento, por encima de tótems como Deafheaven o Alcest.
Del futuro del género, pasaríamos a uno de los tres sets que Krallice iban a ofrecer en Roadburn, concretamente en el que rememorarían sus primeros tiempos. Su aplastante técnica convencería a todos los presentes de que sus galones no habían sido regalados y nos serviría de perfecto preámbulo para un nuevo set de Cult Of Luna, en este caso atacando sus creaciones más recientes. Resultaría otro bolo excelso, pero menos impactante que el que vivimos el jueves.
Finalmente renunciaríamos a la locura de Zu en el Paradox, para ver en el Engine Room a Bosse-De-Nage, constatando como su actuación acabaría siendo la menos lucida de todo el viernes. Por el camino nos quedó por ver a Mandy Indiana, Street Sex y un largo etcétera, pero es lo que tiene el Roadburn. Al tener todo el tiempo al alcance semejante oferta conciertil, uno tiene que elegir y puede que a veces no acierte del todo.
Los norteamericanos From Ashes to New vuelven este año con su esperadísimo nuevo trabajo Reflections, para demostrar como el metal moderno (que no metalcore, a dios gracias visto el estado el género en la actualidad…) está más vivo y en mejor forma que nunca.
Los de Lancaster, Pennsylvania, siguen en la línea marcada por sus dos trabajos anteriores, pero con el toque necesario para aportar un poquito más en su evolución como banda.
En estos doce cortes, podremos observar como los chicos han sabido recrear el sonido propio del nu metal, el post hardcore e inyectarle pinceladas pop que los han convertido en una de las punta de lanza en este estilo durante este último tiempo.
El disco abre fuego con “Drag Me” y ya podemos entender que si la fórmula funciona bien, para que vamos a cambiarla, así pues, tenemos esos versos rapeados de Matt Brandyberry más que logrados y combinados con la voz melódica de su compañero Danny Case, formando una dupla explosiva con clara influencia de Limp Bizkit, Linkin Park y Papa Roach, sin duda alguna.
La melancólica “Forever”, hereda el sonido de HIM, pero lo combina con guitarras más modernas y un juego de voces irresistible que hará las delicias de los que crecimos con este sonido a comienzos de los 2000.
Por algo Blind Channel los acompañaron en una de sus últimas giras con Joel Hokka a la voz en Estados Unidos, porque ambas bandas comparten muchas de las mismas fuentes musicales y de inspiración.
“Die For You” es una delicia, con cierta herencia de BMTH, pero muy bien ejecutada y con una melodía imposible de ignorar, sin duda una de las joyas ocultas del disco, que estoy convencido sonará aún mejor en vivo.
El disco sigue vibrando con “Black Hearts”, quizás el corte más cañero hasta el momento y donde vemos la explosión entre el pop, el rap core y el rock alternativo, todo mezclado y con el sello propio de FATN, pero que si te gustan LP vas a disfrutar de lo lindo.
“Upside Down” y “(Not) Psycho”, muestran ese lado “Old School” de la banda y vemos la gran importancia que le dan a los arreglos, los loops y todo lo que les permita hacer las canciones más redondas posible y aviso a navegantes…Aquí hay unas cuantas.
“New Disease”, muestra como ha evolucionado el metal moderno y si la canción tiene un estribillo con gancho va a pegar seguro, FATN se suma con esta pieza a cortes actuales de bandas como Spiritbox y Sleep Token, además de dejar fuera de juego a I Prevail, ya que parece que dicha banda se olvidó bastante de como hacer piezas redondas, pero tranquilos, que este 2026 ya tenemos a From Ashes to New para solucionar este pequeño percance.
Pero no todo es oro en el disco, ya que “Darkside” no aporta mucho al disco, repitiendo la fórmula de mezclar todo lo anterior pero con un resultado donde lo mejor sin duda es la parte rapeada, al ser el puente sospechosamente parecido al himno “By My Self” de Linkin Park…Una cosa es la influencia y otra el semi-robo descarado, lo mismo que sucede con “Falling From Heaven”, al ser una pieza “Comodín”, si no estaba en este disco, podría haber estado tanto en el anterior como en el próximo que grabe la banda, aún así, es efectiva y mejora a su predecesora sin duda.
Para cerrar tenemos “Your Ghost” y quizás el cierre está bien, pero con un par de canciones menos, sumaría algún punto más al resultado final, aún así, siguen por encima de la media tanto en su discografía como entre sus compañeros de profesión y lo único que esperamos es que no se duerman en los laureles y se acomoden, porque FATN siguen con la maquinaría engrasada y llena de energía…Que no la pierdan nunca!
CTM, conocido artisticamente como Claudio “Tano” Marciello, regresa nuevamente a la ciudad portuaria de Bahia Blanca a presentar su último lanzamiento Vive, lanzando durante el transcurso del anterior año.
El Tano, conocido por su enorme carrera en Almafuerte, al lado del extravagante Ricardio Iorio, se ve comprometido desde hace un tiempo con su carrera solista. Durante el 2025 no solo presento el mecionado album, sino que realizo una gira federal para conmemorar el nombre de Almafuerte, logrando tocar para una multitud enorme en el estadio Obras Sanitarias.
El próximo sábado 16 de mayo, volvera a la ciudad de Bahía Blanca para seguir el recorrido de la gira presentación de Vive de la mano de TDR Producciones. El evento tendra lugar en el íconico Bailotage y contará también con la presencia de las bandas locales Tayer y NSNy como invitados especiales la banda Viejo Blanco.
El show está pactado para las 20hs y las entradas se pueden conseguir en formato físico en Pitagoras(Drago 63/ Local 18 al 21) y de manera on-line a través de sistema MiEntrada.
Un show con un setlist donde no solo mostrara lo mejor de su faceta solista sino que rememorará el legado de Almafuerte con alguno de sus clásicos. Una gira que promete seguir llegando a varios destinos del pais como Neuquen, Cordoba, General Villegas, Concordia, Chacabuco, etc.
Paul Urkijo (Hortzak): “Es un grito de rabia y desahogo ante lo feo que estamos dejando el mundo”
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Mentiría si no señalara que he conocido a Hortzak debido a las estupendas películas del director Paul Urkijo, vocalista del proyecto. Pero Hortzak esconde eso y mucho más: el virtuosismo de unos músicos consagrados en la escena vasca (David Zabala, Asier Gabiola y Mike Cuesta, son sus compañeros), letras críticas y monstruosas, y un poco de esa referencialidad friki que tanto me gusta.
Sus dos álbumes de estudio son pequeñas joyas para disfrutar, sobre todo en formato físico ya que las portadas y arte interior son realmente impactantes.
Y además podremos verles por primerísima vez en directo, este próximo mes de mayo de 2026, el día 10 en Vitoria, el 23 en Larratxo, Donostia (con Anestesia y Kudai) y el 30 de mayo en Lekeitio.
Sobre todo esto, hemos charlado con Paul Urkijo.
Buenos días, Paul, gracias por concederme esta entrevista. Hablamos de “Ez dut pozik egon nahi”, el nuevo álbum de tu banda, Hortzak. Es un trabajo excelente y en él me quiero centrar, pero desde luego no puedo obviar tu faceta como cineasta. Es muy probable que muchas personas te conozcan principalmente por éxitos como “Irati” o “Gaua”. Es casi obligatorio que te pregunte al menos ¿Cómo combinas estas dos vertientes artísticas? ¿Existen sinergias positivas entre ellas?
Bueno, uno es mi oficio (el cine) y el otro es un proyecto que surge entre amigos. En plena pandemia del Covid, David Zabala, que es amigo de hace muchos años y guitarra de Hortzak, me dijo que estaba componiendo temas con Asier Gabiola (batería). Me propuso cantar porque sabía que me gustaba berrear… así que con ciertas dudas me puse a escribir las letras de las canciones. Hortzak surgió sin ningún tipo de pretensión. Solo para divertirnos y desahogarnos. Pero de alguna manera, al escribir las letras termino contando historias al igual que en las pelis. Supongo que las dos (las pelis y la música) son una forma expresión o de catarsis.
Tu nuevo trabajo musical es efectivamente “Ez dut pozik egon nahi” (“No quiero ser feliz”), un título que es toda una declaración de intenciones en una sociedad de consumo salvaje y artificial, que esconde muchos trapos sucios. Esto se refuerza en todo el álbum, especialmente en la canción del mismo nombre. Por favor, háblame un poco del proceso creativo de este álbum y de su mensaje principal.
Efectivamente es un grito de rabia y es un desahogo ante lo feo que estamos dejando el mundo y de la impotencia y la hipocresía en la que vivimos… Y básicamente el proceso creativo ha sido así: David y Asier hacen los temas y me los pasan para que les ponga letras. Y, en este último disco, Mike Cuesta se unió a la banda con el bajo. En el caso de las letras, se me van ocurriendo temas de los que me gusta hablar. En general son historias fantásticas, monstruosas o mitológicas, mezcladas con temas de mala ostia y violencia.
Hortzak es una banda que defiende su música en euskera, en un género que, aunque sigue teniendo como idioma mayoritario el inglés, sí que se presta a la diversidad. Cada vez nos llegan más bandas cuya lengua y señas de identidad están muy arraigadas a sus lugares de origen, sean Noruega, Islandia, Mongolia o Brasil. Entonces: ¿Cómo es tocar metal en euskera? ¿Crees tú también que el metal se presta a la diversidad simbólica y lingüística?
Yo siempre he escuchado música en euskera. Y aquí siempre ha habido una escena muy potente de Metal, Hard Core, Black metal… con gente como Su Ta Gar, Anestesia, Numen, Berri Txarrak… Hay un montón de bandas y estilos muy diversos. Y para nosotros es normal porque hemos crecido con ello. Pero siempre hay un factor de reivindicar nuestra cultura e idioma. Y también de ser críticos con nuestro propio entorno.
Yo todavía no soy capaz de hablar euskera, pero sí he podido reconocer enseguida algunos insertos en el álbum, como el profeta loco de “La vida de Brian” que abre el álbum y más tarde la buena noticia de que volvemos a tener carne en el menú de “Las dos torres”, que le dan un toque de humor algo friki a un álbum que por lo demás trata temas serios y oscuros. ¿Puedes hablarme de estas referencias?
¡Jajaja! Sí, es bastante Freak. Pero es lo que somos. Nos gusta meter esa clase de audios. Como lo han hecho muchas bandas antes de nosotros. La intro es del gran Terry Gilliam de profeta desquiciado, con el cual nos identificamos en su tono apocalíptico y absurdo. Y el audio de los Uruk Hai gritando eso de que hay carne de orco, siempre nos ha hecho mucha gracia (para mí una de las mejores escenas de LOTR) y nos venía genial para la canción “Antropofagia” que habla de la gente rica comiéndose a gente pobre porque la brutalidad del mercado libre lo ampara. Además, la primera canción “Horda Beltza” es un homenaje a los Orcos en general, que son los mejores, aunque siempre mueran.
También he visto de casualidad que, como yo, sigues entre otros a Raised By Owls, una banda a la que tengo mucho cariño pese a no ser nada conocidos en España, y que aportan grandes cantidades de humor a su música. Así que, siguiendo también el hilo de la pregunta anterior: ¿Qué papel tiene el humor en el metal, en tu opinión?
Pues siempre está presente porque nos lo queremos pasar bien y no nos tomamos demasiado en serio a nosotros mismo, en la vida en general. Pero también porque entre los miembros del grupo y colegas cercanos, el humor negro es una de las formas en las que mejor expresamos nuestras frustraciones.
Como decía, los temas tratados en el álbum son profundos, serios y relevantes: encontramos violencia, avaricia, la impunidad de los poderosos… junto a la imaginería mitológica y religiosa y siempre con una fuerte perspectiva existencialista. ¿Cuáles son vuestras fuentes de inspiración? ¿Cómo de importante es la crítica social para Hortzak?
Pues lo que comentaba. Son tema que me molan, y la verdad es que no sé hacer nada sin cierta crítica o reflexión social. Y creo que mis compañeros piensan igual. Mis pelis también lo tienen de alguna manera. Creo que la rabia y el desahogo con la que vibra la potencia de las canciones precisamente viene de exponer el mundo en el que vivimos. Y la mitología siempre esta lleno de personajes y símbolos que ayudan a hablar de ello, pero desde una perspectiva monstruosa.
Sois una banda relativamente joven, fundada en 2020 si no me equivoco, y siendo este vuestro segundo álbum de estudio. Parece que os estáis consolidando rápidamente como banda y en cuanto a sonido. ¿Puedes hablarnos un poco de los inicios de Hortzak y de la etapa que está viviendo la banda ahora mismo?
Como te he comentado antes, el comienzo fue algo improvisado. “Zabala” y “Asi” tenían los temas del primer disco y luego metí yo la voz. Luego como no se saben estar quietos pues se cascaron en muy poco tiempo otros doce temas. Y yo, no sé cómo, entre peli y peli saco el tiempo para escribir las letras… Ahora con Mikel y el segundo disco nos hemos propuesto hacer algún bolo. Aunque Zabala ya me dijo ayer que ya tiene un tema nuevo… no sabe parar el chaval, jajaja.
El nuevo álbum acaba de caer en mis manos hace pocos días y ya lo estoy quemando a base de darle vueltas en mi reproductor de CD. ¿Tendremos la oportunidad de disfrutarlo también en directo este año 2026?
Pues nos vamos a desvirgar en directo, porque tenemos algunos conciertos programados ahora en mayo por la zona de País Vasco. El 10 en Vitoria, el 23 en Donostia y el 30 en Lekeitio. Y habrá alguno más si sobrevivimos a estos.
Y ya para terminar: ¿Dónde te gustaría ver a Hortzak dentro de otros 6 años?
Pues siempre decimos que Hortzak es para disfrutar y sin pretensiones. Sin ningún tipo de compromiso. Así que espero que sigamos sacando temas porque significará que seguimos disfrutando de hacer ruido.
Mila esker, muchas gracias por tu tiempo y enhorabuena por el buen trabajo.
El nuevo EP de los australianos Sugar Spine, Soul Before Spirit, es una carta de presentación muy sólida para quienes no los tenían en el radar. En pocas canciones, la banda deja claro su enfoque: mezclar partes melódicas con momentos mucho más agresivos, moviéndose en una línea cercana al metalcore con toques de deathcore. No es un trabajo especialmente largo, pero sí lo suficientemente consistente como para enganchar desde la primera escucha.
La intro “Daun” marca perfectamente el camino del EP. Comienza con una voz melódica que va creciendo poco a poco, generando tensión hasta que finalmente rompe con un sonido mucho más pesado, cercano al deathcore. Es un inicio que funciona muy bien porque prepara al oyente para lo que viene después, mostrando desde el principio esa dualidad entre lo melódico y lo agresivo que define el disco.
Con “The Coldness Of Your Absence”, la banda sube el nivel de intensidad. Arranca con mucha fuerza y un punto de caos controlado que le da carácter, para luego abrirse hacia un estribillo melódico muy bien resuelto. Ese contraste es uno de los puntos fuertes del EP, y aquí lo ejecutan de forma especialmente efectiva. Por su parte, “Chained To Your Garden” es otro de los temas más destacados, con un riff muy marcado y una interpretación vocal que lleva el peso del tema. Es una canción directa, bien construida y fácil de recordar.
El cierre llega con “Prisioner of More”, que termina de redondear el EP manteniendo la misma línea y dejando buenas sensaciones. Soul Before Spirit es un muy buen trabajo, compacto y sin relleno, que presenta a una banda con ideas claras y capacidad para moverse entre distintos registros sin perder coherencia. Para quienes no los conocían, es un lanzamiento que merece la pena tener en cuenta.
Kreator en Copenhague: “Entre fallas de sonido y una energía imparable”
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Una de las bandas más importantes actualmente es Kreator. Esto gracias a sus clásicos discos de los 80, que ayudaron a forjar la identidad de los géneros extremos, y a sus trabajos a partir del 2000, donde a su rabia y violencia le agregaron una gran carga melódica.
El problema es que hace más de dos décadas continúan con la misma fórmula, y esta tiende a agotarse. El disco editado este 2026, Krushers of the World, se siente como un refrito en donde solo destacan los cortes de difusión. Y, siendo sincero, esto pasa hace tres discos fácilmente.
Pero aun así, siguen teniendo fama de ser un acto en vivo muy bueno, por lo que la gira estaba siendo muy exitosa a nivel ventas. También sumaban las bandas teloneras: los veteranos del death metal Carcass, otra banda pionera del thrash como Exodus y, por último, la banda de grindcore Nails. El pasado 25 de abril, este gigantesco tour terminó en la ciudad de Copenhague, donde pudimos apreciarlo.
Nails, los encargados de abrir la noche, dieron un show corto pero conciso. El trío desplegó su grindcore violento, generando una excelente reacción en el público. La ejecución de los temas fue quirúrgica y cuidada, sobre todo la del baterista, quien demostró ser un virtuoso del instrumento.
Lamentablemente, el sonido no les jugó a favor. Era poco claro y muy grave, con la voz flotando por arriba. Pero esto no evitó que contentaran a la gente.
Llegó el turno de los gigantes del thrash Exodus, quienes dieron inicio a su show tímidamente con “3111”, perteneciente a su último disco, Goliath, que no tuvo buena recepción. Por suerte, la timidez dejó la presentación gracias al clásico “Bonded by Blood”, donde Poolen se transformó en un campo de batalla, y así continuó hasta el final. Rondas enormes, wall of death violentos y montones de crowdsurfers volando por los aires.
Esto no se debió únicamente al setlist asesino, sino también a la energía de la banda, sobre todo la del icónico guitarrista Gary Holt y el vocalista Rob Dukes, quienes orquestaban el desmadre. La ejecución de los temas fue asesina, con una energía y una potencia envidiables. Esta potencia tenía como corazón al gran baterista Tom Hunting, que le pega súper fuerte a los tambores, aportando una fuerza increíble.
Desafortunadamente, el sonido fue feo. Era una bola de ruido dispar, en la que costaba apreciar los instrumentos con detalle. Apenas se distinguían los riffs; la voz estaba en un volumen correcto, pero se perdía en la mezcla. Lo único que se escuchó bien fue la batería.
Sin embargo, esto no opacó un concierto que se transformó en una fiesta metalera.
El tercer acto fue Carcass, y desde el primer momento la diferencia de sonido fue notoria. Contaron con un sonido claro, nítido y definido, permitiendo apreciar hasta el más mínimo detalle en todos los instrumentos y, por sobre todo, disfrutar de esas melodías de guitarra tan icónicas y que nos hacen tan felices.
Desafortunadamente, el baterista de Carcass, Daniel Wilding, debió dejar el tour por una emergencia familiar, por lo que fue reemplazado por el actual baterista de Opeth, Waltteri Väyrynen, una auténtica bestia del instrumento. No solo cumplió su rol, sino que también aportó otros matices y toques personales a las ya intrincadas canciones.
El setlist estuvo compuesto por los temas más icónicos del grupo, incluyendo todas sus etapas. Los momentos más destacados fueron “Incarnated Solvent Abuse”, donde el pogo estalló; “Exhume to Consume”, cantada por Bill Steer; y el final con la clásica e icónica “Heartwork”.
Tras un extenso saludo y luego de arrojar al público montones de púas, palillos y listas de temas, Jeff Walker y los suyos dejaron el escenario caliente para el plato principal de la noche.
Apenas terminó la banda anterior, un telón blanco tapó el escenario. Este sirvió como pantalla para reflejar el video de introducción de Kreator, que dio pie a “Seven Serpents”, primer corte del último trabajo.
Y acá reapareció el principal enemigo de la noche: el sonido. Al menos adelante, ambas guitarras estaban bajas. La principal de Sami se escuchaba apenas, pero igual era tapada por el resto de los instrumentos e incluso por el coreo de melodías por parte del público. En cambio, la guitarra rítmica de Mille era casi inexistente. Se veía que estaba desplegando riffs asesinos y palancazos por doquier, pero no se podía apreciar. Esto, por suerte, se acomodó con el correr de los temas y la cuestión mejoró bastante. Pero el trago amargo de escuchar “Enemy of God” casi sin guitarras no me lo saca nadie.
El setlist representó las dos caras de la moneda. Fue contundente, tribunero y muy festejado. Pero eso quiere decir que fue la misma lista de hace años, sin casi ninguna sorpresa, salvo por las canciones nuevas y “Endless Pain”, que no sonaba hace mucho tiempo.
Un momento a destacar fue “Loyal to the Grave”, donde Petrozza se colocó alas de ángel negro y el bajista tomó el cargo de la segunda guitarra.
Dejando de lado estos detalles de sonido y de la lista de temas, que son propios de un fanático exquisito, el concierto fue una paliza de thrash metal. La energía de la banda fue contagiosa e hizo que los 2300 asistentes perdieran la cabeza. El pit fue enorme durante todo el show y la gente no paró de volar por los aires. Esto hacía que los músicos se emocionaran y pidieran aún más energía y desmadre por parte del público.
El final llegó de la mano de dos de los más grandes clásicos del grupo: “Violent Revolution” y “Pleasure to Kill”, donde papeles rojos cayeron del cielo como si fuera una lluvia de sangre.
Al terminar, Kreator agradeció a los presentes, a la crew y a las otras bandas, ya que esta fecha fue el cierre del tour.
Sin duda, este tour fue muy memorable, ya que contamos con cuatro bandas icónicas y esenciales en su género. Si bien hubo desajustes sonoros, la energía del metal se mantuvo más viva que nunca y el espíritu de comunión está más fuerte que nunca.
Nekrogoblikon es una banda muy importante para mí. Los conocí con Welcome to Bonkers y después devoré toda su discografía. Me obsesioné con ellos, me aprendí de memoria cada videoclip, me compré su libro de autoayuda y me suscribí a su hilarante programa de entrevistas Right Now!. Tuve la oportunidad de verlos en 2020 en Madrid (poco antes de que todo cerrara por la pandemia) en su gira con Gloryhammer y Windrose y hasta les paré por la calle para adorarles. Me sentí entonces como la única fan que la banda tenía en España y aunque esto no sea verdad, todo el amor que les tenía valía por un estadio lleno.
A primera vista puede parecer un tanto rara mi obsesión con Nekrogoblikon, ya que para los profanos no es más que un gimmick humorístico, una banda cuya mascota es un goblin y punto. Pero yo siempre he visto algo más en ellos. Para empezar es que me encanta escucharlos, me sienta bien cómo cae su música en mis oídos: es virtuosa, original y llena de ritmo; los teclados de Aaron “Aarynstar” Minich son embriagadores y la batería de Eric W. Brown “Brown of fire”, es frenética. La voz de Nicky “Scorpion” Callone siempre ha sido un portento tanto en limpios como en guturales: escucharle me ha hecho amar y entender mucho mejor el género del Death Metal Melódico. Pero es que además la metáfora de los goblins del espacio exterior, llenos de maldad y rencor, asqueados de su propia inmortalidad, me parece absolutamente perfecta para hablar del género humano. Las letras están llenas de existencialismo, humor negro, genialidad y melancolía. Leerlas ha sido para mí como reconocerme en un espejo roto y ennegrecido por el tiempo.
En 2022 vino Fundamental Slimes and Humours y sentí que se superaban a sí mismos una vez más. ¿No es bonito cuando tu banda favorita está en activo y el material nuevo te sigue emocionando?
Pero entonces, ¡oh calamidad!, a finales de 2023, Nicky “Scorpion” Callone abandonó el grupo. El mismísimo fundador, principal compositor, letrista y único vocalista de la banda desapareció de la noche a la mañana. La banda emitió un breve comunicado sobre que partía en buenos términos con los compañeros para centrarse en sus proyectos personales. También anunciaron a su sustituto: nada menos que Dickie Allen (ex Infant Annihilator). Poco después supe que también lo dejaba Aaron “The Zoot” VanZutphen, el bajista, de forma aún más discreta.
Justo cuando estaban en un momento de enorme popularidad, tras una gira por sus natales EEUU, con pocos meses de rodaje del disco… ¿qué pasaría con la banda ahora?
En realidad, quienes quedan son unos músicos de gran talento y muchos años de experiencia. Eric “Brown of fire” destaca por ser el autor de la banda sonora del multipremiado videojuego Sea of Stars, entre otras creaciones. Aaron “Aarynstar” es pianista y compositor. Joe D. Nelson imparte masterclass de su instrumento… todos tienen mucho que aportar y en todo momento han mostrado la firme voluntad de seguir adelante.
Por su parte, incorporar a alguien con tanto bagaje como Dickie Allen a los guturales, supone un fichaje incontestable (por cierto, que hace poco leí una entrevista con Will Ramos, de Lorna Shore, quien le citaba como referente e ídolo personal).
Para las voces limpias, sin embargo, han tomado una decisión arriesgada: adjudicárselas al propio John Goblikon, la mascota e inseparable compañero del grupo, con su impactante caracterización. Pero aquí es cuando la cosa se lía aún más. Quien encontramos bajo la máscara no es el habitual Dave Rispoli, actor y periodista, que aparece en sus videoclips, conduce el programa de entrevistas Right Now! y coescribió el libro de autoayuda de la banda: “Guide to Living Your Best Life”. No. Para grabar las voces y ejecutar los directos con el disfraz, el fichaje ha sido Grady Welch (alias “Shady Grady”), cantante y cómico. Sospecho que Grady también es la persona bajo la máscara en la gira de monólogos stand up de John Goblikon… ¿Quién será el encargado de responder a los fans en Cameo? Supongo que lo mejor es dejarse llevar y asumir que John es un ser ubicuo y de fantasía que puede hacer cualquier cosa.
Es curioso ver cantar los limpios a un goblin, cuando su voz de personaje es muy raspada y forzada. Debo decir que Grady no es el mejor cantante del mundo, pero puede defender las partes que le corresponden, sobre todo cuando son más secundarias y corales, o en los temas nuevos, que se han creado a la medida de su rango vocal y el de Allen.
Con todos estos ingredientes, vamos a analizar el nuevo álbum, The Boiling Sea, coincidente con el veinte aniversario de la banda. En realidad es un álbum algo breve, ya que se compone de apenas seis canciones originales, a las que se suman cinco grabaciones en directo de algunos de sus temas más icónicos, cada uno correspondiente a una época diferente.
Sobre los temas nuevos, lo primero que debo decir es que sí suena a Nekrogoblikon. No a sus mejores trabajos, pero sí mantiene la dirección general del grupo y los instrumentos no abandonan su virtuosismo. La pista homónima del disco es la que me ha sonado más auténtica y agradable de escuchar, pero también son interesantes las demás, especialmente “Fiend” con un entretenido videoclip de stop motion, y “Secret Elephant” en colaboración con la banda de Punk-Ska Reel Big Fish cuyos vientos encajan muy bien en el proyecto. Estas dos últimas han sido singles con videoclip así como “Show Me Your Goblin” y “Dead-ish”, dirigidos todos por el habitual Brandon Dermer, excepto el último, que está animado por Kris Baldwin.
En cuanto a las letras, exploran temas habituales de la banda y se esfuerzan en encontrar metáforas sorprendentes. Aún así, son más básicas y no conectan automáticamente con mi sensibilidad como lo hacían sus anteriores trabajos, pero tampoco suponen una caída en picado.
Sobre las grabaciones de los directos, tengo sentimientos encontrados. Siempre es peligroso de cara a los fans reinterpretar un tema antiguo, y más cuando es tan representativo como los escogidos. Por un lado me alegra que esas canciones sigan vivas; por otro, las comparaciones son odiosas.
En mi opinión, dos cortes superan medianamente bien la prueba. Estos serían “Prince of the Land of Stench”, original de 2011, que surge como un homenaje a la película “Dentro del Laberinto” y “This is it”, del disco inmediatamente anterior al actual. La primera funciona quizás por la ilusión de retomar ese tema tan antiguo y porque la carga vocal recae casi absolutamente sobre Dickie Allen; mientras que la segunda es muy nueva, no tan recubierta por la carga emocional de los clásicos y con un buen equilibrio entre ambas voces… sin embargo, aunque esta también funcione, justamente el contenido de las letras hace que me pregunte si era la opción más adecuada; dice literalmente: “este es mi momento, no el tuyo”, por lo que no estoy segura de que sea un gran acierto relanzarla tras estos cambios importantes entre los miembros de la banda.
Después, considero “Powercore” en la línea del aprobado. Suena muy bien pero es que es un tema tremendamente bueno. Creo que sonaría bien lo tocara quien lo tocase. Sin embargo, la interpretación vocal original era muy especial y artística, y no se puede emular con dos vocalistas ya que se pierde todo el sentido de ese diálogo esquizofrénico que Nicky mantenía consigo mismo, alternando limpios y guturales sin apenas respirar.
Finalmente, “No One Survives” y “The Magic Spider” desde mi humilde opinión, no dan la talla. La primera es el origen de todo, el primer videoclip en el que aparece el personaje de John Goblikon y el tema que le dio popularidad a la banda allá por 2012; en la nueva grabación las voces no alcanzan la perfecta dicción del vocalista anterior e incluso cambia un poco la musicalidad instrumental (recordemos que actualmente giran sin bajista y esto le resta algo de pegada al conjunto). Respecto a la segunda, el protagonismo es del teclado (que sí está magnífico) y de la voz limpia (que no lo está tanto); esta es una pieza muy original y única, que por su delicadeza es difícil de interpretar para que siga sonando a metal y… el resultado no me ha dejado satisfecha. Como digo, me alegra que estas canciones sigan vivas, pero no las elegiría para escucharlas en diferido.
Entonces, tratando de ser lo más objetiva posible, diré que The Boiling Sea me deja un sabor agridulce. Voy a continuar siguiendo a Nekrogoblikon y creo que tienen potencial para seguir emocionándome en un futuro. Desde luego se están esforzando por mantener vivo el proyecto, se están moviendo mucho, están haciendo colaboraciones interesantes con otros artistas (como la que hicieron con Dragonforce para el videojuego Beat Saber), y están girando actualmente con las japonesas Hanabie y con Enterprise Earth. Lo que queda por saber es si terminarán conformándose con ser simplemente una banda divertida y fiestera, sin cultivar esa profundidad artística, lírica y emocional que les distinguía y que les colocaba en el podio de mis bandas favoritas. Espero sus próximas entregas para confirmar su rumbo.
La noche en la Razzmatazz ya arrancaba marcada por el cartel de Sold Out. La sala estaba llena hasta donde daba, con ese calor previo a un show esperado. Esta vez no hubo banda telonera, algo que se sintió raro para una cita de este nivel, dejando todo el peso directamente en Saxon. Aun así, la expectativa era alta, con el público listo desde el primer momento.
El arranque fue directo con “Hell, Fire and Damnation”, con la banda entrando firme y un sonido que, en general, respondió bien. Rápidamente cayeron clásicos como “Power and the Glory” y “Sacrifice”, con la gente cantando cada línea. Biff Byford se mostró cercano, manejando el ritmo del show, mientras las guitarras de la banda mantenían todo en su sitio. La conexión con el público fue constante desde el inicio.
El repaso siguió mezclando temas nuevos con material clásico, pasando por “Heavy Metal Thunder” y momentos más intensos como “Dallas 1 P.M.”. Hubo espacio para un bloque especial con Wheels of Steel, tocado en orden, donde sonaron “Motorcycle Man”, “747 (Strangers in the Night)” y “Wheels of Steel”. En ese tramo aparecieron algunos problemas de sonido, pero no llegaron a frenar el ambiente, con la sala completamente entregada.
En la parte final llegaron los temas más esperados, con “Denim and Leather”, “Crusader” y el cierre con “Princess of the Night”. El público acompañó en todo momento, aunque el lleno total también trajo empujones y momentos incómodos cerca del final. Saxon se mantuvo firme sobre el escenario, sosteniendo el show con experiencia y una lista de canciones que sigue funcionando en directo.
Tras ocho años de larga espera y muchas cosas en el medio, los titanes del heavy metal español Saratoga, regresan con su esperadísimo nuevo disco En Estado Puro, el primero con Charly Parra a la guitarra y Aranu Martí a los parches, quienes junto a Niko del Hierro y Tete Novoa, vuelven a desplegar todo su poder demostrando que a veces, los cambios son para mejor.
El disco comienza con el binomio que ya conocíamos antes de la salida del disco, la poderosa “Inteligencia Artificial” y la feroz y rápida “A Toda Velocidad”, ambas muy bien ejecutadas, con ritmos trepidantes marcados por Niko y Arnau y un Tete Novoa, que te puede gustar más o menos, pero es uno de los 3 mejores cantantes que tiene este país en lo que a heavy metal se refiere, no hay mucho más debate al respecto.
Dicho esto, vamos con las piezas restantes y aunque no quiero caer en la repetición, la realidad tras escucharlas todas es que los cambios que han producido en la banda, han dado ese soplo de aire fresco que venían necesitando desde hacía mucho tiempo, si ponemos este disco al lado de Aeternus, su último disco de 2018, la diferencia es abismal, mucho mejor producido este nuevo, con mejores canciones y remontando un vuelo que venía muy bajo.
En “Silencio”, la banda vuelve a sus orígenes con un sonido muy clásico, pero dotándolo del toque moderno propio del metal que hará las delicias tanto de sus fans más veteranos como de las nuevas generaciones.
Sin embargo, las revoluciones bajan y con “Alma de Cristal”, Saratoga vuelve a tocarnos la fibra sensible al tratar por medio de la letra la lucha de unos padres que se enteran de que uno de sus hijos sufre una de esas enfermedades infantiles denominadas “Raras” y lejos de venirse abajo intentan afrontarla con valentía y poder para tratar de combatirla.
La voz de Tete pone los pelos como escarpias desde el segundo uno en que escuchas esta pieza y es imposible que no se te haga un nudo en la garganta con la misma.
La poderosa “Vientos de Libertad”, nos muestra que a veces es necesario dar vuelta la página y seguir adelante, ya sea en lo laboral, personal o en cualquier aspecto de nuestra vida cotidiana, Charly Parra bien lo sabe, que se ha tenido que cruzar todo el océano para venir a Madrid a vivir y a comenzar una nueva etapa junto a sus (ya no tan) nuevos compañeros de viaje en Saratoga.
El lado más pesado se hace presente en “Basta ya de Horror”, un potente corte antiguerra y con un trasfondo cercano al sentimiento de paz y la agridulce “Todo Acabó”, donde pese a la oscuridad, uno tiene que intentar remontar y salir adelante.
Las guitarras de Charly suenan espectaculares, se notan los casi 4 años que lleva girando con la banda en América Latina y estaba cantando que el sería el guitarrista ideal para Saratoga, una vez sabido que Jero Ramiro abandonó las filas de la formación madrileña.
Niko como siempre suena impecable marcando el ritmo de la banda junto con Arnau, transmitiendo un poderío admirable para una persona que lleva más de 35 años en esto del heavy metal.
Para resumir lo que es En Estado Puro, podemos afirmar que es un puñetazo sobre la mesa de una banda que ya curó sus heridas y que ahora tiene que seguir adelante, con el paso firme que siempre han tenido y demostrando porque son uno de los nombres propios en la historia del metal español.
Vomitory siempre ha sabido ofrecer exactamente lo que sus seguidores buscan: Death Metal directo, sin rodeos y con una identidad muy clara. Lejos de encasillarse en el típico sonido sueco, la banda ha construido su estilo a base de contundencia y actitud, algo que ya se percibía desde Redemption (1999) y que alcanzó uno de sus puntos más altos con Blood Rapture (2002), consolidando una fórmula basada en riffs efectivos y una energía constante.
El desgaste creativo se hizo evidente en Opus Mortis VIII (2011), un trabajo que marcó el cierre de una etapa antes de su separación temporal. No obstante, su regreso en 2017 trajo consigo una revitalización clara, especialmente con All Heads Are Gonna Roll (2023), donde retomaron el sonido que definió su mejor época. Sin buscar reinventarse, apostaron por reforzar su esencia: Death Metal crudo con ese toque de Grindcore que siempre ha estado presente en su propuesta.
Con In Death Throes, editado nuevamente por Metal Blade Records, la banda continúa ese camino, aunque con un enfoque ligeramente distinto. A lo largo de sus 37 minutos, el disco mantiene la agresividad característica, pero introduce un ritmo algo más controlado. No pierde fuerza, pero sí muestra una intención de equilibrar mejor la intensidad con estructuras más trabajadas.
Desde “Rapture in Rupture” hasta “Oblivion Protocol”, el álbum deja claro que Vomitory no pretende desviarse de su identidad. Hay guiños a discos como Terrorize Brutalize Sodomize (2007) y Carnage Euphoria (2009), especialmente en las secciones más pesadas, donde priorizan el groove sobre la velocidad extrema. Esa decisión aporta variedad sin romper la coherencia del conjunto.
Canciones como “In Death Throes” y “Cataclysmic Fleshfront” reflejan perfectamente su fórmula, mientras que “Forever Scorned” añade matices más contenidos que enriquecen la escucha. Hacia el final, “Two and a Half Men” y “Erased in Red” recuperan sensaciones de sus primeros años, combinando crudeza, dinamismo y ciertos guiños a influencias más cercanas al thrash, cerrando el disco con fuerza y personalidad.
Infected Rain en Copenhague: “Groove, Actitud y Caos”
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El pasado 24 de abril, en la siempre rendidora Pumpehuset, tuvimos la oportunidad de presenciar el “Mutation Phase Tour”, una noche marcada por tres propuestas potentes dentro del groove/industrial moderno: Black Spikes, Butcher Babies e Infected Rain. Tres bandas con liderazgo femenino que dejaron en claro que actitud, carisma y potencia no son negociables en este terreno.
Si bien no hubo sold out y se notaron algunos espacios vacíos en la sala principal, la respuesta del público fue cálida y receptiva durante toda la jornada.
Los encargados de abrir la noche fueron Black Spikes, quienes rápidamente marcaron una diferencia con una propuesta que va más allá de lo musical. Su show incluyó elementos visuales como malabares y cintas en escena, aportando una identidad propia que no suele verse en este tipo de eventos. Lejos de quedar en lo anecdótico, la banda acompañó con una ejecución sólida, compacta y bien estructurada.
El sonido fue claro y equilibrado, permitiendo distinguir cada instrumento con precisión. Durante 45 minutos y a lo largo de 9 canciones —interpretadas en su idioma natal— lograron mantener la atención del público, con una vocalista que, al interactuar en inglés, generó una conexión fluida con la audiencia.
Luego fue el turno de Butcher Babies, que llegaron en un formato distinto tras la salida de Carla Harvey, quedando Heidi Shepherd como única frontwoman.
El show fue correcto, aunque por momentos algo monótono. El sonido fue profesional y la banda se mostró bien ensamblada, destacándose especialmente el baterista con sus intervenciones y el carisma de Heidi, que sostuvo gran parte del peso escénico. Su voz se mantuvo precisa, alternando guturales y pasajes melódicos con solvencia.
El uso de pistas para suplir la ausencia de la segunda voz fue evidente, pero no llegó a afectar la experiencia. De hecho, uno de los momentos más destacados de la noche llegó hacia el final, cuando Heidi bajó al público, pidió abrir espacio y cantó rodeada por un circle pit generado a su alrededor. Una escena tan caótica como controlada, que terminó con la vocalista agradeciendo el respeto del público, en una postal muy propia del contexto danés.
Con un set de 12 canciones en una hora, hubo espacio para el headbanging y el pogo, con momentos destacados como “It’s Killing Time” y “Monsters Ball”.
El cierre quedó en manos de Infected Rain, la banda más esperada de la noche. Con una intro acompañada de visuales en pantalla, dieron inicio con “The Answer is You”, seguida por “Dying Light”, dejando en claro desde el arranque que lo suyo iba a ser intensidad pura.
El sonido estuvo a la altura, aunque con algunos desbalances: la guitarra algo baja, la batería demasiado al frente y un bajo firme que sostuvo la estructura. Por encima de todo, la voz de Lena Scissorhands dominó la escena, combinando agresividad, presencia y una estética inconfundible.
El show fue dinámico y recorrió buena parte de su discografía, incluyendo clásicos como “Orphan Soul” y “Black Gold”, junto a material más reciente como “Because I Let You”.
No todo fue intensidad: también hubo momentos de pausa donde Lena aprovechó para interactuar, pidiendo al público que se suelte más, que baile sin inhibiciones y que pierda la timidez en el pogo. Si bien al principio la audiencia se mostró algo contenida, con el correr del show se fue soltando y terminó completamente entregada.
Con un set de 12 canciones en poco más de una hora, Infected Rain dejó en claro que la escena europea —y en particular la moldava— sigue más viva que nunca.
En definitiva, una noche sólida, con propuestas variadas dentro de un mismo espectro, donde cada banda aportó lo suyo y el público respondió.
Si creciste en los 2000, seguramente sepas de la existencia de unos muchachos, enmascarados con un arrollador sonido a medio camino entre el nu metal, el industrial y el groove y no, no son los enmascarados más famosos de Iowa, si no desde Cleveland, Ohio y respondiendo al nombre de Mushroomhead, la banda fue uno de esos tantos casos de bandas que se quedaron a las puertas de llegar a las grandes ligas, a pesar de tener un talento indiscutible.
Pues bien, ahora la banda suma una fecha más a España, pero en este caso como cabeza de cartel, algo que no ocurría desde hace años, con lo cual estamos encantados de recibirlos tanto en el Leyendas del Rock, como en su show exclusivo en sala, el cual se celebrará en la siguiente fecha:
5 de Agosto – Barcelona – La [2] de Apolo
Las entradas ya están a la venta y se podrán conseguir AQUÍ.
Este 10 de abril de 2026, los alemanes Lord of the Lost lanzan la tercera y última entrega de su ambiciosa trilogía Opvs Noir, terminando este proyecto por todo lo alto, con un montón de interesantes colaboraciones y con canciones de enorme calidad, que para nada son sobras o caras B de los discos anteriores, sino que incluso pareciera que han dejado lo mejor para el final.
Se han asegurado de dejarnos con un buen sabor de boca para que no nos olvidemos de ellos. Y es que ya han anunciado que tras los festivales de verano se tomarán un descanso de los escenarios, para reponer fuerzas, componer aún más y, en el caso particular del bajista Class “Klaas” Grenayde, centrarse en su salud mental.
Es cierto que llevan unos años de enorme actividad y que en los últimos meses, desde agosto de 2025, nos han regalado un montón de material de escucha, con estos tres volúmenes de Opvs Noir. El descanso es merecido.
En este Vol. 3, observamos una apuesta algo más gótica y pesada que las entregas anteriores. Once canciones absolutamente memorables. Pegajosas y oscuras como el chocolate fundido, con letras empoderantes y positivas en equilibrio con otras tremendamente cargadas de melancolía.
La hipnótica voz de Chris Harms despliega su rango más amplio e incluso se atreve con el francés en “La Vie Est Hell”, la cual por cierto tiene un estupendo videoclip con la colaboración de Hannes Braun (Kissin’ Dynamite). Por su parte, la instrumentación es equilibrada y tan pegadiza como siempre, dando espacio a cada uno de los seis miembros de la banda. Varias de las canciones añaden algunos adornos e insertos originales, como el del coro infantil en la canción que acabo de nombrar, pero que no creo que resulten en ningún tipo de impedimento para trasladar los temas al directo. Es un trabajo muy redondo.
Resulta fácil destacar detalles y argumentos positivos de cada pista. Todas y cada una de ellas llegarán a ser la favorita de alguien.
El disco abre con “Kill The Lights”, una canción melancólica pero con un estribillo absolutamente impactante y que ya ha demostrado su eficacia abriendo también sus últimos directos.
Tras ello tenemos un estupendo trío de canciones con ritmos groovy y glam, entre las cuáles no sabría elegir cuál es mi favorita. No por casualidad las tres han sido singles del disco, con su correspondiente videoclip: “I’m A Diamond” (feat. Saltatio Mortis) es todo un canto a la recuperación de la autoestima; me seduce por su metáfora del diamante, desde una perspectiva afín pero diferente al reciente éxito de Lorna Shore, “Unbreakeable”. “My Funeral” es una canción muy original y con un punto de humor que además viene acompañada con un videoclip de anime que toca mi tecla de la obsesión; creo que llevará a más de uno a planificar el código de vestimenta de su propio funeral. Por último, “I Hate People” es todo un himno, muy en consonancia con los tiempos actuales. Su título no deja indiferente, pero no nos engañemos, no es una canción misántropa, sino totalmente humanista y en defensa de la autenticidad de cada individuo y la libertad de expresión. En su videoclip podemos además disfrutar de la colaboración con Wednesday 13 (con quien han estado girando por EEUU y Canadá a principios de este año).
Las siguientes dos pistas tratan temas de introspección y de aceptación de la dureza de la propia existencia, al igual que hará más tarde “Take Me Far Away”, con la colaboración de Damien Edwards (de Cats In Space).
Después estamos ante un pequeño bloque de tres canciones que giran en torno al amor o más bien al desamor, de la cuales me ha sorprendido la madurez de las letras. En general, se hace notar positivamente la colaboración del letrista británico Anthony J. Brown a lo largo del disco y de toda la trilogía, demostrando el buen tándem que desarrolla desde hace años con el vocalista Chris Harms.
Finalizan el álbum con “The Days Of Our Lives”, donde la presencia sutil de los teclados me resulta sobrecogedora. Y lo hacen de forma atípica, con un quinto videoclip, que a primera vista resulta muy enigmático, pero que esconde la capacidad de partirnos el corazón en mil pedazos si lo observamos hasta el final.
No puedo terminar esta review sin mencionar el siempre cuidado aspecto estético: Opvs Noir Vol. 1 nos mostraba en su portada la llave, el Vol. 2 nos enseñaba el candado, y por fin, en este Vol. 3 hemos alcanzado la puerta a través de la cual llegaremos al corazón de la banda.
Creo que es una impecable manera de cerrar esta trilogía. Un Lord of the Lost en estado puro: ambicioso, pegadizo, muy glam y muy noir… “negro, hasta que encuentren un color más oscuro”.
Tras una sorpresiva salida de Blind Channel, el vocalista finlandés Joel Hokka ha vuelto a entregar nueva música, en esta ocasión bajo el nombre de Hokka, proyecto que comparte con Paul Rantasalmi, conocido por su labor pasada en The Rasmus a la guitarra y el batería Jimi Aslak.
Y que tiene para ofrecernos el rubio cantante en este álbum debut, pues una colección de temas que navegan las heladas aguas escandinavas entre el rock alternativo, el pop metal moderno y alguna pincelada de nu metal.
Esto se pone de manifiesto en “Blackbird”, un poderoso comienzo que podría haber estado firmado por Dead by April o From Ashes to New y donde vemos que la irresistible voz de Joel sigue derritiendo barreras y complejos a su paso como hizo con su anterior banda durante una década.
El single “In The Darkness”, fue lo primero que escuchamos del disco y esos ecos a The Rasmus y HIM, son tan obvios como efectivos, demostrando el toque melancólico que este muchacho le sabe dar a sus composiciones, pudiendo llegar a todo tipo de público sin perder la esencia que lo caracteriza.
El binomio compuesto por “Death by Cupid’s Arrow” y “Via Miseria”, siguen la línea de sus dos temas previos, la primera con unos teclados deliciosos que claramente evocan a la banda de Ville Valo y te transportan sin escalas a los 2000, mientras que la segunda es mucho más potente con unas guitarras iniciales bien marcadas y un Joel que combina diferentes registros vocales, brillando sobre todo en el estribillo, el cual podría haber estado en un disco como Violent Pop de BC y creo que no hubiera desencajado para nada.
Esta pinta a ser uno de los bombazos de la banda en directo, sin duda.
La melancolía se adueña de “Heart Said No”, una hermosa y delicada pieza con trasfondo pop oscuro y congelado bajo una intensa nevada en Helsinki que te puede arrancar esas lágrimas que necesitas soltar de vez en cuando, en esta versión suya Joel demuestra porque es un gran artista que no tiene miedo a combinar todas sus influencias a la hora de crear una canción.
“Bon Apetit”, sorprende con un ritmo medio alternativo, combinado con diferentes texturas electrónicas y que deja paso al baladón “Murder Ballad (Dying Flame)”, la cual pone los pelos como escarpias al oyente desde el minuto uno y encaja muy bien dentro de la temática del álbum.
La energía vuelve y las llamas se encienden con “Angels Fall”, un potente corte con guitarras nu metaleras y sensibilidad oscura, al más puro estilo Linkin Park o Papa Roach, de discos como Getting Away With Murder y un Joel Hokka impecable a las voces, con esos agudos tan característicos suyos y mostrando partes más cantadas con otras algo más susurradas, evidenciando que su versatilidad sigue a pleno en esta nueva era.
Tras una continuista, pero acertada “Serpent’s Song”, la banda cierra el disco y sorprende con un cover de “Kiss From a Rose”, precioso tema popularizado por Seal allá por 1994 y que formó parte de la banda sonora de Batman Forever, ahora llevado al terreno de Hokka y siendo justos, de manera muy inteligente ya que encaja con lo que el disco quiere transmitir.
Así pues, sanada la herida por la salida de Joel de su ex-banda, la realidad es que Hokka cumplen a la perfección con lo que esperábamos de ellos en este disco y veremos hacia donde los lleva el mismo, pero de momento, esta sólida colección de canciones, se cuela entre lo más destacado que hemos visto editado esta temporada dentro de su estilo.
Megadeth contará con grandes invitados en su gira española
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Todo ciclo llega a su fin y al parecer el de Megadeth está cada vez más cerca, por eso la banda liderada por Dave Mustaine ha confirmado una nueva y extensa gira europea, que afortunadamente pasará por España a finales de mayo gracias a Route Resurrection.
Para hacer esta gira aún más especial, la gira contará ni más ni menos que con Angelus Apatrida y Crisix, seguramente las dos mejores bandas de thrash metal del país en la actualidad junto con los maestros a Soziedad Alkoholika, aunque ellos tienen cosas de crossover, metal y groove.
Además, en Valencia se suman los muchachos de The Cost, para junto a Crisix, redondear un triplete de infarto a la altura de esta fiesta metalera.
Las fechas son las siguientes:
25 De Mayo – Valencia – Roig Arena (+ Crisix + The Cost)
27 de Mayo – A Coruña – Colliseum (+ Angelus Apatrida + Crisix)
29 de Mayo – Bilbao – Bizkaia Arena-BEC! – (+ Angelus Apatrida + Crisix)
Johnny McKelvey (The Rumjacks): “Puedes estar totalmente agotado, pero cuando subes al escenario y ves a los fans, todo eso desaparece”
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Ya queda muy poco para la visita de The Rumjacks a España este mayo y, por ese motivo, hemos podido charlar con Johnny McKelvey, bajista y miembro fundador de la banda. Es una persona encantadora y está entusiasmado por volver a visitar nuestro país, donde el grupo siempre es muy bien acogido. Por mi parte, yo tengo muchas ganas de ver en directo tanto sus grandes éxitos como algunas de las nuevas canciones de su último disco, Dead Anthems (2025), además, el veinte aniversario de la banda se está acercando y Johnny nos revela algunos de sus planes para celebrarlo.
Hola, muchas gracias por concederme esta entrevista y dedicarme unos minutos. Sé que no tenéis mucho tiempo libre. Sois conocidos por ser una de las bandas que más gira del mundo. ¿Cómo lográis mantener esa energía constante a lo largo de los años?
Hola, muchas gracias a vosotros. La respuesta corta sería “por el público”. Porque no importa lo muy agotador y cansado que resulta estar de gira, viajar, trabajar de noche… todo eso es trabajo duro pero también es muy divertido y nos encanta absolutamente, por eso lo hacemos. Así que puedes estar cansado y desgastado, puedes estar incluso totalmente agotado ese día, pero en el momento en que subes al escenario y ves a los fans ¡todo eso desaparece! Así que hay otros momentos para sentirse cansado, pero cuando estás con la gente, ellos te dan su energía y borran todo el agotamiento ¡y por eso seguimos haciéndolo! Es la parte más bonita, dentro de todo lo que implica este trabajo.
Dentro de muy poco os veremos en directo en España. Sois una banda muy querida aquí, nos habéis visitado ya en muchas ocasiones, cada vez en salas más grandes. ¿A qué creéis que se debe vuestra conexión con el público español?
¿Pues, sabes qué es? De nuevo, es por la gente, los fans y las personas para las que tocas. Y, por muchas razones, creo que a los españoles les gusta pasarlo bien, les gusta la fiesta, aman la vida. Cada vez que hemos venido de gira por aquí, por las muchas regiones de España, todo el mundo es muy acogedor, las actuaciones resultan divertidas, todos están dispuestos a pasar un buen rato. Por eso se nos hace muy difícil decir que no a volver a España, tenemos siempre una acogida espectacular y nosotros lo disfrutamos mucho también. Es un país muy bonito y sentimos que somos muy afortunados de poder volver y actuar para gente que realmente tiene ganas de estar allí con nosotros. Puedes verlo, que todo el mundo está allí por el mismo motivo, que es disfrutar de la música. Me encanta.
Por cierto, ¿Cómo habéis escogido a los teloneros que os acompañarán por nuestro país? Es curioso que en cada ciudad serán bandas diferentes y muy variadas.
Es una buena pregunta. La verdad es que nos gusta tocar tanto con bandas que hacen lo mismo que nosotros, que son del mismo género, y es como la elección más obvia lo de tocar con bandas similares… pero también nos gusta mucho la variedad. A mí, particularmente me gusta asistir a conciertos con alineaciones mixtas y variadas: es enriquecedor, porque aporta más cosas. Una noche con música que suena similar también tiene sus dificultades, porque el concierto puede durar cinco o seis horas. Por eso también pienso que el público encuentra refrescante que haya variedad. También si acuden a diferentes fechas a lo largo de una gira. Está bien cuando el público a lo mejor ni siquiera conoce a las bandas con las que tocamos ¡o que no nos conocen a nosotros!, creo que es algo positivo porque podemos complementarnos unos a otros. Todo aporta algo, y en esta ocasión vamos a tocar junto con varias bandas diversas y estamos contentos con ello.
Quería preguntarte también por el último disco “Dead Anthems” y la etapa actual del grupo. Además ya lleváis más de cinco años con Mike como vocalista y ya estáis plenamente consolidados con él. Así que ¿cómo son The Rumjacks en la era actual de la banda?
Es genial, creo que todavía estamos en la cresta de la ola respecto a la incorporación de Mike. Creo que esta ha sido la mejor decisión que hemos tomado como banda. Lo estamos disfrutando mucho, pero también estamos trabajando mucho, ya sabes que estamos mucho de gira, y “Dead Anthems” todavía suena a nuevo, tiene apenas un año de vida y eso es bastante joven para un disco. Así que nos estamos centrando en mantener al máximo esa energía y estar de gira y seguir adelante. Y uno de nuestros objetivos está siendo volver a visitar algunos lugares que no habíamos visitado aún, o no tanto, o hacía mucho que no volvíamos. Hemos tomado conscientemente la decisión de volver a ver a los fans que más han estado esperándonos. La verdad es que estamos muy contentos e ilusionados con esto, nos encanta estar de gira otra vez.
Y además también hemos estado componiendo. Vamos a volver al estudio dentro de un mes o así y es posible que hagamos un lanzamiento pequeño, como un EP o algo similar. No es seguro, pero ya tenemos bastantes canciones. Así que ya ves: estamos de gira, componiendo… muy contentos porque las cosas se mueven adelante. Y a la vez, mientras hacemos todo esto, también estamos tratando de recordar que en 2028 será nuestro veinte aniversario, así que habrá de nuevo mucho que hacer y que girar. Tenemos por delante unos años muy ilusionantes.
¡Nunca paráis!
Nunca.
He estado mirando vuestros setlist y veo que estáis abriendo vuestros últimos conciertos con “Come Hell or High Waters”, que es una canción que personalmente me encanta, tanto por su música como por su mensaje sobre migración y resiliencia, que creo que es muy necesario. En un mundo que cada vez parece más salvajemente racista y xenófobo, ¿Qué acogida está teniendo esta canción?
Muchas gracias por decir eso. La verdad es que también es de mis canciones favoritas del nuevo disco. Personalmente estoy muy contento de abrir con ella porque disfruto mucho de esa canción. Así que, sí, es cierto que hemos estado abriendo con ella en la gira y está siendo muy bien recibida. Pero siempre decimos, con nuestra propia música, que cada uno puede escucharla a su manera. Puede ser la canción entera, las letras o la música. Hay quien disfruta la melodía sin tener mucho en cuenta la letra y eso también está bien. Si lo que te gusta es solamente la música, estamos felices de formar parte de ello, del disfrute de alguien a través de la música. Y verás, tienes razón en que hay mucha gente con la mente muy estrecha y con visiones muy tontas sobre el resto del mundo, las culturas, las migraciones… Es un tema muy potente en este momento y hay muchas ideas estúpidas al respecto a su alrededor.
Creo que hay gente que simplemente es inculta al respecto, y nosotros no estamos aquí para dar lecciones a nadie, de ningún modo. Como he dicho, cada cual puede interpretar nuestras canciones como lo desee, siempre que sea desde una perspectiva positiva y productiva: si le aportamos algo a la gente, estamos contentos. Pero me he dado cuenta de que mucha gente olvida quienes somos. Yo provengo de una familia de ascendencia irlandesa y, aunque no sea la típica cara que la prensa señala para hablar de migración, también podría serlo. La prensa a menudo trata de señalar bando y poner rostros a los que etiquetar y decir “estos son los buenos”, “estos son los malos”. Y la verdad es que mis padres vinieron de Irlanda del Norte para buscar una vida mejor en Australia. Para criarnos con seguridad. No entiendo que se pueda cuestionar algo tan profundamente humano. La naturaleza humana siempre va a buscar un lugar seguro para vivir y para criar a su familia. Pero hay gente que tiene los conceptos muy mezclados y los medios también contribuyen a eso. Se nos olvida que no hay una cara, un aspecto ni un idioma de la gente que merece más de la vida. Hay confusión, pero no por ello lo justifico. Y la cara de la migración bien puede ser una familia irlandesa que se marcha al otro lado del mundo, o puede ser alguien que huye de la guerra en su país de origen. Tampoco hay un bando de la gente que quiere que su vida mejore, porque somos todos. Y esta canción habla de este concepto. De personas que podrían ser cualquiera y sólo quieren ver crecer a su familia con seguridad y vivir una vida feliz y próspera. Esa búsqueda es universal y eso es lo que se nos olvida. Todos queremos lo mismo, no es algo propio de una cultura, una religión o un aspecto físico. Es un derecho humano universal.
Entonces, sería genial si esta canción hace pensar un poco a la gente. Si ven cómo hay irlandeses en todas partes, si ven que han viajado a todos los rincones del mundo… verán que todo el mundo lo ha hecho y todo el mundo debería sentir que tiene ese derecho, provenga de donde provenga.
Es una canción preciosa. También me ocurre con la canción “Eye for an eye”, que me ha dejado sobrecogida. Entiendo que hace referencia a la historia de Irlanda, pero a la vez es muy actual y podría aplicarse al planeta Tierra en general.
Sí, efectivamente, está basada en la historia de Irlanda y el conflicto entre protestantes y católicos, pero también tiene un mensaje universal, acerca de que las generaciones precedentes nos marcan un camino y ¿tú qué vas a hacer?, ¿vas a seguir ese camino marcado, o vas a hacer algo para cambiarlo?. Tú no eres tu padre ni tu abuelo. Eres una persona con tus propias ideas y objetivos. Tienes una educación. Está en tu mano cambiar. Así que creo que has dado en el clavo, porque es una canción universal, aunque tenga una base en Irlanda, podría extrapolarse a cualquier lugar del mundo. Es una situación que se repite en todas partes. Pasar la antorcha pero en el mal sentido. Recorrer el camino sobre las huellas de tus padres. Todos somos parte de nuestra historia y de nuestra familia, pero podemos cambiar las cosas.
Por cierto que viene acompañada por un videoclip espectacular, en el que sale mucha gente, todos vosotros actuáis, es muy cinematográfico… ¿Fue difícil rodar algo así?
Sí, fue algo difícil, jajaja. ¿Sabes?, para nosotros es fácil subir al escenario, nos sentimos cómodos incluso delante de miles de personas. Pero nos pones delante de una sola cámara y eso nos pone mucho más nerviosos. ¡Preferimos el escenario! Y si además tenemos que actuar, es todo un reto. Igualmente lo pasamos muy bien, y el equipo de personas con el que estuvimos trabajando nos ayudó mucho. No recuerdo ahora el lugar de Inglaterra donde grabamos, pero fue muy divertido, pasamos el día en la ciudad buscando localizaciones y nos metimos en algunas situaciones curiosas al grabar en la calle. Mucha gente nos miraba al pasar, a ver qué hacíamos. Pero al final ha quedado muy bien. Es una canción muy bonita y un poco diferente a las demás, así que estoy muy contento de que hayamos podido sacar este vídeo, para complementarla, como hemos hecho con algunas de las otras canciones.
También me han llamado mucho la atención los videoclips de dibujos animados que habéis hecho con Ben Satchel para “Scandal” y “Cold like this”. ¿Cómo surgió la idea de trabajar con él?
Pues la verdad es que vimos otro videoclip hecho por él para unos amigos, Buster Shuffle, una banda muy interesante de Reino Unido. En fin, su vídeo salió muy bien y creo que fue Mike quien les envió un mensaje para preguntarles: “¿quién os hizo ese videoclip? es genial”. Y además es que nosotros vivimos cada uno en un sitio, cada miembro de la banda está muy lejos de los otros, así que es difícil juntarnos todos, salvo en las giras, y siempre estamos buscando ideas para hacer estas cosas, como los videoclips. Además es una forma de variar, y que no sea siempre la misma imagen de nosotros tocando en una habitación. Así que se juntó todo, porque es una forma de sacar un tipo de videoclip diferente, algo que no hacemos normalmente, y que nos facilita el no tener que volar los seis a algún lugar intermedio para grabar el vídeo. Un vídeo diferente y que no nos obliga a estar en el mismo país, y parece que han quedado bien.
Yo creo que son muy originales y muy representativos de lo que sois The Rumjacks.
Sí. Yo también creo que el animador hizo un gran trabajo. Y todos hemos disfrutado mucho viendo el resultado final, ya que es la primera vez que trabajamos con este animador y hemos quedado satisfechos.
Muchas gracias, Johnny, estamos deseando veros por España a mediados de mayo ¿hay algún mensaje que quieras mandar a tus fans españoles?
Desde luego: muchas gracias a todos por apoyar a The Rumjacks. Os queremos mucho y por eso seguimos volviendo. Y gracias por leernos aquí en Track to Hell. Estamos deseando veros muy pronto para esas épicas fiestas españolas, que tanto hemos disfrutado en los años anteriores ¡Muchas gracias!
Roadburn Festival 2026 Día 1: “De lo inesperado a lo trascendental”
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Texto: Maria Izquierdo
El Roadburn siempre es una experiencia especial a lo largo del curso anual, poco importa las veces que uno haya podido asistir. El mimo con el que se programan las bandas, con el que se cuida cada detalle para que todo resulte único, no tiene comparación alguna a este nivel, con ningún festival de gran formato conocido. Entendiendo gran formato, como un festival de cuatro días con más de medio centenar de bandas por edición. Un auténtico reto logístico que alberga seis escenarios, exhibiciones alternativas, charlas y actividades de todo tipo que involucran a todo un pueblo.
El Roadburn, es una autentica comunidad afianzada a lo largo de los años, en la que lo único que esta garantizado, es la calidad de lo que uno va a ver sobre un escenario.
En 2026 nos encontrábamos con un nuevo cartel en el que los nombres que no conocíamos superaban por goleada a las bandas que teníamos fichadas, pero ese es otro de los alicientes del Roadburn. Descubrir conjuntos que uno no tiene en el radar, y catar de primera mano y antes que el gran público, a los nombres que van a brillar en los años venideros. Así nos ocurrió hace años con gente tan consolidada hoy en día como Carpenter Brut, Imperial Triumphant, Bathuska o Zeal & Ardor por mencionar unos pocos.
Este año como luminarias del cartel nos encontraríamos con Cult Of Luna haciendo dos sets diferentes, uno centrado en su primera época y otro centrado en sus recientes creaciones. También estarían en un puesto de privilegio, los Oathbreaker y su flamante regreso exclusivo, así como el doble set que prepararon Ufomammut volviendo al festival después de quince años de ausencia del mismo.
Comenzaríamos el jueves un poco más tarde de lo previsto, perdiéndonos la primera actuación de las tres que tenían concertadas Krallice, pero llegando de sobra para ver como se las gastaban Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs sobre las tablas del Main Stage, interpretando de cabo a rabo su último Death Hilarious. La primera cita exclusiva que viviríamos en Tilburg y aun sin haber tenido ni tiempo para aterrizar.
Pasando de puntillas sobre la actuación de los sorprendentes mexicanos Habak, aterrizaríamos en el Hall Of Fame comprobando que nuestra apuesta por contemplar a Eyes, había salido rana. Sin duda fue la banda menos inspiradora de todas las que pudimos contemplar en Tilburg durante todo el finde. Nada que ver con la mastodóntica aparición de Ufomammut sobre el 013, quince años después. La suya sería una comparecencia hipnótica y catártica, un concierto en el que todo confluiría para que volásemos hasta otra dimensión.
Un pequeño receso en el que no fuimos capaces de dejarnos atrapar por Acid Mothers Temple, y nos plantaríamos en el primer cabeza de cartel de la jornada. Una actuación que desgraciadamente coincidiría con la de Maruja, una de las bandas que más ganas teníamos de presenciar. En cualquier caso, Cult Of Luna haciendo un set especial de sus primeros trabajos, suponían un plato demasiado suculento como para plantearnos perdérnoslo.
Los de Umea son junto a Neurosis e Isis los mayores exponentes del Post Metal mundial y en su primera incursión en el Roadburn de este año, dejaron buena cuenta de por qué. Repasaron sus primeros trabajos con una fuerza y entrega como hacía mucho que nos los habíamos visto y celebramos sobremanera que rescataran joyas como “Leave Me Here” o “Adrift”, que sin duda fueron fundamentales para cimentar su impresionante carrera.
El black metal puede ser un subgénero difícil de digerir para cualquier oído, incluso para aquellos ya acostumbrados a escuchar variantes extremas del metal. Un poco por lo bizarro que se vuelve todo el culto que se genera alrededor y otro poco por lo genérico y redundante que se vuelve musicalmente.
Sin embargo, cuando alguna banda o artista, rompe con la norma, puedo asegurar que es la mejor experiencia musical que uno pueda llegar a atravesar.
Non Est Deus, que no hace falta aclarar que es latín y que se traduce como “No es Dios” es una banda, o, mejor dicho, un proyecto musical del artista alemán Noise que…si, obviamente, es conocido por Kanonenfieber.
Me gusta la idea de que un artista pueda animarse a llevar varios proyectos musicales en simultaneo si necesitase expresar cosas diferentes de maneras diferentes. La temática no es la 1ra guerra mundial para Noise aquí, sino que pone de manifiesto en Non Est Deus su reflexión sobre lo que la religión es, su significado y cuestionamientos.
Después de 4 muy buenos discos, llega Blessings and Curses, de la mano del sello Noisebringer Records (y adivinen quien es el dueño, jaja).
Musicalmente un disco maravillo, combinando las estructuras típicas del black metal con una excelente performance vocal y una cuota melódica que a leguas lo convierte en un disco mínimamente escuchable. Una obra realmente llena de bendiciones y maldiciones.
La apertura magnifica con “Prayer I” que es literalmente una oración, logra poner al oyente en sintonía con la temática de la banda. Una pieza que suena a iglesia.
A continuación, vienen una serie de canciones que representan salmos. “Show Mercy” y “Forgive Me” que son las primeras dos, son en esencia eso, una persona rezando y pidiendo por el perdón y misericordia de su dios.
Sin embargo, la mejor parte de este interludio viene con las 2 últimas: “My Lord” y “The Forsaken”. Especialmente la primera, que es una de mis favoritas del disco. Mucho mejor trabajadas, mas largas y memorables.
“Prayer II” da lugar a la segunda parte del disco, nuevamente como instrumental. Aquí viene otra serie de canciones bajo el mismo concepto que la primera parte. Oraciones, salmos, quizás más bien empezando a demostrar en su desarrollo la decepción que el personaje atraviesa con su fe.
Puede que lo acabo de mencionar sea un punto cuestionable para el disco. Se vuelve algo monotemático cuando todas sus canciones tienen una estructura casi idéntica, con el mismo personaje, las mismas oraciones. Musicalmente es diametralmente opuesto a lo que sucede con las letras. Canciones que realmente dan gusto escucharla y denotan la gran producción realizada.
“Kora” no me parece tan idealmente buena como “Transgression”. Ambas canciones de duración mayor a 5 minutos, pero mientras la primera tiene tintes épicos, la segunda es bastante más repetitiva.
El álbum cierra con “The Sacrifice” y “The Indulgence”, 2 muy buenas piezas, bien dinámicas, aunque un poco parecidas. El cierre, el verdadero cierre definitivo, se dan con un nuevo instrumental, “Prayer III”, con coros de cantos gregorianos y toda esa cosa bien de iglesia.
El disco no es la mejor producción de este muchacho, como así la banda probablemente tampoco lo sea, pero no deja de ser un gran disco si consideramos que Noise ha puesto su propia vara muy alta. Las canciones son un poco repetitivas si, pero muy melódicas y muy bien trabajadas. El corte con los instrumentales resulta muy bien, por que divide al disco en 2, dando de alguna manera una especie de descanso a nuestro oído que nos hace recibir al resto de las canciones con mejor predisposición.
Blessings and Curses es un gran disco, de un gran proyecto musical y que apuesta a seguir creciendo en lo inmediato.
La agenda de Track To Hell para mayo en España llega con una nueva oleada de conciertos que mantienen el pulso alto en la escena de rock, punk y metal. Con la primavera en pleno auge, el calendario se llena de citas que mezclan nombres consolidados con bandas emergentes, demostrando que el underground sigue más vivo que nunca y en constante evolución.
Entre guitarras afiladas, ritmos demoledores y una energía que se contagia desde el escenario, mayo promete noches intensas para los amantes del directo. Desde el rock más alternativo hasta el metal más contundente, cada concierto se convierte en una excusa perfecta para dejarse llevar por el ruido, la actitud y la pasión que define a esta escena.
Benediction Fechas: 1 de Mayo en Valencia y 2 de Mayo en Barcelona.
Exhumed + Gruesome Fecha: 2 de Mayo en Madrid Opera Magna Fecha: 2 de Mayo en Madrid
Arima Fecha: 2 de Mayo en Madrid
Primitive Man Fecha: 2 de Mayo en Barcelona.
Madball + Ignite Fechas: 3 de Mayo en Barcelona, 4 de Mayo en Gasteiz y 5 de Mayo en Valencia.
Cam Cole + Arthur Buezo Fechas: 5 de Mayo en Madrid, 8 de Mayo en Barcelona y 10 de Mayo en Portugalete. Nashville Pussy: Fechas: 6 de Mayo en Barcelona, 7 de Mayo en Valencia, 8 de Mayo en Valladolid, 9 de Mayo en A Coruña y 10 de Mayo en Bilbao.
Mad Caddies Fechas: 7 de Mayo en A Coruña, 9 de Mayo en Madrid y 10 de Mayo en Barcelona.
Priest Fechas: 8 de Mayo en Barcelona y 9 de Mayo en Madrid.
Landevir + Ars Amandi Fecha: 8 de Mayo en Murcia.
El Drogas Fecha: 9 de Mayo en Barcelona
Celtian Fecha: 9 de Mayo en Madrid.
Altamira Fest Fecha: 9 de Mayo en Cerdanyola (Barcelona)
The Aristocrats Fechas: 9 de Mayo en Palma de Mallorca, 11 de Mayo en Bilbao, 12 de Mayo en Madrid, 17 de Mayo en Sevilla, 19 de Mayo en Valencia y 20 de Mayo en Barcelona.
The Hangmen Fecha: 10 de Mayo en Barcelona
Paledusk Fechas: 13 de Mayo en Barcelona y 14 de Mayo en Madrid.
Plini + Sungazer Fechas: 16 de Mayo en Barcelona y 17 de Mayo en Madrid.
Hadadanza + Kaelis Fechas: 16 de Mayo en Sevilla. The Rumjacks Fechas: 17 de Mayo en Barcelona, 18 de Mayo en Valencia, 19 de Mayo en Jerez de la Frontera, 21 de Mayo en Valladolid, 22 de Mayo en Lugo, 23 de Mayo en Oviedo, 24 de Mayo en Madrid y 26 de Mayo en Bilbao.
Raven Fechas: 20 de Mayo en Málaga, 21 de Mayo en Barcelona, 22 de Mayo en Valencia, 23 de Mayo en Madrid y 24 de Mayo en Bilbao.
Skillet Fechas: 20 de Mayo en Barcelona y 21 de Mayo en Madrid.
The Sword Fechas: 21 de Mayo en Barcelona, 22 de Mayo en Madrid y 23 de Mayo en Bilbao.
Toxikull Fecha: 22 de Mayo en Barcelona.
Opal In Sky Fechas: 24 de Mayo en Bilbao, 25 de Mayo en Madrid y 26 de Mayo en Barcelona.
Megadeth Fechas: 25 de Mayo en Valencia, 27 de Mayo en A Coruña y 29 de Mayo en Pamplona.
Malevolence Fechas: 27 de Mayo en Vitoria, 28 de Mayo en Madrid, 29 de Mayo en A Coruña.
Molchat Doma Fechas: 27 de Mayo en Madrid y 28 de Mayo en Barceona.
Teenage Bottlerocket Fechas: 28 de Mayo en Barcelona, 29 de Mayo en Castellon y 30 de Mayo en Madrid.
Winds of Agony II Día 1: “Una reunión de muerte y oscuridad”
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Cruzar el umbral de centro cultural Roca Umbert Fàbrica de les Arts, donde nos encontramos con la sala Nau B1 aquel 17 de abril no fue simplemente entrar a un recinto, sino despojarme de la luz para abrazar un vacío necesario en el corazón de Granollers, donde la modernidad se rinde finalmente ante el eco de lo ancestral. Allí, 720 almas nos convertimos en una sola sombra para el Winds of Agony II, un santuario que en apenas dos ediciones ya exhala el aroma del azufre más auténtico. El aire pesaba ya a las 15:30 cuando las puertas se abrieron como fauces hambrientas, y a las 16:00, los locales Opositor tuvieron el encargo de encender la mecha; su Death Metal crudo fue una descarga de violencia corta, un estallido que sacudió mi letargo inicial y preparó el terreno para lo que vendría desde el abismo. La atmósfera mutó con Sætaier; sus raíces colombianas nos entregaron una experiencia de elevado Black Metal donde las notas de Underworld Oath se sintieron como un susurro solemne en una catedral en ruinas, con una ejecución vocal tan desgarradora que el nudo en la garganta era casi tangible, antes de que los irlandeses Coscradh irrumpieron para asfixiarnos bajo una pared de sonido masiva, un caos controlado que apestaba a horror y me recordó que la muerte es, ante todo, desorden puro.
La tarde avanzó hacia la agresividad purista de los alemanes BloodyVengeance, quienes desataron un torbellino de odio donde el pogo fue nuestra única trinchera mientras “Genocidal Cleansing”, “Mass Suezide” y “Stuka Deathstrike” resonaban como disparos de artillería pesada sobre nuestras cabezas. Sin darnos tregua, Thorybos me hundió en sus cuevas ritualísticas; su Death Metal, una masa densa y sucia que parecía emerger de las grietas del suelo, hizo el aire irrespirable con la llegada de “Kephalomantic” y “Black Grail”, cargando el ambiente de una energía telúrica que solo la veteranía técnica de Ares Kingdom pudo canalizar después, impartiendo una lección de precisión quirúrgica con la épica de “Ashen Glory” y la elegancia letal de “Dye by Power”.
Al caer las 22:00, el incienso comenzó a nublar mi vista y Grave Miasma surgió como una aparición fúnebre; su Occult Death Metal fue un péndulo hipnótico entre la lentitud de la tumba y la brutalidad del despertar, el rito místico necesario para recibir el gran hito de la noche: Urgehal. Los noruegos, custodiando el espíritu de Trondr Nefas sobre la Nau B1, celebraron el 20º aniversario de Goatcraft Torment con un Black Metal rudo y sin concesiones; desde el inicio homónimo hasta el cierre con “Mirror Satan”, pasando por la furia incendiaria de “Satanic Black Metal in Hell”, cada nota fue un tributo al odio más puro, una llama que no se apaga sino que se hereda.
Ya de madrugada, los suecos Craft impusieron su ley nihilista con una actitud gélida que cortó el ambiente como una hoja de afeitar pasando lentamente por la piel, haciéndome sangrar con “I Want to Commit Murder” y ese himno a la nada que es “Fuck the Universe”. Finalmente, cuando el agotamiento amenazaba con devorarnos, Tabula Rasa nos regaló a las 02:00 el epílogo perfecto; su Black Metal atmosférico y melancólico fue el sudario que cubrió los restos de la batalla, una nana oscura de pasajes envolventes que me acompañó hacia la noche, dejando tras de mí solo el eco de una devoción profana, como si al salir no abandonara la sala, sino que la sala se quedara latiendo infinitamente.
Exhumed llegan a España para hacerla pedazos con su nueva gira
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Los abrasadores Exhumed comienzan en pocas horas su gira española, donde volverán a triturar los oídos de sus seguidores con su explosivo directo, gracias a Madness Live.
Metalite vuelve con todo en la enérgica “Starchild”
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Los chicos de Metalite vuelven este 2026 con si nuevo single “Starchild”, donde siguen haciendo gala de ese pop metal moderno y ultra procesado, pero que tan bien suena y les queda a los liderados por Erica Ohlsson.
El corte formará parte de su nuevo disco Disovery, un álbum conceptual con la tecnología siempre presente y que esperamos para la segunda mitad del año, concretamente cuando llegue el otoño en Europa.
Mientras tanto podéis y escuchar como suenan Metalite este 2026 a continuación:
Para cualquier amante del J-Rock y el Visual Kei que se precie, hablar de Versailles, es hablar de palabras mayores, de unos íconos dentro del estilo y una banda imprescindible para entender el mismo, por eso es una sorpresa mayúscula poder confirmar que Kamijo, el vocalista de la banda, llegará a nuestro país de la mano de Route Resurrection, para encandilarnos con su particular y único estilo.
No es fácil conseguir que artistas como él puedan venir a nuestro país, con lo cual será una noche única e irrepetible, la cual podremos vivir en la siguiente fecha:
26 de Septiembre – Madrid – Nazca Music Club
Las entradas se podrán conseguir a partir del próximo 7 de mayo desde las 12.00 (hora española) haciendo click AQUÍ.
Black Veil Brides sorprende con “Revenger” junto a Machine Head
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Los metaleros modernos norteamericanos Black Veil Brides, han estrenado “Revenger”, uno de los cortes que formará parte de Vindicate, el nuevo álbum de la banda liderada por Andy Biersack, que saldrá a la venta este próximo 8 de mayo a través de Sumerian Records.
El corte sorprende aparte de por ser uno de los más cañeros que han grabado estos chicos hasta la fecha, por la participación especial de Rob Fynn, vocalista y guitarrista de Machine Head, en lo que ha supuesto una de las mejores y más inesperadas colaboraciones del año, evidenciando que los prejuicios con estos muchachos, parecen haber quedado atrás en el tiempo.
Karnivool en Copenhague: “El progresivo tomo la ciudad”
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Tenía muchas ganas de ver en vivo a una de las que para mí es de las bandas de rock progresivo más destacadas de estos últimos años. Y el pasado 14 de Abril tuve la oportunidad de hacerlo. Karnivool arrancó la gira europea en Copenhague presentando su último disco ‘In Verses’ lanzado en febrero de este año. El cuarto álbum de la banda después de trece años de larga espera.
No fue hace tanto que estuvieron por estos lugares, ya que formaron parte de la edición 2024 del Copenhell. Aun así, los fans estaban ansiosos por verlos otra vez y, si bien el Amager Bio no estaba completamente lleno, había muy pocos claros entre el público.
Ya con la sala bastante completa, Intervals se subía al escenario y anunciaba que ‘venían desde el lejano Canadá para tocar muchas notas’. No mentían… La banda instrumental de metal progresivo formada por el guitarrista Aaron Marshall, que está acompañando a Karnivool en esta gira europea, abría el show con ‘Neurogenesis’. Una base rítmica sampleada precedió al primer acorde del tema, y a partir de ahí la gente quedó en un estado de semihipnosis. Al principio fue imposible sacar la vista de la guitarra de Aaron, que desplegaba todo su virtuosismo a la vez que sonreía dando la impresión de no solo estar pasándola muy bien, sino que además no le costaba nada hacer lo que estaba haciendo.
El setlist contó con ocho temas y si bien la gran mayoría de ellos son parte de su último disco ‘Memory Palace’, como la ya mencionada ‘Neurogenesis’, también dejaron lugar para repasar algunos temas de sus anteriores producciones, y sonaron canciones como ‘Mata Hari’ o ‘Ephiphany’ del EP ‘In Time’ del año 2012.
Aaron se mostró muy agradecido con el público danés en varias ocasiones y además contento de que la mayoría de los presentes no lo hubieran visto antes en vivo —aunque estuvo en Dinamarca cinco meses atrás— ya que les daba la oportunidad de mostrar su música a otra audiencia.
Un sonido absolutamente impecable permitió escuchar con claridad todos los instrumentos y poder disfrutar de la complejidad de la música y de la clase de artistas que son. Una vez roto el hechizo de la guitarra principal, fue posible dirigir la atención al resto de la banda y uno no puede más que sacarse el sombrero e imaginarse la cantidad de horas que esta gente pasó detrás de los instrumentos para manejar no solo semejante nivel de interpretación, sino la soltura con la que ejecutan cada parte.
Antes de finalizar el show, Aaron agradeció al público y destacó la importancia de que todavía haya gente dispuesta a pagar un ticket para escuchar música hecha por músicos en estos tiempos de IA. Algo similar se puede decir desde este lado del escenario, se agradece que todavía haya artistas que dediquen su vida a aprender a interpretar un instrumento en tiempos donde no solo la IA, sino las herramientas digitales hacen que cualquiera se autoperciba como músico.
Y llegó la hora del headliner. Karnivool finalmente arrancaba su gira europea nada más y nada menos que en Cope (y como para mantener viva la rivalidad escandinava, algunos se lo dedicaron a Oslo y Estocolmo, se imaginarán…). Abrieron la gira con ‘Ghost’, tema que también abre el último álbum. Ese bajo, ese bajista, Jon Stockman, diciendo presente desde el inicio con ese sonido tan característico de los Warwick. Entre la complejidad de la canción, llevándola y sosteniéndola. Tremendo.
Hay algo que no entendí, que todavía no entiendo. Habiendo estudiado grabación y postproducción de audio. ¿Qué necesidad de los artistas/sonidistas de subir el volumen entre banda soporte y banda principal? Mencione anteriormente que el sonido de Intervals fue impecable. Y no es un cantante con una guitarra acústica. Estoy hablando de la complejidad del metal progresivo con cuatro músicos en el escenario. La diferencia de volumen fue abismal entre Intervals y Karnivool. Y fue en desmedro de la música lamentablemente. Porque si bien aún a un volumen muy alto, se podían distinguir los instrumentos, la voz de Ian Mckinney quedó perdida completamente. Y el público se lo hizo saber. Desde el primer tema, la gente cercana al escenario le hizo saber a Ian que la voz estaba muy baja. Él respondió que hacían lo que podían y que desde el escenario no había mucho por hacer. Let’s agree to disagree.
Más allá de este inconveniente, la verdad es que fue un gran show. El set estuvo compuesto por catorce temas, muchos de ellos pertenecientes a ‘In Verses’, por supuesto. Como mencioné antes, esta no fue la primera vez de los australianos en Copenhagen, que ya habían estado en 2023 en Pumpehuset y en 2024 en el Copenhell. Y si bien no estuve presente en esos shows, leyendo comentarios y hablando con gente, puedo decir que gran parte del repertorio es el mismo, más allá de haber sumado los temas del último disco. Tocaron clásicos de la banda como ‘New Day’, ‘Goliath’, ‘Simple Boy’, ‘Deadman’ y ‘Themata’. Y si bien se podría decir que un poco de variedad no vendría mal, para mí, que era la primera vez que los veía en vivo, el setlist estuvo muy bien. Además, viendo cómo reacciona el público a los clásicos, imagino que debe ser difícil dejar esos temas afuera. Si se podría decir que la gran ausente de la noche fue sin dudas ‘Conversations’, una de las gemas de ‘In Verses’.
La noche cerró con los dos temas que también cierran el último trabajo discográfico de la banda. ‘Opal’ y ‘Salva’ que sonaron en el encore de manera consecutiva, y ahí si, finalmente sonaron de puta madre.
As Everything Unfolds – Did You Ask To Be Set Free (2026)
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Tras 3 años de espera y la pérdida de su batería (Jamie Gowers) en 2024, los fans del Metal Alternativo teníamos una fecha marcada en rojo en el calendario de lanzamientos de 2026. Los británicos As Everything Unfolds lanzaron el tan esperado álbum: Did You Ask To Be Set Free.
Recién aterrizados en Century Media y liderados por Charlie Rolfe, nos hemos encontrado con un álbum que ha llegado a las expectativas que tenía generadas y que ofrece un sinfín de registros tanto a nivel instrumental como a nivel vocal.
El disco arranca con “Denial”, un tema que fue el último single previo a la salida del disco y que marca el tono general. Una combinación de elementos pop, rock, metal y con toques de “EDM” que nos acompañan a lo largo de todo el álbum. En este primer tema ya podemos ver la versatilidad de Charlie ofreciendo registros que van desde melodías de lo más pegadizas hasta guturales que han mejorado claramente desde el último trabajo de la banda. La letra refleja un mensaje de duelo ante la anteriormente mencionada pérdida de Jamie.
Le sigue “Gasoline”, otro de los temas que pudimos escuchar como single. Un registro completamente diferente a “Denial” y que nos hace ver la adaptabilidad de la banda para transmitir diferentes emociones a lo largo del álbum. Un tema que recuerda a bandas como Paramore o Flyleaf, grandes influencias para la banda tal y como nos comentó Charlie en la entrevista que tuvimos el gusto de hacer. Canción que ha generado una división de opiniones pero que a título personal me gusta mucho.
Seguimos con 4 temas que siguen la línea marcada por los dos anteriores. Una mezcla de rock y metal a partes iguales que hacen una tarea complicada etiquetar a la banda en un solo género. Cabe destacar que nos encontramos con un disco que cuenta con una producción que se adapta perfectamente a los tiempos que corren. Una voz que se eleva un punto por encima del resto de pistas, pero que nos permite apreciarlas de igual manera. Si bien es cierto que no estamos ante el álbum más técnico de 2026, As Everything Unfolds nos demuestra que muchas veces hacer algo más complejo no implica que sea mejor. En este disco encontramos una instrumental hecha con muy buen gusto y que en ningún momento pretende solapar el importante mensaje reflejado en las letras, pero aportando esa atmosfera que necesitan todos y cada uno de los temas.
Llegamos ahora a “Set In Flow”. Canción que oscila entre el Drum ‘n’ Bass y el Metal. Un ritmo claramente marcado por el típico Flow de un tema del conocido género de música electrónica y una instrumental que mantiene la intensidad en todo momento. Podemos considerar que la parte más “cañera” del álbum finaliza con la colaboración con Dan (Bury Tomorrow) y el tema “What You Wanted” (que también fue un single y tuvo una gran acogida).
A partir de ahí, el álbum baja de revoluciones y nos regala 4 temas que si bien no pierden la oportunidad de transmitir esa energía tan característica de la banda, apuestan por ofrecer otra cara e incluso una balada con “Edge Of Forever”.
En resumen, estamos ante un disco que consolida a los británicos como una de las bandas a tener en cuenta dentro del Rock/Metal alternativo en los próximos años. Una producción limpia y que cumple con los estándares de los tiempos en los que vivimos, una instrumental pulida que acompaña perfectamente Charlie que nos muestra su mejor versión hasta la fecha y un mensaje sobre la manera de afrontar situaciones inesperadas (y a menudo muy complicadas) que sufrimos todos en el día a día.
Las chicas malas del hard rock nacional, Mötley Qüeens han confirmado a la persona que será a partir de ahora su nueva cantante, tras la salida de Söles Nëil, quien dejó la formación tras tres años, para centrarse en otros proyectos personales que le requerían mucho más tiempo y debido a esto se le empezaba a complicar compaginar esto con su trabajo en la banda.
Pues ahora toca darle la bienvenida como se merece a la señorita Qüeenie Nëil, quien será la encargada de dar voz a los himnos que los Crüe crearon hace ya más de 40 años y que aún hoy siguen vigentes gracias a bandas como estas cuatro rockeras.
Así pues la banda queda conformada por:
Qüeenie Neil – Voz Principal
Laury Sixx – Bajo y Coros
Sonia Mars – Lead Guitar y Coros
Jess Lee – Batería , Coros y Teclado
No os las perdáis en acción y atentos a sus redes sociales, que estas chicas vienen con muchas novedades de cara al verano y la segunda mitad de la temporada.
Ponte del Diavolo cancela su inminente gira española
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Los amantes del metal extremo denso y oscuro se las prometían muy felices con la llegada de los italianos Ponte del Diavolo, pero lamentablemente y de manera sorpresiva, la banda ha confirmado la cancelación de su gira, la cual contaría con Murmur como banda invitada.
Llegados a este punto de su carrera, la cual se extiende por más de 30 años y compone 12 discos de estudio (incluido este nuevo Your Favorite Toy), creo que no descubro nada a nadie si afirmo con rotundidad que Foo Fighters, no solamente no tienen nada que demostrar ya a nadie, si no que su estatus de ser una de las bandas de rock alternativo más grandes de justamente los últimos 25 años, está más que justificado.
Pero tampoco vamos a engañar a la gente si decimos que no estábamos expectantes ante la salida del duodécimo trabajo de los Foo, sobre todo, tras la trágica pérdida de Taylor Hawkins, batería y pilar fundamental en la banda liderada por Dave Grohl.
En estos diez cortes, podemos comprobar como Grohl no mentía cuando afirmaba que el nuevo disco de FF iba a ser más rockero y directo que algunos de sus álbumes previos.
El riff inicial de “Caught in the Echo”, es de lo mejorcito que ha hecho la banda seguramente desde Wasting Light y la voz desgarrada de Dave ahora si suena convincente y arrolladora, para volverse algo más melódica en el estribillo y dar un gran pistoletazo de salida al disco.
“Of All People”, es una de mis piezas favoritas dentro del mundo Foo en estos últimos años, una potente pieza alternativa donde Dave narra la desagradable historia de cruzarse con alguien desagradable de su pasado (hay rumores que dicen que está dedicada a Courtney Love, pero no se ha afirmado ni desmentido nada al respecto).
La frase “Of All People…You Survived”, es demoledora teniendo en cuenta que Kurt Cobain, Layne Staley ,Chris Cornell y Taylor Hawkins, ya no están entre nosotros y sin embargo otros si…
Las revoluciones bajan un poco en el corte que da título al disco y donde muestran su mano para hacer este tipo de composiciones, pero sin llegar a la brillantez de “Time Like These” o “Everlong”, claramente y aun no siendo un mal tema, no es de lo mejor que sabemos que Foo Fighters pueden ofrecer.
El ecuador viene marcado por “If You Only Knew”, tema que si las cosas siguen el rumbo que deberían, puede ser uno de los próximos “clásicos” de la banda norteamericana al más puro estilo “Learn To Fly”, siendo muy rockero con la batería de Illan Rubin sonando excelente y llevándote donde quiere al contar con diferentes cambios de tempo, sin duda uno de los mejores temas de Foo en mucho tiempo y que evidencia lo bien que hicieron en fichar a Rubin para los parches.
Cortes como “Spit Shine” y “Unconditional”, muestran otros sonidos para estos muchachos, sobre todo la última con cierta influencia post punk y new wave, concretamente teniendo reminiscencias a The Cure, temas que con un poquito de mimo, podrán llegar a conquistarte.
Mientras que el cierre con “Asking For a Friend”, es muy muy redondo, con un comienzo pausado, transmitiendo una “falsa” sensación de calma momentánea, la cual desaparece en cuanto Dave reza aquello de ¿It Is The End? y el corte va tomando cuerpo y una potencia sonora in crescendo, como pasó en su día con “All My Life”, por poner un ejemplo mega conocido para la mayor parte del público mainstream.
Entonces, con el disco en la mano, viene la pregunta que todo el mundo se hace: ¿Ha cumplido Foo Fighters con lo que se esperaba de su nuevo disco? Tras varias escuchas a conciencia, un repaso completo a su discografía y siendo lo más realista posible, la respuesta es clara: SI. La banda norteamericana vuelve a brillar y deja de lado el “acomodamiento” de alguno de sus últimos trabajos, para dar una versión mucho más efectiva, emotiva y acertada de si mismos.
Polonia siempre se ha caracterizado por ser un país proveedor de gran materia prima dentro del metal extremo. Con grandes referentes que ganaron estatus y popularidad con los años. El nombre más reconocido en la actualidad seguramente sea, Behemoth, que lidera los rankings mundiales con su blackened death metal. Sin embargo, también tenemos a grupos como Decapitated que supieron estar a la vanguardia de la brutalidad con su death metal técnico o Hate, quienes a lo largo del tiempo se convirtieron en una institución representativa del caos y la oscuridad, con su pared sónica de death/black denso y absorbente.
Pero antes que todos ellos, hubo un grupo que supo ser el primero en poner a este país en el mapa mundial. Que desde los 80’, dio forma y moldeó un estilo al cual, a día de hoy, todavía se mantienen fieles. Porque si uno piensa en agresividad, violencia y devastación dentro de la escena polaca, tiene que pensar en Vader.
Fundados y comandados por el guitarrista y cantante Piotr “Peter” Wiwczarek, el conjunto polaco visita la Argentina con un set especial centrado en: Litany, Reign Forever World, Kingdom e Impressions in Blood. Esta presentación tendrá lugar en Marquee Session Bar (Av. Raul Scalabrini Ortiz 666, CABA) el próximo domingo 10 de mayo y contará con la participación local de Dislepsia.
Aprovechando el enfoque de su gira, haremos un pequeño recorrido por la carrera del grupo y especial foco, en las cuatro obras que vienen a interpretar.
Death Metal a la polaca
Comenzaron como una banda de heavy/thrash metal, pero rápidamente se movieron hacia terrenos más extremos y cercanos al death. Su demo Morbid Reich (1990) vendió más de 10.000 copias, un récord para la época, lo que les permitió firmar con el sello británico Earache Records.
Con su debut, The Ultimate Incantation (1992) definieron su estilo veloz, técnico y agresivo. Pero sería en obras como, De Profundis (1995) y Black to the Blind (1997), dónde consolidarían su sonido y se ganarían el apodo de “Slayer polacos”.
A partir de ese punto, Vader se convertiría en sinónimo de perseverancia y compromiso, manteniendo una constancia de trabajo incuestionable y leal al género. Con lanzamientos que supieron adaptar el death metal de la vieja escuela a los tiempos que corren. Y pusieron a la banda como referentes indiscutidos de la barbarie.
Litany (2000)
Posiblemente, su mayor obra maestra junto con De Profundis (1995). Se trata del disco donde Vader encontró el punto culmine de su fórmula, con una estructura rítmica asesina, una batería que va a la velocidad de una ametralladora y solos al servicio del tornado de caos que son las canciones. Sin interludios ni intros de presentación, ni espacios para respirar o descansar. Solo devastación. Una combinación perfecta entre brutalidad y precisión, con grandes clásicos como “Xeper”, “Cold Demons” y uno de sus mayores himnos, “Wings”.
Kingdom (1998)
Este Ep se caracteriza por ser el puente de transición entre su etapa más clásica y convencional haciendo death metal y la que vendría a continuación con una propuesta mucho más acelerada y veloz dentro de su discografía. La batería (a cargo del fallecido Krzysztof “Doc” Raczkowski) empieza a sonar más clínica y precisa. Con un nivel de producción y ejecución similar al de una programada. Por su parte, las guitarras mantienen un estilo más cortante.
“Enhanced Dimension” es el claro ejemplo del avance técnico del grupo aunque también hay lugar para pasajes con una atmósfera opresiva y densa, como en el tema título.
Impressions in Blood (2006)
Una de sus obras más populares. Presenta la particularidad de ser la primera en toda su carrera en incorporar orquestaciones y capas sinfónicas, con el fin de darle más dramatismo y oscuridad a las composiciones. No obstante, el foco principal sigue estando en la velocidad y la agresividad. Con temas mas desarrollados, y un enfoque temático anticristiano.
“Shadowfear” o “As Heavens Collide…” son dos piezas clásicas de la banda, pero sin duda el máximo hit del disco es “Helleluyah!!! (God Is Dead)” que se convirtió en un canto de guerra infaltable en vivo.
Reign Forever World (2001)
Otra muestra de que Vader nunca tuvo miedo de entrar al estudio, ni de seguir sacando trabajos. Lanzado al año siguiente que Litany (2000), este EP funciona como una continuación de su hermano mayor, con canciones que suenan como ráfagas de ametralladora.
Destaca puntualmente por presentar una faceta que se volverìa habitual en el grupo, la de realizar covers. Y es que Vader con los años, ha demostrado saber traer a su terreno, grandes composiciones de otros géneros. En este caso, con “Rapid Fire” de Judas Priest, “Total Desaster” de Destruction, y “Freezing Moon“ de Mayhem.
1914 en Barcelona: “Entre la intensidad y la repetición”
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La noche en la Sala Upload arrancaba con una sensación clara: había ganas de ver a ambas bandas, pero en nuestro caso el foco también estaba puesto en Katla, a quienes ya conocíamos bien. Su disco Scandinavian Pain venía girando fuerte, y había curiosidad por ver cómo llevaban ese sonido al directo. Desde que salieron a escena, el ambiente se volvió denso, con una propuesta directa que no necesitó presentación.
El arranque con “Dead Lover” marcó el tono, con riffs repetitivos que se iban clavando poco a poco. “Grim Jesus” sumó intensidad sin romper ese clima pesado, mientras “Dragonlord” mantuvo la línea sin perder fuerza. Todo sonaba compacto, sin fisuras, con una base rítmica que empujaba constantemente y una voz que aportaba tensión en cada momento. No hubo pausas innecesarias, ni momentos que bajaran el nivel.
El cierre con “Satan” y luego “Taurus” terminó de confirmar lo que ya era evidente. Katla fue una aplanadora de principio a fin, con un sonido que llenó la sala y una ejecución sólida en todo momento. Incluso con la participación de un guitarrista invitado en el tramo final, la sensación fue de una banda que domina su propuesta y la lleva sin dudas al escenario, dejando una de las actuaciones más contundentes de la noche.
El turno de 1914 llegó con una puesta distinta, más centrada en lo conceptual. La introducción con “War In” dio paso a “FN .380 ACP#19074”, donde ya se notó un sonido fuerte y bien armado. La banda transmite bien su idea, con una estética marcada y un enfoque claro en lo que quiere contar, apoyándose en una ejecución firme desde lo musical.
A lo largo del set, con temas como “Vimy Ridge”, “1916 (The Südtirol Offensive)” o “1917 (The Isonzo Front)”, mantuvieron una intensidad constante. Sin embargo, esa misma continuidad hizo que por momentos el show se volviera algo monótono. Todo sonaba correcto, pero faltaron matices que rompieran la dinámica y generaran distintos climas dentro del concierto.
Entre canciones, el discurso tomó bastante protagonismo. Frases como “Fuck Imperialism”, “Fuck War” y “Fuck Putin” aparecieron más de una vez, junto con el pedido de apoyo a Ucrania y la presencia de una urna para recaudar dinero en la zona de merchandising. El mensaje se entiende y es válido, pero su repetición terminó afectando el ritmo del show, sumando una sensación de reiteración que también se trasladó a lo musical.
Serpent: “La magia ocurre cuando alguien escucha el disco y se siente menos solo”
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Desde su nacimiento en 2017, Serpentha transitado un camino de transformación constante, dejando atrás etiquetas como el post-hardcore para abrazar una identidad más libre, cruda y honesta. En esta entrevista, la banda reflexiona sobre su evolución, su relación con la agresividad y la emoción en la música, y su firme postura crítica frente a una escena dominada por lo efímero. Con su nuevo trabajo Absolutisme Zen, Serpent no solo reafirma su esencia, sino que también plantea una mirada incómoda y necesaria sobre el mundo actual.
– Serpent comenzó en 2017 dentro de la etiqueta post-hardcore. Hoy, esa etiqueta parece innecesaria. ¿Cómo describiríais la evolución de la banda desde aquellos primeros días hasta el presente?
Sergi: Pues no hace mucho, pero parecen otros tiempos totalmente distintos. La cosa ya empezaba a estar de capa caída en el underground musical pero todavía había esa inercia de la época de vacas gordas en que en Barcelona nos podíamos permitir hacer varios conciertos a la vez en la ciudad y cada uno tenía su nicho. Las bandas de guitarras se etiquetaban en géneros, subgéneros y más allá. Visto desde ahora me parece un poco excesivo y si, ahora mismo innecesario. El espíritu de la banda hoy en día sigue siendo el mismo, queríamos ubicarnos a la sombra del hardcore para que nadie nos pidiese cumplir con ciertos estándares del género y poder hacer lo que nos diese la gana.
Fran: Lo mejor de estos años ha sido “curtir el lomo”: después de tantas alegrías y algún que otro bofetón, hemos aprendido a disfrutar de toda situación, buena o mala. Eso nos ha ayudado a perder el respeto a las etiquetas. Al final, preferimos el error a seguir un manual de instrucciones.
Marc: Yo creo que la banda ha ido evolucionando y liberándose de etiquetas pero con el mismo espíritu de siempre.
– Vuestro sonido combina riffs crudos con momentos más introspectivos y dinámicas complejas. ¿Cómo encontráis el equilibrio entre agresividad y matices en la composición?
Sergi: La agresividad y la emoción son cosas que han estado ahí en todos los grupos de punk-rock y de hardcore que hemos tenido. Y creo que, personalmente, si no pudiese expresar eso no me interesaría hacer música. Anteriormente lo hemos expresado con la ganancia a tope y ritmos más rápidos. Ahora de una forma más libre y abierta. Y aun así, a mi personalmente me parece lo más antisocial y agresivo que he hecho.
Eric: Cuando ensayamos la demo sólo éramos Sergi y yo, y sólo había guitarra y batería. Por aquel entonces no tenía la más remota idea de como Sergi sería capaz de cantar encima de esos riffs y compases rotos. No fue hasta la grabación que escuché las voces, y creo son las que consiguen equilibrar la propuesta. Son agresivas y rabiosas pero añaden un toque melódico que consiguen aligerar el caos, la pesadez y complejidad de la parte instrumental. Quizá en este disco no es tan evidente porque quizá es un pelín más básico o menos raro, pero creo que la voz es fundamental para conseguir ese equilibrio, y también es un elemento que tenemos muy en cuenta para definir que tocamos cada uno en su instrumento.
Fran: Creo que es la parte más divertida de ensayar: ver cómo una demo de Sergi se convierte en una canción orgánica. A veces bromeamos con que el proceso es como un videojuego donde nos enfrentamos a enemigos cada vez más complejos.
Marc: La agresividad está bastante presente en las composiciones de Serpent, y el equilibrio… quizá aparece cuando entra la voz o la melodía, pero es un equilibrio tenso.
– La crítica social y la mirada crítica son constantes en vuestro trabajo. ¿De qué manera esa perspectiva influye en la música antes que en las letras?
Sergi: Creo que va junto, es una vía de escape. Tenemos nuestras vidas y nuestros trabajos, vivimos en un mundo que cada día esta mas raro y el grupo es algo que tenemos para desahogarnos. La magia va a ocurrir si alguien escucha este disco, con sus letras y su mensaje, y eso hace que se sienta menos solo. Esa alquimia es lo que me ha ido pasado a mi siempre al escuchar discos y es el motor que me hace seguir.
– En algunos sectores se cuestiona la relevancia del rock y el hardcore en la actualidad. ¿Os sentís fuera de época o buscáis precisamente desafiar eso?
Sergi: No creo que se cuestione la relevancia, pero sí es cierto que la música hecha con guitarras y tambores ya no predomina en las nuevas generaciones. Hay muchos motivos y no soy sociólogo pero si pienso en mí mismo cuando empecé me viene a la cabeza cosas como aburrimiento, amistad e idealismo. Era lo que hacías si eras un joven inquieto, hacer un grupo con tus amigos y prenderle fuego a todo. Incluso con cierto bullying ridiculizante a quien quería petarlo de forma artificial, ser famoso o se autoproclamaba solista. Lo que veo ahora es un flujo incesante de estímulos rápidos y baratos, individualismo y resultadismo. Obviamente no está todo perdido, pero las cosas interesantes (que las hay) que salen en el submundo musical no logran tener la suficiente fuerza para inspirar y cambiar el sentido del ciclo actual.
Eric: El Rock y todas sus variantes siempre tendrán su peso aunque ahora no se le preste la atención que seguramente merece. Esto lo explica muy bien Billy Corgan en una entrevista diciendo que desde finales de los 90, los medios empezaron a dejar de lado a los grupos de rock en favor de los grupos de rap, y no precisamente porque sus cifras fueran malas. El hardcore lo fué y lo sigue siendo: de Inside Out salió Rage Against the Machine que se hicieron un hueco en el mainstream, y la MTV igual te los mezclaba con Maria Carey, Ace of Base, Metallica, Blur o Madonna, y cuantos documentales hemos visto con Dave Grohl alardeando de que él estuvo ahí cuando Bad Brains o Descendents daban sus primeros pasos… Se puede decir que el mainstream era más plural y combinaba cosas pop súper comerciales y ligeras con otras más duras y críticas hasta que dejó de interesar. Lo que entonces viró hacia el rap (el de celebrities eh? no el de N.W.A. y su “Fuck the Police” para entendernos), ahora está centrado en lo urbano y lo latino, y todo es demasiado diferente, sin ir más lejos, la MTV ya ni existe, la difusión, el alcance o la influencia de los medios tradicionales en el ámbito cultural es mínima, el valor de las bandas se mide en followers y en escuchas, y el que te filtra y sugiere los contenidos de forma personalizada son los algoritmos de google o meta… Grupos como nosotros siempre hemos sido bastante irrelevantes si entendemos que nuestro valor se mide en términos de cifras y popularidad. Siempre hemos estado muy lejos de esta idea.
Fran: Sobre todo en este país, la cultura musical se mueve a una velocidad tan absurda que la lentitud y el reposo que exige el rock o el hardcore ya no parecen bienvenidos. Está claro que estamos fuera de época, pero es que tampoco tenemos ninguna intención de formar parte de la ‘nueva era’. Preferimos la artesanía frente a lo efímero.
Marc: Creo que andamos bastante al margen de todo esto y nos da bastante igual si el rock o el hardcore hoy en dia son relevantes o no. Para mi, mientras la música sea incomoda y transmita algo ya me está bien.
– El título del disco, Absolutisme Zen, sugiere un contraste entre control y calma. ¿Cuál es la idea que queríais transmitir con este concepto?
Sergi: Es más bien sobre como nos han convertido en bestias insensibles para que ya no nos sorprenda nada. Una barbaridad tapa la otra y cada una de ellas es trending topic durante 5 minutos.
– Singles como “Hemos vaciado la sala” o “Viejo y cabreado” tienen historias muy específicas. ¿Qué queréis que el oyente perciba más allá del trasfondo anecdótico?
Sergi: En este caso los dos son temas de duelo absoluto. En el caso de Vell i cabrejat tiene una mirada un pelin más romántica y crepuscular sobre envejecer y encontrar tu sitio. Dejar ir, y no dejarte arrollar por cualquier mierda que venga. Hem buidat la sala es un tema que habla más de la nostalgia tóxica de nuestra generación y de cómo estamos contentísimos viendo grupos “de la época” arrastrándose en grandes eventos mientras las salas, los clubes, los csa/cso cierran uno a uno.
– Musicalmente habéis incorporado guitarras a media distorsión y baterías más resonantes. ¿Fue una decisión consciente para reforzar la agresividad o buscabais nuevos matices?
Sergi: Queríamos que sonara analógico y real. Necesitábamos que las guitarras y bajo fueran orgánicas y con la distorsión justa para que se apreciasen los matices, y la batería tenía que sonar natural para no aplastar todo en una mezcla contundente pero vacía. Estamos contentos porque hemos conseguido que suene como un tiro sin que suene agotador o demasiado distorsionado/comprimido. Y si, hemos buscado desde el principio que sea así.
Fran: es una decisión purista: dejar que las válvulas hicieran todo el trabajo rozando el colapso. No buscábamos ‘distorsión’ estándar, sino la respuesta cruda de un amplificador que suena enfadado. Es una agresividad más real, menos procesada.
– La producción y grabación la habéis manejado vosotros junto a Marc Bòria, Xavi Escribano y Albert Ibarra. ¿Hubo algún conflicto creativo durante el proceso que haya marcado la personalidad final del disco?–
Sergi: Para nada. Todos son amigos y nos han ayudado a conseguir el disco que queríamos. Por nuestra parte teníamos el disco muy definido en cuanto a composición y sonido.. Personalmente me he sentido super arropado en el proceso.
Fran: Xavi, Marc y Albert ya formaban parte del universo de Serpent mucho antes de este disco. Son amigos que nos han acompañado en la furgoneta y nos han ayudado a definir nuestro sonido en directo; todos ellos han sido técnicos nuestros en algún concierto, así que saben perfectamente dónde está el ruido que buscamos. Como dato más nerd, para esta grabación cambiamos la dinámica: grabamos las dos guitarras canción por canción, para mantener la tensión de cada tema. Renunciamos a cualquier red de seguridad —sin DI ni opción a reamplificación—, apostando por lo que salía del amplificador en ese momento. Y para la mezcla, decidimos darle una perspectiva externa al proceso con Santi García.
– Algunas letras, como “El himno nacional”, tocan temas muy delicados de política y sociedad. ¿Os preocupa la controversia que puedan generar o la consideráis parte de la función del arte crítico?
Sergi: A veces me siento un marciano cantando cosas fuertes en catalán. Se han dicho cosas desde la música extrema, pero en nuestro caso se entiende claramente porque tampoco gritamos tanto ni tenemos un sonido tan denso. No me siento pionero de nada, solo pienso que deberíamos empezar a andar el camino de expresar frustración y conflicto bruto en catalàn. Sin poetizar tanto, sin la necesidad de ocultarse tras letras sobre ríos o montañas y sin ese tufo de esplai buenrollista que parece que lo impregna todo. Si alguien se ofende con l’Himne Nacional, que es una canción 100% antifascista, apaga y vámonos.
Eric: entiendo que la canción empieza fuerte , pero si pasas de las cuatro primeras frases y tienes un mínimo de comprensión lectora dudo mucho que genere controversia porque el mensaje queda claro. Tratamos un problemón político-social de alcance global, pero ponemos el foco en el mal de proximidad para señalar que la identidad catalana no nos sitúa por encima de nadie si tus pensamientos e ideales políticos son de extrema derecha.
Marc: no creo que genere mucha controversia, de hecho normalizamos muchas cosas peores. Está bien utilizar un lenguaje más crudo y directo, que la verdad y como dice Sergi, en catalán no abunda.
– Con la salida de Absolutisme Zen, ¿tenéis ya fechas confirmadas para presentaciones o giras y qué diferencia habrá respecto a anteriores shows?
Sergi: Sí, hay concierto confirmado en Barcelona el 25 de abril, y en Junio hay 4 conciertos. Luego pararemos en verano porque el sol nos sienta mal y tenemos cosas familiares y a partir de septiembre intentaremos montar más cosas. A nivel del “nuevo show”, creo que nuestra esencia nos impide pensar en “el nuevo show”. Quizás ambientamos un poco más todo, y obviamente habrán muchos temas del nuevo disco. Pero, al contrario que lo que pretende el show business, me gusta inspirar con contenido no con adornos.
Fran: No somos de cerrar el calendario a un año vista. Nuestras redes sociales son el mejor sitio para no perderse futuras fechas. Lo que sí os aseguramos es eficiencia: vamos a meter un repertorio más largo en el mismo tiempo. Además, hemos renovado la zona de merch (ahora con más luz y nuevos productos), donde siempre encontraréis a alguien de la banda —normalmente a Sergi— dispuesto a charlar un rato.
– En vuestros conciertos se aprecia un rechazo a “ejercicios de estilo inofensivos”. ¿Cómo se traduce eso en la experiencia del público en directo?
Sergi: También es esencial en la banda. No somos un grupo que quiera ser otro grupo. O que se disfrace como grupos de una escena determinada de otro continente. No hay coreografías, discursos precocinados ni nunca nos hemos cuestionado la imagen que debemos dar. Fluimos con la energía de cada concierto porque es nuestro momento, no es una representación teatral. Sí que es verdad que tenemos una clausula de “savoire faire” que nos impide llevar merch propio puesto en público. O sea podemos bajar la basura con una camiseta de Serpent pero poco más.
– Finalmente, para quienes aún no os han visto, ¿qué puede esperar alguien que asista a un concierto de Serpent y qué queréis que se lleven tras la experiencia?
Sergi: Creo que te he contestado con alguna pregunta anterior, pero es eso. Saldremos a tocar, diremos alguna cosa, nos iremos y estaremos encantados de hablar con todo el mundo que quiera hablar con nosotros y de tejer nuevos vínculos.
Fran: y que se preparen para volumen, mucho volumen; como tiene que ser en un concierto de rock. Que el público se lleve secuelas, una experiencia con efectos secundarios.
Sold Out en Barcelona para Robert Jon & The Wreck
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El concierto de Robert Jon & The Wreck en Barcelona ha colgado el cartel de entradas agotadas, confirmando el gran momento que atraviesa la banda californiana en su gira europea. La actuación, prevista para el 29 de abril de 2026 en la Razzmatazz 2, se enmarca dentro del tour de presentación de su último trabajo Heartbreaks & Last Goodbyes, un disco que ha consolidado su creciente base de seguidores en el continente.
El éxito en Barcelona no es un hecho aislado. Según diversas fuentes, la gira española del grupo está registrando llenos prácticamente en todas sus fechas, reflejo de una trayectoria ascendente basada en el boca a boca y en la potencia de sus directos. Su combinación de rock sureño, soul y guitarras eléctricas ha ido conquistando público ciudad tras ciudad, en una ruta que también ha pasado por Bilbao, Madrid o Málaga antes de su parada en la capital catalana.
Formados en 2011, Robert Jon & The Wreck han construido su reputación a base de giras constantes y una conexión muy directa con el público. Este sold out en Barcelona reafirma su estatus como una de las bandas más sólidas del circuito rock actual y anticipa una noche intensa en la que se espera un ambiente cargado de energía, sudor y grandes canciones, en línea con el espíritu de un grupo que no deja de crecer sobre los escenarios europeos.
Inferies una banda veterana de la escena del Death Metal estadounidense, siendo este Heaven Wept su séptimo álbum de estudio y su tercera o cuarta reencarnación, ya que se trata de una de esas bandas que ha sufrido muchos cambios de formación y diversas crisis, pero, eso sí: siempre remontan el vuelo. Y lo agradecemos, porque suenan realmente bien.
Actualmente el único miembro que permanece desde sus inicios es su guitarrista Malcolm Pugh (quien ha hecho de todo por la banda, pasando por tocar el bajo e incluso cantar). Según Pugh, el nombre del grupo proviene de la saga de libros de Harry Potter, haciendo referencia a estos cadáveres reanimados por Lord Voldemort para servir como soldados y carne de cañón.
La portada del disco, demoníaca y con aire clásico tiene un cierto toque de optimismo ¡el caballero se está ventilando limpiamente a las pesadillas aladas pese a estar totalmente rodeado!
En España no son excesivamente conocidos, pero me consta que han cosechado bastantes nuevos fans durante su reciente visita en febrero de 2026, junto a Cryptopsy, 200 Stab Wounds y Corpse Pile, completando en tres fechas un cartel muy redondo para los amantes del Death Metal.
Rodeados de este elenco, podemos hacernos una idea de lo que Heaven Wept nos viene a ofrecer: Se trata de canciones muy técnicas y virtuosas, rápidas y contundentes, de cuatro a seis minutos de duración y con abundancia de solos e incluso duelos de guitarra absolutamente memorables entre Pugh y Kumar, como el que encontramos justo para cerrar el disco: casi al final de “Godless Sky”. En esta etapa prescinden de bajista.
“Feed me your fears” es quizás la pista que más me ha impresionado por su calidad, con referencia al lick más famoso del mundo incluida. Otra referencia divertida es la que adorna “Atonement Denied” que recuerda a la canción “I Got 5 On It” de Luniz, un guiño al hip-hop de los 90. Y es que Inferi deja traslucir su humor en muchos detalles, como en el videoclip de “The Rapture of Dead Light” sobre la caza de un Bigfoot metalero.
Las letras por su parte no son en absoluto humorísticas, sino que tratan los temas oscuros clásicos del género. Macabros y con imaginería para-religiosa. La canción homónima del disco es una interpretación angustiosa del mito del diluvio universal.
La voz de Stevie Boiser, es muy de mi agrado. No muestra ningún limpio en este trabajo pero tiene al menos dos registros guturales y, en su versión aguda, me ha recordado por momentos a la de Nicky “Scorpion” Callone en los primeros discos de Nekrogoblikon. Por cierto, dato curioso: el batería actual de esa formación (Eric W. Brown) formó parte de Inferi en sus primeros años. Intuyo que han debido mantener una buena relación ya que ambas bandas salieron de gira en 2023 con el Goblin Mode Tour, junto con Æther Realm y Hunt the Dinosaur. Todos ellos también afines a la propuesta de Inferi.
Otras influencias que podemos encontrar en su sonido serían las clásicas The Black Dahlia Murder, Cradle of Filth o Dimmu Borgir, en clave de Tech Death.
Si eres fan de alguna de las mencionadas, quizás descubras que Inferi es para ti. ¡Ay… el profesor Flitwick estaría tan orgulloso!
La visita de Hamleta la sala Salamandra de Barcelona volvió a confirmar que su relación con el directo sigue siendo uno de sus mayores activos. Sin necesidad de artificios excesivos, el grupo madrileño salió a escena con una propuesta centrada en la contundencia y en un repertorio bien equilibrado entre distintas etapas de su carrera. La sala presentó una buena entrada, con un público entregado desde los primeros minutos y dispuesto a acompañar cada tema sin apenas descanso.
El arranque del concierto fue directo, sin rodeos, con “Antes Y Después” marcando el tono de la noche. Desde ese momento, la banda mostró un sonido sólido y compacto, apoyado en la pegada de su base rítmica y en unas guitarras especialmente afiladas. Temas como “Queda Mucho Por Hacer” y “Limítate” mantuvieron la intensidad alta, mientras que las primeras incursiones en su material más reciente, como “Acto De Fé”, sirvieron para integrar con naturalidad los cortes de Inmortal dentro del setlist.
Uno de los aspectos más destacables fue la variedad del repertorio, con guiños a diferentes discos sin centrarse únicamente en una etapa concreta. Canciones como “En Mi Piel” o “Estigmatizado” funcionaron con solvencia, mientras que piezas más introspectivas como “Vivo En Él” aportaron matices distintos dentro de un concierto dominado por la contundencia. La banda apenas dio tregua entre temas, apostando por un ritmo constante que evitó cualquier bajón en la atención del público.
El tramo central del concierto estuvo marcado por algunos de los momentos más coreados, con “Denuncio A Dios” y “Paz Y Amén” desatando una respuesta inmediata entre los asistentes. La conexión con la audiencia fue evidente, especialmente en clásicos como “Tortura-Visión” o “No Sé Decir Adiós”, donde la sala respondió con intensidad. Incluso los temas más recientes, como “Tempestad”, encontraron su espacio sin romper la dinámica del concierto.
En la recta final, Hamlet apretó aún más el ritmo con “Egoísmo”, “Tu Medicina” y “J.F.”, antes de encarar unos bises que mantuvieron el nivel de energía. “Imaginé” aportó un pequeño respiro antes del cierre definitivo con “¿Qué Voy A Hacer?” e “Irracional”, dos temas que terminaron de encender a una sala completamente implicada. La banda se mostró firme durante toda la actuación, sosteniendo un directo compacto y sin fisuras.
Tras un gran debut como fue el EP Far Galaxy, la banda sevillana Kaelis, vuelve este 2026 con su nuevo trabajo Stellar Waves, para demostrar que a veces, si miramos dentro de nuestras fronteras, podremos encontrar grandes bandas de un estilo, sin necesidad de estar pendientes de lo que hacen los países vecinos.
Tras la épica introducción que le da título al disco, la banda arranca con todo en “Rising Empire”, el primer adelanto que pudimos escuchar del álbum y donde los chicos certifican mis palabras escritas al comienzo de la reseña y es que la calidad presentada aquí nada tiene que envidiar a bandas de fuera, los arreglos son exquisitos y logran esa épica propia del metal sinfónico que han popularizado bandas como Épica, pero sin caer en la mera imitación de los neerlandeses y esto a que se debe?
Pues sobre todo al binomio vocal que Kaelis tiene como carta ganadora ya que Bethany Neumann y Álvaro Montalbo Laffón, desempeñan con gran destreza y personalidad sus labores vocales complementándose más que bien en todas las canciones del álbum.
“Dark Shadows, es la siguiente invitada y el último single del disco antes de su publicación el pasado 9 de abril de este 2026, un tema redondo por donde lo mires, con una base rítmica potente pero cuidada, la cristalina voz de Beth que suena cada vez mejor y se complementa con el sonido más cañero y metalero de Álvaro, adornándose de teclados que ya quisieran para si mismos Elettra Storm, por citar una banda actual.
La guinda es el doble solo entre Adrien Fowl y Carlos Castrejón, para redondear una de las mejores canciones del álbum y de Kaelis hasta la fecha.
Los que seguimos los pasos de la banda sevillana, ya conocíamos desde hace bastante temas como “Omen” y “Strength of Sianark”, siendo el primero uno de los más modernos y sorprendentes con una base bastante particular, pero absolutamente pegadiza y la segunda algo más en la línea marcada por este nuevo trabajo.
Con “Phoenix – From the Ashes”, abrimos la segunda mitad del disco y aquí si podemos ver la ambición de la banda por no solamente mejorar (aún más) lo ofrecido en su debut, si no dar un paso adelante en su evolución musical como grupo y vaya si lo consiguen, esta suerte de “medio tiempo”, con tintes melancólicos y de una calidad impecable, muestra como Kaelis son capaces de expresar mucho sin necesidad de tocar a toda velocidad, no a veces un buen conjunto instrumental sumado al gran tratamiento de las voces, hace una más que notable pieza.
Y para romper una nueva lanza en favor de los sevillanos, cortes como este son de los que ya quisieran para si mismos bandas como Temperance o la versión actual de Sirenia, sin duda ni debate alguno.
Pero la fuerza vuelve y con ella, otra joyita dentro del álbum como es “Under Cosmos Siege”, con Álvaro mostrando su lado rudo y cañero, en contraposición a la delicada voz de Bethany, con unos teclados muy “nórdicos” y una base rítmica muy cañera pero que no opaca al dueto entre ambos cantantes.
El final es simplemente apoteósico y con una delicadeza que pone los pelos de punta al oyente desde el primer momento en el que Beth empieza a cantar así suave y melódico.
Kaelis han sabido condensar en un solo disco, todas sus influencias, darles el toque épico y cuidado que necesitan y mejorar lo ofrecido hasta el momento, dando un golpe sobre la mesa dentro del metal sinfónico hecho en nuestro país, no sabemos donde los llevará este disco, pero si todo apunta en la dirección que parece, Kaelis están a punto de entrar en las grandes ligas y si no al tiempo, porque aquí hay un diamante con muy poquito que pulir ya y que brilla con luz propia.
Periphery publica el videoclip de “Everyone Dies Alone”
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La banda norteamericana de djent/metalcore moderno progresivo, Periphery han estrenado “Everyone Dies Alone”, single extraído de su nuevo disco A Pale White Dot, el cual llegará a las tiendas el próximo 15 de mayo a través de 3DOT Recordings.
El disco llega tras casi 4 años sin material nuevo y contendrá las siguientes canciones:
1. Obsession 2. Talk 3. Mr. God 4. Heaven on High 5. Unlocking 6. Subhuman (FT. Will Ramos of Lorna Shore) 7. Blackwall 8. Malevolent 9. Carry On 10. Neon Valley 11. Everyone Dies Alone 12. A Pale White Dot
Dödsrit y Lamp Of Murmuur traerán una noche oscura y abrasiva a Copenhague
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La escena extrema se prepara para una descarga intensa el próximo 13 de mayo, cuando Dödsrit y Lamp Of Murmuur aterricen en Copenhague con una propuesta que promete sumergir al público en una atmósfera cruda, oscura y profundamente envolvente. Ambas bandas, cada una con su identidad marcada dentro del black metal contemporáneo, se unen para ofrecer una velada que apunta directo a los seguidores de los sonidos más viscerales.
El encuentro tendrá lugar en Spillestedet Stengade, un espacio clave para la escena underground de la ciudad, ideal para este tipo de experiencias donde la cercanía y la intensidad juegan un rol fundamental. Se espera un ambiente cargado, donde la energía fluya sin filtros y cada banda pueda desplegar todo su peso emocional y sonoro.
En esta ocasión, no se han anunciado bandas teloneras, lo que deja todo el protagonismo en manos de los actos principales. Esto anticipa una noche compacta pero contundente, centrada en dos propuestas que, aunque diferentes en matices, comparten una visión artística intensa y sin concesiones.
Las entradas ya se encuentran disponibles y pueden adquirirse a través de tickets. Dada la naturaleza del evento y el culto que rodea a ambas bandas, se recomienda asegurar lugar con antelación para no perderse una de las citas más extremas del mes en la capital danesa.
Korn publica “Reward The Scars” , su primer single en cuatro años
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Las leyendas del metal alternativo Korn han estrenado “Reward The Scars”, el primer tema que los californianos publican en cuatro años, desde el lanzamiento de su último y gran trabajo (os guste o no) Requiem, el cual fue un soplo de aire fresco dentro de los últimos discos que estaban lanzando los comandados por Jonathan Davis.
El tema forma parte de la banda sonora del popular videojuego Diablo, en este caso en su cuarta versión Diablo IV y en concreto a la expansión del mismo “Lord of Hatred”.
La canción cuenta con dos particularidades, la primera es que mantiene el sonido de los últimos discos de Korn, con un ritmo pesado, aunque con el gancho suficiente como para atrapar al gran público y la segunda es que es la primera canción que la banda graba sin Fieldy, su talentoso (y a la vez atormentado) bajista original, quien dejó la formación en 2022, siendo reemplazado por Roberto “Ra” Diaz, en directo.
Los hard rockeros australianos Airbourne finalmente han confirmado que su nuevo disco homónimo llegará a las tiendas el próximo 28 de agosto de la mano de Spinefarm Records y lo hará tras seis años desde su último trabajo Boneshaker, el cual los hizo girar por medio mundoy acompañar a bandas tan legendarias como Iron Maiden en ciertos tramos de la gira que la Doncella de Hierro realizó en el viejo continente.
1. Gutsy 2. Alive After Death (Last Plane Out) 3. Here She Comes 4. Kid In A Candy Store 5. Sky High 6. Who Put The Rhythm In You? 7. Christmas Bonus 8. Last Man Standing 9. Rock’N’Roll Ya 10. Bogotá 11. Hells Got No Vacancy 12. Send Me To Rock’N’Roll Heaven
Y podéis reservar el formato que más os guste AQUÍ.
Para ir calentando motores de cara a este esperadísimo trabajo, podéis ver y escuchar como suena “Alive After Death (Last Plane Out)”, el nuevo single de la banda a continuación:
Torger (Godsnake): “Esto es lo que hacemos, con total honestidad”
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Los “thrasheros melódicos” Godsnakevienen haciéndose un camino lento pero constante en el metal europeo, primero tocando en su natal Alemania para luego expandirse a otros lugares en Europa. Con su tercer álbum Inhale The Noise a punto de salir a través de Massacre Records, fue una buena oportunidad para sentarnos a hablar con su cantante Torger Neuhaus, quien nos prestó su tiempo para hablar del presente de la banda, los inicios del grupo y el futuro del mismo, además del estilo, lo que es hacer música, las etiquetas que se le ponen a los sonidos y el significado detrás de la portada del álbum-.
Antes que nada, te agradezco por esta entrevista. Quería preguntarte, ¿cómo vienen las cosas con Godsnake? Sé que las bandas tienen que promocionar y presentar su nuevo álbum, es como que están bastante ocupados, me imagino.
Sí, estamos… digamos… en la fase más intensa ahora, porque el álbum se va a lanzar en dos semanas, el 17. Y… nunca es suficiente, así que empiezan a llegar entrevistas, pedidos, y estamos haciendo mucho material de promoción, todo lo que se puede hacer. Y eso nos gusta mucho, por supuesto, porque está buenísimo poder difundirlo.
Sí, obviamente. Me imagino que tener que hacer, no sé, como 500 entrevistas… yo no lo viví, pero debe ser agotador.
No, todavía no es tanto… pero…
Todavía no, claro. Pero imaginate, no sé… Metallica o ese tipo de bandas…
Para este tipo de entrevistas trato de buscar la mayor cantidad posible de otras entrevistas, en distintos sitios, canales de YouTube y demás, y creo que… esta puede ser la primera entrevista de Godsnake que se publique en español. Encontré un pa de reseñas, pero no hay entrevistas en español. Ni siquiera encontré tantas entrevistas en inglés, al menos escritas. La mayoría están en alemán, y creo que encontré una en griego.
Sí.
Entonces, para nuestra audiencia, la audiencia de habla hispana, esta puede ser la primera vez que escuchen sobre ustedes. Así que… ¿cómo te gustaría describir el estilo de Godsnake? ¿Cómo describirías a la banda?
Muy buena pregunta. Cuando firmamos con Massacre Records, nos preguntaron justamente eso: cómo definiríamos nuestro estilo, qué tipo de música hacemos, y siempre es difícil… sí, es difícil ponerle un nombre preciso, pero… al final decidimos que se podría decir que lo llamamos “thrash metal melódico”.Porque no somos una banda de thrash metal como Overkill o Onslaught. No estamos haciendo eso todo el tiempo.
Claro, sí, sí.
Y… lo que realmente nos gusta es la combinación con algunas melodías cuando llegamos al estribillo. Algunas líneas pegadizas que se te quedan. Nos gusta la pesadez, esa parte más centrada en riffs del thrash, combinada con algo más melódico, por decirlo así. Lo que realmente nos gusta es la combinación con algunas melodías cuando llegamos al estribillo.Entonces… diría que vas a encontrar fans del thrash metal que digan “uh, ustedes son unos blandos”. Pero… por otro lado… no nos importa. Al final es heavy metal, y listo. Pero había que ponerle un nombre, así que eso es lo que hacemos. Incluso volvimos a tener esta discusión cuando salió el tercer álbum: “¿lo dejamos como thrash metal melódico?”. Y llegamos a la conclusión de que sí. Lo dejamos como está.
Sí, he visto algunas bandas que se describen como thrash metal melódico, pero no parece ser algo realmente distinto. No es como cuando decís “death metal melódico”, que es otro género más definido.
Sí, sí, sí.
Pero sí, coincido en que los estribillos melódicos son una de las partes más importantes del sonido de Godsnake. Cuando estaba buscando material sobre la banda, encontré una reseña donde el tipo esperaba escuchar una banda de thrash metal más tradicional, hablando del primer álbum… Y decía algo así como: “no me gustan los estribillos melódicos, porque suenan como… no sé bien… como una banda de metalcore”. Creo que lo comparaba con ese tipo de bandas. Pero era medio gracioso. Igual sí, thrash metal melódico es una forma perfecta de describirlos.
La banda existe desde hace más de una década. Creo que aparecieron por primera vez alrededor de 2014, pero es en los últimos 5 o 6 años donde parece que lograron establecerse más, como algo más… no sé si decir profesional, pero sí más consolidado, sacando más material. ¿Cómo pasó eso? ¿Cómo fue que empezaron hace más de una década, pero en estos últimos años lograron consolidarse?
Sí… cuando empezó la banda… Stevo es el miembro original, digamos el fundador. Cuando empezó la banda… sí, fue en 2014. En ese momento no teníamos nombre, entramos al estudio con Lasse Lammert también, grabando el primer demo, y estando en el estudio, Lasse preguntó: “¿cómo lo guardo en la compu? ¿Cuál es el nombre?”. Y todos dijeron: “No tenemos nombre todavía”.Entonces Lasse tiró: “¿qué tal Godsnake?”. Esa es la versión corta de la historia.
Mmm… sí. Suena bastante potente.
Sí, sí, fue divertido. Pero bueno, yo me uní a la banda más o menos medio año después.Y después hubo algunos cambios de formación… llamémoslo así. Sasha fue reemplazado porque tuvo que mudarse por trabajo, el bajista Thomas también tuvo que irse por distintas prioridades.Entonces, diría que fue alrededor de 2016 cuando realmente nos consolidamos como grupo, con Sidney y el resto… y ahí… empezamos a crecer juntos. Diría que… sí, fue entre 2017 y 2018 cuando decidimos encarar esto de una manera más enfocada, con intenciones claras, por decirlo así.Ya no era simplemente “toquemos música cool”, sino “hagamos música buena, grabémosla y publiquémosla”. Así que sí, tenés razón en que son los últimos 6 años, quizá un poco más, los que se sienten más ambiciosos. Y después nos concentramos en el primer álbum… y seguimos un ritmo bastante normal, digamos, de cada dos o dos años y medio.Fuimos sacando nuevo material, y ahora estamos con el tercer álbum.
Claro.
Así que… para resumir, diría que lo principal fue encontrar a las personas adecuadas, que todo encajara, y llegar a ese punto en el que decís: ahora somos una banda completa, sabemos lo que queremos hacer.
Sí… claro, hay que encontrar a las personas indicadas.
Y bueno, ahora… cuando hablaba de estar más enfocados en la banda, me refería más que nada al primer álbum. Y ahora ya están en el tercero, Inhale the Noise. ¿Cómo lo describirías? ¿Qué podés decir de este disco?
Durante la grabación, Lasse, el productor, nos dijo: “chicos, esta vez están un poco más thrash, incluso más agresivos”.Y nos pusimos a pensarlo, porque antes de empezar a grabar sí habíamos discutido si debíamos enfocarnos en algo en particular o no… pero al final llegamos a la conclusión de que no, que simplemente lo íbamos a dejar fluir.Elegimos las canciones que mejor encajaban, las que más nos gustaban y donde las mejores ideas se juntaban.Y bueno, si hay que ponerle un nombre, diría que… tiene muchas partes más thrash, especialmente en las estrofas. Y… también hay como una media balada, lo cual está bueno.Pero en general es un disco un poco más directo, más frontal.Y con un mensaje más claro. Leí una reseña donde alguien decía que ahora estamos más enfocados, y pensé… bueno, siempre es interesante ver cómo lo percibe la gente.Decía algo así como que estamos más precisos. Lo escribió en alemán. Y pensé, sí, puede ser… porque ese era el ánimo que teníamos.
Claro.
Me acuerdo cuando teníamos el tema “Inhale the Noise”, el track que da nombre al disco, que es bastante compacto. En una primera versión, Stevo dijo que no estaba tan seguro.Pero después empecé a trabajar en la letra y las líneas vocales, y ahí quedó claro que tenía que ser uno de los temas principales.Y eso pasa mucho en el proceso, cómo van cambiando las cosas.
Sí, a veces empezás con una idea y pensás “esto capaz no funciona”, y todavía ni escuchaste al cantante… ¿Cómo es el proceso de composición en Godsnake?
En general, Stevo trae… más que nada, una canción casi completa. Podríamos decir que él está en su casa y… la fuente de creatividad fluye, ¿no? Entonces graba maquetas ahí mismo… Después generalmente me las manda, y yo empiezo a aportar mis ideas. Y en el mejor de los casos probamos las canciones en la sala de ensayo con toda la banda. Y vemos qué funciona y qué no. Ese sería el escenario ideal. Aunque también tuvimos una o dos canciones que nunca tocamos en vivo antes de grabarlas, y aun así funcionaron muy bien. Pero en general es Stevo quien trae la idea completa, y después yo me encargo de arreglar mis partes y escribir las letras.Y claro, a veces también tiro ideas tipo “esta parte no funciona”, “esto hay que duplicarlo”, “esto es muy largo”… cosas así.Pero básicamente ese es nuestro trabajo, y después lo discutimos con toda la banda cuando probamos los temas en la sala. Y dejamos que todo… se asiente, por decirlo de alguna forma.
Sí, claro. Entonces hablás del grupo completo, y corregime si me equivoco… pero según lo que tengo entendido, ahora son un cuarteto, con una sola guitarra. Al menos por las fotos que me pasaron del sello para esta entrevista, parecen ser cuatro. ¿Cómo afecta eso al sonido de la banda, el hecho de tener una sola guitarra?
Bueno… en realidad, ya estábamos en el estudio. Creo que ya estaba casi todo grabado, solo faltaban los solos y algunas partes vocales…Y el otro guitarrista, Pepe, nos dijo: “chicos, perdón, pero tengo que dejar la banda”. Por razones personales. Su madre está envejeciendo, y además él también toca en Ancient Curse, que es una banda de metal progresivo de Bremen que existe desde… creo que 1985 o 1986. Y ese es su proyecto principal. Entonces decidió enfocarse en eso por una cuestión de tiempo. Igual, no es raro que el guitarrista rítmico principal grabe todas las guitarras en un disco. En este caso, Stevo grabó todas las guitarras rítmicas y sus solos. Pero había tres canciones donde Pepe iba a grabar solos, así que nos faltaban esas partes… y tuvimos que cubrirlas.
Claro.
Encontramos una buena solución para eso, pero en general no afectó realmente la producción del disco. Y poco después de terminar en el estudio, ya empezamos a buscar un nuevo guitarrista, y lo encontramos bastante rápido, así que ahora volvimos a ser cinco.
Perfecto, perfecto. Y hablando de las guitarras del álbum, tengo entendido que contaron con Jean Bormann como invitado en un par de canciones, de Rage. Me encanta esa banda, fue una muy linda sorpresa verlo acreditado. ¿Cómo fue trabajar con él? ¿Cómo se dio eso?
Bueno, conocemos a Jean por Rage, claro. Tuvimos la oportunidad de tocar con ellos en un par de shows en el pasado. Y cuando estás en backstage y hablás, te vas conociendo… y él se volvió fan de Godsnake desde el primer momento, por decirlo así. Y nosotros somos fans de Rage desde hace muchos años. Entonces fue un placer conocerlo, y cuando estábamos pensando en posibles candidatos, después de que Pepe se fue, empezamos a debatir con la banda a quién podíamos invitar… y la primera idea fue: ¿por qué no preguntarle a Jean? Así que le mandé un WhatsApp, un mensaje de voz, y le pregunté si le interesaba. Y dijo que sería un placer. Fue así de fácil.
Buenísimo.
Le mandamos las versiones de los temas y en menos de una semana ya nos devolvió sus solos. Increíble.
Sí… cuando recibí el álbum para escucharlo, me quedé mirando la portada un rato, tratando de entenderla… ¿cómo la describirías? ¿Es como una bala atravesando un vidrio, o algo así?
Sí, bueno… la idea era tener un parlante grande.
Ah, claro… ahora lo veo, es como un parlante.
Sí, sí. Y eso está bueno, porque es arte que quizás no entendés al instante.La idea era un parlante medio destruido, roto… y después queríamos incorporar el concepto de la serpiente. Entonces pensé: ¿y si usamos piel de serpiente en la membrana?
Ah… claro, ahora lo noto.
Entonces, en sí es bastante simple, pero la idea detrás del título Inhale the Noise tiene que ver con eso: la música como una fuerza muy poderosa. La música puede transformarlo todo, e “inhalar el ruido” es como absorber esa energía. Entonces queríamos algo que representara el ruido, la música, y también el concepto de la serpiente. Por eso trabajamos otra vez, por tercera vez, con Björn Gosses de Killustrations. Al principio él propuso ideas más raras, pero le dijimos: mantengámoslo simple. Así que lo hicimos de esa manera, y sí, estamos contentos con el resultado. Porque tampoco es una portada típica de thrash metal… incluso podría ser de jazz o de cualquier otra cosa.
Claro, sí… me gusta eso, como que se aleja de lo típico.
Sí, es un poco más… avant-garde, por decirlo así.
Sí, bastante abstracta si lo pensás. Entonces… si comparás con el primer disco de Godsnake, Poison Thorn… ¿cuánto sentís que cambió o mejoró la banda desde ese momento?
Es una buena pregunta. Justo me la hicieron hace poco también, sobre mi voz, por ejemplo. Y sinceramente, yo no noto una gran diferencia.Pero otros músicos te dicen: “sí, hay un salto, hay más armonías”… no sé. Yo diría que no es que las canciones sean “mejores” ahora, el estilo de composición es el mismo… pero sí puede ser que ahora sea más claro lo que queremos hacer.
Más personal, quizás.
Sí, puede ser eso. Más definido.Las guitarras ya eran buenas en el primer disco, la batería también… Sidney, por ejemplo, es una bestia tocando. Y sé que él fue mejorando, cada vez más sólido, lo mismo el resto… pero no sé si se escucha como un cambio tan evidente entre el primero y el tercero. Creo que simplemente seguimos haciendo lo nuestro, con más ambición, quizás.
En diciembre sacaron el single “No Happy End”. ¿Por qué decidieron lanzarlo como single independiente y no dentro de un álbum?
Ese tema en realidad venía de la época del segundo disco, Eye for an Eye. Cuando terminamos de grabar todo, nos dimos cuenta de que el total era demasiado largo para vinilo. Para CD no había problema, pero para vinilo sí, así que el productor dijo que convenía sacar un tema. Entonces tuvimos que decidir cuál quedaba afuera, y al final elegimos “No Happy End”. Y en ese momento Sidney dijo: “esto lo podemos usar después como single independiente”. Y así fue. Cuando hubo un espacio entre lanzamientos, lo sacamos con un lyric video.
Claro, como para tener algo entre medio.
Exacto, esa fue la idea.
¿Y cuáles son los planes a futuro de la banda? Sé que tienen varios shows en Alemania, y que suelen tocar más que nada ahí, con algunas fechas en Bélgica o Suiza…
Sí, y justamente queremos cambiar eso. Queremos salir más al exterior, mostrar la banda en otros lugares. Está buenísimo tocar en ciudades donde ya nos conocen, como Hamburgo o Essen, pero también queremos expandirnos. En octubre de 2024 hicimos una gira europea como soporte de Threshold, y tocamos en Alemania, Holanda, Bélgica y Suiza. Fue una gran experiencia, y queremos repetir algo así. Queremos salir de nuestro país y llegar a más gente.
Sí, porque una cosa es tocar donde ya te conocen, y otra es probarte en lugares nuevos.
Exacto.
El álbum Inhale the Noise sale el 17. ¿Qué te gustaría decirle a la gente que lo va a escuchar?
Espero que lo sientan como algo fresco, especialmente para gente como en Argentina que quizás no nos conoce.jalá encuentren algo que les guste, que les vuele la cabeza, que haga explotar los parlantes… y que podamos ganar nuevos oyentes. Creo que Inhale the Noise muestra a Godsnake al 400%. Esto es lo que somos. Si te gusta, genial. Y si no, está bien también. El gusto es subjetivo, pero esto es lo que hacemos, con total honestidad.
Green Carnation – A Dark Poem Part II: Sanguis (2026)
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Green Carnation profundiza su faceta más sombría con A Dark Poem Part II: Sanguis. Esta entrega es un viaje introspectivo que expande la melancolía planteada en la primera parte. No es material de consumo rápido. La banda construye atmósferas que oscilan entre el rock progresivo refinado y el metal gótico denso. La estructura del álbum es más cohesiva que su predecesor (elegido como uno de los discos del año por este servidor). Existe una intención narrativa evidente en el orden de las canciones. No son piezas sueltas. Forman parte de un relato sonoro que busca conmover e incomodar al mismo tiempo. Es un disco que requiere un estado mental particular para ser procesado correctamente.
Kjetil Nordhus es el eje central. Su registro barítono es de los más distintivos de la escena. En Sanguis, su interpretación muestra una madurez superior. No utiliza piruetas vocales innecesarias ni busca el lucimiento técnico vacío. La emoción llega mediante el control y la intención en cada fraseo. El grupo confía plenamente en su voz para guiar al oyente por pasajes que podrían volverse áridos sin su presencia. La melancolía se percibe honesta en las letras y en la integración con los instrumentos. Es una performance vocal que sostiene los momentos de menor intensidad musical de manera impecable.
El sonido se aleja de la sobreproducción digital para buscar algo puramente orgánico. El uso de cuerdas y arreglos orquestales no es un mero adorno estético. Son elementos fundamentales que dialogan con las guitarras de Terje Vik Schei. Hay momentos que remiten a sus épocas experimentales, pero con una contención necesaria. La mezcla permite que cada instrumento tenga su propio espacio vital. El bajo tiene una presencia cálida que rellena los huecos. La batería suena con una dinámica real, sin disparadores plásticos. El equilibrio entre las secciones acústicas y las explosiones eléctricas está bien ejecutado. Los pasajes instrumentales fluyen con naturalidad, mostrando una banda ensamblada que sabe cuándo dar espacio a cada integrante.
Hay que ser críticos con la originalidad. Green Carnation ya no busca romper los esquemas del género como en sus inicios. Prefieren la solidez estilística sobre el riesgo total. Para el seguidor histórico, esto puede sonar previsible. El nivel de composición es elevado, pero no aparecen elementos que descoloquen o propongan algo nuevo dentro del progresivo. Es una profundización en un sonido conocido. Lo menos logrado es la duración de algunos tramos. Ciertas piezas se extienden sin sumar ideas frescas. Generan mesetas en la escucha que cortan la tensión acumulada. Esa falta de riesgo puede alejar a quienes esperan la vanguardia constante de los noruegos.
Al comparar con la primera parte de este díptico, Sanguis es más cerrado y menos brillante. Es un descenso hacia lo privado. Manejan bien los tiempos, pero abusan de los ritmos pausados. El cierre es potente y deja un buen sabor, aunque el recorrido puede resultar monótono para quien busque cambios de marcha constantes. Es un disco pensado para ser escuchado con atención y sin distracciones externas.
El Azkena Rock Festival cuenta sus días para su nueva y potente edición
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La temporada festivalera en nuestro país comienza su cuenta regresiva y uno de los nombres propios como cada año es el del Azkena Rock Festival, donde cada año, podemos ver un buen puñado de artistas muy interesantes y diversos, como era de esperar este año no va a ser la excepción.
Con pesos pesados como Alice Cooper, Imelda May, Social Distortion y The Hives, el norte de España volverá a vibrar con el Azkena en las siguientes fechas:
18/19/20 de Junio – Vitoria Gasteiz – Recinto de Mendizabala
Mariusz Duda fulmina de manera sorpresiva a Riverside
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Ha sido el bombazo del día de hoy, 23 de abril de 2026, fecha en la que el señor Mariusz Duda ha puesto punto y final a Riverside o al menos es lo que se entiende por el tremendo comunicado que ha publicado el Twitter (hoy X) y que nos ha dejado helados a todos los que seguimos de una forma u otra la música de la banda polaca.
La banda se formó en el año 2001 y con el transcurrir de su discografía se convirtieron en uno de los nombres propios del rock/metal progresivo, junto con pesos pesados como Anathema o Soen, por citar dos bandas afines a la propuesta de la banda.
El comunicado oficial de Mariusz, lo podéis leer AQUÍ y estaremos a la espera de más información al respecto ya que creemos que una banda tan buena como Riverside, no merece un final tan frío y distante.
Crashdïet demuestra su lado más melancólico en “Loveblind”
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Los glam/hard rockeros suecos Crashdïet han estrenado el videoclip oficial de “Loveblind”, un fantástico y sentido medio tiempo, incluido en su nuevo disco Art of Chaos, que llegará a las tiendas el próximo 8 de mayo a través de Ninetone Records.
1. Satizfaction 2. Sick enough for me 3. Chaos Magnetic 4. Can of worms 5. Loveblind 6. Get out 7. Quitter 8. Killing it now 9. Silent place 10. Edge of a knife
John 5 desembarcará en Copenhague con una exhibición de virtuosismo y energía
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El próximo 30 de mayo, Copenhague será testigo de una noche electrizante con la llegada de John 5, uno de los guitarristas más reconocidos y versátiles del rock y el metal. Con una carrera que lo ha llevado a compartir escenario con grandes nombres de la escena, el músico promete un show donde la técnica, la velocidad y el carisma se combinan en una propuesta tan impactante como entretenida.
La cita tendrá lugar en Loppen, un espacio emblemático dentro del circuito alternativo de la ciudad, ideal para disfrutar de cerca cada detalle de una performance que suele sorprender tanto a músicos como a fanáticos. En este contexto íntimo, el público podrá apreciar de primera mano la precisión y creatividad que caracterizan al guitarrista.
Por el momento, no se han anunciado bandas teloneras, lo que deja abierta la expectativa sobre cómo se desarrollará la noche. Esta decisión también pone todo el foco en el show principal, anticipando una presentación completa y sin distracciones, centrada en el despliegue artístico de John 5.
Las entradas ya están disponibles y pueden adquirirse a través de tickets. Se espera una gran convocatoria para esta fecha, por lo que se recomienda asegurar lugar con anticipación y no perderse una de las propuestas más llamativas del mes en la capital danesa.
El misterioso proyecto Priest, formado por Mercury y Salt, ex-miembros de Ghost y al cual se sumó Sulfur en los teclados y las programaciones, está a muy poquitos días de volver a España para presentar su particular propuesta donde conviven el rock, la electrónica oscura, toques de Sci-Fi y una pizca de synthwave.
Cemetery Skyline promete una noche cargada de melancolía y elegancia en Copenhague
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La atmósfera oscura y emotiva tomará protagonismo el próximo 14 de mayo con la llegada de Cemetery Skyline a Copenhague. La banda, que ha captado la atención dentro de la escena por su enfoque melódico y envolvente, se prepara para ofrecer un show donde la sensibilidad y la profundidad sonora serán los ejes principales, en una velada pensada para quienes buscan una experiencia más introspectiva dentro del metal.
El concierto se llevará a cabo en BETA, un espacio reconocido por su cercanía con el público y su apuesta por propuestas tanto emergentes como consolidadas. Este entorno íntimo será ideal para que la banda despliegue toda su carga emocional, generando una conexión directa con los asistentes en cada pasaje de su presentación.
La noche contará también con la participación de Royal Sorrow, quienes serán los encargados de abrir el evento y aportar su propia impronta al inicio de la jornada. Su presencia suma variedad al cartel y anticipa una velada dinámica, donde diferentes matices del género convivirán en un mismo escenario.
Las entradas ya se encuentran disponibles y pueden adquirirse a través de tickets. Se recomienda no demorarse en la compra, ya que se espera una buena convocatoria para esta cita que promete destacar dentro de la agenda musical de la ciudad.
El disco empieza con una calidad orquestal, con esas pequeñas notas contextuales que presagian una gran obra. Es el equivalente a un título en negro antes de la película, seguido de los primeros compases en forma de, justamente, orquestación clásica y una voz femenina narrando en off la obertura temática. Un intro cinematográfico y misterioso que sugiere epicidad, pero que curiosamente da paso al calmado y pastoril inicio de Cathexis, la primera canción del disco.
Con una marcada cualidad jazzística, coqueteando con lo avant-garde, esta primera pieza cuenta con melodías en vaivén y arreglos de vientos proporcionados por el inigualable Adrián Terrazas (The Mars Volta, Omar Rodríguez-López) y la dulce voz de Ana Bitrán, que contrasta con los segmentos más agresivos, jugando con una dinámica clásica que te pasea entre segmentos y emociones, de nuevo, como un suave meceo de contrastes, interrumpidos ocasionalmente por ideas abstractas en forma de saxofón o flauta, que recuerdan por momentos a algunos pasajes álgidos de Amputechture. Todo esto bajo un sólido contexto de post-black, trayendo también a la memoria a bandas como White Ward y Numenorean.
Sentience, la tercera canción del disco, abre con un riff disonante al estilo del metal avant-garde neoyorquino (a la Liturgy o Imperial Triumphant, aunque quizá un poco menos disonante que dichos ejemplos). Sin embargo, no se queda ahí por mucho tiempo, pues pronto evoluciona hacia algo que se asemeja incluso al folk metal, con esa rítmica voz femenina, de carácter élfico o druídico. Siendo probablemente uno de los momentos más dinámicos del álbum, evidencia el caleidoscopio sónico que representa este trabajo. Naturalmente, la canción cuenta con pasajes puros y duros de black metal, con un guiño en las baterías del veterano Richard Schill (Shining, Dead by April, The Unguided) a Exercises in Futility y un solo melódico, casi progresivo, que se asemeja también a Enslaved.
Finalmente, llegamos a la cumbre del álbum, y de hecho a su segunda mitad (algo que, por alguna razón, no parece ser extraño en trabajos donde Adrián Terrazas haya colaborado). The Effigy & The Titan es una pieza monumental y grandilocuente que, con esa misma cualidad sinfónica con la que abre la primera mitad, nos envuelve en un pasaje instrumental, atmosférico y lúgubre que guía hacia una batería muy jazzeada, la cual le confiere, una vez más, ese dinamismo estilístico que ya ha quedado bien cimentado en el resto de la producción. Es justo después cuando una de las colaboraciones más importantes del disco se hace presente con la voz de Daniel Droste, cantante y miembro fundador de la institución del funeral doom, AHAB.
A partir de ahí, la pieza sigue en crecimiento y evolución, profunda y ominosa, hasta que las guitarras y la batería explotan en un riff complejo y dominante, que a su vez da paso a todo el peso death metalero que termina por definir esta segunda etapa del álbum. Es en esta última pieza donde las ideas propuestas durante las primeras tres canciones se exploran en su totalidad, con más tiempo (y compases) para desarrollar la propuesta sónica de Phendrana. Existen pausas, movimientos y múltiples secciones que nos recuerdan que esto no fue un trabajo apresurado, sino una carta de amor no a uno, dos o tres géneros, sino a toda una concepción de la música pesada, melancólica y experimental.
El disco culmina, una vez más, en el post-black, género pilar de este experimento, dándole una redondez al trabajo que, aunque no era obligatoria, funciona muy bien para terminar de cuajar la experiencia.
No cabe duda de que, hasta el momento, este ha sido uno de los mejores trabajos del año, no solo del metal nacional o latinoamericano, sino que también representa, a mi parecer, un punto álgido en la producción de música extrema. Sus alcances superan con creces muchos de los trabajos promedio de bandas mexicanas, no solo por su increíble roster de artistas invitados, sino por la ambición de la mente maestra detrás de este trabajo, el capitalino Anuar Salum. Una escucha obligada para los amantes del post-black, atmosférico, DSBM, jazz, spoken word, funeral doom, melodic death y gothic metal, por mencionar lo más destacado. Y aunque en esta reseña se le comparó con muchas bandas, discos o sonidos, esto no es con el afán de delimitar un estilo, sino de reconocer las probables influencias tan distintivas que componen este excelente trabajo.
En el metal, siempre hubo bandas que cambiaron con el tiempo. Grupos que mutaron su sonido o cambiaron su propuesta. Que sintieron inquietudes y por decisiones artísticas, decidieron explorar otros géneros. O también, que ya sea por buscar un éxito comercial partieron de un punto para terminar en otro totalmente alejados de sus inicios. Ejemplos hay de sobras, tanto de los que cambiaron para bien, como para mal.
Sin embargo, del otro lado de la vereda tenemos casos opuestos. De grupos que desde sus comienzos, nacieron con una idea y a lo largo de los años, se mantuvieron fieles a esta. Otra vez, la lista es extensa, pero el nombre que nos compete hoy se encuentra en ella. Ni más ni menos, que Primal Fear.
Y es que las águilas más legendarias del metal emprendieron nuevamente vuelo por Latinoamérica, y aterrizaron en la ciudad de Buenos Aires el pasado 16 de abril, para reafirmar su poder e identidad.
El Teatro Flores funcionó como la primera parada de su tour presentando su última obra Domination (2025), y la primera prueba de fuego para un grupo que llegó con renovaciones en sus filas.
Pero los que llegaron primero para abrir la jornada fueron los muchachos de Tren Loco. El grupo nacido en Grand Bourg y con más de 30 años de trayectoria, tuvo la tarea de actuar como soporte de los alemanes. Sin embargo, lejos estuvo de serlo porque se plantó con la convicción y confianza de siempre. Es decir, como la del acto cabecera de la jornada.
En gran parte, debido a la presencia y potencia de “Daniel Medina”. El vocalista no se guardó nada y a base de grandes pero precisos agudos, se convirtió en la principal figura del show. O así lo dejó en claro en clásicos como “Pampa del Infierno”, “Tierra Negra” y “Fuera de la Ley”.
Siguiendo con la vena metálica argentina, Jerikó tomó el relevo sobre el escenario con un único fin: aumentar el nivel de decibeles de la noche. Apoyados en una gran labor instrumental, especialmente de parte de las guitarras, el grupo desplegó toda la fuerza de su heavy metal en un set que balanceó el pasado con el presente.
¿Lo mas destacado? Sin duda, el final con el cantante Juan Soto interpretando “Reventado” a dúo con Medina, ofreciendo un momento de pura unión y hermandad entre dos agrupaciones que comparten espíritu y les corre el acero por las venas.
Finalizadas las presentaciones locales, la hora de inicio para Primal Fear se acercaba. Y con ello, la llegada de una presencia mayor de público. Si bien no se trató de un aluvión masivo de última hora, al menos fue una cantidad considerable para poder confirmar que el titánico grupo alemán mantiene una fiel base de seguidores en el país.
Una base que se congregó en el circulo central del Teatro Flores apenas bajaron las lucas y empezó a sonar la intro de “We Walk Without Fear”, a cargo de las guitarras. Lo que parecía un inminente ataque de 10 minutos, se terminó convirtiendo en una carta de presentación para el verdadero grito de guerra, que sería “Destroyer”, de su reciente lanzamiento. Un tema que tal como indica el nombre, es una invitación destructiva de heavy metal germano.
La furia dominante del arranque se mantuvo con “I Am the Primal Fear”, que nos mostró que la banda vino con la firme idea de defender su nuevo material en vivo. De todas formas, los clásicos no tardarían en caer y serían “Final Embrace” y “Nuclear Fire” las primeras en aparecer para encender al público y elevar los puños en el aire.
Desde el segundo uno, se notó el aire renovado que presentaba el grupo con esta nueva alineación. Destacando en primer lugar, la energía y soltura de su guitarrista, Thalía Bellazecca. La italocubana tuvo en debut en suelo argentino notable, con varios momentos en los que se lució y demostró que su juventud no pesa a la hora de codearse con figuras de mayor renombre y trayectoria, como el señor Magnus Karlsson, quién regreso al ruedo de las giras tras más de 13 años.
André Hilgers fue el hombre que acompañó a las águilas tras los parches en esta oportunidad, y tal como se esperaba de alguien con su currículum (Rage, Bonfire, Hernan Frank), cumplió ampliamente con una actuación sin mayores sobresaltos.
Por su parte, Dirk Schlächter se encargó del bajo tras la ausencia del histórico Mat Sinner, quién se tuvo que bajar de la gira a unas pocas semanas del comienzo, por una lesión en la pierna. De esta manera, el guitarrista de Gamma Ray lo reemplazó, produciendo así un reencuentro muy especial con Ralf Scheepers, ya que ambos grabaron los 3 primeros álbumes del grupo que comanda Kai Hansen. Un pequeño regalo para los más fanáticos.
Y ya que hablamos de Ralf, no podemos dejar pasar el gran poder vocal que aún conserva. El flamante cantante parece inmune al paso del tiempo. Con 61 cumpleaños a sus espaldas, sigue cantando con la misma fuerza e ímpetu que en su juventud. Con la pequeña diferencia que ahora posee mayor control y dominio de su registro, demostrando que el verdadero talento es aquél que se perfecciona con los años.
De esta manera, el show avanzó con un setlist intercalado entre temas nuevos y otros más representativos de la época dorada de la agrupación. Con un sonido sólido que acompaño y permitió que el heavy germano brillará durante la velada.
Todo esto se vio culminado en “Fighting The Darkness” cuando Ralf apareció sobre el escenario con una camiseta de la selección argentina, portando el numero 10 con el nombre de “Messi” atrás. Sin duda, el momento más celebrado de la jornada.
El final no pudo ser de otra manera que con “Metal Is Forever” y “Running In the Dust”, dos himnos que dejaron muy en claro un punto: que con Primal Fear la entrega y lealtad al genero no se negocia. Y que dónde haya águilas volando, habrá heavy metal para rato.
Primal Fear volvió, y con más vuelo y altura que nunca.
Agradecemos al equipo de Icarus Music por la impecable producción y permitirnos la cobertura del evento.
50 años de “Ramones”: “Segundo verso, igual que el primero”
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Ramoneses la clase de banda sobre la que no creo que quede mucho por hablar. A esta altura sabemos toda la historia detrás su nombre, de las tensiones personales entre los miembros, de todo el esfuerzo que ponían en parecer que no sabían tocar sus instrumentos, de que son para muchos la banda de punk rock prototípica, del seguimiento de culto que tienen en Argentina, de las tensiones tanto personales como políticas entre los miembros, de su separación y la posterior muerte de gran parte de los integrantes clásicos en apenas un par de años, y que eso es algo que debe haber ayudado a congelar su imagen y preservar su legado para nuevas generaciones. Es algo discutido, masticado y regurgitado, y no digo que yo haciendo esa lista rápida y condensada no esté haciendo lo mismo.
Dicho esto, tengo que señalar que estamos en una fecha especial, siendo que se cumplen 50 años de la salida del álbum debut de los “Monchos”. Así que de la misma manera que en Pascua o Navidad sentimos que es un buen momento para ver alguna película sobre Jesús o sobre el significado de la Navidad a pesar de que sean historias que hayamos visto y repetido miles de veces, bien podríamos estar en un momento especial nosotros también. Así que la historia de los Ramones será repetida hasta el hartazgo, pero ciertamente es algo justificado.
La historia de los Ramones comienza casi una década antes de la formación de la banda como tal, en el barrio de Forest Hills en la ciudad de Nueva York donde crecieron los cuatro miembros originales. John Cummings era hijo único de Stella, una camarera de ascendencia polaco-ucraniana, y de Frank, un instalador de tuberías de ascendencia irlandesa: en su autobiografía Commando, John mencionaba que su padre solía reunirse con sus hermanos alrededor de la mesa para beber y charlar sobre el trabajo en la construcción y sobre béisbol. Así que no le cayó muy bien cuando John, influenciado por Elvis y los Beatles, decidió meterse en la música.
Como muchos músicos jóvenes a mediados de los sesentas, Cummings terminaría formando una banda de rock psicodélico, bautizada como Tangerine Puppets por la canción de Donovan del mismo nombre y con la que grabaría apenas un demo. Fue en esa banda donde colaboró por primera vez con el guitarrista Tamás Erdélyi, más conocido como Thomas: nacido en Hungría en 1949 e hijo de padres judíos que habían sobrevivido al Holocausto, cuando tenía 8 años su familia se mudó a EEUU. Luego de la separación de los Tangerine Puppets, Johnny se dedicaría a trabajar en la construcción al igual que su padre
A principios de los setentas, Cummings conoció a Douglas Colvin, un chico de su barrio que recientemente se había mudado desde Alemania. Hijo de una madre alemana y un padre estadounidense, el puesto militar de su padre hizo que debieran mudarse frecuentemente, terminando en Berlín donde Dolvin creciera hasta los 15 años: el alcoholismo y comportamiento violento de su padre habían motivado a su madre a mudarse de vuelta a los EEUU.
Tanto Cummings como Colvin eran fans de bandas de garage rock e hicieron amistad por esos gustos en común, por lo que en 1974 decidieron armar una banda juntos, con Cummings comprando una guitarra Mosrite de segunda mano y aprendiendo a tocarla. Erdelyi se sumó al proyecto no como músico sino como mánager.
La idea originalmente era que Colvin sería el guitarrista y cantante, Cummings el guitarrista rítmico y que el bajo estaría a cargo de Ritchie Stern, un amigo en común de ellos. Pero al poco tiempo resultó que Stern no podía tocar, así que Colvin pasó a ser el bajista y Cummings quedó como el único guitarrista.
En la batería estaba Jeff Hyman, un conocido de ellos que había tenido un paso previo por la banda de glam rock Sniper. Pero en los ensayos, Colvin se dio cuenta de que se le hacía complicado tocar y cantar al mismo tiempo, por lo que se decidió que Hyman pasara a ser el cantante. Según Cummings, la idea de que Jeff fuera el cantante fue de Thomas, y él al principio se había opuesto porque “quería alguien bien parecido al frente de la banda”, todo lo contrario a Jeff, que era un tipo de apariencia alargada, un gigante de casi dos metros pero de figura escuálida. Pero Thomas lo convenció diciéndole que “sería algo como Alice Cooper”.
Tras probar con algunos bateristas, sería su manager Erdelyi quien terminaría siendo el baterista, quien a pesar de no tener experiencia previa como baterista se ajustó muy bien al puesto. Como mencionamos antes, John Cummings también estaba aprendiendo a tocar el instrumento durante los ensayos, con una técnica directa de downstrokes que según él fue influenciada por Jimmy Page de Led Zeppelin, particularmente en la canción “Communication Breakdown”: John se pasaría horas tocando esa canción para poder mejorar su técnica de rasgado.
Por esa época, Douglas había decidido usar el apodo Dee Dee Ramone. Siendo un gran fanático de los Beatles, el nombre era una referencia a “Paul Ramone”, un apodo usado por Paul McCartney en los inicios de los Beatles, que usara para registarse en hoteles y también para aparecer en los créditos de álbumes de otros artistas. Fue Dee Dee el que convencería a todos los otros miembros de adoptar el mismo apellido junto con una abreviatura de su nombre. Jeff pasó a ser Joey, Thomas pasó a ser Tommy, y John pasó a ser Johnny, y todos se presentarían con el mismo apellido, que también sería el nombre de la banda. Así nacieron los Ramones.
Los Ramones hicieron su debut en el Performance Studio de Nueva York, invitando a sus amigos y cobrando un dólar la entrada. Esa primera fecha sería una prueba para algo más grande, cuando el grupo comenzaría a presentarse en el CBGB, un bar en el 315 de la calle Bowery que originalmente se había abierto en 1973 para tener recitales de blues y country, pero que se terminaría convirtiendo en el centro de la escena rock under de Nueva York, con gente como Blondie, Television y Patti Smith siendo de los primeros grupos en dar conciertos regulares en el bar. Los Ramones también se sumarían a la lista, tocando casi todos los días en el lugar. Las presentaciones del grupo se caracterizaban por sus canciones rápidas y cortas, muchas veces apenas llegando a los dos minutos en cada una de ellas.
Fue entre estas presentaciones que los Ramones también comenzarían a definir su imagen, algo donde Johnny era el que estaba más metido siendo que él mismo admitía que le gustaba vestirse bien. En un inicio el grupo tenía una imagen más cercana al glam rock, influenciada por los New York Dolls, pero fue idea de Johnny buscar una imagen más “de la calle”, algo a lo que un chico y corriente pudiera tener acceso, y fue así que se decidió la estética que definiría a los Ramones por el resto de su carrera, con sus pantalones de jean, camisetas un par de talles más apretadas de lo que deberían, chaquetas de cuero y tenis, optando en un inicio por lo de la marca Keds. Estas decisiones no se limitaron a la forma de vestir, sino a su presencia arriba del escenario, con Dee Dee y Johnny siempre tocando con las piernas abiertas, Joey siempre agarrado del micrófono y las canciones siendo tocadas una detrás de la otra, esta última una decisión tomada para minimizar las posibilidades de peleas entre los integrantes sobre qué canción iban a tocar después.
A principios de 1975, los Ramones grabarían un demo con un par de canciones para enviar a los sellos interesados. Aunque no tendrían suerte con ello, es interesante escucharlos y ver cómo gran parte de las canciones ya estaban casi completamente armadas, aunque algunas iban a una velocidad un tanto más lenta, con las presentaciones en vivo siendo el contexto donde estas comenzarían a ponerse cada vez más rápidas. Fue en esas presentaciones donde audiencia detrás de los Ramones iba creciendo: en sus inicios habían definido el tocar en CBGB como “hacer un ensayo frente a 10 personas”, pero ya para mediados de 1975 tenían un público fiel que los veía cada noche.
Uno que estaba en el público era Roderick Edward McNeil, más conocido como Legs McNeil, quien en 1975 creó la revista Punk, publicación que sería una de las principales promotoras de las bandas que se presentaban en el CBGB, y que tendría a Joey en la tapa de su tercer número en 1976. El término “punk rock”, donde “punk” deriva de una palabra para llamar como un insulto a un rebelde o alborotador, se venía usando desde hacía varios años en el mundo de la crítica musical, pero era aquí donde estaba comenzando a establecerse como algo propio, como un estilo rockero que contrastara con la opulencia progresiva o el sonido ultra limpio y recargado de mucho del rock radial de la época.
En septiembre de 1975, la banda grabaría otro demo más, junto al productor Marty Thau, que incluía cinco canciones. Este demo sería el que llamaría la atención de Craig Leon, un empleado del sello Sire Records. Sire se había creado en 1966, originalmente editando varios grupos de blues rock y rock psicodélico, eventualmente también probando suerte con bandas de rock progresivo. Leon era parte del área de búsqueda de talentos, encargada de encontrar nuevos artistas con potencial, y cuando vio en vivo a este rejunte de pelilargos todos vestidos iguales, usando el mismo apellido, tocando canciones a toda velocidad de tres acordes o menos y con letras con una concentración anormal de frases sobre querer hacer algo, supo que estaba ante algo especial. Se comunicó con Seymour Stein, jefe del sello, y para fines de 1975 le ofrecerían un contrato a los cuatro Ramones. En el libro Ramones de 2005, escrito por Nicholas Rombes, Tommy Ramone menciona que le estaba muy agradecido a Leon, diciendo que básicamente había arriesgado toda su carrera al presentarlos ante la gente de Sire Records, siendo una banda que no cuadraba en lo que el sello solía editar, y que lo consideraba “el único tipo en todo el sello que estaba en la onda”
La idea originalmente era que la banda sólo grabaría un single, pero en las negociaciones se logró convencer a la gente de Sire Records para que les dejaran grabar un álbum completo. Fue así que Los Ramones entrarían a los estudios Plaza Sound, ubicado en la calle 50 de la Rockefeller Plaza en el octavo piso del Radio City Music Hall, a principios de 1976. El sello les dio un presupuesto de U$S 20000, pero los músicos apenas gastaron U$S 6400 y lo tenían listo en una semana, incluyendo dos días donde en uno se decidió descartar lo grabado y otro donde Tommy decidió no grabar por un resfriado que le imposibilitaba las cosas. La banda venía tocando estas canciones en vivo docenas de veces y ya venía de grabar dos demos con ellas, así que no hubo muchas deliberaciones sobre cómo debían sonar, apenas tomando una o dos tomas para tener cada instrumento listo. Tras grabar las bases, Johnny y Dee Dee se fueron y dejaron a Joey y Tommy grabando las voces.
La producción se repartió entre Craig Leon y Tommy Ramone, quien ya tenía experiencia operando las consolas desde hacía varios años. Una de las decisiones más particulares del álbum fue separar los canales de la guitarra y del bajo, con el bajo sonando del lado izquierdo y la guitarra del lado derecho. En una entrevista con MOJO, Tommy Ramone mencionó que esto estaba inspirado en los primeros álbumes de los Beatles, banda de las que todos los integrantes eran fanáticos: en los primeros álbumes de los cuatro de Liverpool, la regla era grabar en mono y después remezclar el álbum para equipos estéreo separando todos los instrumentos, en la época en la que había que justificar la compra de ese tipo de equipos.
Al momento de elegir las canciones, se decidió incluir casi todas las canciones que ya habían grabado en los demos, aunque un par como “I Don’t Care” y “You Should Have Never Opened That Door” se dejaron de lado y serían incluidas en discos posteriores. También incluyeron un cover de “Let’s Dance” de Chris Montez, donde Craig Leon tocaría el órgano: no sería el único músico ajeno a la banda que grabaría en el álbum, siendo que este incluye varias contribuciones vocales de Mickey Leigh, hermano de Joey, mientras que el mánager Danny Fields y el artista Arturo Vega contribuirían haciendo palmas en un par de canciones. Los créditos originales no mencionaban estos aportes, con la banda argumentando que como era su debut “no querían que la gente se confundiera acerca de quién era parte de la banda y quién no”.
Vega también fue el encargado de diseñar el logo de la banda. Siendo de origen mexicano, Vega tenía entre sus posesiones un recorte del diario El Nacional, que mostraba una noticia sobre la policía arrestando a un grupo de “hippies drogadictos” el 13 de febrero de 1971, entre los que se encontraba Vega. La fuente del título del diario sería una inspiración para la fuente del logo, que aparecería como un cartel en los conciertos de los Ramones antes de aparecer arriba de todo en la portada del álbum.
La portada del álbum fue una de las cosas más difíciles de hacer. La idea originalmente era que esta tuviera las cabezas de los cuatro miembros, haciendo homenaje a la portada icónica de Meet The Beatles, pero después de varios intentos infructuosos para que quedara bien se decidió mantener la estética en blanco y negro pero usando una foto de la banda completa, tomada por la fotógrafa Roberta Bayley quien recibió U$S 125 por el uso. Johnny con su perpetua cara de culo, Tommy más canchero y relajado mientras al mismo tiempo hace parado de puntillas, Joey encorvado tal vez para disimular la diferencia extrema de altura, y Dee Dee parado como si quisiera irse de ahí lo antes posible. Esta foto no había sido tomada para el álbum, siendo que había aparecido originalmente en la tercera edición de Punk mencionada anteriormente, dando como resultado una de las imágenes más icónicas del rock. La imagen tiene cierta simetría, con los pelilargos Tommy y Joey, ambos con anteojos de sol, rodeados por Johnny y Dee Dee con sus cortes de tazón, en una disposición que también reflejaba la posición que cada uno adoptaba en el escenario.
En la contraportada del álbum, se podía encontrar el otro logo de la banda, hecho como un sello inspirado por el que es usado por el presidente de los Estados Unidos, algo que Vega consideraba perfecto para los Ramones al verlos como una banda profundamente estadounidense. Al águila en el centro se le agregó un bate de béisbol, inspirado en el gusto de Johnny por el deporte y los New York Yankees, y una rama de manzano, haciendo referencia al pay de manzana, una de las comidas estadounidenses más típicas. Las barras del escudo fueron reemplazadas por un patrón de flechas que Vega había encontrado en una camiseta barata que había comprado en un lugar de cosas usadas.
Ya metidos en el álbum, las 14 canciones apenas superan los 29 minutos: la canción más larga, “I Don’t Wanna Go Down To The Basement”, duraba 2:40, mientras que las dos más cortas, “Judy Is A Punk” y “Now I Wanna Sniff Some Glue”, apenas superaban los 90 segundos. Verso, estribillo, verso, estribillo, tal vez un puente si estaban de humor, y a otra cosa: en “Loudmouth” directamente prescinden de los versos y simplemente repiten una y otra vez el estribillo. Las canciones estaban hechas con tres o tal vez cuatro acordes, con un sonido de guitarra que muchas veces podría compararse con una motosierra, tal vez incluso más que el sonido que suena al inicio de “Chain Saw”, que es claramente el sonido de una sierra circular y no el de la motosierra que usan en la película The Texas Chain Saw Massacre, en la que está basada la canción.
Aunque las canciones no duraban mucho y tenían una economía de acordes que podría considerarse como “de racionamiento de guerra”, ciertamente no eran básicas, al menos no desde el sentido peyorativo que muchas veces se le suele dar al término. Aparte de los Beatles, otras de las grandes inspiraciones detrás del sonido del álbum serían los Beach Boys, particularmente sus armonías vocales: si uno presta atención, el álbum está lleno de coros que recuerdan más a las soleadas playas de California que a las grises calles de Nueva York que los Ramones recorrían todos los días.
Esas armonías son las que terminan de darle el toque a las vocalizaciones de Joey, para mí el ingrediente que siempre destacó en los Ramones: lejos del estilo rockero tradicional que se veía hasta ese momento o de los gritos mezclados con escupitajos que se harían la norma en el punk rock futuro, tenía una sensibilidad pop donde compensaba su rango limitado con una personalidad enorme, como unas inflexiones en su voz que recordaban a un Elvis tímido, ingenuo y neoyorquino.
Esto va de la mano las canciones en sí, donde hablan sobre escaparse de su casa para recorrer el mundo, aspirar pegamento, hacer confesiones sinceras de amor, la Guerra Fría, golpear a alguien que no te agrada con un bate de béisbol, prostituirse por dinero para drogas, nazis, punks y demás cosas que uno viviría y vería en aquella época en Nueva York: la actitud de la banda es lo que hace que una canción como “I Wanna Be Your Boyfriend” no quede para nada fuera de lugar al lado de “Now I Wanna Sniff Some Glue”, “Beat On The Brat” o “53rd & 3rd”. Como mencioné antes, la tendencia con las canciones de los Ramones a decir que quieren hacer tal cosa (CTRL + F en las letras y busquen “i want to” o “i wanna”) siempre les dio ese toque adolescente, casi diría infantil, pero que de vuelta no queda fuera de lugar dentro de la estética de la banda.
Ramones es, sin lugar a dudas, uno de los álbumes más influyentes de la historia de la música. ¿Qué álbum puede decir que fue influencia directa tanto en el thrash metal de los ochentas como en el pop punk de los noventas? ¿Cuántas bandas tienen canciones a las que Sodom, Mayhem, Green Day y A77aque les hayan hecho covers? ¿Cuántas bandas pueden rivalizar con los Beatles en cantidad de álbumes tributos a su obra? ¿Cuántas bandas tienen más canciones hechas en tributo a ellas?
Y a pesar de ello, también se puede decir que los Ramones nunca tuvieron la recompensa que merecían: es sabido que este álbum debut no fue un éxito de ventas, y recién alcanzaría la certificación de Oro en 2014, no sólo 38 años después de su salida sino también el mismo año de la muerte de Tommy Ramone, el último miembro vivo de la formación original. A pesar de lo profundamente estadounidense que era la banda, Ramones encontraría su lugar no en su país, sino fuera: Inglaterra los recibiría con los brazos abiertos durante la gira de promoción de su debut y terminarían siendo una influencia directa en la propia explosión punk que viviría el país, Japón se rendiría a sus pies, también México y sobre todo Argentina, donde tocarían 27 veces casi siempre en estadios y donde darían su último recital en el extranjero en el estadio de River, el recital más grande de toda la historia de la banda.
La historia de los Ramones seguiría, con la banda girando de manera incansable y sacando una tonelada de canciones inmortales, peleándose por política y novias robadas, de vez en cuando ajustando su fórmula pero siempre manteniéndose honestos en su búsqueda de llevar al rock de vuelta a sus raíces más simples. En el camino, tendrían a miles de chicos y adolescentes que se verían inspirados a agarrar un instrumento por primera vez gracias a ellos, y acumulando un cariño por ellos como pocos artistas han logrado. Así que en este 50° aniversario de su debut, sólo queda pensar que donde sea que estén Joey, Johnny, Tommy y Dee Dee, deben estar profundamente orgullosos del legado que dejaron atrás, porque no importa tanto la pila de discos que uno venda, sino la gente que lo recuerde y lo extrañe.
El Move Your Fucking Brain Extreme Fest confirma nuevas bandas
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Tras una primera tanda de bandas muy interesantes, el Move Your Fucking Brain Extreme Fest ha confirmado tres nuevos nombres para su cartel de este 2026, que harán las delicias de cualquiera amante del metal extremo que se precie en sus diferentes vertientes.
Así pues, las bandas que se sumarán al cartel del festival son:
Unbounded Terror – Mallorca – Death Metal
Morfina – Castellón – Black/Crust/Metal
Serrabulho – Portugal – Happy Grind/Grindcore
Ellos se suman a los ya confirmados Vilethrone, Dystopian Omen y Guineapig, formando una absoluta bestialidad de “Line-Up”, no apto para oídos sensibles ni gente con prejuicios musicales.
Os recordamos que la fecha será el próximo 11 de julio en el Death Field (Avenida Collserola, s/n – Molins de Rei (Barcelona).
Uno de los nombres propios de este 2026 en lo que a heavy metal se refiere hecho en nuestro país como son los chicos de Wicked Leather han sorprendido al anunciar la salida y desvinculación de Uri, su hasta hoy mismo, batería tras tres años con la banda y lo han hecho con un contundente comunicado.
La banda,que ha afirmado ya contar con el reemplazo para la batería, ha anunciado la salida de Uri de esta manera:
Veremos como se adapta su nuevo miembro al grupo y que sorpresas nos dan junto a él. De momento podéis seguir descubriendo a la banda con temazos como este:
La banda estadounidense The Sword se prepara para hacer vibrar Copenhague el próximo 11 de mayo con un show que promete riffs aplastantes y una dosis intensa de heavy rock con tintes stoner y doom. Con una carrera sólida y un sonido inconfundible, el grupo llega listo para repasar lo mejor de su discografía y reconectar con el público europeo en una noche que apunta a ser demoledora.
El concierto tendrá lugar en Amager Bio, una de las salas más reconocidas de la ciudad para espectáculos de gran calibre. El espacio será el escenario perfecto para la potencia sonora de la banda, ofreciendo el ambiente ideal para disfrutar de una propuesta que combina crudeza, groove y una marcada identidad clásica dentro del género.
La velada contará también con la participación de Earthless, quienes aportarán su característico enfoque psicodélico e instrumental, sumando una capa extra de viaje sonoro a una noche ya cargada de personalidad. La combinación entre ambas bandas asegura un recorrido musical intenso y diverso, pensado para los amantes de los sonidos más pesados y expansivos.
Las entradas ya están disponibles y pueden conseguirse a través de tickets. Se espera una gran convocatoria, por lo que se recomienda asegurar lugar con anticipación para no quedarse afuera de una de las fechas más atractivas del circuito rockero en la capital danesa.
An Abstract Illusion aterrizará en Copenhague con una noche imperdible de metal progresivo
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La escena metalera de la capital danesa se prepara para una velada de alto vuelo el próximo 3 de mayo, cuando An Abstract Illusion llegue a Copenhague con su propuesta envolvente y cargada de matices. La banda sueca, reconocida por su capacidad para mezclar death metal progresivo con pasajes atmosféricos y emocionales, promete un show intenso y dinámico que recorrerá lo más destacado de su discografía.
El evento tendrá lugar en Spillestedet Stengade, uno de los espacios más emblemáticos de la ciudad para conciertos de corte alternativo y underground. Allí, el público podrá sumergirse en una experiencia sonora que combina técnica, sensibilidad y potencia, en un entorno ideal para este tipo de propuestas que escapan a lo convencional.
La noche no estará exenta de peso, ya que el cartel se completa con la presencia de Disillusion, referentes del metal progresivo alemán, y Feather Mountain, quienes aportarán su impronta más etérea y contemporánea para abrir la jornada. Esta combinación de estilos asegura una velada variada, donde cada banda aportará su identidad dentro de un mismo hilo conductor.
Las entradas ya se encuentran disponibles y pueden adquirirse en el siguiente enlace: tickets. Se espera una gran convocatoria, por lo que se recomienda asegurar lugar con antelación para no perderse una de las fechas más atractivas del calendario metalero en Copenhague.
Blackberry Smoke en Buenos Aires: “El espíritu del rock sureño en buenas manos”
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Y un día el rock sureño volvió a arribar en Argentina. Esta vez, proveniente de Georgia. Y es que tras varios años de espera, finalmente se dio el debut de Blackberry Smoke en el país. El aclamado grupo estadounidense se presentó en Groove ante sus fanáticos argentinos, en una noche apasionante llena de emoción y mucho ritmo.
En medio de la vorágine de recitales que viene azotando al país, los aficionados al rock más clásico y tradicional de la escuela de The Allman Brothers y Lynyrd Skynyrd, pudieron tachar a un nombre de su lista de pendientes por ver. Ya que el martes 14 de abril tuvieron el privilegio de presenciar, toda la potencia y excelencia del conjunto liderado por Charlie Starr.
Se trato de un show excelso, lleno de música y con la banda celebrando sus 25 años de carrera, repasando los mayores éxitos de su discografía.
Si bien la hora de salida del sexteto norteamericano estaba pautada para las 21hs, la cita arrancó una hora antes con la presentación del músico argentino, Pil Del Villar. El guitarrista oriundo de Buenos Aires salió al escenario y con su grupo, abrió la jornada compartiendo su propuesta de rock psicodélico, con tintes de blues y soul.
Acompañado de un gran elenco musical, entre las que resaltaban las dos vocalistas femeninas de apoyo para los coros, su presentación consistió en un set centrado mayormente en su más reciente lanzamiento Todo Puede Fallar (2025). Con solvencia y ritmo, el show avanzó sin ningún tipo de problema ni demora. Intercalando momentos más relajados cercanos al reggae, con otros más dinámicos y explosivos. Un acto de apertura de poco más de media hora, acorde y a la altura, para lo que se venía.
Y es que apenas Blackberry Smoke pisó el escenario, todo Groove explotó de la emoción y la euforia. Vestidos con su característico look “rural”, compuesto por pantalones vaqueros azules, camisas lisas, y zapatos de cuero con punta, los norteamericanos se plantaron frente al público y sin mucha presentación, dieron comienzo a la fiesta con “Good One Comin’ On”.
Desde el primer acorde, el grupo se mostró completamente enfocado y concentrado en un solo objetivo: tocar. Sin saludos ni discursos extensos, los nacidos en Arizona descargaron toda la fuerza y chispa de su propuesta sureña sin ningún tipo de interrupción. Dejaron que la música hable y que las canciones caigan por sí solas.
De esta manera, fueron apareciendo a lo largo de la noche, distintos clásicos dentro de su repertorio como “Rock and Roll Again”, “Let It Burn”, “Waiting for the Thunder” y “Pretty Little Lie”, que desató el descontrol de la gente, que se dejó llevar por las líneas electrizantes y vibrantes de las guitarras Gibson Les Paul de Charlie, Paul Jackson y Benji Shanks.
Sin embargo, no todo fue salto y explosión ya que hubo espacio para momentos más tranquilos como “Sure Was Good” y “Ain’t Got the Blues”, en dónde el grupo reflejo sus raíces más “country” y tradicionales de sus tierras.
Bajo una producción impoluta, en la que todos los instrumentos se apreciaron con claridad y hubo un equilibrio entre potencia y melodía, la jornada avanzó sin ningún tipo de inconvenientes técnicos, permitiendo que la banda se desenvolviera con fluidez y ofreciera una actuación sobria y llena de clase.
Ya para el tramo final, Charlie Starr reapareció con una camiseta de la Selección argentina ganándose el fervor del público y selló la noche con “But You Did”, un cover de ZZ Top, y la laureada “Ain’t Much Left of Me”, de su ya clásico The Whippoorwill (2012).
De esta manera, Blackberry Smoke completó un debut redondo en suelo porteño. Sin inconvenientes ni interrupciones y con más hora y media de música, ofrecieron una autentica y natural muestra de rock sureño, como hace mucho no se veía. Demostrando que comprenden y respiran a la perfección el espíritu del género, aunque impregnándole su pequeña dosis de ADN propio de Georgia.
Así como The Black Crowes levantó la bandera del estilo durante la década de los 90’, Blackberry Smoke hace lo propio en el presente. Y eso quedó reflejado en su paso por Argentina.
Agradecemos a la gente de Noiseground por la producción y acreditación del evento.
Pocas salas en Madrid tienen el misticismo y la cercanía de la Wurlitzer Ballroom. El pasado lunes 20 de abril, la céntrica sala de la calle Montera se convirtió en un búnker de resistencia sonora para recibir a los ucranianos 1914 y a los daneses Katla. A pesar de ser el inicio de la semana, la expectación era máxima; a las 19:00 ya asomaban los primeros fieles por la puerta y, para cuando se permitió el acceso, la cola serpenteaba calle abajo dejando claro que el metal extremo sigue teniendo un tirón incuestionable en la capital. El público era un crisol: veteranía y juventud, géneros mezclados y estéticas que iban desde el cuero más clásico hasta lo más contemporáneo, todos unidos bajo un mismo techo que pronto empezaría a sudar.
El primer gran reto de la noche fue logístico. El escenario de la Wurli, que ya de por sí es íntimo, se quedó minúsculo para albergar dos baterías completas, la de 1914 con su imponente doble bombo y un esqueleto de dos metros que esperaba su turno apretado al fondo de la sala. Tampoco entraban bien los nombres de la telas, que quedaban colgando sin dejar leer correctamente. Esto obligó a ambas bandas a tocar prácticamente pegadas, una falta de espacio que se notó sobre todo en el arranque de Katla, que apenas tenían margen de movimiento y tenían que esquivar los platos y medir muy bien sus cabeceos.
Los encargados de abrir fueron Katla, y decir que cumplieron sería quedarse muy corto. La banda proveniente de Copenhague trajo a Madrid un estilo que golpea con la contundencia del Sludge y el Doom, pero con una energía mucho más directa y vibrante de lo que el género suele acostumbrar. Su sonido es telúrico; se basa en ritmos pesados que estallan en pasajes de una fuerza bruta que puso a toda la sala a agitar la melena desde el primer acorde. Lo que los hace singulares es esa capacidad de conectar con el público de forma casi instantánea, logrando que sus letras se corearan con pasión a pesar de la distancia idiomática. Ropieron a sudar pronto y dejaron imágenes brutales con el pelo empapado y la cara roja. El momento de vertir cerveza en caja y timbales también regaló instantáneas para recordar.
Su paso por Madrid no fue un trámite. Entre tema y tema, los daneses se mostraron encantados con la ciudad. Contaron cómo habían disfrutado del sol el día anterior perdiéndose por las calles de Malasaña y alabaron la efusividad de la escena metalera local. Aunque lamentaron no hablar castellano, su inglés fue más que suficiente para conectar con una audiencia que no dejó de participar. La entrega fue tal que el guitarrista terminó volando sobre las cabezas del público en un crowdsurfing de alto riesgo; verle pasar a escasos centímetros de los ventiladores del techo, que giraban a toda potencia intentando en vano paliar el calor asfixiante de la sala, fue pura adrenalina y la sala entera lo celebró. Se despidieron, no sin antes prometer que volverian. A cambio nos hicieron prometer que estaríamos allí repitiendo. Un diez absoluto para su ejecución y su carisma. Los escucharé mucho más y ya soy fan de la banda.
Tras la explosión de energía de los teloneros, el ambiente cambió drásticamente con la entrada de 1914. Los de Lviv practican un Blackened Death/Doom Metal que es, ante todo, narrativo y solemne. Su música se define por la densidad, guitarras que suenan como tanques avanzando por el barro y una base rítmica demoledora que apoya la voz agónica de su vocalista. Aunque en términos de dinamismo escénico estuvieron varios escalones por debajo de la electricidad de Katla, su propuesta era distinta: venían a transmitir un mensaje de peso histórico y urgencia presente.
Fieles a su estilo, se tomaron muy en serio su música, pero hubo un momento en que la sala se detuvo en seco y el silencio fue sepulcral, caragado de respeto. La banda habló de la terrible realidad que destroza su país, mencionando cómo de forma habitual se atacan edificios civiles y se asesina a población inocente. Fue un instante para reflexionar con el corazón roto, donde la rabia y la tristeza que emanan sus temas cobraron un sentido real y doloroso. Nos contó su odio por Rusia y comocada día teme no ver el siguiente. Nos deseó que nunca nos tocara vivir la pesadilla que es su vida actual. El setlist fue un repaso a sus cortes más emblemáticos, y la sala entera, unida por una emoción compartida, coreó con ellos conectados por sentimientos de odio a la opresión y luto por las víctimas. Creo que es banda para salas más grandes y espero tener la oportunidad de verles de nuevo, pronto y con la alegría del final del conflicto.
En lo técnico, el audio estuvo super correcto, algo que suele ser la norma en esta sala; directo y nítido a pesar del volumen. Las luces fueron el complemento perfecto para la atmósfera, con una abundancia de rojos profundos y momentos estroboscópicos blancos que, si bien dificultaron la tarea de fotografiar, por lo oscuro del ambiente con zonas sin iluminación, resultaron extremadamente inmersivos para el espectador. El calor fue el otro gran protagonista, un tema de conversación recurrente entre los asistentes, pero que no impidió que el lleno fuera celebrado por todo lo alto y el respetable lo diera todo.
Salir de la Wurlitzer después de una noche así obliga a pensar en la dualidad de la condición humana. Por un lado, la música como nexo de unión, capaz de congregar a personas de todas las edades un lunes cualquiera para compartir una experiencia catártica. Por otro, el recordatorio constante que nos trajo 1914 sobre el horror de la guerra. Es desolador analizar cómo la historia se repite por culpa del capricho de ególatras que, movidos por intereses oscuros, imperialistas y ansias de poder, provocan muerte y destrucción desde la distancia. La guerra no es una estadística, es el dolor real de quienes lo pierden todo mientras el mundo mira. Nos queda la música como refugio y como grito de protesta, esperando que el eco de lo vivido sirva para recordar que ninguna ambición personal justifica jamás el sacrificio de una sola vida inocente. Cumpliremos la promesa con Katla y seguiremos la pista de 1914, cuya rabia es, hoy más que nunca, justa y necesaria.
¡Cuánto me alegra ver triunfar a Opera Magna! Llevo años escuchándoles y son una de mis bandas españolas favoritas de todos los tiempos. Durante años los he considerado también de las bandas más infravaloradas en nuestro país, ya que, aunque siempre están en el panorama, creo que deberían estar sonando mucho más y teniendo una mayor cobertura por su calidad musical, virtuosismo y carisma.
Desde luego, ¡sigo pensando que deberían tener más repercusión! Pero están en un gran momento: enlazando el final de su gira con Angra con su propia gira nacional para celebrar el aniversario de su disco Poe, regrabando algunos de sus éxitos con invitados de excepción y exportando su música hasta Japón.
Hemos tenido la suerte de poder hablar sobre todo esto con Enrique Mompó (principal compositor y miembro fundador junto a Francisco Javier Nula) y José Vicente Broseta (vocalista) y espero poder verles una vez más en directo en uno o más de sus próximos conciertos:
2 de mayo en Sala Rockville, Madrid
22 de mayo, sala Spectrum, Murcia
30 de mayo, sala Azkena, Bilbao
24 de julio, Concerts de Vivers, Valencia + Warcry
22 de agosto, Castrillo Metal Fest, Murcia
Buenos días, muchísimas gracias por concedernos esta entrevista. En primer lugar: ¡felicidades! Parece que estáis viviendo un momento muy dulce para la banda, con esta gira de aniversario, justo después de estar de tour con Angra y con vuestros éxitos internacionales ¡abriéndoos camino en un mercado tan importante como Japón! Por favor, contadme un poco cómo estáis viviendo esta etapa de Opera Magna y qué circunstancias la han propiciado.
José Broseta: Por mi parte, estoy muy contento con el material más reciente como “Heroica”. Creo que hemos tenido una evolución muy natural, siendo fieles a nuestro estilo como banda.
Lo de Japón está siendo muy especial: trabajar con Red Rivet Records es un placer. Ya editaron en su momento “Poe” y “Del amor y otros demonios”, y es muy bonito ver que siguen interesados en nuestros nuevos lanzamientos y que los discos se mueven tan bien allí.
La gira con Angra fue increíble por la exposición que supuso y por compartir escenario con artistas a los que llevamos tanto tiempo admirando. Además, conocer a la gente de Arwen fue un regalo: fueron compañeros excepcionales durante todas las fechas. También fue un reto técnico para nosotros y para nuestro técnico habitual, pero conseguimos salir del paso y disfrutar muchísimo de la oportunidad.
Ahora mismo estáis regrabando varias de las canciones de “Poe” con colaboradores muy interesantes: ¿cómo surgió esta idea?, ¿podéis adelantarnos un poco más sobre qué nos queda por ver? ¿Y sacaréis un álbum en formato físico con estas regrabaciones?
José Broseta: La idea surgió cuando nuestro diseñador habitual, Fernando Nanderas, nos destacó el hecho de que se cumplían quince años del lanzamiento de “Poe” en 2025. Estuvimos dándole vueltas a ver que podríamos hacer para celebrarlo y decidimos que era buena idea rodearnos de amigos y gente cercana a la banda para esta ocasión.
Para mí ha sido genial poder contar con voces que admiramos y que nos han inspirado durante tantos años. Es increíble pensar que ha pasado tanto tiempo desde la edición original y que los temas nos sigan sonando frescos, que sigamos teniendo ilusión por tocarlos y por revisitar ese universo.
Respecto a lo que queda por ver… aún hay colaboraciones muy especiales que estamos deseando anunciar. Y sobre el formato físico, sí, tendremos en nuestros conciertos el EP “POE XV Redux” a la venta y, en breve, en nuestra página Web.
Por cierto, que “Heroica” no ha sido vuestra primera incursión en aguas internacionales, ya grabasteis versiones en inglés de “Del amor y otros demonios”. Por favor, habladme de aquella experiencia.
José Broseta: Fue un proceso muy intenso. “Del amor y otros demonios” ya era una obra exigente en sí misma, y revisitarla por completo para hacer la versión en inglés supuso un esfuerzo enorme. Pero también fue una experiencia muy enriquecedora: nos obligó a mirar el disco desde otra perspectiva, a reinterpretar matices y a adaptarnos a un idioma que tiene una musicalidad distinta (lo cual fue posible gracias a la inestimable ayuda de Ada Murillo, que hizo un trabajo increíble adaptando las letras).
Tengo que decir que precisamente “Del amor y otros demonios” ha sido un álbum muy importante para mí, y que mi hijo de cinco añitos podría cantaros entera “Donde latía un corazón” de lo mucho que la pongo en casa. ¿Tenéis pensado darle también una nueva vida a este álbum en el futuro como estáis haciendo con “Poe”?
José Broseta: A corto plazo no creo que vayamos a hacer algo similar, como te comentaba, fue una obra muy intensa y la versión en inglés ya nos hizo revisar todo ese trabajo. Pero quién sabe lo que pasará en un futuro, puede que en unos años sintamos que queremos hacer algo. También ha sido una obra importante para nosotros.
Opera Magna se caracteriza en mi opinión por ser una banda muy referencial, no sólo en sus letras, sino también en la música, con guiños y referencias muy variadas y que entiendo que vienen sobre todo de la mano experta de Enrique Mompó y que al menos yo agradezco mucho poder reconocer aquí y allá. Por favor, Enrique, ¿puedes hablarnos de tus fuentes de inspiración preferidas?
Enrique Mompó: La inspiración viene directamente de lo que escuchas, lo que trabajas y lo que admiras. Siempre estoy a la caza de cosas que me puedan servir para mi propio trabajo, para Opera.
La música y la creación, no vienen de la nada, el arte es una herencia y un legado que se mueve influenciándose de generación en generación. En mi caso la influencia ha sido muy diversa a lo largo de los años, al principio venía de las bandas más representativas del power metal del 2000 hasta los maestros por todos conocidos de la música clásica. En años posteriores me influenció más todo el tema de las bandas sonoras: John Williams, Danny Elfman… También me ha influenciado mucho el maestro Seiji Yokoyama, que posee una sensibilidad fuera de lo común, o Thomas Bergersen, que es una fuente inagotable de ideas.
En todo caso, Enrique, componer para una banda tan exigente en lo instrumental como Opera Magna, que requiere no sólo riffs pegadizos, sino también un trabajo intenso de orquestación, no debe ser nada fácil ¿puedes hablarnos del proceso creativo?
Enrique Mompó: Bueno, es trabajo lento y tedioso, porque se parte de una idea concreta, y hasta llegar a completar toda la canción, hay muchas tomas de decisiones. Ahí es donde creo que esta el punto de inflexión: ser crítico y ver las diferentes posibilidades en las que puede convertirse una canción.
Normalmente trabajo la melodía y la armonía a la vez. Cuando tengo una idea interesante la maqueto con varios arreglos, hasta encontrar el que más le pega. Voy puliendo la sección y la continúo con una o dos ideas posibles. Es importante trabajar, reposar y escuchar. Pero lo más importante es tener intuición u olfato, que es esa cosa que te dice que una idea es mejor que otra en función de tu propio valor estético. Para mí la mejor brújula es la emoción.
Pero si Opera Magna es exigente en lo instrumental, también lo es y mucho en la voz, por favor José, ¿puedes hablarnos un poco de cómo es cantar en Opera Magna?, ¿cómo preparas y cuidas tus habilidades vocales?
José Broseta: Te puedo decir que últimamente lo que más estudio es el repertorio de Opera Magna y cómo poder llevarlo al directo en condiciones. Es un material muy exigente y quiero afrontarlo con la mayor solidez posible.
Trabajo con un coach vocal en Valencia, Alberto Andrade, que me ayuda a cantar de forma saludable y a mantener la técnica en su sitio. Eso me permite relajarme en el escenario, disfrutar de la actuación y no comprometer mi salud vocal.
Por cierto, José, que siempre apareces en las listas de mejores vocalistas de metal en España ¿Cómo es estar en la vanguardia de este género en nuestro país?
José Broseta: Es algo que agradezco muchísimo, sobre todo porque viene del cariño del público, pero no puedo evitar sufrir un poco de síndrome del impostor cuando veo mi nombre al lado del de cantantes consagrados. Aun así, es genial ver que puedo conectar con la gente y eso es todo un honor.
Ambos tenéis proyectos paralelos que no solo conviven bien con la banda, sino que hasta generan sinergias positivas ¿queréis contarnos un poco al respecto?
José Broseta: Es cierto que en el pasado me he implicado bastante en otros proyectos, como Systemia, pero hace ya un tiempo en el que estoy centrado en Opera Magna. La excepción sería The Backseats, un grupo de covers en el que comparto escenario con músicos increíbles como Joan de Gigatron, Monty Peiró ex-Sweet Little Sisters (y mil proyectos más) Davish de Angelus Apatrida, Cristobal ex-In Mute, Vicent ex-Toxia, con los que hacemos un concierto súper especial al terminar el año…pero aparte de eso, solo participo en algunas colaboraciones como la más reciente con Íseldur o las repetidas veces que he tenido la suerte de grabar para “Legado de una tragedia” de Joaquín Padilla.
Por cierto, Enrique, que en cada uno de tus grupos tocas diferentes instrumentos, ¿hay algún cacharro al que no sepas sacarle música? 🙂 Y ahora más en serio: ¿qué objetivos futuros tienes en lo instrumental?, ¿hay algo que aún no hayas probado y que tengas en mente incorporar?
Enrique Mompó: Cada instrumento ha llegado en un momento vital diferente, atendiendo a un interés o una necesidad. Cada instrumento me ha llevado a un sitio diferente, y me ha hecho entender un poco más la música. Me encantaría tocar todos los instrumentos del mundo, pero me conformaré con las librerías de sonido. Ahora mismo con la cantidad de carga de trabajo, conciertos y compromisos de la vida adulta, es difícil encontrar tiempo para desarrollar todas las facetas que me gustaría. El poco tiempo del que dispongo lo uso para componer, producir, tocar de forma distendida, y repasar repertorios.
Quiero preguntarle lo mismo a José: que, como muchos de los más grandes, comenzaste a cantar un poco de casualidad (ya que antes tocabas la guitarra en otro proyecto), que sorprendiste a todos empezando directamente con un nivel altísimo, y que además cada año nos sorprendes con una performance aún mejor: ¿qué nuevos objetivos o metas tienes en el uso de tu voz?, ¿hay algo que aún no hayas probado y que tengas en mente incorporar?
José Broseta: Mi objetivo a nivel vocal ahora mismo es seguir entrenando la técnica que me permita hacer los conciertos de Opera Magna con la exigencia necesaria, estoy al 100% con ello. Estaría bien seguir ampliando registros y recursos, pero ahora lo que más me motiva es poder disfrutar del directo y dar el máximo en cada actuación.
Para finalizar: ¿Cuál es el futuro de Opera Magna?
José Broseta: Ahora mismo nuestro futuro inmediato es celebrar en directo esta gira del 15 aniversario de “Poe”. Además, es la primera gira desde que Juan Lahuerta es oficialmente batería de la banda, y estamos deseando que la gente pueda vivir estos conciertos con nosotros.
Después de eso, lo normal sería pensar en material nuevo, pero no es algo que tengamos decidido aun.
Muchas gracias por contestar esta entrevista y por hacer lo que hacéis. Nos vemos en vuestra gira de aniversario, que ya empieza con primera parada en Zaragoza. Si queréis añadir alguna impresión relativa a esta inminente gira ¡es el momento!
José Broseta: ¡Gracias a ti por la entrevista! Pues aprovecho para decirle a la gente que nos hace mucha ilusión traer de nuevo al 2026 el legado de nuestro disco “Poe”, ya que fue un álbum que nos definió como banda. Va a ser una gira muy especial, ¡esperamos ver a todo el mundo!
El próximo 24 de mayo, Copenhague vivirá una jornada especial con la llegada de La Renga, una de las bandas más icónicas del rock argentino. Con su mística intacta y una conexión única con el público, el trío promete transformar la noche en un verdadero ritual cargado de energía, guitarras crudas y una entrega total sobre el escenario.
El show se llevará a cabo en Poolen, un espacio que recibirá a la banda en el marco de su esperado paso por Europa. Allí, los fanáticos podrán reencontrarse con un repertorio lleno de clásicos que han marcado generaciones, en una presentación que mantiene vivo el espíritu independiente y autogestivo que caracteriza a La Renga desde sus inicios.
En esta ocasión, no habrá bandas teloneras, lo que anticipa una experiencia directa y sin interrupciones, centrada exclusivamente en el show principal. Esto refuerza la idea de una noche intensa y compacta, donde cada momento estará dedicado a la comunión entre la banda y su público.
Las entradas ya se encuentran disponibles y pueden adquirirse a través de tickets. Se espera una gran convocatoria, especialmente de la comunidad latinoamericana en Dinamarca y alrededores, por lo que se recomienda asegurar lugar con anticipación para no quedarse afuera de un evento que promete ser inolvidable.
Tras haber vivido un tiempo muy complicado, debido a la pérdida de Pinche Pinch y Juan Brujo, los incendiarios y terroríficos Brujería, han anunciado una nueva gira europea que aterrizará en España el próximo mes de noviembre gracias a Madness Live.
La banda vuelve dispuesta a destrozar todo a su paso, con las alas en llamas y los cuchillos bien afilados, así que yo que tu, no me pondría por delante si no quieres sufrir las consecuencias.
Las fechas y ciudades, donde podremos verlos serán las siguientes:
13 de Noviembre – Barcelona – La Nau
14 de Noviembre – Valencia – Rock City
15 de Noviembre – Málaga – La Trinchera
19 de Noviembre – Madrid – Revi Live
20 de Noviembre – Villava, Pamplona
Las entradas las podéis conseguir AQUÍ y en caso de quedar disponibles en cada fecha, su precio en taquilla será de 30 euros.
Crypta confirma de manera oficial a su nueva guitarrista
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Las metaleras internacionales Crypta finalmente han confirmado a su nueva guitarrista y es que la señorita Victoria Villarreal, conocida por su paso en Chaos Rising, se suma de manera permanente a la banda, reemplazando así a Jessica Di Falchi, quién dejo la banda el año pasado, para la sorpresa de muchos de sus seguidores.
Vicky hará dupla guitarrera a partir de ahora con Tainá Bergamaschi y la banda se completa con sus dos fundadoras, que son ni más ni menos que Luana Dametto en la batería y Fernanda Lira en voz y bajo, juntas se han convertido en una de las bandas más destacadas de los últimos años dentro del metal extremo y podremos ver el estreno “oficial” ya que en la última gira por aquí no se había confirmado quién sería la guitarrista permanente del grupo, en las siguientes fechas:
12 de Junio – Madrid – Revi Live
14 de Junio – Mos , Pontevedra – Sala Rebullón
15 de Junio – Vitoria – Gasteiz – Urban Rock Concept
16 de Junio – Valencia – Rock City
17 de Junio – Badalona (Barcelona) – Estraperlo Club del Ritme
Volver a escuchar la voz de Tomas Lindberg en 2026 no es una experiencia cualquiera. Después de su trágica muerte el pasado 16 de septiembre de 2025, con tan solo 52 años, tener acceso a su obra póstuma despierta sentimientos muy complejos en torno al dolor por su fallecimiento y también al deseo de mantener vivo su legado. No sólo se ha marchado una de las grandes voces de nuestro tiempo, alguien cuya influencia en el death metal melódico y la escuela de Gotemburgo es totalmente clave para el desarrollo de este género, es que además quien desaparece es una persona excepcional, culta, generosa, amable y de increíble genio, que deja un hueco imposible de llenar en los corazones de todos los que le conocieron, sea personalmente o como artista.
Así lo expresa la banda, al presentar este hermoso trabajo: “Nos enorgullece informar sobre nuestro octavo álbum de estudio, ‘The Ghost of a Future Dead’. El álbum saldrá el 24 de abril de 2026, más de dos años después de su finalización en el estudio. Como ya sabéis, Tomas Lindberg falleció el año pasado debido a complicaciones derivadas de su tratamiento contra el cáncer. Durante los últimos años, hemos estado trabajando estrechamente con Tomas, discutiendo y perfeccionando cada detalle para asegurarnos de que nada quedara al azar. Todo ha sido de acuerdo a sus deseos, incluyendo el título del álbum, la mezcla de sonido, el orden de las canciones, el diseño gráfico y la presentación general: ‘The Ghost of a Future Dead’ se mantiene fiel a su esencia. Combina la energía feroz y las potentes melodías que caracterizan a At The Gates. Este álbum es el legado de Tomas”.
Este deseo de erigirse como un legado se ve reforzado también con el primer single, “The Fever Mask”, lanzado el 20 de febrero, con un videoclip compuesto con multitud de fotos de los momentos más emotivos de la vida del vocalista.
Sin embargo, más allá de sus muestras de cariño, la banda se ha mantenido muy respetuosa e incluso reservada con respecto a la enfermedad, huyendo del morbo que a veces y tristemente pueden despertar ese tipo de noticias. En palabras de Anders: “Plasmar nuestro último momento creativo juntos en CD y vinilo es algo casi existencial. ¡La música hablará por sí sola!”
Esa voz propia de la que habla el guitarrista, se materializa en un álbum tremendamente bueno: un verdadero regreso al mejor sonido de At The Gates, con reminiscencias tanto de Slaughter Of The Soul como de At War With Reality, a las que se suman elementos progresivos y nuevos riffs tremendamente feroces, dándole una esencia particular y única. Puedo decir de forma objetiva que este pasará a la historia como uno de sus mejores trabajos.
