Lena Scissorhands, cantante de los moldavos Infected Rain y una de las voces más destacadas del metal moderno, habló con Manel Medina a través de su canal Stairway To The Moshpit, sobre nuevos singles, nuevos recitales y nuevos planes.

Bienvenida, bienvenida al canal. Es un gran placer tenerte aquí de nuevo.

Muchísimas gracias, ja, ja. ¿Cómo estás hoy?

Estoy bien, muchas gracias. Cada día es muy emocionante porque nos estamos acercando a nuestro nuevo lanzamiento, a nuestra gira, y es muy divertido, así que es emocionante.

Lena, primero, buenas noticias para todos los fans de Infected Rain: vais a sacar cosas nuevas esta misma semana, el 19. Y sí, estoy muy emocionado por eso. Hablamos de eso detrás de las cámaras y el single se llama Stranger. Quería hacer dos preguntas al respecto. Primero, se trata del tema del significado de la canción, que significa mucho para mí personalmente, como dije. Y el segundo sería: ¿qué podemos esperar del single? Y yo supongo que también estáis trabajando en un álbum. Entonces, ¿cómo os sentís con el álbum? Porque creo que Time, el último, fue como un gran paso adelante para vosotros. Creo que encontrasteis el sonido de Infected Rain, pero más pulido y todo lo que sabes, a lo que me refiero, como si fuera un álbum que realmente resume lo que es Infected Rain. Así que sí, sobre el single, yo ayer publicaste una pequeña frase que era como la distancia que puedes crear desde donde estás ahora y donde crees que puedes estar. Así que sí, ¿cuál es el significado de esta frase? ¿Se trata de una cosa personal o se trata de cosas generales?

Tal como mencionaste al principio, Stranger sale el 19 de marzo, que en realidad es tres días antes. Así que, desafortunadamente, no puedo decir mucho, pero te diría algunas cosas. Estoy muy feliz de estar aquí y amo a nuestra audiencia española, y podemos lanzar un pequeño regalo para nuestra audiencia española y usar un poco el nuevo single. Se llama Stranger y escribí la letra de esta canción basada en un sentimiento personal, una lucha interna que encontré durante los últimos años. Y significa que, sabes, el tiempo pasa y cambiamos. Nunca somos la misma persona que éramos ayer. Incluso a nivel biológico, a nivel celular, somos personas diferentes. Y muy a menudo la forma en que nos vemos o el mundo cambia de un día para otro. Y no estoy hablando de cambios drásticos, pero hay cambios. Así que realmente quería escribir sobre ello y para mí es una canción muy personal, ¿verdad?

Y la frase que compartí ayer es, de hecho, hablando de la distancia que puede haber entre la realización personal de uno mismo hoy y la realización personal de la imaginación de cómo te ves a ti mismo, como si eso fuera lo mismo o completamente dos cosas diferentes. Ahora, esto puede ser, por supuesto, un tema muy profundo para horas de conversación. Siento que es muy… sabes, podemos hacer una lluvia de ideas al respecto, pero me encantaría que todos encontraran su propio significado en Stranger cuando salga Stranger y podamos hablar más al respecto. Pero en el camino de cómo decir eso, es muy personal. Y quiero decirte que he escuchado a personas que me importan en mi vida sintiéndose muy similares a esa sensación que sentí cuando tuve la necesidad de escribir sobre eso.

Un extraño sentimiento, casi como si fueras un extraño para ti mismo. No porque no te reconozcas realmente en la forma en que te ves físicamente, pero de alguna manera reconoces el interior, el interior tuyo, cuando te miras en un espejo. Es muy importante porque a menudo estamos tan acostumbrados a vivir una vida describiendo quiénes somos por fuera, pero cuando pensamos un poco más profundo, ¿somos en realidad la misma persona por fuera como lo somos por dentro? ¿Reconocemos a esta persona que vemos todos los días en el espejo o no? Es muy interesante la batalla interior, la batalla interna. Pero sí, eso es todo lo que puedo decirte, ya te dije demasiado.

Creo que es más que suficiente y realmente te lo agradezco. Creo que a los fans les va a gustar mucho, lo van a apreciar. Y sí, tenemos un single esta semana, el 19, como dijiste, y estáis trabajando en un álbum por lo que he visto en las redes sociales.

Sí, estamos trabajando en un nuevo álbum. Sin embargo, el nuevo álbum se está formando lentamente y esta vez queremos hacerlo de esa manera. No tenemos una fecha de publicación, ni época del año o incluso, ya sabes, una fecha concreta. Pero llevamos trabajando en ello durante más de un año, para ser honesta. Muchas canciones nuevas. Ya preparamos muchos videos musicales, aunque el álbum ni siquiera está completamente preparado. Nos enamoramos de cada canción en un nivel tan personal, tan profundo, que sentimos de alguna manera esta urgencia de compartir cada canción en su gran potencial, con algunas imágenes también. Así que todo lo que puedo decirte por ahora es que sí, estamos trabajando en material nuevo y va a ser increíble. Me encanta cada cosa que hemos sacado hasta ahora. Creo que es divertido, es fresco, es innovador, pero mantiene ese sonido y el nivel que tuvimos con Time, quizás aún mejor. Así que veremos.

Ahora mismo tuvimos que dejarlo a un lado porque nos estamos preparando para una gira, pero sorprenderemos a nuestra audiencia con algunas canciones nuevas en esta gira, así que estoy muy emocionada.

Está bien, eso es increíble. Cuento con Stranger, seguro.

Stranger, seguro, Stranger, seguro. Esa es una de las principales razones por las que realmente preparamos el lanzamiento justo antes de la gira. Y hay algo más.

Eso es bastante bueno. Y Lena, hablaste del tour, que estáis haciendo un tour enorme que es ya mismo. Creo que, ¿cuántos conciertos son? Vi tu publicación ayer, pero…

Estaba contándolos uno por uno porque no podía creerlo yo misma. Son 55 shows entre el Reino Unido, Europa y América del Norte, todos juntos, parte de Mutation Phase Tour, sí.

Eso es una locura. ¿Y es como dos meses o tres meses?

Algo así, tres meses, sí. Son casi tres meses. Europa y el Reino Unido tienen menos días libres y Estados Unidos tiene algún día libre más debido a la logística del transporte también. Pero sí, estaremos terminando el tour al final de la primera semana de junio, así que eso es una locura, comenzando este mes a finales de marzo.

Eso es una locura. Eso es casi un… no es un concierto por día, pero algo así, contando todos los viajes y todo lo del autobús y todo. Es increíble, Lena. Y venís a España, por supuesto, que es increíble, me encanta. ¿Qué dijiste? No he escuchado.

Barcelona y Madrid.

Sí, sí, exactamente. Creo que os he visto cuatro veces ahora: una en Resurrection Fest y tres de ellas en Barcelona. Y Lena, ¿qué es lo que dirías que te gusta de los conciertos en España y qué es lo que menos te gusta?

Lo que me encanta del público español y metaleros en general es lo locos que se vuelven. Sienten la música en un nivel diferente y la multitud es tan sensible, ¿sabes? Me encanta eso del público español.

Ahora, cuando se trata de shows individuales, no estamos hablando de grandes eventos como festivales o cualquier otro gran evento, siento que el público español está un poco más influenciado por muchos factores de la vida. Por ejemplo, hay países donde realmente no importa si tocas durante un lunes, un martes o un miércoles, y hay países donde sí importa. Así que cuando tocamos en España realmente importa qué día de la semana es para que la audiencia tenga la oportunidad de estar allí. Es comprensible, pero al mismo tiempo es muy frustrante porque no elegimos los días. Y cuando estás de gira, tocas casi todos los días sin importar qué día de la semana sea. Es trabajo para ti de todos modos.

Así que realmente queremos invitar a todos a recordar que las bandas viajan desde tan lejos para venir a ti y a veces será durante la semana, pero los shows siempre suceden por la noche y tienes tiempo para descansar antes de tu trabajo al día siguiente. Así que si realmente quieres apoyar a la banda, si realmente crees en la banda y amas su música y lo que representan, por favor apóyalos. Realmente necesitamos su apoyo en todas las formas. Cada acción, cada guardado, cada comentario, cada amigo con el que compartes la música, cada entrada… todo eso realmente puede marcar la diferencia en la carrera de la banda. Así que sí, esta sería mi respuesta para el público español, un público que es increíble.

Y podemos agregar que esta vez os tenemos en un fin de semana completo, como el sábado en Barcelona.

Así que no hay excusas, no hay excusas.

No hay excusas, estaremos allí seguro.

Sí, y chicos, tengo que ser honesta: el espectáculo y la producción de esta gira están en un nivel que nunca antes habíamos hecho. Así que incluso si alguien, como tú, ha visto Infected Rain cuatro o cinco veces, créeme, te espera un espectáculo completamente nuevo, que te impactará de manera diferente. Y tenemos sorpresas: traemos a nuestros amigos de Butcher Babies en esta gira y tocaremos The Realm of Chaos juntos en el escenario cada noche, que es una de las cosas más solicitadas. Y estamos muy emocionados de presentar también algunas canciones nuevas, junto con muchas canciones antiguas que no hemos estado tocando durante años, así que va a ser divertido.

Ok, nueva experiencia de Infected Rain, creo que eso es bastante bueno. Estaba súper feliz con los últimos shows, pero siempre estoy feliz de ver algunas diferencias y tratar de hacer cosas nuevas, como la colaboración con Heidi. Creo que será sobresaliente porque la canción es increíble y creo que…

Ella es increíble, sí. Vamos a petarlo.

Increíble, Lena. Así que quería hacer una pequeña pregunta sobre Heidi o Butcher Babies en este caso. ¿Cómo os conocisteis? ¿Os conocíais de antes o vino mientras hacíais música?

Por supuesto que sabía de Heidi antes de hacernos amigas, antes de la invitación a ser artista invitada en nuestra canción The Realm of Chaos. De hecho, la conocí en persona en 2013 cuando visitaba Estados Unidos por primera vez. Tuve la oportunidad de estar en un espectáculo donde eran invitados especiales y tuvimos un momento rápido para intercambiar un par de palabras. Recuerdo incluso darle un álbum de Infected Rain, que todavía recuerda.

Luego nos reconectamos en algún momento de 2019 y nos volvimos a ver en persona en 2020, justo antes del encierro por COVID. Estaba en NAMM, en una convención de música, y la encontré accidentalmente. Hablamos de nuevo, estábamos súper felices de vernos, éramos conscientes la una de la otra y del crecimiento de ambas bandas.

Ella mencionó que estaba pensando en mudarse a Las Vegas, lo cual fue increíble. Terminó mudándose no muy lejos de mí, nos hicimos súper amigas y el COVID nos juntó porque ninguna tenía shows. Hicimos muchas ideas juntas y descubrimos cuánto teníamos en común. Así es como nuestra amistad se hizo más fuerte. Y cuando surgió la idea de hacer una canción juntas, ella aceptó completamente. Incluso tuve la oportunidad de grabarla, así que fui como ingeniera de sonido para esa canción.

Jaja, ok, muy divertido.

Y creo que Heidi tiene una presencia increíble en la industria del metal. Es muy talentosa y estoy muy orgullosa de sus logros como música, como mujer, como ser humano y como artista trabajadora. Estoy muy feliz de que vayamos de gira juntas nuevamente, esta vez en Europa. La primera vez fue en Estados Unidos. Y sí, interpretar The Realm of Chaos en vivo juntas solo ha pasado dos veces hasta ahora, así que esto es súper interesante.

De hecho, me gustan mucho. Los he visto dos veces, creo, y traen esa energía loca.

Mira su nueva canción, es realmente buena.

¡Lo hice! De hecho, sí, quiero decir, tengo incluso la camiseta de Butcher Babies, así que sí, genial.

Eres un verdadero fan, muchas gracias, realmente significa mucho.

Etiquetas: Infected Rain, Metalcore, Moldavia, Nu Metal

DARLOTODO es una banda de nu metal de origen argentino que emergió en la ciudad de Buenos Aires en el año 2023. Su primer disco de nombre homónimo fue una grata sorpresa para los oyentes puesto que nunca hubo referentes del género en el país. Con pocos años de existencia cuentan con un éxito y aceptación digno de una banda ya consagrada. Charlamos un rato con Penumbra, líder y baterista de la banda, quien además es productor audiovisual y fundador del sello Black Eclosion, para que nos cuente sus sensaciones sobre su último disco, Crisálida y un poco más.

-Primero contarte que estuve escuchando hasta el cansancio Crisálida. Sacaron un discazo!. Me llaman siempre la atención los discos que son construidos bajo un concepto, como este, y se que detrás de cada gran disco conceptual hay una gran idea, una historia. ¿Nos podrías contar un poco cómo es que surgió la idea de hacer de Crisálida un disco conceptual?

El álbum esta planteado desde el lado de luchar y salir adelante ante la adversidad. Todos en la banda nos identificamos mucho con ese concepto que año a año se fue fortaleciendo casi de manera casual y es prácticamente el lema de hoy de DARLOTODO. Personalmente disfruto mucho que Lucas me de lugar para meter letras e ideas en las canciones donde explayo duelos y dolor de la infancia, pero cada uno que escucha DARLOTODO debe acoplarlo a su propia vida. Es algo que nos sucede siempre, nos dicen los fans. Hacen suyas las canciones a nivel muy pasional.

-Y respecto a eso. Es apenas su segundo disco y ya gozan de muy buen éxito y muchos seguidores. Pareciera como que había toda una cantidad enorme de gente esperando a una banda como ustedes. Bueno, yo creo que siempre hubo un vacío en este estilo en Argentina y que ustedes vinieron a ocupar. ¿Qué impacto te causó encontrarte con el éxito de la banda tan rápidamente? ¿Cuál crees que fue la clave para que DARLOTODO llegará tan rápido a llenar los típicos recintos del metal?

Muchos nos comentan lo que estas diciendo, es algo que nos pone muy contentos. Los músicos de la banda, sobre todo Lucas y yo, siempre fuimos consumidores 100% del nu metal desde sus orígenes, y salvo un acercamiento de A.N.I.M.A.L en los 2000, nunca hubo una clarísima referencia en Argentina que haya llegado alto. Nos alegra mucho cuando dicen que llegamos a ocupar un lugar que estaba vacío. Eso, y muchas amistades generadas luego de 20 años de trayectoria en la escena local, hacen que el panorama para crecer hayan sido super rápido.

-Crisálida es un disco que suena bastante orgánico, por el contrario de las producciones super comprimidas que se suelen escuchar ahora. ¿Cómo fue el proceso de grabación? ¿Cuán involucrados estuvieron luego, en la producción y detalles finales?

Es una pregunta muy interesante y que pocos medios suelen hacer. Si la levantas en las redes, la compartimos (jaja) Gracias por captarlo. Fue clave para nosotros ser disruptivos a la hora de grabar y mezclar el material… te la hago super simple. Decidimos NO utilizar ningún tipo de soft para afinar voces. Lucas esta orgánico y expuesto al 100% y decidimos también dejar errores. Queríamos captar esa energía del primer take, no buscando perfección, si no algo más orgánico, emocional. Los bajos del disco están one take por ejemplo y no editados. Eso lo tenemos incorporado de discos producidos por Ross Robinson (productor de Korn, Slipknot, Limp en sus primeros álbumes), no buscar perfección si no un sentimiento, algo que esta ahí mágico en la toma.

-Es muy común con ustedes las colaboraciones con otros músicos, como es el caso de Claudio Oconnor o Marcelo Corvalán. Se nota la sinergia que hay con ellos. ¿Cómo se da ese encuentro con esos artistas? ¿Surgen de casualidad? ¿Se buscan? ¿Y si tuvieras que elegir a un músico internacional para el próximo disco?

Todos los featurings que fueron surgiendo son con amigos a los cuales les produzco material de videoclip hace años. El tiempo afianzó una amistad y nos da lugar a proponerles sumarse a canciones. Algo muy interesante es que jamás un artista nos dijo que no, y además, no voy a revelar nombres… pero muchísimos grandes artistas nos escribieron para hacer feats también. Seremos una especie de bizarrap del metal a futuro? 

-Algo que me gusta preguntarles a todos los artistas, es sobre su percepción de la actualidad de la escena del metal. ¿Notas diferencias a la hora de hacer música entre la actualidad y hace 10 o 20 años atrás? ¿Hay algo que extrañás?

La escena esta cambiando muchísimo y rápidamente, sobre todo con la implementación de nuevas tecnologías y códigos, donde ya un álbum no es escuchando tanto por su idea, audio, si no quizás por cuantos reels graciosos haces para moverlo. Nosotros no nos subimos a esa. Nos enfocamos muy tranquilos en seguir con este formato casual y sincero de comunicación como somos realmente, sin crear personajes, nos mostramos tal cual somos, todos los saben.

Otro factor en esta etapa de cambios es que hay muchísimas bandas y es muy fácil grabar música, lo que hace que el mercado este lleno de opciones. Combinado con que no hay plata y quizás no hay ganas de ir a tantos shows también genera que muchas veces te plantees “debemos salir de gira lejos? Si todos cortan pocos tickets”, “es preferible destinar más tiempo a videos para mostrarte al mundo que a hacer tour local y que te vean en persona?”, “debemos invertir en publicidad en vez de mejores instrumentos o hardware? (por ejemplo), al igual que muchos estamos tratando de descifrar la nueva escena para encajar en el formato, pero siempre como prioridad siendo fieles a nosotros.

-Es sabido que, al menos en Argentina, es grandísimo el esfuerzo que tienen que hacer los músicos para producir los discos, planificar las giras, etc. Ahora están empezando a llevar la música de la banda a todo el país, recorriendo varios lugares. Se que vendrán en un meses a Bahía…logística, costos, tiempos ¿Cuál es el mayor desafío o sacrificio que tienen que hacer para salir a la ruta y armar los recitales? ¿Es todo autogestión o se apoyan en alguien más?

