Mentiría si no señalara que he conocido a Hortzak debido a las estupendas películas del director Paul Urkijo, vocalista del proyecto. Pero Hortzak esconde eso y mucho más: el virtuosismo de unos músicos consagrados en la escena vasca (David Zabala, Asier Gabiola y Mike Cuesta, son sus compañeros), letras críticas y monstruosas, y un poco de esa referencialidad friki que tanto me gusta.

Sus dos álbumes de estudio son pequeñas joyas para disfrutar, sobre todo en formato físico ya que las portadas y arte interior son realmente impactantes. 

Y además podremos verles por primerísima vez en directo, este próximo mes de mayo de 2026, el día 10 en Vitoria, el 23 en Larratxo, Donostia (con Anestesia y Kudai) y el 30 de mayo en Lekeitio.

Sobre todo esto, hemos charlado con Paul Urkijo.

Buenos días, Paul, gracias por concederme esta entrevista. Hablamos de “Ez dut pozik egon nahi”, el nuevo álbum de tu banda, Hortzak. Es un trabajo excelente y en él me quiero centrar, pero desde luego no puedo obviar tu faceta como cineasta. Es muy probable que muchas personas te conozcan principalmente por éxitos como “Irati” o “Gaua”. Es casi obligatorio que te pregunte al menos ¿Cómo combinas estas dos vertientes artísticas? ¿Existen sinergias positivas entre ellas? 

Bueno, uno es mi oficio (el cine) y el otro es un proyecto que surge entre amigos. En plena pandemia del Covid, David Zabala, que es amigo de hace muchos años y guitarra de Hortzak, me dijo que estaba componiendo temas con Asier Gabiola (batería). Me propuso cantar porque sabía que me gustaba berrear… así que con ciertas dudas me puse a escribir las letras de las canciones. Hortzak surgió sin ningún tipo de pretensión. Solo para divertirnos y desahogarnos. Pero de alguna manera, al escribir las letras termino contando historias al igual que en las pelis. Supongo que las dos (las pelis y la música) son una forma expresión o de catarsis.

Tu nuevo trabajo musical es efectivamente “Ez dut pozik egon nahi” (“No quiero ser feliz”), un título que es toda una declaración de intenciones en una sociedad de consumo salvaje y artificial, que esconde muchos trapos sucios. Esto se refuerza en todo el álbum, especialmente en la canción del mismo nombre. Por favor, háblame un poco del proceso creativo de este álbum y de su mensaje principal.

Efectivamente es un grito de rabia y es un desahogo ante lo feo que estamos dejando el mundo y de la impotencia y la hipocresía en la que vivimos… Y básicamente el proceso creativo ha sido así: David y Asier hacen los temas y me los pasan para que les ponga letras. Y, en este último disco, Mike Cuesta se unió a la banda con el bajo. En el caso de las letras, se me van ocurriendo temas de los que me gusta hablar. En general son historias fantásticas, monstruosas o mitológicas, mezcladas con temas de mala ostia y violencia.

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Hortzak es una banda que defiende su música en euskera, en un género que, aunque sigue teniendo como idioma mayoritario el inglés, sí que se presta a la diversidad. Cada vez nos llegan más bandas cuya lengua y señas de identidad están muy arraigadas a sus lugares de origen, sean Noruega, Islandia, Mongolia o Brasil. Entonces: ¿Cómo es tocar metal en euskera? ¿Crees tú también que el metal se presta a la diversidad simbólica y lingüística?

Yo siempre he escuchado música en euskera. Y aquí siempre ha habido una escena muy potente de Metal, Hard Core, Black metal… con gente como Su Ta Gar, Anestesia, Numen, Berri Txarrak… Hay un montón de bandas y estilos muy diversos. Y para nosotros es normal porque hemos crecido con ello. Pero siempre hay un factor de reivindicar nuestra cultura e idioma. Y también de ser críticos con nuestro propio entorno.

Yo todavía no soy capaz de hablar euskera, pero sí he podido reconocer enseguida algunos insertos en el álbum, como el profeta loco de “La vida de Brian” que abre el álbum y más tarde la buena noticia de que volvemos a tener carne en el menú de “Las dos torres”, que le dan un toque de humor algo friki a un álbum que por lo demás trata temas serios y oscuros. ¿Puedes hablarme de estas referencias? 

¡Jajaja! Sí, es bastante Freak. Pero es lo que somos. Nos gusta meter esa clase de audios. Como lo han hecho muchas bandas antes de nosotros. La intro es del gran Terry Gilliam de profeta desquiciado, con el cual nos identificamos en su tono apocalíptico y absurdo. Y el audio de los Uruk Hai gritando eso de que hay carne de orco, siempre nos ha hecho mucha gracia (para mí una de las mejores escenas de LOTR) y nos venía genial para la canción “Antropofagia” que habla de la gente rica comiéndose a gente pobre porque la brutalidad del mercado libre lo ampara. Además, la primera canción “Horda Beltza” es un homenaje a los Orcos en general, que son los mejores, aunque siempre mueran.

También he visto de casualidad que, como yo, sigues entre otros a Raised By Owls, una banda a la que tengo mucho cariño pese a no ser nada conocidos en España, y que aportan grandes cantidades de humor a su música. Así que, siguiendo también el hilo de la pregunta anterior: ¿Qué papel tiene el humor en el metal, en tu opinión?

Pues siempre está presente porque nos lo queremos pasar bien y no nos tomamos demasiado en serio a nosotros mismo, en la vida en general. Pero también porque entre los miembros del grupo y colegas cercanos, el humor negro es una de las formas en las que mejor expresamos nuestras frustraciones. 

Como decía, los temas tratados en el álbum son profundos, serios y relevantes: encontramos violencia, avaricia, la impunidad de los poderosos… junto a la imaginería mitológica y religiosa y siempre con una fuerte perspectiva existencialista. ¿Cuáles son vuestras fuentes de inspiración? ¿Cómo de importante es la crítica social para Hortzak?

Pues lo que comentaba. Son tema que me molan, y la verdad es que no sé hacer nada sin cierta crítica o reflexión social. Y creo que mis compañeros piensan igual. Mis pelis también lo tienen de alguna manera. Creo que la rabia y el desahogo con la que vibra la potencia de las canciones precisamente viene de exponer el mundo en el que vivimos. Y la mitología siempre esta lleno de personajes y símbolos que ayudan a hablar de ello, pero desde una perspectiva monstruosa.

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Sois una banda relativamente joven, fundada en 2020 si no me equivoco, y siendo este vuestro segundo álbum de estudio. Parece que os estáis consolidando rápidamente como banda y en cuanto a sonido. ¿Puedes hablarnos un poco de los inicios de Hortzak y de la etapa que está viviendo la banda ahora mismo?

Como te he comentado antes, el comienzo fue algo improvisado. “Zabala” y “Asi” tenían los temas del primer disco y luego metí yo la voz. Luego como no se saben estar quietos pues se cascaron en muy poco tiempo otros doce temas. Y yo, no sé cómo, entre peli y peli saco el tiempo para escribir las letras… Ahora con Mikel y el segundo disco nos hemos propuesto hacer algún bolo. Aunque Zabala ya me dijo ayer que ya tiene un tema nuevo… no sabe parar el chaval, jajaja.

El nuevo álbum acaba de caer en mis manos hace pocos días y ya lo estoy quemando a base de darle vueltas en mi reproductor de CD. ¿Tendremos la oportunidad de disfrutarlo también en directo este año 2026?

Pues nos vamos a desvirgar en directo, porque tenemos algunos conciertos programados ahora en mayo por la zona de País Vasco. El 10 en Vitoria, el 23 en Donostia y el 30 en Lekeitio. Y habrá alguno más si sobrevivimos a estos. 

Y ya para terminar: ¿Dónde te gustaría ver a Hortzak dentro de otros 6 años?

Pues siempre decimos que Hortzak es para disfrutar y sin pretensiones. Sin ningún tipo de compromiso. Así que espero que sigamos sacando temas porque significará que seguimos disfrutando de hacer ruido.

Mila esker, muchas gracias por tu tiempo y enhorabuena por el buen trabajo.

Ya queda muy poco para la visita de The Rumjacks a España este mayo y, por ese motivo, hemos podido charlar con Johnny McKelvey, bajista y miembro fundador de la banda. Es una persona encantadora y está entusiasmado por volver a visitar nuestro país, donde el grupo siempre es muy bien acogido. Por mi parte, yo tengo muchas ganas de ver en directo tanto sus grandes éxitos como algunas de las nuevas canciones de su último disco, Dead Anthems (2025), además, el veinte aniversario de la banda se está acercando y Johnny nos revela algunos de sus planes para celebrarlo.

Hola, muchas gracias por concederme esta entrevista y dedicarme unos minutos. Sé que no tenéis mucho tiempo libre. Sois conocidos por ser una de las bandas que más gira del mundo. ¿Cómo lográis mantener esa energía constante a lo largo de los años?

Hola, muchas gracias a vosotros. La respuesta corta sería “por el público”. Porque no importa lo muy agotador y cansado que resulta estar de gira, viajar, trabajar de noche… todo eso es trabajo duro pero también es muy divertido y nos encanta absolutamente, por eso lo hacemos. Así que puedes estar cansado y desgastado, puedes estar incluso totalmente agotado ese día, pero en el momento en que subes al escenario y ves a los fans ¡todo eso desaparece! Así que hay otros momentos para sentirse cansado, pero cuando estás con la gente, ellos te dan su energía y borran todo el agotamiento ¡y por eso seguimos haciéndolo! Es la parte más bonita, dentro de todo lo que implica este trabajo.

Dentro de muy poco os veremos en directo en España. Sois una banda muy querida aquí, nos habéis visitado ya en muchas ocasiones, cada vez en salas más grandes. ¿A qué creéis que se debe vuestra conexión con el público español?

¿Pues, sabes qué es? De nuevo, es por la gente, los fans y las personas para las que tocas. Y, por muchas razones, creo que a los españoles les gusta pasarlo bien, les gusta la fiesta, aman la vida. Cada vez que hemos venido de gira por aquí, por las muchas regiones de España, todo el mundo es muy acogedor, las actuaciones resultan divertidas, todos están dispuestos a pasar un buen rato. Por eso se nos hace muy difícil decir que no a volver a España, tenemos siempre una acogida espectacular y nosotros lo disfrutamos mucho también. Es un país muy bonito y sentimos que somos muy afortunados de poder volver y actuar para gente que realmente tiene ganas de estar allí con nosotros. Puedes verlo, que todo el mundo está allí por el mismo motivo, que es disfrutar de la música. Me encanta.

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Por cierto, ¿Cómo habéis escogido a los teloneros que os acompañarán por nuestro país? Es curioso que en cada ciudad serán bandas diferentes y muy variadas.

Es una buena pregunta. La verdad es que nos gusta tocar tanto con bandas que hacen lo mismo que nosotros, que son del mismo género, y es como la elección más obvia lo de tocar con bandas similares… pero también nos gusta mucho la variedad. A mí, particularmente me gusta asistir a conciertos con alineaciones mixtas y variadas: es enriquecedor, porque aporta más cosas. Una noche con música que suena similar también tiene sus dificultades, porque el concierto puede durar cinco o seis horas. Por eso también pienso que el público encuentra refrescante que haya variedad. También si acuden a diferentes fechas a lo largo de una gira. Está bien cuando el público a lo mejor ni siquiera conoce a las bandas con las que tocamos ¡o que no nos conocen a nosotros!, creo que es algo positivo porque podemos complementarnos unos a otros. Todo aporta algo, y en esta ocasión vamos a tocar junto con varias bandas diversas y estamos contentos con ello.

Quería preguntarte también por el último disco “Dead Anthems” y la etapa actual del grupo. Además ya lleváis más de cinco años con Mike como vocalista y ya estáis plenamente consolidados con él. Así que ¿cómo son The Rumjacks en la era actual de la banda?

Es genial, creo que todavía estamos en la cresta de la ola respecto a la incorporación de Mike. Creo que esta ha sido la mejor decisión que hemos tomado como banda. Lo estamos disfrutando mucho, pero también estamos trabajando mucho, ya sabes que estamos mucho de gira, y “Dead Anthems” todavía suena a nuevo, tiene apenas un año de vida y eso es bastante joven para un disco. Así que nos estamos centrando en mantener al máximo esa energía y estar de gira y seguir adelante. Y uno de nuestros objetivos está siendo volver a visitar algunos lugares que no habíamos visitado aún, o no tanto, o hacía mucho que no volvíamos. Hemos tomado conscientemente la decisión de volver a ver a los fans que más han estado esperándonos. La verdad es que estamos muy contentos e ilusionados con esto, nos encanta estar de gira otra vez. 

Y además también hemos estado componiendo. Vamos a volver al estudio dentro de un mes o así y es posible que hagamos un lanzamiento pequeño, como un EP o algo similar. No es seguro, pero ya tenemos bastantes canciones. Así que ya ves: estamos de gira, componiendo… muy contentos porque las cosas se mueven adelante. Y a la vez, mientras hacemos todo esto, también estamos tratando de recordar que en 2028 será nuestro veinte aniversario, así que habrá de nuevo mucho que hacer y que girar. Tenemos por delante unos años muy ilusionantes.

¡Nunca paráis!

Nunca.

He estado mirando vuestros setlist y veo que estáis abriendo vuestros últimos conciertos con “Come Hell or High Waters”, que es una canción que personalmente me encanta, tanto por su música como por su mensaje sobre migración y resiliencia, que creo que es muy necesario. En un mundo que cada vez parece más salvajemente racista y xenófobo, ¿Qué acogida está teniendo esta canción?

Muchas gracias por decir eso. La verdad es que también es de mis canciones favoritas del nuevo disco. Personalmente estoy muy contento de abrir con ella porque disfruto mucho de esa canción. Así que, sí, es cierto que hemos estado abriendo con ella en la gira y está siendo muy bien recibida. Pero siempre decimos, con nuestra propia música, que cada uno puede escucharla a su manera. Puede ser la canción entera, las letras o la música. Hay quien disfruta la melodía sin tener mucho en cuenta la letra y eso también está bien. Si lo que te gusta es solamente la música, estamos felices de formar parte de ello, del disfrute de alguien a través de la música. Y verás, tienes razón en que hay mucha gente con la mente muy estrecha y con visiones muy tontas sobre el resto del mundo, las culturas, las migraciones… Es un tema muy potente en este momento y hay muchas ideas estúpidas al respecto a su alrededor. 

Creo que hay gente que simplemente es inculta al respecto, y nosotros no estamos aquí para dar lecciones a nadie, de ningún modo. Como he dicho, cada cual puede interpretar nuestras canciones como lo desee, siempre que sea desde una perspectiva positiva y productiva: si le aportamos algo a la gente, estamos contentos. Pero me he dado cuenta de que mucha gente olvida quienes somos. Yo provengo de una familia de ascendencia irlandesa y, aunque no sea la típica cara que la prensa señala para hablar de migración, también podría serlo. La prensa a menudo trata de señalar bando y poner rostros a los que etiquetar y decir “estos son los buenos”, “estos son los malos”. Y la verdad es que mis padres vinieron de Irlanda del Norte para buscar una vida mejor en Australia. Para criarnos con seguridad. No entiendo que se pueda cuestionar algo tan profundamente humano. La naturaleza humana siempre va a buscar un lugar seguro para vivir y para criar a su familia. Pero hay gente que tiene los conceptos muy mezclados y los medios también contribuyen a eso. Se nos olvida que no hay una cara, un aspecto ni un idioma de la gente que merece más de la vida. Hay confusión, pero no por ello lo justifico. Y la cara de la migración bien puede ser una familia irlandesa que se marcha al otro lado del mundo, o puede ser alguien que huye de la guerra en su país de origen. Tampoco hay un bando de la gente que quiere que su vida mejore, porque somos todos. Y esta canción habla de este concepto. De personas que podrían ser cualquiera y sólo quieren ver crecer a su familia con seguridad y vivir una vida feliz y próspera. Esa búsqueda es universal y eso es lo que se nos olvida. Todos queremos lo mismo, no es algo propio de una cultura, una religión o un aspecto físico. Es un derecho humano universal. 

Entonces, sería genial si esta canción hace pensar un poco a la gente. Si ven cómo hay irlandeses en todas partes, si ven que han viajado a todos los rincones del mundo… verán que todo el mundo lo ha hecho y todo el mundo debería sentir que tiene ese derecho, provenga de donde provenga. 

Es una canción preciosa. También me ocurre con la canción “Eye for an eye”, que me ha dejado sobrecogida. Entiendo que hace referencia a la historia de Irlanda, pero a la vez es muy actual y podría aplicarse al planeta Tierra en general. 

Sí, efectivamente, está basada en la historia de Irlanda y el conflicto entre protestantes y católicos, pero también tiene un mensaje universal, acerca de que las generaciones precedentes nos marcan un camino y ¿tú qué vas a hacer?, ¿vas a seguir ese camino marcado, o vas a hacer algo para cambiarlo?. Tú no eres tu padre ni tu abuelo. Eres una persona con tus propias ideas y objetivos. Tienes una educación. Está en tu mano cambiar. Así que creo que has dado en el clavo, porque es una canción universal, aunque tenga una base en Irlanda, podría extrapolarse a cualquier lugar del mundo. Es una situación que se repite en todas partes. Pasar la antorcha pero en el mal sentido. Recorrer el camino sobre las huellas de tus padres. Todos somos parte de nuestra historia y de nuestra familia, pero podemos cambiar las cosas. 

Por cierto que viene acompañada por un videoclip espectacular, en el que sale mucha gente, todos vosotros actuáis, es muy cinematográfico… ¿Fue difícil rodar algo así?

Sí, fue algo difícil, jajaja. ¿Sabes?, para nosotros es fácil subir al escenario, nos sentimos cómodos incluso delante de miles de personas. Pero nos pones delante de una sola cámara y eso nos pone mucho más nerviosos. ¡Preferimos el escenario! Y si además tenemos que actuar, es todo un reto. Igualmente lo pasamos muy bien, y el equipo de personas con el que estuvimos trabajando nos ayudó mucho. No recuerdo ahora el lugar de Inglaterra donde grabamos, pero fue muy divertido, pasamos el día en la ciudad buscando localizaciones y nos metimos en algunas situaciones curiosas al grabar en la calle. Mucha gente nos miraba al pasar, a ver qué hacíamos. Pero al final ha quedado muy bien. Es una canción muy bonita y un poco diferente a las demás, así que estoy muy contento de que hayamos podido sacar este vídeo, para complementarla, como hemos hecho con algunas de las otras canciones.

También me han llamado mucho la atención los videoclips de dibujos animados que habéis hecho con Ben Satchel para “Scandal” y “Cold like this”. ¿Cómo surgió la idea de trabajar con él?

Pues la verdad es que vimos otro videoclip hecho por él para unos amigos, Buster Shuffle, una banda muy interesante de Reino Unido. En fin, su vídeo salió muy bien y creo que fue Mike quien les envió un mensaje para preguntarles: “¿quién os hizo ese videoclip? es genial”. Y además es que nosotros vivimos cada uno en un sitio, cada miembro de la banda está muy lejos de los otros, así que es difícil juntarnos todos, salvo en las giras, y siempre estamos buscando ideas para hacer estas cosas, como los videoclips. Además es una forma de variar, y que no sea siempre la misma imagen de nosotros tocando en una habitación. Así que se juntó todo, porque es una forma de sacar un tipo de videoclip diferente, algo que no hacemos normalmente, y que nos facilita el no tener que volar los seis a algún lugar intermedio para grabar el vídeo. Un vídeo diferente y que no nos obliga a estar en el mismo país, y parece que han quedado bien. 

Yo creo que son muy originales y muy representativos de lo que sois The Rumjacks.

Sí. Yo también creo que el animador hizo un gran trabajo. Y todos hemos disfrutado mucho viendo el resultado final, ya que es la primera vez que trabajamos con este animador y hemos quedado satisfechos. 

Muchas gracias, Johnny, estamos deseando veros por España a mediados de mayo ¿hay algún mensaje que quieras mandar a tus fans españoles?

Desde luego: muchas gracias a todos por apoyar a The Rumjacks. Os queremos mucho y por eso seguimos volviendo. Y gracias por leernos aquí en Track to Hell. Estamos deseando veros muy pronto para esas épicas fiestas españolas, que tanto hemos disfrutado en los años anteriores ¡Muchas gracias! 

Desde su nacimiento en 2017, Serpent ha transitado un camino de transformación constante, dejando atrás etiquetas como el post-hardcore para abrazar una identidad más libre, cruda y honesta. En esta entrevista, la banda reflexiona sobre su evolución, su relación con la agresividad y la emoción en la música, y su firme postura crítica frente a una escena dominada por lo efímero. Con su nuevo trabajo Absolutisme Zen, Serpent no solo reafirma su esencia, sino que también plantea una mirada incómoda y necesaria sobre el mundo actual.

– Serpent comenzó en 2017 dentro de la etiqueta post-hardcore. Hoy, esa etiqueta parece innecesaria. ¿Cómo describiríais la evolución de la banda desde aquellos primeros días hasta el presente?

Sergi: Pues no hace mucho, pero parecen otros tiempos totalmente distintos. La cosa ya empezaba a estar de capa caída en el underground musical pero todavía había esa inercia de la época de vacas gordas en que en Barcelona nos podíamos permitir hacer varios conciertos a la vez en la ciudad y cada uno tenía su nicho. Las bandas de guitarras se etiquetaban en géneros, subgéneros y más allá. Visto desde ahora me parece un poco excesivo y si, ahora mismo innecesario. El espíritu de la banda hoy en día sigue siendo el mismo, queríamos ubicarnos a la sombra del hardcore para que nadie nos pidiese cumplir con ciertos estándares del género y poder hacer lo que nos diese la gana.

Fran: Lo mejor de estos años ha sido “curtir el lomo”: después de tantas alegrías y algún que otro bofetón, hemos aprendido a disfrutar de toda situación, buena o mala. Eso nos ha ayudado a perder el respeto a las etiquetas. Al final, preferimos el error a seguir un manual de instrucciones.

Marc: Yo creo que la banda ha ido evolucionando y liberándose de etiquetas pero con el mismo espíritu de siempre.

– Vuestro sonido combina riffs crudos con momentos más introspectivos y dinámicas complejas. ¿Cómo encontráis el equilibrio entre agresividad y matices en la composición?

Sergi: La agresividad y la emoción son cosas que han estado ahí en todos los grupos de punk-rock y de hardcore que hemos tenido. Y creo que, personalmente, si no pudiese expresar eso no me interesaría hacer música. Anteriormente lo hemos expresado con la ganancia a tope y ritmos más rápidos. Ahora de una forma más libre y abierta. Y aun así, a mi personalmente me parece lo más antisocial y agresivo que he hecho.

Eric: Cuando ensayamos la demo sólo éramos Sergi y yo, y sólo había guitarra y batería. Por aquel entonces no tenía la más remota idea de como Sergi sería capaz de cantar encima de esos riffs y compases rotos. No fue hasta la grabación que escuché las voces, y creo son las que consiguen equilibrar la propuesta. Son agresivas y rabiosas pero añaden un toque melódico que consiguen aligerar el caos, la pesadez y complejidad de la parte instrumental. Quizá en este disco no es tan evidente porque quizá es un pelín más básico o menos raro, pero creo que la voz es fundamental para conseguir ese equilibrio, y también es un elemento que tenemos muy en cuenta para definir que tocamos cada uno en su instrumento.

Fran: Creo que es la parte más divertida de ensayar: ver cómo una demo de Sergi se convierte en una canción orgánica. A veces bromeamos con que el proceso es como un videojuego donde nos enfrentamos a enemigos cada vez más complejos. 

Marc: La agresividad está bastante presente en las composiciones de Serpent, y el equilibrio… quizá aparece cuando entra la voz o la melodía, pero es un equilibrio tenso.

– La crítica social y la mirada crítica son constantes en vuestro trabajo. ¿De qué manera esa perspectiva influye en la música antes que en las letras?

Sergi: Creo que va junto, es una vía de escape. Tenemos nuestras vidas y nuestros trabajos, vivimos en un mundo que cada día esta mas raro y el grupo es algo que tenemos para desahogarnos. La magia va a ocurrir si alguien escucha este disco, con sus letras y su mensaje, y eso hace que se sienta menos solo. Esa alquimia es lo que me ha ido pasado a mi siempre al escuchar discos y es el motor que me hace seguir.

– En algunos sectores se cuestiona la relevancia del rock y el hardcore en la actualidad. ¿Os sentís fuera de época o buscáis precisamente desafiar eso?

Sergi: No creo que se cuestione la relevancia, pero sí es cierto que la música hecha con guitarras y tambores ya no predomina en las nuevas generaciones. Hay muchos motivos y no soy sociólogo pero si pienso en mí mismo cuando empecé me viene a la cabeza cosas como aburrimiento, amistad e idealismo. Era lo que hacías si eras un joven inquieto, hacer un grupo con tus amigos y prenderle fuego a todo. Incluso con cierto bullying ridiculizante a quien quería petarlo de forma artificial, ser famoso o se autoproclamaba solista. Lo que veo ahora es un flujo incesante de estímulos rápidos y baratos, individualismo y resultadismo. Obviamente no está todo perdido, pero las cosas interesantes (que las hay) que salen en el submundo musical no logran tener la suficiente fuerza para inspirar y cambiar el sentido del ciclo actual. 

Eric: El Rock y todas sus variantes siempre tendrán su peso aunque ahora no se le preste la atención que seguramente merece. Esto lo explica muy bien Billy Corgan en una entrevista diciendo que desde finales de los 90, los medios empezaron a dejar de lado a los grupos de rock en favor de los grupos de rap, y no precisamente porque sus cifras fueran malas. El hardcore lo fué y lo sigue siendo: de Inside Out salió Rage Against the Machine que se hicieron un hueco en el mainstream, y la MTV igual te los mezclaba con Maria Carey, Ace of Base, Metallica, Blur o Madonna, y cuantos documentales hemos visto con Dave Grohl alardeando de que él estuvo ahí cuando Bad Brains o Descendents daban sus primeros pasos… Se puede decir que el mainstream era más plural y combinaba cosas pop súper comerciales y ligeras con otras más duras y críticas hasta que dejó de interesar. Lo que entonces viró hacia el rap (el de celebrities eh? no el de N.W.A. y su “Fuck the Police” para entendernos), ahora está centrado en lo urbano y lo latino, y todo es demasiado diferente, sin ir más lejos, la MTV ya ni existe, la difusión, el alcance o la influencia de los medios tradicionales en el ámbito cultural es mínima, el valor de las bandas se mide en followers y en escuchas, y el que te filtra y sugiere los contenidos de forma personalizada son los algoritmos de google o meta… Grupos como nosotros siempre hemos sido bastante irrelevantes si entendemos que nuestro valor se mide en términos de cifras y popularidad. Siempre hemos estado muy lejos de esta idea. 

