Puede que Signum Regis se considere un pez grande en un estanque pequeño, al ser la banda de metal con mayor proyección internacional de Eslovaquia, un país que no es particularmente conocido por su escena metalera. Pero no por eso hay que menospreciar los logros del quinteto, con una discografía sólida y un público fiel tanto en la escena del power metal como del progresivo. Y con su nuevo álbum Beyond Spacetime a la vuelta de la esquina, era momento de hablar con su bajista y compositor principal Ronnie König, quien accedió a darnos unos minutos para contarnos sobre el presente de la banda, lo accidentado que fue grabar este nuevo lanzamiento y sobre si pueden considerarse o no una banda cristiana.

¿Cómo estás? ¿Cómo están las cosas? Sé que tener que promocionar un nuevo álbum implica mucho trabajo, muchas entrevistas y muchas cosas.

Estoy muy bien, muchas gracias. Sí, es bastante trabajo. Puedes llamarlo trabajo, pero es algo bueno. Estoy muy contento de que tengamos todas estas entrevistas y toda esta promoción.

No hay forma de que un integrante de una banda pueda quejarse de esto. Es genial. Es parte de que el sueño se haga realidad. Estoy contento de que nos esté yendo tan bien con este álbum y todo está bien.

Además, tener que hacer tantas entrevistas demuestra que hay mucha gente interesada en la banda y en el nuevo álbum.

Realmente parece que es así, porque no recuerdo la última vez que tuvimos tantas cosas pasando durante el lanzamiento de un álbum. Realmente se siente bien.

Este nuevo álbum, Beyond Spacetime, ¿qué podés contarnos sobre él? Lo primero que vi del álbum fue la portada y me pareció muy interesante. Pero quería preguntarte primero por una característica que noté: la cantidad de cantantes diferentes que aparecen en el disco. No es la primera vez que tienen invitados, pero la lista de este álbum es realmente impresionante. ¿Cómo decidieron tener tantos cantantes? ¿Fue por la situación de Jota y por no tener un cantante fijo en la banda? ¿Cómo llegaron a tener tantos cantantes?

Tuvimos un momento bastante difícil con este álbum. Como acabas de mencionar, Jota dejó la banda y estábamos en medio del proceso de intentar hacer un nuevo álbum. De repente, no teníamos cantante para hacerlo. Como algunos de los oyentes y espectadores quizá sepan, Eslovaquia no es un país grande y la escena metalera es pequeña. No es como que puedas conseguir un nuevo cantante en cinco días cuando pierdes uno.

No es Suecia.

Exacto, no es Suecia ni Finlandia, nada de eso. Eventualmente puedes ponerte en contacto con alguien, pero eso lleva tiempo. No queríamos pasar demasiado tiempo esperando cuando ya estábamos en medio del proceso de grabación. Entonces dijimos: “Volvamos a 2013, cuando hicimos exactamente lo mismo”. En ese momento tampoco teníamos un cantante y grabamos el álbum con invitados. ¿Por qué no hacerlo otra vez después de 13 años? Invitamos a un montón de invitados y así es como terminaron todos en el álbum. Pero lo interesante que pasó durante la grabación con esos invitados es que volvimos a conectarnos con nuestro antiguo cantante, Mayo Petranin, y también con Jota al mismo tiempo.

Por eso puedes escuchar a los dos en el álbum y por eso Mayo ahora volvió a la banda como cantante principal y miembro oficial nuevamente. Cuando pasas un tiempo con la gente, hablas con ellos y vuelves a conectar, se abren oportunidades. En este caso, Mayo estuvo de acuerdo con la idea de volver a la banda y ahora tenemos una formación completa. En el próximo álbum, después de Beyond Spacetime, Mayo volverá a ser el cantante principal y hará la mayor parte del trabajo vocal.

Tengo que admitir que estaba bastante confundido porque, si entrás a un sitio como Metal Archives, donde intentan mantener actualizados los cambios de formación de las bandas, no aparece que Mayo haya vuelto. Supongo que cuando salga el álbum lo van a agregar nuevamente. Pero yo realmente no sabía quién estaba cantando en el álbum y quién no.

Si quieres, puedo confundirte todavía más, porque no es tan sencillo: hubo una idea de que los dos volvieran, Jota y Mayo, al mismo tiempo, como una especie de dinámica de doble cantante.

Como Helloween.

Sí, exactamente. Esa era la idea y la estuvimos considerando seriamente y trabajando en ella. Pero, lamentablemente, Jota está de vuelta en Brasil en este momento, así que la situación logística es imposible. Por lo tanto, eso no va a suceder. Pero en algún momento ese era el plan.

Dios.

Quizás en el futuro. Por ahora tenemos a Mayo. Estamos contentos con eso. No “bien”, estamos perfectamente felices con eso.

Sí. Me imagino que en algún momento van a terminar teniendo a todos los exintegrantes de la banda de vuelta. Sería como una especie de situación inversa a Slipknot.

[Risas] ¿Por qué no? Si tienes buenas relaciones con esas personas y siguen haciendo música, ¿por qué no? Todos somos amigos. No es como un matrimonio dentro de una banda. Trabajas con este tipo, con aquel tipo. Así que ¿por qué no?

Cualquier cosa puede pasar y siempre refresca la situación. A veces, cuando no sabés qué hacer, aparece alguien nuevo y te da ideas, motivación y entusiasmo. Así que todo es posible, pero no estoy diciendo que vaya a suceder ahora. Tenemos esta formación, se puede decir que es la formación clásica, y simplemente estamos esperando poder tocar en vivo tal como estamos. Somos amigos desde hace muchos años y esa amistad sigue funcionando. Cuando salimos a tocar y tenemos que pasar tres días en una camioneta, no es un problema. Disfrutamos de la compañía del otro, nos divertimos, nos reímos juntos. Hay un buen ambiente y es agradable.

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Hablando de la formación del álbum, además de Víctor Smolski en guitarra, tienen a Ralf Scheepers, Tim “Ripper” Owens, Matt Smith, Jota, Tasos Lazaris… También a David Åkesson y a Johnny Gioeli, de Riot y Crush 40. Quería preguntarte si hubo algún desafío particular a la hora de trabajar con tantos cantantes diferentes, con voces y estilos distintos. ¿Hubo alguna dificultad en particular?

No creo que la haya habido. Creo que fue más difícil en el pasado porque en 2013 no teníamos esta experiencia.

Esta vez realmente pensamos a quién elegir para cada canción. Por ejemplo, mencionaste a Johnny Gioeli. Hay una especie de balada de rock country, acústica, en la que canta Johnny, y ese tipo de voz es perfecta para la canción.

Puedes elegir a Tim “Ripper” Owens para “Time to Pay”, que definitivamente es una canción para ese tipo de voz. Ya teníamos en mente a quién elegir y funcionó.

En un caso intentamos invitar a alguien, pero finalmente no pudo hacerlo porque tuvo un accidente con sus dientes o algo así, y no pudo cantar en ese momento, lo cual fue desafortunado. Pero cuando estos tipos grabaron sus partes, no les pedimos cambios. No les dijimos: “No, no lo cantes así, hazlo de otra manera”. No pasó nada de eso. Lo que nos enviaron es lo que escuchas en el álbum. Fue fluido y agradable. 

No es que eliges al cantante y después tienes que pensar cómo ponerlo en el álbum. Ya tenés la canción y sabés que esa persona es perfecta para ella. Lo elegí para eso.

Exactamente. Y no hubo sorpresas. A veces incluso hubo sorpresas positivas, porque estos tipos entregaron más de lo que esperábamos.

Sí. Creo que leí que, cuando ocurrió la situación con Jota, el otro álbum estaba algo así como un 80 % terminado en cuanto a la parte instrumental.

No recuerdo exactamente, porque gran parte de este trabajo, la mayor parte, la hizo Filip solo, cuando estaba trabajando en un álbum solista. Este álbum empezó como un álbum solista de Filip. Después decidió: “No quiero hacer un álbum solista. ¿Cuál es el sentido? Hagámoslo para Signum Regis”. 

Así que básicamente llegó a la banda con las manos llenas de canciones. Es difícil decir qué porcentaje estaba terminado, pero yo llamo a este álbum “el álbum de Filip”. Yo estoy ahí tocando el bajo, pero la mayor parte del trabajo, la composición y todo eso lo hizo Filip. Por supuesto, después tuvimos que adaptar esas canciones y modificarlas para que encajaran con el concepto de Signum Regis. 

Yo trabajé en algunas letras y escribí algunas canciones completas, hay una canción que escribí hace algún tiempo. La gente está acostumbrada a que yo sea el principal compositor de la banda, pero en este caso no. En este caso es Filip.

Es el momento de Filip.

Sí.

Antes que nada, tengo que agradecerte por pronunciar el nombre de la banda (Nota del Autor: Ronnie lo pronuncia con una “g” suave, como en “García”), porque yo iba a pronunciarlo como “Signum Regis” (Nota del Autor: lo iba a pronuncia con la “g” como en el italiano “Giorgio”). 

Sé que los estadounidenses lo pronuncian de una forma diferente. Lo sé. Los estadounidenses lo llaman “Signum Regis” de esa manera y estoy bien con eso. Es latín, así que puedes pronunciarlo de una manera latina, pero si lo pronuncias a la inglesa también está bien. A veces cambio entre las dos dependiendo de con quién estoy hablando. Las dos están bien.

Como decía antes, tengo que decir que la portada del álbum es bastante interesante. Creo que tiene el equilibrio perfecto. Se ve muy fuerte, muy imponente, pero también un poco tonta, aunque de una manera interesante, como sucede con mucho power metal, donde caminan sobre esa línea entre esas dos cosas. ¿Cómo trabajaste con Uwe Arling en la portada? ¿Cómo surgió el concepto?

Primero quiero decir que esto no fue generado por inteligencia artificial. Es algo hecho a mano. Lo digo porque algunas personas pensaron que era algo generado por IA.

Sí, yo también temí que fuera IA porque estaba escuchando el nuevo álbum de Forbidden. Me gustó el álbum, pero cada vez que lo escuchaba tenía que ver esa horrible portada generada por IA y eso arruina un poco la experiencia. 

Sé de qué estás hablando, hay algunas portadas realmente terribles por ahí ahora mismo. Pero esto es lo que pienso: cuando lanzas cinco o seis sencillos, probablemente no puedas hacer una portada hecha a mano para cada sencillo que sacas. Pero para el álbum creo que sigue siendo importante tener involucrado a un artista real y que se haga de verdad. Eso es lo que hicimos con Uwe Arling. Es un artista alemán que hace este tipo de cosas desde hace muchos años, creo que esta es la tercera portada que hizo para nosotros.

Y la idea general, como dijiste, es caminar sobre el límite entre lo serio y la comedia, porque lo del espacio es algo bastante gracioso. Pero toda la idea viene de Tommy, mi hermano, que mencionaste como el encargado de las letras y todo eso.

Hay un par de cosas sucediendo en esta portada. El cantante no está en la banda en este momento, así que tenemos a nuestra mascota, King Rex, en el centro.

No es una persona real. Es nuestra mascota, por así decirlo. Está en el medio y puedes imaginar que es casi como si fuera el cantante, ¿no? Pero es solamente una mascota.

Además, no necesita oxígeno.

No lo necesita porque es mucho mejor que todos los demás, ¿no?

Y eso me lleva al punto de que hay una canción llamada “Beyond Spacetime” que hace referencia a la creación del universo. Con un poco de imaginación, puedes ver a King Rex como el creador del universo. Y tiene este planeta en la mano, ¿no? Eso representa la creación, esa es básicamente la idea.

Por supuesto, las letras son más serias que la portada y la gente es libre de interpretarlas como quiera. Pero nos pareció divertido y no queríamos quedarnos para siempre con una sola fórmula. En el álbum Undivided, él era una especie de guerrero rey en una escena de lucha con una espada. No queremos hacer 20 álbumes en los que siempre sea el rey luchando contra algunos goblins, así que pensamos que era un buen momento para ponerlo en el espacio. La próxima vez podría ser otra cosa. ¿Quién sabe qué? Iron Maiden hace algo parecido con Eddie. No es siempre el mismo Eddie, pero sabes que es Eddie.

Creo que eso responde a la pregunta.

Sí. Mencionaste a Eddie, que puede ser una especie de zombi, después puede ser un monstruo gigante en el espacio y antes podía ser una especie de segador. Tiene muchas formas diferentes.

Exactamente. Lo entendiste al 100 %. Esa es la idea. Puedo entender por qué algunas bandas tienen una imagen pirata durante un álbum, el segundo álbum, el tercero, pero después del quinto álbum empiezo a aburrirme de la fórmula pirata.

No quiero quedar atrapado en esa caja para siempre. Tenemos que dejar abierta la posibilidad de hacer otras cosas en el futuro. Quién sabe qué puede traer el futuro.

Sí. Perdón, estaba pensando en eso porque cuando mencioné el álbum de Forbidden estaba hablando con un par de amigos y les decía que algunas bandas viejas quieren usar IA porque piensan que pueden escribir un prompt y listo. Y lo único que se les ocurre poner en la portada es un cráneo en llamas.

Como los clichés, ¿no?

Sí. Un cráneo en llamas, un cráneo en llamas que se vea increíble. Últimamente vi como 14 portadas con cráneos en llamas.

Exactamente.

Signum Regis es conocida como una banda de metal cristiano, pero no sé cuánto se identifica la banda con esa etiqueta, porque hay muchas bandas que no quieren quedar encerradas en una categoría. También vi muchos seguidores de Signum Regis que no son cristianos ni religiosos. Ustedes tampoco están en un sello de metal cristiano y veo que mucha gente habla de la banda dentro del ámbito del power metal. ¿Qué pensás que atrae a la música de la banda a personas que no son cristianas o religiosas?

Es una gran pregunta porque me gustaría aclarar esto una vez más, porque aparece bastante seguido. Yo soy cristiano, a veces escribo letras sobre historias cristianas y sobre este tipo de temas. 

Pero somos una banda mixta, tenemos ateos en la banda. Entonces, ¿puedes realmente decir que somos una banda cristiana porque tenemos algunas letras de ese tipo? Y, por otro lado, ¿puedes decir que no somos una banda cristiana cuando tenemos esas letras? Estamos caminando por ese punto intermedio. Los integrantes de la banda saben que algunos son cristianos y otros no, y no ven ningún problema en eso.

A mí no me molesta que alguien diga que somos una banda cristiana, pero muy pronto me di cuenta de que hay que tener cuidado desde el punto de vista de la banda. Porque si dices “Soy cristiano”, siempre aparece gente que te dice: “Ah, este tipo no es cristiano, así que solamente está tratando de sacarle dinero a la gente y hacerles creer que son una banda cristiana”. No quiero estar en una posición en la que pueda llevar a alguien a pensar que somos una banda cuyo arte está completamente relacionado con temas y letras religiosas.

Yo soy cristiano y siempre lo voy a ser. No tengo ningún problema con las letras que escribí en el pasado sobre estos temas cristianos. Pero no quiero confundir a nadie. Somos una banda de rock and roll y lo hacemos por el arte. Si alguien nos escucha por el arte, para mí está perfectamente bien.

Creo que muchas bandas son así. Dave Mustaine de Megadeth, por ejemplo, habla de ser cristiano todo el tiempo: es cristiano y tiene letras relacionadas con eso, pero no es un ministerio. Creo que somos ese tipo de banda que camina por ese punto intermedio entre ser artistas e incluir en las letras algunas de las cosas en las que uno cree.

Eso termina influyendo en tu música y en tus canciones, porque así es como vivís.

Sí, exactamente. Eso es simplemente la vida.

Como dijiste antes, y esto es algo que había anotado, ustedes son de Eslovaquia, un país no es particularmente conocido por tener una gran escena metalera. Incluso dentro de Europa están al lado de países como Polonia, que tiene una escena metalera muy grande, al menos eso parece. Viendo la historia de la banda, ¿tuvieron algún tipo de dificultad para desarrollar Signum Regis en su propio país? ¿Cómo es intentar tener una banda de heavy metal en un país que no es pequeño, pero que tiene una escena metalera realmente pequeña?

Creo que sí. Como dijiste correctamente, Eslovaquia no es un país típicamente metalero. No tiene la infraestructura, por así decirlo, desde las bandas hasta los promotores, los sellos y todas esas cosas que tienen países como Alemania desde hace décadas. Nosotros no tenemos eso acá, o lo tenemos todo a una escala mucho menor. Así que no resulta fácil para una banda como la nuestra.

Probablemente seamos, o quizá somos, la banda metalera eslovaca más grande en términos de reconocimiento mundial, pero no somos para nada la banda más grande de Eslovaquia. Hay bandas mucho más grandes que tienen una asistencia mucho mejor en sus conciertos. Va más gente, pero principalmente esas bandas tienen letras en eslovaco. Por eso nunca escuchas hablar de ellas fuera del país. Pueden tener 10.000 personas en un concierto, pero fuera del país nadie las conoce.

Así que decidimos ser una banda de nivel mundial, por decirlo de alguna manera, con letras en inglés, para que nuestra música sea accesible para cualquier persona en el mundo. Fue una decisión que tomamos desde el principio y creo que fue una buena decisión. Este género, seamos honestos, no es el más grande del mundo y necesitas tener seguidores de diferentes lugares. Si tuvieras que depender de un solo país pequeño, simplemente no tendrías suficientes seguidores para hacer nada. Creo que incluso conseguir un contrato con un sello desde un país que nadie conoce hace las cosas un poco más difíciles que si fueras de Suecia o algo así.

No puedo compararlo realmente, pero tiene sentido. Si, por ejemplo, en Argentina tienen grandes jugadores de fútbol, imagina que haya un jugador realmente bueno en Islandia, un país que no sea famoso por eso. Definitivamente lo tendría más difícil, porque no es algo típico de ese país.

Hay una especie de carga por eso, seguro, pero no me estoy quejando. Estamos bien, estoy contento con cómo están saliendo las cosas. No somos famosos y probablemente nunca lo seremos, pero incluso eso puede verse como algo positivo porque quiero pasar tiempo con mi familia. No quiero tocar 350 conciertos al año y pasar todo el año en aeropuertos, entonces terminas teniendo lo mejor de los dos mundos: tengo tiempo para mi familia y puedo disfrutar de mi música. No veo la música como un trabajo porque no la hago como un trabajo. Me divierto cuando la hago.

Estaba pensando que ves muchos países donde tienen bandas realmente grandes, con mucho público en su propio país, pero quizás nunca escuchaste hablar de ellas porque cantan en su propio idioma y viven en su propia burbuja. Como he visto muchas bandas alemanas o rusas que llenan estadios, pero de las que nunca escuché hablar de ellas porque cantan en sus propios idiomas. No todas puedes ser Rammstein o algo así.

En Alemania existe una tradición desde hace mucho tiempo, desde Scorpions o incluso antes, de empezar inmediatamente a cantar en inglés. Pero Eslovaquia era un país socialista, comunista, en aquella época. Entonces creo que ni siquiera estaba permitido cantar en inglés: quizás podías hacerlo en tu casa pero nunca llegarías a ningún lado cantando en inglés. Entonces también falta esa tradición.

Cuando mirás hacia atrás, a los primeros álbumes de la banda, ¿cuánto pensás que cambió Signum Regis?

El cambio más evidente es que ya no canta Göran Edma, ese es el más obvio. Y creo que nos volvimos más pesados, con un sonido un poco más moderno. Ya no estamos completamente enfocados en el neoclasicismo.

Y en ese tipo de cosas realmente virtuosas.

Seguimos siendo virtuosos, pero si escucho el primer álbum, creo que el alcance era más limitado, por así decirlo. Ahora podemos hacer cualquier cosa, podemos tener elementos neoclásicos, cosas virtuosas, metal tradicional, rock. Podemos hacer cualquier cosa porque, después de ocho álbumes, la gente está acostumbrada a recibir cosas diferentes, logramos salir de esa caja.

Al mismo tiempo, seguimos disfrutando de la música metal. No estamos intentando redescubrir el jazz ni nada parecido, somos bastante libres para hacer lo que queremos, pero al final del día seguimos queriendo hacer lo mismo, y eso es heavy metal.

¿Qué están planeando después de este álbum? ¿Cuáles son sus planes?

El álbum sale dentro de un par de días, por así decirlo. La semana que viene, el 9 de octubre, dentro de siete días. Después de eso tendremos un concierto en Eslovaquia, después tenemos otros tres conciertos en noviembre, en Países Bajos y Alemania. Y luego viene algo grande: una pequeña gira que vamos a hacer por Europa con la banda estadounidense Theocracy y la banda griega Sunburst.

Vamos a tocar en lugares donde nunca tocamos antes, como París y un par de sitios más. Es algo que estamos esperando con muchas ganas. Y si llega música nueva, supongo que todavía no es el momento adecuado, pero hay un montón de canciones listas y preparadas para la próxima vez. Cuando todos estén listos, yo estaré listo. Entonces ese es el plan: simplemente vamos a seguir haciendo lo que estamos haciendo.

¿Qué te gustaría decirle a la gente que va a escuchar este nuevo álbum, Beyond Spacetime? ¿Qué querés decirles?

Primero que nada, un enorme gracias. Gracias por dedicar su tiempo a escuchar Signum Regis. Hay muchísimas opciones, así que si decidieron dedicar su valioso tiempo a Signum Regis, eso significa mucho para nosotros. Y si les gusta, quizás también puedan escuchar nuestros álbumes anteriores. Como mencionamos, hay unos cuantos. Hay algo para todos los que disfrutan del metal. Sígannos, escúchennos, déjennos algún comentario, lo que sea. Tratamos de leerlo todo. ¡Y gracias!

El punk en Argentina viene en todas las formas y colores, y los quilmeños Eterna Inocencia han demostrado que se puede mezclar la violencia y la melodía con un mensaje directo a través de más de tres décadas. Con el grupo próximo a presentarse el 17 de octubre en el Teatro Flores (CABA) para festejar los 25 años de su álbum A los que se han apagado, hablamos con su cantante Guillermo Mármol, con algo que comenzó siendo sobre el álbum y terminó siendo sobre las ideas de Eterna Inocencia y lo que es ser una banda punk en el contexto actual.

—Guille, un gusto estar hablando con vos.

¡Igualmente!

—Recuerdo cuando descubrí a Eterna Inocencia en un blog en el 2009 tipo Blogspot.

[Sinceramente sorprendido] ¡Huy, mirá vos!

—Quería preguntarte, bueno, ¿cómo va todo últimamente? ¿Cómo vienen las cosas?

La verdad que, para cómo está todo en general, somos unos agradecidos de poder seguir tocando como venimos tocando hace tanto tiempo, bajo siempre los mismos preceptos. Te diría que hay mucho trabajo, pero también mucha recompensa después de 30 años de estar tocando.

Un presente maravilloso para la banda, siendo que la realidad está tan difícil. Muchas fechas programadas, tuvimos un año muy bueno para nosotros. Pudimos, entre el año pasado y este, ir incrementando nuevos destinos. Fuimos a Chile y Uruguay, y le sumamos Brasil, Costa Rica y México este año. Algunos festivales también pudimos hacer a principios de año, grandes, y ahora estamos preparando un tour larguísimo para la segunda mitad del año.

También incluye, en este caso, tres conciertos en Chile, la fecha del Teatro Flores y después conciertos por Tucumán, Córdoba, Bariloche, Neuquén, Concepción del Uruguay, Montevideo. La verdad que un montón.

Así que no, contento. A pesar de lo difícil que se ve todo, la verdad que es un presente muy positivo para Eterna.

—Mencionabas la fecha del Teatro Flores, el 17 de octubre, donde van a estar celebrando los 25 años de A los que se han apagado. ¿Cómo vienen las preparaciones? ¿Hay nervios? Tenés un montón de recitales encima, pero me imagino que siempre hay nervios en cada recital.

Lo empezamos a pensar a partir de la vigencia que tiene el disco. Cumple un cuarto de siglo, pero a la vez tiene letras muy claras que se resignifican en el presente, y quizá también con un pasado que viene del hardcore punk, con todo lo que eso implica: las herramientas que podemos tener para intentar explicar la realidad, las que teníamos y las que mejoramos con el tiempo.

Es un momento muy potente para este estilo de música que siempre gustó de decir cosas. Entonces, lo estamos pensando a partir de esa vigencia. Va a convivir, digamos, el cuarto de siglo que tiene el disco con el presente de la banda.

Además, en el caso de la fecha de Flores, tocamos con nuestros amigos de Tenemos Explosivos, que es una banda también en franco ascenso en Chile y que intenta tener un acercamiento, como hicimos el año pasado con Dead Fish de Brasil, para que las bandas de otros países hermanos y también del mismo estilo que Eterna puedan ser vistas por nuestra gente acá en Buenos Aires.

Creo que va a tener un condimento especial que bandas argentinas y chilenas, en este contexto, estén tocando con la perspectiva que tienen ambos grupos. Me parece que está bueno para contrarrestar un poco tanta virulencia recalcitrante.

Sin ir más lejos, hace un mes atrás, o poco menos, ahora en el mes de septiembre, a consecuencia del último golpe militar en Chile, el Ejecutivo Nacional de la Argentina reivindicó la dictadura militar chilena.

Me parece que está bueno contraponer un poco el canto de nuestras bandas y nuestra propuesta musical a este presente.

—Vos mencionás, por ejemplo, que antes tocaban con Dead Fish, que son brasileños, y ahora tocan con Tenemos Explosivos, que son chilenos. También para que vean que en otros países hay bandas. Obviamente, no digo que no lo sepan, pero me refiero a que muchas veces parece que, a menos que sean bandas estadounidenses o estemos hablando de, no sé, Die Toten Hosen de Alemania, no muchas veces no se conocen bandas de otros países.

Exacto. Y es exactamente así. Es un esfuerzo tremendo para todas las bandas porque, como siempre, se hace todo a pulmón, como la gran mayoría de las bandas de rock.

—Cuando pensás en A los que se han apagado, ¿qué recordás de la época en la que grabaron el disco? El disco salió en 2001, lo grabaron en 2000. ¿Qué recordás de esa época?

Una época muy turbulenta en general. El país, de hecho, ese mismo año del disco, en diciembre, tuvo una crisis tremenda.

—Todo se fue a la mierda.

Fue un año muy difícil.

También estaba la sensación de que lo que veníamos criticando con Eterna en particular, pero dentro del hardcore punk en general, tenía bastante de cierto, porque por alguna razón ese modelo terminó colapsando. Y eso me lleva mucho al diálogo con la actualidad.

Incluso creo que el hecho de que en el último tiempo hayan surgido muchas bandas de punk, hardcore o post hardcore en Argentina y también en otras partes del mundo, pero particularmente acá, está directamente asociado a ese presente, que es muy similar a cuando nosotros también nos pusimos a hacer música.

Lo veo también desde ahí. Es un momento en el que podemos sacar las herramientas que teníamos, desempolvarlas, lustrarlas y decir: “Bueno, esto es lo que tenemos acá, lo que supimos usar, todavía está plausible para ser utilizado”. Entonces, me viene mucho ese recuerdo de la pauperización general, de la degradación general. Y hoy, con los datos oficiales mientras estamos hablando, dicen que volvió a subir la pobreza en la Argentina.

—Sí, sí, obviamente. Pero ¿cómo? Si los shoppings están llenos de gente.

No, por eso. Y, de hecho, nosotros también, como banda y con muchos años, creo que todos los que están dedicados al arte y la cultura están también afectados.

Pensando un poco en cómo veíamos ese momento, “a los que se han apagado”, esta idea me parece que está ahí presente: poder contar historias que a la gente le resulten significativas. En definitiva, sigue siendo importante.

Lo que nosotros veíamos en ese momento con mucha urgencia, también por la edad que teníamos y con las herramientas que teníamos, sirvió, me parece, para después, en el futuro, tener estas herramientas y poder volver a pensar en seguir cantando algo que resulte importante para el otro que lo escucha. Eso es algo muy propio del hardcore y el punk.

Igual, me atrevería a decir que es algo propio de cualquiera que se precie de querer ser escuchado y de tener ganas de decir cosas. No es algo exclusivo. Vengo hablando hace tiempo de Homero, como poeta de los cantos homéricos, que no son justamente capítulos. Los de La Ilíada y La Odisea son cantos.

Sí. Muchos poetas, como Brendan Behan, un declamador irlandés y cantor a capela que decía que si una historia no hacía reír o llorar, no valdría la pena que fuera contada.

—Exacto. Si no provoca nada en quien la escucha, ¿para qué está la historia?

Algo así, ¿no? Y creo que eso es lo que recuerdo de ese tiempo, para volver a la pregunta y quizás darle una síntesis. En ese contexto particular, la idea de ir por algo que resulte significativo y que también contenga, de alguna manera, o intente por lo menos contener a la gente.

Creo que algo de eso se logró porque Eterna es una banda convocante y funciona de manera gregaria. La gente que viene a ver la banda sabe que está en una. Sabe que, si se cae un teléfono celular, alguien lo levanta y lo devuelve, no se lo roba. Lo mismo con la billetera o con la llave de una casa. Ese público es un público que me parece que también viene a eso. Viene a comportarse así en comunidad y a sostener valores que hoy escasean.

Porque, en realidad, con el maltrato que se escucha hacia los periodistas, hacia la profesión, el destrato, el insulto, el agravio, para una banda como Eterna Inocencia, que se pensó de alguna manera, hasta el nombre, en un contexto de trabajo con las infancias, es una gran pregunta para hacernos hoy: ¿qué escuchan nuestras infancias? ¿Qué escuchan decir a nuestros adultos?

—Estaba pensando en el disco y una cosa que me llamó la atención la primera vez que lo vi fue la portada. La portada es un tanto engañosa para lo violento que es el disco.

Uno está acostumbrado a los discos de hardcore punk, ¿viste? Con esa fuente tipo graffiti, esa onda más estadounidense. Ya sabemos más o menos cómo se ven los discos de esa escena, pero la tapa no te indica tanto cómo va a sonar el disco.

Vos tenés ahí dos ediciones. Una primera edición que se hizo por una cuestión económica, la edición de 2001, que es una edición donde nosotros conseguimos unos CD en ese momento, de los que eran formatos slim pequeños, porque las cajitas salían más baratas. Fue la primera vez que trabajamos con serigrafía sobre una tapa. Hicimos un cuadrado naranja en el cual decía Eterna Inocencia, digamos, de manera deformada, y las líneas del mapa americano aparecían todas interconectadas, como que rearmábamos el continente uniendo las líneas de todos los países.

Es una edición prácticamente, te digo, inhallable. Y otra característica que tiene es que los créditos están impresos sobre el propio CD. Viste, todo grabado, tal fecha, tal otra, en tal lugar, todo lo que tiene que ver con optimizar el recurso porque no teníamos para una imprenta. Entonces el diseñador dijo: “Che, metamos todo directamente en el CD”, y fue un golazo.

Después tenés una segunda edición…

—Sí, acá está está en una página en Geocities.

Un golazo esa página. Bueno, una segunda edición ya presenta un grabado de una artista alemana expresionista que se llama Käthe Kollwitz. Kollwitz es una artista del expresionismo alemán de entreguerras. Ella tuvo dos hijos que, de hecho, murieron en la guerra, uno en la Primera Guerra Mundial y otro en la Segunda. Fue la primera mujer en poder ingresar a la Academia de Artes de Berlín y, por supuesto, también estuvo muy marcada todo el tiempo por los nazis.

Y esos dibujos de Käthe Kollwitz yo los veía en el diario La Protesta. El diario La Protesta, un diario centenario que siguió saliendo hasta mediados de la década del 90, una publicación anarquista que nació en el año 1897 y todavía en 1997, 2000 continuaba saliendo. Ya en el siglo XXI no salió más.

En La Protesta, que yo compraba en el andén del subte C en Constitución, que era uno de los puntos donde se vendía, estaban los dibujos de Käthe Kollwitz. Entonces, está bueno también pensar dónde los encontré. En una publicación que hoy es también prácticamente inhallable, era extrañísimo ver una publicación anarquista directamente, el caso de La Protesta. Y bueno, el tiempo me llevó a formar parte también del grupo de redacción del periódico años después, lo cual para mí significó un paréntesis formativo en mi vida y, por supuesto y por supuesto estoy orgulloso.

Te cuento anécdotas, después vos te fijás. El redactor responsable era, mirá, hijo de anarquistas, afrodescendiente, caboverdiano, boxeador y soldador. Su nombre era Amanecer Fiorito. Yo pensé que el tipo usaba un seudónimo.

—Y no, ese era su nombre legal.

Exacto. Y el hermano del chabón se llamaba Floreal.

Bueno, a este negro caboverdiano, boxeador, soldador y que padecía insomnio, un personaje de una novela pero te lo puedo asegurar, que vivía en Dock Sud, lo terminé conociendo y nos hicimos muy amigos.

Ahí pasé a formar parte del comité de redacción de La Protesta y vos sabés que las tapas de La Protesta en ese momento las dibujaba Hermenegildo Sábat, que es el mismo dibujante de Clarín. ¿Viste cuando abrís generalmente Clarín, dice “presidente Milei” y tiene como un león subido? ¿Esas cosas? Un dibujo que vos lo mirás y decís: “Si este es Sábat”.

Bueno, Sábat entregaba los dibujos para la etapa de La Protesta, que nosotros íbamos a buscar a la calle Tacuarí, a la redacción de Clarín. Otra época también, parece, pero nada, lejos en el tiempo, aunque muy curioso.

Bueno, con esa tapa después nosotros íbamos a la imprenta. Y, por supuesto, los dibujos no salían firmados. Todo el mundo veía que era el trazo de Sábat, pero no estaba la firma. Así que, claro, todo eso, aunque parezca mentira, está atrás de esas tapas, de esas letras también, ¿no? Y esa manera de mirar la realidad.

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—Corregime si me equivoco, pero A los que se han apagado fue el primer álbum de Eterna que estaba completamente en español. O sea, antes creo que tenían una onda más Fun People en lo de tener canciones en inglés y canciones en español, o mezclando. ¿Fue una decisión consciente en su momento hacer este disco completamente en español?

Sí, totalmente. Muy influenciada también por las giras que llevamos adelante, donde empezábamos a tener contacto con distintas culturas y ahí mismo se nos planteaba en la gira por España o por Francia, en el año 2000, ¿por qué cantábamos en inglés?

Y también nosotros empezamos a escuchar a otros cantautores, como por ejemplo Daniel Viglietti, Alfredo Zitarrosa, Atahualpa Yupanqui, que tenían letras muy parecidas a las nuestras de repente, pero con otro estilo de música.

Y eso también hizo mella, como que nos terminó de definir en cuanto a nuestra realidad latinoamericana. Y a partir del año 2000 en adelante, todos los temas de Eterna son en español.

—Viendo el disco a la distancia, ¿hay alguna canción del álbum de la que te sientas particularmente orgulloso?

Me gusta mucho el último tema, “Le pertenezco a sus ojos”, y de hecho ahora lo volvimos a regrabar e hicimos un video. Estamos contentos con eso porque quizás no regrabamos todo el disco, pero suena distinto. Veinticinco años después tiene otra cadencia, otro aplomo y nos pareció que iba a ser un tema testigo, digamos, en cuanto a sonoridad.

Tal es así que lo terminamos grabando también en formato video. El video está realizado en el muelle de pescadores de la ciudad de Quilmes. Son unas ruinas actuales del muelle de pescadores, pero bueno, la banda también nació en Quilmes y termina un poco como cerrando todo, ¿no? Sin moverse muy lejos de donde las canciones nacieron, en términos geográficos, si querés.

—Es una banda que, bueno, termina tocando, como vos dijiste, en Chile, en México, en España, en diferentes países, pero sigue siendo una banda de Quilmes.

Sí, porque ahí es donde la banda nació. Hay parte de los integrantes también y la historia del grupo está asociada definitivamente a Quilmes.

—Cuando estaban grabando el disco, ¿te imaginabas que iban a estar haciendo celebraciones por la salida del disco 25 años después?