En DARLOTODO estamos en el momento de transición de formato, autogestión independiente, a el salto a la A, por así llamarlo, donde están artistas más reconocidos, amigos nuestros, que vemos tienen otros arreglos. En este momento los costos no dan para viajes en avión, hoteles de buen level. Estamos en un momento donde la prioridad es viajar y mostrarnos a nuevo público, eso elegimos nosotros, pese a muchas veces ponerle el cuerpo al 100%. Me estas hablando del show que se viene en Bahia por ejemplo… muchos no van a saber esa noche que el esfuerzo no es solo total sobre el stage, si no que son 3 shows, 2 días seguidos: MDQ, Bahía y Gonzales Chavez. Todo al volante manejando nosotros mismos, descansando mal, comiendo super mistery… pero hoy por hoy lo elegimos, lo estamos dando todo para llegar a esa gente que nos pide en todos lados con mucho amor.

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-Y hablando de giras, vi que están tocando (y van a tocar) mucho bajo el marco del festival S1ckfest. Para mí, un golazo, tener un festival que le dé cabida a lo alternativo…creo que es la 1ra vez que se arma una movida así para distintos lugares del país ¿Formas parte de la producción? ¿Cómo surgió todo?

Gracias por el interés por el festival. Nos pone muy contentos cuando medios y gente nos comentan que están fascinados el formato del S1ckfest. Todo surge cuando un año atrás productores nos querían llevar a sus localidades pero nos comentaban que no sabían en que formato o contexto meternos como banda 100% nu metal. Lo que se nos ocurrió con Horacio, nuestro Manager, es tratar de revivir el formato mas familiar y de fiesta que se veía en un show en Estados Unidos en los 2000 llamado “Family Values” creado por Korn, donde el tour giraba con muchas bandas de diversos géneros, y se le daba un formato de fiesta alternativa donde toda la noche había música del género y era mas clima de fiesta que un show en si. El concepto de músicos viajando y conociendo otras bandas y exponentes locales, juntándose con la gente cara a cara, tomando un trago, compartiendo unas horas, es algo hermoso que está creciendo. Estamos muy orgullosos del festival.

-Creo que, a esta altura, preguntarte por las influencias musicales es cuanto menos, cliché (jaja). Pero…bien sabemos que sos multifacético en cuanto a arte refiere ¿Qué te inspiró a llevar adelante una carrera en producción audiovisual? ¿Algún referente que te haya influenciado? ¿El laburo más grande que hiciste?

En los 90s me fascinó la industria musical desde el lado de lo visual, con canales como MTV. Me cambio la vida. Siempre sentí una gran pasión por ese contenido y me movilizaba la idea de la música y “verla” por así decirlo. Es ahí donde consumía todo tipo de música y videos, incorporando recursos que implemento hoy. Años mas tarde entraba a estudiar la carrera de cine en La Plata y armaba mi primera banda. Nunca abandone esa línea, 25 años ininterrumpidos de destinar mi tiempo a la industria de la música y su faceta visual.

El más grande laburo…no tengo respuesta concreta, pero si te puedo decir que hoy por hoy laburo y produzco los artistas número 1 que siempre veía por tv y me quedaba flasheado. Ser “el productor del metal” como me dicen muchos es el gran laburo, que me llamen una y otra vez Andrés Giménez, Walter Giardino, Corvex y Cesar Andino y muchos otros, me hace tan bien al alma.

-Mira, esta pregunta va más de curiosidad y es un poco más personal. ¿Piensan sacar Crisálida en formato físico?

Lo vamos a hacer físico, ya arreglamos con una compañía que nos va a hacer unas hermosas copias y van a estar disponibles el 5 de septiembre en El Teatrito en la presentación oficial.

-Bueno, antes de despedirnos, saludarte y decirte que los esperamos en Bahía y, además, una última pregunta que no puedo dejar pasar ¿Qué se viene en el futuro próximo de DARLOTODO?

Se vienen 3 featurings explosivos al hilo. Te diría que todo 2026 son featuring antes de encarar el nuevo disco, el tercero. Nos vemos en Bahía, crack! Saludos!

Mammon’s Throne es una interesante banda australiana de Doom Death Metal, con un sonido único, pesado y ominoso. Su último trabajo, “My body to the worms”, me ha dejado personalmente hipnotizada. Y hoy tenemos la suerte de hablar de todo esto con Matt, su vocalista y letrista.

Buenos días y muchas gracias por concedernos esta entrevista.

En primer lugar quiero felicitaros por el nuevo disco, el tercero de vuestra carrera. “My body to the worms” es un trabajo impresionante, pesado, ominoso, e hipnótico. ¡Se ha metido en mi cabeza!, por favor ¿podéis hablarme un poco más del proceso creativo del disco?

Muchas gracias por contactarnos y charlar con nosotros. Me alegro mucho de que estés disfrutando del álbum. Ha sido un largo camino hasta que por fin ha visto la luz y estamos encantados de que ya esté disponible.

Solemos componer las canciones todos juntos en la sala de ensayo. Normalmente, alguien trae una idea y a partir de ahí la desarrollamos improvisando juntos. Excepto en “Every Day More Sickened”, todas las voces se componen sobre la marcha y se perfeccionan tras ensayar las partes varias veces. A veces, otro miembro de la banda tiene una idea que encaja bien con la original en la que estamos trabajando, o simplemente se nos ocurre sobre la marcha. Es un proceso muy orgánico y parece que nos ha funcionado bien hasta ahora. Nos esforzamos mucho para que el resultado final sea coherente y se ajuste a la narrativa que queremos transmitir en cada canción.

Es un álbum muy completo, en el que habéis incluido algunas piezas especiales que sirven de transición a otras y en las que habéis introducido elementos extra, que van más allá de la formación instrumental de la banda: como “At the Threshold of Eternity” con ese teclado tan bello y como “Clandestine Unholy Rites”, muy atmosférica, con sonidos propios de un cementerio embrujado. ¡Muy impresionante! Quería preguntaros ¿es difícil componer algo así?, ¿le daréis un uso en los directos?

De hecho, compuse “Clandestine Unholy Rites” antes de terminar el álbum para usarlo en nuestros conciertos como introducción a “Elixir”, así que tenía mucho sentido incluirlo en el álbum para transmitir ese aspecto de nuestros shows y capturar esa misma atmósfera. Nuestro guitarrista principal, Amesh, compuso y grabó “At the Threshold of Eternity” para introducir la segunda cara del disco cuando estábamos pensando en cómo sonaría el álbum en formato LP físico. También fue compuesta para que encajara bien con “An Angel’s Grace”. 

No diríamos que fue difícil, porque fue muy divertido trabajar con paisajes sonoros e instrumentos diferentes a los del resto de las canciones. Amesh y yo somos apasionados de la grabación, el trabajo con sintetizadores y la producción de audio en general, así que fue un proceso muy agradable.

Hablando de ese “Clandestine…” quería preguntaros por la canción que suena a continuación: “Elixir”. Me ha cautivado, tanto por su sonido (que habéis calificado de “Funeral Slam”), como por su sugerente videoclip: me llama mucho la atención elegir a una mujer para el papel de Nosferatu, decisión que aplaudo (y Bailey Dior está estupenda). Por favor, habladme más de la canción y el vídeo.

Teníamos muchas canciones extensas y complejas escritas para el álbum y sabíamos que queríamos incluir algo un poco más simple y contundente. También se nos ocurrió la idea de probar un breakdown con influencias hardcore en una canción, y esto nos llevó a “Elixir”. La letra de “Nosferatu…” originalmente era solo un estribillo provisional, pero después de probar otras ideas, ninguna impactó tanto y terminó siendo la elegida, y el resto de la letra de la canción se escribió alrededor del estribillo. 

Cuando decidimos que queríamos hacer al menos un vídeo musical para acompañar el álbum, “Elixir” fue la opción obvia para nosotros. Amesh habló con su pareja, Bailey, y ella estaba muy entusiasmada por participar. Nos gustó la idea de que Nosferatu fuera una mujer, ya que es algo diferente a la representación habitual. Se nos ocurrieron muchas ideas para escenas que podríamos filmar de manera realista en un videoclip y encontramos un espacio que funcionaba extremadamente bien para la idea, con muchos accesorios y ambientación que se prestaban sin esfuerzo al tema. Nuestros colaboradores nos prestaron una ayuda increíble en todo, desde el maquillaje hasta la ambientación, y fue un placer trabajar con el videógrafo Lord Rob Satan. Logramos grabar todo en un solo día y estamos sumamente satisfechos con el resultado.

“Departed”, otro de vuestros singles con videoclip, parece seguir esta fórmula maestra, bebiendo de la imaginería cinematográfica (esta vez del gothic western) y dando un protagonismo elegante a la figura femenina de Bridgette Baini. Pese a estas similitudes, ambas suenan muy diferentes y únicas. Ese “my body to the worms” tras el breakdown de la canción me parece sublime. Habladme por favor también de esta pieza.

Este tema surgió de una sencilla progresión de acordes que Amesh aportó, una especie de vals sombrío. Johnny, nuestro guitarrista rítmico, y yo somos grandes fans de la banda Wayfarer y de la atmósfera gótica occidental que aportan a su black metal. También soy un gran fan de Fields of the Nephilim, que hizo algo similar con la música gótica allá por los 80. Sabíamos que esta era la base perfecta para dar rienda suelta a nuestra creatividad y hacer una interpretación del tema al estilo de Mammon’s Throne. Tras disfrutar tanto de la creación del videoclip de “Elixir”, decidimos hacer dos más, y “Departed” fue la siguiente canción que abordamos. Johnny ideó un magnífico storyboard para las escenas y, muy amablemente, nos cedieron el espacio de arriba de uno de nuestros locales favoritos, “The Bendigo Hotel”, para filmar. Trabajamos con el mismo videógrafo que para “Elixir”, pero conseguimos capturar una atmósfera completamente diferente. El nombre del álbum se tomó posteriormente de la letra final de esta canción.

Ya que hemos pasado por dos canciones con influencias del cine, y sabiendo que tomáis el nombre en un principio de los cómics de Spawn. Quiero preguntaros, ¿hasta qué punto la cultura underground es una fuente de inspiración para vosotros? (los cómics, literatura pulp, cine de terror, videojuegos…)

Aunque no solemos escribir canciones directamente sobre películas o franquicias de videojuegos, estas influyen en algunas de mis letras y forman parte importante de mis aficiones, por lo que son una parte fundamental de mi personalidad. Por ejemplo, “Abhorrent Skies”, del primer álbum, está inspirada en “Expediente X” y usamos algunos sonidos de la serie original como introducción cuando tocamos esa canción en directo. H.P. Lovecraft y sus mitos de horror cósmico también son una gran inspiración. Algunos fans de Warhammer 40K quizás hayan notado la primera línea de “Return Us to the Stars”, que dice “All is dust…”. Esas son algunas de nuestras referencias.

Además, tocáis grandes temas universales: la codicia, el existencialismo, la oscuridad del alma humana… ¿Hasta qué punto la crítica social y la filosofía son fuentes de inspiración para vosotros?

Suelo escribir sobre temas que me causan angustia mental en mi vida personal, a modo de catarsis, y encajan a la perfección con la música profundamente emotiva de la banda. No diría que me interese mucho la filosofía; son más bien observaciones sobre el lado oscuro del mundo que nos rodea.

Sois una banda con rodaje, pero relativamente joven, aún no habéis cumplido los 10 años juntos. Y sin embargo vuestro sonido se nota muy depurado, tenéis un registro muy propio y característico, que otras bandas tardan mucho más en alcanzar. ¿Cómo ha sido este viaje para encontrar vuestro sonido?, ¿o quizás es algo que se estableció desde el principio?

El tiempo se nos ha pasado volando y creo que la pandemia tuvo mucho que ver. Estuvimos en confinamiento estricto poco después de lanzar nuestro primer álbum, y la pausa que esto provocó hizo que nuestro segundo álbum saliera bastante más tarde de lo previsto. En realidad, parece que solo llevamos unos cinco o seis años como banda activa debido a esta pausa involuntaria en las giras y los ensayos. En retrospectiva, nos dio tiempo para reflexionar sobre la dirección que queríamos darle a la banda, y salimos del confinamiento con mucha agresividad y energía reprimidas que se tradujeron en la incorporación de más elementos de Black y Death Metal en nuestra música. Ya estaban presentes en el primer álbum, pero no tan integrados en la atmósfera general como ahora, y estamos muy cómodos y satisfechos con la identidad de la banda tal como está ahora.

También quisiera preguntaros por el aspecto estético de la banda. Está claro que os gusta lo retro, tanto en los vídeos (lo hemos visto especialmente en “Every Day More Sickened”), como en la portada de los discos que también tienen un estilo de alguna forma clásico (aunque con vuestro toque único). ¿En qué os inspiráis en el apartado estético de la banda?

Somos grandes admiradores del arte impactante y llamativo, y los 80 y principios de los 90 sin duda lo tenían en abundancia. Tenemos la suerte de contar con un grupo de amigos cercanos que son artistas radicados en Melbourne, y su estilo retro de heavy metal complementa a la perfección la música de nuestra banda.

Oscar Bonin, quien realizó el arte de “My Body to the Worms” y del álbum anterior (“Mammon’s Throne”, homónimo de la banda), encaja a la perfección con nuestro sonido y siempre logra crear algo que nos deja boquiabiertos. También hemos trabajado mucho con Dave Long/Thulsa Doom, quien diseñó nuestro logo y otras obras de arte. Nos encanta poder apoyar a artistas locales y la simbiosis natural que existe entre el arte y nuestra música.

El vídeo de “Every Day More Sickened” fue un esfuerzo consciente por recrear los gloriosos días de MTV y Rage en Australia, ya que estos vídeos fueron los que nos influyeron cuando éramos jóvenes y estábamos descubriendo el metal por primera vez.

Por cierto, “Every Day More Sickened” es una pieza estupenda y totalmente única y la cual vosotros habéis señalado en entrevistas que era la que más ilusión os hacía mostrar al público: ¿por qué es así? y ¿está teniendo la acogida que vosotros esperábais?

Esta fue la última canción que escribimos para el álbum y sentimos que representaba todo lo que la banda tenía para ofrecer. La terminamos el día antes de grabar el álbum y la sensación de alivio al completarla y el triunfo que sentimos al escucharla grabada fue eufórica. Dicho esto, hay muchas emociones personales en la banda en torno a la canción y parece que a los oyentes también les ha gustado mucho. Creo que la letra está conectando con mucha gente y también aprecian todos los giros y cambios que toma la canción.

Todo lo que llega desde Australia suele triunfar muchísimo en España: ACDC, Mad Max y, por supuesto, Bluey 🙂 En los 90 todos los adolescentes españoles estábamos obsesionados con “Heartbreak High”. ¿Hasta qué punto la identidad de la banda está ligada a la identidad de vuestro lugar de origen?

Creo que nos hemos sentido un poco como la oveja negra de la escena doom de Melbourne, ya que nos hemos inclinado cada vez más hacia las influencias del doom europeo en lugar del sludge sucio y el stoner doom de muchos de nuestros compatriotas, que son geniales por derecho propio. Así que, en cuanto al sonido, no estamos seguros de que haya una gran influencia, sino más bien la cultura, la fuerza y ​​la musicalidad de la escena en sí. Hemos recibido un apoyo increíble de otras bandas y del público desde el principio y estamos eternamente agradecidos a todos con los que hemos compartido escenario o nos han contratado, y también a todos los que siguen viniendo a apoyar la escena del metal australiano. ¡Ojalá podamos añadirnos a la lista de exportaciones australianas que triunfan en España! Sin duda, hay muchas bandas australianas que merecen más reconocimiento internacional.

Actualmente estáis trabajando en la promoción y gira de “My body to the worms”: ¿cómo está siendo acogida esta nueva etapa de Mammon’s Throne?, ¿tendremos la suerte de poder disfrutarlo en directo en España en el futuro próximo?

Diría que está teniendo una muy buena acogida. Siempre buscamos mejorar nuestros conciertos y la respuesta del público nos confirma que esto se está transmitiendo claramente. Fue genial poder tocar el nuevo álbum completo en nuestro concierto de lanzamiento en Melbourne ante un público que estaba allí para celebrar con nosotros, y su apoyo con la venta de merchandising fue fenomenal.

Estamos buscando la manera de ir a Europa próximamente. Cuantos más fans apasionados tengamos, más fácil será lograrlo, así que esperamos que la gente hable de nosotros a sus amigos y se haga oír. La colaboración con Hammerheart nos ha abierto muchas puertas y estamos listos para darlo todo.

Muchas gracias por vuestro tiempo y vuestras respuestas. Enhorabuena por el buen trabajo.

Antes de su concierto en Barcelona, tuvimos una breve charla con Jay Valentine, vocalista de Guilt Trip, donde hablamos de su relación con España, nueva música y su identidad sonora.

– Hola hombre ¿Cómo estás?
Encantado de conoceros

– Así que estáis aquí en Barcelona. Comenzando esta gira español-portuguesa y luego os vais a los Estados Unidos Has estado aquí tres veces creo que al menos con Architects, aquí en razzmatazz3 y ahora la tercera vez. ¿Cómo os sentís de gira en España y Portugal? ¿Qué es lo que más os gusta de España?

Sí, um. lo que más me gusta de España es el clima. definitivamente está bien porque siempre está lloviendo de donde somos en Manchester pero es genial venir a España siempre lo pasamos bien los shows siempre son buenos, el público siempre es muy divertido así que sí, estamos emocionados de estar aquí. me alegro de estar de vuelta. creo que es nuestra cuarta vez en España en general. tocamos en Resurrection Fest todo el headliner de Malevolence, un headliner hace un par de años y luego con Architects.

