Entrevista por Kia Stuck

Como parte de la esperada vuelta de Abigail Williams al Reino Unido en Fortress Festival 2026, Track To Hell habló con su fundador y vocalista, Ken Sorceron, sobre el último álbum de la banda, A Void Within Existence. Conversamos sobre los temas de aislamiento e introspección presentes en el disco, así como sobre la evolución de la formación y las actuaciones de la banda desde la última vez que tocaron en el Reino Unido, hace aproximadamente ocho años.

¿Qué tal ha sido tocar aquí hoy en un recinto tan maravilloso?

Oh, es increíble. Quiero decir, es lo mejor. Es el festival más genial que hemos hecho nunca. Sí, absolutamente. Junto al mar, así, y además todo el mundo nos ha tratado muy bien aquí. El escenario es fantástico. El sonido fue simplemente… ya sabes… es genial. Digámoslo así: llegamos aquí y no habíamos tocado juntos en más de un año, creo. Ni siquiera habíamos conocido al batería con el que tocamos hasta ayer. No ensayamos en absoluto. Si puedes subirte a un escenario y hacer eso, entonces está bastante bien.

¿Y cómo es tocar aquí en el Reino Unido en comparación con conciertos de black metal en América, por ejemplo en Estados Unidos? ¿Notas alguna diferencia en el público o algo así?

Solo los acentos, realmente. Y el papel moneda tiene una sensación un poco… diferente. No, en serio, es difícil decirlo. Aquí hay tanta gente que he estado hablando con personas de todo el mundo, realmente. Nuestra primera gira fue precisamente en el Reino Unido cuando empezamos la banda. Hicimos una gira por el Reino Unido antes de girar por Estados Unidos. Así que, la verdad, me gusta bastante estar aquí.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Fortress Festival 2026 Día 1: “un arranque de alto nivel para la cuarta edición”

¿Es un poco como volver a casa?

Sí, me encanta. También llegué a trabajar aquí durante una temporada. Además he pasado bastante tiempo aquí. Y, ya sabes, me encanta el campo. Y sí, simplemente aprecio este lugar. Y honestamente, los fans aquí son bastante geniales. Lo diré así. Siempre lo han sido.

Y ahora que has vuelto con vuestro último disco, A Void Within Existence, ¿cómo se siente trasladar todo lo que pusiste emocionalmente en ese álbum al escenario? Porque fue compuesto durante una etapa más o menos complicada.

Oh, sí. Ya sabes, solo elijo tocar las canciones con las que realmente conecto. ¿Sabes a qué me refiero? Porque quiero que el concierto se sienta como una gran liberación. Quiero sentir algo yo mismo. Quiero que se me ponga la piel de gallina. Y luego espero poder transmitir eso a la gente. La mayoría de las canciones ya las habíamos tocado antes, pero una de las que hemos interpretado hoy…Acabamos de tocar una canción que nunca habíamos ensayado de ninguna manera. Fue genial.

Sí, me encanta el álbum. De hecho, me encantan nuestros dos últimos discos. Creo que hemos seguido una buena trayectoria. Ahora mismo estoy grabando un nuevo álbum. Tuve que dejarlo en pausa para venir aquí, pero lo terminaré cuando vuelva a casa.

Entonces está cerca de estar terminado.

Sí, bastante cerca. Solo faltan algunas voces y cosas así.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: El Altar Del Holocausto: “Los sentimientos en muchas ocasiones son más fuertes que las propias palabras”

¿Disfrutas más del proceso de hacer discos entre gira y gira o las giras se han convertido más en una molestia?

Sí, ya sabes, las giras se han vuelto… más complicadas que antes porque la logística cada vez es más difícil. Todo es más caro, pero los ingresos no parecen aumentar. Muchas bandas dicen lo mismo. Es diferente ahora. Y además me estoy haciendo viejo. Me gusta estar en casa y relajarme. Me gusta trabajar en música. Y cuando estás de gira demasiado acabas quemado, y entonces no trabajas en música. Así que intento encontrar la cantidad justa de conciertos y luego pasar al siguiente disco. Me gusta hacer álbumes. Entre los dos últimos discos pasó demasiado tiempo, así que ahora intento acelerar un poco el proceso.

¿Sentiste que tenías que acelerar ese proceso?

Simplemente sentí que, en lugar de estar de gira, debería estar haciendo música. Porque mientras tengas inspiración, debes aprovecharla. Después de publicar un álbum, a veces te sientes incluso más inspirado porque acabas de lanzar algo y ves el resultado de tu trabajo. Entonces piensas: tengo que hacer más música ahora mismo. Pero si sigues de gira constantemente, esa sensación desaparece.

Entonces hay que encontrar un equilibrio.

Es complicado. Y yo soy una persona que se guía mucho por lo que siente en cada momento. No somos precisamente la banda más organizada del mundo, voy a ser sincero. Puedo estar en mitad de un disco y pensar: “Esto es una mierda”. Lo dejo y ya volveré a ello. Y puede que pasen años. Suena una locura. Pero luego vuelvo a escucharlo y pienso: “En realidad esto no es una mierda. Estaba equivocado”. Y entonces lo termino. Simplemente funciona así.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Fortress Festival 2026 Día 2: “entre castillos imaginarios y leyendas del black metal”

¿Y cuándo sientes que un álbum está terminado? Sobre todo cuando trabajas en él de forma intermitente y puedes perder la perspectiva del conjunto. ¿En qué momento dices: “Ya está, está acabado”?

Buena pregunta. Nunca parece terminado hasta que simplemente te rindes y dices: “Esto servirá”. Porque podrías trabajar en él para siempre intentando perfeccionarlo. Pero a veces eso es lo incorrecto. A veces es mejor quedarse con la primera sensación cruda. Especialmente con las voces. Suelo escribir las letras el mismo día que voy a grabarlas. Y luego quiero conservar esas primeras tomas. Lo primero que me viene a la cabeza suele ser lo mejor. Me gusta mantener ese tipo de cosas. Pero la música, especialmente cuando estás arreglando baterías o trabajando la estructura de las canciones, es algo que podrías retocar eternamente.

Ahora cuentas con bastante ayuda a la hora de completar las grabaciones gracias a Dave y también a Mike. ¿Cómo ha cambiado eso el proceso?

Es mucho más fácil cuando no tienes que encargarte de la mezcla. Puedes enviar el material a alguien como Dave Otero o Lambert, gente que llega con una perspectiva fresca. Tú ya estás harto del disco porque lo has escuchado miles de veces. Es bueno tener una opinión nueva. Y además son personas en las que confías. Porque entregar tu álbum a alguien y decirle: “Toma, mézclalo”, da bastante miedo. Piensas: espero que vuelva sonando como lo imagino. Pero esos dos hacen un trabajo fantástico. Y también trabajar con Mike Taylor en la batería se ha convertido en nuestro sistema habitual porque simplemente funciona. Trabajamos muy bien juntos. Lo conozco desde hace muchísimo tiempo. Todo fluye de manera muy natural.

Entonces ahora mismo tienes buenas sensaciones.

Oh, sí.

Con todo lo que está pasando y el camino que lleváis actualmente, ¿cómo te sientes?

Siento que si la banda hubiera sido como es ahora cuando la fundé, las cosas estarían mucho mejor hoy. Lo curioso es que cuando empezamos apenas habíamos dado tres conciertos y ya habíamos fichado por Candlelight Records. De repente nos vimos compartiendo sello con un montón de bandas increíbles. Estábamos abriendo para Emperor casi inmediatamente. Empezamos a girar por el extranjero enseguida. Ni siquiera tuvimos tiempo de desarrollarnos. Fue una locura. Básicamente tuvimos que desarrollar nuestro sonido en público. Y luego te quedas atrapado en girar, girar y girar constantemente. Ahora las giras son agotadoras. Tengo 46 años y pienso cuánto tiempo más puedo seguir así. Ves bandas que continúan hasta una edad muy avanzada, pero son mucho más populares, así que tiene sentido. ¿Cuánto tiempo puedes seguir siendo una banda infravalorada y continuar girando para siempre?

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: P.G. (Groza): “No podría cantar sobre cualquier cliché aleatorio porque no significa una m*erda”

Sí, puedo imaginarlo. Si elimináramos toda la atmósfera y la puesta en escena, imaginemos que estuvierais en un escenario completamente iluminado, ¿qué aspecto de vuestra música crees que seguiría impactando más sin toda la estética del black metal?

Creo que sí funcionaría, porque en esta banda todo gira en torno a la música. No tenemos una imagen tan marcada como otras bandas. No usamos disfraces. No coordinamos cómo debemos vestirnos. No sabemos qué hará el técnico de luces. Ni siquiera tenemos técnico de luces. Puede hacer lo que quiera. Nosotros simplemente tocamos. No somos una banda especialmente preocupada por la imagen, probablemente para nuestro propio perjuicio porque a los fans del black metal les gusta mucho ese tipo de cosas. Pero nunca fuimos así. Miras fotos de cuando empezamos y parecemos tipos completamente normales. Y resulta bastante gracioso verlo ahora. Pero simplemente no tenía tiempo para pensar en esas cosas. Estaba ocupado haciendo música. Así que sí, para nosotros es bastante sencillo.

Entonces, ¿qué crees que es lo que más destaca en vuestra música? Sobre todo teniendo en cuenta que no hay disfraces ni elementos similares.

Creo que la emoción. Y sí, hay atmósfera, pero es una atmósfera diferente. Es black metal, por falta de una descripción mejor en términos estilísticos, pero yo me permito cierta libertad. No estoy pensando constantemente: “Somos una banda de black metal”. No pienso: “Tiene que transmitir oscuridad absoluta”. Y no me estoy burlando de quienes lo hacen. Solo digo que nosotros no trabajamos así.

Sí, claro.

Tenemos letras sobre infinidad de temas. Y sí, encajamos dentro de esta escena. Podemos tocar con todas estas bandas y funciona bien. Pero he notado que nunca encajamos perfectamente en ninguna gira. Siempre somos un poco la banda rara. Estamos girando con muchas bandas de black metal que tienen toda una producción escénica detrás. Nosotros no tenemos nada de eso. Así que siempre somos un poco diferentes. Y si tocamos con bandas más death metal, entonces parecemos completamente atmosféricos. Es complicado. Si quisiéramos tocar con una banda de post-rock, resultaríamos demasiado pesados.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Barroselas Metal Fest 2026 Día 1: “El reencuentro”

Así que simplemente sois vosotros mismos.

Sí, exactamente.

Es vuestra propia identidad. No encajáis en ninguna caja.

Y estoy completamente bien con eso. Siempre me he sentido un poco ajeno a esa escena. Nunca sentí que formáramos parte de ella. Conozco a mucha gente. Soy amigo de mucha gente. Pero nunca sentí que estuviéramos realmente dentro. Siempre me sentí aparte, aunque cercano. Y está bien así.

Aquí funcionó perfectamente, eso seguro.

Sí, puede funcionar. Creo que al público le gustó bastante, o al menos eso parecía. Y eso fue bueno porque nunca habíamos tocado ante tanta gente aquí. Normalmente, en el Reino Unido hacemos conciertos más pequeños.

Entonces también hay una diferencia importante en cuanto al tamaño del recinto respecto a lo que soléis hacer.

Me gustan los conciertos grandes. Sé que suena raro. Me pongo más nervioso ante un concierto pequeño con poca gente que ante una multitud enorme. Cuando hay una multitud enorme pienso: “Me siento bien. Vamos a ello”. Es extraño.

Probablemente porque cuando hay poca gente sientes que tienes que estar a la altura de ese grupo concreto de personas. Debes cumplir sus expectativas.

Sí, sientes que tienes que ser perfecto porque estás bajo el microscopio.

Y con una multitud enorme piensas más bien: “Está toda esta gente aquí. Voy a tocar y estarán contentos de que esté aquí”.

Y además recibes esa energía. Sientes que todo está bien. “Oh, acabamos de cometer un error. ¿Y qué?”

Exactamente. ¡Muchas gracias por tu tiempo!

Muchas gracias a vosotros, ha sido un placer hablar contigo.

El Altar Del Holocausto es toda una rareza en la industria musical: una banda totalmente instrumental, entre el doom y el postrock, capaz de crear piezas muy evocadoras y de enorme calidad. La identidad de sus miembros es un secreto, ya que tocan encapuchados como forma de anonimato y también tomando su inspiración estética de la tradición de la Semana Santa: sus capuchas se inspiran en los nazarenos o penitentes, mientras que sus conciertos son llamados por ellos mismos y sus seguidores “homilías”, en las que se busca elevar el espíritu a través de la música. 

La banda consigue así alcanzar un equilibrio muy difícil: emocionar a todo tipo de personas, incluso a agnósticas, ateas o procedentes de otras tradiciones religiosas, sin ofender a los creyentes y reivindicando algunas de las enseñanzas más universales y enriquecedoras de su fe.

Hoy hemos podido hablar con uno de sus enigmáticos miembros con motivo del reciente lanzamiento de su cuarto álbum de estudio: ECOS; un trabajo que simboliza el regreso de la banda después de cinco años y el inicio de una nueva etapa.

Hola, soy Cristina para Track to Hell, ¡muchas gracias por concederme esta entrevista! En primer lugar quiero daros la enhorabuena: Ecos es un álbum magnífico y parece estar teniendo una acogida maravillosa en los medios y entre el público. ¿Cómo ha sido el proceso de gestación y grabación de este trabajo? ¿Buscáis explorar nuevos matices sonoros en comparación con vuestros anteriores trabajos?

Hola, igualmente, encantado de atenderte. Me alegra que hayas disfrutado de nuestro nuevo trabajo, ECOS. Es un honor que sea reconocido y que el oyente pueda disfrutar de él después de tanto tiempo. Ha sido un largo tiempo de gestión, cerca de año y medio, desde que comenzamos con su composición, maquetación, grabación y edición… nos encargamos íntegramente de todo el proceso, salvo de la parte del ingeniero de grabación en el estudio. Ha sido un proceso costoso, pero a la vez ha tenido su parte hermosa, sobre todo el proceso creativo, creo que ECOS pone a EADH en otro punto, este disco es un punto y aparte en la historia de la banda.

Puede que se puedan encontrar ciertos matices que sean nuevos, pero en general hemos buscado que el disco suene a EADH… que sea seña de identidad de la banda.

Ojalá tengan tan buena acogida las homilías de presentación que vendrán próximamente.
Con el disco ya girando y la gran respuesta que está recibiendo, ¿cómo está siendo el traslado al directo? ¿Qué podemos esperar de las fechas que tenéis por delante en esta gira?

Aún no hemos desvelado ninguna fecha de presentación, salvo dos festivales: el Westill en Francia y el In To The Void en Países Bajos. Pero ya estaban cerrados antes de la publicación de ECOS.

La gira considero que será la más ambiciosa de la banda hasta la fecha, intentaremos llegar a todos los lugares posibles, sobre todo fuera, y que ECOS resuene allá donde tengan a bien escucharlo. Cambiarán bastantes cosas respecto a giras anteriores, pero hasta que no se lleven a cabo las primeras homilías no puedo dar más detalles.

Hay varias cosas que hacen única a vuestra banda. Por ejemplo, en vuestro caso, defendéis una propuesta puramente instrumental (sin vocalista), algo que en la escena actual me parece todo un reto. ¿Cómo conseguís que vuestros instrumentos narren historias y mantengan al público en trance durante todo el concierto?

Es todo un reto poder llegar al público sin tener una voz que transmita el mensaje principal… pero los sentimientos en muchas ocasiones son más fuertes que las propias palabras. Es importante que el oyente entienda el sentido de las composiciones, por que se crean y cuál es el objetivo de ellas, de ese modo podrá sumergirse mejor en ellas y dejarse llevar en ese trance musical.

No es una tarea sencilla, ni siempre funciona, pero para nosotros es lo que nos motiva a seguir adelante… poder hacer que cada concierto sea aún más especial o emotivo que el anterior. Por eso estamos aquí.

Otra cosa que hace único al El Altar del Holocausto es que, en una era de sobreexposición en redes sociales donde todo el mundo quiere mostrar su cara y todo lo que sea necesario para llamar la atención o alcanzar la fama, vosotros seguís manteniendo vuestras identidades en secreto ¿Es una forma de protección personal o una herramienta artística para que el oyente se concentre únicamente en la música, sin prejuicios ni egos?

Es una decisión y como tal debemos comulgar con ella, cuando se creó la banda en 2012 tomamos ese camino y será así hasta el final de la banda. No es para nada relevante cómo seamos o dejemos de ser físicamente los miembros de EADH, lo que sí debe tener repercusión es la música que se ejecute y cómo lo haga, eso sí es transcendental. El ego o los prejuicios no tienen cabida en nuestros sonidos.

Aunque no sepamos realmente quién está bajo la máscara, El Altar del Holocausto se escucha y se siente como una banda o incluso una institución muy sólida. ¿Podéis contarme si a lo largo de los años ha permanecido inalterable la formación o habéis vivido cambios en las filas? ¿Cómo afecta el relevo de un miembro cuando el concepto visual y espiritual de la banda es tan específico?

Como todo grupo, este también ha evolucionado… de ser un dúo en 2012 a ser cuatro miembros en la actualidad. Todo se trata de tener buena comunicación y entender bien el mensaje de la banda, ir todos en la misma dirección y remar a favor del proyecto. Por supuesto hemos tenido altibajos y momentos muy complicados, pero la banda está por encima de todo eso. EADH va más allá de los sentimientos que tengan sus miembros, no es un grupo formado por personas… EADH es nuestra forma de vida.

Vuestra estética y vuestros conciertos-homilías beben directamente del misticismo y la solemnidad del catolicismo, utilizando una imaginería que para algunos podría ser arriesgada. Sin embargo, lográis algo muy difícil: conmover a todo tipo de personas, incluso agnósticos y ateos, sin ofender a los creyentes. ¿Dónde está el secreto para mantener ese equilibrio tan respetuoso? ¿Buscáis algún tipo de provocación o más bien una vía de espiritualidad libre a través del arte?

Es interesante lo que planteas, creo que el equilibrio debe ser justo… esa vía espiritual del arte es donde reside la esencia de EADH, que el oyente lo interprete como realmente quiera. No es necesario pronunciarse, simplemente sentir la música y fluir. En eso quizás reside parte de la esencia de la banda, poder transmitir mensajes con los sentimientos.
Ligado con la pregunta anterior, da la sensación de que vuestro origen en Salamanca debe ser clave: vuestra propuesta evoca la sobriedad y el ascetismo de la Semana Santa de Castilla y León. ¿Hasta qué punto el peso histórico, la arquitectura y la tradición de vuestra tierra natal han moldeado el ADN visual y sonoro de El Altar del Holocausto?

No creo que realmente sea algo que haya modelado a la banda, ni lo sentimos como una influencia directa. De hecho varios miembros de la banda desde que se creó han estado más tiempo fuera de Salamanca o de España que en ella. Nos puede gustar más o menos esa imaginería o sobriedad, pero no creo que haya influenciado a la forma de ser de la banda, al menos de forma consciente o directa.

Como banda con un largo camino recorrido, desde un terreno más underground hasta llenar salas y tocar en grandes festivales, ¿qué diagnóstico le hacéis al panorama de la industria musical actual en España? ¿Es un entorno saludable para las propuestas independientes, novedosas y de nicho?

No sabría decirte. Desde nuestros inicios siempre hemos intentado ser una banda “DIY” en todo lo que hemos podido, cuando hemos tenido oportunidades las hemos intentado aprovechar y otras muchas las hemos desechado sin pensar en las consecuencias… no creo que seamos ejemplo de banda que ha triunfado o de banda a seguir. Sólo conocemos una fórmula que es trabajo y constancia. Casi siempre hemos tenido buenas experiencias con la gente del sector, sobre todo con los trabajadores que son el motor de todo esto… otra cosa es cómo se encuentre actualmente el panorama musical en algunos aspectos, pero ahí prefiero no entrar. 

Estamos viendo una irrupción masiva de la Inteligencia Artificial en la composición musical y el arte visual. Para una banda como la vuestra, donde la imperfección humana, el sentimiento, el sudor del directo y el misticismo son el núcleo, ¿cómo veis esta tecnología? ¿Creéis que la IA podrá replicar o sustituir alguna vez el alma de una composición musical o el arte sacro?

Para nada… la inteligencia artificial jamás podrá transmitir sentimientos, por algo muy simple: no los tiene. Podrá replicarlos, pero siempre serán una copia… y ahí ya se pierde originalidad, creatividad y pensamiento.  Es bastante triste, sobre todo por parte del consumidor. Hay que tener un poco más de criterio y saber diferenciar.

Mucha gente acude a vuestras “homilías” buscando una experiencia catártica, casi religiosa, un espacio donde procesar su propia oscuridad o sus problemas diarios en comunidad. ¿Sentís la responsabilidad de que vuestra música funcione como una especie de sanación o bálsamo espiritual para vuestros seguidores?

En algunas ocasiones lxs hermanxs nos transmiten esas experiencias, tras las homilías, a través de mensajes, etc… es cierto que no deja de sorprendernos y nos emociona muchísimo poder llegar de este modo al oyente. Sí creo que tenemos cierto grado de responsabilidad a la hora de subirnos a un escenario.

Cada vez intentamos perfeccionar más todo y que sea lo más profesional posible, pero sin dejar de lado la parte humana y la cercanía. 

Muchas gracias por vuestro tiempo, si queréis añadir cualquier cosa o saludar a vuestros fans ¡este es el momento! 

Aprovecho estas líneas para agradecer de corazón a la gente que nos sigue, apoya y admira… el cariño es mutuo. Os esperamos en la próxima gira de presentación de ECOS, que esperamos poder anunciar lo antes posible.

Con una propuesta que combina melodía, agresividad y una clara ambición por construir una identidad propia dentro del metal moderno, Overture debuta con State of Decay, un álbum donde cada detalle parece pensado para transmitir emoción, intensidad y honestidad. En esta entrevista, la banda habla sobre el proceso creativo detrás del disco, sus influencias, la búsqueda de versatilidad tanto a nivel compositivo como vocal y los objetivos que ya empiezan a marcar el futuro del proyecto, dejando claro que esto no es solo un primer lanzamiento, sino el inicio de una apuesta seria y con personalidad.

Este es su álbum debut y da la sensación de que la banda ya tiene una identidad bastante definida. ¿Cómo fue el proceso de encontrar el sonido de Overture entre influencias tan melódicas y momentos más agresivos?

Fue algo que apareció de forma bastante natural durante la composición del álbum. Desde el principio tuvimos claro que queríamos transmitir emociones y experiencias con las que cualquiera pudiera sentirse identificado, y el sonido fue tomando forma alrededor de esa idea. Todos compartimos influencias similares, pero cada uno aporta cosas distintas: algunos tendemos a centrarnos más en los riffs, otros en las melodías o en las atmósferas. Bandas como Architects, Killswitch Engage o Metallica han sido referencias importantes para nosotros, pero siempre tuvimos claro que queríamos construir una identidad propia.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Overture – State of Decay (2026)

La introducción acústica prepara muy bien el terreno para todo lo que viene después. ¿Desde el inicio tuvieron claro que querían abrir el disco de esa manera o fue algo que apareció durante la composición?

La introducción acústica apareció prácticamente al final del proceso. Sentíamos que el disco necesitaba una apertura que ayudara a contextualizar lo que viene después y, especialmente, a preparar el terreno para “Sirens”. Más que una canción en sí misma, la vemos como una forma de introducir al oyente en la atmósfera del álbum antes de que entre toda la intensidad del primer tema.

“Sirens” tiene todos los elementos de una canción capaz de conectar con mucho público dentro del metal moderno. ¿Qué representa para ustedes dentro del álbum y cómo nació ese tema?

“Sirens” nació aproximadamente a mitad del proceso de composición del álbum y fue una de esas canciones que, desde la primera maqueta, supimos que tenía que formar parte del disco. Buscábamos algo rápido, agresivo y directo, pero sin renunciar a las melodías que también forman parte de nuestra identidad. Para nosotros representa muy bien la energía de Overture y las ganas que tenemos de conectar con la gente. Su mensaje gira en torno a los errores, las cargas que arrastramos y la decisión de seguir adelante a pesar de todo. En cierto modo, resume muy bien la actitud con la que afrontamos este proyecto.

Sergio, en canciones como “Enemy”, “Beneath The Suffering” y “Dead Roses” mostrás registros muy distintos. ¿Qué tan importante era para vos que el debut también sirviera para mostrar esa versatilidad vocal?

Para mí era crucial este aspecto. No queríamos traer una simple propuesta que sonara monótona, queríamos demostrar, sobre todo a nosotros mismos, de lo que somos capaces. Por mi parte era una batalla conmigo mismo. Quería dar lo mejor de mí en cada canción, pero también conocerme mejor como vocalista, y jugar con diferentes registros y combinaciones me ayudó muchísimo a crecer. En Overture queremos ir a por todas y quería estar a la altura de los tremendos músicos que tengo a mi lado. Pero, sobre todo, quería desarrollar algo que pudiera mantener en el tiempo: exigente, desafiante y que me obligara a seguir mejorando, pero que también pudiera defender con confianza en directo.

“One of Us” mezcla synths, partes melódicas y momentos mucho más intensos de una forma muy natural. ¿Qué artistas o referencias sienten que influyeron más en esa búsqueda sonora?

“One of Us” fue probablemente una de las canciones donde más nos acercamos a algunas de las tendencias actuales del metal moderno. Bandas como Bring Me The Horizon o Bad Omens fueron referencias a nivel de atmósfera y uso de elementos electrónicos, aunque siempre intentamos integrarlos de una forma natural dentro de nuestro sonido. Cabe decir que no queríamos que los synths fueran el centro de la canción, sino una herramienta más para reforzar las melodías y la dinámica del tema.

Hay canciones como “Under My Skin” que parecen crecer con cada escucha y terminan dejando un impacto muy fuerte. ¿Qué temas del disco sienten ustedes que mejor representan la esencia de Overture hoy?

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Architects en Barcelona: “El rugido del Metalcore”

Es difícil quedarse solo con una canción, porque cada una representa una faceta distinta de la banda. Probablemente “Beneath The Suffering” sea una de las que mejor resume nuestro sonido, con riffs muy marcados, melodías de guitarra, intensidad y un enfoque claramente melódico. Por otro lado, “Alone” representa muy bien el presente y el futuro de Overture a nivel compositivo y de producción. También creemos que temas como “Under My Skin” o “One of Us” muestran otra parte importante de nuestra identidad, incorporando diferentes influencias sin perder la esencia de la banda. Todas ellas reflejan, de una forma u otra, la energía y las ganas que queremos transmitir con este proyecto.

A nivel instrumental el disco tiene mucho detalle, especialmente en baterías y guitarras, pero sin perder fuerza ni dinámica. ¿Cómo fue el trabajo de producción y cuánto tiempo les llevó llegar al resultado final?

Fue un proceso completamente autoproducido y nos llevó aproximadamente un año. Lo particular es que no partíamos de diez canciones terminadas, sino que durante ese tiempo estuvimos componiendo, arreglando, grabando y produciendo de forma paralela. Eso hizo que muchas decisiones de producción también influyeran en la composición y viceversa. Queríamos cuidar cada detalle, especialmente en guitarras y baterías, pero sin perder la energía y la dinámica que tienen las canciones cuando las tocamos en directo.

Después de este debut, que deja una carta de presentación muy sólida, ¿cuáles son los próximos objetivos para Overture? ¿Ya están pensando en llevar estas canciones al vivo o incluso en nuevo material?

Ahora mismo nuestro principal objetivo es llevar State of Decay al directo todo lo posible. Ya hemos presentado el álbum en Unity Fest y estamos trabajando en una pequeña gira por España y Reino Unido para finales de 2026. Queremos seguir creciendo sobre el escenario, llegar a más público y dar el salto a festivales de mayor tamaño durante 2027. Al mismo tiempo, nunca hemos dejado de escribir música y ya estamos trabajando en nuevas ideas, aunque creemos que State of Decay todavía tiene mucho recorrido por delante y queremos exprimirlo al máximo antes de centrarnos por completo en el siguiente capítulo de Overture.

Como parte de Fortress Festival 2026, Track To Hell conversó con la banda alemana de black metal Groza tras su actuación en el escenario Great Hall durante la jornada inaugural del festival. Con la banda continuando el impulso generado tras el lanzamiento de su aclamado tercer álbum, Nadir, hablamos con P.G., fundador de Groza, sobre la profundidad emocional detrás del disco, la evolución de la identidad de la banda y cómo es llevar un material tan intensamente personal al directo.

La entrevista gira en torno a las experiencias y emociones de P.G. relacionadas con su música, particularmente con su álbum Nadir, que explora temas de duelo tras la pérdida de su bajista, Mike “M.S.”, en 2023.

¿Cómo difiere la escena del Reino Unido de la escena alemana de black metal y cómo se siente estar sobre un escenario en Reino Unido en un festival agotado con meses de antelación como Fortress?

No hemos acumulado mucha experiencia con salas en Reino Unido. Este fue apenas nuestro segundo concierto allí. Tocamos en Londres hace dos años, creo, como banda de apoyo de Hulder, y hoy. Pero, siendo sincero, no siento que haya mucha diferencia. Además, hoy tocamos temprano, así que el público todavía no estaba calentado. Quiero decir, probablemente la gente también necesitaba tomarse una cerveza.

Aunque también hace bastante calor.

Pero me sorprendió muchísimo cuánta gente apareció a esa hora. No nos lo esperábamos para nada. Así que sí, se sintió genial. El concierto de Londres también fue fantástico. Reino Unido nos ha tratado muy bien hasta ahora, así que espero que podamos volver y hacer más conciertos por aquí.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Fortress Festival 2026 Día 1: “un arranque de alto nivel para la cuarta edición”

Siempre es agradable escuchar eso. Así que habéis estado trabajando en el álbum Nadir durante un tiempo, que luego se lanzó en 2024, si no recuerdo mal, y después publicasteis el álbum Live at Ragnarok, que también fue muy bien recibido, de hecho.

Hoy en día es poco común publicar discos en directo. Siento que antes eran algo enorme, pero ya nadie los hace. Y nunca he entendido por qué. Para nosotros, Groza es ante todo una banda de directo. Queríamos tener un documento de eso y publicar un álbum en vivo porque personalmente me encantan los discos en directo. También grabamos el concierto completo y lo subimos a YouTube. Fue simplemente algo natural.

Así que estuvo bastante bien hacer algo que ya no hace todo el mundo, al menos en lo que respecta a los álbumes en directo.

