Hoy he tenido la suerte de charlar con Ben Hutcherson, guitarrista y co-vocalista en la banda de doom metal norteamericana Khemmis, que acaba de sacar su quinto álbum de estudio. Ben es un tío encantador y comprometido que confiesa estar pasando por el mejor momento de su vida en los cuarenta tras trabajar mucho en su salud mental, dejar atrás sus adicciones y su empleo “formal” en el mundo académico. Aunque sus convicciones están claras tanto para él como para el resto de la banda y hablamos de ellas ampliamente, el álbum que ya esta online no es en absoluto político ni de crítica social, sino un disco centrado en la belleza del arte y en aportar esperanza y felicidad a los seguidores del doom metal.

Buenas tardes, Ben, gracias por concederme esta entrevista. Lo primero darte la enhorabuena: más de 10 años de banda, vuestro 5º álbum de estudio salió hace unos días, y además estáis a punto de empezar un tour que va a ser bastante largo ¿cómo estás viviendo esta etapa tan ajetreada de Khemmis?

Buenas tardes, encantado de charlar contigo. Lo has dicho muy bien, es una etapa “ajetreada”. Pero estamos muy ilusionados con todo esto. El nuevo álbum acaba de salir, y la acogida de los singles ha sido fenomenal. Y en concreto hoy, llevamos desde muy temprano esta mañana haciendo entrevistas y después cuando acabemos, Dave, nuestro bajista, y yo, vamos a llenar la furgoneta y vamos a conducir nueve horas hasta Oklahoma para ir a tocar con Acid Bath este fin de semana. Los otros dos compañeros irán allí en avión. Va a ser un fin de semana genial. Va a ser el primer show en un verano efectivamente muy ajetreado: tenemos muchas fechas en todo EEUU, y se acaban de anunciar algunas fechas europeas, más otras cuantas que quedan por confirmar y que probablemente anunciaremos la semana que viene o la siguiente.

¿Alguna de esas nuevas fechas será en España o cerca?

Si te soy sincero, no lo recuerdo. Hemos estado trabajando con diferentes fechas y borradores de la gira. Pero si no fuera en esta ocasión, seguro que sería para el verano de 2027 o muy pronto. Queremos volver a Europa el año que viene para una gira más larga. Así que si no nos véis en España de aquí a otoño, eso es que nos veréis el verano siguiente.

Sobre el nuevo álbum, se llama “Khemmis” al igual que la banda y los singles son videoclips muy originales ¿puedes contarme un poco sobre el concepto principal de este disco y qué podemos encontrar de nuevo con respecto a los anteriores?

Claro. ¿Cuál sería el concepto principal del disco? Verás, Deceiver fue un álbum que grabamos y que se inspiró en momentos muy oscuros de nuestras vidas personales. Por ello fué un álbum muy difícil de grabar. Tuvimos que explorar gran parte de nuestras tragedias personales, y estamos contentos de haberlo hecho. Yo por ejemplo acababa de ser diagnosticado acerca de mi salud mental y también llevaba un tiempo sobrio, decisión que había tomado sólo unos pocos años antes. Y debo decir que estoy muy contento de haber llegado sobrio al encierro que supuso la pandemia del Covid. No sé cómo hubiera podido sobrevivir a eso si no hubiera estado limpio en aquel momento… Entonces, cuando llegó el momento de grabar este nuevo disco, teníamos claras algunas cosas: musicalmente queríamos hacer algo concreto, que además también tiene que ver con la etapa de giras muy intensas que acabábamos de terminar. Hemos estado girando muchísimo después de sacar Deceiver, estuvimos de gira con Trivium, con Mastodon… hicimos una gira europea enorme tanto de festivales como de cabeza de cartel… 

Así que lo que queríamos era hacer un nuevo álbum que tuviera una buena pegada en directo, que eligiéramos la canción que eligiéramos, pudiéramos confiar en que iba a funcionar con la energía adecuada ¡que tuviera poder! Y algo que no queríamos era volver a excavar en nuestras tragedias personales, pues ya lo habíamos hecho profundamente antes. Así que para escribir las letras y encontrar la inspiración, seguimos un principio fundamental, que ha sido “grabar un álbum que, si lo hubiera hecho otra persona, a nosotros nos encantara”, un álbum que realmente no sorprendiera y tuviéramos ganas de escuchar.

Además, como el mundo entero actualmente, y muy especialmente nuestro país, EEUU, es un lugar tan aterrador y está tan roto, que todo parece que está en llamas… esta vez no quiero desarrollar un arte que me haga sentir aún peor, o que me pida una nueva reflexión sobre la muerte de seres queridos o las batallas que cada uno está luchando. Quería escribir sobre algo que transmita esperanza. Y por supuesto, como es metal, va a seguir siendo oscuro. Desde luego. No vamos a ponernos a tocar escalas mayores y hablar de la luz del sol y los cachorritos, no vamos a pasarnos a la positividad tóxica. Seguirá siendo oscuro, muy melódico y melancólico. Y será una historia totalmente ficticia, por primera vez en la historia del grupo nos basaremos en crear ficción. Porque antes siempre hemos hablado de nuestras vidas y hemos usado diferentes metáforas. Pero esta vez todo es ficción. Claro, todos sabemos que cuando alguien crea algo siempre pone una parte de sí mismo en la creación, y aunque deliberadamente hagamos ficción habrá algo dentro que tenga que ver con nuestro recorrido vital y nuestras luchas personales y estos temas… Pero el corazón del disco es una celebración: reconectar con el placer del Heavy Metal con mayúsculas. Musicalmente, estéticamente, espiritualmente… 

Y es que internamente estamos redescubriendo el placer de crear heavy metal, juntos, como amigos y como hermanos. De una forma muy integral. Lo estamos sintiendo como el cierre de un círculo. Ya no estamos en la etapa de fingir que tenemos veinticinco años… Yo no quiero volver a tener veinticinco años, tengo cuarenta y un años y con sus altos y sus bajos creo que me siento cómodo a nivel espiritual. Al menos casi todo el tiempo. No quiero volver a sentirme como me sentía cuando era más joven. Y sé que les ocurre también a mis compañeros. Y creo que esto nos ha hecho mejores como banda, a nivel creativo, profesionalmente, y también en el escenario. Y lo que queríamos era conjugar todo esto en un nuevo disco, donde la música suene salvadora, triunfal… que suene como algo que te de ganas de coger una buena cerveza fría, o en mi caso un Red Bull sin azúcar, y bailar y menear la cabeza y sentirte libre por un rato. Y este es el tipo de atmósfera que queríamos transmitir en este nuevo disco.

Ben, eso es muy interesante y desde luego coincido contigo en que necesitamos también un poco de esperanza y felicidad en estos tiempos oscuros.  Y me alegra mucho escuchar que te sientes bien contigo mismo, además después de los cuarenta. Todos los cuarentones que conozco, incluida yo misma, estamos pasando unas crisis de la mediana edad a nivel estratosférico… pero en tu caso es al revés, estás en un punto álgido y se te nota. 

Bueno, para ser justos, he sido músico profesional tanto tiempo que siempre ha parecido que estaba atravesando una crisis de la mediana edad (ríe). Ya sabes, he pasado tanto tiempo de mi vida en una furgoneta vieja viajando por el mundo, poniéndome camisetas de heavy metal sin mangas. Siempre he parecido el tipo de persona que tiene un Chevrolet El Camino sin ruedas aparcado en su jardín… simplemente es la imagen que doy y ya está (ríe). Pero el hecho de que haya dejado mi trabajo anterior, más formal, también es importante en cómo me siento ahora… Yo antes era profesor de sociología y lo dejé en gran parte porque no me hacía feliz y además iba a seguir estando arruinado por mucho que trabajase. Este es el sistema. Así que prefiero estar arruinado persiguiendo mis sueños, creando arte y compartiéndola con el mundo, que estar igual pero manteniéndome en un trabajo que me drena el alma cada día. Entonces en este punto de mi vida una mala crisis de la mediana edad sería cortarme el pelo y ponerme un traje y corbata para ir a trabajar (ríe). 

La verdad es que iba a preguntártelo más adelante, porque precisamente yo también soy profesora de sociología y doctora igual que tú. Entonces tenía aquí una pregunta muy importante ¿qué porcentaje de cordura perdiste escribiendo tu Tesis Doctoral?

Jajaja, yo diría que ¡el 100%! Me destrozó (ríe). Lo estaba hablando el otro día con otro académico amigo mío, Edward Banchs, que ha estudiado el Heavy Metal en África, estábamos hablando de los programas de doctorado… Y a veces han venido a hablar conmigo estudiantes de doctorado, me hablan en algún concierto o en mi canal de Twitch, y me preguntan “¿debería hacer este grado, o este otro?”… y yo les digo “No. No lo hagas. El trabajo para el que crees que te estás preparando ya no existe. Vas a estar trabajando en una facultad y a la vez en cinco escuelas diferentes, por un salario mínimo… y eso asumiendo que consigas pasar el programa sin desintegrarte literalmente. Así que no lo hagas. Simplemente no lo hagas. Haz cualquier otra cosa”. Y no es que ya no crea en la educación, no es así. Yo tuve una mala experiencia y creo que eso sería suficiente para dar este consejo, pero es que además conozco a tantísima gente está en la misma situación: mi mujer tiene el doctorado, Phil Pendergast tiene el doctorado… Y Phil salió mucho mejor de todo aquello que la mayoría de la gente que conozco y aún así el doctorado le cambió totalmente, y él te lo dirá, dependiendo de como le pilles te dará más o menos detalles, pero podemos coincidir en que es duro. 

Pero a la vez, creo que esto conecta con una apreciación por ese tipo de disfrute que… mira yo sé lo que es estar en un sistema institucional en el que te sientes tan desconectado de todos los demás e incluso de tí mismo que hasta pierdes la esperanza en la humanidad. Pierdes la fe en ti mismo. No es algo bueno. Pero la idea de escribir música con mis tres mejores amigos y poder compartirla con el mundo, eso reduce mucho el sufrimiento. Si puedes contribuir a la vida de alguien, darle alguna pequeña luz en su vida o una esperanza… Yo lo sé porque en momentos de mi vida he necesitado muchísimo eso. Siento mucha gratitud por la música que he escuchado y que me ha mantenido a flote en mis años más oscuros. Los conciertos a los que he ido cuando pensaba que ni siquiera iba a ser capaz de disfrutar de la música en directo. Recuerdo algo muy vívidamente: poco después de conseguir estar sobrio, yo venía de un estado de bloqueo mental muy grande, y fuí a un concierto; estaba totalmente sobrio y yo pensaba que la música ya nunca sería capaz de hacerme sentir nada estando sobrio. Yo tenía este miedo y se lo había comentado a mi terapeuta, había reflexionado sobre ello muchísimo y creo que también se lo había dicho incluso a Mike, un gran amigo y de hecho el vocalista de la banda que iba a ver. Estaba muy asustado, pero en el momento en que sonó la música, mi corazón se abrió y lo sentí “sí, sigue ahí”… cuando acabó, se me caía una lagrimita. Así que sí: la música seguía ahí, seguía teniendo el poder de hacerme sentir con cada fibra de mi cuerpo. 

Y esa es la misión que queríamos imponernos: intentar hacer algo que pudiera hacer eso por nosotros si lo escuchásemos, y si a lo mejor puede hacerle sentir eso a alguien más… es lo que queremos hacer. Todo nos ha llevado a este punto y es como el siguiente paso inevitable en nuestra carrera. 

Es un hermoso objetivo y parece ser todo un reto para componer. Por cierto, que tanto Phil como tú, ambos tocáis la guitarra y cantáis, por lo que me pregunto si os resulta fácil o difícil poneros de acuerdo entre los dos a la hora de componer y escribir las letras, de decidir quién hace cada parte.

La verdad es que ya estamos en un punto en que todo esto sucede de forma bastante intuitiva. En realidad, la única relación más cercana que tengo es con mi mujer o mi familia más inmediata. Khemmis es la relación más larga y duradera que he tenido con nadie más en toda mi vida. Nos conocemos muy bien. Ya tenemos la habilidad de traer una idea creativa y ver las posibilidades, distribuir las opciones sin tener que pensarlo demasiado. No es que haya tres opciones “a, b y c”, no hay un orden riguroso ni unas estadísticas en las que basarnos. Es más bien como entrar en un estado compartido de creatividad entre los cuatro, donde las ideas fluyen muy bien. También sabemos muy bien cuáles son nuestros puntos fuertes y débiles, quién toca o compone mejor determinadas partes de una canción… Por ejemplo todos saben que yo me voy a pasar tocando demasiadas notas mientras que Phil va a tocar tres o cuatro notas, pero al final entre los dos y nuestros otros dos compañeros, encontraremos el punto medio adecuado. Además tenemos influencias muy parecidas. Aunque cada uno tenga su estilo de componer o cantar, bebemos de fuentes comunes, tenemos una paleta de colores compartida en gran parte. 