– Os vi abriendo para Malevolence fue un espectáculo loco, fue bastante pronto creo que eran como 5:30 algo así pero era una energía loca, así que chicos. habéis sacado tres canciones nuevas este año y creo que van bastante duras como siempre hacéis, oye. ¿Qué podemos esperar de Guilt Trip este año? ¿estáis trabajando en un álbum? un ep si puedes hablar de ello por supuesto o simplemente estáis pensando en lanzando singles?

Sí, tenemos un disco completo casi listo para salir. vamos a anunciarlo en las próximas semanas y sí eso es probablemente todo para el año. tenemos algunos tours y cosas cerradas. estamos muy emocionados de sacarlo. es un álbum completo así que espero que la gente lo disfrute.

– Perfecto y quería preguntarte sobre el la sensación de que estáis en un punto intermedio entre el metal moderno y el metal más clásico. sois una mezcla entre yo diría Hardcore/Thrash/Metalcore si estoy en lo cierto, ¿Cómo lo sentís vosotros? porque siento que la producción es de primera categoría pero manteniendo la vibra de la vieja escuela. ¿es eso cierto o…?

Sí, eso es correcto. Nos gusta la buena producción. creo que si suenas bien y “crujiente” la gente se mete mucho más fácilmente pero todas las bandas de las que nos inspiramos son viejas bandas como Machine Head, Devil Driver, cosas así y luego en el lado duro bandas como Sick Of It All, Biohazard, Madball, Terror, etc., así que todas nuestras influencias son como de hace más de 20 años. así que probablemente por eso sonamos como de la vieja escuela, sí. y luego buscamos una suene actual. ese es el aspecto moderno de la banda. creo que es una buena mezcla y tenemos gente ya sabes, gente más joven en los shows. y también tenemos muchas personas mayores así que es una buena mezcla y sabes que la gente lo aprecia.

– Creo que estáis dando el gran paso ahora o esto siento luego de aquí y Portugal, si no estoy equivocado, os vais a los Estados Unidos ¿Sentís un poco más de presión ahora? o seguís con las mismas sensaciones, sabes como toda la vibra de la vieja escuela…

No diría presión. siento que lo estamos disfrutando por lo que es. entendemos que es como si tal vez nuestro parche morado en este momento. crecer más, tal vez no lo hagamos pero lo estamos tomando con calma disfrutándolo por lo que es y nos lo estamos pasando genial haciéndolo. así que cuantos más shows podamos hacer, cuantos más tours, mejor para nosotros.

– Entrevista corta pero ha sido un placer, hombre. Muchas gracias amigos, esto ha sido Guilt Trip. así que nos vemos en el moshpit.

Agabas son una banda noruega que fusiona Jazz con Death Metal, con unos directos totalmente únicos y que ofrece a partes iguales amor y furia. Acaban de sacar la versión deluxe de su último disco, “Hard Anger”, y han estado de gira, como teloneros de Avatar y en combinación con Alien Weaponry y Witch Club Satan. Actualmente trabajan en su próximo álbum que quizás nos llegue para finales de año.

Hemos podido hablar de todo esto y mucho más con su guitarrista Oskar Myseth.

Hey! el guitarrista de mi banda favorita de Deathjazz. Muchas gracias, Oskar, por concedernos esta entrevista.

¡Oh, sí!

Acabáis de terminar un tour estupendo con Avatar, donde habéis tocado vuestra música y donde además te hemos visto a ti hacer crowdsurfing mientras seguías tocando la guitarra, y hemos visto a Sondre ser prácticamente devorado vivo por un moshpit que él mismo instigó… así que ¿qué tal la gira y cómo habéis sobrevivido a todo esto?

Pues ¿sabes qué?, nos habíamos mentalizado de que la gira iba a ser mucho más agotadora, pero en realidad hemos estado en todo momento llenos de energía porque todo el mundo en la banda y también en Avatar y en Alien Weaponry, y los equipos de apoyo de todos ellos, todos han sido tan majos y agradables… que todo ha ido muy suave. Es cierto que los shows pueden llegar a ser muy tumultuosos y locos, pero está todo controlado, sabemos lo que hacemos y nos hemos sentido muy bien haciéndolo.

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¿Y cuál ha sido tu canción favorita para tocar en directo?

Mmmh, diría que “Steg etter steg”, la última del set list. Pertenece a un álbum anterior: “A hate supreme” y nos encanta seguir tocándola en vivo porque la gente se pone a bailar y a moverse muchísimo. No sé exactamente el por qué, pero tiene ese efecto y resulta muy divertida de tocar.

También quería preguntarte por las letras de las canciones, porque he estado escuchando vuestro último álbum, “Hard Anger”, muchísimo estos días y me ha impresionado la dureza de las letras, los temas que tratáis… y quería preguntaros: ¿cuánta inspiración sacáis del mundo real, de las noticias y de la crítica social?

Bueno, no puedo contestar con un 100% de seguridad a esta pregunta porque normalmente es nuestro vocalista quien escribe las letras, pero sí, nosotros solemos escribir sobre aquellas cosas que nos importan más profundamente y eso suele significar ver problemas en el mundo y en la sociedad en general y tratar de usar nuestra voz para comentarlos. Si podemos de algún modo causar un impacto positivo en el mundo o ser una influencia para que nuestros fans piensen también sobre estas cosas, nos sentimos satisfechos. Otras veces simplemente nos apetece escribir sobre cualquier tema personal o ficticio, sólo porque ese día estamos inspirados de esa manera, pero normalmente sí que incluimos muchos temas serios y políticos, porque es algo que nos preocupa e interesa. 

También estáis haciendo un impacto positivo en el mundo a través de vuestra web. Veo que actualmente dedicáis los beneficios del merch a Médicos sin fronteras y la causa Palestina. Desde aquí os doy las gracias por hacer eso. ¿Quieres comentar algo sobre el tema?

Sí, es otra manera de participar. Al final sólo somos una banda de Metal, así que no hay mucho que podamos hacer, pero creemos que todo el mundo puede hacer al menos un poquito, así que con esto hemos querido encontrar una manera de aportar nuestro granito de arena, algo que sí podíamos hacer para general algún cambio. Así que dijimos “¿por qué no donar algo del dinero del merch a estas causas?”. Es bueno poder contribuir aunque sea un poco a este tipo de cosas. Así que el merchandise que hemos marcado con el logo de “Make deathjazz not war”, donamos sus beneficios a Médicos sin fronteras y al Comité Noruego de Palestina.

Pero no todo es seriedad en Agabas. Quería preguntaros por vuestra otra cara: la del humor. Y es que tenéis algunos vídeos muy locos, tenéis memes divertidísimos en vuestra web oficial, juegos de palabras (como el propio nombre del álbum “Hard Anger” basado en el fiordo de Hardanger)… ¿Qué papel juega el humor en Agabas?

Sí, esto es algo que de forma natural se ha incorporado a la banda. Al final sólo somos unos tíos a los que les gusta pasarlo bien. No queremos tomarnos todo siempre en serio. No creo que estuviéramos haciendo música en una banda si no nos lo pasáramos bien con ello, porque es muy duro tocar en una banda… estás intentando hacer algo de calidad y a la vez equilibrar esto con un trabajo y otras cosas, a veces es duro. Así que al menos tenemos que pasarlo bien. Por eso digo que es algo que ocurre de forma natural para nosotros.

Y ¿qué es lo que haces entre medias de la gira para pasarlo bien y relajaros, cuando no estáis tocando?

Relajarnos: ¡nunca! Pasarlo bien sí, pero no te puedes relajar en una gira. Afortunadamente para nosotros este ha sido un estupendo entrenamiento. Porque esta es la primera gira de este tamaño en la que participamos, pero lo hicimos en dos semanas diferentes: tuvimos nuestra primera semana tocando en la gira con Avatar y Alien Weaponry. Luego la banda Witch Club Satan nos cogió el relevo, y después volvimos a actuar nosotros esta última semana. Esto nos ha permitido recargar pilas, porque ambas semanas han sido realmente intensas. Por ejemplo, hablábamos con los compañeros de Alien Weaponry que han estado abriendo para Avatar por seis semanas consecutivas y hemos visto que las posibilidades de relajarse no son muchas. Se trata de tocar, tomarse unas cervezas y a la mañana siguiente viajas a otra ciudad, descargas, haces pruebas de sonido, tocas y… bueno, pues te tomas otro par de cervezas, te vas a dormir, vuelves a viajar… y así. De vez en cuando hay algún día libre, pero la verdad es que las giras son intensas. Nos esperamos a relajarnos de verdad cuando volvemos a casa.

También quería preguntaros por vuestra estética. Me llama mucho la atención vuestro logotipo, las portadas de los discos, especialmente del nuevo, “Hard Anger” con esas flores tan llamativas y diferentes a lo que solemos ver en el metal…  Por favor habladme del aspecto visual de la banda, ¿qué tratáis de transmitir con ello?

Representa varias cosas para nosotros. En primer lugar es otra manera de visualizar la unión del Jazz y el Metal. Nos gusta utilizar las flores y esta estética para mostrar que aquí hay algo diferente, alejándonos un poco de la estética oscura más tradicional. También representa nuestro mensaje principal que es amabilidad, paz… Es cierto que este mensaje ya forma parte naturalmente de la comunidad del Metal, pero es cierto que no suele materializarse tanto en la estética: las cosas suelen verse más oscuras ¡y eso también me gusta mucho!, pero nosotros particularmente hemos querido hacer algo que diga “¡hey! estos somos nosotros”. Nos gusta tocar duro, nuestra música es oscura, pero también llena de amor; también lo pasamos bien y podemos jugar un poco con todo esto. Y de ahí ha salido este logotipo que tenemos, mitad flor mitad pentagrama.

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Desde luego, y esta estética a la vez brillante y oscura también se puede ver en vuestros vídeos musicales, que son estupendos. ¿Hay algo que te gustaría explorar en los próximos vídeos que saque Agabas? 

Vaya, esto es algo en lo que aún no he pensado mucho, pero es una gran pregunta. Ahora mismo estamos desarrollando ideas para el nuevo disco y aunque todavía estamos en las primeras fases del proyecto, es algo en lo que tenemos que pensar muy pronto.

Como guitarrista de deathjazz, haciendo hincapié en el jazz, si pudieras chasquear los dedos y traer a cualquier músico o banda, vivos o muertos, para hacer una Jam Session contigo ¿a quién elegirías?

¡John Coltrane! Para mí, ha sido mi mayor inspiración en cuanto a esta faceta de Jazz. La música que hacía, cuando la escuché por primera vez, me impactó mucho y me hizo pensar “¡Hostia! El jazz puede ser muy heavy”, es muy intenso y oscuro en algunos momentos. Esto me hizo pensar “esto podría ser perfectamente una canción de Metal” y al final escuchar ese tipo de música es lo que nos ha llevado a combinar ambas cosas.

¿Tienes alguna rutina especial de calentamiento antes de un concierto?

Sí, la verdad es que al principio cada uno hace lo suyo, a su manera: tratamos de activarnos, saltar, hacer muchos movimientos, estirar todo el cuerpo para no tener un calambre sobre el escenario. Algunos compañeros hacen flexiones, o gritan… Cada uno hace su cosa. Y después, tres minutos antes del show, nos reunimos y hacemos como un pequeño cántico para animarnos entre nosotros antes de subir al escenario.

Ya para finalizar ¿Qué es lo próximo para Agabas? ¿Y podremos disfrutaros por España en el futuro próximo?

Me encantaría. De momento no hay nada programado en España, pero siempre estamos trabajando en expandirnos un poco más. Contratar shows en diferentes lugares… De verdad que me encantaría ir a España este mismo año o el siguiente quizás. Lo próximo que vamos a hacer es un concierto en Oslo, que además tiene la novedad de ser para todos los públicos: van a poder venir jóvenes menores de 18 años y creo que eso va a resultar muy divertido. También iremos a un par de festivales de verano, pero no muchos. Y estamos trabajando en una gira por diferentes salas en otoño. No tengo los detalles todavía. Y por supuesto estamos componiendo. Nos reunimos a menudo para poner cosas en común y, mientras, cada uno va componiendo riffs y otras cosas. Queremos terminar el nuevo álbum este mismo año.

¿Puedes darnos algún detalle de este nuevo álbum? ¿El título quizás?

No, no… No estamos tan avanzados. De momento estamos componiendo las canciones.

Muy bien, mantenemos la sorpresa. Muchísimas gracias por tu tiempo y enhorabuena por el buen trabajo.

Gracias a vosotros.

El Veracruz Metal Fest, reconocido como el festival mexicano de metal más playero del país, celebrará su segunda edición el próximo sábado 28 de marzo en el Hotel Diana Cazadora, ubicado en Playa Chachalacas, en el estado de Veracruz, evento contará con un potente cartel que reúne talento nacional e internacional, con bandas como Marraneitors, Intoxicated, Höwler, Haborym, Ancestry, Baal, Venemous, All Misery, Steel Night, The Unholy y Genos Prototype, prometiendo una jornada intensa de metal frente al mar este próximo sábado 28 de marzo, además de una pre-fiesta un día antes en el Puerto de Veracruz.

En Track To Hell tuvimos la oportunidad de platicar un poco Ángel Jiménez, la mente detrás de esta peculiar propuesta que ya para su segunda edición, quien, estoico y preciso, nos platica un poco sobre lo que ha sido esta experiencia.

Cuéntanos un poco sobre ti, ¿cómo fue que te empezaste a ver involucrado en el mundo del metal?

Bueno desde los 13 años comencé a escuchar rock. Las primeras bandas que conocí de la escena mexicana fue Transmetal, de hecho ellos fueron fue mi primer concierto al que asistí. Después asistí a un concierto de Lvzbel con el finado Huizar y seguí escuchando a bandas como System of a Down, Korn, Slipknot, después conocí Black Sabbath, Dio y poco a poco me fue interesando todo el género del metal, desde lo más comercial hasta los más under.

¿Cómo empezaste a gestionar eventos? Cuéntanos sobre tu primer experiencia tras los escenarios.

Primero comencé haciendo Tours a eventos y festivales de Metal, después comencé a hacer eventos locales en mi ciudad, hasta que después comencé a trabajar con varias promotoras en México.

¿De dónde nace la idea de un festival metalero a pie de playa?

La idea de hacer un Festival en Veracruz ya la tenía desde hace mucho tiempo, fui parte del equipo de trabajo del México Metal Fest de Monterrey, siempre tuve el sueño de hacer mi propio festival, y pues soy jarocho que mejor que un festival de metal en la playa.

¿Por qué Playa Chachalacas?

Porque es la playa que está más al centro de muchas ciudades y porque es una de las playas más bonita de Veracruz.

¿Qué aprendiste de la primera edición?

Que hay que luchar por nuestros sueños y nuestras metas, porque sí se cumplen.

¿Cuál fue tu momento favorito de la primera edición?

Mi momento favorito fue ver a todos felices tanto al público como a las propias bandas, es una experiencia única.

¿Cuál ha sido el reto más importante al gestionar este proyecto?

El reto más importante fue no conocer la zona y el lugar, ya que yo vivo a 5 horas de Playa de Chachalacas y al principio se me complicó mucho porque no conocía a nadie de la zona, aunque después tuve la suerte de encontrarte con excelentes personas que me han ayudado en temas de logística y gracias a eso, pude solucionar ese inconveniente.

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¿Qué mejoraste para este año?

Producción, baños, tendremos variedad de cervezas y tendremos nuestra pre-fiesta un día antes del Festival.

¿Qué se puede esperar del Veracruz Metal Fest a futuro?

La idea es convertirlo en un Festival de talla internacional, pero con el concepto único que es a la orilla del Mar, que ningún otro Festival de metal en México ofrece.

¿Por qué debería asistir la gente al Veracruz Metal Fest?

Porque es una experiencia única que no se vive en ningún otro Festival de Metal.

Pueden encontrar los boletos para este evento a través de la boletera Passline y tienen un costo de solamente $600 pesos.

Con casi dos décadas de trayectoria, Bull Brigade se ha consolidado como una de las bandas más sólidas del punk europeo. Desde Torino, han construido un sonido que combina intensidad melódica con una mirada social honesta y directa. Ahora regresan a España para presentar su nuevo disco Perche Non Si Sa Mai, reafirmando su conexión con un público que vive cada concierto con una energía única. Hablamos con ellos sobre inspiración, compromiso y lo que significa seguir siendo auténticos en 2026.

¿Cómo logran hoy en día ese equilibrio entre la melodía y el mensaje social?

Creo que el equilibrio nace de la honestidad. Nunca nos sentamos a pensar “ahora vamos a escribir una canción con mensaje”. Las historias salen de nuestra vida: el trabajo, la ciudad, las personas que conocemos. La melodía llega cuando intentas darle una forma a todo eso. Con los años hemos aprendido que una canción puede ser directa y fuerte sin perder sensibilidad. Para nosotros la música y el mensaje no son dos cosas separadas: forman parte de la misma historia.

¿Sigue siendo Torino vuestra principal musa o ahora buscáis inspiración en otros lugares tras tantos años de gira?

Torino sigue siendo el punto de partida de todo. Es la ciudad donde crecimos, donde vivimos y donde nacen la mayoría de nuestras canciones. Las giras te abren la cabeza y te permiten conocer realidades distintas, pero cuando escribimos siempre volvemos a lo que conocemos mejor. Las calles, la gente y las contradicciones de Torino siguen siendo una fuente de inspiración muy fuerte para nosotros.

¿Cómo se preparan para las 3 fechas que tienen por nuestro país?

Nos preparamos como siempre: ensayando mucho y llegando con ganas de tocar. España para nosotros no es un lugar cualquiera, siempre hemos sentido una conexión muy fuerte con el público. Así que intentamos preparar un set que mezcle canciones nuevas con temas que forman parte de nuestra historia. Al final, la verdadera preparación empieza cuando subes al escenario.

Vienen a presentar su nuevo disco: Perche Non Si Sa Mai, ¿qué canción no puede faltar en el directo?

