Dylan Gers es un joven músico británico experimental e independiente que se está abriendo camino con su propio material desde hace unos años. Tocando en íntimos recintos y manipulando todo tipo de instrumento, Dylan Gers presenta, además de una gran cantidad de singles, su más reciente material compilatorio, Melancholic Madman. Charlamos con él durante un largo rato y a continuación le dejamos el resultado.

– Hola Dylan, gracias por recibirnos! Antes de empezar con la entrevista, me gustaría que nos contaras en que estás trabajando ahora mismo. ¿Podrías hablarnos un poco de tus últimos lanzamientos?

– Acabo de lanzar un nuevo single en enero. Se llama “Scars on the soul”. Está muy influenciado por bandas de rock clásico de los 70s como Led Zeppelin y Deep Purple. Me encantan, pero además tiene un notorio toque acústico, lo cual es fascinante…tiene un aire celta, casi celta, que gusta mucho.

Estaré la próxima semana con mi productor en el estudio para grabar otra canción en la que grabaré todo menos las baterías, de las que se encarga mi amigo Noah. Está se llamara “Dad’s Gads”, que hace hincapíe en ese toque celta. ME recuerda mucho a la música celta, casi como un sitar. De nuevo, con elementos al estilo de Led Zeppelin.

Antes de eso, el año pasado, saqué un EP, que supongo fue mi primer proyecto completo. Antes de eso y desde entonces, solo he ido sacando sencillos. Pero, ese fue mi primer EP completo que lancé y se llama Melancholic Madman en referencia a “Diary of a Madman” de Ozzy Osbourne. Literalmente, el título viene de ahí. También me gustaron mucho las letras, son 4 temas, cada uno de los cuales son diferentes pero encajan entre sí.

El primero “Feel my heart” es una canción de rock indie alegre. “Talisman” es un poco más pesada. Está en la afinación “Drop D”, donde solía bajar el Mi para tocarla. Es realmente muy potente. Luego tenemos “Moonlight lies”, que es la tercera. Es bastante relajada, casi jazz. Y luego la cuarta canción llamada “Young boy” que es más una balada acústica. Se parece un poco a T-Rex y Neil Young, muy influenciada por ellos. Así que simplemente intento combinar y reunir en un solo lugar todas esas influencias que he admirado desde que era niño. Es difícil, pero lo estoy disfrutando, es muy divertido.

Tengo otro sencillo que va a estar saliendo dentro de un mes más o menos. Estamos grabando uno la próxima semana, y luego espero sacar dos más este año. Simplemente seguir haciendo algo, seguir adelante, mantener el ritmo, en realidad.

Así que lancé mi primer sencillo, “Moonrise”, en 2022, hace ya cuatro años. Y esa fue la primera canción que compuse en mi vida; antes de eso no había compuesto nada, obviamente, porque fue la primera canción que compuse. Y aquí estoy, cuatro años después, todavía intentando seguir adelante.

– Talisman es genial. Melancholic Madman también lo es.

– Gracias!

– Antes de continuar, ¿ podrias decirle a la gente donde encontrar tu música?

– La pueden encontrar en todos los servicios de streaming. Youtube, Spotify, Amazon Music, Deezer, Apple Music. Basicamente cualquier formato digitalizado.

Si también me sigues en instagram, hay un link donde puedes comprar el CD. Ahora tengo un disco físico, así que lo puedes comprar, lo cual es genial…asi que no solo se limita a streaming e internet. Ahora hay un disco que puedes comprar, que está bien porque si los servidores se caen o se estropean, tu sigues teniendo el disco y eso está bien. Eso no te lo pueden quitar.

– Después de hablar de tus canciones y lanzamientos, me gustaría ir hasta el primer momento en el cual decidiste convertirte en un músico. Me refiero al primer momento en el que agarraste un instrumento. ¿Puedes compartir algo de eso con nosotros? ¿Como empezó todo?

– Mi familia es muy musical. Mi papa es músico. El está en una banda. Así que siempre había guitarras por toda la casa y cosas así, y yo siempre las había visto.

Pero cuando tenia esa edad, unos 12 o 13 años, me interesaba mucho más jugar videojuegos. Honestamente, yo solía jugar un montón de videojuegos. Algunos como “Mass Effect” o juegos como ese. Eran muy buenos. Tambien, juegos de rol RPG. Y luego, cuando tenía 16, mi X-BOX se rompió. Fue un día triste, mi amigo.

Ese fue literalmente el mismo día que decidí pasar el rato con las guitarras y esas cosas. Eso fue, literalmente, el mismo día en que decidí que iba a trastear un poco con las guitarras y esas cosas. Pero luego, cuando tenía 16 años, empecé a tocar la guitarra en serio y pensé: “Wow, esto es genial”. Me encanta de verdad. Y supongo que ese fue el momento que estuve esperando.

No me obligué. No me impuse la música a la fuerza. Cuando llegó el momento de tocarla de verdad, a los 16 años, pensé: “Quiero hacer esto”. Me encanta hacerlo. Y luego, bueno, toqué de forma casi obsesiva durante los siguientes… bueno, hasta ahora, la verdad, para ser sincero.

Así que tocaba unas dos o tres horas al día. Hay un grupo que se llama Iron Maiden, y tienen un vídeo en directo que se llama “En Vivo”, y había una canción titulada “When the Wild Wind Blows”, y solía verla una y otra vez e intentar tocarla al mismo tiempo. Es una especie de canción de rock progresivo, de unos 10 minutos. Es muy buena.

– Muy bien, volviendo a tu música, corrijeme si estoy errado, pero…tienes 7 lanzamientos publicados hasta ahora ¿Cierto?

– Creo que si, me parece que eso es mas o menos correcto.

Tengo “Moonrise”, tengo “Red Skies”, tengo “My Love” y tengo “Fly Fly Butterfly”. “White
Swan”, “The Melancholic Madman2 y, por último, “Scars on the Soul”. Siete lanzamientos, así es.

– Son geniales. He podido notar algo muy especial en ellos, y es que se nota una especie de evolución a lo largo de los años. Sobre todo en la producción sonora. En las primeras canciones, percibía una atmósfera melancólica, un enfoque nostálgico e incluso un ambiente relajante.

Luego escuché “Melancholy Madman” y me sorprendió bastante, porque noté un enfoque más enérgico y dinámico. Es como si hubiera una banda de verdad tocando al otro lado. ¿Qué puedes decir al respecto?

– Siempre he querido ser capaz de plasmarlo muy bien en un concierto en vivo. Y siempre he sido un fan de la energía y los elementos en vivo. Supongo que lo que intentaba hacer era, en cierto modo, replicar lo que quería que fuera mi música en vivo en un entorno de estudio. Antes, obviamente, era más bien un estilo de cantautor en solitario, lo cual está genial. Hay material realmente bueno ahí, pero supongo que con la evolución que ha experimentado mi forma de componer y lo que deseaba que fuera, terminó siendo más bien un formato de banda.

Incluso ahora, cuando actúo en directo, lo hago mucho en solitario porque, desde el punto de vista logístico, es mucho más fácil que intentar coordinar a otras tres personas. Créeme, dios mío!

Mi forma favorita de tocar en vivo es con una banda. Es con un batería a mi espalda, con un bajista a mi espalda, dando respiro, dando espacio a todo esto, a toda esta música y todo eso.

Supongo que, con el paso del tiempo, simplemente he intentado amplificarlo un poco más y hacerlo más potente. Quiero decir, la música que me ha influido siempre ha sido música de alta ganancia y mucha energía. Y me encantan Nick Drake y John Martin y todos esos maravillosos cantautores. Y eso siempre formará parte de mí. Siempre haré cosas así. Da igual si grabo un disco; probablemente siempre habrá, por ejemplo, una balada acústica como última canción o algo así.

Lo que me gusta, en lo que respecta a los conciertos en vivo, es atrapar al público de lleno, y creo que la mejor manera de hacerlo es tener a un batería que lo dé todo como John Bonham detrás de ti; es tener a un bajista como Chris Squire o Steve Harris detrás de ti, mirando al público a los ojos. Sí, eso es todo.

– ¿Por qué decidiste ir como solista y no formar parte de una banda?

– ahora vivo en Londres. La razón por la que vine a Londres fue para unirme a un grupo y ser algo así como el guitarrista principal.

De pequeño crecí viendo un montón de grupos y todo eso. Eso era lo que quería hacer. Solo al cabo de un par de años me di cuenta de lo difícil que es entrar en un grupo y que luego cuatro o cinco personas mantengan esa misma energía, ese mismo motor para seguir adelante durante años. Si quieres triunfar, no va a pasar de la noche a la mañana. En esta industria no te conviertes en una sensación de TikTok o Instagram de la noche a la mañana.

Me di cuenta de que es muy difícil, y me di cuenta de que soy la única persona en la que realmente puedo confiar para mantener ese motor en marcha, si realmente me lo tomo en serio. Así que empecé a componer mis propias canciones.

Escribí mi primera canción, “Moonrise”, y pensé: “Vaya, es una canción genial”. Y luego seguí adelante y me dije: “He empezado a componer estas canciones para una banda completa”, algo que supongo que siempre había tenido en mente y que siempre había podido imaginar, pero sin ser capaz de plasmarlo en algo concreto. Y ahora eso es algo que ha sucedido, sí.

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– ¿Y te resulta más fácil o más difícil dar el salto como solista y no en una banda?

– Creo que, para mí, es más fácil formar parte de un grupo. He estado en varios grupos y me resultaba más fácil porque podía mantenerme un poco en segundo plano y no ser realmente el centro de atención. Pero como artista en solitario, eres tú. Todo gira en torno a ti. Por ejemplo, cuando actúo como Dylan Gers, soy yo.

Es más gratificante hacerlo como solista, estar ahí como solista. Y sigo contando con mi banda de vez en cuando, lo cual es genial. Si actúo en directo, por desgracia estoy en primer plano. Soy yo, mi guitarra y mi voz. Pero entre canción y canción, siempre digo algo así como: “Esta es mi maravillosa banda”. Siempre intento darles un poco de protagonismo.

– ¿Podemos decir su nombre?

– ¿La banda?

– Si, la banda.

– Ah, sigo siendo Dylan Gers. Igual que Rory Gallagher era Rory Gallagher, pero con su grupo. He usado un par de veces un nombre gracioso llamado “Dylan Gers and the Blackbirds”, pero en realidad solo soy “Dylan Gers2. Aunque ellos me han ayudado a componer las canciones, la verdad.

– ¿Aportan sus ideas a la banda? ¿Escriben canciones?

– No, todas las canciones, los textos y el material serán cosa mía. En su momento conté con uno de mis bateristas, Cameron Spence. Un baterista increíble. Me ayudó a estructurar uno de los “middle eights”, una de las secciones del puente.

Una vez la tocamos en directo y me dijo: “¿Puedo hacer una sugerencia?”. Y yo le contesté: “Sí, hombre,
por supuesto”.

“Quizá si lo duplicamos”. Y lo duplicamos. Y yo pensé: “Es genial».

Es bastante bueno. Tengo mucha suerte de haberlo encontrado. Es muy bueno y está muy motivado y encantado de tocar conmigo.

No quiero ser nunca como un dictador autoritario. Si quieren tocar algo de forma un poco diferente, me parece bien. Simplemente haz lo tuyo, si eso te hace feliz. No quiero decir nunca: “tienes que hacerlo así”.

A veces, cuando estás solo en todo esto como artista en solitario, es muy fácil encerrarte en tu propia cabeza y pensar: “Dios mío, eso suena fatal. Dios mío, eso suena genial. Dios mío, voy a quitar esto”. Pero entonces tienes otra mente involucrada. A veces está bien contar con otra perspectiva, de verdad. Eso creo. Otra persona puede pensar de forma diferente o fuera de lo convencional. Y eso te ayuda a largo plazo.

No puedes hacerlo todo por tu cuenta. Es imposible.

– ¿Entonces no tocas ningún otro insutrmento aparte de la guitarra?

-En las grabaciones, toqué todo menos la batería. Así que toco el bajo, toco la guitarra. Canto la voz principal. Hago todos los coros y toco los teclados. Los teclados son, en su mayoría, un Mellotron. Eso es algo muy al estilo de Led Zeppelin

– En los primeros lanzamientos, se escuchaban muchos samples.

– Si

– ¿Has tocado esos samples o simplemente las has añadido desde una biblioteca?

– Toqué todas los samples, salvo, creo, en el segundo sencillo, «Red Scythe», donde había sonidos de pájaros y podría haber salido a grabarlos directamente en el campo.

Yo uso Ableton; tú tienes Pro Tools y Logic, que utilizas para crear tu música, y en Ableton solo tengo sonidos de pájaros. Así que simplemente los metí y creo que les apliqué un phaser a los sonidos de pájaros y los invertí, poniéndolos a media velocidad o algo así. Simplemente hace que suenen genial.

Toqué todos los teclados, el bajo y la guitarra en todas mis propias canciones. Lo único que no hice en mis propias canciones fue la batería, porque no soy baterista. Eso es lo único que no sé hacer. Y, obviamente, cuando toco en directo, solo toco la guitarra, porque no puedo tocar el bajo por aquí y luego tocar la guitarra por allá. Eso es un poco difícil.

– Hablando de sonidos raros, hay uno al final de “Moonlight Lies”, tu sabes, ¿Puedes contarnos que instrumento es ese?

– Es un theremin. Es decir, es un manipulador de ondas electromagnéticas de la época soviética. Tiene una antena.
Te lo voy a enseñar (lo muestra). Tiene una antena. Lo enciendes y, en cierto modo, utiliza el espacio que hay a su alrededor. Y cuando metes el brazo dentro, suena así. Y cuando lo tocas al final de “Moonlight Lies”, da una sensación un poco a «cyberbird». Y eso lo hice yo solo.

Es bastante cool. De nuevo, muy influenciado. Jimmy Page, de Led Zeppelin, usó uno en los 70. Si escuchas, por ejemplo, los viejos conciertos del MSG, el Madison Square Garden, escuchas a Robert Plant usándolo y a Jimmy en un rincón tocándolo también. No es el mismo, pero esta es una réplica del que él usaba por aquel entonces, porque hay montones de theremines diferentes; el más popular es el theremin Moog, pero es así de grande (hace señas indicando el tamaño). Es una locura. Y tienes que guardarlo en un estuche rígido.

Este te lo puedes meter en el bolsillo y listo. Y solo le he añadido un poco de reverberación, para darle un toque más espacial. Es un instrumento de verdad.

– Dylan, mencionaste que tienes una fuerte influencia del rock clásico de los 70s, pero…¿Podrías contarnos cuales son tus principales influencias, aparte de esas?

– Me encanta el metal. El heavy metal es una parte muy importante de mí. Grupos como Iron Maiden y Megadeth.
Cuando era adolescente, era un gran fan de Dave Mustaine. Escuchaba todos sus discos.

Todo el material antiguo de Metallica, como Ride the Lightning, Master of Puppets y And Justice for All. Incluso algo más reciente, como Death Magnetic, que tiene algunas canciones realmente buenas, de verdad.

Me encanta “Spit Out the Bones”, de Hardwired… to Self-Destruct.

Es una canción genial. Y la más reciente, “Inamorata”. Creo que en estos dos últimos álbumes han vuelto, en cierto modo, casi a sus raíces. Con canciones de riffs fragmentados, lo cual es genial.

Pero esa última canción empieza a tener un toque casi progresivo y James suena realmente bien en ese álbum. Ha empezado a sonar un poco como Frank Sinatra. Creo que se ha dejado influir un poco por él, intentando cantar con un estilo más melódico y prestando más atención a la dicción, pronunciando bien cada palabra. Mientras que antes, en álbumes anteriores como Kill Em All, tenía como 19 años, para ser justos. James era muy diferente. Pero sí, me encanta el metal.

Me gustaba mucho el hip hop. De hecho, todavía me gusta mucho. Tenía unos 16 o 18 años cuando mis dos géneros favoritos eran el metal y el hip hop. Y me encantan artistas como Danny Brown. Por aquella época, cuando era adolescente, era justo cuando Kendrick Lamar estaba despuntando, así que acababa de sacar ese álbum DAMN, que es fenomenal. También To Pimp a Butterfly y Good Kid, Mad City.

Me gusta pensar que saqué gran parte de mis melodías, ritmos y cosas por el estilo de ellos, porque, obviamente, el hip-hop se basa mucho en la melodía.

He empezado a prestar mucha más atención a las letras, pero cuando las escucho, solía fijarme en la melodía y ver cómo evoluciona. Y creo que saqué mucho de eso del hip-hop.

Metal, hip-hop y rock clásico de siempre.

– Escuchando todas tus canciones, yo pude escuchar influencia tal vez de The Police, Pink Floyd, King Crimson.

– Sin duda. Me alegro de que lo hayas dicho, porque Pink Floyd me ha influido mucho, pero me encanta
The Police.

Cuando empecé a cantar, intentaba imitar a Sting. Solía cantar “Roxanne” un montón porque, obviamente, tiene unas notas muy agudas. Uno se olvida de lo altas que son. Hay una nota en la que piensas: ¡Dios mío!. Y él solía cantarla a todo pulmón. Es una locura.

Soy un gran fan de Pink Floyd. Me refiero a todas las épocas de Pink Floyd: la de Syd, la de Roger y la de David. Me encantaba todo eso. Creo que la de Roger fue probablemente la mejor época. The Piper at the Gates of Dawn. Ese disco es una locura. Ese sí que es una locura. Es como: “¿qué está pasando ahí?”.

Syd Barrett también. Casi siempre es lo mismo de increíble. Las melodías son preciosas. La composición inglesa. Es muy pegadiza

– Los británicos si que componen melodías pegadizas.

– Estoy de acuerdo, pero no sé de dónde sacamos eso ni cómo es. Creo que tienes razón.

Influencias más contemporáneas…

Sé que es un fenómeno y, probablemente, una de las artistas más importantes de este momento. Billie Eilish.
Soy un gran fan de Billie Eilish. Tiene algo especial. Me refiero a ese primer álbum y a su último álbum, Happier Than Ever, pero también a este nuevo álbum, When Do We Fall Asleep, Where Do We Go?.

Hay una canción que se llama “Chihiro”, y es preciosa. Es un poco melancólica, pero aún así es preciosa. Y la producción es genial. Sé que se la hace su hermano, y el bajo es, bueno, es muy resonante; me encantan los bajos resonantes.

Y, de nuevo, ese primer álbum es realmente precioso. Tiene algunas canciones realmente bonitas, como “Goodbye” y otras. Es triste, pero es como música de chico triste, aunque es realmente preciosa. Es muy bonita. Diría que probablemente sea una de mis influencias más actuales en este momento.

– Tu dijiste que amas el metal. Es curioso como un metalero decide no tener un proyecto de metal y luego ir por otro estilo de música.

Yo pienso que es difícil para un metalero separarse de eso y escribir otro tipo de música. ¿Que puedes decir de eso?

– Supongo que el metal es una influencia. Es algo que intento plasmar en mi música e incorporar, sobre todo en secciones solistas y cosas por el estilo.

Supongo que se podría relacionar con el rock clásico de los 70, pero gran parte de ese rock clásico de los 70 rozaba el heavy metal.

Me refiero a “Speed King” de Deep Purple, que es casi una canción de metal.

Supongo que, en cuanto a mi música, no pretendo que me encasillen en un solo estilo. No pretendo limitarme a un solo tipo de música. Intento fusionar en una sola pieza diferentes tipos de influencias que me encantan. Y podría componer una canción que se pareciera bastante a David Sylvian en Japón, y luego quizá pasar a otra canción en la que dijera: “Ok, aquí voy a darle un toque metalero e intentar que suene un poco más a metal”. La canción “Talisman” es lo más metal que he hecho hasta ahora porque es muy rápida. Porque estaba en afinación Drop D. Y no solo porque estuviera en Drop D. Es una canción bastante potente.

No soy solo un metalero, diría eso, para terminar con este tema. Soy metalero y me encanta el metal.

Últimamente me ha costado encontrar metal nuevo, pero me he metido mucho más en Sepultura, que me gusta un montón. “Roots, bloody roots”. Es un clásico. Es buenísima. ¡Tan potente!

De nuevo, es esa sensación de que te agarra por la cara, a lo que me refería antes hablando de los conciertos en directo. Creo que eso es lo que mejor hace esa música.

Nunca he tenido esa sensación, salvo con el metal, en la que te atrapa de lleno y puedes correr y correr con el público, disfrutarlo y pasártelo genial.

– Me gustaría hablar sobre Talisman. Es el registro más largo. Tiene cinco o seis canciones. Creo que es genial, realmente.

Muestra un cambio desde las cosas que hiciste previamente. ¿Tu lo produjiste?

– No. Creo que “producción” es una palabra un poco rara. No sé exactamente qué significa, pero yo me encargué de arreglar y estructurar toda mi música.

Le llevé mi música a un ingeniero, por así decirlo, y él me ayudó a mezclarla y a darle el toque técnico. Es muy bueno. Le dio un toque profesional.

Supongo que él la produjo. Nos sentamos juntos y luego grabamos todo, excepto parte del MIDI, los teclados y cosas por el estilo.

Después la mezclamos a lo largo de una semana. Estuvimos allí cinco días, hicimos cuatro canciones, así que está bastante bien. La verdad es que nos pusimos manos a la obra y trabajamos mucho. Fue una semana realmente buena. Es el mismo tipo con el que he trabajado en todas mis canciones, excepto en “Moonrise”. Esa la hice yo mismo.

Así que, desde “Red Skies” en adelante, he contado con él. Se llama Michael Smith, y he trabajado con él en todas las canciones, incluida la que acabo de grabar en enero y la que voy a grabar la semana que viene. Todo es con él.

– Trabajar con un ingeniero es realmente importante

– Sí, es muy importante. Son profesionales y entienden ese “algo más” que buscas como músico.

En el caso de Michael Smith, básicamente toda su vida. Lo ha visto todo. Ha trabajado con la mayoría de los artistas. Además, es muy flexible. Cuanto más trabajamos juntos, mejor nos entendemos y mejor es el resultado final.

Por ejemplo, Melodyne es algo que mucha gente usa ahora, que es una especie de pequeño corrector de tono vocal. Y la mayoría de las canciones que se oyen hoy en día utilizan Melodyne. Lo aplican a las voces y suben el tono un par de semitonos, y ya está en Fa, por ejemplo. Con Michael, se lo he dicho muchas veces: “Nada de Melodyne”. Y la última vez que estuve con él, me miró literalmente y me dijo: “Nada de Melodyne”. Y yo le respondí: “¡Genial, bro!”.

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– ¿Tu te encargas de todo? Es decir: escribir las canciones, programar las sesiones de grabación, la contratación de los shows, gestionar las redes sociales, diseñar las tapas de los albums, ¿O tu tienes un equipo para eso?

– Todo lo hago yo. Soy totalmente independiente.

Supongo que me encuentro en un momento de mi carrera musical en el que me vendría muy bien contar con la ayuda de un representante y de un sello discográfico, pero, en gran parte, parece que soy yo quien tiene que dar el primer paso.

He hablado con algunas personas, y creo que es mejor llegar a un punto en el que sea mucho más atractivo y sean ellos quienes se pongan en contacto conmigo. Pero, por ahora, soy total y absolutamente independiente, lo cual es genial. Hago todas las portadas de los discos yo mismo. Todas se basan en la imagen que tengo de lo que he puesto en esto. Me encargo personalmente de todas las redes sociales. Contrato todos mis conciertos por mi cuenta, lo cual a veces resulta muy difícil. Lo hago todo yo mismo.

Lo único que realmente no hago es tocar la batería, que es lo que se oye en los discos; de eso se encarga mi amigo Noah, que me ayuda muchísimo. Pero, de nuevo, sin él y sin el ingeniero, no creo que hubiera conseguido ni la mitad de lo que he conseguido. Habría sido mucho más difícil hacerlo.

– En cierto modo, supongo que todo se reduce a los contactos. Es grandioso tener buenos contactos, buenos amigos, buenos compañeros de trabajo y, sobre todo, buenos ingenieros.

– También es muy bueno estar en esta situación en la que me encuentro ahora, con total independencia. Es bueno porque sé lo que hay que hacer con mi proyecto. Y si alguna vez llega un momento en el que cuente con un mánager, un gran sello discográfico o algo por el estilo, no es como si fueran a tomar el control total. Y yo seguiré sabiendo lo que hay que hacer, si eso tiene sentido. Sé en qué consiste este proyecto. Sé quién es Dylan Gers.

– ¿Podrias contarnos algo sobre el equipo que usas en tus actuaciones en vivo?

– De hecho, tengo aquí mi guitarra. Es una Fender Stratocaster mexicana. Y le he cambiado la cejuela. Antes tenía una cejuela de plástico, como las Stratocaster mexicanas. Hice algo bastante raro, pero me gusta mucho. Le quemé un poco los extremos, al estilo de Jimmy, si es que se entiende.

– ¿Wow, lo hiciste por algún propósito o fue un accidente?

– Por un propósito

– Todo un detalle!

– Tuve una noche un poco rara, por así decirlo.

Esta es la guitarra que solía usar para componer todo (la muestra). Es una HSSH, es decir, una pastilla de bobina simple, otra de bobina simple y una humbucker, y le he cambiado esta última. Al principio era una humbucker normal, como las de Fender, pero la cambié por una DiMarzio Super Distortion, la misma que, por ejemplo, usan Kurt Cobain y Dave Murray, que es muy potente, la Super Distortion.

Y no tiene Floyd Rose, solo una silleta normal.

Eh…Voy a tomarlas porque están todas en esta misma habitación. Un momento.

Utilizo tres guitarras para el proyecto completo en directo, lo cual está bien, pero esta es para el proyecto en solitario (muestra nuevamente otra guitarra). Es simplemente una acústica Ovation. Muy bonita. Una acústica con un tono muy completo y agradable.

– ¿Es esa la que podemos escuchar en tu música?

– Si, toda mi música.

Además, todo esto es para esa Stratocaster, con la que toco “Talisman” y “White Swan”. Todas esas canciones. Todo lo que tengo aquí es simplemente todo lo que he grabado con ella. Para los conciertos en directo, de nuevo, para “Talisman”, utilizo una Flying V porque está afinada en drop D.

– Hermosa. La thrashera (thrashy en ingles)

– La thrashera, si!

En cuanto a la influencia de James Hetfield, le grabé “Eat Fuck”, lo cual está genial. Él tiene eso en su vieja Gibson Discovery Flying V, creo. Pero esto es bastante divertido porque es como una réplica de Dave Mustaine: “Dave Mustaine’s King Vs.”.

Es gracioso porque puse el logotipo de Metallica en una guitarra de Megadeth. Muy gracioso.

Las pastillas humbucker y las de bobina simple son todas estándar, excepto la Stratocaster, que tiene la DiMarzio Super Distortion. Aparte de eso, todo es estándar.

– Entonces, Dylan, ¿Podrías hablarnos de las letras? Es decir, ¿Que tipo de mensaje quieres dejarle a la gente y por que escribes así?

– Escribo así porque quiero que haya un cierto sentido de la ambigüedad en mi música, y no quiero que alguien lea la letra y diga: “Ah, esto es lo que quiere decir”.

Quiero que cada uno saque sus propias conclusiones. Quiero que la gente pueda extraer cualquier significado que quiera de mi canción. Desde mi punto de vista, no tiene por qué significar necesariamente nada. Y para mí puede que signifique algo, pero quiero que quienes la escuchan y quienes puedan escucharla en el futuro se den cuenta de que pueden sacar de ella lo que quieran. Y que deduzcan lo que quieran, tanto si les estoy hablando a ellos como si me refiero a una parte de su vida, de su relación o de lo que sea que tengan. Es una sensación de ambigüedad.

– ¿Crees que escribes con la cabeza o con el corazón? ¿O quizá a partir de la experiencia y de situaciones de la vida cotidiana?

– Todo eso. Con la cabeza, con el corazón, a partir de la experiencia y de las vivencias cotidianas y cosas así. Creo que a partir de todo ello. Siempre intento no caer en lo demasiado extraño o misterioso y mantenerlo más o menos, como he dicho, sencillo.

– ¿Cómo te gustaría que te recordaran?

– Como un buen músico, y nada más.

No tengo grandes ambiciones ni nada por el estilo. Solo quiero vivir mi vida y espero hacer feliz a la gente con mi música y seguir así.

También está bien tener los pies en la tierra. Mantener los pies en el suelo. Creo que eso es muy importante. Creo que
hoy en día mucha gente se deja llevar por todo, pero a mí también me pasa lo mismo.

– Hasta ahora, ¿estás satisfecho con todos los esfuerzos que has realizado para alcanzar ese objetivo de ser recordado como un buen músico?

– No, nunca. Estoy satisfecho con todo lo que he publicado, pero espero que aún quede mucho más por hacer.

Estoy muy contento con toda la música que he publicado. No creo que pudiera haberlo hecho mucho mejor. Con lo que
tenía en esos momentos. Hay algunas canciones que debería haber mezclado de otra manera, pero eso siempre va a pasar.

Siempre vas a echar vas a echar la vista atrás a parte de la música que tenías cuando tenías 21, 22 años, o incluso
antes, y pensar: “Eso se podría haber mezclado así”.

Siempre vas a evolucionar musicalmente y pensar: “Oh, eso podría estar así, y esto podría estar así”. Pero lo bonito de esa música y de la que he publicado es que es un momento en el tiempo. Es como un momento colectivo en el tiempo. Y está capturado. Está capturado en ese instante, como si fuera julio de 2022. Ha capturado ese movimiento y esos sentimientos de aquel momento, esa emoción y esa composición.

Así que sí, de momento estoy muy satisfecho con todo lo que he hecho.

– ¿Cómo vives la realidad del mundo de la música como joven músico?

– Tengo mucha suerte porque formo parte de una comunidad de gente grandiosa allí donde vivo, en Londres, en este momento. Así que esa es mi visión del mundo de la música ahora mismo: mi maravillosa comunidad.

Estoy con mi amigo Noah, que toca la batería; mi amigo James, que toca en varias bandas y hace cosas en solitario, lo cual es genial, y da conciertos y cosas así, lo cual es maravilloso.

El mundo de la música en su conjunto es muy… ¿cómo se dice?

Es implacable, supongo. Puede machacarte y escupirte en cuestión de meses. Por eso, por mi parte, solo intento construir poco a poco, de forma orgánica, algo que, con suerte, se convierta en algo más grande.

A mi edad, es muy difícil dedicarse al mundo de la música porque, además, no hay muchas recompensas económicas. Quiero decir, no es que tengas que buscar eso. Sin embargo, un hombre tiene que comer, una chica tiene que comer. Es tan sencillo como eso, pero es realmente importante. Y, por desgracia, para mucha gente de mi nivel, básicamente no hay casi nada de dinero. Y eso simplemente significa que estamos perdiendo.

Creo que mucha gente que tiene historias realmente bonitas que contar, las estamos perdiendo. Porque es muy difícil y no hay recompensa. Incluso si estás en un gran sello discográfico.

Es difícil, pero eso no va a impedir que la gente siga haciendo música. Supongo.

– ¿Sientes a veces que nosotros, como músicos, nos enfrentamos a un mar abrumador de música?

Me refiero a que la cantidad de música que hay hoy en día en las plataformas es enorme. ¿Qué opinas al respecto? ¿Cómo te sientes al respecto? ¿Y qué crees que debe hacer un músico para que su música destaque en este círculo infinito e inmenso de música?

– Bueno, supongo que lo que ocurre con el streaming es que, básicamente, ahora resulta muy fácil para la gente publicar música, lo cual es bueno, pero eso conlleva una sobresaturación.

Como has dicho, se publica una cantidad infinita de música. Supongo que es bueno porque personas que, de otro modo, no habrían podido publicar música, ahora pueden hacerlo.

Mucha gente es independiente. Pueden hacerlo sin que las grandes discográficas les digan: “No, no puedes publicar eso”. Lo cual es genial, es realmente bueno, pero también significa, como has dicho, un mar infinito en el que simplemente estás lanzando tu música.

Es como un montón de… bueno, es un agujero enorme, la verdad.

¿Cómo conseguir que tu música llame la atención? Ni siquiera estoy seguro.

Quiero decir, ahora está todo este rollo de Instagram y TikTok, que a mí me deja pensando: “Dios mío, ¿qué está pasando ahí?”. Pero parece que a algunas personas les va muy bien con eso. Me refiero a ese artista llamado “Somber”. Parece que es el artista más popular del mundo en este momento. Usó TikTok, y lo hizo muy bien. Y su música tiene gancho. Pero no es nada especial, si sabes a lo que me refiero. Aunque es muy buena. Usó TikTok de forma muy inteligente y ahora es un artista muy famoso.

Así que supongo que es como si te estuvieras vendiendo, en cierto modo. Es casi como una meditación, un ritual de meditación. Si quieres hacer eso de TikTok, baila un poco durante 30 segundos.

Yo pienso: “Dios, no puedo hacer eso”. Es como decir: “¡No!”, aunque tenga eso garantizado al otro lado. Ese no es el tipo de artista que soy.

Sin embargo, supongo que eso abre el camino a muchos artistas que son así, lo cual les ha ido bien. Me alegro mucho por ellos.

Entonces, ¿qué hace falta para que te descubran? Lo primero es la música, pero, sobre todo, supongo que tu música tiene que ser genial. Tiene que ser buena. El producto tiene que ser bueno. Pero, más allá de eso, ¿cómo consigue alguien darse a conocer aquí? ¿Cómo lo hace alguien aquí? No lo sé.

Quiero decir, ahora todo gira en torno a esos algoritmos, así que el algoritmo de Spotify ayuda mucho, pero a mí me ayuda a llegar a diferentes oyentes y cosas así, lo cual es maravilloso, y supongo que, de una forma extraña, ha sustituido a la radio de los 80 y a MTV. Descansa en paz, MTV. Es raro.

Es un mundo extraño, amigo mío.

Sé que hay mucha gente en la industria musical que era como los peces gordos hace 10 o 20 años, y ahora no tienen ni idea de lo que está pasando. Está cambiando, es muy dinámico, cambia muy rápido. Y ahora con la IA, “Dios mío”. ¿Quién sabe?

– Así que, Dylan, ¿Puedes compartir con nosotros tus planes para el futuro?

– Voy a seguir adelante.

Mi objetivo es sacar cuatro sencillos este año, así que ya he publicado uno, “Scars on the Soul», que salió en
enero. La semana que viene voy a grabar otro. Mi objetivo es tenerlo listo en uno o dos. Mi objetivo es sacar uno más un poco más adelante, y otro más después de ese. Y todo eso será este año, con suerte, y con ello haré otro EP con
otras cuatro canciones, y eso será este año.

Con suerte, un nuevo álbum el año que viene. Me encantaría hacer un álbum. Ya tengo mis ideas y una pequeña visión de lo que puede y debería ser. Así que eso está bien. Mi mente me permite pensar así, porque demuestra que quizá haya algo que pueda suceder. Simplemente seguir trabajando sin descanso, seguir adelante. Esa es mi respuesta, en realidad.

Siempre voy a tocar la guitarra, saque o no música.

– Antes de terminar esta entrevista, me gustaría pasar a la primera canción de vuestros álbumes, “Moonrise”. En ella se dice: 2Debes tener miedo”.

Creo que es algo muy profundo. No sé a qué te referías exactamente con eso, pero me ha hecho pensar en los miedos a los que nos enfrentamos todos los músicos en la industria musical. ¿Alguna vez has sentido algo así?

– Supongo que da mucho miedo. Pero, como he dicho antes, mi música gira en torno a la ambigüedad. Depende de lo que cada uno saque de ella. Y si eso es lo que has sacado, entonces me alegro mucho, porque deja abiertas, en la medida de lo posible, las demás posibilidades sobre el significado de mi música y mis letras.

Para mí, personalmente, se trataba simplemente de relaciones con amigos, parejas y cosas así. Trata sobre perder a la gente. De eso se trataba. Debes de tener miedo de perder a alguien a quien quieres o de perder algo que te importa. Sea lo que sea.

En cierto modo, creo que tienes que tener miedo si quieres ser músico y sacar material, porque estás perdiendo una parte de ti. Estás sacando al mundo como una parte de tu corazón, y es una locura. Es algo realmente intenso y admirable poder lanzar tu música al mundo.

– ¿Cómo definirías al oyente típico de los proyectos de Dylan García?

– Alguien con buen gusto.

– (Risas) ¡Esa ha sido ingeniosa! Sí.

– (Risas) Sí, estoy muy orgulloso de eso. Se me ocurrió así, de repente.

– Muy bien, Dylan, ha sido un placer.

– Ha sido un placer.

– ¿Te gustaría compartir algo más con nosotros que quizá no te haya preguntado?

– Sí. Hay una cosa sobre las influencias.

Se me ha ocurrido otra influencia además de Frank Sinatra, como todos los crooners y eso. Me encantan. Sammy Davis Jr., todos ellos. Ah, Jim Morrison, por supuesto. Y eso enlaza directamente con el estilo crooner, que lleva directamente a The Doors y a Jim Morrison. ¡Así que sí!

– Gracias por recibirnos. Gracias por compartir tu tiempo con nosotros, tu experiencia y tus conocimientos. Y te deseamos mucha suerte con los próximos conciertos y con los próximos lanzamientos. Y siempre podemos seguir en contacto y charlar en el futuro.

– De acuerdo

– ¡Adiós!

– Encantado de conocerte. ¡Adiós!

Hay bandas que, más allá de no haber alcanzado un gran éxito comercial, tienen un lugar ganado dentro de la escena. Esto sucede porque sentaron las bases de determinados géneros e influenciaron a generaciones de artistas. Ese es el caso de los portugueses Moonspell, quienes, además de ser una de las bandas fundamentales en la creación del Gothic Metal, también ayudaron a poner a Portugal en el mapa de la escena metalera internacional.

Con motivo de la edición de su decimocuarto trabajo, Far From God, nos comunicamos con su líder Fernando Ribeiro. En esta charla hablamos sobre el nuevo álbum, la historia de la banda y la actualidad de las relaciones humanas, uno de los ejes conceptuales presentes en su nueva obra.

Fernando, buenos días. ¿Cómo estás?

Muy bien. ¿Y vos?

Muy bien, gracias. Antes que nada, es un placer conocerte. Estoy muy contento y emocionado por esta entrevista. Soy un gran fan de Moonspell, así que muchas gracias por tu tiempo.

Gracias a vos por invitarme.

Mi nombre es Ignacio. Soy argentino, aunque actualmente vivo en Copenhague, Dinamarca, y trabajo para Track To Hell, un medio que cubre conciertos por toda Europa y Latinoamérica.

Antes que nada, gracias nuevamente por la invitación. Acabo de volver de Argentina, donde estuvimos tocando en Buenos Aires, y fue una experiencia fantástica.

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Déjame decirte algo: yo estuve ahí.

¿Ah, sí? ¡Qué bueno! Siempre disfrutamos muchísimo tocar en Argentina. El público es muy cálido y responde de una manera increíble a nuestros conciertos.

Bueno, hablemos de Moonspell y del nuevo álbum. Después de escuchar los primeros sencillos, especialmente “Far From God”, me dio la sensación de que el disco tiene una identidad conceptual muy marcada. Las primeras canciones retratan personajes que se alejan de Dios o incluso de otras personas y encuentran refugio en la oscuridad. ¿Existe un concepto unificador detrás del álbum? ¿Hay una temática que atraviesa todo el disco?

En cuanto al nuevo álbum, Far From God, creo que continúa la línea que Moonspell viene desarrollando desde hace muchos años. Quizá nuestros discos no sean conceptuales en el sentido clásico, como Abigail de King Diamond, que cuenta una historia de principio a fin. Existen distintos tipos de álbumes conceptuales: algunos narran una historia y otros giran alrededor de una idea o un tema central.

Moonspell ya exploró ambas formas en el pasado, pero creo que Far From God es un disco conceptual por naturaleza. Nosotros no sabemos trabajar sin un concepto. Cuando estamos componiendo en el estudio no puedo simplemente improvisar o cantar cualquier cosa; necesito saber qué quiero contar. Moonspell siempre ha sido una banda muy literaria. Funcionamos casi como una compañía de teatro: yo escribo el guion y el resto de la banda construye la música alrededor de esa idea.

Por eso es tan importante que cada disco y cada canción tengan un concepto detrás.

Far From God es, en cierto modo, un álbum bastante romántico. Habla del amor, del dolor y de todos esos estados emocionales asociados con la estética gótica que han sido explorados por grandes escritores, poetas y bandas del género.

Pero también tiene una lectura filosófica. Habla de cómo nos estamos alejando del significado original de las cosas: del significado de la amistad, del amor, de lo que representa una mujer o un hombre y, por supuesto, del verdadero significado de conceptos como la religión, la política o incluso el deporte.