Tampoco se trata de lo que quiere tocar una persona en concreto, sino de qué hace la mejor canción. Probaremos muchas ideas, si tenemos por ejemplo ideas diferentes para un riff, si yo lo quiero hacer de una manera y Phil de otra, y luego Dave y Zach cada uno tienen también sus ideas sobre cómo debería quedar, simplemente lo probamos todo y buscamos qué opción convence a todos más completamente, y si ninguna nos parece buena a todos, no tenemos problema en dejar atrás esas ideas y crear otra nueva. No nos colgamos tampoco del resultado final porque el trabajo creativo nos gusta mucho. Trabajar y tocar juntos es el verdadero objetivo. Sabemos que si lo hacemos así el resultado final será bueno. Nadie puede decir “vamos a componer la mejor canción de la historia” porque eso es imposible, no va a ocurrir haciéndolo así. Pero si decimos “vamos a hacer algo juntos de lo que estemos orgullosos y que suene a Khemmis, siendo a la vez diferente a lo que ya hemos hecho”, pues eso funciona. Ni siquiera buscamos ser mejores que en trabajos anteriores, solo hacer algo nuestro y nuevo. Si la gente piensa que lo nuevo mejora a lo anterior, ¡genial!, pero si a la gente resulta que le gustan más los primeros discos, ¡pues bien también! Tan solo el hecho de que a la gente le guste algo que hemos hecho ¡ya es genial! 

Viendo los nuevos singles estoy segura de que a todo el mundo le va a gustar el disco nuevo. Por cierto, que cuando hablamos de cantar, tú te encargas de la voz gutural, que siempre son mis favoritas en las bandas de metal, pero también sé que es difícil iniciarse en ellas, ¿Cómo empezaste a cantar guturales?

Empecé a cantar, a ver… como hace diecisiete o dieciocho años… ¡hace ya demasiado tiempo! Estaba en otra banda, en Memphis, Tennessee, donde yo nací y me crié. Era una banda que hacía algo así como sludge-death-doom y se llamaba Galaxicon, y teníamos la idea de que todos en la banda tenían que cantar. Yo nunca antes había cantado pero dije “genial, lo probaré”… Hace tanto tiempo que no había muchos recursos para aprender, ahora hay cursos de instagram o youtube por todas partes y cosas similares que te enseñan a cantar guturales o cualquier estilo incluso gratis… No había nada de eso entonces. Lo único parecido eran unos cursos que impartía una mujer maravillosa, cuyo nombre ¡ay!, no recuerdo bien. Esta mujer tenía sus DVD llamados algo así como “The scent of screaming” y había enseñado a mucha gente grande, como Randy Blythe o Matthew de Trivium… pero yo no los tenía. Entonces mi aprendizaje fue de ensayo y error. Por ejemplo, probaba algo y luego decía “oh, no debe ser así, porque ahora no podré hablar en tres días” (ríe)… En algún momento me dí cuenta de que lo mejor sería aprender los fundamentos del canto convencional, la respiración, la técnica… y ya luego añadir los guturales a ese aprendizaje, y por fin pude cantar. Pero la verdad es que he seguido basándome en la prueba y el error, y puedes verlo a lo largo de nuestros álbumes, en cada uno he mejorado y he aprendido algo nuevo. Y creo que en Deceiver fue la primera vez que al grabar mis partes me dije “sí, está bien hecho”… me había ocurrido en alguna canción de Desolation, pero allí aún veía que me faltaba aprender ciertas cosas. No le aconsejaría a la gente empezar como yo hice, yo les diría “primero aprende los fundamentos del canto y ya le añadirás la voz demoniaca”.

Eso es un buen consejo. Verás hablábamos sobre la inspiración del disco: ya me has comentado que en esta ocasión os basáis en la ficción. Además conserváis el arte de la portada con un estilo que siempre me recuerda a la literatura de fantasía clásica… tenéis portadas que recuerdan a Elric de Melniboné, a personajes de Robert E. Howard o incluso a Lovecraft…  aunque luego las letras no son concretas en ese sentido… Querría preguntarte: ¿hay un “lore de fantasía” en Khemmis? y también ¿Qué referentes literarios son tus favoritos?

Sí, totalmente, podrías escribir un libro tan largo como la biblia sobre el lore de Khemmis: sobre quienes son los personajes, su historia… pero nos gusta ser un poco ambiguos porque nos gusta oír las teorías de los fans. Estuvimos leyendo un hilo de Reddit en el que algunos fans hacían teorías sobre todo esto… se fijaban en los diferentes álbumes y su arte y eso ¡nos parece genial!. Si simplemente telegrafiamos cada detalle, no quedaría espacio a la interpretación, que es una parte esencial del arte. Preferimos que cada cual haga su interpretación, salvo que fuera algo horrible, fascista o nazi, ese sería nuestro único límite; todo lo demás nos parecerá muy bien. Incluso si no es nuestra historia, nos parece bien. Porque no es el tipo de mensaje que estamos dando. No es una guía exhaustiva de algo. A mí me recuerda un poco a la saga de videojuegos Dark Souls. Porque los videojuegos de Dark Souls son geniales en ese sentido. La gente tiene millones de teorías y eso me encanta. Además es totalmente voluntario, puedes jugar perfectamente a los juegos de una forma más superficial, sin fijarte en todo eso, y disfrutarlos mucho. Pero si prefieres fijarte en los detalles y crear tus teorías, tienes otro tipo de experiencia.

Y sobre nuestras referencias literarias, Phil y yo tenemos muchas influencias, por ejemplo a mí me encanta Stephen King, especialmente la serie de La torre oscura, es una de mis cosas favoritas de todo el mundo, la he leído mil veces… También me gusta la ciencia ficción un poco rara y oscura, desde luego Lovecraft y muchos otros, terror, fantasía… Thomas Ligotti… todas esas historias en las que nada es como parece a simple vista. Y justamente todos esos tienen en común que su modelo de contar historias es no dar todos los detalles desde el principio, tienen una parte de misterio e interpretación abstracta. Algo que te deja espacio para crear tus propios mundos en tu mente y eso me llama mucho la atención. 

Gracias, voy a hacerte la última pregunta, no quiero robarte mucho más tiempo. Dime, como músico que lleva mucho tiempo en el mundillo y además como sociólogo ¿crees que estamos viviendo buenos tiempos o malos tiempos para el metal?

Bien, pues siguiendo la tradición clásica de la sociología diré que “depende”. Claro, depende: hay muchas cosas buenas en la sociedad humana actual que benefician al heavy metal y a la creatividad. Por ejemplo la barrera para entrar en el mundo de la música es mucho más accesible que en el pasado y creo que eso es bueno. Me refiero a que ahora más gente puede hacer su propia música por sí mismo. Ahora es posible que simplemente si tienes una guitarra, un ordenador y un programa básico, puedas componer y editar tu propio disco con una calidad aceptable. Incluso hay recursos para que las personas puedan aprender a mezclar audio a un buen nivel sin necesidad de pagar equipos caros o ir a clases. Y puede sonar bien. Con esto no estoy diciendo lo típico de que “cualquiera puede hacerlo” porque eso es una gran mentira. Pero es cierto que hoy en día la música es más accesible que en el pasado. Pero hay personas que ni siquiera pueden acceder a esos recursos, tanto aquí en los EEUU como en otros lugares. Como comentaba antes sobre mi amigo Edward Banchs, que ha estudiado el Heavy Metal en África… se nos olvida que mucha gente aún no tiene acceso a muchas cosas. Aunque tú veas que por ochocientos dólares en EEUU puedes costearte todo lo necesario para grabar una maqueta, hay millones de personas que nunca tendrán ese dinero ni tampoco la posibilidad de comprar esas cosas donde ellos viven. Así que el acceso aún debería abrirse mucho más. Creo que hay gente con mucho que aportar a la música y nunca podremos conocerlos. La música metal sigue siendo en mucho sentido un mercado copado por hombres blancos occidentales y eso tiene que cambiar. Los varones blancos occidentales han sido los dueños del heavy metal durante demasiado tiempo, como de muchas otras cosas… Yo quiero oír cosas que vengan de colectivos diferentes: de un origen étnico distinto o bien metal hecho por mujeres, por personas queer, metal hecho en otros idiomas… quiero ver su aproximación a la música, a la estética, a las historias… Y eso es algo que no se ha conseguido aún plenamente.

Otra cosa un poco buena y un poco mala del metal actual es que, por el lado bueno, por fin hemos llegado a un punto en que las oportunidades de experimentar la música en directo son enormes. Hay muchos conciertos todo el tiempo, de un montón de bandas buenísimas… Pero por el lado malo, hay gente que no valora esto. Empezando por nosotros los estadounidenses, en nuestro país ya no se valoran las artes, no hay ningún tipo de ayuda para las artes… entonces es todo una competición y un trabajo duro al borde de la ruina, lleno de problemas. Y algunos se enriquecen con el trabajo de los artistas, pero sin darles ninguna ayuda. Entonces me gustaría transmitir el mensaje de que los fans del metal deberían también actuar, por un lado abriendo su mente a grupos nuevos, de diferentes contextos, y también apoyando a aquellas bandas que les hagan sentir algo. Que les apoyen de la manera que sea: escuchando, comprando, yendo a conciertos… Y sobre todo que no den por sentado que siempre vamos a poder ver música en directo. Fíjate con la pandemia, parecía que todos los músicos nos iríamos a pique porque era imposible hacer un concierto, pueden pasar muchas cosas. 

Entonces estamos en un momento fantástico pero frágil en el heavy metal. No lo demos por sentado y apoyemos a los artistas. Comprar una camiseta, un disco o una entrada marca una enorme diferencia hoy en día, cada aportación cuenta muchísimo. Creo que además esto nos conecta de una mayor manera con la música, porque participamos de ella. Tenemos al alcance de la mano tremendas bibliotecas musicales con toda la producción de la historia de la humanidad y lo damos por hecho sin valorarlo. Creo que todo el mundo debería desinstalarse el Spotify porque hace mucho daño a la industria y también a los aficionados… Creo que es más intenso y valioso cuando vamos creando nuestra propia biblioteca, cuando conectamos con las bandas que realmente nos emocionan y les damos nuestro apoyo de persona a persona.

¡Que le den a Spotify!

¡Al 100%!

Muchísimas gracias por tu tiempo.

Gracias a ti, estoy deseando que vayamos a España muy pronto.

Se acerca un estallido en la noche en Buenos Aires porque Tronador está de regreso. Tras años de ausencia, la legendaria banda de los 80s vuelve al ruedo y brindará un concierto en Gier el próximo 30 de mayo.

Las novedades no terminan allí porque esta presentación en vivo estará acompañada por la reedicion de su clásico álbum, “Estallido en la Noche”, por vez primera en formato CD, totalmente remasterizado y con canciones extras.

Tronador fue una banda fundada en 1987 que, tras el fallecimiento de su guitarrista y fundador, el recordado Sergio Espina, deciden seguir adelante y consiguen grabar en 1991 su primera producción. “Estallido en la Noche”, editado en formato cassette, fue plasmado por la formación de Jorge Martinez en voces, Lucas Wagner en batería, Claudio “El Tano” Marciello en guitarras y Sergio Gonzalez en bajo.

Hoy, con el Vikingo y Lucas al frente, ambos miembros originales, la banda está de vuelta para rememorar aquellas canciones pero también para mirar hacia el futuro.

Por este motivo desde Track To Hell nos pusimos en contacto con Jorge “El Vikingo” Martinez para adentrarnos en los pormenores de este regreso. Y a su vez, también nos contactamos con Mariano Mazzei del sello 2M, responsables de la reedición del disco. Ambos nos brindaron detalles de este regreso.

Jorge, ¿cómo estás? Este regreso tiene dos aristas… por un lado el relanzamiento del disco “Estallido en la Noche”, pero por otro presentarse en vivo.