Se trata de doce pistas de duración media, una de ellas instrumental, con dos singles hasta la fecha: el ya mencionado “The Fever Mask” y también “The Dissonant Void”: con un videoclip de animación en blanco y negro, muy evocador y en consonancia con el arte de la portada (un mar cuajado de olas, bajo un cielo estrellado, todo en blanco sobre negro).
El álbum cuenta además con la alineación clásica de finales de los 90, incluido el guitarrista Anders Björler, quién se atribuye la composición musical a medias con su hermano Jonas, e introduce su sonido característico, muy directo y con toques thrash.
Según comienza a girar el disco, nos envuelve la idea del vacío existencial, la crítica social y la presencia de la muerte, tanto en las letras como en su sonido. Tenemos entre manos un álbum muy oscuro, pesimista y por momentos nihilista, en el que la luz no proviene de una esperanza vana en la salvación del género humano, sino más bien de la aceptación de nuestra condición de parásitos y de nuestro inevitable final: el fin de la ceguera. At The Gates nos invita a quitarnos la “máscara de fiebre” y mirar al vacío de frente.
Todas las pistas son dignas de escuchar, pequeñas obras de arte capaces de hacer historia como siempre ha ocurrido con esta banda. Entre ellas quiero destacar algunas que me han emocionado especialmente:
Aparte de los magníficos singles, que nos ofrecen una velocidad vertiginosa y una furia desatada, creo que el tema que más me ha llegado ha sido “Of Interstellar Death”. El sonido me atrapa desde el primer segundo y el solo final es realmente memorable, mientras que la letra es compleja y llena de desesperanza; en ella sólo nos puede salvar la gracia de la locura.
La tercera pista, “Det Oerhörda”, es la única cantada en sueco: comienza con una inconfundible intro de órgano siniestro y es quizás la más oscura y melancólica del álbum. Nos habla del “mito del hombre” que nos seduce y a la vez nos destruye.
Otra pista interesante es la instrumental “Forgangligheten”, título que podría traducirse como “transitoriedad”. Se trata de una pieza serena y melancólica que entrelaza guitarra acústica y eléctrica y que nos da el respiro necesario para abordar el final del disco, con “Black Hole Emission”, otra canción rápida y contundente, que supone una capitulación incondicional ante el vacío de la existencia, al cual nos precipitamos como perros rabiosos.
Los instrumentos son increíblemente contundentes: rápidos, expresivos, envolventes. Con todas las señas de identidad de lo mejor de At The Gates. Se nota la química entre los hermanos Björler y las sinergias capaces de desarrollar con Martin Larsson y Adrian Erlandsson.
En cuanto a la voz, es tremendamente potente y desgarradora. Se escucha con la fuerza y el carácter de siempre. Lindberg se había asegurado de grabar todas las demos antes de una intervención mayor en el quirófano, pero él y toda la banda conservaban la esperanza de que podría recuperarse en unos meses para quizás regrabar algunas e incluso promocionar el disco en directo, algo que tristemente no pudo llegar a materializarse. Sin embargo, la calidad de las demos es tal, que utilizarlas como audio final se demuestra como una decisión más que correcta. Nadie notaría la diferencia con una grabación definitiva si no fuera porque la propia banda así lo ha divulgado, en palabras del propio Tomas, con la honestidad y humildad que le caracterizaba: “La última versión de las voces, la que aparecerá en el álbum, se grabó en un solo día, casi en una sola toma, el día antes de la cirugía, sólo para asegurarnos de tener el álbum listo. Así que las voces se grabaron antes que el resto del álbum… algo inusual, pero me sentí bien de tenerlo terminado”.
Las letras tienen chispas de referencialidad aquí y allá a las lecturas favoritas de Lindberg, podemos encontrar el horror cósmico inspirado en Lovecraft y Ligotti en varios de los temas (como “Of Interstellar Death”, quizás mi favorito, o el propio tema final “Black Hole Emission”), así como alusiones a las pinturas negras de Goya (en “Tomb of Heaven”: ese sueño de la razón… que produce monstruos), los laberintos de Borges, e incluso yo creo entrever cierto influjo de “La máscara de la muerte roja” de Poe en ese primer single, “The Fever Mask”, no sólo en su título sino en el significado de la letra que analiza el estado de negación en el que vive la sociedad actual mientras todo se desintegra.
Es un gran disco. Un triunfo en lo técnico y en emocional. Tanto Tomas “Tompa” Lindberg como At The Gates son piezas fundamentales de la cultura musical del siglo XX y su legado vivirá por siempre. La despedida del vocalista es un poco menos amarga teniendo el consuelo de este hermoso testamento: la voz de la conciencia de Gotemburgo seguirá resonando en cada riff.
Fear Factory regresará a Copenhague con una descarga industrial implacable
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El próximo 9 de septiembre, Copenhague será sacudida por el regreso de Fear Factory, una de las bandas más influyentes del metal industrial. Con su inconfundible fusión de riffs mecánicos, bases electrónicas y una precisión quirúrgica, el grupo promete una noche intensa que repasará lo mejor de su trayectoria y reafirmará su lugar como referente del género.
El show tendrá lugar en Store VEGA, una sala emblemática de la ciudad que se prepara para recibir una producción a la altura de una banda conocida por su potencia sonora y su estética futurista. En este entorno, el público podrá experimentar de primera mano la contundencia de un directo que combina agresividad, técnica y una atmósfera distópica única.
La noche estará acompañada por un cartel de peso con la participación de Crystal Lake, Hate y The Nocturnal Affair, tres propuestas que aportarán variedad y energía desde distintos ángulos del metal contemporáneo, preparando el terreno para el impacto final de la banda principal.
Las entradas ya se encuentran disponibles y pueden adquirirse a través de tickets. Todo indica que será una convocatoria importante, por lo que se recomienda asegurar lugar con anticipación para no perderse una de las fechas más contundentes del calendario metalero en la capital danesa.
Llegar justo siempre tiene algo de derrota antes de empezar, y esta vez nos tocó a nosotros. Por temas de horarios, nos perdimos el arranque del partido y la primera banda quedó fuera de nuestro radar. Cuando cruzamos las puertas de la Sala Salamandra, el ambiente ya estaba caliente, con la gente bien metida en lo que vendría a ser un doble turno: primero Dogma, luego Lord Of The Lost. Tocaba ver cómo se desarrollaba este encuentro con el marcador todavía en cero para nosotros.
El ingreso de Dogma fue como esos equipos que salen con uniforme impecable y mucha puesta en escena, prometiendo más de lo que luego muestran en el juego. Arrancaron con “Forbidden Zone” y desde ahí ya se notó que algo no terminaba de encajar, sobre todo en la voz. Hubo intención, luces, coreografías medidas y momentos como “My First Peak” o “Made Her Mine” que intentaban levantar al público, pero el sonido no acompañó y la sensación general fue de un equipo que domina la estética pero no concreta en el área rival.
A medida que avanzaba su set, con temas como “Carnal Liberation” o “Father I Have Sinned”, el partido seguía trabado. Hubo algún destello aislado, incluso con la versión de “Like a Prayer” que levantó celulares en la grada, pero la ejecución no terminó de convencer. La vocalista, especialmente, dejó muchas dudas en momentos clave, y eso en directo pesa. El cierre con “Pleasure from Pain” llegó casi sin aviso, como un empate sobre la hora que no deja conforme a nadie.
Y entonces saltaron a la cancha Lord Of The Lost, jugando claramente de local. Lo suyo fue otra historia desde el primer minuto con “Kill the Lights”. Sonido firme, presencia total y una conexión con el público que se siente trabajada durante años en esta ciudad. Chris Harms llevó el equipo adelante con autoridad, alternando momentos intensos como “My Funeral” o “Drag Me to Hell” con otros más melódicos, siempre con una banda sólida que no baja el ritmo.
El partido ya estaba decidido cuando sonaron “Blood and Glitter”, “Loreley” o “Doomsday Disco”. Cada tema sumaba como un gol más en una goleada sin discusión. Hubo tiempo para jugar, para interactuar y para demostrar por qué cada vez que vuelven a Barcelona lo hacen ante más gente. Lord Of The Lost no solo ganaron, dominaron de principio a fin, dejando claro quién manda en este terreno.
Pero incluso con el marcador ya resuelto, no bajaron la intensidad. Temas como “I Hate People” o “In the Field of Blood”, de Judas, mostraron otra cara del equipo, combinando fuerza y melodía sin perder control del juego. Hubo momentos para el espectáculo, para hacer cantar a toda la sala y hasta para algún giro inesperado, pero siempre con la sensación de que tenían todo bajo control. Cerraron con autoridad, como quien firma una goleada en casa y se va sabiendo que el público ya juega de su lado.
La agrupación oriunda de Nueva York, Castle Rat ha estrenado su nuevo single “The Siren”, perteneciente a su último trabajo de estudio The Bestiary, el cual fue publicado el pasado 19 de septiembre de 2025 a través de King Volume Records.
La banda ha comentado lo siguiente sobre este tema:
“Siren, profundiza en la inquietante y particular mitología de The Realm, enfrentando a sus personajes de la manera más temida: Una lucha contra The Rat Reaperess, una adversaria letal y que encarna a la muerte misma”.
Además, el videoclip ha sido dirigido por la mismísima Riley Pinkerton, vocalista y guitarrista de la banda, lo podéis ver y escuchar a continuación:
Immolation está de vuelta con Descent. Este trabajo llega en 2026 para confirmar que la banda neoyorquina no tiene ninguna intención de bajarse del trono del death metal técnico y oscuro. Después de lo que fue Acts of God, la expectativa era ver si mantenían esa extensión masiva o si buscaban algo más directo. Con Descent, el grupo entrega un material que se siente como una caída libre hacia lo más profundo de su propio estilo. No hay experimentos raros. No hay saltos al vacío comerciales. Es Immolation siendo fiel a su nombre.
La producción de Zack Ohren vuelve a ser clave. Lograron un equilibrio difícil: suena moderno y definido, pero conserva esa mugre orgánica que el género necesita para no sonar artificial. Las guitarras de Bob Vigna tienen un protagonismo absoluto. El tipo sigue sacando riffs que parecen imposibles, llenos de esos armónicos de pellizco y disonancias que son su marca registrada. En Descent, la distorsión se siente un poco más gorda, más presente que en discos anteriores. El bajo de Ross Dolan no se queda atrás. Tiene un tono metálico que golpea en cada nota, dándole una base sólida a todo el caos que proponen las seis cuerdas.
Ross Dolan sigue siendo uno de los mejores vocalistas de la escena. Su voz no parece sufrir el paso de las décadas. En este disco, sus growls suenan con una autoridad tremenda. No necesita gritar para transmitir oscuridad. Su presencia es imponente y sirve como guía en medio de las estructuras complejas que arma Vigna. Por el lado de la batería, Steve Shalaty demuestra por qué es el motor de esta banda. Su técnica es impecable. Los blast beats son precisos, pero donde realmente brilla es en los cambios de ritmo y en el uso de los platos para acentuar las partes más densas del disco. No es un baterista que busque el lucimiento vacío; todo lo que toca está en función de la canción.
Sobre la originalidad, hay una realidad innegable: Immolation suena a Immolation. Si buscás innovación total o que la banda incorpore elementos de otros géneros, acá no lo vas a encontrar. Ellos inventaron un lenguaje propio hace treinta años y ahora se dedican a perfeccionar la gramática. Descent es una clase magistral de cómo sonar fresco repitiendo una fórmula. La originalidad reside en cómo retuercen las estructuras para que, aunque sepas qué banda estás escuchando, el riff te siga sorprendiendo por su maldad. Sin embargo, hay momentos donde la sensación de “esto ya lo escuché” aparece. Es el riesgo de ser tan consistentes durante tanto tiempo.
El disco tiene una fluidez interesante. A diferencia de su predecesor, acá se siente una intención de crear una atmósfera más cohesiva. Los temas están conectados por una vibra opresiva que no te suelta. Hay partes más lentas, casi doom, que ayudan a que el impacto de los momentos rápidos sea mayor. La crítica que se le puede hacer es que, a veces, la densidad técnica puede agotar al oyente que no esté 100% concentrado. Es un álbum que exige mucho. No sirve para poner de fondo mientras hacés otra cosa. Requiere que te sientes a descifrar qué está pasando con las capas de guitarras.
En conclusión, Descent es un bloque de death metal de altísima calidad. Es técnico, es oscuro y tiene una ejecución soberbia. Immolation no necesita cambiar para seguir siendo relevante. Se nota que cada nota está puesta con intención. El sonido es robusto y la banda está en un gran momento interpretativo. Es un disco que reafirma su legado sin arriesgar de más, pero con una contundencia que pocas bandas de su generación pueden igualar hoy en día.
Dropkick Murphys traerá su fiesta celta-punk a Copenhague en pleno verano
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El próximo 24 de julio, Copenhague se prepara para una noche de pura energía con la llegada de Dropkick Murphys, referentes indiscutidos del punk con raíces celtas. La banda estadounidense promete un show cargado de himnos, coros multitudinarios y una intensidad que convierte cada presentación en una verdadera celebración colectiva.
El concierto tendrá lugar en Store VEGA, una de las salas más emblemáticas de la ciudad, ideal para albergar la potencia y el espíritu festivo que caracteriza al grupo. En este escenario, los asistentes podrán disfrutar de un repertorio que combina clásicos infaltables con la fuerza intacta que la banda ha sabido mantener a lo largo de los años.
Por el momento, no se han anunciado bandas teloneras, lo que deja toda la expectativa centrada en el show principal. Esto anticipa una noche directa y explosiva, donde cada canción será coreada por un público que suele entregarse por completo a la propuesta de la banda.
Las entradas ya están disponibles y pueden adquirirse a través de tickets. Con una convocatoria que se anticipa masiva, se recomienda asegurar lugar con anticipación para no perderse una de las fechas más festivas del calendario musical en Copenhague.
Hypocrisy en Copenhague: “Una noche fría de Metal Escandinavo”
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Hypocrisy pasó con su ‘Mass Hallucination’ tour por Dinamarca, acompañado por nada menos que el legendario Abbath, Vreid y Vomitory. La banda de Peter Tägtgren encabeza esta nueva gira europea y repasa sus más de tres décadas de brutalidad.
La noche arrancó temprano en el Amager Bio de Copenhague, con la presentación de Vomitory que subió al escenario poco antes de las 19:00. La banda formada en el ‘89 por Urban Gustafsson hizo un repaso de sus más de 30 años en el rubro ante un recinto semivacío. Fue corto y conciso. Solo media hora de un sonido rabioso y casi nula interacción con el público. Siendo un viernes feriado y con 4 bandas tocando desde temprano, es entendible que no hubiera mucha gente en el comienzo, ya que muchos se habrán quedado tomando una o dos cervezas antes de entrar. Pero los suecos no hicieron demasiado para generar empatía con el público presente, ni desde la actitud, lo visual o lo musical. Dió la sensación de que fueron a hacer un trámite.
Casi lo mismo se podría decir de Vreid. Una intro con un sonido gutural y envolvente hizo temblar las paredes, dando paso a los noruegos, que también tomaron el escenario durante media hora para desplegar su black metal melódico y ‘‘black and roll’’ inspirado en las montañas y fiordos de Sogndal. El set fue de siete temas, entre los cuales sonaron ‘The Skies Turn Black’ de su último álbum del mismo nombre, sacado este año,y clásicos de la banda como ‘Lifehunger’ con el cual cerraron su presentación. Se mostraron más abiertos e interactuaron un poco más con el público —sobre todo el bajista Hvall—, quien después del show se quedó sacando fotos con los fans y firmando autógrafos. Hubo más actitud en el escenario, pero no mucho para destacar desde lo musical.
El aperitivo fuerte de la noche llegó con Abbath. Se podría decir que más que un invitado especial fue un co-headliner, ya que no solo tiene una extensa trayectoria cementada en Immortal, sino también un público que lo sigue y que tal vez haya ido más interesado en él que en Hypocrisy. Pero la diferencia entre Abbath y las bandas que tocaron antes estuvo en el maquillaje estilo panda característico y el humo básicamente. Otra vez casi nula interacción con el público, más allá de sus habituales e inentendibles balbuceos que generan alguna que otra risa en la gente. Un poco lejos ya de la creatividad que lo llevó a ser quien es y que hoy sigue de alguna manera vigente justamente apoyado en su pasado, por la energía que pone en el escenario y la banda que lo acompaña, que suena muy bien y lo contiene musicalmente. Sobrio show que por suerte nada tuvo que ver con su último paso por Argentina en 2019.
Ya con la batería tomando el centro del escenario y no al costado como con las otras bandas, las luces bajaron, la música ambiental dio paso a una intro en aumento y Hypocrisy hizo sonar los acordes de ‘They Will Arrive’, tema que pertenece a ‘Worship’, último álbum de la banda lanzado en 2021. Gran tema para abrir el show. Ya desde el principio quedó más que en evidencia quiénes eran las estrellas de la noche. Un sonido mucho más prolijo y potente que las bandas anteriores. Con una mejor presencia en el escenario y más conexión con el público. Incluso el frontman Peter Tägtgren diciéndole al público que hablaría en sueco, porque los daneses entienden sueco, pero los suecos no entienden el danés.
El hecho de que la gira no sea parte de la presentación de un disco hizo que pudieran hacer un repaso bastante completo de su discografía. Tocaron temas de nueve de los trece álbumes de estudio que lanzaron. Desde ‘Inferior Devoties’ del álbum ‘Osculum Obscenum’ de 1993, pasando por el clásico ‘Eraser’ de ‘The Arrival’ hasta ‘Children of the Grey’ de ‘Worship’.
Acorde iba avanzando el show, más se iba encendiendo la gente y más conectados se veían los músicos, tanto entre ellos como con los fans. Miradas complices hacia la gente, intercambio de posiciones en el escenario y duelo de instrumentos incluido.
Mención aparte para Mikael Hedlund en el bajo, uno de los miembros fundadores junto a Peter Tägtgren. Que con una presencia bien marcada y un sonido redondo iba codo a codo con una batería ajustada en tempo.
Trece canciones formaron parte del setlist que duró cerca de una hora y cuarto y que fue llegando a su fin con temas como ‘Adjusting The Sun’, ‘Fractured Millennium’, y ‘War-Path’ que fueron abriendo el camino para el último tema de la noche y gran final con ‘Roswel 47’. Después de lo cual empezó el ritual del revoleo de puas y palillos mientras sonaba ‘Drained’ en los parlantes.
Si bien Hypocrisy levantó mucho el promedio de la noche con su profesionalidad, la verdad es que estuvo más que justificada la poca convocatoria que tuvo el evento. Tanto Vomitory como Vreid y Abbath parecieron estar cumpliendo una obligación más que dando un show para gente que pagó un ticket para ir a verlos en un feriado largo. Una noche en donde los protagonistas no contagiaron mucho más que un frío, frío metal escandinavo.
Infected Rain en Barcelona: “It’s Killing Time, Baby”
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El pasado 11 de abril tuvimos la suerte de recibir uno de los tours más explosivos del año en nuestro país. Madness Live nos traía a nada más ni nada menos que un cartel con doble headliner: Infected Rain y Butcher Babies en la Sala Salamandra de Barcelona (también en Sala Mon de Madrid).
Abriendo la velada pudimos disfrutar de los lituanos Black Spikes, la que para muchos fue la sorpresa de la noche. Con una mezcla de Metal Industrial, estética muy oscura y un sonido increíble, ofrecieron un concierto de alrededor de 30 minutos que se hicieron muy pero que muy cortos. Liderados por una Agni que ofreció una amplia variedad de registros (tanto a nivel melódico/gutural como a nivel de idioma, mezclando el lituano con el inglés), demostraron que pese a su corta trayectoria, estamos ante un grupo que dejó huella con su atrevida puesta en escena que incluía una bailarina que aportó ese punto de teatralidad que siempre se agradece cuando es ejecutado con tan buen gusto. Sin duda un grupo al que le seguiré la pista con sus futuros trabajos y/o conciertos.
Seguidamente tuvimos a los siempre explosivos Butcher Babies. Si bien es cierto que el grupo sufrió la baja de Carla Harvey (2024), la banda formada en California ofreció un show a la altura de las expectativas. Desde el primer momento en el que Heidi Shepherd pisa un escenario empieza la magia. Una energía desbordante, un sonido de lo más potente y un repaso a sus clásicos como “It’s Killing Time”, “Monsters Ball” y la posibilidad de escuchar los temas más recientes como “Sincerity” o “Lost In Your Touch”, hicieron del concierto una experiencia para recordar. Cabe destacar que escuché algunas quejas sobre las pistas de voz usadas durante el show, pero teniendo en cuenta que el grupo ha pasado de tener 2 registros vocales a 1, considero que funciona más que bien en directo. Un grupo que me encanta a título personal y que no dudaré en volver a ver si se presenta la ocasión. Heidi no perdió la oportunidad de bajar a incitar a un circle pit como ya es habitual en sus conciertos.
Y finalmente llegó el momento que tanto esperaba. Los moldavos Infected Rain volvían a la ciudad Condal para consolidarse como una “powerhouse” dentro de la escena del Groove/Industrial Metal. En esta ocasión les pudimos ver con una nueva producción y un show más orientado a salas de tamaño medio/grande (a diferencia de las otras ocasiones que les hemos podido ver). Capitaneados por la que considero una de las mejores “Frontwomen” de la escena, Lena Scissorhands, ofrecieron un repertorio que también hizo repaso de temas antiguos para los fans más acérrimos de la banda como “Orphan Soul”, “Fighter” o “Judgemental Trap” y nos presentaron su single más reciente “Stranger” en directo (que suena incluso mejor que en grabación) y un tema que aún no ha visto la luz. También pudimos disfrutar de la tan esperada colaboración en directo con Heidi de Butcher Babies en el tema “The Realm Of Chaos”, que fue una auténtica pasada. En la entrevista que tuvimos con Lena, nos comentaba que creía que habían dado un gran paso hacia adelante como banda y después de su concierto en Salamandra, puedo confirmar que así ha sido. Solo nos queda esperar la publicación de los siguientes singles, el tan anticipado álbum y rezar para que vuelvan a presentarlo en nuestro país.
Fotografías: Edko Fuzz
Altamira Fest 2026 aterriza con un cartel explosivo
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Altamira Fest 2026 irrumpe en la escena como una descarga directa de distorsión, actitud y adrenalina, listo para hacer temblar Cerdanyola del Vallès el próximo 9 de mayo. Con un cartel que mezcla punk, hardcore y sonidos alternativos sin concesiones, el evento apunta a convertirse en un punto de peregrinaje para quienes viven la música con intensidad y sin filtros. El Parc del Turonet será el epicentro de esta tormenta sonora, con entrada gratuita desde las 17:00, dejando claro que la contundencia no está reñida con la accesibilidad.
Entre los nombres que encabezarán esta jornada destacan Misconduct y No Way Out, acompañados por una alineación que incluye a Fuet!, Saïm, PUK2, Fastloud, Waterviolet y Woodchuck. Una combinación explosiva de bandas que garantizan pogos, energía desbordada y una conexión directa con el público. La estética del cartel, agresiva y cargada de electricidad visual, anticipa exactamente lo que se vivirá sobre el escenario: volumen alto, riffs afilados y cero concesiones.
Más que un simple festival, Altamira Fest 2026 se presenta como un grito colectivo para la escena underground, un espacio donde la música en directo recupera su esencia más cruda. En un contexto donde los grandes eventos dominan la industria, propuestas como esta reivindican el valor de lo cercano, lo auténtico y lo visceral. Una cita imprescindible para quienes entienden la música como algo más que sonido: como una forma de vida.
Lucifer y un regreso a Argentina con cambios en abril
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Dicen que no hay dos sin tres. Y así lo reafirma Lucifer. La banda alemana liderada por su vocalista, Johanna Platow, regresa a Argentina por tercera vez en su carrera, con una alineación totalmente nueva y renovada para seguir expandiendo su reinado de ocultismo y tinieblas. El show será el próximo jueves 23 de abril, en Uniclub (Guardia Vieja 3360), en la Ciudad de Buenos Aires. El mismo tendrá inicio a las 19hs.
Desde su aparición en 2015, Lucifer se han convertido en unas de las agrupaciones más relevantes dentro del hard rock. Y razones hay de sobras: su concepto, su sonido, su cantante, todo nos lleva y retrae a un viaje en el tiempo a la época dorada del proto metal de los 70’. Tomando como influencias directas, a nombres como Black Sabbath, Blue Öyster Cult, Coven (entre tantos), la banda ha construido un estilo y una imagen oscuro y retro que le ha permitido cosechar una gran base de fanáticos.
Apoyados en una estética ocultista propia de los años 70’, el grupo nacido en Berlín carga con un concepto visual coherente a su música, usando cuero, ataúdes y una estética de cine de terror clase B (propio de la productora Hammer Horror) que los vuelve visualmente elegantes e identificables.
A lo largo de su carrera, han compuesto 5 álbumes de estudio en dónde se aprecia un sonido “vintage”, combinado con la potencia y nitidez de una producción moderna. Musicalmente sus composiciones consisten en riffs lentos, densos, con una afinación grave, aunque a su vez, poseen ritmos dinámicos y enérgicos propios del rock and roll clásico. Es este balance entre nostalgia y frescura lo que los volvió en un grupo de calibre y renombre en la escena.
Parte de ese éxito, se debió a que su líder, Johanna Platow se mudó a Estocolmo y conoció al multiinstrumentalista sueco Nicke Andersson. El batero reconocido por su trabajo en The Hellacopters y Entombed, se unió al grupo y produjo los siguientes álbumes, desde Lucifer II (2018) hasta Lucifer V (2024) en el estudio The Honk Palace, en Estocolmo.
No obstante, esta alianza tuvo su abrupto fin en 2025, cuando Anderson dejó la formación junto con el resto de los músicos que la integraban, dejando solo a la cantante. De este modo, esta será la primera visita del grupo sin el astro sueco tras los parches.
Pese a eso, la señorita Platow refundó el grupo con una alineación mayormente femenina, conformada por Rosalie Cunningham (guitarra), Coralie Baier (guitarra), Claudia González Díaz (bajo) y Kevin Kuhn (batería). Con este nuevo elenco, la banda inicia una nueva etapa dentro de su carrera, que tiene por delante una gira por Sudamérica en abril de 2026, que incluye varias fechas en Brasil, además de shows en Argentina y Chile.
Reafirmando su estilo, Lucifer se perfila para pisar nuevamente suelo argentino con energías renovadas y un catalogo lleno de grandes hits, para ser disfrutados en vivo.
Para los fanáticos del heavy rock más tradicional, un evento imperdible, de la mano de Noiseground.
Las entradas se encuentran disponibles a través del sistema alpogotickets.
Muchos de nosotros asociamos inmediatamente el nombre de Paul Urkijo con el cine de folk-terror. Éxitos como “Errementari”, “Irati”, o la reciente “Gaua” van cosechando nominaciones y premios allá donde van. Sin embargo el director no se conforma con esto y también aporta su granito de arena al mundo del death metal a través de su banda Hortzak. Death Metal en euskera, por supuesto.
La banda la componen el propio Paul Urkijo como vocalista y letrista, junto a un grupo de músicos veteranos de la escena vasca: David Zabala a la guitarra, Asier Gabiola a la batería y Mikel Cuesta al bajo (procedente de la banda de metalcore IONT), siendo David y Asier los principales responsables de la composición instrumental.
En 2020 sacan su primer álbum: “Heriotza Ala Hil”, en el que combinan rock y metal con aires doom y sludge. Las letras tocan temas mitológicos, de crítica social e incluso algo de humor, con pasajes de gore macabro. Un disco muy completo y con una impresionante portada (dibujada por el propio Paul) que muestra a un lobo salvaje y carmesí, tocado con el cráneo de un chivo.
A principios de 2026 sale su segundo álbum de estudio, autoeditado como el anterior en Auryn Studios, pero sin nada que envidiar en cuanto a producción a la mayoría de los trabajos de la escena que salen con discográfica en nuestro país. Se trata de “Ez dut pozik egon nahi” (“No quiero ser feliz”), título que sienta como leitmotiv del disco la sensación de asco que provoca esta sociedad hipócrita y consumista, que esconde guerra y destrucción bajo una fachada de plástico barato.
Hay bastante de crítica social en el álbum, sobre todo en la canción homónima del disco, o la muy interesante “Antropofagia” con toques de humor negro. También vuelven a surgir imágenes tanto religiosas como mitológicas (en canciones como “Furiak”, “Legio Gara”, “Aingeruak Sutan”…) y del folklore vasco (“Kixmiren Etorrera”).
Pero sobre todo es un disco sobre la violencia: desde la primera canción “Horda Beltza” a la última, “Herio”, encontramos guerras, matanzas, mordiscos, mercenarios y muerte, mucha muerte, en un compendio de historias cantadas que perfectamente podrían expandirse al transmedia en forma de cómics, cortos o videojuegos.
En cuanto a su sonoridad, son pistas de duración media, a un ritmo muy rápido. La batería de Asier Gabiola es un tambor de guerra acelerado y que nunca cesa. Las cuerdas vertiginosas de David Zabala y Mikel Cuesta no descansan ni un momento (David, que también imparte masterclass de su instrumento, demuestra sin paliativos que es un maestro en lo que hace). Igual ocurre con la voz, directa y sin florituras, que nos impacta por su velocidad y que suena entre death ‘n’ roll y postpunk. Cero baladas en un álbum que incita a cualquiera a lanzarse de cabeza al moshpit.
Otra cosa que hace interesante al disco es la inclusión de referencias a diferentes películas de culto, algo también presente en su anterior trabajo. Pequeños guiños al espectador cinéfilo y un poco friki que reconocerán los más entendidos.
A todo esto, se suma de nuevo una impactante portada y arte interior de mano de Urkijo. Diferentes dibujos en blanco sobre negro, que parecen recordar los personajes y armas de la Horda Negra retratada en la primera canción y que me hacen desear un videoclip de animación 2D con el mismo arte conceptual.
Solo me queda por decir: Ongi etorri jainko erorien putzura!
Goran Panić (Assignment): “La IA deshumanizará a la humanidad y acabará con el arte”
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Assignmentes una banda originaria de Alemania, a menudo etiquetada como metal progresivo, con un sonido muy único y depurado. Llevan componiendo desde principios de los 90 y acaban de sacar su último álbum de estudio With The End Comes Silence, un disco futurista y distópico, a la vez lleno de pasajes delicados y evocadores. Hemos tenido la oportunidad de hablar de ello con su fundador, Goran Panić.
Buenas tardes, soy Cristina de Track To Hell, muchas gracias por concedernos esta entrevista. Lo primero, quisiera daros la enhorabuena, la banda lleva recorrido un largo camino desde 1994, más de 30 años de trayectoria, y ahora acabáis de sacar un estupendo álbum, With The End Comes Silence, que demuestra que estáis más vivos que nunca. Por favor, Goran, ¿puedes hablarnos un poco de esta actual etapa de Assignment?
Bueno, desde nuestra perspectiva, es un paso más en nuestro viaje musical. Es nuestro tercer disco con Diego Valdez en la voz, así que ahora hay una estabilidad consolidada, y aparte de la salida de nuestro tecladista de siempre, Gert Sprick, la formación también es la misma. Como banda, y yo como principal compositor, el objetivo es el mismo de siempre: intentar mejorar y sonar mejor en cada lanzamiento. Si no creyéramos en lograrlo, no nos molestaríamos en hacerlo.
Y en tu opinión ¿han evolucionado también las cosas a vuestro alrededor?, ¿cómo valoras la escena del metal progresivo en los últimos tiempos? ¿Y qué papel juega la IA en este ámbito artístico?
En general, no me gusta el término “progresivo” en lo que respecta a la música. Me niego a que me llamen progresivo, ya que se asocia con ciertos rasgos distintivos de nuestro sonido: canciones largas, compases irregulares, cambios de tempo y demás. Amigos, todo esto se hizo hace mucho tiempo… Se podría decir que Kansas o Rush son progresivos, pero como ya dije, ellos ya hacían eso en los años 70… Supongo que el nombre se convirtió en el cajón de sastre que la industria musical necesita para etiquetar el producto… Así que, en realidad, lo que prefiero es incorporar diferentes estilos a la música, que puedan crear distintos paisajes sonoros.
Y nuestra opinión sobre la IA la dejamos clara en el libreto que acompaña el disco: estamos totalmente en contra porque creemos que deshumanizará a la humanidad y acabará con todas las formas de arte.
Estoy fascinada por With The End Comes Silence, sobre todo por su tema central. Desde la portada se insinúa la distopía, un aspecto que se desarrolla muy bien en la letra de la canción homónima. ¿Te inspiraste en la realidad para escribirlo o es todo ciencia ficción?
Desafortunadamente, en la realidad actual del mundo. Y el hecho cada vez más evidente es que la humanidad no aprende de su pasado. Ese es un punto, además del que mencionaste antes: el desarrollo tecnológico, que se está volviendo inquietante, lenta pero inexorablemente. En resumen, el futuro no pinta nada bien, desde luego no está hecho de rayos de sol y arcoiris…
Musicalmente, es un álbum muy completo, atmosférico y evocador. Me encanta su estructura y el equilibrio entre los instrumentos. ¿Es difícil componer un álbum así, con tanta atención al detalle?
Quizás no sea difícil, pero sin duda requiere mucho tiempo y esfuerzo. Después de terminar la primera demo de una canción, paso a la siguiente. Cuando siento que tengo suficiente material e ideas para el álbum, empiezo a revisar las canciones para la siguiente etapa, donde pueden surgir muchos cambios. Y de una canción a otra, eso puede ocurrir una vez, o incluso varias, siempre y cuando no sienta que “ya está”.
Hablando de los diferentes instrumentos, por favor, cuéntame más sobre este teclista: Bratislav Metulski. Lo vi en tu página web y quiero saber más.
Bueno, si lo viste en nuestra página web, seguramente pudiste leer su información: es un payaso muerto, asesinado por un psicópata llamado Nihil Baxter. ¿Y has visto su foto? ¿¡Qué es esto!?, ¿verdad? Es muy divertido, además, obviamente es un personaje ficticio. Después de que nuestro tecladista de toda la vida, Gert Sprick, dejara la banda tras el álbum “Reflections”, necesitábamos un reemplazo. Pero no pudimos encontrar al adecuado, sobre todo por falta de tiempo. Cuando compongo las canciones y creo las demos, suelo incluir algunas ideas sobre lo que podrían hacer los teclados. Así que los chicos dijeron: “Goran, tendrás que hacerlo tú”. Y Goran lo hizo, pero Goran no es tecladista, así que inventé a Bratislav Metulski por ahora… Pensé que si Running Wild puede tener a Angelo Sasso en la batería, ¿por qué Bratislav Metulski no puede estar en los teclados? Así que es solo por diversión, nada más…
Ya hemos visto dos sencillos del álbum, “Fallen” y “Angel of Berlin”, cuyo vídeo me ha parecido muy bello e intrigante, con este joven caminando por la ciudad. ¿Puedes contarme más sobre esta canción y las ideas que expresa el vídeo? Me encanta.
Bueno, el vídeo refleja a la perfección la letra de la canción. Y la letra se basa en una experiencia personal. Mi empresa me envió a Berlín por un proyecto, pero esa oportunidad surgió en un momento en que estaba pasando por serios problemas personales; me sentía completamente vacío y agotado. Y de repente, conoces a alguien y experimentas cómo dos almas rotas se sanan mutuamente y se enamoran, pero sabiendo que no pueden tener un futuro juntos. Épico y trágico a la vez…
También me impactó “With the End Comes Silence”, la canción que da nombre al álbum, que, en mi opinión, es una de las más potentes y progresivas del disco. Cuéntame más sobre ella y: ¿tendremos también un videoclip para esta canción?
No está previsto grabar un videoclip para la canción, simplemente porque es la más larga, con 9 minutos de duración. Sin duda, es la canción más progresiva del disco, y a mi parecer, también la que tiene el estribillo más pegadizo. El tema se basa en la frase “you´ll never miss it, until it is gone away” (en castellano: “nunca lo echarás de menos hasta que se haya ido”). Esta frase se aplica al final de una vida, al final de una relación o incluso a la disolución de una banda. Pero como nada dura para siempre, hay un mensaje positivo. En la letra de la canción se lee: “Morning mist, and the sun awakes the smell of roses, with a smile, i await the end that life composes” (“Niebla matutina, y el sol despierta el aroma de las rosas, con una sonrisa, espero el final que la vida compone”).
Es cierto que suena a un final pero también a un futuro interesante. Por cierto, en tu opinión, ¿cuál es el futuro de Assignment?
Ojalá un par de discos más, ya que esto es algo que solo depende de nosotros y que siempre lo tenemos en mente. También estamos trabajando en algunos directos que, si todo sale bien, podrían concretarse muy pronto.
Ojalá que sea así, y podamos veros en directo pronto… ¿en España quizás? He notado que, a pesar de tener miembros hispanohablantes, como Diego, no soléis visitar mucho nuestro país. ¿Podremos veros en el sur de Europa en estos próximos shows en vivo?
Bueno, primero tendríamos que recibir una invitación… Otro problema es que la mayoría de los miembros de la banda tienen trabajos a tiempo completo, familias con hijos y otras obligaciones además de hacer música. No es imposible, pero sí muy difícil. Definitivamente nos gustaría y no lo descartamos.
Muchas gracias y felicidades por el buen trabajo.
¡Gracias Cristina por tu interés y apoyo! Que fluya el metal.
Que los chicos de Electric Callboy son mentes inquietas y en busca de proyectos paralelos es algo que ya sabíamos. Y uno de estos proyectos, de manos del guitarrista Daniel Haniß, es esta joven banda, también en el género metalcore/electrocore fiestero y humorístico, con un nombre pensado para llamar rápidamente mi atención. Me siento un poco vieja al recordar con nostalgia los dibujos animados de los Samurai Pizza Cats… ¡La verdad es que eran de mis favoritos en los 90! Y a la vista está que no soy la única.
Con ese nombre, ¿cómo es posible que me pasara desapercibido su primer álbum, “You’re Hellcome”? No lo sé, pero lo que sí sé es que con este segundo, “Press Start”, la banda parece consolidada como un proyecto a largo plazo. No obstante, en su corta vida ya han tenido un cambio en su alineación: reemplazando Robin Scheeral al batería fundador, Stefan Buchwald (ex Fall Of Gaia). El resto de componentes son Sebastian Fischer a las voces y Stefan Reufer al bajo.
Además de este elenco, encontramos un par de colaboraciones de interés, ambas con videoclips muy entretenidos y memorables. Primero con los catalanes Ankor en la canción “T-Rex(plosion)”, con un interesante dueto de voces femenina y masculina. Y después, con el trío japonés BABYBEARD (Ladybeard, Suzu y Mizuki), en la canción “Ramen-Man”: añadir letras en japonés resulta una opción muy adecuada para lo que nos ofrece Samurai Pizza Cats.
Todas son canciones frescas y pegadizas, que buscan la sorpresa y la experimentación: para estos alemanes la música es como un juego. De hecho, este disco se presenta no sólo con la portada y el lenguaje de un videojuego de arcade, sino también con su misma estructura: comenzamos metiendo una moneda, jugamos un poco, sufrimos un error informático, subimos de nivel, ganamos mucho oro y cuando nos lo pasamos, nos aburrimos y dejamos de jugar ¿o no?, porque siempre queda una pantalla extra que desbloquear. Todo este recorrido podemos seguirlo canción por canción en su impecable tracklist. ¡No se os ocurra cambiar el orden en vuestra lista personal!
Es un álbum de media hora, con cuatro divertidísimos videoclips muy bien producidos, con letras llenas de chistes, imágenes chocantes y referencias frikis (me ha hecho mucha gracia encontrar a Earl Sinclair de la serie de Disney “Dinosaurs”). Por su parte, la canción que cierra este trabajo es una versión más fiestera de uno de los temas de su debut “Pizza Homicide”, ahora subtitulada como “STVW Version”.
Creo que lo mejor de “Press Start” es su musicalidad. Sin dejar de ser metalcore, se hace muy ligero y agradable de oír, con estribillos y riffs que se insertan en tu cerebro para tararearlos todo el día. La instrumentación está muy bien estructurada y depurada, con sonidos fluidos y cambiantes que no cansan en ningún momento. Por su parte, a las voces, Sebastian Fischer nos ofrece al menos dos registros, uno más sucio para enfatizar y otro más limpio, que le sirve para fluir y dejarse llevar con las melodías.
Sin embargo, no voy a darle mis dieces totalmente a “Press Start”. En cuanto a las letras, no estoy al 100% con su humor, que a veces me resulta un tanto condescendiente. Las descripciones humorísticas de animales tienen su punto pero pueden llegar a ser demasiadas. Con respecto a “Super Zero”, el ejercicio es similar, pero esta vez refiriéndose a un colectivo humano: entiendo el espíritu de la letra, pero no consigo que me emocione.
Otro pequeño hándicap que le encuentro al álbum es su dependencia de la postproducción: como disco suena impecable, pero no tengo claro cómo trasladarán este sonido al directo sin abusar de grabaciones. Finalmente, asomándome al álbum anterior, debo decir también que aquel resultaba quizás un poco más novedoso y potente, presentando además más colaboraciones.
En cualquier caso, se trata de un álbum muy original, muy actual, con muy buena producción, que se deja escuchar muy bien y que alimenta muy dignamente el creciente género de metalcore/electrocore humorístico y con ganas de fiesta en el que tan buenas son las bandas alemanas.
Pink Turns Blue en Buenos Aires: “Calma ensordecedora, furia sutil”
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Los alemanes Pink Turns Blue se habrán adelantado dos décadas a los títulos de blogs de Tumblr, uno que tomaron de la canción del mismo nombre de Hüsker Dü, pero pocas bandas capturaron tan bien en sus inicios cierta idea de lo que era hacer rock gótico en los ochentas. Su debut If Two Worlds Kiss, de 1987, tiene 37 minutos de sonidos oscuros y melancólicos pero que no se olvidan de los orígenes punk del estilo, con el cantante y guitarrista Mic Jogwer canalizando a un Danzig germano en su voz, unas líneas de bajo bien prominentes y una batería que por momentos parece grabada en un sótano enorme. Aquel álbum se ha convertido en una pieza de colección para muchos aficionados al rock gótico o para gente que se esté metiendo en el estilo, tal vez curioseando para ver qué hay detrás de esa portada donde el baterista Marcus Giltjes parece estar canalizando a un Billie Joe Armstrong del futuro.
Con Mic Jogwer como único miembro constante, el grupo pasó por muchos cambios de formación e intentos de actualizar su sonido con resultados mixtos, separándose a mediados de los noventas. Pero una década después Jogwer decidió volver con la banda a sus sonidos góticos, y Pink Turns Blue se ha mantenido más o menos activo, dando conciertos y editando material de vez en cuando, donde se muestra un intento de mantener las atmósferas melancólicas pero ahora más alejadas de la rabia punk. El último de estos ha sido Black Swan, editado en 2025 y que dio motivo para que Pink Turns Blue se pasara nuevamente por Latinoamérica, con el público argentino estando por primera vez en los planes de la banda.
2 de abril en el Teatrito, y aprovechando el feriado extra largo salido de que se juntara el Día de los Veteranos y Caídos en Malvinas con el Viernes Santo tuvimos al público gótico dirigiéndose al Teatrito de Sarmiento 1752, seguramente cruzándose con la gente no-gótica que recorría por la tarde la calle Corrientes a unas cuadras en lo que habrá sido un choque (o un beso) de mundos. La fecha estaría organizada por la gente de Icarus, a la que siempre se le agradece tenernos en consideración para estas fechas.
Mencioné que era “feriado”, pero eso no era para todos, obviamente, y eso me incluía a mí, por lo que no pude llegar antes para ver la actuación de Adicta, los primeros teloneros. Me hubiera encantado verlos: el sonido mucho más bailable y synthpop del quinteto puede parecer una mezcla rara al lado de grupos mucho más explícitamente rockeros, pero la escena gótica siempre estuvo abierta a esa clase de sonidos.
Llegué cuando estaban arrancando los suecos Then Comes Silence, que acompañaban a Pink Turns Blue en el papel de “teloneros deluxe”. Y escuchando unos segundos quedaba clarísima la razón detrás de esa elección, siendo que los de Estocolmo tienen bien aprendido el manual del gótico. Ciertamente las canciones pueden pecar de ser un tanto monótonas en este contexto, pero el de Then Comes Silence es un sonido atractivo y el cantante / bajista / líder DK Griftegaard hizo todo lo posible por mostrar su agradecimiento de estar ahí, aunque al final no quisieran sacarse una foto con el público cuando se les ofreció y se fueran rápido, asumo que por limitaciones de tiempo. Su presentación se extendió por una hora, y dejó un buen sabor de boca dentro de todo.
Para el final de Then Comes Silence, la cantidad de público estaba lejos de reventar El Teatrito, aunque un colega que estaba en el mismo lugar me dijo que “había mucha más gente que en Unto Others”, haciendo referencia a otros góticos que se habían presentado en el mismo lugar justo una semana antes y donde la convocatoria había dejado bastante que desear a pesar de la gran presentación del grupo. Pero tampoco es que estuviera desierto, con la gente llenando cómodamente cerca de la mitad del lugar.
Apenas pasadas las 21:30 se apagaron las luces y se abrió el telón para abrir paso a Pink Turns Blue, con Mic Jogwer acompañado del bajista Luca Sammuri y el baterista Paul Richter. La presencia de Sammuri y Richter acá es extremadamente importante, no sólo por ser la base rítmica del combo sino también porque la primera mitad del concierto estaría centrada más que nada en Black Swan y Tainted (2021), álbumes más modernos que muestran ese estilo más etéreo que mencioné antes, y uno donde muchas veces la guitarra de Jogwer queda de lado más allá de algunos sonidos atmosféricos, con el bajo punzante y la batería quedando a cargo de casi todo.
En general el público disfrutó de esta primera parte, aunque el sonido más relajado no fuera el más explosivo para ver en vivo. Lo mejor era cerrar los ojos y dejarse llevar por el sonido más austero de estas canciones, que por momentos me recuerda a una versión minimalista de lo hecho por The Cure en su último álbum. Pero no habría que culpar a nadie por no haber visto nada de saltos ni momentos de euforia explosiva, porque no es música hecha para eso. “There Must Be So Much More” y “Black Swan (But I Know There Is More to Life)” fueron un par de los momentos destacados en esta primera parte más tranquila, aunque Jogwer y sus compañeros no fueran de los más comunicativos: nada de largos discursos entre canciones.
Las cosas cambiaron en la segunda mitad, justo cuando Jogwer comenzó a tocar el riff de “Walking On Both Sides”, ese clásico de If Two Worlds Kiss que fue identificado de inmediato por la gente y que ahí sí tuvo los primeros pogos propiamente dichos de la noche. Y sí, estaba claro que muchos ahí estábamos mucho más familiarizados con su material de los ochentas, en el que con excepción de la inclusión de “Walk Away” de Ghost (2007) y “You Still Mean Too Much to Me” de Tainted estarían centrados en esta etapa de la presentación. “I Coldly Stare Out”, “Missing You” y el otro clasicazo “Your Master Is Calling” fueron coreadas por la gente y muy celebradas, trayendo esa energía punk juvenil.
La antes mencionada “Your Master Is Calling” parecía haber marcado el final del concierto, con Pink Turns Blue retirándose del lugar. Pero quedaba tiempo para algo más, con los tres músicos volviendo al escenario y quemando los últimos cartuchos con “When It Rains”, “A Moment Sometimes” y la infaltable “If Two Worlds Kiss”, ahora sí dándole un final bien marcado a todo y llevándose los aplausos del público y sus agradecimientos.
Un detalle que quiero mencionar es que el público en El Teatrito aparentaba una edad tirando a joven, o al menos tirando para el lado de haber nacido cuando la banda estaba separada. Siendo que Pink Turns Blue nunca tuvieron un éxito multitudinario internacional o siquiera tuvieron mucho de su material editado fuera de Alemania, gran parte del público tendría que haber conocido a la banda a través de Internet, a través del boca a boca. Y tener a gente joven disfrutando las canciones que compusiste hace cuatro décadas atrás debe ser un honor, uno que se comprobó esa noche en la ciudad de Buenos Aires, más allá del par de detalles a mejorar que noté. Esperemos que esta no sea la única ocasión que tengamos a los alemanes por aquí.
A Colossal Weekend 2026: Copenhague se prepara para tres días de intensidad sonora
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La ciudad de Copenhague se alista para recibir una nueva edición de A Colossal Weekend, que celebrará su décimo aniversario los días 7, 8 y 9 de mayo de 2026. El festival, ya consolidado como uno de los encuentros más importantes para los sonidos pesados, experimentales y atmosféricos en Europa, promete una edición especial con un lineup tan diverso como contundente.
Encabezando el cartel aparecen nombres de peso como Cult of Luna, Pelican, Russian Circles y King Buffalo, acompañados por propuestas destacadas como Slift, Blackwater Holylight, Svalbard y Truckfighters. La curaduría vuelve a apostar por una mezcla de post-metal, doom, psicodelia y sonidos alternativos, manteniendo la identidad que ha convertido al festival en un punto de referencia para los amantes del género.
El lineup se completa con una extensa lista de artistas que amplían el espectro sonoro del evento, incluyendo a A.A. Williams, Eyes, John Cxnnor (con su set de doom rave), Lysbærer, Morpholith, Puke Wolf, Slow Crush, y Throwe, entre muchos otros. Esta diversidad asegura una experiencia rica en matices, donde conviven desde pasajes etéreos hasta explosiones de distorsión y crudeza.
Con sede en distintos espacios de la ciudad y una propuesta que va más allá de los conciertos tradicionales, A Colossal Weekend 2026 se perfila como una celebración única para la escena underground. La décima edición no solo marca un hito en la historia del festival, sino que también reafirma el lugar de Copenhague como un epicentro clave para la música alternativa y de vanguardia. Consegui tus entradas aca.
Escuchar black metal de calidad y con cierta originalidad proveniente de México no es algo habitual, pero es menos habitual escuchar black metal sinfónico, con unos tintes de gothic metal bastante pronunciados muy en la escuela de este subgénero del black metal de finales de los 90 principios del 2000.
In My Dreams (o InMyDreams) es una banda de la Ciudad de México, formada en 1996, hace 30 años, sin embargo, solo estuvieron activos dos años para después pasar por un letargo de 22 años y retomar su curso en el 2020.
Para el 2023 editaron su primer álbum Melancholy Tales, posteriormente, en 2025 lanzaron un EP titulado Salacia, y hace menos de un mes presentaron en sociedad su segundo álbum Seduced By A Moonlight Kiss.
Seduced By A Moonlight Kiss está compuesto por siete canciones, con duración promedio de cada track de 4 minutos, logrando una entrega por arriba de los 30 minutos (poco menos y se queda como EP); es un álbum ambicioso, bien trabajado, donde se denota entusiasmo, pasión y presupuesto en la grabación.
In My Dreams no están reescribiendo el género, ni están creando algo nuevo, sin embargo, lograron crear un álbum que se escucha fresco y de calidad pero con la esencia de los finales de los 90 principios del 2000, algo no muy común en nuestros días, donde la brutalidad y lo sucio es lo más representativo delgénero a nivel nacional.
Musicalmente podría ponerlo en un limbo entre la era Nymphetamine (2004) de Cradle Of Filth, un poco del Puritanical Euphoric Misanthropia (2001) de Dimmu Borgir, con pequeños toques en ciertos pasajes del Redimus (2004) de Hecate Enthroned, pero lo que más me sorprendió sin duda fue la gran influencia que noté de los rusos Tvangeste y su álbum Firestorm del 2003.
La composición musical es impresionante, mantienen este aire del black metal sinfónico, pero lo mimetizan con un gothic metal en los pasajes y las atmosferas, y de igual forma logran integrar unos solos realmente impresionantes e infernales como en la canción “Seducing The Night”; si bien la estructura de las canciones es muy semejante, y hasta en ciertos puntos predecible no resulta un álbum cansado o monótono.
Vocalmente me parece que la voz gutural es magnífica, con tonos muy en la línea de los noruegos de Ancient, pero se nota un buen trabajo y control de las tonalidades vocales; sin embargo, en la parte de las voces claras (no narradas) creo que no son su fuerte, desconozco si Jodream (Jonathan Velázquez) ejecuta las tres partes vocales (gutural, claras y narradas), pero sin duda alguna las voces claras al no ser las mejores en armonía opacan un poco logeneralmente bueno del álbum.
Líricamente creo que tienen un tema muy clavado con la luna, ya que se menciona en el título y en 3 de 7 canciones; de igual forma les gusta seducir ya que hay dos canciones con referencia a la seducción y finalmente Selene está muy presente, no estoy seguro si como una deidad o como un viejo amor del compositor.
En general es un buen álbum, con buenas atmosferas, se siente un álbum con temática, con narrativa y que guarda coherencia entre canciones, desde la parte rítmica, estructural y proyección vocal.
Esperemos que In My Dreams siga creando más black metal sinfónico de calidad, que consideren tener algún vocalista adicional para las partes claras, pero sobre todo que sigan creando esos pasajes oscuros y melancólicos que tanta falta hacen en el genero.
Beyond Creation & Fallujah en Buenos Aires: Dos caras del death metal actual
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Si algo tiene el death metal, son distintos caminos y vertientes en los que se va moviendo y expandiendo. Empujando sus límites hacia nuevos horizontes. Dentro de estas dinámicas, aparecen Beyond Creationy Fallujah, dos agrupaciones con interpretaciones muy diferentes del género, pero que comparten esa búsqueda y ambición por romper barreras. Y por encontrar una identidad, a base de una constante evolución.
Estas dos bandas se van a estar viendo las caras el próximo miércoles 22 de abril, en el Teatro Flores (Av. Rivadavia 7806). Beyond Creation para festejar los 15 años de su debut, y Fallujah actuando como los invitados de honor. El evento es producido por Icarus Music, y contará con la participación en el plano local de Expiration, Lesa Humanidad y Exitium Creation.
Las entradas se encuentran a la venta online por sistema Passline o también se pueden encontrar de forma física en Icarus Music Store (Aristóbulo del Valle 104, La Boca).
Beyond Creation y el tecnicismo extremo
Beyond Creation nace en Canadá, en la ciudad de Montreal, en 2005. Formado y liderado por Simon Girard, el grupo surge con una idea muy clara: llevar el death metal técnico al siguiente nivel. Siguiendo la línea musical de nombres como Death, Obscura y sus compatriotas, Quo Vadis, desde un comienzo el grupo resaltó por combinar de forma muy equilibrada precisión, agresividad y virtuosismo. Todo esto, llevado a grandes proporciones.
Es así que editan The Aura (2011), una obra que rompió paradigmas por el elevado nivel de virtuosismo y complejidad musical con el que cuenta. Con la presencia del bajo fretless (sin trastes) como elemento distintivo, la banda se ganó rápidamente la atención y oídos de toda la comunidad del death metal extremo/progresivo.
Tras esto, los canadienses pulieron su propuesta con sus siguientes lanzamientos, Earthborn Evolution (2014) y Algorythm (2018), en dónde se aprecia un mayor enfoque en la técnica y la melodía, con pasajes más elaborados y maduros.
A diferencia de referentes de su país como Gorguts o Cryptopsy, Beyond Creation no recurre únicamente en la velocidad y brutalidad técnica del death metal, sino que integra elementos del mundo del Jazz y el Fusion, para lograr construir estructuras más pulidas y claras, llenas de capas y matices que permiten apreciar el despliegue dinámico y sutil de sus músicos.
Tres razones para no perdértelos:
15° aniversario de The Aura: Celebrando los 15 años de su debut, los canadienses van a estar tocando el disco entero y de forma íntegra. De principio a fin. Una oportunidad única de apreciar una de las obras más representativas del género en los últimos años.
Precisión quirúrgica sobre el escenario: El virtuoso y exquisito trabajo instrumental de Beyond Creation no sólo se aprecia en estudio, sino que se potencia en vivo. A diferencia de otros grupos, los de Montreal mantienen e incluso mejoran, la interpretación de sus composiciones, incorporando un grado mayor de intensidad y visceralidad a su propuesta.
1° vez como banda cabecera: Esta va a ser la 3ra presentación del grupo en suelo argentino, pero la primera que llegan como el acto principal del evento. Tras su bautismo de fuego en 2019, en Uniclub junto a Exhumed, y su segunda visita acompañados de Cynic al Teatrito, en 2023, en esta ocasión Simon y compañía van a estar arribando al Teatro Flores, marcando también, su debut en este recinto. Un recinto que ofrece mayor capacidad y mejor acústica para apreciar la calidad técnica de la banda. Además, de un setilist con mayor duración.
Un poco más abajo en el mapa, más específicamente en la Bahía de San Francisco, California, tenemos a Fallujah. Fundada en 2007, esta banda tuvo un inicio más emparentado al Deathcore pero rápidamente giraron el rumbo hacia terrenos más progresivos y atmosféricos.
El grupo se distinguió por un sonido que contiene una mezcla de agresión técnica con paisajes sonoros etéreos. Su principal particularidad, es el uso de capas de sintetizadores, guitarras con mucho reverb y pasajes ambientales. Todo para crear una sensación de “ambiente en el espacio”.
El punto de inflexión en su carrera se encuentra en The Flesh Prevails (2014), dónde encuentran su estilo e identidad. A partir de acá, la banda continúo expandiendo su concepto musical con obras como Dreamless (2016) y Undying Light (2019), en dónde aparecen arreglos más melódicos e incluso ambientales.
Sin embargo, el grupo liderado por su guitarrista, Scott Carstairs, retomó la senda de la agresividad en Empyrean (2022) y su más reciente trabajo, Xenotaph (2019), el cual, vienen a presentar.
Tres razones para no perdértelos:
Presentación de Xenotaph: Tal como mencionamos, los estadounidenses llegan con nuevo disco bajo el brazo, lo que conlleva un setlist enfocado en este material
El despliegue visual en directo: Fallujah se caracteriza por contar con espectáculo de atmosférico inmersivo, en dónde las luces y las sombras cumplen un rol clave. En un escenario grande como el del Teatro Flores, van a encontrar la suficiente comodidad para crear los climas que buscan.
Alineación renovada pero más afianzada: Tras un par de cambios de formación su líder, Scott Carstairs, encontró regularidad y talento en los últimos ingresos, destacando el de Kyle Schaefer en las voces y el del bajista Evan Brewer, reconocido por su trabajo en The Faceless.
Enrik García (Dark Moor): “Es posible que esta gira sea nuestra despedida”
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Dark Moor es una de las bandas más internacionales del metal / hard rock sinfónico que tenemos en España. Este sábado 18 de abril nos ofrecen la cita ineludible de su concierto de 25º Aniversario, en una fecha única en el Movistar Arena.
Hemos tenido la oportunidad de charlar hablar brevemente con su fundador y guitarrista Enrik García, sobre esta celebración y el complejo momento que atraviesa la escena actualmente. Esperamos un llenazo este fin de semana y poder seguir escuchándolos muchos años más.
Hola Enrik, muchas gracias por concederme esta entrevista. Lo primero quería darte la enhorabuena, estáis de aniversario, la banda que tú fundaste cumple ahora 25 años. Por favor, ¿puedes hablarme un poco de la etapa actual de Dark Moor y cómo estáis viviendo esta celebración?
Pues está siendo muy especial para nosotros, estamos recibiendo mucho cariño por parte de los fans y eso para nosotros es lo que nos da energía y nuestro pago por todo el esfuerzo. El pasado sábado tocamos en un festival en Dinamarca, Epic Fest, en el que nunca habíamos tocado y había literalmente miles de personas esperando para vernos por primera vez, fue muy emocionante.
La banda en la actualidad está muy centrada en estos conciertos y dar el máximo posible en directo porque nuestros seguidores se lo merecen.
Además, aquí en Madrid, nos espera este fin de semana un concierto por todo lo alto, ¿puedes ponernos un poco los dientes largos dándonos algún detalle sobre qué podemos esperar este sábado en el Movistar Arena?
Sí, va a ser un concierto que hemos preparado con muchísimo cariño y va a ser único e irrepetible. Vamos a tocar canciones que llevábamos mucho tiempo sin tocar, e incluso alguna que no hemos tocado nunca en directo, haciendo un recorrido por todos nuestros álbumes, que son once en total.
Además vamos a contar con tres invitados de lujo: Javi Díez a los teclados que ha tocado con bandas tan importantes como Mago de Oz o Arwen, con Óscar Calvo al violín, de Cronómetro Budú, y con la soprano Mariana Otero, que creo que va a sorprender muchísimo a nuestros fans por sus dotes y el tándem que va a formar con Alfred, nuestro vocalista.
Estáis lanzando algunos vídeos increíbles con versiones en español de algunos de vuestros temas más icónicos. También tenemos canciones nuevas en nuestro idioma como “V de Vendetta”. ¿Podemos entonces adivinar un futuro nuevo álbum de Dark Moor totalmente en castellano?
Ojalá, pero ahora mismo no hay un futuro claro para la banda, su continuidad es una incógnita para nosotros mismos. Es posible que esta gira sea nuestra despedida, pero es algo que el futuro dirá. Ojalá podamos seguir muchos años más, pero ahora mismo es complicado.
Ojalá así sea. En cualquier caso, habéis conseguido posicionaros como una banda plenamente internacional, acabáis de estar tocando en Dinamarca… ¿Qué es, en tu opinión, lo más gratificante de ser una banda internacional y cuáles son sus principales retos?
Es tremendamente complicado conseguir tocar en Europa o Asia, como lo hemos hecho nosotros. En Latinoamérica es algo más sencillo para las bandas de aquí, pero cruzar los Pirineos es muy difícil. Nosotros al cantar en inglés en la mayoría de nuestra discografía ha sido algo más fácil, pero la exigencia y competitividad que hay es muy, muy fuerte.
Para nosotros es un honor haber podido abrir camino en este sentido para otras bandas que nos puedan suceder. Tocar en países como Japón o Corea, o en Rusia, Holanda o República Checa y ver a cientos de fans que te conocen, te siguen y te aman por tu trabajo y tu música es una de las cosas más bonitas que hemos tenido la suerte de vivir.
¿Qué otras cosas podría deparar ese futuro complejo a Dark Moor? Ya que habéis regresado al estudio, ¿podemos esperar temas nuevos próximamente?
Como te digo, ahora mismo el futuro de la banda es una incógnita. Pero también te puedo decir que yo a nivel personal tengo muchas ganas de seguir haciendo música, y de hecho tengo un disco casi completamente compuesto. Ojalá pueda ser un nuevo disco de Dark Moor.
Para finalizar, si pudieras viajar atrás en el tiempo y encontrarte con aquel Enrik de los 90 que empezaba a dar forma a Dark Moor, ¿qué consejo le darías después de todo lo aprendido?
Bueno, para mí es fácil, ya que soy profesor y director de una escuela de música y hay muchos chavales a los que aconsejo qué hacer. Lo más importante es creer en lo que haces y disfrutar de la música y de compartirla con el público. Que tengan paciencia y que donde se cierra una puerta, siempre se abre otra.
Muchas gracias por tu tiempo y ¡mucha mierda para el sábado!
Hellripper en Glasgow: “El rugido de una escena más viva que nunca”
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Texto por Tom Muir
Si bien el género del black metal puede estar hoy asociado a escandinavos de gesto serio, cubiertos de pinchos metálicos y corpse paint, algunas bandas todavía miran hacia los orígenes más humildes del estilo, en su improbable nacimiento en el norte de Inglaterra. Venom ofrecieron una versión más agresiva de la emergente escena hardcore punk de la época, acompañada de un gusto por la teatralidad y una adoración satánica claramente irónica.
Muchos años después, la escena está más viva que nunca. Algunas bandas siguen la línea del movimiento noruego, con propuestas atmosféricas como las inglesas Winterfylleth y Abduction, o el proyecto unipersonal escocés Saor, que han recibido reconocimiento de la crítica y actúan en festivales internacionales con entradas agotadas. Por otro lado, bandas como Anaal Nathrakh y Akercocke llevan el extremismo al límite a través de la experimentación, con paisajes sonoros infernales que rinden culto a fuerzas oscuras o funcionan como banda sonora de un apocalipsis provocado por la propia humanidad. Aun así, existe un nutrido grupo de bandas que continúa impulsando el estilo híbrido entre black metal y punk.
Partiendo de unos inicios igualmente modestos, Hellripper se han convertido en uno de los nombres más destacados del black metal en Reino Unido. Originalmente surgidos en Aberdeen como un proyecto de estudio en solitario (al igual que sus compatriotas de Saor), con el tiempo han evolucionado hasta convertirse en una banda completa en directo.
Comenzando con un black metal directo y con fuerte influencia punk, el proyecto ha madurado en su composición a medida que aumentaba su producción discográfica. Con ese crecimiento, también ha llegado una mayor popularidad, convirtiéndose en presencia habitual tanto en festivales del Reino Unido como internacionales.
Ahora, en la noche de presentación de su cuarto álbum, Coronach, la banda se prepara para ofrecer el concierto más importante de su carrera como cabezas de cartel. Afortunadamente, el público estaba con ganas de fiesta en una noche de viernes. Y así, me dispuse a comprobar qué había cambiado en la que sería la cuarta vez que los veía en directo.
Puede que hayan empezado antes de lo deseado, pero los glaswegianos Scordatura estuvieron más que a la altura a la hora de calentar al público. Nada más subir al escenario, el vocalista Daryl Boyce dejó claro su orgullo por su origen local.
La banda representa una excepción dentro del cartel. Mientras el resto se mueve dentro del black metal, Scordatura practica death metal, siendo además uno de los nombres más conocidos de la escena de Glasgow.
Con un set corto, fueron directos al grano. El batería Tam Moran mantuvo una intensidad constante, mientras la voz de Boyce se movía en registros guturales con una entrega rápida y agresiva. Las guitarras alternaban entre riffs con palm mute que marcaban un groove contundente y pasajes más agudos con cierto enfoque técnico, incluso sin recurrir a solos. Lo más destacable es que, pese a esos momentos más elaborados, el sonido nunca se convirtió en una masa indistinta.
Aunque la entrada del público fue algo lenta al principio, poco a poco la sala se fue llenando. Se percibía una división clara: en las primeras filas, parte del público estaba completamente entregada, con puños en alto y un pequeño circle pit en marcha; hacia el fondo, algunos asistentes observaban con más distancia.
A pesar de que no todos los presentes los conocían, su discografía tuvo buena representación. Sonaron varios temas de Mass Failure (2020), además de adelantos de su próximo trabajo (que ya habían presentado en directo anteriormente). También hubo espacio para un corte menos habitual de su primer álbum. Al terminar, dejaron al público listo para lo que vendría después.
Desde Derby, Devastator llegaron para iniciar la parte más black-thrash de la noche. Son un nombre habitual en circuito, con paso reciente por Edimburgo y presencia en festivales como Fortress, Damnation o Bloodstock Winter Gathering.
Con corpse paint, brazaletes de pinchos y calaveras de cabra en el pie de micro, la banda apostó por una estética clara. También se percibía una fuerte influencia de Motörhead, tanto por la puesta en escena como por su elección reciente de versiones.
Al arrancar con “Walpurgisnacht”, el sonido remitía al black metal escandinavo, pero con riffs que recordaban al thrash clásico de discos como Kill ’Em All de Metallica o Bonded by Blood de Exodus. El vocalista Thomas Collings agradeció la asistencia y a Hellripper por contar con ellos antes de lanzar “Worship The Goat”.
Tras un breve problema técnico con el bajo, Collings bromeó con el público antes de anunciar otro tema rápido —aunque, como él mismo señaló, “todos lo son”—. El resultado fue un aumento claro de la intensidad: circle pits más grandes y varios asistentes surfeando sobre el público. Con “Baptised in Blasphemy”, el ambiente quedó completamente encendido.
El turno fue para los suecos Sarcator, la banda más joven del cartel y en su debut en Reino Unido. Su sonido combinó thrash al estilo de los primeros Kreator con elementos más progresivos y toques cercanos a la etapa viking de Bathory.
Tras la intensidad de Devastator, el público mostró algo menos de movimiento. Hubo menos crowd surfing y circle pits, que solo repuntaron hacia el final. Como punto destacado, interpretaron una versión de “Dogfight” de Anti Cimex, un clásico del punk sueco.
Aunque la respuesta fue más contenida, su paso dejó buenas sensaciones y abre la puerta a futuras visitas.
Y llegó el momento principal. Hellripper salió a escena con “All Hail The Goat” y “Hell’s Rock ’n’ Roll”, recuperando de inmediato la energía en la sala. La presentación de Coronach encontró un buen equilibrio entre material nuevo y temas ya conocidos.
El single “Kinchyle” resumió bien las influencias de la banda y su evolución compositiva, manteniendo gancho en estructuras directas. James McBain agradeció al público su presencia y también a los músicos que lo acompañaban en directo, con una formación ligeramente distinta para la ocasión.
Parte del atractivo de Hellripper en vivo es esa sensación de que todo puede acelerarse en cualquier momento. Temas como “The Affair of the Poisons” sonaron incluso más rápidos que en estudio. Tras varios cortes intensos, hubo un respiro con “Warlocks Grim & Withered Hags”, que mostró una faceta más elaborada en la composición. En esa línea, “The Nuckalavee” combinó riffs de black metal con una estructura más amplia y un solo con aire clásico.
En un concierto en casa no faltaron sorpresas. La banda interpretó “Mainline” de Zeke como homenaje a sus influencias. Para el cierre, se sumó Jack Batcharj (de Disposable) a la guitarra en “Bastards of Hades”, mientras McBain se lanzaba sobre el público. Aún hubo tiempo para un bis improvisado con un tema menos habitual de su primer álbum.
En conjunto, y como el propio McBain señaló, la respuesta del público confirmó que la escena metal en Escocia atraviesa uno de sus mejores momentos.
Charlie Rolfe (As Everything Unfolds): “Este ha sido el disco más difícil que hemos hecho en nuestra vida”
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La escena alternativa británica sigue dando pasos firmes, y pocas bandas lo representan mejor que As Everything Unfolds. Con una propuesta que mezcla metal alternativo, electrónica y sensibilidad pop, el grupo ha ido construyendo una identidad propia que desafía etiquetas y conecta directamente con las emociones.
Charlamos con Charlie Rolfe en un momento clave: a punto de lanzar su nuevo trabajo, un disco que promete ser el más ambicioso y personal de su carrera. Entre reflexiones sobre el proceso creativo, giras intensas y anécdotas inesperadas, descubrimos a una banda que ha aprendido a convertir la dificultad en motor creativo.
– Hoy estamos con Charlie Rolfe, cantante de As Everything Unfolds. Es un placer tenerte aquí, Charlie. ¿Cómo va todo?
Hola. Muy bien, la verdad. Son las siete de la tarde, casi la hora de cenar, así que estoy relajándome un poco para terminar el día. Todo bien.
– El nuevo disco sale el 10 de abril y he tenido la suerte de escucharlo ya. Como te decía fuera de cámaras, creo que es vuestro mejor trabajo hasta la fecha. Siempre habláis de emociones y de lo que siente la gente en distintas situaciones de la vida. ¿Cómo habéis enfocado este álbum y cómo os sentís con el resultado?
Creo que este ha sido el disco más difícil que hemos tenido que hacer nunca, por muchísimas razones. De hecho, nos llegaron las copias físicas hace un par de días y tenerlo por fin en mis manos me ha hecho sentir algo distinto; ahora siento de verdad que he creado un álbum. Pasas tanto tiempo entre correos, logística, redes sociales y correteando para que todo llegue a tiempo, que a veces olvidas que has creado algo importante. Al sostenerlo, piensas: “Sí, yo he hecho esto”. Hemos abordado el hecho de que hemos pasado por mucho en el último año y medio, tanto a nivel individual como de grupo. Ahora me siento muy orgullosa de lo que hemos logrado. George lo resumió muy bien hace poco: dijo que este era el disco más difícil que tendríamos que hacer en la vida. Si eres capaz de superar algo así, ya puedes con cualquier cosa.
– Es muy interesante, porque aunque habláis de situaciones difíciles, el mensaje final me parece positivo; es como un viaje emocional. Además, tus voces suenan mejor que nunca, especialmente los “screams”. ¿Has estado entrenando mucho esa parte? Creo que ha sido gracias a que no hemos parado de girar. En 2024 dimos muchísimos conciertos y mis guturales mejoraron simplemente por el hecho de practicarlos a diario. De todas formas, intento elegir muy bien dónde meterlos. A veces nos meten en el saco del “metalcore”, lo cual es curioso porque nosotros nunca hemos sentido que encajemos del todo en esa etiqueta. Sí, a veces tenemos breakdowns y usamos recursos del género, pero no diría que somos una banda de metalcore. Para mí, los gritos son una reacción visceral. Me influyó mucho Lacey Sturm; ella decía que solo gritaba cuando sentía que era necesario, cuando la emoción no se podía expresar cantando. Nosotros no gritamos solo por complacer a la audiencia, tiene que salir del alma.
– Es verdad. ¿Cómo describirías tú el sonido de As Everything Unfolds? Yo suelo decir que es metal alternativo, porque cabe de todo: hay breakdowns, pero también toques de drum and bass o rock puro. Es muy difícil de definir. Supongo que rock o metal alternativo es lo más cercano. Como dices, en “Set and Flow” hay una base de drum and bass con algo de guitarra, mientras que “Gasoline” es casi pop rock. La verdad es que nos da igual si nos llaman pop o metal, nos la suda bastante (risas). Solo nos divertimos. En la banda tenemos influencias muy variadas y eso es lo que nos hace interesantes. De hecho, no recuerdo la última vez que escuchamos metalcore en la furgoneta o antes de salir a tocar. Solemos poner cosas de la vieja escuela, electrónica o temazos nostálgicos de los 2000. ¡Nuestra canción para salir al escenario es “Let Me Entertain You”! O la de los dardos, “Chase the Sun”. Somos una banda así de rara, escribimos lo que nos pide el cuerpo.
– Hablando de otros grupos, hace poco anunciasteis gira europea con Future Palace y Luna Kills. También están Defenses, ¿no? Sí, con Defenses somos amigos desde hace unos ocho años, hemos tocado mucho con ellos. Ellos harán las fechas de Reino Unido porque nosotros… bueno, somos una banda británica que esta vez no hace gira por allí (risas). Hay una razón para ello, aunque nos hayan caído algunos comentarios enfadados por redes, prometo que no es por capricho. Me hace mucha ilusión esta gira. Tengo muy buena relación con Maria, y ahora también con Manuel y Johannes. De hecho, vinieron a vernos a Berlín. Hay una cosa muy graciosa en Alemania: hay máquinas expendedoras de “paquetes perdidos” por 10 euros, y Johannes acabó ahí con nosotros gastándose el dinero en esas máquinas. Hay muy buena vibra entre nosotros. Como acabamos de fichar por el mismo sello, todo encajaba perfectamente para girar juntos.
– Hablando del sello, ahora estáis con Century Media. Creo que con ellos vais a dar el salto definitivo. Sí, tenemos un equipo muy bueno ahora, también con el nuevo management. Ha sido un proceso que daba un poco de miedo, porque al final es todo un equipo nuevo para este disco, pero estamos muy contentos con cómo se está materializando todo según salen los singles.
– Para terminar, como somos de España, ¿qué tres cosas te gustan de aquí? Fui de vacaciones un par de veces de pequeña, pero no tengo recuerdos muy nítidos. Pero el Resurrection Fest… eso sí fue una experiencia. Fue divertidísimo. Volamos desde Londres, tocamos, cenamos con un poco de vino, dormimos apenas una hora y volvimos a casa. Todo en unas 36 horas. Teniendo en cuenta que el trayecto del aeropuerto al festival son casi tres horas… fue una locura. Casi no dormimos. De hecho, los chicos no se habían acostado en toda la noche anterior y yo les decía: “¿Pero no vais a dormir?”. Y ellos: “Tranquila, estaremos bien” (risas). Lo más surrealista fue el conductor del transporte: tenía dos móviles y en los dos tenía de tono de llamada una gaita escocesa, a todo volumen. No paraban de sonar a la vez y yo pensaba: “¿Pero qué está pasando?”. Fue rarísimo, pero el festival fue genial. Fue nuestra primera vez en España y nos lo pasamos de maravilla. La gente de Viveiro fue superamable. Es una comunidad muy bonita. Ojalá estuviera un poco más cerca del aeropuerto, eso sí (risas).
– ¡Ha sido un placer, Charlie! Muchas gracias por este rato. Tengo muchas ganas de escuchar el disco entero y espero veros pronto de nuevo por España. El placer ha sido mío. Muchas gracias.
Tankard en Argentina: Los 5 álbumes claves dentro de su carrera
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Los reyes de la cerveza han vuelto. Para animar el mes y levantar el espíritu “alcohólico” de nuestro interior, llega Tankard a la Argentina. El mítico grupo de thrash metal alemán se presenta en el país el próximo lunes 27 de abril, en el Teatrito (Sarmiento 1752, CABA), para compartir sus mayores éxitos musicales y arrancar la semana a pura fiesta y cerveza.
Las entradas se encuentran disponibles a través del sistema Passline o de forma física, en la tienda oficial de Icarus Music Store. El show está producido por Icarus Music y va a contar con la participación nacional de Bastardos, Pucara y Metal Crucifier. Desde las 18hs, van a poder disfrutar de la previa a pura cerveza y música. No se lo pierdan.
Con más de 40 años de carrera y decenas de discos a sus espaldas, la banda más alocada del “Big Teutonic Four” llega a Sudamérica en medio de su gira, “Kings of Beer Tour 2026”. Es por eso que desde Track To Hell, te invitamos a recorrer los trabajos claves de los cerveceros, que los convirtieron en el referente festivo y alegre del thrash.
Chemical Invasion (1987)
Considerado, tanto por críticos como fanáticos, como el álbum definitivo de Tankard y un pilar fundamental del thrash alemán. Publicado bajo el sello Noise Records, este segundo trabajo de estudio marcó un salto significativo en técnica y producción respecto a su debut, consolidando su estilo y temática “cervecera”.
Desde su inicio arrollador con “Total Addiction” hasta su cierre descontrolado y fiestero con “Alcohol” (cover del grupo de hardcore Gang Green), el disco presenta todos los ingredientes tanto musicales como visuales, que asociarían a Tankard, con locura, fiesta y humor irreverente. Thrash agresivo pero con sus dosis de alegría.
Beast Of Bourbon (2004)
Si de clásicos hablamos, Tankard ha sabido construir varios a lo largo de su carrera, por fuera de su etapa dorada en la década de los 80’. Y sin duda alguna, este es el más representativo de sus tiempos modernos. O al menos, dentro del siglo XXI. Fue la obra que definió el sonido potente y desenfrenado que tienen hasta hoy en día. Con piezas que se volvieron en reliquias que no pueden faltar en vivo y con lo que quizás para muchos, sea su principal gran himno: “Die With A Beer In Your Hand”, que lirica y musicalmente, encapsula a la perfección el espíritu del grupo.
Si Kreator tiene Enemy Of God (2005), Sodom el M-16 (2001), y Destruction su The Antichrist (2001), pues Tankard tiene su Beast Of Bourbon (2004).
The Morning After (1988)
El nombre lo dice todo. El disco de la resaca es una declaración de principios. Una portada legendaria, composiciones más directas, y un Andreas “Gerre” Geremia frente a los micrófonos, más acelerado y descontrolado que nunca. El trabajo lo tiene todo si lo que uno busca es un thrash violento, frenético pero divertido y melódico a la vez. Se trata de una obra que consolidó el estatus de los alemanes en toda Europa, y que con temas como “Commandments”, “T.V Hero” y el tema título, se convirtió en unos de lo mas populares de su catálogo.
Al fin y al cabo, como un viejo sabio dijo alguna vez, todos fuimos el de la portada.
Kings Of Beer (2000)
A diferencia de otras bandas que viven de sus primeros trabajos y no mucho más, Tankard se puede jactar de haber compuesto grandes himnos a lo largo y amplio de toda su discografía. Y si algo le sobra a este disco, son justamente himnos. Y es que uno de las primeras canciones con los que uno se cruza al conocer a los germanos amantes de la cerveza, es el tema homónimo que da nombre a la obra. Una de sus piezas más legendarias y laureadas en vivo.
Pero más allá de eso, Kings Of Beer se puede jactar de ser el álbum que reubicó a Tankard en el mapa metálico, luego de una década complicada en los 90’. De ser el que encamino el sonido y la producción de la banda hasta Beast Of Bourbon. Y de ser el que les valió el apodo que hoy en día tienen. Mejor forma de arrancar el siglo, no tuvieron.
Stone Cold Sober (1992)
El disco más “maduro” de la banda. O por lo menos, el primero de varios que nos mostró que Gerre y compañía, podían componer mucho más que solo piezas dedicadas al alcohol y la fiesta. Manteniendo su faceta alegre y cervecera en piezas como “Freiber” y “Centerfold”, la banda a su vez ofrece un enfoque más “serio” y “crítico” en sus composiciones, con letras orientadas más satíricas e irónicas sobre la sociedad y política de los 90’, y una dirección musical más pulida y controlada, sin tanto desenfreno.
Con temas como “Jurisdiction”, “Mindwild” o “Sleeping With The Past”, Tankard demostró que podían ser mucho más que solo los graciosos de la clase.
Bonus Track:
Zombie Attack (1986)
Y como no, no podía faltar el debut. La obra que lo comenzó todo. Se trata de un trabajo que rebosa de juventud, entusiasmo y mucha adrenalina. A diferencia de sus siguientes obras, donde conseguirían sonar profesionalmente descontrolados, acá los alemanes se encuentran en un punto dónde prima la actitud y las ganas por hacer música. Es por eso que la producción suena sucia, cruda, y poco cuidada. Pero pese a estas imperfecciones, no deja de ser un clásico del género con joyas infaltables en vivo como “Zombie Attack” y su otro gran himno, “Empty Tankard”.
A Girl Called Cerveza (2012)
De los últimos años, su lanzamiento más exitoso y popular. No sólo por el increíble estado de gracia compositivo y creativo en el que se hallaba la banda en este trabajo, sino por el tono melódico y moderno que encuentran. Manteniendo su esencia cómica y alegre, Tankard demostró que sigue en forma, y que dentro de las limitaciones que ofrece el género, saben reinventarse.
Spike and The Gimme Gimmes pasarán por España en noviembre
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El super grupo festivo Spike and The Gimme Gimmes han confirmado una extensa gira por nuestro país a mediados de noviembre gracias a HFMN Crew y donde nos harán disfrutar de lo lindo con sus fantásticos covers teñidos de punk rock, ska y hardcore melódico.
Uno de los emblemas del sonido alternativo en la década del 2000, concretamente dentro del post hardcore y la llamada “Escena Warped”, como son los californianos Saosin, vuelven con su primer single “Starting Over Again”, tras una década sin sacar música nueva y como novedad doble es la presencia del señor Cove Reber, con quien grabaron su excelente debut homónimo, pero quien dejo la formación en 2010, para permitir el retorno fugaz de Anthony Green en 2013.
El resultado es excelente y justamente donde lo habían dejado hace unos años, con esas guitarras del principio que te dibujan una sonrisa del tamaño del pier de Santa Mónica y la voz de Cove que sigue sonando a gloria como hace dos décadas atrás.
Podéis ver el videoclip de la canción y comprobar como si algo funcionó, no hace falta subirse a ninguna moda, para seguir siendo relevantes y Saosin con este tema demuestran lo grandes que un día fueron y como influenciaron a tantos chicos y chicas por aquellos días.
Archspire harán cenizas los escenarios españoles en noviembre
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Los death metaleros técnicos Archspire volverán a nuestro país tras su incendiaria gira de 2023, para volver a destrozar nuestros tímpanos a ritmo de su feroz death metal de corte técnico y lo harán una vez más de la mano de Madness Live.
Los canadienses no vendrán solos y en esta ocasión, traerán con ellos tres pesos pesados del sonido extremo como son The Zenith Passage, Crown Magnetar y Analepsy, con lo cual se espera una noche calentita y cargada de brutalidad sonora.
Las fechas en España para tan arrollador tour son las siguientes:
5 de Noviembre – Madrid – Revi Live (+ Crown Magnetar + The Zenith Passage + Analepsy)
6 de Noviembre – Barcelona (L’Hospitalet de Llobregat) – Salamandra (+ Crown Magnetar + The Zenith Passage + Analepsy)
Las entradas estarán disponibles a partir del 16 de abril y se podrán conseguir AQUÍ, en caso de quedar disponibles, pasarán a costar 45 euros en ambos días de los conciertos.
Los metaleros suecos The Halo Effect han anunciado una nueva y extensa gira europea para 2027, donde afortunadamente pasarán por nuestro país gracias a Route Resurrection.
Pero el punto fuerte viene con los invitados y es que para esta nueva gira, la banda sueca contará nada más y nada menos que con Lacuna Coil como “Very Special Guest”, mientras que Omnium Gatherum serán los encargados de abrir uno de los tripletes más potentes del próximo año, cuyas fechas en nuestro país serán las siguientes:
1 de Marzo – Madrid – Wagon (+ Lacuna Coil + Omnium Gatherum)
2 de Marzo – Barcelona – Razzmatazz (+ Lacuna Coil + Omnium Gatherum)
Las entradas se podrán conseguir a partir del próximo 17 de abril y únicamente estarán disponibles AQUÍ.
Muerto y Requiem of Malediction llegarán a Guadalajara este 7 de mayo
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La icónica banda queretana de black/doom metal Muerto regresará a la perla tapatía este próximo jueves 7 de mayo para presentar lo que será su más reciente material discográfico, Eclipsed Realms y junto a ellxs, los representantes del black metal tico, Requiem of Malediction les acompañarán con esta gira titulada Mexico Eclipsed II, organizada por Utter Silence Productions.
Acompañando a estos grandes actos, los acompañarán las bandas locales de doom metal In Ashes y el power dúo de black metal Cursed God, dos pesados representantes del sonido denso tapatío.
La tocada se llevará a cabo en el foro Ritval ubicado en López Cotilla #570, Zona Centro de Guadalajara y tendrá un costo de recuperación de $150 pesos.
Muerto es un proyecto imponente nacido en la ciudad de San Juan del Río, Querétaro y que ya nos ha regalado dos materiales discográficos (The Settling Fire Upon Us, 2018 y Dust, Fire Dust, 2023), que se han convertido en parte esencial de la escena nacional, mientras que Requiem of Malediction es un proyecto de black metal tradicional que también se encuentra activo desde el año 2018 y que cuenta con numerosos sencillos, EPs y live albums, de entre los cuales destaca Satanas Triumphans de 2023.
La “tía”Anneke van Giersbergen presenta La Mort, su nuevo material discográfico que forma parte de una trilogía musical de ensueño. Es un EP corto pero cargado de contenido emocional. Trata temas difíciles: la pérdida, el duelo y la reconstrucción personal. No es un trabajo de metal, aunque la sensibilidad de la cantante siempre conecta con ese mundo. Es una obra ecléctica. Pasa de momentos acústicos mínimos a arreglos más complejos y se nota que es un proyecto muy personal, casi una catarsis necesaria tras años de carrera.
La voz de Anneke es el centro de todo. Sigue teniendo esa claridad única, pero acá le suma una carga de vulnerabilidad mayor. En temas como “La Mort”, la interpretación es desgarradora sin necesidad de sobreactuar. La producción es inteligente. No satura las canciones de instrumentos. Deja que la melodía respire. “After Life” muestra su faceta más melódica y accesible, funcionando como un contrapunto necesario a la densidad del resto del material. La mezcla del álbum es limpia, permite apreciar los matices de su respiración y los detalles de las cuerdas con total nitidez.
Lo mejor de este lanzamiento es la honestidad interpretativa. Anneke no se esconde detrás de grandes producciones. Se expone. La capacidad para transformar el dolor en belleza es su mayor virtud en este disco. También destaca la variedad de texturas en apenas unos pocos tracks. Lo peor es la brevedad. Al ser un EP, el concepto se siente comprimido. Cuando empezás a entrar en el clima que propone la música, el disco se termina. Además, esa misma diversidad de estilos puede resultar un problema para la cohesión del conjunto. Por momentos parece una colección de ideas sueltas más que una obra integral. El salto entre lo acústico y lo más orquestado es un poco brusco para un formato tan corto.
Comparado con su etapa en The Gathering o sus trabajos más rockeros, La Mort es un retiro a la intimidad absoluta. Si lo ponemos junto a The Darkest Skies Are Bright, este EP se siente menos lineal y un poco más experimental en su instrumentación. La originalidad acá no es el objetivo principal; el objetivo es el sentimiento puro. Anneke ya es una marca en sí misma. Sus seguidores saben qué esperar, pero este nivel de introspección puede alejar a quienes todavía buscan su lado más potente o sinfónico. Es un disco para escuchar en soledad.
Este contenido parecería ser una mirada hacia atrás para poder saltar hacia lo nuevo. La ejecución técnica es perfecta, algo que ya es costumbre en ella. Falta ese desarrollo que un álbum largo permite para que las atmósferas terminen de cuajar del todo. Es un material para coleccionistas y para quienes disfrutan de su evolución hacia terrenos más cancioneros y emotivos. Falta conocer la última pata de la historia y ahí podremos disfrutar y entender el concepto de la historia.
Avatar vuelven a hacer historia en Ciudad de México tras arrasar el pasado otoño con su excepcional concierto de Noche de Brujas, que convocó a casi 8.000 personas en Pepsi Center.
Esta vez la cita se dio en Vive Latino, una opción algo peculiar, ya que se trata de un festival muy generalista, donde por igual encontramos cumbia, salsa, hip hop, punk o rock, de artistas tanto mexicanos, como de otros países latinoamericanos, españoles o incluso internacionales. Aunque también estaban Smashing Pumpkins, me atrevo a decir que Avatar es lo más oscuro que ha sonado en esta edición de Vive Latino.
El festival era enorme (150.000 asistentes aproximados, divididos en cinco escenarios) y fue retransmitido en directo a través de la plataforma Amazon, llegando todavía a muchos más espectadores.
Y es que la banda no deja de coleccionar hitos últimamente: esa misma semana estaba celebrando su inclusión en el Top 5 de Billboard en las radios de EEUU con su canción “Tonight we must be warriors”. A principios de año, la revista Kerrang! les dedicó un especial de veinte páginas (precisamente motivado por su éxito mexicano en Noche de Brujas). El pasado 7 de marzo realizaron una actuación especial en Le Zenith de París que ha sido grabada íntegramente por su equipo con calidad profesional y que pronto verá la luz públicamente. Además, no han parado de ejecutar sold outs en una doble gira larguísima y muy intensa, encadenando la etapa estadounidense de “In the Airwaves tour” (24 fechas en Norteamérica entre noviembre y diciembre de 2025) con la etapa europea, a la que añadieron el subtítulo “A night to be torn apart” (con casi otras 30 fechas en toda Europa de febrero a marzo de 2026), amén de su presencia en el crucero Shiprocked.
El propio Johannes declaraba sobre el escenario en el concierto de Vive Latino del 15 de marzo: “Fijaos, estamos en la gira más loca del mundo. Porque estamos en una gira europea ahora mismo: una gira europea que empezó en Florida, bajó hasta las Bahamas, después se fue a Europa, por toooda Europa, y ahora que hemos terminado con Europa, nos hemos metido directamente en un avión para venir hasta aquí, para traer todo lo que nos quede dentro y dároslo a vosotros”.
No en vano, México es un lugar muy querido por la banda sueca desde sus primeras incursiones en el país (en los festivales Domination 2019 y Hell and Heaven 2022) y especialmente tras su visita en 2024 como headliners para la promoción de su disco inmediatamente anterior, “Dance Devil Dance”. Tienen en este país al menos tres clubes de fans, que divulgan cientos de memes cariñosos e idiosincráticos y que llevan su amor por esta banda como un signo de identidad. Para celebrar su participación en Vive Latino, el pasado 13 de marzo, estos clubes (“Avatar.Mexico”, “Avatar Country MX” y “Johannes mi religión”), se reunieron en una multitudinaria fiesta en su honor en la que se escuchó su música, se pudo comprar merchandising exclusivo y se intercambiaron coleccionables de la banda.
No es de extrañar que al plantar pie en el país se encontraran a varios fans esperándoles en el aeropuerto, a los que atendieron con su buena disposición característica, pese al jet lag y el cansancio acumulado.
Y sí, es de las muy pocas veces que puedo decir que he visto al vocalista Johannes Eckerström un poco fatigado… pero un Johannes levemente fatigado es un huracán para cualquier otra persona. De hecho esta fatiga tan solo se notó por unos segundos en el vídeo de saludo post-concierto (algo que la banda acostumbra siempre a realizar) y en los primeros compases del propio show: si bien la cadenciosa “Captain Goat” con la que abrieron pudo dar pie a captar estos matices, después de eso: “Holy shit!” El grupo entero se vino arriba para realizar no sólo un directo tan potente como el que nos tienen acostumbrados sino incluso mayor. Y es que el público de Ciudad de México se lo merece por su tremenda energía e incondicional apoyo.
La producción fue obviamente más pequeña que lo que pudimos ver en salas grandes. No hubo piano ni trono dorado, pero supieron sacar partido en lo visual a sus cambios de vestuario y al protagonismo de un hipertrofiado logo de la banda que dominaba el escenario.
Sufrieron unos pequeños problemas de sonido al principio, cosa de la que también se recuperaron airosos y, para su deleite, desencadenaron un moshpit masivo al fondo del escenario Little Caesars.
Fue una actuación generosa, de una hora completa, en la que los suecos interpretaron un set de once temas, intercalados con algunos discursos muy breves. Hablaron un poco en español y disfrutaron del “oeoeoeee” que el público hispanohablante siempre les dedica.
Setlist:
Captain Goat
Hail The Apocalypse
The Eagle Has Landed
In The Airwaves
Bloody Angel
Death And Glitz
The Dirt I’m Buried In
Silence In The Age of Apes
Torn Apart
Tonight We Must Be Warriors
Smells Like A Freakshow
El punto más fuerte del show fue sin duda “Torn Apart”, una de sus canciones más emblemáticas (perteneciente al disco Black Waltz de 2012) que, siendo muy querida por los fans, no se había escuchado en Noche de Brujas y que además es el leitmotiv de esta peculiar gira: “A night to be torn apart”.
Pero no por ello debemos desmerecer realmente a ninguna de las canciones que pusieron en práctica, pues cada una emocionó al público a su propia manera: alternaron sus éxitos más consolidados (“Bloody Angel”, “Hail The Apocalypse” o, mi personal favorita, “The Dirt I’m Buried In”) con cuatro temas que fueron single de su último disco, “Don’t go in the forest” y que han pasado a ser automáticamente hits imprescindibles para sus fans. De estas, destaco especialmente la penúltima del set, “Tonight We Must Be Warriors”, que parece estar convirtiéndose en el himno que Johannes deseaba al hablar de ella en sus últimas entrevistas. Su mensaje es bastante claro: la unión hace la fuerza. Parafraseando al cantante: como si se tratara de una canción de Manowar pero teniendo en mente un espíritu político de izquierdas sin tapujos.
Tras ella, el frontman hizo un alto para agradecer la entrega del público y anunciar el final del show. Preguntó también cuántos de los presentes ya los conocían, ante lo cual aproximadamente la mitad le respondieron con gritos de entusiasmo. Después preguntó cuántos de ellos los veían por primera vez y los gritos de esa otra mitad fueron aún más ensordecedores, demostrando así que incluso los espectadores más casuales, que quizás habían venido allí a escuchar cumbia, habían caído bajo el embrujo de su circo del terror. Fueron recibidos con frases como “Bienvenidos a la familia. Oh, no tenéis ni idea de en qué os habéis metido. Veréis, ahora que habéis tomado la decisión de seguir este camino y fugaros con el circo, la gente va a empezar a hablar… Y lo que hemos hecho aquí hoy, lo seguiremos haciendo para siempre”.
Avatar son en todo una familia y una democracia. No sólo Johannes brilló esa noche, sino que cada integrante de la banda demostró su enorme virtuosismo y tuvo su momento de oro. Con John a la batería dirigiendo todo el espectáculo como una infalible entidad robótica. Jonas y Tim a las guitarras como dueto único y totalmente simbiótico (protagonizando Jonas el inicio de “Bloody Angel” y más tarde su compañero ese momento icónico en el que Johannes señala: “mirad todos, es Tiiiim” para presentar su solo en “Warriors”). Y Henrik, no únicamente al bajo, sino también a los coros, alcanzando cada vez mayor presencia vocal e incluso atreviéndose con guturales en esta nueva etapa.
Después sonó la imprescindible “Smells like a Freakshow” donde la locura del headbanging alcanzó sus mayores cotas. Algo casi increíble para una banda que no para de moverse por el escenario y que luce algunas de las melenas más icónicas del género, especialmente la dorada de Tim, la rizada de Henrik y la muy especial de Jonas, el rey de Avatar Country, con sus rastas hasta la cadera, convertidas en látigos durante casi todo el show.
Finalmente, se despidieron con su discurso característico de amor y solidaridad. Una versión algo más apresurada del que estrenaron precisamente en la misma Ciudad de México el pasado 31 de octubre con una determinación e intensidad tales que quedó grabado en la mente de todos los asistentes a aquella cita. Esta vez sonó así: “Somos Avatar y os amamos. Oíd la promesa: Avatar volverá y mientras tanto, prometed vosotros que seréis buenos con vosotros mismos, que seréis buenos unos con los otros, que vais a cuidar los unos de los otros. Porque el mundo está pasando unos tiempos jodidamente horribles, pero nosotros solo hemos visto belleza aquí esta noche. Todos sois importantes, no lo olvidéis nunca”.
Una banda que, pese a estar envuelta en sudor y maquillaje negro, pese a sus letras muchas veces escabrosas… realmente sabe despertar el amor de su público, el cual a su paso, se llena de sentimientos positivos, toma la decisión de hacerse vegano o les dedica al grupo fanart de altísima calidad. Y no solo fanart: entre otras curiosidades, Avatar también da nombre a un fósil de estrella de mar, el “Ophiocoma avatar”, descubierto al sur de Suecia en 2023 por el paleontólogo y seguidor del grupo Dr. Ben Thuy.
Una banda autoexigente, que siempre busca romper sus límites y que parece estar en uno de los momentos más dulces de su carrera. Carrera por cierto muy larga ya, pues sus orígenes datan de 2001, cuando sus miembros eran aún menores de edad y que siempre han estado compaginando la música con otras responsabilidades, dándolo todo incluso en aquellos primeros shows en los que había más gente sobre el escenario que entre el público. Son todo un ejemplo de superación y de unidad.
¿Dónde podremos verles a continuación? Tras unos fugaces días de descanso, volverán a la carga en abril con nuevas fechas en los Estados Unidos, para volver en mayo a girar por Europa acompañando nada menos que a Metallica en cuatro únicas fechas (en Alemania, Hungría, Irlanda y Reino Unido). También serán uno de los platos fuertes este verano en el festival Göteborg Brinner, organizado por sus compatriotas suecos In Flames.
Si pierdes tu camino en mitad de un bosque oscuro y ves a lo lejos una carpa medio iluminada de la que sale música circense… ¿resistirás la tentación de unirte a ellos?
Sinceramente cuando me enteré de que Tyketto sacaba Closer to the Sun en 2016, tenía mis dudas, es difícil competir con la sombra de un clásico como Don’t Come Easy y Strength in Numbers, pero desde que arranca el primer riff te das cuenta de que no vienen a cumplir por compromiso.
El disco suena honesto, real y con un estilo clásico como pocos, se siente como un grupo de amigos que todavía tiene algo que quemar en sus vidas.
Lo de Danny Vaughn es de otro planeta, es absurdo que este señor siga cantando así después de tantos años; tiene una voz que te abraza y te pega un puñetazo al mismo tiempo, en este álbum no se dedica solo a dar agudos porque sí, sino que mete una carga emocional en temas como “Closer to the Sun”, se nota que las letras vienen de un lugar más maduro, hablando de la vida, el paso del tiempo y esa búsqueda constante de algo mejor, sin caer en los clichés baratos de “chica conoce chico” de los 80.
Mucha gente lloró la salida de Brooke St. James, pero vamos a ser realistas, Harry Scott entró con toda la actitud, el trabajo de guitarra en este álbum es una delicia, Harry le dio a Tyketto un brillo un poco más moderno y pesado, pero sin perder ese punch melódico que los hace únicos, también el aporte del gran baterista Johnny Dee le dio ese toque especial, escuchar canciones como “Starts with a Feeling” es un recordatorio de que el hard rock no está muerto, solo necesitaba músicos que pusieran el corazón en el mástil en lugar de solo tocar escalas a toda velocidad.
Lo que más me gusta del disco es que no intenta ser un clon de sus éxitos pasados, hay momentos donde se ponen casi acústicos, con aires folk y armónicas que te transportan a una carretera polvorienta, y de repente te sueltan un cañonazo como “Hit Me Where It Hurts”, esa variedad hace que el álbum no se te haga pesado, no es el típico disco que escuchas una vez y olvidas; tiene capas que vas descubriendo con cada escucha, especialmente en los arreglos de teclado y la base rítmica.
Al final del día, Closer to the Sun es la prueba de que Tyketto es mucho más que “Forever Young”, es un álbum valiente que suena a gloria en los altavoces y que demuestra que si tienes buenas canciones y un cantante excepcional, no necesitas modas.
Fotografía de portada: Edko Fuzz, gentileza Metal Symphony
Tercera visita consecutiva de los británicos a la sala Wolf del Poble Nou barcelonés, y no para presentar su nuevo trabajo Brotherhood (2025), sino para celebrar el cuarenta aniversario de su primer álbum, Indiscreet. Y muy bien acompañados por la no menos veterana formación perteneciente a la NWOBHM, Tygers of Pan Tang, con Robb Weir al frente, único miembro original de la banda del nordeste de Inglaterra.
La verdad es que mi interés por este concierto radica, en ver en vivo a este grupo en el que militó, por ejemplo, el ya fallecido John Sykes (Thin Lizzy, Whitesnake, Badlands) en sus tres primeros elepés. Aunque oportunidades no me han faltado, ya que vinieron por vez primera por la sala Rainbow del barrio de Sants en 1987, poco antes de su disolución. Y posteriormente, en 2012, 2019, así como, en la edición del Rock Fest 2018, que me perdí, al ser su actuación a primera hora de la tarde.
Parece que un adelanto en el horario hizo que más de uno se perdiera buena parte del directo de los geordies, que se inició sobre las ocho y cinco, con música introductoria de los glammies británicos Mud, y su “Tiger Feet”, saltan a escena Tygers of Pan Tang, con Robb a nuestra izquierda luciendo una camisa floreada que incluye la cabeza de un tigre. A su lado el bajista Huw Holding (ex Blitzkrieg, ex Avenger), mientras que en el otro extremo tenemos al recién llegado guitarra solista Joan Foottit (Chrome Molly), además de Craig Ellis a la batería, y Jack Meille a la voz.
Abrieron como de costumbre con “Love Don’t Stay” y “Gangland”, durante las cuales se apreciaba un molesto zumbido, que desapareció con el tercer corte “Keeping me Alive” de su décimo álbum Ambush (2012), con un tono espectacular a cargo de Jack Meile, que nos pregunta si estamos dispuestos a cantar con él “Back for Good”, única de su último trabajo en estudio hasta la fecha, Bloodline (2023).
Después de desenredar los cables de Jack y Huw, llega “Rock Candy” que dedicó a todas las chicas locas del país, esta, extraída del primer álbum que grabó Meile, tras la marcha de Richie Wicks en 2004, Animal Instinct (2009). Jack ahora nos presenta “Electrified”, una nueva composición que muy pronto, el cuatro de mayo encontraremos en su catorceavo elepé. Pasados los nervios del estreno, continuaron con “White Lines”, y ese megahit titulado “Only the Brave”, el cual debía ir antes, y que el frontman admitió haberse confundido, algo típico en él, confesaría.
Otra en caer de Wild Cat (1980) fue “Slave to Freedom”, mientras que “Love Potion No 9”, es un cover de la formación doo-wop afroamericana, The Clovers, y en las que Robb utilizó ese artilugio vocal llamado talk box. Se marcharían con “Hellbound”, de un disco que esa misma medianoche, recordó Jack, se cumplirían cuarenta y cinco años de la edición de Spellbound. Un minuto después intentarían volver a la tarima, pero su tiempo había sido sobrepasado, y nos quedamos con un palmo de narices, al igual que él grupo, sin poder disfrutar del bis elegido, “Suzie Smiled”, supongo que por el hecho de haber empezado cinco minutos tarde su descarga.
Supongo que, en los subsiguientes bolos de la gira, no repetirán el mismo error, a pesar de que la actuación de sus compatriotas no se produciría hasta media hora después, cuando el tiempo de cambio de equipo suele ser de veinte minutos. Aun así, los roadies de FM no tuvieron suficiente con ello, ya que el show empezaría también, como cinco minutos más tarde de lo anunciado. Brutal.
FM se han prodigado bastante por acá, al menos, en una decena de ocasiones por estos lares, a partir del 2014 según parece, a pesar de ser un grupo muy activo desde el 1984 hasta 1995, y que volvió a los circuitos en 2007. Pero únicamente los había visto fugazmente en directo a su paso por el Rock Fest 2019, así que afrontamos el concierto con toda la ilusión del mundo, a pesar de que apenas les he seguido discográficamente.
Tras una voz en off informando que estamos asistiendo a la gira del cuarenta aniversario de su disco debut, Indiscreet, así como algunos retazos fílmicos, como la melodía de MGM, o el tema de la Pantera Rosa de Henry Mancini, sintonizan por fin en nuestro dial con “Digging Up the Dirt”, desenterrado del Heroes and Villains (2015), y “Killed by Love” de su Atomic Generation del 2018, para el que Steve Overland agarró su Fender Stratocaster roja, que soltaría únicamente para una estremecedora “Someday” más adelante.
A partir de ese instante, si pasaron a desgranar una por una las piezas de ese primer trabajo, pero siguiendo solo en parte el orden del vinilo, empezando eso sí, por la exitosa “That Girl”, un tema que Iron Maiden escogió para versionar la cara B de su single “Stranger in the Strange Land” en 1986. Con la subsiguiente “Other Side of Midnight”, el teclista Jem Davis abandono su parapeto para saltar a escena con un keitar, un teclado colgado en ristre. El que estuvo gracioso fue el baterista Pete Jupp, cruzando sus baquetas imitando a un violinista durante la intro de sintetizador de “Love Lies Dying”. En “Hotwired” se prodigaron las palmas y los coros, al igual que en “Frozen Heart”, o con la reiterativa “Heart of Matter” con la que cerraron el repaso a su estreno discográfico.
Continuaron con una extensa “Let Love be The Leader”, una escalofriante “Someday (You’ll Come Running)”, y una encantadora “Does It Feel Like Love” donde Overland dio el do de pecho, mostrando así, el excelente estado vocal que mantiene a sus 65 años. Liquidaron el repertorio con las animadas “Bad Luck” donde luce especialmente el bajo Gibson del veterano Merv Goldsworthy, y la pegadiza “Tough It Out”. Un mínimo receso antes de volver a la carga con un bis sorpresa, que no es otro que “Turn This Car Around” desde su Thirteen (2022), con un excelso solo final del guitarrista Jim Kirkpatrick.
Un total de noventa minutos permanecieron en el escenario los londinenses, excelentes a todos los niveles, con el único, pero de las luces, que proyectaban sobre el público, y que nos deslumbraron durante toda la noche, pero supongo que esto, nada, o poco tiene que ver con la producción del quinteto inglés. Así que nada, solo cabe esperar a repetir la experiencia en un futuro próximo, y en un escenario de mayores dimensiones, a poder ser, y quizás escuchar alguna canción de su Brotherhood.
Michael Monroe confirma dos shows en España para octubre
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El rockero finlandés Michael Monroe ha confirmado dos fechas en España, dentro del marco de su próximo tour europeo, gracias a Madness Live y donde nos deleitará con su enérgico directo lleno de glamour y rock and roll.
Estas fechas harán las delicias de quienes no puedan asistir al Rock The Sun 2026 en Barcelona y podrán verlo en distancias cortas en las siguientes ciudades:
28 de Octubre – Villava, Pamplona – Totem
29 de Octubre – Madrid – Revi Live
Las entradas estarán disponibles a partir del próximo 15 de abril, únicamente AQUÍ, mientras en caso de quedar disponibles los días del evento, pasarán a costar 40 euros en ambas ciudades.
Las metaleras internacionales (aunque con origen brasileño por parte de casi todas sus integrantes) Nervosa vuelven este 2026 con su nuevo trabajo Slave Machine, el cual llega tras tres años desde su último lanzamiento Jailbreak y con el cual pretenden demostrar que aún tienen mucho para decir dentro de su escena.
Con doce nuevos tracks y la novedad que ha supuesto el regreso triunfal de Michaela Naydendova a los parches, tras la salida de Gaby Abud hace unos meses, Nervosa sigue la línea marcada con sus dos trabajos anteriores (Perpetual Chaos y el ya mencionado Jailbreak), pero mostrando varias pinceladas de evolución en su sonido sin perder la garra y ese sonido feroz que las caracteriza.
Ya con el potente y brutal sonido de “Impending Doom”, vemos que la banda ha trabajado mucho las voces, teniendo en cuenta que hace dos discos, tenían a una de las mejores cantantes del género entre sus filas y ya no está con ellas, sin embargo, he de admitir que Prika suena como nunca en este disco y esta canción es solo un pequeño (gran) rasguño que de sirve de antesala para lo que vamos a escuchar en el resto del álbum.
El corte que da título al álbum y “Ghost Notes”, son dos cortes más lineales, pero que se complementan bastante bien entre si, aunque quizás, me hubiese gustado algo más de riesgo en la segunda.
Las guitarras de Helena, siguen siendo el punto clave, destacado y fundamental de Nervosa, sin caer en las comparaciones, pero ella sería a Nervosa lo que Taina significa para Crypta.
Para el ecuador del disco, encontramos lo que muchos buscamos, un poquito de diversidad y contundencia, pero sin repetir los mismos patrones habituales del género, por este motivo “Hate”, es una de las mejores piezas del disco, con Prika desgarrando su garganta y transmitiendo ese poder y esa brutalidad que el tema necesita, combinando a la perfección elementos del thrash y el death metal en las mismas proporciones.
Otro gran ejemplo sería “Crawling For Your Pride”, donde el volumen y la conjunción de todas es abrumadora y muestra a un grupo muy sólido que sabe donde está parado, donde quiere llegar y la mejor forma para lograrlo.
Es muy reconfortante ver como las chicas se han puesto las pilas en serio, saliendo un poquito del sonido enlatado propio del thrash, para con diversos guiños, elementos y composiciones mucho más interesantes, entregar una obra tan completa como esta, pero sin perder su esencia.
“Speak in Fire”, cierra el disco con un corte mucho más “Old School”, que hará las delicias de los seguidores clásicos del estilo, dejando en evidencia la gran mano que tienen Nervosa a la hora de plasmar el sonido más prototípico del género.
Escuchando estas nuevas composiciones de Helana Kotina, Prika Amaral y compañía, podemos afirmar que, en efecto, las chicas han puesto toda la carne en el asador para entregar uno de los mejores discos de su carrera hasta la fecha, demostrando que cuando quieren, pueden y con creces.
Stoned Jesus y Wheel en Copenhague: “Dos mundos, una sola descarga”
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Texto: Matías Frank
El Spring Equinox Tour 2026 pasó por Copenhague este domingo 29/03. La gira, que tiene la particularidad de contar con dos headliners, dejó a Pumpehuset temblando y a los daneses estrellándose la cabeza unos contra otros. Stoned Jesus y Wheel encabezan esta gira europea acompañados porIce Sealed Eyes, una banda newcore de Bélgica que se está abriendo camino en la escena del metal a base de una potencia y una presencia en el escenario realmente sorprendentes.
La noche arrancó a las 20:00 hs (un poco tarde para ser domingo, a mi gusto) con Ice Sealed Eyes, que subieron al escenario puntuales y decididos a hacerse conocer. Una banda que, para mí, por sonido, presencia y apariencia, me hizo acordar mucho a los alemanes Unprocessed. Claramente, una nueva generación de músicos que se diferencia bastante de la vieja escuela del pelo largo, barba y ropa negra. Una generación que trae su propia impronta, tiene cosas para decir y viene con mucha fuerza.
Volviendo al show, primera gira europea para los oriundos de Bruselas, que abrieron el show dominguero al palo. Poco les importó que la sala menor del Pumpehuset aún no estuviera llena. Fueron siete temas, todos de su segundo y, por ahora, último álbum ALTAR del 2024. Un repertorio con una atmósfera envolvente que de repente estallaba con mucha fuerza y te hacía preguntar si tal vez no tendrían que haber cerrado ellos. Si bien la banda consta de cuatro miembros, en el escenario se vieron solo tres músicos, apoyados por varios samples. Entre una batería súper prolija de la mano de Virgile Degen y el carisma del cantante Noé Peigneur, supieron conectar con la gente y hasta dejaron un mensaje político: un llamado a alzar la voz y hacerse escuchar respecto a la nueva ley tratada en la Unión Europea sobre endurecer las condiciones de los inmigrantes. Es refrescante ver a esta nueva generación de músicos abrirse paso.
Llegó el turno del primer headliner de la noche. La verdad, hacía tiempo que no escuchaba semejante potencia y claridad. Una aplanadora. Stoned Jesus, el power trio ucraniano, voló pelucas al por mayor. El set constó de nueve temas, con los cuales recorrieron cuatro discos y tocaron canciones que no veían la luz hace 10 y 15 años.
Abrieron el show con “New Dawn”, tema que también abre el último disco, Songs to Sun, sacado en 2025. Una canción de casi nueve minutos que arranca muy suave, con unos acordes con delay, y va in crescendo hasta terminar bien arriba, con un riff atrás de otro y la batería acompañando con el crash. Locura de tema, locura de ellos, locura en la gente. Después del primer tema, ya todos estábamos al palo y sedientos de más.
Siguieron con “Shadowland”, tema que también pertenece al último disco y que en la intro tiene una gran reminiscencia a “Into the Void” de Black Sabbath. “Rituals of the Sun”, el tercer tema del set, pertenece al disco The Harvest y fue la primera vez en 10 años que lo tocan en vivo. Stoner del viejo: pesado, denso, oscuro. Lo mismo cuenta para el cuarto tema, “Hands Resist Him”.
El frontman Igor Sydorenko estuvo muy activo y conectado con la gente durante todo el show, incluso haciendo chistes y mencionando que lo que estaba pasando en ese momento —esa comunión dentro de ese recinto— nos hacía olvidar por un rato lo que sucede afuera. Absolutamente de acuerdo.
Después de “Low” llegó el clásico “I’m the Mountain”, que más de uno venía pidiendo. Gran tema y gran versión que duró alrededor de 15 minutos. Siguieron con “See You on the Road” y “Wound” para cerrar con otro clásico muy, pero muy arriba: “Here Come the Robots”.
Mucha potencia de este power trio que estrenó tanto baterista —Yurii Ciel— como bajista —Andrew Rodin—, pero que parecen haber estado junto a Igor desde el principio, ya que, como dije al principio, suenan muy ajustados.
Tras la tormenta de riffs ucranianos, el ambiente en la sala menor de Pumpehuset cambió por completo. El cuarteto finlandés-británico tomó la posta del Spring Equinox Tour para demostrar por qué son, hoy por hoy, uno de los estandartes del metal progresivo moderno.
El show arrancó con “Submission”, una canción de casi 11 minutos de su último disco, Charismatic Leaders del 2024. Tal vez el hecho de haber tocado después de dos power trios —uno newcore y otro stoner— les jugó una mala pasada con el sonido al principio. La voz estaba un poco perdida entre las melodías de la guitarra principal de Jussi Turunen.
A diferencia del caos controlado de Stoned Jesus, acá cada nota parecía encajar en su lugar.
A “Submission” le siguió “Up the Chain” y “Ascend”, donde la banda mostró su cara más rítmica. Fue imposible por momentos sacar la vista de lo que pasaba con Santeri Saksala en la batería; su coordinación para mantener esos tempos tan complejos y asincrónicos era hipnotizante. El público danés, que venía con la adrenalina a mil, pasó de los pogos de la primera parte de la noche a una especie de trance colectivo con los compases amorfos de “Resident Human”.
Hubo momentos de respiro, como con “Old Earth” y “Porcelain”, pero la intensidad nunca bajó. James Lascelles, aunque menos conectado con la gente que Igor, se mostró muy agradecido con el público de Copenhague y habló de lo especial que es para ellos compartir gira con Stoned Jesus e Ice Sealed Eyes.
El cierre fue tomando forma con “Empire” y “Vultures”, que prepararon el terreno para el final épico con la infaltable “Wheel”, tema que les da el nombre. Más de diez minutos de prog metal puro que dejaron a la sala en silencio absoluto durante los pasajes más suaves, para luego estallar en una ovación cuando cayó la última nota.
Si Stoned Jesus nos voló la peluca, Wheel nos reacomodó las neuronas con su virtuosismo. Una noche redonda en Pumpehuset que confirmó que, ya sea con barba y fuzz o con técnica y samples, el metal europeo sigue vigente con estos artistas. Pero, sin duda, una de las cosas a replantearse es por qué la sala menor del Pumpehuset no estuvo completamente llena ante dos bandas de semejante calibre, trayectoria y actualidad.
Los portugueses Gaerea ganaron mucha popularidad en la escena del black metal actual. Tanto, que han logrado convencer a público ajeno a este particular subgénero.
Esto fue notado por la banda, que de a poco comenzó a correrse de este género, pero sin olvidarlo, sino agregándole matices y otros sonidos para ampliar su audiencia.
Esto nos lleva a su nuevo trabajo, Loss, donde más allá de su sonido extremo, nos encontramos con momentos pop.
La primera mitad del álbum consta de temas pesados, con una gran presencia de blast beats y riffs punzantes. A su vez, se perciben momentos más cercanos al post-hardcore en los estribillos o en algunas secciones con breakdowns. Estos buscan ser melódicos, emotivos y pegadizos, con la clara intención de quedar grabados en la memoria auditiva del oyente.
La voz adquiere más matices, pasando de gritos propios del black metal a registros más cercanos al hardcore, sumando además la novedad de voces limpias. Estas se acercan mucho al pop actual, y su presencia aumenta en la segunda mitad del disco.
En esta segunda parte, el pop meloso entra en la mezcla y, por momentos, desentona. Si bien se percibe un intento de integrarlo, en varios pasajes se siente forzado: aparece de golpe, sin una transición clara ni justificación dentro del desarrollo de la canción.
Sin embargo, una vez finalizado el disco y tras procesarlo, queda en evidencia que esta incursión responde a una intención puramente comercial.
El audio del disco es muy bueno, permitiendo apreciar todos los detalles de las trabajadas composiciones. Las guitarras, por momentos, son graves y pesadas, recordando al metalcore actual, mientras que en otros ejecutan trémolos agudos y ensordecedores. Estos últimos sobreviven como vestigio del sonido original de la banda, ligado a sus raíces en el black metal.
El bajo no se limita a acompañar, sino que constantemente aporta arreglos que enriquecen las canciones, aunque en ciertos momentos también cumple el rol de reforzar el peso y la agresividad.
La batería es extremadamente precisa y compleja, sin caer en lo excesivamente técnico o monótono. Si bien el uso del blast beat y los breakdowns es predominante, también busca aportar variedad rítmica constante, incluyendo fills y pequeños detalles que hacen destacar distintos pasajes del álbum.
Para ejemplificar, el corte de difusión “Submerge” logra un gran balance entre los elementos más accesibles y la agresión buscada, generando climas interesantes donde cada parte se siente orgánica y genuina, en línea con lo que ocurre en la primera mitad del disco.
En cambio, en temas como “Nomad” o “Stardust”, el componente pop radial actual suena forzado y no termina de encajar con el resto de la propuesta más pesada y agresiva.
Gaerea está claramente en la búsqueda de convertirse en una banda más grande y masiva, y para ello ha sacrificado parte de sus orígenes y su característico clima ritualístico. Donde antes buscaban generar introspección y atmósferas densas, ahora apuntan a captar a un público más amplio y contemporáneo.
Loss no es un mal disco, pero sí funciona como testimonio de una banda que ha decidido alejarse de sus raíces en pos de alcanzar una mayor audiencia.
Graspop Metal Meeting cuenta los días para su nueva edición
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Uno de los gigantes festivaleros europeos como es el Graspop Metal Meeting ya tiene todo listo para su edición del 2026, donde como siempre los coloca en los primeros puestos en lo que a festivales masivos del viejo continente se refiere.
Como todos los años, el cartel es espectacular combinando todo tipo de grupos y estilos, siendo en esta ocasión Limp Bizkit, The Offspring, Volbeat y Bring Me The Horizon, los cabezas de cartel, pero con la bomba de haber conseguido a las estrellas alternativas del momento Bad Omens, los rockeros alternativos Breaking Benjamin y las leyendas del rock Alice Cooper y Def Leppard, como parte importante del cartel.
El resto de bandas confirmadas os las dejamos a continuación:
La banda sueca de rock/metal progresivo Soen volverá a nuestro país en otoño de la mano de Madness Live, para presentar su nuevo disco Reliance, el cual salió a la venta el pasado 16 de enero a través de Silver Lining Music.
Para hacer aún más especial la gira de los suecos, la banda traerá como invitados especiales ni más ni menos que a Tribulation y Vulkan, siendo un triplete más que interesante de presenciar.
Las fechas y ciudades elegidas de nuestra geografía para tan destacada gira serán las siguientes:
27 de Noviembre – Murcia – Mamba! (+ Tribulation + Vulkian)
28 de Noviembre – Sevilla – Custom (+ Tribulation + Vulkian)
1 de Diciembre – Madrid – Sala But (+ Tribulation + Vulkian)
2 de Diciembre – Santana 27 (+ Tribulation + Vulkian)
Las entradas estarán disponibles a partir del 14 de abril únicamente AQUÍ, mientras que su precio en taquilla será de 40 euros en caso de quedar disponibles.
Bring Me The Horizon celebrará los 20 años de “Count Your Blessings” a lo grande
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Una de las bandas alternativas más importantes e influyentes de los últimos tres lustros como son Bring Me The Horizon han sorprendido anunciando un concierto imponente en el B.E.C. Arena de Manchester, donde por primera vez en dos décadas interpretarán al completo su incendiario debut Count Your Blessings, el cual justamente el próximo 30 de octubre celebra sus primeros 20 años de existencia.
Oli Sykes y compañía han recorrido un largo camino desde aquel disco, pero son muchos los que crecieron con la primera época de la banda de Sheffield y para ellos este show será único e irrepetible, porque además, contará con la presencia de bandas tan interesantes como Rolo Tomassi, Static Dress, Dying Wish, entre otros y lo hará en la siguiente fecha:
10 de Julio – Manchester – B.E.C. Arena (+ Rolo Tomassi + Static Dress + Dying Wish + Car Underwater + Heriot + Still in Love)
El show es apto para mayores de 14 años y las entradas las podréis conseguir AQUÍ.
Joaquín Padilla (Legado de una Tragedia): “Hay que volar hasta el sol aunque te quemes las alas”
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Legado de una Tragedia es el proyecto más personal de Joaquín Padilla. Desde el año 2008 se ha convertido en una referencia ineludible del metal en castellano que ofrece, con cada lanzamiento, una verdadera Ópera Metal de virtudes musicales y narrativas. Secundado por una verdadera selección de talentos invitados, cada disco es un derroche de imaginación, calidad y buen gusto. Con la excusa del nuevo single Ícaro, conversamos con Joaquín quien nos compartió sus puntos de vista, nos puso al tanto del presente de la banda y un poco del porvenir.
Joaquín, ¿cómo estás?, ¿qué tal fue la repercusión de la nueva canción Ícaro?
Pues la verdad, estoy feliz. No sabía muy bien qué hacer porque hace relativamente poco tiempo que había lanzado Lovecraft (N: el álbum del 2025). Habitualmente entre una ópera y otra suelen pasar un año y medio o dos años, que es lo que tardo en hacer toda la documentación, la investigación, la composición y la producción del álbum. Y tenía algunas canciones sueltas, independientes, que me gustaban mucho, sobre todo “Ícaro”, y que tenía muchas ganas de compartir. Y se me ocurrió esta fórmula. Un poco de abrirme un espacio que he denominado Mitos para poder lanzar singles sueltos e independientes. Cada uno de un mito diferente, de diferentes culturas. Mitología nórdica, japonesa, egipcia, cristiana, griega, romana. Es un tema que me apasiona y me permite de vez en cuando quitarme el gusanillo cuando estoy metido en una obra grande y majestuosa, el poder hacer un lanzamiento como este Ícaro. Me apetecía hacer una canción como muy directa, con un sonido más europeo, más como lo que estaban haciendo bandas como Within Temptation a partir del disco The Unforgiving. O lo que hacen Battle Beast o lo que hacen Beast in Black o Dynasty… bandas así. Y la verdad es que la gente lo ha recibido con mucho cariño, lo ha recibido muy bien. La inmensa mayoría de la gente le ha encantado. Siempre hay quien cree que tendría que mantenerme en esas canciones largas, épicas, de grandes historias. Pero me apetecía mucho sacar el single y no tenía más pretensión que esa, mientras que estoy trabajando en el nuevo álbum.
Entonces, si entiendo bien, en algún momento vamos a ver un LP llamado Mitos que va a compilar estos lanzamientos y va a quedar un proyecto con canciones por separado. ¿Cómo vas a articularlo?
Mi idea es lanzar algún single más y luego unirlos todos. No sé si en un EP o en un álbum. Porque hay una cosa que no quiero, que he tenido que abandonar en Lovecraft y no me gusta mucho, que es hacer una ópera rock, una historia. Que es mi propuesta desde el principio y por lo que la gente se ha enganchado de Legado de una Tragedia, que es como hacer un musical heavy, ¿no? En Lovecraft realmente no había un hilo conductor. Todos eran cuentos, eran relatos musicalizados. Pero el formato que me gusta, lo que creo que hace especial a Legado de Una Tragedia es el contar una historia completa, un arco argumental que recorra todo el álbum.
En Lovecraft lo hice así porque, bueno, ya había contado la historia de Poe en los tres primeros álbumes. La vida de Lovecraft no es tan apasionante como la de Poe. Y bueno, ya había escrito sobre un escritor de terror y era un poco repetitivo. Pero tanto a mí, que soy muy fan de Lovecraft, como a los fans que me pedían algo de Lovecraft, dije bueno, pues voy a musicar diez canciones. Pero no quiero salirme de ahí, no quiero salirme de las historias largas, de los álbumes conceptuales. Así que esto lo he dejado un poco por ahí. Cuando uno está escribiendo una obra tan larga como las que yo escribo, hay mucho tiempo en el que no haces nada, que parece que desapareces. Porque como de momento tampoco ha habido directos de Legado, yo no soy un artista que diga bueno hacemos un disco y nos vamos dos años de gira. Sino que hay un momento en el que no tienes nada que lanzar. Pues decidí sacar este single, y sacaré otros. Hay otro tema que ya está grabado. Y bueno, pues cuando compile unos pocos pues lanzaré un EP o lanzaré un álbum y se llamará Mitos. Es un recurso que me he guardado entre álbum y álbum.
¿Qué músicos te acompañan en esta nueva aventura?
En Ícaro la verdad es que han sido pocos. Esta canción ha tenido un proceso evolutivo muy rápido, porque yo tenía muy claro que quería contar la historia de Ícaro. Porque en este proyecto de Mitos se trata no solamente de hablar de los mitos, no es narrar los mitos, sino es resignificar, darle una vuelta a cada uno y traerlos a la actualidad. Porque yo creo que son arquetipos que hoy en día la gente puede perfectamente adecuar al día a día, a su vida cotidiana.
Entonces el mito de Ícaro lo que cuenta es que Ícaro se ve encerrado en una torre sin poder salir, porque su padre construyó el laberinto. Ayudó a que mataran al Minotauro. Entonces es castigado y es encerrado. Y él, Ícaro, tiene esa esa carga por un linaje, por algo que han hecho sus padres. Entonces me parece muy interesante. ¿Cuánta gente hay que tiene que seguir con la profesión que tienen sus padres? Porque tienen un negocio o que de repente te ponen problemas porque tú tienes otra religión y no quieres seguir la religión de tus padres, o porque a tí te gusta el metal y a tu familia le parece que es anti-cristiano o mil cosas, ¿no?. Me parece que es una cosa muy actual y que había que abordarlo desde ahí. Entonces escribí el tema en dos días, la letra salió prácticamente entera, de corrido. Y aproveché que estaba Carlos Espósito en el estudio. Carlos es batería de Leo de Stravaganzza, y que ha grabado todos los discos de Legado de una Tragedia. Creo que junto con Pablo de Warcry, ha grabado en todos mis discos. Y estaba un día por el estudio grabando algo para él y le dije tengo un tema, lo escuchas y tal, le damos una vuelta y lo dejamos grabado y por la tarde… Esto ya se puede contar, pasó por el estudio Alejandro Fung, que es el bajista de Against Myself, que es una banda maravillosa de metal sinfónico española, un poco progresiva, que es muy amigo mío y que toca conmigo en directo en muchos proyectos que están más allá del metal y de Legado. Y él venía a trabajar en el primer single que ha sacado Elizabeth Amodeo en solitario, que es la cantante de Against Myself. Y yo he hecho las orquestaciones del tema que ha salido hace muy poco y es un tema maravilloso y estuve orquestando y él viene al estudio para estar conmigo allí y guiarme, porque yo soy el compositor del tema y él, aparte de ser un excelente bajista, es un increíble guitarra. Entonces le dije tío, acaba de grabar Espósito un tema, mira, escúchalo, ha hecho estas líneas y tal, ¿por qué no te pones? Y se puso a grabarlo y él grabó los bajos y todas las guitarras del tema. Hizo él el solo. Porque ya te digo, es un excelente bajista, excelente guitarrista. Y entonces ya me quedé yo haciendo las programaciones, las orquestaciones, los teclados y me interesaba mucho que fuera un diálogo de una pelea potente entre Dédalo, que es el padre de Ícaro, e Ícaro. Y pensé, ¿quién puede cantar esto conmigo? Porque yo tenía claro que quería ser Ícaro. ¿Quién puede cantar algo y que esté muy enfrentado? Entonces me sale un cantante que a mí me fascina, que estoy enamorado de él, muy amigo mío, muy buena gente y un cantante excelente que es Andy Martínez, cantante de Headon. Porque él tiene un carácter… Yo soy un cantante más hardrockero, digamos, de la escuela del hard rock y él es muy heavy, heavy metal, más clásico y era muy interesante esa dicotomía de las voces. Y le llamé y me dijo claro que sí, cuenta conmigo para lo que sea. Él cantó en el primer single de Lovecraft, en “La Llamada de Cthulhu”, que fue un éxito. Y hemos sido esos. Y Kike Fuentes, cantante de Nurcry, que también le llamé y le dije tío, me harías unos coros y tal y preparó unas corales maravillosas para el tema. Y entre nosotros cinco hicimos la canción. Y luego el increíble trabajo de Raúl Abellán en las mezclas que ya mezcló tanto Lovecraft como el de Goya, Aquelarre de Sombras en sus estudios The Mixtery. Para mí él es un genio, un mago y le ha dado ese sonido tan brutal.
Joaquín, vos te encargas de la producción de tus propias obras también.
Sí, yo en mis discos todo lo que suena, menos los solos, lo compongo yo, ya sea los riffs de guitarra, los bajos, las líneas vocales, las letras, las orquestaciones. Y luego pues viene gente a tocarlo que por supuesto aporta su granito de arena. Si alguien me dice oye, pues mira, le voy a dar este carácter y demás, pues bienvenido sea. Para Lovecraft conté con José Rojo, con un amigo, para grabar algunos riffs que él tenía, pero en todos los demás siempre compongo todo y lo grabo todo yo primero. Y luego los chicos vienen y lo graban encima. Y la producción siempre corre por mi cuenta.
¿Y cómo es coordinar el trabajo de tantas personas? Quizás justo para Ícaro, un poco lo fuiste contando, no fue tanto despliegue, pero en otros discos sí. Me imagino una tarea titánica en la previa, ¿verdad?
Sí, es un follón. En Ícaro. Lo que pasa es que me puse vago y llamé a los mejores, a gente que es muy buena, pero que eran amigos, que ya los conocía y demás. Cuando hago un álbum de larga duración, a mí me gusta mucho llevar a gente con la que nunca he trabajado porque creo que eso le aporta una frescura. Hay gente que repite, gente que no, gente que lleva dos discos sin salir y vuelve. Pero sí me gusta contar con gente nueva y es bastante complicado porque bueno, en primer lugar, hay gente a la que llamo que no conozco y que le puede apetecer o no, o le puede gustar el proyecto o no. Hay que tener muy en cuenta, sobre todo con los cantantes, cuáles son las tesituras, el carácter que quiero que tenga cada personaje, porque claro, no a todas las canciones le vienen bien a todo el mundo.
Y luego pues hay una locura en el proceso de intentar coordinar las agendas de todo el mundo, porque claro, todo el mundo está en gira, todo el mundo tiene grabaciones, todos tienen lanzamientos. “Mira, ¿cuándo vas a sacar el single?, porque nosotros sacamos el single, no me interesa que salga la vez”. O sea, hay una coordinación, una parte un poco burocrática que yo detesto, pero que tengo que hacer. Y que la verdad es que al final le he cogido un poco el oficio, la costumbre de hacerlo. Y lo que sí que tengo muy claro es quién quiero que lo haga. Yo siempre, cuando empiezo a componer, digo voy a hacer este personaje, pienso en cómo va a ser el personaje y me pongo a pensar cuál sería mi primera opción y cuál sería mi segunda. En caso de que el primero no quiera, no pueda, que me pasa muy a menudo. “Mira macho, me pillas ahora mismo a tope de curro. No estoy disponible ahora para hacerlo. Si puedes esperar tres meses, sí”. Y entonces, dependiendo de cómo yo vaya con la producción, a veces puedo, a veces no. Y se trata de tener muy claro lo que quieres. Ser muy organizado a la hora de preparar las bases. Grabar la ópera dos veces. Tengo que grabarlo todo para luego mandarlo y decirle a la gente “Pero mira, esto es así y tal. Aquí me gustaría que hicieras, lo adaptarás como tú quieras. Te dejo libertad en este estribillo, en este no”. Porque de repente canta un tipo aquí en Madrid y hay otro haciéndole coros que tienen que ir encabalgados en Barcelona o en México.
Y claro, tiene que haber una línea muy clara y todos tenéis que pegaros a mi voz, aunque luego no vaya a estar. A lo largo de los años he desarrollado mucho oficio para tenerlo claro desde el principio y ponérselo fácil. Y luego pues sí que dejo alguna manga ancha para que la gente pueda también aportar su granito de arena de bueno, pues su personalidad. Pero es complicado. Es la parte más dura y la más desagradable, la más ardua. A mí lo que me gusta es el arte. Me gusta grabar, componer, escribir, el tú a tú. Pero el tener. “Mira, te mando los archivos y te lo mando de tal manera. Y entonces. Y coge cada letra y ahora te pongo en amarillo lo tuyo, en rojo lo y lo otro y ahora lo otro se lo cambias. Mira, esto es lo tuyo”. Las anotaciones las suelo mandar a veces un texto explicándole que es su personaje, qué tiene que hacer entonces. Es un poco tedioso, pero bueno, forma parte bonita del trabajo final.
¿Has trabajado con músicos argentinos? En Legado de una Tragedia 1 recuerdo a Hugo Bistolfi. En el 3 estuvo Beto Vázquez también. Entiendo que alguna vez habías contactado a Adrián Barilari y no había podido, ¿puede ser?
Con el primer disco intenté que viniera Barilari, pero porque además hay una cosa muy curiosa y es que, paralelamente al lanzamiento del primer disco, quizá un poco antes, yo tenía una banda en España que se llamaba Iguana Tango, que era una banda de pop rock, era una cosa alejada del metal. Un poco como AOR. Y nuestro road manager, que viajaba con nosotros, era el road manager de Rata Blanca, Eduardo Rodríguez. Y nosotros hicimos mucha amistad con Edu, claro, que convivía con nosotros. Y recuerdo una anécdota que vino Rata Blanca a tocar a Madrid y les perdieron el bajo en el aeropuerto y nosotros les prestamos el bajo. Nos invitaron ahí a estar con ellos y ya había una relación con Barilari. Pero recuerdo cuando hice el primero intenté hablar con él. Y eran de estos casos en los que él tenía muchos problemas de fechas, giras y demás y no pudo. Y luego en Iguana Tango hicimos una versión de Rata blanca de Mujer Amante y vino Walter Giardino a grabar un solo en el tema. O sea que nosotros tenemos relación con Rata, pero finalmente nunca pude contar con él. Me hubiera encantado, por supuesto, con el maestro Barilari.
¿Y cómo es para pensar un proyecto como Legado en directo, en vivo? Porque imagino es difícil pensar en una gira a gran escala por la cantidad de músicos invitados. Quizás sí tenga más que ver con fechas especiales.
Bueno, llevo 20 años con el proyecto y todavía no he conseguido llevarlo al directo, pero mi idea es hacerlo en este 2026. Está muy avanzado todo. La única manera de hacerlo es un poco copiando la fórmula que lleva una banda que a mí me encanta, que es Therion. Y que está haciendo Avantasia. No me puedo llevar 25 personajes porque hay algunos que salen, cantan un trocito y se van.Lo voy a hacer con cuatro, cinco o seis cantantes, que se reparten todos los personajes. Y claro, como nunca lo he hecho, la primera vez a mí me gustaría mucho que fuera aquí en Madrid. En un principio está pensado para que sea en Madrid, aquí en España. Y como muchos músicos son de aquí, pues aparte de los cinco o seis cantantes, pues de repente puede haber algún invitado que venga, que cante una vez y tal, y ese formato exportarlo.
Y mi idea es ir a América claramente, porque hay mucha demanda. De hecho, es muy curioso que más del 50%, más de la mitad de los oyentes de Spotify, los tenemos en América. De hecho, más del 50% de los oyentes de Legado de una Tragedia están en México. Tenemos muchísimos más fans en América, en Argentina, en Chile, en Colombia que en España. En España tenemos muchísimos fans, pero es curioso que América está muy volcada con el proyecto y mi idea es lanzarlo y llevarlo para allá. Estamos intentando cuadrar porque no es un concierto al uso, O sea, ponemos los amplis detrás, nos ponemos una camiseta de Motörhead y salimos a tocar. No. Queremos tener escenografía, una parte de vestuario, un diseño de luces. Hay una parte muy teatral que está diseñada con pantallas y demás, y la logística requiere de un lugar que curiosamente en México no hay ningún problema para conseguirlo y probablemente en Buenos Aires tampoco. Pero sí hay problema en Madrid. En Madrid hay un aforo que es un poco complicado porque el sitio donde nos cuadran, los camerinos son pequeños porque va a haber muchos cambios de ropa, mucha gente y no hay lugar para poner el atrezo.Estamos buscando el sitio perfecto para hacerlo bien.
Creo que en el 2004 más o menos empezaste a pensar en Legado de Una Tragedia. Finalmente el primer disco salió en el 2008… Son más de 20 años, ¿te imaginabas que iba a tener tanto recorrido el proyecto?
Pues mira, no, la verdad es que no, pero no me lo imaginaba porque… intento no mirar mucho más allá. O sea, quiero decir, a mí siempre me ha gustado soñar caro. Puestos a soñar, no voy a soñar en barato. Pues vamos a soñar que esto va a ser muy grande y cada vez más grande, que llegará más gente y que haremos giras mundiales y que durará hasta que me muera. Pero no miro mucho más allá del siguiente disco. Igual que he dicho muchas veces en muchas entrevistas que no me gusta mirar al pasado. Yo no pongo los discos de Legado. Ha sido una sorpresa, ahora que estamos preparando el directo, porque he vuelto a escuchar toda la discografía y me he sorprendido, a decir hostia, que cómo volaba esta canción o cómo volaba o qué guay hicimos esto, para elegir el repertorio. Pero no pongo los discos antiguos. Yo acabé una obra y ya pasó y ya estoy pensando en la siguiente, pero solo en la siguiente, no en dentro de tres. Entonces no me imaginé nunca hasta dónde iba a llegar, porque no miro el pasado y miro al futuro muy cercano y cada día miro más al presente, porque al final la vida da muchas vueltas y lo mismo ahora estamos trabajando ya en el nuevo disco y mañana me llama la persona que me está ayudando a hacer la producción. Me dice ya tenemos sala y de repente ese proyecto queda apartado y hacemos el directo y va bien y me paso todo el año que viene girando por España, por América, por festivales y ya el disco. Entonces no sé decirte, pero desde luego no, porque era una locura, nadie lo había hecho en castellano, no existía en castellano y aparte yo en ese momento tampoco era un artista de metal. Yo, todos mis discos aquí son de metal desde que era niño: Maiden, Stryper, Helloween, Judas, Metallica. Tambien de Hard Rock, Bon Jovi, Warrant o Skid Row, Motley Crue… Luego me dio por la música más bestia. Pero como artista, aunque yo componía cosas de heavy y demás, yo tocaba en una banda de éxito de pop en este país. De pop rock. Entonces era muy raro cuando el que levantaba el teléfono era “Hola, soy el cantante de Iguana Tango, estoy haciendo una Opera Metal”. Al principio todo el mundo decía ¿qué es esto? No sé qué ejemplo podría poner, pues es a lo mejor como si me lo invento, no sé exactamente, pero es como si Cerati, claro, lo llama a Barilari, le dice que tiene una ópera metal de la hostia y le suena raro. ¿Tú estás haciendo una ópera? Que eran cañeros y rockeros, pero no es metal, ¿no?
Eso de pensar siempre en grande me remite también al Ícaro, ¿no? Que tenía ese límite impuesto, no por él, de volar hasta cierta altura… y él no lo respetó.
Claro, porque yo creo que hay que volar hasta el sol, aunque te quemes las alas y te despeñes al mar y te mates. Pero hay que volar hasta donde tú quieras ir, porque si yo vuelo hasta dónde quieres ir tú, la vida es muy aburrida. Y hasta que alguien me demuestre lo contrario solo tengo esta vida. Entonces para vivir tu vida ya estás tú, que seguramente será una vida fascinante y maravillosa, pero a lo mejor no coincide con la vida fascinante y maravillosa para mí. Entonces yo siempre le digo a la gente cuando me preguntan qué le dirías tú a la gente joven que empieza y tal, que cuando alguien le pregunte por qué, responda ¿Por qué no?
Hubo un tiempo en que Metallica no les conocía nadie y tocaban en un bar de mierda, en un garito de mierda, para sus novias. O sea, Metallica no empezó tocando en un estadio. Siempre hay un momento antes de dar la vuelta a la esquina y encontrarte con el éxito. Y alguien tuvo la maqueta de “Motorbreath”, algún sello discográfico y diría “pero ¿dónde van éstos? Bandas como estas tengo 200” y tiraría la cassette. Nadie dice “Ah, vale, este chaval que tiene seis años, dentro de 50 años va a ser la mayor estrella del rock”. Y esto pasa con todos los artistas. O sea, yo no creo que no se encontrara con ningún artista, que bueno, no sé, me puedes desmentir tú que te haya dicho “Ah cuando tenía 13 años sabía que me iba a convertir en estrella del rock”. Puedes esperarlo o tener ilusión.
Esta es una pregunta que encierra un poco de un poco de opinión, pero acá nos interesa tu punto de vista. Yo creo vivimos una época donde cada vez más impera la ignorancia, lo superficial y de repente uno se encuentra con un proyecto como es Legado de una Tragedia… tan complejo, tan trabajado, y que requiere muchísimo del oyente. Uno inmediatamente escucha cualquiera de estos discos y entiende el compromiso del artista para hacer algo diferente. Y uno, como oyente, no puede ser menos. Si no, no lo va a disfrutar. ¿Trabajás conscientemente en eso de que estás ofreciendo un proyecto, un producto tan elaborado, tan distinto?
Mira, me encanta la pregunta porque tiene muchas capas. Me encanta lo que has dicho del compromiso que tengo yo con contigo, que escuchas el disco y el que un poco te exijo a ti. Si te quieres enterar del disco puedes escuchar el disco, pero tienes que ver las letras o conocer la historia o investigar un poco. Si no, no vas a disfrutar del disco.
Te voy a ser muy sincero, cuando yo hice el primero… en general yo los discos los hago, aunque suene un poco feo, porque me da la gana. O sea, quiero decir, yo cojo un día y digo voy a hacerlo. ¿Por qué? Porque me apasiona, y porque me cuadraba mucho la historia que yo tenía en la cabeza. Pude crear con el género del metal, las orquestas sinfónicas. Es una tragedia. O sea, había un concepto que me interesaba mucho. Y a mí me encanta Edgar Allan Poe. Y yo me informé, hablé con la Baltimore Society para que me mandaran información. O sea, investigué, leí todo, por supuesto de Poe. Y yo puse ese compromiso, pero por placer, porque a mí me gusta. Pero me encontré con algo muy curioso. Es que después del primer disco me llamaba mucha gente, me escribía muchos profesores de instituto que me decían “Tío, utilizo tu obra para meter a la gente en el mundo de la literatura”. Y los chavales de repente encuentran otro elemento, otro algo al que engancharse. Que a veces en el colegio tienes un libro y te lo manda el profesor y solo porque te lo manda el profesor ya lo miras con malos ojos.
Y me pasó una cosa muy curiosa precisamente con un chico argentino que era un tipo que me escribía a menudo por redes. “Oh tío, me encanta el primer disco, lo llevo todo el día en el coche, vamos flipando en el coche y lo llevo y tal.” Y un día después de escribirme con él varias veces, me manda una foto de su hijo de diez años leyendo a Poe porque de ir tanto en el coche con el niño escuchando y dijo “papá, yo quiero leer ésto”. O sea, le gustó al niño. Cuando yo empiezo a pensar que un chaval de diez años que vive a 14.000 kilómetros de mi casa, se inicia en la literatura de un autor universal como Poe por mi música, me di cuenta del poder que tiene la música. Y me di cuenta de que hay un montón de gente que gracias a Dios hoy con la globalización y con las redes y con todo, que aun estando a 14.000 kilómetros, que aunque a ti te cuesta mucho conseguir el CD, aunque no puedas conseguir el CD, igual puedes escuchar los discos. Y probablemente igual que yo, seguramente no tenga el mismo conocimiento sobre el imperio Inca porque me pilla más lejos y conoces cosas y demás, pero no lo tienes tan claro. A un tipo de América o de Japón seguramente no tenga tan claro qué son los Templarios o qué pasó con los Templarios. O entre mis fans. Yo pregunté a unos aleatoriamente en las redes, les pregunté ¿Cuál es el pintor más famoso español que conoces? Y mucha gente me decía Picasso o me decía Dalí, pero casi ninguno me dijo Goya. Y Goya para nosotros es como ¡guau! Y yo decía hay mucha gente que no conoce las pinturas negras de Goya y lo que hay detrás y a su vez, de donde surgen, y los grabados y que fue el primer periodista gráfico de su tiempo. Porque nos habían invadido los franceses. Claro, a lo mejor yo no tengo toda la información, más allá de los titulares, de qué pasó en la Guerra de las Malvinas, por ponerte un ejemplo. A lo mejor hay detalles de la historia que a mí se me escapan y yo tengo la oportunidad de contárselo a la gente y de hacer llegar y que la gente tenga curiosidad por ello.
Y me consta, porque luego, claro, mucha gente lo comenta en los foros y demás. Hay gente que viene a leer a Lovecraft por esto o hay gente que a lo mejor descubre la mitología grecolatina gracias a Ícaro. Entonces yo siempre hago un esfuerzo en que lo que cuento es verdad, en las fechas, que los personajes pueden tener alguna licencia, que luego suelo explicar en las entrevistas o en los making of, que hay muchos making of de los discos. Pero hay un compromiso cultural. Creo que yo lo aprendí muy pronto, también lo he comentado alguna entrevista, yo conocí a Poe por Iron Maiden, por “Murders in the Rue Morgue”. Yo conocí a Lovecraft por “La Llamada de Cthulhu” de Metállica. Que yo dije esto de La Llamada de Cthulhu ¿qué coño es? Y en aquella época te cogías una enciclopedia y te enteras de que es un personaje de un tipo. Digo oye, si a mis héroes les interesa este autor, vamos a leerle. Entonces hay un poder cultural en la música que va mucho más allá de lo que creemos. Creo que es importante y es importante utilizarlo.
Joaquín, te quiero agradecer muchísimo la nota… estaremos como siempre atentos a tus lanzamientos.
El debut de 遠人之歌 (Sounds of Alienation), “天問” (Tianwen), llega poco después de la formación de la banda en 2025 y tras una serie de adelantos publicados a inicios de 2026. Editado por Pest Productions, el disco presenta a un grupo que no pierde tiempo en definir su propuesta. Desde el primer contacto queda claro que su enfoque dentro del black metal no busca encajar en tendencias recientes más suavizadas, sino mantener una base oscura y directa, incorporando otros matices sin convertirlos en el eje principal del sonido.
El recorrido del álbum arranca con “萬千落木” y se extiende hasta “無垢無傷”, dejando un conjunto de canciones donde la melancolía tiene un peso constante. A nivel musical, el grupo trabaja con ritmos densos y una sensación arrastrada que en varios momentos se acerca a terrenos más cercanos al doom, especialmente en cómo se construyen las atmósferas. En temas como “鑿石見火” o “烏金覆身”, esa mezcla se hace evidente: partes más contenidas y oscuras que de repente se abren hacia pasajes más intensos cuando la base black metal toma protagonismo.
La producción juega un papel importante en cómo se percibe el disco. No es un sonido excesivamente pulido ni orientado a la perfección técnica, sino más bien una grabación que prioriza capturar el ambiente de las canciones. Aun así, cada instrumento se distingue con claridad. El bajo, en particular, destaca por su presencia y por los cambios en la forma de tocar a lo largo del álbum, alternando diferentes técnicas que aportan variedad dentro de la base rítmica sin perder coherencia.
En lo compositivo, hay una búsqueda evidente de identidad. “卷土歸山” es uno de los ejemplos más claros, con un desarrollo más amplio y una estructura que se acerca a lo progresivo dentro de su propio lenguaje. A lo largo del disco se perciben intentos de expandir la fórmula, añadiendo capas y variaciones que apuntan a una dirección propia, aunque todavía en construcción. Esa intención se mantiene constante en los aproximadamente 40 minutos que dura el álbum.
Las letras y el enfoque general refuerzan ese tono introspectivo y distante que atraviesa todo el trabajo. Sin recurrir a excesos ni a fórmulas más modernas del género, la banda construye un ambiente centrado en la sensación de aislamiento y peso emocional. “天問” (Tianwen) presenta así a Sounds of Alienation como un proyecto que, desde su primer lanzamiento, ya deja ver una base clara sobre la que seguir desarrollándose.
La Renga en Buenos Aires: “Más vigentes que nunca”
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“El Rock está muerto” ¿Cuántas veces hemos leído o escuchado esa frase? Seguramente varias. Desde que apareció a fines de los 90’ hasta el día de hoy. Tanto en libros, diarios, revistas, radio, televisión, videos, internet. Ya sea en distintos formatos, etapas o contextos, incontables habrán sido las veces habremos visto a alguien hacer alusión a esta frase premonitoria que tomó mucha relevancia en el último tiempo.
No obstante, el nivel de convocatoria y popularidad que mueve el género actualmente en nuestros días muestra una cara totalmente diferente del asunto. Y uno de los mejores ejemplos para desarrollar esto, fueron los dos últimos recitales de La Renga en Parque de la Ciudad, los pasados 2 y 4 de abril, como parte de su gira mundial “Un Ave Más al Vuelo”.
El trío liderado por Gustavo “Chizzo” Napoli regresó a los escenarios porteños y brindó sus dos primeras actuaciones en el país en este 2026, bajo un marco candente y multitudinario de gente que vino desde distintas partes a verlos.
Originalmente estos shows iban a ser en la cancha de Huracán pero debido a los peligros de derrumbe en los alrededores del estadio, se trasladaron al predio ubicado en la localidad de Villa Soldati. Un factor que hizo que la experiencia tuviera una dinámica más cercana un festival, debido a la ausencia de plateas y división de campos.
Fue así que asistimos a la segunda de las dos fechas programadas, en una noche fresca y vibrante de sábado. Desde muy temprano, se empezó a palpitar un clima “rolinga” por la zona. Con mucha gente tomando fernet con una botella de plástico cortada, comiendo algo a la parrilla en la calle, y cantando los populares cánticos de cancha que el público de la banda adaptó hace años y no suelen faltar en las previas al “Banquete”.
Las remeras con la estrella insignia del grupo tampoco faltaron, al igual que las banderas desplegando las frases más populares de algunas canciones y mostrando los barrios desde dónde provino la gente para alentarlos.
Este ambiente de fiesta y de “pueblo”, fue la norma de la jornada, extendiéndose varias cuadras a la redonda y a lo largo de la jornada. Una jornada que tuvo inicio musical a las 20hs, con la presentación de Mississippi Blues Band, o conocidos simplemente como “La Mississippi”.
El grupo surgido en Florencio Varela fue el invitado en esta fecha para abrir el “banquete”, y se encargó de ofrecer un plato electrizante y vibrante, que conectará con el apetito “rockero” del público. El resultado fue positivo. La banda consiguió encender a la gran multitud de personas presentes en el campo con mucha energía y dinámica, aunque sin perder su toque elegante y “blusero”. En especial, de parte de Ricardo Tapia, su vocalista y fundador que se mostró muy agradecido por la invitación y participación del show.
De esta forma, temas como “Un trago para ver mejor”, “Blues del equipaje”, dijeron presente y formaron parte del repertorio aunque el momento más destacado de su presentación llegó sin dudas con “Café Madrid”, su mayor éxito. Se despidieron del escenario bajo una lluvia de aplausos y la aprobación del público que quedó más que satisfecho con el platillo inicial.
Como la aparición de “Chizzo” y compañía estaba pautada para las 21:30, (tal como había sido el jueves), hubo tiempo para que la gente se hidrate, compre merchadising, pase por los baños, y como no, para que sigan cayendo más aficionados a un complejo que abarcaba una capacidad para más de 80.000 personas.
A medida que pasaban los minutos, las ansías crecían. Y el hambre también. Las expectativas por ver al grupo formado en la localidad de Mataderos eran gigantes. Y así lo hizo saber el público durante la espera. Una espera que se hizo levemente más larga de lo planeado, pero que no afectó el resultado de la ecuación. Ya que tras un breve video introductorio, La Renga se apareció en el escenario ante sus más de 70.000 fanáticos y comenzaron la acción con un tema de su última obra “Buena Ruta Hermano”, para luego continuar con un clásico como “El ojo del huracán”.
Uno de los primeros puntos para destacar del show, fue el gran nivel de producción que tuvo. Tanto en lo musical como en lo visual. Musicalmente, contó con un sonido potente pero nítido que permitió apreciar con claridad las canciones a lo largo de todo el recinto, mientras que estéticamente la decoración del escenario junto con la transmisión de los músicos en la pantalla hizo que pareciera que estuviéramos ante la presencia de un rito.
La banda, por su parte, también contó con un gran performance que reflejó la fuerza y energía que tienen en vivo. Y no solo desde lo grupal, sino en lo individual. Jorge “El Tanque” Iglesias marcando los ritmos y tempos de los temas en la batería. Su hermano, “Tete” Iglesias siendo el motor del grupo, corriendo de un lado a otro del escenario con su bajo e interactuando con el público. Y “Chizzo” asumiendo el liderazgo como capitán de la nave, imponiendo su gran poderío vocal y exponiendo el enorme talento que tiene para tocar la guitarra. Los tres supieron estar bien compenetrados a lo largo de la noche, cumpliendo cada uno su rol a la perfección y demostrando porque son uno de los tríos más importantes en la historia del rock argentino.
Como el show tuvo una duración de casi tres horas, en la que se interpretaron más de 30 canciones, no nos vamos a detener en detalle en lo que fue el setlist. Evidentemente al haber sido un repertorio extenso, el grupo aprovechó para incluir composiciones de sus últimos materiales (“Flecha en la Clave”, “Ese Lugar de Ninguna Parte”, “La Banquina de Algún Lado”), para tocar temas que hacía tiempo no tocaban (“Me hice Canción”) y como no, para repasar los clásicos infaltables de siempre (“Balada del Diablo y la Muerte”, “Voy a Bailar a la Nave del Olvido”, “EL Revelde”).
Como suele acostumbrar en sus recitales, La Renga contó algunos invitados especiales sumar para la velada. El primero fue el bandoneonista Manuel Fernádez, de La Fierro Fernández, que se subió para realizar unas versiones más íntimas y tangueras de “Mujer del Caleidoscopio” y “El Twist del Pibe” mientras que el segundo cayó más de sorpresa, ya que fue Claudio el “Tano” Marciello (ex-Almafuerte) quién se apareció para interpretar “El Final es en Donde Partí” junto a los de Mataderos. Un momento tan destacado como sorpresivo.
Para el final, la banda concluyó el banquete con un encore a puro Rock y agite con “Panic Show”, “Oscuro Diamante”, y “Hablando de la Libertad”.
De esta manera, se puede decir que La Renga volvió a suelo porteño con más potencia y vigencia que nunca. Culminó sus dos fechas ante una multitud de aficionados que desde distintas partes del país, vinieron para ser parte de la fiesta. Imponiendo condiciones y moviendo toda una cultura musical, el grupo de Chizzo y los hermanos Iglesias demostró una vez más, todo el poder de su música. Y dejó bien en claro, que de su parte, el Rock está más vigente que nunca.
Infected Rain en Glasgow: “un debut de gira marcado por la intensidad”
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La banda moldava de heavy metal Infected Rain dio inicio a su más reciente gira Mutation Phase en el siempre excelente e íntimo recinto Slay de Glasgow. Acompañados por los también potentes grupos Black Spikes y Butcher Babies, el trío de bandas contemporáneas ofreció una actuación que equilibró oscuridad, emoción, humor y contundencia, incluyendo varios estrenos en directo y mostrando lo mejor de la escena actual.
Antes de continuar, cabe mencionar que, debido a una decisión bastante extraña por parte del recinto, la banda o el promotor, los lituanos Black Spikes comenzaron su set muy temprano, lo que hizo que solo pudiera ver las dos últimas canciones de su repertorio. Estos temas, “Imperatorė” y “AUREA”, destacaron por su estilo distintivo, que me dejó con ganas de más. Lamentablemente, muchos asistentes también se perdieron su actuación, que incluía bailarines con estética macabra y vestuario inquietante, desde trajes espectrales hasta chaquetas de estilo militar. Su propuesta sonora combina elementos atmosféricos y etéreos con riffs pesados y voces agresivas, resultando en una propuesta experimental muy interesante que sin duda merece una experiencia completa en el futuro.
El tono cambió de forma notable con la llegada de Butcher Babies, que aportaron una energía más cercana al punk. La vocalista Heidi Shepard fue una presencia escénica magnética, con una interacción constante con el público, aunque la respuesta de la audiencia no fue tan intensa como suele ser habitual en Glasgow. Aun así, eso no impidió que Shepard se volcara por completo, animando a diferentes zonas del público a competir en volumen y acercándose a la valla para compartir el micrófono con los fans. Antes de su tema más popular, “Monster’s Ball”, lanzó la pregunta: “GLASGOW… ARE YOU READY FOR AN EPIC, FUCKING NIGHT?”, logrando finalmente una reacción más entusiasta.
Su rango vocal fue uno de los aspectos más destacados, pasando de registros casi pop a guturales profundos con total naturalidad, siempre con una sonrisa en el rostro. Momentos como “Beaver Cage” mostraron su lado más desenfadado, mientras que también presentaron en directo su nuevo single “Black Dove”, eligiendo Glasgow como escenario para su debut. Durante “Spitting Teeth”, Shepard incluso bajó al público, colocándose en medio de un circle pit mientras cantaba, algo que solo este tipo de conciertos cercanos permite.
El set también tuvo un giro emocional cuando Shepard habló abiertamente sobre su lucha contra la depresión antes de interpretar “Last December”, un momento sincero y conmovedor que conectó profundamente con el público. Cerraron con “Magnolia Blvd.”, dejando claro que, aunque no sean para todos los gustos, su directo es puro entretenimiento.
Finalmente, llegó el turno de Infected Rain. Con un escenario decorado con pantallas que imitaban lápidas y una introducción audiovisual con estética cyberpunk, la banda abrió con “THE ANSWER IS YOU”. La vocalista Elena Cataraga, conocida como Lena Scissorhands, mostró desde el primer momento su impresionante versatilidad vocal, alternando entre melodías limpias y guturales con total fluidez.
Al no tratarse de una gira centrada en un solo álbum, el repertorio recorrió toda su discografía, ideal para quienes, como yo, buscaban una visión global de la banda. Aun así, hubo espacio para estrenos como “Stranger”, uno de los momentos más destacados de la noche. Cada miembro de la banda estuvo al máximo nivel, ya fuera en solos o riffs memorables.
Durante “The Realm Of Chaos”, Heidi Shepard regresó al escenario para unirse a Lena, en un momento que transmitió pura complicidad. Otro de los estrenos fue “Ut Supra”, una canción que la propia banda admitió haber ensayado poco en directo, pero que sonó impecable y fue muy bien recibida, comenzando con una sección cargada de sintetizadores antes de transformarse en un tema pesado y envolvente.
El tramo final incluyó algunos de los momentos más intensos del concierto. Antes de interpretar “Because I Let You”, Lena advirtió al público con un “Ready to cry?”, y no era exageración: fue uno de los puntos más emotivos de la noche.
Para ser la primera fecha de la gira, Infected Rain ofrecieron un inicio contundente. Aunque el público no estuvo tan participativo como cabría esperar y el problema con la banda inicial fue un punto negativo, el concierto fue igualmente muy disfrutable. La gira continúa por Reino Unido y Europa, así que si tienes la oportunidad, merece la pena no dejarla pasar para ver en directo a algunas de las propuestas más interesantes del metal moderno.
Kreator en Glasgow: “Caos, fuego y thrash sin concesiones”
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Texto por: Tom Muir
Mientras muchos fans del thrash metal añoran los viejos tiempos, algunas bandas de aquella escena siguen en plena forma. Aunque los años 90 fueron un periodo de incertidumbre para muchas formaciones del género, algunas lograron resistir y salir reforzadas. A comienzos de los 2000, los alemanes Kreator podían considerarse fácilmente un grupo de segunda línea dentro del thrash. Sin embargo, desde la década de 2010 han crecido como nunca, tocando en recintos cada vez más grandes y encabezando festivales como Bloodstock Open Air en 2021. Su última visita a Glasgow fue en 2024 junto a Anthrax, pero en este 2026 regresan con una gira como cabezas de cartel y acompañados de uno de los paquetes más potentes del metal extremo reciente.
La cola fuera del recinto ya se extendía a gran distancia mucho antes de la apertura de puertas. El clima no acompañaba, con lluvia constante durante la espera. Algunos intentaban mantener el buen ánimo, mientras otros simplemente aguantaban el chaparrón. Finalmente, el sol volvió a aparecer y, aunque el viento seguía soplando con fuerza, las puertas se abrieron poco después.
Nails eran la banda más joven del cartel, formados en 2006, pero con una reputación bien asentada. Tras un parón a comienzos de los 2020, regresaron con fuerza, destacando en Damnation Festival en 2024. En esta gira presentan un formato reducido a trío, pero mantienen intacta su contundencia. Desde “Lacking The Ability To Process Empathy” dejaron claro su enfoque: riffs afilados, voces agresivas y un groove que avanza con fuerza constante.
El vocalista Todd Jones se mostró cercano con el público, agradecido por la respuesta. Incluso bromeó tras algunos problemas técnicos, comentando que al día siguiente compraría una correa de guitarra que funcionase correctamente. Tenían la difícil tarea de abrir antes de Exodus, conocidos por generar algunos de los pits más intensos del género, pero el público respondió con energía. El tramo final con “You Will Never Be One of Us” y “Unsilent Death” dejó a la sala completamente preparada.
Con “We Will Rock You” de Queen sonando de fondo, Exodus tomaron el escenario. Formados en 1979, siguen siendo una de las bandas más veteranas del thrash. Tom Hunting permanece como único miembro original, acompañado durante décadas por Gary Holt. Sin perder tiempo, arrancaron con “3111” y “Bonded by Blood”, elevando la intensidad del pit de inmediato.
Aunque su debut sigue siendo su obra más reconocida, también repasaron material más reciente. “Deathamphetamine” combinó un inicio pesado con un desarrollo más rápido, enlazando con “Blacklist” y destacando el trabajo de guitarras. Hubo un pequeño bajón con “Goliath”, que no terminó de despegar pese a buenos detalles instrumentales. Sin embargo, la recta final devolvió la energía: “A Lesson in Violence” y “The Toxic Waltz” desataron algunos de los momentos más intensos de la noche. El cierre con “Strike of the Beast” incluyó el primer wall of death. Exodus demostraron que siguen siendo una referencia en directo.
El turno fue para Carcass, una de las bandas más influyentes de Liverpool. Pioneros del goregrind y clave en el desarrollo del death metal melódico, regresaron tras años de inactividad para consolidarse de nuevo en los escenarios. Abrieron con “Unfit for Human Consumption”, mostrando precisión y solidez. Jeff Walker mantuvo su característico registro vocal, claro y reconocible.
El repertorio fluyó sin interrupciones, enlazando temas como “Buried Dreams” con naturalidad pese a sus diferencias de estilo. El público respondió con intensidad, entre mosh, crowd surfing y cánticos. Bill Steer destacó con un trabajo de guitarra constante, mientras Walker aportó su habitual humor británico. Ante la ausencia de Dan Wilding, la batería fue cubierta por Waltteri Väyrynen de Opeth, cumpliendo con solvencia. El tramo final con “Corporal Jigsore Quandary” y “Heartwork” dejó al público con ganas de un futuro concierto como cabezas de cartel.
Finalmente, llegó el turno de Kreator. La banda apareció entre pirotecnia, arrancando con “Seven Serpents”. Su evolución estilística quedó clara: desde el thrash más agresivo de los 80 hasta un enfoque más orientado a grandes escenarios desde los 2000, combinando ese sonido con influencias del death metal melódico.
El set equilibró ambas etapas. Temas como “Hail To The Hordes” y “Satanic Anarchy” apostaron por el enfoque más coreable, mientras “Enemy of God” y “People of the Lie” recuperaron la agresividad clásica. A pesar de algunos problemas técnicos, la banda mantuvo el nivel.
También hubo espacio para material antiguo. “Betrayer” provocó una gran respuesta del público, y Mille Petrozza agradeció el apoyo, especialmente de los seguidores de larga trayectoria, antes de tocar “Endless Pain”. El cierre llegó con “Pleasure to Kill”, desatando el momento más intenso de la noche, con el wall of death definitivo acompañado por confeti.
Más allá del final, la sensación general fue clara: por nivel de cartel y respuesta del público, este concierto se sitúa entre los más destacados del año.
Uada lanzó Interwoveny lo primero que queda claro es que la banda decidió profundizar en su propia identidad. Ya no tiene sentido compararlos con la sombra de otras bandas europeas. Han construido un camino donde la melodía. El disco se siente como un tejido apretado de riffs que no buscan la agresión, sino una atmósfera casi hipnótica. Es un trabajo que muestra una madurez técnica con una estructura de las canciones que si bien es compleja tambien es accesible para quien ya sigue este estilo.
El sonido es impecable. Se nota una evolución hacia una nitidez que permite apreciar cada capa de las guitarras. No hay una base rítmica plana; hay un diálogo permanente entre las melodías. El balance entre los momentos de velocidad y las partes más atmosféricas está bien logrado. No se siente como un álbum de black metal genérico. Hay un aire progresivo que refresca la propuesta y le da una dinámica distinta a lo que venían haciendo anteriormente.
Jake Superchi demuestra un control total de su registro. Sus gritos tienen una carga emocional que encaja con la temática del disco. No abusa de los agudos; sabe cuándo retroceder para que la música tome el protagonismo. La batería es otro punto alto. La ejecución es precisa y variada. No se limita a los ritmos constantes, sino que aporta matices que enriquecen las transiciones. La solidez rítmica es lo que permite que las guitarras vuelen con tanta libertad sin que la canción se desarme en los pasajes más densos.
En cuanto a la originalidad, Interwoven es un paso adelante. Si bien mantienen las raíces del black metal melódico, la forma en que estructuran los temas se siente más propia. El uso de ganchos melódicos es su mayor virtud. Sin embargo, hay que señalar que esta pulcritud puede alejar a los puristas del género. El disco suena muy controlado, casi demasiado calculado en algunos tramos. Esa perfección técnica le resta un poco de esa urgencia que suelen tener las producciones más crudas. Es una elección estética que los posiciona en un lugar diferente, más cercano a lo épico y profesional.
Lo mejor del álbum es la coherencia. Cada tema parece una extensión del anterior, las canciones más largas no se sienten estiradas por compromiso. Tienen cambios de ritmo internos que mantienen el interés. Lo menos logrado podría ser que, por momentos, la fórmula de las guitarras gemelas se vuelve previsible. Sabés que después de un riff denso va a venir una melodía coreable. Es efectivo, pero le quita el factor sorpresa a medida que avanza el minutaje del disco.
La gran sorpresa es el cover de Nirvana. “Something in the Way” es una elección arriesgada que podría haber salido mal. Uada la hace propia. Transforman la melancolía grunge en una pieza de oscuridad absoluta. Respetan la esencia minimalista de la original pero la cargan de texturas densas y una atmósfera sofocante. Es el momento donde la banda muestra su capacidad para procesar influencias ajenas y escupirlas con su sello personal. Funciona como un cierre que deja una sensación de vacío inquietante, demostrando que tienen los pies en el barro pero la cabeza en la experimentación.
La propuesta es ambiciosa. Han logrado un disco que suena grande, espacioso y lleno de detalles. No hay espacio para el relleno. Cada arreglo tiene una función específica dentro del concepto general. Es un material que reafirma a la banda como una de las que mejor entiende cómo llevar el metal extremo hacia un terreno más melódico sin perder la esencia oscura. La ejecución es de un nivel profesional que destaca sobre la media actual.
Cuando llegamos esta tarde a la sala Nazca parecía que íbamos a ser muy pocos los que disfrutaríamos de este triple concierto del The Dark Side and Spring Equinox Tour, sin embargo no fue así en absoluto: el público llegó justo de hora pero en abundancia.
El primer plato corrió a cargo de los jóvenes Ice Sealed Eyes: una banda belga de newcore que me sorprendió muy positivamente. Sus looks neo-góticos, la pasión de cada uno de ellos (que vivían profundamente la actuación) y su potencia musical, se hicieron notar y calentaron al público que poco a poco empezaba a llenar la sala.
Y es que además, el vocalista Noé Peigneur sabe cantar: nos deleitó bordando unos melódicos muy dulces y también unos potentes guturales que me hicieron pensar en el mismísimo Will Ramos.
Se nota que el cuarteto cuida mucho su apartado estético, e iba acompañado de su propio fotógrafo, James K. Barbosa que incluso se unió a cantar con la banda en el tema “Deadweight”.
Sin duda, hicieron un buen trabajo y supieron ganarse a los presentes, pese a ser una propuesta muy diferente al stoner y al progresivo de los cabezas de cartel. Estaré atenta a esta banda, que promete mucho.
Tras una breve pausa para cambiar el equipo, el aire empezó a chispear y una ola de felicidad pareció envolver la sala. Stoned Jesusestaban allí, y su sola presencia bastaba para poner al público en éxtasis.
El trío hizo realidad el dicho de que menos es más llenando el escenario de sonido y de carisma. El público se triplicó en un segundo y muchos de los presentes headbangearon más, solamente en el primer tema (“New Dawn”), de lo que lo habían hecho en toda la actuación anterior. La complicidad y el amor entre esta banda y sus fans son realmente imparables.
Igor Sydorenko iba dedicando algunas palabras al público entre canción y canción, bastantes de ellas en español. Agradeció a los presentes que se acordaran de Stoned Jesus después de unos años sin pisar España y prometió que pronto volverían. Su voz es hipnótica y su sonrisa, contagiosa. El trance que le envuelve al tocar la guitarra y cantar arrastró a toda la sala, que gritó con él, coreó con él y saltó con toda la banda.
Igor tuvo incluso la deferencia de entregar su púa en mano, con mucho cariño, a un fan entusiasta, y todos nos alegramos con él.
También muy carismático estuvo Andrew Rodin, bajista en una de las pocas bandas cuyo bajo tiene tanto protagonismo como una guitarra rítmica o incluso solista en algunos momentos. Hizo un enorme trabajo y, como pequeño detalle, me encantó ver el pequeño tatuaje de “Hora de aventuras” que lleva en el tobillo.
También tengo que mencionar al nuevo batería de la banda, Ihor Biriuchenko, al que se le veía disfrutar muchísimo y que nos sorprendió tocando descalzo (en calcetines) casi toda la actuación.
Fueron nueve largas canciones cargadas de intensidad, que sin embargo parecieron pasarse en un suspiro. El punto álgido, como no podía ser de otra manera, fue “I’m The Mountain”, muy esperada y emocionante (se nota que la banda sigue disfrutando tocarla en directo). Esto sin desmerecer por supuesto a las canciones del nuevo disco “Songs to sun”, cuyos fans ya las tenían totalmente interiorizadas.
Finalmente, con un bonito pogo en “Here Come the Robots”, acabó la actuación y gran parte del público acudió a la mesa de merch para comprar algo y también hacer alguna donación para los damnificados de la guerra en Ucrania.
Tras otra breve pausa para cambiar el equipo, era el momento del metal progresivo de Wheel. Las vibraciones de la sala volvieron a cambiar para coordinarse con la agresividad contenida de la banda. Pero, si bien los finlandeses se mostraban totalmente hieráticos, esto se compensaba con la expresividad de un público muy entregado, que llenó el aire de cuernos en cada uno de los temas.
Esta fue una actuación muy sensorial, con un volumen brutal a los bajos, que hacían temblar mi caja torácica, y unas luces intensas y, por momentos, epilépticas.
“Resident human” fue uno de los puntos álgidos de su show, antes de la cual el vocalista interactuó un poco con el público y nos habló brevemente de paradas anteriores de su tour, en inglés pero atreviéndose también con alguna expresión en castellano. Por su parte vimos al guitarrista Jussi Turunen soltarse literalmente la coleta y disfrutar de la energía de la sala, tocando cara a cara con Jere Lehto, al bajo, con quien hace un excelente combo.
Pese a la inexpresividad calculada del principio, los miembros de la banda no pudieron evitar sonreír más y más a medida que se desarrollaba la actuación, debido sobre todo al cariño del público, al cual correspondieron con unas efusivas palabras de James Lascelles antes de los bises, quien preguntó qué nos habían parecido las bandas anteriores, cuántos de los presentes habían visto antes a Wheel en directo y, finalmente, qué nos había parecido su actuación, ante lo cual la sala se llenó de vítores. El show se cerró con la canción homónima de la banda, levantando un mosh pit final realmente intenso.
En resumen, una noche llena de talento e intensidad, que dejó a todos exhaustos y satisfechos.
5 canciones de In Flames que no pueden faltar en vivo
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Una cita imperdible para los fanáticos en Argentina del melodeath es la de In Flames. Los suecos se van a estar presentando en el país el próximo domingo 19 de abril, en el Teatro Flores (Av. Rivadavia 7806) ubicado en la Ciudad de Buenos Aires. Como parte de su gira, LATIN AMERICA TOUR ’26, el grupo liderado por Anders Fridén regresa para desplegar toda la potencia y adrenalina de su música, repasando los éxitos que los convirtieron en uno de los mayores exponentes del género y el sonido Gotemburgo. Con más de 30 años de carrera, te contamos cuales son los mayores hits que tienen que decir presente, en un show de ellos.
“Coerced Coexistence” (Colony, 1999)
Una de sus piezas más clásicas, pertenecientes a su primera época, como referentes del death metal melódico de mediados y fines de los 90’. Si bien el tema marca el primer registro de voz limpia de su vocalista, Anders Fridén, en mayor proporción hay predominio de guturales y gruñidos agudos. La línea de las guitarras es melódica pero sin perder el eje violento e intenso del género. Cuenta con una letra que trata sobre un viaje espiritual del alma, enmarcado en los temas generales del álbum que abarcan la religión, la sociedad y la espiritualidad.
De la vieja era del grupo, se convirtió en una de las más rescatadas en sus conciertos en el último tiempo.
“Only for the Weak” (Clayman, 2000)
La canción que los catapultó a la fama. Editada en pleno auge del Nu Metal y la cadena televisiva MTV, su vídeo puso a la banda en el mapa y radar de mucha gente que no estaba familiarizado con ellos. Posee uno de los riffs más reconocibles dentro de la carrera de los suecos, hecho para que la gente lo salté en vivo. La letra describe una dinámica emocional agotadora donde el protagonista se siente responsable de la tristeza de alguien más, aceptando un destino sombrío.
Su estribillo melódico y ganchero junto con las voces agresivas de Fridén, marcaron la pauta en la que el grupo empezaría a trabajar. Un tema que combina los últimos retazos del melodeath de sus inicios, junto con la estructura compositiva más explosiva del metal alternativo. No por nada es la canción que más tocaron en vivo en toda su carrera.
“I Am Above” (I, the Mask, 2019)
Si tuviéramos que destacar algún clásico moderno dentro de la discografía de In Flames, ese podría ser “I Am Above”. Lanzada como sencillo en diciembre del 2018, este tema retoma la fuerza y agresividad de sus comienzos. Aunque manteniendo las bases modernas que el grupo construyó en los últimos años. La voz de Anders Fridén juega entre tonos más rasgados y emotivos, teniendo como resultado una interpretación intensa pero épica.
Si algo valorable tiene In Flames, es que a lo largo de su discografía fueron sacando grandes éxitos. Y “Take This Life” es uno de sus mejores ejemplos, ya que se encuentra atravesado en medio de su pasado más rabioso y su presente más melódico. Cuenta con un arranque frenético de batería acompañado de un riff que se mantiene constante a lo largo del tema, hasta desembocar en un estribillo con Anders bajando las revoluciones y sacando a relucir su voz más limpia y cristalina.
Tiene la particularidad de haber formado parte del videojuego Guitar Hero III: Legends of Rock, lo que la volvió en una de las canciones más famosas reconocidas del grupo. Y el principal cierre de sus shows.
“Cloud Connected” (Reroute to Remain, 2002)
Una de las composiciones más disruptivas de su carrera, por el contexto en el que salió. Se podría decir que es una canción que definió su transición hacia un sonido más moderno y alternativo, al incorporar sintetizadores y texturas electrónicas a su propuesta extrema. Tiene un halo futurista y envolvente que trae a la cabeza a nombres como Deftones o Linkin Park, lo que sin duda, marca un claro alejamiento con sus contemporáneos de la escuela de death metal melódico de Gotemburgo.
A diferencia de otros temas, acá la banda prioriza lo magnético antes que lo potente y agresivo, lo que en sus recitales la vuelve en uno de los momentos más hipnóticos y relajados.
A pesar del inconveniente horario “vermut” de las 18:30 el 9 de abril —que penalizó a los trabajadores e impidió que muchos llegaran a tiempo—, Ice Sealed Eyes ofreció un show arrollador en la Razzmatazz 2. Los belgas superaron la frialdad inicial de la sala con una presencia escénica dominante y un sonido nítido, logrando trasladar su metalcore atmosférico y cinematográfico con total precisión. Con un setlist que equilibró la agresividad de los breakdowns con la belleza de las voces limpias, la banda firmó el inicio perfecto para una noche variopinta de estilos, sirviendo de contrapunto moderno a la densidad stoner de Stoned Jesusy al virtuosismo progresivo de Wheel. Al final, lograron conquistar a un público que, aunque acudía por los platos principales, terminó señalándolos como una de las grandes revelaciones europeas de este 2026.
La velada quedó en la memoria de los asistentes como el momento definitivo en que Wheel dejó de ser una promesa del género para confirmarse como una realidad absoluta y dominante del metal progresivo mundial. La banda finlandesa desplegó una auténtica muralla de precisión quirúrgica en una noche definida por una riquísima y necesaria variedad estilística, logrando el equilibrio perfecto como puente entre el metalcore atmosférico de los teloneros y la densidad desértica del stoner posterior. Liderados por un carismático James Lascelles en estado de gracia, cuya voz e interpretación navegaron con maestría entre la vulnerabilidad melódica más sutil y una rabia contenida devastadora, el cuarteto demostró un nivel técnico que rozó la perfección en cada compás.
El sonido en la sala fue nítido, cristalino y arrollador a partes iguales, permitiendo que cada nota del bajo de Jyri Helko retumbara con una claridad física en el pecho del público, marcando el pulso de una maquinaria rítmica sin margen de error. Por su parte, el guitarrista solista Jussi Turunen elevó la atmósfera del show a una dimensión superior, aportando texturas ambientales y leads de una exactitud matemática que flotaban sobre la base rítmica. El uso estratégico de guitarras de escala barítono y afinaciones extremadamente graves fue clave para mantener la definición sonora: a pesar de la brutal densidad de los riffs, nunca se alcanzó una saturación confusa, lo que permitió que las complejas capas sonoras de discos como Charismatic Leaders cobrarán vida de forma vibrante y orgánica sobre el escenario.
Sin duda, uno de los grandes focos de atención de la noche fue el estreno del nuevo batería, quien afrontaba el desafío titánico de sustituir a un pilar histórico de la formación bajo una considerable presión externa. La prueba no solo fue superada, sino ejecutada con asombrosa solvencia, desgranando con una frialdad casi robótica los polirritmos y los intrincados compases de amalgama que definen la identidad de la banda. El setlist trazó un viaje dinámico y ascendente que comenzó con la fuerza de “Submission” y “Up The Chain”, estableciendo desde el primer minuto un estado de hipnotismo puro, reforzado por un juego de luces minimalista de ráfagas blancas y sombras que encajaba perfectamente con la estética industrial de la Razzmatazz.
A medida que avanzaba el show, piezas de enorme envergadura emocional como “Ascend”, la majestuosa y densa “Resident Human” y la visceral “Old Earth” sumergieron a la audiencia en un trance colectivo donde el tiempo parecía detenerse. El despliegue técnico alcanzó su cénit con la interpretación consecutiva de “Porcelain” y “Fugue”, temas de una complejidad rítmica cercana al math metal y en los que el nuevo percusionista demostró haber interiorizado el ADN de Wheel en tiempo récord, logrando una sincronización total con el resto de la banda. El tramo final, marcado por la contundencia rítmica de “Empire” y un cierre agresivo y catártico con “Vultures”, desató una descarga de adrenalina total en una sala que ya presentaba un lleno absoluto y una entrega física completa. Wheel se retiró bajo una ovación cerrada, prolongada y ensordecedora, dejando el listón a una altura casi inalcanzable para el resto de la gira y demostrando que su fórmula —basada en el equilibrio entre la agresividad más cruda y una belleza melódica sofisticada— no tiene rival en la escena progresiva actual.
La noche alcanzó su cénit cuando los ucranianos Stoned Jesus tomaron el escenario para clausurar una jornada de contrastes sonoros inolvidable. Tras el despliegue de virtuosismo frío y quirúrgico de Wheel, el trío de Kiev aterrizó con su gira Spring Equinox Tour para recordar que el rock, en su esencia más pura, es una cuestión de vibración, vísceras y una distorsión que se siente en el pecho. La formación, una de las instituciones más respetadas y resilientes del stoner/doom europeo, demostró una química inquebrantable forjada en mil batallas.
El carismático Igor Sydorenko, líder indiscutible y cerebro de la banda, ejerció como maestro de ceremonias con una presencia imponente. Su capacidad para alternar riffs monolíticos de densidad aplastante con una voz que navega entre la melancolía más vulnerable y el desgarro emocional fue el hilo conductor del concierto. A su izquierda, Serhij Sljussar no solo acompañó al bajo, sino que levantó una pared de sonido orgánica y cálida que hacía vibrar físicamente la sala, moviéndose con fluidez entre el doom más plomizo y pasajes psicodélicos que evocaban el espíritu de los años setenta. Cerrando el triángulo, Viktor Kondratov inyectó desde la batería un empuje dinámico y vibrante, incorporando matices del grunge y del rock progresivo que alejaron el show de cualquier atisbo de monotonía.
El viaje sensorial comenzó con la presentación de su nuevo material de Songs to Sun. Los temas de apertura, “New Dawn” y “Shadowland”, envolvieron la Razzmatazz en una atmósfera hipnótica, revelando en directo una capa más pesada y psicodélica que en estudio. La audiencia, que ya había hecho suyas estas composiciones, respondió con entrega inmediata. Con “Rituals of the Sun”, la banda terminó de sellar el trance, evidenciando una madurez compositiva notable. Uno de los momentos más memorables y humanos llegó durante “Hands Resist Him”: en un arrebato de energía, Igor intentó quitarse la chaqueta y quedó momentáneamente enredado en ella. Lejos de detenerse, continuó tocando con maestría mientras lidiaba con la prenda, transformando un posible error en un instante de complicidad y humor que reforzó la conexión con el público.
Tras la intensidad rítmica de “Low”, llegó el momento más esperado: el clímax con “I’m the Mountain”. Fue una interpretación monumental de más de quince minutos que trascendió lo musical para convertirse en un rito colectivo. La sala entera coreó cada riff mientras la banda se sumergía en secciones de improvisación que expandieron la psicodelia hasta llenar cada rincón. Una demostración de fuerza y arte que dejó a la audiencia en un estado de éxtasis.
Tras un breve respiro con “See You on the Road”, regresaron para un encore cargado de emotividad y potencia. “Wound” fue un cierre sencillamente maravilloso: el coro a cappella entre banda y público creó una comunión sobrecogedora, cargada de un respeto implícito hacia la situación de su país. Finalmente, desbordados por la devoción de una Barcelona que se negaba a dejarlos marchar, regalaron como bonus track la electrizante “Here Come the Robots”, poniendo el broche de oro a una noche de viaje sensorial. Si Wheel hizo trabajar la mente con sus métricas imposibles, Stoned Jesus hizo vibrar cuerpo y alma, despidiéndose entre una ovación ensordecedora que se prolongó durante minutos tras el último acorde.
Los norteamericanos Evanescence han estrenado el lyric vídeo oficial del single “Who Will You Follow”, uno de los cortes que formarán parte de Sanctuary, el nuevo disco de la banda liderada por Amy Lee, que llegará a las tiendas el próximo 5 de junio a través de Sony/BMG.
01. Beautiful Life 02. Tell Me When You’ve Had Enough 03. Who Will You Follow 04. Rapture 05. Afterlife 06. Sanctuary 07. How Do I Heal 08. About Us 09. Calm Down 10. Self-Destruct 11. Forever Without You 12. Wide Open Heart
Para ir calentando motores, la banda ha estrenado “Who Will You Follow”, la cual podéis escuchar a continuación:
A pesar de que a nivel de estudio, la carrera de los rockeros alternativos 30 Seconds To Mars hace mucho tiempo que ha dejado de brillar como una vez lo hizo, muy distinta es la historia a nivel de directo, donde siguen congregando a miles de personas en sus shows a lo largo y ancho del planeta.
Es por este motivo que la banda liderada por Jared y Shannon Leto, han sorprendido a sus seguidores anunciando que en 2027 estarán realizando una gira muy especial, centrada en dos de los discos más destacados y relevantes de su carrera: El majestuosos A Beautiful Lie que el año pasado ya cumplió dos décadas de existencia y su continuación (algo inferior, pero aún con cosas interesantes para decir) This Is War de 2009, causando un gran revuelo entre sus fanáticos en las redes sociales.
De la mano de Live Nation, podremos disfrutar de esta gira única en las siguientes fechas:
8 de Abril – Madrid – Movistar Arena
9 de Abril – Valencia – Roig Arena
Con invitados aún por confirmar, las entradas estarán a la venta el próximo 17 de Abril AQUÍ y en El Corte Inglés, si no te quieres perder la emoción de himnos alternativos como “A Beautiful Life”, “From Yesterday” o “Kings and Queens”, apunta la fecha y consigue tu entrada cuanto antes, serán dos noches irrepetibles.
Adrienne Cowan (Seven Spires): “No controlamos los temas; somos el vehículo que ellos usan para hablar.”
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Dentro de pocas semanas Seven Spires tendrá su primera presentación ante sus fanáticos argentinos en Uniclub (Guardia Vieja 3360), en el barrio de Abasto, de la Ciudad de Buenos Aires, junto los locales Innerforce y los trasandinos de Intrascendence.
Aprovechamos la oportunidad, y gracias a la amabilidad de los muchachos de Heresy Metal Media, tuvimos la oportunidad de formularle algunas preguntas a Adrienne Cowan (vocalista).
¿Cómo surgió la idea de formar la banda? ¿Qué expectativas tenías en ese momento respecto a tu carrera musical?
Allá por el año 2012, cuando aún vivía en el Reino Unido, tuve la idea de que realmente quería hacer una banda de metal oscuro y teatral. Disfrutaba mis estudios musicales en ese momento, pero estaba deseando una salida creativa donde pudiera expresarme de manera más completa.
Hice demos principalmente sola en casa durante horas insanas de la noche – supongo que algunas cosas nunca cambian jaja- y no fue hasta que llegué a Berklee en el año 2013 y conocí a Jack en mi primera semana de universidad que Spires realmente comenzó a tomar forma. Éramos adolescentes en ese momento y nos conocimos con esa hambre de más conocimiento y esa oscuridad creativa sin fin. Es difícil decir si teníamos expectativas específicas para nuestras carreras en ese momento, pero recuerdo sentir en mis huesos que ser un artista del metal era exactamente lo que estaba destinada a ser.
Varios miembros provienen de una institución como el Berklee College of Music en Boston, ¿cómo ha influido eso en el desarrollo musical de la banda?
Al principio fue increíblemente útil que tuviéramos el mismo nivel de formación en el mismo idioma compartido que Berklee enseña. Pudimos comunicarnos y probar ideas complicadas eficientemente :). Y estar allí fue de ayuda para encontrarnos. No siempre es tan fácil encontrar músicos con ideas afines tanto desde un punto de vista creativo como técnico. Pero sabemos que la formación en una escuela de música no es la única respuesta a la educación. Dylan (Ne: Gowan, baterista actual de la banda) vino a nosotros de manera autodidacta, con ambición voraz y dedicación a su instrumento; es ese tipo que nunca pasa un día sin practicar, siempre trabajando en algo nuevo. Él es perfecto para ser músico, especialmente por el deseo de crear arte sin límites, sin importar lo que sea necesario… ¡Sin mencionar que es una gran persona para tener cerca!
¿Cómo es el proceso de composición detrás de una pista de Seven Spires? ¿Qué te inspira a la hora de crear música?
Nuestras canciones siempre provienen de algo profundo en el corazón que necesita ser expresado. El proceso mismo toma muchas formas. Podría ser que una idea de canción comience con piano y vocales, o un riff genial, o simplemente un estado de ánimo o energía particular. Se siente más como si fuéramos el medio a través del cual habla el alma.
Uno de los rasgos distintivos de la banda es la mezcla de diferentes estilos y géneros de metal. ¿Fue algo intencionado desde el principio, o se desarrolló naturalmente con el tiempo?
Mezclar géneros nunca ha sido una opción muy activa. Es lo que hacemos naturalmente. Cualquier historia, escena o emoción tiene su propia forma de expresarse mejor, por lo que hacemos todo lo posible para que las canciones nos digan quiénes son y qué necesitan para brillar. Todos amamos muchos géneros de música, así que supongo que es natural que creáramos de esa manera también.
No es muy común escuchar influencias claras de jazz en bandas de metal. ¿Cómo se convirtió ese elemento en parte de su sonido?
En parte esto se debe a nuestra formación, en parte a lo que nos gusta escuchar y en parte a nuestras otras experiencias profesionales. Pete (Ne: De Reyna, bajista de la banda), especialmente, pasa tiempo trabajando en los círculos de jazz de Manouche. Una cosa que me encanta del jazz es que es un formato de lenguaje musical para hablar, lleno de sinónimos y frases coloridas que pueden llevarte por nuevos caminos hacia destinos familiares.
Al escuchar a Seven Spires, uno puede notar elementos de varios géneros de metal e incluso asociarlos con bandas específicas. Más allá de eso, ¿qué influencias musicales no metaleras dirías que dan forma a tu sonido?
Cada uno de nosotros tiene diferentes artistas favoritos fuera del mundo del metal. Las mías incluyen dark electronic dance, Jrpg y bandas sonoras de fantasía cinematográfica, rock de los años 2000, pop moderno, rock y baile de los 80 y 90, compositores clásicos tardorrománticos, teatro por supuesto, y a menudo cualquier cosa que lleve una cierta actitud de “perra mala” jaja.
La escena del metal a menudo etiqueta a las bandas dentro de géneros o subgéneros específicos, ¿cómo describirías tu propio sonido?
El metal oscuro y teatral todavía se siente más preciso como descripción. Y muy emocional, tal vez a veces de manera repugnante y catártica, en una forma que se siente como arrancar una espina vieja y venenosa del corazón.
¿Cuánto contribuye tu versatilidad vocal a la diversidad musical de la banda?
Supongo que es solo otra parte de lo que podemos expresar, igual que los chicos que tienen una amplia gama de habilidades técnicas. Realmente odio la sensación de tener una historia musical que contar mientras me limito por las habilidades para poder contarla con precisión.
Los críticos a menudo destacan el virtuosismo de los miembros de la banda, ¿cómo crees que afecta su sonido en general? ¿Lo hace más complejo o más accesible para los oyentes?
La virtuosidad musical es una parte importante de contar nuestras historias de la misma manera que nuestra versatilidad. Sí, por supuesto que nos divertimos disfrutando de las habilidades para las que trabajamos duro, pero es aún más divertido crear una experiencia accesible y agradable para nuestros oyentes.
Hasta ahora, la banda ha lanzado cuatro álbumes de estudio. ¿Qué puedes contarnos sobre la historia o el concepto detrás de cada uno de ellos?
Nuestros tres primeros álbumes son una trilogía de álbumes conceptuales que incluyen personajes recurrentes y temas musicales. Nuestro cuarto álbum es también un álbum conceptual en cierto sentido, menos “…y luego fueron a este lugar e hicieron esas cosas”, con más contexto emocional que da cierta profundidad detrás de los eventos en los tres primeros álbumes. Las historias se centran principalmente en dos personajes recurrentes: la hija de un marinero convertida en psicopompo (Ne: La palabra psicopompo, de origen griego, surge de la conjunción de los términos psyche (alma) y pompós (guía), definiendo algo o alguien que posee la función de guiar las almas) cuyo objetivo original en la vida era convertirse en inmortal y ver todo lo que el mundo tenía para ofrecer, y su amigo de la infancia que dejó su pequeño pueblo para vivir una vida loca en paralelo como un bardo altamente carismático. Nuestros personajes realmente atraviesan momentos de angustia; afrontan todo, desde renacimientos forzados hasta el manejo desafortunado de enormes responsabilidades, pasando por varias muertes, entre ellas ser devorados por un kraken gigante y una transformación corporal grotesca. Grave pérdida de memoria, y sin embargo de alguna manera se encuentran en cada vida una y otra vez.
¿Cuáles son los planes de la banda para el futuro?
Muy pronto nos embarcaremos en una gira con Roy Khan por Europa y Sudamérica, ¡de hecho, será la primera vez que Seven Spires visite Sudamérica! Y también estamos en un capítulo de producción loco de nuestro quinto álbum de estudio. Pero en general: hacer música, tocar shows, con suerte crecer tanto como podamos para que podamos seguir haciendo lo que amamos al más alto nivel posible, ¡por el tiempo que sea!
Esta es su primera vez visitando América del Sur, ¿cuáles son tus expectativas, y qué esperas experimentar?
¡Estamos tan emocionados! Sudamérica es conocida por su increíble energía en los shows de metal, así que definitivamente estamos esperando eso. Será genial poder llegar finalmente a esta parte del mundo y compartir estas veladas con nuestros fans 🖤
Mi gran deseo es que tengamos un poco más de tiempo allí, para conocer las ciudades a un ritmo más lento, más allá del aeropuerto, de los lugares, ya sabes. Pero eso es solo la vida de gira a veces :).
Desde Track To Hell te recomendamos que no dejes pasar la oportunidad de disfrutar en vivo y en directo de una de las bandas más versátiles de la actualidad metalera.
La banda progresiva sueca Evergrey ha anunciado que su nuevo disco Architects of the New Wave, llegará a las tiendas el próximo 5 de junio vía Napalm Records.
Y ya se puede reservar en sus diferentes formatos y packs disponibles AQUÍ.
Para ir calentando motores de cara a este esperado lanzamiento de los suecos, la banda también ha publicado el videoclip de “The World of Fire”, uno de los singles del disco que ya podéis ver y escuchar a continuación:
Las leyendas del NYHC (siglas correspondientes a New York Hardcore, movimiento del cual la banda es pilar fundamental), Madball están muy cerca de volver a los escenarios españoles, donde una vez más los harán añicos a base de hardcore con un toque de beatdown y ese poderío que siempre han tenido y que ha servido de influencia a miles de bandas posteriores.
Gracias a HFMN Crew, podremos disfrutar de la banda en dos únicas fechas, siendo la de Valencia, la más importante al contar nada más y nada menos que con Ignite como “Very Special Guest”, en un doblete incendiario que nadie debería perderse.
Las fechas son las siguientes:
3 de Mayo – Barcelona – Razzmatazz 2 (+ La Guadaña + King of Pain + L’Irreal Omega)
5 de Mayo – Valencia – Rock City (+ Ignite + More Than Pain)
Los punk rockeros australianos Cosmic Psychos tienen todo listo para su llegada a España y por lo visto la gente está ansiosa por verlos en directo, tanto que han agotado las entradas de la sala Wurlitzer Ballroom en Madrid y parece que sucederá lo mismo en Barcelona.
Los teutones alternativos y oscuros Lord of the Lost están a escasos días de regresar a España en el marco de su nueva gira europea, donde presentarán su último disco Opvs Noir Vol.3 y lo mejor de su carrera.
Pues bien, debido a la alta demanda de entradas, la banda ha confirmado por medio de Madness Live, que el show en Madrid pasará a celebrarse en la sala Revi Live de Vicálvaro, con una capacidad que duplica el tamaño de la sala But (o La Paqui), donde inicialmente se iba a celebrar este concierto en la capital de España.
Así pues, se han habilitado un nuevo cupo de entradas para el nuevo recinto, pero siguen volando, así que corre a por la tuya AQUÍ.
Os recordamos que las fechas de LOTL en España son las siguientes:
Miguel Roldán & Luis Barni en Buenos Aires: “Santo Metal”
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Gran oferta de Heavy Metal en Buenos Aires con el doble programa de Miguel Roldán y Luis Barni, compartiendo cartel nuevamente, tal como lo hicieran a fines del año pasado también. La cita fue en el Marquee, cómodo reducto de Villa Crespo, que tuvo un gran afluente de público en una cálida noche porteña.
La velada comenzó temprano con Destripador, quinteto de heavy metal de la Zona Sur del Gran Buenos Aires. Gran labor de El Bestia Ramírez en voces, de notable versatilidad, quien también oficia de cantante en Patán. La banda se completa con Leo y Mario Rocha en guitarras alternando punteos, ambos muy bien apuntalados por la base de El Gringo Díaz en bajo y Fede Martínez en batería. Cerraron con “Misterio” de su primer disco, Desintegración.
El siguiente turno fue para Raza Fuerte, poderoso cuarteto de Rock y Metal de tradición fierrera, oriundos de Tigre, que regresaron a los escenarios después de un buen tiempo. Comenzaron el set con “No Arranca” y fueron repasando sus clásicos como la muy festejada “Cuero y Metal”; y otros temas más nuevos como “La Adivinanza Hermética”. Muy destacada labor de Pato Saucedo en voces, al frente de la banda, que se retiró con sentidos aplausos.
Cerrando el paso de las bandas soporte llegó Lázaro, quienes también cuentan con una enorme trayectoria. Algunos desperfectos de sonido demoraron un poco el set, pero no impidieron que el conjunto se luciera a base de oficio y entrega. Alternaron algunos clásicos como “Enemigo” y “Comunión”, con otras más recientes como “Encrucijada” y “Todo Terminará”, esta última cerrada con un gran coro.
Promediando su presentación hubo un medley acústico donde mecharon alguna composición propia con “Tú Eres Su Seguridad” de Hermética.
Muy buena performance de la banda que tiene a Hernán Parafioriti en voces y guitarra, Pablo Parafioriti en guitarra, Guido Fischer en batería y Javier Annikian en bajo.
Así, pasadas las 22:30, y como acto central, fue el turno de Miguel Roldán y los suyos. Dos bombas de Generación Mutante fueron las elegidas para dar comienzo al show: “Arden en el Cielo” y la genial “Muerte Sin Gloria”.
La formación ya la conocemos, totalmente afianzada ya. Fernando Vázquez en voz, de gran despliegue; Diego Mansilla en bajo apuntalando todo y German Cañete en batería que le aporta la energía propia a este conjunto. Miguel por su parte es una leyenda de enorme trayectoria en el Heavy Metal Argentino, dotado de un estilo inconfundible y con un talento único para la composición. Reconforta verlo con su guitarra roja y corroborar su vigencia.
Hubo más clásicos de Logos, como “No Te Rindas” y “Cuando Acecha la Maldad”, seguidos de “Artificial”, una de las nuevas composiciones de la banda que hace algún tiempo están presentando en vivo. El set prosiguió con canciones de diferentes épocas y bandas. “Darse Cuenta” del tercer disco de Logos, “Volveré a Empezar”, genial tema de las épocas de Cruel Adicción y “Marginado”, que no necesita presentación.
Llegó el turno de otra de las nuevas, la excelente “Nada Será Igual”, que entusiasma de cara al futuro esperando un nuevo disco de esta banda. Para el cierre se guardaron lo mejor con dos clásicos de la talla de “Ven a la Eternidad” y “Como Relámpago en la Oscuridad”. El final fue de la mano de “Esclavo de Sus Mentes”, dejando al público totalmente arriba y a la espera del último gran plato de la noche.
Es que la velada cerraba con Luis Barni, el pastor del metal. Ya pasadas las 12 ganaron el escenario con “Cielo o Infierno” para luego repasar una lista de canciones de todas las épocas.
Pasaron “Aquí Estoy”, “Llegaré” del disco Trilogía y una de las favoritas de sus seguidores, “Bueno es Saberlo”, que fue de las más coreadas.
Barni tiene una presencia notable sobre el escenario, que no requiere de grandes gestos para lograr la expresividad que lo caracteriza. Además, es acompañado por una excelente banda conformada por Ariel Bessi y Pablo Barni en guitarras; Juan Bardot en batería y Leo Molina en bajo. El repaso de canciones siguió con “Levántate y Pelea” de Guerrero, “No Escaparás” y “Que Hay Detrás”.
Es notable como Luis arenga entre canción y canción, siempre con un mensaje positivo y de aliento, que es recibido con entusiasmo por un público fiel y atento. Más canciones reforzaron la lista: “Zona de Conflicto”, “Roca de la Eternidad”, “Poderoso Gigante”, “Una Oportunidad” y “Vida Eterna”. El final llegó con el clásico “Guerrero”, dejando conformes a todos los asistentes. Luis Barni y su banda nunca defraudan y esta noche no fue la excepción.
Gran fecha de heavy metal la vivida esta noche, con bandas de trayectoria y calidad.
Por primera vez en Argentina, de la mano de HERESY METAL MEDIA, la banda estadounidense SEVEN SPIRES estarán tocando el martes 21 de abril de 2026, a partir de las 19 horas, sobre las tablas de Uniclub (Guardia Vieja 3360, C.A.B.A.). Las entradas se pueden adquirir por sistema Alpogo.
La banda se formó en 2013 en el Berklee College of Music de Boston, lo que ya de por sí da cuenta del nivel de estos músicos, por Adrienne Cowan (voces y teclados) y Jack Kosto (guitarras), a los que debemos agregar para conformar la actual formación a los señores Peter Albert de Reyna (quien se sumará casi en el arranque mismo) y Dylan Gowan (bajo y batería, respectivamente).
La agrupación se caracteriza por presentar una propuesta que combina distintos elementos propios de variados géneros del metal y más allá: conocidos por la realización de álbumes conceptuales a lo largo de cada uno de ellos encontramos elementos de metal sinfónico, power metal, death metal melódico, black metal e, incluso jazz y toques electrónicos.
Ello genera una propuesta altamente interesante lo que resalta con la versatilidad de la voz de Adrienne Cowan, mezclando estilos vocales limpios y guturales, junto a melodías melancólicas al son del jazz.
A esto debemos sumar elementos orquestales y cinematográficos que complementan cada tema y las historias que nos relatan.
La banda cuenta con cuatro lanzamientos de estudio que permiten al oyente percibir de inmediato no solo la excelsa calidad de cada uno de los músicos como instrumentista sino la conjunción de esas individualidades en una banda que te sumerge en un viaje musical de lo más variado e interesante donde el metal es el norte.
Como en otras oportunidades, la visita de los estadounidenses nos sirve de excusa para recomendarte 10 temas de SEVEN SPIRES que, a mi criterio, merecen destacarse y muestran la versatilidad musical que constituye una de las mayores virtudes de esta banda.
1- “SONGS UPON WINE-STAINED TONGUES” una canción de 7 minutos que inicia con guturales y blast beats, que se mantienen cuando Adrienne cambia a una voz limpia generando un excelente contraste entre esos blast más propios del death/black con la voz limpia que ella nos ofrece. El tema cuenta con la participación del señor Alessandro Conti (a cargo de las voces en TRICK OR TREAT y TWILIGHT FORCE). La voz de ambos da lugar a un estribillo melódico excelente. A mitad del tema aproximadamente nos encontramos con un piano y atmósfera de musical acompañando la voz limpia de ambos, para subir la intensidad desembocando en el puente-estribillo. Combina un estilo preponderantemente melódico y, en ciertos pasajes del comienzo, oscuro. (“A FORTRESS CALLED HOME”- 2024).
2- “ENCOUNTER”: una canción que mezcla riffs en sincronía con la base, melodías emanadas de la voz de Adrianne, una atmósfera operística que recorre la canción de principio a fin y un estribillo melódico que te invita a cantarlo en vivo. Un final musical soberbio. (“SOLVEIG”- 2017).
3- “THIS GOD IS DEAD”: Un inicio casi de música coral/religiosa nos introduce a uno de los temas de mayor duración de la discografía de la banda estadounidense y que cuenta con Roy Khan (ex KAMELOT y CONCEPTION) de invitado. Se convierte en una pieza de metal sinfónico/power a la cual la participación de Khan le suma su impronta vocal característica. La combinación de ambas voces es excelsa. Interesantes cambios de ritmo te sumergen en una marea de intensidades, incluida una parte nítidamente operística, a las que el retorno de la voz del señor Khan le pone una calma melódica. (“GODS OF DEBAUCHERY”- 2021).
4- “THE CABARET OF DREAMS”: inicio metalero junto a un pequeño solo para de inmediato sumergirnos en una melodía jazzera que acompaña las variantes vocales de Adrienne, sin perder la pesadez característica del metal. Es una melodía de jazz insertada en un tema de heavy metal. Una obra maestra. (“SOLVEIG”- 2017).
5- “BURY YOU”: una canción que pone de manifiesto el costado sinfónico del grupo. Es un medio tempo, con voces limpias y una melodía soberbia. (“EMERALD SEAS”- 2020).
6- “GHOST OF YESTERDAY”: un tema sinfónico, con alguna pizca de jazz, para tornarse en un tema de power metal en el estribillo. No falta una parte gutural que muestra todas las facetas de la banda. (“GODS OF DEBAUCHERY”- 2021).
7- “CLOSURE”: una melodía oriental nos introduce a una composición que presenta una variedad de estilos dentro de sus casi seis minutos de duración. Imposible de encasillar/catalogar, pero con una atmósfera de jazz que dice presente en varios momentos. Compositivamente una obra de arte. Un final a todo palo. (“SOLVEIG”- 2017).
8- “BURN”: una canción donde predomina el costado más gutural y pesado de la banda y la versatilidad vocal de ella. Pero también nos muestran un costado melódico a mitad de su duración, seguido de una parte lenta que te eriza la piel y una parte instrumental donde el jazz vuelve a estar tímidamente presente; el cambio de ritmo y velocidad es mediante la voz de ella lanzando gritos y melodías para todos lados, respaldada por el resto de los músicos, y un final instrumental nuevamente genial. (“SOLVEIG”- 2017)
9- “OCEANS OF TIME”: una combinación de power metal rápido y sinfónico; por momentos, bajan la velocidad para convertir al tema en una mezcla de jazz y metal sinfónico. Uno de los mejores estribillos powermetaleros de la banda, con tintes épicos. (“GODS OF DEBAUCHERY”- 2021)
10- “LOVE´S SOUVENIR”: para el final te dejamos una verdadera joya compositiva. Un arranque de medio tempo de puro jazz, para desencadenar en una suerte de death/black (por la intensidad musical de lo que toca la banda) cantado en parte con voz limpia y en parte gutural. También tenemos lugar para un momento coral casi operístico y un final nuevamente jazzero. Un recorrido por todas las variantes que esta banda nos puede ofrecer. (“A FORTRESS CALLED HOME”- 2024).
Bonus: también queremos destacar “ALMOSTTOWN” donde te recomendamos prestarle atención a la melodía vocal de Adrienne que acompaña el comienzo del solo de guitarra. No tiene desperdicio.
El martes 21 de abril te recomendamos asistir a un show que promete deleitarnos con la combinación de distintos géneros del metal, y más aún, sumado a una ejecución excelsa. No podes perdértelo. Nos vemos ahí.
Dicen que los viernes 13 suelen ser un día de mala suerte. Una fecha maldita, en la que hay que evitar escaleras, espejos, gatos negros y cualquier tipo de actividad o compromiso en lo posible, para prevenir catástrofes o infortunios. Afortunadamente para Vola, esta superstición no afectó en lo más mínimo su primera presentación en terreno argentino, ya que contaron con un debut impecable y a la altura de lo esperado.
Tras lograr una fama y reputación muy notoria en los últimos años dentro de la escena progresiva moderna a base de grandes trabajos, era cuestión de tiempo para que los daneses arriben en el país y tengan su bautismo de fuego frente a sus fanáticos argentinos.
Y finalmente se dio. Un viernes 13 de marzo fue la fecha prometida para que el grupo siga rompiendo horizontes y expandiendo su música a lo amplio del mundo. En esta ocasión, en Uniclub, en el epicentro porteño de la Ciudad de Buenos Aires.
