Mammon’s Throne es una interesante banda australiana de Doom Death Metal, con un sonido único, pesado y ominoso. Su último trabajo, “My body to the worms”, me ha dejado personalmente hipnotizada. Y hoy tenemos la suerte de hablar de todo esto con Matt, su vocalista y letrista.

Buenos días y muchas gracias por concedernos esta entrevista.

En primer lugar quiero felicitaros por el nuevo disco, el tercero de vuestra carrera. “My body to the worms” es un trabajo impresionante, pesado, ominoso, e hipnótico. ¡Se ha metido en mi cabeza!, por favor ¿podéis hablarme un poco más del proceso creativo del disco?

Muchas gracias por contactarnos y charlar con nosotros. Me alegro mucho de que estés disfrutando del álbum. Ha sido un largo camino hasta que por fin ha visto la luz y estamos encantados de que ya esté disponible.

Solemos componer las canciones todos juntos en la sala de ensayo. Normalmente, alguien trae una idea y a partir de ahí la desarrollamos improvisando juntos. Excepto en “Every Day More Sickened”, todas las voces se componen sobre la marcha y se perfeccionan tras ensayar las partes varias veces. A veces, otro miembro de la banda tiene una idea que encaja bien con la original en la que estamos trabajando, o simplemente se nos ocurre sobre la marcha. Es un proceso muy orgánico y parece que nos ha funcionado bien hasta ahora. Nos esforzamos mucho para que el resultado final sea coherente y se ajuste a la narrativa que queremos transmitir en cada canción.

Es un álbum muy completo, en el que habéis incluido algunas piezas especiales que sirven de transición a otras y en las que habéis introducido elementos extra, que van más allá de la formación instrumental de la banda: como “At the Threshold of Eternity” con ese teclado tan bello y como “Clandestine Unholy Rites”, muy atmosférica, con sonidos propios de un cementerio embrujado. ¡Muy impresionante! Quería preguntaros ¿es difícil componer algo así?, ¿le daréis un uso en los directos?

De hecho, compuse “Clandestine Unholy Rites” antes de terminar el álbum para usarlo en nuestros conciertos como introducción a “Elixir”, así que tenía mucho sentido incluirlo en el álbum para transmitir ese aspecto de nuestros shows y capturar esa misma atmósfera. Nuestro guitarrista principal, Amesh, compuso y grabó “At the Threshold of Eternity” para introducir la segunda cara del disco cuando estábamos pensando en cómo sonaría el álbum en formato LP físico. También fue compuesta para que encajara bien con “An Angel’s Grace”. 

No diríamos que fue difícil, porque fue muy divertido trabajar con paisajes sonoros e instrumentos diferentes a los del resto de las canciones. Amesh y yo somos apasionados de la grabación, el trabajo con sintetizadores y la producción de audio en general, así que fue un proceso muy agradable.

Hablando de ese “Clandestine…” quería preguntaros por la canción que suena a continuación: “Elixir”. Me ha cautivado, tanto por su sonido (que habéis calificado de “Funeral Slam”), como por su sugerente videoclip: me llama mucho la atención elegir a una mujer para el papel de Nosferatu, decisión que aplaudo (y Bailey Dior está estupenda). Por favor, habladme más de la canción y el vídeo.

Teníamos muchas canciones extensas y complejas escritas para el álbum y sabíamos que queríamos incluir algo un poco más simple y contundente. También se nos ocurrió la idea de probar un breakdown con influencias hardcore en una canción, y esto nos llevó a “Elixir”. La letra de “Nosferatu…” originalmente era solo un estribillo provisional, pero después de probar otras ideas, ninguna impactó tanto y terminó siendo la elegida, y el resto de la letra de la canción se escribió alrededor del estribillo. 

Cuando decidimos que queríamos hacer al menos un vídeo musical para acompañar el álbum, “Elixir” fue la opción obvia para nosotros. Amesh habló con su pareja, Bailey, y ella estaba muy entusiasmada por participar. Nos gustó la idea de que Nosferatu fuera una mujer, ya que es algo diferente a la representación habitual. Se nos ocurrieron muchas ideas para escenas que podríamos filmar de manera realista en un videoclip y encontramos un espacio que funcionaba extremadamente bien para la idea, con muchos accesorios y ambientación que se prestaban sin esfuerzo al tema. Nuestros colaboradores nos prestaron una ayuda increíble en todo, desde el maquillaje hasta la ambientación, y fue un placer trabajar con el videógrafo Lord Rob Satan. Logramos grabar todo en un solo día y estamos sumamente satisfechos con el resultado.

“Departed”, otro de vuestros singles con videoclip, parece seguir esta fórmula maestra, bebiendo de la imaginería cinematográfica (esta vez del gothic western) y dando un protagonismo elegante a la figura femenina de Bridgette Baini. Pese a estas similitudes, ambas suenan muy diferentes y únicas. Ese “my body to the worms” tras el breakdown de la canción me parece sublime. Habladme por favor también de esta pieza.

Este tema surgió de una sencilla progresión de acordes que Amesh aportó, una especie de vals sombrío. Johnny, nuestro guitarrista rítmico, y yo somos grandes fans de la banda Wayfarer y de la atmósfera gótica occidental que aportan a su black metal. También soy un gran fan de Fields of the Nephilim, que hizo algo similar con la música gótica allá por los 80. Sabíamos que esta era la base perfecta para dar rienda suelta a nuestra creatividad y hacer una interpretación del tema al estilo de Mammon’s Throne. Tras disfrutar tanto de la creación del videoclip de “Elixir”, decidimos hacer dos más, y “Departed” fue la siguiente canción que abordamos. Johnny ideó un magnífico storyboard para las escenas y, muy amablemente, nos cedieron el espacio de arriba de uno de nuestros locales favoritos, “The Bendigo Hotel”, para filmar. Trabajamos con el mismo videógrafo que para “Elixir”, pero conseguimos capturar una atmósfera completamente diferente. El nombre del álbum se tomó posteriormente de la letra final de esta canción.

Ya que hemos pasado por dos canciones con influencias del cine, y sabiendo que tomáis el nombre en un principio de los cómics de Spawn. Quiero preguntaros, ¿hasta qué punto la cultura underground es una fuente de inspiración para vosotros? (los cómics, literatura pulp, cine de terror, videojuegos…)

Aunque no solemos escribir canciones directamente sobre películas o franquicias de videojuegos, estas influyen en algunas de mis letras y forman parte importante de mis aficiones, por lo que son una parte fundamental de mi personalidad. Por ejemplo, “Abhorrent Skies”, del primer álbum, está inspirada en “Expediente X” y usamos algunos sonidos de la serie original como introducción cuando tocamos esa canción en directo. H.P. Lovecraft y sus mitos de horror cósmico también son una gran inspiración. Algunos fans de Warhammer 40K quizás hayan notado la primera línea de “Return Us to the Stars”, que dice “All is dust…”. Esas son algunas de nuestras referencias.

Además, tocáis grandes temas universales: la codicia, el existencialismo, la oscuridad del alma humana… ¿Hasta qué punto la crítica social y la filosofía son fuentes de inspiración para vosotros?

Suelo escribir sobre temas que me causan angustia mental en mi vida personal, a modo de catarsis, y encajan a la perfección con la música profundamente emotiva de la banda. No diría que me interese mucho la filosofía; son más bien observaciones sobre el lado oscuro del mundo que nos rodea.

Sois una banda con rodaje, pero relativamente joven, aún no habéis cumplido los 10 años juntos. Y sin embargo vuestro sonido se nota muy depurado, tenéis un registro muy propio y característico, que otras bandas tardan mucho más en alcanzar. ¿Cómo ha sido este viaje para encontrar vuestro sonido?, ¿o quizás es algo que se estableció desde el principio?

El tiempo se nos ha pasado volando y creo que la pandemia tuvo mucho que ver. Estuvimos en confinamiento estricto poco después de lanzar nuestro primer álbum, y la pausa que esto provocó hizo que nuestro segundo álbum saliera bastante más tarde de lo previsto. En realidad, parece que solo llevamos unos cinco o seis años como banda activa debido a esta pausa involuntaria en las giras y los ensayos. En retrospectiva, nos dio tiempo para reflexionar sobre la dirección que queríamos darle a la banda, y salimos del confinamiento con mucha agresividad y energía reprimidas que se tradujeron en la incorporación de más elementos de Black y Death Metal en nuestra música. Ya estaban presentes en el primer álbum, pero no tan integrados en la atmósfera general como ahora, y estamos muy cómodos y satisfechos con la identidad de la banda tal como está ahora.

También quisiera preguntaros por el aspecto estético de la banda. Está claro que os gusta lo retro, tanto en los vídeos (lo hemos visto especialmente en “Every Day More Sickened”), como en la portada de los discos que también tienen un estilo de alguna forma clásico (aunque con vuestro toque único). ¿En qué os inspiráis en el apartado estético de la banda?

Somos grandes admiradores del arte impactante y llamativo, y los 80 y principios de los 90 sin duda lo tenían en abundancia. Tenemos la suerte de contar con un grupo de amigos cercanos que son artistas radicados en Melbourne, y su estilo retro de heavy metal complementa a la perfección la música de nuestra banda.

Oscar Bonin, quien realizó el arte de “My Body to the Worms” y del álbum anterior (“Mammon’s Throne”, homónimo de la banda), encaja a la perfección con nuestro sonido y siempre logra crear algo que nos deja boquiabiertos. También hemos trabajado mucho con Dave Long/Thulsa Doom, quien diseñó nuestro logo y otras obras de arte. Nos encanta poder apoyar a artistas locales y la simbiosis natural que existe entre el arte y nuestra música.

El vídeo de “Every Day More Sickened” fue un esfuerzo consciente por recrear los gloriosos días de MTV y Rage en Australia, ya que estos vídeos fueron los que nos influyeron cuando éramos jóvenes y estábamos descubriendo el metal por primera vez.

Por cierto, “Every Day More Sickened” es una pieza estupenda y totalmente única y la cual vosotros habéis señalado en entrevistas que era la que más ilusión os hacía mostrar al público: ¿por qué es así? y ¿está teniendo la acogida que vosotros esperábais?

Esta fue la última canción que escribimos para el álbum y sentimos que representaba todo lo que la banda tenía para ofrecer. La terminamos el día antes de grabar el álbum y la sensación de alivio al completarla y el triunfo que sentimos al escucharla grabada fue eufórica. Dicho esto, hay muchas emociones personales en la banda en torno a la canción y parece que a los oyentes también les ha gustado mucho. Creo que la letra está conectando con mucha gente y también aprecian todos los giros y cambios que toma la canción.

Todo lo que llega desde Australia suele triunfar muchísimo en España: ACDC, Mad Max y, por supuesto, Bluey 🙂 En los 90 todos los adolescentes españoles estábamos obsesionados con “Heartbreak High”. ¿Hasta qué punto la identidad de la banda está ligada a la identidad de vuestro lugar de origen?

Creo que nos hemos sentido un poco como la oveja negra de la escena doom de Melbourne, ya que nos hemos inclinado cada vez más hacia las influencias del doom europeo en lugar del sludge sucio y el stoner doom de muchos de nuestros compatriotas, que son geniales por derecho propio. Así que, en cuanto al sonido, no estamos seguros de que haya una gran influencia, sino más bien la cultura, la fuerza y ​​la musicalidad de la escena en sí. Hemos recibido un apoyo increíble de otras bandas y del público desde el principio y estamos eternamente agradecidos a todos con los que hemos compartido escenario o nos han contratado, y también a todos los que siguen viniendo a apoyar la escena del metal australiano. ¡Ojalá podamos añadirnos a la lista de exportaciones australianas que triunfan en España! Sin duda, hay muchas bandas australianas que merecen más reconocimiento internacional.

Actualmente estáis trabajando en la promoción y gira de “My body to the worms”: ¿cómo está siendo acogida esta nueva etapa de Mammon’s Throne?, ¿tendremos la suerte de poder disfrutarlo en directo en España en el futuro próximo?

Diría que está teniendo una muy buena acogida. Siempre buscamos mejorar nuestros conciertos y la respuesta del público nos confirma que esto se está transmitiendo claramente. Fue genial poder tocar el nuevo álbum completo en nuestro concierto de lanzamiento en Melbourne ante un público que estaba allí para celebrar con nosotros, y su apoyo con la venta de merchandising fue fenomenal.

Estamos buscando la manera de ir a Europa próximamente. Cuantos más fans apasionados tengamos, más fácil será lograrlo, así que esperamos que la gente hable de nosotros a sus amigos y se haga oír. La colaboración con Hammerheart nos ha abierto muchas puertas y estamos listos para darlo todo.

Muchas gracias por vuestro tiempo y vuestras respuestas. Enhorabuena por el buen trabajo.

Antes de su concierto en Barcelona, tuvimos una breve charla con Jay Valentine, vocalista de Guilt Trip, donde hablamos de su relación con España, nueva música y su identidad sonora.

– Hola hombre ¿Cómo estás?
Encantado de conoceros

– Así que estáis aquí en Barcelona. Comenzando esta gira español-portuguesa y luego os vais a los Estados Unidos Has estado aquí tres veces creo que al menos con Architects, aquí en razzmatazz3 y ahora la tercera vez. ¿Cómo os sentís de gira en España y Portugal? ¿Qué es lo que más os gusta de España?

Sí, um. lo que más me gusta de España es el clima. definitivamente está bien porque siempre está lloviendo de donde somos en Manchester pero es genial venir a España siempre lo pasamos bien los shows siempre son buenos, el público siempre es muy divertido así que sí, estamos emocionados de estar aquí. me alegro de estar de vuelta. creo que es nuestra cuarta vez en España en general. tocamos en Resurrection Fest todo el headliner de Malevolence, un headliner hace un par de años y luego con Architects.

– Os vi abriendo para Malevolence fue un espectáculo loco, fue bastante pronto creo que eran como 5:30 algo así pero era una energía loca, así que chicos. habéis sacado tres canciones nuevas este año y creo que van bastante duras como siempre hacéis, oye. ¿Qué podemos esperar de Guilt Trip este año? ¿estáis trabajando en un álbum? un ep si puedes hablar de ello por supuesto o simplemente estáis pensando en lanzando singles?

Sí, tenemos un disco completo casi listo para salir. vamos a anunciarlo en las próximas semanas y sí eso es probablemente todo para el año. tenemos algunos tours y cosas cerradas. estamos muy emocionados de sacarlo. es un álbum completo así que espero que la gente lo disfrute.

– Perfecto y quería preguntarte sobre el la sensación de que estáis en un punto intermedio entre el metal moderno y el metal más clásico. sois una mezcla entre yo diría Hardcore/Thrash/Metalcore si estoy en lo cierto, ¿Cómo lo sentís vosotros? porque siento que la producción es de primera categoría pero manteniendo la vibra de la vieja escuela. ¿es eso cierto o…?

Sí, eso es correcto. Nos gusta la buena producción. creo que si suenas bien y “crujiente” la gente se mete mucho más fácilmente pero todas las bandas de las que nos inspiramos son viejas bandas como Machine Head, Devil Driver, cosas así y luego en el lado duro bandas como Sick Of It All, Biohazard, Madball, Terror, etc., así que todas nuestras influencias son como de hace más de 20 años. así que probablemente por eso sonamos como de la vieja escuela, sí. y luego buscamos una suene actual. ese es el aspecto moderno de la banda. creo que es una buena mezcla y tenemos gente ya sabes, gente más joven en los shows. y también tenemos muchas personas mayores así que es una buena mezcla y sabes que la gente lo aprecia.

– Creo que estáis dando el gran paso ahora o esto siento luego de aquí y Portugal, si no estoy equivocado, os vais a los Estados Unidos ¿Sentís un poco más de presión ahora? o seguís con las mismas sensaciones, sabes como toda la vibra de la vieja escuela…

No diría presión. siento que lo estamos disfrutando por lo que es. entendemos que es como si tal vez nuestro parche morado en este momento. crecer más, tal vez no lo hagamos pero lo estamos tomando con calma disfrutándolo por lo que es y nos lo estamos pasando genial haciéndolo. así que cuantos más shows podamos hacer, cuantos más tours, mejor para nosotros.

– Entrevista corta pero ha sido un placer, hombre. Muchas gracias amigos, esto ha sido Guilt Trip. así que nos vemos en el moshpit.

Agabas son una banda noruega que fusiona Jazz con Death Metal, con unos directos totalmente únicos y que ofrece a partes iguales amor y furia. Acaban de sacar la versión deluxe de su último disco, “Hard Anger”, y han estado de gira, como teloneros de Avatar y en combinación con Alien Weaponry y Witch Club Satan. Actualmente trabajan en su próximo álbum que quizás nos llegue para finales de año.

Hemos podido hablar de todo esto y mucho más con su guitarrista Oskar Myseth.

Hey! el guitarrista de mi banda favorita de Deathjazz. Muchas gracias, Oskar, por concedernos esta entrevista.

¡Oh, sí!

Acabáis de terminar un tour estupendo con Avatar, donde habéis tocado vuestra música y donde además te hemos visto a ti hacer crowdsurfing mientras seguías tocando la guitarra, y hemos visto a Sondre ser prácticamente devorado vivo por un moshpit que él mismo instigó… así que ¿qué tal la gira y cómo habéis sobrevivido a todo esto?

Pues ¿sabes qué?, nos habíamos mentalizado de que la gira iba a ser mucho más agotadora, pero en realidad hemos estado en todo momento llenos de energía porque todo el mundo en la banda y también en Avatar y en Alien Weaponry, y los equipos de apoyo de todos ellos, todos han sido tan majos y agradables… que todo ha ido muy suave. Es cierto que los shows pueden llegar a ser muy tumultuosos y locos, pero está todo controlado, sabemos lo que hacemos y nos hemos sentido muy bien haciéndolo.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Avatar en Copenhague: “El circo del metal”

¿Y cuál ha sido tu canción favorita para tocar en directo?