Fran: Sobre todo en este país, la cultura musical se mueve a una velocidad tan absurda que la lentitud y el reposo que exige el rock o el hardcore ya no parecen bienvenidos. Está claro que estamos fuera de época, pero es que tampoco tenemos ninguna intención de formar parte de la ‘nueva era’. Preferimos la artesanía frente a lo efímero.

Marc: Creo que andamos bastante al margen de todo esto y nos da bastante igual si el rock o el hardcore hoy en dia son relevantes o no. Para mi, mientras la música sea incomoda y transmita algo ya me está bien.

– El título del disco, Absolutisme Zen, sugiere un contraste entre control y calma. ¿Cuál es la idea que queríais transmitir con este concepto?

Sergi: Es más bien sobre como nos han convertido en bestias insensibles para que ya no nos sorprenda nada. Una barbaridad tapa la otra y cada una de ellas es trending topic durante 5 minutos.

– Singles como “Hemos vaciado la sala” o “Viejo y cabreado” tienen historias muy específicas. ¿Qué queréis que el oyente perciba más allá del trasfondo anecdótico?

Sergi: En este caso los dos son temas de duelo absoluto. En el caso de Vell i cabrejat tiene una mirada un pelin más romántica y crepuscular sobre envejecer y encontrar tu sitio. Dejar ir, y no dejarte arrollar por cualquier mierda que venga. Hem buidat la sala es un tema que habla más de la nostalgia tóxica de nuestra generación y de cómo estamos contentísimos viendo grupos “de la época” arrastrándose en grandes eventos mientras las salas, los clubes, los csa/cso cierran uno a uno.

– Musicalmente habéis incorporado guitarras a media distorsión y baterías más resonantes. ¿Fue una decisión consciente para reforzar la agresividad o buscabais nuevos matices?

Sergi: Queríamos que sonara analógico y real. Necesitábamos que las guitarras y bajo fueran orgánicas y con la distorsión justa para que se apreciasen los matices, y la batería tenía que sonar natural para no aplastar todo en una mezcla contundente pero vacía. Estamos contentos porque hemos conseguido que suene como un tiro sin que suene agotador o demasiado distorsionado/comprimido. Y si, hemos buscado desde el principio que sea así.

Fran: es una decisión purista: dejar que las válvulas hicieran todo el trabajo rozando el colapso. No buscábamos ‘distorsión’ estándar, sino la respuesta cruda de un amplificador que suena enfadado. Es una agresividad más real, menos procesada.

– La producción y grabación la habéis manejado vosotros junto a Marc Bòria, Xavi Escribano y Albert Ibarra. ¿Hubo algún conflicto creativo durante el proceso que haya marcado la personalidad final del disco?– 

Sergi: Para nada. Todos son amigos y nos han ayudado a conseguir el disco que queríamos. Por nuestra parte teníamos el disco muy definido en cuanto a composición y sonido.. Personalmente me he sentido super arropado en el proceso. 

Fran: Xavi, Marc y Albert ya formaban parte del universo de Serpent mucho antes de este disco. Son amigos que nos han acompañado en la furgoneta y nos han ayudado a definir nuestro sonido en directo; todos ellos han sido técnicos nuestros en algún concierto, así que saben perfectamente dónde está el ruido que buscamos. Como dato más nerd, para esta grabación cambiamos la dinámica: grabamos las dos guitarras canción por canción, para mantener la tensión de cada tema. Renunciamos a cualquier red de seguridad —sin DI ni opción a reamplificación—, apostando por lo que salía del amplificador en ese momento. Y para la mezcla, decidimos darle una perspectiva externa al proceso con Santi García.

– Algunas letras, como “El himno nacional”, tocan temas muy delicados de política y sociedad. ¿Os preocupa la controversia que puedan generar o la consideráis parte de la función del arte crítico?

Sergi: A veces me siento un marciano cantando cosas fuertes en catalán. Se han dicho cosas desde la música extrema, pero en nuestro caso se entiende claramente porque tampoco gritamos tanto ni tenemos un sonido tan denso. No me siento pionero de nada, solo pienso que deberíamos empezar a andar el camino de expresar frustración y conflicto bruto en catalàn. Sin poetizar tanto, sin la necesidad de ocultarse tras letras sobre ríos o montañas y sin ese tufo de esplai buenrollista que parece que lo impregna todo. Si alguien se ofende con l’Himne Nacional, que es una canción 100% antifascista, apaga y vámonos. 

Eric: entiendo que la canción empieza fuerte , pero si pasas de las cuatro primeras frases y tienes un mínimo de comprensión lectora dudo mucho que genere controversia porque el mensaje queda claro. Tratamos un problemón político-social de alcance global, pero ponemos el foco en el mal de proximidad para señalar que la identidad catalana no nos sitúa por encima de nadie si tus pensamientos e ideales políticos son de extrema derecha. 

Marc: no creo que genere mucha controversia, de hecho normalizamos muchas cosas peores. Está bien utilizar un lenguaje más crudo y directo, que la verdad y como dice Sergi, en catalán no abunda.

– Con la salida de Absolutisme Zen, ¿tenéis ya fechas confirmadas para presentaciones o giras y qué diferencia habrá respecto a anteriores shows?

Sergi: Sí, hay concierto confirmado en Barcelona el 25 de abril, y en Junio hay 4 conciertos. Luego pararemos en verano porque el sol nos sienta mal y tenemos cosas familiares y a partir de septiembre intentaremos montar más cosas. A nivel del “nuevo show”, creo que nuestra esencia nos impide pensar en “el nuevo show”. Quizás ambientamos un poco más todo, y obviamente habrán muchos temas del nuevo disco. Pero, al contrario que lo que pretende el show business, me gusta inspirar con contenido no con adornos. 

Fran: No somos de cerrar el calendario a un año vista. Nuestras redes sociales son el mejor sitio para no perderse futuras fechas. Lo que sí os aseguramos es eficiencia: vamos a meter un repertorio más largo en el mismo tiempo. Además, hemos renovado la zona de merch (ahora con más luz y nuevos productos), donde siempre encontraréis a alguien de la banda —normalmente a Sergi— dispuesto a charlar un rato. 

– En vuestros conciertos se aprecia un rechazo a “ejercicios de estilo inofensivos”. ¿Cómo se traduce eso en la experiencia del público en directo?

Sergi: También es esencial en la banda. No somos un grupo que quiera ser otro grupo. O que se disfrace como grupos de una escena determinada de otro continente. No hay coreografías, discursos precocinados ni nunca nos hemos cuestionado la imagen que debemos dar. Fluimos con la energía de cada concierto porque es nuestro momento, no es una representación teatral. Sí que es verdad que tenemos una clausula de “savoire faire” que nos impide llevar merch propio puesto en público. O sea podemos bajar la basura con una camiseta de Serpent pero poco más.

– Finalmente, para quienes aún no os han visto, ¿qué puede esperar alguien que asista a un concierto de Serpent y qué queréis que se lleven tras la experiencia?

Sergi: Creo que te he contestado con alguna pregunta anterior, pero es eso. Saldremos a tocar, diremos alguna cosa, nos iremos y estaremos encantados de hablar con todo el mundo que quiera hablar con nosotros y de tejer nuevos vínculos.

Fran: y que se preparen para volumen, mucho volumen; como tiene que ser en un concierto de rock. Que el público se lleve secuelas, una experiencia con efectos secundarios.

Los “thrasheros melódicos” Godsnake vienen haciéndose un camino lento pero constante en el metal europeo, primero tocando en su natal Alemania para luego expandirse a otros lugares en Europa. Con su tercer álbum Inhale The Noise a punto de salir a través de Massacre Records, fue una buena oportunidad para sentarnos a hablar con su cantante Torger Neuhaus, quien nos prestó su tiempo para hablar del presente de la banda, los inicios del grupo y el futuro del mismo, además del estilo, lo que es hacer música, las etiquetas que se le ponen a los sonidos y el significado detrás de la portada del álbum-.

Antes que nada, te agradezco por esta entrevista. Quería preguntarte, ¿cómo vienen las cosas con Godsnake? Sé que las bandas tienen que promocionar y presentar su nuevo álbum, es como que están bastante ocupados, me imagino.

Sí, estamos… digamos… en la fase más intensa ahora, porque el álbum se va a lanzar en dos semanas, el 17. Y… nunca es suficiente, así que empiezan a llegar entrevistas, pedidos, y estamos haciendo mucho material de promoción, todo lo que se puede hacer. Y eso nos gusta mucho, por supuesto, porque está buenísimo poder difundirlo.

Sí, obviamente. Me imagino que tener que hacer, no sé, como 500 entrevistas… yo no lo viví, pero debe ser agotador.

No, todavía no es tanto… pero…

Todavía no, claro. Pero imaginate, no sé… Metallica o ese tipo de bandas…

Sí, sí, sí.

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Para este tipo de entrevistas trato de buscar la mayor cantidad posible de otras entrevistas, en distintos sitios, canales de YouTube y demás, y creo que… esta puede ser la primera entrevista de Godsnake que se publique en español. Encontré un pa de reseñas, pero no hay entrevistas en español. Ni siquiera encontré tantas entrevistas en inglés, al menos escritas. La mayoría están en alemán, y creo que encontré una en griego.

Sí.

Entonces, para nuestra audiencia, la audiencia de habla hispana, esta puede ser la primera vez que escuchen sobre ustedes. Así que… ¿cómo te gustaría describir el estilo de Godsnake? ¿Cómo describirías a la banda?

Muy buena pregunta. Cuando firmamos con Massacre Records, nos preguntaron justamente eso: cómo definiríamos nuestro estilo, qué tipo de música hacemos, y siempre es difícil… sí, es difícil ponerle un nombre preciso, pero… al final decidimos que se podría decir que lo llamamos “thrash metal melódico”. Porque no somos una banda de thrash metal como Overkill o Onslaught. No estamos haciendo eso todo el tiempo.

Claro, sí, sí.

Y… lo que realmente nos gusta es la combinación con algunas melodías cuando llegamos al estribillo. Algunas líneas pegadizas que se te quedan. Nos gusta la pesadez, esa parte más centrada en riffs del thrash, combinada con algo más melódico, por decirlo así. Lo que realmente nos gusta es la combinación con algunas melodías cuando llegamos al estribillo. Entonces… diría que vas a encontrar fans del thrash metal que digan “uh, ustedes son unos blandos”. Pero… por otro lado… no nos importa. Al final es heavy metal, y listo. Pero había que ponerle un nombre, así que eso es lo que hacemos. Incluso volvimos a tener esta discusión cuando salió el tercer álbum: “¿lo dejamos como thrash metal melódico?”. Y llegamos a la conclusión de que sí. Lo dejamos como está.

Sí, he visto algunas bandas que se describen como thrash metal melódico, pero no parece ser algo realmente distinto. No es como cuando decís “death metal melódico”, que es otro género más definido.

Sí, sí, sí.

Pero sí, coincido en que los estribillos melódicos son una de las partes más importantes del sonido de Godsnake. Cuando estaba buscando material sobre la banda, encontré una reseña donde el tipo esperaba escuchar una banda de thrash metal más tradicional, hablando del primer álbum… Y decía algo así como: “no me gustan los estribillos melódicos, porque suenan como… no sé bien… como una banda de metalcore”. Creo que lo comparaba con ese tipo de bandas. Pero era medio gracioso. Igual sí, thrash metal melódico es una forma perfecta de describirlos.

Sí, sí.

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La banda existe desde hace más de una década. Creo que aparecieron por primera vez alrededor de 2014, pero es en los últimos 5 o 6 años donde parece que lograron establecerse más, como algo más… no sé si decir profesional, pero sí más consolidado, sacando más material. ¿Cómo pasó eso? ¿Cómo fue que empezaron hace más de una década, pero en estos últimos años lograron consolidarse?

Sí… cuando empezó la banda… Stevo es el miembro original, digamos el fundador. Cuando empezó la banda… sí, fue en 2014. En ese momento no teníamos nombre, entramos al estudio con Lasse Lammert también, grabando el primer demo, y estando en el estudio, Lasse preguntó: “¿cómo lo guardo en la compu? ¿Cuál es el nombre?”. Y todos dijeron: “No tenemos nombre todavía”. Entonces Lasse tiró: “¿qué tal Godsnake?”. Esa es la versión corta de la historia.

Mmm… sí. Suena bastante potente.

Sí, sí, fue divertido. Pero bueno, yo me uní a la banda más o menos medio año después. Y después hubo algunos cambios de formación… llamémoslo así. Sasha fue reemplazado porque tuvo que mudarse por trabajo, el bajista Thomas también tuvo que irse por distintas prioridades. Entonces, diría que fue alrededor de 2016 cuando realmente nos consolidamos como grupo, con Sidney y el resto… y ahí… empezamos a crecer juntos. Diría que… sí, fue entre 2017 y 2018 cuando decidimos encarar esto de una manera más enfocada, con intenciones claras, por decirlo así. Ya no era simplemente “toquemos música cool”, sino “hagamos música buena, grabémosla y publiquémosla”. Así que sí, tenés razón en que son los últimos 6 años, quizá un poco más, los que se sienten más ambiciosos. Y después nos concentramos en el primer álbum… y seguimos un ritmo bastante normal, digamos, de cada dos o dos años y medio. Fuimos sacando nuevo material, y ahora estamos con el tercer álbum.

Claro.

Así que… para resumir, diría que lo principal fue encontrar a las personas adecuadas, que todo encajara, y llegar a ese punto en el que decís: ahora somos una banda completa, sabemos lo que queremos hacer.

Sí… claro, hay que encontrar a las personas indicadas.

Totalmente, sin duda.

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Y bueno, ahora… cuando hablaba de estar más enfocados en la banda, me refería más que nada al primer álbum. Y ahora ya están en el tercero, Inhale the Noise. ¿Cómo lo describirías? ¿Qué podés decir de este disco?

Durante la grabación, Lasse, el productor, nos dijo: “chicos, esta vez están un poco más thrash, incluso más agresivos”. Y nos pusimos a pensarlo, porque antes de empezar a grabar sí habíamos discutido si debíamos enfocarnos en algo en particular o no… pero al final llegamos a la conclusión de que no, que simplemente lo íbamos a dejar fluir. Elegimos las canciones que mejor encajaban, las que más nos gustaban y donde las mejores ideas se juntaban. Y bueno, si hay que ponerle un nombre, diría que… tiene muchas partes más thrash, especialmente en las estrofas. Y… también hay como una media balada, lo cual está bueno. Pero en general es un disco un poco más directo, más frontal. Y con un mensaje más claro. Leí una reseña donde alguien decía que ahora estamos más enfocados, y pensé… bueno, siempre es interesante ver cómo lo percibe la gente. Decía algo así como que estamos más precisos. Lo escribió en alemán. Y pensé, sí, puede ser… porque ese era el ánimo que teníamos.

Claro.

Me acuerdo cuando teníamos el tema “Inhale the Noise”, el track que da nombre al disco, que es bastante compacto. En una primera versión, Stevo dijo que no estaba tan seguro. Pero después empecé a trabajar en la letra y las líneas vocales, y ahí quedó claro que tenía que ser uno de los temas principales. Y eso pasa mucho en el proceso, cómo van cambiando las cosas.

Sí, a veces empezás con una idea y pensás “esto capaz no funciona”, y todavía ni escuchaste al cantante… ¿Cómo es el proceso de composición en Godsnake?

En general, Stevo trae… más que nada, una canción casi completa. Podríamos decir que él está en su casa y… la fuente de creatividad fluye, ¿no? Entonces graba maquetas ahí mismo… Después generalmente me las manda, y yo empiezo a aportar mis ideas. Y en el mejor de los casos probamos las canciones en la sala de ensayo con toda la banda. Y vemos qué funciona y qué no. Ese sería el escenario ideal. Aunque también tuvimos una o dos canciones que nunca tocamos en vivo antes de grabarlas, y aun así funcionaron muy bien. Pero en general es Stevo quien trae la idea completa, y después yo me encargo de arreglar mis partes y escribir las letras. Y claro, a veces también tiro ideas tipo “esta parte no funciona”, “esto hay que duplicarlo”, “esto es muy largo”… cosas así. Pero básicamente ese es nuestro trabajo, y después lo discutimos con toda la banda cuando probamos los temas en la sala. Y dejamos que todo… se asiente, por decirlo de alguna forma.

Sí, claro. Entonces hablás del grupo completo, y corregime si me equivoco… pero según lo que tengo entendido, ahora son un cuarteto, con una sola guitarra. Al menos por las fotos que me pasaron del sello para esta entrevista, parecen ser cuatro. ¿Cómo afecta eso al sonido de la banda, el hecho de tener una sola guitarra?

Bueno… en realidad, ya estábamos en el estudio. Creo que ya estaba casi todo grabado, solo faltaban los solos y algunas partes vocales… Y el otro guitarrista, Pepe, nos dijo: “chicos, perdón, pero tengo que dejar la banda”. Por razones personales. Su madre está envejeciendo, y además él también toca en Ancient Curse, que es una banda de metal progresivo de Bremen que existe desde… creo que 1985 o 1986. Y ese es su proyecto principal. Entonces decidió enfocarse en eso por una cuestión de tiempo. Igual, no es raro que el guitarrista rítmico principal grabe todas las guitarras en un disco. En este caso, Stevo grabó todas las guitarras rítmicas y sus solos. Pero había tres canciones donde Pepe iba a grabar solos, así que nos faltaban esas partes… y tuvimos que cubrirlas.

Claro.

Encontramos una buena solución para eso, pero en general no afectó realmente la producción del disco. Y poco después de terminar en el estudio, ya empezamos a buscar un nuevo guitarrista, y lo encontramos bastante rápido, así que ahora volvimos a ser cinco.

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Perfecto, perfecto. Y hablando de las guitarras del álbum, tengo entendido que contaron con Jean Bormann como invitado en un par de canciones, de Rage. Me encanta esa banda, fue una muy linda sorpresa verlo acreditado. ¿Cómo fue trabajar con él? ¿Cómo se dio eso?

Bueno, conocemos a Jean por Rage, claro. Tuvimos la oportunidad de tocar con ellos en un par de shows en el pasado. Y cuando estás en backstage y hablás, te vas conociendo… y él se volvió fan de Godsnake desde el primer momento, por decirlo así. Y nosotros somos fans de Rage desde hace muchos años. Entonces fue un placer conocerlo, y cuando estábamos pensando en posibles candidatos, después de que Pepe se fue, empezamos a debatir con la banda a quién podíamos invitar… y la primera idea fue: ¿por qué no preguntarle a Jean? Así que le mandé un WhatsApp, un mensaje de voz, y le pregunté si le interesaba. Y dijo que sería un placer. Fue así de fácil.

Buenísimo.

Le mandamos las versiones de los temas y en menos de una semana ya nos devolvió sus solos. Increíble.

Sí… cuando recibí el álbum para escucharlo, me quedé mirando la portada un rato, tratando de entenderla… ¿cómo la describirías? ¿Es como una bala atravesando un vidrio, o algo así?

Sí, bueno… la idea era tener un parlante grande.

Ah, claro… ahora lo veo, es como un parlante.

Sí, sí. Y eso está bueno, porque es arte que quizás no entendés al instante. La idea era un parlante medio destruido, roto… y después queríamos incorporar el concepto de la serpiente. Entonces pensé: ¿y si usamos piel de serpiente en la membrana?

Ah… claro, ahora lo noto.

Entonces, en sí es bastante simple, pero la idea detrás del título Inhale the Noise tiene que ver con eso: la música como una fuerza muy poderosa. La música puede transformarlo todo, e “inhalar el ruido” es como absorber esa energía. Entonces queríamos algo que representara el ruido, la música, y también el concepto de la serpiente. Por eso trabajamos otra vez, por tercera vez, con Björn Gosses de Killustrations. Al principio él propuso ideas más raras, pero le dijimos: mantengámoslo simple. Así que lo hicimos de esa manera, y sí, estamos contentos con el resultado. Porque tampoco es una portada típica de thrash metal… incluso podría ser de jazz o de cualquier otra cosa.

Claro, sí… me gusta eso, como que se aleja de lo típico.

Sí, es un poco más… avant-garde, por decirlo así.

Sí, bastante abstracta si lo pensás. Entonces… si comparás con el primer disco de Godsnake, Poison Thorn… ¿cuánto sentís que cambió o mejoró la banda desde ese momento?

Es una buena pregunta. Justo me la hicieron hace poco también, sobre mi voz, por ejemplo. Y sinceramente, yo no noto una gran diferencia. Pero otros músicos te dicen: “sí, hay un salto, hay más armonías”… no sé. Yo diría que no es que las canciones sean “mejores” ahora, el estilo de composición es el mismo… pero sí puede ser que ahora sea más claro lo que queremos hacer.

Más personal, quizás.

Sí, puede ser eso. Más definido. Las guitarras ya eran buenas en el primer disco, la batería también… Sidney, por ejemplo, es una bestia tocando. Y sé que él fue mejorando, cada vez más sólido, lo mismo el resto… pero no sé si se escucha como un cambio tan evidente entre el primero y el tercero. Creo que simplemente seguimos haciendo lo nuestro, con más ambición, quizás.

En diciembre sacaron el single “No Happy End”. ¿Por qué decidieron lanzarlo como single independiente y no dentro de un álbum?

Ese tema en realidad venía de la época del segundo disco, Eye for an Eye. Cuando terminamos de grabar todo, nos dimos cuenta de que el total era demasiado largo para vinilo. Para CD no había problema, pero para vinilo sí, así que el productor dijo que convenía sacar un tema. Entonces tuvimos que decidir cuál quedaba afuera, y al final elegimos “No Happy End”. Y en ese momento Sidney dijo: “esto lo podemos usar después como single independiente”. Y así fue. Cuando hubo un espacio entre lanzamientos, lo sacamos con un lyric video.

Claro, como para tener algo entre medio.

Exacto, esa fue la idea.

¿Y cuáles son los planes a futuro de la banda? Sé que tienen varios shows en Alemania, y que suelen tocar más que nada ahí, con algunas fechas en Bélgica o Suiza…

Sí, y justamente queremos cambiar eso. Queremos salir más al exterior, mostrar la banda en otros lugares. Está buenísimo tocar en ciudades donde ya nos conocen, como Hamburgo o Essen, pero también queremos expandirnos. En octubre de 2024 hicimos una gira europea como soporte de Threshold, y tocamos en Alemania, Holanda, Bélgica y Suiza. Fue una gran experiencia, y queremos repetir algo así. Queremos salir de nuestro país y llegar a más gente.

Sí, porque una cosa es tocar donde ya te conocen, y otra es probarte en lugares nuevos.

Exacto.

El álbum Inhale the Noise sale el 17. ¿Qué te gustaría decirle a la gente que lo va a escuchar?

Espero que lo sientan como algo fresco, especialmente para gente como en Argentina que quizás no nos conoce.jalá encuentren algo que les guste, que les vuele la cabeza, que haga explotar los parlantes… y que podamos ganar nuevos oyentes. Creo que Inhale the Noise muestra a Godsnake al 400%. Esto es lo que somos. Si te gusta, genial. Y si no, está bien también. El gusto es subjetivo, pero esto es lo que hacemos, con total honestidad.

¡Cuánto me alegra ver triunfar a Opera Magna! Llevo años escuchándoles y son una de mis bandas españolas favoritas de todos los tiempos. Durante años los he considerado también de las bandas más infravaloradas en nuestro país, ya que, aunque siempre están en el panorama, creo que deberían estar sonando mucho más y teniendo una mayor cobertura por su calidad musical, virtuosismo y carisma. 

Desde luego, ¡sigo pensando que deberían tener más repercusión! Pero están en un gran momento: enlazando el final de su gira con Angra con su propia gira nacional para celebrar el aniversario de su disco Poe, regrabando algunos de sus éxitos con invitados de excepción y exportando su música hasta Japón.

Hemos tenido la suerte de poder hablar sobre todo esto con Enrique Mompó (principal compositor y miembro fundador junto a Francisco Javier Nula) y José Vicente Broseta (vocalista) y espero poder verles una vez más en directo en uno o más de sus próximos conciertos:

• 2 de mayo en Sala Rockville, Madrid
• 22 de mayo, sala Spectrum, Murcia
• 30 de mayo, sala Azkena, Bilbao
• 24 de julio, Concerts de Vivers, Valencia + Warcry
• 22 de agosto, Castrillo Metal Fest, Murcia

Buenos días, muchísimas gracias por concedernos esta entrevista. En primer lugar: ¡felicidades! Parece que estáis viviendo un momento muy dulce para la banda, con esta gira de aniversario, justo después de estar de tour con Angra y con vuestros éxitos internacionales ¡abriéndoos camino en un mercado tan importante como Japón! Por favor, contadme un poco cómo estáis viviendo esta etapa de Opera Magna y qué circunstancias la han propiciado.

José Broseta: Por mi parte, estoy muy contento con el material más reciente como “Heroica”. Creo que hemos tenido una evolución muy natural, siendo fieles a nuestro estilo como banda.

Lo de Japón está siendo muy especial: trabajar con Red Rivet Records es un placer. Ya editaron en su momento “Poe” y “Del amor y otros demonios”, y es muy bonito ver que siguen interesados en nuestros nuevos lanzamientos y que los discos se mueven tan bien allí.

La gira con Angra fue increíble por la exposición que supuso y por compartir escenario con artistas a los que llevamos tanto tiempo admirando. Además, conocer a la gente de Arwen fue un regalo: fueron compañeros excepcionales durante todas las fechas. También fue un reto técnico para nosotros y para nuestro técnico habitual, pero conseguimos salir del paso y disfrutar muchísimo de la oportunidad.

Ahora mismo estáis regrabando varias de las canciones de “Poe” con colaboradores muy interesantes: ¿cómo surgió esta idea?, ¿podéis adelantarnos un poco más sobre qué nos queda por ver? ¿Y sacaréis un álbum en formato físico con estas regrabaciones?

José Broseta: La idea surgió cuando nuestro diseñador habitual, Fernando Nanderas, nos destacó el hecho de que se cumplían quince años del lanzamiento de “Poe” en 2025. Estuvimos dándole vueltas a ver que podríamos hacer para celebrarlo y decidimos que era buena idea rodearnos de amigos y gente cercana a la banda para esta ocasión.