Dos fueron los grupos encabezados de abrir la fecha: Carbón y Falchi. Arrancaron en primer lugar los argentinos. El grupo liderado por Pehuén “Piwi” Berdun se presentó para desplegar su robusta y moderna propuesta ante los primeros presentes de la noche. Con una base rítmica muy influenciada en Meshuggah, el trío brindó contundencia y exquisitez, encontrando un estilo en perfecta sintonía para lo que pedía la jornada.
Luego fue el turno de Falchi, el nuevo proyecto de la ex guitarrista de Nervosa. La brasilera junto con su banda se encargó de seguir dibujando la noche con notas y solos exquisitos, bajo una propuesta progresiva instrumental, más enfocada en la velocidad y técnica. Hicieron un buen trabajo de ejecución, resaltando las grandes habilidades que tiene ella en su instrumento. Captaron la atención del público con un cover “The Call Of Khulu” de Metallica y finalizaron el festival de pirotécnica acelerando el ritmo y con un enfoque mucho más “thrasher”, que les valió los aplausos de un Uniclub bastante concurrido a esas alturas.
21:30 estaba pautada la presentación de Vola aunque al final salieron unos minutos más tarde al escenario. Y la explicación creo que se puede resumir fácilmente en una palabra: iluminación. Al abrirse el telón, la gente no se encontró con la típica pantalla de fondo con el nombre de la banda o la portada de algún disco, como suele estar acostumbrada. En su lugar, un juego de luces rectangulares largas estaba cubriendo el escenario a los costados, de forma tal que construía un ambiente único para el show y adelantaban el gran protagonismo que tendrían a lo largo del mismo.
Y es que apenas se apareció la banda, estas luces no tardaron en entrar en acción y sumergir a los músicos en un agujero de oscuridad e iluminación, que estaba sincronizado con el ritmo de la música. De esta manera, entre luces y sombras empezó a sonar “I Don’t Know How We Got Here”, un tema con un inicio tranquilo y relajado, pero que poco a poco va subiendo en intensidad hasta terminar de explotar. De modo que la presentación de los daneses fue paulatina. Primero con la voz de Asger Mygind (cantante y guitarrita), luego con la aparición de Martin Werner en los teclados y Nicolai Mogensen en el bajo. Y por último, con la irrupción del sueco Adam Janzi en la batería. Todo de forma escalonada y que culminó con la entrada de la guitarra de Asger en escena. Un inicio estudiado que creó el clima perfecto para integrar al público en este viaje musical que iba a proponer el grupo.
“We Will not Disband” fue la siguiente pieza en sonar y ya empezó a marcar las pautas entre las que se movería el show: momentos calmos e hipnóticos guiados por la suave y armoniosa voz de Mygind, junto con estribillos más explosivos e intensos estelarizados por su guitarra. El músico con suma naturalidad fue desenvolviendo estas dos facetas suyas sobre el escenario, y consiguió cautivar y sorprender al espectador durante gran parte de la noche al mostrar, tanto su lado más angelical como el más agresivo. Todo esto, reforzado el juego de luces que hacía que fuera imposible no despegar la vista del escenario.
Sus compañeros tampoco se quedaron atrás y cada uno, demostró las distintas cualidades técnicas con las que cuentan en sus instrumentos. Werner y Mogensen en un plano más delicado e introspectivo, mientras que Janzi con la batería, un poco más vistoso.
Tal como se anunciaba en la gira, la banda vino para presentar los temas de su última obra Friend Of A Phantom (2024), Sin embargo, el setlist estuvo mayormente orientado en Witness (2021), con piezas como “Stone Leader Falling”, “These Black Claws” o “Head Mounted Sideways”, protagonizando la noche.
El público recibió estas interpretaciones con mucha alegría e intensidad, al punto que resultó un tanto llamativo las rondas de salto y pogo que se terminaron armando durante el recital. En especial, en composiciones dónde se aprecia la vena más Meshuggah del grupo como “Alien Shivers” o “Stray The Skies” de su debut.
Momentos de charla y conexión también hubo. Todos a cargo de Mygind que entre tema y tema, se fue soltando y mostrando mucho más expresivo de lo que se podía llegar a esperar, dada la personalidad tímida con la que cuentan la mayoría de los músicos nórdicos/escandinavos.
De esta forma, el show fue fluyendo y vibrando con naturalidad. “Bleed Out” tuvo a la gente dejando cuerpo y alma en el círculo central mientras que “Tray” nos regaló el momento más bello y emotivo de la noche, con una sala completamente a oscuras hasta la llegada del estribillo.
La actuación de los daneses concluiría “Straight Lines”, que dejó a todo el mundo extasiado por lo que se vivió. Y no es para menos. Vola no sólo dio una catedra musical desde la entrega, sino que ofreció un espectáculo visual hipnotizante con el juego de luces. Todo esto, sin presentar ningún tipo de inconveniente o desperfecto técnico. Algo para enmarcar de parte de la producción y el grupo.
Y así fue como el recital se pasó volando. Con todos los miembros de la formación brillando y demostrando porque son un estandarte dentro de la escena progresiva moderna. Una actuación admirable que con gusto, repetiría.
Agradecemos una vez más a la gente de Noiseground por la acreditación del evento y por la realización del mismo.
Leo Jiménez encabeza la primera edición del Desolation Metal Days
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La cálida y costera ciudad de Alicante se verá teñida por el poder del metal gracias a la primera edición del Desolation Metal Days, un nuevo festival que nace en dicha ciudad y que para su primera edición presenta unos nombres más que potentes, con el señor Leo Jiménez como reclamo principal.
Entre los nombres más destacados del cartel podemos destacar la presencia de Azrael, que estarán celebrando sus 35 años de carrera, los hard rockeros Jolly Joker y por supuesto la presencia metalera femenina en diferentes estilos de la mano de Bloodhunter y Hadadanza, que jugarán en casa.
Las fechas del festival serán las siguientes:
4/5/6 de Diciembre – Alicante – Sala Marearock
El resto del cartel se completa de la siguiente manera:
Los thrash metaleros norteamericanos Havok han anunciado una nueva y extensa gira europea, que los traerá a España después del verano gracias a Madness Live.
Pero por si su estridente y abrasador sonido no fuese suficiente, la banda vendrá acompañada por Blood Red Throne y desde Suiza y Suecia, respectivamente, completarán este póker fantástico de metal extremo Xonor y Eradikated, pudiendo disfrutar de todos en las siguientes fechas:
23 de Septiembre – Madrid – Revi Live (+ Blood Red Throne + Xonor + Eradikated)
24 de Septiembre – Barcelona (L’Hospitalet de Llobregat) – Salamandra (+ Blood Red Throne + Xonor + Eradikated)
Lena Scissorhands (Infected Rain): “El público metalero siente la música en un nivel diferente”
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Lena Scissorhands, cantante de los moldavos Infected Rain y una de las voces más destacadas del metal moderno, habló con Manel Medina a través de su canal Stairway To The Moshpit, sobre nuevos singles, nuevos recitales y nuevos planes.
Bienvenida, bienvenida al canal. Es un gran placer tenerte aquí de nuevo.
Muchísimas gracias, ja, ja. ¿Cómo estás hoy?
Estoy bien, muchas gracias. Cada día es muy emocionante porque nos estamos acercando a nuestro nuevo lanzamiento, a nuestra gira, y es muy divertido, así que es emocionante.
Lena, primero, buenas noticias para todos los fans de Infected Rain: vais a sacar cosas nuevas esta misma semana, el 19. Y sí, estoy muy emocionado por eso. Hablamos de eso detrás de las cámaras y el single se llama Stranger. Quería hacer dos preguntas al respecto. Primero, se trata del tema del significado de la canción, que significa mucho para mí personalmente, como dije. Y el segundo sería: ¿qué podemos esperar del single? Y yo supongo que también estáis trabajando en un álbum. Entonces, ¿cómo os sentís con el álbum? Porque creo que Time, el último, fue como un gran paso adelante para vosotros. Creo que encontrasteis el sonido de Infected Rain, pero más pulido y todo lo que sabes, a lo que me refiero, como si fuera un álbum que realmente resume lo que es Infected Rain. Así que sí, sobre el single, yo ayer publicaste una pequeña frase que era como la distancia que puedes crear desde donde estás ahora y donde crees que puedes estar. Así que sí, ¿cuál es el significado de esta frase? ¿Se trata de una cosa personal o se trata de cosas generales?
Tal como mencionaste al principio, Stranger sale el 19 de marzo, que en realidad es tres días antes. Así que, desafortunadamente, no puedo decir mucho, pero te diría algunas cosas. Estoy muy feliz de estar aquí y amo a nuestra audiencia española, y podemos lanzar un pequeño regalo para nuestra audiencia española y usar un poco el nuevo single. Se llama Stranger y escribí la letra de esta canción basada en un sentimiento personal, una lucha interna que encontré durante los últimos años. Y significa que, sabes, el tiempo pasa y cambiamos. Nunca somos la misma persona que éramos ayer. Incluso a nivel biológico, a nivel celular, somos personas diferentes. Y muy a menudo la forma en que nos vemos o el mundo cambia de un día para otro. Y no estoy hablando de cambios drásticos, pero hay cambios. Así que realmente quería escribir sobre ello y para mí es una canción muy personal, ¿verdad?
Y la frase que compartí ayer es, de hecho, hablando de la distancia que puede haber entre la realización personal de uno mismo hoy y la realización personal de la imaginación de cómo te ves a ti mismo, como si eso fuera lo mismo o completamente dos cosas diferentes. Ahora, esto puede ser, por supuesto, un tema muy profundo para horas de conversación. Siento que es muy… sabes, podemos hacer una lluvia de ideas al respecto, pero me encantaría que todos encontraran su propio significado en Stranger cuando salga Stranger y podamos hablar más al respecto. Pero en el camino de cómo decir eso, es muy personal. Y quiero decirte que he escuchado a personas que me importan en mi vida sintiéndose muy similares a esa sensación que sentí cuando tuve la necesidad de escribir sobre eso.
Un extraño sentimiento, casi como si fueras un extraño para ti mismo. No porque no te reconozcas realmente en la forma en que te ves físicamente, pero de alguna manera reconoces el interior, el interior tuyo, cuando te miras en un espejo. Es muy importante porque a menudo estamos tan acostumbrados a vivir una vida describiendo quiénes somos por fuera, pero cuando pensamos un poco más profundo, ¿somos en realidad la misma persona por fuera como lo somos por dentro? ¿Reconocemos a esta persona que vemos todos los días en el espejo o no? Es muy interesante la batalla interior, la batalla interna. Pero sí, eso es todo lo que puedo decirte, ya te dije demasiado.
Creo que es más que suficiente y realmente te lo agradezco. Creo que a los fans les va a gustar mucho, lo van a apreciar. Y sí, tenemos un single esta semana, el 19, como dijiste, y estáis trabajando en un álbum por lo que he visto en las redes sociales.
Sí, estamos trabajando en un nuevo álbum. Sin embargo, el nuevo álbum se está formando lentamente y esta vez queremos hacerlo de esa manera. No tenemos una fecha de publicación, ni época del año o incluso, ya sabes, una fecha concreta. Pero llevamos trabajando en ello durante más de un año, para ser honesta. Muchas canciones nuevas. Ya preparamos muchos videos musicales, aunque el álbum ni siquiera está completamente preparado. Nos enamoramos de cada canción en un nivel tan personal, tan profundo, que sentimos de alguna manera esta urgencia de compartir cada canción en su gran potencial, con algunas imágenes también. Así que todo lo que puedo decirte por ahora es que sí, estamos trabajando en material nuevo y va a ser increíble. Me encanta cada cosa que hemos sacado hasta ahora. Creo que es divertido, es fresco, es innovador, pero mantiene ese sonido y el nivel que tuvimos con Time, quizás aún mejor. Así que veremos.
Ahora mismo tuvimos que dejarlo a un lado porque nos estamos preparando para una gira, pero sorprenderemos a nuestra audiencia con algunas canciones nuevas en esta gira, así que estoy muy emocionada.
Está bien, eso es increíble. Cuento con Stranger, seguro.
Stranger, seguro, Stranger, seguro. Esa es una de las principales razones por las que realmente preparamos el lanzamiento justo antes de la gira. Y hay algo más.
Eso es bastante bueno. Y Lena, hablaste del tour, que estáis haciendo un tour enorme que es ya mismo. Creo que, ¿cuántos conciertos son? Vi tu publicación ayer, pero…
Estaba contándolos uno por uno porque no podía creerlo yo misma. Son 55 shows entre el Reino Unido, Europa y América del Norte, todos juntos, parte de Mutation Phase Tour, sí.
Eso es una locura. ¿Y es como dos meses o tres meses?
Algo así, tres meses, sí. Son casi tres meses. Europa y el Reino Unido tienen menos días libres y Estados Unidos tiene algún día libre más debido a la logística del transporte también. Pero sí, estaremos terminando el tour al final de la primera semana de junio, así que eso es una locura, comenzando este mes a finales de marzo.
Eso es una locura. Eso es casi un… no es un concierto por día, pero algo así, contando todos los viajes y todo lo del autobús y todo. Es increíble, Lena. Y venís a España, por supuesto, que es increíble, me encanta. ¿Qué dijiste? No he escuchado.
Barcelona y Madrid.
Sí, sí, exactamente. Creo que os he visto cuatro veces ahora: una en Resurrection Fest y tres de ellas en Barcelona. Y Lena, ¿qué es lo que dirías que te gusta de los conciertos en España y qué es lo que menos te gusta?
Lo que me encanta del público español y metaleros en general es lo locos que se vuelven. Sienten la música en un nivel diferente y la multitud es tan sensible, ¿sabes? Me encanta eso del público español.
Ahora, cuando se trata de shows individuales, no estamos hablando de grandes eventos como festivales o cualquier otro gran evento, siento que el público español está un poco más influenciado por muchos factores de la vida. Por ejemplo, hay países donde realmente no importa si tocas durante un lunes, un martes o un miércoles, y hay países donde sí importa. Así que cuando tocamos en España realmente importa qué día de la semana es para que la audiencia tenga la oportunidad de estar allí. Es comprensible, pero al mismo tiempo es muy frustrante porque no elegimos los días. Y cuando estás de gira, tocas casi todos los días sin importar qué día de la semana sea. Es trabajo para ti de todos modos.
Así que realmente queremos invitar a todos a recordar que las bandas viajan desde tan lejos para venir a ti y a veces será durante la semana, pero los shows siempre suceden por la noche y tienes tiempo para descansar antes de tu trabajo al día siguiente. Así que si realmente quieres apoyar a la banda, si realmente crees en la banda y amas su música y lo que representan, por favor apóyalos. Realmente necesitamos su apoyo en todas las formas. Cada acción, cada guardado, cada comentario, cada amigo con el que compartes la música, cada entrada… todo eso realmente puede marcar la diferencia en la carrera de la banda. Así que sí, esta sería mi respuesta para el público español, un público que es increíble.
Y podemos agregar que esta vez os tenemos en un fin de semana completo, como el sábado en Barcelona.
Así que no hay excusas, no hay excusas.
No hay excusas, estaremos allí seguro.
Sí, y chicos, tengo que ser honesta: el espectáculo y la producción de esta gira están en un nivel que nunca antes habíamos hecho. Así que incluso si alguien, como tú, ha visto Infected Rain cuatro o cinco veces, créeme, te espera un espectáculo completamente nuevo, que te impactará de manera diferente. Y tenemos sorpresas: traemos a nuestros amigos de Butcher Babies en esta gira y tocaremos The Realm of Chaos juntos en el escenario cada noche, que es una de las cosas más solicitadas. Y estamos muy emocionados de presentar también algunas canciones nuevas, junto con muchas canciones antiguas que no hemos estado tocando durante años, así que va a ser divertido.
Ok, nueva experiencia de Infected Rain, creo que eso es bastante bueno. Estaba súper feliz con los últimos shows, pero siempre estoy feliz de ver algunas diferencias y tratar de hacer cosas nuevas, como la colaboración con Heidi. Creo que será sobresaliente porque la canción es increíble y creo que…
Ella es increíble, sí. Vamos a petarlo.
Increíble, Lena. Así que quería hacer una pequeña pregunta sobre Heidi o Butcher Babies en este caso. ¿Cómo os conocisteis? ¿Os conocíais de antes o vino mientras hacíais música?
Por supuesto que sabía de Heidi antes de hacernos amigas, antes de la invitación a ser artista invitada en nuestra canción The Realm of Chaos. De hecho, la conocí en persona en 2013 cuando visitaba Estados Unidos por primera vez. Tuve la oportunidad de estar en un espectáculo donde eran invitados especiales y tuvimos un momento rápido para intercambiar un par de palabras. Recuerdo incluso darle un álbum de Infected Rain, que todavía recuerda.
Luego nos reconectamos en algún momento de 2019 y nos volvimos a ver en persona en 2020, justo antes del encierro por COVID. Estaba en NAMM, en una convención de música, y la encontré accidentalmente. Hablamos de nuevo, estábamos súper felices de vernos, éramos conscientes la una de la otra y del crecimiento de ambas bandas.
Ella mencionó que estaba pensando en mudarse a Las Vegas, lo cual fue increíble. Terminó mudándose no muy lejos de mí, nos hicimos súper amigas y el COVID nos juntó porque ninguna tenía shows. Hicimos muchas ideas juntas y descubrimos cuánto teníamos en común. Así es como nuestra amistad se hizo más fuerte. Y cuando surgió la idea de hacer una canción juntas, ella aceptó completamente. Incluso tuve la oportunidad de grabarla, así que fui como ingeniera de sonido para esa canción.
Jaja, ok, muy divertido.
Y creo que Heidi tiene una presencia increíble en la industria del metal. Es muy talentosa y estoy muy orgullosa de sus logros como música, como mujer, como ser humano y como artista trabajadora. Estoy muy feliz de que vayamos de gira juntas nuevamente, esta vez en Europa. La primera vez fue en Estados Unidos. Y sí, interpretar The Realm of Chaos en vivo juntas solo ha pasado dos veces hasta ahora, así que esto es súper interesante.
De hecho, me gustan mucho. Los he visto dos veces, creo, y traen esa energía loca.
Mira su nueva canción, es realmente buena.
¡Lo hice! De hecho, sí, quiero decir, tengo incluso la camiseta de Butcher Babies, así que sí, genial.
Eres un verdadero fan, muchas gracias, realmente significa mucho.
Tercera visita consecutiva en menos de tres años de los de Seattle a la sala Upload, con otro lleno prácticamente absoluto, a pesar de estar en plena Semana Santa, y de no tener aun en la calle su nuevo álbum Thunder in the Ozarks, ocho años después de Hellbender. Pero antes de entrar en combustión con los norteamericanos, asistimos a la puesta de largo de Crú, y ver a unos renovados Reanimators, anteriormente conocidos como Resonators.
Pues con puntualidad absoluto, como de costumbre en los bolos organizados por HMFN, el trio de Blanes Crú, no confundir con la banda hardcore de Vilafranca del Penedès de mismo nombre, y que finalizó su corta andadura en 2014. Pero, los de la Costa Brava vieron marcado su set de treinta minutos por las idas y venidas de su bajista, y afamado productor, Sue Gere, entrando y saliendo del escenario por constantes problemas con la conexión de su instrumento y el amplificador, llegando incluso a utilizar durante algún tema el bajo de Adri Reanimators, así que parte del bolo fue en formato dúo en varios momentos, y en todo el corte “Societat”, y es de lo contrario, poco habríamos visto y oído de su prometedora propuesta musical.
Basaron su repertorio en su álbum homónimo, del que cayeron las diez piezas de carne cruda y salvaje que lo componen, además de otros cortes como “Bruixa”, “Com Tu Vas Ser”, o la versión del “We Are 138” de Misfits, que fue de las menos rápidas, al igual que “Acid” que suena bastante a Sabbath. El resto es pura velocidad, estilo Motörhead, y casi tan veloces como los anfitriones Zeke, o los catalanes Mean Machine, otros putos maquinas influenciados, tanto por el trio inglés, como por los de Seattle.
Bajamos de intensidad con este combo punk barcelonés llamado ahora Reanimators, continuando la estela y la estética de Los Resonators, de los que recuperan las piezas “Interceptor V8”, toda una alegoría al filme Mad Max, o el cover de los Dead Kennedy’s en castellano, “Vacaciones en Camboya” que fueron las elegidas para cerrar su particular show cabaret punk.
Lo que más sorprende del quinteto es su provocativa puesta en escena con sus pinturas de guerra, su vocalista D. Rockatansky maquillado hasta las cejas, y un guitarra solista que se queda completamente desnudo al segundo tema, al estilo de Nick Oliveri y HeWhoCannotBeNamed de los Dwarves, cubriendo sus partes pudientes con su instrumento musical. Recuerdan bastante a bandas como Turbonegro, o a nuestros amigos de Ratpenat, tanto en lo musical, como por la poca ropa que suele llevar Miki en sus directos.
Como pequeña gran diferencia a su anterior formación, los Reanimators se han pasado al catalán en sus nuevas composiciones, y como lengua vehicular, aunque cambio incompresible al castellano cuando su front man se dirigió al numeroso público presente, para presentarnos piezas de su disco EP debut de 2024 como, por ejemplo, “Crits a la Nit”, “La Púrria”,”45 RPM”, “Dia de Fúria”, o el que le da título, “Extermini”. Pues extasiadas, y anonadados nos dejaron.
Zeke repetían una vez más en esta misma sala situada en la montaña de Montjüic, esta vez con quizás algunos fans más que en su anterior visita hace año y medio, a pesar de ser en divendres sant/viernes santo, y con la novedad del retorno a la posición de bajista del High on Fire, Jeff Matz.
Iniciaron su desenfrenada carrera a mil por hora con la habitual “Highway Star”, bajando revoluciones con “Chiva Knivel”, para volver de nuevo a la autopista con “Two Lane Blacktop”. Arriba esos cuernos para atacar con “Raped”, enlazada a “Twisted”, “Fuck All Night” y esa corta carrera “Flat Track”, que incluyó sus pogos en la pista, y hasta un stage diving, y es que no se si deliberadamente, la banda ocupaba el centro izquierda del escenario, dejando el lado derecho para que Blind Marky Felchtone se moviera de la parte central donde se situaba el pie de micro hacia esa banda que da por una parte a los camerinos, y por la otra, a unas escaleras que dan acceso a la pista, hecho que provocaba que Hiatt y Matz estuvieran demasiado pegados el uno al otro.
Mantuvieron el ritmo trepidante con “Runnin’ Shine”, y presentaron “Nitro Knights”, que supongo será una de las canciones que componen su esperado nuevo LP, del que puede que también clavaran una reiterativa “The Knife”. Otra de las espidicas es “Redline”, seguida por una versión extendida de “Mainline”, “Galaxy 500”, la rompedora “Mountain Man” con Donny Paycheck ya sin camiseta, la sincopada “Arkansas Man”, o “Chinatown”, la única que quemaron de su ‘Til The Livin’ End (2004).
Más leña al fuego para “Mistery Train” con levantamiento de guitarras en plan, los tres mosqueteros, hecho que se repite a lo largo de los sesenta minutos en vivo. Llega una de los covers que tienen de Kiss, un “Shout It Out Loud” debidamente acelerada, y que ya interpretaron en su última visita. Perseguida por un “All The Way” a toda castaña, al igual que “Live Wire”, para terminar de rodillas en “Death Alley”.
Tras una vorágine de temas ultra rápidos para el que pidieron algún que otro circle pit, cambio de marcha con la bailable “Zeke You”. Desaparecerían de escena, no sin antes enseñarnos Matz su peludo trasero, momento de impasse que aprovecharía un espontaneo para agarrar el micro, debidamente apagado, aunque siguió, y le costó bastante abandonar la tarima.
A los dos minutos, el cuarteto sale del garaje con Donny animando al personal entonando, y repitiendo el nombre de la banda, Zeke, Zeke, Zeke … (debidamente pronunciado zik), que es lógicamente coreado por una discoteca prácticamente llena. Se acercaron a la recta de meta con “Lawson”, “Daytona”, “Let´s Get Drugs”, esas de las que Marky reniega, y banderazo triunfal con “Evil Dead”.
Pues eso, gran ambiente, sonido mejorable, momentos divertidos, como el empujón que le tuvo que dar Marky a Hiatt durante uno de los bises, mandándolo hacia su micrófono para que ayudara en los coros. Y creo que ya está, fue como suelen ser los directos de estos locos apasionados del motor, una desenfrenada sesión de rock’n’roll grasiento, y vertiginoso, rodando fuera de control.
At The Gates recurre a la animación para “The Dissonant Void”
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La legendaria formación sueca At The Gates, ha publicado el clip animado de “The Dissonant Void”, uno de los temas extraídos de The Ghost of a Future Dead, el último trabajo de la banda que es muy especial ya que contiene canciones inéditas con Tomas Lindberg, su malogrado vocalista, quien falleció el año pasado, dejando un dolor enorme entre la comunidad metalera y sus allegados más cercanos.
01. The Fever Mask (03:12) 02. The Dissonant Void (02:47) 03. Det Oerhörda (03:35) 04. A Ritual Of Waste (03:35) 05. In Dark Distortion (03:50) 06. Of Interstellar Death (03:45) 07. Tomb Of Heaven (03:53) 08. Parasitical Hive (04:34) 09. The Unfathomable (04:07) 10. The Phantom Gospel (02:44) 11. Förgängligheten (02:41) 12. Black Hole Emission (03:39)
Party Cannon saca nuevo disco y sus fans pueden estar de enhorabuena porque entrega justamente lo que uno espera de ellos: distorsión, batería frenética, chistes gruesos, gore y una cantidad significativamente mayor de pig squeals y sonidos de drenaje que palabras propiamente dichas.
La banda ya ha advertido en diversas ocasiones que escucharles hará que se reduzca nuestro coeficiente intelectual, algo que les valdrá la pena a todos aquellos a quienes les guste gente como Gutalax, Internal Bleeding, Sanguisugabogg y todo este fantástico y loco mundo de deathgrind/slam/deathcore satírico.
Y es que aunque todo parezca caos y entropía, saben muy bien lo que hacen. Procedentes de Escocia, llevan más de quince años dando tumbos por el mundo, comenzando en el underground y la autoedición para crecer poco a poco y siendo este “Subjected to A Partying” su novena grabación, esta vez con la californiana Unique Leader Records.
Con una irreverente portada estilo cómic y la presencia inestimable de su mascota, Skeleton man (cabeza gigante de esqueleto, cuerpo de señor a menudo sin camiseta), su mensaje está más que claro: o estás a tope con nosotros o mejor ni te acerques.
El álbum se compone en realidad de tres partes y viene además especiado con varios insertos de audio muy cachondos:
La primera parte agrupa sus cuatro singles con videoclip, todos ellos con cierto rollo retro con grano en la imagen. De estos, tres se centran en celebrar los directos de la banda, intercalando otras imágenes más cinematográficas… pero el restante llama especialmente mi atención, por ser el más elaborado y, en mi opinión, la canción más animada y memorable del disco: estoy hablando por supuesto de “Thirst trap”, cuyo videoclip dirige Calum McMillan y que contiene una abrumadora cantidad de productos lácteos. También quisiera destacar “Improper Use of a Speculum”, que comienza con un largo grito de guerra y cuyas letras son, bueno… digamos que “profundamente interesantes”.
La segunda parte ofrece tres canciones remix que hacen parodia precisamente del propio hecho de remezclar canciones, sea en lo techno o en lo orquestal (“High Tariff Overture – Ritual Remix” explora largamente esto último).
Finalmente tenemos tres directos: los dos primeros proceden de su actuación en Glasgow de 2025, como teloneros de Nekrogoblikon, a los cuales agradecen efusivamente la oportunidad en el audio. La última pista, que también podemos disfrutar en vídeo oficial, es una grabación de su participación el mismo año en el festival Obscene Extreme con la canción “Human Slime”, durante la cual ponen al público a hacer flexiones y desatan un torbellino de anarquía en el que no podían faltar disfraces, colchonetas hinchables, volteretas, más público subido al escenario que abajo y desde luego hombres sudorosos totalmente desnudos. Lo que ellos probablemente llaman “un martes cualquiera”.
Arima, el proyecto musical de la artista vizcaína Paule Bilbao, nació en 2018 como un espacio de exploración íntima entre la melancolía y el ruido. Desde entonces, su trayectoria ha sido una constante mutación sonora: de los paisajes etéreos del shoegaze y el post-rock atmosférico hacia una propuesta cada vez más cruda, eléctrica y visceral, donde conviven el noise, el ambient y la intensidad emocional del rock alternativo.
La velada unió la propuesta de Paule Bilbao, caracterizada por su evolución hacia un sonido más visceral y ruidista, con las texturas experimentales y ambientales de la productora catalana Nara is Neus. en completa oscuridad y humo ante lo cual era imposible hacer fotografías.
La actuación de Arima en sábado santose abre con Hegazina (intro). En la más absoluta oscuridad, comienzan a emerger las siluetas de los cuatro músicos, uno a uno, como figuras espectrales surgidas de un paisaje industrial que evoca el puerto de Bilbao. Desde ese primer instante, el ambiente queda suspendido en una tensión casi cinematográfica.
El directo de Arima se sostiene sobre una imponente “pared de sonido”, pero es en los matices donde realmente se revela su riqueza. La llamada “silueta sonora” de Paule Bilbao se construye en tiempo real a través de sus continuos cambios de guitarra —alternando entre Fender y Gibson—, generando variaciones tímbricas que van desde la transparencia cristalina hasta una densidad rugosa y casi cortante. Este diálogo entre instrumentos no es accesorio: define el pulso emocional de cada tema.
A su alrededor, la banda opera como un organismo compacto. Josu Palacios refuerza y expande las capas de guitarra, aportando cuerpo y profundidad; Josu González sostiene el armazón con un bajo firme, a menudo protagonista en los momentos de mayor tensión; y Gontzal Bilbao articula el conjunto con una batería precisa pero expresiva, capaz de transitar de la contención al estallido con naturalidad.
Las canciones evolucionan desde arpegios limpios y atmósferas envolventes hacia explosiones de distorsión y fuzz, con un uso expresivo del trémolo que intensifica la sensación de oleaje emocional. En este contexto, la voz de Paule no se impone, sino que se diluye y se integra como una capa más, envuelta en reverberación, reforzando la dimensión onírica del conjunto.
Kale grisak marca uno de los primeros picos de intensidad: aquí, el peso del bajo y la batería resulta decisivo, empujando el tema hacia territorios más cercanos al post-punk. En Kea eta larruak, las guitarras —especialmente en sus registros más saturados— construyen una masa sonora densa y envolvente, una auténtica humareda que envuelve al público.
Los temas de su etapa más reciente —Orbainak, Ispilua, Isurkari— profundizan en una oscuridad más introspectiva. En directo, se expanden mediante largos pasajes instrumentales donde la banda demuestra su capacidad para sostener la tensión sin perder cohesión, generando una experiencia casi hipnótica.
El contraste llega con Non zaude y Jantzia, donde aflora su vertiente más melódica. Aquí, los cambios de guitarra de Paule se vuelven especialmente significativos, marcando la transición hacia un sonido más abierto y emocional, mientras la base rítmica se relaja para dejar respirar las canciones.
Uno de los momentos más inesperados de la noche ocurre durante Zarata: el batería pierde el ride en pleno desarrollo del tema, generando una breve situación de tensión que, sin embargo, no rompe la dinámica del concierto. La rápida intervención de quien escribe permite estabilizar el pedestal y mantener intacta la intensidad, evidenciando la solidez del conjunto incluso en la contingencia.
El cierre llega con Aztarnak (outro). Paule, arrodillada junto al guitarrista, manipula los efectos en un final donde el sonido se descompone en capas y resonancias. Es un momento en el que la “silueta sonora” alcanza su máxima expresión: las guitarras dejan de ser instrumentos reconocibles para convertirse en pura textura. El eco se prolonga, suspendido, mucho después del último gesto.
Arima no solo presenta canciones en directo: construye un lenguaje sonoro colectivo donde cada integrante resulta imprescindible. La interacción entre los músicos, sumada al trabajo tímbrico de Paule Bilbao —especialmente a través de sus cambios de guitarra—, convierte el concierto en una experiencia física, envolvente y profundamente emocional.
Con Ez dago amor, el proyecto da un paso firme hacia una identidad más arriesgada, consolidándose como una de las propuestas más inquietas y coherentes de la escena alternativa.
5 motivos para no perderte a Dream Theater en Buenos Aires
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Últimamente los icónicos maestros del Metal Progresivo están pasando de forma muy constante por Argentina. Tras su paso en diciembre del 2024, en esta oportunidad Dream Theater vuelve al país para presentarse en el Movistar Arena el próximo 24 de abril, en el marco de su gira An Evening With Dream Theater para continuar con los festejos por los 40 años de carrera. Sin embargo, fiel a su estilo, la banda contará con algunas particularidades que convertirán este show, en una experiencia única e imperdible para sus fans.
Desde Track To Hell, te venimos a contar cuáles son.
1 — Parasomnia al completo
El principal motivo que los trae de regreso: su nueva obra, Parasomnia. Lanzado en febrero 2025, este trabajo fue uno de los acontecimientos más relevantes del año pasado debido a que marcó el regreso del emblemático batero, Mike Portnoy, a la banda. Con una propuesta conceptual centrada en los trastornos del sueño, el álbum trajo de vuelta la vena más oscura y pesada del grupo, combinada con su característica destreza y elegancia.
Como parte de la promoción, el conjunto neoyorkino ha anunciado que va a interpretar por completo y de forma íntegra, este último lanzamiento. Por lo que la gente podrá disfrutar del estreno en vivo de todas las piezas de la obra en suelo argentino (por excepción de “Night Terror” que ya la habían tocado en su última visita). Un hecho que sólo se dará por esta ocasión.
2 — Una alineación consolidada
Tal como mencionamos, la banda ya cuenta nuevamente con su fundador, Mike Portnoy en sus filas. Tras 15 años de ausencia, el talentoso y estelar batero regresó consolidando la alineación clásica del grupo, que tiene a James LaBrie en las voces, a Jordan Rudess en los teclados, al discreto pero siempre habilidoso John Myung en el bajo, y al líder de la manada, John Petrucci a cargo de las seis cuerdas.
Un elenco de gran nivel y virtuosismo, que viene al país a demostrar porque son considerados los maestros del progresivo.
3 — Un viaje en el tiempo con A Change Of Seasons
Para continuar remarcando las joyas que van a aparecer en setlist, además de los habituales clásicos de siempre y la interpretación al completo de Parasomnia, este show contará con la particularidad de presentar en vivo la pieza “A Change Of Seasons”, de su EP homónimo de 1994.
Sacada del baúl de los recuerdos, la célebre suite de 23 minutos viene siendo uno de los principales atractivos de esta gira, debido a su enorme complejidad técnica y porque no la tocaban en su totalidad desde 2004. De modo que esta será la primera ocasión que la banda la interpretará de principio a fin, en el país.
La entrega y profesionalismo de Dream Theater se ve reflejada en su desempeño en el escenario. Que no sólo incluye una gran performance de sus composiciones, sino de un repertorio variado y extenso. Y esta presentación, no es la excepción.
Los 71 minutos íntegros de Parasomnia junto con los 23 de A Change Of Seasons ya nos da una duración de show de casi 2 horas. Si a eso le sumamos algunos hits que no pueden faltar nunca en vivo, tenemos como garantía mínima un espectáculo que va a rondar las 3 horas. Algo habitual en Dream Theater, pero muy poco en los recitales que vienen cayendo en el país.
5 — El Movistar Arena y una segunda casa para la banda
Desde su vuelta al país luego de la pandemia, Petrucci y compañía se han instalado siempre en el Movistar Arena, siendo esta presentación la tercera en este sitio, desplazando a su histórica casa en el país que había sido el Luna Park.
Con una capacidad para más de 10.000 personas, el Movistar cuenta con las pantallas y disposiciones técnicas para que la banda pueda llevar adelante sus shows y también, con una acústica que permite apreciar con mayor claridad y nitidez, la música de los estadounidenses. Un recinto dónde sin duda, el grupo ya se siente cómodo y lo considera una garantía para sus espectáculos.
Swallow The Sun anuncia gira por México junto a Evercloud
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Como parte de su gira latinoamericana titulada “Shining Over Latin America”, Swallow The Sun, la consagrada banda de doom/death finlandesa liderada por Juha Raivio en el año 2000, ofrecerá cinco fechas en la república mexicana acompañados de Evercloud, una de las bandas exponentes del mismo género más reconocidas del país.
La gira que arrancará el mes de agosto en Sao Paulo, Brasil, llegará a tierras aztecas a partir del día 19 y visitará las ciudades de Guadalajara, Monterrey (08/20), San Luis Potosí (08/21), Chihuahua (08/22) y Ciudad de México (08/23), misma que también visitará Buenos Aires, Argentina (08/13), Santiago de Chile (08/14), Bogotá, Colombia (08/19) y San Salvador, El Salvador (08/18).
Probando ser uno de los anuncios más nostálgicos del año, también debido a la participación de la banda mexicana, originaria de Guadalajara y formada en 2021, esta combinación de brutalidad y depresión queda perfecta para todxs lxs amantes de la música melancólica.
Los boletos para estos eventos auspiciados por La Cafeína se encuentran ya a la venta a través de la boletera Enter Live.
La banda de metal moderno Cyhra ha confirmado la salida de su segundo trabajo discográfico Requiem for a Pipe Dream, el cual podremos escuchar completo a partir del próximo 5 de junio a través de Reigning Phoenix Music.
Damnation Festival 2026 revela a sus headliners y apunta al sold out
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El Damnation Festival 2026 sigue elevando la expectación en torno a su próxima edición con el anuncio de sus cabezas de cartel, confirmando un lineup que apunta directamente a ser el más ambicioso en la historia del festival. La cita, que tendrá lugar en el BEC Arena de Manchester, ya había generado un enorme interés tras sus primeros anuncios, pero la revelación de los nombres principales consolida definitivamente esta edición como una de las más potentes del circuito europeo. Con más de la mitad de las entradas ya vendidas, todo indica que Damnation está en camino de batir su récord y alcanzar el sold out antes que nunca.
Encabezando la jornada del sábado para Damnation Festival estarán Cult Of Luna, una de las bandas más influyentes del post-metal contemporáneo. Los suecos son conocidos por sus composiciones extensas, densas y emocionales, donde la intensidad sonora se combina con pasajes atmosféricos que construyen experiencias envolventes en directo. Su presencia como cierre del sábado garantiza un final épico y cargado de matices. Por su parte, el domingo quedará en manos de Satyricon, leyendas del black metal noruego, quienes ofrecerán una actuación exclusiva en el Reino Unido, un detalle que añade aún más peso a su participación. Con una carrera que ha evolucionado desde el black metal más crudo hacia propuestas más amplias y sofisticadas, su show promete ser uno de los momentos clave del fin de semana.
A estos nombres se suma un bloque de enorme calibre dentro del cartel principal. Carcass, iconos del death metal británico, aportarán su legado y precisión quirúrgica en directo, mientras que los franceses Igorrr llevarán su inconfundible mezcla de metal extremo, electrónica y música barroca, consolidándose como una de las propuestas más originales del festival. Desde Estados Unidos, Crowbar representarán el peso del sludge metal con riffs aplastantes y una trayectoria marcada por la consistencia, y los suizos Triptykon, liderados por Tom G. Warrior, aportarán su enfoque oscuro y atmosférico del metal extremo. En conjunto, estas incorporaciones refuerzan lo que ya se perfila como el cartel más impresionante en la historia de Damnation Festival.
El organizador del festival, Gavin McInally, se mostró contundente respecto a este anuncio:
“Prometimos a quienes compraron entradas y nos apoyaron desde el principio que recompensaríamos esa confianza con el mejor cartel que pudiéramos reunir. Promesas hechas. Promesas cumplidas. Todas estas seis bandas podrían encabezar Damnation sin que nadie se sorprendiera, así que tenerlas a todas el mismo año es una locura, y más aún junto a nombres como Health, Eyehategod y Wolves In The Throne Room. Increíblemente, todavía tenemos otras 19 bandas por anunciar y también son auténticas joyas.”
Además, añadió un mensaje directo a los fans:
“Si hay algo de justicia en nuestra escena musical, Damnation se agotará hoy mismo, así que coged el móvil, avisad a vuestros amigos y aseguraos de que nadie se pierda el fin de semana de metal del año.”
Con un cartel ya impresionante y 19 bandas aún por anunciar, Damnation Festival 2026 se perfila como una edición histórica. La combinación de leyendas consolidadas, propuestas innovadoras y actuaciones exclusivas refuerza su posición como uno de los festivales más importantes del Reino Unido. Si no quieres quedarte fuera de lo que promete ser el evento metalero del año, este es el momento: consigue tus entradas aquí.
Otro mes que se va y deja atrás grandes nuevos lanzamientos. Algunos discos muy esperados por lo que significan ciertas bandas y por otro lado grandes sorpresas de bandas que hemos escuchado por primera vez. El staff de Track To Hell como siempre, se mantuvo al tanto de la actualidad y aquí nos deja sus recomendaciones del mes.
1) Erra – Silence Outlives The Earth
No soy un fan acerrimo del metalcore o metal moderno (como gusten llamarle). Sin embargo, como no me gustan los prejuicios me dedica a escuchar a cualquier banda que de alguna manera pueda atraparme (la portada de un disco, un single, etc). Hay bandas y discos de metalcore que realmente logran destructurar hasta al metalero más conservador habido y por haber. Erra con este discazo es el claro ejemplo de lo que digo. Excelentisima producción de principio a fin.
Un gran disco el que acaba de sacar Zakk Wylde con su banda. Nada del otro mundo respecto de su carrera, puesto que el reconocido guitarrista no busca reinventarse, sino seguir haciendo lo que más le gusta, siempre de la mejor manera posible. Lo tiene todo. Un disco con muchos matices. Matices que logran una escucha entretenida. Con canciones pesadas al fiel estilo californiano, baladas y hasta un gran homenaje a Ozzy Osbourne.
La verdad que nunca le habia prestado tanta atención como ahora a estos tunecinos. Los tenía apenas escuchado porque alguna vez hice una investigación de las diferentes bandas metaleras del mundo y su folclore. Un discazo de principio a fin.
1) Midnatt – Skräckfylld Förtjusning,
Si buscás algo con sabor a metal clásico, tenés que darle una oportunidad a Midnatt. Su debut, es un viaje directo a la Suecia de los ochenta. Lo que más me gusta es que suena real, sin trucos de estudio modernos; es puro Heavy Metal analógico y crudo.
Al estar cantado en sueco, tiene una mística especial que encaja perfecto con esos riffs oscuros y melódicos. Es un disco con mucha actitud, ideal para quienes extrañan el sonido de bandas como Heavy Load. Si te va el metal auténtico y sin filtros, este trabajo te va a encantar.
2) Lamb of God – Into Oblivion
Lo nuevo de Lamb of God es una clase magistral de Groove Metal que no deberías dejar pasar. El disco mantiene esa agresividad técnica que los hizo grandes, pero se nota una madurez increíble en las composiciones. La batería de Art Cruz es una locura y Randy Blythe sigue sonando tan visceral como siempre, escupiendo letras con mucho peso social.
Es un álbum que logra ser pesado y oscuro, pero con un gancho que te mantiene enganchado de principio a fin. Si buscás algo potente para sacudir la cabeza con clase, este es definitivamente el disco indicado.
Si te gusta el caos visual y sonoro, tenés que escuchar lo nuevo del tío Rob. Es un disco que mantiene su estilo de Industrial Metal pero con un toque mucho más psicodélico y experimental.
Lo que me llamó la atención es cómo logra mezclar riffs pesados con samples de películas de terror y ritmos electrónicos que te hacen mover la cabeza sin querer. Es una experiencia inmersiva, ideal para quienes buscan algo que rompa la estructura clásica del metal.
Si querés algo divertido, oscuro y con mucha personalidad, dale una vuelta a este álbum.
Es un disco intenso y fiel a su identidad, aunque no alcanza el nivel de sus obras clásicas. Desde el inicio, destaca su energía visceral, riffs contundentes y la voz de Randy Blythe, que combina agresividad con crítica social. Canciones como “Parasocial Christ” y “Sepsis” reflejan una mirada actual sobre la era digital y mantienen el peso característico de la banda. También hay espacio para lo emocional en “El Vacío”, mostrando una faceta más introspectiva.
En lo instrumental, se resalta el trabajo sólido de la banda, especialmente en guitarras y bajo. La batería de Art Cruz cumple, aunque se menciona cierta nostalgia por el estilo de Chris Adler. En conjunto, el álbum no es revolucionario, pero sí potente, honesto y capaz de reafirmar a la banda como referente del metal moderno.
Es un álbum que consolida su evolución dentro del metalcore progresivo, combinando técnica, melodía y una atmósfera cohesiva. A dos años de CURE, la banda retoma elementos clave de su identidad con una ejecución más pulida. Los adelantos “gore of being” y “echo sonata” reflejan este equilibrio entre complejidad técnica y sensibilidad melódica, destacando el contraste vocal entre JT Cavey y Jesse Cash.
El disco alterna momentos accesibles y pasajes más intensos, como en “stelliform” y “further eden”, mientras que temas como “black cloud” exploran un enfoque más melódico. En contraste, “cicada siren” aporta peso y precisión rítmica. La segunda mitad refuerza la cohesión con composiciones introspectivas y dinámicas. El cierre, dividido en tres partes, expande el alcance del álbum con una mezcla de agresividad, progresión y variedad estructural, reafirmando la madurez del grupo.
Loss de Gaerea reafirma su crecimiento tras Limbo y Mirage, manteniendo una combinación efectiva de agresividad y melodía con una producción sólida. A lo largo de sus 45 minutos, el disco alterna entre atmósferas tensas y explosiones de intensidad en temas como “Luminary”, “Submerged” y “Hellbound”, mientras que canciones como “Phoenix” y “Cyclone” aportan un enfoque más melódico. La batería destaca constantemente por su potencia, y el cierre con “Stardust” suma un matiz más emocional y extenso que equilibra el conjunto.
Sin embargo, también se percibe un cambio claro en la identidad de la banda: dejan atrás parte de ese post-black elegante y atmosférico que los distinguía para acercarse a un metalcore moderno muy bien ejecutado, pero más genérico en comparación. Aunque el resultado es contundente y accesible, puede generar cierta división entre quienes valoraban más su faceta original y quienes conectan con esta evolución más directa y estructurada.
1) Hellripper – Coronach
En un año dónde el Thrash viene pasando muy desapercibido, sin tantos lanzamientos rutilantes, Hellripper se encarga de poner nuevamente al género en lo más alto, tal como viene haciendo en los últimos años. Y es que desde sus comienzos, que este proyecto individual liderado por James McBain viene haciendo ruido y destacando en cada lanzamiento.
Sin embargo, en esta oportunidad estamos en condiciones de afirmar que el inglés sacó su trabajo más completo hasta la fecha. Con un gran despliegue rítmico, una fusión equilibrada entre melodía y agresividad, junto con una producción orgánica que recuerda a nombres como Celtic Frost o Sabbat, el presente Coronach se erige como una gema perdida en el tiempo, para los fanáticos del Black/Thrash/Speed más oscuro y devastador. Sin pretensiones ni búsquedas raras, Hellripper nos demuestra que la clave está en entender tu estilo, y ser lo más fiel y natural a él. Para lo mejor del año.
2) Myrath – Wilderness Of Mirrors
Entrando por la ventana de marzo y salvando el mes tenemos el nuevo trabajo de Myrath. La banda proveniente de Túnez volvió a la acción y en esta séptima placa nos regaló una nueva dosis de Power Metal Progresivo con pinceladas árabes que realzan este estilo que ellos practican y autodefinen como Metal Oriental.
A diferencia de sus obras anteriores, acá hay un enfoque mucho más marcado en la construcción de pasajes y atmosferas arábigas, con cierto toque dramático. Como si de una obra de teatro se tratase, el disco es un sube y baja emotivo, donde los versos se desarrollan con calma y armonía para luego desatar todo el torbellino de epicidad y grandeza en el estribillo. Con grandes arreglos orquestales, el disco consigue su función de llevar al oyente en un viaje por la alfombra mágica, a un mundo lleno de aventura y fantasía.
3)Neurosis — An Undying Love For A Burning World
El nuevo disco de Neurosis es como ese regalo inesperado que tu tío te daba en navidad, que generalmente resultaba ser una remera linda de marca para poder ir a cumpleaños o salir a pasear al shopping con tu familia. Un regalo que no te esperabas para nada pero que terminas usando y disfrutando en tu día a día. De esa forma se siente esta nueva obra de los estadounidenses que cayó prácticamente del cielo, ya que se dio en un contexto de nula comunicación, sin ningún tipo de aviso ni anuncio.
Y es que más allá de lo repentina que fue la aparición de este trabajo, el otro punto sorpresivo de este lanzamiento es que se dio sin su líder, Scott Kelly, tras su polémica salida hace unos 4 años. Sin embargo, Neurosis encontró una buena razón para seguir adelante bajo la tutela de Aaron Turner, uno de sus mejores alumnos tras lo hecho en Isis.
El resultado? Un viaje pantanoso y apocalíptico de una hora en las que los riffs te absorben y hunden lentamente en la podredumbre y pesadez de su propuesta. Una sólida combinación de Sludge Metal con pasajes Doom junto con otros más ásperos propios del Hardcore. Un ejercicio exigente pero competente. Al más fiel estilo de Neurosis.
Tras la salida de Zetro Souza y el regreso de Rob Dukes a las voces, Exodus editan un álbum que se podría calificar fácilmente de “hecho en piloto automático”. Y sí, es innegable que este Goliath por momentos se puede sentir como hecho a media máquina, o al menos un par de escalones por debajo del nivel más que decente que venían mostrando en la última década. Pero tampoco voy a negar que tiene sus momentos muy entretenidos y varios riffs como para tararear y sacar el hambre de escuchar thrash clásico.
Tras una década del anterior Reach, Tyketto vuelven a las andadas con otra selección de canciones de hard rock radial. Danny Vaughn sigue manteniendo el nivel detrás del micrófono y las canciones dan ganas de ponerse el fijador en el pelo y pretender que Nirvana nunca editó Nevermind. Nada novedoso, nada que rompa los esquemas, nada experimental ni esas cosas: las canciones siguen el manual y no tengo problema con eso.
3) Lost Society – Hell Is A State of Mind
De fundamentalistas del revival del thrash metal de chaleco de parches y jeans rotos a metaleros alternativos de uñas pintadas y estribillos melódicos, los finlandeses Lost Society han dado unos volantazos en su carrera que no se habrían visto ni en el episodio más movido de Meteoro. No puedo decir que haya sido fan de sus discos post pandemia o que siquiera sea “fan” de esta sexta entrega en su discografía, pero creo que acá han logrado hacer un álbum que pueda escuchar de principio a fin sin preguntarme qué diablos estoy escuchando. ¿Tal vez el balance adecuado?
Empire of Disease – While Everything Collapses (2026)
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Hay bandas que te entran por curiosidad y otras que te golpean en directo y ya no las sueltas. A Empire of Disease los tenía en el radar desde hacía un tiempo, pero fue en el Resurrection Fest 2025 cuando realmente me hicieron girar la cabeza y prestar atención de verdad. Allí no hubo filtros ni segundas oportunidades: lo suyo fue impacto inmediato, actitud y una descarga que se quedaba contigo horas después. Lo que traen ahora con While Everything Collapses no es casualidad ni un paso más sin intención: es la confirmación de una banda que sabe muy bien a lo que juega, que tiene claro su sonido y que no pierde el tiempo en rodeos innecesarios.
Desde el arranque con “The Beast Inside Me” esto va directo al cuello, sin aviso y sin concesiones. Riffs afilados que cortan en seco, un bajo que no se esconde en ningún momento y una sensación constante de empuje hacia adelante que no da tregua. “Depravity” aprieta aún más con ese punto melódico que engancha sin suavizar el golpe, dejando un solo que se queda dando vueltas, mientras que “No Risk, No Glory” baja ligeramente la velocidad pero mantiene la tensión con una mala leche muy bien medida. Aquí no hay postureo ni relleno: todo está calculado para que cada tema entre directo, funcione y deje marca sin necesidad de adornos innecesarios.
Cuando sueltan el freno, aparecen momentos que levantan polvo de verdad y donde la banda se siente especialmente cómoda. “The Art of Manipulation” pide directo y sudor, de esos cortes que en sala pequeña se convierten en caos organizado y cuerpos chocando sin parar. “Torture Chamber” es puro castigo sin respiro, una descarga continua que no da espacio para levantar la cabeza, y “Hamunaptra” acelera hasta ese punto donde el cuerpo ya reacciona solo. Incluso el tema título, “While Everything Collapses”, mete detalles más cercanos al thrash sin perder el filo, con una batería que aprieta sin descanso y unos riffs que mantienen la tensión en todo momento.
El cierre con “More than a Hundred” cambia ligeramente el paso, arranca con cierta calma engañosa que parece abrir otra vía, pero poco a poco va creciendo en peso y densidad hasta recuperar ese tono agresivo que domina el disco. Aquí se percibe otra intención, otra forma de construir sin perder identidad, dejando ver que hay más recorrido del que parece a primera escucha. No todo es velocidad: aquí también hay intención y músculo para sostener algo más que un simple bombardeo.
Penumbra (DARLOTODO): “No buscamos perfección sino un sentimiento”
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DARLOTODO es una banda de nu metal de origen argentino que emergió en la ciudad de Buenos Aires en el año 2023. Su primer disco de nombre homónimo fue una grata sorpresa para los oyentes puesto que nunca hubo referentes del género en el país. Con pocos años de existencia cuentan con un éxito y aceptación digno de una banda ya consagrada. Charlamos un rato con Penumbra, líder y baterista de la banda, quien además es productor audiovisual y fundador del sello Black Eclosion, para que nos cuente sus sensaciones sobre su último disco, Crisáliday un poco más.
-Primero contarte que estuve escuchando hasta el cansancio Crisálida. Sacaron un discazo!. Me llaman siempre la atención los discos que son construidos bajo un concepto, como este, y se que detrás de cada gran disco conceptual hay una gran idea, una historia. ¿Nos podrías contar un poco cómo es que surgió la idea de hacer de Crisálida un disco conceptual?
El álbum esta planteado desde el lado de luchar y salir adelante ante la adversidad. Todos en la banda nos identificamos mucho con ese concepto que año a año se fue fortaleciendo casi de manera casual y es prácticamente el lema de hoy de DARLOTODO. Personalmente disfruto mucho que Lucas me de lugar para meter letras e ideas en las canciones donde explayo duelos y dolor de la infancia, pero cada uno que escucha DARLOTODO debe acoplarlo a su propia vida. Es algo que nos sucede siempre, nos dicen los fans. Hacen suyas las canciones a nivel muy pasional.
-Y respecto a eso. Es apenas su segundo disco y ya gozan de muy buen éxito y muchos seguidores. Pareciera como que había toda una cantidad enorme de gente esperando a una banda como ustedes. Bueno, yo creo que siempre hubo un vacío en este estilo en Argentina y que ustedes vinieron a ocupar. ¿Qué impacto te causó encontrarte con el éxito de la banda tan rápidamente? ¿Cuál crees que fue la clave para que DARLOTODO llegará tan rápido a llenar los típicos recintos del metal?
Muchos nos comentan lo que estas diciendo, es algo que nos pone muy contentos. Los músicos de la banda, sobre todo Lucas y yo, siempre fuimos consumidores 100% del nu metal desde sus orígenes, y salvo un acercamiento de A.N.I.M.A.L en los 2000, nunca hubo una clarísima referencia en Argentina que haya llegado alto. Nos alegra mucho cuando dicen que llegamos a ocupar un lugar que estaba vacío. Eso, y muchas amistades generadas luego de 20 años de trayectoria en la escena local, hacen que el panorama para crecer hayan sido super rápido.
-Crisálida es un disco que suena bastante orgánico, por el contrario de las producciones super comprimidas que se suelen escuchar ahora. ¿Cómo fue el proceso de grabación? ¿Cuán involucrados estuvieron luego, en la producción y detalles finales?
Es una pregunta muy interesante y que pocos medios suelen hacer. Si la levantas en las redes, la compartimos (jaja) Gracias por captarlo. Fue clave para nosotros ser disruptivos a la hora de grabar y mezclar el material… te la hago super simple. Decidimos NO utilizar ningún tipo de soft para afinar voces. Lucas esta orgánico y expuesto al 100% y decidimos también dejar errores. Queríamos captar esa energía del primer take, no buscando perfección, si no algo más orgánico, emocional. Los bajos del disco están one take por ejemplo y no editados. Eso lo tenemos incorporado de discos producidos por Ross Robinson (productor de Korn, Slipknot, Limp en sus primeros álbumes), no buscar perfección si no un sentimiento, algo que esta ahí mágico en la toma.
-Es muy común con ustedes las colaboraciones con otros músicos, como es el caso de Claudio Oconnor o Marcelo Corvalán. Se nota la sinergia que hay con ellos. ¿Cómo se da ese encuentro con esos artistas? ¿Surgen de casualidad? ¿Se buscan? ¿Y si tuvieras que elegir a un músico internacional para el próximo disco?
Todos los featurings que fueron surgiendo son con amigos a los cuales les produzco material de videoclip hace años. El tiempo afianzó una amistad y nos da lugar a proponerles sumarse a canciones. Algo muy interesante es que jamás un artista nos dijo que no, y además, no voy a revelar nombres… pero muchísimos grandes artistas nos escribieron para hacer feats también. Seremos una especie de bizarrap del metal a futuro?
-Algo que me gusta preguntarles a todos los artistas, es sobre su percepción de la actualidad de la escena del metal. ¿Notas diferencias a la hora de hacer música entre la actualidad y hace 10 o 20 años atrás? ¿Hay algo que extrañás?
La escena esta cambiando muchísimo y rápidamente, sobre todo con la implementación de nuevas tecnologías y códigos, donde ya un álbum no es escuchando tanto por su idea, audio, si no quizás por cuantos reels graciosos haces para moverlo. Nosotros no nos subimos a esa. Nos enfocamos muy tranquilos en seguir con este formato casual y sincero de comunicación como somos realmente, sin crear personajes, nos mostramos tal cual somos, todos los saben.
Otro factor en esta etapa de cambios es que hay muchísimas bandas y es muy fácil grabar música, lo que hace que el mercado este lleno de opciones. Combinado con que no hay plata y quizás no hay ganas de ir a tantos shows también genera que muchas veces te plantees “debemos salir de gira lejos? Si todos cortan pocos tickets”, “es preferible destinar más tiempo a videos para mostrarte al mundo que a hacer tour local y que te vean en persona?”, “debemos invertir en publicidad en vez de mejores instrumentos o hardware? (por ejemplo), al igual que muchos estamos tratando de descifrar la nueva escena para encajar en el formato, pero siempre como prioridad siendo fieles a nosotros.
-Es sabido que, al menos en Argentina, es grandísimo el esfuerzo que tienen que hacer los músicos para producir los discos, planificar las giras, etc. Ahora están empezando a llevar la música de la banda a todo el país, recorriendo varios lugares. Se que vendrán en un meses a Bahía…logística, costos, tiempos ¿Cuál es el mayor desafío o sacrificio que tienen que hacer para salir a la ruta y armar los recitales? ¿Es todo autogestión o se apoyan en alguien más?
En DARLOTODO estamos en el momento de transición de formato, autogestión independiente, a el salto a la A, por así llamarlo, donde están artistas más reconocidos, amigos nuestros, que vemos tienen otros arreglos. En este momento los costos no dan para viajes en avión, hoteles de buen level. Estamos en un momento donde la prioridad es viajar y mostrarnos a nuevo público, eso elegimos nosotros, pese a muchas veces ponerle el cuerpo al 100%. Me estas hablando del show que se viene en Bahia por ejemplo… muchos no van a saber esa noche que el esfuerzo no es solo total sobre el stage, si no que son 3 shows, 2 días seguidos: MDQ, Bahía y Gonzales Chavez. Todo al volante manejando nosotros mismos, descansando mal, comiendo super mistery… pero hoy por hoy lo elegimos, lo estamos dando todo para llegar a esa gente que nos pide en todos lados con mucho amor.
-Y hablando de giras, vi que están tocando (y van a tocar) mucho bajo el marco del festival S1ckfest. Para mí, un golazo, tener un festival que le dé cabida a lo alternativo…creo que es la 1ra vez que se arma una movida así para distintos lugares del país ¿Formas parte de la producción? ¿Cómo surgió todo?
Gracias por el interés por el festival. Nos pone muy contentos cuando medios y gente nos comentan que están fascinados el formato del S1ckfest. Todo surge cuando un año atrás productores nos querían llevar a sus localidades pero nos comentaban que no sabían en que formato o contexto meternos como banda 100% nu metal. Lo que se nos ocurrió con Horacio, nuestro Manager, es tratar de revivir el formato mas familiar y de fiesta que se veía en un show en Estados Unidos en los 2000 llamado “Family Values” creado por Korn, donde el tour giraba con muchas bandas de diversos géneros, y se le daba un formato de fiesta alternativa donde toda la noche había música del género y era mas clima de fiesta que un show en si. El concepto de músicos viajando y conociendo otras bandas y exponentes locales, juntándose con la gente cara a cara, tomando un trago, compartiendo unas horas, es algo hermoso que está creciendo. Estamos muy orgullosos del festival.
-Creo que, a esta altura, preguntarte por las influencias musicales es cuanto menos, cliché (jaja). Pero…bien sabemos que sos multifacético en cuanto a arte refiere ¿Qué te inspiró a llevar adelante una carrera en producción audiovisual? ¿Algún referente que te haya influenciado? ¿El laburo más grande que hiciste?
En los 90s me fascinó la industria musical desde el lado de lo visual, con canales como MTV. Me cambio la vida. Siempre sentí una gran pasión por ese contenido y me movilizaba la idea de la música y “verla” por así decirlo. Es ahí donde consumía todo tipo de música y videos, incorporando recursos que implemento hoy. Años mas tarde entraba a estudiar la carrera de cine en La Plata y armaba mi primera banda. Nunca abandone esa línea, 25 años ininterrumpidos de destinar mi tiempo a la industria de la música y su faceta visual.
El más grande laburo…no tengo respuesta concreta, pero si te puedo decir que hoy por hoy laburo y produzco los artistas número 1 que siempre veía por tv y me quedaba flasheado. Ser “el productor del metal” como me dicen muchos es el gran laburo, que me llamen una y otra vez Andrés Giménez, Walter Giardino, Corvex y Cesar Andino y muchos otros, me hace tan bien al alma.
-Mira, esta pregunta va más de curiosidad y es un poco más personal. ¿Piensan sacar Crisálida en formato físico?
Lo vamos a hacer físico, ya arreglamos con una compañía que nos va a hacer unas hermosas copias y van a estar disponibles el 5 de septiembre en El Teatrito en la presentación oficial.
-Bueno, antes de despedirnos, saludarte y decirte que los esperamos en Bahía y, además, una última pregunta que no puedo dejar pasar ¿Qué se viene en el futuro próximo de DARLOTODO?
Se vienen 3 featurings explosivos al hilo. Te diría que todo 2026 son featuring antes de encarar el nuevo disco, el tercero. Nos vemos en Bahía, crack! Saludos!
Al igual que pasa con su vecina del sur Indonesia, Tailandia no será un titán de la producción de material metalero en el mainstream, pero que parece tener una cantidad grande de artistas de metal extremo, o al menos un puñado con una gran cantidad de lanzamientos en el under extremo. ¿Habrá algún programa para entrenar bandas de death metal en esa zona? ¿O de grindcore? Así que ciertamente Defying Decay me tomó un tanto desprevenido cuando su disco me llegó al mail.
Definidos como “una de las bandas que más viene ascendiendo en la escena metalera tailandesa”, según una reciente entrevista con Kerrang!, Defying Decay vienen hace un largo tiempo llamando la atención en su país. Y no lo digo sólo en el mundo de la música, siendo que en 2021 lanzaron una canción llamada “The Law 112: Secrecy and Renegades” atacando la ley local que prohíbe criticar a la familia real tailandesa, que plantea penas de hasta 15 años de prisión: si le sumamos que lo hicieron durante el gobierno militar que estaba gobernando Tailandia en ese momento, es refrescante encontrar de vez en cuando una banda de metal que se oponga a gobiernos dictatoriales en estos días.
Su nombre podrá sugerir alguna banda de death metal técnico, pero las cosas con Defying Decay están bastante alejadas del metal extremo: la banda define a su estilo como “hyperpop metal”, y habiendo escuchado su tercer álbum Synthetic Sympathy no creo que mientan. A lo largo de sus 14 canciones (bueno, 12 canciones, una intro y un interludio) es un combo súper ajustado de riffs pesados, electrónica, mezcla de voces limpias y gritadas, estribillos de corte pop y algún que otro pasaje rapeado. O sea, la misma manera en la que ha venido sonando el metal melódico mainstream durante la última década y monedas, esa actualización de la onda Linkin Park que grupos onda A Day To Remember popularizaron hace un tiempo.
Sí, las influencias en el sonido de Defying Decay están a flor de piel: creo que cada semana debo cruzarme con dos o tres discos de bandas “grandes” de este estilo a los que algún video de TikTok me quiere vender como que está “revolucionando el metal” y lo único que logran es que termine confundiendo entre ellos. Si no me hubieran avisado que Defying Decay eran de Tailandia habría asumido que eran otro grupo occidental onda Bad Omens, Sleep Token, PRESIDENT o cualquier otro conjunto “pop metal” de la misma calaña.
Dicho esto, no creo ser la mejor autoridad al momento de andar pidiendo “total y completa originalidad” en el área de la musiquita. Me gusta cuando mi rock psicodélico suena bien sesentas, me gusta mi rock progresivo bien setentas, admito que me debo escuchar cada grupo de AOR editado por Frontiers Records, y SeeYouSpaceCowboy hicieron de mis discos favoritos del 2024 sonando como cualquier grupo de metalcore del 2008: estaré abierto a la comida exótica, pero jamás le dije que no a una carne con papas bien hecha sólo porque haya comido otra carne con papas bien hecha el día anterior. Y en el mundo del “electropop metal” o como sea que quiera llamarlo, este Synthetic Sympathy sería una carne recalentada que quedó de ayer con unas papas que no son la gran cosa pero tampoco son desagradables. ¿Se nota que tengo hambre? Dejemos las comparaciones con comida y metámonos al disco.
Synthetic Sympathy es un disco un tanto plástico, un tanto (demasiado) sobreproducido por momentos. Como muchas bandas de pop metal, Defying Decay tienen la mala costumbre de llenar sus canciones de teclados, programaciones y cuerdas al punto de que sea complicado distinguir qué es una programación y qué es una guitarra o una batería. Me recuerda a estar escuchando los últimos discos de HYDE antes de que se presentara en 2025 en Buenos Aires, con ese rejunte electro punk rock recargado hasta el hartazgo. Pero… ¿será esa la idea con Defying Decay? ¿O al menos con este álbum? El disco tiene la palabra “sintético” en su título, así que asumo que habrá alguna intención artística detrás de ello.
Y sonar “digital” no es necesariamente un pecado: Graceland es uno de los grandes discos de pop de los ochentas a pesar de sufrir el síndrome de “batería Phil Collins”. Y en el caso de Synthetic Decay, hay algo adictivo en lo artificial que suena todo, como una de esas bebidas energizantes con nombres de sabores imposibles. “Built To Fall” es predecible en la manera en la que su intro lenta y electrónica, marcada por la voz de JayPoomEuarchukiati, llega a la palabra “fall” para aumentar la intensidad, mientras los riffs van acompañados por el sonido de la orquesta, como si fuera un tráiler de un videojuego. Horriblemente manipulador, creo que la escuché como quince veces seguidas de lo desvergonzada que era: 10/10.
Defying Decay tienen muchos de sus mejores momentos cuando aumentan la velocidad: “RX Regicide” es frenética, acompañando la voz de Jay con unas guitarras punzantes mientras es acompañado por Kellin Quinn de Sleeping With Sirens. “21 Stitches” también es otra muy intensa, al igual que “Debris”. “Clouds” tiene a Jay acompañado por Violette Wautier, una cantante tailandesa que parece ser una súper estrella pop en su país de origen. Y la mezcla de ambos funciona bastante bien, incluso con la dosis extra de melosidad que la presencia de Wautier aporta.
Hablando de melosidad, a veces el álbum se pasa con eso, como en la totalidad de “Last Reply” (la mezcla de voces en la primera parte parece de algún hit de los noventas que pasarían por la Aspen), en “Clouds” o en “MEANiNGLESS!”, donde la acumulación de efectos electrónicos y Autotune se vuelve demasiado. Pero a pesar de ello, es algo que me imagino que tiene un público al que entiendo: todo el álbum tiene una intensidad peculiar y todas las canciones tienen algún elemento particular destacable, más allá de que sienta o no que usen ese elemento para construir algo más grande.
Synthetic Sympathy es un álbum con un montón de cosas para llegarle a un montón de públicos diferentes, con una propuesta digerible siempre y cuando no esperes que todos los discos de “metal” deban sonar como un álbum de Motörhead. Sonido ultra pulido, voces puestas de manera milimétrica, guitarras que hacen bien lo suyo como base y de vez en cuando reciben la luz de los reflectores, riffs medio simples pero pesados, y con un Jay que ciertamente tiene una gran habilidad para manejar muchos estilos diferentes. Si tenés que escuchar un disco de pop metal este año, Defying Decay trae de las propuestas más decentes que haya escuchado últimamente.
Tras casi cuatro años desde su álbum debut, las rockeras internacionales Venus 5 regresan con su esperadísimo segundo trabajo, donde pretenden demostrar ser algo más que las “Blackpink o Aespa” del metal moderno, como se las catalogó cuando debutaron en 2022.
Y ya las cosas arrancan con el pie derecho desde la portada ya que en lugar de poner otra foto de las chicas (que no es malo ni mucho menos, pero si que puede hacer desconfiar a los “Trves” de turno), han optado por una preciosa portada oscura con un cuervo negro, que también parece marcar el sendero por el que va a transcurrir el disco.
El disco ya arranca con la potente pieza que le da título y podemos ver como las guitarras rockeras se combinan con las voces de las chicas, mostrando un principio de evolución clarísimo, aunque sin dejar de mirar por el retrovisor a bandas como Amaranthe y Halestorm.
Lo mismo ocurre con “Like a Witch”, esos teclados nos recuerdan a HIM y hay que destacar la imponente presencia vocal de Herma, Karmen y Jelena, sin dejar de lado a Tezzi y Erina, claramente las chicas le han puesto un poquito más de gasolina a su sonido, evidenciando que todo este tiempo de espera ha merecido la pena.
“Set Me Free”, es otro ejemplo de que Venus 5 son un abanico muy grande de sonidos y estilos musicales, en este caso hablamos de un corte medio pop oscuro pero con ciertos guiños a Within Temptation y un gran solo de guitarra que le aporta cierto toque melancólico a la canción.
“Surrender”, en cambio coquetea con el metal moderno y el sonido sinfónico refrescando al disco antes de que se haga medio repetitivo.
Sin desmerecer a sus componentes, hay que decir que posiblemente la que mejor está es Herma, conocida por su labor en Sick N’ Beautiful y que le da el toque más metalero a V5, pero sin perder la sensualidad macarra en su voz, Karmen o Jelena, por ejemplo, si que tienen matices vocales parecidos, muy buenos, pero que a veces cuesta diferenciarlas, cosa que con Herma o Tezzi no sucede.
Y si, claramente había que llegar al momento intimista y que oxigena al disco entre tanto sonido cañero, hablamos de “Take it From the Start”, una “Power Ballad”, donde es simplemente impecable escucharlas a todas y que cada una le de su personalidad a la canción.
Posiblemente estemos ante una de las mejores canciones de Venus 5 hasta la fecha y donde la “Desnudez” musical de sus componentes adornan una pieza muy intensa, emotiva y que pone los pelos de punta al oyente al pulsar el play y escuchar sus voces.
El disco no va a cambiar la vida de nadie, pero si que es un golpe sobre la mesa por parte de estas cinco mujeres, donde se reivindican como artistas y puede ser un faro al que seguir para guiarse musicalmente en un futuro cercano, bravo por ellas!
Uno de los emblemas del metal nacional como son Hamlet están a punto de concluir la gira de presentación para su último disco Inmortal y que mejor manera de hacerlo que volviendo a la ciudad condal, donde siempre son recibidos con euforia y entusiasmo por parte del cientos de fanáticos.
Guttural Disgorge en Copenhague: “Brutalidad Sin Pausas”
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Texto: Sergio Ismael Arancibia
El 21 de marzo en VEGAno hubo espacio para tibiezas: Guttural Disgorge llegó a demoler Copenhague. Desde temprano se sentía en el ambiente que no iba a ser una noche más. El público empezó a acercarse con esa mezcla de ansiedad y expectativa que solo generan los shows realmente pesados, esos donde sabés que vas a salir con el cuerpo molido pero satisfecho.
La noche del sábado estaba ideal para sacudir la cabeza al ritmo de los cuatro jóvenes de Aarhus. Afuera, el frío típico de la ciudad contrastaba con el calor que se iba acumulando dentro de la sala. Camisetas negras, parches, botas y miradas cómplices entre quienes sabían perfectamente a lo que venían: violencia sonora sin filtros.
Pero primero abrieron la velada los locales de Dethrxner con un hardcore pesado para poner a tono al público. Desde el primer tema dejaron claro que no estaban ahí solo para cumplir. Con un sonido rápido, crudo y directo, y un frontman completamente desatado, lograron captar la atención de todos los presentes. Hubo circle pits tempranos y los primeros empujones comenzaron a aparecer. Su set fue corto, pero efectivo, ideal para ir calentando motores y preparar el terreno para lo que vendría después.
Después vino el plato fuerte del fin de semana. Sin intros innecesarias ni poses, Guttural Disgorge arrancó como un martillo neumático directo al cráneo y no soltó en ningún momento. No hubo tiempo para acomodarse: desde el primer segundo la banda impuso un ritmo aplastante, de esos que te obligan a entrar en su lógica o quedarte afuera.
Riffs densos y putrefactos, afinaciones ultra bajas que vibraban en el pecho y una batería disparada como si no hubiera mañana marcaron el pulso de un show que no dio respiro. Las voces, profundas y cavernosas, parecían salir de una fosa común, aportando esa atmósfera oscura y enfermiza que define al slamming brutal death metal. Todo estaba ejecutado con una precisión casi quirúrgica, pero manteniendo ese nivel de suciedad necesario para que la música no pierda su filo.
Tocaron varios temas de su corta pero intensa trayectoria —hace solamente tres años que salieron a escena—, demostrando que no necesitan décadas para consolidar una identidad sólida. Su repertorio, aunque todavía breve en cantidad, tiene un peso específico notable. La banda ya cuenta con dos discos en su haber: “Inhumane Perversion” y “First Degree Murder”, ambos editados en 2025.
Cada tema caía como un bloque de concreto. No hubo pausas, no hubo charla, no hubo tregua. La banda eligió dejar que la música hablara por sí sola, y el mensaje fue clarísimo. Tema tras tema como una ráfaga continua que convirtió el set en una masa compacta de brutalidad, sin fisuras ni momentos de distracción.
Y abajo, el público entendió perfectamente la propuesta. La sala estaba casi llena y la energía fue constante. El pogo fue salvaje desde los primeros minutos y no decayó en ningún momento. Cuerpos chocando, algunos cayendo y levantándose, manos en alto y cabezas moviéndose sin parar. No importaba la edad: había tanto jóvenes como adultos entregados al caos controlado que propone este tipo de música.
El calor empezó a hacerse insoportable, el aire se volvió denso y el suelo pegajoso, pero nadie parecía dispuesto a dar un paso atrás. Sudor, empujones y puro instinto. Ese tipo de comunión física y emocional entre banda y público es difícil de explicar si no se vive desde adentro.
El tema “Dissolved In Acid” fue, sin dudas, el punto cúlmine del show. Desde los primeros segundos se sintió un cambio en la intensidad del público, como si todos reconocieran que ese era el momento de explotar definitivamente. El breakdown cayó como una bomba y el pogo se transformó en un torbellino incontrolable. Fue una explosión tanto arriba como abajo del escenario, uno de esos instantes donde todo parece sincronizarse en un caos perfecto.
La banda no bajó la intensidad ni siquiera en los últimos minutos. Lejos de dosificar energías, decidieron cerrar con la misma violencia con la que empezaron, dejando al público completamente exhausto. No hubo encore ni despedidas largas: simplemente terminaron, dejaron los instrumentos y se fueron, como si el mensaje ya hubiera sido suficientemente claro.
Guttural Disgorge no vino a gustar: vino a aplastar. Y lo logró. Su propuesta no busca ser accesible ni amigable; al contrario, abraza lo extremo y lo lleva al límite. Es un show corto en paciencia y largo en destrucción, de esos que te dejan con el cuello destrozado, los oídos zumbando y la sensación de haber sobrevivido a algo más que un simple concierto.
Más allá de la violencia sonora, lo que también destaca es la actitud de la banda. Sin artificios, sin poses forzadas, sin discursos innecesarios. Solo música, ejecutada con convicción y una identidad clara. En tiempos donde muchas propuestas buscan destacarse desde lo visual o lo conceptual, Guttural Disgorge apuesta todo a la crudeza del sonido y la experiencia física.
Está más que claro que estos pibes tienen un futuro enorme dentro de la escena pesada europea. No solo por su sonido, sino por la respuesta que generan en vivo, que al final del día es lo que realmente define a una banda dentro del circuito underground.
Como premio a este crecimiento, estarán presentándose en Obscene Extreme Festival y en Deathfeast Open Air, dos citas clave dentro del calendario extremo europeo. Será una gran oportunidad para seguir expandiendo su nombre y demostrar que lo suyo no es casualidad.
Si algo quedó claro esa noche en VEGA, es que Guttural Disgorge no es una banda más dentro del montón. Es una fuerza en construcción, un proyecto joven pero con una dirección definida, capaz de generar impacto real en cada escenario que pisa.
Y para quienes estuvieron ahí, no fue solo un show: fue una descarga de violencia controlada, una experiencia física y emocional que difícilmente se olvida. Una de esas noches que te recuerdan por qué el metal extremo sigue vivo, mutando y golpeando cada vez más fuerte.
Subterranean en Barcelona: “Regeneración Ejemplar”
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Si el jueves pasado asistíamos al concierto de ex miembros de Suicidal Tendencies, o hace unos meses al de la escisión de los thrashers catalanes Legion, transformados ahora en Legion D.C., este viernes pasado era el turno de la mítica formación hardcore barcelonesa Subterranean Kids, que desde hace un par de años pasaron a actuar como Subterranean, con Mimo, uno de sus fundadores al frente, junto al ex GRB, Albert Collazo aka Brutus, guitarra ya que formó parte de S.K. en sus últimas reuniones.
Antes de llegar a ver por fin en vivo a estos veteranos de la lucha subterránea, un par de bandas para calentar una fría sala Upload, con los chicos de Flamsteed, que basaron sus treinta minutos de directo en su último trabajo Truths on Demand (2023) con las piezas “Enough”, “Lies”, “Rise Your Finger”, “Fly Away”, “Friendzoner”, o “Gentrifica”. Sumadas a composiciones anteriores como la inicial “Are We Fake”, y el tema en catalán “Llibertat de Premsa” del Issues and Complaints (2019), o la final “Red or Light”, única extracción del EP Some Tears Allowed (2021).
Buena actuación, como aperitivo de lo que estaba por llegar, de este cuarteto que lidera Dani, cantante/guitarra rítmica, que luce un corte de pelo imposible, de extenso flequillo que le cubre la cara, y unos churros que le llegan al coxis, y más allá, bien acompañado por el guitarra solista Blai, el baterista Gal, y el diría que también bajista de Global Discontent, Uri Roqué. Me gustaron más que en su versión en estudio, y es que no soy muy fan del emopunk, aunque cuentan con notables influencias del hardcore melódico como NOFX, o Descendents, o viendo las camisetas de Crim y R.K.L. que vestían Uri y Blai, respectivamente. De hecho, sus dos temas en catalán me recordaron a los de Tarragona, sino fuera por la voz de Dani, nada que ver con la carraspera de Adrià Bertran. Esperemos que las estrellas se alineen para verlos próximamente.
Muy corta se nos hizo la actuación de Nul, un cuarteto de estética skinhead, practicantes de hardcore punk arcaico, con un brillante y peculiar sonido de guitarra a cargo de Ignasi, junto a Valeria y Jordi en la sección rítmica, y con Mir al frente, un vocalista hiperactivo que subió al escenario desde la pista donde se sitúa el público, y ejercitándose durante unos escasos quince minutos, que dedicaron a repasar todo el material del que supongo disponen hasta el momento, diez canciones que no superaron en ningún caso los dos minutos de duración.
Abrieron al igual que en su disco debut de 2025, con “Voltors”, “Torb”, y “Esperit Saturat”. Saludaron con un Bona Nit, antes de continuar con “Progrés”, “Cap Glòria al Cel”, e hicieron algunos otros cortes como “No Gira Rodó”, “Vasos Comunicants”, o “Abraça el Col.lapse”. Para cerrar, como todo el bolo, a toda velocidad con la titulada como un refrán catalán, “D’on no n’hi ha no en Raja”, el equivalente castellano sería el de pedir peras al olmo, terminando con “Quan Ja Hagi Passat”.
Pues eso, corto pero intenso, el bombardeo de los barceloneses, con una propuesta bien contundente, y bien agresiva en ocasiones, que me recordó ese característico sonido de guitarra a The Sonics quizás, o a la guitarrista francesa que militaba en las garage punks norteamericanas The Darts, hace un par de años.
Unos minutos antes de la hora programada, saltan a escena Subterranean, pasando de la juventud de las bandas invitadas, a estos cuatro bregados músicos, y del idioma inglés de Flamsteed, y del catalán de Nul, al castellano de la mayoría de letras, tanto de Subterranean Kids anteriormente, como ahora con esta nueva formación, a la que el vocalista calificó como de escisión de la banda original.
Como era de esperar y suponer, siendo el primer show desde la edición del disco homónimo hace unas tres semanas, cayeron las doce que lo componen, empezando por las iniciales e impetuosas “Generación Basura”, y “Bajo tu Piel”, que fueron el avance del álbum hace algunos meses. En el corte “¿Quien Hace la Ley?” Mimo intento emular su clásico salto con las piernas abiertas, y bueno, no salió del todo perfecto, pero ni tan mal.
Entre las nuevas, nos enfrentamos a los temores en “Monstruo”, un viaje al pasado en “Tiempo Atrás”, y entre medias, una clásica como “Ciudadano Ejemplar”, momento que aprovecha Mimo para despojarse del jersey, y es que, a pesar de la media entrada, hace bastante calor en la sala de suelo ajedrezado.
Una de mis favoritas es “En Casa me Llaman Loco” desde el disco Los Ojos de la Victima (1986), al igual que “Siguiendo los Pasos de tu Padre”, o “Lideres Revolucionarios”, que Mimo dedicó a Pep, miembro fundador de Subterranean Kids, y presente en la sala. Del corte “Sentencia”, diría Mimo que era como una segunda parte de “La Rabia”, que fue la siguiente en sonar, aderezada por un volteo de micrófono estilo cowboy, y que junto a “Sentirme Libre”, son los temas principales del disco Hasta el Final (1988).
Otra tanda de melodías incluye “Psicópata”, “El Color del Miedo”, “Cree en Ti”, y “Amigo” para la que el vocalista hace gala de sus arquetípicos movimientos mímicos, simulando como si alguien te come la oreja. Tras “Olvídate”, siguen repasando el nuevo disco con “Tierra Trágame”, para acto seguido presentar a los componentes del combo actual, y la versión de los legendarios GRB que han recuperado, y reversionado en una composición más extensa y elaborada, la titulada “Entre Nosotros”. Para “A Quien Queréis Engañar”, se le sumaron a hacer unos coros Pep SubKid, y otros dos espontáneos, llegando así, al impasse de retirarse unos segundos para volver con esos gritos de fondo pidiendo más material. Encarando una ronda final, compuesta por “Perdiendo el Control”, “No Puedo Perdonarte”, “¿Qué Hacéis?”, y finiquitar con el derecho a una muerte digna, “D.A.M.”.
De este modo, después de treinta canciones ejecutadas diestramente durante unos ochenta minutos, estos nuevos Subterranean abandonaban el escenario dejando una más que positiva impresión a todos los niveles, aunque lógicamente algunas de las versiones de S.K., no suenan igual sin el sello inconfundible, e intransferible de Carlos Buira aka Boliche a la batería, y es que el Bolo es mucho Bolo. Por eso gente, esto, ya es otra historia.
El Power Metal más duro y potente de Alemania dice presente. Primal Fear vuelve a Argentina en el marco de su gira “Domination Tour 2026” para presentar su más reciente trabajo discográfico, “Domination”, junto con los mayores éxitos de su carrera. El evento se desarrollará el jueves 16 de abril en el Teatro Flores (Av. Rivadavia 7806), de la Ciudad de Buenos Aires.
Ta como viene siendo costumbre en Latinoamérica, se viene otro mes de abril cargado de recitales y una de las citas imperdibles para los fanáticos del Heavy/Power más tradicional, es la de Primal Fear. La banda liderada por Ralf Scheepers regresa al país para compartir la fuerza y contundencia de su acero germánico.
En esta oportunidad, la agrupación llega con cambios en sus filas. Tras la nueva salida Tom Naumann del grupo, su puesto fue ocupado por la guitarrista Thalia Bellazecca. Por su parte, André Hilgers con un extenso currículum que incluye nombres como Rage, Bonfire y Hernan Frank, se incorporó como batero en lugar de Michael Ehré.
Con esta nueva inyección de sangre fresca, la alineación actual se completa con Magnus Karlsson en la guitarra, el histórico Mat Sinner en el bajo y la prodigiosa voz de su líder Ralf Scheepers.
Surgidos a finales de los 90’, los alemanes se fueron consolidando como uno de los máximos referentes del Heavy Metal europeo, a base de una fidelidad y compromiso con el estilo sostenida en una base rítmica agresiva y veloz, que se resume en una discografía con 15 discos hasta la fecha, entre los que resaltan su vibrante debut Primal Fear (1998), el clásico Nuclear Fire (2001), Seven Seals (2005) y su más reciente Domination (2025).
Con himnos como Final Embrace,Chainbreaker, Metal Is Forever, y Angels In Black, Primal Fear se convirtió en uno de los emblemas y referentes del género, portando la bandera del juego de guitarra gemelas junto con potentes gritos agudos, a la par de titanes como Accept o Judas Priest.
Un show que va a combinar melodía y destreza, junto con furia y fiereza alemana. Que va a contar con momentos enérgicos y deslumbrantes, junto con otros apasionantes y épicos. Y que va a presentar a una banda que defiende los valores más puros del acero clásico. Una velada que ningún fanático del género se debe perder.
Las entradas ya se encuentran disponibles a través del sistema Passlineo desde la web de Icarus Music Store. El ingreso está programado para las 18:30 horas y contará con la participación de dos grandes referentes del Heavy nacional, como Jeriko y Tren Loco. Una noche llena de fuerza y contundencia.
The Prodigy desatan el caos electrónico en Glasgow
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Las leyendas del punk electrónico The Prodigy regresan a Glasgow para su primer concierto como cabezas de cartel en más de tres años, actuando en el OVO Hydro el 15 de abril. Tras el trágico fallecimiento de su vocalista Keith Flint, la banda no solo ha continuado girando, sino que ha mantenido vivo su legado ofreciendo actuaciones explosivas que hay que vivir al menos una vez.
Acompañados por el DJ británico de house y techno Carl Cox, ambos artistas se unen para ofrecer un espectáculo frenético y cargado de energía que recorre todos los matices de la electrónica, el techno y el punk. The Prodigy presentará un repertorio que abarca toda su discografía, convirtiendo la noche en una cita imprescindible tanto para los fans de los 90 como para quienes quieran descubrir en directo a una de las bandas más legendarias surgidas de la escena techno/punk del Reino Unido. Las entradas siguen disponibles, pero conviene darse prisa: ver a The Prodigy es una experiencia única.
Unto Others en Buenos Aires: “El gótico también se celebra”
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Hay bandas que generan un entusiasmo muy particular dentro de la escena. No importa si vienen con un gran aparato detrás, si llenan estadios o si todavía se mueven en un circuito relativamente pequeño: cuando anuncian una fecha, sus seguidores responden. Eso pasó este 28 de marzo en El Teatrito con Unto Others. Quizás el marco no fue el ideal y el público estuvo lejos de ser multitudinario, pero los que estuvieron presentes demostraron desde el primer minuto que tenían muchísimas ganas de ver a la banda en Argentina.
La noche arrancó con Bitter Seed, una propuesta de death doom clásico que encajó perfecto con el clima de la fecha. Con un sonido sólido desde el comienzo, la banda logró construir una atmósfera melancólica y pesada, apoyándose en riffs densos, melodías oscuras y voces guturales que se complementaban muy bien con un canto femenino que aportaba contraste y profundidad. Sin necesidad de grandes artificios, dejaron una muy buena impresión y cumplieron más que bien con la tarea de abrir la jornada.
Después llegó el turno de Bloodparade, probablemente la banda más distinta de la noche, pero también una de las que mejor entendió cómo ganarse al público. Su propuesta industrial, bailable y cargada de energía funcionó muy bien en vivo. Con un sonido muy prolijo y una actitud divertida sobre el escenario, lograron que incluso la poca gente presente se moviera, bailara y se metiera de lleno en el show. Fue una de esas presentaciones que, más allá del estilo, terminan siendo disfrutadas por cualquiera que esté dispuesto a dejarse llevar un poco.
Cuando finalmente apareció Unto Others, la expectativa era altísima. Sin embargo, el comienzo estuvo lejos de ser ideal. Desde los primeros temas se notó un sonido demasiado suave, falto de graves y de la contundencia que necesita una banda con una propuesta tan apoyada en la combinación entre rock gótico, heavy metal clásico y estribillos oscuros pero pegadizos.
Por momentos, las guitarras quedaban demasiado livianas y la base no terminaba de empujar como debería. Para colmo, hubo algunos problemas técnicos: primero con el bajo y luego con la guitarra rítmica. Afortunadamente, ambos inconvenientes pudieron resolverse durante el show y, a partir de ahí, el sonido mejoró bastante. Nunca llegó a ser perfecto, pero sí alcanzó un nivel mucho más disfrutable que permitió apreciar mejor el verdadero potencial de la banda.
Más allá de esos problemas, Unto Others volvió a demostrar que tiene algo especial. La mezcla entre oscuridad gótica, sensibilidad rockera y espíritu de heavy metal tradicional funciona de maravilla sobre el escenario. Gabriel Franco se mostró sólido al frente, alternando momentos más melancólicos con otros de mayor intensidad, mientras el resto de la banda sostuvo un show muy ajustado y efectivo.
El público, aunque escaso, fue uno de los grandes protagonistas de la noche. Desde el principio hasta el final hubo entusiasmo, agite y una respuesta constante a cada canción. Se notaba que muchos esperaban esta visita desde hacía tiempo y aprovecharon cada minuto.
El repertorio también ayudó mucho. El show arrancó con “A Single Solemn Rose” y “Butterfly”, dos temas perfectos para marcar el tono de la noche. “Jackie”, “Why”, “Nightfall” y “Downtown” mantuvieron el nivel alto, mientras que canciones como “The Fire of Youth”, “Heroin” y “When Will God’s Work Be Done” mostraron muy bien esa capacidad que tiene la banda para moverse entre lo sombrío y lo pegadizo.
Uno de los puntos más fuertes llegó en la segunda mitad del show, cuando sonaron “Can You Hear the Rain”, “It Doesn’t Really Matter”, “Suicide Today” y “Momma Likes the Door Closed”. También hubo lugar para “Raigeki” y “Double Negative”, antes de uno de los momentos más celebrados de la noche: el cover de “Pet Sematary” de Ramones, que encajó perfecto con el espíritu de la banda y fue recibido con muchísimo entusiasmo.
El tramo final con “Give Me to the Night” y “Dragon, Why Do You Cry?” dejó a la gente con ganas de más, algo que se confirmó rápidamente con el encore. “Over Western Shores”, “I Feel Nothing” y “Blade and the Will” terminaron de cerrar una noche que, pese a los problemas técnicos y a la baja convocatoria, dejó sensaciones positivas.
Unto Others tocó muy bien, mostró personalidad y confirmó que sus canciones funcionan incluso cuando las condiciones no son ideales. Si logran volver con un sonido más contundente y un marco mayor, tienen todo para dar un show realmente memorable en Argentina.
Neurosis – An Undying Love For a Burning World (2026)
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Siempre hay que ser honesto en la vida, así que no voy a dejar de seguir ese camino nunca, por lo cual no quiero engañar a nadie, hablar de este nuevo disco de Neurosis, para mi ha sido un gran desafío y una gran responsabilidad, primero por lo que representa la banda en mi vida y segundo porque es un disco al cual le falta una pieza clave, que lamentablemente tiró por tierra su carrera, debido a unas acciones impropias, lamentables y que al menos para mi, han supuesto una gran decepción hacía esa persona, la cual no es otra que Scott Kelly.
Pero como de todas las crisis se puede salir y remontar el vuelo cual ave fénix, la banda ha parado la pelota, reflexionado y entre todos han vuelto a ser esa banda atrapante, pesada, intensa, reflexiva y arrolladora que siempre fueron. El resultado de esto es An Undying Love For a Burning World, su primer álbum en una década y donde el conjunto de todos brilla como uno sólo bajo lo que representan: NEUROSIS.
Como estos tipos juegan en otra liga, para este retorno certificaron una jugada estratégica (casi) perfecta y esta no es otra que el fichaje del señor Aaron Turner, conocido por su gran labor al frente de Isis (otra de las vacas sagradas dentro del sludge y el post metal), quién ha entendido como pocos lo que significa ponerle voz a las canciones de la banda norteamericana y reflejar por medio de ellas, la ansiedad dentro de una sociedad que vive en plena crisis, pero muchas (y por que no todas) veces gran parte de ella, prefiere mirar hacia otro lado, la intensidad y caos que se vive en la actualidad y como la música es una válvula de escape para muchos de nosotros.
El disco como siempre no se excede en cantidad de canciones, sin embargo las ocho piezas rebasan la hora de duración, con lo cual podemos esperar exactamente lo que vinimos a buscar: Una colección de piezas musicales y artísticas, las cuales merecen su debido tiempo y espacio, antes de poder entender dentro del caos, que aquí nuevamente hay oro macizo para pulir.
Ni siquiera los 53 segundos de “We Are Torn Wide Open”, son simplemente la introducción al disco, es un grito desgarrador de una herida que tenemos abierta y que no sabemos como curarla, observando incrédulos como cicatriza y se vuelve a abrir en un descuido.
“Mirror Deep” echa sal sobre la carne viva y los riffs pesados hacen aún más intenso el dolor, para pasar a un puente tenebroso y que genera una “falsa” sensación de calma, que puede hacerte pensar que Neurosis han bajado la intensidad, pues no amigo, el siguiente tramo de la canción es una patada en la cara que te noquea y la cual vas a tener que escuchar repetidas veces para entender como la banda ha plasmado a la perfección todo lo que han representado en sus cuatro décadas de trayectoria.
Los nueve minutos de “Blind”, que no os paséis de listos, no es un cover del mítico himno popularizado por Korn,si no un descenso al fango más pegajoso y denso que haya en cualquier pantano, con unas guitarras cortantes y la voz de Turner que hace añicos ya no solamente nuestros oídos si no también nuestras almas, dando una clase magistral de como a través de la desesperación, se puede hacer una canción impresionante.
“Untethered” es algo más inmediata que otras piezas del álbum, pero entendamos que hablamos de Neurosis, aquí nada es de fácil digestión, todo lleva al pensamiento profundo, al análisis casi obsesivo para entender como estos tipos tras 12 discos de estudio pueden aún descolocar todo tu universo y hacerlo trizas en unos pocos minutos.
Y quizás en “In The Waiting Hours”, con esa introducción tan triste y fría como hermosa y atrapante, vemos la joya de la corona dentro del disco, con minutos de melancolía instrumental que dan lugar a la reflexión a solas bajo un hilo de luz entre las paredes de tu habitación, para de forma progresiva ir liberando esos demonios internos que siempre nos atacan o simplemente tenemos dentro de uno o una misma.
Neurosis no solamente han vuelto por todo lo alto, han vuelto a dejar otro testimonio imponente de como hacer frente al dolor, la angustia, el caos y la supervivencia, plasmado en canciones largas, pesadas, abrumadoras y que aún así, son absolutamente necesarias.
Los hard rockeros británicos FM están a punto de desembarcar nuevamente en nuestro país para celebrar los 40 años de su fantástico debut Indiscret y lo harán acompañados por Tygers of Pan Tang de la mano de RM Concerts Promotions.
Los chicos de Saratoga están muy cerca de lanzar su nuevo y esperadísimo trabajo En Estado Puro, el cual podremos conseguir en las tiendas a partir del próximo 24 de abril gracias a Maldito Records y que supone el debut con la banda (al menos en estudio) para el señor Charlie Parra, flamante nuevo guitarrista de la banda madrileña.
Que mejor manera de encarar esta nueva etapa que con un concierto en directo que abra fuego a la gira donde presentarán este trabajo, además de lo mejor de su carrera dividido en tres actos.
Pues bien, la primera ciudad en poder disfrutar de Saratoga y su nuevo disco al completo será Murcia, donde tras el espectacular “Sold Out” del año pasado, ahora volverán a por más en la siguiente fecha:
Kids of Rage en Barcelona: “Desde las entrañas locales”
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Bajo la penumbra de la sala Slow, en pleno corazón de Barcelona, Ferro se encargó de abrir la velada con esa crudeza hermética que define al underground más puro de la ciudad. Fieles a la filosofía DIY, la banda desplegó un muro de sonido post-hardcore denso y visceral, demostrando por qué prefieren que su música hable por encima de cualquier individualidad. Sin concesiones a la galería ni artificios, el cuarteto ejecutó un set marcado por la intensidad emocional de sus trabajos “I”, “II” y su reciente “III”, donde los gritos desgarrados y las dinámicas rítmicas asfixiantes envolvieron a un público que conoce bien los códigos del colectivo. Fue una descarga de energía opaca y honesta, una reafirmación de que en la escena local la discreción es el mejor vehículo para que el mensaje golpee con verdadera fuerza.
Sacramento demostró que su propuesta no es solo música, sino una actitud de combate frontal contra la hipocresía social. Desde el primer segundo, la banda borró cualquier frontera con el público, liderada por un David pletórico que, con el micrófono a dos manos, se encaramó a las primeras filas para fundirse en un mosh pit eterno, escupiendo cada palabra con una rabia visceral. El motor de esta apisonadora fue Marcos, quien haciendo gala de una resistencia sobrehumana al firmar una dupleta a las baquetas, mantuvo un ritmo frenético que golpeaba directamente en el estómago. En las profundidades del averno, Toni desafió los límites de la expresión facial con cada nota de su bajo, aportando esa oscuridad cruda y esencial, mientras que Ramon, el mago de las seis cuerdas, ejerció como la calma en medio de la tormenta; su pasividad virtuosa y su ejecución técnica impecable sin adornos innecesarios fueron el cimiento del muro de sonido que sostuvo toda la actuación.
El despliegue fue un recorrido implacable por su setlist de agresión: arrancaron incendiando la sala con “Reborn”, seguido por la descarga de adrenalina pura de “The Taste of Hell”, su himno predilecto. Continuaron con el mazo de realidad de “No One Hear You Fall”, la velocidad oscura de “The Raven” y la explosión de tensión de “Sharpen Your Knife”. La crítica social más directa llegó con “Four Nails”, dando paso a la introspección agresiva de “Nobody Knows Me” y a la desesperación hecha manifiesto. Tras el estallido de realismo crudo de “No God to Pray”, la banda cerró con un apocalíptico “Mountains of Garbage”, que dejó la sala en ruinas, confirmando que Sacramento es una de las voces más auténticas y necesarias del Hardcore/Punk actual, unificando sonido agresivo, actitud DIY y una presencia escénica que es puro simbolismo de la resistencia urbana.
La sala se convirtió en una auténtica cámara de decibelios cuando los cinco de El Masnou tomaron posiciones. No hubo avisos ni cortesía: el primer golpe de caja de David en “Like Home” fue la señal de guerra para que el medio centenar de presentes colapsara contra el minúsculo escenario. Kids of Rage no vinieron a tocar, vinieron a arrollar. Con Quim encaramado a los monitores, escupiendo cada frase con una rabia visceral, la banda desplegó ese sonido marca de la casa donde el hardcore melódico se encuentra con la violencia más pura. César y Jorge levantaron un muro sónico de guitarras que cortaba el aire denso, mientras Presta machacaba un bajo que retumbaba en el pecho de todos los que se atrevieron a entrar en el mosh pit.
El concierto fue una escalada de intensidad física insoportable. Durante “Resist” y “Keep & Pushing”, la sala ya era un caos de cuerpos volando; el stage diving fue constante, con espontáneos lanzándose desde cualquier rincón sobre una masa humana que los recibía como hermanos. Al llegar a “Wasted Time” y “Memories Never Fade”, el calor era tal que el techo empezaba a “llorar” sobre los amplificadores, pero a nadie le importó. Los sing-alongs en “Talking Vultures” y “The Eternal Runaway” no fueron simples coros, fueron gritos de guerra colectivos que eclipsaron por momentos el equipo de voces, demostrando que la comunidad del Maresme es una familia blindada.
La recta final fue un ataque al corazón. Con “Lluitarem”, el mensaje de lucha en su lengua materna prendió la última mecha de orgullo, transformando el pogo en una marea de puños en alto. La velocidad técnica de “Lone In Crowd” y “Nowhere Fast” puso a prueba la resistencia de los músicos, que no bajaron ni un ápice las revoluciones pese a la falta de oxígeno. El cierre con “Hurry Up” fue el apocalipsis final: una invasión de escenario total donde banda y público se fundieron en un solo bloque de carne, sudor y distorsión. Kids of Rage dejaron la Slow tiritando, demostrando que para el verdadero hardcore no hacen falta grandes estadios, solo cinco tíos con el corazón en la mano y una audiencia dispuesta a dejarse la piel en cada nota.
Fit For a King en Barcelona: “Catarsis en Razzmatazz”
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El pasado 29 de marzo teníamos una de las citas marcadas en rojo en todos los calendarios de los fans del Metalcore. Fit For a King volvían a la ciudad condal tras su paso con Motionless in White en 2025, esta vez como cabezas de cartel y acompañados de, ni más ni menos que: Memphis May Fire, Acres y 156/Silence. Un cartel que hacía pensar que estábamos ante uno de los conciertos más importantes de 2026.
A eso de las 17:30h, Jack y los suyos abrían una velada que presentaba una buena afluencia de público desde primera hora. Con su último trabajo “People Watching” (2024), los estadounidenses 156/Silence, se afianzaron como una de las bandas a tener en cuenta de cara a los próximos años. Pisando Europa por primera vez, dieron un recital de Metalcore Moderno que fue incluso mejor de lo que podía esperar. Temas caracterizados por no tener una estructura típica del género, una sensación de “agobio” perfectamente alineada con las letras, un inconmesurable Jack y un apabullante sonido hicieron de esta primera experiencia algo inolvidable tanto para los más fans de la banda como para aquellos quienes les estaban descubriendo en directo. Cabe destacar que la energía que transmitía el público fue muy elevada desde un primer momento y pudimos disfrutar de unos moshpits poco habituales cuando hablamos de “teloneros”. No faltaron temas como “Better Written Villain”, “Target Acquired”, la más reciente “Our Parting Ways” e incluso un viaje a sus primeros trabajos con “High Dive In a Low Hell”.
A continuación pudimos disfrutar de Acres, una banda que apuesta por un metalcore más “genérico” (en el mejor sentido de la palabra). Pese a que el sonido no acabo de ser todo lo pulido que se podía esperar, los británicos ofrecieron un potente y emotivo concierto que generó una buena recepción por parte del público. Letras con mucho significado y un perfecto equilibrio entre las partes más melódicas y las más pesadas son las que considero la base del éxito de esta banda (sumado a una buena gestión y movimiento de redes sociales). Pudimos disfrutar de temas incluidos en su álbum más reciente The Host (2025) como “Take My Last Breath” o “Bloodlust” y por supuesto, de su canción más popular “My Everything”. En resumen, un concierto que se adaptaba perfectamente al ambiente de la tarde y que nos preparaba para lo que estaba por venir.
Y por fin, sin haber pasado nunca por Barcelona, aparecían en el escenario Memphis May Fire. La archiconocida banda de Metalcore daba comienzo a su concierto con “The Sinner”, canción que forma parte de un álbum que introdujo a muchas personas al género y que todos los fans de la banda llevamos en el corazón (The Hollow, 2011). Un concierto que siguió con “Vices”, que también forma parte de otro álbum legendario como es “Challenger” (2012) y que me sorprendió que fuera el segundo tema en el repertorio del concierto. A partir de allí, pudimos disfrutar de un repaso a sus trabajos más recientes con temas como “Chaotic”, “Blood & Water” o “Misery”. Tras más de 10 años sin pisar España, podemos decir que fue un regreso por todo lo alto. Un sonido que incluso mejoraba las versiones de estudio, un público absolutamente entregado y un Matt Mullins que llegaba en un estado de forma descomunal hicieron de su primer show en la ciudad condal uno que recordaré durante mucho tiempo. Teniendo oportunidad de charlar con varios de los asistentes al concierto, pude comprobar que no eran pocos quienes les consideraban el mayor aliciente del cartel.
Sin mucho tiempo para descansar, era turno de disfrutar de la presentación del que para mi fue top 3 álbums de 2025 (Lonely God). Los texanos Fit For a King daban comienzo a un concierto que poco tuvo que ver con el anteriormente comentado de 2025. Con un set claramente orientado al álbum, los 6 primeros temas fueron incluso en el orden del disco (hecho que no había podido ver nunca y que me sorprendió gratamente) y no podían faltar clásicos como “Backbreaker” o “When Everything Means Nothing”. Un concierto que dejó al público completamente extasiado, moshpits en los que podías ver escenas bastante agresivas y a su vez personas que estaban prácticamente en un trance emocional. Y esa es precisamente la gracia de esta banda, un cúmulo de sensaciones que cada quien refleja a su manera pero que son prácticamente imposibles de evitar. Pese a que es una banda que no necesita ningún tipo de presentación, podemos destacar el impoluto sonido que les caracteriza, un Ryan Kirby que volvió a demostrar que es uno de los cantantes más completos de la escena, Ryan O’Leary y sus ya míticos spins con el bajo y una puesta en escena que nada tiene que envidiar a bandas bastante más conocidas.
Los norteamericanos Converge volvieron este 2026 con su apabullante nuevo disco Love is Not Enough y ahora han tirado la casa por la ventana anunciado Hum of Hurt, un nuevo trabajo de la banda que llegará a las tiendas el próximo 5 de junio a través de Epitaph Records, para alegría y sorpresa de todos sus seguidores.
El MetalMad Fest desvela su cartel completo en su primera edición
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La comunidad de Madrid será testigo de la primera edición del MetalMad Fest, un festival que reunirá a la plana mayor del metal nacional, en sus diferentes variantes y que tendrá lugar el próximo mes de junio.
Para este debut el cartel está liderado por Kabrönes, banda comandada por José Andrea y donde sonarán muchos de los himnos de Mägo de Öz, pero por si fuera poco contará con la presencia de cuatro pesos pesados que completarán un cartel histórico para el género en nuestro país.
Kabrönes
Saratoga
Lépoka
Avalanch
Xeria
Sin duda una apuesta impresionante para debutar por todo lo alto y que se celebrará en la siguiente fecha:
7 de Junio – Madrid – Universidad Autónoma de Madrid
My Body to the Worms, es la última entrega de los australianos Mammon’s Throne, el tercer álbum de estudio en su carrera, iniciada en 2019 y, debo confesar, el primero que cae en mis manos. Ha sido un sorprendente hallazgo: el funeral slam ha infectado mi cerebro.
Se trata de un disco pesado, ominoso, pegadizo y con una sólida calidad musical. Cuarenta y dos minutos de discurso profético repartidos en siete largas pistas, cada una con sus propias señas de identidad.
“Senseless Death” sienta el tono de todo el trabajo: un death metal que se acerca al doom y al black metal. Casi diez minutos de canción, pero con varios cambios que hacen que no suene para nada monótona y que abarcan desde lo instrumental a lo vocal, ya que alterna los guturales de Matthew Miller con algunos pasajes de voz limpia, muy profunda, teatral y llena de matices.
La segunda pieza, “Clandestine Unholy Rites”, no es una canción al uso, sino un corte de tono atmosférico, casi cinematográfico, que incluye sonidos ambientales propios de un cementerio embrujado. Campanas lejanas, tenebrosos susurros y chillidos de animales nos dan paso a la que es en mi opinión, la pieza más memorable del álbum.
Y es que “Elixir” lo tiene todo: es pegadiza, es potente, es oscura y es una canción referencial, pues su protagonista principal es Nosferatu, ¡con un giro! Si bien la letra encaja con lo que conocemos de esta figura vampírica, en el videoclip está encarnado por una mujer (Bailey Dior, estupenda en el papel). La propia banda ha comentado sobre el tema: “Durante el proceso de composición nos propusimos crear un tema directo y contundente, sin florituras, y pensamos que sería divertido incluir influencias del hardcore con un breakdown hacia el final. En broma, bautizamos esta nueva fusión como ‘Funeral-Slam’, una etiqueta que parece haberse quedado”.
Tras eso, tenemos “Every Day More Sickened”, la pieza más rápida en cuanto a ritmo (no así de duración, ya que de nuevo roza los diez minutos). Con letras demoledoras y críticas, que nos hablan de hipocresía y desazón en una era de odio y nos hacen preguntarnos qué puede ser salvado en este mundo cruel. Aporta también un videoclip de inspiración noventera, como un VHS casero grabado en la era dorada del videoclip: la idea es quizás arriesgada pero salen del paso con total soltura.
“At the Threshold of Eternity” es otra pieza de transición, que nos pone en guardia para “An Angel’s Grace”, una canción melancólica, embriagadora y llena de saturación, que juega con los coros y diversas técnicas vocales.
El disco finaliza con “Departed”, canción que también posee un interesante vídeo musical, inspirado esta vez en el western gótico, y con la colaboración de otra figura femenina, la modelo y actriz Bridgette Baini. La banda también comenta: “Sin planearlo, la canción evolucionó hacia una balada oscura, gótica y western. Una atmósfera que la banda siempre había querido explorar, dada nuestra admiración por Fields of the Nephilim, Nick Cave, Wayfarer y la canción ‘They Rode On’ de Watain. Comenzó a ganar intensidad, culminando en un crescendo de black metal, lo cual representa a la perfección la esencia de Mammon’s Throne: la fusión de géneros”. El solo de guitarra que nos encontramos hacia el final de la canción es una manera muy potente de cerrar este interesante trabajo.
En resumen, lo que nos ofrece Mammon’s Throne es dramatismo, oscuridad, ritmo, referencialidad y amor por lo retro, que empapa también la portada de este y de sus anteriores discos. Se le pueden aplicar muchas etiquetas: death, doom, sludge, groove, black y hasta su propia aportación autodenominada “Funeral slam”. Sin embargo, etiquetas aparte, los australianos han encontrado en esta mezcla un sonido propio, muy reconocible y único.
My body to the worms, es un álbum muy completo y bien construido. Un regalo especialmente dedicado a quienes, como yo, sufren de horror vacui y disfrutan dejándose arrastrar por los sonidos más densos. Puede ser re-escuchado hasta la intoxicación sin ningún problema.
La noche primaveral en el enclave del Poble Espanyol arrancó puntual con la energía de Eterns, los encargados de caldear el ambiente en una velada de punk rock y compromiso. A las 20:15, el quinteto de Manresa tomó el escenario para demostrar por qué son un referente del hardcore melódico cantado en catalán.
Abrieron fuego con “Come Out Play” y “Periferia”, marcando desde el inicio un ritmo frenético que no dio tregua. La banda sonó compacta, entrelazando la velocidad propia del género con esas melodías cuidadas que evocan a los mejores Bad Religion. Con “Nit Solitària” y la reciente “Vella Escola”, el Poble Espanyol ya vibraba al unísono; la conexión con el público fue inmediata, especialmente en los estribillos cargados de mensaje social.
Uno de los puntos álgidos llegó con “Ho serem tot”, un himno de resistencia que preparó el terreno para el momento nostálgico y combativo de la noche: su versión de “Ciutat Podrida”. El homenaje a La Banda Trapera del Río fue ejecutado con una rabia impecable, reivindicando las raíces del punk local ante una audiencia entregada.
Cerraron su descarga con “El món és nostre”, dejando el listón altísimo y la adrenalina a tope para lo que vendría después. Eterns no solo cumplió como telonero, sino que dio un golpe de autoridad presentando su nuevo material de Històries d’odi i amor.
Tras la descarga de Eterns, a las 21:00 llegó el turno de Revenja. La banda barcelonesa, consolidada como un nombre propio de la escena Oi! local, transformó la Sala Upload en un hervidero de actitud callejera y ritmos crudos. Su directo, puro street punk de la vieja escuela y sin artificios, arrancó con la declaración de intenciones de “Despierta”, conectando de inmediato con una audiencia volcada en la lucha de clase.
El bloque inicial marcó el paso marcial de la noche. Con “Cançons de Guerra”, tema homónimo de su aclamado segundo álbum, los potentes coros de taberna envolvieron la sala, seguidos por la crítica directa de “Muntatge Policial” y la intensidad emocional de “Cicatrius”. La sección rítmica, contundente y acelerada, no dio tregua al pogo mientras sonaban “Son Tiempos” y “On Anem”, manteniendo las guitarras saturadas pero nítidas en la cercanía del aforo reducido.
El ecuador del concierto llegó con la fuerza de “Sofregit”, el ritmo de “Johnny Too Bad” y la crudeza de “L’Agonia”. Entre canción y canción, las proclamas antifascistas y la honestidad brutal de la banda reafirmaron su identidad política, alcanzando un clímax de hermandad obrera con su tema bandera, “Soms Als Revenja”.
En el tramo final, la energía explotó con la velocidad de “Tu ja No Hi Ets” y la atmósfera combativa de “Runa i Cendra”. El cierre llegó de la mano de “Poble” y un explosivo “Kop de cap”, dejando el listón en lo más alto. Con el catalán como lengua de combate y una puesta en escena visceral, Revenja reafirmó su potencia en directo.
Cuando las luces de la Sala Upload se atenuaron para recibir a Bull Brigade, el ambiente ya estaba cargado de esa electricidad que solo el punk rock con conciencia de clase sabe generar. No era un concierto más; era la parada barcelonesa del tour “Perché non si sa mai” (2026), y la expectación por ver cómo los de Turín defendían su legado de casi dos décadas se palpaba en el aire.
El arranque con “Primo sguardo” sirvió para establecer las reglas del juego. Desde el primer acorde, quedó claro que la barrera del idioma no existía. Eugenio “Eugy” Borra tomó el micro con esa voz áspera pero melódica que es ya una institución en el street punk europeo, logrando una comunión instantánea. Fue el primer vistazo a una noche donde la música actuó como puente emocional entre Italia y Catalunya.
La banda, una maquinaria perfectamente aceitada, encadenó “My Friend”, “Sopra i muri” y “Mai confonderla”. La sección rítmica, con Stefano Gnani al bajo y la pegada contundente de Marco Bertasi en la batería, sostenía un muro de sonido que permitía que la poética de los barrios obreros llenara la sala.
Con “Quaranta”, “Prendere fuoco” e “Il quindicesimo inverno”, la intensidad subió de nivel. En el escenario, la interacción de los músicos era pura energía. Durante “Lividi”, fuimos testigos de un juego escénico vibrante: los guitarristas Diego Cecchetto y Alessio Serena intercambiaron posiciones constantemente, cruzando el escenario para jalear a las primeras filas, demostrando que tras 20 años de trayectoria, la pasión sigue intacta.
Uno de los momentos más esperados fue “Ansia”. Aunque la voz de Samall Ali (Slander) resonaba en el imaginario de todos, fue la interpretación cruda y directa de la banda lo que convirtió el tema en un grito colectivo contra las luchas internas. Le siguieron clásicos como “Boots”, “Ragazza come noi” y la melancólica pero potente “Partirò per te”, que prepararon el terreno para el clímax final.
El tramo final fue una explosión de sentimiento. Con “Cuori stanchi”, la sala ya era un solo pulmón. Sin embargo, el momento definitivo llegó con “Il fuoco non si è spento”. En un gesto de pura actitud punk y entrega, Eugy abandonó la seguridad del escenario para cantar directamente en la primera fila, rodeado de una fanaticada catalana antifascista que desbordó en energía. Fue una simbiosis emocional perfecta: el rugido de Turín abrazando la rebeldía de Barcelona.
La jornada cerró con “Farewell”, un adiós que supo a “hasta pronto”. Bull Brigade no solo trajo su street punk refinado y su hardcore melódico: trajo la prueba de que el fuego de la clase trabajadora, cuando se alimenta de honestidad y guitarras afiladas, nunca se apaga. Frente a la maldad que reina en el mundo, al son de venceremos todo un símbolo internacional de resistencia que sigue vivo en las nuevas generaciones.
Candelabrum Metal Fest se acerca a su cierre de cartel
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El Candelabrum Metal Fest, festival número uno de metal extremo en el país se acerca a su esperado cierre de cartel con las últimas adiciones que ha anunciado, que incluye a increíble talento nacional e internacional que le volará los sesos a los fanáticos más acérrimos del heavy, black, doom, death y grindcore este próximo 12 y 13 de septiembre en la Velaria de la Feria de León.
A través de sus redes sociales, el festival leonense ha anunciado a manera de adivinanza a impresionantes bandas internacionales como los blackers Misþyrming desde Islandia, los pioneros del NWOBHM Cloven Hoof, el brutal death metal sueco de LIK y el denso stoner doom de los mexicanos Vinnum Sabbathi, marcando así la primera participación de una banda de este estilo en el festival.
Los boletos se encuentra ya a la venta a través de la plataforma e.ticket, mismos que se encuentran a punto de pasar a su etapa 2. Aunque por el momento, aún se mantienen en precios desde $2525 en general por un solo día, hasta $5400 por ambos días en VIP.
Faltan tan solo unas cuantas bandas para conocer el cartel completo de la quinta edición de este festival que ya ha adquirido un perfil de culto en fans del género de todo el mundo.
Dos voces clave del metal europeo contemporáneo se cruzan en un formato íntimo y poderoso. Oliver Hartmann (Avantasia, Hartmann) y Chris Bay (Freedom Call) llegan a México con STRINGS 2 SOULS, un show acústico que revela el lado más crudo y melódico del hard rock y el power metal.
Como parte de su gira por Latinoamérica que visita Colombia, Chile y Argentina, el dúo se presentará en Querétaro el 3 de abril en el Centro Cultural el Árbol, en Ciudad de México el 4 de abril en Rebel Rebel, y en Guadalajara el 5 de abril en Hake Al Rey. Dos noches diseñadas para conectar directamente con la esencia de sus canciones, lejos del volumen habitual pero con la misma intensidad.
Este formato, presentado por primera vez en la región propone una experiencia cercana y exclusiva, donde guitarras, voces y narrativa toman el control del escenario, reinterpretando clásicos y cortes clave de sus trayectorias.
Los boletos ya se encuentran disponibles a través de Passline (QRO), Boletia (CDMX) y TicketNow (GDL), con cupo limitado para este formato especial.
Dos noches. Dos ciudades. Una sola oportunidad de ver a Hartmann y Bay desde otro ángulo: más cerca, más humano, igual de contundente.
Gran noticia para los amantes del rock sureño en Argentina. Y es que dentro de poco van a poder vivir el debut de uno de los mayores exponentes del género del siglo XXI. Así es, tras más de 20 años de carrera, finalmente el quinteto de Georgia, Blackberry Smoke aterriza en suelo argentino para compartir su más reciente trabajo discográfico, Be Right Here (2024) y los grandes éxitos que los volvieron en abanderados de la movida southern rock.
De la mano de Noiseground, la cita está pautada para el próximo martes 14 de abril, en Groove (Av. Santa Fe 4389), ubicado en la localidad de Palermo de la Ciudad de Buenos Aires. Las entradas se encuentran disponibles en el sistema de passline.
Fieles a su estilo
Blackberry Smoke es un grupo que desde su nacimiento en el 2000, se ha encargado de llevar adelante una sola misión: levantar la bandera del Rock Clásico fuertemente influenciado en el Blues y el Country, y mantener viva esa llama que artistas como The Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd y ZZ Top empezaron. Con un estilo y sonido sacado de la misma década de los 70’, la banda ha logrado un éxito considerable con trabajos que pusieron en el mapa mundial una subrama del Rock que se creía perdida. De la mano de su líder, Charlie Starr, este conjunto norteamericano ha desarrollado una reputación que los aleja de las modas de turno, y los acerca a la lealtad de una vida en la carretera y con la naturaleza.
Rompiendo récords
Desde su conformación, la banda ha lanzado 8 discos de estudios y múltiples trabajos en vivo. Su constancia y compromiso los ha llevado a grabar con grandes sellos y a cosechar un éxito ascendente que los pone a día de hoy, como uno de los máximos referentes del género. Entre sus obras, resaltan las siguientes:
The Whippoorwill (2012): El álbum con el que dieron el gran salto. Grabado en Southern Ground Records, el sello de Zac Brown, este disco presenta a una banda joven pero firme en presentar un sonido tradicional y propio de los ranchos del sur de Estados Unidos. Con muchos elementos cercanos a la música Country o Folk, esta obra destaca por las grandes melodías vocales de su cantante y por sus composiciones atractivas y con gancho. Sin duda, el mayor clásico de Blackberry.
Like An Arrow (2016): Su quinta obra contó con la colaboración de ni más ni menos, que el legendario Greg Allman. Llegando al número 1 en la lista Billboard Country de Estados Unidos, este trabajo continúa con el espíritu potente y directo que los popularizó, aunque con un énfasis más marcado en el blues.
Be Right Here (2024): Su último trabajo discográfico hasta la fecha. Cuenta con la particularidad de ser la última grabación de su baterista fundador, Brit Turner, quién falleció a unas semanas de su lanzamiento, en marzo del 2024. Con un sonido más potente y moderno, la banda se mantiene fiel a su estilo con una propuesta que a estas alturas, ya se siente más suya que de otros. Una obra que encapsula muy bien la carrera de los de Georgia.
Bonus
Find A Light (2018): Me permito mencionar el disco con el que conocí al grupo. Un trabajo que contiene esa mezcla de Hard Rock con elementos Country muy bien balanceada, aunque con un par de decibeles de potencia extra. De sus obras más electrizantes.
Una vida de hermandad y compañerismo
Desde sus inicios, Blackberry Smoke estuvo integrada por cuatro miembros: su cantante y guitarrista Charlie Starr, el guitarrista Paul Jackson, el bajista y cantante Richard Turner, y su hermano Brit Turner en la batería. Luego con el tiempo, sumarían a sus filas al tecladista Brandon Still, pieza clave en la conformación del sonido definitivo del grupo.
Por más de diez años, la alineación no sufrió cambios ni modificaciones, recalcando el ambiente cercano y familiar que se vivía dentro del seno musical. Incluso lograron incorporar a un músico más, como Benji Shanks, quien asumió el rol como guitarrista como la mandolina, un instrumento de cuerda acústico muy popular dentro de la música Country.
No obstante, el grupo sufrió la trágica pérdida de su batero Brit Turner. El miembro fundador, falleció el 3 de marzo de 2024 a la edad de 57 años, a causa de un glioblastoma diagnosticado en 2022. Tras este golpe, la banda decidió seguir adelante como tributo a su compañero, con Kent Aberle cubriendo el puesto.
De esta manera, la gira de Blackberry Smoke en el país cuenta con la carga emotiva de ser la primera sin Brit Turner en sus filas. Lo que sin duda, marcará un encuentro especial con sus fanáticos.
Udo Dirkschneider: la voz de un clásico que no envejece
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El viernes 1° de mayo, de la mano de los amigos de ICARUS MUSIC, podremos disfrutar de una de las voces emblemáticas y más reconocibles del heavy metal: UDO DIRKSCHNEIDER quien nos agitara con su potencia demoledora en El Teatrito (Sarmiento 1752, C.A.B.A.).
En el marco de su “Ball to the Wall Latin America Tour 2026” UDO, con su voz única, su estatura baja, la vestimenta de camuflaje y el pelo corto rubio, notas identitarias de este vocalista, nos invita a repasar un disco que forma parte de la historia del heavy metal y otros clásicos de su carrera solista. Las entradas se consiguen por sistema Passline.
A más de 40 años de su lanzamiento, la próxima visita de una voz tan reconocible, nos sirve de excusa para hacer unas breves referencias al disco más emblemático de los alemanes ACCEPT.
Una de las formaciones más clásicas de la banda dio a luz esta obra maestra: Udo Dirkschneider (voces), Peter Baltes (bajo), Herman Frank (guitarra), Wolf Hoffmann (guitarra) y Stefan Kaufmann (batería), la cual a pesar del paso del tiempo, de los diecisiete discos de estudio y de los distintos parates a los que se vio sometida la formación a lo largo de su carrera, hoy en día sigue siendo un referente no solo de ACCEPT mismo sino de todo el mundo del heavy metal.
Un tracklist compuesto por 10 canciones:
Balls to the Wall
London Leatherboys
Fight It Back
Head over Heels
Losing More than You’ve Ever Had
Love Child
Turn Me On
Losers and Winners
Guardian of the Night
Winter Dreams
Luego de cuatro álbumes, que habían recibido críticas dispares, el lanzamiento de su quinto disco de estudio colocó a la banda en el ojo del mundo del metal y el rock duro de la época. Hablamos de una época que cuenta con no pocas joyas de la historia del heavy metal, tales como “Kill´Em All” de Metallica o durante el desarrollo de la época dorada de Iron Maiden.
“Balls to the Wall” aportó un sonido crudo, directo y contundente, riffs filosos y, al mismo tiempo, melódicos, temas controversiales para la época (sobre todo en países como los Estados Unidos de América) y sentó las bases para el desarrollo incipiente de distintas variantes del metal. Se trata de un álbum que no solo definió el sonido de la banda, sino que desparrama rebeldía y controversia por sus cuatro costados (tengamos en cuenta las ediciones disponibles de la época).
Cuenta con un tema que constituye uno de los mayores himnos del metal y que todos en alguna oportunidad hemos gritado a viva voz: “Balls to the Wall”. Ese riff potente y candencioso, sumado a la voz rasposa de UDO y la base rítmica, hacen de esta canción un verdadero himno del metal. A ello debemos sumar un estribillo, simple, pero pegadizo que no deja de retumbar en tu mente desde la primera escucha.
El coro y la parte casi narrada de mitad del tema, acompañado de un bajo que suena en primera línea, parecen pensado para su representación en vivo desde su nacimiento.
En un contexto de guerra fría y represión de ideas que intentaran romper con el status quo de la época, la letra de “Balls to the Wall” refleja rebeldía y una declaración sobre la opresión imperante en la época. Representa un grito tendiente a despertar a quienes se encontraban somnolientos ante la realidad imperante en un mundo, muy similar al actual, aletargado y displicente. Quizás eso también sea algo que contribuye a su vigencia: una letra que refleja con precisión el mundo en que fue creada, pero que sigue sonando actual.
También podemos destacar temas como “London Leatherboys” o “Love Child” que, más allá de su fuerza musical, eran letras pensadas para generar controversia en las mentes, muchas veces limitadas, de la época; o “Fight It Back”, donde la maquinaria alemana nos pone delante un tema de puro heavy metal que contiene todos los elementos necesarios para hacerte sacudir el cuello de principio a fin.
Que no queden dudas, hay clásicos que no pierden vigencia, y “Balls to the Wall” y UDO son dos de esos clásicos que no queres dejar pasar.
Nos vemos el 1° de mayo para celebrar parte de la historia del metal.
La banda británica alternativa Basement, ha anunciado su regreso a la escena tras ocho años sin sacar material nuevo y es que el próximo 8 de mayo a través de Run For Cover Records, los chicos lanzarán Wired, del cual ya tenemos el primer single elegido para promocionarlo: “The Way I Feel”.
A pesar del tiempo pasado, la banda sigue sonando como el primer día, emotiva, con energía y combinando de forma exquisita el emo noventero, el rock alternativo y una pizca de pop punk e indie rock.
Os recordamos que la banda pasará por nuestro país en una única fecha dentro del Canela Party Festival de Torremolinos (Málaga) en la siguiente fecha:
27 de Agosto – Torremolinos (Málaga) – Plaza de Toros (Canela Party Festival 2026)
Lujuria pierde a Jesús “El Chepas” Sanz a los 61 años
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El heavy metal español vuelve a estar de luto y es que la banda madrileña Lujuria ha confirmado por medio de su cantante Oscar Sancho, la partida del señor Jesús “El Chepas” Sanz, con 61 años de edad y habiendo sido guitarrista y uno de los fundadores de la banda junto con Oscar.
Uno de los estandarte del heavy metal latinoamericano como son Rata Blanca, volverá de gira por España, donde celebrarán los 35 años de su mítico trabajo Magos, Espadas y Rosas, que los convirtió en una de las bandas más importantes del rock pesado argentino y fuera de las fronteras albicelestes.
Afortunadamente y como ocurrió en su anterior visita, la banda comandada por la dupla Walter Giardino/Adrián Barilari, visitará varias ciudades de nuestra geografía, siendo Málaga su única fecha en el sur de España, así que no te los pierdas y apunta la fecha aquí abajo:
24 de Mayo – Málaga – París 15 (+ Snágora)
Las entradas están a la venta AQUÍ y el resto de la gira es la siguiente:
Kreator presenta el videoclip de “Loyal To The Grave”
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Tras haber arrasado en su última visita a nuestro país, las leyendas germanas del thrash metal Kreator han estrenado su nuevo single “Loyal To The Grave”, el cual viene acompañado de su correspondiente videoclip y que forma parte del último disco de la banda, Krushers of the World, que fue publicado el pasado 16 de enero por medio de Nuclear Blast Records.
En su línea habitual, pero sin perder la furia, la intensidad y ese sonido tan característico que siempre han tenido, los germanos siguen en plena forma y lo podéis comprobar a continuación:
Un sábado de luna llena fue la noche elegida para el ritual. Para la invocación. Para la conmemoración de unas de las obras más importantes y aclamadas del metal gótico como lo fue Wolfheart (1995). Y si hablamos de lobos y luna dentro del metal sólo nos podemos estar refiriendo a una banda: ni más ni menos, que el regreso de los portugueses Moonspellal país.
Habiendo pasado más de 30 años de su icónico debut, el grupo aprovechó este hito para interpretarlo al completo y de forma íntegra por su gira en Latinoamérica, junto con algunos clásicos dentro de su variopinta discografía.
Su parada en Argentina se dio el sábado 21 de marzo, en el centro porteño de la Ciudad de Buenos Aires. El Teatrito fue el sitio que la banda designó para convertir su recital en un templo. En uno con todos los ingredientes listos, para llevar a cabo su ceremonia.
La jornada sólo contó con un acto previo, antes de la salida de los portugueses al escenario, a cargo de Leshy. El elenco de Folk/Black Metal argentino fue el encargado de ir tiñendo el ambiente de negro e ir esparciendo la oscuridad a lo largo del recinto. El resultado fue positivo ya que consiguieron generar un clima misterioso y lúgubre, pese a no contar con el mejor de los sonidos.
Lastimosamente, ese clima no se supo sostener una vez culminada su actuación ya que hubo una diferencia de casi 40 minutos entre ellos y Moonspell. Un tiempo de espera que se aprovechó para charlar y generar entusiasmo entre los presentes. Pero que dejó un hueco llamativo entre una banda y otra. Más teniendo en cuenta, que para la presentación de los locales, no había tanta gente como la hubo cuando se apagaron las luces y se abrió el telón para el plato principal.
Una lluvia de aullidos fue el saludo de recibimiento por parte del público hacia Fernando Ribeiro y su manada, que con alegría e ímpetu dieron rienda suelta a su presentación. Y como era de esperar, “Wolfshade (A Werewolf Masquerade)” fue la pieza de arranque.
Lo que no era de esperar, fueron los distintos problemas técnicos con los que contó la banda durante el principio. Puntualmente, en el bajo y en la pantalla visual de fondo. No obstante, tres décadas de carrera forjan carácter y profesionalismo. Y con estos dos atributos los de Lisboa superaron estas adversidades, con interpretaciones llenas de magia y esencia, que retrataron de forma fidedigna sus versiones de estudio.
Tras un inicio que respetó el orden cronológico del disco, llegó la única modificación planeada. Y es que para sorpresas de todos, la presentación del Wolfheart se vio ligeramente detenida para dar paso a un tema de una etapa algo perdida dentro de la carrera de los lusitanos, que es ni más ni menos sus comienzos “blackers” en Under The Moonspell (1994). De modo, que “Tenebrarum Oratorium (Andamento I)” tomó ese testimonio y nos retrajo a los Moonspell más salvajes y tenebrosos. Un regalo para los fanáticos más clásicos, y una muestra de cómo el grupo reconoce y se enorgullece de su pasado.
El show continuó con un segmento más fiestero y de taberna con piezas como “Trebaruna” y “Ataegina”, el bonus track del disco que Fernando Ribeiro aprovechó para comentar que casi queda fuera del disco porque la gente del sello sentía que no encajaba con la tónica de la obra porque daba la impresión de que era “una invitación a beber”. Y algo de razón tenían los de la discográfica, porque durante este tema se armó un clima más propio de San Patricio que de un recital de Moonspell.
No obstante, la oscuridad y teatralidad volverían a tomar protagonismo de la mano de “Vampiria”, uno de los máximos hits de la alineación y “An Erotic Alchemy” dónde resaltó la vocalista femenina, Eduarda Soreiro, que a lo largo de su presentación construyó momentos de dramatismo y belleza llenos de química junto a Ribeiro.
Como no podía ser de otra forma, “Alma Mater” fue el broche de oro definitivo para la interpretación completa del disco en vivo. Y a su vez, el punto de mayor explosión de la noche, con la gente agitando el puño en alto y cantando de principio a fin cada estrofa. Un momento de comunión entre la banda y su público en dónde no hubo barreras por el idioma y se habló mediante el lenguaje de la música.
Tras un breve descanso, los músicos abordaron la senda final del show acudiendo a algunos clásicos infaltables dentro de su catálogo. El primero en ser barajado fue “Opium”, que mantuvo la chispa ardiente y explosiva en la audiencia. “Extinct” y “Everything Invaded” demostraron que el grupo no sólo compuso éxitos en su juventud sino que cuenta con hits más modernos.
La ceremonia culminó con una oda a la luna llena como lo es “Fullmoon Madness”, que despidió a la banda entre aullidos, tal como al inicio.
La satisfacción fue total. El impacto musical también. Moonspell dio una muestra de elegancia, dramatismo y tenebrosidad. Un llamado a su manada, la cual respondió con fidelidad. Las adversidades técnicas quedaron en la anécdota. Y mientras el grupo prepara el lanzamiento de su nuevo disco, en mi cabeza aún sigue resonando el hechizo: “Virando costas ao mundo, Orgulhosamente sós, Glória antiga, volta a nós!, ALMA MATEEEEEERRRR!”
Tras dos excelentes trabajos, la reina del hard rock melódico actual Chez Kane, ha estrenado Reckless, su esperadísimo tercer disco, que aunque se ha hecho esperar un poquito más de lo deseado, vuelve a posicionarla como una de las artistas más destacadas de la escena en estos últimos años.
En estos diez nuevos tracks, la artista galesa sigue circulando la senda del hard rock de corte ochentero, claramente melódico y que evidencia que no hace falta cambiar el mundo con un disco, si se hacen bien las cosas y mantiene el nivel que uno espera de esta chica.
El disco abre fuego con el corte que le da título y podemos comprobar como su voz sigue sonando ideal en este tipo de canciones, con esa base que recuerda a Bon Jovi e incluso la versión mas rockera de The Bangles y te imaginas ya en un venue lleno de gente, con tus vaqueros ajustados, cerveza en mano y cantando con el puño en alto el estribillo, el cual es digno de la época a la que Kane rinde su particular y personal homenaje.
Con “Personal Rock N’ Roll”, la cantante acelera un poquito y te transmite esa energía y desenfado que la canción presenta, con una melodía irresistible y unos coros acertadísimos.
El solo de guitarra termina por adornar de forma más que notable la pieza.
Las revoluciones bajan un poco, pero no así, la intensidad y es que “Night of Passion”, nos muestra el lado AOR de Chez y lo bien que se desenvuelve en el mismo, con un descaro y unas intenciones de conquistarte y vaya si lo logra.
En “Strip Me Down”, podemos ver como a pesar de no haber nacido en los días dorados de aquella época, la cantante plasma como pocas (quizás H.E.A.T. podrían ser su versión masculina) las canciones de este estilo, su voz sigue a pleno endiablada y melódica a la que añade un estribillo que no se te borrará de la mente, una vez pulses el play.
Y aunque a los “Trves”, les moleste, esta chica despliega una sensualidad más que evidente a lo largo de todo el disco, por eso no es de extrañar, que encienda el ambiente en el binomio que conforman “Tongue of Love” y “Love Tornado”.
La primera, viene con el bajo marcando el ritmo y un aroma a Whitesnake, Danger Danger, Vixen y el Sunset Strip, que deja poco a la imaginación ya que sería un corte perfecto para cualquier “Night Club” de Hollywood Boulevard, un sábado por la noche.
Por el contrario, en la segunda, las guitarras vuelven a brillar y la morena hace de las suyas con su voz en un corte que claramente podría ser banda sonora de cualquier película de los 80 o incluso una de mitad de los 90, protagonizada por una rubia por todos conocida…no hace falta que de más pistas verdad?
Como en su día “Dangerzone” o “Nationwide”, este representa el lado más cañero de Chez Kane y supone uno de los mejores (si no el mejor) cortes del disco.
Y con “Bad Girl”, que bien podría pasar por un tema de (las ya extintas) Cobra Spell, la línea se mantiene y caer en los encantos de esta chica, se hace cada vez más difícil, algo que se acentúa con la poderosa “Too Dangerous”, donde destaca el estribillo y como Chez rasga su voz para mostrar su lado cañero y macarra, con un excelente resultado.
Con la hard rockera “Bodyrock”, que trae a la memoria bandas como Europe y Survivor, el disco llega a su fin, haciéndose más corto de lo que parece y con algunos puntos que comentar.
Para empezar es una más que digna continuación de su anterior trabajo, claramente esta chica sabe donde esta parada y cual es su objetivo dentro de la música y es poder llegar a la mayor cantidad posible de gente, siendo una “Rompecorazones” actual llena de talento y mucha actitud.
Quizás, podría habérsele exigido un poquito más de variedad entre las canciones, sobre todo en la segunda mitad del disco, pero ni eso empaña un gran trabajo y que si no fallan las cosas, debería posicionarla un poquito más arriba de lo que ya está.
Chez Kane sigue pletórica y sin apenas rivales dentro de su escena, pero debe mantener la línea para llegar a la altura y estatus de los grandes nombres femeninos que la influenciaron… El futuro lo tiene en sus manos, ojalá lo sepa aprovechar.
El pasado viernes 27 de marzo, Lennons Club volvió a quedarse pequeño para recibir a Taake en su regreso a Barcelona, en una cita organizada por Manguales Extremme Union que agotó entradas y reunió a un público entregado desde mucho antes de que se apagasen las luces. Por motivos personales me perdí a la banda telonera, así que mi crónica arranca directamente con la sala ya en ebullición, con ese murmullo denso que anticipa una noche intensa. No era difícil preverlo: cada visita de los noruegos se ha convertido en un ritual para los seguidores del black metal.
Cuando arrancaron con “Nattestid ser porten vid VII” y enlazaron con “Over Bjoergvin graater himmerik IV”, quedó claro que el repertorio iba a mirar de frente a su primera etapa. El sonido, pese a las condiciones habituales de la sala, logró transmitir esa crudeza tan característica, con las guitarras cortando el aire mientras la voz se abría paso entre una mezcla que por momentos parecía querer desbordarse. Las luces, horrorosas como siempre, jugaban en contra, poco tenían que ver con la atmósfera que la banda construía, aunque eso, lejos de frenar al público, parecía formar parte del caos esperado.
“Hordalands doedskvad III” marcó uno de los primeros picos de la noche, con la sala completamente entregada pese a lo apretado del espacio. El escenario prácticamente le quedaba pequeño al grupo, obligando a los músicos a moverse con cierta contención, algo que contrastaba con la intensidad que proyectaban. “Umenneske” añadió un matiz más contemporáneo al set, mostrando la evolución del sonido sin perder esa identidad áspera, mientras “Nordbundet” y “Denne forblaaste ruin av en bro” mantuvieron la tensión en alto, con un público que ya no buscaba comodidad, sino simplemente mantenerse en pie y formar parte del momento.
El tramo central continuó con “Fra vadested til vaandesmed” y “September omsider”, donde la banda jugó más con las dinámicas, alternando pasajes más densos con otros ligeramente más abiertos. A esas alturas, moverse por la sala era prácticamente imposible: el sold out se hacía notar en cada rincón, con gente viendo el concierto como podía, estirando el cuello entre hombros o dejándose llevar por la marea humana. Aun así, el ambiente era de comunión total, de esos en los que cada tema es recibido como una descarga necesaria.
El cierre llegó con una combinación que apelaba directamente a los seguidores más fieles: “Hordalands doedskvad I” seguida de “Nattestid ser porten vid I”, cerrando el círculo con una sensación de coherencia dentro del caos. La banda se mostró sólida, sin florituras innecesarias, centrada en ejecutar un repertorio que, pese a las limitaciones del espacio y la cuestionable iluminación, logró imponerse por su propia fuerza y un excelente sonido.
La agenda de Track To Hell para abril en España llega cargada de conciertos de rock, punk y metal, consolidando la primavera como uno de los momentos más intensos del directo. El mes combina bandas consolidadas con propuestas emergentes que mantienen vivo el pulso del underground, recorriendo estilos que van del rock alternativo al metal más contundente.
Entre descargas de actitud punk, noches de hard rock y shows de metal sin concesiones, abril se presenta como una oportunidad perfecta para sumergirse en la música en vivo: riffs afilados, energía desbordante y una escena que sigue vibrando con fuerza.
ZEKE Fechas: 2 de Abril en Valencia y 3 de Abril en Barcelona.
Arima Fechas: 4 de Abril en Barcelona
Stoned Jesus + Wheel Fechas: 8 de Abril en Madrid y 9 de Abril en Barcelona.
FM Fechas: 9 de Abril en Barcelona, 10 de Abril en Zaragozam 11 de Abril en Pamplona y 12 de Abril en Madrid.
Infected Rain + Butcher Babies + Black Spikes Fechas: 11 de Abril en Barcelona y 12 de Abril en Madrid.
Lucifer
Fecha: 13 de Abril en Barcelona
Lord Of The Lost + Dogma + League Of Distortion Fechas: 14 de Abril en Madrid y 15 de Abril en Barcelona.
Full of Hell + The Body + Jarhead Fertilizer + JAD Fechas: 16 de Abril en Madrid y 17 de Abril en Barcelona.
Shiraz Lane + Strangers Fechas: 16 de Abril en Madrid y 18 de Abril en Barcelona.
Kælan Mikla Fechas: 17 de Abril en Madrid y 18 de Abril en Barcelona.
Hamlet Fecha: 17 de Abril en Barcelona.
Winds Of Agony Fechas: 17 y 18 de Abril en Barcelona.
Acherontia + Monogordo Fecha: 18 de Abril en Barcelona.
Dark Moor Fecha: 18 de Abril en Madrid.
Koma Fecha: 18 de Abril en Madrid.
1914 + Katla Fechas: 20 de Abril en Madrid y 21 de Abril en Barcelona.
Saxon Fechas: 24 de Abril en Barcelona, 25 de Abril en Bilbao y 26 de Abril en Madrid.
Machine Head Fechas: 25 de Abril en Pamplona, 27 de Abril en Madrid, 29 de Abril en Malaga y 30 de Abril en Barcelona. Robert Jon & The Wreck Fecha: 29 de Abril en Barcelona
Exhumed + Gruesome Fecha: 29 de Abril en Barcelona Benediction Fecha: 30 de Abril en Madrid
Avalanch Fecha: 30 de Abril en Malaga
Opera Magna estrena “El Demonio de la Perversidad” junto a una invitada de lujo
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Los power metaleros valencianos Opera Magna han estrenado el lyric video de “El Demonio de la Perversidad”, uno de sus himnos míticos extraído del disco Poe, el cual cumple ya 15 años y que mejor manera de celebrar aquel fantástico álbum que con una versión actualizada de este clásico.
Pero la banda se guardo un as ganador bajo la manga y es que en esta nueva versión han contado con la colaboración especial de Diva Satánica, vocalista de Bloodhunter y una de las mejores voces dentro del metal extremo dentro de nuestra geografía.
Podéis ver y escuchar el explosivo resultado de esta colaboración aquí abajo:
Exit Eden confirma una baja inesperada en sus filas
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Las cosas parecían tan felices y todos estábamos tan ilusionados de cara al debut de Exit Eden en nuestro país, como invitadas especiales en la próxima gira europea de Kamelot, que su último anuncio ha sido un jarro de agua helada para los que seguimos al grupo desde sus comienzos.
Pues si amigos, las chicas han confirmado que Marina La Torraca no estará presente en esta nueva gira, debido a que su trabajo al frente de Battle Beast le ocupa todo su tiempo en la actualidad, con lo cual no podrá estar disponible para ensayar con sus compañeras Clementine Delauney (Visions of Atlantis) y Anna Brunner (League of Distortion), siendo un anuncio tan inesperado como entendible.
Exit Eden seguirá adelante y veremos quién es la vocalista que ocupa el puesto de Marina en la banda, podremos verlas en las siguientes fechas:
21 de Noviembre – Barcelona – Razzmatazz (+ Kamelot + Temperance)
22 de Noviembre – Madrid – La Riviera (+ Kamelot + Temperance)
Matthew Miller (Mammon’s Throne): “Suelo escribir sobre temas que me causan angustia mental… a modo de catarsis.”
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Mammon’s Throne es una interesante banda australiana de Doom Death Metal, con un sonido único, pesado y ominoso. Su último trabajo, “My body to the worms”, me ha dejado personalmente hipnotizada. Y hoy tenemos la suerte de hablar de todo esto con Matt, su vocalista y letrista.
Buenos días y muchas gracias por concedernos esta entrevista.
En primer lugar quiero felicitaros por el nuevo disco, el tercero de vuestra carrera. “My body to the worms” es un trabajo impresionante, pesado, ominoso, e hipnótico. ¡Se ha metido en mi cabeza!, por favor ¿podéis hablarme un poco más del proceso creativo del disco?
Muchas gracias por contactarnos y charlar con nosotros. Me alegro mucho de que estés disfrutando del álbum. Ha sido un largo camino hasta que por fin ha visto la luz y estamos encantados de que ya esté disponible.
Solemos componer las canciones todos juntos en la sala de ensayo. Normalmente, alguien trae una idea y a partir de ahí la desarrollamos improvisando juntos. Excepto en “Every Day More Sickened”, todas las voces se componen sobre la marcha y se perfeccionan tras ensayar las partes varias veces. A veces, otro miembro de la banda tiene una idea que encaja bien con la original en la que estamos trabajando, o simplemente se nos ocurre sobre la marcha. Es un proceso muy orgánico y parece que nos ha funcionado bien hasta ahora. Nos esforzamos mucho para que el resultado final sea coherente y se ajuste a la narrativa que queremos transmitir en cada canción.
Es un álbum muy completo, en el que habéis incluido algunas piezas especiales que sirven de transición a otras y en las que habéis introducido elementos extra, que van más allá de la formación instrumental de la banda: como “At the Threshold of Eternity” con ese teclado tan bello y como “Clandestine Unholy Rites”, muy atmosférica, con sonidos propios de un cementerio embrujado. ¡Muy impresionante! Quería preguntaros ¿es difícil componer algo así?, ¿le daréis un uso en los directos?
De hecho, compuse “Clandestine Unholy Rites” antes de terminar el álbum para usarlo en nuestros conciertos como introducción a “Elixir”, así que tenía mucho sentido incluirlo en el álbum para transmitir ese aspecto de nuestros shows y capturar esa misma atmósfera. Nuestro guitarrista principal, Amesh, compuso y grabó “At the Threshold of Eternity” para introducir la segunda cara del disco cuando estábamos pensando en cómo sonaría el álbum en formato LP físico. También fue compuesta para que encajara bien con “An Angel’s Grace”.
No diríamos que fue difícil, porque fue muy divertido trabajar con paisajes sonoros e instrumentos diferentes a los del resto de las canciones. Amesh y yo somos apasionados de la grabación, el trabajo con sintetizadores y la producción de audio en general, así que fue un proceso muy agradable.
Hablando de ese “Clandestine…” quería preguntaros por la canción que suena a continuación: “Elixir”. Me ha cautivado, tanto por su sonido (que habéis calificado de “Funeral Slam”), como por su sugerente videoclip: me llama mucho la atención elegir a una mujer para el papel de Nosferatu, decisión que aplaudo (y Bailey Dior está estupenda). Por favor, habladme más de la canción y el vídeo.
Teníamos muchas canciones extensas y complejas escritas para el álbum y sabíamos que queríamos incluir algo un poco más simple y contundente. También se nos ocurrió la idea de probar un breakdown con influencias hardcore en una canción, y esto nos llevó a “Elixir”. La letra de “Nosferatu…” originalmente era solo un estribillo provisional, pero después de probar otras ideas, ninguna impactó tanto y terminó siendo la elegida, y el resto de la letra de la canción se escribió alrededor del estribillo.
Cuando decidimos que queríamos hacer al menos un vídeo musical para acompañar el álbum, “Elixir” fue la opción obvia para nosotros. Amesh habló con su pareja, Bailey, y ella estaba muy entusiasmada por participar. Nos gustó la idea de que Nosferatu fuera una mujer, ya que es algo diferente a la representación habitual. Se nos ocurrieron muchas ideas para escenas que podríamos filmar de manera realista en un videoclip y encontramos un espacio que funcionaba extremadamente bien para la idea, con muchos accesorios y ambientación que se prestaban sin esfuerzo al tema. Nuestros colaboradores nos prestaron una ayuda increíble en todo, desde el maquillaje hasta la ambientación, y fue un placer trabajar con el videógrafo Lord Rob Satan. Logramos grabar todo en un solo día y estamos sumamente satisfechos con el resultado.
“Departed”, otro de vuestros singles con videoclip, parece seguir esta fórmula maestra, bebiendo de la imaginería cinematográfica (esta vez del gothic western) y dando un protagonismo elegante a la figura femenina de Bridgette Baini. Pese a estas similitudes, ambas suenan muy diferentes y únicas. Ese “my body to the worms” tras el breakdown de la canción me parece sublime. Habladme por favor también de esta pieza.
Este tema surgió de una sencilla progresión de acordes que Amesh aportó, una especie de vals sombrío. Johnny, nuestro guitarrista rítmico, y yo somos grandes fans de la banda Wayfarer y de la atmósfera gótica occidental que aportan a su black metal. También soy un gran fan de Fields of the Nephilim, que hizo algo similar con la música gótica allá por los 80. Sabíamos que esta era la base perfecta para dar rienda suelta a nuestra creatividad y hacer una interpretación del tema al estilo de Mammon’s Throne. Tras disfrutar tanto de la creación del videoclip de “Elixir”, decidimos hacer dos más, y “Departed” fue la siguiente canción que abordamos. Johnny ideó un magnífico storyboard para las escenas y, muy amablemente, nos cedieron el espacio de arriba de uno de nuestros locales favoritos, “The Bendigo Hotel”, para filmar. Trabajamos con el mismo videógrafo que para “Elixir”, pero conseguimos capturar una atmósfera completamente diferente. El nombre del álbum se tomó posteriormente de la letra final de esta canción.
Ya que hemos pasado por dos canciones con influencias del cine, y sabiendo que tomáis el nombre en un principio de los cómics de Spawn. Quiero preguntaros, ¿hasta qué punto la cultura underground es una fuente de inspiración para vosotros? (los cómics, literatura pulp, cine de terror, videojuegos…)
Aunque no solemos escribir canciones directamente sobre películas o franquicias de videojuegos, estas influyen en algunas de mis letras y forman parte importante de mis aficiones, por lo que son una parte fundamental de mi personalidad. Por ejemplo, “Abhorrent Skies”, del primer álbum, está inspirada en “Expediente X” y usamos algunos sonidos de la serie original como introducción cuando tocamos esa canción en directo. H.P. Lovecraft y sus mitos de horror cósmico también son una gran inspiración. Algunos fans de Warhammer 40K quizás hayan notado la primera línea de “Return Us to the Stars”, que dice “All is dust…”. Esas son algunas de nuestras referencias.
Además, tocáis grandes temas universales: la codicia, el existencialismo, la oscuridad del alma humana… ¿Hasta qué punto la crítica social y la filosofía son fuentes de inspiración para vosotros?
Suelo escribir sobre temas que me causan angustia mental en mi vida personal, a modo de catarsis, y encajan a la perfección con la música profundamente emotiva de la banda. No diría que me interese mucho la filosofía; son más bien observaciones sobre el lado oscuro del mundo que nos rodea.
Sois una banda con rodaje, pero relativamente joven, aún no habéis cumplido los 10 años juntos. Y sin embargo vuestro sonido se nota muy depurado, tenéis un registro muy propio y característico, que otras bandas tardan mucho más en alcanzar. ¿Cómo ha sido este viaje para encontrar vuestro sonido?, ¿o quizás es algo que se estableció desde el principio?
El tiempo se nos ha pasado volando y creo que la pandemia tuvo mucho que ver. Estuvimos en confinamiento estricto poco después de lanzar nuestro primer álbum, y la pausa que esto provocó hizo que nuestro segundo álbum saliera bastante más tarde de lo previsto. En realidad, parece que solo llevamos unos cinco o seis años como banda activa debido a esta pausa involuntaria en las giras y los ensayos. En retrospectiva, nos dio tiempo para reflexionar sobre la dirección que queríamos darle a la banda, y salimos del confinamiento con mucha agresividad y energía reprimidas que se tradujeron en la incorporación de más elementos de Black y Death Metal en nuestra música. Ya estaban presentes en el primer álbum, pero no tan integrados en la atmósfera general como ahora, y estamos muy cómodos y satisfechos con la identidad de la banda tal como está ahora.
También quisiera preguntaros por el aspecto estético de la banda. Está claro que os gusta lo retro, tanto en los vídeos (lo hemos visto especialmente en “Every Day More Sickened”), como en la portada de los discos que también tienen un estilo de alguna forma clásico (aunque con vuestro toque único). ¿En qué os inspiráis en el apartado estético de la banda?
Somos grandes admiradores del arte impactante y llamativo, y los 80 y principios de los 90 sin duda lo tenían en abundancia. Tenemos la suerte de contar con un grupo de amigos cercanos que son artistas radicados en Melbourne, y su estilo retro de heavy metal complementa a la perfección la música de nuestra banda.
Oscar Bonin, quien realizó el arte de “My Body to the Worms” y del álbum anterior (“Mammon’s Throne”, homónimo de la banda), encaja a la perfección con nuestro sonido y siempre logra crear algo que nos deja boquiabiertos. También hemos trabajado mucho con Dave Long/Thulsa Doom, quien diseñó nuestro logo y otras obras de arte. Nos encanta poder apoyar a artistas locales y la simbiosis natural que existe entre el arte y nuestra música.
El vídeo de “Every Day More Sickened” fue un esfuerzo consciente por recrear los gloriosos días de MTV y Rage en Australia, ya que estos vídeos fueron los que nos influyeron cuando éramos jóvenes y estábamos descubriendo el metal por primera vez.
Por cierto, “Every Day More Sickened” es una pieza estupenda y totalmente única y la cual vosotros habéis señalado en entrevistas que era la que más ilusión os hacía mostrar al público: ¿por qué es así? y ¿está teniendo la acogida que vosotros esperábais?
Esta fue la última canción que escribimos para el álbum y sentimos que representaba todo lo que la banda tenía para ofrecer. La terminamos el día antes de grabar el álbum y la sensación de alivio al completarla y el triunfo que sentimos al escucharla grabada fue eufórica. Dicho esto, hay muchas emociones personales en la banda en torno a la canción y parece que a los oyentes también les ha gustado mucho. Creo que la letra está conectando con mucha gente y también aprecian todos los giros y cambios que toma la canción.
Todo lo que llega desde Australia suele triunfar muchísimo en España: ACDC, Mad Max y, por supuesto, Bluey 🙂 En los 90 todos los adolescentes españoles estábamos obsesionados con “Heartbreak High”. ¿Hasta qué punto la identidad de la banda está ligada a la identidad de vuestro lugar de origen?
Creo que nos hemos sentido un poco como la oveja negra de la escena doom de Melbourne, ya que nos hemos inclinado cada vez más hacia las influencias del doom europeo en lugar del sludge sucio y el stoner doom de muchos de nuestros compatriotas, que son geniales por derecho propio. Así que, en cuanto al sonido, no estamos seguros de que haya una gran influencia, sino más bien la cultura, la fuerza y la musicalidad de la escena en sí. Hemos recibido un apoyo increíble de otras bandas y del público desde el principio y estamos eternamente agradecidos a todos con los que hemos compartido escenario o nos han contratado, y también a todos los que siguen viniendo a apoyar la escena del metal australiano. ¡Ojalá podamos añadirnos a la lista de exportaciones australianas que triunfan en España! Sin duda, hay muchas bandas australianas que merecen más reconocimiento internacional.
Actualmente estáis trabajando en la promoción y gira de “My body to the worms”: ¿cómo está siendo acogida esta nueva etapa de Mammon’s Throne?, ¿tendremos la suerte de poder disfrutarlo en directo en España en el futuro próximo?
Diría que está teniendo una muy buena acogida. Siempre buscamos mejorar nuestros conciertos y la respuesta del público nos confirma que esto se está transmitiendo claramente. Fue genial poder tocar el nuevo álbum completo en nuestro concierto de lanzamiento en Melbourne ante un público que estaba allí para celebrar con nosotros, y su apoyo con la venta de merchandising fue fenomenal.
Estamos buscando la manera de ir a Europa próximamente. Cuantos más fans apasionados tengamos, más fácil será lograrlo, así que esperamos que la gente hable de nosotros a sus amigos y se haga oír. La colaboración con Hammerheart nos ha abierto muchas puertas y estamos listos para darlo todo.
Muchas gracias por vuestro tiempo y vuestras respuestas. Enhorabuena por el buen trabajo.
A estas alturas de la historia, pedirle a Exodusque reinvente la rueda es un ejercicio inútil. Sin embargo, su nuevo álbum, Goliath (2026), nos pone frente a un espejo incómodo: ¿cuánto peso tiene el legado frente a la frescura? Tras darle las vueltas necesarias al disco, la conclusión es agridulce. Es un álbum que cumple con el manual de estilo, pero que difícilmente logre escalar al podio de sus clásicos.
El trabajo de Gary Holt en las guitarras sigue siendo el motor de la banda; sus riffs son precisos, punzantes y mantienen esa agresividad que los caracteriza. No obstante, aquí es donde entra tu punto: el disco no sobresale. Se siente como una continuación lógica y segura de Persona Non Grata, pero sin ese hambre de gloria que sentíamos en décadas pasadas.
Los adelantos nos dejaron un sabor algo tibio. Canciones que, serán efectivas en el mosh pit, resultan un tanto “flojas” en su estructura lírica y compositiva. Si bien se destaca la energía de temas como el homónimo “Goliath”, pero realmente la banda se mueve en una zona de confort técnica de la que rara vez deciden salir.
Curiosamente, lo más interesante del álbum ocurre cuando deciden soltar el freno de mano del Thrash tradicional. Como bien se pude notar en la última pieza del disco es la que realmente captura la atención. Mientras que el resto del álbum puede sentirse como una ráfaga de velocidad estándar, el cierre —con matices más oscuros y una estructura más épica— demuestra que Exodus todavía tiene una capacidad narrativa superior cuando se aleja de los clichés del género. Es en esos momentos de experimentación y densidad donde la voz de Rob Dukes encuentra matices que no se ven opacados por la velocidad de los tracks iniciales.
Goliath es un recordatorio de que Exodus sigue siendo el “equipo de demolición” de la Bay Area, pero carece de ese factor sorpresa que separa a un buen disco de uno memorable. Es un trabajo sólido para los fanáticos acérrimos, pero quizás un tanto monótono para el oyente casual que busca algo más que solo agresividad técnica.
Un mazo pesado, pero que golpea en los mismos lugares de siempre.
Como argentino viviendo en Dinamarca, una de las cosas que más pueden chocar es el clima. A mí, particularmente, el frío no me molesta, así que rara vez me quejo. Pero este último invierno se fue de rosca y ya se hacía necesario que la temperatura empiece a subir un poco.
Lo que ocurrió el viernes 20 en Copenhague fue una respuesta totalmente desmedida: el “Freedom or Death Tour 2026” de Kataklysm convirtió una noche más en un auténtico infierno que quedó grabado en la piel de todos los presentes.
Las puertas del infierno se abrieron puntuales con Blood Red Throne, quienes pisaron el escenario con un set ajustado de media hora y siete canciones. Demostraron rápidamente que en Noruega no todo es black metal. Con miembros ligados a Satyricon y Emperor, desplegaron un death metal brutal y podrido que hizo agitar al puñado de gente que había llegado temprano.
De la mano de su guitarrista —un calco de Dimebag Darrell— empuñando una icónica Dean, la banda mostró un estilo cercano a Cannibal Corpse, con destellos técnicos muy sólidos. Se ganaron al público hablando en danés y dejaron la vara alta desde el inicio.
Luego fue el turno de los legendarios Vader. Durante 50 minutos dieron una verdadera cátedra de cómo mezclar death metal con pinceladas de thrash y speed cargado de groove. Resumir más de cuatro décadas en menos de una hora no es tarea fácil, pero lo lograron repasando clásicos de todas sus épocas sin perder potencia.
Mención especial para el sonido en Pumpehuset. Un lugar que a veces flaquea en shows de este tipo, pero que esta vez respondió a la perfección. Vader sonó nítido y aplastante, manteniendo a la audiencia en un pogo constante.
El cierre quedó en manos de los canadienses Kataklysm, que no solo mantuvieron el nivel, sino que lo elevaron. Con su característico death metal melódico y técnico, liderados por la voz áspera pero sorprendentemente clara de Maurizio Iacono, transformaron la sala en una caldera.
Abrieron con “Push the Venom”, seguida por “Thy Serpent’s Tongue”, y sin bajar la intensidad encadenaron “Goliath” con “Die as a King”, ambas del material más reciente.
La batería fue, sin dudas, una de las grandes protagonistas. James Payne desplegó el famoso “Northern Hyperblast” con una precisión y velocidad demoledoras, incluyendo varios pasajes solistas que dejaron al público atónito. Tras semejante desgaste físico, no sorprende que varios de sus predecesores hayan sufrido lesiones.
El momento más reflexivo llegó con “The Rabbit Hole”, donde Iacono bajó la intensidad para compartir un mensaje sobre la situación actual del mundo, generando una conexión más profunda con la audiencia.
La recta final fue un festín para los fans de la vieja escuela. “The Resurrected” y “In Shadows & Dust” llevaron el pogo a su punto máximo, seguidas por “As I Slither”. La brutalidad continuó con “Bringer of Vengeance” y “Crippled & Broken”, manteniendo una cohesión sonora impecable.
Para el cierre, eligieron “At the Edge of the World”, junto con “Narcissist”, “The Black Sheep” y finalmente “Elevate”, completando un recorrido sólido por más de dos décadas de carrera.
En definitiva, fue una de esas noches donde la euforia se respiraba en el aire. Salir a la calle con los oídos zumbando y la adrenalina todavía al máximo es la mejor prueba de que el death metal sigue más vivo que nunca. Entre el mosh constante, la brutalidad sin concesiones y ese sentido de hermandad que se generó durante el show, quedó claro que no fue solo un recital: fue un ritual.
Symphony X en Buenos Aires: “Un regreso lleno de lujo y maestría”
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30 años de carrera no son poca cosa. Es una gran cantidad de tiempo. Ni más ni menos que tres décadas. Y en el caso de Symphony X, han dedicado esa considerable cantidad de tiempo a la música, a los recitales y a sus fans. Con un compromiso inquebrantable por esta profesión, los maestros y referentes del Metal progresivo regresaron a la Argentina el pasado martes 17 de marzo para repasar y celebrar sus 30 años de trayectoria musical.
La cita tuvo lugar en el Teatro Flores. Y para tratarse de un martes, he de decir que desde temprano ya se encontraba una gran cantidad de fanáticos en las puertas del recinto, a la espera del show. Y no era para menos. 2019 había sido la última vez que el conjunto norteamericano había pisado el país. 7 largos años. Aunque hablando con conocidos adentro, para más de uno pareció haber sido más tiempo.
Así que bajo este clima lleno de ansia y expectativa, fue que el público se conglomeró en las puertas del teatro, para ser recibidos por la furia y potencia de Virthual. El grupo liderado por el vocalista Pablo Díaz ejerció su rol como único acto nacional de soporte y tal como habían hecho en la fecha que abrieron para Hammerfall (en noviembre del año pasado), desplegaron su electrizante propuesta, intercalando entre terrenos más melódico y otros más sucios. ¿El resultado? Una actuación que consiguió enchufar a la gente y lanzar los primeros destellos de fuego de la noche.
Quién tomó esta antorcha ardiente que era el público apasionado fue el señor Andy Addams. Este “guitar hero” tomó el relevo y sin mucha presentación, se encargó de entregar una elevada dosis de virtuosismo y velocidad con su instrumento. Junto a Elizabeth Schembrí en bajo y Chucho Romero en batería, ofrecieron una gala instrumental resplandeciente, llena de técnica y elegancia, y en la que cada músico tuvo espacio para lucir su talento y destreza.
¿Lo más destacado? Sin duda el final, con el guitarrista haciendo uso de su chaleco de luces LEDS, y un segmento musical intercalado por openings emblemáticos como “Pegasus Fantasy” de Los Caballeros del Zodiaco y “Chala Head Chala” de Dragon Ball, que puso a todo el Teatro a cantar.
Con un clima mucho más acalorado tras la presentación de los teloneros, la euforia y deseo de la gente se palpitaba de forma mucho más evidente entre las paredes del lugar. La base de fanáticos más entusiastas ya se encontraba firmemente plantada en el círculo central frente al escenario, mientras que los más relajados se ubicaban en los alrededores y dejaban lugar para que pasen los últimos rezagados de la noche.
Con un Flores bastante concurrido, por no decir casi explotado, fue que se apagaron las luces para dar paso a un vídeo animado recorriendo todas las portadas de los discos de la banda. En evidente alusión, a los 30 años que los de New Jersey venían a celebrar (una práctica que haya habido realizado Dream Theater en su última presentación en el país).
Tras la aparición de Michael Romeo, líder indiscutido del grupo, salieron uno tras de otro el resto de los miembros, siendo Rusell Allen el último en aparecer sobre el escenario. Una lluvia de aplausos, un breve saludo y “Of Sins and Shadows”, no tardó en hacer vibrar a todos los presentes y comenzar el viaje hacia el pasado. Uno que tendría a The Divine Wings of Tragedy (1996), como una de las principales paradas del show.
“Sea of Lies” y “Out of the Ashes” fueron las siguientes en sonar y dejaron entrever, la increíble performance del quinteto en vivo. Desde el segundo uno, se escuchó a un conjunto con un manejo muy versátil y volátil para las distintas facetas musicales entre los que se mueven sus composiciones. Interpretando con mucho tacto los pasajes más delicados e íntimos y poniendo el pie en el acelerador en los tramos más ostentosos y “pirotécnicos”.
Un manejo que si no quedó bien plasmado, terminó por quedar completamente en evidencia con la magnificente “The Accolade”, el primer momento de gran emoción de la noche. Y el primero de absoluto lucimiento por parte de Rusell Allen, que estuvo a lo largo de todo el show en un nivel cuanto menos, pletórico. El cantante fue una de las grandes figuras, y no solo por su enorme desempeño vocal (que parece conservar en mejor forma que nunca), sino por la agilidad y magnetismo con el que se desenvuelve sobre el escenario. Un tipo capaz de hacer cantar a su audiencia, de transmitir su energía e hipnotizar a todo un recinto con su voz. Si en estudio resulta un vocalista excepcional, en vivo esto se potencia aún más.
Y hablando de estrellas, no podemos obviar al gran capitán del barco. Porque pareciera que Allen fuera la figura central del grupo pero el alma y corazón de Symphony X sigue siendo Michael Romero. Y el guitarrista también contó con una presentación descollante. Tal vez estuvo más enfocado en el apartado estrictamente musical, pero cuando los reflectores apuntaban a él, dejaba bien en claro porque es considerado uno de los máximos maestros del género. Decir que es un lujo verlo, es quedarse corto.
Y lo mismo podría replicar del resto de los músicos. Ya que en líneas generales, la alineación completa esta compuesta de grandes talentos individuales. Tal como se vio en composiciones como “Communion and the Oracle” y “Evolution (The Grand Design)”.
El repertorio se movió entre temas de todas sus etapas. O al menos, una por disco. “Smoke and Mirrors” del Twilight in Olympus (1998), “Inferno (Unleash the Fire)” del aclamado The Odyssey (2002) o “Nevermore” del último lanzamiento hasta la fecha Underworld (2015).
¿Las ausencias? Y más allá de algún clásico, nada del debut o del Damnation Game (1995). Algo esperable aunque tratándose de un recital repasando toda su carrera, no hubiese sido un mal gesto hacia su etapa inicial interpretar algo de estas obras.
¿Algo para reprochar? Quizás la duración. La noche terminó con “Dehumanized” del Iconoclast (2011) y “Set the World on Fire”, el tema más esperado de la noche que desató el descontrol y alegría de todo el público. No obstante, la hora y media de duración del show se sintió breve. Corta. Como si hubiesen faltado uno o dos temas más.
Pero tras el incendiario cierre que dieron, poco más se podía tocar. El público estaba completamente satisfecho y contento tras el espectáculo que había presenciado. Y aun más quedó, tras saber que la cuenta regresiva por el nuevo trabajo del grupo, estaría llegando a su fin.
De modo que para la próxima visita, muy seguramente Michael Romero y compañía vuelvan con material nuevo bajo sus brazos. Y con la posibilidad, de replicar y por qué no, superar lo hecho en esta actuación en Flores.
Agradecimientos al equipo de Icarus por la producción y realización del evento. Y por permitirnos una vez más, decir presente.
Black Label Society – Engines Of Demolition (2026)
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Muchos dicen que, a veces, por el solo hecho de escuchar a una banda podés deducir de donde viene. Bueno, no es que sea muy difícil saber de donde viene Rammstein si cantan en alemán. Tal es el caso de Black Label Society que cuando los escuché por primera vez, noté esa influencia californiana de agrupación de motoqueros que desayunan cigarrillos con whisky. Y sí que se les nota eh.
La banda comandada por el excelentísimo Zakk Wylde acaba de lanzar al mercado su última obra Engines Of Demolition.
Es quizás un disco que no venga a romper con estándares ni de la industria, ni mucho menos de la propia banda, pero algo les aseguro y es que el buen Zakk nunca defrauda. Un álbum que lo tiene todo, entre lo enérgico de su guitarra, a baladas californianas y hasta un gran y especial homenaje a quien supo ser su referente musical durante muchos años: el mismísimo Ozzy Osbourne.
El disco fue escrito enteramente por Zakk desde el momento en que iniciaron un tour compartido con Pantera allá por el 2022. Lo acompaña como siempre Jhon DeServio en bajo, Jeff Fabb en percusión y Dario Lorina en guitarra.
Algunos muy buenos momentos se dan con piezas como “Gatherer of Souls” con la clásica super distorsión del muchacho o “Broken and Blind”.
“Above & Below” un gran segmento del álbum con estrofas aguerridas que descansan en un estribillo pacífico y limpio. “Back To Me” la primer balada del disco y que nunca falta en un disco de Black Label Society.
Como antesala del final “The Stranger” es totalmente destacable porque expone el virtuosismo de Wylde con su guitarra.
Lo más especial de este disco llega justo al final. Todos sabemos que la relación que han forjado Ozzy y Zakk es casi como la de un padre con su hijo desde aquel momento en 1987 que reemplazo al gran Jake E Lee.
Fueron casi 2 décadas de éxito de acompañar a Ozzy al mismo tiempo que aprovechaba el envión para llevar a Black Label Society a los oídos de la gente. Todo su respeto, amor y admiración lo plasma en “Ozzy’s Song”.
“The skies may cry
But I’ll be holding on, holding on
The skies may cry
Now the race is run
All the chaos and all the wars
When all is said and done
I couldn’t ask for more”
Un disco que no busca ser pretencioso musicalmente ni competir con los demás. Engines Of Demolition es parte de la autorrealización de Zakk Wylde y de Black Label como banda. Una obra que representa fehacientemente lo que la agrupación y el guitarrista es. Una producción con el sello californiano que no presenta errores y que suena como tiene que sonar el metal sureño.
Jay Valentine (Guilt Trip): “Tenemos un disco listo y España siempre responde”
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Antes de su concierto en Barcelona, tuvimos una breve charla con Jay Valentine, vocalista de Guilt Trip, donde hablamos de su relación con España, nueva música y su identidad sonora.
– Hola hombre ¿Cómo estás? Encantado de conoceros
– Así que estáis aquí en Barcelona. Comenzando esta gira español-portuguesa y luego os vais a los Estados Unidos Has estado aquí tres veces creo que al menos con Architects, aquí en razzmatazz3 y ahora la tercera vez. ¿Cómo os sentís de gira en España y Portugal? ¿Qué es lo que más os gusta de España?
Sí, um. lo que más me gusta de España es el clima. definitivamente está bien porque siempre está lloviendo de donde somos en Manchester pero es genial venir a España siempre lo pasamos bien los shows siempre son buenos, el público siempre es muy divertido así que sí, estamos emocionados de estar aquí. me alegro de estar de vuelta. creo que es nuestra cuarta vez en España en general. tocamos en Resurrection Fest todo el headliner de Malevolence, un headliner hace un par de años y luego con Architects.
– Os vi abriendo para Malevolence fue un espectáculo loco, fue bastante pronto creo que eran como 5:30 algo así pero era una energía loca, así que chicos. habéis sacado tres canciones nuevas este año y creo que van bastante duras como siempre hacéis, oye. ¿Qué podemos esperar de Guilt Trip este año? ¿estáis trabajando en un álbum? un ep si puedes hablar de ello por supuesto o simplemente estáis pensando en lanzando singles?
Sí, tenemos un disco completo casi listo para salir. vamos a anunciarlo en las próximas semanas y sí eso es probablemente todo para el año. tenemos algunos tours y cosas cerradas. estamos muy emocionados de sacarlo. es un álbum completo así que espero que la gente lo disfrute.
– Perfecto y quería preguntarte sobre el la sensación de que estáis en un punto intermedio entre el metal moderno y el metal más clásico. sois una mezcla entre yo diría Hardcore/Thrash/Metalcore si estoy en lo cierto, ¿Cómo lo sentís vosotros? porque siento que la producción es de primera categoría pero manteniendo la vibra de la vieja escuela. ¿es eso cierto o…?
Sí, eso es correcto. Nos gusta la buena producción. creo que si suenas bien y “crujiente” la gente se mete mucho más fácilmente pero todas las bandas de las que nos inspiramos son viejas bandas como Machine Head, Devil Driver, cosas así y luego en el lado duro bandas como Sick Of It All, Biohazard, Madball, Terror, etc., así que todas nuestras influencias son como de hace más de 20 años. así que probablemente por eso sonamos como de la vieja escuela, sí. y luego buscamos una suene actual. ese es el aspecto moderno de la banda. creo que es una buena mezcla y tenemos gente ya sabes, gente más joven en los shows. y también tenemos muchas personas mayores así que es una buena mezcla y sabes que la gente lo aprecia.
– Creo que estáis dando el gran paso ahora o esto siento luego de aquí y Portugal, si no estoy equivocado, os vais a los Estados Unidos ¿Sentís un poco más de presión ahora? o seguís con las mismas sensaciones, sabes como toda la vibra de la vieja escuela…
No diría presión. siento que lo estamos disfrutando por lo que es. entendemos que es como si tal vez nuestro parche morado en este momento. crecer más, tal vez no lo hagamos pero lo estamos tomando con calma disfrutándolo por lo que es y nos lo estamos pasando genial haciéndolo. así que cuantos más shows podamos hacer, cuantos más tours, mejor para nosotros.
– Entrevista corta pero ha sido un placer, hombre. Muchas gracias amigos, esto ha sido Guilt Trip. así que nos vemos en el moshpit.
Alestorm En Buenos Aires: “La Piratería Hecha Una Fiesta”
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El pasado domingo 22 de marzo nos acercamos al Teatrito para ver una nueva presentación de Alestormen la Argentina. Y, te adelantamos, no nos fuimos defraudados. Ya desde el ingreso al recinto se notaba la expectativa de los presentes, así como que la concurrencia prometía ser más que numerosa para cuando llegara el momento del acto principal de la noche.
La velada comenzó de la mano de Barloventos, incluso antes del horario estipulado originalmente, quienes colmaron el escenario del recinto con sus nueve integrantes para brindarnos un show que, desde principio a fin, mantuvo más que entretenidos a todos quienes hasta ese momento habían llegado al lugar.
Debe reconocerse la excelente decisión de colocar como acto previo al plato fuerte de la noche a Barloventos: una banda de folk metal, con toques de música celta y clásica, con temática pirata, tanto en sus letras como en su apariencia visual, oriunda de la Patagonia Argentina, que resultó adecuada para desempeñar el rol de teloneros de la banda central de la noche.
Ya habíamos tenido la oportunidad de verlos previamente como soporte de otra banda internacional y, nuevamente, los chicos/as de Barloventos estuvieron a la altura de las circunstancias.
Repasaron temas variados de su discografía a lo largo de aproximadamente cuarenta minutos, que fueron claramente acompañados por las huestes piratas que habían dicho presentes a esa altura de la noche, tanto propios como ajenos. Debemos reiterarlo, Barloventos es una banda local que, cuando tengas la oportunidad, vale la pena detenerse a verla.
Concluido el set del grupo soporte, comenzó la preparación para la banda principal de la noche lo cual arrojó la primer gran ovación al momento del inflado del pato que acompaña todas las presentaciones de Alestorm.
Un local prácticamente colmado en su capacidad y con varios de los presentes enfundados en indumentaria pirata, ideal para la ocasión, y con distintos elementos que caracterizan a aquellos viejos saqueadores de los siete mares, tales como espadas, parches, sombreros y las infaltables, cuando de Alestorm se trata, jarras de cerveza y patitos adornando los cabellos y las barbas de los concurrentes.
Alrededor de las 21.30 horas, luego de una introducción con ritmo de cancha argentina, los cinco miembros de Alestorm (mas el pato) irrumpieron sobre el escenario de El Teatrito al son de “Keelhauled” comandados por Christopher Bowes para el delirio de los fanáticos presentes.
Casi sin interrupción, sonaron uno tras otro “Killed to Death by Piracy”, “The Sunk’n Norwegian”, “Uzbekistan”, “Mexico” y “Under Blackened Banners”, acompañadas de principio a fin a viva voz por los presentes. El baile y el pogo no cesaron durante toda la noche elevando, a pesar de la temperatura moderada que cubría Buenos Aires ese día, el clima del recinto varios grados.
Dos de los momentos divertidos de la noche estuvieron dados por la aparición sobre el escenario de un tiburón para rapear algunas estrofas y la representación de los presentes, ante el pedido del cantante, como remeros de una embaración imaginaria.
Con el señor Bowes dirigiendo la batuta desde las tablas, el público pudo disfrutar de temas tales como “Banana” o “Hangover (Taio Cruz cover)” y otros hasta que llegó el momento de los acordes característicos de “Alestorm”, “1741 (The Battle of Cartagena)”, “The Storm”, “P.A.R.T.Y.”, los temas más celebrados de la noche por la tripulación que acompañaba a la banda debajo del escenario.
A esta altura de la noche, los presentes habían acompañado todas y cada una de las canciones presentadas por la banda, pero todavía poseían resto para aquellas encargadas de cerrar un nuevo encuentro entre la banda y sus fanáticos locales.
Luego de un breve descanso de los músicos, Chris Bowes, enfundado en una remera argentina, dirigió unas breves palabras a los presentes, para inmediatamente descargar sobre ellos la energía festiva de “Drink”, “Wooden Leg!” y el cierre a cargo de “Fucked With an Anchor”, exprimiendo de ese modo hasta la última gota festiva de quienes habían sido testigos de esta nueva presentación de Alestorm.
La conclusión de la velada estuvo a cargo del ritmo de “Rumpelkombo” como telón de fondo acompañando la despedida de la banda de estas playas.
Las paredes de El Teatrito fueron testigo de por qué Alestorm es uno de los principales referentes del metal pirata y festivo.
Esperamos expectantes nuevas aventuras bajo los acordes de estos piratas. Larga vida al barco que surca los siete mares bajo la bandera de Alestorm.
Nuevamente agradecemos a los amigos de Icarus music por la acreditación que nos permitió poder traerles una breve crónica de esta nueva visita de Alestorm a la Argentina.
El EP More Stereo Crush de Gotthard funciona como una extensión directa del álbum Stereo Crush del 2025, pero lejos de sentirse como un simple conjunto de descartes, muestra a la banda afinando su identidad con mayor claridad; este mini álbum reúne material proveniente de las mismas sesiones, incluyendo cinco temas inéditos y uno más en conjunto con Mark Storace de Krokus, lo que le da una vibra familiar, ya que Flavio Mezzodi actual baterista de Gotthard también es parte actual de Krokus.
Desde el arranque, el EP mantiene ese enfoque de hard rock melódico que ha sido la marca registrada del grupo durante décadas, canciones como “Ride The Wave” destacan por su energía despreocupada y ese aire impulsado por riffs pegadizos y una interpretación vocal muy armónica de Nic Maeder, recordando por momentos al espíritu más clásico de Gotthard.
Uno de los puntos más atractivos del disco es la nueva versión de “Liverpool”, ahora convertida en un dueto junto a Marc Storace (de Krokus), que aporta un contraste vocal interesante y lleva el tema a otro nivel, aquí se nota especialmente la habilidad de la banda para construir duetos efectivos sin perder contundencia, algo que la crítica ha señalado como una de sus mayores virtudes dentro del hard rock europeo.
“Smiling in the Pouring Rain” se mueve en terrenos más sensibles, con un enfoque melódico que encaja perfectamente dentro del catálogo de baladas del grupo, mientras que cortes como “Snafu” o “Mayday” mantienen el pulso hardrockero con coros un poco a lo Def Leppard pero con el sello de Gotthard.
El conjunto general deja una impresión positiva, de hecho, algunas reseñas destacan que este lanzamiento y su anterior disco Stereo Crush logran recuperar consistencia respecto a su predecesor, describiéndolo como un regreso más sólido a la esencia clásica de la banda y un paso en la dirección correcta.
En definitiva, More Stereo Crush reafirma el lugar de Gotthard dentro del hard rock actual.; este un EP que funciona tanto como complemento para fans como una muestra de que, incluso después de tantos años, la banda sigue encontrando formas de sonar auténtica, directa y efectiva sin perder su adn.
Carpenter Brut en Copenhague: “Una Experiencia Cyberpunk”
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Texto: Bianca Trinchieri
Una noche en la que la música funcionó como portal hacia otra dimensión, cargada de energía caótica y una alegría tan intensa como contagiosa. Así se vivió el paso de Carpenter Brut por el siempre confiable Store Vega, en un show donde lo sensorial fue tan importante como lo musical.
El recital comenzó con su telonero, el francés Sydney Valette, quien presentó un set sólido y muy bien estructurado. Recorrió temas de sus trabajos The Healer y Fight Back, fusionando EBM, trance, cold wave, synth-punk y ambient. Además de una buena performance vocal, se destacó por su presencia escénica: bailando cada tema y logrando algo fundamental para un acto de apertura, que es meter al público en clima. Desde los primeros minutos, los cuerpos empezaron a moverse y el terreno quedó preparado para lo que vendría.
Cuando apareció Carpenter Brut, todo explotó. Su propuesta —una mezcla de electrónica, metal, glam rock y estética ochentosa— construyó un universo distópico que viajaba constantemente entre el pasado y un futuro oscuro y agresivo.
Detrás de todo está Franck Hueso, comandando sintetizadores y teclados, acompañado por guitarra y batería que aportaron una potencia explosiva al sonido. Incluso la interacción con el público estuvo alineada con esa estética: en lugar de hablar directamente, utilizaban una voz pregrabada desde los teclados, reforzando ese aura cyberpunk que dominó toda la presentación.
El recinto jugó un papel clave. Store Vega ofrece un equilibrio perfecto entre capacidad y cercanía con el escenario, con una acústica que responde siempre. Se siente íntimo sin perder intensidad, lo que permitió una conexión constante entre banda y público. El pogo fue incesante desde el inicio hasta el final, y cuando llegó el momento del “wall of death”, la respuesta fue inmediata y masiva. Nadie se quedó quieto.
El setlist estuvo cargado de clásicos como “Turbo Killer”, “Roller Mobster” y “Le Perv”, consolidando esa identidad basada en synthwave acelerado, distorsión metalera y un aire de terror retro. También hubo espacio para material más reciente, con temas como “Neon Requiem” y “The Misfits/The Rebels”, que mantuvieron la intensidad en lo más alto. A pesar de la corta duración de las canciones, el ritmo del show nunca decayó.
El sonido fue contundente y preciso durante toda la noche, acompañado por una puesta en escena a la altura: luces en constante movimiento, láseres, colores saturados y visuales que remitían tanto al cine de terror como al universo de los videojuegos. Todo funcionó como una experiencia audiovisual completamente inmersiva.
El cierre llegó con el cover de “Maniac”, de Michael Sembello, reinterpretado con un enfoque más oscuro y pesado, pero respetando la esencia original. Un final perfecto para dejar al público bailando una vez más.
Más que un concierto, lo de Carpenter Brut fue una experiencia total. Un show donde la música, la estética y la energía se alinearon para construir un mundo propio, logrando que todos los presentes se sumergieran en él, aunque fuera solo por un rato.
Soen confirma su presencia y cierra el Sun And Thunder 2026
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Fuengirola ya tiene todo listo para la nueva edición del Sun And Thunder Festival y la pieza que le faltaba ya la podemos confirmar y es que desde las bellas y frías tierras suecas, los chicos de Soen se suman al cartel del festival, completando un cartel que ya ha generado debate en la comunidad rockera asistente al mismo.
La banda norteamericana de metalcore molódico/djent Erra, ha estrenado el videoclip de “Black Cloud”, ultimo single extraído de su nuevo disco Silence Outlives the Earth, publicado el pasado 6 de marzo a través de UNFD Records.
Y al contrario de lo que parece ser la opinión popular, Erra es (bajo mi punto de vista) esa clase de banda que representa como un género en su día glorioso como el metalcore (en sus diferentes vertientes) está a años luz de lo que fue, mostrando una decadencia alarmante.
Y esta nueva canción así lo evidencia, ya que suena estupenda, con muy buena producción, el juego de voces entre J.T Cavey y Jesse Cash, está muy bien, de hecho en este nuevo trabajo es donde mejor suena, pero… como dijo una vez Pedro Azanar ¿Y Que Más?, quiero decir, con eso hay que darse por satisfecho, yo creo que no, ya que en su día el género exportó grandes bandas como Killswitch Engage, Parkway Drive, Architects, Bleeding Through, pero esta generación contemporánea a la cual Erra pertenecen está a años luz de los nombres citados.
Igualmente, podéis juzgar por vosotros mismos como suenan a continuación:
Against The Current regresa en plena forma con “Heavenly”
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Chrissy Constanza y Against The Current, regresan con todo este 2026 y publican su nuevo single “Heavenly”, donde vuelven a hacer gala de su exquisita mezcla de rock alternativo, pinceladas dulzonas y un toque de power pop rock que nos recuerda a sus comienzos, pero sin perder la personalidad adquirida tras 15 años de carrera.
Eva Under Fire publica “Villaninous” junto a una invitada de lujo
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La banda norteamericana Eva Under Fire acaba de publicar el videoclip para su nuevo single “Villainous”, donde cuentan con la colaboración especial nada más y nada menos que de Maria Brink, la talentosa, imponente y carismática vocalista de In This Moment, que aporta su particular color de voz a este tema de metal/post hardcore con un resultado excelente.
El corte da título al nuevo disco de la banda liderada por Eva Marie Lyberg , el cual llegará a las tiendas el próximo 10 de julio vía Better Noise Music y su tracklist completo será el siguiente:
1. Awakening (3:32) 2. My Own Name (3:03) 3. Survive My Scars (3:26) 4. Villainous (feat. Maria Brink of In This Moment) (2:56) 5. The Words You Say (3:01) 6. Don’t Say I’m Ok (3:04) 7. Hello Hollow (3:25) 8. Dark Soul (3:48) 9. Gasoline (3:05) 10. Murder Scene (2:47) 11. Safe Word (3:04) 12. Teeth (2:36) 13. A Violent End (3:41)
Los norteamericanos Escape The Fate han publicado una nueva canción, que llevar por título “Déjà Vu”, donde básicamente hacen honor a su nombre ya que mantienen su línea habitual marca en sus últimos trabajos, sin sumar ni restar nada nuevo.
Todo está muy bien producido y Craig Mabbitt sigue sonando más que convincente, pero tras 20 años de carrera, igual podrían haberse esforzado un poquito más, pese a todo, el corte suena muy bien y lo podéis escuchar a continuación:
Tras su paso por España el año pasado presentando el show de Malón, ahora Claudio “El Tano” Romano, Claudio O’Connor, Carlos Kuadrado y Javi Rubio en batería, volverán con el show de La H No Murió para celebrar los 35 años del clásico Ácido Argentino, para alegría y deleite de todos sus seguidores en nuestro país.
El festival de metal más esperado regresa: Knotfest confirma su edición 2026 en México, reuniendo a algunas de las bandas más influyentes del metal contemporáneo y consolidando su lugar como uno de los eventos más importantes de música pesada en el país.
La nueva edición se llevará a cabo el 5 de diciembre de 2026 en el Estadio Fray Nano en Ciudad de México, donde miles de fans se reunirán para vivir una jornada cargada de intensidad, energía y una producción de primer nivel.
Encabezado por Bad Omens, una de las bandas más influyentes del metal moderno, quienes ofrecerán un show exclusivo como su única presentación en Latinoamérica. A ellos se suman los titanes del groove metal Lamb of God, consolidando una dupla estelar que promete una descarga de potencia y trayectoria. El lineup también destaca la presencia de Poppy, cuya fusión de metal y pop la ha convertido en una de las propuestas más innovadoras de la escena actual.
El festival se complementa con una sólida selección internacional que incluye a The Ghost Inside, Blood Incantation, Sylosis, Vana y Versailles, abarcando desde el metalcore y el death metal hasta sonidos más progresivos y experimentales. Tras el exitoso regreso del festival en 2025, Knotgest México busca elevar la experiencia con una producción de gran escala, escenarios gemelos y una comunidad en constante crecimiento, reafirmando su papel como uno de los encuentros más importantes del metal en el país.
Con boletos en zona general desde $3200 más cargos por servicio a través de Funticket, promete ser una de las ediciones más explosivas del festival, reuniendo a fans de todo el país en una celebración del metal que no conoce límites.
La banda de DSBM Stupor regresará a Guadalajara en abril
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La banda de depressive black metal originaria de la ciudad de León, Guanajuato Stupor regresará a la Zona Metropolitana de Guadalajara, más precisamente al municipio de Zapopan, este próximo sábado 18 de abril en La Querencia (Av. Plaza del Sol #80) junto a imponente apoyo local.
Formados en 2023 el dúo por Franz Nergot (Sacrimoon, Lifeless) a la guitarra y Descëndere (Servus) a la voz, la banda se ha presentado ya en varios escenarios mexicanos bajo la autodenominación de “unsane black metal”, generando un producto musical sumamente espectral y desgarrador, completado por lxs músicos en vivo Aethani Aeter (Servus) a la segunda guitarra y Francisco Alba (Dödsfall) a la batería.
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Acompañándolos a esta suicida velada, las también oscuras agrupaciones Call ov the Void (doom/death), Dramatvm (gothic/melodeath) y Fir Forest (atmospheric black metal) de Guadalajara redonedarán una noche opresiva, asfixiante e imperdible.
La entrada tendrá un costo de tan solo $120 pesos con una cerveza de cortesía, mismos que pueden conseguirse a través de las redes de la promotora Hecax Prods, así como en taquillas del evento, mismo que dará inicio a partir de las 8PM.
El negro metal de perdición se encuentra de manteles largos en Medellín ya que este viernes 27 de septiembre por fin volverá la bestia pionera del género en Colombia, Luciferian, acompañado de un par de invitados más que de lujo, con EnGris, oriundos de la capital antioqueña y How To Disappear, originarios de Torreón, México.
Con esta celebración de 30 años de carrera, la promotora Cráneo Productions planea brindar una experiencia desgarradora y violenta en el Club Libido.
Siendo una de las legendarias bandas que difundieron lo que en su momento se llamó “ultra metal” en el país cafetalero, Luciferian es un proyecto que por sí mismo no tiene desperdicio alguno, así que aunado a la obstinada presencia de los blackeros EnGris, banda formada por ex-integrantes de Lost in Darkness y al post-black de How To Disappear, promete ser un evento que tardará tiempo en ser igualado.
El concierto que se llevará a cabo sobre Cra. 57 #30A-20, cuenta con boletas a un precio especial de $35,000 por y $60 por dos, mismos que se pueden conseguir al 321-842-3226.
Seis días después de que Madball y Suicidal Tendencies dejaran el Teatro Flores en ruinas, la historia nos convocaría una vez más en el mismo lugar. El pasado 14 de marzo, la segunda dosis de hardcore punk y crossover de la semana prometía una descarga de golpes, pogos monumentales y adrenalina, pero con ese sabor añejo que solo los padres del género pueden ofrecer. Para este cronista, la jornada marcó el retorno al asfalto tras una seguidilla de shows que ya empezaba a pasar factura en el cuerpo, pero con la convicción de que estar frente a Dirty Rotten Imbeciles (D.R.I.) y Ratos de Porão no era una opción, era una obligación profesional.
Como acostumbramos en este medio, la realidad está por encima de cualquier relleno literario. Es por eso que la presente crónica se demoró en salir un poco más de lo habitual: en este espacio no se abusa de la inteligencia artificial para “inventar” reseñas de lo que no se vio, una práctica que constituye una falta de respeto al lector, a los promotores y agentes de prensa que nos acreditan, y a la escena en su conjunto.
Dicho esto, debido a temas laborales el ingreso al local de la Avenida Rivadavia fue justo cuando los locales Otra Salida ejecutaban el último tema de la lista, a quienes pido disculpas por no haber estado presente para ver todo su set.
El bloque internacional arrancó con Ratos de Porão. Los brasileños son el espejo donde se mira el crossover latinoamericano, y su paso por Flores fue una lección de rebeldía.
João Gordo, con su carisma intacto, manejó los hilos del show con total naturalidad. Para esta gira, la guitarra estuvo a cargo de Mauricio Nogueira (ex Torture Squad, Krisiun), con una labor descomunal, dado que Jão se dedicó a filmar y aportar coros al tener su brazo enyesado. Mientras tanto, Juninho se destacó en el bajo: no paró de saltar y agitar al público, aunque en varias oportunidades se lo vio quejarse por no disponer de retorno.
Si hablamos del setlist, “Alerta antifascista” abrió a toda potencia y tanto la actitud de la banda como la del público demostraron que iba a ser una noche extrema. Lo que siguió fue una sucesión de “Morte ao rei”, “Igreja universal”, “Máquina militar” y “Sofrer” en los primeros compases, con el pit abriéndose desde temprano.
“Farsa nacionalista” y “Colisão” empujaron la temperatura otro escalón, aunque “Crucificados pelo sistema” y “Beber até morrer” —dos pilares de su carrera— fueron de los momentos más celebrados. El cierre con “AIDS, pop, repressão” dejó al Teatro Flores bien caliente para lo que vendría. Ratos de Porão demostró esa actitud y seguridad que dan cuatro décadas de no venderse a nadie.
A las 21:40, con un retraso que ya generaba ansiedad, las enormes cortinas del venue se abrieron y fue ahí cuando D.R.I. tomó el escenario. La banda salió a golpear con una selección de temas, recorriendo joyas de Dealing with It! y Crossover, pero la fluidez se vio interrumpida constantemente.
Tras cada tema, el ritual se repetía: una pausa de al menos un minuto para ajustar perillas y verificar retornos. Aquí es donde entra la figura de Spike Cassidy; se lo vio extremadamente concentrado, casi sin despegar la vista de su Gibson SG, buscando el tono exacto en cada intervención. Es el perfeccionismo en su estado más puro, aunque le quitó ese vértigo necesario del hardcore. Si bien arrancaron con una dinámica de “palo y a la bolsa” en lo musical, tenían un freno de mano puesto en lo técnico. Durante los primeros 40 minutos del show la constante fue la misma: canción, freno, canción, chequeos; pero lo que realmente importaba era darle al público —que estuvo prendido fuego— un show inolvidable.
El bloque más intenso llegó con himnos de Thrash Zone como “Beneath the Wheel”, donde el doble bombo de Rob Rampy finalmente logró traspasar la barrera del sonido difuso del inicio.
Si en el show de Suicidal Tendencies las rondas eran batallas campales, aquí el cansancio acumulado y el agobio climático jugaron su carta. Las rondas arrancaron salvajes pero fueron perdiendo fuerza a medida que avanzaba el show. Solo un puñado de curtidos resistió de pie hasta el final. Es una observación, no una crítica: D.R.I. con más de 30 temas y paradas técnicas es un show largo, y el cuerpo encontraba sus límites.
Pasadas las 23:20, la jornada llegó a su fin. Todos a casa, a la ducha y a buscar el descanso necesario. Para este cronista, el ritual termina frente a la hoja en blanco, procesando lo vivido mientras ya se prepara el equipo para un nuevo venue en pocas horas.
¿Cumplió el evento? Sí, por el peso de la historia. Sin embargo, los baches técnicos en el show de cierre le quitaron el brillo a lo que pudo ser una noche épica. El camino sigue, y el hardcore, aun con pasos cansados, no se detiene.
Agradecemos a la gestión de AV Producciones, PinheadRecords y a Nadya por la confianza y permitirnos vivir en carne propia otro acto de violencia.
La agenda de Track To Hell para abril en Copenhague llega cargada de conciertos de rock, punk y metal, mezclando la fuerza de bandas ya consolidadas con el empuje de nuevas propuestas de la escena underground. Durante todo el mes, distintas salas de la ciudad acogerán una programación variada, con sonidos que van desde el rock alternativo hasta el metal más contundente. Abril se presenta como una oportunidad perfecta para dejarse llevar por guitarras intensas, actitud punk y una energía en directo arrolladora dentro de una escena local viva y en constante evolución.
Hypocrisy + Abbath + Vomitory + Vreid Fecha: 3 de Abril en Copenhague.
Poppy + Fox Lake + Ocean Grove Fecha: 5 de Abril en Copenhague.
Machine Head Fecha: 11 de Abril en Copenhague. Karnivool + Intervals Fecha: 14 de Abril en Copenhague.
Baest + Coffin Feder + Livløs Fecha: 24 de Abril en Copenhague.
Tame Impala Fecha: 25 de Abril en Copenhague. Kreator + Carcass + Exodus + Nails Fecha: 25 de Abril en Copenhague.
Iotunn + In Vain + Nephylim Fecha: 26 de Abril en Copenhague.
Full of Hell + The Body + JAD + Jardhead Fertilize Fecha: 26 de Abril en Copenhague.
2 Minutos en Barcelona: “De Valentín Alsina para el mundo”
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Hay bandas que no necesitan una sala llena desde el primer acorde para dejar claro quién manda. Klandestino, con base en Barcelona, el corazón latiendo en el Raval y las venas abiertas hacia el Río de la Plata, salió al escenario de Razzmatazz con una misión sencilla y suicida: calentar el terreno para 2 Minutos. Y lo hicieron como se hacen las cosas en la calle: sin pedir permiso, sin maquillaje y con el amplificador escupiendo verdad.
La escena, otra vez, jugando en contra. Horarios imposibles, conciertos que chocan de frente con la rutina laboral. A las diez, la sala era un esqueleto a medio montar. Ver la pista de Razzmatazz medio vacía mientras sonaban los primeros latigazos de “Persecución” y “Estás Preso” dolía. Pero el punk no espera a nadie, y Klandestino tampoco. Tocaron como si hubiera mil almas, como si cada acorde fuera una deuda que había que saldar esa misma noche.
Y entonces pasó lo de siempre: el pogo como religión. La gente empezó a caer desde la calle, en goteo constante, atraída por ese ruido honesto que no se puede ignorar. Lo que arrancó como un ensayo con testigos terminó mutando en una comunión sudorosa de crestas, botas y puños en alto. El ritual estaba en marcha.
Chester al frente, escupiendo cada línea como si fuera la última; Gaby marcando el pulso con un bajo que golpeaba el pecho; Alexis serruchando riffs con precisión de navaja; Carly sosteniendo todo desde atrás con una batería que sonaba a barricada. No hubo concesiones. Canciones como “Yo no me vendo” y “No hay trabajo” no son nostalgia: son presente puro, crudo, incómodo. Himnos para los que no fichan a las ocho ni creen en el ascensor social.
A mitad del set, con “Amanecer” y “Los tipos de arriba”, ya no había distancia entre banda y público. La pista respiraba al mismo ritmo. Cada tema era una descarga, cada coro un grito colectivo. Hubo espacio para mirar atrás sin caer en la postal: “Espadas y serpientes” de Attaque 77 contó con la participación de Ale Pérez, amigo de la banda, productor del show y dueño de CHNSW, la productora que hizo posible esta visita, y de Diego Juantorena, también cercano al grupo y músico referente de Barcelona. Por otro lado, la versión de “Ojo Blindado” de Sumo fue el cierre perfecto de su set: rápida, sucia y necesaria. Klandestino no estaba ahí de relleno; estaba ocupando su lugar.
Con un documental reciente (“Noches de punk rock”, 2024) y el rodaje ganado teloneando a pesos pesados, lo suyo en Razzmatazz fue otra cicatriz más en la historia de una banda hecha en el asfalto. Se bajaron entre aplausos, sin épica impostada, pero con la certeza de haber ganado el combate. Porque cuando el reloj aprieta, el punk del Raval responde.
Y entonces llegó la tormenta.
Razzmatazz 2 se convirtió en una olla a presión. Eran casi las nueve de la noche en Barcelona y el aire ya se podía masticar. No era un concierto más: era el regreso de 2 Minutos, los supervivientes de Valentín Alsina. Una banda que ha visto de todo y sigue en pie. Mosca Velázquez, después del golpe de su operación en 2025, apareció en escena con algo que no se compra: hambre real.
El arranque fue un mazazo directo a la mandíbula: “Laburantes” y “Pelea Callejera” desataron el primer remolino serio de la noche. El pogo explotó sin aviso. En “Otra vez”, Mosca soltó la frase que definió todo: “¡Beban por mí, que yo ya no puedo!”. Y la sala respondió como manda la liturgia: vasos en alto, gritos y un caos perfectamente organizado.
El show fue mutando en algo más grande que un concierto. Entre tema y tema, Mosca navegaba entre el humor y la lucidez, armando un stand-up punk improvisado. “Vago” sonó como un himno a la evasión, “Aeropuerto” como una postal torcida del paso por El Prat. Vestía camiseta de Cockney Rejects, sostenía el micro como un arma y, aunque casi no se movía, llenaba todo el espacio. Carisma puro, sin necesidad de correr.
El delirio visual llegó con “Jason”, máscara incluida, puro guiño macabro. Y después, el golpe al corazón: “Amor Suicida”, dedicada a los pibes de Malvinas. En una Barcelona llena de acentos cruzados, la canción sonó como un recordatorio incómodo: la memoria también se canta. La sala era territorio argentino, pero el pogo no tenía bandera. Gente de todos lados mezclada en el mismo idioma: empujones, saltos, sudor. Cuando preguntaron quién había emigrado, el bosque de manos fue la imagen más clara de la noche. Nostalgia, bronca y pertenencia, todo en uno.
Alejandro “Indio” Mirones tomó protagonismo en “La ladrona”, preparando el terreno para la trilogía demoledora: “Borracho y agresivo”, “Gatillo fácil” y “El mejor recuerdo”. Ahí no hubo pausa, solo inercia. Y entonces, el momento bisagra.
“Ya no sos igual” hizo temblar el suelo. Y en medio del descontrol, Alexis de Klandestino saltó al escenario. Lo que siguió fue puro ADN punk: dos generaciones compartiendo micrófono, empujándose, riéndose, gritando como si el tiempo no existiera. El público volando, literalmente, sobre las cabezas.
Como si eso no alcanzara, el delirio siguió con “Como caramelo de limón”: diez personas en escena reventando el clásico a toda velocidad. Punk de barrio mezclado con cumbia desfigurada. Caos hermoso. Para el final, no hubo despedida convencional. Klandestino entero volvió a escena para rematar con el himno “2 Minutos”. No era solo un cierre: era una declaración. La banda no volvió para recordar lo que fue. Volvió para demostrar que sigue siendo. Porque hay grupos que envejecen. Y otros que se vuelven eternos.
Katatonia en Buenos Aires: “Precisión sin Sorpresas”
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Muchas cosas pasaron en el mundo de Katatoniaen los últimos años, y varias de ellas no fueron positivas. Los dos episodios más destacados fueron la salida del fundador y compositor Anders Nyström, quien declaró que Jonas Renkse se apropió de la banda, y el lanzamiento de su último trabajo, Nightmares as Extension of the Waking State, que no fue bien recibido ni por la crítica ni por el público.
En este contexto, los suecos decidieron girar por Latinoamérica para presentar el flamante disco. Dicha gira los trajo al porteño barrio de Almagro, más precisamente a la zona del Abasto, donde se ubica nuestro querido Uniclub.
La productora encargada de realizar el concierto fue Noiseground, que eligió muy adecuadamente a Dios Serpiente como telonero. Si bien su propuesta no se asemeja a la de Katatonia, comparte la idea de generar un viaje introspectivo en el oyente.
La propuesta de la banda local es bastante personal: un bajista y vocalista acompañado de samplers y pistas de batería. Desde ese formato, construyen atmósferas pesadas y densas con las cuatro cuerdas, que luego son intervenidas por una voz gritada y sofocante. Los samplers también aportan riqueza a las canciones, generando distintas sensaciones a lo largo del set. Tras una presentación de poco más de media hora, Leandro Buceta se retiró aplaudido por el público.
Tras una corta espera, las luces se apagaron y los miembros de Katatonia tomaron posición para dar inicio con “Thrice” y “Soil’s Song”.
Desde ese momento quedaron en evidencia dos puntos clave. El primero fue la gran calidad de sonido: nítido, prolijo y equilibrado. La batería y el bajo construyeron una base grave y potente, mientras que las guitarras aportaban melodías y matices constantes.
El segundo fue la dispar respuesta del público según el material interpretado. Las canciones de los últimos tres discos tuvieron una recepción fría, celebradas apenas por algunos fanáticos acérrimos. En cambio, las pertenecientes a The Great Cold Distance, Night Is the New Day y Dead End Kings fueron cantadas, coreadas y vividas por la totalidad del recinto.
Esto generó un show de dos caras: una primera parte más lenta y distante, y una segunda mitad mucho más dinámica y disfrutable, que fluyó con mayor naturalidad.
En cuanto a la ejecución, fue quirúrgica. La banda sonó precisa, sólida y sin fisuras, demostrando por qué ocupa el lugar que tiene dentro de la escena.
Luego de un setlist de 15 canciones, el grupo se tomó un breve descanso para regresar y cerrar definitivamente con “Forsaker”.
Si bien el show fue muy bueno en términos generales, hubo aspectos a mejorar. El principal fue la elección del setlist, que dejó afuera gran parte de la discografía del grupo y, además, resultó algo corto para una banda de su trayectoria.
Katatonia ofreció un concierto sólido, con gran sonido y ejecución impecable, pero que terminó viéndose opacado por una discutible selección de canciones y una duración que dejó gusto a poco.
Booze & Glory en Barcelona: “Sudor, pogo y pertenencia”
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La vuelta de Booze & Glory a la península no era nostalgia de bar barato ni un ejercicio de memoria para veteranos. Era una cita con la calle. Una reafirmación. El recordatorio de que el Oi! sigue latiendo fuerte, con los dientes apretados y la mirada al frente. Y si hay alguien liderando esa embestida en pleno siglo XXI, son ellos.
La noche arrancó sin rodeos, ALL CRÜ con puntualidad quirúrgica y ambiente cargado de electricidad. Nada de artificios: cerveza en mano, chaquetas Harrington y ganas de guerra. fueron los primeros en saltar al ruedo, y lo hicieron como se hacen las cosas en serio: sin pedir permiso.
Lo suyo fue un impacto frontal. Punk directo, sin maquillaje, con mala leche y nervio. “Malparits” abrió la veda y convirtió la sala en un hervidero en cuestión de segundos. Cuerpos chocando, sudor prematuro y una sensación clara: esto iba en serio.
“Mort o Glòria” mantuvo la presión sin aflojar, y “L’Odi” terminó de encender la mecha con una descarga de rabia sin filtrar.
El punto de inflexión llegó con “Community Goebbels”, donde la crítica afilada se clavó en la sala como un cuchillo oxidado. Ahí el mensaje dejó de ser música para convertirse en declaración.
En la recta final, “Per tornar-se boig” desató el caos absoluto: pogos descontrolados, empujones, gritos y pura catarsis colectiva. El cierre con “Un Dels Nostres” fue un himno coreado como si fuera un juramento de pertenencia. Crudo, honesto, necesario.
Sin tiempo para respirar, 13 Bats tomaron el escenario y elevaron la temperatura a otro nivel. Lo suyo es una anomalía bendita: punk, rock & roll y psychobilly mezclados en una coctelera que huele a gasolina y serie B. La sala se transformó en un escenario oscuro y vibrante, donde cada nota parecía sacada de un garito de carretera. Dani Bats lideraba la formación con autoridad salvaje, domando su contrabajo con un slap que marcaba el pulso como un latido desbocado.
A su lado, Diego Serrano aportaba guitarras afiladas y coros con actitud, mientras que José Luis Badalt sostenía la maquinaria con una batería precisa y contundente.