Mmmh, diría que “Steg etter steg”, la última del set list. Pertenece a un álbum anterior: “A hate supreme” y nos encanta seguir tocándola en vivo porque la gente se pone a bailar y a moverse muchísimo. No sé exactamente el por qué, pero tiene ese efecto y resulta muy divertida de tocar.

También quería preguntarte por las letras de las canciones, porque he estado escuchando vuestro último álbum, “Hard Anger”, muchísimo estos días y me ha impresionado la dureza de las letras, los temas que tratáis… y quería preguntaros: ¿cuánta inspiración sacáis del mundo real, de las noticias y de la crítica social?

Bueno, no puedo contestar con un 100% de seguridad a esta pregunta porque normalmente es nuestro vocalista quien escribe las letras, pero sí, nosotros solemos escribir sobre aquellas cosas que nos importan más profundamente y eso suele significar ver problemas en el mundo y en la sociedad en general y tratar de usar nuestra voz para comentarlos. Si podemos de algún modo causar un impacto positivo en el mundo o ser una influencia para que nuestros fans piensen también sobre estas cosas, nos sentimos satisfechos. Otras veces simplemente nos apetece escribir sobre cualquier tema personal o ficticio, sólo porque ese día estamos inspirados de esa manera, pero normalmente sí que incluimos muchos temas serios y políticos, porque es algo que nos preocupa e interesa. 

También estáis haciendo un impacto positivo en el mundo a través de vuestra web. Veo que actualmente dedicáis los beneficios del merch a Médicos sin fronteras y la causa Palestina. Desde aquí os doy las gracias por hacer eso. ¿Quieres comentar algo sobre el tema?

Sí, es otra manera de participar. Al final sólo somos una banda de Metal, así que no hay mucho que podamos hacer, pero creemos que todo el mundo puede hacer al menos un poquito, así que con esto hemos querido encontrar una manera de aportar nuestro granito de arena, algo que sí podíamos hacer para general algún cambio. Así que dijimos “¿por qué no donar algo del dinero del merch a estas causas?”. Es bueno poder contribuir aunque sea un poco a este tipo de cosas. Así que el merchandise que hemos marcado con el logo de “Make deathjazz not war”, donamos sus beneficios a Médicos sin fronteras y al Comité Noruego de Palestina.

Pero no todo es seriedad en Agabas. Quería preguntaros por vuestra otra cara: la del humor. Y es que tenéis algunos vídeos muy locos, tenéis memes divertidísimos en vuestra web oficial, juegos de palabras (como el propio nombre del álbum “Hard Anger” basado en el fiordo de Hardanger)… ¿Qué papel juega el humor en Agabas?

Sí, esto es algo que de forma natural se ha incorporado a la banda. Al final sólo somos unos tíos a los que les gusta pasarlo bien. No queremos tomarnos todo siempre en serio. No creo que estuviéramos haciendo música en una banda si no nos lo pasáramos bien con ello, porque es muy duro tocar en una banda… estás intentando hacer algo de calidad y a la vez equilibrar esto con un trabajo y otras cosas, a veces es duro. Así que al menos tenemos que pasarlo bien. Por eso digo que es algo que ocurre de forma natural para nosotros.

Y ¿qué es lo que haces entre medias de la gira para pasarlo bien y relajaros, cuando no estáis tocando?

Relajarnos: ¡nunca! Pasarlo bien sí, pero no te puedes relajar en una gira. Afortunadamente para nosotros este ha sido un estupendo entrenamiento. Porque esta es la primera gira de este tamaño en la que participamos, pero lo hicimos en dos semanas diferentes: tuvimos nuestra primera semana tocando en la gira con Avatar y Alien Weaponry. Luego la banda Witch Club Satan nos cogió el relevo, y después volvimos a actuar nosotros esta última semana. Esto nos ha permitido recargar pilas, porque ambas semanas han sido realmente intensas. Por ejemplo, hablábamos con los compañeros de Alien Weaponry que han estado abriendo para Avatar por seis semanas consecutivas y hemos visto que las posibilidades de relajarse no son muchas. Se trata de tocar, tomarse unas cervezas y a la mañana siguiente viajas a otra ciudad, descargas, haces pruebas de sonido, tocas y… bueno, pues te tomas otro par de cervezas, te vas a dormir, vuelves a viajar… y así. De vez en cuando hay algún día libre, pero la verdad es que las giras son intensas. Nos esperamos a relajarnos de verdad cuando volvemos a casa.

También quería preguntaros por vuestra estética. Me llama mucho la atención vuestro logotipo, las portadas de los discos, especialmente del nuevo, “Hard Anger” con esas flores tan llamativas y diferentes a lo que solemos ver en el metal…  Por favor habladme del aspecto visual de la banda, ¿qué tratáis de transmitir con ello?

Representa varias cosas para nosotros. En primer lugar es otra manera de visualizar la unión del Jazz y el Metal. Nos gusta utilizar las flores y esta estética para mostrar que aquí hay algo diferente, alejándonos un poco de la estética oscura más tradicional. También representa nuestro mensaje principal que es amabilidad, paz… Es cierto que este mensaje ya forma parte naturalmente de la comunidad del Metal, pero es cierto que no suele materializarse tanto en la estética: las cosas suelen verse más oscuras ¡y eso también me gusta mucho!, pero nosotros particularmente hemos querido hacer algo que diga “¡hey! estos somos nosotros”. Nos gusta tocar duro, nuestra música es oscura, pero también llena de amor; también lo pasamos bien y podemos jugar un poco con todo esto. Y de ahí ha salido este logotipo que tenemos, mitad flor mitad pentagrama.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Rage – A New World Rising (2025)

Desde luego, y esta estética a la vez brillante y oscura también se puede ver en vuestros vídeos musicales, que son estupendos. ¿Hay algo que te gustaría explorar en los próximos vídeos que saque Agabas? 

Vaya, esto es algo en lo que aún no he pensado mucho, pero es una gran pregunta. Ahora mismo estamos desarrollando ideas para el nuevo disco y aunque todavía estamos en las primeras fases del proyecto, es algo en lo que tenemos que pensar muy pronto.

Como guitarrista de deathjazz, haciendo hincapié en el jazz, si pudieras chasquear los dedos y traer a cualquier músico o banda, vivos o muertos, para hacer una Jam Session contigo ¿a quién elegirías?

¡John Coltrane! Para mí, ha sido mi mayor inspiración en cuanto a esta faceta de Jazz. La música que hacía, cuando la escuché por primera vez, me impactó mucho y me hizo pensar “¡Hostia! El jazz puede ser muy heavy”, es muy intenso y oscuro en algunos momentos. Esto me hizo pensar “esto podría ser perfectamente una canción de Metal” y al final escuchar ese tipo de música es lo que nos ha llevado a combinar ambas cosas.

¿Tienes alguna rutina especial de calentamiento antes de un concierto?

Sí, la verdad es que al principio cada uno hace lo suyo, a su manera: tratamos de activarnos, saltar, hacer muchos movimientos, estirar todo el cuerpo para no tener un calambre sobre el escenario. Algunos compañeros hacen flexiones, o gritan… Cada uno hace su cosa. Y después, tres minutos antes del show, nos reunimos y hacemos como un pequeño cántico para animarnos entre nosotros antes de subir al escenario.

Ya para finalizar ¿Qué es lo próximo para Agabas? ¿Y podremos disfrutaros por España en el futuro próximo?

Me encantaría. De momento no hay nada programado en España, pero siempre estamos trabajando en expandirnos un poco más. Contratar shows en diferentes lugares… De verdad que me encantaría ir a España este mismo año o el siguiente quizás. Lo próximo que vamos a hacer es un concierto en Oslo, que además tiene la novedad de ser para todos los públicos: van a poder venir jóvenes menores de 18 años y creo que eso va a resultar muy divertido. También iremos a un par de festivales de verano, pero no muchos. Y estamos trabajando en una gira por diferentes salas en otoño. No tengo los detalles todavía. Y por supuesto estamos componiendo. Nos reunimos a menudo para poner cosas en común y, mientras, cada uno va componiendo riffs y otras cosas. Queremos terminar el nuevo álbum este mismo año.

¿Puedes darnos algún detalle de este nuevo álbum? ¿El título quizás?

No, no… No estamos tan avanzados. De momento estamos componiendo las canciones.

Muy bien, mantenemos la sorpresa. Muchísimas gracias por tu tiempo y enhorabuena por el buen trabajo.

Gracias a vosotros.

El Veracruz Metal Fest, reconocido como el festival mexicano de metal más playero del país, celebrará su segunda edición el próximo sábado 28 de marzo en el Hotel Diana Cazadora, ubicado en Playa Chachalacas, en el estado de Veracruz, evento contará con un potente cartel que reúne talento nacional e internacional, con bandas como Marraneitors, Intoxicated, Höwler, Haborym, Ancestry, Baal, Venemous, All Misery, Steel Night, The Unholy y Genos Prototype, prometiendo una jornada intensa de metal frente al mar este próximo sábado 28 de marzo, además de una pre-fiesta un día antes en el Puerto de Veracruz.

En Track To Hell tuvimos la oportunidad de platicar un poco Ángel Jiménez, la mente detrás de esta peculiar propuesta que ya para su segunda edición, quien, estoico y preciso, nos platica un poco sobre lo que ha sido esta experiencia.

Cuéntanos un poco sobre ti, ¿cómo fue que te empezaste a ver involucrado en el mundo del metal?

Bueno desde los 13 años comencé a escuchar rock. Las primeras bandas que conocí de la escena mexicana fue Transmetal, de hecho ellos fueron fue mi primer concierto al que asistí. Después asistí a un concierto de Lvzbel con el finado Huizar y seguí escuchando a bandas como System of a Down, Korn, Slipknot, después conocí Black Sabbath, Dio y poco a poco me fue interesando todo el género del metal, desde lo más comercial hasta los más under.

¿Cómo empezaste a gestionar eventos? Cuéntanos sobre tu primer experiencia tras los escenarios.

Primero comencé haciendo Tours a eventos y festivales de Metal, después comencé a hacer eventos locales en mi ciudad, hasta que después comencé a trabajar con varias promotoras en México.

¿De dónde nace la idea de un festival metalero a pie de playa?

La idea de hacer un Festival en Veracruz ya la tenía desde hace mucho tiempo, fui parte del equipo de trabajo del México Metal Fest de Monterrey, siempre tuve el sueño de hacer mi propio festival, y pues soy jarocho que mejor que un festival de metal en la playa.

¿Por qué Playa Chachalacas?

Porque es la playa que está más al centro de muchas ciudades y porque es una de las playas más bonita de Veracruz.

¿Qué aprendiste de la primera edición?

Que hay que luchar por nuestros sueños y nuestras metas, porque sí se cumplen.

¿Cuál fue tu momento favorito de la primera edición?

Mi momento favorito fue ver a todos felices tanto al público como a las propias bandas, es una experiencia única.

¿Cuál ha sido el reto más importante al gestionar este proyecto?

El reto más importante fue no conocer la zona y el lugar, ya que yo vivo a 5 horas de Playa de Chachalacas y al principio se me complicó mucho porque no conocía a nadie de la zona, aunque después tuve la suerte de encontrarte con excelentes personas que me han ayudado en temas de logística y gracias a eso, pude solucionar ese inconveniente.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: DOOM CITY FEST: “NO PODEMOS GARANTIZAR BOLETOS EN TAQUILLA”

¿Qué mejoraste para este año?

Producción, baños, tendremos variedad de cervezas y tendremos nuestra pre-fiesta un día antes del Festival.

¿Qué se puede esperar del Veracruz Metal Fest a futuro?

La idea es convertirlo en un Festival de talla internacional, pero con el concepto único que es a la orilla del Mar, que ningún otro Festival de metal en México ofrece.

¿Por qué debería asistir la gente al Veracruz Metal Fest?

Porque es una experiencia única que no se vive en ningún otro Festival de Metal.

Pueden encontrar los boletos para este evento a través de la boletera Passline y tienen un costo de solamente $600 pesos.

Con casi dos décadas de trayectoria, Bull Brigade se ha consolidado como una de las bandas más sólidas del punk europeo. Desde Torino, han construido un sonido que combina intensidad melódica con una mirada social honesta y directa. Ahora regresan a España para presentar su nuevo disco Perche Non Si Sa Mai, reafirmando su conexión con un público que vive cada concierto con una energía única. Hablamos con ellos sobre inspiración, compromiso y lo que significa seguir siendo auténticos en 2026.

¿Cómo logran hoy en día ese equilibrio entre la melodía y el mensaje social?

Creo que el equilibrio nace de la honestidad. Nunca nos sentamos a pensar “ahora vamos a escribir una canción con mensaje”. Las historias salen de nuestra vida: el trabajo, la ciudad, las personas que conocemos. La melodía llega cuando intentas darle una forma a todo eso. Con los años hemos aprendido que una canción puede ser directa y fuerte sin perder sensibilidad. Para nosotros la música y el mensaje no son dos cosas separadas: forman parte de la misma historia.

¿Sigue siendo Torino vuestra principal musa o ahora buscáis inspiración en otros lugares tras tantos años de gira?

Torino sigue siendo el punto de partida de todo. Es la ciudad donde crecimos, donde vivimos y donde nacen la mayoría de nuestras canciones. Las giras te abren la cabeza y te permiten conocer realidades distintas, pero cuando escribimos siempre volvemos a lo que conocemos mejor. Las calles, la gente y las contradicciones de Torino siguen siendo una fuente de inspiración muy fuerte para nosotros.

¿Cómo se preparan para las 3 fechas que tienen por nuestro país?

Nos preparamos como siempre: ensayando mucho y llegando con ganas de tocar. España para nosotros no es un lugar cualquiera, siempre hemos sentido una conexión muy fuerte con el público. Así que intentamos preparar un set que mezcle canciones nuevas con temas que forman parte de nuestra historia. Al final, la verdadera preparación empieza cuando subes al escenario.

Vienen a presentar su nuevo disco: Perche Non Si Sa Mai, ¿qué canción no puede faltar en el directo?

Las canciones nuevas obviamente son muy importantes, porque el disco acaba de salir y tenemos muchas ganas de tocarlas en directo. Pero hay temas que ya forman parte de nuestra historia y que la gente espera escuchar. “Sopra i Muri” seguramente será uno de los momentos fuertes del set, porque resume bien el espíritu del disco.

¿Qué tiene el público español para que vuestros directos aquí se sientan tan viscerales?

Siempre hemos tenido la sensación de que el público español vive el punk de una manera muy directa y muy sincera. Hay mucha participación, mucha energía y un sentimiento muy fuerte de comunidad. Cuando tocamos aquí no sentimos distancia entre el escenario y el público, y eso hace que los conciertos sean muy intensos.

¿Qué papel juega una banda con principios firmes como la vuestra en 2026?

No creo que una banda tenga que dar lecciones a nadie. Nuestro papel es simplemente ser coherentes con lo que somos. Intentamos decir lo que pensamos y mantener una cierta honestidad. En un momento donde muchas cosas parecen superficiales o rápidas, quizá la cosa más importante es seguir siendo auténticos.

Si pudierais elegir a cualquier artista (vivo o no) para compartir escenario o grabar un tema, ¿a quién elegiríais y por qué?

Es difícil elegir solo uno porque venimos de una escena que nos ha dado muchísimas influencias. Probablemente la elección recaería en dos bandas: quizás Social Distortion para una colaboración en estudio en una o más canciones, mientras que Rancid para compartir un concierto en directo. Estas dos bandas han conseguido mantener una identidad muy fuerte durante muchos años sin perder credibilidad, así que para nosotros sería un honor.

¿Cuál es el problema social actual que más os urge denunciar en este momento?

Hay muchos, pero probablemente el crecimiento de la desigualdad social es uno de los más evidentes. Vivimos en una época donde las diferencias entre quienes tienen mucho y quienes tienen muy poco siguen aumentando. Para una banda que viene de una realidad obrera es imposible no hablar de eso.

¿Cuál es el objeto que nunca falta en la furgoneta de Bull Brigade cuando salís de gira por Europa?

Probablemente el café. Pasamos muchas horas viajando y el café es una especie de combustible básico para sobrevivir a las giras.

Si pudierais darle un consejo a los Bull Brigade que empezaron en 2006, ¿cuál sería?

Quizá les diríamos que disfruten más del camino y que no se preocupen demasiado por el futuro. Muchas cosas que parecen importantes en ese momento luego pierden sentido. Lo que realmente queda son las personas que conoces y las experiencias que vives.

¿Cuál es el siguiente gran objetivo que tiene la banda en el horizonte este año?

El objetivo principal es tocar mucho y llevar el disco lo más lejos posible. Un álbum realmente empieza a vivir cuando lo presentas en directo. Queremos viajar, tocar en nuevos lugares y seguir construyendo esta historia que empezó hace casi veinte años.

Hoy hablamos con Ergum, una banda de metal extremo en castellano, que sorprende por la crudeza de su sonido, la fuerza de sus guturales y la lírica de sus letras. Death Metal con influencias tanto de black metal, trash y grindcore, por la que sin duda merece la pena bucear en lo más underground de nuestro país.

Y es que Ergum ya llevan unos años dando vueltas por la escena española: con origen en 2008, viven una primera etapa en la que graban, siempre en formato de autoedición, “La mugre” (2012) y “Dokhma” (2014). Tras esto, la banda sufre un hiato hasta diciembre de 2021, cuando vuelven a la acción conservando a su inconfundible vocalista Edward y a Felipe Muñoz, a la guitarra, y sumando tanto al carismático Raul Guevara (batería) como a Dante Fernández y Jesús Hernández (ambos en Sadístic Christ) al bajo y guitarra solista. En 2023 publican el Split “Copropolíticamente incorrectos” grabado en directo en la sala Barracudas de Madrid junto a Moñigo y Cerebral Vortex y ahora finalmente, sacan el que en mi opinión es su trabajo más depurado: “Ruinas de la peste”.