Para mí ha sido genial poder contar con voces que admiramos y que nos han inspirado durante tantos años. Es increíble pensar que ha pasado tanto tiempo desde la edición original y que los temas nos sigan sonando frescos, que sigamos teniendo ilusión por tocarlos y por revisitar ese universo.

Respecto a lo que queda por ver… aún hay colaboraciones muy especiales que estamos deseando anunciar. Y sobre el formato físico, sí, tendremos en nuestros conciertos el EP “POE XV Redux” a la venta y, en breve, en nuestra página Web.

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Por cierto, que “Heroica” no ha sido vuestra primera incursión en aguas internacionales, ya grabasteis versiones en inglés de “Del amor y otros demonios”. Por favor, habladme de aquella experiencia.

José Broseta: Fue un proceso muy intenso. “Del amor y otros demonios” ya era una obra exigente en sí misma, y revisitarla por completo para hacer la versión en inglés supuso un esfuerzo enorme. Pero también fue una experiencia muy enriquecedora: nos obligó a mirar el disco desde otra perspectiva, a reinterpretar matices y a adaptarnos a un idioma que tiene una musicalidad distinta (lo cual fue posible gracias a la inestimable ayuda de Ada Murillo, que hizo un trabajo increíble adaptando las letras).

Tengo que decir que precisamente “Del amor y otros demonios” ha sido un álbum muy importante para mí, y que mi hijo de cinco añitos podría cantaros entera “Donde latía un corazón” de lo mucho que la pongo en casa. ¿Tenéis pensado darle también una nueva vida a este álbum en el futuro como estáis haciendo con “Poe”?

José Broseta: A corto plazo no creo que vayamos a hacer algo similar, como te comentaba, fue una obra muy intensa y la versión en inglés ya nos hizo revisar todo ese trabajo. Pero quién sabe lo que pasará en un futuro, puede que en unos años sintamos que queremos hacer algo. También ha sido una obra importante para nosotros.

Opera Magna se caracteriza en mi opinión por ser una banda muy referencial, no sólo en sus letras, sino también en la música, con guiños y referencias muy variadas y que entiendo que vienen sobre todo de la mano experta de Enrique Mompó y que al menos yo agradezco mucho poder reconocer aquí y allá. Por favor, Enrique, ¿puedes hablarnos de tus fuentes de inspiración preferidas? 

Enrique Mompó: La inspiración viene directamente de lo que escuchas, lo que trabajas y lo que admiras. Siempre estoy a la caza de cosas que me puedan servir para mi propio trabajo, para Opera. 

La música y la creación, no vienen de la nada, el arte es una herencia y un legado que se mueve influenciándose de generación en generación. En mi caso la influencia ha sido muy diversa a lo largo de los años, al principio venía de las bandas más representativas del power metal del 2000 hasta los maestros por todos conocidos de la música clásica. En años posteriores me influenció más todo el tema de las bandas sonoras: John Williams, Danny Elfman… También me ha influenciado mucho el maestro Seiji Yokoyama, que posee una sensibilidad fuera de lo común, o Thomas Bergersen, que es una fuente inagotable de ideas. 

En todo caso, Enrique, componer para una banda tan exigente en lo instrumental como Opera Magna, que requiere no sólo riffs pegadizos, sino también un trabajo intenso de orquestación, no debe ser nada fácil ¿puedes hablarnos del proceso creativo? 

Enrique Mompó: Bueno, es trabajo lento y tedioso, porque se parte de una idea concreta, y hasta llegar a completar toda la canción, hay muchas tomas de decisiones. Ahí es donde creo que esta el punto de inflexión: ser crítico y ver las diferentes posibilidades en las que puede convertirse una canción. 

Normalmente trabajo la melodía y la armonía a la vez. Cuando tengo una idea interesante la maqueto con varios arreglos, hasta encontrar el que más le pega. Voy puliendo la sección y la continúo con una o dos ideas posibles. Es importante trabajar, reposar y escuchar. Pero lo más importante es tener intuición u olfato, que es esa cosa que te dice que una idea es mejor que otra en función de tu propio valor estético. Para mí la mejor brújula es la emoción. 

Pero si Opera Magna es exigente en lo instrumental, también lo es y mucho en la voz, por favor José, ¿puedes hablarnos un poco de cómo es cantar en Opera Magna?, ¿cómo preparas y cuidas tus habilidades vocales?

José Broseta: Te puedo decir que últimamente lo que más estudio es el repertorio de Opera Magna y cómo poder llevarlo al directo en condiciones. Es un material muy exigente y quiero afrontarlo con la mayor solidez posible.

Trabajo con un coach vocal en Valencia, Alberto Andrade, que me ayuda a cantar de forma saludable y a mantener la técnica en su sitio. Eso me permite relajarme en el escenario, disfrutar de la actuación y no comprometer mi salud vocal.

Por cierto, José, que siempre apareces en las listas de mejores vocalistas de metal en España ¿Cómo es estar en la vanguardia de este género en nuestro país? 

José Broseta: Es algo que agradezco muchísimo, sobre todo porque viene del cariño del público, pero no puedo evitar sufrir un poco de síndrome del impostor cuando veo mi nombre al lado del de cantantes consagrados. Aun así, es genial ver que puedo conectar con la gente y eso es todo un honor.

Ambos tenéis proyectos paralelos que no solo conviven bien con la banda, sino que hasta generan sinergias positivas ¿queréis contarnos un poco al respecto? 

José Broseta: Es cierto que en el pasado me he implicado bastante en otros proyectos, como Systemia, pero hace ya un tiempo en el que estoy centrado en Opera Magna. La excepción sería The Backseats, un grupo de covers en el que comparto escenario con músicos increíbles como Joan de Gigatron, Monty Peiró ex-Sweet Little Sisters (y mil proyectos más) Davish de Angelus Apatrida, Cristobal ex-In Mute, Vicent ex-Toxia, con los que hacemos un concierto súper especial al terminar el año…pero aparte de eso, solo participo en algunas colaboraciones como la más reciente con Íseldur o las repetidas veces que he tenido la suerte de grabar para “Legado de una tragedia” de Joaquín Padilla.

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Por cierto, Enrique, que en cada uno de tus grupos tocas diferentes instrumentos, ¿hay algún cacharro al que no sepas sacarle música? 🙂 Y ahora más en serio: ¿qué objetivos futuros tienes en lo instrumental?, ¿hay algo que aún no hayas probado y que tengas en mente incorporar? 

Enrique Mompó: Cada instrumento ha llegado en un momento vital diferente, atendiendo a un interés o una necesidad. Cada instrumento me ha llevado a un sitio diferente, y me ha hecho entender un poco más la música. Me encantaría tocar todos los instrumentos del mundo, pero me conformaré con las librerías de sonido. Ahora mismo con la cantidad de carga de trabajo, conciertos y compromisos de la vida adulta, es difícil encontrar tiempo para desarrollar todas las facetas que me gustaría. El poco tiempo del que dispongo lo uso para componer, producir, tocar de forma distendida, y repasar repertorios.

Quiero preguntarle lo mismo a José: que, como muchos de los más grandes, comenzaste a cantar un poco de casualidad (ya que antes tocabas la guitarra en otro proyecto), que sorprendiste a todos empezando directamente con un nivel altísimo, y que además cada año nos sorprendes con una performance aún mejor: ¿qué nuevos objetivos o metas tienes en el uso de tu voz?, ¿hay algo que aún no hayas probado y que tengas en mente incorporar?

José Broseta: Mi objetivo a nivel vocal ahora mismo es seguir entrenando la técnica que me permita hacer los conciertos de Opera Magna con la exigencia necesaria, estoy al 100% con ello. Estaría bien seguir ampliando registros y recursos, pero ahora lo que más me motiva es poder disfrutar del directo y dar el máximo en cada actuación.

Para finalizar: ¿Cuál es el futuro de Opera Magna? 

José Broseta: Ahora mismo nuestro futuro inmediato es celebrar en directo esta gira del 15 aniversario de “Poe”. Además, es la primera gira desde que Juan Lahuerta es oficialmente batería de la banda, y estamos deseando que la gente pueda vivir estos conciertos con nosotros. 

Después de eso, lo normal sería pensar en material nuevo, pero no es algo que tengamos decidido aun.

Muchas gracias por contestar esta entrevista y por hacer lo que hacéis. Nos vemos en vuestra gira de aniversario, que ya empieza con primera parada en Zaragoza. Si queréis añadir alguna impresión relativa a esta inminente gira ¡es el momento!

José Broseta: ¡Gracias a ti por la entrevista! Pues aprovecho para decirle a la gente que nos hace mucha ilusión traer de nuevo al 2026 el legado de nuestro disco “Poe”, ya que fue un álbum que nos definió como banda. Va a ser una gira muy especial, ¡esperamos ver a todo el mundo!

Assignment es una banda originaria de Alemania, a menudo etiquetada como metal progresivo, con un sonido muy único y depurado. Llevan componiendo desde principios de los 90 y acaban de sacar su último álbum de estudio With The End Comes Silence, un disco futurista y distópico, a la vez lleno de pasajes delicados y evocadores. Hemos tenido la oportunidad de hablar de ello con su fundador, Goran Panić.

Buenas tardes, soy Cristina de Track To Hell, muchas gracias por concedernos esta entrevista. Lo primero, quisiera daros la enhorabuena, la banda lleva recorrido un largo camino desde 1994, más de 30 años de trayectoria, y ahora acabáis de sacar un estupendo álbum, With The End Comes Silence, que demuestra que estáis más vivos que nunca. Por favor, Goran, ¿puedes hablarnos un poco de esta actual etapa de Assignment?

Bueno, desde nuestra perspectiva, es un paso más en nuestro viaje musical. Es nuestro tercer disco con Diego Valdez en la voz, así que ahora hay una estabilidad consolidada, y aparte de la salida de nuestro tecladista de siempre, Gert Sprick, la formación también es la misma. Como banda, y yo como principal compositor, el objetivo es el mismo de siempre: intentar mejorar y sonar mejor en cada lanzamiento. Si no creyéramos en lograrlo, no nos molestaríamos en hacerlo.

Y en tu opinión ¿han evolucionado también las cosas a vuestro alrededor?, ¿cómo valoras la escena del metal progresivo en los últimos tiempos? ¿Y qué papel juega la IA en este ámbito artístico?

En general, no me gusta el término “progresivo” en lo que respecta a la música. Me niego a que me llamen progresivo, ya que se asocia con ciertos rasgos distintivos de nuestro sonido: canciones largas, compases irregulares, cambios de tempo y demás. Amigos, todo esto se hizo hace mucho tiempo… Se podría decir que Kansas o Rush son progresivos, pero como ya dije, ellos ya hacían eso en los años 70… Supongo que el nombre se convirtió en el cajón de sastre que la industria musical necesita para etiquetar el producto… Así que, en realidad, lo que prefiero es incorporar diferentes estilos a la música, que puedan crear distintos paisajes sonoros. 

Y nuestra opinión sobre la IA la dejamos clara en el libreto que acompaña el disco: estamos totalmente en contra porque creemos que deshumanizará a la humanidad y acabará con todas las formas de arte.

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Estoy fascinada por With The End Comes Silence, sobre todo por su tema central. Desde la portada se insinúa la distopía, un aspecto que se desarrolla muy bien en la letra de la canción homónima. ¿Te inspiraste en la realidad para escribirlo o es todo ciencia ficción?

Desafortunadamente, en la realidad actual del mundo. Y el hecho cada vez más evidente es que la humanidad no aprende de su pasado. Ese es un punto, además del que mencionaste antes: el desarrollo tecnológico, que se está volviendo inquietante, lenta pero inexorablemente. En resumen, el futuro no pinta nada bien, desde luego no está hecho de rayos de sol y arcoiris…

Musicalmente, es un álbum muy completo, atmosférico y evocador. Me encanta su estructura y el equilibrio entre los instrumentos. ¿Es difícil componer un álbum así, con tanta atención al detalle?

Quizás no sea difícil, pero sin duda requiere mucho tiempo y esfuerzo. Después de terminar la primera demo de una canción, paso a la siguiente. Cuando siento que tengo suficiente material e ideas para el álbum, empiezo a revisar las canciones para la siguiente etapa, donde pueden surgir muchos cambios. Y de una canción a otra, eso puede ocurrir una vez, o incluso varias, siempre y cuando no sienta que “ya está”.

Hablando de los diferentes instrumentos, por favor, cuéntame más sobre este teclista: Bratislav Metulski. Lo vi en tu página web y quiero saber más.

Bueno, si lo viste en nuestra página web, seguramente pudiste leer su información: es un payaso muerto, asesinado por un psicópata llamado Nihil Baxter. ¿Y has visto su foto? ¿¡Qué es esto!?, ¿verdad? Es muy divertido, además, obviamente es un personaje ficticio. Después de que nuestro tecladista de toda la vida, Gert Sprick, dejara la banda tras el álbum “Reflections”, necesitábamos un reemplazo. Pero no pudimos encontrar al adecuado, sobre todo por falta de tiempo. Cuando compongo las canciones y creo las demos, suelo incluir algunas ideas sobre lo que podrían hacer los teclados. Así que los chicos dijeron: “Goran, tendrás que hacerlo tú”. Y Goran lo hizo, pero Goran no es tecladista, así que inventé a Bratislav Metulski por ahora… Pensé que si Running Wild puede tener a Angelo Sasso en la batería, ¿por qué Bratislav Metulski no puede estar en los teclados? Así que es solo por diversión, nada más…

Ya hemos visto dos sencillos del álbum, “Fallen” y “Angel of Berlin”, cuyo vídeo me ha parecido muy bello e intrigante, con este joven caminando por la ciudad. ¿Puedes contarme más sobre esta canción y las ideas que expresa el vídeo? Me encanta.

Bueno, el vídeo refleja a la perfección la letra de la canción. Y la letra se basa en una experiencia personal. Mi empresa me envió a Berlín por un proyecto, pero esa oportunidad surgió en un momento en que estaba pasando por serios problemas personales; me sentía completamente vacío y agotado. Y de repente, conoces a alguien y experimentas cómo dos almas rotas se sanan mutuamente y se enamoran, pero sabiendo que no pueden tener un futuro juntos. Épico y trágico a la vez…

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También me impactó “With the End Comes Silence”, la canción que da nombre al álbum, que, en mi opinión, es una de las más potentes y progresivas del disco. Cuéntame más sobre ella y: ¿tendremos también un videoclip para esta canción? 

No está previsto grabar un videoclip para la canción, simplemente porque es la más larga, con 9 minutos de duración. Sin duda, es la canción más progresiva del disco, y a mi parecer, también la que tiene el estribillo más pegadizo. El tema se basa en la frase “you´ll never miss it, until it is gone away” (en castellano: “nunca lo echarás de menos hasta que se haya ido”). Esta frase se aplica al final de una vida, al final de una relación o incluso a la disolución de una banda. Pero como nada dura para siempre, hay un mensaje positivo. En la letra de la canción se lee: “Morning mist, and the sun awakes the smell of roses, with a smile, i await the end that life composes” (“Niebla matutina, y el sol despierta el aroma de las rosas, con una sonrisa, espero el final que la vida compone”).

Es cierto que suena a un final pero también a un futuro interesante. Por cierto, en tu opinión, ¿cuál es el futuro de Assignment?

Ojalá un par de discos más, ya que esto es algo que solo depende de nosotros y que siempre lo tenemos en mente. También estamos trabajando en algunos directos que, si todo sale bien, podrían concretarse muy pronto.

Ojalá que sea así, y podamos veros en directo pronto… ¿en España quizás? He notado que, a pesar de tener miembros hispanohablantes, como Diego, no soléis visitar mucho nuestro país. ¿Podremos veros en el sur de Europa en estos próximos shows en vivo?

Bueno, primero tendríamos que recibir una invitación… Otro problema es que la mayoría de los miembros de la banda tienen trabajos a tiempo completo, familias con hijos y otras obligaciones además de hacer música. No es imposible, pero sí muy difícil. Definitivamente nos gustaría y no lo descartamos.

Muchas gracias y felicidades por el buen trabajo.

¡Gracias Cristina por tu interés y apoyo! Que fluya el metal.

Dark Moor es una de las bandas más internacionales del metal / hard rock sinfónico que tenemos en España. Este sábado 18 de abril nos ofrecen la cita ineludible de su concierto de 25º Aniversario, en una fecha única en el Movistar Arena.

Hemos tenido la oportunidad de charlar hablar brevemente con su fundador y guitarrista Enrik García, sobre esta celebración y el complejo momento que atraviesa la escena actualmente. Esperamos un llenazo este fin de semana y poder seguir escuchándolos muchos años más.

Hola Enrik, muchas gracias por concederme esta entrevista. Lo primero quería darte la enhorabuena, estáis de aniversario, la banda que tú fundaste cumple ahora 25 años. Por favor, ¿puedes hablarme un poco de la etapa actual de Dark Moor y cómo estáis viviendo esta celebración?

Pues está siendo muy especial para nosotros, estamos recibiendo mucho cariño por parte de los fans y eso para nosotros es lo que nos da energía y nuestro pago por todo el esfuerzo. El pasado sábado tocamos en un festival en Dinamarca, Epic Fest, en el que nunca habíamos tocado y había literalmente miles de personas esperando para vernos por primera vez, fue muy emocionante.

La banda en la actualidad está muy centrada en estos conciertos y dar el máximo posible en directo porque nuestros seguidores se lo merecen.

Además, aquí en Madrid, nos espera este fin de semana un concierto por todo lo alto, ¿puedes ponernos un poco los dientes largos dándonos algún detalle sobre qué podemos esperar este sábado en el Movistar Arena?

Sí, va a ser un concierto que hemos preparado con muchísimo cariño y va a ser único e irrepetible. Vamos a tocar canciones que llevábamos mucho tiempo sin tocar, e incluso alguna que no hemos tocado nunca en directo, haciendo un recorrido por todos nuestros álbumes, que son once en total. 

Además vamos a contar con tres invitados de lujo: Javi Díez a los teclados que ha tocado con bandas tan importantes como Mago de Oz o Arwen, con Óscar Calvo al violín, de Cronómetro Budú, y con la soprano Mariana Otero, que creo que va a sorprender muchísimo a nuestros fans por sus dotes y el tándem que va a formar con Alfred, nuestro vocalista.

Estáis lanzando algunos vídeos increíbles con versiones en español de algunos de vuestros temas más icónicos. También tenemos canciones nuevas en nuestro idioma como “V de Vendetta”. ¿Podemos entonces adivinar un futuro nuevo álbum de Dark Moor totalmente en castellano? 

Ojalá, pero ahora mismo no hay un futuro claro para la banda, su continuidad es una incógnita para nosotros mismos. Es posible que esta gira sea nuestra despedida, pero es algo que el futuro dirá. Ojalá podamos seguir muchos años más, pero ahora mismo es complicado.

Ojalá así sea. En cualquier caso, habéis conseguido posicionaros como una banda plenamente internacional, acabáis de estar tocando en Dinamarca… ¿Qué es, en tu opinión, lo más gratificante de ser una banda internacional y cuáles son sus principales retos?

Es tremendamente complicado conseguir tocar en Europa o Asia, como lo hemos hecho nosotros. En Latinoamérica es algo más sencillo para las bandas de aquí, pero cruzar los Pirineos es muy difícil. Nosotros al cantar en inglés en la mayoría de nuestra discografía ha sido algo más fácil, pero la exigencia y competitividad que hay es muy, muy fuerte. 

Para nosotros es un honor haber podido abrir camino en este sentido para otras bandas que nos puedan suceder. Tocar en países como Japón o Corea, o en Rusia, Holanda o República Checa y ver a cientos de fans que te conocen, te siguen y te aman por tu trabajo y tu música es una de las cosas más bonitas que hemos tenido la suerte de vivir.

¿Qué otras cosas podría deparar ese futuro complejo a Dark Moor? Ya que habéis regresado al estudio, ¿podemos esperar temas nuevos próximamente?

Como te digo, ahora mismo el futuro de la banda es una incógnita. Pero también te puedo decir que yo a nivel personal tengo muchas ganas de seguir haciendo música, y de hecho tengo un disco casi completamente compuesto. Ojalá pueda ser un nuevo disco de Dark Moor.

Para finalizar, si pudieras viajar atrás en el tiempo y encontrarte con aquel Enrik de los 90 que empezaba a dar forma a Dark Moor, ¿qué consejo le darías después de todo lo aprendido?

Bueno, para mí es fácil, ya que soy profesor y director de una escuela de música y hay muchos chavales a los que aconsejo qué hacer. Lo más importante es creer en lo que haces y disfrutar de la música y de compartirla con el público. Que tengan paciencia y que donde se cierra una puerta, siempre se abre otra.

Muchas gracias por tu tiempo y ¡mucha mierda para el sábado!

¡Gracias a vosotros y vuestro fantástico medio!

La escena alternativa británica sigue dando pasos firmes, y pocas bandas lo representan mejor que As Everything Unfolds. Con una propuesta que mezcla metal alternativo, electrónica y sensibilidad pop, el grupo ha ido construyendo una identidad propia que desafía etiquetas y conecta directamente con las emociones.

Charlamos con Charlie Rolfe en un momento clave: a punto de lanzar su nuevo trabajo, un disco que promete ser el más ambicioso y personal de su carrera. Entre reflexiones sobre el proceso creativo, giras intensas y anécdotas inesperadas, descubrimos a una banda que ha aprendido a convertir la dificultad en motor creativo.

– Hoy estamos con Charlie Rolfe, cantante de As Everything Unfolds. Es un placer tenerte aquí, Charlie. ¿Cómo va todo?

Hola. Muy bien, la verdad. Son las siete de la tarde, casi la hora de cenar, así que estoy relajándome un poco para terminar el día. Todo bien.

– El nuevo disco sale el 10 de abril y he tenido la suerte de escucharlo ya. Como te decía fuera de cámaras, creo que es vuestro mejor trabajo hasta la fecha. Siempre habláis de emociones y de lo que siente la gente en distintas situaciones de la vida. ¿Cómo habéis enfocado este álbum y cómo os sentís con el resultado?

Creo que este ha sido el disco más difícil que hemos tenido que hacer nunca, por muchísimas razones. De hecho, nos llegaron las copias físicas hace un par de días y tenerlo por fin en mis manos me ha hecho sentir algo distinto; ahora siento de verdad que he creado un álbum. Pasas tanto tiempo entre correos, logística, redes sociales y correteando para que todo llegue a tiempo, que a veces olvidas que has creado algo importante.
Al sostenerlo, piensas: “Sí, yo he hecho esto”. Hemos abordado el hecho de que hemos pasado por mucho en el último año y medio, tanto a nivel individual como de grupo. Ahora me siento muy orgullosa de lo que hemos logrado. George lo resumió muy bien hace poco: dijo que este era el disco más difícil que tendríamos que hacer en la vida. Si eres capaz de superar algo así, ya puedes con cualquier cosa.

– Es muy interesante, porque aunque habláis de situaciones difíciles, el mensaje final me parece positivo; es como un viaje emocional. Además, tus voces suenan mejor que nunca, especialmente los “screams”. ¿Has estado entrenando mucho esa parte?
Creo que ha sido gracias a que no hemos parado de girar. En 2024 dimos muchísimos conciertos y mis guturales mejoraron simplemente por el hecho de practicarlos a diario. De todas formas, intento elegir muy bien dónde meterlos. A veces nos meten en el saco del “metalcore”, lo cual es curioso porque nosotros nunca hemos sentido que encajemos del todo en esa etiqueta. Sí, a veces tenemos breakdowns y usamos recursos del género, pero no diría que somos una banda de metalcore.
Para mí, los gritos son una reacción visceral. Me influyó mucho Lacey Sturm; ella decía que solo gritaba cuando sentía que era necesario, cuando la emoción no se podía expresar cantando. Nosotros no gritamos solo por complacer a la audiencia, tiene que salir del alma.

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– Es verdad. ¿Cómo describirías tú el sonido de As Everything Unfolds? Yo suelo decir que es metal alternativo, porque cabe de todo: hay breakdowns, pero también toques de drum and bass o rock puro.
Es muy difícil de definir. Supongo que rock o metal alternativo es lo más cercano. Como dices, en “Set and Flow” hay una base de drum and bass con algo de guitarra, mientras que “Gasoline” es casi pop rock. La verdad es que nos da igual si nos llaman pop o metal, nos la suda bastante (risas). Solo nos divertimos. En la banda tenemos influencias muy variadas y eso es lo que nos hace interesantes.
De hecho, no recuerdo la última vez que escuchamos metalcore en la furgoneta o antes de salir a tocar. Solemos poner cosas de la vieja escuela, electrónica o temazos nostálgicos de los 2000. ¡Nuestra canción para salir al escenario es “Let Me Entertain You”! O la de los dardos, “Chase the Sun”. Somos una banda así de rara, escribimos lo que nos pide el cuerpo.

– Hablando de otros grupos, hace poco anunciasteis gira europea con Future Palace y Luna Kills. También están Defenses, ¿no?
Sí, con Defenses somos amigos desde hace unos ocho años, hemos tocado mucho con ellos. Ellos harán las fechas de Reino Unido porque nosotros… bueno, somos una banda británica que esta vez no hace gira por allí (risas). Hay una razón para ello, aunque nos hayan caído algunos comentarios enfadados por redes, prometo que no es por capricho.
Me hace mucha ilusión esta gira. Tengo muy buena relación con Maria, y ahora también con Manuel y Johannes. De hecho, vinieron a vernos a Berlín. Hay una cosa muy graciosa en Alemania: hay máquinas expendedoras de “paquetes perdidos” por 10 euros, y Johannes acabó ahí con nosotros gastándose el dinero en esas máquinas. Hay muy buena vibra entre nosotros. Como acabamos de fichar por el mismo sello, todo encajaba perfectamente para girar juntos.

– Hablando del sello, ahora estáis con Century Media. Creo que con ellos vais a dar el salto definitivo.
Sí, tenemos un equipo muy bueno ahora, también con el nuevo management. Ha sido un proceso que daba un poco de miedo, porque al final es todo un equipo nuevo para este disco, pero estamos muy contentos con cómo se está materializando todo según salen los singles.