Quiero decir, ponemos mucho esfuerzo en los discos de estudio, por supuesto, pero como decía, pienso en Groza ante todo como una banda de directo, y queríamos documentar eso. Por eso elegimos hacer un álbum en vivo.

Hablando de poner mucho esfuerzo en ello, el álbum Nadir explora emociones bastante profundas, por decirlo de alguna manera. ¿Te importaría profundizar un poco más sobre el disco?

Sí, claro. El tema principal del disco es obviamente el duelo. Perdimos a nuestro bajista en 2023; falleció durante el proceso de composición de ese álbum. Y eso, por supuesto, moldeó por completo la perspectiva de lo que terminó siendo el disco.

Y creo que es nuestro trabajo más personal cuando se trata de abrirnos sobre temas como ese. Mike, nuestro bajista, estuvo involucrado al principio del proceso de composición y luego enfermó. Estuvo enfermo durante mucho tiempo. Y nosotros simplemente intentamos cumplir su visión. Tenía ideas muy claras sobre qué riffs le encantaban y hacia dónde quería ir. Incluso la colaboración que hicimos con la voz de Harakiri for the Sky fue también gracias a él, porque siempre le encantaba cómo sonaban nuestras voces juntas y todo eso.

Así que el tema principal del disco fue desarrollar las cosas que realmente le entusiasmaban, en honor a él y como tributo. Eso es lo que significa ese álbum.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Tygers of Pan Tang en Buenos Aires: “solo para valientes”

¿Y cómo se siente llevar algo así, siendo tan personal y emocional, a un entorno en directo como un escenario tan grande?

Es algo que puede ir en ambas direcciones. A veces es realmente duro. No soy una persona capaz de tocar una canción y no volver al lugar en el que estaba cuando la escribí, así que siempre es una experiencia agotadora, porque cuando tocamos esas canciones es como si él estuviera muy presente.

Y a veces es una celebración, otras veces es doloroso. Pero no conocemos otra forma de hacerlo. Prefiero que esa experiencia sea un poco dura y hacerlo con honestidad, porque creo que eso también se transmite a la gente. Creo que la gente puede ver cuando tocamos esas canciones que realmente significan algo para nosotros, y creo que eso se nota.

Pienso que esa es una de las fortalezas del disco más reciente. En los primeros álbumes me costaba realmente dejarme llevar. Tenía límites cuando escribía letras porque no quería ser un libro completamente abierto. Pero para este disco se sintió necesario dejarlo todo salir por completo. Así que sí, siempre es una experiencia interesante. Siempre es intensa de una forma u otra.

Siguiendo un poco lo que acabas de decir sobre ser un libro abierto, ¿sientes que la escena del black metal ha intentado recientemente profundizar más en cuestiones personales y emociones, y no limitarse a ese estereotipo de hace treinta años en el que todo era Satán, el Diablo y toda esa mierda?

Sí, creo que sí. Especialmente fuera del black metal más clásico. Creo que el post-black metal gira precisamente en torno a esos temas; ya no escuchas bandas de ese género cantando sobre esos tópicos cliché.

Creo que cada vez es algo más presente. Porque pienso que la gente quiere ver algo auténtico y real. Nunca podría imaginarme simplemente… Para mí, los temas líricos y la música son igual de importantes cuando escribo para Groza. Así que nunca podría cantar sobre cualquier cliché aleatorio porque no significa una mierda. Tiene que venir de un lugar real para ser auténtico y para que yo pueda respaldarlo.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: SonicBlast Fest, Días 1 y 2: “Fuzz y furia”

No lo haría si fuera simplemente… algo. Hay bandas a las que no les importan las letras, y nunca he entendido por qué. Pero para nosotros siempre tiene que ser algo personal y real, porque es la única forma de ser sinceros con lo que hacemos.

Y como has dicho, eso es algo que sí transmitís sobre el escenario. Es algo que el público percibe y que no pasa desapercibido.

Eso espero. Espero que podamos compartir eso y también dar a la gente algo con lo que conectar. Quizás esa sensación de que no somos los únicos pasando por toda esta mierda. Una de las principales razones por las que amo tanto la música es porque en ella encuentro camaradería cuando se trata de estas cosas. Te hace sentir que no estás solo. Y si puedes ofrecer eso a otras personas, es el mayor regalo posible.

Lo que él dice es cierto, porque yo misma perdí a mi padre en 2023. Así que las emociones del álbum son muy intensas, y por eso me llegó tanto. Estaba realmente emocionada por tener la oportunidad de hablar contigo sobre esto.

Todo el mundo pierde a alguien en algún momento. Todo el mundo experimenta el duelo. ¿Por qué no hablar de ello?

También es una de las mejores formas de afrontarlo a través de la música y, como decías, de la camaradería que encuentras entre los seguidores. Sí, eso es bastante genial.

Para mí es igual. Entonces ya no estás solo. Y eso es bastante importante.

Exacto. Así no acabas perdiéndote a ti mismo.

Exactamente. Especialmente si eres una persona que no habla mucho de estas cosas en una conversación normal. La música proporciona una manera de canalizar todo eso hacia algo catártico y es algo hermoso. Estoy agradecido de que podamos conectar con la gente de esa forma. Es algo muy especial.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Bad Manners en Barcelona: “A ritmo de ska y locura colectiva”

Me preguntaba… hablando de identidades, de hecho, creo que quizás esperabas la pregunta sobre…

¿Quieres hablar de eso? La Banda Prohibida.

La Banda Prohibida con la que os compararon mucho en vuestros primeros años.

Sí, lo sé. Sí, no puedo dejar de hablar de ello.

¿Cómo lo sientes tú? ¿Tienes la sensación de que poner tanto esfuerzo en todo esto, con vuestro propio estilo y trabajando en algo más personal, realmente os ayudó a alejaros de todo aquello de “oh, sois igual que…”?

Sí, no es algo forzado en el sentido de que intentemos diferenciarnos deliberadamente de esa banda solo porque nos compararon con ella. Si la gente nos compara con Mgła, lo tomo como el mayor cumplido posible. Es mi banda favorita. Creo que son los reyes. No tengo ningún problema en hablar de cuánto los adoro.

Y Groza, quiero decir, empecé Groza básicamente como un proyecto de homenaje. Vi uno de sus conciertos en Múnich y realmente cambió mi perspectiva. Suena muy exagerado decirlo, pero es verdad. Fue uno de los conciertos más importantes que he visto en mi vida. Volví a casa y empecé a escribir música en esa línea.

Y sí, mucha gente asocia el espíritu o la actitud del black metal con la originalidad. Que el black metal es una forma de arte en la que tienes que reinventarte constantemente y donde la originalidad es algo fundamental. Pero yo nunca lo he visto así.

Prefiero hacer algo honesto y auténtico, algo que realmente ame y pueda defender, antes que intentar ser original solo por el hecho de serlo. Así que si mi música suena como mi banda favorita, prefiero tocarla con toda mi pasión y con el corazón puesto en ello antes que fingir que no estoy influenciado por ellos.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Sepultura en Buenos Aires: “La leyenda no será sepultada”

Seamos sinceros, dime una sola maldita banda que no haya sido influenciada por otras.

Vamos, esto lleva ocurriendo desde siempre. También podrías remontarte atrás. Joder, si no hubiera existido Darkthrone, ¿habría sido igual? Si no hubiera existido Venom, ¿habría sido igual Darkthrone? Si no hubiera existido Black Sabbath… y así sucesivamente.

La cuestión es que, en ese contexto, especialmente al principio, la gente nos acusaba de simplemente copiar a Mgła. Y eso siempre me molestó porque planteaba la situación como si… ¿cómo decirlo? Déjame ordenar mis ideas.

La gente pensaba que simplemente estábamos aprovechándonos del éxito de Mgła. Básicamente decían: “otra banda más que quiere subirse al tren de la moda”. Pero no viene de ahí. Seguimos teniendo trabajos normales. No vivimos de Groza. El dinero no es un factor en absoluto en lo que hacemos con la banda.

Eso es lo que me molestaba de la comparación: que la gente nos acusara de intentar aprovechar el éxito que ellos estaban teniendo.

También era bastante irrespetuoso.

Sí, bueno, la gente tiene opiniones y está bien. Quiero decir, con internet cualquiera puede soltar su opinión en un vídeo de YouTube. Es lo que hay. No me importa, está bien. Todo el mundo tiene derecho a su opinión.

Pero invito a cualquiera que hable mierda sobre nosotros a que venga a ver un concierto y luego vuelva a decidir si somos sinceros o no.

Eso es justo lo que iba a añadir. Mucha gente está más que dispuesta a hablar mierda sin saber. A todo el mundo le encanta juzgar a los demás sin dedicar realmente el esfuerzo o el tiempo necesario.

Sí, no nos afecta demasiado. No estamos en el local de ensayo escribiendo canciones nuevas pensando: “¿Qué podemos hacer diferente para que dejen de llamarnos copia?”. Me da igual. ¿Quieres llamarme copia? No me importa. De verdad que no.

Se trata simplemente de hacer música que nos conmueva. Y si eso suena como mi banda favorita, perfecto. Así de simple.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Smash Into Pieces en Glasgow: “Espectáculo cyberpunk y estribillos gigantes”

Sí… Entonces, si eliminarais los atuendos y toda la atmósfera black metal, y simplemente vistierais ropa normal, con luz de día y gente normal entre el público, ¿qué crees que sería lo que más impactaría al público de vuestra música?

Bueno, la razón por la que hacemos todo eso es precisamente para apartar la atención de nosotros y de quiénes somos como personas, porque realmente creo que la música puede hablar por sí sola. Por eso elegimos usar máscaras, parecer todos iguales y todo lo demás.

Sí, simplemente espero que la música se transmita de la misma forma que ahora. No creo que el vestuario o la ropa de escenario, o como quieras llamarlo, sea una parte integral de lo que hace que Groza sea Groza. Es simplemente un medio para alcanzar un fin.

Creo que la música siempre es el centro de atención y espero que funcionara igual. Quiero decir, no me gustaría tocar un concierto así porque tengo miedo escénico y cosas de ese estilo, así que realmente disfruto ocultándome.

Esa es una parte importante de lo que hacemos. Te separa del público y te conviertes en una especie de… interpretación. Sí, te conviertes en otra cosa. En cuanto te pones la máscara, ya no eres la persona privada, sino que entras en el universo de Groza. Pasas a formar parte de la banda y ya no eres simplemente ese tipo de antes.

Nos provoca algo cuando tocamos, por eso lo hacemos.

Y además lo disfrutas.

Bueno, más o menos. No puede ser una tortura. Aunque a veces es como una gota china o algo parecido. Hoy especialmente fue duro. Hacía muchísimo calor sobre el escenario. No sé por qué, quizá por las pantallas LED o algo así, pero todos nos estábamos muriendo allí arriba. Todavía estoy empapado en sudor.

¿Pero la máscara se lava?

Sí. Tenemos enfoques diferentes respecto a eso. Pero sí, se lava. No puedes hacer una gira de cinco semanas sin lavarla. Acabarías asfixiándote. No es agradable.

Sí, me lo imagino perfectamente. Sobre todo en esta maldita época del año.

Sí, se oxida, amigo. Especialmente en los festivales de verano, ya sabes.

Bueno, eso era todo por nuestra parte. ¡Muchas gracias por tu tiempo!

Muchas gracias a vosotros.

Con motivo del lanzamiento de su nuevo disco Sons of the Abandoned, que llegará a las tiendas el próximo 12 de junio vía ROAR, nos juntamos con los chicos de Bloodhunter, para que nos cuenten todas las novedades de la banda y de este esperadísimo trabajo.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR:  Venom – Into Oblivion (2026)

¿Cómo ha sido el proceso creativo del disco y donde ha sido grabado?

Dani (Guitarra): Cuando terminamos el Knowledge Was The Price, decidimos utilizar todo el material que teníamos preparado (por eso dura casi 1 hora), por lo que tuvimos que partir de cero para escribir Sons of the Abandoned. En esta ocasión decidí no componer nada hasta tener claro quién iba a publicar el álbum y cómo, por lo que una vez estuvo claro, dedicamos unos 6 meses a componerlo y otros 3 a grabarlo, principalmente en Sadman Studios con nuestro querido Carlos Santos. Fue un proceso muy intenso, como todo en esta banda, sobre todo porque teníamos unos tiempos muy ajustados.

¿La portada me parece muy buena y llamativa, de donde surge la idea y quién la plasmó?

Diva Satánica (Voz): Hemos vuelto a contar con Gustavo Sazes para el artwork, que siempre capta muy bien las ideas que tenemos en mente y con el que ya habíamos trabajado con anterioridad. Aunque este álbum no es conceptual, nos hemos ido dando cuenta de que algunos de los temas que tratamos en las canciones están muy conectados: esta visión de una sociedad cada vez más individualista, que se rige por valores superficiales y donde te sientes prácticamente abandonado; nos llevaba a pensar en las típicas imágenes de ciudades destruidas como representación de ese mundo interior resquebrajado y al mismo tiempo como reflejo de la situación política global que estamos viviendo. Verás que en lugar de edificios hay balas, y al mismo tiempo una gran esfera de fondo simbolizando la esperanza de un nuevo amanecer que creo que todos albergamos. Tiene una estética bastante próxima al surrealismo que a mí es una corriente que me encanta.

Habéis fichado por ROAR (Una división de Reigning Phoenix Music) que ha supuesto para la banda dar este salto en cuanto a discográfica?

Dani (Guitarra): ROAR/RPM tienen un alcance y una distribución muy grande, por lo que para nosotros es especialmente bueno. Además, están especializados en nuestro estilo de música. Todo eso, sumado al consejo de nuestra nueva agencia de Management FM Music Management, hace que esta etapa represente un salto bastante importante para Bloodhunter.

En “The Path That Never Ends”, contáis con la colaboración de Laura Guldemond (Burning Witches), como ha sido para Diva cantar con ella?

Diva Satánica (Voz): Laura y yo nos conocimos personalmente en la primera gira por Europa que hicimos durante mi etapa en Nervosa con ambas bandas. Yo ya conocía su trabajo incluso desde antes de que ella entrase a formar parte de Burning Witches y sin duda para mí es una de las voces más impresionantes de nuestra generación. En esa gira tocábamos un tema que tenía la colaboración de Eric de Foltsam & Jetsam y le pedimos en un par de conciertos si quería subirse con nosotras a cantarlo y me encantó la experiencia. Siempre que pienso en voces melódicas con mucha fuerza y gran versatilidad, ella es la primera que se me viene a la mente. “The Path That Never Ends” arranca con mucho Groove y algunos toques progresivos, pero queríamos que el estribillo fuera más melódico y fácilmente reconocible y pensamos inmediatamente en ella. Apenas le dimos instrucciones sobre lo que necesitábamos y cuando nos envió las pistas alucinamos, ha hecho un trabajo increíble.

Diva, colaboraste con Rehn Stillnight y Grace Darkling (Nocturnia), ¿Qué supuso para ti juntarte con estas chicas para un clásico que nada tiene que ver con el metal?

Diva Satánica (Voz): Me siento muy feliz de tener la oportunidad de hacer colaboraciones con otros músicos de la escena y me encanta cuando venimos de estilos distintos porque aprendo muchísimo. Conocí a Morten (Mortemia) de casualidad a través de mi querida amiga Alessia Scolletti que estaba sustituyendo a la vocalista de Sirenia en algunas fechas hace un par de veranos y casualmente tenían un festival muy cerca de donde vivo así que me invitaron. Ahí pude hablar un poco más con él y me pareció un tipo increíble. Con el tiempo me contactó para explicarme que tenía un proyecto de versiones con artistas que le gustaban para llevar canciones de otros estilos al metal/rock y me pareció una idea estupenda. Recuerdo que me propuso con cierto temor “Gangsta’s Paradise” y se sorprendió de que fuera una de mis canciones favoritas fuera del metal. Ha sido un auténtico reto para mí grabarla porque al fin y al cabo canto todas las estrofas rapeadas y en cuestiones de ritmo y dinámica es mucho más difícil de lo que parece. A Rehn y a Grace no las conocía, pero son 2 voces increíbles que le han dado un toque espectacular al estribillo. Me encantaría que pudiéramos hacer esto en directo alguna vez.

¿Cómo afrontáis la gira española siendo invitados de Crypta?

Dani (Guitarra): Precisamente la gira española se inicia el día que publicamos Sons of the Abandoned, por lo que tenemos muchas ganas de salir a tocar unas cuantas canciones nuevas y llevarle el álbum a la gente en persona. Tendremos el stand del merchandising repleto de cosas nuevas!

¿Qué podemos esperar de BLOODHUNTER para el resto de la temporada y de cara a 2027? ¿Habrá gira nacional extensa, festivales nuevos?

Diva Satánica (Voz): Al igual que con el disco anterior, al lanzarlo en pleno verano, ya no llegamos a la programación de festivales de este verano, pero estamos ya trabajando en próximas fechas para los próximos meses. Nos encantaría poder volver a Asia y ampliar territorios lo máximo posible ya que la mayoría de nuestros oyentes están en USA y Latinoamérica.

Hoy he tenido la suerte de charlar con Ben Hutcherson, guitarrista y co-vocalista en la banda de doom metal norteamericana Khemmis, que acaba de sacar su quinto álbum de estudio. Ben es un tío encantador y comprometido que confiesa estar pasando por el mejor momento de su vida en los cuarenta tras trabajar mucho en su salud mental, dejar atrás sus adicciones y su empleo “formal” en el mundo académico. Aunque sus convicciones están claras tanto para él como para el resto de la banda y hablamos de ellas ampliamente, el álbum que ya esta online no es en absoluto político ni de crítica social, sino un disco centrado en la belleza del arte y en aportar esperanza y felicidad a los seguidores del doom metal.

Buenas tardes, Ben, gracias por concederme esta entrevista. Lo primero darte la enhorabuena: más de 10 años de banda, vuestro 5º álbum de estudio salió hace unos días, y además estáis a punto de empezar un tour que va a ser bastante largo ¿cómo estás viviendo esta etapa tan ajetreada de Khemmis?

Buenas tardes, encantado de charlar contigo. Lo has dicho muy bien, es una etapa “ajetreada”. Pero estamos muy ilusionados con todo esto. El nuevo álbum acaba de salir, y la acogida de los singles ha sido fenomenal. Y en concreto hoy, llevamos desde muy temprano esta mañana haciendo entrevistas y después cuando acabemos, Dave, nuestro bajista, y yo, vamos a llenar la furgoneta y vamos a conducir nueve horas hasta Oklahoma para ir a tocar con Acid Bath este fin de semana. Los otros dos compañeros irán allí en avión. Va a ser un fin de semana genial. Va a ser el primer show en un verano efectivamente muy ajetreado: tenemos muchas fechas en todo EEUU, y se acaban de anunciar algunas fechas europeas, más otras cuantas que quedan por confirmar y que probablemente anunciaremos la semana que viene o la siguiente.

¿Alguna de esas nuevas fechas será en España o cerca?

Si te soy sincero, no lo recuerdo. Hemos estado trabajando con diferentes fechas y borradores de la gira. Pero si no fuera en esta ocasión, seguro que sería para el verano de 2027 o muy pronto. Queremos volver a Europa el año que viene para una gira más larga. Así que si no nos véis en España de aquí a otoño, eso es que nos veréis el verano siguiente.

Sobre el nuevo álbum, se llama “Khemmis” al igual que la banda y los singles son videoclips muy originales ¿puedes contarme un poco sobre el concepto principal de este disco y qué podemos encontrar de nuevo con respecto a los anteriores?

Claro. ¿Cuál sería el concepto principal del disco? Verás, Deceiver fue un álbum que grabamos y que se inspiró en momentos muy oscuros de nuestras vidas personales. Por ello fué un álbum muy difícil de grabar. Tuvimos que explorar gran parte de nuestras tragedias personales, y estamos contentos de haberlo hecho. Yo por ejemplo acababa de ser diagnosticado acerca de mi salud mental y también llevaba un tiempo sobrio, decisión que había tomado sólo unos pocos años antes. Y debo decir que estoy muy contento de haber llegado sobrio al encierro que supuso la pandemia del Covid. No sé cómo hubiera podido sobrevivir a eso si no hubiera estado limpio en aquel momento… Entonces, cuando llegó el momento de grabar este nuevo disco, teníamos claras algunas cosas: musicalmente queríamos hacer algo concreto, que además también tiene que ver con la etapa de giras muy intensas que acabábamos de terminar. Hemos estado girando muchísimo después de sacar Deceiver, estuvimos de gira con Trivium, con Mastodon… hicimos una gira europea enorme tanto de festivales como de cabeza de cartel… 

Así que lo que queríamos era hacer un nuevo álbum que tuviera una buena pegada en directo, que eligiéramos la canción que eligiéramos, pudiéramos confiar en que iba a funcionar con la energía adecuada ¡que tuviera poder! Y algo que no queríamos era volver a excavar en nuestras tragedias personales, pues ya lo habíamos hecho profundamente antes. Así que para escribir las letras y encontrar la inspiración, seguimos un principio fundamental, que ha sido “grabar un álbum que, si lo hubiera hecho otra persona, a nosotros nos encantara”, un álbum que realmente no sorprendiera y tuviéramos ganas de escuchar.

Además, como el mundo entero actualmente, y muy especialmente nuestro país, EEUU, es un lugar tan aterrador y está tan roto, que todo parece que está en llamas… esta vez no quiero desarrollar un arte que me haga sentir aún peor, o que me pida una nueva reflexión sobre la muerte de seres queridos o las batallas que cada uno está luchando. Quería escribir sobre algo que transmita esperanza. Y por supuesto, como es metal, va a seguir siendo oscuro. Desde luego. No vamos a ponernos a tocar escalas mayores y hablar de la luz del sol y los cachorritos, no vamos a pasarnos a la positividad tóxica. Seguirá siendo oscuro, muy melódico y melancólico. Y será una historia totalmente ficticia, por primera vez en la historia del grupo nos basaremos en crear ficción. Porque antes siempre hemos hablado de nuestras vidas y hemos usado diferentes metáforas. Pero esta vez todo es ficción. Claro, todos sabemos que cuando alguien crea algo siempre pone una parte de sí mismo en la creación, y aunque deliberadamente hagamos ficción habrá algo dentro que tenga que ver con nuestro recorrido vital y nuestras luchas personales y estos temas… Pero el corazón del disco es una celebración: reconectar con el placer del Heavy Metal con mayúsculas. Musicalmente, estéticamente, espiritualmente… 

Y es que internamente estamos redescubriendo el placer de crear heavy metal, juntos, como amigos y como hermanos. De una forma muy integral. Lo estamos sintiendo como el cierre de un círculo. Ya no estamos en la etapa de fingir que tenemos veinticinco años… Yo no quiero volver a tener veinticinco años, tengo cuarenta y un años y con sus altos y sus bajos creo que me siento cómodo a nivel espiritual. Al menos casi todo el tiempo. No quiero volver a sentirme como me sentía cuando era más joven. Y sé que les ocurre también a mis compañeros. Y creo que esto nos ha hecho mejores como banda, a nivel creativo, profesionalmente, y también en el escenario. Y lo que queríamos era conjugar todo esto en un nuevo disco, donde la música suene salvadora, triunfal… que suene como algo que te de ganas de coger una buena cerveza fría, o en mi caso un Red Bull sin azúcar, y bailar y menear la cabeza y sentirte libre por un rato. Y este es el tipo de atmósfera que queríamos transmitir en este nuevo disco.

Ben, eso es muy interesante y desde luego coincido contigo en que necesitamos también un poco de esperanza y felicidad en estos tiempos oscuros.  Y me alegra mucho escuchar que te sientes bien contigo mismo, además después de los cuarenta. Todos los cuarentones que conozco, incluida yo misma, estamos pasando unas crisis de la mediana edad a nivel estratosférico… pero en tu caso es al revés, estás en un punto álgido y se te nota. 

Bueno, para ser justos, he sido músico profesional tanto tiempo que siempre ha parecido que estaba atravesando una crisis de la mediana edad (ríe). Ya sabes, he pasado tanto tiempo de mi vida en una furgoneta vieja viajando por el mundo, poniéndome camisetas de heavy metal sin mangas. Siempre he parecido el tipo de persona que tiene un Chevrolet El Camino sin ruedas aparcado en su jardín… simplemente es la imagen que doy y ya está (ríe). Pero el hecho de que haya dejado mi trabajo anterior, más formal, también es importante en cómo me siento ahora… Yo antes era profesor de sociología y lo dejé en gran parte porque no me hacía feliz y además iba a seguir estando arruinado por mucho que trabajase. Este es el sistema. Así que prefiero estar arruinado persiguiendo mis sueños, creando arte y compartiéndola con el mundo, que estar igual pero manteniéndome en un trabajo que me drena el alma cada día. Entonces en este punto de mi vida una mala crisis de la mediana edad sería cortarme el pelo y ponerme un traje y corbata para ir a trabajar (ríe). 

La verdad es que iba a preguntártelo más adelante, porque precisamente yo también soy profesora de sociología y doctora igual que tú. Entonces tenía aquí una pregunta muy importante ¿qué porcentaje de cordura perdiste escribiendo tu Tesis Doctoral?

Jajaja, yo diría que ¡el 100%! Me destrozó (ríe). Lo estaba hablando el otro día con otro académico amigo mío, Edward Banchs, que ha estudiado el Heavy Metal en África, estábamos hablando de los programas de doctorado… Y a veces han venido a hablar conmigo estudiantes de doctorado, me hablan en algún concierto o en mi canal de Twitch, y me preguntan “¿debería hacer este grado, o este otro?”… y yo les digo “No. No lo hagas. El trabajo para el que crees que te estás preparando ya no existe. Vas a estar trabajando en una facultad y a la vez en cinco escuelas diferentes, por un salario mínimo… y eso asumiendo que consigas pasar el programa sin desintegrarte literalmente. Así que no lo hagas. Simplemente no lo hagas. Haz cualquier otra cosa”. Y no es que ya no crea en la educación, no es así. Yo tuve una mala experiencia y creo que eso sería suficiente para dar este consejo, pero es que además conozco a tantísima gente está en la misma situación: mi mujer tiene el doctorado, Phil Pendergast tiene el doctorado… Y Phil salió mucho mejor de todo aquello que la mayoría de la gente que conozco y aún así el doctorado le cambió totalmente, y él te lo dirá, dependiendo de como le pilles te dará más o menos detalles, pero podemos coincidir en que es duro. 

Pero a la vez, creo que esto conecta con una apreciación por ese tipo de disfrute que… mira yo sé lo que es estar en un sistema institucional en el que te sientes tan desconectado de todos los demás e incluso de tí mismo que hasta pierdes la esperanza en la humanidad. Pierdes la fe en ti mismo. No es algo bueno. Pero la idea de escribir música con mis tres mejores amigos y poder compartirla con el mundo, eso reduce mucho el sufrimiento. Si puedes contribuir a la vida de alguien, darle alguna pequeña luz en su vida o una esperanza… Yo lo sé porque en momentos de mi vida he necesitado muchísimo eso. Siento mucha gratitud por la música que he escuchado y que me ha mantenido a flote en mis años más oscuros. Los conciertos a los que he ido cuando pensaba que ni siquiera iba a ser capaz de disfrutar de la música en directo. Recuerdo algo muy vívidamente: poco después de conseguir estar sobrio, yo venía de un estado de bloqueo mental muy grande, y fuí a un concierto; estaba totalmente sobrio y yo pensaba que la música ya nunca sería capaz de hacerme sentir nada estando sobrio. Yo tenía este miedo y se lo había comentado a mi terapeuta, había reflexionado sobre ello muchísimo y creo que también se lo había dicho incluso a Mike, un gran amigo y de hecho el vocalista de la banda que iba a ver. Estaba muy asustado, pero en el momento en que sonó la música, mi corazón se abrió y lo sentí “sí, sigue ahí”… cuando acabó, se me caía una lagrimita. Así que sí: la música seguía ahí, seguía teniendo el poder de hacerme sentir con cada fibra de mi cuerpo. 

Y esa es la misión que queríamos imponernos: intentar hacer algo que pudiera hacer eso por nosotros si lo escuchásemos, y si a lo mejor puede hacerle sentir eso a alguien más… es lo que queremos hacer. Todo nos ha llevado a este punto y es como el siguiente paso inevitable en nuestra carrera. 

Es un hermoso objetivo y parece ser todo un reto para componer. Por cierto, que tanto Phil como tú, ambos tocáis la guitarra y cantáis, por lo que me pregunto si os resulta fácil o difícil poneros de acuerdo entre los dos a la hora de componer y escribir las letras, de decidir quién hace cada parte.

La verdad es que ya estamos en un punto en que todo esto sucede de forma bastante intuitiva. En realidad, la única relación más cercana que tengo es con mi mujer o mi familia más inmediata. Khemmis es la relación más larga y duradera que he tenido con nadie más en toda mi vida. Nos conocemos muy bien. Ya tenemos la habilidad de traer una idea creativa y ver las posibilidades, distribuir las opciones sin tener que pensarlo demasiado. No es que haya tres opciones “a, b y c”, no hay un orden riguroso ni unas estadísticas en las que basarnos. Es más bien como entrar en un estado compartido de creatividad entre los cuatro, donde las ideas fluyen muy bien. También sabemos muy bien cuáles son nuestros puntos fuertes y débiles, quién toca o compone mejor determinadas partes de una canción… Por ejemplo todos saben que yo me voy a pasar tocando demasiadas notas mientras que Phil va a tocar tres o cuatro notas, pero al final entre los dos y nuestros otros dos compañeros, encontraremos el punto medio adecuado. Además tenemos influencias muy parecidas. Aunque cada uno tenga su estilo de componer o cantar, bebemos de fuentes comunes, tenemos una paleta de colores compartida en gran parte. 

Tampoco se trata de lo que quiere tocar una persona en concreto, sino de qué hace la mejor canción. Probaremos muchas ideas, si tenemos por ejemplo ideas diferentes para un riff, si yo lo quiero hacer de una manera y Phil de otra, y luego Dave y Zach cada uno tienen también sus ideas sobre cómo debería quedar, simplemente lo probamos todo y buscamos qué opción convence a todos más completamente, y si ninguna nos parece buena a todos, no tenemos problema en dejar atrás esas ideas y crear otra nueva. No nos colgamos tampoco del resultado final porque el trabajo creativo nos gusta mucho. Trabajar y tocar juntos es el verdadero objetivo. Sabemos que si lo hacemos así el resultado final será bueno. Nadie puede decir “vamos a componer la mejor canción de la historia” porque eso es imposible, no va a ocurrir haciéndolo así. Pero si decimos “vamos a hacer algo juntos de lo que estemos orgullosos y que suene a Khemmis, siendo a la vez diferente a lo que ya hemos hecho”, pues eso funciona. Ni siquiera buscamos ser mejores que en trabajos anteriores, solo hacer algo nuestro y nuevo. Si la gente piensa que lo nuevo mejora a lo anterior, ¡genial!, pero si a la gente resulta que le gustan más los primeros discos, ¡pues bien también! Tan solo el hecho de que a la gente le guste algo que hemos hecho ¡ya es genial! 