La verdad que no, pero tampoco pensaba en un sentido de finitud, ¿viste? Si me preguntás, creo que conservo la misma determinación que tengo el día de hoy, ¿viste? Esto de seguir tocando. No sé si hubiera pensado en celebrar los 25 años de un disco, pero sí estaba convencido de que, mientras pudiera tocar, iba a ser un proyecto para toda la vida, a full.

Porque venía de proyectos anteriores y, ya cuando armamos Eterna, como que terminó por lo menos de cuajar las experiencias previas respecto de cómo armar una banda de rock. Ya teníamos algunas cosas claras y, bueno, es como que encajó todo para que el proyecto pudiera arrancar muy bien desde el principio y perdurar en el tiempo.

—Van a estar tocando el álbum completo y no es tanto esfuerzo porque el álbum dura dura 23 minutos.

Exacto. Lo vamos dosificando, ¿viste? Dos temitas, metemos otro. Dos temitas, metemos otro. Va a ir apareciendo distintas veces a lo largo del show, ¿viste? Pero, por supuesto, también acompañado por su segmento, por su estética, por sus visuales asociadas a esa época y a ese disco.

—Una cosa que estaba pensando, porque cuando busco notas que hayan hecho las bandas, cuando tengo las entrevistas y todo, una que me llamó la atención fue ver una entrevista con un medio chileno y ver que al parecer tienen como un seguimiento en Chile. No sé hasta qué punto, pero tienen como un seguimiento en Chile. Me llamó la atención eso porque muchas veces, como que en Argentina nos sorprendemos cuando bandas argentinas tienen seguimiento en otros países porque nos parece raro, estamos como en una burbuja. Onda, yo me acuerdo que hace varios meses había venido un amigo mexicano de visita y había traído un Blu-ray de Babasónicos, creo que era en México, donde tiene muchísimo seguimiento, y dije “¿Cómo?”. Y entonces estaba pensando, ¿qué crees que atrajo el público chileno a la banda?

El mensaje de la banda me parece que caló muy hondo en Chile y quizá también la constancia de las visitas. Suelen sentirse muy identificados con el mensaje, con las letras de la banda, con la fuerza de la banda. Es muy curioso y, bueno, un público muy efusivo también, muy demostrativo.

La verdad que nos quiere mucho y nos hace sentir como en casa cada vez que vamos. Ya hace mucho tiempo que visitamos Chile también. Pero sí, es muy curioso. La verdad que también sirve para esto, un poco lo que hablábamos recién, ¿no? Para desmitificar. Porque quizá una cosa son las políticas de gobierno y otra cosa es la gente, el ciudadano de a pie, la calle y cómo te reciben. Te invito a un recital de Eterna Inocencia y no lo podés creer.

—Eso de desmitificar, porque a veces uno como que se guía demasiado por lo que dicen en redes sociales o por lo que dicen cosas de internet y no se da cuenta de que son personas.

Claro. Y además, el público que está conectado con nosotros es también un público trasandino que piensa como nosotros. Entonces, por lo general, es gente muy copada, no está ni ahí con pensar en un sentido ni de individualismo ni de nacionalismo exacerbado.

Más allá de las diferencias culturales, que sirven para enriquecer y complementar al otro, o sea, no mucho más. Entonces se cae todo eso, ¿viste? Y en un recital es como que se cristaliza todo en ese momento. Lo podés ver con claridad. Es un flash, te digo.

Después, si podés, fijate. Tenés episodios por ahí en la página de internet, por ejemplo, y hay algún episodio del año pasado en el Teatro Caupolicán, por ejemplo, uno de los lugares donde bandas emblemáticas tocaron, por decirte. Fue en noviembre del año pasado, ya casi un año, y fue una locura total la sinergia que tenemos, también con Tenemos Explosivos. Es muy potente, la verdad que es muy potente, muy muy muy fuerte. Ir y volver es un flash.

—Obviamente ya esta altura queda claro que Eterna Inocencia es una banda extremadamente política. Se nota en las canciones, en la manera de manejarse, en el hazlo tú mismo, en toda la manera de manejarse. Y además no tenés pelos en la lengua para hablar de la gente en el poder ni nada de eso. Yo, obviamente, estoy metido en todo esto pero vengo del lado más del heavy metal, y no sé si vos viste que hace varias semanas fue lo de Horcas, que se habían presentado en apoyo a los trabajadores de Fate.

Sí, lo vi..

—Y me llamó la atención la cantidad de gente en los comentarios diciendo: “No, el metal no se tiene que mezclar con la política” o “La música no se tiene que mezclar con la política”. Esta gente después escucha, no sé, The Clash. Ah, no, eso de The Clash no es música política ni nada. Y me llamaba la atención eso de gente viniendo del metal, que decí lo que quieras acerca del metal en Argentina pero ya arrancó con una cosa política. Imaginate lo que dirá esa gente del punk. ¿Qué creés que hace que esta gente termine queriendo atacar estos reclamos? ¿Quieren despolitizar la música?

Es una buena pregunta, ¿no? Mirá, dentro del punk yo creo que, por suerte, no hay mucha discusión al respecto, a diferencia de otros estilos de música. Entonces uno hasta se siente más cómodo, digamos, ahí, porque lo raro sería que una acción así fuese cuestionada.

Nosotros, por ejemplo, fuimos un día cualquiera, no bien empezó el conflicto, con dos guitarras criollas a tocar en la puerta de la fábrica. Una noche cualquiera para los trabajadores que estaban ahí, para pasar el rato con ellos, para también escucharlos y, sobre todo, para hacer un poco más llevadero el hecho de tener que estar ahí, pasando las horas frente al portón de la fábrica. Y, por el contrario, por supuesto, la gente que escucha la banda se siente representada y hasta agradecida, digamos, de que la banda esté tocando ahí.

Yo sí creo que las bandas no son partidos políticos, eso me parece que es así. Pero también pueden hacer su aporte cultural, ¿no? Y desde ahí, me parece que lo mejor es pensar siempre en una sociedad, vamos a decir, heterogénea, que pueda convivir en la diversidad, que trate de pensar una salida colectiva. Y bueno, me parece que por lo menos plantearlo desde ahí es interesante al comienzo.

Me parece extraño encontrar en el hardcore y en el punk gente que tenga un pensamiento más de orden, si querés, conservador o apolítico. Sí, o sea, político no sé si sería la palabra correcta, porque todo es político, ¿no?

—Se dicen “apolíticos”.

Exactamente, exactamente. Así que bueno, resumiendo, creo que en el hardcore y en el punk no se expresan esas dificultades que sí a veces aparecen en otros estilos, ¿no?

El metal, igual, también en su variante nacional tiene un componente obrero y trabajador muy interesante, ¿no? Muy interesante. Que también hay algo de clasismo ahí, ¿no? Aunque no sea una cuestión estrictamente política. Pero bueno, también sabemos que es un estilo donde tenés tendencias más conservadoras, por decir así.

—Entonces, volviendo ya para cerrar, dos cosas. Una es, bueno, ¿qué planes tienen para después de este concierto? O sea, sé que van a estar tocando, mencionabas, en Chile. Van a estar tocando en Chile…

En Chile, después tenemos en Uruguay fecha también en noviembre. Básicamente, ahora la idea es terminar toda esta vuelta con la gira y en diciembre seguramente cerrar probablemente, como siempre lo hacemos, en un lugar en zona sur y un lugar en zona norte, para hacer un poquito y un poquito, en el conurbano.

Y ya estamos pensando en el verano del año que viene, a ver qué vamos a hacer, si vamos a armar alguna girita. Pero bueno, la verdad que estamos evaluando el estado de situación y el estado financiero, digamos.

—Que siempre es complicado en este país.

Salir de gira es muy complicado, ¿viste? Y se está haciendo verdaderamente difícil. Pero bueno, vamos a ver. De acá a enero todavía tenemos unos meses para terminar de definir y ver si arrancamos 2027 también girando.

Mientras tanto, estamos haciendo nuevas canciones, así que bueno, espero que terminemos porque las que están saliendo están buenísimas. Y ojalá que en 2027 podamos darle un disco nuevo a la gente.

—Ya, ya, ya es tiempo para un nuevo disco de Eterna.

Total, sí, sí, totalmente.

—A los van a ver el 17 de octubre, y los van a ver en Chile, que los van a ver en Uruguay, ¿qué les querés decir?

Que por supuesto los invitamos porque, como te decía más temprano, se trata de revivir emociones y darnos aliento entre todos, básicamente, ¿no?

Es una experiencia que hoy es verdaderamente de carácter inmersivo, porque el recital de Eterna Inocencia hoy empieza y, por distintas circunstancias que van pasando a lo largo del concierto, te mete en una, boludo, y te llevan, digamos, a divertirte, pero también a dejarte algo.

Así que nada, los esperamos a todos para cantar, para convocarnos, para convocar también a las voces que no están y tributarlas, ¿no? Así que bueno, todos invitados de una.

Suecia es una gran fuente de artistas musicales de todo tipo, sea pop, rock, metal, electrónica o lo que sea. Pero Hällas debe ser de los más particulares del país de la dinamita, IKEA y el smörgåstårta, con su propuesta que combina rock pesado, elementos progresivos y una atmósfera de fantasía que muchos grupos clásicos del estilo de los setentas envidiarían. Con la gira por España a punto de comenzar, presentando su cuarto LP Panorama, hablamos con su tecladista Nicklas Malmqvist, sobre cómo crear una canción de Hällas, lo que es ser una banda independiente, la industria musical y lo que hay que hacer cuando todo arriba del escenario falla al mismo tiempo.

Nicklas, es un honor poder hablar con vos hoy. Gracias por aceptar la entrevista. Vi la oportunidad cuando me enviaron el correo y pensé que era una buena ocasión para hablar con vos. He visto a mucha gente hablando de la banda, así que pensé en aprovecharla. ¿Cómo estás? ¿Cómo están las cosas? Vi que mucha gente disfrutó el nuevo álbum, así que creo que es algo de lo que pueden estar orgullosos.

Sí, creo que fue bastante bien recibido. Cuando estás en casa y parece que no pasa nada, no sabes qué está pasando o qué no está pasando. Pero cuando sales y conoces gente durante una gira, ves parte del impacto. Para mí es muy difícil imaginar que haya gente en Argentina escuchando y disfrutando el álbum, pero es increíble.

Sí, vi algunos medios más especializados hablando de la banda, pero también vi a mucha gente mencionándolos y diciéndoles a otros: “Che, ¿escuchaste esto?”. Ese tipo de recomendación de boca en boca.

Sí, de boca en boca.

Exactamente.

Creo que es lo mejor que podría pasar. En estos tiempos en los que todas las corporaciones compiten por tu atención, es genial saber que la gente todavía encuentra otras maneras de hablar de música en la vida real.

Sí. Y hablando un poco de Panorama, el nuevo álbum, sé que salió hace meses, pero sigue siendo su trabajo más reciente. Creo que mucha gente mencionó que empezar con una canción de 21 minutos es una decisión bastante arriesgada, como hacer su propio “2112” de Rush.

Sí. Venimos pensando en la idea de hacer una canción que ocupara todo un lado del vinilo. Lo pensamos durante años, pero en los últimos álbumes estuvimos bastante limitados por el tiempo de estudio, porque fuimos a un estudio en Estocolmo que era muy caro, pero para este álbum volvimos a tener nuestro propio estudio. Entonces realmente tuvimos tiempo para hacer esta canción larga.

Depende de lo que estés haciendo en una canción. Si estás haciendo “música para masajes”, puedes hacer fácilmente 20 minutos. No hay problema, es un acorde [Risas]. Pero si vas a hacer una canción progresiva, ese es el desafío.

El objetivo era conseguir que, cuando terminara la canción, el oyente no tuviera la sensación de haber estado escuchando durante 21 minutos. Queríamos que el ritmo fuera bueno, que todo fluyera y que no se volviera aburrida, demasiado extensa o demasiado corta. Al principio pensamos en ponerla en el lado B, pero después pensamos que algunos de los grandes discos antiguos empezaban con una canción larga.

Sí.

Entonces pensamos: “¿Por qué no?”. Y tuvimos que poner algo completamente diferente como primera canción del lado B. Esa terminó siendo “Face of an Angel”, que es una canción muy pop, muy inmediata. Es como una forma de compensar la canción larga cuando das vuelta el disco. Algo completamente diferente que te dé ganas de escuchar también el lado B. Y termina con algo más parecido a la primera canción del lado A, más progresivo.

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Cuando estaba leyendo otras entrevistas, vi que habían pensado en descartar “Face of an Angel” porque creían que sonaba demasiado como una canción de Mark Knopfler.

[Risas] ¡Sí!

Yo leí eso y después empecé a escuchar la canción específicamente y pensé: “Ah, ya sé a qué se refieren”. Realmente tiene algo de Mark Knopfler.

Creo que sí. [Risas]

Sí, supongo que ya tengo ese sesgo. Pero, hablando de esto, ¿qué pensás que hace que una canción de Hällas sea una canción de Hällas? ¿Cuál sería el ingrediente?

Tenemos las canciones más inmediatas y pop, que hacemos ocasionalmente. Muchas veces son un poco cursis, pero de una manera que nos gusta. Pensamos: “¿A quién le importa? Queremos hacer esto de todos modos”.

Y después tenemos las canciones más progresivas, más serias… No diría que son más serias, sino simplemente más progresivas.

En las canciones progresivas usamos muchas guitarras gemelas, por supuesto. Los guitarristas haciendo “didli didli du” [Nota: Tararea como una melodía complicada]. También suelen estar basadas en acordes clásicos del metal. Tenemos teclados, como órgano o sintetizador, además de la voz de Tommy y su forma de tocar el bajo. En realidad, Tommy es guitarrista desde el principio. Nunca quiso tocar el bajo, así que, de alguna manera, toca el bajo como si fuera una guitarra. Supongo que eso también forma parte del sonido.

Y, por supuesto, está la batería de Casper. Nunca pensé demasiado en la batería de Casper. Simplemente está ahí y funciona. [Risas] Sí, es un buen baterista, pero tenemos esta formación con dos guitarras y estamos bastante inspirados por los videojuegos de 8 y 16 bits, las películas de fantasía, cosas como Conan el Bárbaro y los juegos de rol.

Después agregamos elementos de bandas sonoras a las canciones, que creo que vienen principalmente de los videojuegos. Por ejemplo, si juegas a Mega Man y escuchas la banda sonora, te das cuenta de que en realidad es como Iron Maiden con sonidos sintetizados. “Chiptune”, pero Iron Maiden. ¡Es metal! [Risas]

También está todo el elemento narrativo de la banda, no solamente por los álbumes conceptuales sino por toda la mitología que construyeron alrededor de ella.

Sí. Creo que nos gusta mucho el concepto de un álbum. Nos gusta crear una historia que tenga algunos elementos existenciales para nosotros. Pero no queremos volvernos políticos ni nada de eso, simplemente tenemos algunas preguntas y pensamientos y nos gusta ponerlos dentro de una historia.

Además, es difícil contar mucho o desarrollar una historia en una sola canción, por eso creemos que tiene que abarcar todo un álbum. Al principio, cuando hicimos los primeros tres lanzamientos, que formaban una trilogía, sentíamos que todavía había más para contar.

Si tienes unos 45 minutos en un vinilo y haces música progresiva, hay muchos pasajes instrumentales. No hay tantas letras, así que necesitas varias canciones para contar una historia.

A menos que hagas como esas bandas que terminan poniendo toda la historia en las notas del álbum y tenés que leer los libretos para entender todo el contexto de las letras.

Sí, podrías hacer eso. Nosotros no lo hicimos porque queremos que el oyente interprete el significado y la historia. Dejamos algunos espacios vacíos para que el oyente los complete.

Este es el primer álbum de ustedes editado a través de Äventyr Records. Ustedes editaron los otros álbumes con otros sellos, pero este es el primero con su propio sello. Antes mencionaste que ahora tienen su propio estudio. ¿Qué diferencia hace trabajar con su propio sello?

Es un poco pronto para saberlo, pero sentimos que, de todos modos, teníamos que hacer mucho trabajo nosotros mismos. Entonces pensamos: ¿para qué usar un sello? Tuvimos dos sellos antes, el primero era un sello independiente muy pequeño de Suecia y ellos dependían de nosotros para todo. Nosotros teníamos que proporcionar el diseño, la diagramación, todo. Lo único que realmente hacían era poner un anuncio en Facebook y encargarse de la distribución, que de todos modos no funcionaba, y, por supuesto, imprimir y fabricar los discos físicos. Sentimos que podíamos hacer todo eso nosotros mismos.

El otro sello tenía más fuerza, pero de alguna manera cambiaron a todo el personal y el nuevo equipo estaba enfocado solamente en Suecia y los países nórdicos. Entonces sentimos, y ellos también, que no podíamos trabajar juntos. No tenía sentido. Así que nos quedamos sin sello y pensamos que quizás podíamos empezar el nuestro y ver qué pasaba. Y funcionó bastante bien.

No sé cómo funciona la distribución en Sudamérica, pero al menos siempre puedes encontrar gente con la que trabajar como sello, siempre hay una solución. Es más difícil cuando dependes de otra persona y de que esa persona esté interesada en dedicar el tiempo y el esfuerzo necesarios para que las cosas funcionen como tú quieres. 

Fue mucho trabajo, y además tienes que poder financiar todo. Tienes que poner mucho dinero porque hoy un sello es más parecido a un banco. Ellos ponen el dinero por adelantado y después se quedan con una gran parte de todo. Es como un préstamo bancario muy caro que dura 70 años. [Risas]

Por supuesto, un sello puede hacer cosas muy buenas. Nosotros también tenemos que concentrarnos primero en la música y después salir a tocar. Pero, por ahora, sigo sintiendo que fue la decisión correcta para nosotros.

No sé si trabajando con un sello tradicional les permitirían, por ejemplo, editar una canción de 21 minutos y tener el tiempo suficiente para grabarla. He entrevistado a muchas bandas que empezaron con su propio sello y no veo muchas que se arrepientan de haberlo hecho, como que consideran que fue la mejor decisión que podrían haber tomado en un momento determinado de su carrera. 

Si ves a las grandes bandas, muchas de las más importantes tienen cierto control sobre sus propias grabaciones. Creo que, si tienes una base de seguidores que sabes que puede comprar discos y puedes reunir la inversión necesaria para imprimirlos, es posible. Pero lleva mucho tiempo antes de obtener la recompensa, nosotros tuvimos la suerte de poder hacerlo realidad.

Eso demuestra cuánto avanzó la banda y cuántos seguidores acumuló. De hecho, iba a preguntarte sobre eso, porque van a estar de gira por España dentro de algunas semanas. Creo que será la primera vez que estén allí como cabezas de cartel. ¿Qué podés contarnos sobre eso?

a estuvimos tocando en algunos festivales allí. Fuimos al Asana Festival este año y el año pasado fuimos al Resurrection Fest. También hicimos una gira allí hace muchos años con Kadavar, la banda alemana.

Ah, Kadavar. Sí, los de las barbas.

Sí. Hicimos una gira como banda soporte y estuvimos en algunos lugares de España. No estuvimos mucho allí, pero siempre es interesante ver cómo funcionan las cosas. Creo que los lugares no son tan grandes, así que supongo que va a estar bien. Además, las entradas se están vendiendo bastante bien, creo que va a estar bien. Pero siempre es así cuando vas por primera vez a un país, después vuelves por segunda vez y las cosas mejoran un poco, y después vuelven a mejorar.

Tienes que empezar desde cero. Hace aproximadamente un año tocamos en Sudamérica. Fuimos a Argentina y tocamos… Creo que fue São Paulo. No, São Paulo no.

Creo que fue en Buenos Aires, en el Uniclub. Es un lugar realmente pequeño, he estado ahí.

Sí, muy pequeño. Entonces tienes que empezar casi como si fueras una banda nueva y esperar que la gente vaya [Risas]. Y después, la próxima vez que vayamos, quizás sea un lugar un poco más grande, un poco mejor.

Y tocaron en São Paulo al día siguiente.

Sí. Hicimos cuatro países en cuatro días. Fue una locura.

Ni siquiera puedo imaginar lo difícil que debe haber sido.

Lo malo es que no llegas a ver nada del país cuando haces algo así. Te pasas todo el tiempo viajando. Se puede hacer, pero es mejor tener algo de tiempo para conocer gente, ver algo y comer algo, porque hay tantos lugares hermosos para conocer.

Conocer gente, comer algo… No tener que pensar en el concierto cada segundo.

Sí, es una mejor manera de hacerlo.

¿Hay algún país en el que todavía no hayan tocado y en el que les gustaría tocar?

Japón sería un sueño. Ninguno de nosotros estuvo en Japón, así que sería increíble.

Sí. Para muchas bandas ese es el sueño, ese momento en el que piensan: “Lo logramos”.

Sí. Pero al principio nuestro sueño era poder tocar en el Sweden Rock Festival. Lo hicimos y después aparece el siguiente objetivo. Por ejemplo, poder ir a Estados Unidos, como hicimos hace un par de años. Era algo que nunca habrías imaginado. Lo mismo con México o Argentina, poder ir a esos lugares y que haya gente que vaya a verte es difícil de comprender.

Si lo piensas, somos solamente un grupo de tipos de una zona rural de Suecia. Vivimos en un pueblo muy pequeño, pero de alguna manera logramos llegar a otras personas con nuestra música.

Es bastante increíble cuando lo pensás. Terminás siendo escuchado por gente del otro lado del mundo.

Es algo que realmente aprecio. Estoy muy agradecido.

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Corregime si me equivoco. Creo que hace un par de semanas tuvieron un concierto en Alemania, según algo que leí en… No sé si conocés Setlist.fm, ahí leí que ese fue su primer concierto sin los disfraces.

Ah, sí.

¿Qué pasó con eso?

[Risas] Pasó algo. Tuvimos problemas muy grandes con la tecnología del escenario. Había tres bandas tocando y nada funcionaba para nosotros. Siempre hay mucha presión de tiempo para hacer la prueba de sonido y se suponía que todo tenía que funcionar, pero no funcionó. No funcionó nada. Entonces no hubo tiempo para cambiarnos de ropa. [Risas] 

Era como: o tocas ahora, o cancelas. Eso nos dijo el promotor, porque nosotros no éramos la banda principal, sino Opeth. Así que decidimos tocar en shorts, y lamentablemente mucha gente tuvo tantos problemas para entrar al lugar que no llegó a tiempo. Había una cola enorme afuera, lo sentimos mucho por eso.

No tenés que disculparte conmigo, fue en Alemania. Pero me gusta pensar en el escenario y, ya sé que es un cliché, compararlo con This Is Spın̈al Tap. [Risas] Al menos no tuvieron el problema del pequeño Stonehenge.

Sí. [Risas] Pero estas cosas pasan todo el tiempo, cuando estás de gira o tocando pasan cosas extrañas. Es un This Is Spın̈al Tap constante. También pasan cosas muy graciosas, al menos cuando las piensas después. En el momento no son graciosas, obviamente. Pero cuando pasa el tiempo y lo recuerdas, puede resultar bastante divertido.

Al menos no les pasó como a Kiss. No sé si conocés la historia, pero cuando Kiss tocó acá, creo que fue en 2009, Gene Simmons hizo ese número en el que vuela sobre el escenario y terminó quedándose en el medio. No sé qué falló en el cable o en la estructura que usa para volar sobre el escenario, pero terminó ahí, simplemente colgado.

[Risas] Pero supongo que también es divertido. En realidad, puede terminar formando parte del show, como algo especial que pasó solamente para la gente que estaba ahí.

Exactamente. Esa gente puede decir: “Yo vi a Hällas tocando en shorts, tratando de hacer todo ese espectáculo de rock de fantasía y aventura”.

Sí, nunca se suponía que eso pasara. Nunca habíamos hecho algo así.

Bueno, para terminar, ¿qué les gustaría decirles a las personas que van a ver a Hällas, principalmente en España, pero también en otros países? ¿Qué les dirías?

[Se queda pensando] Esta es la gira de este álbum y vamos a tocar la canción larga, por supuesto. Eso no podemos hacerlo en los festivales, por ejemplo, porque ocupa casi la mitad del tiempo que tenemos, pero ahora sí vamos a hacerlo. Esperamos ver a la mayor cantidad de gente posible. Probablemente pasen un par de años antes de que podamos volver, así que esperamos que puedan venir. Nunca hicimos conciertos como cabezas de cartel en España. Por supuesto, es diferente a tocar en un festival. Tenemos una mejor producción, mejores luces, sonido y elementos escénicos, es un mejor show. Entonces esperamos verlos allí.S

Gutalax han convertido sus conciertos en auténticas fiestas donde los moshpits, el humor escatológico y la cerveza forman parte del espectáculo. Tras más de una década llevando su particular propuesta por escenarios de todo el mundo, la banda checa mantiene intacta su filosofía: divertirse y hacer que el público también lo haga. Con su regreso a España en el horizonte, hablamos con ellos sobre música, humor, conciertos y, por supuesto, mucha mierda.

– Gutalax lleva años convirtiendo sus conciertos en auténticas fiestas de grindcore. ¿En qué momento os disteis cuenta de que el público había transformado vuestros conciertos en algo que iba mucho más allá de simplemente escuchar música?

¡Es increíble! ¡Nos encanta! Nuestros conciertos siempre son una gran fiesta de mierda y nuestros fans son quienes aportan la diversión, no nosotros. Los queremos a todos.

– Vuestra estética y vuestro sentido del humor son inmediatamente reconocibles, pero detrás de todo eso hay una banda que lleva más de una década trabajando en su música. ¿Creéis que a veces la gente presta demasiada atención al lado escatológico de Gutalax y pasa por alto el trabajo musical que hay detrás?

Sí, definitivamente algunas personas lo hacen, y puedo entenderlo. Pero no hay ningún problema con eso 🙂

– El público español parece tener una conexión especialmente fuerte con Gutalax. ¿Qué diferencias notáis entre tocar en España y hacerlo en otros países?

Nos encanta tocar en todas partes y nuestros conciertos son geniales en cualquier sitio. Los conciertos en España siempre han sido muy salvajes y nos encanta. Más cara a cara, más moshpits, ya sabéis 🙂

– El grindcore puede ser un género extremadamente agresivo, pero vosotros conseguís abordarlo desde una perspectiva muy festiva. ¿Era algo que buscabais deliberadamente desde el principio o surgió de manera natural?

Casi siempre surge de manera natural. Cada concierto es diferente y se convierte en una fiesta diferente.

– ¿Cómo ha cambiado Gutalax desde aquellos primeros años hasta la banda que sois hoy? ¿Hay algo de los primeros tiempos de Gutalax que echéis especialmente de menos?

Somos más viejos, más gordos, más borrachos, más vagos y olemos peor. Pero la pasión por hacer música sigue siendo la misma.

– Habéis conseguido convertir canciones y conceptos aparentemente absurdos en auténticos himnos dentro de la escena grindcore. ¿Cómo es el proceso creativo cuando partís de una idea que inicialmente puede parecer poco más que una broma?

También surge de manera natural. No hay ningún proceso. Y, ¿sabéis lo que decimos en la República Checa? “Toda broma esconde algo de verdad en lo más profundo”. Jajaja.

– Después de tantos años de giras, ¿qué es lo que todavía os sorprende de actuar ante un público que ya conoce tan bien vuestra propuesta?

Que sigamos tocando la misma mierda y la gente siga viniendo, jajaja.

– Habéis compartido cartel con bandas de muchos estilos diferentes. ¿Hay alguna banda con la que todavía no hayáis tocado y que os gustaría especialmente tener como compañera de gira?

Bandas de disco de los 80 y los 90. Definitivamente forman una parte importante de nuestra música y puedo imaginar que una gira con bandas como Rednex, Scooter, Aqua, 666 o Brooklyn Bounce funcionaría de puta madre, jajaja.

– En una época en la que muchas bandas tienen mucho cuidado a la hora de gestionar su imagen en redes sociales, vosotros habéis construido una identidad basada en no tomaros demasiado en serio. ¿Sentís que esa libertad es una parte importante de vuestra identidad?

Es necesario y también es la única manera en la que lo vamos a hacer. ¡Para siempre! No nos importa ninguna imagen, somos lo que somos (somos lo que cagamos, jajaja) y nunca cambiaremos solo por la “imagen”.

– ¿Qué expectativas tenéis para vuestra próxima gira por España?

Diversión, cervezas, paella, fiesta, conciertos increíbles con gente increíble… buen tiempo, jajaja.

Con casi tres décadas de trayectoria a sus espaldas, Eivør afronta una nueva etapa con la llegada de Tungl, un álbum en el que vuelve a explorar ese particular cruce entre tradición feroesa, folk, electrónica y sonidos de marcado carácter oscuro que ha convertido su propuesta en algo difícil de encasillar. El nuevo trabajo llega además acompañado de su incorporación a Nuclear Blast, un movimiento especialmente significativo para una artista que durante años ha defendido su independencia y una manera muy personal de entender la música. Aprovechando el inminente lanzamiento del disco y su próxima gira, hablamos con Eivør Pálsdóttir sobre esta nueva etapa, sus raíces, la conexión con públicos de todo tipo, su experiencia trabajando para videojuegos y series, la situación actual de la industria musical y, por supuesto, sobre esas canciones que adelantan un Tungl donde la oscuridad y la esperanza vuelven a encontrarse.

Buenas tardes, Eivør, gracias por concederme esta entrevista

Hola, gracias a ti, es un placer hablar con vosotros

Lo primero ¡enhorabuena! El lanzamiento de tu nuevo álbum (Tungl) es inminente y lo que he escuchado hasta el momento me parece espectacular: Tiene una temática preciosa y los singles son muy potentes, tanto musicalmente como estéticamente. Por favor, cuéntame un poco más sobre esta nueva etapa de Eivør y qué podemos encontrar el mes que viene en Tungl.

Gracias, sí ¿qué puedo decir? siempre es super ilusionante y también dan muchos nervios cuando un nuevo disco está a punto de salir. Aparecen todas las emociones. Y a veces me toma cierto tiempo y distancia para entender completamente lo que yo misma he creado: tengo que experimentarlo en directo y ver la reacción de la audiencia. De momento tengo un sentimiento muy positivo. He podido compartir con la gente algunas canciones este verano, las he tocado en directo, y me he sentido muy bien. Así que estoy llena de ilusión con esta nueva etapa que empieza a desarrollarse ahora.

Una nueva etapa en la que firmas con Nuclear Blast, una de las productoras más grandes de Metal actual… ¿qué supone para ti la entrada en esta discográfica? 

Pues significa mucho para mí. He estado trabajando de forma independiente muchos años y me he dicho siempre a mí misma que no firmaría por un sello salvo que sintiera que de verdad es una colaboración: que trabajara conmigo. No quiero una discográfica que quiera agarrar mi música y encasillarme en sus cajitas o etiquetas. Llevo haciendo música mucho tiempo como para hacer eso. Así que cuando me encontré con Nuclear Blast, me sentí muy feliz al comprobar su entusiasmo y su amor por mi música, por lo que estoy muy feliz de colaborar con ellos. Creo que compartimos la misma visión acerca de crear música. Obviamente no soy una artista de Metal, para nada, mi música tiene una mezcla de muchos estilos. Pero para mí es muy ilusionante estar en una firma de Metal, porque veo que los seguidores de la música metal ya están en mis conciertos, por algún motivo… es como un crossover: una mezcla de mundos, algo que considero muy bonito. Mi música también es así, por lo que trabajar con ellos resulta apropiado.

Desde luego tu música es muy única y seduce a todo tipo de público. De hecho te iba a preguntar si has notado algún cambio en la audiencia, pero en este caso a raíz de tu colaboración en bandas sonoras de series y videojuegos. Seguro que les has abierto los oídos a muchos gamers a nuevas músicas y nuevas sensibilidades. ¿Has notado su presencia en tus conciertos?

Sí. Totalmente he notado un cambio en mi público, sobre todo en los últimos 8 años. Cuando empecé haciendo música para “The last kingdom”, y después con “God of War” y fue increíble… Veía a gente en mis conciertos vestidos de vikingos o incluso de Kratos. También por supuesto hay gente con looks góticos y hasta abuelitas, abuelitos, niños, amantes del folk… una mezcla muy grande de personas muy diferentes y eso me emociona muchísimo: ver a personas de tan diferentes orígenes y contextos. Es increíble que la música pueda hacer eso, reunirles así. Es maravilloso.

No solo realizas una música única, sino que tus orígenes también lo son. Seguro que muchas personas se han sentido interesadas por el idioma y las tradiciones de las Islas Feroe debido a tu música. ¿Cómo se siente defender tu música en tu propio idioma por todo el mundo?, ¿o alguna vez has pensado: “todo sería más fácil cantando en inglés”?

Hace mucho tiempo, cuando empecé a hacer música ¡hace casi 30 años de mi primer álbum! Entonces cantaba en feroés porque estaba haciendo música inspirada en las tradiciones y el folk feroés. Pero no pensaba que eso fuera a interesar a mucha gente fuera de las Islas Feroe. Así que cuando salí a cantar fuera, sí que pensé “vaya: voy a tener que cantar en inglés a partir de ahora”. Pero entonces vi que la gente era capaz de conectar conmigo casi igual de bien si cantaba en mi propia lengua. Así aprendí que la música no siempre es “entender cada palabra” sino más bien “entender el sentimiento”, y la audiencia es inteligente y tiene empatía, puede entender los sentimientos de alguien que canta en otro idioma. Así aprendí que la música es un idioma universal de verdad.

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Las tres canciones que has sacado hasta el momento (“Walls”, “Healer” y “Dragon Maiden”) me gustan muchísimo, y al escucharlas me trasmiten “esperanza”, cada una a su manera son oscuras pero a la vez esconden luz y mucha fortaleza ¿estoy acertando?, ¿cómo las describirías tú?

¿Sabes qué? me hace muy feliz que me digas esto, porque acabo de hacer otra entrevista y me han dicho que mi álbum les parecía súper oscuro y he pensado: “¿en serio? Para mí no es tan oscuro”. Para mí este álbum, que sé que es duro en sus líneas de bajo y batería, y que tiene un sabor oscuro… pero como tú has dicho, para mí tiene mucha esperanza y coraje. Para mí tiene un mensaje muy fuerte relativo a que debemos creer en que las cosas al final se colocan en su sitio y que siempre sanamos después de rompernos. En mi música es muy importante el contraste: la oscuridad y la luz, y cómo bailan entre sí. Y también en las letras que escribo existe ese contraste, por lo que diría que sí has acertado. 

¿Cuánto hay de mitología y tradición feroesa y cuánto hay de fantasía e introspección en estas canciones?

No estoy segura. Es siempre una mezcla de muchas cosas. No es que siempre escriba sobre mí misma ni mi vida, pero sí que todo suele empezar con un sentimiento propio, una idea o un recuerdo que tengo dentro y que me da la idea de la canción para empezar… pero luego esto crece y nunca se sabe qué camino va a recorrer. A veces recojo inspiración de muchas otras cosas. Pero en general todo empieza con un sentimiento propio o bien con algo que sucede a mi alrededor. O que sucede en el mundo, y que me inspira. 

Por cierto que llevas toda la vida en el mundo de la música, desde que eras casi una niña: ¿qué opinas del actual estado de la industria?, ¿son buenos o malos tiempos para la música?

Un poco las dos cosas a la vez. Los músicos estamos un poco en el medio de ninguna parte ahora mismo. Entonces tenemos el tema de la IA, que es terrible: nos está robando la identidad. Nos roban la música y la copian en todas partes, sin esfuerzo. Y eso da mucho miedo, cuando has trabajado toda tu vida en este área y de repente alguien puede hacer una canción parecida a la tuya en segundos con la IA.