Como guinda a este pastel putrefacto, hemos tenido la oportunidad de hablar un poco con la banda, actualmente de gira junto a Embloodyment. Esto nos contaron:

• Gracias por concedernos esta entrevista, por favor, habladme un poco del nuevo disco y de cómo estáis viviendo esta etapa actual de Ergum.

Buenas, gracias a vosotros por el interés. Un placer participar.

Estamos muy ilusionados con el nuevo trabajo. Entre cambios de formación y demás, estuvimos parados bastante tiempo y han pasado 12 años desde la publicación del anterior álbum (Dokhma) ¡¡12 años!!

Este álbum representa el resurgir de la banda y la consolidación de la nueva formación, lo que lo hace aún más importante. Todos hemos participado en la composición de los temas y hemos conseguido crear un álbum muy consistente sin perder la identidad de la banda. Es algo de lo que estamos orgullosos.

•  “Ruinas de la peste” se trata de un álbum autoproducido, al igual que otros trabajos anteriores, y sin embargo perfectamente sólido. ¿Cómo es habitar el underground más underground de la escena española? ¿Qué ventajas y desventajas tiene con respecto a trabajar con sellos discográficos?

 Así es, Todos nuestros trabajos son autoproducidos. En todos los casos son un DIY en toda regla de principio a fin, es como nos gusta hacer las cosas, a nuestro aire, sin deberle nada a nadie.

En el caso del “Ruinas de la peste”, a la hora de editarlo, nos ha echado una mano nuestro colega Edu del sello “Semen de orco muerto” y siempre se agradece cualquier ayuda.

Nos sentimos muy cómodos en el underground, es donde nos gusta estar. También apostamos firmemente por el formato físico a la hora de publicar nuestros trabajos y en venderlos en persona en nuestros conciertos. Si alguien quiere material de la banda puede contactar directamente con nosotros y le atenderemos encantados.

En cuanto a las ventajas o desventajas de trabajar con sellos, cierto es que a nivel publicidad y distribución se facilitan las cosas, pero no es algo que nos quite el sueño. Por suerte en los conciertos solemos tener buena acogida por parte de la gente y colaboran pillando merchan o simplemente comentando el bolo y echando una cerveza

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Ergum – Ruinas de la peste (2026)

• Por cierto ¿cómo es cantar en castellano en un género que mayoritariamente es de habla inglesa?

Nunca hubo debate con este asunto. Desde el principio tuvimos claro que sería así, letras en castellano, es como nos sentimos cómodos. Siempre se acerca alguien a comentarnos que le parece un punto a favor de la banda, aunque bueno, de todo habrá, para gustos colores

• Me ha encantado encontrar en las letras referencias a Lovecraft y Harlan Ellison, que son de mis escritores favoritos, por favor, habladme un poco de vuestras influencias literarias.

Sade, Clive Barker, Arthur Machen, Isidore Ducasse, Borges, Lovecraft, Crowley y todo tipo de obras que tengan que ver con dolor y esas cosas jejeje…

• Pero no sólo encontramos literatura en Ergum, veo mucho de crítica y de rabia hacia este mundo podrido en que vivimos, así que ¿Qué otras inspiraciones encontráis a la hora de escribir?

El cine inspira hoy día a la mayoría de personas que quieren plasmar una idea o sentimiento por medio del arte. También el cómic y la cotidianidad; ver cómo hay gente asquerosa en tu día a día o en la política es igual de inspirador que ir por el campo y encontrarte una carroña. Te molesta, te pone contemplativo y hasta te atrae. Luego lo tomas y vomitas un par de párrafos.

• Y a nivel instrumental y de sonido ¿cuáles son vuestros principales referentes? ¿y cuáles son vuestros principales objetivos musicales? 

Nuestras influencias son “añejas”, abarcan todo el metal old school.  En nuestros trabajos puedes encontrar Death Metal, Black, Thrash, incluso algo de Grind/Punk. La mayoría de los temas tienen una duración inferior a tres minutos. Son directos, rápidos y violentos, con poca floritura, no somos fieles a un único estilo, pero siempre dentro del metal extremo. Si la composición nos gusta, no nos preocupa que no mantenga la línea del tema anterior.

En cuanto a los objetivos musicales, nada en particular, seguir creciendo como banda haciendo lo que nos gusta mientras nos queden ganas y fuerzas.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Crown of Nails – Severed Beyond Recognition (2026)

• Veo que Jesús Hernández, además de guitarrista, es el responsable del arte y diseño gráfico del disco, que me parecen tremendamente sugerentes e impactantes. Por favor, habladnos un poco de este aspecto visual de Ergum.

En vista que no conseguíamos una portada que dejara conforme a todos, después de hablar y ver el trabajo de varios artistas (sin menosprecio el trabajo de nadie), Jesús, que ya diseñó otras portadas antes y es diseñador gráfico, nos mostró un boceto que implica el concepto de varios temas del álbum de una manera bastante simbólica: la portada nos gustó a todos y sólo tuvimos que afinar detalles. Ese fundamento visual también fue usado para el Video lírico “La tinta de la voluntad”.

• Ahora estáis de gira con Embloodyment, ¿cómo está yendo el tour y dónde podremos veros próximamente?

Con Embloodyment este año va a estar simpático. Son una bandota y unos cachondos mentales, excelentes compañeros de viaje. Nos acompañaron en la presentación del “Ruinas de la peste”, y ya habíamos tocado en más de una ocasión con ellos. 

Lo próximo son unos conciertos por el norte de España que se anunciarán pronto y estamos preparando más fechas tanto por territorio nacional como por Europa.  Esperemos que este proyecto salga adelante.

• ¿Cual es el futuro de Ergum?

Esperamos que sea a largo plazo, sombrío y brillante, jajaja.

• ¡Muchas gracias! y no quiero despedirme sin gritar con vosotros: ¡Demuéstrame tu poder satánico si es que lo tienes, bruja del demonio! 

Muchas gracias por la entrevista. Nos han encantado las preguntas. ¡Un abrazo!

“Hardcore emocional” y “emo” pueden ser etiquetas un tanto cargadas o incluso limitantes, pero la gente de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego no parece tenerles miedo. Viniendo de Mar del Plata queda un tanto obvio que el grupo le haya puesto a su EP Hasta Que El Mar Nos Lleve, pero en esta entrevista con su cantante Hernán Montenegro vemos que lo del grupo va más allá de esas obviedades: las inquietudes del under, el querer evolucionar en su sonido, la oportunidad de trabajar directamente con una de sus mayores inspiraciones, lo que es la movida subterránea en Argentina y el tener que luchar día a día para abrirte paso en un mundo que parece dispuesto a ponerte todos los baches en el camino. Pero siempre hay una luz al final del túnel.

—Buenas a todos los integrantes de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego. ¿Cómo los encontramos en el día de hoy?

Mal pero acostumbrados, jaja. Hablando en serio es difícil, muy difícil vivir nuestra realidad que es la mayoría del país y es laburar horas extra para apenas llegar a fin de mes. Tener que posponer cosas que te hacen bien al espíritu únicamente porque no naciste en cuna de oro o estás sponsoreado por algún empresario. Es todo muy angustiante, para serte sincero.

—Hablemos acerca de este nuevo lanzamiento por parte del grupo. ¿Cómo describirían este Hasta Que El Mar Nos Lleve? ¿Cómo ven la evolución del sonido de la banda en este nuevo EP?

Creo que fueron las mejores canciones que podían dar los chicos hasta la fecha. Soy una persona bastante obsesiva con ciertos sonidos y cierta manera de ver la música. No quería enloquecer a los muchachos con esto, así que las canciones que traían se grabaron. A lo mucho fui un poco “Arquitecto” en decidir cuales entraban al EP y cuáles quedaron afuera.

Ahora que esta etapa se terminó, vamos a experimentar otro tipo de modalidad a la hora de trabajar las canciones.

—¿Cómo describirían el título de Hasta Que El Mar Nos Lleve?

Es un reconocimiento a nuestra terquedad. Cómo te decía más arriba, las vidas de “giles trabajadores” que llevamos todo el tiempo nos hace replantear el seguir invirtiendo tiempo y plata que apenas tenemos para hacer canciones. Al mismo tiempo todo el mundo musical tampoco es muy “amistoso”, bah creo que el mundo tan precarizado hace esto de “sálvese quien pueda” y genera estos climas en que si no tenés nada para ofrecer salvo tu música, no interesa lo que hagas. Nosotros laburamos 11 horas por día, entonces lo único que podemos aportar es la música, hay muchas chances que todos nuestros esfuerzos sean vanos, y tenemos gente que nos quiere y con todo su cariño nos dice: “¿Para qué viajar 5 horas para tocar invirtiendo de tu bolsillo?”, “¿Para que invertir en un buen estudio si no vas a recuperar lo invertido?”. Y tienen razón, pero esto va más allá de la razón. Y hasta que el mar nos lleve vamos a seguir haciendo esto.

—Menciono lo del título porque los EPs anteriores se llamaron simplemente Cinco Canciones y Cuatro Canciones. ¿Qué los llevó a que este tuviera nombre propio? Asumo que siendo que este también tenía cinco canciones, repetir título podría llevar a confusiones.

El primer EP se llamó Cinco Canciones EP en tributo al EP que sacó la banda Baltimore In Love. En más, la tapa es un rip-off de la portada de ese EP. La canción “Remolino de Lirios” está dedicada al cantante de esa banda que era una persona excelente y bondadosa.

Cuatro Canciones de Invierno seguía un poco este juego y además eran las primeras cuatro canciones que nacieron cuando Muzzu y yo forjamos esta unión y amistad con Gus y Nahufix.

Hasta que el Mar Nos Lleve ya la banda decide hacer el sacrificio de viajar a grabar a Buenos Aires, de trabajar con un productor. Por eso nos pareció necesario mostrar que hay otra “seriedad”. Más allá de que siempre fuimos serios, pero tomamos la grabación y la producción de este material de una manera más profesional.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Orchid en Buenos Aires: “Baile y revolución el mismo día”

—La banda toma su nombre del libro de relatos de Mariana Enríquez, que a su vez toma su nombre de una canción de Low. Y ahora tienen a Enríquez de invitada en el álbum. ¿Cómo fue tener a la inspiración detrás de la banda presente en este nuevo álbum?

Una muestra de que los sueños se cumplen. Me encanta como Mariana escribe, me encanta la temática de sus historias. Traer el horror y el ocultismo a nuestro país, a nuestras calles. Además de que ella es una fanática de la música pesada. Que ponga su voz en una de nuestras canciones es una recompensa para el espíritu.

—Con este ya será el tercer EP de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego. ¿Hay alguna razón detrás de centrarse en este tipo de lanzamientos cortos?

Me voy a repetir mucho con esto pero es que no tenemos presupuesto. Para nosotros hacer este EP fue casi una misión imposible, con integrantes quedándose sin trabajo y cayendo la responsabilidad financiera en el resto que tuvo que hacer sacrificios para poder cumplir con las obligaciones. Hacer un disco de 10 canciones era imposible.

Hace poco hablamos con los chicos y decidimos que aunque tome más tiempo, y si la situación financiera nuestra mejora, tal vez podamos encarar un disco de 10 canciones.

Estamos en proceso de composición y me encanta lo que está sonando en nuestra sala de ensayo.

—Muchas bandas del “emo” solían tener algo de resistencia a esa etiqueta, pero Las Cosas Que Perdimos En El Fuego no es de esas siendo que ustedes mismos se describen como “hardcore emocional” en su Bandcamp. ¿Cómo ven la escena emo en Argentina? Venimos del recital de Orchid hace unas semanas en Capital y fue tremendo ver que el lugar estaba repleto para hablar de una banda insignia en un estilo que puede ser tan extremo.

Si, cuando empezamos nos describíamos como hardcore emocional, ahora ya no tenemos esa etiqueta. Desde el ingreso de Gastoncito que viene con una experiencia amplia tocando thrash ahora estamos trabajando en sonidos más extremos.

Respecto a la escena “Emo” creo que encontró en el sello Inerme a gente muy buena y amable que ayuda a gestionar todo. Por algo cada vez que viene una banda de Hardcore Emo una de sus bandas suele abrir la jornada. No olvidemos nunca que el Emo, o al menos el emo que hace Orchid tiene su costado político y reaccionario y creo que Inerme tiene mucho de eso y por eso todo lo que hacen es genial.

—Ustedes son de Mar del Plata. Para muchos porteños es un clásico pensar que todo lo que está pasando el Conurbano, o siquiera la General Paz, pareciera no existir, y eso se extiende a las escenas musicales. ¿Podemos decir que hay una escena emo en Mar del Plata y alrededores? ¿Cómo describirían ese under local?

Conozco las bandas de quienes nos invitan a tocar como Diasol, Primo, Bowery, Los Cortos, Altos Mutantes, Abismal, Criptodonte. Después si bien no son de Mar del Plata, Scam, Llagas y Ultravioleta también nos invitan y me gusta mucho como suenan.

—¿Qué se viene en el futuro de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego? ¿Cuáles son sus planes?

Aceptar las invitaciones que nos lleguen para tocar en dónde sea, siempre y cuando se pueda.

Seguir haciendo canciones hasta juntar esas 10 que nos hagan sentir que vale la pena volver a hacer el sacrificio para poder grabarlas.

—¿Hay algo que quisieran decirle a los fans y la gente que los vaya a escuchar?

No creo que tengamos fans, me gustaría creer que hay gente escuchando del otro lado, y les agradezco. En tiempos que hasta el under parece tener gente que te vende mainstream como los nuevos salvadores del under e invierten tiempo para mostrarte aquello por lo que les pagan mostrarte actuando como “algoritmos” humanos, que exista gente que descubra esta banda de laburantes es un montón.

Cuando leía revistas de rock me gustaba que un músico dijera alguna frase de un autor para poder descubrirlo, así que en estos tiempos de desesperanza en dónde no hay un solo día que siento que me están chupando la sangre para mantener a los poderosos de siempre, me despido con la siguiente frase:

“Lo que más me asusta es que lleguemos a amar nuestras cadenas” [C.B]

Con motivo del lanzamiento de su disco debut, nos reunimos con los chicos de Kubika para que nos cuenten toda la actualidad de la banda y alguna curiosidad más.

– ¿Cómo afrontáis la salida de Disorders y cómo ha sido el proceso de grabación del mismo?

Kubika: La salida de Disorders la hemos vivido muy intensamente, ha sido un día muy especial para nosotros. Teníamos muchas ganas de que este trabajo viera la luz en su totalidad y que pudiéramos hacer llegar al público todos los lados, aristas y vértices de este disco, Disorders, donde nos hemos volcado todos y cada uno de los componentes de Kubika. Ahora que el disco está en la calle, podemos decir que cerramos un capítulo y pasamos al siguiente.

Respecto al proceso de grabación, todos los temas han sido minuciosamente trabajados antes de entrar al estudio, para comenzar el proceso con toda la parte instrumental y vocal perfectamente clara. Las guitarras y el bajo se grabaron en MadRubik Studio. Estas pistas se enviaron a Alex Cappa, de Metropol Studios, que terminó de grabar batería y voces, y se encargó también de la mezcla y el máster.

–Beka, tu manera de cantar es especialmente llamativa y te diferencia de otras compañeras de la escena, cuáles son las personas que te inspiraron a ponerte delante de un micrófono) y ?Que bandas han influenciado a Kubika a la hora de plasmar su sonido?

Beka: Muchas gracias, agradecemos tus palabras . Tal vez mi voz y forma de cantar sea distinta precisamente porque nunca he perseguido seguir un patrón o fijarme especialmente en la forma de cantar de nadie. Soy yo al natural aunque, por supuesto, he tenido mis reinas, y muy distintas. Entre ellas podemos destacar a Wendy O Williams, Tina Turner, Angela Gossow, Amy Winehouse, Gloria Gaynor, Tatiana Shmaylyuk …

Kubika: Todos los miembros de Kubika tenemos influencias artísticas muy diferentes, que quedan plasmadas en nuestra forma de componer e interpretar la música. Si nos centramos en el sonido del grupo, el peso de la guitarra es prominente, con un sonido inspirado en bandas como Slipknot, Machine Head o Lamb Of God, entre otras.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Kubika – Disorders (2026)

– ¿Cómo ha sido la composición de las letras, ya que personalmente creo que es uno de los puntos fuertes del álbum?

Ha sido un proceso bastante complicado debido a la temática que hemos abordado en el disco, pues escribir acerca de ello requiere un alto grado de empatía que te permita explorar una gran variedad de emociones, con la idea de intentar acercarse, aunque sea un poco, a lo que podría llegar a sentir alguien en una situación así. Por supuesto, con un enfoque lo más respetuoso posible, para no herir la sensibilidad de nadie y, sin embargo, poner sobre la mesa un problema que, más allá de la patología, tiene una dimensión social que afecta a muchas personas, y a sus familias.

–Beka compartes sello discográfico con Hynphernia de Death & Legacy ¿Te ves colaborando con ella o que ella colabore con Kubika en algún momento?

Beka: Ya he colaborado con Cintia en directo, cantando una canción con su banda durante una gira de cinco días. ¡Fue muy divertido!. Así que, si se propone en algún momento, por nuestra parte estaríamos encantados y sería fácil de cuadrar.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Mothica – Somewhere in Between (2026)

– ¿Cuáles son los planes para la banda en lo que queda de 2026 y que podemos esperar de vosotros a nivel gira nacional?

De momento, tenemos muchas ganas de llevar nuestro disco al directo, esa es nuestra prioridad ahora. Tampoco queremos dejar de lado la composición de nuevos temas, así que trataremos de sacar tiempo para la parte creativa, la cual también nos encanta.

