¡Cuánto me alegra ver triunfar a Opera Magna! Llevo años escuchándoles y son una de mis bandas españolas favoritas de todos los tiempos. Durante años los he considerado también de las bandas más infravaloradas en nuestro país, ya que, aunque siempre están en el panorama, creo que deberían estar sonando mucho más y teniendo una mayor cobertura por su calidad musical, virtuosismo y carisma. 

Desde luego, ¡sigo pensando que deberían tener más repercusión! Pero están en un gran momento: enlazando el final de su gira con Angra con su propia gira nacional para celebrar el aniversario de su disco Poe, regrabando algunos de sus éxitos con invitados de excepción y exportando su música hasta Japón.

Hemos tenido la suerte de poder hablar sobre todo esto con Enrique Mompó (principal compositor y miembro fundador junto a Francisco Javier Nula) y José Vicente Broseta (vocalista) y espero poder verles una vez más en directo en uno o más de sus próximos conciertos:

• 2 de mayo en Sala Rockville, Madrid
• 22 de mayo, sala Spectrum, Murcia
• 30 de mayo, sala Azkena, Bilbao
• 24 de julio, Concerts de Vivers, Valencia + Warcry
• 22 de agosto, Castrillo Metal Fest, Murcia

Buenos días, muchísimas gracias por concedernos esta entrevista. En primer lugar: ¡felicidades! Parece que estáis viviendo un momento muy dulce para la banda, con esta gira de aniversario, justo después de estar de tour con Angra y con vuestros éxitos internacionales ¡abriéndoos camino en un mercado tan importante como Japón! Por favor, contadme un poco cómo estáis viviendo esta etapa de Opera Magna y qué circunstancias la han propiciado.

José Broseta: Por mi parte, estoy muy contento con el material más reciente como “Heroica”. Creo que hemos tenido una evolución muy natural, siendo fieles a nuestro estilo como banda.

Lo de Japón está siendo muy especial: trabajar con Red Rivet Records es un placer. Ya editaron en su momento “Poe” y “Del amor y otros demonios”, y es muy bonito ver que siguen interesados en nuestros nuevos lanzamientos y que los discos se mueven tan bien allí.

La gira con Angra fue increíble por la exposición que supuso y por compartir escenario con artistas a los que llevamos tanto tiempo admirando. Además, conocer a la gente de Arwen fue un regalo: fueron compañeros excepcionales durante todas las fechas. También fue un reto técnico para nosotros y para nuestro técnico habitual, pero conseguimos salir del paso y disfrutar muchísimo de la oportunidad.

Ahora mismo estáis regrabando varias de las canciones de “Poe” con colaboradores muy interesantes: ¿cómo surgió esta idea?, ¿podéis adelantarnos un poco más sobre qué nos queda por ver? ¿Y sacaréis un álbum en formato físico con estas regrabaciones?

José Broseta: La idea surgió cuando nuestro diseñador habitual, Fernando Nanderas, nos destacó el hecho de que se cumplían quince años del lanzamiento de “Poe” en 2025. Estuvimos dándole vueltas a ver que podríamos hacer para celebrarlo y decidimos que era buena idea rodearnos de amigos y gente cercana a la banda para esta ocasión.

Para mí ha sido genial poder contar con voces que admiramos y que nos han inspirado durante tantos años. Es increíble pensar que ha pasado tanto tiempo desde la edición original y que los temas nos sigan sonando frescos, que sigamos teniendo ilusión por tocarlos y por revisitar ese universo.

Respecto a lo que queda por ver… aún hay colaboraciones muy especiales que estamos deseando anunciar. Y sobre el formato físico, sí, tendremos en nuestros conciertos el EP “POE XV Redux” a la venta y, en breve, en nuestra página Web.

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Por cierto, que “Heroica” no ha sido vuestra primera incursión en aguas internacionales, ya grabasteis versiones en inglés de “Del amor y otros demonios”. Por favor, habladme de aquella experiencia.

José Broseta: Fue un proceso muy intenso. “Del amor y otros demonios” ya era una obra exigente en sí misma, y revisitarla por completo para hacer la versión en inglés supuso un esfuerzo enorme. Pero también fue una experiencia muy enriquecedora: nos obligó a mirar el disco desde otra perspectiva, a reinterpretar matices y a adaptarnos a un idioma que tiene una musicalidad distinta (lo cual fue posible gracias a la inestimable ayuda de Ada Murillo, que hizo un trabajo increíble adaptando las letras).

Tengo que decir que precisamente “Del amor y otros demonios” ha sido un álbum muy importante para mí, y que mi hijo de cinco añitos podría cantaros entera “Donde latía un corazón” de lo mucho que la pongo en casa. ¿Tenéis pensado darle también una nueva vida a este álbum en el futuro como estáis haciendo con “Poe”?

José Broseta: A corto plazo no creo que vayamos a hacer algo similar, como te comentaba, fue una obra muy intensa y la versión en inglés ya nos hizo revisar todo ese trabajo. Pero quién sabe lo que pasará en un futuro, puede que en unos años sintamos que queremos hacer algo. También ha sido una obra importante para nosotros.

Opera Magna se caracteriza en mi opinión por ser una banda muy referencial, no sólo en sus letras, sino también en la música, con guiños y referencias muy variadas y que entiendo que vienen sobre todo de la mano experta de Enrique Mompó y que al menos yo agradezco mucho poder reconocer aquí y allá. Por favor, Enrique, ¿puedes hablarnos de tus fuentes de inspiración preferidas? 

Enrique Mompó: La inspiración viene directamente de lo que escuchas, lo que trabajas y lo que admiras. Siempre estoy a la caza de cosas que me puedan servir para mi propio trabajo, para Opera. 

La música y la creación, no vienen de la nada, el arte es una herencia y un legado que se mueve influenciándose de generación en generación. En mi caso la influencia ha sido muy diversa a lo largo de los años, al principio venía de las bandas más representativas del power metal del 2000 hasta los maestros por todos conocidos de la música clásica. En años posteriores me influenció más todo el tema de las bandas sonoras: John Williams, Danny Elfman… También me ha influenciado mucho el maestro Seiji Yokoyama, que posee una sensibilidad fuera de lo común, o Thomas Bergersen, que es una fuente inagotable de ideas. 

En todo caso, Enrique, componer para una banda tan exigente en lo instrumental como Opera Magna, que requiere no sólo riffs pegadizos, sino también un trabajo intenso de orquestación, no debe ser nada fácil ¿puedes hablarnos del proceso creativo? 

Enrique Mompó: Bueno, es trabajo lento y tedioso, porque se parte de una idea concreta, y hasta llegar a completar toda la canción, hay muchas tomas de decisiones. Ahí es donde creo que esta el punto de inflexión: ser crítico y ver las diferentes posibilidades en las que puede convertirse una canción. 

Normalmente trabajo la melodía y la armonía a la vez. Cuando tengo una idea interesante la maqueto con varios arreglos, hasta encontrar el que más le pega. Voy puliendo la sección y la continúo con una o dos ideas posibles. Es importante trabajar, reposar y escuchar. Pero lo más importante es tener intuición u olfato, que es esa cosa que te dice que una idea es mejor que otra en función de tu propio valor estético. Para mí la mejor brújula es la emoción. 

Pero si Opera Magna es exigente en lo instrumental, también lo es y mucho en la voz, por favor José, ¿puedes hablarnos un poco de cómo es cantar en Opera Magna?, ¿cómo preparas y cuidas tus habilidades vocales?

José Broseta: Te puedo decir que últimamente lo que más estudio es el repertorio de Opera Magna y cómo poder llevarlo al directo en condiciones. Es un material muy exigente y quiero afrontarlo con la mayor solidez posible.

Trabajo con un coach vocal en Valencia, Alberto Andrade, que me ayuda a cantar de forma saludable y a mantener la técnica en su sitio. Eso me permite relajarme en el escenario, disfrutar de la actuación y no comprometer mi salud vocal.

Por cierto, José, que siempre apareces en las listas de mejores vocalistas de metal en España ¿Cómo es estar en la vanguardia de este género en nuestro país? 

José Broseta: Es algo que agradezco muchísimo, sobre todo porque viene del cariño del público, pero no puedo evitar sufrir un poco de síndrome del impostor cuando veo mi nombre al lado del de cantantes consagrados. Aun así, es genial ver que puedo conectar con la gente y eso es todo un honor.

Ambos tenéis proyectos paralelos que no solo conviven bien con la banda, sino que hasta generan sinergias positivas ¿queréis contarnos un poco al respecto? 

José Broseta: Es cierto que en el pasado me he implicado bastante en otros proyectos, como Systemia, pero hace ya un tiempo en el que estoy centrado en Opera Magna. La excepción sería The Backseats, un grupo de covers en el que comparto escenario con músicos increíbles como Joan de Gigatron, Monty Peiró ex-Sweet Little Sisters (y mil proyectos más) Davish de Angelus Apatrida, Cristobal ex-In Mute, Vicent ex-Toxia, con los que hacemos un concierto súper especial al terminar el año…pero aparte de eso, solo participo en algunas colaboraciones como la más reciente con Íseldur o las repetidas veces que he tenido la suerte de grabar para “Legado de una tragedia” de Joaquín Padilla.

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Por cierto, Enrique, que en cada uno de tus grupos tocas diferentes instrumentos, ¿hay algún cacharro al que no sepas sacarle música? 🙂 Y ahora más en serio: ¿qué objetivos futuros tienes en lo instrumental?, ¿hay algo que aún no hayas probado y que tengas en mente incorporar? 

Enrique Mompó: Cada instrumento ha llegado en un momento vital diferente, atendiendo a un interés o una necesidad. Cada instrumento me ha llevado a un sitio diferente, y me ha hecho entender un poco más la música. Me encantaría tocar todos los instrumentos del mundo, pero me conformaré con las librerías de sonido. Ahora mismo con la cantidad de carga de trabajo, conciertos y compromisos de la vida adulta, es difícil encontrar tiempo para desarrollar todas las facetas que me gustaría. El poco tiempo del que dispongo lo uso para componer, producir, tocar de forma distendida, y repasar repertorios.

Quiero preguntarle lo mismo a José: que, como muchos de los más grandes, comenzaste a cantar un poco de casualidad (ya que antes tocabas la guitarra en otro proyecto), que sorprendiste a todos empezando directamente con un nivel altísimo, y que además cada año nos sorprendes con una performance aún mejor: ¿qué nuevos objetivos o metas tienes en el uso de tu voz?, ¿hay algo que aún no hayas probado y que tengas en mente incorporar?

José Broseta: Mi objetivo a nivel vocal ahora mismo es seguir entrenando la técnica que me permita hacer los conciertos de Opera Magna con la exigencia necesaria, estoy al 100% con ello. Estaría bien seguir ampliando registros y recursos, pero ahora lo que más me motiva es poder disfrutar del directo y dar el máximo en cada actuación.

Para finalizar: ¿Cuál es el futuro de Opera Magna? 

José Broseta: Ahora mismo nuestro futuro inmediato es celebrar en directo esta gira del 15 aniversario de “Poe”. Además, es la primera gira desde que Juan Lahuerta es oficialmente batería de la banda, y estamos deseando que la gente pueda vivir estos conciertos con nosotros. 

Después de eso, lo normal sería pensar en material nuevo, pero no es algo que tengamos decidido aun.

Muchas gracias por contestar esta entrevista y por hacer lo que hacéis. Nos vemos en vuestra gira de aniversario, que ya empieza con primera parada en Zaragoza. Si queréis añadir alguna impresión relativa a esta inminente gira ¡es el momento!

José Broseta: ¡Gracias a ti por la entrevista! Pues aprovecho para decirle a la gente que nos hace mucha ilusión traer de nuevo al 2026 el legado de nuestro disco “Poe”, ya que fue un álbum que nos definió como banda. Va a ser una gira muy especial, ¡esperamos ver a todo el mundo!

Assignment es una banda originaria de Alemania, a menudo etiquetada como metal progresivo, con un sonido muy único y depurado. Llevan componiendo desde principios de los 90 y acaban de sacar su último álbum de estudio With The End Comes Silence, un disco futurista y distópico, a la vez lleno de pasajes delicados y evocadores. Hemos tenido la oportunidad de hablar de ello con su fundador, Goran Panić.

Buenas tardes, soy Cristina de Track To Hell, muchas gracias por concedernos esta entrevista. Lo primero, quisiera daros la enhorabuena, la banda lleva recorrido un largo camino desde 1994, más de 30 años de trayectoria, y ahora acabáis de sacar un estupendo álbum, With The End Comes Silence, que demuestra que estáis más vivos que nunca. Por favor, Goran, ¿puedes hablarnos un poco de esta actual etapa de Assignment?

Bueno, desde nuestra perspectiva, es un paso más en nuestro viaje musical. Es nuestro tercer disco con Diego Valdez en la voz, así que ahora hay una estabilidad consolidada, y aparte de la salida de nuestro tecladista de siempre, Gert Sprick, la formación también es la misma. Como banda, y yo como principal compositor, el objetivo es el mismo de siempre: intentar mejorar y sonar mejor en cada lanzamiento. Si no creyéramos en lograrlo, no nos molestaríamos en hacerlo.

Y en tu opinión ¿han evolucionado también las cosas a vuestro alrededor?, ¿cómo valoras la escena del metal progresivo en los últimos tiempos? ¿Y qué papel juega la IA en este ámbito artístico?

En general, no me gusta el término “progresivo” en lo que respecta a la música. Me niego a que me llamen progresivo, ya que se asocia con ciertos rasgos distintivos de nuestro sonido: canciones largas, compases irregulares, cambios de tempo y demás. Amigos, todo esto se hizo hace mucho tiempo… Se podría decir que Kansas o Rush son progresivos, pero como ya dije, ellos ya hacían eso en los años 70… Supongo que el nombre se convirtió en el cajón de sastre que la industria musical necesita para etiquetar el producto… Así que, en realidad, lo que prefiero es incorporar diferentes estilos a la música, que puedan crear distintos paisajes sonoros. 

Y nuestra opinión sobre la IA la dejamos clara en el libreto que acompaña el disco: estamos totalmente en contra porque creemos que deshumanizará a la humanidad y acabará con todas las formas de arte.

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Estoy fascinada por With The End Comes Silence, sobre todo por su tema central. Desde la portada se insinúa la distopía, un aspecto que se desarrolla muy bien en la letra de la canción homónima. ¿Te inspiraste en la realidad para escribirlo o es todo ciencia ficción?

Desafortunadamente, en la realidad actual del mundo. Y el hecho cada vez más evidente es que la humanidad no aprende de su pasado. Ese es un punto, además del que mencionaste antes: el desarrollo tecnológico, que se está volviendo inquietante, lenta pero inexorablemente. En resumen, el futuro no pinta nada bien, desde luego no está hecho de rayos de sol y arcoiris…

Musicalmente, es un álbum muy completo, atmosférico y evocador. Me encanta su estructura y el equilibrio entre los instrumentos. ¿Es difícil componer un álbum así, con tanta atención al detalle?

Quizás no sea difícil, pero sin duda requiere mucho tiempo y esfuerzo. Después de terminar la primera demo de una canción, paso a la siguiente. Cuando siento que tengo suficiente material e ideas para el álbum, empiezo a revisar las canciones para la siguiente etapa, donde pueden surgir muchos cambios. Y de una canción a otra, eso puede ocurrir una vez, o incluso varias, siempre y cuando no sienta que “ya está”.

Hablando de los diferentes instrumentos, por favor, cuéntame más sobre este teclista: Bratislav Metulski. Lo vi en tu página web y quiero saber más.

Bueno, si lo viste en nuestra página web, seguramente pudiste leer su información: es un payaso muerto, asesinado por un psicópata llamado Nihil Baxter. ¿Y has visto su foto? ¿¡Qué es esto!?, ¿verdad? Es muy divertido, además, obviamente es un personaje ficticio. Después de que nuestro tecladista de toda la vida, Gert Sprick, dejara la banda tras el álbum “Reflections”, necesitábamos un reemplazo. Pero no pudimos encontrar al adecuado, sobre todo por falta de tiempo. Cuando compongo las canciones y creo las demos, suelo incluir algunas ideas sobre lo que podrían hacer los teclados. Así que los chicos dijeron: “Goran, tendrás que hacerlo tú”. Y Goran lo hizo, pero Goran no es tecladista, así que inventé a Bratislav Metulski por ahora… Pensé que si Running Wild puede tener a Angelo Sasso en la batería, ¿por qué Bratislav Metulski no puede estar en los teclados? Así que es solo por diversión, nada más…

Ya hemos visto dos sencillos del álbum, “Fallen” y “Angel of Berlin”, cuyo vídeo me ha parecido muy bello e intrigante, con este joven caminando por la ciudad. ¿Puedes contarme más sobre esta canción y las ideas que expresa el vídeo? Me encanta.

Bueno, el vídeo refleja a la perfección la letra de la canción. Y la letra se basa en una experiencia personal. Mi empresa me envió a Berlín por un proyecto, pero esa oportunidad surgió en un momento en que estaba pasando por serios problemas personales; me sentía completamente vacío y agotado. Y de repente, conoces a alguien y experimentas cómo dos almas rotas se sanan mutuamente y se enamoran, pero sabiendo que no pueden tener un futuro juntos. Épico y trágico a la vez…

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También me impactó “With the End Comes Silence”, la canción que da nombre al álbum, que, en mi opinión, es una de las más potentes y progresivas del disco. Cuéntame más sobre ella y: ¿tendremos también un videoclip para esta canción? 

No está previsto grabar un videoclip para la canción, simplemente porque es la más larga, con 9 minutos de duración. Sin duda, es la canción más progresiva del disco, y a mi parecer, también la que tiene el estribillo más pegadizo. El tema se basa en la frase “you´ll never miss it, until it is gone away” (en castellano: “nunca lo echarás de menos hasta que se haya ido”). Esta frase se aplica al final de una vida, al final de una relación o incluso a la disolución de una banda. Pero como nada dura para siempre, hay un mensaje positivo. En la letra de la canción se lee: “Morning mist, and the sun awakes the smell of roses, with a smile, i await the end that life composes” (“Niebla matutina, y el sol despierta el aroma de las rosas, con una sonrisa, espero el final que la vida compone”).

Es cierto que suena a un final pero también a un futuro interesante. Por cierto, en tu opinión, ¿cuál es el futuro de Assignment?

Ojalá un par de discos más, ya que esto es algo que solo depende de nosotros y que siempre lo tenemos en mente. También estamos trabajando en algunos directos que, si todo sale bien, podrían concretarse muy pronto.

Ojalá que sea así, y podamos veros en directo pronto… ¿en España quizás? He notado que, a pesar de tener miembros hispanohablantes, como Diego, no soléis visitar mucho nuestro país. ¿Podremos veros en el sur de Europa en estos próximos shows en vivo?

Bueno, primero tendríamos que recibir una invitación… Otro problema es que la mayoría de los miembros de la banda tienen trabajos a tiempo completo, familias con hijos y otras obligaciones además de hacer música. No es imposible, pero sí muy difícil. Definitivamente nos gustaría y no lo descartamos.

Muchas gracias y felicidades por el buen trabajo.

¡Gracias Cristina por tu interés y apoyo! Que fluya el metal.

Dark Moor es una de las bandas más internacionales del metal / hard rock sinfónico que tenemos en España. Este sábado 18 de abril nos ofrecen la cita ineludible de su concierto de 25º Aniversario, en una fecha única en el Movistar Arena.

Hemos tenido la oportunidad de charlar hablar brevemente con su fundador y guitarrista Enrik García, sobre esta celebración y el complejo momento que atraviesa la escena actualmente. Esperamos un llenazo este fin de semana y poder seguir escuchándolos muchos años más.

Hola Enrik, muchas gracias por concederme esta entrevista. Lo primero quería darte la enhorabuena, estáis de aniversario, la banda que tú fundaste cumple ahora 25 años. Por favor, ¿puedes hablarme un poco de la etapa actual de Dark Moor y cómo estáis viviendo esta celebración?

Pues está siendo muy especial para nosotros, estamos recibiendo mucho cariño por parte de los fans y eso para nosotros es lo que nos da energía y nuestro pago por todo el esfuerzo. El pasado sábado tocamos en un festival en Dinamarca, Epic Fest, en el que nunca habíamos tocado y había literalmente miles de personas esperando para vernos por primera vez, fue muy emocionante.

La banda en la actualidad está muy centrada en estos conciertos y dar el máximo posible en directo porque nuestros seguidores se lo merecen.

Además, aquí en Madrid, nos espera este fin de semana un concierto por todo lo alto, ¿puedes ponernos un poco los dientes largos dándonos algún detalle sobre qué podemos esperar este sábado en el Movistar Arena?

Sí, va a ser un concierto que hemos preparado con muchísimo cariño y va a ser único e irrepetible. Vamos a tocar canciones que llevábamos mucho tiempo sin tocar, e incluso alguna que no hemos tocado nunca en directo, haciendo un recorrido por todos nuestros álbumes, que son once en total. 

Además vamos a contar con tres invitados de lujo: Javi Díez a los teclados que ha tocado con bandas tan importantes como Mago de Oz o Arwen, con Óscar Calvo al violín, de Cronómetro Budú, y con la soprano Mariana Otero, que creo que va a sorprender muchísimo a nuestros fans por sus dotes y el tándem que va a formar con Alfred, nuestro vocalista.

Estáis lanzando algunos vídeos increíbles con versiones en español de algunos de vuestros temas más icónicos. También tenemos canciones nuevas en nuestro idioma como “V de Vendetta”. ¿Podemos entonces adivinar un futuro nuevo álbum de Dark Moor totalmente en castellano? 

Ojalá, pero ahora mismo no hay un futuro claro para la banda, su continuidad es una incógnita para nosotros mismos. Es posible que esta gira sea nuestra despedida, pero es algo que el futuro dirá. Ojalá podamos seguir muchos años más, pero ahora mismo es complicado.

Ojalá así sea. En cualquier caso, habéis conseguido posicionaros como una banda plenamente internacional, acabáis de estar tocando en Dinamarca… ¿Qué es, en tu opinión, lo más gratificante de ser una banda internacional y cuáles son sus principales retos?

Es tremendamente complicado conseguir tocar en Europa o Asia, como lo hemos hecho nosotros. En Latinoamérica es algo más sencillo para las bandas de aquí, pero cruzar los Pirineos es muy difícil. Nosotros al cantar en inglés en la mayoría de nuestra discografía ha sido algo más fácil, pero la exigencia y competitividad que hay es muy, muy fuerte. 

Para nosotros es un honor haber podido abrir camino en este sentido para otras bandas que nos puedan suceder. Tocar en países como Japón o Corea, o en Rusia, Holanda o República Checa y ver a cientos de fans que te conocen, te siguen y te aman por tu trabajo y tu música es una de las cosas más bonitas que hemos tenido la suerte de vivir.

¿Qué otras cosas podría deparar ese futuro complejo a Dark Moor? Ya que habéis regresado al estudio, ¿podemos esperar temas nuevos próximamente?

Como te digo, ahora mismo el futuro de la banda es una incógnita. Pero también te puedo decir que yo a nivel personal tengo muchas ganas de seguir haciendo música, y de hecho tengo un disco casi completamente compuesto. Ojalá pueda ser un nuevo disco de Dark Moor.

Para finalizar, si pudieras viajar atrás en el tiempo y encontrarte con aquel Enrik de los 90 que empezaba a dar forma a Dark Moor, ¿qué consejo le darías después de todo lo aprendido?