Las canciones nuevas obviamente son muy importantes, porque el disco acaba de salir y tenemos muchas ganas de tocarlas en directo. Pero hay temas que ya forman parte de nuestra historia y que la gente espera escuchar. “Sopra i Muri” seguramente será uno de los momentos fuertes del set, porque resume bien el espíritu del disco.

¿Qué tiene el público español para que vuestros directos aquí se sientan tan viscerales?

Siempre hemos tenido la sensación de que el público español vive el punk de una manera muy directa y muy sincera. Hay mucha participación, mucha energía y un sentimiento muy fuerte de comunidad. Cuando tocamos aquí no sentimos distancia entre el escenario y el público, y eso hace que los conciertos sean muy intensos.

¿Qué papel juega una banda con principios firmes como la vuestra en 2026?

No creo que una banda tenga que dar lecciones a nadie. Nuestro papel es simplemente ser coherentes con lo que somos. Intentamos decir lo que pensamos y mantener una cierta honestidad. En un momento donde muchas cosas parecen superficiales o rápidas, quizá la cosa más importante es seguir siendo auténticos.

Si pudierais elegir a cualquier artista (vivo o no) para compartir escenario o grabar un tema, ¿a quién elegiríais y por qué?

Es difícil elegir solo uno porque venimos de una escena que nos ha dado muchísimas influencias. Probablemente la elección recaería en dos bandas: quizás Social Distortion para una colaboración en estudio en una o más canciones, mientras que Rancid para compartir un concierto en directo. Estas dos bandas han conseguido mantener una identidad muy fuerte durante muchos años sin perder credibilidad, así que para nosotros sería un honor.

¿Cuál es el problema social actual que más os urge denunciar en este momento?

Hay muchos, pero probablemente el crecimiento de la desigualdad social es uno de los más evidentes. Vivimos en una época donde las diferencias entre quienes tienen mucho y quienes tienen muy poco siguen aumentando. Para una banda que viene de una realidad obrera es imposible no hablar de eso.

¿Cuál es el objeto que nunca falta en la furgoneta de Bull Brigade cuando salís de gira por Europa?

Probablemente el café. Pasamos muchas horas viajando y el café es una especie de combustible básico para sobrevivir a las giras.

Si pudierais darle un consejo a los Bull Brigade que empezaron en 2006, ¿cuál sería?

Quizá les diríamos que disfruten más del camino y que no se preocupen demasiado por el futuro. Muchas cosas que parecen importantes en ese momento luego pierden sentido. Lo que realmente queda son las personas que conoces y las experiencias que vives.

¿Cuál es el siguiente gran objetivo que tiene la banda en el horizonte este año?

El objetivo principal es tocar mucho y llevar el disco lo más lejos posible. Un álbum realmente empieza a vivir cuando lo presentas en directo. Queremos viajar, tocar en nuevos lugares y seguir construyendo esta historia que empezó hace casi veinte años.

Hoy hablamos con Ergum, una banda de metal extremo en castellano, que sorprende por la crudeza de su sonido, la fuerza de sus guturales y la lírica de sus letras. Death Metal con influencias tanto de black metal, trash y grindcore, por la que sin duda merece la pena bucear en lo más underground de nuestro país.

Y es que Ergum ya llevan unos años dando vueltas por la escena española: con origen en 2008, viven una primera etapa en la que graban, siempre en formato de autoedición, “La mugre” (2012) y “Dokhma” (2014). Tras esto, la banda sufre un hiato hasta diciembre de 2021, cuando vuelven a la acción conservando a su inconfundible vocalista Edward y a Felipe Muñoz, a la guitarra, y sumando tanto al carismático Raul Guevara (batería) como a Dante Fernández y Jesús Hernández (ambos en Sadístic Christ) al bajo y guitarra solista. En 2023 publican el Split “Copropolíticamente incorrectos” grabado en directo en la sala Barracudas de Madrid junto a Moñigo y Cerebral Vortex y ahora finalmente, sacan el que en mi opinión es su trabajo más depurado: “Ruinas de la peste”.

Como guinda a este pastel putrefacto, hemos tenido la oportunidad de hablar un poco con la banda, actualmente de gira junto a Embloodyment. Esto nos contaron:

• Gracias por concedernos esta entrevista, por favor, habladme un poco del nuevo disco y de cómo estáis viviendo esta etapa actual de Ergum.

Buenas, gracias a vosotros por el interés. Un placer participar.

Estamos muy ilusionados con el nuevo trabajo. Entre cambios de formación y demás, estuvimos parados bastante tiempo y han pasado 12 años desde la publicación del anterior álbum (Dokhma) ¡¡12 años!!

Este álbum representa el resurgir de la banda y la consolidación de la nueva formación, lo que lo hace aún más importante. Todos hemos participado en la composición de los temas y hemos conseguido crear un álbum muy consistente sin perder la identidad de la banda. Es algo de lo que estamos orgullosos.

•  “Ruinas de la peste” se trata de un álbum autoproducido, al igual que otros trabajos anteriores, y sin embargo perfectamente sólido. ¿Cómo es habitar el underground más underground de la escena española? ¿Qué ventajas y desventajas tiene con respecto a trabajar con sellos discográficos?

 Así es, Todos nuestros trabajos son autoproducidos. En todos los casos son un DIY en toda regla de principio a fin, es como nos gusta hacer las cosas, a nuestro aire, sin deberle nada a nadie.

En el caso del “Ruinas de la peste”, a la hora de editarlo, nos ha echado una mano nuestro colega Edu del sello “Semen de orco muerto” y siempre se agradece cualquier ayuda.

Nos sentimos muy cómodos en el underground, es donde nos gusta estar. También apostamos firmemente por el formato físico a la hora de publicar nuestros trabajos y en venderlos en persona en nuestros conciertos. Si alguien quiere material de la banda puede contactar directamente con nosotros y le atenderemos encantados.

En cuanto a las ventajas o desventajas de trabajar con sellos, cierto es que a nivel publicidad y distribución se facilitan las cosas, pero no es algo que nos quite el sueño. Por suerte en los conciertos solemos tener buena acogida por parte de la gente y colaboran pillando merchan o simplemente comentando el bolo y echando una cerveza

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• Por cierto ¿cómo es cantar en castellano en un género que mayoritariamente es de habla inglesa?

Nunca hubo debate con este asunto. Desde el principio tuvimos claro que sería así, letras en castellano, es como nos sentimos cómodos. Siempre se acerca alguien a comentarnos que le parece un punto a favor de la banda, aunque bueno, de todo habrá, para gustos colores

• Me ha encantado encontrar en las letras referencias a Lovecraft y Harlan Ellison, que son de mis escritores favoritos, por favor, habladme un poco de vuestras influencias literarias.

Sade, Clive Barker, Arthur Machen, Isidore Ducasse, Borges, Lovecraft, Crowley y todo tipo de obras que tengan que ver con dolor y esas cosas jejeje…

• Pero no sólo encontramos literatura en Ergum, veo mucho de crítica y de rabia hacia este mundo podrido en que vivimos, así que ¿Qué otras inspiraciones encontráis a la hora de escribir?

El cine inspira hoy día a la mayoría de personas que quieren plasmar una idea o sentimiento por medio del arte. También el cómic y la cotidianidad; ver cómo hay gente asquerosa en tu día a día o en la política es igual de inspirador que ir por el campo y encontrarte una carroña. Te molesta, te pone contemplativo y hasta te atrae. Luego lo tomas y vomitas un par de párrafos.

• Y a nivel instrumental y de sonido ¿cuáles son vuestros principales referentes? ¿y cuáles son vuestros principales objetivos musicales? 

Nuestras influencias son “añejas”, abarcan todo el metal old school.  En nuestros trabajos puedes encontrar Death Metal, Black, Thrash, incluso algo de Grind/Punk. La mayoría de los temas tienen una duración inferior a tres minutos. Son directos, rápidos y violentos, con poca floritura, no somos fieles a un único estilo, pero siempre dentro del metal extremo. Si la composición nos gusta, no nos preocupa que no mantenga la línea del tema anterior.

En cuanto a los objetivos musicales, nada en particular, seguir creciendo como banda haciendo lo que nos gusta mientras nos queden ganas y fuerzas.

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• Veo que Jesús Hernández, además de guitarrista, es el responsable del arte y diseño gráfico del disco, que me parecen tremendamente sugerentes e impactantes. Por favor, habladnos un poco de este aspecto visual de Ergum.

En vista que no conseguíamos una portada que dejara conforme a todos, después de hablar y ver el trabajo de varios artistas (sin menosprecio el trabajo de nadie), Jesús, que ya diseñó otras portadas antes y es diseñador gráfico, nos mostró un boceto que implica el concepto de varios temas del álbum de una manera bastante simbólica: la portada nos gustó a todos y sólo tuvimos que afinar detalles. Ese fundamento visual también fue usado para el Video lírico “La tinta de la voluntad”.

• Ahora estáis de gira con Embloodyment, ¿cómo está yendo el tour y dónde podremos veros próximamente?

Con Embloodyment este año va a estar simpático. Son una bandota y unos cachondos mentales, excelentes compañeros de viaje. Nos acompañaron en la presentación del “Ruinas de la peste”, y ya habíamos tocado en más de una ocasión con ellos. 

Lo próximo son unos conciertos por el norte de España que se anunciarán pronto y estamos preparando más fechas tanto por territorio nacional como por Europa.  Esperemos que este proyecto salga adelante.

• ¿Cual es el futuro de Ergum?

Esperamos que sea a largo plazo, sombrío y brillante, jajaja.

• ¡Muchas gracias! y no quiero despedirme sin gritar con vosotros: ¡Demuéstrame tu poder satánico si es que lo tienes, bruja del demonio! 

Muchas gracias por la entrevista. Nos han encantado las preguntas. ¡Un abrazo!

“Hardcore emocional” y “emo” pueden ser etiquetas un tanto cargadas o incluso limitantes, pero la gente de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego no parece tenerles miedo. Viniendo de Mar del Plata queda un tanto obvio que el grupo le haya puesto a su EP Hasta Que El Mar Nos Lleve, pero en esta entrevista con su cantante Hernán Montenegro vemos que lo del grupo va más allá de esas obviedades: las inquietudes del under, el querer evolucionar en su sonido, la oportunidad de trabajar directamente con una de sus mayores inspiraciones, lo que es la movida subterránea en Argentina y el tener que luchar día a día para abrirte paso en un mundo que parece dispuesto a ponerte todos los baches en el camino. Pero siempre hay una luz al final del túnel.

—Buenas a todos los integrantes de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego. ¿Cómo los encontramos en el día de hoy?

Mal pero acostumbrados, jaja. Hablando en serio es difícil, muy difícil vivir nuestra realidad que es la mayoría del país y es laburar horas extra para apenas llegar a fin de mes. Tener que posponer cosas que te hacen bien al espíritu únicamente porque no naciste en cuna de oro o estás sponsoreado por algún empresario. Es todo muy angustiante, para serte sincero.

—Hablemos acerca de este nuevo lanzamiento por parte del grupo. ¿Cómo describirían este Hasta Que El Mar Nos Lleve? ¿Cómo ven la evolución del sonido de la banda en este nuevo EP?

Creo que fueron las mejores canciones que podían dar los chicos hasta la fecha. Soy una persona bastante obsesiva con ciertos sonidos y cierta manera de ver la música. No quería enloquecer a los muchachos con esto, así que las canciones que traían se grabaron. A lo mucho fui un poco “Arquitecto” en decidir cuales entraban al EP y cuáles quedaron afuera.

Ahora que esta etapa se terminó, vamos a experimentar otro tipo de modalidad a la hora de trabajar las canciones.

—¿Cómo describirían el título de Hasta Que El Mar Nos Lleve?

Es un reconocimiento a nuestra terquedad. Cómo te decía más arriba, las vidas de “giles trabajadores” que llevamos todo el tiempo nos hace replantear el seguir invirtiendo tiempo y plata que apenas tenemos para hacer canciones. Al mismo tiempo todo el mundo musical tampoco es muy “amistoso”, bah creo que el mundo tan precarizado hace esto de “sálvese quien pueda” y genera estos climas en que si no tenés nada para ofrecer salvo tu música, no interesa lo que hagas. Nosotros laburamos 11 horas por día, entonces lo único que podemos aportar es la música, hay muchas chances que todos nuestros esfuerzos sean vanos, y tenemos gente que nos quiere y con todo su cariño nos dice: “¿Para qué viajar 5 horas para tocar invirtiendo de tu bolsillo?”, “¿Para que invertir en un buen estudio si no vas a recuperar lo invertido?”. Y tienen razón, pero esto va más allá de la razón. Y hasta que el mar nos lleve vamos a seguir haciendo esto.

—Menciono lo del título porque los EPs anteriores se llamaron simplemente Cinco Canciones y Cuatro Canciones. ¿Qué los llevó a que este tuviera nombre propio? Asumo que siendo que este también tenía cinco canciones, repetir título podría llevar a confusiones.

El primer EP se llamó Cinco Canciones EP en tributo al EP que sacó la banda Baltimore In Love. En más, la tapa es un rip-off de la portada de ese EP. La canción “Remolino de Lirios” está dedicada al cantante de esa banda que era una persona excelente y bondadosa.

Cuatro Canciones de Invierno seguía un poco este juego y además eran las primeras cuatro canciones que nacieron cuando Muzzu y yo forjamos esta unión y amistad con Gus y Nahufix.

Hasta que el Mar Nos Lleve ya la banda decide hacer el sacrificio de viajar a grabar a Buenos Aires, de trabajar con un productor. Por eso nos pareció necesario mostrar que hay otra “seriedad”. Más allá de que siempre fuimos serios, pero tomamos la grabación y la producción de este material de una manera más profesional.

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—La banda toma su nombre del libro de relatos de Mariana Enríquez, que a su vez toma su nombre de una canción de Low. Y ahora tienen a Enríquez de invitada en el álbum. ¿Cómo fue tener a la inspiración detrás de la banda presente en este nuevo álbum?

Una muestra de que los sueños se cumplen. Me encanta como Mariana escribe, me encanta la temática de sus historias. Traer el horror y el ocultismo a nuestro país, a nuestras calles. Además de que ella es una fanática de la música pesada. Que ponga su voz en una de nuestras canciones es una recompensa para el espíritu.

—Con este ya será el tercer EP de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego. ¿Hay alguna razón detrás de centrarse en este tipo de lanzamientos cortos?

Me voy a repetir mucho con esto pero es que no tenemos presupuesto. Para nosotros hacer este EP fue casi una misión imposible, con integrantes quedándose sin trabajo y cayendo la responsabilidad financiera en el resto que tuvo que hacer sacrificios para poder cumplir con las obligaciones. Hacer un disco de 10 canciones era imposible.

Hace poco hablamos con los chicos y decidimos que aunque tome más tiempo, y si la situación financiera nuestra mejora, tal vez podamos encarar un disco de 10 canciones.

Estamos en proceso de composición y me encanta lo que está sonando en nuestra sala de ensayo.

—Muchas bandas del “emo” solían tener algo de resistencia a esa etiqueta, pero Las Cosas Que Perdimos En El Fuego no es de esas siendo que ustedes mismos se describen como “hardcore emocional” en su Bandcamp. ¿Cómo ven la escena emo en Argentina? Venimos del recital de Orchid hace unas semanas en Capital y fue tremendo ver que el lugar estaba repleto para hablar de una banda insignia en un estilo que puede ser tan extremo.

Si, cuando empezamos nos describíamos como hardcore emocional, ahora ya no tenemos esa etiqueta. Desde el ingreso de Gastoncito que viene con una experiencia amplia tocando thrash ahora estamos trabajando en sonidos más extremos.

Respecto a la escena “Emo” creo que encontró en el sello Inerme a gente muy buena y amable que ayuda a gestionar todo. Por algo cada vez que viene una banda de Hardcore Emo una de sus bandas suele abrir la jornada. No olvidemos nunca que el Emo, o al menos el emo que hace Orchid tiene su costado político y reaccionario y creo que Inerme tiene mucho de eso y por eso todo lo que hacen es genial.

—Ustedes son de Mar del Plata. Para muchos porteños es un clásico pensar que todo lo que está pasando el Conurbano, o siquiera la General Paz, pareciera no existir, y eso se extiende a las escenas musicales. ¿Podemos decir que hay una escena emo en Mar del Plata y alrededores? ¿Cómo describirían ese under local?

Conozco las bandas de quienes nos invitan a tocar como Diasol, Primo, Bowery, Los Cortos, Altos Mutantes, Abismal, Criptodonte. Después si bien no son de Mar del Plata, Scam, Llagas y Ultravioleta también nos invitan y me gusta mucho como suenan.

—¿Qué se viene en el futuro de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego? ¿Cuáles son sus planes?

Aceptar las invitaciones que nos lleguen para tocar en dónde sea, siempre y cuando se pueda.

Seguir haciendo canciones hasta juntar esas 10 que nos hagan sentir que vale la pena volver a hacer el sacrificio para poder grabarlas.

—¿Hay algo que quisieran decirle a los fans y la gente que los vaya a escuchar?

No creo que tengamos fans, me gustaría creer que hay gente escuchando del otro lado, y les agradezco. En tiempos que hasta el under parece tener gente que te vende mainstream como los nuevos salvadores del under e invierten tiempo para mostrarte aquello por lo que les pagan mostrarte actuando como “algoritmos” humanos, que exista gente que descubra esta banda de laburantes es un montón.

Cuando leía revistas de rock me gustaba que un músico dijera alguna frase de un autor para poder descubrirlo, así que en estos tiempos de desesperanza en dónde no hay un solo día que siento que me están chupando la sangre para mantener a los poderosos de siempre, me despido con la siguiente frase:

“Lo que más me asusta es que lleguemos a amar nuestras cadenas” [C.B]

Lena Scissorhands, cantante de los moldavos Infected Rain y una de las voces más destacadas del metal moderno, habló con Manel Medina a través de su canal Stairway To The Moshpit, sobre nuevos singles, nuevos recitales y nuevos planes.