– Para terminar, como somos de España, ¿qué tres cosas te gustan de aquí?
Fui de vacaciones un par de veces de pequeña, pero no tengo recuerdos muy nítidos. Pero el Resurrection Fest… eso sí fue una experiencia. Fue divertidísimo. Volamos desde Londres, tocamos, cenamos con un poco de vino, dormimos apenas una hora y volvimos a casa. Todo en unas 36 horas.
Teniendo en cuenta que el trayecto del aeropuerto al festival son casi tres horas… fue una locura. Casi no dormimos. De hecho, los chicos no se habían acostado en toda la noche anterior y yo les decía: “¿Pero no vais a dormir?”. Y ellos: “Tranquila, estaremos bien” (risas).
Lo más surrealista fue el conductor del transporte: tenía dos móviles y en los dos tenía de tono de llamada una gaita escocesa, a todo volumen. No paraban de sonar a la vez y yo pensaba: “¿Pero qué está pasando?”. Fue rarísimo, pero el festival fue genial. Fue nuestra primera vez en España y nos lo pasamos de maravilla. La gente de Viveiro fue superamable. Es una comunidad muy bonita. Ojalá estuviera un poco más cerca del aeropuerto, eso sí (risas).

– ¡Ha sido un placer, Charlie! Muchas gracias por este rato. Tengo muchas ganas de escuchar el disco entero y espero veros pronto de nuevo por España.
El placer ha sido mío. Muchas gracias.

Legado de una Tragedia es el proyecto más personal de Joaquín Padilla. Desde el año 2008 se ha convertido en una referencia ineludible del metal en castellano que ofrece, con cada lanzamiento, una verdadera Ópera Metal de virtudes musicales y narrativas. Secundado por una verdadera selección de talentos invitados, cada disco es un derroche de imaginación, calidad y buen gusto. Con la excusa del nuevo single Ícaro, conversamos con Joaquín quien nos compartió sus puntos de vista, nos puso al tanto del presente de la banda y un poco del porvenir.

Joaquín, ¿cómo estás?, ¿qué tal fue la repercusión de la nueva canción Ícaro?

Pues la verdad, estoy feliz. No sabía muy bien qué hacer porque hace relativamente poco tiempo que había lanzado Lovecraft (N: el álbum del 2025). Habitualmente entre una ópera y otra suelen pasar un año y medio o dos años, que es lo que tardo en hacer toda la documentación, la investigación, la composición y la producción del álbum. Y tenía algunas canciones sueltas, independientes, que me gustaban mucho, sobre todo “Ícaro”, y que tenía muchas ganas de compartir. Y se me ocurrió esta fórmula. Un poco de abrirme un espacio que he denominado Mitos para poder lanzar singles sueltos e independientes. Cada uno de un mito diferente, de diferentes culturas. Mitología nórdica, japonesa, egipcia, cristiana, griega, romana. Es un tema que me apasiona y me permite de vez en cuando quitarme el gusanillo cuando estoy metido en una obra grande y majestuosa, el poder hacer un lanzamiento como este Ícaro. Me apetecía hacer una canción como muy directa, con un sonido más europeo, más como lo que estaban haciendo bandas como Within Temptation a partir del disco The Unforgiving. O lo que hacen Battle Beast o lo que hacen Beast in Black o Dynasty… bandas así. Y la verdad es que la gente lo ha recibido con mucho cariño, lo ha recibido muy bien. La inmensa mayoría de la gente le ha encantado. Siempre hay quien cree que tendría que mantenerme en esas canciones largas, épicas, de grandes historias. Pero me apetecía mucho sacar el single y no tenía más pretensión que esa, mientras que estoy trabajando en el nuevo álbum.

Entonces, si entiendo bien, en algún momento vamos a ver un LP llamado Mitos que va a compilar estos lanzamientos y va a quedar un proyecto con canciones por separado. ¿Cómo vas a articularlo?

Mi idea es lanzar algún single más y luego unirlos todos. No sé si en un EP o en un álbum. Porque hay una cosa que no quiero, que he tenido que abandonar en Lovecraft y no me gusta mucho, que es hacer una ópera rock, una historia. Que es mi propuesta desde el principio y por lo que la gente se ha enganchado de Legado de una Tragedia, que es como hacer un musical heavy, ¿no? En Lovecraft realmente no había un hilo conductor. Todos eran cuentos, eran relatos musicalizados. Pero el formato que me gusta, lo que creo que hace especial a Legado de Una Tragedia es el contar una historia completa, un arco argumental que recorra todo el álbum.

En Lovecraft lo hice así porque, bueno, ya había contado la historia de Poe en los tres primeros álbumes. La vida de Lovecraft no es tan apasionante como la de Poe. Y bueno, ya había escrito sobre un escritor de terror y era un poco repetitivo. Pero tanto a mí, que soy muy fan de Lovecraft, como a los fans que me pedían algo de Lovecraft, dije bueno, pues voy a musicar diez canciones. Pero no quiero salirme de ahí, no quiero salirme de las historias largas, de los álbumes conceptuales. Así que esto lo he dejado un poco por ahí. Cuando uno está escribiendo una obra tan larga como las que yo escribo, hay mucho tiempo en el que no haces nada, que parece que desapareces. Porque como de momento tampoco ha habido directos de Legado, yo no soy un artista que diga bueno hacemos un disco y nos vamos dos años de gira. Sino que hay un momento en el que no tienes nada que lanzar. Pues decidí sacar este single, y sacaré otros. Hay otro tema que ya está grabado. Y bueno, pues cuando compile unos pocos pues lanzaré un EP o lanzaré un álbum y se llamará Mitos. Es un recurso que me he guardado entre álbum y álbum. 

¿Qué músicos te acompañan en esta nueva aventura?

En Ícaro la verdad es que han sido pocos. Esta canción ha tenido un proceso evolutivo muy rápido, porque yo tenía muy claro que quería contar la historia de Ícaro. Porque en este proyecto de Mitos se trata no solamente de hablar de los mitos, no es narrar los mitos, sino es resignificar, darle una vuelta a cada uno y traerlos a la actualidad. Porque yo creo que son arquetipos que hoy en día la gente puede perfectamente adecuar al día a día, a su vida cotidiana.

Entonces el mito de Ícaro lo que cuenta es que Ícaro se ve encerrado en una torre sin poder salir, porque su padre construyó el laberinto. Ayudó a que mataran al Minotauro. Entonces es castigado y es encerrado. Y él, Ícaro, tiene esa esa carga por un linaje, por algo que han hecho sus padres. Entonces me parece muy interesante. ¿Cuánta gente hay que tiene que seguir con la profesión que tienen sus padres? Porque tienen un negocio o que de repente te ponen problemas porque tú tienes otra religión y no quieres seguir la religión de tus padres, o porque a tí te gusta el metal y a tu familia le parece que es anti-cristiano o mil cosas, ¿no?. Me parece que es una cosa muy actual y que había que abordarlo desde ahí. Entonces escribí el tema en dos días, la letra salió prácticamente entera, de corrido. Y aproveché que estaba Carlos Espósito en el estudio. Carlos es batería de Leo de Stravaganzza, y que ha grabado todos los discos de Legado de una Tragedia. Creo que junto con Pablo de Warcry, ha grabado en todos mis discos. Y estaba un día por el estudio grabando algo para él y le dije tengo un tema, lo escuchas y tal, le damos una vuelta y lo dejamos grabado y por la tarde… Esto ya se puede contar, pasó por el estudio Alejandro Fung, que es el bajista de Against Myself, que es una banda maravillosa de metal sinfónico española, un poco progresiva, que es muy amigo mío y que toca conmigo en directo en muchos proyectos que están más allá del metal y de Legado. Y él venía a trabajar en el primer single que ha sacado Elizabeth Amodeo en solitario, que es la cantante de Against Myself. Y yo he hecho las orquestaciones del tema que ha salido hace muy poco y es un tema maravilloso y estuve orquestando y él viene al estudio para estar conmigo allí y guiarme, porque yo soy el compositor del tema y él, aparte de ser un excelente bajista, es un increíble guitarra. Entonces le dije tío, acaba de grabar Espósito un tema, mira, escúchalo, ha hecho estas líneas y tal, ¿por qué no te pones? Y se puso a grabarlo y él grabó los bajos y todas las guitarras del tema. Hizo él el solo. Porque ya te digo, es un excelente bajista, excelente guitarrista. Y entonces ya me quedé yo haciendo las programaciones, las orquestaciones, los teclados y me interesaba mucho que fuera un diálogo de una pelea potente entre Dédalo, que es el padre de Ícaro, e Ícaro. Y pensé, ¿quién puede cantar esto conmigo? Porque yo tenía claro que quería ser Ícaro. ¿Quién puede cantar algo y que esté muy enfrentado? Entonces me sale un cantante que a mí me fascina, que estoy enamorado de él, muy amigo mío, muy buena gente y un cantante excelente que es Andy Martínez, cantante de Headon. Porque él tiene un carácter… Yo soy un cantante más hardrockero, digamos, de la escuela del hard rock y él es muy heavy, heavy metal, más clásico y era muy interesante esa dicotomía de las voces. Y le llamé y me dijo claro que sí, cuenta conmigo para lo que sea. Él cantó en el primer single de Lovecraft, en “La Llamada de Cthulhu”, que fue un éxito. Y hemos sido esos. Y Kike Fuentes, cantante de Nurcry, que también le llamé y le dije tío, me harías unos coros y tal y preparó unas corales maravillosas para el tema. Y entre nosotros cinco hicimos la canción. Y luego el increíble trabajo de Raúl Abellán en las mezclas que ya mezcló tanto Lovecraft como el de Goya, Aquelarre de Sombras en sus estudios The Mixtery. Para mí él es un genio, un mago y le ha dado ese sonido tan brutal.

Joaquín, vos te encargas de la producción de tus propias obras también.

Sí, yo en mis discos todo lo que suena, menos los solos, lo compongo yo, ya sea los riffs de guitarra, los bajos, las líneas vocales, las letras, las orquestaciones. Y luego pues viene gente a tocarlo que por supuesto aporta su granito de arena. Si alguien me dice oye, pues mira, le voy a dar este carácter y demás, pues bienvenido sea. Para Lovecraft conté con José Rojo, con un amigo, para grabar algunos riffs que él tenía, pero en todos los demás siempre compongo todo y lo grabo todo yo primero. Y luego los chicos vienen y lo graban encima. Y la producción siempre corre por mi cuenta.

¿Y cómo es coordinar el trabajo de tantas personas? Quizás justo para Ícaro, un poco lo fuiste contando, no fue tanto despliegue, pero en otros discos sí. Me imagino una tarea titánica en la previa, ¿verdad?

Sí, es un follón. En Ícaro. Lo que pasa es que me puse vago y llamé a los mejores, a gente que es muy buena, pero que eran amigos, que ya los conocía y demás. Cuando hago un álbum de larga duración, a mí me gusta mucho llevar a gente con la que nunca he trabajado porque creo que eso le aporta una frescura. Hay gente que repite, gente que no, gente que lleva dos discos sin salir y vuelve. Pero sí me gusta contar con gente nueva y es bastante complicado porque bueno, en primer lugar, hay gente a la que llamo que no conozco y que le puede apetecer o no, o le puede gustar el proyecto o no. Hay que tener muy en cuenta, sobre todo con los cantantes, cuáles son las tesituras, el carácter que quiero que tenga cada personaje, porque claro, no a todas las canciones le vienen bien a todo el mundo.

Y luego pues hay una locura en el proceso de intentar coordinar las agendas de todo el mundo, porque claro, todo el mundo está en gira, todo el mundo tiene grabaciones, todos tienen lanzamientos. “Mira, ¿cuándo vas a sacar el single?, porque nosotros sacamos el single, no me interesa que salga la vez”. O sea, hay una coordinación, una parte un poco burocrática que yo detesto, pero que tengo que hacer. Y que la verdad es que al final le he cogido un poco el oficio, la costumbre de hacerlo. Y lo que sí que tengo muy claro es quién quiero que lo haga. Yo siempre, cuando empiezo a componer, digo voy a hacer este personaje, pienso en cómo va a ser el personaje y me pongo a pensar cuál sería mi primera opción y cuál sería mi segunda. En caso de que el primero no quiera, no pueda, que me pasa muy a menudo. “Mira macho, me pillas ahora mismo a tope de curro. No estoy disponible ahora para hacerlo. Si puedes esperar tres meses, sí”. Y entonces, dependiendo de cómo yo vaya con la producción, a veces puedo, a veces no. Y se trata de tener muy claro lo que quieres. Ser muy organizado a la hora de preparar las bases. Grabar la ópera dos veces. Tengo que grabarlo todo para luego mandarlo y decirle a la gente “Pero mira, esto es así y tal. Aquí me gustaría que hicieras, lo adaptarás como tú quieras. Te dejo libertad en este estribillo, en este no”. Porque de repente canta un tipo aquí en Madrid y hay otro haciéndole coros que tienen que ir encabalgados en Barcelona o en México.

Y claro, tiene que haber una línea muy clara y todos tenéis que pegaros a mi voz, aunque luego no vaya a estar. A lo largo de los años he desarrollado mucho oficio para tenerlo claro desde el principio y ponérselo fácil. Y luego pues sí que dejo alguna manga ancha para que la gente pueda también aportar su granito de arena de bueno, pues su personalidad. Pero es complicado. Es la parte más dura y la más desagradable, la más ardua. A mí lo que me gusta es el arte. Me gusta grabar, componer, escribir, el tú a tú. Pero el tener. “Mira, te mando los archivos y te lo mando de tal manera. Y entonces. Y coge cada letra y ahora te pongo en amarillo lo tuyo, en rojo lo y lo otro y ahora lo otro se lo cambias. Mira, esto es lo tuyo”. Las anotaciones las suelo mandar a veces un texto explicándole que es su personaje, qué tiene que hacer entonces. Es un poco tedioso, pero bueno, forma parte bonita del trabajo final.

¿Has trabajado con músicos argentinos? En Legado de una Tragedia 1 recuerdo a Hugo Bistolfi. En el 3 estuvo Beto Vázquez también. Entiendo que alguna vez habías contactado a Adrián Barilari y no había podido, ¿puede ser?

Con el primer disco intenté que viniera Barilari, pero porque además hay una cosa muy curiosa y es que, paralelamente al lanzamiento del primer disco, quizá un poco antes, yo tenía una banda en España que se llamaba Iguana Tango, que era una banda de pop rock, era una cosa alejada del metal. Un poco como AOR. Y nuestro road manager, que viajaba con nosotros, era el road manager de Rata Blanca, Eduardo Rodríguez. Y nosotros hicimos mucha amistad con Edu, claro, que convivía con nosotros. Y recuerdo una anécdota que vino Rata Blanca a tocar a Madrid y les perdieron el bajo en el aeropuerto y nosotros les prestamos el bajo. Nos invitaron ahí a estar con ellos y ya había una relación con Barilari. Pero recuerdo cuando hice el primero intenté hablar con él. Y eran de estos casos en los que él tenía muchos problemas de fechas, giras y demás y no pudo. Y luego en Iguana Tango hicimos una versión de Rata blanca de Mujer Amante y vino Walter Giardino a grabar un solo en el tema. O sea que nosotros tenemos relación con Rata, pero finalmente nunca pude contar con él. Me hubiera encantado, por supuesto, con el maestro Barilari.

¿Y cómo es para pensar un proyecto como Legado en directo, en vivo? Porque imagino es difícil pensar en una gira a gran escala por la cantidad de músicos invitados. Quizás sí tenga más que ver con fechas especiales.

Bueno, llevo 20 años con el proyecto y todavía no he conseguido llevarlo al directo, pero mi idea es hacerlo en este 2026. Está muy avanzado todo. La única manera de hacerlo es un poco copiando la fórmula que lleva una banda que a mí me encanta, que es Therion. Y que está haciendo Avantasia. No me puedo llevar 25 personajes porque hay algunos que salen, cantan un trocito y se van. Lo voy a hacer con cuatro, cinco o seis cantantes, que se reparten todos los personajes. Y claro, como nunca lo he hecho, la primera vez a mí me gustaría mucho que fuera aquí en Madrid. En un principio está pensado para que sea en Madrid, aquí en España. Y como muchos músicos son de aquí, pues aparte de los cinco o seis cantantes, pues de repente puede haber algún invitado que venga, que cante una vez y tal, y ese formato exportarlo.

Y mi idea es ir a América claramente, porque hay mucha demanda. De hecho, es muy curioso que más del 50%, más de la mitad de los oyentes de Spotify, los tenemos en América. De hecho, más del 50% de los oyentes de Legado de una Tragedia están en México. Tenemos muchísimos más fans en América, en Argentina, en Chile, en Colombia que en España. En España tenemos muchísimos fans, pero es curioso que América está muy volcada con el proyecto y mi idea es lanzarlo y llevarlo para allá. Estamos intentando cuadrar porque no es un concierto al uso, O sea, ponemos los amplis detrás, nos ponemos una camiseta de Motörhead y salimos a tocar. No. Queremos tener escenografía, una parte de vestuario, un diseño de luces. Hay una parte muy teatral que está diseñada con pantallas y demás, y la logística requiere de un lugar que curiosamente en México no hay ningún problema para conseguirlo y probablemente en Buenos Aires tampoco. Pero sí hay problema en Madrid. En Madrid hay un aforo que es un poco complicado porque el sitio donde nos cuadran, los camerinos son pequeños porque va a haber muchos cambios de ropa, mucha gente y no hay lugar para poner el atrezo. Estamos buscando el sitio perfecto para hacerlo bien.

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Creo que en el 2004 más o menos empezaste a pensar en Legado de Una Tragedia. Finalmente el primer disco salió en el 2008… Son más de 20 años, ¿te imaginabas que iba a tener tanto recorrido el proyecto?

Pues mira, no, la verdad es que no, pero no me lo imaginaba porque… intento no mirar mucho más allá. O sea, quiero decir, a mí siempre me ha gustado soñar caro. Puestos a soñar, no voy a soñar en barato. Pues vamos a soñar que esto va a ser muy grande y cada vez más grande, que llegará más gente y que haremos giras mundiales y que durará hasta que me muera. Pero no miro mucho más allá del siguiente disco. Igual que he dicho muchas veces en muchas entrevistas que no me gusta mirar al pasado. Yo no pongo los discos de Legado. Ha sido una sorpresa, ahora que estamos preparando el directo, porque he vuelto a escuchar toda la discografía y me he sorprendido, a decir hostia, que cómo volaba esta canción o cómo volaba o qué guay hicimos esto, para elegir el repertorio. Pero no pongo los discos antiguos. Yo acabé una obra y ya pasó y ya estoy pensando en la siguiente, pero solo en la siguiente, no en dentro de tres. Entonces no me imaginé nunca hasta dónde iba a llegar, porque no miro el pasado y miro al futuro muy cercano y cada día miro más al presente, porque al final la vida da muchas vueltas y lo mismo ahora estamos trabajando ya en el nuevo disco y mañana me llama la persona que me está ayudando a hacer la producción. Me dice ya tenemos sala y de repente ese proyecto queda apartado y hacemos el directo y va bien y me paso todo el año que viene girando por España, por América, por festivales y ya el disco. Entonces no sé decirte, pero desde luego no, porque era una locura, nadie lo había hecho en castellano, no existía en castellano y aparte yo en ese momento tampoco era un artista de metal. Yo, todos mis discos aquí son de metal desde que era niño: Maiden, Stryper, Helloween, Judas, Metallica. Tambien de Hard Rock, Bon Jovi, Warrant o Skid Row, Motley Crue… Luego me dio por la música más bestia. Pero como artista, aunque yo componía cosas de heavy y demás, yo tocaba en una banda de éxito de pop en este país. De pop rock. Entonces era muy raro cuando el que levantaba el teléfono era “Hola, soy el cantante de Iguana Tango, estoy haciendo una Opera Metal”. Al principio todo el mundo decía ¿qué es esto? No sé qué ejemplo podría poner, pues es a lo mejor como si me lo invento, no sé exactamente, pero es como si Cerati, claro, lo llama a Barilari, le dice que tiene una ópera metal de la hostia y le suena raro. ¿Tú estás haciendo una ópera? Que eran cañeros y rockeros, pero no es metal, ¿no?

Eso de pensar siempre en grande me remite también al Ícaro, ¿no? Que tenía ese límite impuesto, no por él, de volar hasta cierta altura… y él no lo respetó.

Claro, porque yo creo que hay que volar hasta el sol, aunque te quemes las alas y te despeñes al mar y te mates. Pero hay que volar hasta donde tú quieras ir, porque si yo vuelo hasta dónde quieres ir tú, la vida es muy aburrida. Y hasta que alguien me demuestre lo contrario solo tengo esta vida. Entonces para vivir tu vida ya estás tú, que seguramente será una vida fascinante y maravillosa, pero a lo mejor no coincide con la vida fascinante y maravillosa para mí. Entonces yo siempre le digo a la gente cuando me preguntan qué le dirías tú a la gente joven que empieza y tal, que cuando alguien le pregunte por qué, responda ¿Por qué no?

Hubo un tiempo en que Metallica no les conocía nadie y tocaban en un bar de mierda, en un garito de mierda, para sus novias. O sea, Metallica no empezó tocando en un estadio. Siempre hay un momento antes de dar la vuelta a la esquina y encontrarte con el éxito. Y alguien tuvo la maqueta de “Motorbreath”, algún sello discográfico y diría “pero ¿dónde van éstos? Bandas como estas tengo 200” y tiraría la cassette. Nadie dice “Ah, vale, este chaval que tiene seis años, dentro de 50 años va a ser la mayor estrella del rock”. Y esto pasa con todos los artistas. O sea, yo no creo que no se encontrara con ningún artista, que bueno, no sé, me puedes desmentir tú que te haya dicho “Ah cuando tenía 13 años sabía que me iba a convertir en estrella del rock”. Puedes esperarlo o tener ilusión. 

Esta es una pregunta que encierra un poco de un poco de opinión, pero acá nos interesa tu punto de vista. Yo creo vivimos una época donde cada vez más impera la ignorancia, lo superficial y de repente uno se encuentra con un proyecto como es Legado de una Tragedia… tan complejo, tan trabajado, y que requiere muchísimo del oyente. Uno inmediatamente escucha cualquiera de estos discos y entiende el compromiso del artista para hacer algo diferente. Y uno, como oyente, no puede ser menos. Si no, no lo va a disfrutar. ¿Trabajás conscientemente en eso de que estás ofreciendo un proyecto, un producto tan elaborado, tan distinto?

Mira, me encanta la pregunta porque tiene muchas capas. Me encanta lo que has dicho del compromiso que tengo yo con contigo, que escuchas el disco y el que un poco te exijo a ti. Si te quieres enterar del disco puedes escuchar el disco, pero tienes que ver las letras o conocer la historia o investigar un poco. Si no, no vas a disfrutar del disco.

Te voy a ser muy sincero, cuando yo hice el primero… en general yo los discos los hago, aunque suene un poco feo, porque me da la gana. O sea, quiero decir, yo cojo un día y digo voy a hacerlo. ¿Por qué? Porque me apasiona, y porque me cuadraba mucho la historia que yo tenía en la cabeza. Pude crear con el género del metal, las orquestas sinfónicas. Es una tragedia. O sea, había un concepto que me interesaba mucho.  Y a mí me encanta Edgar Allan Poe. Y yo me informé, hablé con la Baltimore Society para que me mandaran información. O sea, investigué, leí todo, por supuesto de Poe. Y yo puse ese compromiso, pero por placer, porque a mí me gusta. Pero me encontré con algo muy curioso. Es que después del primer disco me llamaba mucha gente, me escribía muchos profesores de instituto que me decían “Tío, utilizo tu obra para meter a la gente en el mundo de la literatura”. Y los chavales de repente encuentran otro elemento, otro algo al que engancharse. Que a veces en el colegio tienes un libro y te lo manda el profesor y solo porque te lo manda el profesor ya lo miras con malos ojos.

Y me pasó una cosa muy curiosa precisamente con un chico argentino que era un tipo que me escribía a menudo por redes. “Oh tío, me encanta el primer disco, lo llevo todo el día en el coche, vamos flipando en el coche y lo llevo y tal.” Y un día después de escribirme con él varias veces, me manda una foto de su hijo de diez años leyendo a Poe porque de ir tanto en el coche con el niño escuchando y dijo “papá, yo quiero leer ésto”. O sea, le gustó al niño. Cuando yo empiezo a pensar que un chaval de diez años que vive a 14.000 kilómetros de mi casa, se inicia en la literatura de un autor universal como Poe por mi música, me di cuenta del poder que tiene la música. Y me di cuenta de que hay un montón de gente que gracias a Dios hoy con la globalización y con las redes y con todo, que aun estando a 14.000 kilómetros, que aunque a ti te cuesta mucho conseguir el CD, aunque no puedas conseguir el CD, igual puedes escuchar los discos. Y probablemente igual que yo, seguramente no tenga el mismo conocimiento sobre el imperio Inca porque me pilla más lejos y conoces cosas y demás, pero no lo tienes tan claro. A un tipo de América o de Japón seguramente no tenga tan claro qué son los Templarios o qué pasó con los Templarios. O entre mis fans. Yo pregunté a unos aleatoriamente en las redes, les pregunté ¿Cuál es el pintor más famoso español que conoces? Y mucha gente me decía Picasso o me decía Dalí, pero casi ninguno me dijo Goya. Y Goya para nosotros es como ¡guau! Y yo decía hay mucha gente que no conoce las pinturas negras de Goya y lo que hay detrás y a su vez, de donde surgen, y los grabados y que fue el primer periodista gráfico de su tiempo. Porque nos habían invadido los franceses. Claro, a lo mejor yo no tengo toda la información, más allá de los titulares, de qué pasó en la Guerra de las Malvinas, por ponerte un ejemplo. A lo mejor hay detalles de la historia que a mí se me escapan y yo tengo la oportunidad de contárselo a la gente y de hacer llegar y que la gente tenga curiosidad por ello.

Y me consta, porque luego, claro, mucha gente lo comenta en los foros y demás. Hay gente que viene a leer a Lovecraft por esto o hay gente que a lo mejor descubre la mitología grecolatina gracias a Ícaro. Entonces yo siempre hago un esfuerzo en que lo que cuento es verdad, en las fechas, que los personajes pueden tener alguna licencia, que luego suelo explicar en las entrevistas o en los making of, que hay muchos making of de los discos. Pero hay un compromiso cultural. Creo que yo lo aprendí muy pronto, también lo he comentado alguna entrevista, yo conocí a Poe por Iron Maiden, por “Murders in the Rue Morgue”. Yo conocí a Lovecraft por “La Llamada de Cthulhu” de Metállica. Que yo dije esto de La Llamada de Cthulhu ¿qué coño es? Y en aquella época te cogías una enciclopedia y te enteras de que es un personaje de un tipo. Digo oye, si a mis héroes les interesa este autor, vamos a leerle. Entonces hay un poder cultural en la música que va mucho más allá de lo que creemos. Creo que es importante y es importante utilizarlo.

Joaquín, te quiero agradecer muchísimo la nota… estaremos como siempre atentos a tus lanzamientos.