Viendo los nuevos singles estoy segura de que a todo el mundo le va a gustar el disco nuevo. Por cierto, que cuando hablamos de cantar, tú te encargas de la voz gutural, que siempre son mis favoritas en las bandas de metal, pero también sé que es difícil iniciarse en ellas, ¿Cómo empezaste a cantar guturales?

Empecé a cantar, a ver… como hace diecisiete o dieciocho años… ¡hace ya demasiado tiempo! Estaba en otra banda, en Memphis, Tennessee, donde yo nací y me crié. Era una banda que hacía algo así como sludge-death-doom y se llamaba Galaxicon, y teníamos la idea de que todos en la banda tenían que cantar. Yo nunca antes había cantado pero dije “genial, lo probaré”… Hace tanto tiempo que no había muchos recursos para aprender, ahora hay cursos de instagram o youtube por todas partes y cosas similares que te enseñan a cantar guturales o cualquier estilo incluso gratis… No había nada de eso entonces. Lo único parecido eran unos cursos que impartía una mujer maravillosa, cuyo nombre ¡ay!, no recuerdo bien. Esta mujer tenía sus DVD llamados algo así como “The scent of screaming” y había enseñado a mucha gente grande, como Randy Blythe o Matthew de Trivium… pero yo no los tenía. Entonces mi aprendizaje fue de ensayo y error. Por ejemplo, probaba algo y luego decía “oh, no debe ser así, porque ahora no podré hablar en tres días” (ríe)… En algún momento me dí cuenta de que lo mejor sería aprender los fundamentos del canto convencional, la respiración, la técnica… y ya luego añadir los guturales a ese aprendizaje, y por fin pude cantar. Pero la verdad es que he seguido basándome en la prueba y el error, y puedes verlo a lo largo de nuestros álbumes, en cada uno he mejorado y he aprendido algo nuevo. Y creo que en Deceiver fue la primera vez que al grabar mis partes me dije “sí, está bien hecho”… me había ocurrido en alguna canción de Desolation, pero allí aún veía que me faltaba aprender ciertas cosas. No le aconsejaría a la gente empezar como yo hice, yo les diría “primero aprende los fundamentos del canto y ya le añadirás la voz demoniaca”.

Eso es un buen consejo. Verás hablábamos sobre la inspiración del disco: ya me has comentado que en esta ocasión os basáis en la ficción. Además conserváis el arte de la portada con un estilo que siempre me recuerda a la literatura de fantasía clásica… tenéis portadas que recuerdan a Elric de Melniboné, a personajes de Robert E. Howard o incluso a Lovecraft…  aunque luego las letras no son concretas en ese sentido… Querría preguntarte: ¿hay un “lore de fantasía” en Khemmis? y también ¿Qué referentes literarios son tus favoritos?

Sí, totalmente, podrías escribir un libro tan largo como la biblia sobre el lore de Khemmis: sobre quienes son los personajes, su historia… pero nos gusta ser un poco ambiguos porque nos gusta oír las teorías de los fans. Estuvimos leyendo un hilo de Reddit en el que algunos fans hacían teorías sobre todo esto… se fijaban en los diferentes álbumes y su arte y eso ¡nos parece genial!. Si simplemente telegrafiamos cada detalle, no quedaría espacio a la interpretación, que es una parte esencial del arte. Preferimos que cada cual haga su interpretación, salvo que fuera algo horrible, fascista o nazi, ese sería nuestro único límite; todo lo demás nos parecerá muy bien. Incluso si no es nuestra historia, nos parece bien. Porque no es el tipo de mensaje que estamos dando. No es una guía exhaustiva de algo. A mí me recuerda un poco a la saga de videojuegos Dark Souls. Porque los videojuegos de Dark Souls son geniales en ese sentido. La gente tiene millones de teorías y eso me encanta. Además es totalmente voluntario, puedes jugar perfectamente a los juegos de una forma más superficial, sin fijarte en todo eso, y disfrutarlos mucho. Pero si prefieres fijarte en los detalles y crear tus teorías, tienes otro tipo de experiencia.

Y sobre nuestras referencias literarias, Phil y yo tenemos muchas influencias, por ejemplo a mí me encanta Stephen King, especialmente la serie de La torre oscura, es una de mis cosas favoritas de todo el mundo, la he leído mil veces… También me gusta la ciencia ficción un poco rara y oscura, desde luego Lovecraft y muchos otros, terror, fantasía… Thomas Ligotti… todas esas historias en las que nada es como parece a simple vista. Y justamente todos esos tienen en común que su modelo de contar historias es no dar todos los detalles desde el principio, tienen una parte de misterio e interpretación abstracta. Algo que te deja espacio para crear tus propios mundos en tu mente y eso me llama mucho la atención. 

Gracias, voy a hacerte la última pregunta, no quiero robarte mucho más tiempo. Dime, como músico que lleva mucho tiempo en el mundillo y además como sociólogo ¿crees que estamos viviendo buenos tiempos o malos tiempos para el metal?

Bien, pues siguiendo la tradición clásica de la sociología diré que “depende”. Claro, depende: hay muchas cosas buenas en la sociedad humana actual que benefician al heavy metal y a la creatividad. Por ejemplo la barrera para entrar en el mundo de la música es mucho más accesible que en el pasado y creo que eso es bueno. Me refiero a que ahora más gente puede hacer su propia música por sí mismo. Ahora es posible que simplemente si tienes una guitarra, un ordenador y un programa básico, puedas componer y editar tu propio disco con una calidad aceptable. Incluso hay recursos para que las personas puedan aprender a mezclar audio a un buen nivel sin necesidad de pagar equipos caros o ir a clases. Y puede sonar bien. Con esto no estoy diciendo lo típico de que “cualquiera puede hacerlo” porque eso es una gran mentira. Pero es cierto que hoy en día la música es más accesible que en el pasado. Pero hay personas que ni siquiera pueden acceder a esos recursos, tanto aquí en los EEUU como en otros lugares. Como comentaba antes sobre mi amigo Edward Banchs, que ha estudiado el Heavy Metal en África… se nos olvida que mucha gente aún no tiene acceso a muchas cosas. Aunque tú veas que por ochocientos dólares en EEUU puedes costearte todo lo necesario para grabar una maqueta, hay millones de personas que nunca tendrán ese dinero ni tampoco la posibilidad de comprar esas cosas donde ellos viven. Así que el acceso aún debería abrirse mucho más. Creo que hay gente con mucho que aportar a la música y nunca podremos conocerlos. La música metal sigue siendo en mucho sentido un mercado copado por hombres blancos occidentales y eso tiene que cambiar. Los varones blancos occidentales han sido los dueños del heavy metal durante demasiado tiempo, como de muchas otras cosas… Yo quiero oír cosas que vengan de colectivos diferentes: de un origen étnico distinto o bien metal hecho por mujeres, por personas queer, metal hecho en otros idiomas… quiero ver su aproximación a la música, a la estética, a las historias… Y eso es algo que no se ha conseguido aún plenamente.

Otra cosa un poco buena y un poco mala del metal actual es que, por el lado bueno, por fin hemos llegado a un punto en que las oportunidades de experimentar la música en directo son enormes. Hay muchos conciertos todo el tiempo, de un montón de bandas buenísimas… Pero por el lado malo, hay gente que no valora esto. Empezando por nosotros los estadounidenses, en nuestro país ya no se valoran las artes, no hay ningún tipo de ayuda para las artes… entonces es todo una competición y un trabajo duro al borde de la ruina, lleno de problemas. Y algunos se enriquecen con el trabajo de los artistas, pero sin darles ninguna ayuda. Entonces me gustaría transmitir el mensaje de que los fans del metal deberían también actuar, por un lado abriendo su mente a grupos nuevos, de diferentes contextos, y también apoyando a aquellas bandas que les hagan sentir algo. Que les apoyen de la manera que sea: escuchando, comprando, yendo a conciertos… Y sobre todo que no den por sentado que siempre vamos a poder ver música en directo. Fíjate con la pandemia, parecía que todos los músicos nos iríamos a pique porque era imposible hacer un concierto, pueden pasar muchas cosas. 

Entonces estamos en un momento fantástico pero frágil en el heavy metal. No lo demos por sentado y apoyemos a los artistas. Comprar una camiseta, un disco o una entrada marca una enorme diferencia hoy en día, cada aportación cuenta muchísimo. Creo que además esto nos conecta de una mayor manera con la música, porque participamos de ella. Tenemos al alcance de la mano tremendas bibliotecas musicales con toda la producción de la historia de la humanidad y lo damos por hecho sin valorarlo. Creo que todo el mundo debería desinstalarse el Spotify porque hace mucho daño a la industria y también a los aficionados… Creo que es más intenso y valioso cuando vamos creando nuestra propia biblioteca, cuando conectamos con las bandas que realmente nos emocionan y les damos nuestro apoyo de persona a persona.

¡Que le den a Spotify!

¡Al 100%!

Muchísimas gracias por tu tiempo.

Gracias a ti, estoy deseando que vayamos a España muy pronto.

Se acerca un estallido en la noche en Buenos Aires porque Tronador está de regreso. Tras años de ausencia, la legendaria banda de los 80s vuelve al ruedo y brindará un concierto en Gier el próximo 30 de mayo.

Las novedades no terminan allí porque esta presentación en vivo estará acompañada por la reedicion de su clásico álbum, “Estallido en la Noche”, por vez primera en formato CD, totalmente remasterizado y con canciones extras.

Tronador fue una banda fundada en 1987 que, tras el fallecimiento de su guitarrista y fundador, el recordado Sergio Espina, deciden seguir adelante y consiguen grabar en 1991 su primera producción. “Estallido en la Noche”, editado en formato cassette, fue plasmado por la formación de Jorge Martinez en voces, Lucas Wagner en batería, Claudio “El Tano” Marciello en guitarras y Sergio Gonzalez en bajo.

Hoy, con el Vikingo y Lucas al frente, ambos miembros originales, la banda está de vuelta para rememorar aquellas canciones pero también para mirar hacia el futuro.

Por este motivo desde Track To Hell nos pusimos en contacto con Jorge “El Vikingo” Martinez para adentrarnos en los pormenores de este regreso. Y a su vez, también nos contactamos con Mariano Mazzei del sello 2M, responsables de la reedición del disco. Ambos nos brindaron detalles de este regreso.

Jorge, ¿cómo estás? Este regreso tiene dos aristas… por un lado el relanzamiento del disco “Estallido en la Noche”, pero por otro presentarse en vivo.

Sí, exacto. Tiene dos aristas, pero una va de la mano con la otra sin querer. No fue el cometido, no fue el propósito. Es decir, primero hubo unas cuestiones de avanzada, de relanzamiento de gente que le interesaba el disco y después charlas con el baterista (Lucas Wagner). Dijimos ¿cómo andas para cantar las canciones, todavía llegas a las notas?; ¿y a vos todavía te dan las patas para tocar? Una charla de amigos. Y bueno, fue así como empezamos a joder con eso y vimos que la bancábamos, que rendíamos. Que yo podía cantar esas canciones como hace treinta y pico de años y él está también impecable tocando como siempre. Entonces dijimos bueno, capaz que es ahora que nos tenemos que juntar. Y así fue. No fue a propósito, sino que la charla del disco trajo aparejado esto y bueno, acá estamos.

¿Cómo se conforma la banda actualmente?

Está Lucas Wagner en la batería. Marcela Maíz en bajo, Ramiro Mendoza en guitarra y bueno, yo en canto y guitarra también. Ahora llevo unas partes importantes en guitarra, así que estamos con esa formación.

Ya son 35 años de Estallido en la Noche.

Sí, sí, 35 años, ¿viste? El otro día justamente eso fue lo que estaba hablando con Lucas y dijimos che, 35 años del disco, es increíble. Y todas las cosas que pasaron en esos 35 años ¿no? Y eso hace también que capaz que tengamos ganas, porque al principio fue así. A ver cómo suenan estas canciones ahora en 2026, con el sonido moderno que hay ahora que es demoledor. Y dijimos bueno, vamos a viajar en ese túnel del tiempo, pero trayéndolo al presente. Y ahí vamos con Estallido en la Noche, porque las canciones suenan bien y porque ni imaginábamos que ya habían pasado 35 años. Esa es la verdad, impresionante.

¿Qué recordás de la grabación del disco?

Muchas cosas. Primero porque grabamos en uno de los mejores estudios del país, que aún hoy lo sigue siendo. Además, es un estudio histórico donde todo el rock nacional grabó ahí. Nosotros no imaginábamos esas cosas. Grabamos en Estudios Panda, un nivel profesional increíble, con un sonido increíble con prestaciones del lugar tremendas. El ingeniero de sonido, El Pájaro Randazzo, un tipo genial que es uno de los mejores del país, pero lejos, eh, y que trabajó, entre otros, con Valeria Lynch, Baglietto, Vitale, Mariano Mores. Bueno, es impresionante con la cantidad de gente que trabajó. Hoy en día está trabajando con Miguel Mateos. También grabó el disco debut de Logos. Porque nosotros lo invitamos a Beto Zamarbide a meter coros en una canción y Beto vio lo que el tipo hizo sonar la banda y entonces Beto después lo convoca para su disco de Logos. Y después quedó una amistad tremenda con el pájaro a través de los años, es un tipazo. Y hoy es uno de los número uno del país también.

Justo te iba a preguntar cómo se había dado esa colaboración con el Beto.

Claro, yo le dije Beto la famosa frase por aquellos años, hay que contextualizar, que hay una generación que no te conoce en vivo, no te conoce en el escenario. Tiene el recuerdo tuyo de V8, pero no en el escenario. Así que lo invité a cantar y después lo invité a un par de shows a cantar en vivo y eso es como que a Beto lo motivó, lo inspiró para volver después con lo que sería Logos. En esa época él andaba mucho de luthier. Es un gran luthier Beto y estaba con Horacio “Tucata” Suárez, que fue guitarrista de El Reloj, que Dios lo tenga en la gloria. Un gran luthier, de los mejores que hubo en el país. Bueno, Beto trabajó mucho con él y aprendió mucho de él. Entonces, en esas mateadas que nos mandamos a la tarde en el taller de Tucata, que él estaba ahí laburando y aprendiendo, de ahí vino “che, loco, venía a grabar, te tienen que conocer las nuevas generaciones” y después lo invitamos a cantar en vivo. Creo que hicimos un show en Obras por esa época, no recuerdo, y lo invitamos a Beto a cantar. Es decir, la amistad con Beto viene décadas y fue así como pasó.

¿Cómo fue la edición del disco en su momento?

Con la edición de hubo problemas porque en ese momento las cosas se masterizaban en cinta y se pasaban algo que se llamaba DAT. Y el DAT en definitiva es una cinta de fierro, de ferrum, que es tremenda. ¿Pero qué pasa? Cuando después de ahí lo van a masterizar a cassete o a disco o lo que sea, los técnicos que en ese momento hacían el pasaje del DAT a la cinta, ya sea en cassete o en disco, no estaban cancheros, entonces quedaba más rápido o más despacio, nunca la velocidad original. Y recordamos que decíamos loco, yo no canto así, mi voz parece una ardillita y yo no toco así. Pero ya no podías reclamarle a nadie. Una vez que eso estaba fabricado, impreso y y a punto de salir a la calle, no había forma de que lo arreglaran, así que quedó más rápido el disco. Quedó mucho más rápido, pero bueno, eso es con la tecnología se pudo corregir.

¿Cómo fue el proceso de remasterización? ¿Cómo lo trajeron hoy al sonido actual?

Claro, si bien el DAT es como te dije, es una cosa que ya está obsoleta para lo que es la tecnología de hoy, si vos lo cuidas y lo conservas bien, tiene una resistencia muy buena. El DAT llegó intacto, impecable a los días de hoy. Casi no se usó. Eso lo tenía guardado bajo siete llaves el baterista Lucas. Entonces fuimos a la casa de uno de los pocos que digitalizan en el país, que es un crack, Wilkie Amieva, es un fenómeno. Él digitalizó todo de lo que es el DAT al sistema digital. Y lo hizo fiel, con un sonido tremendo. Porque también se puede perder información si la persona no está ducha en hacer eso. El tipo sacó un sonido tremendo y después de ahí lo llevamos a mi amigo personal, Julián Bonino, que es uno de los pocos que hace Dolby Atmos en el país y lo separó canal por canal y lo masterizó y lo recontra remasterizó. Y no se puede creer como suena. Además, eso está pasado por sistema Atmos, que es un sistema de sonido envolvente. Es un sonido a 360° para que se entienda. Y es lo que se viene. Julián trabaja con bandas como Paradise Lost, Tarja, trabaja con muchas bandas de metal qué es lo que le gusta. Trabaja con un montón de estilos musicales, pero lo que le gusta es el metal. Y la amistad con él nació de una manera increíble. Él era fanático de la banda y en uno de los shows era muy chico él. Cuando nos reencontramos de vuelta me decía “yo pogueaba, yo saltaba y tengo un recuerdo del primer show que los vi, que fue en Remember, en la calle Corrientes, y guardo una púa de metal”. El Tano Marciello en ese momento se hacía las púas con monedas, las gastaba en el asfalto, en el cordón de la vereda y usaba esas púas y se la regaló. Y bueno, tiene esos recuerdos, esas anécdotas que hoy en día aquel pibito de 15 años es un todo un profesional, ¿no? El otro día fui a visitar a sus oficinas y es tremendo las cosas que hace. Y me dice loco, soy fanático de la banda y yo esto lo voy a hacer sonar, pero como nadie. Y no se puede creer lo que suena.

Me encantó que el arte de tapa es nuevo, pero respeta el original y ahora se luce mucho más, ¿no?

Sí, sí, totalmente. Mariano de 2M que es un fenómeno… -bueno, la verdad que todos ahí en 2M son gente macanuda y super profesionales- supo captar bien la idea. Junto con el diseñador de 2M captaron bien la idea y respetaron aquel espíritu. Entonces lleva la misma esencia, pero con la tecnología de hoy. O sea, es tremendo el arte de tapa que se mandaron. A mi humilde forma de ver, es una cosa muy cuidada, muy detallista. Está buenísimo.

Coincido, me encantó. ¿Y qué nos puedes contar del show en Gier? ¿Con qué nos vamos a encontrar?

Bueno, el show va a ser el 30 de mayo, ahí como bien dijiste en Gier y te vas a encontrar con que vamos a tocar todo el disco más especies de bonus track -que algunos aparecen en la reedición del CD- de canciones de aquella época que no fueron grabadas. Y prácticamente hoy van a ser primicias porque fueron tocadas en aquella época y nunca grabadas. Entonces vamos a tocar esas canciones compuestas de aquella época con el disco, más algún un cover, sorpresa por supuesto, Y tenemos unos invitados, pero tremendos, de lujo, que creo que no corresponde decirlo. Pero lo que sí puedo garantizar es que van a ver unos invitados que son parte de la historia del rock y metal arriba del escenario. Van a ver eso. Y hay tres bandas amigas que van a tocar ese día que son Brakas, Bansheera e Irizar Killers.

¿Y cuáles serían los pasos a seguir o los planes de la banda para el futuro?

Bueno, mira, en principio, tocar bien el 30. Y ya tenemos fechas cerradas para después del Mundial. Esperamos que pase el Mundial y que todo el mundo va a estar como pendiente de eso, y tocar. La idea cuando nos juntamos, dijimos que haya trueno para rato, si no, no tiene sentido. Y sobre todo las cosas, algo que es más importante que cualquier otra cosa, es pasarla bien. A veces también en este tiempo, con las ansiedades y todo, uno pierde de vista eso de pasarla bien, ¿no? Y se desespera y trata de buscarle el pelo al huevo y qué sé yo. Y la verdad que hace ya un tiempito, unas cuantas semanas, que decidí bajar 200 cambios y decir bueno, vamos a disfrutar de esto, porque si no, si uno no disfruta lo que va haciendo, ¿para qué sirve tocar? Entonces la idea es disfrutar e ir fluyendo. Seguramente grabaremos un disco nuevo. Como proyectos hay un montón y como realidad es esta fecha y hay unas cuantas fechas cerradas para después del Mundial.

Mariano, este fue un año bastante movido para 2M en materia de lanzamientos porque tuvo, entre otras cosas, el último disco de Megadeth. ¿Cómo fue esa experiencia?

Este año venimos con una agenda tremenda de lanzamientos. Ya arrancar el año con el lanzamiento del nuevo álbum de Megadeth, fue increíble. Fue una experiencia maravillosa, desde el comienzo de la negociación por la licencia, hasta el momento del lanzamiento. Mucho trabajo, muchas ideas, ¡realmente Megadeth es una banda gigante! Además de Megadeth, tuvimos otros lanzamientos importantes este año: Amorphis, Danko Jones, Mr. Big, Crazy Lixx, los 2 títulos de Udo Dirkschneider y se vienen muchos lanzamientos más.

¿Cómo se da lo de Tronador?

Nos contactó Jorge Vikingo Martinez, y nos contó su idea sobre la reedición del album de Tronador, un disco que está cumpliendo ¡35 años! Un pedazo de la historia del metal argentino. Nos pareció muy buena su propuesta y a ellos también les pareció bien nuestra propuesta sobre la reedición. Así que hubo algunas reuniones para charlar sobre el proceso y ahí arrancamos.

¿Cómo fue el proceso de remasterización?

Por suerte, Lucas (Wagner) tenía el Dat con toda la sesión de grabación del disco, así que se pudo trabajar sin problemas en un estudio, se van a sorprender con lo que suena esta edición.

El arte del disco también es totalmente nuevo.

El arte es completamente nuevo, obviamente antes se trabajaba con lo que había y si podía, pero se tomó el concepto original del arte y se actualizó, ahora hay muchas herramientas para mejorar y crear.

¿Querés comentarnos sobre los extras que incluye el disco?

Los 3 Bonus Track que trae esta edición, que fueron idea de Lucas y Jorge, dijeron que tenían algunas grabaciones más que no habían sido incluidas en el Cassette y que querían que salgan a la luz. Es lo más lindo que tienen las reediciones, poder contar con material que no se conocía de la banda.

¿Qué más podemos esperar de 2M para lo que queda del año?

Arrancamos con todo el 2026 y así vamos a seguir el resto del año. Se vienen las reediciones de Kamikaze, 3 y Víctima del Rock en Cd, Cassette y Vinilo. Nuevo album de Deep Purple, nuevo album de Tarja, también vamos a editar el álbum de DarloTodo y algunas otras producciones más que que ya hemos anunciado en nuestras redes.

Anneke van Giersbergen es una de esas artistas carismáticas e inmarcesibles que una vez tras otra nos regalan trabajos impecables. Habrá quien la conozca por su recorrido con The Gathering, con VUUR o con uno de sus diferentes proyectos en solitario, como Agua de Annique o el actual firmado con su propio nombre. También es posible encontrar su voz luminosa en sus múltiples colaboraciones con grandes nombres como Devin Townsend, Ayreon o Within Temptation. Talento y presencia se unen en una mujer poderosa y que nunca para de trabajar. Ella es la sonrisa del metal. Y hemos tenido la suerte de poder entrevistarla sobre los múltiples proyectos en los que está metida.

Hola, muchas gracias por concederme esta entrevista. Sé que estás muy ocupada estos días, con el disco La Mort, y girando tanto con tu proyecto personal como con The Gathering 30 aniversario… ¿Cómo estás viviendo esta etapa tan bulliciosa?

Estoy muy ilusionada, porque estamos a punto de salir de gira con The Gathering, que es algo genial. Ya hicimos algunos shows el año pasado con la formación original de la banda y se siente genial volver a los escenarios y cantar nuestras canciones. Estoy deseando hacer conciertos todo el año… Y desde luego con mi propia banda acabamos de sacar el nuevo EP y está funcionando muy bien. Creo que nos están prestando mucha atención, como vosotros, por ejemplo, con esta entrevista… Es muy agradable poder hablar con todo el mundo sobre el nuevo EP y las nuevas canciones. No me puedo quejar. 

He estado escuchando La Mort, es un trabajo maravilloso. El anterior, La Vie, también lo era. Por favor, ¿me puedes hablar un poco de este formato y del papel de cada EPs dentro de la trilogía?

Sí. Serán tres EP y sus títulos La Vie, La Mort, L’Amour, con como los tres pilares de la vida: la vida y la muerte, y lo que mantiene todo unido, que es el amor. Y en mis canciones hablo de estas cosas: del amor, de la pérdida, de la naturaleza… de las cosas que me suceden a mí personalmente. Hay muchos temas en los tres EPs, pero son temas comunes a todas las personas, o eso creo… Porque me he dado cuenta de que a veces escribo sobre mis cosas, lo que pienso o siento, y a veces llego a pensar que son cosas mías muy personales y que a lo mejor a nadie le interesará lo que cuento: desde luego, eso no importa ya que yo hago música porque amo hacer música… Pero lo curioso es que muy a menudo la gente me dice “estoy pasando por lo mismo”, o “yo también pienso sobre estas mismas cosas”… Entonces me hace sentir bien el poder compartir esas cosas. Reflexionar sobre la vida, la muerte, el amor… y estos temas. Así que para resumir, sería como una gran cesta donde caben distintos temas de la vida, divididos en estos tres pilares. 

Me han encantado las letras. Me ha encantado leerlas y creo que tanto la primera como la última puedo entender sus metáforas, por favor, corrígeme si me equivoco, pero creo que “Fade In Fade Out” nos habla sobre nacer, vivir, morir y nuestro legado… y “Sail Towards The Sun” es una hermosa canción que, ya has mencionado en otras entrevistas que le has dedicado a la memoria de tus padres…

Sí, así es, me alegro que te hayan gustado.

Son maravillosas. Y me encantaría que nos hablaras un poco más sobre las otras dos, que me resultan más enigmáticas por ejemplo sobre “Red Sky”, me encantaría saber  ¿qué significa ese cielo rojo hacia el que te guían tus sueños?

Claro, verás. No sé si te ocurre a ti, pero yo sueño mucho y cuando me despierto puedo recordar casi todo. Y en mis sueños puedo hacerlo todo, lo sé todo… En los sueños uno no tiene límites. En mis sueños puedo volar, componer música preciosa para toda una orquesta… y luego ¡me despierto! Y no puedo hacer todas esas cosas. Y me pregunto ¿por qué es así?… Y sobre la metáfora, siento que hay una gran nube, una nube repleta con todo el conocimiento del mundo, y podemos adentrarnos en ella en los sueños, pero cuando despertamos tenemos que aprender. La vida es más dura. Tenemos que atravesar muchas dificultades para aprender ciertas cosas en la vida… y quería escribir sobre esto. Sobre por qué la vida nos pone tantas dificultades y por qué no es más sencillo simplemente volar como en un sueño y alcanzar el conocimiento, aprender de una vez y sin dolor todo aquello que necesitamos para vivir y sobrevivir. Puede parecer un tema algo pesado, pero también puede ser ligero, si lo tomamos literal es la sensación de despertar de un sueño y darnos cuenta de que: ¡vaya! No lo se todo, no puedo volar, pero puedo aprender algunas cosas de esa experiencia.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Anneke Van Giersbergen – La Mort (2026)

Muchas gracias, es una preciosa metáfora. La otra canción de la que quería preguntarte es “Handle Me With Care”, que me da la sensación de tratar sobre la competitividad o las personas tóxicas ¿cómo la describirías tú?

Algo parecido. Hay un contraste, porque la música es muy bailable, pero las letras sí, son más profundas. A veces la gente asume que eres de una determinada manera pero por dentro tú sientes que eres una persona totalmente distinta. Y a veces tienes que trabajar mucho para que la gente te tome en serio. De eso trata. Son unas letras algo más poéticas y abstractas que otras más directas. Pero ya sabes que la gente que escucha música también puede proyectar en ella sus propias ideas y sentimientos, su propia historia. También puedo decirte de ella que esta canción en concreto funciona muy bien en directo, suena muy bien y me gusta cantarla en directo así que va a estar en nuestro setlist en el tour.

Estoy deseando veros en directo y precisamente te quería preguntar ¿es difícil componer y coordinar una banda tan grande como la que te acompaña en este proyecto?

No, no es difícil. Me gusta mucho. Lo bueno de tener una banda grande es que hay muchos buenos músicos y todos tienen buenas ideas y opciones que ofrecer. Es todo un lujo tenerlos a mi lado. Y para componer, mi sistema de composición sigue un orden determinado: empiezo componiendo yo sola, por mí misma, casi siempre con la guitarra, a veces con el ordenador o con algunos bits de batería… voy grabando las demos, hago las canciones completas, y con este material acudo a la banda, a los componentes más centrales: la guitarra, el bajo, la batería…  Y trabajamos en las canciones. Después vienen los demás, el violín, los vientos… vienen después. Es un proceso de composición que me gusta mucho. Porque cuando empiezo componiendo yo sola, puedo pensar en qué es lo que quiero, tomarme mi tiempo… si tengo uno de esos días en el que no avanzo, no pasa nada, está bien, no hay presión. Resulta muy liberador componer por mí misma, pero también necesito a la banda porque lo completan todo y tienen ideas muy bonitas. Por ejemplo tenemos un teclista que hace unas preciosas melodías… Así que las canciones sí que crecen gracias a tener una banda grande en el estudio y en directo.

También estás trabajando en la tercera entrega, L’amour ¿nos puedes adelantar alguna cosilla de lo que vamos a encontrar en L’amour?

Sí, ya tengo algunas canciones en marcha… muchas ideas en las que quiero trabajar… todo está de momento en mi cabeza, tengo muchas cosas que aún quedan por desarrollar… pero ahora vamos a estar de gira y haciendo muchos conciertos, por lo que creo que será cuando llegue el verano que por fin podré sentarme y trabajar en todas las cosas que tengo en mi cabeza y todos esos pedacitos de canción que ya tengo en marcha. También creo que me va a venir bien la influencia de estos viajes… cuando viajo en las giras, sea porque brilla el sol, o porque conozco gente nueva… al final surgen nuevas ideas en las giras, y eso es lo que voy a hacer estos meses. Creo que me va a ayudar a sentarme en serio este verano a componer unas cuatro, cinco o a lo mejor seis canciones más.