Por su parte, la industria musical está siempre cambiando y te digo la verdad: nunca he sido muy buena navegando en ella. Siempre me ha asustado un poco y he querido mantenerme un poco alejada de la industria. Me gusta hacer las cosas a mi manera. Así que no sé… pero en cuanto a sensaciones, es cierto que no me parece un buen momento para las artes ahora mismo… Pero hay que hacerlas. ¡Me moriría si no lo hiciera! Si eres un alma creativa tienes que crear. Es así. Para los artistas es más importante que nunca ser auténticos, y amar de verdad a su público. Y yo realmente amo a mis fans, a la audiencia: me apoyan, vienen a verme a mis conciertos ¡no puedo pedir más! Es lo más precioso de mi vida.

Y eso es algo que la IA no puede hacer: salir al escenario y conectar con la gente en vivo.

Cierto. Cuando la gente se reúne, hay algo mágico. Cuando la música encuentra a su público, es el mejor regalo para un artista.

Y eso es justo lo que vas a hacer muy pronto: has anunciado un tour muy largo y generoso, siendo tú una artista que además trabaja muy duro sobre el escenario ¿cómo te preparas para un tour así? ¿Y qué podemos esperar de este nuevo tour?

Pues, ahora mismo aún estoy saliendo de la burbuja creativa que supone grabar un nuevo disco. Y a la vez he estado actuando en festivales todo el verano. Así que justo ahora me toca mentalizarme para estar de viaje cinco semanas para el tour, para actuar y compartir la música con la gente. He estado ensayando con mi banda, hemos ensayado varias de las nuevas canciones, y sobre todo ahora estoy tratando de reunir mi energía, toda la chispa que pueda sumar, para subir al escenario y compartir todo eso. Me hace mucha ilusión ir de gira. Es muy distinto actuar en vivo que en el estudio. En el estudio es un ejercicio de introspección, estás dentro de ti misma, y luego en el escenario liberas todo lo que tienes dentro, es muy distinto, y me encantan ambas facetas de la música.

Sí que lamento un poco algo y es que no he visto España en tu anuncio de la gira, ¿Podremos verte por aquí en un futuro próximo? Porfa dí que sí.

Sí, estoy segura de que voy a ir a España muy pronto. Siento que no esté ya agendado en la gira. Sé que no he ido mucho por España hasta ahora, pero últimamente he sido tan afortunada de poder hacer unos pocos conciertos allí hace poco y ha sido genial. Quiero volver muy pronto y seguro que lo voy a hacer. Sin ninguna duda.

Espero que lo hagas, me encantaría verte en directo. De momento aguantaré viendo tus videoclips, que son espectaculares y tengo una pregunta quizás un poco rara que hacerte, ya que proviene de mi peque: tengo un peque de 5 años y le encanta tu música. Cree que eres encantadora y le fascina tu voz. Pero quiere que te pregunte sobre el videoclip de “Dragon Maiden”. Le parece preciosa tu actuación, el paisaje, todo… pero no entiende por qué aparece tu rostro multiplicado en cinco rostros en el estribillo, así que he pensado en preguntarte sobre ello y en general la simbología de este vídeo tan bello.

Wow, qué emoción que le guste a tu peque y qué pregunta tan interesante: se ve que es muy inteligente. Los cinco rostros, se suponen que representan un espejo que te ayuda a adentrarte más en ti misma. Porque esta canción va sobre encontrar la fuerza en uno mismo. Cuando estás mal puedes buscar en tu interior y llamar a tu propia dama del dragón, y ella vendrá con sus alas de fuego a darte su fuerza. Así que estas cinco caras son el espejo y la manera en que están situadas, un poco en triángulo, tienen que ver con la tierra, con una montaña, con afirmarse sobre la tierra y recuperar tu fuerza. Espero que a tu peque le guste la respuesta.

Es maravillosa la respuesta. Ya casi hemos terminado ¿hay algo más que te gustaría decir a tus seguidores en esta nueva etapa?

Sí, me encantaría decirles a mis seguidores en general y también en España que estoy muy agradecida de que me escuchen y sigan mi música. Que me gustaría visitarles pronto y encontrarnos pronto para compartir la música. Y darles las gracias a todos por estar ahí y por su apoyo.

Muchas gracias a ti. Enhorabuena y mucho éxito.

Será un género basado en la negatividad y la oscuridad, pero el black metal depresivo sí que ha logrado unir a la gente a pesar de la distancia e incluso del tiempo. Un ejemplo de ello es In Luna, un proyecto que reúne al multi instrumentista chileno Aukka y al cantante Uruksoth, español de nacimiento y radicado en Alemania, que editara su primer material como parte de un split con otras tres bandas del estilo y más tarde lanzara su debut Forgotten Lives. A más de diez años de la salida de ambos, en octubre tendremos The Architecture of Negativity, el esperado segundo álbum de este dúo, el cual ahora incluye la presencia de dos músicos de sesión salidos de un par de las bandas de black metal más trascendentes de la actualidad. Hablamos con Uruksoth al respecto de este material, el futuro (o no) de la banda, y el mundo del DSBM y el post metal.

—Cuando me llegó la el mensaje acerca de que la banda estaba disponible para entrevistas y dije, “Ah, sí, una una banda de una banda de black depresivo. Yo conozco del género, obviamente, pero esperaba entre las sombras, francamente esperaba que estuvieras así dentro de las sombras todo, porque ya me pasó con un músico de Alemania que estaba entre las sombras.

[Risas] Sí, tanto Aukka como yo somos gente normal que te puedes encontrar en la calle en cualquier día, entonces tenemos la imagen de nuestro día a día. Luego, vale, somos más introspectivos en lo que es la música, pero somos gente normal y corriente.

—¿Cómo viene todo últimamente? Están presentando un nuevo disco después de más de una década sin material nuevo. Quiero mencionar que estaba buscando alguna entrevista de la banda y creo que había encontré una en un blog en inglés, no recuerdo ahora.

La verdad es que nos han hecho muy pocas entrevistas, yo creo que dos, tres o una cosa así.

—Ah, bueno, entonces tengo el privilegio de ser uno de los primeros ¿Cómo viene todo? ¿Cómo viene la promoción de este nuevo disco que saldrá en octubre?

Ahora dentro de nada, a la vuelta de la esquina, con Talheim Records, un sello ubicado en Austria y también tiene su sede en Alemania. Y nada, pues la verdad es que deseando tanto Aukka como yo, deseando ver un poco qué le parece la recepción de la gente. Somos una banda muy underground, no tenemos tanto un gran público, y nosotros perfectos con eso porque esa es la lógica que siempre llevamos, o sea ser un grupo underground, pero con ganas de ver. Después de tantos años que sacamos tanto nuestro debut como poco tiempo después, en el mismo año, también un split con dos temas, y la verdad es que tuvimos una buena acogida y tenemos ganas de mostrar el nuevo material a la gente a ver qué le parece.

—Este estilo es under incluso en el mundo del black metal, no es un estilo que se suponga que tenga que estar tocado en estadios ni nada de eso, al menos hasta cierto punto, obviamente.

Exacto, yo pienso igual.

—Estoy metido, no super metido pero estoy, en el mundo de este tipo de black metal desde hace un tiempo, desde la época en la que visitaba blogs en Blogspot para leer reseñas, y siento que hay una tendencia con este tipo de bandas de sacar un LP, un EP o un demo y después desaparecer como por diez años sin que estén oficialmente separadas. Creo que un ejemplo sería In Luna, desde que sacaron ese material en 2015…

Sí, el disco split.

—El split con Psychonaut 4, Vanhelga y Ofdryyka, después tuvieron el disco y listo. ¿Qué como qué onda durante todo ese tiempo? ¿Simplemente no se sintieron con ganas?

Es un cúmulo, un poco de todo. In Luna nació y lo concebimos y lo hemos lo hemos hecho en este tiempo. Es un proyecto de estudio, que no lo ideamos para sacar cosas cada x años. No teníamos esa necesidad, queríamos hacer una música que nos representase, con unas letras también acordes con ello y no hemos tenido tampoco la necesidad de contar más hasta hace unos años que hemos decidido retomarlo. Como te digo, es un proyecto de estudio, aunque en una ocasión hemos dado un único concierto…

—Primer y único recital,

¡Sí! Además, In Luna es un grupo más paralelo a lo que son o han sido nuestros otros proyectos, de metal extremo también pero de otras vertientes, y lo hemos tenido más aparcado. No terminado, sino aparcado en todos estos años pues eso no teníamos la necesidad de grabar algo por grabar, sino cuando ha sido el momento indicado, que nos ha aparecido ya pues ahora nos apetece.

—Es una expresión del momento, ¿no?

Sí, se podría decir.

—Es personal y es para el momento, no es para decir: “Bueno, ya sacamos el EP, ya sacamos este disco, ahora vamos a hacer eso de vuelta”. No es para forzarse.

Exacto. Además, ya te digo: hemos estado todo este tiempo trabajando en otros grupos, en otros proyectos. También la vida personal, ¿sabes? Te vas haciendo mayor, tampoco tienes el mismo tiempo que hace 10 años, 20 años, ya sabes cómo va.

—Cuando dije lo de las bandas de black que sacan material y después desaparecen como por diez años, iba a mencionar a Thy Light, el grupo brasileño. Me lo había anotado y después vi que Aukka había participado en la remasterización del primer disco de Thy Light, así que coincidencia.

Thy Light es un grupo que me encanta. Eh, Paolo y yo hemos hablado durante años a través de Facebook y tal y bueno, nos podemos conocer hace unos cuantos años porque él se vino a Europa a vivir desde Brasil y es una persona excepcional.

—¿Qué los llevó a volver? O sea, lo describiste como una cosa del momento, como una cosa de simplemente tener como el impulso de sacar nueva música que algo específico que que los llevó a decir “Tenemos que sacar nuevo material con In Luna”, como que la ocasión, el clima, está para un nuevo de In Luna.

No sé cómo decirte, surgió de una forma totalmente natural. Aukka y yo hablábamos, éramos amigos, lógicamente, y hubo un momento, en 2018 más o menos, en que Aukka ya tenía composiciones nuevas en formato demo que había ido grabando, recopilando ideas. Yo también había empezado a escribir algunas letras, y justo fue el momento adecuado para unir todo.

—Simplemente dijeron: “Ah, todas las piezas se están uniendo”.

Exacto, todo encaja y ahora nos apetece volver a grabar algo nuevo.

—Cuando vi el disco y vi que en el reproductor me aparecían cuatro canciones y dije, “Ah, sí, es como un EP”. Y después vi que todo el álbum duraba 36 minutos.

Sí, sí, sí. Salvo una que andará por los seis minutos, casi siete, el resto son canciones largas, con mucho proceso, mucha atmósfera…

—Mucho momento acústico de la nada, con ese contraste clásico entre ruido y calma…

Entre el caos y más calma, más melancolía. A Aukka, en concreto, le gusta crear esas atmósferas que vayan subiendo y bajando.

—Sí, sí. El caos y la calma contrastan y se magnifican uno a otro.

Exacto.

—Entonces, eh con los lanzamientos anteriores de In Luna ustedes tenían baterías programadas, pero en este The Architecture of Negativity tienen no uno, sino dos músicos acompañándolos.

Sí, son dos músicos de sesión, no pertenecen a In Luna como tal, pero han sido músicos de sesión en la grabación del álbum, músicos de estudio.

Por un lado tenemos a Diego Mota. Se le puede conocer por Gaerea y está a las baterías, como digo. Y luego, por otro lado, está Deimos AF, que es un amigo mío de toda la vida de aquí, de la escena de España, de la escena de Cantabria, de donde somos. Es una persona mítica en el black metal de allí. Hemos tocado también juntos en otra banda.

Le gusta mucho Luna y, nada, comentando un día dice: “Ay, pues podría yo grabaros el bajo”. Lo había grabado Aukka siempre, pero bueno, es un bajista fenomenal, guitarrista también, pero bajista fenomenal. Y nada, lo comenté con Aukka y directamente entró a formar parte de la grabación de este disco.

—Con los otros discos con Aukka encargándose de todos los instrumentos, y en este disco teniendo dos músicos haciendo lo suyo, ¿crees que hubo algún cambio en la dinámica al momento de hacer el disco? ¿Cómo cambia la manera de trabajar ahí?

Bueno, lo más notable, por supuesto, es la batería al ser una batería real. Nosotros estamos contentos con lo que ya hicimos en el primer disco y en el split con la batería electrónica, programada, que para el momento estuvo bien. Pero queríamos dar un paso más en nuestro sonido y contar con una batería real y, lógicamente, humana, para el sonido.

—Se nota, por supuesto.

Sí, sí, sí. Y Diego Mota, aparte de ser batería de Gaerea, es músico de sesión, es parte de su trabajo. Contar con él ha sido un lujo porque es un batería increíble, la verdad, y ha aportado mucha potencia a este disco con sus ideas.

Y por la parte del bajo, Deimos también es una persona súper experimentada. Lleva tocando desde mediados o principios de los noventas y, sumada a su experiencia en el bajo, también ha aportado muy buenas ideas al sonido.

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—Estaba escuchando mucho el disco junto y me gustó mucho. Tal cual como lo describiste, con ese contraste entre caos y calma. También me vino el documento con las letras de la banda y quería hablar un poco acerca de eso porque, por lo que entendí, vos sos el encargado de las letras, ¿no?

Sí, de la parte lírica.

—Y la idea del black depresivo, como quieran llamarlo, obviamente nos da una idea de las letras de la banda. Pero siempre me pareció que es un género bastante más amplio de lo que uno pensaría con ese nombre, porque tenés las bandas que van por esa estética de “venas cortadas en el baño”, y creo que In Luna va más por un lado de, no sé, desolación urbana, creo que sería.

Sí, sobre todo en el primer disco y en el split. También eran dos canciones, una de ellas iría más por un tema así, pero también es algo muy introspectivo, las vivencias de cada persona en el mundo, que puede estar un poco al límite.

No tanto como has mencionado tú, por ejemplo, de muchas bandas que tratan temas como el suicidio en concreto, automutilación, etcétera. Nosotros no tocamos esos temas, vamos por una línea quizás a veces más poética, más metafórica en las letras, otras veces más cruda, por así decirlo, en la forma de expresarlo.

Tocamos temas un poco más personales, más ahondando en la negatividad del ser humano. Un poco iría por ahí el asunto. No son temas que hayamos inventado nosotros para nada. Ya hay miles de bandas que abordan temas de ese tipo.

—Más un estado de la mente que algún tipo de acto físico.

Exacto.

—Mencionabas los discos anteriores y una cosa que había es que años atrás tenían un track que se llamaba “The Grey Manifiesto”, donde una parte estaba la frase “música gris para gente gris”.

Sí, sí, sí. Eh, bueno, The Great Manifest es una intro más que un tema y sí, y la frase es un poco también homenaje a la mítica frase de Morbid Angel: “Extreme music for extreme people”. Y nosotros la adaptamos a pues a nuestro rollo, a nuestra temática, poniendo pues esa etiqueta de ”Grey Music for Grey People”.

—El gris es un color que aparece bastante seguido en las letras de In Luna.

Sí, es un concepto porque ahí está el gris entre el negro y el blanco. No es ni una cosa ni la otra, no es ni la luz ni la oscuridad.

—Sí, porque el negro es el color relacionado con el black metal. Literalmente está en el nombre. El blanco, bueno, al metal cristiano lo llamaban en ese momento “white metal”.

[Risas] Sí, es verdad.

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—Yo tengo amigos que no están muy metidos en el heavy metal y a veces les cuento cosas de hablar con bandas y todo eso, y les tengo que explicar que el black depresivo y el post son géneros de verdad, que estoy hablando en serio y no es un invento mío, porque parecen esas parodias cuando agarran y dicen que hay 700 millones de géneros de metal y quieren armar como alguna cosa nueva, y tengo que explicarles que esos son géneros de verdad, que tienen escenas propias y todo. ¿Sentís a veces que incluso dentro del black metal, bandas como In Luna y grupos afines son como una burbuja aparte, un mundillo dentro del mundo del black metal?

Pero yo creo que es así, por lo menos en cualquier estilo o subestilo del metal extremo. Incluso me imagino que también pasa en grupos de heavy metal, de thrash metal, que no sea metal extremo en general. Pero es como te había comentado al principio de la entrevista, entre lo que es más underground y la música más mainstream.

Yo creo que el depressive black metal ya tiene, desde hace muchísimos años, su nicho de seguidores y fans de esta música. El post black metal también tiene su nicho. Es como todo, porque también podrías hacer la misma pregunta sobre el pagan black metal, el atmospheric black metal o cualquier otro subgénero derivado del black metal, del death metal o del doom.

Yo creo que es lo que te digo, que ya no es eso, sino que es más underground, para unos oyentes más concretos que les gusta más investigar o descubrir algún grupo que no sea conocido, para ver qué tal está su música, etcétera. Es, vamos, es una opinión subjetiva, vamos.

—Una cosa que me llama la atención es que no tenés problema con etiquetas como post black metal. Lo menciono porque muchos músicos le tienen miedo a ese tipo de etiquetas y dicen: “No, nosotros no nos definimos como una banda de black depresivo, post black metal, metal atmosférico ni nada. No somos una banda de black metal y punto, o una banda de metal y punto. No hacemos ese tipo de música, hacemos nuestra música y punto”. Pero vos no tenés problema con ese tipo de etiquetas.

No, nosotros no tenemos problema con definir nuestra música dentro de unos parámetros, como puede ser black metal atmosférico, depressive, lo que sea. Ya le das una referencia a la persona que esté investigando bandas en Encyclopaedia Metallum, por ejemplo. Si está buscando bandas de determinado estilo, puede encontrar la nuestra y decir: “Mira, esta banda es de black metal, me interesa”. O puede encontrar otra de otro tipo de black metal que no le llame tanto la atención.

Además, somos una mezcla de depressive black metal y post black metal, porque tenemos elementos más modernos, alguna parte de shoegaze, black metal, ¿sabes? Entonces somos un poco esa amalgama entre lo atmosférico, el blackgaze, que también se le llama, y el black metal. También tenemos partes de un black metal más tradicional.

—¿Cómo definirías la diferencia fundamental con un grupo de black metal tradicional? Nosotros sabemos a qué nos referimos con black metal tradicional, ya conocemos todas las bandas con corpse paint. Obviamente, hay bandas de post black metal que también lo utilizan, pero me refiero a ese tipo de grupos, esa onda más, no sé cómo definirla, más de la escena noruega y todo ese tipo de grupos. ¿Cuál creés que es la diferencia?

Sí, con black metal más ortodoxo, digamos.

— Black metal ortodoxo, digamos. ¿Cuál considerarías que es la diferencia fundamental o si hay alguna específica?

Me imagino que sea, por ejemplo, que en el post black metal experimentas un poco más con otros sonidos, a veces fuera de lo que es el espectro del black metal como tal. Puedes agregar alguna parte de post metal, post rock, cosas que no irían dentro de la senda prefijada del black metal ortodoxo que me has preguntado.

El black metal ortodoxo tendría unos sonidos más clásicos, más noventeros, de principios y mediados de los noventas, con la primera y la segunda ola del black metal. También esos primeros grupos de black metal tenían muchos toques más épicos como, por ejemplo, Enslaved, unos clásicos que luego han seguido y se han puesto más de black progresivo, una cosa así.

Pero, lógicamente, el post black metal tiene sonidos de black metal, como su nombre indica, pero no tan arraigados a esa música de los años noventas, de principios y mediados de los noventas, que es lo que yo caracterizaría como más propio del black metal ortodoxo. Aunque después, ahora y también en el futuro, van a seguir saliendo grupos nuevos con ese sonido de black metal más ortodoxo, pero más abiertos a incorporar influencias.

—Mencionaste géneros como el shoegaze, y me llama la atención pensar que esa escena y la escena del black metal se estaban desarrollando a la par, pero no creo que nadie en su momento se imaginara que podían cruzarse.

Ya lleva muchos años, pero te pones a pensar que a finales de los años noventas, por ejemplo, por ponerte más o menos una fecha, una parte del black metal iba a derivar hacia esos sonidos y tal. No lo habías pensado nunca, y es una cosa positiva porque tenés otra parte de la música que te gusta, que puedes investigar y que te puede llamar la atención. Si te gusta ese otro tipo de black metal, pues mejor que mejor. Para la gente a la que nos gusta la música, fue un descubrimiento, como ha pasado con otros estilos o subestilos.

—¿Qué planes tienen a futuro con In Luna? Obviamente recitales no, porque no es una banda para eso. Pero, ¿qué planes tienen a futuro? ¿Tienen algún algún plan a futuro con In Luna?

No, no tenemos nada pensado, la verdad, porque ahora mismo va a salir el nuevo disco y, en realidad, no es como nos ha pasado la vez anterior. Ya veremos si en unos años grabamos alguna otra cosa o no, o si es el último capítulo. El tiempo lo dirá, según vaya surgiendo.

Ahora estamos muy contentos con lo que hemos grabado y también nos centramos en otros proyectos y bandas que tenemos. Pero, por ahora, el tiempo lo dirá.

—Sobre todo vos, que vi el currículum en Metal Archives y eran cuatro millones de bandas en las que participaste.

¡Son bastantes, sí! Llevo tocando desde el año 98, o sea, que son bastantes años y he estado en un buen número de bandas. Me gustan muchos estilos de metal extremo y he tenido la suerte de estar en bandas de diferentes estilos de metal extremo que me permiten expresarme tanto a nivel vocal, porque me encanta lógicamente cantar, como a nivel lírico, en diferentes aspectos, letras, etcétera.

—Como para cerrar, ¿qué querrías decirles a nuestros lectores, a la gente que va a escuchar este nuevo disco de In Luna? A la gente que pueda interesarse en escuchar el nuevo disco de In Luna a partir de leernos, ¿qué querrías decirles?

Pues que entren a escuchar el nuevo disco nuestro de In Luna, The Architecture of Negativity, como si fuese un viaje. Las cuatro canciones son como un viaje en el cual todo es oscuridad. Es un viaje que habla sobre la depresión, la ansiedad, la pérdida y la negatividad que puede tener cada persona en su interior.

Quizás no sea un viaje fácil, pero que entren en él.

Con una propuesta que combina el power metal melódico de principios de los 2000 con elementos de hard rock, AOR y metal melódico, Fallen Sanctuary continúa desarrollando su identidad con The Gathering of Dreams, su segundo álbum de estudio. El disco profundiza en un sonido marcado por grandes coros, melodías elaboradas y armonías, pero también presenta un costado más personal y directo en sus letras.

A cuatro años de la edición de su debut, Terranova, el nuevo trabajo refleja también los cambios que atravesaron sus integrantes durante ese período. Marco Pastorino, conocido además por su trabajo en Serenity y Temperance, nos cuenta sobre las influencias detrás del álbum, el proceso de composición junto a Georg Neuhauser, la libertad creativa de Fallen Sanctuary y los planes para el futuro de la banda.

The Gathering of Dreams está profundamente arraigado en el power metal clásico. ¿Cuáles fueron tus principales influencias musicales a la hora de escribir el álbum?

Creo que nuestras influencias básicas siguen siendo las mismas desde que comenzamos con Fallen Sanctuary. El power metal de principios de los 2000, como Sonata Arctica y Stratovarius, pero también bandas más pequeñas como Dyonisus, Silent Force y Thunderstone. Incluso diferentes tipos de música, desde el AOR hasta el rock y el metal melódico.

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Las canciones comparten una identidad muy clara, pero cada una tiene su propia personalidad. ¿Cómo lograron conseguir ese equilibrio?

Debido a las múltiples experiencias que tuvimos durante los últimos 15 o 20 años, Georg y yo definitivamente hemos construido nuestro propio sonido, nuestra personalidad e incluso nuestras propias características distintivas. Así que básicamente siempre vas a encontrar algunas melodías fuertes, grandes coros, cierto tipo de progresiones armónicas, etc.

Las letras parecen ser más personales esta vez. ¿Qué ideas o experiencias las inspiraron? ¿Hay alguna canción que sea especialmente significativa para vos?

Estoy totalmente de acuerdo con vos. El álbum debut, Terranova, también era personal, pero hablábamos incluso sobre la vida en general. En este nuevo disco nos involucramos al 100 %. En primer lugar, tuvimos que esperar cuatro años para poder editar el álbum y, por supuesto, en cuatro años muchas cosas cambiaron en nuestras vidas.

¿Qué significa para vos el título The Gathering of Dreams? ¿Cuál es la idea principal detrás de él?

Ayer estaba hablando de esto durante otra entrevista. Tenemos muchos sueños en la vida, pero al mismo tiempo seguimos viviendo nuestro propio sueño: escribir nuestra música, grabarla, poder editarla y, además, tener la posibilidad de tocar estas canciones alrededor del mundo es algo impagable y no podemos pedir más. Por supuesto, siempre tenés algún objetivo que querés alcanzar o algo que querés hacer.

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El álbum explora diferentes facetas de su sonido, desde el power metal clásico hasta el hard rock y elementos más melódicos. ¿Intentaron experimentar conscientemente con su estilo?

Para nosotros es un proceso bastante natural. Fue lo mismo con el álbum debut y algunas personas se sorprendieron muchísimo por eso. Pero Georg y yo venimos del metal melódico, el power metal y el rock, por eso es algo muy natural para nosotros. Tengo que decir que, si lo forzáramos, definitivamente ya no sería tan natural.

Después de dos álbumes, ¿sentís que Fallen Sanctuary ya encontró su propio sonido o todavía quieren explorar nuevos territorios?

Creo que sí, pero al mismo tiempo nunca tuvimos, ni tendremos, ningún tipo de límite en el proceso de composición. Quizás el próximo sea incluso más rápido o más lento. Tal vez sea 100 % AOR, o quizás sea 100 % de baladas, ya que no escribimos ninguna balada para The Gathering of Dreams. Simplemente nos estamos divirtiendo juntos y escribiendo las mejores canciones que podemos hacer.

¿Cuál es el principal objetivo que tienen con The Gathering of Dreams? ¿Qué te gustaría que los oyentes se llevaran del álbum?

Por supuesto, llegar a más y más personas, pero al mismo tiempo no estamos intentando volvernos virales a cualquier precio. Sin duda, hoy en día las redes sociales son una de las mejores herramientas para promocionar una banda, pero nosotros no estamos buscando que algún videoclip se vuelva viral en Instagram o TikTok. Seguimos buscando llegar a la gente y conseguir que se enamore de nuestra música. El álbum debut tuvo una respuesta fantástica y, hasta ahora, este también está funcionando muy bien.

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¿Cuáles son los planes para Fallen Sanctuary después del lanzamiento? ¿Podemos esperar más conciertos o incluso una gira?

Este año vamos a hacer algunos conciertos acústicos, solamente Georg y yo, y habrá algunos más durante la próxima primavera. Pero después de eso no tenemos ningún plan concreto para hacer conciertos con la banda completa en el futuro. Tenemos muchos compromisos con Serenity, Temperance, etc. Probablemente sigamos haciendo eso y editando nuevo material. Nunca sabés qué puede pasar en la vida, aunque si el álbum recibe una respuesta ENORME y volvemos a recibir, como ocurrió con el primer disco, toneladas de ofertas para salir de gira, quizás algo cambie.

Finalmente, si pudieras convertir The Gathering of Dreams en una película, un videojuego o cualquier otro tipo de proyecto, ¿qué elegirías y cómo sería ese mundo?

¡Wow, qué buena pregunta! Probablemente diría algo relacionado con Indiana Jones, porque Georg es historiador y se vería genial buscando algún tesoro escondido jajaja.

Con motivo de la celebración este octubre del festival Molded in Blackness, que mezclará música extrema con artistas plásticos del ámbito oscuro. Track to Hell se ha puesto en contacto con algunos de sus participantes para perfilar un poco más esta interesante propuesta y despertar la curiosidad por este evento único y especial en la sala Revi Live de Madrid.

Hoy hablamos con una de las artistas destacadas de la muestra, Esther Limones, quien revisa con nosotros tres de sus influencias musicales más determinantes: The Sisters of Mercy, Virgin Prunes y Twisted Sister.

¿Quién es Esther Limones?

Esther Limones (Madrid, 1982) es una artista multidisciplinar cuya práctica explora las dimensiones más profundas de la psique humana, el deseo y lo oculto. Formada en la Escuela de Arte “La Palma” (Grado Superior en Artes Aplicadas a la Escultura), su trayectoria ha evolucionado desde el grabado y la pintura clásica hacia un lenguaje híbrido que integra el arte digital, el videoarte y la estética del tatuaje.

Su imaginario visual se articula en torno a la dualidad: un juego dialéctico entre el Bien y el Mal, donde el Amor y el Odio actúan como hilos conductores. A través de una figuración cargada de simbolismo, sus personajes —especialmente sus figuras femeninas— encarnan una libertad emocional que surge del conflicto interno, la tentación y la conciencia de la finitud. En su obra, el “pecado” no es una falta, sino un atributo que dota a la escena de un romanticismo crudo y sugerente.

Tras una etapa de consolidación en el mundo del tatuaje y la experimentación digital, Limones ha expandido su técnica hacia soportes físicos de carga histórica, como espejos antiguos, cornucopias y maderas trabajadas artesanalmente. Actualmente, su trabajo se sumerge en el hermetismo y el ocultismo, explorando arquetipos como la brujería y deidades como Baphomet (Leviatán). En su producción más reciente, la artista retorna a la pintura tradicional, fundiendo su depurada técnica clásica con una cosmovisión oscura y solemne.

Ha expuesto su obra en diversas galerías de España y Estados Unidos, destacando su presencia en espacios como Metropolis Collective (Pensilvania), Aeon Gallery (Illinois) y Lux in Tenebris (Los Ángeles).

¿Cuál será tu papel en Molded in Blackness?

Estaré allí en calidad de artista, presentando mi obra artística con nuevos y antiguos trabajos y apoyando este gran proyecto de mi querida Jaqueline. Para mí es importante dar voz a este tipo de iniciativas tan prometedoras y excitantes.

Por favor, háblame de tres discos que te hayan resultado especialmente importantes o inspiradores a lo largo de tu vida

Floodland: The Sisters of Mercy.

Es una banda que ha acompañado mi post adolescencia, imbuyendome en la magia oscura de la vida, el lado oscuro y el descubrimiento del sonido dark.

Heresie: Virgin Prunes.

Este grupo abrió puertas más gamberras, más punk, es uno de los que más me gusta bailar. Amo su escena, su olor y teatralidad… nunca me cansaré de escucharles. 

Under the Blade / Stay Hungry / Come out and play: Twisted Sister.

No puedo dejar atrás a una de mis bandas favoritas de heavy glam metal clásico….. Esta banda ha marcado muchas etapas de mi vida. Es divertida, caótica… siento que soy la hija de Dee Snifer…. me siento unida a ellos de una forma muy especial. 

Es complicado elegir solo tres bandas, ya que mi vida está acompañada de música de muchos estilos y quedarme solo con ellos excluye a tantos y tantos artistas que me han embriagado durante tanto tiempo.

Además del festival Molded in Blackness ¿Qué otros proyectos tienes en el panorama, o dónde más podemos encontrar tu magnífica obra?

En breve voy a la feria Nocturna de Barcelona, donde tendré otro stand en la sala Nau Bostik.

Actualmente tengo expuestas dos obras hasta finales de junio en la galería Curioart en Lisboa. En septiembre participaré en otra feria: De Duystere Markt en Bruselas, es otro proyecto donde habrá grandes grupos de música, performances y artistas exponiendo su obra. A partir de ahí no sé lo que deparará el futuro, ¡pero estoy ansiosa de vivirlo!

Con motivo de la celebración este próximo mes de octubre de Molded in Blackness —un encuentro pionero que entrelaza la densidad de la música extrema con la vanguardia de las artes plásticas oscuras—, desde Track to Hell iniciamos una serie de conversaciones con sus protagonistas para desgranar los matices de una propuesta inédita en la sala Revi Live de Madrid.

En esta ocasión, tenemos el privilegio de dialogar con la creadora, directora y comisaria de la muestra: la galardonada fotógrafa y artista visual de origen austriaco Jaqueline Vanek. Con una trayectoria firmemente consolidada en el simbolismo y el surrealismo conceptual, Vanek analiza con nosotros las inquietudes conceptuales que dieron vida al festival, las sinergias entre el sonido y la imagen, y los pilares fundamentales que sustentan su aplaudido imaginario fotográfico.

– Molded in Blackness se presenta como una propuesta con una identidad sumamente definida y atmosférica. ¿Cuál fue el catalizador o la inquietud personal que te impulsó a dar vida a este proyecto y a coordinar un encuentro de estas características?

Molded in Blackness nace de una necesidad muy personal. Llevo gran parte de mi vida moviéndome entre la fotografía, las artes visuales, la música oscura y diferentes formas de expresión que suelen habitar espacios alternativos. Durante años sentí que existían escenas paralelas que compartían una sensibilidad común, pero que rara vez se encontraban en un mismo lugar de manera orgánica.

Quería crear una experiencia donde la música, la imagen, la estética, la oscuridad, la emoción y la creatividad convivieran bajo una misma identidad. No se trata simplemente de organizar un evento, sino de construir un universo inmersivo donde las personas puedan sentirse identificadas, inspiradas y libres para conectar con aquello que normalmente permanece oculto.

Además, este proyecto representa un gran reto personal y profesional para mí. Por primera vez estoy poniendo realmente en práctica los conocimientos adquiridos durante mis estudios como Experto en Gestión Cultural, Dirección y Gestión de Galerías y Nuevos Espacios Culturales. 

Molded in Blackness comenzó como una iniciativa completamente personal, impulsada en solitario y con mucha ilusión, y en el camino he tenido la suerte de encontrar personas que han creído en la idea y me están tendiendo la mano de distintas maneras. Su apoyo, colaboración y confianza son algo que agradezco infinitamente, porque me recuerdan que los proyectos culturales más especiales suelen construirse gracias a la suma de muchas voluntades y sensibilidades compartidas.

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– La elección del espacio es crucial para acompañar a un evento como este. ¿Qué te ha llevado a escoger la sala Revi Live como el templo donde albergar esta experiencia?

Buscaba un espacio que permitiera cuidar la atmósfera y la experiencia visual. Revi Live ofrecía precisamente ese equilibrio. Es una sala que permite trabajar con una puesta en escena potente, con buenas condiciones técnicas y suficiente versatilidad para desarrollar la identidad que quiero transmitir. Para mí era muy importante que el espacio no fuera únicamente un contenedor, sino una parte activa de la experiencia, aportando un gran escenario, buen sonido e iluminación.

Además, buscaba un lugar que me permitiera integrar otra de las dimensiones fundamentales de Molded in Blackness: el arte visual. Desde el principio tuve claro que quería dar espacio a la obra de diferentes artistas y crear un diálogo natural entre la música y las artes visuales. Revi Live ofrece esa posibilidad, permitiendo que las exposiciones formen parte de la experiencia general del evento y que el público pueda descubrir distintas propuestas creativas en un mismo entorno. De esta forma, el espacio se convierte en algo más que una sala de conciertos: en un punto de encuentro para distintas disciplinas artísticas que comparten una sensibilidad común.

– Lo que se ha revelado del cartel es realmente apetecible. Como mente creadora del evento, ¿qué criterio has seguido a la hora de invitar a los artistas y bandas que formarán parte?

Más allá de estilos concretos, he buscado artistas que transmitan algo auténtico. Me interesan las propuestas con personalidad, aquellas que consiguen crear mundos propios y provocar emociones profundas.

Las bandas y artistas visuales seleccionados comparten una dimensión artística que va más allá de lo puramente musical o visual. Algunos destacan por su intensidad emocional, otros por su capacidad atmosférica o por la fuerza de su imaginario. Quería que cada participante aportara una pieza distinta a un mismo relato, que existiera diversidad, pero también coherencia.

En el caso de los artistas visuales, la selección también tiene un componente muy personal. Llevo años siguiendo el trabajo de algunos de ellos, observando su evolución creativa. Con varios de ellos he tenido además el privilegio de compartir exposiciones en galerías extranjeras, por lo que contar con su participación en Molded in Blackness supone para mí un doble honor, tanto a nivel profesional como humano.