Sí, exacto. Tiene dos aristas, pero una va de la mano con la otra sin querer. No fue el cometido, no fue el propósito. Es decir, primero hubo unas cuestiones de avanzada, de relanzamiento de gente que le interesaba el disco y después charlas con el baterista (Lucas Wagner). Dijimos ¿cómo andas para cantar las canciones, todavía llegas a las notas?; ¿y a vos todavía te dan las patas para tocar? Una charla de amigos. Y bueno, fue así como empezamos a joder con eso y vimos que la bancábamos, que rendíamos. Que yo podía cantar esas canciones como hace treinta y pico de años y él está también impecable tocando como siempre. Entonces dijimos bueno, capaz que es ahora que nos tenemos que juntar. Y así fue. No fue a propósito, sino que la charla del disco trajo aparejado esto y bueno, acá estamos.

¿Cómo se conforma la banda actualmente?

Está Lucas Wagner en la batería. Marcela Maíz en bajo, Ramiro Mendoza en guitarra y bueno, yo en canto y guitarra también. Ahora llevo unas partes importantes en guitarra, así que estamos con esa formación.

Ya son 35 años de Estallido en la Noche.

Sí, sí, 35 años, ¿viste? El otro día justamente eso fue lo que estaba hablando con Lucas y dijimos che, 35 años del disco, es increíble. Y todas las cosas que pasaron en esos 35 años ¿no? Y eso hace también que capaz que tengamos ganas, porque al principio fue así. A ver cómo suenan estas canciones ahora en 2026, con el sonido moderno que hay ahora que es demoledor. Y dijimos bueno, vamos a viajar en ese túnel del tiempo, pero trayéndolo al presente. Y ahí vamos con Estallido en la Noche, porque las canciones suenan bien y porque ni imaginábamos que ya habían pasado 35 años. Esa es la verdad, impresionante.

¿Qué recordás de la grabación del disco?

Muchas cosas. Primero porque grabamos en uno de los mejores estudios del país, que aún hoy lo sigue siendo. Además, es un estudio histórico donde todo el rock nacional grabó ahí. Nosotros no imaginábamos esas cosas. Grabamos en Estudios Panda, un nivel profesional increíble, con un sonido increíble con prestaciones del lugar tremendas. El ingeniero de sonido, El Pájaro Randazzo, un tipo genial que es uno de los mejores del país, pero lejos, eh, y que trabajó, entre otros, con Valeria Lynch, Baglietto, Vitale, Mariano Mores. Bueno, es impresionante con la cantidad de gente que trabajó. Hoy en día está trabajando con Miguel Mateos. También grabó el disco debut de Logos. Porque nosotros lo invitamos a Beto Zamarbide a meter coros en una canción y Beto vio lo que el tipo hizo sonar la banda y entonces Beto después lo convoca para su disco de Logos. Y después quedó una amistad tremenda con el pájaro a través de los años, es un tipazo. Y hoy es uno de los número uno del país también.

Justo te iba a preguntar cómo se había dado esa colaboración con el Beto.

Claro, yo le dije Beto la famosa frase por aquellos años, hay que contextualizar, que hay una generación que no te conoce en vivo, no te conoce en el escenario. Tiene el recuerdo tuyo de V8, pero no en el escenario. Así que lo invité a cantar y después lo invité a un par de shows a cantar en vivo y eso es como que a Beto lo motivó, lo inspiró para volver después con lo que sería Logos. En esa época él andaba mucho de luthier. Es un gran luthier Beto y estaba con Horacio “Tucata” Suárez, que fue guitarrista de El Reloj, que Dios lo tenga en la gloria. Un gran luthier, de los mejores que hubo en el país. Bueno, Beto trabajó mucho con él y aprendió mucho de él. Entonces, en esas mateadas que nos mandamos a la tarde en el taller de Tucata, que él estaba ahí laburando y aprendiendo, de ahí vino “che, loco, venía a grabar, te tienen que conocer las nuevas generaciones” y después lo invitamos a cantar en vivo. Creo que hicimos un show en Obras por esa época, no recuerdo, y lo invitamos a Beto a cantar. Es decir, la amistad con Beto viene décadas y fue así como pasó.

¿Cómo fue la edición del disco en su momento?

Con la edición de hubo problemas porque en ese momento las cosas se masterizaban en cinta y se pasaban algo que se llamaba DAT. Y el DAT en definitiva es una cinta de fierro, de ferrum, que es tremenda. ¿Pero qué pasa? Cuando después de ahí lo van a masterizar a cassete o a disco o lo que sea, los técnicos que en ese momento hacían el pasaje del DAT a la cinta, ya sea en cassete o en disco, no estaban cancheros, entonces quedaba más rápido o más despacio, nunca la velocidad original. Y recordamos que decíamos loco, yo no canto así, mi voz parece una ardillita y yo no toco así. Pero ya no podías reclamarle a nadie. Una vez que eso estaba fabricado, impreso y y a punto de salir a la calle, no había forma de que lo arreglaran, así que quedó más rápido el disco. Quedó mucho más rápido, pero bueno, eso es con la tecnología se pudo corregir.

¿Cómo fue el proceso de remasterización? ¿Cómo lo trajeron hoy al sonido actual?

Claro, si bien el DAT es como te dije, es una cosa que ya está obsoleta para lo que es la tecnología de hoy, si vos lo cuidas y lo conservas bien, tiene una resistencia muy buena. El DAT llegó intacto, impecable a los días de hoy. Casi no se usó. Eso lo tenía guardado bajo siete llaves el baterista Lucas. Entonces fuimos a la casa de uno de los pocos que digitalizan en el país, que es un crack, Wilkie Amieva, es un fenómeno. Él digitalizó todo de lo que es el DAT al sistema digital. Y lo hizo fiel, con un sonido tremendo. Porque también se puede perder información si la persona no está ducha en hacer eso. El tipo sacó un sonido tremendo y después de ahí lo llevamos a mi amigo personal, Julián Bonino, que es uno de los pocos que hace Dolby Atmos en el país y lo separó canal por canal y lo masterizó y lo recontra remasterizó. Y no se puede creer como suena. Además, eso está pasado por sistema Atmos, que es un sistema de sonido envolvente. Es un sonido a 360° para que se entienda. Y es lo que se viene. Julián trabaja con bandas como Paradise Lost, Tarja, trabaja con muchas bandas de metal qué es lo que le gusta. Trabaja con un montón de estilos musicales, pero lo que le gusta es el metal. Y la amistad con él nació de una manera increíble. Él era fanático de la banda y en uno de los shows era muy chico él. Cuando nos reencontramos de vuelta me decía “yo pogueaba, yo saltaba y tengo un recuerdo del primer show que los vi, que fue en Remember, en la calle Corrientes, y guardo una púa de metal”. El Tano Marciello en ese momento se hacía las púas con monedas, las gastaba en el asfalto, en el cordón de la vereda y usaba esas púas y se la regaló. Y bueno, tiene esos recuerdos, esas anécdotas que hoy en día aquel pibito de 15 años es un todo un profesional, ¿no? El otro día fui a visitar a sus oficinas y es tremendo las cosas que hace. Y me dice loco, soy fanático de la banda y yo esto lo voy a hacer sonar, pero como nadie. Y no se puede creer lo que suena.

Me encantó que el arte de tapa es nuevo, pero respeta el original y ahora se luce mucho más, ¿no?

Sí, sí, totalmente. Mariano de 2M que es un fenómeno… -bueno, la verdad que todos ahí en 2M son gente macanuda y super profesionales- supo captar bien la idea. Junto con el diseñador de 2M captaron bien la idea y respetaron aquel espíritu. Entonces lleva la misma esencia, pero con la tecnología de hoy. O sea, es tremendo el arte de tapa que se mandaron. A mi humilde forma de ver, es una cosa muy cuidada, muy detallista. Está buenísimo.

Coincido, me encantó. ¿Y qué nos puedes contar del show en Gier? ¿Con qué nos vamos a encontrar?

Bueno, el show va a ser el 30 de mayo, ahí como bien dijiste en Gier y te vas a encontrar con que vamos a tocar todo el disco más especies de bonus track -que algunos aparecen en la reedición del CD- de canciones de aquella época que no fueron grabadas. Y prácticamente hoy van a ser primicias porque fueron tocadas en aquella época y nunca grabadas. Entonces vamos a tocar esas canciones compuestas de aquella época con el disco, más algún un cover, sorpresa por supuesto, Y tenemos unos invitados, pero tremendos, de lujo, que creo que no corresponde decirlo. Pero lo que sí puedo garantizar es que van a ver unos invitados que son parte de la historia del rock y metal arriba del escenario. Van a ver eso. Y hay tres bandas amigas que van a tocar ese día que son Brakas, Bansheera e Irizar Killers.

¿Y cuáles serían los pasos a seguir o los planes de la banda para el futuro?

Bueno, mira, en principio, tocar bien el 30. Y ya tenemos fechas cerradas para después del Mundial. Esperamos que pase el Mundial y que todo el mundo va a estar como pendiente de eso, y tocar. La idea cuando nos juntamos, dijimos que haya trueno para rato, si no, no tiene sentido. Y sobre todo las cosas, algo que es más importante que cualquier otra cosa, es pasarla bien. A veces también en este tiempo, con las ansiedades y todo, uno pierde de vista eso de pasarla bien, ¿no? Y se desespera y trata de buscarle el pelo al huevo y qué sé yo. Y la verdad que hace ya un tiempito, unas cuantas semanas, que decidí bajar 200 cambios y decir bueno, vamos a disfrutar de esto, porque si no, si uno no disfruta lo que va haciendo, ¿para qué sirve tocar? Entonces la idea es disfrutar e ir fluyendo. Seguramente grabaremos un disco nuevo. Como proyectos hay un montón y como realidad es esta fecha y hay unas cuantas fechas cerradas para después del Mundial.

Mariano, este fue un año bastante movido para 2M en materia de lanzamientos porque tuvo, entre otras cosas, el último disco de Megadeth. ¿Cómo fue esa experiencia?

Este año venimos con una agenda tremenda de lanzamientos. Ya arrancar el año con el lanzamiento del nuevo álbum de Megadeth, fue increíble. Fue una experiencia maravillosa, desde el comienzo de la negociación por la licencia, hasta el momento del lanzamiento. Mucho trabajo, muchas ideas, ¡realmente Megadeth es una banda gigante! Además de Megadeth, tuvimos otros lanzamientos importantes este año: Amorphis, Danko Jones, Mr. Big, Crazy Lixx, los 2 títulos de Udo Dirkschneider y se vienen muchos lanzamientos más.

¿Cómo se da lo de Tronador?

Nos contactó Jorge Vikingo Martinez, y nos contó su idea sobre la reedición del album de Tronador, un disco que está cumpliendo ¡35 años! Un pedazo de la historia del metal argentino. Nos pareció muy buena su propuesta y a ellos también les pareció bien nuestra propuesta sobre la reedición. Así que hubo algunas reuniones para charlar sobre el proceso y ahí arrancamos.

¿Cómo fue el proceso de remasterización?

Por suerte, Lucas (Wagner) tenía el Dat con toda la sesión de grabación del disco, así que se pudo trabajar sin problemas en un estudio, se van a sorprender con lo que suena esta edición.

El arte del disco también es totalmente nuevo.

El arte es completamente nuevo, obviamente antes se trabajaba con lo que había y si podía, pero se tomó el concepto original del arte y se actualizó, ahora hay muchas herramientas para mejorar y crear.

¿Querés comentarnos sobre los extras que incluye el disco?

Los 3 Bonus Track que trae esta edición, que fueron idea de Lucas y Jorge, dijeron que tenían algunas grabaciones más que no habían sido incluidas en el Cassette y que querían que salgan a la luz. Es lo más lindo que tienen las reediciones, poder contar con material que no se conocía de la banda.

¿Qué más podemos esperar de 2M para lo que queda del año?

Arrancamos con todo el 2026 y así vamos a seguir el resto del año. Se vienen las reediciones de Kamikaze, 3 y Víctima del Rock en Cd, Cassette y Vinilo. Nuevo album de Deep Purple, nuevo album de Tarja, también vamos a editar el álbum de DarloTodo y algunas otras producciones más que que ya hemos anunciado en nuestras redes.

Anneke van Giersbergen es una de esas artistas carismáticas e inmarcesibles que una vez tras otra nos regalan trabajos impecables. Habrá quien la conozca por su recorrido con The Gathering, con VUUR o con uno de sus diferentes proyectos en solitario, como Agua de Annique o el actual firmado con su propio nombre. También es posible encontrar su voz luminosa en sus múltiples colaboraciones con grandes nombres como Devin Townsend, Ayreon o Within Temptation. Talento y presencia se unen en una mujer poderosa y que nunca para de trabajar. Ella es la sonrisa del metal. Y hemos tenido la suerte de poder entrevistarla sobre los múltiples proyectos en los que está metida.