Creo que la humanidad atraviesa una gran desviación. Vivimos en una época en la que disponemos de más información y más conocimiento que nunca. En teoría deberíamos estar mejor preparados para tomar buenas decisiones, pero ocurre exactamente lo contrario.

Seguimos tomando decisiones equivocadas.

Esa contradicción me desconcierta como hombre, como ciudadano, como padre y como músico. Me cuesta entender por qué tanta gente, tanto personas comunes como quienes ocupan posiciones de poder, se alejan de aquello que realmente podría ayudarlos a mantenerse en el camino correcto.

Y eso puede aplicarse tanto a una relación personal como a la relación con Dios, que también es algo profundamente personal.

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Me parece muy interesante lo que decís. Mucha gente que no conoce demasiado el gótico o este tipo de música suele pensar que todo gira alrededor de la fantasía o de mundos imaginarios. Sin embargo, vos acabás de explicar que gran parte de tu inspiración nace precisamente de lo que está ocurriendo en el mundo, aunque lo expreses mediante un lenguaje más poético o simbólico. Me parece una forma muy interesante de abordar estos temas.

Es algo completamente natural.

Tomemos como ejemplo El Señor de los Anillos. Y aclaro que tampoco soy un fanático absoluto de Tolkien.

Si uno conoce su historia, sabe que combatió durante la Primera Guerra Mundial. Gran parte de la mitología de la Tierra Media nace precisamente de las experiencias que vivió en las trincheras.

Después depende de cada lector. Hay personas que prefieren quedarse con lo que ven en la superficie, y eso está perfectamente bien. Pero también hay quienes sienten curiosidad y quieren profundizar un poco más. Creo que Moonspell pertenece a esa segunda categoría.

Nuestras canciones no ofrecen una única respuesta. No dicen simplemente que algo es A. Puede ser A, puede ser B o puede ser C. Cada persona encuentra su propia interpretación.

Hay otras bandas que escriben letras mucho más directas y te dicen exactamente de qué trata cada canción. Nosotros preferimos dejar espacio para que el oyente complete parte de la historia.

Porque, al final, toda ficción nace de la realidad. No tenemos otra materia prima. Escribimos sobre aquello que vemos, sentimos y vivimos. Eso es lo que alimenta nuestra imaginación.

Incluso la literatura fantástica o de terror funciona de esa manera. Tomemos el caso de Lovecraft: gran parte de sus monstruos marinos nacen de un miedo muy real, porque sentía auténtico terror por el océano.

Por eso siempre digo que la ficción surge de la realidad. Puede ampliarla, deformarla o volverla más poética y oscura, pero la raíz siempre está en el mundo real.

Mencionaste El Señor de los Anillos y justo soy un gran fan. De hecho, tengo un tatuaje inspirado en la obra y coincido completamente con lo que decís.

Pero volviendo al nuevo álbum, en cuanto a la composición y al sonido, ¿debemos esperar que Far From God sea una continuación de Hermitage o representa una nueva dirección para Moonspell? La banda siempre ha mantenido una identidad muy clara, pero al mismo tiempo nunca ha tenido miedo de explorar nuevos sonidos. ¿Qué podemos esperar de este disco?

Los dos sencillos son solo eso: dos sencillos. En Far From God hay mucho más por descubrir. Creo que “Cross Your Heart” y “Far From God” tienen más relación entre sí que con canciones como “Our Freedom to Fall”, “The Promise of Light” o “Biblical”. Hay mucho más para descubrir en este álbum.

Lo curioso de Moonspell es que siempre hemos experimentado con nuestra música, pero nunca porque haya sido un plan o una estrategia para sorprender o confundir a nuestros seguidores. Simplemente hacemos la música que sentimos que debemos hacer en cada momento.

Moonspell no tiene un programa que cumplir. No sentimos la obligación de repetir una fórmula ni de responder a determinadas expectativas. Escribimos aquello que queremos escribir y, si a la gente le gusta, fantástico. Si no le gusta, al menos sigue siendo algo completamente honesto.

Creo que Far From God es un álbum en el que no quisimos explorar demasiado. Es un disco construido sobre canciones que funcionan muy bien por sí mismas, muy directas y muy pegadizas, donde conseguimos combinar el metal con nuestras raíces góticas sin que ninguno de los dos elementos se imponga sobre el otro.

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En ese sentido, probablemente sea un disco más clásico de Moonspell que Hermitage. Aquel álbum era bastante más experimental. Tenía muchas influencias del rock progresivo, de Pink Floyd, de Keith Emerson y también de bandas sonoras oscuras. Esta vez queríamos hacer algo diferente.

Nuestro objetivo era componer un álbum con el que nos sintiéramos cómodos y que no tuviera miedo de escribir canciones memorables.

Hoy veo dos tendencias muy marcadas. Por un lado están las canciones extremadamente pegadizas, tan calculadas que casi parecen pensadas para Eurovisión y terminan perdiendo oscuridad y profundidad. Por otro lado está ese metal extremadamente complejo, lleno de breakdowns, cambios constantes y enormes muros de sonido.

Nosotros no queríamos hacer ninguna de esas dos cosas. Queríamos escribir canciones sencillas, pero sin perder profundidad ni significado. No sé si eso puede llamarse evolución. Quizá simplemente sea el tipo de álbum que queríamos hacer en este momento. Y, curiosamente, hacer algo sencillo suele ser mucho más difícil que hacer algo complicado.
Creo que este es un disco sobre el que la gente no necesitará construir demasiadas teorías. Las canciones hablan por sí solas y simplemente invitan al oyente a sentarse y disfrutarlas. A veces es importante no colocar demasiadas barreras entre la banda y quien escucha. Creo que ahí reside la magia de este álbum.

Es un disco muy pegadizo y ya hemos visto reacciones de todo tipo. Hay personas que han quedado fascinadas con los sencillos y otras que incluso estaban preocupadas porque pensaban que yo ya no iba a cantar con voces más agresivas.
Lo curioso es que muchas personas empiezan a debatir sobre un álbum antes de haberlo escuchado completo. No hablo solo de Moonspell; sucede con muchísimas bandas. Hoy parece que mucha gente prefiere discutir sobre un disco en Internet antes que escucharlo de principio a fin.Nosotros iremos presentándolo poco a poco, con los conciertos y la promoción. Pero que nadie espere un muro de sonido ni composiciones excesivamente complicadas.Far From God es, sencillamente, un álbum de metal gótico muy directo.

Mientras hablabas pensaba justamente en eso. Entiendo que pueda resultarte extraño que la gente saque conclusiones basándose únicamente en dos sencillos, pero también creo que forma parte de la época en la que vivimos. Es inevitable que la gente opine.
Y, de alguna manera, también genera expectativa. Hoy todo se consume muy rápido: escuchás una canción, pasás a la siguiente y al día siguiente ya te olvidaste de ella. Quizá ese debate también mantiene vivo el interés por el disco.

Es una perspectiva interesante. La verdad es que Moonspell siempre ha generado debate. Desde el comienzo de nuestra carrera hemos sido una banda que despierta opiniones muy distintas sobre su música. Quizá durante los primeros años, hasta Wolfheart, existía un consenso mayor porque éramos una propuesta nueva. Pero desde Sin/Pecado nuestro público empezó a dividirse mucho más.

Y debatir me parece algo completamente sano. También significa que la banda sigue siendo relevante y que la gente se interesa por lo que hacemos. Lo que me preocupa, como persona creativa, es que muchas veces la gente se queda atrapada en el debate y nunca llega a lo verdaderamente importante.

Y esto no ocurre solamente con Moonspell o con la música. Ocurre con absolutamente todo. Se discute si Cristiano Ronaldo rendirá bien en el próximo Mundial, si un libro es políticamente correcto o no… Yo estudié Filosofía, así que entiendo perfectamente la importancia del debate. Entiendo la necesidad de intercambiar ideas, de generar expectativas y de mantener la mente ocupada con temas que nos interesan.

Pero también creo que muchas personas llegan a una discusión con una opinión ya completamente formada y lo único que buscan es justificarla. No quieren cambiar de idea ni aprender algo nuevo. Simplemente quieren demostrar que tenían razón desde el principio.

Eso lo veo constantemente, no solo en la música, sino en todos los ámbitos de la sociedad. Vivimos una especie de guerra permanente de opiniones. Basta con entrar en la sección de comentarios de cualquier publicación, de cualquier banda, no tiene por qué ser Moonspell, para preocuparse un poco por el futuro de la humanidad.

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Estoy bastante de acuerdo con eso. Yo siempre intento buscar el lado positivo de las cosas, pero entiendo perfectamente lo que decís. Hoy muchas discusiones parecen reducirse a demostrar quién tiene razón o quién es intelectualmente superior al otro. Y, para mí, ese nunca fue el verdadero sentido del debate. La idea debería ser compartir puntos de vista, escuchar argumentos y construir una conclusión a partir de distintas perspectivas. Siento que eso se está perdiendo poco a poco.

Exactamente. Ese era el significado original del debate filosófico. Ni siquiera consistía necesariamente en llegar a una conclusión definitiva, sino en avanzar juntos hacia ella. Hoy ocurre lo contrario: muchas personas empiezan la discusión convencidas de que ya poseen la respuesta correcta, y eso le quita toda la riqueza al intercambio de ideas.

Creo que esa actitud está afectando no solo a la música, sino al mundo en general. A veces existen hechos muy claros y, aun así, mucha gente prefiere ignorarlos simplemente porque contradicen su propia visión de las cosas. Hoy no parece importar demasiado aferrarse a una mentira si esa mentira sirve para sostener una opinión previa.

Es verdad.

Bueno, volviendo al álbum, ¿hay alguna canción de Far From God que sea tu favorita o la favorita del resto de la banda? ¿Hay algún tema que tengas especialmente ganas de tocar en directo?

Siempre intentamos ofrecer el mejor repertorio posible. Evidentemente queremos tocar muchas canciones de Far From God, pero también entendemos que un concierto de Moonspell no es solamente para nuestro disfrute; también pertenece al público. Por eso siempre buscamos un equilibrio entre el material nuevo y los clásicos.

Sí estamos preparando algunos conciertos especiales en los que interpretaremos el álbum completo, pero serán ocasiones muy puntuales. Normalmente preferimos mezclar canciones de todas las etapas de la banda.

De hecho, ya estrenamos dos temas durante el Wave-Gotik-Treffen, en Alemania, y la respuesta fue fantástica. Incluso me sorprendió la reacción del público, especialmente con “Cross Your Heart”, porque en ese momento ni siquiera había sido publicada oficialmente. El sencillo salió al día siguiente de ese concierto.

En cuanto a mis favoritas, van cambiando con el tiempo, como suele ocurrir. Pero, si hoy tuviera que elegir, me quedaría con dos.

La primera es “The Great Wolf in the Sky”, que será el tercer sencillo y verá la luz poco antes del lanzamiento del álbum, el 3 de julio. Creo que reúne todo lo que representa Moonspell: metal, atmósfera, profundidad y, probablemente, uno de los mejores estribillos que hemos escrito en mucho tiempo.

La segunda sería “Our Freedom to Fall”. Creo que va a sorprender a mucha gente porque probablemente sea la canción más pesada del disco, y estoy convencido de que terminarará formando parte del repertorio en vivo.

Claro que esto puede cambiar. Cuando nosotros volvemos a escuchar el álbum meses después de haberlo terminado también descubrimos cosas nuevas y empezamos a apreciar otras canciones de una manera diferente. Pero, hoy por hoy, esas serían mis dos favoritas.

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Bueno, hablando del disco, ¿habrá alguna colaboración? Lo pregunto porque muchas bandas del género suelen invitar a cantantes femeninas en este tipo de álbumes. ¿Hay algo de eso en Far From God?

 Esta vez no. Tenemos una invitada, Alicia Nurho, pero únicamente interpreta los arreglos de cuerdas en “The Great Wolf in the Sky”. Lo pensamos mucho y lo hablamos con nuestro productor, Jaime Gómez Arellano, y al final decidimos que incorporar un cantante invitado no tenía demasiado sentido porque ya lo habíamos hecho antes.

Aunque espero que este disco también conecte con el público femenino, ya que habla mucho del amor y del romanticismo, sentíamos que debía mantenerse dentro de la propia banda. Es un álbum en el que solo había espacio para voces masculinas, para mi voz. No encontramos ninguna canción que realmente necesitara un invitado. Llegamos a contemplar esa posibilidad, pero nos dio la sensación de que habría sido una colaboración hecha simplemente porque sí.

Cada artista que colaboró con Moonspell en el pasado aportó una dimensión nueva a las canciones. Eso ocurrió con temas como “Scorpion Flower” o “An Erotic Alchemy”. Los invitados siempre sumaban algo que nosotros solos no podíamos ofrecer. Esta vez no sentimos esa necesidad. No creíamos que incorporar otra voz fuera a hacer el álbum más grande, mejor o más interesante.

Estábamos muy satisfechos con el resultado que habíamos conseguido entre los cinco miembros de la banda y nuestro productor. Alicia participó únicamente en los arreglos de cuerdas. Es una artista española, multiinstrumentista y cantante, aunque proviene mucho más del mundo del indie y del folk que del metal. Siempre nos ha gustado trabajar con músicos que vienen de otros estilos, pero, en esta ocasión, esa fue la única colaboración del álbum.

Me parece interesante. Y justamente hablando de eso, de trabajar con músicos que vienen de otros géneros, quería preguntarte si creés que esas colaboraciones o incluso la música que escuchás habitualmente —porque imagino que no escuchás solamente metal— terminan influyendo en el resultado final de Moonspell.

Sin ninguna duda. Hay muchos músicos que, cuando están componiendo, prefieren dejar de escuchar música para evitar influencias. Nosotros somos exactamente lo contrario: necesitamos escuchar música y entusiasmarnos con lo que hacen otros artistas.

De hecho, una de las cosas que más me inspiró durante los últimos años y que, de alguna manera, me marcó el camino para volver hacia un sonido más claramente gótico fue el último álbum de Tribulation. Para mí ese disco prácticamente salvó el metal gótico. Me pareció un trabajo extraordinario. Es una banda de metal, pero consigue transmitir una atmósfera gótica increíble. Incluso hubo gente que me llamó para preguntarme si yo era el cantante del álbum. Evidentemente no participé, pero despertó muchísimo mi curiosidad y me recordó por qué me enamoré de este tipo de música.

Para mí la música siempre ha sido una cuestión de estados de ánimo. Hay momentos en los que escucho muchísimo death metal, especialmente el de Florida. Últimamente también estoy escuchando mucho a Wormwitch, de Canadá. Me encanta esa banda. Pero, al mismo tiempo, desde la época del instituto siempre fui alternando entre el metal extremo y otros estilos completamente diferentes. Tenía muchos amigos que escuchaban Depeche Mode, Fields of the Nephilim, Nick Cave o The Sisters of Mercy, y todo eso terminó influyéndome profundamente.

Cuando empezaron a aparecer bandas que mezclaban el metal, el punk o el hardcore con elementos góticos, como Type O Negative, sentí que ese era exactamente el camino que me interesaba. Creo que esa mezcla terminó influyendo muchísimo en el sonido de Moonspell desde los tiempos de Wolfheart.

Por eso a veces me sorprende que la gente se sorprenda cuando versionamos a Depeche Mode o cuando hablamos de Fields of the Nephilim como una de nuestras principales influencias. Siempre estuvieron ahí. Quizá muchos nunca prestaron demasiada atención. Recuerdo que, durante las primeras giras por Europa en furgoneta, escuchábamos una y otra vez Earth Inferno, el álbum en vivo de Fields of the Nephilim. Debemos haberlo escuchado cientos de veces. Era imposible que una banda como esa no terminara formando parte de nuestro ADN musical.

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Sí, completamente. Y creo que eso se nota cuando escuchás a Moonspell. En realidad sucede con muchas bandas de metal gótico. Es imposible no reconocer la influencia de The Sisters of Mercy o de Fields of the Nephilim.

Y con Depeche Mode pasa algo parecido. Mucha gente conoce solamente los grandes éxitos, pero si profundizás en su discografía encontrás un costado muchísimo más oscuro y melancólico que conecta perfectamente con la estética de Moonspell.

Exactamente. Cuando grabamos “Sacred”, para el álbum Sin/Pecado, recibimos muchas críticas. Fue curioso porque, por aquella época, Lacuna Coil había versionado “Enjoy the Silence” e In Flames había hecho lo mismo con “Everything Counts”. Ellos prácticamente no recibieron cuestionamientos y, en cambio, nosotros sí. Y eso que ni siquiera elegimos uno de los grandes éxitos de Depeche Mode. “Sacred” pertenece a Music for the Masses y es una canción mucho menos conocida.

Hoy creo que la mentalidad dentro del metal ha cambiado bastante. Cada vez más gente entiende que Depeche Mode fue una banda enorme y que su influencia va mucho más allá del pop. Estoy seguro de que muchos de esos músicos también escuchan metal. Al final, que hagas una música diferente no significa que tengas que ignorar lo que ocurre en otros géneros.

Paradise Lost también recorrió ese camino, sobre todo durante la época de Host, donde esas influencias eran muy evidentes. Me parece algo completamente natural. Depeche Mode fue una banda gigantesca en el Reino Unido y también en Portugal. Además, eran una de esas pocas bandas realmente extraordinarias que conseguían ser masivas sin perder calidad artística. Para mí siguen siendo un grupo increíble.

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Los videoclips de “Far From God” y “Cross Your Heart” tienen una identidad visual muy marcada. ¿Cuánto participaste en el concepto y en la realización? ¿Fue una idea del director o aportaste referencias y conceptos?

Los vídeos son una mezcla de ideas. Trabajamos con Pavel, de Thread Film, una productora que actualmente está haciendo vídeos para bandas muy importantes. Moonspell es una banda diferente a muchas de esas, así que Pavel recibió muy bien la idea de hacer algo más cinematográfico.

Para el videoclip de “Far From God” queríamos utilizar el formato 4:3, como las antiguas películas de terror, y también trabajar con blanco y negro. Yo comparto algunas ideas con el director, pero después me retiro y dejo que él y el director de fotografía hagan su trabajo. Creo que cuando contratas a alguien y luego vas a decirle exactamente qué tiene que hacer es algo extraño. Si tienes una visión tan concreta, quizás deberías hacerlo tú mismo y contratar al equipo de rodaje.

Yo no soy director de videoclips, así que no soy tan presuntuoso como para pensar que podría hacerlo mejor. No soy ese tipo de músico. Sé que hay muchos artistas que son muy controladores con todo el proceso, pero yo prefiero aportar referencias y confiar en la gente que sabe hacerlo.

Les envié algunas ideas relacionadas con fotografía y cine. Quería algo inspirado en las antiguas películas del expresionismo alemán, como las de Murnau, con una atmósfera cercana a Nosferatu. También pensé en la versión de Robert Eggers de 2024, en el cine soviético de Eisenstein e incluso en películas como El diablo de Ken Russell. Me gusta mucho el cine, así que compartí algunas películas y fotografías como referencia.

Después, el resultado final salió de la mente del director y de su equipo. Creo que simplemente les indiqué una dirección y ellos crearon algo propio.

Para “Cross Your Heart” queríamos algo diferente: un vídeo más centrado en la actuación de la banda, más visual y con menos narrativa que “Far From God”. Creo que ambos vídeos quedaron realmente muy bien. Tuvimos mucha suerte con esta productora porque son gente muy profesional y saben exactamente lo que hacen.

Además, fue genial trabajar con ellos. Hubo un ambiente muy tranquilo, muy cómodo. Tenían un plan y simplemente lo ejecutaron. Todo salió a tiempo, aunque hacer un videoclip en un día implica muchas horas de trabajo.

La única parte complicada fue viajar a Letonia y encontrarnos con temperaturas de unos 18 grados bajo cero. Para alguien de Portugal eso es prácticamente un infierno congelado. Pero estuvimos mucho tiempo en interiores, así que terminó siendo una experiencia divertida.

Estoy muy contento con el resultado visual y también con la respuesta que están teniendo los vídeos. Moonspell nunca fue una banda enfocada en YouTube, pero ahora estamos consiguiendo números muy buenos y recibiendo muchos elogios porque tienen un aspecto muy clásico y cuidado.

Queríamos elevar el nivel de calidad en todos los aspectos: desde la producción hasta el sonido, las fotografías y los vídeos. Después de más de tres décadas con Moonspell, tenemos que seguir evolucionando y mantenernos competitivos dentro de la escena.

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El año pasado celebrasteis los conciertos especiales de Wolfheart y este año llega el aniversario de Irreligious. ¿Existe la posibilidad de hacer más conciertos especiales de estos discos?

Es complicado porque ahora tenemos un nuevo álbum, pero creo que este año vamos a hacer algo especial en el Cosmic Void Festival, que está pensado precisamente para conciertos diferentes y especiales. Me gusta mucho esa idea. No quiero pasar el resto de mi vida haciendo solamente conciertos de aniversario, pero de vez en cuando vamos a mantener este formato. Si aparece una invitación para celebrar los 30 años de Wolfheart, los 30 años de Irreligious o incluso los 30 años de Sin dentro de dos años, seguramente lo haremos.

Le debemos mucho a ese legado de Moonspell. Nos encantan esas canciones y respetamos nuestro pasado porque también nos dio muchísima alegría. No es un capítulo cerrado.

Además, hacer estos conciertos nos permitió descubrir algo importante: podemos ofrecer diferentes tipos de experiencias al público. Ahora tenemos el espectáculo habitual, donde presentamos Far From God junto con canciones antiguas, pero también podemos hacer conciertos especiales de Wolfheart, de Irreligious e incluso presentaciones con orquesta. Creo que eso es muy importante porque es una experiencia increíble para nosotros y también mantiene a la banda interesante para los promotores. Ellos buscan conciertos especiales y nosotros podemos ofrecer diferentes formatos.
Así que estos conciertos de Irreligious en Sintra y Portugal serán una combinación de la presentación de Far From God —probablemente tocando el álbum completo— y también los 30 años de Irreligious, donde interpretaremos el disco entero.

Además, tenemos próximos conciertos con orquesta, como el del 2 de agosto con la Orquesta Sinfónica de Sofía en Bulgaria. Creo que es algo realmente especial tanto para nosotros como para los fans.

¿Cuáles son los planes de Moonspell para los próximos meses y para el futuro, más allá de estos conciertos especiales?

Vamos a estar tocando en festivales. Los fans siempre pueden consultar nuestras redes sociales y nuestra página web oficial, donde tienen toda la información sobre conciertos, ciudades, entradas y fechas. Probablemente sigamos viajando al extranjero durante este año. Estamos intentando organizar algo en Estados Unidos, además de los conciertos especiales y las fechas en Portugal.

También estamos preparando una gira europea como cabezas de cartel para marzo de 2027. Después veremos qué sucede. El álbum está funcionando muy bien. Estamos teniendo una gran recepción, excelentes críticas y muy buenas preventas. El interés por los conciertos irá creciendo poco a poco y estamos trabajando en ello.

No damos nada por sentado. Creo que todavía habrá muchas oportunidades de ver a Moonspell en directo durante 2026 y 2027.Ahora volvemos a la carretera, pero también seguimos componiendo. Nos reunimos un par de días a la semana solamente para trabajar en nuevas canciones, porque siempre es un buen momento para crear.

Nos gusta mucho la dirección que tomó Far From God, así que probablemente empezaremos desde ahí y veremos hacia dónde nos lleva.

Muchas gracias por la entrevista. Fue un placer hablar contigo.

Gracias a ti por invitarme y por la entrevista.

Entrevista por Kia Stuck

Como parte de Fortress Festival 2026, Track To Hell se reunió con Mortiis, uno de los pioneros más influyentes de la historia del dungeon synth, antes de su esperada actuación como cabeza de cartel de la jornada Dungeon Synth Sunday. Durante la conversación, el músico noruego habló sobre el próximo lanzamiento de Ghosts of Europa, el legado perdurable de la Era I y el notable crecimiento de un género que ayudó a crear hace ya tres décadas.

La escena del Reino Unido es bastante diferente en comparación con otras escenas de black metal. ¿Cómo la percibes tú, especialmente teniendo en cuenta que Fortress Festival se agotó con muchísima antelación y que todo el domingo está dedicado al dungeon synth? ¿Qué sensación te produce?

Tengo que ser sincero, no presto demasiada atención a ese tipo de cosas. Llevo viniendo al Reino Unido desde hace mucho tiempo y ha habido épocas en las que venía casi todos los años, y luego, por distintas razones, dejaba de venir durante cinco años o lo que fuera. Si tuviera que destacar algo, diría que hay una sensación de continuidad.

Estas son solo observaciones personales y bastante vagas porque, como digo, no me fijo demasiado. Es más bien algo que percibo al caminar por aquí. Es la primera vez que estoy en este festival, pero siento que reconozco el ambiente. Lo he visto en otros lugares del Reino Unido y, de nuevo, me transmite una sensación de estabilidad.

Por ejemplo, en Noruega existía una escena gótica e industrial bastante fuerte hasta mediados de los años 2000, y da la impresión de que luego fue perdiendo fuerza. No tengo la sensación de que eso haya ocurrido aquí. Quizá tenga que ver con la historia musical del Reino Unido. Muchas de estas corrientes nacieron aquí, ¿sabes? Probablemente las lleváis mucho más cerca del corazón. Cuando digo “vuestro corazón”, me refiero al del Reino Unido. Esa es mi pequeña teoría personal.

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Pero me alegra verlo. Me alegra ver que sigue vivo y que continúa creciendo. Y estoy hablando específicamente de la escena gótica.

Sí, en algunos países se nota que poco a poco va desapareciendo.

Sí, o atraviesa ciclos, aparece y desaparece. Aquí, mi impresión personal es que se mantiene estable. Todavía sigo a London Slimelight. Toqué allí una vez y, cuando empezaron las redes sociales, comencé a seguirlos. Siguen publicando fotos de muchos eventos.

Lo que he notado es que hay mucha gente joven. No son personas de 50 o 60 años, lo que significaría que la escena no está atrayendo sangre nueva y que siempre son los mismos. Ves a muchos jóvenes, mucho ambiente relacionado con el fetish y cosas así. Eso en realidad no importa; lo importante es que son jóvenes y que la escena sigue atrayendo nuevas generaciones, lo cual es muy positivo.

Sí, totalmente cierto.

Ese sería mi comentario rápido al respecto. En cuanto al dungeon synth, quizá todavía sea pronto para hacer observaciones definitivas.

Durante un tiempo me pareció algo principalmente estadounidense y bastante minoritario en Europa. Pero ahora ya hay varios festivales centrados en el dungeon synth por aquí, y atraen público. Es un público diferente. Tienen más aspecto de jugadores o aficionados a los videojuegos y son inadaptados a su manera. Es un tipo distinto de outsider.

Así que me alegra verlo. Tengo esperanzas puestas en ello. Quién sabe, dentro de cinco años puede que esté muerto o puede que sea muchísimo más grande. Pero ahora mismo parece prometedor.

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Es cierto. Hablando de eso, ya que hemos mencionado la música industrial y demás… tu nuevo álbum, Ghosts of Europa, lleva muchísimo tiempo gestándose. ¿Ocho años aproximadamente?

No tanto, sí y no. La mayor parte del trabajo no lleva tanto tiempo, pero sí hay elementos de ese disco que se remontan a finales de los noventa.

Eso es incluso más tiempo.

Sí. Todo empezó durante la pandemia. Iba a ser un pequeño proyecto paralelo entre un amigo y yo. Al final no ocurrió y rápidamente se convirtió en un proyecto en solitario. Para tener algo desde donde empezar, recuperé una vieja cinta que tenía guardada con tres o cuatro canciones que, lógicamente, deberían haber terminado formando parte de The Smell of Rain, pero nunca sucedió. Me gustaba mucho ese material y pensé: “Vamos a empezar por aquí y desarrollarlo”. Ahí fue donde comenzó todo.

La razón por la que ha tardado hasta ahora fue principalmente que, en 2022, cuando terminaron los confinamientos y las restricciones por la COVID, volvimos directamente a la carretera. Eso significó que Ghosts of Europa volvió al cajón. Salíamos de gira, regresábamos a casa, trabajaba unas semanas o unos meses en el disco, luego otra gira… y así sucesivamente. El proyecto se fue congelando constantemente. Así que gran parte del tiempo que podría parecer que estuve trabajando en el álbum, en realidad lo dediqué a otras cosas.

Sí, ha llevado mucho tiempo, pero no significa que estuviera sentado doce horas al día en el estudio desde 2020 hasta 2026 trabajando intensamente en él. Aun así, me fastidia que haya tardado tanto. Me habría gustado terminarlo antes. Pero la única manera de haberlo hecho habría sido no salir de gira. Y, sinceramente, las giras forman parte de cómo me gano la vida. Hay que salir. No queda otra. Además, me gusta estar de gira. También es bueno para el ego saber que existe una demanda por lo que haces. Es bueno para la cuenta bancaria y para el ego. Así que hay que hacerlo. Forma parte de la vida de un músico.

Por cierto, disfruté muchísimo del set que hiciste en Black Metal Revelations entre las actuaciones de las otras bandas. Tenía muchas ganas de verlo porque era algo diferente al resto.

Sí, Black Metal Revelations… ¿Cuándo fue eso?

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En Essen, en noviembre de 2024.

Ah, espera… ¿era la gira con Gorgoroth? Creo que fue en 2023. Sí, fue una gira muy divertida.

Entonces, ¿cómo te sientes con respecto al disco, que finalmente ha sido publicado o está a punto de publicarse por completo después de todo el proceso de trabajar en él de forma intermitente, alternándolo con las giras, y que ahora es casi como una obra de toda una vida?

Estoy muy contento de, ya sabes, “dejar todo atrás”.

Ha sido una parte de mi vida durante mucho tiempo. Sí, claro. Especialmente durante los últimos seis meses, pensaba: necesito sacar este maldito álbum de mi vida. Quiero decir, me encanta la música que contiene. Estoy muy satisfecho con él. Siento que conseguí los sonidos que quería. Y va a ser mezclado por el jodidamente brillante Sean Bevin, que es absolutamente fantástico. Y simplemente necesitaba terminarlo. Para poder empezar a planificar otras cosas.

Porque en ese momento también estamos hablando de la gira por Estados Unidos que acabo de completar, que estaba basada en The Smell of Rain. Así que tuve que recuperar todo ese material antiguo de Rain. Y para los temas, regrabé casi todo el álbum antes de la gira. Así que también tuve que hacer eso. Y muchas otras cosas. Estuve muy ocupado.

Y luego tuve que volver a aprender a cantar para ese álbum. Hacía mucho tiempo que no cantaba de esa manera. Volví a aprender todas las letras y todo eso, y realmente me estaba quedando sin tiempo, así que estaba muy estresado. Así que fue un alivio enorme incluso dejar atrás esa gira, porque estaba ahí pendiente, eran como 33 conciertos, prácticamente uno cada día. Así que ahora me siento bastante aliviado.

Ahora mi trabajo consiste en hacer entrevistas como esta, estar presente en las redes sociales y, en cierto modo, observar y esperar que a la gente le guste, cosas así. Y realmente empezar a planificar el futuro. Y, de hecho, quiero… tengo tanta música a medio terminar almacenada en mi disco duro que quiero volver a ponerme a trabajar y empezar a hacer más música. Porque una vez que terminas algo, al menos en mi caso, empiezan a surgir un montón de ideas nuevas que quiero explorar, quizá un poco diferentes, y eso resulta motivador para hacer algo ligeramente distinto. Pero, al mismo tiempo, me gusta el sonido que he creado en este disco. Así que no quiero dejarlo atrás todavía. Quizá haga un disco más. Sí, eso parece… Ya veremos.

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Sí, claro. Entonces, más de cara al futuro, ¿quizás algo más orientado al industrial o una vuelta a las raíces?

¿Es eso lo que te gustaría?

La cuestión es que descubrí el proyecto Mortiis a través de Combichrist. Me encanta.

Ah, sí.

Y fue hace unos años. Pensé: “Esto es realmente genial”. Creo que el black metal y la música industrial combinan muy bien, pero hay mucha gente bastante cerrada y protectora con ese tema.

Lo sé. Siempre habrá gente así. Quiero decir, sí, va a haber elitistas en todos los géneros, y no quieren que las cosas se mezclen. A nivel personal, a veces puedo entenderlo. Conozco algunas bandas que mezclan estos dos géneros tan distintos, por decirlo de alguna manera. Y a veces suena genial. Otras veces es un desastre, ya sabes. Pero yo no voy a ponerme a controlar quién puede o no puede hacerlo. Tendré mi opinión sobre si musicalmente me parece bueno o no, pero eso es solo mi opinión. Ni siquiera voy a salir a hablar de ello. Me la guardo para mí y que cada uno haga lo que quiera. Quiero decir, las puertas están completamente abiertas en ese sentido.

Al final, todo se reduce a disfrutar de la música, y nosotros recompensamos al artista cuando disfrutamos su música, y ellos escuchan y sienten que la disfrutamos.

Por supuesto, el feedback positivo es una motivación para seguir haciendo música. Todos tenemos ego.

Sí, claro.

Y necesita ser alimentado, como suele decirse. Eso es lo que nos hace seguir adelante.

Y también hay que ganarse la vida, claro, pero…

Por supuesto. Vivimos de esto. No puedes evitarlo realmente. Sí, claro. Pero no, que les den a los gatekeepers. Nunca los he entendido.

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Sí, yo tampoco. A veces resulta bastante ridículo. Sé que ya no haces dungeon synth como antes, pero sí tenía algunas preguntas al respecto. ¿Cómo te sientes en general al ver que el dungeon synth se ha vuelto tan grande?

No lo sé. Quiero decir, obviamente creo que es genial. Forme yo parte de ello o no, siempre me parece fantástico cuando un nuevo subgénero o género gana relevancia y le va bien. Creo que eso es inherentemente positivo. Y al mismo tiempo, siempre es halagador cuando alguien te dice: “Oye, me inspiraste” o algo así. Siempre es agradable escucharlo.

Así que sí, es jodidamente increíble. ¿Por qué no iba a parecerme bien? Aunque no esté creando dungeon synth de forma activa y regular, ¿sabes a qué me refiero? Regrabé mis dos primeros discos simplemente para poder utilizar esos temas en directo. Así que sí trabajé activamente en ese estilo de música con ese propósito, y luego salí de gira durante mucho tiempo. En ese sentido fui una parte activa de la escena, mientras que al mismo tiempo no estaba realmente activo dentro de ella.

Siempre he operado en mi propia esfera, fuera de la periferia de lo que estuviera ocurriendo alrededor. Siempre estuve al margen. Y así fue como nació Mortiis en primer lugar, porque yo era simplemente un inadaptado en los años noventa, creando la música que más tarde la gente etiquetaría como dungeon synth. En aquel entonces no la llamábamos así, era simplemente dark ambience.

De hecho, fundé mi propio sello llamado Dark Dungeon Music para publicar mis discos durante mucho tiempo, y creo que quizá de ahí es de donde sacaron la palabra “Dungeon”. Es un diseño muy antiguo de aquella época. (Señala la camiseta de Kia). Pero esa camiseta ya está descatalogada.

¿Lo está?

Sí, ya no utilizamos ese símbolo ni nada de eso. Lo usé muchísimo.

Claro. Entonces el mercado ya está saturado con ese símbolo.

Sí, lo retiré. Así que no tires esa camiseta. Puede que no puedas comprar otra nueva.

Los cortes son porque ya tenía algunos agujeros antes, así que pensé que podría dejarla un poco más bonita.

Yo también corto mis camisetas si son largas para que queden más cortas.

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Sobre todo con el calor que hace ahora mismo, esto resulta muy cómodo.

Sí, simplemente la modificas. Exactamente.

Hablando de modificaciones, normalmente actúas con tu máscara y toda la puesta en escena. Si elimináramos todos esos elementos atmosféricos —las máscaras, la iluminación y todo lo demás— y te quedaras simplemente sobre un escenario muy iluminado, vestido completamente de blanco, ¿qué parte de tu música crees que impactaría más al público en ese momento?

¿En ese caso? Probablemente los sub bajos. Puse muchísimo énfasis en eso cuando regrabé esos temas. Cuando entra ese bajo, se supone que debe golpearte. Así que físicamente eso sería probablemente lo que más sentirías. Pero si eliminas todos los aspectos visuales del escenario y, por supuesto, asumiendo que yo paso a ser algo muy poco interesante y la gente deja de mirarme, entonces…

No voy a decir que eso sea lo que ocurriría, pero espero que la música siguiera impactando de la misma manera. Me disgustaría descubrir que mi música depende de elementos visuales añadidos. Para mí, esos elementos son una capa adicional destinada a potenciar lo que realmente está ocurriendo, que es la música y la experiencia que genera. Pero odiaría que todo eso desapareciera y quedara algo débil sin ese refuerzo. Quiero que funcione por sí mismo desde el principio. Es como poner un disco sin mirar la portada: si sigue sonando genial y transmitiendo algo, creo que sería exactamente igual. Eso espero.

Puedo decir que en mi caso escuché “Parasite God” por primera vez sin haber visto siquiera la portada del álbum porque apareció en una lista aleatoria de música industrial. Pensé: “Esto suena genial”. Así que fueron más bien los aspectos instrumentales los que me atraparon. Pensé: “Esto es realmente bueno”. Entonces tuve que averiguar quién era y qué era aquello. Y, Dios mío, me pareció brillante.

Sí, eso me lo dijeron mucho, especialmente con los primeros discos, que musicalmente no son agresivos. Son simplemente atmosféricos. Y entonces la gente veía las fotos con las púas, la máscara y todo eso, y pensaban: “Vaya, qué contraste tan increíble”.

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Y también ocurría al revés. Veían primero las fotografías y esperaban una música increíblemente agresiva. Luego escuchaban los discos y descubrían que no tenían nada que ver con eso. Pero sí, es un contraste. Nunca pensé demasiado en ello. En los viejos tiempos componía la música y luego se me ocurrían ideas para la parte visual. Nunca se me ocurrió asegurarme de que todo encajara. Nunca pensé: “Tengo que verme de cierta manera para reflejar la música”. Y, a día de hoy, realmente sigo sin hacerlo. Quizá un poco más ahora que antes, pero sigue sin ser un factor decisivo. Simplemente tengo una idea, luego otra, y encuentro la forma de hacer que funcionen.

Lo importante es sentirte cómodo con ello. Es genial que no intentes necesariamente reflejar la música en la puesta en escena ni viceversa. Simplemente encaja de alguna manera.

Sí, conectas ambas cosas de alguna forma. Pero creo que en los primeros tiempos nunca pensé en ello. Aunque seguramente era más difícil unir esos dos elementos. Ahora, especialmente con el nuevo disco, la parte visual surge de forma mucho más sencilla a partir de la música. Todo encaja de una forma más natural y orgánica. Pero no lo planifiqué. Creo que simplemente ocurre porque llevo haciendo esto durante tanto tiempo. Algunas cosas suceden automáticamente. No sé explicarlo mejor que eso. La música y la parte visual avanzan más de la mano, y las canciones incorporan los elementos visuales de una forma más natural. En los viejos tiempos sí había una cierta colisión entre ambos aspectos. Pero no me importaba. Ni siquiera pensaba en ello.

Muchas gracias por tu tiempo, ¡y nos vemos más tarde en el concierto!

¡Gracias!

Entrevista por Kia Stuck

Como parte de la esperada vuelta de Abigail Williams al Reino Unido en Fortress Festival 2026, Track To Hell habló con su fundador y vocalista, Ken Sorceron, sobre el último álbum de la banda, A Void Within Existence. Conversamos sobre los temas de aislamiento e introspección presentes en el disco, así como sobre la evolución de la formación y las actuaciones de la banda desde la última vez que tocaron en el Reino Unido, hace aproximadamente ocho años.

¿Qué tal ha sido tocar aquí hoy en un recinto tan maravilloso?

Oh, es increíble. Quiero decir, es lo mejor. Es el festival más genial que hemos hecho nunca. Sí, absolutamente. Junto al mar, así, y además todo el mundo nos ha tratado muy bien aquí. El escenario es fantástico. El sonido fue simplemente… ya sabes… es genial. Digámoslo así: llegamos aquí y no habíamos tocado juntos en más de un año, creo. Ni siquiera habíamos conocido al batería con el que tocamos hasta ayer. No ensayamos en absoluto. Si puedes subirte a un escenario y hacer eso, entonces está bastante bien.

¿Y cómo es tocar aquí en el Reino Unido en comparación con conciertos de black metal en América, por ejemplo en Estados Unidos? ¿Notas alguna diferencia en el público o algo así?