Respecto a una gira nacional, solo podemos ofrecer algunas fechas confirmadas, pero seguimos trabajando en cerrar más. Hasta la fecha, estaremos en:

16 de Mayo en Amayuelas de Abajo (Palencia). Festival Semilla Rock.

12 de Septiembre en Madrid, sala Siroco.

19 de Diciembre en Badalona, en Bloody Fest.

– Si tuvierais que girar con alguna banda internacional, ¿Cuál sería la soñada por toda la banda?

Como mencionamos anteriormente, cada miembro tiene diversas influencias e ilusiones, así que ponerse de acuerdo en una sola banda ha sido imposible.

Por eso, vamos a decir unas cuantas:

Beka: Me haría una especial ilusión girar con Jinjer!

Alex: Sería una auténtica pasada poder girar con Dream Theater o con Slipknot!

Berni: Un sueño hecho realidad sería girar con Tool.

Gonza: Me encantaría girar alguna vez con Tesseract o con Gojira.

Crystal Lake está de vuelta con nueva música, nueva energía y una nueva etapa. Tras el lanzamiento de su último álbum el pasado viernes, hablamos con John Robert C., el nuevo vocalista de la banda, sobre su entrada en el grupo, el proceso creativo del disco, las colaboraciones, la reacción de los fans y cómo es formar parte de una banda japonesa siendo de Brooklyn. También hablamos sobre la próxima gira europea con parada en España y sobre cómo compagina su vida como cantante con la de padre.

Quería preguntarte: es el primer disco completo que haces con la banda, si no me equivoco.

Sí.

¿Cuál fue el enfoque para vosotros con esta nueva formación y cómo presentarse al al mundo del metalcore? ¿Cómo empezásteis con esto?

No creo que su mentalidad haya cambiado con mi entrada en la banda. Creo que yo me he adaptado al camino que ellos ya tenían. Y creo que eso es algo bueno. No estamos intentando cambiar lo que es Crystal Lake. Como siempre, la idea es transmitir emoción feroz, ya sea algo emocional desde el corazón, o que quieras hacer mosh, o hacer headbang, lo que sea. Ese siempre es nuestro enfoque: la emoción. Incluso si la banda insiste en algo, si no puedes tocar perfecto, al menos transmite algo. Todo gira alrededor de la emoción.

Eso es genial, porque es exactamente lo que sentí escuchando el álbum. Hay algunas diferencias entre el anterior cantante, Ryo, y tú, pero siento la misma energía.

Todo está quizá un poco más pulido, pero sigue estando la emoción. Creo que esa es la palabra perfecta para describir a Crystal Lake. Puedes sentir muchos tipos de emociones: rabia, belleza, tristeza… todo.

Relacionado con el álbum, tienen colaboraciones increíbles. Jesse Leach, Taylor Barber de Left to Suffer, que es un cantante brutal, y David de Signs of the Swarm. ¿Teníais todo esto planeado desde el principio?

Desde que entré en la banda he estado diciendo que teníamos que hacer colaboraciones con David, Carl y Taylor. Lo repetí muchas veces. Revisamos nuestras listas de amigos: YD, Mitsuru, Gaku, TJ y yo. Pensamos en quién sería un gran cantante y quién querría participar.

Hablamos con todos nuestros amigos casi al mismo tiempo. Y resultó que llevábamos mucho tiempo hablando de estas personas. Tener a alguien como Mike Terry en nuestro álbum es increíble porque lo conozco desde hace mucho. Conozco a Taylor desde hace años, también a David. Es genial poder trabajar con amigos y también crear nuevas conexiones con cantantes legendarios como Carl y Jesse.

Intento modelar la forma en la que transmito emociones inspirado en Jesse Leach. Él suena como si se estuviera muriendo cuando canta. Suena como si estuviera en llamas. Su voz está llena de emoción. Y en cuanto a letras, Carl es una inspiración enorme para mí. Misery Signals es una de las bandas underground más importantes y sus letras son muy emocionales, muy inteligentes. Me encanta eso.

Hacer lo que amas con amigos debe ser increíble, especialmente con música. ¿Cómo estáis recibiendo la reacción del público? He visto muchas opiniones positivas sobre el álbum.

Sí, definitivamente he visto positividad, lo cual es genial. Los únicos comentarios negativos que veo parecen venir de gente que no quiere que el álbum sea bueno. No es que realmente no les guste, sino que sienten que “no debería ser bueno”.

En otras bandas he recibido críticas negativas y podía entenderlas. Pero ahora, cuando leo comentarios negativos, siento que simplemente están llorando. Estoy sintiendo el apoyo positivo. Sabremos mejor cómo funcionó el álbum después la gira con Miss May I. Si a la gente realmente le gusta, mantendrá las luces de mi casa encendidas. Si no, las apagaremos.

Quiero decirte algo: lo que hiciste es increíble. Entrar en Crystal Lake, una banda enorme de Japón, no es fácil.

Gracias.

La banda lleva activa desde 2002 o 2003, si no me equivoco.

Sí, es una locura. Mucho tiempo.

Creo que mucha gente esperaba que fallaras. Como: “¿Será capaz de llenar los zapatos de Ryo?”

Sí, la gente quiere que falles. Pero también entiendo esa reacción. A mí mismo me pasa cuando una banda cambia de cantante. Muchas veces pienso: “El antiguo era mejor”. Soy el primero que dice eso sobre otras bandas.

También eres padre, ¿no?

Sí. Soy padre a tiempo completo y cantante a tiempo completo. Cuando me voy de gira dejo a mi pareja con nuestro hijo, tres gatos, una casa y dos coches. Y le digo: “Nos vemos en unos meses”.

Ser padre es más difícil que ser cantante, pero también es más divertido. Me encanta ser padre. Corro por la casa, juego con mi hijo. Mi chica odia cuando estoy corriendo y gritando por la casa, pero yo lo adoro.

Vais a venir de gira por Europa pronto. Estaréis en España en marzo con Miss May I, The Great American Ghost y Diesect. ¿Cómo os sentís con esta gira?

Me encanta tocar en España. Estoy muy emocionado de tocar en salas cerradas, me gustan los festivales, pero en una sala pequeña puedes interactuar con el público. Puedes sacar el micrófono y hacer que toda la sala grite. En festivales grandes eso no funciona igual.

La sala en Barcelona tiene unas 800 personas. Es un tamaño perfecto.

Sí, me encantan las salas pequeñas.

Quería preguntarte también por el tema cultural. Tú eres de Brooklyn y te uniste a una banda japonesa. Es una diferencia cultural enorme. ¿Cómo lo manejaste?

Intento adaptarme, igual que ellos cuando vienen aquí. No hablo japonés lo suficiente para tener conversaciones largas. Mis compañeros hablan inglés, pero en Japón a veces estoy en una mesa con gente y simplemente me quedo callado. Aprender un idioma es difícil con mi vida: giras, ser padre, trabajar. Pero me adapto al ambiente. Aunque no hablemos mucho, puedo sentir la vibra y pasarlo bien. Tengo amigos japoneses que apenas hablan inglés, pero aun así somos buenos amigos.

Cuanto más tiempo pasas allí, más aprecias su cultura.

Por ejemplo, algo que me encanta es cómo usan las escaleras mecánicas. La gente se pone a un lado para que los demás puedan pasar. En Estados Unidos la gente se queda en medio con la mochila y nadie puede pasar. Son pequeñas cosas culturales. También me gusta mucho su etiqueta en los restaurantes. Tienen una frase para agradecer la comida al terminar. Es algo muy bonito.

Recuerdo la primera vez que llegué a Japón. Bajé por una escalera mecánica y me quedé en medio con mi maleta. Me dijeron inmediatamente que me apartara a un lado. Luego vi a todo el mundo haciendo fila para el tren y pensé: “Ok… esto va a ser muy diferente”.

Imagínate cómo es para ellos. Durante 24 años la banda era solo japonesa y de repente aparece un italiano-americano de Brooklyn.

Soy como un niño dibujando en las paredes con un rotulador dentro del grupo. Incluso me han corregido cómo dejar los palillos en la mesa. En Japón no puedes dejar los palillos clavados en la comida porque eso se hace en ceremonias funerarias. Así que a veces estoy solo intentando comer ramen y alguien me corrige cómo dejo los palillos. Pero así es la cultura. Para ellos es natural.

Para mí también hay cosas naturales, como poner el tenedor en la comida. Yo soy muy bromista. Siempre estoy haciendo chistes, poniendo apodos a la gente. Tengo una frase que digo siempre: “This is America”. La digo en cualquier parte del mundo, incluso cuando estoy en otro país. Es como mi frase típica.

Creo que ya terminamos nuestras preguntas. Solo quiero darte las gracias, John. Fue increíble hablar contigo. Nos vemos en Barcelona.

Gracias a ti.

Tras el breve regreso de Subterranean Kids en 2023, una nueva etapa toma forma bajo el nombre de Subterranean. Con Mimo al frente —voz histórica del proyecto— y acompañado por Alberto “Brutus”, Gerard y Jordi, la banda arranca una nueva singladura que conecta pasado y presente del hardcore barcelonés. Hablamos con ellos sobre rupturas, reencuentros, legado, composición y el inminente lanzamiento de su nuevo disco.

—Vuestro último retorno en 2023, como Subterranean Kids, estuvo marcado por el fichaje por HFMN y el hecho de actuar junto a NOFX, aunque el estreno en directo fue en la Estraperlo de Badalona (14/5/2023), en un concierto para amigos e invitados, pero la reunión tuvo un corto recorrido. ¿Cuántos conciertos fueron finalmente, y qué pasó?

Mimo: Fueron los conciertos con NoFX, un festival en Castellón y el Mondra’n’Roll en Euskadi y poca cosa más. Lo que pasó es que hubo divergencias de pensamiento sobre dónde y qué dirección debería tomar la banda, que también se juntaron con divergencias personales y de actitud entre algunos miembros.

—A finales de ese mismo año se arma la nueva banda, Subterranean, que se presentó en Guíxols en febrero, en marzo en Terrassa teloneando a Crim, algunos festivales, y en Badalona de nuevo con los californianos R.K.L., en 2025, treinta años después de actuar juntos en Barcelona en el 93 en KGB —y quizá también en Garatge Club—. ¿Cómo fue el reencuentro con los americanos?

Mimo: La verdad es que fue bien. Alberto y yo ya los conocíamos de antes; yo sobre todo a Barry y a Little Joe. Como es normal, estuvimos comentando cosas e historias del pasado y de cómo estamos ahora. Musicalmente nos comentaron —según ellos, y si hay que creerles— que les gustamos mucho más ahora que antes. La verdad es que son gente muy fácil y agradable.

Alberto: Barry RKL y yo conservamos una amistad desde que teníamos 20 años, creo. Estuvo hospedado varios días en mi casa en su primer viaje a Europa celebrando su graduación en la universidad. A partir de ahí nos íbamos carteando, explicándonos nuestras aventuras: él con su nueva banda RKL y yo con mi nueva banda GRB.

En el 93 tuvieron problemas en una accidentada gira europea. Barry me envió un “help” y RKL se instaló en mi casa en Barcelona para reponerse y reestructurar la banda antes de volver a California e iniciar la gira que tenían programada, en la cual me incorporé como técnico de sonido. Así que te puedes imaginar que el encuentro fue bonito.

—La nueva formación cuenta con Mimo a la voz, único miembro original de SK, junto a Alberto aka Brutus, guitarra de los míticos GRB y habitual en las últimas alineaciones de SK, además de Gerard y Jordi al bajo y batería. ¿Cómo fue decidir el cambio de nombre y por qué la elección de Gerard y Jordi?

Mimo: Después de la separación de S.K. surgió la posibilidad de continuar con otro proyecto con Alberto. Hablamos con Gerard, que ya sabía lo que había pasado, y nos dijo que si queríamos hacer algo contáramos con él. Así fue. Pensando en quién podría ser el batería, se me ocurrió llamar a Jordi sin saber qué respuesta nos daría. La verdad es que no se lo pensó ni un momento: nos dijo que sí y que además tenía local de ensayo y equipo. Todo salió así de fácil, se empezaban a alinear los astros.

Alberto: Mimo y Boliche son los fundadores de Subterranean Kids. Al no estar Boliche en el proyecto veíamos feo e incoherente conservar el nombre, pero por otra parte la voz de Mimo es sello de la casa y además tocamos temas de Subterranean Kids. ¿Solución? Kids fuera.

—¿Creéis que Jordi hará olvidar esos ritmos imposibles de Boliche a la batería?

Mimo: No se pueden comparar, cada uno tiene su manera de tocar. Jordi siempre comentó que esto sería un reto para él y yo personalmente creo que lo ha superado con creces y solvencia. Es muy exigente consigo mismo y no tiene nada que envidiarle. Es un placer y un seguro tenerlo en la banda.

Alberto y Gerard: Eso depende de la perspectiva de quien lo vea. Pifa es una bestia, contundente y muy preciso, una gozada. Boliche y Pifa tienen su estilo propio, como todo músico. Nos parecería absurdo plantearlo desde una perspectiva comparativa o competitiva. A unos les puede gustar más uno que el otro, pero este factor no tiene por qué condicionar la trayectoria de nadie.

—¿El cambio de nombre es debido a algún posible conflicto entre los miembros originales o a romper en parte con el pasado?

Mimo: Se quitó el “Kids” más que nada por respeto hacia la banda y porque ya no somos “kids”. ¿Y por qué cambiar lo de Subterranean cuando al empezar tocábamos temas de S.K. que Gerard y Jordi se habían aprendido? Casi el 100% de las letras son mías y parte de las canciones que tocamos son de la última época, en la que Alberto fue responsable de la composición musical. Además tocamos algunas de las canciones más conocidas de S.K., junto con un tema de G.R.B. y lo nuevo que estábamos sacando. Lo más fácil era llamarse Subterranean si estás tocando temas que son tuyos.

—¿Por qué habéis mantenido parte del nombre original y no uno distinto, teniendo en cuenta que existen otras bandas llamadas Subterranean por el mundo?

Mimo: La primera parte queda respondida en la pregunta anterior. Y respecto a lo de la otra banda, tienes razón, no lo habíamos pensado. Hemos ido a lo fácil y por eso hemos añadido H.C., Subterranean H.C. o hardcore-punk, para diferenciar.

—Explicadnos cómo ha sido el proceso de composición y la elección de Estudios Ultramarinos, en Sant Feliu de Guíxols, y de Santi García para la grabación y producción.

Mimo: La composición ha sido muy fluida y fácil, aunque también muy elaborada y detallista. Hay temas que estaban hechos a finales de los 90 y que eran inéditos; los hemos retocado y actualizado tanto en estructura como en música y letras. Otros son totalmente nuevos. Más que elegir el estudio, fueron David (HFMN) y Santi quienes nos propusieron grabar allí. Ya conocíamos las producciones de Santi, sin dejar de lado el trabajo de su hermano en el mastering, donde todo se realza y compacta. Santi siempre dijo que nos haría un discazo y así ha sido.

Alberto: Tenemos un proceso de composición maravilloso. Todo sale fluido, natural y rápido. Trabajamos en equipo, todo el mundo aporta. Hay mucha creatividad, poco conformismo y exigencia musical.

—De momento han aparecido un par de cortes en formato videoclip del álbum que verá la luz el 6 de marzo. ¿Por qué habéis elegido esta forma de proceder y qué hay de la elección de las imágenes que ilustran “Generación Perdida”?

Mimo: Esto lo hemos dejado en manos de HFMN, que nos ha guiado en la forma de proceder y en los tiempos hasta la salida del disco. El primer videoclip, “Bajo tu piel”, es como una presentación de la banda. Fue creado por Teniem Potencial, a quienes dimos libertad dentro de los medios disponibles, y el resultado es impresionante. El segundo es un videolyric creado por Gerard Bernal, el bajista, que ha interpretado la letra desde un punto de vista bastante interesante.

—¿Qué puedes contarnos del contenido del disco, tanto musicalmente como en la temática de las letras?

Mimo: Ha salido lo que pretendíamos: un disco de hardcore de principio a fin, con un sonido actualizado y brutal, y con letras que tocan temas sociales y políticos, pero también temas intimistas con sus sentimientos y emociones. HARDCOREPUNK. PUNKHARDCORE.

Gerard: Es un disco dinámico, con diversidad de estilos dentro del hardcore/punk y bastante técnico. Hemos conservado el estilo de riffs de la última época de Subterranean Kids, actualizándolos lo justo para mantener el sonido de siempre pero adaptado al presente.

—Un excomponente de Subterranean Kids comentó que el nuevo trabajo suena bastante a R.K.L. ¿Estáis de acuerdo o pensáis que sigue sonando a los viejos Sub Kids?

Mimo: Suena a Subterranean. Suena a lo que siempre he querido para la banda en la que toco. Hay variedad, pero suena duro y contundente, que es lo que pretendíamos.

Alberto: Puede que algunos temas sí, los antiguos que hicimos en el 97. No lo sé ni me importa demasiado. En mi ADN llevo no solo RKL, sino también Dead Kennedys, Bad Brains, Hüsker Dü… Es normal que eso se manifieste en tu música. Lejos de verlo negativo, lo veo bonito.

—Habéis anunciado gira estatal con siete fechas en marzo, abril y mayo. En el pasado visitasteis casi toda Europa, pero ¿qué hay de América?

Mimo: Ufff… A mí personalmente me encantaría. Pero vayamos paso a paso. Si tiene que ser, será; y si no, no será.

Gerard: Tal como está Estados Unidos hoy en día lo veo difícil. Tendrían que cambiar algunas cosas. América Latina ya es diferente; estaría muy bien poder hacer una gira por ahí. Si sale la posibilidad y es factible, todo se puede hablar.