Hola, muchas gracias por concederme esta entrevista. Sé que estás muy ocupada estos días, con el disco La Mort, y girando tanto con tu proyecto personal como con The Gathering 30 aniversario… ¿Cómo estás viviendo esta etapa tan bulliciosa?

Estoy muy ilusionada, porque estamos a punto de salir de gira con The Gathering, que es algo genial. Ya hicimos algunos shows el año pasado con la formación original de la banda y se siente genial volver a los escenarios y cantar nuestras canciones. Estoy deseando hacer conciertos todo el año… Y desde luego con mi propia banda acabamos de sacar el nuevo EP y está funcionando muy bien. Creo que nos están prestando mucha atención, como vosotros, por ejemplo, con esta entrevista… Es muy agradable poder hablar con todo el mundo sobre el nuevo EP y las nuevas canciones. No me puedo quejar. 

He estado escuchando La Mort, es un trabajo maravilloso. El anterior, La Vie, también lo era. Por favor, ¿me puedes hablar un poco de este formato y del papel de cada EPs dentro de la trilogía?

Sí. Serán tres EP y sus títulos La Vie, La Mort, L’Amour, con como los tres pilares de la vida: la vida y la muerte, y lo que mantiene todo unido, que es el amor. Y en mis canciones hablo de estas cosas: del amor, de la pérdida, de la naturaleza… de las cosas que me suceden a mí personalmente. Hay muchos temas en los tres EPs, pero son temas comunes a todas las personas, o eso creo… Porque me he dado cuenta de que a veces escribo sobre mis cosas, lo que pienso o siento, y a veces llego a pensar que son cosas mías muy personales y que a lo mejor a nadie le interesará lo que cuento: desde luego, eso no importa ya que yo hago música porque amo hacer música… Pero lo curioso es que muy a menudo la gente me dice “estoy pasando por lo mismo”, o “yo también pienso sobre estas mismas cosas”… Entonces me hace sentir bien el poder compartir esas cosas. Reflexionar sobre la vida, la muerte, el amor… y estos temas. Así que para resumir, sería como una gran cesta donde caben distintos temas de la vida, divididos en estos tres pilares. 

Me han encantado las letras. Me ha encantado leerlas y creo que tanto la primera como la última puedo entender sus metáforas, por favor, corrígeme si me equivoco, pero creo que “Fade In Fade Out” nos habla sobre nacer, vivir, morir y nuestro legado… y “Sail Towards The Sun” es una hermosa canción que, ya has mencionado en otras entrevistas que le has dedicado a la memoria de tus padres…

Sí, así es, me alegro que te hayan gustado.

Son maravillosas. Y me encantaría que nos hablaras un poco más sobre las otras dos, que me resultan más enigmáticas por ejemplo sobre “Red Sky”, me encantaría saber  ¿qué significa ese cielo rojo hacia el que te guían tus sueños?

Claro, verás. No sé si te ocurre a ti, pero yo sueño mucho y cuando me despierto puedo recordar casi todo. Y en mis sueños puedo hacerlo todo, lo sé todo… En los sueños uno no tiene límites. En mis sueños puedo volar, componer música preciosa para toda una orquesta… y luego ¡me despierto! Y no puedo hacer todas esas cosas. Y me pregunto ¿por qué es así?… Y sobre la metáfora, siento que hay una gran nube, una nube repleta con todo el conocimiento del mundo, y podemos adentrarnos en ella en los sueños, pero cuando despertamos tenemos que aprender. La vida es más dura. Tenemos que atravesar muchas dificultades para aprender ciertas cosas en la vida… y quería escribir sobre esto. Sobre por qué la vida nos pone tantas dificultades y por qué no es más sencillo simplemente volar como en un sueño y alcanzar el conocimiento, aprender de una vez y sin dolor todo aquello que necesitamos para vivir y sobrevivir. Puede parecer un tema algo pesado, pero también puede ser ligero, si lo tomamos literal es la sensación de despertar de un sueño y darnos cuenta de que: ¡vaya! No lo se todo, no puedo volar, pero puedo aprender algunas cosas de esa experiencia.

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Muchas gracias, es una preciosa metáfora. La otra canción de la que quería preguntarte es “Handle Me With Care”, que me da la sensación de tratar sobre la competitividad o las personas tóxicas ¿cómo la describirías tú?

Algo parecido. Hay un contraste, porque la música es muy bailable, pero las letras sí, son más profundas. A veces la gente asume que eres de una determinada manera pero por dentro tú sientes que eres una persona totalmente distinta. Y a veces tienes que trabajar mucho para que la gente te tome en serio. De eso trata. Son unas letras algo más poéticas y abstractas que otras más directas. Pero ya sabes que la gente que escucha música también puede proyectar en ella sus propias ideas y sentimientos, su propia historia. También puedo decirte de ella que esta canción en concreto funciona muy bien en directo, suena muy bien y me gusta cantarla en directo así que va a estar en nuestro setlist en el tour.

Estoy deseando veros en directo y precisamente te quería preguntar ¿es difícil componer y coordinar una banda tan grande como la que te acompaña en este proyecto?

No, no es difícil. Me gusta mucho. Lo bueno de tener una banda grande es que hay muchos buenos músicos y todos tienen buenas ideas y opciones que ofrecer. Es todo un lujo tenerlos a mi lado. Y para componer, mi sistema de composición sigue un orden determinado: empiezo componiendo yo sola, por mí misma, casi siempre con la guitarra, a veces con el ordenador o con algunos bits de batería… voy grabando las demos, hago las canciones completas, y con este material acudo a la banda, a los componentes más centrales: la guitarra, el bajo, la batería…  Y trabajamos en las canciones. Después vienen los demás, el violín, los vientos… vienen después. Es un proceso de composición que me gusta mucho. Porque cuando empiezo componiendo yo sola, puedo pensar en qué es lo que quiero, tomarme mi tiempo… si tengo uno de esos días en el que no avanzo, no pasa nada, está bien, no hay presión. Resulta muy liberador componer por mí misma, pero también necesito a la banda porque lo completan todo y tienen ideas muy bonitas. Por ejemplo tenemos un teclista que hace unas preciosas melodías… Así que las canciones sí que crecen gracias a tener una banda grande en el estudio y en directo.

También estás trabajando en la tercera entrega, L’amour ¿nos puedes adelantar alguna cosilla de lo que vamos a encontrar en L’amour?

Sí, ya tengo algunas canciones en marcha… muchas ideas en las que quiero trabajar… todo está de momento en mi cabeza, tengo muchas cosas que aún quedan por desarrollar… pero ahora vamos a estar de gira y haciendo muchos conciertos, por lo que creo que será cuando llegue el verano que por fin podré sentarme y trabajar en todas las cosas que tengo en mi cabeza y todos esos pedacitos de canción que ya tengo en marcha. También creo que me va a venir bien la influencia de estos viajes… cuando viajo en las giras, sea porque brilla el sol, o porque conozco gente nueva… al final surgen nuevas ideas en las giras, y eso es lo que voy a hacer estos meses. Creo que me va a ayudar a sentarme en serio este verano a componer unas cuatro, cinco o a lo mejor seis canciones más.

Por cierto, que al leer el nombre de la trilogía: La Vie, La Mort, L’Amour me ha recordado a esta canción clásica de Nana Mouskouri, que trata los mismos temas en otro orden, La Vie, L’Amour, La Mort… me preguntaba si te has inspirado en ella.

No… no la conozco, creo. Sí conozco a Nana Mouskouri y me gusta mucho, mi familia ha escuchado siempre sus álbumes, y yo la he escuchado en casa un montón cuando era joven, pero no recordaba esta canción en concreto. ¡Ahora que me lo dices la voy a buscar! La verdad es que llegué a este título porque estaba escuchando una entrevista con un director de cine francés, o alguien dedicado al cine, no puedo precisar… Lo importante es que él hablaba de estos tres pilares de la vida, los mencionó en francés y me pareció muy inspirador.

Anneke, por favor, dime ¿Cuántos idiomas hablas? porque hablas inglés, entiendo que tu idioma natal es neerlandés, también entiendes francés y me consta que también español… ¿Cuántos idiomas hablas?

Bueno, un poco de todos estos idiomas, pero no tanto, sólo lo suficiente para manejarme un poco en las giras… ya sabes, cuando viajas vas recogiendo palabras aquí y allá. Desde luego el inglés… también escucho alemán, español, quizás francés… creo que estos serían los idiomas que más escucho cuando viajo, y puedo decir algunas cosas, pero creo que no podría por ejemplo hacer toda esta entrevista en español ¡aunque me encantaría! La verdad es que en los 90 empecé un curso de español, cuando estábamos de gira con The Gathering, hacíamos muchas giras, así que empecé este curso de español pero por los propios viajes terminé dejándolo, quizás debería haber seguido.

Eres muy querida aquí en España y en otros países de habla hispana en latinoamérica ¿Sientes tú también esa conexión especial con el público hispanohablante?

Sí. Eso es verdad. Y mira, mucha gente me pregunta por qué los títulos de la trilogía están en francés y siempre les digo que “porque es un idioma muy bonito” y también pienso que me gustaría hacer algo en español en el futuro próximo, pero estaba pensando en hacer una canción con la letra toda en español… también es un idioma muy bonito y muy universal. Sería muy natural para mí. La verdad es que en Europa el francés y el español son importantes y son idiomas que mueven el mundo. Además recuerda que yo vengo de Holanda y nuestro idioma hay que admitir que es un poco duro. Escuchar el idioma español, da igual lo que se diga, suena bonito, y me encanta dirigirme al público hispanohablante y también escucharles a ellos.

Además vamos a poder verte en el Rock Imperium de Cartagena… Ya nos has visitado otras veces ¿Hay algo que tengas ganas de ver o de hacer en tu paso por España?

Sobre todo a la gente. Me gusta porque en España la gente habla con el corazón. Cuando algo les gusta, se nota, hacen ruido, nos demuestran su amor. Y cuando algo no les gusta también se nota, lo dejan ver. En Holanda la gente es más reservada. Eso también está bien, me gusta ver a la gente que disfruta la música y cierra los ojos y se deja llevar por el sonido simplemente. Pero también me gusta venir aquí al sur de Europa, todo el Mediterraneo, la gente es más pasional, sobre todas las materias: la cultura, las películas, el arte, la música… Todo eso me hace mucha ilusión a mí y a toda la banda.

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También quería preguntarte por esta gira de aniversario de The Gathering 30 aniversario ¿Cómo surgió este reencuentro?, ¿quién tuvo la idea?

Fué idea de René, el guitarrista de The Gathering. La verdad es que llevábamos unos años sin hablar mucho. No teníamos ningún problema pero todos estábamos ocupados con nuestras cosas. Pero entonces mi mamá murió hace dos años. Y ella nos había acompañado mucho con The Gathering en nuestros primeros tiempos, los chicos la conocían y la guardaban mucho cariño. Entonces tanto René como su hermano Hans me mandaron unos mensajes preciosos para decirme cuánto lo sentían y cuánto querían a mi madre. Fué precioso. Así que después pensamos en vernos y tomar un café, ponernos al día, charlar.. Y después de quedar ya varias veces, un día René nos dijo que efectivamente el álbum Mandylion iba a cumplir treinta años. Por él habíamos obtenido un disco de oro en Holanda. Era un buen motivo de celebración y nos planteamos qué podríamos hacer que fuera bonito, como un concierto grande o algo así… entonces yo dije: “Si vamos a hacerlo, hay que hacerlo bien, a conciencia”. Por eso llamamos a Jelmer y fué muy agradable reunirnos de nuevo, la formación original. Empezamos a ensayar y nos gustó mucho. Las canciones antiguas seguían ahí y nos sentimos muy bien de tocarlas de nuevo. Nos sentimos hermanados todos. En realidad fue bastante espontáneo. Y además a la gente le gustó mucho. Sí que sabíamos que a la gente le iba a gustar, iban a disfrutar de vernos de nuevo con la formación clásica, y que iban a disfrutar celebrando el álbum Mandylion, pero de verdad que no esperábamos tanto entusiasmo. Estamos muy contentos.