Cada uno de los artistas participantes —Michał Karcz, Nihil, Sylwia Mazurek, Matthew Lombard, Esther Limones, Above Abyss, Jorge Romero y Melissa Antúnez— ocupa un lugar especial. Los considero creadores únicos, con una voz propia perfectamente reconocible. Aunque sus estilos y lenguajes son diferentes, todos comparten algo esencial: una conexión con la oscuridad entendida no como un elemento superficial o estético, sino como un territorio profundo de exploración emocional, simbólica y creativa. Esa mirada hacia lo oculto, lo introspectivo y lo trascendente es precisamente uno de los hilos conductores que une sus obras y que encaja de forma natural con la identidad de Molded in Blackness.

Algo similar ocurre con las bandas que forman parte de esta primera edición. Orly, Alta Rossa, The Moth Gatherer y Counteractt no han sido elegidas únicamente por su calidad musical, sino por su capacidad para generar emociones, atmósferas y narrativas propias. Son proyectos con identidad, honestidad y una sensibilidad artística que encaja perfectamente con la filosofía del evento.

En muchos casos llevo años siguiendo sus trayectorias, observando cómo han evolucionado y cómo han desarrollado universos creativos cada vez más personales. Reunir a todos estos artistas y bandas en un mismo espacio supone, para mí, la materialización de muchas influencias, admiraciones e inquietudes acumuladas durante años. De alguna manera, Molded in Blackness es también el punto de encuentro entre creadores cuya obra me ha acompañado durante mucho tiempo y que comparten una misma voluntad de explorar las zonas más profundas, emocionales y oscuras de la experiencia humana.

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– Dada tu trayectoria artística en la fotografía y el modelaje dentro de la cultura oscura, posees una mirada marcadamente plástica. Desde tu perspectiva, ¿cómo dialogan la música extrema y las artes visuales? ¿Qué sinergias se crean entre el sonido y la imagen?

Para mí siempre han estado profundamente conectadas. De hecho, muchas de mis fotografías nacen escuchando música. Hay canciones que inmediatamente generan imágenes en mi mente, paisajes emocionales o escenas completas que después intento traducir al lenguaje visual. En ese sentido, la música no solo acompaña mi proceso creativo, sino que muchas veces actúa como el detonante de una obra.

La música extrema tiene una enorme capacidad narrativa. Puede transmitir melancolía, trascendencia, espiritualidad, dolor, rabia o belleza sin necesidad de palabras. Las artes visuales hacen algo similar mediante la luz, la composición, la textura, el color o la ausencia de él. Ambas disciplinas trabajan con emociones, símbolos y atmósferas, aunque utilicen herramientas diferentes.

Desde mi perspectiva, tanto la música como la fotografía buscan provocar una reacción emocional en quien las experimenta. Un riff, una voz desgarrada o una determinada progresión musical pueden generar sensaciones muy parecidas a las que provoca una imagen poderosa. No se trata únicamente de lo que vemos o escuchamos, sino de aquello que sentimos y de las interpretaciones personales que nacen a partir de esa experiencia.

Además, dentro de las escenas oscuras, la dimensión visual siempre ha tenido una importancia enorme. Las portadas de discos, la estética de las bandas, la iluminación de los conciertos, el vestuario, la escenografía o incluso la identidad gráfica de un lanzamiento forman parte del mismo lenguaje artístico. Muchas veces la primera conexión que tenemos con una obra musical es visual, y esa imagen condiciona la manera en que nos acercamos al sonido.

Creo que cuando ambas disciplinas dialogan correctamente se produce una experiencia mucho más poderosa. La imagen amplifica la emoción del sonido y el sonido aporta movimiento, profundidad y contexto a la imagen. Es una relación casi simbiótica donde cada elemento potencia al otro.

Precisamente esa visión es una de las bases sobre las que he construido Molded in Blackness. Quería crear un espacio donde la música no estuviera aislada de las artes visuales, sino que ambas convivieran y se enriquecieran mutuamente. Que el público pudiera contemplar una obra, dejarse envolver por una atmósfera sonora y experimentar ambas cosas como parte de un mismo universo creativo. Porque, al menos para mí, nunca han sido disciplinas separadas, sino diferentes formas de expresar emociones, explorar la oscuridad y contar historias que muchas veces resultan difíciles de explicar con palabras.

– ¿Existe alguna banda, obra o álbum en particular que te haya inspirado especialmente a lo largo de tu vida, alguna que te haya dejado una impronta o te haya servido de banda sonora para tus procesos creativos?

Es difícil elegir porque la música ha sido una influencia constante durante toda mi vida. No la entiendo únicamente como entretenimiento, sino como una herramienta capaz de modificar estados emocionales, despertar recuerdos y abrir espacios mentales desde los que crear. Muchas de las fotografías, proyectos artísticos e incluso decisiones importantes que he tomado han estado acompañadas por una banda sonora concreta.

Sin embargo, hay bandas que han dejado una huella especialmente profunda en mi imaginario creativo. Amenra y Cult of Luna son dos ejemplos claros. Ambas poseen una capacidad extraordinaria para construir atmósferas emocionales intensas y paisajes sonoros que trascienden la música para convertirse casi en experiencias físicas.

También me han influido enormemente artistas y bandas que se mueven entre lo oscuro, lo ambiental y lo experimental. Me atraen especialmente aquellas propuestas que no buscan únicamente ser escuchadas, sino que crean universos completos. Son obras que invitan a la contemplación, que dejan espacio para la interpretación personal y que generan una sensación muy similar a la que experimento frente a una pieza artística poderosa.

Más allá de la inspiración estética, hay discos que han estado presentes en momentos importantes de mi vida y que inevitablemente han acabado formando parte de mi identidad creativa. Algunas obras se convierten en compañeras de viaje durante años; regresamos a ellas una y otra vez y, aunque las canciones no cambien, nosotros sí lo hacemos. Con cada escucha descubrimos nuevos matices y significados. Creo que esa capacidad de acompañarnos en diferentes etapas de la vida es una de las cosas más fascinantes que tiene la música.

Por eso me resulta difícil señalar un único álbum o una única obra. Más que canciones concretas, existen sonidos, atmósferas y emociones que han permanecido conmigo durante décadas y que siguen alimentando mi forma de entender la creatividad. Hay música que funciona como auténticas puertas hacia determinados estados emocionales, lugares de introspección desde los que nacen las ideas. Y cuando encuentro una canción capaz de provocar eso, sé que tarde o temprano acabará dejando algún rastro en mis fotografías, en mis proyectos o en la manera en que observo el mundo.

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– Tradicionalmente, las áreas de producción y dirección en los festivales de corte más extremo han estado masculinizadas. Como mujer, fotógrafa y gestora cultural liderando este proyecto, ¿cómo valoras la escena actual en términos de representación y liderazgo femeninos dentro de las vertientes artísticas más oscuras?

Creo que la situación ha mejorado considerablemente respecto a años atrás, aunque todavía existe margen para seguir avanzando.

Cada vez encontramos más mujeres liderando proyectos, dirigiendo festivales, trabajando en producción, fotografía, diseño, management, comunicación o formando parte de bandas. También vemos más mujeres ocupando espacios de decisión dentro de la industria cultural y musical, algo que durante mucho tiempo fue menos habitual. Esa diversidad enriquece enormemente la escena porque aporta nuevas perspectivas, sensibilidades y formas de entender la creación y la gestión cultural.

Además, creo que las escenas vinculadas a la música extrema, el arte oscuro y las culturas alternativas están viviendo una evolución interesante. Aunque históricamente muchos de estos ámbitos estuvieron dominados por hombres, hoy es mucho más común encontrar mujeres.

Personalmente nunca he querido que mi trabajo se definiera exclusivamente por el hecho de ser mujer. Siempre he preferido que hablen los proyectos, el esfuerzo invertido y los resultados obtenidos. Mi objetivo con Molded in Blackness no es demostrar que una mujer puede organizar un evento de estas características, sino crear una experiencia cultural de calidad que tenga identidad propia y que conecte con las personas.

Sin embargo, también soy consciente de que la visibilidad tiene un valor importante. Cuando una persona ve a alguien con quien puede identificarse ocupando determinados espacios, entiende que esos espacios también están a su alcance. Por eso considero que es positivo que existan referentes femeninos en todos los ámbitos de la cultura, no como una excepción o una rareza, sino como algo natural.

En mi propio recorrido profesional he tenido la suerte de encontrar mujeres extraordinarias dentro de la fotografía, las artes visuales, la música y la gestión cultural. Muchas de ellas han desarrollado papeles admirables con una enorme dedicación y profesionalidad, y creo que su trabajo ha contribuido a abrir caminos para las generaciones que vienen detrás.

También pienso que el verdadero avance llega cuando dejamos de sorprendernos por quién ocupa una posición de liderazgo y empezamos a valorar únicamente la calidad del trabajo realizado. Ojalá llegue un momento en el que no sea necesario destacar si quien dirige un festival, una galería o una banda es un hombre o una mujer, porque lo verdaderamente relevante sea la propuesta artística, la visión y la capacidad de llevarla a cabo.

En ese sentido, si Molded in Blackness puede aportar algo, me gustaría que fuera precisamente eso: demostrar que los proyectos culturales nacen de la pasión, la perseverancia y el compromiso, independientemente del género de la persona que los impulsa. Y si además puede servir de inspiración para que otras mujeres se animen a desarrollar sus propias iniciativas dentro de la música o el arte, será una satisfacción añadida.

– Este tipo de eventos van mucho más allá del puro entretenimiento. ¿Qué te gustaría a ti que el público se llevase consigo tras haber vivido la experiencia de Molded in Blackness?

Vivimos en una época donde todo sucede muy rápido y donde muchas experiencias se consumen de forma superficial. Molded in Blackness pretende ser justamente lo contrario: una experiencia que permanezca en la memoria más allá de las horas que dura el evento. No quiero que sea simplemente un concierto o una exposición a la que se asiste y luego se olvida, sino un momento capaz de dejar una huella emocional en quien lo vive.

Me gustaría que el público pudiera desconectar por unas horas del ruido cotidiano y sumergirse en un universo donde la música, el arte y la atmósfera inviten a sentir, reflexionar y experimentar las cosas de una manera más profunda. Que puedan descubrir una banda que no conocían, una obra que les conmueva o una conversación inesperada con alguien que comparte inquietudes similares.

También me gustaría que las personas sintieran que forman parte de algo más grande que ellas mismas. Uno de los aspectos que más valoro de las escenas alternativas es esa sensación de comunidad que surge cuando personas de lugares y trayectorias muy diferentes se reúnen alrededor de una sensibilidad común.

Si alguien sale del evento sintiendo que ha descubierto algo nuevo, que ha conectado consigo mismo, que ha encontrado inspiración o simplemente que durante unas horas ha pertenecido a un lugar donde se sentía comprendido, entonces habré conseguido mi objetivo. Y si semanas o meses después sigue recordando alguna canción, alguna imagen o alguna emoción vivida allí, sabré que Molded in Blackness ha cumplido realmente su propósito.

– Y, a nivel más personal, ¿qué es lo que a ti te genera una mayor expectación o ilusión de este evento?

Probablemente es el momento de verlo cobrar vida. Cuando trabajas durante muchos meses en una idea, llega un punto en el que deja de existir únicamente en tu cabeza y comienza a materializarse frente a ti. Durante todo ese tiempo convives con bocetos, conversaciones, correos, decisiones, dudas, ilusiones y horas de trabajo que muchas veces permanecen invisibles para los demás. Por eso creo que el instante en el que las puertas se abren y todo empieza a suceder tiene algo casi mágico.

Me emociona pensar en ver a los artistas cuyas obras he admirado durante años expuestas en un mismo espacio, observar cómo el público se detiene frente a ellas y descubrir las diferentes interpretaciones que cada persona hace de las mismas. Del mismo modo, será muy especial ver a las bandas sobre el escenario y sentir cómo toda la energía acumulada durante meses de preparación se transforma en una experiencia real y compartida.

También me ilusiona enormemente reunir a personas de diferentes disciplinas creativas dentro de un mismo entorno y comprobar las conexiones que surgen de manera espontánea. Muchas veces los proyectos más interesantes nacen precisamente de esos encuentros inesperados entre músicos, fotógrafos, ilustradores, artistas visuales o simplemente personas que comparten una sensibilidad similar.

Pero si soy sincera, hay un componente emocional muy importante. Molded in Blackness es un proyecto muy personal, una idea que me ha acompañado durante mucho tiempo y que finalmente he decidido hacer realidad. Por eso creo que una de las mayores satisfacciones será poder detenerme unos minutos en medio de todo el movimiento, observar lo que está ocurriendo y pensar: “ha valido la pena”. Ver cómo algo que comenzó como una intuición, una necesidad creativa y casi un sueño, se convierte en un espacio real lleno de arte, música y personas conectando entre sí es, sin duda, lo que más ilusión me hace.

– Además de la celebración de Molded in Blackness, ¿qué nuevos proyectos tienes en el horizonte?

Continúo desarrollando mi trabajo fotográfico y visual, que sigue siendo una parte fundamental de mi vida. Estoy continuamente trabajando nuevas imágenes y series personales donde continúo explorando conceptos relacionados con la identidad, la oscuridad, el simbolismo, el surrealismo y los paisajes emocionales. Son líneas de investigación artística que me acompañan desde hace años y que siguen evolucionando constantemente junto a mi propia experiencia personal y creativa.

Paralelamente, sigo trabajando con bandas y artistas a través de Obnubil Studio, realizando sesiones promocionales, retratos y distintos proyectos visuales vinculados al ámbito musical. La relación entre imagen y música continúa siendo uno de los ejes centrales de mi trabajo, y es un terreno en el que sigo encontrando nuevas formas de expresión y colaboración.

También continúo desarrollando mi labor como fotógrafa de conciertos, redactora y creadora de contenidos a través de Obnubil Magazine, fotografiando en festivales, realizando entrevistas y publicando reportajes relacionados con la escena musical nacional e internacional. De hecho, es bastante probable que cuando esta entrevista vea la luz me encuentre de camino a Copenhell, o ya inmersa en la cobertura del festival en Copenhague, con cámara en mano. Esa combinación entre viajar, descubrir música en directo, conocer personas creativas y contar historias a través de imágenes sigue siendo una de las cosas que más disfruto de mi profesión.

Además, sigo involucrada en proyectos vinculados al diseño, la dirección visual y mi marca Obnubil, así como en futuras colaboraciones artísticas que iré anunciando próximamente. Y, por supuesto, gran parte de mi energía está ahora centrada en el crecimiento de Molded in Blackness. Mi intención es que no sea únicamente un evento puntual, sino una plataforma cultural con recorrido, capaz de seguir generando encuentros entre música, arte y creación contemporánea en futuras ediciones.

En realidad, todos estos proyectos comparten una misma esencia. Ya sea a través de una fotografía, una exposición, una entrevista, una sesión para una banda o un evento como Molded in Blackness, mi objetivo sigue siendo el mismo: crear.

– Para aquellos que deseen profundizar en tu universo estético, ¿dónde o a través de qué plataformas podemos contemplar y seguir de cerca tu obra fotográfica?

La mejor forma de adentrarse en mi universo visual es a través de mi Instagram o mi página web oficial, donde pueden encontrar una selección amplia de mis trabajos:

• Instagram de Jaqueline Vanek

• Jaqueline Vanek Website

En cuanto a todo trabajo relacionado con la música:

• Obnubil Website
• Instagram de Obnubil
• Instagram de Obnubil Studio

Y, por supuesto:

• Instagram de Molded in Blackness
• Molded in Blackness Website

La idea del fénix levantándose de entre las cenizas es uno de los grandes clichés de la literatura, pero es así de repetido porque justamente es efectivo al momento de expresar una situación donde renacemos después de estar en el punto más bajo de nuestras vidas. El caso de Erik Grönwall bien podría ser un ejemplo de manual de ello: después de estar 10 años al frente de los hardrockeros H.E.A.T, el cantante recibió el diagnóstico devastador de que padecía de leucemia, lo que terminaría recortando su paso por las leyendas Skid Row ante lo complicado que era girar mientras se recuperaba de su tratamiento. Pero el sueco aprovechó la situación para volver a su carrera solista, editando tres álbumes de covers y ahora volviendo al ruedo con Bad Bones, su primer disco compuesto por completo en solitario. Con las buenas reseñas que viene teniendo, no quedaba otra que sentarnos a hablar con Erik acerca del mundo del rock, de composición, de lo que es pasar por una competencia de canto, y de cómo es sobreponerse a las circunstancias que hundirían a tantos.

Bueno, Erik, antes que nada, creo que ya sé más o menos qué vas a responder, pero tengo que preguntártelo igual. ¿Cómo vienen las cosas en este momento? Entre tener que promocionar el nuevo álbum, los conciertos que dieron hace un par de semanas… ¿cómo están viviendo todo esto?

La verdad es que siento que todo va muy bien. Vi un montón de críticas muy positivas sobre el nuevo álbum y los conciertos salieron realmente muy bien. Estoy muy entusiasmado con todo lo que está pasando, con los planes que tenemos por delante. De hecho, ya empecé a trabajar en canciones para un nuevo disco y todo se siente muy emocionante. Siento que esto es el comienzo de algo. Todavía no sé exactamente de qué, pero siento que hay algo especial acá y simplemente quiero seguir haciéndolo.

Tengo que decir que Bad Bones debe ser uno de los discos que más escuché en las últimas semanas. Y no solo por esta entrevista, obviamente, sino porque sinceramente me parece un álbum realmente muy bueno. Además, me gusta que no dure 70 minutos. Son treinta y pico de minutos… Entonces tengo que preguntarte: ¿cómo fue el proceso de composición de Bad Bones? ¿Cuándo empezó?

Creo que empezamos a trabajar en el álbum en algún momento de 2024. Cuando arrancamos a escribir, me hice una pregunta… Durante toda mi carrera estuve en bandas, lo cual fue fantástico. Estuve diez años en H.E.A.T, después pasé por Skid Row y, en algún momento después de Skid Row, empecé a preguntarme: “¿Quién es realmente Erik Grönwall?”. Porque escribí canciones con H.E.A.T y ese era yo, siempre tuve la suerte de poder dedicarme a algo que me apasiona y eso es un privilegio enorme, del que estoy muy agradecido.

Pero, de alguna manera, sentía que todavía no había contado mi propia historia ni compuesto música que fuera completamente mía. Quería descubrir cómo sonaría mi propia identidad musical. Todo el proceso llevó alrededor de dos años desde que escribimos la primera canción. Después trabajamos con el productor Frederik Thomander, grabamos todo en España, en Palma Music Studios, en Mallorca, donde él tiene su estudio.

Empezamos a desarrollar todo el material, y mi amigo Jonah T también participó como coproductor. Creo que lo que hizo que este álbum terminara siendo lo que es… porque a mí también me encanta. Nunca estuve más orgulloso de un disco. Y creo que lo que realmente marcó la diferencia fue que nos permitimos ser completamente honestos entre nosotros. 

No había falsas adulaciones ni gente diciendo “sí, sí, esto está buenísimo” solo por compromiso. Había personas a mi alrededor que me decían cuando algo no era lo suficientemente bueno, y yo también podía decirles: “Eso no es lo que quiero hacer”. Esa forma tan honesta de trabajar juntos terminó convirtiendo al álbum en lo que es hoy. Por eso quiero seguir trabajando con ellos en el futuro. Necesitas más gente que sea capaz de decirte “no” cuando hace falta que gente que simplemente te diga “sí” a todo.

Sí. No necesitas gente que te diga que sí a todo.

Exactamente. No quieres gente que te adule todo el tiempo.

No, para nada. Escuché muchos discos realmente malos que, claramente, fueron consecuencia de que la banda o el artista estaban rodeados de personas que les decían que todo estaba bien.

Sí, exactamente. No quieres tener gente que sólo esté ahí para besarte el culo.

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Quería preguntarte por otro tema, porque obviamente hay que hablar de esto. Recibiste el diagnóstico de leucemia y enterarse de algo así debió haber sido realmente terrible. Además, pasó cuando recién habías empezado con Skid Row, así que imagino que tuvo que ser una situación muy dura.

Sí, lo fue. En realidad, cuando entré a Skid Row ya me había hecho el trasplante, así que estaba mejorando. Pero fue poco tiempo después de terminar todos los tratamientos. Salir de gira por el mundo después de atravesar una enfermedad así y todo ese proceso probablemente no era lo más recomendable. Pero necesitaba hacerlo por mí mismo, porque no sabía cuánto tiempo iba a vivir. En realidad uno nunca lo sabe, pero cuando la muerte se siente tan cercana todo cambia.

Se me presentó esa oportunidad en el momento más oscuro de mi vida, y además era uno de mis grandes sueños. Hablé con mi médica y me dijo: “Hazlo, pero asegúrate de estar siempre cerca de un hospital”. Así que sentí que tenía que hacerlo por ese chico que soñaba con estar en una banda como esa.

Lo pensaba porque creo que cualquiera podría escuchar este disco sin saber que fue grabado en circunstancias bastante difíciles. En la superficie, Bad Bones suena como un álbum clásico de hard rock, lleno de canciones enérgicas y con grandes estribillos. Además, ese estilo de hard rock no suele caracterizarse por tener letras demasiado personales. Pero, al mismo tiempo, siento que se puede percibir todo lo que viviste durante estos últimos años. Hay muchísimas referencias a cicatrices, a superar momentos difíciles, a ser salvado. Incluso hay una canción que se llama Save Me. Detrás de esos himnos tan enérgicos se puede sentir que hubo momentos muy duros, pero también una intención de salir adelante y mejorar.

Creo que nunca había sido tan personal, tan honesto y tan transparente. Hablo de todo: de superar el cáncer, de volver después del cáncer, de lidiar con la frustración y la bronca que sientes cuando atraviesas algo así.

Es como haber ido al infierno y regresar. Piensas: “¿Por qué a mí?”. Hay una frase en una canción que dice que estuve de rodillas buscando paz mental. No soy una persona religiosa, pero sí creo que hoy soy mucho más espiritual.

Cuando estás tan cerca de la muerte, todo el mundo termina creyendo en algo. Yo estaba de rodillas tratando de encontrar cierta tranquilidad, pensando que, si todo terminaba mal, o si realmente existe algo superior a nosotros, como creo que existe, entonces tal vez habría algún sentido detrás de todo eso. Todas esas emociones y pensamientos terminaron en las canciones. 

Así que sí, tienes razón: es un disco muy personal. No es simplemente un álbum de “¡Vamos a rockear esta noche!”. También me gustan ese tipo de letras, pero en este caso necesitábamos ser completamente honestos y personales. Hoy siento que esa es la única forma en la que puedo escribir música.

Sí. Hay bandas que parecen girar únicamente alrededor del rock and roll y de ese estilo de vida. Incluso bandas como Mötley Crüe, que representan perfectamente esa imagen, también tienen algunas canciones bastante personales. No sé si todas son igual de buenas, aunque obviamente Kickstart My Heart está basada en algo que realmente les pasó. Pero creo que, en algún momento, también hay que hablar de lo que implica ese estilo de vida. 

Y quería preguntarte esto porque recién mencionabas que querías ser honesto y escribir tu propia música. De alguna manera, este álbum marca una nueva etapa en tu carrera solista. Diría que tu carrera tiene dos etapas bastante diferenciadas.

¡Sí, absolutamente! (Risas)

Porque tú mismo decías que estuviste toda la vida en bandas de heavy metal y hard rock. Sin embargo, tus dos primeros discos solistas salieron después de que ganaras Swedish Idol y eran, básicamente, discos de pop rock.

Sí, lo sé. A veces miro hacia atrás y pienso que mi carrera fue bastante extraña. Hice Idol porque mi sueño siempre fue poder vivir de la música. Y gracias a ese programa tuve esa oportunidad.

Incluso antes de eso ya tocaba en una banda de metal junto a Philip, con quien sigo tocando hoy. Pero, después de Idol, mi carrera solista no fue buena (Risas). ¡La verdad es que fue bastante mala! Lo que realmente me salvó fue que… Cada año aparecen nuevos participantes en Idol, y creo que pasa en todos los países. Solo un porcentaje muy pequeño logra seguir viviendo de la música algunos años después del programa. Idol, Got Talent, X Factor… no son la industria musical. Son programas de televisión, entretenimiento, y está perfecto que así sea. 

Yo sigo estando orgulloso de haber participado en Idol. Pero cuando terminó me encontré con la realidad: “Bueno… esta es la industria musical. ¿Quién soy yo dentro de esta industria? Todo el mundo conoce al Erik del programa de televisión, pero ahora tengo que hacer mi propia música”. Además, tenía una discográfica que no quería hacer la música que yo quería hacer.

Entonces aparecieron los chicos de H.E.A.T. y me dijeron que estaban buscando cantante. Y pensé: “Esta es mi salida. Esta es mi oportunidad para hacer la música que realmente me gusta”. Nos hicimos muy amigos, empecé a salir de gira y, con el tiempo, descubrí quién era como cantante, como frontman y como compositor.

Lleva tiempo descubrir quién eres como artista. Al menos a mí me llevó muchos años. Incluso ahora, con este disco solista, sigo explorando. Y creo que eso nunca debería terminar: cuando dejás de crecer, creo que ahí también se termina la carrera.

Sí. Hay muchísimas historias de ganadores de esos concursos de canto, pero al final hay, no sé, tres o cuatro que realmente consiguen construir una carrera sólida. Una carrera en la que incluso mucha gente ni siquiera sabe que te hiciste conocido gracias a un programa de televisión.

Sí, exactamente.

Porque creo que mucha gente podría pensar que empezaste haciendo ese pop rock de tus primeros discos y que, después, unos músicos suecos de glam metal te llamaron para cantar con ellos, y terminaste siendo el cantante de H.E.A.T. durante diez años. Pero, en realidad, tu historia venía de mucho antes.

Sí, claro.Quiero decir, Philip me presentó, cuando estábamos en la secundaria. Philip, mi guitarrista, que también toca con Bruce Dickinson. Él fue quien me mostró un montón de bandas, como Skid Row, Pantera… Entonces armamos esa banda de metal, y eso fue antes de Idol. Después participé en Idol. Pero, para mí, siempre se trató de cantar. Pensé: “Bueno, quizá pueda hacer esto, quizá pueda hacer aquello”. No estaba del todo seguro, pero mi corazón siempre estuvo en hacer música rock. Y después encontré mi oportunidad con H.E.A.T. Así que sí, eso fue lo mejor que me pudo haber pasado. Sin dudas.

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Tengo que decir que los álbumes que hiciste con H.E.A.T. son extremadamente buenos. Extremadamente buenos.

Gracias. Muchas gracias.

Sí. Justamente iba a preguntarte, aunque creo que ya lo respondiste un poco. ¿Cómo ves hoy esos primeros discos solistas? El debut, el de versiones, y después Somewhere Between a Rock and a Hard Place.

(Risas) ¡No los publicaría hoy! (Risas) Cuando los escucho ahora, me suenan demasiado pulidos. Las canciones están bien, pero también creo que eso tiene que ver con todos los años que pasé aprendiendo más sobre mí mismo y sobre cómo quiero hacer las cosas. Hoy los escucho con toda esa experiencia acumulada.

Y creo que eso siempre pasa. Mirás hacia atrás y pensás: “¿Por qué hice eso?”. Es inevitable. Si seguís creciendo y desarrollándote como artista, va a haber cosas del pasado que ya no te van a convencer. Pero, al mismo tiempo, estoy orgulloso de mi recorrido.

Estoy orgulloso de haber dado todos esos pasos para llegar hasta donde estoy hoy. No me avergüenzo de nada. Aunque sí, hay canciones que escucho y pienso: “¿Por qué puse este tema en el disco?”. Sobre todo en el segundo álbum, Somewhere Between a Rock and a Hard Place. Ahí la mayoría de las canciones eran de otros compositores, así que no era realmente mi material. Eran grandes compositores, claro, pero al final terminó siendo como un “grandes éxitos” de distintos autores.

Así es como lo veo.

Sí. Todos tienen que empezar en algún lado. También hay muchos artistas que sacan un primer disco increíble, un clásico absoluto, un diez sobre diez… y después nunca vuelven a hacer algo de ese nivel porque ya gastaron todo su mejor material.

Tal cual.

Sí. Estaba pensando justamente en bandas que empezaron con un primer disco que quizá no diría que era malo, pero sí uno que casi nadie recuerda, y después terminaron haciendo cosas extraordinarias. No sé… Judas Priest, por ejemplo.

¡Exacto! Aunque tendría que volver a escuchar ese disco antes de opinar demasiado. Pero sí, totalmente. Creo que todos los artistas, en algún momento, miran hacia atrás y piensan: “¿Por qué hicimos eso?”. Y creo que todas las bandas pasan por esa experiencia.

Pero, como fan, cuando escuchas diferentes álbumes, terminás viéndolos como parte de un recorrido. Si una banda saca un disco que te gusta menos o incluso no te gusta, no piensas: “Listo, nunca más los escucho”.

Eso es lo bueno de los fanáticos del rock. Son muy fieles. No abandonan a una banda por un disco flojo. Más bien dicen: “Bueno, este no me gustó tanto… ¿qué viene después?”. Y si el siguiente es mucho mejor, vuelven a entusiasmarse.

Espero que el próximo sea todavía mejor.

¡Exactamente!

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¿Cuáles son tus planes ahora? Vi que, como mencioné antes, hiciste dos conciertos en Suecia, creo que en el Circus. También tengo entendido que estás planeando salir de gira por Suecia y Finlandia.

Sí. Cuando decidí hacer esos dos conciertos en Estocolmo, no estaba seguro de qué esperar. De hecho, reservé los conciertos antes de tener listo el álbum. Pensé: “Bueno, ahora tengo que terminar el álbum”. Después empezamos a recibir distintas ofertas y pensé: “Estoy armando esta banda, hagamos estos conciertos”. Tenía sentido empezar por ahí.

Quiero salir de gira y hacer más conciertos. Ya estamos viendo la posibilidad de hacer más fechas el año que viene, también fuera de Suecia y de los países nórdicos. 

Quiero seguir escribiendo música. Quiero escribir música que me haga sentir bien, que me haga pensar que quiero estar sobre un escenario cantándola por el resto de mi vida y sentirme orgulloso de ella. Después, quiero salir de gira adondequiera que me lleve.

De hecho, también voy a Japón en noviembre.

Vi el póster del concierto. Tu nombre estaba transliterado al sistema japonés. Y creo que tuvieron bastantes dificultades para decidir cómo escribirlo, cómo lidiar con el umlaut.

(Risas) Funcionó con Motörhead y Mötley Crüe. Ellos también tienen sus nombres escritos así, así que supongo que funciona.

Quería preguntarte también cómo estás con respecto a la leucemia.

Estoy curado desde agosto de 2021. Estoy libre de cáncer desde entonces y no estoy tomando ningún medicamento. Estoy haciendo más ejercicio que nunca y me siento muy bien. En agosto tengo mi examen de los cinco años.

Siempre está bien, pero no es la mejor sensación del mundo volver al hospital y tener que pasar por un examen. Al mismo tiempo, me siento bien y sé que estoy saludable, así que puedo mantener la calma. También me alegra que sigan controlándome.

Ahora tengo el examen de los cinco años, después creo que tendré uno a los diez años y otro a los quince. Van a seguir controlándome durante el resto de mi vida, y me alegra que sea así. Así que está todo bien, estoy en un muy buen momento.

Principalmente te lo preguntaba porque escuché muchas historias de personas con distintas enfermedades.La leucemia es una enfermedad terrible. En realidad, todas las enfermedades lo son. No creo que nadie diga: “Sí, me encanta tener esto”. Pero suena realmente terrible.

Y mencionaste que ya estás escribiendo un nuevo álbum.

Sí. Empecé a trabajar en un par de ideas. “Este verso está bueno. Este riff está bueno. Esto quizás sea un pre-estribillo, no sé qué es. Este título está bueno”. Y después vas juntando todas esas partes y las vas armando. En septiembre voy a ir a Palma de Mallorca para volver a trabajar con Frederick y Jonah y trabajar en canciones nuevas. Así que quiero seguir adelante, divertirme y hacer música que sea importante para mí.

Estaba pensando en… ¿cómo era? Había un cantante que creo que mencionaste… ¿Yungblud?

Ah, Yungblud.

Pensaba en Bad Bones y creo que, como dije antes, es un álbum de hard rock realmente clásico. No intenta ser un disco experimental ni nada por el estilo. No es un álbum que vaya a cambiar el género. Es simplemente un álbum realmente bueno. Y estaba pensando en Yungblud: no es que me guste particularmente su música, pero respeto a ese tipo. Sé que dijiste que lo respetas…

Sí. Lo gracioso es que ni siquiera escuché su música. (Risas) Me voy a sentar y la voy a escuchar. Pero cuando veo a ese tipo y todo lo que hace, su contenido, sus videos… 

Se ve interesante, parece un tipo interesante.

Sí. Y vi lo que hizo en la presentación de Ozzy y, para mí, lo miro y pienso: “Está haciendo todo bien”. He visto algunos videos musicales, pero todavía no me senté a escuchar su música.Pero parece un tipo que sabe lo que está haciendo y al que le está yendo realmente bien. Y eso me gusta, porque significa que… Bueno, que hay algo muy interesante en él y creo que eso es lo que explica su éxito.

Tener una personalidad.

Exactamente. Exactamente. Creo que necesitamos más personalidades así. Porque hace mucho tiempo que no escucho un álbum que realmente me guste. Hace mucho tiempo que no tenemos personajes, estrellas de rock y gente así. Por eso me resulta muy liberador ver a alguien salir ahí y simplemente decir: “Que se joda todo, voy a hacer lo mío”. Y me gusta que le esté yendo tan bien. Creo que está haciendo muchas cosas bien. Pero, obviamente, voy a tener que sentarme y escuchar su música.

Estaba pensando en eso porque vas a ver a muchos veteranos del hard rock y el metal que, si no supieran que antes habías estado en bandas de hard rock y metal, y simplemente te conocieran de ese programa de televisión, probablemente pensarían: “Ah, este es como un chico lindo con un look muy de 2010 cantando en H.E.A.T. y después en Skid Row”. Suena un poco así cuando lo ves desde afuera.

Creo que fue Aristóteles quien dijo que hay una sola manera de evitar las críticas: no decir nada, no hacer nada y no ser nada. Yo no soy muy partidario de ninguna de esas opciones. La gente siempre va a tener opiniones. Siempre va a criticar, y lo triste es que probablemente lo haga desde una posición que le permita sentirse mejor consigo misma.

Esa es la parte triste. Sentir que tengo que expresar mi opinión porque, si no lo hago, voy a sentirme mal porque este tipo está haciendo algo… Pero después de mi enfermedad, simplemente dejé de preocuparme por eso. Dejé de preocuparme por lo que piensa la gente. La mayoría de las veces ni siquiera me gusta esa gente. Así que, ¿por qué debería escuchar la opinión de alguien cuya opinión ni siquiera me gusta?

Así que tu haz lo que tengas que hacer por ti mismo, pero yo voy a concentrarme en mi propio jardín. El pasto no va a ser más verde del otro lado si simplemente te concentras en tu propio jardín. Eso es todo lo que voy a decir al respecto.

Quería preguntarte qué te gustaría decirles a nuestros lectores de España, Latinoamérica y de todos los lugares desde donde nos siguen. ¿Qué les dirías?

Quiero agradecerles por todo el apoyo y espero que les guste el álbum. Por favor, escúchenlo. Y España… Con Skid Row hice un concierto en Brasil, pero no toqué allí tanto como lo hice en España. Amo España. Me encantaron los conciertos que hicimos con Skid Row, pero me encantaría hacer más conciertos en Latinoamérica y Sudamérica. Así que eso sería genial. Sí, hagámoslo realidad.