Solo los acentos, realmente. Y el papel moneda tiene una sensación un poco… diferente. No, en serio, es difícil decirlo. Aquí hay tanta gente que he estado hablando con personas de todo el mundo, realmente. Nuestra primera gira fue precisamente en el Reino Unido cuando empezamos la banda. Hicimos una gira por el Reino Unido antes de girar por Estados Unidos. Así que, la verdad, me gusta bastante estar aquí.

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¿Es un poco como volver a casa?

Sí, me encanta. También llegué a trabajar aquí durante una temporada. Además he pasado bastante tiempo aquí. Y, ya sabes, me encanta el campo. Y sí, simplemente aprecio este lugar. Y honestamente, los fans aquí son bastante geniales. Lo diré así. Siempre lo han sido.

Y ahora que has vuelto con vuestro último disco, A Void Within Existence, ¿cómo se siente trasladar todo lo que pusiste emocionalmente en ese álbum al escenario? Porque fue compuesto durante una etapa más o menos complicada.

Oh, sí. Ya sabes, solo elijo tocar las canciones con las que realmente conecto. ¿Sabes a qué me refiero? Porque quiero que el concierto se sienta como una gran liberación. Quiero sentir algo yo mismo. Quiero que se me ponga la piel de gallina. Y luego espero poder transmitir eso a la gente. La mayoría de las canciones ya las habíamos tocado antes, pero una de las que hemos interpretado hoy…Acabamos de tocar una canción que nunca habíamos ensayado de ninguna manera. Fue genial.

Sí, me encanta el álbum. De hecho, me encantan nuestros dos últimos discos. Creo que hemos seguido una buena trayectoria. Ahora mismo estoy grabando un nuevo álbum. Tuve que dejarlo en pausa para venir aquí, pero lo terminaré cuando vuelva a casa.

Entonces está cerca de estar terminado.

Sí, bastante cerca. Solo faltan algunas voces y cosas así.

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¿Disfrutas más del proceso de hacer discos entre gira y gira o las giras se han convertido más en una molestia?

Sí, ya sabes, las giras se han vuelto… más complicadas que antes porque la logística cada vez es más difícil. Todo es más caro, pero los ingresos no parecen aumentar. Muchas bandas dicen lo mismo. Es diferente ahora. Y además me estoy haciendo viejo. Me gusta estar en casa y relajarme. Me gusta trabajar en música. Y cuando estás de gira demasiado acabas quemado, y entonces no trabajas en música. Así que intento encontrar la cantidad justa de conciertos y luego pasar al siguiente disco. Me gusta hacer álbumes. Entre los dos últimos discos pasó demasiado tiempo, así que ahora intento acelerar un poco el proceso.

¿Sentiste que tenías que acelerar ese proceso?

Simplemente sentí que, en lugar de estar de gira, debería estar haciendo música. Porque mientras tengas inspiración, debes aprovecharla. Después de publicar un álbum, a veces te sientes incluso más inspirado porque acabas de lanzar algo y ves el resultado de tu trabajo. Entonces piensas: tengo que hacer más música ahora mismo. Pero si sigues de gira constantemente, esa sensación desaparece.

Entonces hay que encontrar un equilibrio.

Es complicado. Y yo soy una persona que se guía mucho por lo que siente en cada momento. No somos precisamente la banda más organizada del mundo, voy a ser sincero. Puedo estar en mitad de un disco y pensar: “Esto es una mierda”. Lo dejo y ya volveré a ello. Y puede que pasen años. Suena una locura. Pero luego vuelvo a escucharlo y pienso: “En realidad esto no es una mierda. Estaba equivocado”. Y entonces lo termino. Simplemente funciona así.

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¿Y cuándo sientes que un álbum está terminado? Sobre todo cuando trabajas en él de forma intermitente y puedes perder la perspectiva del conjunto. ¿En qué momento dices: “Ya está, está acabado”?

Buena pregunta. Nunca parece terminado hasta que simplemente te rindes y dices: “Esto servirá”. Porque podrías trabajar en él para siempre intentando perfeccionarlo. Pero a veces eso es lo incorrecto. A veces es mejor quedarse con la primera sensación cruda. Especialmente con las voces. Suelo escribir las letras el mismo día que voy a grabarlas. Y luego quiero conservar esas primeras tomas. Lo primero que me viene a la cabeza suele ser lo mejor. Me gusta mantener ese tipo de cosas. Pero la música, especialmente cuando estás arreglando baterías o trabajando la estructura de las canciones, es algo que podrías retocar eternamente.

Ahora cuentas con bastante ayuda a la hora de completar las grabaciones gracias a Dave y también a Mike. ¿Cómo ha cambiado eso el proceso?

Es mucho más fácil cuando no tienes que encargarte de la mezcla. Puedes enviar el material a alguien como Dave Otero o Lambert, gente que llega con una perspectiva fresca. Tú ya estás harto del disco porque lo has escuchado miles de veces. Es bueno tener una opinión nueva. Y además son personas en las que confías. Porque entregar tu álbum a alguien y decirle: “Toma, mézclalo”, da bastante miedo. Piensas: espero que vuelva sonando como lo imagino. Pero esos dos hacen un trabajo fantástico. Y también trabajar con Mike Taylor en la batería se ha convertido en nuestro sistema habitual porque simplemente funciona. Trabajamos muy bien juntos. Lo conozco desde hace muchísimo tiempo. Todo fluye de manera muy natural.

Entonces ahora mismo tienes buenas sensaciones.

Oh, sí.

Con todo lo que está pasando y el camino que lleváis actualmente, ¿cómo te sientes?

Siento que si la banda hubiera sido como es ahora cuando la fundé, las cosas estarían mucho mejor hoy. Lo curioso es que cuando empezamos apenas habíamos dado tres conciertos y ya habíamos fichado por Candlelight Records. De repente nos vimos compartiendo sello con un montón de bandas increíbles. Estábamos abriendo para Emperor casi inmediatamente. Empezamos a girar por el extranjero enseguida. Ni siquiera tuvimos tiempo de desarrollarnos. Fue una locura. Básicamente tuvimos que desarrollar nuestro sonido en público. Y luego te quedas atrapado en girar, girar y girar constantemente. Ahora las giras son agotadoras. Tengo 46 años y pienso cuánto tiempo más puedo seguir así. Ves bandas que continúan hasta una edad muy avanzada, pero son mucho más populares, así que tiene sentido. ¿Cuánto tiempo puedes seguir siendo una banda infravalorada y continuar girando para siempre?

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Sí, puedo imaginarlo. Si elimináramos toda la atmósfera y la puesta en escena, imaginemos que estuvierais en un escenario completamente iluminado, ¿qué aspecto de vuestra música crees que seguiría impactando más sin toda la estética del black metal?

Creo que sí funcionaría, porque en esta banda todo gira en torno a la música. No tenemos una imagen tan marcada como otras bandas. No usamos disfraces. No coordinamos cómo debemos vestirnos. No sabemos qué hará el técnico de luces. Ni siquiera tenemos técnico de luces. Puede hacer lo que quiera. Nosotros simplemente tocamos. No somos una banda especialmente preocupada por la imagen, probablemente para nuestro propio perjuicio porque a los fans del black metal les gusta mucho ese tipo de cosas. Pero nunca fuimos así. Miras fotos de cuando empezamos y parecemos tipos completamente normales. Y resulta bastante gracioso verlo ahora. Pero simplemente no tenía tiempo para pensar en esas cosas. Estaba ocupado haciendo música. Así que sí, para nosotros es bastante sencillo.

Entonces, ¿qué crees que es lo que más destaca en vuestra música? Sobre todo teniendo en cuenta que no hay disfraces ni elementos similares.

Creo que la emoción. Y sí, hay atmósfera, pero es una atmósfera diferente. Es black metal, por falta de una descripción mejor en términos estilísticos, pero yo me permito cierta libertad. No estoy pensando constantemente: “Somos una banda de black metal”. No pienso: “Tiene que transmitir oscuridad absoluta”. Y no me estoy burlando de quienes lo hacen. Solo digo que nosotros no trabajamos así.

Sí, claro.

Tenemos letras sobre infinidad de temas. Y sí, encajamos dentro de esta escena. Podemos tocar con todas estas bandas y funciona bien. Pero he notado que nunca encajamos perfectamente en ninguna gira. Siempre somos un poco la banda rara. Estamos girando con muchas bandas de black metal que tienen toda una producción escénica detrás. Nosotros no tenemos nada de eso. Así que siempre somos un poco diferentes. Y si tocamos con bandas más death metal, entonces parecemos completamente atmosféricos. Es complicado. Si quisiéramos tocar con una banda de post-rock, resultaríamos demasiado pesados.

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Así que simplemente sois vosotros mismos.

Sí, exactamente.

Es vuestra propia identidad. No encajáis en ninguna caja.

Y estoy completamente bien con eso. Siempre me he sentido un poco ajeno a esa escena. Nunca sentí que formáramos parte de ella. Conozco a mucha gente. Soy amigo de mucha gente. Pero nunca sentí que estuviéramos realmente dentro. Siempre me sentí aparte, aunque cercano. Y está bien así.

Aquí funcionó perfectamente, eso seguro.

Sí, puede funcionar. Creo que al público le gustó bastante, o al menos eso parecía. Y eso fue bueno porque nunca habíamos tocado ante tanta gente aquí. Normalmente, en el Reino Unido hacemos conciertos más pequeños.

Entonces también hay una diferencia importante en cuanto al tamaño del recinto respecto a lo que soléis hacer.

Me gustan los conciertos grandes. Sé que suena raro. Me pongo más nervioso ante un concierto pequeño con poca gente que ante una multitud enorme. Cuando hay una multitud enorme pienso: “Me siento bien. Vamos a ello”. Es extraño.

Probablemente porque cuando hay poca gente sientes que tienes que estar a la altura de ese grupo concreto de personas. Debes cumplir sus expectativas.

Sí, sientes que tienes que ser perfecto porque estás bajo el microscopio.

Y con una multitud enorme piensas más bien: “Está toda esta gente aquí. Voy a tocar y estarán contentos de que esté aquí”.

Y además recibes esa energía. Sientes que todo está bien. “Oh, acabamos de cometer un error. ¿Y qué?”

Exactamente. ¡Muchas gracias por tu tiempo!

Muchas gracias a vosotros, ha sido un placer hablar contigo.

El Altar Del Holocausto es toda una rareza en la industria musical: una banda totalmente instrumental, entre el doom y el postrock, capaz de crear piezas muy evocadoras y de enorme calidad. La identidad de sus miembros es un secreto, ya que tocan encapuchados como forma de anonimato y también tomando su inspiración estética de la tradición de la Semana Santa: sus capuchas se inspiran en los nazarenos o penitentes, mientras que sus conciertos son llamados por ellos mismos y sus seguidores “homilías”, en las que se busca elevar el espíritu a través de la música. 

La banda consigue así alcanzar un equilibrio muy difícil: emocionar a todo tipo de personas, incluso a agnósticas, ateas o procedentes de otras tradiciones religiosas, sin ofender a los creyentes y reivindicando algunas de las enseñanzas más universales y enriquecedoras de su fe.

Hoy hemos podido hablar con uno de sus enigmáticos miembros con motivo del reciente lanzamiento de su cuarto álbum de estudio: ECOS; un trabajo que simboliza el regreso de la banda después de cinco años y el inicio de una nueva etapa.

Hola, soy Cristina para Track to Hell, ¡muchas gracias por concederme esta entrevista! En primer lugar quiero daros la enhorabuena: Ecos es un álbum magnífico y parece estar teniendo una acogida maravillosa en los medios y entre el público. ¿Cómo ha sido el proceso de gestación y grabación de este trabajo? ¿Buscáis explorar nuevos matices sonoros en comparación con vuestros anteriores trabajos?

Hola, igualmente, encantado de atenderte. Me alegra que hayas disfrutado de nuestro nuevo trabajo, ECOS. Es un honor que sea reconocido y que el oyente pueda disfrutar de él después de tanto tiempo. Ha sido un largo tiempo de gestión, cerca de año y medio, desde que comenzamos con su composición, maquetación, grabación y edición… nos encargamos íntegramente de todo el proceso, salvo de la parte del ingeniero de grabación en el estudio. Ha sido un proceso costoso, pero a la vez ha tenido su parte hermosa, sobre todo el proceso creativo, creo que ECOS pone a EADH en otro punto, este disco es un punto y aparte en la historia de la banda.

Puede que se puedan encontrar ciertos matices que sean nuevos, pero en general hemos buscado que el disco suene a EADH… que sea seña de identidad de la banda.

Ojalá tengan tan buena acogida las homilías de presentación que vendrán próximamente.
Con el disco ya girando y la gran respuesta que está recibiendo, ¿cómo está siendo el traslado al directo? ¿Qué podemos esperar de las fechas que tenéis por delante en esta gira?

Aún no hemos desvelado ninguna fecha de presentación, salvo dos festivales: el Westill en Francia y el In To The Void en Países Bajos. Pero ya estaban cerrados antes de la publicación de ECOS.

La gira considero que será la más ambiciosa de la banda hasta la fecha, intentaremos llegar a todos los lugares posibles, sobre todo fuera, y que ECOS resuene allá donde tengan a bien escucharlo. Cambiarán bastantes cosas respecto a giras anteriores, pero hasta que no se lleven a cabo las primeras homilías no puedo dar más detalles.

Hay varias cosas que hacen única a vuestra banda. Por ejemplo, en vuestro caso, defendéis una propuesta puramente instrumental (sin vocalista), algo que en la escena actual me parece todo un reto. ¿Cómo conseguís que vuestros instrumentos narren historias y mantengan al público en trance durante todo el concierto?

Es todo un reto poder llegar al público sin tener una voz que transmita el mensaje principal… pero los sentimientos en muchas ocasiones son más fuertes que las propias palabras. Es importante que el oyente entienda el sentido de las composiciones, por que se crean y cuál es el objetivo de ellas, de ese modo podrá sumergirse mejor en ellas y dejarse llevar en ese trance musical.

No es una tarea sencilla, ni siempre funciona, pero para nosotros es lo que nos motiva a seguir adelante… poder hacer que cada concierto sea aún más especial o emotivo que el anterior. Por eso estamos aquí.

Otra cosa que hace único al El Altar del Holocausto es que, en una era de sobreexposición en redes sociales donde todo el mundo quiere mostrar su cara y todo lo que sea necesario para llamar la atención o alcanzar la fama, vosotros seguís manteniendo vuestras identidades en secreto ¿Es una forma de protección personal o una herramienta artística para que el oyente se concentre únicamente en la música, sin prejuicios ni egos?

Es una decisión y como tal debemos comulgar con ella, cuando se creó la banda en 2012 tomamos ese camino y será así hasta el final de la banda. No es para nada relevante cómo seamos o dejemos de ser físicamente los miembros de EADH, lo que sí debe tener repercusión es la música que se ejecute y cómo lo haga, eso sí es transcendental. El ego o los prejuicios no tienen cabida en nuestros sonidos.

Aunque no sepamos realmente quién está bajo la máscara, El Altar del Holocausto se escucha y se siente como una banda o incluso una institución muy sólida. ¿Podéis contarme si a lo largo de los años ha permanecido inalterable la formación o habéis vivido cambios en las filas? ¿Cómo afecta el relevo de un miembro cuando el concepto visual y espiritual de la banda es tan específico?

Como todo grupo, este también ha evolucionado… de ser un dúo en 2012 a ser cuatro miembros en la actualidad. Todo se trata de tener buena comunicación y entender bien el mensaje de la banda, ir todos en la misma dirección y remar a favor del proyecto. Por supuesto hemos tenido altibajos y momentos muy complicados, pero la banda está por encima de todo eso. EADH va más allá de los sentimientos que tengan sus miembros, no es un grupo formado por personas… EADH es nuestra forma de vida.

Vuestra estética y vuestros conciertos-homilías beben directamente del misticismo y la solemnidad del catolicismo, utilizando una imaginería que para algunos podría ser arriesgada. Sin embargo, lográis algo muy difícil: conmover a todo tipo de personas, incluso agnósticos y ateos, sin ofender a los creyentes. ¿Dónde está el secreto para mantener ese equilibrio tan respetuoso? ¿Buscáis algún tipo de provocación o más bien una vía de espiritualidad libre a través del arte?

Es interesante lo que planteas, creo que el equilibrio debe ser justo… esa vía espiritual del arte es donde reside la esencia de EADH, que el oyente lo interprete como realmente quiera. No es necesario pronunciarse, simplemente sentir la música y fluir. En eso quizás reside parte de la esencia de la banda, poder transmitir mensajes con los sentimientos.
Ligado con la pregunta anterior, da la sensación de que vuestro origen en Salamanca debe ser clave: vuestra propuesta evoca la sobriedad y el ascetismo de la Semana Santa de Castilla y León. ¿Hasta qué punto el peso histórico, la arquitectura y la tradición de vuestra tierra natal han moldeado el ADN visual y sonoro de El Altar del Holocausto?

No creo que realmente sea algo que haya modelado a la banda, ni lo sentimos como una influencia directa. De hecho varios miembros de la banda desde que se creó han estado más tiempo fuera de Salamanca o de España que en ella. Nos puede gustar más o menos esa imaginería o sobriedad, pero no creo que haya influenciado a la forma de ser de la banda, al menos de forma consciente o directa.

Como banda con un largo camino recorrido, desde un terreno más underground hasta llenar salas y tocar en grandes festivales, ¿qué diagnóstico le hacéis al panorama de la industria musical actual en España? ¿Es un entorno saludable para las propuestas independientes, novedosas y de nicho?

No sabría decirte. Desde nuestros inicios siempre hemos intentado ser una banda “DIY” en todo lo que hemos podido, cuando hemos tenido oportunidades las hemos intentado aprovechar y otras muchas las hemos desechado sin pensar en las consecuencias… no creo que seamos ejemplo de banda que ha triunfado o de banda a seguir. Sólo conocemos una fórmula que es trabajo y constancia. Casi siempre hemos tenido buenas experiencias con la gente del sector, sobre todo con los trabajadores que son el motor de todo esto… otra cosa es cómo se encuentre actualmente el panorama musical en algunos aspectos, pero ahí prefiero no entrar. 

Estamos viendo una irrupción masiva de la Inteligencia Artificial en la composición musical y el arte visual. Para una banda como la vuestra, donde la imperfección humana, el sentimiento, el sudor del directo y el misticismo son el núcleo, ¿cómo veis esta tecnología? ¿Creéis que la IA podrá replicar o sustituir alguna vez el alma de una composición musical o el arte sacro?

Para nada… la inteligencia artificial jamás podrá transmitir sentimientos, por algo muy simple: no los tiene. Podrá replicarlos, pero siempre serán una copia… y ahí ya se pierde originalidad, creatividad y pensamiento.  Es bastante triste, sobre todo por parte del consumidor. Hay que tener un poco más de criterio y saber diferenciar.

Mucha gente acude a vuestras “homilías” buscando una experiencia catártica, casi religiosa, un espacio donde procesar su propia oscuridad o sus problemas diarios en comunidad. ¿Sentís la responsabilidad de que vuestra música funcione como una especie de sanación o bálsamo espiritual para vuestros seguidores?

En algunas ocasiones lxs hermanxs nos transmiten esas experiencias, tras las homilías, a través de mensajes, etc… es cierto que no deja de sorprendernos y nos emociona muchísimo poder llegar de este modo al oyente. Sí creo que tenemos cierto grado de responsabilidad a la hora de subirnos a un escenario.

Cada vez intentamos perfeccionar más todo y que sea lo más profesional posible, pero sin dejar de lado la parte humana y la cercanía. 

Muchas gracias por vuestro tiempo, si queréis añadir cualquier cosa o saludar a vuestros fans ¡este es el momento! 

Aprovecho estas líneas para agradecer de corazón a la gente que nos sigue, apoya y admira… el cariño es mutuo. Os esperamos en la próxima gira de presentación de ECOS, que esperamos poder anunciar lo antes posible.

Con una propuesta que combina melodía, agresividad y una clara ambición por construir una identidad propia dentro del metal moderno, Overture debuta con State of Decay, un álbum donde cada detalle parece pensado para transmitir emoción, intensidad y honestidad. En esta entrevista, la banda habla sobre el proceso creativo detrás del disco, sus influencias, la búsqueda de versatilidad tanto a nivel compositivo como vocal y los objetivos que ya empiezan a marcar el futuro del proyecto, dejando claro que esto no es solo un primer lanzamiento, sino el inicio de una apuesta seria y con personalidad.

Este es su álbum debut y da la sensación de que la banda ya tiene una identidad bastante definida. ¿Cómo fue el proceso de encontrar el sonido de Overture entre influencias tan melódicas y momentos más agresivos?

Fue algo que apareció de forma bastante natural durante la composición del álbum. Desde el principio tuvimos claro que queríamos transmitir emociones y experiencias con las que cualquiera pudiera sentirse identificado, y el sonido fue tomando forma alrededor de esa idea. Todos compartimos influencias similares, pero cada uno aporta cosas distintas: algunos tendemos a centrarnos más en los riffs, otros en las melodías o en las atmósferas. Bandas como Architects, Killswitch Engage o Metallica han sido referencias importantes para nosotros, pero siempre tuvimos claro que queríamos construir una identidad propia.

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La introducción acústica prepara muy bien el terreno para todo lo que viene después. ¿Desde el inicio tuvieron claro que querían abrir el disco de esa manera o fue algo que apareció durante la composición?

La introducción acústica apareció prácticamente al final del proceso. Sentíamos que el disco necesitaba una apertura que ayudara a contextualizar lo que viene después y, especialmente, a preparar el terreno para “Sirens”. Más que una canción en sí misma, la vemos como una forma de introducir al oyente en la atmósfera del álbum antes de que entre toda la intensidad del primer tema.

“Sirens” tiene todos los elementos de una canción capaz de conectar con mucho público dentro del metal moderno. ¿Qué representa para ustedes dentro del álbum y cómo nació ese tema?

“Sirens” nació aproximadamente a mitad del proceso de composición del álbum y fue una de esas canciones que, desde la primera maqueta, supimos que tenía que formar parte del disco. Buscábamos algo rápido, agresivo y directo, pero sin renunciar a las melodías que también forman parte de nuestra identidad. Para nosotros representa muy bien la energía de Overture y las ganas que tenemos de conectar con la gente. Su mensaje gira en torno a los errores, las cargas que arrastramos y la decisión de seguir adelante a pesar de todo. En cierto modo, resume muy bien la actitud con la que afrontamos este proyecto.

Sergio, en canciones como “Enemy”, “Beneath The Suffering” y “Dead Roses” mostrás registros muy distintos. ¿Qué tan importante era para vos que el debut también sirviera para mostrar esa versatilidad vocal?

Para mí era crucial este aspecto. No queríamos traer una simple propuesta que sonara monótona, queríamos demostrar, sobre todo a nosotros mismos, de lo que somos capaces. Por mi parte era una batalla conmigo mismo. Quería dar lo mejor de mí en cada canción, pero también conocerme mejor como vocalista, y jugar con diferentes registros y combinaciones me ayudó muchísimo a crecer. En Overture queremos ir a por todas y quería estar a la altura de los tremendos músicos que tengo a mi lado. Pero, sobre todo, quería desarrollar algo que pudiera mantener en el tiempo: exigente, desafiante y que me obligara a seguir mejorando, pero que también pudiera defender con confianza en directo.

“One of Us” mezcla synths, partes melódicas y momentos mucho más intensos de una forma muy natural. ¿Qué artistas o referencias sienten que influyeron más en esa búsqueda sonora?

“One of Us” fue probablemente una de las canciones donde más nos acercamos a algunas de las tendencias actuales del metal moderno. Bandas como Bring Me The Horizon o Bad Omens fueron referencias a nivel de atmósfera y uso de elementos electrónicos, aunque siempre intentamos integrarlos de una forma natural dentro de nuestro sonido. Cabe decir que no queríamos que los synths fueran el centro de la canción, sino una herramienta más para reforzar las melodías y la dinámica del tema.

Hay canciones como “Under My Skin” que parecen crecer con cada escucha y terminan dejando un impacto muy fuerte. ¿Qué temas del disco sienten ustedes que mejor representan la esencia de Overture hoy?

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Es difícil quedarse solo con una canción, porque cada una representa una faceta distinta de la banda. Probablemente “Beneath The Suffering” sea una de las que mejor resume nuestro sonido, con riffs muy marcados, melodías de guitarra, intensidad y un enfoque claramente melódico. Por otro lado, “Alone” representa muy bien el presente y el futuro de Overture a nivel compositivo y de producción. También creemos que temas como “Under My Skin” o “One of Us” muestran otra parte importante de nuestra identidad, incorporando diferentes influencias sin perder la esencia de la banda. Todas ellas reflejan, de una forma u otra, la energía y las ganas que queremos transmitir con este proyecto.

A nivel instrumental el disco tiene mucho detalle, especialmente en baterías y guitarras, pero sin perder fuerza ni dinámica. ¿Cómo fue el trabajo de producción y cuánto tiempo les llevó llegar al resultado final?

Fue un proceso completamente autoproducido y nos llevó aproximadamente un año. Lo particular es que no partíamos de diez canciones terminadas, sino que durante ese tiempo estuvimos componiendo, arreglando, grabando y produciendo de forma paralela. Eso hizo que muchas decisiones de producción también influyeran en la composición y viceversa. Queríamos cuidar cada detalle, especialmente en guitarras y baterías, pero sin perder la energía y la dinámica que tienen las canciones cuando las tocamos en directo.

Después de este debut, que deja una carta de presentación muy sólida, ¿cuáles son los próximos objetivos para Overture? ¿Ya están pensando en llevar estas canciones al vivo o incluso en nuevo material?

Ahora mismo nuestro principal objetivo es llevar State of Decay al directo todo lo posible. Ya hemos presentado el álbum en Unity Fest y estamos trabajando en una pequeña gira por España y Reino Unido para finales de 2026. Queremos seguir creciendo sobre el escenario, llegar a más público y dar el salto a festivales de mayor tamaño durante 2027. Al mismo tiempo, nunca hemos dejado de escribir música y ya estamos trabajando en nuevas ideas, aunque creemos que State of Decay todavía tiene mucho recorrido por delante y queremos exprimirlo al máximo antes de centrarnos por completo en el siguiente capítulo de Overture.

Como parte de Fortress Festival 2026, Track To Hell conversó con la banda alemana de black metal Groza tras su actuación en el escenario Great Hall durante la jornada inaugural del festival. Con la banda continuando el impulso generado tras el lanzamiento de su aclamado tercer álbum, Nadir, hablamos con P.G., fundador de Groza, sobre la profundidad emocional detrás del disco, la evolución de la identidad de la banda y cómo es llevar un material tan intensamente personal al directo.

La entrevista gira en torno a las experiencias y emociones de P.G. relacionadas con su música, particularmente con su álbum Nadir, que explora temas de duelo tras la pérdida de su bajista, Mike “M.S.”, en 2023.

¿Cómo difiere la escena del Reino Unido de la escena alemana de black metal y cómo se siente estar sobre un escenario en Reino Unido en un festival agotado con meses de antelación como Fortress?

No hemos acumulado mucha experiencia con salas en Reino Unido. Este fue apenas nuestro segundo concierto allí. Tocamos en Londres hace dos años, creo, como banda de apoyo de Hulder, y hoy. Pero, siendo sincero, no siento que haya mucha diferencia. Además, hoy tocamos temprano, así que el público todavía no estaba calentado. Quiero decir, probablemente la gente también necesitaba tomarse una cerveza.

Aunque también hace bastante calor.

Pero me sorprendió muchísimo cuánta gente apareció a esa hora. No nos lo esperábamos para nada. Así que sí, se sintió genial. El concierto de Londres también fue fantástico. Reino Unido nos ha tratado muy bien hasta ahora, así que espero que podamos volver y hacer más conciertos por aquí.

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Siempre es agradable escuchar eso. Así que habéis estado trabajando en el álbum Nadir durante un tiempo, que luego se lanzó en 2024, si no recuerdo mal, y después publicasteis el álbum Live at Ragnarok, que también fue muy bien recibido, de hecho.

Hoy en día es poco común publicar discos en directo. Siento que antes eran algo enorme, pero ya nadie los hace. Y nunca he entendido por qué. Para nosotros, Groza es ante todo una banda de directo. Queríamos tener un documento de eso y publicar un álbum en vivo porque personalmente me encantan los discos en directo. También grabamos el concierto completo y lo subimos a YouTube. Fue simplemente algo natural.

Así que estuvo bastante bien hacer algo que ya no hace todo el mundo, al menos en lo que respecta a los álbumes en directo.

Quiero decir, ponemos mucho esfuerzo en los discos de estudio, por supuesto, pero como decía, pienso en Groza ante todo como una banda de directo, y queríamos documentar eso. Por eso elegimos hacer un álbum en vivo.

Hablando de poner mucho esfuerzo en ello, el álbum Nadir explora emociones bastante profundas, por decirlo de alguna manera. ¿Te importaría profundizar un poco más sobre el disco?

Sí, claro. El tema principal del disco es obviamente el duelo. Perdimos a nuestro bajista en 2023; falleció durante el proceso de composición de ese álbum. Y eso, por supuesto, moldeó por completo la perspectiva de lo que terminó siendo el disco.

Y creo que es nuestro trabajo más personal cuando se trata de abrirnos sobre temas como ese. Mike, nuestro bajista, estuvo involucrado al principio del proceso de composición y luego enfermó. Estuvo enfermo durante mucho tiempo. Y nosotros simplemente intentamos cumplir su visión. Tenía ideas muy claras sobre qué riffs le encantaban y hacia dónde quería ir. Incluso la colaboración que hicimos con la voz de Harakiri for the Sky fue también gracias a él, porque siempre le encantaba cómo sonaban nuestras voces juntas y todo eso.

Así que el tema principal del disco fue desarrollar las cosas que realmente le entusiasmaban, en honor a él y como tributo. Eso es lo que significa ese álbum.

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¿Y cómo se siente llevar algo así, siendo tan personal y emocional, a un entorno en directo como un escenario tan grande?

Es algo que puede ir en ambas direcciones. A veces es realmente duro. No soy una persona capaz de tocar una canción y no volver al lugar en el que estaba cuando la escribí, así que siempre es una experiencia agotadora, porque cuando tocamos esas canciones es como si él estuviera muy presente.

Y a veces es una celebración, otras veces es doloroso. Pero no conocemos otra forma de hacerlo. Prefiero que esa experiencia sea un poco dura y hacerlo con honestidad, porque creo que eso también se transmite a la gente. Creo que la gente puede ver cuando tocamos esas canciones que realmente significan algo para nosotros, y creo que eso se nota.

Pienso que esa es una de las fortalezas del disco más reciente. En los primeros álbumes me costaba realmente dejarme llevar. Tenía límites cuando escribía letras porque no quería ser un libro completamente abierto. Pero para este disco se sintió necesario dejarlo todo salir por completo. Así que sí, siempre es una experiencia interesante. Siempre es intensa de una forma u otra.

Siguiendo un poco lo que acabas de decir sobre ser un libro abierto, ¿sientes que la escena del black metal ha intentado recientemente profundizar más en cuestiones personales y emociones, y no limitarse a ese estereotipo de hace treinta años en el que todo era Satán, el Diablo y toda esa mierda?

Sí, creo que sí. Especialmente fuera del black metal más clásico. Creo que el post-black metal gira precisamente en torno a esos temas; ya no escuchas bandas de ese género cantando sobre esos tópicos cliché.

Creo que cada vez es algo más presente. Porque pienso que la gente quiere ver algo auténtico y real. Nunca podría imaginarme simplemente… Para mí, los temas líricos y la música son igual de importantes cuando escribo para Groza. Así que nunca podría cantar sobre cualquier cliché aleatorio porque no significa una mierda. Tiene que venir de un lugar real para ser auténtico y para que yo pueda respaldarlo.

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No lo haría si fuera simplemente… algo. Hay bandas a las que no les importan las letras, y nunca he entendido por qué. Pero para nosotros siempre tiene que ser algo personal y real, porque es la única forma de ser sinceros con lo que hacemos.

Y como has dicho, eso es algo que sí transmitís sobre el escenario. Es algo que el público percibe y que no pasa desapercibido.

Eso espero. Espero que podamos compartir eso y también dar a la gente algo con lo que conectar. Quizás esa sensación de que no somos los únicos pasando por toda esta mierda. Una de las principales razones por las que amo tanto la música es porque en ella encuentro camaradería cuando se trata de estas cosas. Te hace sentir que no estás solo. Y si puedes ofrecer eso a otras personas, es el mayor regalo posible.

Lo que él dice es cierto, porque yo misma perdí a mi padre en 2023. Así que las emociones del álbum son muy intensas, y por eso me llegó tanto. Estaba realmente emocionada por tener la oportunidad de hablar contigo sobre esto.

Todo el mundo pierde a alguien en algún momento. Todo el mundo experimenta el duelo. ¿Por qué no hablar de ello?

También es una de las mejores formas de afrontarlo a través de la música y, como decías, de la camaradería que encuentras entre los seguidores. Sí, eso es bastante genial.

Para mí es igual. Entonces ya no estás solo. Y eso es bastante importante.

Exacto. Así no acabas perdiéndote a ti mismo.

Exactamente. Especialmente si eres una persona que no habla mucho de estas cosas en una conversación normal. La música proporciona una manera de canalizar todo eso hacia algo catártico y es algo hermoso. Estoy agradecido de que podamos conectar con la gente de esa forma. Es algo muy especial.

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Me preguntaba… hablando de identidades, de hecho, creo que quizás esperabas la pregunta sobre…

¿Quieres hablar de eso? La Banda Prohibida.

La Banda Prohibida con la que os compararon mucho en vuestros primeros años.

Sí, lo sé. Sí, no puedo dejar de hablar de ello.

¿Cómo lo sientes tú? ¿Tienes la sensación de que poner tanto esfuerzo en todo esto, con vuestro propio estilo y trabajando en algo más personal, realmente os ayudó a alejaros de todo aquello de “oh, sois igual que…”?

Sí, no es algo forzado en el sentido de que intentemos diferenciarnos deliberadamente de esa banda solo porque nos compararon con ella. Si la gente nos compara con Mgła, lo tomo como el mayor cumplido posible. Es mi banda favorita. Creo que son los reyes. No tengo ningún problema en hablar de cuánto los adoro.

Y Groza, quiero decir, empecé Groza básicamente como un proyecto de homenaje. Vi uno de sus conciertos en Múnich y realmente cambió mi perspectiva. Suena muy exagerado decirlo, pero es verdad. Fue uno de los conciertos más importantes que he visto en mi vida. Volví a casa y empecé a escribir música en esa línea.

Y sí, mucha gente asocia el espíritu o la actitud del black metal con la originalidad. Que el black metal es una forma de arte en la que tienes que reinventarte constantemente y donde la originalidad es algo fundamental. Pero yo nunca lo he visto así.

Prefiero hacer algo honesto y auténtico, algo que realmente ame y pueda defender, antes que intentar ser original solo por el hecho de serlo. Así que si mi música suena como mi banda favorita, prefiero tocarla con toda mi pasión y con el corazón puesto en ello antes que fingir que no estoy influenciado por ellos.

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Seamos sinceros, dime una sola maldita banda que no haya sido influenciada por otras.

Vamos, esto lleva ocurriendo desde siempre. También podrías remontarte atrás. Joder, si no hubiera existido Darkthrone, ¿habría sido igual? Si no hubiera existido Venom, ¿habría sido igual Darkthrone? Si no hubiera existido Black Sabbath… y así sucesivamente.

La cuestión es que, en ese contexto, especialmente al principio, la gente nos acusaba de simplemente copiar a Mgła. Y eso siempre me molestó porque planteaba la situación como si… ¿cómo decirlo? Déjame ordenar mis ideas.

La gente pensaba que simplemente estábamos aprovechándonos del éxito de Mgła. Básicamente decían: “otra banda más que quiere subirse al tren de la moda”. Pero no viene de ahí. Seguimos teniendo trabajos normales. No vivimos de Groza. El dinero no es un factor en absoluto en lo que hacemos con la banda.

Eso es lo que me molestaba de la comparación: que la gente nos acusara de intentar aprovechar el éxito que ellos estaban teniendo.

También era bastante irrespetuoso.

Sí, bueno, la gente tiene opiniones y está bien. Quiero decir, con internet cualquiera puede soltar su opinión en un vídeo de YouTube. Es lo que hay. No me importa, está bien. Todo el mundo tiene derecho a su opinión.

Pero invito a cualquiera que hable mierda sobre nosotros a que venga a ver un concierto y luego vuelva a decidir si somos sinceros o no.

Eso es justo lo que iba a añadir. Mucha gente está más que dispuesta a hablar mierda sin saber. A todo el mundo le encanta juzgar a los demás sin dedicar realmente el esfuerzo o el tiempo necesario.

Sí, no nos afecta demasiado. No estamos en el local de ensayo escribiendo canciones nuevas pensando: “¿Qué podemos hacer diferente para que dejen de llamarnos copia?”. Me da igual. ¿Quieres llamarme copia? No me importa. De verdad que no.

Se trata simplemente de hacer música que nos conmueva. Y si eso suena como mi banda favorita, perfecto. Así de simple.

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Sí… Entonces, si eliminarais los atuendos y toda la atmósfera black metal, y simplemente vistierais ropa normal, con luz de día y gente normal entre el público, ¿qué crees que sería lo que más impactaría al público de vuestra música?

Bueno, la razón por la que hacemos todo eso es precisamente para apartar la atención de nosotros y de quiénes somos como personas, porque realmente creo que la música puede hablar por sí sola. Por eso elegimos usar máscaras, parecer todos iguales y todo lo demás.

Sí, simplemente espero que la música se transmita de la misma forma que ahora. No creo que el vestuario o la ropa de escenario, o como quieras llamarlo, sea una parte integral de lo que hace que Groza sea Groza. Es simplemente un medio para alcanzar un fin.

Creo que la música siempre es el centro de atención y espero que funcionara igual. Quiero decir, no me gustaría tocar un concierto así porque tengo miedo escénico y cosas de ese estilo, así que realmente disfruto ocultándome.

Esa es una parte importante de lo que hacemos. Te separa del público y te conviertes en una especie de… interpretación. Sí, te conviertes en otra cosa. En cuanto te pones la máscara, ya no eres la persona privada, sino que entras en el universo de Groza. Pasas a formar parte de la banda y ya no eres simplemente ese tipo de antes.

Nos provoca algo cuando tocamos, por eso lo hacemos.

Y además lo disfrutas.

Bueno, más o menos. No puede ser una tortura. Aunque a veces es como una gota china o algo parecido. Hoy especialmente fue duro. Hacía muchísimo calor sobre el escenario. No sé por qué, quizá por las pantallas LED o algo así, pero todos nos estábamos muriendo allí arriba. Todavía estoy empapado en sudor.

¿Pero la máscara se lava?

Sí. Tenemos enfoques diferentes respecto a eso. Pero sí, se lava. No puedes hacer una gira de cinco semanas sin lavarla. Acabarías asfixiándote. No es agradable.

Sí, me lo imagino perfectamente. Sobre todo en esta maldita época del año.

Sí, se oxida, amigo. Especialmente en los festivales de verano, ya sabes.

Bueno, eso era todo por nuestra parte. ¡Muchas gracias por tu tiempo!

Muchas gracias a vosotros.

Con motivo del lanzamiento de su nuevo disco Sons of the Abandoned, que llegará a las tiendas el próximo 12 de junio vía ROAR, nos juntamos con los chicos de Bloodhunter, para que nos cuenten todas las novedades de la banda y de este esperadísimo trabajo.

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¿Cómo ha sido el proceso creativo del disco y donde ha sido grabado?

Dani (Guitarra): Cuando terminamos el Knowledge Was The Price, decidimos utilizar todo el material que teníamos preparado (por eso dura casi 1 hora), por lo que tuvimos que partir de cero para escribir Sons of the Abandoned. En esta ocasión decidí no componer nada hasta tener claro quién iba a publicar el álbum y cómo, por lo que una vez estuvo claro, dedicamos unos 6 meses a componerlo y otros 3 a grabarlo, principalmente en Sadman Studios con nuestro querido Carlos Santos. Fue un proceso muy intenso, como todo en esta banda, sobre todo porque teníamos unos tiempos muy ajustados.

¿La portada me parece muy buena y llamativa, de donde surge la idea y quién la plasmó?