Siempre te has movido mucho, has colaborado con muchas personas y te has destacado como Frontwoman, abriéndole el camino a otras mujeres en este mundo de la música. ¿Cómo ves el tema de mujer e igualdad de género en la música actualmente?

Me siento orgullosa. Creo que sí, que con The Gathering fuimos capaces de inspirar a otras mujeres, no solo vocalistas, también instrumentistas, o fotógrafas, o mujeres en general de la escena del metal. Estoy orgullosa. Pero todo sucedió muy espontáneamente. La banda buscaba vocalista. Yo hice la audición y salió muy bien, todo encajó. Nunca pensamos en que yo era una chica y ellos chicos. No estábamos pensando en cambiar nada en la escena del metal, que efectivamente era como de un 99% masculina. Simplemente pensamos “esto suena bien”. Así que quizás la fortaleza en la banda y nuestra música es la espontaneidad, sentir que funcionaba. Y ahora que ha pasado el tiempo, como compositora y como vocalista, creo que lo más importante es trabajar con tu propia visión y con lo que a tí te guste de verdad, de corazón. Fíjate, he visto a vocalistas ceñirse a un estilo musical simplemente porque había pocos ejemplos. Estoy pensando en los 90. Teníamos a Whitney Houston, teníamos a Bjork… eran geniales, pero muy específicas, y había otras cantantes que trataban de seguirles la estela a ellas como modelo concreto. Pero creo que lo importante para triunfar es ser una misma, cantar desde el corazón, usar tu creatividad y tu poder. Si lo haces así, da igual tu género, podrás aportar algo.

Pero efectivamente, hay algo diferente en la energía masculina y la femenina. Y creo que la energía femenina combina muy bien con los sonidos pesados del rock y el metal. Es una combinación perfecta. Y a mí me encanta también compartir y trabajar con esa energía masculina. Pero también me hace feliz ver que más mujeres, desde los 90, han entrado a formar parte de este mundo. En realidad diría que tenemos algo bueno en la escena del heavy metal, porque creo que sí es una escena muy abierta a las mujeres y al poder y la energía femeninas. Estoy feliz de ello. Desde luego queda mucho por hacer, pero en comparación con otros aspectos de la vida, creo que en el heavy metal las mujeres son muy respetadas. En cambio en los negocios, el deporte, la política… no es así. Hay mucho que conquistar aún para las mujeres, tanto a nivel de respeto como en cuanto a paga, a economía y más cosas. Por ello yo estoy feliz de trabajar en la música y en concreto en el heavy metal.

También quería preguntarte por algo relacionado con tu país, que es el parque de atracciones de las hadas: Efteling. Voy a ir con mi hijo de cinco añitos este verano y tengo entendido que podremos escuchar tu voz en el parque Efteling ¿por favor, me puedes contar algo más sobre ello?

¡Oh! Tu niño de cinco añitos, ¡qué mono! Es cierto: mi voz se puede oír en la atracción “Baron”, pero creo que es para más mayores. A mí la verdad es que me da algo de respeto montar: es una montaña rusa bastante grande y al principio hay un baile con fantasmas, que es donde se escucha mi canción. Así que si lo que quieres es escuchar mi voz, tal vez podéis hacer la cola, que es muy bonita y tematizada, pero no montar en el carro. Creo que podéis salir sin llegar a montar, es lo que yo haría porque de verdad que me asusta esa montaña rusa. Lo hice alguna vez: entrar para escuchar la música y salir sin llegar a montar. Es bonita pero da respeto. Espero que lo paséis muy bien. 

Es que haces de todo. También vas a estar haciendo algo en el teatro ¿es así?

Sí. De vez en cuando me gusta participar en el teatro de aquí… hacemos proyectos con otra gente de mi banda… y elegimos temas que nos puedan gustar. Ahora vamos a hacer un proyecto teatral basado en la música irlandesa. Lo hemos comenzado este año y ahora hemos parado pero continuará el año próximo. Es algo bastante diferente a mi música habitual y es que ¡es una locura cuántos teatros tenemos aquí en Holanda! Me siento muy afortunada porque creo que actuamos en total unas ochenta veces en diferentes teatros con este proyecto. Así que más adelante pensaremos otra idea bonita y haremos otras ochenta funciones. Es algo que hago de forma no exactamente paralela, pero sí algo diferente a mi música habitual.

Nunca paras

No. ¡Me encanta cantar!

Y también estás trabajando con Devin Townsend, con quien has colaborado otras veces. Apareces en el álbum The Moth que sale ahora en mayo. ¿Nos cuentas un poco sobre esto?

Claro. Como ya sabrás, Devin ha estado trabajando en esto durante varios años, y muchos más años antes de eso yo había colaborado con él y ya me enseñó algunas demos… era un trabajo enorme, me explicó que habría cuerdas y un coro… ya se veía que iba a ser un proyecto enorme. Recuerdo que pensé que iba a ser una locura de bueno y de grande. Y lo és. Y ya está a punto de salir. Estoy muy agradecida de que me haya invitado a colaborar en algunas canciones de este proyecto tan grande y tan bonito. 

Muchas gracias por tu tiempo, Anneke, y mucha suerte con todos los proyectos.

Gracias a ti por dedicarme el tuyo, espero verte en España muy pronto.

Mentiría si no señalara que he conocido a Hortzak debido a las estupendas películas del director Paul Urkijo, vocalista del proyecto. Pero Hortzak esconde eso y mucho más: el virtuosismo de unos músicos consagrados en la escena vasca (David Zabala, Asier Gabiola y Mike Cuesta, son sus compañeros), letras críticas y monstruosas, y un poco de esa referencialidad friki que tanto me gusta.

Sus dos álbumes de estudio son pequeñas joyas para disfrutar, sobre todo en formato físico ya que las portadas y arte interior son realmente impactantes. 

Y además podremos verles por primerísima vez en directo, este próximo mes de mayo de 2026, el día 10 en Vitoria, el 23 en Larratxo, Donostia (con Anestesia y Kudai) y el 30 de mayo en Lekeitio.

Sobre todo esto, hemos charlado con Paul Urkijo.

Buenos días, Paul, gracias por concederme esta entrevista. Hablamos de “Ez dut pozik egon nahi”, el nuevo álbum de tu banda, Hortzak. Es un trabajo excelente y en él me quiero centrar, pero desde luego no puedo obviar tu faceta como cineasta. Es muy probable que muchas personas te conozcan principalmente por éxitos como “Irati” o “Gaua”. Es casi obligatorio que te pregunte al menos ¿Cómo combinas estas dos vertientes artísticas? ¿Existen sinergias positivas entre ellas? 

Bueno, uno es mi oficio (el cine) y el otro es un proyecto que surge entre amigos. En plena pandemia del Covid, David Zabala, que es amigo de hace muchos años y guitarra de Hortzak, me dijo que estaba componiendo temas con Asier Gabiola (batería). Me propuso cantar porque sabía que me gustaba berrear… así que con ciertas dudas me puse a escribir las letras de las canciones. Hortzak surgió sin ningún tipo de pretensión. Solo para divertirnos y desahogarnos. Pero de alguna manera, al escribir las letras termino contando historias al igual que en las pelis. Supongo que las dos (las pelis y la música) son una forma expresión o de catarsis.

Tu nuevo trabajo musical es efectivamente “Ez dut pozik egon nahi” (“No quiero ser feliz”), un título que es toda una declaración de intenciones en una sociedad de consumo salvaje y artificial, que esconde muchos trapos sucios. Esto se refuerza en todo el álbum, especialmente en la canción del mismo nombre. Por favor, háblame un poco del proceso creativo de este álbum y de su mensaje principal.

Efectivamente es un grito de rabia y es un desahogo ante lo feo que estamos dejando el mundo y de la impotencia y la hipocresía en la que vivimos… Y básicamente el proceso creativo ha sido así: David y Asier hacen los temas y me los pasan para que les ponga letras. Y, en este último disco, Mike Cuesta se unió a la banda con el bajo. En el caso de las letras, se me van ocurriendo temas de los que me gusta hablar. En general son historias fantásticas, monstruosas o mitológicas, mezcladas con temas de mala ostia y violencia.

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Hortzak es una banda que defiende su música en euskera, en un género que, aunque sigue teniendo como idioma mayoritario el inglés, sí que se presta a la diversidad. Cada vez nos llegan más bandas cuya lengua y señas de identidad están muy arraigadas a sus lugares de origen, sean Noruega, Islandia, Mongolia o Brasil. Entonces: ¿Cómo es tocar metal en euskera? ¿Crees tú también que el metal se presta a la diversidad simbólica y lingüística?

Yo siempre he escuchado música en euskera. Y aquí siempre ha habido una escena muy potente de Metal, Hard Core, Black metal… con gente como Su Ta Gar, Anestesia, Numen, Berri Txarrak… Hay un montón de bandas y estilos muy diversos. Y para nosotros es normal porque hemos crecido con ello. Pero siempre hay un factor de reivindicar nuestra cultura e idioma. Y también de ser críticos con nuestro propio entorno.

Yo todavía no soy capaz de hablar euskera, pero sí he podido reconocer enseguida algunos insertos en el álbum, como el profeta loco de “La vida de Brian” que abre el álbum y más tarde la buena noticia de que volvemos a tener carne en el menú de “Las dos torres”, que le dan un toque de humor algo friki a un álbum que por lo demás trata temas serios y oscuros. ¿Puedes hablarme de estas referencias? 

¡Jajaja! Sí, es bastante Freak. Pero es lo que somos. Nos gusta meter esa clase de audios. Como lo han hecho muchas bandas antes de nosotros. La intro es del gran Terry Gilliam de profeta desquiciado, con el cual nos identificamos en su tono apocalíptico y absurdo. Y el audio de los Uruk Hai gritando eso de que hay carne de orco, siempre nos ha hecho mucha gracia (para mí una de las mejores escenas de LOTR) y nos venía genial para la canción “Antropofagia” que habla de la gente rica comiéndose a gente pobre porque la brutalidad del mercado libre lo ampara. Además, la primera canción “Horda Beltza” es un homenaje a los Orcos en general, que son los mejores, aunque siempre mueran.

También he visto de casualidad que, como yo, sigues entre otros a Raised By Owls, una banda a la que tengo mucho cariño pese a no ser nada conocidos en España, y que aportan grandes cantidades de humor a su música. Así que, siguiendo también el hilo de la pregunta anterior: ¿Qué papel tiene el humor en el metal, en tu opinión?

Pues siempre está presente porque nos lo queremos pasar bien y no nos tomamos demasiado en serio a nosotros mismo, en la vida en general. Pero también porque entre los miembros del grupo y colegas cercanos, el humor negro es una de las formas en las que mejor expresamos nuestras frustraciones. 

Como decía, los temas tratados en el álbum son profundos, serios y relevantes: encontramos violencia, avaricia, la impunidad de los poderosos… junto a la imaginería mitológica y religiosa y siempre con una fuerte perspectiva existencialista. ¿Cuáles son vuestras fuentes de inspiración? ¿Cómo de importante es la crítica social para Hortzak?

Pues lo que comentaba. Son tema que me molan, y la verdad es que no sé hacer nada sin cierta crítica o reflexión social. Y creo que mis compañeros piensan igual. Mis pelis también lo tienen de alguna manera. Creo que la rabia y el desahogo con la que vibra la potencia de las canciones precisamente viene de exponer el mundo en el que vivimos. Y la mitología siempre esta lleno de personajes y símbolos que ayudan a hablar de ello, pero desde una perspectiva monstruosa.

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Sois una banda relativamente joven, fundada en 2020 si no me equivoco, y siendo este vuestro segundo álbum de estudio. Parece que os estáis consolidando rápidamente como banda y en cuanto a sonido. ¿Puedes hablarnos un poco de los inicios de Hortzak y de la etapa que está viviendo la banda ahora mismo?

Como te he comentado antes, el comienzo fue algo improvisado. “Zabala” y “Asi” tenían los temas del primer disco y luego metí yo la voz. Luego como no se saben estar quietos pues se cascaron en muy poco tiempo otros doce temas. Y yo, no sé cómo, entre peli y peli saco el tiempo para escribir las letras… Ahora con Mikel y el segundo disco nos hemos propuesto hacer algún bolo. Aunque Zabala ya me dijo ayer que ya tiene un tema nuevo… no sabe parar el chaval, jajaja.

El nuevo álbum acaba de caer en mis manos hace pocos días y ya lo estoy quemando a base de darle vueltas en mi reproductor de CD. ¿Tendremos la oportunidad de disfrutarlo también en directo este año 2026?