Por cierto, que al leer el nombre de la trilogía: La Vie, La Mort, L’Amour me ha recordado a esta canción clásica de Nana Mouskouri, que trata los mismos temas en otro orden, La Vie, L’Amour, La Mort… me preguntaba si te has inspirado en ella.

No… no la conozco, creo. Sí conozco a Nana Mouskouri y me gusta mucho, mi familia ha escuchado siempre sus álbumes, y yo la he escuchado en casa un montón cuando era joven, pero no recordaba esta canción en concreto. ¡Ahora que me lo dices la voy a buscar! La verdad es que llegué a este título porque estaba escuchando una entrevista con un director de cine francés, o alguien dedicado al cine, no puedo precisar… Lo importante es que él hablaba de estos tres pilares de la vida, los mencionó en francés y me pareció muy inspirador.

Anneke, por favor, dime ¿Cuántos idiomas hablas? porque hablas inglés, entiendo que tu idioma natal es neerlandés, también entiendes francés y me consta que también español… ¿Cuántos idiomas hablas?

Bueno, un poco de todos estos idiomas, pero no tanto, sólo lo suficiente para manejarme un poco en las giras… ya sabes, cuando viajas vas recogiendo palabras aquí y allá. Desde luego el inglés… también escucho alemán, español, quizás francés… creo que estos serían los idiomas que más escucho cuando viajo, y puedo decir algunas cosas, pero creo que no podría por ejemplo hacer toda esta entrevista en español ¡aunque me encantaría! La verdad es que en los 90 empecé un curso de español, cuando estábamos de gira con The Gathering, hacíamos muchas giras, así que empecé este curso de español pero por los propios viajes terminé dejándolo, quizás debería haber seguido.

Eres muy querida aquí en España y en otros países de habla hispana en latinoamérica ¿Sientes tú también esa conexión especial con el público hispanohablante?

Sí. Eso es verdad. Y mira, mucha gente me pregunta por qué los títulos de la trilogía están en francés y siempre les digo que “porque es un idioma muy bonito” y también pienso que me gustaría hacer algo en español en el futuro próximo, pero estaba pensando en hacer una canción con la letra toda en español… también es un idioma muy bonito y muy universal. Sería muy natural para mí. La verdad es que en Europa el francés y el español son importantes y son idiomas que mueven el mundo. Además recuerda que yo vengo de Holanda y nuestro idioma hay que admitir que es un poco duro. Escuchar el idioma español, da igual lo que se diga, suena bonito, y me encanta dirigirme al público hispanohablante y también escucharles a ellos.

Además vamos a poder verte en el Rock Imperium de Cartagena… Ya nos has visitado otras veces ¿Hay algo que tengas ganas de ver o de hacer en tu paso por España?

Sobre todo a la gente. Me gusta porque en España la gente habla con el corazón. Cuando algo les gusta, se nota, hacen ruido, nos demuestran su amor. Y cuando algo no les gusta también se nota, lo dejan ver. En Holanda la gente es más reservada. Eso también está bien, me gusta ver a la gente que disfruta la música y cierra los ojos y se deja llevar por el sonido simplemente. Pero también me gusta venir aquí al sur de Europa, todo el Mediterraneo, la gente es más pasional, sobre todas las materias: la cultura, las películas, el arte, la música… Todo eso me hace mucha ilusión a mí y a toda la banda.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: 25 aniv. del disco ”Mandylion” de The Gathering: El álbum que inspiraría a crear el metal sinfónico

También quería preguntarte por esta gira de aniversario de The Gathering 30 aniversario ¿Cómo surgió este reencuentro?, ¿quién tuvo la idea?

Fué idea de René, el guitarrista de The Gathering. La verdad es que llevábamos unos años sin hablar mucho. No teníamos ningún problema pero todos estábamos ocupados con nuestras cosas. Pero entonces mi mamá murió hace dos años. Y ella nos había acompañado mucho con The Gathering en nuestros primeros tiempos, los chicos la conocían y la guardaban mucho cariño. Entonces tanto René como su hermano Hans me mandaron unos mensajes preciosos para decirme cuánto lo sentían y cuánto querían a mi madre. Fué precioso. Así que después pensamos en vernos y tomar un café, ponernos al día, charlar.. Y después de quedar ya varias veces, un día René nos dijo que efectivamente el álbum Mandylion iba a cumplir treinta años. Por él habíamos obtenido un disco de oro en Holanda. Era un buen motivo de celebración y nos planteamos qué podríamos hacer que fuera bonito, como un concierto grande o algo así… entonces yo dije: “Si vamos a hacerlo, hay que hacerlo bien, a conciencia”. Por eso llamamos a Jelmer y fué muy agradable reunirnos de nuevo, la formación original. Empezamos a ensayar y nos gustó mucho. Las canciones antiguas seguían ahí y nos sentimos muy bien de tocarlas de nuevo. Nos sentimos hermanados todos. En realidad fue bastante espontáneo. Y además a la gente le gustó mucho. Sí que sabíamos que a la gente le iba a gustar, iban a disfrutar de vernos de nuevo con la formación clásica, y que iban a disfrutar celebrando el álbum Mandylion, pero de verdad que no esperábamos tanto entusiasmo. Estamos muy contentos.

Siempre te has movido mucho, has colaborado con muchas personas y te has destacado como Frontwoman, abriéndole el camino a otras mujeres en este mundo de la música. ¿Cómo ves el tema de mujer e igualdad de género en la música actualmente?

Me siento orgullosa. Creo que sí, que con The Gathering fuimos capaces de inspirar a otras mujeres, no solo vocalistas, también instrumentistas, o fotógrafas, o mujeres en general de la escena del metal. Estoy orgullosa. Pero todo sucedió muy espontáneamente. La banda buscaba vocalista. Yo hice la audición y salió muy bien, todo encajó. Nunca pensamos en que yo era una chica y ellos chicos. No estábamos pensando en cambiar nada en la escena del metal, que efectivamente era como de un 99% masculina. Simplemente pensamos “esto suena bien”. Así que quizás la fortaleza en la banda y nuestra música es la espontaneidad, sentir que funcionaba. Y ahora que ha pasado el tiempo, como compositora y como vocalista, creo que lo más importante es trabajar con tu propia visión y con lo que a tí te guste de verdad, de corazón. Fíjate, he visto a vocalistas ceñirse a un estilo musical simplemente porque había pocos ejemplos. Estoy pensando en los 90. Teníamos a Whitney Houston, teníamos a Bjork… eran geniales, pero muy específicas, y había otras cantantes que trataban de seguirles la estela a ellas como modelo concreto. Pero creo que lo importante para triunfar es ser una misma, cantar desde el corazón, usar tu creatividad y tu poder. Si lo haces así, da igual tu género, podrás aportar algo.

Pero efectivamente, hay algo diferente en la energía masculina y la femenina. Y creo que la energía femenina combina muy bien con los sonidos pesados del rock y el metal. Es una combinación perfecta. Y a mí me encanta también compartir y trabajar con esa energía masculina. Pero también me hace feliz ver que más mujeres, desde los 90, han entrado a formar parte de este mundo. En realidad diría que tenemos algo bueno en la escena del heavy metal, porque creo que sí es una escena muy abierta a las mujeres y al poder y la energía femeninas. Estoy feliz de ello. Desde luego queda mucho por hacer, pero en comparación con otros aspectos de la vida, creo que en el heavy metal las mujeres son muy respetadas. En cambio en los negocios, el deporte, la política… no es así. Hay mucho que conquistar aún para las mujeres, tanto a nivel de respeto como en cuanto a paga, a economía y más cosas. Por ello yo estoy feliz de trabajar en la música y en concreto en el heavy metal.

También quería preguntarte por algo relacionado con tu país, que es el parque de atracciones de las hadas: Efteling. Voy a ir con mi hijo de cinco añitos este verano y tengo entendido que podremos escuchar tu voz en el parque Efteling ¿por favor, me puedes contar algo más sobre ello?

¡Oh! Tu niño de cinco añitos, ¡qué mono! Es cierto: mi voz se puede oír en la atracción “Baron”, pero creo que es para más mayores. A mí la verdad es que me da algo de respeto montar: es una montaña rusa bastante grande y al principio hay un baile con fantasmas, que es donde se escucha mi canción. Así que si lo que quieres es escuchar mi voz, tal vez podéis hacer la cola, que es muy bonita y tematizada, pero no montar en el carro. Creo que podéis salir sin llegar a montar, es lo que yo haría porque de verdad que me asusta esa montaña rusa. Lo hice alguna vez: entrar para escuchar la música y salir sin llegar a montar. Es bonita pero da respeto. Espero que lo paséis muy bien. 

Es que haces de todo. También vas a estar haciendo algo en el teatro ¿es así?

Sí. De vez en cuando me gusta participar en el teatro de aquí… hacemos proyectos con otra gente de mi banda… y elegimos temas que nos puedan gustar. Ahora vamos a hacer un proyecto teatral basado en la música irlandesa. Lo hemos comenzado este año y ahora hemos parado pero continuará el año próximo. Es algo bastante diferente a mi música habitual y es que ¡es una locura cuántos teatros tenemos aquí en Holanda! Me siento muy afortunada porque creo que actuamos en total unas ochenta veces en diferentes teatros con este proyecto. Así que más adelante pensaremos otra idea bonita y haremos otras ochenta funciones. Es algo que hago de forma no exactamente paralela, pero sí algo diferente a mi música habitual.

Nunca paras

No. ¡Me encanta cantar!

Y también estás trabajando con Devin Townsend, con quien has colaborado otras veces. Apareces en el álbum The Moth que sale ahora en mayo. ¿Nos cuentas un poco sobre esto?

Claro. Como ya sabrás, Devin ha estado trabajando en esto durante varios años, y muchos más años antes de eso yo había colaborado con él y ya me enseñó algunas demos… era un trabajo enorme, me explicó que habría cuerdas y un coro… ya se veía que iba a ser un proyecto enorme. Recuerdo que pensé que iba a ser una locura de bueno y de grande. Y lo és. Y ya está a punto de salir. Estoy muy agradecida de que me haya invitado a colaborar en algunas canciones de este proyecto tan grande y tan bonito. 

Muchas gracias por tu tiempo, Anneke, y mucha suerte con todos los proyectos.

Gracias a ti por dedicarme el tuyo, espero verte en España muy pronto.

Mentiría si no señalara que he conocido a Hortzak debido a las estupendas películas del director Paul Urkijo, vocalista del proyecto. Pero Hortzak esconde eso y mucho más: el virtuosismo de unos músicos consagrados en la escena vasca (David Zabala, Asier Gabiola y Mike Cuesta, son sus compañeros), letras críticas y monstruosas, y un poco de esa referencialidad friki que tanto me gusta.

Sus dos álbumes de estudio son pequeñas joyas para disfrutar, sobre todo en formato físico ya que las portadas y arte interior son realmente impactantes. 

Y además podremos verles por primerísima vez en directo, este próximo mes de mayo de 2026, el día 10 en Vitoria, el 23 en Larratxo, Donostia (con Anestesia y Kudai) y el 30 de mayo en Lekeitio.

Sobre todo esto, hemos charlado con Paul Urkijo.

Buenos días, Paul, gracias por concederme esta entrevista. Hablamos de “Ez dut pozik egon nahi”, el nuevo álbum de tu banda, Hortzak. Es un trabajo excelente y en él me quiero centrar, pero desde luego no puedo obviar tu faceta como cineasta. Es muy probable que muchas personas te conozcan principalmente por éxitos como “Irati” o “Gaua”. Es casi obligatorio que te pregunte al menos ¿Cómo combinas estas dos vertientes artísticas? ¿Existen sinergias positivas entre ellas? 

Bueno, uno es mi oficio (el cine) y el otro es un proyecto que surge entre amigos. En plena pandemia del Covid, David Zabala, que es amigo de hace muchos años y guitarra de Hortzak, me dijo que estaba componiendo temas con Asier Gabiola (batería). Me propuso cantar porque sabía que me gustaba berrear… así que con ciertas dudas me puse a escribir las letras de las canciones. Hortzak surgió sin ningún tipo de pretensión. Solo para divertirnos y desahogarnos. Pero de alguna manera, al escribir las letras termino contando historias al igual que en las pelis. Supongo que las dos (las pelis y la música) son una forma expresión o de catarsis.

Tu nuevo trabajo musical es efectivamente “Ez dut pozik egon nahi” (“No quiero ser feliz”), un título que es toda una declaración de intenciones en una sociedad de consumo salvaje y artificial, que esconde muchos trapos sucios. Esto se refuerza en todo el álbum, especialmente en la canción del mismo nombre. Por favor, háblame un poco del proceso creativo de este álbum y de su mensaje principal.

Efectivamente es un grito de rabia y es un desahogo ante lo feo que estamos dejando el mundo y de la impotencia y la hipocresía en la que vivimos… Y básicamente el proceso creativo ha sido así: David y Asier hacen los temas y me los pasan para que les ponga letras. Y, en este último disco, Mike Cuesta se unió a la banda con el bajo. En el caso de las letras, se me van ocurriendo temas de los que me gusta hablar. En general son historias fantásticas, monstruosas o mitológicas, mezcladas con temas de mala ostia y violencia.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Hortzak – Ez dut pozik egon nahi (2026)

Hortzak es una banda que defiende su música en euskera, en un género que, aunque sigue teniendo como idioma mayoritario el inglés, sí que se presta a la diversidad. Cada vez nos llegan más bandas cuya lengua y señas de identidad están muy arraigadas a sus lugares de origen, sean Noruega, Islandia, Mongolia o Brasil. Entonces: ¿Cómo es tocar metal en euskera? ¿Crees tú también que el metal se presta a la diversidad simbólica y lingüística?

Yo siempre he escuchado música en euskera. Y aquí siempre ha habido una escena muy potente de Metal, Hard Core, Black metal… con gente como Su Ta Gar, Anestesia, Numen, Berri Txarrak… Hay un montón de bandas y estilos muy diversos. Y para nosotros es normal porque hemos crecido con ello. Pero siempre hay un factor de reivindicar nuestra cultura e idioma. Y también de ser críticos con nuestro propio entorno.

Yo todavía no soy capaz de hablar euskera, pero sí he podido reconocer enseguida algunos insertos en el álbum, como el profeta loco de “La vida de Brian” que abre el álbum y más tarde la buena noticia de que volvemos a tener carne en el menú de “Las dos torres”, que le dan un toque de humor algo friki a un álbum que por lo demás trata temas serios y oscuros. ¿Puedes hablarme de estas referencias? 

¡Jajaja! Sí, es bastante Freak. Pero es lo que somos. Nos gusta meter esa clase de audios. Como lo han hecho muchas bandas antes de nosotros. La intro es del gran Terry Gilliam de profeta desquiciado, con el cual nos identificamos en su tono apocalíptico y absurdo. Y el audio de los Uruk Hai gritando eso de que hay carne de orco, siempre nos ha hecho mucha gracia (para mí una de las mejores escenas de LOTR) y nos venía genial para la canción “Antropofagia” que habla de la gente rica comiéndose a gente pobre porque la brutalidad del mercado libre lo ampara. Además, la primera canción “Horda Beltza” es un homenaje a los Orcos en general, que son los mejores, aunque siempre mueran.

También he visto de casualidad que, como yo, sigues entre otros a Raised By Owls, una banda a la que tengo mucho cariño pese a no ser nada conocidos en España, y que aportan grandes cantidades de humor a su música. Así que, siguiendo también el hilo de la pregunta anterior: ¿Qué papel tiene el humor en el metal, en tu opinión?

Pues siempre está presente porque nos lo queremos pasar bien y no nos tomamos demasiado en serio a nosotros mismo, en la vida en general. Pero también porque entre los miembros del grupo y colegas cercanos, el humor negro es una de las formas en las que mejor expresamos nuestras frustraciones. 

Como decía, los temas tratados en el álbum son profundos, serios y relevantes: encontramos violencia, avaricia, la impunidad de los poderosos… junto a la imaginería mitológica y religiosa y siempre con una fuerte perspectiva existencialista. ¿Cuáles son vuestras fuentes de inspiración? ¿Cómo de importante es la crítica social para Hortzak?

Pues lo que comentaba. Son tema que me molan, y la verdad es que no sé hacer nada sin cierta crítica o reflexión social. Y creo que mis compañeros piensan igual. Mis pelis también lo tienen de alguna manera. Creo que la rabia y el desahogo con la que vibra la potencia de las canciones precisamente viene de exponer el mundo en el que vivimos. Y la mitología siempre esta lleno de personajes y símbolos que ayudan a hablar de ello, pero desde una perspectiva monstruosa.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Neurosis – An Undying Love For a Burning World (2026)

Sois una banda relativamente joven, fundada en 2020 si no me equivoco, y siendo este vuestro segundo álbum de estudio. Parece que os estáis consolidando rápidamente como banda y en cuanto a sonido. ¿Puedes hablarnos un poco de los inicios de Hortzak y de la etapa que está viviendo la banda ahora mismo?

Como te he comentado antes, el comienzo fue algo improvisado. “Zabala” y “Asi” tenían los temas del primer disco y luego metí yo la voz. Luego como no se saben estar quietos pues se cascaron en muy poco tiempo otros doce temas. Y yo, no sé cómo, entre peli y peli saco el tiempo para escribir las letras… Ahora con Mikel y el segundo disco nos hemos propuesto hacer algún bolo. Aunque Zabala ya me dijo ayer que ya tiene un tema nuevo… no sabe parar el chaval, jajaja.

El nuevo álbum acaba de caer en mis manos hace pocos días y ya lo estoy quemando a base de darle vueltas en mi reproductor de CD. ¿Tendremos la oportunidad de disfrutarlo también en directo este año 2026?

Pues nos vamos a desvirgar en directo, porque tenemos algunos conciertos programados ahora en mayo por la zona de País Vasco. El 10 en Vitoria, el 23 en Donostia y el 30 en Lekeitio. Y habrá alguno más si sobrevivimos a estos. 

Y ya para terminar: ¿Dónde te gustaría ver a Hortzak dentro de otros 6 años?

Pues siempre decimos que Hortzak es para disfrutar y sin pretensiones. Sin ningún tipo de compromiso. Así que espero que sigamos sacando temas porque significará que seguimos disfrutando de hacer ruido.

Mila esker, muchas gracias por tu tiempo y enhorabuena por el buen trabajo.

Ya queda muy poco para la visita de The Rumjacks a España este mayo y, por ese motivo, hemos podido charlar con Johnny McKelvey, bajista y miembro fundador de la banda. Es una persona encantadora y está entusiasmado por volver a visitar nuestro país, donde el grupo siempre es muy bien acogido. Por mi parte, yo tengo muchas ganas de ver en directo tanto sus grandes éxitos como algunas de las nuevas canciones de su último disco, Dead Anthems (2025), además, el veinte aniversario de la banda se está acercando y Johnny nos revela algunos de sus planes para celebrarlo.

Hola, muchas gracias por concederme esta entrevista y dedicarme unos minutos. Sé que no tenéis mucho tiempo libre. Sois conocidos por ser una de las bandas que más gira del mundo. ¿Cómo lográis mantener esa energía constante a lo largo de los años?

Hola, muchas gracias a vosotros. La respuesta corta sería “por el público”. Porque no importa lo muy agotador y cansado que resulta estar de gira, viajar, trabajar de noche… todo eso es trabajo duro pero también es muy divertido y nos encanta absolutamente, por eso lo hacemos. Así que puedes estar cansado y desgastado, puedes estar incluso totalmente agotado ese día, pero en el momento en que subes al escenario y ves a los fans ¡todo eso desaparece! Así que hay otros momentos para sentirse cansado, pero cuando estás con la gente, ellos te dan su energía y borran todo el agotamiento ¡y por eso seguimos haciéndolo! Es la parte más bonita, dentro de todo lo que implica este trabajo.

Dentro de muy poco os veremos en directo en España. Sois una banda muy querida aquí, nos habéis visitado ya en muchas ocasiones, cada vez en salas más grandes. ¿A qué creéis que se debe vuestra conexión con el público español?

¿Pues, sabes qué es? De nuevo, es por la gente, los fans y las personas para las que tocas. Y, por muchas razones, creo que a los españoles les gusta pasarlo bien, les gusta la fiesta, aman la vida. Cada vez que hemos venido de gira por aquí, por las muchas regiones de España, todo el mundo es muy acogedor, las actuaciones resultan divertidas, todos están dispuestos a pasar un buen rato. Por eso se nos hace muy difícil decir que no a volver a España, tenemos siempre una acogida espectacular y nosotros lo disfrutamos mucho también. Es un país muy bonito y sentimos que somos muy afortunados de poder volver y actuar para gente que realmente tiene ganas de estar allí con nosotros. Puedes verlo, que todo el mundo está allí por el mismo motivo, que es disfrutar de la música. Me encanta.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR:  New Found Glory – Listen Up! (2026)

Por cierto, ¿Cómo habéis escogido a los teloneros que os acompañarán por nuestro país? Es curioso que en cada ciudad serán bandas diferentes y muy variadas.

Es una buena pregunta. La verdad es que nos gusta tocar tanto con bandas que hacen lo mismo que nosotros, que son del mismo género, y es como la elección más obvia lo de tocar con bandas similares… pero también nos gusta mucho la variedad. A mí, particularmente me gusta asistir a conciertos con alineaciones mixtas y variadas: es enriquecedor, porque aporta más cosas. Una noche con música que suena similar también tiene sus dificultades, porque el concierto puede durar cinco o seis horas. Por eso también pienso que el público encuentra refrescante que haya variedad. También si acuden a diferentes fechas a lo largo de una gira. Está bien cuando el público a lo mejor ni siquiera conoce a las bandas con las que tocamos ¡o que no nos conocen a nosotros!, creo que es algo positivo porque podemos complementarnos unos a otros. Todo aporta algo, y en esta ocasión vamos a tocar junto con varias bandas diversas y estamos contentos con ello.

Quería preguntarte también por el último disco “Dead Anthems” y la etapa actual del grupo. Además ya lleváis más de cinco años con Mike como vocalista y ya estáis plenamente consolidados con él. Así que ¿cómo son The Rumjacks en la era actual de la banda?

Es genial, creo que todavía estamos en la cresta de la ola respecto a la incorporación de Mike. Creo que esta ha sido la mejor decisión que hemos tomado como banda. Lo estamos disfrutando mucho, pero también estamos trabajando mucho, ya sabes que estamos mucho de gira, y “Dead Anthems” todavía suena a nuevo, tiene apenas un año de vida y eso es bastante joven para un disco. Así que nos estamos centrando en mantener al máximo esa energía y estar de gira y seguir adelante. Y uno de nuestros objetivos está siendo volver a visitar algunos lugares que no habíamos visitado aún, o no tanto, o hacía mucho que no volvíamos. Hemos tomado conscientemente la decisión de volver a ver a los fans que más han estado esperándonos. La verdad es que estamos muy contentos e ilusionados con esto, nos encanta estar de gira otra vez. 

Y además también hemos estado componiendo. Vamos a volver al estudio dentro de un mes o así y es posible que hagamos un lanzamiento pequeño, como un EP o algo similar. No es seguro, pero ya tenemos bastantes canciones. Así que ya ves: estamos de gira, componiendo… muy contentos porque las cosas se mueven adelante. Y a la vez, mientras hacemos todo esto, también estamos tratando de recordar que en 2028 será nuestro veinte aniversario, así que habrá de nuevo mucho que hacer y que girar. Tenemos por delante unos años muy ilusionantes.

¡Nunca paráis!

Nunca.

He estado mirando vuestros setlist y veo que estáis abriendo vuestros últimos conciertos con “Come Hell or High Waters”, que es una canción que personalmente me encanta, tanto por su música como por su mensaje sobre migración y resiliencia, que creo que es muy necesario. En un mundo que cada vez parece más salvajemente racista y xenófobo, ¿Qué acogida está teniendo esta canción?

Muchas gracias por decir eso. La verdad es que también es de mis canciones favoritas del nuevo disco. Personalmente estoy muy contento de abrir con ella porque disfruto mucho de esa canción. Así que, sí, es cierto que hemos estado abriendo con ella en la gira y está siendo muy bien recibida. Pero siempre decimos, con nuestra propia música, que cada uno puede escucharla a su manera. Puede ser la canción entera, las letras o la música. Hay quien disfruta la melodía sin tener mucho en cuenta la letra y eso también está bien. Si lo que te gusta es solamente la música, estamos felices de formar parte de ello, del disfrute de alguien a través de la música. Y verás, tienes razón en que hay mucha gente con la mente muy estrecha y con visiones muy tontas sobre el resto del mundo, las culturas, las migraciones… Es un tema muy potente en este momento y hay muchas ideas estúpidas al respecto a su alrededor. 

Creo que hay gente que simplemente es inculta al respecto, y nosotros no estamos aquí para dar lecciones a nadie, de ningún modo. Como he dicho, cada cual puede interpretar nuestras canciones como lo desee, siempre que sea desde una perspectiva positiva y productiva: si le aportamos algo a la gente, estamos contentos. Pero me he dado cuenta de que mucha gente olvida quienes somos. Yo provengo de una familia de ascendencia irlandesa y, aunque no sea la típica cara que la prensa señala para hablar de migración, también podría serlo. La prensa a menudo trata de señalar bando y poner rostros a los que etiquetar y decir “estos son los buenos”, “estos son los malos”. Y la verdad es que mis padres vinieron de Irlanda del Norte para buscar una vida mejor en Australia. Para criarnos con seguridad. No entiendo que se pueda cuestionar algo tan profundamente humano. La naturaleza humana siempre va a buscar un lugar seguro para vivir y para criar a su familia. Pero hay gente que tiene los conceptos muy mezclados y los medios también contribuyen a eso. Se nos olvida que no hay una cara, un aspecto ni un idioma de la gente que merece más de la vida. Hay confusión, pero no por ello lo justifico. Y la cara de la migración bien puede ser una familia irlandesa que se marcha al otro lado del mundo, o puede ser alguien que huye de la guerra en su país de origen. Tampoco hay un bando de la gente que quiere que su vida mejore, porque somos todos. Y esta canción habla de este concepto. De personas que podrían ser cualquiera y sólo quieren ver crecer a su familia con seguridad y vivir una vida feliz y próspera. Esa búsqueda es universal y eso es lo que se nos olvida. Todos queremos lo mismo, no es algo propio de una cultura, una religión o un aspecto físico. Es un derecho humano universal. 

Entonces, sería genial si esta canción hace pensar un poco a la gente. Si ven cómo hay irlandeses en todas partes, si ven que han viajado a todos los rincones del mundo… verán que todo el mundo lo ha hecho y todo el mundo debería sentir que tiene ese derecho, provenga de donde provenga. 

Es una canción preciosa. También me ocurre con la canción “Eye for an eye”, que me ha dejado sobrecogida. Entiendo que hace referencia a la historia de Irlanda, pero a la vez es muy actual y podría aplicarse al planeta Tierra en general. 

Sí, efectivamente, está basada en la historia de Irlanda y el conflicto entre protestantes y católicos, pero también tiene un mensaje universal, acerca de que las generaciones precedentes nos marcan un camino y ¿tú qué vas a hacer?, ¿vas a seguir ese camino marcado, o vas a hacer algo para cambiarlo?. Tú no eres tu padre ni tu abuelo. Eres una persona con tus propias ideas y objetivos. Tienes una educación. Está en tu mano cambiar. Así que creo que has dado en el clavo, porque es una canción universal, aunque tenga una base en Irlanda, podría extrapolarse a cualquier lugar del mundo. Es una situación que se repite en todas partes. Pasar la antorcha pero en el mal sentido. Recorrer el camino sobre las huellas de tus padres. Todos somos parte de nuestra historia y de nuestra familia, pero podemos cambiar las cosas. 

Por cierto que viene acompañada por un videoclip espectacular, en el que sale mucha gente, todos vosotros actuáis, es muy cinematográfico… ¿Fue difícil rodar algo así?

Sí, fue algo difícil, jajaja. ¿Sabes?, para nosotros es fácil subir al escenario, nos sentimos cómodos incluso delante de miles de personas. Pero nos pones delante de una sola cámara y eso nos pone mucho más nerviosos. ¡Preferimos el escenario! Y si además tenemos que actuar, es todo un reto. Igualmente lo pasamos muy bien, y el equipo de personas con el que estuvimos trabajando nos ayudó mucho. No recuerdo ahora el lugar de Inglaterra donde grabamos, pero fue muy divertido, pasamos el día en la ciudad buscando localizaciones y nos metimos en algunas situaciones curiosas al grabar en la calle. Mucha gente nos miraba al pasar, a ver qué hacíamos. Pero al final ha quedado muy bien. Es una canción muy bonita y un poco diferente a las demás, así que estoy muy contento de que hayamos podido sacar este vídeo, para complementarla, como hemos hecho con algunas de las otras canciones.

También me han llamado mucho la atención los videoclips de dibujos animados que habéis hecho con Ben Satchel para “Scandal” y “Cold like this”. ¿Cómo surgió la idea de trabajar con él?

Pues la verdad es que vimos otro videoclip hecho por él para unos amigos, Buster Shuffle, una banda muy interesante de Reino Unido. En fin, su vídeo salió muy bien y creo que fue Mike quien les envió un mensaje para preguntarles: “¿quién os hizo ese videoclip? es genial”. Y además es que nosotros vivimos cada uno en un sitio, cada miembro de la banda está muy lejos de los otros, así que es difícil juntarnos todos, salvo en las giras, y siempre estamos buscando ideas para hacer estas cosas, como los videoclips. Además es una forma de variar, y que no sea siempre la misma imagen de nosotros tocando en una habitación. Así que se juntó todo, porque es una forma de sacar un tipo de videoclip diferente, algo que no hacemos normalmente, y que nos facilita el no tener que volar los seis a algún lugar intermedio para grabar el vídeo. Un vídeo diferente y que no nos obliga a estar en el mismo país, y parece que han quedado bien. 

Yo creo que son muy originales y muy representativos de lo que sois The Rumjacks.

Sí. Yo también creo que el animador hizo un gran trabajo. Y todos hemos disfrutado mucho viendo el resultado final, ya que es la primera vez que trabajamos con este animador y hemos quedado satisfechos. 

Muchas gracias, Johnny, estamos deseando veros por España a mediados de mayo ¿hay algún mensaje que quieras mandar a tus fans españoles?

Desde luego: muchas gracias a todos por apoyar a The Rumjacks. Os queremos mucho y por eso seguimos volviendo. Y gracias por leernos aquí en Track to Hell. Estamos deseando veros muy pronto para esas épicas fiestas españolas, que tanto hemos disfrutado en los años anteriores ¡Muchas gracias! 