Bueno, para mí es fácil, ya que soy profesor y director de una escuela de música y hay muchos chavales a los que aconsejo qué hacer. Lo más importante es creer en lo que haces y disfrutar de la música y de compartirla con el público. Que tengan paciencia y que donde se cierra una puerta, siempre se abre otra.

Muchas gracias por tu tiempo y ¡mucha mierda para el sábado!

¡Gracias a vosotros y vuestro fantástico medio!

La escena alternativa británica sigue dando pasos firmes, y pocas bandas lo representan mejor que As Everything Unfolds. Con una propuesta que mezcla metal alternativo, electrónica y sensibilidad pop, el grupo ha ido construyendo una identidad propia que desafía etiquetas y conecta directamente con las emociones.

Charlamos con Charlie Rolfe en un momento clave: a punto de lanzar su nuevo trabajo, un disco que promete ser el más ambicioso y personal de su carrera. Entre reflexiones sobre el proceso creativo, giras intensas y anécdotas inesperadas, descubrimos a una banda que ha aprendido a convertir la dificultad en motor creativo.

– Hoy estamos con Charlie Rolfe, cantante de As Everything Unfolds. Es un placer tenerte aquí, Charlie. ¿Cómo va todo?

Hola. Muy bien, la verdad. Son las siete de la tarde, casi la hora de cenar, así que estoy relajándome un poco para terminar el día. Todo bien.

– El nuevo disco sale el 10 de abril y he tenido la suerte de escucharlo ya. Como te decía fuera de cámaras, creo que es vuestro mejor trabajo hasta la fecha. Siempre habláis de emociones y de lo que siente la gente en distintas situaciones de la vida. ¿Cómo habéis enfocado este álbum y cómo os sentís con el resultado?

Creo que este ha sido el disco más difícil que hemos tenido que hacer nunca, por muchísimas razones. De hecho, nos llegaron las copias físicas hace un par de días y tenerlo por fin en mis manos me ha hecho sentir algo distinto; ahora siento de verdad que he creado un álbum. Pasas tanto tiempo entre correos, logística, redes sociales y correteando para que todo llegue a tiempo, que a veces olvidas que has creado algo importante.
Al sostenerlo, piensas: “Sí, yo he hecho esto”. Hemos abordado el hecho de que hemos pasado por mucho en el último año y medio, tanto a nivel individual como de grupo. Ahora me siento muy orgullosa de lo que hemos logrado. George lo resumió muy bien hace poco: dijo que este era el disco más difícil que tendríamos que hacer en la vida. Si eres capaz de superar algo así, ya puedes con cualquier cosa.

– Es muy interesante, porque aunque habláis de situaciones difíciles, el mensaje final me parece positivo; es como un viaje emocional. Además, tus voces suenan mejor que nunca, especialmente los “screams”. ¿Has estado entrenando mucho esa parte?
Creo que ha sido gracias a que no hemos parado de girar. En 2024 dimos muchísimos conciertos y mis guturales mejoraron simplemente por el hecho de practicarlos a diario. De todas formas, intento elegir muy bien dónde meterlos. A veces nos meten en el saco del “metalcore”, lo cual es curioso porque nosotros nunca hemos sentido que encajemos del todo en esa etiqueta. Sí, a veces tenemos breakdowns y usamos recursos del género, pero no diría que somos una banda de metalcore.
Para mí, los gritos son una reacción visceral. Me influyó mucho Lacey Sturm; ella decía que solo gritaba cuando sentía que era necesario, cuando la emoción no se podía expresar cantando. Nosotros no gritamos solo por complacer a la audiencia, tiene que salir del alma.

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– Es verdad. ¿Cómo describirías tú el sonido de As Everything Unfolds? Yo suelo decir que es metal alternativo, porque cabe de todo: hay breakdowns, pero también toques de drum and bass o rock puro.
Es muy difícil de definir. Supongo que rock o metal alternativo es lo más cercano. Como dices, en “Set and Flow” hay una base de drum and bass con algo de guitarra, mientras que “Gasoline” es casi pop rock. La verdad es que nos da igual si nos llaman pop o metal, nos la suda bastante (risas). Solo nos divertimos. En la banda tenemos influencias muy variadas y eso es lo que nos hace interesantes.
De hecho, no recuerdo la última vez que escuchamos metalcore en la furgoneta o antes de salir a tocar. Solemos poner cosas de la vieja escuela, electrónica o temazos nostálgicos de los 2000. ¡Nuestra canción para salir al escenario es “Let Me Entertain You”! O la de los dardos, “Chase the Sun”. Somos una banda así de rara, escribimos lo que nos pide el cuerpo.

– Hablando de otros grupos, hace poco anunciasteis gira europea con Future Palace y Luna Kills. También están Defenses, ¿no?
Sí, con Defenses somos amigos desde hace unos ocho años, hemos tocado mucho con ellos. Ellos harán las fechas de Reino Unido porque nosotros… bueno, somos una banda británica que esta vez no hace gira por allí (risas). Hay una razón para ello, aunque nos hayan caído algunos comentarios enfadados por redes, prometo que no es por capricho.
Me hace mucha ilusión esta gira. Tengo muy buena relación con Maria, y ahora también con Manuel y Johannes. De hecho, vinieron a vernos a Berlín. Hay una cosa muy graciosa en Alemania: hay máquinas expendedoras de “paquetes perdidos” por 10 euros, y Johannes acabó ahí con nosotros gastándose el dinero en esas máquinas. Hay muy buena vibra entre nosotros. Como acabamos de fichar por el mismo sello, todo encajaba perfectamente para girar juntos.

– Hablando del sello, ahora estáis con Century Media. Creo que con ellos vais a dar el salto definitivo.
Sí, tenemos un equipo muy bueno ahora, también con el nuevo management. Ha sido un proceso que daba un poco de miedo, porque al final es todo un equipo nuevo para este disco, pero estamos muy contentos con cómo se está materializando todo según salen los singles.

– Para terminar, como somos de España, ¿qué tres cosas te gustan de aquí?
Fui de vacaciones un par de veces de pequeña, pero no tengo recuerdos muy nítidos. Pero el Resurrection Fest… eso sí fue una experiencia. Fue divertidísimo. Volamos desde Londres, tocamos, cenamos con un poco de vino, dormimos apenas una hora y volvimos a casa. Todo en unas 36 horas.
Teniendo en cuenta que el trayecto del aeropuerto al festival son casi tres horas… fue una locura. Casi no dormimos. De hecho, los chicos no se habían acostado en toda la noche anterior y yo les decía: “¿Pero no vais a dormir?”. Y ellos: “Tranquila, estaremos bien” (risas).
Lo más surrealista fue el conductor del transporte: tenía dos móviles y en los dos tenía de tono de llamada una gaita escocesa, a todo volumen. No paraban de sonar a la vez y yo pensaba: “¿Pero qué está pasando?”. Fue rarísimo, pero el festival fue genial. Fue nuestra primera vez en España y nos lo pasamos de maravilla. La gente de Viveiro fue superamable. Es una comunidad muy bonita. Ojalá estuviera un poco más cerca del aeropuerto, eso sí (risas).

– ¡Ha sido un placer, Charlie! Muchas gracias por este rato. Tengo muchas ganas de escuchar el disco entero y espero veros pronto de nuevo por España.
El placer ha sido mío. Muchas gracias.

Legado de una Tragedia es el proyecto más personal de Joaquín Padilla. Desde el año 2008 se ha convertido en una referencia ineludible del metal en castellano que ofrece, con cada lanzamiento, una verdadera Ópera Metal de virtudes musicales y narrativas. Secundado por una verdadera selección de talentos invitados, cada disco es un derroche de imaginación, calidad y buen gusto. Con la excusa del nuevo single Ícaro, conversamos con Joaquín quien nos compartió sus puntos de vista, nos puso al tanto del presente de la banda y un poco del porvenir.

Joaquín, ¿cómo estás?, ¿qué tal fue la repercusión de la nueva canción Ícaro?

Pues la verdad, estoy feliz. No sabía muy bien qué hacer porque hace relativamente poco tiempo que había lanzado Lovecraft (N: el álbum del 2025). Habitualmente entre una ópera y otra suelen pasar un año y medio o dos años, que es lo que tardo en hacer toda la documentación, la investigación, la composición y la producción del álbum. Y tenía algunas canciones sueltas, independientes, que me gustaban mucho, sobre todo “Ícaro”, y que tenía muchas ganas de compartir. Y se me ocurrió esta fórmula. Un poco de abrirme un espacio que he denominado Mitos para poder lanzar singles sueltos e independientes. Cada uno de un mito diferente, de diferentes culturas. Mitología nórdica, japonesa, egipcia, cristiana, griega, romana. Es un tema que me apasiona y me permite de vez en cuando quitarme el gusanillo cuando estoy metido en una obra grande y majestuosa, el poder hacer un lanzamiento como este Ícaro. Me apetecía hacer una canción como muy directa, con un sonido más europeo, más como lo que estaban haciendo bandas como Within Temptation a partir del disco The Unforgiving. O lo que hacen Battle Beast o lo que hacen Beast in Black o Dynasty… bandas así. Y la verdad es que la gente lo ha recibido con mucho cariño, lo ha recibido muy bien. La inmensa mayoría de la gente le ha encantado. Siempre hay quien cree que tendría que mantenerme en esas canciones largas, épicas, de grandes historias. Pero me apetecía mucho sacar el single y no tenía más pretensión que esa, mientras que estoy trabajando en el nuevo álbum.

Entonces, si entiendo bien, en algún momento vamos a ver un LP llamado Mitos que va a compilar estos lanzamientos y va a quedar un proyecto con canciones por separado. ¿Cómo vas a articularlo?

Mi idea es lanzar algún single más y luego unirlos todos. No sé si en un EP o en un álbum. Porque hay una cosa que no quiero, que he tenido que abandonar en Lovecraft y no me gusta mucho, que es hacer una ópera rock, una historia. Que es mi propuesta desde el principio y por lo que la gente se ha enganchado de Legado de una Tragedia, que es como hacer un musical heavy, ¿no? En Lovecraft realmente no había un hilo conductor. Todos eran cuentos, eran relatos musicalizados. Pero el formato que me gusta, lo que creo que hace especial a Legado de Una Tragedia es el contar una historia completa, un arco argumental que recorra todo el álbum.

En Lovecraft lo hice así porque, bueno, ya había contado la historia de Poe en los tres primeros álbumes. La vida de Lovecraft no es tan apasionante como la de Poe. Y bueno, ya había escrito sobre un escritor de terror y era un poco repetitivo. Pero tanto a mí, que soy muy fan de Lovecraft, como a los fans que me pedían algo de Lovecraft, dije bueno, pues voy a musicar diez canciones. Pero no quiero salirme de ahí, no quiero salirme de las historias largas, de los álbumes conceptuales. Así que esto lo he dejado un poco por ahí. Cuando uno está escribiendo una obra tan larga como las que yo escribo, hay mucho tiempo en el que no haces nada, que parece que desapareces. Porque como de momento tampoco ha habido directos de Legado, yo no soy un artista que diga bueno hacemos un disco y nos vamos dos años de gira. Sino que hay un momento en el que no tienes nada que lanzar. Pues decidí sacar este single, y sacaré otros. Hay otro tema que ya está grabado. Y bueno, pues cuando compile unos pocos pues lanzaré un EP o lanzaré un álbum y se llamará Mitos. Es un recurso que me he guardado entre álbum y álbum. 

¿Qué músicos te acompañan en esta nueva aventura?

En Ícaro la verdad es que han sido pocos. Esta canción ha tenido un proceso evolutivo muy rápido, porque yo tenía muy claro que quería contar la historia de Ícaro. Porque en este proyecto de Mitos se trata no solamente de hablar de los mitos, no es narrar los mitos, sino es resignificar, darle una vuelta a cada uno y traerlos a la actualidad. Porque yo creo que son arquetipos que hoy en día la gente puede perfectamente adecuar al día a día, a su vida cotidiana.

Entonces el mito de Ícaro lo que cuenta es que Ícaro se ve encerrado en una torre sin poder salir, porque su padre construyó el laberinto. Ayudó a que mataran al Minotauro. Entonces es castigado y es encerrado. Y él, Ícaro, tiene esa esa carga por un linaje, por algo que han hecho sus padres. Entonces me parece muy interesante. ¿Cuánta gente hay que tiene que seguir con la profesión que tienen sus padres? Porque tienen un negocio o que de repente te ponen problemas porque tú tienes otra religión y no quieres seguir la religión de tus padres, o porque a tí te gusta el metal y a tu familia le parece que es anti-cristiano o mil cosas, ¿no?. Me parece que es una cosa muy actual y que había que abordarlo desde ahí. Entonces escribí el tema en dos días, la letra salió prácticamente entera, de corrido. Y aproveché que estaba Carlos Espósito en el estudio. Carlos es batería de Leo de Stravaganzza, y que ha grabado todos los discos de Legado de una Tragedia. Creo que junto con Pablo de Warcry, ha grabado en todos mis discos. Y estaba un día por el estudio grabando algo para él y le dije tengo un tema, lo escuchas y tal, le damos una vuelta y lo dejamos grabado y por la tarde… Esto ya se puede contar, pasó por el estudio Alejandro Fung, que es el bajista de Against Myself, que es una banda maravillosa de metal sinfónico española, un poco progresiva, que es muy amigo mío y que toca conmigo en directo en muchos proyectos que están más allá del metal y de Legado. Y él venía a trabajar en el primer single que ha sacado Elizabeth Amodeo en solitario, que es la cantante de Against Myself. Y yo he hecho las orquestaciones del tema que ha salido hace muy poco y es un tema maravilloso y estuve orquestando y él viene al estudio para estar conmigo allí y guiarme, porque yo soy el compositor del tema y él, aparte de ser un excelente bajista, es un increíble guitarra. Entonces le dije tío, acaba de grabar Espósito un tema, mira, escúchalo, ha hecho estas líneas y tal, ¿por qué no te pones? Y se puso a grabarlo y él grabó los bajos y todas las guitarras del tema. Hizo él el solo. Porque ya te digo, es un excelente bajista, excelente guitarrista. Y entonces ya me quedé yo haciendo las programaciones, las orquestaciones, los teclados y me interesaba mucho que fuera un diálogo de una pelea potente entre Dédalo, que es el padre de Ícaro, e Ícaro. Y pensé, ¿quién puede cantar esto conmigo? Porque yo tenía claro que quería ser Ícaro. ¿Quién puede cantar algo y que esté muy enfrentado? Entonces me sale un cantante que a mí me fascina, que estoy enamorado de él, muy amigo mío, muy buena gente y un cantante excelente que es Andy Martínez, cantante de Headon. Porque él tiene un carácter… Yo soy un cantante más hardrockero, digamos, de la escuela del hard rock y él es muy heavy, heavy metal, más clásico y era muy interesante esa dicotomía de las voces. Y le llamé y me dijo claro que sí, cuenta conmigo para lo que sea. Él cantó en el primer single de Lovecraft, en “La Llamada de Cthulhu”, que fue un éxito. Y hemos sido esos. Y Kike Fuentes, cantante de Nurcry, que también le llamé y le dije tío, me harías unos coros y tal y preparó unas corales maravillosas para el tema. Y entre nosotros cinco hicimos la canción. Y luego el increíble trabajo de Raúl Abellán en las mezclas que ya mezcló tanto Lovecraft como el de Goya, Aquelarre de Sombras en sus estudios The Mixtery. Para mí él es un genio, un mago y le ha dado ese sonido tan brutal.

Joaquín, vos te encargas de la producción de tus propias obras también.

Sí, yo en mis discos todo lo que suena, menos los solos, lo compongo yo, ya sea los riffs de guitarra, los bajos, las líneas vocales, las letras, las orquestaciones. Y luego pues viene gente a tocarlo que por supuesto aporta su granito de arena. Si alguien me dice oye, pues mira, le voy a dar este carácter y demás, pues bienvenido sea. Para Lovecraft conté con José Rojo, con un amigo, para grabar algunos riffs que él tenía, pero en todos los demás siempre compongo todo y lo grabo todo yo primero. Y luego los chicos vienen y lo graban encima. Y la producción siempre corre por mi cuenta.

¿Y cómo es coordinar el trabajo de tantas personas? Quizás justo para Ícaro, un poco lo fuiste contando, no fue tanto despliegue, pero en otros discos sí. Me imagino una tarea titánica en la previa, ¿verdad?

Sí, es un follón. En Ícaro. Lo que pasa es que me puse vago y llamé a los mejores, a gente que es muy buena, pero que eran amigos, que ya los conocía y demás. Cuando hago un álbum de larga duración, a mí me gusta mucho llevar a gente con la que nunca he trabajado porque creo que eso le aporta una frescura. Hay gente que repite, gente que no, gente que lleva dos discos sin salir y vuelve. Pero sí me gusta contar con gente nueva y es bastante complicado porque bueno, en primer lugar, hay gente a la que llamo que no conozco y que le puede apetecer o no, o le puede gustar el proyecto o no. Hay que tener muy en cuenta, sobre todo con los cantantes, cuáles son las tesituras, el carácter que quiero que tenga cada personaje, porque claro, no a todas las canciones le vienen bien a todo el mundo.

Y luego pues hay una locura en el proceso de intentar coordinar las agendas de todo el mundo, porque claro, todo el mundo está en gira, todo el mundo tiene grabaciones, todos tienen lanzamientos. “Mira, ¿cuándo vas a sacar el single?, porque nosotros sacamos el single, no me interesa que salga la vez”. O sea, hay una coordinación, una parte un poco burocrática que yo detesto, pero que tengo que hacer. Y que la verdad es que al final le he cogido un poco el oficio, la costumbre de hacerlo. Y lo que sí que tengo muy claro es quién quiero que lo haga. Yo siempre, cuando empiezo a componer, digo voy a hacer este personaje, pienso en cómo va a ser el personaje y me pongo a pensar cuál sería mi primera opción y cuál sería mi segunda. En caso de que el primero no quiera, no pueda, que me pasa muy a menudo. “Mira macho, me pillas ahora mismo a tope de curro. No estoy disponible ahora para hacerlo. Si puedes esperar tres meses, sí”. Y entonces, dependiendo de cómo yo vaya con la producción, a veces puedo, a veces no. Y se trata de tener muy claro lo que quieres. Ser muy organizado a la hora de preparar las bases. Grabar la ópera dos veces. Tengo que grabarlo todo para luego mandarlo y decirle a la gente “Pero mira, esto es así y tal. Aquí me gustaría que hicieras, lo adaptarás como tú quieras. Te dejo libertad en este estribillo, en este no”. Porque de repente canta un tipo aquí en Madrid y hay otro haciéndole coros que tienen que ir encabalgados en Barcelona o en México.

Y claro, tiene que haber una línea muy clara y todos tenéis que pegaros a mi voz, aunque luego no vaya a estar. A lo largo de los años he desarrollado mucho oficio para tenerlo claro desde el principio y ponérselo fácil. Y luego pues sí que dejo alguna manga ancha para que la gente pueda también aportar su granito de arena de bueno, pues su personalidad. Pero es complicado. Es la parte más dura y la más desagradable, la más ardua. A mí lo que me gusta es el arte. Me gusta grabar, componer, escribir, el tú a tú. Pero el tener. “Mira, te mando los archivos y te lo mando de tal manera. Y entonces. Y coge cada letra y ahora te pongo en amarillo lo tuyo, en rojo lo y lo otro y ahora lo otro se lo cambias. Mira, esto es lo tuyo”. Las anotaciones las suelo mandar a veces un texto explicándole que es su personaje, qué tiene que hacer entonces. Es un poco tedioso, pero bueno, forma parte bonita del trabajo final.

¿Has trabajado con músicos argentinos? En Legado de una Tragedia 1 recuerdo a Hugo Bistolfi. En el 3 estuvo Beto Vázquez también. Entiendo que alguna vez habías contactado a Adrián Barilari y no había podido, ¿puede ser?

Con el primer disco intenté que viniera Barilari, pero porque además hay una cosa muy curiosa y es que, paralelamente al lanzamiento del primer disco, quizá un poco antes, yo tenía una banda en España que se llamaba Iguana Tango, que era una banda de pop rock, era una cosa alejada del metal. Un poco como AOR. Y nuestro road manager, que viajaba con nosotros, era el road manager de Rata Blanca, Eduardo Rodríguez. Y nosotros hicimos mucha amistad con Edu, claro, que convivía con nosotros. Y recuerdo una anécdota que vino Rata Blanca a tocar a Madrid y les perdieron el bajo en el aeropuerto y nosotros les prestamos el bajo. Nos invitaron ahí a estar con ellos y ya había una relación con Barilari. Pero recuerdo cuando hice el primero intenté hablar con él. Y eran de estos casos en los que él tenía muchos problemas de fechas, giras y demás y no pudo. Y luego en Iguana Tango hicimos una versión de Rata blanca de Mujer Amante y vino Walter Giardino a grabar un solo en el tema. O sea que nosotros tenemos relación con Rata, pero finalmente nunca pude contar con él. Me hubiera encantado, por supuesto, con el maestro Barilari.

¿Y cómo es para pensar un proyecto como Legado en directo, en vivo? Porque imagino es difícil pensar en una gira a gran escala por la cantidad de músicos invitados. Quizás sí tenga más que ver con fechas especiales.

Bueno, llevo 20 años con el proyecto y todavía no he conseguido llevarlo al directo, pero mi idea es hacerlo en este 2026. Está muy avanzado todo. La única manera de hacerlo es un poco copiando la fórmula que lleva una banda que a mí me encanta, que es Therion. Y que está haciendo Avantasia. No me puedo llevar 25 personajes porque hay algunos que salen, cantan un trocito y se van. Lo voy a hacer con cuatro, cinco o seis cantantes, que se reparten todos los personajes. Y claro, como nunca lo he hecho, la primera vez a mí me gustaría mucho que fuera aquí en Madrid. En un principio está pensado para que sea en Madrid, aquí en España. Y como muchos músicos son de aquí, pues aparte de los cinco o seis cantantes, pues de repente puede haber algún invitado que venga, que cante una vez y tal, y ese formato exportarlo.

Y mi idea es ir a América claramente, porque hay mucha demanda. De hecho, es muy curioso que más del 50%, más de la mitad de los oyentes de Spotify, los tenemos en América. De hecho, más del 50% de los oyentes de Legado de una Tragedia están en México. Tenemos muchísimos más fans en América, en Argentina, en Chile, en Colombia que en España. En España tenemos muchísimos fans, pero es curioso que América está muy volcada con el proyecto y mi idea es lanzarlo y llevarlo para allá. Estamos intentando cuadrar porque no es un concierto al uso, O sea, ponemos los amplis detrás, nos ponemos una camiseta de Motörhead y salimos a tocar. No. Queremos tener escenografía, una parte de vestuario, un diseño de luces. Hay una parte muy teatral que está diseñada con pantallas y demás, y la logística requiere de un lugar que curiosamente en México no hay ningún problema para conseguirlo y probablemente en Buenos Aires tampoco. Pero sí hay problema en Madrid. En Madrid hay un aforo que es un poco complicado porque el sitio donde nos cuadran, los camerinos son pequeños porque va a haber muchos cambios de ropa, mucha gente y no hay lugar para poner el atrezo. Estamos buscando el sitio perfecto para hacerlo bien.

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Creo que en el 2004 más o menos empezaste a pensar en Legado de Una Tragedia. Finalmente el primer disco salió en el 2008… Son más de 20 años, ¿te imaginabas que iba a tener tanto recorrido el proyecto?