Mammon’s Throne es una interesante banda australiana de Doom Death Metal, con un sonido único, pesado y ominoso. Su último trabajo, “My body to the worms”, me ha dejado personalmente hipnotizada. Y hoy tenemos la suerte de hablar de todo esto con Matt, su vocalista y letrista.

Buenos días y muchas gracias por concedernos esta entrevista.

En primer lugar quiero felicitaros por el nuevo disco, el tercero de vuestra carrera. “My body to the worms” es un trabajo impresionante, pesado, ominoso, e hipnótico. ¡Se ha metido en mi cabeza!, por favor ¿podéis hablarme un poco más del proceso creativo del disco?

Muchas gracias por contactarnos y charlar con nosotros. Me alegro mucho de que estés disfrutando del álbum. Ha sido un largo camino hasta que por fin ha visto la luz y estamos encantados de que ya esté disponible.

Solemos componer las canciones todos juntos en la sala de ensayo. Normalmente, alguien trae una idea y a partir de ahí la desarrollamos improvisando juntos. Excepto en “Every Day More Sickened”, todas las voces se componen sobre la marcha y se perfeccionan tras ensayar las partes varias veces. A veces, otro miembro de la banda tiene una idea que encaja bien con la original en la que estamos trabajando, o simplemente se nos ocurre sobre la marcha. Es un proceso muy orgánico y parece que nos ha funcionado bien hasta ahora. Nos esforzamos mucho para que el resultado final sea coherente y se ajuste a la narrativa que queremos transmitir en cada canción.

Es un álbum muy completo, en el que habéis incluido algunas piezas especiales que sirven de transición a otras y en las que habéis introducido elementos extra, que van más allá de la formación instrumental de la banda: como “At the Threshold of Eternity” con ese teclado tan bello y como “Clandestine Unholy Rites”, muy atmosférica, con sonidos propios de un cementerio embrujado. ¡Muy impresionante! Quería preguntaros ¿es difícil componer algo así?, ¿le daréis un uso en los directos?

De hecho, compuse “Clandestine Unholy Rites” antes de terminar el álbum para usarlo en nuestros conciertos como introducción a “Elixir”, así que tenía mucho sentido incluirlo en el álbum para transmitir ese aspecto de nuestros shows y capturar esa misma atmósfera. Nuestro guitarrista principal, Amesh, compuso y grabó “At the Threshold of Eternity” para introducir la segunda cara del disco cuando estábamos pensando en cómo sonaría el álbum en formato LP físico. También fue compuesta para que encajara bien con “An Angel’s Grace”. 

No diríamos que fue difícil, porque fue muy divertido trabajar con paisajes sonoros e instrumentos diferentes a los del resto de las canciones. Amesh y yo somos apasionados de la grabación, el trabajo con sintetizadores y la producción de audio en general, así que fue un proceso muy agradable.

Hablando de ese “Clandestine…” quería preguntaros por la canción que suena a continuación: “Elixir”. Me ha cautivado, tanto por su sonido (que habéis calificado de “Funeral Slam”), como por su sugerente videoclip: me llama mucho la atención elegir a una mujer para el papel de Nosferatu, decisión que aplaudo (y Bailey Dior está estupenda). Por favor, habladme más de la canción y el vídeo.

Teníamos muchas canciones extensas y complejas escritas para el álbum y sabíamos que queríamos incluir algo un poco más simple y contundente. También se nos ocurrió la idea de probar un breakdown con influencias hardcore en una canción, y esto nos llevó a “Elixir”. La letra de “Nosferatu…” originalmente era solo un estribillo provisional, pero después de probar otras ideas, ninguna impactó tanto y terminó siendo la elegida, y el resto de la letra de la canción se escribió alrededor del estribillo. 

Cuando decidimos que queríamos hacer al menos un vídeo musical para acompañar el álbum, “Elixir” fue la opción obvia para nosotros. Amesh habló con su pareja, Bailey, y ella estaba muy entusiasmada por participar. Nos gustó la idea de que Nosferatu fuera una mujer, ya que es algo diferente a la representación habitual. Se nos ocurrieron muchas ideas para escenas que podríamos filmar de manera realista en un videoclip y encontramos un espacio que funcionaba extremadamente bien para la idea, con muchos accesorios y ambientación que se prestaban sin esfuerzo al tema. Nuestros colaboradores nos prestaron una ayuda increíble en todo, desde el maquillaje hasta la ambientación, y fue un placer trabajar con el videógrafo Lord Rob Satan. Logramos grabar todo en un solo día y estamos sumamente satisfechos con el resultado.

“Departed”, otro de vuestros singles con videoclip, parece seguir esta fórmula maestra, bebiendo de la imaginería cinematográfica (esta vez del gothic western) y dando un protagonismo elegante a la figura femenina de Bridgette Baini. Pese a estas similitudes, ambas suenan muy diferentes y únicas. Ese “my body to the worms” tras el breakdown de la canción me parece sublime. Habladme por favor también de esta pieza.

Este tema surgió de una sencilla progresión de acordes que Amesh aportó, una especie de vals sombrío. Johnny, nuestro guitarrista rítmico, y yo somos grandes fans de la banda Wayfarer y de la atmósfera gótica occidental que aportan a su black metal. También soy un gran fan de Fields of the Nephilim, que hizo algo similar con la música gótica allá por los 80. Sabíamos que esta era la base perfecta para dar rienda suelta a nuestra creatividad y hacer una interpretación del tema al estilo de Mammon’s Throne. Tras disfrutar tanto de la creación del videoclip de “Elixir”, decidimos hacer dos más, y “Departed” fue la siguiente canción que abordamos. Johnny ideó un magnífico storyboard para las escenas y, muy amablemente, nos cedieron el espacio de arriba de uno de nuestros locales favoritos, “The Bendigo Hotel”, para filmar. Trabajamos con el mismo videógrafo que para “Elixir”, pero conseguimos capturar una atmósfera completamente diferente. El nombre del álbum se tomó posteriormente de la letra final de esta canción.

Ya que hemos pasado por dos canciones con influencias del cine, y sabiendo que tomáis el nombre en un principio de los cómics de Spawn. Quiero preguntaros, ¿hasta qué punto la cultura underground es una fuente de inspiración para vosotros? (los cómics, literatura pulp, cine de terror, videojuegos…)

Aunque no solemos escribir canciones directamente sobre películas o franquicias de videojuegos, estas influyen en algunas de mis letras y forman parte importante de mis aficiones, por lo que son una parte fundamental de mi personalidad. Por ejemplo, “Abhorrent Skies”, del primer álbum, está inspirada en “Expediente X” y usamos algunos sonidos de la serie original como introducción cuando tocamos esa canción en directo. H.P. Lovecraft y sus mitos de horror cósmico también son una gran inspiración. Algunos fans de Warhammer 40K quizás hayan notado la primera línea de “Return Us to the Stars”, que dice “All is dust…”. Esas son algunas de nuestras referencias.

Además, tocáis grandes temas universales: la codicia, el existencialismo, la oscuridad del alma humana… ¿Hasta qué punto la crítica social y la filosofía son fuentes de inspiración para vosotros?

Suelo escribir sobre temas que me causan angustia mental en mi vida personal, a modo de catarsis, y encajan a la perfección con la música profundamente emotiva de la banda. No diría que me interese mucho la filosofía; son más bien observaciones sobre el lado oscuro del mundo que nos rodea.

Sois una banda con rodaje, pero relativamente joven, aún no habéis cumplido los 10 años juntos. Y sin embargo vuestro sonido se nota muy depurado, tenéis un registro muy propio y característico, que otras bandas tardan mucho más en alcanzar. ¿Cómo ha sido este viaje para encontrar vuestro sonido?, ¿o quizás es algo que se estableció desde el principio?

El tiempo se nos ha pasado volando y creo que la pandemia tuvo mucho que ver. Estuvimos en confinamiento estricto poco después de lanzar nuestro primer álbum, y la pausa que esto provocó hizo que nuestro segundo álbum saliera bastante más tarde de lo previsto. En realidad, parece que solo llevamos unos cinco o seis años como banda activa debido a esta pausa involuntaria en las giras y los ensayos. En retrospectiva, nos dio tiempo para reflexionar sobre la dirección que queríamos darle a la banda, y salimos del confinamiento con mucha agresividad y energía reprimidas que se tradujeron en la incorporación de más elementos de Black y Death Metal en nuestra música. Ya estaban presentes en el primer álbum, pero no tan integrados en la atmósfera general como ahora, y estamos muy cómodos y satisfechos con la identidad de la banda tal como está ahora.

También quisiera preguntaros por el aspecto estético de la banda. Está claro que os gusta lo retro, tanto en los vídeos (lo hemos visto especialmente en “Every Day More Sickened”), como en la portada de los discos que también tienen un estilo de alguna forma clásico (aunque con vuestro toque único). ¿En qué os inspiráis en el apartado estético de la banda?

Somos grandes admiradores del arte impactante y llamativo, y los 80 y principios de los 90 sin duda lo tenían en abundancia. Tenemos la suerte de contar con un grupo de amigos cercanos que son artistas radicados en Melbourne, y su estilo retro de heavy metal complementa a la perfección la música de nuestra banda.

Oscar Bonin, quien realizó el arte de “My Body to the Worms” y del álbum anterior (“Mammon’s Throne”, homónimo de la banda), encaja a la perfección con nuestro sonido y siempre logra crear algo que nos deja boquiabiertos. También hemos trabajado mucho con Dave Long/Thulsa Doom, quien diseñó nuestro logo y otras obras de arte. Nos encanta poder apoyar a artistas locales y la simbiosis natural que existe entre el arte y nuestra música.

El vídeo de “Every Day More Sickened” fue un esfuerzo consciente por recrear los gloriosos días de MTV y Rage en Australia, ya que estos vídeos fueron los que nos influyeron cuando éramos jóvenes y estábamos descubriendo el metal por primera vez.

Por cierto, “Every Day More Sickened” es una pieza estupenda y totalmente única y la cual vosotros habéis señalado en entrevistas que era la que más ilusión os hacía mostrar al público: ¿por qué es así? y ¿está teniendo la acogida que vosotros esperábais?

Esta fue la última canción que escribimos para el álbum y sentimos que representaba todo lo que la banda tenía para ofrecer. La terminamos el día antes de grabar el álbum y la sensación de alivio al completarla y el triunfo que sentimos al escucharla grabada fue eufórica. Dicho esto, hay muchas emociones personales en la banda en torno a la canción y parece que a los oyentes también les ha gustado mucho. Creo que la letra está conectando con mucha gente y también aprecian todos los giros y cambios que toma la canción.

Todo lo que llega desde Australia suele triunfar muchísimo en España: ACDC, Mad Max y, por supuesto, Bluey 🙂 En los 90 todos los adolescentes españoles estábamos obsesionados con “Heartbreak High”. ¿Hasta qué punto la identidad de la banda está ligada a la identidad de vuestro lugar de origen?

Creo que nos hemos sentido un poco como la oveja negra de la escena doom de Melbourne, ya que nos hemos inclinado cada vez más hacia las influencias del doom europeo en lugar del sludge sucio y el stoner doom de muchos de nuestros compatriotas, que son geniales por derecho propio. Así que, en cuanto al sonido, no estamos seguros de que haya una gran influencia, sino más bien la cultura, la fuerza y ​​la musicalidad de la escena en sí. Hemos recibido un apoyo increíble de otras bandas y del público desde el principio y estamos eternamente agradecidos a todos con los que hemos compartido escenario o nos han contratado, y también a todos los que siguen viniendo a apoyar la escena del metal australiano. ¡Ojalá podamos añadirnos a la lista de exportaciones australianas que triunfan en España! Sin duda, hay muchas bandas australianas que merecen más reconocimiento internacional.

Actualmente estáis trabajando en la promoción y gira de “My body to the worms”: ¿cómo está siendo acogida esta nueva etapa de Mammon’s Throne?, ¿tendremos la suerte de poder disfrutarlo en directo en España en el futuro próximo?

Diría que está teniendo una muy buena acogida. Siempre buscamos mejorar nuestros conciertos y la respuesta del público nos confirma que esto se está transmitiendo claramente. Fue genial poder tocar el nuevo álbum completo en nuestro concierto de lanzamiento en Melbourne ante un público que estaba allí para celebrar con nosotros, y su apoyo con la venta de merchandising fue fenomenal.

Estamos buscando la manera de ir a Europa próximamente. Cuantos más fans apasionados tengamos, más fácil será lograrlo, así que esperamos que la gente hable de nosotros a sus amigos y se haga oír. La colaboración con Hammerheart nos ha abierto muchas puertas y estamos listos para darlo todo.

Muchas gracias por vuestro tiempo y vuestras respuestas. Enhorabuena por el buen trabajo.

Antes de su concierto en Barcelona, tuvimos una breve charla con Jay Valentine, vocalista de Guilt Trip, donde hablamos de su relación con España, nueva música y su identidad sonora.

– Hola hombre ¿Cómo estás?
Encantado de conoceros

– Así que estáis aquí en Barcelona. Comenzando esta gira español-portuguesa y luego os vais a los Estados Unidos Has estado aquí tres veces creo que al menos con Architects, aquí en razzmatazz3 y ahora la tercera vez. ¿Cómo os sentís de gira en España y Portugal? ¿Qué es lo que más os gusta de España?

Sí, um. lo que más me gusta de España es el clima. definitivamente está bien porque siempre está lloviendo de donde somos en Manchester pero es genial venir a España siempre lo pasamos bien los shows siempre son buenos, el público siempre es muy divertido así que sí, estamos emocionados de estar aquí. me alegro de estar de vuelta. creo que es nuestra cuarta vez en España en general. tocamos en Resurrection Fest todo el headliner de Malevolence, un headliner hace un par de años y luego con Architects.

– Os vi abriendo para Malevolence fue un espectáculo loco, fue bastante pronto creo que eran como 5:30 algo así pero era una energía loca, así que chicos. habéis sacado tres canciones nuevas este año y creo que van bastante duras como siempre hacéis, oye. ¿Qué podemos esperar de Guilt Trip este año? ¿estáis trabajando en un álbum? un ep si puedes hablar de ello por supuesto o simplemente estáis pensando en lanzando singles?

Sí, tenemos un disco completo casi listo para salir. vamos a anunciarlo en las próximas semanas y sí eso es probablemente todo para el año. tenemos algunos tours y cosas cerradas. estamos muy emocionados de sacarlo. es un álbum completo así que espero que la gente lo disfrute.

– Perfecto y quería preguntarte sobre el la sensación de que estáis en un punto intermedio entre el metal moderno y el metal más clásico. sois una mezcla entre yo diría Hardcore/Thrash/Metalcore si estoy en lo cierto, ¿Cómo lo sentís vosotros? porque siento que la producción es de primera categoría pero manteniendo la vibra de la vieja escuela. ¿es eso cierto o…?

Sí, eso es correcto. Nos gusta la buena producción. creo que si suenas bien y “crujiente” la gente se mete mucho más fácilmente pero todas las bandas de las que nos inspiramos son viejas bandas como Machine Head, Devil Driver, cosas así y luego en el lado duro bandas como Sick Of It All, Biohazard, Madball, Terror, etc., así que todas nuestras influencias son como de hace más de 20 años. así que probablemente por eso sonamos como de la vieja escuela, sí. y luego buscamos una suene actual. ese es el aspecto moderno de la banda. creo que es una buena mezcla y tenemos gente ya sabes, gente más joven en los shows. y también tenemos muchas personas mayores así que es una buena mezcla y sabes que la gente lo aprecia.

– Creo que estáis dando el gran paso ahora o esto siento luego de aquí y Portugal, si no estoy equivocado, os vais a los Estados Unidos ¿Sentís un poco más de presión ahora? o seguís con las mismas sensaciones, sabes como toda la vibra de la vieja escuela…

No diría presión. siento que lo estamos disfrutando por lo que es. entendemos que es como si tal vez nuestro parche morado en este momento. crecer más, tal vez no lo hagamos pero lo estamos tomando con calma disfrutándolo por lo que es y nos lo estamos pasando genial haciéndolo. así que cuantos más shows podamos hacer, cuantos más tours, mejor para nosotros.

– Entrevista corta pero ha sido un placer, hombre. Muchas gracias amigos, esto ha sido Guilt Trip. así que nos vemos en el moshpit.

Agabas son una banda noruega que fusiona Jazz con Death Metal, con unos directos totalmente únicos y que ofrece a partes iguales amor y furia. Acaban de sacar la versión deluxe de su último disco, “Hard Anger”, y han estado de gira, como teloneros de Avatar y en combinación con Alien Weaponry y Witch Club Satan. Actualmente trabajan en su próximo álbum que quizás nos llegue para finales de año.

Hemos podido hablar de todo esto y mucho más con su guitarrista Oskar Myseth.

Hey! el guitarrista de mi banda favorita de Deathjazz. Muchas gracias, Oskar, por concedernos esta entrevista.

¡Oh, sí!

Acabáis de terminar un tour estupendo con Avatar, donde habéis tocado vuestra música y donde además te hemos visto a ti hacer crowdsurfing mientras seguías tocando la guitarra, y hemos visto a Sondre ser prácticamente devorado vivo por un moshpit que él mismo instigó… así que ¿qué tal la gira y cómo habéis sobrevivido a todo esto?

Pues ¿sabes qué?, nos habíamos mentalizado de que la gira iba a ser mucho más agotadora, pero en realidad hemos estado en todo momento llenos de energía porque todo el mundo en la banda y también en Avatar y en Alien Weaponry, y los equipos de apoyo de todos ellos, todos han sido tan majos y agradables… que todo ha ido muy suave. Es cierto que los shows pueden llegar a ser muy tumultuosos y locos, pero está todo controlado, sabemos lo que hacemos y nos hemos sentido muy bien haciéndolo.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Avatar en Copenhague: “El circo del metal”

¿Y cuál ha sido tu canción favorita para tocar en directo?