Entrevista por Kia Stuck

Como parte de la esperada vuelta de Abigail Williams al Reino Unido en Fortress Festival 2026, Track To Hell habló con su fundador y vocalista, Ken Sorceron, sobre el último álbum de la banda, A Void Within Existence. Conversamos sobre los temas de aislamiento e introspección presentes en el disco, así como sobre la evolución de la formación y las actuaciones de la banda desde la última vez que tocaron en el Reino Unido, hace aproximadamente ocho años.

¿Qué tal ha sido tocar aquí hoy en un recinto tan maravilloso?

Oh, es increíble. Quiero decir, es lo mejor. Es el festival más genial que hemos hecho nunca. Sí, absolutamente. Junto al mar, así, y además todo el mundo nos ha tratado muy bien aquí. El escenario es fantástico. El sonido fue simplemente… ya sabes… es genial. Digámoslo así: llegamos aquí y no habíamos tocado juntos en más de un año, creo. Ni siquiera habíamos conocido al batería con el que tocamos hasta ayer. No ensayamos en absoluto. Si puedes subirte a un escenario y hacer eso, entonces está bastante bien.

¿Y cómo es tocar aquí en el Reino Unido en comparación con conciertos de black metal en América, por ejemplo en Estados Unidos? ¿Notas alguna diferencia en el público o algo así?

Solo los acentos, realmente. Y el papel moneda tiene una sensación un poco… diferente. No, en serio, es difícil decirlo. Aquí hay tanta gente que he estado hablando con personas de todo el mundo, realmente. Nuestra primera gira fue precisamente en el Reino Unido cuando empezamos la banda. Hicimos una gira por el Reino Unido antes de girar por Estados Unidos. Así que, la verdad, me gusta bastante estar aquí.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Fortress Festival 2026 Día 1: “un arranque de alto nivel para la cuarta edición”

¿Es un poco como volver a casa?

Sí, me encanta. También llegué a trabajar aquí durante una temporada. Además he pasado bastante tiempo aquí. Y, ya sabes, me encanta el campo. Y sí, simplemente aprecio este lugar. Y honestamente, los fans aquí son bastante geniales. Lo diré así. Siempre lo han sido.

Y ahora que has vuelto con vuestro último disco, A Void Within Existence, ¿cómo se siente trasladar todo lo que pusiste emocionalmente en ese álbum al escenario? Porque fue compuesto durante una etapa más o menos complicada.

Oh, sí. Ya sabes, solo elijo tocar las canciones con las que realmente conecto. ¿Sabes a qué me refiero? Porque quiero que el concierto se sienta como una gran liberación. Quiero sentir algo yo mismo. Quiero que se me ponga la piel de gallina. Y luego espero poder transmitir eso a la gente. La mayoría de las canciones ya las habíamos tocado antes, pero una de las que hemos interpretado hoy…Acabamos de tocar una canción que nunca habíamos ensayado de ninguna manera. Fue genial.

Sí, me encanta el álbum. De hecho, me encantan nuestros dos últimos discos. Creo que hemos seguido una buena trayectoria. Ahora mismo estoy grabando un nuevo álbum. Tuve que dejarlo en pausa para venir aquí, pero lo terminaré cuando vuelva a casa.

Entonces está cerca de estar terminado.

Sí, bastante cerca. Solo faltan algunas voces y cosas así.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: El Altar Del Holocausto: “Los sentimientos en muchas ocasiones son más fuertes que las propias palabras”

¿Disfrutas más del proceso de hacer discos entre gira y gira o las giras se han convertido más en una molestia?

Sí, ya sabes, las giras se han vuelto… más complicadas que antes porque la logística cada vez es más difícil. Todo es más caro, pero los ingresos no parecen aumentar. Muchas bandas dicen lo mismo. Es diferente ahora. Y además me estoy haciendo viejo. Me gusta estar en casa y relajarme. Me gusta trabajar en música. Y cuando estás de gira demasiado acabas quemado, y entonces no trabajas en música. Así que intento encontrar la cantidad justa de conciertos y luego pasar al siguiente disco. Me gusta hacer álbumes. Entre los dos últimos discos pasó demasiado tiempo, así que ahora intento acelerar un poco el proceso.

¿Sentiste que tenías que acelerar ese proceso?

Simplemente sentí que, en lugar de estar de gira, debería estar haciendo música. Porque mientras tengas inspiración, debes aprovecharla. Después de publicar un álbum, a veces te sientes incluso más inspirado porque acabas de lanzar algo y ves el resultado de tu trabajo. Entonces piensas: tengo que hacer más música ahora mismo. Pero si sigues de gira constantemente, esa sensación desaparece.

Entonces hay que encontrar un equilibrio.

Es complicado. Y yo soy una persona que se guía mucho por lo que siente en cada momento. No somos precisamente la banda más organizada del mundo, voy a ser sincero. Puedo estar en mitad de un disco y pensar: “Esto es una mierda”. Lo dejo y ya volveré a ello. Y puede que pasen años. Suena una locura. Pero luego vuelvo a escucharlo y pienso: “En realidad esto no es una mierda. Estaba equivocado”. Y entonces lo termino. Simplemente funciona así.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Fortress Festival 2026 Día 2: “entre castillos imaginarios y leyendas del black metal”

¿Y cuándo sientes que un álbum está terminado? Sobre todo cuando trabajas en él de forma intermitente y puedes perder la perspectiva del conjunto. ¿En qué momento dices: “Ya está, está acabado”?

Buena pregunta. Nunca parece terminado hasta que simplemente te rindes y dices: “Esto servirá”. Porque podrías trabajar en él para siempre intentando perfeccionarlo. Pero a veces eso es lo incorrecto. A veces es mejor quedarse con la primera sensación cruda. Especialmente con las voces. Suelo escribir las letras el mismo día que voy a grabarlas. Y luego quiero conservar esas primeras tomas. Lo primero que me viene a la cabeza suele ser lo mejor. Me gusta mantener ese tipo de cosas. Pero la música, especialmente cuando estás arreglando baterías o trabajando la estructura de las canciones, es algo que podrías retocar eternamente.

Ahora cuentas con bastante ayuda a la hora de completar las grabaciones gracias a Dave y también a Mike. ¿Cómo ha cambiado eso el proceso?

Es mucho más fácil cuando no tienes que encargarte de la mezcla. Puedes enviar el material a alguien como Dave Otero o Lambert, gente que llega con una perspectiva fresca. Tú ya estás harto del disco porque lo has escuchado miles de veces. Es bueno tener una opinión nueva. Y además son personas en las que confías. Porque entregar tu álbum a alguien y decirle: “Toma, mézclalo”, da bastante miedo. Piensas: espero que vuelva sonando como lo imagino. Pero esos dos hacen un trabajo fantástico. Y también trabajar con Mike Taylor en la batería se ha convertido en nuestro sistema habitual porque simplemente funciona. Trabajamos muy bien juntos. Lo conozco desde hace muchísimo tiempo. Todo fluye de manera muy natural.

Entonces ahora mismo tienes buenas sensaciones.

Oh, sí.

Con todo lo que está pasando y el camino que lleváis actualmente, ¿cómo te sientes?

Siento que si la banda hubiera sido como es ahora cuando la fundé, las cosas estarían mucho mejor hoy. Lo curioso es que cuando empezamos apenas habíamos dado tres conciertos y ya habíamos fichado por Candlelight Records. De repente nos vimos compartiendo sello con un montón de bandas increíbles. Estábamos abriendo para Emperor casi inmediatamente. Empezamos a girar por el extranjero enseguida. Ni siquiera tuvimos tiempo de desarrollarnos. Fue una locura. Básicamente tuvimos que desarrollar nuestro sonido en público. Y luego te quedas atrapado en girar, girar y girar constantemente. Ahora las giras son agotadoras. Tengo 46 años y pienso cuánto tiempo más puedo seguir así. Ves bandas que continúan hasta una edad muy avanzada, pero son mucho más populares, así que tiene sentido. ¿Cuánto tiempo puedes seguir siendo una banda infravalorada y continuar girando para siempre?

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: P.G. (Groza): “No podría cantar sobre cualquier cliché aleatorio porque no significa una m*erda”

Sí, puedo imaginarlo. Si elimináramos toda la atmósfera y la puesta en escena, imaginemos que estuvierais en un escenario completamente iluminado, ¿qué aspecto de vuestra música crees que seguiría impactando más sin toda la estética del black metal?

Creo que sí funcionaría, porque en esta banda todo gira en torno a la música. No tenemos una imagen tan marcada como otras bandas. No usamos disfraces. No coordinamos cómo debemos vestirnos. No sabemos qué hará el técnico de luces. Ni siquiera tenemos técnico de luces. Puede hacer lo que quiera. Nosotros simplemente tocamos. No somos una banda especialmente preocupada por la imagen, probablemente para nuestro propio perjuicio porque a los fans del black metal les gusta mucho ese tipo de cosas. Pero nunca fuimos así. Miras fotos de cuando empezamos y parecemos tipos completamente normales. Y resulta bastante gracioso verlo ahora. Pero simplemente no tenía tiempo para pensar en esas cosas. Estaba ocupado haciendo música. Así que sí, para nosotros es bastante sencillo.

Entonces, ¿qué crees que es lo que más destaca en vuestra música? Sobre todo teniendo en cuenta que no hay disfraces ni elementos similares.

Creo que la emoción. Y sí, hay atmósfera, pero es una atmósfera diferente. Es black metal, por falta de una descripción mejor en términos estilísticos, pero yo me permito cierta libertad. No estoy pensando constantemente: “Somos una banda de black metal”. No pienso: “Tiene que transmitir oscuridad absoluta”. Y no me estoy burlando de quienes lo hacen. Solo digo que nosotros no trabajamos así.

Sí, claro.

Tenemos letras sobre infinidad de temas. Y sí, encajamos dentro de esta escena. Podemos tocar con todas estas bandas y funciona bien. Pero he notado que nunca encajamos perfectamente en ninguna gira. Siempre somos un poco la banda rara. Estamos girando con muchas bandas de black metal que tienen toda una producción escénica detrás. Nosotros no tenemos nada de eso. Así que siempre somos un poco diferentes. Y si tocamos con bandas más death metal, entonces parecemos completamente atmosféricos. Es complicado. Si quisiéramos tocar con una banda de post-rock, resultaríamos demasiado pesados.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Barroselas Metal Fest 2026 Día 1: “El reencuentro”

Así que simplemente sois vosotros mismos.

Sí, exactamente.

Es vuestra propia identidad. No encajáis en ninguna caja.

Y estoy completamente bien con eso. Siempre me he sentido un poco ajeno a esa escena. Nunca sentí que formáramos parte de ella. Conozco a mucha gente. Soy amigo de mucha gente. Pero nunca sentí que estuviéramos realmente dentro. Siempre me sentí aparte, aunque cercano. Y está bien así.

Aquí funcionó perfectamente, eso seguro.

Sí, puede funcionar. Creo que al público le gustó bastante, o al menos eso parecía. Y eso fue bueno porque nunca habíamos tocado ante tanta gente aquí. Normalmente, en el Reino Unido hacemos conciertos más pequeños.

Entonces también hay una diferencia importante en cuanto al tamaño del recinto respecto a lo que soléis hacer.

Me gustan los conciertos grandes. Sé que suena raro. Me pongo más nervioso ante un concierto pequeño con poca gente que ante una multitud enorme. Cuando hay una multitud enorme pienso: “Me siento bien. Vamos a ello”. Es extraño.

Probablemente porque cuando hay poca gente sientes que tienes que estar a la altura de ese grupo concreto de personas. Debes cumplir sus expectativas.

Sí, sientes que tienes que ser perfecto porque estás bajo el microscopio.

Y con una multitud enorme piensas más bien: “Está toda esta gente aquí. Voy a tocar y estarán contentos de que esté aquí”.

Y además recibes esa energía. Sientes que todo está bien. “Oh, acabamos de cometer un error. ¿Y qué?”

Exactamente. ¡Muchas gracias por tu tiempo!

Muchas gracias a vosotros, ha sido un placer hablar contigo.

El Altar Del Holocausto es toda una rareza en la industria musical: una banda totalmente instrumental, entre el doom y el postrock, capaz de crear piezas muy evocadoras y de enorme calidad. La identidad de sus miembros es un secreto, ya que tocan encapuchados como forma de anonimato y también tomando su inspiración estética de la tradición de la Semana Santa: sus capuchas se inspiran en los nazarenos o penitentes, mientras que sus conciertos son llamados por ellos mismos y sus seguidores “homilías”, en las que se busca elevar el espíritu a través de la música. 

La banda consigue así alcanzar un equilibrio muy difícil: emocionar a todo tipo de personas, incluso a agnósticas, ateas o procedentes de otras tradiciones religiosas, sin ofender a los creyentes y reivindicando algunas de las enseñanzas más universales y enriquecedoras de su fe.

Hoy hemos podido hablar con uno de sus enigmáticos miembros con motivo del reciente lanzamiento de su cuarto álbum de estudio: ECOS; un trabajo que simboliza el regreso de la banda después de cinco años y el inicio de una nueva etapa.

Hola, soy Cristina para Track to Hell, ¡muchas gracias por concederme esta entrevista! En primer lugar quiero daros la enhorabuena: Ecos es un álbum magnífico y parece estar teniendo una acogida maravillosa en los medios y entre el público. ¿Cómo ha sido el proceso de gestación y grabación de este trabajo? ¿Buscáis explorar nuevos matices sonoros en comparación con vuestros anteriores trabajos?

Hola, igualmente, encantado de atenderte. Me alegra que hayas disfrutado de nuestro nuevo trabajo, ECOS. Es un honor que sea reconocido y que el oyente pueda disfrutar de él después de tanto tiempo. Ha sido un largo tiempo de gestión, cerca de año y medio, desde que comenzamos con su composición, maquetación, grabación y edición… nos encargamos íntegramente de todo el proceso, salvo de la parte del ingeniero de grabación en el estudio. Ha sido un proceso costoso, pero a la vez ha tenido su parte hermosa, sobre todo el proceso creativo, creo que ECOS pone a EADH en otro punto, este disco es un punto y aparte en la historia de la banda.

Puede que se puedan encontrar ciertos matices que sean nuevos, pero en general hemos buscado que el disco suene a EADH… que sea seña de identidad de la banda.

Ojalá tengan tan buena acogida las homilías de presentación que vendrán próximamente.
Con el disco ya girando y la gran respuesta que está recibiendo, ¿cómo está siendo el traslado al directo? ¿Qué podemos esperar de las fechas que tenéis por delante en esta gira?

Aún no hemos desvelado ninguna fecha de presentación, salvo dos festivales: el Westill en Francia y el In To The Void en Países Bajos. Pero ya estaban cerrados antes de la publicación de ECOS.

La gira considero que será la más ambiciosa de la banda hasta la fecha, intentaremos llegar a todos los lugares posibles, sobre todo fuera, y que ECOS resuene allá donde tengan a bien escucharlo. Cambiarán bastantes cosas respecto a giras anteriores, pero hasta que no se lleven a cabo las primeras homilías no puedo dar más detalles.

Hay varias cosas que hacen única a vuestra banda. Por ejemplo, en vuestro caso, defendéis una propuesta puramente instrumental (sin vocalista), algo que en la escena actual me parece todo un reto. ¿Cómo conseguís que vuestros instrumentos narren historias y mantengan al público en trance durante todo el concierto?

Es todo un reto poder llegar al público sin tener una voz que transmita el mensaje principal… pero los sentimientos en muchas ocasiones son más fuertes que las propias palabras. Es importante que el oyente entienda el sentido de las composiciones, por que se crean y cuál es el objetivo de ellas, de ese modo podrá sumergirse mejor en ellas y dejarse llevar en ese trance musical.

No es una tarea sencilla, ni siempre funciona, pero para nosotros es lo que nos motiva a seguir adelante… poder hacer que cada concierto sea aún más especial o emotivo que el anterior. Por eso estamos aquí.

Otra cosa que hace único al El Altar del Holocausto es que, en una era de sobreexposición en redes sociales donde todo el mundo quiere mostrar su cara y todo lo que sea necesario para llamar la atención o alcanzar la fama, vosotros seguís manteniendo vuestras identidades en secreto ¿Es una forma de protección personal o una herramienta artística para que el oyente se concentre únicamente en la música, sin prejuicios ni egos?

Es una decisión y como tal debemos comulgar con ella, cuando se creó la banda en 2012 tomamos ese camino y será así hasta el final de la banda. No es para nada relevante cómo seamos o dejemos de ser físicamente los miembros de EADH, lo que sí debe tener repercusión es la música que se ejecute y cómo lo haga, eso sí es transcendental. El ego o los prejuicios no tienen cabida en nuestros sonidos.

Aunque no sepamos realmente quién está bajo la máscara, El Altar del Holocausto se escucha y se siente como una banda o incluso una institución muy sólida. ¿Podéis contarme si a lo largo de los años ha permanecido inalterable la formación o habéis vivido cambios en las filas? ¿Cómo afecta el relevo de un miembro cuando el concepto visual y espiritual de la banda es tan específico?

Como todo grupo, este también ha evolucionado… de ser un dúo en 2012 a ser cuatro miembros en la actualidad. Todo se trata de tener buena comunicación y entender bien el mensaje de la banda, ir todos en la misma dirección y remar a favor del proyecto. Por supuesto hemos tenido altibajos y momentos muy complicados, pero la banda está por encima de todo eso. EADH va más allá de los sentimientos que tengan sus miembros, no es un grupo formado por personas… EADH es nuestra forma de vida.

Vuestra estética y vuestros conciertos-homilías beben directamente del misticismo y la solemnidad del catolicismo, utilizando una imaginería que para algunos podría ser arriesgada. Sin embargo, lográis algo muy difícil: conmover a todo tipo de personas, incluso agnósticos y ateos, sin ofender a los creyentes. ¿Dónde está el secreto para mantener ese equilibrio tan respetuoso? ¿Buscáis algún tipo de provocación o más bien una vía de espiritualidad libre a través del arte?

Es interesante lo que planteas, creo que el equilibrio debe ser justo… esa vía espiritual del arte es donde reside la esencia de EADH, que el oyente lo interprete como realmente quiera. No es necesario pronunciarse, simplemente sentir la música y fluir. En eso quizás reside parte de la esencia de la banda, poder transmitir mensajes con los sentimientos.
Ligado con la pregunta anterior, da la sensación de que vuestro origen en Salamanca debe ser clave: vuestra propuesta evoca la sobriedad y el ascetismo de la Semana Santa de Castilla y León. ¿Hasta qué punto el peso histórico, la arquitectura y la tradición de vuestra tierra natal han moldeado el ADN visual y sonoro de El Altar del Holocausto?

No creo que realmente sea algo que haya modelado a la banda, ni lo sentimos como una influencia directa. De hecho varios miembros de la banda desde que se creó han estado más tiempo fuera de Salamanca o de España que en ella. Nos puede gustar más o menos esa imaginería o sobriedad, pero no creo que haya influenciado a la forma de ser de la banda, al menos de forma consciente o directa.

Como banda con un largo camino recorrido, desde un terreno más underground hasta llenar salas y tocar en grandes festivales, ¿qué diagnóstico le hacéis al panorama de la industria musical actual en España? ¿Es un entorno saludable para las propuestas independientes, novedosas y de nicho?

No sabría decirte. Desde nuestros inicios siempre hemos intentado ser una banda “DIY” en todo lo que hemos podido, cuando hemos tenido oportunidades las hemos intentado aprovechar y otras muchas las hemos desechado sin pensar en las consecuencias… no creo que seamos ejemplo de banda que ha triunfado o de banda a seguir. Sólo conocemos una fórmula que es trabajo y constancia. Casi siempre hemos tenido buenas experiencias con la gente del sector, sobre todo con los trabajadores que son el motor de todo esto… otra cosa es cómo se encuentre actualmente el panorama musical en algunos aspectos, pero ahí prefiero no entrar. 

Estamos viendo una irrupción masiva de la Inteligencia Artificial en la composición musical y el arte visual. Para una banda como la vuestra, donde la imperfección humana, el sentimiento, el sudor del directo y el misticismo son el núcleo, ¿cómo veis esta tecnología? ¿Creéis que la IA podrá replicar o sustituir alguna vez el alma de una composición musical o el arte sacro?

Para nada… la inteligencia artificial jamás podrá transmitir sentimientos, por algo muy simple: no los tiene. Podrá replicarlos, pero siempre serán una copia… y ahí ya se pierde originalidad, creatividad y pensamiento.  Es bastante triste, sobre todo por parte del consumidor. Hay que tener un poco más de criterio y saber diferenciar.

Mucha gente acude a vuestras “homilías” buscando una experiencia catártica, casi religiosa, un espacio donde procesar su propia oscuridad o sus problemas diarios en comunidad. ¿Sentís la responsabilidad de que vuestra música funcione como una especie de sanación o bálsamo espiritual para vuestros seguidores?

En algunas ocasiones lxs hermanxs nos transmiten esas experiencias, tras las homilías, a través de mensajes, etc… es cierto que no deja de sorprendernos y nos emociona muchísimo poder llegar de este modo al oyente. Sí creo que tenemos cierto grado de responsabilidad a la hora de subirnos a un escenario.

Cada vez intentamos perfeccionar más todo y que sea lo más profesional posible, pero sin dejar de lado la parte humana y la cercanía. 

Muchas gracias por vuestro tiempo, si queréis añadir cualquier cosa o saludar a vuestros fans ¡este es el momento! 

Aprovecho estas líneas para agradecer de corazón a la gente que nos sigue, apoya y admira… el cariño es mutuo. Os esperamos en la próxima gira de presentación de ECOS, que esperamos poder anunciar lo antes posible.

Con una propuesta que combina melodía, agresividad y una clara ambición por construir una identidad propia dentro del metal moderno, Overture debuta con State of Decay, un álbum donde cada detalle parece pensado para transmitir emoción, intensidad y honestidad. En esta entrevista, la banda habla sobre el proceso creativo detrás del disco, sus influencias, la búsqueda de versatilidad tanto a nivel compositivo como vocal y los objetivos que ya empiezan a marcar el futuro del proyecto, dejando claro que esto no es solo un primer lanzamiento, sino el inicio de una apuesta seria y con personalidad.

Este es su álbum debut y da la sensación de que la banda ya tiene una identidad bastante definida. ¿Cómo fue el proceso de encontrar el sonido de Overture entre influencias tan melódicas y momentos más agresivos?

Fue algo que apareció de forma bastante natural durante la composición del álbum. Desde el principio tuvimos claro que queríamos transmitir emociones y experiencias con las que cualquiera pudiera sentirse identificado, y el sonido fue tomando forma alrededor de esa idea. Todos compartimos influencias similares, pero cada uno aporta cosas distintas: algunos tendemos a centrarnos más en los riffs, otros en las melodías o en las atmósferas. Bandas como Architects, Killswitch Engage o Metallica han sido referencias importantes para nosotros, pero siempre tuvimos claro que queríamos construir una identidad propia.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Overture – State of Decay (2026)

La introducción acústica prepara muy bien el terreno para todo lo que viene después. ¿Desde el inicio tuvieron claro que querían abrir el disco de esa manera o fue algo que apareció durante la composición?

La introducción acústica apareció prácticamente al final del proceso. Sentíamos que el disco necesitaba una apertura que ayudara a contextualizar lo que viene después y, especialmente, a preparar el terreno para “Sirens”. Más que una canción en sí misma, la vemos como una forma de introducir al oyente en la atmósfera del álbum antes de que entre toda la intensidad del primer tema.

“Sirens” tiene todos los elementos de una canción capaz de conectar con mucho público dentro del metal moderno. ¿Qué representa para ustedes dentro del álbum y cómo nació ese tema?

“Sirens” nació aproximadamente a mitad del proceso de composición del álbum y fue una de esas canciones que, desde la primera maqueta, supimos que tenía que formar parte del disco. Buscábamos algo rápido, agresivo y directo, pero sin renunciar a las melodías que también forman parte de nuestra identidad. Para nosotros representa muy bien la energía de Overture y las ganas que tenemos de conectar con la gente. Su mensaje gira en torno a los errores, las cargas que arrastramos y la decisión de seguir adelante a pesar de todo. En cierto modo, resume muy bien la actitud con la que afrontamos este proyecto.

Sergio, en canciones como “Enemy”, “Beneath The Suffering” y “Dead Roses” mostrás registros muy distintos. ¿Qué tan importante era para vos que el debut también sirviera para mostrar esa versatilidad vocal?

Para mí era crucial este aspecto. No queríamos traer una simple propuesta que sonara monótona, queríamos demostrar, sobre todo a nosotros mismos, de lo que somos capaces. Por mi parte era una batalla conmigo mismo. Quería dar lo mejor de mí en cada canción, pero también conocerme mejor como vocalista, y jugar con diferentes registros y combinaciones me ayudó muchísimo a crecer. En Overture queremos ir a por todas y quería estar a la altura de los tremendos músicos que tengo a mi lado. Pero, sobre todo, quería desarrollar algo que pudiera mantener en el tiempo: exigente, desafiante y que me obligara a seguir mejorando, pero que también pudiera defender con confianza en directo.

“One of Us” mezcla synths, partes melódicas y momentos mucho más intensos de una forma muy natural. ¿Qué artistas o referencias sienten que influyeron más en esa búsqueda sonora?

“One of Us” fue probablemente una de las canciones donde más nos acercamos a algunas de las tendencias actuales del metal moderno. Bandas como Bring Me The Horizon o Bad Omens fueron referencias a nivel de atmósfera y uso de elementos electrónicos, aunque siempre intentamos integrarlos de una forma natural dentro de nuestro sonido. Cabe decir que no queríamos que los synths fueran el centro de la canción, sino una herramienta más para reforzar las melodías y la dinámica del tema.

Hay canciones como “Under My Skin” que parecen crecer con cada escucha y terminan dejando un impacto muy fuerte. ¿Qué temas del disco sienten ustedes que mejor representan la esencia de Overture hoy?

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Architects en Barcelona: “El rugido del Metalcore”

Es difícil quedarse solo con una canción, porque cada una representa una faceta distinta de la banda. Probablemente “Beneath The Suffering” sea una de las que mejor resume nuestro sonido, con riffs muy marcados, melodías de guitarra, intensidad y un enfoque claramente melódico. Por otro lado, “Alone” representa muy bien el presente y el futuro de Overture a nivel compositivo y de producción. También creemos que temas como “Under My Skin” o “One of Us” muestran otra parte importante de nuestra identidad, incorporando diferentes influencias sin perder la esencia de la banda. Todas ellas reflejan, de una forma u otra, la energía y las ganas que queremos transmitir con este proyecto.

A nivel instrumental el disco tiene mucho detalle, especialmente en baterías y guitarras, pero sin perder fuerza ni dinámica. ¿Cómo fue el trabajo de producción y cuánto tiempo les llevó llegar al resultado final?

Fue un proceso completamente autoproducido y nos llevó aproximadamente un año. Lo particular es que no partíamos de diez canciones terminadas, sino que durante ese tiempo estuvimos componiendo, arreglando, grabando y produciendo de forma paralela. Eso hizo que muchas decisiones de producción también influyeran en la composición y viceversa. Queríamos cuidar cada detalle, especialmente en guitarras y baterías, pero sin perder la energía y la dinámica que tienen las canciones cuando las tocamos en directo.

Después de este debut, que deja una carta de presentación muy sólida, ¿cuáles son los próximos objetivos para Overture? ¿Ya están pensando en llevar estas canciones al vivo o incluso en nuevo material?

Ahora mismo nuestro principal objetivo es llevar State of Decay al directo todo lo posible. Ya hemos presentado el álbum en Unity Fest y estamos trabajando en una pequeña gira por España y Reino Unido para finales de 2026. Queremos seguir creciendo sobre el escenario, llegar a más público y dar el salto a festivales de mayor tamaño durante 2027. Al mismo tiempo, nunca hemos dejado de escribir música y ya estamos trabajando en nuevas ideas, aunque creemos que State of Decay todavía tiene mucho recorrido por delante y queremos exprimirlo al máximo antes de centrarnos por completo en el siguiente capítulo de Overture.

Como parte de Fortress Festival 2026, Track To Hell conversó con la banda alemana de black metal Groza tras su actuación en el escenario Great Hall durante la jornada inaugural del festival. Con la banda continuando el impulso generado tras el lanzamiento de su aclamado tercer álbum, Nadir, hablamos con P.G., fundador de Groza, sobre la profundidad emocional detrás del disco, la evolución de la identidad de la banda y cómo es llevar un material tan intensamente personal al directo.

La entrevista gira en torno a las experiencias y emociones de P.G. relacionadas con su música, particularmente con su álbum Nadir, que explora temas de duelo tras la pérdida de su bajista, Mike “M.S.”, en 2023.

¿Cómo difiere la escena del Reino Unido de la escena alemana de black metal y cómo se siente estar sobre un escenario en Reino Unido en un festival agotado con meses de antelación como Fortress?

No hemos acumulado mucha experiencia con salas en Reino Unido. Este fue apenas nuestro segundo concierto allí. Tocamos en Londres hace dos años, creo, como banda de apoyo de Hulder, y hoy. Pero, siendo sincero, no siento que haya mucha diferencia. Además, hoy tocamos temprano, así que el público todavía no estaba calentado. Quiero decir, probablemente la gente también necesitaba tomarse una cerveza.

Aunque también hace bastante calor.

Pero me sorprendió muchísimo cuánta gente apareció a esa hora. No nos lo esperábamos para nada. Así que sí, se sintió genial. El concierto de Londres también fue fantástico. Reino Unido nos ha tratado muy bien hasta ahora, así que espero que podamos volver y hacer más conciertos por aquí.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Fortress Festival 2026 Día 1: “un arranque de alto nivel para la cuarta edición”

Siempre es agradable escuchar eso. Así que habéis estado trabajando en el álbum Nadir durante un tiempo, que luego se lanzó en 2024, si no recuerdo mal, y después publicasteis el álbum Live at Ragnarok, que también fue muy bien recibido, de hecho.

Hoy en día es poco común publicar discos en directo. Siento que antes eran algo enorme, pero ya nadie los hace. Y nunca he entendido por qué. Para nosotros, Groza es ante todo una banda de directo. Queríamos tener un documento de eso y publicar un álbum en vivo porque personalmente me encantan los discos en directo. También grabamos el concierto completo y lo subimos a YouTube. Fue simplemente algo natural.

Así que estuvo bastante bien hacer algo que ya no hace todo el mundo, al menos en lo que respecta a los álbumes en directo.