Pues mira, no, la verdad es que no, pero no me lo imaginaba porque… intento no mirar mucho más allá. O sea, quiero decir, a mí siempre me ha gustado soñar caro. Puestos a soñar, no voy a soñar en barato. Pues vamos a soñar que esto va a ser muy grande y cada vez más grande, que llegará más gente y que haremos giras mundiales y que durará hasta que me muera. Pero no miro mucho más allá del siguiente disco. Igual que he dicho muchas veces en muchas entrevistas que no me gusta mirar al pasado. Yo no pongo los discos de Legado. Ha sido una sorpresa, ahora que estamos preparando el directo, porque he vuelto a escuchar toda la discografía y me he sorprendido, a decir hostia, que cómo volaba esta canción o cómo volaba o qué guay hicimos esto, para elegir el repertorio. Pero no pongo los discos antiguos. Yo acabé una obra y ya pasó y ya estoy pensando en la siguiente, pero solo en la siguiente, no en dentro de tres. Entonces no me imaginé nunca hasta dónde iba a llegar, porque no miro el pasado y miro al futuro muy cercano y cada día miro más al presente, porque al final la vida da muchas vueltas y lo mismo ahora estamos trabajando ya en el nuevo disco y mañana me llama la persona que me está ayudando a hacer la producción. Me dice ya tenemos sala y de repente ese proyecto queda apartado y hacemos el directo y va bien y me paso todo el año que viene girando por España, por América, por festivales y ya el disco. Entonces no sé decirte, pero desde luego no, porque era una locura, nadie lo había hecho en castellano, no existía en castellano y aparte yo en ese momento tampoco era un artista de metal. Yo, todos mis discos aquí son de metal desde que era niño: Maiden, Stryper, Helloween, Judas, Metallica. Tambien de Hard Rock, Bon Jovi, Warrant o Skid Row, Motley Crue… Luego me dio por la música más bestia. Pero como artista, aunque yo componía cosas de heavy y demás, yo tocaba en una banda de éxito de pop en este país. De pop rock. Entonces era muy raro cuando el que levantaba el teléfono era “Hola, soy el cantante de Iguana Tango, estoy haciendo una Opera Metal”. Al principio todo el mundo decía ¿qué es esto? No sé qué ejemplo podría poner, pues es a lo mejor como si me lo invento, no sé exactamente, pero es como si Cerati, claro, lo llama a Barilari, le dice que tiene una ópera metal de la hostia y le suena raro. ¿Tú estás haciendo una ópera? Que eran cañeros y rockeros, pero no es metal, ¿no?

Eso de pensar siempre en grande me remite también al Ícaro, ¿no? Que tenía ese límite impuesto, no por él, de volar hasta cierta altura… y él no lo respetó.

Claro, porque yo creo que hay que volar hasta el sol, aunque te quemes las alas y te despeñes al mar y te mates. Pero hay que volar hasta donde tú quieras ir, porque si yo vuelo hasta dónde quieres ir tú, la vida es muy aburrida. Y hasta que alguien me demuestre lo contrario solo tengo esta vida. Entonces para vivir tu vida ya estás tú, que seguramente será una vida fascinante y maravillosa, pero a lo mejor no coincide con la vida fascinante y maravillosa para mí. Entonces yo siempre le digo a la gente cuando me preguntan qué le dirías tú a la gente joven que empieza y tal, que cuando alguien le pregunte por qué, responda ¿Por qué no?

Hubo un tiempo en que Metallica no les conocía nadie y tocaban en un bar de mierda, en un garito de mierda, para sus novias. O sea, Metallica no empezó tocando en un estadio. Siempre hay un momento antes de dar la vuelta a la esquina y encontrarte con el éxito. Y alguien tuvo la maqueta de “Motorbreath”, algún sello discográfico y diría “pero ¿dónde van éstos? Bandas como estas tengo 200” y tiraría la cassette. Nadie dice “Ah, vale, este chaval que tiene seis años, dentro de 50 años va a ser la mayor estrella del rock”. Y esto pasa con todos los artistas. O sea, yo no creo que no se encontrara con ningún artista, que bueno, no sé, me puedes desmentir tú que te haya dicho “Ah cuando tenía 13 años sabía que me iba a convertir en estrella del rock”. Puedes esperarlo o tener ilusión. 

Esta es una pregunta que encierra un poco de un poco de opinión, pero acá nos interesa tu punto de vista. Yo creo vivimos una época donde cada vez más impera la ignorancia, lo superficial y de repente uno se encuentra con un proyecto como es Legado de una Tragedia… tan complejo, tan trabajado, y que requiere muchísimo del oyente. Uno inmediatamente escucha cualquiera de estos discos y entiende el compromiso del artista para hacer algo diferente. Y uno, como oyente, no puede ser menos. Si no, no lo va a disfrutar. ¿Trabajás conscientemente en eso de que estás ofreciendo un proyecto, un producto tan elaborado, tan distinto?

Mira, me encanta la pregunta porque tiene muchas capas. Me encanta lo que has dicho del compromiso que tengo yo con contigo, que escuchas el disco y el que un poco te exijo a ti. Si te quieres enterar del disco puedes escuchar el disco, pero tienes que ver las letras o conocer la historia o investigar un poco. Si no, no vas a disfrutar del disco.

Te voy a ser muy sincero, cuando yo hice el primero… en general yo los discos los hago, aunque suene un poco feo, porque me da la gana. O sea, quiero decir, yo cojo un día y digo voy a hacerlo. ¿Por qué? Porque me apasiona, y porque me cuadraba mucho la historia que yo tenía en la cabeza. Pude crear con el género del metal, las orquestas sinfónicas. Es una tragedia. O sea, había un concepto que me interesaba mucho.  Y a mí me encanta Edgar Allan Poe. Y yo me informé, hablé con la Baltimore Society para que me mandaran información. O sea, investigué, leí todo, por supuesto de Poe. Y yo puse ese compromiso, pero por placer, porque a mí me gusta. Pero me encontré con algo muy curioso. Es que después del primer disco me llamaba mucha gente, me escribía muchos profesores de instituto que me decían “Tío, utilizo tu obra para meter a la gente en el mundo de la literatura”. Y los chavales de repente encuentran otro elemento, otro algo al que engancharse. Que a veces en el colegio tienes un libro y te lo manda el profesor y solo porque te lo manda el profesor ya lo miras con malos ojos.

Y me pasó una cosa muy curiosa precisamente con un chico argentino que era un tipo que me escribía a menudo por redes. “Oh tío, me encanta el primer disco, lo llevo todo el día en el coche, vamos flipando en el coche y lo llevo y tal.” Y un día después de escribirme con él varias veces, me manda una foto de su hijo de diez años leyendo a Poe porque de ir tanto en el coche con el niño escuchando y dijo “papá, yo quiero leer ésto”. O sea, le gustó al niño. Cuando yo empiezo a pensar que un chaval de diez años que vive a 14.000 kilómetros de mi casa, se inicia en la literatura de un autor universal como Poe por mi música, me di cuenta del poder que tiene la música. Y me di cuenta de que hay un montón de gente que gracias a Dios hoy con la globalización y con las redes y con todo, que aun estando a 14.000 kilómetros, que aunque a ti te cuesta mucho conseguir el CD, aunque no puedas conseguir el CD, igual puedes escuchar los discos. Y probablemente igual que yo, seguramente no tenga el mismo conocimiento sobre el imperio Inca porque me pilla más lejos y conoces cosas y demás, pero no lo tienes tan claro. A un tipo de América o de Japón seguramente no tenga tan claro qué son los Templarios o qué pasó con los Templarios. O entre mis fans. Yo pregunté a unos aleatoriamente en las redes, les pregunté ¿Cuál es el pintor más famoso español que conoces? Y mucha gente me decía Picasso o me decía Dalí, pero casi ninguno me dijo Goya. Y Goya para nosotros es como ¡guau! Y yo decía hay mucha gente que no conoce las pinturas negras de Goya y lo que hay detrás y a su vez, de donde surgen, y los grabados y que fue el primer periodista gráfico de su tiempo. Porque nos habían invadido los franceses. Claro, a lo mejor yo no tengo toda la información, más allá de los titulares, de qué pasó en la Guerra de las Malvinas, por ponerte un ejemplo. A lo mejor hay detalles de la historia que a mí se me escapan y yo tengo la oportunidad de contárselo a la gente y de hacer llegar y que la gente tenga curiosidad por ello.

Y me consta, porque luego, claro, mucha gente lo comenta en los foros y demás. Hay gente que viene a leer a Lovecraft por esto o hay gente que a lo mejor descubre la mitología grecolatina gracias a Ícaro. Entonces yo siempre hago un esfuerzo en que lo que cuento es verdad, en las fechas, que los personajes pueden tener alguna licencia, que luego suelo explicar en las entrevistas o en los making of, que hay muchos making of de los discos. Pero hay un compromiso cultural. Creo que yo lo aprendí muy pronto, también lo he comentado alguna entrevista, yo conocí a Poe por Iron Maiden, por “Murders in the Rue Morgue”. Yo conocí a Lovecraft por “La Llamada de Cthulhu” de Metállica. Que yo dije esto de La Llamada de Cthulhu ¿qué coño es? Y en aquella época te cogías una enciclopedia y te enteras de que es un personaje de un tipo. Digo oye, si a mis héroes les interesa este autor, vamos a leerle. Entonces hay un poder cultural en la música que va mucho más allá de lo que creemos. Creo que es importante y es importante utilizarlo.

Joaquín, te quiero agradecer muchísimo la nota… estaremos como siempre atentos a tus lanzamientos.

Lena Scissorhands, cantante de los moldavos Infected Rain y una de las voces más destacadas del metal moderno, habló con Manel Medina a través de su canal Stairway To The Moshpit, sobre nuevos singles, nuevos recitales y nuevos planes.

Bienvenida, bienvenida al canal. Es un gran placer tenerte aquí de nuevo.

Muchísimas gracias, ja, ja. ¿Cómo estás hoy?

Estoy bien, muchas gracias. Cada día es muy emocionante porque nos estamos acercando a nuestro nuevo lanzamiento, a nuestra gira, y es muy divertido, así que es emocionante.

Lena, primero, buenas noticias para todos los fans de Infected Rain: vais a sacar cosas nuevas esta misma semana, el 19. Y sí, estoy muy emocionado por eso. Hablamos de eso detrás de las cámaras y el single se llama Stranger. Quería hacer dos preguntas al respecto. Primero, se trata del tema del significado de la canción, que significa mucho para mí personalmente, como dije. Y el segundo sería: ¿qué podemos esperar del single? Y yo supongo que también estáis trabajando en un álbum. Entonces, ¿cómo os sentís con el álbum? Porque creo que Time, el último, fue como un gran paso adelante para vosotros. Creo que encontrasteis el sonido de Infected Rain, pero más pulido y todo lo que sabes, a lo que me refiero, como si fuera un álbum que realmente resume lo que es Infected Rain. Así que sí, sobre el single, yo ayer publicaste una pequeña frase que era como la distancia que puedes crear desde donde estás ahora y donde crees que puedes estar. Así que sí, ¿cuál es el significado de esta frase? ¿Se trata de una cosa personal o se trata de cosas generales?

Tal como mencionaste al principio, Stranger sale el 19 de marzo, que en realidad es tres días antes. Así que, desafortunadamente, no puedo decir mucho, pero te diría algunas cosas. Estoy muy feliz de estar aquí y amo a nuestra audiencia española, y podemos lanzar un pequeño regalo para nuestra audiencia española y usar un poco el nuevo single. Se llama Stranger y escribí la letra de esta canción basada en un sentimiento personal, una lucha interna que encontré durante los últimos años. Y significa que, sabes, el tiempo pasa y cambiamos. Nunca somos la misma persona que éramos ayer. Incluso a nivel biológico, a nivel celular, somos personas diferentes. Y muy a menudo la forma en que nos vemos o el mundo cambia de un día para otro. Y no estoy hablando de cambios drásticos, pero hay cambios. Así que realmente quería escribir sobre ello y para mí es una canción muy personal, ¿verdad?

Y la frase que compartí ayer es, de hecho, hablando de la distancia que puede haber entre la realización personal de uno mismo hoy y la realización personal de la imaginación de cómo te ves a ti mismo, como si eso fuera lo mismo o completamente dos cosas diferentes. Ahora, esto puede ser, por supuesto, un tema muy profundo para horas de conversación. Siento que es muy… sabes, podemos hacer una lluvia de ideas al respecto, pero me encantaría que todos encontraran su propio significado en Stranger cuando salga Stranger y podamos hablar más al respecto. Pero en el camino de cómo decir eso, es muy personal. Y quiero decirte que he escuchado a personas que me importan en mi vida sintiéndose muy similares a esa sensación que sentí cuando tuve la necesidad de escribir sobre eso.

Un extraño sentimiento, casi como si fueras un extraño para ti mismo. No porque no te reconozcas realmente en la forma en que te ves físicamente, pero de alguna manera reconoces el interior, el interior tuyo, cuando te miras en un espejo. Es muy importante porque a menudo estamos tan acostumbrados a vivir una vida describiendo quiénes somos por fuera, pero cuando pensamos un poco más profundo, ¿somos en realidad la misma persona por fuera como lo somos por dentro? ¿Reconocemos a esta persona que vemos todos los días en el espejo o no? Es muy interesante la batalla interior, la batalla interna. Pero sí, eso es todo lo que puedo decirte, ya te dije demasiado.

Creo que es más que suficiente y realmente te lo agradezco. Creo que a los fans les va a gustar mucho, lo van a apreciar. Y sí, tenemos un single esta semana, el 19, como dijiste, y estáis trabajando en un álbum por lo que he visto en las redes sociales.

Sí, estamos trabajando en un nuevo álbum. Sin embargo, el nuevo álbum se está formando lentamente y esta vez queremos hacerlo de esa manera. No tenemos una fecha de publicación, ni época del año o incluso, ya sabes, una fecha concreta. Pero llevamos trabajando en ello durante más de un año, para ser honesta. Muchas canciones nuevas. Ya preparamos muchos videos musicales, aunque el álbum ni siquiera está completamente preparado. Nos enamoramos de cada canción en un nivel tan personal, tan profundo, que sentimos de alguna manera esta urgencia de compartir cada canción en su gran potencial, con algunas imágenes también. Así que todo lo que puedo decirte por ahora es que sí, estamos trabajando en material nuevo y va a ser increíble. Me encanta cada cosa que hemos sacado hasta ahora. Creo que es divertido, es fresco, es innovador, pero mantiene ese sonido y el nivel que tuvimos con Time, quizás aún mejor. Así que veremos.

Ahora mismo tuvimos que dejarlo a un lado porque nos estamos preparando para una gira, pero sorprenderemos a nuestra audiencia con algunas canciones nuevas en esta gira, así que estoy muy emocionada.

Está bien, eso es increíble. Cuento con Stranger, seguro.

Stranger, seguro, Stranger, seguro. Esa es una de las principales razones por las que realmente preparamos el lanzamiento justo antes de la gira. Y hay algo más.

Eso es bastante bueno. Y Lena, hablaste del tour, que estáis haciendo un tour enorme que es ya mismo. Creo que, ¿cuántos conciertos son? Vi tu publicación ayer, pero…

Estaba contándolos uno por uno porque no podía creerlo yo misma. Son 55 shows entre el Reino Unido, Europa y América del Norte, todos juntos, parte de Mutation Phase Tour, sí.

Eso es una locura. ¿Y es como dos meses o tres meses?

Algo así, tres meses, sí. Son casi tres meses. Europa y el Reino Unido tienen menos días libres y Estados Unidos tiene algún día libre más debido a la logística del transporte también. Pero sí, estaremos terminando el tour al final de la primera semana de junio, así que eso es una locura, comenzando este mes a finales de marzo.

Eso es una locura. Eso es casi un… no es un concierto por día, pero algo así, contando todos los viajes y todo lo del autobús y todo. Es increíble, Lena. Y venís a España, por supuesto, que es increíble, me encanta. ¿Qué dijiste? No he escuchado.

Barcelona y Madrid.

Sí, sí, exactamente. Creo que os he visto cuatro veces ahora: una en Resurrection Fest y tres de ellas en Barcelona. Y Lena, ¿qué es lo que dirías que te gusta de los conciertos en España y qué es lo que menos te gusta?

Lo que me encanta del público español y metaleros en general es lo locos que se vuelven. Sienten la música en un nivel diferente y la multitud es tan sensible, ¿sabes? Me encanta eso del público español.

Ahora, cuando se trata de shows individuales, no estamos hablando de grandes eventos como festivales o cualquier otro gran evento, siento que el público español está un poco más influenciado por muchos factores de la vida. Por ejemplo, hay países donde realmente no importa si tocas durante un lunes, un martes o un miércoles, y hay países donde sí importa. Así que cuando tocamos en España realmente importa qué día de la semana es para que la audiencia tenga la oportunidad de estar allí. Es comprensible, pero al mismo tiempo es muy frustrante porque no elegimos los días. Y cuando estás de gira, tocas casi todos los días sin importar qué día de la semana sea. Es trabajo para ti de todos modos.

Así que realmente queremos invitar a todos a recordar que las bandas viajan desde tan lejos para venir a ti y a veces será durante la semana, pero los shows siempre suceden por la noche y tienes tiempo para descansar antes de tu trabajo al día siguiente. Así que si realmente quieres apoyar a la banda, si realmente crees en la banda y amas su música y lo que representan, por favor apóyalos. Realmente necesitamos su apoyo en todas las formas. Cada acción, cada guardado, cada comentario, cada amigo con el que compartes la música, cada entrada… todo eso realmente puede marcar la diferencia en la carrera de la banda. Así que sí, esta sería mi respuesta para el público español, un público que es increíble.

Y podemos agregar que esta vez os tenemos en un fin de semana completo, como el sábado en Barcelona.

Así que no hay excusas, no hay excusas.

No hay excusas, estaremos allí seguro.

Sí, y chicos, tengo que ser honesta: el espectáculo y la producción de esta gira están en un nivel que nunca antes habíamos hecho. Así que incluso si alguien, como tú, ha visto Infected Rain cuatro o cinco veces, créeme, te espera un espectáculo completamente nuevo, que te impactará de manera diferente. Y tenemos sorpresas: traemos a nuestros amigos de Butcher Babies en esta gira y tocaremos The Realm of Chaos juntos en el escenario cada noche, que es una de las cosas más solicitadas. Y estamos muy emocionados de presentar también algunas canciones nuevas, junto con muchas canciones antiguas que no hemos estado tocando durante años, así que va a ser divertido.

Ok, nueva experiencia de Infected Rain, creo que eso es bastante bueno. Estaba súper feliz con los últimos shows, pero siempre estoy feliz de ver algunas diferencias y tratar de hacer cosas nuevas, como la colaboración con Heidi. Creo que será sobresaliente porque la canción es increíble y creo que…

Ella es increíble, sí. Vamos a petarlo.

Increíble, Lena. Así que quería hacer una pequeña pregunta sobre Heidi o Butcher Babies en este caso. ¿Cómo os conocisteis? ¿Os conocíais de antes o vino mientras hacíais música?

Por supuesto que sabía de Heidi antes de hacernos amigas, antes de la invitación a ser artista invitada en nuestra canción The Realm of Chaos. De hecho, la conocí en persona en 2013 cuando visitaba Estados Unidos por primera vez. Tuve la oportunidad de estar en un espectáculo donde eran invitados especiales y tuvimos un momento rápido para intercambiar un par de palabras. Recuerdo incluso darle un álbum de Infected Rain, que todavía recuerda.

Luego nos reconectamos en algún momento de 2019 y nos volvimos a ver en persona en 2020, justo antes del encierro por COVID. Estaba en NAMM, en una convención de música, y la encontré accidentalmente. Hablamos de nuevo, estábamos súper felices de vernos, éramos conscientes la una de la otra y del crecimiento de ambas bandas.

Ella mencionó que estaba pensando en mudarse a Las Vegas, lo cual fue increíble. Terminó mudándose no muy lejos de mí, nos hicimos súper amigas y el COVID nos juntó porque ninguna tenía shows. Hicimos muchas ideas juntas y descubrimos cuánto teníamos en común. Así es como nuestra amistad se hizo más fuerte. Y cuando surgió la idea de hacer una canción juntas, ella aceptó completamente. Incluso tuve la oportunidad de grabarla, así que fui como ingeniera de sonido para esa canción.

Jaja, ok, muy divertido.

Y creo que Heidi tiene una presencia increíble en la industria del metal. Es muy talentosa y estoy muy orgullosa de sus logros como música, como mujer, como ser humano y como artista trabajadora. Estoy muy feliz de que vayamos de gira juntas nuevamente, esta vez en Europa. La primera vez fue en Estados Unidos. Y sí, interpretar The Realm of Chaos en vivo juntas solo ha pasado dos veces hasta ahora, así que esto es súper interesante.

De hecho, me gustan mucho. Los he visto dos veces, creo, y traen esa energía loca.

Mira su nueva canción, es realmente buena.

¡Lo hice! De hecho, sí, quiero decir, tengo incluso la camiseta de Butcher Babies, así que sí, genial.

Eres un verdadero fan, muchas gracias, realmente significa mucho.

Etiquetas: Infected Rain, Metalcore, Moldavia, Nu Metal

DARLOTODO es una banda de nu metal de origen argentino que emergió en la ciudad de Buenos Aires en el año 2023. Su primer disco de nombre homónimo fue una grata sorpresa para los oyentes puesto que nunca hubo referentes del género en el país. Con pocos años de existencia cuentan con un éxito y aceptación digno de una banda ya consagrada. Charlamos un rato con Penumbra, líder y baterista de la banda, quien además es productor audiovisual y fundador del sello Black Eclosion, para que nos cuente sus sensaciones sobre su último disco, Crisálida y un poco más.

-Primero contarte que estuve escuchando hasta el cansancio Crisálida. Sacaron un discazo!. Me llaman siempre la atención los discos que son construidos bajo un concepto, como este, y se que detrás de cada gran disco conceptual hay una gran idea, una historia. ¿Nos podrías contar un poco cómo es que surgió la idea de hacer de Crisálida un disco conceptual?

El álbum esta planteado desde el lado de luchar y salir adelante ante la adversidad. Todos en la banda nos identificamos mucho con ese concepto que año a año se fue fortaleciendo casi de manera casual y es prácticamente el lema de hoy de DARLOTODO. Personalmente disfruto mucho que Lucas me de lugar para meter letras e ideas en las canciones donde explayo duelos y dolor de la infancia, pero cada uno que escucha DARLOTODO debe acoplarlo a su propia vida. Es algo que nos sucede siempre, nos dicen los fans. Hacen suyas las canciones a nivel muy pasional.

-Y respecto a eso. Es apenas su segundo disco y ya gozan de muy buen éxito y muchos seguidores. Pareciera como que había toda una cantidad enorme de gente esperando a una banda como ustedes. Bueno, yo creo que siempre hubo un vacío en este estilo en Argentina y que ustedes vinieron a ocupar. ¿Qué impacto te causó encontrarte con el éxito de la banda tan rápidamente? ¿Cuál crees que fue la clave para que DARLOTODO llegará tan rápido a llenar los típicos recintos del metal?

Muchos nos comentan lo que estas diciendo, es algo que nos pone muy contentos. Los músicos de la banda, sobre todo Lucas y yo, siempre fuimos consumidores 100% del nu metal desde sus orígenes, y salvo un acercamiento de A.N.I.M.A.L en los 2000, nunca hubo una clarísima referencia en Argentina que haya llegado alto. Nos alegra mucho cuando dicen que llegamos a ocupar un lugar que estaba vacío. Eso, y muchas amistades generadas luego de 20 años de trayectoria en la escena local, hacen que el panorama para crecer hayan sido super rápido.