Con “Abre los ojos” y “Skeleton Girl” encendieron los primeros pogos y se desató el caos seguidos por la intensidad de “Tragic Night”, pero el momento clave llegó cuando Dani decidió romper cualquier barrera: se lanzó al público con el contrabajo.
El instrumento navegó sobre las cabeza sen éxtasis, mientras sonaban trallazos como “El Diablo en Persona” y “Once a Punk”. Tras la furiosa descarga de “Virus 187” y “Cecil”, la banda no bajo el ritmo del show gracias a “Thug Life” y “Good Fellas”.
La recta final fue un delirio absoluto pasando por cortes como la frenética “The Man with the Toilet Made of Gold”, un guiño al heavy metal con el cover de “Run to the Hills” y ya encarando el cierre con una declaración de intenciones combinando el espíritu combativo de Eskorbuto en “Ratas de Vizcaya” con el estruendoso final en “Feel the Noise”.
Fue un instante de caos perfectamente orgánico, de esos que define el rock de carretera en su estado más puro.
Con la sala ya convertida en un hervidero de sudor, llegó el turno de Booze & Glory. Sin introducciones grandilocuentes, tomaron posiciones y golpearon primero con “The Day I’m in My Grave”. La reacción fue inmediata: pogo instantáneo y conexión total.
Al frente, Mark ejercía de líder natural, con esa voz rasposa que arrastra historias de calle y resistencia. No hacía falta artificio: bastaba su presencia para unificar a toda la sala.
La banda sonó como un bloque sólido. Kahan dibujaba melodías precisas, Manny aportaba una base rítmica agresiva y eléctrica, Hervé sostenía el conjunto con elegancia firme y Frank marcaba el pulso con una pegada implacable.
El repertorio fue un equilibrio entre clásicos y material reciente. “Days, Months & Years” y “Down and Out” se corearon con intensidad, mientras “Leave the Kids Alone” y “Ticking Bombs” transformaron la sala en un solo grito.
Los momentos de mayor conexión llegaron con “Carry On” y “Swingin’ Hammers”, donde el público y la banda dejaron de ser entidades separadas. Brazos en alto, voces rotas y una sensación compartida de pertenencia.
El clímax llegó con “London Skinhead Crew”. La sala entera cantando al unísono, empujada por luces rojas y blancas, en un instante que trascendía lo musical. Más que un tema, un símbolo.
La recta final mantuvo la intensidad. “Three Points” conectó con la cultura de grada, mientras “The Streets I Call My Own” aportó un respiro cargado de emoción antes del cierre.
“Only Fools Get Caught” puso el punto final a una noche que fue mucho más que un concierto. Fue una reafirmación colectiva.
Booze & Glory no solo demostraron su solidez como banda, sino su capacidad para mantener vivo un mensaje basado en unidad, identidad y rechazo frontal al odio.
El punk, lejos de ser un recuerdo, sigue presente. Y noches como esta lo dejan claro: sigue siendo necesario.
El Palacio de Vistalegre volvió a transformarse en un coliseo del metal extremo el pasado fin de semana, acogiendo un cartel que, por peso histórico y contundencia, prometía ser una de las citas ineludibles del año. Con Kreator a la cabeza de una expedición que incluía a Nails, Exodus y Carcass, la jornada se presentaba como un repaso exhaustivo a las diferentes mutaciones del Thrash y el Death Metal. A pesar de que el recinto sigue planteando retos acústicos que dividen a la audiencia, la respuesta de los seguidores fue masiva, llenando por completo la pista y poblando con ganas la zona central de las gradas.
La tarde arrancó con la violencia concentrada de Nails. La banda californiana es conocida por llevar el hardcore y el grindcore a un terreno de “Powerviolence” donde la brevedad de las canciones es proporcional a su agresividad. Su estilo se basa en ráfagas de ruido controlado y ritmos asfixiantes que invitan al caos inmediato. Aunque la pista todavía estaba terminando de recibir a los primeros asistentes, los fans más madrugadores no tardaron en alzar los puños. Fue una lástima que el sonido inicial no estuviera de su parte; la batería quedó prácticamente sepultada en la mezcla, al menos desde el lugar donde nos ubicaron, restándole ese impacto físico que define a canciones como “You Will Never Be One of Us”. Visualmente, optaron por una iluminación plana, cruda, que encajaba con la honestidad brutal de su propuesta, con muchos rojos y verdes. Un arranque a la altura del cartel.
El relevo lo tomaron unos veteranos que no necesitan presentación: Exodus. Los de la Bay Area son los arquitectos del Thrash Metal más orgánico y macabro. Si algo define a Exodus es ese “riffing” galopante y una mala leche que parece no agotarse con los años. Discos como “Bonded by Blood” o “Pleasures of the Flesh” son los cimientos sobre los que se apoya su sonido actual. En Vistalegre, su actuación fue una auténtica bofetada; interpretaron sus temas con una naturalidad asombrosa, sin artificios. Aquí el audio empezó a remontar: por una vez, el bajo tuvo una presencia notable, dándole ese cuerpo necesario a la interpretación. Las luces ganaron en profundidad y juegos de haces, acompañando la energía de un grupo que sigue sonando igual de peligroso que en los ochenta. Aportaron una lona enorme con la portada del nuevo disco “GOLIATH” y dos móviles a los laterales, otro punto a su favor que ayudó a integrarse con el escenario. Espero vuelvan pronto a Madrid y si es en sala mejor.
Con Carcass sobre las tablas, el nivel de profesionalismo subió un peldaño más. Los británicos son una anomalía fascinante; empezaron en el goregrind más insalubre para acabar definiendo el Death Metal melódico con el legendario Heartwork. Su estilo actual es quirúrgico: una mezcla de pesadez rítmica y solos de guitarra de una elegancia técnica envidiable. Sonaron impecables, repasando sus clásicos sin fallar una sola nota, confirmando que son una de las bandas más fiables del género. La iluminación fue especialmente llamativa, muy luminosa, jugando con blancos puros que alternaban con verdes y rojos intensos, creando un contraste visual que subrayaba la frialdad clínica de su música. A estas alturas, el sonido en el palacio ya era más que digno, permitiendo disfrutar de cada matiz de la guitarra de Bill Steer.
Finalmente, el despliegue de Kreator dejó claro por qué son considerados por muhos los reyes del Thrash europeo. La producción que trajeron los alemanes fue, sencillamente, abrumadora. El escenario era un museo del horror diseñado con un gusto exquisito: gárgolas con cuernos, un rostro central gigantesco, figuras colgadas por el cuello y cabezas decorando los pies de micro. Todo este “atrezzo” cobró vida gracias a un diseño de luces de primer nivel, donde los verdes y rojos dominaban la escena, creando una atmósfera infernal. La pirotecnia fue el complemento perfecto; cañones de fuego, raíles de fuego, cañones de humo y antorchas portadas por figuras enmascaradas que daban al concierto un aire de ritual pagano. El calor de las llamas se sentía incluso a varios metros del escenario, subrayando la magnitud de la gira.
Musicalmente, Mille Petrozza y los suyos demostraron que preparan sus directos con una conciencia milimétrica. El setlist, aunque apostó por lo seguro, fue un viaje por su trayectoria: desde la furia de sus inicios hasta la épica de sus últimos trabajos, incluyendo tres cortes de su disco más reciente que encajaron sin fisuras con himnos como “Violent Revolution” o “Pleasure to Kill”. La voz de Petrozza sigue cortando como un cuchillo, liderando a una banda que suena como una unidad acorazada. Los fans respondieron con una entrega total, coreando cada estribillo y manteniendo la pista en un movimiento constante de bailes y “circle pits”.
A pesar de que las gradas laterales estaban tapadas con lonas, el ambiente en la zona central y en la pista fue eléctrico. Kreator no solo tiene canciones, tiene un carisma que llena cualquier espacio, y su capacidad para ofrecer un espectáculo visual tan elevado sin perder la esencia del Thrash es admirable. Al terminar, con los oídos pitando y la retina llena de fuego, convencidos de que, aunque el recinto tenga sus sombras acústicas, bandas de este calibre logran que la experiencia sea, por encima de todo, una celebración de la potencia sonora.
Dimmu Borgir anuncia su nuevo disco “Grand Serpent Rising”
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Uno de los nombres propios del metal extremo hecho en Escandinavia, concretamente en Noruega, como son Dimmu Borgir han anunciado lo que será Grand Serpent Rising, su onceavo disco de estudio, el cual llegará a las tiendas el próximo 12 de mayo a través de Nuclear Blast Records.
El disco trae la friolera de 13 nuevos temas que serán los siguientes:
01. Tridentium 02. Ascent 03. As Seen in the Unseen 04. The Qryptfarer 05. Ulvgjeld & Blodsodel 06. Repository of Divine Transmutation 07. Slik Minnes en Alkymist 08. Phantom of the Nemesis 09. The Exonerated 10. Recognizant 11. At the Precipice of Convergence 12. Shadows of a Thousand Perceptions 13. Gjoll
Los death metaleros suecos Vomitory están cada vez más cerca de lanzar su nuevo disco In Death Throes, el cual llegará a las tiendas el próximo 10 de abril vía Metal Blade Records y del cual han estrenado “Wrath Unbound”, otra de las canciones del álbum que viene acompañada de su correspondiente videoclip.
01. Rapture in Rupture 02. For Gore and Country 03. Forever Scorned 04. Wrath Unbound 05. In Death Throes 06. Cataclysmic Fleshfront 07. Two and a Half Men 08. Erased in Red 09. The Zombie War General 10. Oblivion Protocol
Sin siquiera un teaser de adelanto ni un anuncio previo, los emblemas del heavy/power metal español Warcry han lanzado “Lo Siento”, una poderosa nueva canción, donde podemos ver que todo sigue tal y como lo habían dejado hace 4 años con Daimon, su último trabajo de estudio.
El corte formará parte de su nuevo disco Entre La Niebla, el cual es uno de los discos más esperados del año a nivel nacional y demuestra el excelente estado de la banda en la actualidad.
Os recordamos que Warcry se estarán presentando en el imponente Movistar Arena de Madrid, para presentar este nuevo trabajo y que seguramente irán confirmando más fechas y ciudades a su debido tiempo.
La banda de hard rock originaria de Texas acaba de lanzar su nuevo single “Watch You Bleed” en formato videoclip.
“Watch You Bleed» aborda el deseo de venganza y la constatación de que aferrarse a esa negatividad solo acaba haciéndote daño a ti mismo al final”, declara el vocalista Jonathan Norris.
El bajista Aaron Smith ofrece una visión del vídeo, diciendo: “Decidimos mostrar la lucha entre esos sentimientos de ira y, al mismo tiempo, aceptar el hecho de dejarlos ir. Queríamos representar la lucha entre el bien y el mal con la que todos luchamos internamente”.
Kingdom Collapse surgió de la amistad de la infancia entre el mencionado vocalista Jonathan Norris y el bajista Aaron Smith, quienes crecieron juntos, descubrieron la música más o menos al mismo tiempo y reconocieron su poder después de que Jonathan sufriera la pérdida de su padre a los ocho años.
En 2025, captaron la atención de Mascot Records y firmaron un contrato con el sello discográfico. Ahora, Kingdom Collapse lo da todo en su nuevo sencillo.
OleoRock Festival 2026
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Sant Joan Rock Fest
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Mind Driller despedirá a Estefanía Aledo en el Sant Joan Rock Fest
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Todo ciclo tiene un final y aunque cueste aceptarlo, hay que cerrar las etapas de la mejor manera posible, quizás por esta razón la banda alicantina Mind Driller ha anunciado que su participación en el marco del Sant Joan Rock Fest 2026, será la despedida oficial de Estefanía Aledo, quién ha sido su vocalista durante tres lustros y que junto a V y Dani, configuraron el ADN principal de la banda, la cual justamente por sus tres voces y la combinación de tres idiomas distintos (Inglés, Alemán y Español) se ha destacado dentro del panorama nacional e incluso fuera de nuestras fronteras.
El OleoRock Festival presenta su cartel completo de 2026
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La localidad jienense de Torredonjimeno volverá a vibrar un año más con el OleoRock Festival, cuya edición de este 2026 acaba de desvelar su cartel completo, apostando por el metal hecho en nuestro país.
Para este verano contaremos nada más y nada menos que con tres pesos pesados del metal hecho en nuestra geografía, empezando por Headon, quienes liderados por Andy Martínez nos deleitaran con lo mejor de su repertorio, para que luego Zenobia celebren en el festival sus primeros 20 años de trayectoria, con lo cual podemos esperar un set muy especial y cargado de temazos.
La guinda y el cabeza de cartel será el señor Leo Jiménez, que no necesita presentación y llenará el festival con los mejores temas de su carrera y seguramente alguna que otra sorpresa de sus anteriores proyectos.
Además, contaremos con una presencia de bandas jóvenes como son Badak, Deklibe, Oeste y Patxa, apostando también por las bandas con proyección y demostrando el gran compromiso que tiene el festival con la música en directo, tanto de bandas consagradas como de las que apuntan maneras y son interesantes de ver.
La fecha será la siguiente:
6 de Junio – Torredonjimeno (Jaén) – Polideportivo Matías Prats
Tras unos días de intriga, finalmente Avalanch ha anunciado que Cristian del Giorgio ocupará el puesto de teclista en la banda, sustituyendo a Manuel Ramil y con el, consiguen un músico impecable que dará la talla en las composiciones clásicas del grupo liderado por Alberto Rionda.
Armored Saint estrena el videoclip de “Close to the Bone”
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La veterana formación norteamericana de heavy metal Armored Saint ha publicado “Close to the Bone”, un poderoso tema que formará parte del nuevo trabajo que la banda lanzará el próximo 22 de mayo a través de Metal Blade Records.
El tracklist completo del disco será el siguiente:
01. Close to the Bone 02. Every Man-Any Man 03. Not on Your Life 04. Hit a Moonshot 05. Buckeye 06. Compromise 07. It’s a Buzzkill 08. Throwing Caution to the Wind 09. Ladders and Slides 10. Bottom Feeder 11. Epilogue
La banda oriunda del País Vasco, Arima ha confirmado las primeras fechas donde presentarán su nuevo disco Ez Dago Amor, publicado por Aloud Music y Bonberenea el pasado 28 de noviembre de 2025.
Guilt Trip en Barcelona: “Tormenta de Hardcore (corta pero intensa) en la ciudad condal”
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El pasado 17 de marzo pudimos disfrutar de la visita de la banda británica acompañados de los barceloneses Donuts Hole.
Los anfitriones abrieron la tarde con su metalcore moderno y su siempre impecable puesta en escena. Liderados por Ariel, ofrecieron un show haciendo repaso de sus temas más populares como “La Tristeza Quiere Matarme” o “Ya No Eres Tú” y su trabajo más reciente “Seréis Vosotros”. Cabe destacar el mérito del concierto en si dado que se encontraron con un público que prácticamente no interactuó con ellos y se mostró indiferente durante todo el set. El sonido impecable y un Ariel inconmensurable hicieron del concierto otra demostración más de que son una de las bandas más en forma del panorama nacional.
Y a eso de las 21:00h, daba comienzo el tan esperado show de Guilt Trip. Desde el primer momento, Jay pidió la apertura de un pit que no se cerró hasta los últimos instantes del concierto. Los británicos se caracterizan por una descarga de energía y un sonido apabullante que quedó más que claro en los poco más de 40 minutos que duró el concierto (hecho que cada vez es más común). “Thin Ice”, “Severance” o la más reciente “Angel Eyes” fueron parte del repertorio que la banda tenía preparado para su Spain & Portugal Tour. Concierto impecable que dejó a una buena parte del público con un sabor agridulce por la duración del mismo. Queda confiar en el cariño que la banda tiene a nuestro país puesto que han venido 3 veces en los últimos años y esperar que podamos disfrutar de un set mucho más completo.
Agabas son una banda noruega que fusiona Jazz con Death Metal, con unos directos totalmente únicos y que ofrece a partes iguales amor y furia. Acaban de sacar la versión deluxe de su último disco, “Hard Anger”, y han estado de gira, como teloneros de Avatar y en combinación con Alien Weaponry y Witch Club Satan. Actualmente trabajan en su próximo álbum que quizás nos llegue para finales de año.
Hemos podido hablar de todo esto y mucho más con su guitarrista Oskar Myseth.
Hey! el guitarrista de mi banda favorita de Deathjazz. Muchas gracias, Oskar, por concedernos esta entrevista.
¡Oh, sí!
Acabáis de terminar un tour estupendo con Avatar, donde habéis tocado vuestra música y donde además te hemos visto a ti hacer crowdsurfing mientras seguías tocando la guitarra, y hemos visto a Sondre ser prácticamente devorado vivo por un moshpit que él mismo instigó… así que ¿qué tal la gira y cómo habéis sobrevivido a todo esto?
Pues ¿sabes qué?, nos habíamos mentalizado de que la gira iba a ser mucho más agotadora, pero en realidad hemos estado en todo momento llenos de energía porque todo el mundo en la banda y también en Avatar y en Alien Weaponry, y los equipos de apoyo de todos ellos, todos han sido tan majos y agradables… que todo ha ido muy suave. Es cierto que los shows pueden llegar a ser muy tumultuosos y locos, pero está todo controlado, sabemos lo que hacemos y nos hemos sentido muy bien haciéndolo.
¿Y cuál ha sido tu canción favorita para tocar en directo?
Mmmh, diría que “Steg etter steg”, la última del set list. Pertenece a un álbum anterior: “A hate supreme” y nos encanta seguir tocándola en vivo porque la gente se pone a bailar y a moverse muchísimo. No sé exactamente el por qué, pero tiene ese efecto y resulta muy divertida de tocar.
También quería preguntarte por las letras de las canciones, porque he estado escuchando vuestro último álbum, “Hard Anger”, muchísimo estos días y me ha impresionado la dureza de las letras, los temas que tratáis… y quería preguntaros: ¿cuánta inspiración sacáis del mundo real, de las noticias y de la crítica social?
Bueno, no puedo contestar con un 100% de seguridad a esta pregunta porque normalmente es nuestro vocalista quien escribe las letras, pero sí, nosotros solemos escribir sobre aquellas cosas que nos importan más profundamente y eso suele significar ver problemas en el mundo y en la sociedad en general y tratar de usar nuestra voz para comentarlos. Si podemos de algún modo causar un impacto positivo en el mundo o ser una influencia para que nuestros fans piensen también sobre estas cosas, nos sentimos satisfechos. Otras veces simplemente nos apetece escribir sobre cualquier tema personal o ficticio, sólo porque ese día estamos inspirados de esa manera, pero normalmente sí que incluimos muchos temas serios y políticos, porque es algo que nos preocupa e interesa.
También estáis haciendo un impacto positivo en el mundo a través de vuestra web. Veo que actualmente dedicáis los beneficios del merch a Médicos sin fronteras y la causa Palestina. Desde aquí os doy las gracias por hacer eso. ¿Quieres comentar algo sobre el tema?
Sí, es otra manera de participar. Al final sólo somos una banda de Metal, así que no hay mucho que podamos hacer, pero creemos que todo el mundo puede hacer al menos un poquito, así que con esto hemos querido encontrar una manera de aportar nuestro granito de arena, algo que sí podíamos hacer para general algún cambio. Así que dijimos “¿por qué no donar algo del dinero del merch a estas causas?”. Es bueno poder contribuir aunque sea un poco a este tipo de cosas. Así que el merchandise que hemos marcado con el logo de “Make deathjazz not war”, donamos sus beneficios a Médicos sin fronteras y al Comité Noruego de Palestina.
Pero no todo es seriedad en Agabas. Quería preguntaros por vuestra otra cara: la del humor. Y es que tenéis algunos vídeos muy locos, tenéis memes divertidísimos en vuestra web oficial, juegos de palabras (como el propio nombre del álbum “Hard Anger” basado en el fiordo de Hardanger)… ¿Qué papel juega el humor en Agabas?
Sí, esto es algo que de forma natural se ha incorporado a la banda. Al final sólo somos unos tíos a los que les gusta pasarlo bien. No queremos tomarnos todo siempre en serio. No creo que estuviéramos haciendo música en una banda si no nos lo pasáramos bien con ello, porque es muy duro tocar en una banda… estás intentando hacer algo de calidad y a la vez equilibrar esto con un trabajo y otras cosas, a veces es duro. Así que al menos tenemos que pasarlo bien. Por eso digo que es algo que ocurre de forma natural para nosotros.
Y ¿qué es lo que haces entre medias de la gira para pasarlo bien y relajaros, cuando no estáis tocando?
Relajarnos: ¡nunca! Pasarlo bien sí, pero no te puedes relajar en una gira. Afortunadamente para nosotros este ha sido un estupendo entrenamiento. Porque esta es la primera gira de este tamaño en la que participamos, pero lo hicimos en dos semanas diferentes: tuvimos nuestra primera semana tocando en la gira con Avatar y Alien Weaponry. Luego la banda Witch Club Satan nos cogió el relevo, y después volvimos a actuar nosotros esta última semana. Esto nos ha permitido recargar pilas, porque ambas semanas han sido realmente intensas. Por ejemplo, hablábamos con los compañeros de Alien Weaponry que han estado abriendo para Avatar por seis semanas consecutivas y hemos visto que las posibilidades de relajarse no son muchas. Se trata de tocar, tomarse unas cervezas y a la mañana siguiente viajas a otra ciudad, descargas, haces pruebas de sonido, tocas y… bueno, pues te tomas otro par de cervezas, te vas a dormir, vuelves a viajar… y así. De vez en cuando hay algún día libre, pero la verdad es que las giras son intensas. Nos esperamos a relajarnos de verdad cuando volvemos a casa.
También quería preguntaros por vuestra estética. Me llama mucho la atención vuestro logotipo, las portadas de los discos, especialmente del nuevo, “Hard Anger” con esas flores tan llamativas y diferentes a lo que solemos ver en el metal… Por favor habladme del aspecto visual de la banda, ¿qué tratáis de transmitir con ello?
Representa varias cosas para nosotros. En primer lugar es otra manera de visualizar la unión del Jazz y el Metal. Nos gusta utilizar las flores y esta estética para mostrar que aquí hay algo diferente, alejándonos un poco de la estética oscura más tradicional. También representa nuestro mensaje principal que es amabilidad, paz… Es cierto que este mensaje ya forma parte naturalmente de la comunidad del Metal, pero es cierto que no suele materializarse tanto en la estética: las cosas suelen verse más oscuras ¡y eso también me gusta mucho!, pero nosotros particularmente hemos querido hacer algo que diga “¡hey! estos somos nosotros”. Nos gusta tocar duro, nuestra música es oscura, pero también llena de amor; también lo pasamos bien y podemos jugar un poco con todo esto. Y de ahí ha salido este logotipo que tenemos, mitad flor mitad pentagrama.
Desde luego, y esta estética a la vez brillante y oscura también se puede ver en vuestros vídeos musicales, que son estupendos. ¿Hay algo que te gustaría explorar en los próximos vídeos que saque Agabas?
Vaya, esto es algo en lo que aún no he pensado mucho, pero es una gran pregunta. Ahora mismo estamos desarrollando ideas para el nuevo disco y aunque todavía estamos en las primeras fases del proyecto, es algo en lo que tenemos que pensar muy pronto.
Como guitarrista de deathjazz, haciendo hincapié en el jazz, si pudieras chasquear los dedos y traer a cualquier músico o banda, vivos o muertos, para hacer una Jam Session contigo ¿a quién elegirías?
¡John Coltrane! Para mí, ha sido mi mayor inspiración en cuanto a esta faceta de Jazz. La música que hacía, cuando la escuché por primera vez, me impactó mucho y me hizo pensar “¡Hostia! El jazz puede ser muy heavy”, es muy intenso y oscuro en algunos momentos. Esto me hizo pensar “esto podría ser perfectamente una canción de Metal” y al final escuchar ese tipo de música es lo que nos ha llevado a combinar ambas cosas.
¿Tienes alguna rutina especial de calentamiento antes de un concierto?
Sí, la verdad es que al principio cada uno hace lo suyo, a su manera: tratamos de activarnos, saltar, hacer muchos movimientos, estirar todo el cuerpo para no tener un calambre sobre el escenario. Algunos compañeros hacen flexiones, o gritan… Cada uno hace su cosa. Y después, tres minutos antes del show, nos reunimos y hacemos como un pequeño cántico para animarnos entre nosotros antes de subir al escenario.
Ya para finalizar ¿Qué es lo próximo para Agabas? ¿Y podremos disfrutaros por España en el futuro próximo?
Me encantaría. De momento no hay nada programado en España, pero siempre estamos trabajando en expandirnos un poco más. Contratar shows en diferentes lugares… De verdad que me encantaría ir a España este mismo año o el siguiente quizás. Lo próximo que vamos a hacer es un concierto en Oslo, que además tiene la novedad de ser para todos los públicos: van a poder venir jóvenes menores de 18 años y creo que eso va a resultar muy divertido. También iremos a un par de festivales de verano, pero no muchos. Y estamos trabajando en una gira por diferentes salas en otoño. No tengo los detalles todavía. Y por supuesto estamos componiendo. Nos reunimos a menudo para poner cosas en común y, mientras, cada uno va componiendo riffs y otras cosas. Queremos terminar el nuevo álbum este mismo año.
¿Puedes darnos algún detalle de este nuevo álbum? ¿El título quizás?
No, no… No estamos tan avanzados. De momento estamos componiendo las canciones.
Muy bien, mantenemos la sorpresa. Muchísimas gracias por tu tiempo y enhorabuena por el buen trabajo.
La banda canadiense Cancer Bats ha confirmado que volverá a nuestros escenarios para celebrar sus dos décadas de carrera y lo hará de la mano de Hello Cleveland, para el deleite de sus seguidores en nuestro país.
Uno de los estandartes del heavy metal en español como son Saratoga han estrenado el segundo single de En Estado Puro, el nuevo disco de la banda que estará disponible a partir del próximo 24 de abril vía Maldito Records.
El corte elegido ha sido “A Toda Velocidad” y podemos ver lo bien que se ha adaptado Charlie Parra que se desmarca con un solo espectacular, sumado a la imponente voz de Tete Novoa, sin duda y pese a quien le pese el mejor cantante nacional dentro de su estilo y con Niko del Hierro y Arnau Martí creando una base rítmica potente, moderna e indestructible.
Podéis ver y escuchar como suena este cañonazo de heavy metal en castellano a continuación:
Los hard rockeros con toque glam Lipz, han estrenado “Straight Up”, su nuevo single, que no es otra cosa que un cover actualizado del mítico corte popularizado por Paula Abdul allá por 1988 y que sigue siendo uno de esos temas, siempre superados por sus diversas versiones.
Lucifer esparcirá su magia negra musical en España
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Los suecos oscuros y atrapantes, Lucifer están muy cerca de regresar a nuestro país en el marco de su gira 2026, donde la única fecha europea para este primer tramo será en España, ya que luego partirán rumbo a Latinoamérica para posteriormente presentarse en los festivales veraniegos del viejo continente.
Speed en Buenos Aires: “Fiesta hardcore con el chino loco”
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El pasado sábado 14 de marzo la escena hardcore presenció uno de los debuts más apasionantes y esperados del año: el de los australianos Speed, que con su actitud y ritmo explosivo, tiraron abajo todo y brindaron un espectáculo tanto en lo musical, como en lo extra musical.
El evento tuvo lugar en Uniclub y desde temprano, empezó a verse rodeado de gente que llevaba un estilo muy marcado: remeras negras, gorros con visera, zapatillas deportivas y una estética muy propia de la escena urbana. 20hs estaba pautado el inicio, pero al tratarse de un sábado, muchos aprovecharon la oportunidad para juntarse una horita antes y así, arrancar con la previa de lo que sería una noche picante.
Y es que los encargados de abrir la jornada, corrió a cuenta de los locales, Miserere, grupo hardcore que en el último tiempo, vino ganando bastante impulso a base de sus intensas y potentes actuaciones. Liderados su carismática cantante, Renata, la banda ofreció una buena descarga de adrenalina, llena de peso y fuerza, que cumplió con su cometido de incentivar al público y desatar las primeras acrobacias y moshpits de la noche.
Y es que si los argentinos ya habían captado la atención del público, los estadounidenses, Clique, directamente tocaron como si fueran el acto central del evento. Con una fuerte base de gente ya presentes en el lugar, la actuación del grupo formado en Los Ángeles se rigió bajo un mensaje muy punzante y directo: “Abajo los políticos y policías. Arriba la libertad y el anarquismo”.
Con esta pauta, fue que impusieron su propuesta hardcore, más cercana a la de bandas de los 90’ como Madball o Sick Of It All. Intercalando pequeños discursos de confrontación contra la autoridad y el poder con sus temas, fue que se pasó el show de los norteamericanos que pese a haber sido un poco breve, supo ser lo suficiente impactante como para ganarse el reconocimiento y respeto del público.
Finalizada su actuación, hubo un pequeño tiempo de descanso, respiro e hidratación para que la gente recargué sus energías ya que hasta ese momento, ya se venía palpitando un ambiente de caos y descontrol. Pero nada comparado con lo que siguió a continuación.
Poco antes de las 22 las luces se fueron apagando y esa fue la señal: todo el mundo al resguardo y escapando del círculo central que no tardaría en volverse en un campo de destrucción y salvajismo mortal.
Bajo este clima expectante, Speed salió en escena y luego de un apasionado recibimiento por parte de la audiencia, los músicos se pusieron en su lugar, con la particular aparición de una flauta en las manos del cantante, Jem Siow. Como un árbitro da inicio a un partido con su silbato, el músico uso este instrumento como pitido inicial para dar luz verde a sus compañeros y hacer explotar todo.
Saltos, empujones y patadas voladoras, gente subiéndose y tirándose del escenario. Todo eso desencadenó la presencia de los australianos que con suma frescura y dinámica, fueron demostrando el poderío de su propuesta y estilo.
Su vocalista no tardó mucho en empezar a interactuar con la gente e ir guardándosela en el bolsillo, con su carismática y eufórica personalidad. Y es que entre tema y tema, iba mechando discursos hablando sobre la importancia de aceptar y respetar a todas las personas, sin importar su etnia, nacionalidad, religión, género u orientación sexual, dando apoyo a la diversidad cultural y racial.
También tocó el tema de su ascendencia (chino-malaya) y el gran logro que representó para ellos hacerse de un nombre en la escena, en un país en dónde casi no tienen. Todo esto, mientras en el medio usaba algunas palabras en castellano que había aprendido, aunque especialmente, términos más coloquiales y callejeros propios de su estilo. De esta manera, Siow terminó refiriéndose a sí mismo como “chino loco”, nombre que el público coreó durante toda la noche.
Musicalmente el show se desenvolvió con agilidad y sin ningún tipo de demora. La banda impuso su estilo explosivo pero sin perder la claridad y definición de sus instrumentos. Al tratarse de una propuesta más cercana a la jerga callejera, hubo momentos y pasajes con cierto aire rapero, que se amoldaron con total naturalidad a la presentación.
De esta forma, no todo se trató de velocidad y destrucción sino que hubo espacio para secciones más “lentas” y rítmicas, que llevaron a que la gente también se dé el gusto de bailar y sentir la música. Igualmente, las rondas de pogo con gente exhibiendo su rutina de trabajo de gym en la semana, no faltaron.
Poco más de media hora fue lo que duró la fiesta, que terminó con el público extasiado, desatado y porque no, algo moretoneado luego de todo lo que se vivió en el circulo central del Uniclub. La banda se mostró completamente humilde hasta el final y no paró de saludar a sus fanáticos, como señal de la camaradería que se respira en la escena.
El mejor ejemplo para plasmar esto fue ver como el “chino loco” de Siow se tiró del escenario y cayó en brazos del público que lo fue cargando hasta la zona de la barra, mientras coreaban su nuevo nombre.
Con esta intensidad y cercanía con la gente, los australianos se despidieron del país, demostrando tanto dentro como fuera del escenario porque son uno de los referentes actuales de la escena. Y es que sus valores de respeto, amistad e integridad que ellos manejan, se vieron fielmente reflejados tanto en lo musical, como en lo individual. Un show de hardcore en toda regla.
Agradecemos a Favio por la acreditación y a la productora Noiseground por la realización del evento.
Rage en Barcelona: “La aplanadora alemana en la ciudad condal”
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La apertura de la velada en la sala no fue un simple calentamiento, sino una inmersión total en un futuro distópico. A las 19:00, cuando las luces viraron a un rojo industrial y el humo comenzó a invadir el escenario, Wasteland Clan hizo su aparición. La banda alemana no solo ofreció música, sino un concepto visual completo: ataviados con cueros desgastados, protecciones metálicas de desguace y pinturas de guerra que evocaban la estética de Mad Max o Fallout, transformaron el escenario en un páramo de supervivencia.
El asalto sonoro comenzó con “Go to Hell”, un puñetazo de thrash/power metal que presentó sus credenciales. Desde el primer segundo, todas las miradas se centraron en Jessabell Blake. La vocalista es, sin duda, el alma del clan: presencia escénica imponente y una energía que parecía alimentarse del caos. Su rango vocal resultó envidiable, alternando guturales rasgados con estribillos melódicos de enorme potencia.
Sin dar respiro, encadenaron “Unleash the Demon”. Aquí, la sección rítmica —Rayne y Zacharias— ofreció una lección de contundencia: el doble bombo retumbaba en los cimientos de la sala, creando una atmósfera opresiva y adictiva. La guitarra de Mashl J. brilló con riffs afilados que cortaban el aire, tendiendo un puente perfecto entre el metal moderno y las raíces clásicas del género.
Uno de los momentos más coreados fue “All For One”, un himno de hermandad que redujo ligeramente la velocidad, pero elevó la épica. El público, que a esa hora ya llenaba gran parte de la pista, respondió con los puños en alto. La banda regresó pronto a la oscuridad con “Dark Matter”, un tema denso en el que los teclados pregrabados aportaron una capa de ciencia ficción clave para su propuesta.
El bloque central trajo la crítica social con “Wasted” y “The End of Time”. Fue aquí donde Jessabell Blake lanzó mensajes de resistencia y concienciación, destacando la lucha contra la violencia machista, eje fundamental de su discurso lírico y un valor añadido poco habitual en el género.
No todo fue perfecto. Durante “Murderer”, el sonido se volvió algo embarrado: las frecuencias graves de la sala restaron nitidez a los solos y, por momentos, la voz quedó sepultada. Pese a ello, la banda compensó los problemas técnicos con una entrega física incuestionable.
El cierre, con “Gods of War”, fue apoteósico. Wasteland Clan desplegó toda su artillería rítmica y convirtió la pista en un campo de batalla. Un broche de oro para 40 minutos que supieron a poco y confirmaron su enorme proyección en la escena europea.
Tras este arranque, el relevo llegó con una propuesta radicalmente distinta. Los alemanes Rook Road apostaron por un sonido que bebe del hard rock de los 70, pero con una pegada moderna que encajó a la perfección en la noche.
Desde los primeros acordes de “Heart of the Sea”, quedó claro que el protagonista era el órgano Hammond. Con un rugido que evocaba a Jon Lord, la banda construyó una base sonora rica y profunda. El vocalista Patrick Jost se adueñó del escenario desde el inicio, con un registro potente y una calidez que conectó rápidamente con el público.
El set avanzó con “World of Betrayal”, donde la sección rítmica mostró gran solidez, permitiendo que teclado y guitarra se entrelazaran con naturalidad. “Romeo” y la introspectiva “Sometimes” ofrecieron un respiro, evidenciando su versatilidad entre hard rock, AOR y tintes de blues.
El punto álgido llegó con “Killing The Giant”, que puso a buena parte de la sala a cabecear al unísono. La banda desplegó aquí todo su potencial técnico, con un solo de guitarra impecable y un Hammond desbordante. La intensidad se mantuvo con “Falling” y “Sam Rogers”, confirmando que Rook Road es mucho más que una banda de sonido retro.
Cerraron con “Talk Too Much”, en clave festiva. Para entonces, ya habían conquistado al público barcelonés, que respondió con una ovación cerrada.
La noche culminó con Rage, y lo hizo con la sensación de estar presenciando algo más que un concierto: una reivindicación viva de su legado. La sala Razzmatazz 2, prácticamente llena, respiraba ese ambiente eléctrico tan característico de las grandes citas, donde conviven generaciones distintas bajo un mismo lenguaje sonoro. Camisetas desgastadas de los 80 y 90 se mezclaban con rostros jóvenes, todos reunidos por una misma expectativa.
Desde la intro orquestal, que retumbó con una solemnidad casi cinematográfica, se percibía que el show estaba planteado como una experiencia total. La entrada de Peavy Wagner desató una ovación inmediata. Su figura, ya icónica, proyecta esa mezcla de cercanía y autoridad que solo poseen los músicos curtidos en décadas de carretera. El arranque con “Resurrection Day” fue fulminante: velocidad, melodía y precisión al servicio de un tema que funciona como puente entre el presente y el pasado de la banda.
Uno de los aspectos más destacables fue el equilibrio sonoro. A diferencia de otros momentos de la noche, Rage logró domar la acústica de la sala, ofreciendo una mezcla clara donde cada instrumento encontraba su espacio. Este control permitió apreciar mejor los matices de las composiciones, especialmente en los pasajes más técnicos.
Peavy Wagner se erigió como eje absoluto del concierto. No solo por su papel como bajista y vocalista, sino por su capacidad para dirigir emocionalmente el show. Sus intervenciones entre canciones, breves pero sinceras, reforzaron la conexión con el público. Su voz, lejos de mostrar desgaste, mantiene ese carácter rasgado que añade personalidad a cada interpretación.
Jean Bormann, por su parte, asumió el reto de sostener el legado guitarrístico de la banda con una solvencia admirable. Su ejecución fue precisa, pero también expresiva. En temas como “Unity”, logró recrear la complejidad neoclásica sin caer en la mera reproducción, aportando matices propios que enriquecieron la interpretación. Su química con Peavy fue evidente, especialmente en los momentos en los que ambos compartían protagonismo escénico.
En la batería, Vassilios “Lucky” Maniatopoulos aportó no solo solidez técnica, sino también dinamismo visual. Su forma de tocar, intensa y física, elevó la energía del directo, convirtiéndolo en un espectáculo también desde lo gestual. Su precisión en los cambios de ritmo fue clave para mantener la tensión narrativa del concierto.
El repertorio funcionó como un recorrido inteligente por la historia de la banda. Las canciones más recientes, como “Freedom” o “The Age of Reason”, se integraron con naturalidad junto a clásicos incontestables. Lejos de percibirse como bloques separados, el set fluyó con coherencia, mostrando una evolución sólida y consistente.
El tramo central fue especialmente celebrado. “Solitary Man” y “Black in Mind” desataron la respuesta más visceral del público, con pogos espontáneos y un nivel de participación que convirtió la pista en un hervidero. Sin embargo, el momento más emotivo llegó con “Don’t Fear the Winter”, donde la comunión entre banda y público alcanzó su punto máximo. La canción trascendió su condición de clásico para convertirse en un auténtico ritual colectivo.
Tras una breve pausa, los bises mantuvieron el listón alto. “Straight to Hell” aportó un tono más oscuro y pesado, preparando el terreno para el cierre definitivo. “Higher Than the Sky” no fue solo una canción final, sino una celebración extendida. La banda jugó con el público, alargando el tema en un intercambio constante de cánticos y respuestas, generando una sensación de complicidad difícil de replicar.
Más allá de la ejecución técnica, lo que realmente destacó fue la honestidad del espectáculo. Rage no necesita artificios: su fuerza reside en la coherencia de su propuesta y en una conexión genuina con su audiencia. En una escena en constante cambio, su capacidad para mantenerse relevantes sin renunciar a su esencia es, quizá, su mayor logro.
Tres bandas, tres estilos y una sola pasión. Desde la rabia distópica de Wasteland Clan, pasando por el alma retro de Rook Road, hasta la veteranía imbatible de Rage, se vivió una noche de heavy metal auténtico, honesto y, por encima de todo, memorable
En 2012, el bajista Louie Mayorga y el batería Ralph J. Herrera decidieron poner a rodar esta historia llamada Luicidal, y reescribirla junto algunos excompañeros de la primera época de Suicidal Tendencies, entre todos ellos han editado un par de álbumes, su homónimo en 2014, y Born in Venice en 2018.
Así que ganas de ver de nuevo en vivo, después de tantos años fuera de Suicidal Tendencies, a Mike Clark (1988-2012), Rocky George (1984-95), R.J. Herrera (1984-91), y por primera vez a L. Mayorga (1982-88), ya que la primera visita de S.T. por acá se produjo en 1990, abriendo para Slayer, Megadeth, y Testament, en aquel tour de force llamado “Clash of Titans”, en un abarrotado Velòdrom d’Horta barcelonés.
Sobre las ocho aparecía la formación catalana Machete Law, recién llegados de su gira por Japón, y a los que ya hace algún tiempo que seguía, pero que no había visto todavía desplegándose en directo. Empezaron a cortar el bacalao ante una docena de personas, que por suerte, se fue incrementando a lo largo de los treinta minutos de su descarga thrash metal, con muy buen sonido de guitarras, y durante los cuales nos soltaron algunos de sus machetazos ya editados, caso de “Afraid Inside”, “Desert Hammer”, “Chains of Despair”, o su recién editado single, una tormenta de plomo llamada “Gunfire Ritual”, al igual que “Liturgy of Violence”, ambas son adelantos de un futuro álbum anunciado para este mismo año.
También interpretaron alguna que otra novedad como “Ghosts of Flesh”, “Concrete Inferno”, o “Spirit Creeper”, que supongo también formaran parte de ese esperado debut. Veremos.
Toda una sorpresa cuando vi incluidos en este mismo cartel a los franceses LocoMuerte, ya que había oído hablar muy bien ellos, y después de una primera escucha sorprende su poderío arrollador, su locura, así como un acento de lo más peculiar, un poco como el que solemos encontrar en algún que otro tema de Madball o Agnostic Front cuando se les ocurre componer en castellano, o spanglish en su defecto, con frases inconexas o palabras desconocidas, o no sé si inventadas directamente.
Durante una hora aproximadamente desgranaron parte de su arsenal, machete en mano con la introductoria canción principal del filme El Mariachi de Robert Rodriguez. Tras la que empezó el fiestón con “Tiro pa’ Matar” en la que El Termito se desgañita, para saltar a la que da título a su último disco “Parano Booster”, provocando el primer circle pit de la noche, y mostrando sus primeros mensajes con unos letreros de cartón.
En “Pura Violencia” se crea una especie de cordón sanitario ante los pogos salvajes, y el circle pit, mientras su Loco bajista Nico se encarga de las presentaciones, y de agitar al personal a pesar de su terrible castellano, pidiendo alzar los cuernos para “Demonios”, atreviéndose incluso a pedir un wall of death, que salió más o menos bien.
Enajenación general con la pseudo ranchera acelerada “B91” aka Barrio, para la que utilizaron un megáfono, e invitando a los más salidos a subir a bailar junto a la banda “Mi Familia”. ¿Esto es una fiesta o no?, preguntaría Nico antes de soltar unos cocodrilos que sirven de lancha neumática para los más valientes durante la ejecución de “Los Narcos”.
Y a huevo lo dejaron todo para cerrar su agotador, solo de ver su show en directo, con “La Vida Loca” de un cuarteto que se deja la piel, y el alma sobre un escenario que les queda pequeño ante tal despliegue de carreras, y saltos, todo a un ritmo frenético e imposible de seguir, dejando el listón bien alto para cualquier banda a quien precedan.
En esta ocasión a estos veteranos de la escena hardcore californiana, difícil superar al combo radicado en París, así que optaron por tirar de maestría, saber hacer, y sobre todo viejos himnos. Sorpresivamente, no presentaban la alineación anunciada en la cartelería, siendo únicamente Louie, y Mike Clark los ex Suicidal presentes, junto al vocalista de Sick Sense, Mando Ochoa, que lucía camiseta y gorra de su grupo, y “El Floco”, el mismísimo batería de LocoMuerte es el encargado de ocupar la plaza de Herrera, ausente al igual que Rocky, al parecer, por problemas de salud, aunque comentó Louie, que sí que esperan contar con ellos para la próxima gira por Canadá.
Tras recuperarnos de esta pequeña gran decepción, se inicia el repaso a los viejos clásicos de Suicidal Tendencies, con “Subliminal”, y “Won’t Fall in Love Today”, seguida por el único corte extraído de sus dos álbumes editados como Luicidal, “Knife Fight”.
La siguiente en caer, entre expresiones mejicanas a cargo de Louie, es “Possessed To Skate” incluida en Join The Army (1987), aunque también la podemos encontrar en algunas reediciones del primer disco como tema extra, al igual que ocurre con el “Human Guinea Pig”.
Más del segundo disco de ST con “A Little Each Day”, perseguida por una brutal “Suicidal Maniac”. Anunciando como sorpresa un corte del tercer álbum, una composición de Mike Clark que no es otra que “Trip At The Brain”. Para “War Inside my Head” se incorporan al elenco, los otros tres miembros de LocoMuerte, con todos los fans entonando el estribillo de esta poderosa canción.
Agradecimientos de Mando Ochoa para estos locos franceses, para correr hacia una hiper rápida “Fascist Pig”. Con “Join the Army” se produjo un nuevo circle pit, pasando a esos interludios de calma chicha, combinado la melodía y velocidad de “I Want More”, o de “I Saw Your Mommy. Del cuarto álbum de Suicidal, Control by Hatred/Feel Like Shit… Déjà Vu(1989) recuperan “Waking the Dead” un tema original de No Mercy, formación en la que militaba Clark antes de entrar en Suicidal en el 88.
Mando sufre en la parte más melódica de “How I Will Laugh Tomorrow, When I Can’t Smile Today”, seguida por “Suicidal Failure”, “Pledge Your Alegiance”, para acabar con “Institutionalized”. O eso parecía, porque fue el propio grupo quien propuso una más, siendo la elegida, “The Prisioner”, con la que pusieron punto final a una hora y cuarto llena de recuerdos, pero a la que le faltó otra guitarra, y alguna pieza más de las editadas bajo Luicidal, como las fugaces “Work Related Terror Attack”, “Green Light”, “Surfin’ Tsunami”, o un fantástico ska llamado “S.T. Posse”.
Veremos si se producen nuevas visitas en el futuro con los miembros que no cruzaron el charco en esta ocasión, y alguna nueva sorpresa en su repertorio o terminan convirtiéndose en un tributo de la banda con la que tocaron la gloria. Suicidals for life¡!
Ice Nine Kills publica su canción para “Ready or Not”
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Los norteamericanos Ice Nine Kills han estrenado el potente “Hell or High Slaughter (Grave Diggler Pt.2)”, canción que la banda liderada por Spencer Charnas ha aportado al soundtrack de Ready or Not 2 (Noche de Bodas en España), la conocida película de terror slasher moderno protagonizada por Samara Weaving y que llegará a las pantallas españolas el próximo 1 de abril.
El corte va a sorprender a todos ya que aparcan por un momento el sonido “core” que los caracteriza, para situarse en la órbita del hard rock moderno y con pinceladas de sleazy propias de los 80’s, tal y como también han reflejado en el videoclip de la canción, que podéis ver a continuación:
Lord of the Lost presenta “I Hate People” con una colaboración explosiva
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Los muchachos de Lord of the Lost no paran de sorprendernos y ahora presentan “I Hate People”, uno de los singles extraídos de Opvs Noir Vol.3, el nuevo trabajo de la banda germana que estará disponible a partir del próximo 10 de abril vía Napalm Records.
01 Kill The Lights 02 I’m A Diamond (feat. Saltatio Mortis) 03 My Funeral 04 I Hate People (feat. Wednesday 13) 05 The Shadows Within 06 La Vie Est Hell (feat. Kissin’ Dynamite) 07 Square One 08 When Did The Love Break? (feat.Xandria) 09 Your Love Is Colder Than Death 10 Take Me Far Away (feat. Cats In Space) 11 The Days Of Our Lives
La banda que lidera Chris Harms, sorprende una vez en esta nueva canción uniendo fuerzas con el mismísimo Wednesday 13th, particular personaje con el cual ahora comparte discográfica y que quizás por eso haya sido posible esta colaboración, cuyo incendiario videoclip podéis ver a continuación:
Hace unos pocos días surgió, como siempre en este medio, la posibilidad de concretar una entrevista con cierto artista emergente. Dicha entrevista fue llevada a cabo por Agustin Saccone, quien casualmente, también estuvo en el papel de entrevistado. En esta ocasión, la persona del otro lado de la pantalla fue Dylan Gers, joven músico de rock británico que se viene abriendo paso desde hace poco tiempo con una lista de singles y que lanzó el año pasado su ahora primer material recopilatorio en formato de EP, Melancholic Madman.
Dylan, de apenas un cuarto de siglo, estuvo hablando con Agustín y contándole muchas cosas de lo hecho y lo venidero y como suele ser en este medio, nunca está de más acompañar esas entrevistas con una reseña sobre el material tratado.
Por ello me dispuse este sábado de equinoccio otoñal darles mi opinión de este nuevo álbum.
Melancholic Madman es una obra de rock alternativo y psicodélico con influencias o similitudes a bandas como The Cure, U2, Midnight Oil y otros grandes artistas. Con vestigios bluseros, Dylan encara esto como un proyecto unipersonal haciendo cargo de prácticamente todo, pero con un claro dominio de las guitarras y voces.
“Feel My Heart” es la pieza que da inicio, que con poco mas de 3 minutos y guitarras limpias acompañados de un estribillo que se hace escuchar recién a la segunda vuelta, deja muy claro de que va este nuevo EP.
Luego continua con “Talisman” que me gusta todavía más que su predecesora. Un punteo bien ejecutado al inicio abre las puertas para un narrador que pareciera estar divagando sobre la perdida de su esencia personal. El cierre es maravilloso. “Moonlight Lies” con un tempo más cercano al de una balada es lo que sigue. Una gran pieza que transita pura tranquilidad para terminar generando incomodidad con lo que pareciera ser el sonido de un theremín.
El disco termina con “Young Boy”, una canción que realmente denota una sensación de melancolía, aquella que da título al mismo.
Un EP que Dylan construyó de manera genuina, con cada uno de los instrumentos que están al alcance de su mano, en su habitación. Sin usar atajos, el joven músico redondea un gran inicio de carrera que seguramente verá un constante crecimiento en los años venideros. Melancholic Madman no es solo música personal, si no una construcción musical meramente artística y orgánica, totalmente alejada de lo que son las producciones industriales que hasta el más iniciado de los músicos suele perseguir.
Los chicos de Oniria han estrenado “Al Despertar”, el primer single de su nuevo disco que estará disponible a lo largo de lo que nos queda de temporada y donde evidencian que aún hay mucho que decir dentro de la escena under nacional, independientemente del estilo que practiques.
Y si os gusta el metal sinfónico y melódico, no podéis dejar pasar la propuesta de la banda, donde la voz exquisita de Carolina, derrocha versatilidad y poderío a lo largo de la canción, pudiendo mirar de tú a tú a propuestas como las de Nocturna y Elettra Storm, sin apenas despeinarse.
Podéis comprobar mis palabras a continuación y no olvidéis seguirlos en sus redes sociales, para no perder detalle de lo que se viene por parte de Oniria, esto recién empieza.
Kaelis lanzará su nuevo disco a comienzos de abril
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La banda sevillana Kaelis ha confirmado la fecha en la que podremos disfrutar de su esperadísimo nuevo trabajo Stellar Waves y donde Bethany Neumann y los suyos se confirman como una de las bandas más destacadas dentro de su estilo en nuestra geografía.
1. Intro • Stellar Waves 2. Rising Empire 3. Dark Shadows of Ulderion 4. Strength of Sianark 5. Atalaya 6. Omen 7. From the ashes • Phoenix 8. Under Cosmos Siege 9. Across the Fire 10. Oscillations 11. Outro • To the Stars
Y próximamente estará disponible el preorder AQUÍ.
Ángel Jiménez (Veracruz Metal Fest): “Es una experiencia única”
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El Veracruz Metal Fest, reconocido como el festival mexicano de metal más playero del país, celebrará su segunda edición el próximo sábado 28 de marzo en el Hotel Diana Cazadora, ubicado en Playa Chachalacas, en el estado de Veracruz, evento contará con un potente cartel que reúne talento nacional e internacional, con bandas como Marraneitors, Intoxicated, Höwler, Haborym, Ancestry, Baal, Venemous, All Misery, Steel Night, The Unholy y Genos Prototype, prometiendo una jornada intensa de metal frente al mar este próximo sábado 28 de marzo, además de una pre-fiesta un día antes en el Puerto de Veracruz.
En Track To Hell tuvimos la oportunidad de platicar un poco Ángel Jiménez, la mente detrás de esta peculiar propuesta que ya para su segunda edición, quien, estoico y preciso, nos platica un poco sobre lo que ha sido esta experiencia.
Cuéntanos un poco sobre ti, ¿cómo fue que te empezaste a ver involucrado en el mundo del metal?
Bueno desde los 13 años comencé a escuchar rock. Las primeras bandas que conocí de la escena mexicana fue Transmetal, de hecho ellos fueron fue mi primer concierto al que asistí. Después asistí a un concierto de Lvzbel con el finado Huizar y seguí escuchando a bandas como System of a Down, Korn, Slipknot, después conocí Black Sabbath, Dio y poco a poco me fue interesando todo el género del metal, desde lo más comercial hasta los más under.
¿Cómo empezaste a gestionar eventos? Cuéntanos sobre tu primer experiencia tras los escenarios.
Primero comencé haciendo Tours a eventos y festivales de Metal, después comencé a hacer eventos locales en mi ciudad, hasta que después comencé a trabajar con varias promotoras en México.
¿De dónde nace la idea de un festival metalero a pie de playa?
La idea de hacer un Festival en Veracruz ya la tenía desde hace mucho tiempo, fui parte del equipo de trabajo del México Metal Fest de Monterrey, siempre tuve el sueño de hacer mi propio festival, y pues soy jarocho que mejor que un festival de metal en la playa.
¿Por qué Playa Chachalacas?
Porque es la playa que está más al centro de muchas ciudades y porque es una de las playas más bonita de Veracruz.
¿Qué aprendiste de la primera edición?
Que hay que luchar por nuestros sueños y nuestras metas, porque sí se cumplen.
¿Cuál fue tu momento favorito de la primera edición?
Mi momento favorito fue ver a todos felices tanto al público como a las propias bandas, es una experiencia única.
¿Cuál ha sido el reto más importante al gestionar este proyecto?
El reto más importante fue no conocer la zona y el lugar, ya que yo vivo a 5 horas de Playa de Chachalacas y al principio se me complicó mucho porque no conocía a nadie de la zona, aunque después tuve la suerte de encontrarte con excelentes personas que me han ayudado en temas de logística y gracias a eso, pude solucionar ese inconveniente.
Producción, baños, tendremos variedad de cervezas y tendremos nuestra pre-fiesta un día antes del Festival.
¿Qué se puede esperar del Veracruz Metal Fest a futuro?
La idea es convertirlo en un Festival de talla internacional, pero con el concepto único que es a la orilla del Mar, que ningún otro Festival de metal en México ofrece.
¿Por qué debería asistir la gente al Veracruz Metal Fest?
Porque es una experiencia única que no se vive en ningún otro Festival de Metal.
Pueden encontrar los boletos para este evento a través de la boletera Passline y tienen un costo de solamente $600 pesos.
Nile en Buenos Aires: “El arte de ser una aplanadora”
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Una noche llena de brutalidad y Death Metal se vivió el centro porteño de la Ciudad de Buenos Aires, el domingo 15 de marzo de la mano de Nile, en una fecha cargada de música extrema en el Teatrito.
En medio de la temporada de recitales que viene azotando a la Argentina, los norteamericanos regresaron al país para compartir el material de su más reciente trabajo junto con grandes clásicos dentro de su catálogo.
A cargo de Icarus Music, el evento tuvo inicio desde temprano, ya 18:30 con la presentación de distintos grupos de la escena local como Morferus y Exterminio. Por cuestiones de frecuencia horaria del transporte un domingo, llegué recién en mitad de la actuación de Manifiesto. Grupo ya consolidado y con músicos experimentados, brindó un espectáculo potente y aguerrido. Acompañados de un buen sonido, desplegaron su propuesta thrasher con tintes de Death Metal ante un público que dejaba de lado la cerveza de la previa y empezaba a asomar sus narices y oídos en el escenario.
Luego siguió el turno de Lesa Humanidad que se presentó como un cuarteto con una sola guitarra, tras la reciente salida de uno de sus violeros. Si bien los muchachos dieron todo de sí, es inevitable remarcar las dificultades técnicas con las que contaron, en especial de su guitarrista, que tuvo que parar el show durante unos minutos. Aun así, con profesionalismo pudieron completar su repertorio y dejar todo preparado para el acto principal.
Y es que el último tramo de espera se vivió con suma expectativa y con un Teatrito que empezó a pasar música egipcia, para ir creando el ambiente acorde para lo que sería un ritual devastador directo hacia las catacumbas del inframundo.
Pasadas las 21:40, el conjunto liderado por Karl Sanders hizo acto de aparición sobre el escenario y sin que les tiemble el pulso, dieron comienzo a la destrucción.
Entre los aspectos positivos del show sin duda tengo que mencionar la dupla de Zach Jeter y Adam Roethlisberger. Los dos “chicos nuevos del grupo” tuvieron su debut en suelo argentino con la agrupación y contaron con mayor protagonismo y relevancia de lo imaginado.
El guitarrista, Jeter, se hizo cargo de gran parte de la labor solista y rítmica de las guitarras. Y es que a diferencia de Sanders, su instrumento sonaba con más nitidez y claridad, aspecto que le dio más notoriedad a su actuación. O al menos, esa fue la percepción que dejó. También contó con un gran desempeño frente a los micrófonos, aprovechando al máximo sus capacidades vocales para hacer guturales feroces y rasgados.
Sin embargo, si tuviéramos que remarcar a alguien, como la voz principal de la noche, ese sin dudas sería el bajista, Adam Roethlisberger. Posicionado en el centro del escenario, el ex Vitriol tomó el mando vocal y se convirtió en el portavoz oficial a cargo de llevar adelante las estrofas de los rituales demoledores que la banda ofreció. Musicalmente, cumplió con las exigencias técnicas que le demandó su instrumento, y demostró que pese a su poco tiempo en el grupo, toca como si ya llevase años.
Otro aspecto positivo fue el repertorio. Si bien estuvo mayormente enfocado en temas de su último álbum The Underworld Awaits Us All, el setlist contó con un balance correcto entre éxitos de su discografía, como “Sarcophagus”, “Sacrifice Unto Sebek” y “Kafir”. Fueron 13 las canciones que tocaron, dando como saldo final un show de poco más de una hora. Una duración acorde para este tipo de estilos y propuestas muy extremas que requieren de un alto despliegue técnico y físico por parte de sus músicos.
Hablando de despliegue, no podía faltar la monstruosa y bestial labor de George Kollias en la batería. Tal como nos tiene acostumbrado, el músico brindó una actuación colosal demostrando todas sus capacidades técnicas y alcanzando velocidades imposibles para el humano promedio. A estas alturas, no es una sorpresa para nadie decir que se trata de un superdotado en su instrumento.
El único asterisco para remarcar quizás sea que al principio los platos y tachos del kit de batería se escuchaba excesivamente “al palo” como se suele decir coloquialmente. Pero rápidamente al cuarto tema el sonido se acomodó, y se pudo apreciar con mayor claridad la ráfaga de violencia y destrucción que era Kollias tras las baquetas.
Como último punto aprobado del evento, debo mencionar la recepción y acompañamiento del público. Y es que hubo una respuesta muy positiva por parte de la gente que fue, al estar en gran parte de la presentación de los estadounidenses haciendo rondas de pogo, cantando la mayoría de los temas y alentando por el padre de la criatura, Karl Sanders.
Y acá me quiero detener un momento. Ya que si bien el resto de los músicos se mostraron completamente enérgicos, receptivos y participativos con la audiencia, por su parte, a Sanders se lo vio más apagado. Como tratando de mantener un perfil bajo, estuvo en todo el show apartado a un costado, como escondido. Y este es un hecho que me llamó la atención, ya él es el líder de Nile. Sin embargo, esto no se notó en El Teatrito, ya que relevó ese mando a los Zach y Adam.
Particular cuanto menos. Uno podrá argumentar que tal vez la edad le esté empezando a pesar al veterano músico de ya 62 años. No obstante, no deja de resultar llamativo su poca interacción y participación con el público a lo largo del show. Esta mínima presencia se vio reforzado aún más desde el lado musical, con sonido de su guitarra muy bajo, quedando también relegado a un segundo plano.
Un tanto rara la noche de Sanders. Tanto como el final. Y es que la banda, tras interpretar “Black Seeds of Vengeance”, se retira del escenario entre aplausos y saludos por parte del público. Hasta acá, todo en orden. El tema surge cuando al pasar los minutos, el telón nunca se cierra y queda abierto. Esto evidentemente dio a entender que el show seguía o que la banda iba a tocar algún tema más. Pero nada de eso sucedió.
Sanders que se había ido primero, volvió al escenario pero para sorpresa de todos, no fue para tocar. Sino que simplemente se limitó a desconectar el equipo y guardar los instrumentos. Todo esto a vistas del público. Un hecho que despertó la confusión entre los presentes. Finalmente las cortinas terminaron por cerrarse, dando por finalizado, ahora sí, el evento. De esta manera lo que pudo haber sido un cierre satisfactorio y sin falencias, culminó con un sabor agridulce ante la tentación de ver al grupo tocar uno o dos temas más.
Pero haciendo a un lado este hecho, el balance general de la noche fue positivo. La banda dio otra muestra de poderío y brutalidad, demostrando que en vivo son un muro sólido y extremadamente consistente que se lleva todo por delante. El relevo compuesto por Zach y Adam supo estar a la altura de las exigencias e integrarse con suma naturalidad a las filas de Sanders y Kollias.
Otra noche exitosa de Nile en terreno argentino. Y otra noche exitosa para el Death Metal en el país. Por más rituales con Sanders trayendo temas con títulos larguísimos para presentarlos y pronunciarlos en vivo, como nos acostumbra.
Agradecemos a la gente de Icarus por la acreditación y por llevar a cabo la producción del evento.
Tras un más que interesante debut como lo fue Phoenix, las hard rockeras suecas The Gems vuelven este año con su segundo disco Year of the Snake, con el cual pretenden dar un golpe sobre la mesa y comenzar a establecerse dentro de la escena rockera actual.
Y lo cierto que tras escuchar las 14 canciones del álbum, Guernica Mancini y compañía han cumplido y con nota lo que se esperaba de ellas, comenzando directamente con el corte que da título al disco y que es un cañonazo de hard rock moderno, con aroma clásico y con el ADN particular que estas tres chicas tienen y demostraron en su antigua banda.
Con el siguiente corte que es “Gravity” y donde cuentan con la colaboración especial de Tommy Johansson (Sabaton/Majestica), The Gems nos ofrecen un poco de variación inclinada hacia el AOR y el hard rock más radiable, pero con un gran resultado final y sin pasarse de dulzonas.
Luego comienza el bloque donde la fruta se abre y podemos encontrar diversos matices de las chicas, desde el toque medio blues rock en “Diamond in the Rough” y “Let it Go”, ambas con su inyección de melodía, pero no sonando iguales a las primeras dos canciones del disco, lo cual aporta calidad al mismo.
Pero el trío no solamente se reduce a la figura de su cantante y es que Mona Lindgren, vuelve a brillar con sus seis cuerdas y el sonido que le saca a las mismas, tanto en los solos como en las partes más rítmicas, demostrando que no hace falta ir de “Guitar Heroine”, para sobresalir en su trabajo.
Luego cortes como “Forgive and Forget”, oxigenan al disco tanto a nivel sonoro como rítmico, ya que es una suerte de “Power Ballad”, donde Mancini vuelve a embelesarnos con su vozarrón y pone los pelos de punta al oyente desde el minuto uno en el que pulsas play a la canción.
El último tramo quizás no genera tanta emoción como el arranque del disco, pero complementa bastante bien y lo acaba cerrando de forma notable.
Quizás el único punto “negativo” de este trabajo de The Gems, sea el tracklist y es que 14 canciones, todas en un estilo más o menos similar, pueden acabar por atragantarse, pero no impide que el disco sea muy disfrutable y las sitúe como uno de los nombres más destacados dentro de su escena en la actualidad.
Pero con un disco tan sólido y con ninguna grieta ni confusión en su conjunto, The Gems evidencian que su evolución continúa la dirección correcta y habrá que estar muy atentos hacia donde son capaces de llegar.
Tom Morello en Buenos Aires: “Noche de resistencia, verdad y justicia”
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Hace unos meses me vi la película nominada al Óscar, “One Battle After Another”, traducida al castellano como “Una Batalla Tras Otra”. Con Leonardo Di Caprio como protagonista, la cinta nos cuenta la historia de un ex – revolucionario de los años 60’, que vive retirado y alejado de la sociedad como padre soltero. Sin embargo, deberá volver al ruedo de su antigua vida combativa cuando su hija adolescente, es secuestrada por un oficial militar corrupto, obsesionado con él y su pasado.
Hasta acá todo bien. Uno podría pensar que se trata de otro thriller dramático, lleno de humor, ironía y suspenso. Y de hecho lo es. Pero lo que me llamó la atención es el mensaje final que deja y como se enlaza directamente con el título. Y es que a pesar de las batallas individuales que cada uno libre, la película muestra como la lucha por la libertad se trata de un proceso. Que los cambios reales requieren de persistencia y convicción. Y que cada generación debe asumir sus propios ideales para poder sostener sus luchas.
Este mensaje de resistencia y confrontación fue el que se me vino a la mente mientras veía tocar y hablar a Tom Morello, el pasado miércoles 11 de marzo, en la Ciudad de Buenos Aires. Ya que el músico se presentó en suelo argentino con un propósito muy claro: producir conciencia social en su audiencia y reivindicar su postura antifascista y en contra del imperialismo. Y es que pese a que se trató de un recital de música, hay que decir que la música quedó en segundo plano.
Con sede en el centro cultural, Deseo Club, ubicado en las cercanías de Chacarita, desde el minuto uno el estadounidense se encargó de crear todas las condiciones necesarias para transformar el escenario en una plataforma para su discurso. Y es que desde su salida ante la euforia descontrolada de la gente hasta su despedida al ritmo fiestero de “Rock And Roll All Nite” de Kiss, todo estuvo impregnado simbolismos y referencias políticas. Ya que en esta clase de shows, nada está librado al azar. Nada.
Partiendo de lo visual, la actuación del guitarrista estuvo todo el tiempo, acompañada de imágenes de fondo con fuerte contenido social, mostrando a distintos grupos minoritarios en situaciones variadas. Algunos preparados para luchar por las injusticias, otros unidos para defender su identidad y otros mostrándole al mundo su voz y rostro.
Otro elemento visual muy presente fueron las remeras de los compañeros de Morello, que tenían un mensaje muy claro y directo: “Destroy Fascism”. Y es que esta fue una de las pautas de la noche. Ya que al “Is anybody here loves rock and roll, and hates fascism”, Morello no solo consiguió encender al público, sino que comenzó a trazar el discurso musical por el que recorrería su setlist. Uno integrado en su gran mayoría, por temas de la carrera solista del flamante guitarrista, que los tuvo a él frente a los micrófonos.
Evidentemente, sonaron algunos de sus mayores riffs de su etapa en Rage Against The Machine, los cuales desataron el descontrol y la alegría de los presentes. Pero respecto a lo musical, el show estuvo mayormente enfocado en su material con The Nightwatchman.
Pero eso no quita que hubiera dos momentos en el plano musical para remarcar: el primero con un sorpresivo homenaje por parte de Morello hacia quién él denominó, su amigo y hermano, Chris Cornell. Con una foto en blanco y negro de fondo del mítico cantante, la banda realizó una linda y emotiva interpretación del mayor clásico de Audioslave, “Like Of A Stone”.
El segundo y como no podía faltar, se dio con la llegada del tema más esperado por todos en la noche, “Killing In The Name”, que desató el caos absoluto en el recinto, teniendo al público como principal protagonista, entonando y gritando el emblemático: “Now You Do What They Told Ya”.
Este momento de unión y hermandad que hubo por parte del músico con el público, se dio durante casi toda la noche, y eso en gran parte, fue debido a la línea colectiva compartida que había: denunciar las injusticias sociales y apelar siempre en favor de la verdad y la memoria. Y es que Morello como acostumbra, suele estar involucrado en causas sociales y en esta ocasión, lo hizo con Las Abuelas de Plaza de Mayo, visitándolas el día anterior al evento y donando todas las ganancias de su merchadising, a la organización argentina.
Y como dijimos anteriormente, en esta clase de shows, todo está sutilmente planeado. No por nada el guitarrista también salió a tocar con una remera recordando los 50 años del último golpe militar, y una gorra que decía: “Fate no se Cierra” (en referencia a la fábrica de neumáticos que anunció su cierre en los últimos días).
Reforzando estas ideas de lucha y compromiso social, culminó su actuación. Y dicho esto, puedo afirmar que más que un recital, se trató de un acto de resistencia. Uno en contra de ideas fascistas y dominantes. Y es que en palabras del propio músico: “En el nombre de la verdad, la justicia y la libertad, hay que patearle el trasero al mundo”.
De esta forma, una batalla se ganó, pero la lucha persiste. Ya que si bien el mensaje se compartió, la vida sigue. Con todas las adversidades que puede llegar a presentar. Como dice la película, una batalla tras otra.
Agradecemos a Popartmusic por la acreditación y realización del evento.
Erra regresa con silence outlives the earth, su séptimo álbum de estudio, marcando un nuevo paso en su evolución dentro del metalcore progresivo. A dos años de CURE, el grupo retoma varios de los elementos que definieron su identidad, pero con una ejecución más pulida y enfocada. Este nuevo material muestra a la banda consolidada, con una propuesta que combina técnica, melodía y una atmósfera constante que atraviesa todo el disco.
Los adelantos “gore of being” y “echo sonata” ya anticipaban la dirección del álbum. La primera recupera el carácter técnico del grupo con riffs elaborados y una dinámica marcada entre la agresividad de JT Cavey y las melodías de Jesse Cash. En cambio, “echo sonata” se inclina hacia un enfoque más melódico, con guitarras limpias y una carga emocional más marcada, apoyada en arreglos detallados y una producción clara.
Desde el inicio, “stelliform” establece el tono del disco, combinando pasajes técnicos con momentos más accesibles. La interacción entre guitarras y voces mantiene un equilibrio constante, mientras que “further eden” introduce cambios de dinámica más notorios, alternando secciones más contenidas con irrupciones de mayor peso. En este tema, la base rítmica gana protagonismo antes de dar paso a uno de los momentos más intensos del álbum.
El álbum también abre espacio para composiciones más melódicas como “black cloud”, donde predominan las voces limpias y una instrumentación más ligera. Este enfoque convive con canciones como “cicada siren”, que retoma una dirección más pesada y rítmica, incorporando grooves marcados y una ejecución precisa en batería y guitarras, manteniendo el equilibrio entre agresividad y detalle técnico.
En la segunda mitad, “lucid threshold” y “spiral (of liminal infinity)” refuerzan la cohesión del trabajo, sosteniendo una atmósfera introspectiva y un uso constante de contrastes entre secciones melódicas y pesadas. Ambas canciones destacan por su estructura y por cómo integran los distintos elementos del sonido de la banda sin perder fluidez.
El cierre se desarrolla a través de “i. the many names of god”, “ii. in the gut of the wolf” y “iii. twilight in the reflection of dreams”, una secuencia que concentra los momentos más extremos del disco, tanto en intensidad como en construcción. Estas tres partes funcionan como un bloque final que amplía el rango del álbum, mostrando a Erra moviéndose entre pasajes agresivos, progresivos y más contenidos dentro de una misma estructura.
Bull Brigade: “Cuando tocamos aquí no sentimos distancia entre el escenario y el público”
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Con casi dos décadas de trayectoria, Bull Brigade se ha consolidado como una de las bandas más sólidas del punk europeo. Desde Torino, han construido un sonido que combina intensidad melódica con una mirada social honesta y directa. Ahora regresan a España para presentar su nuevo disco Perche Non Si Sa Mai, reafirmando su conexión con un público que vive cada concierto con una energía única. Hablamos con ellos sobre inspiración, compromiso y lo que significa seguir siendo auténticos en 2026.
¿Cómo logran hoy en día ese equilibrio entre la melodía y el mensaje social?
Creo que el equilibrio nace de la honestidad. Nunca nos sentamos a pensar “ahora vamos a escribir una canción con mensaje”. Las historias salen de nuestra vida: el trabajo, la ciudad, las personas que conocemos. La melodía llega cuando intentas darle una forma a todo eso. Con los años hemos aprendido que una canción puede ser directa y fuerte sin perder sensibilidad. Para nosotros la música y el mensaje no son dos cosas separadas: forman parte de la misma historia.
¿Sigue siendo Torino vuestra principal musa o ahora buscáis inspiración en otros lugares tras tantos años de gira?
Torino sigue siendo el punto de partida de todo. Es la ciudad donde crecimos, donde vivimos y donde nacen la mayoría de nuestras canciones. Las giras te abren la cabeza y te permiten conocer realidades distintas, pero cuando escribimos siempre volvemos a lo que conocemos mejor. Las calles, la gente y las contradicciones de Torino siguen siendo una fuente de inspiración muy fuerte para nosotros.
¿Cómo se preparan para las 3 fechas que tienen por nuestro país?
Nos preparamos como siempre: ensayando mucho y llegando con ganas de tocar. España para nosotros no es un lugar cualquiera, siempre hemos sentido una conexión muy fuerte con el público. Así que intentamos preparar un set que mezcle canciones nuevas con temas que forman parte de nuestra historia. Al final, la verdadera preparación empieza cuando subes al escenario.
Vienen a presentar su nuevo disco: Perche Non Si Sa Mai, ¿qué canción no puede faltar en el directo?
Las canciones nuevas obviamente son muy importantes, porque el disco acaba de salir y tenemos muchas ganas de tocarlas en directo. Pero hay temas que ya forman parte de nuestra historia y que la gente espera escuchar. “Sopra i Muri” seguramente será uno de los momentos fuertes del set, porque resume bien el espíritu del disco.
¿Qué tiene el público español para que vuestros directos aquí se sientan tan viscerales?
Siempre hemos tenido la sensación de que el público español vive el punk de una manera muy directa y muy sincera. Hay mucha participación, mucha energía y un sentimiento muy fuerte de comunidad. Cuando tocamos aquí no sentimos distancia entre el escenario y el público, y eso hace que los conciertos sean muy intensos.
¿Qué papel juega una banda con principios firmes como la vuestra en 2026?
No creo que una banda tenga que dar lecciones a nadie. Nuestro papel es simplemente ser coherentes con lo que somos. Intentamos decir lo que pensamos y mantener una cierta honestidad. En un momento donde muchas cosas parecen superficiales o rápidas, quizá la cosa más importante es seguir siendo auténticos.
Si pudierais elegir a cualquier artista (vivo o no) para compartir escenario o grabar un tema, ¿a quién elegiríais y por qué?
Es difícil elegir solo uno porque venimos de una escena que nos ha dado muchísimas influencias. Probablemente la elección recaería en dos bandas: quizás Social Distortion para una colaboración en estudio en una o más canciones, mientras que Rancid para compartir un concierto en directo. Estas dos bandas han conseguido mantener una identidad muy fuerte durante muchos años sin perder credibilidad, así que para nosotros sería un honor.
¿Cuál es el problema social actual que más os urge denunciar en este momento?
Hay muchos, pero probablemente el crecimiento de la desigualdad social es uno de los más evidentes. Vivimos en una época donde las diferencias entre quienes tienen mucho y quienes tienen muy poco siguen aumentando. Para una banda que viene de una realidad obrera es imposible no hablar de eso.
¿Cuál es el objeto que nunca falta en la furgoneta de Bull Brigade cuando salís de gira por Europa?
Probablemente el café. Pasamos muchas horas viajando y el café es una especie de combustible básico para sobrevivir a las giras.
Si pudierais darle un consejo a los Bull Brigade que empezaron en 2006, ¿cuál sería?
Quizá les diríamos que disfruten más del camino y que no se preocupen demasiado por el futuro. Muchas cosas que parecen importantes en ese momento luego pierden sentido. Lo que realmente queda son las personas que conoces y las experiencias que vives.
¿Cuál es el siguiente gran objetivo que tiene la banda en el horizonte este año?
El objetivo principal es tocar mucho y llevar el disco lo más lejos posible. Un álbum realmente empieza a vivir cuando lo presentas en directo. Queremos viajar, tocar en nuevos lugares y seguir construyendo esta historia que empezó hace casi veinte años.
Black Veil Brides vuelven muy cañeros en “Vindicate”
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La banda norteamericana de metal moderno y alternativa, Black Veil Brides han estrenado “Vindicate”, nuevo single que da título y sirve como adelanto de su próximo disco, el cual saldrá a la venta el 8 de mayo a través de Spinefarm Records.
El disco contará con una sorpresa y de las grandes ya que para el track “Revenger”, BVB tendrán como invitados nada más y nada menos que a los titanes del metal norteamericano Machine Head, en lo que es una de las sorpresas metaleras del año, sin duda.
Tras cuatro años sin sacar material nuevo, los rockeros canadienses Nickelback han publicado un nuevo single llamado “Bones for the Crows”, donde mantienen su línea habitual de rock alternativo radiofónico con tintes de hard rock y una melodía irresistible.
Chad Kroeger y compañía siguen sonando impecables, tanto como si os gusta como si no, la realidad es que en lo suyo siguen siendo un nombre de peso dentro del estilo y así lo demuestran en este nuevo tema que podéis ver y escuchar a continuación:
La banda de metal moderno oriunda de Moldavia, Infected Rain han publicado el espectacular videoclip de su nuevo single “Stranger”, donde continúan su evolución musical y creciendo a pasos agigantados.
Según su carismática y talentosa líder, la señorita Lena Scissorhands, el corte habla de cuando uno se mira al espejo y ya no se reconoce, quedando muy lejos la imagen de quien solía ser y en lo que es ahora, queriendo cambiar esos roles, siempre con un tono que combina la melodía con la agresividad en las voces y la base.
IR ha vuelto a dar en la diana, haciendo reflexionar a la gente por medio de su música y lo podéis comprobar a continuación:
Y tarde o temprano tenía que pasar ya que vista la explosión a lo largo y ancho del globo conseguida por cierto trío de hermanas rockeras, México vuelve a presentar un grupo joven, con ganas y compuesto íntegramente por mujeres, hablamos por supuesto de Electrify, quienes acaban de estrenar su nuevo single “Timeless”.
En este caso es un cuarteto compuesto por Ani Mursec en voz y guitarra, Ren Ramos en la guitarra principal, Adu Mursec en bajo y coros y Emi Ramos en batería, con lo cual vemos claramente dos grupos de hermanas que se juntaron para hacer música juntas y cuyo estilo está muy influenciado por gente como Halestorm, The Pretty Reckless o incluso Diamante y Dorothy, entre otras compañeras de profesión.
Se formaron en la ciudad de Querétaro en 2024 y pese a su juventud, las chicas tienen claro que el rock es lo suyo y así lo han venido demostrando en este último tiempo, algo que podéis comprobar a continuación y ojo que son muy jóvenes pero con las ideas y los objetivos claramente marcados…. ¿Los conseguirán?
Los norteamericanos Stitched Up Heart han estrenado el videoclip para su nuevo single “Cannibal”, un cañonazo de metal moderno con toques de nu metal e industrial y que cuenta con la colaboración especial de la señorita Heidi Shepherd, vocalista de Butcher Babies y amiga de Mixi, vocalista de SUH.
La química vocal entre ambas cantantes es espectacular y se nota en el resultado final, combinando ambas voces, tanto en las partes melódicas como en las agresivas, e incluso algún deje medio rapeado, que hará las delicias de los seguidores tanto de ambas bandas como del metal moderno en general.
The Pretty Reckless incendia todo con “When I Wake Up”
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La banda norteamericana de rock alternativo The Pretty Reckless ha estrenado el videoclip de “When I Wake Up”, single extraído de su nuevo disco Dear God, el cual podremos escuchar completo a partir del próximo 26 de junio y literalmente han echo explotar todo por los aires.
La canción muestra el lado rockero y sensual de la banda que lidera Taylor Momsen, pero es que el videoclip directamente lo ejemplifica todo de manera muy directa y explicita, motivo por el cual su clip ha sido restringido en Youtube a mayores de 18 años al contener escenas de contenido sexual, abuso de sustancias y tono erótico.
Además cuenta con el cameo y la participación de Jessica Szhor (compañera de Momsen en Gossip Girl), la actriz de cine para adultos Jenna Haze, Illan Rubin (batería conocido por su paso en Nine Inch Nails, Angels and Airwaves o actualmente Foo Fighters), Pat Smear y Alena Savostikova, entre otros.
Podéis comprobar como sube la temperatura y las ganas de fiesta a continuación:
Andy Timmons en Barcelona: “cuando la técnica se convierte en emoción”
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La cita en la Sala Wolf no fue un simple concierto de guitarra, sino un despliegue de maestría y sensibilidad que arrancó con la elegancia innata de Pedro Javier González. El guitarrista barcelonés, armado únicamente con su guitarra española con cuerdas de nylon, logró lo que parecía impensable en una sala habituada al rugido del rock: imponer un silencio absoluto y reverencial desde el primer arpegio. Su set fue un viaje hipnótico por los linderos del flamenco fusión y el jazz, donde destacan composiciones propias como “Amanecer”, una pieza que evoca paisajes mediterráneos con una sutileza técnica abrumadora. Pero el momento en que terminó de meterse al público en el bolsillo llegó con sus ya icónicas adaptaciones de clásicos. En sus manos, himnos del rock abandonan los amplificadores para cobrar una nueva dimensión rítmica, demostrando que el «duende» no entiende de géneros, sino de alma.
Desde que se apagaron las luces y sonaron los primeros compases de “Reclaiming My Time”, ya se intuía que aquello iba a ser algo especial. No fue un inicio explosivo, sino todo lo contrario: una entrada elegante, casi íntima, como si Andy Timmons te invitara poco a poco a su mundo. Y cuando enlazó con “Six FM”, la atmósfera ya estaba completamente creada: ese equilibrio entre calma, emoción y expectativa que te mantiene con la piel de gallina sin saber muy bien por qué.
Entonces llegó “Deliver Us” y ahí sí… ahí todo explotó. Fue el primer gran golpe emocional de la noche. Andy, con esa sonrisa eterna y esa tranquilidad que desarma, empezó a dejar frases que no parecían tocadas, sino sentidas en tiempo real. Su Ibanez AT no era un instrumento, era una voz. Y lo mejor es que nunca estaba solo.
Porque si algo quedó claro durante toda la noche es que esto no va solo de Andy Timmons. Mike Daane y Rob Avsharian no son acompañantes, son parte esencial de la magia. Mike, con el bajo, construía un suelo firme pero a la vez lleno de matices; no se limitaba a seguir, dialogaba constantemente con Andy, rellenando huecos, aportando melodía, haciendo que todo sonara más grande. Y Rob… qué barbaridad. Su forma de tocar es puro equilibrio: tiene pegada cuando hace falta, pero también una sensibilidad brutal para sostener los momentos más delicados sin romperlos. Es el tipo de batería que no invade, pero lo llena todo.
“Helipad” y el bloque de “Elegy for Jeff/Recovery” bajaron las revoluciones para llevarnos a un terreno mucho más emocional. El homenaje a Jeff Beck fue uno de esos momentos que se te quedan dentro. Andy tocando con los ojos cerrados, completamente metido en lo que estaba haciendo, dejando que cada nota respirara… y la banda acompañando con un respeto casi reverencial. Nadie hablaba. Nadie se movía. Era como si toda la sala entendiera que estaba pasando algo importante.
Con “Love > Hate” volvieron a crecer las dinámicas, y ahí se notó lo bien engrasada que está la banda. Cada cambio, cada acento, cada silencio estaba perfectamente colocado, pero sin perder frescura. Después, “Winterland” nos sumergió en ese estado hipnótico tan característico de Andy, donde el tiempo parece ir más lento, y “Strawberry Fields” fue directamente un regalo al alma: delicada, emotiva, llena de respeto por la original de los de Liverpool pero totalmente llevada a su terreno.
“Take Me With You” fue otro de esos momentos de conexión pura con el público, de esos en los que miras alrededor y ves a la gente completamente metida, dejándose llevar ante la única pieza interpretada por Timmons al micro . Y justo cuando parecía que todo iba a seguir por ese camino más introspectivo, la banda decidió cambiar el guión: “Super 70’s” y “Pink Champagne” trajeron el groove, la sonrisa y el rollo más desenfadado. Aquí se vio a los tres disfrutando de verdad, mirándose, jugando, dejándose llevar. Fue imposible no moverse.
“Opener Day Begins” sirvió como ese pequeño respiro necesario antes de uno de los momentos más mágicos de la noche: “Duende”. La aparición de Pedro Javier González fue simplemente increíble. La mezcla de la guitarra de Andy con el toque flamenco creó algo que no parecía preparado, sino vivido. Dos mundos distintos encontrándose en un punto común con una naturalidad que ponía los pelos de punta. La sala entera en silencio absoluto, completamente hipnotizada.
Después llegó “Bohemian Rhapsody”, recibida con una mezcla de sorpresa y emoción colectiva, y justo a continuación el solo de bajo de Mike Daane. Y vaya solo. Ahí demostró que no solo es un pilar, sino un músico con una personalidad brutal. Groove, técnica, musicalidad… todo con un gusto exquisito. Fue uno de esos momentos que hacen que valores aún más lo que aporta a la banda.
Y entonces, sin dar demasiado margen para respirar, llegó la recta final. “Electric Gypsy” fue una descarga de energía tremenda. La banda completamente desatada, el público entregado, todo en su punto más alto. Y como broche final, “Cry for You”. No podía haber mejor cierre. Emoción, intensidad, conexión total. Andy exprimió cada nota como si fuera la última, y la banda estuvo ahí, sosteniendo ese final con una fuerza increíble.
Cuando todo terminó, no hubo sensación de “fin de concierto”. Había algo más. Esa sensación de haber vivido algo auténtico, honesto. Porque Andy Timmons no impresiona por tocar rápido o por demostrar técnica —que la tiene, y de sobra—, sino por algo mucho más difícil: por hacerte sentir. Y junto a Mike Daane y Rob Avsharian, consigue algo que muy pocas bandas logran: convertir cada canción en una experiencia.
A menos que uno tenga un interés obsesivo por la Nueva Ola del Heavy Metal Británico, More no es la clase de banda que uno estaría obligado a conocer, con apenas tres años de existencia y dos discos de heavy / hard rock de actitud ruda y cruda compensando la producción amateur y canciones un tanto básicas. Claro que haber tenido entre sus filas a Paul Mario Day, primer cantante de Iron Maiden y el segundo Paul más conocido que haya cantado en la Doncella de Hierro, le dé puntos de “culto”, pero mentiría si dijera que hay mucha más por donde agarrarlos.
A 44 años de su último álbum, More vuelven a las andadas con su flamante Destructor, editado de manera independiente este último 6 de marzo. Semejante cantidad de tiempo sería impresionante, pero hay un asterisco enorme en esto: como muchos grupos de la NWOBHM, More pasó por suficientes cambios de formación como para armar cinco o seis bandas más, y en el caso de estos londinenses llegó un punto donde, sorpresa sorpresa, ninguno de los miembros originales había quedado en el grupo. La formación actual tiene al bajista Barry “Baz” Nicholls como único integrante de alguna de las versiones de los ochentas de More, y con esto me refiero a que estuvo en la banda para editar un single en 1982, año de su separación, y luego estuvo en un par de las tantas reuniones del grupo en las décadas siguientes.
Así que podemos decir que la conexión entre aquel More que grabara Warhead yBlood & Thunder y el More editando este nuevo álbum en 2026 es bastante tenue, casi podría decirse que inexistente más allá del nombre y el logo. Pero a pesar de ello, me acerqué a este disco con algo de curiosidad, más que nada porque la producción del álbum comenzó hace casi una década atrás, teniendo en el medio la muerte del guitarrista y productor Chris Tsangarides, leyenda de las perillas que trabajara con gente como Judas Priest, Thin Lizzy y Anthem, en 2018, como mayor obstáculo. Este álbum contiene las grabaciones de Tsangarides junto al otro guitarrista David John Ross.
No tengo problemas con decir que Destructor es, más allá de su portada fea hecha con IA, un trabajo hecho con un respeto enorme por el legado de More. El inicio se da con “Hearts on Fire” y su intro dramática a lo “Hellion” de Judas Priest, sin perder mucho tiempo hasta que aparezcan las voces de Mike Freeland, ex Praying Mantis y el otro “veterano” de la formación actual de More, con su estilo agudo y dramático, acompañado por guitarras pesadas. Es un buen comienzo, pero creo que el álbum agarra vuelo de verdad con la siguiente “Rocquiem”, que hace bastante para justificar semejante título, con sus riffs precisos y pasajes melódicos acompañados por esa batería retumbando, cortesía de Steve Rix.
“Scream” es un track bastante más hardrockero, casi en la línea de algo que podría haber salido en los ochentas de parte de alguna banda glam pero bastante entretenida aunque se alargue un poco. “New World” me confirma que More logra los mejores momentos de Destructor cuando aprieta un poco el acelerador, dejando que la dupla de guitarras y el bombo brillen, y lo mismo se ve en “Immortal” y “Wolf Behind Your Eyes”. Pero el tema título “Destructor” demuestra un manejo llamativo de las atmósferas más densas y unos riffs más pesados y “modernos”, sin caer en ridiculeces en el proceso, mientras que la final “More” es un digno homenaje a la propia banda, con cierta onda rutera de rock de los setentas.
Como podría esperarse del último trabajo de Chris Tsangarides como productor, Destructor tiene un sonido claro y profesional: decir que es el álbum con mejor sonido de toda la discografía de More sería una obviedad y también sería obvio señalar que no tenía mucha competencia. Y las canciones son exactamente lo que cabría esperarse de una banda decente de tercera línea de la NWOBHM editando material nuevo en 2026, con un pie puesto en el heavy metal clásico y otro en el hard rock, y una postura desenfadada, ciertamente sin mucha preocupación por sonar “original” y más centrada en dar una excusa para mover un poco la cabeza mientras se los escucha.
Destructor no ganará un premio en ninguno de sus aspectos, y las circunstancias difíciles detrás de su producción pueden haber hecho que algunas partes estén un tanto atadas con alambre. pero es un álbum decente tirando a bueno de principio a fin para quien busque heavy metal bien clásico, aquel que se toma muy en serio su actitud de no tomarse súper en serio a sí mismo, y no mucho más. Como para darle unas cuantas vueltas, tocar unas guitarras de aire o hacer como que se toca la batería, y quedarse con un par de estribillos ahí revoloteando en la mente. Si eso era lo que More quería hacer, lo logró.
La gira “Welcome to the Future Tour” recalaba el pasado 12 de marzo en la Sala Mamba! deMurcia, confirmando que la ciudad sigue ganando peso como parada obligatoria para el hard & heavy en directo. En esta ocasión, los encargados de abrir la velada eran los también murcianos Hitten, jugando prácticamente en casa, que lejos de tomarse su papel de apertura como un mero trámite, salieron decididos a conquistar a su gente con un show compacto, directo y cargado de actitud.
Desde el primer golpe de batería, el quinteto apostó por su material más reciente, construyendo un inicio demoledor con “While Passion Lasts”, enlazada sin pausa con “Mr. Know It All”, “Blood from a Stone” y “Hold Up the Night”. Cuatro piezas que, ejecutadas en ráfaga, funcionaron como un bloque sólido de heavy metal contemporáneo con raíces clásicas, dejando claro el gran momento creativo que atraviesa la banda.
Con el público ya completamente entregado, el grupo decidió mirar atrás y recuperar parte de su repertorio anterior. “Eyes Never Lie” y “Something to Hide” sonaron con una precisión quirúrgica, sostenidas por una base rítmica firme y un trabajo de guitarras que equilibraba técnica y melodía con naturalidad. Fue en este tramo donde se percibió la madurez de la banda, capaz de alternar intensidad con control sin perder pegada.
En la recta final, el concierto ganó en cercanía y espectáculo. “Twist of Fate” sirvió como punto de inflexión, incorporando un desarrollo instrumental que permitió a Danni Meseguer y Dany Lorca brillar con un duelo de guitarras que terminó trasladándose al propio público, rompiendo la barrera entre escenario y pista.
El cierre llegó con “In the Heat of the Night”, convertida en un auténtico himno colectivo. La banda cedió el protagonismo a los asistentes, que corearon el estribillo desde el primer momento, creando uno de esos instantes que definen una noche de directo.
Con el escenario aún en penumbra, la intro “The Heat is On” empezó a sonar por el sistema, y bastó ese instante para que el murmullo se transformara en expectación pura, el plato fuerte H.E.A.T. estaba a punto de comenzar.
Sin dar tregua, “Disaster” irrumpía como un disparo de salida que encendía definitivamente a la sala. Desde ese primer momento, la conexión entre banda y público fue total. Kenny Leckremo se adueñó del escenario con una presencia arrolladora, combinando potencia vocal con una actitud magnética que atrapaba todas las miradas. A su lado, Jimmy Jay no paraba quieto, interactuando constantemente y convirtiendo el lanzamiento de púas en casi un ritual compartido con las primeras filas.
El arranque con “Rock Your Body” y “Dangerous Ground” terminó de consolidar un inicio demoledor. La banda sonaba compacta, sólida, y con ese punto extra de contundencia que en directo eleva sus canciones a otro nivel. El público respondía coreando cada estribillo como si fuera un himno, creando una atmósfera que iba creciendo tema a tema.
Lejos de relajarse, el repertorio continuó con una sucesión de canciones clave como “Hollywood”, “Rise” y “Nationwide”, manteniendo la intensidad en todo momento. Se notaba que la banda disfrutaba tanto como los asistentes: miradas cómplices, gestos entre ellos y una ejecución precisa que reforzaba esa sensación de estar viendo a un grupo completamente engrasado.
Uno de los momentos más especiales llegó tras “Set Me on Fire”. Entre bromas y complicidad con el público, introdujeron “Beg, Beg, Beg”, que en su tramo central se transformó en un emotivo guiño con la versión de “War Pigs” como homenaje al difunto Ozzy. La sala, completamente entregada, acompañó cada palabra, creando un instante de comunión difícil de olvidar.
El protagonismo pasó brevemente a Don Crash con su solo de batería, en el que no faltó el toque de humor, antes de que el resto de la banda regresara para encarar la recta final. A partir de ahí, todo fue un golpe tras otro: “Back to the Rhythm”, “Running to You”, “Living on the Run” y “1000 Miles” cayeron como una avalancha de clásicos, elevando la energía a su punto máximo.
El cierre no podía ser de otra forma. Con “One by One” y “Shot of Redemption”, la banda puso el broche a una actuación contundente, de esas que dejan sin aliento y con la sensación de haber asistido a algo especial. Lo de aquella noche en Murcia no fue solo un concierto más: fue la confirmación de que H.E.A.T. siguen siendo una máquina perfectamente engrasada sobre el escenario.
Nothing More se cae de la gira europea con Godsmack
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A veces las cosas no salen como uno espera y es que aunque Nothing More estaban muy ilusionados por acompañar a los rockeros alternativos Godsmack en su flamante regreso al viejo continente, las cosas se han torcido, las fuerzas ya no les dan y han preferido volver a casa y centrarse en la grabación de su próximo disco.
Así pues, la banda ha confirmado que cancela todas las fechas que tenía en Europa, incluidos los festivales.
La banda ha emitido un comunicado que os dejamos a continuación:
Pero no todo son malas noticias ya que Godsmack continúan su tour como estaba planeado, siendo las hard rockeras suecas Thundermother, las invitadas especiales y por tanto con un set más largo que cuando estaban Nothing More incluidos en el cartel.
Con lo cual la gira europea de Godsmack queda configurada de la siguiente manera:
9 de Agosto – Madrid – La Riviera (+Thundermother)
11 de Agosto – Barcelona – Razzmatazz (+ Thundermother)
King Satan trae la oscuridad en “Black Magick Rock ‘N’ Roll
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La banda de metal rock industrial finlandesa King Satan ha estrenado el videoclip de su nuevo single “Black Magick Rock ‘N’ Roll”, tema para el cual han contado con la colaboración especial de la guitarrista Erja Lyytinen y donde demuestran su evolución musical tras diez años de trayectoria.
Los norteamericanos Escuela Grind han confirmado una nueva vista a nuestro país, donde volverán a dar muestra de su feroz y aplastante directo, gracias a Aurum Bookings.
Monstrosity destroza los tímpanos con “Banished to the Skies”
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Uno de los nombres propios del sonido “Tampa”, como son Monstrosity han publicado “Banished to the Skies”, un arrollador corte extraído de su nuevo disco Scream From Beneath the Surface, publicado el 13 de marzo a través de Metal Blade Records y que marca su retorno a la escena tras ocho años sin publicar material nuevo.
El corte combina el sonido clásico de la banda con una brutalidad impresionante, unas voces muy bien ejecutadas y unas guitarras cortantes que harán las delicias de cualquier fan del metal extremo que se precie.
Los californianos Exodus han estrenado “Promise You This”, ultimo single adelanto de Goliath, su nuevo disco que sale a la venta el 20 de marzo vía Napalm Records y que bastante ruido está haciendo entre la parroquia metalera.
Considerados como los “Padrinos” del thrash metal dentro de la NWOBHM y con cinco décadas de trayectoria a sus espaldas, Raven volverá a visitar España para presentar su más reciente trabajo Can’t Take Away the Fire e interpretar sus mejores clásicos, indispensables para cualquier amante del sonido “Old School” dentro del heavy/thrash metal.
Gracias a Headbanger Journey Productions, nuevamente Málaga volverá a recibir un gran nombre internacional dentro del metal y lo hará en la siguiente fecha:
Toda una institución desde 1976 en el seno del punk británico, en su variante más poppie bailable, y que hace unos siete años se quedó sin su fundador Pete McNeish, aka Pete Shelley, tomando Steve Diggle la voz cantante que ya compartía junto a Shelley desde 1978 cuando entró en la banda.
En esta ocasión, vuelven a Catalunya amparados en su gira de 50 aniversario, además de presentarnos su doceavo álbum Attitude Adjustment (2026), en una sala Salamandra que también anda celebración, veinte en su caso, al igual que el Let’s Festival que organizan desde el 96 durante el mes de marzo, y que se inició el día 6 con el fenómeno vasco, Ezezez, y que finalizará el 27 con los indies valencianos de La Habitación Roja, y en el que han sido incluidos los de Bolton, Manchester. Que no cumplieron con aquello de la puntualidad inglesa, o británica, a pesar de que fueron tan solo cinco minutos los que se demoraron con su apertura introductoria del “Also Sprach Zarathustra, Op.30” de Richard Strauss, conocida popularmente por ser el tema principal del icónico film de Stanley Kubrick, 2001: A Space Odyssey. Y tras la cual apareció en escena el cuarteto con efusivo recibimiento de una sala que no acabó de llenarse del todo, como si lo hizo hace unas semanas con los dioses del Euskal Metal, Su Ta Gar, en mi última visita a este local con unas setecientas personas de aforo.
Diggle gritó Barcelona a pulmón, para seguidamente poner su harmónica entre sus labios para abrir con una de sus composiciones más populares, “What Do I Get?”. Siguieron con “I Don’t Mind”, único extracto de su Another Music In a Different Kitchen (1978), que se quedó algo corta en cuanto a coros se refiere, al ser únicamente el guitarrista Mani Perazzoli el encargado de apoyar en las voces a Diggle, que ahora le toca lidiar con todo el peso vocal, así como esos escuetos solos de guitarra. Mientras que la sección rítmica compuesta por Danny Farrant, y Chris Remington se concentran exclusivamente en sus instrumentos, siendo el público presente el encargado de llenar esos juegos corales imprescindibles en las composiciones de Buzzcocks.
Sin descanso alguno, presentó la tintineante y encantadora “Everybody’s Happy Nowadays”, seguida por una del nuevo disco, ese fantástico corte dedicado a los reality shows titulado “Queen of Scene”. Se saltaron “Senses Out of Control” de su setlist para hablarnos de esas numerosas ciudades enfermas, “Sick City Sometimes”, esta, desde su disco homónimo del 2003. Otra de las nuevas fue una interminable “Seeing Daylight”, seguida por una versión extralarga de “Bad Dreams”, en la que Diggle susurra, y puntea su Telecaster de forma disonante y discordante, sobre una base guitarrera monocorde.
Enormemente coreada por el respetable fue la relajada “Why Can’t I Touch It”. Más coros y palmas en “Destination Zero”, no sin antes preguntarnos “¿Estáis listos para rockear?”, un tema que se vio alterado por los problemas de Mani con su guitarra, colgándose al hombro la Rickenbacker de Steve, y recuperando la suya para la siguiente de la lista, “Love You More”.
Los primeros pogos no llegaron hasta la interpretación de la potente “Orgasm Addict”, y también con “Manchester Rain” del Sonics in the Soul (2022), aunque algo menos violentos. Tras la clásica “Promises”, y soltar un We Love You Barcelona, llegaría un prematuro, pero merecido descanso de unos tres o cuatro minutos, mientras el roadie se dedicaba a probar las guitarras eléctricas, y la guitarra acústica, aparte de arengar al personal para que reclamáramos el retorno del cuarteto a escena.
Siguieron saltándose el guion, ahora con Diggle en solitario, que aprovecho para cambiarse la camisa blanca que lucía, por una camiseta rallada, y agarrar la guitarra acústica para interpretar la canción protesta “All Gone to War”, que sonó hasta mejor que en el disco sin esos golpeos tan perturbadores, a pesar de finalizarla en formato trio, pero de forma distinta a la versión realizada en estudio. Retomaron los ritmos más bailables con su último single “Poetic Machine Gun”, otra de su Attitude Adjustment, para acto seguido retroceder en el tiempo con un par de temas de su EP debut, Spiral Cratch del 1977, “Time’s Up”, y la satírica “Boredom”, e incluida en la BSO de la película Ghostbusters: Afterlife.
Otra sorpresa, fuera del repertorio habitual, fue la inclusión de “Why She’s a Girl From the Chainstore”, un sencillo de 1980. A la que siguieron “Chasing Rainbows/Modern Times” del The Way (2014), y la novedosa y reiterativa “Break That Ball and Chain” es una especie de homenaje a la Motown a toque de pandereta, que Steve pasea por delante de las primeras filas para que la golpeen con el puño, o la palma de la mano.
Y así llegamos a su gran mega hit, el “Ever Fallen in Love (With Someone You Shouldn’t’ve?”, con el que llega la locura. Parecía que se marchaban con “Harmony in My Head”, para el que nos pidió que saltáramos hasta tocar el techo, y prender las luces de la sala de L’Hospitalet de Llobregat hacia el final de esta canción que incluyo un largo solo de guitarra, seguido por un palmeo general. Aunque era el final apoteósico perfecto y habitual en ellos, los de Bolton decidieron hacer la pieza que cierra el último disco, la lenta “The Greatest of Them All” dedicada a la crisis habitacional en el Reino Unido, y que tiene un rollo Patti Smith, con ese aire algo hippie, que tanto odian los punks, y que estaba situada en posiciones anteriores en el listado de temas.
Pues nada, un notable show de aproximadamente hora y media, con mucha carne fresca, demostrando el buen estado compositivo de Steve Diggle a sus setenta años de edad, así que parece que hay cuerda para rato para estos veteranos del punk. Ese mismo día, sábado, nos enterábamos de la muerte del guitarrista galés Phil Campbell, exMotörhead a los sesenta y cuatro, del que no hubo ninguna referencia desde el escenario para mi sorpresa, al menos.
Ergum: “Jorge Luís Borges los estará disfrutando desde su tumba”
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Hoy hablamos con Ergum, una banda de metal extremo en castellano, que sorprende por la crudeza de su sonido, la fuerza de sus guturales y la lírica de sus letras. Death Metal con influencias tanto de black metal, trash y grindcore, por la que sin duda merece la pena bucear en lo más underground de nuestro país.
Y es que Ergum ya llevan unos años dando vueltas por la escena española: con origen en 2008, viven una primera etapa en la que graban, siempre en formato de autoedición, “La mugre” (2012) y “Dokhma” (2014). Tras esto, la banda sufre un hiato hasta diciembre de 2021, cuando vuelven a la acción conservando a su inconfundible vocalista Edward y a Felipe Muñoz, a la guitarra, y sumando tanto al carismático Raul Guevara (batería) como a Dante Fernández y Jesús Hernández (ambos en Sadístic Christ) al bajo y guitarra solista. En 2023 publican el Split “Copropolíticamente incorrectos” grabado en directo en la sala Barracudas de Madrid junto a Moñigo y Cerebral Vortex y ahora finalmente, sacan el que en mi opinión es su trabajo más depurado: “Ruinas de la peste”.
Como guinda a este pastel putrefacto, hemos tenido la oportunidad de hablar un poco con la banda, actualmente de gira junto a Embloodyment. Esto nos contaron:
Gracias por concedernos esta entrevista, por favor, habladme un poco del nuevo disco y de cómo estáis viviendo esta etapa actual de Ergum.
Buenas, gracias a vosotros por el interés. Un placer participar.
Estamos muy ilusionados con el nuevo trabajo. Entre cambios de formación y demás, estuvimos parados bastante tiempo y han pasado 12 años desde la publicación del anterior álbum (Dokhma) ¡¡12 años!!
Este álbum representa el resurgir de la banda y la consolidación de la nueva formación, lo que lo hace aún más importante. Todos hemos participado en la composición de los temas y hemos conseguido crear un álbum muy consistente sin perder la identidad de la banda. Es algo de lo que estamos orgullosos.
“Ruinas de la peste” se trata de un álbum autoproducido, al igual que otros trabajos anteriores, y sin embargo perfectamente sólido. ¿Cómo es habitar el underground más underground de la escena española? ¿Qué ventajas y desventajas tiene con respecto a trabajar con sellos discográficos?
Así es, Todos nuestros trabajos son autoproducidos. En todos los casos son un DIY en toda regla de principio a fin, es como nos gusta hacer las cosas, a nuestro aire, sin deberle nada a nadie.
En el caso del “Ruinas de la peste”, a la hora de editarlo, nos ha echado una mano nuestro colega Edu del sello “Semen de orco muerto” y siempre se agradece cualquier ayuda.
Nos sentimos muy cómodos en el underground, es donde nos gusta estar. También apostamos firmemente por el formato físico a la hora de publicar nuestros trabajos y en venderlos en persona en nuestros conciertos. Si alguien quiere material de la banda puede contactar directamente con nosotros y le atenderemos encantados.
En cuanto a las ventajas o desventajas de trabajar con sellos, cierto es que a nivel publicidad y distribución se facilitan las cosas, pero no es algo que nos quite el sueño. Por suerte en los conciertos solemos tener buena acogida por parte de la gente y colaboran pillando merchan o simplemente comentando el bolo y echando una cerveza
Por cierto ¿cómo es cantar en castellano en un género que mayoritariamente es de habla inglesa?
Nunca hubo debate con este asunto. Desde el principio tuvimos claro que sería así, letras en castellano, es como nos sentimos cómodos. Siempre se acerca alguien a comentarnos que le parece un punto a favor de la banda, aunque bueno, de todo habrá, para gustos colores
Me ha encantado encontrar en las letras referencias a Lovecraft y Harlan Ellison, que son de mis escritores favoritos, por favor, habladme un poco de vuestras influencias literarias.
Sade, Clive Barker, Arthur Machen, Isidore Ducasse, Borges, Lovecraft, Crowley y todo tipo de obras que tengan que ver con dolor y esas cosas jejeje…
Pero no sólo encontramos literatura en Ergum, veo mucho de crítica y de rabia hacia este mundo podrido en que vivimos, así que ¿Qué otras inspiraciones encontráis a la hora de escribir?
El cine inspira hoy día a la mayoría de personas que quieren plasmar una idea o sentimiento por medio del arte. También el cómic y la cotidianidad; ver cómo hay gente asquerosa en tu día a día o en la política es igual de inspirador que ir por el campo y encontrarte una carroña. Te molesta, te pone contemplativo y hasta te atrae. Luego lo tomas y vomitas un par de párrafos.
Y a nivel instrumental y de sonido ¿cuáles son vuestros principales referentes? ¿y cuáles son vuestros principales objetivos musicales?
Nuestras influencias son “añejas”, abarcan todo el metal old school. En nuestros trabajos puedes encontrar Death Metal, Black, Thrash, incluso algo de Grind/Punk. La mayoría de los temas tienen una duración inferior a tres minutos. Son directos, rápidos y violentos, con poca floritura, no somos fieles a un único estilo, pero siempre dentro del metal extremo. Si la composición nos gusta, no nos preocupa que no mantenga la línea del tema anterior.
En cuanto a los objetivos musicales, nada en particular, seguir creciendo como banda haciendo lo que nos gusta mientras nos queden ganas y fuerzas.
Veo que Jesús Hernández, además de guitarrista, es el responsable del arte y diseño gráfico del disco, que me parecen tremendamente sugerentes e impactantes. Por favor, habladnos un poco de este aspecto visual de Ergum.
En vista que no conseguíamos una portada que dejara conforme a todos, después de hablar y ver el trabajo de varios artistas (sin menosprecio el trabajo de nadie), Jesús, que ya diseñó otras portadas antes y es diseñador gráfico, nos mostró un boceto que implica el concepto de varios temas del álbum de una manera bastante simbólica: la portada nos gustó a todos y sólo tuvimos que afinar detalles. Ese fundamento visual también fue usado para el Video lírico “La tinta de la voluntad”.
Ahora estáis de gira con Embloodyment, ¿cómo está yendo el tour y dónde podremos veros próximamente?
Con Embloodyment este año va a estar simpático. Son una bandota y unos cachondos mentales, excelentes compañeros de viaje. Nos acompañaron en la presentación del “Ruinas de la peste”, y ya habíamos tocado en más de una ocasión con ellos.
Lo próximo son unos conciertos por el norte de España que se anunciarán pronto y estamos preparando más fechas tanto por territorio nacional como por Europa. Esperemos que este proyecto salga adelante.
¿Cual es el futuro de Ergum?
Esperamos que sea a largo plazo, sombrío y brillante, jajaja.
¡Muchas gracias! y no quiero despedirme sin gritar con vosotros: ¡Demuéstrame tu poder satánico si es que lo tienes, bruja del demonio!
Muchas gracias por la entrevista. Nos han encantado las preguntas. ¡Un abrazo!
Crystal Lake en Barcelona: “Dos estilos para dominar el Metalcore en una sola noche.”
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Los aficionados al Metalcore (moderno y más “clásico”) teníamos una cita ineludible en la ciudad condal el pasado 9 de marzo. Crystal Lake y Miss May I (tras 14 años de espera) aterrizaban para dar una clase magistral del género.
Para abrir boca, tuvimos a los australianos Diesect. Pese al temprano horario, nos demostraron que en esas tierras están hechos de otra pasta. Media hora de breakdowns y riffs muy pero que muy pesados daban el pistolezado de salida a la que sería una noche para recordar.
Great American Ghost volvían a Barcelona después de su paso junto a Bleed From Within y After The Burial el año pasado. Igual que en la anterior ocasión, los de Boston no perdieron ni un segundo para demostrar su excelente mezcla de géneros (Metalcore Moderno, Hardcore y Deathcore) y una energía que acabó de activar a todos los asistentes. Con Ethan Harrison liderando a la banda y conectando con el público como ya es habitual (metiéndose en el wall of death incluso) y un sonido apabullante confirmaron que el crecimiento de la banda en los últimos años no es casualidad.
Llegados a este punto, la sala ya presentaba un mejor aspecto para recibir a los también americanos Miss May I. Con clásicos como “I.H.E”, “Hey Mister” o la más reciente “Die On The Vine”, hicieron las delicias de un público que estaba completamente entregado. Una demostración de que el Metalcore que todos conocemos sigue vivo, no cayendo en la moda de la sobreproducción y la sensación de estar viendo a unos gigantes de la escena en un formato “íntimo”. En resumen, un concierto que confirma el buen estado de forma de la banda casi 20 años después de su nacimiento y de la que se agradece que hayan vuelto a pisar la ciudad condal después de tanto tiempo.
Y para finalizar la noche teníamos a otros gigantes del Metalcore, en este caso más moderno. Los japoneses Crystal Lake aterrizaban en Razzmatazz para dar otra clase magistral del género. Liderados esta vez por John (tras la marcha de Ryo), pudimos disfrutar de un concierto lleno de la tan característica energía de la banda, la complejidad musical de cada uno de sus temas y de un frontman que demostró que está perfectamente capacitado para seguir adelante con el proyecto. Repasando clásicos como “Apollo” o “Watch Me Burn” y presentando su nuevo álbum “The Weight Of Sound”, catalogaría el concierto como muy sólido pese a que se echó de menos algo más de promoción respecto al mismo.
Zebrahead estrena su nuevo single “Burn Burn Burn”
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Los punk poperos alternativos Zebrahead han publicado un nuevo single, el cual lleva por título “Burn Burn Burn” y donde siguen demostrando esa excelente combinación de punk pop, melodías pegadizas y una pizca de garra, que ha conquistado siempre tanto a los fans del punk melódico como a otros afines a sonidos algo más agresivos.
Aunque nunca han podido llegar a grandes estadios como Sum 41, Blink 182 o en un terreno más ligero Simple Plan, Zebrahead siguen demostrando que para ellos el tiempo no pasa y mientras las ganas de sacar música nueva estén vivas, ellos lo seguirán haciendo y escuchando este nuevo tema, veréis como siguen en plena forma.
Blaze Bayley se suma al Z! Live Rock Festival 2026
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El incombustible vocalista británico Blaze Bayley ha sido confirmado como una de las últimas incorporaciones a la nueva edición del Z! Live Rock Fest, que tendrá lugar los próximos 11,12 y 13 de junio en Zamora, donde compartirá escenario con nombres tan importantes como H.E.A.T, Epica, Burning Witches o Emperor, entre otros.
El cantante ha anunciado un set especial, donde interpretará lo mejor de su etapa en la Doncella de Hierro, sin descuidar algunos clásicos de su carrera solista.
Lo podremos ver actuar el próximo 12 de junio y con su incorporación el cartel del festival queda completo y más que sólido como es habitual en el Z! Live Rock Fest.
Fleshcrawl volverá a España con una gira muy especial
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Los death metaleros germanos Fleshcrawl celebran este año sus primeros 25 años de trayectoria y que mejor forma de hacerlo que en directo ante todos sus seguidores a lo largo y ancho del viejo continente, es por esta razón que la banda ha confirmado que su “25 Years of German Death Metal Tour”, pasará por España en invierno antes de finalizar el año.
Triosphere derrocha poder y melodía en “Monster’s Ball”
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Los metaleros melódicos noruegos Triosphere han estrenado su nuevo single “Monster’s Ball”, el cual supone el primer lanzamiento bajo el ala de Frontiers Music srl (Cassidy Paris, Chez Kane) y con el cual comienzan una nueva etapa, prometiendo más música nueva en lo que queda de esta temporada.
Los británicos Toxikull están a pocas semanas de comenzar su nueva y extensa gira europea, donde estarán presentando su nuevo disco Turbulence, el cual podremos escuchar completo a partir del próximo 24 de abril gracias a Dying Victims Productions.
La Sala Revi Live se vistió de fucsia y negro para recibir una de las propuestas más frescas y trabajadas del panorama nacional. No es sorpresa que este recinto de Madrid sea el refugio predilecto para quienes buscan un sonido que no defraude, y la noche del pasado sábado volvió a confirmar que, cuando la acústica acompaña, el espectáculo se eleva a otro nivel. Con un cartel encabezado por Megara y acompañados por Astray Valley, la velada fue mucho más que una sucesión de canciones; fue una exhibición de profesionalismo y narrativa visual.
Abrieron la noche Astray Valley, una formación que desde Barcelona ha sabido labrarse un nombre en el metal moderno y el metalcore de tintes oscuros. Su estilo se caracteriza por una base rítmica técnica y pesada que contrasta con las melodías vocales de Clau Violette, capaz de pasar de voces limpias y etéreas a guturales desgarradores con una facilidad pasmosa. Lo que los hace singulares es esa atmósfera casi industrial y mística que envuelve temas como los de su aclamado “Unnane” o su más reciente material. En la Revi, su despliegue fue sobrio pero impecable, apoyado en unas luces correctas que permitieron centrar la atención en la ejecución musical. Se nota que son una banda con rodaje, habiendo pisado escenarios como el Rock Fest o el Resurrection Fest, y supieron caldear el ambiente con una propuesta que no hace prisioneros.
Tras el cambio de bártulos, el escenario se transformó para recibir el “universo Megara“. La banda ha trascendido la etiqueta de “rock alternativo” para crear su propio género: el Fucsia Rock. Su estilo es una amalgama de guitarras pesadas, estribillos con gancho pop y una electrónica muy bien integrada, pero lo que realmente les otorga una capa de autenticidad y diferenciación es su “lore”. Todo lo que hace Megara tiene un porqué, una historia detrás que conecta discos como “Siete” o “Truco o Trato” con su paso por Eurovisión con “11:11” o la épica de “Arcadia”. No solo les sobra carisma, especialmente a Kenzy al frente, sino que preparan sus conciertos con una conciencia milimétrica.
Para que un show así funcione, con una crew de baile entrando y saliendo y diversos elementos escénicos, el espacio y la iluminación son fundamentales. La Revi cumplió con creces, ofreciendo un escenario amplio donde los muchos haces de luces neutras y los fogonazos rojos sueltos crearon la dinámica necesaria para las presentaciones coreografiadas de la banda. La entrega de su base de fans fue absoluta; la sala rugió en cada estribillo y se vivió un momento especialmente tierno y épico cuando Kenzy pidio a todos los chavales que montaran un circle pit. Costó arrancarlo, entre risas y dudas, pero terminó siendo el primero de muchos para una nueva generación de metaleros que ya tiene a sus referentes claros.
En lo musical, Megara son una apisonadora de precisión. Se nota el respeto que le tienen a su propio espectáculo; todo está cuadrado, pero sin perder esa chispa de espontaneidad que te hace conectar con ellos. Por cierto, para los que esperaban ver volar muebles: ya no pueden romper más mesas. Agotaron el presupuesto de carpintería en los primeros conciertos de la gira, así que esta vez tocó centrarse en lo estrictamente artístico, que no fue poco.
Incluso si el rock fucsia no es lo tuyo, presenciar un directo de Megara es obligatorio para cualquier amante de la música en vivo. La pasión que le ponen a cada detalle y la autenticidad con la que defienden su mundo es algo que merece la pena ver al menos una vez. Madrid salió de la Revi con los oídos satisfechos y la retina llena de colores, confirmando que la magia del directo sigue viva cuando se cuida con tanto cariño.
Celebrate, el nuevo trabajo de estudio de Black Stone Cherry, llega como un lanzamiento breve pero bastante representativo del sonido que la banda ha construido durante dos décadas; grabado en Bowling Green, Kentucky, su tierra natal y fue producido por las propia banda, el EP reúne seis temas originales y una versión de “Don’t You (Forget About Me)” con la participación de Tyler Connolly de Theory of a Deadman.
El resultado es un disco de rock and roll puro que mantiene la esencia del grupo, hard rock con raíces sureñas y una fuerte conexión con las experiencias personales de sus integrantes, algo muy común en ellos y que se vió muy marcado desde su álbum Folklore and Superstition (2008).
Desde el inicio con el tema que da nombre al EP, la banda deja claro que su intención no es reinventar el género, más bien se apoyan en lo que mejor saben hacer, canciones accesibles, coros pulidos y un enfoque muy honesto hacia el rock contemporáneo; en ese sentido, Celebrate se siente familiar dentro de la discografía de Black Stone Cherry, pero también demuestra que el grupo sigue encontrando pequeñas formas de mantener su propuesta sin cambiar radicalmente su fórmula.
Uno de los puntos más destacados del disco es “Neon Eyes”, un tema que nació a partir de una idea grabada en un teléfono durante una prueba de sonido y que luego se convirtió en una canción completa dentro del proceso de composición del EP, esa forma espontánea de trabajar refleja bastante bien la filosofía de BSC, crear canciones a partir de momentos cotidianos de gira o de ensayo, algo que termina dando a su música un carácter muy natural y cercano con su fanaticada.
En contraste, el EP también presenta momentos más íntimos como “Deep”, una canción inspirada en una experiencia personal muy difícil del guitarrista Ben Wells y su esposa, relacionada con problemas de fertilidad y la pérdida de un embarazo, este tipo de letras muestran el lado más humano del grupo y refuerzan la idea de que muchas de las composiciones de Celebrate están ligadas a experiencias reales y emociones personales.
Celebrate no pretende cambiar el rumbo del hard rock ni redefinir el estilo de Black Stone Cherry, sin embargo, lo que sí consigue es reafirmar por qué la banda ha mantenido una base sólida de seguidores durante años y esa base muchos son rockeros de la vieja escuela que adoptaron esta agrupación a pesar de que no salió en los 80s o 90s y eso no es muy común.
Wicked Leather en Málaga: “Gran debut teñido de heavy metal”
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La ciudad de Málaga volvió a disfrutar con una gran noche de heavy metal gracias a la visita de los barceloneses Wicked Leather, quienes se recorrieron los 997 kilómetros que los separan de la capital de la Costa del Sol para presentar su último y excelente trabajo Season of the Witch.
La noche comenzó con los muchachos de Abxenta, quienes jugaban en casa y demostraron porque son unos habituales en citas de este tipo, ya que la banda ofreció un set potente, lleno de energía la cual contagió a los asistentes que ya estaban dentro de la Sala Core dispuestos a vivir una gran noche de metal en el centro de la ciudad.
Gracias a temas como “Cabrón”, “Todos” o una de mis favoritas “Buitres”, los chicos mostraron un metal con mucho músculo, guitarras afiladas y una base rítmica arrolladora, que hizo vibrar las paredes de la sala y que he de admitir que no ofreció el mejor sonido para ambas bandas, sin embargo las dos pudieron hacer grandes sets con muy pocas fisuras.
A pesar de haber visto en otras ocasiones a la banda, debo decir que esta ha sido donde más potentes sonaron y más conforme quede con lo que vi de ellos.
Para redondear el set, la banda arremetió con “Puertas del Cielo”, una de las mejores de la noche y el binomio final entre “Metal Pako” y la que da nombre a la banda, Abxenta dejo bien caldeado el ambiente gracias a un metal muy cañero, bien tocado y sobre todo con mensaje.
Si no los conoces ya estás tardando en ir a sus redes sociales y ponerte al día con uno de los referentes del metal andaluz.
Y tras el correspondiente cambio de escenario, llegaban Wicked Leather, con las credenciales de haber girado con pesos pesados como Enforcer y Satan, pero con ganas de demostrar su valía en este show propio y vaya si lo hicieron.
La banda abrió fuego y comenzó a extender su hechizo con “Lightning Strike” y “Crystal Lake” (heredada del campamento aterrorizado por Jason Voorhees), donde ya pudimos comprobar la impecable y atronadora base ritmica, como las guitarras de Michel y Zárate escupían fuego y miraban a tiempos pasados que ya no volverán y Yami nos conquistaba con su vozarrón tremendo lleno de matices y tonos diferentes.
Los chicos repasaron lo mejor de su nuevo disco y así canciones como “She is Storm” (de mis favoritas del álbum) y el himno heavy metalero “Season of the Witch”, fueron de lo mejorcito que ofreció Wicked Leather ante un público que estaba bastante animado y atento ante el poderoso sonido desplegado por el quinteto, con claras reminiscencias al heavy/speed metal clásico y una proyección internacional más que evidente.
La figura de Yami como “Frontwoman” es sencillamente demoledora siguiendo la escuela de Sabina Classen (Holy Moses) y Doro Pesch, salvando los estilos musicales con ambas artistas, si que esta chica sabe como plantarse en el escenario y devorarlo sin piedad cual kraken en mitad del océano.
Hay que decir que la sala aunque no tuvo la mejor noche en cuanto a sonido, los barceloneses supieron arreglárselas y sonar lo mejor posible, así que al finalizar el show la gente quedó muy contenta con lo que vio.
La guinda para finalizar la actuación, la pusieron con “Turn Your Head”, mítico tema popularizado por Sodom, que sorprendió a más de un metalhead allí presente.
Veremos hacia donde los lleva la senda del metal, pero tras lo vivido en Málaga, puedo apostar que el presente y el futuro más cercano promete y mucho.
Stoned Jesus volverá a España a comienzos de abril
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Los ucranianos Stoned Jesus están a punto de comenzar su nueva y extensa gira europea, que los traerá a España el próximo mes de abril gracias a Route Resurrection y para la cual han unido fuerzas con los metaleros progresivos Wheel, configurando así, un doblete muy interesante de presenciar y donde deberás tener los cinco sentidos puestos en ambas bandas para no perderte ningún detalle de las dos propuestas que presentan.
Los power metaleros barakaldeses Vhäldemar continúan inmersos en su gira nacional de 2026 y ahora han confirmado que visitarán la soleada y costera ciudad de Alicante el próximo mes de abril y lo harán muy bien acompañados.
Para esta ocasión la banda contará con Cain’s Dinasty, quienes comienzan a celebrar sus 20 años de carrera y Delenda Est que estarán abriendo la velada por todo lo alto con su poderoso sonido.
La fecha elegida será la siguiente:
25 de Abril – Alicante – Marearock (+ Cain’s Dinasty + Delenda Est)
Las entradas ya están a la venta y se pueden encontrar AQUÍ.
Lamb of God estrena el videoclip de “St Catherine’s Wheel”
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Los norteamericanos Lamb of God han publicado el videoclip de su nuevo single “St.Catherine’s Wheel”, extraído de su último disco Into Oblivion y donde siguen demostrando porque son uno de los nombres propios dentro del metal contemporáneo hecho en Estados Unidos.
Tras 11 años y dos discos de estudio editados, una nueva versión del Angel Caído y un recopilatorio que celebra el 30 aniversario de la banda, Avalanch ha anunciado la partida de Manuel Ramil, el que hasta ahora había sido su teclista y miembro fundamental para las canciones de la banda asturiana.
Lo más triste de la partida de Ramil, es que no ha sido por ninguna polémica, diferencias musicales, si no porque el músico padece desde hace tiempo una insuficiencia cardíaca que le obliga a reducir su actividad en la carretera y es mejor que descanse y de prioridad a su salud.
Avalanch por su parte han anunciado que seguirán adelante y pronto conoceremos a la persona que se hará cargo de los teclados para el final de la gira 30º Aniversario.
La banda le ha dedicado un comunicado que podéis ver y leer a continuación:
Está claro que si hablamos de Teksuo, lo hacemos de una de las joyas de la corona dentro del metal contemporáneo actual, donde su combinación de estilos como el post hardcore, el metalcore más melódico, toques alternativos e incluso una pizca de pop punk, los han situado entre lo mejorcito del estilo en nuestro país.
Pero lejos de dormirse en los laureles, Diego y compañía han estrenado The Glow Before I Go, su nuevo disco donde continúan la senda transitada con su predecesor Endless de 2020, pero añadiendo ciertos toques modernos acorde con la actualidad de la banda y del género en si mismo.
El disco abre fuego con “Thirst For Fears”, un cañonazo marca de la casa, con un potente breakdown y un Diego que está pletórico a nivel vocal tanto en las partes melódicas como en las que son más agresivas.
Lo mismo ocurre con el binomio “All You Wanted” y “Sailing to the Unknown”, soprendiendo la primera por ciertos guiños a bandas como Slipknot y Architects, una parte pausada exquisita y un final demoledor con unos “Screams” brutales acompañados de una base muy pesada y potente, mientras que la segunda es igual de intensa, pero presenta unos pasajes más modernos y que seguro conquistará a los que disfruten con bandas como BMTH, Sleep Token e incluso los Whitechapel de la era Kin.
El metalcore más clásico se hace presenten en “Sanctify My Ache”, un corte que podría haber formado parte de sus primeros trabajos, pero que se actualiza gracias a ciertos loops electrónicos que quedan muy bien y orgánicos.
La batería es una apisonadora, mientras que las guitarras escupen fuego a través de las cuerdas al más puro estilo Killswitch Engage o August Burns Red, haciendo las delicias de sus seguidores más “Old School”.
“Monochrome”, no solamente marca el ecuador del álbum, si no que presenta el sonido más alternativo de esta primera mitad del álbum, lo cual es de agradecer a nivel musical, ya que variamos un poquito el estilo antes de caer en la repetición constante.
La voz limpia de Diego es una absoluta maravilla y da gusto escucharlo en este registro, el cual va in crescendo de cara al estribillo, totalmente coreable y que seguro emociona a sus seguidores, para luego inyectarle músculo con algunas partes más cañeras, siendo uno de los mejores cortes del disco sin duda alguna.
El resto del disco circula una senda similar, combinando momentos muy melódicos con otros de gran agresividad que poco tienen que envidiar a bandas internacionales de moda.
Pero la sorpresa mayúscula sin duda es “De Piedra”, una delicada pieza, con un comienzo de guitarra que pone los pelos de punta nada más comenzar a sonar y cuya interpretación está íntegramente en castellano, por primera vez en un disco de Teksuo y que evoca una tristeza hermosa cual puñal clavado en mitad del cuerpo durante una fría tarde de invierno.
Es no solamente una de las 3 mejores canciones del disco, si no del toda la carrera de la banda y con la cual es casi imposible contener las lágrimas y la emoción al escucharla, sencillamente sin palabras y ojalá puedan seguir cantando en español en discos futuros, porque les queda muy bien.
Los chicos como he señalado al comienzo, continúan su evolución con paso firme y seguramente The Glow Before I Go, sea uno de sus mejores trabajos en conjunto y un espejo al que seguir de aquí en adelante.
Hay noches en las que Barcelona deja de parecer Barcelona. Al acercarme a la sala, la ciudad parecía transformarse en algo más cercano a un callejón industrial de París o al Berlín gris de los años ochenta que al Mediterráneo luminoso de siempre. El aire estaba cargado de esa electricidad que solo se siente cuando algo importante está a punto de ocurrir dentro de una escena. Antes de entrar comenzaron los inevitables reencuentros: los habituales del Undead Club, chaquetas de cuero curtidas por demasiadas noches, viejos punks, góticos veteranos, algún skinhead y jóvenes curiosos que querían comprobar si las historias eran ciertas. Entre la multitud también aparecieron las auténticas criaturas de la noche: vampiresas de terciopelo negro y maquillaje pálido junto a lords nocturnos de abrigo largo y elegancia decadente. No eran disfraces, sino parte real de la fauna nocturna barcelonesa, guardianes silenciosos de una estética que se resiste a desaparecer. Durante unos minutos, la entrada de la sala pareció una pequeña corte de la oscuridad, una reunión de tribus unidas por la misma liturgia musical. Aquella noche en la ciudad había una expectativa particular entre los presentes para ver el ritual.
Cuando Malefixio apareció entre las sombras quedó claro que su papel iba mucho más allá del de simple telonero. En esta ocasión la banda se presentó en formato de trío con Eva a la voz, Jordi a la guitarra y Mauricio al bajo, prescindiendo de batería en directo y apoyándose en una caja de ritmos. Lejos de restar intensidad, esta configuración aportó una atmósfera más fría e hipnótica que encajó perfectamente con la estética oscura del grupo. Desde los primeros compases de “La montaña de Qaf”, el bajo de Jordi marcó el pulso magnético que actúa como columna vertebral de la música siniestra, mientras las guitarras de Xavi dibujaban líneas afiladas heredadas del post-punk más gélido. Sobre esa base rítmica programada, la voz profunda y ceremoniosa de Pau Malefixio condujo al público a través de un paisaje sonoro cargado de misticismo y simbolismo.
La intensidad fue creciendo con temas como “Demonio-Aves” y “Chak chak”, donde la combinación entre las bases rítmicas y el bajo hipnótico generó una cadencia casi ritual que envolvió rápidamente a la sala. En “Éter” y “Todos somos uno”, el concierto adquirió un carácter casi litúrgico, con atmósferas densas y pasajes que parecían suspender el tiempo dentro de la Wolf. Uno de los momentos más celebrados llegó con “Estoy dentro”, su sencillo más reciente, que confirmó el excelente momento creativo que atraviesa la banda y evidenció que buena parte del público ya conocía y coreaba sus pasajes más sombríos. El repertorio —que también incluyó “Futuros olvidados”, “La sombra”, “La maldad” y “Ritval”— funcionó como un recorrido coherente por el universo sonoro que Malefixio viene desarrollando desde su álbum Culto a lo Invisible, considerado ya una de las piezas clave del deathrock español contemporáneo.
Cuando el set llegó a su tramo final, con “La sombra” y “La maldad”, la sensación era clara: Malefixio no solo había cumplido con su papel de apertura, sino que había logrado convertir su actuación en uno de los momentos más intensos de la noche. Con una puesta en escena sobria, una estética impecablemente oscura y un sonido compacto que combinó bases electrónicas con la crudeza del bajo y la guitarra, el trío reafirmó su posición como uno de los proyectos más sólidos de la escena siniestra barcelonesa actual. Aquella noche, antes incluso de que Frustration pisara el escenario, ya habían abierto la puerta al abismo.
Cuando las luces se apagaron, la sala se contrajo como si alguien hubiera apretado el aire con las manos. Hubo ese silencio breve, expectante, que apenas dura unos segundos pero que parece suspender el tiempo. Entonces Marc Collin se sentó detrás de la batería y bastó el primer golpe para entender que aquello iba a ser serio. No es fácil explicar lo que hace Collin: no se limita a marcar el ritmo, construye una maquinaria. Su batería funciona como un engranaje preciso, casi industrial, empujando el sonido hacia adelante con una frialdad milimétrica que recuerda tanto al pulso hipnótico del motorik alemán como a la disciplina mecánica que alguna vez definió a Neu! o a la elegancia robótica de Kraftwerk. Arrancaron con “Path of Extinction” y “State of Alert”, y en cuestión de segundos la sala quedó atrapada dentro de ese universo tenso y eléctrico donde cada nota parece diseñada para tensar los nervios. En esa arquitectura sonora también flotaba una sombra familiar: la herencia emocional y sombría de Joy Division, esa forma de convertir la repetición en trance y la oscuridad en belleza.
La guitarra de Markus de Cosson entraba como un bisturí oxidado: riffs afilados, secos, sin adornos innecesarios. No había postureo ni exhibición; había ataque. Cada rasgueo parecía tallado en acero frío, dejando espacio para que el resto del mecanismo respirara y avanzara con una precisión casi obsesiva. Debajo de todo, sosteniendo la arquitectura del ruido, estaba el bajo de Pat G, profundo y contundente, de esos que no solo se escuchan sino que se sienten directamente en el pecho, vibrando contra el esternón como una segunda pulsación del corazón.
En medio de esa tormenta estaba Fabrice Gilbert, que no es simplemente un cantante: es un detonador humano. Gilbert no interpreta las canciones, las escupe. Camina por el escenario como si estuviera midiendo el territorio, clavando la mirada en la primera fila con una intensidad que obliga a devolverla. No hay poses teatrales ni gestos estudiados: hay electricidad. Durante “It’s Gonna Be the Same” y la abrasiva “Pepper Spray” el concierto dejó de ser un simple directo para convertirse en lo que muchos habían venido a buscar: una tormenta eléctrica en estado puro. A mi alrededor, las vampiresas de la noche se movían lentamente al ritmo del bajo, como si aquel sonido fuera la banda sonora de un baile oscuro que lleva décadas repitiéndose en sótanos y clubes clandestinos, mientras los lords nocturnos asentían con una sonrisa apenas visible, reconociendo en Frustration la autenticidad que solo las bandas verdaderas poseen.
Y entonces estaban los teclados de Fred Kaporal, que en un grupo menor podrían ser un simple relleno atmosférico, pero aquí funcionan como el clima entero del paisaje sonoro. Sus sintetizadores eran el viento frío que atraviesa las ciudades muertas que aparecen en las letras de Frustration. En “Le grand soir” y en la frenética “When Does a Banknote Start to Burn”, los teclados creaban esa capa de cold wave elegante y brutal que convierte el sonido de la banda en algo hipnótico. No es nostalgia de los ochenta: es la prueba de que ese espíritu sigue vivo.
El bloque central del concierto fue directamente un descenso al trance. “Excess” y “Catching Your Eye” mantuvieron a la sala flotando dentro de un motor rítmico constante, mientras “Consumes” y “Riptide” recordaban por qué Frustration es uno de los pilares del post-punk europeo contemporáneo. Miré alrededor y vi algo que no ocurre en cualquier concierto: veteranos de la noche barcelonesa cantando con la misma intensidad que alguien que acaba de descubrir el género. Las vampiresas levantaban los brazos como si invocaran algo antiguo, y los lords nocturnos golpeaban el suelo con sus botas al ritmo de la batería.
Hubo un pequeño respiro con “The Drawback”, que cayó sobre la sala como una sombra elegante, seguido por la sensualidad oscura de “Your Body”, uno de esos temas donde la tensión se vuelve casi física. Durante unos segundos parecía que el concierto bajaba la intensidad… pero era solo una pausa antes de la embestida final.
La banda desapareció del escenario entre aplausos que ya sabían a encore inevitable. Cuando volvieron, lo hicieron con esa calma que solo tienen los grupos que saben exactamente lo que van a provocar. Y lo que vino después fue pura demolición.
“Dreams, Laws, Rights and Duties” cayó como un martillo. “Too Many Questions” devolvió el protagonismo absoluto a la batería de Collin, que volvió a demostrar por qué su forma de tocar es una lección de disciplina y violencia controlada. Para entonces la sala estaba completamente entregada.
El cierre tenía que ser “Blind”, y lo fue. Un himno final, seco y contundente, una descarga eléctrica que cayó sobre la sala como el último latigazo de la noche. Cuando terminó, el público quedó exhausto, sudoroso, con ese sabor metálico del ADN post-punk más auténtico todavía pegado al paladar, como si el eco de las guitarras y la batería siguiera vibrando en el pecho. Durante unos segundos nadie parecía dispuesto a romper el hechizo. Luego llegaron los aplausos largos, sinceros, de esos que no se dan por inercia sino por gratitud.
Pero la historia no terminó con el último acorde. Cuando las luces volvieron lentamente a su brillo habitual y la sala empezó a vaciarse, Pat G y Fabrice Gilbert reaparecieron cerca del puesto de merchandising. Allí, sin distancia ni ceremonias, se mezclaron con la gente: firmando vinilos, posando para fotos improvisadas y vendiendo camisetas de la banda mientras intercambiaban algunas palabras con quienes todavía flotábamos en la resaca eléctrica del concierto. Fue un gesto sencillo, casi doméstico, pero profundamente coherente con el espíritu del underground: ninguna barrera entre escenario y público, solo músicos y cómplices compartiendo el mismo ritual nocturno. Muchos abandonaron la sala con un vinilo bajo el brazo, una camiseta recién comprada y la sensación de haber participado en algo más que un simple concierto: una pequeña comunión eléctrica entre banda y audiencia.
Aquella noche fue, en cierto modo, un pequeño ritual oscuro para la escena de la ciudad, una confirmación de que el underground sigue vivo, respirando en sótanos, clubes y salas pequeñas. Y mientras existan bandas con ese corazón helado y esa electricidad en las venas, la llama del post-punk seguirá ardiendo en la oscuridad.
Hernán (Las Cosas Que Perdimos En El Fuego): “El emo tiene su costado político”
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“Hardcore emocional” y “emo” pueden ser etiquetas un tanto cargadas o incluso limitantes, pero la gente de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego no parece tenerles miedo. Viniendo de Mar del Plata queda un tanto obvio que el grupo le haya puesto a su EP Hasta Que El Mar Nos Lleve, pero en esta entrevista con su cantante Hernán Montenegro vemos que lo del grupo va más allá de esas obviedades: las inquietudes del under, el querer evolucionar en su sonido, la oportunidad de trabajar directamente con una de sus mayores inspiraciones, lo que es la movida subterránea en Argentina y el tener que luchar día a día para abrirte paso en un mundo que parece dispuesto a ponerte todos los baches en el camino. Pero siempre hay una luz al final del túnel.
—Buenas a todos los integrantes de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego. ¿Cómo los encontramos en el día de hoy?
Mal pero acostumbrados, jaja. Hablando en serio es difícil, muy difícil vivir nuestra realidad que es la mayoría del país y es laburar horas extra para apenas llegar a fin de mes. Tener que posponer cosas que te hacen bien al espíritu únicamente porque no naciste en cuna de oro o estás sponsoreado por algún empresario. Es todo muy angustiante, para serte sincero.
—Hablemos acerca de este nuevo lanzamiento por parte del grupo. ¿Cómo describirían este Hasta Que El Mar Nos Lleve? ¿Cómo ven la evolución del sonido de la banda en este nuevo EP?
Creo que fueron las mejores canciones que podían dar los chicos hasta la fecha. Soy una persona bastante obsesiva con ciertos sonidos y cierta manera de ver la música. No quería enloquecer a los muchachos con esto, así que las canciones que traían se grabaron. A lo mucho fui un poco “Arquitecto” en decidir cuales entraban al EP y cuáles quedaron afuera.
Ahora que esta etapa se terminó, vamos a experimentar otro tipo de modalidad a la hora de trabajar las canciones.
—¿Cómo describirían el título de Hasta Que El Mar Nos Lleve?
Es un reconocimiento a nuestra terquedad. Cómo te decía más arriba, las vidas de “giles trabajadores” que llevamos todo el tiempo nos hace replantear el seguir invirtiendo tiempo y plata que apenas tenemos para hacer canciones. Al mismo tiempo todo el mundo musical tampoco es muy “amistoso”, bah creo que el mundo tan precarizado hace esto de “sálvese quien pueda” y genera estos climas en que si no tenés nada para ofrecer salvo tu música, no interesa lo que hagas. Nosotros laburamos 11 horas por día, entonces lo único que podemos aportar es la música, hay muchas chances que todos nuestros esfuerzos sean vanos, y tenemos gente que nos quiere y con todo su cariño nos dice: “¿Para qué viajar 5 horas para tocar invirtiendo de tu bolsillo?”, “¿Para que invertir en un buen estudio si no vas a recuperar lo invertido?”. Y tienen razón, pero esto va más allá de la razón. Y hasta que el mar nos lleve vamos a seguir haciendo esto.
—Menciono lo del título porque los EPs anteriores se llamaron simplemente Cinco Canciones y Cuatro Canciones. ¿Qué los llevó a que este tuviera nombre propio? Asumo que siendo que este también tenía cinco canciones, repetir título podría llevar a confusiones.
El primer EP se llamó Cinco Canciones EP en tributo al EP que sacó la banda Baltimore In Love. En más, la tapa es un rip-off de la portada de ese EP. La canción “Remolino de Lirios” está dedicada al cantante de esa banda que era una persona excelente y bondadosa.
Cuatro Canciones de Invierno seguía un poco este juego y además eran las primeras cuatro canciones que nacieron cuando Muzzu y yo forjamos esta unión y amistad con Gus y Nahufix.
Hasta que el Mar Nos Lleve ya la banda decide hacer el sacrificio de viajar a grabar a Buenos Aires, de trabajar con un productor. Por eso nos pareció necesario mostrar que hay otra “seriedad”. Más allá de que siempre fuimos serios, pero tomamos la grabación y la producción de este material de una manera más profesional.
—La banda toma su nombre del libro de relatos de Mariana Enríquez, que a su vez toma su nombre de una canción de Low. Y ahora tienen a Enríquez de invitada en el álbum. ¿Cómo fue tener a la inspiración detrás de la banda presente en este nuevo álbum?
Una muestra de que los sueños se cumplen. Me encanta como Mariana escribe, me encanta la temática de sus historias. Traer el horror y el ocultismo a nuestro país, a nuestras calles. Además de que ella es una fanática de la música pesada. Que ponga su voz en una de nuestras canciones es una recompensa para el espíritu.
—Con este ya será el tercer EP de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego. ¿Hay alguna razón detrás de centrarse en este tipo de lanzamientos cortos?
Me voy a repetir mucho con esto pero es que no tenemos presupuesto. Para nosotros hacer este EP fue casi una misión imposible, con integrantes quedándose sin trabajo y cayendo la responsabilidad financiera en el resto que tuvo que hacer sacrificios para poder cumplir con las obligaciones. Hacer un disco de 10 canciones era imposible.
Hace poco hablamos con los chicos y decidimos que aunque tome más tiempo, y si la situación financiera nuestra mejora, tal vez podamos encarar un disco de 10 canciones.
Estamos en proceso de composición y me encanta lo que está sonando en nuestra sala de ensayo.
—Muchas bandas del “emo” solían tener algo de resistencia a esa etiqueta, pero Las Cosas Que Perdimos En El Fuego no es de esas siendo que ustedes mismos se describen como “hardcore emocional” en su Bandcamp. ¿Cómo ven la escena emo en Argentina? Venimos del recital de Orchid hace unas semanas en Capital y fue tremendo ver que el lugar estaba repleto para hablar de una banda insignia en un estilo que puede ser tan extremo.
Si, cuando empezamos nos describíamos como hardcore emocional, ahora ya no tenemos esa etiqueta. Desde el ingreso de Gastoncito que viene con una experiencia amplia tocando thrash ahora estamos trabajando en sonidos más extremos.
Respecto a la escena “Emo” creo que encontró en el sello Inerme a gente muy buena y amable que ayuda a gestionar todo. Por algo cada vez que viene una banda de Hardcore Emo una de sus bandas suele abrir la jornada. No olvidemos nunca que el Emo, o al menos el emo que hace Orchid tiene su costado político y reaccionario y creo que Inerme tiene mucho de eso y por eso todo lo que hacen es genial.
—Ustedes son de Mar del Plata. Para muchos porteños es un clásico pensar que todo lo que está pasando el Conurbano, o siquiera la General Paz, pareciera no existir, y eso se extiende a las escenas musicales. ¿Podemos decir que hay una escena emo en Mar del Plata y alrededores? ¿Cómo describirían ese under local?
Conozco las bandas de quienes nos invitan a tocar como Diasol, Primo, Bowery, LosCortos, AltosMutantes, Abismal, Criptodonte. Después si bien no son de Mar del Plata, Scam, Llagas y Ultravioleta también nos invitan y me gusta mucho como suenan.
—¿Qué se viene en el futuro de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego? ¿Cuáles son sus planes?
Aceptar las invitaciones que nos lleguen para tocar en dónde sea, siempre y cuando se pueda.
Seguir haciendo canciones hasta juntar esas 10 que nos hagan sentir que vale la pena volver a hacer el sacrificio para poder grabarlas.
—¿Hay algo que quisieran decirle a los fans y la gente que los vaya a escuchar?
No creo que tengamos fans, me gustaría creer que hay gente escuchando del otro lado, y les agradezco. En tiempos que hasta el under parece tener gente que te vende mainstream como los nuevos salvadores del under e invierten tiempo para mostrarte aquello por lo que les pagan mostrarte actuando como “algoritmos” humanos, que exista gente que descubra esta banda de laburantes es un montón.
Cuando leía revistas de rock me gustaba que un músico dijera alguna frase de un autor para poder descubrirlo, así que en estos tiempos de desesperanza en dónde no hay un solo día que siento que me están chupando la sangre para mantener a los poderosos de siempre, me despido con la siguiente frase:
“Lo que más me asusta es que lleguemos a amar nuestras cadenas” [C.B]
Normandie presenta “Mayday” como adelanto de su próximo trabajo
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La banda de metal moderno y alternativo sueca Normandie ha estrenado “Mayday”, el cuarto corte incluido en Side Effects PT.1, un nuevo EP que podremos disfrutar completo a partir del próximo 17 de abril.
Si hablamos de punk rock argentino, sobra decir (y pese a quien le pese) que Flema es uno de los emblemas del estilo junto a otros pesados pesados como 2 Minutos, Todos Tus Muertos y en un sonido algo más melódico Attaque 77.
Ahora la banda volverá al viejo continente y pasará por España, Reino Unido e Irlanda, siendo Málaga una de las citas imperdibles de la banda en nuestro país que tendrá lugar en la siguiente fecha:
3 de Junio – Málaga – Sala Core
Las entradas son muy limitadas, así que corre a por la tuya AQUÍ.
El gigante festivalero francés Hellfest Open Air, se sigue consolidando como uno de los mejores (si no el mejor…) festivales de Europa y su edición del 2026, así lo ha vuelto a evidenciar, agotando casi todos los tickets en cuestión de días.
Para este verano el cartel contará como reclamos principales a las leyendas del heavy metal Iron Maiden, los nu metaleros Limp Bizkit en su regreso triunfal al viejo continente, la banda alternativa más importante de la década como es Bring Me The Horizon y uno de los emblemas del punk rock melódico californiano como son The Offspring, ofreciendo calidad y variedad por los cuatro costados.
Pero no te preocupes, que si estas bandas no son suficiente para ti, también podrás ver a A Perfect Circle, Tom Morello, Bad Omens, Alice Cooper, Volbeat, Breaking Benjamin, Deicide o Social Distortion, entre otros cientos de nombres que hacen del Hellfest una cita obligada para cualquier amante de la música pesada y alternativa en todas sus vertientes.
Las fechas son del 19 al 21 de junio y aunque todas las entradas están agotadas, siempre hay gente que no puede asistir y vende su entrada, así el único sitio oficial donde ahora mismo quizás puedas conseguir una, lo tienes haciendo click AQUÍ.
Tras dos años defendiendo los parches, las thrashers internacionales Nervosa han anunciado la partida de Gabriela Abud, su hasta entonces batería, en buenos términos y debido a que Gaby ha preferido centrarse en otros proyectos personales que interferían su trabajo con la banda.
En principio y visto que estará en el primer tramo de la gira, será la señorita Michaela Naydendova quien ocupe el puesto, certificando así su regreso triunfal a la banda tras dos años fuera de la misma.
Veremos que nos depara el nuevo disco de las chicas, Slave Machine, el cual llegará a las tiendas el próximo 3 de abril vía Napalm Records y cuyo preorder está disponible AQUÍ.
FM & Marco Mendoza en Buenos Aires: “Dos mundos, una sola noche”
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El pasado viernes 6 de marzo, los británicos FM volvieron al país para celebrar íntegramente los 40 años de Indiscreet. Y no lo hicieron solos, sino que acompañados por el bajista Marco Mendoza, transformaron al Galpón B en una capsula del tiempo que nos llevó directo hacia el pasado. Más en concreto, al Hard Rock de los 80’s.
La jornada arrancó desde bien temprano con la presentación de los actos nacionales. Y es que había tres bandas a cargo de dibujar las primeras notas y melodías de la noche. Pero antes de empezar a mencionarlas, si hay algo para remarcar de todas las presentaciones, es el buen sonido con el que contaron todas las agrupaciones. Tanto las locales, como las internacionales. En especial de las guitarras, que se escucharon con extrema nitidez y brillo. Un aspecto destacable que permitió disfrutar de una velada que pasito a pasito, se iría extendiendo.
Fue así que a las 19:15, La Paez System encendió la mecha y dio el primer chispazo de Hard Rock de la noche. Liderado por su talentoso guitarrista, Claudio Paez, el grupo descargó toda la furia y potencia de su repertorio. Con temas habituales como “Es Tiempo” o “Eléctrico”, brindaron una actuación enérgica y ostentosa, como suelen acostumbrar.
Luego le siguió Freedom Lost, una agrupación que no había tenido la oportunidad de ver anteriormente, y que me llamó la atención por sus composiciones y covers de Heavy Metal británico más tradicional, todos cantados en inglés. Si bien tuvieron algunos momentos de desincronización e imprecisión, lo compensaron con garra y actitud. En especial por parte de su cantante, Mariano Bunge, que buscó durante todo el espectáculo arengar y hacer partícipe al público.
Cerrando la ronda de grupos nacionales, estuvo Habeas Pornus y demostró porque se volvieron rápidamente en una agrupación de renombre en los últimos años. Con mucho oficio y destreza, desplegaron su propuesta de Hard Rock entre los presentes, y bajo la atenta mirada de cierto músico que los observó durante gran parte del show, desde atrás del escenario.
Apoyados en la destacada y prodigiosa voz de su cantante, Matías Díaz, los argentinos hicieron un repaso tanto por el material de su más reciente obra “Mentira”, como del más clásico.
Entre reconocimientos y aplausos, el grupo comandado por Hernán García se despidió del escenario. Aunque no por mucho tiempo. Ya que tanto el batero y como el guitarrista solista, volvieron. Pero esta vez, acompañados por uno de los platos fuertes de la noche: Marco Mendoza. El músico que mencionamos anteriormente que observaba a la banda desde las sombras del fondo. Y es que el legendario y virtuoso bajista, estaba viendo en acción a quienes lo acompañarían en el escenario durante la noche.
De esta manera, dieron pie a su presentación con “Viva La Rock”, de su álbum homónimo del 2018. Un clásico a estas alturas, en la carrera del estadounidense. Con energía y actitud de sobra, Mendoza no tardó mucho en atrapar al público y meterlo bajo su bolsillo. Y es que si bien, el bajista actuaba como invitado estelar de la jornada, el entusiasmo que generaba su presencia lo hizo parecer a él, el protagonista de la noche. Un hecho que más tarde tendría sus repercusiones.
Durante el show, el músico hizo un repaso por varios clásicos de los grupos por los que pasó como “Hey Baby” de Ted Nugent y “Chinatown” de Thin Lizzy, aunque también tuvo tiempo para interpretar material de su carrera solista, como “Sue Is On The Road” y “Rocketman”, en donde sacó a relucir su gran poderío vocal.
Sin embargo, no se hizo cargo de las voces durante la recta final. En su lugar, relevó el puesto, ya que invitó al escenario a Matías, el cantante de Habeas Pornus para que interpretase algunas canciones de “Whitesnake”, que requieren de un rango más agudo y limpio. Y fue en este punto dónde Mendoza logró mover la aguja de todos los presentes, con himnos eternos como “Crying In The Rain”, “Is This Love” y “Still Of The Night”.
Y en este punto, se puede decir que nació una de las repercusiones de las que hablábamos antes, ya que se empezaba a sentir que el show lentamente se iba alargando, con un setlist más extenso de lo imaginado. Ya que si bien, el público recibía con los brazos abiertos todos los clásicos que el músico iba tocando, se notaba la incertidumbre por el tiempo que iba acaparando Mendoza sobre el escenario. Hecho que se remarcó más con la interpretación de “Burn” de Deep Purple, que a nivel personal, se sintió innecesaria.
Pese a ello, la gente respondió positivamente. Y con esa recepción, el bajista se despidió del escenario. Claramente, en un horario por fuera del programado. Y en un momento de la noche, en dónde se empezaba a sentir un poco el cansancio del público. En especial, de los que estaban desde temprano.
Este hecho capaz derivó en que algunas personas lentamente fueran abandonando el recinto. O al menos, así me pareció porque para cuando arrancó FM, el lugar se sentía más vacío. Como si la mayoría hubiese ido solo para ver a Marco Mendoza.
No obstante, poco le importó eso a los británicos ya que tras iniciar su actuación con “Digging Up the Dirt”, ya que los de Londres se enfocaron en interpretar al completo el “Indiscreet”, tal como prometían. Y lo hicieron. No sólo no faltó ni un tema, sino que lo tocaron en el mismo orden que el disco. De modo que el arranque con “That Girl” (posiblemente, su tema más conocido) fue inevitable.
La interpretación del álbum fue buena y fiel. Se respetaron los tiempos de las canciones, su esencia y tono. Las guitarras tiñeron las paredes del Galpón B de melodías muy elegantes. Los teclados se encargaron de crear el ambiente y sonido ochentero del AOR, mientras que las voces flotaban suave y armoniosamente entre temas.
Fue así que piezas clásicas del debut de los ingleses, como “American Gilrs”, “Frozen Heart” o “Face To Face”, no faltaron. Y es más, no solo interpretaron la obra completa, sino que integraron “Dangerous”, un tema que apareció en remasterizaciones futuras como bonus extra. De modo que se sintió especial su inclusión en el reportorio.
Finalizado la presentación del 40 aniversario de “Indiscreet”, el grupo se dedicó a repasar algunos temas de su otra obra célebre “Tough It Out”. El cantante, Steve Overland dejó su guitarra a un lado y comenzó a cantar con mucha más soltura y placer, demostrando que para sus 65 años, conserva casi el mismo registro vocal que en su juventud.
No se trató de un show tan potente y enérgico, sino que se apoyó más en lo melódico y exquisito. Las guitarras se encargaron de dotar cierta cuota de elegancia y virtuosismo a la propuesta. En especial, en el apartado solista.
De esta forma, FM culminó su presentación pasando la medianoche y con un número de gente relativamente menor al que había antes. Aun así, los que llegaron hasta el final se fueron con la sensación de haber disfrutado de un viaje que los llevó a la mismísima década de los 80’. Con todo la magia y encanto que la música de aquella época proyectaba.
Pese a haberse tratado de una jornada un tanto extensa, las conclusiones apuntan a que música de calibre y nivel, no faltó. Y que el Rock, pudo anudar en un mismo escenario, tanto su faceta más potente y eléctrica, con la melódica y sofisticada. Sin duda, una velada con expectativas cumplidas.
Agradecemos a la gente de Icarus por las facilidades para realizar la cobertura y por dejarnos estar presentes en este regreso.
Cannonball Día 2 en Copenhague: “Entre escenarios y pinballs”
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En Copenhague se celebró una nueva edición del Cannonball Festival, un encuentro de dos días dedicado al rock clásico y al rock and roll que combinó música en vivo con un ambiente bastante particular. La jornada comenzó temprano, con música desde las tres de la tarde, y se desarrolló en un espacio cerrado que mezclaba escenario, puestos de comida y algunas actividades curiosas para el público.
Las primeras bandas en subir al escenario fueron Highway Child, banda danesa de rock que regresaba a los escenarios tras quince años sin tocar en vivo, yDicte & The Diamonds, liderados por la cantante danesa Dicte, conocida como la “Queen of Cool”. Ambas abrieron la jornada durante la tarde. Desde temprano se podía notar que el público era más bien reducido y el predio se mantuvo con bastante espacio libre frente al escenario durante gran parte del día.
Más allá de la música, el festival tenía varios elementos que contribuían a la experiencia general. Había decoraciones con estética western, una radio transmitiendo en vivo en danés y algunos puestos donde se podían comprar vinilos y CDs. También había algunos juegos para el público, incluyendo máquinas de pinball y otras atracciones poco habituales para un festival de rock.
Uno de los que más llamaba la atención era el toro mecánico, que además funcionaba como parte de un concurso donde los participantes podían intentar ganarse entradas para la edición del festival que se celebrará en febrero de 2027. Varias personas se animaron a probar suerte mientras otros observaban y alentaban desde los costados.
Dentro del recinto también se instalaron varios food trucks. La idea era interesante, aunque resultaba un poco extraña considerando que todo ocurría en un espacio cerrado. Por momentos la ventilación no era la mejor, especialmente cerca de la zona de comida, donde el aire se volvía algo pesado.
Uno de los primeros momentos fuertes de la jornada llegó con Nine Pound Hammer, banda originaria de Kentucky, Estados Unidos, que subió al escenario con una actitud muy directa y mucho rock and roll. La banda ofreció un show sólido, con guitarras crudas y un sonido bastante claro durante todo el set.
Repasaron varios temas de su repertorio, mezclando clásicos con material más reciente, manteniendo ese estilo entre rock and roll y cowpunk que los caracteriza. La energía sobre el escenario fue constante y el público respondió con entusiasmo, acercándose un poco más al escenario durante el show.
Además, el concierto coincidía con el cumpleaños de Blaine Cartwright, guitarrista y cantante de la banda, también conocido por su trabajo con Nashville Pussy, banda estadounidense de hard rock formada en Atlanta, lo que le dio al show un pequeño aire festivo.
Más tarde llegó el turno de Nazareth, histórica banda de hard rock originaria de Dunfermline, Escocia, que continúa girando a pesar de los cambios en su formación a lo largo de los años.
Actualmente el único miembro original del grupo es el bajista Pete Agnew, quien sigue liderando la banda sobre el escenario desde 1968.
El show comenzó con un ritmo bastante tranquilo y una energía más contenida que la del acto anterior. Durante los primeros temas, el guitarrista Jimmy Murrison, quien forma parte de la banda desde 1994, parecía estar revisando o ajustando algo en su pedalera. Sin embargo, desde el público no se percibían problemas importantes en el sonido.
En general el concierto fue correcto, aunque sin demasiados momentos especialmente memorables. La banda repasó varios de sus temas más conocidos, incluyendo la clásica “Love Hurts” y, por supuesto, “Hair of the Dog”, tema incluido en el clásico álbum Hair of the Dog de 1975, que fue uno de los momentos más celebrados de la noche.
Hubo algunos acoples durante el show, pero nada demasiado grave. El público, aunque no muy numeroso, acompañó con entusiasmo y se notaba que muchos asistentes estaban allí principalmente para ver a la banda.
El cierre de la jornada estuvo a cargo de The Libertines, banda británica de rock formada en Londres, que desde el comienzo ofreció un sonido muy limpio y claro. Las guitarras se escuchaban definidas y la mezcla general era bastante equilibrada, lo que permitió apreciar bien cada instrumento.
Durante los primeros temas surgieron algunos inconvenientes técnicos con la batería, aunque no afectaron demasiado el desarrollo del concierto. A partir del tercer tema, “Night of the Hunter”, se sumó un guitarrista acústico que aportó otra textura al sonido de la banda.
A lo largo del show repasaron varias canciones importantes de su discografía, incluyendo “The Delaney”, “What Became of the Likely Lads”, “Boys in the Band” y “What Katie Did”, uno de los momentos en los que mejor respondió el público.
A pesar de la calidad del show, el predio nunca llegó a llenarse. Durante gran parte de la jornada se podía ver bastante espacio frente al escenario, aunque sí había algunos fans bastante entregados cantando cada canción cerca de la primera fila.
El público presente era mayoritariamente adulto, con varios asistentes que incluso habían ido acompañados por sus hijos pequeños, lo que le daba al evento un ambiente bastante familiar.
La banda continuó con un set extenso que incluyó temas como “The Good Old Days”, “Music When the Lights Go Out”, “Up the Bracket” y “Can’t Stand Me Now”. Luego del encore final cerraron con canciones como “Gunga Din”, “Time for Heroes” y “Don’t Look Back Into the Sun”, dejando una última ovación entre quienes permanecían frente al escenario.
En general, Cannonball Festival ofreció una jornada interesante con propuestas variadas dentro del rock. Aunque la asistencia fue menor de lo que se podría esperar para un evento de este tipo, las bandas lograron mantener un buen nivel durante toda la jornada y el público presente disfrutó cada momento.
En el universo del stoner doom hay una regla no escrita: el riff manda. Y si hay una banda que llevó esa idea al extremo, esa es Belzebong. Desde que se formaron en 2008 en Kielce, Polonia, el cuarteto decidió eliminar por completo las voces y dejar que la música hablara sola. Nada de cantantes, nada de letras que te guíen el viaje. Solo riffs densos, groove narcótico y una atmósfera que parece salir directamente de una nube de humo verde.
Después de casi ocho años sin material de estudio nuevo, los polacos vuelven con The End Is High, su cuarto disco, ahora bajo el sello Heavy Psych Sounds. Y lo primero que queda claro al escucharlo es que Belzebong no vino a reinventarse: vino a recordarle al mundo por qué su fórmula sigue funcionando.
La propuesta de la banda siempre fue simple en teoría, pero difícil de ejecutar: stoner doom instrumental con una identidad muy marcada. En lugar de saturar todo con guitarras descontroladas, el grupo apuesta por un equilibrio muy cuidado entre los instrumentos. El fuzz está, claro, y en cantidades generosas, pero nunca aplasta al resto de la banda. Las guitarras flotan en esa zona perfecta donde dominan el paisaje sin comerse la dinámica del bajo ni la pegada de la batería.
Ese balance es clave, porque en ausencia de voces el peso narrativo cae completamente sobre la música. Y Belzebong entiende muy bien cómo construir ese relato. Cada tema funciona como un viaje propio, con momentos de tensión, secciones más espaciales y riffs que se repiten lo suficiente como para hipnotizarte sin volverse monótonos.
El disco abre con “Bong & Chain”, una bestia de casi once minutos que deja claro desde el arranque que el grupo sigue fiel a su culto al riff. Es pesado, arrastrado y con una sensación de amenaza que se va acumulando lentamente. No hay prisa. Belzebong siempre trabajó con esa lógica: dejar que el groove crezca solo, como una marea lenta que termina arrastrándote.
Después aparece “420 Horsemen”, que levanta un poco la velocidad y le inyecta energía al disco. Dentro de lo que permite el doom, claro. Acá se siente un juego interesante entre las guitarras, con riffs que se responden y se superponen mientras la base rítmica mantiene todo firme. Es el tema más corto del álbum, pero también uno de los más dinámicos.
La mitad del disco la ocupa “Hempnotized”, que arranca con una introducción hablada mientras la pesadez se cocina en segundo plano. Cuando entra el riff principal, el tema se transforma en una especie de trance psicodélico. El bajo y la batería trabajan con una precisión casi ritual, sosteniendo una atmósfera que mezcla doom clásico con un aire psicodélico bastante marcado.
El cierre llega con “Reefer Mortis”, otro monstruo de casi diez minutos que termina de sellar la experiencia. Acá la banda baja todavía más el tempo en algunos pasajes, y ese ralentí extremo genera un clima oscuro y casi ceremonial. Los riffs caen como losas, uno detrás de otro, mientras pequeños detalles —como fragmentos hablados o cambios sutiles en la dinámica— mantienen el interés hasta el final.
Una de las virtudes del disco está en cómo maneja el tiempo. Son solo cuatro canciones, pero cada una supera los ocho minutos. En lugar de sentirse excesivo, el álbum fluye con naturalidad. Belzebong entiende perfectamente que en el stoner doom el secreto no es tocar más rápido ni más fuerte, sino crear el ambiente adecuado.
Y ahí es donde realmente brillan. Su música funciona casi como una banda sonora para un viaje mental. No te dicen qué sentir ni hacia dónde ir; simplemente te tiran dentro de ese mar de fuzz y te dejan explorar.
También hay algo muy “old school” en su manera de hacer las cosas. En un género que a veces se vuelve repetitivo o demasiado cargado de clichés, Belzebong sigue apostando por la esencia: riffs sólidos, groove pesado y composiciones que priorizan la experiencia antes que el virtuosismo.
En total, The End Is High dura unos 35 minutos, y cuando termina queda esa sensación de haber pasado por un viaje corto pero intenso. Incluso podría haber durado un poco más sin problema. Pero quizás ahí está la gracia: te deja con ganas de volver a ponerlo desde el principio.
Después de tantos años de silencio discográfico, Belzebong demuestra que sigue siendo una de las propuestas más particulares dentro del stoner doom instrumental. No necesitan palabras para construir su mundo. Les alcanza con un buen riff, una base sólida y esa niebla psicodélica que siempre los rodea.
Al final, The End Is High es exactamente lo que promete: un viaje pesado, hipnótico y profundamente fumado. De esos discos que se disfrutan mejor con el volumen alto, los ojos cerrados y la cabeza moviéndose sola al ritmo del riff.
Y sí… Belzebong sigue sabiendo muy bien cómo llevarte de viaje.
El nuevo trabajo de Acherontia, Pink S#!t Phantom Thunder, muestra a la banda de L’Hospitalet en un momento de crecimiento claro respecto a su anterior etapa. La base de su sonido sigue siendo reconocible (sludge y stoner con riffs pesados, groove denso y gusto por el volumen extremo), pero aquí se percibe un grupo más abierto a experimentar dentro de ese marco. Las canciones no se limitan a encadenar riffs: aparecen cambios de dinámica, desarrollos más largos y finales que rompen la estructura habitual. El resultado mantiene la pegada de siempre, pero con una sensación de mayor ambición a la hora de construir los temas.
“#1 Spell” abre el disco con una mezcla de imaginería grotesca y fantástica que funciona casi como un ritual de bienvenida al universo del álbum. Ingredientes imposibles, criaturas extrañas y un ambiente oscuro sirven para presentar un mundo donde la oscuridad no se evita, sino que se abraza. Musicalmente es uno de los arranques más claros del disco: riff directo, ritmo marcado y una voz que alterna entre el tono rasgado y momentos más tensos. A nivel sonoro, el trabajo de producción de José González en La Atlántida Studios se nota desde el principio: guitarras densas pero definidas, bajo muy presente y una batería que suena sólida y seca cuando el tema lo exige.
En la parte central del álbum aparecen varios de los momentos más interesantes. “Plague” construye una atmósfera pesada que va creciendo poco a poco hasta desembocar en un tramo más agresivo, mientras “Witches” reduce ligeramente la intensidad para centrarse en un ambiente más inquietante (pero con un riff muy atrapante). En lo lírico, aquí el disco se mueve hacia imágenes más abstractas: masas oscuras que devoran todo a su paso, figuras seductoras que esconden algo peligroso o relaciones que terminan revelando un lado mucho más afilado de lo que parecía al principio, como ocurre en “Like Saws”.
La mezcla final y el mastering de Javier Roldón en Vacuum Mastering terminan de dar forma al conjunto. El disco suena grande y contundente, pero sin caer en una saturación constante que aplaste todos los matices. Las guitarras se abren en la mezcla, el bajo empuja los riffs con fuerza y la voz mantiene presencia incluso en los momentos más densos. Ese equilibrio permite que canciones como “Drill” o “No Way” destaquen no solo por su peso, sino también por los cambios internos que atraviesan a lo largo de sus minutos.
Entre los temas que pueden pasar más desapercibidos en una primera escucha está “Obsidiana”, una pieza más contenida que gira alrededor de un secreto compartido y de lo que queda cuando algo importante se rompe. La canción apuesta por un ritmo más lento y una atmósfera cargada que encaja con ese tono más introspectivo. El cierre llega con “Fornever”, donde el grupo estira la estructura y repite un estribillo obsesivo mientras la intensidad sube y baja hasta el final.
Los amantes del Death Metal Melódico sueco estamos de enhorabuena porque In Flames, una banda muy querida en España, ha vuelto a innovar con su propuesta de un nuevo festival de metal de un día, nada menos que en su propia casa: Gotemburgo.
El festival tendrá lugar precisamente en Frihamnen, espacio al aire libre que acogió en su día el legendario Metaltown Festival, lleno de recuerdos para la banda.
Y es que tras el éxito de los pasados Borgholm Brinner and Dalhalla Brinner, nada más natural que volver al hogar.
Y lo harán acompañados de un elenco por todo lo alto: Avatar, Dark Tranquillity, y Raised Fist en el escenario principal. Thrown, Napalm Death, Gaerea, y Múr en el secundario. No se puede pedir más.
La cita es el 22 de agosto de 2026 por lo que la climatología nos va a acompañar. Al menos yo no me lo pienso perder. ¡Hagamos las maletas!
Una impactante portada y un arte interior más llamativo si cabe nos dan la bienvenida a Ruinas de la peste, un festín de metal extremo en castellano de mano de Ergum.
Se trata de un álbum autoproducido pero sin nada de qué avergonzarse, a nivel de mucha de la música de primera línea en su género que sale con discográfica en nuestro país.
Aunque el álbum sale de fábrica en noviembre de 2025, no es hasta el 21 de febrero de 2026 que tiene lugar su presentación oficial en la sala Starving de Madrid junto a los muy afines Embloodyment. Un directo salvaje en una sala sorprendentemente llena para lo underground de la apuesta y para la competencia que ese sábado existía en la capital. Hicieron mucho ruido y sin duda van a seguir haciéndolo.
¿Qué destacar de este álbum? desde luego su potencia: un death metal demoledor, caracterizado por piezas cortas e impactantes, con influencias tanto del black metal, thrash y grindcore. Un rompecuellos en toda regla.
Pero también sus letras, cantadas en castellano por la característica voz gutural de Edward Barragán, con una lírica propia de un Jorge Luís Borges cabreado y que tocan desde la crítica social a la ciencia ficción más cruda.
Los amantes de la literatura, podemos reconocer algunos títulos de interés, como “Los perros de Tíndalos”, de inspiración lovecraftiana, o “No tengo boca” inspirado en el clásico de Harlan Ellison.
La Diosa Putrefacción y el Dios del Laberinto también se dan cita en este álbum, que no está exento de crítica religiosa (“Vade retro sacerdote”, entre otras) y política (“Soy tu presidente: maldito mandatario”).
El disco se cierra con, “Suciedad de autores”, un corte breve y demoledor contra nuestra muy patria SGAE. Su opinión no puede quedar más clara.
Ruido, rabia, saliva, vísceras y palabras malditas. Espantoso: justo como nos gusta.
Madball & Suicidal Tendencies en Buenos Aires: “La hermandad de la calle”
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Foto de Portada: CuervoDeth (Gentileza Metal-Argento)
El domingo 8 de marzo, el barrio de Flores fue epicentro de una noche que difícilmente se borre de la memoria de quienes estuvimos ahí. Madball y Suicidal Tendencies compartieron escenario en Argentina, con Hueso como soporte local
El Teatro Flores empezó a poblarse temprano. Entre remeras negras, gorras y zapatillas gastadas se mezclaban fanáticos de distintas épocas del hardcore. La vieja guardia que sigue a estas bandas desde los noventa convivía con nuevas camadas que descubrieron este sonido años después. Ese cruce generacional es parte de la identidad del género y volvió a hacerse evidente en cuanto se abrieron las puertas del recinto.
Hueso lleva años laburando en las trincheras del under, y cada vez que sube a un escenario lo hace con más cintura. El cuarteto tomó la tarde con una propuesta que junta al thrash, hardcore y death en proporciones exactas y sin edulcorante.
Arrancaron pasaditas las 19:30 y durante cuarenta minutos no aflojaron. “Solo se trata de sobrevivir” fue uno de los grandes temas, luego “Buitres” siguió con esa letras que van “al hueso” y muy bien ejecutada. El cierre llegó alrededor de las 20:15 con “Fantasma” dejando el escenario libre y la temperatura del lugar más alta que cuando abrieron. El pit ya estaba despierto. La gente ya estaba suelta y Hueso había cumplido su trabajo.
Todos sabemos que Madball no necesita presentación en este país, lo que sí sorprende, cada vez que vienen, es la naturalidad con la que Freddy Cricien toma el barrio como propio. El cantante tiene ascendencia latina, maneja el español con fluidez y una actitud sobre el escenario que hace que el público sienta que no vino a ver un show, sino que fue invitado a una celebración familiar.
Arrancaron con “Nuestra Familia” en español, y eso lo dijo todo desde el minuto uno. La banda neoyorquina, nacida a fines de los ochenta casi como un brazo extendido del universo de Agnostic Front, llegó a Flores con el mismo ADN de siempre: breakdowns que pegan en el pecho y un frontman que no para ni un segundo. Cricien corría de punta a punta, cantaba con el primero de la fila, arengaba al que estaba en el fondo.
“Can’t Stop, Won’t Stop” y “Hold It Down” mantuvieron el ritmo. Durante “Set It Off” el pit se abrió de verdad, ese pit generoso y honesto que sabe el hardcore porteño construir. En un momento, Freddy se tomó unos segundos para agradecer, para recordar que el show de los 30 años de Set It Off que hicieron en 2024 fue uno de los mejores de su carrera. Que Argentina los recibe como en ningún otro lado. Nadie se lo discutió.
Después, Freddy preguntó si la gente quería escuchar algo nuevo, y lo que siguió fue “Tethered”, el primer adelanto del décimo álbum de la banda, que saldrá en mayo a través de Nuclear Blast, un buen tema que habrá que esperar el disco, mientra tanto seguir de cerca cada adelanto que salga.
El tramo final fue pura artillería pesada. “Down By Law”, “It’s My Life” —la versión NYHC del clásico de The Animals, que hizo bailar two-step a media sala—, “For My Enemies”, “Look My Way”, “Pride (Times Are Changing)” y el cierre con “100%” y “Doc Marten Stomp” que convirtieron el Teatro Flores en algo cercano al caos organizado. En el mejor sentido posible.
Si Madball dejó el ambiente caliente, Suicidal Tendencies terminó de prenderle fuego. Antes incluso de que aparecieran en escena, la expectativa era enorme, y la banda la recibió sin que les temblara nada.
La formación actual es de las mejores que ha tenido esta banda en décadas: Tye Trujillo en el bajo, hijo de Robert Trujillo y portador de un apellido con historia directa dentro de Suicidal; el historico Dean Pleasants y Ben Weinman en las guitarras y Xavier Ware en batería, un hombre que viene del jazz y que demuestra que la técnica al servicio del hardcore puede ser letal. Mike Muir, centro absoluto de todo, lleva 45 años siendo el mismo.
La intro de “You Can’t Bring Me Down” hizo que el teatro entero se pusiera de punta y piel de gallina a este redactor. Muir apareció, se tomó ese segundo eterno de tensión y lo que siguió fue la primera explosión de la noche. El tipo tiene 63 años y se mueve como si el tiempo le debiera algo. De los parlantes al vallado, del vallado al centro del escenario, siempre en movimiento, siempre al frente.
“Join the Army” mantuvo la inercia. “Lovely” mostró el costado más melódico, Muir guiando al público antes de que la banda pegara el golpe. Luego vino uno de esos discursos que Mike maneja como nadie: simple, directo, el público lo escuchó en silencio. Y después de ese silencio, “Freedumb” abrió otro pogo.
Tye tuvo su momento de hablar en español, mientras Mike recordaba que el pibe ya había pisado Argentina en la anterior visita de al banda. La ovación fue generosa. “War Inside My Head”, “Subliminal”, “Send Me Your Money” del disco Lights… Camera… Revolution!, “Possessed to Skate” —con algunos fans subidos al escenario, patinadores declarados o no— y la divertida “I Saw Your Mommy” siguieron acumulando temperatura.
El momento de mayor descontrol llegó con “Cyco Vision”. El pogo más grande de la noche, la frase “I Got Cyco Vision!” retumbando en las paredes. Weinman ya se había trepado a los amplificadores y desde ahí no bajó más. La recta final incluyó “How Will I Laugh Tomorrow?” y el cierre con “Pledge Your Allegiance”, nuevamente con fans arriba del escenario, el teatro coreando “ST! ST! ST!” por última vez en la noche.
Lamentablemente y como pasó hace un par de años, “Institutionalized” no sonó, no sonó en Uruguay, no sonó en Chile, no sonó acá. La deuda otra vez quedó pendiente, y varios nos fuimos con esa espinita. Pero lo que se vivió en ese teatro difícilmente justifique el reclamo.
Hubo noches más prolijas técnicamente. El sonido de ambas bandas internacionales tuvo sus picos y sus valles. Pero el hardcore no vive en la perfección técnica. Vive en la comunión entre la banda y el público, en la sensación de que lo que pasa arriba del escenario también pasa entre la gente que lo mira. Y de eso, el domingo 8 de marzo en el Teatro Flores, hubo en abundancia.
Agradezco como siempre la confianza a Juanma y a la gente de California Sun/Hellnoise, que me abrió las puertas para ser parte otra de estas noches de fiesta. La acreditación de prensa no se da por sentada. Se la gana a fuerza de laburo.
Epica y Amaranthe en Copenhague: “Dos mundos del metal en una misma noche”
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En Poolen, Copenhague, se vivió una jornada que prometía ser especial desde el momento en que se anunció el co-headliner entre Epica y Amaranthe, dos bandas europeas que, aunque comparten escenario dentro del metal moderno, representan mundos sonoros bastante diferentes. Sumado a eso, la apertura quedaba en manos de Charlotte Wessels, una artista que muchos conocen por haber sido durante años la voz de Delain y que actualmente está transitando una etapa solista mucho más personal y experimental con su banda The Obsessessed. Con ese contexto, la expectativa era alta y la sala ya mostraba bastante movimiento desde temprano.
La encargada de abrir el show fue justamente Charlotte Wessels, y la verdad es que el arranque no pudo haber sido mejor. La cantante neerlandesa, que durante más de una década ayudó a definir el sonido del metal sinfónico moderno con Delain, viene construyendo en su carrera solista un universo bastante diferente, con más electrónica, más atmósferas y un enfoque mucho más oscuro y cinematográfico. Acompañada por su banda The Obsession, ofreció un set corto pero muy sólido, de unas siete canciones, donde lo primero que destacó fue el sonido: claro, potente y muy bien equilibrado para una banda que estaba abriendo el recital.
La voz de Charlotte sonó impecable, demostrando una vez más por qué es considerada una de las cantantes más elegantes dentro del género, y la banda la acompañó con mucha precisión, generando un clima muy envolvente desde el escenario. Hacia el final del set aparecieron algunos desperfectos técnicos que obligaron a detener momentáneamente el show, pero lejos de incomodarse, lo manejaron con muy buen humor y profesionalismo. Después de unos minutos regresaron para cerrar con “The Exorcism”, una pieza que terminó funcionando como una verdadera explosión final y dejó la sensación de que la apertura había estado a un nivel muy alto. Para ser la banda telonera, la producción y el sonido estuvieron más que a la altura, y mientras el set terminaba la sala seguía llenándose cada vez más.
Luego de unos veinte minutos extra para preparar el escenario llegó el turno de Epica, y ahí fue cuando el concierto empezó a tomar dimensiones realmente grandes. La banda neerlandesa fundada en 2002 por el guitarrista y compositor Mark Jansen, después de su salida de After Forever, se ha convertido con el tiempo en uno de los nombres más importantes del metal sinfónico mundial. Con discos conceptuales ambiciosos, una mezcla muy particular de orquestaciones, coros, guitarras pesadas y elementos progresivos, Epica lleva más de dos décadas expandiendo los límites del género. Y, por supuesto, al frente de todo está Simone Simons, una de las voces más reconocibles del metal europeo.
Desde el primer momento quedó claro que el despliegue escénico que habían montado parecía directamente el de un headliner absoluto. Visualmente todo estaba preparado como si ellos fueran quienes cerraban el recital, algo que más adelante terminaría generando una sensación bastante clara entre el público.
El repertorio estuvo armado en gran parte alrededor de sus grandes clásicos, aunque también hubo un foco en material más reciente, con canciones como “Eye of the Storm” y “Cross the Divide”, que demostraron que la banda sigue evolucionando sin perder su esencia. Pero obviamente también hubo lugar para momentos que conectaron directamente con los fans de toda la vida. “Never Enough”, del monumental The Divine Conspiracy, sonó con una fuerza tremenda, y tampoco faltaron piezas muy queridas de Design Your Universe como “Unleashed” y “Tides of Time”, que mantuvieron a la sala completamente enganchada.
Uno de los momentos más especiales del show llegó cuando interpretaron “Sirens – Of Blood and Water”, donde apareció nuevamente Charlotte Wessels sobre el escenario como invitada. Y como si eso fuera poco, también se sumó Myrkur, la artista danesa conocida por su particular mezcla de black metal atmosférico con folk nórdico y elementos corales, algo que le dio a ese momento una dimensión casi ritual.
Para ese punto el lugar estaba completamente lleno y la energía seguía creciendo. Cuando llegó el turno del clásico eterno “Cry for the Moon”, Mark Jansen se dirigió directamente al público con un pedido claro: quería movimiento, quería circle pits, quería ver la sala realmente activada. Y cualquiera que haya ido a recitales en Dinamarca sabe que muchas veces el público puede ser un poco más reservado. Pero esta vez no. Primero unos pocos comenzaron a reunirse en el centro del lugar, después se sumaron más, y de repente el pit estaba armado y la sala se transformó en una verdadera fiesta. Fue uno de esos momentos donde banda y público se conectan completamente.
El final del set llegó con tres canciones más, incluyendo el clásico “The Last Crusade” del álbum Consign to Oblivion, un tema perfecto para empezar a cerrar una actuación que había sido de altísimo nivel. Finalmente el cierre vino con “Beyond the Matrix”, donde la gente no dejó de saltar ni un segundo mientras Simone y compañía despedían el show. En total fueron alrededor de una hora y diez minutos de recital, pero la sensación fue de haber visto un espectáculo enorme. Y sinceramente, viendo la reacción del público y lo lleno que estaba el lugar durante su actuación, quedó bastante claro que perfectamente podrían haber sido ellos quienes cerraran la jornada.
Después de unos treinta minutos de descanso llegó el turno de Amaranthe, la banda sueca formada en 2008 por el guitarrista y compositor Olof Mörck, conocida por haber creado una fórmula muy particular dentro del metal moderno. Su sonido combina metal melódico, elementos de power metal, producción electrónica y estructuras cercanas al pop, pero lo que realmente los distingue es su sistema vocal único con tres cantantes al mismo tiempo.
Por un lado Elize Ryd, con su voz limpia y melódica; Nils Molin, encargado de las voces limpias masculinas; y Mikael Sehlin, responsable de los registros guturales. Esa combinación genera un contraste constante entre melodía, agresividad y coros extremadamente pegadizos que definen el estilo de la banda.
El show arrancó con una voz robótica que se dirigía al público como si fuera una especie de inteligencia artificial introduciendo el espectáculo, y apenas terminó la introducción la banda entró con toda la potencia acompañada por un despliegue visual impresionante. El escenario estaba completamente teñido de azul y atravesado por potentes rayos láser que recorrían toda la sala, generando una atmósfera futurista muy acorde al sonido de la banda.
Desde el primer tema el show fue muy dinámico, con los tres vocalistas alternándose constantemente entre melodías, armonías y ataques guturales mientras la banda mantenía una intensidad muy alta. Canciones como “The Catalyst”, “The Nexus” y “Amaranthine” fueron algunos de los momentos donde el público reaccionó con más fuerza, cantando los estribillos y acompañando cada subida de energía.
Musicalmente Amaranthe se mueve en un terreno donde las guitarras pesadas conviven sin problema con bases electrónicas y hooks pop gigantes, algo que en vivo termina generando una experiencia muy directa y muy efectiva.
El show se extendió durante aproximadamente una hora y cuarenta minutos, con una energía constante que nunca bajó. Algo que sí se notó fue que después del show de Epica parte del público se había retirado, dejando la sala un poco menos llena que antes. Pero quienes se quedaron siguieron muy activos y participativos durante todo el recital.
Después de un falso final la banda regresó al escenario para un encore de tres canciones más, culminando el recital con uno de sus temas más conocidos, “Drop Dead Cynical”, que terminó funcionando como el cierre perfecto para una jornada cargada de potencia.
Al final, más allá de cualquier debate sobre quién debería haber cerrado el show, lo cierto es que el público de Copenhague vivió un recital de altísimo nivel. Desde la elegante y poderosa apertura de Charlotte Wessels, pasando por la monumental actuación de Epica, hasta la explosión moderna y futurista de Amaranthe, el evento tuvo de todo.
Y como suele pasar cada vez que uno entra a Poolen, el sonido volvió a ser impecable. Es uno de esos lugares donde sabés que, más allá de la banda que toque, vas a escuchar el show como realmente tiene que sonar. Una jornada intensa, variada y muy bien producida que dejó claro, una vez más, que la escena metalera europea sigue más viva que nunca.
El rock pesado está de luto. Phil Campbell, guitarrista histórico de Motörhead, ha fallecido a los 64 años de edad. La noticia sacudió a la comunidad metalera este sábado 14 de marzo, cuando sus hijos Todd, Dane y Tyla —quienes compartían escenario con él en Phil Campbell and the Bastard Sons— confirmaron la pérdida a través de las redes sociales de la banda.
El comunicado oficial fue desgarrador en su simpleza: “Es con gran tristeza que anunciamos el fallecimiento de nuestro amado padre, Philip Anthony Campbell, quien partió en paz anoche tras una larga y valiente batalla en terapia intensiva, luego de una operación mayor y compleja. Phil fue un esposo dedicado, un padre maravilloso y un abuelo orgulloso y amoroso, conocido cariñosamente como ‘Bampi’. Fue profundamente amado por todos quienes lo conocieron y será enormemente extrañado. Su legado, su música y los recuerdos que creó con tantas personas vivirán para siempre.”
La familia solicitó que se respete su privacidad durante este momento de profundo dolor.
Las señales de alerta llegaron en febrero de este año, cuando Phil Campbell and the Bastard Sons canceló todos sus shows previstos en Australia y Europa entre marzo y mayo, citando consejo médico sin dar mayores detalles. La preocupación se instaló de inmediato entre sus seguidores, aunque nadie imaginaba que el desenlace llegaría tan pronto.
Hoy, el rock pesado despide a uno de los suyos. Un músico que construyó su legado nota a nota, riff a riff, con humildad y entrega total. Phil Campbell no fue solo el guitarrista de Motörhead: fue parte del alma de una banda que definió lo que significa tocar fuerte, rápido y sin pedir disculpas.
Desde Reykjavík, Islandia, nos visita Kælan Mikla, una banda referente para el cold wave y la cultura gótica más actual.
El trío, activo desde 2013, está formado por tres mujeres: la vocalista principal, Laufey Soffía, la bajista Margrét Rósa Dóru-Harrýsdóttir y la teclista Sólveig Matthildur Kristjánsdóttir.
Su música ha sido descrita como post-punk, cold wave, dark wave y gótica. Conocidas por sus paisajes sonoros de otro mundo y su interpretación cargada de emoción, la banda suele inspirarse en temas de la naturaleza, la mitología y la experiencia personal, para presentar sonidos evocadores que combinan atmósferas etéreas y melodías de sintetizador inquietantes; siempre utilizando su propio idioma islandés.
Su último proyecto, Stjörnuljós (2024) es toda una joya para experimentar en directo, pero es que además las islandesas han anunciado que en este año 2026 iban a lanzar nuevas canciones que supondrían la entrada en todo un nuevo universo
Tendremos la oportunidad de participar en esta nueva etapa de Kælan Mikla en tres fechas consecutivas en la península ibérica:
Bleed From Within en Edimburgo: “devastación sonora en una sala al límite”.
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Los poderosos chicos de Glasgow, Bleed From Within, regresan con una segunda ronda de conciertos más pequeños e íntimos en varias ciudades que habían quedado fuera de su última gira por Reino Unido para presentar el espectacular álbum Zenith. En esta ocasión estuvieron acompañados por la banda danesa de death metal Baest y por los estadounidenses Disembodied Tyrant, que debutaban en el Reino Unido. Entre los tres ofrecieron fácilmente uno de mis conciertos favoritos de lo que va del año.
El show tuvo lugar en la diminuta sala Liquid Rooms, en pleno centro de Edinburgh, y permitió a Bleed From Within recuperar algunas canciones antiguas y poco habituales en sus repertorios, además de interpretar en directo por primera vez varios temas en la noche inaugural de la gira Dying Sun.
Los encargados de abrir la noche fueron Baest, quienes tuvieron la siempre complicada tarea de calentar al público. El grupo se acomodó en un escenario bastante ajustado, en parte por la presencia de tres kits de batería completos. Arrancaron y el público respondió de inmediato con entusiasmo: los primeros mosh pits comenzaron a abrirse y la energía subió rápidamente. El carisma de todos los miembros fue evidente, especialmente el vocalista Simon Olsen, que parecía estar disfrutando cada segundo sobre el escenario.
El momento más destacado de su actuación llegó durante el cuarto tema, “Necro Sapiens”. Olsen saltó del escenario y se colocó en medio del público, exigiendo que se formara un circle pit a su alrededor mientras lanzaba sus impresionantes guturales. Lamentablemente, su set fue bastante corto y dejó con ganas de más, ya que resultaron una sorpresa muy agradable.
Los siguientes en salir fueron Disembodied Tyrant, que realizaban su debut en Escocia. Este cuarteto norteamericano de deathcore ha ganado popularidad rápidamente gracias a su mezcla única y técnicamente impresionante de pasajes de música clásica con deathcore brutal contemporáneo. Abrieron con “Death Empress”, cuyos imponentes tonos de guitarra dieron paso a algunas de las voces de deathcore más salvajes que he escuchado en directo. La potencia y el volumen eran simplemente impresionantes.
Habiendo escuchado parte de su todavía pequeña pero contundente discografía, me preguntaba cómo funcionaría en vivo. Puedo decir que el resultado es excepcional. El tema “The Poetic Edda”, que da título a su último EP, fue uno de los momentos más esperados y cumplió con creces, con los primeros crowd surfers apareciendo sobre la barrera. El vocalista Blake Mullens exclamó tras la canción: “I fucking love this country”, explicando que era la primera vez que la banda tocaba en Reino Unido, lo que hacía la ocasión aún más especial. Durante “Winter”, probablemente su canción más viral, pidieron un wall of death y el público respondió con entusiasmo. Para ser su primera actuación en el país, Disembodied Tyrant demostraron saber perfectamente cómo encender al público británico.
Finalmente llegó el turno de la banda que todos esperaban. Bleed From Within venía de un enorme éxito tras agotar dos noches consecutivas en el Barrowland Ballroom de Glasgow durante su última gira, y ahora repitieron la hazaña en Edimburgo, agotando ambas fechas en cuestión de minutos.
Después de Disembodied Tyrant, el público ya estaba más que caliente —aunque también ayudaba que la sala se hubiese convertido en una auténtica trampa de calor—. Al comenzar con “Zenith”, los pits volvieron a abrirse con fuerza mientras la banda entraba al escenario con energía y seguridad. Scott Kennedy miró al público y proclamó: “THIS IS WHY I’M PROUD TO BE SCOTTISH”.
Este fue el primer concierto de la banda en Edimburgo desde 2019, y la reacción del público dejó claro que la espera había sido larga: la audiencia estaba completamente desatada. Tras interpretar favoritos como “Violent Nature”, llegó un momento inesperado. Scott preguntó si había una Sara y un Steven en la sala. Cuando la pareja se acercó al frente, anunció algo inédito en la historia de la banda: una revelación de género. Compartió unas palabras sobre su experiencia reciente como padre y abrió un sobre con el resultado. El público redobló con un redoble improvisado… y el anuncio fue que esperaban un niño, lo que desató aplausos y vítores en toda la sala.
Tras ese momento emotivo, el concierto continuó con toda la intensidad característica de Bleed From Within. La banda interpretó por primera vez en directo “Invisible Enemy”, uno de los temas nuevos de la gira. Inspirándose en la dinámica de conciertos de Slipknot, Scott pidió al público que se agachara durante la introducción de “God Complex”, para luego saltar todos juntos cuando entrara la parte pesada. Poco después, Simon Olsen de Baest subió al escenario para cantar junto a Scott parte de “Dying Sun”, en uno de los momentos más potentes de la noche.
En una breve pausa, Scott bromeó con el nombre de la sala, diciendo que “Liquid Rooms” era muy apropiado, ya que el sudor que caía del escenario pronto se convertiría en un peligro de resbalón. También interpretaron otro debut en directo: “A Depth That No One Dares”, que hizo que el pit se ampliara aún más. El final del concierto fue perfecto. La banda insinuó primero la introducción de “In Place of Your Halo” antes de lanzarse de lleno al tema. Mientras sonaba el solo de gaita, Scott Kennedy se subió al público, envuelto en una bandera escocesa, y cantó las últimas líneas de la noche.
Bleed From Within es, sin duda, una de las bandas más emocionantes del metal británico actual. Tienen muchísimo que ofrecer al género, y este concierto será uno de esos que recordaré durante mucho tiempo.
Con Poisoned Art, Space Of Variations reafirma su lugar dentro de la nueva ola del metalcore europeo. La banda ucraniana llega a 2026 con un disco intenso y directo que apuesta por una combinación muy efectiva de riffs pesados, breakdowns demoledores y estribillos pensados para quedarse en la cabeza. El álbum se mueve con naturalidad entre la agresividad más cruda y momentos melódicos bien construidos, demostrando que el grupo domina tanto la contundencia como la accesibilidad dentro de su sonido.
El arranque con “Tribe” marca inmediatamente el tono del trabajo. La canción comienza con un breve canto que funciona como introducción antes de que entren las guitarras y los sintetizadores con fuerza. La voz de Dima Kozhuhur irrumpe con gritos feroces que transmiten una rabia palpable, equilibrados por secciones de voz limpia muy bien producidas. El tema alterna intensidad y pausa hasta desembocar en un breakdown final explosivo acompañado de una batería frenética.
Uno de los momentos más destacados llega con “Parallel Realities”. El tema inicia de forma más contenida, con guitarras suaves y una línea vocal limpia que crea una atmósfera casi onírica antes de que la canción crezca en intensidad. Cuando la batería entra en escena, el contraste entre melodía y agresividad se vuelve evidente. La combinación de sensibilidad pop con ataques vocales brutales convierte esta pieza en uno de los cortes más memorables del disco.
La energía vuelve a subir con “Doppelgänger”, una canción que destaca por su ritmo marcado y su muro de sonido constante. Aquí Space Of Variations explora una faceta más experimental al introducir sintetizadores y pequeñas secciones electrónicas que recuerdan a la estética del metalcore de principios de los años 2000. Incluso aparece un breve pasaje con un groove cercano al hip hop antes de que la furia vocal regrese con toda su intensidad.
En “Godlike”, el grupo entrega uno de los momentos más pesados del álbum. Riffs densos, batería contundente y una sensación de ataque constante dominan buena parte del tema, aunque el estribillo introduce una apertura melódica que eleva la canción. La estructura está cuidadosamente construida y cada elemento —instrumentación, voces y producción— se siente bien integrado dentro de una mezcla potente.
A lo largo de Poisoned Art, Space Of Variations demuestra una gran habilidad para combinar fuerza y dinamismo sin perder identidad. El disco está lleno de riffs contundentes, breakdowns efectivos y coros pegadizos, mientras que los detalles electrónicos aportan variedad al conjunto. Todo ello da forma a un álbum compacto que muestra a la banda en un momento creativo especialmente sólido dentro del metalcore actual.
Jinjer en Copenhague: “Entre tropiezos técnicos y pura potencia”
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La banda eslava volvió a Copenhague en lo que fue su gira europea más grande hasta la fecha, acompañados por dos bandas soporte: Textures, con una propuesta prog-groovy, y Unprocessed, con un progresivo súper técnico mezclado con math rock. Dos grupos de soporte que tienen sinergia con Jinjer.
Fue el domingo primero de marzo en el Amager Bio, completamente sold out, cuando a las 19:20 Textures rompió el silencio prematuramente con el instrumental “Void”, un tema con mística y build up. En lo que fue un setlist durísimo de 40 minutos, que explotaba tímpanos y sacudía cabelleras desde temprano. El sonido era ruido indistinguible sin protección en los oídos, en verdad muy fuerte para apreciar.
El grupo neerlandés demuestra que el metal progresivo no tiene límites y repasaron los éxitos de su discografía como “Awake” y “Reaching Home”. La banda, pese a estar apretada en el escenario, transmitía toda su energía como si se tratase de los primeros shows de la gira; a destacar el vocalista Daniël de Jongh.
Los siguientes en fila eran los alemanes de Unprocessed, que en un setlist de una hora se volcaron más a su trabajo más fresco, Angel. Fue a las 20:15 cuando arrancaron con “111”. Un show de lo más técnico, donde la banda enseñó virtuosismo y limpieza en un vaivén de math rock y metalcore.
Comparado con la apertura, el sonido fue una gran mejora, mucho más comprensible y nivelado. Algo clave cuando se trata de oír una banda tan dinámica y con pasajes complejos. Proponiendo algo que me recuerda más a bandas como Polyphia y Tesseract, y que me alegra haber descubierto en vivo.
Fue a las 21:35 cuando el prólogo de King of Everything empezó a sonar y nos advertía de la llegada del grupo ucraniano más grande y pesado. Continuando con esta gira de su último álbum, Duél, lanzado en 2025, que revela otro giro de tuerca más pesado a esta fórmula de progresivo alternativo. Un trabajo conceptual que pinta escenas que nos remontan al siglo XIX entre aristocracia y pistolas a pedernal.
Desde el vamos, la producción y el audio fueron espectaculares, pero Tatiana no va a estar de acuerdo conmigo: noté muchas caras y señas de parte de la vocalista quejándose cuando arrancaron “Duél”, aludiendo a que la guitarra y la batería estaban demasiado fuertes en su retorno. También, un par de temas más tarde hubo un falso start a “Fast Draw”. Aun así, Tati no defraudó y se encargó de darnos espectáculo con su bestial voz, presencia y coreografías que reflejan lo que cantan.
Los músicos se notaban algo agotados a esta altura de la gira, más que nada por gestos y algún pequeño desliz tocando. Como cuando en el pasaje de bajo y voz de “Green Serpent” Eugene erró una nota y un amargado tiró un vaso, cayendo cerca del bajista. Nada que pueda hacernos quebrar el disfrute del show, pero no todos opinan igual. Nótese que se habían agotado las entradas, pero el público en general estuvo más bien apaciguado; esperaba más de este lado.
Luego de un arranque con algunos baches, ya a partir de la cuarta pieza la banda estaba tirando con todos sus cañones y nos tenía al frente de la valla cantando y gozando. La protagonista de este acto fue Tatiana una vez más; su carisma, su registro, sus movimientos y conexión con la gente hicieron que todo sea memorable. En temas como “I Speak Astronomy” y “Judgement” dejó en claro que los guturales no son su único truco: los growls, raspados y voces limpias y melódicas son otros de los recursos que la caracterizan y la convierten en la frontwoman que amamos.
Un show tremendo, en lo que la misma banda describió como su gira con mayor producción y mejor setlist, reuniendo canciones de Micro y Macro en adelante, y sin dejar afuera los hits como “Pisces” y “Sit Stay Roll Over” para el cierre, donde sí se picó la gente.
Cuando finalmente las luces se encendieron y el rugido del Amager Bio se fue apagando, quedó la sensación de haber presenciado a una banda que sigue creciendo incluso en medio del desgaste natural de una gira larga. Con algunos tropiezos técnicos y un público que tardó en entrar en calor, Jinjer terminó imponiendo su peso específico sobre el escenario: precisión, brutalidad y una presencia escénica difícil de igualar. Y si algo volvió a quedar claro esa noche en Copenhague es que, con Tatiana Shmayluk al frente, el cuarteto ucraniano no solo interpreta su música: la encarna. Entre riffs demoledores, cambios imposibles y una voz capaz de pasar de la furia al lirismo en segundos, la banda se despidió dejando claro por qué hoy ocupa un lugar privilegiado dentro del metal moderno.
La banda alternativa Israelí, Walkways ha estrenado el videoclip para su nuevo single “All For You”, que demuestra el gran estado que presenta la banda en la actualidad.
Junto con el single, la banda ha confirmado su fichaje por Wild Thing Records y en palabras del vocalista Ran Yerushalmi, está dedicada a su hijo y todos aquellos que los acompañen en esta nueva etapa de la banda, así como a los que ya los seguían desde sus inicios.
Walkways está formado por:
Ran Yerushalmi – voces Bar Caspi – guitarra Yoni Menner – guitarra Avihai Levy – bajo Priel Horesh – batería
Y ya podéis ver y escuchar como suenan a continuación:
The Pretty Reckless anuncia su esperado regreso a España
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Tras nueve años sin visitar las salas españolas, aunque si que pudimos verles acompañando a las leyendas del rock and roll AC/DC, ahora The Pretty Reckless finalmente volverán a España como cabezas de cartel de la mano de Route Resurrection.
Esto coincide con el anuncio de la banda liderada por Taylor Momsen de que su nuevo disco Dear God llegará a las tiendas el próximo 26 de junio vía Universal Music Group y cuyo primer single podéis escuchar AQUÍ.
El tracklist del disco será el siguiente:
01. Life Evermore Pt. 2 02. For I Am Death 03. When I Wake Up 04. Love Me 05. Dragonfire 06. Dear God 07. Life Evermore Pt. 3 08. About You 09. Spell On You 10. Rollercoaster Of Life 11. Eye Of The Storm 12. Devil In Disguise (Michelle’s Song) 13. Dark Days 14. Life Evermore Pt. 1
Y ya se puede reservar en sus diferentes formatos AQUÍ.
Podremos disfrutar de los temas nuevos y de los clásicos de la banda norteamericana en las siguientes fechas:
9 de Noviembre – Madrid – La Riviera
10 de Noviembre – Barcelona – Razzmatazz
Las entradas se podrán conseguir a partir del próximo 20 de marzo y únicamente estarán disponibles AQUÍ.
Lándevir y Ars Amandi llegarán juntos a Murcia en mayo
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Dos nombres propios dentro del rock y el folk de nuestro país como son Lándevir y Ars Amandi, están inmersos en su gira conjunta de este 2026 y donde demuestran su valía en cada escenario que pisan, es por eso que Murcia ya se encuentra contando los días para recibirlos el próximo mes de mayo.
Los valencianos Ópera Magna vuelven a recorrer los escenarios de nuestro país para celebrar nada menos que el 15 aniversario de su emblemático disco Poe, al cual están dando nueva vida con regrabaciones de muchas de sus canciones, junto a colaboradores destacados.
Tal es el caso de “El pozo y el péndulo” que se estrenará este domingo 15 a través de Youtube, con las voces de Isra Dante Ramos y Elizabeth Amoedo. Y como no sólo de Poe vive el hombre, el repertorio de la gira también incluirá los principales éxitos de Heroica, su más reciente álbum (2024).
La banda parece estar viviendo un momento muy dulce, tras su gira con Angra y con el lanzamiento en Japón de Heroica, de la mano de Red Rivet Records. Un excelente momento para disfrutar de su directo, para el que irán acompañados de Astral Experience.
Finnway anuncia la gira “El Tour de los Marginados 2026”
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La banda de folk/rock con aroma tabernero y céltico Finnway ha confirmado las primeras fechas de este 2026, donde presentarán su fantástico debut La Corte de los Marginados, el cual fue publicado por Maldito Records el pasado 8 de octubre de 2025.
Las ciudades elegidas y confirmadas para este primer tramo de gira, serán las siguientes:
20 de Marzo – Granada – El Tren
5 de Septiembre – Festival por Confirmar
25 de Septiembre – Madrid – Nazca Music Club
26 de Septiembre – Alicante – Marea Rock
Las entradas saldrán a la venta próximamente, así que permanezcan atentos a sus redes sociales, donde además, irán confirmando otras ciudades a la gira.
Lepoka sigue invitando a la fiesta con “La última y a casa”
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Los folk rockeros castellonenses Lepoka han estrenado su nuevo single “La última y a casa”, donde siguen a pleno dentro de su estilo, donde ya son uno de los nombres propios junto a otros compañeros como Celtian o Lándevir, entre otros.
El tema cuenta con su propio videoclip, el cual ha sido dirigido por Juli Bazooka y veremos que más nos ofrecen estos chicos, de momento con este single, la fiesta sigue estando asegurada.
Diavol Strâin en Buenos Aires: “Vampiros en Chacarita”
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Cada tanto me cruzo con esa imagen donde muestran la enorme cantidad de recitales de bandas medianas a grandes que había en un fin de semana normal en Capital Federal en la época pre Cromañón. No voy a mentir y decir que no pega cerca lo que parece haber bajado la cantidad de lugares disponibles para el under musical en la ciudad post 2004, pero pensar que por eso ya no existe el “under” es mear fuera del tarro: hay cientos de expresiones musicales subterráneas desarrollándose a todo momento. Como prueba de ello, hablamos acerca del dúo chileno Diavol Strâin, que el 7 de marzo plantó bandera en el Gier Music Club de Álvarez Thomas 1078.
Los recitales recientes de Orchid y Boris demuestran que hasta las movidas más de nicho tienen un público por acá, sea masivo pero invisible a simple vista o entre un círculo diminuto pero dedicado de manera rabiosa. Una de esas es la movida gótica / darkwave, y Diavol Strâin (que el editor de texto insiste que se llaman “Diablo Strâin”) se define claramente dentro de ese sonido de sobredosis de reverb, voces fantasmales y baterías sintéticas. Pero lo de Lau M e Ignacia Strâin no se queda sólo en las imágenes de vampiros, sombras y peinados a lo Robert Smith, bautizando a su estilo como “riot wave” al mezclar el sonido oscuro y gótico con la postura ideológica y contestataria riot grrrl. Así que tener al dúo tocando no sólo a unas cuadras del Cementerio de la Chacarita sino a pocas horas del Día Internacional de la Mujer es casi poético.
Cuando llegué, Blue Remainsestaba llegando al final de su presentación como teloneros. El contexto puede que no fuera 100% el mejor, con las luces interfiriendo con la oscuridad y el público más que nada sentado a las mesas, siendo que Gier tiene la disposición de un bar. A pesar de ello, el dúo argentino hizo lo suyo muy bien, con su estilo clásico de darkwave de voz, guitarra, bajo y batería programada sonando de fondo. Puede ser un tanto repetitivo, pero es ciertamente recomendable para los fanáticos del estilo.
La espera estuvo musicalizada con canciones de Killing Joke, mientras el público se iba acumulando en los últimos minutos. Y con público me refiero a que a nada de comenzar fuéramos alrededor de 50 personas en el espacio limitado del Gier, casi la primera imagen que se me vendría a la mente al hablar del “under”, acompañado de su mezcla de estética punk, industrial y de novela de vampiros de Anne Rice. Pero tener a 50 personas dispuestas a ir a verte es un logro de cualquier manera, y la rapidez con la que se acercaron al escenario cuando el telón se abrió también demuestra que hay entusiasmo en todo esto.
Con Lau M en el bajo e Ignacia Strâin en la guitarra, tras una intro ambiental de fondo empezó a sonar la pista de batería y fue momento de arrancar con el doblete de “Sacrificio” y “Lilith”, con sus ondas oscuras y voces fantasmales acompañadas por la distorsión de la guitarra y las líneas precisas del bajo. El sonido no era el mejor, pero la batería programada sonaba fuerte y eso era lo que importaba.
Tras el inicio con ambas canciones, Lau e Ignacia saludaron de manera efusiva al público presente, y señalaron que esa era la primera vez que tocaban en Buenos Aires pero que habían estado en la ciudad mucho antes incluso de haber dado forma a Diavol Strâin. Tras ello, fue momento de comenzar con “Abulia”, canción inspirada explícitamente en los mataderos de animales. Considerando el tema lírico, no sorprende que hablemos de una canción densa y lenta, sin tanto sonido bailable: no voy a negar que me dio un poco de culpa después de haber comido una hamburguesa durante la espera.
“Venus 17” sería de las primeras canciones dedicadas de la noche, en este caso a una gatita que hacía compañía a la banda muchos años atrás y que se puede notar en la misma letra de la composición. A esa le pegaron “Traición”, canción que mantiene esa onda distante y de otro mundo que caracteriza al estilo tradicional de Diavol Strâin, aunque aumentando la velocidad y creando la atmósfera perfecta de discoteca distópica o de algo que me da ganas de jugar Vampire: The Masquerade, a lo que se sumaban los efectos de voces demoníacos.