Mmmh, diría que “Steg etter steg”, la última del set list. Pertenece a un álbum anterior: “A hate supreme” y nos encanta seguir tocándola en vivo porque la gente se pone a bailar y a moverse muchísimo. No sé exactamente el por qué, pero tiene ese efecto y resulta muy divertida de tocar.

También quería preguntarte por las letras de las canciones, porque he estado escuchando vuestro último álbum, “Hard Anger”, muchísimo estos días y me ha impresionado la dureza de las letras, los temas que tratáis… y quería preguntaros: ¿cuánta inspiración sacáis del mundo real, de las noticias y de la crítica social?

Bueno, no puedo contestar con un 100% de seguridad a esta pregunta porque normalmente es nuestro vocalista quien escribe las letras, pero sí, nosotros solemos escribir sobre aquellas cosas que nos importan más profundamente y eso suele significar ver problemas en el mundo y en la sociedad en general y tratar de usar nuestra voz para comentarlos. Si podemos de algún modo causar un impacto positivo en el mundo o ser una influencia para que nuestros fans piensen también sobre estas cosas, nos sentimos satisfechos. Otras veces simplemente nos apetece escribir sobre cualquier tema personal o ficticio, sólo porque ese día estamos inspirados de esa manera, pero normalmente sí que incluimos muchos temas serios y políticos, porque es algo que nos preocupa e interesa. 

También estáis haciendo un impacto positivo en el mundo a través de vuestra web. Veo que actualmente dedicáis los beneficios del merch a Médicos sin fronteras y la causa Palestina. Desde aquí os doy las gracias por hacer eso. ¿Quieres comentar algo sobre el tema?

Sí, es otra manera de participar. Al final sólo somos una banda de Metal, así que no hay mucho que podamos hacer, pero creemos que todo el mundo puede hacer al menos un poquito, así que con esto hemos querido encontrar una manera de aportar nuestro granito de arena, algo que sí podíamos hacer para general algún cambio. Así que dijimos “¿por qué no donar algo del dinero del merch a estas causas?”. Es bueno poder contribuir aunque sea un poco a este tipo de cosas. Así que el merchandise que hemos marcado con el logo de “Make deathjazz not war”, donamos sus beneficios a Médicos sin fronteras y al Comité Noruego de Palestina.

Pero no todo es seriedad en Agabas. Quería preguntaros por vuestra otra cara: la del humor. Y es que tenéis algunos vídeos muy locos, tenéis memes divertidísimos en vuestra web oficial, juegos de palabras (como el propio nombre del álbum “Hard Anger” basado en el fiordo de Hardanger)… ¿Qué papel juega el humor en Agabas?

Sí, esto es algo que de forma natural se ha incorporado a la banda. Al final sólo somos unos tíos a los que les gusta pasarlo bien. No queremos tomarnos todo siempre en serio. No creo que estuviéramos haciendo música en una banda si no nos lo pasáramos bien con ello, porque es muy duro tocar en una banda… estás intentando hacer algo de calidad y a la vez equilibrar esto con un trabajo y otras cosas, a veces es duro. Así que al menos tenemos que pasarlo bien. Por eso digo que es algo que ocurre de forma natural para nosotros.

Y ¿qué es lo que haces entre medias de la gira para pasarlo bien y relajaros, cuando no estáis tocando?

Relajarnos: ¡nunca! Pasarlo bien sí, pero no te puedes relajar en una gira. Afortunadamente para nosotros este ha sido un estupendo entrenamiento. Porque esta es la primera gira de este tamaño en la que participamos, pero lo hicimos en dos semanas diferentes: tuvimos nuestra primera semana tocando en la gira con Avatar y Alien Weaponry. Luego la banda Witch Club Satan nos cogió el relevo, y después volvimos a actuar nosotros esta última semana. Esto nos ha permitido recargar pilas, porque ambas semanas han sido realmente intensas. Por ejemplo, hablábamos con los compañeros de Alien Weaponry que han estado abriendo para Avatar por seis semanas consecutivas y hemos visto que las posibilidades de relajarse no son muchas. Se trata de tocar, tomarse unas cervezas y a la mañana siguiente viajas a otra ciudad, descargas, haces pruebas de sonido, tocas y… bueno, pues te tomas otro par de cervezas, te vas a dormir, vuelves a viajar… y así. De vez en cuando hay algún día libre, pero la verdad es que las giras son intensas. Nos esperamos a relajarnos de verdad cuando volvemos a casa.

También quería preguntaros por vuestra estética. Me llama mucho la atención vuestro logotipo, las portadas de los discos, especialmente del nuevo, “Hard Anger” con esas flores tan llamativas y diferentes a lo que solemos ver en el metal…  Por favor habladme del aspecto visual de la banda, ¿qué tratáis de transmitir con ello?

Representa varias cosas para nosotros. En primer lugar es otra manera de visualizar la unión del Jazz y el Metal. Nos gusta utilizar las flores y esta estética para mostrar que aquí hay algo diferente, alejándonos un poco de la estética oscura más tradicional. También representa nuestro mensaje principal que es amabilidad, paz… Es cierto que este mensaje ya forma parte naturalmente de la comunidad del Metal, pero es cierto que no suele materializarse tanto en la estética: las cosas suelen verse más oscuras ¡y eso también me gusta mucho!, pero nosotros particularmente hemos querido hacer algo que diga “¡hey! estos somos nosotros”. Nos gusta tocar duro, nuestra música es oscura, pero también llena de amor; también lo pasamos bien y podemos jugar un poco con todo esto. Y de ahí ha salido este logotipo que tenemos, mitad flor mitad pentagrama.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Rage – A New World Rising (2025)

Desde luego, y esta estética a la vez brillante y oscura también se puede ver en vuestros vídeos musicales, que son estupendos. ¿Hay algo que te gustaría explorar en los próximos vídeos que saque Agabas? 

Vaya, esto es algo en lo que aún no he pensado mucho, pero es una gran pregunta. Ahora mismo estamos desarrollando ideas para el nuevo disco y aunque todavía estamos en las primeras fases del proyecto, es algo en lo que tenemos que pensar muy pronto.

Como guitarrista de deathjazz, haciendo hincapié en el jazz, si pudieras chasquear los dedos y traer a cualquier músico o banda, vivos o muertos, para hacer una Jam Session contigo ¿a quién elegirías?

¡John Coltrane! Para mí, ha sido mi mayor inspiración en cuanto a esta faceta de Jazz. La música que hacía, cuando la escuché por primera vez, me impactó mucho y me hizo pensar “¡Hostia! El jazz puede ser muy heavy”, es muy intenso y oscuro en algunos momentos. Esto me hizo pensar “esto podría ser perfectamente una canción de Metal” y al final escuchar ese tipo de música es lo que nos ha llevado a combinar ambas cosas.

¿Tienes alguna rutina especial de calentamiento antes de un concierto?

Sí, la verdad es que al principio cada uno hace lo suyo, a su manera: tratamos de activarnos, saltar, hacer muchos movimientos, estirar todo el cuerpo para no tener un calambre sobre el escenario. Algunos compañeros hacen flexiones, o gritan… Cada uno hace su cosa. Y después, tres minutos antes del show, nos reunimos y hacemos como un pequeño cántico para animarnos entre nosotros antes de subir al escenario.

Ya para finalizar ¿Qué es lo próximo para Agabas? ¿Y podremos disfrutaros por España en el futuro próximo?

Me encantaría. De momento no hay nada programado en España, pero siempre estamos trabajando en expandirnos un poco más. Contratar shows en diferentes lugares… De verdad que me encantaría ir a España este mismo año o el siguiente quizás. Lo próximo que vamos a hacer es un concierto en Oslo, que además tiene la novedad de ser para todos los públicos: van a poder venir jóvenes menores de 18 años y creo que eso va a resultar muy divertido. También iremos a un par de festivales de verano, pero no muchos. Y estamos trabajando en una gira por diferentes salas en otoño. No tengo los detalles todavía. Y por supuesto estamos componiendo. Nos reunimos a menudo para poner cosas en común y, mientras, cada uno va componiendo riffs y otras cosas. Queremos terminar el nuevo álbum este mismo año.

¿Puedes darnos algún detalle de este nuevo álbum? ¿El título quizás?

No, no… No estamos tan avanzados. De momento estamos componiendo las canciones.

Muy bien, mantenemos la sorpresa. Muchísimas gracias por tu tiempo y enhorabuena por el buen trabajo.

Gracias a vosotros.

El Veracruz Metal Fest, reconocido como el festival mexicano de metal más playero del país, celebrará su segunda edición el próximo sábado 28 de marzo en el Hotel Diana Cazadora, ubicado en Playa Chachalacas, en el estado de Veracruz, evento contará con un potente cartel que reúne talento nacional e internacional, con bandas como Marraneitors, Intoxicated, Höwler, Haborym, Ancestry, Baal, Venemous, All Misery, Steel Night, The Unholy y Genos Prototype, prometiendo una jornada intensa de metal frente al mar este próximo sábado 28 de marzo, además de una pre-fiesta un día antes en el Puerto de Veracruz.

En Track To Hell tuvimos la oportunidad de platicar un poco Ángel Jiménez, la mente detrás de esta peculiar propuesta que ya para su segunda edición, quien, estoico y preciso, nos platica un poco sobre lo que ha sido esta experiencia.

Cuéntanos un poco sobre ti, ¿cómo fue que te empezaste a ver involucrado en el mundo del metal?

Bueno desde los 13 años comencé a escuchar rock. Las primeras bandas que conocí de la escena mexicana fue Transmetal, de hecho ellos fueron fue mi primer concierto al que asistí. Después asistí a un concierto de Lvzbel con el finado Huizar y seguí escuchando a bandas como System of a Down, Korn, Slipknot, después conocí Black Sabbath, Dio y poco a poco me fue interesando todo el género del metal, desde lo más comercial hasta los más under.

¿Cómo empezaste a gestionar eventos? Cuéntanos sobre tu primer experiencia tras los escenarios.

Primero comencé haciendo Tours a eventos y festivales de Metal, después comencé a hacer eventos locales en mi ciudad, hasta que después comencé a trabajar con varias promotoras en México.

¿De dónde nace la idea de un festival metalero a pie de playa?

La idea de hacer un Festival en Veracruz ya la tenía desde hace mucho tiempo, fui parte del equipo de trabajo del México Metal Fest de Monterrey, siempre tuve el sueño de hacer mi propio festival, y pues soy jarocho que mejor que un festival de metal en la playa.

¿Por qué Playa Chachalacas?

Porque es la playa que está más al centro de muchas ciudades y porque es una de las playas más bonita de Veracruz.

¿Qué aprendiste de la primera edición?

Que hay que luchar por nuestros sueños y nuestras metas, porque sí se cumplen.

¿Cuál fue tu momento favorito de la primera edición?

Mi momento favorito fue ver a todos felices tanto al público como a las propias bandas, es una experiencia única.

¿Cuál ha sido el reto más importante al gestionar este proyecto?

El reto más importante fue no conocer la zona y el lugar, ya que yo vivo a 5 horas de Playa de Chachalacas y al principio se me complicó mucho porque no conocía a nadie de la zona, aunque después tuve la suerte de encontrarte con excelentes personas que me han ayudado en temas de logística y gracias a eso, pude solucionar ese inconveniente.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: DOOM CITY FEST: “NO PODEMOS GARANTIZAR BOLETOS EN TAQUILLA”

¿Qué mejoraste para este año?

Producción, baños, tendremos variedad de cervezas y tendremos nuestra pre-fiesta un día antes del Festival.

¿Qué se puede esperar del Veracruz Metal Fest a futuro?

La idea es convertirlo en un Festival de talla internacional, pero con el concepto único que es a la orilla del Mar, que ningún otro Festival de metal en México ofrece.

¿Por qué debería asistir la gente al Veracruz Metal Fest?

Porque es una experiencia única que no se vive en ningún otro Festival de Metal.

Pueden encontrar los boletos para este evento a través de la boletera Passline y tienen un costo de solamente $600 pesos.

Con casi dos décadas de trayectoria, Bull Brigade se ha consolidado como una de las bandas más sólidas del punk europeo. Desde Torino, han construido un sonido que combina intensidad melódica con una mirada social honesta y directa. Ahora regresan a España para presentar su nuevo disco Perche Non Si Sa Mai, reafirmando su conexión con un público que vive cada concierto con una energía única. Hablamos con ellos sobre inspiración, compromiso y lo que significa seguir siendo auténticos en 2026.

¿Cómo logran hoy en día ese equilibrio entre la melodía y el mensaje social?

Creo que el equilibrio nace de la honestidad. Nunca nos sentamos a pensar “ahora vamos a escribir una canción con mensaje”. Las historias salen de nuestra vida: el trabajo, la ciudad, las personas que conocemos. La melodía llega cuando intentas darle una forma a todo eso. Con los años hemos aprendido que una canción puede ser directa y fuerte sin perder sensibilidad. Para nosotros la música y el mensaje no son dos cosas separadas: forman parte de la misma historia.

¿Sigue siendo Torino vuestra principal musa o ahora buscáis inspiración en otros lugares tras tantos años de gira?

Torino sigue siendo el punto de partida de todo. Es la ciudad donde crecimos, donde vivimos y donde nacen la mayoría de nuestras canciones. Las giras te abren la cabeza y te permiten conocer realidades distintas, pero cuando escribimos siempre volvemos a lo que conocemos mejor. Las calles, la gente y las contradicciones de Torino siguen siendo una fuente de inspiración muy fuerte para nosotros.

¿Cómo se preparan para las 3 fechas que tienen por nuestro país?

Nos preparamos como siempre: ensayando mucho y llegando con ganas de tocar. España para nosotros no es un lugar cualquiera, siempre hemos sentido una conexión muy fuerte con el público. Así que intentamos preparar un set que mezcle canciones nuevas con temas que forman parte de nuestra historia. Al final, la verdadera preparación empieza cuando subes al escenario.

Vienen a presentar su nuevo disco: Perche Non Si Sa Mai, ¿qué canción no puede faltar en el directo?

Las canciones nuevas obviamente son muy importantes, porque el disco acaba de salir y tenemos muchas ganas de tocarlas en directo. Pero hay temas que ya forman parte de nuestra historia y que la gente espera escuchar. “Sopra i Muri” seguramente será uno de los momentos fuertes del set, porque resume bien el espíritu del disco.

¿Qué tiene el público español para que vuestros directos aquí se sientan tan viscerales?

Siempre hemos tenido la sensación de que el público español vive el punk de una manera muy directa y muy sincera. Hay mucha participación, mucha energía y un sentimiento muy fuerte de comunidad. Cuando tocamos aquí no sentimos distancia entre el escenario y el público, y eso hace que los conciertos sean muy intensos.

¿Qué papel juega una banda con principios firmes como la vuestra en 2026?

No creo que una banda tenga que dar lecciones a nadie. Nuestro papel es simplemente ser coherentes con lo que somos. Intentamos decir lo que pensamos y mantener una cierta honestidad. En un momento donde muchas cosas parecen superficiales o rápidas, quizá la cosa más importante es seguir siendo auténticos.

Si pudierais elegir a cualquier artista (vivo o no) para compartir escenario o grabar un tema, ¿a quién elegiríais y por qué?

Es difícil elegir solo uno porque venimos de una escena que nos ha dado muchísimas influencias. Probablemente la elección recaería en dos bandas: quizás Social Distortion para una colaboración en estudio en una o más canciones, mientras que Rancid para compartir un concierto en directo. Estas dos bandas han conseguido mantener una identidad muy fuerte durante muchos años sin perder credibilidad, así que para nosotros sería un honor.

¿Cuál es el problema social actual que más os urge denunciar en este momento?

Hay muchos, pero probablemente el crecimiento de la desigualdad social es uno de los más evidentes. Vivimos en una época donde las diferencias entre quienes tienen mucho y quienes tienen muy poco siguen aumentando. Para una banda que viene de una realidad obrera es imposible no hablar de eso.

¿Cuál es el objeto que nunca falta en la furgoneta de Bull Brigade cuando salís de gira por Europa?

Probablemente el café. Pasamos muchas horas viajando y el café es una especie de combustible básico para sobrevivir a las giras.

Si pudierais darle un consejo a los Bull Brigade que empezaron en 2006, ¿cuál sería?

Quizá les diríamos que disfruten más del camino y que no se preocupen demasiado por el futuro. Muchas cosas que parecen importantes en ese momento luego pierden sentido. Lo que realmente queda son las personas que conoces y las experiencias que vives.

¿Cuál es el siguiente gran objetivo que tiene la banda en el horizonte este año?

El objetivo principal es tocar mucho y llevar el disco lo más lejos posible. Un álbum realmente empieza a vivir cuando lo presentas en directo. Queremos viajar, tocar en nuevos lugares y seguir construyendo esta historia que empezó hace casi veinte años.

Hoy hablamos con Ergum, una banda de metal extremo en castellano, que sorprende por la crudeza de su sonido, la fuerza de sus guturales y la lírica de sus letras. Death Metal con influencias tanto de black metal, trash y grindcore, por la que sin duda merece la pena bucear en lo más underground de nuestro país.

Y es que Ergum ya llevan unos años dando vueltas por la escena española: con origen en 2008, viven una primera etapa en la que graban, siempre en formato de autoedición, “La mugre” (2012) y “Dokhma” (2014). Tras esto, la banda sufre un hiato hasta diciembre de 2021, cuando vuelven a la acción conservando a su inconfundible vocalista Edward y a Felipe Muñoz, a la guitarra, y sumando tanto al carismático Raul Guevara (batería) como a Dante Fernández y Jesús Hernández (ambos en Sadístic Christ) al bajo y guitarra solista. En 2023 publican el Split “Copropolíticamente incorrectos” grabado en directo en la sala Barracudas de Madrid junto a Moñigo y Cerebral Vortex y ahora finalmente, sacan el que en mi opinión es su trabajo más depurado: “Ruinas de la peste”.