Puede que Signum Regis se considere un pez grande en un estanque pequeño, al ser la banda de metal con mayor proyección internacional de Eslovaquia, un país que no es particularmente conocido por su escena metalera. Pero no por eso hay que menospreciar los logros del quinteto, con una discografía sólida y un público fiel tanto en la escena del power metal como del progresivo. Y con su nuevo álbum Beyond Spacetime a la vuelta de la esquina, era momento de hablar con su bajista y compositor principal Ronnie König, quien accedió a darnos unos minutos para contarnos sobre el presente de la banda, lo accidentado que fue grabar este nuevo lanzamiento y sobre si pueden considerarse o no una banda cristiana.

¿Cómo estás? ¿Cómo están las cosas? Sé que tener que promocionar un nuevo álbum implica mucho trabajo, muchas entrevistas y muchas cosas.

Estoy muy bien, muchas gracias. Sí, es bastante trabajo. Puedes llamarlo trabajo, pero es algo bueno. Estoy muy contento de que tengamos todas estas entrevistas y toda esta promoción.

No hay forma de que un integrante de una banda pueda quejarse de esto. Es genial. Es parte de que el sueño se haga realidad. Estoy contento de que nos esté yendo tan bien con este álbum y todo está bien.

Además, tener que hacer tantas entrevistas demuestra que hay mucha gente interesada en la banda y en el nuevo álbum.

Realmente parece que es así, porque no recuerdo la última vez que tuvimos tantas cosas pasando durante el lanzamiento de un álbum. Realmente se siente bien.

Este nuevo álbum, Beyond Spacetime, ¿qué podés contarnos sobre él? Lo primero que vi del álbum fue la portada y me pareció muy interesante. Pero quería preguntarte primero por una característica que noté: la cantidad de cantantes diferentes que aparecen en el disco. No es la primera vez que tienen invitados, pero la lista de este álbum es realmente impresionante. ¿Cómo decidieron tener tantos cantantes? ¿Fue por la situación de Jota y por no tener un cantante fijo en la banda? ¿Cómo llegaron a tener tantos cantantes?

Tuvimos un momento bastante difícil con este álbum. Como acabas de mencionar, Jota dejó la banda y estábamos en medio del proceso de intentar hacer un nuevo álbum. De repente, no teníamos cantante para hacerlo. Como algunos de los oyentes y espectadores quizá sepan, Eslovaquia no es un país grande y la escena metalera es pequeña. No es como que puedas conseguir un nuevo cantante en cinco días cuando pierdes uno.

No es Suecia.

Exacto, no es Suecia ni Finlandia, nada de eso. Eventualmente puedes ponerte en contacto con alguien, pero eso lleva tiempo. No queríamos pasar demasiado tiempo esperando cuando ya estábamos en medio del proceso de grabación. Entonces dijimos: “Volvamos a 2013, cuando hicimos exactamente lo mismo”. En ese momento tampoco teníamos un cantante y grabamos el álbum con invitados. ¿Por qué no hacerlo otra vez después de 13 años? Invitamos a un montón de invitados y así es como terminaron todos en el álbum. Pero lo interesante que pasó durante la grabación con esos invitados es que volvimos a conectarnos con nuestro antiguo cantante, Mayo Petranin, y también con Jota al mismo tiempo.

Por eso puedes escuchar a los dos en el álbum y por eso Mayo ahora volvió a la banda como cantante principal y miembro oficial nuevamente. Cuando pasas un tiempo con la gente, hablas con ellos y vuelves a conectar, se abren oportunidades. En este caso, Mayo estuvo de acuerdo con la idea de volver a la banda y ahora tenemos una formación completa. En el próximo álbum, después de Beyond Spacetime, Mayo volverá a ser el cantante principal y hará la mayor parte del trabajo vocal.

Tengo que admitir que estaba bastante confundido porque, si entrás a un sitio como Metal Archives, donde intentan mantener actualizados los cambios de formación de las bandas, no aparece que Mayo haya vuelto. Supongo que cuando salga el álbum lo van a agregar nuevamente. Pero yo realmente no sabía quién estaba cantando en el álbum y quién no.

Si quieres, puedo confundirte todavía más, porque no es tan sencillo: hubo una idea de que los dos volvieran, Jota y Mayo, al mismo tiempo, como una especie de dinámica de doble cantante.

Como Helloween.

Sí, exactamente. Esa era la idea y la estuvimos considerando seriamente y trabajando en ella. Pero, lamentablemente, Jota está de vuelta en Brasil en este momento, así que la situación logística es imposible. Por lo tanto, eso no va a suceder. Pero en algún momento ese era el plan.

Dios.

Quizás en el futuro. Por ahora tenemos a Mayo. Estamos contentos con eso. No “bien”, estamos perfectamente felices con eso.

Sí. Me imagino que en algún momento van a terminar teniendo a todos los exintegrantes de la banda de vuelta. Sería como una especie de situación inversa a Slipknot.

[Risas] ¿Por qué no? Si tienes buenas relaciones con esas personas y siguen haciendo música, ¿por qué no? Todos somos amigos. No es como un matrimonio dentro de una banda. Trabajas con este tipo, con aquel tipo. Así que ¿por qué no?

Cualquier cosa puede pasar y siempre refresca la situación. A veces, cuando no sabés qué hacer, aparece alguien nuevo y te da ideas, motivación y entusiasmo. Así que todo es posible, pero no estoy diciendo que vaya a suceder ahora. Tenemos esta formación, se puede decir que es la formación clásica, y simplemente estamos esperando poder tocar en vivo tal como estamos. Somos amigos desde hace muchos años y esa amistad sigue funcionando. Cuando salimos a tocar y tenemos que pasar tres días en una camioneta, no es un problema. Disfrutamos de la compañía del otro, nos divertimos, nos reímos juntos. Hay un buen ambiente y es agradable.

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Hablando de la formación del álbum, además de Víctor Smolski en guitarra, tienen a Ralf Scheepers, Tim “Ripper” Owens, Matt Smith, Jota, Tasos Lazaris… También a David Åkesson y a Johnny Gioeli, de Riot y Crush 40. Quería preguntarte si hubo algún desafío particular a la hora de trabajar con tantos cantantes diferentes, con voces y estilos distintos. ¿Hubo alguna dificultad en particular?

No creo que la haya habido. Creo que fue más difícil en el pasado porque en 2013 no teníamos esta experiencia.

Esta vez realmente pensamos a quién elegir para cada canción. Por ejemplo, mencionaste a Johnny Gioeli. Hay una especie de balada de rock country, acústica, en la que canta Johnny, y ese tipo de voz es perfecta para la canción.

Puedes elegir a Tim “Ripper” Owens para “Time to Pay”, que definitivamente es una canción para ese tipo de voz. Ya teníamos en mente a quién elegir y funcionó.

En un caso intentamos invitar a alguien, pero finalmente no pudo hacerlo porque tuvo un accidente con sus dientes o algo así, y no pudo cantar en ese momento, lo cual fue desafortunado. Pero cuando estos tipos grabaron sus partes, no les pedimos cambios. No les dijimos: “No, no lo cantes así, hazlo de otra manera”. No pasó nada de eso. Lo que nos enviaron es lo que escuchas en el álbum. Fue fluido y agradable. 

No es que eliges al cantante y después tienes que pensar cómo ponerlo en el álbum. Ya tenés la canción y sabés que esa persona es perfecta para ella. Lo elegí para eso.

Exactamente. Y no hubo sorpresas. A veces incluso hubo sorpresas positivas, porque estos tipos entregaron más de lo que esperábamos.

Sí. Creo que leí que, cuando ocurrió la situación con Jota, el otro álbum estaba algo así como un 80 % terminado en cuanto a la parte instrumental.

No recuerdo exactamente, porque gran parte de este trabajo, la mayor parte, la hizo Filip solo, cuando estaba trabajando en un álbum solista. Este álbum empezó como un álbum solista de Filip. Después decidió: “No quiero hacer un álbum solista. ¿Cuál es el sentido? Hagámoslo para Signum Regis”. 

Así que básicamente llegó a la banda con las manos llenas de canciones. Es difícil decir qué porcentaje estaba terminado, pero yo llamo a este álbum “el álbum de Filip”. Yo estoy ahí tocando el bajo, pero la mayor parte del trabajo, la composición y todo eso lo hizo Filip. Por supuesto, después tuvimos que adaptar esas canciones y modificarlas para que encajaran con el concepto de Signum Regis. 

Yo trabajé en algunas letras y escribí algunas canciones completas, hay una canción que escribí hace algún tiempo. La gente está acostumbrada a que yo sea el principal compositor de la banda, pero en este caso no. En este caso es Filip.

Es el momento de Filip.

Sí.

Antes que nada, tengo que agradecerte por pronunciar el nombre de la banda (Nota del Autor: Ronnie lo pronuncia con una “g” suave, como en “García”), porque yo iba a pronunciarlo como “Signum Regis” (Nota del Autor: lo iba a pronuncia con la “g” como en el italiano “Giorgio”). 

Sé que los estadounidenses lo pronuncian de una forma diferente. Lo sé. Los estadounidenses lo llaman “Signum Regis” de esa manera y estoy bien con eso. Es latín, así que puedes pronunciarlo de una manera latina, pero si lo pronuncias a la inglesa también está bien. A veces cambio entre las dos dependiendo de con quién estoy hablando. Las dos están bien.

Como decía antes, tengo que decir que la portada del álbum es bastante interesante. Creo que tiene el equilibrio perfecto. Se ve muy fuerte, muy imponente, pero también un poco tonta, aunque de una manera interesante, como sucede con mucho power metal, donde caminan sobre esa línea entre esas dos cosas. ¿Cómo trabajaste con Uwe Arling en la portada? ¿Cómo surgió el concepto?

Primero quiero decir que esto no fue generado por inteligencia artificial. Es algo hecho a mano. Lo digo porque algunas personas pensaron que era algo generado por IA.

Sí, yo también temí que fuera IA porque estaba escuchando el nuevo álbum de Forbidden. Me gustó el álbum, pero cada vez que lo escuchaba tenía que ver esa horrible portada generada por IA y eso arruina un poco la experiencia. 

Sé de qué estás hablando, hay algunas portadas realmente terribles por ahí ahora mismo. Pero esto es lo que pienso: cuando lanzas cinco o seis sencillos, probablemente no puedas hacer una portada hecha a mano para cada sencillo que sacas. Pero para el álbum creo que sigue siendo importante tener involucrado a un artista real y que se haga de verdad. Eso es lo que hicimos con Uwe Arling. Es un artista alemán que hace este tipo de cosas desde hace muchos años, creo que esta es la tercera portada que hizo para nosotros.

Y la idea general, como dijiste, es caminar sobre el límite entre lo serio y la comedia, porque lo del espacio es algo bastante gracioso. Pero toda la idea viene de Tommy, mi hermano, que mencionaste como el encargado de las letras y todo eso.

Hay un par de cosas sucediendo en esta portada. El cantante no está en la banda en este momento, así que tenemos a nuestra mascota, King Rex, en el centro.

No es una persona real. Es nuestra mascota, por así decirlo. Está en el medio y puedes imaginar que es casi como si fuera el cantante, ¿no? Pero es solamente una mascota.

Además, no necesita oxígeno.

No lo necesita porque es mucho mejor que todos los demás, ¿no?

Y eso me lleva al punto de que hay una canción llamada “Beyond Spacetime” que hace referencia a la creación del universo. Con un poco de imaginación, puedes ver a King Rex como el creador del universo. Y tiene este planeta en la mano, ¿no? Eso representa la creación, esa es básicamente la idea.

Por supuesto, las letras son más serias que la portada y la gente es libre de interpretarlas como quiera. Pero nos pareció divertido y no queríamos quedarnos para siempre con una sola fórmula. En el álbum Undivided, él era una especie de guerrero rey en una escena de lucha con una espada. No queremos hacer 20 álbumes en los que siempre sea el rey luchando contra algunos goblins, así que pensamos que era un buen momento para ponerlo en el espacio. La próxima vez podría ser otra cosa. ¿Quién sabe qué? Iron Maiden hace algo parecido con Eddie. No es siempre el mismo Eddie, pero sabes que es Eddie.

Creo que eso responde a la pregunta.

Sí. Mencionaste a Eddie, que puede ser una especie de zombi, después puede ser un monstruo gigante en el espacio y antes podía ser una especie de segador. Tiene muchas formas diferentes.

Exactamente. Lo entendiste al 100 %. Esa es la idea. Puedo entender por qué algunas bandas tienen una imagen pirata durante un álbum, el segundo álbum, el tercero, pero después del quinto álbum empiezo a aburrirme de la fórmula pirata.

No quiero quedar atrapado en esa caja para siempre. Tenemos que dejar abierta la posibilidad de hacer otras cosas en el futuro. Quién sabe qué puede traer el futuro.

Sí. Perdón, estaba pensando en eso porque cuando mencioné el álbum de Forbidden estaba hablando con un par de amigos y les decía que algunas bandas viejas quieren usar IA porque piensan que pueden escribir un prompt y listo. Y lo único que se les ocurre poner en la portada es un cráneo en llamas.

Como los clichés, ¿no?

Sí. Un cráneo en llamas, un cráneo en llamas que se vea increíble. Últimamente vi como 14 portadas con cráneos en llamas.

Exactamente.

Signum Regis es conocida como una banda de metal cristiano, pero no sé cuánto se identifica la banda con esa etiqueta, porque hay muchas bandas que no quieren quedar encerradas en una categoría. También vi muchos seguidores de Signum Regis que no son cristianos ni religiosos. Ustedes tampoco están en un sello de metal cristiano y veo que mucha gente habla de la banda dentro del ámbito del power metal. ¿Qué pensás que atrae a la música de la banda a personas que no son cristianas o religiosas?

Es una gran pregunta porque me gustaría aclarar esto una vez más, porque aparece bastante seguido. Yo soy cristiano, a veces escribo letras sobre historias cristianas y sobre este tipo de temas. 

Pero somos una banda mixta, tenemos ateos en la banda. Entonces, ¿puedes realmente decir que somos una banda cristiana porque tenemos algunas letras de ese tipo? Y, por otro lado, ¿puedes decir que no somos una banda cristiana cuando tenemos esas letras? Estamos caminando por ese punto intermedio. Los integrantes de la banda saben que algunos son cristianos y otros no, y no ven ningún problema en eso.

A mí no me molesta que alguien diga que somos una banda cristiana, pero muy pronto me di cuenta de que hay que tener cuidado desde el punto de vista de la banda. Porque si dices “Soy cristiano”, siempre aparece gente que te dice: “Ah, este tipo no es cristiano, así que solamente está tratando de sacarle dinero a la gente y hacerles creer que son una banda cristiana”. No quiero estar en una posición en la que pueda llevar a alguien a pensar que somos una banda cuyo arte está completamente relacionado con temas y letras religiosas.

Yo soy cristiano y siempre lo voy a ser. No tengo ningún problema con las letras que escribí en el pasado sobre estos temas cristianos. Pero no quiero confundir a nadie. Somos una banda de rock and roll y lo hacemos por el arte. Si alguien nos escucha por el arte, para mí está perfectamente bien.

Creo que muchas bandas son así. Dave Mustaine de Megadeth, por ejemplo, habla de ser cristiano todo el tiempo: es cristiano y tiene letras relacionadas con eso, pero no es un ministerio. Creo que somos ese tipo de banda que camina por ese punto intermedio entre ser artistas e incluir en las letras algunas de las cosas en las que uno cree.

Eso termina influyendo en tu música y en tus canciones, porque así es como vivís.

Sí, exactamente. Eso es simplemente la vida.

Como dijiste antes, y esto es algo que había anotado, ustedes son de Eslovaquia, un país no es particularmente conocido por tener una gran escena metalera. Incluso dentro de Europa están al lado de países como Polonia, que tiene una escena metalera muy grande, al menos eso parece. Viendo la historia de la banda, ¿tuvieron algún tipo de dificultad para desarrollar Signum Regis en su propio país? ¿Cómo es intentar tener una banda de heavy metal en un país que no es pequeño, pero que tiene una escena metalera realmente pequeña?

Creo que sí. Como dijiste correctamente, Eslovaquia no es un país típicamente metalero. No tiene la infraestructura, por así decirlo, desde las bandas hasta los promotores, los sellos y todas esas cosas que tienen países como Alemania desde hace décadas. Nosotros no tenemos eso acá, o lo tenemos todo a una escala mucho menor. Así que no resulta fácil para una banda como la nuestra.

Probablemente seamos, o quizá somos, la banda metalera eslovaca más grande en términos de reconocimiento mundial, pero no somos para nada la banda más grande de Eslovaquia. Hay bandas mucho más grandes que tienen una asistencia mucho mejor en sus conciertos. Va más gente, pero principalmente esas bandas tienen letras en eslovaco. Por eso nunca escuchas hablar de ellas fuera del país. Pueden tener 10.000 personas en un concierto, pero fuera del país nadie las conoce.

Así que decidimos ser una banda de nivel mundial, por decirlo de alguna manera, con letras en inglés, para que nuestra música sea accesible para cualquier persona en el mundo. Fue una decisión que tomamos desde el principio y creo que fue una buena decisión. Este género, seamos honestos, no es el más grande del mundo y necesitas tener seguidores de diferentes lugares. Si tuvieras que depender de un solo país pequeño, simplemente no tendrías suficientes seguidores para hacer nada. Creo que incluso conseguir un contrato con un sello desde un país que nadie conoce hace las cosas un poco más difíciles que si fueras de Suecia o algo así.

No puedo compararlo realmente, pero tiene sentido. Si, por ejemplo, en Argentina tienen grandes jugadores de fútbol, imagina que haya un jugador realmente bueno en Islandia, un país que no sea famoso por eso. Definitivamente lo tendría más difícil, porque no es algo típico de ese país.

Hay una especie de carga por eso, seguro, pero no me estoy quejando. Estamos bien, estoy contento con cómo están saliendo las cosas. No somos famosos y probablemente nunca lo seremos, pero incluso eso puede verse como algo positivo porque quiero pasar tiempo con mi familia. No quiero tocar 350 conciertos al año y pasar todo el año en aeropuertos, entonces terminas teniendo lo mejor de los dos mundos: tengo tiempo para mi familia y puedo disfrutar de mi música. No veo la música como un trabajo porque no la hago como un trabajo. Me divierto cuando la hago.

Estaba pensando que ves muchos países donde tienen bandas realmente grandes, con mucho público en su propio país, pero quizás nunca escuchaste hablar de ellas porque cantan en su propio idioma y viven en su propia burbuja. Como he visto muchas bandas alemanas o rusas que llenan estadios, pero de las que nunca escuché hablar de ellas porque cantan en sus propios idiomas. No todas puedes ser Rammstein o algo así.

En Alemania existe una tradición desde hace mucho tiempo, desde Scorpions o incluso antes, de empezar inmediatamente a cantar en inglés. Pero Eslovaquia era un país socialista, comunista, en aquella época. Entonces creo que ni siquiera estaba permitido cantar en inglés: quizás podías hacerlo en tu casa pero nunca llegarías a ningún lado cantando en inglés. Entonces también falta esa tradición.

Cuando mirás hacia atrás, a los primeros álbumes de la banda, ¿cuánto pensás que cambió Signum Regis?

El cambio más evidente es que ya no canta Göran Edma, ese es el más obvio. Y creo que nos volvimos más pesados, con un sonido un poco más moderno. Ya no estamos completamente enfocados en el neoclasicismo.

Y en ese tipo de cosas realmente virtuosas.

Seguimos siendo virtuosos, pero si escucho el primer álbum, creo que el alcance era más limitado, por así decirlo. Ahora podemos hacer cualquier cosa, podemos tener elementos neoclásicos, cosas virtuosas, metal tradicional, rock. Podemos hacer cualquier cosa porque, después de ocho álbumes, la gente está acostumbrada a recibir cosas diferentes, logramos salir de esa caja.

Al mismo tiempo, seguimos disfrutando de la música metal. No estamos intentando redescubrir el jazz ni nada parecido, somos bastante libres para hacer lo que queremos, pero al final del día seguimos queriendo hacer lo mismo, y eso es heavy metal.

¿Qué están planeando después de este álbum? ¿Cuáles son sus planes?

El álbum sale dentro de un par de días, por así decirlo. La semana que viene, el 9 de octubre, dentro de siete días. Después de eso tendremos un concierto en Eslovaquia, después tenemos otros tres conciertos en noviembre, en Países Bajos y Alemania. Y luego viene algo grande: una pequeña gira que vamos a hacer por Europa con la banda estadounidense Theocracy y la banda griega Sunburst.

Vamos a tocar en lugares donde nunca tocamos antes, como París y un par de sitios más. Es algo que estamos esperando con muchas ganas. Y si llega música nueva, supongo que todavía no es el momento adecuado, pero hay un montón de canciones listas y preparadas para la próxima vez. Cuando todos estén listos, yo estaré listo. Entonces ese es el plan: simplemente vamos a seguir haciendo lo que estamos haciendo.

¿Qué te gustaría decirle a la gente que va a escuchar este nuevo álbum, Beyond Spacetime? ¿Qué querés decirles?

Primero que nada, un enorme gracias. Gracias por dedicar su tiempo a escuchar Signum Regis. Hay muchísimas opciones, así que si decidieron dedicar su valioso tiempo a Signum Regis, eso significa mucho para nosotros. Y si les gusta, quizás también puedan escuchar nuestros álbumes anteriores. Como mencionamos, hay unos cuantos. Hay algo para todos los que disfrutan del metal. Sígannos, escúchennos, déjennos algún comentario, lo que sea. Tratamos de leerlo todo. ¡Y gracias!

El punk en Argentina viene en todas las formas y colores, y los quilmeños Eterna Inocencia han demostrado que se puede mezclar la violencia y la melodía con un mensaje directo a través de más de tres décadas. Con el grupo próximo a presentarse el 17 de octubre en el Teatro Flores (CABA) para festejar los 25 años de su álbum A los que se han apagado, hablamos con su cantante Guillermo Mármol, con algo que comenzó siendo sobre el álbum y terminó siendo sobre las ideas de Eterna Inocencia y lo que es ser una banda punk en el contexto actual.

—Guille, un gusto estar hablando con vos.

¡Igualmente!

—Recuerdo cuando descubrí a Eterna Inocencia en un blog en el 2009 tipo Blogspot.

[Sinceramente sorprendido] ¡Huy, mirá vos!

—Quería preguntarte, bueno, ¿cómo va todo últimamente? ¿Cómo vienen las cosas?

La verdad que, para cómo está todo en general, somos unos agradecidos de poder seguir tocando como venimos tocando hace tanto tiempo, bajo siempre los mismos preceptos. Te diría que hay mucho trabajo, pero también mucha recompensa después de 30 años de estar tocando.

Un presente maravilloso para la banda, siendo que la realidad está tan difícil. Muchas fechas programadas, tuvimos un año muy bueno para nosotros. Pudimos, entre el año pasado y este, ir incrementando nuevos destinos. Fuimos a Chile y Uruguay, y le sumamos Brasil, Costa Rica y México este año. Algunos festivales también pudimos hacer a principios de año, grandes, y ahora estamos preparando un tour larguísimo para la segunda mitad del año.

También incluye, en este caso, tres conciertos en Chile, la fecha del Teatro Flores y después conciertos por Tucumán, Córdoba, Bariloche, Neuquén, Concepción del Uruguay, Montevideo. La verdad que un montón.

Así que no, contento. A pesar de lo difícil que se ve todo, la verdad que es un presente muy positivo para Eterna.

—Mencionabas la fecha del Teatro Flores, el 17 de octubre, donde van a estar celebrando los 25 años de A los que se han apagado. ¿Cómo vienen las preparaciones? ¿Hay nervios? Tenés un montón de recitales encima, pero me imagino que siempre hay nervios en cada recital.

Lo empezamos a pensar a partir de la vigencia que tiene el disco. Cumple un cuarto de siglo, pero a la vez tiene letras muy claras que se resignifican en el presente, y quizá también con un pasado que viene del hardcore punk, con todo lo que eso implica: las herramientas que podemos tener para intentar explicar la realidad, las que teníamos y las que mejoramos con el tiempo.

Es un momento muy potente para este estilo de música que siempre gustó de decir cosas. Entonces, lo estamos pensando a partir de esa vigencia. Va a convivir, digamos, el cuarto de siglo que tiene el disco con el presente de la banda.

Además, en el caso de la fecha de Flores, tocamos con nuestros amigos de Tenemos Explosivos, que es una banda también en franco ascenso en Chile y que intenta tener un acercamiento, como hicimos el año pasado con Dead Fish de Brasil, para que las bandas de otros países hermanos y también del mismo estilo que Eterna puedan ser vistas por nuestra gente acá en Buenos Aires.

Creo que va a tener un condimento especial que bandas argentinas y chilenas, en este contexto, estén tocando con la perspectiva que tienen ambos grupos. Me parece que está bueno para contrarrestar un poco tanta virulencia recalcitrante.

Sin ir más lejos, hace un mes atrás, o poco menos, ahora en el mes de septiembre, a consecuencia del último golpe militar en Chile, el Ejecutivo Nacional de la Argentina reivindicó la dictadura militar chilena.

Me parece que está bueno contraponer un poco el canto de nuestras bandas y nuestra propuesta musical a este presente.

—Vos mencionás, por ejemplo, que antes tocaban con Dead Fish, que son brasileños, y ahora tocan con Tenemos Explosivos, que son chilenos. También para que vean que en otros países hay bandas. Obviamente, no digo que no lo sepan, pero me refiero a que muchas veces parece que, a menos que sean bandas estadounidenses o estemos hablando de, no sé, Die Toten Hosen de Alemania, no muchas veces no se conocen bandas de otros países.

Exacto. Y es exactamente así. Es un esfuerzo tremendo para todas las bandas porque, como siempre, se hace todo a pulmón, como la gran mayoría de las bandas de rock.

—Cuando pensás en A los que se han apagado, ¿qué recordás de la época en la que grabaron el disco? El disco salió en 2001, lo grabaron en 2000. ¿Qué recordás de esa época?

Una época muy turbulenta en general. El país, de hecho, ese mismo año del disco, en diciembre, tuvo una crisis tremenda.

—Todo se fue a la mierda.

Fue un año muy difícil.

También estaba la sensación de que lo que veníamos criticando con Eterna en particular, pero dentro del hardcore punk en general, tenía bastante de cierto, porque por alguna razón ese modelo terminó colapsando. Y eso me lleva mucho al diálogo con la actualidad.

Incluso creo que el hecho de que en el último tiempo hayan surgido muchas bandas de punk, hardcore o post hardcore en Argentina y también en otras partes del mundo, pero particularmente acá, está directamente asociado a ese presente, que es muy similar a cuando nosotros también nos pusimos a hacer música.

Lo veo también desde ahí. Es un momento en el que podemos sacar las herramientas que teníamos, desempolvarlas, lustrarlas y decir: “Bueno, esto es lo que tenemos acá, lo que supimos usar, todavía está plausible para ser utilizado”. Entonces, me viene mucho ese recuerdo de la pauperización general, de la degradación general. Y hoy, con los datos oficiales mientras estamos hablando, dicen que volvió a subir la pobreza en la Argentina.

—Sí, sí, obviamente. Pero ¿cómo? Si los shoppings están llenos de gente.

No, por eso. Y, de hecho, nosotros también, como banda y con muchos años, creo que todos los que están dedicados al arte y la cultura están también afectados.

Pensando un poco en cómo veíamos ese momento, “a los que se han apagado”, esta idea me parece que está ahí presente: poder contar historias que a la gente le resulten significativas. En definitiva, sigue siendo importante.

Lo que nosotros veíamos en ese momento con mucha urgencia, también por la edad que teníamos y con las herramientas que teníamos, sirvió, me parece, para después, en el futuro, tener estas herramientas y poder volver a pensar en seguir cantando algo que resulte importante para el otro que lo escucha. Eso es algo muy propio del hardcore y el punk.

Igual, me atrevería a decir que es algo propio de cualquiera que se precie de querer ser escuchado y de tener ganas de decir cosas. No es algo exclusivo. Vengo hablando hace tiempo de Homero, como poeta de los cantos homéricos, que no son justamente capítulos. Los de La Ilíada y La Odisea son cantos.

Sí. Muchos poetas, como Brendan Behan, un declamador irlandés y cantor a capela que decía que si una historia no hacía reír o llorar, no valdría la pena que fuera contada.

—Exacto. Si no provoca nada en quien la escucha, ¿para qué está la historia?

Algo así, ¿no? Y creo que eso es lo que recuerdo de ese tiempo, para volver a la pregunta y quizás darle una síntesis. En ese contexto particular, la idea de ir por algo que resulte significativo y que también contenga, de alguna manera, o intente por lo menos contener a la gente.

Creo que algo de eso se logró porque Eterna es una banda convocante y funciona de manera gregaria. La gente que viene a ver la banda sabe que está en una. Sabe que, si se cae un teléfono celular, alguien lo levanta y lo devuelve, no se lo roba. Lo mismo con la billetera o con la llave de una casa. Ese público es un público que me parece que también viene a eso. Viene a comportarse así en comunidad y a sostener valores que hoy escasean.

Porque, en realidad, con el maltrato que se escucha hacia los periodistas, hacia la profesión, el destrato, el insulto, el agravio, para una banda como Eterna Inocencia, que se pensó de alguna manera, hasta el nombre, en un contexto de trabajo con las infancias, es una gran pregunta para hacernos hoy: ¿qué escuchan nuestras infancias? ¿Qué escuchan decir a nuestros adultos?

—Estaba pensando en el disco y una cosa que me llamó la atención la primera vez que lo vi fue la portada. La portada es un tanto engañosa para lo violento que es el disco.

Uno está acostumbrado a los discos de hardcore punk, ¿viste? Con esa fuente tipo graffiti, esa onda más estadounidense. Ya sabemos más o menos cómo se ven los discos de esa escena, pero la tapa no te indica tanto cómo va a sonar el disco.

Vos tenés ahí dos ediciones. Una primera edición que se hizo por una cuestión económica, la edición de 2001, que es una edición donde nosotros conseguimos unos CD en ese momento, de los que eran formatos slim pequeños, porque las cajitas salían más baratas. Fue la primera vez que trabajamos con serigrafía sobre una tapa. Hicimos un cuadrado naranja en el cual decía Eterna Inocencia, digamos, de manera deformada, y las líneas del mapa americano aparecían todas interconectadas, como que rearmábamos el continente uniendo las líneas de todos los países.

Es una edición prácticamente, te digo, inhallable. Y otra característica que tiene es que los créditos están impresos sobre el propio CD. Viste, todo grabado, tal fecha, tal otra, en tal lugar, todo lo que tiene que ver con optimizar el recurso porque no teníamos para una imprenta. Entonces el diseñador dijo: “Che, metamos todo directamente en el CD”, y fue un golazo.

Después tenés una segunda edición…

—Sí, acá está está en una página en Geocities.

Un golazo esa página. Bueno, una segunda edición ya presenta un grabado de una artista alemana expresionista que se llama Käthe Kollwitz. Kollwitz es una artista del expresionismo alemán de entreguerras. Ella tuvo dos hijos que, de hecho, murieron en la guerra, uno en la Primera Guerra Mundial y otro en la Segunda. Fue la primera mujer en poder ingresar a la Academia de Artes de Berlín y, por supuesto, también estuvo muy marcada todo el tiempo por los nazis.

Y esos dibujos de Käthe Kollwitz yo los veía en el diario La Protesta. El diario La Protesta, un diario centenario que siguió saliendo hasta mediados de la década del 90, una publicación anarquista que nació en el año 1897 y todavía en 1997, 2000 continuaba saliendo. Ya en el siglo XXI no salió más.

En La Protesta, que yo compraba en el andén del subte C en Constitución, que era uno de los puntos donde se vendía, estaban los dibujos de Käthe Kollwitz. Entonces, está bueno también pensar dónde los encontré. En una publicación que hoy es también prácticamente inhallable, era extrañísimo ver una publicación anarquista directamente, el caso de La Protesta. Y bueno, el tiempo me llevó a formar parte también del grupo de redacción del periódico años después, lo cual para mí significó un paréntesis formativo en mi vida y, por supuesto y por supuesto estoy orgulloso.

Te cuento anécdotas, después vos te fijás. El redactor responsable era, mirá, hijo de anarquistas, afrodescendiente, caboverdiano, boxeador y soldador. Su nombre era Amanecer Fiorito. Yo pensé que el tipo usaba un seudónimo.

—Y no, ese era su nombre legal.

Exacto. Y el hermano del chabón se llamaba Floreal.

Bueno, a este negro caboverdiano, boxeador, soldador y que padecía insomnio, un personaje de una novela pero te lo puedo asegurar, que vivía en Dock Sud, lo terminé conociendo y nos hicimos muy amigos.

Ahí pasé a formar parte del comité de redacción de La Protesta y vos sabés que las tapas de La Protesta en ese momento las dibujaba Hermenegildo Sábat, que es el mismo dibujante de Clarín. ¿Viste cuando abrís generalmente Clarín, dice “presidente Milei” y tiene como un león subido? ¿Esas cosas? Un dibujo que vos lo mirás y decís: “Si este es Sábat”.

Bueno, Sábat entregaba los dibujos para la etapa de La Protesta, que nosotros íbamos a buscar a la calle Tacuarí, a la redacción de Clarín. Otra época también, parece, pero nada, lejos en el tiempo, aunque muy curioso.

Bueno, con esa tapa después nosotros íbamos a la imprenta. Y, por supuesto, los dibujos no salían firmados. Todo el mundo veía que era el trazo de Sábat, pero no estaba la firma. Así que, claro, todo eso, aunque parezca mentira, está atrás de esas tapas, de esas letras también, ¿no? Y esa manera de mirar la realidad.

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—Corregime si me equivoco, pero A los que se han apagado fue el primer álbum de Eterna que estaba completamente en español. O sea, antes creo que tenían una onda más Fun People en lo de tener canciones en inglés y canciones en español, o mezclando. ¿Fue una decisión consciente en su momento hacer este disco completamente en español?

Sí, totalmente. Muy influenciada también por las giras que llevamos adelante, donde empezábamos a tener contacto con distintas culturas y ahí mismo se nos planteaba en la gira por España o por Francia, en el año 2000, ¿por qué cantábamos en inglés?

Y también nosotros empezamos a escuchar a otros cantautores, como por ejemplo Daniel Viglietti, Alfredo Zitarrosa, Atahualpa Yupanqui, que tenían letras muy parecidas a las nuestras de repente, pero con otro estilo de música.

Y eso también hizo mella, como que nos terminó de definir en cuanto a nuestra realidad latinoamericana. Y a partir del año 2000 en adelante, todos los temas de Eterna son en español.

—Viendo el disco a la distancia, ¿hay alguna canción del álbum de la que te sientas particularmente orgulloso?

Me gusta mucho el último tema, “Le pertenezco a sus ojos”, y de hecho ahora lo volvimos a regrabar e hicimos un video. Estamos contentos con eso porque quizás no regrabamos todo el disco, pero suena distinto. Veinticinco años después tiene otra cadencia, otro aplomo y nos pareció que iba a ser un tema testigo, digamos, en cuanto a sonoridad.

Tal es así que lo terminamos grabando también en formato video. El video está realizado en el muelle de pescadores de la ciudad de Quilmes. Son unas ruinas actuales del muelle de pescadores, pero bueno, la banda también nació en Quilmes y termina un poco como cerrando todo, ¿no? Sin moverse muy lejos de donde las canciones nacieron, en términos geográficos, si querés.

—Es una banda que, bueno, termina tocando, como vos dijiste, en Chile, en México, en España, en diferentes países, pero sigue siendo una banda de Quilmes.

Sí, porque ahí es donde la banda nació. Hay parte de los integrantes también y la historia del grupo está asociada definitivamente a Quilmes.

—Cuando estaban grabando el disco, ¿te imaginabas que iban a estar haciendo celebraciones por la salida del disco 25 años después?