Tras destacar que no sólo faltara poco para que comenzara el 8 de marzo sino que este 7 de marzo fuera el Día de la Visibilidad Lésbica en Argentina, un aspecto importante de Diavol Strâin y que dedicaron a todos los “maricas” y diversas disidencias sexuales, arrancaron con la killingjokesca “El Reflejo de mi Muerte”. Así pasaríamos el resto de la noche, con más pistas de batería marcadas por las líneas de bajo y las texturas de guitarra de cada canción, dedicatorias al público y muchos aplausos tras cada canción, además de las dedicatorias al gobierno de Javier Milei en clave de calificar al suyo como un “gobierno fascista”. Si no te gusta ese aspecto de una banda como Diavol Strâin, lo más seguro es que ni te deberías gastar en escuchar su música y dejar espacio a la gente con algo de convicción.
Antes de retirarse, Diavol Strâin nos deleitarían con “Éter”, canción dedicada a Daphne, quien fuera tecladista del grupo durante los inicios de la banda. De las canciones más entretenidas de la banda, con su batería punzante y guitarras fantasmales, además de tener un video musical que acompaña las vibras de manera perfecta. Al final, el grupo daría un último saludo y se retiraría entre aplausos de los pocos pero dedicados presentes, dando un buen cierre a la noche.
¿Poco público? ¿Sonido que no era el mejor? ¿Demasiadas luces para la onda oscura y gótica? Puede ser, pero fue una fecha muy entretenida a pesar de todo, y con Diavol Strâin demostrando que pueden mantener su sonido y su presencia sea en el Lollapalooza, en festival europeos o en un bar en el barrio de Chacarita frente a un puñado de gente. A esperar su nuevo álbum, que me dejaron con ganas de más.
Crystal Lake en Madrid: “Martes de sudor y gloria”
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El pasado martes, la Sala Copérnico de Madrid juntó un cartel espectacular. No es habitual que cuatro bandas de metal extremo y moderno logre congregar a tanta gente en un día laborable, pero lo que vivimos fue la confirmación de que el público madrileño tiene hambre de sonidos pesados, sin importar el calendario. Con las entradas vendidas a buen ritmo y un ambiente de expectación palpable desde la apertura de puertas, Crystal Lake, Miss May I, Great American Ghost y Diesect se encargaron de que nadie se acordara de que al día siguiente había que madrugar.
La tarde arrancó con Diesect. Los encargados de abrir fuego no lo tuvieron fácil, pero supieron aprovechar cada minuto de su corto set. Su estilo navega por las aguas del metalcore más moderno, coqueteando con matices del deathcore en la contundencia de sus breakdowns. Lo que hace singular a este tipo de bandas es la capacidad de transitar de una sección rítmica frenética a momentos de puro peso, donde las guitarra afinada en tonos muy bajos crean una atmósfera asfixiante. A pesar de ser los primeros, la entrega de los asistentes ya era notable, algo que ayudó a que el grupo se sintiera cómodo sobre el escenario, no pararo de interactuar y agradecer el “madrugón”. Prometieron volver y espero que sea verdad y pronto.
Tras ellos, Great American Ghost subieron la energía. Provenientes de Boston, trajeron consigo esa esencia del hardcore más oscuro y agresivo que los caracteriza. Su trayectoria ha sido una carrera de fondo, ganándose el respeto en la escena gracias a trabajos como “Power Through Terror“. Su música se define por una rabia mucho más cruda y directa que la de sus predecesores; aquí no hay espacio para la contemplación. Las guitarras cortantes y una batería que parece querer demoler los cimientos de la sala son sus señas de identidad. Fue en este punto donde las luces empezaron a ganar algo más de intención, aunque el exceso de humo al inicio de su actuación, una constante durante toda la noche, dificultaba un poco el foco y resolución de las fotografías. Por suerte no siguieron con el humo durante el resto del set. La actitud de su frontman es digna de ver y a escasos centrímitos conectar con é es sencillo. Un torbellino de gestos, golpes al aire y una actitud llena de carisma. Nadie podía parar de agitar la cabeza y el calentamiento se completó con un set algo más largo
Para sorpresa de todos los siguientes en salir fueron Crystal Lake. Tras una larga pausa por fallos técnicos el grupo tomó el control, en segundo hizo la sala suya. Tema tras tema se comprobó la pasión y energía que proyecta la banda, la Copérnico entera coreando sus temas fue espectacular. Sinergia. Metal. La banda japonesa ha pasado por una etapa de transición importante tras la salida de su carismático vocalista Ryo, pero con John Robert Centorrino al frente han demostrado que siguen siendo una apisonadora. Su estilo es difícil de encasillar: es metalcore, pero inyectado de djent, elementos electrónicos y una precisión casi matemática que solo ellos saben ejecutar. Temas como “Apollo” o la reciente “The weight of sound” son ejemplos perfectos de su sonoridad; ritmos sincopados, cambios de tempo bruscos y una intensidad vocal que no da respiro.
La trayectoria de Crystal Lake es la de una evolución constante, pasando de ser una banda de hardcore local a un fenómeno internacional que ha sabido reinventarse sin perder la agresividad. Durante su actuación, el despliegue lumínico fue el mejor de la noche para las fotos, con momentos de luz neutra muy luminosos y otros teñidos de rojo o azul. Se llenó de haces de luz que cortaban el aire, predominando de nuevo los tonos rojos intensos que encajaban a la perfección con la violencia sonora del grupo. Aunque de nuevo el humo fue algo excesivo al arrancar, una vez que se disipaba, el espectáculo visual ganó muchos enteros.
El momento épico de la velada llegó con Miss May I. Hacía tiempo que no se sentía una conexión tan inmediata entre una banda y su público, se notaron los años sin pasar por nuestro país. Los de Ohio son unos veteranos del metalcore melódico, y se notaba que había muchas ganas de verlos en España. Su estilo es una mezcla perfecta entre la herencia del death metal melódico sueco y la energía del metal estadounidense de mediados de los 2000. Canciones extraídas de discos clave como “Monument” o “Apologies Are for the Weak” desataron el caos en la pista. Lo que hace únicos a Miss May I es esa capacidad de combinar estribillos coreables y épicos con una base rítmica de doble bombo incesante y riffs de guitarra muy técnicos. Ver a toda la sala saltar al unísono bajo los haces de luz fue, sencillamente, uno de los puntos álgidos de la noche. Se notó que el grupo disfrutó cada segundo, devolviendo la entrega con una ejecución impecable.
En cuanto al apartado técnico, el audio de la sala volvió a cumplir con las expectativas. La Sala Copérnico tiene esa particularidad de sonar compacta y potente sin llegar a emborronar las guitarras, algo vital en géneros donde la nitidez de los instrumentos es lo que marca la diferencia. Salvo el detalle del humo inicial, que a veces empañaba la labor de los que queríamos disfrutar del despliegue visual desde una perspectiva más clara, las luces acompañaron bien la progresión de la noche, aumentando en intensidad y complejidad según subía el nivel de los grupos.
Salimos de la sala con la sensación de que los martes pueden ser tan intensos como cualquier viernes. Madrid respondió con creces, demostrando que bandas como Miss May I son instituciones esperadas y que Crystal Lake tiene el futuro asegurado gracias a una presencia escénica que sigue siendo, a día de hoy, inalcanzable para muchos.
Napalm Death en Glasgow: “grindcore sin barreras en Slay”
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Los padrinos británicos del grindcore Napalm Death arrasaron con la íntima sala Slay en Glasgow como parte de su gira Campaign for Musical Destruction. Les acompañó un variado conjunto de bandas de música pesada, que iban desde el stoner doom hasta el thrash más contundente, conformando una noche diversa con lo mejor que el metal puede ofrecer. Desde el principio quedó claro qué tipo de ambiente tendría el concierto: no había barrera entre el público y el escenario.
Los encargados de abrir la noche fueron los doomers polacos Dopelord. El cuarteto subió al escenario en silencio y tomó sus instrumentos para comenzar con “The Chosen One”, de su álbum Songs for Satan. Desde el primer momento lograron calentar al público rápidamente. La ausencia de barrera hacía que la actuación se sintiera especialmente cercana. El segundo tema comenzó con un grito escalofriante del guitarrista Paweł Mioduchowski, quien lanzó un contundente “HAIL SATAN”, título de la canción. El ritmo se aceleró considerablemente con “Headless Decapitator”, momento en el que comenzaron a abrirse los primeros pits. El cierre con “Doom Bastards”, un título que encaja perfectamente con el estilo de la banda, dejó además el primer crowd surfer de la noche.
Los siguientes en subir fueron Varukers, con un enfoque sonoro muy diferente al de Dopelord. Su música se inclina claramente hacia el punk anárquico de los años 80, en la línea de bandas como Sex Pistols o Dead Kennedys. El vocalista Anthony Martin, inmediatamente reconocible por su impresionante doble cresta mohicana, apareció en el escenario con una actitud relajada y cercana, casi como si estuviera tocando frente a un grupo de amigos. Abrieron con “How Do You Sleep?”, repleta de riffs rápidos y batería intensa.
Tras la segunda canción, “Led to the Slaughter”, comenzaron los primeros de muchos stage divers y crowd surfers. Martin incluso les daba palmadas en la espalda antes de lanzarse sobre el público. Durante el show también interactuó de forma amistosa con la primera fila, repartiendo choques de manos y gestos cómplices. En un momento dado, y viendo el caos creciente entre el público, el vocalista recordó una regla básica de los conciertos de metal y punk: “if somebody falls down, you pick them up!” (“Si alguien se cae, alguien lo levanta”), subrayando la idea de que estos espacios deben ser seguros y solidarios para todos.
La tercera banda fue probablemente la más “americana” en estética de toda la noche. Whiplash apareció en escena con cuero, pañuelos y un notable despliegue de barba por parte del bajista Will Winton y el guitarrista Tony Portaro. Arrancaron con “Last Man Alive” y para entonces los stage dives, mosh pits y crowd surfers ya estaban completamente desatados. Cualquiera que estuviera guardando energías decidió soltarlas en ese momento.
Portaro anunció la tercera canción con un gruñido thrash característico: “THIS SONG IS CALLED… SPIT ON YER GRAVE”, enfatizando especialmente el “yer”. Tras el doom pesado y el punk agresivo, la noche avanzaba ahora hacia un thrash metal rápido y feroz. La conexión con el público fue evidente cuando Portaro preguntó: “What direction does the circle pit spin in Glasgow?”, provocando el círculo más grande hasta ese momento. Los cánticos de “Whiplash! Whiplash! Whiplash!” acompañaron el tramo final del set, que cerraron con “Power Thrashing Death”.
Finalmente, las leyendas del grindcore Napalm Death subieron al escenario entre una ovación ensordecedora. Curiosamente, la banda había tocado en Glasgow menos de un año antes como cabeza de cartel en el Warehouse del SWG3, un espacio mucho más grande. Sin embargo, la decisión de tocar en una sala pequeña como Slay jugó a su favor, ya que la cercanía con el público hizo que el concierto se sintiera aún más intenso.
Abrieron con “Instinct of Survival”, desatando de inmediato una avalancha de crowd surfers y mosh pits. El concierto se vio brevemente interrumpido por algunos problemas técnicos, momento que el vocalista Mark “Barney” Greenway aprovechó para bromear con el público: “You’re only a good band if you have at least two of everything”, provocando risas entre los asistentes. Cuando también falló el bajo, un fan gritó desde el público: “I have an acoustic you can borrow!”, lo que generó aún más carcajadas. Una vez resuelto el problema, el set continuó con “Continuing War on Stupidity”.
A lo largo del concierto, la intensidad fue absoluta. Personas volaban constantemente sobre el público haciendo crowd surfing; incluso hubo quien fue transportado desde el escenario hasta la parte trasera del local. Los fans también notaron la ausencia del bajista habitual, Shane Embury. Cuando Barney presentó al sustituto, Adam, el público lo animó con entusiasmo, a lo que el vocalista respondió con humor: “No need to go that fucking far, he looks special, but he’s not that special”.
Uno de los momentos más divertidos fue cuando tocaron repetidamente su famosa microcanción “You Suffer”, preguntando luego quién había conseguido “captarla”. Entre los momentos destacados del set estuvieron “Suffer the Children” y “Practice What You Preach”, temas muy críticos con las instituciones religiosas. También sorprendieron con algunos covers, incluyendo uno de la banda canadiense de grindcore Slaughter y el clásico punk “Nazi Punks Fuck Off”, que Barney presentó pidiendo al público que lo dijera “educada pero ruidosamente”.
Si hablamos de conciertos pesados, este lo fue en todos los sentidos. Las cuatro bandas estuvieron en gran forma y el público respondió con una energía brutal, a la vez agresiva y sorprendentemente amigable.
El hecho de que Napalm Death aún puedan ofrecer un show tan potente después de tantos años, y seguir congregando a un público tan entregado, demuestra por qué siguen siendo una de las bandas más influyentes del metal extremo británico.
Toxikull sigue más heavy que el trueno en “Turbulence”
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La banda de heavy/speed metal británica Toxikull, ha estrenado “Turbulence”, el segundo adelanto de su nuevo disco al cual le da título y llegará a las tiendas el próximo 24 de abril a través de Dying Victims Productions.
1. Midnight Fire 2. Turbulence 3. Dragon Magic 4. Blessed By The Night 5. Dying Star 6. Strike Again 7. Hard To Break 8. Burning Spark 9. King Of The Hammer 10. Flames Of Glory
As It Is estrena “Marilyn” como adelanto de su nuevo disco
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Los británicos alterativos As It Is han estrenado “Marilyn”, su nuevo y notable single, que sirve de adelanto para su próximo disco homónimo, el cual llegará a las tiendas el 17 de julio vía FLG Music y que supone el primero con la formación original desde 2018.
Motionless In White en Barcelona: “Redención tras la tormenta”
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Este pasado 5 de marzo pudimos disfrutar de la redención de los norteamericanos en la ciudad condal después de su actuación “a medio gas” por enfermedad de Chris el año pasado.
Los australianos Make Them Suffer fueron los encargados de abrir la velada en un Razzmatazz que aún no era muy consciente de lo que estaba a punto de presenciar. En tan solo siete temas demostraron por qué son una de las bandas más en forma de la actualidad. Liderados por un Sean Harmanis descomunal, nos deleitaron con un repaso de su álbum homónimo, Make Them Suffer, lanzado en 2024, y un par de temas (“Bones” y “Erase Me”) a modo de “throwback” para los fans aférrimos de la banda. Un sonido impecable, su característica energía encima del escenario y un pit que no paró en todo el concierto fueron los elementos más destacados del show.
A continuación tuvimos a los californianos Dayseeker. Con el gran crecimiento este último año (debido sobre todo al buen manejo de las redes sociales y a la gran voz de Rory), la expectación era máxima. Si bien es cierto que la energía de la sala bajó considerablemente, pudimos entender por qué se están convirtiendo en una referencia dentro del metal alternativo. Unas letras que llegan al corazón de muchos, una voz impecable y un sonido adaptado a los tiempos que corren hicieron del concierto una grata experiencia. No faltaron temas como “Without Me”, “Pale Moonlight” o “Neon Grave”, con los que el público cantó gran parte de las letras junto a Rory.
Y finalmente llegaba el momento más esperado de la noche. Motionless In White aparecían en el escenario con su ya conocido video/meme del gato y daban comienzo al show con “Meltdown”. Con un setlist parecido al del año anterior, los fans más “old school” echamos de menos clásicos como “Abigail” o “Reincarnate”, hecho que no desmereció el concierto ni mucho menos. Los asistentes pudimos disfrutar del debut de “Afraid of the Dark”, tema más reciente de la banda que ha tenido una gran acogida a nivel general.
Siguiendo la misma línea de 2025, la banda liderada por Chris ofreció un show a la altura de las expectativas e incluso pudimos disfrutar de una colaboración con Sean (Make Them Suffer) en el tema “Slaughterhouse”, con lo que la banda pudo resarcirse de su anterior paso por la ciudad condal.
Desde el primer acorde, Lamb of God te mete de lleno en un viaje visceral y violento con su nuevo disco, Into Oblivion. Cada vez que la banda de Richmond saca un álbum, algo se me activa adentro: vuelve ese pibe adolescente que encontró en el groove metal un refugio, una identidad y una forma de descargar todo. Formados en 1994, vienen siendo una fuerza clave dentro del metal moderno, mezclando groove y thrash con una personalidad que no se negocia. Y lo mejor es que siguen evolucionando sin perder esa esencia cruda y auténtica que los define.
El disco arranca con el tema homónimo, “Into Oblivion”, que además fue el primer adelanto. Es una declaración de principios: riffs filosos, velocidad al palo y la voz de Randy Blythe escupiendo una crítica directa al mundo actual. La letra deja en claro que el colapso no llega de golpe: es un proceso lento, casi invisible, mientras todos miran para otro lado. El groove clásico de la banda está intacto, pero hay una vuelta técnica que lo hace sonar más afilado que nunca. Siguen siendo titanes del género, sin discusión.
Los dos cortes que salieron también antes del disco, “Parasocial Christ” y “Sepsis”, muestran esa crítica social que la banda viene puliendo hace años. “Parasocial Christ” es un palazo a la era digital, al culto al algoritmo y a la economía de la atención. En energía remite a “Contractor”, de Wrath, pero con una mirada completamente actual. Es rabiosa, incómoda y necesaria.
“Sepsis”, en cambio, tiene ese bajo distorsionado que te obliga a cabecear sí o sí. Hay algo bien denso, casi sludge, y un guiño directo a la escena de Richmond. Es sucio, pesado y recontra efectivo.
Después aparece “The Killing Floor”, probablemente el tema más rápido del disco. Está atravesado por la experiencia carcelaria de Randy Blythe, y se siente: hay bronca, oscuridad y resistencia. La música acompaña esa tensión interna.
Y cuando parece que no van a aflojar nunca, llega “El Vacío”. Un respiro necesario. Una canción que conecta con esa fragilidad emocional que también forma parte del ADN de la banda. Es imposible no pensar en “Vigil”, de As the Palaces Burn. Acá la voz limpia de Randy Blythe brilla y demuestra que no todo es violencia: también hay dolor, introspección y humanidad.
“St. Catherine’s Wheel” y “Blunt Force Blues” son directamente una trompada en la cara. De lo más pesado del álbum. Vuelven a esa brutalidad que muchos descubrieron en Wrath y que algunos injustamente subestimaron. Riffs demoledores, breakdowns para que el circle pit explote y una batería que no da tregua. Es esa mezcla de nostalgia y adrenalina que te recuerda por qué te enamoraste de la banda en primer lugar.
El cierre llega con “Bully”, rápida y arrolladora, casi un himno contra la intimidación. Después, “A Thousand Years” y “Devise Destroy” bajan un cambio sin perder intensidad. La primera tiene un costado más melódico, más emocional; la segunda arranca con una guitarra que parece más contenida, pero termina explotando en el último golpe pesado del disco. Te dejan con ganas de volver a poner play desde el principio.
En lo instrumental, Willie Adler es una máquina de fabricar riffs memorables. Mark Morton aporta ese toque más blusero y melódico que equilibra tanta violencia. John Campbell la rompe, especialmente en “Sepsis” y “A Thousand Years”, con un bajo firme y preciso que sostiene todo el andamiaje sonoro.
Y Randy Blythe… bueno, Randy sigue siendo un animal. Su capacidad para combinar agresividad con melancolía es lo que hace que esta banda trascienda lo puramente musical. No es solo metal: es catarsis, es conciencia, es identidad.
Con respecto a Art Cruz, todavía está construyendo su propia huella dentro del grupo. Es un baterista técnicamente impecable, pero personalmente extraño esos arreglos tan únicos que aportaba Chris Adler, esas baterías que podías tararear como si fueran una melodía más. Capaz es pura nostalgia, pero esa conexión era especial. De todos modos, Art Cruz sostiene la energía con solidez y seguramente, con el tiempo, terminará de imprimir su identidad en el sonido de la banda.
En definitiva, Into Oblivion no es el mejor trabajo de Lamb of God. No viene a destronar a los clásicos ni a ocupar ese altar que para muchos siguen siendo discos como Ashes of the Wake o As the Palaces Burn. Lo viejo es la esencia, es el ADN puro de cualquier fanático: ahí están los himnos, los riffs que nos formaron y la banda sonora de una etapa que no vuelve más. Y sí, muchas veces nos quedamos viviendo ahí.
Pero eso no le quita mérito a este disco.
Porque, aunque no sea su obra cumbre, sigue siendo un trabajo de Lamb of God. Y eso, en sí mismo, ya es garantía de intensidad, honestidad y personalidad. No es revolucionario, no cambia las reglas del juego… pero golpea fuerte, suena sólido y tiene momentos que te recuerdan por qué esta banda sigue siendo referencia obligada en el metal moderno.
No todos los discos tienen que ser históricos para ser buenos. A veces alcanza con que sean reales.
Al final, capaz siempre volvamos a los clásicos, a esos temas que nos marcaron la piel. Pero mientras haya riffs nuevos que nos hagan cabecear y letras que incomoden, el fuego sigue vivo. Y si el fuego sigue vivo, entonces Lamb of God todavía tiene algo para decir.
Kanonenfieber en Copenhague: “Una noche brutal entre trincheras, riffs y memoria”
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En Amager Bio se vivió una de esas noches que quedan dando vueltas en la cabeza cuando termina el recital. Desde temprano el lugar ya estaba explotado. Mucha gente llegó con bastante anticipación; las filas para comprar merch parecían no terminar nunca y la birra corría sin parar mientras todos esperaban lo mismo: el comienzo de la gira europea de Kanonenfieber, una banda que en los últimos años viene generando muchísimo ruido dentro del metal extremo por su propuesta conceptual sobre la Primera Guerra Mundial. Pero antes del plato fuerte había que arrancar la noche, y los encargados de abrir fueron sus compatriotas de Mental Cruelty, que salieron al escenario a las 20:00 en punto y no tardaron nada en poner a girar el pit.
Lo de Mental Cruelty fue un arranque fuerte, bien directo y sin vueltas. En 45 minutos metieron siete temas sin frenar prácticamente nunca, con un sonido muy prolijo para ser banda soporte y con una energía que conectó enseguida con la gente. El vocalista no paró de agitar durante todo el set, alentando a que se armen circle pits y walls of death, a lo que el público respondió de inmediato. Musicalmente fue un golpe de deathcore bien ejecutado: growls profundos, downtempos pesadísimos que hacían vibrar el piso del lugar, guitarras que alternaban entre riffs aplastantes y pasajes más melódicos, y una batería rápida y contundente marcando todo el tiempo el ritmo de la demolición. Fue un set corto pero muy efectivo, de esos que sirven para prender fuego el ambiente desde temprano. La banda cumplió con creces su rol y dejó al público bien arriba, aunque la sensación general —y la mía también— era que todos estaban esperando el momento en que saliera la banda principal.
Después del set hubo unos treinta minutos de pausa que se hicieron largos entre birras, charlas y miradas al escenario, donde ya se podía ver que algo grande se estaba preparando. Cuando finalmente se apagaron las luces, el clima cambió completamente. Primero se empezaron a escuchar disparos lejanos, como ecos de batalla, mientras el escenario se iba llenando lentamente de humo. Las luces rojas comenzaron a iluminar todo y de a poco se reveló la escenografía: la batería montada en lo alto como si fuera una posición de artillería, dos cañones de guerra a los costados del escenario y un telón gigantesco de fondo representando trincheras de la Primera Guerra Mundial. Entre la neblina espesa y esa iluminación rojiza, la imagen ya era brutal incluso antes de que sonara la primera nota.
Los músicos fueron entrando uno por uno hasta que apareció Noise, líder y cerebro del proyecto, y ahí empezó lo que básicamente fue una masacre sonora durante toda la noche. Desde el primer riff quedó clarísimo por qué Kanonenfieber está creciendo tanto dentro de la escena. Lo que hacen es una mezcla feroz entre black metal y death metal, con riffs cortantes como metralla, baterías muy veloces y una precisión casi quirúrgica. En estudio ya suenan brutales, pero en vivo la sensación es todavía más arrolladora: las guitarras tienen una agresividad tremenda, el tremolo picking típico del black metal aparece combinado con grooves pesados más cercanos al death, y la batería es directamente una máquina de guerra que no pierde ni un milímetro de precisión.
El set empezó a desplegar varios de sus temas más fuertes, pasando por canciones como “Die Fastnacht Der Hölle”, “Der Füsilier I” y “Der Füsilier II”, donde el show empezó a mostrar uno de los aspectos más impresionantes de la banda: la teatralización. Kanonenfieber no hace solo un recital; arma una especie de relato escénico sobre la guerra. Entre canción y canción, Noise cambia de vestuario, interpreta distintos personajes y actúa pequeñas escenas que ayudan a meterte en la historia. En los temas de los fusileros la ambientación se volvió más fría y sombría; incluso había partículas flotando en el aire que simulaban nieve, reforzando la sensación de estar en una trinchera congelada. En un momento Noise apareció con un lanzallamas escénico que disparaba aire comprimido al comienzo del tema, sumando otro detalle visual que hacía todo todavía más intenso.
Algo que hace muy particular a Kanonenfieber es que sus letras están basadas en testimonios reales de soldados, cartas y documentos históricos de la Primera Guerra Mundial. No hay glorificación del conflicto; todo lo contrario. La banda se encarga de mostrar el horror, la miseria y la desesperación de quienes estuvieron ahí. Y ese mensaje se vuelve todavía más fuerte cuando se combina con la violencia musical del show.
Uno de los momentos más interesantes del recital llegó cuando cambió completamente la ambientación del escenario. El telón pasó a simular el acero de un barco y Noise apareció vestido como un capitán naval, dando paso a una parte del set donde sonaron “Z-Vor” y “Heizer Tenner”, dos temas del último disco lanzado ese mismo mes, Die Urkatastrophe, que en vivo sonaron absolutamente devastadores. La banda estaba afiladísima: riffs veloces, baterías marciales y una ejecución milimétrica que hacía que todo sonara compacto y aplastante.
Más adelante llegaron otros momentos fuertes del repertorio con “Die Havarie” y “Menschenmühle”. Para esta parte Noise salió vestido como un general, con otro casco y una espada, reforzando esa narrativa escénica que atraviesa todo el show. En “Menschenmühle” aparece una de las frases más contundentes de la banda, donde se habla de cómo Alemania parece tener una especie de adicción a la guerra. El tema apunta directo a la obsesión histórica de las naciones con la guerra y cómo ese ciclo parece repetirse una y otra vez. La gente acompañó con una energía tremenda, y el pit no paró prácticamente en todo el show.
Después llegó uno de los momentos más coreados del recital con “Der Maulwurf”, un tema muy pegadizo dentro de la brutalidad general de la banda, con un estribillo que todo el público cantó al mismo tiempo mientras el lugar seguía girando en círculos frente al escenario. A esa altura la conexión entre banda y público era total.
El cierre del recital llegó con la canción/intro llamada “Verdun”. El ambiente se volvió oscuro otra vez y Noise apareció con su clásica máscara de calavera para introducir uno de los momentos más potentes del show con el tema “Ausblutungsschlacht”, haciendo referencia a la Batalla de Verdun, una de las batallas más sangrientas de la Primera Guerra Mundial. Un final devastador que resume perfectamente todo lo que es Kanonenfieber: riffs demoledores, un sonido enorme y una carga conceptual muy fuerte detrás de cada canción. El tema habla de cómo miles de soldados fueron enviados a una muerte prácticamente segura, reflejando la brutalidad absurda del conflicto.
Cuando terminó el recital quedó la sensación de haber visto algo más que una simple banda de metal extremo. Kanonenfieber logra algo bastante particular: combina música brutal, ejecución milimétrica y una puesta en escena muy bien pensada para transmitir un mensaje claro. Hablan de una guerra que ocurrió hace más de cien años, pero el mensaje sigue pegando fuerte hoy. En un mundo donde cada vez parece más fácil odiar al otro o ignorar las tragedias humanas que siguen pasando, Noise y compañía usan su música para recordar justamente lo contrario: que la guerra es miseria, dolor y destrucción.
Y si algo quedó clarísimo en Amager Bio es que la banda está en un momento increíble. Sonaron precisos, brutales y completamente conectados con el público. Un show intenso, teatral y demoledor que dejó al lugar entero con la sensación de haber presenciado una noche realmente especial.
Devin Townsend anuncia el lanzamiento de “The Moth” para el mes de mayo
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El talento músico canadiense Devin Townsend ha confirmado que su nuevo disco The Moth, estará disponible a partir del próximo 29 de mayo vía InsideOut Music y del cual ha estrenado “Enter The City”, primer adelanto de este nuevo y ambicioso proyecto.
El disco contará con la friolera de 24 canciones, diferentes matices musicales de este talentoso artista y es el resultado de más de una década de empeño, trabajo y dedicación a este nuevo disco.
La rockeros alternativos Aphonnic están de regreso y han estrenado un nuevo single llamado “Panenka”, donde siguen evidenciando su excelente estado de forma y su gran mano a la hora de escribir canciones con sentimiento y que atrapen al oyente.
El tema viene acompañado por su correspondiente videoclip, el cual ha sido dirigido por Rubén Di Groovie y producido por el propio Di Groovie en colaboración con la banda gallega.
Veremos que más nos traen estos muchachos en lo que resta de temporada, pero desde luego han vuelto a lo grande y lo podéis comprobar a continuación:
La banda barcelonesa Indar sigue su ascenso dentro de la escena under nacional y que mejor manera de ganar nuevos adeptos a su propuesta que anunciando más fechas en directo.
Este por este motivo que la banda volverá a tocar en Barcelona junto a Whitedemon, quienes con su groove metal lleno de toques atmosféricos serán el complemento ideal para tan incendiario doblete.
La fecha elegida será la siguiente:
13 de Marzo – Barcelona – Casal del Barri de la Prosperitat (+ Whitedemon)
Os recordamos que la entrada es libre y gratuita hasta completar aforo, con lo que no hay excusa si te gusta el metal extremo para perderte este gran evento.
Los chicos de Hollywood Undead vuelven al ruedo con “1×1”, su nuevo single donde recuperan un poquito el espíritu “RapCore” de sus comienzos y combinan ese sonido con pinceladas modernas y rapeos muy bien ejecutados.
Como curiosidad decir que el corte cuenta con un guiño muy evidente a Slayer, ya que el fraseo de guitarra está construido sobre “Raining Blood”, el mítico himno de la banda californiana y que seguro sorprenderá a más de uno.
Podéis escuchar como suena el retorno de estos muchachos a continuación:
Immolation pega un puñetazo en la mesa con “Attrition”
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La banda norteamericana de death metal, Immolation acaban de lanzar “Attrition”, su apabullante nuevo single que viene acompañado por un videoclip y que sirve para calentar motores antes de que Descent, su esperadísimo nuevo disco de estudio llegue a las tiendas el próximo 10 de abril gracias a Nuclear Blast Records.
Los de Nueva York editarán Descent, el cual contará con las siguientes canciones:
1 These Vengeful Winds 2 The Ephemeral Curse 3 God’s Last Breath 4 Adversary 5 Attrition 6 Bend Towards The Dark 7 Host 8 False Ascent 9 Banished 10 Descent
Against Myself anuncia su separación tras 17 años de carrera
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Los chicos de Against Myself han sorprendido a sus seguidores anunciando que tras 17 años de carrera y cuatro discos de estudio editados (aparte de varios Ep’s) han decidido poner punto y final a su trayectoria, la cual los ha llevado a girar por toda la península y conquistar los corazones del público gracias a un buen puñado de canciones llenas de fuerza y melodías irresistibles.
Eli Amoedo y compañía han emitido un comunicado oficial que podéis leer AQUÍ, donde dan más detalles de esta decisión tan delicada y para el recuerdo nos quedarán temazos como este, que permanecerán para siempre el corazón de sus seguidores.
FM nos visitará en abril con una gira muy especial
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La veterana banda británica FM, ha anunciado una nueva visita a nuestro país, tras su gran paso hace dos años y donde no solamente nos deleitarán con su gran directo, si no que interpretaran al completo su fantástico álbum debut Indiscret, con lo cual será una gira muy especial para los seguidores de la banda en nuestra geografía
De la mano de RM Concerts, podremos disfrutar del directo de la banda, donde contarán con Tygers of Pan Tang, como banda invitada en cuatro de las cinco fechas que tienen programadas aquí y que serán en las siguientes fechas:
9 de Abril – Barcelona – Sala Wolf (+ Tygers of Pan Tang)
10 de Abril – Zaragoza – La Casa del Loco (+ Tygers of Pan Tang)
11 de Abril – Pamplona – Sala Totem (+ Tygers of Pan Tang)
12 de Abril – Madrid – El Sol (+ Tygers of Pan Tang)
Machine Head regresa a Málaga con un extenso repertorio
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Los titanes del metal estadounidense y sobre todo californiano, Machine Head, se encuentran inmersos en su nueva gira europea, la cual vuelve a llamarse “An Evening with Machine Head“, donde Rob Flynn y los suyos estarán ofreciendo un extenso repaso a su carrera, combinada en diferentes actos y donde no habrá bandas invitadas, solamente ellos y desde Oakland, California, Machine Fuckin’ Head.
Para alegría de sus seguidores en la Costa del Sol, esta vez la banda volverá a Málaga, donde siempre es muy bien recibida en una de las mejores salas del país y como ha ocurrido en su anterior visita, se espera un show espectacular.
Gracias a Route Resurrection, podremos verlos en la imponente París 15 el próximo 29 de abril y el resto de ciudades por donde pasarán son las siguientes:
25 de Abril – Villava, Pamplona – Totem (SOLD OUT)
27 de Abril – Madrid – La Riviera
30 de Abril – Barcelona – Razzmatazz
Las entradas para las tres ciudades que quedan, siguen a la venta AQUÍ.
La banda alternativa Magnolia Park ha sorprendido con la publicación de “Dangerous”, un corte que no está hecho para los puristas y que sin embargo, es una absoluta delicia para quienes crecimos escuchando bandas como Issues, Woe Is Me, Emarosa o Hands Like Houses.
El corte está incluido en la edición deluxe de su último disco Vamp, la cual lleva por título Night After Vamp Preluxe y que llegará a las tiendas este próximo 13 de marzo a través de Epitaph Records.
El tracklist contendrá las siguientes canciones:
01. DANGEROUS (bonus) 02. ASK FOR IT (bonus) 03. HIGH feat. Arrows In Action (bonus) 04. MINDGAMES (bonus) 05. CHASING SHADOWS (bonus) 06. SHALLOW (ACOUSTIC) (bonus) 07. PAIN 08. SHADOW TALK 09. CULT 10. THE SCREAMS 11. WORSHIP feat. Plvtinum and Vana 12. SHALLOW 13. OMEN 14. WASTED 15. CRAVE feat. PINKNOISE 16. REASONS 17. OPHELIA
Machine Gun Kelly publica el videoclip de “Goddamn
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El siempre impredecible artista norteamericano Machine Gun Kelly ha estrenado el videoclip de “Goddamn”, single extraído de su último disco de estudio Lost Americana, publicado el pasado 8 de agosto de 2025 vía Interscope Records y cuya reseña tenéis Aquí.
En este caso, el músico baja revoluciones en favor de un corte más rock pop con aires country y que para desgracia de muchos, le queda francamente bien.
Lord of the Lost volverá a España muy bien acompañados
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Los germanos alternativos Lord of the Lost se encuentran cada vez más cerca de regresar a España, en el marco de su “Tvur Noir European Tour 2026“, donde estarán presentando lo mejor de su repertorio y temas de sus tres Ep’s nuevos Opvs Noir, para deleite de sus seguidores en nuestro país.
Para hacer más atractiva si cabe la gira, los chicos estarán acompañados por Dogma, quienes tendrán mucho que demostrar, tras la salida de tres componentes de la banda, ya reemplazadas y con las que se presentarán abriendo para LOTL, mientras que la guinda llegará también desde tierras teutonas y es que League of Distortion, volverán a España tras haber dejado un gran sabor de boca en la pasada edición del Gineta Rock Festival.
Gracias a Madness Live, podremos ver este potente triplete en las siguientes fechas:
14 de Abril – Madrid – Sala But (+ Dogma + League of Distortion)
15 de Abril – Barcelona – Salamandra (+ Dogma + League of Distortion)
Kadavar se prepara para llevar sus riffs psicodélicos a Buenos Aires
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Los stoners psicodélicos alemanes Kadavarvan a estar presentándose en Buenos Aires, Argentina, como parte de la gira latinoamericana que los estará llevando no sólo por Argentina sino también México, Chile y Brasil. La cita está programada para el 17 de febrero a las 19 hs en el Uniclub de Guardia Vieja 3360, con las entradas estando disponibles a través de Al Pogo, organizada por Noiseground.
Formado en 2010 en la ciudad de Berlín, Kadavar son parte de toda una ola de bandas de rock retro que buscan traer de vuelta el sonido psicodélico de fines de los sesentas y principios de los setentas, mezclando el rock pesado y el fuzz. El ahora cuarteto viene de un 2025 bastante ocupado en el que lanzaron dos álbumes: el riffero y distorsionado Kids Abandoning Destiny Among Vanity and Ruin y el experimento pop psicodélicoI Just Want to Be a Sound.
Este será el cuarto concierto de Kadavar en los escenarios argentinos, tras su debut en el Roxy Live en 2015 y los dos conciertos que dieran en Córdoba y Buenos Aires en 2018, este último estando completamente sold out. Esta será la primera vez que el grupo venga como cuarteto, tras la adición del guitarrista Jascha Kreft en 2023.
Spiritus Mortis se une al cartel del Candelabrum Metal Fest
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Spiritus Mortis, considerados como la primera banda de doom metal finlandesa, han sido develados como la última adquisición al cartel del festival número uno del Bajío mexicano, el CandelabrumMetalFest, que celebrará su quinta edición este próximo 12 y 13 de septiembre en la Velaria de la Feria de León, Guanajuato.
A pesar de las críticas de algunos cibernautas, quienes imperan en que el festival ha abandonado la preferencia de géneros más frenéticos, como el thrash o el death metal en favor del sub-género más denso, esta es apenas la quinta banda de doom en un cartel que ya cuenta con 19 actos nacionales e internacionales.
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Lo que es un hecho es que este es probablemente uno de los mejores carteles que ha sacado el festival a la fecha, con actos clasiquísimos e imperdibles como Old Man’s Child, Loudness, Bloodbath, Lifelover, …And Oceans, Warning, Mournful Congregation y Silent Tombs, solo por mencionar algunos.
Los boletos para este evento pueden adquirise ya a través de la plataforma e.ticket, aunque no por mucho tiempo.
Unto Others dará 2 fechas en México con Call ov the Void
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Como parte de su primera gira por latinoamérica Unto Others, la banda de heavy metal y gothic rock originaria de Portland, Oregon, ofrecerá dos fechas durante el presente mes de marzo en Guadalajara y en Ciudad de México.
Para acompañarlos, la banda de melodic doom/death originaria de Guadalajara, Call ov the Void, se les unirá en ambas fechas; la primera en la perla tapatía este próximo martes 17 de marzo en el C3 Rooftop organizada por ACK Promote, también junto a las jóvenes promesas del speed metal Phantom y la otra, esa misma semana, organizada por Dilemma Entertainment, el jueves 19 en el Circo Volador de la capital mexicana.
En esta esperada primera gira (y luego de su participación en el Candelabrum Metal Fest de 2024), Unto Others interpretará tanto canciones de su última placa Never, Neverland (2024), como piezas que recorrerán toda su trayectoria.
Los boletos para la fecha en Guadalajara pueden conseguirse a través de TicketNow, como con miembros de las bandas teloneras sin cargo por servicio, mientras que las entradas para la fecha en CDMX se pueden conseguir a través de SuperBoletos.
25 años de Relationship Of Command: “Cuando At The Drive In puso su nombre en lo más alto del olimpo”
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En la historia contemporánea alternativa, existe un buen puñado de discos y artistas que bien merecerían un capítulo propio dentro de la misma, evidentemente Nirvana y Nevermind, quizás sea el caso que primero se les venga a la cabeza y al cual se podría sumar Pantera, quienes con Vulgar Display of Power le dieron al metal pesado una frescura, intensidad y sonido que venía pidiendo a gritos, pero a comienzos de la década del 2000, hubo una banda que con su tercer disco, dio vuelta la historia del punk y el hardcore en sus diferentes facetas, esta no era otra que At The Drive In y justamente de ellos vamos a hablar en esta ocasión.
Formados en la árida región de El Paso, Texas, los chicos de ATDI ya venían destacando en la escena punk y hardcore, gracias a sus dos primeros discos Acrobatic Tenement de 1996 y el notable In/Casino/Out de 1998, con una explosiva e intensa combinación de punk, hardcore y sonidos alternativos, que los convirtieron en una de las “Promesas” del post hardcore a finales de los 90.
Con Cedric Bixler-Zavala como voz principal, Omar Rodriguez- López en la guitarra, Jim Ward en la otra guitarra, teclados y voces, Paul Hinojos al bajo y Tony Hajjar a la batería y la percusión, At The Drive In eran un torbellino sobre las tablas, un huracán desmedido de emociones y quienes convertían sus shows en una especie de catarsis colectiva, pero a todo eso le hacía falta algo más y esto llegó y de una forma más que contundente cuando lanzaron Relationship of Command en septiembre del año 2000, ahí la historia cambió para siempre y no hubo vuelta atrás.
El disco salió bajo el ala de Fearless Records y con el apoyo de la multinacional Virgin, pero las cosas ya empezaron serias cuando al ver los créditos vemos dos datos muy importantes, en primer lugar fue producido nada más y nada menos que por el señor Ross Robinson (Korn, Sepultura, Machine Head), uno de los nombres más importantes y controvertidos a la hora de hablar de productores discográficos y mezclado por Andy Wallace, con lo cual ya el salto a nivel musical y profesional respecto a su predecesor, es muy notorio.
Pero en segundo lugar y quizás el dato que evidenciaría otro tipo de información, es que fue compuesto únicamente por Cedric y Omar, mientras el resto del grupo no tuvo participación en este aspecto aunque si a nivel musical.
Pues con el disco en las manos, uno se debe dar cuenta de la joya que está sosteniendo y como sus 45 minutos con 31 segundos, dieron vuelta la escena a la que pertenecían influenciando a toda la generación posterior.
El disco comienza con “Arcasenal” y ya te das cuenta de como esta vez el caos hermoso e impredecible de la banda, estaba muy bien cohesionado, con un bajo muy marcado al comienzo y un Cedric cantando de manera nerviosa, desprolija y a la vez brillante, la banda abría fuego a lo grande, para ir posteriormente incendiando todo a su paso.
Lo que posteriormente triunfó en la MTV, los de El Paso ya lo habían hecho antes y si no como se explica “Pattern Against User”, un corte que recoge ese post hardcore melódico y que luego quisieron imitar bandas como Senses Fail o incluso casi una década después Pierce The Veil.
Claramente hay influencias visibles: Fugazi, Rites of Spring, Weezer, Primus a nivel instrumental en algunas partes y un cierto paralelismo con sus homónimos suecos Refused, quienes dos años antes de este disco con The Shape of Punk To Come, quizás pusieron el primer peldaño para que el post hardcore explotase de manera comercial y luego ATDI, Thursday, Glassjaw, Alexisonfire y The Used, lo llevarán a las masas del “Mainstream”.
Pero todo esta hecho con una crudeza y un buen gusto que es un escándalo lo bien que suena 25 años después y la vigencia que sigue teniendo para el sonido alternativo.
Por otro lado hablemos de la banda a nivel creativo, que es otro de los factores que hicieron de la misma, un torbellino y que lamentablemente no pudieron surfear la ola tan grande en la que esta obra los colocó.
Claramente en los cortes más densos, es Jim Ward quien tiene un peso especial, no mucho a nivel dirección musical, pero si para entender que tanto el como Paul y Tony, estaban en un lado musical concreto, mientras que el binomio Bixler-Zavala/Rodríguez-López, en otro bien distinto y que se evidenció a posteriori con los dos proyectos que crearon tras la separación de la banda: Sparta y The Mars Volta, respectivamente… Pero esta etapa quedará para otro especial.
El disco fue grabado y mezclado en el extinto Indigo Ranch, situado en Malibú, California y donde muchos de los mejores discos de las últimas tres décadas fueron grabados e incluso y como dato curioso, la banda argentina A.N.I.M.A.L., grabó los que muchos consideran dos de sus tres mejores discos Poder Latino en 1998 y Usa Toda Tu Fuerza en el año 2000.
Para que entendáis porque muchos pensamos que había dos bandos en el grupo, tomemos como referencia dos de los cortes del disco, “Invalid Litter Dept”, un viaje sonoro de 6 minutos de duración, emotivo, intenso y con Cedric combinando partes recitadas con un estribillo algo más punk pop core a lo Texas is the Reason y con una letra extremadamente delicada que trata sobre las mujeres asesinadas en Ciudad Juárez, algo que ninguna banda de aquella época se había atrevido a abordar en alguna de sus canciones y sin embargo, estos tipos lo hicieron y con un resultado impactante.
Por otro lado, podríamos situar a “Sleepwalk Capsules”, una patada en el estómago, feroz, rápida, nerviosa y con ciertos aires al sonido que tenían Rage Against The Machine, que no te da un respiro en sus 3 minutos y 28 segundos de duración, con un puente lento que te hace imaginar caminando al borde de la cornisa, con el riesgo de caer al precipicio, para luego estallar en su tramo final.
Pero todo lo bueno que este disco nos dejó, también tiene un lado más oscuro y es que el caos de sus canciones, al parecer también estaba presente detrás del escenario y esto motivó que tras la correspondiente gira de presentación del mismo, tras siete años de carrera, la banda decidía dar un paso al costado y así poder seguir cada uno por su camino antes de que todo explotase por los aires, algo que al parecer estuvo muy cerca de suceder.
Sea como sea, a 25 años de su publicación, es de recibo intentar transmitir lo que Relationship of Command significó no solamente para ATDI como banda, si no para todos los que nos enamoramos de ella gracias a esta obra cumbre de los 2000, del punk hardcore, del post hardcore y del sonido alternativo, sin la cual muchas cosas posteriores no hubieran sucedido de la misma manera.
Crown of Nails – Severed Beyond Recognition (2026)
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Reseña por Gabriel Gutierrez
Originarios de Michoacán, con presencia en la escena desde 2023 mediante dos sencillos Humanity Will Crawl y Weeping Moon (2023); Crown of Nails regresa con su EP Severed Beyond Recognition (2026) que eclipsa en brutalidad a su primer EP, Portrait Ov God; con este nuevo EP y sus 5 himnos, nos entregan un deathcore técnico, sucio y muy orientado a la vieja escuela del death metal.
Desde “Chop Chop”, la versatilidad y pasión son notorias, con cambios interesantes, logran captar la atención del escucha sin mayor esfuerzo, y es que lo que manejan de brutalidad lo endulzan con la calidad en la grabación y producción.
En cada canción hay cambios, y cada canción tiene su momento, su tesitura, y como mencionaba anteriormente la alta calidad de grabación permite que se puede disfrutar de cada instrumento, pero hay algo importante que mencionar, dicha calidad no ocasiona que el EP se escuche sobre pulido o sintético, simplemente muestra el compromiso y entrega de la banda.
Canciones como “Severed Beyond Recognition” o “Deadly Silence” sin duda serán himnos para desatar la locura en directo, con una composición sólida, bien estructurada, riffs penetrantes y un ritmo diseñado para crear caos, un ritmo que en automático te impulsa a hacer headbanging y alimenta la parte más primitiva del escucha.
“Shotgun Lobotomy” es una pieza fundamental de Severed Beyond Recognition, con una intensidad brutal, instrumentos filosos y la bestialidad vocal hacen que está canción sea un “must” de escuchar para cualquier primer escucha de Crown Of Nails y para cualquier fan del deathcore, sin duda una de las piezas claves de este EP.
“Death Dealer” funge como un preámbulo para el final del EP, y no porque el ritmo baje, porque Crown of Nails nunca bajan el ritmo, sino simplemente mediante los pasajes que crea, logra catalizar la fuerza y brutalidad de las canciones previas de una forma armónica y disonante.
Crown Of Nails está compuesto por: George MorTo (vocales), Agustín Bermúdez (guitarra), Gabriel Vera (guitarra), Gio Monzon (bajo) y Héctor Serrano (batería; estos cinco músicos crearon un EP completo, directo, un soundtrack perfectamente moldeado dentro del death metal, con toques de grind y pulido con un deathcore muy único.
Un aspecto impresionante es la versatilidad vocal de George MorTo que va de un clásico deathcore, pasando por algunos chillidos grind y la bestialidad del death metal puro; y como plus, los blast beats ejecutados por Héctor Serrano hacen la dupla perfecta.
Severed Beyond Recognition fue producido, mezclado y masterizado por Ash Araiza, músico también originario de Michoacán, quien también participa en Maximum Overdrive; sin duda alguna el toque de Araiza fue crucial en el resultado de cada una de las canciones.
Después de dos EPs, esperemos que Crown Of Nails pronto nos entregue un álbum sin perder ese toque original, esa brutalidad y de preferencia bajo la tutela de Araiza para garantizar un sonido icónico y pulcro, sin comprometer la ferocidad orgánica de la banda. Sin duda alguna la banda seguirá explotando esa versatilidad sonora y seguirá alimentando nuestra ansiedad de no quedarnos con ganas de más deathcore originario de México.
Fit For a King agota las entradas de su concierto en Madrid
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Con más de tres semanas de antelación, la banda norteamericana de metalcore moderno Fit For a King ha colgado un espectacular “Sold Out” para su concierto en Madrid y parece que logrará repetir la hazaña en Barcelona, demostrando así, su apabullante poder de convocatoria en nuestro país.
Pero hay que ser justos y es que si bien ellos son la banda que encabeza la gira, no creo que a nadie le tome por sorpresa, que haya muchísima gente que quiera ver a Memphis May Fire, la otra gran banda del cartel y que lleva muchos años sin visitar nuestros escenarios, curiosamente en Madrid, volverán a subirse al mismo donde debutaron junto a unos (por entonces prometedores) Parkway Drive en 2013.
El resto del cartel lo completan Acres y 156/Silence, no te pierdas la oportunidad de verlos en Barcelona y corre a por tu entrada, que están volando.
La fecha es la siguiente:
29 de Marzo – Barcelona – Razzmatazz 2 (+ Memphis May Fire + Acres + 156/Silence)
Corrosion of Conformity estrena el videoclip de “You or Me”
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La banda norteamericana Corrosion of Conformity sigue allanando el terreno de cara a Good God / Baad Man, su nuevo trabajo de estudio, que llegará a las tiendas el próximo 3 de abril vía Nuclear Blast Records y del cual acaban de lanzar el videoclip oficial de “You or Me”, su nuevo y contundente sencillo.
Si tuviera que recomendar un sólo proyecto black metal de todo el continente sería sin duda Nostalghia. En esta one-man-band de la Ciudad de México, cada disco es una exploración profunda de diferentes estados anímicos. Musicalmente increíbles por aspectos que comentaremos a continuación.
Describir a Nostalghia como black metal se siente incompleto. En su discografía encontramos blackgaze, jazz, progressive, psychedelic rock, depressive, atmospheric, noise, industrial, dark chamber folk, entre otros.
Avant-garde y ecléctico sería mejor descripción para el proyecto musical del compositor y multi instrumentista Alex Becerra.
Después de sacar 9 álbumes en tan solo tres años, Alex decidió desacelerar el ritmo y trabajar un único disco para el 2025. Siendo Void Ecstasy su decimotercera obra. Sin duda su trabajo más experimental en todo sentido.
A pesar de que en sus últimos álbumes ya habíamos constatado la rica cultura musical de Alex, con elementos que rompen con el “black tradicional” tales como saxofón, blackgaze, etc. En este último trabajo se testifica una exploración más profunda, maniaca y atrevida de rítmicas de diferentes latitudes. Desde el konnakol del sur de la India hasta ritmos latinos.
Observemos la portada: Una mujer cuya frente es atravesada por una estela de luz mientras se encuentra flotando en el universo. Y es que Void Ecstasy es un viaje a distintos lugares del espacio exterior e interior. Galaxias de diferentes estilos, compases, texturas musicales abren paso a viscerales experimentos de sonido, ritmo y emociones plasmadas en voz.
En el atmospheric la belleza de las portadas es muy apreciada. Existen foros y perfiles en diversos lugares de internet dedicados únicamente al arte conceptual del atmospheric black metal. Nostalghia lo lleva un paso más allá: Ha declarado componer a partir de pinturas que despertaron su asombro. Para él, la obra pictórica de sus portadas, la paleta de colores y los simbolismos son parte activa composición musical y el relato de cada disco.
El objetivo de la apertura del disco, en palabras de Alex, es “reflejar el inicio de la experiencia psicodélica”. Y es que este disco se siente como una marea que te absorbe hacia el caos del universo. No escribo estas palabras al azar: las olas, el mar, el mundo onírico-astral son elementos metafóricos recurrentes de Void Ecstasy. Cuando experimentamos la caótica y desenfrenada travesía que es este álbum, de pronto la portada y el título cobran todo el sentido.
Void Ecstasy merece una revisión track por track. Sin embargo, destacaré sólo momentos clave que permitirán un panorama de las diversas experiencias musicales que forman este discazo. No por nada llegó al top de mejores álbumes del 2025 en más de un medio independiente, como aquí en Track To Hell.
Ya la primera canción, “Waves”, declara que la producción y la exploración armónica-sonora son parte activa de la composición musical del álbum. El músico muestra sin reservas su formación jazzística. La voz nos cuenta como las olas nos arrastran a la tormenta. El escucha advierte que no es un disco que seguirá lo establecido en el black metal. Más que eso: Ha entrado a un cosmos paralelo y no sabe si esta flotando o cayendo.
Segundo track: “Paracosm”. Se abre el vórtice. Escuchamos un gutural arrebatado dialogando con limpias suaves pero contundentes. Este contraste seductor genera un éxtasis catártico que no se hubiera logrado sin esas desquiciadas polirritmias. Todos los instrumentos son ejecutados con gran desempeño pero el solo de saxofón simplemente es una locura.
El single del álbum y el track favorito de muchos, incluyéndome.
Cambiamos a “Room to Dream”. Momento atmospheric. Una embelesante aparición femenina acompañada de un piano aparentemente suave pero progresivamente inquietante. Texturas sonoras y ruidos bien encajados nos sumergen en un ambiente amenazador y cambiante.
En la siguiente canción “Beyond Within”, sin prevenirlo estamos bailando alt-rock industrial a lo NIN en algún lugar del espacio matemático. Pero la canción no se limita a eso: Se van colando entre las notas ritmos complejos con melodías vocales emotivas más al estilo prog sueco. Dando culmen a guturales increíbles tanto por su brutalidad como por su expresividad que abren paso al más puro caos black metalero. Este termina otra vez fundiéndose con los sonidos industriales hasta desvanecerse.
Otra canción a destacar es “Totentanz”, única canción en español del álbum. Una muy interesante y bien lograda incorporación de ritmos latinos que no se sienten forzados o artificiales. Todo lo contrario: es una masterclass de cómo poner el ritmo al centro del escenario y hacer que el resto de elementos bailen uno a uno a su alrededor. Y una poética demostración que el metal en español lleva a melodías tan distintas como hermosas. (Pensándolo mejor, esta es mi favorita).
En suma, Void Ecstasy es introspección seguida de explosión. Siendo Nostalghia, se transforma, explora. Nos lleva a diferentes estados que transmutan, vuelven a su forma original para después fusionarse entre sí y estallar. Ninguna canción es estática. Cada una es un big bang por sí misma. Un viaje en el cual es imposible terminar donde se comenzó. Un retrato de creación y caos primordial. Una verdadera experiencia hacia el vacío y éxtasis.
Archspire publica el segundo adelanto de su próximo disco
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Los death metaleros técnicos Archspire han estrenado “Red Goliath”, segundo adelanto de Too Fast To Die, el nuevo disco de los canadienses que llegará a las tiendas el próximo 10 de abril.
Los canadienses regresan con este nuevo trabajo tras casi seis años desde el notable Bleed the Future, de 2021 y con el cual fueron galardonados en su país natal con el reconocido premio Juno, siendo una de las bandas más destacadas dentro de su estilo.
El tracklist del disco será el siguiente:
Liminal Cypher Red Goliath Carrion Ladder Anomalous Descent The Vessel Limb of Leviticus Deadbolt the Backward Too Fast to Die
El dúo californiano This Wild Life es conocido por su exquisito gusto a la hora de hacer música y por sus grandes covers, pero esta vez han ido un paso más adelante y es que con “Caramel”, mega hit popularizado por Sleep Token el año pasado (le pese a quien le pese, es un absoluto temazo), los chicos han creado uno de los mejores y más hermosos covers que se han hecho en los últimos tiempos.
El tema mantiene la estructura original, pero con unos arreglos de cuerda y vientos que son una maravilla y una delicia para el oído, sumados a la delicada voz de Kevin Jordan, hacen que sea muy complicado contener la emoción al instante que le das al play y comienza a sonar la canción.
El rock americano está de luto una vez más y es que la mítica agrupación Boston ha confirmado el fallecimiento de su vocalista Tommy DeCarlo a los 60 años tras una dura y agónica batalla contra el cáncer cerebral que le diagnosticaron el pasado mes de septiembre, dejando un gran dolor entre sus familiares y allegados.
DeCarlo se incorporó a la banda norteamericana en 2007 y llegó a grabar con ellos el disco Live, Love & Hope en 2013, tras haber sido un gran fan del grupo e incluso hacerles llegar un cover de los clásicos “Smokin” y “Don’t Look Back”, grabado en MySpace y que encandiló a sus componentes que no dudaron en ofrecerles el puesto de cantante, para sustituir al malogrado Brad Delp, quién terminó con su vida y se fue de este mundo justamente en 2007.
Hasta siempre Tommy y para el recuerdo quedan los clásicos de Boston con su voz que tan bien sonaba…Descansa en paz 1965 -2026.
Kubika: “Todos los temas del disco han sido minuciosamente trabajados antes de entrar al estudio”
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Con motivo del lanzamiento de su disco debut, nos reunimos con los chicos de Kubika para que nos cuenten toda la actualidad de la banda y alguna curiosidad más.
– ¿Cómo afrontáis la salida de Disorders y cómo ha sido el proceso de grabación del mismo?
Kubika: La salida de Disorders la hemos vivido muy intensamente, ha sido un día muy especial para nosotros. Teníamos muchas ganas de que este trabajo viera la luz en su totalidad y que pudiéramos hacer llegar al público todos los lados, aristas y vértices de este disco, Disorders, donde nos hemos volcado todos y cada uno de los componentes de Kubika. Ahora que el disco está en la calle, podemos decir que cerramos un capítulo y pasamos al siguiente.
Respecto al proceso de grabación, todos los temas han sido minuciosamente trabajados antes de entrar al estudio, para comenzar el proceso con toda la parte instrumental y vocal perfectamente clara. Las guitarras y el bajo se grabaron en MadRubik Studio. Estas pistas se enviaron a Alex Cappa, de Metropol Studios, que terminó de grabar batería y voces, y se encargó también de la mezcla y el máster.
–Beka, tu manera de cantar es especialmente llamativa y te diferencia de otras compañeras de la escena, cuáles son las personas que te inspiraron a ponerte delante de un micrófono) y ?Que bandas han influenciado a Kubika a la hora de plasmar su sonido?
Beka: Muchas gracias, agradecemos tus palabras . Tal vez mi voz y forma de cantar sea distinta precisamente porque nunca he perseguido seguir un patrón o fijarme especialmente en la forma de cantar de nadie. Soy yo al natural aunque, por supuesto, he tenido mis reinas, y muy distintas. Entre ellas podemos destacar a Wendy O Williams, Tina Turner, Angela Gossow, Amy Winehouse, Gloria Gaynor, Tatiana Shmaylyuk …
Kubika: Todos los miembros de Kubika tenemos influencias artísticas muy diferentes, que quedan plasmadas en nuestra forma de componer e interpretar la música. Si nos centramos en el sonido del grupo, el peso de la guitarra es prominente, con un sonido inspirado en bandas como Slipknot, Machine Head o Lamb Of God, entre otras.
– ¿Cómo ha sido la composición de las letras, ya que personalmente creo que es uno de los puntos fuertes del álbum?
Ha sido un proceso bastante complicado debido a la temática que hemos abordado en el disco, pues escribir acerca de ello requiere un alto grado de empatía que te permita explorar una gran variedad de emociones, con la idea de intentar acercarse, aunque sea un poco, a lo que podría llegar a sentir alguien en una situación así. Por supuesto, con un enfoque lo más respetuoso posible, para no herir la sensibilidad de nadie y, sin embargo, poner sobre la mesa un problema que, más allá de la patología, tiene una dimensión social que afecta a muchas personas, y a sus familias.
–Beka compartes sello discográfico con Hynphernia de Death & Legacy ¿Te ves colaborando con ella o que ella colabore con Kubika en algún momento?
Beka: Ya he colaborado con Cintia en directo, cantando una canción con su banda durante una gira de cinco días. ¡Fue muy divertido!. Así que, si se propone en algún momento, por nuestra parte estaríamos encantados y sería fácil de cuadrar.
– ¿Cuáles son los planes para la banda en lo que queda de 2026 y que podemos esperar de vosotros a nivel gira nacional?
De momento, tenemos muchas ganas de llevar nuestro disco al directo, esa es nuestra prioridad ahora. Tampoco queremos dejar de lado la composición de nuevos temas, así que trataremos de sacar tiempo para la parte creativa, la cual también nos encanta.
Respecto a una gira nacional, solo podemos ofrecer algunas fechas confirmadas, pero seguimos trabajando en cerrar más. Hasta la fecha, estaremos en:
16 de Mayo en Amayuelas de Abajo (Palencia). Festival Semilla Rock.
12 de Septiembre en Madrid, sala Siroco.
19 de Diciembre en Badalona, en Bloody Fest.
– Si tuvierais que girar con alguna banda internacional, ¿Cuál sería la soñada por toda la banda?
Como mencionamos anteriormente, cada miembro tiene diversas influencias e ilusiones, así que ponerse de acuerdo en una sola banda ha sido imposible.
Por eso, vamos a decir unas cuantas:
Beka: Me haría una especial ilusión girar con Jinjer!
Alex: Sería una auténtica pasada poder girar con Dream Theater o con Slipknot!
Berni: Un sueño hecho realidad sería girar con Tool.
Gonza: Me encantaría girar alguna vez con Tesseract o con Gojira.
Harakiri For The Sky en Madrid: “El triunfo de la desesperación”
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La Sala Revi Live se ha consolidado como ese rincón de Madrid donde el sonido rara vez te traiciona, y la noche protagonizada por Harakiri For The Sky y MurMur no fue una excepción. La entrada generosa, en una tarde muy lluviosa de jueves, demostraba las ganas que Madrid le tiene al post-black metal, vivimos una jornada donde la pesadez sonora y la sensibilidad se dieron la mano en una atmósfera muy cuidada, con ambas bandas dando un alección de técnica e intención.
Abrieron fuego MurMur, una formación que sabe moverse con elegancia entre las sombras del metal extremo. Su estilo es difícil de encasillar en una sola etiqueta, ya que combinan la agresividad rítmica del black con paisajes mucho más atmosféricos y experimentales. Lo que los hace singulares es precisamente esa capacidad de crear pasajes donde la tensión crece lentamente hasta estallar en una muralla. La voz de Beatriz es espectacular, con registros muy extremos. Visualmente el grupo sorprendió con una iluminación luminosa y ejecutada con mucho gusto, permitiendo apreciar la ejecución técnica sin perder ese aura de misterio que rodea sus composiciones, reforzado por las velas a pie de escenario y el altar.
Lo que realmente terminó de sellar la atmósfera de su actuación fue el componente ritualista que Bea despliega a lo largo de todo el set. No se trata de un simple aderezo escénico, sino de una parte integral de su discurso que obliga al espectador a detenerse. En esos momentos de pausa necesaria, la concentración de Bea es tan magnética que resulta imposible apartar la vista; su lenguaje corporal, cargado de una solemnidad mística, invita a leer en cada gesto y en la intensidad de sus expresiones la profundidad de una ceremonia que parece nacer de lo más hondo. Es una mezcla visual y sonora que encaja como un guante con el estilo de la banda, transformando el concierto en una experiencia compartida donde lo físico y lo musical se funden para golpear directamente en el subconsciente del respetable.
Tras el pertinente cambio de bártulos, pubntuales, llegó el momento de los austríacos Harakiri for the Sky. La banda liderada por Matthias Sollak (M.S.) en la composición y Michael Kogler (J.J.) en las voces ha recorrido un camino impecable desde su formación en 2011. Con discos como “III: Trauma” o el aclamado “Mære”, han perfeccionado una fórmula que ellos mismos ayudaron a definir: el post-black metal melódico. Su estilo se caracteriza por canciones de larga duración, donde los blast beats y la velocidad del black metal más crudo se funden con melodías de guitarra que beben directamente del post-rock. Esa dualidad entre la desesperación y la belleza es lo que hace que temas como “Fire, Walk with Me” o “Sing for the Damage We’ve Done” resuenen de forma tan profunda.
En esta ocasión, el apartado visual fue clave para sumergirnos en su propuesta. A diferencia de lo que vivimos en su anterior paso por la Sala Moby Dick, casi por completo a oscuras menos la luz del proyector y algo de relleno o en su bolazo en el Resurrection Fest de Viveiro, donde el uso del contraluz era tan extremo que los músicos eran siluetas, en la Revi Live optaron por un juego de luces algo más equilibrado. Predominaron los azules profundos, los morados y el rojo, subrayando la carga dramática de las letras de J.J., quien, como es habitual, se dejó el alma en cada frase, moviéndose por el escenario como si estuviera librando una batalla interna, arrodillado de espaldas frente a la batería o enrollando el cable del micro en su cuello para dejarnos la ya emblematica imagen simulando una horca. También se acercó en el bis al público, bajando a la valla de seguridad y dejándose querer, fue un momento emocionante, tan solo empañado por el mar de móviles que lo rodeó.
En un estilo donde las capas de guitarras pueden convertirse fácilmente en una masa, el técnico de la sala logró que cada arreglo melódico se diferenciara y disfrutara, permitiendo que la batería se pudiera diferenciar de las voces o las partes más atmosféricas. Lo que ocurrió en la Revi Live fue, en esencia, una transición impecable de lo ceremonial a lo visceral. MurMur nos preparó el espíritu con su ritual, Harakiri for the Sky se encargó de ponerle banda sonora a ese trance con solvencia. Rara vez se siente una sinergia tan natural entre la propuesta de dos bandas y el entorno que las acoge; la sala no solo prestó sus muros, sino que su fidelidad acústica permitió que la carga emocional de los austríacos no se diluyera en el estruendo. Una noche redonda, de las que te hacen volver a casa con la sensación de que el género sigue encontrando nuevas formas de golpear, y de sanar.
Uno de los nombres propios del metal pesado norteamericano como son Whitechapel, han confirmado que volverán a las salas españolas el próximo año de la mano de Route Resurrection y con un cartel más que interesante.
Phil Bozeman y los suyos pasarán por dos ciudades de nuestro país y por si no fuese suficiente, lo harán acompañados ni más ni menos que por Sylosis, 200 Stab Wounds desde Cleveland y con un death metal tan abrazador como su lugar de procedencia, los chicos de Tribal Gaze desde Longview, Texas, serán los encargados de abrir este póker de ases dentro del metal extremo actual, en las siguientes ciudades:
5 de Febrero de 2027 – Madrid – Sala Wagon (+ Sylosos + 200 Stab Wounds + Tribal Gaze)
6 de Febrero de 2027 – Barcelona – Razzmatazz 2 (+ Sylosis + 200 Stab Wounds + Tribal Gaze)
Las entradas estarán disponibles a partir del 12 de marzo desde las 11.00 AQUÍ.
Alissa White Gluz presenta a su nueva banda Blue Medusa
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La artista canadiense Alissa White Gluz ya tiene todo en marcha para su nueva etapa y que mejor inicio para la misma que desvelar como es su nuevo proyecto, pues bien, la banda se llama BlueMedusa y está formada exclusivamente por mujeres, quizás demostrando, el poderío que sus nuevas compañeras presentan.
Así pues la banda está compuesta por las siguientes integrantes:
Alissa White Gluz – Voz Principal
Alyssa Day – Guitarra
Dani Sophia – Guitarra
Mientras en directo el trío contará con Alicia Vigil (Dragonforce, Vigil of War) como bajista y Delaney Jaster (Ex-Stitched Up Heart) como batería, configurando una gran unión entre todas que esperemos pronto poder ver debutar en el viejo continente.
De momento ya han sido confirmadas en el Louder Than Life y en el Aftershock Festival 2026.
Los chicos de From Ashes To New se encuentran cada vez más cerca de lanzar Reflections, su esperadísimo nuevo trabajo, el cual llegará a las tiendas el próximo 17 de abril vía Better Noise Music y del cual acaban de lanzar el videoclip de “Die For You”, su nuevo y potente single, que demuestra el excelente estado de forma que presenta la banda en la actualidad.
Os recordamos que el tracklist del álbum contendrá las siguientes canciones:
01. Drag Me 02. Forever 03. Villain 04. Die For You 05. Black Hearts 06. Upside Down 07. (Not) Psycho 08. Parasite 09. New Disease 10. Darkside 11. Falling From Heaven 12. Your Ghost
Guilt Trip traerá su potente y callejero directo a España
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La poderosa banda británica Guilt Trip está muy cerca de regresar a España, en el marco de su nueva gira europea, la cual recalará en nuestro país gracias a Route Resurrection y donde podremos deleitarnos con el arrollador directo que tienen estos chicos.
Seguramente sean muy pocos a los que si en 2026 les pregunto por Alien Ant Farm se acuerden, pero si, los de Riverside, vuelven este año con un nuevo single (que siendo sinceros, nadie pidió, pero quienes somos nosotros para negarles que vuelvan a hacer música) llamado “Reasons” y donde parecen llevarnos sin escalas a sus días dorados a comienzos de los 2000.
De la mano de Judge & Jury Music, Dryden Mitchell y los suyos recuperan ese sonido alternativo con pinceladas de nu metal que tantas alegrías les dio con un toque actual que podéis disfrutar a continuación:
La banda norteamericana Sevendust ha estrenado el videoclip de su nuevo single “Unbreakable”, tema que estará incluido dentro del próximo disco de la banda lidera por Lajon Whiterspoon, que llevará por título One y estará diponible a partir del 1 de mayo a través de Napalm Records.
Los de Atlanta, vienen de saldar (a medias, ya que no fue un show completo, si no un set corto, pero impecable) una deuda con el público español al presentarse en Madrid y Barcelona, acompañando a Alter Bridge y ahora solo queda saber si con el nuevo disco, podrán realizar una gira como “Headliners” en nuestro país…El tiempo dirá y mientras tanto os dejamos con el videoclip a continuación:
Una cubierta distópica y un título a juego nos reciben en esta nueva entrega de los alemanes Assignment. Se trata de With the end comes silence (Massacre Records), su sexto álbum de estudio.
Fundada en 1994, esta banda de power metal progresivo ha vivido una trayectoria interesante: comenzaron sonando más cercanos al trash y death Metal, camino que han abandonado para abrazar un estilo más limpio, entre lo heavy y lo melódico.
El que tenemos ahora entre manos es un álbum bastante canónico en su género, aunque también nos encontramos con pequeños detalles que aportan frescura y captan nuestra atención, especialmente algunas intros con sintetizador muy reconocible y algunos solos muy pegadizos de parte de Goran Panic, miembro fundador de la banda y un maestro a la guitarra.
Su actual vocalista (desde 2016) es el argentino Diego Valdez, con una voz que nos recuerda a las tonalidades propias de Jorn Lande, Bob Catley o el mismísimo Dio, aunque más comedido en su performance.
También de habla hispana encontramos a su compatriota Inés Vera Ortiz (ahora afincada en España) a quien reclutaron para una colaboración vocal en su “Reflections” de 2020 y aún forma parte de la “Familia Assignment” tal y como figura en su web.
Especial mención al teclista, Bratislav Metulski, cuya apariencia y descripción en la web de la banda merece despertar nuestra curiosidad, además de demostrar una elevada calidad musical, que aporta personalidad al grupo.
La temática del álbum está clara: el fin de la sociedad, el control, el riesgo de la indiferencia, la hipocresía… advertencias que no son en su caso fatalistas sino que invitan a la reflexión y a un cambio de rumbo que quizás aún sea posible.
Comenzando por “Fallen”, primer single del proyecto, nos adentramos en un álbum que critica al poder y a la falta de valores de la sociedad actual, llamando a la resistencia, pero sin hacer acusaciones concretas, como si nos introdujera en una novela de ciencia ficción que sirviera de espejo a diferentes momentos de la historia humana.
La segunda canción “Nothing to say”, con una bonita intro entre guitarras y teclados para luego descender a una mayor oscuridad con la adición de la voz, continúa esta estela, avanzando un poco más en el leitmotiv del disco.
La siguiente “Beyond recognition” ha captado mi atención por su tono más íntimo en la voz acompañada por un sintetizador de aire fantasmal en los primeros compases, para luego crecer en volumen y dureza, conteniendo un solo especialmente bello hacia la mitad de la canción.
“Lost words” también interesa con un inicio insistente, como una breve alarma, que la hace inconfundible y nos pone en alerta para escuchar una de las canciones más power metaleras del disco.
“The tower” continúa la metáfora del poder y el control de las masas, se perfila como una canción muy bien construida, con un ritmo fluido y varios cambios que la hacen especialmente interesante.
Avanzamos hasta la sexta canción “Selling my soul” que explora el tema de la culpabilidad del individuo en un sistema que le da pocas opciones de redención.
“Call for heaven” refuerza la imaginería para-religiosa del disco (alma, ángel, paraíso) e introduce unos coros y unas interrupciones muy originales que nos recuerdan la vocación progresiva de la banda
La octava canción, “Angel of Berlin” también ha sido single, y nos habla de una mano amiga acompañándonos en el camino a la redención, porque a veces lo único que necesitamos para hacer lo correcto es que alguien nos deje vivir y nos aporte paz.
El noveno corte es el que da nombre al disco “With the end comes silence” muestra una estructura interesante, en mi opinión la más progresiva y experimental del álbum (junto con la mencionada “Call for heaven”), y que resulta uno de los puntos fuertes y más cañeros del recorrido.
Y con la décima “The curtains fall”, finalizamos el álbum de forma muy redonda, incluso musicalmente, ya que los últimos acordes, pesados y alargados, nos dan sensación de cierre para esta aventura de ciencia ficción distópica que hemos recorrido con esta banda internacional, con base en Alemania.
En resumen: más de una hora de canciones de entre cinco y ocho minutos, agradables para el oído y con letras satisfactorias. No intentan sorprender ni innovar excesivamente, pero sí ofrecen un disco muy depurado, que suena clásico y confortable, a la par de invitar a la reflexión sobre el mundo actual. Heavy, melódico pero con pegada, que se hace más progresivo a la vez que avanza el disco. Merece la pena la escucha.
Aún siento el latido rítmico de la sangre en mi rodilla izquierda, una pulsación que compite con el zumbido eléctrico que me dejaron los amplificadores en los oídos. La noche de aquel viernes invernal quedará marcada en mi cabeza —literalmente— como el día en que la voluntad venció al asfalto.
Todo empezó con un error de cálculo. El pavimento de Barcelona, traicionero y brillante por la lluvia, decidió que mi bicicleta y yo no éramos compatibles. Al frenar, en un segundo volé sobre el manillar en una imitación patética de Superman, aterrizando con todo el peso sobre mi rodilla y las palmas de las manos. Me levanté entre el dolor sordo y el calor de la abrasión, viendo cómo restos de mi piel se quedaban pegados al cemento, pero la misión era innegociable. No importaba la hinchazón que empezaba a deformar mi pierna ni el escozor de las manos raspadas: la gira de despedida “No Tomorrow” de The Crown no iba a suceder sin mí. La última vez que los había visto había sido en Wacken, en 2003, y esta despedida no me la iba a perder.
El sacrificio de llegar semicojeando y empapado en adrenalina tuvo un precio: el silencio de las dos primeras bandas, Reticulate y Heldave, que me perdí por el incidente. Pero en cuanto puse un pie en la Lennon’s y bajé las escaleras supe que el infierno me estaba esperando con los brazos abiertos.
Entré justo cuando la formación definitiva —parte de esa alineación sagrada que grabó The Burning en 1995 y que ahora camina con paso firme hacia su disolución tras 35 años de trayectoria— tomaba posiciones de combate sobre el escenario. El ambiente en la sala era ya denso, cargado de esa electricidad previa que solo aparece cuando el público sabe que está a punto de presenciar algo irrepetible.
Ver a Johan Lindstrand plantado en el centro como un auténtico maestro de ceremonias del apocalipsis, con esa mirada que siempre ha mezclado locura, desafío y una gratitud casi tangible hacia el público, me hizo olvidar al instante el dolor físico que arrastraba. En cuestión de segundos la adrenalina sustituyó cualquier molestia.
Arrancaron con la violencia quirúrgica de “Killing Star (Superbia Luxuria XXX)” y la mítica “Deathexplosion”, dos piezas que funcionaron como un manifiesto inmediato de lo que estaba por venir. Bastaron esos primeros minutos para recordar por qué esta banda ha sobrevivido tres décadas y media en la cima del culto underground sin perder un ápice de ferocidad.
El sonido era una auténtica apisonadora. No se trataba de volumen sin control, sino de un caos perfectamente calibrado, afinado en Re, que golpeaba el esternón con cada doble bombo de Mikael Norén. El batería tocaba como si quisiera reventar cada parche en su última vuelta al mundo, descargando una potencia física que convertía cada tema en un martillazo continuo sobre la caja torácica del público.
Las guitarras de Marko Tervonen y Marcus Sunesson se entrelazaban con una precisión casi quirúrgica, alternando riffs serrados y aceleraciones fulminantes que recordaban por qué The Crown siempre ha estado un paso más allá del death metal sueco convencional. La ejecución de “Executioner (Slayer of the Light)” e “In Bitterness and Sorrow” fue el recordatorio perfecto de que The Crown no se retira por decadencia ni por cansancio: lo hacen por pura integridad artística, escogiendo desaparecer cuando aún están en el punto más alto de su brutalidad.
El despliegue de Mattias Rasmussen al bajo aportaba esa mugre punk y crust que siempre ha diferenciado a esta banda del sonido más pulido de Göteborg. Su forma de tocar no era solo una base rítmica; era una capa de suciedad sonora que daba profundidad al conjunto, un rugido grave que se sentía en las vibraciones del suelo y en las costillas de quienes estábamos pegados al escenario.
Cada palm mute, cada aceleración y cada frenazo repentino tenía una respuesta inmediata en el público, que empezaba a moverse como una única criatura colectiva. Sin embargo, el aire de la sala cambió de densidad y temperatura cuando llegó “Satanist”. A partir de ese primer acorde, el concierto dejó de ser simplemente una presentación de despedida para transformarse en un viaje psicotrópico directo a lo más visceral de los años noventa.
Los mosh pits en la pequeña sala de L’Hospitalet dejaron de ser empujones coordinados para convertirse en auténticos remolinos humanos. Era una marea de cuero, parches y sudor girando sin control, un torbellino de cabezas agitadas al ritmo de blast beats implacables.
En medio de ese caos perfectamente natural, mi rodilla herida era solo un recordatorio táctil de que estaba vivo y presente en el epicentro del ruido. Había algo profundamente primitivo en la experiencia: la sensación de estar participando en un ritual colectivo donde la música funcionaba como catalizador de toda la energía acumulada durante años escuchando a esta banda.
El momento de mayor carga espiritual y emocional llegó con el tributo a Tomas Lindberg. Con su fallecimiento en septiembre de 2025 aún demasiado reciente, el peso de su legado flotaba en cada rincón de la sala. Johan, con una honestidad que cortó el ambiente como una cuchilla, hizo una pausa para recordar cómo “Tompa” salvó la integridad de la banda en 2002 con aquel legendario Crowned in Terror.
Sus palabras no fueron largas ni grandilocuentes, pero bastaron para que el silencio se volviera absoluto durante unos segundos. Cuando sonaron los primeros acordes de ese tema, la Lennon’s rugió en un homenaje colectivo a la leyenda de At The Gates. Fue una comunión de respeto old school que nos erizó la piel a todos: el reconocimiento tácito de que sin aquella breve pero intensa etapa quizá la banda no habría llegado hasta este 2026.
Después de ese instante cargado de memoria, la maquinaria volvió a ponerse en marcha sin concesiones. Siguieron machacándonos los sentidos con “At the End” y la blasfema “Kill (The Priest)”, mientras Marcus Sunesson disparaba solos técnicos y melódicos que elevaban el ruido a la categoría de alta ingeniería musical.
No era solo velocidad o agresividad: había una claridad compositiva en cada fraseo que recordaba por qué The Crown siempre ha sabido equilibrar brutalidad con precisión. El público respondía con una intensidad casi física, como si cada riff fuese una orden directa de movimiento.
Al llegar a “Blitzkrieg Witchcraft” ocurrió algo que rara vez se ve en un concierto de death metal de esta intensidad. Entre la nube de humo, luces rojas y cabezas agitándose, vi a los fundadores Marko Tervonen y Sunesson intercambiar una mirada fugaz y esbozar una pequeña sonrisa de complicidad y triunfo.
Fue un instante breve, casi invisible para quien no estuviera atento, pero tremendamente significativo. Estaban observando a su ejército de metalheads entregados al cien por cien: un hervidero humano que validaba treinta y cinco años de sudor, furgonetas, carreteras interminables y escenarios sofocantes. Aquella sonrisa era el reflejo de una hermandad que se despedía en sus propios términos, sin concesiones y sin nostalgia impostada.
Tras la descarga final de “Angels Die”, “The Poison” y la despedida oficial con la devastadora “Total Satán”, la banda abandonó el escenario envuelta en una ovación que parecía querer derribar las paredes de la sala. Durante unos segundos las luces permanecieron bajas y el ruido del público no disminuyó.
No era el típico aplauso educado de final de concierto; era un clamor visceral, casi desesperado, como si nadie quisiera aceptar que aquello estaba terminando. Y, de alguna manera, esa energía terminó imponiéndose.
El público en L’Hospitalet se negó a aceptar el final, y la intensidad de esa reacción era tan tangible, tan eléctrica, que los suecos decidieron romper su propio protocolo de “sin bises artificiales”. Volvieron al escenario entre vítores ensordecedores y, sin demasiadas palabras, atacaron un encore que aparentemente no estaba en los planes: “1999 – Revolution 666”.
Escuchar ese himno de Hell Is Here fue la culminación perfecta de una noche que ya se sentía histórica. El riff principal cayó sobre la sala como un último bombardeo sonoro, y el público respondió con una última explosión de energía colectiva.
Cuando todo terminó de verdad, salí de la sala bajo la fría lluvia de marzo, cojeando visiblemente y con las manos ardiendo por las heridas abiertas de la batalla en el foso. Pero también con la absoluta certeza de que no hay mejor forma de presenciar el final de una era que desde la primera línea de fuego.
Había pagado el precio de la entrada con mi propia piel, sí, pero también me llevaba algo imposible de comprar: la memoria imborrable de haber vivido una despedida honesta, brutal y gloriosa, con la retina y los oídos completamente saciados de death metal sueco de alto octanaje.
La legendaria banda neerlandesa de death/doom metal Asphyx regresará a España la próxima semana con dos conciertos exclusivos dentro de su paso por la península. El grupo liderado por Martin van Drunen actuará el 13 de marzo en Madrid, en la sala Nazca, en una cita muy esperada por los seguidores del death metal clásico.
Un día después, el 14 de marzo, la banda se trasladará a Barcelona, donde ofrecerá su segundo concierto en la ciudad condal dentro de esta mini gira española. Ambos shows forman parte de una serie de fechas especiales en las que el grupo repasará gran parte de su discografía, incluyendo material de trabajos fundamentales como The Rack, Last One on Earth y su etapa más reciente.
Las dos fechas contarán además con bandas invitadas que completarán una noche dedicada al metal extremo. Con más de tres décadas de trayectoria y un directo reconocido por su intensidad, los conciertos de Asphyx en Madrid y Barcelona se perfilan como una oportunidad única para ver a una de las formaciones más respetadas del death metal europeo en salas.
John Robert C. (Crystal Lake): “Cuando leo algunos comentarios negativos siento que simplemente están llorando.”
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Crystal Lake está de vuelta con nueva música, nueva energía y una nueva etapa. Tras el lanzamiento de su último álbum el pasado viernes, hablamos con John Robert C., el nuevo vocalista de la banda, sobre su entrada en el grupo, el proceso creativo del disco, las colaboraciones, la reacción de los fans y cómo es formar parte de una banda japonesa siendo de Brooklyn. También hablamos sobre la próxima gira europea con parada en España y sobre cómo compagina su vida como cantante con la de padre.
Quería preguntarte: es el primer disco completo que haces con la banda, si no me equivoco.
Sí.
¿Cuál fue el enfoque para vosotros con esta nueva formación y cómo presentarse al al mundo del metalcore? ¿Cómo empezásteis con esto?
No creo que su mentalidad haya cambiado con mi entrada en la banda. Creo que yo me he adaptado al camino que ellos ya tenían. Y creo que eso es algo bueno. No estamos intentando cambiar lo que es Crystal Lake. Como siempre, la idea es transmitir emoción feroz, ya sea algo emocional desde el corazón, o que quieras hacer mosh, o hacer headbang, lo que sea. Ese siempre es nuestro enfoque: la emoción. Incluso si la banda insiste en algo, si no puedes tocar perfecto, al menos transmite algo. Todo gira alrededor de la emoción.
Eso es genial, porque es exactamente lo que sentí escuchando el álbum. Hay algunas diferencias entre el anterior cantante, Ryo, y tú, pero siento la misma energía.
Todo está quizá un poco más pulido, pero sigue estando la emoción. Creo que esa es la palabra perfecta para describir a Crystal Lake. Puedes sentir muchos tipos de emociones: rabia, belleza, tristeza… todo.
Relacionado con el álbum, tienen colaboraciones increíbles. Jesse Leach, Taylor Barber de Left to Suffer, que es un cantante brutal, y David de Signs of the Swarm. ¿Teníais todo esto planeado desde el principio?
Desde que entré en la banda he estado diciendo que teníamos que hacer colaboraciones con David, Carl y Taylor. Lo repetí muchas veces. Revisamos nuestras listas de amigos: YD, Mitsuru, Gaku, TJ y yo. Pensamos en quién sería un gran cantante y quién querría participar.
Hablamos con todos nuestros amigos casi al mismo tiempo. Y resultó que llevábamos mucho tiempo hablando de estas personas. Tener a alguien como Mike Terry en nuestro álbum es increíble porque lo conozco desde hace mucho. Conozco a Taylor desde hace años, también a David. Es genial poder trabajar con amigos y también crear nuevas conexiones con cantantes legendarios como Carl y Jesse.
Intento modelar la forma en la que transmito emociones inspirado en Jesse Leach. Él suena como si se estuviera muriendo cuando canta. Suena como si estuviera en llamas. Su voz está llena de emoción. Y en cuanto a letras, Carl es una inspiración enorme para mí. Misery Signals es una de las bandas underground más importantes y sus letras son muy emocionales, muy inteligentes. Me encanta eso.
Hacer lo que amas con amigos debe ser increíble, especialmente con música. ¿Cómo estáis recibiendo la reacción del público? He visto muchas opiniones positivas sobre el álbum.
Sí, definitivamente he visto positividad, lo cual es genial. Los únicos comentarios negativos que veo parecen venir de gente que no quiere que el álbum sea bueno. No es que realmente no les guste, sino que sienten que “no debería ser bueno”.
En otras bandas he recibido críticas negativas y podía entenderlas. Pero ahora, cuando leo comentarios negativos, siento que simplemente están llorando. Estoy sintiendo el apoyo positivo. Sabremos mejor cómo funcionó el álbum después la gira con Miss May I. Si a la gente realmente le gusta, mantendrá las luces de mi casa encendidas. Si no, las apagaremos.
Quiero decirte algo: lo que hiciste es increíble. Entrar en Crystal Lake, una banda enorme de Japón, no es fácil.
Gracias.
La banda lleva activa desde 2002 o 2003, si no me equivoco.
Sí, es una locura. Mucho tiempo.
Creo que mucha gente esperaba que fallaras. Como: “¿Será capaz de llenar los zapatos de Ryo?”
Sí, la gente quiere que falles. Pero también entiendo esa reacción. A mí mismo me pasa cuando una banda cambia de cantante. Muchas veces pienso: “El antiguo era mejor”. Soy el primero que dice eso sobre otras bandas.
También eres padre, ¿no?
Sí. Soy padre a tiempo completo y cantante a tiempo completo. Cuando me voy de gira dejo a mi pareja con nuestro hijo, tres gatos, una casa y dos coches. Y le digo: “Nos vemos en unos meses”.
Ser padre es más difícil que ser cantante, pero también es más divertido. Me encanta ser padre. Corro por la casa, juego con mi hijo. Mi chica odia cuando estoy corriendo y gritando por la casa, pero yo lo adoro.
Vais a venir de gira por Europa pronto. Estaréis en España en marzo con Miss May I, The Great American Ghost y Diesect. ¿Cómo os sentís con esta gira?
Me encanta tocar en España. Estoy muy emocionado de tocar en salas cerradas, me gustan los festivales, pero en una sala pequeña puedes interactuar con el público. Puedes sacar el micrófono y hacer que toda la sala grite. En festivales grandes eso no funciona igual.
La sala en Barcelona tiene unas 800 personas. Es un tamaño perfecto.
Sí, me encantan las salas pequeñas.
Quería preguntarte también por el tema cultural. Tú eres de Brooklyn y te uniste a una banda japonesa. Es una diferencia cultural enorme. ¿Cómo lo manejaste?
Intento adaptarme, igual que ellos cuando vienen aquí. No hablo japonés lo suficiente para tener conversaciones largas. Mis compañeros hablan inglés, pero en Japón a veces estoy en una mesa con gente y simplemente me quedo callado. Aprender un idioma es difícil con mi vida: giras, ser padre, trabajar. Pero me adapto al ambiente. Aunque no hablemos mucho, puedo sentir la vibra y pasarlo bien. Tengo amigos japoneses que apenas hablan inglés, pero aun así somos buenos amigos.
Cuanto más tiempo pasas allí, más aprecias su cultura.
Por ejemplo, algo que me encanta es cómo usan las escaleras mecánicas. La gente se pone a un lado para que los demás puedan pasar. En Estados Unidos la gente se queda en medio con la mochila y nadie puede pasar. Son pequeñas cosas culturales. También me gusta mucho su etiqueta en los restaurantes. Tienen una frase para agradecer la comida al terminar. Es algo muy bonito.
Recuerdo la primera vez que llegué a Japón. Bajé por una escalera mecánica y me quedé en medio con mi maleta. Me dijeron inmediatamente que me apartara a un lado. Luego vi a todo el mundo haciendo fila para el tren y pensé: “Ok… esto va a ser muy diferente”.
Imagínate cómo es para ellos. Durante 24 años la banda era solo japonesa y de repente aparece un italiano-americano de Brooklyn.
Soy como un niño dibujando en las paredes con un rotulador dentro del grupo. Incluso me han corregido cómo dejar los palillos en la mesa. En Japón no puedes dejar los palillos clavados en la comida porque eso se hace en ceremonias funerarias. Así que a veces estoy solo intentando comer ramen y alguien me corrige cómo dejo los palillos. Pero así es la cultura. Para ellos es natural.
Para mí también hay cosas naturales, como poner el tenedor en la comida. Yo soy muy bromista. Siempre estoy haciendo chistes, poniendo apodos a la gente. Tengo una frase que digo siempre: “This is America”. La digo en cualquier parte del mundo, incluso cuando estoy en otro país. Es como mi frase típica.
Creo que ya terminamos nuestras preguntas. Solo quiero darte las gracias, John. Fue increíble hablar contigo. Nos vemos en Barcelona.
Sunder, el tercer álbum de la banda finlandesa Atlas, está profundamente marcado por el entorno del que proviene el grupo. La oscuridad prolongada de los inviernos cercanos al círculo polar ártico se convierte en el telón de fondo emocional de un disco que respira melancolía, tensión y pesadez. En apenas 29 minutos, el quinteto plantea un trabajo compacto donde los riffs masivos, las atmósferas densas y una fuerte carga emocional conviven dentro de un metal moderno que apuesta más por la intensidad que por la duración.
El álbum abre con “Sermon Of The Dying Light”, una introducción breve que construye una sensación de inquietud antes de dar paso a “Tower”, uno de los temas más directos del disco. Allí Atlas descarga guitarras pesadas con cierto aire djent y un groove marcado que sostiene las voces ásperas y agresivas. El resultado es una pieza contundente que establece rápidamente la identidad sonora del álbum y demuestra la capacidad del grupo para combinar impacto inmediato con un trabajo atmosférico cuidado.
“Salt and Sulphur” amplía esa propuesta incorporando cantos de aire ritual y las primeras voces limpias, dejando claro que Sunder no se limita a la agresividad. Atlas equilibra riffs aplastantes con momentos más melódicos y emotivos, creando canciones que funcionan tanto por su peso como por su atmósfera. La producción, con mezcla y masterización de Buster Odeholm, refuerza esa dualidad: el sonido es potente y detallado, pero evita el exceso de pulido y mantiene una sensación orgánica.
Musicalmente, el disco se mueve dentro del metal contemporáneo pero absorbiendo influencias diversas. Hay rastros de metalcore, metal progresivo, doom melódico e incluso post-metal, todo presentado con un enfoque moderno y cinematográfico. Las comparaciones con bandas como Orbit Culture pueden surgir por la contundencia de las guitarras, aunque Atlas adopta un tono más introspectivo y reflexivo, apostando por canciones que priorizan la atmósfera y la emoción.
La segunda mitad del álbum refuerza ese carácter más emocional con piezas como “I Whisper Your Name Like A Curse”, cargada de melancolía, o “Coven Of Two”, que mezcla peso metálico con una estructura más dramática. Canciones como “Anodyne” intensifican esa sensación de angustia mediante contrastes entre voces limpias y momentos más abrasivos, manteniendo siempre la idea central del disco: un metal moderno, oscuro y conciso que transforma la frialdad del invierno nórdico en un paisaje sonoro intenso y envolvente.
Harakiri For The Sky en Barcelona: “Desgarrándote el pecho”
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El pasado miércoles, Barcelona se convirtió en el epicentro del post-black metal con la visita de Harakiri For The Sky. En marco al Scorched Europe Tour – Part II, más de 220 personas se reunieron para vivir una noche cargada de intensidad, emociones y atmósferas densas, en un show que, pese a un pequeño retraso, se convirtió en uno de los más memorables del año gracias a un sonido impecable que competirá con los mejores conciertos de la temporada.
La velada comenzó con Murmur, la banda de Getafe que se ha ganado reconocimiento gracias a su reciente EP Red Hill. Los jóvenes músicos desplegaron una energía notable, mezclando riffs afilados con atmósferas melódicas que captaron la atención del público desde el primer acorde. Su actuación, compacta y convincente, sirvió como la introducción perfecta para preparar a la audiencia para la intensidad que estaba por venir.
Cuando Harakiri For The Sky finalmente subió al escenario, la expectación se convirtió en éxtasis colectivo. Desde los primeros compases de “Heal Me”, la banda austriaca envolvió a la sala con su característico sonido melancólico, donde cada guitarra y cada golpe de batería parecía construir un paisaje emocional que se expandía más allá del escenario. La atmósfera fue oscura, densa y absorbente, manteniendo al público completamente entregado durante todo el set.
Canciones de sus discos más emblemáticos se alternaron con piezas más recientes, y la precisión técnica de la banda, sumada a la potencia emocional de las voces, hizo que cada tema impactara con fuerza. Los momentos más introspectivos se equilibraron con explosiones de intensidad sonora, creando un contraste que mantuvo la atención y emoción de los asistentes en un nivel constante. La banda haría una falsa despedida al finalizar “Sing for the Damage We’ve Done”.
El comienzo de “Keep Me Longing”, anunciaba el final de una gran noche. Harakiri For The Sky logró que cada persona en la sala se sintiera parte de la narrativa que la banda construye con su música: un viaje por la desesperanza, la belleza y la intensidad emocional. J.J. bajo del escenario para terminar las ultimas estrofas entre un publico que calidamente lo rodeo y acompaño. HFTS nunca decepciona.
SPEED tiene todo preparado para su debut en Argentina
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Una cita imperdible para los amantes del Hardcore. Los australianos SPEED, van a decir presente por primera vez en el país, el próximo sábado 14 de marzo, para desplegar toda la furia y crudeza de su música. El evento se desarrollará en Uniclub (Guardia Vieja, 3360 C.A.B.A), en el barrio porteño de la Ciudad de Buenos Aires. Los estarán acompañando los norteamericanos Clique.
De Australia para el mundo
Provenientes de Sidney, Speed es una de las grandes sensaciones dentro de la escena actual del Hardcore Punk. Formados en 2019, el grupo rápidamente ganó popularidad y relevancia por su estilo agresivo y explosivo. Su sentido de pertenencia y hermandad muy reminiscente a la esencia más pura del género les ha permitido convertirse en una agrupación representativa del under.
Influenciados por el sonido neoyorkino de bandas de los 90’ como Madball o Biohazard, la propuesta de los australianos ha destacado por el enfoque “rítmico” (Groove) de sus guitarras, y el uso de voces callejeras para expresar su música.
Discografía directa al hueso
La banda cuenta con 3 EPs oficiales y un disco de larga duración. Su debut Only One Modeen lanzado en julio de 2024, fue toda una revelación en el circuito australiano, tras ganar el premio ARIA (Australian Recording Industry Associational) Mejor Álbum de Hard Rock o Heavy Metal. Un hecho histórico para la movida Hardcore del país.
Con este impulso musical bajo sus pies, editaron su más reciente trabajo All My Angels (2025). Este trabajo compuesto por 3 canciones muestra una faceta desgarradora y emotiva del grupo, ya que aborda temas relacionados a la pérdida y el dolor.
No obstante, el foco musical sigue siendo el mismo: intensidad, potencia, adrenalina, breakdowns y un fuerte sentido de identidad callejero.
Actualidad y gira por Latinoamérica
La banda fue fundada por los hermanos Siow, siendo Jem su principal vocalista y Aaron el que está a cargo de las líneas de bajo. El resto de la alineación la completan los guitarristas Joshua Clayton y Dennis Vichidvongsa, y el baterista Kane Vardon.
Actualmente el grupo se encuentra visitando Latinoamérica por primera vez como parte de su gira “Latin America Tour – March 2026”, que tiene como parada países como Colombia, Ecuador, Perú, Chile, Brasil e incluso México. Este tour, los trae acompañados por la banda estadounidense de hardcore punk, Clique, que ha ganado un fuerte impulso en los últimos años.
De esta manera, los oriundos de Sidney llegan a la Argentina el próximo 14 de marzo a Uniclub, en una noche que promete una descarga de energía cruda y agresiva de Hardcore. Las entradas se encuentran disponibles a través del sistema Alpogo.
En Track To Hell siempre estamos atentos a lo que mueve el metal y sus ramificaciones, y febrero de 2026 no decepcionó. Este mes nos trajo discos que nos hicieron girar la cabeza, romper cuellos y emocionarnos al mismo tiempo. En esta publicación, varios miembros del staff compartimos cuáles fueron los lanzamientos que más escuchamos, repasando lo que nos impactó y nos mantuvo en bucle durante todo el mes.
1) Cryptic Shift – Overspace & Supertime
El cuarteto de Leeds vuelve tras seis años con una bestia de 80 minutos repartidos en apenas cinco temas. Death/thrash progresivo que bebe de Voivod, Atheist, Obscura y algo de Death, pero con voz propia y una ambición descomunal.
El plato fuerte es “Stratocumulus Evergaol”, una épica de 29 minutos dividida en seis movimientos que podría ser el disco entero de cualquier otra banda. Jazz fusion, técnica y una narrativa de ciencia ficción construida con obsesivo detalle completan el material. Difícil, densa, exigente — pero para quienes se entreguen, una de las obras más importantes del metal extremo en años. Disco del mes y del año!!!!
2) Ponte Del Diavolo – De Venom Natura
Los italianos se mandaron un discazo que suena a ritual pero con mucha onda. El disco es una mezcla rara: tiene la pesadez del metal, el ritmo del post-punk y una voz femenina que te hipnotiza. Lo más loco es que usan dos bajos en vez de los instrumentos de siempre, logrando un sonido súper profundo. Es ideal para escuchar de noche si te gusta la música con atmósfera, misterio y un toque “brujeril” sin ser puro ruido.
Es un disco de Heavy Metal clásico puro y duro. Olvidate de experimentos raros; acá tenés guitarras gemelas a toda velocidad, estribillos pegadizos y mucha energía al estilo de la vieja escuela (Iron Maiden o Helloween). Aunque no inventan la pólvora, los tipos tocan con una pasión que te vuela la cabeza. Es música optimista, rápida y diseñada para hacer “pogo” en el living de tu casa.
Un gran regreso de esta banda francesa de sleaze metal. Y digo un gran regreso, no porque fueron muchos los años sin material (por el contrario) si no porque con este último album recuperaron esa vibra que supieron tener con sus mejores discos. Para mi, es un claro disco del mes. Buena producción, canciones largas y épicas, letras en frances, etc.
No mucho más para agregar de lo que ya dijeron. Banda britanica producida por un britanico (KK Downing). Heavy metal al estilo nwobhm. Suenan que da calambre y la rompen en vivo. Este disco ya está en boca de todos y no es por buen marketing, es porque es de los mejores discos del mes.
Esta banda si vuelve. Después de como 19 años. Encima con un discazo a la altura de las más grandes. Tremenda la producción de rap metal. Y con material de sobra para hablar siempre en sus letras.
Con su nueva obra, los norteamericanos vuelven a evidenciar que lo suyo no entiende de modas ni del paso del tiempo, es una colección de piezas oscuras, trágicas e incluso llenas de ira, pero que acaban convirtiéndose en arte gracias a su manera de plasmarlas en un papel y hacerlas canciones.
Esta particular criatura ha entendido como salir de la oscuridad que la rodea y lo ha hecho con un conjunto, breve, pero más que sólido de canciones, donde si bien, podría haberse esforzado un poquito más y regalarnos un disco completo, lo que aquí vamos a encontrar son (seguramente) varias de las mejores canciones que Mothica ha escrito hasta la fecha y que pone de manifiesto que a ella le espera (si sus demonios internos la dejan) un presente y futuro más que interesante.
Aunque sus días dorados hayan quedado atrás hace muchos años, los chicos de SOTY vuelven a dar en la diana con su nuevo trabajo, donde parecen sonar como el primer día y su mezcla de post hardcore, pop punk y emocore, dan como resultado uno de sus mejores discos hasta la fecha, devolviéndonos a unos días que, si bien, no volverán, si que podemos rememorar con cariño escuchando estas canciones.
The New Flesh confirma el buen momento de Sylosis tras A Sign of Things to Come. El grupo apuesta por riffs más densos y un enfoque más groove sin abandonar su base metalcore ni su pulso melódico. Con una producción contundente y ecos de thrash clásico, el disco destaca por su agresividad, precisión rítmica y la voz más rasgada de Josh Middleton, ofreciendo un trabajo directo, compacto y sin relleno.
Sunder, tercer álbum de los finlandeses Atlas, ofrece 29 minutos de metal moderno intenso y atmosférico. Con riffs pesados, grooves marcados y una mezcla de voces agresivas y limpias, el disco equilibra contundencia y melancolía. Su sonido, influenciado por metalcore, doom melódico y metal progresivo, construye un paisaje oscuro y emocional inspirado en la crudeza del invierno nórdico.
Poisoned Art demuestra que Space of Variations atraviesa uno de sus mejores momentos. El disco combina breakdowns demoledores, riffs contundentes y estribillos pegadizos con una producción limpia y moderna. La voz de Dima Kozhuhur alterna furia y melodía con gran eficacia, mientras que los toques electrónicos aportan variedad. El resultado es un álbum intenso, accesible y muy representativo del metalcore actual.
1) Wolfchant – Echoes of the Time Once Past.
Un gran retorno de la veterana banda de metal pagano. Si bien, la mezcla tiene una pequeña falta de fuerza, las canciones son sólidas y mantienen un ritmo constante durante todo el álbum.
Un disco que es mas experimental que al anterior, y que si bien tiene algunas leves caídas de ritmo. Demuestra el buen nivel de salud que tiene mayhem. Con riff filosos y creativos, una base ritmica que es una locomotora y un attila en un nivel supremo.
Considerando lo que me gusta el death metal, puede parecer raro que no sea muy fan del gore ultra explícito, sea que hablemos de música o de películas: tiene que haber cierto nivel de exageración caricaturesca como para que no me provoque rechazo, y eso no suele lograrse poniendo alguna foto sacada de Goringa en la portada. Por suerte es ahí que tenemos a Exhumed, paladines del “gore metal” que llevan 35 años aplicando esa estética específica de efectos prácticos de las películas splatter clásicas de bajo presupuesto, con sus limitaciones y defectos siendo convertidas en su mayor atractivo. Este álbum es un trabajo conceptual centrado alrededor de los accidentes automovilísticos, y Exhumed lo explotan con suficientes riffs brutales y sentido del humor como para agradar hasta al metalero más perseguido.
2) Michael Monroe – Outerstellar
Michael Monroe es un tipo que ha sabido envejecer muchísimo mejor que muchos de sus congéneres del rock’n’roll glam de los ochentas, al punto de que diría que muchos de sus mejores lanzamientos han sido en los últimos 15 años, desde su regreso solista con Sensory Overdrive. Este Outerstellar no será de lo más destacado de la obra del finlandés, pero incluso un Monroe en piloto automático es capaz de sacar más que un puñado de temazos que muchos músicos con mayor convocatoria envidiarían.
3) Iron & Wine – Hen’s Teeth
Uno de los beneficios de ponerse viejo es encontrar el atractivo en ciertas expresiones artísticas más sutiles a las que en otra época nunca le hubiera prestado atención. Tomemos el caso de Hen’s Teeth, el nuevo álbum del estadounidense Sam Bean, más conocido como Iron & Wine. Esta onda de cantautores indies acústicos “niño sensible” (con énfasis en las comillas de “niño”, siendo que hablamos de un tipo de más de 50 años) no son algo que busque activamente, pero este disco de I&W pega en el punto justo de balance de expresividad folk y sensibilidad pop como para que en más de una ocasión me diga “Che, qué temazo”.
1) Tailgunner – Midnight Bliz
¿Que tenemos acá? Un DISCAZO con todas las letras de Heavy Metal clásico tradicional. Ni más ni menos. Una obra que comprende completamente la esencia del género y la plasma a la perfección en cada de una de sus piezas. Desde el lado más aguerrido y salvaje de las guitarras, hasta el más emotivo y melódico. Una absoluta demencia.
Hacía mucho tiempo que no escuchaba un disco de Heavy Metal y dijera con absoluta sinceridad: “DIOS, QUE DISCAZO DEL RE CARAJO”. Con razón cuenta con la aprobación y producción del mismismo K.K Downing. Por goleada, lo mejor del mes y de momentos, del año.
Que título para ponerle de nombre a una obra y publicarla en el mes del amor. Más en concreto, un día antes del 14. Y es que visto desde la perspectiva agresiva, desenfrenada y explosiva de la banda, el título encaja a la perfección con lo que ofrece la obra: una bomba de tiempo aniquiladora que en apenas media hora, no deja nada vivo a su paso.
Los amantes del Hardcore, se pueden quedar tranquilos de que Converge volvió su estilo crudo y directo de siempre. Recomendado es poco.
Seré honesto. Karnivool venía siendo una de mis cuentas pendientes. Por lo que este In Verses fue la excusa perfecta para tener lo que se dice “un primer acercamiento” con el grupo. Y creo que la decisión no pudo ser más acertada, porque los australianos respondieron con holgado éxito, a la vara y expectativas que tenía acerca de ellos.
El trabajo se resume en un notable ejercicio de metal progresivo moderno, bien de la escuela de Haken, Leprous, o Caligula’s Horse. Las composiciones reposan entre la melodía, los detalles sutiles, y los estribillos enérgicos, en los que la banda saca relucir su costado más explosivo y pesado. Todo esto sin dejar de lado la elegancia y fluidez con la que desarrollan los temas.
En líneas general, gran álbum cuyo único pecado quizás sea su duración. Pero que aún así, se siente fresco y renovante. A diferencia del último de Soen.
Cuenta la leyenda que en las oscuras calles de Brandoa, Portugal, allá por mediados de la década de los 90’, un grupo de jóvenes licántropos apareció en medio de la noche y bajo el brillo de una luna llena, largó un aullido musical. Uno que hechizó a toda una generación. Uno que no pasó desapercibido. Uno con su fuerza y misticismo, marcó un antes y después dentro de la escena gótica.
Dicho aullido, se llamó Wolfheart. Y el grupo de jóvenes licántropos que lanzó el hechizo, era mejor conocido como Moonspell. Aprovechando la visita de los portugueses a la Argentina bajo la luna del próximo 21 de marzo, en el Teatrito, por el 30° aniversario de su obra magna, desde Track To Hell repasamos los aspectos que la volvieron en un clásico representativo de todo un género.
Contexto: La escena Doom/Gothic de los 90’
El lanzamiento de Wolfheart (1995), coincidió con un boom expansivo que se venía desarrollando y gestionando rápidamente en aquella época: el Doom/Gothic.
Este subgénero del metal se caracteriza por fusionar la pesadez y lentitud del Doom Metal con las atmósferas melancólicas y románticas del Gothic Metal. Surgió a principios de los años 90 en Europa, evolucionando principalmente de la escena Death/Doom británica. En aquella época, muchas bandas comenzaron a redefinir su identidad y sonido, incorporando teclados, voces femeninas melódicas y un tono más trágico y romántico en sus composiciones, con letras con centradas en el dolor, la tristeza y la pérdida.
Algunos casos representativos de esta transición musical fueron Paradise Lost, My Dying Bride, The Gathering, Tiamat, y Anathema, entre tantos. Y es acá, donde entra en cuestión la banda que nos trae, Moonspell.
Antecedentes: Los primeros rugidos
Oriundos de Lisboa, Portugal, la banda se formó en 1989 con el nombre de Morbid God. Comandados bajo la dirección musical de Fernando Ribeiro, comenzaron practicando un Black Metal crudo y primitivo, con una temática fuertemente orientada en el paganismo y el ocultismo. Sin embargo, lentamente irían abriendo el abanico de influencias e ideas.
Tras grabar una demo, los portugueses se rebautizan como Moonspell, y editan el EP Under the Moonspell (1994), una obra oscura y agresiva, pero con ciertos pasajes acústicos y exóticos, que los pone dentro del radar europeo y les permite firmar con un sello de renombre como Century Media.
Es bajo esta discográfica, que publican al año siguiente su álbum debut, Wolfheart, con el cual conseguirían el éxito y reconocimiento internacional.
Corazón de lobo: El aullido de la consolidación
Guiados por un sonido y una esencia más sombría y atmosférica, esta obra supuso el salto definitivo del grupo hacia estos terrenos más góticos, dejando casi por completo atrás, la furia primitiva del Black Metal de sus inicios.
Hay varios aspectos que volvieron a Wolfheart, en un emblema del género y de la banda. Musicalmente, está marcado por una línea melancólica y dramática, que se fusiona con atmosferas oscuras envolventes, y elementos del folclore portugués. Las letras presentan una temática más “romántica”, llena de referencias a vampiros, hombres lobo y demás criaturas pertenecientes a las tinieblas de la oscuridad. Y visualmente, refleja una estética que simboliza el espíritu de la banda: el de un aullido llena de furia, dolor y sentimiento.
Las voces de Fernando buscan más que solo atacar. Presentan misterio, atracción, majestuosidad. A diferencia de sus anteriores grabaciones, no sólo recurre a gritos guturales desgarradores, sino que utiliza un tono de voz grave, para impregnar a la música matices narrativas y teatrales, reforzando el concepto atmosférico sombrío del disco.
Reflejados por el aura lunar de su música e imagen, Moonspell consolidó un estilo. Y también una identidad. Una marcada por la elegancia, la oscuridad, la cautivación y la tragedia. Y una que los seguiría a lo largo de su carrera. Aunque eso ya es una historia para otro día.
Canciones: Los himnos que quedaron para la eternidad
La obra cuenta con los dos mayores clásicos de la banda. Y dos de las más identificativas dentro de la historia de Moonspell.
Vampiria: tétrica, perversa, misteriosa. Se trata de una pieza en gran parte atmosférica, con una base cinematográfica, teatral y llena de matices, apoyada en los teclados. No obstante, cuenta con un quiebre a la mitad, en dónde la banda desata toda su fuerza y agresividad, con uno de los riffs más memorables de su carrera.
La letra, por su parte, explora el mito del vampirismo desde una perspectiva romántica y oscura, centrada en la figura de la mujer vampiro y la sed eterna. Un enfoque que se potencia con la interpretación vocal de Fernando, que alterna entre susurros profundos, un estilo narrativo dramático y gritos desgarradores.
Una composición que no falta nunca en sus interpretaciones en vivo.
Alma Mater: El himno por excelencia del grupo. Describir Alma Mater implica más que solo hablar de una obra o composición musical. Implica hacerlo de un símbolo de identidad. En este caso, el de la banda con su música y propuesta.
Es una pieza que fusiona la agresividad del metal extremo con una atmósfera solemne y un profundo sentimiento nacional. Y posee una estructura coral y majestuosa, que atrapa al oyente desde el primer segundo.
Fernando Ribeiro ha explicado que el título representa algo superior que une a las personas: un sentido eterno de pertenencia y retorno. Y simbólicamente el tema es eso. Un punto de encuentro y entendimiento en el que el público se une a la banda para agitar y gritar con el puño en alto, el nombre de la canción.
Sin duda alguna, el hechizo más grande y atrapante que los de Lisboa, supieron conjurar.
Producción: la mano de Waldemar Sorychta
La obra fue grabada en los estudios alemanes de Century Media, en un periodo de apenas dos semanas, comprendido entre del 29 de enero al 13 de febrero de 1995.
El álbum fue producido por el polaco Waldemar Sorychta, una figura crucial para la época y reconocido por sus trabajos con grupos como Tiamat (Wildhoney, 1994), Samael (Ceremony of Opposites,1994), y The Gathering (Mandylion, 1995). El productor desempeñó un rol clave al actuar como mentor y guía de los portugueses. Su enfoque consistió en buscar un sonido más limpio, armonioso y prolijo, y en estructurar las composiciones para que resultaran más accesibles y atrapantes para el público. Todo esto, sin perder la agresividad y el toque oscuro que traía la banda. El resultado fue una producción con muchos arreglos atmosféricos que se volvieron en uno de los elementos característicos de la agrupación.
El año: Un clásico que marcó una época
El lanzamiento de Wolfheart en 1995, coincidió con el de otras obras que ayudaron a definir la escena Doom/Gothic y que con el tiempo, se volvieron en clásicos representativo del género.
Paradise Lost – Draconian Times
My Dying Bride – The Angel and the Dark River
The Gathering – Mandylion
Anathema – The Silent Enigma
Theatre of Tragedy – Theatre of Tragedy
Lacrimosa – Inferno
Gira 30° Aniversario
De la mano de Icarus, Moonspell regresa a Argentina en el marco de su gira Wolfheart and Other Stories 2026, en la que la banda recorrerá los himnos más emblemáticos de su disco debut, y de su larga y amplia trayectoria.
La presentación tendrá lugar el sábado 21 de marzo, en El Teatrito (Sarmiento 1752, CABA), a partir de las 18hs. Los tickets se encuentran en la venta en el sistema de Passline, y en las oficinas de Icarus Music, ubicadas en Aristóbulo del Valle 104, La Boca (Lunes a Viernes de 9 a 18 hs).
Madrid y Barcelona se preparan para recibir al virtuoso Andy Timmons
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A menos de diez días para su llegada, el virtuoso guitarrista estadounidense Andy Timmons se prepara para regresar a España con dos conciertos muy esperados junto al guitarrista Pedro Javier González. Las citas serán el 15 de marzo en la Sala Villanos y el 16 de marzo en la Sala Wolf, en dos noches que prometen reunir a aficionados de la guitarra y del rock instrumental para disfrutar en directo de uno de los músicos más versátiles del panorama internacional.
Timmons saltó a la fama como miembro de la banda de hard rock Danger Danger, con la que giró junto a grupos legendarios como Kiss y Alice Cooper, alcanzando además gran popularidad en MTV a finales de los años 80 y principios de los 90. Desde entonces ha construido una sólida carrera en solitario, con varios discos aclamados por la crítica en los que mezcla virtuosismo instrumental, blues y melodías de inspiración pop, consolidando un estilo propio lleno de sensibilidad y técnica.
Considerado una referencia para guitarristas de todo el mundo, Timmons ha compartido escenario con figuras como Steve Vai, Joe Satriani o Eric Johnson. Sus actuaciones en Madrid y Barcelona se perfilan como una oportunidad única para ver de cerca a uno de los intérpretes más respetados del instrumento, reconocido durante años entre los guitarristas favoritos del público japonés y premiado en varias ocasiones por los Dallas Observer Music Awards.
Thrash y metal extremo toman el O2 Academy con Kreator
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Los veteranos del thrash metal Kreator regresarán a Glasgow el próximo 29 de marzo con un concierto en el O2 Academy, dentro de su próxima gira europea. La banda alemana continúa siendo una referencia indiscutida del género, con un directo sólido y un repertorio que repasa décadas de trayectoria sin perder intensidad ni presencia sobre el escenario.
El cartel estará acompañado por tres nombres de peso dentro del metal extremo: Carcass, pilares del death metal británico; Exodus, leyenda del thrash de la vieja escuela; y Nails, conocidos por su enfoque directo y contundente. La combinación convierte la fecha en una de las más potentes del calendario, con cuatro propuestas que representan distintas vertientes del sonido más pesado.
Se espera una gran convocatoria para esta parada en Glasgow, que reunirá a varias generaciones de seguidores del metal. Si quieres asegurar tu lugar en una noche que promete intensidad de principio a fin, consigue tus entradas aquí y no te quedes fuera.
Between the Buried and Me en Copenhague: “Progressive Metal solo para entendidos”
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El pasado 2 de marzo del 2026, el legendario Pumpehuset de Copenhague vibró con dos bandas con estilos intensos y creativos, ofreciendo un espectáculo donde técnica, emoción y energía se fundieron durante más de dos horas frente a un público entregado.
Fundado en 1976, Pumpehuset ha sido durante décadas un espacio imprescindible para la escena musical danesa, donde tanto artistas emergentes como grandes nombres internacionales se han presentado para ofrecer experiencias inolvidables. La sala, conocida por su acústica íntima y su ambiente vibrante, fue el escenario perfecto para una noche que se esperaba intensa y que no decepcionó.
La primera parte de la velada estuvo a cargo de Monosphere, banda alemana que en los últimos años ha ido ganando reconocimiento dentro de los circuitos de metal progresivo y experimental. Con una mezcla de estructuras complejas, riffs pesados y atmósferas ambientales, Monosphere comenzó su set puntual con los primeros acordes de guitarra en la intro de “Lapse”, una canción que se divide en dos partes. Los pasajes musicales continuaron con una sucesión de elementos compositivos estructurados, pero a la vez complejos, navegando entre las aguas del jazz, post-metal, black metal y metalcore. Por momentos resultó difícil definir el sonido de la banda, pero se podría decir que siguen una línea experimental influenciada por bandas como The Ocean, Karnivool y, por supuesto, la banda principal de la noche: Between the Buried and Me.
En cuanto a su performance sobre el escenario, cabe destacar una correcta presentación donde se notó el trabajo estructural de las canciones en los ensayos. Sin embargo, debo mencionar que el sonido no fue del todo satisfactorio: la voz del cantante por momentos se escuchaba baja al hablar, pero durante las estrofas de las canciones, cantando con un estilo gutural, se escuchaba perfecta. El bajo en esta ocasión se escuchó distante, pero sí se pudieron apreciar los elementos de percusión con un notable trabajo en la batería y los acordes de guitarra, que fueron sobresalientes.
La presentación de Monosphere tuvo una duración de media hora, tiempo suficiente para condensar un setlist de cinco canciones y mostrar su propuesta de experimentación y fusión de géneros. La recepción del público fue positiva, acompañada de aplausos y puños en alto.
Tras una breve pausa, el ambiente en Pumpehuset se cargó de expectación. Pronto subieron a escena Between the Buried and Me, una banda estadounidense venerada dentro del metal progresivo por su virtuosismo, su creatividad incesante y su capacidad de fusionar géneros dispares. Desde sus comienzos a finales de los años 90 en Carolina del Norte, el grupo ha desafiado etiquetas, transitando entre el metal técnico, el rock progresivo y pasajes atmosféricos que los han convertido en referentes del género.
El set arrancó con “Absent Thereafter”, presentando un tema poderoso de su disco estreno, que inmediatamente encendió a la audiencia. La ejecución fue impecable: tiempos vertiginosos, guitarras afiladas y la voz característica de Tommy Rogers, capaz de alternar entre guturales intensos y registros limpios y melódicos sin perder un ápice de control, todo esto acompañado por los acordes del sintetizador para sostener una estructura musical de atmósfera envolvente.
Entre los temas interpretados se encontraba “Condemned to the Gallows”, una canción que los fanáticos corearon con devoción, demostrando el equilibrio perfecto entre técnica y emoción que define a la banda. Las transiciones entre secciones complejas fueron ejecutadas con precisión absoluta, lo que provocó más de una ovación entre los asistentes.
La sección instrumental fue particularmente destacada: solos de guitarra muy elaborados, pasajes progresivos que parecían llevar la música a nuevas fronteras y un bajo que resonaba con claridad por momentos. Sin embargo, en cuanto a sonido estaba muy abajo con respecto a los demás instrumentos y, por momentos, era completamente tapado por las dos guitarras. La interpretación en la batería de ocho cuerpos más platillos de Dan Briggs fue aclamada por su virtuosismo y precisión técnica, dando vida a patrones complejos que solo músicos de alto calibre pueden dominar con tal fluidez. Por momentos parecía aplicar ritmos prácticamente imposibles, generando una entusiasta respuesta del público.
La banda le regaló al público un broche final con “Silent Flight Parliament”, un tema extenso que condensó todos los elementos que hacen a la banda única: complejidad técnica, armonías emocionales y un cierre que dejó a muchos sin aliento.
En su recorrido de una hora y media, la banda ejecutó diez canciones, en donde hubo lugar para repasar toda su trayectoria entre temas clásicos y estrenos del nuevo álbum: The Blue Nowhere.
Al finalizar, los músicos se despidieron entre aplausos y saludos, obsequiando al público algunos recuerdos como púas y palillos, cerrando así una jornada memorable que fue celebrada con una última ovación cargada de satisfacción.
Memphis May Fire y Blessthefall juntos en Argentina
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Dos referentes del metalcore y post-hardcore, Memphis May Fire y Blessthefall, se presentarán por primera vez juntas en Argentina. La cita es el 25 de agosto, en el Teatro Flores (Av. Rivadavia 7806, C.A.B.A.), ambas bandas son reconocidas por sus más de 15 años de trayectoria y por haber marcado la evolución del género a nivel internacional.
El Shapeshifter World Tour llega a Buenos Aires con una propuesta que ningún fan del metalcore y el post-hardcore puede dejar pasar. Memphis May Fire y Blessthefall, referentes internacionales de sus géneros, prometen un show inolvidable.
Memphis May Fire, originarios de Dallas, Texas, se formó en 2006 y desde entonces ha consolidado un estilo propio, combinando voces limpias y guturales con riffs poderosos y composiciones cargadas de emoción. Su discografía incluye títulos emblemáticos como Challenger (2012) y Unconditional (2014), y han girado por Estados Unidos, Europa y América Latina, ganándose un lugar destacado en la escena global del metalcore. En esta gira la banda cuenta con un nuevo álbum y un repertorio lleno de clásicos.
Por su parte, Blessthefall, originarios de Phoenix, Arizona, surgieron en 2004 y se han destacado por su post-hardcore melódico, caracterizado por breakdowns contundentes y líneas melódicas que equilibran fuerza y técnica. Con discos como Hollow Bodies (2013) y Hard Feelings (2018), la banda ha realizado numerosas giras internacionales, compartiendo escenarios con grandes nombres del género y consolidándose como una de las formaciones más influyentes de la última década.
Las entradas disponibles en Sistema Passline haciendo click AQUI:
La escena del thrash metal nacional despide a una de sus figuras más versátiles. Pablo Erzen, músico multiinstrumentista e integrante fundamental de Militia, falleció dejando un vacío profundo en el circuito underground. La noticia fue confirmada por sus compañeros de banda, quienes lo recordaron no solo por su talento, sino por su calidad humana.
Trayectoria y legado musical
Erzen se destacó por una capacidad técnica poco común, desempeñándose como baterista, guitarrista y cantante. Su carrera estuvo marcada por el compromiso con los sonidos pesados y la autogestión.
Militia: En esta banda emblemática del thrash, Erzen fue pieza clave para consolidar un sonido crudo y potente. Participó en grabaciones que hoy son referencia del género en Buenos Aires.
Larry Zavala: Formó parte del proyecto del ex-Nepal, aportando su fuerza en la base rítmica y compartiendo escenarios importantes de la escena federal.
Un último adiós
El comunicado oficial de Militia destaca la hermandad construida tras años de ensayos y escenarios:
“Se nos va de gira no solo un gran músico sino un gran tipo, una excelente persona, querido por todos los que lo conocimos. Ya sos inmortal hermano, nos veremos pronto“.
1986 fue indudablemente un año enorme para el metal, sobre todo (pero sin limitarse) en lo que concierne al thrash metal, con Los Ángeles y Nueva York ya establecidas como las dos capitales del estilo. Pero también en Europa y en otras velocidades pasaban cosas importantes, y esto es algo que recorremos en esta lista de álbumes que en este 2026 van a estar cumpliendo 40 años de salidos.
17/02: King Diamond – Fatal Portrait
En 1985 Mercyful Fate anunció la que sería la primera de sus separaciones, dándole la oportunidad al cantante King Diamond de comenzar su carrera solista. Su debut Fatal Portrait mostraba al rey danés redoblando la apuesta en su particular interpretación del heavy metal, con su característica voz en falsete, las estructuras plenamente narrativas de sus canciones y las tendencias progresivas que ya se veían en esos primeros álbumes de Mercyful Fate y que se harían más evidentes con el paso del tiempo. Aunque indudablemente el siguiente Abigail tendría al Rey Diamante saltando varios escalones en todo sentido, este Fatal Portrait es un debut espectacular, con canciones como “Halloween” y “The Candle” convirtiéndose en parte casi inseparable de las presentaciones en vivo del músico.
01/03: Kreator – Pleasure To Kill
1986 fue un año brutal para el thrash metal, y acá hablamos de ambos lados del Atlántico. En la escena germana tanto Destruction como Sodom lanzarían sus brutales álbumes debut, pero creo que fue Kreator con su segundo álbum Pleasure To Kill los que se llevan el premio dentro de esa escena. Mejorando un poco la calidad de sonido sin abandonar del todo esa producción crudísima que caracteriza a sus primeros álbumes, los liderados por el cantante y guitarrista Mille Petrozza firman un testamento de thrash metal impiadoso y directo a la yugular, más de una vez cruzando la línea y metiéndose en momentos de death metal rudimentario pero sobre todo agresivo, donde un Petrozza de apenas 20 años parece dejarse la garganta a cada momento.
03/03: Metallica – Master of Puppets
Y hablando de thrash, en la ciudad de San Francisco teníamos a Metallica redoblando la apuesta en el crecimiento de su sonido que habían tenido en el anterior Ride The Lightning. Su tercer álbum Master of Puppets es considerado en estos días no sólo un clásico del thrash metal, sino también uno de los álbumes más importantes de todo el heavy metal. Ya desde el inicio acústico de “Battery” (de las introducciones más icónicas de la historia del género, sin lugar a dudas), pasando por la épica del tema título, la narrativa lovecraftiana de “The Thing That Should Not Be”, la exploración de la locura en “Welcome Home (Sanitarium)”, la diatriba antibélica (y velocidad rapidísima) de “Disposable Heroes”, el ataque a la hipocresía de los televangelistas con “Leper Messiah” (en épocas de PMRC, pánicos satánicos e intentos de censura por parte de la derecha religiosa), la hermosura instrumental de “Orion” y la final “Damage, Inc.”, con otra intro icónica (en este caso una grabación al revés) y más violencia thrashera. Para este punto ya se notaba que Metallica no era el rejunte de apenas adolescentes que había formado la banda, sino que ahora eran unos adultos que habían perfeccionado y pulido su fórmula. Y durante la gira de presentación del álbum el mundo adulto los encontraría de la manera más trágica con la muerte del bajista Cliff Burton, dando lugar a uno de los puntos más oscuros de su carrera.
10/06: Candlemass – Epicus Doomicus Metallicus
Suecia también tenía bastante para dar a mediados de los ochentas. Y en 1986, esto se dio con la salida de Epicus Doomicus Metallicus, el LP debut de Candlemass. El combo liderado por el bajista Leif Edling plantó los cimientos de todo un estilo no sólo con el título de este debut, sino también con la combinación de los riffs lentos y las voces de tono operático mostradas plasmadas por el cantante de sesión Johan Langquist, quien años después se terminaría convirtiendo en vocalista pleno de Candlemass. Entre las atmósferas melancólicas y la oscuridad casi gótica mostrada en cada una de las canciones, Epicus Doomicus Metallicus se terminaría convirtiendo en uno de los álbumes más influyentes de los ochentas, mostrando toda una nueva manera de interpretar los riffs lentos y densos de Black Sabbath.
25/09: Megadeth – Peace Sells… But Who’s Buying?
Tras un debut auspicioso aunque un tanto limitado por una producción bastante cruda, para su segundo álbum Megadeth ya era un grupo más experimentado, más aceitado y dispuesto a comerse al mundo. Dave Mustaine nunca iba a ser un gran cantante pero siempre lo compensó no sólo con su habilidad detrás de las seis cuerdas sino también al encontrar gente a su nivel para acompañarlo, con Chris Poland probando estar a la par del colorado, mientras que el bajista David Ellefson y el baterista Gar Samuelson dejaban todo detrás de la base instrumental. Con estos músicos, Mustaine se marca algunos de sus mayores clásicos como “Peace Sells” (con una de las estructuras líricas más icónicas del metal, “¿A qué te refieres con que herí tus sentimientos? Ni siquiera sabía que tenías sentimientos”), la oscura “The Conjuring” y la melódica “My Last Words”. Faltaba para que sacaran su álbum más importante, pero estaba claro que el resentimiento de Mustaine hacia sus ex compañeros en Metallica seguía siendo combustible para sus ambiciones de más.
29/09: Iron Maiden – Somewhere In Time
Después del paso monumental que había sido tanto el álbum de estudio anterior Powerslave como su álbum en vivo Live After Death (de esos álbumes que terminaron marcando los estándares en cuanto a lanzamientos en vivo en el metal), Iron Maiden tenían en claro que el único camino que podían seguir era hacia adelante. Así que su sexto álbum los tiene poniéndose todavía más ambiciosos, lo cual es bastante decir para una banda que había apuntado siempre tan alto: con excepción de “Deja-Vu” todas las canciones superan los cinco minutos, y tenemos las primeras instancias de la banda experimentando con sonidos sintetizados, controlados a través de las guitarras en este caso, algo que va de la mano con la atmósfera de ciencia ficción que se siente a lo largo de todo el álbum. Estos sonidos, combinados con la voz única y operática de Bruce Dickinson, dan como resultado uno de los álbumes más épicos del metal de los ochentas, una década donde podemos decir sin lugar a dudas que Iron Maiden tuvieron la corona.
01/10: Saint Vitus – Born Too Late
Como dijimos antes, no todo era velocidad en 1986, porque también en el mundo de los riffs lentos las cosas se estaban desarrollando. El tercer álbum de Saint Vitus, el primero del grupo junto al cantante Scott “Wino” Weinrich, mostraba que Estados Unidos había aprendido bien las enseñanzas sabbatheras, ahora agregando una cuota importante de oscuridad y melancolía real. Mientras que los dos álbumes anteriores tenían sus momentos sacados de películas de terror de bajo presupuesto, Born Too Late lidia con temas como el abuso de drogas y alcohol, algo donde lamentablemente Weinrich tenía mucha experiencia. Detrás de su portada rosada, Born Too Late es un disco tan negro en atmósfera como podía darse en el doom metal de la época, planteando algunos de los pilares donde terminaría explotando el sludge en años posteriores.
07/10: Slayer – Reign In Blood
Tras un debut más cercano al speed metal y una secuela que los mostraba inusualmente ambiciosos y hasta casi progresivos, para su tercer álbum Slayer decidieron tomar sus canciones y sacarles todo lo que pudiera estar de más. El resultado fue Reign In Blood, un álbum indudablemente legendario que en menos de media hora (específicamente 28 minutos) establecieron un nuevo estándar en materia de metal extremo. Obviamente “Angel of Death” y “Raining Blood”, las canciones que abren y cierran respectivamente la placa, son sus puntos más altos no sólo dentro del álbum sino tal vez dentro de la discografía de Slayer, pero en el medio tenemos “Jesus Saves”, “Criminally Insane”, “Necrophobic” y muchas más, que se terminan antes de que uno pueda sentir que la cosa se pone repetitiva. Este sería el álbum que marcaría de ahora en más el sonido de Slayer, y que inspiraría a muchas bandas a acelerar sus canciones a niveles nunca antes escuchados.
07/10: Nuclear Assault – Game Over
El thrash metal estadounidense no sólo estaba teniendo una gran explosión en la Costa Oeste, porque en octubre los neoyorquinos Nuclear Assault daban a conocer su álbum debut Game Over. Un año antes de que D.R.I lanzaran su clásico Crossover y le dieran nombre a este estilo, Nuclear Assault ya se mostraban como abanderados de esta tendencia de thrash metal con sus raíces todavía plantadas en el mundo del hardcore punk. Con sus canciones que rara vez pasan de los tres minutos, el cuarteto hace un repaso de los temas típicos del thrash de los ochentas: guerras nucleares, anti religión, política y más escenarios post apocalípticos. ¿Qué más se quiere del metal de la época?
17/11: Dark Angel – Darkness Descends
Nuevamente en California, no sólo las bandas pertenecientes a los “cuatro grandes del thrash” marcaban tendencia. Dark Angel ya prometían mucho en su debut We Have Arrived (qué título), pero es con su Darkness Descends donde las cosas de verdad se muestran a todo vapor. Riff tras riff tras riff de pura violencia, con la batería de Gene Hoglan que no parece dar ni un solo respiro y unas guitarras tan filosas que parecen cortar a través de los parlantes. Considerado por muchos como el punto máximo de la discografía de una banda que para muchos tenía todo para ser unos gigantes del estilo.
Against The Waves continúa su evolución con “Dissolution”
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Los metaleros modernos madrileños Against The Waves, han estrenado su nuevo single “Dissolution”, el cual viene acompañado de un potente videoclip y cuenta con un sonido espectacular y se nota la mano del señor Christopher Wieczorek (Novelists, Annisokay) en la mezcla y la masterización.
El corte es ya el cuarto adelanto de lo que va a ser el nuevo disco de la banda y con el que pretenden dar un golpe sobre la mesa dentro de la escena under actual, con un sonido totalmente internacional y a la altura de pesos con nombre como Novelists, Cane Hill o incluso Avralize y los propios Annisokay.
Podéis comprobar lo bien que suena la banda en este nuevo single a continuación y ojo que vienen con todo estos chicos.
The Warning sorprende y se pone desafiante con “Kerosene”
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Las reinas del rock alternativo actual en México como son The Warning, han estrenado el videoclip de su nuevo single “Kerosene”, donde siguen mostrándose imbatibles a la hora de crear estribillos con gancho y melodías rockeras adictivas.
Alejandra, Pau y Daniela Villarreal, siguen en plena forma y veremos hasta donde son capaces de llegar con su nuevo disco, de momento con temas como este, todo apunta a que volverán a dar en la diana una vez más.
¿Es A Todo o Nada, el debut de Jezabel del año 2001, un álbum perfecto? No, ciertamente no. Por momentos la composición puede ser demasiado densa con los clichés tomados directamente del power metal europeo, la producción puede dejar algo que desear y la voz de Leandro Coronel puede considerarse un gusto adquirido incluso para los estándares del power ultra melódico. Es un lanzamiento muy para los fanáticos más dedicados de ese estilo y no muchos más, en resumidas cuentas. Pero a pesar de ello, está claro que como debut de Jezabel es una piedra fundacional en la carrera de la estos herreros del power metal en Argentina, que ya en el siguiente Legiones del Sursabrían tomar todo lo que hicieran en ese álbum y darle una pulida importante. Así que no debería sorprender que Jezabel decidieran festejar los 25 años de la salida de A Todo o Nada a todo trapo o nada, con la banda presentándose en el Roxy Live en una fiesta para todos los seguidores del sexteto.
El sábado 14 de febrero, día de San Valentín, en las afueras del Roxy se sentía ese calor húmedo y asfixiante que se da en las ciudades cuando 90% de todo es asfalto, pero ya en el lugar tengo que agradecerle a los que manejan el lugar que tengan aire acondicionado y no sólo un par de ventiladores con una tonelada de mugre encima. Los iniciales Blacktorch ya habiendo hecho lo suyo con su propuesta de metal progresivo instrumental para cuando llegué al lugar, pero a pesar de que faltara la presentación del último de los teloneros ya se podía ver bastante gente acumulada en el recinto: no algo “multitudinario”, pero ciertamente dedicado, como es el común en el público metalero argentino.
Puede que su salida se haya dado con varios minutos de retraso, pero no es algo como para andar pegándole a Asträl, quienes serían los encargados de ir preparando al público justo antes del plato principal. Este quinteto de Berazategui engalanado con todo y diéresis en su nombre hizo lo suyo con altura, con una serie de canciones como para levantar el puño y pasarla bien aunque tu voz no llegue a los límites de su cantante Edu Ojuez. Power clásico con algo de esa suciedad instrumental típica del under y bien centrado en la guitarra, dejando que los riffs hagan lo suyo en las canciones.
Tras otro rato de espera y con más gente acumulándose enfrente del escenario del Roxy, sin alcanzar una cantidad deslumbrante de gente pero una bastante respetable, fue momento de ver a los Jezabel saliendo al escenario. Con el baterista Guillermo Saccomanno ya apostado detrás de los platillos, la suave introducción “Eternamente” servía de musicalización para la aparición del resto de los músicos mientras se, y al fondo se podía ver el puesto del teclado, que en vez de tener a Frank Córdova tendría a Mailén Vera Kranevitter (también integrante de los melodeath vikingos Nordfall) ocupando el puesto como reemplazo de último momento.
Con la base instrumental completada el grupo daría comienzo a “Días de Gloria”, tocando toda la introducción instrumental hasta que llegó el punto de que entrara el casi siempre presente Leandro Coronel para entonar este himno de batalla. Más allá del tono más maduro y agresivo comparado con la grabación original uno no pensaría que hubiera pasado un cuarto de siglo desde que Jezabel grabara estas canciones, con las interpretaciones estando perfectamente a la altura de las circunstancias e incluso más.
Aunque la idea de la fecha fuera festejar el aniversario de la salida de A Todo o Nada, Jezabel no repasaron el álbum de principio a fin, como se espera de tradición en este tipo de fechas. La siguiente canción en la lista sería “Nada Es Cuestión de Suerte” de Más Allá del Tiempo (2009), a la cual siguieron con “Alas de Acero” de Legiones del Sur (2003) para después volver a A Todo o Nada con “Estirpe”. A pesar de ello, Jezabel se haría camino a través de casi todo el álbum homenajeado, apenas con “Sin Miedo” quedando fuera de la lista.
De cualquier manera, no creo que alguien del público haya quedado insatisfecho. Escuchar a la gente cantando las canciones de principio a fin es inspirador, y la banda notaba el cariño que su público irradiaba ante estos himnos de power nacional, como si fuera una reunión entre muchos amigos. Y hablando de amigos, para “Cuando Dudes En Seguir” tendríamos la subida al escenario de Gustavo “Despa” Despalanque, ex Presto Vivace, quien se sumó para hacer un dúo de voces durante un par de canciones.
Así pasaron “Inconsciencia” y “Legiones del Sur”, mostrando un festival de riffs, doble bombo y melodías en la estratósfera de los rangos vocales que contentaron a todos y todas, pasando un buen rato donde se mezcló tanto el material clásico como el nuevo, y la leyenda con la camaradería del día a día. El final llegó, poéticamente, con “Sigue Un Paso Más”, algo que podría resumir la filosofía de vida de Jezabel a lo largo de las décadas. No tocarán ante miles de personas pero la alegría de su público es sincera y el cariño también. El final se saldó con una presentación de todos los músicos por parte de Leandro Coronel y una avalancha de aplausos, gritos y chiflidos. Un final perfecto para una fecha que mezcló la fantasía heroica del power con el sentimiento de barrio y de hacerse desde abajo del under nacional. Sigan para adelante, muchachos.
Los moldavos Infected Rain harán parada en Glasgow el próximo 25 de marzo como parte de su gira Mutation Phase in Europe, con un concierto programado en la sala Slay. La banda continúa consolidando su presencia en la escena europea con un directo que combina metal moderno, groove y una fuerte personalidad sobre el escenario, manteniendo una conexión constante con su público.
El cartel se completa con Butcher Babies, conocidas por su propuesta directa y energética, y Black Spikes, que aportarán su propio enfoque dentro del metal contemporáneo. La combinación de las tres bandas ofrece una noche variada pero cohesionada, pensada para quienes disfrutan de sonidos actuales con intensidad y presencia escénica.
La fecha en Glasgow se perfila como una de las citas destacadas de marzo dentro del circuito de salas. Si quieres formar parte de esta noche de metal en vivo, consigue tus entradas aquí y asegura tu lugar con antelación.
Los barceloneses Daeria no paran quietos y ahora presentan el videoclip de “Animal”, donde siguen combinando de manera muy certera ese metal melódico pero con toques modernos y algo de sonido clásico, que los ha llevado a ser una de las bandas más destacadas de su generación en este sonido.
Veremos que más tienen para ofrecer en su nuevo disco, pero como sigan por esta línea, quizás empiece a ser el momento de pensar que a Daeria, le esperan las grandes ligas en un futuro bastante cercano.
Bloodhunter vuelve a dar en la diana con “The Outspoken”
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Una de las joyas del metal extremo actual dentro de la escena nacional como son Bloodhunter continúan preparando el terreno de cara a su próximo disco de estudio y es por esta razón que han lanzado “The Outspoken”, un cañonazo donde vuelven a evidenciar su excelente estado de forma actual y como Diva Satánica sigue a la cabeza en cuanto a cantantes femeninas del metal nacional se refiere.
El corte mantiene la esencia de la banda gallega, pero añadiendo toques de evolución y una producción impecable, que realza todos los instrumentos, incluyendo unas guitarras dobladas que son una delicia para el que le guste el metal pesado bien ejecutado y con aires de heavy/death melódico, y potencia aún más la voz de Diva, lo podéis comprobar a continuación:
Teksuo estrena “Sailing to the Unknown” antes de la salida de su nuevo disco
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Los chicos de Teksuo están a muy pocos días de lanzar su nuevo disco The Glow Before I Go, que podremos escuchar completo a partir del próximo 13 de marzo y del que ahora, publican “Sailing to the Unknown”, un potente y moderno single, donde la banda muestra su evolución continua y a la altura de bandas internacionales dentro del estilo.
El disco ya se puede reservar con sus diferentes packs especiales y limitados AQUÍ.
Si te gustan bandas como Bring Me The Horizon, Bad Omens, Architects o Dayseeker, no dejes escapar a una de las joyas de la escena nacional dentro del sonido alternativo más pesado y moderno.
Bad Religion vuelve a BsAs: cuatro décadas de punk y una lección que no caduca
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Es sabido que muchas bandas pasan por la historia del rock dejando una huella. Y tambien hay bandas que son la historia. Bad Religion pertenece sin discusión a ese segundo grupo, y el miércoles 22 de abril vuelven a Buenos Aires para dar otra clase magistral de punk rock en el Microestadio Malvinas Argentinas (Gutenberg 350, La Paternal, CABA).
Tres años después de su última visita —aquella noche memorable en el Estadio Ferrocarril Oeste junto a Expulsados y Sudarshana— los californianos regresan en el marco de una gira latinoamericana que también los llevará por Santiago, São Paulo y Ciudad de México. Argentina, como siempre, en el mapa.
45 años gritando verdades
La historia de Bad Religion es, en muchos sentidos, la historia del punk intelectual. Fundados en Los Ángeles en 1980 por un grupo de adolescentes inquietos del Valle de San Fernando, encontraron desde el principio una identidad que los separaba del resto: letras densas, filosóficas, cargadas de crítica social y científica, montadas sobre uno de los sonidos más veloces y contundentes del hardcore californiano.
El salto ocurrió en 1988 con Suffer, un disco que redefinió lo que el punk podía decir y cómo podía sonar. Después vinieron No Control (1989), Recipe for Hate (1993) y Stranger Than Fiction (1994), este último el que los llevó a las grandes ligas del rock alternativo sin que traicionaran ni una sola vez su esencia. Greg Graffin —doctor en zoología, cantante, poeta punk— lidera una banda que tiene el don raro de sonar urgente en cada década. The Process of Belief(2002) lo confirmó cuando el mundo lo necesitaba, y canciones como “American Jesus”, “Do What You Want” o “Sorrow” se convirtieron en himnos que trascienden generaciones.
No es casualidad que Argentina sea tierra fértil para esta banda. El punk local siempre tuvo una relación especial con Bad Religion: esa combinación de rabia articulada y velocidad sin concesiones encontró en el público local una respuesta que pocos países del mundo pueden igualar.
El show contará con la presencia de dos bandas nacionales que tienen mucho para decir: Shaila y Eterna Inocencia, dos nombres del punk y el hardcore argentino que garantizan que la noche arranque a full desde el minuto uno.
Las entradas ya están disponibles a través de Livepass con un único valor de $100.000 más cargos por servicio, tanto para campo como para platea. Los clientes del Banco Provincia acceden a 4 cuotas sin interés y un 25% de reintegro.
Authority Zero volverá a España el próximo mes de julio
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Los norteamericanos Authority Zero volverán a los escenarios españoles este 2026, donde unirán fuerzas con sus compañeros canadienses Belvedere, a quienes pudimos ver el año pasado abriendo para Bad Religion en los grandes recintos de nuestro país.
Gracias a HFMN Crew, podremos disfrutar de una fantástica oportunidad para ver a dos nombres propios del skate punk y el punk rock melódico en distancias cortas, siendo una gira imprescindible para cualquier amante del estilo.
Las fechas y ciudades elegidas son las siguientes:
1 de Julio – Bilbao – Zorrotzako Gaztetxea (+ Belvedere)
2 de Julio – Viveiro (Lugo) – Resurrection Fest 2026
3 de Julio – Madrid – Nazca Music Club (+ Belvedere)
4 de Julio – Valencia – 16 Toneladas (+ Belvedere)
5 de Julio – Barcelona – Upload (+ Belvedere)
*IMPORTANTE*: El show de Barcelona, tendrá lugar en horario matinal, ya que coincide con el concierto que Bad Religion y The Offspring celebrarán en el Poble Espanyol por la tarde/noche, con lo cual, han entendido la situación y han accedido a tocar en este horario especial. En breve, habrá más información al respecto.
Butcher Babies estrena el videoclip para “Lost in Your Touch”
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La banda norteamericana de Nu/Groove metal moderno Butcher Babies ha presentado el videoclip de su nuevo single “Lost in Your Touch”, donde una vez más, evidencian que aún tienen mucho que decir en el metal actual y como Heidi Shepherd ha suplido perfectamente la baja de Carla Harvey, dominando tanto las voces limpias como las guturales, sin necesidad de sumar a otra persona como vocalista.
Hellripper volverá a casa el 27 de marzo con un concierto en The Garage, dentro de la gira Goatcraft & Granite Europe 2026. El proyecto liderado por James McBain se ha convertido en uno de los nombres más sólidos del metal extremo escocés en los últimos años, combinando velocidad, actitud y una identidad muy marcada que funciona especialmente bien en sala.
Acompañando la fecha estará Sarcator, banda que ha ido ganando terreno en la escena underground europea gracias a su enfoque directo y su mezcla de influencias clásicas con energía actual. El cruce entre ambas propuestas asegura una noche intensa, pensada para quienes disfrutan del metal más crudo y sin concesiones.
La cita en Glasgow se presenta como una oportunidad ideal para ver a Hellripper en un entorno cercano y con un repertorio pensado para el directo. Si quieres formar parte de esta parada de la gira, consigue tus entradas aquí y no te quedes fuera.
Deny añade una fecha en Barcelona para su debut en España
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Tras la euforia generada con la inminente visita de los argentinos Deny a España y visto que había mucha gente que no se podía desplazar a Madrid para verlos, la banda ha confirmado una segunda fecha en Barcelona, para intentar contentar a todos sus seguidores en la Ciudad Condal y alrededores.
11 de Marzo – Barcelona – Upload (+ The Bering + Idilia)
No te pierdas el debut en Barcelona de una de las bandas alternativas más importantes de la escena under argentina y que ha trascendido las fronteras de su país natal, conquistando toda Latinoamérica, antes de su desembarco en Europa.
Uno de los nombres propios de la escena alternativa y concretamente dentro del post hardcore como son los canadienses Silverstein regresan con todo este 2026 y estrenan “Stress”, un nuevo single que forma parte del último disco de la banda liderada por Shane Told y que llevó por titulo Antibloom, siendo publicado el pasado 21 de febrero de 2025 vía UNFD Records.
Ya podéis ver y escuchar como estos chicos no han perdido la magia a la hora de combinar melodías pegadizas y emotivas con guitarras distorsionadas y voces muy agresivas.
Los rockeros góticos Romanthica han anunciado una nueva fecha dentro de su gira 2026 y es que la banda volverá a tocar en casa, en Barcelona, el próximo mes de noviembre, donde compartirá escenario con Lex Lüger y Bloody Lycia, que estarán presentando su último trabajo Jóvenes Ocultos, en la que será su única fecha en la Ciudad Condal durante el resto del 2026, con lo cual no deberíais faltar si sois amantes de este estilo oscuro.
Nunca debe empezarse una reseña de esta manera, pero en ciertas ocasiones vale la pena hacer una excepción.
Cuando me llegó este disco para comentar (debo ser sincero) no tenía noticia/conocimiento alguno sobre la existencia de esta banda. Debo reconocer que la sorpresa fue mayúscula y la conexión con la banda inmediata. Fue suficiente una única escucha para quedar con la boca abierta y los cuernos en alto.
Si bien el objetivo de estas líneas es llevar a cabo la reseña de la placa lanzada el 2 de enero de este mismo año, bajo el título de Where Silence Speaks, para aquellos que se encuentren en una situación parecida, hagamos una breve referencia al surgimiento de esta agrupación como paso previo.
Como primer dato interesante y que define gran parte del sonido de esta banda, Elbereth es un personaje en “El Silmarillion” de JRR Tolkien.
Elbereth’s Grace, agrupación proveniente de los Alpes Suizos y nacida en el año 2024, es un desprendimiento de la banda Black Jade que, en términos del propio fundador (Andy Waldner), se encuentra orientada al black metal. La banda se encuentra integrada por Andy (guitarras, multi-instrumentista y voces guturales), Matti (guitarras y coros), Aapo Virtanen (bajo y coros), Jasmin Kindler (voces), Eero (guitarras y coros.
Hasta el momento sus producciones ven la luz en forma independiente a través de las diferentes aplicaciones y redes sociales. Según ellos mismos se definen, estamos en presencia de un Fantasy Metal inspirado mayoritariamente en el mundo de Tolkien y en el mundo de fantasía creado por el propio señor Andy Waldner, “The Chronicles of Nyrassar”, siempre con un sentido positivo vinculando en parte esos mundos llenos de fantasía y épica con los tiempos contemporáneos y su notoria falta de empatía.
Sin tratar de catalogarlos nos encontramos ante una propuesta que engloba elementos de distintas vertientes del metal. Las composiciones cuentan ante todo con melodías nítidamente sinfónicas, acompañadas por ciertos toques folk, guiños a los géneros más pesados del mundo del metal, algunos toques electrónicos y modernos, y los distintos colores y atmósferas que la voz de Jasmin permite crear.
Las líneas melódicas de las violas combinadas con la base rítmica te transportan en un viaje metalero donde la sentimentalidad es puesta por la dulzura de la voz de Jasmin y la potencia cruda y descarnada por las voces guturales que, utilizadas en su justa medida y colocadas adecuadamente, resaltan cada tema del álbum.
Ahora pasemos al álbum propiamente dicho. La placa abre con una introducción, “Follow The Call”, que desde el mismo inicio te sumerge en la travesía musical que la banda te propone a partir de ese momento.
Inmediatamente después nos encontramos con “Lord Of Fire” donde podemos oír un comienzo donde predominada la velocidad, aunque al rato esa velocidad deja lugar a la combinación de la dulzura de la voz de Jasmin y las voces guturales para culminar en un estribillo épico. Una melodía hermosa en los momentos instrumentales. A mitad de la canción ella queda sola, antes del solo de guitarra reforzado por un doble bombo entrecortado, y deja en claro la belleza de su voz.
En “Rise!”, uno de los sencillos, bajan un poco la velocidad, la combinación entre las voces guturales y limpias crea una atmósfera que te mantiene expectante a lo largo de todo el tema. Predominio de la voz gutural, junto con unos riffs filosos, la voz de ella trae la calma. Uno de los temas más pesados y oscuros.
Luego la placa nos trae el primero de los temas en su idioma natal “Banner des Lichts”, con un comienzo a pura melodía para dar paso a un momento a capela guiado por la voz de Jasmin, y concluir en uno de los estribillos épicos que califican como de los mejores de la producción. Te dan ganas de aprender alemán para gritar ese coro junto a ellos.
“Bane of Darkness” con algún pequeño toque folk, tanto en las melodías como en los instrumentos, es uno de los puntos altos del álbum. Las melodías de las violas acompañadas por un doble bombo entrecortado le dan la potencia necesaria a la parte musical.
Por su parte, “Burn!” arranca con una melodía poderosa, matizada por riffs pesados, y la combinación de voces limpias y guturales hacen de este tema algo que no dejara tu cuello tranquilo. Blast beats colocados en los momentos exactos destacan en apoyo de las voces guturales. Uno de los temas donde las voces guturales tienen más protagonismo. La voz de ella abandona la dulzura para mostrar su costado con más fuerza.
Otro de los sencillos es “Lead Us Home” el medio tempo/lento del álbum. Guitarras acústicas acompañando una mezcla de dulzura y melancolía que emana de la voz de Jasmin y se apodera de tus estados de ánimo a lo largo de toda la canción.
La música electrónica se hace presente en “We Are the Storm” a lo largo de todo el tema, complementando la voz gutural que comanda la canción, pero sin hacerle perder su raíz metalera. La voz de ella aparece en el estribillo y comanda el desenlace de la canción.
“Song of The Galdrim” es una canción épica de principio a fin. Un estribillo con una melodía vocal increíble. Arranque épico, apoyado por la chancha que le da relieve, y la voz de ella a capela. Es un recorrido sonoro por distintos momentos.
“Du bist der Sturm”, es el segundo tema en alemán. Se trata de un medio tempo donde el piano le pone un toque de melancolía.
En “Thousand Voices” nos encontramos con un comienzo a puro folk que, al mismo tiempo, es parte del estribillo del tema. La voz líder es la de Jasmin, la irrupción de las voces guturales le da un toque de densidad adecuado. Te lleva y te trae por distintas intensidades musicales. Merece destacarse el coro épico de la parte final del tema.
La canción que le da nombre al álbum “Where Silence Speaks” permite resumir todas las características de esta agrupación: guitarras melódicas con un toque folk de las que emanan, al mismo tiempo, riffs densos, una base consistente que acompaña las melodías y los cambios de ritmo, coros épicos y los colores de la voz de una verdadera princesa élfica. El estribillo parece estar diseñado para cantarlo atravesando el bosque negro.
El cierre de esta placa se encuentra a cargo de “Valinors Light (Version 2026)”, una versión de un tema originalmente compuesto para Black Jade. Se trata de un medio tempo donde se luce la voz de ella, por momentos solo acompañada por un piano, mientras que el acompañamiento del resto de la banda convierte al tema en una verdadera obra maestra melódica. No olvidemos que, según lo manifestado en entrevistas por Andy Waldner, se trata originalmente de un tema orientado al black metal convertido en una versión casi acústica de alto nivel sinfónico.
Si bien la banda parece no tener un baterista estable, el trabajo rítmico es destacable a lo largo de toda la producción.
Un disco excelente de principio a fin.
Tenemos que referirnos a un bonus track: el 30 de enero sacaron un nuevo sencillo “Weaver of fate”, una verdadera joya acústica que demuestra la maestría de estos músicos y los amplios registros que puede mostrar la voz de Jasmin (dulzura, fuerza y musicalidad en una misma pieza de alto nivel musical). Por momentos, principalmente el estribillo, puede catalogarse como una mezcla de country y folk.
Metal sinfónico, con toques melódicos y folk, de la mejor calidad, seguramente sea uno de los discos del año. Un disco para caer rendido ante estos narradores de historias de la tierra media y de nuevos mundos fantásticos. Esperemos que sus narraciones nos acompañen en el mundo del metal durante mucho tiempo.
Nos atrevemos a decir que estamos en presencia de una de las joyas metálicas del año, aun cuando lleve tan poco tiempo transcurrido, y a recomendarte que no dejes de acercarte a esta banda. Una vez que lo hagas, no vas a poder dejar de escucharla una y otra vez.
No hay dudas que Nile se forjó de un nombre y una identidad en el Death Metal. Su peculiar enfoque y temática en la mitología egipcia los volvió en un grupo fácilmente reconocible dentro de los cánones del género. Encabezados por su líder Karl Sanders, la banda se presenta en Argentina, el próximo 15 de marzo en el Teatrito, para demostrar su poderío musical y ofrecer un ritual lleno de misticismo y brutalidad a partes iguales.
Breve recorrido histórico
Nile fue fundada por su guitarrista y vocalista Karl Sanders en 1993, tras la disolución de su anterior banda de Thrash Metal, Morriah. Provenientes de, Carolina del Sur, Estados Unidos, el grupo empezó sus andanzas grabando y editando distintos demos y Eps, lo que le permitió realizar sus primeras giras por su país y poco a poco, ir construyendo la base de su sonido.
Esta construcción llegaría con el lanzamiento de su primer álbum de larga duración, Amongst the Catacombs of Nephren-Ka (1998). Dicha obra, se desprendía completamente de las raíces e influencias del Thrash de sus primeras grabaciones y comenzaba a consolidar la dirección musical del grupo: la de fusionar la fuerza más bruta y rudimentaria del Death Metal, con arreglos técnicos y pasajes atmosféricos con instrumentos tradicionales de Medio Oriente.
Amparados bajo la firma de Relapse Records, el grupo consiguió el despegue y éxito necesario, para ir colocando su nombre en el mapa. Lentamente, fueron ganando terreno y reconocimiento dentro de la escena extrema, con producciones discográficas como Black Seeds of Vengeance (2000), In Their Darkened Shrines (2002). Sin embargo, es con la salida de Annihilation of the Wicked (2005), que los de Greenville consiguen la fama y el éxito a nivel global. Su producción nítida junto con el elevado nivel de brutalidad técnica, lo convirtieron en unos de los trabajos más influyentes y exitosos de su carrera.
A partir de este punto, el grupo se volvió en unos de los referentes modernos del género, manteniendo su estatus y llevando la marca distinta de su sonido, a distintas partes del mundo. Siempre conservando su identidad, y perfeccionando su propuesta aún más. Si bien en los últimos años, sufrieron varios cambios críticos en su alineación, en la actualidad gozan de un gran presente reflejado en sus más recientes obras Vile Nilotic Rites (2019),The Underworld Awaits Us All (2024), donde la banda sigue empujando los límites de su velocidad y técnica.
Contenido lírico
Movidos e impulsados por los conocimientos e inquietudes de su mente creadora, Karl Sanders, desde sus inicios Nile se distinguió del resto de agrupaciones del Death Metal, al adoptar una temática orientada a la historia, mitología y costumbres del Antiguo Egipto. Y no solo en el apartado letrístico. Tanto en las portadas y como en el nombre de las canciones, se ve reflejada esta idea por construir una ambientación y estética influenciada en tumbas, faraones y deidades.
Muchas de sus composiciones adaptan fragmentos de los Textos de las Pirámides, el Libro de los Muertos y el Libro de las Puertas. Sanders ha confesado en más de una ocasión, que algunos de los títulos largos de sus canciones, están relacionados con el título real del texto antiguo, de los capítulos del Libro de los Muertos. Un caso es “Chapter of Obeisance Before Giving Breath to the Inert One in the Presence of the Crescent Shaped Horns” de su aclamado Annihilation of the Wicked (2005).
No obstante, la banda también se ha inspirado en relatos de H.P. Lovecraft, para la creación de varias de sus piezas. En especial, en los mitos de Cthulhu. Apoyado en este tipo de deidades más siniestras y antropomórficas, el grupo integra el horror cósmico de la ficción a sus letras, marcando paralelismos entre el universo egipcio y el Lovecraftiano.
En el interior de los libretos de sus trabajos, el grupo incluye notas y comentarios, conocidas como “Liner Notes”, que explican la inspiración o el origen de las letras de cada una de sus canciones, dándole un valor educativo y antropológico a su propuesta.
De esta forma, el contenido lírico de sus composiciones juega un papel clave, ya que no solo le otorga una visible identidad temática al grupo, sino que se encuentra directamente enlazada con el apartado musical y los distintos recursos que Sanders y compañía, utilizan para potenciar su propuesta.
Contenido musical
El sonido de Nile es inconfundible. Se trata de una pared sónica, que avanza a toda velocidad y fuerza, directo hacia el oyente, pero desde distintas direcciones. Y es que el estilo que los estadounidenses practican se podría llegar a considerar versátil y dinámico.
El Death Metal que ejecutan combina segmentos vertiginosos, abrasivos y brutales junto con pasajes atmosféricos y conceptuales del Medio Oriente. Para ello, la banda usa escalas frigias y árabes e incorpora instrumentos más tradicionales a su música, con el fin de recrear este ambiente más místico, ancestral y milenario.
Originalmente concebido como un trío, los de Greenville fueron cambiando de miembros a medida que pasó el tiempo. La alineación original incluía a Sanders, a su mejor amigo Pete Hammoura (batería) y a Chief Spires (bajo/voz). Sin embargo, las exigencias técnicas de su música hicieron que progresivamente, empezara la rotación de músicos.
Es por eso que la incorporación del batero George Kollias a sus filas fue clave. Su llegada en 2004 coincidió con el lanzamiento de su celebre Annihilation of the Wicked. Su veloz y precisa forma de tocar el instrumento, lo volvieron en un pilar fundamental y distinguible del grupo.
Sus blast beats alcanzan velocidades superiores a 260 BPM, y a la vez, integra elementos de jazz y fusión en sus rellenos (fills), lo que añade una capa de sofisticación a la brutalidad de su ejecución.
A día de hoy, es el miembro más antiguo del grupo después de Sanders, el cual ha dicho que no se imagina buscando otra baterista, en caso de que Kollias se fuera. “Si llega el día en que George ya no quiera tocar en Nile, entonces creo que estamos acabados. No quiero encontrar otro baterista. Eso será todo cuando llegue ese día”.
Si bien su líder remarcó en más de una ocasión que no considera que Nile sea un grupo de Death Metal técnico, musicalmente hablando, posee muchos elementos que requieren de un elevado nivel de dominio y destreza de los músicos, y los vuelve, sin duda, en uno de los más prodigiosos y complejos del género.
El enfoque de Nile respecto a las voces es distintivo: no tienen un único “frontman”, sino que utilizan un ataque vocal múltiple (generalmente tres voces) para crear texturas y diálogos, que van desde guturales cavernosos hasta gritos rasgados.
Siendo Karl Sanders el portavoz oficial de la banda, su tono se caracteriza por ser extremadamente grave y profunda, encargándose generalmente de las partes más densas y espirituales de las canciones. Y es que el grupo se apoya mucho en esta función de parte del cantante: la de crear momentos más sombríos y ceremoniales para permitir que él recité sus frases asumiendo el rol de un dios o una deidad.
Si bien Sanders es el cerebro y fundador, eso no quita que sea la única voz reconocible de su bestia. Y es que si hablamos de vocalistas de Nile, sin duda el nombre de Dallas Toler-Wade es el segundo que se aparece en los papeles. Con un tono particular, su estilo era más agresivo, rítmico y con una dicción clara, lo que permitía entender las complejas letras en medio del caos técnico. Siendo participe en obras clásicas como In Their Darkened Shrines (2002)
y Annihilation of the Wicked (2005), su salida en 2017 significó una baja sensible para Nile, marcando el fin de una alianza gutural y rítmica icónica con Sanders.
En la actualidad, el guitarrista Brian Kingsland ocupa el lugar que dejó Dallas. Con un registro gutural más amplio, el vocalista aprovecha sus gritos agudos y rasgados para agregar una capa más de desesperación a la música. Y es que los norteamericanos siempre buscaron explotar al máximo los recursos vocales de sus músicos, para poder reforzar la idea de un intercambio verbal entre seres mitológicos, criaturas monstruosas o predicadores del Medio Oriente. Concepto que plasma la banda en sus actuaciones en vivo.
Presentación en Buenos Aires
De la mano de Icarus Music, la banda comandada por Karl Sanders se presentará en Argentina, el domingo 15 de marzo en el Teatrito (Sarmiento 1752, CABA) para presentar el material de su más reciente trabajo, The Underworld Awaits Us All (2024). Su regreso a Buenos Aires trae como promesa no un recital, sino un ritual: una experiencia inmersiva al Antiguo Egipto, llena de mitos, monstruos, y deidades que no sabemos si es mejor, que sigan encerradas en sus tumbas.
Subterranean: “Ha salido lo que pretendíamos: un disco de hardcore actualizado y brutal”
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Tras el breve regreso de Subterranean Kids en 2023, una nueva etapa toma forma bajo el nombre de Subterranean. Con Mimo al frente —voz histórica del proyecto— y acompañado por Alberto “Brutus”, Gerard y Jordi, la banda arranca una nueva singladura que conecta pasado y presente del hardcore barcelonés. Hablamos con ellos sobre rupturas, reencuentros, legado, composición y el inminente lanzamiento de su nuevo disco.
—Vuestro último retorno en 2023, como Subterranean Kids, estuvo marcado por el fichaje por HFMN y el hecho de actuar junto a NOFX, aunque el estreno en directo fue en la Estraperlo de Badalona (14/5/2023), en un concierto para amigos e invitados, pero la reunión tuvo un corto recorrido. ¿Cuántos conciertos fueron finalmente, y qué pasó?
Mimo: Fueron los conciertos con NoFX, un festival en Castellón y el Mondra’n’Roll en Euskadi y poca cosa más. Lo que pasó es que hubo divergencias de pensamiento sobre dónde y qué dirección debería tomar la banda, que también se juntaron con divergencias personales y de actitud entre algunos miembros.
—A finales de ese mismo año se arma la nueva banda, Subterranean, que se presentó en Guíxols en febrero, en marzo en Terrassa teloneando a Crim, algunos festivales, y en Badalona de nuevo con los californianos R.K.L., en 2025, treinta años después de actuar juntos en Barcelona en el 93 en KGB —y quizá también en Garatge Club—. ¿Cómo fue el reencuentro con los americanos?
Mimo: La verdad es que fue bien. Alberto y yo ya los conocíamos de antes; yo sobre todo a Barry y a Little Joe. Como es normal, estuvimos comentando cosas e historias del pasado y de cómo estamos ahora. Musicalmente nos comentaron —según ellos, y si hay que creerles— que les gustamos mucho más ahora que antes. La verdad es que son gente muy fácil y agradable.
Alberto: Barry RKL y yo conservamos una amistad desde que teníamos 20 años, creo. Estuvo hospedado varios días en mi casa en su primer viaje a Europa celebrando su graduación en la universidad. A partir de ahí nos íbamos carteando, explicándonos nuestras aventuras: él con su nueva banda RKL y yo con mi nueva banda GRB.
En el 93 tuvieron problemas en una accidentada gira europea. Barry me envió un “help” y RKL se instaló en mi casa en Barcelona para reponerse y reestructurar la banda antes de volver a California e iniciar la gira que tenían programada, en la cual me incorporé como técnico de sonido. Así que te puedes imaginar que el encuentro fue bonito.
—La nueva formación cuenta con Mimo a la voz, único miembro original de SK, junto a Alberto aka Brutus, guitarra de los míticos GRB y habitual en las últimas alineaciones de SK, además de Gerard y Jordi al bajo y batería. ¿Cómo fue decidir el cambio de nombre y por qué la elección de Gerard y Jordi?
Mimo: Después de la separación de S.K. surgió la posibilidad de continuar con otro proyecto con Alberto. Hablamos con Gerard, que ya sabía lo que había pasado, y nos dijo que si queríamos hacer algo contáramos con él. Así fue. Pensando en quién podría ser el batería, se me ocurrió llamar a Jordi sin saber qué respuesta nos daría. La verdad es que no se lo pensó ni un momento: nos dijo que sí y que además tenía local de ensayo y equipo. Todo salió así de fácil, se empezaban a alinear los astros.
Alberto: Mimo y Boliche son los fundadores de Subterranean Kids. Al no estar Boliche en el proyecto veíamos feo e incoherente conservar el nombre, pero por otra parte la voz de Mimo es sello de la casa y además tocamos temas de Subterranean Kids. ¿Solución? Kids fuera.
—¿Creéis que Jordi hará olvidar esos ritmos imposibles de Boliche a la batería?
Mimo: No se pueden comparar, cada uno tiene su manera de tocar. Jordi siempre comentó que esto sería un reto para él y yo personalmente creo que lo ha superado con creces y solvencia. Es muy exigente consigo mismo y no tiene nada que envidiarle. Es un placer y un seguro tenerlo en la banda.
Alberto y Gerard: Eso depende de la perspectiva de quien lo vea. Pifa es una bestia, contundente y muy preciso, una gozada. Boliche y Pifa tienen su estilo propio, como todo músico. Nos parecería absurdo plantearlo desde una perspectiva comparativa o competitiva. A unos les puede gustar más uno que el otro, pero este factor no tiene por qué condicionar la trayectoria de nadie.
—¿El cambio de nombre es debido a algún posible conflicto entre los miembros originales o a romper en parte con el pasado?
Mimo: Se quitó el “Kids” más que nada por respeto hacia la banda y porque ya no somos “kids”. ¿Y por qué cambiar lo de Subterranean cuando al empezar tocábamos temas de S.K. que Gerard y Jordi se habían aprendido? Casi el 100% de las letras son mías y parte de las canciones que tocamos son de la última época, en la que Alberto fue responsable de la composición musical. Además tocamos algunas de las canciones más conocidas de S.K., junto con un tema de G.R.B. y lo nuevo que estábamos sacando. Lo más fácil era llamarse Subterranean si estás tocando temas que son tuyos.
—¿Por qué habéis mantenido parte del nombre original y no uno distinto, teniendo en cuenta que existen otras bandas llamadas Subterranean por el mundo?
Mimo: La primera parte queda respondida en la pregunta anterior. Y respecto a lo de la otra banda, tienes razón, no lo habíamos pensado. Hemos ido a lo fácil y por eso hemos añadido H.C., Subterranean H.C. o hardcore-punk, para diferenciar.
—Explicadnos cómo ha sido el proceso de composición y la elección de Estudios Ultramarinos, en Sant Feliu de Guíxols, y de Santi García para la grabación y producción.
Mimo: La composición ha sido muy fluida y fácil, aunque también muy elaborada y detallista. Hay temas que estaban hechos a finales de los 90 y que eran inéditos; los hemos retocado y actualizado tanto en estructura como en música y letras. Otros son totalmente nuevos. Más que elegir el estudio, fueron David (HFMN) y Santi quienes nos propusieron grabar allí. Ya conocíamos las producciones de Santi, sin dejar de lado el trabajo de su hermano en el mastering, donde todo se realza y compacta. Santi siempre dijo que nos haría un discazo y así ha sido.
Alberto: Tenemos un proceso de composición maravilloso. Todo sale fluido, natural y rápido. Trabajamos en equipo, todo el mundo aporta. Hay mucha creatividad, poco conformismo y exigencia musical.
—De momento han aparecido un par de cortes en formato videoclip del álbum que verá la luz el 6 de marzo. ¿Por qué habéis elegido esta forma de proceder y qué hay de la elección de las imágenes que ilustran “Generación Perdida”?
Mimo: Esto lo hemos dejado en manos de HFMN, que nos ha guiado en la forma de proceder y en los tiempos hasta la salida del disco. El primer videoclip, “Bajo tu piel”, es como una presentación de la banda. Fue creado por Teniem Potencial, a quienes dimos libertad dentro de los medios disponibles, y el resultado es impresionante. El segundo es un videolyric creado por Gerard Bernal, el bajista, que ha interpretado la letra desde un punto de vista bastante interesante.
—¿Qué puedes contarnos del contenido del disco, tanto musicalmente como en la temática de las letras?
Mimo: Ha salido lo que pretendíamos: un disco de hardcore de principio a fin, con un sonido actualizado y brutal, y con letras que tocan temas sociales y políticos, pero también temas intimistas con sus sentimientos y emociones. HARDCOREPUNK. PUNKHARDCORE.
Gerard: Es un disco dinámico, con diversidad de estilos dentro del hardcore/punk y bastante técnico. Hemos conservado el estilo de riffs de la última época de Subterranean Kids, actualizándolos lo justo para mantener el sonido de siempre pero adaptado al presente.
—Un excomponente de Subterranean Kids comentó que el nuevo trabajo suena bastante a R.K.L. ¿Estáis de acuerdo o pensáis que sigue sonando a los viejos Sub Kids?
Mimo: Suena a Subterranean. Suena a lo que siempre he querido para la banda en la que toco. Hay variedad, pero suena duro y contundente, que es lo que pretendíamos.
Alberto: Puede que algunos temas sí, los antiguos que hicimos en el 97. No lo sé ni me importa demasiado. En mi ADN llevo no solo RKL, sino también Dead Kennedys, Bad Brains, Hüsker Dü… Es normal que eso se manifieste en tu música. Lejos de verlo negativo, lo veo bonito.
—Habéis anunciado gira estatal con siete fechas en marzo, abril y mayo. En el pasado visitasteis casi toda Europa, pero ¿qué hay de América?
Mimo: Ufff… A mí personalmente me encantaría. Pero vayamos paso a paso. Si tiene que ser, será; y si no, no será.
Gerard: Tal como está Estados Unidos hoy en día lo veo difícil. Tendrían que cambiar algunas cosas. América Latina ya es diferente; estaría muy bien poder hacer una gira por ahí. Si sale la posibilidad y es factible, todo se puede hablar.
La H No Murió Suma Una Nueva Función A Los 35 Años De “Acido Argentino”
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El metal argentino está de festejo, LA H NO MURIO regresa a los escenarios para conmemorar los 35 años de la salida de su disco ÁCIDO ARGENTINO y lo hará con una gran gira. El tour comenzará en el Teatro Flores.
El espíritu y la música de Hermética, una de las bandas del metal más importantes salidas de Argentina, vuelve a estar presente en los escenarios con este homenaje.
“Ácido Argentino” es el segundo álbum de estudio de la banda, el cual fue editado en 1991 y certificado de platino, además de ser el primer disco de la banda con ventas masivas que al día de hoy siguen asi en forma sostenida.
La banda conformada por Claudio O ́Connor (Voz), Tano Romano (Guitarra), Karlos Cuadrado (Bajo) y Javier Rubio en batería comienza el 2026 con una extensa gira que los llevará a recorrer Argentina, Latinoamérica y Europa, además, de compartir escenario nuevamente junto a Iron Maiden en sus dos presentaciones en el Estadio Huracán.
VIERNES 3 DE ABRIL – TEATRO FLORES – ÚLTIMAS ENTRADAS
SÁBADO 4 DE ABRIL – TEATRO FLORES – NUEVA FUNCIÓN!!!
Tame Impala promete una noche psicodélica en Copenhague
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Los fanáticos del sonido psicodélico tienen una cita imperdible el 25 de abril, cuando Tame Impala lleve su música a la Royal Arena de Copenhague. Conocidos por sus atmósferas envolventes, sintetizadores hipnóticos y un espectáculo visual que acompaña cada acorde, la banda australiana promete una experiencia única que transportará al público a un viaje musical y sensorial inolvidable.
Este show será la oportunidad perfecta para disfrutar de los grandes éxitos de Tame Impala, así como de los cortes más recientes que han consolidado a la banda como una de las referentes del rock psicodélico moderno. Con una propuesta escénica que combina luz, color y sonido, los asistentes podrán sumergirse por completo en la magia de su universo sonoro.
Los tickets para este evento ya están disponibles y se pueden conseguir a través de este link de tickets, asegurando su lugar para vivir de cerca la propuesta sonora y visual de la banda.
Para quienes buscan una experiencia musical fuera de lo común, Tame Impala ofrecerá una noche donde los límites entre música, luz y emoción se desdibujan, convirtiendo la Royal Arena en un espacio de pura inmersión psicodélica.
Bloodbound publica “The Nine Crusades” junto a una invitada muy especial
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Los power metaleros suecos Bloodbound acaban de lanzar el videoclip de su nuevo single “The Nine Crusades”, un poderoso corte, para el cual han contado con la colaboración especial de Brittney Slayes, vocalista de Unleash the Archers, con un resultado impecable y a la altura del dueto que se da en el mismo.
El corte forma parte del último disco de los suecos, que se tituló Field of Swords, el cual fue publicado el pasado 21 de noviembre de 2025 vía Napalm Records y como curiosidad destacar que la canción tiene su origen en 2018 y estaba pensada para una colaboración con Joakim Brodén de Sabaton, cosa que al final no pudo ser, pero que la banda la tenía pensada para dos voces y encontraron en Brittney, la persona ideal para la pieza.
Podéis escuchar el resultado final a continuación:
2 Minutos volverá a traer el punk argentino a España
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Uno de los emblemas del punk rock albiceleste, como son los muchachos de 2 Minutos, están muy cerca de regresar al viejo continente, para sacudir los escenarios de esta región a ritmo de punk rock melódico, directo y urbano.
Una vez más, gracias a Chainsaw Entertainment, podremos disfrutar de himnos como “Amor Suicida”, “Piñas Van, Piñas Vienen” y por supuesto la inmortal “Ya No Sos Igual”, entre otros, en las siguientes fechas:
Full of Hell promete una noche de caos sonoro en Copenhague
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El 26 de abril, Full of Hell traerá su devastador sonido a Vega, ofreciendo un espectáculo que combina grindcore, noise y death metal en su máxima intensidad. Reconocidos por sus actuaciones explosivas y su capacidad de llevar al público al límite, la banda estadounidense promete una experiencia inolvidable para los fanáticos del metal extremo y experimental.
El concierto contará con la participación de The Body, Jardhead Fertilizer yJAD, quienes abrirán la velada con su propio estilo abrasivo, preparando al público para la descarga total de Full of Hell. Esta combinación garantiza una noche cargada de potencia, ruido y energía, perfecta para quienes buscan un show donde la intensidad sea el eje principal.
Los tickets para esta fecha ya están disponibles y se pueden adquirir a través de este link de tickets, asegurando su entrada para vivir de cerca el caos controlado que caracteriza a la banda.
Para quienes buscan una experiencia musical extrema, Full of Hell ofrecerá una noche donde cada riff, golpe de batería y rugido vocal promete un impacto que permanecerá en la memoria de todos los asistentes, consolidando este show como un evento imperdible en la escena metalera de Copenhague.
A regresa con nuevo disco tras dos décadas sin material nuevo
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Si tu etapa de la adolescencia coincidió en espacio temporal con la primera década de los 2000, seguramente creciste escuchando grupos alternativos diversos como Limp Bizkit, Sum 41, Jimmy Eat World y también fuiste testigo de como el Reino Unido exporto su granito de arena a la escena con bandas como InMe, Hundred Reasons o nuestros protagonistas de este artículo, los chicos de A.
Con el que seguramente sea uno de los nombres menos inspirados de la historia, la banda oriunda de Suffolk, los hermanos Jason, Adam y Giles Perry junto a Mark Chapman y el bajista actual Richard Trigg, supieron tener sus minutos de gloria gracias a su álbum debut Hi-Fi Serious en 2002, impulsado al estrellato gracias a temazos como “Nothing” y “Starbucks”, que sonaban por todos lados en aquellos días.
Pues ahora a 20 años de su último disco, la banda ha anunciado un nuevo disco que llevará por título Prang y verá la luz el próximo 22 de mayo a través de Cooking Vinyl.
El tracklist será el siguiente:
1 Hello Sunshine 2 Walkover 3 Bring On The Likes 4 Shit Summer 5 All In 6 Techno Viking 7 Kings of Lowestoft 8 Comment Leaver 9 Back To The Shop 10 Lifeline
La banda francesa The Prestige ha estrenado un nuevo y potente single, que lleva por título “Noire Nuit” (Noche negra si lo traducimos al español) y donde siguen haciendo gala de un excelente estado de forma dentro del metal/hardcore en su país natal.
Oriundos de París, la banda es uno de los nombres más destacados dentro de la escena “core” gala y lo podéis comprobar con este nuevo tema, cuyo videoclip os dejamos a continuación:
Luego desde su exitosa participación en Knotfest México 2025, el cuarteto creador del Harajuku-Core,HANABIE., confirma su regreso a nuestro país con dos fechas como parte de su gira mundial.
Así es, prepárate para recibir a Yukina (voz), Matsuri (guitarra/voz), Hettsu (bajo) y Chika (batería) con una de las presentaciones más explosivas del metal japonés, con esa mezcla única de nü metal, metalcore, hardcore punk, electro y j-pop.
Puedes conseguir tus boletos para su show del 7 de julio en el Teatro Estudio Cabaret de Guadalajara a través de Boletomóvil y a través de FunTicket para su presentación en el Foro Teambro de la Ciudad de México este 10 de julio.
La agenda de Track To Hell para marzo en Copenhague se presenta repleta de conciertos de rock, punk y metal, combinando el talento de bandas consolidadas con nuevas propuestas de la escena underground. A lo largo del mes habrá fechas en diferentes salas de la ciudad, ofreciendo un recorrido que va desde el rock alternativo hasta el metal más intenso. Marzo se perfila como el momento ideal para sumergirse en guitarras afiladas, espíritu punk y una potente energía en directo dentro de una escena local dinámica y en constante crecimiento.
Jinjer + Unprocessed + Textures Fecha: 1 de Marzo en Copenhague.
The Fall of Troy Fecha: 7 de Marzo en Buenos Aires.
Cannonball Fechas: 6 y 7 de Marzo en Copenhague. Kanonenfieber + Mental Cruelty Fecha: 7 de Marzo en Copenhague.
Amaranthe + Epica + Charlotte Wessels Fecha: 10 de Marzo en Copenhague. Carpenter Brut Fecha: 16 de Marzo en Copenhague. Kataklysm + Vader + Blood Red Throne Fecha: 19 de Marzo en Copenhague.
Guttural Disgorge + DETHRXNER Fecha: 21 de Marzo en Copenhague. Stoned Jesus + Wheel Fecha: 29 de Marzo en Copenhague.
Hulder Fecha: 30 de Marzo en Copenhague.
Unto Others desembarcará en Argentina con su gira latinoamericana
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La banda estadounidense Unto Others llegará a Buenos Aires el próximo 26 de marzo como parte de su tour “Never, Neverland Latin America 2026”. Con una propuesta que combina heavy metal clásico, tintes góticos y una marcada estética dark, el grupo se ha convertido en una de las revelaciones más sólidas de la escena internacional en los últimos años.
Conformada en Portland y liderada por Gabriel Franco, la agrupación ha sabido construir un sonido que fusiona melodías oscuras, riffs filosos y una identidad visual que remite tanto al post-punk como al metal tradicional de los años ochenta. Sus shows en vivo destacan por la intensidad, el carisma escénico y una atmósfera envolvente que potencia cada una de sus composiciones.
La cita en la capital argentina tendrá lugar en El Teatrito, donde se espera una noche cargada de energía y climas sombríos. Hasta el momento no se han anunciado bandas teloneras, por lo que toda la atención estará puesta en el esperado debut (o regreso) del grupo en el país.
Las entradas ya se encuentran disponibles a través del sistema online, donde pueden adquirirse los tickets para la presentación del 26 de marzo. Una oportunidad imperdible para los amantes del metal oscuro y melódico.
Alesana en Buenos Aires: “Generación Bond Street 2.0”
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Foto de portada: Nico Cardinale, gentileza Nepenthe Rock
Tras dos años de espera, Alesana, el quinteto de Raleigh, Carolina del Norte regresó a la Argentina para dar una cátedra de post-hardcore en el Abasto con una premisa, ejecutar de manera íntegra el disco The Emptines (2010) y más. En una noche que desbordó nostalgia y energía, Uniclub fue el refugio de una audiencia que demostró que la estética y el sentimiento de la Bond Street siguen más vivos que nunca.
Un jueves, fue el día elegido para realizarse un show en donde la zona del Abasto se tiñó de negro y flequillos para recibir nuevamente a los norteamericanos. La cita en Uniclub no era una más; marcaba el retorno de la banda después de dos años y la oportunidad de ver cómo envejeció una propuesta que fue estandarte de toda una generación. Al llegar al venue, cerca de las 20:10, la postal era clara: una “Generación Bond Street 2.0” copaba el venue de Guardia Vieja al 3300. Desde adolescentes que descubren el género hasta treinteañeros que llevan el legado de la mítica galería porteña en la piel, todos se congregaron para lo que prometía ser un ritual de gritos y melodías.
El lugar presentaba un marco impecable, con un 80% de su capacidad cubierta. A pesar de los años, el poder de convocatoria de Alesana se mantiene firme, demostrando que su música logró trascender la moda pasajera para convertirse en un clásico de culto para las distintas tribus urbanas que se hicieron presentes.
Los encargados de abrir la jornada fueron los locales Portland. El grupo salió a escena con su propuesta más ligada al hardcore pero que encajó perfectamente con el clima de la noche. Si bien el sonido por momentos retumbaba demasiado, la banda supo sobreponerse con actitud.
Entre el set de los locales y el inicio de Alesana, hubo un punto para criticar: el excesivo volumen de la música ambiente. Era prácticamente imposible hablar con la persona de al lado, un detalle que podría haberse cuidado para hacer más amena la espera, pero que no opacó el entusiasmo general.
Sinceramente, llegué a Uniclub esperando una jornada tranquila, quizás apoyada más en la nostalgia que en la intensidad. Sin embargo, al primer acorde, el recinto explotó por los aires. Alesana entregó un show enérgico tanto arriba como abajo de las tablas. La recepción del público fue sorprendente; desde el pogo más violento hasta los coros que tapaban por momentos la voz de Dennis Lee y Shawn Milke.
El quinteto desplegó esa mezcla característica de teatralidad y agresividad. Fue una hora y pico de despliegue físico absoluto, con una banda que se nota que disfruta volver a estas latitudes. No hubo inconvenientes técnicos de relevancia durante su set, permitiendo que la arquitectura sónica de temas se luciera con toda la furia. Es destacable el trabajo vocal de la banda, que mantiene esa dualidad entre la limpieza melódica y los gritos desgarradores sin perder calidad en vivo.
El público, un mix de edades entre los +15 y los 35 años, filmó, cantó y saltó cada una de las canciones como si fuera la última vez. Esa conexión entre banda y audiencia es lo que realmente definió la noche. Alesana no vino a cumplir un trámite; vino a reafirmar su vigencia frente a una hueste que los esperaba.
Me fui de Uniclub con la sensación de haber presenciado un show que superó las expectativas iniciales. Alesana demostró que su fórmula sigue funcionando y que el público argentino tiene un vínculo especial con su discografía. Fue una jornada más que satisfactoria por donde se la mire, confirmando que la “escena” sigue teniendo sus refugios y sus héroes vigentes.
Agradecimientos especiales a la producción de Noiseground por las facilidades para realizar la cobertura y por dejarnos estar presentes en este regreso.
Furi Helium en Barcelona: “Underground Sin Anestesia”
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Entrar al Casal de Joves Prosperitat para ver a Furi Helium y Delugge no es ir a un concierto; es meterse en una zona de conflicto donde la única arma es la distorsión y donde la única ley válida es el volumen. No hay postureo, no hay pantallas LED, no hay discursos tibios ni coreografías prefabricadas. Hay cables, hay sudor, hay amplificadores al borde del colapso y una sensación constante de que algo puede reventar en cualquier momento. El recinto se convirtió en un pequeño epicentro sísmico dentro de Nou Barris, un punto donde la escena underground barcelonesa volvió a demostrar que la resistencia cultural no se negocia y que el ruido sigue siendo una forma legítima de protesta. El Casal no es una sala diseñada para el confort burgués. No es un teatro con butacas numeradas ni una nave industrial convertida en templo hipster. Es un espacio comunal, con cicatrices en las paredes y con una acústica que no perdona errores. Allí no se va a consumir música como quien consume un producto; se va a exponerse. Y esa noche nadie salió intacto.
Desde la prueba de sonido ya se intuía que aquello no iba a ser una velada tranquila. Los graves retumbaban como un aviso previo y cada golpe de caja parecía probar la resistencia estructural del edificio. Delugge fue la primera descarga de la noche y lejos de ejercer como simple telonero cumplidor, asumió el papel que mejor le encaja: el de arquitecto de la tormenta. Subieron al escenario sin aspavientos, sin discursos motivacionales y sin teatralidad innecesaria. Presencia sobria, concentración absoluta y esa actitud de quien sabe que lo único que tiene que hacer es tocar y dejar que el sonido haga el resto. Alfonso tomó el micrófono como quien agarra una herramienta de demolición. No necesitó grandes gestos; su intensidad estaba en la garganta, en la tensión del cuello, en la forma de escupir cada frase como si fuera la última. El arranque con “Bark” fue una declaración de principios: riffs densos, tempos pesados y esa sensación física de que el aire se vuelve más espeso cuando el volumen alcanza cierto umbral. No es música para acompañar una cerveza; es música para atravesarte el estómago.
La dupla “Dead or Alive” y “Crushing Weight of Reality” dejó claro que Delugge no juega a medias tintas. Su sonido se mueve entre el post-nu metal y el sludge, pero sin quedarse atrapado en la etiqueta. Es una muralla de densidad táctil, una masa sonora que no se limita a sonar, sino que presiona. Los tempos lentos no son un descanso, son una tortura calculada que acumula tensión hasta que todo estalla. Cada riff cae como una losa y cada cambio rítmico parece diseñado para descolocar el equilibrio del cuerpo. En medio de esa tormenta controlada, Joy se convirtió en uno de los puntos más magnéticos de la noche. Con su cresta mohicana cortando el aire como una bandera de guerra, sostuvo la guitarra con una mezcla de precisión y rabia que no admite distracciones. Cuando se le rompió una cuerda en plena actuación, no hubo gesto dramático ni pausa incómoda. Hubo temple. Hubo profesionalidad. Cambió de cuerdas con una serenidad casi desafiante y volvió a atacar los riffs como si nada hubiera pasado, castigando “Misery” y “Tik Tok” con una contundencia que hizo vibrar el suelo de la Prospe. Ese tipo de momentos separa a las bandas que juegan a ser intensas de las que realmente lo son.
En la base rítmica, Eric aporreaba los parches con una violencia técnica que no es descontrol, sino precisión quirúrgica aplicada con mala leche. Cada golpe estaba donde tenía que estar, pero con la fuerza suficiente para convertir la batería en una declaración de guerra. Sergi, al bajo, no se limitaba a acompañar: construía un cimiento grueso, casi tectónico, que daba soporte a la masa guitarrera. Su melena en constante movimiento marcaba el pulso visual de la banda mientras las frecuencias bajas golpeaban el pecho del público como un segundo corazón. El set avanzó con la atmósfera opresiva de “Stanczyk” y “Hands Around”, dos piezas que demuestran que la banda sabe manejar el silencio relativo con la misma inteligencia que el estallido. Los tempos ralentizados no diluyen la energía; la concentran. Es como ver cómo se tensa una cuerda hasta el límite, sabiendo que en cualquier momento puede romperse. Y cuando finalmente explota, el pogo no es una opción: es una consecuencia inevitable. “Karonte” empujó al público hacia territorios más oscuros, con texturas casi abisales que envolvían la sala en una sensación de descenso progresivo. Y cuando llegó “Kraken”, la épica no fue impostada; fue orgánica. La canción creció como una criatura marina emergiendo desde el fondo, pesada y devastadora, hasta sumergir a todos en esa mezcla de catarsis y violencia sonora que define a Delugge. Para entonces ya no quedaba nadie indiferente. No habían sido un simple calentamiento: habían sido la antesala necesaria para que lo que viniera después tuviera el terreno preparado.
Y entonces llegó Furi Helium. Sin atrezzo, sin escenografías grandilocuentes y sin la necesidad de demostrar nada a nadie, el quinteto se plantó en el escenario con esa actitud que solo tienen las bandas que saben exactamente quiénes son. No hubo introducciones teatrales ni discursos complacientes. Hubo un conteo, un golpe seco y “Overtaken” cayó como un puñetazo directo a la mandíbula. Si Delugge había construido una presión constante, Furi Helium la transformó en impacto frontal. El thrash/groove que manejan no es una revisión nostálgica ni un ejercicio de estilo. Es una reinterpretación honesta, con raíces claras en la vieja escuela, pero con músculo contemporáneo. “The Anger of Osiris” confirmó que la base rítmica formada por Adrià Filella a la batería y Carlos “El Topo” López al bajo no está ahí para acompañar, sino para liderar el asalto. Cada doble bombo parecía perforar el suelo y cada línea de bajo añadía un peso extra a la avalancha. David Fornos y Sergio Malagón se enzarzaron en un duelo de guitarras que no era competición, sino complicidad explosiva. Sus riffs beben de la tradición más clásica del thrash, pero están hipertrofiados, afinados para sonar más gruesos, más cortantes. No hay concesiones a la comodidad. Cada palm mute es una cuchillada rítmica y cada solo aparece cuando tiene que aparecer, sin caer en la pirotecnia vacía. Y en el centro de todo, Kírian Bonet. No como frontman de pose estudiada, sino como portavoz de una rabia colectiva que no necesita disfraz. En “Break the Chains” su voz fue un grito directo contra la resignación, una descarga de frustración canalizada con precisión. Y cuando sonó “Criminals”, la pista se convirtió en una lavadora humana. Cuerpos chocando, hombros impactando, gente cayendo y levantándose en cuestión de segundos. No era violencia gratuita; era energía liberada sin filtro.
Uno de los momentos más significativos llegó con los debuts en directo de “Tidal Disruption” y “Orangutan Klan (L.N.L.)”. Estrenar material en un entorno así no es un trámite; es una prueba de fuego. Y la superaron con contundencia. Se nota que la banda está evolucionando hacia un sonido más pesado y técnico, incorporando estructuras menos previsibles y dinámicas más complejas sin perder esa mala hostia que los define. No hay domesticación. Hay crecimiento. El bloque central con “Empty Shells”, “World of Ideas” y “The Chronophage” fue una demostración de que Furi Helium suena nítido y afilado incluso en la saturación máxima. No caen en la clásica bola de ruido donde todo se mezcla sin definición. Cada instrumento tiene su espacio, cada golpe se distingue y cada riff respira lo justo antes de volver a atacar. Esa claridad en medio del caos es lo que marca la diferencia entre sonar fuerte y sonar bien. Cuando llegó “Obsolete”, la sala ya estaba en ebullición. El sudor empezaba a empañar el aire y la temperatura subía al ritmo del doble bombo. “Bloodspiller” fue otro clavo más en el ataúd de la calma. Y entonces, como si todavía quedara algo por dinamitar, arrancaron con “Time to Fight!”. El título no podía ser más explícito. El local se vino patas arriba. El mosh se expandió hasta los laterales, varias personas agarraron el micrófono para corear los estribillos y durante unos minutos no hubo escenario ni público, sólo una masa compacta de rabia compartida. “K-Pass” funcionó como remate, pero no como cierre amable, sino como última embestida. Y cuando “Beat Of The Rising Sun” selló la noche, quedó claro que aquello no había sido solo un concierto. Fue un recordatorio de que en Nou Barris no se va a bailar para olvidar, se va a gritar para no callar. Se va a purgar la frustración de un mundo que se cae a pedazos mientras algunos siguen fingiendo que todo va bien. Lo que ocurrió esa noche en el Casal de Joves Prosperitat no saldrá en los titulares complacientes ni en los suplementos culturales que prefieren hablar de tendencias asépticas. Pero allí, entre paredes sudadas y amplificadores al rojo vivo, hubo verdad. Hubo una comunidad que se reconoce en el ruido, que entiende el pogo como una forma de abrazo violento y que encuentra en la distorsión un lenguaje más honesto que muchos discursos institucionales. Mientras existan bandas como Delugge y Furi Helium, el underground seguirá siendo ese lugar incómodo donde no caben las medias tintas. Un espacio donde la música no adorna, sino que confronta. Y donde cada riff, cada grito y cada golpe de batería recuerdan que el silencio nunca ha sido una opción.
Iotunn llevará su épica al metal extremo en Copenhague
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El 26 de abril, Iotunnpromete una noche de metal poderoso y épico en Amager Bio, llevando a los fanáticos en un viaje cargado de riffs contundentes, atmósferas oscuras y pura intensidad sonora. Conocidos por su estilo que combina elementos de death y black metal, la banda noruega está lista para ofrecer un espectáculo que nadie querrá perderse.
El concierto contará con la participación de In Vain y Nephylim como bandas teloneras, quienes calentarán el ambiente con su propuesta brutal y técnica, preparando al público para la descarga total de Iotunn. Juntas, estas agrupaciones garantizan una velada inolvidable para los seguidores del metal extremo, con momentos de intensidad, virtuosismo y fuerza en cada interpretación.
Los tickets para esta fecha ya están disponibles y se pueden adquirir a través de este link de tickets, asegurando su entrada para una noche que reunirá a la comunidad metalera bajo un mismo techo y con la fuerza característica de Iotunn.
Para quienes buscan un show cargado de energía, técnica y brutalidad, Iotunn ofrecerá una experiencia que combina lo mejor del metal extremo noruego con una puesta en escena épica, garantizando que cada fan se lleve un recuerdo imborrable de esta velada.
Wicked Leather derrochará su poderoso sonido en Málaga
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Los barceloneses Wicked Leather continúan con su gira 2026 y tras un gran debut en casa el pasado 19 de febrero, ahora es Málaga la siguiente parada donde presentarán su nuevo disco Season of the Witch, ideal para cualquier amante del heavy/speed metal clásico que se precie.
Zacky Vengeance (Avenged Sevenfold) sorprende con dos temas en solitario
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El guitarrista californiano Zacky Vengeance, por todos de sobra conocido gracias a su trabajo en las seis cuerdas como miembro de Avenged Sevenfold y cumpliendo dupla guitarrera con Synyster Gates, ha anunciado su primer trabajo en solitario, que llevará por título Dark Horse y llegará a las tiendas el próximo 18 de abril.
Zachary Baker es el nombre que llevará el músico en este proyecto ya que es con el cual ha nacido y para diferenciarse de su etapa en A7X y del cual ya conocemos dos canciones, que desde luego, van a sorprender a los fans de su banda madre ya que poco tienen que ver con la misma.
El músico ha comentado que el disco tiene aires de hard rock clásico, country rock y otros estilos, dejando claro que esto no es un simple pasatiempo si no un desafío artístico con el cual está muy entusiasmado.
Baest desatará el poder del death metal en Copenhague
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Los fanáticos del metal extremo tienen una cita obligada este 24 de abril: Baest, la potente banda danesa de death metal, llegará a Store Vega con un espectáculo que promete intensidad y energía desde el primer acorde. Conocidos por sus riffs contundentes y su fuerza sobre el escenario, Baest está lista para ofrecer una experiencia inolvidable para todos los seguidores del género.
El concierto contará con la participación de Coffin Fedder y Livløs como bandas teloneras, quienes calentarán el ambiente con su sonido brutal y oscuro antes del show principal. Esta combinación asegura una noche cargada de adrenalina, técnica y agresividad musical, ideal para quienes buscan sumergirse en la escena más intensa del metal danés e internacional.
Los asistentes podrán asegurar sus entradas a través de este link de tickets, garantizando su lugar en una velada que reunirá a la comunidad metalera en un solo lugar, con toda la intensidad característica de Baest y sus acompañantes.
Para quienes buscan un show explosivo, la combinación de Baest, Coffin Fedder y Livløs asegura una noche donde el death metal dominará cada rincón del recinto. Desde la brutalidad de los riffs hasta la potencia de las voces, esta será una oportunidad única de vivir de cerca el sonido más extremo de Dinamarca.
Karnivool traerá la intensidad de “In Verses Tour” a Copenhague
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El metal progresivo australiano volverá a sacudir Dinamarca cuando Karnivool se presente el próximo 14 de abril en Copenhague como parte de su esperada “In Verses Tour”. La banda, reconocida por su capacidad para combinar complejidad rítmica, atmósferas envolventes y una interpretación vocal cargada de emoción, promete una noche de alto impacto para los seguidores del género.
La cita tendrá lugar en Amager Bio, escenario habitual de grandes nombres internacionales dentro del circuito alternativo y metalero de la capital danesa. El show contará además con la participación de Intervals como banda invitada, aportando su característico enfoque instrumental y técnico que encaja a la perfección con el espíritu progresivo de la velada.
La fecha del 14/4 se perfila como una de las más atractivas del calendario para los amantes del metal moderno en Copenhague, con un repertorio que seguramente recorrerá distintas etapas de la carrera de Karnivool y su evolución sonora. Las entradas ya se encuentran disponibles a través de Ticketmaster.
Casi como si fuese una tradición, los metaleros modernos nipones Crystal Lake, están a punto de desembarcar nuevamente en nuestro país, para presentar su último disco The Weight of Sound, e cual salió publicado el pasado 23 de enero de este presente año a través de Century Media Records.
De la mano de Route Resurrection, la banda además, vendrá acompañada por Miss May I, quienes regresan a las salas españolas por primera vez en 14 años y harán la vez de “Very Special Guest”, contando con un show completo, mientras que para abrir esta gran velada de metalcore y metal moderno estarán los muchachos de Great American Ghost y Diesect, completando un gran cartel dentro del estilo.
Las fechas para ver tan interesante cartel serán las siguientes:
9 de Marzo – Barcelona – Razzmatazz 2 (+ Miss May I + Great American Ghost + Diesect)
10 de Marzo – Madrid – Copérnico (+ Miss May I + Great American Ghost + Diesect)
12 de Marzo – Vitoria – Jimmy Jazz (+ Miss May I + Great American Ghost + Diesect)
Dream Theater anuncia boletos al 2×1 para sus conciertos en México
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Estamos a poco menos de dos meses de que Dream Theaterllegue a México a celebrar 40 años de historia el 8 de abril en Arena Monterrey y 10 de abril en Arena Ciudad de México y hay una excelente promoción para que disfrutes de este show.
La poderosa alineación de ensueño, que incluye a James LaBrie (voz), John Petrucci (guitarra), John Myung (bajo), Jordan Rudess (teclados) y Mike Portnoy (batería), han anunciado que para satisfacer el bolsillo de su público mexicano todos los boletos para sus presentaciones se encontrarán al 2×1 a través de la plataforma de Superboletos.
La banda de black/speed metal tapatía Full öf Hate, anuncia su esperado show en Guadalajara que incluirá a excelentes propuestas nacionales de crust, punk y oi, como Disxconected, Treinta-Treinta y Sociedad Secreta, desde Irapuato, Guanajuato.
Con cita para este próximo sábado 21 de marzo en el icónico foro Centro Cultural Calzada (Calzada Independencia #414), el evento gestionado por Deathspell Agency se plantea como una oportunidad para zanjar las divisiones y los prejuicios, en el marco de los tiempos difíciles que la ciudad de Guadalajara tiene qué sobrevivir y resistir.
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El costo de la entrada será de apenas $100 pesos, mismos que se pondrán pagar a la entrada del recinto.
Dying Fetus prepara una descarga brutal en Buenos Aires
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La histórica banda estadounidense Dying Fetus volverá a la Argentina el próximo 7 de abril como parte de su gira latinoamericana. Reconocidos mundialmente por su combinación de death metal técnico, brutalidad extrema y una precisión quirúrgica en cada ejecución, el trío promete una noche demoledora para los seguidores del metal más pesado.
Con más de tres décadas de trayectoria, el grupo formado en Maryland se consolidó como uno de los nombres esenciales del death metal contemporáneo. Su propuesta mezcla riffs complejos, cambios de ritmo vertiginosos y una base rítmica aplastante que convirtió a la banda en referencia obligada dentro del género. En vivo, su potencia sonora y solidez técnica transforman cada show en una experiencia intensa y sin concesiones.
La presentación tendrá lugar en El Teatrito, escenario que recibirá esta nueva visita del conjunto norteamericano. Hasta el momento no se han anunciado bandas teloneras, por lo que la expectativa está centrada exclusivamente en el despliegue de Dying Fetus y el repertorio que traerán en esta nueva gira por la región.
Las entradas ya se encuentran disponibles a través del sistema online, donde pueden adquirirse los tickets para el show del 7 de abril. Una cita imperdible para los amantes de la brutalidad sin límites.
BlackRaines una banda de origen francés, que conocí allá por principios de la década pasada. Muy fácil de confundir con la popular canción de Soundgarden en los resultados de cualquier motor de búsqueda. Hoy vamos a deconstruir su más reciente lanzamiento, Orphans of The Light, en honor a los años de escucha que les he dedicado.
Primero lo primero, diría mi abuela. Estos muchachos comenzaron en Grenoble, Francia, por el 2003, con el lanzamiento de su casi oculto EP, Twilight, Rain and Darkness, que tiene muy poco que ver con el BlackRain que hoy conocemos. La banda en aquel entonces vagaba por un estilo más cercano al speed metal o power tradicional y que continuaron con el lanzamiento de su primer disco oficial BlackRain (2006).
Con el año 2008, llega su tercer lanzamiento, License To Thrill, que significaría no solo el salto a la fama (bueno, fama en términos relativos) sino también el giro a un estilo musical mas cercano al sleaze metal que practicaban bandas como Crashdiet y otras tantas. Si bien no fue el gran cambio radical, como podría haber sido el de Juanes pasando de bandas de death metal a cantar que tiene la camisa negra, es bastante notable.
Algo característico de BlackRain y que ha conservado en la mayoría de sus obras a pesar de los cambios musicales, es la agresividad de sus letras. Si en sus canciones no se habla de realizar masacres, revolear tripas o violentar gente, no es un disco de BlackRain. Canciones como Kill Em All que hablan, lisa y llanamente, de cometer una masacre por diversión (basada en la historia de Stephen King, IT) es un claro ejemplo de lo que les describo.
BlackRain ha sabido tener su cúspide musical con el lanzamiento del ya mencionado License To Thrill, manteniéndose en gran nivel con Lethal Dose Of…(2011) y ItBegins (2013). Sin embargo, ya para su sexto lanzamiento Released(2016) la fórmula empezaba a verse agotada, repetitiva. Luego vinieron 3 discos más y en el medio, el cambio de su guitarrista mas longevo (Max 2) y su principal baterista (Frank F) por el reconocido Franky Costanza.
La obra que hoy nos compete comienza con “Dreams”, una canción de casi 6 minutos, construida como una épica, algo a lo que BlackRain no está acostumbrado. Acompañado de una tremenda producción audiovisual, Dreams es un constante viaje entre matices, cambios rítmicos que acompañan muy bien las emociones que refleja y toda la virtuosidad de los músicos. ¡Qué manera de arrancar!
“Come On” que es lo que sigue, no es muy de mi agrado. Es más bien un rezago de lo que venían siendo hasta su anterior disco, pero al menos rescato la entrada de Jerem G como nuevo guitarrista. En tercer lugar, tenemos a la pieza de título homónimo al disco y creo que, como suele casi siempre suceder, suele ser la canción de menos preferencia jaja…pero es buen tema de todas maneras.
“Unleash The Fury” recupera el nivel del principio del disco. Una canción diseñada para pre-entreno por su enérgico estribillo con coros que llaman a darse una buena ronda de piñas. “If This Love” es una power balada, pero de esas que no dejan mucho. Hasta ahora, salvo la segunda pieza, todas las canciones fueron singles promocionales, así que me permití su escucha con anterioridad.
Con “Méandres de l’Instinct” se recupera plenamente el alto nivel con que comienza este álbum. Otra gran pieza de tintes épicos, con la particularidad de combinar frases entre ingles y francés. Casi como un grito de guerra de la revolución francesa, incluyendo una típica frase de lealtad de los franceses que significa algo así como…Hasta la vida o muerte! (A la vie, à la mort). El videoclip es una clara referencia a Drácula, muy bien producido. Y cuánto más me gusta que se acerquen en este disco a su cultura originaria. Señoras y señores de pie y aplausos para tremenda canción.
Podríamos, sin remordimiento alguno, cortar el disco aquí y quedarnos más que satisfechos. Lo cierto es que estamos apenas por la mitad. Las 2 canciones siguientes “Disagree” y “Madhouse” aunque muy buenas, no me resultan tan destacables como la 1ra parte de este disco.
“Resurrection” por el contrario, es un simple solo de guitarra pero que pone en evidencia lo tremendo violero que es Jerem. Si bien se extraña ver a Max 2, el cambio fue más que positivo. El solo funciona perfecto como apertura de “Crack in The Sky”.
“Twist of a Knife” es una suerte de Living on a Prayer de Bon Jovi, con un poco de esteroides mientras que “Chase The Feeling” es un poco más pasiva, pero con pasajes igual de energéticos. La parte más rockera llega de la mano de “Club Crazy Nights” que rememora los momentos de viejos shows de la banda.
Para el final, tenemos nuevamente la épica. “Farewell” es una despedida perfectamente ejecutada. Nuevamente los idas y vueltas entre ritmos, tempos, tranquilidad y energía. Por momentos suena muy punk rock. Esta es explícitamente una despedida (en todo sentido). El narrador nos abandona, deja un mundo despiadado atrás, envuelto en melancolía. Así es como se debe cerrar un disco.
A nivel producción, la mezcla es excelente. La escucha se hace muy amena incluso con las restricciones de calidad de las plataformas. El despliegue del nuevo guitarrista Jerem G se lleva todos los premios, destacando su virtuosidad en los momentos justos y sin abusar de ello. La labor de Swan, Heinrich y Franky Costanza es también destacable.
El arte de tapa es producto de Megan Mushi y resulta en una suerte de parodia del cuadro La Balsa de la Medusa (en francés: Le Radeau de la Méduse) del pintor francés del romanticismo Théodore Géricault. Otro gran punto a favor.