-Crisálida es un disco que suena bastante orgánico, por el contrario de las producciones super comprimidas que se suelen escuchar ahora. ¿Cómo fue el proceso de grabación? ¿Cuán involucrados estuvieron luego, en la producción y detalles finales?

Es una pregunta muy interesante y que pocos medios suelen hacer. Si la levantas en las redes, la compartimos (jaja) Gracias por captarlo. Fue clave para nosotros ser disruptivos a la hora de grabar y mezclar el material… te la hago super simple. Decidimos NO utilizar ningún tipo de soft para afinar voces. Lucas esta orgánico y expuesto al 100% y decidimos también dejar errores. Queríamos captar esa energía del primer take, no buscando perfección, si no algo más orgánico, emocional. Los bajos del disco están one take por ejemplo y no editados. Eso lo tenemos incorporado de discos producidos por Ross Robinson (productor de Korn, Slipknot, Limp en sus primeros álbumes), no buscar perfección si no un sentimiento, algo que esta ahí mágico en la toma.

-Es muy común con ustedes las colaboraciones con otros músicos, como es el caso de Claudio Oconnor o Marcelo Corvalán. Se nota la sinergia que hay con ellos. ¿Cómo se da ese encuentro con esos artistas? ¿Surgen de casualidad? ¿Se buscan? ¿Y si tuvieras que elegir a un músico internacional para el próximo disco?

Todos los featurings que fueron surgiendo son con amigos a los cuales les produzco material de videoclip hace años. El tiempo afianzó una amistad y nos da lugar a proponerles sumarse a canciones. Algo muy interesante es que jamás un artista nos dijo que no, y además, no voy a revelar nombres… pero muchísimos grandes artistas nos escribieron para hacer feats también. Seremos una especie de bizarrap del metal a futuro? 

-Algo que me gusta preguntarles a todos los artistas, es sobre su percepción de la actualidad de la escena del metal. ¿Notas diferencias a la hora de hacer música entre la actualidad y hace 10 o 20 años atrás? ¿Hay algo que extrañás?

La escena esta cambiando muchísimo y rápidamente, sobre todo con la implementación de nuevas tecnologías y códigos, donde ya un álbum no es escuchando tanto por su idea, audio, si no quizás por cuantos reels graciosos haces para moverlo. Nosotros no nos subimos a esa. Nos enfocamos muy tranquilos en seguir con este formato casual y sincero de comunicación como somos realmente, sin crear personajes, nos mostramos tal cual somos, todos los saben.

Otro factor en esta etapa de cambios es que hay muchísimas bandas y es muy fácil grabar música, lo que hace que el mercado este lleno de opciones. Combinado con que no hay plata y quizás no hay ganas de ir a tantos shows también genera que muchas veces te plantees “debemos salir de gira lejos? Si todos cortan pocos tickets”, “es preferible destinar más tiempo a videos para mostrarte al mundo que a hacer tour local y que te vean en persona?”, “debemos invertir en publicidad en vez de mejores instrumentos o hardware? (por ejemplo), al igual que muchos estamos tratando de descifrar la nueva escena para encajar en el formato, pero siempre como prioridad siendo fieles a nosotros.

-Es sabido que, al menos en Argentina, es grandísimo el esfuerzo que tienen que hacer los músicos para producir los discos, planificar las giras, etc. Ahora están empezando a llevar la música de la banda a todo el país, recorriendo varios lugares. Se que vendrán en un meses a Bahía…logística, costos, tiempos ¿Cuál es el mayor desafío o sacrificio que tienen que hacer para salir a la ruta y armar los recitales? ¿Es todo autogestión o se apoyan en alguien más?

En DARLOTODO estamos en el momento de transición de formato, autogestión independiente, a el salto a la A, por así llamarlo, donde están artistas más reconocidos, amigos nuestros, que vemos tienen otros arreglos. En este momento los costos no dan para viajes en avión, hoteles de buen level. Estamos en un momento donde la prioridad es viajar y mostrarnos a nuevo público, eso elegimos nosotros, pese a muchas veces ponerle el cuerpo al 100%. Me estas hablando del show que se viene en Bahia por ejemplo… muchos no van a saber esa noche que el esfuerzo no es solo total sobre el stage, si no que son 3 shows, 2 días seguidos: MDQ, Bahía y Gonzales Chavez. Todo al volante manejando nosotros mismos, descansando mal, comiendo super mistery… pero hoy por hoy lo elegimos, lo estamos dando todo para llegar a esa gente que nos pide en todos lados con mucho amor.

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-Y hablando de giras, vi que están tocando (y van a tocar) mucho bajo el marco del festival S1ckfest. Para mí, un golazo, tener un festival que le dé cabida a lo alternativo…creo que es la 1ra vez que se arma una movida así para distintos lugares del país ¿Formas parte de la producción? ¿Cómo surgió todo?

Gracias por el interés por el festival. Nos pone muy contentos cuando medios y gente nos comentan que están fascinados el formato del S1ckfest. Todo surge cuando un año atrás productores nos querían llevar a sus localidades pero nos comentaban que no sabían en que formato o contexto meternos como banda 100% nu metal. Lo que se nos ocurrió con Horacio, nuestro Manager, es tratar de revivir el formato mas familiar y de fiesta que se veía en un show en Estados Unidos en los 2000 llamado “Family Values” creado por Korn, donde el tour giraba con muchas bandas de diversos géneros, y se le daba un formato de fiesta alternativa donde toda la noche había música del género y era mas clima de fiesta que un show en si. El concepto de músicos viajando y conociendo otras bandas y exponentes locales, juntándose con la gente cara a cara, tomando un trago, compartiendo unas horas, es algo hermoso que está creciendo. Estamos muy orgullosos del festival.

-Creo que, a esta altura, preguntarte por las influencias musicales es cuanto menos, cliché (jaja). Pero…bien sabemos que sos multifacético en cuanto a arte refiere ¿Qué te inspiró a llevar adelante una carrera en producción audiovisual? ¿Algún referente que te haya influenciado? ¿El laburo más grande que hiciste?

En los 90s me fascinó la industria musical desde el lado de lo visual, con canales como MTV. Me cambio la vida. Siempre sentí una gran pasión por ese contenido y me movilizaba la idea de la música y “verla” por así decirlo. Es ahí donde consumía todo tipo de música y videos, incorporando recursos que implemento hoy. Años mas tarde entraba a estudiar la carrera de cine en La Plata y armaba mi primera banda. Nunca abandone esa línea, 25 años ininterrumpidos de destinar mi tiempo a la industria de la música y su faceta visual.

El más grande laburo…no tengo respuesta concreta, pero si te puedo decir que hoy por hoy laburo y produzco los artistas número 1 que siempre veía por tv y me quedaba flasheado. Ser “el productor del metal” como me dicen muchos es el gran laburo, que me llamen una y otra vez Andrés Giménez, Walter Giardino, Corvex y Cesar Andino y muchos otros, me hace tan bien al alma.

-Mira, esta pregunta va más de curiosidad y es un poco más personal. ¿Piensan sacar Crisálida en formato físico?

Lo vamos a hacer físico, ya arreglamos con una compañía que nos va a hacer unas hermosas copias y van a estar disponibles el 5 de septiembre en El Teatrito en la presentación oficial.

-Bueno, antes de despedirnos, saludarte y decirte que los esperamos en Bahía y, además, una última pregunta que no puedo dejar pasar ¿Qué se viene en el futuro próximo de DARLOTODO?

Se vienen 3 featurings explosivos al hilo. Te diría que todo 2026 son featuring antes de encarar el nuevo disco, el tercero. Nos vemos en Bahía, crack! Saludos!

Mammon’s Throne es una interesante banda australiana de Doom Death Metal, con un sonido único, pesado y ominoso. Su último trabajo, “My body to the worms”, me ha dejado personalmente hipnotizada. Y hoy tenemos la suerte de hablar de todo esto con Matt, su vocalista y letrista.

Buenos días y muchas gracias por concedernos esta entrevista.

En primer lugar quiero felicitaros por el nuevo disco, el tercero de vuestra carrera. “My body to the worms” es un trabajo impresionante, pesado, ominoso, e hipnótico. ¡Se ha metido en mi cabeza!, por favor ¿podéis hablarme un poco más del proceso creativo del disco?

Muchas gracias por contactarnos y charlar con nosotros. Me alegro mucho de que estés disfrutando del álbum. Ha sido un largo camino hasta que por fin ha visto la luz y estamos encantados de que ya esté disponible.

Solemos componer las canciones todos juntos en la sala de ensayo. Normalmente, alguien trae una idea y a partir de ahí la desarrollamos improvisando juntos. Excepto en “Every Day More Sickened”, todas las voces se componen sobre la marcha y se perfeccionan tras ensayar las partes varias veces. A veces, otro miembro de la banda tiene una idea que encaja bien con la original en la que estamos trabajando, o simplemente se nos ocurre sobre la marcha. Es un proceso muy orgánico y parece que nos ha funcionado bien hasta ahora. Nos esforzamos mucho para que el resultado final sea coherente y se ajuste a la narrativa que queremos transmitir en cada canción.

Es un álbum muy completo, en el que habéis incluido algunas piezas especiales que sirven de transición a otras y en las que habéis introducido elementos extra, que van más allá de la formación instrumental de la banda: como “At the Threshold of Eternity” con ese teclado tan bello y como “Clandestine Unholy Rites”, muy atmosférica, con sonidos propios de un cementerio embrujado. ¡Muy impresionante! Quería preguntaros ¿es difícil componer algo así?, ¿le daréis un uso en los directos?

De hecho, compuse “Clandestine Unholy Rites” antes de terminar el álbum para usarlo en nuestros conciertos como introducción a “Elixir”, así que tenía mucho sentido incluirlo en el álbum para transmitir ese aspecto de nuestros shows y capturar esa misma atmósfera. Nuestro guitarrista principal, Amesh, compuso y grabó “At the Threshold of Eternity” para introducir la segunda cara del disco cuando estábamos pensando en cómo sonaría el álbum en formato LP físico. También fue compuesta para que encajara bien con “An Angel’s Grace”. 

No diríamos que fue difícil, porque fue muy divertido trabajar con paisajes sonoros e instrumentos diferentes a los del resto de las canciones. Amesh y yo somos apasionados de la grabación, el trabajo con sintetizadores y la producción de audio en general, así que fue un proceso muy agradable.

Hablando de ese “Clandestine…” quería preguntaros por la canción que suena a continuación: “Elixir”. Me ha cautivado, tanto por su sonido (que habéis calificado de “Funeral Slam”), como por su sugerente videoclip: me llama mucho la atención elegir a una mujer para el papel de Nosferatu, decisión que aplaudo (y Bailey Dior está estupenda). Por favor, habladme más de la canción y el vídeo.

Teníamos muchas canciones extensas y complejas escritas para el álbum y sabíamos que queríamos incluir algo un poco más simple y contundente. También se nos ocurrió la idea de probar un breakdown con influencias hardcore en una canción, y esto nos llevó a “Elixir”. La letra de “Nosferatu…” originalmente era solo un estribillo provisional, pero después de probar otras ideas, ninguna impactó tanto y terminó siendo la elegida, y el resto de la letra de la canción se escribió alrededor del estribillo. 

Cuando decidimos que queríamos hacer al menos un vídeo musical para acompañar el álbum, “Elixir” fue la opción obvia para nosotros. Amesh habló con su pareja, Bailey, y ella estaba muy entusiasmada por participar. Nos gustó la idea de que Nosferatu fuera una mujer, ya que es algo diferente a la representación habitual. Se nos ocurrieron muchas ideas para escenas que podríamos filmar de manera realista en un videoclip y encontramos un espacio que funcionaba extremadamente bien para la idea, con muchos accesorios y ambientación que se prestaban sin esfuerzo al tema. Nuestros colaboradores nos prestaron una ayuda increíble en todo, desde el maquillaje hasta la ambientación, y fue un placer trabajar con el videógrafo Lord Rob Satan. Logramos grabar todo en un solo día y estamos sumamente satisfechos con el resultado.

“Departed”, otro de vuestros singles con videoclip, parece seguir esta fórmula maestra, bebiendo de la imaginería cinematográfica (esta vez del gothic western) y dando un protagonismo elegante a la figura femenina de Bridgette Baini. Pese a estas similitudes, ambas suenan muy diferentes y únicas. Ese “my body to the worms” tras el breakdown de la canción me parece sublime. Habladme por favor también de esta pieza.

Este tema surgió de una sencilla progresión de acordes que Amesh aportó, una especie de vals sombrío. Johnny, nuestro guitarrista rítmico, y yo somos grandes fans de la banda Wayfarer y de la atmósfera gótica occidental que aportan a su black metal. También soy un gran fan de Fields of the Nephilim, que hizo algo similar con la música gótica allá por los 80. Sabíamos que esta era la base perfecta para dar rienda suelta a nuestra creatividad y hacer una interpretación del tema al estilo de Mammon’s Throne. Tras disfrutar tanto de la creación del videoclip de “Elixir”, decidimos hacer dos más, y “Departed” fue la siguiente canción que abordamos. Johnny ideó un magnífico storyboard para las escenas y, muy amablemente, nos cedieron el espacio de arriba de uno de nuestros locales favoritos, “The Bendigo Hotel”, para filmar. Trabajamos con el mismo videógrafo que para “Elixir”, pero conseguimos capturar una atmósfera completamente diferente. El nombre del álbum se tomó posteriormente de la letra final de esta canción.

Ya que hemos pasado por dos canciones con influencias del cine, y sabiendo que tomáis el nombre en un principio de los cómics de Spawn. Quiero preguntaros, ¿hasta qué punto la cultura underground es una fuente de inspiración para vosotros? (los cómics, literatura pulp, cine de terror, videojuegos…)

Aunque no solemos escribir canciones directamente sobre películas o franquicias de videojuegos, estas influyen en algunas de mis letras y forman parte importante de mis aficiones, por lo que son una parte fundamental de mi personalidad. Por ejemplo, “Abhorrent Skies”, del primer álbum, está inspirada en “Expediente X” y usamos algunos sonidos de la serie original como introducción cuando tocamos esa canción en directo. H.P. Lovecraft y sus mitos de horror cósmico también son una gran inspiración. Algunos fans de Warhammer 40K quizás hayan notado la primera línea de “Return Us to the Stars”, que dice “All is dust…”. Esas son algunas de nuestras referencias.

Además, tocáis grandes temas universales: la codicia, el existencialismo, la oscuridad del alma humana… ¿Hasta qué punto la crítica social y la filosofía son fuentes de inspiración para vosotros?

Suelo escribir sobre temas que me causan angustia mental en mi vida personal, a modo de catarsis, y encajan a la perfección con la música profundamente emotiva de la banda. No diría que me interese mucho la filosofía; son más bien observaciones sobre el lado oscuro del mundo que nos rodea.

Sois una banda con rodaje, pero relativamente joven, aún no habéis cumplido los 10 años juntos. Y sin embargo vuestro sonido se nota muy depurado, tenéis un registro muy propio y característico, que otras bandas tardan mucho más en alcanzar. ¿Cómo ha sido este viaje para encontrar vuestro sonido?, ¿o quizás es algo que se estableció desde el principio?

El tiempo se nos ha pasado volando y creo que la pandemia tuvo mucho que ver. Estuvimos en confinamiento estricto poco después de lanzar nuestro primer álbum, y la pausa que esto provocó hizo que nuestro segundo álbum saliera bastante más tarde de lo previsto. En realidad, parece que solo llevamos unos cinco o seis años como banda activa debido a esta pausa involuntaria en las giras y los ensayos. En retrospectiva, nos dio tiempo para reflexionar sobre la dirección que queríamos darle a la banda, y salimos del confinamiento con mucha agresividad y energía reprimidas que se tradujeron en la incorporación de más elementos de Black y Death Metal en nuestra música. Ya estaban presentes en el primer álbum, pero no tan integrados en la atmósfera general como ahora, y estamos muy cómodos y satisfechos con la identidad de la banda tal como está ahora.

También quisiera preguntaros por el aspecto estético de la banda. Está claro que os gusta lo retro, tanto en los vídeos (lo hemos visto especialmente en “Every Day More Sickened”), como en la portada de los discos que también tienen un estilo de alguna forma clásico (aunque con vuestro toque único). ¿En qué os inspiráis en el apartado estético de la banda?

Somos grandes admiradores del arte impactante y llamativo, y los 80 y principios de los 90 sin duda lo tenían en abundancia. Tenemos la suerte de contar con un grupo de amigos cercanos que son artistas radicados en Melbourne, y su estilo retro de heavy metal complementa a la perfección la música de nuestra banda.

Oscar Bonin, quien realizó el arte de “My Body to the Worms” y del álbum anterior (“Mammon’s Throne”, homónimo de la banda), encaja a la perfección con nuestro sonido y siempre logra crear algo que nos deja boquiabiertos. También hemos trabajado mucho con Dave Long/Thulsa Doom, quien diseñó nuestro logo y otras obras de arte. Nos encanta poder apoyar a artistas locales y la simbiosis natural que existe entre el arte y nuestra música.

El vídeo de “Every Day More Sickened” fue un esfuerzo consciente por recrear los gloriosos días de MTV y Rage en Australia, ya que estos vídeos fueron los que nos influyeron cuando éramos jóvenes y estábamos descubriendo el metal por primera vez.

Por cierto, “Every Day More Sickened” es una pieza estupenda y totalmente única y la cual vosotros habéis señalado en entrevistas que era la que más ilusión os hacía mostrar al público: ¿por qué es así? y ¿está teniendo la acogida que vosotros esperábais?

Esta fue la última canción que escribimos para el álbum y sentimos que representaba todo lo que la banda tenía para ofrecer. La terminamos el día antes de grabar el álbum y la sensación de alivio al completarla y el triunfo que sentimos al escucharla grabada fue eufórica. Dicho esto, hay muchas emociones personales en la banda en torno a la canción y parece que a los oyentes también les ha gustado mucho. Creo que la letra está conectando con mucha gente y también aprecian todos los giros y cambios que toma la canción.

Todo lo que llega desde Australia suele triunfar muchísimo en España: ACDC, Mad Max y, por supuesto, Bluey 🙂 En los 90 todos los adolescentes españoles estábamos obsesionados con “Heartbreak High”. ¿Hasta qué punto la identidad de la banda está ligada a la identidad de vuestro lugar de origen?

Creo que nos hemos sentido un poco como la oveja negra de la escena doom de Melbourne, ya que nos hemos inclinado cada vez más hacia las influencias del doom europeo en lugar del sludge sucio y el stoner doom de muchos de nuestros compatriotas, que son geniales por derecho propio. Así que, en cuanto al sonido, no estamos seguros de que haya una gran influencia, sino más bien la cultura, la fuerza y ​​la musicalidad de la escena en sí. Hemos recibido un apoyo increíble de otras bandas y del público desde el principio y estamos eternamente agradecidos a todos con los que hemos compartido escenario o nos han contratado, y también a todos los que siguen viniendo a apoyar la escena del metal australiano. ¡Ojalá podamos añadirnos a la lista de exportaciones australianas que triunfan en España! Sin duda, hay muchas bandas australianas que merecen más reconocimiento internacional.

Actualmente estáis trabajando en la promoción y gira de “My body to the worms”: ¿cómo está siendo acogida esta nueva etapa de Mammon’s Throne?, ¿tendremos la suerte de poder disfrutarlo en directo en España en el futuro próximo?

Diría que está teniendo una muy buena acogida. Siempre buscamos mejorar nuestros conciertos y la respuesta del público nos confirma que esto se está transmitiendo claramente. Fue genial poder tocar el nuevo álbum completo en nuestro concierto de lanzamiento en Melbourne ante un público que estaba allí para celebrar con nosotros, y su apoyo con la venta de merchandising fue fenomenal.

Estamos buscando la manera de ir a Europa próximamente. Cuantos más fans apasionados tengamos, más fácil será lograrlo, así que esperamos que la gente hable de nosotros a sus amigos y se haga oír. La colaboración con Hammerheart nos ha abierto muchas puertas y estamos listos para darlo todo.

Muchas gracias por vuestro tiempo y vuestras respuestas. Enhorabuena por el buen trabajo.

Antes de su concierto en Barcelona, tuvimos una breve charla con Jay Valentine, vocalista de Guilt Trip, donde hablamos de su relación con España, nueva música y su identidad sonora.

– Hola hombre ¿Cómo estás?
Encantado de conoceros

– Así que estáis aquí en Barcelona. Comenzando esta gira español-portuguesa y luego os vais a los Estados Unidos Has estado aquí tres veces creo que al menos con Architects, aquí en razzmatazz3 y ahora la tercera vez. ¿Cómo os sentís de gira en España y Portugal? ¿Qué es lo que más os gusta de España?

Sí, um. lo que más me gusta de España es el clima. definitivamente está bien porque siempre está lloviendo de donde somos en Manchester pero es genial venir a España siempre lo pasamos bien los shows siempre son buenos, el público siempre es muy divertido así que sí, estamos emocionados de estar aquí. me alegro de estar de vuelta. creo que es nuestra cuarta vez en España en general. tocamos en Resurrection Fest todo el headliner de Malevolence, un headliner hace un par de años y luego con Architects.

– Os vi abriendo para Malevolence fue un espectáculo loco, fue bastante pronto creo que eran como 5:30 algo así pero era una energía loca, así que chicos. habéis sacado tres canciones nuevas este año y creo que van bastante duras como siempre hacéis, oye. ¿Qué podemos esperar de Guilt Trip este año? ¿estáis trabajando en un álbum? un ep si puedes hablar de ello por supuesto o simplemente estáis pensando en lanzando singles?

Sí, tenemos un disco completo casi listo para salir. vamos a anunciarlo en las próximas semanas y sí eso es probablemente todo para el año. tenemos algunos tours y cosas cerradas. estamos muy emocionados de sacarlo. es un álbum completo así que espero que la gente lo disfrute.

– Perfecto y quería preguntarte sobre el la sensación de que estáis en un punto intermedio entre el metal moderno y el metal más clásico. sois una mezcla entre yo diría Hardcore/Thrash/Metalcore si estoy en lo cierto, ¿Cómo lo sentís vosotros? porque siento que la producción es de primera categoría pero manteniendo la vibra de la vieja escuela. ¿es eso cierto o…?

Sí, eso es correcto. Nos gusta la buena producción. creo que si suenas bien y “crujiente” la gente se mete mucho más fácilmente pero todas las bandas de las que nos inspiramos son viejas bandas como Machine Head, Devil Driver, cosas así y luego en el lado duro bandas como Sick Of It All, Biohazard, Madball, Terror, etc., así que todas nuestras influencias son como de hace más de 20 años. así que probablemente por eso sonamos como de la vieja escuela, sí. y luego buscamos una suene actual. ese es el aspecto moderno de la banda. creo que es una buena mezcla y tenemos gente ya sabes, gente más joven en los shows. y también tenemos muchas personas mayores así que es una buena mezcla y sabes que la gente lo aprecia.

– Creo que estáis dando el gran paso ahora o esto siento luego de aquí y Portugal, si no estoy equivocado, os vais a los Estados Unidos ¿Sentís un poco más de presión ahora? o seguís con las mismas sensaciones, sabes como toda la vibra de la vieja escuela…

No diría presión. siento que lo estamos disfrutando por lo que es. entendemos que es como si tal vez nuestro parche morado en este momento. crecer más, tal vez no lo hagamos pero lo estamos tomando con calma disfrutándolo por lo que es y nos lo estamos pasando genial haciéndolo. así que cuantos más shows podamos hacer, cuantos más tours, mejor para nosotros.

– Entrevista corta pero ha sido un placer, hombre. Muchas gracias amigos, esto ha sido Guilt Trip. así que nos vemos en el moshpit.