Diva Satánica (Voz): Hemos vuelto a contar con Gustavo Sazes para el artwork, que siempre capta muy bien las ideas que tenemos en mente y con el que ya habíamos trabajado con anterioridad. Aunque este álbum no es conceptual, nos hemos ido dando cuenta de que algunos de los temas que tratamos en las canciones están muy conectados: esta visión de una sociedad cada vez más individualista, que se rige por valores superficiales y donde te sientes prácticamente abandonado; nos llevaba a pensar en las típicas imágenes de ciudades destruidas como representación de ese mundo interior resquebrajado y al mismo tiempo como reflejo de la situación política global que estamos viviendo. Verás que en lugar de edificios hay balas, y al mismo tiempo una gran esfera de fondo simbolizando la esperanza de un nuevo amanecer que creo que todos albergamos. Tiene una estética bastante próxima al surrealismo que a mí es una corriente que me encanta.

Habéis fichado por ROAR (Una división de Reigning Phoenix Music) que ha supuesto para la banda dar este salto en cuanto a discográfica?

Dani (Guitarra): ROAR/RPM tienen un alcance y una distribución muy grande, por lo que para nosotros es especialmente bueno. Además, están especializados en nuestro estilo de música. Todo eso, sumado al consejo de nuestra nueva agencia de Management FM Music Management, hace que esta etapa represente un salto bastante importante para Bloodhunter.

En “The Path That Never Ends”, contáis con la colaboración de Laura Guldemond (Burning Witches), como ha sido para Diva cantar con ella?

Diva Satánica (Voz): Laura y yo nos conocimos personalmente en la primera gira por Europa que hicimos durante mi etapa en Nervosa con ambas bandas. Yo ya conocía su trabajo incluso desde antes de que ella entrase a formar parte de Burning Witches y sin duda para mí es una de las voces más impresionantes de nuestra generación. En esa gira tocábamos un tema que tenía la colaboración de Eric de Foltsam & Jetsam y le pedimos en un par de conciertos si quería subirse con nosotras a cantarlo y me encantó la experiencia. Siempre que pienso en voces melódicas con mucha fuerza y gran versatilidad, ella es la primera que se me viene a la mente. “The Path That Never Ends” arranca con mucho Groove y algunos toques progresivos, pero queríamos que el estribillo fuera más melódico y fácilmente reconocible y pensamos inmediatamente en ella. Apenas le dimos instrucciones sobre lo que necesitábamos y cuando nos envió las pistas alucinamos, ha hecho un trabajo increíble.

Diva, colaboraste con Rehn Stillnight y Grace Darkling (Nocturnia), ¿Qué supuso para ti juntarte con estas chicas para un clásico que nada tiene que ver con el metal?

Diva Satánica (Voz): Me siento muy feliz de tener la oportunidad de hacer colaboraciones con otros músicos de la escena y me encanta cuando venimos de estilos distintos porque aprendo muchísimo. Conocí a Morten (Mortemia) de casualidad a través de mi querida amiga Alessia Scolletti que estaba sustituyendo a la vocalista de Sirenia en algunas fechas hace un par de veranos y casualmente tenían un festival muy cerca de donde vivo así que me invitaron. Ahí pude hablar un poco más con él y me pareció un tipo increíble. Con el tiempo me contactó para explicarme que tenía un proyecto de versiones con artistas que le gustaban para llevar canciones de otros estilos al metal/rock y me pareció una idea estupenda. Recuerdo que me propuso con cierto temor “Gangsta’s Paradise” y se sorprendió de que fuera una de mis canciones favoritas fuera del metal. Ha sido un auténtico reto para mí grabarla porque al fin y al cabo canto todas las estrofas rapeadas y en cuestiones de ritmo y dinámica es mucho más difícil de lo que parece. A Rehn y a Grace no las conocía, pero son 2 voces increíbles que le han dado un toque espectacular al estribillo. Me encantaría que pudiéramos hacer esto en directo alguna vez.

¿Cómo afrontáis la gira española siendo invitados de Crypta?

Dani (Guitarra): Precisamente la gira española se inicia el día que publicamos Sons of the Abandoned, por lo que tenemos muchas ganas de salir a tocar unas cuantas canciones nuevas y llevarle el álbum a la gente en persona. Tendremos el stand del merchandising repleto de cosas nuevas!

¿Qué podemos esperar de BLOODHUNTER para el resto de la temporada y de cara a 2027? ¿Habrá gira nacional extensa, festivales nuevos?

Diva Satánica (Voz): Al igual que con el disco anterior, al lanzarlo en pleno verano, ya no llegamos a la programación de festivales de este verano, pero estamos ya trabajando en próximas fechas para los próximos meses. Nos encantaría poder volver a Asia y ampliar territorios lo máximo posible ya que la mayoría de nuestros oyentes están en USA y Latinoamérica.

Hoy he tenido la suerte de charlar con Ben Hutcherson, guitarrista y co-vocalista en la banda de doom metal norteamericana Khemmis, que acaba de sacar su quinto álbum de estudio. Ben es un tío encantador y comprometido que confiesa estar pasando por el mejor momento de su vida en los cuarenta tras trabajar mucho en su salud mental, dejar atrás sus adicciones y su empleo “formal” en el mundo académico. Aunque sus convicciones están claras tanto para él como para el resto de la banda y hablamos de ellas ampliamente, el álbum que ya esta online no es en absoluto político ni de crítica social, sino un disco centrado en la belleza del arte y en aportar esperanza y felicidad a los seguidores del doom metal.

Buenas tardes, Ben, gracias por concederme esta entrevista. Lo primero darte la enhorabuena: más de 10 años de banda, vuestro 5º álbum de estudio salió hace unos días, y además estáis a punto de empezar un tour que va a ser bastante largo ¿cómo estás viviendo esta etapa tan ajetreada de Khemmis?

Buenas tardes, encantado de charlar contigo. Lo has dicho muy bien, es una etapa “ajetreada”. Pero estamos muy ilusionados con todo esto. El nuevo álbum acaba de salir, y la acogida de los singles ha sido fenomenal. Y en concreto hoy, llevamos desde muy temprano esta mañana haciendo entrevistas y después cuando acabemos, Dave, nuestro bajista, y yo, vamos a llenar la furgoneta y vamos a conducir nueve horas hasta Oklahoma para ir a tocar con Acid Bath este fin de semana. Los otros dos compañeros irán allí en avión. Va a ser un fin de semana genial. Va a ser el primer show en un verano efectivamente muy ajetreado: tenemos muchas fechas en todo EEUU, y se acaban de anunciar algunas fechas europeas, más otras cuantas que quedan por confirmar y que probablemente anunciaremos la semana que viene o la siguiente.

¿Alguna de esas nuevas fechas será en España o cerca?

Si te soy sincero, no lo recuerdo. Hemos estado trabajando con diferentes fechas y borradores de la gira. Pero si no fuera en esta ocasión, seguro que sería para el verano de 2027 o muy pronto. Queremos volver a Europa el año que viene para una gira más larga. Así que si no nos véis en España de aquí a otoño, eso es que nos veréis el verano siguiente.

Sobre el nuevo álbum, se llama “Khemmis” al igual que la banda y los singles son videoclips muy originales ¿puedes contarme un poco sobre el concepto principal de este disco y qué podemos encontrar de nuevo con respecto a los anteriores?

Claro. ¿Cuál sería el concepto principal del disco? Verás, Deceiver fue un álbum que grabamos y que se inspiró en momentos muy oscuros de nuestras vidas personales. Por ello fué un álbum muy difícil de grabar. Tuvimos que explorar gran parte de nuestras tragedias personales, y estamos contentos de haberlo hecho. Yo por ejemplo acababa de ser diagnosticado acerca de mi salud mental y también llevaba un tiempo sobrio, decisión que había tomado sólo unos pocos años antes. Y debo decir que estoy muy contento de haber llegado sobrio al encierro que supuso la pandemia del Covid. No sé cómo hubiera podido sobrevivir a eso si no hubiera estado limpio en aquel momento… Entonces, cuando llegó el momento de grabar este nuevo disco, teníamos claras algunas cosas: musicalmente queríamos hacer algo concreto, que además también tiene que ver con la etapa de giras muy intensas que acabábamos de terminar. Hemos estado girando muchísimo después de sacar Deceiver, estuvimos de gira con Trivium, con Mastodon… hicimos una gira europea enorme tanto de festivales como de cabeza de cartel… 

Así que lo que queríamos era hacer un nuevo álbum que tuviera una buena pegada en directo, que eligiéramos la canción que eligiéramos, pudiéramos confiar en que iba a funcionar con la energía adecuada ¡que tuviera poder! Y algo que no queríamos era volver a excavar en nuestras tragedias personales, pues ya lo habíamos hecho profundamente antes. Así que para escribir las letras y encontrar la inspiración, seguimos un principio fundamental, que ha sido “grabar un álbum que, si lo hubiera hecho otra persona, a nosotros nos encantara”, un álbum que realmente no sorprendiera y tuviéramos ganas de escuchar.

Además, como el mundo entero actualmente, y muy especialmente nuestro país, EEUU, es un lugar tan aterrador y está tan roto, que todo parece que está en llamas… esta vez no quiero desarrollar un arte que me haga sentir aún peor, o que me pida una nueva reflexión sobre la muerte de seres queridos o las batallas que cada uno está luchando. Quería escribir sobre algo que transmita esperanza. Y por supuesto, como es metal, va a seguir siendo oscuro. Desde luego. No vamos a ponernos a tocar escalas mayores y hablar de la luz del sol y los cachorritos, no vamos a pasarnos a la positividad tóxica. Seguirá siendo oscuro, muy melódico y melancólico. Y será una historia totalmente ficticia, por primera vez en la historia del grupo nos basaremos en crear ficción. Porque antes siempre hemos hablado de nuestras vidas y hemos usado diferentes metáforas. Pero esta vez todo es ficción. Claro, todos sabemos que cuando alguien crea algo siempre pone una parte de sí mismo en la creación, y aunque deliberadamente hagamos ficción habrá algo dentro que tenga que ver con nuestro recorrido vital y nuestras luchas personales y estos temas… Pero el corazón del disco es una celebración: reconectar con el placer del Heavy Metal con mayúsculas. Musicalmente, estéticamente, espiritualmente… 

Y es que internamente estamos redescubriendo el placer de crear heavy metal, juntos, como amigos y como hermanos. De una forma muy integral. Lo estamos sintiendo como el cierre de un círculo. Ya no estamos en la etapa de fingir que tenemos veinticinco años… Yo no quiero volver a tener veinticinco años, tengo cuarenta y un años y con sus altos y sus bajos creo que me siento cómodo a nivel espiritual. Al menos casi todo el tiempo. No quiero volver a sentirme como me sentía cuando era más joven. Y sé que les ocurre también a mis compañeros. Y creo que esto nos ha hecho mejores como banda, a nivel creativo, profesionalmente, y también en el escenario. Y lo que queríamos era conjugar todo esto en un nuevo disco, donde la música suene salvadora, triunfal… que suene como algo que te de ganas de coger una buena cerveza fría, o en mi caso un Red Bull sin azúcar, y bailar y menear la cabeza y sentirte libre por un rato. Y este es el tipo de atmósfera que queríamos transmitir en este nuevo disco.

Ben, eso es muy interesante y desde luego coincido contigo en que necesitamos también un poco de esperanza y felicidad en estos tiempos oscuros.  Y me alegra mucho escuchar que te sientes bien contigo mismo, además después de los cuarenta. Todos los cuarentones que conozco, incluida yo misma, estamos pasando unas crisis de la mediana edad a nivel estratosférico… pero en tu caso es al revés, estás en un punto álgido y se te nota. 

Bueno, para ser justos, he sido músico profesional tanto tiempo que siempre ha parecido que estaba atravesando una crisis de la mediana edad (ríe). Ya sabes, he pasado tanto tiempo de mi vida en una furgoneta vieja viajando por el mundo, poniéndome camisetas de heavy metal sin mangas. Siempre he parecido el tipo de persona que tiene un Chevrolet El Camino sin ruedas aparcado en su jardín… simplemente es la imagen que doy y ya está (ríe). Pero el hecho de que haya dejado mi trabajo anterior, más formal, también es importante en cómo me siento ahora… Yo antes era profesor de sociología y lo dejé en gran parte porque no me hacía feliz y además iba a seguir estando arruinado por mucho que trabajase. Este es el sistema. Así que prefiero estar arruinado persiguiendo mis sueños, creando arte y compartiéndola con el mundo, que estar igual pero manteniéndome en un trabajo que me drena el alma cada día. Entonces en este punto de mi vida una mala crisis de la mediana edad sería cortarme el pelo y ponerme un traje y corbata para ir a trabajar (ríe). 

La verdad es que iba a preguntártelo más adelante, porque precisamente yo también soy profesora de sociología y doctora igual que tú. Entonces tenía aquí una pregunta muy importante ¿qué porcentaje de cordura perdiste escribiendo tu Tesis Doctoral?

Jajaja, yo diría que ¡el 100%! Me destrozó (ríe). Lo estaba hablando el otro día con otro académico amigo mío, Edward Banchs, que ha estudiado el Heavy Metal en África, estábamos hablando de los programas de doctorado… Y a veces han venido a hablar conmigo estudiantes de doctorado, me hablan en algún concierto o en mi canal de Twitch, y me preguntan “¿debería hacer este grado, o este otro?”… y yo les digo “No. No lo hagas. El trabajo para el que crees que te estás preparando ya no existe. Vas a estar trabajando en una facultad y a la vez en cinco escuelas diferentes, por un salario mínimo… y eso asumiendo que consigas pasar el programa sin desintegrarte literalmente. Así que no lo hagas. Simplemente no lo hagas. Haz cualquier otra cosa”. Y no es que ya no crea en la educación, no es así. Yo tuve una mala experiencia y creo que eso sería suficiente para dar este consejo, pero es que además conozco a tantísima gente está en la misma situación: mi mujer tiene el doctorado, Phil Pendergast tiene el doctorado… Y Phil salió mucho mejor de todo aquello que la mayoría de la gente que conozco y aún así el doctorado le cambió totalmente, y él te lo dirá, dependiendo de como le pilles te dará más o menos detalles, pero podemos coincidir en que es duro. 

Pero a la vez, creo que esto conecta con una apreciación por ese tipo de disfrute que… mira yo sé lo que es estar en un sistema institucional en el que te sientes tan desconectado de todos los demás e incluso de tí mismo que hasta pierdes la esperanza en la humanidad. Pierdes la fe en ti mismo. No es algo bueno. Pero la idea de escribir música con mis tres mejores amigos y poder compartirla con el mundo, eso reduce mucho el sufrimiento. Si puedes contribuir a la vida de alguien, darle alguna pequeña luz en su vida o una esperanza… Yo lo sé porque en momentos de mi vida he necesitado muchísimo eso. Siento mucha gratitud por la música que he escuchado y que me ha mantenido a flote en mis años más oscuros. Los conciertos a los que he ido cuando pensaba que ni siquiera iba a ser capaz de disfrutar de la música en directo. Recuerdo algo muy vívidamente: poco después de conseguir estar sobrio, yo venía de un estado de bloqueo mental muy grande, y fuí a un concierto; estaba totalmente sobrio y yo pensaba que la música ya nunca sería capaz de hacerme sentir nada estando sobrio. Yo tenía este miedo y se lo había comentado a mi terapeuta, había reflexionado sobre ello muchísimo y creo que también se lo había dicho incluso a Mike, un gran amigo y de hecho el vocalista de la banda que iba a ver. Estaba muy asustado, pero en el momento en que sonó la música, mi corazón se abrió y lo sentí “sí, sigue ahí”… cuando acabó, se me caía una lagrimita. Así que sí: la música seguía ahí, seguía teniendo el poder de hacerme sentir con cada fibra de mi cuerpo. 

Y esa es la misión que queríamos imponernos: intentar hacer algo que pudiera hacer eso por nosotros si lo escuchásemos, y si a lo mejor puede hacerle sentir eso a alguien más… es lo que queremos hacer. Todo nos ha llevado a este punto y es como el siguiente paso inevitable en nuestra carrera. 

Es un hermoso objetivo y parece ser todo un reto para componer. Por cierto, que tanto Phil como tú, ambos tocáis la guitarra y cantáis, por lo que me pregunto si os resulta fácil o difícil poneros de acuerdo entre los dos a la hora de componer y escribir las letras, de decidir quién hace cada parte.

La verdad es que ya estamos en un punto en que todo esto sucede de forma bastante intuitiva. En realidad, la única relación más cercana que tengo es con mi mujer o mi familia más inmediata. Khemmis es la relación más larga y duradera que he tenido con nadie más en toda mi vida. Nos conocemos muy bien. Ya tenemos la habilidad de traer una idea creativa y ver las posibilidades, distribuir las opciones sin tener que pensarlo demasiado. No es que haya tres opciones “a, b y c”, no hay un orden riguroso ni unas estadísticas en las que basarnos. Es más bien como entrar en un estado compartido de creatividad entre los cuatro, donde las ideas fluyen muy bien. También sabemos muy bien cuáles son nuestros puntos fuertes y débiles, quién toca o compone mejor determinadas partes de una canción… Por ejemplo todos saben que yo me voy a pasar tocando demasiadas notas mientras que Phil va a tocar tres o cuatro notas, pero al final entre los dos y nuestros otros dos compañeros, encontraremos el punto medio adecuado. Además tenemos influencias muy parecidas. Aunque cada uno tenga su estilo de componer o cantar, bebemos de fuentes comunes, tenemos una paleta de colores compartida en gran parte. 

Tampoco se trata de lo que quiere tocar una persona en concreto, sino de qué hace la mejor canción. Probaremos muchas ideas, si tenemos por ejemplo ideas diferentes para un riff, si yo lo quiero hacer de una manera y Phil de otra, y luego Dave y Zach cada uno tienen también sus ideas sobre cómo debería quedar, simplemente lo probamos todo y buscamos qué opción convence a todos más completamente, y si ninguna nos parece buena a todos, no tenemos problema en dejar atrás esas ideas y crear otra nueva. No nos colgamos tampoco del resultado final porque el trabajo creativo nos gusta mucho. Trabajar y tocar juntos es el verdadero objetivo. Sabemos que si lo hacemos así el resultado final será bueno. Nadie puede decir “vamos a componer la mejor canción de la historia” porque eso es imposible, no va a ocurrir haciéndolo así. Pero si decimos “vamos a hacer algo juntos de lo que estemos orgullosos y que suene a Khemmis, siendo a la vez diferente a lo que ya hemos hecho”, pues eso funciona. Ni siquiera buscamos ser mejores que en trabajos anteriores, solo hacer algo nuestro y nuevo. Si la gente piensa que lo nuevo mejora a lo anterior, ¡genial!, pero si a la gente resulta que le gustan más los primeros discos, ¡pues bien también! Tan solo el hecho de que a la gente le guste algo que hemos hecho ¡ya es genial! 

Viendo los nuevos singles estoy segura de que a todo el mundo le va a gustar el disco nuevo. Por cierto, que cuando hablamos de cantar, tú te encargas de la voz gutural, que siempre son mis favoritas en las bandas de metal, pero también sé que es difícil iniciarse en ellas, ¿Cómo empezaste a cantar guturales?

Empecé a cantar, a ver… como hace diecisiete o dieciocho años… ¡hace ya demasiado tiempo! Estaba en otra banda, en Memphis, Tennessee, donde yo nací y me crié. Era una banda que hacía algo así como sludge-death-doom y se llamaba Galaxicon, y teníamos la idea de que todos en la banda tenían que cantar. Yo nunca antes había cantado pero dije “genial, lo probaré”… Hace tanto tiempo que no había muchos recursos para aprender, ahora hay cursos de instagram o youtube por todas partes y cosas similares que te enseñan a cantar guturales o cualquier estilo incluso gratis… No había nada de eso entonces. Lo único parecido eran unos cursos que impartía una mujer maravillosa, cuyo nombre ¡ay!, no recuerdo bien. Esta mujer tenía sus DVD llamados algo así como “The scent of screaming” y había enseñado a mucha gente grande, como Randy Blythe o Matthew de Trivium… pero yo no los tenía. Entonces mi aprendizaje fue de ensayo y error. Por ejemplo, probaba algo y luego decía “oh, no debe ser así, porque ahora no podré hablar en tres días” (ríe)… En algún momento me dí cuenta de que lo mejor sería aprender los fundamentos del canto convencional, la respiración, la técnica… y ya luego añadir los guturales a ese aprendizaje, y por fin pude cantar. Pero la verdad es que he seguido basándome en la prueba y el error, y puedes verlo a lo largo de nuestros álbumes, en cada uno he mejorado y he aprendido algo nuevo. Y creo que en Deceiver fue la primera vez que al grabar mis partes me dije “sí, está bien hecho”… me había ocurrido en alguna canción de Desolation, pero allí aún veía que me faltaba aprender ciertas cosas. No le aconsejaría a la gente empezar como yo hice, yo les diría “primero aprende los fundamentos del canto y ya le añadirás la voz demoniaca”.

Eso es un buen consejo. Verás hablábamos sobre la inspiración del disco: ya me has comentado que en esta ocasión os basáis en la ficción. Además conserváis el arte de la portada con un estilo que siempre me recuerda a la literatura de fantasía clásica… tenéis portadas que recuerdan a Elric de Melniboné, a personajes de Robert E. Howard o incluso a Lovecraft…  aunque luego las letras no son concretas en ese sentido… Querría preguntarte: ¿hay un “lore de fantasía” en Khemmis? y también ¿Qué referentes literarios son tus favoritos?

Sí, totalmente, podrías escribir un libro tan largo como la biblia sobre el lore de Khemmis: sobre quienes son los personajes, su historia… pero nos gusta ser un poco ambiguos porque nos gusta oír las teorías de los fans. Estuvimos leyendo un hilo de Reddit en el que algunos fans hacían teorías sobre todo esto… se fijaban en los diferentes álbumes y su arte y eso ¡nos parece genial!. Si simplemente telegrafiamos cada detalle, no quedaría espacio a la interpretación, que es una parte esencial del arte. Preferimos que cada cual haga su interpretación, salvo que fuera algo horrible, fascista o nazi, ese sería nuestro único límite; todo lo demás nos parecerá muy bien. Incluso si no es nuestra historia, nos parece bien. Porque no es el tipo de mensaje que estamos dando. No es una guía exhaustiva de algo. A mí me recuerda un poco a la saga de videojuegos Dark Souls. Porque los videojuegos de Dark Souls son geniales en ese sentido. La gente tiene millones de teorías y eso me encanta. Además es totalmente voluntario, puedes jugar perfectamente a los juegos de una forma más superficial, sin fijarte en todo eso, y disfrutarlos mucho. Pero si prefieres fijarte en los detalles y crear tus teorías, tienes otro tipo de experiencia.

Y sobre nuestras referencias literarias, Phil y yo tenemos muchas influencias, por ejemplo a mí me encanta Stephen King, especialmente la serie de La torre oscura, es una de mis cosas favoritas de todo el mundo, la he leído mil veces… También me gusta la ciencia ficción un poco rara y oscura, desde luego Lovecraft y muchos otros, terror, fantasía… Thomas Ligotti… todas esas historias en las que nada es como parece a simple vista. Y justamente todos esos tienen en común que su modelo de contar historias es no dar todos los detalles desde el principio, tienen una parte de misterio e interpretación abstracta. Algo que te deja espacio para crear tus propios mundos en tu mente y eso me llama mucho la atención. 

Gracias, voy a hacerte la última pregunta, no quiero robarte mucho más tiempo. Dime, como músico que lleva mucho tiempo en el mundillo y además como sociólogo ¿crees que estamos viviendo buenos tiempos o malos tiempos para el metal?

Bien, pues siguiendo la tradición clásica de la sociología diré que “depende”. Claro, depende: hay muchas cosas buenas en la sociedad humana actual que benefician al heavy metal y a la creatividad. Por ejemplo la barrera para entrar en el mundo de la música es mucho más accesible que en el pasado y creo que eso es bueno. Me refiero a que ahora más gente puede hacer su propia música por sí mismo. Ahora es posible que simplemente si tienes una guitarra, un ordenador y un programa básico, puedas componer y editar tu propio disco con una calidad aceptable. Incluso hay recursos para que las personas puedan aprender a mezclar audio a un buen nivel sin necesidad de pagar equipos caros o ir a clases. Y puede sonar bien. Con esto no estoy diciendo lo típico de que “cualquiera puede hacerlo” porque eso es una gran mentira. Pero es cierto que hoy en día la música es más accesible que en el pasado. Pero hay personas que ni siquiera pueden acceder a esos recursos, tanto aquí en los EEUU como en otros lugares. Como comentaba antes sobre mi amigo Edward Banchs, que ha estudiado el Heavy Metal en África… se nos olvida que mucha gente aún no tiene acceso a muchas cosas. Aunque tú veas que por ochocientos dólares en EEUU puedes costearte todo lo necesario para grabar una maqueta, hay millones de personas que nunca tendrán ese dinero ni tampoco la posibilidad de comprar esas cosas donde ellos viven. Así que el acceso aún debería abrirse mucho más. Creo que hay gente con mucho que aportar a la música y nunca podremos conocerlos. La música metal sigue siendo en mucho sentido un mercado copado por hombres blancos occidentales y eso tiene que cambiar. Los varones blancos occidentales han sido los dueños del heavy metal durante demasiado tiempo, como de muchas otras cosas… Yo quiero oír cosas que vengan de colectivos diferentes: de un origen étnico distinto o bien metal hecho por mujeres, por personas queer, metal hecho en otros idiomas… quiero ver su aproximación a la música, a la estética, a las historias… Y eso es algo que no se ha conseguido aún plenamente.

Otra cosa un poco buena y un poco mala del metal actual es que, por el lado bueno, por fin hemos llegado a un punto en que las oportunidades de experimentar la música en directo son enormes. Hay muchos conciertos todo el tiempo, de un montón de bandas buenísimas… Pero por el lado malo, hay gente que no valora esto. Empezando por nosotros los estadounidenses, en nuestro país ya no se valoran las artes, no hay ningún tipo de ayuda para las artes… entonces es todo una competición y un trabajo duro al borde de la ruina, lleno de problemas. Y algunos se enriquecen con el trabajo de los artistas, pero sin darles ninguna ayuda. Entonces me gustaría transmitir el mensaje de que los fans del metal deberían también actuar, por un lado abriendo su mente a grupos nuevos, de diferentes contextos, y también apoyando a aquellas bandas que les hagan sentir algo. Que les apoyen de la manera que sea: escuchando, comprando, yendo a conciertos… Y sobre todo que no den por sentado que siempre vamos a poder ver música en directo. Fíjate con la pandemia, parecía que todos los músicos nos iríamos a pique porque era imposible hacer un concierto, pueden pasar muchas cosas. 

Entonces estamos en un momento fantástico pero frágil en el heavy metal. No lo demos por sentado y apoyemos a los artistas. Comprar una camiseta, un disco o una entrada marca una enorme diferencia hoy en día, cada aportación cuenta muchísimo. Creo que además esto nos conecta de una mayor manera con la música, porque participamos de ella. Tenemos al alcance de la mano tremendas bibliotecas musicales con toda la producción de la historia de la humanidad y lo damos por hecho sin valorarlo. Creo que todo el mundo debería desinstalarse el Spotify porque hace mucho daño a la industria y también a los aficionados… Creo que es más intenso y valioso cuando vamos creando nuestra propia biblioteca, cuando conectamos con las bandas que realmente nos emocionan y les damos nuestro apoyo de persona a persona.

¡Que le den a Spotify!

¡Al 100%!

Muchísimas gracias por tu tiempo.

Gracias a ti, estoy deseando que vayamos a España muy pronto.

Se acerca un estallido en la noche en Buenos Aires porque Tronador está de regreso. Tras años de ausencia, la legendaria banda de los 80s vuelve al ruedo y brindará un concierto en Gier el próximo 30 de mayo.

Las novedades no terminan allí porque esta presentación en vivo estará acompañada por la reedicion de su clásico álbum, “Estallido en la Noche”, por vez primera en formato CD, totalmente remasterizado y con canciones extras.

Tronador fue una banda fundada en 1987 que, tras el fallecimiento de su guitarrista y fundador, el recordado Sergio Espina, deciden seguir adelante y consiguen grabar en 1991 su primera producción. “Estallido en la Noche”, editado en formato cassette, fue plasmado por la formación de Jorge Martinez en voces, Lucas Wagner en batería, Claudio “El Tano” Marciello en guitarras y Sergio Gonzalez en bajo.

Hoy, con el Vikingo y Lucas al frente, ambos miembros originales, la banda está de vuelta para rememorar aquellas canciones pero también para mirar hacia el futuro.

Por este motivo desde Track To Hell nos pusimos en contacto con Jorge “El Vikingo” Martinez para adentrarnos en los pormenores de este regreso. Y a su vez, también nos contactamos con Mariano Mazzei del sello 2M, responsables de la reedición del disco. Ambos nos brindaron detalles de este regreso.

Jorge, ¿cómo estás? Este regreso tiene dos aristas… por un lado el relanzamiento del disco “Estallido en la Noche”, pero por otro presentarse en vivo.

Sí, exacto. Tiene dos aristas, pero una va de la mano con la otra sin querer. No fue el cometido, no fue el propósito. Es decir, primero hubo unas cuestiones de avanzada, de relanzamiento de gente que le interesaba el disco y después charlas con el baterista (Lucas Wagner). Dijimos ¿cómo andas para cantar las canciones, todavía llegas a las notas?; ¿y a vos todavía te dan las patas para tocar? Una charla de amigos. Y bueno, fue así como empezamos a joder con eso y vimos que la bancábamos, que rendíamos. Que yo podía cantar esas canciones como hace treinta y pico de años y él está también impecable tocando como siempre. Entonces dijimos bueno, capaz que es ahora que nos tenemos que juntar. Y así fue. No fue a propósito, sino que la charla del disco trajo aparejado esto y bueno, acá estamos.

¿Cómo se conforma la banda actualmente?

Está Lucas Wagner en la batería. Marcela Maíz en bajo, Ramiro Mendoza en guitarra y bueno, yo en canto y guitarra también. Ahora llevo unas partes importantes en guitarra, así que estamos con esa formación.

Ya son 35 años de Estallido en la Noche.

Sí, sí, 35 años, ¿viste? El otro día justamente eso fue lo que estaba hablando con Lucas y dijimos che, 35 años del disco, es increíble. Y todas las cosas que pasaron en esos 35 años ¿no? Y eso hace también que capaz que tengamos ganas, porque al principio fue así. A ver cómo suenan estas canciones ahora en 2026, con el sonido moderno que hay ahora que es demoledor. Y dijimos bueno, vamos a viajar en ese túnel del tiempo, pero trayéndolo al presente. Y ahí vamos con Estallido en la Noche, porque las canciones suenan bien y porque ni imaginábamos que ya habían pasado 35 años. Esa es la verdad, impresionante.

¿Qué recordás de la grabación del disco?

Muchas cosas. Primero porque grabamos en uno de los mejores estudios del país, que aún hoy lo sigue siendo. Además, es un estudio histórico donde todo el rock nacional grabó ahí. Nosotros no imaginábamos esas cosas. Grabamos en Estudios Panda, un nivel profesional increíble, con un sonido increíble con prestaciones del lugar tremendas. El ingeniero de sonido, El Pájaro Randazzo, un tipo genial que es uno de los mejores del país, pero lejos, eh, y que trabajó, entre otros, con Valeria Lynch, Baglietto, Vitale, Mariano Mores. Bueno, es impresionante con la cantidad de gente que trabajó. Hoy en día está trabajando con Miguel Mateos. También grabó el disco debut de Logos. Porque nosotros lo invitamos a Beto Zamarbide a meter coros en una canción y Beto vio lo que el tipo hizo sonar la banda y entonces Beto después lo convoca para su disco de Logos. Y después quedó una amistad tremenda con el pájaro a través de los años, es un tipazo. Y hoy es uno de los número uno del país también.

Justo te iba a preguntar cómo se había dado esa colaboración con el Beto.

Claro, yo le dije Beto la famosa frase por aquellos años, hay que contextualizar, que hay una generación que no te conoce en vivo, no te conoce en el escenario. Tiene el recuerdo tuyo de V8, pero no en el escenario. Así que lo invité a cantar y después lo invité a un par de shows a cantar en vivo y eso es como que a Beto lo motivó, lo inspiró para volver después con lo que sería Logos. En esa época él andaba mucho de luthier. Es un gran luthier Beto y estaba con Horacio “Tucata” Suárez, que fue guitarrista de El Reloj, que Dios lo tenga en la gloria. Un gran luthier, de los mejores que hubo en el país. Bueno, Beto trabajó mucho con él y aprendió mucho de él. Entonces, en esas mateadas que nos mandamos a la tarde en el taller de Tucata, que él estaba ahí laburando y aprendiendo, de ahí vino “che, loco, venía a grabar, te tienen que conocer las nuevas generaciones” y después lo invitamos a cantar en vivo. Creo que hicimos un show en Obras por esa época, no recuerdo, y lo invitamos a Beto a cantar. Es decir, la amistad con Beto viene décadas y fue así como pasó.

¿Cómo fue la edición del disco en su momento?

Con la edición de hubo problemas porque en ese momento las cosas se masterizaban en cinta y se pasaban algo que se llamaba DAT. Y el DAT en definitiva es una cinta de fierro, de ferrum, que es tremenda. ¿Pero qué pasa? Cuando después de ahí lo van a masterizar a cassete o a disco o lo que sea, los técnicos que en ese momento hacían el pasaje del DAT a la cinta, ya sea en cassete o en disco, no estaban cancheros, entonces quedaba más rápido o más despacio, nunca la velocidad original. Y recordamos que decíamos loco, yo no canto así, mi voz parece una ardillita y yo no toco así. Pero ya no podías reclamarle a nadie. Una vez que eso estaba fabricado, impreso y y a punto de salir a la calle, no había forma de que lo arreglaran, así que quedó más rápido el disco. Quedó mucho más rápido, pero bueno, eso es con la tecnología se pudo corregir.

¿Cómo fue el proceso de remasterización? ¿Cómo lo trajeron hoy al sonido actual?

Claro, si bien el DAT es como te dije, es una cosa que ya está obsoleta para lo que es la tecnología de hoy, si vos lo cuidas y lo conservas bien, tiene una resistencia muy buena. El DAT llegó intacto, impecable a los días de hoy. Casi no se usó. Eso lo tenía guardado bajo siete llaves el baterista Lucas. Entonces fuimos a la casa de uno de los pocos que digitalizan en el país, que es un crack, Wilkie Amieva, es un fenómeno. Él digitalizó todo de lo que es el DAT al sistema digital. Y lo hizo fiel, con un sonido tremendo. Porque también se puede perder información si la persona no está ducha en hacer eso. El tipo sacó un sonido tremendo y después de ahí lo llevamos a mi amigo personal, Julián Bonino, que es uno de los pocos que hace Dolby Atmos en el país y lo separó canal por canal y lo masterizó y lo recontra remasterizó. Y no se puede creer como suena. Además, eso está pasado por sistema Atmos, que es un sistema de sonido envolvente. Es un sonido a 360° para que se entienda. Y es lo que se viene. Julián trabaja con bandas como Paradise Lost, Tarja, trabaja con muchas bandas de metal qué es lo que le gusta. Trabaja con un montón de estilos musicales, pero lo que le gusta es el metal. Y la amistad con él nació de una manera increíble. Él era fanático de la banda y en uno de los shows era muy chico él. Cuando nos reencontramos de vuelta me decía “yo pogueaba, yo saltaba y tengo un recuerdo del primer show que los vi, que fue en Remember, en la calle Corrientes, y guardo una púa de metal”. El Tano Marciello en ese momento se hacía las púas con monedas, las gastaba en el asfalto, en el cordón de la vereda y usaba esas púas y se la regaló. Y bueno, tiene esos recuerdos, esas anécdotas que hoy en día aquel pibito de 15 años es un todo un profesional, ¿no? El otro día fui a visitar a sus oficinas y es tremendo las cosas que hace. Y me dice loco, soy fanático de la banda y yo esto lo voy a hacer sonar, pero como nadie. Y no se puede creer lo que suena.

Me encantó que el arte de tapa es nuevo, pero respeta el original y ahora se luce mucho más, ¿no?

Sí, sí, totalmente. Mariano de 2M que es un fenómeno… -bueno, la verdad que todos ahí en 2M son gente macanuda y super profesionales- supo captar bien la idea. Junto con el diseñador de 2M captaron bien la idea y respetaron aquel espíritu. Entonces lleva la misma esencia, pero con la tecnología de hoy. O sea, es tremendo el arte de tapa que se mandaron. A mi humilde forma de ver, es una cosa muy cuidada, muy detallista. Está buenísimo.

Coincido, me encantó. ¿Y qué nos puedes contar del show en Gier? ¿Con qué nos vamos a encontrar?

Bueno, el show va a ser el 30 de mayo, ahí como bien dijiste en Gier y te vas a encontrar con que vamos a tocar todo el disco más especies de bonus track -que algunos aparecen en la reedición del CD- de canciones de aquella época que no fueron grabadas. Y prácticamente hoy van a ser primicias porque fueron tocadas en aquella época y nunca grabadas. Entonces vamos a tocar esas canciones compuestas de aquella época con el disco, más algún un cover, sorpresa por supuesto, Y tenemos unos invitados, pero tremendos, de lujo, que creo que no corresponde decirlo. Pero lo que sí puedo garantizar es que van a ver unos invitados que son parte de la historia del rock y metal arriba del escenario. Van a ver eso. Y hay tres bandas amigas que van a tocar ese día que son Brakas, Bansheera e Irizar Killers.

¿Y cuáles serían los pasos a seguir o los planes de la banda para el futuro?

Bueno, mira, en principio, tocar bien el 30. Y ya tenemos fechas cerradas para después del Mundial. Esperamos que pase el Mundial y que todo el mundo va a estar como pendiente de eso, y tocar. La idea cuando nos juntamos, dijimos que haya trueno para rato, si no, no tiene sentido. Y sobre todo las cosas, algo que es más importante que cualquier otra cosa, es pasarla bien. A veces también en este tiempo, con las ansiedades y todo, uno pierde de vista eso de pasarla bien, ¿no? Y se desespera y trata de buscarle el pelo al huevo y qué sé yo. Y la verdad que hace ya un tiempito, unas cuantas semanas, que decidí bajar 200 cambios y decir bueno, vamos a disfrutar de esto, porque si no, si uno no disfruta lo que va haciendo, ¿para qué sirve tocar? Entonces la idea es disfrutar e ir fluyendo. Seguramente grabaremos un disco nuevo. Como proyectos hay un montón y como realidad es esta fecha y hay unas cuantas fechas cerradas para después del Mundial.

Mariano, este fue un año bastante movido para 2M en materia de lanzamientos porque tuvo, entre otras cosas, el último disco de Megadeth. ¿Cómo fue esa experiencia?

Este año venimos con una agenda tremenda de lanzamientos. Ya arrancar el año con el lanzamiento del nuevo álbum de Megadeth, fue increíble. Fue una experiencia maravillosa, desde el comienzo de la negociación por la licencia, hasta el momento del lanzamiento. Mucho trabajo, muchas ideas, ¡realmente Megadeth es una banda gigante! Además de Megadeth, tuvimos otros lanzamientos importantes este año: Amorphis, Danko Jones, Mr. Big, Crazy Lixx, los 2 títulos de Udo Dirkschneider y se vienen muchos lanzamientos más.

¿Cómo se da lo de Tronador?

Nos contactó Jorge Vikingo Martinez, y nos contó su idea sobre la reedición del album de Tronador, un disco que está cumpliendo ¡35 años! Un pedazo de la historia del metal argentino. Nos pareció muy buena su propuesta y a ellos también les pareció bien nuestra propuesta sobre la reedición. Así que hubo algunas reuniones para charlar sobre el proceso y ahí arrancamos.

¿Cómo fue el proceso de remasterización?

Por suerte, Lucas (Wagner) tenía el Dat con toda la sesión de grabación del disco, así que se pudo trabajar sin problemas en un estudio, se van a sorprender con lo que suena esta edición.

El arte del disco también es totalmente nuevo.

El arte es completamente nuevo, obviamente antes se trabajaba con lo que había y si podía, pero se tomó el concepto original del arte y se actualizó, ahora hay muchas herramientas para mejorar y crear.

¿Querés comentarnos sobre los extras que incluye el disco?

Los 3 Bonus Track que trae esta edición, que fueron idea de Lucas y Jorge, dijeron que tenían algunas grabaciones más que no habían sido incluidas en el Cassette y que querían que salgan a la luz. Es lo más lindo que tienen las reediciones, poder contar con material que no se conocía de la banda.

¿Qué más podemos esperar de 2M para lo que queda del año?

Arrancamos con todo el 2026 y así vamos a seguir el resto del año. Se vienen las reediciones de Kamikaze, 3 y Víctima del Rock en Cd, Cassette y Vinilo. Nuevo album de Deep Purple, nuevo album de Tarja, también vamos a editar el álbum de DarloTodo y algunas otras producciones más que que ya hemos anunciado en nuestras redes.