Bienvenida, bienvenida al canal. Es un gran placer tenerte aquí de nuevo.

Muchísimas gracias, ja, ja. ¿Cómo estás hoy?

Estoy bien, muchas gracias. Cada día es muy emocionante porque nos estamos acercando a nuestro nuevo lanzamiento, a nuestra gira, y es muy divertido, así que es emocionante.

Lena, primero, buenas noticias para todos los fans de Infected Rain: vais a sacar cosas nuevas esta misma semana, el 19. Y sí, estoy muy emocionado por eso. Hablamos de eso detrás de las cámaras y el single se llama Stranger. Quería hacer dos preguntas al respecto. Primero, se trata del tema del significado de la canción, que significa mucho para mí personalmente, como dije. Y el segundo sería: ¿qué podemos esperar del single? Y yo supongo que también estáis trabajando en un álbum. Entonces, ¿cómo os sentís con el álbum? Porque creo que Time, el último, fue como un gran paso adelante para vosotros. Creo que encontrasteis el sonido de Infected Rain, pero más pulido y todo lo que sabes, a lo que me refiero, como si fuera un álbum que realmente resume lo que es Infected Rain. Así que sí, sobre el single, yo ayer publicaste una pequeña frase que era como la distancia que puedes crear desde donde estás ahora y donde crees que puedes estar. Así que sí, ¿cuál es el significado de esta frase? ¿Se trata de una cosa personal o se trata de cosas generales?

Tal como mencionaste al principio, Stranger sale el 19 de marzo, que en realidad es tres días antes. Así que, desafortunadamente, no puedo decir mucho, pero te diría algunas cosas. Estoy muy feliz de estar aquí y amo a nuestra audiencia española, y podemos lanzar un pequeño regalo para nuestra audiencia española y usar un poco el nuevo single. Se llama Stranger y escribí la letra de esta canción basada en un sentimiento personal, una lucha interna que encontré durante los últimos años. Y significa que, sabes, el tiempo pasa y cambiamos. Nunca somos la misma persona que éramos ayer. Incluso a nivel biológico, a nivel celular, somos personas diferentes. Y muy a menudo la forma en que nos vemos o el mundo cambia de un día para otro. Y no estoy hablando de cambios drásticos, pero hay cambios. Así que realmente quería escribir sobre ello y para mí es una canción muy personal, ¿verdad?

Y la frase que compartí ayer es, de hecho, hablando de la distancia que puede haber entre la realización personal de uno mismo hoy y la realización personal de la imaginación de cómo te ves a ti mismo, como si eso fuera lo mismo o completamente dos cosas diferentes. Ahora, esto puede ser, por supuesto, un tema muy profundo para horas de conversación. Siento que es muy… sabes, podemos hacer una lluvia de ideas al respecto, pero me encantaría que todos encontraran su propio significado en Stranger cuando salga Stranger y podamos hablar más al respecto. Pero en el camino de cómo decir eso, es muy personal. Y quiero decirte que he escuchado a personas que me importan en mi vida sintiéndose muy similares a esa sensación que sentí cuando tuve la necesidad de escribir sobre eso.

Un extraño sentimiento, casi como si fueras un extraño para ti mismo. No porque no te reconozcas realmente en la forma en que te ves físicamente, pero de alguna manera reconoces el interior, el interior tuyo, cuando te miras en un espejo. Es muy importante porque a menudo estamos tan acostumbrados a vivir una vida describiendo quiénes somos por fuera, pero cuando pensamos un poco más profundo, ¿somos en realidad la misma persona por fuera como lo somos por dentro? ¿Reconocemos a esta persona que vemos todos los días en el espejo o no? Es muy interesante la batalla interior, la batalla interna. Pero sí, eso es todo lo que puedo decirte, ya te dije demasiado.

Creo que es más que suficiente y realmente te lo agradezco. Creo que a los fans les va a gustar mucho, lo van a apreciar. Y sí, tenemos un single esta semana, el 19, como dijiste, y estáis trabajando en un álbum por lo que he visto en las redes sociales.

Sí, estamos trabajando en un nuevo álbum. Sin embargo, el nuevo álbum se está formando lentamente y esta vez queremos hacerlo de esa manera. No tenemos una fecha de publicación, ni época del año o incluso, ya sabes, una fecha concreta. Pero llevamos trabajando en ello durante más de un año, para ser honesta. Muchas canciones nuevas. Ya preparamos muchos videos musicales, aunque el álbum ni siquiera está completamente preparado. Nos enamoramos de cada canción en un nivel tan personal, tan profundo, que sentimos de alguna manera esta urgencia de compartir cada canción en su gran potencial, con algunas imágenes también. Así que todo lo que puedo decirte por ahora es que sí, estamos trabajando en material nuevo y va a ser increíble. Me encanta cada cosa que hemos sacado hasta ahora. Creo que es divertido, es fresco, es innovador, pero mantiene ese sonido y el nivel que tuvimos con Time, quizás aún mejor. Así que veremos.

Ahora mismo tuvimos que dejarlo a un lado porque nos estamos preparando para una gira, pero sorprenderemos a nuestra audiencia con algunas canciones nuevas en esta gira, así que estoy muy emocionada.

Está bien, eso es increíble. Cuento con Stranger, seguro.

Stranger, seguro, Stranger, seguro. Esa es una de las principales razones por las que realmente preparamos el lanzamiento justo antes de la gira. Y hay algo más.

Eso es bastante bueno. Y Lena, hablaste del tour, que estáis haciendo un tour enorme que es ya mismo. Creo que, ¿cuántos conciertos son? Vi tu publicación ayer, pero…

Estaba contándolos uno por uno porque no podía creerlo yo misma. Son 55 shows entre el Reino Unido, Europa y América del Norte, todos juntos, parte de Mutation Phase Tour, sí.

Eso es una locura. ¿Y es como dos meses o tres meses?

Algo así, tres meses, sí. Son casi tres meses. Europa y el Reino Unido tienen menos días libres y Estados Unidos tiene algún día libre más debido a la logística del transporte también. Pero sí, estaremos terminando el tour al final de la primera semana de junio, así que eso es una locura, comenzando este mes a finales de marzo.

Eso es una locura. Eso es casi un… no es un concierto por día, pero algo así, contando todos los viajes y todo lo del autobús y todo. Es increíble, Lena. Y venís a España, por supuesto, que es increíble, me encanta. ¿Qué dijiste? No he escuchado.

Barcelona y Madrid.

Sí, sí, exactamente. Creo que os he visto cuatro veces ahora: una en Resurrection Fest y tres de ellas en Barcelona. Y Lena, ¿qué es lo que dirías que te gusta de los conciertos en España y qué es lo que menos te gusta?

Lo que me encanta del público español y metaleros en general es lo locos que se vuelven. Sienten la música en un nivel diferente y la multitud es tan sensible, ¿sabes? Me encanta eso del público español.

Ahora, cuando se trata de shows individuales, no estamos hablando de grandes eventos como festivales o cualquier otro gran evento, siento que el público español está un poco más influenciado por muchos factores de la vida. Por ejemplo, hay países donde realmente no importa si tocas durante un lunes, un martes o un miércoles, y hay países donde sí importa. Así que cuando tocamos en España realmente importa qué día de la semana es para que la audiencia tenga la oportunidad de estar allí. Es comprensible, pero al mismo tiempo es muy frustrante porque no elegimos los días. Y cuando estás de gira, tocas casi todos los días sin importar qué día de la semana sea. Es trabajo para ti de todos modos.

Así que realmente queremos invitar a todos a recordar que las bandas viajan desde tan lejos para venir a ti y a veces será durante la semana, pero los shows siempre suceden por la noche y tienes tiempo para descansar antes de tu trabajo al día siguiente. Así que si realmente quieres apoyar a la banda, si realmente crees en la banda y amas su música y lo que representan, por favor apóyalos. Realmente necesitamos su apoyo en todas las formas. Cada acción, cada guardado, cada comentario, cada amigo con el que compartes la música, cada entrada… todo eso realmente puede marcar la diferencia en la carrera de la banda. Así que sí, esta sería mi respuesta para el público español, un público que es increíble.

Y podemos agregar que esta vez os tenemos en un fin de semana completo, como el sábado en Barcelona.

Así que no hay excusas, no hay excusas.

No hay excusas, estaremos allí seguro.

Sí, y chicos, tengo que ser honesta: el espectáculo y la producción de esta gira están en un nivel que nunca antes habíamos hecho. Así que incluso si alguien, como tú, ha visto Infected Rain cuatro o cinco veces, créeme, te espera un espectáculo completamente nuevo, que te impactará de manera diferente. Y tenemos sorpresas: traemos a nuestros amigos de Butcher Babies en esta gira y tocaremos The Realm of Chaos juntos en el escenario cada noche, que es una de las cosas más solicitadas. Y estamos muy emocionados de presentar también algunas canciones nuevas, junto con muchas canciones antiguas que no hemos estado tocando durante años, así que va a ser divertido.

Ok, nueva experiencia de Infected Rain, creo que eso es bastante bueno. Estaba súper feliz con los últimos shows, pero siempre estoy feliz de ver algunas diferencias y tratar de hacer cosas nuevas, como la colaboración con Heidi. Creo que será sobresaliente porque la canción es increíble y creo que…

Ella es increíble, sí. Vamos a petarlo.

Increíble, Lena. Así que quería hacer una pequeña pregunta sobre Heidi o Butcher Babies en este caso. ¿Cómo os conocisteis? ¿Os conocíais de antes o vino mientras hacíais música?

Por supuesto que sabía de Heidi antes de hacernos amigas, antes de la invitación a ser artista invitada en nuestra canción The Realm of Chaos. De hecho, la conocí en persona en 2013 cuando visitaba Estados Unidos por primera vez. Tuve la oportunidad de estar en un espectáculo donde eran invitados especiales y tuvimos un momento rápido para intercambiar un par de palabras. Recuerdo incluso darle un álbum de Infected Rain, que todavía recuerda.

Luego nos reconectamos en algún momento de 2019 y nos volvimos a ver en persona en 2020, justo antes del encierro por COVID. Estaba en NAMM, en una convención de música, y la encontré accidentalmente. Hablamos de nuevo, estábamos súper felices de vernos, éramos conscientes la una de la otra y del crecimiento de ambas bandas.

Ella mencionó que estaba pensando en mudarse a Las Vegas, lo cual fue increíble. Terminó mudándose no muy lejos de mí, nos hicimos súper amigas y el COVID nos juntó porque ninguna tenía shows. Hicimos muchas ideas juntas y descubrimos cuánto teníamos en común. Así es como nuestra amistad se hizo más fuerte. Y cuando surgió la idea de hacer una canción juntas, ella aceptó completamente. Incluso tuve la oportunidad de grabarla, así que fui como ingeniera de sonido para esa canción.

Jaja, ok, muy divertido.

Y creo que Heidi tiene una presencia increíble en la industria del metal. Es muy talentosa y estoy muy orgullosa de sus logros como música, como mujer, como ser humano y como artista trabajadora. Estoy muy feliz de que vayamos de gira juntas nuevamente, esta vez en Europa. La primera vez fue en Estados Unidos. Y sí, interpretar The Realm of Chaos en vivo juntas solo ha pasado dos veces hasta ahora, así que esto es súper interesante.

De hecho, me gustan mucho. Los he visto dos veces, creo, y traen esa energía loca.

Mira su nueva canción, es realmente buena.

¡Lo hice! De hecho, sí, quiero decir, tengo incluso la camiseta de Butcher Babies, así que sí, genial.

Eres un verdadero fan, muchas gracias, realmente significa mucho.

Etiquetas: Infected Rain, Metalcore, Moldavia, Nu Metal

DARLOTODO es una banda de nu metal de origen argentino que emergió en la ciudad de Buenos Aires en el año 2023. Su primer disco de nombre homónimo fue una grata sorpresa para los oyentes puesto que nunca hubo referentes del género en el país. Con pocos años de existencia cuentan con un éxito y aceptación digno de una banda ya consagrada. Charlamos un rato con Penumbra, líder y baterista de la banda, quien además es productor audiovisual y fundador del sello Black Eclosion, para que nos cuente sus sensaciones sobre su último disco, Crisálida y un poco más.

-Primero contarte que estuve escuchando hasta el cansancio Crisálida. Sacaron un discazo!. Me llaman siempre la atención los discos que son construidos bajo un concepto, como este, y se que detrás de cada gran disco conceptual hay una gran idea, una historia. ¿Nos podrías contar un poco cómo es que surgió la idea de hacer de Crisálida un disco conceptual?

El álbum esta planteado desde el lado de luchar y salir adelante ante la adversidad. Todos en la banda nos identificamos mucho con ese concepto que año a año se fue fortaleciendo casi de manera casual y es prácticamente el lema de hoy de DARLOTODO. Personalmente disfruto mucho que Lucas me de lugar para meter letras e ideas en las canciones donde explayo duelos y dolor de la infancia, pero cada uno que escucha DARLOTODO debe acoplarlo a su propia vida. Es algo que nos sucede siempre, nos dicen los fans. Hacen suyas las canciones a nivel muy pasional.

-Y respecto a eso. Es apenas su segundo disco y ya gozan de muy buen éxito y muchos seguidores. Pareciera como que había toda una cantidad enorme de gente esperando a una banda como ustedes. Bueno, yo creo que siempre hubo un vacío en este estilo en Argentina y que ustedes vinieron a ocupar. ¿Qué impacto te causó encontrarte con el éxito de la banda tan rápidamente? ¿Cuál crees que fue la clave para que DARLOTODO llegará tan rápido a llenar los típicos recintos del metal?

Muchos nos comentan lo que estas diciendo, es algo que nos pone muy contentos. Los músicos de la banda, sobre todo Lucas y yo, siempre fuimos consumidores 100% del nu metal desde sus orígenes, y salvo un acercamiento de A.N.I.M.A.L en los 2000, nunca hubo una clarísima referencia en Argentina que haya llegado alto. Nos alegra mucho cuando dicen que llegamos a ocupar un lugar que estaba vacío. Eso, y muchas amistades generadas luego de 20 años de trayectoria en la escena local, hacen que el panorama para crecer hayan sido super rápido.

-Crisálida es un disco que suena bastante orgánico, por el contrario de las producciones super comprimidas que se suelen escuchar ahora. ¿Cómo fue el proceso de grabación? ¿Cuán involucrados estuvieron luego, en la producción y detalles finales?

Es una pregunta muy interesante y que pocos medios suelen hacer. Si la levantas en las redes, la compartimos (jaja) Gracias por captarlo. Fue clave para nosotros ser disruptivos a la hora de grabar y mezclar el material… te la hago super simple. Decidimos NO utilizar ningún tipo de soft para afinar voces. Lucas esta orgánico y expuesto al 100% y decidimos también dejar errores. Queríamos captar esa energía del primer take, no buscando perfección, si no algo más orgánico, emocional. Los bajos del disco están one take por ejemplo y no editados. Eso lo tenemos incorporado de discos producidos por Ross Robinson (productor de Korn, Slipknot, Limp en sus primeros álbumes), no buscar perfección si no un sentimiento, algo que esta ahí mágico en la toma.

-Es muy común con ustedes las colaboraciones con otros músicos, como es el caso de Claudio Oconnor o Marcelo Corvalán. Se nota la sinergia que hay con ellos. ¿Cómo se da ese encuentro con esos artistas? ¿Surgen de casualidad? ¿Se buscan? ¿Y si tuvieras que elegir a un músico internacional para el próximo disco?

Todos los featurings que fueron surgiendo son con amigos a los cuales les produzco material de videoclip hace años. El tiempo afianzó una amistad y nos da lugar a proponerles sumarse a canciones. Algo muy interesante es que jamás un artista nos dijo que no, y además, no voy a revelar nombres… pero muchísimos grandes artistas nos escribieron para hacer feats también. Seremos una especie de bizarrap del metal a futuro? 

-Algo que me gusta preguntarles a todos los artistas, es sobre su percepción de la actualidad de la escena del metal. ¿Notas diferencias a la hora de hacer música entre la actualidad y hace 10 o 20 años atrás? ¿Hay algo que extrañás?

La escena esta cambiando muchísimo y rápidamente, sobre todo con la implementación de nuevas tecnologías y códigos, donde ya un álbum no es escuchando tanto por su idea, audio, si no quizás por cuantos reels graciosos haces para moverlo. Nosotros no nos subimos a esa. Nos enfocamos muy tranquilos en seguir con este formato casual y sincero de comunicación como somos realmente, sin crear personajes, nos mostramos tal cual somos, todos los saben.

Otro factor en esta etapa de cambios es que hay muchísimas bandas y es muy fácil grabar música, lo que hace que el mercado este lleno de opciones. Combinado con que no hay plata y quizás no hay ganas de ir a tantos shows también genera que muchas veces te plantees “debemos salir de gira lejos? Si todos cortan pocos tickets”, “es preferible destinar más tiempo a videos para mostrarte al mundo que a hacer tour local y que te vean en persona?”, “debemos invertir en publicidad en vez de mejores instrumentos o hardware? (por ejemplo), al igual que muchos estamos tratando de descifrar la nueva escena para encajar en el formato, pero siempre como prioridad siendo fieles a nosotros.

-Es sabido que, al menos en Argentina, es grandísimo el esfuerzo que tienen que hacer los músicos para producir los discos, planificar las giras, etc. Ahora están empezando a llevar la música de la banda a todo el país, recorriendo varios lugares. Se que vendrán en un meses a Bahía…logística, costos, tiempos ¿Cuál es el mayor desafío o sacrificio que tienen que hacer para salir a la ruta y armar los recitales? ¿Es todo autogestión o se apoyan en alguien más?