Mentiría si no señalara que he conocido a Hortzak debido a las estupendas películas del director Paul Urkijo, vocalista del proyecto. Pero Hortzak esconde eso y mucho más: el virtuosismo de unos músicos consagrados en la escena vasca (David Zabala, Asier Gabiola y Mike Cuesta, son sus compañeros), letras críticas y monstruosas, y un poco de esa referencialidad friki que tanto me gusta.

Sus dos álbumes de estudio son pequeñas joyas para disfrutar, sobre todo en formato físico ya que las portadas y arte interior son realmente impactantes. 

Y además podremos verles por primerísima vez en directo, este próximo mes de mayo de 2026, el día 10 en Vitoria, el 23 en Larratxo, Donostia (con Anestesia y Kudai) y el 30 de mayo en Lekeitio.

Sobre todo esto, hemos charlado con Paul Urkijo.

Buenos días, Paul, gracias por concederme esta entrevista. Hablamos de “Ez dut pozik egon nahi”, el nuevo álbum de tu banda, Hortzak. Es un trabajo excelente y en él me quiero centrar, pero desde luego no puedo obviar tu faceta como cineasta. Es muy probable que muchas personas te conozcan principalmente por éxitos como “Irati” o “Gaua”. Es casi obligatorio que te pregunte al menos ¿Cómo combinas estas dos vertientes artísticas? ¿Existen sinergias positivas entre ellas? 

Bueno, uno es mi oficio (el cine) y el otro es un proyecto que surge entre amigos. En plena pandemia del Covid, David Zabala, que es amigo de hace muchos años y guitarra de Hortzak, me dijo que estaba componiendo temas con Asier Gabiola (batería). Me propuso cantar porque sabía que me gustaba berrear… así que con ciertas dudas me puse a escribir las letras de las canciones. Hortzak surgió sin ningún tipo de pretensión. Solo para divertirnos y desahogarnos. Pero de alguna manera, al escribir las letras termino contando historias al igual que en las pelis. Supongo que las dos (las pelis y la música) son una forma expresión o de catarsis.

Tu nuevo trabajo musical es efectivamente “Ez dut pozik egon nahi” (“No quiero ser feliz”), un título que es toda una declaración de intenciones en una sociedad de consumo salvaje y artificial, que esconde muchos trapos sucios. Esto se refuerza en todo el álbum, especialmente en la canción del mismo nombre. Por favor, háblame un poco del proceso creativo de este álbum y de su mensaje principal.

Efectivamente es un grito de rabia y es un desahogo ante lo feo que estamos dejando el mundo y de la impotencia y la hipocresía en la que vivimos… Y básicamente el proceso creativo ha sido así: David y Asier hacen los temas y me los pasan para que les ponga letras. Y, en este último disco, Mike Cuesta se unió a la banda con el bajo. En el caso de las letras, se me van ocurriendo temas de los que me gusta hablar. En general son historias fantásticas, monstruosas o mitológicas, mezcladas con temas de mala ostia y violencia.

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Hortzak es una banda que defiende su música en euskera, en un género que, aunque sigue teniendo como idioma mayoritario el inglés, sí que se presta a la diversidad. Cada vez nos llegan más bandas cuya lengua y señas de identidad están muy arraigadas a sus lugares de origen, sean Noruega, Islandia, Mongolia o Brasil. Entonces: ¿Cómo es tocar metal en euskera? ¿Crees tú también que el metal se presta a la diversidad simbólica y lingüística?

Yo siempre he escuchado música en euskera. Y aquí siempre ha habido una escena muy potente de Metal, Hard Core, Black metal… con gente como Su Ta Gar, Anestesia, Numen, Berri Txarrak… Hay un montón de bandas y estilos muy diversos. Y para nosotros es normal porque hemos crecido con ello. Pero siempre hay un factor de reivindicar nuestra cultura e idioma. Y también de ser críticos con nuestro propio entorno.

Yo todavía no soy capaz de hablar euskera, pero sí he podido reconocer enseguida algunos insertos en el álbum, como el profeta loco de “La vida de Brian” que abre el álbum y más tarde la buena noticia de que volvemos a tener carne en el menú de “Las dos torres”, que le dan un toque de humor algo friki a un álbum que por lo demás trata temas serios y oscuros. ¿Puedes hablarme de estas referencias? 

¡Jajaja! Sí, es bastante Freak. Pero es lo que somos. Nos gusta meter esa clase de audios. Como lo han hecho muchas bandas antes de nosotros. La intro es del gran Terry Gilliam de profeta desquiciado, con el cual nos identificamos en su tono apocalíptico y absurdo. Y el audio de los Uruk Hai gritando eso de que hay carne de orco, siempre nos ha hecho mucha gracia (para mí una de las mejores escenas de LOTR) y nos venía genial para la canción “Antropofagia” que habla de la gente rica comiéndose a gente pobre porque la brutalidad del mercado libre lo ampara. Además, la primera canción “Horda Beltza” es un homenaje a los Orcos en general, que son los mejores, aunque siempre mueran.

También he visto de casualidad que, como yo, sigues entre otros a Raised By Owls, una banda a la que tengo mucho cariño pese a no ser nada conocidos en España, y que aportan grandes cantidades de humor a su música. Así que, siguiendo también el hilo de la pregunta anterior: ¿Qué papel tiene el humor en el metal, en tu opinión?

Pues siempre está presente porque nos lo queremos pasar bien y no nos tomamos demasiado en serio a nosotros mismo, en la vida en general. Pero también porque entre los miembros del grupo y colegas cercanos, el humor negro es una de las formas en las que mejor expresamos nuestras frustraciones. 

Como decía, los temas tratados en el álbum son profundos, serios y relevantes: encontramos violencia, avaricia, la impunidad de los poderosos… junto a la imaginería mitológica y religiosa y siempre con una fuerte perspectiva existencialista. ¿Cuáles son vuestras fuentes de inspiración? ¿Cómo de importante es la crítica social para Hortzak?

Pues lo que comentaba. Son tema que me molan, y la verdad es que no sé hacer nada sin cierta crítica o reflexión social. Y creo que mis compañeros piensan igual. Mis pelis también lo tienen de alguna manera. Creo que la rabia y el desahogo con la que vibra la potencia de las canciones precisamente viene de exponer el mundo en el que vivimos. Y la mitología siempre esta lleno de personajes y símbolos que ayudan a hablar de ello, pero desde una perspectiva monstruosa.

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Sois una banda relativamente joven, fundada en 2020 si no me equivoco, y siendo este vuestro segundo álbum de estudio. Parece que os estáis consolidando rápidamente como banda y en cuanto a sonido. ¿Puedes hablarnos un poco de los inicios de Hortzak y de la etapa que está viviendo la banda ahora mismo?

Como te he comentado antes, el comienzo fue algo improvisado. “Zabala” y “Asi” tenían los temas del primer disco y luego metí yo la voz. Luego como no se saben estar quietos pues se cascaron en muy poco tiempo otros doce temas. Y yo, no sé cómo, entre peli y peli saco el tiempo para escribir las letras… Ahora con Mikel y el segundo disco nos hemos propuesto hacer algún bolo. Aunque Zabala ya me dijo ayer que ya tiene un tema nuevo… no sabe parar el chaval, jajaja.

El nuevo álbum acaba de caer en mis manos hace pocos días y ya lo estoy quemando a base de darle vueltas en mi reproductor de CD. ¿Tendremos la oportunidad de disfrutarlo también en directo este año 2026?

Pues nos vamos a desvirgar en directo, porque tenemos algunos conciertos programados ahora en mayo por la zona de País Vasco. El 10 en Vitoria, el 23 en Donostia y el 30 en Lekeitio. Y habrá alguno más si sobrevivimos a estos. 

Y ya para terminar: ¿Dónde te gustaría ver a Hortzak dentro de otros 6 años?

Pues siempre decimos que Hortzak es para disfrutar y sin pretensiones. Sin ningún tipo de compromiso. Así que espero que sigamos sacando temas porque significará que seguimos disfrutando de hacer ruido.

Mila esker, muchas gracias por tu tiempo y enhorabuena por el buen trabajo.

Ya queda muy poco para la visita de The Rumjacks a España este mayo y, por ese motivo, hemos podido charlar con Johnny McKelvey, bajista y miembro fundador de la banda. Es una persona encantadora y está entusiasmado por volver a visitar nuestro país, donde el grupo siempre es muy bien acogido. Por mi parte, yo tengo muchas ganas de ver en directo tanto sus grandes éxitos como algunas de las nuevas canciones de su último disco, Dead Anthems (2025), además, el veinte aniversario de la banda se está acercando y Johnny nos revela algunos de sus planes para celebrarlo.

Hola, muchas gracias por concederme esta entrevista y dedicarme unos minutos. Sé que no tenéis mucho tiempo libre. Sois conocidos por ser una de las bandas que más gira del mundo. ¿Cómo lográis mantener esa energía constante a lo largo de los años?

Hola, muchas gracias a vosotros. La respuesta corta sería “por el público”. Porque no importa lo muy agotador y cansado que resulta estar de gira, viajar, trabajar de noche… todo eso es trabajo duro pero también es muy divertido y nos encanta absolutamente, por eso lo hacemos. Así que puedes estar cansado y desgastado, puedes estar incluso totalmente agotado ese día, pero en el momento en que subes al escenario y ves a los fans ¡todo eso desaparece! Así que hay otros momentos para sentirse cansado, pero cuando estás con la gente, ellos te dan su energía y borran todo el agotamiento ¡y por eso seguimos haciéndolo! Es la parte más bonita, dentro de todo lo que implica este trabajo.

Dentro de muy poco os veremos en directo en España. Sois una banda muy querida aquí, nos habéis visitado ya en muchas ocasiones, cada vez en salas más grandes. ¿A qué creéis que se debe vuestra conexión con el público español?

¿Pues, sabes qué es? De nuevo, es por la gente, los fans y las personas para las que tocas. Y, por muchas razones, creo que a los españoles les gusta pasarlo bien, les gusta la fiesta, aman la vida. Cada vez que hemos venido de gira por aquí, por las muchas regiones de España, todo el mundo es muy acogedor, las actuaciones resultan divertidas, todos están dispuestos a pasar un buen rato. Por eso se nos hace muy difícil decir que no a volver a España, tenemos siempre una acogida espectacular y nosotros lo disfrutamos mucho también. Es un país muy bonito y sentimos que somos muy afortunados de poder volver y actuar para gente que realmente tiene ganas de estar allí con nosotros. Puedes verlo, que todo el mundo está allí por el mismo motivo, que es disfrutar de la música. Me encanta.

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Por cierto, ¿Cómo habéis escogido a los teloneros que os acompañarán por nuestro país? Es curioso que en cada ciudad serán bandas diferentes y muy variadas.

Es una buena pregunta. La verdad es que nos gusta tocar tanto con bandas que hacen lo mismo que nosotros, que son del mismo género, y es como la elección más obvia lo de tocar con bandas similares… pero también nos gusta mucho la variedad. A mí, particularmente me gusta asistir a conciertos con alineaciones mixtas y variadas: es enriquecedor, porque aporta más cosas. Una noche con música que suena similar también tiene sus dificultades, porque el concierto puede durar cinco o seis horas. Por eso también pienso que el público encuentra refrescante que haya variedad. También si acuden a diferentes fechas a lo largo de una gira. Está bien cuando el público a lo mejor ni siquiera conoce a las bandas con las que tocamos ¡o que no nos conocen a nosotros!, creo que es algo positivo porque podemos complementarnos unos a otros. Todo aporta algo, y en esta ocasión vamos a tocar junto con varias bandas diversas y estamos contentos con ello.

Quería preguntarte también por el último disco “Dead Anthems” y la etapa actual del grupo. Además ya lleváis más de cinco años con Mike como vocalista y ya estáis plenamente consolidados con él. Así que ¿cómo son The Rumjacks en la era actual de la banda?

Es genial, creo que todavía estamos en la cresta de la ola respecto a la incorporación de Mike. Creo que esta ha sido la mejor decisión que hemos tomado como banda. Lo estamos disfrutando mucho, pero también estamos trabajando mucho, ya sabes que estamos mucho de gira, y “Dead Anthems” todavía suena a nuevo, tiene apenas un año de vida y eso es bastante joven para un disco. Así que nos estamos centrando en mantener al máximo esa energía y estar de gira y seguir adelante. Y uno de nuestros objetivos está siendo volver a visitar algunos lugares que no habíamos visitado aún, o no tanto, o hacía mucho que no volvíamos. Hemos tomado conscientemente la decisión de volver a ver a los fans que más han estado esperándonos. La verdad es que estamos muy contentos e ilusionados con esto, nos encanta estar de gira otra vez. 

Y además también hemos estado componiendo. Vamos a volver al estudio dentro de un mes o así y es posible que hagamos un lanzamiento pequeño, como un EP o algo similar. No es seguro, pero ya tenemos bastantes canciones. Así que ya ves: estamos de gira, componiendo… muy contentos porque las cosas se mueven adelante. Y a la vez, mientras hacemos todo esto, también estamos tratando de recordar que en 2028 será nuestro veinte aniversario, así que habrá de nuevo mucho que hacer y que girar. Tenemos por delante unos años muy ilusionantes.

¡Nunca paráis!

Nunca.

He estado mirando vuestros setlist y veo que estáis abriendo vuestros últimos conciertos con “Come Hell or High Waters”, que es una canción que personalmente me encanta, tanto por su música como por su mensaje sobre migración y resiliencia, que creo que es muy necesario. En un mundo que cada vez parece más salvajemente racista y xenófobo, ¿Qué acogida está teniendo esta canción?

Muchas gracias por decir eso. La verdad es que también es de mis canciones favoritas del nuevo disco. Personalmente estoy muy contento de abrir con ella porque disfruto mucho de esa canción. Así que, sí, es cierto que hemos estado abriendo con ella en la gira y está siendo muy bien recibida. Pero siempre decimos, con nuestra propia música, que cada uno puede escucharla a su manera. Puede ser la canción entera, las letras o la música. Hay quien disfruta la melodía sin tener mucho en cuenta la letra y eso también está bien. Si lo que te gusta es solamente la música, estamos felices de formar parte de ello, del disfrute de alguien a través de la música. Y verás, tienes razón en que hay mucha gente con la mente muy estrecha y con visiones muy tontas sobre el resto del mundo, las culturas, las migraciones… Es un tema muy potente en este momento y hay muchas ideas estúpidas al respecto a su alrededor. 

Creo que hay gente que simplemente es inculta al respecto, y nosotros no estamos aquí para dar lecciones a nadie, de ningún modo. Como he dicho, cada cual puede interpretar nuestras canciones como lo desee, siempre que sea desde una perspectiva positiva y productiva: si le aportamos algo a la gente, estamos contentos. Pero me he dado cuenta de que mucha gente olvida quienes somos. Yo provengo de una familia de ascendencia irlandesa y, aunque no sea la típica cara que la prensa señala para hablar de migración, también podría serlo. La prensa a menudo trata de señalar bando y poner rostros a los que etiquetar y decir “estos son los buenos”, “estos son los malos”. Y la verdad es que mis padres vinieron de Irlanda del Norte para buscar una vida mejor en Australia. Para criarnos con seguridad. No entiendo que se pueda cuestionar algo tan profundamente humano. La naturaleza humana siempre va a buscar un lugar seguro para vivir y para criar a su familia. Pero hay gente que tiene los conceptos muy mezclados y los medios también contribuyen a eso. Se nos olvida que no hay una cara, un aspecto ni un idioma de la gente que merece más de la vida. Hay confusión, pero no por ello lo justifico. Y la cara de la migración bien puede ser una familia irlandesa que se marcha al otro lado del mundo, o puede ser alguien que huye de la guerra en su país de origen. Tampoco hay un bando de la gente que quiere que su vida mejore, porque somos todos. Y esta canción habla de este concepto. De personas que podrían ser cualquiera y sólo quieren ver crecer a su familia con seguridad y vivir una vida feliz y próspera. Esa búsqueda es universal y eso es lo que se nos olvida. Todos queremos lo mismo, no es algo propio de una cultura, una religión o un aspecto físico. Es un derecho humano universal. 

Entonces, sería genial si esta canción hace pensar un poco a la gente. Si ven cómo hay irlandeses en todas partes, si ven que han viajado a todos los rincones del mundo… verán que todo el mundo lo ha hecho y todo el mundo debería sentir que tiene ese derecho, provenga de donde provenga. 

Es una canción preciosa. También me ocurre con la canción “Eye for an eye”, que me ha dejado sobrecogida. Entiendo que hace referencia a la historia de Irlanda, pero a la vez es muy actual y podría aplicarse al planeta Tierra en general. 

Sí, efectivamente, está basada en la historia de Irlanda y el conflicto entre protestantes y católicos, pero también tiene un mensaje universal, acerca de que las generaciones precedentes nos marcan un camino y ¿tú qué vas a hacer?, ¿vas a seguir ese camino marcado, o vas a hacer algo para cambiarlo?. Tú no eres tu padre ni tu abuelo. Eres una persona con tus propias ideas y objetivos. Tienes una educación. Está en tu mano cambiar. Así que creo que has dado en el clavo, porque es una canción universal, aunque tenga una base en Irlanda, podría extrapolarse a cualquier lugar del mundo. Es una situación que se repite en todas partes. Pasar la antorcha pero en el mal sentido. Recorrer el camino sobre las huellas de tus padres. Todos somos parte de nuestra historia y de nuestra familia, pero podemos cambiar las cosas. 

Por cierto que viene acompañada por un videoclip espectacular, en el que sale mucha gente, todos vosotros actuáis, es muy cinematográfico… ¿Fue difícil rodar algo así?

Sí, fue algo difícil, jajaja. ¿Sabes?, para nosotros es fácil subir al escenario, nos sentimos cómodos incluso delante de miles de personas. Pero nos pones delante de una sola cámara y eso nos pone mucho más nerviosos. ¡Preferimos el escenario! Y si además tenemos que actuar, es todo un reto. Igualmente lo pasamos muy bien, y el equipo de personas con el que estuvimos trabajando nos ayudó mucho. No recuerdo ahora el lugar de Inglaterra donde grabamos, pero fue muy divertido, pasamos el día en la ciudad buscando localizaciones y nos metimos en algunas situaciones curiosas al grabar en la calle. Mucha gente nos miraba al pasar, a ver qué hacíamos. Pero al final ha quedado muy bien. Es una canción muy bonita y un poco diferente a las demás, así que estoy muy contento de que hayamos podido sacar este vídeo, para complementarla, como hemos hecho con algunas de las otras canciones.

También me han llamado mucho la atención los videoclips de dibujos animados que habéis hecho con Ben Satchel para “Scandal” y “Cold like this”. ¿Cómo surgió la idea de trabajar con él?

Pues la verdad es que vimos otro videoclip hecho por él para unos amigos, Buster Shuffle, una banda muy interesante de Reino Unido. En fin, su vídeo salió muy bien y creo que fue Mike quien les envió un mensaje para preguntarles: “¿quién os hizo ese videoclip? es genial”. Y además es que nosotros vivimos cada uno en un sitio, cada miembro de la banda está muy lejos de los otros, así que es difícil juntarnos todos, salvo en las giras, y siempre estamos buscando ideas para hacer estas cosas, como los videoclips. Además es una forma de variar, y que no sea siempre la misma imagen de nosotros tocando en una habitación. Así que se juntó todo, porque es una forma de sacar un tipo de videoclip diferente, algo que no hacemos normalmente, y que nos facilita el no tener que volar los seis a algún lugar intermedio para grabar el vídeo. Un vídeo diferente y que no nos obliga a estar en el mismo país, y parece que han quedado bien. 

Yo creo que son muy originales y muy representativos de lo que sois The Rumjacks.

Sí. Yo también creo que el animador hizo un gran trabajo. Y todos hemos disfrutado mucho viendo el resultado final, ya que es la primera vez que trabajamos con este animador y hemos quedado satisfechos. 

Muchas gracias, Johnny, estamos deseando veros por España a mediados de mayo ¿hay algún mensaje que quieras mandar a tus fans españoles?

Desde luego: muchas gracias a todos por apoyar a The Rumjacks. Os queremos mucho y por eso seguimos volviendo. Y gracias por leernos aquí en Track to Hell. Estamos deseando veros muy pronto para esas épicas fiestas españolas, que tanto hemos disfrutado en los años anteriores ¡Muchas gracias! 

Desde su nacimiento en 2017, Serpent ha transitado un camino de transformación constante, dejando atrás etiquetas como el post-hardcore para abrazar una identidad más libre, cruda y honesta. En esta entrevista, la banda reflexiona sobre su evolución, su relación con la agresividad y la emoción en la música, y su firme postura crítica frente a una escena dominada por lo efímero. Con su nuevo trabajo Absolutisme Zen, Serpent no solo reafirma su esencia, sino que también plantea una mirada incómoda y necesaria sobre el mundo actual.

– Serpent comenzó en 2017 dentro de la etiqueta post-hardcore. Hoy, esa etiqueta parece innecesaria. ¿Cómo describiríais la evolución de la banda desde aquellos primeros días hasta el presente?

Sergi: Pues no hace mucho, pero parecen otros tiempos totalmente distintos. La cosa ya empezaba a estar de capa caída en el underground musical pero todavía había esa inercia de la época de vacas gordas en que en Barcelona nos podíamos permitir hacer varios conciertos a la vez en la ciudad y cada uno tenía su nicho. Las bandas de guitarras se etiquetaban en géneros, subgéneros y más allá. Visto desde ahora me parece un poco excesivo y si, ahora mismo innecesario. El espíritu de la banda hoy en día sigue siendo el mismo, queríamos ubicarnos a la sombra del hardcore para que nadie nos pidiese cumplir con ciertos estándares del género y poder hacer lo que nos diese la gana.

Fran: Lo mejor de estos años ha sido “curtir el lomo”: después de tantas alegrías y algún que otro bofetón, hemos aprendido a disfrutar de toda situación, buena o mala. Eso nos ha ayudado a perder el respeto a las etiquetas. Al final, preferimos el error a seguir un manual de instrucciones.

Marc: Yo creo que la banda ha ido evolucionando y liberándose de etiquetas pero con el mismo espíritu de siempre.

– Vuestro sonido combina riffs crudos con momentos más introspectivos y dinámicas complejas. ¿Cómo encontráis el equilibrio entre agresividad y matices en la composición?

Sergi: La agresividad y la emoción son cosas que han estado ahí en todos los grupos de punk-rock y de hardcore que hemos tenido. Y creo que, personalmente, si no pudiese expresar eso no me interesaría hacer música. Anteriormente lo hemos expresado con la ganancia a tope y ritmos más rápidos. Ahora de una forma más libre y abierta. Y aun así, a mi personalmente me parece lo más antisocial y agresivo que he hecho.

Eric: Cuando ensayamos la demo sólo éramos Sergi y yo, y sólo había guitarra y batería. Por aquel entonces no tenía la más remota idea de como Sergi sería capaz de cantar encima de esos riffs y compases rotos. No fue hasta la grabación que escuché las voces, y creo son las que consiguen equilibrar la propuesta. Son agresivas y rabiosas pero añaden un toque melódico que consiguen aligerar el caos, la pesadez y complejidad de la parte instrumental. Quizá en este disco no es tan evidente porque quizá es un pelín más básico o menos raro, pero creo que la voz es fundamental para conseguir ese equilibrio, y también es un elemento que tenemos muy en cuenta para definir que tocamos cada uno en su instrumento.

Fran: Creo que es la parte más divertida de ensayar: ver cómo una demo de Sergi se convierte en una canción orgánica. A veces bromeamos con que el proceso es como un videojuego donde nos enfrentamos a enemigos cada vez más complejos. 

Marc: La agresividad está bastante presente en las composiciones de Serpent, y el equilibrio… quizá aparece cuando entra la voz o la melodía, pero es un equilibrio tenso.

– La crítica social y la mirada crítica son constantes en vuestro trabajo. ¿De qué manera esa perspectiva influye en la música antes que en las letras?

Sergi: Creo que va junto, es una vía de escape. Tenemos nuestras vidas y nuestros trabajos, vivimos en un mundo que cada día esta mas raro y el grupo es algo que tenemos para desahogarnos. La magia va a ocurrir si alguien escucha este disco, con sus letras y su mensaje, y eso hace que se sienta menos solo. Esa alquimia es lo que me ha ido pasado a mi siempre al escuchar discos y es el motor que me hace seguir.

– En algunos sectores se cuestiona la relevancia del rock y el hardcore en la actualidad. ¿Os sentís fuera de época o buscáis precisamente desafiar eso?

Sergi: No creo que se cuestione la relevancia, pero sí es cierto que la música hecha con guitarras y tambores ya no predomina en las nuevas generaciones. Hay muchos motivos y no soy sociólogo pero si pienso en mí mismo cuando empecé me viene a la cabeza cosas como aburrimiento, amistad e idealismo. Era lo que hacías si eras un joven inquieto, hacer un grupo con tus amigos y prenderle fuego a todo. Incluso con cierto bullying ridiculizante a quien quería petarlo de forma artificial, ser famoso o se autoproclamaba solista. Lo que veo ahora es un flujo incesante de estímulos rápidos y baratos, individualismo y resultadismo. Obviamente no está todo perdido, pero las cosas interesantes (que las hay) que salen en el submundo musical no logran tener la suficiente fuerza para inspirar y cambiar el sentido del ciclo actual. 

Eric: El Rock y todas sus variantes siempre tendrán su peso aunque ahora no se le preste la atención que seguramente merece. Esto lo explica muy bien Billy Corgan en una entrevista diciendo que desde finales de los 90, los medios empezaron a dejar de lado a los grupos de rock en favor de los grupos de rap, y no precisamente porque sus cifras fueran malas. El hardcore lo fué y lo sigue siendo: de Inside Out salió Rage Against the Machine que se hicieron un hueco en el mainstream, y la MTV igual te los mezclaba con Maria Carey, Ace of Base, Metallica, Blur o Madonna, y cuantos documentales hemos visto con Dave Grohl alardeando de que él estuvo ahí cuando Bad Brains o Descendents daban sus primeros pasos… Se puede decir que el mainstream era más plural y combinaba cosas pop súper comerciales y ligeras con otras más duras y críticas hasta que dejó de interesar. Lo que entonces viró hacia el rap (el de celebrities eh? no el de N.W.A. y su “Fuck the Police” para entendernos), ahora está centrado en lo urbano y lo latino, y todo es demasiado diferente, sin ir más lejos, la MTV ya ni existe, la difusión, el alcance o la influencia de los medios tradicionales en el ámbito cultural es mínima, el valor de las bandas se mide en followers y en escuchas, y el que te filtra y sugiere los contenidos de forma personalizada son los algoritmos de google o meta… Grupos como nosotros siempre hemos sido bastante irrelevantes si entendemos que nuestro valor se mide en términos de cifras y popularidad. Siempre hemos estado muy lejos de esta idea. 