Dylan Gers es un joven músico británico experimental e independiente que se está abriendo camino con su propio material desde hace unos años. Tocando en íntimos recintos y manipulando todo tipo de instrumento, Dylan Gers presenta, además de una gran cantidad de singles, su más reciente material compilatorio, Melancholic Madman. Charlamos con él durante un largo rato y a continuación le dejamos el resultado.

– Hola Dylan, gracias por recibirnos! Antes de empezar con la entrevista, me gustaría que nos contaras en que estás trabajando ahora mismo. ¿Podrías hablarnos un poco de tus últimos lanzamientos?

– Acabo de lanzar un nuevo single en enero. Se llama “Scars on the soul”. Está muy influenciado por bandas de rock clásico de los 70s como Led Zeppelin y Deep Purple. Me encantan, pero además tiene un notorio toque acústico, lo cual es fascinante…tiene un aire celta, casi celta, que gusta mucho.

Estaré la próxima semana con mi productor en el estudio para grabar otra canción en la que grabaré todo menos las baterías, de las que se encarga mi amigo Noah. Está se llamara “Dad’s Gads”, que hace hincapíe en ese toque celta. ME recuerda mucho a la música celta, casi como un sitar. De nuevo, con elementos al estilo de Led Zeppelin.

Antes de eso, el año pasado, saqué un EP, que supongo fue mi primer proyecto completo. Antes de eso y desde entonces, solo he ido sacando sencillos. Pero, ese fue mi primer EP completo que lancé y se llama Melancholic Madman en referencia a “Diary of a Madman” de Ozzy Osbourne. Literalmente, el título viene de ahí. También me gustaron mucho las letras, son 4 temas, cada uno de los cuales son diferentes pero encajan entre sí.

El primero “Feel my heart” es una canción de rock indie alegre. “Talisman” es un poco más pesada. Está en la afinación “Drop D”, donde solía bajar el Mi para tocarla. Es realmente muy potente. Luego tenemos “Moonlight lies”, que es la tercera. Es bastante relajada, casi jazz. Y luego la cuarta canción llamada “Young boy” que es más una balada acústica. Se parece un poco a T-Rex y Neil Young, muy influenciada por ellos. Así que simplemente intento combinar y reunir en un solo lugar todas esas influencias que he admirado desde que era niño. Es difícil, pero lo estoy disfrutando, es muy divertido.

Tengo otro sencillo que va a estar saliendo dentro de un mes más o menos. Estamos grabando uno la próxima semana, y luego espero sacar dos más este año. Simplemente seguir haciendo algo, seguir adelante, mantener el ritmo, en realidad.

Así que lancé mi primer sencillo, “Moonrise”, en 2022, hace ya cuatro años. Y esa fue la primera canción que compuse en mi vida; antes de eso no había compuesto nada, obviamente, porque fue la primera canción que compuse. Y aquí estoy, cuatro años después, todavía intentando seguir adelante.

– Talisman es genial. Melancholic Madman también lo es.

– Gracias!

– Antes de continuar, ¿ podrias decirle a la gente donde encontrar tu música?

– La pueden encontrar en todos los servicios de streaming. Youtube, Spotify, Amazon Music, Deezer, Apple Music. Basicamente cualquier formato digitalizado.

Si también me sigues en instagram, hay un link donde puedes comprar el CD. Ahora tengo un disco físico, así que lo puedes comprar, lo cual es genial…asi que no solo se limita a streaming e internet. Ahora hay un disco que puedes comprar, que está bien porque si los servidores se caen o se estropean, tu sigues teniendo el disco y eso está bien. Eso no te lo pueden quitar.

– Después de hablar de tus canciones y lanzamientos, me gustaría ir hasta el primer momento en el cual decidiste convertirte en un músico. Me refiero al primer momento en el que agarraste un instrumento. ¿Puedes compartir algo de eso con nosotros? ¿Como empezó todo?

– Mi familia es muy musical. Mi papa es músico. El está en una banda. Así que siempre había guitarras por toda la casa y cosas así, y yo siempre las había visto.

Pero cuando tenia esa edad, unos 12 o 13 años, me interesaba mucho más jugar videojuegos. Honestamente, yo solía jugar un montón de videojuegos. Algunos como “Mass Effect” o juegos como ese. Eran muy buenos. Tambien, juegos de rol RPG. Y luego, cuando tenía 16, mi X-BOX se rompió. Fue un día triste, mi amigo.

Ese fue literalmente el mismo día que decidí pasar el rato con las guitarras y esas cosas. Eso fue, literalmente, el mismo día en que decidí que iba a trastear un poco con las guitarras y esas cosas. Pero luego, cuando tenía 16 años, empecé a tocar la guitarra en serio y pensé: “Wow, esto es genial”. Me encanta de verdad. Y supongo que ese fue el momento que estuve esperando.

No me obligué. No me impuse la música a la fuerza. Cuando llegó el momento de tocarla de verdad, a los 16 años, pensé: “Quiero hacer esto”. Me encanta hacerlo. Y luego, bueno, toqué de forma casi obsesiva durante los siguientes… bueno, hasta ahora, la verdad, para ser sincero.

Así que tocaba unas dos o tres horas al día. Hay un grupo que se llama Iron Maiden, y tienen un vídeo en directo que se llama “En Vivo”, y había una canción titulada “When the Wild Wind Blows”, y solía verla una y otra vez e intentar tocarla al mismo tiempo. Es una especie de canción de rock progresivo, de unos 10 minutos. Es muy buena.

– Muy bien, volviendo a tu música, corrijeme si estoy errado, pero…tienes 7 lanzamientos publicados hasta ahora ¿Cierto?

– Creo que si, me parece que eso es mas o menos correcto.

Tengo “Moonrise”, tengo “Red Skies”, tengo “My Love” y tengo “Fly Fly Butterfly”. “White
Swan”, “The Melancholic Madman2 y, por último, “Scars on the Soul”. Siete lanzamientos, así es.

– Son geniales. He podido notar algo muy especial en ellos, y es que se nota una especie de evolución a lo largo de los años. Sobre todo en la producción sonora. En las primeras canciones, percibía una atmósfera melancólica, un enfoque nostálgico e incluso un ambiente relajante.

Luego escuché “Melancholy Madman” y me sorprendió bastante, porque noté un enfoque más enérgico y dinámico. Es como si hubiera una banda de verdad tocando al otro lado. ¿Qué puedes decir al respecto?

– Siempre he querido ser capaz de plasmarlo muy bien en un concierto en vivo. Y siempre he sido un fan de la energía y los elementos en vivo. Supongo que lo que intentaba hacer era, en cierto modo, replicar lo que quería que fuera mi música en vivo en un entorno de estudio. Antes, obviamente, era más bien un estilo de cantautor en solitario, lo cual está genial. Hay material realmente bueno ahí, pero supongo que con la evolución que ha experimentado mi forma de componer y lo que deseaba que fuera, terminó siendo más bien un formato de banda.

Incluso ahora, cuando actúo en directo, lo hago mucho en solitario porque, desde el punto de vista logístico, es mucho más fácil que intentar coordinar a otras tres personas. Créeme, dios mío!

Mi forma favorita de tocar en vivo es con una banda. Es con un batería a mi espalda, con un bajista a mi espalda, dando respiro, dando espacio a todo esto, a toda esta música y todo eso.

Supongo que, con el paso del tiempo, simplemente he intentado amplificarlo un poco más y hacerlo más potente. Quiero decir, la música que me ha influido siempre ha sido música de alta ganancia y mucha energía. Y me encantan Nick Drake y John Martin y todos esos maravillosos cantautores. Y eso siempre formará parte de mí. Siempre haré cosas así. Da igual si grabo un disco; probablemente siempre habrá, por ejemplo, una balada acústica como última canción o algo así.

Lo que me gusta, en lo que respecta a los conciertos en vivo, es atrapar al público de lleno, y creo que la mejor manera de hacerlo es tener a un batería que lo dé todo como John Bonham detrás de ti; es tener a un bajista como Chris Squire o Steve Harris detrás de ti, mirando al público a los ojos. Sí, eso es todo.

– ¿Por qué decidiste ir como solista y no formar parte de una banda?

– ahora vivo en Londres. La razón por la que vine a Londres fue para unirme a un grupo y ser algo así como el guitarrista principal.

De pequeño crecí viendo un montón de grupos y todo eso. Eso era lo que quería hacer. Solo al cabo de un par de años me di cuenta de lo difícil que es entrar en un grupo y que luego cuatro o cinco personas mantengan esa misma energía, ese mismo motor para seguir adelante durante años. Si quieres triunfar, no va a pasar de la noche a la mañana. En esta industria no te conviertes en una sensación de TikTok o Instagram de la noche a la mañana.

Me di cuenta de que es muy difícil, y me di cuenta de que soy la única persona en la que realmente puedo confiar para mantener ese motor en marcha, si realmente me lo tomo en serio. Así que empecé a componer mis propias canciones.

Escribí mi primera canción, “Moonrise”, y pensé: “Vaya, es una canción genial”. Y luego seguí adelante y me dije: “He empezado a componer estas canciones para una banda completa”, algo que supongo que siempre había tenido en mente y que siempre había podido imaginar, pero sin ser capaz de plasmarlo en algo concreto. Y ahora eso es algo que ha sucedido, sí.

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– ¿Y te resulta más fácil o más difícil dar el salto como solista y no en una banda?

– Creo que, para mí, es más fácil formar parte de un grupo. He estado en varios grupos y me resultaba más fácil porque podía mantenerme un poco en segundo plano y no ser realmente el centro de atención. Pero como artista en solitario, eres tú. Todo gira en torno a ti. Por ejemplo, cuando actúo como Dylan Gers, soy yo.

Es más gratificante hacerlo como solista, estar ahí como solista. Y sigo contando con mi banda de vez en cuando, lo cual es genial. Si actúo en directo, por desgracia estoy en primer plano. Soy yo, mi guitarra y mi voz. Pero entre canción y canción, siempre digo algo así como: “Esta es mi maravillosa banda”. Siempre intento darles un poco de protagonismo.

– ¿Podemos decir su nombre?

– ¿La banda?

– Si, la banda.

– Ah, sigo siendo Dylan Gers. Igual que Rory Gallagher era Rory Gallagher, pero con su grupo. He usado un par de veces un nombre gracioso llamado “Dylan Gers and the Blackbirds”, pero en realidad solo soy “Dylan Gers2. Aunque ellos me han ayudado a componer las canciones, la verdad.

– ¿Aportan sus ideas a la banda? ¿Escriben canciones?

– No, todas las canciones, los textos y el material serán cosa mía. En su momento conté con uno de mis bateristas, Cameron Spence. Un baterista increíble. Me ayudó a estructurar uno de los “middle eights”, una de las secciones del puente.

Una vez la tocamos en directo y me dijo: “¿Puedo hacer una sugerencia?”. Y yo le contesté: “Sí, hombre,
por supuesto”.

“Quizá si lo duplicamos”. Y lo duplicamos. Y yo pensé: “Es genial».

Es bastante bueno. Tengo mucha suerte de haberlo encontrado. Es muy bueno y está muy motivado y encantado de tocar conmigo.

No quiero ser nunca como un dictador autoritario. Si quieren tocar algo de forma un poco diferente, me parece bien. Simplemente haz lo tuyo, si eso te hace feliz. No quiero decir nunca: “tienes que hacerlo así”.

A veces, cuando estás solo en todo esto como artista en solitario, es muy fácil encerrarte en tu propia cabeza y pensar: “Dios mío, eso suena fatal. Dios mío, eso suena genial. Dios mío, voy a quitar esto”. Pero entonces tienes otra mente involucrada. A veces está bien contar con otra perspectiva, de verdad. Eso creo. Otra persona puede pensar de forma diferente o fuera de lo convencional. Y eso te ayuda a largo plazo.

No puedes hacerlo todo por tu cuenta. Es imposible.

– ¿Entonces no tocas ningún otro insutrmento aparte de la guitarra?

-En las grabaciones, toqué todo menos la batería. Así que toco el bajo, toco la guitarra. Canto la voz principal. Hago todos los coros y toco los teclados. Los teclados son, en su mayoría, un Mellotron. Eso es algo muy al estilo de Led Zeppelin

– En los primeros lanzamientos, se escuchaban muchos samples.

– Si

– ¿Has tocado esos samples o simplemente las has añadido desde una biblioteca?

– Toqué todas los samples, salvo, creo, en el segundo sencillo, «Red Scythe», donde había sonidos de pájaros y podría haber salido a grabarlos directamente en el campo.

Yo uso Ableton; tú tienes Pro Tools y Logic, que utilizas para crear tu música, y en Ableton solo tengo sonidos de pájaros. Así que simplemente los metí y creo que les apliqué un phaser a los sonidos de pájaros y los invertí, poniéndolos a media velocidad o algo así. Simplemente hace que suenen genial.

Toqué todos los teclados, el bajo y la guitarra en todas mis propias canciones. Lo único que no hice en mis propias canciones fue la batería, porque no soy baterista. Eso es lo único que no sé hacer. Y, obviamente, cuando toco en directo, solo toco la guitarra, porque no puedo tocar el bajo por aquí y luego tocar la guitarra por allá. Eso es un poco difícil.

– Hablando de sonidos raros, hay uno al final de “Moonlight Lies”, tu sabes, ¿Puedes contarnos que instrumento es ese?

– Es un theremin. Es decir, es un manipulador de ondas electromagnéticas de la época soviética. Tiene una antena.
Te lo voy a enseñar (lo muestra). Tiene una antena. Lo enciendes y, en cierto modo, utiliza el espacio que hay a su alrededor. Y cuando metes el brazo dentro, suena así. Y cuando lo tocas al final de “Moonlight Lies”, da una sensación un poco a «cyberbird». Y eso lo hice yo solo.

Es bastante cool. De nuevo, muy influenciado. Jimmy Page, de Led Zeppelin, usó uno en los 70. Si escuchas, por ejemplo, los viejos conciertos del MSG, el Madison Square Garden, escuchas a Robert Plant usándolo y a Jimmy en un rincón tocándolo también. No es el mismo, pero esta es una réplica del que él usaba por aquel entonces, porque hay montones de theremines diferentes; el más popular es el theremin Moog, pero es así de grande (hace señas indicando el tamaño). Es una locura. Y tienes que guardarlo en un estuche rígido.

Este te lo puedes meter en el bolsillo y listo. Y solo le he añadido un poco de reverberación, para darle un toque más espacial. Es un instrumento de verdad.

– Dylan, mencionaste que tienes una fuerte influencia del rock clásico de los 70s, pero…¿Podrías contarnos cuales son tus principales influencias, aparte de esas?

– Me encanta el metal. El heavy metal es una parte muy importante de mí. Grupos como Iron Maiden y Megadeth.
Cuando era adolescente, era un gran fan de Dave Mustaine. Escuchaba todos sus discos.

Todo el material antiguo de Metallica, como Ride the Lightning, Master of Puppets y And Justice for All. Incluso algo más reciente, como Death Magnetic, que tiene algunas canciones realmente buenas, de verdad.

Me encanta “Spit Out the Bones”, de Hardwired… to Self-Destruct.

Es una canción genial. Y la más reciente, “Inamorata”. Creo que en estos dos últimos álbumes han vuelto, en cierto modo, casi a sus raíces. Con canciones de riffs fragmentados, lo cual es genial.

Pero esa última canción empieza a tener un toque casi progresivo y James suena realmente bien en ese álbum. Ha empezado a sonar un poco como Frank Sinatra. Creo que se ha dejado influir un poco por él, intentando cantar con un estilo más melódico y prestando más atención a la dicción, pronunciando bien cada palabra. Mientras que antes, en álbumes anteriores como Kill Em All, tenía como 19 años, para ser justos. James era muy diferente. Pero sí, me encanta el metal.

Me gustaba mucho el hip hop. De hecho, todavía me gusta mucho. Tenía unos 16 o 18 años cuando mis dos géneros favoritos eran el metal y el hip hop. Y me encantan artistas como Danny Brown. Por aquella época, cuando era adolescente, era justo cuando Kendrick Lamar estaba despuntando, así que acababa de sacar ese álbum DAMN, que es fenomenal. También To Pimp a Butterfly y Good Kid, Mad City.

Me gusta pensar que saqué gran parte de mis melodías, ritmos y cosas por el estilo de ellos, porque, obviamente, el hip-hop se basa mucho en la melodía.

He empezado a prestar mucha más atención a las letras, pero cuando las escucho, solía fijarme en la melodía y ver cómo evoluciona. Y creo que saqué mucho de eso del hip-hop.

Metal, hip-hop y rock clásico de siempre.

– Escuchando todas tus canciones, yo pude escuchar influencia tal vez de The Police, Pink Floyd, King Crimson.

– Sin duda. Me alegro de que lo hayas dicho, porque Pink Floyd me ha influido mucho, pero me encanta
The Police.

Cuando empecé a cantar, intentaba imitar a Sting. Solía cantar “Roxanne” un montón porque, obviamente, tiene unas notas muy agudas. Uno se olvida de lo altas que son. Hay una nota en la que piensas: ¡Dios mío!. Y él solía cantarla a todo pulmón. Es una locura.

Soy un gran fan de Pink Floyd. Me refiero a todas las épocas de Pink Floyd: la de Syd, la de Roger y la de David. Me encantaba todo eso. Creo que la de Roger fue probablemente la mejor época. The Piper at the Gates of Dawn. Ese disco es una locura. Ese sí que es una locura. Es como: “¿qué está pasando ahí?”.

Syd Barrett también. Casi siempre es lo mismo de increíble. Las melodías son preciosas. La composición inglesa. Es muy pegadiza

– Los británicos si que componen melodías pegadizas.

– Estoy de acuerdo, pero no sé de dónde sacamos eso ni cómo es. Creo que tienes razón.

Influencias más contemporáneas…

Sé que es un fenómeno y, probablemente, una de las artistas más importantes de este momento. Billie Eilish.
Soy un gran fan de Billie Eilish. Tiene algo especial. Me refiero a ese primer álbum y a su último álbum, Happier Than Ever, pero también a este nuevo álbum, When Do We Fall Asleep, Where Do We Go?.

Hay una canción que se llama “Chihiro”, y es preciosa. Es un poco melancólica, pero aún así es preciosa. Y la producción es genial. Sé que se la hace su hermano, y el bajo es, bueno, es muy resonante; me encantan los bajos resonantes.

Y, de nuevo, ese primer álbum es realmente precioso. Tiene algunas canciones realmente bonitas, como “Goodbye” y otras. Es triste, pero es como música de chico triste, aunque es realmente preciosa. Es muy bonita. Diría que probablemente sea una de mis influencias más actuales en este momento.

– Tu dijiste que amas el metal. Es curioso como un metalero decide no tener un proyecto de metal y luego ir por otro estilo de música.

Yo pienso que es difícil para un metalero separarse de eso y escribir otro tipo de música. ¿Que puedes decir de eso?

– Supongo que el metal es una influencia. Es algo que intento plasmar en mi música e incorporar, sobre todo en secciones solistas y cosas por el estilo.

Supongo que se podría relacionar con el rock clásico de los 70, pero gran parte de ese rock clásico de los 70 rozaba el heavy metal.

Me refiero a “Speed King” de Deep Purple, que es casi una canción de metal.

Supongo que, en cuanto a mi música, no pretendo que me encasillen en un solo estilo. No pretendo limitarme a un solo tipo de música. Intento fusionar en una sola pieza diferentes tipos de influencias que me encantan. Y podría componer una canción que se pareciera bastante a David Sylvian en Japón, y luego quizá pasar a otra canción en la que dijera: “Ok, aquí voy a darle un toque metalero e intentar que suene un poco más a metal”. La canción “Talisman” es lo más metal que he hecho hasta ahora porque es muy rápida. Porque estaba en afinación Drop D. Y no solo porque estuviera en Drop D. Es una canción bastante potente.

No soy solo un metalero, diría eso, para terminar con este tema. Soy metalero y me encanta el metal.

Últimamente me ha costado encontrar metal nuevo, pero me he metido mucho más en Sepultura, que me gusta un montón. “Roots, bloody roots”. Es un clásico. Es buenísima. ¡Tan potente!

De nuevo, es esa sensación de que te agarra por la cara, a lo que me refería antes hablando de los conciertos en directo. Creo que eso es lo que mejor hace esa música.

Nunca he tenido esa sensación, salvo con el metal, en la que te atrapa de lleno y puedes correr y correr con el público, disfrutarlo y pasártelo genial.

– Me gustaría hablar sobre Talisman. Es el registro más largo. Tiene cinco o seis canciones. Creo que es genial, realmente.

Muestra un cambio desde las cosas que hiciste previamente. ¿Tu lo produjiste?

– No. Creo que “producción” es una palabra un poco rara. No sé exactamente qué significa, pero yo me encargué de arreglar y estructurar toda mi música.

Le llevé mi música a un ingeniero, por así decirlo, y él me ayudó a mezclarla y a darle el toque técnico. Es muy bueno. Le dio un toque profesional.

Supongo que él la produjo. Nos sentamos juntos y luego grabamos todo, excepto parte del MIDI, los teclados y cosas por el estilo.

Después la mezclamos a lo largo de una semana. Estuvimos allí cinco días, hicimos cuatro canciones, así que está bastante bien. La verdad es que nos pusimos manos a la obra y trabajamos mucho. Fue una semana realmente buena. Es el mismo tipo con el que he trabajado en todas mis canciones, excepto en “Moonrise”. Esa la hice yo mismo.

Así que, desde “Red Skies” en adelante, he contado con él. Se llama Michael Smith, y he trabajado con él en todas las canciones, incluida la que acabo de grabar en enero y la que voy a grabar la semana que viene. Todo es con él.

– Trabajar con un ingeniero es realmente importante

– Sí, es muy importante. Son profesionales y entienden ese “algo más” que buscas como músico.

En el caso de Michael Smith, básicamente toda su vida. Lo ha visto todo. Ha trabajado con la mayoría de los artistas. Además, es muy flexible. Cuanto más trabajamos juntos, mejor nos entendemos y mejor es el resultado final.

Por ejemplo, Melodyne es algo que mucha gente usa ahora, que es una especie de pequeño corrector de tono vocal. Y la mayoría de las canciones que se oyen hoy en día utilizan Melodyne. Lo aplican a las voces y suben el tono un par de semitonos, y ya está en Fa, por ejemplo. Con Michael, se lo he dicho muchas veces: “Nada de Melodyne”. Y la última vez que estuve con él, me miró literalmente y me dijo: “Nada de Melodyne”. Y yo le respondí: “¡Genial, bro!”.

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– ¿Tu te encargas de todo? Es decir: escribir las canciones, programar las sesiones de grabación, la contratación de los shows, gestionar las redes sociales, diseñar las tapas de los albums, ¿O tu tienes un equipo para eso?

– Todo lo hago yo. Soy totalmente independiente.

Supongo que me encuentro en un momento de mi carrera musical en el que me vendría muy bien contar con la ayuda de un representante y de un sello discográfico, pero, en gran parte, parece que soy yo quien tiene que dar el primer paso.

He hablado con algunas personas, y creo que es mejor llegar a un punto en el que sea mucho más atractivo y sean ellos quienes se pongan en contacto conmigo. Pero, por ahora, soy total y absolutamente independiente, lo cual es genial. Hago todas las portadas de los discos yo mismo. Todas se basan en la imagen que tengo de lo que he puesto en esto. Me encargo personalmente de todas las redes sociales. Contrato todos mis conciertos por mi cuenta, lo cual a veces resulta muy difícil. Lo hago todo yo mismo.

Lo único que realmente no hago es tocar la batería, que es lo que se oye en los discos; de eso se encarga mi amigo Noah, que me ayuda muchísimo. Pero, de nuevo, sin él y sin el ingeniero, no creo que hubiera conseguido ni la mitad de lo que he conseguido. Habría sido mucho más difícil hacerlo.

– En cierto modo, supongo que todo se reduce a los contactos. Es grandioso tener buenos contactos, buenos amigos, buenos compañeros de trabajo y, sobre todo, buenos ingenieros.

– También es muy bueno estar en esta situación en la que me encuentro ahora, con total independencia. Es bueno porque sé lo que hay que hacer con mi proyecto. Y si alguna vez llega un momento en el que cuente con un mánager, un gran sello discográfico o algo por el estilo, no es como si fueran a tomar el control total. Y yo seguiré sabiendo lo que hay que hacer, si eso tiene sentido. Sé en qué consiste este proyecto. Sé quién es Dylan Gers.

– ¿Podrias contarnos algo sobre el equipo que usas en tus actuaciones en vivo?

– De hecho, tengo aquí mi guitarra. Es una Fender Stratocaster mexicana. Y le he cambiado la cejuela. Antes tenía una cejuela de plástico, como las Stratocaster mexicanas. Hice algo bastante raro, pero me gusta mucho. Le quemé un poco los extremos, al estilo de Jimmy, si es que se entiende.

– ¿Wow, lo hiciste por algún propósito o fue un accidente?

– Por un propósito

– Todo un detalle!

– Tuve una noche un poco rara, por así decirlo.

Esta es la guitarra que solía usar para componer todo (la muestra). Es una HSSH, es decir, una pastilla de bobina simple, otra de bobina simple y una humbucker, y le he cambiado esta última. Al principio era una humbucker normal, como las de Fender, pero la cambié por una DiMarzio Super Distortion, la misma que, por ejemplo, usan Kurt Cobain y Dave Murray, que es muy potente, la Super Distortion.

Y no tiene Floyd Rose, solo una silleta normal.

Eh…Voy a tomarlas porque están todas en esta misma habitación. Un momento.

Utilizo tres guitarras para el proyecto completo en directo, lo cual está bien, pero esta es para el proyecto en solitario (muestra nuevamente otra guitarra). Es simplemente una acústica Ovation. Muy bonita. Una acústica con un tono muy completo y agradable.

– ¿Es esa la que podemos escuchar en tu música?

– Si, toda mi música.

Además, todo esto es para esa Stratocaster, con la que toco “Talisman” y “White Swan”. Todas esas canciones. Todo lo que tengo aquí es simplemente todo lo que he grabado con ella. Para los conciertos en directo, de nuevo, para “Talisman”, utilizo una Flying V porque está afinada en drop D.

– Hermosa. La thrashera (thrashy en ingles)

– La thrashera, si!

En cuanto a la influencia de James Hetfield, le grabé “Eat Fuck”, lo cual está genial. Él tiene eso en su vieja Gibson Discovery Flying V, creo. Pero esto es bastante divertido porque es como una réplica de Dave Mustaine: “Dave Mustaine’s King Vs.”.

Es gracioso porque puse el logotipo de Metallica en una guitarra de Megadeth. Muy gracioso.

Las pastillas humbucker y las de bobina simple son todas estándar, excepto la Stratocaster, que tiene la DiMarzio Super Distortion. Aparte de eso, todo es estándar.

– Entonces, Dylan, ¿Podrías hablarnos de las letras? Es decir, ¿Que tipo de mensaje quieres dejarle a la gente y por que escribes así?

– Escribo así porque quiero que haya un cierto sentido de la ambigüedad en mi música, y no quiero que alguien lea la letra y diga: “Ah, esto es lo que quiere decir”.

Quiero que cada uno saque sus propias conclusiones. Quiero que la gente pueda extraer cualquier significado que quiera de mi canción. Desde mi punto de vista, no tiene por qué significar necesariamente nada. Y para mí puede que signifique algo, pero quiero que quienes la escuchan y quienes puedan escucharla en el futuro se den cuenta de que pueden sacar de ella lo que quieran. Y que deduzcan lo que quieran, tanto si les estoy hablando a ellos como si me refiero a una parte de su vida, de su relación o de lo que sea que tengan. Es una sensación de ambigüedad.

– ¿Crees que escribes con la cabeza o con el corazón? ¿O quizá a partir de la experiencia y de situaciones de la vida cotidiana?

– Todo eso. Con la cabeza, con el corazón, a partir de la experiencia y de las vivencias cotidianas y cosas así. Creo que a partir de todo ello. Siempre intento no caer en lo demasiado extraño o misterioso y mantenerlo más o menos, como he dicho, sencillo.

– ¿Cómo te gustaría que te recordaran?

– Como un buen músico, y nada más.

No tengo grandes ambiciones ni nada por el estilo. Solo quiero vivir mi vida y espero hacer feliz a la gente con mi música y seguir así.

También está bien tener los pies en la tierra. Mantener los pies en el suelo. Creo que eso es muy importante. Creo que
hoy en día mucha gente se deja llevar por todo, pero a mí también me pasa lo mismo.

– Hasta ahora, ¿estás satisfecho con todos los esfuerzos que has realizado para alcanzar ese objetivo de ser recordado como un buen músico?

– No, nunca. Estoy satisfecho con todo lo que he publicado, pero espero que aún quede mucho más por hacer.

Estoy muy contento con toda la música que he publicado. No creo que pudiera haberlo hecho mucho mejor. Con lo que
tenía en esos momentos. Hay algunas canciones que debería haber mezclado de otra manera, pero eso siempre va a pasar.

Siempre vas a echar vas a echar la vista atrás a parte de la música que tenías cuando tenías 21, 22 años, o incluso
antes, y pensar: “Eso se podría haber mezclado así”.

Siempre vas a evolucionar musicalmente y pensar: “Oh, eso podría estar así, y esto podría estar así”. Pero lo bonito de esa música y de la que he publicado es que es un momento en el tiempo. Es como un momento colectivo en el tiempo. Y está capturado. Está capturado en ese instante, como si fuera julio de 2022. Ha capturado ese movimiento y esos sentimientos de aquel momento, esa emoción y esa composición.

Así que sí, de momento estoy muy satisfecho con todo lo que he hecho.

– ¿Cómo vives la realidad del mundo de la música como joven músico?

– Tengo mucha suerte porque formo parte de una comunidad de gente grandiosa allí donde vivo, en Londres, en este momento. Así que esa es mi visión del mundo de la música ahora mismo: mi maravillosa comunidad.

Estoy con mi amigo Noah, que toca la batería; mi amigo James, que toca en varias bandas y hace cosas en solitario, lo cual es genial, y da conciertos y cosas así, lo cual es maravilloso.

El mundo de la música en su conjunto es muy… ¿cómo se dice?

Es implacable, supongo. Puede machacarte y escupirte en cuestión de meses. Por eso, por mi parte, solo intento construir poco a poco, de forma orgánica, algo que, con suerte, se convierta en algo más grande.

A mi edad, es muy difícil dedicarse al mundo de la música porque, además, no hay muchas recompensas económicas. Quiero decir, no es que tengas que buscar eso. Sin embargo, un hombre tiene que comer, una chica tiene que comer. Es tan sencillo como eso, pero es realmente importante. Y, por desgracia, para mucha gente de mi nivel, básicamente no hay casi nada de dinero. Y eso simplemente significa que estamos perdiendo.

Creo que mucha gente que tiene historias realmente bonitas que contar, las estamos perdiendo. Porque es muy difícil y no hay recompensa. Incluso si estás en un gran sello discográfico.

Es difícil, pero eso no va a impedir que la gente siga haciendo música. Supongo.

– ¿Sientes a veces que nosotros, como músicos, nos enfrentamos a un mar abrumador de música?

Me refiero a que la cantidad de música que hay hoy en día en las plataformas es enorme. ¿Qué opinas al respecto? ¿Cómo te sientes al respecto? ¿Y qué crees que debe hacer un músico para que su música destaque en este círculo infinito e inmenso de música?

– Bueno, supongo que lo que ocurre con el streaming es que, básicamente, ahora resulta muy fácil para la gente publicar música, lo cual es bueno, pero eso conlleva una sobresaturación.

Como has dicho, se publica una cantidad infinita de música. Supongo que es bueno porque personas que, de otro modo, no habrían podido publicar música, ahora pueden hacerlo.

Mucha gente es independiente. Pueden hacerlo sin que las grandes discográficas les digan: “No, no puedes publicar eso”. Lo cual es genial, es realmente bueno, pero también significa, como has dicho, un mar infinito en el que simplemente estás lanzando tu música.

Es como un montón de… bueno, es un agujero enorme, la verdad.

¿Cómo conseguir que tu música llame la atención? Ni siquiera estoy seguro.

Quiero decir, ahora está todo este rollo de Instagram y TikTok, que a mí me deja pensando: “Dios mío, ¿qué está pasando ahí?”. Pero parece que a algunas personas les va muy bien con eso. Me refiero a ese artista llamado “Somber”. Parece que es el artista más popular del mundo en este momento. Usó TikTok, y lo hizo muy bien. Y su música tiene gancho. Pero no es nada especial, si sabes a lo que me refiero. Aunque es muy buena. Usó TikTok de forma muy inteligente y ahora es un artista muy famoso.

Así que supongo que es como si te estuvieras vendiendo, en cierto modo. Es casi como una meditación, un ritual de meditación. Si quieres hacer eso de TikTok, baila un poco durante 30 segundos.

Yo pienso: “Dios, no puedo hacer eso”. Es como decir: “¡No!”, aunque tenga eso garantizado al otro lado. Ese no es el tipo de artista que soy.

Sin embargo, supongo que eso abre el camino a muchos artistas que son así, lo cual les ha ido bien. Me alegro mucho por ellos.

Entonces, ¿qué hace falta para que te descubran? Lo primero es la música, pero, sobre todo, supongo que tu música tiene que ser genial. Tiene que ser buena. El producto tiene que ser bueno. Pero, más allá de eso, ¿cómo consigue alguien darse a conocer aquí? ¿Cómo lo hace alguien aquí? No lo sé.

Quiero decir, ahora todo gira en torno a esos algoritmos, así que el algoritmo de Spotify ayuda mucho, pero a mí me ayuda a llegar a diferentes oyentes y cosas así, lo cual es maravilloso, y supongo que, de una forma extraña, ha sustituido a la radio de los 80 y a MTV. Descansa en paz, MTV. Es raro.

Es un mundo extraño, amigo mío.

Sé que hay mucha gente en la industria musical que era como los peces gordos hace 10 o 20 años, y ahora no tienen ni idea de lo que está pasando. Está cambiando, es muy dinámico, cambia muy rápido. Y ahora con la IA, “Dios mío”. ¿Quién sabe?

– Así que, Dylan, ¿Puedes compartir con nosotros tus planes para el futuro?

– Voy a seguir adelante.

Mi objetivo es sacar cuatro sencillos este año, así que ya he publicado uno, “Scars on the Soul», que salió en
enero. La semana que viene voy a grabar otro. Mi objetivo es tenerlo listo en uno o dos. Mi objetivo es sacar uno más un poco más adelante, y otro más después de ese. Y todo eso será este año, con suerte, y con ello haré otro EP con
otras cuatro canciones, y eso será este año.

Con suerte, un nuevo álbum el año que viene. Me encantaría hacer un álbum. Ya tengo mis ideas y una pequeña visión de lo que puede y debería ser. Así que eso está bien. Mi mente me permite pensar así, porque demuestra que quizá haya algo que pueda suceder. Simplemente seguir trabajando sin descanso, seguir adelante. Esa es mi respuesta, en realidad.

Siempre voy a tocar la guitarra, saque o no música.

– Antes de terminar esta entrevista, me gustaría pasar a la primera canción de vuestros álbumes, “Moonrise”. En ella se dice: 2Debes tener miedo”.

Creo que es algo muy profundo. No sé a qué te referías exactamente con eso, pero me ha hecho pensar en los miedos a los que nos enfrentamos todos los músicos en la industria musical. ¿Alguna vez has sentido algo así?

– Supongo que da mucho miedo. Pero, como he dicho antes, mi música gira en torno a la ambigüedad. Depende de lo que cada uno saque de ella. Y si eso es lo que has sacado, entonces me alegro mucho, porque deja abiertas, en la medida de lo posible, las demás posibilidades sobre el significado de mi música y mis letras.

Para mí, personalmente, se trataba simplemente de relaciones con amigos, parejas y cosas así. Trata sobre perder a la gente. De eso se trataba. Debes de tener miedo de perder a alguien a quien quieres o de perder algo que te importa. Sea lo que sea.

En cierto modo, creo que tienes que tener miedo si quieres ser músico y sacar material, porque estás perdiendo una parte de ti. Estás sacando al mundo como una parte de tu corazón, y es una locura. Es algo realmente intenso y admirable poder lanzar tu música al mundo.

– ¿Cómo definirías al oyente típico de los proyectos de Dylan García?

– Alguien con buen gusto.

– (Risas) ¡Esa ha sido ingeniosa! Sí.

– (Risas) Sí, estoy muy orgulloso de eso. Se me ocurrió así, de repente.

– Muy bien, Dylan, ha sido un placer.

– Ha sido un placer.

– ¿Te gustaría compartir algo más con nosotros que quizá no te haya preguntado?

– Sí. Hay una cosa sobre las influencias.

Se me ha ocurrido otra influencia además de Frank Sinatra, como todos los crooners y eso. Me encantan. Sammy Davis Jr., todos ellos. Ah, Jim Morrison, por supuesto. Y eso enlaza directamente con el estilo crooner, que lleva directamente a The Doors y a Jim Morrison. ¡Así que sí!

– Gracias por recibirnos. Gracias por compartir tu tiempo con nosotros, tu experiencia y tus conocimientos. Y te deseamos mucha suerte con los próximos conciertos y con los próximos lanzamientos. Y siempre podemos seguir en contacto y charlar en el futuro.

– De acuerdo

– ¡Adiós!

– Encantado de conocerte. ¡Adiós!

Hay bandas que, más allá de no haber alcanzado un gran éxito comercial, tienen un lugar ganado dentro de la escena. Esto sucede porque sentaron las bases de determinados géneros e influenciaron a generaciones de artistas. Ese es el caso de los portugueses Moonspell, quienes, además de ser una de las bandas fundamentales en la creación del Gothic Metal, también ayudaron a poner a Portugal en el mapa de la escena metalera internacional.

Con motivo de la edición de su decimocuarto trabajo, Far From God, nos comunicamos con su líder Fernando Ribeiro. En esta charla hablamos sobre el nuevo álbum, la historia de la banda y la actualidad de las relaciones humanas, uno de los ejes conceptuales presentes en su nueva obra.

Fernando, buenos días. ¿Cómo estás?

Muy bien. ¿Y vos?

Muy bien, gracias. Antes que nada, es un placer conocerte. Estoy muy contento y emocionado por esta entrevista. Soy un gran fan de Moonspell, así que muchas gracias por tu tiempo.

Gracias a vos por invitarme.

Mi nombre es Ignacio. Soy argentino, aunque actualmente vivo en Copenhague, Dinamarca, y trabajo para Track To Hell, un medio que cubre conciertos por toda Europa y Latinoamérica.

Antes que nada, gracias nuevamente por la invitación. Acabo de volver de Argentina, donde estuvimos tocando en Buenos Aires, y fue una experiencia fantástica.

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Déjame decirte algo: yo estuve ahí.

¿Ah, sí? ¡Qué bueno! Siempre disfrutamos muchísimo tocar en Argentina. El público es muy cálido y responde de una manera increíble a nuestros conciertos.

Bueno, hablemos de Moonspell y del nuevo álbum. Después de escuchar los primeros sencillos, especialmente “Far From God”, me dio la sensación de que el disco tiene una identidad conceptual muy marcada. Las primeras canciones retratan personajes que se alejan de Dios o incluso de otras personas y encuentran refugio en la oscuridad. ¿Existe un concepto unificador detrás del álbum? ¿Hay una temática que atraviesa todo el disco?

En cuanto al nuevo álbum, Far From God, creo que continúa la línea que Moonspell viene desarrollando desde hace muchos años. Quizá nuestros discos no sean conceptuales en el sentido clásico, como Abigail de King Diamond, que cuenta una historia de principio a fin. Existen distintos tipos de álbumes conceptuales: algunos narran una historia y otros giran alrededor de una idea o un tema central.

Moonspell ya exploró ambas formas en el pasado, pero creo que Far From God es un disco conceptual por naturaleza. Nosotros no sabemos trabajar sin un concepto. Cuando estamos componiendo en el estudio no puedo simplemente improvisar o cantar cualquier cosa; necesito saber qué quiero contar. Moonspell siempre ha sido una banda muy literaria. Funcionamos casi como una compañía de teatro: yo escribo el guion y el resto de la banda construye la música alrededor de esa idea.

Por eso es tan importante que cada disco y cada canción tengan un concepto detrás.

Far From God es, en cierto modo, un álbum bastante romántico. Habla del amor, del dolor y de todos esos estados emocionales asociados con la estética gótica que han sido explorados por grandes escritores, poetas y bandas del género.

Pero también tiene una lectura filosófica. Habla de cómo nos estamos alejando del significado original de las cosas: del significado de la amistad, del amor, de lo que representa una mujer o un hombre y, por supuesto, del verdadero significado de conceptos como la religión, la política o incluso el deporte.