En DARLOTODO estamos en el momento de transición de formato, autogestión independiente, a el salto a la A, por así llamarlo, donde están artistas más reconocidos, amigos nuestros, que vemos tienen otros arreglos. En este momento los costos no dan para viajes en avión, hoteles de buen level. Estamos en un momento donde la prioridad es viajar y mostrarnos a nuevo público, eso elegimos nosotros, pese a muchas veces ponerle el cuerpo al 100%. Me estas hablando del show que se viene en Bahia por ejemplo… muchos no van a saber esa noche que el esfuerzo no es solo total sobre el stage, si no que son 3 shows, 2 días seguidos: MDQ, Bahía y Gonzales Chavez. Todo al volante manejando nosotros mismos, descansando mal, comiendo super mistery… pero hoy por hoy lo elegimos, lo estamos dando todo para llegar a esa gente que nos pide en todos lados con mucho amor.

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-Y hablando de giras, vi que están tocando (y van a tocar) mucho bajo el marco del festival S1ckfest. Para mí, un golazo, tener un festival que le dé cabida a lo alternativo…creo que es la 1ra vez que se arma una movida así para distintos lugares del país ¿Formas parte de la producción? ¿Cómo surgió todo?

Gracias por el interés por el festival. Nos pone muy contentos cuando medios y gente nos comentan que están fascinados el formato del S1ckfest. Todo surge cuando un año atrás productores nos querían llevar a sus localidades pero nos comentaban que no sabían en que formato o contexto meternos como banda 100% nu metal. Lo que se nos ocurrió con Horacio, nuestro Manager, es tratar de revivir el formato mas familiar y de fiesta que se veía en un show en Estados Unidos en los 2000 llamado “Family Values” creado por Korn, donde el tour giraba con muchas bandas de diversos géneros, y se le daba un formato de fiesta alternativa donde toda la noche había música del género y era mas clima de fiesta que un show en si. El concepto de músicos viajando y conociendo otras bandas y exponentes locales, juntándose con la gente cara a cara, tomando un trago, compartiendo unas horas, es algo hermoso que está creciendo. Estamos muy orgullosos del festival.

-Creo que, a esta altura, preguntarte por las influencias musicales es cuanto menos, cliché (jaja). Pero…bien sabemos que sos multifacético en cuanto a arte refiere ¿Qué te inspiró a llevar adelante una carrera en producción audiovisual? ¿Algún referente que te haya influenciado? ¿El laburo más grande que hiciste?

En los 90s me fascinó la industria musical desde el lado de lo visual, con canales como MTV. Me cambio la vida. Siempre sentí una gran pasión por ese contenido y me movilizaba la idea de la música y “verla” por así decirlo. Es ahí donde consumía todo tipo de música y videos, incorporando recursos que implemento hoy. Años mas tarde entraba a estudiar la carrera de cine en La Plata y armaba mi primera banda. Nunca abandone esa línea, 25 años ininterrumpidos de destinar mi tiempo a la industria de la música y su faceta visual.

El más grande laburo…no tengo respuesta concreta, pero si te puedo decir que hoy por hoy laburo y produzco los artistas número 1 que siempre veía por tv y me quedaba flasheado. Ser “el productor del metal” como me dicen muchos es el gran laburo, que me llamen una y otra vez Andrés Giménez, Walter Giardino, Corvex y Cesar Andino y muchos otros, me hace tan bien al alma.

-Mira, esta pregunta va más de curiosidad y es un poco más personal. ¿Piensan sacar Crisálida en formato físico?

Lo vamos a hacer físico, ya arreglamos con una compañía que nos va a hacer unas hermosas copias y van a estar disponibles el 5 de septiembre en El Teatrito en la presentación oficial.

-Bueno, antes de despedirnos, saludarte y decirte que los esperamos en Bahía y, además, una última pregunta que no puedo dejar pasar ¿Qué se viene en el futuro próximo de DARLOTODO?

Se vienen 3 featurings explosivos al hilo. Te diría que todo 2026 son featuring antes de encarar el nuevo disco, el tercero. Nos vemos en Bahía, crack! Saludos!

Mammon’s Throne es una interesante banda australiana de Doom Death Metal, con un sonido único, pesado y ominoso. Su último trabajo, “My body to the worms”, me ha dejado personalmente hipnotizada. Y hoy tenemos la suerte de hablar de todo esto con Matt, su vocalista y letrista.

Buenos días y muchas gracias por concedernos esta entrevista.

En primer lugar quiero felicitaros por el nuevo disco, el tercero de vuestra carrera. “My body to the worms” es un trabajo impresionante, pesado, ominoso, e hipnótico. ¡Se ha metido en mi cabeza!, por favor ¿podéis hablarme un poco más del proceso creativo del disco?

Muchas gracias por contactarnos y charlar con nosotros. Me alegro mucho de que estés disfrutando del álbum. Ha sido un largo camino hasta que por fin ha visto la luz y estamos encantados de que ya esté disponible.

Solemos componer las canciones todos juntos en la sala de ensayo. Normalmente, alguien trae una idea y a partir de ahí la desarrollamos improvisando juntos. Excepto en “Every Day More Sickened”, todas las voces se componen sobre la marcha y se perfeccionan tras ensayar las partes varias veces. A veces, otro miembro de la banda tiene una idea que encaja bien con la original en la que estamos trabajando, o simplemente se nos ocurre sobre la marcha. Es un proceso muy orgánico y parece que nos ha funcionado bien hasta ahora. Nos esforzamos mucho para que el resultado final sea coherente y se ajuste a la narrativa que queremos transmitir en cada canción.

Es un álbum muy completo, en el que habéis incluido algunas piezas especiales que sirven de transición a otras y en las que habéis introducido elementos extra, que van más allá de la formación instrumental de la banda: como “At the Threshold of Eternity” con ese teclado tan bello y como “Clandestine Unholy Rites”, muy atmosférica, con sonidos propios de un cementerio embrujado. ¡Muy impresionante! Quería preguntaros ¿es difícil componer algo así?, ¿le daréis un uso en los directos?

De hecho, compuse “Clandestine Unholy Rites” antes de terminar el álbum para usarlo en nuestros conciertos como introducción a “Elixir”, así que tenía mucho sentido incluirlo en el álbum para transmitir ese aspecto de nuestros shows y capturar esa misma atmósfera. Nuestro guitarrista principal, Amesh, compuso y grabó “At the Threshold of Eternity” para introducir la segunda cara del disco cuando estábamos pensando en cómo sonaría el álbum en formato LP físico. También fue compuesta para que encajara bien con “An Angel’s Grace”. 

No diríamos que fue difícil, porque fue muy divertido trabajar con paisajes sonoros e instrumentos diferentes a los del resto de las canciones. Amesh y yo somos apasionados de la grabación, el trabajo con sintetizadores y la producción de audio en general, así que fue un proceso muy agradable.

Hablando de ese “Clandestine…” quería preguntaros por la canción que suena a continuación: “Elixir”. Me ha cautivado, tanto por su sonido (que habéis calificado de “Funeral Slam”), como por su sugerente videoclip: me llama mucho la atención elegir a una mujer para el papel de Nosferatu, decisión que aplaudo (y Bailey Dior está estupenda). Por favor, habladme más de la canción y el vídeo.

Teníamos muchas canciones extensas y complejas escritas para el álbum y sabíamos que queríamos incluir algo un poco más simple y contundente. También se nos ocurrió la idea de probar un breakdown con influencias hardcore en una canción, y esto nos llevó a “Elixir”. La letra de “Nosferatu…” originalmente era solo un estribillo provisional, pero después de probar otras ideas, ninguna impactó tanto y terminó siendo la elegida, y el resto de la letra de la canción se escribió alrededor del estribillo. 

Cuando decidimos que queríamos hacer al menos un vídeo musical para acompañar el álbum, “Elixir” fue la opción obvia para nosotros. Amesh habló con su pareja, Bailey, y ella estaba muy entusiasmada por participar. Nos gustó la idea de que Nosferatu fuera una mujer, ya que es algo diferente a la representación habitual. Se nos ocurrieron muchas ideas para escenas que podríamos filmar de manera realista en un videoclip y encontramos un espacio que funcionaba extremadamente bien para la idea, con muchos accesorios y ambientación que se prestaban sin esfuerzo al tema. Nuestros colaboradores nos prestaron una ayuda increíble en todo, desde el maquillaje hasta la ambientación, y fue un placer trabajar con el videógrafo Lord Rob Satan. Logramos grabar todo en un solo día y estamos sumamente satisfechos con el resultado.

“Departed”, otro de vuestros singles con videoclip, parece seguir esta fórmula maestra, bebiendo de la imaginería cinematográfica (esta vez del gothic western) y dando un protagonismo elegante a la figura femenina de Bridgette Baini. Pese a estas similitudes, ambas suenan muy diferentes y únicas. Ese “my body to the worms” tras el breakdown de la canción me parece sublime. Habladme por favor también de esta pieza.

Este tema surgió de una sencilla progresión de acordes que Amesh aportó, una especie de vals sombrío. Johnny, nuestro guitarrista rítmico, y yo somos grandes fans de la banda Wayfarer y de la atmósfera gótica occidental que aportan a su black metal. También soy un gran fan de Fields of the Nephilim, que hizo algo similar con la música gótica allá por los 80. Sabíamos que esta era la base perfecta para dar rienda suelta a nuestra creatividad y hacer una interpretación del tema al estilo de Mammon’s Throne. Tras disfrutar tanto de la creación del videoclip de “Elixir”, decidimos hacer dos más, y “Departed” fue la siguiente canción que abordamos. Johnny ideó un magnífico storyboard para las escenas y, muy amablemente, nos cedieron el espacio de arriba de uno de nuestros locales favoritos, “The Bendigo Hotel”, para filmar. Trabajamos con el mismo videógrafo que para “Elixir”, pero conseguimos capturar una atmósfera completamente diferente. El nombre del álbum se tomó posteriormente de la letra final de esta canción.

Ya que hemos pasado por dos canciones con influencias del cine, y sabiendo que tomáis el nombre en un principio de los cómics de Spawn. Quiero preguntaros, ¿hasta qué punto la cultura underground es una fuente de inspiración para vosotros? (los cómics, literatura pulp, cine de terror, videojuegos…)

Aunque no solemos escribir canciones directamente sobre películas o franquicias de videojuegos, estas influyen en algunas de mis letras y forman parte importante de mis aficiones, por lo que son una parte fundamental de mi personalidad. Por ejemplo, “Abhorrent Skies”, del primer álbum, está inspirada en “Expediente X” y usamos algunos sonidos de la serie original como introducción cuando tocamos esa canción en directo. H.P. Lovecraft y sus mitos de horror cósmico también son una gran inspiración. Algunos fans de Warhammer 40K quizás hayan notado la primera línea de “Return Us to the Stars”, que dice “All is dust…”. Esas son algunas de nuestras referencias.

Además, tocáis grandes temas universales: la codicia, el existencialismo, la oscuridad del alma humana… ¿Hasta qué punto la crítica social y la filosofía son fuentes de inspiración para vosotros?

Suelo escribir sobre temas que me causan angustia mental en mi vida personal, a modo de catarsis, y encajan a la perfección con la música profundamente emotiva de la banda. No diría que me interese mucho la filosofía; son más bien observaciones sobre el lado oscuro del mundo que nos rodea.

Sois una banda con rodaje, pero relativamente joven, aún no habéis cumplido los 10 años juntos. Y sin embargo vuestro sonido se nota muy depurado, tenéis un registro muy propio y característico, que otras bandas tardan mucho más en alcanzar. ¿Cómo ha sido este viaje para encontrar vuestro sonido?, ¿o quizás es algo que se estableció desde el principio?

El tiempo se nos ha pasado volando y creo que la pandemia tuvo mucho que ver. Estuvimos en confinamiento estricto poco después de lanzar nuestro primer álbum, y la pausa que esto provocó hizo que nuestro segundo álbum saliera bastante más tarde de lo previsto. En realidad, parece que solo llevamos unos cinco o seis años como banda activa debido a esta pausa involuntaria en las giras y los ensayos. En retrospectiva, nos dio tiempo para reflexionar sobre la dirección que queríamos darle a la banda, y salimos del confinamiento con mucha agresividad y energía reprimidas que se tradujeron en la incorporación de más elementos de Black y Death Metal en nuestra música. Ya estaban presentes en el primer álbum, pero no tan integrados en la atmósfera general como ahora, y estamos muy cómodos y satisfechos con la identidad de la banda tal como está ahora.

También quisiera preguntaros por el aspecto estético de la banda. Está claro que os gusta lo retro, tanto en los vídeos (lo hemos visto especialmente en “Every Day More Sickened”), como en la portada de los discos que también tienen un estilo de alguna forma clásico (aunque con vuestro toque único). ¿En qué os inspiráis en el apartado estético de la banda?

Somos grandes admiradores del arte impactante y llamativo, y los 80 y principios de los 90 sin duda lo tenían en abundancia. Tenemos la suerte de contar con un grupo de amigos cercanos que son artistas radicados en Melbourne, y su estilo retro de heavy metal complementa a la perfección la música de nuestra banda.

Oscar Bonin, quien realizó el arte de “My Body to the Worms” y del álbum anterior (“Mammon’s Throne”, homónimo de la banda), encaja a la perfección con nuestro sonido y siempre logra crear algo que nos deja boquiabiertos. También hemos trabajado mucho con Dave Long/Thulsa Doom, quien diseñó nuestro logo y otras obras de arte. Nos encanta poder apoyar a artistas locales y la simbiosis natural que existe entre el arte y nuestra música.

El vídeo de “Every Day More Sickened” fue un esfuerzo consciente por recrear los gloriosos días de MTV y Rage en Australia, ya que estos vídeos fueron los que nos influyeron cuando éramos jóvenes y estábamos descubriendo el metal por primera vez.

Por cierto, “Every Day More Sickened” es una pieza estupenda y totalmente única y la cual vosotros habéis señalado en entrevistas que era la que más ilusión os hacía mostrar al público: ¿por qué es así? y ¿está teniendo la acogida que vosotros esperábais?

Esta fue la última canción que escribimos para el álbum y sentimos que representaba todo lo que la banda tenía para ofrecer. La terminamos el día antes de grabar el álbum y la sensación de alivio al completarla y el triunfo que sentimos al escucharla grabada fue eufórica. Dicho esto, hay muchas emociones personales en la banda en torno a la canción y parece que a los oyentes también les ha gustado mucho. Creo que la letra está conectando con mucha gente y también aprecian todos los giros y cambios que toma la canción.

Todo lo que llega desde Australia suele triunfar muchísimo en España: ACDC, Mad Max y, por supuesto, Bluey 🙂 En los 90 todos los adolescentes españoles estábamos obsesionados con “Heartbreak High”. ¿Hasta qué punto la identidad de la banda está ligada a la identidad de vuestro lugar de origen?

Creo que nos hemos sentido un poco como la oveja negra de la escena doom de Melbourne, ya que nos hemos inclinado cada vez más hacia las influencias del doom europeo en lugar del sludge sucio y el stoner doom de muchos de nuestros compatriotas, que son geniales por derecho propio. Así que, en cuanto al sonido, no estamos seguros de que haya una gran influencia, sino más bien la cultura, la fuerza y ​​la musicalidad de la escena en sí. Hemos recibido un apoyo increíble de otras bandas y del público desde el principio y estamos eternamente agradecidos a todos con los que hemos compartido escenario o nos han contratado, y también a todos los que siguen viniendo a apoyar la escena del metal australiano. ¡Ojalá podamos añadirnos a la lista de exportaciones australianas que triunfan en España! Sin duda, hay muchas bandas australianas que merecen más reconocimiento internacional.

Actualmente estáis trabajando en la promoción y gira de “My body to the worms”: ¿cómo está siendo acogida esta nueva etapa de Mammon’s Throne?, ¿tendremos la suerte de poder disfrutarlo en directo en España en el futuro próximo?

Diría que está teniendo una muy buena acogida. Siempre buscamos mejorar nuestros conciertos y la respuesta del público nos confirma que esto se está transmitiendo claramente. Fue genial poder tocar el nuevo álbum completo en nuestro concierto de lanzamiento en Melbourne ante un público que estaba allí para celebrar con nosotros, y su apoyo con la venta de merchandising fue fenomenal.

Estamos buscando la manera de ir a Europa próximamente. Cuantos más fans apasionados tengamos, más fácil será lograrlo, así que esperamos que la gente hable de nosotros a sus amigos y se haga oír. La colaboración con Hammerheart nos ha abierto muchas puertas y estamos listos para darlo todo.

Muchas gracias por vuestro tiempo y vuestras respuestas. Enhorabuena por el buen trabajo.

Antes de su concierto en Barcelona, tuvimos una breve charla con Jay Valentine, vocalista de Guilt Trip, donde hablamos de su relación con España, nueva música y su identidad sonora.

– Hola hombre ¿Cómo estás?
Encantado de conoceros

– Así que estáis aquí en Barcelona. Comenzando esta gira español-portuguesa y luego os vais a los Estados Unidos Has estado aquí tres veces creo que al menos con Architects, aquí en razzmatazz3 y ahora la tercera vez. ¿Cómo os sentís de gira en España y Portugal? ¿Qué es lo que más os gusta de España?

Sí, um. lo que más me gusta de España es el clima. definitivamente está bien porque siempre está lloviendo de donde somos en Manchester pero es genial venir a España siempre lo pasamos bien los shows siempre son buenos, el público siempre es muy divertido así que sí, estamos emocionados de estar aquí. me alegro de estar de vuelta. creo que es nuestra cuarta vez en España en general. tocamos en Resurrection Fest todo el headliner de Malevolence, un headliner hace un par de años y luego con Architects.