En Orphans of the Light se logra ver a una banda con aires totalmente renovada. Formación nueva pero totalmente alineada, con la maquinaria aceitada. Destaco las letras en francés, los videoclips y la portada. Podemos hablar realmente de sleaze metal francés. Seguramente no volvamos a encontrarnos con algo como License To Thrill, disco que ha sido puntuado con 10/10 por varios especialistas, pero algo les prometo y es que esta última obra no los va a traicionar. BlackRain ha vuelto con todo
Soen en Copenhague: “Del Susurro a la Tormenta Progresiva”
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El género progresivo ha tomado gran protagonismo en la escena de la música pesada. A partir de la década pasada han surgido muchas bandas que interpretan este estilo, mientras que otras se han volcado hacia él. Esto hace que hoy en día el género goce de buena salud, aunque también se haya saturado.
La forma actual de hacer progresivo radica principalmente en la polirritmia, sobre todo en la batería y el bajo. Luego se crean atmósferas pesadas con las guitarras, mientras que los teclados apoyan las partes más melancólicas. El trabajo de los vocalistas suele consistir en aportar melodías complejas pero dulces, haciendo más ameno el despliegue técnico de los otros instrumentos y la complejidad de las composiciones.
Una de las bandas emblema de esta escena es Soen, nacida como proyecto del exbaterista de Opeth, Martin Lopez. Lejos de comenzar como una continuación de Opeth, lo hizo con un sonido muy inspirado en Tool. Con el correr de los discos encontraron un estilo más cancionero y melódico.
En este tour, la banda se encuentra presentando su flamante Reliance, editado en enero de 2026. Si bien no es un mal disco, demuestra que han encontrado una fórmula y se están apegando a ella.
Los encargados de abrir la noche, en nuestro querido Pumpehuset, fueron los suecos Vulkan, una banda progresiva en la misma sintonía que la principal.
La propuesta se basó en ritmos intrincados que se entrecruzaban entre el bajo y la batería, mientras que la guitarra y el teclado dibujaban paisajes sonoros y atmósferas. La voz aparecía solo en los momentos necesarios, aportando juegos melódicos y dinamismo a las canciones. El sonido acompañó durante toda la presentación, permitiendo disfrutar del despliegue musical del grupo. Un set corto, de apenas 40 minutos, les bastó para convencer a los presentes, que aplaudieron con entusiasmo y pidieron una canción extra, aunque esta no llegó.
Desafortunadamente, la noche tuvo un punto flojo: la presentación de Xandria. Grupo cercano al gothic metal con voz femenina, tan popular en los 2000, aunque sus canciones más modernas tienen un enfoque más pesado.
El sonido fue inferior al de la banda anterior, ya que le faltaba fuerza al bajo y a la guitarra. Las pistas estaban muy altas, lo que hacía evidente que la vocalista tenía mucho apoyo de ellas. La voz principal tuvo un rol protagónico en la mezcla, algo que no molestó, ya que la cantante posee una buena voz. El principal problema fue la batería, demasiado alta en la mezcla. Sumado a que el baterista golpeaba muy fuerte, dejó en evidencia varias imperfecciones.
Todo esto, junto con que el estilo de Xandria no combinaba del todo con el de la banda principal, hizo que la respuesta del público fuera bastante fría. La banda intentó animar a la gente para que hiciera palmas o levantara los puños, pero no hubo conexión entre artistas y audiencia.
Puntualmente a las 22 horas, las luces se apagaron y la clásica canción de inicio de 20th Century Fox dio comienzo al concierto. El tema elegido para abrir fue “Mercenary”, perteneciente al disco a presentar.
Desde el inicio, Soen sonó como una aplanadora, con un sonido contundente y nítido. La batería de Martin sonó excelente, algo más que agradecido, ya que es un deleite visual y auditivo verlo tocar. El bajo no tuvo gran protagonismo en la mezcla, al igual que la segunda guitarra. Sin embargo, se escuchaban y se podía apreciar su trabajo rítmico. El teclado, por momentos, estuvo muy presente, al igual que la guitarra principal, que literalmente brilló, exquisita tanto en sonido como en interpretación.
La voz tuvo un rol protagónico en la mezcla, y con razón: lo que canta Joel Ekelöf es extraordinario. Más allá de su amplio registro y capacidad técnica, posee un gran carisma, lo que facilita la conexión con el público.
El show dejó varios momentos memorables, como “Fraccions” del primer álbum Cognitive. En esta, el vocalista mencionó la clara influencia de Tool y cantó desde el fondo del escenario, referenciando a Maynard James Keenan.
Para la balada “Hollowed”, invitaron a la vocalista de Xandria para las partes femeninas. Si bien hubo química entre ambos, la diferencia de técnica y carisma fue notoria, a favor del cantante masculino.
El final de la primera parte llegó con las súper festejadas “Lascivious” y “Violence”, coreadas por todo el recinto, dejando a la gente pidiendo más.
Los bises llegaron con la balada “Indifference”, que debutó en el tour, y la poderosa “Unbreakable”. Un cierre a puro poder para un show que transitó todos los estados posibles: de la alegría a la tristeza y de la emoción a la melancolía.
Si bien, a mi gusto, hubo un exceso de baladas, Soen dio un show excelente. La banda demostró que tiene con qué sustentar el alto lugar que ocupa en la escena progresiva y que en vivo sigue teniendo mucho para ofrecer.
La agenda de Track To Hell para marzo en Buenos Aires llega cargada de shows de rock, punk y metal, con propuestas de bandas consagradas y proyectos emergentes. Durante todo el mes habrá fechas en distintas salas de la ciudad, con una programación que va del rock alternativo al metal más contundente. Marzo se presenta como una gran oportunidad para disfrutar de riffs potentes, actitud punk y mucha energía en vivo dentro de una escena porteña siempre vibrante.
Booze & Glory Fecha: 2 de Marzo en Buenos Aires.
The Fall of Troy Fecha: 7 de Marzo en Buenos Aires.
Diavol Strain Fecha: 7 de Marzo en Buenos Aires. Suicidal Tendencies + Madball Fecha: 8 de Marzo en Buenos Aires.
Stick Men Fecha: 11 de Marzo en Buenos Aires.
Vola Fecha: 13 de Marzo en Buenos Aires. D.R.I. + Ratos De Porao Fecha: 14 de Marzo en Buenos Aires.
Speed Fecha: 14 de Marzo en Buenos Aires.
Bardcore Fest Fecha: 14 de Marzo en Buenos Aires. Nile Fecha: 15 de Marzo en Buenos Aires.
Symphony Fecha: 17 de Marzo en Buenos Aires.
Katatonia Fecha: 19 de Marzo en Buenos Aires. The Adicts Fecha: 20 de Marzo en Buenos Aires.
Carcamal + Jabali + Ocultos Fecha: 20 de Marzo en Buenos Aires.
Moonspell Fecha: 21 de Marzo en Buenos Aires. Alestorm Fecha: 22 de Marzo en Buenos Aires.
Pennywise + Millencolin + Mute + Da Skate Fecha: 22 de Marzo en Buenos Aires.
AC/DC + The Pretty Reckless Fecha: 23, 27 y 31 de Marzo en Buenos Aires. Nargaroth Fecha: 24 de Marzo en Buenos Aires.
The Red Jumpsuit Apparatus Fecha: 26 de Marzo en Buenos Aires.
Unto Others Fecha: 26 de Marzo en Buenos Aires. Rata Blanca Fecha: 26, 28 y 29 de Marzo en Buenos Aires.
We Are One: Pennywise y Millencolin juntos en Buenos Aires por primera vez
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Hay shows que se anuncian y uno simplemente sabe que va a ser especial. Y hay otros que se anuncian y uno tiene que sentarse un momento a procesar lo que está leyendo. Este es de los segundos. Pennywise y Millencolin llegan juntos a Argentina el sábado 22 de marzo en el marco del “We Are One South American Tour 2026“, y la cita es en Palermo Groove (Av. Santa Fe 4389, CABA) desde las 19hs.
Para entender la magnitud del evento, hay que entender qué representan estas dos bandas en la historia del género.
Pennywise nació en 1988 en Hermosa Beach, California, en la misma playa que vio nacer a Descendents y Bad Religion. Desde ahí construyeron uno de los sonidos más reconocibles del hardcore melódico: guitarras veloces, ritmos que no dan respiro y letras que mezclan la urgencia política con la necesidad de sobrevivir. Discos como About Time y Full Circle los convirtieron en referentes indiscutidos del género. Su historia también cargó con el dolor: en 1996 perdieron a su bajista fundador Jason Thirsk, y la sombra de esa pérdida marcó parte de su carrera. Pero la banda siguió. Siguió girando, siguió grabando, y en 2018 lanzó Never Gonna Die, su decimosegundo disco. El nombre lo dice todo.
Millencolin, por su parte, llegó desde el lugar menos esperado: Örebro, Suecia. Fundada en 1992, esta banda demostró que el skate-punk californiano no tenía fronteras geográficas. Inspirados por NOFX y The Descendents, construyeron un sonido propio que combinaba velocidad, melodías imposibles de sacar de la cabeza y una frescura que el paso del tiempo nunca les quitó. Su disco PennybridgePioneers (2000) fue el punto de inflexión que los llevó al plano internacional, cosechando ventas de oro y abriendo las puertas del sello Epitaph, la catedral del punk americano. Con TrueBrew (2015) y SOS (2019) demostraron que no había señales de desgaste.
El show contará con la presencia de los invitados Mute y Da Skate, completando una grilla que promete mantener el nivel de principio a fin. El skate-punk en su forma más pura, cuatro bandas, y un venue que conoce perfectamente cómo alojar esta clase de energía.
Si sos de los que creciste escuchando estos discos en loop, o simplemente querés vivir de primera mano por qué esta música sigue siendo relevante décadas después de haber aparecido, el 22 de marzo en Groove es el lugar donde tenés que estar.
Cuándo: Sábado 22 de marzo de 2026, 19hs
Dónde: Palermo Groove — Av. Santa Fe 4389, CABA
Invitados: Mute y Da Skate Produce: Noiseground & Rockcity
Motionless in White se enfrentará a los grandes recintos españoles muy pronto
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Los estadounidenses alternativos Motionless in White están a punto de regresar a España con su gira más potente y ambiciosa hasta la fecha y lo harán de la mano de Route Resurrection, para el júbilo y alegría de sus miles y miles de seguidores a lo largo y ancho de nuestra geografía.
Junto a ellos estarán presentes los australianos Make Them Suffer, quienes ya han visitado nuestro país en varias ocasiones, saliendo victoriosos de todas ellas y desde Orange County, California, el metal moderno de Dayseeker, será el otro gran reclamo de la gira, ya que hay mucha gente deseando verlos en nuestro país.
Las fechas para tan interesante cartel son las siguientes:
5 de Marzo – Barcelona – Razzmatazz (+ Dayseeker + Make Them Suffer)
6 de Marzo – Madrid – Palacio Vistalegre (+ Dayseeker + Make Them Suffer)
Harakiri for the Sky está a punto de regresar a España
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Los austríacos Harakiri for the Sky se encuentran inmersos en su nueva gira europea y en cuestión de días vamos a poder disfrutar de ellos una vez más y embelesarnos con su intenso, oscuro y hermoso sonido.
Kreator está muy cerca de hacer añicos la capital de España
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Las leyendas germanas del thrash metal más visceral como son Kreator ya tienen toda la maquinaria engrasada para dar comienzo a su nueva y extensa gira europea, la cual comenzará el próximo 20 de marzo en Lisboa y recorrerá gran parte del continente, arrasando en cada escenario que pisarán.
La banda teutona aprovechará para presentar su último trabajo de estudio Krushers of the World, junto a sus más grandes éxitos y contando ni más ni menos que con la presencia de Carcass, Exodus y Nails, redondeando un póker de ases dentro del metal extremo y uno de los carteles más imponentes del 2026 dentro del género.
La única oportunidad de ver semejante cartel de ensueño será en:
22 de Marzo – Madrid – Palacio Vistalegre (+ Carcass + Exodus + Nails)
Infected Rain y Butcher Babies descontrolarán Copenhague en Abril
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Los escenarios de la capital danesa se preparan para una noche de pura intensidad y potencia con la visita de Infected Rain y Butcher Babies. Ambas bandas prometen un espectáculo lleno de energía, riffs contundentes y una puesta en escena que atrapará a todos los amantes del metal moderno. Los fanáticos podrán disfrutar de este show único el 24 de abril en Pumpehuset, uno de los espacios más icónicos para conciertos de rock y metal en la ciudad.
El concierto será una oportunidad imperdible para escuchar de cerca los temas más emblemáticos de ambas agrupaciones, desde los cortes más recientes hasta los clásicos que las consagraron en la escena internacional. La química en el escenario y la fuerza de sus frontwomen aseguran una experiencia inolvidable para quienes buscan una descarga de adrenalina musical de principio a fin. Los soportes seran Black Spikes.
Los interesados en asistir pueden asegurar su lugar a través de este link de tickets, garantizando su entrada para una noche que promete ser épica. No solo será un encuentro con la música, sino también con la pasión y la energía que caracterizan a estas bandas dentro de la escena metalera.
Hypocrisy convertirá Copenhague en epicentro del metal extremo con la “Mass Hallucination Tour 2026”
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La maquinaria del death metal melódico vuelve a rugir en Dinamarca: Hypocrisy aterriza en Copenhague el próximo 3 de abril con su esperada “Mass Hallucination Tour 2026”, prometiendo una noche demoledora para los amantes del metal extremo. La cita será en Amager Bio, uno de los recintos clave para el circuito pesado de la capital danesa.
Como gran atractivo adicional, la velada contará con la presencia de Abbath como invitado especial, una figura fundamental del black metal escandinavo que garantiza una dosis extra de oscuridad y potencia. El cartel se completa con Vreid y Vomitory, conformando un lineup de alto calibre que recorre distintas vertientes del metal extremo nórdico.
La presentación del 3/4 se perfila como una de las fechas más intensas de la temporada para el público metalero en Copenhague, combinando la solidez y experiencia de Hypocrisy con la crudeza y el legado de sus acompañantes. Las entradas ya se encuentran disponibles a través de Ticketmaster.
Heaven Shall Burn en Glasgow: “Brutalidad alemana sobre el escenario”
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La banda alemana de metal extremo Heaven Shall Burn emprendió su más reciente gira por Reino Unido y Europa para celebrar el lanzamiento de su nuevo álbum Heimat, publicado en 2025. Junto a ellos estuvieron los texanos de death metal Frozen Soul y los estadounidenses de death metal melódico The Black Dahlia Murder. Habiendo escuchado solo el nombre de The Black Dahlia Murder y conociendo Heaven Shall Burn únicamente por compartir nombre con una popular canción de Imminence, llegué a este concierto sin expectativas claras en cuanto a sonido o energía del público.
Esto terminó siendo algo positivo, ya que me llevé una grata sorpresa con todas las bandas que tocaron. Cada una ofreció algo ligeramente distinto en términos de energía y estilo. Frozen Soul fueron los encargados de abrir la noche y no perdieron tiempo en animar al público, con quizá uno de los crowd surfers más rápidos que haya visto en un concierto. También consiguieron que los pits se activaran con la interpretación en directo de una de sus canciones más recientes, “Absolute Zero”. A pesar de ser una banda procedente del soleado Texas, parecen tener especial predilección por las temáticas relacionadas con el hielo y el frío. Incluso la iluminación reflejaba esto, con predominio de tonos azules y turquesas fríos, acompañados ocasionalmente por luces verdes o púrpuras. El escenario principal de The Garage se encontraba adecuadamente oscuro, creando una atmósfera bastante ominosa cuando miraba hacia el pit y solo veía destellos del público iluminados por estrobos violentos que parpadeaban al ritmo de los blast beats.
El vocalista Chad Green —un nombre a la vez apropiado e irónico— resultó apropiado por su imponente presencia escénica y su actitud marcadamente death metal al dirigir al público, aunque irónico porque pasó el 90% del concierto bañado en luz azul.
Su actuación fue un torbellino de baterías frenéticas a cargo de Matt Dennard, poderosos guturales de Green y guitarras llenas de abusos extremos de la palanca de vibrato por parte de Michael Munday y Chris Bonner. Para cerrar su set, el tema que da título a su primer álbum de larga duración, “Crypt of Ice”, llevó al público a su punto máximo de actividad, con casi toda la pista convertida en un enorme circle pit. Como corresponde a un buen telonero, Frozen Soul —y nuevamente la ironía del nombre resulta divertida— dejaron al público más que preparado para la siguiente banda: The Black Dahlia Murder.
De regreso en Glasgow por primera vez en casi ocho años, los fans estaban ansiosos por volver a ver al cuarteto estadounidense sobre un escenario de la ciudad. La gran diferencia esta vez era que se trataba del primer concierto en Glasgow desde el trágico fallecimiento de su anterior vocalista, Trevor Strnad. Su reemplazo y antiguo guitarrista Brian Eschbach asumió el papel de cantante principal. Este tipo de cambios drásticos no son raros en las bandas, pero a menudo afectan la fidelidad de los seguidores más veteranos. Evidentemente, en el caso de TBDM esto no ocurrió, ya que el público estalló en aplausos cuando la banda salió a escena y abrió con un tema temprano de su álbum de 2007 Nocturnal, “What a Horrible Night to Have a Curse”.
Lamentablemente, durante las primeras canciones hubo algunos problemas de sonido y las voces se escuchaban demasiado bajas y difíciles de distinguir. Esto se solucionó rápidamente y el resto del set mantuvo un nivel excelente.
La interacción entre el vocalista y el público suele ser lo que convierte un buen concierto en uno memorable, especialmente en salas pequeñas como The Garage. Fue genial ver a Eschbach relacionarse con el público de manera cercana y entretenida, con una pequeña pausa entre “A Vulgar Picture” y “Mammoth Hand”, ambos temas de su álbum más reciente Servitude, durante la cual sonó un breve pasaje de smooth jazz mientras agradecía al público y comentaba cuánto tiempo había pasado desde su última visita a Glasgow. También expresó lo emocionados que estaban de volver junto a Heaven Shall Burn.
La energía de TBDM fue constante y contagiosa. El público había aumentado considerablemente, lo que dio lugar a pits más grandes y más crowd surfers. Durante “Nightbringers”, Eschbach animó al público a saltar al ritmo más groove del tema, algo que cumplieron con creces, haciendo vibrar el suelo de la sala. Fue además mi canción favorita de su actuación. Aunque visualmente no resultaron tan distintivos como Frozen Soul debido a una iluminación más equilibrada, musicalmente ofrecieron un concierto excelente que satisfizo a cualquier fan. Ojalá no tarden mucho en regresar como cabezas de cartel.
Finalmente llegó el turno de Heaven Shall Burn. Tras haber tocado como teloneros de Trivium en 2023, ya se podían ver bastantes camisetas de la banda entre el público antes de su salida al escenario. La atmósfera era eléctrica cuando el imponente tema inicial “Ad Arma”, de su nuevo álbum Heimat, sonó por los altavoces mientras los miembros de la banda iban apareciendo entre aplausos y vítores.
Sin perder tiempo en introducciones innecesarias, comenzaron directamente con el vocalista Michael Bischoff irrumpiendo en el escenario para interpretar el primer tema de Heimat, “War Is the Father of All”. Tras la canción, Bischoff intentó presentar a la banda, pero fue ahogado por el clásico cántico escocés de “HERE WE FUCKING GO”, ante lo cual simplemente se encogió de hombros y la banda arrancó con “Godiva”.
Un momento especialmente divertido con Heaven Shall Burn llegó poco después, cuando el guitarrista Maik Weichert bromeó sobre el público escocés diciendo: “Se nota que la Luftwaffe alemana nunca llegó a Escocia, porque todavía os gustan las bandas alemanas”, lo que provocó grandes risas.
Este sentido del humor aportó mucho al espectáculo. Mientras Frozen Soul habían resultado quizá demasiado serios, The Black Dahlia Murder y especialmente Heaven Shall Burn parecían estar pasándolo en grande sobre el escenario, bromeando y disfrutando del momento.
Algo que me llamó la atención fue la sorprendente escasez de canciones nuevas en el repertorio, con solo tres temas de Heimat. Aunque no es raro que las bandas reserven material nuevo para futuras giras, resultó algo extraño. Sin embargo, a los fans no pareció importarles, ya que todas las canciones fueron recibidas con entusiasmo.
Mis dos temas favoritos fueron “Übermacht” y “Thoughts and Prayers”, de su álbum Of Truth and Sacrifice. El primero cuenta con una introducción de sintetizadores muy pegadiza que hizo moverse al público antes de dar paso a riffs pesados y baterías contundentes. “Thoughts and Prayers”, por su parte, fue simplemente un tema demoledor que golpeó con fuerza a través de los altavoces. Aquí el público estuvo especialmente activo, con un enorme circle pit, numerosos crowd surfers y cánticos de “HEY, HEY, HEY” durante el estribillo.
Cerraron con “Weapon They Fear”, demostrando que Heaven Shall Burn siguen siendo capaces de ofrecer un gran concierto incluso después de más de 25 años de carrera. Su energía es comparable a la de bandas mucho más jóvenes y su base de fans sigue siendo tan fiel como siempre.
Al salir del concierto, a pesar de no haber escuchado antes ni una sola canción suya, ya estaba añadiendo temas como “Übermacht” y “Thoughts and Prayers” a mi lista de reproducción. Si tienes la oportunidad de verlos en directo, realmente merece la pena.
La gira europea de Avatar recaló el pasado 24 de febrero en Razzmatazz 1, en una noche que, sin colgar el cartel de entradas agotadas, presentó una muy buena entrada y un ambiente predispuesto a la intensidad desde primera hora. El cartel era tan variado como atractivo, con las noruegas Witch Club Satan y los neozelandeses Alien Weaponry calentando el terreno antes de que los suecos desataran su particular circo de pesadilla.
Las primeras en aparecer fueron Witch Club Satan, envueltas en una puesta en escena ritualista y provocadora. Su black metal crudo y performativo convirtió la sala en una suerte de aquelarre contemporáneo, con una propuesta que combinó teatralidad, discurso combativo y pasajes de abrasiva intensidad. Alternando momentos casi litúrgicos con explosiones de ruido y actitud desafiante, lograron captar la atención de un público todavía en proceso de llenar la sala, pero ya entregado a la experiencia.
El relevo lo tomaron Alien Weaponry, que aportaron un giro radical hacia la contundencia tribal. Con su habitual descarga de groove metálico y raíces maoríes, el trío imprimió músculo y dinamismo a base de riffs afilados y ritmos marciales. Temas como “Rū Ana Te Whenua” o “Kai Tangata” activaron los primeros conatos serios de circle pit, mientras su carisma y precisión terminaron de despertar a una audiencia que ya mostraba claras ganas de guerra de cara al plato fuerte.
Con la introducción ambiental y una escenografía que evocaba una carpa circense siniestra, Avatar hicieron su entrada envueltos en dramatismo. La apertura con “Captain Goat”, de su último trabajo, marcó el tono de una actuación milimetrada en lo visual y demoledora en lo sonoro. Sin dar respiro, enlazaron con “Silence in the Age of Apes” y “The Eagle Has Landed”, esta última coreada con fuerza por una Razzmatazz 1 que, aun sin estar a rebosar, rugió como si lo estuviera.
La banda sueca desplegó un repertorio que equilibró material reciente con clásicos incontestables. Sonaron cortes de Don’t Go in the Forest, como “In the Airwaves” o la propia “Don’t Go in the Forest”, integrados con naturalidad entre himnos como “Bloody Angel”, “The Dirt I’m Buried In” o “Smells Like a Freakshow”. Johannes Eckerström, magnético y teatral, ejerció de maestro de ceremonias absoluto, alternando registros vocales, cambios de vestuario y discursos calculados al milímetro para mantener a la audiencia en su puño.
El tramo final fue una auténtica explosión colectiva. “Colossus” y “Let It Burn” elevaron la temperatura hasta niveles asfixiantes, antes de que el bis rematara la faena con “Hail the Apocalypse”, convertido en clímax definitivo entre confeti y brazos en alto. Avatar confirmaron en Barcelona que lo suyo va mucho más allá de un simple concierto de metal: es espectáculo, es teatralidad y es una maquinaria perfectamente engrasada capaz de transformar una sala grande en un universo propio durante casi dos horas de absoluta intensidad.
Tras un gran disco lanzado en 2024 como fue Kissing Death, la frágil salud de Mothica volvió a verse sacudida y la obligó a cancelar su gira por Estados Unidos, llevando incluso a la artista a comunicar que no estaba bien y que se alejaría un tiempo de los escenarios, demostrando que no siempre la vida de una artista es color de rosas.
Afortunadamente este 2026 McKenzie Ashton Ellis (nombre real de Mothica), ha vuelto a la escena con un EP, que lleva por título Somewhere in Between y donde vuelve a demostrar que su talento y creatividad siguen funcionando a la perfección.
El disco arranca con “Evergreen Misery”, una absoluta belleza oscura, pop alternativa y donde la voz de esta chica suena impecable, adornada por las capas de producción que le dan los sintetizadores y las guitarras al más puro estilo BMTH o Dreamcatcher, siendo un comienzo redondo y cuyo break final sumado al delicado tono que imparte en las voces, te hagan pensar que esta chica, aún siendo frágil, ha vuelto por todo lo alto.
“Weapon”, circula por una senda bifurcada entre el pop alternativo y el metalcore más light, pudiendo llegar a captar a los fans tanto de Evanescence como a los de Sleep Token y Spiritbox, si es que hay alguna diferencia entre ambos.
En “Save Your Roses”, la princesita alternativa dispara una frase demoledora, a la vez que realista: “…How Many More Times Can I Break/Don’t Save Your Roses for My Grave…” y es que parece que mucha gente se preocupa por uno cuando ya ha tocado fondo y no es capaz de mover un dedo cuando es testigo del descenso al mismo. Se podría acercar a la órbita musical de Poppy, pero con diferencias marcadas entre ambas artistas.
“Bullet”, nos muestra no solamente una de las mejores piezas que ha escrito esta chica hasta la fecha, si no también su lado más vulnerable, delicado y hasta trágico, ya que narra de forma cruda y adornada por un sonido melancólico, su dura batalla contra diversas adicciones que tuvo en el pasado y con las cuales sigue batallando a diario.
Ella muestra decepción en frases como ” I’d Crawl to the light… But the Darkness Always Wins…“, sin embargo sus ganas de continuar y de no dejarse vencer ni caer al abismo una vez más, parecen ser más fuertes y entre la oscuridad de su ser hay un pequeño faro que la lleva al lado correcto y del cual esperamos no se separe nunca.
El disco se cierra con el corte que le da título, que es una suerte de medio tiempo con base moderna y cañera, pero todo en su justa medida, para no pasarse de rosca, ni tampoco pretender ser algo que no es.
Esta suerte de catarsis musical que supone Somewhere in Between, ha sido un gran regreso para Mothica y seguramente haya mucho más que ahondar dentro de su universo, pero mejor no forzar las cosas y que salgan cuando sea el momento adecuado… De momento esta polilla vuelve a remontar el vuelo y deambular por los bosques, dejarla ser libre y que llegue donde el destino decida por ella.
The Adicts dice “Adiós Amigos” en Buenos Aires: 50 años de punk y una despedida histórica
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Hay bandas que no solo hacen música: construyen un universo propio. The Adicts es una de ellas, y en marzo van a hacer historia en Buenos Aires por última vez. Los de Ipswich, Inglaterra, llegan con su “Adiós Amigos Tour 2026”, la gira de despedida con la que cierran cinco décadas de carrera, caos punk y fiesta pura. La cita es en The Roxy Live (Cnel. Niceto Vega 5542, Palermo, CABA).
Y sí: dijeron que es la última. Aunque, como diría cualquier buen punk, nunca se sabe.
Droogs, bombines y La Naranja Mecánica: una identidad única
Cuando The Adicts apareció a mediados de los años 70 en el barrio obrero de Ipswich, el punk inglés ya estaba en llamas. The Clash, Sex Pistols y los Damned marcaban el tono. Pero los Adicts encontraron su propio camino haciendo algo que nadie esperaba: combinar la rabia del punk con la estética del cine de culto. Su imagen, calcada del universo de los “droogs” de La Naranja Mecánica de Kubrick —ropa blanca inmaculada, botas negras, bombines y el cantante Keith “Monkey” Warren con la cara pintada de bufón— los convirtió en algo visualmente irrepetible.
No era solo moda. Era una declaración: el punk puede ser teatro, puede ser absurdo, puede ser una fiesta de circo con guitarras distorsionadas. Y funcionó. Su debut Songs of Praise (1981) y el posterior The Sound of Music(1982) los catapultaron a los primeros puestos de las listas independientes británicas con himnos como “Viva la Revolution”, “Joker in the Pack” y “Steamroller”, canciones que medio siglo después siguen sonando en shows de todo el mundo.
Lo que siempre diferenció a The Adicts en vivo fue justamente eso: que cada show era una celebración. Globos, serpentinas, trucos de magia, energía desbordante. No subían a un escenario a tocar; subían a armar una fiesta. Y el público —la llamada Droog Army, su fanaticada fiel de décadas— siempre respondió.
La despedida que no queremos creer
El “Adiós Amigos Tour” no es solo un nombre marketinero: la banda ha dejado en claro que esta gira cierra su ciclo artístico después de 50 años. Para quienes los vieron en visitas anteriores a Argentina, o para los que nunca pudieron estar en la misma sala que Monkey y compañía, esta es la oportunidad que no se puede dejar pasar.
Ellos mismos lo dijeron con la honestidad que solo el punk permite: “¡Cada concierto lo tratamos como si fuera el último! Siempre lo hemos hecho. Siempre lo haremos. Ha sido siempre para nuestros fans, los punks, los droogs y la familia Droog Army que siempre aparece con fuerza.”
Cuándo: Viernes 20 de marzo de 2026 Dónde: The Roxy Live — Cnel. Niceto Vega 5542, Palermo, CABA Entradas: Desde $90.000 + cargos por servicio vía AllAccess (allaccess.com.ar)
La influyente agrupación alemana Nargaroth se presentará el próximo 24 de marzo en Buenos Aires, en una fecha que marcará su esperado regreso al país. Referente indiscutido del black metal europeo más crudo y visceral, el proyecto encabezado por René “Ash” Wagner ha construido una trayectoria atravesada por la intensidad artística, la controversia y una identidad sonora profundamente personal.
Con una discografía que dejó huella en la escena underground internacional, Nargaroth se caracteriza por su enfoque atmosférico, melancólico y sombrío, combinando crudeza con pasajes introspectivos que se transforman en verdaderos rituales en vivo. Sus presentaciones suelen vivirse como experiencias densas y envolventes, donde la puesta en escena potencia el carácter emocional de cada composición.
La cita tendrá lugar en Uniclub, uno de los espacios habituales para el circuito extremo en la capital argentina. Hasta el momento no se han anunciado bandas teloneras, lo que refuerza el carácter especial de esta presentación, anunciada como el único show del proyecto en Argentina.
Las entradas ya se encuentran disponibles a través del sistema online, donde ya pueden adquirirse los tickets para esta esperada fecha del 24 de marzo.
Sanguisugabogg en Copenhague: “Death metal sin frenos en el corazón de la capital danesa”
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El death metal, como ya hemos comentado en otras crónicas, está gozando de un resurgimiento en popularidad. Con las bandas clásicas convocando muchos espectadores y bandas nuevas que apuestan al género, la escena atraviesa un gran momento. Una de las bandas que más notoriedad ha tomado en los últimos años es Sanguisugabogg. Su propuesta es homenajear y honrar el estilo con todos sus clichés incluidos. De hecho, el nombre tan particular del grupo fue concebido con la idea de que no se pueda pronunciar. Y el logo, con la de que no se pueda leer. Un signo que respalda el gran crecimiento del grupo fue el anuncio de su primer tour europeo como headliners, pactado para febrero/marzo de 2026. Este tour los llevó al querido Pumpehuset, en el centro de la capital danesa.
Los encargados de iniciar la noche fueron los británicos de Celestial Sanctuary, cuya propuesta consta de un death metal clásico, pero con toques modernos. Con pasajes muy grooveros y densos, y otros que recordaban a los orígenes del estilo, ofrecieron una sólida apertura. Cabe destacar la labor del guitarrista principal, que hizo solos muy buenos y divertidos. Por momentos recordaban al gran Trey Azagthoth, de Morbid Angel. El sonido fue correcto y la respuesta del público muy buena. Ya desde el comienzo contaron con una buena cantidad de asistentes y con los primeros pogos de la jornada.
Los encargados de continuar la velada fueron los muchachos de Gates to Hell. Con una propuesta que combina death metal con los rasgos más pesados del metalcore, subieron aún más la energía del recinto. El vocalista no paraba de recorrer el escenario y de incentivar al pogo y al mosh. Si bien se notaron algunas imperfecciones del baterista, esto pasó de largo y se pudo disfrutar de la presentación. En el resto de los músicos no se percibieron errores.
La tercera banda provenía de Italia: Fulci, llamada así en homenaje a Lucio Fulci, cineasta italiano. La temática de sus canciones son las películas de horror de su país de origen. Los músicos, menos el vocalista, tomaron posición y comenzaron a tocar una introducción psicodélica acompañada por una pista. Todo esto mientras videos de cine de terror italiano se proyectaban en una pantalla al fondo del escenario. Al terminar esta intro, el vocalista salió a escena y lo que siguió fue una demostración de cómo se hace death metal. Con una fuerte influencia de Cannibal Corpse, para ubicarnos un poco, el catálogo del grupo pasó por momentos muy extremos, otros de medio tiempo y hasta pasajes lentos. Cada músico se sabía adaptar muy bien a los cambios, y estos fluían sin sonar forzados. El público se dividió en dos: los que presenciaban atentamente la presentación y leían las letras de las canciones en la pantalla, y los que decidieron poner el cuerpo y transformaron el escenario en un trampolín para hacer stage diving. Tras una presentación de aproximadamente 50 minutos, Fulci demostró que todavía hay originalidad y talento en un género tan saturado.
Con una sala colmada de espectadores clamando el nombre de la banda, comenzó a sonar la intro con la que los cuatro músicos tomaron posición. En ese momento se percibió un cambio de formación llamativo: en la batería se encontraba Eric Morotti, baterista de Suffocation, quien está reemplazando al baterista original de la banda en esta gira. Con un breve saludo y la invitación al público a que se suba al escenario, dio comienzo el show con “Rotted Entanglement”. Desde el primer acorde, el lugar se transformó en una locura. Un pit enorme —que nunca se cerró— se abrió en el centro del venue y la gente comenzó a volar por los aires.
En un momento, mucha gente se quedaba parada en el escenario y el vocalista, con mucho respeto, pidió que se suban y salten rápidamente, ya que podían poner en riesgo la integridad de quienes estaban arriba y de los equipos. Este pedido fue correspondido por la audiencia y no bajó la intensidad del show para nada. El sonido fue brutal: todo sonó en el volumen correcto y en el nivel indicado. Los graves no saturaron —algo muy importante— y todos los instrumentos se apreciaron a la perfección. Desde la guitarra grave, que no paró de escupir riffs violentísimos, hasta el bajo súper crujiente, que junto a la batería llevaron el ritmo de la banda de excelente manera. La voz se encontraba bien al frente en la mezcla y se entendía bastante bien.
Si bien todo el espectáculo fue una locura, el final alcanzó su clímax con un gran circle pit de la mano de “Dragged by a Truck” y un wall of death enorme con “Dead as Shit”. Al finalizar la última canción, los músicos saludaron durante un buen rato y se retiraron, al igual que el público: sudados, satisfechos y felices.
Con grandes discos y presentaciones en vivo muy intensas, Sanguisugabogg se está ganando un lugar en el podio del death metal actual. Y por lo que pudimos apreciar, se lo merecen con creces.
Metallica llevará su M72 World Tour a Polonia con invitados de lujo
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La legendaria banda estadounidense Metallica se presentará el martes 19 de mayo en Chorzów, Polonia, en el marco de su imponente M72 World Tour. La cita forma parte de una de las giras más ambiciosas de su carrera reciente, con un despliegue técnico de gran escala y un repertorio que recorre todas las etapas de su trayectoria.
El show contará con la participación de dos potentes nombres de la escena pesada actual: los franceses Gojira y los estadounidenses Knocked Loose, quienes completarán una noche de alto voltaje. La combinación promete un recorrido que irá desde el metal progresivo y técnico hasta la agresividad del hardcore moderno, coronado por el set arrollador de Metallica.
La producción del evento estará a cargo de Live Nation Polonia, responsable de algunos de los conciertos más importantes realizados en el país en los últimos años. Se espera una convocatoria multitudinaria para esta parada del tour, que reafirma el vínculo histórico de la banda con el público europeo.
Las entradas ya se encuentran disponibles a través del sistema online, donde pueden adquirirse los tickets para el show del 19 de mayo en Chorzów. Una oportunidad única para vivir en directo uno de los espectáculos más impactantes del metal mundial.
Últimamente insisto demasiado con esto de atravesar “tiempos difíciles” como los actuales. No difíciles por la situación económica que, nosotros los argentinos, venimos atravesando desde que nacimos (no importa cuando leas esto). Difícil, más bien, porque pareciera que toda la sociedad converge a comportarse cada vez más como idiota.
Así es que muchos buscan algún tipo de reparo que pueda ayudarlos a canalizar la frustración de una realidad que se vuelve cada vez más surrealista. La música a veces una buena fuente de canalización. Otras, funciona mejor como combustible para un fuego creciente.
Clawfinger es una banda sueca de antaño que se dice pionera en rap metal. Musicalmente no tiene nada que ver con lo que conocemos como rap metal estadounidense, que es el la mayoría conocemos. Por sus líneas vocales poco melodiosas y sus letras con contenido político y antirracista, podría verse emparentada también con el hardcore.
Como fuere, lo importante aquí es que estos veteranos han vuelto al ruedo después de 19 años. Si, hace 19 años lanzaron su último material antes de pausarse. El viernes 20 de febrero de 2026 es un hito para ellos, puesto que acaban de editar un nuevo disco titulado Before We All Die.
Fiel a su clásico estilo agresivo, Clawfinger abre esta obra con “Scum”. Un para nada, suave cuestionamiento a las personas que no pueden desprenderse de su modo de vida egocentrista y que son capaces de llevarse puesto todo por delante con tal de alcanzar sus ambiciones. “Ball & Chain” que inicia con un potente riff, cambia la mirada y se vuelve más introspectiva. Una reflexión a la vida de uno mismo, lo que hicimos, lo que no, lo bueno y lo malo.
Clawfinger nunca pierde la oportunidad para cuestionar a la situación política del momento. En canciones como “Tear You Down” hablan sobre el concepto de ‘Whataboutism’ y como los líderes políticos obvian los cuestionamientos excusándose con lo que otros hacen…”What about…?”.
“Big Broter” es una gran pieza, con líneas vocales susurradas al inicio y al fin, que se asemejan a una canción cantada por Till Lindemann (ja). No habla de la obra de Orwell, sino más bien refiere a los realities como el del mismo título de la canción. Todo se vale con tal de generar audiencia, hasta el ridículo de la misma gente.
En el segmento medio del disco temazos como “Linked Together” y “A Perfect Day” que constituye la balada (por decirlo de alguna manera) del disco. Con sintetizadores y algunos cantos de intrépidos de pájaros de fondo, es el momento para bajar la espuma y la energía.
“Going Down (Like Titanic)” me parece que no merece análisis alguno de mi parte porque el título ya lo dice todo. La canción más rap metal del álbum y una de mis preferidas también, con líneas bien rapeadas y un estribillo que estalla con guitarras y voces distorsionadas.
Sobre el final tenemos 3 piezas en las cuales no podemos permitirnos ni 1 segundo de descanso. “You Call Yourself a Teacher” con un tinte un poco más melódico por un lado y “A Fucking Disgrace” por el otro. Y como dijimos 3, al cierre nos encontramos con “Kill The Dream”, donde los primeros 60 segundos se decoran con un estilo mas new age, pero con un estribillo agresivo como Clawfinger promete. El puente de esta canción, antes de su fin, es lo mejor de este gran disco. Mejor forma de terminar imposible.
Clawfinger ha vuelto al ruedo y lo ha hecho pisando fuerte. La producción musical es excelentísima. Todo suena bien, los instrumentos no se pisan. Todos con sinergia al unisono (excelente mezcla). Las guitarras potentes, las voces muy claras, los bajos y percusiones marcando la rítmica típica del rap.
El arte de la tapa muy explícito: lisa y llanamente, el planeta tierra con una mecha a punto de explotar y cadenas de esclavitud (no se anduvieron con rodeos jaja).
A veces, cuando las voces más jóvenes callan lo que no deberían, gritan los que alguna vez ya lo hicieron. Clawfinger es un todo y no una simple banda. Un grupo de artistas que cuestionan a través de la música. Before We All Die es rap metal puro y al mismo tiempo un grito en el cielo. Los suecos han vuelto y nosotros, debemos escuchar.
Poppy desata su universo sonoro en Copenhague con la “Constantly Nowhere Tour”
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La inclasificable Poppy llegará a Copenhague el próximo 5 de abril con su esperada “Constantly Nowhere Tour”, en una fecha que promete combinar intensidad, estética futurista y una propuesta sonora que rompe fronteras entre el metal alternativo, el pop experimental y la electrónica. La artista estadounidense continúa expandiendo su universo creativo con un show que se anticipa tan provocador como hipnótico.
La cita será en Store Vega, uno de los recintos más emblemáticos de la capital danesa para conciertos internacionales. El evento contará además con la participación deOcean Grove y Fox Lake como bandas invitadas, sumando energía y diversidad a una noche que recorrerá distintos matices del sonido alternativo contemporáneo.
El show del 5/4 se perfila como una de las fechas destacadas de la temporada en Copenhague, especialmente para quienes siguen la evolución artística de Poppy y su capacidad de reinventarse en cada gira. Las entradas ya se encuentran disponibles a través de Ticketmaster.
El exitoso tributo a System Of a Down practicado de la mano de Another Prison System, vuelve a Sala Abril para otra noche condecorada.
En palabras de la banda: “Sera una noche extensa con más de 30 canciones. Un show exclusivo para los fans reales que buscan un setlist más personalizado y joyas. La lista va a ser armada a partir de la votación de los seguidores en instagram, lo que lo convertira en un show aún más íntimo”
La agenda de Track To Hell para marzo en España viene repleto de conciertos de rock, punk y metal con propuestas tanto de bandas consagradas como de proyectos emergentes. A lo largo de marzo se suceden fechas de artistas y grupos de diversos estilos (desde rock alternativo hasta metal más contundente) en ciudades como Madrid, Barcelona, Valencia, Málaga, Bilbao, Pamplona, Murcia y otras localidades del país. La programación incluye desde conciertos con sonido pesado y actitud punk hasta actuaciones de hard rock y metal en directo, lo que convierte a marzo en una oportunidad ideal para los amantes de estos géneros de disfrutar de una intensa actividad musical en vivo con riffs potentes, energía sobre el escenario y una escena bien vibrante en diferentes rincones de España.
Harakiri For The Sky + Mvrmvr Fechas: 4 de Marzo en Barcelona, 5 de Marzo en Madrid y 6 de Marzo en Bilbao.
Motionless in White + Dayseeker + Make Them Suffer Fechas: 5 de marzo en Barcelona y 6 de Marzo en Madrid
The Crown Fechas: 6 de Marzo en Barcelona, 7 de Marzo en Portugalete y 8 de Marzo en Madrid.
H.E.A.T + Hitten Fechas: 6 de Marzo en Pamplona, 7 de Marzo en Santiago de Compostela, 11 de Marzo en Sevilla, 12 de Marzo en Murcia y 13 de Marzo en Valencia. Mago de Oz Fechas: 7 de Marzo en Madrid y 21 de Marzo en Barcelona.
Crystal Lake + Miss May I + Great American Ghost + Diesect Fechas: 9 de marzo en Barcelona, 10 de Marzo en Madrid y el 12 de Marzo en Vitoria.
Dea Matrona Fechas: 9 de marzo en Madrid y 10 de Marzo en Barcelona. Deny + Invitados Fechas: 11 de marzo en Barcelona y 12 de Marzo en Madrid.
Megara + Astray Valley Fecha: 13 de marzo en Madrid.
Buzzcocks Fechas: 13 de marzo en Madrid y 14 de Marzo en Barcelona. Asphyx Fechas: 13 de marzo en Madrid y 14 de Marzo en Barcelona.
Subterranean Fechas: 13 de marzo en Bilbao, 14 de Marzo en Andoain, 27 de Marzo en Barcelona y 28 de Marzo en Zaragoza.
Wicked Leather + Abxenta Fecha: 14 de marzo en Málaga.
Andy Timmons + Pedro Javier González Fechas: 15 de Marzo en Madrid y 16 de Marzo en Barcelona.
Guilt Trip + Invitados Fechas: 17 de Marzo en Barcelona, 18 de Marzo en Madrid, 19 de Marzo en Vitoria, 21 de Marzo en A Coruña. Rage Fechas: 17 de Marzo en Barcelona, 18 de Marzo en Zaragoza, 19 de Marzo en Burgos, 20 de Marzo en Madrid y 21 de Marzo en Bilbao. Gluecifer Fechas: 18 de Marzo en Barcelona, 19 de Marzo en Madrid, 20 de Marzo en Sevilla y 22 de Marzo en Valencia. Vomitory + Bandas invitadas Fechas: 19 de Marzo en Granada, 20 de Marzo en Madrid, 21 de Marzo en Castellon, 22 de Marzo en Barcelona y 23 de Marzo en Portugalete.
Luicidal Fechas: 19 de Marzo en Barcelona, 20 de Marzo en Madrid, 21 de Marzo en Vigo y 22 de Marzo en Vitoria.
Booze & Glory Fechas: 19 de Marzo en Madrid, 20 de Marzo en Vitoria y 21 de Marzo en Barcelona.
2 Minutos Fechas: 19 de Marzo en Mallorca, 20 de Marzo en Valencia, 22 de Marzo en Bilbao, 24 de marzo en Madrid y 25 de marzo en Barcelona.
Saratoga Fecha: 20 de marzo en Málaga.
Desolated+ South Misery + Aggresive and Voiceless Fecha: 21 de marzo en Madrid.
Kreator + Carcass + Exodus + Nails. Fecha: 22 de marzo en Madrid.
Airbourne + Asomvel Fechas: 24 de marzo en Barcelona, 25 de marzo en Madrid y 27 de Marzo en Bilbao. Bull Brigade Fechas: 26 de marzo en Donostia, 27 de marzo en Madrid y 28 de Marzo en Barcelona.
Taake Fechas: 27 de marzo en Barcelona, 28 de marzo en Madrid y 29 de Marzo en Valencia.
ZEKE Fechas: 27 de marzo en Gasteiz, 28 de marzo en Madrid y 30 de Marzo en Jerez.
Redshark + Rave In Fire Fecha: 27 de marzo en Madrid.
Fit For A King + Memphis May Fire + Acres + 156/Silence Fechas: 28 de marzo en Madrid y 29 de marzo en Barcelona.
El nuevo festival Stygian Invocation continúa tomando forma y ha completado su cartel con el anuncio de la segunda y última tanda de bandas, consolidando una propuesta centrada en el black y death metal más crudo y directo. Tras la confirmación inicial de nombres de culto del underground extremo, la organización ha sumado ahora a Trivax, Caveman Cult, Abysmal Lord, Archgoat, Deitus, Varathron, Antichrist Siege Machine y Revenge, completando así una alineación que posiciona a esta primera edición como una cita imprescindible para los seguidores del metal extremo. El festival se celebrará los días 28 y 29 de noviembre en The Underworld de Londres, marcando el nacimiento de un nuevo evento que apunta directamente al corazón del circuito underground.
Entre las nuevas incorporaciones destaca Archgoat, auténtica institución del black/death finlandés, conocidos por su sonido primitivo y blasfemo que los ha convertido en un nombre de culto dentro de la escena. También se suma Revenge, representantes del war metal canadiense, cuya propuesta caótica y extremadamente agresiva promete uno de los sets más intensos del festival. En una línea igualmente devastadora aparecen Antichrist Siege Machine y Caveman Cult, dos proyectos que encarnan el lado más violento y directo del death/black contemporáneo, combinando velocidad extrema y una producción deliberadamente salvaje.
El cartel se completa con Abysmal Lord, exponentes del black/death más infernal desde Estados Unidos, Varathron, veteranos del black metal griego con un estilo oscuro y ritualista, Trivax, banda conocida por su enfoque intenso y atmosférico dentro del black/death moderno, y Deitus, representantes de la escena británica con un sonido agresivo y bien asentado dentro del underground.
Con esta última tanda, Stygian Invocation presenta una cartelera especialmente sólida para su primera edición, dirigida a todos aquellos amantes del black y death metal más agresivo y sin concesiones. Las entradas saldrán a la venta el domingo 1 de marzo a las 17:00 (hora del Reino Unido) y podrán conseguirse en www.stygianproductions.bigcartel.com. La organización ha confirmado que serán entradas limitadas, por lo que se espera una fuerte demanda desde el primer momento. Si no quieres perderte el surgimiento de un nuevo monstruo en las entrañas de Londres, este es el momento de asegurarte un lugar en lo que promete ser un debut memorable.
Dentro del marco de bautismos de fuegos tenemos en este 2026, el de VOLA es uno de los que más promete. Reconocidos dentro de la escena progresiva moderna europea, los daneses debutan en suelo argentino el próximo 13 de marzo, en Uniclub (Guardia Vieja 3360), en la Ciudad de Buenos Aires dentro del marco de su gira “Friend of a Phantom South America Tour 2026”.
Con una sólida y ascendente carrera musical, este grupo se ha consolidado como uno de los más originales y atractivos de los últimos años. En este especial, te venimos a contar por qué.
De Dinamarca para el mundo
Vola nació en 2006, de la mano de su líder y fundador, Asger Mygind, en la ciudad de Copenhague. Todo comenzó como un proyecto individual del músico en el sótano de su casa, explorando distintos sonidos e instrumentos. Sin embargo, con el tiempo se convirtió en una banda integrada por amigos suyos. Entre ellos, aparece el tecladista actual y el otro miembro fundador, Martin Werner. Con Mygind a la voz y a la guitarra
Con Mygind a cargo de la voz y la guitarra, VOLA arrancó como un quinteto, en busca de una identidad y sonido para hacerse de un nombre dentro de la escena del metal progresivo. Es así que editan dos EP’s, llamados Homesick Machinery y Monsters, en 2008 y 2011, respectivamente. Ambos autoproducidos por ellos.
Con resultados positivos, empiezan las primeras giras del grupo por su país, lo cual llevó a algunos cambios de alineación. Tras la salida de algunos miembros, la agrupación finalmente se terminó transformando en un cuarteto, marcando el inicio del grupo tal cual lo conocemos hoy.
Vola
Influencias y Estilo
VOLA viene a encarnar lo que se podría considerar una nueva ola del metal progresivo. Una ola que tiene como referentes a grupos como Leprous; Caligula Horse; Karnivool; e incluso Soen, en la que predomina la melodía, el uso de efectos y sintetizadores electrónicos, y las sutilezas técnicas de sus músicos. Se prioriza la búsqueda de atmosferas envolventes, de climas introspectivos e incluso, detalles minimalistas. Todo, con un enfoque compositivo moderno, con estribillos pegajosos y fácilmente atrapantes para el oyente.
VOLA, refuerza estos conceptos con riffs pesados y complejos, que los acerca hacia terrenos más cercanos al Djent, siendo catalogados como uno de los referentes más pesados y novedosos dentro de la escena progresiva actual.
Lejos del carácter más pirotécnico y virtuoso de grupos como Dream Theater o Symphony X, Vola trabaja un estilo más armonioso y compacto, enfocado en la creación de melodías. Sus temas no buscan ser extensos, ni tampoco tan estrambóticos. Por el contrario, se desarrollan con naturalidad, manteniendo el foco en la sensibilidad y construcción de distintas capas de matices técnicos.
Entre sus influencias, podemos mencionar grupos como Messhugah, Porcupine Tree, Soilwork, Pain Of Salvation, Devin Townsend (con quién ya han salido de gira en un par de ocasiones), entre tantos.
Mygind es un gran fan del músico y productor británico Steven Wilson, y esto ve claramente reflejado en su música. “En cuanto a la parte emocional, crecí con Steven Wilson, por ejemplo, y con Porcupine Tree y Opeth, que son muy melancólicos. Y eso me ha inspirado a seguir ese mismo camino de crear algo que, en la superficie, suene triste, pero que también contenga calidez y esperanza” llegó a confesar el músico en varias entrevistas.
Catalogo
La banda cuenta con cuatro discos hasta la fecha.
Inmazes (2015): Un debut auspicioso y fresco, con una propuesta potente y mecánica, propios del Djent moderno. La influencia de Messhugah se siente, pero se encuentra bien balanceada con pasajes melódicos y sutiles matices electrónicos. Aun así, se trata de su disco más pesado, dónde destacan “Gutter Moon” y “Stray the Skies“.
Applause of a Distant Crowd (2018): Una continuación que expande su sonido a terrenos más progresivos de
Vola
grupos como Porcupine Tree o Pain Of Salvation. Menos rígido y más orgánico. Ese pareció ser el lema para esta segunda entrega, que daba muestras de una identidad, que progresivamente se iba construyendo. “Smartfriend” y “Whaler” son dos de las composiciones más representan el trabajo.
Witness (2021): La obra que posicionó a los daneses en el mapa global del progresivo, como en una novedad y realidad del género. Con una propuesta más aceitada, acá encontramos una banda encontrando su propia versión de lo que quiere ser. Sonando melódicos, dinámicos, técnicos, minimalistas. Su mayor éxito hasta la fecha, tanto en ventas como en crítica.
Friend of a Phantom (2024): Un ejemplo de madurez y entendimiento musical. Si en su anterior obra habían llegado a su mayor pico creativo, acá lo mantienen pero encontrando nuevos agregados y detalles que vuelven a esta obra igual de atractiva y renovante dentro de su catálogo. Basta con escuchar “I Don’t Know How We Got Here” y “Break My Lying Tongue” para corroborarlo.
VOLA actualmente es un cuarteto consolidado, que ya lleva casi 10 años sin sufrir modificaciones. A su creador y fundador, Asger Mygind, lo acompaña su mano derecha y compañero desde sus inicios, Martin Werner en los teclados. Le sigue Nicolai Mogensen a cargo del bajo y los sintetizadores desde el 2009, mientras que la última incorporación fue el baterista sueco, Adam Janzi, tras su ingreso en 2017. Desde entonces, el grupo se mantiene intacto afianzando una alineación sólida y unida, la cual marca la química y visión musical que comparten los músicos.
Gira
“Friend of a Phantom South America Tour 2026”, es el nombre del tour que los trae por primera vez a tierras argentinas, para presentar el material de su más reciente y elogiado trabajo discográfico, Friend of a Phantom (2024). Con fechas en países como Costa Rica, México, Brasil y Chile, el grupo se encuentra en mejor momento creativo y compositivo. Con una trayectoria evolutiva y en constante ascenso, VOLA llega para compartir junto con sus fanáticos su enriquecedora propuesta y para justificar porque se volvieron en este lapso de tiempo, en una de las mayores sensaciones de la escena progresiva.
La cita en Buenos Aires es el viernes 13 de marzo, a partir de las 19 en Uniclub. No se lo pierdan.
Igorrr en Copenhague: “El arte de mezclar lo imposible y hacerlo sublime”
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La noche del 22 de febrero arrancó un poco demorada de la mano de la banda británica Dvne. Fue a eso de las 19:50 cuando abrieron el show para un Amager Bio casi lleno, con un setlist corto pero contundente. Si bien tocaron cuatro canciones, fue un gran show de treinta minutos para calentar motores con un estilo más progresivo. Una picardía, la verdad: nos hubiera encantado que se prolongara un par de temas más. El conjunto solo dio una breve muestra de su sonido sludgy, pujando por su trabajo más reciente, Voidkind, con “Abode of the Perfect Soul” a destacar por su groove.
El sonido estuvo correcto, nada que destacar, con la fuerza necesaria para que retumbe el pecho y con buena claridad. Por otro lado, el escenario quedó reducido para la banda soporte, ya que la mitad del espacio estaba ocupado por el setup de Igorrr. Esto empujó levemente a la banda hacia un lado y dejó al tecladista y cantante Victor Vicart con menos espacio.
Fue a las 21 en punto cuando el escenario se pintó con una roja neblina para arrancar el diabólico show del proyecto inclasificable que es Igorrr. Este conjunto fusiona metal extremo, breakcore, barroco e industrial en un blend único de locura y pasión francesa. Una fusión de géneros que no genera solo caos y fiesta, sino también pasajes hermosos, dignos de una ópera.
Arrancaron con “Daemoni” en su dantesco setlist, dominado por temas de su trabajo más reciente, Amen, pero que siempre fue salpicando piezas de las dos placas previas como “Spaghetti Forever” y “Nervous Waltz”. Tejiendo así hilos enfocados más en el lado breakcore, seguidos por momentos de puro death extremo donde el público se picó tremendamente. Tampoco faltó el sonido típico de Medio Oriente, con las canciones que más nos transportan allá, como “Blastbeat Falafel” y, sobre el cierre, “Camel Dancefloor”.
El sonido fue uno de los puntos más altos de la noche: impecable, con un balance que rozaba lo perfecto. Algo clave para gozar de la gran instrumentalización. Una atmósfera llena de contrastes y quiebres que nos mantiene enganchados al ritmo de la ópera con blast beats de fondo.
Arriba de su tarima, el multiinstrumentista Gautier Serre hizo de director de orquesta con su batuta, que de a ratos utilizaba mientras tocaba el teclado; en otros momentos se encargaba de la percusión, la guitarra, la flauta dulce y, no menos importante, la cowbell, una favorita de la gente. La actuación de los músicos y la montaña rusa de emociones que hacen vivir al público es algo único. Desde la espectacular voz mezzo soprano de Marthe Alexandre, que más de una vez me piantó un lagrimón con sus cánticos orquestales, hasta las cruzadas de miradas de lo más intimidantes con JB Le Bail mientras arrasaba con guturales.
Un show para el recuerdo: se pudo disfrutar de una versión de Igorrr que lo da todo en el escenario y se involucra con la audiencia. La incorporación más reciente del baterista Rémi Serafino, una total bestia y con una carrera por delante, fue un gran acierto y completa el grupo francés de manera excelente.
Luego de hora y media de puro espectáculo y cuando el humo se disipó, quedó la sensación de haber presenciado algo irrepetible, pero también de estar frente a una historia que recién se está escribiendo. Igorrr demuestra que el riesgo, la mezcla imposible y la entrega total no son un experimento pasajero, sino un universo en plena expansión. Si esta noche en Copenhague fue una muestra del presente, el futuro promete aún más vértigo, más belleza inesperada y nuevos capítulos de este caos cuidadosamente orquestado que nos recuerda por qué seguimos volviendo a la primera fila. Me gusta creer que este lineup va a perdurar, seguir girando y continuar produciendo nuevo material.
Amenra anuncia esperada gira en México y Centroamérica
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La titánica banda de post-metal belga Amenra, acaba de realizar el anuncio en sus redes sociales de que este año estarán visitando tando tierras aztecas, como Guatemala y Costa Rica, con su Central America Tour 2026.
A partir del 3 junio, los también miembros del colectivo Church of Ra (que incluye a bandas como Oathbreaker, Hessian, The Black Heart Rebellion, Dehm Sora y Kingdom), podrán compartir su peculiar estilo que desde 1999 combina sludge, doom, post-metal y hardcore, con las siguientes fechas anunciadas:
Jun 3 – MARKO DISCO (Tijuana, BC, MX)
Jun 4 – ECHO (Guadalajara, Jal, MX)
Jun 5 – FVCK OFF ROOM (Ciudad de México, MX)
Jun 6 – SALON CHINO (Ciudad de Guatemala, GT)
Jun 7 – AMON SOLAR (San José, Costa Rica)
Se confirman dos bandas más para el Candelabrum Metal Fest
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A través de sus redes (y con la típica modalidad de adivinanzas), el Candelabrum Metal Fest han anunciado en las últimas semanas sus dos nuevas adiciones para la quinta edición del festival de metal número uno en el Bajío mexicano.
Se trata nada más, ni nada menos que de la legendaria banda japonesa de heavy metal, Loudness y los californianos Nite, con su característico blackened heavy metal.
Mientras que los primeros se encontrarán por primera vez en nuestro país, celebrando 45 años de historia, incluyendo ser la primera banda de heavy nipón en alcanzar popularidad en Europa y América, alcanzando a entrar en el Top 100 de Billboard; los originarios de San Francisco, pertenecientes a la Nueva Ola de Heavy Metal Tradicional, pero con ese twist maligno, darán cátedra de velocidad y estilo sobre el escenario de la Velaria de la Feria de León, Guanajuato.
Los boletos para el festival se encuentran a la venta a través de e.ticket, mismos que se encuentran en la última recta de la primera etapa, teniendo todavía un rango de entre $2525 por un solo día en general, hasta los $5400 por ambos días en VIP (más cargos por servicio).
Donde la tormenta sembró raíces: regresa Call of the Crow 2026
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Tras el abrumador éxito de su primera edición, el festival Call of the Crow confirma su regreso los días 2 y 3 de octubre de 2026, nuevamente en el entorno rural de Pealie’s Barn, en North Yorkshire. Nacido literalmente bajo una tormenta, el evento demostró desde su primera jornada que la intención de perdurar no era una promesa vacía sino una convicción firme. Las crónicas de aquel fin de semana hablaron de resistencia, comunidad y una experiencia íntima marcada por el viento, el barro y una comunión genuina entre bandas y público. Lejos de amedrentarse ante las adversidades climáticas, la organización logró sacar adelante un encuentro que muchos ya consideran uno de los más especiales del underground británico.
La segunda edición de Call of the Crow fue anunciada pocos días después de finalizar la primera entrega, una señal clara de que el impulso estaba vivo. En apenas un mes, los early bird tickets se agotaron por completo. En enero comenzaron los anuncios de las primeras bandas confirmadas, configurando un cartel que vuelve a apostar por exclusividad, debuts en Reino Unido y propuestas con fuerte identidad artística.
Desde Turquía llegará Ash Magick, quienes harán su debut en el Reino Unido tras haber publicado Rituals of Anathematic East en 2025. Presentan un black metal crudo inspirado en el esoterismo oriental y en ritos antiguos. Es black metal en su forma más feroz, femenina y arcana.
También debutará en suelo británico Patristic. Su álbum de 2025, Catechesis, se erige como una declaración de intenciones sombría e intensa, sumergiendo al oyente en un mundo donde antiguos sistemas de creencias chocan en canciones discordantes y atmosféricas que equilibran terror ritualista con pesadez técnica.
Miško Boba, con integrantes del Reino Unido y Lituania, es una presencia creciente en el underground, fusionando folclore, historia y black metal visceral en un sonido que se siente antiguo y urgente.
Tras haber tenido que cancelar por cuestiones logísticas en la primera edición, Black Altar finalmente se presentará en Call of the Crow. Quizás fue cuestión de destino, ya que ahora el público será testigo de un set especial por su 30º aniversario de esta intransigente banda de black metal ortodoxo, originaria de Polonia y actualmente asentada en Inglaterra.
Desde Italia debutará en el Reino Unido Bianca, proyecto de black metal atmosférico que comparte miembros con Patristic. Su propuesta empuja los límites de la música extrema al fusionar el fuego crudo del black metal con una pesadez cercana al doom y atmósferas densas e inmersivas.
Una de las grandes referencias del UKBM, Necronautical, se suma al cartel con un setlist especial celebrando los diez años de su obra maestra The Endurance at Night. Interpretarán temas poco habituales de este álbum favorito de los fans —algunos nunca antes tocados en directo— junto a canciones de trabajos más recientes. Este set exclusivo será ejecutado con su tradicional corpsepaint.
Desde Irlanda llegará Their Last Stop, quienes combinan elementos de DSBM y black metal atmosférico en un sonido extremo pero melódico, cargado de emociones oscuras y guiando al oyente por un viaje trágico de pérdida y ruina.
Como invitado especial, Wolcensmen se presentará el viernes por la tarde en el Longhall Stage con su proyecto de dark folk mitológico, aportando un matiz ceremonial y pagano a la apertura de Call of the Crow.
El sábado tendrá como cabeza de cartel a Owls Woods Graves, quienes traerán su característico black metal con espíritu punk. Conocidos también por contar con músicos que han sido sesionistas en vivo de Mgła, celebrarán el lanzamiento de su tercer álbum, Strix, en lo que promete ser un cierre intenso y sin concesiones.
Las entradas para el fin de semana —con opción de acampe o sin ella— así como los tickets por día, ya están disponibles, pero están estrictamente limitadas a 250 personas. Si tuviste la posibilidad de asistir el año pasado, no hace falta decir mucho más para convencerte. Si leíste las crónicas de los dos días de la primera edición, esta es tu oportunidad de experimentarlo en vivo. Consigue tus entradas aquí.
Atreyu confirma la salida de su próximo disco en abril
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Los californianos Atreyu han estrenado “All For You”, tema que sirve como adelanto de su nuevo disco The End is not The End, el cual llegará a las tiendas el próximo 24 de abril de la mano de Spinefarm Records.
Kreator regresará a Copenhague con toda la furia del thrash metal
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El 25 de abril, Kreator volverá a desatar su imparable energía en Copenhague con un concierto que promete ser histórico para los fanáticos del thrash metal. La legendaria banda alemana, conocida por sus riffs vertiginosos y su potencia escénica, liderará una noche llena de agresividad, técnica y pura adrenalina en Poolen, ofreciendo un espectáculo que los seguidores del metal no querrán perderse.
El show contará con la presencia de reconocidas bandas como Carcass,Exodus y Nails, que abrirán la velada con su propia dosis de intensidad y brutalidad. Juntas, estas agrupaciones garantizan una noche de thrash y death metal de alto voltaje, donde cada acorde y cada grito se sentirá en lo más profundo de los asistentes. La combinación de estas leyendas del metal internacional promete un cartel potente, que cualquier fanático del género valorará como una experiencia única.
Los tickets para esta fecha ya están disponibles y se pueden adquirir a través de este link de tickets, asegurando la entrada para una noche donde el thrash metal se apoderará del escenario y del público.
Para quienes buscan intensidad, velocidad y brutalidad en vivo, Kreator ofrecerá una experiencia que reafirma por qué es una de las bandas más importantes del metal mundial. Cada riff, cada golpe de batería y cada rugido vocal promete una descarga de pura energía que nadie querrá perderse.
American Football confirma la salida de su nuevo disco
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Los chicos de American Football vuelven este 2026 con su esperadísimo cuarto trabajo LP 4, el cual llegará a las tiendas el próximo 1 de mayo a través de Polivinyl Records y del cual acaban de estrenar el single “Bad Moons”, donde evidencian que por muchos años que pasen, ellos siguen sacando buenas canciones.
Social Distortion está de vuelta y estrena “Born To Kill”
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La legendaria formación californiana Social Distortion vuelve tras 15 años sin sacar material nuevo, recordemos que su último disco Hard Times and Nursery Rhymes data de 2011 y no solamente estrenan una nueva canción, si no que esta es la que da título a su nuevo y esperadísimo trabajo, que podremos escuchar completo a partir del próximo 8 de mayo gracias a Epitaph Records.
El disco contará con 11 nuevos cortes y mantiene la esencia, visto lo que ofrece el nuevo single, de la banda que lidera Mike Ness, con esa mezcla brillante de punk rock, hardcore melódico y rock and roll.
Machine Head promete una noche histórica de tres horas en Copenhague
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La aplanadora del groove metal Machine Head regresará a Copenhague el próximo 11 de abril con un formato tan ambicioso como contundente: un show en solitario de tres horas completas, sin bandas teloneras y con la banda dueña absoluta del escenario. La fecha se perfila como una experiencia especial para los seguidores más fieles, que podrán sumergirse en un recorrido extenso por su discografía.
El concierto tendrá lugar en Store Vega, uno de los recintos más emblemáticos de la capital danesa para espectáculos internacionales. La decisión de presentarse sin artistas invitados refuerza la idea de una velada exclusiva, centrada únicamente en la potencia, la técnica y la intensidad que caracterizan al grupo liderado por Robb Flynn.
El 11/4 promete convertirse en una de las citas más fuertes del calendario metalero en la ciudad, con una producción pensada para sostener tres horas de energía ininterrumpida y un repertorio amplio que podría abarcar clásicos, rarezas y material más reciente. Las entradas ya se encuentran disponibles a través de Ticketmaster.
Arch Enemy regresa a Copenhague con su brutal metal melódico
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El 21 de julio, Arch Enemy llevará su implacable metal melódico a Pumpehuset, prometiendo un espectáculo cargado de potencia, técnica y riffs inolvidables. Reconocidos mundialmente por su combinación de agresividad y melodía, la banda sueca se prepara para ofrecer una noche donde cada acorde y cada vocalización impactarán al público de principio a fin.
Aunque las bandas teloneras aún no han sido anunciadas, la expectativa por el show principal es enorme. Arch Enemy se presenta como un referente del metal moderno, con actuaciones que fusionan intensidad, virtuosismo y una puesta en escena que refleja la fuerza y pasión de sus miembros. Los fanáticos podrán disfrutar de un set que incluye tanto clásicos como cortes recientes, asegurando una experiencia completa para todos los seguidores del género.
Los tickets para esta fecha ya están disponibles y se pueden adquirir a través de este link de tickets, garantizando su lugar para vivir de cerca la fuerza y la energía que solo Arch Enemy puede ofrecer.
Para quienes buscan una experiencia musical intensa, este concierto representa una oportunidad única de presenciar a una de las bandas más influyentes del metal melódico en acción. Cada riff, cada breakdown y cada grito se sumarán a una noche memorable que consolidará la reputación de Arch Enemy como uno de los grandes nombres del metal internacional.
Xasthur en Copenhague: “Un Ritual Minimalista de Dolor y Silencio”
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Un nombre muy conocido en la escena underground del black metal norteamericano es Xasthur, proyecto solista de Scott Conner. Sacudió la escena a principios de los 2000 con álbumes muy opresivos y oscuros que, junto con otros proyectos como Leviathan, fueron catalogados como depressive black metal. Aunque suenan diferentes a las propuestas europeas del género, se los encasilló allí debido a las temáticas tratadas en las letras —como la depresión y el suicidio— y al ya mencionado sonido oscuro, envolvente y opresivo.
El proyecto estuvo un tiempo en pausa, pero desde hace un tiempo realiza giras en formato acústico, adaptando sus canciones a un estilo semiacústico. En su primer tour europeo pasó por Copenhague, en el genial y underground Spillestedet Stengade. En esta fría noche de febrero pudimos apreciar a Xasthur en vivo.
El encargado de abrir la velada fue el músico danés Pafund. Su propuesta fue una especie de dungeon synth interpretado con dos teclados y algunas pistas de acompañamiento. El principal tenía un sonido más clásico, aunque cada tanto jugaba con distorsiones y otros efectos; se encargó de las bases y de marcar los ritmos. El otro teclado contaba con una afinación más aguda y un sonido más cercano al dungeon synth tradicional: ruidos pequeños y penetrantes que iban formando melodías tenues y arreglos simples que enriquecían las bases del primero. El show, que duró media hora, mantuvo a todos los presentes atentos y sumergidos en un ambiente tenso y calmo a la vez.
El segundo artista en presentarse fue Lukas Häger, guitarrista sueco que se presentó en solitario. El espectáculo constó de él con su instrumento ofreciendo una performance excelente. Salvo por un pasaje cercano al black metal que fue tocado con púa, el resto del show fue folk rock interpretado con los dedos. El músico demostró un gran dominio del instrumento, ya que hacía bases y melodías al mismo tiempo, mientras transitaba acordes y movimientos atípicos. Todo esto mientras activaba efectos y algunas pistas con las pedaleras que tenía en el suelo. Tras 30 minutos de concierto, se retiró aplaudido por todo el público.
Minutos antes de la hora pactada, Scott comenzó a probar sus tres guitarras electroacústicas de 12 cuerdas, colocadas superpuestas. Frente a él tenía una pequeña mesa con los elementos necesarios para el show: dos consolas con ecualizadores, afinador, la lista de temas y cera para sus dedos.
A las 22:30 en punto comenzó el show con “Schizo/Mania”. Si bien la interpretación no estaba sufriendo mayores traspiés, se lo notaba molesto. Esto se debía a un problema con los monitores. Estaba tocando con una pista de bajo y otra de batería, y pidió varias veces que se las subieran y que le bajaran el retorno de su guitarra. Lo hizo de distintas maneras: con chistes e incluso de malos modos, llegando a tirar un micrófono al piso.
Pasadas un par de canciones dejó de reclamar y se lo notó más relajado, aunque tengo la sospecha de que simplemente decidió seguir adelante pese a su disgusto.
El sonido fue bueno, aunque por momentos las pistas eran muy graves y tapaban levemente la guitarra. Fueron instantes aislados que no dificultaron el disfrute del show.
En este concierto, Scott demostró que es un excelente guitarrista. Tocó todas las canciones sin púa, utilizando sus dedos y mostrando un gran manejo de la mano derecha. Con la izquierda evidenció su habilidad para crear acordes poco convencionales.
El final llegó con “No Company for Your Misery” y, si bien había una canción más anotada en la lista, no fue interpretada. Esto respaldó mi impresión de que ofreció el concierto algo ofuscado. Sin embargo, el público lo aplaudió y se fue conforme.
Esto se debe a que presenciar una presentación de Xasthur es algo muy difícil de conseguir, no solo por lo poco que gira, sino también por el tipo de propuesta que ofrece en directo: oscura e íntima.
J.J. (Harakiri for the Sky): “Ser melancólico es parte de mi vida”
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En el marco de la actualidad de Harakiri for the Sky y sus próximos conciertos en España, dialogamos con J.J., voz de la banda austríaca, sobre identidad, melancolía, evolución y los desafíos de girar en estos tiempos.
Harakiri for the Sky siempre se ha caracterizado por un delicado equilibrio entre la agresividad y la melancolía. ¿Cómo trabajáis internamente esa dualidad para no perder nunca la honestidad ni la intensidad?
Creo que es bastante fácil responder a eso porque lo tomamos tal y como viene. Escribo letras que surgen en el día a día, en un 99 % autobiográficas. Y lo mismo ocurre con la música. Matthias también tiene muchas influencias diferentes. Las influencias cambian, la vida sigue, y por eso no intentamos pisar siempre el mismo terreno. Seguimos el ritmo del tiempo.
Hay cierta negatividad en nuestras mentes que nunca desaparecerá, eso es seguro. Pero también te haces mayor y algunas cosas cambian. Estás creciendo constantemente, tanto a nivel personal como artístico.
¿Qué tipo de negatividad crees que seguirás teniendo?
Sí, soy una persona bastante melancólica. Siempre estoy luchando contra el paso del tiempo, la pérdida de personas, las relaciones rotas. Todo eso me sigue entristeciendo cuando mis amigos se separan o cuando algo termina.
Ser una persona melancólica es parte de mi vida. Además, hoy en día también soy más sensible al exterior, a cómo está cambiando el mundo. Es difícil mantenerse optimista.
No creo que antes todo fuera mejor, siempre han pasado cosas estúpidas. Pero hoy, con las redes sociales, nos bombardean constantemente con malas noticias. Cada vez que abres Instagram hay algo terrible ocurriendo en algún lugar. Esta época es bastante difícil.
Entonces, podemos decir que la música y tus letras funcionan como una especie de catarsis.
Sí, creo que “catarsis” es una de las mejores palabras para describir cómo trabajamos y por qué seguimos haciéndolo después de tantos años. Lo necesitamos para mantenernos mentalmente sanos. La creatividad, hacer arte, escribir canciones y letras siempre ha sido una buena forma de canalizar todo eso, ya sea a nivel social o personal. Es bueno tener algo con lo que puedas procesarlo todo.
¿Solo canalizas eso a través de la música o haces alguna otra actividad para desconectar?
También tengo otra banda llamada Karg. Pero, en general, lo que más me gusta y lo que siempre me ha gustado es escribir letras. Creo que eso me acompañará hasta el final.
Mirando la discografía de Harakiri for the Sky, se percibe una clara evolución. ¿Hay algún álbum o periodo que consideres especialmente decisivo?
Cada álbum fue un paso importante. El periodo entre Aokigahara y III: Trauma fue clave porque ahí todo empezó a crecer y dimos muchos más conciertos.
A nivel lírico, creo que di un gran paso de III: Trauma a Arson. Empecé a escribir de una manera más poética, trabajando más con metáforas.
Pero, en general, tanto musical como líricamente, creo que Mӕre fue el paso más grande. Lo extraño es que escribí un álbum sobre una ruptura que todavía no había ocurrido. Sucedió después de que el álbum estuviera terminado. Todo pasó exactamente como lo había escrito, casi como una premonición. Por eso ese disco ocupa un lugar muy especial en mi corazón.
Dentro del black metal moderno, la banda ha construido una identidad muy distintiva. ¿Cómo vivís esa tensión entre respetar las raíces del género y traspasar sus límites?
Es muy fácil responder a eso: simplemente hacemos lo que nos gusta. Si un riff suena bien y encaja, lo usamos. No pensamos demasiado en las críticas.
Estamos abiertos a todas las influencias: indie, grunge, post metal. Matthias tiene raíces en el death metal melódico, como In Flames, luego vinieron bandas como Insomnium, Katatonia, más tarde Deftones o Alcest. Mezcla todo lo que escucha y el resultado es una canción de Harakiri for the Sky.
Creo que esa es la razón por la que nunca hemos hecho dos álbumes iguales. Siempre seguimos adelante.
¿En qué dirección podría ir el nuevo material? ¿Qué estás escuchando ahora?
Escucho una mezcla enorme de cosas nuevas y antiguas. Me gusta mucho el nuevo disco de Walg, de Suiza. Tambien el ultimo de Agriculture. También escuché bastante Danzig, Dinosaur Jr., el nuevo Converge. 2025 fue un año increíble en cuanto a lanzamientos.
Me gustan mucho Yellow Eyes, una banda bastante abstracta de Nueva York, y Heretoir, de Alemania, que tocarán con nosotros en algunas fechas. Y una de mis bandas favoritas es Off the Wand & the Moon, de Dinamarca, muy minimalista y triste.
¿Te dejas llevar cuando escribes o piensas mucho la estructura?
Me dejo llevar completamente. No pienso demasiado en cómo debe empezar o terminar una canción. Eso viene con el proceso. No sigo reglas del tipo “si empieza suave debe terminar pesado”. Simplemente surge.
Hoy en día parece cada vez más difícil girar y mantener una banda. ¿Qué retos afrontas?
Desde la pandemia todo es más complicado. Antes la gente estaba más interesada en ir a conciertos. Ahora las preventas son fundamentales porque necesitas saber si es seguro hacer un show.
Todo es más caro, pero la gente no quiere pagar más por la música. Los costes suben, pero los ingresos para las bandas siguen siendo los mismos. Si no tienes una gran agencia, es casi imposible hacer giras grandes.
En Europa funciona relativamente bien, pero en Estados Unidos es casi como unas vacaciones muy caras. Es un sueño tocar allí, pero vuelves con menos dinero del que llevaste. Cuando tienes veinte años es una aventura; cuando tienes familia, lo piensas dos veces.
Aun así, seguimos siendo afortunados. Hemos tocado en países como Armenia, Kazajistán o Kirguistán. Nunca imaginé visitar esos lugares, y mucho menos tocar allí.
En directo, la intensidad emocional es muy visible. ¿Qué querés provocar en el público?
Cada concierto es diferente. Yo me meto completamente en las canciones y a veces ni siquiera interactúo mucho con el público. Las letras son tan personales que cuando las canto vuelvo a sentir lo que sentía al escribirlas.
No todos los conciertos tienen la misma intensidad, porque no todos los días eres la misma persona. Pero siempre intentamos dar lo mejor.
Pronto tocaran en España. ¿Qué recuerdos tenéis del público español?
Sí, siento una conexión especial. Los españoles y los latinoamericanos tienen una mentalidad muy abierta y apasionada. Cuando tocamos allí sentimos que realmente aprecian que estemos, que no somos simplemente otra banda más.
En Estados Unidos puedes ser una entre mil bandas tocando cada noche. En el sur de Europa o en Sudamérica se siente diferente, como algo especial. Y eso es muy bonito.
Robert Bartleh Cummings, más conocido por todo el mundo como Rob Zombie, es un músico excéntrico que ha alcanzado el éxito no sólo dentro de los confines de la música sino como director de cine clase B. Ambas facetas artísticas se encuentran estrechamente relacionadas, orientándose siempre al terror y horror, que se ha manifestado a través de sus continuos films y discos.
El staff de Track To Hell se permitió un tiempo para escuchar y analizar su última y más reciente obra, The Great Satan, producido bajo la firma del sello Nuclear Blast Records. Aquí, nuestras sensaciones.
Un artista que llegó en mi temprana adolescencia y que fue artífice de mi gusto por el metal industrial. Música que me hacía sentir el terror con las mismas sensaciones que una película, algo nunca antes experimentado en mi corta vida. La potencia de sus shows en vivo, su carisma, la estética, lo contagioso de sus canciones. Creo que Rob Zombie es de los pocos artistas que han sabido mantener una carrera dentro de todo pareja, ¿no? Algunos discos mejores que otros, seguro, pero no es que haya tenido periodos realmente malos. The Great Satan viene a romper con esa regla. Si, una lástima, pero no hay forma.
4 o 5 escuchas en el día, como tratando de analizarlo con un nivel de detalle que ni siquiera amerita para un disco de Rob Zombie, como si insistiera con la forma de rescatarlo de alguna manera. No puedo decir que es un disco de esos inescuchables, porque su música ya de por si es mínimamente satisfactoria al oído, pero lejos, lejísimos, del nivel incluso de su disco anterior. Si tuviera que resumirlo de alguna forma… mmmm… pareciera que agarró los sobrantes de sus últimos 3 discos, los juntó, los editó y salió The Great Satan. Algunos buenos temas como “Tarantula” pero después no mucho más. Y no es un artista que ya venga quemado de hace rato, porque reitero, su anterior obra The Lunar Injection Kool Aid Eclipse Conspiracy (2021) es realmente muy buena. Bueno, también rescato la portada. Excelente. En lo estético jamás decepciona. Para mi olvidable, pero estoy seguro que para otros será un gran disco.
Rob Zombie anunciando nuevo disco es algo que personalmente no me mueve mucho la aguja: de la misma manera que con su carrera como director de cine, Roberto viene hace muchos años manejándose con el piloto automático de la mediocridad. Así que imaginen mi sorpresa cuando decidí, tras varias escuchas, que The Great Satan bien podría ser de lo mejor que Zombie haya sacado en un largo tiempo.
Este octavo álbum arrastra el problema de la proliferación de canciones diminutas de relleno que parecen excusas para usar un sample de una película de hace 60 años que tenía tirada por ahí, pero al menos se siente más sustancioso: los adelantos “Punks and Demons”, “Heathen Days” y “(I’m A) Rock ‘n’ Roller” estuvieron muy bien elegidos, y otras canciones como “Sir Lord Acid Wolfman” y “F.T.W. 84” son genuinamente entretenidas. El regreso de Mike Riggs y Blasko parece haberle devuelto algo de energía a la banda, simplemente por el hecho de que los riffs sean mejores y las canciones estén mejor estructuradas. Así que un aplauso, sin levantarse de la butaca, a Rob y compañía: nos vemos en cuatro o cinco años a ver si esto se vuelve una racha.
Un regreso a las raíces para el viejo Rob. Este The Great Satan se emparenta bastante más con su debut solista, Hellbilly Deluxe, que con sus últimos lanzamientos. Quizás el regreso de antiguos miembros como Mike Riggs en guitarras y de Blasko (sí, el mismo de Ozzy) en bajo, tenga algo que ver con esto.
La fórmula ya la conocemos, es la que lo llevó a la fama. Imágenes retorcidas, monstruos, serial killers, personajes deformes y algunas puteadas que integran las letras e ilustraciones; siempre en la estética que ha consagrado al músico y cineasta. Como es de esperarse, hay samples de películas, un tono industrial y algún interludio sonoro que suman a formar esa atmósfera tan particular. Canciones como “Tarántula” o “Punks and Demons” bien podrían integrar sus primeros álbumes, o incluso el consagratorio Astro-Creep: 2000. Me gustó especialmente la pesada “The Devilman” donde la banda baja un cambio y ofrece el pasaje más oscuro de la placa.
The Great Satan no intenta inventar nada, sino poner en valor una receta por demás probada, con todos sus ingredientes en la medida justa. Aquella que allá por fines de los años ´90s contribuyó a forjar el inconfundible estilo de Rob Zombie. Si, como yo, habías perdido un poco el contacto con este artista, éste es el álbum ideal para volver a reencontrarte con aquellos sonidos.
El nuevo disco de Rob Zombie mantiene intacta su identidad: 15 canciones cortas, directas y cargadas de esa estética macabra y psicodélica que lo caracteriza. Muchos temas parecen pensados casi como fragmentos cinematográficos, listos para encajar en alguna de sus películas, con estribillos pegadizos y una mezcla constante de sonidos extraños, efectos y guiños al terror serie B.
El álbum no me disgusta; tiene energía, actitud y momentos interesantes. Sin embargo, tampoco logra entusiasmarme del todo. Por momentos da la sensación de que prioriza el impacto inmediato sobre el desarrollo de las canciones, como si cada track buscara funcionar más como cápsula visual que como pieza musical completa.
Me deja un sabor agridulce: disfruto la atmósfera y la coherencia estética, pero echo en falta algún riesgo o sorpresa que realmente me sacuda. Quizás con un par de escuchas más la balanza termine inclinándose con mayor claridad hacia uno de los dos lados.
Saratoga comienza su gira española “En Estado Puro” en Málaga
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Uno de los nombres más importantes en la historia del heavy metal español como son Saratoga, sigue a pleno con su gira 2026 y tras un histórico paso por México, ahora la banda regresa a España para seguir conquistando las ciudades pendientes en esta gira a la cual han bautizado como “En Estado Puro”, donde habrá espacio para diferentes etapas de la banda madrileña.
Como hemos dicho, el show contará con tres actos, nunca antes repetidos, donde podremos escuchar algunos temas de su nuevo disco, clásicos de la banda que no suelen tocar a menudo desde hace años y un fin de fiesta con los mayores himnos que todos conocemos y que coronaran este show tan especial para los chicos.
La primera ciudad española en vivir esta inolvidable fiesta de heavy metal será Málaga y lo hará en la siguiente fecha:
20 de Marzo – Málaga – La Trinchera (+ Estrella Negra)
Awake Consciousness estrena “This is Your Time” con una invitada de lujo
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La banda de metalcore/djent Awake Consciousness ha estrenado el videoclip de su nuevo single “This is Your Time”, donde han contado con la participación especial de Lena Scissorhands, líder y vocalista de Infected Rain, sorprendiendo con un resultado espectacular.
Ira Kero demuestra su potencial como cantante acompañada por una gran base rítmica y encajando de maravilla con la imponente voz de Lena, pudiendo respetar cada una los estilos que tienen.
Lo podéis comprobar a continuación y muy atentos que Awake Consciousness vienen a por todas este 2026!
Los norteamericanos alternativos Sleep Theory son uno de los nombres más destacados dentro de su estilo en este último tiempo y visto el gran recibimiento que tuvieron el año pasado en su primera toma de contacto con el público español acompañando a Falling in Reverse, ahora la banda ha confirmado su debut con gira propia gracias a Route Resurrection.
Así pues, la banda de Memphis pasará por España en la siguiente fecha, donde además, contarán con la participación especial de Astray Valley, quienes liderados por Clau Violette son uno de los combos más destacados dentro del metalcore y el metal moderno nacional.
22 de Junio – Barcelona – Razzmatazz 2 (+ Astray Valley)
Las entradas se podrán conseguir a partir del 27 de febrero AQUÍ.
Los dark metaleros sinfónicos suecos Eleine han confirmado una única fecha en España, durante su próxima gira europea, donde nos deleitarán con su exquisita y contundente mezcla de metal oscuro y sinfónico, acompañado siempre por la excelente voz y presencia escénica de la señorita Madeleine Liljestam.
Las power metaleras niponas Lovebites han anunciado que Outstanding Power, su nuevo disco llegará a las tiendas el próximo 8 de mayo gracias a su flamante fichaje por Napalm Records, casa de bandas tan importantes como Jinjer, Infected Rain o Visions of Atlantis, entre otros.
01 The Castaway 02 Silence The Void 03 Forbidden Thirst 04 Blazing Halo 05 Dream Of King 06 Phoenix Rises Again 07 Out Of Control 08 Wheels On Fire 09 The Eve Of Change 10 Reaper’s Lullaby 11 Eternally 12 One Will Remain
Cannonball traerá dos días de puro rock ‘n’ roll en marzo a la capital danesa
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El festival Cannonball – 2 Days of Raw Rock ‘n’ Roll celebrará su próxima edición los días 6 y 7 de marzo en K.B. Hallen, reuniendo a grandes nombres del rock internacional en un evento que promete máxima intensidad sobre el escenario. Durante dos jornadas consecutivas, el público podrá disfrutar de un cartel potente y variado que combina leyendas y bandas imprescindibles del género.
El evento cuenta además con la colaboración de Radio Mars Rocktalks! y la participación de Harald Nyborg como patrocinador. Las entradas ya están disponibles y pueden adquirirse a través de este enlace: tickets.
Speedfreak pospone su presentación ante ola de violencia
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Debido a la reciente ola de violencia que se ha desatado en México, pero sobre todo en el estado de Jalisco, la popular banda tapatía de speed/black/thrash Speedfreak, ha decidido posponer su presentación de este sábado 28 de febrero, como han dado a conocer en un comunicado en redes.
Organizado por Roadcrew Records, este evento de presentación de su último EP Seed of Evil, contaría con la presentación de las bandas Phantom, Madripper, Azmoth y Agressive Conspiracy en el Anexo Independencia, sin embargo, se ha dado a conocer que la medida tomada por disposiciones oficiales del Gobierno del Estado se levantará una vez pasado un tiempo, por lo que la nueva fecha que se ha dado a concoer ha sido la del 14 de marzo.
Se espera que no haya cambios significativos en la realización del evento, más allá del día, pues el foro y las bandas, siguen en pie hasta el momento.
Miembros de Speedfreak y P4r4sito han reportado sus experiencias de este fin de semana, pues se encontraban de gira en la colindante Ciudad Guzmán del Estado de Jalisco cuando se llevó a cabo el operativo que capturó y fulminó al máximo capo del CJNG conocido como “El Mencho”, lo que desató la grave ola de violencia que vivió más de la mitad del país durante días pasados y que tuvo precisamente su epicentro en la ciudad de Guadalajara.
Obituary en Buenos Aires: “Tampa siempre estuvo cerca”
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8 años, 2 meses y 20 días transcurrieron desde la anterior visita de Obituarya nuestro país. En aquella ocasión, el venue fue el ya conocido Uniclub, ubicado en el Abasto. 35 años de “Cause of Death“ fueron la excusa perfecta para que vuelvan a visitarnos y, por supuesto, dijimos presente.
Si bien el show inicialmente había sido anunciado para el 19 de febrero de 2025, una mañana de noviembre nos desayunamos con un comunicado por parte de la banda donde informaban que la gira por esta parte del mundo debía posponerse. Tuvimos que prolongar la manija un año más, pero la espera valió totalmente la pena.
La locación inicialmente era el conocidísimo por todos “El Teatrito” de Congreso; pero como comenté más arriba, la ansiedad era tal que se agotaron las localidades y hubo que reubicar a los de Tampa, Florida, a otro barrio porteño; en esta ocasión, pasando al “Teatro Flores”, que tiene amantes y detractores por igual.
Son muchas y diversas las opiniones en cuanto al recinto de Av. Rivadavia y Pergamino: para algunos suena bien dependiendo de la banda; para otros, dependiendo del sonidista; para otros, rara vez suena bien. No quiero dejar de mencionar esto porque los encargados de abrir la noche fueron los muchachos de Morferus, quienes ya se hicieron un nombre en la escena local extrema. No es la primera vez que tienen el placer de abrir para Obituary: ya habían dado el puntapié inicial en 2017. Como es sabido, sus interpretaciones están basadas en asesinos seriales y psicópatas de nuestra historia argentina, como por ejemplo: los hermanos Schoklender, el “Petiso Orejudo”, Barreda y Yiya Murano, entre otros inefables pero interesantes personajes.
Cuando utilizo la palabra “interesantes”, me refiero al hecho de conocer qué los llevó a cometer tales atrocidades; algunos reincidieron y otros no (Barreda y Schoklender). Ver a Morferus en vivo es la interpretación que hacen al contarnos estas historias, a veces en primera, otras en tercera persona, pero siempre desde un lado visceral y crudo como el Death Metal mismo. Después de todo, el género se trata de eso, ¿o no?
Si hay algo que siempre me llamó la atención es por qué las bandas soporte, en el 90% de los casos, siempre suenan por debajo del nivel estipulado, ya sea en cuanto a volumen o en calidad de sonido. No sé de qué o de quiénes depende esto que destaco, pero es algo que pasa desde siempre, sin importar dónde sea la fecha. Dicho esto, desde mi punto de vista, la ejecución de Morferus fue directa y al hueso como las historias que cuentan en sus letras; se los nota una banda muy ajustada y con mucho ensayo. Destaco el hecho de que Leandro haya llamado a su padre para interpretar juntos una canción: dos generaciones de amantes del Heavy Metal en el mismo escenario; pasado, presente y futuro. Morferus fue una muy buena elección para dejar al público expectante por el plato principal.
Entre charla va y bebida viene, pasaron casi cuarenta minutos para que las luces se apagaran, el telón rojo sangre del Teatro Flores se abriera y pudiéramos ver a Terry Butler en bajo, Trevor Peres y Kenny Andrews en guitarras, y al grandísimo Donald Tardy con pantalones que simulaban ser la bandera de Estados Unidos, tal como usa Apollo Creed en Rocky III. Salieron en formato cuarteto para interpretar el ya conocido instrumental “Redneck Stomp”, de su disco “Frozen in Time“ de 2005, intro que se repite hace muchísimos años en sus vivos.
Desde el primer machaque y golpe de tacho el sonido fue demoledor, cosa que se mantuvo toda la velada. La siguiente canción sí haría que aparezca y se ovacione a John Tardy, siendo esta “Sentence Day”, seguida de “A Lesson in Vengeance”, ambas del disco homónimo de 2017. Junto con las mencionadas anteriormente sumaron “The Wrong Time”, única elegida de su más reciente lanzamiento que data del 2023, titulado “Dying of Everything“.
El ida y vuelta entre “los de abajo” y “los de arriba” de las tablas era contagioso canción tras canción; a los cinco músicos se los notaba cómodos y felices de haber vuelto por estos pagos. Leer la palabra “felices” en una reseña de un show de una banda de este estilo debe ser medio raro, lo sé, pero los que estuvieron ahí no me dejan mentir: las expresiones en sus caras eran de felicidad al ver que seguimos tarareando y cantando los riffs y los solos.
El 19 de septiembre de 1990 ve la luz en las bateas de EE. UU. el disco que está cumpliendo 35 años: “Cause of Death“, el segundo disco de los norteamericanos. “Slowly We Rot” había sido un debut excelente, pero el cumpleañero en cuestión reafirmó el sonido denso, bien riffero y que iba muy en serio. Podría dividir el set en tres partes: la primera mencionada anteriormente y la segunda haciendo casi todos los temas del disco vinieron a festejar. Digo casi porque, por algún motivo que desconozco, omitieron “Find the Arise” y “Memories Remain”, pero no fue excusa para dejar de disfrutar los clásicos que queríamos volver a escuchar. Tal como en el larga duración, hicieron en orden “Infected” y “Body Bag”, para después desordenar un poco la lista y continuar con la canción título y el cover de Celtic Frost, “Circle of the Tyrants”, que en manos de Obituary suena en una versión muchísimo más pesada. Esta segunda parte del set culminó con los aclamadísimos “Chopped in Half” y “Turned Inside Out”. Repito: era tal la felicidad con la que se los veía que, en un momento, el dueño de los parches, Donald Tardy, sacó un cocodrilo inflable y lo tiró al público buscando la complicidad y las risas de los presentes.
El parate no llegó ni a cinco minutos para que volvieran a calzarse sus respectivos instrumentos y darle un cierre a esta gloriosa noche con dos clasicazos como son “I’m in Pain”, de “The End Complete”, y el esperadísimo “Slowly We Rot”.
Espero que no tengamos que esperar casi una década para volver a disfrutar de estos históricos del Death Metal; tanto ellos como nosotros nos dimos cuenta de que la comunión banda-público sigue intacta.
Hay una leyenda en Turín que dice que el Diablo construyó un puente en una sola noche, y que todavía hoy puede verse su huella de casco en la piedra, cerca de la capilla del lugar. Que una banda italiana haya elegido ese nombre —Ponte del Diavolo, el Puente del Diablo— no es casualidad. Es una declaración de intenciones: oscuridad con historia, maldad con raíces.
Con De Venom Natura, su segundo álbum, estos turinenses no solo confirman el impacto de su debut Fire Blades from the Tomb (2024) sino que lo superan con creces. Cuarenta minutos de veneno bien destilado, editado nuevamente por Season of Mist, que demuestran que la escena italiana de metal extremo sigue siendo una cantera inagotable de propuestas inclasificables.
Lo primero que golpea es la arquitectura sónica. Ponte del Diavolo opera con una base de dos bajistas —Abro y Krato— cuya combinación crea un low-end que no solo se escucha: se siente en el pecho. Uno trabaja con púa, vibrante y rítmico; el otro a dedo, hipnótico y subterráneo. Sobre esa cimentación, la guitarra de Nerium no busca la virtuosidad sino la obsesión: riffs en tremolo que queman como brasas, acordes que atacan con la urgencia del post-punk más oscuro, todo teñido de un tono ocre y ocultista que recuerda al Killing Joke más salvaje o al Nick Cave de los primeros Bad Seeds. La batería de Segale Cornuta completa el cuadro desde un enfoque casi experimental: construye hipnosis, rompe con golpes sincopados, y cuando la canción lo exige, se lanza de lleno al groove punk sin pensarlo dos veces.
Pero el corazón de la banda es Erba del Diavolo. Su voz de contralto funciona como el hilo conductor de un ritual: en “Every Tongue Has Its Thorns” invoca con la frialdad de un exorcismo mientras los blast-beats y el trémolo incendian los altavoces; en “Lunga Vita Alla Necrosi” —larga vida a la necrosis, gentileza del título— convierte el riff en una maldición cantada en italiano que suena exactamente como debería sonar la música de un film de terror italiano de los 70. Esa referencia no es exagerada: hay algo de Dario Argento en el ADN de este disco, una psicodelia oscura que te hace caminar por un bosque de noche sintiendo que algo te sigue.
El álbum incorpora invitados que no son mero adorno. El trombón de Francesco Bucci en “Spirit, Blood, Poison, Ferment!” abre una dimensión nueva —más sucia, más de brass band infernal—, mientras el clarinete bajo de Vittorio Sabelli y el theremin de Sergio Bertani aportan capas de extrañeza que ubican a la banda en un territorio avant-garde que no necesita etiquetas modernas para existir. Todo el diseño sonoro, a cargo del ingeniero Danilo Bartocchio, logra que semejante densidad instrumental no colapse en barro: cada elemento respira.
El punto de mayor consenso entre los que escucharon el disco —y también el más debatido— es “Delta-9 (161)”. El título ya adelanta algo: Δ9 C21H30O2 es la fórmula química del THC. La canción avanza con una lentitud casi agónica, la voz repite su mantra con la cadencia monocorde de un anuncio de metro, y el clarinete bajo deambula como fantasma de una película muda de vanguardia. Es la pieza más arriesgada del álbum y también la más divisiva: demasiado extensa para lo que propone en su primera mitad, aunque su segunda parte, cuando el doom pesado finalmente explota, justifica en parte la espera. Es el único momento donde el hechizo que el disco teje tan cuidadosamente se interrumpe, aunque no se rompe del todo.
El resto del recorrido sostiene el nivel. “Silence Walk With Me” presenta como invitado a Gionata Potenti —conocido como Omega, de Nubivagant y Frostmoon Eclipse—, cuya voz cambia la temperatura de la canción de manera quirúrgica, mientras Erba responde con un registro que roza el growl. El cierre con “In the Flat Field” —guiño sin duda consciente a Bauhaus— trae acentos casi pop-rock que, lejos de desentonar, demuestran la seguridad de una banda que ya no necesita demostrar nada.
De Venom Natura es un disco de personalidad desbordante en tiempos de copias y referencias vacías. Ponte del Diavolo no inventó la mezcla de black metal con doom y post-punk, pero la ejecutan como si fuera propia, con la convicción de quienes genuinamente creen en lo que hacen. Si el primer álbum sembró la semilla, este la hace florecer en algo que huele a peligro, a oscuridad húmeda y a veneno de la buena.
Powerwolf en Copenhague: “La Noche en que el Lobo Reinó en Dinamarca”
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Un movimiento que volvió a tomar mucha fuerza a fines de los 2010 y principios de esta década fue el Power Metal. Bandas clásicas del género retomaron impulso y se encuentran en buen estado de salud, mientras otras más modernas aumentaron su convocatoria significativamente. También surgieron muchas nuevas bandas que apuntan a este estilo.
El punto común de estos tres casos es que priorizan las presentaciones en vivo y la diversión. Las canciones escuchadas en disco muchas veces dicen poco o no alcanzan el mismo nivel que en directo. La mayoría compone música para que sus conciertos se transformen en una horda de metaleros disfrazados, saltando y pogueando como si vivieran en la Tierra Media.
Una de las bandas más convocantes del género actualmente es Powerwolf, quienes siguen girando con un extenso tour llamado “Wake Up the Wicked Tour”. Esta gira cuenta con los veteranos HammerFall como invitados muy especiales y con los enanos de Wind Rose como banda invitada.
Los enanos abrieron la noche contando solo con un nivel de escenario, mientras que el resto de las bandas dispuso de dos pisos en escena. Sin embargo, esto no limitó la escenografía. Un juego de luces efectivo, piedras ficticias y los atuendos de los músicos fueron suficientes para sumergir a todos en una mina de fantasía.
El sonido empezó desparejo, con mucho grave y poca presencia de agudos. Luego se balanceó y mejoró bastante, permitiendo escuchar bien los instrumentos y los coros vocales.
El fuerte del show fue la diversión, cultivada por dos medios. El primero fue la energía de los músicos: todo el tiempo se movían, saltaban o hacían gestos para levantar a la gente, que —vale decir— se prendió en todas las acciones propuestas por la banda, desde saltar hasta simular que excavaban en una mina.
El segundo medio fueron las canciones. Están pensadas para que el público salte a su ritmo y cante sus letras. Esto se logra con ritmos sencillos, melodías vocales muy marcadas y estribillos de pocas palabras. Si bien funciona en vivo, hace que los discos no me resulten tan interesantes. A mi parecer, sacrifican parte de su costado musical para darle más importancia a la fiesta en sus conciertos. Evidentemente les funciona, porque cada vez convocan más, pero en lo personal, la música va primero.
El show terminó con una outro de música tecno y los músicos saludando mientras el público bailaba.
Llegó la hora de HammerFall, quienes contaron con otro nivel en escena y lo aprovecharon desde el inicio. Con el vocalista Joacim Cans en las alturas y cubierto de humo, dieron el puntapié inicial con “Avenge the Fallen” y, pegada, la rápida “Heeding the Call”.
El sonido fue excelente desde el principio: una batería sólida y potente como base, un bajo presente pero sin excederse y guitarras que brillaban en todo momento. La voz, por encima en la mezcla, fue clara y precisa.
La ejecución fue impecable. Se nota que es una banda con muchos años de trayectoria. No fallaron en ningún momento y se los veía muy compenetrados con el show. Sabían cuándo hacer una pausa o alargar un tema para generar un momento con el público.
La interacción fue fundamental y jugaron con la audiencia de maneras divertidas e ingeniosas. Antes de “Hammer High”, por ejemplo, hicieron que la gente imaginara que tenía un martillo en su puño izquierdo, lo alzara y “martillara” en el estribillo. O en “Let the Hammer Fall”, donde bromearon con el nombre del grupo e hicieron que el público coreara el mismo.
El final llegó con el hit del grupo, “Hearts on Fire”, donde el vocalista bajó a cantar el estribillo en el vallado. Tras esto, la banda saludó y prometió volver pronto. HammerFall demostró que no es necesario dejar de lado la música para convertir el recinto en una fiesta metalera.
Un gran telón con el logo de la banda principal cubrió todo el escenario y las pantallas laterales comenzaron a funcionar. El telón cayó y el vocalista Attila Dorn pedía al público que gritara mientras la plataforma en la que se encontraba descendía. Al llegar al piso, dieron inicio al show con “Bless ‘Em With the Blade”, continuando con “Armata Strigoi”.
Desde el comienzo se marcaron varias constantes. La primera fue el sonido excelente. Al ser una banda que en vivo no tiene bajista, le dieron todo el peso de los graves a la batería, pero en el nivel correcto, sin tapar las frecuencias más agudas. Las guitarras brillaban, intercambiándose solos y partes rítmicas con gran claridad. El teclado se escuchaba por debajo de las guitarras, algo que se agradece. La voz estaba fuerte, clara y nítida al frente de la mezcla.
La segunda constante fue el público enloquecido y rendido a los pies de la banda. El piso del grandioso K.B. Hallen se transformó en una batalla épica de metaleros pogueando, haciendo crowdsurf y saltando durante todo el show.
La tercera fue la entrega total de los músicos, que daban todo para divertir. Esto estuvo encabezado por el vocalista, pero bien secundado por el tecladista Falk Maria Schlegel, quien cuando no tocaba se iba al frente del escenario a interactuar con el público. En la previa de “Dancing With the Dead”, ambos se pusieron a bailar vals e invitaron a la audiencia a imitarlos.
La escenografía también fue impactante, con el escenario ambientado como un castillo y una pantalla enorme de fondo proyectando videos del lobo —mascota del grupo— caracterizado según la temática de cada canción. Por supuesto, hubo máquinas de humo y un juego de luces imponente.
Honestamente, tuve que ser muy quisquilloso para encontrar puntos negativos. Uno podría ser que las canciones son muy similares entre sí, siempre apuntando al estribillo glorioso y al gancho fácil. El otro es la falta de dinamismo estructural: terminaba una canción, había un espacio para interactuar con el público e introducir la siguiente, comenzaba el tema, y así sucesivamente. Quizás tocar dos canciones seguidas hubiera aportado más fluidez. Sin embargo, es un detalle menor.
El cierre de la primera tanda llegó con la súper festejada “We Drink Your Blood”. Pero aún hubo espacio para un último aullido en los bises, gracias a “Sanctified with Dynamite”, “Blood for Blood” y “Werewolf of Armenia”, donde el público dio el último grito de la noche.
Tras terminar, los músicos se quedaron saludando un buen rato y se retiraron con un excelente inicio de tour bajo el brazo.
El Power Metal volvió a tomar fuerza y a captar nuevas generaciones, gracias a su fuerte enfoque en la diversión y la fantasía. Si bien a veces sacrifican parte de la profundidad musical, logran un cometido nada menor: entretener, hacer feliz a la gente y devolverle al metal una cuota de alegría que muchos sentían perdida.
Doom City Fest: “No podemos garantizar boletos en taquilla”
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A través de un comunicado por parte de Román Tamayo (Vinnum Sabbathi), uno de los organizadores del Doom City Fest en la Ciudad de México, ha informado que debido a la alta demanda en preventa, el festival a realizarse este sábado 28 de febrero en el Foro Sangriento, podría no contar con boletos físico en taquilla ese mismo día.
En pasadas publicaciones ya se había anunciado que el festival se encontraba a un 80% vendido.
La cuarta edición de este festival que contará con la presencia de bandas referenciales para el doom/sludge/stoner mundial, como Yob, Pelican, Primitive Man o Mephistófeles y que al juzgar por estos anuncios, va por un excelente camino.
Con el resto del cartel formado por las bandas nacionales Terror Cósmico, Apocalipsis, Cotton Mouth, Occultum y Jaspe, aún es posible encontrar boletos disponibles a través de la boletera Passline, mismos que tienen un costo de $1600.
Tom Morello desembarca en Buenos Aires con su Electric Full Band Show
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Tom Morello, el guitarrista de Rage Against the Machine y Audioslave se presenta el 11 de marzo en Deseo. Una sola noche para vivir en primera persona a uno de los tipos que cambió para siempre la historia de la guitarra eléctrica.
Hay guitarristas que tocan bien. Hay guitarristas que tocan muy bien. Y después está Tom Morello, que directamente redefinió lo que se puede hacer con seis cuerdas, un pedal de efectos y una rabia contenida que no conoce límites. Y resulta que toda esa energía viene a Buenos Aires.
El músico estadounidense confirmó su regreso a la Argentina para presentar su Electric Full Band Show, y la cita es el próximo miércoles 11 de marzo en Deseo (Chorroarín 1040, CABA). Una fecha única, en un espacio que combina lo industrial con lo artístico, y que promete ser el escenario ideal para lo que Morello tiene para dar: intensidad a full, distorsión en estado puro y un recorrido por los momentos más emblemáticos de una carrera que ya forma parte de la historia del rock y el metal.
Su forma de tocar es inconfundible: técnicas no convencionales, uso creativo de los efectos, scratching con la guitarra, solos que suenan a otra dimensión. No es casualidad que Rolling Stone lo haya ubicado en el puesto N.º 18 de los “100 guitarristas más grandes de todos los tiempos”. Y como si eso fuera poco, tiene su lugar en el Rock & Roll Hall of Fame y en el Heavy Metal Hall of Fame. Dos salones de la fama. Uno solo alcanzaría para cualquier otro.
Para este show en Buenos Aires, Morello promete un repaso por material solista y los clásicos de sus bandas más icónicas. Pensar en esa setlist es pensar en canciones que marcaron a toda una generación: Killing in the Name, Bulls on Parade, Like a Stone, Ghost Town on the Highway… la lista podría seguir varias líneas más.
El show se desarrollará en Deseo, un espacio que en los últimos años se consolidó como uno de los lugares de referencia para el rock en la ciudad. La propuesta es íntima comparada con un estadio, lo que convierte esta noche en algo especial: Morello a distancia corta, con todo su power y sin red.
Las entradas están disponibles a través de Enigma Tickets. Dado que es fecha única y el nombre en cuestión es Tom Morello, no hay que darle muchas vueltas al asunto.
De manera sorpresiva (o no, visto la controversia en Londres que derivó en la cancelación de su fecha en la capital Británica), la gira que el vocalista norteamericano Michale Graves, conocido por todos gracias a su excelente (aunque os pese a muchos) labor al frente de The Misfits a finales de los noventa y que iba a volver a presentar en España ha sido cancelada de forma unilateral.
El comunicado tan claro como escaso acerca de esta decisión dice lo siguiente:
“…Informamos de la cancelación de las fechas programadas en España del tour Sticks and Stones de Michale Graves. El importe de las entradas será devuelto automáticamente a través del mismo medio por el que se adquirieron….”
Las fechas y ciudades afectadas han sido:
Poco más podemos decir al respecto, como podéis ver y veremos si el músico decide retomar la gira europea en algún momento.
Beyond Creation estrena el videoclip de “Reverence”
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Los death metaleros técnicos y progresivos canadieneses, Beyond Creation han estrenado el videoclip para el tema “Reverence”, el cual supone la primera canción nueva de la banda en siete años, para alegría de sus seguidores y de los amantes del metal extremo y técnico en general.
Desde las sombras de Londres nace Stygian Invocation
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El circuito extremo del Reino Unido suma una nueva cita a su calendario con el anuncio de la primera edición del Stygian Invocation, un festival dedicado al black y death metal que tendrá lugar los días 28 y 29 de noviembre en The Underworld, Londres. La noticia se dio a conocer el domingo 22 de febrero, cuando la organización reveló la primera tanda de bandas que formarán parte de este nuevo encuentro que apunta directamente al corazón del underground más oscuro.
Entre los primeros nombres confirmados para Stygian Invocation se encuentra Adorior, una de las bandas más respetadas del black/death británico, conocida por su sonido crudo, blasfemo y directo, que mantiene intacta la esencia primitiva del género desde los años noventa. También se suma Bloody Vengeance, quienes ofrecerán una fecha exclusiva en el Reino Unido, llevando su black/death metal de corte sudamericano, caracterizado por riffs afilados y una ejecución feroz. A ellos se une Death Worship, igualmente con show exclusivo en suelo británico, proyecto canadiense que rinde culto al black metal más ortodoxo, con composiciones intensas y una estética absolutamente fiel a la tradición. Completa esta primera tanda nada menos que Blasphemy, auténticas leyendas del war metal, que también actuarán en fecha exclusiva en el Reino Unido, prometiendo una descarga caótica y devastadora que conecta directamente con las raíces más extremas del género.
La organización ya adelantó que la próxima tanda de bandas será anunciada el miércoles 25 de febrero, por lo que conviene mantenerse atento a las novedades. Tuve la oportunidad de conversar brevemente con Eduardo, uno de los impulsores de este nuevo festival y también parte del equipo detrás de Winds Of Agony en España. Comentó que su intención es comenzar a desarrollar más proyectos en el Reino Unido, un país donde la escena del black y death metal no deja de crecer y donde las bandas emergentes del under demuestran un nivel cada vez más alto. La expectativa en torno a Stygian Invocation es evidente: estamos ante el nacimiento de un festival que promete convertirse en un punto de referencia para los seguidores del metal extremo en Londres. Por el momento no se han anunciado detalles sobre la venta de entradas, pero mantendremos la información actualizada en cuanto haya novedades.
Alter Bridge vuelve a Glasgow tras tres años de ausencia
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La banda de rock de Orlando Alter Bridge regresará a Glasgow por primera vez en tres años el próximo 2 de marzo en el OVO Hydro, como parte de su nueva gira “What Lies Within”. El cuarteto lanzó recientemente su nuevo álbum homónimo, “Alter Bridge”, y lo llevará de gira por arenas de Reino Unido y Europa.
El cartel de apoyo viene cargado de peso, con las leyendas del nu metal de los 2000 Sevendust y la banda de rock nostálgico también surgida en los 2000 Daughtry como artistas invitados. Los fans del hard rock están ante una cita imperdible.
Las tres bandas se mantienen firmes desde principios de los 2000 y, pese a contar con más de 20 años de trayectoria, queda claro que el paso del tiempo no ha frenado su energía. Las entradas ya están a la venta, así que si te apetece una noche de buen hard rock, no tardes en conseguir la tuya.
Bleed From Within vuelve a casa para otra conquista total
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Los titanes escoceses del metalcore Bleed From Within anuncian una segunda tanda de fechas tras el rotundo éxito de su última gira por Reino Unido. Después de agotar dos noches en el Barrowland Ballroom de Glasgow, los escoceses regresan ahora con dos conciertos también con entradas agotadas en el Liquid Rooms de Edimburgo los días 1 y 2 de marzo.
Estarán acompañados por la potente banda estadounidense de deathcore Disembodied Tyrant, que realizará su debut en Escocia, así como por el grupo danés de death metal BAEST, que regresa por primera vez desde 2024.
Convertidos ya en una de las bandas más reconocibles surgidas de la escena metal escocesa, la demanda de más fechas en su tierra ha provocado no solo estos dos conciertos en Edimburgo, sino también una mejora de recinto en Aberdeen.
Ambas fechas en Edimburgo se agotaron de inmediato, lo que hace casi seguro que estos shows serán una experiencia inolvidable.
Valor Interior emociona a raudales con “Psalm 73.26”
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La banda argentina de post hardcore y metalcore melódico, Valor Interior acaba de estrenar “Psalm 73.26”, una hermosa nueva pieza cuyo título es una clara alusión al pasaje de la biblia que reza: “My Carne y Mi Corazón desfallecen; Más la roca de mi corazón y Mi porción es Dios para Siempre“.
Los chicos siguen emocionando al oyente con su mensaje alentador y lleno de fe en este medio tiempo, el cual tiene un ritmo in crecendo lleno de intensidad y que supone una luz en el mundo oscuro que nos toca vivir a diario.
Terror lanza el tema que da título a su próximo disco
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Los combativos y contundentes Terror han anunciado que su nuevo disco Still Suffer, llegará a las tiendas el próximo 24 de abril a través de Flatspot Records y del cual acaban de lanzar el videoclip para el corte que da título al mismo.
Los power metaleros modernos Kamelot han anunciado su gira europea para 2026, donde nos deleitaran con su poderoso directo y contarán con unos invitados de lujo.
La gira es una de las más ambiciosas y potentes que ha propuesto la banda hasta la fecha y en el tramo europeo, contará con la presencia nada más y nada menos que de Exit Eden, quienes por primera vez pisarán nuestro país para deleitarnos con sus espectaculares covers en manos de tres grandes cantantes como son Clementine Delauney (Visions of Atlantis), Marina La Torraca (Battle Beast) y Anna Brunner (League of Distortion), mientras que Temperance, serán los encargados de abrir la gira y ponerle la guinda a este imponente cartel.
Gracias a Eclipse Group, podremos disfrutar de uno de los eventos metaleros del año en las siguientes fechas:
21 de Noviembre – Barcelona – Razzmatazz (+ Exit Eden + Temperance)
22 de Noviembre – Madrid – La Riviera (+ Exit Eden + Temperance)
Las entradas ya se pueden conseguir AQUÍ y si las queréis en formato físico de coleccionista, debéis pasar por Discos Pentagram (Barcelona) y Escridiscos (Madrid).
Agenda DK – Karnivool en Copenhague Amager Bio 14/4
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Agenda DK – Machine Head en Copenhague, Vega 11/04
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Agenda DK – Poppy en Copenhague, VEGA 5/4
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Agenda DK – Hypocrisy en Amager Bio, Copenhague 3/4
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Agenda DK – Cannonball Dia 2 en K.B. Hallen 07/03/2026
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Agenda DK – Cannonball 2026 Dia 1 K.B. Hallen 6/03/2026
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Amaranthe en Argentina: Un metal moderno de vieja escuela
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De la mano de ICARUS MUSIC, el viernes 24 de abril de 2026 tendrá lugar la tercera presentación de los suecos de AMARANTHE en tierras argentinas en El Teatrito (Sarmiento 1752, CABA). En dicha presentación compartirán escenario con el power metal sinfónico de VISIONS OF ATLANTIS en un doblete que promete dejar a todos los amantes del metal más que satisfechos.
Con su formación actual, compuesta por Elize Ryd (voz limpia), Olof Mörck (guitarras y también miembro de la banda de power metal DRAGONLAND), Morten Løwe Sørensen (batería), Johan Andreassen (bajo), Nils Molin (voz limpia masculina) y Mikael Sehlin (voz gutural), y en el marco de la presentación de su ultimo larga duración, editado en el mes de febrero de 2024, “The Catalyst”, nos traen su propuesta que combina distintos estilos de metal, como el metalcore y el power metal en sus variantes melódicas, pop, música electrónica, entre otros.
Una de las características más relevantes de estos nórdicos, junto con la imposibilidad de encasillarlos en un género especifico del metal, radica en la utilización de tres cantantes: Elize Ryd y Nils Molin (también cantante de la banda DYNAZTY) en las voces limpias y Mikael Sehlin en la voz gutural, lo que posibilita la generación de distintos ambientes dentro de cada una de las canciones que nos ofrecen.
“The Catalyst”, su último lanzamiento, presenta canciones interesantes tales como la que le da nombre al álbum, con una intro con aires electrónicos y un estribillo moderno, popero y pegadizo; “Damnation Flame”, con otro estribillo potente; y “Resistance”, que pone de relieve esa combinación entre un metal moderno y melódico que caracteriza a los suecos.
Su debut con el disco homónimo, “Amaranthe”, allá por el año 2011, nos ofreció una gran presentación ya que es un álbum completo por donde se lo escuche: adecuado juego con las voces limpias y guturales, excelente base rítmica a lo largo de toda la producción y unas guitarras que oscilan entre riffs clásicos y de new metal.
Entre los temas que merecen destacarse encontramos “Leave Everything Behind”, un verdadero temazo donde destacan las tres voces; “Hunger”; “1.000.000 Light Years”; y “Amaranthine”, un lento/medio tiempo donde deslumbra la belleza de la voz de Elize. Un debut que no puede faltar en la colección de ningún metalero.
En “The Nexus” (2013) encontramos temas como el que abre la placa, “Afterlife”, un tema potente y melódico, a la vez, donde destaca la combinación de las tres voces; “The Nexus”, que no solo le presta su nombre al álbum, sino que también vio la luz para convertirse en un clásico; y “Electroheart”, que te hace vibrar con sus riffs y melodías.
Por su parte, “Massive Addictive”, lanzado en 2014, nos trae uno de los mayores clásicos de la banda “Drop Dead Cynical”, con su estribillo donde predomina la voz de Elize; “Massive Addictive”, con otro estribillo que cuesta dejar de taratearlo después de escucharlo; “Digital World”, otro clásico con todas las virtudes de la banda; y “Exhale”, donde bajan la velocidad para ofrecer una de las líneas más melódicas de la banda.
El lanzamiento de “Maximalism” (2016) nos ofrece “That Song”, con una lejana reminiscencia a Queen; “Fury”, donde predomina la voz gutural para otorgarle furia a un tema pesado de por sí; “Faster”; y “Endlessly”, uno de los lentos más sentidos de la banda y donde la voz de Elize te transporta a distintas sensaciones simultáneas.
En “Helix” (2018) ingresa al comando de las voces limpias masculinas el señor Nils Molin. En la mencionada placa podemos recomendar temas como, por ejemplo, “365”; “Countdown”; el mismo “Helix” que no debería faltar en una presentación en vivo de los suecos; y “Breakthrough Stardust”, con un riff potente y ciertos toques electrónicos.
El álbum previo al que vienen a presentar, “Manifest” del año 2020, cuenta con una joya como “Strong”, donde se luce la invitada Noora Louhimo; y “Crystalline”, uno de los mejores lentos de la discografía de la banda y donde brillan ambas voces limpias.
Luego de este breve repaso discográfico no queda más que decirte que no te pierdas una nueva presentación de los suecos de AMARANTHE en Argentina, en esta oportunidad junto a VISIONS OF ATLANTIS, de la mano de ICARUS MUSIC, quienes nos traen a dos de los mejores exponentes del actual metal europeo en sus variantes moderna y sinfónica.
Nos espera una velada a puro metal. Nos vemos en El Teatrito el viernes 24 de abril de 2026. ¡No faltes!
Con casi tres décadas de trayectoria, los chicos de New Found Glory ya no tienen nada que demostrar a nadie, porque todos los que conocemos su trayectoria hemos sido testigos de como su mezcla de pop punk, sonidos alternativos y una pizca de hardcore melódico, los han convertido en una de las mejores bandas de su generación, con lo cual recibir un disco como Listen Up!, es motivo de celebración y ganas de seguir vibrando con su música.
Pero esto no quita para que con el disco en las manos uno tenga que analizar su contenido de la forma más sincera y coherente posible, ya que hemos sido testigos de como algunos compañeros de escena han tirado su carrera por la borda con discos mediocres y viviendo en la actualidad de sus días dorados (All Time Low sería el ejemplo perfecto de ello).
Sea como sea, los de Coral Springs regresan con su onceavo trabajo de estudio (sin contar sus recopilatorios, acústicos y discos de versiones), tras un lustro para demostrar que en lo suyo siguen siendo de los mejores y lo cierto es que escuchando estas diez nuevas canciones de la banda norteamericana, pocos argumentos hay para contradecirlos.
Algo muy importante y evidente a tener en cuenta escuchando el álbum es que no hay “Hits” definitorios, es decir, no tenemos un “My Friend’s Over You”, no hay una explosión de easycore como en “The Truth of My Youth” y menos aún himnos inmortales de pop punk como “Hit or Miss” o “Forget My Name”, pero a cambio tenemos un disco más que sólido, con algunos temas redondos y otros que mantienen el nivel sin necesidad de brillar ni tampoco ser mero relleno.
Pongamos por ejemplo “100%”, uno de los singles del disco, donde con esas guitarras que tanto han caracterizado a la banda y un Jordan Pundik excelente a las voces, prometen en el estribillo luchar contra las adversidades y entregarnos lo mejor de si mismos, un mensaje alto y claro que afortunadamente con este disco han vuelto a cumplir.
Para los que disfrutaron de Catalyst, NFG nos regala uno de los mejores cortes del disco en “Beer and Blood Stains”, con los coros callejeros de Chad Gilbert y el mismísimo Dan O’Connor de Four Year Strong, pudiendo pasar por un tema de estos últimos sin despeinarse y homenajeando a la escena que también los vio nacer, apoyándolos siempre.
El “Breakdown” es una delicia y remite a finales de los 90 y comienzos del 2000, dejando claro que NFG siempre tuvieron estas raíces, más allá de sumarle melodías infecciosas a las mismas.
Con “You Got This”, tendríamos el puente entre su primera época y su etapa actual, demostrando que los años pasan, pero el sonido de NFG sigue más vivo e intacto que nunca.
En “Dream Boy Again”, destacan por la melodía bonita y nostálgica que rodea al corte, mientras que el cierre final con “Frankenstein’s Monster” , regala otro de los mejores temas del disco y muestra como casi tres décadas después de su álbum debut, New Found Glory siguen siendo capaces de regalarnos grandes canciones y aunque el disco no vaya a darles la popularidad de antaño, si que los mantiene como una banda sólida, honesta y capaz de generar expectación con cada lanzamiento que realizan.
Mítica formación de la New Wave of British Heavy Metal, y del proto thrash/speed metal, que ha tenido una carrera ciertamente rocambolesca, con cambios de nombre en sus inicios, denominándose Blind Fury, después Pariah, para volver a reencarnarse de nuevo como Satan, en el Wacken Open Air del 2004.
Previa a la actuación de estos veteranos afincados en Newcastle, tenemos a los tejanos Hellgrimm, con la batería y chillona vozde Erica R. Missey, y el guitarrista Jerry Connor, dos exmiembros del centenar de músicos que formaron parte de aquel combo imposible e incalificable llamado Green Jelly. Desde su nacimiento en 2018, tras abandonar su anterior proyecto Moonkeysoop, nació en formato de trio Hellgrimm, editado material discográfico casi cada año, su ultimo lanzado este mismo 2026, y titulado Rresurrection, del que cayeron “Murder on my Mind”, “Embrace”, “Dead Superstar”, o las reiterativas “Reign in Terror”, y su single “Dog Trash Must Die”, tema principal del cortometraje post apocalíptico Dog Trash.
También interpretaron piezas de anteriores álbumes como “Jack of All Blades”, o “Sin After Sin” con solo a una sola mano levantando la guitarra en el aire, ambas composiciones de su Ritual de 2022, o la relajada “Dreamon” desde The Hunger (2021). Finalizaron sus cuarenta minutos con una curiosa versión del “Simpathy for the Devil” de los Stones, como con toques funk. Poco acertada teniendo en cuenta la audiencia, y que en algunos de sus discos hay covers de Black Sabbath, o el “Outcast” de Kreator, que es parte del disco homenaje, Agents of Brutality: A Tribute To Kreator.
Esperaba que en vivo mejorara su anodina propuesta, pero no fue así, y a pesar de su buen hacer instrumentalmente hablando, y su buena conexión con el público presente, levantaron más simpatía que otra cosa el power trio de San Antonio, Texas.
La segunda banda del cartel son los locales Wicked Leather, formados en 2023, y que sigue machacando su álbum debut Season of the Witch (2025). Liderados por la imponente vocalista argentina Yamila Martins, y con el bonaerense Michel Regueiro, exThe Evil Dead, Satanic Death, y Nocturnal Evil, al frente de este quinteto que rezuma heavy metal tradicional por cada uno de sus poros, y que también capitanea a los black thrashers, Emissary, junto a sus compañeros en Wicked Leather, Cosmil y Alejandro.
Letras cargadas de oscuridad, rebeldía, brujería, o las novelas y películas de terror, con influencias de bandas como Accept, Savatage, Virgin Steele, Acid, Stormwitch, Venom, o Chastain es visiblemente palpable en sus composiciones. Con un inicio a lo Judas Priest, que luego deriva más hacia unos Helloween en el caso de “Lightning Strike”, uno de los cortes que apareció en su single debut Echoes of the Storm (2024) junto a “Night Hunter”.
Tras repasar por completo Season of the Wicht, finalizaron sus cuarenta y cinco minutos de gran actitud y compenetración, bajo los dictados de un impertérrito Uri Segú a la batería. Enterraron su actuación con “Masquerade of Shadows”, que en su riff inicial recuerda algo al “Slaughterhouse” de Powermad, y un cover de los londinenses Tank, el clásico “Turn Your Head Around”.
Así que bien por esta aguerrida nueva formación barcelonesa, a la que solo le falto algo de voz por parte de Yami para redondear su perversa puesta en escena, que volverá a tener el lujo de acompañar muy pronto a otras leyendas de la NWOBHM, y también de Newcastle, como son los señores de Raven.
Con Satan nos encontramos ante otro hecho paradigmático, al igual que en el caso de los escoceses Heavy Pettin’, u otras bandas británicas con más de cuarenta años de historia que apenas han pisado Barcelona no más de una ocasión en todos estos años, e impensable verlos en un Rock Fest, donde ya sabemos que se repiten indefectiblemente las mismas bandas año tras año. Sus actuaciones más cercanas en el tiempo y el espacio fueron en 2013, encabezando el VI Metal Cova Fest barcelonés, en el Pounding Metal Fest de 2017 en Madrid, o la más reciente en el Pyrinean Warriors Open Air 2024, que se realiza cada septiembre en la Catalunya conquistada y ocupada por los franceses, allá por el 1635.
Y por fin Satan, con el incombustible Brian Ross, que a pesar de la edad sigue manteniendo una muy buena voz, y a su formación clásica al completo, con Russ Tipins y Steve Ramsey a las guitarras, Graeme English al bajo, y Sean Taylor a la batería, al que Ross calificó de héroe durante el show.
El cual se inició con un par de piezas de su primer disco Court in the Act (1983), y en el que siguen basando su repertorio en directo, tras la Intro “Into the Fire”, resuella “Trial by Fire”, y “Blades of Steel”, durante la cual se desprendió de los guantes y la chaqueta negra que llevaba puesta al principio de una actuación, que rompió con la pasividad de una audiencia transformada en entusiasmo y devoción por las viejas composiciones de la banda inglesa, coreando todas y cada una de ellas.
Tras unos minutos de dialogo con unos fans llegados de la ciudad de Newcastle, turno ahora para Earth Eternal (2022) con “Acendency”, y “Burning Portrait” que incluyó un duelo de guitarras a cargo de Russ y Steve. Gritos de Satan, Satan por las doscientas almas que llenan Razzmatazz 3, que interrumpe Ross recordando a la serie de los ochenta Dr. Who para viajar hasta el 1983, y atacar con “Break Free”, con Ross dando el primer trago de Jägermeister, hecho que repetirá de forma constante entre canción y canción.
Tras bromear sobre si Newcastle es realmente Inglaterra, prosiguen con “Sacramental Rites” desde su último disco hasta la fecha, Songs in Crimson (2024), y con una excelente “Devil Infantry”, única extraída de su Atom by Atom (2015). Más coros y palmas para “Twenty Twenty Five”, y la progresiva “Ophidian”, y de ahí pasar al golpeo constante con todas sus fuerzas de Sean en “Turn the Tide”. Un rezo, y un trago de Jägger nos transportan a toda velocidad al Cruel Magic (2018) con la mágica “Into the Mouth of Eternity”, y la personal “Testimony”, desde el Life Sentenced (2013).
Se despidieron con otra clásica, la melancólica “Alone in the Dark”, tras la que esperábamos cayera alguna más, a modo de encore, como bien figuraba en su hoja de setlist pegada en el suelo, que incluía “Siege Mentality” y “Kiss of Death”, pero no fue así, dando así por concluido un directo de unos ochenta y cinco minutos, de los que unos diez o más, se los llevan las peroratas, chistes o anécdotas que se cuenta el bueno de Brian Ross entre tema y tema.
Gran concierto de los ingleses, de los que esperamos no tarden otros trece años en volver por acá, aunque desde la separación del Reino Unido de la CEE, parece que se ha complicado el asunto de los permisos de trabajo para salir de gira para algunos grupos de la isla. En fin, como diría Brian en algún momento de su actuación, Thank you, so burning much.
Roy Khan en Argentina: la voz de un disco clásico y más allá
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De la mano de Icarus Music, el próximo 16 de octubre de 2026 se estará haciendo presente en El Teatrito (Sarmiento 1762, CABA) el señor Roy Khan para deleitar nuestros oídos con canciones que han formado parte de discos clásicos del power metal melódico.
En el marco del tour “The Black Halo and Beyond“, la voz que inmortalizara himnos de una de las épocas más doradas de la discografía de Kamelot pisa suelo argentino por primera vez como solista, para celebrar los clásicos de placas como Karma, Epicay The Black Halo.
Roy Khan nos propone recorrer distintos momentos icónicos de su carrera, tanto de su etapa en Conception como las obras maestras que supieron ver la luz durante la época en que se hizo cargo de los micrófonos de Kamelot.
Una noche repleta de clásicos y una voz que hará que cada uno de ellos inunde tus sentidos. En un recinto que permitirá generar un clima cálido e íntimo, una de las voces que definió el metal melódico promete una noche cargada de joyas melódicas y progresivas que ningún fanático del metal puede dejar pasar.
🎟️ Conseguí tus entradas:
Online a través de Passline
Sin cargos de servicio en icarusmusicstore.com
Presencialmente en Aristóbulo del Valle 104, La Boca — lunes a viernes de 10 a 18 hs.
Iron Maiden presenta su documental Burning Ambition
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La espera ha llegado a su fín y este mediodia se ha revelado la fecha y nombre del nuevo documental que durante el año pasadoIron Maiden prometió. Burning Ambition es el título que da nombre a esta cinta que sera transmitida el próximo 7 de mayo en todos los cines del mundo, producida a través de Universal Studios.
Oficialmente, la banda asegura que:
Con un acceso sin precedentes a los archivos oficiales y recuerdos íntimos de la banda, tanto actuales como pasados, IRON MAIDEN: BURNING AMBITION invita a los fans a vivir uno de los viajes más icónicos de la historia de la música.
A lo largo de cinco décadas, este electrizante documental recorre el ascenso de la banda desde los pubs del este de Londres hasta los estadios más grandes del mundo. Con entrevistas exclusivas con miembros de la banda y colaboradores como Javier Bardem, Lars Ulrich y Chuck D, así como secuencias animadas totalmente nuevas de la legendaria mascota de la banda, Eddie, la película ofrece una mirada rara e íntima a la visión inflexible de Iron Maiden y su conexión inquebrantable con su verdadero ejército global de fans.
España, Argentina, México, USA, UK, Dinamarca y muchos otros paises estan en la lista de estreno. Toda la información relevante al film se puede encontrar aquí.
Los rockeros norteamericanos Nashville Pussy han confirmado una nueva visita a nuestro país, donde nos deleitaran con su enérgico, potente y provocador directo, que no dejará indiferente a nadie.
Chief State revive el punk pop con “April Showers”
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Desde la preciosa (y un poco costosa, para que engañarnos), ciudad de Vancouver los chicos de Chief State han estrenado el videoclip de su último single “April Showers”, donde traen de vuelta el sonido clásico del pop punk heredado de bandas como Simple Plan y Sum 41 y cercano a compañeros más actuales como pueden ser As It Is y State Champs, demostrando que el pop punk aún tiene muchos cartuchos que quemar.
El corte formará parte del nuevo disco de la banda canadiense, que llevará por título Keep Your Friends Closer y saldrá a la venta el próximo 17 de abril bajo el ala de Mutant League Records.
1. No Brakes 2. Resonate 3. April Showers 4. DAMN! 5. Metaphors 6. Can’t Let Go 7. Paranoia 8. Over It 9. Falling 10. Loser 11. Somebody 12. Keep Your Friends Closer
Las leyendas nu metaleras alternativas Limp Bizkit han confirmado el sueño de muchos: Una fecha como cabeza de cartel en Madrid tras casi 15 años sin visitar la capital de España.
Gracias a Route Resurrection, podremos disfrutar de un show completo de la banda liderada por Fred Durst y Wes Borland, pero por si esto fuese poco, estarán acompañados ni más ni menos que por sus compañeros de P.O.D., a quienes hace muchísimos años que no vemos por Madrid, mientras que DeathbyRomy serán los encargados de abrir fuego a esta incendiaria y alternativa velada, la cual tiene todos los números para agotar las entradas en tiempo récord.
La fecha elegida será la siguiente:
1 de Julio – Madrid – Movistar Arena (+ P.O.D. + DeathbyRomy)
Las entradas saldrán a la venta el próximo 26 de febrero a partir de las 11.00 y se podrán conseguir única y exclusivamente AQUÍ.
She Must Burn incendian la escena con “Kingdom Come”
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Los británicos She Must Burn han lanzado el videoclip oficial para su nuevo single “Kingdom Come”, donde hacen gala de su potente y brutal sonido, con claras referencias a bandas como Bleeding Through, Betraying The Martyrs y Whitechapel, destacando el dualidad vocal de Valis Volkova y Kyle Lamb.
Pulley estrena “Torn Apart by Time” y mantiene la esencia de siempre
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Uno de los nombres propios del skate punk y el punk rock melódico como son los californianos Pulley, han vuelto a la escena con “Torn Apart by Time”, donde siguen sonando como siempre y es que si la fórmula funciona bien desde hace más de 30 años, para que cambiar ahora no creen?
Los de Semi Valley, California ya habían estrenado otra nueva canción titulada “Write a Note If You Leave”, que seguramente forme parte de su nuevo disco, pero mientras tanto podéis escucharla AQUÍ.
Formados en 1994, son considerados como uno de los nombres destacados del género junto a pesos pesados como Mad Caddies, Strung Out, No Use For a Name o Lagwagon, entre otros y siguen sonando igual de bien como el primer día.
FM vuelve a Argentina y trae a Marco Mendoza como invitado
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FM, legendaria banda británica de AOR regresa al país para festejar los 40 años de su disco debut, “Indiscreet”. Contarán con la participación especial del icónico bajista Marco Mendoza. El evento será el próximo viernes 6 de marzo de 2026 en el Galpón B de Buenos Aires, a partir de las 19hs.
En medio del tsunami de recitales que tendrá el mes de marzo, aparece una fecha electrizante especialmente dirigida para los amantes del Hard Rock más melódico y clásico. La presentación conjunta de FM junto a Marco Mendoza.
La alineación británica liderada por el vocalista Steve Overland, vuelve a suelo argentino, luego de lo que fue su bautismo de fuego en el país en marzo del 2024. En esta oportunidad, con motivo de conmemoración y celebración por el 40° aniversario de su álbum debut, Indiscreet (1986). Una obra destacada del AOR, que cuenta con grandes clásicos del grupo como “Frozen Heart” y “That Girl”.
La banda interpretará al completo el disco junto con otros éxitos de su catálogo. Actualmente, cuenta en sus filas con los miembros fundadores Merv Goldsworthy en el bajo, Pete Jupp en la batería, y el ya mencionado, Steve Overland a cargo de las voces. Completan la alineación el tecladista Jem Davis y el guitarrista Jim Kirkpatrick.
Por su parte, el evento tendrá como artista invitado al destacado bajista, Marco Mendoza. Con un extenso currículum y legado a sus espaldas que incluye grupos como Thin Lizzy, Whitensake, y The Dead Daisies, el músico estadounidense regresa a Argentina y se suma a la jornada para impregnar su dosis de Hard Rock más potente y eléctrico.
Además de sus mayores éxitos de su carrera solista, Mendoza hará un recorrido rememorando los hits de las distintas bandas por las que pasó.
La noche también contará con la presencia de tres grandes referentes nacionales de gran trayectoria para subir los decibles: Habeas Pornus, Freedomlost y La Paez System.
De esta forma, se completa un encuentro que tendrá sobre el escenario a dos leyendas internacionales de alto calibre.
El show de FM y MARCO MENDOZA será el 6 de marzo de 2026 en Galpón B, situado en el barrio de San Cristobal (Cochabamba 2536), de la Ciudad de Buenos Aires.
Las entradas ya se encuentran a la venta en la página web de Passline. También se pueden adquirir entradas físicas sin cargo por servicio en Icarus Music Store (Aristóbulo del Valle 104, La Boca), de lunes a viernes de 9 a 18 horas.
Una cita obligatoria e imperdible para los fanáticos del género y de los sonidos más eléctricos y directos.
El pasado viernes 20 de febrero, Avernalvolvió a los escenarios y el lugar elegido fue nuestro querido Uniclub, un recinto que, tanto la banda como el público presente, incluyendo fotografos y crónistas conocemos muy bien y que funcionó como el punto de partida ideal para lo que será la etapa de su nuevo disco. En una noche donde el calor todavía se hacía sentir con fuerza en Buenos Aires, el quinteto subió a escena cerca de la medianoche para ofrecer un show de poco más de una hora que fue directo al grano, sin rellenos innecesarios.
La asistencia fue moderada, con una concurrencia de entre 160 y 180 personas. Si bien no fue una multitud, el ambiente resultó sumamente cómodo para los presentes. Lejos de las aglomeraciones asfixiantes, el olor a transpiración y sudor en el cuerpo ajeno, el público pudo disfrutar de una visibilidad perfecta y un espacio que permitió que el pogo y el headbanging pudieran convivir con total libertad. Los que estuvieron, se hicieron sentir durante toda la velada, demostrando que el apoyo a la banda se mantiene intacto.
Lo que más destacó de la noche fue la labor de los músicos. Todos los músicos se mostraron en un nivel técnico altísimo, con una ejecución que no presentó fisuras a lo largo de todo el set. El sonido fue, sencillamente, perfecto. En un género donde a veces la distorsión puede empastar la mezcla, en esta ocasión cada instrumento tuvo su lugar. El sonido de las guitarras sonó exquisito permitiendo apreciar tanto los riffs más pesados como los pasajes rítmicos más gancheros que definen el estilo de la banda.
A Cristian Rodriguez se lo vio cómodo, manejando los tiempos del escenario con oficio y conectando con la gente de manera natural. Su voz se escuchó clara y potente, reafirmando por qué es uno de los frontmans más representativos de la escena extrema nacional. La banda aprovechó la ocasión para probar varias canciones de su última producción llevandose aplausos quedando así demostrando que el nuevo material está a la altura de su legado.
Después de mostrar lo nuevo, llegó el momento de repasar la discografía, un tramo que el público celebró con ganas. La selección de temas permitió ver el recorrido que Avernal viene haciendo hace décadas. Sonaron piezas que remitieron a trabajos fundamentales como el autotitulado debut, Miss Mesías, El Sangrientoy su último gran paso, Tzompantli.
Fue un set equilibrado, no hubo baches ni momentos de distracción; la banda se enfocó en tocar y en demostrar que están en uno de sus mejores momentos en cuanto a ensamble y sonido en vivo.
Uno de los datos más importantes de la noche fue el anuncio de la fecha oficial de presentación del disco. La cita será el 13 de junio en La Trastienda, un escenario que marca un crecimiento en la producción y que promete ser el evento principal de su año. Lo vivido en Uniclub funcionó como el calentamiento perfecto, dejando a todos con la sensación de que lo que se viene será aún más grande.
Avernal cumplió con lo esperado: un show crudo, bien tocado y con la mirada puesta en el futuro. El arranque del 2026 los encuentra en un gran estado de forma, con un disco nuevo bajo el brazo y una agenda que empieza a cargarse de fechas importantes.
Agradecimientos a la producción de Noiseground y a la banda por permitirnos realizar la cobertura del show.
Crowbar en Glasgow: “regreso triunfal con entradas agotadas”
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Texto por Jen Dunbar
La banda estadounidense de sludge metal Crowbar tomó el escenario del Garage en Glasgow, con el apoyo de Legions of Doom y Silverburn, como parte de su gira por Reino Unido e Irlanda.
Antes de este concierto, la banda tenía previsto actuar en un show con entradas agotadas en Cathouse, pero debido a la alta demanda, el evento fue ampliado de sala en dos ocasiones y volvió a colgar el cartel de sold out de inmediato. El cuarteto se formó originalmente en 1990 en Nueva Orleans, Luisiana, con el vocalista y guitarrista Kirk Windstein como el miembro más veterano y constante del grupo.
La banda comenzó su gira por Reino Unido e Irlanda tras el 20º aniversario de su álbum de estudio de 1996, Broken Glass. El tour ha sido un éxito rotundo, con entradas agotadas en Dublín, Belfast, Manchester, Nottingham, Leeds y, por supuesto, la única ciudad escocesa del recorrido: Glasgow. Antes de esta gira como cabezas de cartel, Crowbar acompañó a la banda de grindcore Napalm Death en el SWG3 en marzo de 2025. Ahora, un año después, los de Nueva Orleans regresan para conquistar la escena metal del Reino Unido.
El grupo encargado de abrir la noche tomó por asalto al público del Garage. Se trata del proyecto de post-sludgecore metal Silverburn, fundado por James “Jimbo” Issac, originario del sur de Gales. El proyecto debutó en 2023 con el indudablemente pesado álbum Self Induced Transcendental Annihilation, único larga duración hasta la fecha. Desde el primer riff machacón de “Pain Body (Torn from Aruic Field)”, el público quedó cautivado por la presencia escénica de Issac, moviendo la cabeza al unísono.
Issac, consciente de la energía del público, pidió vítores y aplausos —algo poco habitual en una banda telonera— y recibió a cambio una respuesta atronadora. Un asistente incluso gritó “¡eso fue irreal!” antes de que comenzara la siguiente canción.
Las voces de Issac alternaron entre registros claros y guturales, con gritos fantasmales reforzados por una reverberación etérea que acentuaba el carácter trascendental del repertorio, en contraste perfecto con instrumentales densas y sombrías, especialmente en “Vita Potentia Animus”. La iluminación, en tonos rosa impactante y azul eléctrico, evocaba la estética del álbum debut y completaba la experiencia.
Antes de “Etheric Crush”, Issac comentó sobre el estado crítico del mundo y añadió: “podemos purgar juntos”, provocando el primer mosh pit de la noche. El cierre con F”ormless Atomization of Omniscient Particulate” desató incluso el primer circle pit, dejando al público entusiasmado y con ganas de más.
A continuación, los pesos pesados del doom metal de Illinois, Legions of Doom, tomaron el escenario con temas de su crudo álbum de 2024, The Skull 3. La puesta en escena reflejaba el sonido oscuro del doom metal: humo ondulante y luces rojas tenues. El primer tema arrancó con un riff groovero de los guitarristas Lothar Keller y Scott Little, acompañado por la poderosa voz de Karl Agell. El público respondió con gritos y ovaciones.
Entre bromas, Agell dijo: “vamos, no los escucho, saben que estamos sordos”, lo que provocó aún más ruido. Su interacción con la banda y el público fue uno de los puntos fuertes, incluso cediendo ocasionalmente el micrófono al bajista Ron Holzner.
Uno de los momentos más celebrados fue un breve cover de “The Boys Are Back In Town” de Thin Lizzy, que desató cánticos y nuevos mosh pits impulsados por la batería de Henry Vasquez. Cerraron con “Dance of the Dead”, dejando al público pidiendo un bis —otra rareza de la noche— y demostrando su conexión con fans de todas las edades.
Finalmente, llegó el turno de Crowbar. Una oleada ensordecedora de vítores recibió a Windstein y compañía. El tema inicial, “High Rate Existence”, desató el caos inmediato: mosh pits agresivos, vasos volando y hasta crowd surfing desde la primera canción.
Temas como “The Lasting Dose” y “Repulsive in Its Splendid Beauty” convirtieron al público en un coro masivo. La iluminación en azul real con destellos dorados evocaba su icónico álbum de 2001 Sonic Excess in Its Purest Form. Antes de “To Build A Mountain”, Windstein preguntó: “¿están jodidamente listos para un breakdown al estilo Nueva Orleans?”, lo que precedió riffs sísmicos de Matt Brunson y un mosh pit gigantesco.
En la recta final, el clásico cántico de Glasgow “here we fucking go” retumbó en la sala, acompañado por los bombos de Tommy Buckley. “Planets Collide”, posiblemente su canción más popular, llevó la energía al máximo, con el público cantando cada palabra mientras Windstein alcanzaba notas devastadoras en el clímax. La intensidad nunca decayó, ni siquiera en los últimos minutos del show.
Los conciertos en Glasgow son conocidos por su energía desbordante, y este no fue la excepción. El público del Garage demostró su gratitud hacia las bandas, y la energía fue correspondida por Silverburn, Legions of Doom y, por supuesto, Crowbar.
Aunque la interacción de Crowbar con el público fue algo más sobria que la de sus teloneros, la magnitud de su presencia escénica fue suficiente para provocar reacciones casi salvajes. Debido al estricto toque de queda del recinto, la banda tuvo que eliminar “To Carry the Load” del setlist, pero aun así ofrecieron un show increíblemente pesado que reflejó su carácter denso y estoico.
Crowbar reafirmó su estatus como banda legendaria e influyente, conectando con una audiencia multigeneracional dentro de la escena metal escocesa.
TRECE años tuvieron que pasar para escuchar material nuevo de una de las bandas más importantes de la escena del metal progresivo en la actualidad. Y la verdad es que valió la pena la espera. In Verses, el cuarto álbum de los australianos Karnivool, acaba de salir este 6 de febrero y es el sucesor del aclamado Asymmetry.
Después de haber lanzado cinco singles —“All It Takes” fue publicado allá por el ya lejano 2021—, la espera llegó a su fin.
Sin apuros, y a lo largo de diez canciones con una duración promedio de seis minutos cada una, la banda busca transmitir una mirada crítica y profundamente humana de lo que somos como individuos y como sociedad. Y es que en In Verses, si hay algo que queda claro, es que los tiempos que corren no son para nada auspiciosos. Hay un sentimiento de desesperanza y frustración que atraviesa el disco de punta a punta y pinta un panorama bastante desolador. La portada del álbum es elocuente en ese sentido: un árbol seco en primer plano, en medio de un desierto, y una antena detrás que busca amplificar un mensaje, un grito de ayuda o una llamada a abrir los ojos.
“Ghost”, el tema que abre el disco, arranca con una base rítmica y una guitarra suave que va creciendo hasta estallar en una piña al mentón. Busca despertarnos para lo que será una experiencia emocional intensa a lo largo de los diez temas.
Se puede decir que “Aozora” es la pieza central del álbum. El título de la canción proviene del japonés y significa “cielo azul”. Y es justamente un grito al cielo, una suerte de catarsis en busca de liberación, de escape.
Acaso el punto más alto del disco, a mi entender, llega con “Animation”. De la mano de Jon Stockman y un bajo hipnótico que nos sumerge en lo profundo de un tema con variaciones rítmicas y guitarras sutiles que parecieran conversar entre ellas.
La primera y, hasta ahora, única colaboración de la banda con otro artista llega con “Reanimation”. Y nada más y nada menos que con Guthrie Govan, uno de los guitarristas más virtuosos que hayan pisado este planeta. El inglés deja su sello con un solo a la medida del tema, con una precisión que roza la perfección. Un solo virtuoso que, a la vez, destaca por su simpleza y complementa la canción en lugar de eclipsarla.
En “Conversations” y “Opal” encontramos el lado más melódico y reflexivo de In Verses, donde la voz de Ian Kenny toma el protagonismo absoluto y se siente como un abrazo en comparación con el resto de los temas.
Con In Verses, Karnivool no deja dudas de que es una de las bandas que llevan la bandera del metal progresivo bien en alto y se carga al hombro la cruzada de canciones que invitan a la reflexión, acompañadas de un virtuosismo musical digno de los grandes del género. Porque ese virtuosismo no busca alardear, no es un fin en sí mismo, sino una herramienta al servicio de la expresión.
Si hiciéramos una escucha a ciegas sin saber de qué banda se tratase, identificaríamos a Karnivool como los autores, pero sin que esto represente un demérito en absoluto. No se trata de repetirse a sí mismos ni de seguir una fórmula probada; al contrario, lograron mantener su esencia y, a la vez, crear algo distinto. Y eso es digno de reconocimiento, más aún en estos tiempos en los que las fórmulas del “éxito” se reproducen hasta el hartazgo y la inmediatez se erige como regente de nuestro día a día.
Las death metaleras brasileñas Crypta volverán a actuar en las salas de nuestro país y deleitarnos una vez más con su arrollador y visceral directo, donde tienen muy pocos rivales dentro de su escena.
Gracias a ITP Promotions, podremos disfrutar en el escenario del poderío que Tainá Bergamaschi, Fernanda Lira y Luana Dametto, derrochan sobre el mismo en las siguientes fechas:
12 de Junio – Madrid – Revi Live
14 de Junio -Pontevedra – Sala Rebullón
15 de Junio – Vitoria – Urban Rock Concept
16 de Junio – Valencia – Rock City
17 de Junio – Badalona (Barcelona) – Estraperlo Club
La banda tunecina de metal oriental Myrath ha anunciado una nueva y extensa gira por nuestro país este próximo otoño y que servirá para comprobar como suenan en directo las canciones de Wilderness of Mirrors, el esperadísimo nuevo trabajo de la banda, que llegará a las tiendas el próximo 27 de marzo a través de earMUSIC.
Sin duda uno de los nombres propios del metal moderno hecho en nuestro país, es el de los gallegos Teksuo, quienes están a muy poquitos días de lanzar The Glow Before I Go, su quinto disco de estudio, el cual llegará a nuestros oídos el próximo 13 de marzo y donde la banda liderada por Diego, vuelve a consolidarse como una de las joyas de la corona nacional dentro de su estilo.
Saurom confirma una edición imponente para el Juglar Fest 2026
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Tras haber triunfado con sus respectivas ediciones en México y Chile, ahora Saurom volverá a marcar una página dorada en el rock y el metal español ya que a finales de año llegará la edición europea del Juglar Fest 2026, donde los gaditanos nos deleitarán con un cartel impresionante y que demuestra su poder de convocatoria en nuestra geografía una vez más.
Para hacer el show aún más especial la banda no solamente interpretará su último disco El Principio al completo, si no que contará con una escenografía especial y una duración de tres horas, donde harán un repaso por sus 30 años de carrera, para jubilo y deleite de sus seguidores juglares.
La guinda a esta fiesta la pondrán ni más ni menos que los folk metaleros piratas Alestorm y los teutones D’Artagnan, que ejercerán de invitados especiales cerrando un cartel de auténtico ensueño para cualquier amante del estilo.
La fecha y ciudad elegida será la siguiente:
12 de Diciembre – Madrid – La Nueva Cubierta de Leganés (+ Alestorm + D’Artagnan)
Las entradas se pondrán a la venta el próximo 26 de febrero a partir de las 10.00 y se podrán conseguir únicamente AQUÍ.
Tras un regreso soñado y lleno de emotividad en Barcelona, en casa el año pasado, los chicos de NoWayOut han certificado este retorno anunciando un nuevo disco, en el cual ya están trabajando y las primeras fechas de su próxima gira, la cual será posible gracias a Bring The Noise Events.
Los de Sardañola del Vallés son uno de los referentes del pop punk hecho en nuestro país y aunque ya hayan pasado dos décadas, los chicos siguen en plena forma y podremos disfrutar de himnos como “No Voy a Salir”, “Inmortales”, “Solo Se” o “En Mil Pedazos”, en las siguientes fechas:
12 de Abril – A Coruña – Playa Club
24 de Abril – Bilbao – Stage Live
4 de Octubre – Madrid – Mon Live
7 de Noviembre – Sevilla – Sala X
20 de Noviembre – Valencia – Sala Jerusalem
Las entradas ya están a la venta AQUÍ y atentos que habrá más ciudades y fechas por anunciar.
August Burns Red regresa de forma contundente en “Behemoth”
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Los maestros del metalcore norteamericano August Burns Red han estrenado “Behemoth”, su nuevo single que marca no solamente el regreso de la banda a la escena, si no que además viene acompañado de su flamante reincorporación a Fearless Records tras un lustro fuera del sello y estando en SharpTone Records.
El corte deja en evidencia que estos muchachos siguen en plena forma, sin adornar de forma gratuita su sonido como hacen otros compañeros de profesión para intentar sonar modernos, no señores, esto es metalcore de la vieja escuela tocado en 2026 y que le da mil patadas a gran parte de la escena actual del género y de momento, a falta de tener un nuevo disco completo de ABR, suena así de bien:
EVERMOREestán próximos a lanzar su tercer álbum de estudio bajo el título de Mournbraid, el que será editado a través del sello Scarlet Records y se encuentra previsto para el próximo 20 de marzo del 2026.
Una vez más, estos suecos nos brindan su sonido característico de riffs de guitarra agresivos, voces épicas y coros inolvidables, todo ello amplificado por una producción impecable.
El trío escandinavo, compuesto por Johan Haraldsson (voces), Johan Karlsson (guitarra, bajo, piano y orquestaciones) y Andreas Vikland (guitarra y batería), viene perfeccionado su sonido y propuesta en cada nueva producción y en esta oportunidad nos ofrecen liricas que nos cuentan una historia diferente desde la perspectiva de individuos que experimentan la diversidad de los desafíos de la existencia y las luchas personales.
Ya desde la misma introducción, a cargo de “The Void”, nos encontramos con una interesante combinación de épica y sinfonía como botón de muestra de lo que nos espera a lo largo de la placa.
“Underdark” aúna potencia, velocidad, riffs filosos y una batería que descarga blast beats furiosos y mucho doble bombo. A lo dicho sumemos un estribillo diseñado para ser disfrutado en vivo. Un inicio potente.
En “Nightstar Odyssey” la agrupación sueca baja un poco la velocidad y desarrollan interesantes cambios de ritmo, especialmente en la parte instrumental y en el final del tema, variantes que permiten disfrutar de uno de los temas de mayor duración del álbum, todo ello matizado por un coro épico y melódico.
Luego nos encontramos con “Titans”, una de las canciones más destacables del larga duración, con un comienzo terrible a toda velocidad y poseedor un estribillo que resulta imposible quitártelo de la cabeza luego de escucharlo.
A su turno, “Oath of Apathy”, la canción más larga de la placa, nos muestra a este trio sueco en un medio tiempo pesado y armónico, con variaciones rítmicas intensas, y que contiene claros guiños y referencias al estilo powermetalero de los nórdicos.
Por su parte, “The Illusionist (Raise the Curtain)”, uno de los sencillos del álbum, “Armored Will”, con una loa vibrante al heavy metal, y “Ravens at the Gates “, ponen de manifiesto la conjunción de coros épicos, melodías, orquestaciones y riffs machacantes que caracterizan al trio.
La parte final de esta nueva producción de EVERMORE está reservada a dos verdaderas gemas en la carrera de estos suecos. La canción que presta su nombre al disco, “Mournbraid”, con un comienzo a pura velocidad y fuerza que hace imposible que dejes de mover la cabeza hasta que la última nota se apegue. Reúne todas las armas de la banda melodías, riffs filosos, estribillos para ser tocados en vivo e interesantes cambios de ritmos
Y el final se encuentra reservado para “Old Man’s Tale”, a modo de bonus track, la canción que podríamos catalogar como la más lenta del disco, pero paradójicamente, es la composición más emotiva y no se encuentra privada de fuerza. Casi cantada a capela, acompañado por extensos momentos tan solo con un piano, la voz de Johan Haraldsson te conduce a través de las emociones que tiene la nítida intención de hacerte transitar a lo largo de la duración de la canción. Arbitrariamente imaginamos un interesante porvenir en las presentaciones en vivo de estos suecos.
Lo hemos dicho en otras oportunidades donde nos tocó reseñar discos de agrupaciones que pueden ser catalogadas como power metal y, no por ello, debería sonar reiterativo. Para un género que pareció abrumar al ambiente del metal a fines de los noventa y en los primeros años de este siglo, la utilización correcta de sus elementos característicos, insertados en los lugares adecuados, con inteligencia y sensibilidad melódica, sigue rindiendo frutos.
La nueva placa de EVERMORE es una clara demostración de ello: interesantes composiciones que te mantienen entretenido de principio a fin, generándote ansias de escuchar lo que sigue para descubrir que es lo que tienen preparado para vos.
En ciertas ocasiones no es necesario inventar la pólvora para dar la nota, es suficiente con ofrecer composiciones logradas que contengan inteligentemente ubicadas las notas características de lo que pretendes brindar a tus oyentes.
Avatar en Glasgow: “Teatralidad y precisión en el Barrowland”
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Llegar a Barrowland Ballroom siempre tiene algo especial. El cartel de luces de neón encendido sobre la fachada, el tour bus aparcado en la entrada lateral y ese murmullo previo que se mezcla con el olor a cerveza y expectación. El 16 de febrero no era una noche más: Avatar volvía a Glasgow dentro de su gira europea 2026, acompañado por Alien Weaponry y Witch Club Satan. Tres propuestas muy distintas bajo un mismo techo.
Apenas cruzo la puerta, me dirijo directo hacia la barrera del photo pit. En pocos minutos saldría al escenario Witch Club Satan y no quería perderme ni un segundo. La sala ya mostraba una buena entrada, con un público diverso: camisetas negras, parches, maquillaje teatral aquí y allá. Se respiraba curiosidad por esta banda que estaba por venir.
Vamos a ser bien sinceros aquí: un trío de black metal abriendo la noche para una banda como Avatar me resultó, de entrada, un poco extraño y fuera de lugar. Musicalmente son estilos que no comparten mucho más que guitarras distorsionadas —y ni siquiera una distorsión que suene remotamente similar—. Pero no me voy a quejar. Me dio la posibilidad de ver a Witch Club Satan en vivo, algo que estaba esperando con ganas desde hacía tiempo.
La banda noruega ha generado críticas encontradas, y no precisamente solo por su música. Su decisión de salir a tocar prácticamente desnudas ha sido objeto de debate constante: algunos lo interpretan como provocación innecesaria, otros como un acto de afirmación y libertad corporal. No estamos aquí para una discusión filosófica sobre lo correcto o incorrecto. Lo que sí puedo decir es que la teatralidad de su show encaja de forma perfecta con su propuesta artística. Las guitarras son increíblemente agresivas, la armonía de las tres voces crea una atmósfera cruda y directa, y el black metal que practican está despojado de adornos innecesarios: sin teclados, sin capas atmosféricas excesivas, sin producción grandilocuente. Todo es frontal.
Desde el primer acorde quedó claro que no habían venido a pedir permiso. El sonido era áspero, compacto, sin concesiones. La batería marcaba un pulso constante, casi marcial, mientras las guitarras construían paredes de ruido controlado. El uso del nombre “Satan” no es casual: más allá de cualquier lectura religiosa, funciona como símbolo de rebelión, de desafío al status quo, de negarse a encajar en moldes preestablecidos. Y esa idea se siente en cada gesto, en cada mirada fija hacia el público.
Durante su set de media hora —que se sintió extremadamente corto— repasaron temas de su álbum homónimo lanzado el 8 de marzo de 2024, fecha que no fue elegida al azar. Sonaron “Fresh Blood, Fresh Pussy”, “Salvation”, “Mother Sea” y “Black Metal is Krig”, entre otras. Esta última fue introducida con un grito que encendió la sala: “No mercy for Epstein”. El Barrowland explotó en vítores y aplausos, demostrando que el público no solo estaba atento a la música, sino también al mensaje.
Visualmente, el impacto fue inmediato. No había escenografía elaborada ni pantallas LED. Solo luces duras, sombras marcadas y tres figuras dominando el escenario con una seguridad que desmentía su condición de banda invitada. Hubo momentos en los que la intensidad fue tal que parecía que la sala se encogía, como si el techo descendiera un poco más con cada blast beat. Cuando terminaron, la sensación general fue clara: habían dejado huella. No sé si convencieron a todos los presentes, pero nadie pudo ignorarlas. Al bajar del escenario, pude intercambiar unas palabras con Johanna. Comentó que ganas no faltan para hacer un headline tour por el Reino Unido. Si eso se concreta, será una fecha que no pienso perderme.
La noche continuaba y el contraste no podía ser mayor. Desde las frías tierras escandinavas pasábamos al hemisferio opuesto. Era el turno de Alien Weaponry, el trío proveniente de Aotearoa, Nueva Zelanda. Hace un par de años tuve la oportunidad de verlos en el O2 Academy y me habían sorprendido positivamente. Después de aquel show escuché su debut varias veces. Hubo algo que no terminó de engancharme del todo, quizás por cuestión de gustos o porque no le dediqué el tiempo suficiente. Pero el directo es otra historia.
Arrancaron con contundencia, sin demasiadas palabras. Desde los primeros compases quedó claro que su propuesta se apoya en riffs sólidos y una base rítmica potente. A diferencia de Witch Club Satan, aquí el groove tiene un papel central. No hay esa crudeza casi primitiva del black metal, sino una construcción más cercana al thrash y al groove metal contemporáneo. Algo que respeto profundamente de Alien Weaponry es cómo integran su herencia cultural maorí en cada aspecto de su arte. El uso del idioma te reo Māori en sus letras no es un recurso decorativo. Es una declaración de identidad. También se percibe en la iconografía, en los tatuajes tribales de Tūranga Morgan-Edmonds, en la forma en que presentan ciertos temas. No voy a fingir que conozco en profundidad la realidad sociocultural de Nueva Zelanda. Nunca he estado allí. Pero es evidente que la reivindicación cultural tiene un peso real en su propuesta. Y en una escena globalizada como la del metal, eso les otorga un carácter distintivo.
Su set también fue de aproximadamente media hora. El tiempo alcanzó para cinco canciones. Sonó “Rū Ana Te Whenua”, que generó los primeros mosh pits de la noche, y cerraron con “Kai Tangata”, cuyo estribillo es imposible de ignorar. Ahí sí, la sala se transformó en un hervidero. Los crowd surfers comenzaron a aparecer uno tras otro y el mosh pit se volvió intenso. Y por supuesto no pudo faltar el clásico canto de Glasgow: “Here we, here we, here we fucking go!”. No hay nada que diga más “Glasgow” que ese cántico.
Si bien el impacto emocional no fue tan inmediato como el de Witch Club Satan, Alien Weaponry cumplió con creces. Hubo más interacción que en otras fechas de la gira, más conexión verbal con el público, a comparación de la fecha en Copenhague que cubrió mi colega Nacho Belial. Aun así, me dio la sensación de que la comunión total no terminó de materializarse del todo. Quizás el contraste estilístico influyó, quizás el público ya estaba mentalmente preparado para el plato fuerte.
Y ese plato fuerte se hizo esperar. Entre el final del set de Alien Weaponry y el inicio de Avatar hubo una pausa de casi 40 minutos. El escenario se cubrió, técnicos iban y venían, se probaban luces. La expectativa crecía. El Barrowland estaba completamente lleno. Con más de veinte años de carrera, Avatar es una banda que pisa fuerte dentro de la escena. Sus shows siempre dan de qué hablar por la teatralidad y la puesta en escena. Esta gira no ha sido la excepción.
Las luces se apagaron por completo. Silencio. Luego, movimiento en la penumbra. La plataforma de la batería comenzó a abrirse en dos. Desde el fondo del escenario emergió una estructura móvil con todos los miembros de la banda sobre ella. Oscuridad casi total. Túnicas negras, capuchas, una atmósfera cargada de misterio. Johannes Eckerström sostenía una imitación de una antigua lámpara de aceite, proyectando una luz tenue sobre su rostro.
El arranque fue con “Captain Goat”, tema que encaja perfectamente con la estética casi marinera con la que ingresaron al escenario. La plataforma avanzó lentamente hacia el frente mientras el riff principal marcaba el inicio oficial del espectáculo. Estaba claro que estábamos ante una producción pensada al detalle.
Continuaron con “Silence in the Age of Apes”. Para ese momento, Johannes ya se había deshecho de la túnica y la lámpara. Su alter ego, The Clown, tomó el control absoluto del escenario. Su presencia es magnética. No necesita grandes desplazamientos: con una mirada y un gesto consigue que miles de personas estén pendientes de cada movimiento.
El setlist fue variado, aunque con una clara mayoría de temas de su lanzamiento más reciente, Don’t Go In The Forest. Lo escuché recientemente y, siendo honesto, no es un disco para mí. No me pareció nada especial. Pero los gustos son subjetivos. Lo que es innegable es el profesionalismo de la banda. La ejecución fue impecable. Cada acorde en su lugar, el tempo ajustado, la sincronización entre los miembros casi quirúrgica.
Hubo espacio para clásicos que desataron la euforia colectiva. “Hail the Apocalypse” convirtió la sala en un coro unificado. “Smells Like a Freakshow” trajo ese aire circense que tanto caracteriza a la banda. Las luces, perfectamente sincronizadas, reforzaban cada cambio de dinámica. Johannes interactuó constantemente con el público. Hizo chistes, recordó la última vez que tocaron en Glasgow y comentó cuánto disfrutan venir a esta ciudad. Esa conexión no se siente forzada. Es parte del espectáculo, pero también parece genuina.
Visualmente, el show fue una sucesión de momentos memorables: cambios de vestuario sutiles, juegos de sombras, plataformas móviles. No es solo un concierto; es una obra estructurada con introducción, desarrollo y clímax. Cerca del final, la intensidad no decayó. Si acaso, aumentó. El público, lejos de mostrar cansancio tras casi dos horas de show, permaneció activo. Manos en alto, coros a pleno pulmón, teléfonos capturando cada instante.
Cuando llegó el último acorde y las luces se encendieron, la sensación era clara: el público se iba más que satisfecho. Puede que no todas las canciones conecten por igual con todos, puede que el último álbum divida opiniones, pero como experiencia en vivo, Avatar entrega exactamente lo que promete: espectáculo, precisión y una identidad definida.
La noche en el Barrowland fue, en definitiva, un recorrido por tres universos distintos dentro del metal. Desde la crudeza sin filtros de Witch Club Satan, pasando por la reivindicación cultural y el groove sólido de Alien Weaponry, hasta la teatralidad meticulosamente construida de Avatar. Tres bandas, tres maneras de entender el escenario, un mismo público dispuesto a dejarse llevar. Y esa es, al final, la magia de noches como esta en Glasgow.
De las cenizas de Eternal Psycho, la talentosa y a la vez inquieta Beka Bioskes ha lanzado el álbum debut de su nuevo proyecto metalero, al que ha bautizado como Kubika y visto lo que tienen para ofrecer, puede ser lo mejor que haya hecho hasta la fecha.
El disco es breve y conciso, 8 cortes, sin florituras ni nada que pueda sonar artificial, es metal moderno con elementos de otros estilos, pero todos bajo un mismo universo: El de su vocalista, la cual aún tiene mucho que ofrecer en la escena “Under” nacional y también fuera de nuestras fronteras.
Una cosa importante aparte de los temas son las letras ya que abordan temas especialmente delicados como pueden ser la ansiedad, la obsesión, la depresión y en general todo lo relacionado con la salud mental y como nos afecta a diario.
El disco abre fuego y nos sumerge en este viaje con “Blue Smile”, donde claramente podemos identificar rastros de bandas como In This Moment, pero que también muestra una clara evolución vocal por parte de Beka, sobre todo a nivel melódico, mucho más directa y clara a la hora de plasmar la letra del tema.
Tras este frenético inicio, llega “Fight or Flight”, otro cañonazo con unas guitarras afiladísimas y cuya estructura podría recordar un poquito a los Sumo Cyco más pasados de vuelta, pero con ese toque moderno y teatral que engancha a la primera escucha y donde la cantante sigue haciendo melodías endiabladas por medio del micrófono, seduciendo al oyente antes de empujarlo al vacío con unos screams infernales y muy bien ejecutados.
El binomio de singles “Personality Disorders” y “Breathless”, fueron grandes cartas de presentación para este debut, llenas de matices a descubrir, pasajes muy técnicos y un tratamiento en la voz de Beka, muy interesante y a la altura de compañeros como 5Rand, además de claro está, Jinjer y Stitched Up Heart, pero repito, con una personalidad muy fresca y marcada que los diferencia de muchos compañeros de profesión en la escena actual de nuestro país.
“Dark Passenger”, continúa la senda del disco, el cual merece ser escuchado con dedicación y tiempo, para poder ir descubriendo los secretos que contiene en cada escucha que uno le de, mientras que “Dementia”, pone el punto y final con un toque más cercano al nu/groove metal, que le dan la frescura necesaria para no caer en la repetición ni sonora ni a nivel interpretativa, cerrando este debut de una manera más que interesante.
Y es que Kubika no van a revolucionar el metal nacional, sin embargo, tienen muchas papeletas para ser uno de los nombres propios de la escena en un futuro que, visto lo ofrecido en el disco debut, tiene pinta de ser muy corto.
Beka y compañía han jugado muy bien sus cartas y se han llevado el primer asalto de la partida, veremos hasta donde los lleva su ambición y sus inquietas mentes.
A estas alturas, el nombre de Symphony X es prácticamente sinónimo de Metal Progresivo. Hablar de ellos implica hacerlo de una de las mayores instituciones del género. Un grupo que supo conjugar una identidad a través de un sonido neoclásico virtuoso y elegante, combinado con un tono heroico y épico en sus composiciones.
Con más de 30 años de carrera, el conjunto de Michael Romeo arriba a tierras argentinas el próximo 17 de marzo en el Teatro Flores, para celebrar sus mayores éxitos. En este especial, venimos repasar cinco aspectos que ayudan a entender el camino que recorrieron para forjar su estatus y éxito. También explorar los motivos por los que no te lo podés perder en vivo.
El carácter conceptual de sus obras
Es de público conocimiento la fuerte y marcada influencia de obras literarias en las composiciones de Symphony X. Al punto, que se volvió en uno de los mayores rasgos reconocibles del grupo.
Foto sitio oficial
El caso más famoso sin duda es su canción “The Odyssey” del álbum homónimo del 2002. Esta composición de 24 minutos se encuentra directamente influenciada en el poema “La Odisea” de Homero y está llena de pasajes y arreglos épicos, que musicalizan con heroísmo y dramatismo, el viaje del histórico personaje griego.
Sin embargo, esta pieza no es el único relato literario que el grupo proyectó musicalmente. El álbum Paradise Lost (2007) está inspirado de forma libre en el poema del inglés John Milton. Underworld(2015) toma como temática y principal núcleo narrativo “La Divina Comedia” de Dante, explorando temáticas como el infierno, el pecado, y la redención.
Por su parte, V: The New Mythology Suite (2000) es un disco íntegramente conceptual, basado en los mitos de la civilización antigua y perdida, de Atlántida. Si bien es la única obra de su catálogo que narra una historia de principio a fin, no cabe duda de que la literatura es un factor clave en el proceso compositivo y musical del grupo, otorgándole una riqueza y profundidad a sus letras.
Las influencias musicales de Michael Romeo
Sin duda alguna, la mente y alma de Symphony X es Michael Romeo. Es su creación y en base a sus inquietudes musicales, es que el grupo construyó su sonido e identidad. Y eso se nota en las influencias musicales que tuvo el músico a lo largo de su vida.
Si bien es reconocido por su virtuosismo y precisión en la guitarra, lo cierto es que Romeo se introdujo en el mundo de la música a través del piano. Sus padres contrataron a un profesor particular que lo visitaba una vez a la semana. Y fue así, que a sus 10 años, ya empezó a conocer compositores clásicos que en el futuro se volverían grandes inspiraciones para sus obras como Bach, Beethoven, Mozart y Verdi.
Por su parte, recién sus 12 años empezó a escuchar Kiss y Ozzy Osbourne. Hecho que llevó al pequeño Romeo a tocar la guitarra. A partir de ahí, comenzó un viaje de ida hacia el rock que lo llevó a tener como principales influencias a músicos como Randy Rhoads, Ritchie Blackmore, Uli Jon Roth y en especial, Yngwie Malmsteen, que impactaría fuertemente en el sonido neoclásico de Symphony X en sus primeros años.
Esta mezcla de influencias ha llevado a que Romeo consiga fusionar en su estilo, la elegancia y teatralidad de la música clásica, con la potencia y velocidad del Rock/Metal. Convirtiéndole en uno de los guitarristas y compositores mas virtuosos y completos del género.
Su estrecha y particular relación con Japón
Foto sitio oficial
Al tratarse de un grupo norteamericano, uno pensaría que Symphony X debutó con un sello discográfico de su mismo país. Pero lo cierto es que no. Nada más alejado de la realidad, quién puso su ojo y atención en el señor Michal Romeo tras grabar su primera demo The Dark Chapter en 1994, fue una discográfica en Japón. La ahora extinta Zero Corporation Label. Aun así, las grabaciones de su álbum debut se hicieron en Nueva York, en los estudios de The Hit Factory.
No obstante, la relación del grupo con Japón no quedaría solo ahí. Durante sus primeros cuatro años de carrera (1994-1998), la banda sólo se enfocó en componer y sacar material de estudio. Pero no en hacer interpretaciones en vivo. Es así, que su debut sobre los escenarios se dio recién en junio de 1998. Casualmente, en suelo japones.
De esta forma, el grupo logró mayor alcance y un especial vínculo con el país del sol naciente que se completó con el uso de la actual guitarra de Michael Romeo: un modelo personalizado Dellinger Prominence-MJR, de la marca Caparison. ¿De que país? Ni más, ni menos que Japón. Una particular conexión que los volvió extremadamente populares allá.
La fuerte unión de sus miembros
Otro aspecto que caracteriza a Symphony X es su estable y unida alineación. Y es que a lo largo de los años, el grupo ha sabido mantener una base sólida dentro de sus líneas, con pocas alteraciones.
La primera y más visible sin duda, fue la de su cantante. Ya hemos mencionado a Romeo como el alma y mente del grupo. De eso no cabe discusión. Pero si tuviéramos que decir quién es la voz, todas las respuestas apuntarían a Russell Allen. Y es que el vocalista ha grabado todos los clásicos y éxitos del grupo. Sin embargo, para sorpresa de algunos, Allen no es un miembro original. Ya que antes de su llegada hubo otro vocalista: Rod Tyler, quién grabó el debut homónimo en 1994. Allen llegarían recién para el siguiente lanzamiento, The Damnation Game (1995), para luego escribir la historia que ya conocemos.
Por su parte, el puesto de baterista corrió casi siempre a cargo Jason Rullo. Sólo hubo un disco dónde el batero dijo ausente y fue en Twilight in Olympus (1998). A su vez el bajista original, Thomas Miller, fue miembro activo del grupo hasta esa obra. ¿El motivo? El comienzo de las giras y tours por distintos países, llevaron a que el músico no continuará. En su lugar, ingresará Michael LePond, quién ocupa el puesto hasta la fecha.
Como Michael Pinnella fue siempre la mano derecha de Romeo y estuvo presente en todas las grabaciones, como tecladista, la alineación de Symphony X no sufre modificaciones desde 1999, marcando la fuerte unión de sus miembros y la visión musical que comparten.
Discos autoproducidos
Por último, una cualidad que empezó a desarrollar el quinteto a partir de The Odyssey, es la de producir los discos por sus propios medios. Tras el lanzamiento de V: The New Mythology Suite” en 2000, Romeo se encargó de la producción de sus siguientes obras, de forma solitaria, priorizando un enfoque más orquestal y pesado. Como resultado de esta búsqueda, salieron trabajos como Paradise Lost (2007) y Iconoclast (2011), que presentan un sonido mucho más moderno y oscuro, y composiciones más directas, que se alejan del carácter neoclásico de sus primeras obras.
Esta nueva mirada compositiva llevó al grupo a captar nuevas audiencias, pero sin perder la base sólida de fanáticos que ya tenían, marcando un camino musical que el grupo supo abrazar en Underworld (2015) y que en un futuro, averiguaremos si lo mantienen en su próximo lanzamiento.
Terrorpy en Copenhague: “Odense Desata el Caos en BETA”
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La escena danesa está pasando por un momento maravilloso. Montones de bandas con propuestas de todo tipo están surgiendo. Desde propuestas acordes a lo popular actualmente hasta otras más underground y personales. En la fría noche del Día de los Enamorados de 2026, nos acercamos a la pequeña sala BETA para disfrutar de tres exponentes de la movida danesa.
Los primeros fueron Lightchapter, con una propuesta de groove metal progresivo, teniendo a Gojira como principal influencia. Las canciones estaban muy bien construidas e iban recorriendo distintos estados: desde momentos rápidos y thrasheros hasta otros atmosféricos y algunos aún más veloces con blast beats. Toda esta variación hizo que el show fuera divertido y no se estancara. La entrega de los músicos fue total, logrando un pequeño wall of death y que todo el lugar alzara los puños al ritmo de las canciones. Un momento curioso fue cuando uno de los entusiastas del pogo tomó el micrófono para saludar a la gente. Si bien al vocalista no le gustó nada y tomó acción al momento, quedó como un recuerdo divertido. Tras saludar, tuvieron intenciones de tocar una más, pero lamentablemente no se dio.
La segunda banda fueHe Who Saw the Abyss, quienes hicieron una entrada a oscuras para que, cuando las luces se encendieran, se pudiera ver que estaban vestidos de negro, tapados de pies a cabeza. La propuesta musical es un deathcore muy pesado, basado en riffs muy graves entrecortados y ritmos de batería polirrítmicos. Estos iban adornados por pistas de teclados y otras capas graves que servían de apoyo a la guitarra, ya que era un solo guitarrista, sin otro par ni bajista que lo acompañara. El vocalista dio una muy buena performance, destacándose en los growls profundos. Si bien la voz estuvo baja al comienzo, esto fue corregido y se pudo apreciar mejor. A la mitad del concierto hubo momentos algo dispersos, donde la guitarra buscaba crear algún clima junto con las pistas, mientras el vocalista y el baterista acompañaban con cierta performance visual. Esto no se entendió del todo y solo generó momentos raros y difíciles de clasificar. Debido a que la propuesta de la banda es más directa y efectista, tuvieron como respuesta a un público que pogueó, saltó y disfrutó el show poniéndole el cuerpo. La banda se retiró del escenario apenas saludando, como tratando de mantener cierto misticismo.
La headliner de la fecha fue Terrorpy, banda de death metal oriunda de la ciudad de Odense. Su propuesta es bastante brutal y técnica, pero con algún momento más groovero. Se podría citar como influencia más notoria a Dying Fetus. El trío contó con el mejor sonido de la fecha: potente, grave y poderoso, pero todo definido y nítido en la escucha. Los riffs súper técnicos e intrincados iban haciendo juego con el bajo, que también desplegaba técnica y precisión. El baterista era un animal: sabía llevar el ritmo a velocidades muy altas e iba intercambiando diferentes estilos de blast beats y fills según el momento del tema, enriqueciendo bastante las canciones. El show fue muy divertido, ya que los músicos le pusieron toda la onda e iban contando chistes entre canción y canción. La respuesta de la gente fue muy positiva, abriendo una gran ronda que se mantuvo activa durante todo el show. La ejecución fue muy buena, aunque hubo algunas imperfecciones del guitarrista en la última canción. Con el lugar entero pidiendo una canción extra, que no sucedió, los músicos se quedaron saludando un buen rato a los fanáticos.
La escena danesa cuenta con salas excelentes para tocar, una gran cantidad de bandas interesantes y, lo más importante, un público que apoya las propuestas locales.
Drew Goddard (Karnivool): “La música debería volver a poner el foco en lo humano”
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Entrevistador: Matías Frank
Con In Verses recién estrenado, tuvimos el placer de dialogar con Ian Kenny y Drew Goddard, cantante y guitarrista, respectivamente, de Karnivool. El cuarto disco de los australianos llega tras trece largos años y es el sucesor de Asymmetry.
En una charla muy agradable, nos cuentan sobre el porqué de la larga espera, sus sensaciones con el disco y hasta qué es lo que, como artistas, ven que le falta a la escena y a la música en general, entre otras cosas.
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Antes que nada, quería agradecerles por la entrevista y felicitarlos por el lanzamiento del disco. Realmente hicieron un gran trabajo.
IK – Bueno, muchas gracias, es un placer.
Bueno, les tomó trece años encontrar al sucesor de Asymmetry. Cuéntenme un poco por qué la espera se hizo tan larga.
IK – Bueno, si debería contar todo lo que pasó en estos trece años, me llevaría mucho tiempo…
No tengo apuro…
IK – (Risas). Bueno, voy a tratar de resumir un poco. Es que la realización del disco no fue un trabajo de tiempo completo. Entre giras y proyectos personales, fue pasando el tiempo mientras iban apareciendo algunas canciones.
DG – En 2024 decidimos que teníamos material suficiente y nos pusimos a trabajar con los temas. Ya habíamos lanzado “All It Takes” en 2021 y lo incluimos en el disco.
AG – En realidad, depende de la canción, depende del álbum. No tenemos una manera fija para componer. A veces nace de una zapada con el resto de los chicos, a veces alguien trae algo que puede funcionar. Como con “Aozora”, por ejemplo. Tuve dando vueltas en mi cabeza esa batería entrecortada del inicio del tema durante mucho tiempo, jugando con eso, creando samples. Y a partir de ahí se fue armando. Pero lo que es seguro es que siempre empezamos por la sección musical y después le agregamos la letra.
IK – Sí, claro. Analizamos qué letra podría ir con cada tema, tenemos en cuenta la melodía y cómo encajarla con las vocales, por ejemplo. También si la música tiene correlación con lo que queremos contar.
Es un disco bastante oscuro, con letras que no son del todo alentadoras…
IK – Sí, yo diría que oscila un poco entre la desesperanza y la esperanza. Es un poco el resultado de las cosas que nos fueron pasando y fuimos observando a lo largo de estos años. Es, a la vez, un disco bastante introspectivo.
AG – Algo que me fascina es ver cómo la gente tiene miradas muy diferentes sobre las canciones. La recepción es muy distinta dependiendo de quién la escucha.
Sí, una vez que el artista lanza una obra, un disco en este caso, es como que ya no le pertenece y queda a la interpretación de quien lo escucha.
AG – Sí, alguien puede conmoverse y otro sentir angustia; es distinto para cada uno.
Quería hablar de dos canciones en particular del disco. La primera es “Reanimation”. La primera colaboración de la banda con otro artista: el talentoso Guthrie Govan. ¿Cómo surgió la colaboración y cómo fue trabajar con él?
IK – Bueno, la verdad es que secuestramos a su perro hasta que hizo el solo (risas).
AG – La letra dice antes del solo: “Feeling alone in a crowded place” (Sintiéndome solo entre una multitud). Así que el solo tenía que sentirse como alguien que estuviera a punto de tener un ataque de pánico, como un grito de auxilio.
La conexión con Guthrie se dio a través de un amigo en común que lo conoce de The Aristocrats. Lo contactamos por email y aceptó de inmediato. Hubo muchos mensajes de ida y vuelta. Nos hizo mil preguntas sobre el tema y lo que queríamos, algo normal. A mí me ha pasado colaborando con otros artistas también: querés estar seguro de estar haciendo el mejor trabajo posible.
La verdad, lo volvimos un poco loco por la diferencia horaria. A veces se despertaba y tenía tres o cuatro mensajes. No queríamos que el solo fuera pura velocidad o una demostración de virtuosismo; buscábamos algo equilibrado, además de ser capaces de reproducirlo tocando en vivo. Y estamos encantados con el resultado.
La otra canción sobre la que les quiero preguntar es “Salva”, el tema que cierra el disco. Esas gaitas al final… se sienten como una especie de redención.
AG – En ninguna de las entrevistas previas nos mencionaron esa palabra: “redención”. Y creo que es la adecuada para el tema. Antiguamente, las gaitas se usaban antes de que los ejércitos comenzaran una batalla, y usarlas en este tema de esa manera es un poco como darles un nuevo sentido.
IK – Sí, absolutamente. De hecho, si algún escocés nos dice que no es la manera correcta de usarla o que no es para este tipo de música, no me importaría demasiado. Nos gustan mucho. Le confiere al tema esa aura de redención, como un grito de liberación.
Están cerca de comenzar una nueva gira europea, la cual arrancará en abril en Copenhague. ¿Cómo se están preparando para eso?
Estamos tocando versiones acústicas de los temas, viendo cómo funcionan y tocándolos de corrido, ya que el disco fue grabado de a tramos. Seguramente algunos temas no vayan a sonar en vivo de la misma manera que en el disco. Pero sí, supongo que esa es nuestra manera de prepararnos.
¿Cómo ven la escena del rock progresivo y de la música en general en estos tiempos en los que la inmediatez y el éxito son los que mandan?
AG – Bueno, respecto del rock progresivo, la verdad es que nosotros no nacimos como una banda de rock progresivo. Creo que se fue dando de manera gradual. Yo, personalmente, escucho desde Radiohead hasta Meshuggah, por ejemplo. De hecho, In Rainbows (disco de Radiohead editado en 2007) fue una gran influencia para mí. O Tool: ellos sí tocan con amplificadores reales, lo que a mí me encanta, pero también me gusta jugar mucho con lo digital, las secuencias, etc.
IK – Sí, podría ser. También podríamos encajar en algún lado entre The Beatles y Meshuggah (risas).
AG – Respecto de estos tiempos que corren, creo que tanto en el género progresivo como en los otros géneros se debería tener una mirada más humana, poner el foco más en lo humano.
A veces es necesario parar la pelota cuando el partido no da para más y quizás plantear las cosas de otra forma y volver cuando sea el momento adecuado, creo que esta introducción define muy bien la carrera de los norteamericanos Story of the Year, que este año regresan con su séptimo disco de estudio, para demostrar que cuando quieren, aún tienen muchas alegrías que darnos, tal y como hicieron antaño.
Pero es escuchar los primeros compases de “Gasoline (All Rage Still Only Numb)”, para darnos cuenta que poco y nada ha cambiado en la esencia de estos chicos, con un Dan Marsala sonando igual de agresivo y a la vez melódico que en sus días dorados y una base instrumental pesada e intensa acompañando a lo largo del corte, son el combo perfecto para abrir el álbum.
Ese sonido tan calculado y a la vez atrapante que siempre han tenido se mantiene en cortes como “Disconnected”, con un comienzo más dulce que un caramelo a lo Yellowcard y que explota en un estribillo que te transporta sin escalas dos décadas atrás y te imaginas en el Warped Tour viéndolos junto a otros compañeros como Simple Plan, Alexisonfire, Good Charlotte, AFI o Goldfinger, entre otros y es imposible que no se te escape una sonrisa al recordar aquellos días.
Las guitarras vuelven con un abrazo entre el pop punk y el post hardcore gracias a “See Through”, un pelotazo lleno de adrenalina adolescente y que aparte de ser ultra melódica, sorprende porque estamos en 2026 y parece sacada del 2004, es impresionante como Marsala ha mantenido la voz a pleno, quizás como podría ocurrir con Jordan Pundik de New Found Glory o Spencer Chamberlain de Underoath, tipos para los que parece no haber pasado el tiempo, pues este es el caso del vocalista de SOTY, una delicia para el oyente igual que hace dos décadas atrás.
“Fall Away”, sorprende con la participación de Jacoby Shaddix, vocalista de Papa Roach, que aporta su personalidad en uno de los cortes más combativos del disco, el cual también es de los más “Distintos” que han escrito los de S.T Louis hasta la fecha.
Las guitarras de Ryan Phillips aportan brillo y un toque moderno a las composiciones de la banda, las cuales en este caso si que van en la dirección correcta y justifican que tengamos un nuevo disco en el mercado para los norteamericanos.
“3 Am”, por otro lado, es un corte claramente pop punk con un ligero toque de post hardcore, que volverá a conquistar a aquellos que crecimos escuchando los dos estilos por igual y sin mirar atrás.
Tal como su nombre indica “Into the Dark”, es un corte mucho más oscuro, intenso y con influencia más noventera, que le aporta el toque cañero al disco, pero sin perder el ADN alternativo que siempre ha tenido la banda.
“Halos”, es uno de los mejores cortes del disco, lleno de energía y con esa dualidad vocal por parte de Dan que es marca registrada dentro del género y que puede levantar hasta el más tranquilo del local, ya desde el segundo en el que pulsas “Play”, al corte. El tema se adorna con un gran solo de guitarra por parte de Ryan, ya para ponerle la guinda y encarar la parte final del disco con la cabeza bien alta.
Y si, había algo que faltaba, era un medio tiempo o una balada, para emocionar a sus seguidores y tal como hicieron antaño con “Sidewalks” o “Terrified”, ahora SOTY vuelve a sacar su lado más emotivo en “Better Than High”, una bonita y semi acústica pieza, donde sin su energía habitual, consiguen emocionarnos una vez más, ya que son una de las bandas que mejor realiza esta clase de canciones y esta es la penúltima prueba de ello.
Con “I Don’t Wanna Feel Like This Anymore”, Story of the Year cierra el disco de forma más que notable y sólida, evidenciando su gran estado de forma y como a veces no hace falta sumarse a ninguna moda musical o intentar crear algo forzado, simplemente seguir tus instintos y emociones, que si las sabes gestionar, te llevarán al lugar correcto y es ese lugar y esa escena que los vio nacer, donde la banda pertenece y sigue creando obras tan interesantes y nostálgicas como esta.
MØL en Glasgow: “una noche de blackgaze en sala llena”
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El 14 de febrero es uno de esos días que el calendario comercial tiene marcado en rojo. Restaurantes llenos, promociones, flores, cenas programadas con semanas de anticipación y toda una maquinaria aceitada para capitalizar el llamado día de los enamorados. Pero fuera de ese circuito hay otra forma de celebrar: una entrada, una sala de conciertos y una banda que convierte el ruido, la melodía y la intensidad en una experiencia compartida. Para muchos de los presentes esa noche, la cita no era con una mesa reservada sino con MØL en directo.
Llegando temprano a The Classic Grand, con tiempo de sobra, la subida por las escaleras hacia la sala anticipaba que sería una noche distinta al plan romántico estándar. Al ingresar, la escena era casi cómica para cualquiera con cámara en mano: humo espeso cubriendo todo el escenario y ni una sola luz frontal útil. La combinación perfecta —dicho con toda la ironía posible— para trabajar cómodo. Mucho contraluz, mucho recorte, mucho “arreglate como puedas”. Nada fuera de lo normal en este circuito.
El cartel reunía a tres propuestas distintas pero compatibles en sensibilidad: Cold Night For Alligators, Tayne y MØL. Una noche pensada más como recorrido sonoro que como simple sucesión de bandas. Y eso se notó en cómo fue respondiendo el público a lo largo de las casi tres horas de música.
Poco después de las 19 horas, Cold Night For Alligators, también oriundos de Dinamarca, tomaron posiciones y pusieron en marcha el primer tramo de la noche. Su propuesta mezcla metal progresivo y técnico con un enfoque moderno en arreglos y estructura. Desde los primeros minutos quedó claro que no estaban ahí para cumplir horario: salieron con actitud directa y un sonido bien armado desde el escenario, incluso si la mezcla general de sala todavía estaba acomodándose.
Gran parte del set repasó material de su lanzamiento más reciente, With All That’s Left. La propia banda ha explicado que en este trabajo buscaron abordar temáticas vinculadas a la fragilidad del tiempo y experiencias personales más intensas, y esa intención se trasladó bien al directo. No fue un show distante ni mecánico. Hubo comunicación constante, gestos, agradecimientos y una búsqueda visible de conexión.
El vocalista Johan Pedersen habló varias veces con el público, agradeciendo de forma genuina a quienes habían llegado temprano. No es un detalle menor: abrir una noche siempre implica tocar frente a una sala que todavía se está armando en energía y asistencia. En lugar de tratarlo como obstáculo, lo convirtieron en ventaja. En varios pasajes bajaron del escenario para cantar y tocar entre la gente, rompiendo la línea clásica entre banda y audiencia. Ese recurso, cuando es natural y no forzado, suma cercanía. Aquí funcionó.
Musicalmente, el set mostró precisión y dinámica. Pasajes técnicos bien ejecutados, cambios de ritmo claros y un enfoque moderno que encaja bien con el circuito europeo actual. La respuesta del público fue creciendo tema a tema. No fue una explosión inmediata, pero sí una curva sostenida. Para muchos fue, además, primer contacto con la banda, y eso se notaba en la atención con la que se seguían las canciones.
El segundo turno fue para Tayne, trío de Londres con una propuesta que se mueve entre el industrial, el noise y el pop oscuro. Un cambio de clima respecto a la apertura, tanto en sonido como en intención. Donde la banda anterior apostó por la expresividad progresiva, aquí el eje fue la textura, la repetición y la tensión.
Desde el arranque quedó claro que su enfoque es experimental y que no busca agradar de forma inmediata. Capas de ruido, bases densas y una estética más rígida en escena. Un detalle que no pasó desapercibido fue el bajo con cuello de aluminio de Matthew Sutton, un elemento poco habitual que refuerza la idea de búsqueda sonora distinta.
La propuesta es interesante en concepto, pero el resultado de esa noche estuvo condicionado por el sonido de sala. En varios momentos la mezcla se volvió demasiado compacta, perdiendo definición y convirtiéndose en una masa difícil de descifrar. Cuando este tipo de música pierde detalle, pierde impacto. No es un problema de ejecución sino de cómo llega al oyente.
La recepción del público fue correcta, aunque más fría que con la banda anterior. La sala ya estaba bastante más llena, pero la conexión no terminó de consolidarse. Hubo respeto y atención, pero poca reacción física. Incluso cuando Sutton pidió un mosh pit para la última canción, la respuesta fue limitada. No hostil, pero sí contenida.
Aun así, el set sirvió para mostrar personalidad y riesgo artístico. Tayne no suena como el resto del cartel y eso, dentro de una gira, también cumple una función: ampliar el espectro y desafiar al oyente. No siempre genera reacción inmediata, pero deja huella en quienes conectan con ese lenguaje.
Cuando terminaron, la sala ya mostraba otro aspecto. Mucho más movimiento, más conversación, más expectativa. Era evidente que la mayoría había ido a ver al cabeza de cartel y que el momento se acercaba.
Para cuando llegó la hora de MØL, el recinto estaba completamente lleno. Sin espacios claros al frente y con el murmullo típico de antes de un inicio fuerte. La introducción sonó por PA, las luces bajaron aún más y la banda entró sin rodeos, abriendo con “Penumbra”. Desde ese primer impacto quedó claro que el sonido estaba donde tenía que estar: guitarras definidas, base firme y una pared de volumen bien controlada.
El material reciente tuvo un peso importante en el set, en línea con la gira de presentación de Dreamcrush. Canciones como “Garland” y “Young” funcionaron muy bien en directo, con arreglos que ganan cuerpo fuera del estudio. También hubo lugar para cortes ya conocidos por su público, generando una mezcla equilibrada entre novedad y repertorio establecido.
Kim Song Sternkopf se mostró como eje total del show. Dinámico, cercano y físicamente activo durante todo el concierto. No se limitó al centro del escenario: bajó varias veces al foso, cantó cara a cara con el público, caminó entre las primeras filas y, en más de una ocasión, avanzó hacia el fondo de la sala mientras sostenía partes vocales exigentes. Ese tipo de interacción directa genera momentos que el público recuerda.
Entre canciones se tomó tiempo para hablar, agradecer la presencia y comentar que estaba gratamente sorprendido por la convocatoria. No sonó a frase automática: se sintió sincero.
“Vestige” y “Photophobic” mostraron otra de las fortalezas de la banda: la capacidad de manejar dinámicas. Pasajes más abiertos y melódicos seguidos de descargas intensas, sin que el flujo se corte. En vivo, esas transiciones se sintieron increíbles.
La ejecución instrumental fue sólida de principio a fin. Las capas de guitarra, fundamentales en el sonido de la banda, se entendieron con claridad incluso en los momentos de mayor densidad. La batería sostuvo con precisión y el bajo aportó cuerpo sin perderse en la mezcla. Traducir un sonido de estudio tan cargado de textura al directo no es fácil, sin embargo Møl lo logró.
Hacia el tramo final, el clima ya era de comunión total entre banda y audiencia. El cierre con “Jord” y “Bruma” dejó la sensación de recorrido completo. No hubo necesidad de artificios ni producción extra: la fuerza estuvo en las canciones y en cómo fueron interpretadas.
Más allá del resultado puntual de esta fecha, el show confirmó algo que ya viene apareciendo en reseñas de la gira: MØL logra trasladar el contenido emocional y sonoro de sus discos al vivo con efectividad. La intensidad no se diluye; se transforma. Y eso es lo que muchos buscan cuando pagan una entrada: no escuchar el disco reproducido, sino vivirlo de otra manera.
Omnium Gatherum en Copenhague: “Cuando el Technical y el Melodeath colisionan”.
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Fue una noche a puro death metal melódico de la mano de Omnium Gatherum e In Mourning, con un quiebre de lo más técnico a cargo de Fallujah para completar un show súper atmosférico y dar puntapié al tour “May The Bridges We Burn Light The Way” 2026. Un tour que tuvo sus bajas; la más notable fue la del histórico vocalista Jukka Pelkonen: la banda reveló que fue diagnosticado con linfoma y fue reemplazado por Henry Hämäläinen, de Shade Empire. Al mismo tiempo, In Mourning adicionó a Mikko Kivistö, de Omnium Gatherum, ya que no cuenta con un bajista fijo desde 2022.
Fun fact: solo hubo un bajista en todo el show.
En un miércoles y con un frío tremendo, Pumpehuset sigue reuniendo locos por la música, y para cuando arrancó In Mourning a las 19:30 el piso de arriba estaba en un 70% lleno.
Los suecos dieron un breve set de cinco canciones y treinta minutos, más enfocados en su último álbum, The Immortal. La banda plantó muchísima oscuridad y atmósfera, con tres guitarras que se complementan melódica y armoniosamente, que en esta ocasión tuvieron un sonido bien balanceado para apreciar todas esas capas musicales. Por otra parte, los vocalistas Tobias Netzell y Björn Pettersson desgarraron toda armonía con aplastantes guturales, solo para traer de vuelta la paz con pasajes melancólicos y oscuros. Un set que, en su mayoría, demuestra cuán dinámica es la banda en su era moderna, para cerrar con “Colossus”, un clásico del grupo.
Luego de veinte minutos era el turno de la segunda banda de la noche y la nota alta de la velada: Fallujah, quienes cuentan con casi veinte años de trayectoria. La banda americana propone un death metal de lo más técnico, con una performance del guitarrista Scott Carstairs que deja boquiabierto por su ejecución. El nivel de precisión y caos arrollador que logra el grupo movió al público durante todo el set, aunque desde la valla era muy difícil dejar de prestar atención a la destreza de los músicos.
El setlist contó con su material más moderno, dando arranque con “In Stars We Drown”. La mezcla estuvo impecable y reflejó fielmente cómo suena la banda en sus últimos discos. La escenografía fue el único punto flaco de esta presentación: un show de luces parpadeantes y caóticas que rompió brutalmente la atmósfera previa.
En una charla post recital con los músicos revelaron que estaban con jet lag, ya que acababan de terminar su gira norteamericana en Nashville. Pese a esto, el grupo mantuvo la vara en alto.
Ya pasadas las 22, el Pumpehuset estaba latiendo y la valla ya apretaba. Ahora era el turno del grupo finlandés, quienes nos entregaron un setlist de catorce canciones y fueron copando el escenario de uno en uno con la intro de “The Last Hero”, para un breve apagón de luces y un estallido con toda la banda tocando.
Fue inmenso el sonido, al punto que la batería tapó por completo el teclado, algo que esperaba fuera corregido conforme avanzaba el set, pero no fue así. Esa fue la mayor disparidad; en cuanto al resto de la banda, el balance estuvo mucho mejor y se pudo apreciar la instrumentación, con la percusión bien al frente y el teclado sepultado.
En cuanto a Henry, el cantante suplente, dio una performance excelente, arengó al público y supo hacer homenaje a Jukka. En verdad impresiona lo bien que hizo blend con el resto, más aún sabiendo que tuvo un período de preaviso muy corto antes de incorporarse.
Algo que nos encanta de esta banda a aquellos que tocamos guitarra es la cantidad insana de solos, y Markus Vanhala se divierte demasiado derritiendo la cara del público con todo lo que toca. Esto, combinado con todo su estilo cool ochentoso, con rayas de cebra sobre su guitarra shark tail, hace que se robe gran parte del show.
Pumpehuset es conocido por su ambiente cercano en parte del show, con constantes interacciones con los músicos y el calor de una audiencia que, aunque no llenó el lugar por completo, se entregó totalmente en una seguidilla de clásicos como “Slasher”, “The Darkest City” y “Walking Ghost Phase”. El show se prolongó con un triple encore para cerrar con “Luoto”, “New Dynamic” y “New World Shadows”, y demostró lo fuerte que arrancó este tour europeo.
Tarja Turunen Regresa A La Argentina Para Celebrar El Espiritu De Navidad
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La aclamada soprano finlandesa Tarja Turunen regresa a Buenos Aires para presentar “The Spirit of Christmas”, un concierto especial que forma parte de sus ya tradicionales galas navideñas y que, en 2026 incluirá por primera vez a la Argentina. La cita será el próximo 1 de diciembre en el histórico Teatro Coliseo de Buenos Aires.
“The Spirit of Christmas” es un homenaje al clima emocional de las fiestas: un espectáculo íntimo en el que Tarja, acompañada por sus músicos y un cuarteto de cuerdas, despliega su exquisita técnica, expresividad vocal y sensibilidad interpretativa en un repertorio pensado para celebrar la Navidad y el inicio del Adviento.
Reconocida internacionalmente como una de las voces más influyentes del rock sinfónico, Tarja es la artista solista finlandesa más exitosa de su generación. Soprano, compositora e intérprete, alcanzó fama mundial como cofundadora y voz líder de Nightwish, banda fundamental en el desarrollo del metal sinfónico.
A lo largo de su extensa carrera solista ha expandido su universo artístico sin restricciones, transitando con naturalidad desde los grandes escenarios del rock hasta la solemnidad de teatros líricos e iglesias, consolidándose como una intérprete versátil y profundamente expresiva.
“The Spirit of Christmas” es un espectáculo inédito en la Argentina que propone una conexión directa con el público y una experiencia emocional intensa, capaz de transmitir la magia y la sensibilidad propias del espíritu navideño.
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AT THE GATES lanza “The Fever Mask” extraída del último disco con Tomas Lindberg
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El nuevo álbum de la legendaria banda sueca de melodic death metal llega cargado de historia, dolor y una historia detrás que pocos discos pueden igualar: su vocalista grabó sus partes el día antes de ser operado, y falleció en septiembre de 2025.
AT THE GATES acaba de estrenar el single “The Fever Mask”, primer adelanto de su próximo álbum The Ghost of a Future Dead.
El motivo es tan conmovedor como devastador: este será el último trabajo discográfico junto a Tomas Lindberg, figura central del metal extremo escandinavo y voz inconfundible de AT THE GATES desde sus orígenes. Lindberg falleció en septiembre de 2025 a causa del cáncer con el que venía luchando, dejando atrás un legado monumental para la escena y una historia final que da escalofríos.
En marzo de 2025, el propio Tomas escribió un mensaje a los fans explicando la situación. Contó que había grabado todas sus partes vocales para el álbum en un solo día, mayormente en una sola toma, la víspera de una operación de alto riesgo, simplemente para asegurarse de que el disco quedara terminado. Incluso detalló algo poco habitual en el proceso creativo: la voz fue registrada antes que el resto del álbum, algo inusual pero que, según sus propias palabras, le dio un gran alivio saber que estaba hecho.
La banda también comunicó en aquel momento que habían decidido no esperar más para publicar el disco. Originalmente planeaban aguardar hasta confirmar si Tomas podría volver a cantar y si habría posibilidad de salir de gira. Ante la incertidumbre creciente sobre su salud, optaron por seguir adelante.
The Ghost of a Future Dead se perfila así no solo como un nuevo capítulo en la carrera de una de las bandas más influyentes del melodic death metal, sino como el testamento artístico de Tomas Lindberg, grabado con urgencia, valentía y toda la entrega que lo caracterizó durante décadas.
El álbum contará con doce canciones:
The Fever Mask
The Dissonant Void
Det Oerhörda
A Ritual Of Waste
In Dark Distortion
Of Interstellar Death
Tomb Of Heaven
Parasitical Hive
The Unfathomable
The Phantom Gospel
Förgängligheten
Black Hole Emission
La mezcla de títulos en inglés y en sueco ya dice algo sobre el carácter íntimo y poderoso de este registro. Para cualquier fan del metal extremo, este álbum va a ser mucho más que música: va a ser una despedida.
Los chicos de Xtasy están cada vez más cerca de lanzar su esperadísimo nuevo trabajo Phoenix, el cual llegará a las tiendas el próximo 10 de abril gracias a Burning Minds Music Group y para ello que mejor que lanzar un nuevo adelanto del disco, a modo de precalentamiento antes de su salida.
Con la carismática y talentosa Silvia Idoate a las voces, la banda navarra vuelve a conquistar los corazones rockeros a ritmo de un hard rock muy bien planteado y al que condimentan con ciertas pinceladas de metal melódico, haciendo de su propuesta, una de las más destacadas de la escena nacional.
Y para que vayáis calentando motores y en caso de no conocer mucho a la banda, os dejamos con el videoclip de su nuevo single “If I Fall”, a continuación:
Erra sigue en su línea con “I, The Many Names of God”
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Los norteamericanos Erra han estrenado el videoclip para “I, The Many Names of God”, single que está incluido en su nuevo disco Silence Outlives the Earth, el cual llegará a las tiendas el próximo 6 de marzo vía UNFD Records.
El corte es lo que básicamente representa Erra, está muy bien tocado, las guitarras iniciales son muy pegadizas, la voz de Jesse Cash suena impecable en las partes limpias, mientras que J.T. Cavey aporta lo suyo en los “Screams”, pero aparte de eso, los de Birmingham (Alabama), no tienen nada más, nada que no hubiésemos escuchado en bandas como Saosin, Born of Osiris y Silverstein hace ya dos décadas y ese es el gran problema del metalcore, djent o metal moderno de muchos grupos actuales, que no hacen más que reciclar lo pasado y ponerle algún detalle moderno, para intentar destacar, pero lo cierto es que si bien Erra, no suenan mal, siguen siendo una banda del montón para el estilo.
Hokka estrena “Heart Said No” y pone fecha al lanzamiento de su disco debut
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La banda alternativa finlandesa Hokka ha estrenado el tercer single de su próximo disco Via Miseria IV, el cual ya podremos conseguir a partir del 24 de abril gracias a Nuclear Blast Records.
El disco contará con 10 canciones, que serán las siguientes:
1 Blackbird 2 In the Darkness 3 Death by Cupid’s Arrow 4 Via Miseria 5 Heart Said No 6 Bon Apetit 7 Murder Ballad (Dying Flame) 8 Angels Fall 9 Serpent’s Song 10 Kiss From A Rose
David Ellefson en Buenos Aires: “El bajo al frente, los clásicos intactos”
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DavidEllefson, el ex bajista de Megadethconvirtió su Basstoryen un show directo y potente, apoyado en himnos inoxidables y un repaso por las raíces del heavy metal. Tercera visita consecutiva a Uniclub y cierre de una pequeña maratón personal.