Quiero decir, ponemos mucho esfuerzo en los discos de estudio, por supuesto, pero como decía, pienso en Groza ante todo como una banda de directo, y queríamos documentar eso. Por eso elegimos hacer un álbum en vivo.

Hablando de poner mucho esfuerzo en ello, el álbum Nadir explora emociones bastante profundas, por decirlo de alguna manera. ¿Te importaría profundizar un poco más sobre el disco?

Sí, claro. El tema principal del disco es obviamente el duelo. Perdimos a nuestro bajista en 2023; falleció durante el proceso de composición de ese álbum. Y eso, por supuesto, moldeó por completo la perspectiva de lo que terminó siendo el disco.

Y creo que es nuestro trabajo más personal cuando se trata de abrirnos sobre temas como ese. Mike, nuestro bajista, estuvo involucrado al principio del proceso de composición y luego enfermó. Estuvo enfermo durante mucho tiempo. Y nosotros simplemente intentamos cumplir su visión. Tenía ideas muy claras sobre qué riffs le encantaban y hacia dónde quería ir. Incluso la colaboración que hicimos con la voz de Harakiri for the Sky fue también gracias a él, porque siempre le encantaba cómo sonaban nuestras voces juntas y todo eso.

Así que el tema principal del disco fue desarrollar las cosas que realmente le entusiasmaban, en honor a él y como tributo. Eso es lo que significa ese álbum.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Tygers of Pan Tang en Buenos Aires: “solo para valientes”

¿Y cómo se siente llevar algo así, siendo tan personal y emocional, a un entorno en directo como un escenario tan grande?

Es algo que puede ir en ambas direcciones. A veces es realmente duro. No soy una persona capaz de tocar una canción y no volver al lugar en el que estaba cuando la escribí, así que siempre es una experiencia agotadora, porque cuando tocamos esas canciones es como si él estuviera muy presente.

Y a veces es una celebración, otras veces es doloroso. Pero no conocemos otra forma de hacerlo. Prefiero que esa experiencia sea un poco dura y hacerlo con honestidad, porque creo que eso también se transmite a la gente. Creo que la gente puede ver cuando tocamos esas canciones que realmente significan algo para nosotros, y creo que eso se nota.

Pienso que esa es una de las fortalezas del disco más reciente. En los primeros álbumes me costaba realmente dejarme llevar. Tenía límites cuando escribía letras porque no quería ser un libro completamente abierto. Pero para este disco se sintió necesario dejarlo todo salir por completo. Así que sí, siempre es una experiencia interesante. Siempre es intensa de una forma u otra.

Siguiendo un poco lo que acabas de decir sobre ser un libro abierto, ¿sientes que la escena del black metal ha intentado recientemente profundizar más en cuestiones personales y emociones, y no limitarse a ese estereotipo de hace treinta años en el que todo era Satán, el Diablo y toda esa mierda?

Sí, creo que sí. Especialmente fuera del black metal más clásico. Creo que el post-black metal gira precisamente en torno a esos temas; ya no escuchas bandas de ese género cantando sobre esos tópicos cliché.

Creo que cada vez es algo más presente. Porque pienso que la gente quiere ver algo auténtico y real. Nunca podría imaginarme simplemente… Para mí, los temas líricos y la música son igual de importantes cuando escribo para Groza. Así que nunca podría cantar sobre cualquier cliché aleatorio porque no significa una mierda. Tiene que venir de un lugar real para ser auténtico y para que yo pueda respaldarlo.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: SonicBlast Fest, Días 1 y 2: “Fuzz y furia”

No lo haría si fuera simplemente… algo. Hay bandas a las que no les importan las letras, y nunca he entendido por qué. Pero para nosotros siempre tiene que ser algo personal y real, porque es la única forma de ser sinceros con lo que hacemos.

Y como has dicho, eso es algo que sí transmitís sobre el escenario. Es algo que el público percibe y que no pasa desapercibido.

Eso espero. Espero que podamos compartir eso y también dar a la gente algo con lo que conectar. Quizás esa sensación de que no somos los únicos pasando por toda esta mierda. Una de las principales razones por las que amo tanto la música es porque en ella encuentro camaradería cuando se trata de estas cosas. Te hace sentir que no estás solo. Y si puedes ofrecer eso a otras personas, es el mayor regalo posible.

Lo que él dice es cierto, porque yo misma perdí a mi padre en 2023. Así que las emociones del álbum son muy intensas, y por eso me llegó tanto. Estaba realmente emocionada por tener la oportunidad de hablar contigo sobre esto.

Todo el mundo pierde a alguien en algún momento. Todo el mundo experimenta el duelo. ¿Por qué no hablar de ello?

También es una de las mejores formas de afrontarlo a través de la música y, como decías, de la camaradería que encuentras entre los seguidores. Sí, eso es bastante genial.

Para mí es igual. Entonces ya no estás solo. Y eso es bastante importante.

Exacto. Así no acabas perdiéndote a ti mismo.

Exactamente. Especialmente si eres una persona que no habla mucho de estas cosas en una conversación normal. La música proporciona una manera de canalizar todo eso hacia algo catártico y es algo hermoso. Estoy agradecido de que podamos conectar con la gente de esa forma. Es algo muy especial.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Bad Manners en Barcelona: “A ritmo de ska y locura colectiva”

Me preguntaba… hablando de identidades, de hecho, creo que quizás esperabas la pregunta sobre…

¿Quieres hablar de eso? La Banda Prohibida.

La Banda Prohibida con la que os compararon mucho en vuestros primeros años.

Sí, lo sé. Sí, no puedo dejar de hablar de ello.

¿Cómo lo sientes tú? ¿Tienes la sensación de que poner tanto esfuerzo en todo esto, con vuestro propio estilo y trabajando en algo más personal, realmente os ayudó a alejaros de todo aquello de “oh, sois igual que…”?

Sí, no es algo forzado en el sentido de que intentemos diferenciarnos deliberadamente de esa banda solo porque nos compararon con ella. Si la gente nos compara con Mgła, lo tomo como el mayor cumplido posible. Es mi banda favorita. Creo que son los reyes. No tengo ningún problema en hablar de cuánto los adoro.

Y Groza, quiero decir, empecé Groza básicamente como un proyecto de homenaje. Vi uno de sus conciertos en Múnich y realmente cambió mi perspectiva. Suena muy exagerado decirlo, pero es verdad. Fue uno de los conciertos más importantes que he visto en mi vida. Volví a casa y empecé a escribir música en esa línea.

Y sí, mucha gente asocia el espíritu o la actitud del black metal con la originalidad. Que el black metal es una forma de arte en la que tienes que reinventarte constantemente y donde la originalidad es algo fundamental. Pero yo nunca lo he visto así.

Prefiero hacer algo honesto y auténtico, algo que realmente ame y pueda defender, antes que intentar ser original solo por el hecho de serlo. Así que si mi música suena como mi banda favorita, prefiero tocarla con toda mi pasión y con el corazón puesto en ello antes que fingir que no estoy influenciado por ellos.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Sepultura en Buenos Aires: “La leyenda no será sepultada”

Seamos sinceros, dime una sola maldita banda que no haya sido influenciada por otras.

Vamos, esto lleva ocurriendo desde siempre. También podrías remontarte atrás. Joder, si no hubiera existido Darkthrone, ¿habría sido igual? Si no hubiera existido Venom, ¿habría sido igual Darkthrone? Si no hubiera existido Black Sabbath… y así sucesivamente.

La cuestión es que, en ese contexto, especialmente al principio, la gente nos acusaba de simplemente copiar a Mgła. Y eso siempre me molestó porque planteaba la situación como si… ¿cómo decirlo? Déjame ordenar mis ideas.

La gente pensaba que simplemente estábamos aprovechándonos del éxito de Mgła. Básicamente decían: “otra banda más que quiere subirse al tren de la moda”. Pero no viene de ahí. Seguimos teniendo trabajos normales. No vivimos de Groza. El dinero no es un factor en absoluto en lo que hacemos con la banda.

Eso es lo que me molestaba de la comparación: que la gente nos acusara de intentar aprovechar el éxito que ellos estaban teniendo.

También era bastante irrespetuoso.

Sí, bueno, la gente tiene opiniones y está bien. Quiero decir, con internet cualquiera puede soltar su opinión en un vídeo de YouTube. Es lo que hay. No me importa, está bien. Todo el mundo tiene derecho a su opinión.

Pero invito a cualquiera que hable mierda sobre nosotros a que venga a ver un concierto y luego vuelva a decidir si somos sinceros o no.

Eso es justo lo que iba a añadir. Mucha gente está más que dispuesta a hablar mierda sin saber. A todo el mundo le encanta juzgar a los demás sin dedicar realmente el esfuerzo o el tiempo necesario.

Sí, no nos afecta demasiado. No estamos en el local de ensayo escribiendo canciones nuevas pensando: “¿Qué podemos hacer diferente para que dejen de llamarnos copia?”. Me da igual. ¿Quieres llamarme copia? No me importa. De verdad que no.

Se trata simplemente de hacer música que nos conmueva. Y si eso suena como mi banda favorita, perfecto. Así de simple.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Smash Into Pieces en Glasgow: “Espectáculo cyberpunk y estribillos gigantes”

Sí… Entonces, si eliminarais los atuendos y toda la atmósfera black metal, y simplemente vistierais ropa normal, con luz de día y gente normal entre el público, ¿qué crees que sería lo que más impactaría al público de vuestra música?

Bueno, la razón por la que hacemos todo eso es precisamente para apartar la atención de nosotros y de quiénes somos como personas, porque realmente creo que la música puede hablar por sí sola. Por eso elegimos usar máscaras, parecer todos iguales y todo lo demás.

Sí, simplemente espero que la música se transmita de la misma forma que ahora. No creo que el vestuario o la ropa de escenario, o como quieras llamarlo, sea una parte integral de lo que hace que Groza sea Groza. Es simplemente un medio para alcanzar un fin.

Creo que la música siempre es el centro de atención y espero que funcionara igual. Quiero decir, no me gustaría tocar un concierto así porque tengo miedo escénico y cosas de ese estilo, así que realmente disfruto ocultándome.

Esa es una parte importante de lo que hacemos. Te separa del público y te conviertes en una especie de… interpretación. Sí, te conviertes en otra cosa. En cuanto te pones la máscara, ya no eres la persona privada, sino que entras en el universo de Groza. Pasas a formar parte de la banda y ya no eres simplemente ese tipo de antes.

Nos provoca algo cuando tocamos, por eso lo hacemos.

Y además lo disfrutas.

Bueno, más o menos. No puede ser una tortura. Aunque a veces es como una gota china o algo parecido. Hoy especialmente fue duro. Hacía muchísimo calor sobre el escenario. No sé por qué, quizá por las pantallas LED o algo así, pero todos nos estábamos muriendo allí arriba. Todavía estoy empapado en sudor.

¿Pero la máscara se lava?

Sí. Tenemos enfoques diferentes respecto a eso. Pero sí, se lava. No puedes hacer una gira de cinco semanas sin lavarla. Acabarías asfixiándote. No es agradable.

Sí, me lo imagino perfectamente. Sobre todo en esta maldita época del año.

Sí, se oxida, amigo. Especialmente en los festivales de verano, ya sabes.

Bueno, eso era todo por nuestra parte. ¡Muchas gracias por tu tiempo!

Muchas gracias a vosotros.

Con motivo del lanzamiento de su nuevo disco Sons of the Abandoned, que llegará a las tiendas el próximo 12 de junio vía ROAR, nos juntamos con los chicos de Bloodhunter, para que nos cuenten todas las novedades de la banda y de este esperadísimo trabajo.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR:  Venom – Into Oblivion (2026)

¿Cómo ha sido el proceso creativo del disco y donde ha sido grabado?

Dani (Guitarra): Cuando terminamos el Knowledge Was The Price, decidimos utilizar todo el material que teníamos preparado (por eso dura casi 1 hora), por lo que tuvimos que partir de cero para escribir Sons of the Abandoned. En esta ocasión decidí no componer nada hasta tener claro quién iba a publicar el álbum y cómo, por lo que una vez estuvo claro, dedicamos unos 6 meses a componerlo y otros 3 a grabarlo, principalmente en Sadman Studios con nuestro querido Carlos Santos. Fue un proceso muy intenso, como todo en esta banda, sobre todo porque teníamos unos tiempos muy ajustados.

¿La portada me parece muy buena y llamativa, de donde surge la idea y quién la plasmó?

Diva Satánica (Voz): Hemos vuelto a contar con Gustavo Sazes para el artwork, que siempre capta muy bien las ideas que tenemos en mente y con el que ya habíamos trabajado con anterioridad. Aunque este álbum no es conceptual, nos hemos ido dando cuenta de que algunos de los temas que tratamos en las canciones están muy conectados: esta visión de una sociedad cada vez más individualista, que se rige por valores superficiales y donde te sientes prácticamente abandonado; nos llevaba a pensar en las típicas imágenes de ciudades destruidas como representación de ese mundo interior resquebrajado y al mismo tiempo como reflejo de la situación política global que estamos viviendo. Verás que en lugar de edificios hay balas, y al mismo tiempo una gran esfera de fondo simbolizando la esperanza de un nuevo amanecer que creo que todos albergamos. Tiene una estética bastante próxima al surrealismo que a mí es una corriente que me encanta.

Habéis fichado por ROAR (Una división de Reigning Phoenix Music) que ha supuesto para la banda dar este salto en cuanto a discográfica?

Dani (Guitarra): ROAR/RPM tienen un alcance y una distribución muy grande, por lo que para nosotros es especialmente bueno. Además, están especializados en nuestro estilo de música. Todo eso, sumado al consejo de nuestra nueva agencia de Management FM Music Management, hace que esta etapa represente un salto bastante importante para Bloodhunter.

En “The Path That Never Ends”, contáis con la colaboración de Laura Guldemond (Burning Witches), como ha sido para Diva cantar con ella?

Diva Satánica (Voz): Laura y yo nos conocimos personalmente en la primera gira por Europa que hicimos durante mi etapa en Nervosa con ambas bandas. Yo ya conocía su trabajo incluso desde antes de que ella entrase a formar parte de Burning Witches y sin duda para mí es una de las voces más impresionantes de nuestra generación. En esa gira tocábamos un tema que tenía la colaboración de Eric de Foltsam & Jetsam y le pedimos en un par de conciertos si quería subirse con nosotras a cantarlo y me encantó la experiencia. Siempre que pienso en voces melódicas con mucha fuerza y gran versatilidad, ella es la primera que se me viene a la mente. “The Path That Never Ends” arranca con mucho Groove y algunos toques progresivos, pero queríamos que el estribillo fuera más melódico y fácilmente reconocible y pensamos inmediatamente en ella. Apenas le dimos instrucciones sobre lo que necesitábamos y cuando nos envió las pistas alucinamos, ha hecho un trabajo increíble.

Diva, colaboraste con Rehn Stillnight y Grace Darkling (Nocturnia), ¿Qué supuso para ti juntarte con estas chicas para un clásico que nada tiene que ver con el metal?

Diva Satánica (Voz): Me siento muy feliz de tener la oportunidad de hacer colaboraciones con otros músicos de la escena y me encanta cuando venimos de estilos distintos porque aprendo muchísimo. Conocí a Morten (Mortemia) de casualidad a través de mi querida amiga Alessia Scolletti que estaba sustituyendo a la vocalista de Sirenia en algunas fechas hace un par de veranos y casualmente tenían un festival muy cerca de donde vivo así que me invitaron. Ahí pude hablar un poco más con él y me pareció un tipo increíble. Con el tiempo me contactó para explicarme que tenía un proyecto de versiones con artistas que le gustaban para llevar canciones de otros estilos al metal/rock y me pareció una idea estupenda. Recuerdo que me propuso con cierto temor “Gangsta’s Paradise” y se sorprendió de que fuera una de mis canciones favoritas fuera del metal. Ha sido un auténtico reto para mí grabarla porque al fin y al cabo canto todas las estrofas rapeadas y en cuestiones de ritmo y dinámica es mucho más difícil de lo que parece. A Rehn y a Grace no las conocía, pero son 2 voces increíbles que le han dado un toque espectacular al estribillo. Me encantaría que pudiéramos hacer esto en directo alguna vez.

¿Cómo afrontáis la gira española siendo invitados de Crypta?

Dani (Guitarra): Precisamente la gira española se inicia el día que publicamos Sons of the Abandoned, por lo que tenemos muchas ganas de salir a tocar unas cuantas canciones nuevas y llevarle el álbum a la gente en persona. Tendremos el stand del merchandising repleto de cosas nuevas!

¿Qué podemos esperar de BLOODHUNTER para el resto de la temporada y de cara a 2027? ¿Habrá gira nacional extensa, festivales nuevos?

Diva Satánica (Voz): Al igual que con el disco anterior, al lanzarlo en pleno verano, ya no llegamos a la programación de festivales de este verano, pero estamos ya trabajando en próximas fechas para los próximos meses. Nos encantaría poder volver a Asia y ampliar territorios lo máximo posible ya que la mayoría de nuestros oyentes están en USA y Latinoamérica.

Hoy he tenido la suerte de charlar con Ben Hutcherson, guitarrista y co-vocalista en la banda de doom metal norteamericana Khemmis, que acaba de sacar su quinto álbum de estudio. Ben es un tío encantador y comprometido que confiesa estar pasando por el mejor momento de su vida en los cuarenta tras trabajar mucho en su salud mental, dejar atrás sus adicciones y su empleo “formal” en el mundo académico. Aunque sus convicciones están claras tanto para él como para el resto de la banda y hablamos de ellas ampliamente, el álbum que ya esta online no es en absoluto político ni de crítica social, sino un disco centrado en la belleza del arte y en aportar esperanza y felicidad a los seguidores del doom metal.

Buenas tardes, Ben, gracias por concederme esta entrevista. Lo primero darte la enhorabuena: más de 10 años de banda, vuestro 5º álbum de estudio salió hace unos días, y además estáis a punto de empezar un tour que va a ser bastante largo ¿cómo estás viviendo esta etapa tan ajetreada de Khemmis?

Buenas tardes, encantado de charlar contigo. Lo has dicho muy bien, es una etapa “ajetreada”. Pero estamos muy ilusionados con todo esto. El nuevo álbum acaba de salir, y la acogida de los singles ha sido fenomenal. Y en concreto hoy, llevamos desde muy temprano esta mañana haciendo entrevistas y después cuando acabemos, Dave, nuestro bajista, y yo, vamos a llenar la furgoneta y vamos a conducir nueve horas hasta Oklahoma para ir a tocar con Acid Bath este fin de semana. Los otros dos compañeros irán allí en avión. Va a ser un fin de semana genial. Va a ser el primer show en un verano efectivamente muy ajetreado: tenemos muchas fechas en todo EEUU, y se acaban de anunciar algunas fechas europeas, más otras cuantas que quedan por confirmar y que probablemente anunciaremos la semana que viene o la siguiente.

¿Alguna de esas nuevas fechas será en España o cerca?

Si te soy sincero, no lo recuerdo. Hemos estado trabajando con diferentes fechas y borradores de la gira. Pero si no fuera en esta ocasión, seguro que sería para el verano de 2027 o muy pronto. Queremos volver a Europa el año que viene para una gira más larga. Así que si no nos véis en España de aquí a otoño, eso es que nos veréis el verano siguiente.

Sobre el nuevo álbum, se llama “Khemmis” al igual que la banda y los singles son videoclips muy originales ¿puedes contarme un poco sobre el concepto principal de este disco y qué podemos encontrar de nuevo con respecto a los anteriores?

Claro. ¿Cuál sería el concepto principal del disco? Verás, Deceiver fue un álbum que grabamos y que se inspiró en momentos muy oscuros de nuestras vidas personales. Por ello fué un álbum muy difícil de grabar. Tuvimos que explorar gran parte de nuestras tragedias personales, y estamos contentos de haberlo hecho. Yo por ejemplo acababa de ser diagnosticado acerca de mi salud mental y también llevaba un tiempo sobrio, decisión que había tomado sólo unos pocos años antes. Y debo decir que estoy muy contento de haber llegado sobrio al encierro que supuso la pandemia del Covid. No sé cómo hubiera podido sobrevivir a eso si no hubiera estado limpio en aquel momento… Entonces, cuando llegó el momento de grabar este nuevo disco, teníamos claras algunas cosas: musicalmente queríamos hacer algo concreto, que además también tiene que ver con la etapa de giras muy intensas que acabábamos de terminar. Hemos estado girando muchísimo después de sacar Deceiver, estuvimos de gira con Trivium, con Mastodon… hicimos una gira europea enorme tanto de festivales como de cabeza de cartel… 

Así que lo que queríamos era hacer un nuevo álbum que tuviera una buena pegada en directo, que eligiéramos la canción que eligiéramos, pudiéramos confiar en que iba a funcionar con la energía adecuada ¡que tuviera poder! Y algo que no queríamos era volver a excavar en nuestras tragedias personales, pues ya lo habíamos hecho profundamente antes. Así que para escribir las letras y encontrar la inspiración, seguimos un principio fundamental, que ha sido “grabar un álbum que, si lo hubiera hecho otra persona, a nosotros nos encantara”, un álbum que realmente no sorprendiera y tuviéramos ganas de escuchar.

Además, como el mundo entero actualmente, y muy especialmente nuestro país, EEUU, es un lugar tan aterrador y está tan roto, que todo parece que está en llamas… esta vez no quiero desarrollar un arte que me haga sentir aún peor, o que me pida una nueva reflexión sobre la muerte de seres queridos o las batallas que cada uno está luchando. Quería escribir sobre algo que transmita esperanza. Y por supuesto, como es metal, va a seguir siendo oscuro. Desde luego. No vamos a ponernos a tocar escalas mayores y hablar de la luz del sol y los cachorritos, no vamos a pasarnos a la positividad tóxica. Seguirá siendo oscuro, muy melódico y melancólico. Y será una historia totalmente ficticia, por primera vez en la historia del grupo nos basaremos en crear ficción. Porque antes siempre hemos hablado de nuestras vidas y hemos usado diferentes metáforas. Pero esta vez todo es ficción. Claro, todos sabemos que cuando alguien crea algo siempre pone una parte de sí mismo en la creación, y aunque deliberadamente hagamos ficción habrá algo dentro que tenga que ver con nuestro recorrido vital y nuestras luchas personales y estos temas… Pero el corazón del disco es una celebración: reconectar con el placer del Heavy Metal con mayúsculas. Musicalmente, estéticamente, espiritualmente… 

Y es que internamente estamos redescubriendo el placer de crear heavy metal, juntos, como amigos y como hermanos. De una forma muy integral. Lo estamos sintiendo como el cierre de un círculo. Ya no estamos en la etapa de fingir que tenemos veinticinco años… Yo no quiero volver a tener veinticinco años, tengo cuarenta y un años y con sus altos y sus bajos creo que me siento cómodo a nivel espiritual. Al menos casi todo el tiempo. No quiero volver a sentirme como me sentía cuando era más joven. Y sé que les ocurre también a mis compañeros. Y creo que esto nos ha hecho mejores como banda, a nivel creativo, profesionalmente, y también en el escenario. Y lo que queríamos era conjugar todo esto en un nuevo disco, donde la música suene salvadora, triunfal… que suene como algo que te de ganas de coger una buena cerveza fría, o en mi caso un Red Bull sin azúcar, y bailar y menear la cabeza y sentirte libre por un rato. Y este es el tipo de atmósfera que queríamos transmitir en este nuevo disco.

Ben, eso es muy interesante y desde luego coincido contigo en que necesitamos también un poco de esperanza y felicidad en estos tiempos oscuros.  Y me alegra mucho escuchar que te sientes bien contigo mismo, además después de los cuarenta. Todos los cuarentones que conozco, incluida yo misma, estamos pasando unas crisis de la mediana edad a nivel estratosférico… pero en tu caso es al revés, estás en un punto álgido y se te nota. 

Bueno, para ser justos, he sido músico profesional tanto tiempo que siempre ha parecido que estaba atravesando una crisis de la mediana edad (ríe). Ya sabes, he pasado tanto tiempo de mi vida en una furgoneta vieja viajando por el mundo, poniéndome camisetas de heavy metal sin mangas. Siempre he parecido el tipo de persona que tiene un Chevrolet El Camino sin ruedas aparcado en su jardín… simplemente es la imagen que doy y ya está (ríe). Pero el hecho de que haya dejado mi trabajo anterior, más formal, también es importante en cómo me siento ahora… Yo antes era profesor de sociología y lo dejé en gran parte porque no me hacía feliz y además iba a seguir estando arruinado por mucho que trabajase. Este es el sistema. Así que prefiero estar arruinado persiguiendo mis sueños, creando arte y compartiéndola con el mundo, que estar igual pero manteniéndome en un trabajo que me drena el alma cada día. Entonces en este punto de mi vida una mala crisis de la mediana edad sería cortarme el pelo y ponerme un traje y corbata para ir a trabajar (ríe). 

La verdad es que iba a preguntártelo más adelante, porque precisamente yo también soy profesora de sociología y doctora igual que tú. Entonces tenía aquí una pregunta muy importante ¿qué porcentaje de cordura perdiste escribiendo tu Tesis Doctoral?

Jajaja, yo diría que ¡el 100%! Me destrozó (ríe). Lo estaba hablando el otro día con otro académico amigo mío, Edward Banchs, que ha estudiado el Heavy Metal en África, estábamos hablando de los programas de doctorado… Y a veces han venido a hablar conmigo estudiantes de doctorado, me hablan en algún concierto o en mi canal de Twitch, y me preguntan “¿debería hacer este grado, o este otro?”… y yo les digo “No. No lo hagas. El trabajo para el que crees que te estás preparando ya no existe. Vas a estar trabajando en una facultad y a la vez en cinco escuelas diferentes, por un salario mínimo… y eso asumiendo que consigas pasar el programa sin desintegrarte literalmente. Así que no lo hagas. Simplemente no lo hagas. Haz cualquier otra cosa”. Y no es que ya no crea en la educación, no es así. Yo tuve una mala experiencia y creo que eso sería suficiente para dar este consejo, pero es que además conozco a tantísima gente está en la misma situación: mi mujer tiene el doctorado, Phil Pendergast tiene el doctorado… Y Phil salió mucho mejor de todo aquello que la mayoría de la gente que conozco y aún así el doctorado le cambió totalmente, y él te lo dirá, dependiendo de como le pilles te dará más o menos detalles, pero podemos coincidir en que es duro. 

Pero a la vez, creo que esto conecta con una apreciación por ese tipo de disfrute que… mira yo sé lo que es estar en un sistema institucional en el que te sientes tan desconectado de todos los demás e incluso de tí mismo que hasta pierdes la esperanza en la humanidad. Pierdes la fe en ti mismo. No es algo bueno. Pero la idea de escribir música con mis tres mejores amigos y poder compartirla con el mundo, eso reduce mucho el sufrimiento. Si puedes contribuir a la vida de alguien, darle alguna pequeña luz en su vida o una esperanza… Yo lo sé porque en momentos de mi vida he necesitado muchísimo eso. Siento mucha gratitud por la música que he escuchado y que me ha mantenido a flote en mis años más oscuros. Los conciertos a los que he ido cuando pensaba que ni siquiera iba a ser capaz de disfrutar de la música en directo. Recuerdo algo muy vívidamente: poco después de conseguir estar sobrio, yo venía de un estado de bloqueo mental muy grande, y fuí a un concierto; estaba totalmente sobrio y yo pensaba que la música ya nunca sería capaz de hacerme sentir nada estando sobrio. Yo tenía este miedo y se lo había comentado a mi terapeuta, había reflexionado sobre ello muchísimo y creo que también se lo había dicho incluso a Mike, un gran amigo y de hecho el vocalista de la banda que iba a ver. Estaba muy asustado, pero en el momento en que sonó la música, mi corazón se abrió y lo sentí “sí, sigue ahí”… cuando acabó, se me caía una lagrimita. Así que sí: la música seguía ahí, seguía teniendo el poder de hacerme sentir con cada fibra de mi cuerpo. 

Y esa es la misión que queríamos imponernos: intentar hacer algo que pudiera hacer eso por nosotros si lo escuchásemos, y si a lo mejor puede hacerle sentir eso a alguien más… es lo que queremos hacer. Todo nos ha llevado a este punto y es como el siguiente paso inevitable en nuestra carrera. 

Es un hermoso objetivo y parece ser todo un reto para componer. Por cierto, que tanto Phil como tú, ambos tocáis la guitarra y cantáis, por lo que me pregunto si os resulta fácil o difícil poneros de acuerdo entre los dos a la hora de componer y escribir las letras, de decidir quién hace cada parte.

La verdad es que ya estamos en un punto en que todo esto sucede de forma bastante intuitiva. En realidad, la única relación más cercana que tengo es con mi mujer o mi familia más inmediata. Khemmis es la relación más larga y duradera que he tenido con nadie más en toda mi vida. Nos conocemos muy bien. Ya tenemos la habilidad de traer una idea creativa y ver las posibilidades, distribuir las opciones sin tener que pensarlo demasiado. No es que haya tres opciones “a, b y c”, no hay un orden riguroso ni unas estadísticas en las que basarnos. Es más bien como entrar en un estado compartido de creatividad entre los cuatro, donde las ideas fluyen muy bien. También sabemos muy bien cuáles son nuestros puntos fuertes y débiles, quién toca o compone mejor determinadas partes de una canción… Por ejemplo todos saben que yo me voy a pasar tocando demasiadas notas mientras que Phil va a tocar tres o cuatro notas, pero al final entre los dos y nuestros otros dos compañeros, encontraremos el punto medio adecuado. Además tenemos influencias muy parecidas. Aunque cada uno tenga su estilo de componer o cantar, bebemos de fuentes comunes, tenemos una paleta de colores compartida en gran parte. 

Tampoco se trata de lo que quiere tocar una persona en concreto, sino de qué hace la mejor canción. Probaremos muchas ideas, si tenemos por ejemplo ideas diferentes para un riff, si yo lo quiero hacer de una manera y Phil de otra, y luego Dave y Zach cada uno tienen también sus ideas sobre cómo debería quedar, simplemente lo probamos todo y buscamos qué opción convence a todos más completamente, y si ninguna nos parece buena a todos, no tenemos problema en dejar atrás esas ideas y crear otra nueva. No nos colgamos tampoco del resultado final porque el trabajo creativo nos gusta mucho. Trabajar y tocar juntos es el verdadero objetivo. Sabemos que si lo hacemos así el resultado final será bueno. Nadie puede decir “vamos a componer la mejor canción de la historia” porque eso es imposible, no va a ocurrir haciéndolo así. Pero si decimos “vamos a hacer algo juntos de lo que estemos orgullosos y que suene a Khemmis, siendo a la vez diferente a lo que ya hemos hecho”, pues eso funciona. Ni siquiera buscamos ser mejores que en trabajos anteriores, solo hacer algo nuestro y nuevo. Si la gente piensa que lo nuevo mejora a lo anterior, ¡genial!, pero si a la gente resulta que le gustan más los primeros discos, ¡pues bien también! Tan solo el hecho de que a la gente le guste algo que hemos hecho ¡ya es genial! 