Fran: Sobre todo en este país, la cultura musical se mueve a una velocidad tan absurda que la lentitud y el reposo que exige el rock o el hardcore ya no parecen bienvenidos. Está claro que estamos fuera de época, pero es que tampoco tenemos ninguna intención de formar parte de la ‘nueva era’. Preferimos la artesanía frente a lo efímero.

Marc: Creo que andamos bastante al margen de todo esto y nos da bastante igual si el rock o el hardcore hoy en dia son relevantes o no. Para mi, mientras la música sea incomoda y transmita algo ya me está bien.

– El título del disco, Absolutisme Zen, sugiere un contraste entre control y calma. ¿Cuál es la idea que queríais transmitir con este concepto?

Sergi: Es más bien sobre como nos han convertido en bestias insensibles para que ya no nos sorprenda nada. Una barbaridad tapa la otra y cada una de ellas es trending topic durante 5 minutos.

– Singles como “Hemos vaciado la sala” o “Viejo y cabreado” tienen historias muy específicas. ¿Qué queréis que el oyente perciba más allá del trasfondo anecdótico?

Sergi: En este caso los dos son temas de duelo absoluto. En el caso de Vell i cabrejat tiene una mirada un pelin más romántica y crepuscular sobre envejecer y encontrar tu sitio. Dejar ir, y no dejarte arrollar por cualquier mierda que venga. Hem buidat la sala es un tema que habla más de la nostalgia tóxica de nuestra generación y de cómo estamos contentísimos viendo grupos “de la época” arrastrándose en grandes eventos mientras las salas, los clubes, los csa/cso cierran uno a uno.

– Musicalmente habéis incorporado guitarras a media distorsión y baterías más resonantes. ¿Fue una decisión consciente para reforzar la agresividad o buscabais nuevos matices?

Sergi: Queríamos que sonara analógico y real. Necesitábamos que las guitarras y bajo fueran orgánicas y con la distorsión justa para que se apreciasen los matices, y la batería tenía que sonar natural para no aplastar todo en una mezcla contundente pero vacía. Estamos contentos porque hemos conseguido que suene como un tiro sin que suene agotador o demasiado distorsionado/comprimido. Y si, hemos buscado desde el principio que sea así.

Fran: es una decisión purista: dejar que las válvulas hicieran todo el trabajo rozando el colapso. No buscábamos ‘distorsión’ estándar, sino la respuesta cruda de un amplificador que suena enfadado. Es una agresividad más real, menos procesada.

– La producción y grabación la habéis manejado vosotros junto a Marc Bòria, Xavi Escribano y Albert Ibarra. ¿Hubo algún conflicto creativo durante el proceso que haya marcado la personalidad final del disco?– 

Sergi: Para nada. Todos son amigos y nos han ayudado a conseguir el disco que queríamos. Por nuestra parte teníamos el disco muy definido en cuanto a composición y sonido.. Personalmente me he sentido super arropado en el proceso. 

Fran: Xavi, Marc y Albert ya formaban parte del universo de Serpent mucho antes de este disco. Son amigos que nos han acompañado en la furgoneta y nos han ayudado a definir nuestro sonido en directo; todos ellos han sido técnicos nuestros en algún concierto, así que saben perfectamente dónde está el ruido que buscamos. Como dato más nerd, para esta grabación cambiamos la dinámica: grabamos las dos guitarras canción por canción, para mantener la tensión de cada tema. Renunciamos a cualquier red de seguridad —sin DI ni opción a reamplificación—, apostando por lo que salía del amplificador en ese momento. Y para la mezcla, decidimos darle una perspectiva externa al proceso con Santi García.

– Algunas letras, como “El himno nacional”, tocan temas muy delicados de política y sociedad. ¿Os preocupa la controversia que puedan generar o la consideráis parte de la función del arte crítico?

Sergi: A veces me siento un marciano cantando cosas fuertes en catalán. Se han dicho cosas desde la música extrema, pero en nuestro caso se entiende claramente porque tampoco gritamos tanto ni tenemos un sonido tan denso. No me siento pionero de nada, solo pienso que deberíamos empezar a andar el camino de expresar frustración y conflicto bruto en catalàn. Sin poetizar tanto, sin la necesidad de ocultarse tras letras sobre ríos o montañas y sin ese tufo de esplai buenrollista que parece que lo impregna todo. Si alguien se ofende con l’Himne Nacional, que es una canción 100% antifascista, apaga y vámonos. 

Eric: entiendo que la canción empieza fuerte , pero si pasas de las cuatro primeras frases y tienes un mínimo de comprensión lectora dudo mucho que genere controversia porque el mensaje queda claro. Tratamos un problemón político-social de alcance global, pero ponemos el foco en el mal de proximidad para señalar que la identidad catalana no nos sitúa por encima de nadie si tus pensamientos e ideales políticos son de extrema derecha. 

Marc: no creo que genere mucha controversia, de hecho normalizamos muchas cosas peores. Está bien utilizar un lenguaje más crudo y directo, que la verdad y como dice Sergi, en catalán no abunda.

– Con la salida de Absolutisme Zen, ¿tenéis ya fechas confirmadas para presentaciones o giras y qué diferencia habrá respecto a anteriores shows?

Sergi: Sí, hay concierto confirmado en Barcelona el 25 de abril, y en Junio hay 4 conciertos. Luego pararemos en verano porque el sol nos sienta mal y tenemos cosas familiares y a partir de septiembre intentaremos montar más cosas. A nivel del “nuevo show”, creo que nuestra esencia nos impide pensar en “el nuevo show”. Quizás ambientamos un poco más todo, y obviamente habrán muchos temas del nuevo disco. Pero, al contrario que lo que pretende el show business, me gusta inspirar con contenido no con adornos. 

Fran: No somos de cerrar el calendario a un año vista. Nuestras redes sociales son el mejor sitio para no perderse futuras fechas. Lo que sí os aseguramos es eficiencia: vamos a meter un repertorio más largo en el mismo tiempo. Además, hemos renovado la zona de merch (ahora con más luz y nuevos productos), donde siempre encontraréis a alguien de la banda —normalmente a Sergi— dispuesto a charlar un rato. 

– En vuestros conciertos se aprecia un rechazo a “ejercicios de estilo inofensivos”. ¿Cómo se traduce eso en la experiencia del público en directo?

Sergi: También es esencial en la banda. No somos un grupo que quiera ser otro grupo. O que se disfrace como grupos de una escena determinada de otro continente. No hay coreografías, discursos precocinados ni nunca nos hemos cuestionado la imagen que debemos dar. Fluimos con la energía de cada concierto porque es nuestro momento, no es una representación teatral. Sí que es verdad que tenemos una clausula de “savoire faire” que nos impide llevar merch propio puesto en público. O sea podemos bajar la basura con una camiseta de Serpent pero poco más.

– Finalmente, para quienes aún no os han visto, ¿qué puede esperar alguien que asista a un concierto de Serpent y qué queréis que se lleven tras la experiencia?

Sergi: Creo que te he contestado con alguna pregunta anterior, pero es eso. Saldremos a tocar, diremos alguna cosa, nos iremos y estaremos encantados de hablar con todo el mundo que quiera hablar con nosotros y de tejer nuevos vínculos.

Fran: y que se preparen para volumen, mucho volumen; como tiene que ser en un concierto de rock. Que el público se lleve secuelas, una experiencia con efectos secundarios.

Los “thrasheros melódicos” Godsnake vienen haciéndose un camino lento pero constante en el metal europeo, primero tocando en su natal Alemania para luego expandirse a otros lugares en Europa. Con su tercer álbum Inhale The Noise a punto de salir a través de Massacre Records, fue una buena oportunidad para sentarnos a hablar con su cantante Torger Neuhaus, quien nos prestó su tiempo para hablar del presente de la banda, los inicios del grupo y el futuro del mismo, además del estilo, lo que es hacer música, las etiquetas que se le ponen a los sonidos y el significado detrás de la portada del álbum-.

Antes que nada, te agradezco por esta entrevista. Quería preguntarte, ¿cómo vienen las cosas con Godsnake? Sé que las bandas tienen que promocionar y presentar su nuevo álbum, es como que están bastante ocupados, me imagino.

Sí, estamos… digamos… en la fase más intensa ahora, porque el álbum se va a lanzar en dos semanas, el 17. Y… nunca es suficiente, así que empiezan a llegar entrevistas, pedidos, y estamos haciendo mucho material de promoción, todo lo que se puede hacer. Y eso nos gusta mucho, por supuesto, porque está buenísimo poder difundirlo.

Sí, obviamente. Me imagino que tener que hacer, no sé, como 500 entrevistas… yo no lo viví, pero debe ser agotador.

No, todavía no es tanto… pero…

Todavía no, claro. Pero imaginate, no sé… Metallica o ese tipo de bandas…

Sí, sí, sí.

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Para este tipo de entrevistas trato de buscar la mayor cantidad posible de otras entrevistas, en distintos sitios, canales de YouTube y demás, y creo que… esta puede ser la primera entrevista de Godsnake que se publique en español. Encontré un pa de reseñas, pero no hay entrevistas en español. Ni siquiera encontré tantas entrevistas en inglés, al menos escritas. La mayoría están en alemán, y creo que encontré una en griego.

Sí.

Entonces, para nuestra audiencia, la audiencia de habla hispana, esta puede ser la primera vez que escuchen sobre ustedes. Así que… ¿cómo te gustaría describir el estilo de Godsnake? ¿Cómo describirías a la banda?

Muy buena pregunta. Cuando firmamos con Massacre Records, nos preguntaron justamente eso: cómo definiríamos nuestro estilo, qué tipo de música hacemos, y siempre es difícil… sí, es difícil ponerle un nombre preciso, pero… al final decidimos que se podría decir que lo llamamos “thrash metal melódico”. Porque no somos una banda de thrash metal como Overkill o Onslaught. No estamos haciendo eso todo el tiempo.

Claro, sí, sí.

Y… lo que realmente nos gusta es la combinación con algunas melodías cuando llegamos al estribillo. Algunas líneas pegadizas que se te quedan. Nos gusta la pesadez, esa parte más centrada en riffs del thrash, combinada con algo más melódico, por decirlo así. Lo que realmente nos gusta es la combinación con algunas melodías cuando llegamos al estribillo. Entonces… diría que vas a encontrar fans del thrash metal que digan “uh, ustedes son unos blandos”. Pero… por otro lado… no nos importa. Al final es heavy metal, y listo. Pero había que ponerle un nombre, así que eso es lo que hacemos. Incluso volvimos a tener esta discusión cuando salió el tercer álbum: “¿lo dejamos como thrash metal melódico?”. Y llegamos a la conclusión de que sí. Lo dejamos como está.

Sí, he visto algunas bandas que se describen como thrash metal melódico, pero no parece ser algo realmente distinto. No es como cuando decís “death metal melódico”, que es otro género más definido.

Sí, sí, sí.

Pero sí, coincido en que los estribillos melódicos son una de las partes más importantes del sonido de Godsnake. Cuando estaba buscando material sobre la banda, encontré una reseña donde el tipo esperaba escuchar una banda de thrash metal más tradicional, hablando del primer álbum… Y decía algo así como: “no me gustan los estribillos melódicos, porque suenan como… no sé bien… como una banda de metalcore”. Creo que lo comparaba con ese tipo de bandas. Pero era medio gracioso. Igual sí, thrash metal melódico es una forma perfecta de describirlos.

Sí, sí.

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La banda existe desde hace más de una década. Creo que aparecieron por primera vez alrededor de 2014, pero es en los últimos 5 o 6 años donde parece que lograron establecerse más, como algo más… no sé si decir profesional, pero sí más consolidado, sacando más material. ¿Cómo pasó eso? ¿Cómo fue que empezaron hace más de una década, pero en estos últimos años lograron consolidarse?

Sí… cuando empezó la banda… Stevo es el miembro original, digamos el fundador. Cuando empezó la banda… sí, fue en 2014. En ese momento no teníamos nombre, entramos al estudio con Lasse Lammert también, grabando el primer demo, y estando en el estudio, Lasse preguntó: “¿cómo lo guardo en la compu? ¿Cuál es el nombre?”. Y todos dijeron: “No tenemos nombre todavía”. Entonces Lasse tiró: “¿qué tal Godsnake?”. Esa es la versión corta de la historia.

Mmm… sí. Suena bastante potente.

Sí, sí, fue divertido. Pero bueno, yo me uní a la banda más o menos medio año después. Y después hubo algunos cambios de formación… llamémoslo así. Sasha fue reemplazado porque tuvo que mudarse por trabajo, el bajista Thomas también tuvo que irse por distintas prioridades. Entonces, diría que fue alrededor de 2016 cuando realmente nos consolidamos como grupo, con Sidney y el resto… y ahí… empezamos a crecer juntos. Diría que… sí, fue entre 2017 y 2018 cuando decidimos encarar esto de una manera más enfocada, con intenciones claras, por decirlo así. Ya no era simplemente “toquemos música cool”, sino “hagamos música buena, grabémosla y publiquémosla”. Así que sí, tenés razón en que son los últimos 6 años, quizá un poco más, los que se sienten más ambiciosos. Y después nos concentramos en el primer álbum… y seguimos un ritmo bastante normal, digamos, de cada dos o dos años y medio. Fuimos sacando nuevo material, y ahora estamos con el tercer álbum.

Claro.

Así que… para resumir, diría que lo principal fue encontrar a las personas adecuadas, que todo encajara, y llegar a ese punto en el que decís: ahora somos una banda completa, sabemos lo que queremos hacer.

Sí… claro, hay que encontrar a las personas indicadas.

Totalmente, sin duda.

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Y bueno, ahora… cuando hablaba de estar más enfocados en la banda, me refería más que nada al primer álbum. Y ahora ya están en el tercero, Inhale the Noise. ¿Cómo lo describirías? ¿Qué podés decir de este disco?

Durante la grabación, Lasse, el productor, nos dijo: “chicos, esta vez están un poco más thrash, incluso más agresivos”. Y nos pusimos a pensarlo, porque antes de empezar a grabar sí habíamos discutido si debíamos enfocarnos en algo en particular o no… pero al final llegamos a la conclusión de que no, que simplemente lo íbamos a dejar fluir. Elegimos las canciones que mejor encajaban, las que más nos gustaban y donde las mejores ideas se juntaban. Y bueno, si hay que ponerle un nombre, diría que… tiene muchas partes más thrash, especialmente en las estrofas. Y… también hay como una media balada, lo cual está bueno. Pero en general es un disco un poco más directo, más frontal. Y con un mensaje más claro. Leí una reseña donde alguien decía que ahora estamos más enfocados, y pensé… bueno, siempre es interesante ver cómo lo percibe la gente. Decía algo así como que estamos más precisos. Lo escribió en alemán. Y pensé, sí, puede ser… porque ese era el ánimo que teníamos.

Claro.

Me acuerdo cuando teníamos el tema “Inhale the Noise”, el track que da nombre al disco, que es bastante compacto. En una primera versión, Stevo dijo que no estaba tan seguro. Pero después empecé a trabajar en la letra y las líneas vocales, y ahí quedó claro que tenía que ser uno de los temas principales. Y eso pasa mucho en el proceso, cómo van cambiando las cosas.

Sí, a veces empezás con una idea y pensás “esto capaz no funciona”, y todavía ni escuchaste al cantante… ¿Cómo es el proceso de composición en Godsnake?

En general, Stevo trae… más que nada, una canción casi completa. Podríamos decir que él está en su casa y… la fuente de creatividad fluye, ¿no? Entonces graba maquetas ahí mismo… Después generalmente me las manda, y yo empiezo a aportar mis ideas. Y en el mejor de los casos probamos las canciones en la sala de ensayo con toda la banda. Y vemos qué funciona y qué no. Ese sería el escenario ideal. Aunque también tuvimos una o dos canciones que nunca tocamos en vivo antes de grabarlas, y aun así funcionaron muy bien. Pero en general es Stevo quien trae la idea completa, y después yo me encargo de arreglar mis partes y escribir las letras. Y claro, a veces también tiro ideas tipo “esta parte no funciona”, “esto hay que duplicarlo”, “esto es muy largo”… cosas así. Pero básicamente ese es nuestro trabajo, y después lo discutimos con toda la banda cuando probamos los temas en la sala. Y dejamos que todo… se asiente, por decirlo de alguna forma.

Sí, claro. Entonces hablás del grupo completo, y corregime si me equivoco… pero según lo que tengo entendido, ahora son un cuarteto, con una sola guitarra. Al menos por las fotos que me pasaron del sello para esta entrevista, parecen ser cuatro. ¿Cómo afecta eso al sonido de la banda, el hecho de tener una sola guitarra?

Bueno… en realidad, ya estábamos en el estudio. Creo que ya estaba casi todo grabado, solo faltaban los solos y algunas partes vocales… Y el otro guitarrista, Pepe, nos dijo: “chicos, perdón, pero tengo que dejar la banda”. Por razones personales. Su madre está envejeciendo, y además él también toca en Ancient Curse, que es una banda de metal progresivo de Bremen que existe desde… creo que 1985 o 1986. Y ese es su proyecto principal. Entonces decidió enfocarse en eso por una cuestión de tiempo. Igual, no es raro que el guitarrista rítmico principal grabe todas las guitarras en un disco. En este caso, Stevo grabó todas las guitarras rítmicas y sus solos. Pero había tres canciones donde Pepe iba a grabar solos, así que nos faltaban esas partes… y tuvimos que cubrirlas.

Claro.

Encontramos una buena solución para eso, pero en general no afectó realmente la producción del disco. Y poco después de terminar en el estudio, ya empezamos a buscar un nuevo guitarrista, y lo encontramos bastante rápido, así que ahora volvimos a ser cinco.

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Perfecto, perfecto. Y hablando de las guitarras del álbum, tengo entendido que contaron con Jean Bormann como invitado en un par de canciones, de Rage. Me encanta esa banda, fue una muy linda sorpresa verlo acreditado. ¿Cómo fue trabajar con él? ¿Cómo se dio eso?

Bueno, conocemos a Jean por Rage, claro. Tuvimos la oportunidad de tocar con ellos en un par de shows en el pasado. Y cuando estás en backstage y hablás, te vas conociendo… y él se volvió fan de Godsnake desde el primer momento, por decirlo así. Y nosotros somos fans de Rage desde hace muchos años. Entonces fue un placer conocerlo, y cuando estábamos pensando en posibles candidatos, después de que Pepe se fue, empezamos a debatir con la banda a quién podíamos invitar… y la primera idea fue: ¿por qué no preguntarle a Jean? Así que le mandé un WhatsApp, un mensaje de voz, y le pregunté si le interesaba. Y dijo que sería un placer. Fue así de fácil.

Buenísimo.

Le mandamos las versiones de los temas y en menos de una semana ya nos devolvió sus solos. Increíble.

Sí… cuando recibí el álbum para escucharlo, me quedé mirando la portada un rato, tratando de entenderla… ¿cómo la describirías? ¿Es como una bala atravesando un vidrio, o algo así?

Sí, bueno… la idea era tener un parlante grande.

Ah, claro… ahora lo veo, es como un parlante.

Sí, sí. Y eso está bueno, porque es arte que quizás no entendés al instante. La idea era un parlante medio destruido, roto… y después queríamos incorporar el concepto de la serpiente. Entonces pensé: ¿y si usamos piel de serpiente en la membrana?

Ah… claro, ahora lo noto.

Entonces, en sí es bastante simple, pero la idea detrás del título Inhale the Noise tiene que ver con eso: la música como una fuerza muy poderosa. La música puede transformarlo todo, e “inhalar el ruido” es como absorber esa energía. Entonces queríamos algo que representara el ruido, la música, y también el concepto de la serpiente. Por eso trabajamos otra vez, por tercera vez, con Björn Gosses de Killustrations. Al principio él propuso ideas más raras, pero le dijimos: mantengámoslo simple. Así que lo hicimos de esa manera, y sí, estamos contentos con el resultado. Porque tampoco es una portada típica de thrash metal… incluso podría ser de jazz o de cualquier otra cosa.

Claro, sí… me gusta eso, como que se aleja de lo típico.

Sí, es un poco más… avant-garde, por decirlo así.

Sí, bastante abstracta si lo pensás. Entonces… si comparás con el primer disco de Godsnake, Poison Thorn… ¿cuánto sentís que cambió o mejoró la banda desde ese momento?

Es una buena pregunta. Justo me la hicieron hace poco también, sobre mi voz, por ejemplo. Y sinceramente, yo no noto una gran diferencia. Pero otros músicos te dicen: “sí, hay un salto, hay más armonías”… no sé. Yo diría que no es que las canciones sean “mejores” ahora, el estilo de composición es el mismo… pero sí puede ser que ahora sea más claro lo que queremos hacer.

Más personal, quizás.

Sí, puede ser eso. Más definido. Las guitarras ya eran buenas en el primer disco, la batería también… Sidney, por ejemplo, es una bestia tocando. Y sé que él fue mejorando, cada vez más sólido, lo mismo el resto… pero no sé si se escucha como un cambio tan evidente entre el primero y el tercero. Creo que simplemente seguimos haciendo lo nuestro, con más ambición, quizás.

En diciembre sacaron el single “No Happy End”. ¿Por qué decidieron lanzarlo como single independiente y no dentro de un álbum?

Ese tema en realidad venía de la época del segundo disco, Eye for an Eye. Cuando terminamos de grabar todo, nos dimos cuenta de que el total era demasiado largo para vinilo. Para CD no había problema, pero para vinilo sí, así que el productor dijo que convenía sacar un tema. Entonces tuvimos que decidir cuál quedaba afuera, y al final elegimos “No Happy End”. Y en ese momento Sidney dijo: “esto lo podemos usar después como single independiente”. Y así fue. Cuando hubo un espacio entre lanzamientos, lo sacamos con un lyric video.

Claro, como para tener algo entre medio.

Exacto, esa fue la idea.

¿Y cuáles son los planes a futuro de la banda? Sé que tienen varios shows en Alemania, y que suelen tocar más que nada ahí, con algunas fechas en Bélgica o Suiza…

Sí, y justamente queremos cambiar eso. Queremos salir más al exterior, mostrar la banda en otros lugares. Está buenísimo tocar en ciudades donde ya nos conocen, como Hamburgo o Essen, pero también queremos expandirnos. En octubre de 2024 hicimos una gira europea como soporte de Threshold, y tocamos en Alemania, Holanda, Bélgica y Suiza. Fue una gran experiencia, y queremos repetir algo así. Queremos salir de nuestro país y llegar a más gente.

Sí, porque una cosa es tocar donde ya te conocen, y otra es probarte en lugares nuevos.

Exacto.

El álbum Inhale the Noise sale el 17. ¿Qué te gustaría decirle a la gente que lo va a escuchar?

Espero que lo sientan como algo fresco, especialmente para gente como en Argentina que quizás no nos conoce.jalá encuentren algo que les guste, que les vuele la cabeza, que haga explotar los parlantes… y que podamos ganar nuevos oyentes. Creo que Inhale the Noise muestra a Godsnake al 400%. Esto es lo que somos. Si te gusta, genial. Y si no, está bien también. El gusto es subjetivo, pero esto es lo que hacemos, con total honestidad.

¡Cuánto me alegra ver triunfar a Opera Magna! Llevo años escuchándoles y son una de mis bandas españolas favoritas de todos los tiempos. Durante años los he considerado también de las bandas más infravaloradas en nuestro país, ya que, aunque siempre están en el panorama, creo que deberían estar sonando mucho más y teniendo una mayor cobertura por su calidad musical, virtuosismo y carisma. 

Desde luego, ¡sigo pensando que deberían tener más repercusión! Pero están en un gran momento: enlazando el final de su gira con Angra con su propia gira nacional para celebrar el aniversario de su disco Poe, regrabando algunos de sus éxitos con invitados de excepción y exportando su música hasta Japón.

Hemos tenido la suerte de poder hablar sobre todo esto con Enrique Mompó (principal compositor y miembro fundador junto a Francisco Javier Nula) y José Vicente Broseta (vocalista) y espero poder verles una vez más en directo en uno o más de sus próximos conciertos:

• 2 de mayo en Sala Rockville, Madrid
• 22 de mayo, sala Spectrum, Murcia
• 30 de mayo, sala Azkena, Bilbao
• 24 de julio, Concerts de Vivers, Valencia + Warcry
• 22 de agosto, Castrillo Metal Fest, Murcia

Buenos días, muchísimas gracias por concedernos esta entrevista. En primer lugar: ¡felicidades! Parece que estáis viviendo un momento muy dulce para la banda, con esta gira de aniversario, justo después de estar de tour con Angra y con vuestros éxitos internacionales ¡abriéndoos camino en un mercado tan importante como Japón! Por favor, contadme un poco cómo estáis viviendo esta etapa de Opera Magna y qué circunstancias la han propiciado.

José Broseta: Por mi parte, estoy muy contento con el material más reciente como “Heroica”. Creo que hemos tenido una evolución muy natural, siendo fieles a nuestro estilo como banda.

Lo de Japón está siendo muy especial: trabajar con Red Rivet Records es un placer. Ya editaron en su momento “Poe” y “Del amor y otros demonios”, y es muy bonito ver que siguen interesados en nuestros nuevos lanzamientos y que los discos se mueven tan bien allí.

La gira con Angra fue increíble por la exposición que supuso y por compartir escenario con artistas a los que llevamos tanto tiempo admirando. Además, conocer a la gente de Arwen fue un regalo: fueron compañeros excepcionales durante todas las fechas. También fue un reto técnico para nosotros y para nuestro técnico habitual, pero conseguimos salir del paso y disfrutar muchísimo de la oportunidad.

Ahora mismo estáis regrabando varias de las canciones de “Poe” con colaboradores muy interesantes: ¿cómo surgió esta idea?, ¿podéis adelantarnos un poco más sobre qué nos queda por ver? ¿Y sacaréis un álbum en formato físico con estas regrabaciones?

José Broseta: La idea surgió cuando nuestro diseñador habitual, Fernando Nanderas, nos destacó el hecho de que se cumplían quince años del lanzamiento de “Poe” en 2025. Estuvimos dándole vueltas a ver que podríamos hacer para celebrarlo y decidimos que era buena idea rodearnos de amigos y gente cercana a la banda para esta ocasión.