Como guinda a este pastel putrefacto, hemos tenido la oportunidad de hablar un poco con la banda, actualmente de gira junto a Embloodyment. Esto nos contaron:

• Gracias por concedernos esta entrevista, por favor, habladme un poco del nuevo disco y de cómo estáis viviendo esta etapa actual de Ergum.

Buenas, gracias a vosotros por el interés. Un placer participar.

Estamos muy ilusionados con el nuevo trabajo. Entre cambios de formación y demás, estuvimos parados bastante tiempo y han pasado 12 años desde la publicación del anterior álbum (Dokhma) ¡¡12 años!!

Este álbum representa el resurgir de la banda y la consolidación de la nueva formación, lo que lo hace aún más importante. Todos hemos participado en la composición de los temas y hemos conseguido crear un álbum muy consistente sin perder la identidad de la banda. Es algo de lo que estamos orgullosos.

•  “Ruinas de la peste” se trata de un álbum autoproducido, al igual que otros trabajos anteriores, y sin embargo perfectamente sólido. ¿Cómo es habitar el underground más underground de la escena española? ¿Qué ventajas y desventajas tiene con respecto a trabajar con sellos discográficos?

 Así es, Todos nuestros trabajos son autoproducidos. En todos los casos son un DIY en toda regla de principio a fin, es como nos gusta hacer las cosas, a nuestro aire, sin deberle nada a nadie.

En el caso del “Ruinas de la peste”, a la hora de editarlo, nos ha echado una mano nuestro colega Edu del sello “Semen de orco muerto” y siempre se agradece cualquier ayuda.

Nos sentimos muy cómodos en el underground, es donde nos gusta estar. También apostamos firmemente por el formato físico a la hora de publicar nuestros trabajos y en venderlos en persona en nuestros conciertos. Si alguien quiere material de la banda puede contactar directamente con nosotros y le atenderemos encantados.

En cuanto a las ventajas o desventajas de trabajar con sellos, cierto es que a nivel publicidad y distribución se facilitan las cosas, pero no es algo que nos quite el sueño. Por suerte en los conciertos solemos tener buena acogida por parte de la gente y colaboran pillando merchan o simplemente comentando el bolo y echando una cerveza

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Ergum – Ruinas de la peste (2026)

• Por cierto ¿cómo es cantar en castellano en un género que mayoritariamente es de habla inglesa?

Nunca hubo debate con este asunto. Desde el principio tuvimos claro que sería así, letras en castellano, es como nos sentimos cómodos. Siempre se acerca alguien a comentarnos que le parece un punto a favor de la banda, aunque bueno, de todo habrá, para gustos colores

• Me ha encantado encontrar en las letras referencias a Lovecraft y Harlan Ellison, que son de mis escritores favoritos, por favor, habladme un poco de vuestras influencias literarias.

Sade, Clive Barker, Arthur Machen, Isidore Ducasse, Borges, Lovecraft, Crowley y todo tipo de obras que tengan que ver con dolor y esas cosas jejeje…

• Pero no sólo encontramos literatura en Ergum, veo mucho de crítica y de rabia hacia este mundo podrido en que vivimos, así que ¿Qué otras inspiraciones encontráis a la hora de escribir?

El cine inspira hoy día a la mayoría de personas que quieren plasmar una idea o sentimiento por medio del arte. También el cómic y la cotidianidad; ver cómo hay gente asquerosa en tu día a día o en la política es igual de inspirador que ir por el campo y encontrarte una carroña. Te molesta, te pone contemplativo y hasta te atrae. Luego lo tomas y vomitas un par de párrafos.

• Y a nivel instrumental y de sonido ¿cuáles son vuestros principales referentes? ¿y cuáles son vuestros principales objetivos musicales? 

Nuestras influencias son “añejas”, abarcan todo el metal old school.  En nuestros trabajos puedes encontrar Death Metal, Black, Thrash, incluso algo de Grind/Punk. La mayoría de los temas tienen una duración inferior a tres minutos. Son directos, rápidos y violentos, con poca floritura, no somos fieles a un único estilo, pero siempre dentro del metal extremo. Si la composición nos gusta, no nos preocupa que no mantenga la línea del tema anterior.

En cuanto a los objetivos musicales, nada en particular, seguir creciendo como banda haciendo lo que nos gusta mientras nos queden ganas y fuerzas.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Crown of Nails – Severed Beyond Recognition (2026)

• Veo que Jesús Hernández, además de guitarrista, es el responsable del arte y diseño gráfico del disco, que me parecen tremendamente sugerentes e impactantes. Por favor, habladnos un poco de este aspecto visual de Ergum.

En vista que no conseguíamos una portada que dejara conforme a todos, después de hablar y ver el trabajo de varios artistas (sin menosprecio el trabajo de nadie), Jesús, que ya diseñó otras portadas antes y es diseñador gráfico, nos mostró un boceto que implica el concepto de varios temas del álbum de una manera bastante simbólica: la portada nos gustó a todos y sólo tuvimos que afinar detalles. Ese fundamento visual también fue usado para el Video lírico “La tinta de la voluntad”.

• Ahora estáis de gira con Embloodyment, ¿cómo está yendo el tour y dónde podremos veros próximamente?

Con Embloodyment este año va a estar simpático. Son una bandota y unos cachondos mentales, excelentes compañeros de viaje. Nos acompañaron en la presentación del “Ruinas de la peste”, y ya habíamos tocado en más de una ocasión con ellos. 

Lo próximo son unos conciertos por el norte de España que se anunciarán pronto y estamos preparando más fechas tanto por territorio nacional como por Europa.  Esperemos que este proyecto salga adelante.

• ¿Cual es el futuro de Ergum?

Esperamos que sea a largo plazo, sombrío y brillante, jajaja.

• ¡Muchas gracias! y no quiero despedirme sin gritar con vosotros: ¡Demuéstrame tu poder satánico si es que lo tienes, bruja del demonio! 

Muchas gracias por la entrevista. Nos han encantado las preguntas. ¡Un abrazo!

“Hardcore emocional” y “emo” pueden ser etiquetas un tanto cargadas o incluso limitantes, pero la gente de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego no parece tenerles miedo. Viniendo de Mar del Plata queda un tanto obvio que el grupo le haya puesto a su EP Hasta Que El Mar Nos Lleve, pero en esta entrevista con su cantante Hernán Montenegro vemos que lo del grupo va más allá de esas obviedades: las inquietudes del under, el querer evolucionar en su sonido, la oportunidad de trabajar directamente con una de sus mayores inspiraciones, lo que es la movida subterránea en Argentina y el tener que luchar día a día para abrirte paso en un mundo que parece dispuesto a ponerte todos los baches en el camino. Pero siempre hay una luz al final del túnel.

—Buenas a todos los integrantes de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego. ¿Cómo los encontramos en el día de hoy?

Mal pero acostumbrados, jaja. Hablando en serio es difícil, muy difícil vivir nuestra realidad que es la mayoría del país y es laburar horas extra para apenas llegar a fin de mes. Tener que posponer cosas que te hacen bien al espíritu únicamente porque no naciste en cuna de oro o estás sponsoreado por algún empresario. Es todo muy angustiante, para serte sincero.

—Hablemos acerca de este nuevo lanzamiento por parte del grupo. ¿Cómo describirían este Hasta Que El Mar Nos Lleve? ¿Cómo ven la evolución del sonido de la banda en este nuevo EP?

Creo que fueron las mejores canciones que podían dar los chicos hasta la fecha. Soy una persona bastante obsesiva con ciertos sonidos y cierta manera de ver la música. No quería enloquecer a los muchachos con esto, así que las canciones que traían se grabaron. A lo mucho fui un poco “Arquitecto” en decidir cuales entraban al EP y cuáles quedaron afuera.

Ahora que esta etapa se terminó, vamos a experimentar otro tipo de modalidad a la hora de trabajar las canciones.

—¿Cómo describirían el título de Hasta Que El Mar Nos Lleve?

Es un reconocimiento a nuestra terquedad. Cómo te decía más arriba, las vidas de “giles trabajadores” que llevamos todo el tiempo nos hace replantear el seguir invirtiendo tiempo y plata que apenas tenemos para hacer canciones. Al mismo tiempo todo el mundo musical tampoco es muy “amistoso”, bah creo que el mundo tan precarizado hace esto de “sálvese quien pueda” y genera estos climas en que si no tenés nada para ofrecer salvo tu música, no interesa lo que hagas. Nosotros laburamos 11 horas por día, entonces lo único que podemos aportar es la música, hay muchas chances que todos nuestros esfuerzos sean vanos, y tenemos gente que nos quiere y con todo su cariño nos dice: “¿Para qué viajar 5 horas para tocar invirtiendo de tu bolsillo?”, “¿Para que invertir en un buen estudio si no vas a recuperar lo invertido?”. Y tienen razón, pero esto va más allá de la razón. Y hasta que el mar nos lleve vamos a seguir haciendo esto.

—Menciono lo del título porque los EPs anteriores se llamaron simplemente Cinco Canciones y Cuatro Canciones. ¿Qué los llevó a que este tuviera nombre propio? Asumo que siendo que este también tenía cinco canciones, repetir título podría llevar a confusiones.

El primer EP se llamó Cinco Canciones EP en tributo al EP que sacó la banda Baltimore In Love. En más, la tapa es un rip-off de la portada de ese EP. La canción “Remolino de Lirios” está dedicada al cantante de esa banda que era una persona excelente y bondadosa.

Cuatro Canciones de Invierno seguía un poco este juego y además eran las primeras cuatro canciones que nacieron cuando Muzzu y yo forjamos esta unión y amistad con Gus y Nahufix.

Hasta que el Mar Nos Lleve ya la banda decide hacer el sacrificio de viajar a grabar a Buenos Aires, de trabajar con un productor. Por eso nos pareció necesario mostrar que hay otra “seriedad”. Más allá de que siempre fuimos serios, pero tomamos la grabación y la producción de este material de una manera más profesional.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Orchid en Buenos Aires: “Baile y revolución el mismo día”

—La banda toma su nombre del libro de relatos de Mariana Enríquez, que a su vez toma su nombre de una canción de Low. Y ahora tienen a Enríquez de invitada en el álbum. ¿Cómo fue tener a la inspiración detrás de la banda presente en este nuevo álbum?

Una muestra de que los sueños se cumplen. Me encanta como Mariana escribe, me encanta la temática de sus historias. Traer el horror y el ocultismo a nuestro país, a nuestras calles. Además de que ella es una fanática de la música pesada. Que ponga su voz en una de nuestras canciones es una recompensa para el espíritu.

—Con este ya será el tercer EP de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego. ¿Hay alguna razón detrás de centrarse en este tipo de lanzamientos cortos?

Me voy a repetir mucho con esto pero es que no tenemos presupuesto. Para nosotros hacer este EP fue casi una misión imposible, con integrantes quedándose sin trabajo y cayendo la responsabilidad financiera en el resto que tuvo que hacer sacrificios para poder cumplir con las obligaciones. Hacer un disco de 10 canciones era imposible.

Hace poco hablamos con los chicos y decidimos que aunque tome más tiempo, y si la situación financiera nuestra mejora, tal vez podamos encarar un disco de 10 canciones.

Estamos en proceso de composición y me encanta lo que está sonando en nuestra sala de ensayo.

—Muchas bandas del “emo” solían tener algo de resistencia a esa etiqueta, pero Las Cosas Que Perdimos En El Fuego no es de esas siendo que ustedes mismos se describen como “hardcore emocional” en su Bandcamp. ¿Cómo ven la escena emo en Argentina? Venimos del recital de Orchid hace unas semanas en Capital y fue tremendo ver que el lugar estaba repleto para hablar de una banda insignia en un estilo que puede ser tan extremo.

Si, cuando empezamos nos describíamos como hardcore emocional, ahora ya no tenemos esa etiqueta. Desde el ingreso de Gastoncito que viene con una experiencia amplia tocando thrash ahora estamos trabajando en sonidos más extremos.

Respecto a la escena “Emo” creo que encontró en el sello Inerme a gente muy buena y amable que ayuda a gestionar todo. Por algo cada vez que viene una banda de Hardcore Emo una de sus bandas suele abrir la jornada. No olvidemos nunca que el Emo, o al menos el emo que hace Orchid tiene su costado político y reaccionario y creo que Inerme tiene mucho de eso y por eso todo lo que hacen es genial.

—Ustedes son de Mar del Plata. Para muchos porteños es un clásico pensar que todo lo que está pasando el Conurbano, o siquiera la General Paz, pareciera no existir, y eso se extiende a las escenas musicales. ¿Podemos decir que hay una escena emo en Mar del Plata y alrededores? ¿Cómo describirían ese under local?

Conozco las bandas de quienes nos invitan a tocar como Diasol, Primo, Bowery, Los Cortos, Altos Mutantes, Abismal, Criptodonte. Después si bien no son de Mar del Plata, Scam, Llagas y Ultravioleta también nos invitan y me gusta mucho como suenan.

—¿Qué se viene en el futuro de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego? ¿Cuáles son sus planes?

Aceptar las invitaciones que nos lleguen para tocar en dónde sea, siempre y cuando se pueda.

Seguir haciendo canciones hasta juntar esas 10 que nos hagan sentir que vale la pena volver a hacer el sacrificio para poder grabarlas.

—¿Hay algo que quisieran decirle a los fans y la gente que los vaya a escuchar?

No creo que tengamos fans, me gustaría creer que hay gente escuchando del otro lado, y les agradezco. En tiempos que hasta el under parece tener gente que te vende mainstream como los nuevos salvadores del under e invierten tiempo para mostrarte aquello por lo que les pagan mostrarte actuando como “algoritmos” humanos, que exista gente que descubra esta banda de laburantes es un montón.

Cuando leía revistas de rock me gustaba que un músico dijera alguna frase de un autor para poder descubrirlo, así que en estos tiempos de desesperanza en dónde no hay un solo día que siento que me están chupando la sangre para mantener a los poderosos de siempre, me despido con la siguiente frase:

“Lo que más me asusta es que lleguemos a amar nuestras cadenas” [C.B]

Con motivo del lanzamiento de su disco debut, nos reunimos con los chicos de Kubika para que nos cuenten toda la actualidad de la banda y alguna curiosidad más.

– ¿Cómo afrontáis la salida de Disorders y cómo ha sido el proceso de grabación del mismo?

Kubika: La salida de Disorders la hemos vivido muy intensamente, ha sido un día muy especial para nosotros. Teníamos muchas ganas de que este trabajo viera la luz en su totalidad y que pudiéramos hacer llegar al público todos los lados, aristas y vértices de este disco, Disorders, donde nos hemos volcado todos y cada uno de los componentes de Kubika. Ahora que el disco está en la calle, podemos decir que cerramos un capítulo y pasamos al siguiente.

Respecto al proceso de grabación, todos los temas han sido minuciosamente trabajados antes de entrar al estudio, para comenzar el proceso con toda la parte instrumental y vocal perfectamente clara. Las guitarras y el bajo se grabaron en MadRubik Studio. Estas pistas se enviaron a Alex Cappa, de Metropol Studios, que terminó de grabar batería y voces, y se encargó también de la mezcla y el máster.

–Beka, tu manera de cantar es especialmente llamativa y te diferencia de otras compañeras de la escena, cuáles son las personas que te inspiraron a ponerte delante de un micrófono) y ?Que bandas han influenciado a Kubika a la hora de plasmar su sonido?

Beka: Muchas gracias, agradecemos tus palabras . Tal vez mi voz y forma de cantar sea distinta precisamente porque nunca he perseguido seguir un patrón o fijarme especialmente en la forma de cantar de nadie. Soy yo al natural aunque, por supuesto, he tenido mis reinas, y muy distintas. Entre ellas podemos destacar a Wendy O Williams, Tina Turner, Angela Gossow, Amy Winehouse, Gloria Gaynor, Tatiana Shmaylyuk …

Kubika: Todos los miembros de Kubika tenemos influencias artísticas muy diferentes, que quedan plasmadas en nuestra forma de componer e interpretar la música. Si nos centramos en el sonido del grupo, el peso de la guitarra es prominente, con un sonido inspirado en bandas como Slipknot, Machine Head o Lamb Of God, entre otras.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Kubika – Disorders (2026)

– ¿Cómo ha sido la composición de las letras, ya que personalmente creo que es uno de los puntos fuertes del álbum?

Ha sido un proceso bastante complicado debido a la temática que hemos abordado en el disco, pues escribir acerca de ello requiere un alto grado de empatía que te permita explorar una gran variedad de emociones, con la idea de intentar acercarse, aunque sea un poco, a lo que podría llegar a sentir alguien en una situación así. Por supuesto, con un enfoque lo más respetuoso posible, para no herir la sensibilidad de nadie y, sin embargo, poner sobre la mesa un problema que, más allá de la patología, tiene una dimensión social que afecta a muchas personas, y a sus familias.

–Beka compartes sello discográfico con Hynphernia de Death & Legacy ¿Te ves colaborando con ella o que ella colabore con Kubika en algún momento?

Beka: Ya he colaborado con Cintia en directo, cantando una canción con su banda durante una gira de cinco días. ¡Fue muy divertido!. Así que, si se propone en algún momento, por nuestra parte estaríamos encantados y sería fácil de cuadrar.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Mothica – Somewhere in Between (2026)

– ¿Cuáles son los planes para la banda en lo que queda de 2026 y que podemos esperar de vosotros a nivel gira nacional?

De momento, tenemos muchas ganas de llevar nuestro disco al directo, esa es nuestra prioridad ahora. Tampoco queremos dejar de lado la composición de nuevos temas, así que trataremos de sacar tiempo para la parte creativa, la cual también nos encanta.