La verdad que no, pero tampoco pensaba en un sentido de finitud, ¿viste? Si me preguntás, creo que conservo la misma determinación que tengo el día de hoy, ¿viste? Esto de seguir tocando. No sé si hubiera pensado en celebrar los 25 años de un disco, pero sí estaba convencido de que, mientras pudiera tocar, iba a ser un proyecto para toda la vida, a full.

Porque venía de proyectos anteriores y, ya cuando armamos Eterna, como que terminó por lo menos de cuajar las experiencias previas respecto de cómo armar una banda de rock. Ya teníamos algunas cosas claras y, bueno, es como que encajó todo para que el proyecto pudiera arrancar muy bien desde el principio y perdurar en el tiempo.

—Van a estar tocando el álbum completo y no es tanto esfuerzo porque el álbum dura dura 23 minutos.

Exacto. Lo vamos dosificando, ¿viste? Dos temitas, metemos otro. Dos temitas, metemos otro. Va a ir apareciendo distintas veces a lo largo del show, ¿viste? Pero, por supuesto, también acompañado por su segmento, por su estética, por sus visuales asociadas a esa época y a ese disco.

—Una cosa que estaba pensando, porque cuando busco notas que hayan hecho las bandas, cuando tengo las entrevistas y todo, una que me llamó la atención fue ver una entrevista con un medio chileno y ver que al parecer tienen como un seguimiento en Chile. No sé hasta qué punto, pero tienen como un seguimiento en Chile. Me llamó la atención eso porque muchas veces, como que en Argentina nos sorprendemos cuando bandas argentinas tienen seguimiento en otros países porque nos parece raro, estamos como en una burbuja. Onda, yo me acuerdo que hace varios meses había venido un amigo mexicano de visita y había traído un Blu-ray de Babasónicos, creo que era en México, donde tiene muchísimo seguimiento, y dije “¿Cómo?”. Y entonces estaba pensando, ¿qué crees que atrajo el público chileno a la banda?

El mensaje de la banda me parece que caló muy hondo en Chile y quizá también la constancia de las visitas. Suelen sentirse muy identificados con el mensaje, con las letras de la banda, con la fuerza de la banda. Es muy curioso y, bueno, un público muy efusivo también, muy demostrativo.

La verdad que nos quiere mucho y nos hace sentir como en casa cada vez que vamos. Ya hace mucho tiempo que visitamos Chile también. Pero sí, es muy curioso. La verdad que también sirve para esto, un poco lo que hablábamos recién, ¿no? Para desmitificar. Porque quizá una cosa son las políticas de gobierno y otra cosa es la gente, el ciudadano de a pie, la calle y cómo te reciben. Te invito a un recital de Eterna Inocencia y no lo podés creer.

—Eso de desmitificar, porque a veces uno como que se guía demasiado por lo que dicen en redes sociales o por lo que dicen cosas de internet y no se da cuenta de que son personas.

Claro. Y además, el público que está conectado con nosotros es también un público trasandino que piensa como nosotros. Entonces, por lo general, es gente muy copada, no está ni ahí con pensar en un sentido ni de individualismo ni de nacionalismo exacerbado.

Más allá de las diferencias culturales, que sirven para enriquecer y complementar al otro, o sea, no mucho más. Entonces se cae todo eso, ¿viste? Y en un recital es como que se cristaliza todo en ese momento. Lo podés ver con claridad. Es un flash, te digo.

Después, si podés, fijate. Tenés episodios por ahí en la página de internet, por ejemplo, y hay algún episodio del año pasado en el Teatro Caupolicán, por ejemplo, uno de los lugares donde bandas emblemáticas tocaron, por decirte. Fue en noviembre del año pasado, ya casi un año, y fue una locura total la sinergia que tenemos, también con Tenemos Explosivos. Es muy potente, la verdad que es muy potente, muy muy muy fuerte. Ir y volver es un flash.

—Obviamente ya esta altura queda claro que Eterna Inocencia es una banda extremadamente política. Se nota en las canciones, en la manera de manejarse, en el hazlo tú mismo, en toda la manera de manejarse. Y además no tenés pelos en la lengua para hablar de la gente en el poder ni nada de eso. Yo, obviamente, estoy metido en todo esto pero vengo del lado más del heavy metal, y no sé si vos viste que hace varias semanas fue lo de Horcas, que se habían presentado en apoyo a los trabajadores de Fate.

Sí, lo vi..

—Y me llamó la atención la cantidad de gente en los comentarios diciendo: “No, el metal no se tiene que mezclar con la política” o “La música no se tiene que mezclar con la política”. Esta gente después escucha, no sé, The Clash. Ah, no, eso de The Clash no es música política ni nada. Y me llamaba la atención eso de gente viniendo del metal, que decí lo que quieras acerca del metal en Argentina pero ya arrancó con una cosa política. Imaginate lo que dirá esa gente del punk. ¿Qué creés que hace que esta gente termine queriendo atacar estos reclamos? ¿Quieren despolitizar la música?

Es una buena pregunta, ¿no? Mirá, dentro del punk yo creo que, por suerte, no hay mucha discusión al respecto, a diferencia de otros estilos de música. Entonces uno hasta se siente más cómodo, digamos, ahí, porque lo raro sería que una acción así fuese cuestionada.

Nosotros, por ejemplo, fuimos un día cualquiera, no bien empezó el conflicto, con dos guitarras criollas a tocar en la puerta de la fábrica. Una noche cualquiera para los trabajadores que estaban ahí, para pasar el rato con ellos, para también escucharlos y, sobre todo, para hacer un poco más llevadero el hecho de tener que estar ahí, pasando las horas frente al portón de la fábrica. Y, por el contrario, por supuesto, la gente que escucha la banda se siente representada y hasta agradecida, digamos, de que la banda esté tocando ahí.

Yo sí creo que las bandas no son partidos políticos, eso me parece que es así. Pero también pueden hacer su aporte cultural, ¿no? Y desde ahí, me parece que lo mejor es pensar siempre en una sociedad, vamos a decir, heterogénea, que pueda convivir en la diversidad, que trate de pensar una salida colectiva. Y bueno, me parece que por lo menos plantearlo desde ahí es interesante al comienzo.

Me parece extraño encontrar en el hardcore y en el punk gente que tenga un pensamiento más de orden, si querés, conservador o apolítico. Sí, o sea, político no sé si sería la palabra correcta, porque todo es político, ¿no?

—Se dicen “apolíticos”.

Exactamente, exactamente. Así que bueno, resumiendo, creo que en el hardcore y en el punk no se expresan esas dificultades que sí a veces aparecen en otros estilos, ¿no?

El metal, igual, también en su variante nacional tiene un componente obrero y trabajador muy interesante, ¿no? Muy interesante. Que también hay algo de clasismo ahí, ¿no? Aunque no sea una cuestión estrictamente política. Pero bueno, también sabemos que es un estilo donde tenés tendencias más conservadoras, por decir así.

—Entonces, volviendo ya para cerrar, dos cosas. Una es, bueno, ¿qué planes tienen para después de este concierto? O sea, sé que van a estar tocando, mencionabas, en Chile. Van a estar tocando en Chile…

En Chile, después tenemos en Uruguay fecha también en noviembre. Básicamente, ahora la idea es terminar toda esta vuelta con la gira y en diciembre seguramente cerrar probablemente, como siempre lo hacemos, en un lugar en zona sur y un lugar en zona norte, para hacer un poquito y un poquito, en el conurbano.

Y ya estamos pensando en el verano del año que viene, a ver qué vamos a hacer, si vamos a armar alguna girita. Pero bueno, la verdad que estamos evaluando el estado de situación y el estado financiero, digamos.

—Que siempre es complicado en este país.

Salir de gira es muy complicado, ¿viste? Y se está haciendo verdaderamente difícil. Pero bueno, vamos a ver. De acá a enero todavía tenemos unos meses para terminar de definir y ver si arrancamos 2027 también girando.

Mientras tanto, estamos haciendo nuevas canciones, así que bueno, espero que terminemos porque las que están saliendo están buenísimas. Y ojalá que en 2027 podamos darle un disco nuevo a la gente.

—Ya, ya, ya es tiempo para un nuevo disco de Eterna.

Total, sí, sí, totalmente.

—A los van a ver el 17 de octubre, y los van a ver en Chile, que los van a ver en Uruguay, ¿qué les querés decir?

Que por supuesto los invitamos porque, como te decía más temprano, se trata de revivir emociones y darnos aliento entre todos, básicamente, ¿no?

Es una experiencia que hoy es verdaderamente de carácter inmersivo, porque el recital de Eterna Inocencia hoy empieza y, por distintas circunstancias que van pasando a lo largo del concierto, te mete en una, boludo, y te llevan, digamos, a divertirte, pero también a dejarte algo.

Así que nada, los esperamos a todos para cantar, para convocarnos, para convocar también a las voces que no están y tributarlas, ¿no? Así que bueno, todos invitados de una.

Suecia es una gran fuente de artistas musicales de todo tipo, sea pop, rock, metal, electrónica o lo que sea. Pero Hällas debe ser de los más particulares del país de la dinamita, IKEA y el smörgåstårta, con su propuesta que combina rock pesado, elementos progresivos y una atmósfera de fantasía que muchos grupos clásicos del estilo de los setentas envidiarían. Con la gira por España a punto de comenzar, presentando su cuarto LP Panorama, hablamos con su tecladista Nicklas Malmqvist, sobre cómo crear una canción de Hällas, lo que es ser una banda independiente, la industria musical y lo que hay que hacer cuando todo arriba del escenario falla al mismo tiempo.

Nicklas, es un honor poder hablar con vos hoy. Gracias por aceptar la entrevista. Vi la oportunidad cuando me enviaron el correo y pensé que era una buena ocasión para hablar con vos. He visto a mucha gente hablando de la banda, así que pensé en aprovecharla. ¿Cómo estás? ¿Cómo están las cosas? Vi que mucha gente disfrutó el nuevo álbum, así que creo que es algo de lo que pueden estar orgullosos.

Sí, creo que fue bastante bien recibido. Cuando estás en casa y parece que no pasa nada, no sabes qué está pasando o qué no está pasando. Pero cuando sales y conoces gente durante una gira, ves parte del impacto. Para mí es muy difícil imaginar que haya gente en Argentina escuchando y disfrutando el álbum, pero es increíble.

Sí, vi algunos medios más especializados hablando de la banda, pero también vi a mucha gente mencionándolos y diciéndoles a otros: “Che, ¿escuchaste esto?”. Ese tipo de recomendación de boca en boca.

Sí, de boca en boca.

Exactamente.

Creo que es lo mejor que podría pasar. En estos tiempos en los que todas las corporaciones compiten por tu atención, es genial saber que la gente todavía encuentra otras maneras de hablar de música en la vida real.

Sí. Y hablando un poco de Panorama, el nuevo álbum, sé que salió hace meses, pero sigue siendo su trabajo más reciente. Creo que mucha gente mencionó que empezar con una canción de 21 minutos es una decisión bastante arriesgada, como hacer su propio “2112” de Rush.

Sí. Venimos pensando en la idea de hacer una canción que ocupara todo un lado del vinilo. Lo pensamos durante años, pero en los últimos álbumes estuvimos bastante limitados por el tiempo de estudio, porque fuimos a un estudio en Estocolmo que era muy caro, pero para este álbum volvimos a tener nuestro propio estudio. Entonces realmente tuvimos tiempo para hacer esta canción larga.

Depende de lo que estés haciendo en una canción. Si estás haciendo “música para masajes”, puedes hacer fácilmente 20 minutos. No hay problema, es un acorde [Risas]. Pero si vas a hacer una canción progresiva, ese es el desafío.

El objetivo era conseguir que, cuando terminara la canción, el oyente no tuviera la sensación de haber estado escuchando durante 21 minutos. Queríamos que el ritmo fuera bueno, que todo fluyera y que no se volviera aburrida, demasiado extensa o demasiado corta. Al principio pensamos en ponerla en el lado B, pero después pensamos que algunos de los grandes discos antiguos empezaban con una canción larga.

Sí.

Entonces pensamos: “¿Por qué no?”. Y tuvimos que poner algo completamente diferente como primera canción del lado B. Esa terminó siendo “Face of an Angel”, que es una canción muy pop, muy inmediata. Es como una forma de compensar la canción larga cuando das vuelta el disco. Algo completamente diferente que te dé ganas de escuchar también el lado B. Y termina con algo más parecido a la primera canción del lado A, más progresivo.

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Cuando estaba leyendo otras entrevistas, vi que habían pensado en descartar “Face of an Angel” porque creían que sonaba demasiado como una canción de Mark Knopfler.

[Risas] ¡Sí!

Yo leí eso y después empecé a escuchar la canción específicamente y pensé: “Ah, ya sé a qué se refieren”. Realmente tiene algo de Mark Knopfler.

Creo que sí. [Risas]

Sí, supongo que ya tengo ese sesgo. Pero, hablando de esto, ¿qué pensás que hace que una canción de Hällas sea una canción de Hällas? ¿Cuál sería el ingrediente?

Tenemos las canciones más inmediatas y pop, que hacemos ocasionalmente. Muchas veces son un poco cursis, pero de una manera que nos gusta. Pensamos: “¿A quién le importa? Queremos hacer esto de todos modos”.

Y después tenemos las canciones más progresivas, más serias… No diría que son más serias, sino simplemente más progresivas.

En las canciones progresivas usamos muchas guitarras gemelas, por supuesto. Los guitarristas haciendo “didli didli du” [Nota: Tararea como una melodía complicada]. También suelen estar basadas en acordes clásicos del metal. Tenemos teclados, como órgano o sintetizador, además de la voz de Tommy y su forma de tocar el bajo. En realidad, Tommy es guitarrista desde el principio. Nunca quiso tocar el bajo, así que, de alguna manera, toca el bajo como si fuera una guitarra. Supongo que eso también forma parte del sonido.

Y, por supuesto, está la batería de Casper. Nunca pensé demasiado en la batería de Casper. Simplemente está ahí y funciona. [Risas] Sí, es un buen baterista, pero tenemos esta formación con dos guitarras y estamos bastante inspirados por los videojuegos de 8 y 16 bits, las películas de fantasía, cosas como Conan el Bárbaro y los juegos de rol.

Después agregamos elementos de bandas sonoras a las canciones, que creo que vienen principalmente de los videojuegos. Por ejemplo, si juegas a Mega Man y escuchas la banda sonora, te das cuenta de que en realidad es como Iron Maiden con sonidos sintetizados. “Chiptune”, pero Iron Maiden. ¡Es metal! [Risas]

También está todo el elemento narrativo de la banda, no solamente por los álbumes conceptuales sino por toda la mitología que construyeron alrededor de ella.

Sí. Creo que nos gusta mucho el concepto de un álbum. Nos gusta crear una historia que tenga algunos elementos existenciales para nosotros. Pero no queremos volvernos políticos ni nada de eso, simplemente tenemos algunas preguntas y pensamientos y nos gusta ponerlos dentro de una historia.

Además, es difícil contar mucho o desarrollar una historia en una sola canción, por eso creemos que tiene que abarcar todo un álbum. Al principio, cuando hicimos los primeros tres lanzamientos, que formaban una trilogía, sentíamos que todavía había más para contar.

Si tienes unos 45 minutos en un vinilo y haces música progresiva, hay muchos pasajes instrumentales. No hay tantas letras, así que necesitas varias canciones para contar una historia.

A menos que hagas como esas bandas que terminan poniendo toda la historia en las notas del álbum y tenés que leer los libretos para entender todo el contexto de las letras.

Sí, podrías hacer eso. Nosotros no lo hicimos porque queremos que el oyente interprete el significado y la historia. Dejamos algunos espacios vacíos para que el oyente los complete.

Este es el primer álbum de ustedes editado a través de Äventyr Records. Ustedes editaron los otros álbumes con otros sellos, pero este es el primero con su propio sello. Antes mencionaste que ahora tienen su propio estudio. ¿Qué diferencia hace trabajar con su propio sello?

Es un poco pronto para saberlo, pero sentimos que, de todos modos, teníamos que hacer mucho trabajo nosotros mismos. Entonces pensamos: ¿para qué usar un sello? Tuvimos dos sellos antes, el primero era un sello independiente muy pequeño de Suecia y ellos dependían de nosotros para todo. Nosotros teníamos que proporcionar el diseño, la diagramación, todo. Lo único que realmente hacían era poner un anuncio en Facebook y encargarse de la distribución, que de todos modos no funcionaba, y, por supuesto, imprimir y fabricar los discos físicos. Sentimos que podíamos hacer todo eso nosotros mismos.

El otro sello tenía más fuerza, pero de alguna manera cambiaron a todo el personal y el nuevo equipo estaba enfocado solamente en Suecia y los países nórdicos. Entonces sentimos, y ellos también, que no podíamos trabajar juntos. No tenía sentido. Así que nos quedamos sin sello y pensamos que quizás podíamos empezar el nuestro y ver qué pasaba. Y funcionó bastante bien.

No sé cómo funciona la distribución en Sudamérica, pero al menos siempre puedes encontrar gente con la que trabajar como sello, siempre hay una solución. Es más difícil cuando dependes de otra persona y de que esa persona esté interesada en dedicar el tiempo y el esfuerzo necesarios para que las cosas funcionen como tú quieres. 

Fue mucho trabajo, y además tienes que poder financiar todo. Tienes que poner mucho dinero porque hoy un sello es más parecido a un banco. Ellos ponen el dinero por adelantado y después se quedan con una gran parte de todo. Es como un préstamo bancario muy caro que dura 70 años. [Risas]

Por supuesto, un sello puede hacer cosas muy buenas. Nosotros también tenemos que concentrarnos primero en la música y después salir a tocar. Pero, por ahora, sigo sintiendo que fue la decisión correcta para nosotros.

No sé si trabajando con un sello tradicional les permitirían, por ejemplo, editar una canción de 21 minutos y tener el tiempo suficiente para grabarla. He entrevistado a muchas bandas que empezaron con su propio sello y no veo muchas que se arrepientan de haberlo hecho, como que consideran que fue la mejor decisión que podrían haber tomado en un momento determinado de su carrera. 

Si ves a las grandes bandas, muchas de las más importantes tienen cierto control sobre sus propias grabaciones. Creo que, si tienes una base de seguidores que sabes que puede comprar discos y puedes reunir la inversión necesaria para imprimirlos, es posible. Pero lleva mucho tiempo antes de obtener la recompensa, nosotros tuvimos la suerte de poder hacerlo realidad.

Eso demuestra cuánto avanzó la banda y cuántos seguidores acumuló. De hecho, iba a preguntarte sobre eso, porque van a estar de gira por España dentro de algunas semanas. Creo que será la primera vez que estén allí como cabezas de cartel. ¿Qué podés contarnos sobre eso?

a estuvimos tocando en algunos festivales allí. Fuimos al Asana Festival este año y el año pasado fuimos al Resurrection Fest. También hicimos una gira allí hace muchos años con Kadavar, la banda alemana.

Ah, Kadavar. Sí, los de las barbas.

Sí. Hicimos una gira como banda soporte y estuvimos en algunos lugares de España. No estuvimos mucho allí, pero siempre es interesante ver cómo funcionan las cosas. Creo que los lugares no son tan grandes, así que supongo que va a estar bien. Además, las entradas se están vendiendo bastante bien, creo que va a estar bien. Pero siempre es así cuando vas por primera vez a un país, después vuelves por segunda vez y las cosas mejoran un poco, y después vuelven a mejorar.

Tienes que empezar desde cero. Hace aproximadamente un año tocamos en Sudamérica. Fuimos a Argentina y tocamos… Creo que fue São Paulo. No, São Paulo no.

Creo que fue en Buenos Aires, en el Uniclub. Es un lugar realmente pequeño, he estado ahí.

Sí, muy pequeño. Entonces tienes que empezar casi como si fueras una banda nueva y esperar que la gente vaya [Risas]. Y después, la próxima vez que vayamos, quizás sea un lugar un poco más grande, un poco mejor.

Y tocaron en São Paulo al día siguiente.

Sí. Hicimos cuatro países en cuatro días. Fue una locura.

Ni siquiera puedo imaginar lo difícil que debe haber sido.

Lo malo es que no llegas a ver nada del país cuando haces algo así. Te pasas todo el tiempo viajando. Se puede hacer, pero es mejor tener algo de tiempo para conocer gente, ver algo y comer algo, porque hay tantos lugares hermosos para conocer.

Conocer gente, comer algo… No tener que pensar en el concierto cada segundo.

Sí, es una mejor manera de hacerlo.

¿Hay algún país en el que todavía no hayan tocado y en el que les gustaría tocar?

Japón sería un sueño. Ninguno de nosotros estuvo en Japón, así que sería increíble.

Sí. Para muchas bandas ese es el sueño, ese momento en el que piensan: “Lo logramos”.

Sí. Pero al principio nuestro sueño era poder tocar en el Sweden Rock Festival. Lo hicimos y después aparece el siguiente objetivo. Por ejemplo, poder ir a Estados Unidos, como hicimos hace un par de años. Era algo que nunca habrías imaginado. Lo mismo con México o Argentina, poder ir a esos lugares y que haya gente que vaya a verte es difícil de comprender.

Si lo piensas, somos solamente un grupo de tipos de una zona rural de Suecia. Vivimos en un pueblo muy pequeño, pero de alguna manera logramos llegar a otras personas con nuestra música.

Es bastante increíble cuando lo pensás. Terminás siendo escuchado por gente del otro lado del mundo.

Es algo que realmente aprecio. Estoy muy agradecido.

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Corregime si me equivoco. Creo que hace un par de semanas tuvieron un concierto en Alemania, según algo que leí en… No sé si conocés Setlist.fm, ahí leí que ese fue su primer concierto sin los disfraces.

Ah, sí.

¿Qué pasó con eso?

[Risas] Pasó algo. Tuvimos problemas muy grandes con la tecnología del escenario. Había tres bandas tocando y nada funcionaba para nosotros. Siempre hay mucha presión de tiempo para hacer la prueba de sonido y se suponía que todo tenía que funcionar, pero no funcionó. No funcionó nada. Entonces no hubo tiempo para cambiarnos de ropa. [Risas] 

Era como: o tocas ahora, o cancelas. Eso nos dijo el promotor, porque nosotros no éramos la banda principal, sino Opeth. Así que decidimos tocar en shorts, y lamentablemente mucha gente tuvo tantos problemas para entrar al lugar que no llegó a tiempo. Había una cola enorme afuera, lo sentimos mucho por eso.

No tenés que disculparte conmigo, fue en Alemania. Pero me gusta pensar en el escenario y, ya sé que es un cliché, compararlo con This Is Spın̈al Tap. [Risas] Al menos no tuvieron el problema del pequeño Stonehenge.

Sí. [Risas] Pero estas cosas pasan todo el tiempo, cuando estás de gira o tocando pasan cosas extrañas. Es un This Is Spın̈al Tap constante. También pasan cosas muy graciosas, al menos cuando las piensas después. En el momento no son graciosas, obviamente. Pero cuando pasa el tiempo y lo recuerdas, puede resultar bastante divertido.

Al menos no les pasó como a Kiss. No sé si conocés la historia, pero cuando Kiss tocó acá, creo que fue en 2009, Gene Simmons hizo ese número en el que vuela sobre el escenario y terminó quedándose en el medio. No sé qué falló en el cable o en la estructura que usa para volar sobre el escenario, pero terminó ahí, simplemente colgado.

[Risas] Pero supongo que también es divertido. En realidad, puede terminar formando parte del show, como algo especial que pasó solamente para la gente que estaba ahí.

Exactamente. Esa gente puede decir: “Yo vi a Hällas tocando en shorts, tratando de hacer todo ese espectáculo de rock de fantasía y aventura”.

Sí, nunca se suponía que eso pasara. Nunca habíamos hecho algo así.

Bueno, para terminar, ¿qué les gustaría decirles a las personas que van a ver a Hällas, principalmente en España, pero también en otros países? ¿Qué les dirías?

[Se queda pensando] Esta es la gira de este álbum y vamos a tocar la canción larga, por supuesto. Eso no podemos hacerlo en los festivales, por ejemplo, porque ocupa casi la mitad del tiempo que tenemos, pero ahora sí vamos a hacerlo. Esperamos ver a la mayor cantidad de gente posible. Probablemente pasen un par de años antes de que podamos volver, así que esperamos que puedan venir. Nunca hicimos conciertos como cabezas de cartel en España. Por supuesto, es diferente a tocar en un festival. Tenemos una mejor producción, mejores luces, sonido y elementos escénicos, es un mejor show. Entonces esperamos verlos allí.S

Gutalax han convertido sus conciertos en auténticas fiestas donde los moshpits, el humor escatológico y la cerveza forman parte del espectáculo. Tras más de una década llevando su particular propuesta por escenarios de todo el mundo, la banda checa mantiene intacta su filosofía: divertirse y hacer que el público también lo haga. Con su regreso a España en el horizonte, hablamos con ellos sobre música, humor, conciertos y, por supuesto, mucha mierda.

– Gutalax lleva años convirtiendo sus conciertos en auténticas fiestas de grindcore. ¿En qué momento os disteis cuenta de que el público había transformado vuestros conciertos en algo que iba mucho más allá de simplemente escuchar música?

¡Es increíble! ¡Nos encanta! Nuestros conciertos siempre son una gran fiesta de mierda y nuestros fans son quienes aportan la diversión, no nosotros. Los queremos a todos.

– Vuestra estética y vuestro sentido del humor son inmediatamente reconocibles, pero detrás de todo eso hay una banda que lleva más de una década trabajando en su música. ¿Creéis que a veces la gente presta demasiada atención al lado escatológico de Gutalax y pasa por alto el trabajo musical que hay detrás?

Sí, definitivamente algunas personas lo hacen, y puedo entenderlo. Pero no hay ningún problema con eso 🙂

– El público español parece tener una conexión especialmente fuerte con Gutalax. ¿Qué diferencias notáis entre tocar en España y hacerlo en otros países?

Nos encanta tocar en todas partes y nuestros conciertos son geniales en cualquier sitio. Los conciertos en España siempre han sido muy salvajes y nos encanta. Más cara a cara, más moshpits, ya sabéis 🙂

– El grindcore puede ser un género extremadamente agresivo, pero vosotros conseguís abordarlo desde una perspectiva muy festiva. ¿Era algo que buscabais deliberadamente desde el principio o surgió de manera natural?

Casi siempre surge de manera natural. Cada concierto es diferente y se convierte en una fiesta diferente.

– ¿Cómo ha cambiado Gutalax desde aquellos primeros años hasta la banda que sois hoy? ¿Hay algo de los primeros tiempos de Gutalax que echéis especialmente de menos?

Somos más viejos, más gordos, más borrachos, más vagos y olemos peor. Pero la pasión por hacer música sigue siendo la misma.

– Habéis conseguido convertir canciones y conceptos aparentemente absurdos en auténticos himnos dentro de la escena grindcore. ¿Cómo es el proceso creativo cuando partís de una idea que inicialmente puede parecer poco más que una broma?

También surge de manera natural. No hay ningún proceso. Y, ¿sabéis lo que decimos en la República Checa? “Toda broma esconde algo de verdad en lo más profundo”. Jajaja.

– Después de tantos años de giras, ¿qué es lo que todavía os sorprende de actuar ante un público que ya conoce tan bien vuestra propuesta?

Que sigamos tocando la misma mierda y la gente siga viniendo, jajaja.

– Habéis compartido cartel con bandas de muchos estilos diferentes. ¿Hay alguna banda con la que todavía no hayáis tocado y que os gustaría especialmente tener como compañera de gira?

Bandas de disco de los 80 y los 90. Definitivamente forman una parte importante de nuestra música y puedo imaginar que una gira con bandas como Rednex, Scooter, Aqua, 666 o Brooklyn Bounce funcionaría de puta madre, jajaja.

– En una época en la que muchas bandas tienen mucho cuidado a la hora de gestionar su imagen en redes sociales, vosotros habéis construido una identidad basada en no tomaros demasiado en serio. ¿Sentís que esa libertad es una parte importante de vuestra identidad?

Es necesario y también es la única manera en la que lo vamos a hacer. ¡Para siempre! No nos importa ninguna imagen, somos lo que somos (somos lo que cagamos, jajaja) y nunca cambiaremos solo por la “imagen”.

– ¿Qué expectativas tenéis para vuestra próxima gira por España?

Diversión, cervezas, paella, fiesta, conciertos increíbles con gente increíble… buen tiempo, jajaja.

Con casi tres décadas de trayectoria a sus espaldas, Eivør afronta una nueva etapa con la llegada de Tungl, un álbum en el que vuelve a explorar ese particular cruce entre tradición feroesa, folk, electrónica y sonidos de marcado carácter oscuro que ha convertido su propuesta en algo difícil de encasillar. El nuevo trabajo llega además acompañado de su incorporación a Nuclear Blast, un movimiento especialmente significativo para una artista que durante años ha defendido su independencia y una manera muy personal de entender la música. Aprovechando el inminente lanzamiento del disco y su próxima gira, hablamos con Eivør Pálsdóttir sobre esta nueva etapa, sus raíces, la conexión con públicos de todo tipo, su experiencia trabajando para videojuegos y series, la situación actual de la industria musical y, por supuesto, sobre esas canciones que adelantan un Tungl donde la oscuridad y la esperanza vuelven a encontrarse.

Buenas tardes, Eivør, gracias por concederme esta entrevista

Hola, gracias a ti, es un placer hablar con vosotros

Lo primero ¡enhorabuena! El lanzamiento de tu nuevo álbum (Tungl) es inminente y lo que he escuchado hasta el momento me parece espectacular: Tiene una temática preciosa y los singles son muy potentes, tanto musicalmente como estéticamente. Por favor, cuéntame un poco más sobre esta nueva etapa de Eivør y qué podemos encontrar el mes que viene en Tungl.

Gracias, sí ¿qué puedo decir? siempre es super ilusionante y también dan muchos nervios cuando un nuevo disco está a punto de salir. Aparecen todas las emociones. Y a veces me toma cierto tiempo y distancia para entender completamente lo que yo misma he creado: tengo que experimentarlo en directo y ver la reacción de la audiencia. De momento tengo un sentimiento muy positivo. He podido compartir con la gente algunas canciones este verano, las he tocado en directo, y me he sentido muy bien. Así que estoy llena de ilusión con esta nueva etapa que empieza a desarrollarse ahora.

Una nueva etapa en la que firmas con Nuclear Blast, una de las productoras más grandes de Metal actual… ¿qué supone para ti la entrada en esta discográfica? 

Pues significa mucho para mí. He estado trabajando de forma independiente muchos años y me he dicho siempre a mí misma que no firmaría por un sello salvo que sintiera que de verdad es una colaboración: que trabajara conmigo. No quiero una discográfica que quiera agarrar mi música y encasillarme en sus cajitas o etiquetas. Llevo haciendo música mucho tiempo como para hacer eso. Así que cuando me encontré con Nuclear Blast, me sentí muy feliz al comprobar su entusiasmo y su amor por mi música, por lo que estoy muy feliz de colaborar con ellos. Creo que compartimos la misma visión acerca de crear música. Obviamente no soy una artista de Metal, para nada, mi música tiene una mezcla de muchos estilos. Pero para mí es muy ilusionante estar en una firma de Metal, porque veo que los seguidores de la música metal ya están en mis conciertos, por algún motivo… es como un crossover: una mezcla de mundos, algo que considero muy bonito. Mi música también es así, por lo que trabajar con ellos resulta apropiado.

Desde luego tu música es muy única y seduce a todo tipo de público. De hecho te iba a preguntar si has notado algún cambio en la audiencia, pero en este caso a raíz de tu colaboración en bandas sonoras de series y videojuegos. Seguro que les has abierto los oídos a muchos gamers a nuevas músicas y nuevas sensibilidades. ¿Has notado su presencia en tus conciertos?

Sí. Totalmente he notado un cambio en mi público, sobre todo en los últimos 8 años. Cuando empecé haciendo música para “The last kingdom”, y después con “God of War” y fue increíble… Veía a gente en mis conciertos vestidos de vikingos o incluso de Kratos. También por supuesto hay gente con looks góticos y hasta abuelitas, abuelitos, niños, amantes del folk… una mezcla muy grande de personas muy diferentes y eso me emociona muchísimo: ver a personas de tan diferentes orígenes y contextos. Es increíble que la música pueda hacer eso, reunirles así. Es maravilloso.

No solo realizas una música única, sino que tus orígenes también lo son. Seguro que muchas personas se han sentido interesadas por el idioma y las tradiciones de las Islas Feroe debido a tu música. ¿Cómo se siente defender tu música en tu propio idioma por todo el mundo?, ¿o alguna vez has pensado: “todo sería más fácil cantando en inglés”?

Hace mucho tiempo, cuando empecé a hacer música ¡hace casi 30 años de mi primer álbum! Entonces cantaba en feroés porque estaba haciendo música inspirada en las tradiciones y el folk feroés. Pero no pensaba que eso fuera a interesar a mucha gente fuera de las Islas Feroe. Así que cuando salí a cantar fuera, sí que pensé “vaya: voy a tener que cantar en inglés a partir de ahora”. Pero entonces vi que la gente era capaz de conectar conmigo casi igual de bien si cantaba en mi propia lengua. Así aprendí que la música no siempre es “entender cada palabra” sino más bien “entender el sentimiento”, y la audiencia es inteligente y tiene empatía, puede entender los sentimientos de alguien que canta en otro idioma. Así aprendí que la música es un idioma universal de verdad.

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Las tres canciones que has sacado hasta el momento (“Walls”, “Healer” y “Dragon Maiden”) me gustan muchísimo, y al escucharlas me trasmiten “esperanza”, cada una a su manera son oscuras pero a la vez esconden luz y mucha fortaleza ¿estoy acertando?, ¿cómo las describirías tú?

¿Sabes qué? me hace muy feliz que me digas esto, porque acabo de hacer otra entrevista y me han dicho que mi álbum les parecía súper oscuro y he pensado: “¿en serio? Para mí no es tan oscuro”. Para mí este álbum, que sé que es duro en sus líneas de bajo y batería, y que tiene un sabor oscuro… pero como tú has dicho, para mí tiene mucha esperanza y coraje. Para mí tiene un mensaje muy fuerte relativo a que debemos creer en que las cosas al final se colocan en su sitio y que siempre sanamos después de rompernos. En mi música es muy importante el contraste: la oscuridad y la luz, y cómo bailan entre sí. Y también en las letras que escribo existe ese contraste, por lo que diría que sí has acertado. 

¿Cuánto hay de mitología y tradición feroesa y cuánto hay de fantasía e introspección en estas canciones?

No estoy segura. Es siempre una mezcla de muchas cosas. No es que siempre escriba sobre mí misma ni mi vida, pero sí que todo suele empezar con un sentimiento propio, una idea o un recuerdo que tengo dentro y que me da la idea de la canción para empezar… pero luego esto crece y nunca se sabe qué camino va a recorrer. A veces recojo inspiración de muchas otras cosas. Pero en general todo empieza con un sentimiento propio o bien con algo que sucede a mi alrededor. O que sucede en el mundo, y que me inspira. 

Por cierto que llevas toda la vida en el mundo de la música, desde que eras casi una niña: ¿qué opinas del actual estado de la industria?, ¿son buenos o malos tiempos para la música?

Un poco las dos cosas a la vez. Los músicos estamos un poco en el medio de ninguna parte ahora mismo. Entonces tenemos el tema de la IA, que es terrible: nos está robando la identidad. Nos roban la música y la copian en todas partes, sin esfuerzo. Y eso da mucho miedo, cuando has trabajado toda tu vida en este área y de repente alguien puede hacer una canción parecida a la tuya en segundos con la IA.