Para mí ha sido genial poder contar con voces que admiramos y que nos han inspirado durante tantos años. Es increíble pensar que ha pasado tanto tiempo desde la edición original y que los temas nos sigan sonando frescos, que sigamos teniendo ilusión por tocarlos y por revisitar ese universo.

Respecto a lo que queda por ver… aún hay colaboraciones muy especiales que estamos deseando anunciar. Y sobre el formato físico, sí, tendremos en nuestros conciertos el EP “POE XV Redux” a la venta y, en breve, en nuestra página Web.

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Por cierto, que “Heroica” no ha sido vuestra primera incursión en aguas internacionales, ya grabasteis versiones en inglés de “Del amor y otros demonios”. Por favor, habladme de aquella experiencia.

José Broseta: Fue un proceso muy intenso. “Del amor y otros demonios” ya era una obra exigente en sí misma, y revisitarla por completo para hacer la versión en inglés supuso un esfuerzo enorme. Pero también fue una experiencia muy enriquecedora: nos obligó a mirar el disco desde otra perspectiva, a reinterpretar matices y a adaptarnos a un idioma que tiene una musicalidad distinta (lo cual fue posible gracias a la inestimable ayuda de Ada Murillo, que hizo un trabajo increíble adaptando las letras).

Tengo que decir que precisamente “Del amor y otros demonios” ha sido un álbum muy importante para mí, y que mi hijo de cinco añitos podría cantaros entera “Donde latía un corazón” de lo mucho que la pongo en casa. ¿Tenéis pensado darle también una nueva vida a este álbum en el futuro como estáis haciendo con “Poe”?

José Broseta: A corto plazo no creo que vayamos a hacer algo similar, como te comentaba, fue una obra muy intensa y la versión en inglés ya nos hizo revisar todo ese trabajo. Pero quién sabe lo que pasará en un futuro, puede que en unos años sintamos que queremos hacer algo. También ha sido una obra importante para nosotros.

Opera Magna se caracteriza en mi opinión por ser una banda muy referencial, no sólo en sus letras, sino también en la música, con guiños y referencias muy variadas y que entiendo que vienen sobre todo de la mano experta de Enrique Mompó y que al menos yo agradezco mucho poder reconocer aquí y allá. Por favor, Enrique, ¿puedes hablarnos de tus fuentes de inspiración preferidas? 

Enrique Mompó: La inspiración viene directamente de lo que escuchas, lo que trabajas y lo que admiras. Siempre estoy a la caza de cosas que me puedan servir para mi propio trabajo, para Opera. 

La música y la creación, no vienen de la nada, el arte es una herencia y un legado que se mueve influenciándose de generación en generación. En mi caso la influencia ha sido muy diversa a lo largo de los años, al principio venía de las bandas más representativas del power metal del 2000 hasta los maestros por todos conocidos de la música clásica. En años posteriores me influenció más todo el tema de las bandas sonoras: John Williams, Danny Elfman… También me ha influenciado mucho el maestro Seiji Yokoyama, que posee una sensibilidad fuera de lo común, o Thomas Bergersen, que es una fuente inagotable de ideas. 

En todo caso, Enrique, componer para una banda tan exigente en lo instrumental como Opera Magna, que requiere no sólo riffs pegadizos, sino también un trabajo intenso de orquestación, no debe ser nada fácil ¿puedes hablarnos del proceso creativo? 

Enrique Mompó: Bueno, es trabajo lento y tedioso, porque se parte de una idea concreta, y hasta llegar a completar toda la canción, hay muchas tomas de decisiones. Ahí es donde creo que esta el punto de inflexión: ser crítico y ver las diferentes posibilidades en las que puede convertirse una canción. 

Normalmente trabajo la melodía y la armonía a la vez. Cuando tengo una idea interesante la maqueto con varios arreglos, hasta encontrar el que más le pega. Voy puliendo la sección y la continúo con una o dos ideas posibles. Es importante trabajar, reposar y escuchar. Pero lo más importante es tener intuición u olfato, que es esa cosa que te dice que una idea es mejor que otra en función de tu propio valor estético. Para mí la mejor brújula es la emoción. 

Pero si Opera Magna es exigente en lo instrumental, también lo es y mucho en la voz, por favor José, ¿puedes hablarnos un poco de cómo es cantar en Opera Magna?, ¿cómo preparas y cuidas tus habilidades vocales?

José Broseta: Te puedo decir que últimamente lo que más estudio es el repertorio de Opera Magna y cómo poder llevarlo al directo en condiciones. Es un material muy exigente y quiero afrontarlo con la mayor solidez posible.

Trabajo con un coach vocal en Valencia, Alberto Andrade, que me ayuda a cantar de forma saludable y a mantener la técnica en su sitio. Eso me permite relajarme en el escenario, disfrutar de la actuación y no comprometer mi salud vocal.

Por cierto, José, que siempre apareces en las listas de mejores vocalistas de metal en España ¿Cómo es estar en la vanguardia de este género en nuestro país? 

José Broseta: Es algo que agradezco muchísimo, sobre todo porque viene del cariño del público, pero no puedo evitar sufrir un poco de síndrome del impostor cuando veo mi nombre al lado del de cantantes consagrados. Aun así, es genial ver que puedo conectar con la gente y eso es todo un honor.

Ambos tenéis proyectos paralelos que no solo conviven bien con la banda, sino que hasta generan sinergias positivas ¿queréis contarnos un poco al respecto? 

José Broseta: Es cierto que en el pasado me he implicado bastante en otros proyectos, como Systemia, pero hace ya un tiempo en el que estoy centrado en Opera Magna. La excepción sería The Backseats, un grupo de covers en el que comparto escenario con músicos increíbles como Joan de Gigatron, Monty Peiró ex-Sweet Little Sisters (y mil proyectos más) Davish de Angelus Apatrida, Cristobal ex-In Mute, Vicent ex-Toxia, con los que hacemos un concierto súper especial al terminar el año…pero aparte de eso, solo participo en algunas colaboraciones como la más reciente con Íseldur o las repetidas veces que he tenido la suerte de grabar para “Legado de una tragedia” de Joaquín Padilla.

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Por cierto, Enrique, que en cada uno de tus grupos tocas diferentes instrumentos, ¿hay algún cacharro al que no sepas sacarle música? 🙂 Y ahora más en serio: ¿qué objetivos futuros tienes en lo instrumental?, ¿hay algo que aún no hayas probado y que tengas en mente incorporar? 

Enrique Mompó: Cada instrumento ha llegado en un momento vital diferente, atendiendo a un interés o una necesidad. Cada instrumento me ha llevado a un sitio diferente, y me ha hecho entender un poco más la música. Me encantaría tocar todos los instrumentos del mundo, pero me conformaré con las librerías de sonido. Ahora mismo con la cantidad de carga de trabajo, conciertos y compromisos de la vida adulta, es difícil encontrar tiempo para desarrollar todas las facetas que me gustaría. El poco tiempo del que dispongo lo uso para componer, producir, tocar de forma distendida, y repasar repertorios.

Quiero preguntarle lo mismo a José: que, como muchos de los más grandes, comenzaste a cantar un poco de casualidad (ya que antes tocabas la guitarra en otro proyecto), que sorprendiste a todos empezando directamente con un nivel altísimo, y que además cada año nos sorprendes con una performance aún mejor: ¿qué nuevos objetivos o metas tienes en el uso de tu voz?, ¿hay algo que aún no hayas probado y que tengas en mente incorporar?

José Broseta: Mi objetivo a nivel vocal ahora mismo es seguir entrenando la técnica que me permita hacer los conciertos de Opera Magna con la exigencia necesaria, estoy al 100% con ello. Estaría bien seguir ampliando registros y recursos, pero ahora lo que más me motiva es poder disfrutar del directo y dar el máximo en cada actuación.

Para finalizar: ¿Cuál es el futuro de Opera Magna? 

José Broseta: Ahora mismo nuestro futuro inmediato es celebrar en directo esta gira del 15 aniversario de “Poe”. Además, es la primera gira desde que Juan Lahuerta es oficialmente batería de la banda, y estamos deseando que la gente pueda vivir estos conciertos con nosotros. 

Después de eso, lo normal sería pensar en material nuevo, pero no es algo que tengamos decidido aun.

Muchas gracias por contestar esta entrevista y por hacer lo que hacéis. Nos vemos en vuestra gira de aniversario, que ya empieza con primera parada en Zaragoza. Si queréis añadir alguna impresión relativa a esta inminente gira ¡es el momento!

José Broseta: ¡Gracias a ti por la entrevista! Pues aprovecho para decirle a la gente que nos hace mucha ilusión traer de nuevo al 2026 el legado de nuestro disco “Poe”, ya que fue un álbum que nos definió como banda. Va a ser una gira muy especial, ¡esperamos ver a todo el mundo!

Assignment es una banda originaria de Alemania, a menudo etiquetada como metal progresivo, con un sonido muy único y depurado. Llevan componiendo desde principios de los 90 y acaban de sacar su último álbum de estudio With The End Comes Silence, un disco futurista y distópico, a la vez lleno de pasajes delicados y evocadores. Hemos tenido la oportunidad de hablar de ello con su fundador, Goran Panić.

Buenas tardes, soy Cristina de Track To Hell, muchas gracias por concedernos esta entrevista. Lo primero, quisiera daros la enhorabuena, la banda lleva recorrido un largo camino desde 1994, más de 30 años de trayectoria, y ahora acabáis de sacar un estupendo álbum, With The End Comes Silence, que demuestra que estáis más vivos que nunca. Por favor, Goran, ¿puedes hablarnos un poco de esta actual etapa de Assignment?

Bueno, desde nuestra perspectiva, es un paso más en nuestro viaje musical. Es nuestro tercer disco con Diego Valdez en la voz, así que ahora hay una estabilidad consolidada, y aparte de la salida de nuestro tecladista de siempre, Gert Sprick, la formación también es la misma. Como banda, y yo como principal compositor, el objetivo es el mismo de siempre: intentar mejorar y sonar mejor en cada lanzamiento. Si no creyéramos en lograrlo, no nos molestaríamos en hacerlo.

Y en tu opinión ¿han evolucionado también las cosas a vuestro alrededor?, ¿cómo valoras la escena del metal progresivo en los últimos tiempos? ¿Y qué papel juega la IA en este ámbito artístico?

En general, no me gusta el término “progresivo” en lo que respecta a la música. Me niego a que me llamen progresivo, ya que se asocia con ciertos rasgos distintivos de nuestro sonido: canciones largas, compases irregulares, cambios de tempo y demás. Amigos, todo esto se hizo hace mucho tiempo… Se podría decir que Kansas o Rush son progresivos, pero como ya dije, ellos ya hacían eso en los años 70… Supongo que el nombre se convirtió en el cajón de sastre que la industria musical necesita para etiquetar el producto… Así que, en realidad, lo que prefiero es incorporar diferentes estilos a la música, que puedan crear distintos paisajes sonoros. 

Y nuestra opinión sobre la IA la dejamos clara en el libreto que acompaña el disco: estamos totalmente en contra porque creemos que deshumanizará a la humanidad y acabará con todas las formas de arte.

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Estoy fascinada por With The End Comes Silence, sobre todo por su tema central. Desde la portada se insinúa la distopía, un aspecto que se desarrolla muy bien en la letra de la canción homónima. ¿Te inspiraste en la realidad para escribirlo o es todo ciencia ficción?

Desafortunadamente, en la realidad actual del mundo. Y el hecho cada vez más evidente es que la humanidad no aprende de su pasado. Ese es un punto, además del que mencionaste antes: el desarrollo tecnológico, que se está volviendo inquietante, lenta pero inexorablemente. En resumen, el futuro no pinta nada bien, desde luego no está hecho de rayos de sol y arcoiris…

Musicalmente, es un álbum muy completo, atmosférico y evocador. Me encanta su estructura y el equilibrio entre los instrumentos. ¿Es difícil componer un álbum así, con tanta atención al detalle?

Quizás no sea difícil, pero sin duda requiere mucho tiempo y esfuerzo. Después de terminar la primera demo de una canción, paso a la siguiente. Cuando siento que tengo suficiente material e ideas para el álbum, empiezo a revisar las canciones para la siguiente etapa, donde pueden surgir muchos cambios. Y de una canción a otra, eso puede ocurrir una vez, o incluso varias, siempre y cuando no sienta que “ya está”.

Hablando de los diferentes instrumentos, por favor, cuéntame más sobre este teclista: Bratislav Metulski. Lo vi en tu página web y quiero saber más.

Bueno, si lo viste en nuestra página web, seguramente pudiste leer su información: es un payaso muerto, asesinado por un psicópata llamado Nihil Baxter. ¿Y has visto su foto? ¿¡Qué es esto!?, ¿verdad? Es muy divertido, además, obviamente es un personaje ficticio. Después de que nuestro tecladista de toda la vida, Gert Sprick, dejara la banda tras el álbum “Reflections”, necesitábamos un reemplazo. Pero no pudimos encontrar al adecuado, sobre todo por falta de tiempo. Cuando compongo las canciones y creo las demos, suelo incluir algunas ideas sobre lo que podrían hacer los teclados. Así que los chicos dijeron: “Goran, tendrás que hacerlo tú”. Y Goran lo hizo, pero Goran no es tecladista, así que inventé a Bratislav Metulski por ahora… Pensé que si Running Wild puede tener a Angelo Sasso en la batería, ¿por qué Bratislav Metulski no puede estar en los teclados? Así que es solo por diversión, nada más…

Ya hemos visto dos sencillos del álbum, “Fallen” y “Angel of Berlin”, cuyo vídeo me ha parecido muy bello e intrigante, con este joven caminando por la ciudad. ¿Puedes contarme más sobre esta canción y las ideas que expresa el vídeo? Me encanta.

Bueno, el vídeo refleja a la perfección la letra de la canción. Y la letra se basa en una experiencia personal. Mi empresa me envió a Berlín por un proyecto, pero esa oportunidad surgió en un momento en que estaba pasando por serios problemas personales; me sentía completamente vacío y agotado. Y de repente, conoces a alguien y experimentas cómo dos almas rotas se sanan mutuamente y se enamoran, pero sabiendo que no pueden tener un futuro juntos. Épico y trágico a la vez…

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También me impactó “With the End Comes Silence”, la canción que da nombre al álbum, que, en mi opinión, es una de las más potentes y progresivas del disco. Cuéntame más sobre ella y: ¿tendremos también un videoclip para esta canción? 

No está previsto grabar un videoclip para la canción, simplemente porque es la más larga, con 9 minutos de duración. Sin duda, es la canción más progresiva del disco, y a mi parecer, también la que tiene el estribillo más pegadizo. El tema se basa en la frase “you´ll never miss it, until it is gone away” (en castellano: “nunca lo echarás de menos hasta que se haya ido”). Esta frase se aplica al final de una vida, al final de una relación o incluso a la disolución de una banda. Pero como nada dura para siempre, hay un mensaje positivo. En la letra de la canción se lee: “Morning mist, and the sun awakes the smell of roses, with a smile, i await the end that life composes” (“Niebla matutina, y el sol despierta el aroma de las rosas, con una sonrisa, espero el final que la vida compone”).

Es cierto que suena a un final pero también a un futuro interesante. Por cierto, en tu opinión, ¿cuál es el futuro de Assignment?

Ojalá un par de discos más, ya que esto es algo que solo depende de nosotros y que siempre lo tenemos en mente. También estamos trabajando en algunos directos que, si todo sale bien, podrían concretarse muy pronto.

Ojalá que sea así, y podamos veros en directo pronto… ¿en España quizás? He notado que, a pesar de tener miembros hispanohablantes, como Diego, no soléis visitar mucho nuestro país. ¿Podremos veros en el sur de Europa en estos próximos shows en vivo?

Bueno, primero tendríamos que recibir una invitación… Otro problema es que la mayoría de los miembros de la banda tienen trabajos a tiempo completo, familias con hijos y otras obligaciones además de hacer música. No es imposible, pero sí muy difícil. Definitivamente nos gustaría y no lo descartamos.

Muchas gracias y felicidades por el buen trabajo.

¡Gracias Cristina por tu interés y apoyo! Que fluya el metal.

Dark Moor es una de las bandas más internacionales del metal / hard rock sinfónico que tenemos en España. Este sábado 18 de abril nos ofrecen la cita ineludible de su concierto de 25º Aniversario, en una fecha única en el Movistar Arena.

Hemos tenido la oportunidad de charlar hablar brevemente con su fundador y guitarrista Enrik García, sobre esta celebración y el complejo momento que atraviesa la escena actualmente. Esperamos un llenazo este fin de semana y poder seguir escuchándolos muchos años más.

Hola Enrik, muchas gracias por concederme esta entrevista. Lo primero quería darte la enhorabuena, estáis de aniversario, la banda que tú fundaste cumple ahora 25 años. Por favor, ¿puedes hablarme un poco de la etapa actual de Dark Moor y cómo estáis viviendo esta celebración?

Pues está siendo muy especial para nosotros, estamos recibiendo mucho cariño por parte de los fans y eso para nosotros es lo que nos da energía y nuestro pago por todo el esfuerzo. El pasado sábado tocamos en un festival en Dinamarca, Epic Fest, en el que nunca habíamos tocado y había literalmente miles de personas esperando para vernos por primera vez, fue muy emocionante.

La banda en la actualidad está muy centrada en estos conciertos y dar el máximo posible en directo porque nuestros seguidores se lo merecen.

Además, aquí en Madrid, nos espera este fin de semana un concierto por todo lo alto, ¿puedes ponernos un poco los dientes largos dándonos algún detalle sobre qué podemos esperar este sábado en el Movistar Arena?

Sí, va a ser un concierto que hemos preparado con muchísimo cariño y va a ser único e irrepetible. Vamos a tocar canciones que llevábamos mucho tiempo sin tocar, e incluso alguna que no hemos tocado nunca en directo, haciendo un recorrido por todos nuestros álbumes, que son once en total. 

Además vamos a contar con tres invitados de lujo: Javi Díez a los teclados que ha tocado con bandas tan importantes como Mago de Oz o Arwen, con Óscar Calvo al violín, de Cronómetro Budú, y con la soprano Mariana Otero, que creo que va a sorprender muchísimo a nuestros fans por sus dotes y el tándem que va a formar con Alfred, nuestro vocalista.

Estáis lanzando algunos vídeos increíbles con versiones en español de algunos de vuestros temas más icónicos. También tenemos canciones nuevas en nuestro idioma como “V de Vendetta”. ¿Podemos entonces adivinar un futuro nuevo álbum de Dark Moor totalmente en castellano? 

Ojalá, pero ahora mismo no hay un futuro claro para la banda, su continuidad es una incógnita para nosotros mismos. Es posible que esta gira sea nuestra despedida, pero es algo que el futuro dirá. Ojalá podamos seguir muchos años más, pero ahora mismo es complicado.

Ojalá así sea. En cualquier caso, habéis conseguido posicionaros como una banda plenamente internacional, acabáis de estar tocando en Dinamarca… ¿Qué es, en tu opinión, lo más gratificante de ser una banda internacional y cuáles son sus principales retos?

Es tremendamente complicado conseguir tocar en Europa o Asia, como lo hemos hecho nosotros. En Latinoamérica es algo más sencillo para las bandas de aquí, pero cruzar los Pirineos es muy difícil. Nosotros al cantar en inglés en la mayoría de nuestra discografía ha sido algo más fácil, pero la exigencia y competitividad que hay es muy, muy fuerte. 

Para nosotros es un honor haber podido abrir camino en este sentido para otras bandas que nos puedan suceder. Tocar en países como Japón o Corea, o en Rusia, Holanda o República Checa y ver a cientos de fans que te conocen, te siguen y te aman por tu trabajo y tu música es una de las cosas más bonitas que hemos tenido la suerte de vivir.

¿Qué otras cosas podría deparar ese futuro complejo a Dark Moor? Ya que habéis regresado al estudio, ¿podemos esperar temas nuevos próximamente?

Como te digo, ahora mismo el futuro de la banda es una incógnita. Pero también te puedo decir que yo a nivel personal tengo muchas ganas de seguir haciendo música, y de hecho tengo un disco casi completamente compuesto. Ojalá pueda ser un nuevo disco de Dark Moor.

Para finalizar, si pudieras viajar atrás en el tiempo y encontrarte con aquel Enrik de los 90 que empezaba a dar forma a Dark Moor, ¿qué consejo le darías después de todo lo aprendido?

Bueno, para mí es fácil, ya que soy profesor y director de una escuela de música y hay muchos chavales a los que aconsejo qué hacer. Lo más importante es creer en lo que haces y disfrutar de la música y de compartirla con el público. Que tengan paciencia y que donde se cierra una puerta, siempre se abre otra.

Muchas gracias por tu tiempo y ¡mucha mierda para el sábado!

¡Gracias a vosotros y vuestro fantástico medio!

La escena alternativa británica sigue dando pasos firmes, y pocas bandas lo representan mejor que As Everything Unfolds. Con una propuesta que mezcla metal alternativo, electrónica y sensibilidad pop, el grupo ha ido construyendo una identidad propia que desafía etiquetas y conecta directamente con las emociones.

Charlamos con Charlie Rolfe en un momento clave: a punto de lanzar su nuevo trabajo, un disco que promete ser el más ambicioso y personal de su carrera. Entre reflexiones sobre el proceso creativo, giras intensas y anécdotas inesperadas, descubrimos a una banda que ha aprendido a convertir la dificultad en motor creativo.

– Hoy estamos con Charlie Rolfe, cantante de As Everything Unfolds. Es un placer tenerte aquí, Charlie. ¿Cómo va todo?

Hola. Muy bien, la verdad. Son las siete de la tarde, casi la hora de cenar, así que estoy relajándome un poco para terminar el día. Todo bien.

– El nuevo disco sale el 10 de abril y he tenido la suerte de escucharlo ya. Como te decía fuera de cámaras, creo que es vuestro mejor trabajo hasta la fecha. Siempre habláis de emociones y de lo que siente la gente en distintas situaciones de la vida. ¿Cómo habéis enfocado este álbum y cómo os sentís con el resultado?

Creo que este ha sido el disco más difícil que hemos tenido que hacer nunca, por muchísimas razones. De hecho, nos llegaron las copias físicas hace un par de días y tenerlo por fin en mis manos me ha hecho sentir algo distinto; ahora siento de verdad que he creado un álbum. Pasas tanto tiempo entre correos, logística, redes sociales y correteando para que todo llegue a tiempo, que a veces olvidas que has creado algo importante.
Al sostenerlo, piensas: “Sí, yo he hecho esto”. Hemos abordado el hecho de que hemos pasado por mucho en el último año y medio, tanto a nivel individual como de grupo. Ahora me siento muy orgullosa de lo que hemos logrado. George lo resumió muy bien hace poco: dijo que este era el disco más difícil que tendríamos que hacer en la vida. Si eres capaz de superar algo así, ya puedes con cualquier cosa.

– Es muy interesante, porque aunque habláis de situaciones difíciles, el mensaje final me parece positivo; es como un viaje emocional. Además, tus voces suenan mejor que nunca, especialmente los “screams”. ¿Has estado entrenando mucho esa parte?
Creo que ha sido gracias a que no hemos parado de girar. En 2024 dimos muchísimos conciertos y mis guturales mejoraron simplemente por el hecho de practicarlos a diario. De todas formas, intento elegir muy bien dónde meterlos. A veces nos meten en el saco del “metalcore”, lo cual es curioso porque nosotros nunca hemos sentido que encajemos del todo en esa etiqueta. Sí, a veces tenemos breakdowns y usamos recursos del género, pero no diría que somos una banda de metalcore.
Para mí, los gritos son una reacción visceral. Me influyó mucho Lacey Sturm; ella decía que solo gritaba cuando sentía que era necesario, cuando la emoción no se podía expresar cantando. Nosotros no gritamos solo por complacer a la audiencia, tiene que salir del alma.

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– Es verdad. ¿Cómo describirías tú el sonido de As Everything Unfolds? Yo suelo decir que es metal alternativo, porque cabe de todo: hay breakdowns, pero también toques de drum and bass o rock puro.
Es muy difícil de definir. Supongo que rock o metal alternativo es lo más cercano. Como dices, en “Set and Flow” hay una base de drum and bass con algo de guitarra, mientras que “Gasoline” es casi pop rock. La verdad es que nos da igual si nos llaman pop o metal, nos la suda bastante (risas). Solo nos divertimos. En la banda tenemos influencias muy variadas y eso es lo que nos hace interesantes.
De hecho, no recuerdo la última vez que escuchamos metalcore en la furgoneta o antes de salir a tocar. Solemos poner cosas de la vieja escuela, electrónica o temazos nostálgicos de los 2000. ¡Nuestra canción para salir al escenario es “Let Me Entertain You”! O la de los dardos, “Chase the Sun”. Somos una banda así de rara, escribimos lo que nos pide el cuerpo.

– Hablando de otros grupos, hace poco anunciasteis gira europea con Future Palace y Luna Kills. También están Defenses, ¿no?
Sí, con Defenses somos amigos desde hace unos ocho años, hemos tocado mucho con ellos. Ellos harán las fechas de Reino Unido porque nosotros… bueno, somos una banda británica que esta vez no hace gira por allí (risas). Hay una razón para ello, aunque nos hayan caído algunos comentarios enfadados por redes, prometo que no es por capricho.
Me hace mucha ilusión esta gira. Tengo muy buena relación con Maria, y ahora también con Manuel y Johannes. De hecho, vinieron a vernos a Berlín. Hay una cosa muy graciosa en Alemania: hay máquinas expendedoras de “paquetes perdidos” por 10 euros, y Johannes acabó ahí con nosotros gastándose el dinero en esas máquinas. Hay muy buena vibra entre nosotros. Como acabamos de fichar por el mismo sello, todo encajaba perfectamente para girar juntos.

– Hablando del sello, ahora estáis con Century Media. Creo que con ellos vais a dar el salto definitivo.
Sí, tenemos un equipo muy bueno ahora, también con el nuevo management. Ha sido un proceso que daba un poco de miedo, porque al final es todo un equipo nuevo para este disco, pero estamos muy contentos con cómo se está materializando todo según salen los singles.