Viendo los nuevos singles estoy segura de que a todo el mundo le va a gustar el disco nuevo. Por cierto, que cuando hablamos de cantar, tú te encargas de la voz gutural, que siempre son mis favoritas en las bandas de metal, pero también sé que es difícil iniciarse en ellas, ¿Cómo empezaste a cantar guturales?

Empecé a cantar, a ver… como hace diecisiete o dieciocho años… ¡hace ya demasiado tiempo! Estaba en otra banda, en Memphis, Tennessee, donde yo nací y me crié. Era una banda que hacía algo así como sludge-death-doom y se llamaba Galaxicon, y teníamos la idea de que todos en la banda tenían que cantar. Yo nunca antes había cantado pero dije “genial, lo probaré”… Hace tanto tiempo que no había muchos recursos para aprender, ahora hay cursos de instagram o youtube por todas partes y cosas similares que te enseñan a cantar guturales o cualquier estilo incluso gratis… No había nada de eso entonces. Lo único parecido eran unos cursos que impartía una mujer maravillosa, cuyo nombre ¡ay!, no recuerdo bien. Esta mujer tenía sus DVD llamados algo así como “The scent of screaming” y había enseñado a mucha gente grande, como Randy Blythe o Matthew de Trivium… pero yo no los tenía. Entonces mi aprendizaje fue de ensayo y error. Por ejemplo, probaba algo y luego decía “oh, no debe ser así, porque ahora no podré hablar en tres días” (ríe)… En algún momento me dí cuenta de que lo mejor sería aprender los fundamentos del canto convencional, la respiración, la técnica… y ya luego añadir los guturales a ese aprendizaje, y por fin pude cantar. Pero la verdad es que he seguido basándome en la prueba y el error, y puedes verlo a lo largo de nuestros álbumes, en cada uno he mejorado y he aprendido algo nuevo. Y creo que en Deceiver fue la primera vez que al grabar mis partes me dije “sí, está bien hecho”… me había ocurrido en alguna canción de Desolation, pero allí aún veía que me faltaba aprender ciertas cosas. No le aconsejaría a la gente empezar como yo hice, yo les diría “primero aprende los fundamentos del canto y ya le añadirás la voz demoniaca”.

Eso es un buen consejo. Verás hablábamos sobre la inspiración del disco: ya me has comentado que en esta ocasión os basáis en la ficción. Además conserváis el arte de la portada con un estilo que siempre me recuerda a la literatura de fantasía clásica… tenéis portadas que recuerdan a Elric de Melniboné, a personajes de Robert E. Howard o incluso a Lovecraft…  aunque luego las letras no son concretas en ese sentido… Querría preguntarte: ¿hay un “lore de fantasía” en Khemmis? y también ¿Qué referentes literarios son tus favoritos?

Sí, totalmente, podrías escribir un libro tan largo como la biblia sobre el lore de Khemmis: sobre quienes son los personajes, su historia… pero nos gusta ser un poco ambiguos porque nos gusta oír las teorías de los fans. Estuvimos leyendo un hilo de Reddit en el que algunos fans hacían teorías sobre todo esto… se fijaban en los diferentes álbumes y su arte y eso ¡nos parece genial!. Si simplemente telegrafiamos cada detalle, no quedaría espacio a la interpretación, que es una parte esencial del arte. Preferimos que cada cual haga su interpretación, salvo que fuera algo horrible, fascista o nazi, ese sería nuestro único límite; todo lo demás nos parecerá muy bien. Incluso si no es nuestra historia, nos parece bien. Porque no es el tipo de mensaje que estamos dando. No es una guía exhaustiva de algo. A mí me recuerda un poco a la saga de videojuegos Dark Souls. Porque los videojuegos de Dark Souls son geniales en ese sentido. La gente tiene millones de teorías y eso me encanta. Además es totalmente voluntario, puedes jugar perfectamente a los juegos de una forma más superficial, sin fijarte en todo eso, y disfrutarlos mucho. Pero si prefieres fijarte en los detalles y crear tus teorías, tienes otro tipo de experiencia.

Y sobre nuestras referencias literarias, Phil y yo tenemos muchas influencias, por ejemplo a mí me encanta Stephen King, especialmente la serie de La torre oscura, es una de mis cosas favoritas de todo el mundo, la he leído mil veces… También me gusta la ciencia ficción un poco rara y oscura, desde luego Lovecraft y muchos otros, terror, fantasía… Thomas Ligotti… todas esas historias en las que nada es como parece a simple vista. Y justamente todos esos tienen en común que su modelo de contar historias es no dar todos los detalles desde el principio, tienen una parte de misterio e interpretación abstracta. Algo que te deja espacio para crear tus propios mundos en tu mente y eso me llama mucho la atención. 

Gracias, voy a hacerte la última pregunta, no quiero robarte mucho más tiempo. Dime, como músico que lleva mucho tiempo en el mundillo y además como sociólogo ¿crees que estamos viviendo buenos tiempos o malos tiempos para el metal?

Bien, pues siguiendo la tradición clásica de la sociología diré que “depende”. Claro, depende: hay muchas cosas buenas en la sociedad humana actual que benefician al heavy metal y a la creatividad. Por ejemplo la barrera para entrar en el mundo de la música es mucho más accesible que en el pasado y creo que eso es bueno. Me refiero a que ahora más gente puede hacer su propia música por sí mismo. Ahora es posible que simplemente si tienes una guitarra, un ordenador y un programa básico, puedas componer y editar tu propio disco con una calidad aceptable. Incluso hay recursos para que las personas puedan aprender a mezclar audio a un buen nivel sin necesidad de pagar equipos caros o ir a clases. Y puede sonar bien. Con esto no estoy diciendo lo típico de que “cualquiera puede hacerlo” porque eso es una gran mentira. Pero es cierto que hoy en día la música es más accesible que en el pasado. Pero hay personas que ni siquiera pueden acceder a esos recursos, tanto aquí en los EEUU como en otros lugares. Como comentaba antes sobre mi amigo Edward Banchs, que ha estudiado el Heavy Metal en África… se nos olvida que mucha gente aún no tiene acceso a muchas cosas. Aunque tú veas que por ochocientos dólares en EEUU puedes costearte todo lo necesario para grabar una maqueta, hay millones de personas que nunca tendrán ese dinero ni tampoco la posibilidad de comprar esas cosas donde ellos viven. Así que el acceso aún debería abrirse mucho más. Creo que hay gente con mucho que aportar a la música y nunca podremos conocerlos. La música metal sigue siendo en mucho sentido un mercado copado por hombres blancos occidentales y eso tiene que cambiar. Los varones blancos occidentales han sido los dueños del heavy metal durante demasiado tiempo, como de muchas otras cosas… Yo quiero oír cosas que vengan de colectivos diferentes: de un origen étnico distinto o bien metal hecho por mujeres, por personas queer, metal hecho en otros idiomas… quiero ver su aproximación a la música, a la estética, a las historias… Y eso es algo que no se ha conseguido aún plenamente.

Otra cosa un poco buena y un poco mala del metal actual es que, por el lado bueno, por fin hemos llegado a un punto en que las oportunidades de experimentar la música en directo son enormes. Hay muchos conciertos todo el tiempo, de un montón de bandas buenísimas… Pero por el lado malo, hay gente que no valora esto. Empezando por nosotros los estadounidenses, en nuestro país ya no se valoran las artes, no hay ningún tipo de ayuda para las artes… entonces es todo una competición y un trabajo duro al borde de la ruina, lleno de problemas. Y algunos se enriquecen con el trabajo de los artistas, pero sin darles ninguna ayuda. Entonces me gustaría transmitir el mensaje de que los fans del metal deberían también actuar, por un lado abriendo su mente a grupos nuevos, de diferentes contextos, y también apoyando a aquellas bandas que les hagan sentir algo. Que les apoyen de la manera que sea: escuchando, comprando, yendo a conciertos… Y sobre todo que no den por sentado que siempre vamos a poder ver música en directo. Fíjate con la pandemia, parecía que todos los músicos nos iríamos a pique porque era imposible hacer un concierto, pueden pasar muchas cosas. 

Entonces estamos en un momento fantástico pero frágil en el heavy metal. No lo demos por sentado y apoyemos a los artistas. Comprar una camiseta, un disco o una entrada marca una enorme diferencia hoy en día, cada aportación cuenta muchísimo. Creo que además esto nos conecta de una mayor manera con la música, porque participamos de ella. Tenemos al alcance de la mano tremendas bibliotecas musicales con toda la producción de la historia de la humanidad y lo damos por hecho sin valorarlo. Creo que todo el mundo debería desinstalarse el Spotify porque hace mucho daño a la industria y también a los aficionados… Creo que es más intenso y valioso cuando vamos creando nuestra propia biblioteca, cuando conectamos con las bandas que realmente nos emocionan y les damos nuestro apoyo de persona a persona.

¡Que le den a Spotify!

¡Al 100%!

Muchísimas gracias por tu tiempo.

Gracias a ti, estoy deseando que vayamos a España muy pronto.

Se acerca un estallido en la noche en Buenos Aires porque Tronador está de regreso. Tras años de ausencia, la legendaria banda de los 80s vuelve al ruedo y brindará un concierto en Gier el próximo 30 de mayo.

Las novedades no terminan allí porque esta presentación en vivo estará acompañada por la reedicion de su clásico álbum, “Estallido en la Noche”, por vez primera en formato CD, totalmente remasterizado y con canciones extras.

Tronador fue una banda fundada en 1987 que, tras el fallecimiento de su guitarrista y fundador, el recordado Sergio Espina, deciden seguir adelante y consiguen grabar en 1991 su primera producción. “Estallido en la Noche”, editado en formato cassette, fue plasmado por la formación de Jorge Martinez en voces, Lucas Wagner en batería, Claudio “El Tano” Marciello en guitarras y Sergio Gonzalez en bajo.

Hoy, con el Vikingo y Lucas al frente, ambos miembros originales, la banda está de vuelta para rememorar aquellas canciones pero también para mirar hacia el futuro.

Por este motivo desde Track To Hell nos pusimos en contacto con Jorge “El Vikingo” Martinez para adentrarnos en los pormenores de este regreso. Y a su vez, también nos contactamos con Mariano Mazzei del sello 2M, responsables de la reedición del disco. Ambos nos brindaron detalles de este regreso.

Jorge, ¿cómo estás? Este regreso tiene dos aristas… por un lado el relanzamiento del disco “Estallido en la Noche”, pero por otro presentarse en vivo.

Sí, exacto. Tiene dos aristas, pero una va de la mano con la otra sin querer. No fue el cometido, no fue el propósito. Es decir, primero hubo unas cuestiones de avanzada, de relanzamiento de gente que le interesaba el disco y después charlas con el baterista (Lucas Wagner). Dijimos ¿cómo andas para cantar las canciones, todavía llegas a las notas?; ¿y a vos todavía te dan las patas para tocar? Una charla de amigos. Y bueno, fue así como empezamos a joder con eso y vimos que la bancábamos, que rendíamos. Que yo podía cantar esas canciones como hace treinta y pico de años y él está también impecable tocando como siempre. Entonces dijimos bueno, capaz que es ahora que nos tenemos que juntar. Y así fue. No fue a propósito, sino que la charla del disco trajo aparejado esto y bueno, acá estamos.

¿Cómo se conforma la banda actualmente?

Está Lucas Wagner en la batería. Marcela Maíz en bajo, Ramiro Mendoza en guitarra y bueno, yo en canto y guitarra también. Ahora llevo unas partes importantes en guitarra, así que estamos con esa formación.

Ya son 35 años de Estallido en la Noche.

Sí, sí, 35 años, ¿viste? El otro día justamente eso fue lo que estaba hablando con Lucas y dijimos che, 35 años del disco, es increíble. Y todas las cosas que pasaron en esos 35 años ¿no? Y eso hace también que capaz que tengamos ganas, porque al principio fue así. A ver cómo suenan estas canciones ahora en 2026, con el sonido moderno que hay ahora que es demoledor. Y dijimos bueno, vamos a viajar en ese túnel del tiempo, pero trayéndolo al presente. Y ahí vamos con Estallido en la Noche, porque las canciones suenan bien y porque ni imaginábamos que ya habían pasado 35 años. Esa es la verdad, impresionante.

¿Qué recordás de la grabación del disco?

Muchas cosas. Primero porque grabamos en uno de los mejores estudios del país, que aún hoy lo sigue siendo. Además, es un estudio histórico donde todo el rock nacional grabó ahí. Nosotros no imaginábamos esas cosas. Grabamos en Estudios Panda, un nivel profesional increíble, con un sonido increíble con prestaciones del lugar tremendas. El ingeniero de sonido, El Pájaro Randazzo, un tipo genial que es uno de los mejores del país, pero lejos, eh, y que trabajó, entre otros, con Valeria Lynch, Baglietto, Vitale, Mariano Mores. Bueno, es impresionante con la cantidad de gente que trabajó. Hoy en día está trabajando con Miguel Mateos. También grabó el disco debut de Logos. Porque nosotros lo invitamos a Beto Zamarbide a meter coros en una canción y Beto vio lo que el tipo hizo sonar la banda y entonces Beto después lo convoca para su disco de Logos. Y después quedó una amistad tremenda con el pájaro a través de los años, es un tipazo. Y hoy es uno de los número uno del país también.

Justo te iba a preguntar cómo se había dado esa colaboración con el Beto.

Claro, yo le dije Beto la famosa frase por aquellos años, hay que contextualizar, que hay una generación que no te conoce en vivo, no te conoce en el escenario. Tiene el recuerdo tuyo de V8, pero no en el escenario. Así que lo invité a cantar y después lo invité a un par de shows a cantar en vivo y eso es como que a Beto lo motivó, lo inspiró para volver después con lo que sería Logos. En esa época él andaba mucho de luthier. Es un gran luthier Beto y estaba con Horacio “Tucata” Suárez, que fue guitarrista de El Reloj, que Dios lo tenga en la gloria. Un gran luthier, de los mejores que hubo en el país. Bueno, Beto trabajó mucho con él y aprendió mucho de él. Entonces, en esas mateadas que nos mandamos a la tarde en el taller de Tucata, que él estaba ahí laburando y aprendiendo, de ahí vino “che, loco, venía a grabar, te tienen que conocer las nuevas generaciones” y después lo invitamos a cantar en vivo. Creo que hicimos un show en Obras por esa época, no recuerdo, y lo invitamos a Beto a cantar. Es decir, la amistad con Beto viene décadas y fue así como pasó.

¿Cómo fue la edición del disco en su momento?

Con la edición de hubo problemas porque en ese momento las cosas se masterizaban en cinta y se pasaban algo que se llamaba DAT. Y el DAT en definitiva es una cinta de fierro, de ferrum, que es tremenda. ¿Pero qué pasa? Cuando después de ahí lo van a masterizar a cassete o a disco o lo que sea, los técnicos que en ese momento hacían el pasaje del DAT a la cinta, ya sea en cassete o en disco, no estaban cancheros, entonces quedaba más rápido o más despacio, nunca la velocidad original. Y recordamos que decíamos loco, yo no canto así, mi voz parece una ardillita y yo no toco así. Pero ya no podías reclamarle a nadie. Una vez que eso estaba fabricado, impreso y y a punto de salir a la calle, no había forma de que lo arreglaran, así que quedó más rápido el disco. Quedó mucho más rápido, pero bueno, eso es con la tecnología se pudo corregir.

¿Cómo fue el proceso de remasterización? ¿Cómo lo trajeron hoy al sonido actual?

Claro, si bien el DAT es como te dije, es una cosa que ya está obsoleta para lo que es la tecnología de hoy, si vos lo cuidas y lo conservas bien, tiene una resistencia muy buena. El DAT llegó intacto, impecable a los días de hoy. Casi no se usó. Eso lo tenía guardado bajo siete llaves el baterista Lucas. Entonces fuimos a la casa de uno de los pocos que digitalizan en el país, que es un crack, Wilkie Amieva, es un fenómeno. Él digitalizó todo de lo que es el DAT al sistema digital. Y lo hizo fiel, con un sonido tremendo. Porque también se puede perder información si la persona no está ducha en hacer eso. El tipo sacó un sonido tremendo y después de ahí lo llevamos a mi amigo personal, Julián Bonino, que es uno de los pocos que hace Dolby Atmos en el país y lo separó canal por canal y lo masterizó y lo recontra remasterizó. Y no se puede creer como suena. Además, eso está pasado por sistema Atmos, que es un sistema de sonido envolvente. Es un sonido a 360° para que se entienda. Y es lo que se viene. Julián trabaja con bandas como Paradise Lost, Tarja, trabaja con muchas bandas de metal qué es lo que le gusta. Trabaja con un montón de estilos musicales, pero lo que le gusta es el metal. Y la amistad con él nació de una manera increíble. Él era fanático de la banda y en uno de los shows era muy chico él. Cuando nos reencontramos de vuelta me decía “yo pogueaba, yo saltaba y tengo un recuerdo del primer show que los vi, que fue en Remember, en la calle Corrientes, y guardo una púa de metal”. El Tano Marciello en ese momento se hacía las púas con monedas, las gastaba en el asfalto, en el cordón de la vereda y usaba esas púas y se la regaló. Y bueno, tiene esos recuerdos, esas anécdotas que hoy en día aquel pibito de 15 años es un todo un profesional, ¿no? El otro día fui a visitar a sus oficinas y es tremendo las cosas que hace. Y me dice loco, soy fanático de la banda y yo esto lo voy a hacer sonar, pero como nadie. Y no se puede creer lo que suena.

Me encantó que el arte de tapa es nuevo, pero respeta el original y ahora se luce mucho más, ¿no?

Sí, sí, totalmente. Mariano de 2M que es un fenómeno… -bueno, la verdad que todos ahí en 2M son gente macanuda y super profesionales- supo captar bien la idea. Junto con el diseñador de 2M captaron bien la idea y respetaron aquel espíritu. Entonces lleva la misma esencia, pero con la tecnología de hoy. O sea, es tremendo el arte de tapa que se mandaron. A mi humilde forma de ver, es una cosa muy cuidada, muy detallista. Está buenísimo.

Coincido, me encantó. ¿Y qué nos puedes contar del show en Gier? ¿Con qué nos vamos a encontrar?

Bueno, el show va a ser el 30 de mayo, ahí como bien dijiste en Gier y te vas a encontrar con que vamos a tocar todo el disco más especies de bonus track -que algunos aparecen en la reedición del CD- de canciones de aquella época que no fueron grabadas. Y prácticamente hoy van a ser primicias porque fueron tocadas en aquella época y nunca grabadas. Entonces vamos a tocar esas canciones compuestas de aquella época con el disco, más algún un cover, sorpresa por supuesto, Y tenemos unos invitados, pero tremendos, de lujo, que creo que no corresponde decirlo. Pero lo que sí puedo garantizar es que van a ver unos invitados que son parte de la historia del rock y metal arriba del escenario. Van a ver eso. Y hay tres bandas amigas que van a tocar ese día que son Brakas, Bansheera e Irizar Killers.

¿Y cuáles serían los pasos a seguir o los planes de la banda para el futuro?

Bueno, mira, en principio, tocar bien el 30. Y ya tenemos fechas cerradas para después del Mundial. Esperamos que pase el Mundial y que todo el mundo va a estar como pendiente de eso, y tocar. La idea cuando nos juntamos, dijimos que haya trueno para rato, si no, no tiene sentido. Y sobre todo las cosas, algo que es más importante que cualquier otra cosa, es pasarla bien. A veces también en este tiempo, con las ansiedades y todo, uno pierde de vista eso de pasarla bien, ¿no? Y se desespera y trata de buscarle el pelo al huevo y qué sé yo. Y la verdad que hace ya un tiempito, unas cuantas semanas, que decidí bajar 200 cambios y decir bueno, vamos a disfrutar de esto, porque si no, si uno no disfruta lo que va haciendo, ¿para qué sirve tocar? Entonces la idea es disfrutar e ir fluyendo. Seguramente grabaremos un disco nuevo. Como proyectos hay un montón y como realidad es esta fecha y hay unas cuantas fechas cerradas para después del Mundial.

Mariano, este fue un año bastante movido para 2M en materia de lanzamientos porque tuvo, entre otras cosas, el último disco de Megadeth. ¿Cómo fue esa experiencia?

Este año venimos con una agenda tremenda de lanzamientos. Ya arrancar el año con el lanzamiento del nuevo álbum de Megadeth, fue increíble. Fue una experiencia maravillosa, desde el comienzo de la negociación por la licencia, hasta el momento del lanzamiento. Mucho trabajo, muchas ideas, ¡realmente Megadeth es una banda gigante! Además de Megadeth, tuvimos otros lanzamientos importantes este año: Amorphis, Danko Jones, Mr. Big, Crazy Lixx, los 2 títulos de Udo Dirkschneider y se vienen muchos lanzamientos más.

¿Cómo se da lo de Tronador?

Nos contactó Jorge Vikingo Martinez, y nos contó su idea sobre la reedición del album de Tronador, un disco que está cumpliendo ¡35 años! Un pedazo de la historia del metal argentino. Nos pareció muy buena su propuesta y a ellos también les pareció bien nuestra propuesta sobre la reedición. Así que hubo algunas reuniones para charlar sobre el proceso y ahí arrancamos.

¿Cómo fue el proceso de remasterización?

Por suerte, Lucas (Wagner) tenía el Dat con toda la sesión de grabación del disco, así que se pudo trabajar sin problemas en un estudio, se van a sorprender con lo que suena esta edición.

El arte del disco también es totalmente nuevo.

El arte es completamente nuevo, obviamente antes se trabajaba con lo que había y si podía, pero se tomó el concepto original del arte y se actualizó, ahora hay muchas herramientas para mejorar y crear.

¿Querés comentarnos sobre los extras que incluye el disco?

Los 3 Bonus Track que trae esta edición, que fueron idea de Lucas y Jorge, dijeron que tenían algunas grabaciones más que no habían sido incluidas en el Cassette y que querían que salgan a la luz. Es lo más lindo que tienen las reediciones, poder contar con material que no se conocía de la banda.

¿Qué más podemos esperar de 2M para lo que queda del año?

Arrancamos con todo el 2026 y así vamos a seguir el resto del año. Se vienen las reediciones de Kamikaze, 3 y Víctima del Rock en Cd, Cassette y Vinilo. Nuevo album de Deep Purple, nuevo album de Tarja, también vamos a editar el álbum de DarloTodo y algunas otras producciones más que que ya hemos anunciado en nuestras redes.

Anneke van Giersbergen es una de esas artistas carismáticas e inmarcesibles que una vez tras otra nos regalan trabajos impecables. Habrá quien la conozca por su recorrido con The Gathering, con VUUR o con uno de sus diferentes proyectos en solitario, como Agua de Annique o el actual firmado con su propio nombre. También es posible encontrar su voz luminosa en sus múltiples colaboraciones con grandes nombres como Devin Townsend, Ayreon o Within Temptation. Talento y presencia se unen en una mujer poderosa y que nunca para de trabajar. Ella es la sonrisa del metal. Y hemos tenido la suerte de poder entrevistarla sobre los múltiples proyectos en los que está metida.

Hola, muchas gracias por concederme esta entrevista. Sé que estás muy ocupada estos días, con el disco La Mort, y girando tanto con tu proyecto personal como con The Gathering 30 aniversario… ¿Cómo estás viviendo esta etapa tan bulliciosa?

Estoy muy ilusionada, porque estamos a punto de salir de gira con The Gathering, que es algo genial. Ya hicimos algunos shows el año pasado con la formación original de la banda y se siente genial volver a los escenarios y cantar nuestras canciones. Estoy deseando hacer conciertos todo el año… Y desde luego con mi propia banda acabamos de sacar el nuevo EP y está funcionando muy bien. Creo que nos están prestando mucha atención, como vosotros, por ejemplo, con esta entrevista… Es muy agradable poder hablar con todo el mundo sobre el nuevo EP y las nuevas canciones. No me puedo quejar. 

He estado escuchando La Mort, es un trabajo maravilloso. El anterior, La Vie, también lo era. Por favor, ¿me puedes hablar un poco de este formato y del papel de cada EPs dentro de la trilogía?

Sí. Serán tres EP y sus títulos La Vie, La Mort, L’Amour, con como los tres pilares de la vida: la vida y la muerte, y lo que mantiene todo unido, que es el amor. Y en mis canciones hablo de estas cosas: del amor, de la pérdida, de la naturaleza… de las cosas que me suceden a mí personalmente. Hay muchos temas en los tres EPs, pero son temas comunes a todas las personas, o eso creo… Porque me he dado cuenta de que a veces escribo sobre mis cosas, lo que pienso o siento, y a veces llego a pensar que son cosas mías muy personales y que a lo mejor a nadie le interesará lo que cuento: desde luego, eso no importa ya que yo hago música porque amo hacer música… Pero lo curioso es que muy a menudo la gente me dice “estoy pasando por lo mismo”, o “yo también pienso sobre estas mismas cosas”… Entonces me hace sentir bien el poder compartir esas cosas. Reflexionar sobre la vida, la muerte, el amor… y estos temas. Así que para resumir, sería como una gran cesta donde caben distintos temas de la vida, divididos en estos tres pilares. 

Me han encantado las letras. Me ha encantado leerlas y creo que tanto la primera como la última puedo entender sus metáforas, por favor, corrígeme si me equivoco, pero creo que “Fade In Fade Out” nos habla sobre nacer, vivir, morir y nuestro legado… y “Sail Towards The Sun” es una hermosa canción que, ya has mencionado en otras entrevistas que le has dedicado a la memoria de tus padres…

Sí, así es, me alegro que te hayan gustado.

Son maravillosas. Y me encantaría que nos hablaras un poco más sobre las otras dos, que me resultan más enigmáticas por ejemplo sobre “Red Sky”, me encantaría saber  ¿qué significa ese cielo rojo hacia el que te guían tus sueños?

Claro, verás. No sé si te ocurre a ti, pero yo sueño mucho y cuando me despierto puedo recordar casi todo. Y en mis sueños puedo hacerlo todo, lo sé todo… En los sueños uno no tiene límites. En mis sueños puedo volar, componer música preciosa para toda una orquesta… y luego ¡me despierto! Y no puedo hacer todas esas cosas. Y me pregunto ¿por qué es así?… Y sobre la metáfora, siento que hay una gran nube, una nube repleta con todo el conocimiento del mundo, y podemos adentrarnos en ella en los sueños, pero cuando despertamos tenemos que aprender. La vida es más dura. Tenemos que atravesar muchas dificultades para aprender ciertas cosas en la vida… y quería escribir sobre esto. Sobre por qué la vida nos pone tantas dificultades y por qué no es más sencillo simplemente volar como en un sueño y alcanzar el conocimiento, aprender de una vez y sin dolor todo aquello que necesitamos para vivir y sobrevivir. Puede parecer un tema algo pesado, pero también puede ser ligero, si lo tomamos literal es la sensación de despertar de un sueño y darnos cuenta de que: ¡vaya! No lo se todo, no puedo volar, pero puedo aprender algunas cosas de esa experiencia.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Anneke Van Giersbergen – La Mort (2026)

Muchas gracias, es una preciosa metáfora. La otra canción de la que quería preguntarte es “Handle Me With Care”, que me da la sensación de tratar sobre la competitividad o las personas tóxicas ¿cómo la describirías tú?

Algo parecido. Hay un contraste, porque la música es muy bailable, pero las letras sí, son más profundas. A veces la gente asume que eres de una determinada manera pero por dentro tú sientes que eres una persona totalmente distinta. Y a veces tienes que trabajar mucho para que la gente te tome en serio. De eso trata. Son unas letras algo más poéticas y abstractas que otras más directas. Pero ya sabes que la gente que escucha música también puede proyectar en ella sus propias ideas y sentimientos, su propia historia. También puedo decirte de ella que esta canción en concreto funciona muy bien en directo, suena muy bien y me gusta cantarla en directo así que va a estar en nuestro setlist en el tour.

Estoy deseando veros en directo y precisamente te quería preguntar ¿es difícil componer y coordinar una banda tan grande como la que te acompaña en este proyecto?

No, no es difícil. Me gusta mucho. Lo bueno de tener una banda grande es que hay muchos buenos músicos y todos tienen buenas ideas y opciones que ofrecer. Es todo un lujo tenerlos a mi lado. Y para componer, mi sistema de composición sigue un orden determinado: empiezo componiendo yo sola, por mí misma, casi siempre con la guitarra, a veces con el ordenador o con algunos bits de batería… voy grabando las demos, hago las canciones completas, y con este material acudo a la banda, a los componentes más centrales: la guitarra, el bajo, la batería…  Y trabajamos en las canciones. Después vienen los demás, el violín, los vientos… vienen después. Es un proceso de composición que me gusta mucho. Porque cuando empiezo componiendo yo sola, puedo pensar en qué es lo que quiero, tomarme mi tiempo… si tengo uno de esos días en el que no avanzo, no pasa nada, está bien, no hay presión. Resulta muy liberador componer por mí misma, pero también necesito a la banda porque lo completan todo y tienen ideas muy bonitas. Por ejemplo tenemos un teclista que hace unas preciosas melodías… Así que las canciones sí que crecen gracias a tener una banda grande en el estudio y en directo.

También estás trabajando en la tercera entrega, L’amour ¿nos puedes adelantar alguna cosilla de lo que vamos a encontrar en L’amour?

Sí, ya tengo algunas canciones en marcha… muchas ideas en las que quiero trabajar… todo está de momento en mi cabeza, tengo muchas cosas que aún quedan por desarrollar… pero ahora vamos a estar de gira y haciendo muchos conciertos, por lo que creo que será cuando llegue el verano que por fin podré sentarme y trabajar en todas las cosas que tengo en mi cabeza y todos esos pedacitos de canción que ya tengo en marcha. También creo que me va a venir bien la influencia de estos viajes… cuando viajo en las giras, sea porque brilla el sol, o porque conozco gente nueva… al final surgen nuevas ideas en las giras, y eso es lo que voy a hacer estos meses. Creo que me va a ayudar a sentarme en serio este verano a componer unas cuatro, cinco o a lo mejor seis canciones más.