Por su parte, la industria musical está siempre cambiando y te digo la verdad: nunca he sido muy buena navegando en ella. Siempre me ha asustado un poco y he querido mantenerme un poco alejada de la industria. Me gusta hacer las cosas a mi manera. Así que no sé… pero en cuanto a sensaciones, es cierto que no me parece un buen momento para las artes ahora mismo… Pero hay que hacerlas. ¡Me moriría si no lo hiciera! Si eres un alma creativa tienes que crear. Es así. Para los artistas es más importante que nunca ser auténticos, y amar de verdad a su público. Y yo realmente amo a mis fans, a la audiencia: me apoyan, vienen a verme a mis conciertos ¡no puedo pedir más! Es lo más precioso de mi vida.

Y eso es algo que la IA no puede hacer: salir al escenario y conectar con la gente en vivo.

Cierto. Cuando la gente se reúne, hay algo mágico. Cuando la música encuentra a su público, es el mejor regalo para un artista.

Y eso es justo lo que vas a hacer muy pronto: has anunciado un tour muy largo y generoso, siendo tú una artista que además trabaja muy duro sobre el escenario ¿cómo te preparas para un tour así? ¿Y qué podemos esperar de este nuevo tour?

Pues, ahora mismo aún estoy saliendo de la burbuja creativa que supone grabar un nuevo disco. Y a la vez he estado actuando en festivales todo el verano. Así que justo ahora me toca mentalizarme para estar de viaje cinco semanas para el tour, para actuar y compartir la música con la gente. He estado ensayando con mi banda, hemos ensayado varias de las nuevas canciones, y sobre todo ahora estoy tratando de reunir mi energía, toda la chispa que pueda sumar, para subir al escenario y compartir todo eso. Me hace mucha ilusión ir de gira. Es muy distinto actuar en vivo que en el estudio. En el estudio es un ejercicio de introspección, estás dentro de ti misma, y luego en el escenario liberas todo lo que tienes dentro, es muy distinto, y me encantan ambas facetas de la música.

Sí que lamento un poco algo y es que no he visto España en tu anuncio de la gira, ¿Podremos verte por aquí en un futuro próximo? Porfa dí que sí.

Sí, estoy segura de que voy a ir a España muy pronto. Siento que no esté ya agendado en la gira. Sé que no he ido mucho por España hasta ahora, pero últimamente he sido tan afortunada de poder hacer unos pocos conciertos allí hace poco y ha sido genial. Quiero volver muy pronto y seguro que lo voy a hacer. Sin ninguna duda.

Espero que lo hagas, me encantaría verte en directo. De momento aguantaré viendo tus videoclips, que son espectaculares y tengo una pregunta quizás un poco rara que hacerte, ya que proviene de mi peque: tengo un peque de 5 años y le encanta tu música. Cree que eres encantadora y le fascina tu voz. Pero quiere que te pregunte sobre el videoclip de “Dragon Maiden”. Le parece preciosa tu actuación, el paisaje, todo… pero no entiende por qué aparece tu rostro multiplicado en cinco rostros en el estribillo, así que he pensado en preguntarte sobre ello y en general la simbología de este vídeo tan bello.

Wow, qué emoción que le guste a tu peque y qué pregunta tan interesante: se ve que es muy inteligente. Los cinco rostros, se suponen que representan un espejo que te ayuda a adentrarte más en ti misma. Porque esta canción va sobre encontrar la fuerza en uno mismo. Cuando estás mal puedes buscar en tu interior y llamar a tu propia dama del dragón, y ella vendrá con sus alas de fuego a darte su fuerza. Así que estas cinco caras son el espejo y la manera en que están situadas, un poco en triángulo, tienen que ver con la tierra, con una montaña, con afirmarse sobre la tierra y recuperar tu fuerza. Espero que a tu peque le guste la respuesta.

Es maravillosa la respuesta. Ya casi hemos terminado ¿hay algo más que te gustaría decir a tus seguidores en esta nueva etapa?

Sí, me encantaría decirles a mis seguidores en general y también en España que estoy muy agradecida de que me escuchen y sigan mi música. Que me gustaría visitarles pronto y encontrarnos pronto para compartir la música. Y darles las gracias a todos por estar ahí y por su apoyo.

Muchas gracias a ti. Enhorabuena y mucho éxito.

Será un género basado en la negatividad y la oscuridad, pero el black metal depresivo sí que ha logrado unir a la gente a pesar de la distancia e incluso del tiempo. Un ejemplo de ello es In Luna, un proyecto que reúne al multi instrumentista chileno Aukka y al cantante Uruksoth, español de nacimiento y radicado en Alemania, que editara su primer material como parte de un split con otras tres bandas del estilo y más tarde lanzara su debut Forgotten Lives. A más de diez años de la salida de ambos, en octubre tendremos The Architecture of Negativity, el esperado segundo álbum de este dúo, el cual ahora incluye la presencia de dos músicos de sesión salidos de un par de las bandas de black metal más trascendentes de la actualidad. Hablamos con Uruksoth al respecto de este material, el futuro (o no) de la banda, y el mundo del DSBM y el post metal.

—Cuando me llegó la el mensaje acerca de que la banda estaba disponible para entrevistas y dije, “Ah, sí, una una banda de una banda de black depresivo. Yo conozco del género, obviamente, pero esperaba entre las sombras, francamente esperaba que estuvieras así dentro de las sombras todo, porque ya me pasó con un músico de Alemania que estaba entre las sombras.

[Risas] Sí, tanto Aukka como yo somos gente normal que te puedes encontrar en la calle en cualquier día, entonces tenemos la imagen de nuestro día a día. Luego, vale, somos más introspectivos en lo que es la música, pero somos gente normal y corriente.

—¿Cómo viene todo últimamente? Están presentando un nuevo disco después de más de una década sin material nuevo. Quiero mencionar que estaba buscando alguna entrevista de la banda y creo que había encontré una en un blog en inglés, no recuerdo ahora.

La verdad es que nos han hecho muy pocas entrevistas, yo creo que dos, tres o una cosa así.

—Ah, bueno, entonces tengo el privilegio de ser uno de los primeros ¿Cómo viene todo? ¿Cómo viene la promoción de este nuevo disco que saldrá en octubre?

Ahora dentro de nada, a la vuelta de la esquina, con Talheim Records, un sello ubicado en Austria y también tiene su sede en Alemania. Y nada, pues la verdad es que deseando tanto Aukka como yo, deseando ver un poco qué le parece la recepción de la gente. Somos una banda muy underground, no tenemos tanto un gran público, y nosotros perfectos con eso porque esa es la lógica que siempre llevamos, o sea ser un grupo underground, pero con ganas de ver. Después de tantos años que sacamos tanto nuestro debut como poco tiempo después, en el mismo año, también un split con dos temas, y la verdad es que tuvimos una buena acogida y tenemos ganas de mostrar el nuevo material a la gente a ver qué le parece.

—Este estilo es under incluso en el mundo del black metal, no es un estilo que se suponga que tenga que estar tocado en estadios ni nada de eso, al menos hasta cierto punto, obviamente.

Exacto, yo pienso igual.

—Estoy metido, no super metido pero estoy, en el mundo de este tipo de black metal desde hace un tiempo, desde la época en la que visitaba blogs en Blogspot para leer reseñas, y siento que hay una tendencia con este tipo de bandas de sacar un LP, un EP o un demo y después desaparecer como por diez años sin que estén oficialmente separadas. Creo que un ejemplo sería In Luna, desde que sacaron ese material en 2015…

Sí, el disco split.

—El split con Psychonaut 4, Vanhelga y Ofdryyka, después tuvieron el disco y listo. ¿Qué como qué onda durante todo ese tiempo? ¿Simplemente no se sintieron con ganas?

Es un cúmulo, un poco de todo. In Luna nació y lo concebimos y lo hemos lo hemos hecho en este tiempo. Es un proyecto de estudio, que no lo ideamos para sacar cosas cada x años. No teníamos esa necesidad, queríamos hacer una música que nos representase, con unas letras también acordes con ello y no hemos tenido tampoco la necesidad de contar más hasta hace unos años que hemos decidido retomarlo. Como te digo, es un proyecto de estudio, aunque en una ocasión hemos dado un único concierto…

—Primer y único recital,

¡Sí! Además, In Luna es un grupo más paralelo a lo que son o han sido nuestros otros proyectos, de metal extremo también pero de otras vertientes, y lo hemos tenido más aparcado. No terminado, sino aparcado en todos estos años pues eso no teníamos la necesidad de grabar algo por grabar, sino cuando ha sido el momento indicado, que nos ha aparecido ya pues ahora nos apetece.

—Es una expresión del momento, ¿no?

Sí, se podría decir.

—Es personal y es para el momento, no es para decir: “Bueno, ya sacamos el EP, ya sacamos este disco, ahora vamos a hacer eso de vuelta”. No es para forzarse.

Exacto. Además, ya te digo: hemos estado todo este tiempo trabajando en otros grupos, en otros proyectos. También la vida personal, ¿sabes? Te vas haciendo mayor, tampoco tienes el mismo tiempo que hace 10 años, 20 años, ya sabes cómo va.

—Cuando dije lo de las bandas de black que sacan material y después desaparecen como por diez años, iba a mencionar a Thy Light, el grupo brasileño. Me lo había anotado y después vi que Aukka había participado en la remasterización del primer disco de Thy Light, así que coincidencia.

Thy Light es un grupo que me encanta. Eh, Paolo y yo hemos hablado durante años a través de Facebook y tal y bueno, nos podemos conocer hace unos cuantos años porque él se vino a Europa a vivir desde Brasil y es una persona excepcional.

—¿Qué los llevó a volver? O sea, lo describiste como una cosa del momento, como una cosa de simplemente tener como el impulso de sacar nueva música que algo específico que que los llevó a decir “Tenemos que sacar nuevo material con In Luna”, como que la ocasión, el clima, está para un nuevo de In Luna.

No sé cómo decirte, surgió de una forma totalmente natural. Aukka y yo hablábamos, éramos amigos, lógicamente, y hubo un momento, en 2018 más o menos, en que Aukka ya tenía composiciones nuevas en formato demo que había ido grabando, recopilando ideas. Yo también había empezado a escribir algunas letras, y justo fue el momento adecuado para unir todo.

—Simplemente dijeron: “Ah, todas las piezas se están uniendo”.

Exacto, todo encaja y ahora nos apetece volver a grabar algo nuevo.

—Cuando vi el disco y vi que en el reproductor me aparecían cuatro canciones y dije, “Ah, sí, es como un EP”. Y después vi que todo el álbum duraba 36 minutos.

Sí, sí, sí. Salvo una que andará por los seis minutos, casi siete, el resto son canciones largas, con mucho proceso, mucha atmósfera…

—Mucho momento acústico de la nada, con ese contraste clásico entre ruido y calma…

Entre el caos y más calma, más melancolía. A Aukka, en concreto, le gusta crear esas atmósferas que vayan subiendo y bajando.

—Sí, sí. El caos y la calma contrastan y se magnifican uno a otro.

Exacto.

—Entonces, eh con los lanzamientos anteriores de In Luna ustedes tenían baterías programadas, pero en este The Architecture of Negativity tienen no uno, sino dos músicos acompañándolos.

Sí, son dos músicos de sesión, no pertenecen a In Luna como tal, pero han sido músicos de sesión en la grabación del álbum, músicos de estudio.

Por un lado tenemos a Diego Mota. Se le puede conocer por Gaerea y está a las baterías, como digo. Y luego, por otro lado, está Deimos AF, que es un amigo mío de toda la vida de aquí, de la escena de España, de la escena de Cantabria, de donde somos. Es una persona mítica en el black metal de allí. Hemos tocado también juntos en otra banda.

Le gusta mucho Luna y, nada, comentando un día dice: “Ay, pues podría yo grabaros el bajo”. Lo había grabado Aukka siempre, pero bueno, es un bajista fenomenal, guitarrista también, pero bajista fenomenal. Y nada, lo comenté con Aukka y directamente entró a formar parte de la grabación de este disco.

—Con los otros discos con Aukka encargándose de todos los instrumentos, y en este disco teniendo dos músicos haciendo lo suyo, ¿crees que hubo algún cambio en la dinámica al momento de hacer el disco? ¿Cómo cambia la manera de trabajar ahí?

Bueno, lo más notable, por supuesto, es la batería al ser una batería real. Nosotros estamos contentos con lo que ya hicimos en el primer disco y en el split con la batería electrónica, programada, que para el momento estuvo bien. Pero queríamos dar un paso más en nuestro sonido y contar con una batería real y, lógicamente, humana, para el sonido.

—Se nota, por supuesto.

Sí, sí, sí. Y Diego Mota, aparte de ser batería de Gaerea, es músico de sesión, es parte de su trabajo. Contar con él ha sido un lujo porque es un batería increíble, la verdad, y ha aportado mucha potencia a este disco con sus ideas.

Y por la parte del bajo, Deimos también es una persona súper experimentada. Lleva tocando desde mediados o principios de los noventas y, sumada a su experiencia en el bajo, también ha aportado muy buenas ideas al sonido.

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—Estaba escuchando mucho el disco junto y me gustó mucho. Tal cual como lo describiste, con ese contraste entre caos y calma. También me vino el documento con las letras de la banda y quería hablar un poco acerca de eso porque, por lo que entendí, vos sos el encargado de las letras, ¿no?

Sí, de la parte lírica.

—Y la idea del black depresivo, como quieran llamarlo, obviamente nos da una idea de las letras de la banda. Pero siempre me pareció que es un género bastante más amplio de lo que uno pensaría con ese nombre, porque tenés las bandas que van por esa estética de “venas cortadas en el baño”, y creo que In Luna va más por un lado de, no sé, desolación urbana, creo que sería.

Sí, sobre todo en el primer disco y en el split. También eran dos canciones, una de ellas iría más por un tema así, pero también es algo muy introspectivo, las vivencias de cada persona en el mundo, que puede estar un poco al límite.

No tanto como has mencionado tú, por ejemplo, de muchas bandas que tratan temas como el suicidio en concreto, automutilación, etcétera. Nosotros no tocamos esos temas, vamos por una línea quizás a veces más poética, más metafórica en las letras, otras veces más cruda, por así decirlo, en la forma de expresarlo.

Tocamos temas un poco más personales, más ahondando en la negatividad del ser humano. Un poco iría por ahí el asunto. No son temas que hayamos inventado nosotros para nada. Ya hay miles de bandas que abordan temas de ese tipo.

—Más un estado de la mente que algún tipo de acto físico.

Exacto.

—Mencionabas los discos anteriores y una cosa que había es que años atrás tenían un track que se llamaba “The Grey Manifiesto”, donde una parte estaba la frase “música gris para gente gris”.

Sí, sí, sí. Eh, bueno, The Great Manifest es una intro más que un tema y sí, y la frase es un poco también homenaje a la mítica frase de Morbid Angel: “Extreme music for extreme people”. Y nosotros la adaptamos a pues a nuestro rollo, a nuestra temática, poniendo pues esa etiqueta de ”Grey Music for Grey People”.

—El gris es un color que aparece bastante seguido en las letras de In Luna.

Sí, es un concepto porque ahí está el gris entre el negro y el blanco. No es ni una cosa ni la otra, no es ni la luz ni la oscuridad.

—Sí, porque el negro es el color relacionado con el black metal. Literalmente está en el nombre. El blanco, bueno, al metal cristiano lo llamaban en ese momento “white metal”.

[Risas] Sí, es verdad.

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—Yo tengo amigos que no están muy metidos en el heavy metal y a veces les cuento cosas de hablar con bandas y todo eso, y les tengo que explicar que el black depresivo y el post son géneros de verdad, que estoy hablando en serio y no es un invento mío, porque parecen esas parodias cuando agarran y dicen que hay 700 millones de géneros de metal y quieren armar como alguna cosa nueva, y tengo que explicarles que esos son géneros de verdad, que tienen escenas propias y todo. ¿Sentís a veces que incluso dentro del black metal, bandas como In Luna y grupos afines son como una burbuja aparte, un mundillo dentro del mundo del black metal?

Pero yo creo que es así, por lo menos en cualquier estilo o subestilo del metal extremo. Incluso me imagino que también pasa en grupos de heavy metal, de thrash metal, que no sea metal extremo en general. Pero es como te había comentado al principio de la entrevista, entre lo que es más underground y la música más mainstream.

Yo creo que el depressive black metal ya tiene, desde hace muchísimos años, su nicho de seguidores y fans de esta música. El post black metal también tiene su nicho. Es como todo, porque también podrías hacer la misma pregunta sobre el pagan black metal, el atmospheric black metal o cualquier otro subgénero derivado del black metal, del death metal o del doom.

Yo creo que es lo que te digo, que ya no es eso, sino que es más underground, para unos oyentes más concretos que les gusta más investigar o descubrir algún grupo que no sea conocido, para ver qué tal está su música, etcétera. Es, vamos, es una opinión subjetiva, vamos.

—Una cosa que me llama la atención es que no tenés problema con etiquetas como post black metal. Lo menciono porque muchos músicos le tienen miedo a ese tipo de etiquetas y dicen: “No, nosotros no nos definimos como una banda de black depresivo, post black metal, metal atmosférico ni nada. No somos una banda de black metal y punto, o una banda de metal y punto. No hacemos ese tipo de música, hacemos nuestra música y punto”. Pero vos no tenés problema con ese tipo de etiquetas.

No, nosotros no tenemos problema con definir nuestra música dentro de unos parámetros, como puede ser black metal atmosférico, depressive, lo que sea. Ya le das una referencia a la persona que esté investigando bandas en Encyclopaedia Metallum, por ejemplo. Si está buscando bandas de determinado estilo, puede encontrar la nuestra y decir: “Mira, esta banda es de black metal, me interesa”. O puede encontrar otra de otro tipo de black metal que no le llame tanto la atención.

Además, somos una mezcla de depressive black metal y post black metal, porque tenemos elementos más modernos, alguna parte de shoegaze, black metal, ¿sabes? Entonces somos un poco esa amalgama entre lo atmosférico, el blackgaze, que también se le llama, y el black metal. También tenemos partes de un black metal más tradicional.

—¿Cómo definirías la diferencia fundamental con un grupo de black metal tradicional? Nosotros sabemos a qué nos referimos con black metal tradicional, ya conocemos todas las bandas con corpse paint. Obviamente, hay bandas de post black metal que también lo utilizan, pero me refiero a ese tipo de grupos, esa onda más, no sé cómo definirla, más de la escena noruega y todo ese tipo de grupos. ¿Cuál creés que es la diferencia?

Sí, con black metal más ortodoxo, digamos.

— Black metal ortodoxo, digamos. ¿Cuál considerarías que es la diferencia fundamental o si hay alguna específica?

Me imagino que sea, por ejemplo, que en el post black metal experimentas un poco más con otros sonidos, a veces fuera de lo que es el espectro del black metal como tal. Puedes agregar alguna parte de post metal, post rock, cosas que no irían dentro de la senda prefijada del black metal ortodoxo que me has preguntado.

El black metal ortodoxo tendría unos sonidos más clásicos, más noventeros, de principios y mediados de los noventas, con la primera y la segunda ola del black metal. También esos primeros grupos de black metal tenían muchos toques más épicos como, por ejemplo, Enslaved, unos clásicos que luego han seguido y se han puesto más de black progresivo, una cosa así.

Pero, lógicamente, el post black metal tiene sonidos de black metal, como su nombre indica, pero no tan arraigados a esa música de los años noventas, de principios y mediados de los noventas, que es lo que yo caracterizaría como más propio del black metal ortodoxo. Aunque después, ahora y también en el futuro, van a seguir saliendo grupos nuevos con ese sonido de black metal más ortodoxo, pero más abiertos a incorporar influencias.

—Mencionaste géneros como el shoegaze, y me llama la atención pensar que esa escena y la escena del black metal se estaban desarrollando a la par, pero no creo que nadie en su momento se imaginara que podían cruzarse.

Ya lleva muchos años, pero te pones a pensar que a finales de los años noventas, por ejemplo, por ponerte más o menos una fecha, una parte del black metal iba a derivar hacia esos sonidos y tal. No lo habías pensado nunca, y es una cosa positiva porque tenés otra parte de la música que te gusta, que puedes investigar y que te puede llamar la atención. Si te gusta ese otro tipo de black metal, pues mejor que mejor. Para la gente a la que nos gusta la música, fue un descubrimiento, como ha pasado con otros estilos o subestilos.

—¿Qué planes tienen a futuro con In Luna? Obviamente recitales no, porque no es una banda para eso. Pero, ¿qué planes tienen a futuro? ¿Tienen algún algún plan a futuro con In Luna?

No, no tenemos nada pensado, la verdad, porque ahora mismo va a salir el nuevo disco y, en realidad, no es como nos ha pasado la vez anterior. Ya veremos si en unos años grabamos alguna otra cosa o no, o si es el último capítulo. El tiempo lo dirá, según vaya surgiendo.

Ahora estamos muy contentos con lo que hemos grabado y también nos centramos en otros proyectos y bandas que tenemos. Pero, por ahora, el tiempo lo dirá.

—Sobre todo vos, que vi el currículum en Metal Archives y eran cuatro millones de bandas en las que participaste.

¡Son bastantes, sí! Llevo tocando desde el año 98, o sea, que son bastantes años y he estado en un buen número de bandas. Me gustan muchos estilos de metal extremo y he tenido la suerte de estar en bandas de diferentes estilos de metal extremo que me permiten expresarme tanto a nivel vocal, porque me encanta lógicamente cantar, como a nivel lírico, en diferentes aspectos, letras, etcétera.

—Como para cerrar, ¿qué querrías decirles a nuestros lectores, a la gente que va a escuchar este nuevo disco de In Luna? A la gente que pueda interesarse en escuchar el nuevo disco de In Luna a partir de leernos, ¿qué querrías decirles?

Pues que entren a escuchar el nuevo disco nuestro de In Luna, The Architecture of Negativity, como si fuese un viaje. Las cuatro canciones son como un viaje en el cual todo es oscuridad. Es un viaje que habla sobre la depresión, la ansiedad, la pérdida y la negatividad que puede tener cada persona en su interior.

Quizás no sea un viaje fácil, pero que entren en él.

Con una propuesta que combina el power metal melódico de principios de los 2000 con elementos de hard rock, AOR y metal melódico, Fallen Sanctuary continúa desarrollando su identidad con The Gathering of Dreams, su segundo álbum de estudio. El disco profundiza en un sonido marcado por grandes coros, melodías elaboradas y armonías, pero también presenta un costado más personal y directo en sus letras.

A cuatro años de la edición de su debut, Terranova, el nuevo trabajo refleja también los cambios que atravesaron sus integrantes durante ese período. Marco Pastorino, conocido además por su trabajo en Serenity y Temperance, nos cuenta sobre las influencias detrás del álbum, el proceso de composición junto a Georg Neuhauser, la libertad creativa de Fallen Sanctuary y los planes para el futuro de la banda.

The Gathering of Dreams está profundamente arraigado en el power metal clásico. ¿Cuáles fueron tus principales influencias musicales a la hora de escribir el álbum?

Creo que nuestras influencias básicas siguen siendo las mismas desde que comenzamos con Fallen Sanctuary. El power metal de principios de los 2000, como Sonata Arctica y Stratovarius, pero también bandas más pequeñas como Dyonisus, Silent Force y Thunderstone. Incluso diferentes tipos de música, desde el AOR hasta el rock y el metal melódico.

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Las canciones comparten una identidad muy clara, pero cada una tiene su propia personalidad. ¿Cómo lograron conseguir ese equilibrio?

Debido a las múltiples experiencias que tuvimos durante los últimos 15 o 20 años, Georg y yo definitivamente hemos construido nuestro propio sonido, nuestra personalidad e incluso nuestras propias características distintivas. Así que básicamente siempre vas a encontrar algunas melodías fuertes, grandes coros, cierto tipo de progresiones armónicas, etc.

Las letras parecen ser más personales esta vez. ¿Qué ideas o experiencias las inspiraron? ¿Hay alguna canción que sea especialmente significativa para vos?

Estoy totalmente de acuerdo con vos. El álbum debut, Terranova, también era personal, pero hablábamos incluso sobre la vida en general. En este nuevo disco nos involucramos al 100 %. En primer lugar, tuvimos que esperar cuatro años para poder editar el álbum y, por supuesto, en cuatro años muchas cosas cambiaron en nuestras vidas.

¿Qué significa para vos el título The Gathering of Dreams? ¿Cuál es la idea principal detrás de él?

Ayer estaba hablando de esto durante otra entrevista. Tenemos muchos sueños en la vida, pero al mismo tiempo seguimos viviendo nuestro propio sueño: escribir nuestra música, grabarla, poder editarla y, además, tener la posibilidad de tocar estas canciones alrededor del mundo es algo impagable y no podemos pedir más. Por supuesto, siempre tenés algún objetivo que querés alcanzar o algo que querés hacer.

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El álbum explora diferentes facetas de su sonido, desde el power metal clásico hasta el hard rock y elementos más melódicos. ¿Intentaron experimentar conscientemente con su estilo?

Para nosotros es un proceso bastante natural. Fue lo mismo con el álbum debut y algunas personas se sorprendieron muchísimo por eso. Pero Georg y yo venimos del metal melódico, el power metal y el rock, por eso es algo muy natural para nosotros. Tengo que decir que, si lo forzáramos, definitivamente ya no sería tan natural.

Después de dos álbumes, ¿sentís que Fallen Sanctuary ya encontró su propio sonido o todavía quieren explorar nuevos territorios?

Creo que sí, pero al mismo tiempo nunca tuvimos, ni tendremos, ningún tipo de límite en el proceso de composición. Quizás el próximo sea incluso más rápido o más lento. Tal vez sea 100 % AOR, o quizás sea 100 % de baladas, ya que no escribimos ninguna balada para The Gathering of Dreams. Simplemente nos estamos divirtiendo juntos y escribiendo las mejores canciones que podemos hacer.

¿Cuál es el principal objetivo que tienen con The Gathering of Dreams? ¿Qué te gustaría que los oyentes se llevaran del álbum?

Por supuesto, llegar a más y más personas, pero al mismo tiempo no estamos intentando volvernos virales a cualquier precio. Sin duda, hoy en día las redes sociales son una de las mejores herramientas para promocionar una banda, pero nosotros no estamos buscando que algún videoclip se vuelva viral en Instagram o TikTok. Seguimos buscando llegar a la gente y conseguir que se enamore de nuestra música. El álbum debut tuvo una respuesta fantástica y, hasta ahora, este también está funcionando muy bien.

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¿Cuáles son los planes para Fallen Sanctuary después del lanzamiento? ¿Podemos esperar más conciertos o incluso una gira?

Este año vamos a hacer algunos conciertos acústicos, solamente Georg y yo, y habrá algunos más durante la próxima primavera. Pero después de eso no tenemos ningún plan concreto para hacer conciertos con la banda completa en el futuro. Tenemos muchos compromisos con Serenity, Temperance, etc. Probablemente sigamos haciendo eso y editando nuevo material. Nunca sabés qué puede pasar en la vida, aunque si el álbum recibe una respuesta ENORME y volvemos a recibir, como ocurrió con el primer disco, toneladas de ofertas para salir de gira, quizás algo cambie.

Finalmente, si pudieras convertir The Gathering of Dreams en una película, un videojuego o cualquier otro tipo de proyecto, ¿qué elegirías y cómo sería ese mundo?

¡Wow, qué buena pregunta! Probablemente diría algo relacionado con Indiana Jones, porque Georg es historiador y se vería genial buscando algún tesoro escondido jajaja.

Con motivo de la celebración este octubre del festival Molded in Blackness, que mezclará música extrema con artistas plásticos del ámbito oscuro. Track to Hell se ha puesto en contacto con algunos de sus participantes para perfilar un poco más esta interesante propuesta y despertar la curiosidad por este evento único y especial en la sala Revi Live de Madrid.

Hoy hablamos con una de las artistas destacadas de la muestra, Esther Limones, quien revisa con nosotros tres de sus influencias musicales más determinantes: The Sisters of Mercy, Virgin Prunes y Twisted Sister.

¿Quién es Esther Limones?

Esther Limones (Madrid, 1982) es una artista multidisciplinar cuya práctica explora las dimensiones más profundas de la psique humana, el deseo y lo oculto. Formada en la Escuela de Arte “La Palma” (Grado Superior en Artes Aplicadas a la Escultura), su trayectoria ha evolucionado desde el grabado y la pintura clásica hacia un lenguaje híbrido que integra el arte digital, el videoarte y la estética del tatuaje.

Su imaginario visual se articula en torno a la dualidad: un juego dialéctico entre el Bien y el Mal, donde el Amor y el Odio actúan como hilos conductores. A través de una figuración cargada de simbolismo, sus personajes —especialmente sus figuras femeninas— encarnan una libertad emocional que surge del conflicto interno, la tentación y la conciencia de la finitud. En su obra, el “pecado” no es una falta, sino un atributo que dota a la escena de un romanticismo crudo y sugerente.

Tras una etapa de consolidación en el mundo del tatuaje y la experimentación digital, Limones ha expandido su técnica hacia soportes físicos de carga histórica, como espejos antiguos, cornucopias y maderas trabajadas artesanalmente. Actualmente, su trabajo se sumerge en el hermetismo y el ocultismo, explorando arquetipos como la brujería y deidades como Baphomet (Leviatán). En su producción más reciente, la artista retorna a la pintura tradicional, fundiendo su depurada técnica clásica con una cosmovisión oscura y solemne.

Ha expuesto su obra en diversas galerías de España y Estados Unidos, destacando su presencia en espacios como Metropolis Collective (Pensilvania), Aeon Gallery (Illinois) y Lux in Tenebris (Los Ángeles).

¿Cuál será tu papel en Molded in Blackness?

Estaré allí en calidad de artista, presentando mi obra artística con nuevos y antiguos trabajos y apoyando este gran proyecto de mi querida Jaqueline. Para mí es importante dar voz a este tipo de iniciativas tan prometedoras y excitantes.

Por favor, háblame de tres discos que te hayan resultado especialmente importantes o inspiradores a lo largo de tu vida

Floodland: The Sisters of Mercy.

Es una banda que ha acompañado mi post adolescencia, imbuyendome en la magia oscura de la vida, el lado oscuro y el descubrimiento del sonido dark.

Heresie: Virgin Prunes.

Este grupo abrió puertas más gamberras, más punk, es uno de los que más me gusta bailar. Amo su escena, su olor y teatralidad… nunca me cansaré de escucharles. 

Under the Blade / Stay Hungry / Come out and play: Twisted Sister.

No puedo dejar atrás a una de mis bandas favoritas de heavy glam metal clásico….. Esta banda ha marcado muchas etapas de mi vida. Es divertida, caótica… siento que soy la hija de Dee Snifer…. me siento unida a ellos de una forma muy especial. 

Es complicado elegir solo tres bandas, ya que mi vida está acompañada de música de muchos estilos y quedarme solo con ellos excluye a tantos y tantos artistas que me han embriagado durante tanto tiempo.

Además del festival Molded in Blackness ¿Qué otros proyectos tienes en el panorama, o dónde más podemos encontrar tu magnífica obra?

En breve voy a la feria Nocturna de Barcelona, donde tendré otro stand en la sala Nau Bostik.

Actualmente tengo expuestas dos obras hasta finales de junio en la galería Curioart en Lisboa. En septiembre participaré en otra feria: De Duystere Markt en Bruselas, es otro proyecto donde habrá grandes grupos de música, performances y artistas exponiendo su obra. A partir de ahí no sé lo que deparará el futuro, ¡pero estoy ansiosa de vivirlo!

Con motivo de la celebración este próximo mes de octubre de Molded in Blackness —un encuentro pionero que entrelaza la densidad de la música extrema con la vanguardia de las artes plásticas oscuras—, desde Track to Hell iniciamos una serie de conversaciones con sus protagonistas para desgranar los matices de una propuesta inédita en la sala Revi Live de Madrid.

En esta ocasión, tenemos el privilegio de dialogar con la creadora, directora y comisaria de la muestra: la galardonada fotógrafa y artista visual de origen austriaco Jaqueline Vanek. Con una trayectoria firmemente consolidada en el simbolismo y el surrealismo conceptual, Vanek analiza con nosotros las inquietudes conceptuales que dieron vida al festival, las sinergias entre el sonido y la imagen, y los pilares fundamentales que sustentan su aplaudido imaginario fotográfico.

– Molded in Blackness se presenta como una propuesta con una identidad sumamente definida y atmosférica. ¿Cuál fue el catalizador o la inquietud personal que te impulsó a dar vida a este proyecto y a coordinar un encuentro de estas características?

Molded in Blackness nace de una necesidad muy personal. Llevo gran parte de mi vida moviéndome entre la fotografía, las artes visuales, la música oscura y diferentes formas de expresión que suelen habitar espacios alternativos. Durante años sentí que existían escenas paralelas que compartían una sensibilidad común, pero que rara vez se encontraban en un mismo lugar de manera orgánica.

Quería crear una experiencia donde la música, la imagen, la estética, la oscuridad, la emoción y la creatividad convivieran bajo una misma identidad. No se trata simplemente de organizar un evento, sino de construir un universo inmersivo donde las personas puedan sentirse identificadas, inspiradas y libres para conectar con aquello que normalmente permanece oculto.

Además, este proyecto representa un gran reto personal y profesional para mí. Por primera vez estoy poniendo realmente en práctica los conocimientos adquiridos durante mis estudios como Experto en Gestión Cultural, Dirección y Gestión de Galerías y Nuevos Espacios Culturales. 

Molded in Blackness comenzó como una iniciativa completamente personal, impulsada en solitario y con mucha ilusión, y en el camino he tenido la suerte de encontrar personas que han creído en la idea y me están tendiendo la mano de distintas maneras. Su apoyo, colaboración y confianza son algo que agradezco infinitamente, porque me recuerdan que los proyectos culturales más especiales suelen construirse gracias a la suma de muchas voluntades y sensibilidades compartidas.

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– La elección del espacio es crucial para acompañar a un evento como este. ¿Qué te ha llevado a escoger la sala Revi Live como el templo donde albergar esta experiencia?

Buscaba un espacio que permitiera cuidar la atmósfera y la experiencia visual. Revi Live ofrecía precisamente ese equilibrio. Es una sala que permite trabajar con una puesta en escena potente, con buenas condiciones técnicas y suficiente versatilidad para desarrollar la identidad que quiero transmitir. Para mí era muy importante que el espacio no fuera únicamente un contenedor, sino una parte activa de la experiencia, aportando un gran escenario, buen sonido e iluminación.

Además, buscaba un lugar que me permitiera integrar otra de las dimensiones fundamentales de Molded in Blackness: el arte visual. Desde el principio tuve claro que quería dar espacio a la obra de diferentes artistas y crear un diálogo natural entre la música y las artes visuales. Revi Live ofrece esa posibilidad, permitiendo que las exposiciones formen parte de la experiencia general del evento y que el público pueda descubrir distintas propuestas creativas en un mismo entorno. De esta forma, el espacio se convierte en algo más que una sala de conciertos: en un punto de encuentro para distintas disciplinas artísticas que comparten una sensibilidad común.

– Lo que se ha revelado del cartel es realmente apetecible. Como mente creadora del evento, ¿qué criterio has seguido a la hora de invitar a los artistas y bandas que formarán parte?

Más allá de estilos concretos, he buscado artistas que transmitan algo auténtico. Me interesan las propuestas con personalidad, aquellas que consiguen crear mundos propios y provocar emociones profundas.

Las bandas y artistas visuales seleccionados comparten una dimensión artística que va más allá de lo puramente musical o visual. Algunos destacan por su intensidad emocional, otros por su capacidad atmosférica o por la fuerza de su imaginario. Quería que cada participante aportara una pieza distinta a un mismo relato, que existiera diversidad, pero también coherencia.

En el caso de los artistas visuales, la selección también tiene un componente muy personal. Llevo años siguiendo el trabajo de algunos de ellos, observando su evolución creativa. Con varios de ellos he tenido además el privilegio de compartir exposiciones en galerías extranjeras, por lo que contar con su participación en Molded in Blackness supone para mí un doble honor, tanto a nivel profesional como humano.