¡Cuánto me alegra ver triunfar a Opera Magna! Llevo años escuchándoles y son una de mis bandas españolas favoritas de todos los tiempos. Durante años los he considerado también de las bandas más infravaloradas en nuestro país, ya que, aunque siempre están en el panorama, creo que deberían estar sonando mucho más y teniendo una mayor cobertura por su calidad musical, virtuosismo y carisma. 

Desde luego, ¡sigo pensando que deberían tener más repercusión! Pero están en un gran momento: enlazando el final de su gira con Angra con su propia gira nacional para celebrar el aniversario de su disco Poe, regrabando algunos de sus éxitos con invitados de excepción y exportando su música hasta Japón.

Hemos tenido la suerte de poder hablar sobre todo esto con Enrique Mompó (principal compositor y miembro fundador junto a Francisco Javier Nula) y José Vicente Broseta (vocalista) y espero poder verles una vez más en directo en uno o más de sus próximos conciertos:

• 2 de mayo en Sala Rockville, Madrid
• 22 de mayo, sala Spectrum, Murcia
• 30 de mayo, sala Azkena, Bilbao
• 24 de julio, Concerts de Vivers, Valencia + Warcry
• 22 de agosto, Castrillo Metal Fest, Murcia

Buenos días, muchísimas gracias por concedernos esta entrevista. En primer lugar: ¡felicidades! Parece que estáis viviendo un momento muy dulce para la banda, con esta gira de aniversario, justo después de estar de tour con Angra y con vuestros éxitos internacionales ¡abriéndoos camino en un mercado tan importante como Japón! Por favor, contadme un poco cómo estáis viviendo esta etapa de Opera Magna y qué circunstancias la han propiciado.

José Broseta: Por mi parte, estoy muy contento con el material más reciente como “Heroica”. Creo que hemos tenido una evolución muy natural, siendo fieles a nuestro estilo como banda.

Lo de Japón está siendo muy especial: trabajar con Red Rivet Records es un placer. Ya editaron en su momento “Poe” y “Del amor y otros demonios”, y es muy bonito ver que siguen interesados en nuestros nuevos lanzamientos y que los discos se mueven tan bien allí.

La gira con Angra fue increíble por la exposición que supuso y por compartir escenario con artistas a los que llevamos tanto tiempo admirando. Además, conocer a la gente de Arwen fue un regalo: fueron compañeros excepcionales durante todas las fechas. También fue un reto técnico para nosotros y para nuestro técnico habitual, pero conseguimos salir del paso y disfrutar muchísimo de la oportunidad.

Ahora mismo estáis regrabando varias de las canciones de “Poe” con colaboradores muy interesantes: ¿cómo surgió esta idea?, ¿podéis adelantarnos un poco más sobre qué nos queda por ver? ¿Y sacaréis un álbum en formato físico con estas regrabaciones?

José Broseta: La idea surgió cuando nuestro diseñador habitual, Fernando Nanderas, nos destacó el hecho de que se cumplían quince años del lanzamiento de “Poe” en 2025. Estuvimos dándole vueltas a ver que podríamos hacer para celebrarlo y decidimos que era buena idea rodearnos de amigos y gente cercana a la banda para esta ocasión.

Para mí ha sido genial poder contar con voces que admiramos y que nos han inspirado durante tantos años. Es increíble pensar que ha pasado tanto tiempo desde la edición original y que los temas nos sigan sonando frescos, que sigamos teniendo ilusión por tocarlos y por revisitar ese universo.

Respecto a lo que queda por ver… aún hay colaboraciones muy especiales que estamos deseando anunciar. Y sobre el formato físico, sí, tendremos en nuestros conciertos el EP “POE XV Redux” a la venta y, en breve, en nuestra página Web.

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Por cierto, que “Heroica” no ha sido vuestra primera incursión en aguas internacionales, ya grabasteis versiones en inglés de “Del amor y otros demonios”. Por favor, habladme de aquella experiencia.

José Broseta: Fue un proceso muy intenso. “Del amor y otros demonios” ya era una obra exigente en sí misma, y revisitarla por completo para hacer la versión en inglés supuso un esfuerzo enorme. Pero también fue una experiencia muy enriquecedora: nos obligó a mirar el disco desde otra perspectiva, a reinterpretar matices y a adaptarnos a un idioma que tiene una musicalidad distinta (lo cual fue posible gracias a la inestimable ayuda de Ada Murillo, que hizo un trabajo increíble adaptando las letras).

Tengo que decir que precisamente “Del amor y otros demonios” ha sido un álbum muy importante para mí, y que mi hijo de cinco añitos podría cantaros entera “Donde latía un corazón” de lo mucho que la pongo en casa. ¿Tenéis pensado darle también una nueva vida a este álbum en el futuro como estáis haciendo con “Poe”?

José Broseta: A corto plazo no creo que vayamos a hacer algo similar, como te comentaba, fue una obra muy intensa y la versión en inglés ya nos hizo revisar todo ese trabajo. Pero quién sabe lo que pasará en un futuro, puede que en unos años sintamos que queremos hacer algo. También ha sido una obra importante para nosotros.

Opera Magna se caracteriza en mi opinión por ser una banda muy referencial, no sólo en sus letras, sino también en la música, con guiños y referencias muy variadas y que entiendo que vienen sobre todo de la mano experta de Enrique Mompó y que al menos yo agradezco mucho poder reconocer aquí y allá. Por favor, Enrique, ¿puedes hablarnos de tus fuentes de inspiración preferidas? 

Enrique Mompó: La inspiración viene directamente de lo que escuchas, lo que trabajas y lo que admiras. Siempre estoy a la caza de cosas que me puedan servir para mi propio trabajo, para Opera. 

La música y la creación, no vienen de la nada, el arte es una herencia y un legado que se mueve influenciándose de generación en generación. En mi caso la influencia ha sido muy diversa a lo largo de los años, al principio venía de las bandas más representativas del power metal del 2000 hasta los maestros por todos conocidos de la música clásica. En años posteriores me influenció más todo el tema de las bandas sonoras: John Williams, Danny Elfman… También me ha influenciado mucho el maestro Seiji Yokoyama, que posee una sensibilidad fuera de lo común, o Thomas Bergersen, que es una fuente inagotable de ideas. 

En todo caso, Enrique, componer para una banda tan exigente en lo instrumental como Opera Magna, que requiere no sólo riffs pegadizos, sino también un trabajo intenso de orquestación, no debe ser nada fácil ¿puedes hablarnos del proceso creativo? 

Enrique Mompó: Bueno, es trabajo lento y tedioso, porque se parte de una idea concreta, y hasta llegar a completar toda la canción, hay muchas tomas de decisiones. Ahí es donde creo que esta el punto de inflexión: ser crítico y ver las diferentes posibilidades en las que puede convertirse una canción. 

Normalmente trabajo la melodía y la armonía a la vez. Cuando tengo una idea interesante la maqueto con varios arreglos, hasta encontrar el que más le pega. Voy puliendo la sección y la continúo con una o dos ideas posibles. Es importante trabajar, reposar y escuchar. Pero lo más importante es tener intuición u olfato, que es esa cosa que te dice que una idea es mejor que otra en función de tu propio valor estético. Para mí la mejor brújula es la emoción. 

Pero si Opera Magna es exigente en lo instrumental, también lo es y mucho en la voz, por favor José, ¿puedes hablarnos un poco de cómo es cantar en Opera Magna?, ¿cómo preparas y cuidas tus habilidades vocales?

José Broseta: Te puedo decir que últimamente lo que más estudio es el repertorio de Opera Magna y cómo poder llevarlo al directo en condiciones. Es un material muy exigente y quiero afrontarlo con la mayor solidez posible.

Trabajo con un coach vocal en Valencia, Alberto Andrade, que me ayuda a cantar de forma saludable y a mantener la técnica en su sitio. Eso me permite relajarme en el escenario, disfrutar de la actuación y no comprometer mi salud vocal.

Por cierto, José, que siempre apareces en las listas de mejores vocalistas de metal en España ¿Cómo es estar en la vanguardia de este género en nuestro país? 

José Broseta: Es algo que agradezco muchísimo, sobre todo porque viene del cariño del público, pero no puedo evitar sufrir un poco de síndrome del impostor cuando veo mi nombre al lado del de cantantes consagrados. Aun así, es genial ver que puedo conectar con la gente y eso es todo un honor.

Ambos tenéis proyectos paralelos que no solo conviven bien con la banda, sino que hasta generan sinergias positivas ¿queréis contarnos un poco al respecto? 

José Broseta: Es cierto que en el pasado me he implicado bastante en otros proyectos, como Systemia, pero hace ya un tiempo en el que estoy centrado en Opera Magna. La excepción sería The Backseats, un grupo de covers en el que comparto escenario con músicos increíbles como Joan de Gigatron, Monty Peiró ex-Sweet Little Sisters (y mil proyectos más) Davish de Angelus Apatrida, Cristobal ex-In Mute, Vicent ex-Toxia, con los que hacemos un concierto súper especial al terminar el año…pero aparte de eso, solo participo en algunas colaboraciones como la más reciente con Íseldur o las repetidas veces que he tenido la suerte de grabar para “Legado de una tragedia” de Joaquín Padilla.

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Por cierto, Enrique, que en cada uno de tus grupos tocas diferentes instrumentos, ¿hay algún cacharro al que no sepas sacarle música? 🙂 Y ahora más en serio: ¿qué objetivos futuros tienes en lo instrumental?, ¿hay algo que aún no hayas probado y que tengas en mente incorporar? 

Enrique Mompó: Cada instrumento ha llegado en un momento vital diferente, atendiendo a un interés o una necesidad. Cada instrumento me ha llevado a un sitio diferente, y me ha hecho entender un poco más la música. Me encantaría tocar todos los instrumentos del mundo, pero me conformaré con las librerías de sonido. Ahora mismo con la cantidad de carga de trabajo, conciertos y compromisos de la vida adulta, es difícil encontrar tiempo para desarrollar todas las facetas que me gustaría. El poco tiempo del que dispongo lo uso para componer, producir, tocar de forma distendida, y repasar repertorios.

Quiero preguntarle lo mismo a José: que, como muchos de los más grandes, comenzaste a cantar un poco de casualidad (ya que antes tocabas la guitarra en otro proyecto), que sorprendiste a todos empezando directamente con un nivel altísimo, y que además cada año nos sorprendes con una performance aún mejor: ¿qué nuevos objetivos o metas tienes en el uso de tu voz?, ¿hay algo que aún no hayas probado y que tengas en mente incorporar?

José Broseta: Mi objetivo a nivel vocal ahora mismo es seguir entrenando la técnica que me permita hacer los conciertos de Opera Magna con la exigencia necesaria, estoy al 100% con ello. Estaría bien seguir ampliando registros y recursos, pero ahora lo que más me motiva es poder disfrutar del directo y dar el máximo en cada actuación.

Para finalizar: ¿Cuál es el futuro de Opera Magna? 

José Broseta: Ahora mismo nuestro futuro inmediato es celebrar en directo esta gira del 15 aniversario de “Poe”. Además, es la primera gira desde que Juan Lahuerta es oficialmente batería de la banda, y estamos deseando que la gente pueda vivir estos conciertos con nosotros. 

Después de eso, lo normal sería pensar en material nuevo, pero no es algo que tengamos decidido aun.

Muchas gracias por contestar esta entrevista y por hacer lo que hacéis. Nos vemos en vuestra gira de aniversario, que ya empieza con primera parada en Zaragoza. Si queréis añadir alguna impresión relativa a esta inminente gira ¡es el momento!

José Broseta: ¡Gracias a ti por la entrevista! Pues aprovecho para decirle a la gente que nos hace mucha ilusión traer de nuevo al 2026 el legado de nuestro disco “Poe”, ya que fue un álbum que nos definió como banda. Va a ser una gira muy especial, ¡esperamos ver a todo el mundo!

Assignment es una banda originaria de Alemania, a menudo etiquetada como metal progresivo, con un sonido muy único y depurado. Llevan componiendo desde principios de los 90 y acaban de sacar su último álbum de estudio With The End Comes Silence, un disco futurista y distópico, a la vez lleno de pasajes delicados y evocadores. Hemos tenido la oportunidad de hablar de ello con su fundador, Goran Panić.

Buenas tardes, soy Cristina de Track To Hell, muchas gracias por concedernos esta entrevista. Lo primero, quisiera daros la enhorabuena, la banda lleva recorrido un largo camino desde 1994, más de 30 años de trayectoria, y ahora acabáis de sacar un estupendo álbum, With The End Comes Silence, que demuestra que estáis más vivos que nunca. Por favor, Goran, ¿puedes hablarnos un poco de esta actual etapa de Assignment?

Bueno, desde nuestra perspectiva, es un paso más en nuestro viaje musical. Es nuestro tercer disco con Diego Valdez en la voz, así que ahora hay una estabilidad consolidada, y aparte de la salida de nuestro tecladista de siempre, Gert Sprick, la formación también es la misma. Como banda, y yo como principal compositor, el objetivo es el mismo de siempre: intentar mejorar y sonar mejor en cada lanzamiento. Si no creyéramos en lograrlo, no nos molestaríamos en hacerlo.

Y en tu opinión ¿han evolucionado también las cosas a vuestro alrededor?, ¿cómo valoras la escena del metal progresivo en los últimos tiempos? ¿Y qué papel juega la IA en este ámbito artístico?

En general, no me gusta el término “progresivo” en lo que respecta a la música. Me niego a que me llamen progresivo, ya que se asocia con ciertos rasgos distintivos de nuestro sonido: canciones largas, compases irregulares, cambios de tempo y demás. Amigos, todo esto se hizo hace mucho tiempo… Se podría decir que Kansas o Rush son progresivos, pero como ya dije, ellos ya hacían eso en los años 70… Supongo que el nombre se convirtió en el cajón de sastre que la industria musical necesita para etiquetar el producto… Así que, en realidad, lo que prefiero es incorporar diferentes estilos a la música, que puedan crear distintos paisajes sonoros. 

Y nuestra opinión sobre la IA la dejamos clara en el libreto que acompaña el disco: estamos totalmente en contra porque creemos que deshumanizará a la humanidad y acabará con todas las formas de arte.

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Estoy fascinada por With The End Comes Silence, sobre todo por su tema central. Desde la portada se insinúa la distopía, un aspecto que se desarrolla muy bien en la letra de la canción homónima. ¿Te inspiraste en la realidad para escribirlo o es todo ciencia ficción?

Desafortunadamente, en la realidad actual del mundo. Y el hecho cada vez más evidente es que la humanidad no aprende de su pasado. Ese es un punto, además del que mencionaste antes: el desarrollo tecnológico, que se está volviendo inquietante, lenta pero inexorablemente. En resumen, el futuro no pinta nada bien, desde luego no está hecho de rayos de sol y arcoiris…

Musicalmente, es un álbum muy completo, atmosférico y evocador. Me encanta su estructura y el equilibrio entre los instrumentos. ¿Es difícil componer un álbum así, con tanta atención al detalle?

Quizás no sea difícil, pero sin duda requiere mucho tiempo y esfuerzo. Después de terminar la primera demo de una canción, paso a la siguiente. Cuando siento que tengo suficiente material e ideas para el álbum, empiezo a revisar las canciones para la siguiente etapa, donde pueden surgir muchos cambios. Y de una canción a otra, eso puede ocurrir una vez, o incluso varias, siempre y cuando no sienta que “ya está”.

Hablando de los diferentes instrumentos, por favor, cuéntame más sobre este teclista: Bratislav Metulski. Lo vi en tu página web y quiero saber más.

Bueno, si lo viste en nuestra página web, seguramente pudiste leer su información: es un payaso muerto, asesinado por un psicópata llamado Nihil Baxter. ¿Y has visto su foto? ¿¡Qué es esto!?, ¿verdad? Es muy divertido, además, obviamente es un personaje ficticio. Después de que nuestro tecladista de toda la vida, Gert Sprick, dejara la banda tras el álbum “Reflections”, necesitábamos un reemplazo. Pero no pudimos encontrar al adecuado, sobre todo por falta de tiempo. Cuando compongo las canciones y creo las demos, suelo incluir algunas ideas sobre lo que podrían hacer los teclados. Así que los chicos dijeron: “Goran, tendrás que hacerlo tú”. Y Goran lo hizo, pero Goran no es tecladista, así que inventé a Bratislav Metulski por ahora… Pensé que si Running Wild puede tener a Angelo Sasso en la batería, ¿por qué Bratislav Metulski no puede estar en los teclados? Así que es solo por diversión, nada más…

Ya hemos visto dos sencillos del álbum, “Fallen” y “Angel of Berlin”, cuyo vídeo me ha parecido muy bello e intrigante, con este joven caminando por la ciudad. ¿Puedes contarme más sobre esta canción y las ideas que expresa el vídeo? Me encanta.

Bueno, el vídeo refleja a la perfección la letra de la canción. Y la letra se basa en una experiencia personal. Mi empresa me envió a Berlín por un proyecto, pero esa oportunidad surgió en un momento en que estaba pasando por serios problemas personales; me sentía completamente vacío y agotado. Y de repente, conoces a alguien y experimentas cómo dos almas rotas se sanan mutuamente y se enamoran, pero sabiendo que no pueden tener un futuro juntos. Épico y trágico a la vez…

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También me impactó “With the End Comes Silence”, la canción que da nombre al álbum, que, en mi opinión, es una de las más potentes y progresivas del disco. Cuéntame más sobre ella y: ¿tendremos también un videoclip para esta canción? 

No está previsto grabar un videoclip para la canción, simplemente porque es la más larga, con 9 minutos de duración. Sin duda, es la canción más progresiva del disco, y a mi parecer, también la que tiene el estribillo más pegadizo. El tema se basa en la frase “you´ll never miss it, until it is gone away” (en castellano: “nunca lo echarás de menos hasta que se haya ido”). Esta frase se aplica al final de una vida, al final de una relación o incluso a la disolución de una banda. Pero como nada dura para siempre, hay un mensaje positivo. En la letra de la canción se lee: “Morning mist, and the sun awakes the smell of roses, with a smile, i await the end that life composes” (“Niebla matutina, y el sol despierta el aroma de las rosas, con una sonrisa, espero el final que la vida compone”).

Es cierto que suena a un final pero también a un futuro interesante. Por cierto, en tu opinión, ¿cuál es el futuro de Assignment?

Ojalá un par de discos más, ya que esto es algo que solo depende de nosotros y que siempre lo tenemos en mente. También estamos trabajando en algunos directos que, si todo sale bien, podrían concretarse muy pronto.

Ojalá que sea así, y podamos veros en directo pronto… ¿en España quizás? He notado que, a pesar de tener miembros hispanohablantes, como Diego, no soléis visitar mucho nuestro país. ¿Podremos veros en el sur de Europa en estos próximos shows en vivo?

Bueno, primero tendríamos que recibir una invitación… Otro problema es que la mayoría de los miembros de la banda tienen trabajos a tiempo completo, familias con hijos y otras obligaciones además de hacer música. No es imposible, pero sí muy difícil. Definitivamente nos gustaría y no lo descartamos.

Muchas gracias y felicidades por el buen trabajo.

¡Gracias Cristina por tu interés y apoyo! Que fluya el metal.

Dark Moor es una de las bandas más internacionales del metal / hard rock sinfónico que tenemos en España. Este sábado 18 de abril nos ofrecen la cita ineludible de su concierto de 25º Aniversario, en una fecha única en el Movistar Arena.

Hemos tenido la oportunidad de charlar hablar brevemente con su fundador y guitarrista Enrik García, sobre esta celebración y el complejo momento que atraviesa la escena actualmente. Esperamos un llenazo este fin de semana y poder seguir escuchándolos muchos años más.

Hola Enrik, muchas gracias por concederme esta entrevista. Lo primero quería darte la enhorabuena, estáis de aniversario, la banda que tú fundaste cumple ahora 25 años. Por favor, ¿puedes hablarme un poco de la etapa actual de Dark Moor y cómo estáis viviendo esta celebración?

Pues está siendo muy especial para nosotros, estamos recibiendo mucho cariño por parte de los fans y eso para nosotros es lo que nos da energía y nuestro pago por todo el esfuerzo. El pasado sábado tocamos en un festival en Dinamarca, Epic Fest, en el que nunca habíamos tocado y había literalmente miles de personas esperando para vernos por primera vez, fue muy emocionante.

La banda en la actualidad está muy centrada en estos conciertos y dar el máximo posible en directo porque nuestros seguidores se lo merecen.

Además, aquí en Madrid, nos espera este fin de semana un concierto por todo lo alto, ¿puedes ponernos un poco los dientes largos dándonos algún detalle sobre qué podemos esperar este sábado en el Movistar Arena?

Sí, va a ser un concierto que hemos preparado con muchísimo cariño y va a ser único e irrepetible. Vamos a tocar canciones que llevábamos mucho tiempo sin tocar, e incluso alguna que no hemos tocado nunca en directo, haciendo un recorrido por todos nuestros álbumes, que son once en total. 

Además vamos a contar con tres invitados de lujo: Javi Díez a los teclados que ha tocado con bandas tan importantes como Mago de Oz o Arwen, con Óscar Calvo al violín, de Cronómetro Budú, y con la soprano Mariana Otero, que creo que va a sorprender muchísimo a nuestros fans por sus dotes y el tándem que va a formar con Alfred, nuestro vocalista.

Estáis lanzando algunos vídeos increíbles con versiones en español de algunos de vuestros temas más icónicos. También tenemos canciones nuevas en nuestro idioma como “V de Vendetta”. ¿Podemos entonces adivinar un futuro nuevo álbum de Dark Moor totalmente en castellano? 

Ojalá, pero ahora mismo no hay un futuro claro para la banda, su continuidad es una incógnita para nosotros mismos. Es posible que esta gira sea nuestra despedida, pero es algo que el futuro dirá. Ojalá podamos seguir muchos años más, pero ahora mismo es complicado.

Ojalá así sea. En cualquier caso, habéis conseguido posicionaros como una banda plenamente internacional, acabáis de estar tocando en Dinamarca… ¿Qué es, en tu opinión, lo más gratificante de ser una banda internacional y cuáles son sus principales retos?

Es tremendamente complicado conseguir tocar en Europa o Asia, como lo hemos hecho nosotros. En Latinoamérica es algo más sencillo para las bandas de aquí, pero cruzar los Pirineos es muy difícil. Nosotros al cantar en inglés en la mayoría de nuestra discografía ha sido algo más fácil, pero la exigencia y competitividad que hay es muy, muy fuerte. 

Para nosotros es un honor haber podido abrir camino en este sentido para otras bandas que nos puedan suceder. Tocar en países como Japón o Corea, o en Rusia, Holanda o República Checa y ver a cientos de fans que te conocen, te siguen y te aman por tu trabajo y tu música es una de las cosas más bonitas que hemos tenido la suerte de vivir.

¿Qué otras cosas podría deparar ese futuro complejo a Dark Moor? Ya que habéis regresado al estudio, ¿podemos esperar temas nuevos próximamente?

Como te digo, ahora mismo el futuro de la banda es una incógnita. Pero también te puedo decir que yo a nivel personal tengo muchas ganas de seguir haciendo música, y de hecho tengo un disco casi completamente compuesto. Ojalá pueda ser un nuevo disco de Dark Moor.

Para finalizar, si pudieras viajar atrás en el tiempo y encontrarte con aquel Enrik de los 90 que empezaba a dar forma a Dark Moor, ¿qué consejo le darías después de todo lo aprendido?