Por cierto, que al leer el nombre de la trilogía: La Vie, La Mort, L’Amour me ha recordado a esta canción clásica de Nana Mouskouri, que trata los mismos temas en otro orden, La Vie, L’Amour, La Mort… me preguntaba si te has inspirado en ella.

No… no la conozco, creo. Sí conozco a Nana Mouskouri y me gusta mucho, mi familia ha escuchado siempre sus álbumes, y yo la he escuchado en casa un montón cuando era joven, pero no recordaba esta canción en concreto. ¡Ahora que me lo dices la voy a buscar! La verdad es que llegué a este título porque estaba escuchando una entrevista con un director de cine francés, o alguien dedicado al cine, no puedo precisar… Lo importante es que él hablaba de estos tres pilares de la vida, los mencionó en francés y me pareció muy inspirador.

Anneke, por favor, dime ¿Cuántos idiomas hablas? porque hablas inglés, entiendo que tu idioma natal es neerlandés, también entiendes francés y me consta que también español… ¿Cuántos idiomas hablas?

Bueno, un poco de todos estos idiomas, pero no tanto, sólo lo suficiente para manejarme un poco en las giras… ya sabes, cuando viajas vas recogiendo palabras aquí y allá. Desde luego el inglés… también escucho alemán, español, quizás francés… creo que estos serían los idiomas que más escucho cuando viajo, y puedo decir algunas cosas, pero creo que no podría por ejemplo hacer toda esta entrevista en español ¡aunque me encantaría! La verdad es que en los 90 empecé un curso de español, cuando estábamos de gira con The Gathering, hacíamos muchas giras, así que empecé este curso de español pero por los propios viajes terminé dejándolo, quizás debería haber seguido.

Eres muy querida aquí en España y en otros países de habla hispana en latinoamérica ¿Sientes tú también esa conexión especial con el público hispanohablante?

Sí. Eso es verdad. Y mira, mucha gente me pregunta por qué los títulos de la trilogía están en francés y siempre les digo que “porque es un idioma muy bonito” y también pienso que me gustaría hacer algo en español en el futuro próximo, pero estaba pensando en hacer una canción con la letra toda en español… también es un idioma muy bonito y muy universal. Sería muy natural para mí. La verdad es que en Europa el francés y el español son importantes y son idiomas que mueven el mundo. Además recuerda que yo vengo de Holanda y nuestro idioma hay que admitir que es un poco duro. Escuchar el idioma español, da igual lo que se diga, suena bonito, y me encanta dirigirme al público hispanohablante y también escucharles a ellos.

Además vamos a poder verte en el Rock Imperium de Cartagena… Ya nos has visitado otras veces ¿Hay algo que tengas ganas de ver o de hacer en tu paso por España?

Sobre todo a la gente. Me gusta porque en España la gente habla con el corazón. Cuando algo les gusta, se nota, hacen ruido, nos demuestran su amor. Y cuando algo no les gusta también se nota, lo dejan ver. En Holanda la gente es más reservada. Eso también está bien, me gusta ver a la gente que disfruta la música y cierra los ojos y se deja llevar por el sonido simplemente. Pero también me gusta venir aquí al sur de Europa, todo el Mediterraneo, la gente es más pasional, sobre todas las materias: la cultura, las películas, el arte, la música… Todo eso me hace mucha ilusión a mí y a toda la banda.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: 25 aniv. del disco ”Mandylion” de The Gathering: El álbum que inspiraría a crear el metal sinfónico

También quería preguntarte por esta gira de aniversario de The Gathering 30 aniversario ¿Cómo surgió este reencuentro?, ¿quién tuvo la idea?

Fué idea de René, el guitarrista de The Gathering. La verdad es que llevábamos unos años sin hablar mucho. No teníamos ningún problema pero todos estábamos ocupados con nuestras cosas. Pero entonces mi mamá murió hace dos años. Y ella nos había acompañado mucho con The Gathering en nuestros primeros tiempos, los chicos la conocían y la guardaban mucho cariño. Entonces tanto René como su hermano Hans me mandaron unos mensajes preciosos para decirme cuánto lo sentían y cuánto querían a mi madre. Fué precioso. Así que después pensamos en vernos y tomar un café, ponernos al día, charlar.. Y después de quedar ya varias veces, un día René nos dijo que efectivamente el álbum Mandylion iba a cumplir treinta años. Por él habíamos obtenido un disco de oro en Holanda. Era un buen motivo de celebración y nos planteamos qué podríamos hacer que fuera bonito, como un concierto grande o algo así… entonces yo dije: “Si vamos a hacerlo, hay que hacerlo bien, a conciencia”. Por eso llamamos a Jelmer y fué muy agradable reunirnos de nuevo, la formación original. Empezamos a ensayar y nos gustó mucho. Las canciones antiguas seguían ahí y nos sentimos muy bien de tocarlas de nuevo. Nos sentimos hermanados todos. En realidad fue bastante espontáneo. Y además a la gente le gustó mucho. Sí que sabíamos que a la gente le iba a gustar, iban a disfrutar de vernos de nuevo con la formación clásica, y que iban a disfrutar celebrando el álbum Mandylion, pero de verdad que no esperábamos tanto entusiasmo. Estamos muy contentos.

Siempre te has movido mucho, has colaborado con muchas personas y te has destacado como Frontwoman, abriéndole el camino a otras mujeres en este mundo de la música. ¿Cómo ves el tema de mujer e igualdad de género en la música actualmente?

Me siento orgullosa. Creo que sí, que con The Gathering fuimos capaces de inspirar a otras mujeres, no solo vocalistas, también instrumentistas, o fotógrafas, o mujeres en general de la escena del metal. Estoy orgullosa. Pero todo sucedió muy espontáneamente. La banda buscaba vocalista. Yo hice la audición y salió muy bien, todo encajó. Nunca pensamos en que yo era una chica y ellos chicos. No estábamos pensando en cambiar nada en la escena del metal, que efectivamente era como de un 99% masculina. Simplemente pensamos “esto suena bien”. Así que quizás la fortaleza en la banda y nuestra música es la espontaneidad, sentir que funcionaba. Y ahora que ha pasado el tiempo, como compositora y como vocalista, creo que lo más importante es trabajar con tu propia visión y con lo que a tí te guste de verdad, de corazón. Fíjate, he visto a vocalistas ceñirse a un estilo musical simplemente porque había pocos ejemplos. Estoy pensando en los 90. Teníamos a Whitney Houston, teníamos a Bjork… eran geniales, pero muy específicas, y había otras cantantes que trataban de seguirles la estela a ellas como modelo concreto. Pero creo que lo importante para triunfar es ser una misma, cantar desde el corazón, usar tu creatividad y tu poder. Si lo haces así, da igual tu género, podrás aportar algo.

Pero efectivamente, hay algo diferente en la energía masculina y la femenina. Y creo que la energía femenina combina muy bien con los sonidos pesados del rock y el metal. Es una combinación perfecta. Y a mí me encanta también compartir y trabajar con esa energía masculina. Pero también me hace feliz ver que más mujeres, desde los 90, han entrado a formar parte de este mundo. En realidad diría que tenemos algo bueno en la escena del heavy metal, porque creo que sí es una escena muy abierta a las mujeres y al poder y la energía femeninas. Estoy feliz de ello. Desde luego queda mucho por hacer, pero en comparación con otros aspectos de la vida, creo que en el heavy metal las mujeres son muy respetadas. En cambio en los negocios, el deporte, la política… no es así. Hay mucho que conquistar aún para las mujeres, tanto a nivel de respeto como en cuanto a paga, a economía y más cosas. Por ello yo estoy feliz de trabajar en la música y en concreto en el heavy metal.

También quería preguntarte por algo relacionado con tu país, que es el parque de atracciones de las hadas: Efteling. Voy a ir con mi hijo de cinco añitos este verano y tengo entendido que podremos escuchar tu voz en el parque Efteling ¿por favor, me puedes contar algo más sobre ello?

¡Oh! Tu niño de cinco añitos, ¡qué mono! Es cierto: mi voz se puede oír en la atracción “Baron”, pero creo que es para más mayores. A mí la verdad es que me da algo de respeto montar: es una montaña rusa bastante grande y al principio hay un baile con fantasmas, que es donde se escucha mi canción. Así que si lo que quieres es escuchar mi voz, tal vez podéis hacer la cola, que es muy bonita y tematizada, pero no montar en el carro. Creo que podéis salir sin llegar a montar, es lo que yo haría porque de verdad que me asusta esa montaña rusa. Lo hice alguna vez: entrar para escuchar la música y salir sin llegar a montar. Es bonita pero da respeto. Espero que lo paséis muy bien. 

Es que haces de todo. También vas a estar haciendo algo en el teatro ¿es así?

Sí. De vez en cuando me gusta participar en el teatro de aquí… hacemos proyectos con otra gente de mi banda… y elegimos temas que nos puedan gustar. Ahora vamos a hacer un proyecto teatral basado en la música irlandesa. Lo hemos comenzado este año y ahora hemos parado pero continuará el año próximo. Es algo bastante diferente a mi música habitual y es que ¡es una locura cuántos teatros tenemos aquí en Holanda! Me siento muy afortunada porque creo que actuamos en total unas ochenta veces en diferentes teatros con este proyecto. Así que más adelante pensaremos otra idea bonita y haremos otras ochenta funciones. Es algo que hago de forma no exactamente paralela, pero sí algo diferente a mi música habitual.

Nunca paras

No. ¡Me encanta cantar!

Y también estás trabajando con Devin Townsend, con quien has colaborado otras veces. Apareces en el álbum The Moth que sale ahora en mayo. ¿Nos cuentas un poco sobre esto?

Claro. Como ya sabrás, Devin ha estado trabajando en esto durante varios años, y muchos más años antes de eso yo había colaborado con él y ya me enseñó algunas demos… era un trabajo enorme, me explicó que habría cuerdas y un coro… ya se veía que iba a ser un proyecto enorme. Recuerdo que pensé que iba a ser una locura de bueno y de grande. Y lo és. Y ya está a punto de salir. Estoy muy agradecida de que me haya invitado a colaborar en algunas canciones de este proyecto tan grande y tan bonito. 

Muchas gracias por tu tiempo, Anneke, y mucha suerte con todos los proyectos.

Gracias a ti por dedicarme el tuyo, espero verte en España muy pronto.

Mentiría si no señalara que he conocido a Hortzak debido a las estupendas películas del director Paul Urkijo, vocalista del proyecto. Pero Hortzak esconde eso y mucho más: el virtuosismo de unos músicos consagrados en la escena vasca (David Zabala, Asier Gabiola y Mike Cuesta, son sus compañeros), letras críticas y monstruosas, y un poco de esa referencialidad friki que tanto me gusta.

Sus dos álbumes de estudio son pequeñas joyas para disfrutar, sobre todo en formato físico ya que las portadas y arte interior son realmente impactantes. 

Y además podremos verles por primerísima vez en directo, este próximo mes de mayo de 2026, el día 10 en Vitoria, el 23 en Larratxo, Donostia (con Anestesia y Kudai) y el 30 de mayo en Lekeitio.

Sobre todo esto, hemos charlado con Paul Urkijo.

Buenos días, Paul, gracias por concederme esta entrevista. Hablamos de “Ez dut pozik egon nahi”, el nuevo álbum de tu banda, Hortzak. Es un trabajo excelente y en él me quiero centrar, pero desde luego no puedo obviar tu faceta como cineasta. Es muy probable que muchas personas te conozcan principalmente por éxitos como “Irati” o “Gaua”. Es casi obligatorio que te pregunte al menos ¿Cómo combinas estas dos vertientes artísticas? ¿Existen sinergias positivas entre ellas? 

Bueno, uno es mi oficio (el cine) y el otro es un proyecto que surge entre amigos. En plena pandemia del Covid, David Zabala, que es amigo de hace muchos años y guitarra de Hortzak, me dijo que estaba componiendo temas con Asier Gabiola (batería). Me propuso cantar porque sabía que me gustaba berrear… así que con ciertas dudas me puse a escribir las letras de las canciones. Hortzak surgió sin ningún tipo de pretensión. Solo para divertirnos y desahogarnos. Pero de alguna manera, al escribir las letras termino contando historias al igual que en las pelis. Supongo que las dos (las pelis y la música) son una forma expresión o de catarsis.

Tu nuevo trabajo musical es efectivamente “Ez dut pozik egon nahi” (“No quiero ser feliz”), un título que es toda una declaración de intenciones en una sociedad de consumo salvaje y artificial, que esconde muchos trapos sucios. Esto se refuerza en todo el álbum, especialmente en la canción del mismo nombre. Por favor, háblame un poco del proceso creativo de este álbum y de su mensaje principal.

Efectivamente es un grito de rabia y es un desahogo ante lo feo que estamos dejando el mundo y de la impotencia y la hipocresía en la que vivimos… Y básicamente el proceso creativo ha sido así: David y Asier hacen los temas y me los pasan para que les ponga letras. Y, en este último disco, Mike Cuesta se unió a la banda con el bajo. En el caso de las letras, se me van ocurriendo temas de los que me gusta hablar. En general son historias fantásticas, monstruosas o mitológicas, mezcladas con temas de mala ostia y violencia.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Hortzak – Ez dut pozik egon nahi (2026)

Hortzak es una banda que defiende su música en euskera, en un género que, aunque sigue teniendo como idioma mayoritario el inglés, sí que se presta a la diversidad. Cada vez nos llegan más bandas cuya lengua y señas de identidad están muy arraigadas a sus lugares de origen, sean Noruega, Islandia, Mongolia o Brasil. Entonces: ¿Cómo es tocar metal en euskera? ¿Crees tú también que el metal se presta a la diversidad simbólica y lingüística?

Yo siempre he escuchado música en euskera. Y aquí siempre ha habido una escena muy potente de Metal, Hard Core, Black metal… con gente como Su Ta Gar, Anestesia, Numen, Berri Txarrak… Hay un montón de bandas y estilos muy diversos. Y para nosotros es normal porque hemos crecido con ello. Pero siempre hay un factor de reivindicar nuestra cultura e idioma. Y también de ser críticos con nuestro propio entorno.

Yo todavía no soy capaz de hablar euskera, pero sí he podido reconocer enseguida algunos insertos en el álbum, como el profeta loco de “La vida de Brian” que abre el álbum y más tarde la buena noticia de que volvemos a tener carne en el menú de “Las dos torres”, que le dan un toque de humor algo friki a un álbum que por lo demás trata temas serios y oscuros. ¿Puedes hablarme de estas referencias? 

¡Jajaja! Sí, es bastante Freak. Pero es lo que somos. Nos gusta meter esa clase de audios. Como lo han hecho muchas bandas antes de nosotros. La intro es del gran Terry Gilliam de profeta desquiciado, con el cual nos identificamos en su tono apocalíptico y absurdo. Y el audio de los Uruk Hai gritando eso de que hay carne de orco, siempre nos ha hecho mucha gracia (para mí una de las mejores escenas de LOTR) y nos venía genial para la canción “Antropofagia” que habla de la gente rica comiéndose a gente pobre porque la brutalidad del mercado libre lo ampara. Además, la primera canción “Horda Beltza” es un homenaje a los Orcos en general, que son los mejores, aunque siempre mueran.

También he visto de casualidad que, como yo, sigues entre otros a Raised By Owls, una banda a la que tengo mucho cariño pese a no ser nada conocidos en España, y que aportan grandes cantidades de humor a su música. Así que, siguiendo también el hilo de la pregunta anterior: ¿Qué papel tiene el humor en el metal, en tu opinión?

Pues siempre está presente porque nos lo queremos pasar bien y no nos tomamos demasiado en serio a nosotros mismo, en la vida en general. Pero también porque entre los miembros del grupo y colegas cercanos, el humor negro es una de las formas en las que mejor expresamos nuestras frustraciones. 

Como decía, los temas tratados en el álbum son profundos, serios y relevantes: encontramos violencia, avaricia, la impunidad de los poderosos… junto a la imaginería mitológica y religiosa y siempre con una fuerte perspectiva existencialista. ¿Cuáles son vuestras fuentes de inspiración? ¿Cómo de importante es la crítica social para Hortzak?

Pues lo que comentaba. Son tema que me molan, y la verdad es que no sé hacer nada sin cierta crítica o reflexión social. Y creo que mis compañeros piensan igual. Mis pelis también lo tienen de alguna manera. Creo que la rabia y el desahogo con la que vibra la potencia de las canciones precisamente viene de exponer el mundo en el que vivimos. Y la mitología siempre esta lleno de personajes y símbolos que ayudan a hablar de ello, pero desde una perspectiva monstruosa.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Neurosis – An Undying Love For a Burning World (2026)

Sois una banda relativamente joven, fundada en 2020 si no me equivoco, y siendo este vuestro segundo álbum de estudio. Parece que os estáis consolidando rápidamente como banda y en cuanto a sonido. ¿Puedes hablarnos un poco de los inicios de Hortzak y de la etapa que está viviendo la banda ahora mismo?

Como te he comentado antes, el comienzo fue algo improvisado. “Zabala” y “Asi” tenían los temas del primer disco y luego metí yo la voz. Luego como no se saben estar quietos pues se cascaron en muy poco tiempo otros doce temas. Y yo, no sé cómo, entre peli y peli saco el tiempo para escribir las letras… Ahora con Mikel y el segundo disco nos hemos propuesto hacer algún bolo. Aunque Zabala ya me dijo ayer que ya tiene un tema nuevo… no sabe parar el chaval, jajaja.

El nuevo álbum acaba de caer en mis manos hace pocos días y ya lo estoy quemando a base de darle vueltas en mi reproductor de CD. ¿Tendremos la oportunidad de disfrutarlo también en directo este año 2026?

Pues nos vamos a desvirgar en directo, porque tenemos algunos conciertos programados ahora en mayo por la zona de País Vasco. El 10 en Vitoria, el 23 en Donostia y el 30 en Lekeitio. Y habrá alguno más si sobrevivimos a estos. 

Y ya para terminar: ¿Dónde te gustaría ver a Hortzak dentro de otros 6 años?

Pues siempre decimos que Hortzak es para disfrutar y sin pretensiones. Sin ningún tipo de compromiso. Así que espero que sigamos sacando temas porque significará que seguimos disfrutando de hacer ruido.

Mila esker, muchas gracias por tu tiempo y enhorabuena por el buen trabajo.

Ya queda muy poco para la visita de The Rumjacks a España este mayo y, por ese motivo, hemos podido charlar con Johnny McKelvey, bajista y miembro fundador de la banda. Es una persona encantadora y está entusiasmado por volver a visitar nuestro país, donde el grupo siempre es muy bien acogido. Por mi parte, yo tengo muchas ganas de ver en directo tanto sus grandes éxitos como algunas de las nuevas canciones de su último disco, Dead Anthems (2025), además, el veinte aniversario de la banda se está acercando y Johnny nos revela algunos de sus planes para celebrarlo.

Hola, muchas gracias por concederme esta entrevista y dedicarme unos minutos. Sé que no tenéis mucho tiempo libre. Sois conocidos por ser una de las bandas que más gira del mundo. ¿Cómo lográis mantener esa energía constante a lo largo de los años?

Hola, muchas gracias a vosotros. La respuesta corta sería “por el público”. Porque no importa lo muy agotador y cansado que resulta estar de gira, viajar, trabajar de noche… todo eso es trabajo duro pero también es muy divertido y nos encanta absolutamente, por eso lo hacemos. Así que puedes estar cansado y desgastado, puedes estar incluso totalmente agotado ese día, pero en el momento en que subes al escenario y ves a los fans ¡todo eso desaparece! Así que hay otros momentos para sentirse cansado, pero cuando estás con la gente, ellos te dan su energía y borran todo el agotamiento ¡y por eso seguimos haciéndolo! Es la parte más bonita, dentro de todo lo que implica este trabajo.

Dentro de muy poco os veremos en directo en España. Sois una banda muy querida aquí, nos habéis visitado ya en muchas ocasiones, cada vez en salas más grandes. ¿A qué creéis que se debe vuestra conexión con el público español?

¿Pues, sabes qué es? De nuevo, es por la gente, los fans y las personas para las que tocas. Y, por muchas razones, creo que a los españoles les gusta pasarlo bien, les gusta la fiesta, aman la vida. Cada vez que hemos venido de gira por aquí, por las muchas regiones de España, todo el mundo es muy acogedor, las actuaciones resultan divertidas, todos están dispuestos a pasar un buen rato. Por eso se nos hace muy difícil decir que no a volver a España, tenemos siempre una acogida espectacular y nosotros lo disfrutamos mucho también. Es un país muy bonito y sentimos que somos muy afortunados de poder volver y actuar para gente que realmente tiene ganas de estar allí con nosotros. Puedes verlo, que todo el mundo está allí por el mismo motivo, que es disfrutar de la música. Me encanta.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR:  New Found Glory – Listen Up! (2026)

Por cierto, ¿Cómo habéis escogido a los teloneros que os acompañarán por nuestro país? Es curioso que en cada ciudad serán bandas diferentes y muy variadas.

Es una buena pregunta. La verdad es que nos gusta tocar tanto con bandas que hacen lo mismo que nosotros, que son del mismo género, y es como la elección más obvia lo de tocar con bandas similares… pero también nos gusta mucho la variedad. A mí, particularmente me gusta asistir a conciertos con alineaciones mixtas y variadas: es enriquecedor, porque aporta más cosas. Una noche con música que suena similar también tiene sus dificultades, porque el concierto puede durar cinco o seis horas. Por eso también pienso que el público encuentra refrescante que haya variedad. También si acuden a diferentes fechas a lo largo de una gira. Está bien cuando el público a lo mejor ni siquiera conoce a las bandas con las que tocamos ¡o que no nos conocen a nosotros!, creo que es algo positivo porque podemos complementarnos unos a otros. Todo aporta algo, y en esta ocasión vamos a tocar junto con varias bandas diversas y estamos contentos con ello.

Quería preguntarte también por el último disco “Dead Anthems” y la etapa actual del grupo. Además ya lleváis más de cinco años con Mike como vocalista y ya estáis plenamente consolidados con él. Así que ¿cómo son The Rumjacks en la era actual de la banda?

Es genial, creo que todavía estamos en la cresta de la ola respecto a la incorporación de Mike. Creo que esta ha sido la mejor decisión que hemos tomado como banda. Lo estamos disfrutando mucho, pero también estamos trabajando mucho, ya sabes que estamos mucho de gira, y “Dead Anthems” todavía suena a nuevo, tiene apenas un año de vida y eso es bastante joven para un disco. Así que nos estamos centrando en mantener al máximo esa energía y estar de gira y seguir adelante. Y uno de nuestros objetivos está siendo volver a visitar algunos lugares que no habíamos visitado aún, o no tanto, o hacía mucho que no volvíamos. Hemos tomado conscientemente la decisión de volver a ver a los fans que más han estado esperándonos. La verdad es que estamos muy contentos e ilusionados con esto, nos encanta estar de gira otra vez. 

Y además también hemos estado componiendo. Vamos a volver al estudio dentro de un mes o así y es posible que hagamos un lanzamiento pequeño, como un EP o algo similar. No es seguro, pero ya tenemos bastantes canciones. Así que ya ves: estamos de gira, componiendo… muy contentos porque las cosas se mueven adelante. Y a la vez, mientras hacemos todo esto, también estamos tratando de recordar que en 2028 será nuestro veinte aniversario, así que habrá de nuevo mucho que hacer y que girar. Tenemos por delante unos años muy ilusionantes.

¡Nunca paráis!

Nunca.

He estado mirando vuestros setlist y veo que estáis abriendo vuestros últimos conciertos con “Come Hell or High Waters”, que es una canción que personalmente me encanta, tanto por su música como por su mensaje sobre migración y resiliencia, que creo que es muy necesario. En un mundo que cada vez parece más salvajemente racista y xenófobo, ¿Qué acogida está teniendo esta canción?

Muchas gracias por decir eso. La verdad es que también es de mis canciones favoritas del nuevo disco. Personalmente estoy muy contento de abrir con ella porque disfruto mucho de esa canción. Así que, sí, es cierto que hemos estado abriendo con ella en la gira y está siendo muy bien recibida. Pero siempre decimos, con nuestra propia música, que cada uno puede escucharla a su manera. Puede ser la canción entera, las letras o la música. Hay quien disfruta la melodía sin tener mucho en cuenta la letra y eso también está bien. Si lo que te gusta es solamente la música, estamos felices de formar parte de ello, del disfrute de alguien a través de la música. Y verás, tienes razón en que hay mucha gente con la mente muy estrecha y con visiones muy tontas sobre el resto del mundo, las culturas, las migraciones… Es un tema muy potente en este momento y hay muchas ideas estúpidas al respecto a su alrededor. 

Creo que hay gente que simplemente es inculta al respecto, y nosotros no estamos aquí para dar lecciones a nadie, de ningún modo. Como he dicho, cada cual puede interpretar nuestras canciones como lo desee, siempre que sea desde una perspectiva positiva y productiva: si le aportamos algo a la gente, estamos contentos. Pero me he dado cuenta de que mucha gente olvida quienes somos. Yo provengo de una familia de ascendencia irlandesa y, aunque no sea la típica cara que la prensa señala para hablar de migración, también podría serlo. La prensa a menudo trata de señalar bando y poner rostros a los que etiquetar y decir “estos son los buenos”, “estos son los malos”. Y la verdad es que mis padres vinieron de Irlanda del Norte para buscar una vida mejor en Australia. Para criarnos con seguridad. No entiendo que se pueda cuestionar algo tan profundamente humano. La naturaleza humana siempre va a buscar un lugar seguro para vivir y para criar a su familia. Pero hay gente que tiene los conceptos muy mezclados y los medios también contribuyen a eso. Se nos olvida que no hay una cara, un aspecto ni un idioma de la gente que merece más de la vida. Hay confusión, pero no por ello lo justifico. Y la cara de la migración bien puede ser una familia irlandesa que se marcha al otro lado del mundo, o puede ser alguien que huye de la guerra en su país de origen. Tampoco hay un bando de la gente que quiere que su vida mejore, porque somos todos. Y esta canción habla de este concepto. De personas que podrían ser cualquiera y sólo quieren ver crecer a su familia con seguridad y vivir una vida feliz y próspera. Esa búsqueda es universal y eso es lo que se nos olvida. Todos queremos lo mismo, no es algo propio de una cultura, una religión o un aspecto físico. Es un derecho humano universal. 

Entonces, sería genial si esta canción hace pensar un poco a la gente. Si ven cómo hay irlandeses en todas partes, si ven que han viajado a todos los rincones del mundo… verán que todo el mundo lo ha hecho y todo el mundo debería sentir que tiene ese derecho, provenga de donde provenga. 

Es una canción preciosa. También me ocurre con la canción “Eye for an eye”, que me ha dejado sobrecogida. Entiendo que hace referencia a la historia de Irlanda, pero a la vez es muy actual y podría aplicarse al planeta Tierra en general. 

Sí, efectivamente, está basada en la historia de Irlanda y el conflicto entre protestantes y católicos, pero también tiene un mensaje universal, acerca de que las generaciones precedentes nos marcan un camino y ¿tú qué vas a hacer?, ¿vas a seguir ese camino marcado, o vas a hacer algo para cambiarlo?. Tú no eres tu padre ni tu abuelo. Eres una persona con tus propias ideas y objetivos. Tienes una educación. Está en tu mano cambiar. Así que creo que has dado en el clavo, porque es una canción universal, aunque tenga una base en Irlanda, podría extrapolarse a cualquier lugar del mundo. Es una situación que se repite en todas partes. Pasar la antorcha pero en el mal sentido. Recorrer el camino sobre las huellas de tus padres. Todos somos parte de nuestra historia y de nuestra familia, pero podemos cambiar las cosas. 

Por cierto que viene acompañada por un videoclip espectacular, en el que sale mucha gente, todos vosotros actuáis, es muy cinematográfico… ¿Fue difícil rodar algo así?

Sí, fue algo difícil, jajaja. ¿Sabes?, para nosotros es fácil subir al escenario, nos sentimos cómodos incluso delante de miles de personas. Pero nos pones delante de una sola cámara y eso nos pone mucho más nerviosos. ¡Preferimos el escenario! Y si además tenemos que actuar, es todo un reto. Igualmente lo pasamos muy bien, y el equipo de personas con el que estuvimos trabajando nos ayudó mucho. No recuerdo ahora el lugar de Inglaterra donde grabamos, pero fue muy divertido, pasamos el día en la ciudad buscando localizaciones y nos metimos en algunas situaciones curiosas al grabar en la calle. Mucha gente nos miraba al pasar, a ver qué hacíamos. Pero al final ha quedado muy bien. Es una canción muy bonita y un poco diferente a las demás, así que estoy muy contento de que hayamos podido sacar este vídeo, para complementarla, como hemos hecho con algunas de las otras canciones.

También me han llamado mucho la atención los videoclips de dibujos animados que habéis hecho con Ben Satchel para “Scandal” y “Cold like this”. ¿Cómo surgió la idea de trabajar con él?

Pues la verdad es que vimos otro videoclip hecho por él para unos amigos, Buster Shuffle, una banda muy interesante de Reino Unido. En fin, su vídeo salió muy bien y creo que fue Mike quien les envió un mensaje para preguntarles: “¿quién os hizo ese videoclip? es genial”. Y además es que nosotros vivimos cada uno en un sitio, cada miembro de la banda está muy lejos de los otros, así que es difícil juntarnos todos, salvo en las giras, y siempre estamos buscando ideas para hacer estas cosas, como los videoclips. Además es una forma de variar, y que no sea siempre la misma imagen de nosotros tocando en una habitación. Así que se juntó todo, porque es una forma de sacar un tipo de videoclip diferente, algo que no hacemos normalmente, y que nos facilita el no tener que volar los seis a algún lugar intermedio para grabar el vídeo. Un vídeo diferente y que no nos obliga a estar en el mismo país, y parece que han quedado bien. 

Yo creo que son muy originales y muy representativos de lo que sois The Rumjacks.

Sí. Yo también creo que el animador hizo un gran trabajo. Y todos hemos disfrutado mucho viendo el resultado final, ya que es la primera vez que trabajamos con este animador y hemos quedado satisfechos. 

Muchas gracias, Johnny, estamos deseando veros por España a mediados de mayo ¿hay algún mensaje que quieras mandar a tus fans españoles?

Desde luego: muchas gracias a todos por apoyar a The Rumjacks. Os queremos mucho y por eso seguimos volviendo. Y gracias por leernos aquí en Track to Hell. Estamos deseando veros muy pronto para esas épicas fiestas españolas, que tanto hemos disfrutado en los años anteriores ¡Muchas gracias!