– Para terminar, como somos de España, ¿qué tres cosas te gustan de aquí?
Fui de vacaciones un par de veces de pequeña, pero no tengo recuerdos muy nítidos. Pero el Resurrection Fest… eso sí fue una experiencia. Fue divertidísimo. Volamos desde Londres, tocamos, cenamos con un poco de vino, dormimos apenas una hora y volvimos a casa. Todo en unas 36 horas.
Teniendo en cuenta que el trayecto del aeropuerto al festival son casi tres horas… fue una locura. Casi no dormimos. De hecho, los chicos no se habían acostado en toda la noche anterior y yo les decía: “¿Pero no vais a dormir?”. Y ellos: “Tranquila, estaremos bien” (risas).
Lo más surrealista fue el conductor del transporte: tenía dos móviles y en los dos tenía de tono de llamada una gaita escocesa, a todo volumen. No paraban de sonar a la vez y yo pensaba: “¿Pero qué está pasando?”. Fue rarísimo, pero el festival fue genial. Fue nuestra primera vez en España y nos lo pasamos de maravilla. La gente de Viveiro fue superamable. Es una comunidad muy bonita. Ojalá estuviera un poco más cerca del aeropuerto, eso sí (risas).

– ¡Ha sido un placer, Charlie! Muchas gracias por este rato. Tengo muchas ganas de escuchar el disco entero y espero veros pronto de nuevo por España.
El placer ha sido mío. Muchas gracias.

Legado de una Tragedia es el proyecto más personal de Joaquín Padilla. Desde el año 2008 se ha convertido en una referencia ineludible del metal en castellano que ofrece, con cada lanzamiento, una verdadera Ópera Metal de virtudes musicales y narrativas. Secundado por una verdadera selección de talentos invitados, cada disco es un derroche de imaginación, calidad y buen gusto. Con la excusa del nuevo single Ícaro, conversamos con Joaquín quien nos compartió sus puntos de vista, nos puso al tanto del presente de la banda y un poco del porvenir.

Joaquín, ¿cómo estás?, ¿qué tal fue la repercusión de la nueva canción Ícaro?

Pues la verdad, estoy feliz. No sabía muy bien qué hacer porque hace relativamente poco tiempo que había lanzado Lovecraft (N: el álbum del 2025). Habitualmente entre una ópera y otra suelen pasar un año y medio o dos años, que es lo que tardo en hacer toda la documentación, la investigación, la composición y la producción del álbum. Y tenía algunas canciones sueltas, independientes, que me gustaban mucho, sobre todo “Ícaro”, y que tenía muchas ganas de compartir. Y se me ocurrió esta fórmula. Un poco de abrirme un espacio que he denominado Mitos para poder lanzar singles sueltos e independientes. Cada uno de un mito diferente, de diferentes culturas. Mitología nórdica, japonesa, egipcia, cristiana, griega, romana. Es un tema que me apasiona y me permite de vez en cuando quitarme el gusanillo cuando estoy metido en una obra grande y majestuosa, el poder hacer un lanzamiento como este Ícaro. Me apetecía hacer una canción como muy directa, con un sonido más europeo, más como lo que estaban haciendo bandas como Within Temptation a partir del disco The Unforgiving. O lo que hacen Battle Beast o lo que hacen Beast in Black o Dynasty… bandas así. Y la verdad es que la gente lo ha recibido con mucho cariño, lo ha recibido muy bien. La inmensa mayoría de la gente le ha encantado. Siempre hay quien cree que tendría que mantenerme en esas canciones largas, épicas, de grandes historias. Pero me apetecía mucho sacar el single y no tenía más pretensión que esa, mientras que estoy trabajando en el nuevo álbum.

Entonces, si entiendo bien, en algún momento vamos a ver un LP llamado Mitos que va a compilar estos lanzamientos y va a quedar un proyecto con canciones por separado. ¿Cómo vas a articularlo?

Mi idea es lanzar algún single más y luego unirlos todos. No sé si en un EP o en un álbum. Porque hay una cosa que no quiero, que he tenido que abandonar en Lovecraft y no me gusta mucho, que es hacer una ópera rock, una historia. Que es mi propuesta desde el principio y por lo que la gente se ha enganchado de Legado de una Tragedia, que es como hacer un musical heavy, ¿no? En Lovecraft realmente no había un hilo conductor. Todos eran cuentos, eran relatos musicalizados. Pero el formato que me gusta, lo que creo que hace especial a Legado de Una Tragedia es el contar una historia completa, un arco argumental que recorra todo el álbum.

En Lovecraft lo hice así porque, bueno, ya había contado la historia de Poe en los tres primeros álbumes. La vida de Lovecraft no es tan apasionante como la de Poe. Y bueno, ya había escrito sobre un escritor de terror y era un poco repetitivo. Pero tanto a mí, que soy muy fan de Lovecraft, como a los fans que me pedían algo de Lovecraft, dije bueno, pues voy a musicar diez canciones. Pero no quiero salirme de ahí, no quiero salirme de las historias largas, de los álbumes conceptuales. Así que esto lo he dejado un poco por ahí. Cuando uno está escribiendo una obra tan larga como las que yo escribo, hay mucho tiempo en el que no haces nada, que parece que desapareces. Porque como de momento tampoco ha habido directos de Legado, yo no soy un artista que diga bueno hacemos un disco y nos vamos dos años de gira. Sino que hay un momento en el que no tienes nada que lanzar. Pues decidí sacar este single, y sacaré otros. Hay otro tema que ya está grabado. Y bueno, pues cuando compile unos pocos pues lanzaré un EP o lanzaré un álbum y se llamará Mitos. Es un recurso que me he guardado entre álbum y álbum. 

¿Qué músicos te acompañan en esta nueva aventura?

En Ícaro la verdad es que han sido pocos. Esta canción ha tenido un proceso evolutivo muy rápido, porque yo tenía muy claro que quería contar la historia de Ícaro. Porque en este proyecto de Mitos se trata no solamente de hablar de los mitos, no es narrar los mitos, sino es resignificar, darle una vuelta a cada uno y traerlos a la actualidad. Porque yo creo que son arquetipos que hoy en día la gente puede perfectamente adecuar al día a día, a su vida cotidiana.

Entonces el mito de Ícaro lo que cuenta es que Ícaro se ve encerrado en una torre sin poder salir, porque su padre construyó el laberinto. Ayudó a que mataran al Minotauro. Entonces es castigado y es encerrado. Y él, Ícaro, tiene esa esa carga por un linaje, por algo que han hecho sus padres. Entonces me parece muy interesante. ¿Cuánta gente hay que tiene que seguir con la profesión que tienen sus padres? Porque tienen un negocio o que de repente te ponen problemas porque tú tienes otra religión y no quieres seguir la religión de tus padres, o porque a tí te gusta el metal y a tu familia le parece que es anti-cristiano o mil cosas, ¿no?. Me parece que es una cosa muy actual y que había que abordarlo desde ahí. Entonces escribí el tema en dos días, la letra salió prácticamente entera, de corrido. Y aproveché que estaba Carlos Espósito en el estudio. Carlos es batería de Leo de Stravaganzza, y que ha grabado todos los discos de Legado de una Tragedia. Creo que junto con Pablo de Warcry, ha grabado en todos mis discos. Y estaba un día por el estudio grabando algo para él y le dije tengo un tema, lo escuchas y tal, le damos una vuelta y lo dejamos grabado y por la tarde… Esto ya se puede contar, pasó por el estudio Alejandro Fung, que es el bajista de Against Myself, que es una banda maravillosa de metal sinfónico española, un poco progresiva, que es muy amigo mío y que toca conmigo en directo en muchos proyectos que están más allá del metal y de Legado. Y él venía a trabajar en el primer single que ha sacado Elizabeth Amodeo en solitario, que es la cantante de Against Myself. Y yo he hecho las orquestaciones del tema que ha salido hace muy poco y es un tema maravilloso y estuve orquestando y él viene al estudio para estar conmigo allí y guiarme, porque yo soy el compositor del tema y él, aparte de ser un excelente bajista, es un increíble guitarra. Entonces le dije tío, acaba de grabar Espósito un tema, mira, escúchalo, ha hecho estas líneas y tal, ¿por qué no te pones? Y se puso a grabarlo y él grabó los bajos y todas las guitarras del tema. Hizo él el solo. Porque ya te digo, es un excelente bajista, excelente guitarrista. Y entonces ya me quedé yo haciendo las programaciones, las orquestaciones, los teclados y me interesaba mucho que fuera un diálogo de una pelea potente entre Dédalo, que es el padre de Ícaro, e Ícaro. Y pensé, ¿quién puede cantar esto conmigo? Porque yo tenía claro que quería ser Ícaro. ¿Quién puede cantar algo y que esté muy enfrentado? Entonces me sale un cantante que a mí me fascina, que estoy enamorado de él, muy amigo mío, muy buena gente y un cantante excelente que es Andy Martínez, cantante de Headon. Porque él tiene un carácter… Yo soy un cantante más hardrockero, digamos, de la escuela del hard rock y él es muy heavy, heavy metal, más clásico y era muy interesante esa dicotomía de las voces. Y le llamé y me dijo claro que sí, cuenta conmigo para lo que sea. Él cantó en el primer single de Lovecraft, en “La Llamada de Cthulhu”, que fue un éxito. Y hemos sido esos. Y Kike Fuentes, cantante de Nurcry, que también le llamé y le dije tío, me harías unos coros y tal y preparó unas corales maravillosas para el tema. Y entre nosotros cinco hicimos la canción. Y luego el increíble trabajo de Raúl Abellán en las mezclas que ya mezcló tanto Lovecraft como el de Goya, Aquelarre de Sombras en sus estudios The Mixtery. Para mí él es un genio, un mago y le ha dado ese sonido tan brutal.

Joaquín, vos te encargas de la producción de tus propias obras también.

Sí, yo en mis discos todo lo que suena, menos los solos, lo compongo yo, ya sea los riffs de guitarra, los bajos, las líneas vocales, las letras, las orquestaciones. Y luego pues viene gente a tocarlo que por supuesto aporta su granito de arena. Si alguien me dice oye, pues mira, le voy a dar este carácter y demás, pues bienvenido sea. Para Lovecraft conté con José Rojo, con un amigo, para grabar algunos riffs que él tenía, pero en todos los demás siempre compongo todo y lo grabo todo yo primero. Y luego los chicos vienen y lo graban encima. Y la producción siempre corre por mi cuenta.

¿Y cómo es coordinar el trabajo de tantas personas? Quizás justo para Ícaro, un poco lo fuiste contando, no fue tanto despliegue, pero en otros discos sí. Me imagino una tarea titánica en la previa, ¿verdad?

Sí, es un follón. En Ícaro. Lo que pasa es que me puse vago y llamé a los mejores, a gente que es muy buena, pero que eran amigos, que ya los conocía y demás. Cuando hago un álbum de larga duración, a mí me gusta mucho llevar a gente con la que nunca he trabajado porque creo que eso le aporta una frescura. Hay gente que repite, gente que no, gente que lleva dos discos sin salir y vuelve. Pero sí me gusta contar con gente nueva y es bastante complicado porque bueno, en primer lugar, hay gente a la que llamo que no conozco y que le puede apetecer o no, o le puede gustar el proyecto o no. Hay que tener muy en cuenta, sobre todo con los cantantes, cuáles son las tesituras, el carácter que quiero que tenga cada personaje, porque claro, no a todas las canciones le vienen bien a todo el mundo.

Y luego pues hay una locura en el proceso de intentar coordinar las agendas de todo el mundo, porque claro, todo el mundo está en gira, todo el mundo tiene grabaciones, todos tienen lanzamientos. “Mira, ¿cuándo vas a sacar el single?, porque nosotros sacamos el single, no me interesa que salga la vez”. O sea, hay una coordinación, una parte un poco burocrática que yo detesto, pero que tengo que hacer. Y que la verdad es que al final le he cogido un poco el oficio, la costumbre de hacerlo. Y lo que sí que tengo muy claro es quién quiero que lo haga. Yo siempre, cuando empiezo a componer, digo voy a hacer este personaje, pienso en cómo va a ser el personaje y me pongo a pensar cuál sería mi primera opción y cuál sería mi segunda. En caso de que el primero no quiera, no pueda, que me pasa muy a menudo. “Mira macho, me pillas ahora mismo a tope de curro. No estoy disponible ahora para hacerlo. Si puedes esperar tres meses, sí”. Y entonces, dependiendo de cómo yo vaya con la producción, a veces puedo, a veces no. Y se trata de tener muy claro lo que quieres. Ser muy organizado a la hora de preparar las bases. Grabar la ópera dos veces. Tengo que grabarlo todo para luego mandarlo y decirle a la gente “Pero mira, esto es así y tal. Aquí me gustaría que hicieras, lo adaptarás como tú quieras. Te dejo libertad en este estribillo, en este no”. Porque de repente canta un tipo aquí en Madrid y hay otro haciéndole coros que tienen que ir encabalgados en Barcelona o en México.

Y claro, tiene que haber una línea muy clara y todos tenéis que pegaros a mi voz, aunque luego no vaya a estar. A lo largo de los años he desarrollado mucho oficio para tenerlo claro desde el principio y ponérselo fácil. Y luego pues sí que dejo alguna manga ancha para que la gente pueda también aportar su granito de arena de bueno, pues su personalidad. Pero es complicado. Es la parte más dura y la más desagradable, la más ardua. A mí lo que me gusta es el arte. Me gusta grabar, componer, escribir, el tú a tú. Pero el tener. “Mira, te mando los archivos y te lo mando de tal manera. Y entonces. Y coge cada letra y ahora te pongo en amarillo lo tuyo, en rojo lo y lo otro y ahora lo otro se lo cambias. Mira, esto es lo tuyo”. Las anotaciones las suelo mandar a veces un texto explicándole que es su personaje, qué tiene que hacer entonces. Es un poco tedioso, pero bueno, forma parte bonita del trabajo final.

¿Has trabajado con músicos argentinos? En Legado de una Tragedia 1 recuerdo a Hugo Bistolfi. En el 3 estuvo Beto Vázquez también. Entiendo que alguna vez habías contactado a Adrián Barilari y no había podido, ¿puede ser?

Con el primer disco intenté que viniera Barilari, pero porque además hay una cosa muy curiosa y es que, paralelamente al lanzamiento del primer disco, quizá un poco antes, yo tenía una banda en España que se llamaba Iguana Tango, que era una banda de pop rock, era una cosa alejada del metal. Un poco como AOR. Y nuestro road manager, que viajaba con nosotros, era el road manager de Rata Blanca, Eduardo Rodríguez. Y nosotros hicimos mucha amistad con Edu, claro, que convivía con nosotros. Y recuerdo una anécdota que vino Rata Blanca a tocar a Madrid y les perdieron el bajo en el aeropuerto y nosotros les prestamos el bajo. Nos invitaron ahí a estar con ellos y ya había una relación con Barilari. Pero recuerdo cuando hice el primero intenté hablar con él. Y eran de estos casos en los que él tenía muchos problemas de fechas, giras y demás y no pudo. Y luego en Iguana Tango hicimos una versión de Rata blanca de Mujer Amante y vino Walter Giardino a grabar un solo en el tema. O sea que nosotros tenemos relación con Rata, pero finalmente nunca pude contar con él. Me hubiera encantado, por supuesto, con el maestro Barilari.

¿Y cómo es para pensar un proyecto como Legado en directo, en vivo? Porque imagino es difícil pensar en una gira a gran escala por la cantidad de músicos invitados. Quizás sí tenga más que ver con fechas especiales.

Bueno, llevo 20 años con el proyecto y todavía no he conseguido llevarlo al directo, pero mi idea es hacerlo en este 2026. Está muy avanzado todo. La única manera de hacerlo es un poco copiando la fórmula que lleva una banda que a mí me encanta, que es Therion. Y que está haciendo Avantasia. No me puedo llevar 25 personajes porque hay algunos que salen, cantan un trocito y se van. Lo voy a hacer con cuatro, cinco o seis cantantes, que se reparten todos los personajes. Y claro, como nunca lo he hecho, la primera vez a mí me gustaría mucho que fuera aquí en Madrid. En un principio está pensado para que sea en Madrid, aquí en España. Y como muchos músicos son de aquí, pues aparte de los cinco o seis cantantes, pues de repente puede haber algún invitado que venga, que cante una vez y tal, y ese formato exportarlo.

Y mi idea es ir a América claramente, porque hay mucha demanda. De hecho, es muy curioso que más del 50%, más de la mitad de los oyentes de Spotify, los tenemos en América. De hecho, más del 50% de los oyentes de Legado de una Tragedia están en México. Tenemos muchísimos más fans en América, en Argentina, en Chile, en Colombia que en España. En España tenemos muchísimos fans, pero es curioso que América está muy volcada con el proyecto y mi idea es lanzarlo y llevarlo para allá. Estamos intentando cuadrar porque no es un concierto al uso, O sea, ponemos los amplis detrás, nos ponemos una camiseta de Motörhead y salimos a tocar. No. Queremos tener escenografía, una parte de vestuario, un diseño de luces. Hay una parte muy teatral que está diseñada con pantallas y demás, y la logística requiere de un lugar que curiosamente en México no hay ningún problema para conseguirlo y probablemente en Buenos Aires tampoco. Pero sí hay problema en Madrid. En Madrid hay un aforo que es un poco complicado porque el sitio donde nos cuadran, los camerinos son pequeños porque va a haber muchos cambios de ropa, mucha gente y no hay lugar para poner el atrezo. Estamos buscando el sitio perfecto para hacerlo bien.

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Creo que en el 2004 más o menos empezaste a pensar en Legado de Una Tragedia. Finalmente el primer disco salió en el 2008… Son más de 20 años, ¿te imaginabas que iba a tener tanto recorrido el proyecto?

Pues mira, no, la verdad es que no, pero no me lo imaginaba porque… intento no mirar mucho más allá. O sea, quiero decir, a mí siempre me ha gustado soñar caro. Puestos a soñar, no voy a soñar en barato. Pues vamos a soñar que esto va a ser muy grande y cada vez más grande, que llegará más gente y que haremos giras mundiales y que durará hasta que me muera. Pero no miro mucho más allá del siguiente disco. Igual que he dicho muchas veces en muchas entrevistas que no me gusta mirar al pasado. Yo no pongo los discos de Legado. Ha sido una sorpresa, ahora que estamos preparando el directo, porque he vuelto a escuchar toda la discografía y me he sorprendido, a decir hostia, que cómo volaba esta canción o cómo volaba o qué guay hicimos esto, para elegir el repertorio. Pero no pongo los discos antiguos. Yo acabé una obra y ya pasó y ya estoy pensando en la siguiente, pero solo en la siguiente, no en dentro de tres. Entonces no me imaginé nunca hasta dónde iba a llegar, porque no miro el pasado y miro al futuro muy cercano y cada día miro más al presente, porque al final la vida da muchas vueltas y lo mismo ahora estamos trabajando ya en el nuevo disco y mañana me llama la persona que me está ayudando a hacer la producción. Me dice ya tenemos sala y de repente ese proyecto queda apartado y hacemos el directo y va bien y me paso todo el año que viene girando por España, por América, por festivales y ya el disco. Entonces no sé decirte, pero desde luego no, porque era una locura, nadie lo había hecho en castellano, no existía en castellano y aparte yo en ese momento tampoco era un artista de metal. Yo, todos mis discos aquí son de metal desde que era niño: Maiden, Stryper, Helloween, Judas, Metallica. Tambien de Hard Rock, Bon Jovi, Warrant o Skid Row, Motley Crue… Luego me dio por la música más bestia. Pero como artista, aunque yo componía cosas de heavy y demás, yo tocaba en una banda de éxito de pop en este país. De pop rock. Entonces era muy raro cuando el que levantaba el teléfono era “Hola, soy el cantante de Iguana Tango, estoy haciendo una Opera Metal”. Al principio todo el mundo decía ¿qué es esto? No sé qué ejemplo podría poner, pues es a lo mejor como si me lo invento, no sé exactamente, pero es como si Cerati, claro, lo llama a Barilari, le dice que tiene una ópera metal de la hostia y le suena raro. ¿Tú estás haciendo una ópera? Que eran cañeros y rockeros, pero no es metal, ¿no?

Eso de pensar siempre en grande me remite también al Ícaro, ¿no? Que tenía ese límite impuesto, no por él, de volar hasta cierta altura… y él no lo respetó.

Claro, porque yo creo que hay que volar hasta el sol, aunque te quemes las alas y te despeñes al mar y te mates. Pero hay que volar hasta donde tú quieras ir, porque si yo vuelo hasta dónde quieres ir tú, la vida es muy aburrida. Y hasta que alguien me demuestre lo contrario solo tengo esta vida. Entonces para vivir tu vida ya estás tú, que seguramente será una vida fascinante y maravillosa, pero a lo mejor no coincide con la vida fascinante y maravillosa para mí. Entonces yo siempre le digo a la gente cuando me preguntan qué le dirías tú a la gente joven que empieza y tal, que cuando alguien le pregunte por qué, responda ¿Por qué no?

Hubo un tiempo en que Metallica no les conocía nadie y tocaban en un bar de mierda, en un garito de mierda, para sus novias. O sea, Metallica no empezó tocando en un estadio. Siempre hay un momento antes de dar la vuelta a la esquina y encontrarte con el éxito. Y alguien tuvo la maqueta de “Motorbreath”, algún sello discográfico y diría “pero ¿dónde van éstos? Bandas como estas tengo 200” y tiraría la cassette. Nadie dice “Ah, vale, este chaval que tiene seis años, dentro de 50 años va a ser la mayor estrella del rock”. Y esto pasa con todos los artistas. O sea, yo no creo que no se encontrara con ningún artista, que bueno, no sé, me puedes desmentir tú que te haya dicho “Ah cuando tenía 13 años sabía que me iba a convertir en estrella del rock”. Puedes esperarlo o tener ilusión. 

Esta es una pregunta que encierra un poco de un poco de opinión, pero acá nos interesa tu punto de vista. Yo creo vivimos una época donde cada vez más impera la ignorancia, lo superficial y de repente uno se encuentra con un proyecto como es Legado de una Tragedia… tan complejo, tan trabajado, y que requiere muchísimo del oyente. Uno inmediatamente escucha cualquiera de estos discos y entiende el compromiso del artista para hacer algo diferente. Y uno, como oyente, no puede ser menos. Si no, no lo va a disfrutar. ¿Trabajás conscientemente en eso de que estás ofreciendo un proyecto, un producto tan elaborado, tan distinto?

Mira, me encanta la pregunta porque tiene muchas capas. Me encanta lo que has dicho del compromiso que tengo yo con contigo, que escuchas el disco y el que un poco te exijo a ti. Si te quieres enterar del disco puedes escuchar el disco, pero tienes que ver las letras o conocer la historia o investigar un poco. Si no, no vas a disfrutar del disco.

Te voy a ser muy sincero, cuando yo hice el primero… en general yo los discos los hago, aunque suene un poco feo, porque me da la gana. O sea, quiero decir, yo cojo un día y digo voy a hacerlo. ¿Por qué? Porque me apasiona, y porque me cuadraba mucho la historia que yo tenía en la cabeza. Pude crear con el género del metal, las orquestas sinfónicas. Es una tragedia. O sea, había un concepto que me interesaba mucho.  Y a mí me encanta Edgar Allan Poe. Y yo me informé, hablé con la Baltimore Society para que me mandaran información. O sea, investigué, leí todo, por supuesto de Poe. Y yo puse ese compromiso, pero por placer, porque a mí me gusta. Pero me encontré con algo muy curioso. Es que después del primer disco me llamaba mucha gente, me escribía muchos profesores de instituto que me decían “Tío, utilizo tu obra para meter a la gente en el mundo de la literatura”. Y los chavales de repente encuentran otro elemento, otro algo al que engancharse. Que a veces en el colegio tienes un libro y te lo manda el profesor y solo porque te lo manda el profesor ya lo miras con malos ojos.

Y me pasó una cosa muy curiosa precisamente con un chico argentino que era un tipo que me escribía a menudo por redes. “Oh tío, me encanta el primer disco, lo llevo todo el día en el coche, vamos flipando en el coche y lo llevo y tal.” Y un día después de escribirme con él varias veces, me manda una foto de su hijo de diez años leyendo a Poe porque de ir tanto en el coche con el niño escuchando y dijo “papá, yo quiero leer ésto”. O sea, le gustó al niño. Cuando yo empiezo a pensar que un chaval de diez años que vive a 14.000 kilómetros de mi casa, se inicia en la literatura de un autor universal como Poe por mi música, me di cuenta del poder que tiene la música. Y me di cuenta de que hay un montón de gente que gracias a Dios hoy con la globalización y con las redes y con todo, que aun estando a 14.000 kilómetros, que aunque a ti te cuesta mucho conseguir el CD, aunque no puedas conseguir el CD, igual puedes escuchar los discos. Y probablemente igual que yo, seguramente no tenga el mismo conocimiento sobre el imperio Inca porque me pilla más lejos y conoces cosas y demás, pero no lo tienes tan claro. A un tipo de América o de Japón seguramente no tenga tan claro qué son los Templarios o qué pasó con los Templarios. O entre mis fans. Yo pregunté a unos aleatoriamente en las redes, les pregunté ¿Cuál es el pintor más famoso español que conoces? Y mucha gente me decía Picasso o me decía Dalí, pero casi ninguno me dijo Goya. Y Goya para nosotros es como ¡guau! Y yo decía hay mucha gente que no conoce las pinturas negras de Goya y lo que hay detrás y a su vez, de donde surgen, y los grabados y que fue el primer periodista gráfico de su tiempo. Porque nos habían invadido los franceses. Claro, a lo mejor yo no tengo toda la información, más allá de los titulares, de qué pasó en la Guerra de las Malvinas, por ponerte un ejemplo. A lo mejor hay detalles de la historia que a mí se me escapan y yo tengo la oportunidad de contárselo a la gente y de hacer llegar y que la gente tenga curiosidad por ello.

Y me consta, porque luego, claro, mucha gente lo comenta en los foros y demás. Hay gente que viene a leer a Lovecraft por esto o hay gente que a lo mejor descubre la mitología grecolatina gracias a Ícaro. Entonces yo siempre hago un esfuerzo en que lo que cuento es verdad, en las fechas, que los personajes pueden tener alguna licencia, que luego suelo explicar en las entrevistas o en los making of, que hay muchos making of de los discos. Pero hay un compromiso cultural. Creo que yo lo aprendí muy pronto, también lo he comentado alguna entrevista, yo conocí a Poe por Iron Maiden, por “Murders in the Rue Morgue”. Yo conocí a Lovecraft por “La Llamada de Cthulhu” de Metállica. Que yo dije esto de La Llamada de Cthulhu ¿qué coño es? Y en aquella época te cogías una enciclopedia y te enteras de que es un personaje de un tipo. Digo oye, si a mis héroes les interesa este autor, vamos a leerle. Entonces hay un poder cultural en la música que va mucho más allá de lo que creemos. Creo que es importante y es importante utilizarlo.

Joaquín, te quiero agradecer muchísimo la nota… estaremos como siempre atentos a tus lanzamientos.