Bueno, para mí es fácil, ya que soy profesor y director de una escuela de música y hay muchos chavales a los que aconsejo qué hacer. Lo más importante es creer en lo que haces y disfrutar de la música y de compartirla con el público. Que tengan paciencia y que donde se cierra una puerta, siempre se abre otra.

Muchas gracias por tu tiempo y ¡mucha mierda para el sábado!

¡Gracias a vosotros y vuestro fantástico medio!

La escena alternativa británica sigue dando pasos firmes, y pocas bandas lo representan mejor que As Everything Unfolds. Con una propuesta que mezcla metal alternativo, electrónica y sensibilidad pop, el grupo ha ido construyendo una identidad propia que desafía etiquetas y conecta directamente con las emociones.

Charlamos con Charlie Rolfe en un momento clave: a punto de lanzar su nuevo trabajo, un disco que promete ser el más ambicioso y personal de su carrera. Entre reflexiones sobre el proceso creativo, giras intensas y anécdotas inesperadas, descubrimos a una banda que ha aprendido a convertir la dificultad en motor creativo.

– Hoy estamos con Charlie Rolfe, cantante de As Everything Unfolds. Es un placer tenerte aquí, Charlie. ¿Cómo va todo?

Hola. Muy bien, la verdad. Son las siete de la tarde, casi la hora de cenar, así que estoy relajándome un poco para terminar el día. Todo bien.

– El nuevo disco sale el 10 de abril y he tenido la suerte de escucharlo ya. Como te decía fuera de cámaras, creo que es vuestro mejor trabajo hasta la fecha. Siempre habláis de emociones y de lo que siente la gente en distintas situaciones de la vida. ¿Cómo habéis enfocado este álbum y cómo os sentís con el resultado?

Creo que este ha sido el disco más difícil que hemos tenido que hacer nunca, por muchísimas razones. De hecho, nos llegaron las copias físicas hace un par de días y tenerlo por fin en mis manos me ha hecho sentir algo distinto; ahora siento de verdad que he creado un álbum. Pasas tanto tiempo entre correos, logística, redes sociales y correteando para que todo llegue a tiempo, que a veces olvidas que has creado algo importante.
Al sostenerlo, piensas: “Sí, yo he hecho esto”. Hemos abordado el hecho de que hemos pasado por mucho en el último año y medio, tanto a nivel individual como de grupo. Ahora me siento muy orgullosa de lo que hemos logrado. George lo resumió muy bien hace poco: dijo que este era el disco más difícil que tendríamos que hacer en la vida. Si eres capaz de superar algo así, ya puedes con cualquier cosa.

– Es muy interesante, porque aunque habláis de situaciones difíciles, el mensaje final me parece positivo; es como un viaje emocional. Además, tus voces suenan mejor que nunca, especialmente los “screams”. ¿Has estado entrenando mucho esa parte?
Creo que ha sido gracias a que no hemos parado de girar. En 2024 dimos muchísimos conciertos y mis guturales mejoraron simplemente por el hecho de practicarlos a diario. De todas formas, intento elegir muy bien dónde meterlos. A veces nos meten en el saco del “metalcore”, lo cual es curioso porque nosotros nunca hemos sentido que encajemos del todo en esa etiqueta. Sí, a veces tenemos breakdowns y usamos recursos del género, pero no diría que somos una banda de metalcore.
Para mí, los gritos son una reacción visceral. Me influyó mucho Lacey Sturm; ella decía que solo gritaba cuando sentía que era necesario, cuando la emoción no se podía expresar cantando. Nosotros no gritamos solo por complacer a la audiencia, tiene que salir del alma.

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– Es verdad. ¿Cómo describirías tú el sonido de As Everything Unfolds? Yo suelo decir que es metal alternativo, porque cabe de todo: hay breakdowns, pero también toques de drum and bass o rock puro.
Es muy difícil de definir. Supongo que rock o metal alternativo es lo más cercano. Como dices, en “Set and Flow” hay una base de drum and bass con algo de guitarra, mientras que “Gasoline” es casi pop rock. La verdad es que nos da igual si nos llaman pop o metal, nos la suda bastante (risas). Solo nos divertimos. En la banda tenemos influencias muy variadas y eso es lo que nos hace interesantes.
De hecho, no recuerdo la última vez que escuchamos metalcore en la furgoneta o antes de salir a tocar. Solemos poner cosas de la vieja escuela, electrónica o temazos nostálgicos de los 2000. ¡Nuestra canción para salir al escenario es “Let Me Entertain You”! O la de los dardos, “Chase the Sun”. Somos una banda así de rara, escribimos lo que nos pide el cuerpo.

– Hablando de otros grupos, hace poco anunciasteis gira europea con Future Palace y Luna Kills. También están Defenses, ¿no?
Sí, con Defenses somos amigos desde hace unos ocho años, hemos tocado mucho con ellos. Ellos harán las fechas de Reino Unido porque nosotros… bueno, somos una banda británica que esta vez no hace gira por allí (risas). Hay una razón para ello, aunque nos hayan caído algunos comentarios enfadados por redes, prometo que no es por capricho.
Me hace mucha ilusión esta gira. Tengo muy buena relación con Maria, y ahora también con Manuel y Johannes. De hecho, vinieron a vernos a Berlín. Hay una cosa muy graciosa en Alemania: hay máquinas expendedoras de “paquetes perdidos” por 10 euros, y Johannes acabó ahí con nosotros gastándose el dinero en esas máquinas. Hay muy buena vibra entre nosotros. Como acabamos de fichar por el mismo sello, todo encajaba perfectamente para girar juntos.

– Hablando del sello, ahora estáis con Century Media. Creo que con ellos vais a dar el salto definitivo.
Sí, tenemos un equipo muy bueno ahora, también con el nuevo management. Ha sido un proceso que daba un poco de miedo, porque al final es todo un equipo nuevo para este disco, pero estamos muy contentos con cómo se está materializando todo según salen los singles.

– Para terminar, como somos de España, ¿qué tres cosas te gustan de aquí?
Fui de vacaciones un par de veces de pequeña, pero no tengo recuerdos muy nítidos. Pero el Resurrection Fest… eso sí fue una experiencia. Fue divertidísimo. Volamos desde Londres, tocamos, cenamos con un poco de vino, dormimos apenas una hora y volvimos a casa. Todo en unas 36 horas.
Teniendo en cuenta que el trayecto del aeropuerto al festival son casi tres horas… fue una locura. Casi no dormimos. De hecho, los chicos no se habían acostado en toda la noche anterior y yo les decía: “¿Pero no vais a dormir?”. Y ellos: “Tranquila, estaremos bien” (risas).
Lo más surrealista fue el conductor del transporte: tenía dos móviles y en los dos tenía de tono de llamada una gaita escocesa, a todo volumen. No paraban de sonar a la vez y yo pensaba: “¿Pero qué está pasando?”. Fue rarísimo, pero el festival fue genial. Fue nuestra primera vez en España y nos lo pasamos de maravilla. La gente de Viveiro fue superamable. Es una comunidad muy bonita. Ojalá estuviera un poco más cerca del aeropuerto, eso sí (risas).

– ¡Ha sido un placer, Charlie! Muchas gracias por este rato. Tengo muchas ganas de escuchar el disco entero y espero veros pronto de nuevo por España.
El placer ha sido mío. Muchas gracias.

Legado de una Tragedia es el proyecto más personal de Joaquín Padilla. Desde el año 2008 se ha convertido en una referencia ineludible del metal en castellano que ofrece, con cada lanzamiento, una verdadera Ópera Metal de virtudes musicales y narrativas. Secundado por una verdadera selección de talentos invitados, cada disco es un derroche de imaginación, calidad y buen gusto. Con la excusa del nuevo single Ícaro, conversamos con Joaquín quien nos compartió sus puntos de vista, nos puso al tanto del presente de la banda y un poco del porvenir.

Joaquín, ¿cómo estás?, ¿qué tal fue la repercusión de la nueva canción Ícaro?

Pues la verdad, estoy feliz. No sabía muy bien qué hacer porque hace relativamente poco tiempo que había lanzado Lovecraft (N: el álbum del 2025). Habitualmente entre una ópera y otra suelen pasar un año y medio o dos años, que es lo que tardo en hacer toda la documentación, la investigación, la composición y la producción del álbum. Y tenía algunas canciones sueltas, independientes, que me gustaban mucho, sobre todo “Ícaro”, y que tenía muchas ganas de compartir. Y se me ocurrió esta fórmula. Un poco de abrirme un espacio que he denominado Mitos para poder lanzar singles sueltos e independientes. Cada uno de un mito diferente, de diferentes culturas. Mitología nórdica, japonesa, egipcia, cristiana, griega, romana. Es un tema que me apasiona y me permite de vez en cuando quitarme el gusanillo cuando estoy metido en una obra grande y majestuosa, el poder hacer un lanzamiento como este Ícaro. Me apetecía hacer una canción como muy directa, con un sonido más europeo, más como lo que estaban haciendo bandas como Within Temptation a partir del disco The Unforgiving. O lo que hacen Battle Beast o lo que hacen Beast in Black o Dynasty… bandas así. Y la verdad es que la gente lo ha recibido con mucho cariño, lo ha recibido muy bien. La inmensa mayoría de la gente le ha encantado. Siempre hay quien cree que tendría que mantenerme en esas canciones largas, épicas, de grandes historias. Pero me apetecía mucho sacar el single y no tenía más pretensión que esa, mientras que estoy trabajando en el nuevo álbum.

Entonces, si entiendo bien, en algún momento vamos a ver un LP llamado Mitos que va a compilar estos lanzamientos y va a quedar un proyecto con canciones por separado. ¿Cómo vas a articularlo?

Mi idea es lanzar algún single más y luego unirlos todos. No sé si en un EP o en un álbum. Porque hay una cosa que no quiero, que he tenido que abandonar en Lovecraft y no me gusta mucho, que es hacer una ópera rock, una historia. Que es mi propuesta desde el principio y por lo que la gente se ha enganchado de Legado de una Tragedia, que es como hacer un musical heavy, ¿no? En Lovecraft realmente no había un hilo conductor. Todos eran cuentos, eran relatos musicalizados. Pero el formato que me gusta, lo que creo que hace especial a Legado de Una Tragedia es el contar una historia completa, un arco argumental que recorra todo el álbum.

En Lovecraft lo hice así porque, bueno, ya había contado la historia de Poe en los tres primeros álbumes. La vida de Lovecraft no es tan apasionante como la de Poe. Y bueno, ya había escrito sobre un escritor de terror y era un poco repetitivo. Pero tanto a mí, que soy muy fan de Lovecraft, como a los fans que me pedían algo de Lovecraft, dije bueno, pues voy a musicar diez canciones. Pero no quiero salirme de ahí, no quiero salirme de las historias largas, de los álbumes conceptuales. Así que esto lo he dejado un poco por ahí. Cuando uno está escribiendo una obra tan larga como las que yo escribo, hay mucho tiempo en el que no haces nada, que parece que desapareces. Porque como de momento tampoco ha habido directos de Legado, yo no soy un artista que diga bueno hacemos un disco y nos vamos dos años de gira. Sino que hay un momento en el que no tienes nada que lanzar. Pues decidí sacar este single, y sacaré otros. Hay otro tema que ya está grabado. Y bueno, pues cuando compile unos pocos pues lanzaré un EP o lanzaré un álbum y se llamará Mitos. Es un recurso que me he guardado entre álbum y álbum. 

¿Qué músicos te acompañan en esta nueva aventura?

En Ícaro la verdad es que han sido pocos. Esta canción ha tenido un proceso evolutivo muy rápido, porque yo tenía muy claro que quería contar la historia de Ícaro. Porque en este proyecto de Mitos se trata no solamente de hablar de los mitos, no es narrar los mitos, sino es resignificar, darle una vuelta a cada uno y traerlos a la actualidad. Porque yo creo que son arquetipos que hoy en día la gente puede perfectamente adecuar al día a día, a su vida cotidiana.

Entonces el mito de Ícaro lo que cuenta es que Ícaro se ve encerrado en una torre sin poder salir, porque su padre construyó el laberinto. Ayudó a que mataran al Minotauro. Entonces es castigado y es encerrado. Y él, Ícaro, tiene esa esa carga por un linaje, por algo que han hecho sus padres. Entonces me parece muy interesante. ¿Cuánta gente hay que tiene que seguir con la profesión que tienen sus padres? Porque tienen un negocio o que de repente te ponen problemas porque tú tienes otra religión y no quieres seguir la religión de tus padres, o porque a tí te gusta el metal y a tu familia le parece que es anti-cristiano o mil cosas, ¿no?. Me parece que es una cosa muy actual y que había que abordarlo desde ahí. Entonces escribí el tema en dos días, la letra salió prácticamente entera, de corrido. Y aproveché que estaba Carlos Espósito en el estudio. Carlos es batería de Leo de Stravaganzza, y que ha grabado todos los discos de Legado de una Tragedia. Creo que junto con Pablo de Warcry, ha grabado en todos mis discos. Y estaba un día por el estudio grabando algo para él y le dije tengo un tema, lo escuchas y tal, le damos una vuelta y lo dejamos grabado y por la tarde… Esto ya se puede contar, pasó por el estudio Alejandro Fung, que es el bajista de Against Myself, que es una banda maravillosa de metal sinfónico española, un poco progresiva, que es muy amigo mío y que toca conmigo en directo en muchos proyectos que están más allá del metal y de Legado. Y él venía a trabajar en el primer single que ha sacado Elizabeth Amodeo en solitario, que es la cantante de Against Myself. Y yo he hecho las orquestaciones del tema que ha salido hace muy poco y es un tema maravilloso y estuve orquestando y él viene al estudio para estar conmigo allí y guiarme, porque yo soy el compositor del tema y él, aparte de ser un excelente bajista, es un increíble guitarra. Entonces le dije tío, acaba de grabar Espósito un tema, mira, escúchalo, ha hecho estas líneas y tal, ¿por qué no te pones? Y se puso a grabarlo y él grabó los bajos y todas las guitarras del tema. Hizo él el solo. Porque ya te digo, es un excelente bajista, excelente guitarrista. Y entonces ya me quedé yo haciendo las programaciones, las orquestaciones, los teclados y me interesaba mucho que fuera un diálogo de una pelea potente entre Dédalo, que es el padre de Ícaro, e Ícaro. Y pensé, ¿quién puede cantar esto conmigo? Porque yo tenía claro que quería ser Ícaro. ¿Quién puede cantar algo y que esté muy enfrentado? Entonces me sale un cantante que a mí me fascina, que estoy enamorado de él, muy amigo mío, muy buena gente y un cantante excelente que es Andy Martínez, cantante de Headon. Porque él tiene un carácter… Yo soy un cantante más hardrockero, digamos, de la escuela del hard rock y él es muy heavy, heavy metal, más clásico y era muy interesante esa dicotomía de las voces. Y le llamé y me dijo claro que sí, cuenta conmigo para lo que sea. Él cantó en el primer single de Lovecraft, en “La Llamada de Cthulhu”, que fue un éxito. Y hemos sido esos. Y Kike Fuentes, cantante de Nurcry, que también le llamé y le dije tío, me harías unos coros y tal y preparó unas corales maravillosas para el tema. Y entre nosotros cinco hicimos la canción. Y luego el increíble trabajo de Raúl Abellán en las mezclas que ya mezcló tanto Lovecraft como el de Goya, Aquelarre de Sombras en sus estudios The Mixtery. Para mí él es un genio, un mago y le ha dado ese sonido tan brutal.

Joaquín, vos te encargas de la producción de tus propias obras también.

Sí, yo en mis discos todo lo que suena, menos los solos, lo compongo yo, ya sea los riffs de guitarra, los bajos, las líneas vocales, las letras, las orquestaciones. Y luego pues viene gente a tocarlo que por supuesto aporta su granito de arena. Si alguien me dice oye, pues mira, le voy a dar este carácter y demás, pues bienvenido sea. Para Lovecraft conté con José Rojo, con un amigo, para grabar algunos riffs que él tenía, pero en todos los demás siempre compongo todo y lo grabo todo yo primero. Y luego los chicos vienen y lo graban encima. Y la producción siempre corre por mi cuenta.

¿Y cómo es coordinar el trabajo de tantas personas? Quizás justo para Ícaro, un poco lo fuiste contando, no fue tanto despliegue, pero en otros discos sí. Me imagino una tarea titánica en la previa, ¿verdad?

Sí, es un follón. En Ícaro. Lo que pasa es que me puse vago y llamé a los mejores, a gente que es muy buena, pero que eran amigos, que ya los conocía y demás. Cuando hago un álbum de larga duración, a mí me gusta mucho llevar a gente con la que nunca he trabajado porque creo que eso le aporta una frescura. Hay gente que repite, gente que no, gente que lleva dos discos sin salir y vuelve. Pero sí me gusta contar con gente nueva y es bastante complicado porque bueno, en primer lugar, hay gente a la que llamo que no conozco y que le puede apetecer o no, o le puede gustar el proyecto o no. Hay que tener muy en cuenta, sobre todo con los cantantes, cuáles son las tesituras, el carácter que quiero que tenga cada personaje, porque claro, no a todas las canciones le vienen bien a todo el mundo.

Y luego pues hay una locura en el proceso de intentar coordinar las agendas de todo el mundo, porque claro, todo el mundo está en gira, todo el mundo tiene grabaciones, todos tienen lanzamientos. “Mira, ¿cuándo vas a sacar el single?, porque nosotros sacamos el single, no me interesa que salga la vez”. O sea, hay una coordinación, una parte un poco burocrática que yo detesto, pero que tengo que hacer. Y que la verdad es que al final le he cogido un poco el oficio, la costumbre de hacerlo. Y lo que sí que tengo muy claro es quién quiero que lo haga. Yo siempre, cuando empiezo a componer, digo voy a hacer este personaje, pienso en cómo va a ser el personaje y me pongo a pensar cuál sería mi primera opción y cuál sería mi segunda. En caso de que el primero no quiera, no pueda, que me pasa muy a menudo. “Mira macho, me pillas ahora mismo a tope de curro. No estoy disponible ahora para hacerlo. Si puedes esperar tres meses, sí”. Y entonces, dependiendo de cómo yo vaya con la producción, a veces puedo, a veces no. Y se trata de tener muy claro lo que quieres. Ser muy organizado a la hora de preparar las bases. Grabar la ópera dos veces. Tengo que grabarlo todo para luego mandarlo y decirle a la gente “Pero mira, esto es así y tal. Aquí me gustaría que hicieras, lo adaptarás como tú quieras. Te dejo libertad en este estribillo, en este no”. Porque de repente canta un tipo aquí en Madrid y hay otro haciéndole coros que tienen que ir encabalgados en Barcelona o en México.

Y claro, tiene que haber una línea muy clara y todos tenéis que pegaros a mi voz, aunque luego no vaya a estar. A lo largo de los años he desarrollado mucho oficio para tenerlo claro desde el principio y ponérselo fácil. Y luego pues sí que dejo alguna manga ancha para que la gente pueda también aportar su granito de arena de bueno, pues su personalidad. Pero es complicado. Es la parte más dura y la más desagradable, la más ardua. A mí lo que me gusta es el arte. Me gusta grabar, componer, escribir, el tú a tú. Pero el tener. “Mira, te mando los archivos y te lo mando de tal manera. Y entonces. Y coge cada letra y ahora te pongo en amarillo lo tuyo, en rojo lo y lo otro y ahora lo otro se lo cambias. Mira, esto es lo tuyo”. Las anotaciones las suelo mandar a veces un texto explicándole que es su personaje, qué tiene que hacer entonces. Es un poco tedioso, pero bueno, forma parte bonita del trabajo final.

¿Has trabajado con músicos argentinos? En Legado de una Tragedia 1 recuerdo a Hugo Bistolfi. En el 3 estuvo Beto Vázquez también. Entiendo que alguna vez habías contactado a Adrián Barilari y no había podido, ¿puede ser?

Con el primer disco intenté que viniera Barilari, pero porque además hay una cosa muy curiosa y es que, paralelamente al lanzamiento del primer disco, quizá un poco antes, yo tenía una banda en España que se llamaba Iguana Tango, que era una banda de pop rock, era una cosa alejada del metal. Un poco como AOR. Y nuestro road manager, que viajaba con nosotros, era el road manager de Rata Blanca, Eduardo Rodríguez. Y nosotros hicimos mucha amistad con Edu, claro, que convivía con nosotros. Y recuerdo una anécdota que vino Rata Blanca a tocar a Madrid y les perdieron el bajo en el aeropuerto y nosotros les prestamos el bajo. Nos invitaron ahí a estar con ellos y ya había una relación con Barilari. Pero recuerdo cuando hice el primero intenté hablar con él. Y eran de estos casos en los que él tenía muchos problemas de fechas, giras y demás y no pudo. Y luego en Iguana Tango hicimos una versión de Rata blanca de Mujer Amante y vino Walter Giardino a grabar un solo en el tema. O sea que nosotros tenemos relación con Rata, pero finalmente nunca pude contar con él. Me hubiera encantado, por supuesto, con el maestro Barilari.

¿Y cómo es para pensar un proyecto como Legado en directo, en vivo? Porque imagino es difícil pensar en una gira a gran escala por la cantidad de músicos invitados. Quizás sí tenga más que ver con fechas especiales.

Bueno, llevo 20 años con el proyecto y todavía no he conseguido llevarlo al directo, pero mi idea es hacerlo en este 2026. Está muy avanzado todo. La única manera de hacerlo es un poco copiando la fórmula que lleva una banda que a mí me encanta, que es Therion. Y que está haciendo Avantasia. No me puedo llevar 25 personajes porque hay algunos que salen, cantan un trocito y se van. Lo voy a hacer con cuatro, cinco o seis cantantes, que se reparten todos los personajes. Y claro, como nunca lo he hecho, la primera vez a mí me gustaría mucho que fuera aquí en Madrid. En un principio está pensado para que sea en Madrid, aquí en España. Y como muchos músicos son de aquí, pues aparte de los cinco o seis cantantes, pues de repente puede haber algún invitado que venga, que cante una vez y tal, y ese formato exportarlo.

Y mi idea es ir a América claramente, porque hay mucha demanda. De hecho, es muy curioso que más del 50%, más de la mitad de los oyentes de Spotify, los tenemos en América. De hecho, más del 50% de los oyentes de Legado de una Tragedia están en México. Tenemos muchísimos más fans en América, en Argentina, en Chile, en Colombia que en España. En España tenemos muchísimos fans, pero es curioso que América está muy volcada con el proyecto y mi idea es lanzarlo y llevarlo para allá. Estamos intentando cuadrar porque no es un concierto al uso, O sea, ponemos los amplis detrás, nos ponemos una camiseta de Motörhead y salimos a tocar. No. Queremos tener escenografía, una parte de vestuario, un diseño de luces. Hay una parte muy teatral que está diseñada con pantallas y demás, y la logística requiere de un lugar que curiosamente en México no hay ningún problema para conseguirlo y probablemente en Buenos Aires tampoco. Pero sí hay problema en Madrid. En Madrid hay un aforo que es un poco complicado porque el sitio donde nos cuadran, los camerinos son pequeños porque va a haber muchos cambios de ropa, mucha gente y no hay lugar para poner el atrezo. Estamos buscando el sitio perfecto para hacerlo bien.

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Creo que en el 2004 más o menos empezaste a pensar en Legado de Una Tragedia. Finalmente el primer disco salió en el 2008… Son más de 20 años, ¿te imaginabas que iba a tener tanto recorrido el proyecto?