– Os vi abriendo para Malevolence fue un espectáculo loco, fue bastante pronto creo que eran como 5:30 algo así pero era una energía loca, así que chicos. habéis sacado tres canciones nuevas este año y creo que van bastante duras como siempre hacéis, oye. ¿Qué podemos esperar de Guilt Trip este año? ¿estáis trabajando en un álbum? un ep si puedes hablar de ello por supuesto o simplemente estáis pensando en lanzando singles?

Sí, tenemos un disco completo casi listo para salir. vamos a anunciarlo en las próximas semanas y sí eso es probablemente todo para el año. tenemos algunos tours y cosas cerradas. estamos muy emocionados de sacarlo. es un álbum completo así que espero que la gente lo disfrute.

– Perfecto y quería preguntarte sobre el la sensación de que estáis en un punto intermedio entre el metal moderno y el metal más clásico. sois una mezcla entre yo diría Hardcore/Thrash/Metalcore si estoy en lo cierto, ¿Cómo lo sentís vosotros? porque siento que la producción es de primera categoría pero manteniendo la vibra de la vieja escuela. ¿es eso cierto o…?

Sí, eso es correcto. Nos gusta la buena producción. creo que si suenas bien y “crujiente” la gente se mete mucho más fácilmente pero todas las bandas de las que nos inspiramos son viejas bandas como Machine Head, Devil Driver, cosas así y luego en el lado duro bandas como Sick Of It All, Biohazard, Madball, Terror, etc., así que todas nuestras influencias son como de hace más de 20 años. así que probablemente por eso sonamos como de la vieja escuela, sí. y luego buscamos una suene actual. ese es el aspecto moderno de la banda. creo que es una buena mezcla y tenemos gente ya sabes, gente más joven en los shows. y también tenemos muchas personas mayores así que es una buena mezcla y sabes que la gente lo aprecia.

– Creo que estáis dando el gran paso ahora o esto siento luego de aquí y Portugal, si no estoy equivocado, os vais a los Estados Unidos ¿Sentís un poco más de presión ahora? o seguís con las mismas sensaciones, sabes como toda la vibra de la vieja escuela…

No diría presión. siento que lo estamos disfrutando por lo que es. entendemos que es como si tal vez nuestro parche morado en este momento. crecer más, tal vez no lo hagamos pero lo estamos tomando con calma disfrutándolo por lo que es y nos lo estamos pasando genial haciéndolo. así que cuantos más shows podamos hacer, cuantos más tours, mejor para nosotros.

– Entrevista corta pero ha sido un placer, hombre. Muchas gracias amigos, esto ha sido Guilt Trip. así que nos vemos en el moshpit.

Agabas son una banda noruega que fusiona Jazz con Death Metal, con unos directos totalmente únicos y que ofrece a partes iguales amor y furia. Acaban de sacar la versión deluxe de su último disco, “Hard Anger”, y han estado de gira, como teloneros de Avatar y en combinación con Alien Weaponry y Witch Club Satan. Actualmente trabajan en su próximo álbum que quizás nos llegue para finales de año.

Hemos podido hablar de todo esto y mucho más con su guitarrista Oskar Myseth.

Hey! el guitarrista de mi banda favorita de Deathjazz. Muchas gracias, Oskar, por concedernos esta entrevista.

¡Oh, sí!

Acabáis de terminar un tour estupendo con Avatar, donde habéis tocado vuestra música y donde además te hemos visto a ti hacer crowdsurfing mientras seguías tocando la guitarra, y hemos visto a Sondre ser prácticamente devorado vivo por un moshpit que él mismo instigó… así que ¿qué tal la gira y cómo habéis sobrevivido a todo esto?

Pues ¿sabes qué?, nos habíamos mentalizado de que la gira iba a ser mucho más agotadora, pero en realidad hemos estado en todo momento llenos de energía porque todo el mundo en la banda y también en Avatar y en Alien Weaponry, y los equipos de apoyo de todos ellos, todos han sido tan majos y agradables… que todo ha ido muy suave. Es cierto que los shows pueden llegar a ser muy tumultuosos y locos, pero está todo controlado, sabemos lo que hacemos y nos hemos sentido muy bien haciéndolo.

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¿Y cuál ha sido tu canción favorita para tocar en directo?

Mmmh, diría que “Steg etter steg”, la última del set list. Pertenece a un álbum anterior: “A hate supreme” y nos encanta seguir tocándola en vivo porque la gente se pone a bailar y a moverse muchísimo. No sé exactamente el por qué, pero tiene ese efecto y resulta muy divertida de tocar.

También quería preguntarte por las letras de las canciones, porque he estado escuchando vuestro último álbum, “Hard Anger”, muchísimo estos días y me ha impresionado la dureza de las letras, los temas que tratáis… y quería preguntaros: ¿cuánta inspiración sacáis del mundo real, de las noticias y de la crítica social?

Bueno, no puedo contestar con un 100% de seguridad a esta pregunta porque normalmente es nuestro vocalista quien escribe las letras, pero sí, nosotros solemos escribir sobre aquellas cosas que nos importan más profundamente y eso suele significar ver problemas en el mundo y en la sociedad en general y tratar de usar nuestra voz para comentarlos. Si podemos de algún modo causar un impacto positivo en el mundo o ser una influencia para que nuestros fans piensen también sobre estas cosas, nos sentimos satisfechos. Otras veces simplemente nos apetece escribir sobre cualquier tema personal o ficticio, sólo porque ese día estamos inspirados de esa manera, pero normalmente sí que incluimos muchos temas serios y políticos, porque es algo que nos preocupa e interesa. 

También estáis haciendo un impacto positivo en el mundo a través de vuestra web. Veo que actualmente dedicáis los beneficios del merch a Médicos sin fronteras y la causa Palestina. Desde aquí os doy las gracias por hacer eso. ¿Quieres comentar algo sobre el tema?

Sí, es otra manera de participar. Al final sólo somos una banda de Metal, así que no hay mucho que podamos hacer, pero creemos que todo el mundo puede hacer al menos un poquito, así que con esto hemos querido encontrar una manera de aportar nuestro granito de arena, algo que sí podíamos hacer para general algún cambio. Así que dijimos “¿por qué no donar algo del dinero del merch a estas causas?”. Es bueno poder contribuir aunque sea un poco a este tipo de cosas. Así que el merchandise que hemos marcado con el logo de “Make deathjazz not war”, donamos sus beneficios a Médicos sin fronteras y al Comité Noruego de Palestina.

Pero no todo es seriedad en Agabas. Quería preguntaros por vuestra otra cara: la del humor. Y es que tenéis algunos vídeos muy locos, tenéis memes divertidísimos en vuestra web oficial, juegos de palabras (como el propio nombre del álbum “Hard Anger” basado en el fiordo de Hardanger)… ¿Qué papel juega el humor en Agabas?

Sí, esto es algo que de forma natural se ha incorporado a la banda. Al final sólo somos unos tíos a los que les gusta pasarlo bien. No queremos tomarnos todo siempre en serio. No creo que estuviéramos haciendo música en una banda si no nos lo pasáramos bien con ello, porque es muy duro tocar en una banda… estás intentando hacer algo de calidad y a la vez equilibrar esto con un trabajo y otras cosas, a veces es duro. Así que al menos tenemos que pasarlo bien. Por eso digo que es algo que ocurre de forma natural para nosotros.

Y ¿qué es lo que haces entre medias de la gira para pasarlo bien y relajaros, cuando no estáis tocando?

Relajarnos: ¡nunca! Pasarlo bien sí, pero no te puedes relajar en una gira. Afortunadamente para nosotros este ha sido un estupendo entrenamiento. Porque esta es la primera gira de este tamaño en la que participamos, pero lo hicimos en dos semanas diferentes: tuvimos nuestra primera semana tocando en la gira con Avatar y Alien Weaponry. Luego la banda Witch Club Satan nos cogió el relevo, y después volvimos a actuar nosotros esta última semana. Esto nos ha permitido recargar pilas, porque ambas semanas han sido realmente intensas. Por ejemplo, hablábamos con los compañeros de Alien Weaponry que han estado abriendo para Avatar por seis semanas consecutivas y hemos visto que las posibilidades de relajarse no son muchas. Se trata de tocar, tomarse unas cervezas y a la mañana siguiente viajas a otra ciudad, descargas, haces pruebas de sonido, tocas y… bueno, pues te tomas otro par de cervezas, te vas a dormir, vuelves a viajar… y así. De vez en cuando hay algún día libre, pero la verdad es que las giras son intensas. Nos esperamos a relajarnos de verdad cuando volvemos a casa.

También quería preguntaros por vuestra estética. Me llama mucho la atención vuestro logotipo, las portadas de los discos, especialmente del nuevo, “Hard Anger” con esas flores tan llamativas y diferentes a lo que solemos ver en el metal…  Por favor habladme del aspecto visual de la banda, ¿qué tratáis de transmitir con ello?

Representa varias cosas para nosotros. En primer lugar es otra manera de visualizar la unión del Jazz y el Metal. Nos gusta utilizar las flores y esta estética para mostrar que aquí hay algo diferente, alejándonos un poco de la estética oscura más tradicional. También representa nuestro mensaje principal que es amabilidad, paz… Es cierto que este mensaje ya forma parte naturalmente de la comunidad del Metal, pero es cierto que no suele materializarse tanto en la estética: las cosas suelen verse más oscuras ¡y eso también me gusta mucho!, pero nosotros particularmente hemos querido hacer algo que diga “¡hey! estos somos nosotros”. Nos gusta tocar duro, nuestra música es oscura, pero también llena de amor; también lo pasamos bien y podemos jugar un poco con todo esto. Y de ahí ha salido este logotipo que tenemos, mitad flor mitad pentagrama.

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Desde luego, y esta estética a la vez brillante y oscura también se puede ver en vuestros vídeos musicales, que son estupendos. ¿Hay algo que te gustaría explorar en los próximos vídeos que saque Agabas? 

Vaya, esto es algo en lo que aún no he pensado mucho, pero es una gran pregunta. Ahora mismo estamos desarrollando ideas para el nuevo disco y aunque todavía estamos en las primeras fases del proyecto, es algo en lo que tenemos que pensar muy pronto.

Como guitarrista de deathjazz, haciendo hincapié en el jazz, si pudieras chasquear los dedos y traer a cualquier músico o banda, vivos o muertos, para hacer una Jam Session contigo ¿a quién elegirías?

¡John Coltrane! Para mí, ha sido mi mayor inspiración en cuanto a esta faceta de Jazz. La música que hacía, cuando la escuché por primera vez, me impactó mucho y me hizo pensar “¡Hostia! El jazz puede ser muy heavy”, es muy intenso y oscuro en algunos momentos. Esto me hizo pensar “esto podría ser perfectamente una canción de Metal” y al final escuchar ese tipo de música es lo que nos ha llevado a combinar ambas cosas.

¿Tienes alguna rutina especial de calentamiento antes de un concierto?

Sí, la verdad es que al principio cada uno hace lo suyo, a su manera: tratamos de activarnos, saltar, hacer muchos movimientos, estirar todo el cuerpo para no tener un calambre sobre el escenario. Algunos compañeros hacen flexiones, o gritan… Cada uno hace su cosa. Y después, tres minutos antes del show, nos reunimos y hacemos como un pequeño cántico para animarnos entre nosotros antes de subir al escenario.

Ya para finalizar ¿Qué es lo próximo para Agabas? ¿Y podremos disfrutaros por España en el futuro próximo?

Me encantaría. De momento no hay nada programado en España, pero siempre estamos trabajando en expandirnos un poco más. Contratar shows en diferentes lugares… De verdad que me encantaría ir a España este mismo año o el siguiente quizás. Lo próximo que vamos a hacer es un concierto en Oslo, que además tiene la novedad de ser para todos los públicos: van a poder venir jóvenes menores de 18 años y creo que eso va a resultar muy divertido. También iremos a un par de festivales de verano, pero no muchos. Y estamos trabajando en una gira por diferentes salas en otoño. No tengo los detalles todavía. Y por supuesto estamos componiendo. Nos reunimos a menudo para poner cosas en común y, mientras, cada uno va componiendo riffs y otras cosas. Queremos terminar el nuevo álbum este mismo año.

¿Puedes darnos algún detalle de este nuevo álbum? ¿El título quizás?

No, no… No estamos tan avanzados. De momento estamos componiendo las canciones.

Muy bien, mantenemos la sorpresa. Muchísimas gracias por tu tiempo y enhorabuena por el buen trabajo.

Gracias a vosotros.

El Veracruz Metal Fest, reconocido como el festival mexicano de metal más playero del país, celebrará su segunda edición el próximo sábado 28 de marzo en el Hotel Diana Cazadora, ubicado en Playa Chachalacas, en el estado de Veracruz, evento contará con un potente cartel que reúne talento nacional e internacional, con bandas como Marraneitors, Intoxicated, Höwler, Haborym, Ancestry, Baal, Venemous, All Misery, Steel Night, The Unholy y Genos Prototype, prometiendo una jornada intensa de metal frente al mar este próximo sábado 28 de marzo, además de una pre-fiesta un día antes en el Puerto de Veracruz.

En Track To Hell tuvimos la oportunidad de platicar un poco Ángel Jiménez, la mente detrás de esta peculiar propuesta que ya para su segunda edición, quien, estoico y preciso, nos platica un poco sobre lo que ha sido esta experiencia.

Cuéntanos un poco sobre ti, ¿cómo fue que te empezaste a ver involucrado en el mundo del metal?

Bueno desde los 13 años comencé a escuchar rock. Las primeras bandas que conocí de la escena mexicana fue Transmetal, de hecho ellos fueron fue mi primer concierto al que asistí. Después asistí a un concierto de Lvzbel con el finado Huizar y seguí escuchando a bandas como System of a Down, Korn, Slipknot, después conocí Black Sabbath, Dio y poco a poco me fue interesando todo el género del metal, desde lo más comercial hasta los más under.

¿Cómo empezaste a gestionar eventos? Cuéntanos sobre tu primer experiencia tras los escenarios.

Primero comencé haciendo Tours a eventos y festivales de Metal, después comencé a hacer eventos locales en mi ciudad, hasta que después comencé a trabajar con varias promotoras en México.

¿De dónde nace la idea de un festival metalero a pie de playa?

La idea de hacer un Festival en Veracruz ya la tenía desde hace mucho tiempo, fui parte del equipo de trabajo del México Metal Fest de Monterrey, siempre tuve el sueño de hacer mi propio festival, y pues soy jarocho que mejor que un festival de metal en la playa.

¿Por qué Playa Chachalacas?

Porque es la playa que está más al centro de muchas ciudades y porque es una de las playas más bonita de Veracruz.

¿Qué aprendiste de la primera edición?

Que hay que luchar por nuestros sueños y nuestras metas, porque sí se cumplen.

¿Cuál fue tu momento favorito de la primera edición?

Mi momento favorito fue ver a todos felices tanto al público como a las propias bandas, es una experiencia única.

¿Cuál ha sido el reto más importante al gestionar este proyecto?

El reto más importante fue no conocer la zona y el lugar, ya que yo vivo a 5 horas de Playa de Chachalacas y al principio se me complicó mucho porque no conocía a nadie de la zona, aunque después tuve la suerte de encontrarte con excelentes personas que me han ayudado en temas de logística y gracias a eso, pude solucionar ese inconveniente.

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¿Qué mejoraste para este año?

Producción, baños, tendremos variedad de cervezas y tendremos nuestra pre-fiesta un día antes del Festival.

¿Qué se puede esperar del Veracruz Metal Fest a futuro?

La idea es convertirlo en un Festival de talla internacional, pero con el concepto único que es a la orilla del Mar, que ningún otro Festival de metal en México ofrece.

¿Por qué debería asistir la gente al Veracruz Metal Fest?

Porque es una experiencia única que no se vive en ningún otro Festival de Metal.

Pueden encontrar los boletos para este evento a través de la boletera Passline y tienen un costo de solamente $600 pesos.

Con casi dos décadas de trayectoria, Bull Brigade se ha consolidado como una de las bandas más sólidas del punk europeo. Desde Torino, han construido un sonido que combina intensidad melódica con una mirada social honesta y directa. Ahora regresan a España para presentar su nuevo disco Perche Non Si Sa Mai, reafirmando su conexión con un público que vive cada concierto con una energía única. Hablamos con ellos sobre inspiración, compromiso y lo que significa seguir siendo auténticos en 2026.

¿Cómo logran hoy en día ese equilibrio entre la melodía y el mensaje social?

Creo que el equilibrio nace de la honestidad. Nunca nos sentamos a pensar “ahora vamos a escribir una canción con mensaje”. Las historias salen de nuestra vida: el trabajo, la ciudad, las personas que conocemos. La melodía llega cuando intentas darle una forma a todo eso. Con los años hemos aprendido que una canción puede ser directa y fuerte sin perder sensibilidad. Para nosotros la música y el mensaje no son dos cosas separadas: forman parte de la misma historia.

¿Sigue siendo Torino vuestra principal musa o ahora buscáis inspiración en otros lugares tras tantos años de gira?

Torino sigue siendo el punto de partida de todo. Es la ciudad donde crecimos, donde vivimos y donde nacen la mayoría de nuestras canciones. Las giras te abren la cabeza y te permiten conocer realidades distintas, pero cuando escribimos siempre volvemos a lo que conocemos mejor. Las calles, la gente y las contradicciones de Torino siguen siendo una fuente de inspiración muy fuerte para nosotros.

¿Cómo se preparan para las 3 fechas que tienen por nuestro país?

Nos preparamos como siempre: ensayando mucho y llegando con ganas de tocar. España para nosotros no es un lugar cualquiera, siempre hemos sentido una conexión muy fuerte con el público. Así que intentamos preparar un set que mezcle canciones nuevas con temas que forman parte de nuestra historia. Al final, la verdadera preparación empieza cuando subes al escenario.

Vienen a presentar su nuevo disco: Perche Non Si Sa Mai, ¿qué canción no puede faltar en el directo?