Pues nos vamos a desvirgar en directo, porque tenemos algunos conciertos programados ahora en mayo por la zona de País Vasco. El 10 en Vitoria, el 23 en Donostia y el 30 en Lekeitio. Y habrá alguno más si sobrevivimos a estos. 

Y ya para terminar: ¿Dónde te gustaría ver a Hortzak dentro de otros 6 años?

Pues siempre decimos que Hortzak es para disfrutar y sin pretensiones. Sin ningún tipo de compromiso. Así que espero que sigamos sacando temas porque significará que seguimos disfrutando de hacer ruido.

Mila esker, muchas gracias por tu tiempo y enhorabuena por el buen trabajo.

Ya queda muy poco para la visita de The Rumjacks a España este mayo y, por ese motivo, hemos podido charlar con Johnny McKelvey, bajista y miembro fundador de la banda. Es una persona encantadora y está entusiasmado por volver a visitar nuestro país, donde el grupo siempre es muy bien acogido. Por mi parte, yo tengo muchas ganas de ver en directo tanto sus grandes éxitos como algunas de las nuevas canciones de su último disco, Dead Anthems (2025), además, el veinte aniversario de la banda se está acercando y Johnny nos revela algunos de sus planes para celebrarlo.

Hola, muchas gracias por concederme esta entrevista y dedicarme unos minutos. Sé que no tenéis mucho tiempo libre. Sois conocidos por ser una de las bandas que más gira del mundo. ¿Cómo lográis mantener esa energía constante a lo largo de los años?

Hola, muchas gracias a vosotros. La respuesta corta sería “por el público”. Porque no importa lo muy agotador y cansado que resulta estar de gira, viajar, trabajar de noche… todo eso es trabajo duro pero también es muy divertido y nos encanta absolutamente, por eso lo hacemos. Así que puedes estar cansado y desgastado, puedes estar incluso totalmente agotado ese día, pero en el momento en que subes al escenario y ves a los fans ¡todo eso desaparece! Así que hay otros momentos para sentirse cansado, pero cuando estás con la gente, ellos te dan su energía y borran todo el agotamiento ¡y por eso seguimos haciéndolo! Es la parte más bonita, dentro de todo lo que implica este trabajo.

Dentro de muy poco os veremos en directo en España. Sois una banda muy querida aquí, nos habéis visitado ya en muchas ocasiones, cada vez en salas más grandes. ¿A qué creéis que se debe vuestra conexión con el público español?

¿Pues, sabes qué es? De nuevo, es por la gente, los fans y las personas para las que tocas. Y, por muchas razones, creo que a los españoles les gusta pasarlo bien, les gusta la fiesta, aman la vida. Cada vez que hemos venido de gira por aquí, por las muchas regiones de España, todo el mundo es muy acogedor, las actuaciones resultan divertidas, todos están dispuestos a pasar un buen rato. Por eso se nos hace muy difícil decir que no a volver a España, tenemos siempre una acogida espectacular y nosotros lo disfrutamos mucho también. Es un país muy bonito y sentimos que somos muy afortunados de poder volver y actuar para gente que realmente tiene ganas de estar allí con nosotros. Puedes verlo, que todo el mundo está allí por el mismo motivo, que es disfrutar de la música. Me encanta.

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Por cierto, ¿Cómo habéis escogido a los teloneros que os acompañarán por nuestro país? Es curioso que en cada ciudad serán bandas diferentes y muy variadas.

Es una buena pregunta. La verdad es que nos gusta tocar tanto con bandas que hacen lo mismo que nosotros, que son del mismo género, y es como la elección más obvia lo de tocar con bandas similares… pero también nos gusta mucho la variedad. A mí, particularmente me gusta asistir a conciertos con alineaciones mixtas y variadas: es enriquecedor, porque aporta más cosas. Una noche con música que suena similar también tiene sus dificultades, porque el concierto puede durar cinco o seis horas. Por eso también pienso que el público encuentra refrescante que haya variedad. También si acuden a diferentes fechas a lo largo de una gira. Está bien cuando el público a lo mejor ni siquiera conoce a las bandas con las que tocamos ¡o que no nos conocen a nosotros!, creo que es algo positivo porque podemos complementarnos unos a otros. Todo aporta algo, y en esta ocasión vamos a tocar junto con varias bandas diversas y estamos contentos con ello.

Quería preguntarte también por el último disco “Dead Anthems” y la etapa actual del grupo. Además ya lleváis más de cinco años con Mike como vocalista y ya estáis plenamente consolidados con él. Así que ¿cómo son The Rumjacks en la era actual de la banda?

Es genial, creo que todavía estamos en la cresta de la ola respecto a la incorporación de Mike. Creo que esta ha sido la mejor decisión que hemos tomado como banda. Lo estamos disfrutando mucho, pero también estamos trabajando mucho, ya sabes que estamos mucho de gira, y “Dead Anthems” todavía suena a nuevo, tiene apenas un año de vida y eso es bastante joven para un disco. Así que nos estamos centrando en mantener al máximo esa energía y estar de gira y seguir adelante. Y uno de nuestros objetivos está siendo volver a visitar algunos lugares que no habíamos visitado aún, o no tanto, o hacía mucho que no volvíamos. Hemos tomado conscientemente la decisión de volver a ver a los fans que más han estado esperándonos. La verdad es que estamos muy contentos e ilusionados con esto, nos encanta estar de gira otra vez. 

Y además también hemos estado componiendo. Vamos a volver al estudio dentro de un mes o así y es posible que hagamos un lanzamiento pequeño, como un EP o algo similar. No es seguro, pero ya tenemos bastantes canciones. Así que ya ves: estamos de gira, componiendo… muy contentos porque las cosas se mueven adelante. Y a la vez, mientras hacemos todo esto, también estamos tratando de recordar que en 2028 será nuestro veinte aniversario, así que habrá de nuevo mucho que hacer y que girar. Tenemos por delante unos años muy ilusionantes.

¡Nunca paráis!

Nunca.

He estado mirando vuestros setlist y veo que estáis abriendo vuestros últimos conciertos con “Come Hell or High Waters”, que es una canción que personalmente me encanta, tanto por su música como por su mensaje sobre migración y resiliencia, que creo que es muy necesario. En un mundo que cada vez parece más salvajemente racista y xenófobo, ¿Qué acogida está teniendo esta canción?

Muchas gracias por decir eso. La verdad es que también es de mis canciones favoritas del nuevo disco. Personalmente estoy muy contento de abrir con ella porque disfruto mucho de esa canción. Así que, sí, es cierto que hemos estado abriendo con ella en la gira y está siendo muy bien recibida. Pero siempre decimos, con nuestra propia música, que cada uno puede escucharla a su manera. Puede ser la canción entera, las letras o la música. Hay quien disfruta la melodía sin tener mucho en cuenta la letra y eso también está bien. Si lo que te gusta es solamente la música, estamos felices de formar parte de ello, del disfrute de alguien a través de la música. Y verás, tienes razón en que hay mucha gente con la mente muy estrecha y con visiones muy tontas sobre el resto del mundo, las culturas, las migraciones… Es un tema muy potente en este momento y hay muchas ideas estúpidas al respecto a su alrededor. 

Creo que hay gente que simplemente es inculta al respecto, y nosotros no estamos aquí para dar lecciones a nadie, de ningún modo. Como he dicho, cada cual puede interpretar nuestras canciones como lo desee, siempre que sea desde una perspectiva positiva y productiva: si le aportamos algo a la gente, estamos contentos. Pero me he dado cuenta de que mucha gente olvida quienes somos. Yo provengo de una familia de ascendencia irlandesa y, aunque no sea la típica cara que la prensa señala para hablar de migración, también podría serlo. La prensa a menudo trata de señalar bando y poner rostros a los que etiquetar y decir “estos son los buenos”, “estos son los malos”. Y la verdad es que mis padres vinieron de Irlanda del Norte para buscar una vida mejor en Australia. Para criarnos con seguridad. No entiendo que se pueda cuestionar algo tan profundamente humano. La naturaleza humana siempre va a buscar un lugar seguro para vivir y para criar a su familia. Pero hay gente que tiene los conceptos muy mezclados y los medios también contribuyen a eso. Se nos olvida que no hay una cara, un aspecto ni un idioma de la gente que merece más de la vida. Hay confusión, pero no por ello lo justifico. Y la cara de la migración bien puede ser una familia irlandesa que se marcha al otro lado del mundo, o puede ser alguien que huye de la guerra en su país de origen. Tampoco hay un bando de la gente que quiere que su vida mejore, porque somos todos. Y esta canción habla de este concepto. De personas que podrían ser cualquiera y sólo quieren ver crecer a su familia con seguridad y vivir una vida feliz y próspera. Esa búsqueda es universal y eso es lo que se nos olvida. Todos queremos lo mismo, no es algo propio de una cultura, una religión o un aspecto físico. Es un derecho humano universal. 

Entonces, sería genial si esta canción hace pensar un poco a la gente. Si ven cómo hay irlandeses en todas partes, si ven que han viajado a todos los rincones del mundo… verán que todo el mundo lo ha hecho y todo el mundo debería sentir que tiene ese derecho, provenga de donde provenga. 

Es una canción preciosa. También me ocurre con la canción “Eye for an eye”, que me ha dejado sobrecogida. Entiendo que hace referencia a la historia de Irlanda, pero a la vez es muy actual y podría aplicarse al planeta Tierra en general. 

Sí, efectivamente, está basada en la historia de Irlanda y el conflicto entre protestantes y católicos, pero también tiene un mensaje universal, acerca de que las generaciones precedentes nos marcan un camino y ¿tú qué vas a hacer?, ¿vas a seguir ese camino marcado, o vas a hacer algo para cambiarlo?. Tú no eres tu padre ni tu abuelo. Eres una persona con tus propias ideas y objetivos. Tienes una educación. Está en tu mano cambiar. Así que creo que has dado en el clavo, porque es una canción universal, aunque tenga una base en Irlanda, podría extrapolarse a cualquier lugar del mundo. Es una situación que se repite en todas partes. Pasar la antorcha pero en el mal sentido. Recorrer el camino sobre las huellas de tus padres. Todos somos parte de nuestra historia y de nuestra familia, pero podemos cambiar las cosas. 

Por cierto que viene acompañada por un videoclip espectacular, en el que sale mucha gente, todos vosotros actuáis, es muy cinematográfico… ¿Fue difícil rodar algo así?

Sí, fue algo difícil, jajaja. ¿Sabes?, para nosotros es fácil subir al escenario, nos sentimos cómodos incluso delante de miles de personas. Pero nos pones delante de una sola cámara y eso nos pone mucho más nerviosos. ¡Preferimos el escenario! Y si además tenemos que actuar, es todo un reto. Igualmente lo pasamos muy bien, y el equipo de personas con el que estuvimos trabajando nos ayudó mucho. No recuerdo ahora el lugar de Inglaterra donde grabamos, pero fue muy divertido, pasamos el día en la ciudad buscando localizaciones y nos metimos en algunas situaciones curiosas al grabar en la calle. Mucha gente nos miraba al pasar, a ver qué hacíamos. Pero al final ha quedado muy bien. Es una canción muy bonita y un poco diferente a las demás, así que estoy muy contento de que hayamos podido sacar este vídeo, para complementarla, como hemos hecho con algunas de las otras canciones.

También me han llamado mucho la atención los videoclips de dibujos animados que habéis hecho con Ben Satchel para “Scandal” y “Cold like this”. ¿Cómo surgió la idea de trabajar con él?

Pues la verdad es que vimos otro videoclip hecho por él para unos amigos, Buster Shuffle, una banda muy interesante de Reino Unido. En fin, su vídeo salió muy bien y creo que fue Mike quien les envió un mensaje para preguntarles: “¿quién os hizo ese videoclip? es genial”. Y además es que nosotros vivimos cada uno en un sitio, cada miembro de la banda está muy lejos de los otros, así que es difícil juntarnos todos, salvo en las giras, y siempre estamos buscando ideas para hacer estas cosas, como los videoclips. Además es una forma de variar, y que no sea siempre la misma imagen de nosotros tocando en una habitación. Así que se juntó todo, porque es una forma de sacar un tipo de videoclip diferente, algo que no hacemos normalmente, y que nos facilita el no tener que volar los seis a algún lugar intermedio para grabar el vídeo. Un vídeo diferente y que no nos obliga a estar en el mismo país, y parece que han quedado bien. 

Yo creo que son muy originales y muy representativos de lo que sois The Rumjacks.