Pues mira, no, la verdad es que no, pero no me lo imaginaba porque… intento no mirar mucho más allá. O sea, quiero decir, a mí siempre me ha gustado soñar caro. Puestos a soñar, no voy a soñar en barato. Pues vamos a soñar que esto va a ser muy grande y cada vez más grande, que llegará más gente y que haremos giras mundiales y que durará hasta que me muera. Pero no miro mucho más allá del siguiente disco. Igual que he dicho muchas veces en muchas entrevistas que no me gusta mirar al pasado. Yo no pongo los discos de Legado. Ha sido una sorpresa, ahora que estamos preparando el directo, porque he vuelto a escuchar toda la discografía y me he sorprendido, a decir hostia, que cómo volaba esta canción o cómo volaba o qué guay hicimos esto, para elegir el repertorio. Pero no pongo los discos antiguos. Yo acabé una obra y ya pasó y ya estoy pensando en la siguiente, pero solo en la siguiente, no en dentro de tres. Entonces no me imaginé nunca hasta dónde iba a llegar, porque no miro el pasado y miro al futuro muy cercano y cada día miro más al presente, porque al final la vida da muchas vueltas y lo mismo ahora estamos trabajando ya en el nuevo disco y mañana me llama la persona que me está ayudando a hacer la producción. Me dice ya tenemos sala y de repente ese proyecto queda apartado y hacemos el directo y va bien y me paso todo el año que viene girando por España, por América, por festivales y ya el disco. Entonces no sé decirte, pero desde luego no, porque era una locura, nadie lo había hecho en castellano, no existía en castellano y aparte yo en ese momento tampoco era un artista de metal. Yo, todos mis discos aquí son de metal desde que era niño: Maiden, Stryper, Helloween, Judas, Metallica. Tambien de Hard Rock, Bon Jovi, Warrant o Skid Row, Motley Crue… Luego me dio por la música más bestia. Pero como artista, aunque yo componía cosas de heavy y demás, yo tocaba en una banda de éxito de pop en este país. De pop rock. Entonces era muy raro cuando el que levantaba el teléfono era “Hola, soy el cantante de Iguana Tango, estoy haciendo una Opera Metal”. Al principio todo el mundo decía ¿qué es esto? No sé qué ejemplo podría poner, pues es a lo mejor como si me lo invento, no sé exactamente, pero es como si Cerati, claro, lo llama a Barilari, le dice que tiene una ópera metal de la hostia y le suena raro. ¿Tú estás haciendo una ópera? Que eran cañeros y rockeros, pero no es metal, ¿no?

Eso de pensar siempre en grande me remite también al Ícaro, ¿no? Que tenía ese límite impuesto, no por él, de volar hasta cierta altura… y él no lo respetó.

Claro, porque yo creo que hay que volar hasta el sol, aunque te quemes las alas y te despeñes al mar y te mates. Pero hay que volar hasta donde tú quieras ir, porque si yo vuelo hasta dónde quieres ir tú, la vida es muy aburrida. Y hasta que alguien me demuestre lo contrario solo tengo esta vida. Entonces para vivir tu vida ya estás tú, que seguramente será una vida fascinante y maravillosa, pero a lo mejor no coincide con la vida fascinante y maravillosa para mí. Entonces yo siempre le digo a la gente cuando me preguntan qué le dirías tú a la gente joven que empieza y tal, que cuando alguien le pregunte por qué, responda ¿Por qué no?

Hubo un tiempo en que Metallica no les conocía nadie y tocaban en un bar de mierda, en un garito de mierda, para sus novias. O sea, Metallica no empezó tocando en un estadio. Siempre hay un momento antes de dar la vuelta a la esquina y encontrarte con el éxito. Y alguien tuvo la maqueta de “Motorbreath”, algún sello discográfico y diría “pero ¿dónde van éstos? Bandas como estas tengo 200” y tiraría la cassette. Nadie dice “Ah, vale, este chaval que tiene seis años, dentro de 50 años va a ser la mayor estrella del rock”. Y esto pasa con todos los artistas. O sea, yo no creo que no se encontrara con ningún artista, que bueno, no sé, me puedes desmentir tú que te haya dicho “Ah cuando tenía 13 años sabía que me iba a convertir en estrella del rock”. Puedes esperarlo o tener ilusión. 

Esta es una pregunta que encierra un poco de un poco de opinión, pero acá nos interesa tu punto de vista. Yo creo vivimos una época donde cada vez más impera la ignorancia, lo superficial y de repente uno se encuentra con un proyecto como es Legado de una Tragedia… tan complejo, tan trabajado, y que requiere muchísimo del oyente. Uno inmediatamente escucha cualquiera de estos discos y entiende el compromiso del artista para hacer algo diferente. Y uno, como oyente, no puede ser menos. Si no, no lo va a disfrutar. ¿Trabajás conscientemente en eso de que estás ofreciendo un proyecto, un producto tan elaborado, tan distinto?

Mira, me encanta la pregunta porque tiene muchas capas. Me encanta lo que has dicho del compromiso que tengo yo con contigo, que escuchas el disco y el que un poco te exijo a ti. Si te quieres enterar del disco puedes escuchar el disco, pero tienes que ver las letras o conocer la historia o investigar un poco. Si no, no vas a disfrutar del disco.

Te voy a ser muy sincero, cuando yo hice el primero… en general yo los discos los hago, aunque suene un poco feo, porque me da la gana. O sea, quiero decir, yo cojo un día y digo voy a hacerlo. ¿Por qué? Porque me apasiona, y porque me cuadraba mucho la historia que yo tenía en la cabeza. Pude crear con el género del metal, las orquestas sinfónicas. Es una tragedia. O sea, había un concepto que me interesaba mucho.  Y a mí me encanta Edgar Allan Poe. Y yo me informé, hablé con la Baltimore Society para que me mandaran información. O sea, investigué, leí todo, por supuesto de Poe. Y yo puse ese compromiso, pero por placer, porque a mí me gusta. Pero me encontré con algo muy curioso. Es que después del primer disco me llamaba mucha gente, me escribía muchos profesores de instituto que me decían “Tío, utilizo tu obra para meter a la gente en el mundo de la literatura”. Y los chavales de repente encuentran otro elemento, otro algo al que engancharse. Que a veces en el colegio tienes un libro y te lo manda el profesor y solo porque te lo manda el profesor ya lo miras con malos ojos.

Y me pasó una cosa muy curiosa precisamente con un chico argentino que era un tipo que me escribía a menudo por redes. “Oh tío, me encanta el primer disco, lo llevo todo el día en el coche, vamos flipando en el coche y lo llevo y tal.” Y un día después de escribirme con él varias veces, me manda una foto de su hijo de diez años leyendo a Poe porque de ir tanto en el coche con el niño escuchando y dijo “papá, yo quiero leer ésto”. O sea, le gustó al niño. Cuando yo empiezo a pensar que un chaval de diez años que vive a 14.000 kilómetros de mi casa, se inicia en la literatura de un autor universal como Poe por mi música, me di cuenta del poder que tiene la música. Y me di cuenta de que hay un montón de gente que gracias a Dios hoy con la globalización y con las redes y con todo, que aun estando a 14.000 kilómetros, que aunque a ti te cuesta mucho conseguir el CD, aunque no puedas conseguir el CD, igual puedes escuchar los discos. Y probablemente igual que yo, seguramente no tenga el mismo conocimiento sobre el imperio Inca porque me pilla más lejos y conoces cosas y demás, pero no lo tienes tan claro. A un tipo de América o de Japón seguramente no tenga tan claro qué son los Templarios o qué pasó con los Templarios. O entre mis fans. Yo pregunté a unos aleatoriamente en las redes, les pregunté ¿Cuál es el pintor más famoso español que conoces? Y mucha gente me decía Picasso o me decía Dalí, pero casi ninguno me dijo Goya. Y Goya para nosotros es como ¡guau! Y yo decía hay mucha gente que no conoce las pinturas negras de Goya y lo que hay detrás y a su vez, de donde surgen, y los grabados y que fue el primer periodista gráfico de su tiempo. Porque nos habían invadido los franceses. Claro, a lo mejor yo no tengo toda la información, más allá de los titulares, de qué pasó en la Guerra de las Malvinas, por ponerte un ejemplo. A lo mejor hay detalles de la historia que a mí se me escapan y yo tengo la oportunidad de contárselo a la gente y de hacer llegar y que la gente tenga curiosidad por ello.

Y me consta, porque luego, claro, mucha gente lo comenta en los foros y demás. Hay gente que viene a leer a Lovecraft por esto o hay gente que a lo mejor descubre la mitología grecolatina gracias a Ícaro. Entonces yo siempre hago un esfuerzo en que lo que cuento es verdad, en las fechas, que los personajes pueden tener alguna licencia, que luego suelo explicar en las entrevistas o en los making of, que hay muchos making of de los discos. Pero hay un compromiso cultural. Creo que yo lo aprendí muy pronto, también lo he comentado alguna entrevista, yo conocí a Poe por Iron Maiden, por “Murders in the Rue Morgue”. Yo conocí a Lovecraft por “La Llamada de Cthulhu” de Metállica. Que yo dije esto de La Llamada de Cthulhu ¿qué coño es? Y en aquella época te cogías una enciclopedia y te enteras de que es un personaje de un tipo. Digo oye, si a mis héroes les interesa este autor, vamos a leerle. Entonces hay un poder cultural en la música que va mucho más allá de lo que creemos. Creo que es importante y es importante utilizarlo.

Joaquín, te quiero agradecer muchísimo la nota… estaremos como siempre atentos a tus lanzamientos.

Lena Scissorhands, cantante de los moldavos Infected Rain y una de las voces más destacadas del metal moderno, habló con Manel Medina a través de su canal Stairway To The Moshpit, sobre nuevos singles, nuevos recitales y nuevos planes.

Bienvenida, bienvenida al canal. Es un gran placer tenerte aquí de nuevo.

Muchísimas gracias, ja, ja. ¿Cómo estás hoy?

Estoy bien, muchas gracias. Cada día es muy emocionante porque nos estamos acercando a nuestro nuevo lanzamiento, a nuestra gira, y es muy divertido, así que es emocionante.

Lena, primero, buenas noticias para todos los fans de Infected Rain: vais a sacar cosas nuevas esta misma semana, el 19. Y sí, estoy muy emocionado por eso. Hablamos de eso detrás de las cámaras y el single se llama Stranger. Quería hacer dos preguntas al respecto. Primero, se trata del tema del significado de la canción, que significa mucho para mí personalmente, como dije. Y el segundo sería: ¿qué podemos esperar del single? Y yo supongo que también estáis trabajando en un álbum. Entonces, ¿cómo os sentís con el álbum? Porque creo que Time, el último, fue como un gran paso adelante para vosotros. Creo que encontrasteis el sonido de Infected Rain, pero más pulido y todo lo que sabes, a lo que me refiero, como si fuera un álbum que realmente resume lo que es Infected Rain. Así que sí, sobre el single, yo ayer publicaste una pequeña frase que era como la distancia que puedes crear desde donde estás ahora y donde crees que puedes estar. Así que sí, ¿cuál es el significado de esta frase? ¿Se trata de una cosa personal o se trata de cosas generales?

Tal como mencionaste al principio, Stranger sale el 19 de marzo, que en realidad es tres días antes. Así que, desafortunadamente, no puedo decir mucho, pero te diría algunas cosas. Estoy muy feliz de estar aquí y amo a nuestra audiencia española, y podemos lanzar un pequeño regalo para nuestra audiencia española y usar un poco el nuevo single. Se llama Stranger y escribí la letra de esta canción basada en un sentimiento personal, una lucha interna que encontré durante los últimos años. Y significa que, sabes, el tiempo pasa y cambiamos. Nunca somos la misma persona que éramos ayer. Incluso a nivel biológico, a nivel celular, somos personas diferentes. Y muy a menudo la forma en que nos vemos o el mundo cambia de un día para otro. Y no estoy hablando de cambios drásticos, pero hay cambios. Así que realmente quería escribir sobre ello y para mí es una canción muy personal, ¿verdad?

Y la frase que compartí ayer es, de hecho, hablando de la distancia que puede haber entre la realización personal de uno mismo hoy y la realización personal de la imaginación de cómo te ves a ti mismo, como si eso fuera lo mismo o completamente dos cosas diferentes. Ahora, esto puede ser, por supuesto, un tema muy profundo para horas de conversación. Siento que es muy… sabes, podemos hacer una lluvia de ideas al respecto, pero me encantaría que todos encontraran su propio significado en Stranger cuando salga Stranger y podamos hablar más al respecto. Pero en el camino de cómo decir eso, es muy personal. Y quiero decirte que he escuchado a personas que me importan en mi vida sintiéndose muy similares a esa sensación que sentí cuando tuve la necesidad de escribir sobre eso.

Un extraño sentimiento, casi como si fueras un extraño para ti mismo. No porque no te reconozcas realmente en la forma en que te ves físicamente, pero de alguna manera reconoces el interior, el interior tuyo, cuando te miras en un espejo. Es muy importante porque a menudo estamos tan acostumbrados a vivir una vida describiendo quiénes somos por fuera, pero cuando pensamos un poco más profundo, ¿somos en realidad la misma persona por fuera como lo somos por dentro? ¿Reconocemos a esta persona que vemos todos los días en el espejo o no? Es muy interesante la batalla interior, la batalla interna. Pero sí, eso es todo lo que puedo decirte, ya te dije demasiado.

Creo que es más que suficiente y realmente te lo agradezco. Creo que a los fans les va a gustar mucho, lo van a apreciar. Y sí, tenemos un single esta semana, el 19, como dijiste, y estáis trabajando en un álbum por lo que he visto en las redes sociales.

Sí, estamos trabajando en un nuevo álbum. Sin embargo, el nuevo álbum se está formando lentamente y esta vez queremos hacerlo de esa manera. No tenemos una fecha de publicación, ni época del año o incluso, ya sabes, una fecha concreta. Pero llevamos trabajando en ello durante más de un año, para ser honesta. Muchas canciones nuevas. Ya preparamos muchos videos musicales, aunque el álbum ni siquiera está completamente preparado. Nos enamoramos de cada canción en un nivel tan personal, tan profundo, que sentimos de alguna manera esta urgencia de compartir cada canción en su gran potencial, con algunas imágenes también. Así que todo lo que puedo decirte por ahora es que sí, estamos trabajando en material nuevo y va a ser increíble. Me encanta cada cosa que hemos sacado hasta ahora. Creo que es divertido, es fresco, es innovador, pero mantiene ese sonido y el nivel que tuvimos con Time, quizás aún mejor. Así que veremos.

Ahora mismo tuvimos que dejarlo a un lado porque nos estamos preparando para una gira, pero sorprenderemos a nuestra audiencia con algunas canciones nuevas en esta gira, así que estoy muy emocionada.

Está bien, eso es increíble. Cuento con Stranger, seguro.

Stranger, seguro, Stranger, seguro. Esa es una de las principales razones por las que realmente preparamos el lanzamiento justo antes de la gira. Y hay algo más.

Eso es bastante bueno. Y Lena, hablaste del tour, que estáis haciendo un tour enorme que es ya mismo. Creo que, ¿cuántos conciertos son? Vi tu publicación ayer, pero…

Estaba contándolos uno por uno porque no podía creerlo yo misma. Son 55 shows entre el Reino Unido, Europa y América del Norte, todos juntos, parte de Mutation Phase Tour, sí.

Eso es una locura. ¿Y es como dos meses o tres meses?

Algo así, tres meses, sí. Son casi tres meses. Europa y el Reino Unido tienen menos días libres y Estados Unidos tiene algún día libre más debido a la logística del transporte también. Pero sí, estaremos terminando el tour al final de la primera semana de junio, así que eso es una locura, comenzando este mes a finales de marzo.

Eso es una locura. Eso es casi un… no es un concierto por día, pero algo así, contando todos los viajes y todo lo del autobús y todo. Es increíble, Lena. Y venís a España, por supuesto, que es increíble, me encanta. ¿Qué dijiste? No he escuchado.

Barcelona y Madrid.

Sí, sí, exactamente. Creo que os he visto cuatro veces ahora: una en Resurrection Fest y tres de ellas en Barcelona. Y Lena, ¿qué es lo que dirías que te gusta de los conciertos en España y qué es lo que menos te gusta?

Lo que me encanta del público español y metaleros en general es lo locos que se vuelven. Sienten la música en un nivel diferente y la multitud es tan sensible, ¿sabes? Me encanta eso del público español.

Ahora, cuando se trata de shows individuales, no estamos hablando de grandes eventos como festivales o cualquier otro gran evento, siento que el público español está un poco más influenciado por muchos factores de la vida. Por ejemplo, hay países donde realmente no importa si tocas durante un lunes, un martes o un miércoles, y hay países donde sí importa. Así que cuando tocamos en España realmente importa qué día de la semana es para que la audiencia tenga la oportunidad de estar allí. Es comprensible, pero al mismo tiempo es muy frustrante porque no elegimos los días. Y cuando estás de gira, tocas casi todos los días sin importar qué día de la semana sea. Es trabajo para ti de todos modos.

Así que realmente queremos invitar a todos a recordar que las bandas viajan desde tan lejos para venir a ti y a veces será durante la semana, pero los shows siempre suceden por la noche y tienes tiempo para descansar antes de tu trabajo al día siguiente. Así que si realmente quieres apoyar a la banda, si realmente crees en la banda y amas su música y lo que representan, por favor apóyalos. Realmente necesitamos su apoyo en todas las formas. Cada acción, cada guardado, cada comentario, cada amigo con el que compartes la música, cada entrada… todo eso realmente puede marcar la diferencia en la carrera de la banda. Así que sí, esta sería mi respuesta para el público español, un público que es increíble.

Y podemos agregar que esta vez os tenemos en un fin de semana completo, como el sábado en Barcelona.

Así que no hay excusas, no hay excusas.

No hay excusas, estaremos allí seguro.

Sí, y chicos, tengo que ser honesta: el espectáculo y la producción de esta gira están en un nivel que nunca antes habíamos hecho. Así que incluso si alguien, como tú, ha visto Infected Rain cuatro o cinco veces, créeme, te espera un espectáculo completamente nuevo, que te impactará de manera diferente. Y tenemos sorpresas: traemos a nuestros amigos de Butcher Babies en esta gira y tocaremos The Realm of Chaos juntos en el escenario cada noche, que es una de las cosas más solicitadas. Y estamos muy emocionados de presentar también algunas canciones nuevas, junto con muchas canciones antiguas que no hemos estado tocando durante años, así que va a ser divertido.

Ok, nueva experiencia de Infected Rain, creo que eso es bastante bueno. Estaba súper feliz con los últimos shows, pero siempre estoy feliz de ver algunas diferencias y tratar de hacer cosas nuevas, como la colaboración con Heidi. Creo que será sobresaliente porque la canción es increíble y creo que…

Ella es increíble, sí. Vamos a petarlo.

Increíble, Lena. Así que quería hacer una pequeña pregunta sobre Heidi o Butcher Babies en este caso. ¿Cómo os conocisteis? ¿Os conocíais de antes o vino mientras hacíais música?

Por supuesto que sabía de Heidi antes de hacernos amigas, antes de la invitación a ser artista invitada en nuestra canción The Realm of Chaos. De hecho, la conocí en persona en 2013 cuando visitaba Estados Unidos por primera vez. Tuve la oportunidad de estar en un espectáculo donde eran invitados especiales y tuvimos un momento rápido para intercambiar un par de palabras. Recuerdo incluso darle un álbum de Infected Rain, que todavía recuerda.

Luego nos reconectamos en algún momento de 2019 y nos volvimos a ver en persona en 2020, justo antes del encierro por COVID. Estaba en NAMM, en una convención de música, y la encontré accidentalmente. Hablamos de nuevo, estábamos súper felices de vernos, éramos conscientes la una de la otra y del crecimiento de ambas bandas.

Ella mencionó que estaba pensando en mudarse a Las Vegas, lo cual fue increíble. Terminó mudándose no muy lejos de mí, nos hicimos súper amigas y el COVID nos juntó porque ninguna tenía shows. Hicimos muchas ideas juntas y descubrimos cuánto teníamos en común. Así es como nuestra amistad se hizo más fuerte. Y cuando surgió la idea de hacer una canción juntas, ella aceptó completamente. Incluso tuve la oportunidad de grabarla, así que fui como ingeniera de sonido para esa canción.

Jaja, ok, muy divertido.

Y creo que Heidi tiene una presencia increíble en la industria del metal. Es muy talentosa y estoy muy orgullosa de sus logros como música, como mujer, como ser humano y como artista trabajadora. Estoy muy feliz de que vayamos de gira juntas nuevamente, esta vez en Europa. La primera vez fue en Estados Unidos. Y sí, interpretar The Realm of Chaos en vivo juntas solo ha pasado dos veces hasta ahora, así que esto es súper interesante.

De hecho, me gustan mucho. Los he visto dos veces, creo, y traen esa energía loca.

Mira su nueva canción, es realmente buena.

¡Lo hice! De hecho, sí, quiero decir, tengo incluso la camiseta de Butcher Babies, así que sí, genial.

Eres un verdadero fan, muchas gracias, realmente significa mucho.

Etiquetas: Infected Rain, Metalcore, Moldavia, Nu Metal

DARLOTODO es una banda de nu metal de origen argentino que emergió en la ciudad de Buenos Aires en el año 2023. Su primer disco de nombre homónimo fue una grata sorpresa para los oyentes puesto que nunca hubo referentes del género en el país. Con pocos años de existencia cuentan con un éxito y aceptación digno de una banda ya consagrada. Charlamos un rato con Penumbra, líder y baterista de la banda, quien además es productor audiovisual y fundador del sello Black Eclosion, para que nos cuente sus sensaciones sobre su último disco, Crisálida y un poco más.

-Primero contarte que estuve escuchando hasta el cansancio Crisálida. Sacaron un discazo!. Me llaman siempre la atención los discos que son construidos bajo un concepto, como este, y se que detrás de cada gran disco conceptual hay una gran idea, una historia. ¿Nos podrías contar un poco cómo es que surgió la idea de hacer de Crisálida un disco conceptual?

El álbum esta planteado desde el lado de luchar y salir adelante ante la adversidad. Todos en la banda nos identificamos mucho con ese concepto que año a año se fue fortaleciendo casi de manera casual y es prácticamente el lema de hoy de DARLOTODO. Personalmente disfruto mucho que Lucas me de lugar para meter letras e ideas en las canciones donde explayo duelos y dolor de la infancia, pero cada uno que escucha DARLOTODO debe acoplarlo a su propia vida. Es algo que nos sucede siempre, nos dicen los fans. Hacen suyas las canciones a nivel muy pasional.

-Y respecto a eso. Es apenas su segundo disco y ya gozan de muy buen éxito y muchos seguidores. Pareciera como que había toda una cantidad enorme de gente esperando a una banda como ustedes. Bueno, yo creo que siempre hubo un vacío en este estilo en Argentina y que ustedes vinieron a ocupar. ¿Qué impacto te causó encontrarte con el éxito de la banda tan rápidamente? ¿Cuál crees que fue la clave para que DARLOTODO llegará tan rápido a llenar los típicos recintos del metal?

Muchos nos comentan lo que estas diciendo, es algo que nos pone muy contentos. Los músicos de la banda, sobre todo Lucas y yo, siempre fuimos consumidores 100% del nu metal desde sus orígenes, y salvo un acercamiento de A.N.I.M.A.L en los 2000, nunca hubo una clarísima referencia en Argentina que haya llegado alto. Nos alegra mucho cuando dicen que llegamos a ocupar un lugar que estaba vacío. Eso, y muchas amistades generadas luego de 20 años de trayectoria en la escena local, hacen que el panorama para crecer hayan sido super rápido.