Creo que la humanidad atraviesa una gran desviación. Vivimos en una época en la que disponemos de más información y más conocimiento que nunca. En teoría deberíamos estar mejor preparados para tomar buenas decisiones, pero ocurre exactamente lo contrario.

Seguimos tomando decisiones equivocadas.

Esa contradicción me desconcierta como hombre, como ciudadano, como padre y como músico. Me cuesta entender por qué tanta gente, tanto personas comunes como quienes ocupan posiciones de poder, se alejan de aquello que realmente podría ayudarlos a mantenerse en el camino correcto.

Y eso puede aplicarse tanto a una relación personal como a la relación con Dios, que también es algo profundamente personal.

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Me parece muy interesante lo que decís. Mucha gente que no conoce demasiado el gótico o este tipo de música suele pensar que todo gira alrededor de la fantasía o de mundos imaginarios. Sin embargo, vos acabás de explicar que gran parte de tu inspiración nace precisamente de lo que está ocurriendo en el mundo, aunque lo expreses mediante un lenguaje más poético o simbólico. Me parece una forma muy interesante de abordar estos temas.

Es algo completamente natural.

Tomemos como ejemplo El Señor de los Anillos. Y aclaro que tampoco soy un fanático absoluto de Tolkien.

Si uno conoce su historia, sabe que combatió durante la Primera Guerra Mundial. Gran parte de la mitología de la Tierra Media nace precisamente de las experiencias que vivió en las trincheras.

Después depende de cada lector. Hay personas que prefieren quedarse con lo que ven en la superficie, y eso está perfectamente bien. Pero también hay quienes sienten curiosidad y quieren profundizar un poco más. Creo que Moonspell pertenece a esa segunda categoría.

Nuestras canciones no ofrecen una única respuesta. No dicen simplemente que algo es A. Puede ser A, puede ser B o puede ser C. Cada persona encuentra su propia interpretación.

Hay otras bandas que escriben letras mucho más directas y te dicen exactamente de qué trata cada canción. Nosotros preferimos dejar espacio para que el oyente complete parte de la historia.

Porque, al final, toda ficción nace de la realidad. No tenemos otra materia prima. Escribimos sobre aquello que vemos, sentimos y vivimos. Eso es lo que alimenta nuestra imaginación.

Incluso la literatura fantástica o de terror funciona de esa manera. Tomemos el caso de Lovecraft: gran parte de sus monstruos marinos nacen de un miedo muy real, porque sentía auténtico terror por el océano.

Por eso siempre digo que la ficción surge de la realidad. Puede ampliarla, deformarla o volverla más poética y oscura, pero la raíz siempre está en el mundo real.

Mencionaste El Señor de los Anillos y justo soy un gran fan. De hecho, tengo un tatuaje inspirado en la obra y coincido completamente con lo que decís.

Pero volviendo al nuevo álbum, en cuanto a la composición y al sonido, ¿debemos esperar que Far From God sea una continuación de Hermitage o representa una nueva dirección para Moonspell? La banda siempre ha mantenido una identidad muy clara, pero al mismo tiempo nunca ha tenido miedo de explorar nuevos sonidos. ¿Qué podemos esperar de este disco?

Los dos sencillos son solo eso: dos sencillos. En Far From God hay mucho más por descubrir. Creo que “Cross Your Heart” y “Far From God” tienen más relación entre sí que con canciones como “Our Freedom to Fall”, “The Promise of Light” o “Biblical”. Hay mucho más para descubrir en este álbum.

Lo curioso de Moonspell es que siempre hemos experimentado con nuestra música, pero nunca porque haya sido un plan o una estrategia para sorprender o confundir a nuestros seguidores. Simplemente hacemos la música que sentimos que debemos hacer en cada momento.

Moonspell no tiene un programa que cumplir. No sentimos la obligación de repetir una fórmula ni de responder a determinadas expectativas. Escribimos aquello que queremos escribir y, si a la gente le gusta, fantástico. Si no le gusta, al menos sigue siendo algo completamente honesto.

Creo que Far From God es un álbum en el que no quisimos explorar demasiado. Es un disco construido sobre canciones que funcionan muy bien por sí mismas, muy directas y muy pegadizas, donde conseguimos combinar el metal con nuestras raíces góticas sin que ninguno de los dos elementos se imponga sobre el otro.

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En ese sentido, probablemente sea un disco más clásico de Moonspell que Hermitage. Aquel álbum era bastante más experimental. Tenía muchas influencias del rock progresivo, de Pink Floyd, de Keith Emerson y también de bandas sonoras oscuras. Esta vez queríamos hacer algo diferente.

Nuestro objetivo era componer un álbum con el que nos sintiéramos cómodos y que no tuviera miedo de escribir canciones memorables.

Hoy veo dos tendencias muy marcadas. Por un lado están las canciones extremadamente pegadizas, tan calculadas que casi parecen pensadas para Eurovisión y terminan perdiendo oscuridad y profundidad. Por otro lado está ese metal extremadamente complejo, lleno de breakdowns, cambios constantes y enormes muros de sonido.

Nosotros no queríamos hacer ninguna de esas dos cosas. Queríamos escribir canciones sencillas, pero sin perder profundidad ni significado. No sé si eso puede llamarse evolución. Quizá simplemente sea el tipo de álbum que queríamos hacer en este momento. Y, curiosamente, hacer algo sencillo suele ser mucho más difícil que hacer algo complicado.
Creo que este es un disco sobre el que la gente no necesitará construir demasiadas teorías. Las canciones hablan por sí solas y simplemente invitan al oyente a sentarse y disfrutarlas. A veces es importante no colocar demasiadas barreras entre la banda y quien escucha. Creo que ahí reside la magia de este álbum.

Es un disco muy pegadizo y ya hemos visto reacciones de todo tipo. Hay personas que han quedado fascinadas con los sencillos y otras que incluso estaban preocupadas porque pensaban que yo ya no iba a cantar con voces más agresivas.
Lo curioso es que muchas personas empiezan a debatir sobre un álbum antes de haberlo escuchado completo. No hablo solo de Moonspell; sucede con muchísimas bandas. Hoy parece que mucha gente prefiere discutir sobre un disco en Internet antes que escucharlo de principio a fin.Nosotros iremos presentándolo poco a poco, con los conciertos y la promoción. Pero que nadie espere un muro de sonido ni composiciones excesivamente complicadas.Far From God es, sencillamente, un álbum de metal gótico muy directo.

Mientras hablabas pensaba justamente en eso. Entiendo que pueda resultarte extraño que la gente saque conclusiones basándose únicamente en dos sencillos, pero también creo que forma parte de la época en la que vivimos. Es inevitable que la gente opine.
Y, de alguna manera, también genera expectativa. Hoy todo se consume muy rápido: escuchás una canción, pasás a la siguiente y al día siguiente ya te olvidaste de ella. Quizá ese debate también mantiene vivo el interés por el disco.

Es una perspectiva interesante. La verdad es que Moonspell siempre ha generado debate. Desde el comienzo de nuestra carrera hemos sido una banda que despierta opiniones muy distintas sobre su música. Quizá durante los primeros años, hasta Wolfheart, existía un consenso mayor porque éramos una propuesta nueva. Pero desde Sin/Pecado nuestro público empezó a dividirse mucho más.

Y debatir me parece algo completamente sano. También significa que la banda sigue siendo relevante y que la gente se interesa por lo que hacemos. Lo que me preocupa, como persona creativa, es que muchas veces la gente se queda atrapada en el debate y nunca llega a lo verdaderamente importante.

Y esto no ocurre solamente con Moonspell o con la música. Ocurre con absolutamente todo. Se discute si Cristiano Ronaldo rendirá bien en el próximo Mundial, si un libro es políticamente correcto o no… Yo estudié Filosofía, así que entiendo perfectamente la importancia del debate. Entiendo la necesidad de intercambiar ideas, de generar expectativas y de mantener la mente ocupada con temas que nos interesan.

Pero también creo que muchas personas llegan a una discusión con una opinión ya completamente formada y lo único que buscan es justificarla. No quieren cambiar de idea ni aprender algo nuevo. Simplemente quieren demostrar que tenían razón desde el principio.

Eso lo veo constantemente, no solo en la música, sino en todos los ámbitos de la sociedad. Vivimos una especie de guerra permanente de opiniones. Basta con entrar en la sección de comentarios de cualquier publicación, de cualquier banda, no tiene por qué ser Moonspell, para preocuparse un poco por el futuro de la humanidad.

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Estoy bastante de acuerdo con eso. Yo siempre intento buscar el lado positivo de las cosas, pero entiendo perfectamente lo que decís. Hoy muchas discusiones parecen reducirse a demostrar quién tiene razón o quién es intelectualmente superior al otro. Y, para mí, ese nunca fue el verdadero sentido del debate. La idea debería ser compartir puntos de vista, escuchar argumentos y construir una conclusión a partir de distintas perspectivas. Siento que eso se está perdiendo poco a poco.

Exactamente. Ese era el significado original del debate filosófico. Ni siquiera consistía necesariamente en llegar a una conclusión definitiva, sino en avanzar juntos hacia ella. Hoy ocurre lo contrario: muchas personas empiezan la discusión convencidas de que ya poseen la respuesta correcta, y eso le quita toda la riqueza al intercambio de ideas.

Creo que esa actitud está afectando no solo a la música, sino al mundo en general. A veces existen hechos muy claros y, aun así, mucha gente prefiere ignorarlos simplemente porque contradicen su propia visión de las cosas. Hoy no parece importar demasiado aferrarse a una mentira si esa mentira sirve para sostener una opinión previa.

Es verdad.

Bueno, volviendo al álbum, ¿hay alguna canción de Far From God que sea tu favorita o la favorita del resto de la banda? ¿Hay algún tema que tengas especialmente ganas de tocar en directo?

Siempre intentamos ofrecer el mejor repertorio posible. Evidentemente queremos tocar muchas canciones de Far From God, pero también entendemos que un concierto de Moonspell no es solamente para nuestro disfrute; también pertenece al público. Por eso siempre buscamos un equilibrio entre el material nuevo y los clásicos.

Sí estamos preparando algunos conciertos especiales en los que interpretaremos el álbum completo, pero serán ocasiones muy puntuales. Normalmente preferimos mezclar canciones de todas las etapas de la banda.

De hecho, ya estrenamos dos temas durante el Wave-Gotik-Treffen, en Alemania, y la respuesta fue fantástica. Incluso me sorprendió la reacción del público, especialmente con “Cross Your Heart”, porque en ese momento ni siquiera había sido publicada oficialmente. El sencillo salió al día siguiente de ese concierto.

En cuanto a mis favoritas, van cambiando con el tiempo, como suele ocurrir. Pero, si hoy tuviera que elegir, me quedaría con dos.

La primera es “The Great Wolf in the Sky”, que será el tercer sencillo y verá la luz poco antes del lanzamiento del álbum, el 3 de julio. Creo que reúne todo lo que representa Moonspell: metal, atmósfera, profundidad y, probablemente, uno de los mejores estribillos que hemos escrito en mucho tiempo.

La segunda sería “Our Freedom to Fall”. Creo que va a sorprender a mucha gente porque probablemente sea la canción más pesada del disco, y estoy convencido de que terminarará formando parte del repertorio en vivo.

Claro que esto puede cambiar. Cuando nosotros volvemos a escuchar el álbum meses después de haberlo terminado también descubrimos cosas nuevas y empezamos a apreciar otras canciones de una manera diferente. Pero, hoy por hoy, esas serían mis dos favoritas.

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Bueno, hablando del disco, ¿habrá alguna colaboración? Lo pregunto porque muchas bandas del género suelen invitar a cantantes femeninas en este tipo de álbumes. ¿Hay algo de eso en Far From God?

 Esta vez no. Tenemos una invitada, Alicia Nurho, pero únicamente interpreta los arreglos de cuerdas en “The Great Wolf in the Sky”. Lo pensamos mucho y lo hablamos con nuestro productor, Jaime Gómez Arellano, y al final decidimos que incorporar un cantante invitado no tenía demasiado sentido porque ya lo habíamos hecho antes.

Aunque espero que este disco también conecte con el público femenino, ya que habla mucho del amor y del romanticismo, sentíamos que debía mantenerse dentro de la propia banda. Es un álbum en el que solo había espacio para voces masculinas, para mi voz. No encontramos ninguna canción que realmente necesitara un invitado. Llegamos a contemplar esa posibilidad, pero nos dio la sensación de que habría sido una colaboración hecha simplemente porque sí.

Cada artista que colaboró con Moonspell en el pasado aportó una dimensión nueva a las canciones. Eso ocurrió con temas como “Scorpion Flower” o “An Erotic Alchemy”. Los invitados siempre sumaban algo que nosotros solos no podíamos ofrecer. Esta vez no sentimos esa necesidad. No creíamos que incorporar otra voz fuera a hacer el álbum más grande, mejor o más interesante.

Estábamos muy satisfechos con el resultado que habíamos conseguido entre los cinco miembros de la banda y nuestro productor. Alicia participó únicamente en los arreglos de cuerdas. Es una artista española, multiinstrumentista y cantante, aunque proviene mucho más del mundo del indie y del folk que del metal. Siempre nos ha gustado trabajar con músicos que vienen de otros estilos, pero, en esta ocasión, esa fue la única colaboración del álbum.

Me parece interesante. Y justamente hablando de eso, de trabajar con músicos que vienen de otros géneros, quería preguntarte si creés que esas colaboraciones o incluso la música que escuchás habitualmente —porque imagino que no escuchás solamente metal— terminan influyendo en el resultado final de Moonspell.

Sin ninguna duda. Hay muchos músicos que, cuando están componiendo, prefieren dejar de escuchar música para evitar influencias. Nosotros somos exactamente lo contrario: necesitamos escuchar música y entusiasmarnos con lo que hacen otros artistas.

De hecho, una de las cosas que más me inspiró durante los últimos años y que, de alguna manera, me marcó el camino para volver hacia un sonido más claramente gótico fue el último álbum de Tribulation. Para mí ese disco prácticamente salvó el metal gótico. Me pareció un trabajo extraordinario. Es una banda de metal, pero consigue transmitir una atmósfera gótica increíble. Incluso hubo gente que me llamó para preguntarme si yo era el cantante del álbum. Evidentemente no participé, pero despertó muchísimo mi curiosidad y me recordó por qué me enamoré de este tipo de música.

Para mí la música siempre ha sido una cuestión de estados de ánimo. Hay momentos en los que escucho muchísimo death metal, especialmente el de Florida. Últimamente también estoy escuchando mucho a Wormwitch, de Canadá. Me encanta esa banda. Pero, al mismo tiempo, desde la época del instituto siempre fui alternando entre el metal extremo y otros estilos completamente diferentes. Tenía muchos amigos que escuchaban Depeche Mode, Fields of the Nephilim, Nick Cave o The Sisters of Mercy, y todo eso terminó influyéndome profundamente.

Cuando empezaron a aparecer bandas que mezclaban el metal, el punk o el hardcore con elementos góticos, como Type O Negative, sentí que ese era exactamente el camino que me interesaba. Creo que esa mezcla terminó influyendo muchísimo en el sonido de Moonspell desde los tiempos de Wolfheart.

Por eso a veces me sorprende que la gente se sorprenda cuando versionamos a Depeche Mode o cuando hablamos de Fields of the Nephilim como una de nuestras principales influencias. Siempre estuvieron ahí. Quizá muchos nunca prestaron demasiada atención. Recuerdo que, durante las primeras giras por Europa en furgoneta, escuchábamos una y otra vez Earth Inferno, el álbum en vivo de Fields of the Nephilim. Debemos haberlo escuchado cientos de veces. Era imposible que una banda como esa no terminara formando parte de nuestro ADN musical.

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Sí, completamente. Y creo que eso se nota cuando escuchás a Moonspell. En realidad sucede con muchas bandas de metal gótico. Es imposible no reconocer la influencia de The Sisters of Mercy o de Fields of the Nephilim.

Y con Depeche Mode pasa algo parecido. Mucha gente conoce solamente los grandes éxitos, pero si profundizás en su discografía encontrás un costado muchísimo más oscuro y melancólico que conecta perfectamente con la estética de Moonspell.

Exactamente. Cuando grabamos “Sacred”, para el álbum Sin/Pecado, recibimos muchas críticas. Fue curioso porque, por aquella época, Lacuna Coil había versionado “Enjoy the Silence” e In Flames había hecho lo mismo con “Everything Counts”. Ellos prácticamente no recibieron cuestionamientos y, en cambio, nosotros sí. Y eso que ni siquiera elegimos uno de los grandes éxitos de Depeche Mode. “Sacred” pertenece a Music for the Masses y es una canción mucho menos conocida.

Hoy creo que la mentalidad dentro del metal ha cambiado bastante. Cada vez más gente entiende que Depeche Mode fue una banda enorme y que su influencia va mucho más allá del pop. Estoy seguro de que muchos de esos músicos también escuchan metal. Al final, que hagas una música diferente no significa que tengas que ignorar lo que ocurre en otros géneros.

Paradise Lost también recorrió ese camino, sobre todo durante la época de Host, donde esas influencias eran muy evidentes. Me parece algo completamente natural. Depeche Mode fue una banda gigantesca en el Reino Unido y también en Portugal. Además, eran una de esas pocas bandas realmente extraordinarias que conseguían ser masivas sin perder calidad artística. Para mí siguen siendo un grupo increíble.

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Los videoclips de “Far From God” y “Cross Your Heart” tienen una identidad visual muy marcada. ¿Cuánto participaste en el concepto y en la realización? ¿Fue una idea del director o aportaste referencias y conceptos?

Los vídeos son una mezcla de ideas. Trabajamos con Pavel, de Thread Film, una productora que actualmente está haciendo vídeos para bandas muy importantes. Moonspell es una banda diferente a muchas de esas, así que Pavel recibió muy bien la idea de hacer algo más cinematográfico.

Para el videoclip de “Far From God” queríamos utilizar el formato 4:3, como las antiguas películas de terror, y también trabajar con blanco y negro. Yo comparto algunas ideas con el director, pero después me retiro y dejo que él y el director de fotografía hagan su trabajo. Creo que cuando contratas a alguien y luego vas a decirle exactamente qué tiene que hacer es algo extraño. Si tienes una visión tan concreta, quizás deberías hacerlo tú mismo y contratar al equipo de rodaje.

Yo no soy director de videoclips, así que no soy tan presuntuoso como para pensar que podría hacerlo mejor. No soy ese tipo de músico. Sé que hay muchos artistas que son muy controladores con todo el proceso, pero yo prefiero aportar referencias y confiar en la gente que sabe hacerlo.

Les envié algunas ideas relacionadas con fotografía y cine. Quería algo inspirado en las antiguas películas del expresionismo alemán, como las de Murnau, con una atmósfera cercana a Nosferatu. También pensé en la versión de Robert Eggers de 2024, en el cine soviético de Eisenstein e incluso en películas como El diablo de Ken Russell. Me gusta mucho el cine, así que compartí algunas películas y fotografías como referencia.

Después, el resultado final salió de la mente del director y de su equipo. Creo que simplemente les indiqué una dirección y ellos crearon algo propio.

Para “Cross Your Heart” queríamos algo diferente: un vídeo más centrado en la actuación de la banda, más visual y con menos narrativa que “Far From God”. Creo que ambos vídeos quedaron realmente muy bien. Tuvimos mucha suerte con esta productora porque son gente muy profesional y saben exactamente lo que hacen.

Además, fue genial trabajar con ellos. Hubo un ambiente muy tranquilo, muy cómodo. Tenían un plan y simplemente lo ejecutaron. Todo salió a tiempo, aunque hacer un videoclip en un día implica muchas horas de trabajo.

La única parte complicada fue viajar a Letonia y encontrarnos con temperaturas de unos 18 grados bajo cero. Para alguien de Portugal eso es prácticamente un infierno congelado. Pero estuvimos mucho tiempo en interiores, así que terminó siendo una experiencia divertida.

Estoy muy contento con el resultado visual y también con la respuesta que están teniendo los vídeos. Moonspell nunca fue una banda enfocada en YouTube, pero ahora estamos consiguiendo números muy buenos y recibiendo muchos elogios porque tienen un aspecto muy clásico y cuidado.

Queríamos elevar el nivel de calidad en todos los aspectos: desde la producción hasta el sonido, las fotografías y los vídeos. Después de más de tres décadas con Moonspell, tenemos que seguir evolucionando y mantenernos competitivos dentro de la escena.

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El año pasado celebrasteis los conciertos especiales de Wolfheart y este año llega el aniversario de Irreligious. ¿Existe la posibilidad de hacer más conciertos especiales de estos discos?

Es complicado porque ahora tenemos un nuevo álbum, pero creo que este año vamos a hacer algo especial en el Cosmic Void Festival, que está pensado precisamente para conciertos diferentes y especiales. Me gusta mucho esa idea. No quiero pasar el resto de mi vida haciendo solamente conciertos de aniversario, pero de vez en cuando vamos a mantener este formato. Si aparece una invitación para celebrar los 30 años de Wolfheart, los 30 años de Irreligious o incluso los 30 años de Sin dentro de dos años, seguramente lo haremos.

Le debemos mucho a ese legado de Moonspell. Nos encantan esas canciones y respetamos nuestro pasado porque también nos dio muchísima alegría. No es un capítulo cerrado.

Además, hacer estos conciertos nos permitió descubrir algo importante: podemos ofrecer diferentes tipos de experiencias al público. Ahora tenemos el espectáculo habitual, donde presentamos Far From God junto con canciones antiguas, pero también podemos hacer conciertos especiales de Wolfheart, de Irreligious e incluso presentaciones con orquesta. Creo que eso es muy importante porque es una experiencia increíble para nosotros y también mantiene a la banda interesante para los promotores. Ellos buscan conciertos especiales y nosotros podemos ofrecer diferentes formatos.
Así que estos conciertos de Irreligious en Sintra y Portugal serán una combinación de la presentación de Far From God —probablemente tocando el álbum completo— y también los 30 años de Irreligious, donde interpretaremos el disco entero.

Además, tenemos próximos conciertos con orquesta, como el del 2 de agosto con la Orquesta Sinfónica de Sofía en Bulgaria. Creo que es algo realmente especial tanto para nosotros como para los fans.

¿Cuáles son los planes de Moonspell para los próximos meses y para el futuro, más allá de estos conciertos especiales?

Vamos a estar tocando en festivales. Los fans siempre pueden consultar nuestras redes sociales y nuestra página web oficial, donde tienen toda la información sobre conciertos, ciudades, entradas y fechas. Probablemente sigamos viajando al extranjero durante este año. Estamos intentando organizar algo en Estados Unidos, además de los conciertos especiales y las fechas en Portugal.

También estamos preparando una gira europea como cabezas de cartel para marzo de 2027. Después veremos qué sucede. El álbum está funcionando muy bien. Estamos teniendo una gran recepción, excelentes críticas y muy buenas preventas. El interés por los conciertos irá creciendo poco a poco y estamos trabajando en ello.

No damos nada por sentado. Creo que todavía habrá muchas oportunidades de ver a Moonspell en directo durante 2026 y 2027.Ahora volvemos a la carretera, pero también seguimos componiendo. Nos reunimos un par de días a la semana solamente para trabajar en nuevas canciones, porque siempre es un buen momento para crear.

Nos gusta mucho la dirección que tomó Far From God, así que probablemente empezaremos desde ahí y veremos hacia dónde nos lleva.

Muchas gracias por la entrevista. Fue un placer hablar contigo.

Gracias a ti por invitarme y por la entrevista.

Entrevista por Kia Stuck

Como parte de Fortress Festival 2026, Track To Hell se reunió con Mortiis, uno de los pioneros más influyentes de la historia del dungeon synth, antes de su esperada actuación como cabeza de cartel de la jornada Dungeon Synth Sunday. Durante la conversación, el músico noruego habló sobre el próximo lanzamiento de Ghosts of Europa, el legado perdurable de la Era I y el notable crecimiento de un género que ayudó a crear hace ya tres décadas.

La escena del Reino Unido es bastante diferente en comparación con otras escenas de black metal. ¿Cómo la percibes tú, especialmente teniendo en cuenta que Fortress Festival se agotó con muchísima antelación y que todo el domingo está dedicado al dungeon synth? ¿Qué sensación te produce?

Tengo que ser sincero, no presto demasiada atención a ese tipo de cosas. Llevo viniendo al Reino Unido desde hace mucho tiempo y ha habido épocas en las que venía casi todos los años, y luego, por distintas razones, dejaba de venir durante cinco años o lo que fuera. Si tuviera que destacar algo, diría que hay una sensación de continuidad.

Estas son solo observaciones personales y bastante vagas porque, como digo, no me fijo demasiado. Es más bien algo que percibo al caminar por aquí. Es la primera vez que estoy en este festival, pero siento que reconozco el ambiente. Lo he visto en otros lugares del Reino Unido y, de nuevo, me transmite una sensación de estabilidad.

Por ejemplo, en Noruega existía una escena gótica e industrial bastante fuerte hasta mediados de los años 2000, y da la impresión de que luego fue perdiendo fuerza. No tengo la sensación de que eso haya ocurrido aquí. Quizá tenga que ver con la historia musical del Reino Unido. Muchas de estas corrientes nacieron aquí, ¿sabes? Probablemente las lleváis mucho más cerca del corazón. Cuando digo “vuestro corazón”, me refiero al del Reino Unido. Esa es mi pequeña teoría personal.

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Pero me alegra verlo. Me alegra ver que sigue vivo y que continúa creciendo. Y estoy hablando específicamente de la escena gótica.

Sí, en algunos países se nota que poco a poco va desapareciendo.

Sí, o atraviesa ciclos, aparece y desaparece. Aquí, mi impresión personal es que se mantiene estable. Todavía sigo a London Slimelight. Toqué allí una vez y, cuando empezaron las redes sociales, comencé a seguirlos. Siguen publicando fotos de muchos eventos.

Lo que he notado es que hay mucha gente joven. No son personas de 50 o 60 años, lo que significaría que la escena no está atrayendo sangre nueva y que siempre son los mismos. Ves a muchos jóvenes, mucho ambiente relacionado con el fetish y cosas así. Eso en realidad no importa; lo importante es que son jóvenes y que la escena sigue atrayendo nuevas generaciones, lo cual es muy positivo.

Sí, totalmente cierto.

Ese sería mi comentario rápido al respecto. En cuanto al dungeon synth, quizá todavía sea pronto para hacer observaciones definitivas.

Durante un tiempo me pareció algo principalmente estadounidense y bastante minoritario en Europa. Pero ahora ya hay varios festivales centrados en el dungeon synth por aquí, y atraen público. Es un público diferente. Tienen más aspecto de jugadores o aficionados a los videojuegos y son inadaptados a su manera. Es un tipo distinto de outsider.

Así que me alegra verlo. Tengo esperanzas puestas en ello. Quién sabe, dentro de cinco años puede que esté muerto o puede que sea muchísimo más grande. Pero ahora mismo parece prometedor.

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Es cierto. Hablando de eso, ya que hemos mencionado la música industrial y demás… tu nuevo álbum, Ghosts of Europa, lleva muchísimo tiempo gestándose. ¿Ocho años aproximadamente?

No tanto, sí y no. La mayor parte del trabajo no lleva tanto tiempo, pero sí hay elementos de ese disco que se remontan a finales de los noventa.

Eso es incluso más tiempo.

Sí. Todo empezó durante la pandemia. Iba a ser un pequeño proyecto paralelo entre un amigo y yo. Al final no ocurrió y rápidamente se convirtió en un proyecto en solitario. Para tener algo desde donde empezar, recuperé una vieja cinta que tenía guardada con tres o cuatro canciones que, lógicamente, deberían haber terminado formando parte de The Smell of Rain, pero nunca sucedió. Me gustaba mucho ese material y pensé: “Vamos a empezar por aquí y desarrollarlo”. Ahí fue donde comenzó todo.

La razón por la que ha tardado hasta ahora fue principalmente que, en 2022, cuando terminaron los confinamientos y las restricciones por la COVID, volvimos directamente a la carretera. Eso significó que Ghosts of Europa volvió al cajón. Salíamos de gira, regresábamos a casa, trabajaba unas semanas o unos meses en el disco, luego otra gira… y así sucesivamente. El proyecto se fue congelando constantemente. Así que gran parte del tiempo que podría parecer que estuve trabajando en el álbum, en realidad lo dediqué a otras cosas.

Sí, ha llevado mucho tiempo, pero no significa que estuviera sentado doce horas al día en el estudio desde 2020 hasta 2026 trabajando intensamente en él. Aun así, me fastidia que haya tardado tanto. Me habría gustado terminarlo antes. Pero la única manera de haberlo hecho habría sido no salir de gira. Y, sinceramente, las giras forman parte de cómo me gano la vida. Hay que salir. No queda otra. Además, me gusta estar de gira. También es bueno para el ego saber que existe una demanda por lo que haces. Es bueno para la cuenta bancaria y para el ego. Así que hay que hacerlo. Forma parte de la vida de un músico.

Por cierto, disfruté muchísimo del set que hiciste en Black Metal Revelations entre las actuaciones de las otras bandas. Tenía muchas ganas de verlo porque era algo diferente al resto.

Sí, Black Metal Revelations… ¿Cuándo fue eso?

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En Essen, en noviembre de 2024.

Ah, espera… ¿era la gira con Gorgoroth? Creo que fue en 2023. Sí, fue una gira muy divertida.

Entonces, ¿cómo te sientes con respecto al disco, que finalmente ha sido publicado o está a punto de publicarse por completo después de todo el proceso de trabajar en él de forma intermitente, alternándolo con las giras, y que ahora es casi como una obra de toda una vida?

Estoy muy contento de, ya sabes, “dejar todo atrás”.

Ha sido una parte de mi vida durante mucho tiempo. Sí, claro. Especialmente durante los últimos seis meses, pensaba: necesito sacar este maldito álbum de mi vida. Quiero decir, me encanta la música que contiene. Estoy muy satisfecho con él. Siento que conseguí los sonidos que quería. Y va a ser mezclado por el jodidamente brillante Sean Bevin, que es absolutamente fantástico. Y simplemente necesitaba terminarlo. Para poder empezar a planificar otras cosas.

Porque en ese momento también estamos hablando de la gira por Estados Unidos que acabo de completar, que estaba basada en The Smell of Rain. Así que tuve que recuperar todo ese material antiguo de Rain. Y para los temas, regrabé casi todo el álbum antes de la gira. Así que también tuve que hacer eso. Y muchas otras cosas. Estuve muy ocupado.

Y luego tuve que volver a aprender a cantar para ese álbum. Hacía mucho tiempo que no cantaba de esa manera. Volví a aprender todas las letras y todo eso, y realmente me estaba quedando sin tiempo, así que estaba muy estresado. Así que fue un alivio enorme incluso dejar atrás esa gira, porque estaba ahí pendiente, eran como 33 conciertos, prácticamente uno cada día. Así que ahora me siento bastante aliviado.

Ahora mi trabajo consiste en hacer entrevistas como esta, estar presente en las redes sociales y, en cierto modo, observar y esperar que a la gente le guste, cosas así. Y realmente empezar a planificar el futuro. Y, de hecho, quiero… tengo tanta música a medio terminar almacenada en mi disco duro que quiero volver a ponerme a trabajar y empezar a hacer más música. Porque una vez que terminas algo, al menos en mi caso, empiezan a surgir un montón de ideas nuevas que quiero explorar, quizá un poco diferentes, y eso resulta motivador para hacer algo ligeramente distinto. Pero, al mismo tiempo, me gusta el sonido que he creado en este disco. Así que no quiero dejarlo atrás todavía. Quizá haga un disco más. Sí, eso parece… Ya veremos.

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Sí, claro. Entonces, más de cara al futuro, ¿quizás algo más orientado al industrial o una vuelta a las raíces?

¿Es eso lo que te gustaría?

La cuestión es que descubrí el proyecto Mortiis a través de Combichrist. Me encanta.

Ah, sí.

Y fue hace unos años. Pensé: “Esto es realmente genial”. Creo que el black metal y la música industrial combinan muy bien, pero hay mucha gente bastante cerrada y protectora con ese tema.

Lo sé. Siempre habrá gente así. Quiero decir, sí, va a haber elitistas en todos los géneros, y no quieren que las cosas se mezclen. A nivel personal, a veces puedo entenderlo. Conozco algunas bandas que mezclan estos dos géneros tan distintos, por decirlo de alguna manera. Y a veces suena genial. Otras veces es un desastre, ya sabes. Pero yo no voy a ponerme a controlar quién puede o no puede hacerlo. Tendré mi opinión sobre si musicalmente me parece bueno o no, pero eso es solo mi opinión. Ni siquiera voy a salir a hablar de ello. Me la guardo para mí y que cada uno haga lo que quiera. Quiero decir, las puertas están completamente abiertas en ese sentido.

Al final, todo se reduce a disfrutar de la música, y nosotros recompensamos al artista cuando disfrutamos su música, y ellos escuchan y sienten que la disfrutamos.

Por supuesto, el feedback positivo es una motivación para seguir haciendo música. Todos tenemos ego.

Sí, claro.

Y necesita ser alimentado, como suele decirse. Eso es lo que nos hace seguir adelante.

Y también hay que ganarse la vida, claro, pero…

Por supuesto. Vivimos de esto. No puedes evitarlo realmente. Sí, claro. Pero no, que les den a los gatekeepers. Nunca los he entendido.

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Sí, yo tampoco. A veces resulta bastante ridículo. Sé que ya no haces dungeon synth como antes, pero sí tenía algunas preguntas al respecto. ¿Cómo te sientes en general al ver que el dungeon synth se ha vuelto tan grande?

No lo sé. Quiero decir, obviamente creo que es genial. Forme yo parte de ello o no, siempre me parece fantástico cuando un nuevo subgénero o género gana relevancia y le va bien. Creo que eso es inherentemente positivo. Y al mismo tiempo, siempre es halagador cuando alguien te dice: “Oye, me inspiraste” o algo así. Siempre es agradable escucharlo.

Así que sí, es jodidamente increíble. ¿Por qué no iba a parecerme bien? Aunque no esté creando dungeon synth de forma activa y regular, ¿sabes a qué me refiero? Regrabé mis dos primeros discos simplemente para poder utilizar esos temas en directo. Así que sí trabajé activamente en ese estilo de música con ese propósito, y luego salí de gira durante mucho tiempo. En ese sentido fui una parte activa de la escena, mientras que al mismo tiempo no estaba realmente activo dentro de ella.

Siempre he operado en mi propia esfera, fuera de la periferia de lo que estuviera ocurriendo alrededor. Siempre estuve al margen. Y así fue como nació Mortiis en primer lugar, porque yo era simplemente un inadaptado en los años noventa, creando la música que más tarde la gente etiquetaría como dungeon synth. En aquel entonces no la llamábamos así, era simplemente dark ambience.

De hecho, fundé mi propio sello llamado Dark Dungeon Music para publicar mis discos durante mucho tiempo, y creo que quizá de ahí es de donde sacaron la palabra “Dungeon”. Es un diseño muy antiguo de aquella época. (Señala la camiseta de Kia). Pero esa camiseta ya está descatalogada.

¿Lo está?

Sí, ya no utilizamos ese símbolo ni nada de eso. Lo usé muchísimo.

Claro. Entonces el mercado ya está saturado con ese símbolo.

Sí, lo retiré. Así que no tires esa camiseta. Puede que no puedas comprar otra nueva.

Los cortes son porque ya tenía algunos agujeros antes, así que pensé que podría dejarla un poco más bonita.

Yo también corto mis camisetas si son largas para que queden más cortas.

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Sobre todo con el calor que hace ahora mismo, esto resulta muy cómodo.

Sí, simplemente la modificas. Exactamente.

Hablando de modificaciones, normalmente actúas con tu máscara y toda la puesta en escena. Si elimináramos todos esos elementos atmosféricos —las máscaras, la iluminación y todo lo demás— y te quedaras simplemente sobre un escenario muy iluminado, vestido completamente de blanco, ¿qué parte de tu música crees que impactaría más al público en ese momento?

¿En ese caso? Probablemente los sub bajos. Puse muchísimo énfasis en eso cuando regrabé esos temas. Cuando entra ese bajo, se supone que debe golpearte. Así que físicamente eso sería probablemente lo que más sentirías. Pero si eliminas todos los aspectos visuales del escenario y, por supuesto, asumiendo que yo paso a ser algo muy poco interesante y la gente deja de mirarme, entonces…

No voy a decir que eso sea lo que ocurriría, pero espero que la música siguiera impactando de la misma manera. Me disgustaría descubrir que mi música depende de elementos visuales añadidos. Para mí, esos elementos son una capa adicional destinada a potenciar lo que realmente está ocurriendo, que es la música y la experiencia que genera. Pero odiaría que todo eso desapareciera y quedara algo débil sin ese refuerzo. Quiero que funcione por sí mismo desde el principio. Es como poner un disco sin mirar la portada: si sigue sonando genial y transmitiendo algo, creo que sería exactamente igual. Eso espero.

Puedo decir que en mi caso escuché “Parasite God” por primera vez sin haber visto siquiera la portada del álbum porque apareció en una lista aleatoria de música industrial. Pensé: “Esto suena genial”. Así que fueron más bien los aspectos instrumentales los que me atraparon. Pensé: “Esto es realmente bueno”. Entonces tuve que averiguar quién era y qué era aquello. Y, Dios mío, me pareció brillante.

Sí, eso me lo dijeron mucho, especialmente con los primeros discos, que musicalmente no son agresivos. Son simplemente atmosféricos. Y entonces la gente veía las fotos con las púas, la máscara y todo eso, y pensaban: “Vaya, qué contraste tan increíble”.

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Y también ocurría al revés. Veían primero las fotografías y esperaban una música increíblemente agresiva. Luego escuchaban los discos y descubrían que no tenían nada que ver con eso. Pero sí, es un contraste. Nunca pensé demasiado en ello. En los viejos tiempos componía la música y luego se me ocurrían ideas para la parte visual. Nunca se me ocurrió asegurarme de que todo encajara. Nunca pensé: “Tengo que verme de cierta manera para reflejar la música”. Y, a día de hoy, realmente sigo sin hacerlo. Quizá un poco más ahora que antes, pero sigue sin ser un factor decisivo. Simplemente tengo una idea, luego otra, y encuentro la forma de hacer que funcionen.

Lo importante es sentirte cómodo con ello. Es genial que no intentes necesariamente reflejar la música en la puesta en escena ni viceversa. Simplemente encaja de alguna manera.

Sí, conectas ambas cosas de alguna forma. Pero creo que en los primeros tiempos nunca pensé en ello. Aunque seguramente era más difícil unir esos dos elementos. Ahora, especialmente con el nuevo disco, la parte visual surge de forma mucho más sencilla a partir de la música. Todo encaja de una forma más natural y orgánica. Pero no lo planifiqué. Creo que simplemente ocurre porque llevo haciendo esto durante tanto tiempo. Algunas cosas suceden automáticamente. No sé explicarlo mejor que eso. La música y la parte visual avanzan más de la mano, y las canciones incorporan los elementos visuales de una forma más natural. En los viejos tiempos sí había una cierta colisión entre ambos aspectos. Pero no me importaba. Ni siquiera pensaba en ello.

Muchas gracias por tu tiempo, ¡y nos vemos más tarde en el concierto!

¡Gracias!

Entrevista por Kia Stuck

Como parte de la esperada vuelta de Abigail Williams al Reino Unido en Fortress Festival 2026, Track To Hell habló con su fundador y vocalista, Ken Sorceron, sobre el último álbum de la banda, A Void Within Existence. Conversamos sobre los temas de aislamiento e introspección presentes en el disco, así como sobre la evolución de la formación y las actuaciones de la banda desde la última vez que tocaron en el Reino Unido, hace aproximadamente ocho años.

¿Qué tal ha sido tocar aquí hoy en un recinto tan maravilloso?

Oh, es increíble. Quiero decir, es lo mejor. Es el festival más genial que hemos hecho nunca. Sí, absolutamente. Junto al mar, así, y además todo el mundo nos ha tratado muy bien aquí. El escenario es fantástico. El sonido fue simplemente… ya sabes… es genial. Digámoslo así: llegamos aquí y no habíamos tocado juntos en más de un año, creo. Ni siquiera habíamos conocido al batería con el que tocamos hasta ayer. No ensayamos en absoluto. Si puedes subirte a un escenario y hacer eso, entonces está bastante bien.

¿Y cómo es tocar aquí en el Reino Unido en comparación con conciertos de black metal en América, por ejemplo en Estados Unidos? ¿Notas alguna diferencia en el público o algo así?