No hubo formato clínico ni charla extendida. No hubo clínica de bajo ni repaso discursivo por su carrera. Ellefson salió a tocar. Y eso, en definitiva, era lo que la mayoría esperaba.
Con una leve demora respecto al horario pactado, el histórico bajista de Megadeth apareció en escena y desde el inicio dejó claro que la Basstory se iba a contar con canciones. El bajo al frente, protagonista absoluto en varios pasajes, marcó el pulso de una noche atravesada por el ADN del thrash. El arranque fue una declaración de principios, y cuando comenzaron a sonar piezas como “Tornado of Souls” y “Trust”, la conexión con el público se volvió inmediata.
Promediando el set, “Hangar 18” elevó la temperatura de la sala. Más adelante, “Symphony of Destruction” terminó de desatar la euforia y el cierre con “Peace Sells” funcionó como broche perfecto: un himno generacional que sigue teniendo la misma fuerza que décadas atrás. Hay canciones que no envejecen; simplemente se transforman en parte del ADN colectivo.
El show no se limitó al repertorio de “la sinfónica del colorado”, hubo espacio para rendir tributo a las bases del género, algo que Ellefson ya venía haciendo en otras paradas de la gira por Sudamérica, incluyendo los shows en Chile donde el formato también fue directo y centrado en clásicos. En Buenos Aires la fórmula se repitió con efectividad: versiones de Black Sabbath como “Neon Knights” y “Paranoid” encendieron a la sala, mientras que el espíritu combativo apareció con un guiño a Fight. También hubo lugar para la potencia clásica de Judas Priest y el desparpajo punk de SexPistols, ampliando el mapa sonoro de influencias que moldearon su carrera.
Más que una “historia contada”, fue una historia ejecutada. Sin discursos entre tema y tema, la narrativa se construyó a través de riffs, líneas de bajo y coros coreados por un público que respondió con entusiasmo constante.
La banda que lo acompañó estuvo a la altura del desafío. Andrew Freeman aportó presencia escénica y oficio en las voces, manejando con solvencia un repertorio exigente. En guitarras, AndyMartongelli y EmmanuelLópez sostuvieron el peso con precisión y actitud, mientras que AdriánEspósito imprimió contundencia desde los parches. El resultado fue un bloque compacto, sin fisuras ni baches, enfocado en la ejecución y en mantener la intensidad de principio a fin.
Mellowdeth fueron los encargados de abrir la noche con un set bien enfocado en clásicos de Megadeth en versión acústica. Arrancaron con “She-Wolf” y desde ahí marcaron el camino: “Use the Man”, la excelsa “Countdown to Extinction”, “Mary Jane” y el cierre con “A Tout le Monde” terminaron de acomodar al público en un ambiente intimista. Correctos, efectivos y sin demasiadas vueltas, funcionaron como antesala lógica para lo que vendría más tarde.
El segundo turno fue para Ocio, quinteto con base entre zona oeste y zona norte del conurbano bonaerense. Con una propuesta más cercana al metal alternativo y el apoyo de teclados, comenzaron con “De Gira”. Con “No Sé Quién Soy” mostraron una de sus facetas más sólidas, y el punto de mayor reacción llegó con el cover de “Killing in the Name” de Rage Against the Machine, coreado por el grueso del público. Luego pasaron por “La Ruleta”, una versión de “Aerials” de System of a Down y cerraron con “Rompiendo Cadenas”. Si bien el accionar fue correcto, tardaron en ganarse el reconocimiento de la gente.
Cuando el reloj Casio marcó las 21:15 y por un lapso de 30 minutos, fue el turno de Viejo Blanco, trío hard rockero oriundo de Cañuelas. El show fue correcto en lo musical, con buenas canciones y actitud, aunque el volumen —extremadamente alto— terminó siendo un factor en contra. Incluso utilizando protección auditiva, la potencia resultó excesiva, especialmente para alguien que llegaba a su tercera fecha consecutiva con propuestas intensas. Quizás su estilo no era el más acorde para una jornada más marcada por el thrash, aunque dentro de una grilla diversa cumplieron con solidez. Mención especial para su joven baterista, con gran despliegue y energía constante detrás de los parches.
En lo personal, esta tercera visita consecutiva a Uniclub cerró una pequeña maratón que había comenzado con Psychonaut 4 y Tribulation (pueden leer las crónicas en la web). Tres propuestas distintas dentro del amplio espectro del metal. Aquellas fechas estuvieron marcadas por la oscuridad, la atmósfera y la introspección, la de Ellefson fue directa al hueso: riffs reconocibles, bajo protagonista y clásicos que siguen convocando generaciones.
No hubo necesidad de reinventar nada, solo canciones fuertes, tocadas con convicción. A veces, la historia no se explica: se toca fuerte y claro sobre un escenario. Y en Uniclub, esa noche, el bajo marcó el pulso.
Agradezco a la producción de TDR Producciones y a Gaby Sisti por la acreditación de poder ver a una leyenda del thrash.
Aunque no abundan las noches verdaderamente negras en la capital, el pasado domingo 15 de febrero se tiñó de una oscuridad poco habitual. Los pioneros del black metal noruego, Mayhem, aterrizaban en la sala La Riviera prometiendo una velada intensa y cargada de simbolismo. Les acompañaban dos pesos pesados de la escena extrema: los estadounidenses Immolation y los suecos Marduk. El cartel no dejaba lugar a dudas: la capital sería testigo de una ceremonia sonora de primer nivel.
Mayhem sigue destacando por la potencia de sus directos y por un legado oscuro que, lejos de diluirse con el paso del tiempo, continúa creciendo. En esta gira conmemorativa de sus 40 años de carrera, la banda combina material reciente con clásicos imprescindibles, marcando un hito en la escena extrema madrileña. Lo suyo no es simplemente un concierto; es una invocación colectiva, una experiencia que trasciende lo musical.
Ir a un concierto de Mayhem es siempre un ritual. Nunca sabes exactamente qué va a suceder sobre el escenario. Hay giros inesperados, cambios de vestuario, escenografías inquietantes y una puesta en escena que roza lo teatral. Aunque históricamente no han sido banda de masas —en parte por lo histriónico y extremo de su propuesta—, La Riviera rozó el sold out. Sorprendió, además, la notable presencia de público joven. Ver rostros casi adolescentes luciendo corpsepaint con convicción y respeto por el género resulta alentador: el relevo generacional del black metal está asegurado.
La noche arrancó con puntualidad británica a cargo de Immolation, auténticos referentes del death metal neoyorquino. Con más de tres décadas de trayectoria, los de Nueva York presentaron su devastador directo tras la publicación de su último trabajo, Acts of God. Su propuesta, técnica y sombría, sigue marcando el paso dentro del death metal mundial. Riffs densos, estructuras complejas y una ejecución impecable sirvieron para calentar motores en una sala que, desde el primer momento, respondió con entrega.
Desde Suecia, Marduk tomó el relevo aportando su intensidad blasfema y su contundencia inquebrantable. También con más de 30 años de carrera, son uno de los nombres más respetados y consistentes del black escandinavo. Con clásicos como “Panzer Division Marduk” o “Memento Mori” en el repertorio, la banda desató una tormenta de velocidad y agresividad. Su público fiel respondió con pogos y cuernos en alto, mientras las habituales luces rojas y el humo espeso envolvían la sala en un ambiente lúgubre, casi bélico, como dicta su liturgia sonora.
Finalmente, con una precisión casi milimétrica (apenas unos segundos antes de las 20:55) llegó el turno de los esperados Mayhem (The True Mayhem), en su única fecha en España. La expectación era máxima. Esta gira aniversario, acompañada de nuevo material editado recientemente, trajo consigo una puesta en escena más ambiciosa de lo habitual. El escenario, cargado de simbología, luces calculadas al detalle y una atmósfera asfixiante, reforzaba esa sensación de estar presenciando algo más que música en directo.
La banda, cuya historia ha estado marcada por el drama, la tragedia y la controversia, parece preparada para escribir un nuevo capítulo. Lejos de vivir únicamente del pasado, demuestran que siguen siendo una fuerza creativa y escénica de primer orden. Como siempre, Attila Csihar fue el epicentro del espectáculo: inquietante, impredecible y magnético. Con sus cambios de vestuario, sus gestos teatrales y su particular manera de moverse entre lo grotesco y lo místico, convirtió cada tema en una pequeña ceremonia.
Mayhem no ofrece simplemente canciones; ofrece una experiencia ritualista de noches negras. Y aunque Madrid no suela teñirse de sombras tan densas, aquella velada demostró que cuando el black metal auténtico llega a la ciudad, lo hace para dejar huella.
Rites of the Blood Moon en Copenhague: “Pagan metal para los que todavía creen”
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En los dorados 2000, una corriente underground que tuvo mucha fuerza fue la del pagan metal. Esta consiste en mezclar black metal con elementos épicos y folk. Hoy en día, este género entró en un estado de culto. Esto se debe a que el black metal se fue por horizontes más humanos y el folk metal por un terreno más comercial. Por lo que el tour demoníaco Rites of the Blood Moon, que presenciamos en Copenhague, es un show de culto e imperdible para los seguidores de este género, ya que concentraba a bandas importantes dentro del estilo, y dos de ellas no se habían presentado en Dinamarca hasta el momento.
Los encargados de comenzar la noche fueron los franceses Belore. Su propuesta se define como un black metal pagano/épico, ya que pistas de teclados y flautas colorean los riffs de guitarra. Las guitarras no buscan ser agresivas, sino más bien atmosféricas y hacer sentir al espectador que está en una historia de fantasía. Esto también lo logran con solos que no son intrincados ni técnicos, pero sí entretenidos. Todo esto reposa sobre una batería sólida y contundente, que se adapta a cada momento de la canción. El sonido fue bueno, pero le faltó un poco de potencia a las guitarras. Si bien estas no buscaban romper cabezas, se sentían muy suaves. Los músicos estaban compenetrados en dar una ejecución correcta y transmitir esa emoción de introspección, por lo que la comunicación con el público se limitó a agradecimientos. Este respondió con mucha alegría y entusiasmo a este afectuoso saludo y a la presentación.
Wolfchant fueron los segundos, y sin duda subieron la energía a otro nivel, gracias a una presentación mucho más energética. Los dos vocalistas se tomaron el trabajo de lograr que el público no tuviera respiro. Hicieron gritar, aplaudir y saltar a una audiencia que tenía muchas ganas de ver el show. Un detalle no menor es que lograron hacer esto con un set de mayoría de canciones próximas a editarse. En este tour presentan su trabajo Echoes of a Time Once Past, que sale a la luz dos días después del concierto. El sonido fue mucho más fuerte y pesado. Las dos guitarras se lucieron, haciendo desde riffs potentes hasta otros más melódicos. Mención especial para los solos y pasajes donde se intercambiaban el papel principal. La batería sonó potente y pesada, y cómo no con un baterista tan bueno y preciso. Las voces sonaron claras y potentes. El juego de las dos voces juntas quedó muy bien y demostró la buena interacción entre los vocalistas. Un show muy bueno, que dejó a todos contentos.
Llegó el turno de una de las bandas que había tocado en la capital danesa anteriormente y, por lo tanto, la que más fans tenía entre el público. Me refiero a los oriundos de Letonia, Skyforger. Caracterizados como antiguos esclavos, tomaron el control de la sala con su potente black metal. Hasta el momento era la banda más pesada en presentarse, ya que la velocidad forma parte de su propuesta y no cuentan con pasajes con voz limpia. Las guitarras hacían riffs bien pesados y rápidos, acompañadas por un bajo igual de intenso. Por encima se encontraban pistas folklóricas y la voz bien rasposa, característica del black metal. La batería servía como base, y el baterista destacó mucho, ya que tenía un metrónomo en el corazón: no pifió un golpe. El sonido fue muy bueno, inclusive el mejor hasta el momento en la fecha. Todos los instrumentos sonaban claros y nítidos, sin problemas de nivelación. Si bien la lista se centró en su nuevo material, Teikas (editado en 2025), el público reaccionó de la mejor manera. Incluso se generaron los únicos circle pits y pogos de la jornada. Luego de diez canciones, saludaron a la audiencia y se retiraron muy ovacionados.
Los encargados de cerrar la fecha fueron los suecos Ereb Altor, quienes también se habían presentado en Copenhague anteriormente. Su estilo es un black metal bastante épico y con mucha influencia de música vikinga. Sus canciones tienen una estructura que se asemeja al heavy metal tradicional, pero con un sonido más extremo. La épica se transmitía, más allá de las pistas folklóricas, con coros y cantos que te transportaban a la época vikinga, mientras una voz gutural evocaba a alguna criatura mitológica y los riffs filosos y pesados terminaban de crear el panorama. La batería acompañaba perfecto todos estos climas, gracias a un baterista versátil y creativo. El sonido fue muy bueno, inclusive un poco mejor que el de la banda anterior, con las guitarras bien definidas y un bajo poderoso. Las voces estaban altas en la mezcla, por lo que no quedaron tapadas por la batería ni por los otros instrumentos. Tras una presentación sólida, se retiraron del escenario con la audiencia convencida por el espectáculo.
Si bien el tiempo pasa y algunas corrientes dejan de estar en el centro de atención, los fanáticos quedan. Siempre un movimiento o estilo, por más underground que sea, va a tener un grupo de fans acérrimos. Esto fue confirmado en esta fría noche de miércoles en Copenhague.
Ahora Si Es Oficial: Arch Enemy Tiene Nueva Vocalista Y Estrena Video
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El misterio terminó. La banda sueca de death metal melódico confirmó oficialmente a la ex cantante de Once Human como la voz que lidera su nueva etapa, acompañando el anuncio con el videoclip de su primer single juntos.
El mundo del metal tenía los ojos puestos en Arch Enemy desde que se conoció la salida de Alissa White-Gluz, y hoy el enigma finalmente se resolvió: Lauren Hart es la nueva vocalista de la banda. La confirmación llegó el 19 de febrero de 2026 de la mano del estreno oficial del videoclip de “To The Last Breath”, el tema con el que la agrupación abre un capítulo completamente nuevo en su historia.
Hart no es ninguna desconocida para los fanáticos del metal pesado. Nacida en Estados Unidos pero criada en Australia, fue descubierta en 2014 por el productor Monte Conner, quien la puso en contacto con Logan Mader —ex Machine Head— para fundar juntos Once Human. A lo largo de su carrera también colaboró en vivo y en estudio con Kamelot, Dragonforce, Sinsaenum y Divine Heresy, demostrando una versatilidad vocal poco común: capaz de rugidos devastadores tanto como de pasajes limpios que ponen la piel de gallina.
El propio Michael Amott, alma mater y guitarrista fundador de Arch Enemy, fue el encargado de presentarla sin vueltas: “Conectar con Lauren ha supuesto un paso importante en mi trayectoria. Trabajar con ella ha sido una experiencia excepcional: su extraordinaria voz, junto con su dedicación y profesionalidad, aportan un nivel de excelencia poco común.”
Sobre la canción que inaugura esta era, Amott también fue contundente: “Esta canción es toda una declaración de intenciones. Musicalmente, se ajusta sin complejos a mi visión original para la banda, y creo que los fans de toda la vida lo reconocerán inmediatamente.” La letra, según sus propias palabras, habla de ver más allá del engaño, de ese momento en el que uno se da cuenta de que le han estado mintiendo y decide plantar cara. Nada de medias tintas.
“To The Last Breath” fue grabada por Max Morton, con mezcla y masterización a cargo de Jacob Hansen, nombre habitual en el circuito del metal europeo de primera línea.
Cabe recordar que antes del anuncio oficial circularon rumores sobre posibles candidatas al puesto, entre ellas Angela Gossow —la icónica ex vocalista y actual mánager del grupo— y la brasileña Mayara Puertas de Torture Squad. Ambas desmintieron cualquier vínculo con la vacante.
La nueva alineación de Arch Enemy queda así conformada por Lauren Hart en voz, Michael Amott y Joey Concepcion en guitarras, Sharlee D’Angelo al bajo y Daniel Erlandsson en batería.
La banda ya tiene agenda para 2026, incluyendo fechas en el marco de la gira “Back to the Root of All Evil” con paradas en Berlín, Copenhague, Estocolmo, Helsinki, París y Londres, entre otras ciudades. En España, los suecos tocarán el 5 de agosto en el Jimmy Jazz de Vitoria-Gasteiz y participarán como cabezas de cartel del festival Leyendas del Rock.
Avernal anuncia su primer show del año en Buenos Aires presentando “Epykrosis”
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Avernal, la leyenda del death & roll sudamericano vuelve a los escenarios porteños con su primer show de 2026 en Uniclub. La banda presentará material de “Epykrosis“, su nuevo álbum, sin dejar de lado los clásicos que los convirtieron en nombre de culto en Latinoamérica. Décadas de trayectoria respaldan una noche de metal extremo argentino sin concesiones.
La banda se consolidó como una de las pioneras del death metal nacional, fusionando la agresión del death con el groove del rock and roll en un sonido distintivo que marcó a generaciones.
El show contará con DJ set a cargo de Romi Ramone, sumando ambiente a la velada.
Las entradas están disponibles a través de Alpogo Tickets.
La banda, que conquistó escenarios a lo largo de su carrera, promete un ritual para los que estuvieron desde el comienzo y para quienes llegaron después a rendir homenaje. El show está producido por Noisegroundy se realizará en Uniclub (Guardia Vieja 3360, CABA).
Una cita obligatoria para los cultores del sonido extremo local
Las Cosas que Perdimos en el Fuego presenta su nuevo EP
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La banda marplatense Las Cosas que Perdimos en el Fuego conocida por su fusión única de emoción y fuerza, lanza su EP “Hasta que el mar nos lleve”. En este la banda explora una vez más los rincones más oscuros y conmovedores del hardcore emocional, sumergiéndose en un viaje sonoro cargado de intensidad y pasión.
Hasta que el Mar Nos Lleve hace foco en los duelos y la pérdida. Desde tener que resignar los sueños, hasta la pérdida de un ser amado, pasando por la bronca ante un mundo injusto que desea marchitar toda esperanza de un cambio.
Según la banda el disco es una búsqueda constante entre el equilibrio de pasajes atmosféricos y momentos de furia, gritos desgarradores y melodías cargadas de angustia.
En este se destaca la canción El color de la noche, esta tiene fragmentos inspirados en la obra de Enríquez. El estribillo que dice ‘Ella camina sobre las tumbas, su belleza es como la noche’ es una referencia directa a ella, a su gusto por visitar cementerios.
Temas:
1. Primero hay que aprender a sufrir
2. Un Lugar Dónde Envejecer
3. Hasta que el Mar nos Lleve (feat @marianaenriquez)
4. Y así es como entra la Luz
5. El Color de la Noche
Grabado en Estudios del Parral por Mariano Basulto
Mix y Master por Diego Taconne
Producción por Gori (Fantasmagoría / Fun People)
Arte de portada por Amoysenhor
Acerca de Las cosas que Perdimos en el Fuego
Las Cosas que Perdimos en el Fuego nace en Mar del Plata por el deseo de hacer Hardcore Emocional. Después de hacer canciones rápidas y furiosas a la hora de subirlas para compartirlas, la banda elige el nombre Las Cosas que Perdimos en el Fuego como tributo al libro de Mariana Enriquez.
Con el paso del tiempo se conforma la banda y siguen componiendo y grabando.
La influencia de los nuevos integrantes se puede ver en el cambio que se produce entre Cinco Canciones(2023) y Cuatro Canciones de Invierno (2024)
Durante el verano de 2025 la banda grabó 3 singles “Las Lágrimas se secan solas”, “Polaroid”, “En las Manos de un Miserable y “El Poder Solo Trae Ruina”.
Todo lo grabado por la banda entre 2024 y principios de 2025 se puede encontrar en un compilado llamado “8 Canciones para ver morir el sol” editado por el sello Luz Sobre Tinieblas.
La banda está conformada por Hernán en voces, Muzzu en bajo, Gus y Nahufa en guitarras y Gastoncito en batería.
Poppy traerá su transformación sonora a un SWG3 repleto
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La artista estadounidense de metal moderno Poppy se presentará en el escenario del SWG3 Warehouse de Glasgow el 4 de marzo con entradas agotadas, como parte de su gira Constantly Nowhere en apoyo de su nuevo álbum “Empty Hands”. Estará acompañada por la banda australiana de nu metal Ocean Grove, quienes estuvieron recientemente por la ciudad junto a los también australianos Thornhill, además del grupo estadounidense de hip hop/hardcore Fox Lake.
Desde su reinvención, pasando del hyper-pop al hardcore y metalcore, Poppy se ha consolidado como una de las artistas más interesantes y comentadas de la escena metal moderna. Esto queda demostrado por el hecho de que múltiples fechas de la gira ya han colgado el cartel de entradas agotadas.
La última vez que Poppy actuó en Glasgow fue en 2024, en el Barrowland Ballroom como parte de su “Zig Tour“. Desde entonces, el público local ha esperado con ganas una nueva visita, y no hay dudas de que el show del 4 de marzo estará a la altura — o incluso más — de las expectativas.
Ingested expulsan de manera fulminante a Josh Davies
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La tormenta ha sacudido a los británicos Ingested, quienes a través de sus redes sociales han comunicado la expulsión sin contemplaciones del que fuese su vocalista Josh Davies y de la cual no han querido extenderse mucho en los detalles, porque visto lo que circula por la red social Tik Tok, se debería a unas “supuestas” denuncias contra el músico por conducta inapropiada y de índole sexual contra varias mujeres.
El comunicado también confirma que Adam Mercer (antiguo cantante de A Wake in Providence), los acompañará para hacerse cargo en el tour que tienen por Europa y Reino Unido junto a Bodysnatcher.
Podéis leer el breve pero más que contundente comunicado AQUÍ.
Chez Kane vuelve a las andadas con “Personal Rock N’ Roll”
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La rockera galesa Chez Kane está cada vez más cerca de lanzar su esperadísimo tercer trabajo de estudio Reckless, el cual podremos escuchar completo a partir del próximo 27 de marzo vía Frontiers Music srl y con el cual la artista apunta a consolidarse como la reina del hard rock moderno más melódico y accesible.
Chez, sigue destacando con estos nuevos temas y en esta ocasión, presenta “Personal Rock N’ Roll”, un corte más cañero que algunos de sus adelantos previos, pero siempre con ese toque “Juguetón” que tiene esta chica heredado de artistas como Vixen o Lita Ford, entre otras.
A pesar de que ha tardado más de lo esperado en lanzar su nuevo disco, el tiempo parece estar dándole la razón de que a fuego lento se cocinan mejor las cosas y como se puede comprobar aquí, Chez Kane tiene mucho fuego aún por explotar.
Belphegor siembra el terror con “Scarlet Beast – Leviathan”
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La demoledora y oscura agrupación austríaca Belphegor ha lanzado “Scarlet Beast – Leviathan”, donde vuelven a hacer gala de su brutal y sangriento sonido, que los ha llevado a ser una de las bandas más importantes e influyentes de su generación dentro del estilo que practican.
De momento, no sabemos si este tema será parte del nuevo disco de la banda, o simplemente es un single para marcar su regreso, ahora bien, lo que si podemos afirmar es que Belphegor están de vuelta y en una forma impecable.
En 1998, una banda conformada por dos hermanos ingleses oriundos de Liverpool escribió una canción titulada “Fragile Dreams”. Una pieza que con el tiempo quedaría inmortalizada dentro su catálogo, que se volvería en una de las más queridas por los fanáticos y que sería una de las infaltables en sus conciertos. Dicho tema, cuenta con estribillo que contiene las siguientes líneas: “Maybe I always knew, My fragile dreams would be broken, For you”. Una frase tan melancólica como poderosa. Con un sutil tono poético. Y que a su vez, define a la perfección el vínculo íntimo y personal que esta banda creó a lo largo de los años con sus fanáticos. Y también conmigo. Esa banda se llamaba Anathema y hoy venimos a hablar de lo que fue. O más bien, de en lo que se transformó.
Weather Systems es el nombre del nuevo proyecto del señor Daniel Cavanagh, guitarrista y fundador de Anathema, con el que decidió regresar a Buenos Aires, el pasado 6 de febrero. El músico se presentó en el Teatrito como parte de su gira por Latinoamérica con el fin de compartir las composiciones de su más reciente obra, Ocean Without A Shore (2024), y su vez, el de expandir el legado y espíritu de su antigua banda, por medio de sus mayores éxitos.
Con este punto de partido, es evidente que la noche estuvo marcada por un hilo musical nostálgico y emotivo. Uno que conectó tanto el pasado como el futuro, que enlazó dos universos artísticos, y que desde la primera nota hasta la última, emocionó a todos los presentes, desde la sensibilidad y el tacto de las guitarras y el teclado.
Pero ya habrá tiempo para hablar de eso. Porque no todo se trató de lágrimas y recuerdos de un pasado mejor. Presto Vivace se encargó darle a la jornada un inicio electrizante y potente con su propuesta progresiva. La agrupación argentina dibujó los primeros acordes de la noche, con la solvencia y exquisitez técnica, que ellos acostumbran.
Durante su tiempo en el escenario, la banda contó con una producción impecable que permitió apreciar con suma nitidez, el talento y virtuosismo de todos los músicos. En especial, el de su fundador Marcelo Pérez Scheiner, en el bajo. Con solo tres temas, los argentinos dieron una exhibición majestuosa de metal progresivo, demostrando porque son los abanderados del género en el país.
Concluida su actuación, el Teatrito adoptó un ambiente mucho más íntimo. Lentamente, la gente se fue concentrando hacia adelante. Impulsados por el magnetismo de poder presenciar nuevamente a Daniel, las miradas se dirigieron hacia el escenario. Las paredes se tiñeron de un tono más azulado y oscuro, dando una sensación estelar.
Las expectativas iban creciendo. Cada vez faltaban menos minutos. Sin embargo, el aire que se respiraba era de total tranquilidad. Un clima sin sobresaltos, sin exaltaciones, ni de gritos de personas pidiendo por la banda. Solamente calma y paciencia.
No obstante, esa armonía que se fue construyendo en la previa se perdió de forma abrupta ante la euforia y emoción que desató la aparición del grupo. En especial, la de Cavanagh. Y no era para menos. Siete años habían pasado de la última presentación del músico en suelo argentino. Una cantidad de tiempo más que considerable. Pero esa espera se diluyó cuando empezó a sonar “Deep”, del disco Judgement (1999). Un clásico que marcó la pauta de la noche: recordar el pasado, para abrazar el presente.
Y es que inmediatamente, el músico enlazó con total naturalidad el legado con lo actual. Para sorpresa de varios, “Still Lake” fue la primera pieza del nuevo material en ser interpretada, rompiendo quizás con el orden esperado de temas. Sin embargo, le siguieron “Synaesthesia”, y “Do Angels Sing Like Rain?” respetando la estructura original del disco. Pero más importante, manteniendo la emotividad y melancolía del pasado.
Y es que Daniel siempre describió a este proyecto como el sucesor espiritual de Anathema. Nunca lo negó. Pero una cosa es decirlo con palabras. Y otra, con música. Ya habían pasado la prueba en el estudio. Pero ahora tenían el desafío de hacerlo sobre el escenario. Porque más que un bautismo de fuego en el país, la banda tenía uno de validación. De aceptación. De incorporar una identidad y traer de la mano todo un universo musical con mucha historia y carga emocional.
Esa aprobación se vio reflejada en los eufóricos y apasionados cantos de cancha del público, que no paró de corear en varios tramos de la noche: “Oh, Weather Systems, es un sentimiento, no puedo parar”.
Con esta devolución y con un Daniel más suelto, los clásicos empezaron a rodar. Primero algunos con un tono más calmado y minimalista como “Springfield”, o “Flying” y otros con una pizca más explosiva como “Closer” o “A Simple Mistake”. Pero todos con una cuidadosa atención a la construcción de climas y estados. Dejando a los temas fluir y marchar a su ritmo.
Pero el que también fluyó fue el mismismo Danny que se bajó del escenario con “Ocean Without a Shore”, creando uno de los momentos más apasionantes y bellos de la jornada.
Tras esto, la que no se quedó atrás fue su acompañante femenina, Soraia Silva. La cantante portuguesa venía soltándose lentamente a lo largo del show, agarrando más confianza y presencia. Sin embargo, tras la llegada de Untouchable Part I, la que se robó el protagonismo fue ella. No sólo por su gran registro vocal. Sino por la vitalidad y energía que le brindó al tema, al bajarse también, y cantar junto al público que la recibió con una sonrisa y los brazos abiertos. Sin duda, de lo más emocionante que nos dejó la artista que para muchos fue la gran sorpresa.
Aunque si de sorpresas hablamos, no podemos fuera el cover de Metallica que se tocó. El bajista André Marinho, se puso enfrente de los micrófonos y se hizo cargo de cantar “Wherever I May Roam”. Si bien la interpretación del músico fue notable, el tema se sintió fuera de lugar. Rompiendo con el estado melancólico e íntimo que se había construido previamente con las tres partes de Untouchable. Un tanto innecesario el cover.
Sin embargo, el grupo retomó la senda de la sensibilidad y culminó la jornada con dos gemas: “A Natural Disaster”, dónde brillo la voz de Soraia y “Fragile Dreams” que desató el último pogo al compás de la guitarra de Danny, que fue la que apagó el show.
Con lágrimas y el pulso acelerado por la emoción, la gente despidió a los músicos que se mostraron ampliamente agradecidos por el aguante y apoyo. Y es que el recital se trató de eso, de generar una conexión. De crear un espacio personal de encuentro entre el pasado y el presente. Entre lo que fue y lo que es. La música de Anathema siempre se encargó de abrazar el lado más vulnerable y sensible de uno. Y Weather Systems, lo logró.
Fue un viaje hacia que condujo a más de uno a los rincones más profundos de su interior. Y seguramente, de su corazón.
Si bien Vincent ya no está, tanto su hermano Danny como Cardoso, se están encargando de mantener vivo un legado. Y por qué no, de crear otro.
Agradecemos a Icarus por la acreditación y producción del evento.
Los alemanes de Aeon Gods están próximos a lanzar su nuevo larga duración bajo el nombre de Reborn To Light; editado a través de Scarlet Records verá la luz el 20 de febrero del 2026.
Luego del debut con King Of Gods, inspirado en leyendas de la antigua Babilonia, nos llega este nuevo álbum cuya historia se basa en el radiante y sombrío reino del antiguo Egipto.
La banda integrada por Alex ‘Sol’Ra-tu’ Hunzinger (voces), Anja ‘Su’en -Chel’ Hunzinger (teclados), Pat ʹUr’Athtarʹ Hesse y Robert ‘Abzu’Kean’ Altenbach (guitarras) y Elias ‘Iš’Taru’ Knorr (batería), nos traen un álbum potente, veloz, con interesantes sinfonías y ambientes cinematográficos para narrarnos antiguas leyendas egipcias.
A eso debemos sumar la presencia de algunas melodías orientales que colaboran para ambientar la historia que los teutones nos quieren contar.
El inicio se encuentra a cargo de uno de los sencillos que sirvieron a modo de adelanto de lo que vendrá: “Birth Of Light”, un tema de power metal clásico con melodías y coros épicos y la velocidad característica del género.
“Flames Of Ember Dawn” y “Feather Or Heart”, respectivamente, nos muestran a la banda bajando la velocidad en la primera parte del estribillo para luego subirla nuevamente y darle un tono claramente épico al coro y poniendo en evidencia, en la segunda de las canciones mencionada, el lado más rockero del grupo.
Las joyas compositivas de esta producción se encuentran a cargo de “Amduat” y “Re’s Dying Reign” y sus cuatro y tres partes respectivamente. Ambas composiciones no se entienden sin cada una de las canciones que la integran donde la banda recurre a la combinación de distintos elementos que le permiten crear diferentes atmosferas que te acompañan a lo largo de cada uno de los temas que dan vida a estas historias. Cada una de las partes se encuentra pensada en función de las restantes, lo que permite a la agrupación sumergirte en una tormenta de arena musical.
La primera de las composiciones mencionadas se encuentra formada por “Barque Of Millions (Amduat pt. I)” un comienzo casi a un medio tempo que con “The Sacred Union (Amduat pt. II)” vuelve a incrementar la velocidad con una melodía épica y un más que interesante blast beat; a su turno “Soldiers Of Re (Amduat pt. III)” se encuentra caso a mitad de camino entre las dos anteriores presentando unos riffs pesados y densos y un estribillo corto y melódico, para dar paso a “Reborn To Light (Amduat pt. IV)”, un gran cierre con un coro épico hecho para ser gritado a plena voz en vivo, velocidad y melodía.
Por su parte, “Rebellion (Re’s Dying Reign pt. I)”, “Blood And Sand (Re’s Dying Reign pt. II)” y “Blood And Sand (Re’s Dying Reign pt. II)” dan forma a esta trilogía. Con un inicio narrado y un tema pesado pero sin abusar de la velocidad, la banda nos introduce en esta nueva historia para luego bajar las revoluciones y generar la atmósfera necesaria para la explosión de power metal que representa la tercera parte: sin dudas las melodías más powermetaleras de todo el larga duración y un doble bombo que grita presente de principio a fin para hacer llegar a nuestros oídos un coro épico que seguramente será uno de los momentos destacados en las futuras presentaciones en vivo de los teutones. Desde el comienzo de la primera parte hasta el último acorde de la trilogía la presencia de melodías orientales nos permite ambientarnos en las arenas del alto y bajo Egipto.
La placa nos presenta todos los elementos propios del genero colocados acertadamente en el lugar que permite potenciarlos y ofrecer a los oyentes un disco de power metal que no decepciona ni aburre. Ninguno de dichos elementos se encuentra sobreexplotado, sino que son usados en su justa medida para beneficio de las composiciones.
Burning Witches en Murcia: “al filo de la Inquisición”
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La noche del 12 de febrero el heavy metal más inciendiario hizo parada en la Sala Garaje Beat Club con la gira conjunta “Witches and Kings” que recorre nuestra península por varias ciudades. Dos propuestas distintas pero perfectamente compatibles: el power metal festivo y teatral de Hammer King y la contundencia afilada de Burning Witches. Una velada directa, que promete intensidad, épica y energía, con el público murciano entregado desde el primer momento.
Los alemanes, Hammer King, estandartes de la realeza del power metal, salieron decididos a meterse al público en el bolsillo desde el inicio con “King for a Day”. Pinturas de guerra, poses estudiadas y ese punto teatral que forma parte de su identidad. Cada concierto es como una auténtica ceremonia de coronación, dispuesta a conquistar y expandir su reino. Siguieron con “Make Metal Royal Again” y “Kingdom of Hammers and Kings”, tres golpes rápidos para dejar claro que lo suyo es el power metal coreable y con estribillos pensados para cantar en grupo.
“Pariah Is My Name” mantuvo el ritmo alto, mientras Titan Fox V no dejó de animar a las primeras filas. Hubo momento para el tema en alemán, “König und Kaiser”, que despertó curiosidad y palmas, y para “Last Hellriders”, donde el ambiente ya era totalmente festivo.
Salieron demonios, brujos y un enorme martillo como parte de su propuesta, incluso repartieron monedas que lanzaron al público que se mantuvo muy divertido durante todo su show.
No faltaron “Hailed by the Hammer” y “Hammerschlag”, auténticos himnos de batalla, y la ya habitual versión de “Danger Zone”, que aportó el toque divertido de la noche. Cerraron con “Hoheitsgebiet” y “Kingdom of the Hammer King”, dejando claro que saben cómo construir un show dinámico y entretenido. Son una banda hecha para calentar motores… y lo consiguieron.
Con su sexto trabajo bajo el brazo, Inquisition, las suizas Burning Witchesdan un paso más allá en su evolución y muestran su cara más intensa hasta el momento. El álbum se adentra en pasajes sombríos inspirados en la persecución medieval y el fanatismo religioso, pero lo hace desde una óptica de fuerza y desafío, convirtiendo cada canción en una reivindicación de resistencia.
El sonido se percibe más contundente y envolvente que nunca, con guitarras incisivas, solos amplios y melodías que atrapan desde la primera escucha. Lejos de acomodarse, la banda apuesta por endurecer su propuesta y consolidar su identidad, confirmando que siguen creciendo y que ocupan un lugar firme dentro del heavy metal contemporáneo.
Tras el cambio de escenario, las suizas arrancaron con “Soul Eater”, directa y sin rodeos. Desde ahí, la intensidad no bajó. “Shame” y “Dance with the Devil” sonaron afiladas, con Laura Guldemond dominando el escenario y buscando constantemente la complicidad del público.
“Maiden of Steel”, “The Dark Tower” y “Sea of Lies” demostraron que la banda funciona como un bloque sólido, con guitarras muy bien empastadas y una base rítmica firme. Cada tema caía con peso propio, sin necesidad de adornos.
El tramo central fue especialmente potente con “Inquisition”, “Release Me”, “Black Widow”, “Evil Witch”, “We Stand as One” y “Lucid Nightmare”. Heavy metal clásico, riffs marcados y estribillos que la sala coreó con ganas. Se notaba que buena parte del público venía con la lección aprendida.
Para el final guardaron la artillería pesada: “Hexenhammer” levantó los puños en alto, “Wings of Steel” hizo vibrar el Garaje y “The Witch of the North” preparó el terreno para el cierre definitivo con “Burning Witches”con gorrito de bruja incluido en la cabeza de Laura y que sonó como una auténtica declaración de intenciones.
En conjunto, fue una noche de metal efectiva y contundente: dos bandas que saben lo que hacen, repertorios bien elegidos y una sala que respondió con energía, pese a la baja entrada que se registó. Murcia volvió a demostrar que el heavy tiene su sitio y su gente fiel.
HUNGRS REEDITA “SIMBIOSE” EN SU PRIMER ANIVERSARIO Y PRESENTA NUEVO SINGLE
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Hungrs, el proyecto brasilero de heavy metal integrado por Marcos (45) y su hijo Lucca (17), acaba de lanzar la edición especial por el primer aniversario de Simbiose, su álbum debut publicado en 2025.
Disponible desde el 10 de febrero, esta nueva versión incluye la canción inédita “Negative Abyss”, además de las versiones instrumentales de todo el disco y una variación del arte original.
A un año de su lanzamiento original, el álbum acumula más de 40 mil streams en Spotify y 50 mil visualizaciones en YouTube, además de cobertura en medios especializados de Brasil y el exterior. El foco de esta reedición es “Negative Abyss”, una canción que profundiza el costado conceptual del proyecto y aborda temas como el tiempo, la ruptura y la continuidad.
La letra está inspirada en el artículo académico “The Negative Abyss: Surface, Depth, and Violence in Virilio and Stiegler” (2015), que reflexiona sobre cómo la tecnología y la velocidad transforman nuestra percepción del pasado, el presente y el futuro.
El single llegó acompañado de un videoclip dirigido por Felipe Hervoso (Noiseforge), filmado en Estudio 540 (Campinas).
Como parte de esta etapa, Simbiose también tendrá edición física en CD a través del sello Lambrequim. En paralelo, Hungrs ya trabaja en su segundo álbum, con alrededor de 13 canciones en desarrollo y una propuesta aún más pesada y directa.
Durante 2026, la banda apunta a ampliar su presencia en vivo y seguir consolidando su proyección internacional.
El proyecto combina la experiencia de Marcos, quien en su juventud formó parte de la banda Autofobia en Santos (Brasil), con la formación musical de Lucca, baterista desde los 7 años y también guitarrista.
Las canciones —compuestas instrumentalmente por Lucca y luego trabajadas en letras y voces por Marcos— están en inglés y abordan sentimientos, angustias y experiencias personales.
Entre sus influencias se encuentran bandas como Korn, Deftones, Slipknot, Tremonti, Lamb of God, Meshuggah y Gojira, entre otras. La mezcla y masterización están a cargo de Jonathas Peschiera (Noiseforge / AXTY).
Los legendarios punk rockeros británicos The Adicts nos visitarán una última vez para despedirse en el marco de su “Adios Amigxs World Tour 2026” y donde podremos disfrutar de una banda tan genuina e importante dentro del género así como muy infravalorada.
Con el guiño a The Ramones en el nombre que da vida a su (más que posible) último tour en salas, podremos ver a la banda en la siguiente fecha:
20 de Junio – Barcelona – Paral . Lel 62
Las entradas están a la venta a un ritmo muy alto, así que no te despistes y asegura la tuya AQUÍ, porque puede que no haya más oportunidades de ver a The Adicts sobre el escenario.
Los portugueses Gaerea han lanzado su nuevo single “Nomad”, el cual viene acompañado por un potente y oscuro videoclip, como suele ser habitual en la banda lusa y que está extraído de su último trabajo de estudio Loss, el cual llegará a las tiendas el próximo 20 de marzo a través de Century Media Records.
Old Man’s Child confirmado para el quinto Candelabrum Metal Fest
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Old Man’s Child, el proyecto de black metal sinfónico noruego liderado por Galder (ex-Dimmu Borgir) ha anunciado su regreso a los escenarios latinoamericanos para este 2026 y el Candelabrum Metal Fest ha anunciado que se quedará con la exclusiva para México este próximo 12 y 13 de septiembre.
Fundada en 1989 como Requiem y cambiando su nombre en 1993, la banda ha pasado por algunos periodos de inactividad que no han hecho más que acrecentar su leyenda, volviendo en general a los escenarios apenas el año pasado, con lo que se esperaba pacientemente que se anunciaran fechas por este lado del charco.
Siendo una de las bandas más pedidas por los asistentes a este festival, se prevée que este show pase a la historia de los eventos de metal moderno en México.
Los boletos pueden encontrarse a través de la plataforma e.ticket, mismos que se encuentran aún en su primera etapa.
Tribulation en Buenos Aires: “Elegancia cadavérica”
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Uniclub volvió a vestirse de negro para recibir a Tribulation, en una noche que combinó mística, sobriedad y una convocatoria moderada pero comprometida. Cerca de cien personas se acercaron al recinto de Guardia Vieja para presenciar el regreso de los suecos en formato headliner, una visita esperada por quienes han seguido la transformación del grupo desde sus días más ligados al death metal hacia ese presente donde el gothic heavy de atmósferas densas define su identidad.
La jornada comenzó con la presentación de Rhaug. La banda local de black metal atmosférico viene demostrando un nivel sonoro y profesional de excelencia, y esta vez no fue la excepción. Durante aproximadamente 45 minutos, mientras la gente terminaba de ingresar al lugar, el grupo nos sumergió en una inmersión catártica absoluta.
Más que un simple show de apertura, el cuarteto propuso una inmersión progresiva en un clima denso. Los riffs fueron construyéndose pacientemente y la base rítmica iba preparando el terreno para lo que vendría después. Cada vez que me toca verlos, la sensación es la misma: hay evolución, hay trabajo y hay una identidad cada vez más clara dentro del circuito local.
Mientras el público terminaba de ingresar y acomodarse, el ambiente comenzaba a transformarse. Luces tenues, humo sutil y una expectativa que crecía sin estridencias.
Ya sabíamos que esta gira latinoamericana traía una particularidad: la presencia de Luana Dametto (Crypta) en batería, reemplazando temporalmente al histórico Oscar Leander. Y fue justamente ella quien apareció primero en escena. Su ingreso fue recibido con aplausos cálidos y gestos de aprobación inmediatos. Sin necesidad de discursos ni presentaciones extensas, se acomodó detrás del kit con una actitud concentrada, profesional y completamente enfocada en lo que debía hacer.
Sin embargo, el inicio del show de Tribulation no fue del todo limpio. Al momento de la salida del bajista y vocalista Johannes Andersson, un sonido molesto e incómodo se filtró en la mezcla. No fue un desperfecto grave, pero sí lo suficientemente notorio como para desviar la atención durante algunos minutos. Afortunadamente, la situación se estabilizó con rapidez y el show pudo continuar sin mayores sobresaltos.
Una vez estabilizado el sonido, la banda se convirtió en una entidad demoledora. Arrancaron con la introducción de “The Unrelenting Choir” para luego arremeter con “Tainted Skies”. Es fascinante observar la dualidad de las guitarras: Adam Zaars, el arquitecto de la atmósfera, y Joseph Tholl, quien con una actitud de “rockstar” clásica y movimientos fluidos, se lleva todas las miradas acercando el mástil al público.
La respuesta del público fue inmediata: cabezas en movimiento, puños en alto y coros acompañando las líneas más reconocibles. No hubo euforia desmedida, pero sí una conexión sostenida que se mantuvo durante gran parte del set.
El setlist fue un repaso por su discografía reciente, haciendo foco en su identidad actual. Sonaron piezas como “Nightbound” y “Hamartia”, donde la voz de Johannes —ahora más profunda y narrativa— guió a los presentes por pasajes sombríos. Dametto, desde el fondo, fue un reloj suizo: precisa, contundente y con una seriedad que aportó una estabilidad rítmica que la banda necesitaba para estas canciones.
Hubo momentos de gran intensidad con “Suspiria de Profundis”, un guiño a sus raíces más extremas, y la infaltable “The Lament”, que fue el punto de mayor euforia. Aquí el público, aunque escaso, se hizo sentir: puños en alto, cánticos y una entrega total ante el despliegue teatral de los músicos, quienes lucían sus maquillajes vampirescos y ropas decadentes con una naturalidad envidiable.
Para el bises, Tribulation no guardó nada. “Melancholia” y “Strange Gateways Beckon” pusieron el punto final a una jornada de casi 80 minutos de show. A pesar de los traspiés técnicos del inicio y de que la sala no estaba a tope, la sensación general fue de satisfacción. La banda demostró oficio y una soltura que solo los años de ruta te dan.
Cuando la música se apagó, el aura gótica quedó flotando en Uniclub, Tribulation probó que no necesita de estadios llenos para generar una misa negra de alta calidad. La combinación de su elegancia sueca con la potencia de Luana y la oscuridad de Rhaug conformó una fecha más que interesante de este inicio de año.
Pareciera que los nuevos grupos que encabezan festivales y apuntan a ser los nuevos referentes del género mezclan el metal con sonidos ajenos al mismo. Pero dentro de todos esos nombres hay uno que mezcla distintos géneros del metal y dice con orgullo que es una banda metalera. Me refiero a Avatar, quienes unen el death metal melódico con el metalcore y toques de otros géneros como el power metal. Todo acompañado por una imagen circense y divertida, que en vivo destaca bastante. Gracias a esto adquirieron mucha popularidad, por lo que el tour que respalda a su nuevo trabajo, Don’t Go in the Forest, fue en grandes lugares. Nosotros lo pudimos apreciar en el precioso Store Vega de Copenhague, por lo que aquí comienza el relato de lo vivido.
Los encargados de abrir la noche fueron los muchachos de Agabas. Definiendo su música como deathjazz, mezclan jazz con hardcore actual y pinceladas de death metal en algunos momentos. Las guitarras y el bajo crean una atmósfera pesada que incita al pogo y a mover el cuello, mientras que la batería forma ritmos intrincados y fills interesantes. Por encima se encuentra el saxo, que forma melodías y colorea las canciones, aportando originalidad y versatilidad. La voz es un grito bien hardcore, sin mucho trabajo, pero que cumple con su función.
El sonido no fue el mejor. Si bien el saxo y la voz estaban al frente y la batería se escuchaba sólida, no así las guitarras y el bajo. Estos formaban una bola de ruido que, si bien saciaba la sed de agresión, no estaba nítida. La falta de definición hizo que los arreglos no se pudieran apreciar. Pero esto no opacó la energía de la banda, que fue el punto alto del show. Los músicos se movían por todo el escenario, invitaban al pogo y hasta se bajaron a poguear con la gente. Esto convenció al público e hizo que superaran el mejorable sonido.
Los siguientes fueron Alien Weaponry, oriundos de Nueva Zelanda y dueños de una popularidad que va en ascenso. Su propuesta podría compararse con el Sepultura de Chaos A.D. y Roots, ya que mezcla groove metal con música autóctona. La fusión entre el haka maorí y el groove metal encaja muy bien y refresca un género ya gastado. Los estribillos y coros melódicos también están muy logrados, y saben cortar de buena manera con la agresión de las estrofas.
Sin embargo, en el directo se quedaron cortos. Si bien trataron de interactuar con la gente, les faltó trabajar en la comunicación con el público. Solo en contados momentos pudieron lograr que el público se metiera en el show. Durante el resto de la presentación, la gente estaba mirando tranquilamente.
El sonido fue otro punto a mejorar por varios motivos. El primero fue la falta de definición en la guitarra y el bajo: ambos sonaban juntos, pero no se destacaban. Era una bola de sonido en la que no se distinguía qué estaba tocando cada uno. Luego, todo sonaba comprimido y chico. La guitarra no sonaba poderosa ni invitaba a mover la cabeza, el bajo no crujía y apenas se sentía. La batería se escuchó mejor, pero no llegó al nivel de contundencia necesario. El concierto terminó de manera abrupta, con las luces prendiéndose y la banda retirándose, sin haber generado expectativa ni nada. Un show con buena interpretación, pero con muchos puntos a mejorar.
Con el escenario adornado con dos juegos de luces al costado de la batería y un gran telón rojo cerrado, se apagaron las luces. La batería estaba sobre una tarima que se abría lateralmente, por lo que se abrió al igual que el telón. Los músicos ingresaron en fila, con Johanssen a la cabeza, quien se encontraba encapuchado y con una lámpara. Así dio inicio “Captain Goat”, un arranque atmosférico que buscaba calentar motores para lo que vendría. Al terminar la canción, el vocalista se destapó y dio inicio formal al show con la rápida “Silence in the Age of Apes”, seguida a toda máquina con “The Eagle Has Landed” y la cantada por todo el público “In the Airwaves”.
Hay muchos puntos a destacar, tantos que no sé por dónde empezar, así que vamos con el único que estuvo medio punto abajo de los demás: el sonido. No fue malo, fue nítido y los instrumentos se entendían, pero tuvo por momentos un exceso de graves. Este es un punto muy común en las mezclas de sonido actuales. Por momentos, los graves eran muy altos y resultaban molestos, e incluso llegaron a tapar algún solo de guitarra. Esto no fue durante todo el show y no impidió su disfrute, pero es algo para destacar.
La ejecución fue perfecta: la banda suena ajustada y sólida. Y lo sorprendente es que toquen tan bien mientras juegan con el público y hacen muchas acciones para entretener al mismo. Esto lleva al punto fuerte del show: el entretenimiento. Cambio de vestuarios por doquier, sacaron cualquier cantidad de artilugios y, por sobre todo, un carisma que levantaba hasta a los muertos.
Una presentación de esta magnitud tuvo muchos momentos a destacar, como por ejemplo “The Tower”, donde Johanssen se sentó en el piano. Otro momento brillante fue “Legend of the King”, donde un guitarrista entró al escenario subido a un trono y vestía una corona en la cabeza. Los demás le hacían reverencias mientras tocaba.
Generalmente los monólogos suelen ser aburridos, pero Johanssen demostró, hasta en ellos, que es dueño de una energía que revive a los muertos. Durante el show habló en sueco, danés e inglés. Habló sobre cuando no eran conocidos, contó anécdotas de sus anteriores visitas a Copenhague y agradeció al público.
El final fue de la mano de la poderosa “Hail the Apocalypse”, festejada y pogueada por el colmado recinto. Al terminar la canción, se tomaron un buen rato para saludar a la gente y generar la última sonrisa del espectáculo.
Avatar dio un concierto brillante, donde enalteció al metal, lo honró y lo usó para divertir. Demostró que se merece su aumento de popularidad y que está listo para subirse a cualquier escenario y salir victorioso.
El nuevo disco de Sylosis supone otro paso firme en la evolución reciente de los británicos. Tras el notable A Sign of Things to Come (2023), la banda vuelve a apretar los dientes con: The New Flesh, un trabajo donde recuperan agresividad sin perder el pulso melódico que siempre ha marcado su identidad. Lejos quedan ya los días de Conclusion of an Age o Dormant Heart, pero su esencia sigue ahí, ahora reforzada por una producción más contundente bajo el respaldo de Nuclear Blast Records.
Desde el arranque con “Beneath the Surface” queda claro que el grupo apuesta por riffs más densos y un enfoque más groove, sin abandonar su base metalcore. Hay más peso en las guitarras, más intención en cada breakdown y un equilibrio mejor medido entre melodía y violencia. La sombra del thrash clásico aparece en varios pasajes, con ese regusto afilado que inevitablemente recuerda a Slayer, pero siempre filtrado por el sello propio de la banda.
En temas como “Spared from the Guillotine” o “Circle of Swords” la maquinaria rítmica brilla con especial intensidad. La batería de Ali Richardson golpea con precisión quirúrgica, mientras que las guitarras construyen muros de sonido compactos y directos al cuello. “Erased” y “Lacerations” recuperan ese equilibrio entre técnica y pegada que tan bien dominan, mientras que “Mirror Mirror” introduce pequeños matices atmosféricos que amplían el espectro sin suavizar el conjunto.
A nivel vocal, Josh Middleton suena más agresivo, más rasgado y convincente, reforzando el tono oscuro del álbum. Incluso cuando bajan ligeramente la intensidad, como en “Everywhere at Once”, la tensión nunca desaparece. The New Flesh es un disco compacto, directo y sin relleno, donde Sylosis demuestra que puede sonar más feroz sin renunciar a su ADN.
Cobra Spell anuncia un parón indefinido en su carrera
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Tras un tiempo sin tener novedades acerca de su carrera, finalmente ha ocurrido lo que menos gusta anunciar y es que Cobra Spell ha confirmado que se tomarán un descanso “Indefinido” tras 7 años de trayectoria.
Por medio de sus redes sociales, Kris Vega, Sonia Anubis (guitarrista y miembro fundadora de la banda en 2019) y Adri Funerailles, han emitido un comunicado que podéis leer AQUÍ y donde confirman que seguirán adelante con sus otros proyectos y que estemos atentos a lo que se viene con ellos.
Ojalá que vuelvan a remontar el vuelo y para el recuerdo nos queda las giras realizadas en España y un excelente disco debut como 666, el cual contenía bombazos como este:
GBH traerá la furia del “Street Punk” a España con una extensa gira
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Los combativos e incombustibles GBH están a pocas semanas de regresar a nuestro país, en el marco de su nueva gira europea, para hacer pedazos el escenario a ritmo de punk rock callejero, crossover y unas letras incendiarias e imbatibles.
Los británicos Satan están a punto de llegar a nuestro país para celebrar más de cuatro décadas de trayectoria, siendo uno de los grupos destacados dentro de la llamada NWOBHM.
Gracias a Manguales Extreme Metal Union, podremos tener a este grupo de culto dentro del heavy metal clásico hecho en las islas en las siguientes fechas:
19 de Febrero – Barcelona – Razzmatazz 3 (+ Hellgrimm + Wicked Leather)
20 de Febrero – Valencia – Sala Zulú (+ Hellgrimm)
21 de Febrero – Madrid – Gruta 77 (+ Hellgrimm)
22 de Febrero – Portugalete – Groove (+ Hellgrimm)
Mad Caddies traerán su fiesta californiana a España
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Los californianos Mad Caddies regresarán a España esta próxima primavera para volver a deleitarnos con su festiva y alegre combinación de ska, punk pop, rock alternativo y reggae, como aperitivo perfecto antes del verano que se viene en tierras europeas.
Venus 5 publica el videoclip de “March of the Venus 5”
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Las metaleras internacionales Venus 5 siguen compartiendo adelantos de su segundo y esperadísimo trabajo, el cual llegará a las tiendas el próximo 20 de marzo vía Frontiers Music srl.
1 March Of The Venus 5 2 Like A Witch 3 Far Away 4 Set Me Free 5 Stereotypes 6 Surrender 7 Satelite 8 Invincible 9 Winter On My Skin 10 Take It From The Start 11 The Other Shore
Ahora Herma Sick, Tezzi Persson y compañía han estrenado el videoclip para el corte que da título al álbum y que ya podéis ver a continuación:
A estas alturas de la película creo no ser el único que piensa que de no existir una banda como Converge, habría que inventarla, ya que su manera de expresarse, de transmitir emociones e incluso de hacerte pensar con cada disco que publican es digno de admiración y al alcance de unos pocos.
Esta breve pero más que sincera introducción se debe a que con su undécimo trabajo de estudio, la banda de Salem (Massachusetts), lo ha vuelto a hacer, ha vuelto a entregar una obra exquisita, llena de matices y misterios a descubrir en cada escucha y donde el dolor y la rabia que sale de la garganta del señor Jacob Bannon, sirve al oyente como una suerte de catarsis abrumadora, pero con unos resultados más que satisfactorios.
Recordemos también que la banda regresa tras un lustro desde su álbum en conjunto con Chelsea Wolfe, donde exploraron otros terrenos, intercambiando ideas con la cantante californiana y donde el resultado fue más que interesante, intenso, hermoso, brutal y honesto, pero que también adolecía de cierto “ADN” propio de Converge en algunas partes del mismo.
Ahora, la banda vuelve a lo que son, un conjunto de mentes inquietas, llenas de preguntas sin respuestas fáciles y con mucho que analizar y transmitir a su público.
Si dejamos un poco el romanticismo y la fascinación, lo que podemos entender con estas diez piezas, es que Converge son una banda que no tiene techo y que siempre va a encontrar un giro para seguir mejorando su discografía y este nuevo trabajo es la penúltima adición a la misma.
Y porque sucede esto?, simple y llanamente porque las canciones aquí entregadas están al mismo nivel que todo lo que los norteamericanos han publicado a lo largo de su carrera, quizás no sea un disco histórico como Jane Doe o menos frenético que Axe to Fall, pero igual de interesante que ambos trabajos y eso ya dice muchísimo en favor de estos muchachos.
Pongamos algunos ejemplos para ilustrar el disco, ahí tenemos la acelerada “To Feel Something”, con ese ritmo abrasador y cargado de energía que se contrapone a “Amon Amak”, igual de feroz, pero mucho más densa y llena de fango, acercándose al sonido más propio del sludge y donde dejas salir tus demonios en cada grito que Jacob escupe por el micrófono y que tiene en “Gilded Cage”, una suerte de puente tenebroso con tintes post metaleros, que es una absoluta delicia para el oyente.
Entonces, volvamos al principio, con este nuevo disco Converge no solamente vuelven a dar en la diana, si no que además, siguen haciendo de la desolación, el dolor y la angustia, una suerte de arte hecho música.
Alter Bridge en Madrid: “Una lección de técnica frente al desafío acústico.”
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El Palacio de Vistalegre volvió a abrir sus puertas para una de esas citas que, sobre el papel, parecían infalibles. Con Alter Bridge encabezando un cartel escoltado por Daughtry y Sevendust, la propuesta era un recorrido completo por el rock estadounidense de las últimas tres décadas. Sin embargo, la experiencia quedó empañada por los problemas endémicos de un recinto que sigue peleado con la acústica.
Abrieron la tarde Sevendust. Los de Atlanta son una anomalía fascinante dentro del metal alternativo. Su estilo se desmarca del resto gracias a la voz de Lajon Witherspoon (que hizo varias referencia a España, su conexión con el idioma y la cultura, así como familiares que viven en nuestras tierras), que aporta un alma soul y R&B a una base instrumental puramente agresiva y sincopada. Esta mezcla de pesadez y melodía aterciopelada es lo que les dio el éxito a finales de los 90 con discos como su debut homónimo o “Animosity”. Ayer intentaron demostrar por qué temas como “Black” siguen siendo himnos, pero el sonido no les hizo justicia. La bola de graves que suele formarse en Vistalegre se tragó gran parte de los matices de la batería de Morgan Rose, dejando una sensación de potencia desdibujada. Espero que vuelvan pronto a Madrid y en un local en el que puedan brillar de verdad.
Daughtry tomó el relevo con un enfoque mucho más centrado en el post-grunge. La banda de Chris Daughtry, que saltó a la fama mundial tras su paso por American Idol, ha sabido construir una carrera basándose en estribillos épicos y una producción trabajada. Su estilo se define por esa estructura de rock radiofónico donde la voz es el centro absoluto (incluso en la disposición de la banda en el escenario), apoyada en guitarras con mucho cuerpo pero sin la aspereza o distorsión del metal. Sonaron éxitos como “It’s Not Over”, recordando aquel disco debut que vendió millones en 2006. Aunque su entrega fue notable, el eco del pabellón volvió a ser un obstáculo, restando la nitidez que requiere un estilo pulido como el suyo, aunque mejoró según avanzó el setlist. Las lueces fueron muy contrastadas aunque en general bastante oscuras y muy centradas en Chris. El gran telón negro de fondo tampoco ayudaba al tragar mucha luz. Se me hizo larga su actuación y el encore me resultó forzado, si bien, fue muy aplaudido en general.
Finalmente, Alter Bridge saltó al escenario puntuales y con energía. Son profesionales y se notó en cada tema, gesto, pose… La banda nacida de las cenizas de Creed ha logrado algo casi imposible: superar el éxito de su anterior formación gracias a la maestría técnica de Mark Tremonti y la voz de Myles Kennedy. Su música es una evolución del hard rock hacia terrenos más complejos y metálicos, con solos de guitarra que son verdaderas lecciones y composiciones que rozan lo progresivo en álbumes como “Blackbird” o “Fortress”.
El inicio del show fue accidentado en lo visual. Alter Bridge abusó de unos focos frontales blancos extremadamente potentes que, lejos de crear atmósfera, cegaron literalmente a las primeras filas durante las primeras canciones, dificultando incluso ver a los músicos. Fue una decisión de diseño extraña que se sumó a una iluminación general que cumplió sin alardes. Muchos haces cruzados, tonos neutros y una linea superior de led que daba algún dibujo diferenciador. En lo musical, sonaron piezas clave como “Metalingus” o la esperada “Blackbird”, donde el duelo de guitarras entre Kennedy y Tremonti sigue siendo lo mejor que se puede ver en el género y que disfrutamos entre el jolgorio generalizado. La banda se dejó la piel y demostró una precisión milimétrica, pero el malestar del público con el audio era palpable. Una vez más, la reverberación del recinto dificultó que el trabajo de la mesa de mezclas brillara, convirtiendo lo que debería haber sido una noche de gloria sonora en una lucha constante por distinguir los matices. Alter Bridge son gigantes, pero ayer Vistalegre les quedó pequeño en calidad acústica.
El rock de estadios sobrevive gracias a bandas como estas capaces de mantener la compostura y la pegada, incluso cuando el recinto parece empeñado en boicotearles la noche. Madrid fue testigo de un ejercicio de pura resiliencia profesional; un recordatorio de que, aunque la acústica de la plaza siga sin estar a la altura de la fidelidad que los fans pagan en taquilla, el talento de Kennedy, Tremonti, Lajon, Morgan o Chris, tiene el peso suficiente para hundir cualquier amago de decepción. Nos fuimos a casa con los oídos algo castigados, sí, pero con la certeza de que el legado de estas tres bandas sigue siendo un refugio sólido en tiempos de música prefabricada.
Feuerschwanz: Portando la armadura brillante del folk metal
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Por primera vez, en el marco del “Knightclub Tour”, Feuerschwanz tomara por asalto El Teatrito (Sarmiento 1752, CABA) el jueves 23 de abril de 2026 para enfrentarse a los fans que tiene en la Argentina.
Con una combinación de folk metal medieval, power metal y melodías sinfónicas, Feuerschwanz propone recorrer los clásicos de su discografía y temas de su más reciente producción “Knightclub” lanzada durante el mes de agosto de 2025.
Con una formación plenamente consolidada desde hace unos años (Peter Henrici y Ben Metzner, en las voces principales y otros instrumentos; Stephanie Pracht, violín; Hans Platz, guitarra; Jan Jamaszyk, bajo; Rolf Hering, batería; y las danzantes Susi Miez y Jenny Diehl, en su rol de Schildmaid), el disco lanzado en el año que acaba de concluir presenta todas las notas características que le vienen permitiendo a la banda ser el centro de atención durante los últimos años en diferentes festivales del viejo continente.
Envuelto en esa aura característica de un folk metal medieval, matizado con guiños a otros géneros del metal, y la presencia de reconocidos invitados, “Knigthclub” muestra la magistral composición de la banda al momento de combinar distintas melodías musicales con un tinte irónico. En el marco de esa producción destacan temas tales como “Valhalla”, donde resalta la participación de una de las damas del metal de todos los tiempos, Doro; “Testament”, con un estribillo ganchero de principio a fin; y “Lord of fyre”, con la participación de Lord of the Lost, y sus estrofas en inglés, cierra la placa mostrando la excelente sinergia que han conseguido ambas bandas.
Esta primera visita de Feuerschwanz nos permite proponerte un recorrido por la discografía de una banda que resulta bastante prolífica en la materia. Y, para los desprevenidos, una aclaración necesaria: la mayoría de los temas están cantados en el idioma natal de estos teutones.
En forma plenamente arbitraria, podríamos distinguir tres etapas en la mencionada discografía. En un primer momento, que a nuestro entender comprende los 4 primeros discos, es nítida la preponderancia de las melodías folk en las producciones de la agrupación, con escasos guiños al heavy metal y una atmósfera de ironía y diversión.
Así nos encontramos con el primer lanzamiento de la banda que data del año 2025, “Prima Nocte”, un disco con clara preponderancia de la vertiente folk de la banda y melodías que te mantienen entretenido de principio a fin. Merecen destacarse el tema que le da nombre al álbum, una verdadera joya folk impregnada de melodías paganas, y “Gute Nacht” que es la canción más metalera de la placa.
Sucedieron a esta placa, “Met & Miezen” (2007) donde continúa la preponderancia del folk y “Metvernichter” (2009) que muestra un aire más metalero de arranque. En este último álbum podemos resaltar “Vampir”, con un aire un poco más pesado y rápido al que los germanos nos tenían acostumbrados hasta ese momento, y “Schnaps und Schnecken”, puro ritmo folk.
Esta primera etapa encuentra su cierre con el lanzamiento de “Wunsch ist Wunsch” en el ya lejano año 2011, un disco que sigue presentando un folk puro, pero con un aire más hardrockero. Podríamos destacar el tema que da nombre al disco y “Symposium”.
La segunda etapa está marcada por dos lanzamientos que no vas a poder encontrar en Spotify, lo cual resulta extraño porque son las producciones donde la banda comienza a virar hacia un sonido nítidamente de folk metal. “Walhalligalli” (2012) donde podemos oír guitarras más rifferas, pero siempre manteniendo la característica folk. Se destacan “Mach dich frei”, que abre el álbum, “Bandit”, con una interesante melodía folk que te hará mover la jarra de cerveza de arriba abajo, y “Rübezahl”.
La otra joya que deberás esmerarte en encontrar es “Auf’s Leben!” (2014) puesto que definitivamente marca la consolidación del folk metal. Destacan la canción que da nombre al álbum, “Mann aus Metall”, donde predomina un riff pesado y oscuro, e “In Vino Veritas”, jocosa y que invita al brindis.
Finalmente, la tercer y última etapa, que se mantiene hasta la actualidad, reconoce su inicio con “Sex is Muss” (2016) pues estamos ya en presencia de un folk metal claramente. Siempre se encuentra presente el tono divertido y de parodia, pero acompañado por metal esta vez. Destaca “Hexenjagd”, con un inicio hilarante.
Esta placa fue seguida por “Methämmer” (2018), un álbum más metalero, con riffs más claros y nítidos, mezclados con las siempre presentes melodías folk. Destacan “Schubsetanz”, “Die Horner Hoch”, un himno folk para gritar a viva voz su estribillo, “Prinzessin” y “Operation Drachensturm”
El tercer lanzamiento de esta etapa está constituido por “Das elfte Gebot” (2020) destacan “Meister der Minne”, “Das elfte gebot”, “Kampfzwerg” y “Lords of Powermet”, dando lugar a una de las canciones de la banda con más influencia powermetalera.
En el año 2021 nos encontramos con “Memento Mori” donde sobresalen “Untot im Drachenboot”, con algún guiño al power metal, “Ultima nocte”, con una atmósfera que hace imposible no pensar en sus compatriotas de Powerwolf, y “Rausch der barbarei”, con Hamaton de invitados, logrando una interesante fusión entre la onda de ambas bandas.
Merecen mención en “Fegefeuer” (2023) “Bastard von Asgard”, con la participación estelar de Fabienne Erni de Eluveitie, un tema de alto nivel que, además de la belleza que le aporta la voz de la invitada, cuenta con una melodía y una velocidad que hacen que este destinada a convertirse en un clásico infaltable de la banda, “Berzerkermode”, con un estribillo para su ejecución en vivo, y “Fegefeuer”.
La siguiente producción es la que cuenta con más temas cantados en inglés e invitados. “Warriors” del año 2024 nos sorprende con “Highlander” (versión en inglés), “The unholy grail”, donde cuentan con invitados con Dominum y Orden Ogan, “Momento Mori (versión en inglés), con la participación tanto de los Lord of the Lost como de Chris Harms, y “Song of ice and fire”, y la colaboración de Patty Gurdy.
Definitivamente, la consolidación de la banda tiene lugar en esta etapa. La propuesta de un folk metal, con algunos guiños de power metal y otras vertientes del metal incluso, se consolida en base a riffs más presentes y marcados conformando una perfecta armonía con las melodías folks que predominan, conformando la fórmula que ha permitido a Feuerschwanz llevar su propuesta a los principales festivales europeos y, próximamente, permitir su arribo a tierras latinoamericanas.
De la mano de ICARUS MUSIC tenemos la posibilidad de ser parte de una noche con lo mejor del folk metal europeo. Una velada para ceñirse la espada a la cintura, colocarte la armadura y no olvidarte el cuerno para brindar y saltar con la propuesta de estos teutones.
Zelli (Paleface Swiss): “Vendemos más que nunca… así que tenemos que dar más que nunca.”
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Minutos antes de subirse al escenario de Razzmatazz 2 en Barcelona, Marc “Zelli” Zellweger, vocalista de Paleface Swiss, nos concede esta entrevista en plena recta final de su tour europeo. La banda llega tras una serie de shows agotados y después del lanzamiento de su nuevo EP a principios de año, que incluye la potente colaboración con Stick to Your Guns.
En la previa de un concierto que promete ser una auténtica locura, hablamos sobre cómo están viviendo esta gira, la presión de crecer cada vez más, el proceso creativo en la carretera y su conexión especial con España. Arrancamos.
(Entrevista en Video subtitulada al finalizar la publicación)
– Zelli, bienvenido al canal.
Muchas gracias. – Es un placer tenerte aquí.
Muchas gracias por invitarme. – Así que, primero que todo, Zelli, estáis cerrando el tour europeo ahora.
Sí, nos queda Barcelona y luego un par de fechas en Francia.
– ¿Cómo os habéis sentido con esta gira? Hacer shows agotados, el de Madrid ayer, que fue una locura… ¿Cómo os sentisteis al respecto? ¿Sientes un poco más de presión ahora, porque os estáis haciendo más y más grandes?
Por supuesto que sí. Yo creo que puedo manejar la presión, pero también sé que yo mismo me pongo aún más presión. Hemos vendido más entradas que nunca, más gente quiere estar entretenida y tenemos que entregar más y más.
Pero fue muy divertido. Fue la primera vez que tuvimos una gran producción en todo, así que teníamos que preocuparnos por nosotros mismos más que nunca. Tengo que ser consciente de lo que estamos haciendo: no fiesta todas las noches y bla, bla, bla…
Pero todo salió súper bien. Fue una gira realmente exitosa para nosotros. Todo estaba lleno y parece que todo el mundo se divirtió. Y sí, fue rápido, honestamente. Parece que comenzamos ayer y la gira ya terminó.
– ¿Cuánto tiempo ha pasado?
Salí de mi casa el 3 de enero, así que llevamos más o menos un mes en la carretera. Exactamente un mes ahora. Pero se siente tan rápido, honestamente… es una locura, hombre.
– Y es la primera vez que estáis haciendo la colaboración con Stick to Your Guns, la canción “Instrument of War”, que creo que es una locura, y que viene en el nuevo EP que lanzasteis a principios de enero. ¿Cómo os sentís yendo de gira con Stick to Your Guns? Y luego, ¿cómo os sentisteis con el EP? Creo que es un poco una continuación de “Cursed”, pero cada vez más emocional y más personal, sobre todas las experiencias de la gira y tal.
Sobre la primera pregunta, estar con Stick es increíble. Hicimos una gira con ellos en Estados Unidos el año pasado y ahí fue cuando escribimos la canción juntos. Es una locura, es un gran honor para nosotros. Todos crecimos escuchando a la banda. Yo he sido un gran fan durante muchos años.
Dato curioso: el primer breakdown hardcore que nuestro guitarrista Yannick escuchó fue uno de Stick to Your Guns, cuando era muy joven. Así que es simplemente alucinante para mí que ahora nos estén apoyando. Son gente realmente increíble. Ellos ya lo han visto todo, han hecho todo, y podemos aprender mucho de ellos. Cuentan historias divertidas y fue una gran experiencia escribir una canción juntos.
No queremos hacer simples “featurings”, queremos hacer colaboraciones reales: sentarnos en la misma habitación y escribir juntos. Eso es exactamente lo que hicimos en una pequeña habitación de hotel en Denver en la última gira. Fue súper divertido e increíble, y creo que encaja muy bien en el EP.
Cada canción es súper individual, en mi opinión. Cada una cuenta una pequeña historia por sí misma. Como ya dijiste, escribimos el 100 % del EP en la carretera, lo grabamos en la carretera y filmamos los videoclips también. Es absolutamente una locura.
Ha sido mucho trabajo, muchos días y noches estresantes, pero valió la pena. Sé que son solo cuatro canciones, no suena como mucho, pero créeme, es muchísimo trabajo.
– Y luego, Zelli, quiero hacerte dos últimas preguntas. La primera: si tuvieras delante a alguien que no conoce la música de Paleface Swiss en absoluto y tuvieras que elegir una canción para mostrársela, ¿cuál sería?
“Hatred”. Es una elección bastante buena. Creo que mezcla todo el ambiente más old school con lo más nuevo.
– Y la última: estamos en Barcelona. Habéis estado aquí en España, en el Resurrection Fest. De hecho, compartimos hotel, os vi desayunando, pero no quería molestar. Era un gran hotel, nos quedamos allí un par de noches.
Sí, creo que fue el año pasado.
– Así que, Zelli, tres cosas que amas de España.
Los fans apasionados. Se siente como que, una vez que son fans de tu banda, nunca te dejan ir. Se agarran a ti. Cantan fuerte, están encendidos cada vez que estamos aquí. Eso es lo que realmente amo.
También me encanta la comida, la cocina española es genial. Y pasamos mucho tiempo en Tenerife, donde escribimos todo “Cursed”. Ron vive allí y grabamos y escribimos todo en su casa, así que tenemos una conexión muy fuerte con España. Diría que la cultura española es otra cosa que amo, y también Ron. Ron es lo tercero que más me encanta de España. Es un tipo súper genial.
– Ok, Zelli, muchísimas gracias por tu tiempo. Ha sido un placer. Estoy deseando veros y darlo todo.
Psychonaut 4 en Buenos Aires: “Perdiendo la cordura”
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Un jueves más de este mes de febrero y nuevamente asistimos al modesto Uniclub para ser testigos de la primera visita de los georgianos Psychonaut 4, donde alrededor de 150 almas —”tribus urbanas”, fanáticos, espectadores y medios de prensa— estábamos presentes para vivir una experiencia poco común por estas latitudes (y ojalá no sea la última).
El DSBM (Depressive Suicidal Black Metal) no es un género, una postura, un sonido que sea para cualquier persona. No necesariamente quienes escuchan este tipo de bandas (Happy Days, Psychonaut 4, Sorry…, Lifelover) sufrieron o han tenido tendencias suicidas; es música que oprime pero a su vez te atrapa en un limbo sonoro placentero. Es un género controversial que se sufre, pero a la vez hay un goce que se nota con cada acorde y con cada grito.
Como acto inicial, los Psicosfera tuvieron la chance de demostrar su propuesta. Si bien he visto a la banda en varias ocasiones, no logro conectar. No es que sean malos —todo lo contrario, cada uno en lo suyo se destaca—, pero no logré hasta el momento descifrar el estilo que practican: avant-garde black con algo de cuelgue casi stoner, música disonante con distorsión extrema. Deberé involucrarme más en su sonido para la próxima vez que los cruce en alguna fecha. Repito, no es un tema de la banda sino propio. De todos modos, hicieron un gran trabajo mientras la gente llegaba al lugar.
Algo que capturó mi atención fue el público. Se veían adolescentes de estética gótica, lentes de contacto vampirescos y remeras que abarcaban todo el espectro del metal extremo. Si bien no divisé “therians” (ese movimiento de autopercepción animal que crece en el país), sí hubo gente vestida con orejas de elfo y colmillos. Personajes que parecían haber salido de sus tumbas o vaya uno a saber de qué circo freaky.
Minutos después de las 21, Psychonaut 4 —nombre que hace referencia a la persona que es consumidora de psicodélicos para explorar su mente, siendo el número 4 una referencia a las cuatro mesetas del consumo de dextrometorfano— apareció en el escenario de Uniclub.
El inicio del show fue con “Mzeo Amodi” de su último disco …Of Morning (lanzado en 2024), generando así el primer trance de la noche que se fue extendiendo por los 14 temas que fueron parte del setlist y representaron un repaso por los cinco discos de la banda.
Entre las que sonaron y fueron bien recibidas (hasta hubo pogo en algunos pasajes del show) estuvieron “Fiqrebi Mtsukhrisa” y “Vai Me”, así como las más conocidas “Sana-sana-sana – Cura-cura-cura”, “Personal Forest” y “We Will Never Find a Cure”.
La interacción entre banda y público recayó principalmente en el guitarrista Rati Shengelia, más conocido como Drifter, quien además de ejecutar esos solos cargados de sentimientos heavy metaleros se hizo cargo de coros alternando voces con Irakli Kirkitadze. Este último asumió las voces luego del incidente protagonizado por David Graf, hoy presuntamente privado de su libertad por posesión de drogas y otros eventos que implican la muerte de su ex novia y la hermana de ésta.
La actuación de Irakli fue un show dentro del show: gritos desgarradores y movimientos cual enfermo mental se tratase, le dieron un aspecto visual más que acorde con las líricas que interpreta. Si bien su registro vocal difiere del de Graf —con gritos más guturales y menos “sufridos” que los lamentos desesperados de las grabaciones originales—, logró transmitir la intensidad emocional que el DSBM exige. El resto de la banda cumplió su rol a la perfección en un recital que lo tuvo todo.
Las canciones se fueron sucediendo y el reloj marcaba que habían pasado casi dos horas de show (algo que debería ser copiado por otras “estrellitas” que con suerte apenas rozan la hora de duración). Faltaba el broche final. Luego de recibir los aplausos y cánticos habituales de los argentinos —”psycho… psycho“— llegaron dos de las canciones emblemáticas de la discografía.
En primer lugar, la clásica “Too Late to Call an Ambulance” hizo vibrar al recinto y luego de un breve break, cerraron con “Sweet Decadence” de manera extendida, un tema que se pedía con insistencia y que terminó coronando la presentación.
P4 no vino a entretener, llegó para incomodar, a hundirte en su oscuridad y a dejarte ahí un rato mientras te planteas cuestiones existenciales con cada sonido que sale de esas guitarras frías que enaltecen el deterioro emocional.
Nos retiramos de Uniclub luego de presenciar un acto imperdible que Favio de Noiseground hizo posible, por lo cual va el agradecimiento personal por dejarme ser parte de este acto de locura que seguramente entrará entre los mejores shows del año.
En el marco del “Brother Tour 2026″ por Europa, los franceses Lion’s Law reafirma su posición como referente europeo del Oi! y el street punk acompañados por First Attack y No Time. La cita no fue un simple concierto, sino una demostración de fuerza de la escena S.H.A.R.P. (Skinheads Against Racial Prejudice). Antes de la primera descarga, la sala ya imponía respeto: un uniforme de resistencia y estilo dominado por el código “Smart, Clean and Tough”. Chaquetas Bomber MA-1 y Harrington, cabezas rapadas al milímetro, cortes Chelsea femeninos y el brillo inconfundible de las botas Dr. Martens —negras y en clásico oxblood— bajo los Levi’s 501 con vuelta marcaban el paso de una clase trabajadora orgullosa de su herencia multirracial.
Si alguien pensaba que el plato fuerte de la noche sería únicamente la técnica de Lion’s Law, No Time se encargó de pulverizar esa expectativa desde el primer segundo. La banda de Pittsburgh no salió a ofrecer un concierto, sino a librar una batalla. La intro marcó el inicio de una atmósfera asfixiante que estalló con True Hate y Man In Uniform, disparando la adrenalina de un público que pronto dejó de distinguir entre pogo y caos.
El despliegue de Adam Thomas fue sencillamente aterrador. Desde los primeros compases de You’ll Get Yours e Iron Breed, el vocalista se movía como un animal enjaulado, borrando cualquier distancia con las primeras filas. Pero fue durante la frenética descarga de Life Sucker y Anxiety cuando la intensidad cruzó la línea de lo físico: en un arrebato de rabia pura, Adam comenzó a golpearse la frente con el micrófono una y otra vez.
El impacto seco del metal contra el hueso no tardó en dejar huella. La frente de Thomas se abrió y un hilo de sangre empezó a recorrer su rostro mientras seguía escupiendo las letras de Never Wrong y No Enemies. Lejos de detenerse, la herida pareció insuflarle aún más energía, elevando el listón de la actitud punk a cotas que pocas bandas alcanzan hoy en día. Con el rostro manchado y la mirada desencajada, el líder encarnó el sonido “Iron Breed” de su ciudad natal: duro, oxidado y auténtico.
En lo musical, la banda funcionó como una máquina de demolición. Savage Age y Comply or Die sonaron como una bofetada de powerviolence camuflada de Oi!, con una sección rítmica implacable que no concedió un segundo de tregua. Tras la crudeza de YWBM, llegó su versión de Anti Social, coreada con una violencia eléctrica que preparó el terreno para el asalto final.
El cierre con Suffer No Fool fue el golpe de gracia. Con Adam Thomas aún sangrando y el público exhausto pero completamente entregado, No Time demostró que lo suyo no es solo música, sino una experiencia visceral. Abandonaron el escenario con el listón de la actitud en lo más alto y la sensación inequívoca de haber presenciado uno de los directos más crudos y auténticos de la gira.
Desde el primer acorde de “Run You Down”, quedó claro que los de Vancouver venían a arrasar. Sin rodeos ni concesiones, el cuarteto descargó un Oi! crudo y afilado que encontró respuesta inmediata en una sala ya caliente. “Pull It Over Your Eyes” mantuvo la presión, con los primeros pogos abriéndose paso entre las filas delanteras.
Greg Huff lideró el ataque con su voz rasposa y desafiante, marcando el ritmo de la noche mientras alternaba riffs con Rob Foster. En “Too Afraid” se vio la precisión quirúrgica de ambos: guitarras compactas, miradas cómplices y cambios ejecutados con una sincronía impecable. Con “Another Soldier”, la comunión fue total; el estribillo se convirtió en un grito colectivo, con Huff acercando el micro al público y sonriendo ante la respuesta.
La base rítmica fue un bloque de hormigón. Matt Vogler, sólido y contundente, sostuvo el pulso en “We’re The Victim”, donde Huff no dejó de señalar a la multitud, azuzando un pogo que ya era imparable. El bajo de Noah Heath retumbó con fuerza en “Enough” y “Hit a Wall”, golpeando el pecho de las primeras filas y reforzando ese sonido compacto y callejero que define a la banda.
El tramo central, con “Looking Back” y “If You Say So”, mostró el lado más melódico sin perder agresividad. Pero fue con “Violent Society” cuando todo explotó: micrófonos extendidos hacia el público, puños en alto y un coro ensordecedor que eclipsó por momentos a la propia banda.
“No Escape” llegó como una descarga final de adrenalina antes de “On The Other Side”, donde la intensidad se tiñó de una melancolía combativa. Sin apenas abandonar el escenario, regresaron para el bis con “More Sorrow”. El cierre fue apoteósico: músicos y asistentes fundidos en una sola voz, guitarras en alto y la sensación de haber presenciado un asalto directo, conciso y sin fisuras. Barcelona cayó rendida ante First Attack. Y no hubo supervivientes.
Cuando cesó la obertura, Lion’s Law emergió para demostrar por qué es el referente actual del género. Sobre el escenario, la cohesión fue quirúrgica. Victor “Wattie”, líder y vocalista desde la fundación de la banda en 2012, desplegó un carisma arrollador: castigó sus cuerdas vocales con rabia y conectó con el público en un castellano afilado y bromista: “Un tema más y os vais a casa, que os veo cansados”, provocando el rugido colectivo.
La maquinaria parisina funcionó como una apisonadora. Daick y Olivier (Vovott) son los encargados actuales de mantener el característico muro de sonido de Lion’s Law, siguiendo la línea clásica del género: potencia y robustez sin concesiones. A su lado, Swann, miembro fundamental de la sección rítmica, aportó profundidad melódica con un bajo influenciado por el punk clásico, mientras que Thomas “Thomoï”, veterano de la escena punk francesa y ex batería de Komintern Sect, sostuvo el tempo con una resistencia sobrehumana.
El setlist recorrió su discografía con una marcha más acelerada que en estudio, imprimiendo una velocidad hardcore a su Oi! tradicional. Himnos como Lafayette y Brother resonaron con contundencia, y el inesperado momento de I Ran (A Flock of Seagulls), dedicado a “las generaciones de los 80”, tendió un puente entre veteranos de tirantes finos y parches de Trojan Records y adolescentes con polos Fred Perry y Ben Sherman perfectamente abotonados.
El tramo final fue incendiario. Tras The World Is On Fire, la sala explotó con Antisocial, coreada a pleno pulmón mientras el público lanzaba proclamas políticas y cánticos de libertad. Con un desafiante “¡Quedan tres!”, cerraron con la tríada sagrada: For My Clan, Son of Oi! y un Skinhead final que dejó el foso cubierto de sudor y orgullo.
Lion’s Law no ofreció solo un concierto: reafirmó que el street punk sigue siendo una declaración de principios escrita con botas, lealtad y música sin piedad.
Pro-Pain estrena “Oceans of Blood” como adelanto de su nuevo disco
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Los rudos y feroces Pro-Pain han estrenado el videoclip oficial de “Oceans of Blood”, single adelanto de Stone Cold Anger, el nuevo disco de la banda norteamericana que saldrá a la venta el próximo 15 de mayo a través de Napalm Records.
01 OCEANS OF BLOOD 02 STONE COLD ANGER 03 MARCH OF THE GIANTS 04 UNCLE SAM WANTS YOU! 05 DEMONIC INTERVENTION 06 RINSE & REPEAT 07 HELL OR HIGH WATER 08 SCORCHED EARTH 09 JONESTOWN PUNCH 10 SKY’S THE LIMIT
Headon estrena “Un Nuevo Sol (Capítulo 1) con un invitado muy especial
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Los chicos de Headon han estrenado su poderoso single “Un Nuevo Sol (Capítulo 1), el cual no solamente viene acompañado de un gran videoclip, si no que además, cuenta con la participación especial de Jose Pardial, conocido por todos gracias a su trabajo vocal al frente de Avalanch.
El tema es el segundo adelanto de El Descenso, que no es otra cosa más que el esperadísimo nuevo disco de la banda liderada por Andy Martínez y que esperamos para este 2026 con muchas ganas.
Además, la canción evidencia el excelente estado de forma de los murcianos y como encajan muy bien la voz de Pardial, que sigue demostrando porque Avalanch lo eligieron para hacerse cargo del micrófono.
Podéis ver y escuchar el resultado final a continuación:
The Buzzcocks celebrará sus 50 años de carrera en España
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Considerados como uno de los grupos fundacionales de lo que se conoce como “Punk Pop” o punk rock más ligero junto a otros históricos como Ramones y The Undertones, los británicos The Buzzcocks volverán a España para celebras sus cinco décadas de trayectoria, que los han llevado a ser considerados “Héroes” dentro del género.
La banda ha influenciado a miles de artistas posteriores, desde Pearl Jam y Nirvana hasta bandas muy jóvenes que en su día se declararon acérrimos seguidores de los británicos como Billy Talent o Thursday, entre otros.
Gracias a Eclipse Group, vamos a poder disfrutar de este cumpleaños tan especial para The Buzzcocks en las siguientes fechas:
13 de Marzo – Madrid – Mon Live
14 de Marzo – Barcelona – Salamandra
Las entradas siguen a la venta y se pueden adquirir AQUÍ, mientras que su precio de taquilla será de 35 euros.
Los rockeros noruegos Gluecifer están muy cerca de regresar a nuestro país en el marco de su nueva gira europea, donde nos deleitarán con su poderoso directo, sucio, callejero y sin adornos, solamente rock and roll hecho en Escandinavia.
Samurai Pizza Cats lanza “T-Rex(plosion)” junto a Ankor
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Tras anunciar el mes pasado su segundo álbum de estudio, Press Start, los alemanes Samurai Pizza Cats presentan ahora un nuevo adelanto titulado “T-Rex(plosion)”, que cuenta con la colaboración especial de la banda española Ankor. Ambas formaciones unieron fuerzas también para la grabación del videoclip, ofreciendo una propuesta cargada de energía, actitud jurásica y una dinámica divertida que refuerza la potencia del tema. El disco verá la luz el 27 de marzo de 2026 a través de Century Media Records.
“T-Rex(plosion)” se suma a los sencillos previamente publicados: “Super Zero”, “Pandastruck”, “Fear No Slice” y “City of Gold”, que ya anticipaban la explosiva dirección sonora del nuevo trabajo. El álbum incluirá un total de doce cortes en su edición estándar, entre ellos “Insert Coin”, “Error 808”, “Level Up”, “Penguin Supreme” y “Thanks for Playing”, además de colaboraciones destacadas como “Ramen-Man” junto a BABYBEARD. La edición japonesa añadirá como bonus track “Ramen Man – STVW Version”.
Formados en 2021 en Castrop-Rauxel, Samurai Pizza Cats nacieron de la mano de Daniel Haniß (Electric Callboy), Sebastian Fischer y Stefan Buchwald (ex Fall Of Gaia), consolidándose rápidamente gracias a su sonido único y sus intensos directos. Desde entonces, la banda ha ampliado su formación con Stefan Reufer al bajo y, a finales de 2025, con Robin Kemper como nuevo batería. Su propuesta musical transita entre el metalcore y el deathcore con influencias electrónicas, combinando melodías pegadizas, riffs contundentes y un característico sentido del humor que rinde homenaje a una mítica serie de anime.
Miss May I Estrena “Die On The Vine”, Adelanto De Su Nueva Etapa En 2026
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Los referentes del metalcore de Ohio, Miss May I, están de regreso con nueva música de cara a 2026 y hoy presentan el videoclip de su potente single “Die on the Vine”. El tema despliega guitarras galopantes, breakdowns demoledores que parecen mover placas tectónicas y melodías memorables que equilibran agresividad y emoción. Con este lanzamiento, la banda ofrece el primer vistazo a lo que promete ser una nueva y contundente etapa en su carrera.
Sobre la canción, el grupo explica que “Die on the Vine” aborda un ajuste de cuentas a mitad de la vida: el momento en que uno asume cuánto influyen las experiencias de la infancia y los traumas no resueltos en la persona que llega a ser. La letra retrata ese punto en el que la negación deja de funcionar y aparece la autoconciencia. Si esos patrones deben acompañarte siempre, la decisión pasa por dejarte consumir por su peso o fortalecerte a través de ellos. El tema abraza esa tensión y presenta la supervivencia como adaptación: afilar las espinas con el tiempo en lugar de permitir que el daño te defina.
Burning Witches en Barcelona: “Martillos y Escobas”
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La atmósfera del recinto se transformó en un bastión medieval cuando las luces se fundieron a negro y las notas solemnes de la intro de “The Last Kingdom” comenzaron a resonar, marcando el inicio de la liturgia de Hammer King. La formación alemana no entró al escenario simplemente para tocar; entró para reclamar su trono.
Con un estruendo de acero, la banda arrancó con “King for a Day”, un trallazo de power metal que puso las cartas sobre la mesa: ritmos galopantes, estribillos coreables y una entrega física absoluta. Su carismático líder y vocalista, Titan Fox V, apareció ataviado con su característica indumentaria real, alzando su voz con potencia envidiable mientras blandía el martillo sagrado, símbolo inequívoco de la banda, que los fans de las primeras filas replicaban en versiones imaginarias manos en alto.
Sin dar respiro, encadenaron “Make Metal Royal Again”, un auténtico manifiesto de intenciones en el que las guitarras se entrelazaron en armonías hercúleas, demostrando que el espíritu de los grandes clásicos del género sigue vivo. La actuación no escatimó en teatralidad: entre la bruma del escenario, la figura del Verdugo Real hacía apariciones esporádicas, añadiendo una capa de misticismo y peligro, mientras las proyecciones y la actitud de los músicos evocaban la protección de las Doncellas del Reino.
Con “Kingdom of Hammers and Kings” y la agresiva “Pariah Is My Name”, el grupo demostró una cohesión sonora asombrosa, sostenida por una base rítmica que golpeaba como un yunque en cada compás.
El ecuador del concierto llegó con la majestuosa “König und Kaiser”, interpretada con un orgullo que contagió a toda la sala, seguida de la demoledora “Hammerschlag”, donde los saltos y el headbanging fueron la respuesta unánime del público. Uno de los momentos más sorprendentes y celebrados del repertorio fue la versión de “Danger Zone”, de Kenny Loggins: la banda logró transformar un clásico del pop-rock de los ochenta en un himno de metal pesado, acelerando las pulsaciones antes de encarar la recta final con “Hoheitsgebiet”.
Para el cierre, Hammer King reservó su artillería pesada con “Kingdom of the Hammer King”, un broche épico en el que la comunión entre la banda y sus “súbditos” fue total. Como gesto final, lanzaron monedas de color oro, impresas con su nombre, dejando el pabellón en lo más alto mientras la outro de “The Last Kingdom” despedía a los músicos entre una ovación cerrada.
Los alemanes no solo caldearon el ambiente: ofrecieron un espectáculo de primer nivel, dejando claro que su monarquía del acero es legítima y que el martillo sigue golpeando con la misma fuerza que el primer día.
Las nuevas doncellas del Heavy Metal, Burning Witches, desembarcaron con autoridad en el marco del “Witches and the King Tour 2026”, rubricando una actuación que no solo confirmó su excelente estado de forma, sino que las consolida como una de las formaciones más sólidas y convincentes del heavy metal contemporáneo. Lejos de limitarse a una propuesta estética potente, el quinteto demostró sobre las tablas que su verdadero poder reside en la conjunción de talento instrumental, disciplina escénica y una fe inquebrantable en el legado clásico del género.
El ritual comenzó con la intro “Sanguini Hominum”, una atmósfera densa y ceremonial que envolvió la sala en un halo oscuro, preparando el terreno para una descarga de puro acero. La irrupción con “Soul Eater” fue inmediata y demoledora: la base rítmica formada por Lala Frischknecht y Jeanine Grob se mostró compacta, precisa y musculosa. Lala ejecutó cada golpe con una firmeza casi marcial, alternando potencia y control con una solvencia admirable, mientras que el bajo de Jeanine no se limitó a acompañar, sino que añadió cuerpo, profundidad y un pulso firme que sostuvo cada riff con autoridad. Juntas construyeron un andamiaje sonoro robusto, sobre el cual el resto de la banda pudo desplegar toda su artillería.
En el centro del huracán apareció Laura Guldemond, indiscutible maestra de ceremonias. Más allá de su carisma arrollador y su constante conexión con el público, Laura volvió a demostrar que es una vocalista de primer nivel dentro del heavy metal actual. Su registro es amplio, poderoso y perfectamente proyectado; domina los agudos con limpieza y agresividad, pero también sabe modular y matizar cuando la canción lo requiere. En “Shame” y la ya icónica “Dance With the Devil”, combinó potencia clásica con un fraseo lleno de intención, alternando ataques afilados con líneas melódicas impecables que evocan la tradición del heavy ochentero sin caer en la imitación. Su control de la respiración, su resistencia y su capacidad para mantener la intensidad durante todo el show hablan de una intérprete madura, técnicamente preparada y absolutamente entregada.
En el apartado guitarrístico, Romana Kalkuhl y Courtney Cox ofrecieron una lección de compenetración y técnica. Romana, como fundadora y principal arquitecta del sonido del grupo, exhibió un riffing sólido, cortante y cargado de personalidad. Sus estructuras rítmicas mantienen ese equilibrio entre melodía y contundencia que define el ADN de la banda. Courtney, por su parte, aportó una ejecución precisa y vibrante, con solos llenos de velocidad, feeling y claridad. En “Maiden of Steel” protagonizaron duelos electrizantes, alternando fraseos armónicos, escalas vertiginosas y armonías gemelas que remitieron directamente a la escuela de la NWOBHM, pero con una frescura y una seguridad que evidencian horas de estudio y carretera. No hubo excesos gratuitos: cada solo tuvo sentido narrativo, cada melodía reforzó el carácter épico de las composiciones.
El bloque central del concierto mantuvo una intensidad física casi agotadora. “The Dark Tower” mostró el costado más denso y afilado del grupo, con riffs de corte thrasher que impulsaron un headbanging masivo y perfectamente sincronizado en la sala. Aquí volvió a brillar la precisión colectiva: cambios de ritmo ejecutados con limpieza, dinámicas bien medidas y una sincronía que solo se logra con cohesión real de banda. “Inquisition”, una de las piezas más celebradas de su material reciente, fue recibida con una ovación cerrada y evidenció su capacidad para construir himnos contemporáneos sin renunciar al espíritu clásico.
La agresividad continuó con “Black Widow” y “Evil Witch”, donde Burning Witches reivindicó con orgullo su herencia priestiana bajo el lema “We Stand as One”. Sin embargo, más que simples herederas, demostraron personalidad propia: riffs afilados, estribillos coreables y una puesta en escena que combina teatralidad y convicción. La interacción constante con el público, los gestos cómplices entre las guitarristas y la seguridad de la sección rítmica reforzaron la sensación de estar ante una maquinaria perfectamente engrasada.
Tras el hipnótico interludio de “The Witch Circle”, que sumergió al público en un trance casi pagano, la banda abandonó momentáneamente el escenario. El silencio fue efímero: un ensordecedor “OE, OE, OE” emergió desde la pista reclamando su regreso. El quinteto volvió con determinación para afrontar los bises, descargando la atronadora “Hexenhammer” con una energía intacta y culminando con la épica “Wings of Steel”, donde las melodías elevadas y el empuje rítmico reafirmaron su capacidad para construir finales memorables.
El clímax visual llegó con la aparición de una figura de bruja entre sombras, acechando a la banda hasta que un monje irrumpió portando su cabeza cercenada, un recurso teatral impactante que reforzó el imaginario oscuro y conceptual del grupo. No fue un mero adorno escénico, sino una extensión coherente de su propuesta lírica y estética.
El cierre definitivo con “Burning Witches” fue una explosión de fuego, sudor y metal fundido. Con la sala entregada, quedó claro que la banda no solo rinde tributo al pasado glorioso del heavy metal, sino que lo revitaliza con convicción, talento y autenticidad. Virtuosas sin caer en la frialdad técnica, carismáticas sin perder contundencia, Burning Witches demostraron ser músicas disciplinadas, intérpretes apasionadas y auténticas guardianas del acero en pleno 2026.
Los canadienses Kataklysm regresan a Glasgow con su gira Freedom or Death, llevando su propuesta de death metal directo y contundente a la sala Slay el próximo 21 de febrero. Con décadas de trayectoria y una discografía sólida, la banda mantiene un ritmo constante de giras y lanzamientos, consolidando su reputación como uno de los nombres más firmes del género en directo.
El cartel se completa con dos pesos pesados de la escena extrema: los veteranos Vader, referentes del death metal europeo, y Blood Red Throne, que aportan su enfoque agresivo y técnico. La combinación de las tres bandas garantiza una noche orientada a los seguidores del metal más pesado, con sets pensados para no dar respiro y mantener la intensidad de principio a fin.
Se espera una gran convocatoria para esta fecha dentro del tour, especialmente por la fuerza del paquete completo. Si quieres estar presente en una de las noches más contundentes de la temporada en sala, consigue tus entradas aquí y asegura tu lugar con antelación.
La noche en la Sala Wolf de Barcelona olía a sudor, cerveza y riffs afilados. Con una asistencia rozando el sold out, el público respondió desde primera hora a una velada marcada por la contundencia y la técnica. El cartel era un golosina para los amantes del metal más exigente, y la respuesta fue una sala entregada, caliente y con ganas de guerra desde el primer acorde.
Los encargados de abrir fuego fueron Life Cycles, desde Texas con actitud y tablas. Su descarga fue directa, sin rodeos, combinando groove y agresividad con una puesta en escena sobria pero eficaz. Supieron aprovechar cada minuto para meterse al público en el bolsillo, dejando claro que la escena local tiene músculo y hambre, y que no estaban allí para cumplir expediente sino para plantar cara a cualquier banda sea nacional o internacional.
La brutalidad llegó de la mano de Distant, que convirtieron la Wolf en un campo de demolición a base de breakdowns sísmicos y guturales abismales. La banda descargó una tormenta de deathcore moderno, con afinaciones bajísimas y una presencia escénica imponente. Los muros de sonido hicieron temblar la sala mientras los primeros pogos serios de la noche tomaban forma, demostrando que su propuesta conecta de lleno con una generación que busca extremidad sin concesiones.
El nivel técnico se disparó con la salida de Revocation, que ofrecieron una lección magistral de precisión y complejidad. Desde los primeros compases quedó claro que lo suyo es combinar virtuosismo y agresividad sin perder pegada. Cada cambio de ritmo, cada solo vertiginoso, fue recibido con vítores por un público que sabía perfectamente lo que tenía delante.
Temas como “Diabolical Majesty” o “The Outer Ones” sonaron afilados, con una ejecución impecable y una banda absolutamente compenetrada. El guitarrista y vocalista llevó el peso del show con carisma y solvencia, mientras la base rítmica sostenía estructuras imposibles con una naturalidad pasmosa. Su actuación elevó el listón y dejó la sensación de estar ante uno de los nombres más sólidos del death metal técnico actual.
Pero la noche tenía un claro protagonista: Sylosis. Los británicos saltaron al escenario entre una ovación cerrada y no tardaron en desatar la locura con “Poison for the Lost” y “Servitude”, mostrando que su combinación de thrash moderno y death melódico sigue siendo tan afilada como siempre. La sala, ya al límite de temperatura, respondió con circle pits y headbanging masivo desde el primer minuto.
El repaso a Edge of the Earth fue uno de los momentos más celebrados, especialmente con “Altered States of Consciousness”, que sonó monumental y confirmó el estatus casi de culto de ese trabajo. Tampoco faltaron guiños a etapas más recientes, con cortes de A Sign of Things to Come que demostraron la evolución del grupo hacia terrenos aún más oscuros y contundentes. Cada riff cayó como un martillazo, con un sonido compacto y demoledor.
Uno de los puntos álgidos llegó con “Empyreal” y la imprescindible “Deadwood”, convertida ya en himno generacional para sus seguidores. La banda se mostró firme, técnica y emocional, conectando con una audiencia que coreó cada línea y celebró cada breakdown. Sin artificios innecesarios, apoyados únicamente en su potencia y en un repertorio incontestable, Sylosis firmaron una actuación que dejó claro por qué siguen siendo una referencia indiscutible del metal contemporáneo.
La organización del Z! Live Rock Fest confirma a Epica como uno de los grandes nombres de su edición de 2026. La banda neerlandesa se incorpora al cartel como cabeza de cartel del sábado 13 de junio, consolidando una jornada que promete ser histórica para los amantes del metal sinfónico. El anuncio refuerza la apuesta del festival por artistas internacionales de primer nivel en uno de los momentos más sólidos y reconocidos de la trayectoria del grupo.
El esperado concierto tendrá lugar en el emblemático “Templo del Metal”, dentro del recinto de IFEZA, donde la formación ofrecerá un show especial de larga duración. Será un directo diseñado para disfrutar de su música sin restricciones de tiempo, permitiendo a los asistentes vivir una experiencia completa de principio a fin. Una oportunidad única para ver a Epica desplegar toda su potencia escénica y su espectacular propuesta sonora en un formato más amplio de lo habitual.
El Z! Live Rock 2026 se celebrará en Zamora del 11 al 13 de junio, reuniendo a miles de seguidores del género en una de las citas imprescindibles del calendario metalero nacional. Los últimos abonos están disponibles por 143 euros (gastos de gestión incluidos) a través de la web oficial del festival, www.zliverock.com, en lo que se prevé como una edición inolvidable para el público y para la propia banda.
El Drogas repasará lo mejor de su carrera en Barcelona
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Sobra decir que si hablamos de rock en nuestro país, pero de rock urbano, sin florituras, de ese que se escucha en el barrio, hay dos nombres que se nos vienen a la mente antes que cualquier otro, uno de ellos es Rosendo, quién junto a Leño, puso en mayúsculas la palabra rock a lo largo y ancho de nuestra geografía hace ya más de 40 años y el otro sería el de Don Enrique Villarreal o como se le conoce popularmente: El Drogas, quien con sus cuatro cuerdas y sus compañeros de Barricada, son otra de las instituciones que este estilo dio en nuestro país influenciando a tantos grupos y artistas dispares por más de 35 años.
Entrevista con Lohki (Wolfchant): “No queríamos algo completamente nuevo, sino sacar lo mejor de ambas etapas”
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Con más de dos décadas de trayectoria dentro del pagan metal europeo, los alemanes Wolfchant regresan con Echoes of a Time Once Past, un álbum que conecta su esencia original con la madurez de su etapa actual. En esta entrevista, Lohki repasa el proceso creativo del disco, la reconstrucción de la banda tras momentos difíciles, el enfoque lírico y musical de este nuevo trabajo, y los objetivos de Wolfchant en el presente, en una charla profunda y honesta.
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He escuchado el nuevo álbum. Echoes of a Time Once Past fue muy bien recibido y he leído que es su octavo álbum de estudio y el segundo desde el regreso de la banda. ¿Qué representa este disco para Wolfchant en esta nueva etapa?
Para nosotros es, en cierto modo, una mezcla entre el Wolfchant antiguo y el Wolfchant actual. Por eso lo llamamos Echoes of a Time Once Past. Hay una sensación muy fuerte de nuestros primeros años, a comienzos de los 2000, combinada con todo lo que hemos hecho en los últimos diez años. Queríamos unir esas dos etapas y reflejarlas en las canciones. En nuestra opinión, funcionó muy bien. No queríamos crear algo completamente nuevo, sino tomar lo mejor de ambos estilos y unirlos en este disco.
Escuchando el álbum, noté influencias de power metal y heavy metal, pero también partes de cuerdas y momentos más épicos o melódicos. Las canciones fluyen naturalmente de una parte a otra, sin quedarse encerradas en un solo estilo, ya sea power, folk o extremo. ¿Cómo fue el proceso de composición para lograr ese equilibrio?
Normalmente uno de los guitarristas o algún miembro de la banda llega con una idea inicial. Todos tenemos la posibilidad de grabar en casa. Vivimos repartidos por toda Alemania, pero desde hace unos diez años contamos con nuestro propio estudio. Compartimos la idea y todos trabajamos sobre ella. Ese proceso puede llevar semanas o incluso años. En el caso de Echoes of a Time Once Past, nos llevó casi tres años. Grabamos muchas canciones, alrededor de 18, y con el tiempo íbamos parando, escuchando y decidiendo cuáles representaban mejor lo que sentíamos en ese momento. Al final dijimos: “Estas son las canciones que queremos en el disco”. A veces sentíamos que necesitábamos partes más agresivas, más voces gritadas, y en otros momentos algo más suave, quizás con violonchelos. Es un proceso largo, que puede durar meses o incluso años.
Claro. Mencionaste que el proceso llevó casi tres años. Yo estaba algo confundido porque pensaba que el lanzamiento de 2024 era un álbum completamente nuevo. ¿Hay canciones de este disco que fueron escritas antes de ese lanzamiento?
El lanzamiento de 2024 no fue un álbum nuevo, sino una reedición de nuestro segundo disco, A Pagan Storm. Ese álbum salió originalmente en 2007 y durante mucho tiempo no estuvo disponible. Muchos fans nos lo pedían, así que decidimos regrabarlo completamente en 2024 y lanzarlo como un doble CD: la versión original y la nueva. Pero no lo consideramos un álbum oficial nuevo. Nuestro último álbum de estudio antes de Echoes of a Time Once Past fue Omega Bestia, en 2021.
Entiendo, fue un error mío. Pensé que era material nuevo. De todos modos, A Pagan Storm fue un disco muy importante. Recuerdo que en Argentina, alrededor de 2008 o 2009, el pagan y el folk metal se volvieron muy populares y ese álbum se escuchaba muchísimo.
Sí, para nosotros A Pagan Storm sigue siendo un disco muy importante. Fue un gran paso adelante en nuestra carrera y ayudó a que mucha gente se acercara al pagan metal en esa época.
Hablando de la historia de la banda, sé que hubo una pausa alrededor de 2018 y luego el regreso en 2019 con nuevos miembros. ¿Cómo fue el proceso de reconstruir la identidad de Wolfchant sin perder su esencia?
En realidad no fue una separación como tal. Nos tomamos un tiempo porque nuestro guitarrista falleció de cáncer. Era muy joven y se había unido a la banda solo cuatro años antes. Falleció en agosto de 2018 y fue una pérdida enorme para nosotros. Aun así, teníamos compromisos importantes como Wacken, Summer Breeze y 70.000 Tons of Metal. Sus padres nos dijeron que no paráramos, que él no lo habría querido. Seguimos adelante, pero sentíamos un vacío muy grande. Después del 70.000 Tons de 2019 decidimos tomarnos un descanso para recomponernos. Necesitábamos tiempo para procesar todo. Tras aproximadamente un año, nos sentimos preparados para empezar de nuevo y ahí fue cuando realmente regresamos.
Gracias por aclararlo. Entremos ahora en las letras. ¿Es Echoes of a Time Once Past un álbum conceptual? ¿Qué tipo de historias o imágenes inspiraron las letras?
No es un álbum conceptual. Cada canción cuenta una historia diferente. En el pasado hicimos discos conceptuales, pero esta vez queríamos letras variadas. Por ejemplo, “Lifeblood” habla de los últimos momentos de una persona en una batalla, de los pensamientos finales antes de morir. Otras canciones siguen explorando la naturaleza, como “Goddess of Fire”, que trata sobre una figura mitológica que seduce y destruye al ser humano. Son historias independientes, no hay un concepto general que las una.
Me llamó la atención el uso de diferentes idiomas en el disco. Algunas canciones están en alemán y otras en inglés. ¿Cómo deciden eso?
Es algo que hacemos desde Pagan Storm. A veces sentimos que el inglés no encaja bien con una canción, entonces probamos en alemán, que es un idioma más duro y, en ciertos casos, funciona mejor. Otras veces sucede lo contrario. Escuchamos la canción en alemán y sentimos que es demasiado difícil, entonces pasamos al inglés. Elegimos el idioma según lo que mejor funcione para cada canción.
Lo entiendo perfectamente. A veces no entender la letra también genera una sensación especial.
Exactamente. A veces no es necesario entender las palabras. Es una cuestión de sensaciones. La música, la voz, la energía… eso puede ser suficiente.
¿Qué sentimientos buscan transmitir con este álbum?
Queremos que, al terminar de escuchar el disco, el oyente se sienta mejor. Quizás no necesariamente feliz, pero sí más fuerte, con una sensación positiva. No queremos deprimir a nadie. Si tuviste un mal día y escuchás Wolfchant, nuestra intención es que salgas con más energía.
Algo que me llamó mucho la atención es el trabajo orquestal. ¿Cómo grabaron las cuerdas y los arreglos sinfónicos?
Al principio lo hacíamos con instrumentos reales, pero era muy complicado y caro. Con el tiempo empezamos a usar software, que hoy en día es de altísima calidad. Las guitarras, el bajo y la batería son reales, por supuesto, pero la orquesta está hecha completamente con software.
La batería suena muy potente en el disco.
Nuestro baterista es una bestia absoluta. Siempre grabamos la batería de forma real. No usamos baterías programadas, salvo algunos ajustes mínimos.
Hablemos de la gira Rites of the Blood Moon. El cartel es increíble. Cuando lo vi, pensé: “Tengo que estar ahí”.
Podés esperar exactamente eso: cuatro bandas increíbles. Personalmente me gustan mucho Belore, Skyforger y Arab Altor. Hay una mezcla muy rica de pagan metal, desde Suecia hasta Francia, Alemania y Estonia. Son bandas con mucha experiencia y creo que va a ser algo realmente especial vernos a todos juntos en el escenario. Tenemos once conciertos por delante y va a ser épico.
Para ser honestos, será nuestro primer concierto en Dinamarca. He estado muchas veces en Copenhague por trabajo, pero musicalmente es la primera vez que tocamos allí. Tenemos muchas ganas y esperamos un show intenso, cercano y muy especial.
Dijiste que estuviste varias veces en Copenhague por trabajo. ¿A qué te dedicás vos y a qué se dedican los demás integrantes de la banda, teniendo en cuenta que Wolfchant es un hobby para ustedes?
Exactamente. Nuestro baterista es abogado y tenemos uno, dos o tres ingenieros que trabajan para BMW en el área de electrónica y control de calidad. En mi caso, soy director de seguridad y formo parte de la dirección de una empresa. Todos tenemos una buena formación y trabajos estables. Desde hace tiempo decidimos que, aunque la música es muy importante para nosotros, no queríamos depender económicamente de ella. Eso nos da total libertad para hacer lo que queremos con Wolfchant: si a la gente le gusta, genial, y si no, no pasa nada, porque no necesitamos vivir de la música. En nuestros trabajos todos saben que tocamos en una banda y, en muchos casos, incluso a la gente de la dirección le gusta el metal. Hay muchísimos metaleros, más de los que uno imagina, y eso genera una conexión muy natural e interesante.
Si pudieran crear algo fuera del formato habitual de la banda, como una película o un videojuego, ¿qué les gustaría hacer?
Ya tuvimos una experiencia así hace algunos años con una producción animada de Cartoon Network. Fue muy divertido y nos trajo muchos fans, especialmente en Estados Unidos y Canadá. Si tuviéramos la oportunidad de repetir algo así, lo haríamos sin dudarlo.
Por último, ¿cuáles son los objetivos a corto y mediano plazo para Wolfchant?
Seguir sacando discos, dar conciertos, conectar con los fans y viajar con nuestra música. No buscamos más que eso: hacer lo que amamos y compartirlo con la gente.
Si querés entender el estado mental de Maynard James Keenan en Normal Isn’t, no hace falta leer entrevistas enteras ni ponerse a analizar letras con lupa: alcanza con mirar el personaje en el que parece reflejarse. El disco se apoya en una figura mucho más incendiaria y al borde del colapso, cercana a William Foster, el protagonista de Un día de furia. Un tipo empujado al límite por la fealdad cotidiana, la estupidez normalizada y la violencia estructural del mundo moderno. Esa tensión permanente atraviesa todo el álbum.
Normal Isn’t llega cinco años después de Existential Reckoning, aquel disco atravesado por la pandemia, donde todavía había espacio para pensar en comunidad, empatía y reconstrucción. Hoy el panorama es más áspero. El mundo no se calmó: se radicalizó. Polarización política, cinismo global, guerras asomando, tecnología avanzando sin ética, redes sociales embruteciendo y una sensación constante de que todo está fuera de eje. Este disco no grita eso: lo respira.
Musicalmente, Puscifer sigue siendo ese terreno donde Maynard James Keenan juega sin red. Electrónica oscura, groove pesado, guitarras secas, climas post-punk y una base rítmica que no busca lucirse sino hipnotizar. El trío Maynard James Keenan, Carina Round y Mat Mitchell está más afilado que nunca, funcionando como un organismo único. Acá no hay canciones hechas para el algoritmo; hay ideas que se desarrollan con paciencia, tensión y repetición.
A diferencia de Existential Reckoning, Normal Isn’t es más sutil, pero también más oscuro. Hay momentos sorprendentemente pegadizos, como “Bad Wolf” e “ImpetoUs”, que funcionan casi como trampas melódicas dentro de un disco denso. También aparece el humor ácido de siempre, como en “Mantastic”, donde se ríen de las contradicciones ridículas de la masculinidad moderna. Pero, en general, el tono es serio, porque el contexto no da para chistes largos.
Uno de los puntos más fuertes del disco es “The Quiet Parts”, una canción hermosa y peligrosa a la vez. No levanta la voz, no acusa directamente, pero señala algo fundamental: el problema no siempre son los villanos evidentes, sino nuestra pasividad frente a ellos. Escucharla hoy, con discursos deshumanizantes cada vez más normalizados, pega distinto.
El cierre con “The Algorithm” apunta directo al corazón del presente: redes sociales, distracción constante, indignación programada y la sensación de que estamos siendo idiotizados justo cuando más falta haría actuar. No desde el enojo adolescente, sino desde un cansancio lúcido.
Si el disco tiene un mensaje general, no es apocalíptico, aunque lo parezca. Puscifer recuerda que la civilización humana siempre fue un péndulo: extremos que van y vienen, épocas de luz y de sombra. La clave está en no naturalizar el odio, no dejar que la brutalidad se vuelva cotidiana. Aguantar. Resistir. Elegir conscientemente no convertirse en aquello que uno critica.
Normal Isn’t no es un disco fácil ni inmediato. No busca likes ni catarsis rápida. Es denso, coherente, incómodo y profundamente honesto. No reinventa el universo de Puscifer, pero lo oscurece, lo profundiza y lo vuelve más urgente.
La verdadera fortaleza de Puscifer y de Maynard James Keenan en particular (que es lo que aprecio de corazón de este artista y amo) está en su capacidad para tomar temas profundamente incómodos y críticos, digerirlos sin simplificarlos ni suavizarlos, y transformarlos en música que no baja línea, pero sí pega directo en el alma. Normal Isn’t no busca consolar ni dar respuestas: expone, incomoda y resuena. Y, en ese proceso, logra algo mucho más difícil que la denuncia o el enojo: convertir el caos del mundo en una experiencia artística honesta, intensa y humana, que se siente tanto en la cabeza como en el cuerpo.
La noche del sábado 7 de febrero de 2026, la sala Razzmatazz 2 dejó de ser un simple recinto de conciertos para convertirse en el epicentro de una nueva era. Megara no regresó para ofrecer un directo más, sino para ejecutar un reinicio de sistema en toda regla, una declaración de intenciones que se percibía desde antes de que sonara la primera nota. Aquello no era una gira: era una mutación y no lo haría en solitario, sino que le acompañaría la banda barcelonesa Astray Valley.
Astray Valley construyó su directo como una experiencia compacta y sin distracciones, apoyándose en un setlist breve pero perfectamente ordenado, pensado para funcionar como un viaje narrativo de principio a fin. No hubo bises ni rupturas artificiales: el concierto avanzó con la lógica de un ritual que no admite interrupciones.
La apertura con “Opium” fue una declaración de intenciones inmediata. La sala quedó sumida en una atmósfera densa, casi narcótica, donde los tempos contenidos y las capas sonoras crearon un estado de hipnosis colectiva. Astray Valley no salió a buscar el impacto rápido, sino a sumergir al público poco a poco, marcando desde el primer minuto su apuesta por un metal moderno conceptual, más sensorial que explosivo.
Sin pausa real, “Darkest Times” profundizó en ese clima introspectivo. El tema funcionó como una bajada a terrenos más emocionales, apoyado en una interpretación vocal especialmente intensa de Clau Violette, que alternó melodías cargadas de fragilidad con guturales contenidos pero afilados. Aquí la banda mostró su capacidad para manejar la melancolía sin perder tensión, sosteniendo el peso emocional del tema con una base rítmica sólida y envolvente.
El giro llegó con “Synthetic Heart”, donde la estética industrial y la frialdad tecnológica se impusieron claramente. Las guitarras de Joan “Vena” Moreno combinaron riffs precisos con pasajes más etéreos, mientras el bajo de Umbra Hatzler aportó una profundidad oscura que se sentía físicamente en el pecho. La sensación de deshumanización que transmite el tema se trasladó al directo con total eficacia, reforzada por una iluminación fría y mecánica.
El punto de ruptura del concierto se produjo con “Pray for the Devil”. Aquí Astray Valley liberó toda la agresividad contenida hasta ese momento. Los tempos se aceleraron, los guturales ganaron protagonismo y la batería de Víctor Gato marcó cada cambio con precisión quirúrgica. Fue el momento más violento del set, donde el público respondió con mayor intensidad y el concierto alcanzó su tramo más físico sin perder cohesión.
Tras ese estallido, “Crystallized Soul” actuó como el gran clímax del directo. El tema creció de forma progresiva, combinando épica, emoción y contundencia en una interpretación muy medida. Fue el punto de máxima conexión entre banda y público, donde melodía y fuerza se equilibraron para cerrar el arco narrativo iniciado al principio del concierto.
El cierre con “Your Skin” funcionó como una catarsis final. Lejos de ser un simple final en alto, la canción sirvió para canalizar toda la carga emocional acumulada durante el set. La banda se permitió aquí un tono más abierto y liberador, dejando a la audiencia exhausta pero plenamente dentro de la experiencia. El último acorde no sonó a despedida, sino a la conclusión lógica de un viaje cuidadosamente diseñado.
Con este setlist, Astray Valley demostró que su directo no se basa en la acumulación de temas, sino en la coherencia del discurso. Cada canción cumple una función clara dentro del conjunto, reforzando una propuesta donde música, estética y narrativa forman un todo indivisible. Un concierto breve, intenso y perfectamente estructurado que confirma a la banda como una de las propuestas más sólidas del metal moderno conceptual actual.
Megara, desde los primeros compases de “Karma”, concebida aquí como un auténtico mantra de apertura, la puesta en escena gritaba “Metal Obscura” por cada poro. Una estética total, coherente y absorbente, donde el fucsia ya no funciona como mero elemento decorativo, sino como el neón que ilumina las ruinas de un mundo futurista, decadente y hermoso a partes iguales. Luces afiladas, visuales hipnóticas y una escenografía milimetrada envolvían al público en una experiencia sensorial que iba mucho más allá de lo musical.
Tras esa explosión inicial, “Bienvenido al desastre” y “Del revés” marcaron el pulso de una auténtica montaña rusa emocional. La música se entrelazaba con coreografías de precisión quirúrgica, ejecutadas por las bailarinas de la banda, que lejos de ser un simple complemento estético se erigieron como un elemento narrativo clave. Convertidas en sombras mecánicas y figuras oníricas, interactúan constantemente con Kenzy Loevett, especialmente en temas como 13 razones, subrayando una narrativa visual que parecía extraída de una película de ciencia ficción de alto presupuesto. Cada movimiento, cada gesto, reforzaba la sensación de estar asistiendo a algo diseñado al detalle.
La atmósfera adquirió tintes místicos con el hechizo sonoro de “Hocus Pocus”, un breve pero intenso momento de suspensión colectiva, justo antes de que la sala entera sintiera un nudo en el estómago con la intensidad dramática de Vértigo, interpretada con una carga emocional que cortaba la respiración.
En el centro del huracán, la química de la banda brilló con una madurez renovada, pero sin perder esa chispa gamberra que siempre los ha definido. Kenzy Loevett se confirmó, una vez más, como una frontwoman absoluta, magnética y versátil, capaz de transitar sin esfuerzo desde la euforia eurovisiva de “11:11” —coreada como si fuera un himno nacional— hasta la profundidad atmosférica de “Oniria” y el ritmo infeccioso de “Boom Boom Bah”, demostrando un control escénico y vocal envidiable.
La tensión dramática del show encontraba su contrapeso en la complicidad casi familiar entre los miembros del grupo. Rober Bueno, maestro indiscutible de los riffs pesados, ejerció durante toda la noche como contrapunto cómico, lanzando bromas constantes a Kenzy, ya fuera a través del micrófono o mediante gestos cómplices. Especialmente celebrado fue el “pique” recurrente en alusión a la nueva etapa vital de la cantante: entre Dime quién hay e Involución, Rober dejó caer varias pullas sobre que ahora Kenzy “va más por el biberón” que por el backstage de antaño. Un guiño tan tierno como ácido a su reciente maternidad que el público acogió entre carcajadas, humanizando a estas auténticas bestias del escenario mientras sonaba la asfixiante “Oxígeno”.
Mientras tanto, la base rítmica sostenía todo ese caos perfectamente calculado con una precisión quirúrgica. Vitti Crocutta, al bajo, fue un bloque de hormigón armado: sólido, contundente y con una presencia imponente que recorría el escenario de lado a lado, anclando cada tema al suelo. El momento de gloria técnica absoluta llegó con el solo de batería de Ra Tache. No fue un simple intermedio ni un lucimiento vacío, sino un auténtico ritual de percusión. Rodeada de luces estroboscópicas, Ra parecía una deidad de mil brazos castigando los parches, construyendo un puente de adrenalina pura que elevó la intensidad hasta el límite.
Ese estallido desembocó en el tramo final del concierto, donde el juego perverso de Truco o trato y la crudeza descarnada de “Cicatrices” prepararon el terreno para el clímax definitivo. La banda dejó literalmente el alma en “Arcadia”, antes de asestar el golpe de gracia con el himno “4ÑO C3RO”, coreado como una consigna generacional.
Megara dejó claro que esta gira no es solo la consolidación de un sonido o de una estética, sino la afirmación de un estilo de vida. Un viaje donde las heridas se transforman en cicatrices de guerra y donde el rock, pase el tiempo que pase, sigue siendo —y quizá siempre será— la única respuesta posible al desastre.
Los alemanes Heaven Shall Burn incluirán Glasgow en su gira Heimat over United Kingdom & Ireland 2026, con una fecha programada para el 22 de febrero en The Garage. Reconocidos por combinar metal extremo con mensaje y contundencia sonora, el grupo llega con un show centrado en su material más reciente junto a los temas que han marcado su trayectoria en los escenarios europeos.
La noche contará con un acompañamiento de alto nivel: The Black Dahlia Murder, referentes del death metal melódico moderno, y Frozen Soul, una de las bandas más comentadas del death metal actual. El cruce de estilos dentro de la misma línea pesada convierte el cartel en una propuesta sólida para quienes buscan una velada intensa y sin pausas, con tres sets pensados para directo.
La parada en Glasgow será una de las citas clave del tramo británico de la gira y se espera una buena respuesta del público local. Si quieres asegurar tu lugar para esta descarga de metal en sala, consigue tus entradas aquí y no te quedes fuera.
Krhura Abro (Ponte del Diavolo): “La honestidad es la base de todo lo que hacemos”
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Ponte del Diavolo se ha consolidado como una de las propuestas más inquietantes y personales dentro del doom contemporáneo. Con una formación poco convencional basada en dos bajos y una identidad sonora que desafía etiquetas, la banda continúa expandiendo sus límites creativos. En esta entrevista, Krhura Abro reflexiona sobre los orígenes del proyecto, sus influencias más allá del metal y lo que esperan de su próxima gira por España.
– ¿En qué momento se dieron cuenta de que Ponte del Diavolo no iba a ser “solo otra banda”, sino un proyecto con identidad propia?
Krhura Abro: No lo esperábamos en absoluto, pero las reacciones a nuestra primera demo nos mostraron que estaba circulando ampliamente en los círculos underground.
– Erba del Diavolo fue quien propuso originalmente la idea de un proyecto doom construido alrededor de dos bajos. ¿Por qué esa obsesión en lugar de añadir más guitarras?
Krhura Abro: Fue Erba del Diavolo quien tuvo la idea de un nuevo proyecto doom con dos bajos. Se puso en contacto con nosotros y, después de algunas sesiones de ensayo juntos, nos dimos cuenta de que algo interesante estaba tomando forma. El sonido ya nos parecía completo de esta manera, y esta formación también nos obliga a explorar soluciones diferentes a las de otras bandas.
– Muchas bandas intentan volverse más extremas con cada nuevo lanzamiento. ¿Ven su objetivo como volverse más extremos o más honestos?
Krhura Abro: Nunca lo pensamos realmente en esos términos. “Extremo” puede interpretarse de muchas maneras. Pero diría que la honestidad es la base para crear música que realmente sientas y que signifique algo para ti.
– ¿Qué banda que no sea de metal ha tenido mayor influencia en la forma en que componen o entienden la música?
Krhura Abro: No creo que podamos reducirlo a nombres concretos. Hemos escuchado muchas bandas de la escena punk, post-punk y dark wave. También nos gusta mucho la música electrónica, el rap y la música de los 80 en general, y a veces es realmente interesante e inspirador ver cómo los distintos géneros abordan la estructura y la composición de las canciones.
– ¿Cuál es la música más “anti-metal” que escuchan cuando están solos en la furgoneta de gira?
Krhura Abro: En la furgoneta no escuchamos mucho metal, principalmente porque el audio no siempre es el mejor para ese tipo de discos. Además, cada noche escuchamos metal en directo durante tres o cuatro horas, así que nuestros oídos necesitan un poco de desintoxicación. Por eso suena mucho pop de los 80, rap old school y clásicos para cantar a coro, aunque no considero nada de eso como anti-metal. Por supuesto, siempre hay espacio para reyes como Judas Priest o Black Sabbath.
– Si pudieran invitar a un músico de cualquier parte del mundo para colaborar en una canción, ¿quién sería?
Krhura Abro: Mi elección estaría entre Robert Smith, Tony Iommi o David Gilmour.
– ¿Qué canción del nuevo álbum les impone más respeto a la hora de tocarla en directo?
Krhura Abro: No es que tengamos miedo de tocar ninguna canción en vivo, pero será la primera vez que integremos algunos instrumentos nuevos y pistas de acompañamiento en nuestros conciertos, así que eso será interesante.
– ¿Preferirían tocar en una iglesia abandonada con pésima acústica o en un festival moderno con sonido perfecto pero sin alma?
Krhura Abro: Hemos tocado en ambos contextos y disfrutado los dos, pero definitivamente prefiero clubes profesionales. Cuando la gente paga una entrada, merece una buena experiencia. No estoy de acuerdo con que los festivales no tengan alma. Un buen sistema de sonido puede ayudarnos a transmitir nuestra “alma” tal y como fue concebida. Dicho esto, el público juega un papel fundamental en la experiencia general.
– ¿Qué esperan de esta próxima gira en España, tanto a nivel artístico como personal?
Krhura Abro: Sé que el público español tiene hambre de música extrema y que la gente allí es salvaje (en el buen sentido, por supuesto). A nivel personal, espero toneladas de hierba.
– ¿Cómo están planteando el setlist para estos conciertos?
Krhura Abro: Lo estamos discutiendo y depende de si serán conciertos como cabezas de cartel o en festivales, pero pueden esperar una buena mezcla de todas las etapas de la banda.
– ¿La gira incluirá invitados especiales en algunos conciertos?
Krhura Abro: Por ahora tenemos algunos conciertos seleccionados en los que los invitados del disco tocarán en directo con nosotros. No siempre es fácil organizarlo, pero cuando sucede es algo muy emocionante.
Airbourne en Copenhague: “Rock&Roll y Fiesta Cervezal”
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En otra noche helada de nieve y frío extremo, El Poolen fue testigo de una celebración desenfrenada de rock ‘n’ roll cuando los australianos Airbourne, acompañados por la banda soporte Asomvel, demostraron que la guitarra eléctrica, los riffs pesados y la actitud sin complejos están más vivos que nunca. En una noche donde la nostalgia por el hard rock de los 80 se fusionó con la energía implacable de los músicos en vivo, ambas bandas dejaron en claro por qué siguen siendo fuerzas vitales en la escena del rock pesado.
Las puertas del recinto abrieron a las 19 hs para la alegría de los presentes, y la expectación a estas alturas ya era palpable en el ambiente.
La banda soporte Asomvel abrió la velada una hora después, con la misma filosofía que ha mantenido desde su formación en 1993: volumen excesivo, actitud sin remordimientos y un sonido que fusiona el speed metal con el punk rock más sucio. Formados en Liverpool por el guitarrista Lenny Robinson y el fallecido bajista/vocalista Jay-Jay Winter, Asomvel ha sobrevivido tragedias, innumerables cambios de baterista y las modas cambiantes del metal para emerger como una de las bandas más auténticas del underground británico.
El grupo hizo su aparición en escena abriendo con “Louder & Louder”, con un sonido crudo y directo, ritmos rápidos y vertiginosos. El cantante y bajista Ralph Robinson (reemplazante y sobrino del fallecido Jay-Jay) se encargó de animar la noche, corriendo de un lado al otro del escenario sin parar de alentar en ningún momento a un público que, para la segunda canción, ya no quedaba claro si estaba paralizado por el clima o simplemente atónito ante la descarga de energía y velocidad que ofrecía la banda sobre el escenario.
La banda británica presentó un setlist de nueve canciones rápidas, con pistas cortas y un rock and roll sucio al mejor estilo Motörhead. También tuvo la oportunidad de incluir material de su más reciente álbum, Born to Rock ‘n’ Roll.
Se destacaron temas como “Your Worst Nightmare” y “Take You to Hell”, donde se pudo apreciar la velocidad y potencia del baterista, y los riffs poderosos y aguerridos de las guitarras en sintonía. Una auténtica fiesta como hacía rato no se veía en este tipo de género, dejando en claro que Asomvel tiene espalda suficiente para hacer un show propio como banda principal.
Media hora más tarde se empezó a escuchar el soundtrack de Terminator, se apagaron las luces, cayó el telón y salió al escenario toda la potencia de Airbourne con su primera canción: “Gutsy”. Para entonces, la temperatura de Poolen se había elevado muchísimo en el ambiente, y no solo en el recinto sino también en la gente, ya que no paraban de salir cervezas de la barra y la audiencia ya empezaba a palpitar el clima festivo.
El sonido arrollador de Airbourne se destacó por su potencia, velocidad y calidad profesional, consolidándose como herederos del hard rock australiano de AC/DC, pero con una identidad propia, aunque las comparaciones siempre van a estar servidas en la mesa. Los riffs incendiarios de guitarra de Joel O’Keeffe, más el acompañamiento de Brett Tyrrell, se hicieron notar con fuerza junto con la base sólida de Justin Street, que acompañaba en los coros de cada canción.
El setlist estuvo compuesto por 13 canciones llenas de adrenalina y mucha cerveza, ya que desde el escenario principal tenían preparados vasos a medio llenar que volaban al público en más de una ocasión por parte de Joel, y luego volvían al escenario nuevos vasos por parte de la audiencia. Ese ir y venir constante de vasos voladores fue un verdadero espectáculo de música y entretenimiento.
El feedback con la audiencia fue excepcional, ya que Joel O’Keeffe no es solo un guitarrista, es un showman nato que entiende cómo trabajar frente a una multitud. En uno de los momentos más memorables del show, ejecutó un solo de guitarra montado sobre los hombros de un roadie en medio del público, con una convicción y energía que se sintieron genuinas y espontáneas, lejos de cualquier gesto ensayado. En otro pasaje, golpeó su cabeza con una lata de cerveza, bañando a quienes lo rodeaban.
Cuando llegó el turno de “Hungry”, el cantante pidió abrir un espacio en el medio para que la gente pudiera hacer mosh pit, a lo que el público respondió con emoción. Más tarde, las sirenas anunciaron “Live It Up”, que sonó como una atronadora descarga para que los presentes pudieran corear cada estribillo con pasión ante la ejecución precisa de redoblante y platillos del baterista.
Antes del final, el cantante dedicó unas palabras de agradecimiento al público que se acercó a ver a la banda, recordando que gracias a ellos el rock & roll nunca morirá. Inmediatamente después, sonaron los acordes de “Runnin’ Wild”, cerrando la noche con una despedida a todo ritmo, descontrol y energía.
Vianova en Glasgow: “debut sold out y show explosivo”
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La banda alemana de djent–metalcore Vianova hizo su debut en Glasgow con entradas agotadas en la íntima sala Garage Attic y dejó clara su presencia ante el público de la ciudad. Acompañados por la recientemente resucitada banda de cinco integrantes de Newcastle, Shields, ambos grupos ofrecieron un show caótico y lleno de energía que fue un auténtico placer presenciar.
Tras explotar en popularidad recientemente gracias a una presencia muy viral en redes sociales y a la gran atención recibida por su nuevo álbum Hit It!, Vianova ya ha conseguido una base de fans devota y apasionada. Esos seguidores acudieron en masa y llenaron el acogedor recinto, con varios asistentes luciendo los característicos gorros blancos de pelo y gafas naranjas brillantes de la banda.
Antes de que los músicos alemanes subieran al escenario, el público fue calentado por Shields, grupo que muchos daban por disuelto y abandonado, y que regresó tras el trágico fallecimiento de su exguitarrista George Christie. El vocalista Joe Edwards incorporó nuevas caras a la formación, que posteriormente lanzó su nuevo disco Death & Connection.
Abrieron con “kill”, de su nuevo trabajo, y no tardaron en ir directo al núcleo de su propuesta: riffs técnicamente exigentes que harían feliz a cualquier fan del prog, baterías demoledoras y un rango vocal que siguió sorprendiendo durante toda la noche. El repertorio se repartió de forma bastante equilibrada entre material nuevo y antiguo, con temas como “Abuser”, primer single del nuevo álbum, con algunas de las voces más agresivas de toda la velada, y “Lacerate”, que puso al público a hacer mosh y two-step en cuestión de segundos.
La configuración de la sala hacía que la banda estuviera apenas unos centímetros por encima del público, sin valla de seguridad, generando una conexión mucho más cercana e íntima entre músicos y audiencia. A menudo, las bandas grandes que encabezan estadios pierden ese contacto personal al estar a decenas de metros de sus fans, pero estos conciertos más directos tienen un encanto especial gracias a esa cercanía.
Como se mencionó, hubo mezcla de material nuevo y viejo, con el primer lanzamiento importante del grupo, “I Just Feel Hate”, haciendo saltar a los seguidores de la primera etapa. Como banda soporte, Shields cumplió con creces: energía, actitud, un frontman con gran química con el público y una actuación muy disfrutable.
Luego llegó el turno del cabeza de cartel, vestidos de blanco, con los cuatro miembros de Vianova saliendo al escenario entre aplausos y gritos mientras sonaba “Move On Up” de Curtis Mayfield por el sistema de sonido. “Squier Talk”, tema de apertura de su nuevo álbum, dio inicio al show, con el público cantando desde el primer momento gracias a sus partes coreables y directas. El ambiente general del concierto —y del set de Vianova— se puede resumir en una sola palabra: diversión. Banda y público lo pasaron en grande.
Formada por los hermanos Felix y Paul Vogelgesang, la banda nació con la intención de crear algo realmente único dentro de un género que a menudo recibe críticas por repetitivo. Su objetivo era romper con esa expectativa, y desde el primer tema quedó claro que lo lograron. El cantante Alexander Kerski tiene un estilo vocal muy distintivo y fácilmente reconocible, capaz de alternar agudos extremos y growls profundos con la misma solvencia.
Otro rasgo distintivo de Vianova es su fusión con géneros como el jazz y el soul de una manera que funciona sorprendentemente bien. Canciones como “Wheel of Fortune” y “Uh Yaya” integran esas influencias con breakdowns y riffs propios del metalcore y el djent.
Aunque la banda destaca especialmente en los temas más pesados, también maneja muy bien los momentos más emocionales y contenidos, como quedó claro con “Future Nostalgia”, una de las interpretaciones más sentidas de la noche. Inmediatamente después enlazaron con probablemente su tema más contundente, “Uh Yaya”, uno de los más populares del año, que incluye uno de los breakdowns más demoledores de toda su discografía. Allí se vio de todo en el público: saltos desde el escenario, crowd surfing, circle pits y movimiento constante.
Si alguien aún dudaba de una banda que promete ser realmente diferente, Vianova cumple esa promesa y va más allá. Su mezcla de estilos es interesante, coherente e innovadora. “Hit It!” ha sido un éxito tanto para nuevos oyentes como para seguidores de la primera hora, y con su presencia confirmada en festivales como Radar y Download, todo indica que su crecimiento seguirá en aumento el próximo año.
Myrkur estrena video y competirá por representar a Dinamarca en Eurovisión 2026
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La compositora, multiinstrumentista y vocalista danesa Myrkur (Amalie Bruun) ha estrenado el videoclip oficial de “Touch My Love And Die”, el tema con el que competirá este sábado 14 de febrero en el Dansk Melodi Grand Prix 2026. El certamen elegirá al representante de Dinamarca en Eurovisión 2026, que se celebrará en mayo en Viena (Austria). El video, dirigido por Line Klungseth Johansen y Øystein Moe, fue filmado en el paso de montaña más alto del norte de Europa, Sognefjellet, y presenta una puesta en escena de gran carga cinematográfica.
Los directores han apostado por contrastar momentos íntimos de interpretación con paisajes naturales imponentes, como un bosque en llamas, un lago helado y secuencias en plena montaña, concebidos como extensiones emocionales de la canción. El resultado es una obra visual que refuerza el carácter casi ritual del tema. “Touch My Love And Die” es una balada donde confluyen las distintas facetas musicales de Myrkur, integrando elementos de metal, folk nórdico, mitología y bandas sonoras, grabada en Dolby Atmos con músicos reales, incluyendo violonchelo, coro femenino, instrumentos tradicionales y una batería registrada con más de 40 micrófonos.
A nivel lírico, la canción se adentra en lo sobrenatural y lo gótico, explorando un romance cargado de simbolismo: un beso de muerte, una advertencia, un hechizo. Grabada en el invierno de 2025 junto a Christopher Juul (Heilung), la artista define la pieza como un trabajo en el que ha volcado “corazón, alma, sangre y lágrimas”, concebido como una respuesta humana frente a una era marcada por la inteligencia artificial y la cultura de lo desechable. Con esta propuesta, encargada por la cadena pública DR, Myrkur aspira a representar a Dinamarca en Eurovisión con una canción que no busca encajar, sino abrir nuevos espacios expresivos.
The Narrator anuncia su nuevo álbum Phosphor y estrena el single “Stasis”
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La banda de metalcore moderno The Narrator ha anunciado el lanzamiento de su segundo álbum de estudio, Phosphor, previsto para el 8 de mayo de 2026 a través de Nuclear Blast Records. Este nuevo trabajo, sucesor de su aclamado debut Lore, estará compuesto por diez potentes canciones que abordan la crisis global desde una perspectiva de agotamiento interior, explorando la delgada línea que separa la esperanza de la autodestrucción.
Como adelanto, el grupo ha presentado el single “Stasis”, un tema que da vida al deseo incumplido de cambio mediante estrofas cargadas de groove y estribillos de carácter himno. La canción cuenta además con la colaboración de Severin Sailer, vocalista de la emergente banda Avralize. Junto al lanzamiento del sencillo, The Narrator ha estrenado el videoclip oficial de “Stasis”.
Al igual que los adelantos previos, Phosphor ha sido masterizado por el reconocido ingeniero Ted Jensen, conocido por su trabajo con bandas como Bring Me the Horizon y Korn. Con este nuevo álbum, THE NARRATOR profundiza en el peso del tiempo y la inquietante conciencia de la impermanencia de la vida, consolidando su propuesta como una auténtica lección de metal moderno.
Claudio O’ Connor & DarloTodo en Buenos Aires: “Una bestia suelta en Flores”
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En un febrero que no da tregua, Claudio O’ Connor el referente de la voz del metal pesado nacional volvía al teatro Flores. Con DarloTodo como apertura y una banda renovada, el ex Hermética repasó su historia en una fecha marcada por el calor y la lealtad de su público.
Mientras transitamos un febrero que castiga con el clima, el pasado sábado 7 la cita obligada para el ambiente fue en la catedral de la música. El plan era claro: ver a Claudio O’Connor en un recinto que conoce de memoria. Con una temperatura que afuera rondaba los 30 grados, pero que adentro se sentía mucho más alta, el público se bancó el calor para ser parte de un ritual donde el pasado y el presente del cantante volvieron a cruzarse.
Al llegar al lugar, el desfile de remeras de “La H” y Malón sobre Rivadavia confirmaba que la convocatoria de Claudio sigue firme. Si bien la convocatoria a la hora de la apertura de puertas era bajo, con el correr de los minutos, todo iba cambiando.
El única acto “soporte” estuvo a cargo de DarloTodo. En esta oportunidad, por razones que no se dieron a conocer, la presentación de la banda se vio acortada y ejecutaron pocos temas, pero lo hicieron con la misma potencia de siempre. El set arrancó, como de costumbre, con “Libérame”, haciendo sentir esa explosión característica del inicio de la canción.
Ya desde el inicio se notó a un Juan Massot que descoció el bajo, mientras que Penumbra tras los parches sigue liderando la agrupación marcando el ritmo. Por su parte, el “nuevo, no tan nuevo” guitarrista (Adrian Basile) se mostró cada vez más afianzado en su rol. La poderosa voz de Lucas quedó marcada, como siempre, al finalizar “La Venganza”, momento en el que terminó arrodillado en el suelo del escenario. Lamentablemente no hubo foto de ese final; el telón se cerró de golpe, pero dejaron una marca más en el público de Flores.
Pasadas las nueve de la noche, las luces se apagaron para recibir a Claudio O’Connor. El lugar destacó por un sonido impecable, permitiendo que la soltura de los músicos acompañantes luciera en todo su esplendor. Esta vez, el cantante se rodeó de una formación de gran nivel: Juan Massot en el bajo, Penumbra en batería y el gran batallador de la escena, Pehuén Berdún, en guitarra.
Pehuén, reconocido por su trayectoria en bandas de peso como Plan 4 y Hermanos de Sangre, demostró una calidad técnica superior que le sentó bien a los himnos de siempre.
Tras los músicos, una gran pantalla presentaba imágenes realizadas con Inteligencia Artificial que acompañaban cada tema. Algunas mostraban un Claudio dibujado con un perro, otras calaveras, y no podía faltar la clásica “H” que se proyectó con fuerza cuando ejecutaron el cover de Hermética.
El set fue una piña tras otra. La lista arrancó con “La maldad” y no dio respiro. Sonaron piezas fundamentales como “Se extraña araña”, “1976”, “Río extraño”, “Quien pudiera”, “Bendecido” y “No te aflijas”. También hubo tiempo para la ejecución de dos covers de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota: “Rock para el negro Atila” y “Yo caníbal”, que fueron celebrados por todo el recinto.
En total fueron 21 canciones donde se lo vio a Claudio rejuvenecido espiritualmente y muy contento. A diferencia de lo que sucede en sus presentaciones con Malón o La H No Murió, donde en varias oportunidades parecería que se ayuda con el teleprompter o dejando cantar a la gente, esta vez todo fluyó de forma natural, como hacía años no sucedía.
No hubo mucha participación con el público; agradeció pocas veces a los presentes, a su familia, se pudo visualizar a Carlos Kuadrado en la platea, a la banda y dió la noticia que que pronto habrá nuevo disco y dejando que la música fuera el único puente. Finalmente, “Atravesando todo límite” de Hermética puso fin a un show que se disfrutó muchísimo por lo musical y por la carga histórica de su pasado y presente reunidos en una misma noche.
Nos fuimos de Flores con la sensación de haber visto un show que reafirma la vigencia de Claudio O’Connor.
Fue una fecha donde la experiencia y los nuevos músicos se unieron para demostrar que el metal pesado sigue teniendo su espacio. A pesar del clima inhumano, la banda cumplió y el público se fue conforme.
Agradecimientos especiales a Av Producciones, Pinhead Records y a Nadya Cabrera por la gestión para otorgarnos la acreditación y estar presentes en esta nueva cobertura.
Motionless In White en Glasgow: “el Hydro cayó ante el metalcore”
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Texto por Tom Muir
Toda la música tiene sus subgéneros polémicos, y el heavy metal no es la excepción. Hace 20 años, el metalcore era un término a menudo despreciado, y muchas bandas lo consideraban casi un insulto. Aunque los puristas del género solían mirar por encima del hombro a este estilo, el metalcore ha seguido una trayectoria ascendente desde comienzos de la década de 2020, con muchas bandas ofreciendo los conciertos más grandes de sus carreras y recibiendo elogios de medios generalistas.
Posiblemente uno de los nombres más grandes del género, Motionless in White inicia su gira por Reino Unido y Europa con su mayor concierto como cabezas de cartel en Glasgow hasta la fecha (el Hydro, con capacidad para 14.000 personas). Pero ¿tienen lo necesario para demostrar que el género ha superado la prueba del tiempo?
Es una noche gris y nublada en Glasgow, y el público todavía sigue entrando cuando Make Them Suffer sube al escenario. No ha pasado mucho desde la última vez que la banda australiana de metalcore tocó aquí (mayo de 2025 con If Not For Me, Resolve y los claramente fuera de lugar Conjurer), pero ahora tienen la tarea de calentar motores para la velada.
El recinto es considerablemente más grande, pero la banda está a la altura del reto: pronto empiezan a fluir los riffs y se levantan los cuernos al aire. La mayor parte de los temas se apoya en riffs de medio tiempo con sabor djent, mientras el vocalista Sean Harmanis aporta una voz dominante y consigue activar al público. También hay espacio para la experimentación: entre los riffs percusivos aparecen interludios reforzados por la electrónica de la tecladista Alex Reade, que además contribuye con voces limpias y gritadas.
Las dos últimas canciones descargan ráfagas de velocidad y logran abrir los primeros moshpits de la noche. Incluso en el siempre complicado puesto de banda apertura, MTS consigue dejar al público listo para lo que viene, con muchos asistentes seguramente esperando su próxima visita al Reino Unido.
Dayseeker no impacta con la misma intensidad inmediata que el primero. En lugar de agresividad directa, suenan sintetizadores pulidos llenando la sala cuando la banda estadounidense de post-hardcore toma el escenario.
Cuando el vocalista Rory Rodriguez pregunta cuántos del público ya habían visto antes a la banda, queda claro que para muchos es la primera vez. Aunque hay un grupo de seguidores fieles que los conoce bien, el resto no conecta con la misma facilidad. Pese a estar catalogados como post-hardcore, hay poco hardcore real en su sonido. La mayoría de los temas están guiados por sintetizadores (aunque la banda no lleva tecladista en directo), y algunas canciones apenas rozan la pesadez antes de retirarse rápidamente de ella. Un ejemplo claro es cuando Rodriguez pide un moshpit y los riffs derivan enseguida hacia guitarras limpias brillantes y capas electrónicas, poco adecuadas para ese tipo de reacción.
Muchas bandas modernas de metalcore se han desvinculado casi por completo de las raíces metal y hardcore del género, y aunque parte del público lo disfrutó, da la sensación de que no encajaban del todo en el cartel (o al menos el orden de las bandas soporte podría haberse invertido). Aun así, recientemente su guitarrista dejó la banda y su bajista está ausente por el nacimiento de su hijo, por lo que es posible que simplemente haya sido una noche irregular en un periodo de ajustes rápidos.
Mientras suenan clásicos del rock de los 80 y europop de los 90 por los altavoces, la expectación por el cabeza de cartel empieza a notarse. El público, que ya era numeroso durante Make Them Suffer, ahora llena el recinto hasta arriba (literalmente en la zona de asientos), mientras crece la tensión previa a la salida de la banda.
Antes de comenzar, Motionless In White muestra su sentido del humor en la intro (la última vez que los vi parcialmente en el Brutal Assault, la música para recoger el equipo fue “Sandstorm” de Darude), proyectando memes de gatos en las pantallas mientras toman posiciones en el escenario.
En cuanto arrancan, la energía del público se multiplica por diez, con el vocalista Chris “Motionless” Cerulli captando la atención de todos desde el primer momento. La banda funciona a pleno rendimiento, con guitarras contundentes y teclados de aire industrial sosteniendo las potentes voces limpias y gritadas de Chris.
El grupo agradece poder traer por fin al Reino Unido una producción del mismo nivel que en su país, algo que el público celebra. La banda ofrece el espectáculo en vivo que siempre soñó presentar aquí. Las pantallas muestran homenajes cinematográficos y visuales que acompañan la temática de las letras, mientras que la pirotecnia y los bailarines aportan un extra de espectáculo.
También agradecen la respuesta del público y la presencia de varias generaciones de fans en la audiencia: tanto si es tu primera vez viéndolos como si es la sexta, todos son bienvenidos. A lo largo de los 90 minutos de show, queda claro que el público está completamente entregado, sin que la intensidad decaiga (uno de los momentos más llamativos fueron los moshpits liderados por dos asistentes disfrazados de banana). Antes de cerrar con “Eternally Yours”, la banda agradece a sus compañeros de gira y promete volver tras el lanzamiento de un nuevo álbum.
Aunque el metalcore fue alguna vez una etiqueta mal vista, Motionless in White ha logrado superar a muchas bandas pasajeras de su escena inicial y demostrar que, más de 20 años después de su formación, siguen tan fuertes como siempre.
Los alemanes de Wolfchant editarán el próximo 13 de febrero su noveno álbum de estudio, Echoes of a Time Once Past. Este es su segundo trabajo luego de su regreso en 2019. Recordemos que la banda se separó en 2018 y que en 2019 volvió con nuevos integrantes, aunque recién editó nuevo material en 2024.
En este nuevo disco se percibe una combinación muy acertada entre folk y power metal, con pasajes más extremos cercanos al death metal melódico o al black metal. Todo esto se construye a base de melodías vocales muy épicas, acompañadas por guitarras igual de heroicas. Aunque por momentos estas toman una posición más agresiva, es allí donde las voces guturales entran en escena.
Las canciones van surfeando entre estos elementos, pero rara vez se encuentran superpuestos. Es decir, cuando la canción se vuelve extrema, todos los componentes lo hacen. No hay una fusión simultánea entre estas dos facetas.
Por supuesto, los instrumentos folklóricos están presentes, aportando color a las composiciones y reforzando ese espíritu de guerra medieval que la banda busca transmitir. La batería mantiene un nivel de intensidad muy alto durante todo el disco, aunque siempre sabe cómo adaptarse a cada parte de la canción. De esta forma aparecen momentos de blast beats, ritmos más cercanos al power metal y otros donde acompaña la épica general del álbum.
Las canciones resultan llevaderas y transitan bien todos sus pasajes, pero en varias ocasiones los finales no se sienten del todo trabajados, ya que varias composiciones terminan de forma abrupta o mediante un efecto de fade out.
Uno de los puntos que no funciona es el sonido. El mismo resulta demasiado agudo, con los graves apoyándose casi exclusivamente en la batería. Las guitarras suenan blandas y faltas de cuerpo, lo que además provoca que queden tapadas por las orquestaciones y otros elementos de la música. El bajo prácticamente no tiene presencia; de hecho, por momentos parece inexistente.
Echoes of a Time Once Past es un trabajo muy llevadero para quienes disfrutan de la música épica que transita entre varios géneros, pero sus problemas de sonido le restan varios puntos al resultado final.
Romance y doom en Guadalajara con el St. Stoner’s Day
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Este sábado 14 de febrero, la ciudad de Guadalajara cumplirá 484 años de existencia, pero la verdadera fiesta se vivirá en la cantina La Querencia (Av. Plaza del Sol #80, Condoplaza, Zapopan) con el “St. Stoner’s Day” de Hecax Prods, que presentará a algunas de las mejores propuestas de stoner, doom y sludge del estado.
Para este magno festejo al amor, la máquina Fremen de Cactus Rojo regresará a la ciudad desde Tepatitlán, Jalisco, para presentar su álbum Dune (2025) con un stoner rock desértico y colocado, inspirado en las novelas homónimas de Frank Herbert; acompañados del esperado debut del stoner metal de Bufo Alvarius desde Ocotlán, Jalisco, y los actos locales de In Ashes con su doom metal trágico y denso y la presencia satánica de Tempter, blandiendo el black/sludge como arma.
El evento empezará a las 8PM y tendrá un costo de entrada de $120 pesos por persona y $180 a parejas, ambos precios con una bebida de cortesía por persona.
Luciferian celebrará sus 30 años con How To Disappear y EnGris
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Luciferian, la banda de black metal colombiana formada en 1996 en Armenia, Quindio, por Héctor Carmona cumple 30 años este 2026 y para festejarlo, se viene un concierto imperdible este 27 de marzo en Medellín, con el talento local EnGris y How To Disappear desde México.
Con una trascendente trayectoria proveniente de la amplia tradición de black y ultrametal del país cafetalero, la historia de Luciferian atraviesa numerosas alineaciones a lo largo de cuatro discos de larga duración y numerosos demos y splits, aunque siempre preservando el sonido auténtico, crudo y maligno que llevan como estandarte desde los años noventa.
Por su parte, EnGris y How To Disappear son proyectos jóvenes de post-black metal, que llevan a lo lato el nombre de sus lugares de origen con música cuidadosamente producida y un sonido de la nueva ola que emocionará a los apasionados del género diabólico.
El evento se llevará a cabo en el Club Líbido (Carrera 57 #30A-10) a partir de las 8PM y tendrá un costo de $35,000 lucas por un boleto y $60,000 por dos, mismos que se pueden ordenar a través del 3218423226 o en la taquilla del foro, organizado por Cráneo Productions y Umbra Nox.
El Veracruz Metal Fest, el festival mexicano de metal más playero del país, celebrará su segunda edición este próximo sábado 28 de marzo en el hotel Diana Cazadora de Playa Chachalacas en, ya lo adivinaron, el estado de Veracruz.
Con un excelente cartel compuesto por propuestas nacionales e internacionales que incluyen a Marraneitors, Intoxicated, Höwler, Haborym, Ancestry, Baal, Venemous, All Misery, Steel Night, The Unholy y Genos Prototype, la noche bajará lento y pegará duro para los asistentes que decidan acudir a este sabroso evento a nivel de playa.
A su vez, las actividades de este evento comenzarán desde el viernes 27 de marzo, con una prefiesta que piensa reunir a varias de las propuestas jóvenes más interesantes de la escena contemporánea, incluyendo a Hathor, Helhest, Electric Cult, Deathgrip, Interceptörrrs, Plaxma, Cantagallo y Destripador.
Los boletos tienen un costo de $650 pesos y pueden ser adquiridos a través de la plataforma Passline, mismo con el cual podrás acudir también a la prefiesta completamente gratis o a $150 si no cuentas con tu boleto para el festival.
Mind Driller y Estefanía Aledo separan sus caminos
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En lo que ha sido una de las sorpresas para la escena alternativa, tras casi tres lustros juntos y cinco trabajos editados, Mind Driller ha confirmado la partida de una de sus vocalistas, Estefanía Aledo, la cual compartía puesto con V y Dani, haciendo juntos una de las combinaciones más originales dentro de la escena nacional.
En un comunicado extremadamente emotivo y delicado, ha sido la propia cantante quien ha querido comunicar a los seguidores de la banda (con la voz, claramente a punto de resquebrajarse en mil pedazos) que su etapa en la banda ya ha llegado a su fin, sin polémicas, ni especulaciones, ni nada que se le parezca, pero si con un dolor y una emoción claramente palpable.
De momento, la vais a poder seguir viendo sobre las tablas en proyectos como Airse e Histeria, mientras que a sus ex-compañeros les aguarda también un futuro cuanto menos incierto al menos de momento, ya que MD siempre ha sido una combinación de tres voces y ahora falta una pieza fundamental.
Ha sido sincera y honesta hasta el final y lo podéis comprobar a continuación:
Tras más de un lustro sin visitar nuestra geografía, los norteamericanos La Dispute, volverán a pisar nuestros escenarios en el marco de su nueva gira europea, donde nos harán vibrar y emocionar con sus canciones cargadas de rabia y sentimientos a flor de piel, que los han llevado a ser una de las bandas más queridas de su generación junto a compañeros como Touche Amore, Loma Prieta o los (algo más ligeros), pero igual de talentosos American Football y Trash Boat.
La banda aprovechará la ocasión para presentar su nuevo trabajo No One Was Driving the Car, el cual salió el pasado 5 de septiembre a través de Epitaph Records y fue uno de los discos más destacados del año en su estilo.
Gracias a Primavera Sound, podremos disfrutar del enérgico directo de la banda de Grand Rapids, Michigan en las siguientes fechas:
20 de Junio – Madrid – Copérnico
21 de Junio – Barcelona – La Nau
Las entradas se pondrán a la venta en Fever a partir del 13 de febrero a las 11:00, con un precio de 27 € más gastos de distribución.
Corrosion of Conformity lanzará su nuevo disco en abril
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La incombustible formación norteamericana Corrosion of Conformity ha confirmado que Good God / Baad Man, su nuevo disco de estudio estará disponible a partir del próximo 3 de abril gracias a Nuclear Blast Records.
El disco contendrá nada más y nada menos que 14 nuevos cortes que serán los siguientes:
1 Good God? / Final Dawn 2 You Or Me 3 Gimme Some Moore 4 The Handler 5 Bedouin’s Hand 6 Run For Your Life 7 Baad Man 8 Lose Yourself 9 Mandra Sonos 10 Asleep On The Killing Floor 11 Handcuff County 12 Swallowing The Anchor 13 Brickman 14 Forever Amplified
Para ir preparando el terreno de cara a lo nuevo que traerá la banda de Raleigh, Carolina del Norte, os dejamos con el videoclip de “Gimme Some More” aquí abajo:
Los incendiarios y arrolladores Knocked Loose han estrenado el videoclip de su nuevo single “Hive Mind”, donde cuentan con la participación especial de Denzel Curry, el popular rapero estadounidense y con el cual consiguen un resultado impecable y a prueba de bombas.
Podéis comprobar que lo de Oldham, Kentucky, no le tienen miedo a nada ni a nadie y visto lo bien que suena esta colaboración, lo cierto es que la partida, la vuelven a ganar ellos y si no compruébenlo a continuación:
Ahora si, tras unas semanas de espera que se hicieron interminables ya podemos confirmar que Deny estará debutando en España, para presentar su último disco Documento 4 y lo mejor de sus más de 15 años de trayectoria que los han consagrado como una de las bandas alternativas más importantes de Latinoamérica.
La ciudad elegida no podía ser otra que Madrid, la capital de España, donde la banda argentina descargará himnos como “Invencible”, “Si Pudiera Salvarte” o “Incendio”, entre otros y lo hará en la siguiente fecha:
12 de Marzo – Madrid – Bao Bao (+ First Line + bandas invitadas)
Las entradas estarán a la venta próximamente, así que no dejen de seguir a Deny en sus redes sociales para más información de este evento tan especial y que seguro será inolvidable.
En las pesadas noches del verano del hemisferio sur, nadie se encuentra lo suficientemente relajado para una escucha emocional o introspectiva. Lo único que queremos es un buen disco de heavy metal, una bebida bien fría y dejar el cerebro estimularse con los mejores solos de guitarra.
Bueno, no es mi caso (ja). En mi papel de crítico, mi principal responsabilidad es la de comunicarles de la manera más transparente posible, las sensaciones que un disco me deja para que ustedes acepten, o no, la invitación a escucharlos.
Tailgunner es una banda relativamente nueva, que tiene sus orígenes apenas un par de años antes de la pandemia, pero que se presenta como banda oficialmente desde 2022. Con un disco ya en su haber, que pasó sin pena ni gloria, vuelven a la carga, ahora bajo el sello Napalm Records (gran salto). A pesar de mi rol, anteriormente comentado, se me antoja escuchar lo nuevo de esta banda, Midnight Blitz, por el simple hecho de sus evidentes influencias de lo mejor del heavy metal británico (si, el de la nwobhm).
El disco salió… ¿Hoy? Si, hoy 6 de febrero, pero me hice del suficiente espacio durante mis horas de trabajo para darle por lo menos 4 pasadas. Si su material anterior dejo sabor a poco y nada, me atrevo a decir que con Midnight Blitz se reivindicaron de una manera categórica.
Categórico es también su comienzo con la pieza de nombre homónimo al álbum, que entre sirenas de defensa aérea y sintetizadores abre paso a la voz de Craig Cairns para evocar temas típicos de las guerras en el aire, que se repetirán en piezas como “War In Heaven” y “Blood Sacrifice”. Especial mención para la primera, que tiene una intro al fiel estilo new age 80s (reinvindicado por la serie televisiva Stranger Things y que ya muchas bandas se encargaron de volver a sobre explotar) pero que luego y rápidamente se convierte en una power balada que pareciera cantada por el mismísimo Timo Kotipelto de Stratovarius.
“Tears In Rain” es de mi favoritas, por ese estribillo tan ganchero, un punto alto del disco sin duda alguna. Después te podés encontrar algunas piezas con un tonó más análogo al power metal, como “Follow Me In Death”.
Otro punto alto de este material es “Dead Until The Dark” que da un giro de 180 grados en cuanto a melodía refiere, por un excelente puente muy bien colocado antes del estribillo.
El resto de las canciones es tarea para el hogar…pero algo les prometo, no se van a decepcionar en lo absoluto.
Tailgunner se pone realmente serio con Midnight Blitz. Lleva la producción a otro nivel, con un mejor sello, con un mejor masterizado y bajo el mando del gran KK Downing. La banda se ve completa además de Craig, por Bones en bajo, Zach Salvini y Rhea Thompson en guitarras y Eddie Mariotti en percusión.
No pretenden reinventar la rueda como ellos mismos aseguran, tampoco apelar a la nostalgia como muchas otras bandas lo intentaron y lo intentan. Simplemente nos dan una obra que conmemora lo mejor de los tempranos 80s en Gran Bretaña, con las influencias de Maiden, Judas y quien sabe cuántas leyendas más. Analizo este material con la mera finalidad de saber cuan recomendable pueda llegar a ser y sin duda el resultado es más que contundente. Hacía mucho que no tenía tanta seguridad para recomendar un disco y Tailgunner con Midnight Blitz rompe el hielo.
Sevendust no salió a cumplir; salió a matar. Como si fueran los auténticos cabezas de cartel, la banda devoró la sala con una voracidad insultante, transformando su estatus de teloneros en una auténtica toma de rehenes sónica. Desde el primer rugido, fueron una apisonadora emocional que reclamó el trono por derecho propio, convirtiendo el recinto en un hervidero donde solo ellos dictaban las reglas.
Lajon Witherspoon, con una voz que oscila entre el trueno y la caricia, lideró un ritual eléctrico, escoltado por la muralla de riffs impenetrables de John Connolly y por un Tim Tournier que cubrió la ausencia de Lowery con una mística impecable. En el fondo, el bajo de Vince Hornsby hizo temblar los cimientos, pero la verdadera bestia fue Morgan Rose.
Encarnando su estética Alien Freak, Rose apareció con un maquillaje agresivo y cadavérico: una guerra de blanco y negro sobre su rostro que, mezclada con el sudor y el caos de sus redobles acrobáticos, le otorgaba una ferocidad inhumana. Verlo era presenciar un exorcismo rítmico que culminó con el baterista lanzando sus baquetas a las gradas, como quien entrega sus armas tras una victoria total.
El setlist fue una ejecución perfecta: la oscuridad de “Black”, la rabia de “Enemy” y la mística de “Praise” prepararon el terreno para el asalto final. Con “Denial” y el cierre apocalíptico de “Face to Face”, la estocada definitiva fue una explosión de energía tan absoluta que, al encenderse las luces, el público quedó con la mirada perdida y el alma exhausta, consciente de que acababa de presenciar cómo Sevendust, jugando en casa, en el corazón de sus fieles, se había merendado la noche sin dejar ni las migas.
La velada continuó como un ejercicio de poderío sonoro y vanguardia estética, donde Daughtrytrascendió su herencia post-grunge para abrazar una identidad puramente industrial, oscura y profundamente técnica. Desde el instante en que las luces se extinguieron, el recinto quedó sumergido en una atmósfera densa y eléctrica, anticipando una liturgia de rock moderno. Chris Daughtry emergió como un tótem bajo el foco cenital, portando su icónica Gibson Explorer blanca a la espalda con la solemnidad de quien carga una armadura.
Su magnetismo fue absoluto: alternó momentos de una fisicidad visceral —colgado literalmente del pie de micrófono— para proyectar una voz que ha ganado en matices rasgados, con ataques de guitarra que sellaban las secuencias electrónicas lanzadas desde el set de Elvio Fernandes. A su lado, la cohesión de la banda resultó abrumadora: Brian Craddock sostuvo la arquitectura rítmica con una precisión quirúrgica, mientras que el bajo profundo de Marty O’Brien y la batería de Anthony Ghazel —revelado como un motor de alta cilindrada con un doble pedal demoledor— redefinieron la contundencia de temas como “The Seeds”, “Divided” y la opresiva “The Bottom”.
El clímax de la noche llegó con un hito que puso a prueba la técnica del grupo: una soberbia interpretación del clásico de Journey “Separate Ways (Worlds Apart)”. En este punto, Elvio Fernandes se erigió como el arquitecto del sonido actual y al teclista recrear los sintetizadores ochenteros bajo una afinación baja y pesada, logrando una simbiosis perfecta entre nostalgia y metal alternativo que desató una euforia colectiva sin precedentes. Tras atravesar la intensidad de “The Day I Die”, la rabia de “Antidote” y la densidad rítmica de “The Dam”, la banda ofreció un respiro emocional con “Pieces”, permitiendo que la vulnerabilidad vocal de Chris preparara el terreno para el asalto final.
El cierre del set principal con “Heavy Is the Crown” hizo temblar los cimientos del lugar antes de un breve y tenso silencio que precedió al encore. El retorno fue definitivo con “Artificial”, donde el despliegue de luces estroboscópicas y distorsión mecánica alcanzó su cénit; Chris, tras acompañar con unos últimos acordes la secuencia electrónica final, dejó la Explorer en el suelo, permitiendo que el feedback resonara en el aire como el eco de una noche histórica.
La noche prosiguió con el plato fuerte: una liturgia de acero y voltios. Con el What Lies Within Tour aterrizando en Barcelona, Alter Bridge no solo presentó su octavo álbum; reclamó su trono en el Olimpo del hard rock ante una congregación donde acentos guiris e hispanos se fundían en una única religión de distorsión.
El ritual comenzó con “Silent Divide”. El aire se espesó cuando Scott Phillips, soberano desde su plataforma en las alturas, marcó el pulso de una maquinaria perfecta. Myles Kennedy apareció contenido, pero para la tercera descarga, “Cry of Achilles”, la chaqueta voló por los aires: fue el despojo de la armadura. La pista central se convirtió en un hervidero de almas, un remolino de brazos que buscaban alcanzar el techo de la sala.
En “Playing Aces” y “Fortress”, el diálogo entre las guitarras fue una danza de esgrimistas. Mark Tremonti, con su técnica quirúrgica, levantó catedrales de sonido mientras Brian Marshall sostenía el cielo raso con un bajo que se sentía en el esternón. El momento de la transmutación llegó con “Burn It Down”: Tremonti asumió el rol de sumo sacerdote vocal, demostrando que su garganta tiene el mismo fuego que sus dedos, mientras las seis cuerdas lloraban bajo su mástil.
Tras el vendaval de “Addicted to Pain” y la épica de “Open Your Eyes”, llegó el remanso necesario. Con “Watch Over You”, esa balada imprescindible, el tiempo se detuvo. Myles, tras hipnotizar al respetable, rompió el protocolo con una improvisación country que se llevó una ovación de gala: un guiño de virtuosismo puro antes de retomar la furia con “Silver Tongue” y el himno de esperanza “Rise Today”.
El final fue un asalto a los sentidos. “Metalingus” preparó el terreno para la estocada definitiva. El silencio de las luces apagadas fue solo el preludio del rugido. Los “¡Oé, oé, oé!” futboleros funcionaron como un conjuro de invocación. La banda regresó para el encore y Myles, en un gesto de elegancia suprema, acarició el mástil regalando unos compases de la “Blackbird” de The Beatles, un guiño sutil que sirvió de puente hacia su propia y homónima obra maestra, donde el solo de guitarra se elevó como una oración eléctrica.
Como un estallido de furia controlada, “Isolation” se erigió como el martillazo definitivo sobre el escenario. Si en el pasado fue un pilar intermedio, en esta noche barcelonesa reclamó su trono como cierre absoluto. Entre muros de distorsión y la voz desgarradora de Myles Kennedy, Alter Bridge no se despidió: se consumió en un incendio de velocidad y agresividad, dejando el eco de un final legendario grabado en las paredes de la ciudad.
Y, como pleitesía final, la banda se fundió en agradecimientos, lanzando púas y baquetas a mansalva como reliquias para una parroquia fiel.
Mientras los músicos se evaporaban en una furgoneta negra, directos al cenit del descanso, y dejaban a los fans con la mirada clavada en la puerta de salida, el eco de los riffs seguía vibrando en las paredes. Alter Bridge pasó por Barcelona y lo que dejó no fue solo ruido: fue la esencia máxima del rock, grabada a fuego.
Después de su espectacular debut en España el año pasado, Paleface Swiss regresó a Madrid como parte de su The Wilted Tour 2026, acompañados nada menos que por Stick To Your Guns y Static Dress. Un dato no menor: fueron precisamente los propios Paleface quienes destacaron que Stick To Your Guns fue una de las primeras bandas en apostar por ellos, algo que el mismísimo “Zelli” Zellweger no dudó en remarcar sobre el escenario, agradeciendo públicamente la oportunidad de formar parte de este tour.
La —cada vez más mítica e imposible de encontrar— sala Wagon se convirtió en una auténtica olla a presión de deathcore, con pogos constantes y una energía difícil de igualar. El sonido fue uno de los grandes protagonistas de la noche: contundente, claro y demoledor, con breakdowns pesadísimos y una presencia escénica arrolladora por parte de los suizos, que dejaron claro por qué están en uno de los momentos más fuertes de su carrera.
Los encargados de abrir la tarde del martes fueron Static Dress, que aportaron su visión de metal moderno con tintes post-hardcore, preparando el terreno para lo que prometía ser una noche intensa. Poco a poco, los ingleses fueron calentando al público, marcando el inicio de una jornada que iría claramente de menos a más.
Alrededor de las 19:00 hs llegó el turno de los norteamericanos Stick To Your Guns, una banda que ya no necesita presentación dentro del hardcore contemporáneo. El público respondió con una entrega total, coreando sus canciones como auténticos himnos, incluso con más fuerza que en algunos tramos del show principal. Una vez más, los californianos demostraron por qué son una referencia absoluta del género y cómo han hecho de su relación con el público una de sus principales banderas.
Finalmente, llegó el momento del plato fuerte de la noche: Paleface Swiss. Con la vara muy alta, lograron llevar al clímax a un público mayoritariamente joven que colmaba la sala. Su presentación lo tuvo absolutamente todo. Desde invitados sorpresa, como el cantante tinerfeño con quien interpretaron un tema acústico grabado originalmente en su propia casa, hasta la participación de los miembros de las bandas teloneras. Y como broche de oro, todo el público subiendo al escenario, en una imagen que reflejó a la perfección el vínculo que la banda ha construido con sus seguidores. Un gesto de gratitud sincera que dejó en evidencia que son plenamente conscientes del crecimiento que han experimentado en tan poco tiempo.
Entre canción y canción, la banda se tomó el tiempo para conectar de forma directa y honesta con el público, abordando mensajes de prevención del suicidio y la depresión, así como reivindicando que el amor es amor, sin importar el género. Con una cercanía poco habitual, animaron a sus seguidores a buscar ayuda, a hablar de sus problemas y a no sentirse solos, dejando claro que su música es también un refugio. Mención especial para la calidez humana del grupo, especialmente de su vocalista, que incluso se lanzó a hacer crowdsurfing entre su gente, sellando una noche tan intensa como emotiva.
ALESANA vuelve a la Argentina para interpretar “The Emptiness” por completo
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Los que vivieron la era dorada del post-hardcore saben que hay álbumes que marcan. Y The Emptiness es uno de esos. Alesana confirmó su regreso a Buenos Aires en el marco de su Latin America Tour 2026, y lo mejor es que van a interpretar ese disco completo, de punta a punta, tal como se hizo para ser escuchado: como una historia épica cargada de dramatismo, romance oscuro y catarsis pura.
El show será el jueves 26 de febrero en Uniclub (Guardia Vieja 3360, CABA), con producción de Noiseground. Las entradas anticipadas ya están disponibles en Alpogo a $90.000 (más cargos por servicio). Quienes harán de acto de apertura serán los chicos de Portland
Desde que se formaron en Raleigh, Carolina del Norte, allá por 2004, Alesana ha sido sinónimo de intensidad emocional y dramatismo sonoro. Su mezcla de post-hardcore, screamo y ese toque gótico-teatral los convirtió en una de las bandas de culto de la escena alternativa. Pero entre todos sus discos, The Emptiness ocupa un lugar especial.
Lanzado en 2010, este álbum conceptual está inspirado en Annabel Lee de Edgar Allan Poe y en el terror gótico victoriano. La historia que cuenta es oscura, trágica, intensa. Musicalmente, es una montaña rusa: breakdowns que golpean directo al pecho, melodías desgarradoras, cambios de ritmo que te mantienen al borde del asiento y ese contraste brutal entre voces limpias y guturales que define el estilo de la banda.
Canciones como The Artist, The Thespian y Annabel se convirtieron en himnos para toda una generación que creció con ese sonido. Escuchar The Emptiness en vivo, completo, es revivir esa obra tal como fue concebida: como una experiencia teatral, una tragedia contada con distorsión y emoción desbordada.
El Latin America Tour 2026 arranca el 18 de febrero en Monterrey, México, y de ahí pasa por Guadalajara, Ciudad de México, Bogotá y Santiago de Chile (donde tocarán en el Teatro Coliseo el 24 de febrero). Después llegan a Buenos Aires el 26, y cierran la gira el 28 en São Paulo, Brasil.
Para los que se perdieron a Alesana en sus visitas anteriores, esta es la oportunidad. No todos los días una banda vuelve para tocar su disco más importante de cabo a rabo, con la intensidad de un show en vivo y esa conexión directa con el público que solo ellos saben lograr.
Alesana en Argentina:
Cuando: Jueves 26 de febrero de 2026 Donde: Guardia Vieja 3360, CABA Entradas: Alpogo ($90.000 + cargos) Produce: Noiseground
Katatonia regresa a Buenos Aires con una noche de profunda intensidad emocional
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La reconocida banda sueca Katatonia se presentará el próximo 19 de marzo en Uniclub, en una fecha que promete ser uno de los eventos más destacados del metal alternativo y atmosférico en la ciudad. Con una trayectoria marcada por la evolución constante y una identidad sonora inconfundible, el grupo liderado por Jonas Renkse vuelve al país para reencontrarse con su público argentino.
Desde sus inicios ligados al death/doom hasta su consolidación en un sonido más melódico, introspectivo y progresivo, Katatonia ha construido una discografía cargada de climas oscuros, letras profundas y una sensibilidad que atraviesa generaciones. Sus presentaciones en vivo se caracterizan por una atmósfera envolvente, pasajes emotivos y una ejecución precisa que potencia cada matiz de sus composiciones.
Hasta el momento no se han anunciado bandas teloneras para la fecha en Buenos Aires, lo que mantiene la expectativa abierta sobre cómo se completará la velada. Todo indica que será una noche centrada en la experiencia sonora integral de la banda, recorriendo distintas etapas de su carrera y reafirmando su vigencia dentro de la escena internacional.
Las entradas ya se encuentran disponibles a través del sistema online, donde ya puede asegurarse el acceso para una de las citas más esperadas del primer semestre.
Hulder invocará la oscuridad del black metal en Copenhague
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La enigmática artista estadounidense Hulder llegará a Copenhague para presentar su crudo y atmosférico black metal, una propuesta que bebe directamente de la tradición más primitiva del género, combinando ferocidad, misticismo y un fuerte carácter underground. Su regreso a Europa confirma el crecimiento de un proyecto que ha ganado respeto por mantener una visión auténtica y sin concesiones.
El concierto se realizará el 30 de marzo en Pumpehuset, como parte de su gira europea A Beacon From Darkened Skies. Hasta el momento, la banda telonera no ha sido anunciada, por lo que el foco estará puesto completamente en la actuación principal y en la experiencia inmersiva que propone Hulder en vivo.
Con lanzamientos que han sido muy bien recibidos dentro del circuito black metal internacional, Hulder destaca por un sonido frío, agresivo y a la vez profundamente atmosférico, acompañado de una estética ritualista que refuerza el clima oscuro de sus presentaciones. Su directo se caracteriza por una intensidad constante y una conexión directa con las raíces más puras del género.
Los muchachos de Adventus han publicado “En Paz”, nuevo single extraído de De Mi Corazón y Otras Miserias, el último disco de la banda que salió a la venta el pasado 28 de noviembre a través de Maldito Records.
Compuesto por Ramón Lage, Dani Arcos, Manuel Ramil, Fernando Mainer y Nacho Arriaga, el corte es uno de los mejores del álbum y su videoclip os lo dejamos a continuación:
Guttural Disgorge llevará el slam extremo a Copenhague
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La brutalidad más absoluta llegará a Copenhague de la mano de Guttural Disgorge, una de las propuestas más pesadas y directas del slam death metal actual. Con un enfoque sin sutilezas, riffs aplastantes y una base rítmica diseñada para el mosh más salvaje, la banda promete una noche dedicada exclusivamente al extremismo sonoro.
El concierto se realizará el 21 de marzo en Lille VEGA, y contará con DETHRXNER como banda telonera, sumando una dosis adicional de agresión y oscuridad para abrir la velada. Una fecha pensada claramente para los fanáticos del death metal más crudo y visceral.
Guttural Disgorge se ha ganado un lugar dentro del underground extremo gracias a su sonido primitivo, tempos pesados y una actitud completamente orientada a la destrucción en vivo. Sus shows destacan por la intensidad constante y una conexión directa con el público más extremo, sin concesiones ni pausas innecesarias.
El reconocido guitarrista norteamericano Ross “The Boss” Friedman, ha dejado con el corazón en un puño a sus seguidores al confirmar que tiene ELA, siglas correspondientes a Esclerosis Lateral Amiotrófica, también conocida como la enfermedad de Lou Gehrig.
Este delicado problema ha sido tras varios meses con síntomas poco comunes como debilidad en las manos y los pies, algo que tras tratarse con una dieta y una medicación adecuada, no mejoró y al revés, mermó aún más el estado del músico.
El propio Ross ha confirmado este diagnostico y ha comentado lo siguiente:
” Es difícil saber lo que me depara el futuro, y me destroza no poder tocar la guitarra, pero el torrente de amor ha sido muy, muy fuerte. Estoy absolutamente impresionado por el amor y el apoyo de mi familia, amigos y fans. Os quiero a todos”.
Deseamos que salga adelante y que pueda vencer a esta enfermedad tan delicada y nos vuelva a deleitar con su particular manera de tocar la guitarra sobre las tablas.
Lucifer anuncia una fecha en Barcelona para el mes de abril
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Uno de los grupos más interesantes dentro del sonido oscuro como son Lucifer han anunciado su regreso a nuestro país en el marco de su gira mundial 2026 y donde volverán a cautivarnos con su combinación densa y a la vez excelente de hard rock y doom.
Con Johanna Platow como maestra de esta misa negra, la banda pasará por España en la siguiente fecha:
13 de Abril – Barcelona – Upload
Para más información, permanece atento a las redes sociales de la banda, donde irán anunciando como y donde conseguir las entradas de este más que interesante evento.
Midnight llegará a Guadalajara este próximo 24 de abril
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La realeza satánica de Cleveland, Ohio que lleva por nombre Midnight se presentará en la ciudad de Guadalajara este próximo viernes 24 de abril como parte de su gira “Satanic Royalty 15th Anniversary Latin America Tour 2026” y que contará con nueve fechas con las que recorrerá ampliamente México, así como Bogotá, Chile, Argentina y Brasil.
Para la misa negra de la perla tapatía, la dupla entre las promotoras Catharsis y Metal Punk Death Squad Mexican Chapter se rifarán con este eventazo que traerá al brutal proyecto liderado por Athenar a Guadalajara una vez más en lo que promete ser una noche violenta y maniaca junto a los jóvenes, pero consolidados proyectos locales de Phantom, Speedfreak y Death Stains.
Fundado en 2003, este proyecto ha probado ser uno de los más queridos en el metal underground por el público mexicano en los últimos años, contando ya con dos sonadas apariciones en nuestros escenarios, primero con la edición debut del Candelabrum Metal Fest y más tarde con una mini gira junto a las leyendas Discharge.
Los boletos para este evento pueden encontrarse a la venta a través de la plataforma Passline o en físico en Velvet Records, La Victory Store, Gothic Shop Gdl o en taquillas del Foro Independencia.
Candelabrum Metal Fest anuncia dos nuevas bandas en su line-up
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En días pasados, las ya populares adivinanzas mediante las cuales el Candelabrum Metal Fest lleva años anunciando a su line-up edición tras edición a develado a dos importantes proyectos que se sumarán al roster del 2026: …And Oceans y Aura Noir.
Con estas dos adiciones, el festival se pinta un poco más de negro.
Formados en 1995 en Finlandia bajo el nombre de Havoc Unit, …And Oceans ha lanzado trabajos complejos e interesantes con un rango que va desde el symphonic black metal, hasta el industrial, pasando por el avant-garde.
Mientras que Aura Noir, el proyecto del legendario Blasphemer (Mayhem), llega a pagar una deuda pendiente desde hace un par de ediciones, cuando la banda tuvo qué cancelar su presentación por cuestiones de fuerza mayor y que ahora prometen entregar esa poderosa mezcla de black/thrash que los caracteriza.
Los boletos para la quinta edición del festival de metal número uno del Bajío mexicano, y uno de los favoritos de los metaleros de la vieja escuela mexicana, se llevará a cabo este próximo 12 y 13 de septiembre en la Velaria de la Feria de León, Guanajuato.
Enforcer en Buenos Aires: “Heavy Metal sueco en estado puro”
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Después de tres años de ausencia en Sudamérica, los suecos de Enforcerregresaron a Argentina con una agenda por partida doble: Córdoba y CABA. Al igual que en 2016, cuando conquistaron Santa Fe y Buenos Aires, la banda volvió para demostrar por qué son considerados uno de los pilares fundamentales de la New Wave of Traditional Heavy Metal.
La noche del 6 de febrero en Uniclub marcó la segunda fecha de la gira latinoamericana de Enforcer, tras su paso por Córdoba. Hay que decirlo desde el inicio: la producción de Noisegroundestuvo a la altura, trayendo una vez más una banda de primer nivel internacional y confiando en nosotros para la cobertura de sus eventos. Un agradecimiento más que merecido.
Algo inusual sucedió esa noche en Uniclub. Quien conoce la sala sabe que el sonido suele ser correcto, funcional, pero rara vez excepcional. Sin embargo, esta vez fue diferente, muy diferente. El volumen estuvo al límite durante toda la jornada, rozando la saturación en varios momentos. Fuerte, potente, casi abrumador.
Mercurioabrió la jornada cerca de las 19:30 horas, enfrentándose a la siempre ingrata tarea de tocar ante un público escaso que recién comenzaba a llegar después de la jornada laboral. La banda sonó ajustada, con la experiencia que los caracteriza y el rodaje con que cuentan de tocar seguido por los diferentes antros de la ciudad. Aunque hubo algunas fisuras técnicas en el micrófono de Martín que no lograron resolverse del todo, nada que no pudieran manejar con profesionalismo y saliendo airosos como de costumbre.
Innerforcetomó la posta como segundos de la noche, estos grandes batalladores que conocen cada escenario del circuito local como la palma de su mano. Su set fue acorde a las circunstancias: sólido, profesional, bien ejecutado. Recorrieron parte de su discografía con buenas interpretaciones, y aunque esta vez no sonó el clásico “Galleons of Nations”, sí dieron lugar a la canción emblema de su nuevo álbum, “Invocation”, con ese pasaje “blacker” en el medio que los fans ya conocen de memoria.
El lugar ya contaba con otro color, las charlas se sucedían, las birras circulaban en las rondas de los metaleros hasta que llegó el turno de Velocidad 22, esa máquina imparable que convoca una legión de seguidores a donde vaya. Cualquier cosa que se pueda decir sobre su presentación se quedará corta. Show tras show, fecha tras fecha, la banda sigue sumando adeptos y dejando una imagen que trasciende el venue del momento. Se habla de ellos en las redes, en charlas de esquina, en chats de WhatsApp. Son un fenómeno nacional y popular.
Cuando las luces se apagaron y el logo de Enforcer se divisó en las pantallas que están sobre y al costado del escenario, la tensión ya era palpable. No todos los días una banda de esta magnitud pisa suelo argentino, y mucho menos tras algunos años de ausencia.
Desde el primer acorde de “Destroyer”, el lugar explotó. Olof Wikstrand, al frente con su guitarra y su voz inconfundible, parecía no poder creer la energía que devolvía el público argentino. Su hermano Jonas Wikstrand en la batería marcaba el ritmo mientras Joseph Tholl en la guitarra y Tobias Lindqvist en el bajo completaron el ataque sin dar respiro.
Lo que siguió fue una masterclass de heavy metal clásico que incorporó la intensidad del speed metal. “Undying Evil” hizo aparecer a los primeros pogos mientras los más veteranos levantaban el puño recordando por qué amamos este género. La banda no se guardó nada, recorriendo su discografía con inteligencia y dejando claro que cada álbum tiene algo importante que aportar.
Con “From Beyond”, la canción que da título a su último disco, la cosa tomó otra dimensión. Olof se acercó al borde del escenario, inclinándose hacia el público, compartiendo los coros con una entrega total. No había distancia entre la banda y el público. Solo energía circulando de un lado al otro.
El momento emotivo de la noche llegó de sorpresa con el cover “Dying Young” de Black Sabbath, “Mesmerized by Fire” del álbum Death by Fire funcionó como un mantra hipnótico, con ese riff que se te mete en la cabeza y no te suelta.
La presencia escénica de Olof merece un párrafo aparte. El tipo no paró de moverse, de sonreír, de interactuar. Cada canción era una celebración, cada solo una excusa para conectar visualmente con alguien del público. No había poses estudiadas ni actitudes rock star vacías. Solo genuino amor por lo que estaban haciendo, y eso se contagia.
El repertorio continuó con un solo de batería para calmar un poco a las fieras y hubo lugar para ese clásico “Take Me Out of This Nightmare” que jugaron con el público y extendieron la canción en un par de minutos para luego desaparecer del escenario.
La noche llegaba a su fin y al concierto le quedaban dos canciones, la primera de ellas, Cuando la banda abandonó el escenario después del set principal y por supuesto, regresaron. No para cumplir un protocolo, sino porque genuinamente querían seguir tocando. El encore incluyó a “Katana”, canción que demostró que el speed metal y las melodías épicas pueden convivir perfectamente cuando sabés lo que estás haciendo. Le siguió “Midnight Vice” que cerró una noche que dejó a todos con una sonrisa de oreja a oreja y las gargantas destrozadas de tanto cantar.
Pero acá no terminó todo, cuando las luces se encendieron y el público comenzó a dispersarse, los suecos hicieron algo que no todas las bandas internacionales hacen: se acercaron a la puerta del venue para charlar y sacarse fotos con quienes esperaban el momento cerrando así una gran jornada para todos.
La noche del 7 de febrero Madrid abría sus puertas a los ucranianos de Jinjer, quienes venían acompañados de Textures y Unprocessed gracias a Route Resurrection.
La primera banda en subirse al escenario fueron Textures, quienes comenzaron su concierto tocando una canción de su último trabajo de estudio lanzado en 2026: Genotype. Desde el principio la energía de los neerlandeses fue arrolladora y el público se volcó con todas las canciones que tocaron desde “Closer to The Unknown”, hasta el cierre con “Laments of an Icarus”, pasando por “Measuring the Heaven” o “Timeless”. La banda monstruo un sonido arrollador y dinámico, entre el que podríamos destacar la voz Daniel de Jongh demostrando una potencia y una fuerza en directo digna de recordar.
El siguiente turno fue para Unprocessed, quienes, al igual que sus antecesores, empezaron tocando una canción de su último trabajo: Angel, lanzado en 2025. El tema escogido fue “111”. La banda alemana de metalcore venía con las pilas cargadas y trajeron con ellos una energía juvenil cargada de buen rollo y sonidos vibrantes. La sala se volcó con canciones como “Glass”, “Lore” o “Terrestrial”. Los pogos, que ya habían empezado en el concierto anterior, cada vez eran más grandes y enérgicos. Unprocessed dejó al público alborotado y con los motores cargados para el plato fuerte de la noche: Jinjer.
Con la sala a oscuras, comenzaron los primeros acordes con los que la Wagon recibiría a los miembros de la banda. Fueron saliendo de uno en uno con una tenue luz azul, hasta que un destello de luz blanca iluminó a la estrella de la noche Tatiana Shmaylyuk. Acto seguido comenzó el espectáculo, arrancando con “Duél”, canción encarnada en el disco con este mismo nombre que fue lanzado el año pasado; aunque no todo fueron temas nuevos pues nos deleitaron con una increíble variedad de canciones de todo su recorrido, entre las que podríamos destacar “Vortex” o “Teacher”, dos de los temas más representativo de los ucranianos.
El concierto duró aproximadamente una hora, fue una hora de pura magia. Tatiana demostró una vez más que tiene una de las mejores presencias en el escenario de la escena internacional. Vibró con todas las canciones, dejándose el aire en cada una de ellas. Sin embargo, de Tatiana destacan muchas cosas, no solo la puesta en escena, y una de ellas es la calidad vocal y técnica. Demostró una vez más unos impecables cambios de voz que oscilaban entre lo gutural y lo melódico, es una de estas artistas que demuestran una y otra vez que ir a sus conciertos en directo merece la pena.
Todo esto provocó un público extasiado que hizo retumbar la sala al ritmo de las canciones de Jinjer, vivimos desde pogos hasta crowd surfing, para muchos fue una noche inolvidable llena de buenas vibras y buena música
Smith/Kotzen en Madrid: “Dos gigantes, un escenario”
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Texto y Fotos: Oscar Gil
Estamos de enhorabuena en Madrid, y es que se nos juntaban dos celebraciones. Para empezar estamos ante la primera visita a Europa juntos de Smith/Kotzen, dupla compuesta por Adrian Smith, legendario guitarrista de Iron Maiden, y Richie Kotzen, virtuosismo puro que este 3 de febrero estaba de cumpleaños. La Riviera se vestía de gala para recibir a este dúo que con este segundo disco ha dado el salto definitivo a Europa.
La sala mostraba un ambiente un tanto desangelado para lo que estamos habituados en la mayoría de conciertos, y es que La Riviera estaba lejos de su habitual ‘sold out’. Aun así no deja de ser una gran entrada para recibir a estos dos gigantes de la música.
Con ello y a eso de las nueve y diez de la noche aparecían en escena a nuestra izquierda Adrian Smith y a nuestra derecha el cumpleañero Richie Kotzen que arrancaba sin ninguna concesión con “Life Unchained” y la celebrada “Black Light”, todo un acierto con ese riff y esos solos que se abren paso ante la voz de Adrian y Richie que van alternando y empastan a la perfección, para llegar a un poderoso estribillo.
Turno ahora para “Wraith” y la clase bluesera de “Glory Road”, qué auténtica delicia aunque el estribillo no hace justicia al resto de la canción. “Hate and Love” nos trae ese duelo de estilos a la guitarra, esas escalas de Smith y esas melodías de Richie sin púa para las delicias del público. Intro deliciosa la de “Blindsided” con un sonido perfecto que da paso a ese riff enroscado que nos mete en una dinámica veloz.
Llega así uno de los hits del combo con “Taking My Chances”, sin duda de las más coreadas con ese estribillo cargado de talento. También del último disco es una preciosa “Darkside” cargada de melodía desde el segundo cero, dejando paso a la voz de Smith y alternando de nuevo con Kotzen en un corte que nos recuerda por acordes a bandas como Bon Jovi.
“Outlaw” y “Got a Hold on Me” nos dan un respiro para enlazar con otro hit como “White Noise” en la que la voz de Richie hace diabluras en un corte más seco y directo que funciona a las mil maravillas. La belleza ahora de “Scars”, su éxito entre éxitos, hace las delicias del respetable, y es que es coreable, pegadiza, y con unas melodías que no dejan indiferente a nadie, calidad pura.
Nos estábamos acercando peligrosamente al final ya ahora con “Running”, y en teoría la definitiva “Solar Fire”, el nuevo himno del dúo que lo tiene todo, velocidad, punteos, una estrofa que por momentos nos transporta incluso a bandas como Kiss, para romper en un estribillo virtuoso con un Richie Kotzen de nuevo sublime. Pocos peros a un combo que se despedía momentáneamente de las tablas.
Tras un breve reposo, regresaba sólo al escenario el bueno de Richie para interpretar una pieza suya como “You Can’t Save Me” e introducir al resto de la banda progresivamente, una delicia. El final de fiesta lo ponía una gloriosa “Wasted Years” de Iron Maiden, con Adrian poniendo su nota y su sonido a esa intro tan aclamada desenfundando todos los móviles en la sala, aunque quizás a nivel vocal quedó un tanto descafeinada, y es que aunque Richie hace una buena labor en el estribillo, no olvidemos que Adrian es la segunda voz de este tema, no la principal.
Así se cerraba una auténtica celebración de la música, ¡y de cumpleaños! Una noche organizada por Madness Live que nos deja la sensación de haber degustado caviar durante hora y media sin prácticamente interrupción, una velada de auténtico lujo.
Por entradas agotadas Obituary cambia de locación en Buenos Aires
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Debido a la alta demanda de entradas, el show de Obituary en Argentina se trasladó de El Teatrito a una nueva locación: El Teatro Flores (Av. Rivadavia 7806, C.A.B.A.). La legendaria banda estadounidense de death metal se presentará en el marco de la celebración de los 35 años de su icónico álbum “Cause of Death”, considerado uno de los discos fundamentales del metal extremo mundial. Obituary ofrecerá un show único donde repasará su carrera, centrándose en reinterpretar uno de los trabajos más influyentes del death metal y todos sus clásicos. La cita será el miércoles 18 de febrero.
Las entradas disponibles por Sistema Passline haciendo click AQUI
Y en tiendas físicas: Fade To Black (Bond Street) – Metalmania (Centro) – Liverpool (Belgrano) – Mala Difusión (Almagro) – Tienda Noiseground (Almagro) – XElcambio Rec. (Parque Patricios) – Locuras (Morón) – Engendro Tienda (Wilde) – Xennon (Quilmes/La Plata)
Formada en 1984 bajo el nombre Executioner, Obituary adoptó su nombre definitivo en 1988, convirtiéndose en una de las bandas más influyentes y representativas del subgénero. Con 11 álbumes de estudio en su haber, la banda prepara para esta gira un show completo y visceral, fiel a su legado y reafirmando por qué sigue siendo una de las formaciones más sólidas e importantes del death metal contemporáneo.
Obituary promete un recorrido devastador por la historia del género, dejando en claro su lugar en la cima del metal mundial.
Cause of Death ha sido citado por numerosos músicos del metal extremo como una gran influencia, y sigue siendo un pilar fundamental del death metal. Con su atmósfera oscura, riffs memorables y una producción que marcó un hito en la escena mundial, el álbum se mantiene como una lección de cómo debe sonar el death metal en su forma más pura.
La alineación actual de Obituary está formada por los hermanos fundadores John (voz) y Donald Tardy (batería), quienes siguen al frente del grupo, acompañados de Trevor Peres (guitarra rítmica), Terry Butler (bajo) y Kenny Andrews (guitarra líder).
Uno de los emblemas del death metal sueco más visceral como es Bloodbath ha unido fuerzas con sus compañeros británicos Cancer y juntos llegarán este verano a España en el marco de su gira europea conjunta, la cual es una cita imprescindible para cualquier amante del metal extremo.
Stoned Jesus y Wheel confluyen en Copenhague para una noche de stoner y progresión
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Dos nombres clave del rock pesado europeo, Stoned Jesus y Wheel, llegarán a Copenhague para compartir escenario en una fecha que promete viajes sonoros extensos, riffs densos y climas hipnóticos. La combinación del stoner rock psicodélico con el metal progresivo moderno convierte a este concierto en una propuesta tan diversa como potente.
El show se realizará el 29 de marzo en Pumpehuset, y hasta el momento no se han anunciado bandas teloneras, por lo que la atención estará centrada completamente en los dos actos principales. Una noche ideal para quienes disfrutan de desarrollos largos, atmósferas envolventes y una fuerte presencia instrumental.
Stoned Jesus, referentes del stoner rock de Europa del Este, llegarán con su característico sonido pesado y psicodélico, mientras que Wheel aportará su enfoque progresivo, técnico y oscuro, influenciado por el metal contemporáneo. Ambos proyectos se destacan por ofrecer shows intensos, precisos y con una identidad muy marcada en vivo.
Desde las frías tierras de Aarhus, al norte de Dinamarca, Sunken pisó fuerte dentro del underground danés. Esto se debe tanto a discos muy bien valorados, como Livslede (2020), como a sus intensas presentaciones en vivo, que llevaban al extremo el clima de introspección presente en sus álbumes. Por este motivo, el esperado nuevo trabajo Lykke llegaba con varias misiones por cumplir: demostrar una evolución musical y, al mismo tiempo, ampliar el alcance de la banda dentro del circuito del black metal europeo. Algo que se vio reflejado en un extenso tour por el norte de Europa.
En lo musical, este disco encuentra la forma de no repetirse. A su base de black metal atmosférico le suman elementos del depressive black metal, visibles sobre todo en el tratamiento vocal. Las voces pasan de los gritos agudos clásicos a registros más intensos, cercanos al lamento. Las atmósferas, por su parte, se sienten más densas y tristes. Si bien las guitarras etéreas y fantasmales características del proyecto siguen presentes, estas alternan entre riffs más pesados y otros más sensibles, aportando dinamismo sin perder cohesión.
Las canciones son extensas y en todas aparece al menos un interludio que funciona como respiro entre tanta intensidad. Estos pasajes están adornados con instrumentos de cuerda, teclados y guitarras acústicas, aportando variedad y reforzando el costado creativo del álbum sin romper su coherencia. Al mismo tiempo, la duración prolongada de los temas exige una escucha atenta y paciente, algo que potencia la inmersión en su clima melancólico, pero que también demanda compromiso por parte del oyente.
Las letras abordan temáticas existenciales y la paradoja de la felicidad, contrastando la búsqueda de bienestar con la dureza de la vida y el sufrimiento. Esto deja en claro que las líricas cargan con un peso emocional considerable, acompañado de manera efectiva por un sonido sólido, donde las bases cumplen su rol mientras las guitarras toman protagonismo cuando la composición lo requiere.
Sunken logra, sin reinventar la rueda, sumar nuevos matices a su identidad sonora y evolucionar de forma firme y consistente. Lykke no busca comodidad ni concesiones: es un disco que se sumerge de lleno en la tristeza y la introspección, y que recompensa a quienes estén dispuestos a entregarse a su atmósfera opresiva y melancólica. Un paso adelante para la banda dentro del black metal underground europeo.
Pelican, la banda de post-metal oriunda de Chicago, acaba de sacar a la venta su nuevo trabajo Ascending. Este nuevo EP cuenta tan solo con 4 canciones y llega en un momento significativo, ya que captura a la banda en un renovado vigor creativo. A pesar de ser un compilado de rarezas y material de sesiones grabadas durante la producción de Flickering Resonance (su último disco oficial), Ascending no se siente fragmentado ni como meros descartes de estudio; al contrario, hay una coherencia deliberada y cuidadosamente orquestada que transforma estas cuatro piezas en una declaración artística propia.
El track que abre y le da nombre al EP es una pieza compositiva única que demanda espacio para respirar, que necesita su propio momento, y en donde las guitarras alternan entre pasajes de sludge denso y melodías bien desarrolladas y cautivantes. La batería de Larry Herweg proporciona una base propulsiva pero nunca apresurada: cada golpe de tom resuena con intención.
El bajo de Bryan Herweg, frecuentemente el elemento más subestimado en bandas instrumentales, acá tiene un protagonismo merecido. En lugar de simplemente seguir la guitarra rítmica, serpentea por debajo con una línea melódica propia, añadiendo una tercera capa armónica que enriquece la textura general sin saturarla y que, cuando se percibe, cambia la experiencia de toda la canción.
La canción “Cascading Crescent”, con la colaboración en la voz de Geoff Rickly de Thursday, se puede mencionar como un experimento bien logrado, ya que alterna entre voces melódicas apenas audibles y gritos desgarradores. Esa entrega emotiva podría parecer un desajuste fundamental con el enfoque medido y atmosférico de la banda y, sin embargo, contra todos los pronósticos, funciona bastante bien.
Uno de los aspectos más notables de Ascending es su producción. El sonido es limpio y claro, y cada instrumento ocupa su propio espacio en la mezcla: nada está enterrado ni sobresaturado. Hay suficiente textura para mantener el carácter orgánico de las grabaciones. Las guitarras tienen cuerpo y presencia, el bajo es audible y definido, y la batería conserva claridad sonora sin saturar, llevando el pulso de forma adecuada y dándole espacio a cada instrumento.
Ascending no redefinirá el género, eso es seguro. Tampoco es el disco más original de Pelican si se lo compara con otras producciones de su catálogo, pero sí refina la comprensión de lo que la banda puede hacer y, por extensión, de lo que el post-metal instrumental aún tiene para ofrecer este año.
Avatar traerá su particular propuesta a España por todo lo alto
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Uno de los nombres más destacados del metal moderno actual, como son los suecos Avatar volverán una vez más a nuestro país, donde ya son casi asiduos y cada vez se presentan en recintos más grandes, demostrando porque leyendas como Iron Maiden les han mostrado sus respetos y los han llevado de gira con ellos por medio mundo.
Paleface Swiss en Barcelona: “Mas allá del Beatdown”
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El pasado 4 de Febrero teníamos una cita en la Sala Razzmatazz 2 de Barcelona con una de las bandas que más ha crecido en los últimos años dentro de la escena del Deathcore/Beatdown.
Los suizos prepararon un cartel a la altura de su “The Wilted Tour 2026” por Europa, presentando el EP lanzado a principios de este año con el mismo nombre. Static Dress daba el pistoletazo de salida a una tarde de metal moderno que arrancaba muy pronto en la ciudad condal. Una propuesta que parece salida de finales de la década de los 2000 con una clara apuesta por el Post Hardcore/Emo que influenció a un gran número de personas durante esos años. Un buen sonido, una grandísima actitud y temas como “.face” o “Death To The Overground” nos hicieron recordar que, efectivamente, no era solo una fase.
A continuación pudimos disfrutar de los norteamericanos Stick To Your Guns. Una banda que lleva prácticamente 20 años siendo referentes dentro de la escena Hardcore/Punk con un claro mensaje reivindicativo y que llegaban en plena forma después del gran éxito de su reciente álbum Keep Planting Flowers . La energía fue desbordante desde los primeros compases de “Diamond” y no bajó ni un ápice hasta las últimas notas de “Nobody”. Un moshpit que no paró, un Jesse Barnett incomensurable y la ya habitual sintonía entre la banda y el público hicieron del concierto otra prueba más de que los californianos tienen cuerda para rato.
Y aún con el subidón del concierto anterior, Paleface Swiss aterrizaba en Barcelona para volver a demostrar el salto de gigante que ha dado la banda desde el pasado 2025 y su álbum Cursed. Los suizos hicieron gala de su ya conocida potencia en directo y pudieron saldar la “deuda” que arrastraban con el público barcelonés de su anterior gira y el reducido aforo que hubo (en la misma Razzmatazz, pero la sala 3). Zelli y el resto de la banda hicieron demostración de la gran variedad de registros que han incorporado a lo largo de su trayectoria: recordando que siguen sonando muy duros con temas como “The Rats”, “Nail To The Tooth” o la más reciente “Let Me Sleep” pero que también reflejan otro tipo de emociones en canciones como “Everything’s Fine” o “River Of Sorrows” (que contó con la plena participación del público allí presente). Mencionar que también pudimos disfrutar de la reciente colaboración “Instrument Of War” entre Paleface y Jesse de Stick To Your Guns, un auténtico placer.
En resumen, un exhibición de como llevar el Deathcore/Beatdown a grandes salas y festivales incorporando elementos que hay quien puede considerar “comerciales” pero que a mi entender hacen que cada vez más gente pueda adentrarse en géneros que parecen reservados a unos pocos “guardianes” del metal (en este caso, underground).
La banda alternativa Future Palace ha estrenado el videoclip en directo de “Paradise”, uno de los cortes más destacados de su catálogo y que es considerado como uno de los favoritos por parte de sus seguidores.
El clip fue grabado durante el gran paso de la banda germana por el gigante festivalero francés Hellfest Open Air 2025 y podéis deleitaros con la gran presencia escénica de María Lessing y compañía a continuación:
Shatterheart lanza al completo “Infernal Symphony”
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Los metaleros sinfónicos Shatterheart son una de las últimas incorporaciones a la escudería de Art Gates Records y con ellos acaban de lanzar su último disco Infernal Symphony, donde continúan su evolución dentro del metal sinfónico, pero añadiendo algunos matices a descubrir y que evidencian la ambición con la que la banda sueca afronta este 2026.
Los hard rockeros finlandeses Shiraz Lane volverán a nuestro país en el marco de su nueva y extensa gira europea, donde presentarán su último disco In Vertigo, además de todos sus “Hits” más destacados.
Para hacer la gira aún más atractiva, la banda contará con Strangers como banda invitada, quienes liderados por la talentosa y carismática Celia Barloz, aprovecharán la oportunidad para descargar los temas de su fantástico último disco Boundless, uno de los discos más destacados del año pasado dentro de su estilo.
Las fechas para ver este doblete de alto voltaje serán las siguientes:
16 de Abril – Madrid – Revi Live (+ Strangers)
17 de Abril – Barcelona – Razzmatazz 3 (+ Strangers)
Napalm Death convertirá Glasgow en territorio grindcore
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Las leyendas británicas del grindcore Napalm Death se presentarán en el Clyde Rooms de Glasgow el 25 de febrero como parte de su gira Campaign for Musical Destruction Tour. Activos desde finales de los años 80, Napalm Death son una de las bandas de metal extremo más longevas del Reino Unido y han demostrado una y otra vez que saben ofrecer un gran show en directo.
Tras su última actuación en Glasgow el año pasado en SWG3 junto a Crowbar, la banda regresa una vez más, esta vez con el apoyo de los estadounidenses de thrash Whiplash y la banda británica de punk rock Varukers, ambos formados a finales de los 70 y comienzos de los 80, lo que convierte la fecha en una noche de música pesada clásica en estado puro.
Juntas, las tres bandas ofrecerán una descarga de algunos de los sonidos más pesados y agresivos que han influido en el panorama del metal moderno. Las entradas todavía están disponibles, así que conviene actuar rápido si quieres ver a estas leyendas en directo.
Damnation Festival anuncia tres increíbles bandas para su edición 2026
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El Damnation Festival 2026 continúa tomando forma y a fines de enero confirmó tres nuevas incorporaciones a su cartel: Health, Wolves In The Throne Room y Eyes, ampliando el abanico sonoro de cara a su edición número 21, que volverá a posicionar al evento como uno de los festivales de metal más importantes del Reino Unido. Con el anuncio, el festival suma peso tanto en el terreno experimental como en el black metal atmosférico y el hardcore moderno, mientras la expectativa del público sigue creciendo ante la gran cantidad de nombres que aún quedan por revelar.