-Crisálida es un disco que suena bastante orgánico, por el contrario de las producciones super comprimidas que se suelen escuchar ahora. ¿Cómo fue el proceso de grabación? ¿Cuán involucrados estuvieron luego, en la producción y detalles finales?

Es una pregunta muy interesante y que pocos medios suelen hacer. Si la levantas en las redes, la compartimos (jaja) Gracias por captarlo. Fue clave para nosotros ser disruptivos a la hora de grabar y mezclar el material… te la hago super simple. Decidimos NO utilizar ningún tipo de soft para afinar voces. Lucas esta orgánico y expuesto al 100% y decidimos también dejar errores. Queríamos captar esa energía del primer take, no buscando perfección, si no algo más orgánico, emocional. Los bajos del disco están one take por ejemplo y no editados. Eso lo tenemos incorporado de discos producidos por Ross Robinson (productor de Korn, Slipknot, Limp en sus primeros álbumes), no buscar perfección si no un sentimiento, algo que esta ahí mágico en la toma.

-Es muy común con ustedes las colaboraciones con otros músicos, como es el caso de Claudio Oconnor o Marcelo Corvalán. Se nota la sinergia que hay con ellos. ¿Cómo se da ese encuentro con esos artistas? ¿Surgen de casualidad? ¿Se buscan? ¿Y si tuvieras que elegir a un músico internacional para el próximo disco?

Todos los featurings que fueron surgiendo son con amigos a los cuales les produzco material de videoclip hace años. El tiempo afianzó una amistad y nos da lugar a proponerles sumarse a canciones. Algo muy interesante es que jamás un artista nos dijo que no, y además, no voy a revelar nombres… pero muchísimos grandes artistas nos escribieron para hacer feats también. Seremos una especie de bizarrap del metal a futuro? 

-Algo que me gusta preguntarles a todos los artistas, es sobre su percepción de la actualidad de la escena del metal. ¿Notas diferencias a la hora de hacer música entre la actualidad y hace 10 o 20 años atrás? ¿Hay algo que extrañás?

La escena esta cambiando muchísimo y rápidamente, sobre todo con la implementación de nuevas tecnologías y códigos, donde ya un álbum no es escuchando tanto por su idea, audio, si no quizás por cuantos reels graciosos haces para moverlo. Nosotros no nos subimos a esa. Nos enfocamos muy tranquilos en seguir con este formato casual y sincero de comunicación como somos realmente, sin crear personajes, nos mostramos tal cual somos, todos los saben.

Otro factor en esta etapa de cambios es que hay muchísimas bandas y es muy fácil grabar música, lo que hace que el mercado este lleno de opciones. Combinado con que no hay plata y quizás no hay ganas de ir a tantos shows también genera que muchas veces te plantees “debemos salir de gira lejos? Si todos cortan pocos tickets”, “es preferible destinar más tiempo a videos para mostrarte al mundo que a hacer tour local y que te vean en persona?”, “debemos invertir en publicidad en vez de mejores instrumentos o hardware? (por ejemplo), al igual que muchos estamos tratando de descifrar la nueva escena para encajar en el formato, pero siempre como prioridad siendo fieles a nosotros.

-Es sabido que, al menos en Argentina, es grandísimo el esfuerzo que tienen que hacer los músicos para producir los discos, planificar las giras, etc. Ahora están empezando a llevar la música de la banda a todo el país, recorriendo varios lugares. Se que vendrán en un meses a Bahía…logística, costos, tiempos ¿Cuál es el mayor desafío o sacrificio que tienen que hacer para salir a la ruta y armar los recitales? ¿Es todo autogestión o se apoyan en alguien más?

En DARLOTODO estamos en el momento de transición de formato, autogestión independiente, a el salto a la A, por así llamarlo, donde están artistas más reconocidos, amigos nuestros, que vemos tienen otros arreglos. En este momento los costos no dan para viajes en avión, hoteles de buen level. Estamos en un momento donde la prioridad es viajar y mostrarnos a nuevo público, eso elegimos nosotros, pese a muchas veces ponerle el cuerpo al 100%. Me estas hablando del show que se viene en Bahia por ejemplo… muchos no van a saber esa noche que el esfuerzo no es solo total sobre el stage, si no que son 3 shows, 2 días seguidos: MDQ, Bahía y Gonzales Chavez. Todo al volante manejando nosotros mismos, descansando mal, comiendo super mistery… pero hoy por hoy lo elegimos, lo estamos dando todo para llegar a esa gente que nos pide en todos lados con mucho amor.

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-Y hablando de giras, vi que están tocando (y van a tocar) mucho bajo el marco del festival S1ckfest. Para mí, un golazo, tener un festival que le dé cabida a lo alternativo…creo que es la 1ra vez que se arma una movida así para distintos lugares del país ¿Formas parte de la producción? ¿Cómo surgió todo?

Gracias por el interés por el festival. Nos pone muy contentos cuando medios y gente nos comentan que están fascinados el formato del S1ckfest. Todo surge cuando un año atrás productores nos querían llevar a sus localidades pero nos comentaban que no sabían en que formato o contexto meternos como banda 100% nu metal. Lo que se nos ocurrió con Horacio, nuestro Manager, es tratar de revivir el formato mas familiar y de fiesta que se veía en un show en Estados Unidos en los 2000 llamado “Family Values” creado por Korn, donde el tour giraba con muchas bandas de diversos géneros, y se le daba un formato de fiesta alternativa donde toda la noche había música del género y era mas clima de fiesta que un show en si. El concepto de músicos viajando y conociendo otras bandas y exponentes locales, juntándose con la gente cara a cara, tomando un trago, compartiendo unas horas, es algo hermoso que está creciendo. Estamos muy orgullosos del festival.

-Creo que, a esta altura, preguntarte por las influencias musicales es cuanto menos, cliché (jaja). Pero…bien sabemos que sos multifacético en cuanto a arte refiere ¿Qué te inspiró a llevar adelante una carrera en producción audiovisual? ¿Algún referente que te haya influenciado? ¿El laburo más grande que hiciste?

En los 90s me fascinó la industria musical desde el lado de lo visual, con canales como MTV. Me cambio la vida. Siempre sentí una gran pasión por ese contenido y me movilizaba la idea de la música y “verla” por así decirlo. Es ahí donde consumía todo tipo de música y videos, incorporando recursos que implemento hoy. Años mas tarde entraba a estudiar la carrera de cine en La Plata y armaba mi primera banda. Nunca abandone esa línea, 25 años ininterrumpidos de destinar mi tiempo a la industria de la música y su faceta visual.

El más grande laburo…no tengo respuesta concreta, pero si te puedo decir que hoy por hoy laburo y produzco los artistas número 1 que siempre veía por tv y me quedaba flasheado. Ser “el productor del metal” como me dicen muchos es el gran laburo, que me llamen una y otra vez Andrés Giménez, Walter Giardino, Corvex y Cesar Andino y muchos otros, me hace tan bien al alma.

-Mira, esta pregunta va más de curiosidad y es un poco más personal. ¿Piensan sacar Crisálida en formato físico?

Lo vamos a hacer físico, ya arreglamos con una compañía que nos va a hacer unas hermosas copias y van a estar disponibles el 5 de septiembre en El Teatrito en la presentación oficial.

-Bueno, antes de despedirnos, saludarte y decirte que los esperamos en Bahía y, además, una última pregunta que no puedo dejar pasar ¿Qué se viene en el futuro próximo de DARLOTODO?

Se vienen 3 featurings explosivos al hilo. Te diría que todo 2026 son featuring antes de encarar el nuevo disco, el tercero. Nos vemos en Bahía, crack! Saludos!

Mammon’s Throne es una interesante banda australiana de Doom Death Metal, con un sonido único, pesado y ominoso. Su último trabajo, “My body to the worms”, me ha dejado personalmente hipnotizada. Y hoy tenemos la suerte de hablar de todo esto con Matt, su vocalista y letrista.

Buenos días y muchas gracias por concedernos esta entrevista.

En primer lugar quiero felicitaros por el nuevo disco, el tercero de vuestra carrera. “My body to the worms” es un trabajo impresionante, pesado, ominoso, e hipnótico. ¡Se ha metido en mi cabeza!, por favor ¿podéis hablarme un poco más del proceso creativo del disco?

Muchas gracias por contactarnos y charlar con nosotros. Me alegro mucho de que estés disfrutando del álbum. Ha sido un largo camino hasta que por fin ha visto la luz y estamos encantados de que ya esté disponible.

Solemos componer las canciones todos juntos en la sala de ensayo. Normalmente, alguien trae una idea y a partir de ahí la desarrollamos improvisando juntos. Excepto en “Every Day More Sickened”, todas las voces se componen sobre la marcha y se perfeccionan tras ensayar las partes varias veces. A veces, otro miembro de la banda tiene una idea que encaja bien con la original en la que estamos trabajando, o simplemente se nos ocurre sobre la marcha. Es un proceso muy orgánico y parece que nos ha funcionado bien hasta ahora. Nos esforzamos mucho para que el resultado final sea coherente y se ajuste a la narrativa que queremos transmitir en cada canción.

Es un álbum muy completo, en el que habéis incluido algunas piezas especiales que sirven de transición a otras y en las que habéis introducido elementos extra, que van más allá de la formación instrumental de la banda: como “At the Threshold of Eternity” con ese teclado tan bello y como “Clandestine Unholy Rites”, muy atmosférica, con sonidos propios de un cementerio embrujado. ¡Muy impresionante! Quería preguntaros ¿es difícil componer algo así?, ¿le daréis un uso en los directos?

De hecho, compuse “Clandestine Unholy Rites” antes de terminar el álbum para usarlo en nuestros conciertos como introducción a “Elixir”, así que tenía mucho sentido incluirlo en el álbum para transmitir ese aspecto de nuestros shows y capturar esa misma atmósfera. Nuestro guitarrista principal, Amesh, compuso y grabó “At the Threshold of Eternity” para introducir la segunda cara del disco cuando estábamos pensando en cómo sonaría el álbum en formato LP físico. También fue compuesta para que encajara bien con “An Angel’s Grace”. 

No diríamos que fue difícil, porque fue muy divertido trabajar con paisajes sonoros e instrumentos diferentes a los del resto de las canciones. Amesh y yo somos apasionados de la grabación, el trabajo con sintetizadores y la producción de audio en general, así que fue un proceso muy agradable.

Hablando de ese “Clandestine…” quería preguntaros por la canción que suena a continuación: “Elixir”. Me ha cautivado, tanto por su sonido (que habéis calificado de “Funeral Slam”), como por su sugerente videoclip: me llama mucho la atención elegir a una mujer para el papel de Nosferatu, decisión que aplaudo (y Bailey Dior está estupenda). Por favor, habladme más de la canción y el vídeo.

Teníamos muchas canciones extensas y complejas escritas para el álbum y sabíamos que queríamos incluir algo un poco más simple y contundente. También se nos ocurrió la idea de probar un breakdown con influencias hardcore en una canción, y esto nos llevó a “Elixir”. La letra de “Nosferatu…” originalmente era solo un estribillo provisional, pero después de probar otras ideas, ninguna impactó tanto y terminó siendo la elegida, y el resto de la letra de la canción se escribió alrededor del estribillo. 

Cuando decidimos que queríamos hacer al menos un vídeo musical para acompañar el álbum, “Elixir” fue la opción obvia para nosotros. Amesh habló con su pareja, Bailey, y ella estaba muy entusiasmada por participar. Nos gustó la idea de que Nosferatu fuera una mujer, ya que es algo diferente a la representación habitual. Se nos ocurrieron muchas ideas para escenas que podríamos filmar de manera realista en un videoclip y encontramos un espacio que funcionaba extremadamente bien para la idea, con muchos accesorios y ambientación que se prestaban sin esfuerzo al tema. Nuestros colaboradores nos prestaron una ayuda increíble en todo, desde el maquillaje hasta la ambientación, y fue un placer trabajar con el videógrafo Lord Rob Satan. Logramos grabar todo en un solo día y estamos sumamente satisfechos con el resultado.

“Departed”, otro de vuestros singles con videoclip, parece seguir esta fórmula maestra, bebiendo de la imaginería cinematográfica (esta vez del gothic western) y dando un protagonismo elegante a la figura femenina de Bridgette Baini. Pese a estas similitudes, ambas suenan muy diferentes y únicas. Ese “my body to the worms” tras el breakdown de la canción me parece sublime. Habladme por favor también de esta pieza.

Este tema surgió de una sencilla progresión de acordes que Amesh aportó, una especie de vals sombrío. Johnny, nuestro guitarrista rítmico, y yo somos grandes fans de la banda Wayfarer y de la atmósfera gótica occidental que aportan a su black metal. También soy un gran fan de Fields of the Nephilim, que hizo algo similar con la música gótica allá por los 80. Sabíamos que esta era la base perfecta para dar rienda suelta a nuestra creatividad y hacer una interpretación del tema al estilo de Mammon’s Throne. Tras disfrutar tanto de la creación del videoclip de “Elixir”, decidimos hacer dos más, y “Departed” fue la siguiente canción que abordamos. Johnny ideó un magnífico storyboard para las escenas y, muy amablemente, nos cedieron el espacio de arriba de uno de nuestros locales favoritos, “The Bendigo Hotel”, para filmar. Trabajamos con el mismo videógrafo que para “Elixir”, pero conseguimos capturar una atmósfera completamente diferente. El nombre del álbum se tomó posteriormente de la letra final de esta canción.

Ya que hemos pasado por dos canciones con influencias del cine, y sabiendo que tomáis el nombre en un principio de los cómics de Spawn. Quiero preguntaros, ¿hasta qué punto la cultura underground es una fuente de inspiración para vosotros? (los cómics, literatura pulp, cine de terror, videojuegos…)

Aunque no solemos escribir canciones directamente sobre películas o franquicias de videojuegos, estas influyen en algunas de mis letras y forman parte importante de mis aficiones, por lo que son una parte fundamental de mi personalidad. Por ejemplo, “Abhorrent Skies”, del primer álbum, está inspirada en “Expediente X” y usamos algunos sonidos de la serie original como introducción cuando tocamos esa canción en directo. H.P. Lovecraft y sus mitos de horror cósmico también son una gran inspiración. Algunos fans de Warhammer 40K quizás hayan notado la primera línea de “Return Us to the Stars”, que dice “All is dust…”. Esas son algunas de nuestras referencias.

Además, tocáis grandes temas universales: la codicia, el existencialismo, la oscuridad del alma humana… ¿Hasta qué punto la crítica social y la filosofía son fuentes de inspiración para vosotros?

Suelo escribir sobre temas que me causan angustia mental en mi vida personal, a modo de catarsis, y encajan a la perfección con la música profundamente emotiva de la banda. No diría que me interese mucho la filosofía; son más bien observaciones sobre el lado oscuro del mundo que nos rodea.

Sois una banda con rodaje, pero relativamente joven, aún no habéis cumplido los 10 años juntos. Y sin embargo vuestro sonido se nota muy depurado, tenéis un registro muy propio y característico, que otras bandas tardan mucho más en alcanzar. ¿Cómo ha sido este viaje para encontrar vuestro sonido?, ¿o quizás es algo que se estableció desde el principio?

El tiempo se nos ha pasado volando y creo que la pandemia tuvo mucho que ver. Estuvimos en confinamiento estricto poco después de lanzar nuestro primer álbum, y la pausa que esto provocó hizo que nuestro segundo álbum saliera bastante más tarde de lo previsto. En realidad, parece que solo llevamos unos cinco o seis años como banda activa debido a esta pausa involuntaria en las giras y los ensayos. En retrospectiva, nos dio tiempo para reflexionar sobre la dirección que queríamos darle a la banda, y salimos del confinamiento con mucha agresividad y energía reprimidas que se tradujeron en la incorporación de más elementos de Black y Death Metal en nuestra música. Ya estaban presentes en el primer álbum, pero no tan integrados en la atmósfera general como ahora, y estamos muy cómodos y satisfechos con la identidad de la banda tal como está ahora.

También quisiera preguntaros por el aspecto estético de la banda. Está claro que os gusta lo retro, tanto en los vídeos (lo hemos visto especialmente en “Every Day More Sickened”), como en la portada de los discos que también tienen un estilo de alguna forma clásico (aunque con vuestro toque único). ¿En qué os inspiráis en el apartado estético de la banda?

Somos grandes admiradores del arte impactante y llamativo, y los 80 y principios de los 90 sin duda lo tenían en abundancia. Tenemos la suerte de contar con un grupo de amigos cercanos que son artistas radicados en Melbourne, y su estilo retro de heavy metal complementa a la perfección la música de nuestra banda.

Oscar Bonin, quien realizó el arte de “My Body to the Worms” y del álbum anterior (“Mammon’s Throne”, homónimo de la banda), encaja a la perfección con nuestro sonido y siempre logra crear algo que nos deja boquiabiertos. También hemos trabajado mucho con Dave Long/Thulsa Doom, quien diseñó nuestro logo y otras obras de arte. Nos encanta poder apoyar a artistas locales y la simbiosis natural que existe entre el arte y nuestra música.

El vídeo de “Every Day More Sickened” fue un esfuerzo consciente por recrear los gloriosos días de MTV y Rage en Australia, ya que estos vídeos fueron los que nos influyeron cuando éramos jóvenes y estábamos descubriendo el metal por primera vez.

Por cierto, “Every Day More Sickened” es una pieza estupenda y totalmente única y la cual vosotros habéis señalado en entrevistas que era la que más ilusión os hacía mostrar al público: ¿por qué es así? y ¿está teniendo la acogida que vosotros esperábais?

Esta fue la última canción que escribimos para el álbum y sentimos que representaba todo lo que la banda tenía para ofrecer. La terminamos el día antes de grabar el álbum y la sensación de alivio al completarla y el triunfo que sentimos al escucharla grabada fue eufórica. Dicho esto, hay muchas emociones personales en la banda en torno a la canción y parece que a los oyentes también les ha gustado mucho. Creo que la letra está conectando con mucha gente y también aprecian todos los giros y cambios que toma la canción.

Todo lo que llega desde Australia suele triunfar muchísimo en España: ACDC, Mad Max y, por supuesto, Bluey 🙂 En los 90 todos los adolescentes españoles estábamos obsesionados con “Heartbreak High”. ¿Hasta qué punto la identidad de la banda está ligada a la identidad de vuestro lugar de origen?

Creo que nos hemos sentido un poco como la oveja negra de la escena doom de Melbourne, ya que nos hemos inclinado cada vez más hacia las influencias del doom europeo en lugar del sludge sucio y el stoner doom de muchos de nuestros compatriotas, que son geniales por derecho propio. Así que, en cuanto al sonido, no estamos seguros de que haya una gran influencia, sino más bien la cultura, la fuerza y ​​la musicalidad de la escena en sí. Hemos recibido un apoyo increíble de otras bandas y del público desde el principio y estamos eternamente agradecidos a todos con los que hemos compartido escenario o nos han contratado, y también a todos los que siguen viniendo a apoyar la escena del metal australiano. ¡Ojalá podamos añadirnos a la lista de exportaciones australianas que triunfan en España! Sin duda, hay muchas bandas australianas que merecen más reconocimiento internacional.

Actualmente estáis trabajando en la promoción y gira de “My body to the worms”: ¿cómo está siendo acogida esta nueva etapa de Mammon’s Throne?, ¿tendremos la suerte de poder disfrutarlo en directo en España en el futuro próximo?

Diría que está teniendo una muy buena acogida. Siempre buscamos mejorar nuestros conciertos y la respuesta del público nos confirma que esto se está transmitiendo claramente. Fue genial poder tocar el nuevo álbum completo en nuestro concierto de lanzamiento en Melbourne ante un público que estaba allí para celebrar con nosotros, y su apoyo con la venta de merchandising fue fenomenal.

Estamos buscando la manera de ir a Europa próximamente. Cuantos más fans apasionados tengamos, más fácil será lograrlo, así que esperamos que la gente hable de nosotros a sus amigos y se haga oír. La colaboración con Hammerheart nos ha abierto muchas puertas y estamos listos para darlo todo.

Muchas gracias por vuestro tiempo y vuestras respuestas. Enhorabuena por el buen trabajo.

Antes de su concierto en Barcelona, tuvimos una breve charla con Jay Valentine, vocalista de Guilt Trip, donde hablamos de su relación con España, nueva música y su identidad sonora.

– Hola hombre ¿Cómo estás?
Encantado de conoceros

– Así que estáis aquí en Barcelona. Comenzando esta gira español-portuguesa y luego os vais a los Estados Unidos Has estado aquí tres veces creo que al menos con Architects, aquí en razzmatazz3 y ahora la tercera vez. ¿Cómo os sentís de gira en España y Portugal? ¿Qué es lo que más os gusta de España?

Sí, um. lo que más me gusta de España es el clima. definitivamente está bien porque siempre está lloviendo de donde somos en Manchester pero es genial venir a España siempre lo pasamos bien los shows siempre son buenos, el público siempre es muy divertido así que sí, estamos emocionados de estar aquí. me alegro de estar de vuelta. creo que es nuestra cuarta vez en España en general. tocamos en Resurrection Fest todo el headliner de Malevolence, un headliner hace un par de años y luego con Architects.

– Os vi abriendo para Malevolence fue un espectáculo loco, fue bastante pronto creo que eran como 5:30 algo así pero era una energía loca, así que chicos. habéis sacado tres canciones nuevas este año y creo que van bastante duras como siempre hacéis, oye. ¿Qué podemos esperar de Guilt Trip este año? ¿estáis trabajando en un álbum? un ep si puedes hablar de ello por supuesto o simplemente estáis pensando en lanzando singles?

Sí, tenemos un disco completo casi listo para salir. vamos a anunciarlo en las próximas semanas y sí eso es probablemente todo para el año. tenemos algunos tours y cosas cerradas. estamos muy emocionados de sacarlo. es un álbum completo así que espero que la gente lo disfrute.

– Perfecto y quería preguntarte sobre el la sensación de que estáis en un punto intermedio entre el metal moderno y el metal más clásico. sois una mezcla entre yo diría Hardcore/Thrash/Metalcore si estoy en lo cierto, ¿Cómo lo sentís vosotros? porque siento que la producción es de primera categoría pero manteniendo la vibra de la vieja escuela. ¿es eso cierto o…?

Sí, eso es correcto. Nos gusta la buena producción. creo que si suenas bien y “crujiente” la gente se mete mucho más fácilmente pero todas las bandas de las que nos inspiramos son viejas bandas como Machine Head, Devil Driver, cosas así y luego en el lado duro bandas como Sick Of It All, Biohazard, Madball, Terror, etc., así que todas nuestras influencias son como de hace más de 20 años. así que probablemente por eso sonamos como de la vieja escuela, sí. y luego buscamos una suene actual. ese es el aspecto moderno de la banda. creo que es una buena mezcla y tenemos gente ya sabes, gente más joven en los shows. y también tenemos muchas personas mayores así que es una buena mezcla y sabes que la gente lo aprecia.

– Creo que estáis dando el gran paso ahora o esto siento luego de aquí y Portugal, si no estoy equivocado, os vais a los Estados Unidos ¿Sentís un poco más de presión ahora? o seguís con las mismas sensaciones, sabes como toda la vibra de la vieja escuela…

No diría presión. siento que lo estamos disfrutando por lo que es. entendemos que es como si tal vez nuestro parche morado en este momento. crecer más, tal vez no lo hagamos pero lo estamos tomando con calma disfrutándolo por lo que es y nos lo estamos pasando genial haciéndolo. así que cuantos más shows podamos hacer, cuantos más tours, mejor para nosotros.

– Entrevista corta pero ha sido un placer, hombre. Muchas gracias amigos, esto ha sido Guilt Trip. así que nos vemos en el moshpit.