Solo los acentos, realmente. Y el papel moneda tiene una sensación un poco… diferente. No, en serio, es difícil decirlo. Aquí hay tanta gente que he estado hablando con personas de todo el mundo, realmente. Nuestra primera gira fue precisamente en el Reino Unido cuando empezamos la banda. Hicimos una gira por el Reino Unido antes de girar por Estados Unidos. Así que, la verdad, me gusta bastante estar aquí.

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¿Es un poco como volver a casa?

Sí, me encanta. También llegué a trabajar aquí durante una temporada. Además he pasado bastante tiempo aquí. Y, ya sabes, me encanta el campo. Y sí, simplemente aprecio este lugar. Y honestamente, los fans aquí son bastante geniales. Lo diré así. Siempre lo han sido.

Y ahora que has vuelto con vuestro último disco, A Void Within Existence, ¿cómo se siente trasladar todo lo que pusiste emocionalmente en ese álbum al escenario? Porque fue compuesto durante una etapa más o menos complicada.

Oh, sí. Ya sabes, solo elijo tocar las canciones con las que realmente conecto. ¿Sabes a qué me refiero? Porque quiero que el concierto se sienta como una gran liberación. Quiero sentir algo yo mismo. Quiero que se me ponga la piel de gallina. Y luego espero poder transmitir eso a la gente. La mayoría de las canciones ya las habíamos tocado antes, pero una de las que hemos interpretado hoy…Acabamos de tocar una canción que nunca habíamos ensayado de ninguna manera. Fue genial.

Sí, me encanta el álbum. De hecho, me encantan nuestros dos últimos discos. Creo que hemos seguido una buena trayectoria. Ahora mismo estoy grabando un nuevo álbum. Tuve que dejarlo en pausa para venir aquí, pero lo terminaré cuando vuelva a casa.

Entonces está cerca de estar terminado.

Sí, bastante cerca. Solo faltan algunas voces y cosas así.

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¿Disfrutas más del proceso de hacer discos entre gira y gira o las giras se han convertido más en una molestia?

Sí, ya sabes, las giras se han vuelto… más complicadas que antes porque la logística cada vez es más difícil. Todo es más caro, pero los ingresos no parecen aumentar. Muchas bandas dicen lo mismo. Es diferente ahora. Y además me estoy haciendo viejo. Me gusta estar en casa y relajarme. Me gusta trabajar en música. Y cuando estás de gira demasiado acabas quemado, y entonces no trabajas en música. Así que intento encontrar la cantidad justa de conciertos y luego pasar al siguiente disco. Me gusta hacer álbumes. Entre los dos últimos discos pasó demasiado tiempo, así que ahora intento acelerar un poco el proceso.

¿Sentiste que tenías que acelerar ese proceso?

Simplemente sentí que, en lugar de estar de gira, debería estar haciendo música. Porque mientras tengas inspiración, debes aprovecharla. Después de publicar un álbum, a veces te sientes incluso más inspirado porque acabas de lanzar algo y ves el resultado de tu trabajo. Entonces piensas: tengo que hacer más música ahora mismo. Pero si sigues de gira constantemente, esa sensación desaparece.

Entonces hay que encontrar un equilibrio.

Es complicado. Y yo soy una persona que se guía mucho por lo que siente en cada momento. No somos precisamente la banda más organizada del mundo, voy a ser sincero. Puedo estar en mitad de un disco y pensar: “Esto es una mierda”. Lo dejo y ya volveré a ello. Y puede que pasen años. Suena una locura. Pero luego vuelvo a escucharlo y pienso: “En realidad esto no es una mierda. Estaba equivocado”. Y entonces lo termino. Simplemente funciona así.

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¿Y cuándo sientes que un álbum está terminado? Sobre todo cuando trabajas en él de forma intermitente y puedes perder la perspectiva del conjunto. ¿En qué momento dices: “Ya está, está acabado”?

Buena pregunta. Nunca parece terminado hasta que simplemente te rindes y dices: “Esto servirá”. Porque podrías trabajar en él para siempre intentando perfeccionarlo. Pero a veces eso es lo incorrecto. A veces es mejor quedarse con la primera sensación cruda. Especialmente con las voces. Suelo escribir las letras el mismo día que voy a grabarlas. Y luego quiero conservar esas primeras tomas. Lo primero que me viene a la cabeza suele ser lo mejor. Me gusta mantener ese tipo de cosas. Pero la música, especialmente cuando estás arreglando baterías o trabajando la estructura de las canciones, es algo que podrías retocar eternamente.

Ahora cuentas con bastante ayuda a la hora de completar las grabaciones gracias a Dave y también a Mike. ¿Cómo ha cambiado eso el proceso?

Es mucho más fácil cuando no tienes que encargarte de la mezcla. Puedes enviar el material a alguien como Dave Otero o Lambert, gente que llega con una perspectiva fresca. Tú ya estás harto del disco porque lo has escuchado miles de veces. Es bueno tener una opinión nueva. Y además son personas en las que confías. Porque entregar tu álbum a alguien y decirle: “Toma, mézclalo”, da bastante miedo. Piensas: espero que vuelva sonando como lo imagino. Pero esos dos hacen un trabajo fantástico. Y también trabajar con Mike Taylor en la batería se ha convertido en nuestro sistema habitual porque simplemente funciona. Trabajamos muy bien juntos. Lo conozco desde hace muchísimo tiempo. Todo fluye de manera muy natural.

Entonces ahora mismo tienes buenas sensaciones.

Oh, sí.

Con todo lo que está pasando y el camino que lleváis actualmente, ¿cómo te sientes?

Siento que si la banda hubiera sido como es ahora cuando la fundé, las cosas estarían mucho mejor hoy. Lo curioso es que cuando empezamos apenas habíamos dado tres conciertos y ya habíamos fichado por Candlelight Records. De repente nos vimos compartiendo sello con un montón de bandas increíbles. Estábamos abriendo para Emperor casi inmediatamente. Empezamos a girar por el extranjero enseguida. Ni siquiera tuvimos tiempo de desarrollarnos. Fue una locura. Básicamente tuvimos que desarrollar nuestro sonido en público. Y luego te quedas atrapado en girar, girar y girar constantemente. Ahora las giras son agotadoras. Tengo 46 años y pienso cuánto tiempo más puedo seguir así. Ves bandas que continúan hasta una edad muy avanzada, pero son mucho más populares, así que tiene sentido. ¿Cuánto tiempo puedes seguir siendo una banda infravalorada y continuar girando para siempre?

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Sí, puedo imaginarlo. Si elimináramos toda la atmósfera y la puesta en escena, imaginemos que estuvierais en un escenario completamente iluminado, ¿qué aspecto de vuestra música crees que seguiría impactando más sin toda la estética del black metal?

Creo que sí funcionaría, porque en esta banda todo gira en torno a la música. No tenemos una imagen tan marcada como otras bandas. No usamos disfraces. No coordinamos cómo debemos vestirnos. No sabemos qué hará el técnico de luces. Ni siquiera tenemos técnico de luces. Puede hacer lo que quiera. Nosotros simplemente tocamos. No somos una banda especialmente preocupada por la imagen, probablemente para nuestro propio perjuicio porque a los fans del black metal les gusta mucho ese tipo de cosas. Pero nunca fuimos así. Miras fotos de cuando empezamos y parecemos tipos completamente normales. Y resulta bastante gracioso verlo ahora. Pero simplemente no tenía tiempo para pensar en esas cosas. Estaba ocupado haciendo música. Así que sí, para nosotros es bastante sencillo.

Entonces, ¿qué crees que es lo que más destaca en vuestra música? Sobre todo teniendo en cuenta que no hay disfraces ni elementos similares.

Creo que la emoción. Y sí, hay atmósfera, pero es una atmósfera diferente. Es black metal, por falta de una descripción mejor en términos estilísticos, pero yo me permito cierta libertad. No estoy pensando constantemente: “Somos una banda de black metal”. No pienso: “Tiene que transmitir oscuridad absoluta”. Y no me estoy burlando de quienes lo hacen. Solo digo que nosotros no trabajamos así.

Sí, claro.

Tenemos letras sobre infinidad de temas. Y sí, encajamos dentro de esta escena. Podemos tocar con todas estas bandas y funciona bien. Pero he notado que nunca encajamos perfectamente en ninguna gira. Siempre somos un poco la banda rara. Estamos girando con muchas bandas de black metal que tienen toda una producción escénica detrás. Nosotros no tenemos nada de eso. Así que siempre somos un poco diferentes. Y si tocamos con bandas más death metal, entonces parecemos completamente atmosféricos. Es complicado. Si quisiéramos tocar con una banda de post-rock, resultaríamos demasiado pesados.

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Así que simplemente sois vosotros mismos.

Sí, exactamente.

Es vuestra propia identidad. No encajáis en ninguna caja.

Y estoy completamente bien con eso. Siempre me he sentido un poco ajeno a esa escena. Nunca sentí que formáramos parte de ella. Conozco a mucha gente. Soy amigo de mucha gente. Pero nunca sentí que estuviéramos realmente dentro. Siempre me sentí aparte, aunque cercano. Y está bien así.

Aquí funcionó perfectamente, eso seguro.

Sí, puede funcionar. Creo que al público le gustó bastante, o al menos eso parecía. Y eso fue bueno porque nunca habíamos tocado ante tanta gente aquí. Normalmente, en el Reino Unido hacemos conciertos más pequeños.

Entonces también hay una diferencia importante en cuanto al tamaño del recinto respecto a lo que soléis hacer.

Me gustan los conciertos grandes. Sé que suena raro. Me pongo más nervioso ante un concierto pequeño con poca gente que ante una multitud enorme. Cuando hay una multitud enorme pienso: “Me siento bien. Vamos a ello”. Es extraño.

Probablemente porque cuando hay poca gente sientes que tienes que estar a la altura de ese grupo concreto de personas. Debes cumplir sus expectativas.

Sí, sientes que tienes que ser perfecto porque estás bajo el microscopio.

Y con una multitud enorme piensas más bien: “Está toda esta gente aquí. Voy a tocar y estarán contentos de que esté aquí”.

Y además recibes esa energía. Sientes que todo está bien. “Oh, acabamos de cometer un error. ¿Y qué?”

Exactamente. ¡Muchas gracias por tu tiempo!

Muchas gracias a vosotros, ha sido un placer hablar contigo.

El Altar Del Holocausto es toda una rareza en la industria musical: una banda totalmente instrumental, entre el doom y el postrock, capaz de crear piezas muy evocadoras y de enorme calidad. La identidad de sus miembros es un secreto, ya que tocan encapuchados como forma de anonimato y también tomando su inspiración estética de la tradición de la Semana Santa: sus capuchas se inspiran en los nazarenos o penitentes, mientras que sus conciertos son llamados por ellos mismos y sus seguidores “homilías”, en las que se busca elevar el espíritu a través de la música. 

La banda consigue así alcanzar un equilibrio muy difícil: emocionar a todo tipo de personas, incluso a agnósticas, ateas o procedentes de otras tradiciones religiosas, sin ofender a los creyentes y reivindicando algunas de las enseñanzas más universales y enriquecedoras de su fe.

Hoy hemos podido hablar con uno de sus enigmáticos miembros con motivo del reciente lanzamiento de su cuarto álbum de estudio: ECOS; un trabajo que simboliza el regreso de la banda después de cinco años y el inicio de una nueva etapa.

Hola, soy Cristina para Track to Hell, ¡muchas gracias por concederme esta entrevista! En primer lugar quiero daros la enhorabuena: Ecos es un álbum magnífico y parece estar teniendo una acogida maravillosa en los medios y entre el público. ¿Cómo ha sido el proceso de gestación y grabación de este trabajo? ¿Buscáis explorar nuevos matices sonoros en comparación con vuestros anteriores trabajos?

Hola, igualmente, encantado de atenderte. Me alegra que hayas disfrutado de nuestro nuevo trabajo, ECOS. Es un honor que sea reconocido y que el oyente pueda disfrutar de él después de tanto tiempo. Ha sido un largo tiempo de gestión, cerca de año y medio, desde que comenzamos con su composición, maquetación, grabación y edición… nos encargamos íntegramente de todo el proceso, salvo de la parte del ingeniero de grabación en el estudio. Ha sido un proceso costoso, pero a la vez ha tenido su parte hermosa, sobre todo el proceso creativo, creo que ECOS pone a EADH en otro punto, este disco es un punto y aparte en la historia de la banda.

Puede que se puedan encontrar ciertos matices que sean nuevos, pero en general hemos buscado que el disco suene a EADH… que sea seña de identidad de la banda.

Ojalá tengan tan buena acogida las homilías de presentación que vendrán próximamente.
Con el disco ya girando y la gran respuesta que está recibiendo, ¿cómo está siendo el traslado al directo? ¿Qué podemos esperar de las fechas que tenéis por delante en esta gira?

Aún no hemos desvelado ninguna fecha de presentación, salvo dos festivales: el Westill en Francia y el In To The Void en Países Bajos. Pero ya estaban cerrados antes de la publicación de ECOS.

La gira considero que será la más ambiciosa de la banda hasta la fecha, intentaremos llegar a todos los lugares posibles, sobre todo fuera, y que ECOS resuene allá donde tengan a bien escucharlo. Cambiarán bastantes cosas respecto a giras anteriores, pero hasta que no se lleven a cabo las primeras homilías no puedo dar más detalles.

Hay varias cosas que hacen única a vuestra banda. Por ejemplo, en vuestro caso, defendéis una propuesta puramente instrumental (sin vocalista), algo que en la escena actual me parece todo un reto. ¿Cómo conseguís que vuestros instrumentos narren historias y mantengan al público en trance durante todo el concierto?

Es todo un reto poder llegar al público sin tener una voz que transmita el mensaje principal… pero los sentimientos en muchas ocasiones son más fuertes que las propias palabras. Es importante que el oyente entienda el sentido de las composiciones, por que se crean y cuál es el objetivo de ellas, de ese modo podrá sumergirse mejor en ellas y dejarse llevar en ese trance musical.

No es una tarea sencilla, ni siempre funciona, pero para nosotros es lo que nos motiva a seguir adelante… poder hacer que cada concierto sea aún más especial o emotivo que el anterior. Por eso estamos aquí.

Otra cosa que hace único al El Altar del Holocausto es que, en una era de sobreexposición en redes sociales donde todo el mundo quiere mostrar su cara y todo lo que sea necesario para llamar la atención o alcanzar la fama, vosotros seguís manteniendo vuestras identidades en secreto ¿Es una forma de protección personal o una herramienta artística para que el oyente se concentre únicamente en la música, sin prejuicios ni egos?

Es una decisión y como tal debemos comulgar con ella, cuando se creó la banda en 2012 tomamos ese camino y será así hasta el final de la banda. No es para nada relevante cómo seamos o dejemos de ser físicamente los miembros de EADH, lo que sí debe tener repercusión es la música que se ejecute y cómo lo haga, eso sí es transcendental. El ego o los prejuicios no tienen cabida en nuestros sonidos.

Aunque no sepamos realmente quién está bajo la máscara, El Altar del Holocausto se escucha y se siente como una banda o incluso una institución muy sólida. ¿Podéis contarme si a lo largo de los años ha permanecido inalterable la formación o habéis vivido cambios en las filas? ¿Cómo afecta el relevo de un miembro cuando el concepto visual y espiritual de la banda es tan específico?

Como todo grupo, este también ha evolucionado… de ser un dúo en 2012 a ser cuatro miembros en la actualidad. Todo se trata de tener buena comunicación y entender bien el mensaje de la banda, ir todos en la misma dirección y remar a favor del proyecto. Por supuesto hemos tenido altibajos y momentos muy complicados, pero la banda está por encima de todo eso. EADH va más allá de los sentimientos que tengan sus miembros, no es un grupo formado por personas… EADH es nuestra forma de vida.

Vuestra estética y vuestros conciertos-homilías beben directamente del misticismo y la solemnidad del catolicismo, utilizando una imaginería que para algunos podría ser arriesgada. Sin embargo, lográis algo muy difícil: conmover a todo tipo de personas, incluso agnósticos y ateos, sin ofender a los creyentes. ¿Dónde está el secreto para mantener ese equilibrio tan respetuoso? ¿Buscáis algún tipo de provocación o más bien una vía de espiritualidad libre a través del arte?

Es interesante lo que planteas, creo que el equilibrio debe ser justo… esa vía espiritual del arte es donde reside la esencia de EADH, que el oyente lo interprete como realmente quiera. No es necesario pronunciarse, simplemente sentir la música y fluir. En eso quizás reside parte de la esencia de la banda, poder transmitir mensajes con los sentimientos.
Ligado con la pregunta anterior, da la sensación de que vuestro origen en Salamanca debe ser clave: vuestra propuesta evoca la sobriedad y el ascetismo de la Semana Santa de Castilla y León. ¿Hasta qué punto el peso histórico, la arquitectura y la tradición de vuestra tierra natal han moldeado el ADN visual y sonoro de El Altar del Holocausto?

No creo que realmente sea algo que haya modelado a la banda, ni lo sentimos como una influencia directa. De hecho varios miembros de la banda desde que se creó han estado más tiempo fuera de Salamanca o de España que en ella. Nos puede gustar más o menos esa imaginería o sobriedad, pero no creo que haya influenciado a la forma de ser de la banda, al menos de forma consciente o directa.

Como banda con un largo camino recorrido, desde un terreno más underground hasta llenar salas y tocar en grandes festivales, ¿qué diagnóstico le hacéis al panorama de la industria musical actual en España? ¿Es un entorno saludable para las propuestas independientes, novedosas y de nicho?

No sabría decirte. Desde nuestros inicios siempre hemos intentado ser una banda “DIY” en todo lo que hemos podido, cuando hemos tenido oportunidades las hemos intentado aprovechar y otras muchas las hemos desechado sin pensar en las consecuencias… no creo que seamos ejemplo de banda que ha triunfado o de banda a seguir. Sólo conocemos una fórmula que es trabajo y constancia. Casi siempre hemos tenido buenas experiencias con la gente del sector, sobre todo con los trabajadores que son el motor de todo esto… otra cosa es cómo se encuentre actualmente el panorama musical en algunos aspectos, pero ahí prefiero no entrar. 

Estamos viendo una irrupción masiva de la Inteligencia Artificial en la composición musical y el arte visual. Para una banda como la vuestra, donde la imperfección humana, el sentimiento, el sudor del directo y el misticismo son el núcleo, ¿cómo veis esta tecnología? ¿Creéis que la IA podrá replicar o sustituir alguna vez el alma de una composición musical o el arte sacro?

Para nada… la inteligencia artificial jamás podrá transmitir sentimientos, por algo muy simple: no los tiene. Podrá replicarlos, pero siempre serán una copia… y ahí ya se pierde originalidad, creatividad y pensamiento.  Es bastante triste, sobre todo por parte del consumidor. Hay que tener un poco más de criterio y saber diferenciar.

Mucha gente acude a vuestras “homilías” buscando una experiencia catártica, casi religiosa, un espacio donde procesar su propia oscuridad o sus problemas diarios en comunidad. ¿Sentís la responsabilidad de que vuestra música funcione como una especie de sanación o bálsamo espiritual para vuestros seguidores?

En algunas ocasiones lxs hermanxs nos transmiten esas experiencias, tras las homilías, a través de mensajes, etc… es cierto que no deja de sorprendernos y nos emociona muchísimo poder llegar de este modo al oyente. Sí creo que tenemos cierto grado de responsabilidad a la hora de subirnos a un escenario.

Cada vez intentamos perfeccionar más todo y que sea lo más profesional posible, pero sin dejar de lado la parte humana y la cercanía. 

Muchas gracias por vuestro tiempo, si queréis añadir cualquier cosa o saludar a vuestros fans ¡este es el momento! 

Aprovecho estas líneas para agradecer de corazón a la gente que nos sigue, apoya y admira… el cariño es mutuo. Os esperamos en la próxima gira de presentación de ECOS, que esperamos poder anunciar lo antes posible.

Con una propuesta que combina melodía, agresividad y una clara ambición por construir una identidad propia dentro del metal moderno, Overture debuta con State of Decay, un álbum donde cada detalle parece pensado para transmitir emoción, intensidad y honestidad. En esta entrevista, la banda habla sobre el proceso creativo detrás del disco, sus influencias, la búsqueda de versatilidad tanto a nivel compositivo como vocal y los objetivos que ya empiezan a marcar el futuro del proyecto, dejando claro que esto no es solo un primer lanzamiento, sino el inicio de una apuesta seria y con personalidad.

Este es su álbum debut y da la sensación de que la banda ya tiene una identidad bastante definida. ¿Cómo fue el proceso de encontrar el sonido de Overture entre influencias tan melódicas y momentos más agresivos?

Fue algo que apareció de forma bastante natural durante la composición del álbum. Desde el principio tuvimos claro que queríamos transmitir emociones y experiencias con las que cualquiera pudiera sentirse identificado, y el sonido fue tomando forma alrededor de esa idea. Todos compartimos influencias similares, pero cada uno aporta cosas distintas: algunos tendemos a centrarnos más en los riffs, otros en las melodías o en las atmósferas. Bandas como Architects, Killswitch Engage o Metallica han sido referencias importantes para nosotros, pero siempre tuvimos claro que queríamos construir una identidad propia.

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La introducción acústica prepara muy bien el terreno para todo lo que viene después. ¿Desde el inicio tuvieron claro que querían abrir el disco de esa manera o fue algo que apareció durante la composición?

La introducción acústica apareció prácticamente al final del proceso. Sentíamos que el disco necesitaba una apertura que ayudara a contextualizar lo que viene después y, especialmente, a preparar el terreno para “Sirens”. Más que una canción en sí misma, la vemos como una forma de introducir al oyente en la atmósfera del álbum antes de que entre toda la intensidad del primer tema.

“Sirens” tiene todos los elementos de una canción capaz de conectar con mucho público dentro del metal moderno. ¿Qué representa para ustedes dentro del álbum y cómo nació ese tema?

“Sirens” nació aproximadamente a mitad del proceso de composición del álbum y fue una de esas canciones que, desde la primera maqueta, supimos que tenía que formar parte del disco. Buscábamos algo rápido, agresivo y directo, pero sin renunciar a las melodías que también forman parte de nuestra identidad. Para nosotros representa muy bien la energía de Overture y las ganas que tenemos de conectar con la gente. Su mensaje gira en torno a los errores, las cargas que arrastramos y la decisión de seguir adelante a pesar de todo. En cierto modo, resume muy bien la actitud con la que afrontamos este proyecto.

Sergio, en canciones como “Enemy”, “Beneath The Suffering” y “Dead Roses” mostrás registros muy distintos. ¿Qué tan importante era para vos que el debut también sirviera para mostrar esa versatilidad vocal?

Para mí era crucial este aspecto. No queríamos traer una simple propuesta que sonara monótona, queríamos demostrar, sobre todo a nosotros mismos, de lo que somos capaces. Por mi parte era una batalla conmigo mismo. Quería dar lo mejor de mí en cada canción, pero también conocerme mejor como vocalista, y jugar con diferentes registros y combinaciones me ayudó muchísimo a crecer. En Overture queremos ir a por todas y quería estar a la altura de los tremendos músicos que tengo a mi lado. Pero, sobre todo, quería desarrollar algo que pudiera mantener en el tiempo: exigente, desafiante y que me obligara a seguir mejorando, pero que también pudiera defender con confianza en directo.

“One of Us” mezcla synths, partes melódicas y momentos mucho más intensos de una forma muy natural. ¿Qué artistas o referencias sienten que influyeron más en esa búsqueda sonora?

“One of Us” fue probablemente una de las canciones donde más nos acercamos a algunas de las tendencias actuales del metal moderno. Bandas como Bring Me The Horizon o Bad Omens fueron referencias a nivel de atmósfera y uso de elementos electrónicos, aunque siempre intentamos integrarlos de una forma natural dentro de nuestro sonido. Cabe decir que no queríamos que los synths fueran el centro de la canción, sino una herramienta más para reforzar las melodías y la dinámica del tema.

Hay canciones como “Under My Skin” que parecen crecer con cada escucha y terminan dejando un impacto muy fuerte. ¿Qué temas del disco sienten ustedes que mejor representan la esencia de Overture hoy?

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Es difícil quedarse solo con una canción, porque cada una representa una faceta distinta de la banda. Probablemente “Beneath The Suffering” sea una de las que mejor resume nuestro sonido, con riffs muy marcados, melodías de guitarra, intensidad y un enfoque claramente melódico. Por otro lado, “Alone” representa muy bien el presente y el futuro de Overture a nivel compositivo y de producción. También creemos que temas como “Under My Skin” o “One of Us” muestran otra parte importante de nuestra identidad, incorporando diferentes influencias sin perder la esencia de la banda. Todas ellas reflejan, de una forma u otra, la energía y las ganas que queremos transmitir con este proyecto.

A nivel instrumental el disco tiene mucho detalle, especialmente en baterías y guitarras, pero sin perder fuerza ni dinámica. ¿Cómo fue el trabajo de producción y cuánto tiempo les llevó llegar al resultado final?

Fue un proceso completamente autoproducido y nos llevó aproximadamente un año. Lo particular es que no partíamos de diez canciones terminadas, sino que durante ese tiempo estuvimos componiendo, arreglando, grabando y produciendo de forma paralela. Eso hizo que muchas decisiones de producción también influyeran en la composición y viceversa. Queríamos cuidar cada detalle, especialmente en guitarras y baterías, pero sin perder la energía y la dinámica que tienen las canciones cuando las tocamos en directo.

Después de este debut, que deja una carta de presentación muy sólida, ¿cuáles son los próximos objetivos para Overture? ¿Ya están pensando en llevar estas canciones al vivo o incluso en nuevo material?

Ahora mismo nuestro principal objetivo es llevar State of Decay al directo todo lo posible. Ya hemos presentado el álbum en Unity Fest y estamos trabajando en una pequeña gira por España y Reino Unido para finales de 2026. Queremos seguir creciendo sobre el escenario, llegar a más público y dar el salto a festivales de mayor tamaño durante 2027. Al mismo tiempo, nunca hemos dejado de escribir música y ya estamos trabajando en nuevas ideas, aunque creemos que State of Decay todavía tiene mucho recorrido por delante y queremos exprimirlo al máximo antes de centrarnos por completo en el siguiente capítulo de Overture.

Como parte de Fortress Festival 2026, Track To Hell conversó con la banda alemana de black metal Groza tras su actuación en el escenario Great Hall durante la jornada inaugural del festival. Con la banda continuando el impulso generado tras el lanzamiento de su aclamado tercer álbum, Nadir, hablamos con P.G., fundador de Groza, sobre la profundidad emocional detrás del disco, la evolución de la identidad de la banda y cómo es llevar un material tan intensamente personal al directo.

La entrevista gira en torno a las experiencias y emociones de P.G. relacionadas con su música, particularmente con su álbum Nadir, que explora temas de duelo tras la pérdida de su bajista, Mike “M.S.”, en 2023.

¿Cómo difiere la escena del Reino Unido de la escena alemana de black metal y cómo se siente estar sobre un escenario en Reino Unido en un festival agotado con meses de antelación como Fortress?

No hemos acumulado mucha experiencia con salas en Reino Unido. Este fue apenas nuestro segundo concierto allí. Tocamos en Londres hace dos años, creo, como banda de apoyo de Hulder, y hoy. Pero, siendo sincero, no siento que haya mucha diferencia. Además, hoy tocamos temprano, así que el público todavía no estaba calentado. Quiero decir, probablemente la gente también necesitaba tomarse una cerveza.

Aunque también hace bastante calor.

Pero me sorprendió muchísimo cuánta gente apareció a esa hora. No nos lo esperábamos para nada. Así que sí, se sintió genial. El concierto de Londres también fue fantástico. Reino Unido nos ha tratado muy bien hasta ahora, así que espero que podamos volver y hacer más conciertos por aquí.

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Siempre es agradable escuchar eso. Así que habéis estado trabajando en el álbum Nadir durante un tiempo, que luego se lanzó en 2024, si no recuerdo mal, y después publicasteis el álbum Live at Ragnarok, que también fue muy bien recibido, de hecho.

Hoy en día es poco común publicar discos en directo. Siento que antes eran algo enorme, pero ya nadie los hace. Y nunca he entendido por qué. Para nosotros, Groza es ante todo una banda de directo. Queríamos tener un documento de eso y publicar un álbum en vivo porque personalmente me encantan los discos en directo. También grabamos el concierto completo y lo subimos a YouTube. Fue simplemente algo natural.

Así que estuvo bastante bien hacer algo que ya no hace todo el mundo, al menos en lo que respecta a los álbumes en directo.

Quiero decir, ponemos mucho esfuerzo en los discos de estudio, por supuesto, pero como decía, pienso en Groza ante todo como una banda de directo, y queríamos documentar eso. Por eso elegimos hacer un álbum en vivo.

Hablando de poner mucho esfuerzo en ello, el álbum Nadir explora emociones bastante profundas, por decirlo de alguna manera. ¿Te importaría profundizar un poco más sobre el disco?

Sí, claro. El tema principal del disco es obviamente el duelo. Perdimos a nuestro bajista en 2023; falleció durante el proceso de composición de ese álbum. Y eso, por supuesto, moldeó por completo la perspectiva de lo que terminó siendo el disco.

Y creo que es nuestro trabajo más personal cuando se trata de abrirnos sobre temas como ese. Mike, nuestro bajista, estuvo involucrado al principio del proceso de composición y luego enfermó. Estuvo enfermo durante mucho tiempo. Y nosotros simplemente intentamos cumplir su visión. Tenía ideas muy claras sobre qué riffs le encantaban y hacia dónde quería ir. Incluso la colaboración que hicimos con la voz de Harakiri for the Sky fue también gracias a él, porque siempre le encantaba cómo sonaban nuestras voces juntas y todo eso.

Así que el tema principal del disco fue desarrollar las cosas que realmente le entusiasmaban, en honor a él y como tributo. Eso es lo que significa ese álbum.

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¿Y cómo se siente llevar algo así, siendo tan personal y emocional, a un entorno en directo como un escenario tan grande?

Es algo que puede ir en ambas direcciones. A veces es realmente duro. No soy una persona capaz de tocar una canción y no volver al lugar en el que estaba cuando la escribí, así que siempre es una experiencia agotadora, porque cuando tocamos esas canciones es como si él estuviera muy presente.

Y a veces es una celebración, otras veces es doloroso. Pero no conocemos otra forma de hacerlo. Prefiero que esa experiencia sea un poco dura y hacerlo con honestidad, porque creo que eso también se transmite a la gente. Creo que la gente puede ver cuando tocamos esas canciones que realmente significan algo para nosotros, y creo que eso se nota.

Pienso que esa es una de las fortalezas del disco más reciente. En los primeros álbumes me costaba realmente dejarme llevar. Tenía límites cuando escribía letras porque no quería ser un libro completamente abierto. Pero para este disco se sintió necesario dejarlo todo salir por completo. Así que sí, siempre es una experiencia interesante. Siempre es intensa de una forma u otra.

Siguiendo un poco lo que acabas de decir sobre ser un libro abierto, ¿sientes que la escena del black metal ha intentado recientemente profundizar más en cuestiones personales y emociones, y no limitarse a ese estereotipo de hace treinta años en el que todo era Satán, el Diablo y toda esa mierda?

Sí, creo que sí. Especialmente fuera del black metal más clásico. Creo que el post-black metal gira precisamente en torno a esos temas; ya no escuchas bandas de ese género cantando sobre esos tópicos cliché.

Creo que cada vez es algo más presente. Porque pienso que la gente quiere ver algo auténtico y real. Nunca podría imaginarme simplemente… Para mí, los temas líricos y la música son igual de importantes cuando escribo para Groza. Así que nunca podría cantar sobre cualquier cliché aleatorio porque no significa una mierda. Tiene que venir de un lugar real para ser auténtico y para que yo pueda respaldarlo.

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No lo haría si fuera simplemente… algo. Hay bandas a las que no les importan las letras, y nunca he entendido por qué. Pero para nosotros siempre tiene que ser algo personal y real, porque es la única forma de ser sinceros con lo que hacemos.

Y como has dicho, eso es algo que sí transmitís sobre el escenario. Es algo que el público percibe y que no pasa desapercibido.

Eso espero. Espero que podamos compartir eso y también dar a la gente algo con lo que conectar. Quizás esa sensación de que no somos los únicos pasando por toda esta mierda. Una de las principales razones por las que amo tanto la música es porque en ella encuentro camaradería cuando se trata de estas cosas. Te hace sentir que no estás solo. Y si puedes ofrecer eso a otras personas, es el mayor regalo posible.

Lo que él dice es cierto, porque yo misma perdí a mi padre en 2023. Así que las emociones del álbum son muy intensas, y por eso me llegó tanto. Estaba realmente emocionada por tener la oportunidad de hablar contigo sobre esto.

Todo el mundo pierde a alguien en algún momento. Todo el mundo experimenta el duelo. ¿Por qué no hablar de ello?

También es una de las mejores formas de afrontarlo a través de la música y, como decías, de la camaradería que encuentras entre los seguidores. Sí, eso es bastante genial.

Para mí es igual. Entonces ya no estás solo. Y eso es bastante importante.

Exacto. Así no acabas perdiéndote a ti mismo.

Exactamente. Especialmente si eres una persona que no habla mucho de estas cosas en una conversación normal. La música proporciona una manera de canalizar todo eso hacia algo catártico y es algo hermoso. Estoy agradecido de que podamos conectar con la gente de esa forma. Es algo muy especial.

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Me preguntaba… hablando de identidades, de hecho, creo que quizás esperabas la pregunta sobre…

¿Quieres hablar de eso? La Banda Prohibida.

La Banda Prohibida con la que os compararon mucho en vuestros primeros años.

Sí, lo sé. Sí, no puedo dejar de hablar de ello.

¿Cómo lo sientes tú? ¿Tienes la sensación de que poner tanto esfuerzo en todo esto, con vuestro propio estilo y trabajando en algo más personal, realmente os ayudó a alejaros de todo aquello de “oh, sois igual que…”?

Sí, no es algo forzado en el sentido de que intentemos diferenciarnos deliberadamente de esa banda solo porque nos compararon con ella. Si la gente nos compara con Mgła, lo tomo como el mayor cumplido posible. Es mi banda favorita. Creo que son los reyes. No tengo ningún problema en hablar de cuánto los adoro.

Y Groza, quiero decir, empecé Groza básicamente como un proyecto de homenaje. Vi uno de sus conciertos en Múnich y realmente cambió mi perspectiva. Suena muy exagerado decirlo, pero es verdad. Fue uno de los conciertos más importantes que he visto en mi vida. Volví a casa y empecé a escribir música en esa línea.

Y sí, mucha gente asocia el espíritu o la actitud del black metal con la originalidad. Que el black metal es una forma de arte en la que tienes que reinventarte constantemente y donde la originalidad es algo fundamental. Pero yo nunca lo he visto así.

Prefiero hacer algo honesto y auténtico, algo que realmente ame y pueda defender, antes que intentar ser original solo por el hecho de serlo. Así que si mi música suena como mi banda favorita, prefiero tocarla con toda mi pasión y con el corazón puesto en ello antes que fingir que no estoy influenciado por ellos.

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Seamos sinceros, dime una sola maldita banda que no haya sido influenciada por otras.

Vamos, esto lleva ocurriendo desde siempre. También podrías remontarte atrás. Joder, si no hubiera existido Darkthrone, ¿habría sido igual? Si no hubiera existido Venom, ¿habría sido igual Darkthrone? Si no hubiera existido Black Sabbath… y así sucesivamente.

La cuestión es que, en ese contexto, especialmente al principio, la gente nos acusaba de simplemente copiar a Mgła. Y eso siempre me molestó porque planteaba la situación como si… ¿cómo decirlo? Déjame ordenar mis ideas.

La gente pensaba que simplemente estábamos aprovechándonos del éxito de Mgła. Básicamente decían: “otra banda más que quiere subirse al tren de la moda”. Pero no viene de ahí. Seguimos teniendo trabajos normales. No vivimos de Groza. El dinero no es un factor en absoluto en lo que hacemos con la banda.

Eso es lo que me molestaba de la comparación: que la gente nos acusara de intentar aprovechar el éxito que ellos estaban teniendo.

También era bastante irrespetuoso.

Sí, bueno, la gente tiene opiniones y está bien. Quiero decir, con internet cualquiera puede soltar su opinión en un vídeo de YouTube. Es lo que hay. No me importa, está bien. Todo el mundo tiene derecho a su opinión.

Pero invito a cualquiera que hable mierda sobre nosotros a que venga a ver un concierto y luego vuelva a decidir si somos sinceros o no.

Eso es justo lo que iba a añadir. Mucha gente está más que dispuesta a hablar mierda sin saber. A todo el mundo le encanta juzgar a los demás sin dedicar realmente el esfuerzo o el tiempo necesario.

Sí, no nos afecta demasiado. No estamos en el local de ensayo escribiendo canciones nuevas pensando: “¿Qué podemos hacer diferente para que dejen de llamarnos copia?”. Me da igual. ¿Quieres llamarme copia? No me importa. De verdad que no.

Se trata simplemente de hacer música que nos conmueva. Y si eso suena como mi banda favorita, perfecto. Así de simple.

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Sí… Entonces, si eliminarais los atuendos y toda la atmósfera black metal, y simplemente vistierais ropa normal, con luz de día y gente normal entre el público, ¿qué crees que sería lo que más impactaría al público de vuestra música?

Bueno, la razón por la que hacemos todo eso es precisamente para apartar la atención de nosotros y de quiénes somos como personas, porque realmente creo que la música puede hablar por sí sola. Por eso elegimos usar máscaras, parecer todos iguales y todo lo demás.

Sí, simplemente espero que la música se transmita de la misma forma que ahora. No creo que el vestuario o la ropa de escenario, o como quieras llamarlo, sea una parte integral de lo que hace que Groza sea Groza. Es simplemente un medio para alcanzar un fin.

Creo que la música siempre es el centro de atención y espero que funcionara igual. Quiero decir, no me gustaría tocar un concierto así porque tengo miedo escénico y cosas de ese estilo, así que realmente disfruto ocultándome.

Esa es una parte importante de lo que hacemos. Te separa del público y te conviertes en una especie de… interpretación. Sí, te conviertes en otra cosa. En cuanto te pones la máscara, ya no eres la persona privada, sino que entras en el universo de Groza. Pasas a formar parte de la banda y ya no eres simplemente ese tipo de antes.

Nos provoca algo cuando tocamos, por eso lo hacemos.

Y además lo disfrutas.

Bueno, más o menos. No puede ser una tortura. Aunque a veces es como una gota china o algo parecido. Hoy especialmente fue duro. Hacía muchísimo calor sobre el escenario. No sé por qué, quizá por las pantallas LED o algo así, pero todos nos estábamos muriendo allí arriba. Todavía estoy empapado en sudor.

¿Pero la máscara se lava?

Sí. Tenemos enfoques diferentes respecto a eso. Pero sí, se lava. No puedes hacer una gira de cinco semanas sin lavarla. Acabarías asfixiándote. No es agradable.

Sí, me lo imagino perfectamente. Sobre todo en esta maldita época del año.

Sí, se oxida, amigo. Especialmente en los festivales de verano, ya sabes.

Bueno, eso era todo por nuestra parte. ¡Muchas gracias por tu tiempo!

Muchas gracias a vosotros.

Con motivo del lanzamiento de su nuevo disco Sons of the Abandoned, que llegará a las tiendas el próximo 12 de junio vía ROAR, nos juntamos con los chicos de Bloodhunter, para que nos cuenten todas las novedades de la banda y de este esperadísimo trabajo.

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¿Cómo ha sido el proceso creativo del disco y donde ha sido grabado?

Dani (Guitarra): Cuando terminamos el Knowledge Was The Price, decidimos utilizar todo el material que teníamos preparado (por eso dura casi 1 hora), por lo que tuvimos que partir de cero para escribir Sons of the Abandoned. En esta ocasión decidí no componer nada hasta tener claro quién iba a publicar el álbum y cómo, por lo que una vez estuvo claro, dedicamos unos 6 meses a componerlo y otros 3 a grabarlo, principalmente en Sadman Studios con nuestro querido Carlos Santos. Fue un proceso muy intenso, como todo en esta banda, sobre todo porque teníamos unos tiempos muy ajustados.

¿La portada me parece muy buena y llamativa, de donde surge la idea y quién la plasmó?