Cada uno de los artistas participantes —Michał Karcz, Nihil, Sylwia Mazurek, Matthew Lombard, Esther Limones, Above Abyss, Jorge Romero y Melissa Antúnez— ocupa un lugar especial. Los considero creadores únicos, con una voz propia perfectamente reconocible. Aunque sus estilos y lenguajes son diferentes, todos comparten algo esencial: una conexión con la oscuridad entendida no como un elemento superficial o estético, sino como un territorio profundo de exploración emocional, simbólica y creativa. Esa mirada hacia lo oculto, lo introspectivo y lo trascendente es precisamente uno de los hilos conductores que une sus obras y que encaja de forma natural con la identidad de Molded in Blackness.

Algo similar ocurre con las bandas que forman parte de esta primera edición. Orly, Alta Rossa, The Moth Gatherer y Counteractt no han sido elegidas únicamente por su calidad musical, sino por su capacidad para generar emociones, atmósferas y narrativas propias. Son proyectos con identidad, honestidad y una sensibilidad artística que encaja perfectamente con la filosofía del evento.

En muchos casos llevo años siguiendo sus trayectorias, observando cómo han evolucionado y cómo han desarrollado universos creativos cada vez más personales. Reunir a todos estos artistas y bandas en un mismo espacio supone, para mí, la materialización de muchas influencias, admiraciones e inquietudes acumuladas durante años. De alguna manera, Molded in Blackness es también el punto de encuentro entre creadores cuya obra me ha acompañado durante mucho tiempo y que comparten una misma voluntad de explorar las zonas más profundas, emocionales y oscuras de la experiencia humana.

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– Dada tu trayectoria artística en la fotografía y el modelaje dentro de la cultura oscura, posees una mirada marcadamente plástica. Desde tu perspectiva, ¿cómo dialogan la música extrema y las artes visuales? ¿Qué sinergias se crean entre el sonido y la imagen?

Para mí siempre han estado profundamente conectadas. De hecho, muchas de mis fotografías nacen escuchando música. Hay canciones que inmediatamente generan imágenes en mi mente, paisajes emocionales o escenas completas que después intento traducir al lenguaje visual. En ese sentido, la música no solo acompaña mi proceso creativo, sino que muchas veces actúa como el detonante de una obra.

La música extrema tiene una enorme capacidad narrativa. Puede transmitir melancolía, trascendencia, espiritualidad, dolor, rabia o belleza sin necesidad de palabras. Las artes visuales hacen algo similar mediante la luz, la composición, la textura, el color o la ausencia de él. Ambas disciplinas trabajan con emociones, símbolos y atmósferas, aunque utilicen herramientas diferentes.

Desde mi perspectiva, tanto la música como la fotografía buscan provocar una reacción emocional en quien las experimenta. Un riff, una voz desgarrada o una determinada progresión musical pueden generar sensaciones muy parecidas a las que provoca una imagen poderosa. No se trata únicamente de lo que vemos o escuchamos, sino de aquello que sentimos y de las interpretaciones personales que nacen a partir de esa experiencia.

Además, dentro de las escenas oscuras, la dimensión visual siempre ha tenido una importancia enorme. Las portadas de discos, la estética de las bandas, la iluminación de los conciertos, el vestuario, la escenografía o incluso la identidad gráfica de un lanzamiento forman parte del mismo lenguaje artístico. Muchas veces la primera conexión que tenemos con una obra musical es visual, y esa imagen condiciona la manera en que nos acercamos al sonido.

Creo que cuando ambas disciplinas dialogan correctamente se produce una experiencia mucho más poderosa. La imagen amplifica la emoción del sonido y el sonido aporta movimiento, profundidad y contexto a la imagen. Es una relación casi simbiótica donde cada elemento potencia al otro.

Precisamente esa visión es una de las bases sobre las que he construido Molded in Blackness. Quería crear un espacio donde la música no estuviera aislada de las artes visuales, sino que ambas convivieran y se enriquecieran mutuamente. Que el público pudiera contemplar una obra, dejarse envolver por una atmósfera sonora y experimentar ambas cosas como parte de un mismo universo creativo. Porque, al menos para mí, nunca han sido disciplinas separadas, sino diferentes formas de expresar emociones, explorar la oscuridad y contar historias que muchas veces resultan difíciles de explicar con palabras.

– ¿Existe alguna banda, obra o álbum en particular que te haya inspirado especialmente a lo largo de tu vida, alguna que te haya dejado una impronta o te haya servido de banda sonora para tus procesos creativos?

Es difícil elegir porque la música ha sido una influencia constante durante toda mi vida. No la entiendo únicamente como entretenimiento, sino como una herramienta capaz de modificar estados emocionales, despertar recuerdos y abrir espacios mentales desde los que crear. Muchas de las fotografías, proyectos artísticos e incluso decisiones importantes que he tomado han estado acompañadas por una banda sonora concreta.

Sin embargo, hay bandas que han dejado una huella especialmente profunda en mi imaginario creativo. Amenra y Cult of Luna son dos ejemplos claros. Ambas poseen una capacidad extraordinaria para construir atmósferas emocionales intensas y paisajes sonoros que trascienden la música para convertirse casi en experiencias físicas.

También me han influido enormemente artistas y bandas que se mueven entre lo oscuro, lo ambiental y lo experimental. Me atraen especialmente aquellas propuestas que no buscan únicamente ser escuchadas, sino que crean universos completos. Son obras que invitan a la contemplación, que dejan espacio para la interpretación personal y que generan una sensación muy similar a la que experimento frente a una pieza artística poderosa.

Más allá de la inspiración estética, hay discos que han estado presentes en momentos importantes de mi vida y que inevitablemente han acabado formando parte de mi identidad creativa. Algunas obras se convierten en compañeras de viaje durante años; regresamos a ellas una y otra vez y, aunque las canciones no cambien, nosotros sí lo hacemos. Con cada escucha descubrimos nuevos matices y significados. Creo que esa capacidad de acompañarnos en diferentes etapas de la vida es una de las cosas más fascinantes que tiene la música.

Por eso me resulta difícil señalar un único álbum o una única obra. Más que canciones concretas, existen sonidos, atmósferas y emociones que han permanecido conmigo durante décadas y que siguen alimentando mi forma de entender la creatividad. Hay música que funciona como auténticas puertas hacia determinados estados emocionales, lugares de introspección desde los que nacen las ideas. Y cuando encuentro una canción capaz de provocar eso, sé que tarde o temprano acabará dejando algún rastro en mis fotografías, en mis proyectos o en la manera en que observo el mundo.

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– Tradicionalmente, las áreas de producción y dirección en los festivales de corte más extremo han estado masculinizadas. Como mujer, fotógrafa y gestora cultural liderando este proyecto, ¿cómo valoras la escena actual en términos de representación y liderazgo femeninos dentro de las vertientes artísticas más oscuras?

Creo que la situación ha mejorado considerablemente respecto a años atrás, aunque todavía existe margen para seguir avanzando.

Cada vez encontramos más mujeres liderando proyectos, dirigiendo festivales, trabajando en producción, fotografía, diseño, management, comunicación o formando parte de bandas. También vemos más mujeres ocupando espacios de decisión dentro de la industria cultural y musical, algo que durante mucho tiempo fue menos habitual. Esa diversidad enriquece enormemente la escena porque aporta nuevas perspectivas, sensibilidades y formas de entender la creación y la gestión cultural.

Además, creo que las escenas vinculadas a la música extrema, el arte oscuro y las culturas alternativas están viviendo una evolución interesante. Aunque históricamente muchos de estos ámbitos estuvieron dominados por hombres, hoy es mucho más común encontrar mujeres.

Personalmente nunca he querido que mi trabajo se definiera exclusivamente por el hecho de ser mujer. Siempre he preferido que hablen los proyectos, el esfuerzo invertido y los resultados obtenidos. Mi objetivo con Molded in Blackness no es demostrar que una mujer puede organizar un evento de estas características, sino crear una experiencia cultural de calidad que tenga identidad propia y que conecte con las personas.

Sin embargo, también soy consciente de que la visibilidad tiene un valor importante. Cuando una persona ve a alguien con quien puede identificarse ocupando determinados espacios, entiende que esos espacios también están a su alcance. Por eso considero que es positivo que existan referentes femeninos en todos los ámbitos de la cultura, no como una excepción o una rareza, sino como algo natural.

En mi propio recorrido profesional he tenido la suerte de encontrar mujeres extraordinarias dentro de la fotografía, las artes visuales, la música y la gestión cultural. Muchas de ellas han desarrollado papeles admirables con una enorme dedicación y profesionalidad, y creo que su trabajo ha contribuido a abrir caminos para las generaciones que vienen detrás.

También pienso que el verdadero avance llega cuando dejamos de sorprendernos por quién ocupa una posición de liderazgo y empezamos a valorar únicamente la calidad del trabajo realizado. Ojalá llegue un momento en el que no sea necesario destacar si quien dirige un festival, una galería o una banda es un hombre o una mujer, porque lo verdaderamente relevante sea la propuesta artística, la visión y la capacidad de llevarla a cabo.

En ese sentido, si Molded in Blackness puede aportar algo, me gustaría que fuera precisamente eso: demostrar que los proyectos culturales nacen de la pasión, la perseverancia y el compromiso, independientemente del género de la persona que los impulsa. Y si además puede servir de inspiración para que otras mujeres se animen a desarrollar sus propias iniciativas dentro de la música o el arte, será una satisfacción añadida.

– Este tipo de eventos van mucho más allá del puro entretenimiento. ¿Qué te gustaría a ti que el público se llevase consigo tras haber vivido la experiencia de Molded in Blackness?

Vivimos en una época donde todo sucede muy rápido y donde muchas experiencias se consumen de forma superficial. Molded in Blackness pretende ser justamente lo contrario: una experiencia que permanezca en la memoria más allá de las horas que dura el evento. No quiero que sea simplemente un concierto o una exposición a la que se asiste y luego se olvida, sino un momento capaz de dejar una huella emocional en quien lo vive.

Me gustaría que el público pudiera desconectar por unas horas del ruido cotidiano y sumergirse en un universo donde la música, el arte y la atmósfera inviten a sentir, reflexionar y experimentar las cosas de una manera más profunda. Que puedan descubrir una banda que no conocían, una obra que les conmueva o una conversación inesperada con alguien que comparte inquietudes similares.

También me gustaría que las personas sintieran que forman parte de algo más grande que ellas mismas. Uno de los aspectos que más valoro de las escenas alternativas es esa sensación de comunidad que surge cuando personas de lugares y trayectorias muy diferentes se reúnen alrededor de una sensibilidad común.

Si alguien sale del evento sintiendo que ha descubierto algo nuevo, que ha conectado consigo mismo, que ha encontrado inspiración o simplemente que durante unas horas ha pertenecido a un lugar donde se sentía comprendido, entonces habré conseguido mi objetivo. Y si semanas o meses después sigue recordando alguna canción, alguna imagen o alguna emoción vivida allí, sabré que Molded in Blackness ha cumplido realmente su propósito.

– Y, a nivel más personal, ¿qué es lo que a ti te genera una mayor expectación o ilusión de este evento?

Probablemente es el momento de verlo cobrar vida. Cuando trabajas durante muchos meses en una idea, llega un punto en el que deja de existir únicamente en tu cabeza y comienza a materializarse frente a ti. Durante todo ese tiempo convives con bocetos, conversaciones, correos, decisiones, dudas, ilusiones y horas de trabajo que muchas veces permanecen invisibles para los demás. Por eso creo que el instante en el que las puertas se abren y todo empieza a suceder tiene algo casi mágico.

Me emociona pensar en ver a los artistas cuyas obras he admirado durante años expuestas en un mismo espacio, observar cómo el público se detiene frente a ellas y descubrir las diferentes interpretaciones que cada persona hace de las mismas. Del mismo modo, será muy especial ver a las bandas sobre el escenario y sentir cómo toda la energía acumulada durante meses de preparación se transforma en una experiencia real y compartida.

También me ilusiona enormemente reunir a personas de diferentes disciplinas creativas dentro de un mismo entorno y comprobar las conexiones que surgen de manera espontánea. Muchas veces los proyectos más interesantes nacen precisamente de esos encuentros inesperados entre músicos, fotógrafos, ilustradores, artistas visuales o simplemente personas que comparten una sensibilidad similar.

Pero si soy sincera, hay un componente emocional muy importante. Molded in Blackness es un proyecto muy personal, una idea que me ha acompañado durante mucho tiempo y que finalmente he decidido hacer realidad. Por eso creo que una de las mayores satisfacciones será poder detenerme unos minutos en medio de todo el movimiento, observar lo que está ocurriendo y pensar: “ha valido la pena”. Ver cómo algo que comenzó como una intuición, una necesidad creativa y casi un sueño, se convierte en un espacio real lleno de arte, música y personas conectando entre sí es, sin duda, lo que más ilusión me hace.

– Además de la celebración de Molded in Blackness, ¿qué nuevos proyectos tienes en el horizonte?

Continúo desarrollando mi trabajo fotográfico y visual, que sigue siendo una parte fundamental de mi vida. Estoy continuamente trabajando nuevas imágenes y series personales donde continúo explorando conceptos relacionados con la identidad, la oscuridad, el simbolismo, el surrealismo y los paisajes emocionales. Son líneas de investigación artística que me acompañan desde hace años y que siguen evolucionando constantemente junto a mi propia experiencia personal y creativa.

Paralelamente, sigo trabajando con bandas y artistas a través de Obnubil Studio, realizando sesiones promocionales, retratos y distintos proyectos visuales vinculados al ámbito musical. La relación entre imagen y música continúa siendo uno de los ejes centrales de mi trabajo, y es un terreno en el que sigo encontrando nuevas formas de expresión y colaboración.

También continúo desarrollando mi labor como fotógrafa de conciertos, redactora y creadora de contenidos a través de Obnubil Magazine, fotografiando en festivales, realizando entrevistas y publicando reportajes relacionados con la escena musical nacional e internacional. De hecho, es bastante probable que cuando esta entrevista vea la luz me encuentre de camino a Copenhell, o ya inmersa en la cobertura del festival en Copenhague, con cámara en mano. Esa combinación entre viajar, descubrir música en directo, conocer personas creativas y contar historias a través de imágenes sigue siendo una de las cosas que más disfruto de mi profesión.

Además, sigo involucrada en proyectos vinculados al diseño, la dirección visual y mi marca Obnubil, así como en futuras colaboraciones artísticas que iré anunciando próximamente. Y, por supuesto, gran parte de mi energía está ahora centrada en el crecimiento de Molded in Blackness. Mi intención es que no sea únicamente un evento puntual, sino una plataforma cultural con recorrido, capaz de seguir generando encuentros entre música, arte y creación contemporánea en futuras ediciones.

En realidad, todos estos proyectos comparten una misma esencia. Ya sea a través de una fotografía, una exposición, una entrevista, una sesión para una banda o un evento como Molded in Blackness, mi objetivo sigue siendo el mismo: crear.

– Para aquellos que deseen profundizar en tu universo estético, ¿dónde o a través de qué plataformas podemos contemplar y seguir de cerca tu obra fotográfica?

La mejor forma de adentrarse en mi universo visual es a través de mi Instagram o mi página web oficial, donde pueden encontrar una selección amplia de mis trabajos:

• Instagram de Jaqueline Vanek

• Jaqueline Vanek Website

En cuanto a todo trabajo relacionado con la música:

• Obnubil Website
• Instagram de Obnubil
• Instagram de Obnubil Studio

Y, por supuesto:

• Instagram de Molded in Blackness
• Molded in Blackness Website

La idea del fénix levantándose de entre las cenizas es uno de los grandes clichés de la literatura, pero es así de repetido porque justamente es efectivo al momento de expresar una situación donde renacemos después de estar en el punto más bajo de nuestras vidas. El caso de Erik Grönwall bien podría ser un ejemplo de manual de ello: después de estar 10 años al frente de los hardrockeros H.E.A.T, el cantante recibió el diagnóstico devastador de que padecía de leucemia, lo que terminaría recortando su paso por las leyendas Skid Row ante lo complicado que era girar mientras se recuperaba de su tratamiento. Pero el sueco aprovechó la situación para volver a su carrera solista, editando tres álbumes de covers y ahora volviendo al ruedo con Bad Bones, su primer disco compuesto por completo en solitario. Con las buenas reseñas que viene teniendo, no quedaba otra que sentarnos a hablar con Erik acerca del mundo del rock, de composición, de lo que es pasar por una competencia de canto, y de cómo es sobreponerse a las circunstancias que hundirían a tantos.

Bueno, Erik, antes que nada, creo que ya sé más o menos qué vas a responder, pero tengo que preguntártelo igual. ¿Cómo vienen las cosas en este momento? Entre tener que promocionar el nuevo álbum, los conciertos que dieron hace un par de semanas… ¿cómo están viviendo todo esto?

La verdad es que siento que todo va muy bien. Vi un montón de críticas muy positivas sobre el nuevo álbum y los conciertos salieron realmente muy bien. Estoy muy entusiasmado con todo lo que está pasando, con los planes que tenemos por delante. De hecho, ya empecé a trabajar en canciones para un nuevo disco y todo se siente muy emocionante. Siento que esto es el comienzo de algo. Todavía no sé exactamente de qué, pero siento que hay algo especial acá y simplemente quiero seguir haciéndolo.

Tengo que decir que Bad Bones debe ser uno de los discos que más escuché en las últimas semanas. Y no solo por esta entrevista, obviamente, sino porque sinceramente me parece un álbum realmente muy bueno. Además, me gusta que no dure 70 minutos. Son treinta y pico de minutos… Entonces tengo que preguntarte: ¿cómo fue el proceso de composición de Bad Bones? ¿Cuándo empezó?

Creo que empezamos a trabajar en el álbum en algún momento de 2024. Cuando arrancamos a escribir, me hice una pregunta… Durante toda mi carrera estuve en bandas, lo cual fue fantástico. Estuve diez años en H.E.A.T, después pasé por Skid Row y, en algún momento después de Skid Row, empecé a preguntarme: “¿Quién es realmente Erik Grönwall?”. Porque escribí canciones con H.E.A.T y ese era yo, siempre tuve la suerte de poder dedicarme a algo que me apasiona y eso es un privilegio enorme, del que estoy muy agradecido.

Pero, de alguna manera, sentía que todavía no había contado mi propia historia ni compuesto música que fuera completamente mía. Quería descubrir cómo sonaría mi propia identidad musical. Todo el proceso llevó alrededor de dos años desde que escribimos la primera canción. Después trabajamos con el productor Frederik Thomander, grabamos todo en España, en Palma Music Studios, en Mallorca, donde él tiene su estudio.

Empezamos a desarrollar todo el material, y mi amigo Jonah T también participó como coproductor. Creo que lo que hizo que este álbum terminara siendo lo que es… porque a mí también me encanta. Nunca estuve más orgulloso de un disco. Y creo que lo que realmente marcó la diferencia fue que nos permitimos ser completamente honestos entre nosotros. 

No había falsas adulaciones ni gente diciendo “sí, sí, esto está buenísimo” solo por compromiso. Había personas a mi alrededor que me decían cuando algo no era lo suficientemente bueno, y yo también podía decirles: “Eso no es lo que quiero hacer”. Esa forma tan honesta de trabajar juntos terminó convirtiendo al álbum en lo que es hoy. Por eso quiero seguir trabajando con ellos en el futuro. Necesitas más gente que sea capaz de decirte “no” cuando hace falta que gente que simplemente te diga “sí” a todo.

Sí. No necesitas gente que te diga que sí a todo.

Exactamente. No quieres gente que te adule todo el tiempo.

No, para nada. Escuché muchos discos realmente malos que, claramente, fueron consecuencia de que la banda o el artista estaban rodeados de personas que les decían que todo estaba bien.

Sí, exactamente. No quieres tener gente que sólo esté ahí para besarte el culo.

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Quería preguntarte por otro tema, porque obviamente hay que hablar de esto. Recibiste el diagnóstico de leucemia y enterarse de algo así debió haber sido realmente terrible. Además, pasó cuando recién habías empezado con Skid Row, así que imagino que tuvo que ser una situación muy dura.

Sí, lo fue. En realidad, cuando entré a Skid Row ya me había hecho el trasplante, así que estaba mejorando. Pero fue poco tiempo después de terminar todos los tratamientos. Salir de gira por el mundo después de atravesar una enfermedad así y todo ese proceso probablemente no era lo más recomendable. Pero necesitaba hacerlo por mí mismo, porque no sabía cuánto tiempo iba a vivir. En realidad uno nunca lo sabe, pero cuando la muerte se siente tan cercana todo cambia.

Se me presentó esa oportunidad en el momento más oscuro de mi vida, y además era uno de mis grandes sueños. Hablé con mi médica y me dijo: “Hazlo, pero asegúrate de estar siempre cerca de un hospital”. Así que sentí que tenía que hacerlo por ese chico que soñaba con estar en una banda como esa.

Lo pensaba porque creo que cualquiera podría escuchar este disco sin saber que fue grabado en circunstancias bastante difíciles. En la superficie, Bad Bones suena como un álbum clásico de hard rock, lleno de canciones enérgicas y con grandes estribillos. Además, ese estilo de hard rock no suele caracterizarse por tener letras demasiado personales. Pero, al mismo tiempo, siento que se puede percibir todo lo que viviste durante estos últimos años. Hay muchísimas referencias a cicatrices, a superar momentos difíciles, a ser salvado. Incluso hay una canción que se llama Save Me. Detrás de esos himnos tan enérgicos se puede sentir que hubo momentos muy duros, pero también una intención de salir adelante y mejorar.

Creo que nunca había sido tan personal, tan honesto y tan transparente. Hablo de todo: de superar el cáncer, de volver después del cáncer, de lidiar con la frustración y la bronca que sientes cuando atraviesas algo así.

Es como haber ido al infierno y regresar. Piensas: “¿Por qué a mí?”. Hay una frase en una canción que dice que estuve de rodillas buscando paz mental. No soy una persona religiosa, pero sí creo que hoy soy mucho más espiritual.

Cuando estás tan cerca de la muerte, todo el mundo termina creyendo en algo. Yo estaba de rodillas tratando de encontrar cierta tranquilidad, pensando que, si todo terminaba mal, o si realmente existe algo superior a nosotros, como creo que existe, entonces tal vez habría algún sentido detrás de todo eso. Todas esas emociones y pensamientos terminaron en las canciones. 

Así que sí, tienes razón: es un disco muy personal. No es simplemente un álbum de “¡Vamos a rockear esta noche!”. También me gustan ese tipo de letras, pero en este caso necesitábamos ser completamente honestos y personales. Hoy siento que esa es la única forma en la que puedo escribir música.

Sí. Hay bandas que parecen girar únicamente alrededor del rock and roll y de ese estilo de vida. Incluso bandas como Mötley Crüe, que representan perfectamente esa imagen, también tienen algunas canciones bastante personales. No sé si todas son igual de buenas, aunque obviamente Kickstart My Heart está basada en algo que realmente les pasó. Pero creo que, en algún momento, también hay que hablar de lo que implica ese estilo de vida. 

Y quería preguntarte esto porque recién mencionabas que querías ser honesto y escribir tu propia música. De alguna manera, este álbum marca una nueva etapa en tu carrera solista. Diría que tu carrera tiene dos etapas bastante diferenciadas.

¡Sí, absolutamente! (Risas)

Porque tú mismo decías que estuviste toda la vida en bandas de heavy metal y hard rock. Sin embargo, tus dos primeros discos solistas salieron después de que ganaras Swedish Idol y eran, básicamente, discos de pop rock.

Sí, lo sé. A veces miro hacia atrás y pienso que mi carrera fue bastante extraña. Hice Idol porque mi sueño siempre fue poder vivir de la música. Y gracias a ese programa tuve esa oportunidad.

Incluso antes de eso ya tocaba en una banda de metal junto a Philip, con quien sigo tocando hoy. Pero, después de Idol, mi carrera solista no fue buena (Risas). ¡La verdad es que fue bastante mala! Lo que realmente me salvó fue que… Cada año aparecen nuevos participantes en Idol, y creo que pasa en todos los países. Solo un porcentaje muy pequeño logra seguir viviendo de la música algunos años después del programa. Idol, Got Talent, X Factor… no son la industria musical. Son programas de televisión, entretenimiento, y está perfecto que así sea. 

Yo sigo estando orgulloso de haber participado en Idol. Pero cuando terminó me encontré con la realidad: “Bueno… esta es la industria musical. ¿Quién soy yo dentro de esta industria? Todo el mundo conoce al Erik del programa de televisión, pero ahora tengo que hacer mi propia música”. Además, tenía una discográfica que no quería hacer la música que yo quería hacer.

Entonces aparecieron los chicos de H.E.A.T. y me dijeron que estaban buscando cantante. Y pensé: “Esta es mi salida. Esta es mi oportunidad para hacer la música que realmente me gusta”. Nos hicimos muy amigos, empecé a salir de gira y, con el tiempo, descubrí quién era como cantante, como frontman y como compositor.

Lleva tiempo descubrir quién eres como artista. Al menos a mí me llevó muchos años. Incluso ahora, con este disco solista, sigo explorando. Y creo que eso nunca debería terminar: cuando dejás de crecer, creo que ahí también se termina la carrera.

Sí. Hay muchísimas historias de ganadores de esos concursos de canto, pero al final hay, no sé, tres o cuatro que realmente consiguen construir una carrera sólida. Una carrera en la que incluso mucha gente ni siquiera sabe que te hiciste conocido gracias a un programa de televisión.

Sí, exactamente.

Porque creo que mucha gente podría pensar que empezaste haciendo ese pop rock de tus primeros discos y que, después, unos músicos suecos de glam metal te llamaron para cantar con ellos, y terminaste siendo el cantante de H.E.A.T. durante diez años. Pero, en realidad, tu historia venía de mucho antes.

Sí, claro.Quiero decir, Philip me presentó, cuando estábamos en la secundaria. Philip, mi guitarrista, que también toca con Bruce Dickinson. Él fue quien me mostró un montón de bandas, como Skid Row, Pantera… Entonces armamos esa banda de metal, y eso fue antes de Idol. Después participé en Idol. Pero, para mí, siempre se trató de cantar. Pensé: “Bueno, quizá pueda hacer esto, quizá pueda hacer aquello”. No estaba del todo seguro, pero mi corazón siempre estuvo en hacer música rock. Y después encontré mi oportunidad con H.E.A.T. Así que sí, eso fue lo mejor que me pudo haber pasado. Sin dudas.

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Tengo que decir que los álbumes que hiciste con H.E.A.T. son extremadamente buenos. Extremadamente buenos.

Gracias. Muchas gracias.

Sí. Justamente iba a preguntarte, aunque creo que ya lo respondiste un poco. ¿Cómo ves hoy esos primeros discos solistas? El debut, el de versiones, y después Somewhere Between a Rock and a Hard Place.

(Risas) ¡No los publicaría hoy! (Risas) Cuando los escucho ahora, me suenan demasiado pulidos. Las canciones están bien, pero también creo que eso tiene que ver con todos los años que pasé aprendiendo más sobre mí mismo y sobre cómo quiero hacer las cosas. Hoy los escucho con toda esa experiencia acumulada.

Y creo que eso siempre pasa. Mirás hacia atrás y pensás: “¿Por qué hice eso?”. Es inevitable. Si seguís creciendo y desarrollándote como artista, va a haber cosas del pasado que ya no te van a convencer. Pero, al mismo tiempo, estoy orgulloso de mi recorrido.

Estoy orgulloso de haber dado todos esos pasos para llegar hasta donde estoy hoy. No me avergüenzo de nada. Aunque sí, hay canciones que escucho y pienso: “¿Por qué puse este tema en el disco?”. Sobre todo en el segundo álbum, Somewhere Between a Rock and a Hard Place. Ahí la mayoría de las canciones eran de otros compositores, así que no era realmente mi material. Eran grandes compositores, claro, pero al final terminó siendo como un “grandes éxitos” de distintos autores.

Así es como lo veo.

Sí. Todos tienen que empezar en algún lado. También hay muchos artistas que sacan un primer disco increíble, un clásico absoluto, un diez sobre diez… y después nunca vuelven a hacer algo de ese nivel porque ya gastaron todo su mejor material.

Tal cual.

Sí. Estaba pensando justamente en bandas que empezaron con un primer disco que quizá no diría que era malo, pero sí uno que casi nadie recuerda, y después terminaron haciendo cosas extraordinarias. No sé… Judas Priest, por ejemplo.

¡Exacto! Aunque tendría que volver a escuchar ese disco antes de opinar demasiado. Pero sí, totalmente. Creo que todos los artistas, en algún momento, miran hacia atrás y piensan: “¿Por qué hicimos eso?”. Y creo que todas las bandas pasan por esa experiencia.

Pero, como fan, cuando escuchas diferentes álbumes, terminás viéndolos como parte de un recorrido. Si una banda saca un disco que te gusta menos o incluso no te gusta, no piensas: “Listo, nunca más los escucho”.

Eso es lo bueno de los fanáticos del rock. Son muy fieles. No abandonan a una banda por un disco flojo. Más bien dicen: “Bueno, este no me gustó tanto… ¿qué viene después?”. Y si el siguiente es mucho mejor, vuelven a entusiasmarse.

Espero que el próximo sea todavía mejor.

¡Exactamente!

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¿Cuáles son tus planes ahora? Vi que, como mencioné antes, hiciste dos conciertos en Suecia, creo que en el Circus. También tengo entendido que estás planeando salir de gira por Suecia y Finlandia.

Sí. Cuando decidí hacer esos dos conciertos en Estocolmo, no estaba seguro de qué esperar. De hecho, reservé los conciertos antes de tener listo el álbum. Pensé: “Bueno, ahora tengo que terminar el álbum”. Después empezamos a recibir distintas ofertas y pensé: “Estoy armando esta banda, hagamos estos conciertos”. Tenía sentido empezar por ahí.

Quiero salir de gira y hacer más conciertos. Ya estamos viendo la posibilidad de hacer más fechas el año que viene, también fuera de Suecia y de los países nórdicos. 

Quiero seguir escribiendo música. Quiero escribir música que me haga sentir bien, que me haga pensar que quiero estar sobre un escenario cantándola por el resto de mi vida y sentirme orgulloso de ella. Después, quiero salir de gira adondequiera que me lleve.

De hecho, también voy a Japón en noviembre.

Vi el póster del concierto. Tu nombre estaba transliterado al sistema japonés. Y creo que tuvieron bastantes dificultades para decidir cómo escribirlo, cómo lidiar con el umlaut.

(Risas) Funcionó con Motörhead y Mötley Crüe. Ellos también tienen sus nombres escritos así, así que supongo que funciona.

Quería preguntarte también cómo estás con respecto a la leucemia.

Estoy curado desde agosto de 2021. Estoy libre de cáncer desde entonces y no estoy tomando ningún medicamento. Estoy haciendo más ejercicio que nunca y me siento muy bien. En agosto tengo mi examen de los cinco años.

Siempre está bien, pero no es la mejor sensación del mundo volver al hospital y tener que pasar por un examen. Al mismo tiempo, me siento bien y sé que estoy saludable, así que puedo mantener la calma. También me alegra que sigan controlándome.

Ahora tengo el examen de los cinco años, después creo que tendré uno a los diez años y otro a los quince. Van a seguir controlándome durante el resto de mi vida, y me alegra que sea así. Así que está todo bien, estoy en un muy buen momento.

Principalmente te lo preguntaba porque escuché muchas historias de personas con distintas enfermedades.La leucemia es una enfermedad terrible. En realidad, todas las enfermedades lo son. No creo que nadie diga: “Sí, me encanta tener esto”. Pero suena realmente terrible.

Y mencionaste que ya estás escribiendo un nuevo álbum.

Sí. Empecé a trabajar en un par de ideas. “Este verso está bueno. Este riff está bueno. Esto quizás sea un pre-estribillo, no sé qué es. Este título está bueno”. Y después vas juntando todas esas partes y las vas armando. En septiembre voy a ir a Palma de Mallorca para volver a trabajar con Frederick y Jonah y trabajar en canciones nuevas. Así que quiero seguir adelante, divertirme y hacer música que sea importante para mí.

Estaba pensando en… ¿cómo era? Había un cantante que creo que mencionaste… ¿Yungblud?

Ah, Yungblud.

Pensaba en Bad Bones y creo que, como dije antes, es un álbum de hard rock realmente clásico. No intenta ser un disco experimental ni nada por el estilo. No es un álbum que vaya a cambiar el género. Es simplemente un álbum realmente bueno. Y estaba pensando en Yungblud: no es que me guste particularmente su música, pero respeto a ese tipo. Sé que dijiste que lo respetas…

Sí. Lo gracioso es que ni siquiera escuché su música. (Risas) Me voy a sentar y la voy a escuchar. Pero cuando veo a ese tipo y todo lo que hace, su contenido, sus videos… 

Se ve interesante, parece un tipo interesante.

Sí. Y vi lo que hizo en la presentación de Ozzy y, para mí, lo miro y pienso: “Está haciendo todo bien”. He visto algunos videos musicales, pero todavía no me senté a escuchar su música.Pero parece un tipo que sabe lo que está haciendo y al que le está yendo realmente bien. Y eso me gusta, porque significa que… Bueno, que hay algo muy interesante en él y creo que eso es lo que explica su éxito.

Tener una personalidad.

Exactamente. Exactamente. Creo que necesitamos más personalidades así. Porque hace mucho tiempo que no escucho un álbum que realmente me guste. Hace mucho tiempo que no tenemos personajes, estrellas de rock y gente así. Por eso me resulta muy liberador ver a alguien salir ahí y simplemente decir: “Que se joda todo, voy a hacer lo mío”. Y me gusta que le esté yendo tan bien. Creo que está haciendo muchas cosas bien. Pero, obviamente, voy a tener que sentarme y escuchar su música.

Estaba pensando en eso porque vas a ver a muchos veteranos del hard rock y el metal que, si no supieran que antes habías estado en bandas de hard rock y metal, y simplemente te conocieran de ese programa de televisión, probablemente pensarían: “Ah, este es como un chico lindo con un look muy de 2010 cantando en H.E.A.T. y después en Skid Row”. Suena un poco así cuando lo ves desde afuera.

Creo que fue Aristóteles quien dijo que hay una sola manera de evitar las críticas: no decir nada, no hacer nada y no ser nada. Yo no soy muy partidario de ninguna de esas opciones. La gente siempre va a tener opiniones. Siempre va a criticar, y lo triste es que probablemente lo haga desde una posición que le permita sentirse mejor consigo misma.

Esa es la parte triste. Sentir que tengo que expresar mi opinión porque, si no lo hago, voy a sentirme mal porque este tipo está haciendo algo… Pero después de mi enfermedad, simplemente dejé de preocuparme por eso. Dejé de preocuparme por lo que piensa la gente. La mayoría de las veces ni siquiera me gusta esa gente. Así que, ¿por qué debería escuchar la opinión de alguien cuya opinión ni siquiera me gusta?

Así que tu haz lo que tengas que hacer por ti mismo, pero yo voy a concentrarme en mi propio jardín. El pasto no va a ser más verde del otro lado si simplemente te concentras en tu propio jardín. Eso es todo lo que voy a decir al respecto.

Quería preguntarte qué te gustaría decirles a nuestros lectores de España, Latinoamérica y de todos los lugares desde donde nos siguen. ¿Qué les dirías?

Quiero agradecerles por todo el apoyo y espero que les guste el álbum. Por favor, escúchenlo. Y España… Con Skid Row hice un concierto en Brasil, pero no toqué allí tanto como lo hice en España. Amo España. Me encantaron los conciertos que hicimos con Skid Row, pero me encantaría hacer más conciertos en Latinoamérica y Sudamérica. Así que eso sería genial. Sí, hagámoslo realidad.