Sí. Yo también creo que el animador hizo un gran trabajo. Y todos hemos disfrutado mucho viendo el resultado final, ya que es la primera vez que trabajamos con este animador y hemos quedado satisfechos. 

Muchas gracias, Johnny, estamos deseando veros por España a mediados de mayo ¿hay algún mensaje que quieras mandar a tus fans españoles?

Desde luego: muchas gracias a todos por apoyar a The Rumjacks. Os queremos mucho y por eso seguimos volviendo. Y gracias por leernos aquí en Track to Hell. Estamos deseando veros muy pronto para esas épicas fiestas españolas, que tanto hemos disfrutado en los años anteriores ¡Muchas gracias! 

Desde su nacimiento en 2017, Serpent ha transitado un camino de transformación constante, dejando atrás etiquetas como el post-hardcore para abrazar una identidad más libre, cruda y honesta. En esta entrevista, la banda reflexiona sobre su evolución, su relación con la agresividad y la emoción en la música, y su firme postura crítica frente a una escena dominada por lo efímero. Con su nuevo trabajo Absolutisme Zen, Serpent no solo reafirma su esencia, sino que también plantea una mirada incómoda y necesaria sobre el mundo actual.

– Serpent comenzó en 2017 dentro de la etiqueta post-hardcore. Hoy, esa etiqueta parece innecesaria. ¿Cómo describiríais la evolución de la banda desde aquellos primeros días hasta el presente?

Sergi: Pues no hace mucho, pero parecen otros tiempos totalmente distintos. La cosa ya empezaba a estar de capa caída en el underground musical pero todavía había esa inercia de la época de vacas gordas en que en Barcelona nos podíamos permitir hacer varios conciertos a la vez en la ciudad y cada uno tenía su nicho. Las bandas de guitarras se etiquetaban en géneros, subgéneros y más allá. Visto desde ahora me parece un poco excesivo y si, ahora mismo innecesario. El espíritu de la banda hoy en día sigue siendo el mismo, queríamos ubicarnos a la sombra del hardcore para que nadie nos pidiese cumplir con ciertos estándares del género y poder hacer lo que nos diese la gana.

Fran: Lo mejor de estos años ha sido “curtir el lomo”: después de tantas alegrías y algún que otro bofetón, hemos aprendido a disfrutar de toda situación, buena o mala. Eso nos ha ayudado a perder el respeto a las etiquetas. Al final, preferimos el error a seguir un manual de instrucciones.

Marc: Yo creo que la banda ha ido evolucionando y liberándose de etiquetas pero con el mismo espíritu de siempre.

– Vuestro sonido combina riffs crudos con momentos más introspectivos y dinámicas complejas. ¿Cómo encontráis el equilibrio entre agresividad y matices en la composición?

Sergi: La agresividad y la emoción son cosas que han estado ahí en todos los grupos de punk-rock y de hardcore que hemos tenido. Y creo que, personalmente, si no pudiese expresar eso no me interesaría hacer música. Anteriormente lo hemos expresado con la ganancia a tope y ritmos más rápidos. Ahora de una forma más libre y abierta. Y aun así, a mi personalmente me parece lo más antisocial y agresivo que he hecho.

Eric: Cuando ensayamos la demo sólo éramos Sergi y yo, y sólo había guitarra y batería. Por aquel entonces no tenía la más remota idea de como Sergi sería capaz de cantar encima de esos riffs y compases rotos. No fue hasta la grabación que escuché las voces, y creo son las que consiguen equilibrar la propuesta. Son agresivas y rabiosas pero añaden un toque melódico que consiguen aligerar el caos, la pesadez y complejidad de la parte instrumental. Quizá en este disco no es tan evidente porque quizá es un pelín más básico o menos raro, pero creo que la voz es fundamental para conseguir ese equilibrio, y también es un elemento que tenemos muy en cuenta para definir que tocamos cada uno en su instrumento.

Fran: Creo que es la parte más divertida de ensayar: ver cómo una demo de Sergi se convierte en una canción orgánica. A veces bromeamos con que el proceso es como un videojuego donde nos enfrentamos a enemigos cada vez más complejos. 

Marc: La agresividad está bastante presente en las composiciones de Serpent, y el equilibrio… quizá aparece cuando entra la voz o la melodía, pero es un equilibrio tenso.

– La crítica social y la mirada crítica son constantes en vuestro trabajo. ¿De qué manera esa perspectiva influye en la música antes que en las letras?

Sergi: Creo que va junto, es una vía de escape. Tenemos nuestras vidas y nuestros trabajos, vivimos en un mundo que cada día esta mas raro y el grupo es algo que tenemos para desahogarnos. La magia va a ocurrir si alguien escucha este disco, con sus letras y su mensaje, y eso hace que se sienta menos solo. Esa alquimia es lo que me ha ido pasado a mi siempre al escuchar discos y es el motor que me hace seguir.

– En algunos sectores se cuestiona la relevancia del rock y el hardcore en la actualidad. ¿Os sentís fuera de época o buscáis precisamente desafiar eso?

Sergi: No creo que se cuestione la relevancia, pero sí es cierto que la música hecha con guitarras y tambores ya no predomina en las nuevas generaciones. Hay muchos motivos y no soy sociólogo pero si pienso en mí mismo cuando empecé me viene a la cabeza cosas como aburrimiento, amistad e idealismo. Era lo que hacías si eras un joven inquieto, hacer un grupo con tus amigos y prenderle fuego a todo. Incluso con cierto bullying ridiculizante a quien quería petarlo de forma artificial, ser famoso o se autoproclamaba solista. Lo que veo ahora es un flujo incesante de estímulos rápidos y baratos, individualismo y resultadismo. Obviamente no está todo perdido, pero las cosas interesantes (que las hay) que salen en el submundo musical no logran tener la suficiente fuerza para inspirar y cambiar el sentido del ciclo actual. 

Eric: El Rock y todas sus variantes siempre tendrán su peso aunque ahora no se le preste la atención que seguramente merece. Esto lo explica muy bien Billy Corgan en una entrevista diciendo que desde finales de los 90, los medios empezaron a dejar de lado a los grupos de rock en favor de los grupos de rap, y no precisamente porque sus cifras fueran malas. El hardcore lo fué y lo sigue siendo: de Inside Out salió Rage Against the Machine que se hicieron un hueco en el mainstream, y la MTV igual te los mezclaba con Maria Carey, Ace of Base, Metallica, Blur o Madonna, y cuantos documentales hemos visto con Dave Grohl alardeando de que él estuvo ahí cuando Bad Brains o Descendents daban sus primeros pasos… Se puede decir que el mainstream era más plural y combinaba cosas pop súper comerciales y ligeras con otras más duras y críticas hasta que dejó de interesar. Lo que entonces viró hacia el rap (el de celebrities eh? no el de N.W.A. y su “Fuck the Police” para entendernos), ahora está centrado en lo urbano y lo latino, y todo es demasiado diferente, sin ir más lejos, la MTV ya ni existe, la difusión, el alcance o la influencia de los medios tradicionales en el ámbito cultural es mínima, el valor de las bandas se mide en followers y en escuchas, y el que te filtra y sugiere los contenidos de forma personalizada son los algoritmos de google o meta… Grupos como nosotros siempre hemos sido bastante irrelevantes si entendemos que nuestro valor se mide en términos de cifras y popularidad. Siempre hemos estado muy lejos de esta idea. 

Fran: Sobre todo en este país, la cultura musical se mueve a una velocidad tan absurda que la lentitud y el reposo que exige el rock o el hardcore ya no parecen bienvenidos. Está claro que estamos fuera de época, pero es que tampoco tenemos ninguna intención de formar parte de la ‘nueva era’. Preferimos la artesanía frente a lo efímero.

Marc: Creo que andamos bastante al margen de todo esto y nos da bastante igual si el rock o el hardcore hoy en dia son relevantes o no. Para mi, mientras la música sea incomoda y transmita algo ya me está bien.

– El título del disco, Absolutisme Zen, sugiere un contraste entre control y calma. ¿Cuál es la idea que queríais transmitir con este concepto?

Sergi: Es más bien sobre como nos han convertido en bestias insensibles para que ya no nos sorprenda nada. Una barbaridad tapa la otra y cada una de ellas es trending topic durante 5 minutos.

– Singles como “Hemos vaciado la sala” o “Viejo y cabreado” tienen historias muy específicas. ¿Qué queréis que el oyente perciba más allá del trasfondo anecdótico?

Sergi: En este caso los dos son temas de duelo absoluto. En el caso de Vell i cabrejat tiene una mirada un pelin más romántica y crepuscular sobre envejecer y encontrar tu sitio. Dejar ir, y no dejarte arrollar por cualquier mierda que venga. Hem buidat la sala es un tema que habla más de la nostalgia tóxica de nuestra generación y de cómo estamos contentísimos viendo grupos “de la época” arrastrándose en grandes eventos mientras las salas, los clubes, los csa/cso cierran uno a uno.

– Musicalmente habéis incorporado guitarras a media distorsión y baterías más resonantes. ¿Fue una decisión consciente para reforzar la agresividad o buscabais nuevos matices?

Sergi: Queríamos que sonara analógico y real. Necesitábamos que las guitarras y bajo fueran orgánicas y con la distorsión justa para que se apreciasen los matices, y la batería tenía que sonar natural para no aplastar todo en una mezcla contundente pero vacía. Estamos contentos porque hemos conseguido que suene como un tiro sin que suene agotador o demasiado distorsionado/comprimido. Y si, hemos buscado desde el principio que sea así.

Fran: es una decisión purista: dejar que las válvulas hicieran todo el trabajo rozando el colapso. No buscábamos ‘distorsión’ estándar, sino la respuesta cruda de un amplificador que suena enfadado. Es una agresividad más real, menos procesada.

– La producción y grabación la habéis manejado vosotros junto a Marc Bòria, Xavi Escribano y Albert Ibarra. ¿Hubo algún conflicto creativo durante el proceso que haya marcado la personalidad final del disco?– 

Sergi: Para nada. Todos son amigos y nos han ayudado a conseguir el disco que queríamos. Por nuestra parte teníamos el disco muy definido en cuanto a composición y sonido.. Personalmente me he sentido super arropado en el proceso. 

Fran: Xavi, Marc y Albert ya formaban parte del universo de Serpent mucho antes de este disco. Son amigos que nos han acompañado en la furgoneta y nos han ayudado a definir nuestro sonido en directo; todos ellos han sido técnicos nuestros en algún concierto, así que saben perfectamente dónde está el ruido que buscamos. Como dato más nerd, para esta grabación cambiamos la dinámica: grabamos las dos guitarras canción por canción, para mantener la tensión de cada tema. Renunciamos a cualquier red de seguridad —sin DI ni opción a reamplificación—, apostando por lo que salía del amplificador en ese momento. Y para la mezcla, decidimos darle una perspectiva externa al proceso con Santi García.

– Algunas letras, como “El himno nacional”, tocan temas muy delicados de política y sociedad. ¿Os preocupa la controversia que puedan generar o la consideráis parte de la función del arte crítico?

Sergi: A veces me siento un marciano cantando cosas fuertes en catalán. Se han dicho cosas desde la música extrema, pero en nuestro caso se entiende claramente porque tampoco gritamos tanto ni tenemos un sonido tan denso. No me siento pionero de nada, solo pienso que deberíamos empezar a andar el camino de expresar frustración y conflicto bruto en catalàn. Sin poetizar tanto, sin la necesidad de ocultarse tras letras sobre ríos o montañas y sin ese tufo de esplai buenrollista que parece que lo impregna todo. Si alguien se ofende con l’Himne Nacional, que es una canción 100% antifascista, apaga y vámonos. 

Eric: entiendo que la canción empieza fuerte , pero si pasas de las cuatro primeras frases y tienes un mínimo de comprensión lectora dudo mucho que genere controversia porque el mensaje queda claro. Tratamos un problemón político-social de alcance global, pero ponemos el foco en el mal de proximidad para señalar que la identidad catalana no nos sitúa por encima de nadie si tus pensamientos e ideales políticos son de extrema derecha. 

Marc: no creo que genere mucha controversia, de hecho normalizamos muchas cosas peores. Está bien utilizar un lenguaje más crudo y directo, que la verdad y como dice Sergi, en catalán no abunda.

– Con la salida de Absolutisme Zen, ¿tenéis ya fechas confirmadas para presentaciones o giras y qué diferencia habrá respecto a anteriores shows?