Health aportará su mezcla de industrial, electrónica oscura y metal alternativo, con un directo intenso y cargado de atmósferas digitales y pulsos pesados que ha ganado cada vez más presencia en escenarios de música extrema. Por su parte, Wolves In The Throne Room marcarán su segunda aparición en Damnation, llevando su característico black metal atmosférico y naturalista, con composiciones extensas y envolventes que se han convertido en referencia del género en las últimas dos décadas. Completa el anuncio Eyes, banda danesa de hardcore/metal moderno conocida por su agresividad directa y shows explosivos, una incorporación que refuerza el costado más crudo del cartel.
Todavía quedan 29 bandas por anunciar, algo que la comunidad sigue con gran expectativa mientras se define el lineup completo de 2026. Con la mitad de las entradas ya agotadas y aún 10 meses por delante para el esperado fin de semana de Damnation, la organización anticipa otra edición de alto nivel. Si no quieres quedarte fuera, este es el momento de asegurar tu lugar: consigue tus entradas aquí.
Hanabie vuelve a la carga en formato breve con Hot Topic, un EP que funciona como una descarga directa y sin rodeos dentro de su particular universo sonoro. Lejos de plantearlo como un simple relleno entre discos largos, el lanzamiento se siente pensado para el impacto inmediato: canciones cortas, dinámicas y diseñadas para convivir tanto en playlists como en el directo. Aquí no hay introducciones largas ni desarrollos innecesarios; todo entra rápido y con intención clara, reforzando esa identidad híbrida donde el metalcore moderno se cruza sin complejos con el J-Pop, la electrónica y el caos kawaii que define a la banda.
El arranque con “Iconic” marca el tono desde el primer segundo: riffs contundentes, bases electrónicas bien integradas y un juego vocal constante entre agresividad y melodía pop. Hanabie entiende perfectamente el lenguaje del metalcore actual, pero lo filtra a través de una estética propia que evita caer en fórmulas occidentales recicladas. La producción es limpia, potente y muy enfocada al golpe rítmico, algo que permite que los cambios bruscos de tempo y estilo no suenen forzados, sino naturales dentro de su ADN musical.
A medida que avanza el EP, temas como “Spicy Queen”, “トキメキ About You” y “Girl’s Talk” refuerzan ese carácter explosivo y adictivo que ha hecho crecer a la banda fuera de Japón. Aquí conviven breakdowns pesados con estribillos pegajosos, líneas casi rap y detalles electrónicos que rozan el synthpop sin diluir la pegada metalera. El uso del japonés no es un obstáculo, sino un elemento más que suma personalidad y convierte cada canción en algo reconocible al instante, incluso para oyentes que no entienden el idioma.
El cierre con “はなびえんちゃん。のテーマ” introduce un tono más desenfadado y casi lúdico, rompiendo cualquier expectativa de solemnidad y recordando que Hanabie también juega con el humor y la autoimagen sin perder identidad. Hot Topic se mueve así entre la agresión, la inmediatez pop y la actitud irreverente, consolidando una propuesta que sigue creciendo en visibilidad internacional y que demuestra que, incluso en formato EP, la banda sabe cómo dejar huella canción tras canción.
Entrar al Joker’s House de Barcelona, en el corazón áspero de Sant Andreu, es aceptar que durante unas horas el mundo exterior deja de importar. El aire no se respira: se mastica. Es una aleación espesa de combustión de motor, cuero curtido y electricidad latente, esa estática invisible que siempre precede a la catástrofe. Desde la ladera industrial del Besòs, este templo de hormigón donde el rock y las motos dictan la ley del asfalto se prepara para otra noche de comunión extrema. El rugido grave de las máquinas que patrullan el exterior se funde en un solo abrazo con el estruendo de los amplificadores que, puertas adentro, ya escupen fuego. Lamentablemente nos perdimos la actuación de Cárcava por motivos de horarios laborales pero si ver a Atonement aquí no es asistir a un concierto: es sumergirse en una liturgia de metal extremo, gasolina y acero. Con la alineación formada por Salva (voz y guitarra), Pau (bajo) y A. (batería), más el cantante abrazan el cuarteto barcelonés despliega un sonido sin concesiones que cabalga entre el black, el thrash y el death más old school, encajando con precisión quirúrgica en la estética ruda y sin barniz del local. Esa noche, la parroquia del metal respondió al llamado: el club se abarrotó hasta los cimientos, convertido en una olla a presión donde la hermandad eléctrica se respiraba —o se masticaba— en cada rincón.
Mi cámara, un ojo de cristal sediento de fotogramas, se eleva desafiando la gravedad. Busco la perspectiva cenital, esas tomas aéreas capaces de capturar la marea humana: chalecos repletos de parches, muñequeras de clavos, camisetas empapadas de sudor. Un océano de metal líquido fluye bajo mis pies mientras, a través del visor, documento la velada como quien registra una guerra santa.
El ritual comienza con la frialdad cortante de “El tirano del páramo” y “Eterno retorno”. Desde los primeros compases, Atonement delimita su territorio: sombras densas, velocidad implacable y una hostilidad controlada que cala en el cuerpo. El sonido rebota en las paredes como un animal enjaulado. Con “Sangre derramada” y la incisiva “Gossos negres de la mort”, la temperatura del recinto se dispara; el guitarrista y el bajista se intercambian posiciones sin descanso, invadiendo el espacio, rompiendo la barrera invisible entre escenario y público, borrando cualquier jerarquía.
Con el asalto de “Peste bubónica”, el cantante ya ha abandonado cualquier atisbo de contención. A torso desnudo, escupe las letras como si fueran un exorcismo personal, encendiendo definitivamente la mecha de un público que quema ruedas de pasión en cada riff, en cada golpe de caja. El sudor gotea del techo. El suelo comienza a encharcarse.
El tramo final es demoledor. La crudeza herrumbrosa de “Metal oxidado” y el frenetismo salvaje de “Saqueadores de tumbas” llevan la locura colectiva al límite. La sala entera parece balancearse en una cabalgata infernal que culmina con “Jinete de la muerte” y el cierre sepulcral de “Entre las tumbas”. Entre el calor humano y una condensación heavy casi tangible, Atonement deja claro que en el metal no se escucha: se sobrevive.Pero la noche aún guarda más fuego, y lo que viene no es un epílogo, sino una segunda embestida destinada a dejar cicatriz.
La ofensiva continúa con la banda teutónica estelar Desaster y su primer dardo, “Satan’s Soldiers Syndicate”, y desde mi ángulo elevado el despliegue técnico de los músicos se transforma en una auténtica danza de guerra. El tema se abre con un riff clásico, casi marcial, de aroma teutónico, que actúa como una llamada a filas para la hermandad metálica. No hay florituras ni engaños: es metal de trinchera, directo al pecho, que impone orden dentro del caos. El público responde al instante, puños en alto, cabezas girando al unísono, como si ese primer riff activará un resorte ancestral.
A la izquierda del escenario, Infernal (Markus Kuschke), miembro fundador y motor compositivo, se alza como un arquitecto del caos. Su presencia es firme, casi hierática, pero sus manos no conocen la quietud. Los dedos dibujan riffs imposibles, precisos y venenosos, alternando ataques rápidos con figuras más pesadas, destilando un odio purista que se percibe tanto en el sonido como en la mirada. Cada nota parece colocada con intención bélica, como si la guitarra no fuera un instrumento, sino un arma ritual.
En el centro, la imagen parece arrancada de otro siglo. Odin (Volker Moritz), fiel a la banda desde 1992, encarna la estética más cruda y primigenia del black metal. Con el torso desnudo y su icónico corpse paint lleno de cuero, machaca las cuatro cuerdas con una violencia casi tribal, sin poses ni concesiones. En “Devil’s Sword”, el bajo adquiere un protagonismo cortante, marcando un pulso afilado que atraviesa el cuerpo como una hoja; mientras que “Learn to Love the Void” se despliega más oscura y envolvente, con un tempo medio que aplasta lentamente al oyente, creando una sensación de vacío y gravedad que se instala en el pecho.
Cada disparo del obturador congela el sudor y la furia de Hont (Marco Hontheim), el huracán que desde 2018 sostiene la batería con una solvencia brutal. Su pegada es una ametralladora rítmica: blast beats precisos, redobles quirúrgicos y cambios de ritmo ejecutados con una naturalidad insultante. No hay exceso ni descontrol; hay resistencia física, técnica y una violencia medida que mantiene en pie estructuras complejas sin perder un ápice de agresividad. Es el motor que impide que la maquinaria se desmonte.
Presidiendo este apocalipsis se alza Sataniac (Guido Wissmann). Su presencia es tan imponente, tan cargada de una autoridad malsana, que genera a su alrededor un vacío de respeto casi ritual. A pesar de que el mosh hierve a escasos centímetros de sus botas, nadie se atreve a cruzar ese límite invisible. Mientras escupe las letras de “Damnatio Ad Bestias”, con su ritmo aplastante y su tono de condena pública, la sala parece someterse a un juicio colectivo. “Stellar Remnant”, más veloz y afilada, intensifica la sensación de amenaza constante, como si cada verso fuera una sentencia pronunciada desde lo alto del escenario.
La cámara sobrevuela el epicentro del pogo cuando “Symphony of Vengeance” prepara el terreno con su estructura cambiante y su crescendo constante. El tema actúa como una espiral que aprieta poco a poco, acumulando tensión hasta que el hormigón parece a punto de ceder. Y entonces llega el momento esperado: el himno “Teutonic Steel” actúa como detonación final. El riff principal, simple y devastador, se convierte en un grito colectivo; cientos de puños perforan simbólicamente el techo mientras la sala entera se transforma en una masa compacta de sudor, acero y devoción.
La liturgia continúa sin concesiones por “Nekropolis Karthago”, oscura y ceremonial, con un aire casi fúnebre que ralentiza el pulso sin perder intensidad, y por la marcha implacable de “Towards Oblivion”, que avanza como un tanque sin frenos, empujando a la audiencia hacia un agotamiento feliz. El visor captura a la hermandad de los hellbangers completamente desatada con “Divine Blasphemies” y “Sacrilege”, dos descargas de agresión directa que no dejan margen para la tregua, antes de que “Metalized Blood” se alce como lo que es: una auténtica declaración de principios, un himno a la esencia del metal convertido en comunión colectiva.
Cuando las luces amenazan con devolvernos a la realidad, el Joker’s Club se niega a morir. Cientos de gargantas rugen exigiendo más carne, más acero, más fuego. El sudor cae del techo, el suelo es ya un lodazal, pero nadie quiere abandonar el ritual. Ante esa presión volcánica, Desaster rompe el guión y lanza un final apoteósico fuera de libreto: la gélida “In a Winter Battle”, fría y marcial, que corta el ambiente como un viento helado, y el cierre definitivo con el cover de Slayer “Black Magic”, un rito de paso, un homenaje y una declaración de lealtad que convierte la sala en un estruendo de gloria compartida.
Guardo la cámara con la certeza de haber atrapado algo irrepetible: desde el cenit hasta el suelo encharcado de sudor, el alma de una noche en la que el cuero, las tachuelas y el espíritu indomable del metal fueron nuestra única bandera.
The Ruins of Beverast vuelve a escena con Tempelschlaf, nuevo lanzamiento a través de Van Records y una duración que ronda la hora repartida en siete cortes extensos. Detrás del proyecto sigue estando Alexander von Meilenwald, quien una vez más se encarga de dar forma a un disco de desarrollo pausado, atmósferas cargadas y una producción que encaja perfectamente con el carácter oscuro del material.
Si algo ha definido la trayectoria del proyecto es la falta de repetición entre discos. Desde Unlock the Shrine hasta Exuvia, cada etapa ha mostrado cambios claros en sonido y enfoque. Tempelschlaf se apoya en composiciones largas, con estructuras que se transforman constantemente y evitan la inmediatez, apostando más por la construcción progresiva de climas que por el impacto directo.
El tema que da nombre al disco, “Tempelschlaf”, abre con un tono ritual y denso, alternando pasajes pesados con otros más contenidos. “Day of the Poacher” eleva el ritmo con guitarras más rápidas y un tratamiento vocal más agresivo, dejando ver una base de black metal más marcada. En “Cathedral of Bleeding Statues” el protagonismo recae en las melodías y las voces limpias, con un aire sombrío que se mueve entre lo gótico y lo feroz sin perder coherencia.
La parte central del álbum se vuelve más directa en lo instrumental. “Alpha Fluids” descarga riffs contundentes y una batería que empuja con fuerza, mientras las voces vuelven a jugar entre registros limpios y rasgados. “Babel, You Scarlet Queen!” mantiene un tono caótico y agresivo durante casi todo su recorrido, resultando uno de los cortes más fáciles de asimilar dentro del conjunto. “Last Theatre of the Sea” continúa esa línea, aunque su desarrollo se oscurece y baja la intensidad en su tramo final.
El cierre llega con “The Carrion Cocoon”, una pieza extensa que combina momentos introspectivos, voces habladas y acordes melancólicos con irrupciones más violentas bien dosificadas. Tempelschlaf se perfila como uno de los trabajos más accesibles de The Ruins of Beverast, manteniendo su complejidad habitual pero con una estructura que permite una escucha más fluida y continua.
3 Doors Down pierde a su vocalista Brad Arnold con 47 años
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La comunidad rockera ha vuelto a ser sacudida y en este caso, los afectados son los rockeros norteamericanos 3 Doors Down, quienes han confirmado la pérdida de su cantante y guitarrista Brad Arnold a los 47 años de edad, tras no poder superar su batalla contra el cáncer de riñón que padecía y que se hizo público en mayo del año pasado.
Como consuelo, podemos confirmar que Brad falleció en el hospital rodeado de sus familiares, en paz y para la eternidad nos quedará su obra con la banda de Escatawapa, Mississippi, gracias himnos como “Superman”, “Kryptonite”, “Away From The Sun” o la preciosa “Here Without You”, que ahora nos dolerá un poquito más al entonar su melancólica letra.
Gracias por todos los años que nos regalaste con tu música Brad, algunos (muchos, mejor dicho) crecimos con la música de 3DD y de contemporáneos como Hinder, Theory of a Deadman o Staind, entre otros y siempre tendrás un lugar muy especial en nuestros corazones
” Vuela alto hermano y hasta siempre… Brad Arlnod 1978 -2026 “
Las fechas de Omnium Gatherum previstas para el próximo mes de abril han sido oficialmente canceladas. La promotora ha comunicado que la decisión se debe al estado de salud de su vocalista Jukka Pelkonen, quien ha sido recientemente diagnosticado con un linfoma. Aunque la banda continuará parte de su gira europea con un cantante sustituto, Jukka no puede afrontar los viajes correspondientes a los conciertos programados en abril debido al inicio de su tratamiento.
Desde ITP Promotions y Suspiria Records han recalcado que la prioridad absoluta es la salud y el bienestar del artista, mostrando su total apoyo a la banda en este momento complicado y deseando una pronta recuperación a Jukka. La cancelación afecta únicamente a estas fechas concretas, dejando claro que se trata de una situación temporal.
El propio Jukka Pelkonen ha querido dirigirse a los seguidores mediante un comunicado en el que explica que, debido a su diagnóstico, la banda no podrá desplazarse a España en abril, aunque asegura que volverán en el futuro para reencontrarse con sus seguidores. En cuanto a las entradas, las compras online serán reembolsadas de forma automática, mientras que las entradas físicas deberán devolverse en el punto de venta original. La organización agradece la comprensión del público y espera poder anunciar nuevas fechas cuando la situación lo permita.
Desde el momento en que las puertas de la Razzmatazz se abren a las 17:45h y el aire fresco de Barcelona se mezcla con el calor expectante de la sala repleta, asumo mi lugar en la pista para dar comienzo a una odisea que trasciende lo musical. Eran las 18:05h, pero para Serpentyne el reloj no marcaba el inicio de un set, sino el momento de fracturar el presente para invocar un mundo que ya no existe. Su labor en esta gira 2026 trasciende el simple calentamiento del ambiente; son los arquitectos de una atmósfera donde el metal sinfónico se funde con el mito. Al frente, Maggiebeth Sand no solo canta, sino que actúa como una suma sacerdotisa que canaliza la historia a través de su voz y las cuerdas ancestrales de la nyckelharpa. A su flanco, Lee Wilmer en la guitarra y Nigel Middleton al bajo trazan líneas de fuerza que sostienen la estructura sonora, mientras John Haithwaite expande el horizonte desde los teclados. La reciente incorporación de Marco Biagini a la batería ha sido el catalizador definitivo, inyectando una agresividad técnica y una pegada que eleva nuestra propuesta a una dimensión de contundencia inédita.
Ataviados con ropajes que evocan la mística del Medievo y el Renacimiento, transforman y refuerzan la narrativa de guerreras eternas como Boudicca o Juana de Arco. El set, aunque breve, es un viaje transgresor que arranca con la liberación de Away from the World y atraviesa los paisajes espectrales de Spirits of the Desert, la oscuridad de The Dark Queen y la tragedia de Helen of Troy, para culminar en la descarga salvaje de Viking Blood. Lo que Serpentyne entrega es un sonido híbrido: una danza hipnótica entre riffs pesados y arreglos ancestrales que deja al público sumido en un trance de misterio, épica y gloria guerrera.
Sin embargo, el hechizo se rompe de forma magistral cuando el testigo lo recoge Rok Ali and the Addiction. Aquí, la elegancia sinfónica cede el paso a la fuerza bruta de Nashville. Como Alison “Rok Ali” Krebs, me planto ante la multitud con una energía que no pide permiso, apoyada por un auténtico escuadrón de mercenarios del rock que entienden que la pureza está en la ausencia de artificios. No hay samplers, no hay secuencias, no hay red de seguridad: solo el rugido de los amplificadores de válvulas y la electricidad suspendida en el aire. Chris Nix castiga su guitarra con solos que cortan como cristales, mientras la base rítmica de Lee Beverly y Mark Poiesz golpea con una precisión industrial pero llena de alma. Temas como Keep My Secrets, Pulse, Can’t Stop y The Beast se suceden como detonadores en una reacción en cadena, conectando con las fibras más primarias de la audiencia. El sonido es robusto, crudo, noblemente sucio, creando una comunión inmediata donde la energía fluye sin filtros. Cuando finalmente bajamos del escenario, la sala no solo está caliente; está cargada de una estática vibrante, como una atmósfera saturada antes de que el rayo decida dónde golpear.
Y el rayo golpea exactamente a las 19:35h cuando, como Marko Hietala, da un paso al frente bajo los focos. El cambio de densidad es palpable; ya no se trata solo de un concierto, sino de una declaración de principios de un músico que ha recuperado su soberanía absoluta. Con mi bajo de mástil tallado a modo de estandarte, se rodeo del virtuosismo camaleónico de Tuomas Wäinölä, la sofisticada arquitectura sonora de Vili Ollila y el latido tectónico de Anssi Nykänen en la batería. Este show es un ejercicio de honestidad brutal y madurez artística; entre canciones, se tomó un momento para hidratarse, para bromear con el público sobre las cicatrices del tiempo y los beneficios de la sobriedad, dejando que esa claridad vital se filtre en una voz que suena más firme, rica y expansiva que nunca. Frankenstein’s Wife abre el bloque con una teatralidad oscura que eriza la piel, seguida por la sacudida de Rebel of the North y la solidez de Stones. En Impatient Zero, exhibe un músculo técnico que deja sin aliento, pero es en The Dragon Must Die donde ocurre la verdadera magia: la guitarra de doce cuerdas teje una base acústica tan delicada como poderosa, elevando la interpretación a un plano espiritual. Tras la profundidad emocional de Roses From the Deep, cierra la ceremonia con homenaje a Ozzy con el rugido icónico de War Pigs, una oda a la rebeldía que retumba en los cimientos de la sala, confirmando que, aunque el camino haya sido largo, el espíritu del rock sigue ardiendo con una sabiduría renovada y una fuerza imparable antes de entregarle el alma de la noche a Tarja.
Y entonces llega la hora señalada. A las 21:00h, bajo el manto eléctrico de este 2026, la ciudad deja de ser una coordenada y se transforma en el epicentro de una colisión estelar que llevaba décadas gestándose. Yo me descubro parte de una hermandad de almas expectantes cuando Tarja Turunen toma el escenario. No entra, se manifiesta. La emperatriz de hielo y fuego se presenta con una calma imponente, consciente de su legado y de su presente, escoltada por una guardia pretoriana de virtuosismo absoluto: Doug Wimbish de Living Colour retorciendo el bajo como si manipulara materia oscura, Alex Scholpp levantando muros de fuego con cada acorde, Julián Barrett inyectando pasión desde la guitarra rítmica, Alex Holzwarth marcando el pulso con precisión divina y Guillermo De Medio envolviendo todo en texturas sinfónicas que abrazan la sala como un sudario de estrellas. El arranque con “Eye of the Storm”, “Undertaker” y “500 Letters” es una declaración de dominio, y Tarja rompe cualquier barrera al tomar el móvil de un fan y capturar el momento desde el escenario, recordándonos que la grandeza también puede ser cercana. Tras “Crimson Deep”, “Demons in You” y “Victim of Ritual”, la noche gira hacia dentro, hacia el núcleo emocional que terminará definiéndolo todo.
El escenario se adelanta, las luces se suavizan y la banda se sienta en taburetes en primera fila, al mismo nivel que nosotros. No hay distancia, no hay escudos. El set acústico se convierte en un confesionario colectivo, un momento de verdad absoluta. “The Crying Moon” flota frágil y mística, con la voz de Tarja desnuda, cortando el silencio como una hoja de obsidiana; “Feel for You” se transforma en una caricia íntima, sostenida por arreglos contenidos y miradas cómplices; “Eagle Eye” actúa como un puente espiritual que suspende el tiempo y une las respiraciones de toda la sala. Y entonces llega “Higher Than Hope”. Sentados juntos, Tarja y Marko Hietala entrelazan voces y cicatrices en una interpretación que trasciende la nostalgia para convertirse en redención. La canción de Nightwish, despojada de su épica original, se vuelve humana, casi terapéutica, elevada por los arreglos sutiles de Guillermo De Medio y el pulso delicado de Wimbish, mientras Scholpp y Barrett tejen un nido de cuerdas perfecto. No hay gritos, no hay histeria: hay silencio reverente, piel erizada y una emoción que pesa toneladas.
Cuando la calma se rompe y la aplanadora heavy vuelve a ponerse en marcha con otro hit de Nightwish “Wishmaster”, el impacto es sísmico. Los móviles se alzan como luciérnagas en trance y el reencuentro entre Tarja y Marko en “Slaying the Dreamer” y “Silent Masquerade” confirma que su química es una fuerza de la naturaleza, inmune al paso del tiempo. Tarja abandona brevemente el escenario y regresa convertida en la diva absoluta, envuelta en un corse de cuero y falda negro como la noche, imponiendo autoridad con cada gesto. El tramo final es una embestida implacable: “Dead Promises”, “Wish I Had an Angel” otra del cancionero Nightwish y “Until My Last Breath” caen como martillazos finales que sellan la noche. No fue simplemente un concierto; fue un rito de paso, una ceremonia sagrada donde el tiempo se detuvo para rendir pleitesía a la soberana absoluta del metal sinfónico, cuya voz no es un mero instrumento, sino un puente tendido entre lo terrenal y lo divino. Tarja Turunen se alzó sobre el escenario como la personificación de la resiliencia, fundiendo su majestuosidad nórdica con una calidez humana desbordante que se manifiesta en su profunda conexión con la lengua de Cervantes; ese español que domina con dulzura y que utiliza para derribar cualquier barrera entre el mito y su audiencia. Su presencia es un recordatorio contundente de que la verdadera magnitud de una leyenda no se mide por la técnica —que en ella roza lo sobrenatural— sino por su simpatía genuina y su capacidad de convertir la vulnerabilidad en una armadura invencible. Al final, la mayor fuerza del metal no reside en la distorsión ni en el volumen, sino en la verdad inquebrantable que Tarja se atreve a revelar cuando todo se queda en silencio y solo queda su eco, cargado de gratitud y cercanía, vibrando para siempre en la eternidad.
After Forever regresa a la Argentina con festejo doble
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After Forever regresa a los escenarios de Latinoamérca en 2026 para celebrar los 25 años de “Decipher” y 26 años de “Prison of Desire”
La banda con nombre líder en el metal sinfónico europeo celebra los dos álbumes definitorios de su carrera.
La cita será en Teatro Flores (Avenida Rivadavia 7806, CABA) el domingo 18 de octubre.
Banda invitada: Beto Vázquez Infinity
Preventa a precio promocional por Sistema PassLine!: AQUI
TICKETS FÍSICOS disponibles SIN SERVICE CHARGE PRONTO! Informaremos.
Comenta Sander Gommans:
“El 2025 fue un hito para la banda: 25 años desde que After Forever dejó una huella atemporal en el mundo del metal sinfónico con nuestro álbum debut, ‘Prison of Desire’. Su sucesor, ‘Decipher‘, lanzado en 2001, llevó la música de la banda aún más lejos al mezclar elementos progresivos con un sonido más pesado que ayudó a dar forma al metal sinfónico tal como lo conocemos hoy en día. Estos dos lanzamientos marcaron el comienzo de un viaje maravilloso, uno que llevó a la banda a escenarios internacionales y a los corazones de fanáticos de todo el mundo.
Celebraremos el 25.° aniversario de ‘Decipher‘, el 26.° aniversario de ‘Prison of Desire’, y quizás incluyamos también otros clásicos de After Forever. Acompáñennos a repasar viejos hits, revivir la energía y celebrar el legado de After Forever“.
After Forever regresa con estos miembros:
Angel Wolf-Black: voz
Sander Gommans: guitarras/grunts (miembro original)
Bas Maas: guitarras (miembro original)
Luuk van Gerven: bajo (miembro original)
Jeffrey Revet (Stream of Passion): teclados
Arien van Weesenbeek (EPICA): batería
Cryptopsy en Copenhague: “El pasado que todavía mata”
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Como ya se habló varias veces en estas reseñas, muchas bandas apelan a la nostalgia para mantener firmes sus carreras. Esto generalmente atrae a los viejos fans al concierto, demostrando el poco recambio de público. Pero en el caso de Cryptopsyfue diferente, ya que con su tour que rememora el clásico None So Vile (1996) no solo atrajeron a la vieja audiencia, sino también a muchos fans jóvenes que no vivieron esa época. Este tour es uno de los más grandes de la banda en los últimos años, y fue concebido como un homenaje al death metal. Esto va más allá del set de Cryptopsy, sino también por la elección de los actos de apertura.
El primero fue Corpse Pile, oriundos de Estados Unidos. Lamentablemente, por demoras en la entrada, no pudimos ver toda su presentación. Pero la mitad que vimos fue arrolladora. Un death metal con mucho groove, de ese que te hace mover la cabeza y el cuerpo de manera desquiciada, y partes más rápidas que avivaron los primeros circle pits de la noche. Un gran comienzo de jornada.
La segunda banda de la noche fue Inferi, quienes cuentan con casi 20 años de historia. Su propuesta es una mezcla de death metal melódico con death técnico. Esta mezcla es muy llamativa, porque logran trazar melodías coreables, pero todo en un entorno súper intrincado y complejo. La ejecución de los músicos hizo justicia a su estilo: eran todos unas máquinas arrolladoras. Destacó el trabajo del baterista Nathan Bigelow, nuevo integrante del grupo. Este tiene un manejo increíble y preciso de muchas técnicas. La presentación fue muy divertida, ya que todos los músicos se ocuparon de conectar con la gente y de hacer que esta se divirtiera durante el show. Esto culminó con todo el público aplaudiendo al grupo, demostrando su conformidad con el espectáculo.
El invitado especial del tour fue 200 Stab Wounds, grupo en ascenso dentro del death metal. Esto se vio demostrado en la gran cantidad de fanáticos que tenían en el público. Este mismo no esperó ni media canción para llevar la energía a otro nivel: un circle pit enorme que se mantuvo durante todo el set, coronado con mucho crowdsurfing, tanto que la seguridad no daba abasto. Si bien se notó que tuvieron un problema con los retornos, esto no interfirió con una ejecución muy precisa. Desde los solos inentendibles que duraban exactamente lo que debían, hasta los distintos cambios de ritmo por parte del bajo y la batería, pasando de momentos de medio tiempo a otros ultra veloces con total naturalidad. El sonido fue muy bueno, como venía siendo con todas las bandas hasta el momento. El setlist tuvo momentos altísimos como “Masters of Morbidity” o “Parricide”, pero la joya del show fue el final con “She Was Already Dead”, acompañada por un gran wall of death, como se lo merece la canción.
Faltando cinco minutos para la hora estipulada, las luces se pusieron en modo discoteca y “For Whom the Bell Tolls” de Metallica tomó el control de la sala. Esta sirvió como intro y dio pie al inicio con “Slit Your Guts”. Una forma brutal de abrir el concierto, ya que puso la expectativa por los aires sobre lo que serían las siguientes interpretaciones del clásico disco. El sonido fue bueno durante toda la noche, pero con Cryptopsy alcanzó un nivel sobresaliente. Todo se podía distinguir con total nitidez y ningún instrumento tapaba a otro. Los riffs de guitarra pesados y rápidos hacían perfecta fusión con el bajo, que no se limitó a marcar las bases únicamente y aportó muchísimos matices a las diferentes canciones. Todo sostenido por la batería del único miembro original de la banda, Flo Mounier. Este hizo un trabajo brillante tras los parches, sosteniendo lo mencionado anteriormente a base de blast beats rápidos, fills intrincados y un doble bombo poderoso, grave y denso.
Las voces fueron la frutilla del postre, ya que los guturales graves y profundos, sumados a los gritos agudos, te rompían los oídos. Todos realizados con una técnica y precisión excelentes. Los puntos más altos de la lista fueron los pertenecientes al disco homenajeado, pero hubo uno que se llevó el premio. Me refiero a “Phobophile”, que ya desde su introducción generó un enorme agujero en el público, que dio paso al pogo más grande y violento de la noche, con, otra vez, gente volando por los aires y cabezas girando a kilómetros por hora.
El final con “Malicious Needs” dejó al público extasiado y culminó con un aviso de la banda: se quedarían en el stand de merch para charlar con los fans. Esto fue cumplido, y se quedaron hasta que el último fanático tuviera su foto y su firma.
En una noche llena de brutalidad, Cryptopsy hizo honor a su pasado, haciendo que las nuevas generaciones puedan vivirlo. Pero lo hicieron demostrando que tienen un muy buen presente y mucho que ofrecer.
Los canadienses Kataklysm regresan a Copenhague para descargar toda su furia death metal, reafirmando su estatus como una de las bandas más sólidas y consistentes del género. Con décadas de trayectoria y un sonido caracterizado por riffs demoledores, velocidad implacable y una intensidad sin concesiones, el grupo promete una noche de violencia sonora absoluta.
El concierto se llevará a cabo el 19 de marzo en Pumpehuset, como parte de su actual gira europea. La velada contará además con Vader y Blood Red Throne como bandas teloneras, dos nombres que aportarán crudeza y potencia extrema para preparar el terreno antes del plato fuerte.
A lo largo de su carrera, Kataklysm ha sabido mantenerse relevante dentro del death metal internacional, combinando agresión clásica con una producción moderna y un directo arrollador. Sus presentaciones en vivo se caracterizan por un sonido compacto, una ejecución precisa y una conexión constante con el público más extremo.
Si hay algo que siempre engancha del metal no es solo el volumen ni la velocidad, es la honestidad brutal en las guitarras y en la garganta, y Dreamcrush es eso multiplicado por diez. MØL no viene a ser “otro disco más de metal mezclado con shoegaze”; hay bandas que nacen para repetir una fórmula y hay otras que aparecen desde un lugar incómodo, como si nunca hubieran querido encajar del todo. MØL es de esas.
Desde Aarhus, Dinamarca, lejos del ruido de las escenas grandes, fueron armando su identidad en silencio. Desde su primer EP hasta hoy, se nota que no les interesa la complacencia fácil. Han tomado el abanico del metal, black, post, shoegaze y alt-rock, y lo han fusionado hasta que ya no se pueda separar en partes: esa es su identidad.
Dreamcrush no es un disco que te explique cosas. Es un disco que te pone frente a ellas. Su sonido, siempre entre el filo cortante y la atmósfera expansiva, deja en claro que hoy en día están más afilados y maduros que nunca.
Lo que más vuela la cabeza del disco es cómo logra abarcar contradicciones sin sentirse incoherente. Hay momentos casi cinematográficos y otros que te sacuden la médula. Hay riffs que golpean como la vida misma: no piden permiso, te atrapan y te obligan a sentir.
Las guitarras siguen siendo densas, pero ahora respiran. Hay mucho más espacio, más aire, más melodía. Se sienten influencias que no vienen del metal extremo puro, sino del shoegaze y del alt-rock noventero, de bandas que entendían que la emoción también puede ser ruidosa. No es suavizar el golpe: es hacerlo más profundo.
La voz de Kim Song Sternkopf es clave en todo esto. El grito sigue ahí, rasposo, visceral, negro. Pero ahora convive con momentos donde canta de verdad, donde se expone. Esa dualidad es el alma del disco: el choque constante entre lo que querés decir y lo que te cuesta aceptar.
Dreamcrush tiene picos de violencia emocional y también momentos de introspección. Hay temas que te empujan y otros que te obligan a quedarte quieto y escuchar. El disco no corre todo el tiempo: sabe cuándo frenar, y eso lo hace más pesado que muchos discos que no bajan un cambio jamás.
Y si hay que señalar un punto donde todo el disco termina de cerrar, es “Crush”.
No es solo el cierre, es la síntesis. Todo lo que MØL viene construyendo desde sus comienzos termina de tomar forma ahí. Es un tema que no necesita explotar desde el segundo uno; se arma de a poco, te envuelve, te desgasta emocionalmente. Tiene agresión, sí, pero también una especie de belleza rota, casi resignada. Es ese momento donde entendés que los sueños no siempre te salvan… a veces también te aplastan. Y aun así, seguís adelante.
Para mí, “Crush” representa exactamente lo que hace grande a este disco: no busca impresionar, busca decir algo verdadero. Es un tema que queda dando vueltas después de que termina, de esos que te hacen volver atrás y escuchar todo el álbum otra vez, pero con otra cabeza.
Los instrumentos acompañan todo este viaje con inteligencia, sin caer en el exceso. Cuando tienen que ser demoledores, lo son. Todo está al servicio de la narrativa, no del lucimiento individual.
Si alguna vez charlamos de cómo el metal puede ser más que furia física —cómo puede ser furia emocional, reflexión, catarsis y poesía distorsionada al mismo tiempo—, Dreamcrush lo demuestra sin pretensiones. No se trata de competir en brutalidad, se trata de construir intensidad y profundidad juntas.
No hay nostalgia forzada ni intento de competir con nadie. Hay identidad.
Y eso, en el metal actual, vale oro.
Dreamcrush no busca gustar a todos. Busca conectar. Y si sos de los que sienten el metal como una herramienta para decir lo que cuesta decir, este disco te va a agarrar fuerte.
La banda danesa Møl llegará a Glasgow como parte de su gira Dreamcrush, con una fecha programada para el 14 de febrero en Classic Grand. El grupo se ha ganado un lugar destacado dentro del metal moderno gracias a su combinación de intensidad, atmósferas envolventes y pasajes melódicos, llevando su propuesta a escenarios de toda Europa con directos que conectan fuerte con el público.
La noche contará además con dos propuestas que complementan bien el cartel: Tayne, con su enfoque industrial y alternativo, y Cold Night For Alligators, que aporta un sonido técnico y contemporáneo dentro del metal. El resultado es un line-up variado pero coherente, pensado para quienes buscan una experiencia sonora profunda y directa en sala.
Será una oportunidad ideal para ver a Møl en un entorno cercano, donde su sonido gana todavía más fuerza. Se espera una buena respuesta de público para esta parada de la gira, así que si quieres ser parte de la fecha en Glasgow, consigue tus entradas aquí y asegura tu lugar con tiempo.
Silversun Pickups estrena “Au Revoir Reservoir” junto a su nuevo disco
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La banda californiana de rock alternativo Silversun Pickups ha lanzado su nuevo disco Tenterhooks, el cual ha salido bajo el ala de New Machine y aparte de ser el tercer esfuerzo discográfico de la banda, ha sido producido nada más y nada menos que por Butch Vig, uno de los nombres propios del sonido alternativo en los últimos 35 años.
Junto al disco, los chicos han publicado el videoclip oficial de “Au Revoir Reservoir”, el último single del mismo y que podéis ver y escuchar a continuación:
Haste The Day sorprende con “Shallows” y anuncia un nuevo disco
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Aunque deben ser pocos los que tengan presente el nombre de Haste The Day, la banda tuvo algo de popularidad allá por la primera mitad de los 2000, donde junto a Underoath, Alexisonfire, Story of the Year o Saosin, giraban por todos lados y sus nombres aparecían continuamente en cadenas como MTV y Much Music, liderando la nueva ola alternativa y la llamada “Escena Warped”, de aquella época.
Ahora los chicos están de regreso y han estrenado “Shallows”, el primer single de su nuevo disco Dissenter, el cual llegará a las tiendas el próximo 1 de mayo a través de Solid State Records (The Devil Waers Prada, Miss May I) y cuyo tracklist completo será el siguiente:
Twisted Sister anuncia la cancelación completa de su próxima gira europea
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Los hard rockeros Twisted Sister han sorprendido a sus seguidores y no precisamente para bien, ya que se ha confirmado la cancelación de todas las fechas europeas previstas para este verano, incluyendo las tres paradas festivaleras españolas: Z! Live Rock Fest , Sun & Thunder y BarcelonaRock Fest 2026, siendo un auténtico jarro de agua fría para quienes los esperaban con ganas en nuestro país.
Este imprevisto se debe a las complicaciones de salud que sigue atravesando Dee Snider y que lo han llevado a cancelar el mismo las participaciones de la banda en el viejo continente.
El comunicado oficial lo podéis leer a continuación:
“Con pesar, Twisted Sister cancela la actuación de celebración del 50.º aniversario. Debido a la renuncia repentina e inesperada de nuestro cantante Dee Snider, motivada por una serie de problemas de salud, la banda se ha visto obligada a cancelar todos los conciertos programados, que comenzaban el 25 de abril en São Paulo (Brasil) y continuaban durante el verano. El futuro de la banda, se determinará en las próximas semanas. Manténganse atentos para actualizaciones”.
El comunicado revela que Snider, de 70 años, sufre artritis degenerativa y ha sido sometido a varias cirugías en años recientes, lo que le ha limitado a interpretar solo unas pocas canciones a la vez debido al dolor. Además, añade que el propio Snider ha descubierto recientemente problemas cardíacos que le impiden “empujar los límites de la furia del rock’n’roll” como lo hacía antes.
En una declaración personal incluida en el anuncio, Snider afirma: “No conozco otra forma de rockear. La idea de bajar el ritmo es inaceptable para mí. Preferiría retirarme antes que ser una sombra de lo que fui”.
Esperamos que el cantante se recupere lo antes posible y que vuelva a ser ese terremoto inquieto y cautivador que siempre ha sido.
Carpenter Brut aterrizará en Copenhague con su oscuridad electrónica
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El proyecto francés Carpenter Brut llegará a Copenhague para ofrecer una descarga hipnótica de synthwave oscuro, metal y estética ochentera cargada de violencia sonora y visual. Reconocido por sus shows intensos y cinematográficos, el artista se ha convertido en una referencia absoluta dentro del darksynth, cruzando fronteras entre la electrónica y el metal extremo.
La cita será el 16 de marzo en Store VEGA, donde Carpenter Brut desplegará su potente directo acompañado de una puesta en escena impactante, luces agresivas y un sonido pensado para la pista y el headbanging por igual. Hasta el momento, las bandas teloneras no han sido anunciadas, por lo que el foco estará puesto completamente en el acto principal.
Con una discografía que ha marcado a toda una generación de seguidores del synthwave y el metal alternativo, Carpenter Brut continúa expandiendo su universo sonoro, fusionando influencias del horror, el cine de culto y la música electrónica más cruda. Sus presentaciones en vivo son conocidas por su carácter físico, envolvente y sin concesiones.}
Ger Philippens publica “La épica del Molinero Tejeda” con un invitado de lujo
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El vocalista y guitarrista argentino Ger Philippens, conocido por haber trabajado con Arcángel y Paco Ventura, entre otros grandes artistas, ha publicado “La épica del Molinero Tejeda”, el primer adelanto de su nuevo trabajo, el cual se espera para este 2026 y donde cuenta con la participación especial del señor Claudio “El Tano” Marciello, alguien que no necesita presentación y con quién German ya ha compartido escenario en otras ocasiones.
The Amity Affliction estrena el videoclip de “House of Cards”
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Desde tierras australianas, los muchachos de The Amity Affliction, han estrenado el videoclip de “House of Cards”, corte que da título a su nuevo disco, el cual llegará a las tiendas el próximo 24 de abril a través de Pure Noise Records, casa de bandas tan importantes como New Found Glory, Unity TX o The Story So Far entre otros.
1. Vida Nueva 2. Kickboxer 3. House of Cards 4. Heaven Sent 5. Bleed 6. Break These Chains 7. Beso De La Muerte 8. Swan Dive 9. Speaking in Tongues 10. Afterlife 11. Reap What You Sow 12. Eternal War
Y ya se puede reservar en sus diferentes formatos AQUÍ.
Uno de los grupos rockeros del momento como son las mexicanas The Warning han vuelto a la escena con “Love to be Loved”, tema para el cual han contado con la colaboración especial de Carín León, un galardonado artista mexicano, especialista en la música regional de su país y con quién las chicas han cuajado a la perfección en este tema.
La voz de Carín es impecable, muy personal y encaja de perlas con la imponente presencia vocal de Daniela Villarreal, la cual sigue demostrando que su techo está muy lejos de alcanzarse.
El videoclip ha sido dirigido y editado por AJ Goméz, mientras que la producción ha corrido a cargo de Giselle Flores y Roberto Niebla.
Podéis comprobar como suena esta colaboración aquí abajo:
Born Of Osiris en Copenhague: “Contra la corriente del deathcore moderno”
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Hoy en día hay una nueva generación de deathcore que acapara gran parte del mercado de la música extrema actual. Bandas como Slaughter to Prevail o Lorna Shore llenan estadios y lideran festivales. Pero ¿qué pasó con los primeros exponentes del género? Muchos quedaron en el olvido o en un estatus “de culto” dentro del estilo. Tal es el caso de Born Of Osiris, quienes editaron varios álbumes, pero nunca pudieron dar el salto a la masividad.
El último trabajo, editado en 2025, Through Shadows, recibió críticas mixtas y quedó fuera de los rankings de lo mejor del año. A su vez, marcó la salida de dos miembros históricos: el guitarrista Lee McKinney y el tecladista Joe Buras.
Debido a estas cuestiones, no llamó la atención que el show se realizara en el escenario pequeño del Pumpehuset, y no en el grande, donde se llevan a cabo la mayoría de los conciertos.
La primera banda fue Larcenia Roe, grupo cuya propuesta se basa en copiar a Slaughter to Prevail. Las canciones pasaban de momentos rápidos a breakdowns sin ningún tipo de transición. Los riffs de guitarra eran súper técnicos, pero el pésimo sonido hizo que no se entendieran.
La batería sonaba fuerte, la voz iba y venía, y las guitarras eran una bola grave de fondo. Y ni hablemos de las pistas, que desentonaban y parecían tiradas a destiempo. El vocalista no paraba de imitar a Alex Terrible, desde su aspecto hasta su forma de moverse y de cantar, pero por supuesto, sin talento.
Un show olvidable.
La noche mejoró notablemente con Aversions Crown, banda de deathcore proveniente de Australia. Con una propuesta muy técnica, que mezclaba breakdowns milimétricos con partes muy rápidas, llevaron la energía a un nivel muy alto, generando así los primeros circle pits de la noche.
Haciendo más foco en la propuesta musical, sus breakdowns eran sumamente técnicos, pero no resultaban aburridos, ya que siempre había un arreglo diferente que los hacía resaltar, sobre todo gracias a la guitarra líder, que se encargó de crear sonidos atmosféricos que coloreaban las canciones. Las partes rápidas eran violencia absoluta, con riffs pesados y gordos, y un baterista que maneja el blast beat a la perfección.
Tras una presentación que culminó con el vocalista gritando como nunca en medio de un wall of death, las luces se apagaron y los aplausos inundaron el recinto.
Llegó el turno de Within Destruction, desde Eslovenia, quienes comunicaron que, debido a un problema en el trámite de sus visas para Estados Unidos, el guitarrista no pudo presentarse. Por lo tanto, tocaron en formato de trío, utilizando pistas de guitarra en los momentos necesarios.
Sin embargo, no dejaron que este inconveniente los opacara y dieron un show súper enérgico y entretenido. Al parecer, contaban con una gran cantidad de fanáticos en el público, ya que la gente disfrutó el show con mucha pasión y energía, saltando, armando pogos y hasta arrojándose desde el escenario.
La propuesta se centra en un deathcore fiestero, con estribillos melódicos e incluso coreables, lo que ayudó a crear el clima festivo que se vivió. Si bien se notó la falta de la guitarra, la banda en formato trío sonó poderosa, especialmente gracias a su baterista, que demostró un dominio perfecto de las técnicas utilizadas en este estilo.
Tras ponerle el pecho a las balas y dar un show muy divertido que culminó con un wall of death, los eslovenos dejaron el escenario. Y con ellos, parte del público se retiró del recinto, un hecho muy llamativo.
Con el público que quedó en la sala amontonado al frente, los norteamericanos salieron a escena con “Bow Down”, “Elevate” y la primera de su clásico álbum The Discovery, “Follow the Signs”.
Para esta altura de la noche, el sonido había alcanzado un nivel exquisito, algo fundamental para una banda tan técnica. Todos los arreglos, solos y riffs ultra intrincados se pudieron escuchar a la perfección, perfectamente acompañados por algunas pistas y sostenidos por un baterista que es de otro planeta. Sin duda lleva un metrónomo en el corazón, ya que en ningún momento se corrió de eje.
La ejecución fue perfecta, con una precisión envidiable. Se sentía que todas las progresiones de riffs entrecortados y polirrítmicos fluían con total naturalidad, y en ningún momento el show resultó aburrido. Fue una constante demostración de técnica y energía.
En los momentos sin música, el baterista aprovechó para regalar palillos y el vocalista para incitar al mosh y a la diversión.
La lista repasó momentos de todas las épocas del grupo, pero hizo hincapié en su último trabajo, Through Shadows, del cual interpretaron cinco canciones. Por otra parte, el aclamado The Discovery tuvo su bloque especial con cuatro canciones seguidas del mismo, sin duda el momento más festejado de la noche.
Luego de un agradecimiento, se despidieron con “Machine”, canción que hizo retumbar el pequeño salón del Pumpehuset por última vez en la noche.
Si bien el deathcore hoy está de moda, sucede que las propuestas primeras y/o más experimentales quedan sumergidas para el público de nicho. Una clara muestra de que hoy la música entra más por los ojos y por el gancho fácil que por la destreza y la calidad musical.
2026 marca el décimo aniversario del trío londinense Urne, y Setting Fire to the Sky llega como la declaración definitiva de una banda que finalmente ha encontrado su voz única dentro del panorama del metal progresivo. Después de dos álbumes sólidos que establecieron al grupo como uno de los secretos mejor guardados del underground británico, este tercer trabajo representa no solo un perfeccionamiento técnico, sino también una evolución artística completa.
Si sus trabajos anteriores se caracterizaron por un proceso de autodescubrimiento y experimentación, este disco es inequívocamente el destino: una culminación confiada de lecciones duramente ganadas y la realización más clara hasta ahora del sonido que Urne siempre buscó. El álbum, que cuenta con 8 canciones (9 si tomamos en cuenta el bonus track), suena exponencialmente más grande como unidad, con una producción limpia y clara, que permite que cada instrumento respire de manera precisa.
Desde el primer acorde acústico de “Be Not Dismayed”, queda claro que Urne no tiene intención de jugar seguro. El tema de apertura funciona como una declaración de intenciones perfecta: tras el preludio contemplativo, la banda irrumpe con una demoledora avalancha de riffs precisos y devastadores, mientras el vocalista/bajista Joe Nally demuestra un salto cuántico en su entrega vocal, alternando sin esfuerzo entre guturales aguerridos y pasajes limpios melódicos que se elevan muy por encima de un coro satisfactorio.
“Weeping to the World” continúa el asalto con patrones de batería acelerados y una estructura progresiva que fusiona elementos de thrash metal con momentos más ligados al sludge, todo envuelto en un machaque que golpea como un tren de carga. La canción es una representación perfecta de lo que Urne representa musicalmente: complejidad sin pretensión, brutalidad con propósito.
La comparación con Mastodon y Gojira es inevitable y, en cierto sentido, completamente justificada. Urne bebe abiertamente del pozo de las grandes bandas del progressive metal, incorporando su combinación de salvajismo y toque melódico, pero lo hace con suficiente personalidad propia como para evitar sonar como meros imitadores.
Lo que distingue a “Setting Fire to the Sky” es la capacidad de Urne para tejer un groove irresistible a lo largo de todo el álbum. Mientras el disco se mueve sin esfuerzo entre pasajes de calma y agresividad, la banda mantiene una atención cautivadora con cada nota. Pueden ofrecer riffs y ritmos tumultuosos, estrellándose a un ritmo atronador, pero luego cambiar hábilmente hacia una sutileza que mantiene la música siempre vigorizante.
Justo cuando creés que ya sabés hacia dónde se dirige el álbum, la banda lanza casualmente su sección más extensa, comenzando con “Towards The Harmony Hall”, una pista de dos mitades, con una segunda parte completamente inesperada, cargada de pasajes e instrumentación enormemente emotivos.
Esto conduce directamente a la épica de nueve minutos “Harken The Waves”, que presenta la participación de Troy Sanders de Mastodon. Y aquí es donde la colaboración brilla genuinamente: a diferencia de otras bandas que utilizan los feats para apenas unas pocas líneas y un estribillo, Urne reclutó a Sanders vocalmente para casi toda la canción, con las voces de Nally y Sanders entrelazándose de forma intermitente, generando un ida y vuelta realmente convincente. Es una empresa enorme que rinde dividendos en cada escucha, y también una demostración de cuán sólida es la composición de la banda.
El cierre “Breathe”, con la participación de la innovadora chelista Jo Quail, se desvía ligeramente del camino que el resto del álbum ha seguido, pero sigue siendo un final fantástico. La pieza propone un descenso lento y crudo en comparación con el resto del disco, que se mostró agresivo y poderosamente ambiental en varias secciones. Hay olas de serenidad cargadas de emoción, y se percibe que hubo un trabajo muy cuidado en la entrega delicada del cierre.
A pesar de estas pequeñas objeciones, Setting Fire to the Sky es un gran álbum dentro del progressive metal moderno. Es ajustado, cuenta con una producción sólida y resulta sumamente disfrutable, cimentando el estatus de Urne como una de las bandas más emocionantes del circuito actual y posicionándose como un contendiente temprano a disco del año, aunque solo el tiempo lo dirá.
La composición, el lirismo y la musicalidad general del trío han envejecido como un vino fino. Este es un álbum que exige atención completa, recompensando al oyente con nuevos detalles en cada escucha.
Seis años después de su retorno a los campos de batalla, los thrashers catalanes han protagonizado estos dos últimos años disputas, juicios y divergencias entre sus dos miembros fundadores. Hechos que han provocado la remodelación de su última alineación, y un cambio de denominación que ha llegado a los tribunales, ahora con ese sarcástico Legion Después de Cristo.
Pero antes de vibrar con ellos, los satanistas Redimoni fueron los encargados de encender la hoguera del caos con su blackthrash sangriento y pestilente. Con un retraso considerable respecto al horario anunciado, y tras una intro llega el primero de los hachazos, con “Nail Maniac”, y el single adelanto de su EP, On the Bring Existence (2021), “As the Soul Leaves the Body” con su vocalista Fiendish Warrior 666 Wicked Executioner Bringer Of Mayhem, Cesc para los amigos, con la cara cubierta y encapuchado, para volver sin ella para interpretar “To the Gallows” junto a Carles, aka The Mighty Apocalyptic Hermit Foreteller Of Doom, guitarra y exvocalista principal sin su habitual vestimenta de monge, mientras los miembros de LDC pasan sigilosamente entre el público para acceder al backstage.
Tras un escueto Benvinguts (bienvenidos), el ambiente “Infernal”, continua con “The Book of Deeds”, “Metal Heart”, y en “The Last Man to Enter Hell” resuella ese sonido más teutónico de unos Sodom, o unos Destruction, bien característico de la banda barcelonesa. Tras “Pragmatic Sorcery”, otra pieza de su último trabajo hasta la fecha, Downfall to Penance (2022), “Portents of the End Times”, y por “Journey to the Netherworld”, desde su LP Standing Before the End of Time (2012).
Una funesta intro da pie al sangriento corte “Axes”, seguida por “Lords of Pestilence” desde su elepé Into the Coiling Arms of Mayhem (2008), para la que el ahora frontman, antes Cesc también echaba un cable con la guitarra, recupera la capucha y una especie de mascara de gas. Creo que no había visto un vocalista desaparecer tantas veces de escena en un concierto, tanto entre canción y canción, como durante los solos, a veces para ataviarse, otras tan solo para refrescarse, o tomar un sorbo de agua.
Finalizaron su aquelarre con la icónica “Desperta Ferro”, y “The Seven Plagues Unleashed”, ambas arrancadas de su disco debut The Onset of Chaos (2005). Llevan más de veinticinco años, y cuentan con una buena horda de herejes, así que tuvieron un notable seguimiento de una sala Wolf a un cincuenta por ciento de ocupación. Notable directo que rondó los cuarenta minutos, demostrando una mejora considerable a cuando los vi por vez primera hace algunos años, algo antes de la pandemia diría, y restando a la espera de que editen ese tercer EP prometido, que completará su apocalíptica trilogía.
Legion Después de Cristo, aka Legion D.C., aunque quizás debería ser After Christ en todo caso, ya que el nombre de la banda siempre ha sido en inglés, sin acento. Nos presentan por fin, en Catalunya, el EP compuesto por cuatro temas, y titulado Life After Ashes. Con el guitarra solista Quimi Montañes al frente, junto a Toni y Miguel Rodríguez, y las nuevas incorporaciones, el que fuera líder de Redox, y compañero de los hermanos Rodríguez en Decade of Aggression, el bajista Toni Sáez, y completando el quinteto, tenemos el cantante Marc Kararocker, el cual ya compartió con Quimi los últimos coletazos de Deldrac, tras la marcha de Eric Moya.
Ante una audiencia de la vieja guardia en su mayoría, el quinteto desplegó toda su cohorte intercalando estratégicamente las nuevas odas al thrash, con su añejo material pretérito. Iniciaron su rentrée con la que dio nombre a su primer larga duración en 1989, “Lethal Liberty”, con esa larga introducción guitarrera hasta que entra en acción Marc a la voz principal, y de Toni Sáez a los coros, y que también fuera bajista de Fuck Off, la otra gran banda thrash catalana de la época en una de sus reuniones.
Entre brumas y unas luces activas desde la parte trasera del escenario nos hacen ver las penumbras, y las estrellas con “Dark Force”. Marc nos presenta “Enemy Inside”, la primera en caer de su flamante EP, con muy buena recepción por parte del respetable, perseguida por “Rithym Rider”, y “Eternal Youth”, la única extraída de su malogrado segundo disco Mind Training (1990). ¿un altre tema nou no?, nos pregunta Marc, antes de atacar con “Mr. Shady”, y “A Matter of Greed”, la primera en caer de su tercer álbum Labyrinth of Problems” (1992), del que también interpretaron “They Call Me War” y “Beyond Betrayal”, con las que se llegó a montar un mini circle pit y algo de moshing.
Después de la novedosa “Infamous Estate” harían la siempre celebrada, aunque algo trasnochada “Mili-KK”, al no existir el servicio militar obligatorio hace muchos años, a pesar de ello, sigue siendo su composición más popular sin lugar a duda, todo un himno generacional para los que nos libramos de dicha prestación, más aún, si es por un ejército que no es el tuyo, sino el del enemigo.
Finalizaron sus tan solo setenta minutos con “Inner Sins”, tras agradecer al director del videoclip que lanzaron como adelanto del Life After Ashes, que, tras escucharlo en bucle, te deja con ganas de deglutir más carne fresca. Agradecieron nuestra presencia en una noche con más de un concierto metalero en la ciudad, que restó presencia de fans, y ya como colofón el clásico “Possessed”.
Pues bien, por el quinteto, algo distinto al formato anterior con la voz de Jonathan, y es que Marc tiene más registros y variedad estilística, así como, más movimiento a lo largo y ancho del escenario. Por tanto, bastante bien, para una formación que han actuado dos o tres veces, y que lleva tiempo sin actuar en vivo, creo que desde el verano pasado cuando pasaron por el Luarca Metal Days. Y muy bien por las nuevas composiciones, de hecho, causaron más impacto algunas de ellas que las originales de los viejos Legion, increíble pero cierto.
Es bien curiosa la situación de algunas bandas metal formadas entre el 1986 u 87, en cuanto a popularidad, o seguimiento en la actualidad, alucinar como el fin de semana pasado los vascos Su Ta Gar arrasaban durante dos horas la sala Salamandra ante unos setecientos fans, al día siguiente, Ktulu congregaban poco más de un centenar en la Deskomunal, o como la reencarnación de Legion, ahora como Legion D.C. reunía a unos trescientos adeptos aproximadamente.
En fin, seguiremos atentos al culebrón que han protagonizado ambas partes con entrevistas, cruce de comunicados, y el fin de una amistad de cuatro décadas, rota por el ego, y por unas divergencias musicales insuperables. Un verdadero laberinto de problemas, tal y como titulaban aquel tercer, y último álbum grabado en Florida a principios de los noventa con mi estimado Ross (EPD) a la batería.
La H No Murió Celebra Los 35 Años De Su Emblemático Álbum Acido Argentino.
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El metal argentino está de festejo, LA H NO MURIO regresa a los escenarios para conmemorar los 35 años de la salida de su disco ÁCIDO ARGENTINO y lo hará con una gira que dará inicio el próximo 3 de abril en el Teatro Flores de Buenos Aires.
El espíritu y la música de Hermética, una de las bandas del metal más importantes salidas de Argentina, vuelve a estar presente en los escenarios con este homenaje a su disco “Ácido Argentino”.
“Ácido Argentino” es el segundo álbum de estudio de la banda, el cual fue editado en 1991 y certificado de platino, además de ser el primer disco de la banda con ventas masivas que al día de hoy siguen asi en forma sostenida.
La banda conformada por Claudio O ́Connor (Voz), Tano Romano (Guitarra), Karlos Cuadrado (Bajo) y Javier Rubio en batería comienza el 2026 con una extensa gira que los llevará a recorrer Argentina, Latinoamérica y Europa, además, de compartir escenario nuevamente junto a Iron Maiden en sus dos presentaciones en el Estadio Huracán.
Mayhem, pilar fundamental del género extremo, regresa con su séptimo álbum de estudio, Liturgy of Death, lanzado el 6 de febrero de 2026. Con 49 minutos de duración y ocho cortes, esta entrega demuestra que tras cuarenta años de actividad, la banda no solo persiste, sino que domina su oficio con una ferocidad renovada y acá la destripamos.
Liturgy of Death es una experiencia inmersiva en la oscuridad filosófica. El disco funciona como un ritual de desacralización; no busca la velocidad gratuita ni teatralidades vacías, sino que entiende la contención como un arma. La producción marca un hito respecto a sus crudos inicios: cada instrumento respira en una mezcla soberbia. La batería de Hellhammer es una clínica de precisión, mientras que las guitarras de Teloch y Ghul alcanzan una densidad comparable a los trabajos tardíos de Emperor, canalizando florituras técnicas de la escuela de Necrophobic.
A diferencia de la brevedad de Daemon(2019), este álbum adopta un enfoque épico. “Ephemeral Eternity” abre con un preludio ambiental que estalla en una tormenta de rabia nórdica, moviéndose entre ráfagas de velocidad y pasajes asfixiantes. Le sigue “Despair”, que aumenta en disonancia y la amenaza sin dar tregua al oyente. “Weep For Nothing” cierra la trilogía inicial con un despliegue de guitarras repletoss de complejidad, donde el enfoque thrash del black metal brilla con una raspeza que llena todo el espectro sonoro. Se puede escuchar como la garganta de Attila demuestra ser su mayor activo, alternando entre voces limpias, ásperas y matices que llegan a lo operístico.
En “Aeon’s End” combinan motivos melódicos gélidos con riffs que evocan el pico de Immortal, incluyendo un solo de guitarra desgarrador. “Funeral Existence” se inclina hacia el thrash con cambios de ritmo, mientras que “Realm of Endless Misery” otorga protagonismo al bajo de Necrobutcher. El cierre, “The Sentence of Absolution”, lanza cada elemento decrépito cubierto en el disco contra la pared, culminando en una percusión tribal que podría estar evocando a alguna ceremonia pagana de una era olvidada.
Este nuevo material de los noruegos camina la línea entre la crudeza que piden los puristas y una producción de alto calibre. Representa la expresión por excelencia de lo que el black metal ha llegado a ser en las últimas dos décadas. Puede que no posea la mística de sus obras seminales de los 90, pero confirma que el legado de Mayhem es hoy una realidad auditiva incuestionable.
Terror en Buenos Aires: “Autentica muestra de descontrol y hardcore”
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Foto de Portada: CuervoDeth (Gentileza Metal-Argento)
Pocas veces se tiene la oportunidad de asistir a un recital de tal intensidad y descontrol, como el que se vivió el pasado jueves 22 de enero, de la mano de Terror en Argentina. Y es que a los estadounidenses le bastaron apenas 42 minutos para tirar completamente abajo el Uniclub con su propuesta extrema y asesina de beatdown hardcore. Y es que de eso se trataba la noche: De captar el espíritu más intenso y brutal de la música hardcore.
Todo tuvo comienzo a las 19hs. Una gran cantidad de gente ya se encontraba haciendo fila en la puerta del sitio, charlando y tomando las primeras cervezas de la noche, a la espera de poder ingresar para desatar lo que más adelante, se volvería un auténtico caos.
El acto apertura estuvo a cargo de una banda que viene siendo referencia en la escena Hardcore nacional del interior, Knockout. Provenientes de Rosario, la banda salió al escenario con las intenciones muy claras: dar el primer golpe de la noche. Sin tantas vueltas y con un setlist directo a la mandíbula, empezaron a repartir piñas y patadas por igual, sin dar ni un segundo de respiro.
De la mano de su vocalista Matías Orsi, el grupo logró transmitir toda la energía y poder que su música emana. Con saludos y agradecimientos constantes, comentarios críticos sobre la situación actual del país y recuerdos de cuando telonearon a Terror hace 20 años en Santa Fe, el músico consiguió crear una conexión real y sincera con el público.
Con un Uniclub al borde del colapso y una actuación que no superó la media hora, se retiró la banda argentina que había cumplido de sobras con su principal cometido: dejar K.O a los presentes antes de la llegada del acto principal.
Afortunadamente, toda la euforia y adrenalina que había ido creciendo tema a tema en los espectadores, se mantuvo intacta, ya que no paso mucho tiempo para que Terror dijera presente en el escenario.
Encabezados por el mítico Scott Vogel, los estadounidenses no tardaron ni un segundo en terminar de encender la mecha que había dejado servida Knockout y hacer explotar el lugar. Un solo acorde, bastó para desatar lo que se previa: un autentico caos masivo, en dónde no hubo alma en todo el sitio, que se salve de los empujones y del mosh desatado.
Y es que al tratarse de un recital de Hardocre, era inevitable que ciertos hechos ocurrieran. El primero y principal, gente subiéndose al escenario. Y es que si hubo un componente clave y constante a lo largo de la actuación de Terror, fue la intensidad y locura del público. Desde el primer tema hasta el último, no paró de haber gente volando del escenario, haciendo “stage diving”, cayendo donde sea, aterrizando cómo sea, y subiendo de vuelta como sea. Fue una constante sin fin. Con todo el mundo salido de control y completamente entregado a la avalancha de anarquía y destrucción que se había convertido el circulo central formado frente al escenario.
Pero no fue solo eso. Ya que además hacer stage diving, la gente se subía para poder bailar frente a los músicos, saludar a Scott, e incluso pedirle o tomar el micrófono para cantar estrofas enteras de las canciones. Todo, con una naturalidad propia de un show con estas características. Y es que si bien a simple vista, todo parecía regirse bajo ningún tipo de regla, lo cierto es que la única regla válida era esa: “No había reglas. Todo estaba permitido”. Y con esa norma es que el público vivió el recital. Entregados a la libertad y demencia de poder saltar, cantar, gritar y empujar lo que quieran.
Y así como la gente impuso las condiciones para pasar la noche, la banda se supo acomodar a ellas, tanto por la espontaneidad de poder amoldarse al descontrol viviente, como por el nivel profesionalismo que sus músicos ya llevan con los años a sus espaldas. Esto se vio más que nada reflejado, cuando Scott se portó con extrema tranquilidad para pedir que arreglen el sonido de un micrófono que se había visto, afectado ante la avalancha de gente danzando sobre el escenario. Al grito de “Check, check, check”, el cantante mantuvo el foco en solucionar el inconveniente mientras que al mismo tiempo seguía incentivando a la gente a que hiciera más mosh.
A estas alturas, ponerse a enumerar uno por uno los temas que tocaron, no tiene mucho sentido. Todo el show se pasó volando en una ráfaga imparable llena de adrenalina y frenesí. Sin descansos ni mediaciones, la banda se encargó de repartir golpes y golpes, disfrazados de acordes distorsionados, doble bombos a toda máquina y los gritos enfurecidos del señor Vogel.
Y todo eso, en menos 45 minutos. Porque sí, todo el recital sucedió en tan sólo 42 minutos. Esa cantidad de tiempo le bastó al grupo, para demostrar su poderío, su fuerza, su brutalidad y porque son uno de los mayores referentes del “Beatdown hardcore”, en la actualidad.
De esta forma, Terror pasó por el país una vez más, saciando la sed de ira y destrucción de sus fanáticos, que se retiraron del Uniclub totalmente extasiados, y eufóricos, tras una noche brutal e intensa de puro y sincero hardcore.
Agradecemos a Noiseground por la acreditación y producción del evento.
Firewind será uno de los platos fuertes del Barcia Metal Fest 2026
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Desde Grecia y con un directo más poderoso que el rayo de Zeus, los power metaleros Firewind volverán a nuestro país en el marco de la nueva edición del Barcia Metal Fest, la cual tendrá lugar este verano en tierras andaluzas.
Airbourne también arrasa con las entradas en Madrid
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Tras haber colgado el “Sold Out” en Bilbao, los rockeros australianos Airbourne han vuelto a repetir tal hazaña en Madrid, con lo que no solamente demuestran un poder de convocatoria espectacular en España, si no que ya son dos de las tres fechas en nuestro país con el aforo agotado a más de un mes de que la banda aterrice nuevamente en suelo nacional.
Rhapsody of Fire dirá presente en el Ripollet Rock 2026
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Un año más el Ripollet Rock llegará a tierras barcelonesas para ofrecernos una gran tarde/noche de metal en sus diversas vertientes y ahora ya podemos confirmar la presencia de Rhapsody of Fire, los power metaleros italianos que nos deleitarán con su poderoso directo y canciones que todo fan del power metal seguramente conozca al dedillo.
Los italianos se suman así a las siguientes bandas confirmadas:
Serious Black
Crematory
Legendärian
Os recodamos que la entrada es libre hasta completar aforo y se llevará a cabo el próximo 28 de agosto en el Parc dels Pinetons de Ripollet, no os perdáis este gran evento si sois de la zona y alrededores.
Dentro del tsunami de visitas internacionales que nos depara este 2026, de la mano de Icarus Music el viernes 24 de abril de 2026 se estarán presentando en la Argentina Visions Of Atlantis, como banda invitada especial de los suecos Amaranthe, en El Teatrito (Sarmiento 1752, CABA), garantizando una noche junto a lo mejor del actual metal europeo.
Los austriacos de Visions Of Atlantis nos prometen una noche de pura melodía metálica al son de su propuesta de power metal sinfónico y la impronta pirata que dejaron traslucir a partir de su disco Wanderersy que adoptaron definitivamente desde el año 2022 con Pirates.
Luego de sus inicios en el año 2000, con su metal sinfónico y la combinación de voces limpias masculinas y femeninas que los caracterizó desde su primera época, VoA atravesó diversos cambios de formación, especialmente en las voces, lo que no les impidió editar cinco discos, logrando consolidarse definitivamente a partir de la incorporación en las voces femeninas de Clémentine Delauney.
En esa primera época, la banda lanzó al mercado trabajos de estudio entre los años 2004 y 2013, Eternal Endless Infinity (2002), Cast Away(2004), Trinity(2007), Delta(2011) y Ethera(2013), donde mostraron las notas que caracterizarían a la banda a lo largo de su carrera: un metal sinfónico por excelencia con la conjunción de voces limpias femeninas y masculinas. Sin embargo, a pesar de ese inicio prolífico en cuanto a lanzamientos, los constantes cambios de formación, esencialmente en el rol de cantantes, conspiraron contra la consolidación plena de la banda.
Pero esa consolidación comenzó a vislumbrarse a partir del ingreso en el rol de las voces femeninas de Clémentine Delauney y el lanzamiento de The Deep & the Dark en el año 2018. Los tres álbumes lanzados con posterioridad posibilitaron la consagración definitiva de la banda y el establecimiento de una formación más estable, permitiendo a la banda poner de manifiesto ante el público la riqueza de su propuesta.
Teniendo en cuenta esa, podríamos denominar, nueva etapa de la banda a continuación te recomendamos los mejores temas, a criterio del staff de TTH, que integran cada uno de los discos editados con Clémentine al mando de las voces.
El primero de ellos es The Deep & the Dark (2018) y entre los temas que merecen destacarse se encuentran el que da título al álbum y abre la producción “The Deep And The Dark”; “Return To Lemuria”; “The Silent Mutiny”, una mezcla perfecta de melodía y pesadez; y “Words Of War”, poseedor del mejor estribillo a dos voces de la producción.
La placa pone de relieve el nivel sinfónico de la banda, sin dejar de lado el peso metalero de esas sinfonías, y muestra la calidad y colores de la voz de Clémentine Delauney. En esta producción las voces masculinas se encuentran a cargo de Siegfried Samer (cantantes de la banda Dragony, cuya escucha si son amante del metal sinfónico te recomendamos).
Inmediatamente después del anterior sale a la luz Wanderers (2019) que consolida el camino musical y creativo de la agrupación austriaca y marca la incorporación en la voz masculina de Michele Guaitoli (también una de las voces de la banda italiana de power metal melódico Temperance).
Entre las canciones destacables podemos señalar “Release My Symphony”, un tema extenso para lo que suele ofrecernos la banda y que pone sobre la mesa todas sus virtudes; “A Journey To Remember”; “To The Universe” y “At The End Of The World”, con uno de los estribillos más pegadizos del álbum.
Es en este álbum donde la banda comienza a dejar vislumbrar el cambio hacia la temática pirata que tomaría cuerpo a partir de los dos siguientes lanzamientos. Una característica del disco es la mayor participación de la voz masculina en comparación con el anterior.
Ya definitivamente con una impronta pirata tanto en las letras como en la apariencia, la banda lanza el tercer álbum de esta etapa Pirates (2022). Con un arranque demoledor la placa nos presenta una seguidilla de temas que merecen destacarse, y escucharse una y otra vez: “Pirates Will Return”, toda una declaración de principios para abrir el lanzamiento; “Melancholy Angel”; “Master The Hurricane” y “Clocks”, tema ideal para su presentación en vivo, siendo estos tres últimos cortes de difusión del álbum. Otros temas recomendables que forman parte de esta joya en la discografía de la banda austriaca son “Legion Of The Seas”; “Wild Elysium”, mostrando ambos temas la potencia que también puede ofrecer la banda; y “Mercy”.
Sin duda, la producción más lograda, a criterio de quien escribe estas líneas, de la discografía de la banda. Se nota la consolidación de la formación y la cada vez mayor complementación entre las dos voces.
Finalmente, nos encontramos con la última producción de los austriacos Pirates II – Armada (2024) y que es el disco que aún se encuentran presentando sobre las tablas (aunque contamos con el anuncio del lanzamiento para febrero de la versión instrumental de este disco). Cuenta con temas que relucen como “The Land Of The Free”; “Monsters”; “Armada”; “The Dead Of The Sea”, donde las voces de Clémentine y Michele se complementan a la perfección; “Hellfire”, un tema donde destacan la combinación de lo power y lo sinfónico y la voz de Clémentine se luce; y “Where The Sky And Ocean Blend”, un tema que excede la duración promedio a que nos tiene acostumbrados la banda, pero que le permite desplegar todos los trucos musicales propios del género.
Esta producción marca la definitiva consolidación del cambio estético y de temática que llevó a cabo la banda en estos últimos años. Una jugada arriesgada que salió bien, ya que las nuevas producciones han ofrecido a los oyentes temas impregnados de sinfonía y dureza, todo ello encuadrado por la dulzura de la voz de Clémentine.
El 24 de abril de 2026 el barco pirata tripulado por Visions Of Atlantis tocará suelo argentino. No te pierdas la oportunidad de ser testigos de la sinfonía y la potencia que estos piratas tienen para nosotros.
Sylosis vuelven a disparar en la diana con “Lacerations”
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Los británicos Sylosis vuelven a abrir fuego con el tercer adelanto de su nuevo disco The New Flesh, el caul podremos escuchar completo a partir del próximo 20 de febrero vía Nuclear Blast Records.
La banda de metal oriental, originaria de Túnez, Myrath acaba de estrenar el videoclip de su nuevo single “Soul of my Soul”, donde siguen mostrando un alto nivel musical y emocional a nivel lirco.
El corte forma parte de Wilderness of Mirrors, el esperadísimo nuevo disco de la banda, que llegará a las tiendas el próximo 27 de marzo a través de earMusic y cuyo tracklist oficial es el siguiente:
Kanonenfieber desatará su asalto bélico en Copenhague
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El proyecto alemán Kanonenfieber llegará a Copenhague con su propuesta de black metal extremo, conceptual y devastador, centrada en los horrores de la Primera Guerra Mundial. Con una estética cruda y un sonido que combina violencia, atmósferas opresivas y narrativa histórica, el show promete ser una experiencia intensa tanto a nivel musical como visual.
La cita será el 7 de marzo en Amager Bio, donde Kanonenfieber presentará su arrollador directo ante el público danés. La noche contará además con la participación de Mental Cruelty como banda telonera, aportando su brutal mezcla de deathcore y elementos extremos para abrir una velada sin concesiones.
En pocos años, Kanonenfieber se ha posicionado como uno de los nombres más comentados dentro del black metal contemporáneo, destacándose por su fuerte identidad conceptual y un discurso que evita la glorificación del conflicto, enfocándose en su costado más humano y trágico. Su directo refuerza esa intención con una puesta en escena sobria, marcial y demoledora.
Agenda DK – Stoned Jesus y Wheel en Copenhague 29/3 en Pumpehuset
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Agenda DK – Guttural Disgorge en Copenhague 21/3 en VEGA
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Agenda DK – Kataklysm en Copenhague 19/3 Pumpehuset
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Agenda DK – Carpenter Brut en Copenhague 16/3
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Agenda DK – Kanonenfieber en Copenhague7/3 Amager Bio
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Agenda DK – Between the Buried and Me Copenhague Pumpehuset 2/3
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Agenda DK – Jinjer en Copenhague 1/3 Amager Bio
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Wicked Leather en Málaga
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Wicked Leather incendiará Málaga a ritmo de heavy metal
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Los barceloneses Wicked Leather están a punto de comenzar su gira nacional, que los llevará por diferentes puntos y donde presentarán su álbum debut Season of the Witch, el cual se espera que podamos escuchar completo próximamente y donde nos enseñan lo que es una buena dosis de adrenalina y heavy metal.
Heathen comparte el videoclip oficial de “Never a God”
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Los incombustibles Heathen vuelven a la carga y acaban de estrenar “Never a God”, su potente nuevo single, donde siguen demostrando que aún tienen mucha gasolina que quemar en sus venas y hacer vibrar al público con su thrash metal de la vieja escuela.
La banda además, ha anunciado su flamante fichaje por Napalm Records y confirmado que se vienen un montón de novedades, por lo que si eres seguidor de estos guerreros del thrash, sigue todo lo que vaya aconteciendo a través de sus redes sociales.
De momento, esta versión actualizada de “Never a God”, suena así de bien:
Sleep Theory presenta su último single “Words are Worthless”
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La banda norteamericana de metal moderno Sleep Theory, ha publicado el videoclip oficial correspondiente a “Words are Worthless”, uno de los singles extraídos de su último trabajo Afterglow, que tan buen resultado le dio a la banda y por lo escuchado en este tema, le sigue dando.
Los de Memphis, siguen en plena forma y con su contundente mezcla de metal moderno, metalcore melódico y pizcas de pop y R’N’B, la banda parece estar ocupando el lugar que en su día dejaron vació bandas como Issues y lo cierto es que les ha salido más que bien la jugada.
Serapis Project emociona a raudales con “Emptiness I”
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Desde tierras barcelonesas Serapis Project ha estrenado “Emptiness I”, uno de los cortes incluidos en su último disco Side Stories, publicado el pasado 30 de mayo de 2025 y que sin duda fue uno de los mejores discos nacionales que pudimos escuchar el año pasado.
En esta ocasión, la banda ha publicado el single en formato “One Take”, lo que significa que tal como lo tocaron, así quedó grabado y podemos ver una vez más la emoción y el talento que transmite Kris Vega cada vez que se pone frente al micrófono.
Podéis ver y escuchar el resultado final a continuación:
Tras su paso por Sevilla y cerrando a lo grande el 2025 en Madrid, había una ciudad andaluza que esperaba con ganas a los muchachos de Avalanch y ahora ya podemos confirmar que la banda liderada por Alberto Rionda, llegará a Málaga para celebrar sus tres décadas de trayectoria.
Así es amigos, la banda asturiana con Jose Pardial en la voz, celebrará una auténtica fiesta de heavy metal en la capital de la Costa del Sol y lo hará en la siguiente fecha:
Crystal Lake regresa en 2026 con “The Weight of Sound”, un álbum que no se limita a marcar una simple vuelta, sino que ha tratado de funcionar como una reafirmación identitaria tras años de silencio, cambios internos (con la salida de Ryo) y una escena que no ha dejado de evolucionar. Ocho años después de Helix, la banda japonesa vuelve con un trabajo que carga y abraza el peso de su propia historia, tanto a nivel sonoro como emocional.
Desde los primeros compases queda claro que este no es un disco diseñado para mirar atrás con nostalgia. Los japoneses optan por un enfoque más amplio y ambicioso, donde el metalcore sigue siendo el eje central, pero se ve constantemente tensionado por elementos de hardcore, deathcore e incluso groove metal. La producción es limpia, musculosa y moderna, sin caer en la sobrecompresión típica del género actual (que hace que gran parte de los nuevos álbumes se vuelvan pesados de escuchar), permitiendo que cada golpe rítmico y cada riff respiren con contundencia.
Uno de los aspectos más llamativos del álbum es su planteamiento colaborativo. Lejos de sentirse como un reclamo oportunista, las apariciones de Taylor Barber (Left to Suffer), Jesse Leach (Killswitch Engage), David Simonich (Signs Of The Swarm), Myke Terry (Volumes) o Karl Schubach (Misery Signals) se integran de forma orgánica, aportando matices sin diluir la identidad de la banda. Estos cruces vocales refuerzan la sensación de comunidad y escena, algo que Crystal Lake siempre ha sabido manejar con inteligencia.
Los singles adelantan bien el tono general del disco. Hay espacio para la agresividad directa, con breakdowns diseñados para el directo, pero también para estructuras más dinámicas y pasajes melódicos que no rompen la tensión, sino que la canalizan. “Neversleep” destaca especialmente por su enfoque oscuro y su carga emocional, mientras que otros cortes apuestan por un groove casi hipnótico que demuestra que la banda sigue sabiendo escribir temas memorables sin caer en fórmulas agotadas.
A nivel conceptual, este album gira en torno a la carga emocional, el desgaste físico y mental, y la perseverancia. No es un disco explícitamente conceptual, pero sí coherente en tono y mensaje. Se percibe una banda consciente de su legado, pero también de sus limitaciones pasadas, intentando construir algo más sólido y duradero. La figura de YD como arquitecto sonoro vuelve a ser clave, dotando al álbum de una cohesión que evita que la variedad estilística se convierta en dispersión.
No todo es perfecto. En algunos tramos, la acumulación de ideas y colaboraciones puede generar la sensación de estar escuchando una sucesión de golpes efectivos más que un viaje completamente orgánico. Hay temas que funcionan mejor de manera individual que dentro del conjunto, algo que puede restar profundidad a escuchas completas para los oyentes más exigentes.
Aun así, el balance es claramente positivo. “The Weight of Sound” no pretende reinventar el metalcore, pero sí demostrar que Crystal Lake sigue siendo relevante, peligrosa y creativamente viva en 2026. Es un disco sólido, intenso y honesto, que funcionará tanto para los seguidores veteranos como para una nueva generación que busca algo más que agresividad vacía.
Un regreso convincente, cargado de músculo y carácter, que confirma que Crystal Lake no ha vuelto para ocupar espacio, sino para recordarle a la escena por qué su nombre sigue pesando en el metalcore actual.
Jinjer en Glasgow: “El nuevo álbum Duel toma el control del SWG3”
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El grupo ucraniano de metalcore progresivo Jinjer emprendió su más reciente gira europea para marcar el lanzamiento de su nuevo álbum Duel. El cuarteto llegó al siempre popular recinto tipo warehouse SWG3 de Glasgow junto a las también bandas de metalcore progresivo Textures y Unprocessed. Tras haber tocado aquí por última vez como soporte de los legendarios Sepultura en Barrowland Ballroom, ahora Jinjer estaba al mando de la noche, con la oportunidad de dirigir el show y dejar clara su posición dentro del metal moderno. Liderados por una vocalista femenina en un terreno muy dominado por hombres, Jinjer no solo se ha convertido en un nombre popular entre los fans del estilo, sino que ha creado un sonido verdaderamente propio. La voz principal, Tatiana Shmayluk, posee uno de los rangos más diversos y distintivos de la actualidad, cambiando con total naturalidad entre growls profundos y guturales y voces limpias melódicas con un matiz casi jazzy. El nuevo álbum también abraza esa versatilidad, y estuvo completamente representado en el setlist. Aunque el cabeza de cartel suele ser el foco de un concierto, unos buenos soportes pueden convertir un buen show en uno fantástico, y en este caso elevaron claramente la noche.
Abriendo la velada estuvieron los neerlandeses Textures, encargados del warm-up. El primer set de la noche suele ser el más difícil: mucha gente todavía está entrando, otros reservan energía para el cabeza de cartel o simplemente no conocen a la banda. Nada de eso impidió que ofrecieran un set muy disfrutable. Lamentablemente me perdí las primeras canciones debido a un extraño cambio de último momento en el horario de apertura de puertas, adelantado una hora. Aun así, disfruté mucho el resto de su actuación. Mi tema favorito fue “Measuring The Heavens”, de su álbum más reciente Genotype. Sin haber escuchado a Textures antes en profundidad, la sorpresa fue muy positiva. Su sonido me recordó bastante al material reciente de Tesseract, lo cual es algo muy bueno. Riffs complejos y cambios rapidísimos de pasajes suaves a secciones pesadas marcaron el set. El vocalista Daniel de Jongh mostró growls sólidos y coros melódicos que sorprendieron varias veces. Aunque fue una pena perder el inicio, Textures hizo un gran trabajo preparando al público para el resto de la noche.
Después fue el turno de los alemanes Unprocessed. Una banda favorita personal, así que fue una muy buena noticia verlos añadidos como soporte. Tras editar su nuevo álbum el año pasado, había muchas ganas de escuchar en directo su sonido de guitarra complejo y cargado de efectos nuevamente en SWG3, donde tocaron por última vez como soporte de Tesseract. Su show comenzó con una fórmula ya común en muchas bandas de metal: sonidos ominosos, pulsaciones graves, diálogos inquietantes y luces sombrías, un recurso que empieza a sentirse algo repetido. Aun así, la expectación del público era evidente cuando salieron al escenario.
Abrieron con “111”, primer tema de su nuevo álbum Angel, entrando directo en el ADN de Unprocessed: guitarras rápidas y baterías con aire de blast beat. El setlist fue refrescante, compuesto casi por completo por canciones nuevas, lo que dio a muchos fans su primera oportunidad de escucharlas en vivo. Eso aumentó la anticipación y generó una sensación de experiencia nueva real. La energía se tradujo en los primeros circle pits y mosh pits con temas como “Sacrifice Me” y “Snowlover”, de vibra muy intensa y divertida.
Uno de los grandes momentos fue “Solara”, colaboración original con Marc “Zelli” Zellweger de Paleface Swiss. En lugar de una aparición sorpresa —curiosamente había estado en la ciudad hacía menos de tres semanas— las partes vocales fueron cubiertas con gran nivel por el bajista David Levy. Como seguidor de la banda desde hace años, el set dejó muy buenas sensaciones. Al ser soporte, la respuesta del público no fue tan fuerte como merecen, pero la actuación fue excelente y dejó el terreno listo para Jinjer.
Llegó entonces el turno del cuarteto ucraniano, con uno de los montajes técnicos más impresionantes que he visto en SWG3: pantallas enormes, plataformas elevadas y un despliegue visual y de luces muy trabajado. El inicio con “Duel”, tema cierre y título del nuevo disco, fue un golpe sonoro directo, en el mejor sentido. Con un enfoque más cercano al hardcore en este álbum —baterías muy rápidas y gran énfasis en voces agresivas— el tema tiene un groove ideal para abrir el set.
Siguieron con “Green Serpent”, uno de los singles destacados del nuevo trabajo y claro favorito del público: los pits ya estaban totalmente activos y comenzaron los primeros crowd surfers. Las visuales en pantalla fueron una sorpresa muy positiva. “Fast Draw”, uno de los mejores temas del disco, estuvo acompañado de gráficos muy logrados que elevaron la experiencia audiovisual. En un momento donde abundan visuales generados por IA y hay controversias por su uso —como el caso de Three Days Grace— resultó refrescante ver material visual artístico y de alta calidad en directo. “Kafka” contó con un video completo que capturó toda la atención. Son esos detalles los que hacen que un show resulte memorable.
Aunque el nuevo álbum fue el eje del repertorio, también hubo espacio para favoritos como “Teacher, Teacher”, “Perennial” y el tema más icónico de la banda, “Pisces”. Hacia el final, Tatiana pareció tener problemas técnicos con sus monitores in-ear, pero aun así siguió adelante con una gran interpretación. La banda no fue especialmente interactiva con el público, pero a veces el vínculo se da de forma natural a través de la música y la ejecución. Jinjer ha quedado firmemente consolidada como una fuerza importante dentro del metalcore y el prog actuales, y si tienes la oportunidad de verlos en vivo, difícilmente salgas decepcionado si disfrutas la música más progresiva.
El culto a la cabra de Hellripper, el proyecto escocés fundado como un one-man band en 2014 por James McBain, llegará este próximo martes 12 de mayo en el Anexo Independencia de la ciudad de Guadalajara, Jalisco presentando lo que será su nuevo material próximo a estrenarse este 27 de marzo y que llevará por titulo Coronach.
La noticia viene por parte de las promotoras Catharsis y el Metal Punk Death Squad Mexican Chapter que en conjunto han amarrado este potente evento que sin duda dejará huella en la comunidad speed de la ciudad.
El primer mes del año nos ha dejado mucho material interesante y desde TracktoHell, queremos recomendaros los discos que más nos han cautivado en estos últimos 31 días.
1) ChRocktikal – I’m Break, You Aware
A veces los cambios de rumbo son para mejor y aunque sea doloroso dejar el pasado atrás con un legado excelente, es necesario continuar y seguir tus propios instintos, esto es lo que ha hecho Soyeon, con su nuevo proyecto y claramente ha demostrado estar a la altura de su calidad como artista e incluso poder sorprender a la audiencia.
La norteamericana ha vuelto a hacer de las suyas y como resultado ha entregado una obra cuanto menos particular, con momentos muy cañeros y otros más alternativos e incluso algo pop, cosa que ella siempre ha enseñado, pero que quizás en este disco haya potenciado un poquito más, aún así la artista sigue evidenciando que su creatividad personal está por encima de la media actual.
Los de Florida han entregado una obra sólida, donde vuelven a jugar de manera inteligente sus cartas y acaban por llevarse la partida con mayor convicción que en otras obras pasadas, la voz de Myles Kennedy vuelve a sonar de manera impecable y sus compañeros lo acompañan de la misma manera. Sin inventar nada nuevo, AB se reafirma como uno de los mejores grupos de rock de los últimos tiempos y que sea por muchos años más.
Para mí, el nuevo álbum de Ellende es una obra de madurez que reafirma su identidad sin caer en la repetición. L.G. demuestra nuevamente su capacidad de usar el black metal como base, pero explorando climas, silencios y arreglos que amplían el género hacia territorios más introspectivos y atmosféricos. No busca impactar de inmediato: cada tema respira, se fragmenta y construye una narrativa interna que exige atención y tiempo. Zerfall se siente como un diálogo con su propio pasado, consolidando un proyecto que evoluciona de manera orgánica, donde la agresión es medida y cada pausa tiene un propósito. Para quienes disfrutan de un black metal profundo, emocional y cuidadosamente estructurado, este disco es un viaje más que una colección de canciones.
The Bereaved confirma a Marianas Rest como maestros del metal melancólico. El álbum combina riffs potentes, melodías delicadas y atmósferas sombrías de manera muy equilibrada, transmitiendo con fuerza las distintas etapas del duelo sin perder musicalidad ni emoción. Cada canción tiene su propio peso, pero el conjunto fluye con coherencia, mostrando madurez compositiva y consolidando a la banda como un referente dentro del metal extremo europeo. Es un disco que exige atención, pero recompensa con intensidad y profundidad emocional.
Descending me parece una reafirmación sólida de Elwood Stray dentro del metalcore moderno. El disco equilibra agresión y accesibilidad con mucha precisión: riffs potentes, voces desgarradas y estribillos melódicos se alternan con pasajes más calmados y electrónicos, manteniendo la energía constante sin sentirse repetitivo. Cada tema cumple su función dentro del flujo general, mostrando madurez compositiva y una banda segura de su identidad, capaz de explorar matices sin perder la fuerza que los define.
Lee la reseña aquí
1) Ellende – Zerfall
Si buscás música que te mueva el piso, tenés que escuchar este disco. La placa juega todo el tiempo con los cambios: pasa de momentos muy tranquilos y suaves a explosiones de puro metal con gritos cargados de sentimiento.
No es solo ruido; tiene violines, piano y hasta un cover de Skyrim que encaja perfecto. Es ideal para ponerte los auriculares y desconectar de todo. Si te gusta el metal que mezcla la furia con partes más relajadas y profundas, dale una oportunidad porque te va a atrapar de principio a fin.
Si te gusta el Black Metal pero no querés algo que sea solo ruido, el debut de estos italianos, te va a interesar. Es un disco corto (dura menos de 30 minutos) y va directo al grano.
Lo que lo hace entretenido es que mezcla la fuerza del metal más clásico con ritmos que vienen del punk y momentos más melancólicos. Tenés temas rápidos como “As Rain” y otros más lentos y pesados como “Frozen Soul”. Es música ideal para cuando buscás algo oscuro, pero que a la vez tenga buenas melodías y se note bien cada instrumento.
3) Hällas – Panorama
Si buscás algo que suene distinto, tenés que darle una chance al nuevo material de los suecos. No es el típico disco de metal; es más bien un viaje al rock de los años 70, con sintetizadores que parecen de película espacial y guitarras con mucha melodía.
Lo más loco es que arranca con un tema de 21 minutos, pero no te aburrís porque todo el tiempo están pasando cosas. Es música para imaginarte historias de fantasía y mundos lejanos. Si te gusta el rock progresivo que suena “viejo” pero con fuerza, este disco es una joya que se siente como una aventura de principio a fin.
1) Lionheart – Valley Of Death II
Que masa este disco por favor. Poco a poco me voy acercando más al hardcore y discos como estos son un verdadero aval para seguir haciéndolo. ¿Lo mejor? su duración de 20 y tantos minutos y su explosividad que son un shock de energía que sirven muy bien como pre-entreno. Muy buen material de los californianos.
Un discazo el que sacó Poppy en este mes, consolidándose como uno de los platos fuertes entre los artistas más jóvenes y denotando que se encuentra en un gran momento. El estilo de siempre, un disco que mezcla sus dos facetas entre lo pop y el metal, con un gran despliegue de guturales y una propuesta por demás artística, dando relevancia a las letras y el materia audiovisual.
Una obra austriaca del heavy metal y thrash más clásico habido y por haber, pero con el atenuante de que aquí el actor principal son los solos de guitarra. Si lo que te gusta es el excepcional biri-biri del lado virtuoso del género, este disco es para vos.
Obviamente el gran lanzamiento del mes es el supuesto álbum final de Megadeth, de la cual tuvimos una reseña colectiva porque todos tuvimos algo para decir. Y claramente ser algo de Megadeth lo ponía inmediatamente como lo más importante de enero, pero este es un caso donde es el nombre lo que pesa, porque si fuéramos a juzgarlo por el material en sí entonces no habría mucha manteca para tirar al techo. Este Megadeth es ciertamente un álbum de la banda de Dave Mustaine, y bien podría ser un cúmulo de todo lo que el Colorado y sus músicos de turno vienen haciendo desde Endgame en adelante, más que nada en la estructura que viene repitiendo desde hace década y media: un par de temas thrasheros que dan esperanza, un par de canciones medio tiempo que son como reversiones de alguna canción de Youthanasia o Countdown To Extinction, una canción específica que será considerada de lo peor de la discografía de la Sinfónica, y otras canciones medio intrascendentes que entran por un oído y salen por el otro sin dejar mucho. Cerrar con un cover de “Ride The Lightning” de Metallica, una de las tantas canciones para las que Mustaine contribuyó durante su paso por la banda aunque fuera sólo en un par de riffs, es lo único de verdad novedoso, aunque sea una versión copiada y pegada que cambia apenas las voces. No deja mucho a menos que seas parte del culto a la personalidad en la que se ha convertido la base de fans de Megadeth.
Por un tema de horarios laborales no he tenido mucho tiempo para escuchar discos largos, así que decidí centrarme bastante en EPs como para tachar discos completos. En ese caso tenemos el debut de Voidhämmer, trío de death metal estadounidense que le agrega una dosis muy fuerte de punk extremo a su sonido. Noxious Emissions es un álbum que hace honor a su nombre, con cuatro canciones que parecen haber sido grabadas en una cámara llena de cadáveres. 14 minutos muy interesantes para quienes quieran un poco de death vieja escuela pero con un toque más desordenado.
Otro EP al que le estuve prestando atención fue el “debut” de I Promised The World, la banda antes conocida como Sinema que acá nos trae su primer lanzamiento bajo su nuevo nombre. A pesar de ese cambio, el sonido del grupo sigue en su búsqueda de revivir esa onda de metalcore / post hardcore de mediados y fines de los 2000, el “sonido MySpace” como podríamos llamarlo. Voces gritadas y limpias, riffs medio épicos medio para moshear, melodías melosas y ese toque adolescente en la atmósfera. Nada en realidad original, pero es un sonido que no viene mal que las bandas nuevas intenten revivir, ahora con una perspectiva renovada.
Megadeth se retira con este disco, que se siente como un repaso o resumen de toda su carrera. Desde temas rápidos y thrasheros como “Tipping Point”, que rememoran sus comienzos y, por qué no, parte de su última etapa, hasta otros de medio tiempo y más rockeros como “Another Bad Day”, que parecen rememorar los discos de principio de los noventa.
Al recorrer todos los temas, el disco se siente como una despedida, y el golpe final con “The Last Note” hace que se te forme un nudo en la garganta.
No es perfecto, tiene alguna caída y peca de seguir sosteniendo el resentimiento de Mustaine hacia sus excompañeros de Metallica. Esto, a base de un cover de “Ride the Lightning”, que no aporta nada. Pero es un disco digno y un cierre súper respetable para una carrera ejemplar.
Este disco muestra un claro avance y progreso en la carrera de la banda, que logra ponerla en lo más alto del black metal atmosférico. Muestra un desarrollo de atmósferas muy interesante, apoyado en capas de sonido que parecen “de fondo”, pero no: ahí está la sustancia del álbum. Los riffs etéreos están muy bien trabajados y hacen un gran contraste con los que buscan ir más rápido y pesado.
La batería es un punto aparte, ya que logra acompañar cada momento de la mejor manera. Un album que si te gusta el Black Metal con mucho sentimiento, te va a encantar.
Tras 5 años sin sacar material, el proyecto personal de Alexander von Meilenwald vuelve con un disco sólido y orgánico. La intención es mezclar las atmósferas y la agresividad del black metal atmosférico con elementos más lentos y rituales del doom metal. Logran fusionarse de gran manera, creando momentos de todo tipo: desde rápidos y agresivos, hasta pasajes ritualísticos donde distintos sonidos van alternando su protagonismo para entregar distintas emociones.
Un disco largo, que requiere el compromiso del escucha, pero que no se vuelve denso ni aburrido.
1) Hällas – Panorama
Sin dudas, el mejor álbum de enero y un firme candidato desde ya, para lo mejor del año. Y es que “Panorama” es mucho que solo un disco. Es un viaje. Uno hacia el pasado.
Más en concreto, hacia las gloriosas épocas del rock progresivo de los 70’. Desde su sonido y sistema de composición, la obra busca eso: retrotraer al oyente en el tiempo y llevarlo hacia los días en dónde todo se sentía más orgánico, más fluido, y más natural. En dónde las ideas musicales volaban sin ataduras, y en dónde los músicos no parecían estar preocupados por los patrones ni mandatos de la industria musical, priorizando así la libertad compositiva.
De esta forma, estamos ante una obra que vive y respira rock progresivo en su más fiel y pura esencia, que no tiene nada que envidiarle a los más grandes del género y que ubica a los suecos Hällas, ya no como una promesa, sino como
una realidad definitiva dentro del panorama actual de la música.
2) Alter Bridge – Alter Bridge
De las bandas de mayor renombre, la única que supo estar a la altura de su nombre y legado. Y es que en esta oportunidad, Alter Bridge nos presentó un disco auto titulado, que posee todos los elementos característicos del grupo
pero con la particularidad de hacerlo con mucha sobriedad y en un gran nivel. Todas las composiciones sacan a relucir la gran capacidad de la banda para entregar riffs endemoniadamente potentes, musculosos y adictivos. Cada tema
posee su impronta y personalidad. Y por su parte, la voz de Myles simplemente
brilla.
Con una duración que alcanza la hora, la obra en ningún momento se siente que se alarga o le sobra minutos. Más bien lo contrario, avanza con suma frescura y fluidez, que hace imposible no querer repetirlo una y otra vez. Un excitante disco de Hard Rock Alternativo con toques de Heavy, que funciona como un gran punto de inicio, para aquellos que todavía no escucharon nada de Alter Bridge.
Ni Megadeth, ni Kreator. El mejor disco de Thrash del mes provino de Austria y lo firmaron los muchachos de Wildhunt. Este grupo que había debutado en 2016 se tomó ni más ni menos que 10 años para volver a entregar nuevo
material discográfico. Y este es uno de esos casos dónde uno puede decir con una sonrisa en el rostro: “vaya que sí valió la pena la espera”.
“Alethieia” presenta una interesante mezcla de Heavy y Thrash Metal, todo bien amalgamado con algunas pinceladas US Power Metal, que hace inevitable no pensar en bandas como Jag Panzer, Liege Lord o Savatage. A su vez, contiene un elaborado y detallado trabajo en las guitarras, que construyen paisajes y caminos progresivos pero melódicos con sus riffs. A esto, le sumamos un tono épico en sus composiciones propios de unos Manilla Road o unos Cirith Ungol, y tenemos como resultado una excelente muestra de cómo componer un Thrash Metal tomando prestado elementos más tradicionales y técnicos del Heavy Metal.
Desde tierras suecas y con aires renovados, incluyendo al señor Mattias Olofsson en las voces, tras la partida de Tommy Karevik (Kamelot) en 2023, los chicos de Seventh Wonder han vuelto con todo en su nueva canción “Eternal Flame”, donde ponen de manifiesto que aún tienen mucho que decir dentro de su estilo.
La banda ha optado por darle su toque personal a este clásico que popularizó John Norum y al que la banda le ha inyecto un toque más potente a nivel instrumental y podemos tener una primera toma de contacto con la voz de Mattias, quién no lo hace nada mal.
Veremos hasta donde son capaces de llegar en esta nueva etapa, pero de momento podéis escuchar el cover a continuación:
Bullet For My Valentine anuncia una reedición muy esperada
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Toda historia tiene un comienzo y en el caso de los metaleros galeses Bullet For My Valentine, ese es sin duda su primer EP homónimo, el cual gracias al himno “Hand of Blood”, los colocó en la primera plana del metal moderno en el Reino Unido hace ya más de dos décadas… ¿Cómo pasa el tiempo no creen?
Publicado el 15 de noviembre de 2004 y el 20 de julio de 2005, en Europa/Estados Unidos y Japón, respectivamente, bajo el ala de Visible Noise (Sony Music), el disco fue muy bien recibido por todos los que por aquellas épocas comenzábamos a ver en primera línea de fuego, la caída del nu metal en favor de otra corriente entonces “Novedosa”: El Metalcore o como se bautizó en tierras americanas: La New Wave of American Heavy Metal, con bandas como Killswitch Engage, Unearth, Throwdown, Shadows Fall, Poison The Well, As I Lay Dying y unos incipientes, pero prometedores Trivium, Atreyu y Avenged Sevenfold.
Pues bien, BMFV fue la respuesta a todos ellos, un poquito más melódicos, si, pero con grandes ideas y solos de guitarra que influenciaron a miles de chicos y chicas en los años siguientes.
Hoy, a 22 años del lanzamiento, la banda ha anunciado que reeditará por primera vez el disco tanto en LP como en CD el próximo 13 de marzo y cuyo preorder ya está disponible AQUÍ.
Os recordamos que el tracklist constaba de seis potentes cortes que eran:
Con motivo de su décimo aniversario, Elwood Stray presenta Descending, publicado el 23 de enero de 2026 a través de Out of Line Music. El quinteto alemán formado por Maik, Fabi, Niels, Ralle y Raphael encara este nuevo trabajo con una propuesta directa y medida, apostando por un equilibrio entre agresividad y accesibilidad. El álbum funciona como una reafirmación de su identidad dentro del metalcore moderno, incorporando matices que amplían su registro sin romper con sus bases.
La apertura con “Doom” marca el tono inicial desde una introducción difusa que pronto se ve atravesada por los gritos de Maik, preparando el terreno para “Evolve”, donde los riffs adquieren mayor protagonismo y encadenan secciones de fuerte gancho. Aquí se hacen evidentes tanto las raíces metalcore como influencias post-hardcore, especialmente en los estribillos con voces limpias que contrastan con la dureza general. “Shattered” continúa esta dinámica, arrancando de forma más contenida y coloreando el ritmo antes de volver a la agresión.
A lo largo del disco aparecen momentos de aparente ligereza que conviven con quiebres más contundentes, como sucede antes del impacto de “Crocodile Tears”. Este tema retoma un enfoque más energético y colectivo, incorporando elementos electrónicos sampleados en los coros. La intensidad se mantiene hasta el pasaje de mosh y enlaza con “Error”, donde la colaboración de Timo, de Our Mirage, refuerza el frente vocal mientras la base rítmica se vuelve especialmente activa.
“Nevermind” sostiene un tempo elevado y deja entrever influencias old school inesperadas pero eficaces, contrastando con la pausa que introduce “Detached”. Este corte comienza como una balada sustentada en voces y programaciones electrónicas, aunque la saturación aparece progresivamente en su segunda mitad. El enlace con “Ivory Tower”, de duración breve, devuelve la furia mediante frases vocales frenéticas y un cierre apoyado en patrones beatdown densos.
En el tramo final, “Neon Fade” avanza en oleadas de intensidad hasta un clímax central, seguido por un solo de carácter más atmosférico que aporta un respiro. El cierre llega con “Genesis”, que recupera una estructura sencilla y efectiva, culminando en un quiebre dominado por los gritos más exigidos de Maik. Descending se desarrolla a través de canciones concisas y directas, manteniendo una energía constante a lo largo de su ajustada duración.
Behemoth estrena “Nomen Barbarvm” en forma de videoclip
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Los siempre combativos Behemoth han estrenado el videoclip oficial de “Nomen Barbarvm”, el nuevo single extraído de su último trabajo discográfico The Shit ov God, que tanto ruido hizo el año pasado entre público y prensa.
La banda se encuentra a punto de embarcarse en una gira norteamericana explosiva junto a Deicide, Rotting Christ e Immolation, para luego volver a Europa de cara a los festivales de verano.
Mientras tanto, podéis ver el videoclip completo de “Nomen Barbarvm” a continuación:
Geoff Tate traerá el mítico “Operation Mindcrime” a España antes de verano
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La leyenda del metal progresivo y el hard rock Geoff Tate, a quién todos conoceréis por su excelente labor al frente de Queensrÿche, una de las bandas más importantes dentro del rock y el heavy metal, ha anunciado una extensa gira europea, la cual será muy especial y única.
La gira bautizada como “Operation Mindcrime – The Final Chapter”, conmemorará en la voz de Geoff, los 38 años de aquel brillante trabajo, que tanto a influenciado a las generaciones posteriores a la hora de crear sus propias bandas y que según palabras del propio cantante, será la última vez que lo interprete de manera íntegra, con lo cual, no debéis perderos esta gira que pasará por las siguientes ciudades españolas:
Crossbone Skully y Nikki Sixx unen fuerzas en “High on You”
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El proyecto rockero Crossbone Skully, que tiene como líder al señor Tommy Henriksen, conocido por su trabajo con Alice Cooper y Hollywood Vampires, entre otros, ha reestrenado el single “High on You”, con un videoclip nuevo y más colorido que el original.
El corte forma parte el último disco de la banda Evil World Machine, que fue publicado el pasado 22 de noviembre de 2024 a través de Better Noise Music y cuenta con la partipación estelar de Nikki Sixx, bajista y líder de Mötley Crüe.
Heidenfest 2026 en Barcelona: “Bailoteo, Birra y Amistad”
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El Heidenfest 2026 en la sala Salamandra no solo fue un despliegue de metal extremo, sino una travesía cultural que comenzó con el abordaje de The Dread Crew of Oddwood, quienes demostraron que para ser pesado no se necesita electricidad. La tripulación californiana, liderada por la voz de taberna de Wolfbeard O’Brady y el contundente “trueno de madera” del contrabajo de The Scurvy Ben, transformó el recinto en una fragata pirata. Sin guitarras eléctricas, pero con una actitud puramente punk, desataron el delirio con temas como “Side Quest” y la surrealista “Giant Fucking Demon Crab”, logrando que toda la sala se sentara en el suelo para realizar una de las “filas de remo” más multitudinarias que se recuerdan en L’Hospitalet mientras atronaba “Trollwhack”. Tras este motín acústico, el ambiente dio un giro de 180 grados hacia la solemnidad y la épica con los holandeses
La sobriedad germánica fue dinamitada de inmediato por la irrupción de Trollfest, los embajadores del “True Norwegian Balkan Metal”, quienes convirtieron la Salamandra en un manicomio psicodélico. Ataviados con disfraces coloridos y absurdos que rompían cualquier protocolo del metal tradicional, Jostein “Trollmannen” Austvik y su banda desataron una tormenta de ritmos balcánicos, saxofones esquizofrénicos a cargo de Fjodor y acordeones frenéticos pilotados por Kjellkjell. Canciones como “Dance Like a Pink Flamingo” y “Flamongous” convirtieron la pista en una explosión de confeti y coreografías ridículas, donde el black metal más agresivo se daba la mano con la música de dibujos animados en cortes como “Kaptein Kaos” y la fiestera “Piña Colada”. El cierre con “All Drinks on Me” fue el epitafio perfecto para un bloque de bandas que, desde el piratería acústica de Oddwood hasta el caos carnavalesco de Trollfest, pasando por la nobleza himnológica de Heidevolk, prepararon el terreno de manera magistral para el asalto final de los trolls y los bosques finlandeses.
Bajo un halo de misticismo ancestral, Heidevolk irrumpió en escena como una hueste surgida de la bruma del tiempo, transformando el recinto en un bastión vivo de la vieja Europa. Vestidos con una estética que rendía tributo a la herencia de las tribus bátavas y sajonas —cueros curtidos, linos austeros y una sobriedad guerrera ajena a cualquier artificio moderno—, los neerlandeses no conquistaron mediante la violencia sonora, sino a través de su arma más poderosa y ancestral: el imponente dueto vocal barítono de Daniël Wansink y Jacco de Wijs. Sus voces, profundas y sólidas como robles centenarios, se alzaron entrelazadas para forjar himnos que ya pertenecen al panteón del folk metal europeo, y durante la ejecución de Ontwaakt y la solemne Walhalla wacht sentí cómo el tiempo se plegaba sobre sí mismo y la audiencia era arrastrada a una era de mitos, juramentos y rituales olvidados. Fue, sin embargo, con la majestuosa Nehalennia cuando se alcanzó el clímax absoluto: las armonías vocales erigieron una atmósfera de orgullo pagano y hermandad guerrera que parecía sacudir los cimientos del lugar y encender un fuego invisible en cada pecho. El público, sometido al pulso solemne de la percusión, abandonó cualquier vestigio de caos para entregarse a un headbanging rítmico y ceremonial, como si todos formáramos parte de un mismo clan reunido en torno al tambor de guerra. Ya no asistía a un simple concierto, sino a una auténtica asamblea tribal, donde la frontera entre banda y seguidores se desvanecía en un solo espíritu colectivo. El desenlace fue apoteósico: Heidevolk desató su versión de Vulgaris Magistralis y un estruendo unánime brotó de cientos de gargantas fundidas en un grito final de victoria, sellando una noche en la que la tradición y el metal demostraron, una vez más, ser lenguajes eternos e inseparables.
Si Heidevolk puso la cerveza y el baile, Finntroll se encargó de aportar la sangre, el barro y la oscuridad en la sala Salamandra el pasado 28 de enero. Como pieza esencial del Heidenfest 2026, los trolls finlandeses transformaron el recinto de L’Hospitalet en una cueva lúgubre y peligrosa, ofreciendo un espectáculo en el que la agresividad del black metal se fundió de manera maniaca con el ritmo frenético y contagioso del humppa. El contraste con la banda precedente fue total: donde antes reinaba la fiesta tabernaria, ahora se imponía un ambiente opresivo, casi hostil, que atrapó al público desde el primer instante.
La atmósfera cambió de forma drástica en cuanto los músicos aparecieron en escena. Ataviados con sus características orejas puntiagudas, maquillajes de guerra que simulaban suciedad y harapos que los hacían parecer recién emergidos de un bosque milenario, dejaron claro que su propuesta es, ante todo, una experiencia teatral. Finntroll no se limita a tocar canciones: construye un universo propio, una inmersión en un folclore rudo y violento donde los trolls no son criaturas simpáticas, sino entidades salvajes y vengativas.
El asalto sonoro comenzó con la imponente Midvinterdraken, levantando de inmediato un muro de sonido compacto y abrasivo, liderado por la figura dominante de Mathias «Vreth» Lillmåns. El vocalista, que ha sabido mantener y reforzar el legado de la banda desde 2006, descargó guturales desgarradores mientras se desplazaba por el escenario con una energía casi animal. Su interpretación logró que el idioma sueco resonara con una fuerza primitiva, coreada por el público barcelonés más por instinto visceral que por comprensión lingüística.
A su lado, la dupla de guitarras formada por Skrymer y Routa tejió una red de riffs afilados que oscilaban con naturalidad entre la velocidad cortante del black metal y el carácter saltarín de piezas como Vindfärd / Människopesten o Solsagan. Resulta especialmente llamativo cómo la banda consigue que estos cambios de registro no rompan la coherencia del conjunto, sino que refuercen su identidad. La sección rítmica, con Tundra al bajo y Mörkö a la batería, sostuvo el edificio sonoro con una mezcla perfecta de precisión técnica y brutalidad desatada, permitiendo que las melodías de teclado de Aleksi Virta —claramente herederas del ingenio de Trollhorn— inyectaran ese inconfundible aroma de polca infernal que convierte a Finntroll en una banda única dentro del metal extremo.
El setlist fue una auténtica montaña rusa de emociones trollescas. Con Blodsvept y Nedgång, la Salamandra se transformó en un hervidero de empujones, saltos y bailes frenéticos, un caos controlado en el que la temática anticristiana y las leyendas del rey Rivfader cobraban vida bajo las luces estroboscópicas. El clímax llegó, como era de esperar, con el himno Trollhammaren: en ese instante, el suelo de la sala vibró bajo el peso de cientos de seguidores saltando al unísono, generando una comunión de sudor, violencia festiva y alegría pagana que se prolongó con la épica Nattfödd.
Lejos de conceder un respiro, la banda mantuvo la intensidad hasta el final, encadenando la crudeza de Jaktens tid con el cierre magistral de Ormfolk. El resultado fue un público exhausto, empapado y con la sensación de haber sobrevivido a un ataque nocturno en los bosques del norte. Finntroll no se limitó a tocar metal: ofreció un auténtico ritual de humppa metal agresivo y sin concesiones, demostrando que su estética de criaturas del bosque no es solo un disfraz, sino el envoltorio perfecto para una de las propuestas más sólidas, coherentes y, paradójicamente, divertidas del metal extremo actual.
La noche de L’Hospitalet se transformó, ante mis ojos, en un claro del bosque finlandés bajo el influjo del Heidenfest, una de las giras más esperadas del año, que traía de regreso a los auténticos maestros del desenfreno folk: Korpiklaani. La expectación era máxima, no solo por la envergadura del festival —con un cartel compartido con gigantes como Finntroll y Heidevolk—, sino por la oportunidad de presenciar en directo la madurez de una banda que ha sabido evolucionar sin perder ni un ápice de su esencia rústica y festiva.
Desde el momento en que los músicos pisaron las tablas, quedó claro que la formación actual atraviesa un auténtico estado de gracia. Jonne Järvelä, carismático líder de melena salvaje e indumentaria de alquimista imposible, se erigió en maestro de ceremonias de una auténtica «celebración pagana», que arrancó con la potencia de Hunting Song y la ya emblemática Wooden Pints. Su voz, curtida en mil batallas y madurada en barrica de roble, no se limitó a sostener las canciones: su presencia escénica —saltando con la guitarra, dirigiendo los coros del público— eliminó cualquier distancia física entre la banda y la audiencia.
La sección instrumental fue un despliegue de virtuosismo orgánico. Sami Perttula, al acordeón, y Tuomas Rounakari, al violín, acapararon gran parte del protagonismo. Verlos interactuar es comprender el alma misma de Korpiklaani: mientras Sami imprime ese ritmo de polca metalera que obliga a mover los pies, Tuomas eleva el conjunto con arreglos que evocan los paisajes míticos del Kalevala. La reciente incorporación de Olli Vänskä ha reforzado aún más esta faceta, creando una auténtica pared de cuerdas y fuelles que suena atronadora y genuina, demostrando que la banda no necesita pistas pregrabadas para resultar densa y vibrante.
A medida que el setlist avanzaba, el grupo fue desgranando los tres pilares de su identidad. La vertiente más mística y ancestral brilló en temas como Ämmänhauta y la hipnótica Leväluhta, donde el ritmo se vuelve más pesado y las letras nos transportan a las leyendas de los bosques finlandeses. En esos momentos, la sala Salamandra parecía guardar un silencio reverencial, roto solo por los aplausos ante la complejidad técnica de Jarkko Aaltonen al bajo, quien, con su sobriedad habitual y su barba kilométrica, cimentaba una base rítmica inquebrantable junto a la batería.
La presentación de su último álbum, Rankarumpu, aportó cortes como Aita, Kalmisto y la frenética Saunaan, canciones que mantienen intacto el pulso joven y vigoroso del grupo y que encajan a la perfección con los clásicos de siempre. La entrega de los guitarristas, especialmente la de Kalle «Cane» Savijärvi, fue impecable: riffs que beben directamente del heavy metal más puro, pero que se entrelazan con las melodías folclóricas de un modo casi mágico.
El punto de inflexión hacia la locura colectiva llegó con la versión de Gotta Go Home (original de Boney M.), que desató un mosh pit discotequero tan masivo como inesperado y arrancó sonrisas cómplices entre los asistentes, confirmando que Korpiklaani no teme lo lúdico ni lo imprevisible.
La interacción con el público de L’Hospitalet y Barcelona fue constante y sincera. Jonne se acercaba una y otra vez al borde del escenario para chocar manos y compartir miradas de júbilo, mientras la banda agradecía entre canción y canción la energía de una sala que colgó el cartel de «sold out». El tramo final fue un ascenso imparable hacia el paroxismo festivo: Viima y Metsämies prepararon el terreno para un cierre apoteósico. Cuando los primeros acordes de Vodka retumbaron en la Salamandra, el recinto se convirtió en un caos controlado de saltos, brindis al aire y sudor compartido.
Al terminar, con los músicos exhaustos pero sonrientes despidiéndose desde el escenario, me quedó la sensación de haber asistido a algo más que un concierto de metal. Fue una auténtica fiesta de pueblo finlandesa trasladada al corazón de la ciudad, un recordatorio de que, a través de la música, los bosques ancestrales y las tabernas eternas siempre están a nuestro alcance.
Epica en Barcelona: “En lo mas alto del metal sinfonico”
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La encargada de abrir la noche en Razzmatazz fue Charlotte Wessels, presentando su etapa en solitario ante un público que fue entrando poco a poco en la sala. Su actuación se movió en un terreno más contenido y melódico, con un repertorio centrado en su material propio. Canciones como “Chasing Sunsets” y “Dopamine” marcaron el inicio del concierto, dejando claro el protagonismo de su voz y una puesta en escena sencilla, apoyada por una banda sólida y bien compenetrada.
A continuación fue el turno de Amaranthe, que salieron al escenario con una producción visual muy marcada y un ritmo alto desde el primer momento. La intro dio paso a “Fearless”, con la sala ya completamente activa, y desde ahí el grupo sueco mantuvo un concierto muy dinámico, con cambios constantes de vocalistas y una ejecución muy sincronizada. Temas como “Viral” y “Digital World” reforzaron ese enfoque directo y energético que caracteriza su propuesta en directo.
El trío vocal volvió a ser uno de los ejes del concierto, alternando registros limpios, agresivos y melódicos a lo largo del set. Canciones como “The Catalyst” mantuvieron la intensidad alta, mientras que “Amaranthine” ofreció un momento más calmado, primero en una versión reducida y posteriormente con la banda al completo. El tramo final llegó con “The Nexus” y “That Song”, cerrando un concierto muy enfocado en el impacto visual y la conexión constante con el público.
Con el escenario ya preparado para el último tramo de la noche, Epica tomaron posiciones ante una Razzmatazz llena. La banda neerlandesa arrancó su concierto con “Apparition” y “Cross the Divide”, estableciendo desde el inicio un sonido contundente y bien equilibrado entre guitarras, base rítmica y elementos sinfónicos. La puesta en escena fue sobria, con la atención centrada en la interpretación y en el desarrollo del repertorio.
A lo largo del set, Epica fueron alternando material reciente con clásicos muy conocidos. Sonaron temas como “Martyr of the Free Word”, “Unleashed” y “The Grand Saga of Existence”, manteniendo un ritmo constante y una ejecución muy precisa. Simone Simons se mostró firme durante todo el concierto, respaldada por los coros y las voces de Mark Jansen e Isaac Delahaye, que aportaron matices sin perder claridad en el conjunto.
El concierto también tuvo espacio para un cambio de dinámica con “Tides of Time”, interpretada en formato reducido con piano, creando un momento más contenido dentro del set. Más adelante llegó “Sirens – Of Blood and Water”, con la colaboración de Charlotte Wessels, que regresó al escenario para compartir voces con Simone Simons en uno de los temas incluidos en Omega. La respuesta del público fue inmediata, con una ovación clara al finalizar la canción.
En la parte final del concierto llegaron algunos de los temas más esperados por los seguidores de la banda. “Never Enough” y “Cry for the Moon” fueron recibidas con gran entusiasmo, antes de cerrar el set con “Beyond the Matrix”. Epica mantuvieron un sonido sólido y una interpretación constante hasta el último tema, completando su actuación en Barcelona dentro de una noche marcada por el metal sinfónico y las grandes producciones.
Adrián Barilari se presenta en Buenos Aires este febrero
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Adrián Barilari, la legendaria voz de Rata Blanca, vuelve a presentarse en solitario en la ciudad de Buenos Aires.
En esta ocasión será el Café Berlín de Villa Devoto el que el 10 de febrero se vestirá de gala para recibir a Adrián Barilari, presentando su último trabajo Canciones Doradas II, un recorrido musical lleno de clásicos de todas las épocas que han marcado generaciones.
Esta es una gran oportunidad para disfrutar en una velada íntima de una de las voces más emblemáticas del rock en castellano.
Como dijimos antes, la cita será el 10 de febrero en Café Berlín de Villa Devoto. El show comienza a las 20:45 puntual.
Este viernes comienza la gira de Desaster en España
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La legendaria banda germana de black/thrash metal Desaster está haciendo parada en España esta semana dentro de su gira europea 2026, presentando su repertorio más crudo y fiel a las raíces del metal más extremo. La formación originaria de Alemania, activa desde finales de los años 80, ha incluido tres fechas consecutivas en nuestro país como parte de su A Touch of Medieval Darkness Tour enfocada en sus clásicos de siempre y material representativo de su trayectoria.
La gira en España comienza este 6 de febrero en Barcelona, con la actuación programada en Jockers House, donde el sonido más agresivo y los riffs clásicos del grupo se mezclaron con la respuesta del público metalero local. La visita continúa con una segunda fecha el 7 de febrero en Madrid, en la Sala Nazca, y concluye el 8 de febrero en Valencia, en Sala Zulu, completando así un tramo intenso de shows en tres grandes ciudades españolas.
Formados en 1989, Desaster mantienen una carrera sólida en la escena del metal underground y son conocidos por su entrega constante sobre los escenarios y un estilo que honra las décadas iniciales del thrash y black metal. La gira española se presenta como una oportunidad para escuchar en vivo temas que han forjado su reputación dentro del circuito extremo europeo y consolidar aún más su relación con el público local.
Las entradas para estas fechas estuvieron disponibles tanto online como en puntos de venta físicos antes de las actuaciones, y el repertorio ha incluido una selección representativa de su carrera con énfasis en cortes que los seguidores más veteranos han reclamado en directo.
Buenos Aires se afirma como un territorio fundamental para el rock, el metal y el punk, con una agenda de recitales que crece y se fortalece a medida que avanza el año. Las salas y escenarios de la ciudad vibran con shows intensos y cargados de energía, donde las guitarras filosas y los golpes rítmicos marcan el pulso de cada noche. Este momento del calendario se caracteriza por giras consistentes y una amplia variedad de propuestas, creando un ambiente cercano y apasionado en el que artistas y público se encuentran cara a cara, reafirmando a estos estilos como ejes centrales de la música en vivo.
My Chemical Romance + The Hives Fecha: 1 de Febrero en Buenos Aires.
Avenged Sevenfold + Mr. Bungle Fecha: 3 de Febrero en Buenos Aires. Enforcer Fecha: 5 de Febrero en Buenos Aires.
Weather Systems Fecha: 6 de Febrero en Buenos Aires. Rivers of Nihil Fecha: 6 de Febrero en Buenos Aires.
Arde La Sangre Fecha: 7 de Febrero en Buenos Aires. O’connor + Darlotodo Fecha: 7 de Febrero en Buenos Aires.
Otra Salida + Worst Fecha: 7 de Febrero en Buenos Aires. Suicidal Tendencies – Madball Fecha: 8 de Febrero en Buenos Aires.
Marky Ramone Fecha: 10 de Febrero en Buenos Aires. Adrian Barilari Fecha: 10 de Febrero en Buenos Aires.
Psychonaut 4 Fecha: 12 de Febrero en Buenos Aires. Tribulation Fecha: 13 de Febrero en Buenos Aires.
Jezabel + Astral + Blacktorch Fecha: 14 de Febrero en Buenos Aires. Furia Metal Fest Fecha: 14, 15 y 16 de Febrero en Zarate.
David Ellefson Fecha: 14 de Febrero en Buenos Aires. Obituary Fecha: 18 de Febrero en Buenos Aires.
Elnueveonce Fecha: 19 de Febrero en Buenos Aires. Void Signal Vol. 1 Fecha: 20 de Febrero en Buenos Aires.
Buenos Aires Metal Fest II Fecha: 21 de Febrero en Buenos Aires. Fiddlehead + Rival Schools Fecha: 8 de Febrero en Buenos Aires.
Living Colour Fecha: 24 de Febrero en Buenos Aires. Alesana Fecha: 26 de Febrero en Buenos Aires.
Human Tetris Fecha: 27 de Febrero en Buenos Aires. Gene Loves Jezebel Fecha: 28 de Febrero en Buenos Aires.
Una de las bandas más importantes en la historia del heavy metal en español, como son los madrileños Saratoga, continúan arrasando los escenarios con su gira 2026 y tras conquistar el nuevo espacio de Live Las Ventas, ahora le toca el turno al sur de nuestro país, donde se les espera con muchas ganas.
Bush estrena el videoclip de “I Am Here To Save Your Life”
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Tras su fantástico paso por España el año pasado junto a Volbeat, los rockeros británicos Bush han estrenado “I Am Here To Save Your Life”, último single extraído de I Bet Loneliness, su más reciente trabajo de estudio y donde siguen manteniendo esa fuerza y emoción que los ha caracterizado siempre.
Los folk metaleros suizos Eluveitie han confirmado una nueva y extensa gira europea, donde estarán presentando su último y magnifico trabajo Ánv, además de sus grandes éxitos que los han convertido en uno de los grupos punteros dentro de su estilo.
Gracias a Route Rsurrection, podremos disfrutar de la magia que despliega Fabienne Erni sobre las tablas junto a sus compañeros y que además vendrán acompañados por Pain y Wolfheart, en las siguientes fechas:
01 de Diciembre – Madrid – La Riviera (+ Pain + Wolfheart)
02 de Diciembre – Barcelona – Razzmatazz (+ Pain + Wolfheart)
Las entradas estarán disponibles a partir del próximo miércoles 4 de febrero AQUÍ.
Desde las profundidades de Italia emerge Moon Wisdom, un trío que con su álbum debut Let Water Flow demuestra que en el black metal contemporáneo, la contención puede ser devastadora. Este ritual de 29 minutos, lanzado el 16 de enero de 2026 a través de Hypnotic Dirge Records, es una declaración de principios: aquí no hay excesos innecesarios, solo oscuridad destilada y propósito inquebrantable.
Faith (voces, bajo, sintetizador), Kaelos (guitarras, bajo, voces secundarias) y Hexis (batería) han forjado un disco que respira con el espíritu ancestral de la segunda ola del black metal. Las sombras de Immortal, Darkthrone, Mayhem y Dissection acechan en cada rincón, pero Moon Wisdom no se conforma con ser meros discípulos. En cambio, toman esa herencia y la refinan hasta convertirla en algo que se siente tanto reverente como personal.
Lo que distingue al contenido de este material es su disciplina. Cada nota parece colocada con intención deliberada, cada sección construida para maximizar la tensión en lugar de simplemente abrumar con velocidad. “Ashen Winds” ejemplifica esta filosofía con su interacción entre riffs inquietantes y pasajes demoledores. Las voces de Faith son particularmente efectivas, sonando exhaustas y amargas, como una presencia espectral que acecha desde las sombras de la mezcla.
“Frozen Soul”, la canción más larga con 5:47, es donde la banda coquetea con el blackgaze. El bajo toma protagonismo en una exhibición melancólica que invita a la contemplación hipnótica, demostrando la paciencia compositiva que caracteriza al disco.
Pero es “Dark Shades” donde Moon Wisdom alcanza su punto más alto. Con 6:31 de duración, conviven todos los elementos que hacen grande a la banda: cambios dinámicos entre brutalidad y delicadeza, hay muy buenos solos de Kaelos, un trabajo de batería versátil de Hexis que va desde blast beats furiosos hasta juegos de platillos impredecibles, y las voces de Faith que alcanzan niveles de intensidad hasta llegar a lo visceral. Es black metal épico sin caer en lo pretencioso.
El álbum cierra con “Lullaby of Woods”, un interludio dominado por violín que aporta melancolía misteriosa, aunque también deja una sensación agridulce: justo cuando la banda alcanza su máximo potencial, el disco termina.
Esta brevedad es tanto la mayor fortaleza como la debilidad más notable. Hace que el álbum sea inmediatamente re-escuchable, combatiendo la “fatiga metálica” de discos extremos excesivamente largos, pero también expone ciertas inconsistencias compositivas. Las proclamadas influencias de punk y blackgaze son más sutiles de lo esperado, manteniéndose el disco firmemente en territorio black metal tradicional.
Para los fanáticos de Vinterland, Dödsrit o Lamp of Murmuur, Let Water Flow es una escucha esencial que refina admirablemente el género, recordándonos que a veces lo más pesado es desacelerar y dejar que la corriente arrastre todo bajo la superficie.
Kim Dracula en Barcelona: “El Diablo de Tasmania arrasó con la sala Razzmatazz”
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El pasado 27 de enero asistimos a uno de los conciertos que considero que ha pasado más desapercibido debido al gran número de shows que tenemos en este inicio de 2026. Kim Dracula visitaba Barcelona después de su paso por Madrid con su propuesta de Metal difícilmente etiquetable y un show que recordaré mucho tiempo.
Abría la velada la banda Vowws. El duo australiano presentó su mezcla de Dark Pop con Electrónica y algo de Rock. Un concierto en el que eché de menos escuchar más las voces ya que la guitarra y las distintas pistas solapaban bastante a ambos miembros del grupo. Media hora de repaso a sus temas más conocidos que animaron al público que presentaba una buena entrada en la ciudad condal.
Y a eso de las 21h se abrió un pasillo entre el público para dar la bienvenida a la estrella de la noche. Kim Dracula llegaba abriéndose paso hacia el escenario para hacer de Razzmatazz su escenario particular. Desde un primer momento quedó claro que no estábamos ante un concierto más. “Land Of The Sun” ponía Razzmatazz patas arriba y daba comienzo a un repertorio de más de 20 canciones incluyendo “Industry Secrets”, “Make Me Famous” o la más reciente “In Threes”. También pudimos disfrutar de diversos covers de leyendas como Pearl Jam, Santana, la BSO de James Bond… no faltó de nada.
El alto nivel de todos y cada uno de los componentes de la banda permite a Kim desplegar toda su creatividad y hacer de su show una experiencia única. Mezclando elementos de Metal Industrial, Nu Metal, Jazz, Deathcore, etc hacen de su música una mezcla que agrupa fans con backgrounds musicales de todo tipo. Si a eso le sumamos un excelente sonido y un frontman que poco tiene que envidiar a otros referentes de la escena actual, nos queda un concierto que afianza a Kim Dracula como una de las bandas a tener en cuenta para los próximos años dentro de la escena del Metal.
Cryptopsy traerá su poderoso directo a España muy pronto
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Uno de los emblemas del death/tharsh metal canadiense Cryptopsy ya están inmersos desde hace unas semanas en su nueva y extensa gira europea, donde nos volverán a mostrar su incendiario sonido gracias a Madness Live.
La gira será muy especial ya que la banda estará celebrando las primeras tres décadas de None So Vile, seguramente el mejor y más emblemático disco que han hecho Cryptopsy en su carrera hasta la fecha.
Las fechas confirmadas en nuestro país son las siguientes:
10 de Febrero – Barcelona – Sala Wolf (+ 200 Stab Wounds + Inferi + Corpse Pile)
11 de Febrero – Madrid – Revi Live (+ 200 Stab Wounds + Inferi + Corpse Pile)
12 de Febrero – Bilbao – Santana 27 Blue (+ 200 Stab Wounds + Inferi + Corpse Pile)
Espectacular performance de Spiritbox en los Grammy.
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Durante la jornada del domingo 1ro de febrero se entregaron los míticos premios Grammy, considerados para muchos artistas como la cúspide de a lo que una banda podría apelar en cuanto a premiaciones. A pesar de ello, el metal ha sido historicamente marginado por esta celebración, al punto de que la revelación a la mejor performance de metal del año se ejecuta en la antesala del evento y no en el momento principal.
Sin embargo, en esta última ocasión hemos tenido la suerte de tener en vivo a una de las bandas sensación del momento para educar a los refinados allí presentes: los canadienses Spiritbox. Y eso, parece haber sido la única dosis de metal que tuvo la noche puesto que, fiel a su costumbre, los Grammy de la categoría metal fueron para Turnstile, una banda de hardcore punk…
En un gala en la que mejor no ser premiado que si, donde lo que resalta es la música mainstream mas superflua habida y por haber, ver a una banda de metal tocando allí es todo un hito. Para esta ocasión los canadienses hicieron una gran elección de su repertorio, la excepcional “Soft Spine”. (video de The Mosh NetWork)
Cole Rolland nos sorprende con “Breathing” junto a una invitada muy especial
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El popular y talentoso artista canadiense Cole Rolland ha publicado el videoclip de su nueva canción “Breathing”, un moderno corte cercano a bandas como Dead By April o Blind Channel y para cual el músico ha contado con la colaboración especial ni más ni menos que de Alissa White-Gluz, musa del metal canadiense y conocida por haber formado parte de bandas tan importantes como The Agonist y Arch Enemy, amén de ser una de las mejores voces que el metal ha dado en estos últimos tres lustros.
Anette Olzon volverá a España con una fecha muy importante e irrepetible
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En la que ha sido una de las sorpresas de comienzo de febrero, la vocalista sueca Anette Olzon ha anunciado una gira europea, donde (para hacer mayor la sorpresa) interpretará lo mejor de su etapa en Nightwish, es decir, cantará gran parte de los discos Dark Passion Play e Imaginaerum, así como otras canciones reconocidas de su etapa solista.
Habrá más información próximamente, así que sigan a la artista en sus redes sociales, para no perderos detalle de esta gira que promete ser inolvidable.
I Promised The World – I Promised The World EP (2026)
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EP “debut” de los estadounidenses I Promised The World, editado este 16 de enero a través de Rise Records. Las comillas ahí se deben a que estos texanos están lejos de ser una banda nueva, porque se hicieron conocidos con Fear Of The Fall, el álbum que editaran en 2024 bajo el nombre Sinema. Aquel álbum fue muy bien recibido, pero en mayo de 2025 el grupo anunció que había decidido cambiarse el nombre, argumentando que había demasiadas bandas llamadas de esa manera. Que este fuera el segundo cambio de nombre en la historia del grupo de la ciudad de Denton no parece haber sido tan comentado, aunque sospecho que eso será porque “Sw!tch” era un nombre horrible desde el inicio.
Más allá del cambio de nombre, esta nueva etapa en la carrera de los ahora I Promised The World no marca grandes cambios con respecto a aquel álbum debut. Como pasara en Fear Of The Fall, I Promised The World muestra al grupo en la misma línea de metalcore “nostálgico”. Puede que suene extraño porque el metalcore nunca se fue, pero ya desde el primer segundo está clara la diferencia: mientras en el metalcore más moderno son más obvias las influencias de estilos como el djent o incluso el nu metal, I Promised The World beben directamente de esa ola de metalcore melódico que se hiciera popular a principios y mediados del nuevo milenio, al punto tal de que estoy sorprendido que este EP haya salido de verdad este año y que no sea en realidad un disco perdido de un MySpace del 2008 que fuera recuperado a través de la magia de la Internet.
La inicial “Proud” arranca con una intro acústica y se mantiene con un estilo más “medio tiempo” de lo normal, un contexto donde I Promised The World aprovechan para mostrar algunas de sus influencias más Deftones, no sólo con la mezcla entre las guitarras ultra pesadas y la dualidad de voces gritadas y limpias (sobre todo ese estilo específico de voces limpias) sino también directas, porque hacia el minuto 2:31 una de las secciones vocales melódicas me dio un deja vu a “Sextape”. Ese fue un buen momento, y toda la canción funciona muy bien, aunque no sé si la hubiera puesto al inicio.
Las influencias deftonianas se repiten en “A Pure Expression”, aunque acá ya dan la primera patada con una intro bien hardcore de toque Killswitch Engage y unos breakdowns como para hacerse el karateca en el mosh. Y junto en el medio tenemos “Bliss In 7 Languages”, que los tiene metidos de lleno en el sonido de ese primer metalcore melódico, aquel que ya había marcado claramente una línea diferente del death melódico pero que en muchos casos seguía sonando como un rejunte de bandas de post hardcore queriendo tocar riffs de At The Gates, en especial la sección media con el spoken word seguido de las voces limpias y los riffs ultra melódicos.
“Future Worth Dying For” sigue en esa onda, aunque ahora con otra introducción lenta y melódica que de repente explota en un breakdown que la hace parecer como una canción perdida de Underoath de la época de They’re Only Chasing Safety. ¿Robo? Para nada, ese es un sonido que me gusta mucho y que creo que I Promised The World tienen bien estudiado e implementado. Y ya que estamos, la final “Emerald Waltz” es lo más cercano a una “balada” que vamos a tener acá, manteniendo la dualidad de voces y los riffs “épicos” pero con una velocidad más lenta y llevando las guitarras a un nivel de melosidad melódica que de alguna manera logran que funcione, con esa parte cerca del final
Este EP es un lanzamiento muy sólido, y donde por suerte la nostalgia no es lo único que lo mantiene a flote porque se nota que I Promised The World tienen bien en claro que las canciones están primero que todo. Buen sonido, buenas voces, riffs que dan ganas de estar en un Warped Tour en 2006 y breakdowns br00tales. ¿Son originales? Poco y nada, pero se nota que el grupo no sólo gusta de ese sonido sino que también lo conoce profundamente y sabe lo que funciona. Esperemos a ver cómo serán las cosas con un disco completo, pero vayan sabiendo que estaré a la espera con ansias para escucharlo.
Dinamarca se posiciona como un punto clave para el rock, el metal y el punk, con una programación de conciertos que va tomando impulso conforme avanza el calendario. Los escenarios del país se llenan de actuaciones potentes y enérgicas, donde los riffs intensos y los ritmos contundentes dominan la experiencia en vivo. Esta etapa del año destaca por la solidez de las giras y la diversidad de propuestas, generando un clima de cercanía y entusiasmo en el que bandas y público refuerzan su vínculo, consolidando estos géneros como pilares fundamentales de la música en directo.
Paradise Lost + Saturnus + Cwfen Fecha: 8 de Febrero en Copenhague.
Airbourne + Asomvel Fecha: 9 de Febrero en Copenhague.
Avatar + Alien Weaponry + AGABAS Fecha: 10 de Febrero en Copenhague. Omnium Gatherum + Fallujah + In Mourning Fecha: 11 de Febrero en Copenhague.
Ereb Altor + Skyforger + Wolfchant + Belore Fecha: 11 de Febrero en Copenhague.
Terrorpy + Lightchapter + He Who Saw The Abyss Fecha: 14 de Febrero en Copenhague. Lorna Shore + Whitechapel + Humanity’s Last Breath + Shadow of Intent Fecha: 15 de Febrero en Copenhague.
Powerwolf + Hammerfall + Wind Rose Fecha: 19 de Febrero en Copenhague.
Xasthur + Lukas Häger + Pafund Fecha: 21 de Febrero en Copenhague. Igorrr Fecha: 22 de Febrero en Copenhague.
Soen + Xandria + Vulkan Fecha: 23 de Febrero en Copenhague.
Sanguisugabogg + Fulci + Gates To Hell + Celestial Sanctuary Fecha: 26 de Febrero en Copenhague.
Amaranthe y Epica unen fuerzas en una noche épica en Copenhague
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Las reconocidas bandas Amaranthe y Epica llegarán a Copenhague para ofrecer un show conjunto que promete ser uno de los más destacados del mes para los amantes del metal moderno y sinfónico. Dos propuestas diferentes pero complementarias se encontrarán en un mismo escenario, combinando potencia, melodía, arreglos orquestales y una puesta en escena de alto nivel.
El concierto se realizará el 10 de marzo en Poolen, y contará además con Charlotte Wessels como banda telonera. La ex vocalista de Delain presentará su proyecto solista, aportando una atmósfera más introspectiva y moderna antes del plato fuerte de la noche.
Por un lado, Amaranthe desplegará su característico cruce entre metal melódico, electrónica y pop moderno, mientras que Epica hará gala de su imponente metal sinfónico, con coros épicos, pasajes orquestales y la inconfundible voz de Simone Simons. La combinación de ambas bandas convierte a esta fecha en una cita imperdible para públicos diversos dentro del metal europeo.
Ir de Bratislava a Praga para cubrir a Lorna Shore tenía un punto especial, primer cobertura para Track To Hell (si bien ya he acompañado a nuestro fotógrafo y jefe en otros viajes y conciertos) era mi primera vez en Praga haciendo una cobertura, una experiencia que marcó el pulso de toda la jornada desde el arranque. El recinto, amplio y bien acondicionado, presentó una entrada más que notable, rondando las 4.000–4.300 personas, y con una organización impecable por parte de Rock for People, que facilitó el trabajo incluso cuando todo parecía torcerse al principio.
El tráfico nos dejó fuera del arranque del bolo y Humanity’s Last Breath cayó entero por el camino. Para colmo, con Shadows of Intent solo llegamos a ver media actuación: la seguridad, sin manejar inglés, no supo indicarnos el acceso correcto para fotógrafos y cronistas. Una pena, porque lo poco que se pudo escuchar dejaba claro que el nivel estaba alto desde bien temprano, con un sonido denso y técnico que prometía una noche muy seria.
Whitechapel salieron con todo y sonaron absolutamente demoledores, con un set centrado en repartir groove, peso y mala leche sin concesiones. Temas como “Brimstone”, “Hickory Creek” o “The Saw Is the Law” (según el setlist que vienen manejando en esta gira) cayeron como yunques, pero el público se mostró sorprendentemente frío. Solo un pequeño grupo de fans intentó agitar el ambiente, mientras el resto observaba con cierta distancia pese a la tremenda actuación de los de Tennessee.
Todo cambió cuando Lorna Shore pisaron el escenario. Desde los primeros compases de “Oblivion” y “Unbreakable” la sala explotó, con el público completamente entregado, crowdsurfing constante y pogos sin tregua. El set fue un repaso brutal que incluyó “War Machine”, “Sun//Eater”, “Cursed to Die” o “In Darkness”, demostrando por qué la banda está en uno de los puntos más altos de su carrera, con una ejecución técnica impecable y una respuesta masiva desde la pista.
El tramo final fue directamente apoteósico con “Pain Remains I: Dancing Like Flames”, “Pain Remains II: After All I’ve Done, I’ll Disappear” y “Pain Remains III: In a Sea of Fire”, todas de Pain Remains, acompañadas de un impresionante despliegue de pirotecnia que elevó aún más la intensidad del show. El cierre con “To the Hellfire” puso el broche a una actuación arrolladora, confirmando que en Praga Lorna Shore jugaron de visitante y salieron victoriosos.
Tribulation tendrá un refuerzo brasileño para sus shows en Latam
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La banda sueca Tribulation llega a Argentina con una sorpresa de lujo para su gira sudamericana: la baterista brasileña Luana Dametto se suma al lineup en reemplazo de Oscar Leander, quien se ausenta por motivos personales.
Luana, reconocida por su paso demoledor por Nervosa y su rol actual en Crypta y Chaos Rising, aportará toda su técnica agresiva y energía para cubrir desde los clásicos como The Horror hasta su reciente Where the Gloom Becomes Great. La agrupación celebró la incorporación, resaltando su talento para encarar las intensas fechas del continente.
El 13 de febrero explotan en Uniclub, prometiendo una descarga gótica y deathrockera tras ocho años sin pisar Latinoamérica.
Las entradas están disponibles a traves de AlPogo.com
Durante febrero, España mantiene viva la efervescencia del rock, el metal y el punk, con una agenda de conciertos que gana fuerza a medida que avanza el año. Las salas continúan vibrando con directos intensos y sonidos contundentes, donde las guitarras afiladas y las baterías implacables marcan el pulso de la escena. Este mes se caracteriza por una mayor consolidación de giras y propuestas, creando un ambiente apasionado y entregado en el que público y artistas comparten una conexión cada vez más sólida, reafirmando estos estilos como esenciales dentro de la música en directo.
Tarja + Marko Hietala Fechas: 2 de Febrero en Madrid y 3 de Febrero en Barcelona.
President Fechas: 3 de Febrero en Valencia y 4 de Febrero en Madrid
Biffy Clyro Fechas: 3 de Febrero en Valencia y 4 de Febrero en Madrid
Smith & Kotzen Fechas: 3 de Febrero en Madrid y 4 de Febrero en Barcelona
Paleface Swiss + Stick To Your Guns + Static Dress Fechas: 3 de Febrero en Madrid y 4 de Febrero en Barcelona
Napalm Death + Whiplash + Varukers Fechas: 4 de Febrero en Pamplona y 5 de Febrero en Madrid. The Cost Fechas: 5 de Febrero en Madrid, 6 de Febrero en Valencia y 25 de Febrero en Barcelona.
Brainstorm + Glasya Fechas: 5 de Febrero en Valladolid, 6 de Febrero en Madrid, 7 de Febrero en Badalona y 8 de Febrero en Vitoria.
Desaster Fechas: 6 de Febrero en Barcelona.
Sylosis + Revocation + Distant + Life Cycles Fechas: 7 de Febrero en Barcelona y 8 de Febrero en Madrid.
Jinjer + Unprocessed + Textures Fechas: 7 de Febrero en Madrid y 8 de Febrero en Bilbao.
Megara + Astray Valley Fechas: 7 de Febrero en Barcelona y 13 de Febrero en Madrid. Alterbridge + Daughtry + Sevendust Fechas: 8 de Febrero en Barcelona y 12 de Febrero en Madrid. Lion’s Law + First Attack + No Time Fechas: 10 de Febrero en Madrid, 11 de Febrero en Vitoria y 12 de Febrero en Barcelona.
Cryptopsy + 200 Stab Wounds + Inferi + Corpse Pile Fechas: 10 de Febrero en Barcelona, 11 de Febrero en Madrid y 12 de Febrero en Portugalete.
Burning Witches + Hammer King Fechas: 11 de Febrero en Barcelona, 12 de Febrero en Murcia, 13 de Febrero en Madrid y 14 de Febrero en Vitoria. Koma Fecha: 13 de Febrero en Málaga. Mayhem + Marduk + Immolation Fecha: 15 de Febrero en Madrid. All Time Low + Mayday Parade + Four year strong Fechas: 15 de Febrero en Barcelona y 16 de Febrero en Madrid. Satan + Hellgrimm Fechas: 19 de Febrero en Barcelona, 20 de Febrero en Valencia, 21 de Febrero en Madrid y 22 de Febrero en Portugalete.
Avatar + Alien Weaponry + Witch Club Satan Fechas: 24 de Febrero en Barcelona, 25 de Febrero en Madrid y 28 de Febrero en Portugalete.
El regreso de Textures no es solo una novedad discográfica: es un reencuentro con una era. Para quienes crecimos con el surgimiento del djent y el metal progresivo moderno, Textures fue parte de esa primera camada junto a Tesseract y Periphery que cambió las reglas del juego. Después de Phenotype (2016) y un silencio larguísimo, Genotype aparece como un disco de vuelta al ruedo, no como una despedida, sino como una reafirmación.
El álbum muestra una banda más enfocada en la melodía, el clima y la canción. Siguen estando los riffs angulares y los grooves mecánicos, pero ahora conviven con sintetizadores espaciales y estructuras más abiertas. “At the Edge of Winter” funciona como carta de presentación y regreso en grande: moderna, épica y accesible, con un estribillo pensado para quedarse. El cruce vocal con Charlotte Wessels (Delain) le suma una dimensión especial al tema, generando un diálogo que potencia el dramatismo y refuerza ese costado más atmosférico que atraviesa todo el disco.
A partir de ahí, el álbum se mueve entre pasajes más densos y otros más contemplativos, como “Vanishing Twin”, “Measuring the Heavens” o “A Seat for the Like-Minded”, donde Textures prioriza el groove, el espacio y la construcción de climas por sobre la demostración técnica.
El gran eje del disco es Daniel de Jongh. Sus voces limpias dominan Genotype y lo hacen con mucha personalidad. Los guturales aparecen menos que en otras etapas, pero cuando entran —especialmente en “Closer to the Unknown”— recuerdan que Textures sigue siendo una banda pesada. Instrumentalmente, el nivel es altísimo: Stef Broks vuelve a demostrar por qué su forma de tocar batería fue clave en el desarrollo del género, los riffs mantienen identidad y los teclados aportan una profundidad real, no decorativa.
No todo fluye perfecto. Hay finales que se estiran más de la cuenta y algunas decisiones que le quitan impacto a momentos que ya habían dicho todo lo que tenían para decir. “Walls of the Soul”, por ejemplo, alcanza un clímax enorme, pero luego pierde fuerza en su tramo final.
Escuchado desde la nostalgia, Genotype funciona como un puente directo a aquellos años donde el metal moderno se sentía nuevo y desafiante. Escuchado desde el presente, es un disco sólido, bien producido y coherente, aunque más contenido y menos arriesgado que el Textures más salvaje. No busca reinventar el género, pero sí confirma que la banda sigue viva, con identidad y con algo para decir después de tantos años de silencio.
Jinjer regresará a Copenhague con su potencia arrolladora
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La banda ucraniana Jinjer vuelve a sacudir Dinamarca con un esperado show en Copenhague, reafirmando su lugar como una de las propuestas más contundentes y versátiles del metal moderno. Con una identidad marcada por la fusión de groove metal, progresivo y pasajes extremos, el cuarteto liderado por Tatiana Shmayluk promete una noche intensa, cargada de técnica, agresión y cambios de clima que ya son su sello distintivo.
El concierto tendrá lugar el 1 de marzo en Amager Bio, una fecha clave para los seguidores de la banda en la región. Como parte de esta velada, Jinjer estará acompañado por Unprocessedy Textures, dos nombres que aportarán matices modernos y progresivos, calentando el terreno para una noche de alto voltaje sonoro.
Con una discografía sólida y una reputación ganada a fuerza de shows demoledores, Jinjer continúa expandiendo su alcance internacional, demostrando que el metal pesado sigue evolucionando sin perder fuerza ni identidad. Este concierto se perfila como una cita imperdible tanto para fans de larga data como para quienes buscan experiencias intensas en vivo.
Radar Festival: tres días donde la música alternativa marca el rumbo
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El festival Radar, centrado en la música alternativa contemporánea y moderna, reveló un cartel cargadísimo para su edición de este año. El festival, que se celebra durante tres días en formato indoor, tendrá lugar en dos escenarios dentro del icónico O2 Victoria Warehouse de Manchester, del 31 de julio al 2 de agosto, y todo apunta a que esta será su edición más grande y ambiciosa hasta la fecha.
El cartel definitivo está repleto de algunas de las bandas más emocionantes y creativas del panorama metal y alternativo actual. La primera jornada es ideal para quienes buscan sonidos más extremos, con Thy Art Is Murder llevando al escenario sus potentes riffs de deathcore y voces abrasivas. Los grupos de apoyo no se quedan atrás, con bandas igual de contundentes como Chelsea Grin y Graphic Nature. Si te perdiste a alguna de ellas en sus giras recientes, Radar ofrece una excelente oportunidad para verlas en directo. Además, el festival es un espacio perfecto para descubrir talento emergente, con destacados como los metalcore locales Sixth Wonder, que harán su debut en Radar este año.
La segunda jornada mantiene un nivel igual de alto, encabezada por los legendarios Skindred, que desplegarán su inconfundible mezcla de reggae y nu metal, garantizando una auténtica fiesta. El día dos también contará con nombres de peso como Northlane y Siamese, convirtiéndose en una cita imprescindible para los fans del metalcore. Radar siempre se ha caracterizado por dar visibilidad a la música alternativa más arriesgada y experimental, y esta edición no es la excepción. Una de las grandes características de Radar, es que apuesta por la sorpresa constante, y ahí radica gran parte de su identidad.
Por último, la tercera jornada está pensada para quienes buscan propuestas más experimentales y progresivas. Radar ha sido, a lo largo de los años, un escaparate clave para este tipo de música, con bandas como Tesseract, Periphery y Sleep Token habiendo pasado por ediciones anteriores. Este año, los instrumentales progresivos Animals As Leaders, ya todo un pilar del festival, regresan como cabezas de cartel, cerrando un día excepcional junto a otros nombres afines como The Pineapple Thief y Voyager.
Aunque Radar es principalmente un festival musical, uno de sus grandes atractivos son sus elementos interactivos. Además de los conciertos, quienes necesiten un respiro del ritmo constante pueden visitar su popular mercado gaming, donde se ofrecen experiencias de juego comunitario, sesiones de juegos de rol de una sola partida, jams de instrumentos en directo y competiciones. También se incorpora un nuevo mercado de instrumentos, pensado para músicos que quieran adquirir hardware de alta gama.
Como experiencia completa, Radar ofrece algo para todo el mundo este año: desde rock alternativo y progresivo, pasando por metal extremo, hasta propuestas totalmente distintas. Si te interesa la cultura pop y la música alternativa, Radar merece un lugar en tu agenda festivalera. Se celebra del 31 de julio al 2 de agosto en el Victoria Warehouse de Manchester, y las entradas aún están disponibles para los tres días aquí, por lo que conviene darse prisa si se quiere vivir la experiencia al completo.
Architects regresa a México para su única fecha en latinoamérica
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Luego de más de 10 años desde la última vez que Architects pisaba tierras mexicanas, este próximo 25 de abril del 2026, el Velódromo Olímpico de la Ciudad de México recibirá a la exitosa banda de metalcore para presentar su última placa The Sky, The Earth & All Between.
Presentado por Music Vibe y acompañados por la banda sueca de harcore punk Thrown esta monumental fecha nos recordará porque la banda inglesa formada en Brighton en 2004 es actualmente uno de los principales referentes de la música pesada mainstream.
Aún con dos andas más por anunciar, los boletos se encuentran ya a la venta a través de la plataforma FunTicket o en taquillas de Forum Buenavista.
El día de hoy se ha dado a conocer una de las noticias más importantes para los amantes del doom metal en México y es que el Candelabrum Metal Fest ha dado a conocer que Warning (no confundir con las regias The Warning), la legendaria banda liderada por el músico británico Patrick Walker (40 Watt Sun), ofrecerá su primer recital en tierras aztecas este próximo 12 o 13 de septiembre en León, Guanajuato.
Como parte de su clásica dinámica de adivinanzas, el festival de metal número uno del Bajío (y también uno de los más importantes del país), publicó el día de ayer una foto de un joven en blanco y negro, contemplando una multitud, haciendo alusión al clásico disco Watching From A Distance, confirmando el día de hoy que la banda originaria de Harlow, Essex se presentará en el marco del festival.
Este proyecto se une a un cartel que crece mes con mes y que ya cuenta con actos esenciales como Lifelover, Bloodbath, Mournful Congregation o Destruction en su roster.
Hace algunos días también se daba a conocer la noticia de que la banda de war metal canadiense Revenge y los nacionales death metaleros Necronos se han unido al cartel.
Hasta el momento el festival se encuentra aún en su primera etapa de venta, con boletos que van desde los $2525 pesos por un día en general, hasta los $5400 por ambos días en VIP, mismos que se pueden conseguir a través de la boletera oficial e.ticket.
CTM & Vitico y los Leones en Buenos Aires: Dos pesos pesados
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Dos colectividades representadas en esta calurosa noche de Buenos Aires. Es que el rock no se toma vacaciones, por eso el vasco ViticoBereciartúa primero y el tano Claudio Marciello después, ambos con sus respectivas bandas, pusieron sobre el escenario toda su experiencia y talento para brindar dos shows de alta factura.
La cita fue en Groove de Palermo, a tan solo pasos de Plaza Italia y, tal como estaba anunciado, a las 19:30 comenzó puntual VITICO Y LOS LEONES. Locura de las huestes del rock que debieron apurar su entrada al recinto. Tal como vienen presentando en esta etapa, las canciones forman parte de su disco en vivo Rock N´Roll (2025), aunque con algunas sorpresas e invitados. Así, los acordes de “Rayo Luminoso” fueron el punto de partida para esta velada. Siguieron otros clásicos de Riff, “Macadam 3,2,1,0” y “Necesitamos Más Accion” de su primera formación; y luego “La Espada Sagrada” y “Ex-Terminador” de su etapa junto a JAF y Moro.
Tras esta primera tanda de canciones, el “Canciller” aprovechó para saludar y presentar a la tremenda banda que conforma. El “Demonio” Pistarelli en guitarra, su hermano el “Pollo” Pistarelli en segunda guitarra y Alejandro Soto en batería. “Yo soy Vitico y juntos somos Los Leones”, dijo el “Vasco” y ejecutaron “En La Ciudad del gran Río” y “No Detenga su Motor”. Un invitado de lujo, el violero Gastón Videla de Viticus, se subió para las siguientes dos canciones: “Sube a mi Voiture” y “Mucho Por Hacer”.
Luego pasaron dos canciones que no solían tocar, como “Es Tarde” y “Parece que Viene Bien”, dos clásicos de la factoría de Vitico de diferentes épocas.
Siguieron las sorpresas de la mano del segundo invitado: nada menos que Nico Bereciartúa, quien se tomó un descanso de su trabajo con los Black Crowes. Se sumó para dos potentes versiones de “Ruedas de Metal” y “Susy Cadillac”.
Para el final, un clásico de Pappo´s Blues, “Sucio y Desprolijo”, con el Demonio en voces y un furioso solo de su guitarra fileteada. Impecable como siempre lo de Vitico y los Leones, que cerraron su set con Groove ya colmado de público y todo listo para el siguiente acto.
A las 21 en punto se volvió a abrir el telón, esta vez para recibir a CTM quienes volvían a tocar en Buenos Aires luego de su exitoso concierto en Obras Sanitarias. Esta vuelta la consigna tenía que ver con presentar su más reciente esfuerzo de estudio, el disco Vive(2025), por eso la canción para iniciar su set fue “Mecha Blanca”. Un gran comienzo de un show que no iba a tener fisuras. A lo largo de la noche se alternaron de manera intercalada canciones de CTM, principalmente del último disco; con otras de Almafuerte de todas las épocas. Así, las siguientes en la lista fueron “Buitres” y “Descartable”. Sonido excelente y la performance de siempre de la banda cuya formación sale de memoria: El Tano Marciello en guitarra y voces; Giuliano Noé en segunda guitarra; Melina Marciello en batería y Leandro Radaelli en bajo y coros.
Continuaron la rotación con un par de Almafuerte: una favorita personal como “Vencer el Tiempo” a la cual le sienta muy bien el tono del Tano en voces y la muy festejada “Debes Saberlo” con Leo en voz; y otras del disco Vive como “Nobleza Obliga” y “Canción de Terror”.
El público aprovechó una breve pausa para canta el feliz cumpleaños al Tano (que había sido el día anterior) y la banda respondió con una canción dedicada a la memoria de Ricardo Iorio y Bin Valencia, “Patria al Hombro”.
Se repartieron voces para “Si Me Acompañas”, con Leo al frente, mientras que Melina se hizo cargo del rol en “Viajeros”, del disco Crudamente (2019) y nuevamente el Tano en “Cada Día”. Del lado de Almafuerte sonaron “De La Escuelita”, “Unas Estrofas Más”, acaso el momento más emotivo del show, y “Sentir Indiano”.
El público en llamas comenzó a cantar “Ésta es la luz de Cristo, yo la haré brillar…” y la banda respondió con “Ser Humano Junto a los Míos” que estaba programada para más adelante. “Nos descajetaron toda la lista”, bromeó el Tano y siguieron con “Huellas”, del disco Emergencias del 2022, luego “El Peso del Tiempo” y una gran versión de “Ojos de Águila” con Leo en voces y Giuliano destacandose en el punteo.
Otro clásico más, “Donde esta mi Corazón” y “Tormentas en la Oscuridad”, de Emergencias, para dar paso a los bises.
Es que no había tiempo para mucho más, por eso el final fue con un póker de canciones imbatibles de Almafuerte, verdaderos clásicos que desataron la euforia de los presentes: “El Pibe Tigre”, “Almafuerte”, “Sirva Otra Vuelta, Pulpero” y finalmente “Toro y Pampa”.
Impecable velada de rock donde dos pesos pesados de nuestra música compartieron cartel y brindaron sendos shows de calidad. Sólo me quedé con ganas de ver al Tano como invitado de los Leones para sumarse en algún tema de Riff… pero todo no se puede y seguro ya habrá oportunidad para que estos próceres compartan escenario.
Daughtry estrena “Antidote” antes de su debut en España
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Daughtry vuelve a demostrar su gran mano a la hora de transmitir emociones y tocar la fibra sensible de sus seguidores con “Antidote”, una hermosa “Power Ballad”, al más puro estilo “It’s Not Over” y que seguramente pondrá los pelos de punta a sus fanáticos cuando hagan su debut en nuestro país acompañando a Alter Bridge y Sevendust en el marco de su nueva gira europea.
Desde Birmingham, Alabama, los metaleros modernos progresivos Erra acaban de estrenar “Further Eden”, el último adelanto de su nuevo disco Silence Outlives The Earth, el cual saldrá al mercado bajo el ala de UNFD Records, el próximo 6 de marzo.
El resultado, es el de siempre, sin cambiar una coma y con una línea más o menos esperada dentro del sonido de la banda norteamericana, el problema es que parece todo tan hermético, tan calculado, que el alma no se encuentra por ningún lado, a pesar de esto, suenan mil veces mejor que meras copias como Polaris, Crystal Lake o incluso ciertos momentos de Cane Hill.
Sea como sea, podéis juzgar por vosotros mismos a continuación como suena lo nuevo de Erra:
Astray Valley está de vuelta con “Crystallized Soul”
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Los barceloneses Astray Valley, son otro de los grupos nacionales que está de vuelta este 2026 y lo hace con el contundente “Crystallized Soul”, su último single, el cual vamos a poder encontrar dentro del próximo disco de la banda liderada por Clau Violette.
Os recordamos que la banda estará junto a Megara en las siguientes fechas, donde podremos escuchar este nuevo single y varios clásicos de su discografía.
7 de Febrero – Barcelona – Razzmatazz 2 (+ Megara)
La banda norteamericana de nu/metal moderno From Ashes To New han publicado “Villains”, el primer adelanto de su nuevo disco Reflections, el cual podremos escuchar completo a partir del próximo 17 de abri vía Better Noise Music.
El corte muestra la evolución de la banda y como sigue la estela de grandes pesos pesados de la escena alternativa como Linkin Park, Papa Roach o I Prevail, entre otros.
Ya podéis reservar el disco en sus diferentes formatos AQUÍ.
The Cost llevará su gira europea a tres ciudades españolas
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La banda valenciana de metal moderno The Cost está a punto de comenzar su gira europea, en donde presentarán su nuevo disco Doppler Affection y que podremos disfrutar en tres fechas muy esperadas en España.
La banda es el nuevo proyecto musical de El Estepario Siberiano, quien tras haber pasado por las filas de Saratoga y Noctem, nos mostrará su destreza tras los parches en esta nueva aventura musical.
Los muchachos alternativos Skindred han publicado “This is the Sound”, un nuevo tema y que está incluido en su próximo disco You Got This, el cual estará disponible a partir del 17 de abril vía Earache Records y que vuelve a evidenciar que la alocada coctelera sonora de Benji Webb y los suyos sigue más que inspirada.
1. You Got This 2. Can I Get A 3. Born Fe Dis 4. This Is The Sound 5. Broke 6. Glass 7. Big ‘Em Up 8. Do It Like This 9. My People 10. Give Thanks 11. Dred Or Alive (USB Exclusive Bonus Track)
Y ya podéis comprobar lo bien que siguen sonando a continuación:
Sevendust estrenan el videoclip de “Is This The Real You?”
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Los norteamericanos Sevendust han publicado el videoclip oficial para su nuevo single “Is This The Real You?”, el cual forma parte de One, el esfuerzo discográfico más reciente de la banda, oriunda de Atlanta y que podremos escuchar completo a partir del próximo 1 de mayo gracias a Napalm Records.
Between the Buried and Me volverá a Copenhague con su metal progresivo sin límites
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Los estadounidenses Between the Buried and Me regresan a Copenhague para desplegar toda su compleja y desafiante propuesta musical, consolidada a lo largo de más de dos décadas como una de las más influyentes dentro del metal progresivo moderno. Con una carrera marcada por la experimentación constante, cambios abruptos de dinámica y una ejecución técnica impecable, la banda promete una noche tan exigente como memorable.
El concierto se llevará a cabo el 2 de marzo en Pumpehuset, una fecha muy esperada por los seguidores daneses del grupo. Para esta ocasión, Monosphere será la banda encargada de abrir la velada, aportando su propia visión del metal moderno antes del esperado show principal.
Con discos que se han convertido en verdaderos referentes del género, Between the Buried and Me continúa demostrando que el metal puede ser tan extremo como sofisticado. Su directo es conocido por respetar la complejidad de estudio sin perder potencia ni emoción, transformando cada presentación en una experiencia inmersiva para el público.
Electric Callboy en Madrid: “haciendo vibrar el Movistar Arena”
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Maria Salido Ruiz
El viernes 23 de enero, el Movistar Arena de Madrid acogió una de las paradas más esperadas del tour europeo de Electric Callboy, con un recinto prácticamente lleno y un ambiente festivo desde primera hora. La cita contaba con un cartel atractivo que se completaba con las actuaciones de Wargasm y Bury Tomorrow, encargados de calentar motores antes del plato fuerte de la noche.
A las 19:00 arrancó la velada con Wargasm, el dúo británico formado por Milkie Way y Sam Matlock, que salió al escenario con una actitud muy directa y sin rodeos. El concierto comenzó con “Bad Seed”, “Vigilantes” y “Pyro Pyro”, dejando clara su apuesta por una mezcla de electrónica, punk y nu metal. Su sonido, diferente a lo habitual en este tipo de carteles, fue ganando terreno poco a poco entre el público, apoyado por una puesta en escena intensa y una conexión constante con las primeras filas. Durante algo más de media hora ofrecieron un set dinámico, corto pero efectivo, que sirvió como apertura perfecta para la noche.
Tras el correspondiente cambio de escenario, Bury Tomorrow tomaron el relevo con “Choke”, dando inicio a un concierto centrado en el metalcore más contundente. La banda británica desplegó un sonido pesado y compacto, alternando voces guturales y melódicas y apoyándose en riffs potentes y bien ejecutados. Durante cerca de una hora repasaron distintas etapas de su carrera con temas como “DEATH”, “Cannibal”, “Villain Arc” o “Black Flame”, manteniendo una intensidad constante y una respuesta muy sólida por parte del público, que ya comenzaba a llenar por completo el recinto.
Con el reloj marcando las 21:15, las luces del Movistar Arena se apagaron y comenzó a sonar la introducción que dio paso al concierto de Electric Callboy. La caída del telón y un estallido pirotécnico marcaron el inicio con “TANZNEID”, seguido de su versión de “Still Waiting”, desatando la primera gran reacción de la noche. Desde ese momento, el grupo alemán mantuvo un ritmo muy alto, alternando canciones de distintas épocas de su trayectoria y demostrando la variedad de su repertorio, desde temas más antiguos como “Muffin Purper-Gurk” o “MC Thunder” hasta composiciones más recientes como “Revery” o “Elevator Operator”, extraídas de trabajos como Tekkno.
Uno de los momentos más destacados del concierto llegó con “Fuckboi”, cuando Nico y Sebastian se situaron en una plataforma en mitad de la pista para interpretar el tema al piano, cambiando por completo el tono del show. Sin apenas pausa, enlazaron con su versión Tekkno de “Everything We Touch”, devolviendo la energía al máximo y preparando el terreno para la recta final del concierto. En ese tramo sonaron algunos de los temas más reconocibles de la banda, como “MC Thunder II (Dancing Like a Ninja)”, “RATATATA”, “Spaceman” y “We Got the Moves”, con un público completamente entregado acompañando cada estribillo.
A lo largo de todo el concierto, Electric Callboy apoyaron su actuación con una producción muy cuidada, en la que no faltaron efectos de fuego, confeti, animaciones en pantalla y numerosos cambios de vestuario, reforzando el carácter visual del espectáculo y manteniendo la atención del público durante toda la noche.
Alter Bridge en Copenhague: “cuando el público convierte la distancia en hogar”
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En el marco de un frío polar desorbitante asistimos a una cita esperada por muchos. Tres exponentes del hard rock hicieron vibrar las paredes del K.B. Hallen, una sala que desde 1938 recibe artistas de distintos géneros y colores, incluyendo a The Beatles, Led Zeppelin y Black Sabbath.
En esta ocasión, el recinto se encontraba colmado, con una capacidad para 4500 personas y un sold out total.
Abriendo la noche se presentaron los veteranos de Atlanta, Sevendust, una banda con más de 30 años de trayectoria y 14 álbumes de estudio. Todo ese recorrido fue condensado en apenas media hora de show, una decisión algo injusta teniendo en cuenta que era la primera vez que tocaban en vivo en Dinamarca, aunque todavía quedaba mucho por llegar.
A las 19 horas se apagaron las luces del escenario y comenzó a sonar de fondo la intro de “Black”, uno de los temas más emblemáticos de la banda. Enseguida se hicieron presentes los músicos para descargar una explosión de energía y adrenalina. La voz inconfundible de Lajon Witherspoon fue una ráfaga de potencia desde el primer momento, pasando de guturales agresivos a suaves melodías soul.
Con “Denial”, el público estalló coreando cada estribillo de otro clásico infaltable. Sobre el escenario se pudo apreciar la química intacta entre los miembros, una formación que no ha tenido grandes variaciones en sus tres décadas de historia. Los duelos de guitarras, sumados al bajo, construyeron un muro de sonido imponente.
Los aportes de Morgan Rose en la batería fueron otra pieza fundamental en la maquinaria, manejando los palillos con maestría y haciendo malabares con los mismos en más de una ocasión para el deleite de los presentes. La banda lo dio todo con solo seis canciones, y Lajon Witherspoon prometió volver pronto con un setlist más extenso. La recepción del público fue de agradecimiento genuino y aplausos sostenidos.
A continuación, Daughtry tomó el escenario como acto de soporte intermedio, trayendo consigo una historia que es casi cinematográfica en su arco narrativo. Formada en 2006, inmediatamente después de que Chris Daughtry terminara cuarto en la quinta temporada de American Idol, la banda desafió todas las expectativas y estereotipos asociados a artistas surgidos de shows de talento televisivo, desarrollando un estilo orientado al hard rock con tintes de metal por momentos.
El setlist de Daughtry incluyó 11 canciones, entre las que se destacaron “Home”, “Artificial” y “Separate Ways”, cover de Journey popularizado recientemente como parte de la banda sonora de la serie Stranger Things. La banda sonó compacta y el audio fue impecable. La voz de Chris Daughtry se escuchó bien afinada, con melodías pegadizas y potentes.
Su apertura al compartir luchas personales, especialmente tras tragedias familiares, humanizó aún más su figura y generó una conexión profunda con una audiencia que coreó sus canciones más populares.
Media hora más tarde hizo su aparición el plato fuerte de la noche: Alter Bridge.
Entre luces estroboscópicas y cortinas de humo, la banda norteamericana subió al escenario entre ovaciones y aplausos, comenzando con “Silent Divide”. Debido a problemas técnicos con el bajo, la canción fue interpretada únicamente con guitarras y batería, una situación que Miles Kennedy resolvió con humor al finalizar el tema.
Acto seguido continuaron con “Addicted to Pain”, esta vez con Brian Marshall ya incorporado al bajo, quien a lo largo del show dio una verdadera clase magistral sobre cómo dominar un bajo de cinco cuerdas sin púa y hacerlo sonar perfectamente alineado.
El entusiasmo del público se hizo notar sobre todo en el sector del campo medio. Sin embargo, también se observó la presencia de muchos curiosos, especialmente en las vallas frontales, que parecían no conocer a la banda: no coreaban las canciones, no movían brazos ni cabezas y tampoco aplaudían. Esto ocurrió principalmente al comienzo del concierto, ya que con el correr de la actuación el ambiente mejoró y el entusiasmo fue en aumento.
Gran parte de esto se debió al constante ir y venir del carismático Miles Kennedy, tocando la guitarra con maestría y demostrando toda su capacidad y rango vocal para alcanzar las complejas cuatro octavas que exigen sus canciones.
Las capacidades técnicas de Mark Tremonti tampoco pasaron desapercibidas. Sus riffs, coros de acompañamiento y su desempeño cantando y tocando simultáneamente en “Burn It Down” fueron algunos de los puntos más altos de la noche. Todo esto estuvo respaldado por un trabajo sólido y preciso en la batería, sosteniendo cada complejidad rítmica a lo largo de un setlist de 17 canciones que inundó el recinto de platillos y doble pedal.
Decir que fue una noche mágica es quedarse corto, pero si tenemos en cuenta que la banda regaló canciones como “Rise Today”, “Black Bird” y “Fortress”, queda claro que el público se fue más que satisfecho, entre aplausos y cuernos en alto. Alter Bridge dejó en claro que, lejos de casa, esta vez jugó como local gracias a la excelente recepción, la gran convocatoria de su fiel audiencia y el interés de los curiosos de turno.
Serpent estrena “Vell i Cabrejat”, como adelanto de su nuevo disco
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Los barceloneses alternativos Serpent han publicado el videoclip oficial de “Vell i Cabrejat”, un intenso y más que interesante single extraído de Absolutisme Zen, el nuevo trabajo de la banda que saldrá a la venta el próximo 27 de marzo a través de BCore Disc.
El disco promete ser el más intenso, robusto y directo de la banda hasta la fecha, ha sido producido por la misma banda y mezclado por Santi y Víctor García, lo podéis reservar AQUÍ.
Para ir calentando motores de cara al lanzamiento, os dejamos con el nuevo single “Vell i Cabrejat” a continuación:
Marmozets regresan de manera triunfal con “New York”
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Los rockeros alternativos británicos Marmozets vuelven con todo y han confirmado la salida de Co.War.Dice. , su nuevo disco de estudio que llegará a las tiendas y los oídos de sus seguidores el próximo 22 de mayo vía The Netwerk Music Group, siendo su primer disco en 8 años, tras la pausa indefinida que su vocalista Becca Bottomley, se tomó debido a su maternidad en 2019.
1. A Kiss from a Mother 2. New York 3. Cut Back 4. Swear I’m Alive 5. Running with the Sun in your Eyes 6. Dandy 7. Like Last Night 8. Mes Désirs 9. You Want the Truth 10. Flowerz 11. Keep Going Darling
Uno de los pesos pesados dentro del metal nacional como son Angelus Apatrida, siguen a pleno con su gira 2026 y ahora, tras una última y explosiva visita a Málaga hace 2 años, volverán a la capital de la Costa del Sol el próximo mes de junio, en la que será su fecha más grande en la ciudad hasta el momento.
Y es que tras conquistar recintos “sagrados” para la cultura malagueña como la sala Eventual y la Trinchera, ahora los albaceteños se enfrentarán a la imponente París 15, donde su aforo roza las 3000 personas y muchas bandas destacadas ha pasado por allí desde Amon Amarth, Machine Head y las leyendas del punk Bad Religion, hasta compañeros como Hamlet y Soziedad Alkoholika, han vivido lo que es dar un concierto en este recinto tan importante ya no solo para Málaga, si no a nivel nacional.
Junto a ellos, los acompañarán dos grandes nombres del metal andaluz y malagueño como son Magma Banana y Vectors y juntos harán añicos el escenario en la siguiente fecha:
26 de Junio – Málaga – París 15 (+ Magma Banana + Vectors)
Karnivool estrena “Animation” en forma de lyric vídeo
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La banda de rock con tintes progresivos australiana Karnivool, tiene todo preparado para el lanzamiento de In Verses, su cuarto disco de estudio, que llegará a las tiendas el próximo 6 de febrero a través de Sony Music.
Clutch nos visitarán a mediados de la próxima primavera
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Los rockeros norteamericanos Clutch han anunciado una nueva y potente gira europea, con la cual visitarán nuevamente nuestro país de la mano de Last Tour International.
Pero para hacer aún más atractiva esta visita, la banda contará nada más y nada menos que con Bokassa, los noruegos quienes con su explosiva y contundente mezcla de hardcore, stoner y punk , sacudirán al público gracias a su potente directo.
Las fechas y ciudades elegidas son las siguientes;
Motionless in White publica el videoclip de “Afraid of the Dark”
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Uno de los nombres propios de la escena alternativa actual como son Motionless in White, han estrenado el videoclip oficial de “Afraid of the Dark”, último single de la banda liderada por Chris Motionless y donde vuelven a evidenciar su excelente estado de forma.
Dark Tranquillity en Buenos Aires: “Brutal lección de Melodeath de Gotemburgo”
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Continuando con la primera ola de recitales internacionales del año dentro del mes de enero, el lunes pasado fue el turno de Dark TranquiLlity. Los suecos que hacía mucho tiempo que no pisaban suelo argentino tuvieron un regreso glorioso: con un setlist demoledor, un alto nivel de concurrencia y un homenaje final que dejó a más de uno con lágrimas en los ojos.
Para poder comentar los acontecimientos primero va a ser necesario ubicarnos en tiempo y espacio. El evento tuvo lugar el pasado 19 de enero en la Ciudad de Buenos Aires, más concretamente en el Teatrito. El sitio abrió sus puertas a las 19hs. Sin embargo la primera banda tenía cronometrada su salida a las 19:40.
Cumpliendo con dicho horario, aparecieron sobre el escenario Cloud Of Shadows, proyecto de Metalcore pero que a lo largo del show, demostraron poseer elementos cercanos al Death Metal melódico en su música. Liderados por su guitarrista, Gastón Fernández, el grupo brindó una actuación notable. En primer lugar, porque contaron con un sonido que permitió apreciar con claridad todos los instrumentos. En segundo lugar, porque se vio una ejecución precisa, que constata los largos años que llevan trabajando. Y tercero, porque su propuesta encajó perfecto con lo que pedía la noche, para ir calentando motores e ir poniendo en sintonía al público.
Sintonía, que se perdió con la llegada del siguiente grupo. Provenientes de Rosario, Crown fue el segundo acto nacional de la noche. Y lejos de seguir captando más la atención del público, a mí humilde entender, la fueron alejando. Y es que la banda no sonaba mal. Por el contrario, hacían un muy buen Rock Storner con toques de Doom. El problema es que la música no encajaba para nada ni con el acto principal de la jornada, ni con lo que el público esperaba. Su propuesta estaba más enfocada en riffs pesados pero pausados, hecho que fue apagando un poco la chispa que había dejado Cloud Of Shadows.
No obstante, se retiraron del escenario entre aplausos por parte de los presentes. Y es que ya para la hora que Crown terminó su actuación, el Teatrito se hallaba bastante concurrido. Tanto, que se dificultaba la circulación para ir a los baños o para ir a comprar algo para tomar. Y es que el nivel de concurrencia aumentó considerablemente durante el último tramo previo al acto principal.
Con este marco de gente, apareció Dark Tranquillity. Pero no sobre el escenario, en primera instancia. Sino que minutos antes del horario pautado para su show, los músicos pasaron entre el público con total normalidad y naturalidad. Con los focos de luz enfocados en ellos, y bajo una lluvia de coros y aplausos, los suecos respondieron con amabilidad a los saludos y se fueron tras bastidores, como quien dice, para prepararse para entrar en acción.
De esta forma 21:30 clavada, ahora sí, los suecos se presentaron sobre el escenario para iniciar lo que Mikael Stanne describiría como un show especial. Ya tal como lo anunciaba la gira, la banda venía concretamente a celebrar el aniversario por los 30 años de The Gallery (1995) como los 20 años de Chracter (2005).
Fue así, que comenzó a sonar “Punish My Heaven” a toda máquina, y a partir de ahí, el público se entregó completamente a la locura y al descontrol. Y con justa razón. El tema que abre una de las obras máximas del Death Melódico, una de las más influyentes de mediados de los 90’, y una de las que definió el sonido de Gotemburgo, estaba siendo interpretada en vivo frente a sus ojos, y a nivel monstruoso, porque las manos de los guitarristas iban y venían a lo largo del mástil de sus guitarras, con la rapidez y precisión que el tema requiere. Al mismo tiempo, había una ejecución punzante y ágil en la batería que hacía que se sintiera idéntica a la versión del disco.
¿El único defecto? Quizás la voz de Mikael Stanne que se perdía un poco entre el sonido melódico de las guitarras. No obstante, ya para el cuarto tema esto se solucionó y sus estremecedores gritos y gruñidos se pudieron identificar con completa claridad. “Edenspring”, “Lethe”, “The Emptiness From Which I Fed” y “The Dividing Line” fueron las canciones que la banda interpretó del disco mientras de fondo se apreciaba la portada del álbum, para reforzar aún más el ambiente. Todas con un nivel de violencia y destreza nunca antes visto por la banda en el país. Y es que el mismo Mikael mencionó que no son piezas que toquen seguido, por lo que se sentía contento de poder hacerlo. En especial, por “The Emptiness From Which I Fed”, que describió como su canción favorita de The Gallery.
Al finalizar “The Dividing Line”, hubo un cambio de fondo que anunciaba que el segmento The Gallery de la noche había concluido. Y en su lugar, apareció la portada de Chracter. Creo que no hace falta ser muy inteligente para adivinar con cual tema del disco arrancaron. Y efectivamente, los violentos y arremetedores blast beasts de la batería de “The New Build” cayeron sin ningún tipo de permiso o clemencia sobre el público, que respondió a este intenso nivel de ferocidad y salvajismo con efervescencia y grandes rondas de pogo.
A estas alturas la banda ya se encontraba más suelta y desenfrenada. Y lo que sonó a continuación no ayudó precisamente a bajar los pies del acelerador. “One Thought”, “The Endless Feed”, “Through Smudged Lenses” no hicieron más que exaltar aún más la emoción y adrenalina del público, que estaba totalmente entregado al show. “My Negation” sirvió para calmar un poco las aguas, aunque no por mucho tiempo, ya que el verdadero descontrol se vivió con “Lost to Apathy”, una de las canciones más populares del grupo y una de las más cantadas de la noche, en dónde se vio a un Mikael Stanne totalmente desquiciado, escupiendo con furia sus líneas. Y es que sin duda, se trató de una de las actuaciones más brutales del músico en el país, ya que el repertorio que trajo la banda así lo demandó. Con temas que exigían un constante uso de los guturales, el cantante en ningún momento aflojo, o perdió la fuerza inicial con la que arrancó, sino todo lo contrario. La fue elevando. Y siendo “Lost To Apathy”, uno de los momentos culmine de ello.
Tras finalizar con el segmento Chracter, hicieron con una mezcla de temas clásicos junto con algunos de su más reciente trabajo Endtime Signals (2024). De dicho trabajo, sonó “The Last Imagination”. “Unforgivable” y “Not Nothing”, mientras que aparecieron “Phantom Days” del Momento (2020) y Atoma del disco con el mismo nombre del 2016, de su etapa más moderna.
Por su parte, entre los himnos no faltaron “Terminus (Where Death Is Most Alive)” con la gente coreando la melodía de los teclados, “ThereIn” uno de los pocos momentos dónde se pudo escuchar a Mikael cantando con su voz limpia y natural, (con absoluta elegancia y seducción), y la clásica por excelencia, “Misery’s Crown” que fue laureada por todos los presentes en la sala.
Ya para este punto, con la banda habiendo interpretado los clásicos más representativos de su repertorio, uno pensaría que ya no quedaba más nada por tocar en la noche. Sin embargo, los suecos tenían una última sorpresa, ya que para el final, se despidieron con unas palabras en memoria del fallecido Thomas “Tompa” Lindberg y realizando “Blinded By Fear” de At The Gates. Un momento muy emotivo y un gesto muy lindo por parte de la banda, que recalcó la importancia que tuvo Tompa en la escena de Gotemburgo, y lo muy cercanos que fueron todos por aquellos años. “Sin Tompa, no habría sonido Gotemburgo” pronunció Stanne, quién al final del tema se quedó solo en el escenario, y entre lágrimas en los ojos, observó al público con una mirada que mostraba agradecimiento. Profundo y sentido agradecimiento. Y una real tristeza por la pérdida de su amigo. Sin duda, uno de los momentos de mayor humildad que me tocó apreciar en un show en vivo.
Y con esta emotiva despedida, Dark Tranquility culminó una de sus actuaciones más brutales y devastadoras. Dejando la vara muy pero que muy alta para los futuros shows del año. Ya que nadie que haya asistido, habrá quedado insatisfecho o con quejas. Más bien lo contrario. Con la felicidad de haber presenciado una auténtica y visceral lección de melodeath de Gotemburgo. Y la certeza que Dark Tranquility, todavía recuerda muy bien como golpear duro.
Especial agradecimiento a la productora Icarus Music, la cual hizo todo posible por la producción y una vez más, nos permitió cubrir la fecha.
Nos llevamos un año más al hombro y cuando menos nos dimos cuenta el milenio ya nos acomodó un cuarto de siglo de vergazos, derrotas, fracasos, pero también mucho, pero mucho ruido nacional.
Fue un excelente año para el metal mexicano, sin duda, cuando en años anteriores tuve qué rascar para elegir los mejores trabajos, sin duda este 2025 se trató más de una elección para acomodarlos en el top 10. Hubieron muchos otros discos que me parecieron excepcionales, y quizás después hablaremos de ellos, pero por el momento aquí está nuestra selección de los mejores álbumes mexicanos de este 2025.
Como siempre, esta lista no se encuentra en ningún orden específico, pero sí lleva nuestra garantía y sello de calidad. Todos los trabajos aquí merecen sendas escuchadas:
Ampliamente comentado en este mismo sitio cuando salió a la luz, el tercer larga duración de estos titanes del doom/death mexicano es posiblemente su trabajo más complejo a la fecha. Inspirado en las historias y leyendas que caracterizan al estado mexicano de Guanajuato, este sombrió y folclórico disco de llevará por oscuros callejones, abandonadas presas embrujadas y diabólicos vals a la luz de los candelabros, el olor a tabaco y el regusto a mezcal. Con uno sonido impecable por parte de Urvn Estudio, esta importante banda de la ciudad de León lleva muchos años siendo una de nuestras favoritas, y con trabajos tan impactantes como este, se perfila a posicionarse como una de las referencias absolutas de su estilo en latinoamérica para generaciones por venir.
El metal con influencias prehispánicas suele ser una de dos cosas en México: O estar plagado de clichés sonoros que no llevan a ningún lado y que sirven como un elemento de exotización que en su mayoría es más bien consumido por un público europeo buscando al próximo Amon Amarth pero en versión mesoamericana o un refugio para etno-fascistas que tropicalizan lo peor del género con una visión indigenista. Sin embargo, Kalaveraztekah, con su mezcla de death metal técnico y una verdadera visión creativa al incorporar instrumentos y temáticas prehispánicas en su sonido, desafía la norma y nos ofrece un trabajo excepcional que capturará hasta a los oídos más escépticos. Un viaje al corazón de la brutalidad de la cosmovisión Azteca (o lo poco que comprendemos de ella).
Hechiceros, místicos y vaqueros, este excepcional dueto tapatío formado por The Black Wizard (Israel Moreno) y The Desert Witch (Sandra Velasco) lleva ya unos años siendo una de las referencias más destacables del sludge/doom/stoner tapatío, que a pesar de encontrarse activos desde el año 2018, es hasta este pasado 2025 que lanzaron su primera placa discográfica. Un disco lisérgico, arenoso y crujiente que se las maneja para evocar sentimientos de determinación y ruina en un ambiente liminal y hostil de manera resoluta, firme y a la vez reflexiva. Agresivos y dinámicos, esperaremos con ansías su siguiente trabajo para ver a dónde más pueden llevar sus hipnóticos ritmos.
Con este disco lanzado poco antes de que terminara el año, la ya longeva banda chilanga Black Hate redefine su personalidad bajo el nombre de “Hierophany”, demostrando que junto con el cambio de nombre, se abre un capitulo más para el proyecto liderado por BG Ikanunna (mente maestra detrás del México Black Metal Chaos Fest y la promotora Lucifer’s Business), demostrando que todos estos años de foguearse en la escena nacional e internacional, hombro con hombro de algunas de las figuras más renombradas del género, ha rendido frutos tanto en el reconocimiento por su proyecto, como en la calidad compositiva y de producción. Con Tenebrarum, la banda alcanza niveles estratosféricos de atmósfera y opresividad. Un trabajo que comprende una paradoja entre el dinamismo de su ejecución, con la estaticidad de su composición; casi como un statement mismo sobre la carrera y la reinvención de esta banda formada en 2006.
De una de las fuerzas creativas detrás de la banda de post-black metal leonense Godbelow, Voidgazer es un proyecto joven, pero que decidió poner toda la carne en el asador con algo del sludge/doom más apantallador y ponchado que se haya visto en esta región del país. Stoneroso, violento y fluctuante, esta placa de poco menos de 45 minutos de duración envuelve y llena de energía, un par de sentimientos oximorónicos en este estilo, pero que con esta banda, hace sentido. Doom dinámico, como poco se ha visto en México, demostrando que Raúl Terrones es una fuerza de cuidado en la música opresiva latinoamericana y que con el talento disponible de León, pueden dominar los terrenos musicales que quieran.
Como ya es absolutamente tradicional en esta sección anual, el talento de Alex Becerra, el músico detrás de esta brillante fuerza creativa llamada Nostalghia, nos vuelve a regalar un trabajo para las listas. Sin embargo, hay algo diferente con Void Ecstasy, tanto musicalmente, como en producto creativo, y es que en lugar de los tres álbumes por año a los que nos tiene acostumbrado este músico capitalino, esta fue su única producción del año, y se nota la intencionalidad de ello. En su etapa más floydesca y menos black metalera, Void Ecstasy es un trabajo exploratorio, mucho más enfocado a la experiencia psicodélica e instrospectiva del prog, que a los lúgubres lamentos de su trabajo más depresivo. Como si la carrera de Becerra dijera “después del trauma, viene la transformación”.
La escena tepicense es una paradoja en sí misma, pues en un lugar costeño, con una cultura mexicana tan marítima, cuesta trabajo imaginarse que un trabajo como Mist, Death and Revenge pueda fraguarse entre el húmedo calor de la ciudad. Este sentimental trabajo, repleto de naturaleza y sutilezas melódicas, parece más bien salido de un espeso pantano irlandés, pero así es la ciudad: un bastión de metal sinfónico, y Alfhëim, dignos herederos de una tradición contracultural regional, logra un disco sobrio y trascendente, que con gustosos guiños al metal extremo, ofrecen una bella experiencia para quien busca el lado más tradicional del sonido folk metal europeo.
Con una trayectoria respetable para una banda que recién estrena su primer larga duración, esta prominente banda de heavy metal clásico de la Ciudad de México liderada por la destacada voz de Mely Wild cimenta su sonido con un disco que sigue la línea estética del retrofuturismo sci-fi ochentero, con una producción moderna que revitaliza el sonido del heavy/power metal latinoamericano de la vieja escuela. Una inyección de velocidad y virtuosismo que permite brillar a cada uno de los miembros, aderezado con pasajes melódicos muy bien logrados que permiten una transición orgánica entre diferentes emociones e intensidades. Refrescante en su cuidada nostalgia.
Definitivamente la cara de una nueva generación de metal mexicano que se encuentran despegando su carrera de una manera poco vista en la escena extrema nacional. Con sendas giras internacionales a sus espaldas y giras norteamericanas en la vista, este cuarteto tapatío no se ha dormido en sus laureles y nos ofrece un disco grandilocuente, romántico en su aproximación al pasado del género y repleto de riffs. Parte de la Nueva Ola de Speed Metal Mexicano, junto a exponentes como Speedfreak, Anticolor y Härdrocker, este disco de 48 minutos de duración es una oda al metal DIY de la viejísima escuela. Una carta de amor a un pasado idealizado que ha sabido permear en el gusto de una generación que creció escuchando a Linkin Park y Limp Bizkit. Profetas inusuales en un tiempo inusual, pero cosas más raras se han visto y sin duda es un trabajo que entrega lo que promete y con creces.
Desde los inhóspitos rincones de la ciudad de Colima, en el estado de Colima, una banda que pareciera ser nueva, pero que ya lleva sus buenos 8 o 9 años en la escena nos regala un melancólico, pegador y melódico doom/death al más puro estilo de Paradise Lost o My Dying Bride con MHFB. Firmados por el mismísimo Personal Records de Jacobo Córdova (Majestic Downfall, Zombiefication, Dies Irae), esta placa con un sonido impresionantemente profundo y pesado
1) Astraya – Atropine
3) Pure Wrath – Bleak Days Ahead 
2) Vomitory – In Death Throes
1) The Amity Affliction – House Of Cards
1) At The Gates – The Ghost of a Future Dead
2) Lord Of The Lost – Opvs Noir Vol 3
3) Anneke van Giersbergen – La Mort
1) Corrosion of Conformity – Good God / Baad Man
2) At The Gates – The Ghost of a Future Dead
3) Kaatayra – Caminhos de água
Opera Magna
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Chemical Invasion (1987)
Beast Of Bourbon (2004)
The Morning After (1988)
Kings Of Beer (2000)
Stone Cold Sober (1992)
Zombie Attack (1986)
A Girl Called Cerveza (2012)
Y es que la banda no deja de coleccionar hitos últimamente: esa misma semana estaba celebrando su inclusión en el Top 5 de Billboard en las radios de EEUU con su canción “Tonight we must be warriors”. A principios de año, la revista Kerrang! les dedicó un especial de veinte páginas (precisamente motivado por su éxito mexicano en Noche de Brujas). El pasado 7 de marzo realizaron una actuación especial en Le Zenith de París que ha sido grabada íntegramente por su equipo con calidad profesional y que pronto verá la luz públicamente. Además, no han parado de ejecutar sold outs en una doble gira larguísima y muy intensa, encadenando la etapa estadounidense de “In the Airwaves tour” (24 fechas en Norteamérica entre noviembre y diciembre de 2025) con la etapa europea, a la que añadieron el subtítulo “A night to be torn apart” (con casi otras 30 fechas en toda Europa de febrero a marzo de 2026), amén de su presencia en el crucero Shiprocked.
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Tras ella, el frontman hizo un alto para agradecer la entrega del público y anunciar el final del show. Preguntó también cuántos de los presentes ya los conocían, ante lo cual aproximadamente la mitad le respondieron con gritos de entusiasmo. Después preguntó cuántos de ellos los veían por primera vez y los gritos de esa otra mitad fueron aún más ensordecedores, demostrando así que incluso los espectadores más casuales, que quizás habían venido allí a escuchar cumbia, habían caído bajo el embrujo de su circo del terror. Fueron recibidos con frases como
¿Dónde podremos verles a continuación? Tras unos fugaces días de descanso, volverán a la carga en abril con nuevas fechas en los Estados Unidos, para volver en mayo a girar por Europa acompañando nada menos que a Metallica en cuatro únicas fechas (en Alemania, Hungría, Irlanda y Reino Unido). También serán uno de los platos fuertes este verano en el festival Göteborg Brinner, organizado por sus compatriotas suecos In Flames.
cabezados de abrir la fecha: Carbón y Falchi. Arrancaron en primer lugar los argentinos. El grupo liderado por Pehuén “Piwi” Berdun se presentó para desplegar su robusta y moderna propuesta ante los primeros presentes de la noche. Con una base rítmica muy influenciada en Meshuggah, el trío brindó contundencia y exquisitez, encontrando un estilo en perfecta sintonía para lo que pedía la jornada.
Luego fue el turno de Falchi, el nuevo proyecto de la ex guitarrista de Nervosa. La brasilera junto con su banda se encargó de seguir dibujando la noche con notas y solos exquisitos, bajo una propuesta progresiva instrumental, más enfocada en la velocidad y técnica. Hicieron un buen trabajo de ejecución, resaltando las grandes habilidades que tiene ella en su instrumento. Captaron la atención del público con un cover “The Call Of Khulu” de Metallica y finalizaron el festival de pirotécnica acelerando el ritmo y con un enfoque mucho más “thrasher”, que les valió los aplausos de un Uniclub bastante concurrido a esas alturas. 
Últimamente los icónicos maestros del Metal Progresivo están pasando de forma muy constante por Argentina. Tras su paso en diciembre del 2024, en esta oportunidad 
3 — Un viaje en el tiempo con A Change Of Seasons
5 — El Movistar Arena y una segunda casa para la banda
1) Erra – Silence Outlives The Earth
2)Black Label Society – Engines Of Demolition
3) Myrath – Wilderness Of Mirrors
1) Midnatt – Skräckfylld Förtjusning,
2) Lamb of God – Into Oblivion
3) Rob Zombie – The Great Satan
1) Hellripper – Coronach
3)Neurosis — An Undying Love For A Burning World
1) Exodus – Goliath
2) Tyketto – Closer to the Sun
3) Lost Society – Hell Is A State of Mind
DARLOTODO es una banda de nu metal de origen argentino que emergió en la ciudad de Buenos Aires en el año 2023. Su primer disco de nombre homónimo fue una grata sorpresa para los oyentes puesto que nunca hubo referentes del género en el país. Con pocos años de existencia cuentan con un éxito y aceptación digno de una banda ya consagrada. Charlamos un rato con Penumbra, líder y baterista de la banda, quien además es productor audiovisual y fundador del sello Black Eclosion, para que nos cuente sus sensaciones sobre su último disco, Crisálida y un poco más.
Así que bajo este clima lleno de ansia y expectativa, fue que el público se conglomeró en las puertas del teatro, para ser recibidos por la furia y potencia de 
Muchos dicen que, a veces, por el solo hecho de escuchar a una banda podés deducir de donde viene. Bueno, no es que sea muy difícil saber de donde viene Rammstein si cantan en alemán. Tal es el caso de 
La velada comenzó de la mano de 
El pasado sábado 14 de marzo la escena hardcore presenció uno de los debuts más apasionantes y esperados del año: el de los australianos 
Hace unos meses me vi la película nominada al Óscar, “One Battle After Another”, traducida al castellano como “Una Batalla Tras Otra”. Con Leonardo Di Caprio como protagonista, la cinta nos cuenta la historia de un ex – revolucionario de los años 60’, que vive retirado y alejado de la sociedad como padre soltero. Sin embargo, deberá volver al ruedo de su antigua vida combativa cuando su hija adolescente, es secuestrada por un oficial militar corrupto, obsesionado con él y su pasado. 
Con sede en el centro cultural, Deseo Club, ubicado en las cercanías de Chacarita, desde el minuto uno el estadounidense se encargó de crear todas las condiciones necesarias para transformar el escenario en una plataforma para su discurso. Y es que desde su salida ante la euforia descontrolada de la gente hasta su despedida al ritmo fiestero de “Rock And Roll All Nite” de Kiss, todo estuvo impregnado simbolismos y referencias políticas. Ya que en esta clase de shows, nada está librado al azar. Nada. 
Reforzando estas ideas de lucha y compromiso social, culminó su actuación. Y dicho esto, puedo afirmar que más que un recital, se trató de un acto de resistencia. Uno en contra de ideas fascistas y dominantes. Y es que en palabras del propio músico: “En el nombre de la verdad, la justicia y la libertad, hay que patearle el trasero al mundo”. 
Cerrando la ronda de grupos nacionales, estuvo 
De esta manera, dieron pie a su presentación con “Viva La Rock”, de su álbum homónimo del 2018. Un clásico a estas alturas, en la carrera del estadounidense. Con energía y actitud de sobra, Mendoza no tardó mucho en atrapar al público y meterlo bajo su bolsillo. Y es que si bien, el bajista actuaba como invitado estelar de la jornada, el entusiasmo que generaba su presencia lo hizo parecer a él, el protagonista de la noche. Un hecho que más tarde tendría sus repercusiones. 
Fue así que piezas clásicas del debut de los ingleses, como “American Gilrs”, “Frozen Heart” o “Face To Face”, no faltaron. Y es más, no solo interpretaron la obra completa, sino que integraron “Dangerous”, un tema que apareció en remasterizaciones futuras como bonus extra. De modo que se sintió especial su inclusión en el reportorio.
1) Cryptic Shift – Overspace & Supertime
2) Ponte Del Diavolo – De Venom Natura
3) Tailgunner – Midnight Bliz
1) BlackRain – Orphans of The Light
1) Wolfchant – Echoes of the Time Once Past.
1) Exhumed – Red Asphalt
2) Michael Monroe – Outerstellar 
3) Iron & Wine – Hen’s Teeth
2) Converge – Love is not Enough
3) Karnivool – In Verses
Memphis May Fire, originarios de Dallas, Texas, se formó en 2006 y desde entonces ha consolidado un estilo propio, combinando voces limpias y guturales con riffs poderosos y composiciones cargadas de emoción. Su discografía incluye títulos emblemáticos como Challenger (2012) y Unconditional (2014), y han girado por Estados Unidos, Europa y América Latina, ganándose un lugar destacado en la escena global del metalcore. En esta gira la banda cuenta con un nuevo álbum y un repertorio lleno de clásicos.
Por su parte, Blessthefall, originarios de Phoenix, Arizona, surgieron en 2004 y se han destacado por su post-hardcore melódico, caracterizado por breakdowns contundentes y líneas melódicas que equilibran fuerza y técnica. Con discos como Hollow Bodies (2013) y Hard Feelings (2018), la banda ha realizado numerosas giras internacionales, compartiendo escenarios con grandes nombres del género y consolidándose como una de las formaciones más influyentes de la última década.
17/02: King Diamond – Fatal Portrait
01/03: Kreator – Pleasure To Kill
03/03: Metallica – Master of Puppets
10/06: Candlemass – Epicus Doomicus Metallicus
25/09: Megadeth – Peace Sells… But Who’s Buying?
29/09: Iron Maiden – Somewhere In Time
01/10: Saint Vitus – Born Too Late
07/10: Slayer – Reign In Blood
07/10: Nuclear Assault – Game Over
17/11: Dark Angel – Darkness Descends
Mago de Oz
Asphyx
Rage
Gluecifer
Vomitory + Bandas invitadas
Bull Brigade
Por su parte, el evento tendrá como artista invitado al destacado bajista, Marco Mendoza. Con un extenso currículum y legado a sus espaldas que incluye grupos como Thin Lizzy, Whitensake, y The Dead Daisies, el músico estadounidense regresa a Argentina y se suma a la jornada para impregnar su dosis de Hard Rock más potente y eléctrico. 
A estas alturas, el nombre de 
Temas:
A un año de su lanzamiento original, el álbum acumula más de 40 mil streams en Spotify y 50 mil visualizaciones en YouTube, además de cobertura en medios especializados de Brasil y el exterior. El foco de esta reedición es “Negative Abyss”, una canción que profundiza el costado conceptual del proyecto y aborda temas como el tiempo, la ruptura y la continuidad.
El única acto “soporte” estuvo a cargo de DarloTodo. En esta oportunidad, por razones que no se dieron a conocer, la presentación de la banda se vio acortada y ejecutaron pocos temas, pero lo hicieron con la misma potencia de siempre. El set arrancó, como de costumbre, con “Libérame”, haciendo sentir esa explosión característica del inicio de la canción.
Pasadas las nueve de la noche, las luces se apagaron para recibir a Claudio O’Connor. El lugar destacó por un sonido impecable, permitiendo que la soltura de los músicos acompañantes luciera en todo su esplendor. Esta vez, el cantante se rodeó de una formación de gran nivel: Juan Massot en el bajo, Penumbra en batería y el gran batallador de la escena, Pehuén Berdún, en guitarra.
sorprender a la audiencia.
1) Ellende – Zerfall
2) Moon Wisdom – Let Water Flow
3) Hällas – Panorama
guturales y una propuesta por demás artística, dando relevancia a las letras y el materia audiovisual.
1) Megadeth – Megadeth
2) Voidhämmer – Noxious Emissions EP
3) I Promised The World – I Promised The World EP
2) Alter Bridge – Alter Bridge
El metal con influencias prehispánicas suele ser una de dos cosas en México: O estar plagado de clichés sonoros que no llevan a ningún lado y que sirven como un elemento de exotización que en su mayoría es más bien consumido por un público europeo buscando al próximo Amon Amarth pero en versión mesoamericana o un refugio para etno-fascistas que tropicalizan lo peor del género con una visión indigenista. Sin embargo, Kalaveraztekah, con su mezcla de death metal técnico y una verdadera visión creativa al incorporar instrumentos y temáticas prehispánicas en su sonido, desafía la norma y nos ofrece un trabajo excepcional que capturará hasta a los oídos más escépticos. Un viaje al corazón de la brutalidad de la cosmovisión Azteca (o lo poco que comprendemos de ella).
Hechiceros, místicos y vaqueros, este excepcional dueto tapatío formado por The Black Wizard (Israel Moreno) y The Desert Witch (Sandra Velasco) lleva ya unos años siendo una de las referencias más destacables del sludge/doom/stoner tapatío, que a pesar de encontrarse activos desde el año 2018, es hasta este pasado 2025 que lanzaron su primera placa discográfica. Un disco lisérgico, arenoso y crujiente que se las maneja para evocar sentimientos de determinación y ruina en un ambiente liminal y hostil de manera resoluta, firme y a la vez reflexiva. Agresivos y dinámicos, esperaremos con ansías su siguiente trabajo para ver a dónde más pueden llevar sus hipnóticos ritmos.
Con este disco lanzado poco antes de que terminara el año, la ya longeva banda chilanga Black Hate redefine su personalidad bajo el nombre de “Hierophany”, demostrando que junto con el cambio de nombre, se abre un capitulo más para el proyecto liderado por BG Ikanunna (mente maestra detrás del México Black Metal Chaos Fest y la promotora Lucifer’s Business), demostrando que todos estos años de foguearse en la escena nacional e internacional, hombro con hombro de algunas de las figuras más renombradas del género, ha rendido frutos tanto en el reconocimiento por su proyecto, como en la calidad compositiva y de producción. Con Tenebrarum, la banda alcanza niveles estratosféricos de atmósfera y opresividad. Un trabajo que comprende una paradoja entre el dinamismo de su ejecución, con la estaticidad de su composición; casi como un statement mismo sobre la carrera y la reinvención de esta banda formada en 2006.
De una de las fuerzas creativas detrás de la banda de post-black metal leonense Godbelow, Voidgazer es un proyecto joven, pero que decidió poner toda la carne en el asador con algo del sludge/doom más apantallador y ponchado que se haya visto en esta región del país. Stoneroso, violento y fluctuante, esta placa de poco menos de 45 minutos de duración envuelve y llena de energía, un par de sentimientos oximorónicos en este estilo, pero que con esta banda, hace sentido. Doom dinámico, como poco se ha visto en México, demostrando que Raúl Terrones es una fuerza de cuidado en la música opresiva latinoamericana y que con el talento disponible de León, pueden dominar los terrenos musicales que quieran.
Como ya es absolutamente tradicional en esta sección anual, el talento de Alex Becerra, el músico detrás de esta brillante fuerza creativa llamada Nostalghia, nos vuelve a regalar un trabajo para las listas. Sin embargo, hay algo diferente con Void Ecstasy, tanto musicalmente, como en producto creativo, y es que en lugar de los tres álbumes por año a los que nos tiene acostumbrado este músico capitalino, esta fue su única producción del año, y se nota la intencionalidad de ello. En su etapa más floydesca y menos black metalera, Void Ecstasy es un trabajo exploratorio, mucho más enfocado a la experiencia psicodélica e instrospectiva del prog, que a los lúgubres lamentos de su trabajo más depresivo. Como si la carrera de Becerra dijera “después del trauma, viene la transformación”.
La escena tepicense es una paradoja en sí misma, pues en un lugar costeño, con una cultura mexicana tan marítima, cuesta trabajo imaginarse que un trabajo como Mist, Death and Revenge pueda fraguarse entre el húmedo calor de la ciudad. Este sentimental trabajo, repleto de naturaleza y sutilezas melódicas, parece más bien salido de un espeso pantano irlandés, pero así es la ciudad: un bastión de metal sinfónico, y Alfhëim, dignos herederos de una tradición contracultural regional, logra un disco sobrio y trascendente, que con gustosos guiños al metal extremo, ofrecen una bella experiencia para quien busca el lado más tradicional del sonido folk metal europeo.
Con una trayectoria respetable para una banda que recién estrena su primer larga duración, esta prominente banda de heavy metal clásico de la Ciudad de México liderada por la destacada voz de Mely Wild cimenta su sonido con un disco que sigue la línea estética del retrofuturismo sci-fi ochentero, con una producción moderna que revitaliza el sonido del heavy/power metal latinoamericano de la vieja escuela. Una inyección de velocidad y virtuosismo que permite brillar a cada uno de los miembros, aderezado con pasajes melódicos muy bien logrados que permiten una transición orgánica entre diferentes emociones e intensidades. Refrescante en su cuidada nostalgia.
Definitivamente la cara de una nueva generación de metal mexicano que se encuentran despegando su carrera de una manera poco vista en la escena extrema nacional. Con sendas giras internacionales a sus espaldas y giras norteamericanas en la vista, este cuarteto tapatío no se ha dormido en sus laureles y nos ofrece un disco grandilocuente, romántico en su aproximación al pasado del género y repleto de riffs. Parte de la Nueva Ola de Speed Metal Mexicano, junto a exponentes como Speedfreak, Anticolor y Härdrocker, este disco de 48 minutos de duración es una oda al metal DIY de la viejísima escuela. Una carta de amor a un pasado idealizado que ha sabido permear en el gusto de una generación que creció escuchando a Linkin Park y Limp Bizkit. Profetas inusuales en un tiempo inusual, pero cosas más raras se han visto y sin duda es un trabajo que entrega lo que promete y con creces.
Desde los inhóspitos rincones de la ciudad de Colima, en el estado de Colima, una banda que pareciera ser nueva, pero que ya lleva sus buenos 8 o 9 años en la escena nos regala un melancólico, pegador y melódico doom/death al más puro estilo de Paradise Lost o My Dying Bride con MHFB. Firmados por el mismísimo Personal Records de Jacobo Córdova (Majestic Downfall, Zombiefication, Dies Irae), esta placa con un sonido impresionantemente profundo y pesado