Las canciones nuevas obviamente son muy importantes, porque el disco acaba de salir y tenemos muchas ganas de tocarlas en directo. Pero hay temas que ya forman parte de nuestra historia y que la gente espera escuchar. “Sopra i Muri” seguramente será uno de los momentos fuertes del set, porque resume bien el espíritu del disco.

¿Qué tiene el público español para que vuestros directos aquí se sientan tan viscerales?

Siempre hemos tenido la sensación de que el público español vive el punk de una manera muy directa y muy sincera. Hay mucha participación, mucha energía y un sentimiento muy fuerte de comunidad. Cuando tocamos aquí no sentimos distancia entre el escenario y el público, y eso hace que los conciertos sean muy intensos.

¿Qué papel juega una banda con principios firmes como la vuestra en 2026?

No creo que una banda tenga que dar lecciones a nadie. Nuestro papel es simplemente ser coherentes con lo que somos. Intentamos decir lo que pensamos y mantener una cierta honestidad. En un momento donde muchas cosas parecen superficiales o rápidas, quizá la cosa más importante es seguir siendo auténticos.

Si pudierais elegir a cualquier artista (vivo o no) para compartir escenario o grabar un tema, ¿a quién elegiríais y por qué?

Es difícil elegir solo uno porque venimos de una escena que nos ha dado muchísimas influencias. Probablemente la elección recaería en dos bandas: quizás Social Distortion para una colaboración en estudio en una o más canciones, mientras que Rancid para compartir un concierto en directo. Estas dos bandas han conseguido mantener una identidad muy fuerte durante muchos años sin perder credibilidad, así que para nosotros sería un honor.

¿Cuál es el problema social actual que más os urge denunciar en este momento?

Hay muchos, pero probablemente el crecimiento de la desigualdad social es uno de los más evidentes. Vivimos en una época donde las diferencias entre quienes tienen mucho y quienes tienen muy poco siguen aumentando. Para una banda que viene de una realidad obrera es imposible no hablar de eso.

¿Cuál es el objeto que nunca falta en la furgoneta de Bull Brigade cuando salís de gira por Europa?

Probablemente el café. Pasamos muchas horas viajando y el café es una especie de combustible básico para sobrevivir a las giras.

Si pudierais darle un consejo a los Bull Brigade que empezaron en 2006, ¿cuál sería?

Quizá les diríamos que disfruten más del camino y que no se preocupen demasiado por el futuro. Muchas cosas que parecen importantes en ese momento luego pierden sentido. Lo que realmente queda son las personas que conoces y las experiencias que vives.

¿Cuál es el siguiente gran objetivo que tiene la banda en el horizonte este año?

El objetivo principal es tocar mucho y llevar el disco lo más lejos posible. Un álbum realmente empieza a vivir cuando lo presentas en directo. Queremos viajar, tocar en nuevos lugares y seguir construyendo esta historia que empezó hace casi veinte años.

Hoy hablamos con Ergum, una banda de metal extremo en castellano, que sorprende por la crudeza de su sonido, la fuerza de sus guturales y la lírica de sus letras. Death Metal con influencias tanto de black metal, trash y grindcore, por la que sin duda merece la pena bucear en lo más underground de nuestro país.

Y es que Ergum ya llevan unos años dando vueltas por la escena española: con origen en 2008, viven una primera etapa en la que graban, siempre en formato de autoedición, “La mugre” (2012) y “Dokhma” (2014). Tras esto, la banda sufre un hiato hasta diciembre de 2021, cuando vuelven a la acción conservando a su inconfundible vocalista Edward y a Felipe Muñoz, a la guitarra, y sumando tanto al carismático Raul Guevara (batería) como a Dante Fernández y Jesús Hernández (ambos en Sadístic Christ) al bajo y guitarra solista. En 2023 publican el Split “Copropolíticamente incorrectos” grabado en directo en la sala Barracudas de Madrid junto a Moñigo y Cerebral Vortex y ahora finalmente, sacan el que en mi opinión es su trabajo más depurado: “Ruinas de la peste”.

Como guinda a este pastel putrefacto, hemos tenido la oportunidad de hablar un poco con la banda, actualmente de gira junto a Embloodyment. Esto nos contaron:

• Gracias por concedernos esta entrevista, por favor, habladme un poco del nuevo disco y de cómo estáis viviendo esta etapa actual de Ergum.

Buenas, gracias a vosotros por el interés. Un placer participar.

Estamos muy ilusionados con el nuevo trabajo. Entre cambios de formación y demás, estuvimos parados bastante tiempo y han pasado 12 años desde la publicación del anterior álbum (Dokhma) ¡¡12 años!!

Este álbum representa el resurgir de la banda y la consolidación de la nueva formación, lo que lo hace aún más importante. Todos hemos participado en la composición de los temas y hemos conseguido crear un álbum muy consistente sin perder la identidad de la banda. Es algo de lo que estamos orgullosos.

•  “Ruinas de la peste” se trata de un álbum autoproducido, al igual que otros trabajos anteriores, y sin embargo perfectamente sólido. ¿Cómo es habitar el underground más underground de la escena española? ¿Qué ventajas y desventajas tiene con respecto a trabajar con sellos discográficos?

 Así es, Todos nuestros trabajos son autoproducidos. En todos los casos son un DIY en toda regla de principio a fin, es como nos gusta hacer las cosas, a nuestro aire, sin deberle nada a nadie.

En el caso del “Ruinas de la peste”, a la hora de editarlo, nos ha echado una mano nuestro colega Edu del sello “Semen de orco muerto” y siempre se agradece cualquier ayuda.

Nos sentimos muy cómodos en el underground, es donde nos gusta estar. También apostamos firmemente por el formato físico a la hora de publicar nuestros trabajos y en venderlos en persona en nuestros conciertos. Si alguien quiere material de la banda puede contactar directamente con nosotros y le atenderemos encantados.

En cuanto a las ventajas o desventajas de trabajar con sellos, cierto es que a nivel publicidad y distribución se facilitan las cosas, pero no es algo que nos quite el sueño. Por suerte en los conciertos solemos tener buena acogida por parte de la gente y colaboran pillando merchan o simplemente comentando el bolo y echando una cerveza

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• Por cierto ¿cómo es cantar en castellano en un género que mayoritariamente es de habla inglesa?

Nunca hubo debate con este asunto. Desde el principio tuvimos claro que sería así, letras en castellano, es como nos sentimos cómodos. Siempre se acerca alguien a comentarnos que le parece un punto a favor de la banda, aunque bueno, de todo habrá, para gustos colores

• Me ha encantado encontrar en las letras referencias a Lovecraft y Harlan Ellison, que son de mis escritores favoritos, por favor, habladme un poco de vuestras influencias literarias.

Sade, Clive Barker, Arthur Machen, Isidore Ducasse, Borges, Lovecraft, Crowley y todo tipo de obras que tengan que ver con dolor y esas cosas jejeje…

• Pero no sólo encontramos literatura en Ergum, veo mucho de crítica y de rabia hacia este mundo podrido en que vivimos, así que ¿Qué otras inspiraciones encontráis a la hora de escribir?

El cine inspira hoy día a la mayoría de personas que quieren plasmar una idea o sentimiento por medio del arte. También el cómic y la cotidianidad; ver cómo hay gente asquerosa en tu día a día o en la política es igual de inspirador que ir por el campo y encontrarte una carroña. Te molesta, te pone contemplativo y hasta te atrae. Luego lo tomas y vomitas un par de párrafos.

• Y a nivel instrumental y de sonido ¿cuáles son vuestros principales referentes? ¿y cuáles son vuestros principales objetivos musicales? 

Nuestras influencias son “añejas”, abarcan todo el metal old school.  En nuestros trabajos puedes encontrar Death Metal, Black, Thrash, incluso algo de Grind/Punk. La mayoría de los temas tienen una duración inferior a tres minutos. Son directos, rápidos y violentos, con poca floritura, no somos fieles a un único estilo, pero siempre dentro del metal extremo. Si la composición nos gusta, no nos preocupa que no mantenga la línea del tema anterior.

En cuanto a los objetivos musicales, nada en particular, seguir creciendo como banda haciendo lo que nos gusta mientras nos queden ganas y fuerzas.

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• Veo que Jesús Hernández, además de guitarrista, es el responsable del arte y diseño gráfico del disco, que me parecen tremendamente sugerentes e impactantes. Por favor, habladnos un poco de este aspecto visual de Ergum.

En vista que no conseguíamos una portada que dejara conforme a todos, después de hablar y ver el trabajo de varios artistas (sin menosprecio el trabajo de nadie), Jesús, que ya diseñó otras portadas antes y es diseñador gráfico, nos mostró un boceto que implica el concepto de varios temas del álbum de una manera bastante simbólica: la portada nos gustó a todos y sólo tuvimos que afinar detalles. Ese fundamento visual también fue usado para el Video lírico “La tinta de la voluntad”.

• Ahora estáis de gira con Embloodyment, ¿cómo está yendo el tour y dónde podremos veros próximamente?

Con Embloodyment este año va a estar simpático. Son una bandota y unos cachondos mentales, excelentes compañeros de viaje. Nos acompañaron en la presentación del “Ruinas de la peste”, y ya habíamos tocado en más de una ocasión con ellos. 

Lo próximo son unos conciertos por el norte de España que se anunciarán pronto y estamos preparando más fechas tanto por territorio nacional como por Europa.  Esperemos que este proyecto salga adelante.

• ¿Cual es el futuro de Ergum?

Esperamos que sea a largo plazo, sombrío y brillante, jajaja.

• ¡Muchas gracias! y no quiero despedirme sin gritar con vosotros: ¡Demuéstrame tu poder satánico si es que lo tienes, bruja del demonio! 

Muchas gracias por la entrevista. Nos han encantado las preguntas. ¡Un abrazo!

“Hardcore emocional” y “emo” pueden ser etiquetas un tanto cargadas o incluso limitantes, pero la gente de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego no parece tenerles miedo. Viniendo de Mar del Plata queda un tanto obvio que el grupo le haya puesto a su EP Hasta Que El Mar Nos Lleve, pero en esta entrevista con su cantante Hernán Montenegro vemos que lo del grupo va más allá de esas obviedades: las inquietudes del under, el querer evolucionar en su sonido, la oportunidad de trabajar directamente con una de sus mayores inspiraciones, lo que es la movida subterránea en Argentina y el tener que luchar día a día para abrirte paso en un mundo que parece dispuesto a ponerte todos los baches en el camino. Pero siempre hay una luz al final del túnel.

—Buenas a todos los integrantes de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego. ¿Cómo los encontramos en el día de hoy?

Mal pero acostumbrados, jaja. Hablando en serio es difícil, muy difícil vivir nuestra realidad que es la mayoría del país y es laburar horas extra para apenas llegar a fin de mes. Tener que posponer cosas que te hacen bien al espíritu únicamente porque no naciste en cuna de oro o estás sponsoreado por algún empresario. Es todo muy angustiante, para serte sincero.

—Hablemos acerca de este nuevo lanzamiento por parte del grupo. ¿Cómo describirían este Hasta Que El Mar Nos Lleve? ¿Cómo ven la evolución del sonido de la banda en este nuevo EP?

Creo que fueron las mejores canciones que podían dar los chicos hasta la fecha. Soy una persona bastante obsesiva con ciertos sonidos y cierta manera de ver la música. No quería enloquecer a los muchachos con esto, así que las canciones que traían se grabaron. A lo mucho fui un poco “Arquitecto” en decidir cuales entraban al EP y cuáles quedaron afuera.

Ahora que esta etapa se terminó, vamos a experimentar otro tipo de modalidad a la hora de trabajar las canciones.

—¿Cómo describirían el título de Hasta Que El Mar Nos Lleve?

Es un reconocimiento a nuestra terquedad. Cómo te decía más arriba, las vidas de “giles trabajadores” que llevamos todo el tiempo nos hace replantear el seguir invirtiendo tiempo y plata que apenas tenemos para hacer canciones. Al mismo tiempo todo el mundo musical tampoco es muy “amistoso”, bah creo que el mundo tan precarizado hace esto de “sálvese quien pueda” y genera estos climas en que si no tenés nada para ofrecer salvo tu música, no interesa lo que hagas. Nosotros laburamos 11 horas por día, entonces lo único que podemos aportar es la música, hay muchas chances que todos nuestros esfuerzos sean vanos, y tenemos gente que nos quiere y con todo su cariño nos dice: “¿Para qué viajar 5 horas para tocar invirtiendo de tu bolsillo?”, “¿Para que invertir en un buen estudio si no vas a recuperar lo invertido?”. Y tienen razón, pero esto va más allá de la razón. Y hasta que el mar nos lleve vamos a seguir haciendo esto.

—Menciono lo del título porque los EPs anteriores se llamaron simplemente Cinco Canciones y Cuatro Canciones. ¿Qué los llevó a que este tuviera nombre propio? Asumo que siendo que este también tenía cinco canciones, repetir título podría llevar a confusiones.

El primer EP se llamó Cinco Canciones EP en tributo al EP que sacó la banda Baltimore In Love. En más, la tapa es un rip-off de la portada de ese EP. La canción “Remolino de Lirios” está dedicada al cantante de esa banda que era una persona excelente y bondadosa.

Cuatro Canciones de Invierno seguía un poco este juego y además eran las primeras cuatro canciones que nacieron cuando Muzzu y yo forjamos esta unión y amistad con Gus y Nahufix.

Hasta que el Mar Nos Lleve ya la banda decide hacer el sacrificio de viajar a grabar a Buenos Aires, de trabajar con un productor. Por eso nos pareció necesario mostrar que hay otra “seriedad”. Más allá de que siempre fuimos serios, pero tomamos la grabación y la producción de este material de una manera más profesional.

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—La banda toma su nombre del libro de relatos de Mariana Enríquez, que a su vez toma su nombre de una canción de Low. Y ahora tienen a Enríquez de invitada en el álbum. ¿Cómo fue tener a la inspiración detrás de la banda presente en este nuevo álbum?

Una muestra de que los sueños se cumplen. Me encanta como Mariana escribe, me encanta la temática de sus historias. Traer el horror y el ocultismo a nuestro país, a nuestras calles. Además de que ella es una fanática de la música pesada. Que ponga su voz en una de nuestras canciones es una recompensa para el espíritu.

—Con este ya será el tercer EP de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego. ¿Hay alguna razón detrás de centrarse en este tipo de lanzamientos cortos?

Me voy a repetir mucho con esto pero es que no tenemos presupuesto. Para nosotros hacer este EP fue casi una misión imposible, con integrantes quedándose sin trabajo y cayendo la responsabilidad financiera en el resto que tuvo que hacer sacrificios para poder cumplir con las obligaciones. Hacer un disco de 10 canciones era imposible.

Hace poco hablamos con los chicos y decidimos que aunque tome más tiempo, y si la situación financiera nuestra mejora, tal vez podamos encarar un disco de 10 canciones.

Estamos en proceso de composición y me encanta lo que está sonando en nuestra sala de ensayo.

—Muchas bandas del “emo” solían tener algo de resistencia a esa etiqueta, pero Las Cosas Que Perdimos En El Fuego no es de esas siendo que ustedes mismos se describen como “hardcore emocional” en su Bandcamp. ¿Cómo ven la escena emo en Argentina? Venimos del recital de Orchid hace unas semanas en Capital y fue tremendo ver que el lugar estaba repleto para hablar de una banda insignia en un estilo que puede ser tan extremo.

Si, cuando empezamos nos describíamos como hardcore emocional, ahora ya no tenemos esa etiqueta. Desde el ingreso de Gastoncito que viene con una experiencia amplia tocando thrash ahora estamos trabajando en sonidos más extremos.

Respecto a la escena “Emo” creo que encontró en el sello Inerme a gente muy buena y amable que ayuda a gestionar todo. Por algo cada vez que viene una banda de Hardcore Emo una de sus bandas suele abrir la jornada. No olvidemos nunca que el Emo, o al menos el emo que hace Orchid tiene su costado político y reaccionario y creo que Inerme tiene mucho de eso y por eso todo lo que hacen es genial.

—Ustedes son de Mar del Plata. Para muchos porteños es un clásico pensar que todo lo que está pasando el Conurbano, o siquiera la General Paz, pareciera no existir, y eso se extiende a las escenas musicales. ¿Podemos decir que hay una escena emo en Mar del Plata y alrededores? ¿Cómo describirían ese under local?

Conozco las bandas de quienes nos invitan a tocar como Diasol, Primo, Bowery, Los Cortos, Altos Mutantes, Abismal, Criptodonte. Después si bien no son de Mar del Plata, Scam, Llagas y Ultravioleta también nos invitan y me gusta mucho como suenan.

—¿Qué se viene en el futuro de Las Cosas Que Perdimos En El Fuego? ¿Cuáles son sus planes?

Aceptar las invitaciones que nos lleguen para tocar en dónde sea, siempre y cuando se pueda.

Seguir haciendo canciones hasta juntar esas 10 que nos hagan sentir que vale la pena volver a hacer el sacrificio para poder grabarlas.

—¿Hay algo que quisieran decirle a los fans y la gente que los vaya a escuchar?

No creo que tengamos fans, me gustaría creer que hay gente escuchando del otro lado, y les agradezco. En tiempos que hasta el under parece tener gente que te vende mainstream como los nuevos salvadores del under e invierten tiempo para mostrarte aquello por lo que les pagan mostrarte actuando como “algoritmos” humanos, que exista gente que descubra esta banda de laburantes es un montón.

Cuando leía revistas de rock me gustaba que un músico dijera alguna frase de un autor para poder descubrirlo, así que en estos tiempos de desesperanza en dónde no hay un solo día que siento que me están chupando la sangre para mantener a los poderosos de siempre, me despido con la siguiente frase:

“Lo que más me asusta es que lleguemos a amar nuestras cadenas” [C.B]