Respecto a una gira nacional, solo podemos ofrecer algunas fechas confirmadas, pero seguimos trabajando en cerrar más. Hasta la fecha, estaremos en:

16 de Mayo en Amayuelas de Abajo (Palencia). Festival Semilla Rock.

12 de Septiembre en Madrid, sala Siroco.

19 de Diciembre en Badalona, en Bloody Fest.

– Si tuvierais que girar con alguna banda internacional, ¿Cuál sería la soñada por toda la banda?

Como mencionamos anteriormente, cada miembro tiene diversas influencias e ilusiones, así que ponerse de acuerdo en una sola banda ha sido imposible.

Por eso, vamos a decir unas cuantas:

Beka: Me haría una especial ilusión girar con Jinjer!

Alex: Sería una auténtica pasada poder girar con Dream Theater o con Slipknot!

Berni: Un sueño hecho realidad sería girar con Tool.

Gonza: Me encantaría girar alguna vez con Tesseract o con Gojira.

Crystal Lake está de vuelta con nueva música, nueva energía y una nueva etapa. Tras el lanzamiento de su último álbum el pasado viernes, hablamos con John Robert C., el nuevo vocalista de la banda, sobre su entrada en el grupo, el proceso creativo del disco, las colaboraciones, la reacción de los fans y cómo es formar parte de una banda japonesa siendo de Brooklyn. También hablamos sobre la próxima gira europea con parada en España y sobre cómo compagina su vida como cantante con la de padre.

Quería preguntarte: es el primer disco completo que haces con la banda, si no me equivoco.

Sí.

¿Cuál fue el enfoque para vosotros con esta nueva formación y cómo presentarse al al mundo del metalcore? ¿Cómo empezásteis con esto?

No creo que su mentalidad haya cambiado con mi entrada en la banda. Creo que yo me he adaptado al camino que ellos ya tenían. Y creo que eso es algo bueno. No estamos intentando cambiar lo que es Crystal Lake. Como siempre, la idea es transmitir emoción feroz, ya sea algo emocional desde el corazón, o que quieras hacer mosh, o hacer headbang, lo que sea. Ese siempre es nuestro enfoque: la emoción. Incluso si la banda insiste en algo, si no puedes tocar perfecto, al menos transmite algo. Todo gira alrededor de la emoción.

Eso es genial, porque es exactamente lo que sentí escuchando el álbum. Hay algunas diferencias entre el anterior cantante, Ryo, y tú, pero siento la misma energía.

Todo está quizá un poco más pulido, pero sigue estando la emoción. Creo que esa es la palabra perfecta para describir a Crystal Lake. Puedes sentir muchos tipos de emociones: rabia, belleza, tristeza… todo.

Relacionado con el álbum, tienen colaboraciones increíbles. Jesse Leach, Taylor Barber de Left to Suffer, que es un cantante brutal, y David de Signs of the Swarm. ¿Teníais todo esto planeado desde el principio?

Desde que entré en la banda he estado diciendo que teníamos que hacer colaboraciones con David, Carl y Taylor. Lo repetí muchas veces. Revisamos nuestras listas de amigos: YD, Mitsuru, Gaku, TJ y yo. Pensamos en quién sería un gran cantante y quién querría participar.

Hablamos con todos nuestros amigos casi al mismo tiempo. Y resultó que llevábamos mucho tiempo hablando de estas personas. Tener a alguien como Mike Terry en nuestro álbum es increíble porque lo conozco desde hace mucho. Conozco a Taylor desde hace años, también a David. Es genial poder trabajar con amigos y también crear nuevas conexiones con cantantes legendarios como Carl y Jesse.

Intento modelar la forma en la que transmito emociones inspirado en Jesse Leach. Él suena como si se estuviera muriendo cuando canta. Suena como si estuviera en llamas. Su voz está llena de emoción. Y en cuanto a letras, Carl es una inspiración enorme para mí. Misery Signals es una de las bandas underground más importantes y sus letras son muy emocionales, muy inteligentes. Me encanta eso.

Hacer lo que amas con amigos debe ser increíble, especialmente con música. ¿Cómo estáis recibiendo la reacción del público? He visto muchas opiniones positivas sobre el álbum.

Sí, definitivamente he visto positividad, lo cual es genial. Los únicos comentarios negativos que veo parecen venir de gente que no quiere que el álbum sea bueno. No es que realmente no les guste, sino que sienten que “no debería ser bueno”.

En otras bandas he recibido críticas negativas y podía entenderlas. Pero ahora, cuando leo comentarios negativos, siento que simplemente están llorando. Estoy sintiendo el apoyo positivo. Sabremos mejor cómo funcionó el álbum después la gira con Miss May I. Si a la gente realmente le gusta, mantendrá las luces de mi casa encendidas. Si no, las apagaremos.

Quiero decirte algo: lo que hiciste es increíble. Entrar en Crystal Lake, una banda enorme de Japón, no es fácil.

Gracias.

La banda lleva activa desde 2002 o 2003, si no me equivoco.

Sí, es una locura. Mucho tiempo.

Creo que mucha gente esperaba que fallaras. Como: “¿Será capaz de llenar los zapatos de Ryo?”

Sí, la gente quiere que falles. Pero también entiendo esa reacción. A mí mismo me pasa cuando una banda cambia de cantante. Muchas veces pienso: “El antiguo era mejor”. Soy el primero que dice eso sobre otras bandas.

También eres padre, ¿no?

Sí. Soy padre a tiempo completo y cantante a tiempo completo. Cuando me voy de gira dejo a mi pareja con nuestro hijo, tres gatos, una casa y dos coches. Y le digo: “Nos vemos en unos meses”.

Ser padre es más difícil que ser cantante, pero también es más divertido. Me encanta ser padre. Corro por la casa, juego con mi hijo. Mi chica odia cuando estoy corriendo y gritando por la casa, pero yo lo adoro.

Vais a venir de gira por Europa pronto. Estaréis en España en marzo con Miss May I, The Great American Ghost y Diesect. ¿Cómo os sentís con esta gira?

Me encanta tocar en España. Estoy muy emocionado de tocar en salas cerradas, me gustan los festivales, pero en una sala pequeña puedes interactuar con el público. Puedes sacar el micrófono y hacer que toda la sala grite. En festivales grandes eso no funciona igual.

La sala en Barcelona tiene unas 800 personas. Es un tamaño perfecto.

Sí, me encantan las salas pequeñas.

Quería preguntarte también por el tema cultural. Tú eres de Brooklyn y te uniste a una banda japonesa. Es una diferencia cultural enorme. ¿Cómo lo manejaste?

Intento adaptarme, igual que ellos cuando vienen aquí. No hablo japonés lo suficiente para tener conversaciones largas. Mis compañeros hablan inglés, pero en Japón a veces estoy en una mesa con gente y simplemente me quedo callado. Aprender un idioma es difícil con mi vida: giras, ser padre, trabajar. Pero me adapto al ambiente. Aunque no hablemos mucho, puedo sentir la vibra y pasarlo bien. Tengo amigos japoneses que apenas hablan inglés, pero aun así somos buenos amigos.

Cuanto más tiempo pasas allí, más aprecias su cultura.

Por ejemplo, algo que me encanta es cómo usan las escaleras mecánicas. La gente se pone a un lado para que los demás puedan pasar. En Estados Unidos la gente se queda en medio con la mochila y nadie puede pasar. Son pequeñas cosas culturales. También me gusta mucho su etiqueta en los restaurantes. Tienen una frase para agradecer la comida al terminar. Es algo muy bonito.

Recuerdo la primera vez que llegué a Japón. Bajé por una escalera mecánica y me quedé en medio con mi maleta. Me dijeron inmediatamente que me apartara a un lado. Luego vi a todo el mundo haciendo fila para el tren y pensé: “Ok… esto va a ser muy diferente”.

Imagínate cómo es para ellos. Durante 24 años la banda era solo japonesa y de repente aparece un italiano-americano de Brooklyn.

Soy como un niño dibujando en las paredes con un rotulador dentro del grupo. Incluso me han corregido cómo dejar los palillos en la mesa. En Japón no puedes dejar los palillos clavados en la comida porque eso se hace en ceremonias funerarias. Así que a veces estoy solo intentando comer ramen y alguien me corrige cómo dejo los palillos. Pero así es la cultura. Para ellos es natural.

Para mí también hay cosas naturales, como poner el tenedor en la comida. Yo soy muy bromista. Siempre estoy haciendo chistes, poniendo apodos a la gente. Tengo una frase que digo siempre: “This is America”. La digo en cualquier parte del mundo, incluso cuando estoy en otro país. Es como mi frase típica.

Creo que ya terminamos nuestras preguntas. Solo quiero darte las gracias, John. Fue increíble hablar contigo. Nos vemos en Barcelona.

Gracias a ti.

Tras el breve regreso de Subterranean Kids en 2023, una nueva etapa toma forma bajo el nombre de Subterranean. Con Mimo al frente —voz histórica del proyecto— y acompañado por Alberto “Brutus”, Gerard y Jordi, la banda arranca una nueva singladura que conecta pasado y presente del hardcore barcelonés. Hablamos con ellos sobre rupturas, reencuentros, legado, composición y el inminente lanzamiento de su nuevo disco.

—Vuestro último retorno en 2023, como Subterranean Kids, estuvo marcado por el fichaje por HFMN y el hecho de actuar junto a NOFX, aunque el estreno en directo fue en la Estraperlo de Badalona (14/5/2023), en un concierto para amigos e invitados, pero la reunión tuvo un corto recorrido. ¿Cuántos conciertos fueron finalmente, y qué pasó?

Mimo: Fueron los conciertos con NoFX, un festival en Castellón y el Mondra’n’Roll en Euskadi y poca cosa más. Lo que pasó es que hubo divergencias de pensamiento sobre dónde y qué dirección debería tomar la banda, que también se juntaron con divergencias personales y de actitud entre algunos miembros.

—A finales de ese mismo año se arma la nueva banda, Subterranean, que se presentó en Guíxols en febrero, en marzo en Terrassa teloneando a Crim, algunos festivales, y en Badalona de nuevo con los californianos R.K.L., en 2025, treinta años después de actuar juntos en Barcelona en el 93 en KGB —y quizá también en Garatge Club—. ¿Cómo fue el reencuentro con los americanos?

Mimo: La verdad es que fue bien. Alberto y yo ya los conocíamos de antes; yo sobre todo a Barry y a Little Joe. Como es normal, estuvimos comentando cosas e historias del pasado y de cómo estamos ahora. Musicalmente nos comentaron —según ellos, y si hay que creerles— que les gustamos mucho más ahora que antes. La verdad es que son gente muy fácil y agradable.

Alberto: Barry RKL y yo conservamos una amistad desde que teníamos 20 años, creo. Estuvo hospedado varios días en mi casa en su primer viaje a Europa celebrando su graduación en la universidad. A partir de ahí nos íbamos carteando, explicándonos nuestras aventuras: él con su nueva banda RKL y yo con mi nueva banda GRB.

En el 93 tuvieron problemas en una accidentada gira europea. Barry me envió un “help” y RKL se instaló en mi casa en Barcelona para reponerse y reestructurar la banda antes de volver a California e iniciar la gira que tenían programada, en la cual me incorporé como técnico de sonido. Así que te puedes imaginar que el encuentro fue bonito.

—La nueva formación cuenta con Mimo a la voz, único miembro original de SK, junto a Alberto aka Brutus, guitarra de los míticos GRB y habitual en las últimas alineaciones de SK, además de Gerard y Jordi al bajo y batería. ¿Cómo fue decidir el cambio de nombre y por qué la elección de Gerard y Jordi?

Mimo: Después de la separación de S.K. surgió la posibilidad de continuar con otro proyecto con Alberto. Hablamos con Gerard, que ya sabía lo que había pasado, y nos dijo que si queríamos hacer algo contáramos con él. Así fue. Pensando en quién podría ser el batería, se me ocurrió llamar a Jordi sin saber qué respuesta nos daría. La verdad es que no se lo pensó ni un momento: nos dijo que sí y que además tenía local de ensayo y equipo. Todo salió así de fácil, se empezaban a alinear los astros.

Alberto: Mimo y Boliche son los fundadores de Subterranean Kids. Al no estar Boliche en el proyecto veíamos feo e incoherente conservar el nombre, pero por otra parte la voz de Mimo es sello de la casa y además tocamos temas de Subterranean Kids. ¿Solución? Kids fuera.

—¿Creéis que Jordi hará olvidar esos ritmos imposibles de Boliche a la batería?

Mimo: No se pueden comparar, cada uno tiene su manera de tocar. Jordi siempre comentó que esto sería un reto para él y yo personalmente creo que lo ha superado con creces y solvencia. Es muy exigente consigo mismo y no tiene nada que envidiarle. Es un placer y un seguro tenerlo en la banda.

Alberto y Gerard: Eso depende de la perspectiva de quien lo vea. Pifa es una bestia, contundente y muy preciso, una gozada. Boliche y Pifa tienen su estilo propio, como todo músico. Nos parecería absurdo plantearlo desde una perspectiva comparativa o competitiva. A unos les puede gustar más uno que el otro, pero este factor no tiene por qué condicionar la trayectoria de nadie.

—¿El cambio de nombre es debido a algún posible conflicto entre los miembros originales o a romper en parte con el pasado?

Mimo: Se quitó el “Kids” más que nada por respeto hacia la banda y porque ya no somos “kids”. ¿Y por qué cambiar lo de Subterranean cuando al empezar tocábamos temas de S.K. que Gerard y Jordi se habían aprendido? Casi el 100% de las letras son mías y parte de las canciones que tocamos son de la última época, en la que Alberto fue responsable de la composición musical. Además tocamos algunas de las canciones más conocidas de S.K., junto con un tema de G.R.B. y lo nuevo que estábamos sacando. Lo más fácil era llamarse Subterranean si estás tocando temas que son tuyos.

—¿Por qué habéis mantenido parte del nombre original y no uno distinto, teniendo en cuenta que existen otras bandas llamadas Subterranean por el mundo?

Mimo: La primera parte queda respondida en la pregunta anterior. Y respecto a lo de la otra banda, tienes razón, no lo habíamos pensado. Hemos ido a lo fácil y por eso hemos añadido H.C., Subterranean H.C. o hardcore-punk, para diferenciar.

—Explicadnos cómo ha sido el proceso de composición y la elección de Estudios Ultramarinos, en Sant Feliu de Guíxols, y de Santi García para la grabación y producción.

Mimo: La composición ha sido muy fluida y fácil, aunque también muy elaborada y detallista. Hay temas que estaban hechos a finales de los 90 y que eran inéditos; los hemos retocado y actualizado tanto en estructura como en música y letras. Otros son totalmente nuevos. Más que elegir el estudio, fueron David (HFMN) y Santi quienes nos propusieron grabar allí. Ya conocíamos las producciones de Santi, sin dejar de lado el trabajo de su hermano en el mastering, donde todo se realza y compacta. Santi siempre dijo que nos haría un discazo y así ha sido.

Alberto: Tenemos un proceso de composición maravilloso. Todo sale fluido, natural y rápido. Trabajamos en equipo, todo el mundo aporta. Hay mucha creatividad, poco conformismo y exigencia musical.

—De momento han aparecido un par de cortes en formato videoclip del álbum que verá la luz el 6 de marzo. ¿Por qué habéis elegido esta forma de proceder y qué hay de la elección de las imágenes que ilustran “Generación Perdida”?

Mimo: Esto lo hemos dejado en manos de HFMN, que nos ha guiado en la forma de proceder y en los tiempos hasta la salida del disco. El primer videoclip, “Bajo tu piel”, es como una presentación de la banda. Fue creado por Teniem Potencial, a quienes dimos libertad dentro de los medios disponibles, y el resultado es impresionante. El segundo es un videolyric creado por Gerard Bernal, el bajista, que ha interpretado la letra desde un punto de vista bastante interesante.

—¿Qué puedes contarnos del contenido del disco, tanto musicalmente como en la temática de las letras?

Mimo: Ha salido lo que pretendíamos: un disco de hardcore de principio a fin, con un sonido actualizado y brutal, y con letras que tocan temas sociales y políticos, pero también temas intimistas con sus sentimientos y emociones. HARDCOREPUNK. PUNKHARDCORE.

Gerard: Es un disco dinámico, con diversidad de estilos dentro del hardcore/punk y bastante técnico. Hemos conservado el estilo de riffs de la última época de Subterranean Kids, actualizándolos lo justo para mantener el sonido de siempre pero adaptado al presente.

—Un excomponente de Subterranean Kids comentó que el nuevo trabajo suena bastante a R.K.L. ¿Estáis de acuerdo o pensáis que sigue sonando a los viejos Sub Kids?

Mimo: Suena a Subterranean. Suena a lo que siempre he querido para la banda en la que toco. Hay variedad, pero suena duro y contundente, que es lo que pretendíamos.

Alberto: Puede que algunos temas sí, los antiguos que hicimos en el 97. No lo sé ni me importa demasiado. En mi ADN llevo no solo RKL, sino también Dead Kennedys, Bad Brains, Hüsker Dü… Es normal que eso se manifieste en tu música. Lejos de verlo negativo, lo veo bonito.

—Habéis anunciado gira estatal con siete fechas en marzo, abril y mayo. En el pasado visitasteis casi toda Europa, pero ¿qué hay de América?

Mimo: Ufff… A mí personalmente me encantaría. Pero vayamos paso a paso. Si tiene que ser, será; y si no, no será.

Gerard: Tal como está Estados Unidos hoy en día lo veo difícil. Tendrían que cambiar algunas cosas. América Latina ya es diferente; estaría muy bien poder hacer una gira por ahí. Si sale la posibilidad y es factible, todo se puede hablar.