Diva Satánica (Voz): Hemos vuelto a contar con Gustavo Sazes para el artwork, que siempre capta muy bien las ideas que tenemos en mente y con el que ya habíamos trabajado con anterioridad. Aunque este álbum no es conceptual, nos hemos ido dando cuenta de que algunos de los temas que tratamos en las canciones están muy conectados: esta visión de una sociedad cada vez más individualista, que se rige por valores superficiales y donde te sientes prácticamente abandonado; nos llevaba a pensar en las típicas imágenes de ciudades destruidas como representación de ese mundo interior resquebrajado y al mismo tiempo como reflejo de la situación política global que estamos viviendo. Verás que en lugar de edificios hay balas, y al mismo tiempo una gran esfera de fondo simbolizando la esperanza de un nuevo amanecer que creo que todos albergamos. Tiene una estética bastante próxima al surrealismo que a mí es una corriente que me encanta.

Habéis fichado por ROAR (Una división de Reigning Phoenix Music) que ha supuesto para la banda dar este salto en cuanto a discográfica?

Dani (Guitarra): ROAR/RPM tienen un alcance y una distribución muy grande, por lo que para nosotros es especialmente bueno. Además, están especializados en nuestro estilo de música. Todo eso, sumado al consejo de nuestra nueva agencia de Management FM Music Management, hace que esta etapa represente un salto bastante importante para Bloodhunter.

En “The Path That Never Ends”, contáis con la colaboración de Laura Guldemond (Burning Witches), como ha sido para Diva cantar con ella?

Diva Satánica (Voz): Laura y yo nos conocimos personalmente en la primera gira por Europa que hicimos durante mi etapa en Nervosa con ambas bandas. Yo ya conocía su trabajo incluso desde antes de que ella entrase a formar parte de Burning Witches y sin duda para mí es una de las voces más impresionantes de nuestra generación. En esa gira tocábamos un tema que tenía la colaboración de Eric de Foltsam & Jetsam y le pedimos en un par de conciertos si quería subirse con nosotras a cantarlo y me encantó la experiencia. Siempre que pienso en voces melódicas con mucha fuerza y gran versatilidad, ella es la primera que se me viene a la mente. “The Path That Never Ends” arranca con mucho Groove y algunos toques progresivos, pero queríamos que el estribillo fuera más melódico y fácilmente reconocible y pensamos inmediatamente en ella. Apenas le dimos instrucciones sobre lo que necesitábamos y cuando nos envió las pistas alucinamos, ha hecho un trabajo increíble.

Diva, colaboraste con Rehn Stillnight y Grace Darkling (Nocturnia), ¿Qué supuso para ti juntarte con estas chicas para un clásico que nada tiene que ver con el metal?

Diva Satánica (Voz): Me siento muy feliz de tener la oportunidad de hacer colaboraciones con otros músicos de la escena y me encanta cuando venimos de estilos distintos porque aprendo muchísimo. Conocí a Morten (Mortemia) de casualidad a través de mi querida amiga Alessia Scolletti que estaba sustituyendo a la vocalista de Sirenia en algunas fechas hace un par de veranos y casualmente tenían un festival muy cerca de donde vivo así que me invitaron. Ahí pude hablar un poco más con él y me pareció un tipo increíble. Con el tiempo me contactó para explicarme que tenía un proyecto de versiones con artistas que le gustaban para llevar canciones de otros estilos al metal/rock y me pareció una idea estupenda. Recuerdo que me propuso con cierto temor “Gangsta’s Paradise” y se sorprendió de que fuera una de mis canciones favoritas fuera del metal. Ha sido un auténtico reto para mí grabarla porque al fin y al cabo canto todas las estrofas rapeadas y en cuestiones de ritmo y dinámica es mucho más difícil de lo que parece. A Rehn y a Grace no las conocía, pero son 2 voces increíbles que le han dado un toque espectacular al estribillo. Me encantaría que pudiéramos hacer esto en directo alguna vez.

¿Cómo afrontáis la gira española siendo invitados de Crypta?

Dani (Guitarra): Precisamente la gira española se inicia el día que publicamos Sons of the Abandoned, por lo que tenemos muchas ganas de salir a tocar unas cuantas canciones nuevas y llevarle el álbum a la gente en persona. Tendremos el stand del merchandising repleto de cosas nuevas!

¿Qué podemos esperar de BLOODHUNTER para el resto de la temporada y de cara a 2027? ¿Habrá gira nacional extensa, festivales nuevos?

Diva Satánica (Voz): Al igual que con el disco anterior, al lanzarlo en pleno verano, ya no llegamos a la programación de festivales de este verano, pero estamos ya trabajando en próximas fechas para los próximos meses. Nos encantaría poder volver a Asia y ampliar territorios lo máximo posible ya que la mayoría de nuestros oyentes están en USA y Latinoamérica.

Hoy he tenido la suerte de charlar con Ben Hutcherson, guitarrista y co-vocalista en la banda de doom metal norteamericana Khemmis, que acaba de sacar su quinto álbum de estudio. Ben es un tío encantador y comprometido que confiesa estar pasando por el mejor momento de su vida en los cuarenta tras trabajar mucho en su salud mental, dejar atrás sus adicciones y su empleo “formal” en el mundo académico. Aunque sus convicciones están claras tanto para él como para el resto de la banda y hablamos de ellas ampliamente, el álbum que ya esta online no es en absoluto político ni de crítica social, sino un disco centrado en la belleza del arte y en aportar esperanza y felicidad a los seguidores del doom metal.

Buenas tardes, Ben, gracias por concederme esta entrevista. Lo primero darte la enhorabuena: más de 10 años de banda, vuestro 5º álbum de estudio salió hace unos días, y además estáis a punto de empezar un tour que va a ser bastante largo ¿cómo estás viviendo esta etapa tan ajetreada de Khemmis?

Buenas tardes, encantado de charlar contigo. Lo has dicho muy bien, es una etapa “ajetreada”. Pero estamos muy ilusionados con todo esto. El nuevo álbum acaba de salir, y la acogida de los singles ha sido fenomenal. Y en concreto hoy, llevamos desde muy temprano esta mañana haciendo entrevistas y después cuando acabemos, Dave, nuestro bajista, y yo, vamos a llenar la furgoneta y vamos a conducir nueve horas hasta Oklahoma para ir a tocar con Acid Bath este fin de semana. Los otros dos compañeros irán allí en avión. Va a ser un fin de semana genial. Va a ser el primer show en un verano efectivamente muy ajetreado: tenemos muchas fechas en todo EEUU, y se acaban de anunciar algunas fechas europeas, más otras cuantas que quedan por confirmar y que probablemente anunciaremos la semana que viene o la siguiente.

¿Alguna de esas nuevas fechas será en España o cerca?

Si te soy sincero, no lo recuerdo. Hemos estado trabajando con diferentes fechas y borradores de la gira. Pero si no fuera en esta ocasión, seguro que sería para el verano de 2027 o muy pronto. Queremos volver a Europa el año que viene para una gira más larga. Así que si no nos véis en España de aquí a otoño, eso es que nos veréis el verano siguiente.

Sobre el nuevo álbum, se llama “Khemmis” al igual que la banda y los singles son videoclips muy originales ¿puedes contarme un poco sobre el concepto principal de este disco y qué podemos encontrar de nuevo con respecto a los anteriores?

Claro. ¿Cuál sería el concepto principal del disco? Verás, Deceiver fue un álbum que grabamos y que se inspiró en momentos muy oscuros de nuestras vidas personales. Por ello fué un álbum muy difícil de grabar. Tuvimos que explorar gran parte de nuestras tragedias personales, y estamos contentos de haberlo hecho. Yo por ejemplo acababa de ser diagnosticado acerca de mi salud mental y también llevaba un tiempo sobrio, decisión que había tomado sólo unos pocos años antes. Y debo decir que estoy muy contento de haber llegado sobrio al encierro que supuso la pandemia del Covid. No sé cómo hubiera podido sobrevivir a eso si no hubiera estado limpio en aquel momento… Entonces, cuando llegó el momento de grabar este nuevo disco, teníamos claras algunas cosas: musicalmente queríamos hacer algo concreto, que además también tiene que ver con la etapa de giras muy intensas que acabábamos de terminar. Hemos estado girando muchísimo después de sacar Deceiver, estuvimos de gira con Trivium, con Mastodon… hicimos una gira europea enorme tanto de festivales como de cabeza de cartel… 

Así que lo que queríamos era hacer un nuevo álbum que tuviera una buena pegada en directo, que eligiéramos la canción que eligiéramos, pudiéramos confiar en que iba a funcionar con la energía adecuada ¡que tuviera poder! Y algo que no queríamos era volver a excavar en nuestras tragedias personales, pues ya lo habíamos hecho profundamente antes. Así que para escribir las letras y encontrar la inspiración, seguimos un principio fundamental, que ha sido “grabar un álbum que, si lo hubiera hecho otra persona, a nosotros nos encantara”, un álbum que realmente no sorprendiera y tuviéramos ganas de escuchar.

Además, como el mundo entero actualmente, y muy especialmente nuestro país, EEUU, es un lugar tan aterrador y está tan roto, que todo parece que está en llamas… esta vez no quiero desarrollar un arte que me haga sentir aún peor, o que me pida una nueva reflexión sobre la muerte de seres queridos o las batallas que cada uno está luchando. Quería escribir sobre algo que transmita esperanza. Y por supuesto, como es metal, va a seguir siendo oscuro. Desde luego. No vamos a ponernos a tocar escalas mayores y hablar de la luz del sol y los cachorritos, no vamos a pasarnos a la positividad tóxica. Seguirá siendo oscuro, muy melódico y melancólico. Y será una historia totalmente ficticia, por primera vez en la historia del grupo nos basaremos en crear ficción. Porque antes siempre hemos hablado de nuestras vidas y hemos usado diferentes metáforas. Pero esta vez todo es ficción. Claro, todos sabemos que cuando alguien crea algo siempre pone una parte de sí mismo en la creación, y aunque deliberadamente hagamos ficción habrá algo dentro que tenga que ver con nuestro recorrido vital y nuestras luchas personales y estos temas… Pero el corazón del disco es una celebración: reconectar con el placer del Heavy Metal con mayúsculas. Musicalmente, estéticamente, espiritualmente… 

Y es que internamente estamos redescubriendo el placer de crear heavy metal, juntos, como amigos y como hermanos. De una forma muy integral. Lo estamos sintiendo como el cierre de un círculo. Ya no estamos en la etapa de fingir que tenemos veinticinco años… Yo no quiero volver a tener veinticinco años, tengo cuarenta y un años y con sus altos y sus bajos creo que me siento cómodo a nivel espiritual. Al menos casi todo el tiempo. No quiero volver a sentirme como me sentía cuando era más joven. Y sé que les ocurre también a mis compañeros. Y creo que esto nos ha hecho mejores como banda, a nivel creativo, profesionalmente, y también en el escenario. Y lo que queríamos era conjugar todo esto en un nuevo disco, donde la música suene salvadora, triunfal… que suene como algo que te de ganas de coger una buena cerveza fría, o en mi caso un Red Bull sin azúcar, y bailar y menear la cabeza y sentirte libre por un rato. Y este es el tipo de atmósfera que queríamos transmitir en este nuevo disco.

Ben, eso es muy interesante y desde luego coincido contigo en que necesitamos también un poco de esperanza y felicidad en estos tiempos oscuros.  Y me alegra mucho escuchar que te sientes bien contigo mismo, además después de los cuarenta. Todos los cuarentones que conozco, incluida yo misma, estamos pasando unas crisis de la mediana edad a nivel estratosférico… pero en tu caso es al revés, estás en un punto álgido y se te nota. 

Bueno, para ser justos, he sido músico profesional tanto tiempo que siempre ha parecido que estaba atravesando una crisis de la mediana edad (ríe). Ya sabes, he pasado tanto tiempo de mi vida en una furgoneta vieja viajando por el mundo, poniéndome camisetas de heavy metal sin mangas. Siempre he parecido el tipo de persona que tiene un Chevrolet El Camino sin ruedas aparcado en su jardín… simplemente es la imagen que doy y ya está (ríe). Pero el hecho de que haya dejado mi trabajo anterior, más formal, también es importante en cómo me siento ahora… Yo antes era profesor de sociología y lo dejé en gran parte porque no me hacía feliz y además iba a seguir estando arruinado por mucho que trabajase. Este es el sistema. Así que prefiero estar arruinado persiguiendo mis sueños, creando arte y compartiéndola con el mundo, que estar igual pero manteniéndome en un trabajo que me drena el alma cada día. Entonces en este punto de mi vida una mala crisis de la mediana edad sería cortarme el pelo y ponerme un traje y corbata para ir a trabajar (ríe). 

La verdad es que iba a preguntártelo más adelante, porque precisamente yo también soy profesora de sociología y doctora igual que tú. Entonces tenía aquí una pregunta muy importante ¿qué porcentaje de cordura perdiste escribiendo tu Tesis Doctoral?

Jajaja, yo diría que ¡el 100%! Me destrozó (ríe). Lo estaba hablando el otro día con otro académico amigo mío, Edward Banchs, que ha estudiado el Heavy Metal en África, estábamos hablando de los programas de doctorado… Y a veces han venido a hablar conmigo estudiantes de doctorado, me hablan en algún concierto o en mi canal de Twitch, y me preguntan “¿debería hacer este grado, o este otro?”… y yo les digo “No. No lo hagas. El trabajo para el que crees que te estás preparando ya no existe. Vas a estar trabajando en una facultad y a la vez en cinco escuelas diferentes, por un salario mínimo… y eso asumiendo que consigas pasar el programa sin desintegrarte literalmente. Así que no lo hagas. Simplemente no lo hagas. Haz cualquier otra cosa”. Y no es que ya no crea en la educación, no es así. Yo tuve una mala experiencia y creo que eso sería suficiente para dar este consejo, pero es que además conozco a tantísima gente está en la misma situación: mi mujer tiene el doctorado, Phil Pendergast tiene el doctorado… Y Phil salió mucho mejor de todo aquello que la mayoría de la gente que conozco y aún así el doctorado le cambió totalmente, y él te lo dirá, dependiendo de como le pilles te dará más o menos detalles, pero podemos coincidir en que es duro. 

Pero a la vez, creo que esto conecta con una apreciación por ese tipo de disfrute que… mira yo sé lo que es estar en un sistema institucional en el que te sientes tan desconectado de todos los demás e incluso de tí mismo que hasta pierdes la esperanza en la humanidad. Pierdes la fe en ti mismo. No es algo bueno. Pero la idea de escribir música con mis tres mejores amigos y poder compartirla con el mundo, eso reduce mucho el sufrimiento. Si puedes contribuir a la vida de alguien, darle alguna pequeña luz en su vida o una esperanza… Yo lo sé porque en momentos de mi vida he necesitado muchísimo eso. Siento mucha gratitud por la música que he escuchado y que me ha mantenido a flote en mis años más oscuros. Los conciertos a los que he ido cuando pensaba que ni siquiera iba a ser capaz de disfrutar de la música en directo. Recuerdo algo muy vívidamente: poco después de conseguir estar sobrio, yo venía de un estado de bloqueo mental muy grande, y fuí a un concierto; estaba totalmente sobrio y yo pensaba que la música ya nunca sería capaz de hacerme sentir nada estando sobrio. Yo tenía este miedo y se lo había comentado a mi terapeuta, había reflexionado sobre ello muchísimo y creo que también se lo había dicho incluso a Mike, un gran amigo y de hecho el vocalista de la banda que iba a ver. Estaba muy asustado, pero en el momento en que sonó la música, mi corazón se abrió y lo sentí “sí, sigue ahí”… cuando acabó, se me caía una lagrimita. Así que sí: la música seguía ahí, seguía teniendo el poder de hacerme sentir con cada fibra de mi cuerpo. 

Y esa es la misión que queríamos imponernos: intentar hacer algo que pudiera hacer eso por nosotros si lo escuchásemos, y si a lo mejor puede hacerle sentir eso a alguien más… es lo que queremos hacer. Todo nos ha llevado a este punto y es como el siguiente paso inevitable en nuestra carrera. 

Es un hermoso objetivo y parece ser todo un reto para componer. Por cierto, que tanto Phil como tú, ambos tocáis la guitarra y cantáis, por lo que me pregunto si os resulta fácil o difícil poneros de acuerdo entre los dos a la hora de componer y escribir las letras, de decidir quién hace cada parte.

La verdad es que ya estamos en un punto en que todo esto sucede de forma bastante intuitiva. En realidad, la única relación más cercana que tengo es con mi mujer o mi familia más inmediata. Khemmis es la relación más larga y duradera que he tenido con nadie más en toda mi vida. Nos conocemos muy bien. Ya tenemos la habilidad de traer una idea creativa y ver las posibilidades, distribuir las opciones sin tener que pensarlo demasiado. No es que haya tres opciones “a, b y c”, no hay un orden riguroso ni unas estadísticas en las que basarnos. Es más bien como entrar en un estado compartido de creatividad entre los cuatro, donde las ideas fluyen muy bien. También sabemos muy bien cuáles son nuestros puntos fuertes y débiles, quién toca o compone mejor determinadas partes de una canción… Por ejemplo todos saben que yo me voy a pasar tocando demasiadas notas mientras que Phil va a tocar tres o cuatro notas, pero al final entre los dos y nuestros otros dos compañeros, encontraremos el punto medio adecuado. Además tenemos influencias muy parecidas. Aunque cada uno tenga su estilo de componer o cantar, bebemos de fuentes comunes, tenemos una paleta de colores compartida en gran parte. 

Tampoco se trata de lo que quiere tocar una persona en concreto, sino de qué hace la mejor canción. Probaremos muchas ideas, si tenemos por ejemplo ideas diferentes para un riff, si yo lo quiero hacer de una manera y Phil de otra, y luego Dave y Zach cada uno tienen también sus ideas sobre cómo debería quedar, simplemente lo probamos todo y buscamos qué opción convence a todos más completamente, y si ninguna nos parece buena a todos, no tenemos problema en dejar atrás esas ideas y crear otra nueva. No nos colgamos tampoco del resultado final porque el trabajo creativo nos gusta mucho. Trabajar y tocar juntos es el verdadero objetivo. Sabemos que si lo hacemos así el resultado final será bueno. Nadie puede decir “vamos a componer la mejor canción de la historia” porque eso es imposible, no va a ocurrir haciéndolo así. Pero si decimos “vamos a hacer algo juntos de lo que estemos orgullosos y que suene a Khemmis, siendo a la vez diferente a lo que ya hemos hecho”, pues eso funciona. Ni siquiera buscamos ser mejores que en trabajos anteriores, solo hacer algo nuestro y nuevo. Si la gente piensa que lo nuevo mejora a lo anterior, ¡genial!, pero si a la gente resulta que le gustan más los primeros discos, ¡pues bien también! Tan solo el hecho de que a la gente le guste algo que hemos hecho ¡ya es genial! 

Viendo los nuevos singles estoy segura de que a todo el mundo le va a gustar el disco nuevo. Por cierto, que cuando hablamos de cantar, tú te encargas de la voz gutural, que siempre son mis favoritas en las bandas de metal, pero también sé que es difícil iniciarse en ellas, ¿Cómo empezaste a cantar guturales?

Empecé a cantar, a ver… como hace diecisiete o dieciocho años… ¡hace ya demasiado tiempo! Estaba en otra banda, en Memphis, Tennessee, donde yo nací y me crié. Era una banda que hacía algo así como sludge-death-doom y se llamaba Galaxicon, y teníamos la idea de que todos en la banda tenían que cantar. Yo nunca antes había cantado pero dije “genial, lo probaré”… Hace tanto tiempo que no había muchos recursos para aprender, ahora hay cursos de instagram o youtube por todas partes y cosas similares que te enseñan a cantar guturales o cualquier estilo incluso gratis… No había nada de eso entonces. Lo único parecido eran unos cursos que impartía una mujer maravillosa, cuyo nombre ¡ay!, no recuerdo bien. Esta mujer tenía sus DVD llamados algo así como “The scent of screaming” y había enseñado a mucha gente grande, como Randy Blythe o Matthew de Trivium… pero yo no los tenía. Entonces mi aprendizaje fue de ensayo y error. Por ejemplo, probaba algo y luego decía “oh, no debe ser así, porque ahora no podré hablar en tres días” (ríe)… En algún momento me dí cuenta de que lo mejor sería aprender los fundamentos del canto convencional, la respiración, la técnica… y ya luego añadir los guturales a ese aprendizaje, y por fin pude cantar. Pero la verdad es que he seguido basándome en la prueba y el error, y puedes verlo a lo largo de nuestros álbumes, en cada uno he mejorado y he aprendido algo nuevo. Y creo que en Deceiver fue la primera vez que al grabar mis partes me dije “sí, está bien hecho”… me había ocurrido en alguna canción de Desolation, pero allí aún veía que me faltaba aprender ciertas cosas. No le aconsejaría a la gente empezar como yo hice, yo les diría “primero aprende los fundamentos del canto y ya le añadirás la voz demoniaca”.

Eso es un buen consejo. Verás hablábamos sobre la inspiración del disco: ya me has comentado que en esta ocasión os basáis en la ficción. Además conserváis el arte de la portada con un estilo que siempre me recuerda a la literatura de fantasía clásica… tenéis portadas que recuerdan a Elric de Melniboné, a personajes de Robert E. Howard o incluso a Lovecraft…  aunque luego las letras no son concretas en ese sentido… Querría preguntarte: ¿hay un “lore de fantasía” en Khemmis? y también ¿Qué referentes literarios son tus favoritos?

Sí, totalmente, podrías escribir un libro tan largo como la biblia sobre el lore de Khemmis: sobre quienes son los personajes, su historia… pero nos gusta ser un poco ambiguos porque nos gusta oír las teorías de los fans. Estuvimos leyendo un hilo de Reddit en el que algunos fans hacían teorías sobre todo esto… se fijaban en los diferentes álbumes y su arte y eso ¡nos parece genial!. Si simplemente telegrafiamos cada detalle, no quedaría espacio a la interpretación, que es una parte esencial del arte. Preferimos que cada cual haga su interpretación, salvo que fuera algo horrible, fascista o nazi, ese sería nuestro único límite; todo lo demás nos parecerá muy bien. Incluso si no es nuestra historia, nos parece bien. Porque no es el tipo de mensaje que estamos dando. No es una guía exhaustiva de algo. A mí me recuerda un poco a la saga de videojuegos Dark Souls. Porque los videojuegos de Dark Souls son geniales en ese sentido. La gente tiene millones de teorías y eso me encanta. Además es totalmente voluntario, puedes jugar perfectamente a los juegos de una forma más superficial, sin fijarte en todo eso, y disfrutarlos mucho. Pero si prefieres fijarte en los detalles y crear tus teorías, tienes otro tipo de experiencia.

Y sobre nuestras referencias literarias, Phil y yo tenemos muchas influencias, por ejemplo a mí me encanta Stephen King, especialmente la serie de La torre oscura, es una de mis cosas favoritas de todo el mundo, la he leído mil veces… También me gusta la ciencia ficción un poco rara y oscura, desde luego Lovecraft y muchos otros, terror, fantasía… Thomas Ligotti… todas esas historias en las que nada es como parece a simple vista. Y justamente todos esos tienen en común que su modelo de contar historias es no dar todos los detalles desde el principio, tienen una parte de misterio e interpretación abstracta. Algo que te deja espacio para crear tus propios mundos en tu mente y eso me llama mucho la atención. 

Gracias, voy a hacerte la última pregunta, no quiero robarte mucho más tiempo. Dime, como músico que lleva mucho tiempo en el mundillo y además como sociólogo ¿crees que estamos viviendo buenos tiempos o malos tiempos para el metal?

Bien, pues siguiendo la tradición clásica de la sociología diré que “depende”. Claro, depende: hay muchas cosas buenas en la sociedad humana actual que benefician al heavy metal y a la creatividad. Por ejemplo la barrera para entrar en el mundo de la música es mucho más accesible que en el pasado y creo que eso es bueno. Me refiero a que ahora más gente puede hacer su propia música por sí mismo. Ahora es posible que simplemente si tienes una guitarra, un ordenador y un programa básico, puedas componer y editar tu propio disco con una calidad aceptable. Incluso hay recursos para que las personas puedan aprender a mezclar audio a un buen nivel sin necesidad de pagar equipos caros o ir a clases. Y puede sonar bien. Con esto no estoy diciendo lo típico de que “cualquiera puede hacerlo” porque eso es una gran mentira. Pero es cierto que hoy en día la música es más accesible que en el pasado. Pero hay personas que ni siquiera pueden acceder a esos recursos, tanto aquí en los EEUU como en otros lugares. Como comentaba antes sobre mi amigo Edward Banchs, que ha estudiado el Heavy Metal en África… se nos olvida que mucha gente aún no tiene acceso a muchas cosas. Aunque tú veas que por ochocientos dólares en EEUU puedes costearte todo lo necesario para grabar una maqueta, hay millones de personas que nunca tendrán ese dinero ni tampoco la posibilidad de comprar esas cosas donde ellos viven. Así que el acceso aún debería abrirse mucho más. Creo que hay gente con mucho que aportar a la música y nunca podremos conocerlos. La música metal sigue siendo en mucho sentido un mercado copado por hombres blancos occidentales y eso tiene que cambiar. Los varones blancos occidentales han sido los dueños del heavy metal durante demasiado tiempo, como de muchas otras cosas… Yo quiero oír cosas que vengan de colectivos diferentes: de un origen étnico distinto o bien metal hecho por mujeres, por personas queer, metal hecho en otros idiomas… quiero ver su aproximación a la música, a la estética, a las historias… Y eso es algo que no se ha conseguido aún plenamente.

Otra cosa un poco buena y un poco mala del metal actual es que, por el lado bueno, por fin hemos llegado a un punto en que las oportunidades de experimentar la música en directo son enormes. Hay muchos conciertos todo el tiempo, de un montón de bandas buenísimas… Pero por el lado malo, hay gente que no valora esto. Empezando por nosotros los estadounidenses, en nuestro país ya no se valoran las artes, no hay ningún tipo de ayuda para las artes… entonces es todo una competición y un trabajo duro al borde de la ruina, lleno de problemas. Y algunos se enriquecen con el trabajo de los artistas, pero sin darles ninguna ayuda. Entonces me gustaría transmitir el mensaje de que los fans del metal deberían también actuar, por un lado abriendo su mente a grupos nuevos, de diferentes contextos, y también apoyando a aquellas bandas que les hagan sentir algo. Que les apoyen de la manera que sea: escuchando, comprando, yendo a conciertos… Y sobre todo que no den por sentado que siempre vamos a poder ver música en directo. Fíjate con la pandemia, parecía que todos los músicos nos iríamos a pique porque era imposible hacer un concierto, pueden pasar muchas cosas. 

Entonces estamos en un momento fantástico pero frágil en el heavy metal. No lo demos por sentado y apoyemos a los artistas. Comprar una camiseta, un disco o una entrada marca una enorme diferencia hoy en día, cada aportación cuenta muchísimo. Creo que además esto nos conecta de una mayor manera con la música, porque participamos de ella. Tenemos al alcance de la mano tremendas bibliotecas musicales con toda la producción de la historia de la humanidad y lo damos por hecho sin valorarlo. Creo que todo el mundo debería desinstalarse el Spotify porque hace mucho daño a la industria y también a los aficionados… Creo que es más intenso y valioso cuando vamos creando nuestra propia biblioteca, cuando conectamos con las bandas que realmente nos emocionan y les damos nuestro apoyo de persona a persona.

¡Que le den a Spotify!

¡Al 100%!

Muchísimas gracias por tu tiempo.

Gracias a ti, estoy deseando que vayamos a España muy pronto.

Se acerca un estallido en la noche en Buenos Aires porque Tronador está de regreso. Tras años de ausencia, la legendaria banda de los 80s vuelve al ruedo y brindará un concierto en Gier el próximo 30 de mayo.

Las novedades no terminan allí porque esta presentación en vivo estará acompañada por la reedicion de su clásico álbum, “Estallido en la Noche”, por vez primera en formato CD, totalmente remasterizado y con canciones extras.

Tronador fue una banda fundada en 1987 que, tras el fallecimiento de su guitarrista y fundador, el recordado Sergio Espina, deciden seguir adelante y consiguen grabar en 1991 su primera producción. “Estallido en la Noche”, editado en formato cassette, fue plasmado por la formación de Jorge Martinez en voces, Lucas Wagner en batería, Claudio “El Tano” Marciello en guitarras y Sergio Gonzalez en bajo.

Hoy, con el Vikingo y Lucas al frente, ambos miembros originales, la banda está de vuelta para rememorar aquellas canciones pero también para mirar hacia el futuro.

Por este motivo desde Track To Hell nos pusimos en contacto con Jorge “El Vikingo” Martinez para adentrarnos en los pormenores de este regreso. Y a su vez, también nos contactamos con Mariano Mazzei del sello 2M, responsables de la reedición del disco. Ambos nos brindaron detalles de este regreso.

Jorge, ¿cómo estás? Este regreso tiene dos aristas… por un lado el relanzamiento del disco “Estallido en la Noche”, pero por otro presentarse en vivo.

Sí, exacto. Tiene dos aristas, pero una va de la mano con la otra sin querer. No fue el cometido, no fue el propósito. Es decir, primero hubo unas cuestiones de avanzada, de relanzamiento de gente que le interesaba el disco y después charlas con el baterista (Lucas Wagner). Dijimos ¿cómo andas para cantar las canciones, todavía llegas a las notas?; ¿y a vos todavía te dan las patas para tocar? Una charla de amigos. Y bueno, fue así como empezamos a joder con eso y vimos que la bancábamos, que rendíamos. Que yo podía cantar esas canciones como hace treinta y pico de años y él está también impecable tocando como siempre. Entonces dijimos bueno, capaz que es ahora que nos tenemos que juntar. Y así fue. No fue a propósito, sino que la charla del disco trajo aparejado esto y bueno, acá estamos.

¿Cómo se conforma la banda actualmente?

Está Lucas Wagner en la batería. Marcela Maíz en bajo, Ramiro Mendoza en guitarra y bueno, yo en canto y guitarra también. Ahora llevo unas partes importantes en guitarra, así que estamos con esa formación.

Ya son 35 años de Estallido en la Noche.

Sí, sí, 35 años, ¿viste? El otro día justamente eso fue lo que estaba hablando con Lucas y dijimos che, 35 años del disco, es increíble. Y todas las cosas que pasaron en esos 35 años ¿no? Y eso hace también que capaz que tengamos ganas, porque al principio fue así. A ver cómo suenan estas canciones ahora en 2026, con el sonido moderno que hay ahora que es demoledor. Y dijimos bueno, vamos a viajar en ese túnel del tiempo, pero trayéndolo al presente. Y ahí vamos con Estallido en la Noche, porque las canciones suenan bien y porque ni imaginábamos que ya habían pasado 35 años. Esa es la verdad, impresionante.

¿Qué recordás de la grabación del disco?

Muchas cosas. Primero porque grabamos en uno de los mejores estudios del país, que aún hoy lo sigue siendo. Además, es un estudio histórico donde todo el rock nacional grabó ahí. Nosotros no imaginábamos esas cosas. Grabamos en Estudios Panda, un nivel profesional increíble, con un sonido increíble con prestaciones del lugar tremendas. El ingeniero de sonido, El Pájaro Randazzo, un tipo genial que es uno de los mejores del país, pero lejos, eh, y que trabajó, entre otros, con Valeria Lynch, Baglietto, Vitale, Mariano Mores. Bueno, es impresionante con la cantidad de gente que trabajó. Hoy en día está trabajando con Miguel Mateos. También grabó el disco debut de Logos. Porque nosotros lo invitamos a Beto Zamarbide a meter coros en una canción y Beto vio lo que el tipo hizo sonar la banda y entonces Beto después lo convoca para su disco de Logos. Y después quedó una amistad tremenda con el pájaro a través de los años, es un tipazo. Y hoy es uno de los número uno del país también.

Justo te iba a preguntar cómo se había dado esa colaboración con el Beto.

Claro, yo le dije Beto la famosa frase por aquellos años, hay que contextualizar, que hay una generación que no te conoce en vivo, no te conoce en el escenario. Tiene el recuerdo tuyo de V8, pero no en el escenario. Así que lo invité a cantar y después lo invité a un par de shows a cantar en vivo y eso es como que a Beto lo motivó, lo inspiró para volver después con lo que sería Logos. En esa época él andaba mucho de luthier. Es un gran luthier Beto y estaba con Horacio “Tucata” Suárez, que fue guitarrista de El Reloj, que Dios lo tenga en la gloria. Un gran luthier, de los mejores que hubo en el país. Bueno, Beto trabajó mucho con él y aprendió mucho de él. Entonces, en esas mateadas que nos mandamos a la tarde en el taller de Tucata, que él estaba ahí laburando y aprendiendo, de ahí vino “che, loco, venía a grabar, te tienen que conocer las nuevas generaciones” y después lo invitamos a cantar en vivo. Creo que hicimos un show en Obras por esa época, no recuerdo, y lo invitamos a Beto a cantar. Es decir, la amistad con Beto viene décadas y fue así como pasó.

¿Cómo fue la edición del disco en su momento?

Con la edición de hubo problemas porque en ese momento las cosas se masterizaban en cinta y se pasaban algo que se llamaba DAT. Y el DAT en definitiva es una cinta de fierro, de ferrum, que es tremenda. ¿Pero qué pasa? Cuando después de ahí lo van a masterizar a cassete o a disco o lo que sea, los técnicos que en ese momento hacían el pasaje del DAT a la cinta, ya sea en cassete o en disco, no estaban cancheros, entonces quedaba más rápido o más despacio, nunca la velocidad original. Y recordamos que decíamos loco, yo no canto así, mi voz parece una ardillita y yo no toco así. Pero ya no podías reclamarle a nadie. Una vez que eso estaba fabricado, impreso y y a punto de salir a la calle, no había forma de que lo arreglaran, así que quedó más rápido el disco. Quedó mucho más rápido, pero bueno, eso es con la tecnología se pudo corregir.

¿Cómo fue el proceso de remasterización? ¿Cómo lo trajeron hoy al sonido actual?

Claro, si bien el DAT es como te dije, es una cosa que ya está obsoleta para lo que es la tecnología de hoy, si vos lo cuidas y lo conservas bien, tiene una resistencia muy buena. El DAT llegó intacto, impecable a los días de hoy. Casi no se usó. Eso lo tenía guardado bajo siete llaves el baterista Lucas. Entonces fuimos a la casa de uno de los pocos que digitalizan en el país, que es un crack, Wilkie Amieva, es un fenómeno. Él digitalizó todo de lo que es el DAT al sistema digital. Y lo hizo fiel, con un sonido tremendo. Porque también se puede perder información si la persona no está ducha en hacer eso. El tipo sacó un sonido tremendo y después de ahí lo llevamos a mi amigo personal, Julián Bonino, que es uno de los pocos que hace Dolby Atmos en el país y lo separó canal por canal y lo masterizó y lo recontra remasterizó. Y no se puede creer como suena. Además, eso está pasado por sistema Atmos, que es un sistema de sonido envolvente. Es un sonido a 360° para que se entienda. Y es lo que se viene. Julián trabaja con bandas como Paradise Lost, Tarja, trabaja con muchas bandas de metal qué es lo que le gusta. Trabaja con un montón de estilos musicales, pero lo que le gusta es el metal. Y la amistad con él nació de una manera increíble. Él era fanático de la banda y en uno de los shows era muy chico él. Cuando nos reencontramos de vuelta me decía “yo pogueaba, yo saltaba y tengo un recuerdo del primer show que los vi, que fue en Remember, en la calle Corrientes, y guardo una púa de metal”. El Tano Marciello en ese momento se hacía las púas con monedas, las gastaba en el asfalto, en el cordón de la vereda y usaba esas púas y se la regaló. Y bueno, tiene esos recuerdos, esas anécdotas que hoy en día aquel pibito de 15 años es un todo un profesional, ¿no? El otro día fui a visitar a sus oficinas y es tremendo las cosas que hace. Y me dice loco, soy fanático de la banda y yo esto lo voy a hacer sonar, pero como nadie. Y no se puede creer lo que suena.

Me encantó que el arte de tapa es nuevo, pero respeta el original y ahora se luce mucho más, ¿no?

Sí, sí, totalmente. Mariano de 2M que es un fenómeno… -bueno, la verdad que todos ahí en 2M son gente macanuda y super profesionales- supo captar bien la idea. Junto con el diseñador de 2M captaron bien la idea y respetaron aquel espíritu. Entonces lleva la misma esencia, pero con la tecnología de hoy. O sea, es tremendo el arte de tapa que se mandaron. A mi humilde forma de ver, es una cosa muy cuidada, muy detallista. Está buenísimo.

Coincido, me encantó. ¿Y qué nos puedes contar del show en Gier? ¿Con qué nos vamos a encontrar?

Bueno, el show va a ser el 30 de mayo, ahí como bien dijiste en Gier y te vas a encontrar con que vamos a tocar todo el disco más especies de bonus track -que algunos aparecen en la reedición del CD- de canciones de aquella época que no fueron grabadas. Y prácticamente hoy van a ser primicias porque fueron tocadas en aquella época y nunca grabadas. Entonces vamos a tocar esas canciones compuestas de aquella época con el disco, más algún un cover, sorpresa por supuesto, Y tenemos unos invitados, pero tremendos, de lujo, que creo que no corresponde decirlo. Pero lo que sí puedo garantizar es que van a ver unos invitados que son parte de la historia del rock y metal arriba del escenario. Van a ver eso. Y hay tres bandas amigas que van a tocar ese día que son Brakas, Bansheera e Irizar Killers.

¿Y cuáles serían los pasos a seguir o los planes de la banda para el futuro?

Bueno, mira, en principio, tocar bien el 30. Y ya tenemos fechas cerradas para después del Mundial. Esperamos que pase el Mundial y que todo el mundo va a estar como pendiente de eso, y tocar. La idea cuando nos juntamos, dijimos que haya trueno para rato, si no, no tiene sentido. Y sobre todo las cosas, algo que es más importante que cualquier otra cosa, es pasarla bien. A veces también en este tiempo, con las ansiedades y todo, uno pierde de vista eso de pasarla bien, ¿no? Y se desespera y trata de buscarle el pelo al huevo y qué sé yo. Y la verdad que hace ya un tiempito, unas cuantas semanas, que decidí bajar 200 cambios y decir bueno, vamos a disfrutar de esto, porque si no, si uno no disfruta lo que va haciendo, ¿para qué sirve tocar? Entonces la idea es disfrutar e ir fluyendo. Seguramente grabaremos un disco nuevo. Como proyectos hay un montón y como realidad es esta fecha y hay unas cuantas fechas cerradas para después del Mundial.

Mariano, este fue un año bastante movido para 2M en materia de lanzamientos porque tuvo, entre otras cosas, el último disco de Megadeth. ¿Cómo fue esa experiencia?

Este año venimos con una agenda tremenda de lanzamientos. Ya arrancar el año con el lanzamiento del nuevo álbum de Megadeth, fue increíble. Fue una experiencia maravillosa, desde el comienzo de la negociación por la licencia, hasta el momento del lanzamiento. Mucho trabajo, muchas ideas, ¡realmente Megadeth es una banda gigante! Además de Megadeth, tuvimos otros lanzamientos importantes este año: Amorphis, Danko Jones, Mr. Big, Crazy Lixx, los 2 títulos de Udo Dirkschneider y se vienen muchos lanzamientos más.

¿Cómo se da lo de Tronador?

Nos contactó Jorge Vikingo Martinez, y nos contó su idea sobre la reedición del album de Tronador, un disco que está cumpliendo ¡35 años! Un pedazo de la historia del metal argentino. Nos pareció muy buena su propuesta y a ellos también les pareció bien nuestra propuesta sobre la reedición. Así que hubo algunas reuniones para charlar sobre el proceso y ahí arrancamos.

¿Cómo fue el proceso de remasterización?

Por suerte, Lucas (Wagner) tenía el Dat con toda la sesión de grabación del disco, así que se pudo trabajar sin problemas en un estudio, se van a sorprender con lo que suena esta edición.

El arte del disco también es totalmente nuevo.

El arte es completamente nuevo, obviamente antes se trabajaba con lo que había y si podía, pero se tomó el concepto original del arte y se actualizó, ahora hay muchas herramientas para mejorar y crear.

¿Querés comentarnos sobre los extras que incluye el disco?

Los 3 Bonus Track que trae esta edición, que fueron idea de Lucas y Jorge, dijeron que tenían algunas grabaciones más que no habían sido incluidas en el Cassette y que querían que salgan a la luz. Es lo más lindo que tienen las reediciones, poder contar con material que no se conocía de la banda.

¿Qué más podemos esperar de 2M para lo que queda del año?

Arrancamos con todo el 2026 y así vamos a seguir el resto del año. Se vienen las reediciones de Kamikaze, 3 y Víctima del Rock en Cd, Cassette y Vinilo. Nuevo album de Deep Purple, nuevo album de Tarja, también vamos a editar el álbum de DarloTodo y algunas otras producciones más que que ya hemos anunciado en nuestras redes.