Sergi: Sí, hay concierto confirmado en Barcelona el 25 de abril, y en Junio hay 4 conciertos. Luego pararemos en verano porque el sol nos sienta mal y tenemos cosas familiares y a partir de septiembre intentaremos montar más cosas. A nivel del “nuevo show”, creo que nuestra esencia nos impide pensar en “el nuevo show”. Quizás ambientamos un poco más todo, y obviamente habrán muchos temas del nuevo disco. Pero, al contrario que lo que pretende el show business, me gusta inspirar con contenido no con adornos. 

Fran: No somos de cerrar el calendario a un año vista. Nuestras redes sociales son el mejor sitio para no perderse futuras fechas. Lo que sí os aseguramos es eficiencia: vamos a meter un repertorio más largo en el mismo tiempo. Además, hemos renovado la zona de merch (ahora con más luz y nuevos productos), donde siempre encontraréis a alguien de la banda —normalmente a Sergi— dispuesto a charlar un rato. 

– En vuestros conciertos se aprecia un rechazo a “ejercicios de estilo inofensivos”. ¿Cómo se traduce eso en la experiencia del público en directo?

Sergi: También es esencial en la banda. No somos un grupo que quiera ser otro grupo. O que se disfrace como grupos de una escena determinada de otro continente. No hay coreografías, discursos precocinados ni nunca nos hemos cuestionado la imagen que debemos dar. Fluimos con la energía de cada concierto porque es nuestro momento, no es una representación teatral. Sí que es verdad que tenemos una clausula de “savoire faire” que nos impide llevar merch propio puesto en público. O sea podemos bajar la basura con una camiseta de Serpent pero poco más.

– Finalmente, para quienes aún no os han visto, ¿qué puede esperar alguien que asista a un concierto de Serpent y qué queréis que se lleven tras la experiencia?

Sergi: Creo que te he contestado con alguna pregunta anterior, pero es eso. Saldremos a tocar, diremos alguna cosa, nos iremos y estaremos encantados de hablar con todo el mundo que quiera hablar con nosotros y de tejer nuevos vínculos.

Fran: y que se preparen para volumen, mucho volumen; como tiene que ser en un concierto de rock. Que el público se lleve secuelas, una experiencia con efectos secundarios.

Los “thrasheros melódicos” Godsnake vienen haciéndose un camino lento pero constante en el metal europeo, primero tocando en su natal Alemania para luego expandirse a otros lugares en Europa. Con su tercer álbum Inhale The Noise a punto de salir a través de Massacre Records, fue una buena oportunidad para sentarnos a hablar con su cantante Torger Neuhaus, quien nos prestó su tiempo para hablar del presente de la banda, los inicios del grupo y el futuro del mismo, además del estilo, lo que es hacer música, las etiquetas que se le ponen a los sonidos y el significado detrás de la portada del álbum-.

Antes que nada, te agradezco por esta entrevista. Quería preguntarte, ¿cómo vienen las cosas con Godsnake? Sé que las bandas tienen que promocionar y presentar su nuevo álbum, es como que están bastante ocupados, me imagino.

Sí, estamos… digamos… en la fase más intensa ahora, porque el álbum se va a lanzar en dos semanas, el 17. Y… nunca es suficiente, así que empiezan a llegar entrevistas, pedidos, y estamos haciendo mucho material de promoción, todo lo que se puede hacer. Y eso nos gusta mucho, por supuesto, porque está buenísimo poder difundirlo.

Sí, obviamente. Me imagino que tener que hacer, no sé, como 500 entrevistas… yo no lo viví, pero debe ser agotador.

No, todavía no es tanto… pero…

Todavía no, claro. Pero imaginate, no sé… Metallica o ese tipo de bandas…

Sí, sí, sí.

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Para este tipo de entrevistas trato de buscar la mayor cantidad posible de otras entrevistas, en distintos sitios, canales de YouTube y demás, y creo que… esta puede ser la primera entrevista de Godsnake que se publique en español. Encontré un pa de reseñas, pero no hay entrevistas en español. Ni siquiera encontré tantas entrevistas en inglés, al menos escritas. La mayoría están en alemán, y creo que encontré una en griego.

Sí.

Entonces, para nuestra audiencia, la audiencia de habla hispana, esta puede ser la primera vez que escuchen sobre ustedes. Así que… ¿cómo te gustaría describir el estilo de Godsnake? ¿Cómo describirías a la banda?

Muy buena pregunta. Cuando firmamos con Massacre Records, nos preguntaron justamente eso: cómo definiríamos nuestro estilo, qué tipo de música hacemos, y siempre es difícil… sí, es difícil ponerle un nombre preciso, pero… al final decidimos que se podría decir que lo llamamos “thrash metal melódico”. Porque no somos una banda de thrash metal como Overkill o Onslaught. No estamos haciendo eso todo el tiempo.

Claro, sí, sí.

Y… lo que realmente nos gusta es la combinación con algunas melodías cuando llegamos al estribillo. Algunas líneas pegadizas que se te quedan. Nos gusta la pesadez, esa parte más centrada en riffs del thrash, combinada con algo más melódico, por decirlo así. Lo que realmente nos gusta es la combinación con algunas melodías cuando llegamos al estribillo. Entonces… diría que vas a encontrar fans del thrash metal que digan “uh, ustedes son unos blandos”. Pero… por otro lado… no nos importa. Al final es heavy metal, y listo. Pero había que ponerle un nombre, así que eso es lo que hacemos. Incluso volvimos a tener esta discusión cuando salió el tercer álbum: “¿lo dejamos como thrash metal melódico?”. Y llegamos a la conclusión de que sí. Lo dejamos como está.

Sí, he visto algunas bandas que se describen como thrash metal melódico, pero no parece ser algo realmente distinto. No es como cuando decís “death metal melódico”, que es otro género más definido.

Sí, sí, sí.

Pero sí, coincido en que los estribillos melódicos son una de las partes más importantes del sonido de Godsnake. Cuando estaba buscando material sobre la banda, encontré una reseña donde el tipo esperaba escuchar una banda de thrash metal más tradicional, hablando del primer álbum… Y decía algo así como: “no me gustan los estribillos melódicos, porque suenan como… no sé bien… como una banda de metalcore”. Creo que lo comparaba con ese tipo de bandas. Pero era medio gracioso. Igual sí, thrash metal melódico es una forma perfecta de describirlos.

Sí, sí.

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La banda existe desde hace más de una década. Creo que aparecieron por primera vez alrededor de 2014, pero es en los últimos 5 o 6 años donde parece que lograron establecerse más, como algo más… no sé si decir profesional, pero sí más consolidado, sacando más material. ¿Cómo pasó eso? ¿Cómo fue que empezaron hace más de una década, pero en estos últimos años lograron consolidarse?

Sí… cuando empezó la banda… Stevo es el miembro original, digamos el fundador. Cuando empezó la banda… sí, fue en 2014. En ese momento no teníamos nombre, entramos al estudio con Lasse Lammert también, grabando el primer demo, y estando en el estudio, Lasse preguntó: “¿cómo lo guardo en la compu? ¿Cuál es el nombre?”. Y todos dijeron: “No tenemos nombre todavía”. Entonces Lasse tiró: “¿qué tal Godsnake?”. Esa es la versión corta de la historia.

Mmm… sí. Suena bastante potente.

Sí, sí, fue divertido. Pero bueno, yo me uní a la banda más o menos medio año después. Y después hubo algunos cambios de formación… llamémoslo así. Sasha fue reemplazado porque tuvo que mudarse por trabajo, el bajista Thomas también tuvo que irse por distintas prioridades. Entonces, diría que fue alrededor de 2016 cuando realmente nos consolidamos como grupo, con Sidney y el resto… y ahí… empezamos a crecer juntos. Diría que… sí, fue entre 2017 y 2018 cuando decidimos encarar esto de una manera más enfocada, con intenciones claras, por decirlo así. Ya no era simplemente “toquemos música cool”, sino “hagamos música buena, grabémosla y publiquémosla”. Así que sí, tenés razón en que son los últimos 6 años, quizá un poco más, los que se sienten más ambiciosos. Y después nos concentramos en el primer álbum… y seguimos un ritmo bastante normal, digamos, de cada dos o dos años y medio. Fuimos sacando nuevo material, y ahora estamos con el tercer álbum.

Claro.

Así que… para resumir, diría que lo principal fue encontrar a las personas adecuadas, que todo encajara, y llegar a ese punto en el que decís: ahora somos una banda completa, sabemos lo que queremos hacer.

Sí… claro, hay que encontrar a las personas indicadas.

Totalmente, sin duda.

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Y bueno, ahora… cuando hablaba de estar más enfocados en la banda, me refería más que nada al primer álbum. Y ahora ya están en el tercero, Inhale the Noise. ¿Cómo lo describirías? ¿Qué podés decir de este disco?

Durante la grabación, Lasse, el productor, nos dijo: “chicos, esta vez están un poco más thrash, incluso más agresivos”. Y nos pusimos a pensarlo, porque antes de empezar a grabar sí habíamos discutido si debíamos enfocarnos en algo en particular o no… pero al final llegamos a la conclusión de que no, que simplemente lo íbamos a dejar fluir. Elegimos las canciones que mejor encajaban, las que más nos gustaban y donde las mejores ideas se juntaban. Y bueno, si hay que ponerle un nombre, diría que… tiene muchas partes más thrash, especialmente en las estrofas. Y… también hay como una media balada, lo cual está bueno. Pero en general es un disco un poco más directo, más frontal. Y con un mensaje más claro. Leí una reseña donde alguien decía que ahora estamos más enfocados, y pensé… bueno, siempre es interesante ver cómo lo percibe la gente. Decía algo así como que estamos más precisos. Lo escribió en alemán. Y pensé, sí, puede ser… porque ese era el ánimo que teníamos.

Claro.

Me acuerdo cuando teníamos el tema “Inhale the Noise”, el track que da nombre al disco, que es bastante compacto. En una primera versión, Stevo dijo que no estaba tan seguro. Pero después empecé a trabajar en la letra y las líneas vocales, y ahí quedó claro que tenía que ser uno de los temas principales. Y eso pasa mucho en el proceso, cómo van cambiando las cosas.

Sí, a veces empezás con una idea y pensás “esto capaz no funciona”, y todavía ni escuchaste al cantante… ¿Cómo es el proceso de composición en Godsnake?

En general, Stevo trae… más que nada, una canción casi completa. Podríamos decir que él está en su casa y… la fuente de creatividad fluye, ¿no? Entonces graba maquetas ahí mismo… Después generalmente me las manda, y yo empiezo a aportar mis ideas. Y en el mejor de los casos probamos las canciones en la sala de ensayo con toda la banda. Y vemos qué funciona y qué no. Ese sería el escenario ideal. Aunque también tuvimos una o dos canciones que nunca tocamos en vivo antes de grabarlas, y aun así funcionaron muy bien. Pero en general es Stevo quien trae la idea completa, y después yo me encargo de arreglar mis partes y escribir las letras. Y claro, a veces también tiro ideas tipo “esta parte no funciona”, “esto hay que duplicarlo”, “esto es muy largo”… cosas así. Pero básicamente ese es nuestro trabajo, y después lo discutimos con toda la banda cuando probamos los temas en la sala. Y dejamos que todo… se asiente, por decirlo de alguna forma.

Sí, claro. Entonces hablás del grupo completo, y corregime si me equivoco… pero según lo que tengo entendido, ahora son un cuarteto, con una sola guitarra. Al menos por las fotos que me pasaron del sello para esta entrevista, parecen ser cuatro. ¿Cómo afecta eso al sonido de la banda, el hecho de tener una sola guitarra?

Bueno… en realidad, ya estábamos en el estudio. Creo que ya estaba casi todo grabado, solo faltaban los solos y algunas partes vocales… Y el otro guitarrista, Pepe, nos dijo: “chicos, perdón, pero tengo que dejar la banda”. Por razones personales. Su madre está envejeciendo, y además él también toca en Ancient Curse, que es una banda de metal progresivo de Bremen que existe desde… creo que 1985 o 1986. Y ese es su proyecto principal. Entonces decidió enfocarse en eso por una cuestión de tiempo. Igual, no es raro que el guitarrista rítmico principal grabe todas las guitarras en un disco. En este caso, Stevo grabó todas las guitarras rítmicas y sus solos. Pero había tres canciones donde Pepe iba a grabar solos, así que nos faltaban esas partes… y tuvimos que cubrirlas.

Claro.

Encontramos una buena solución para eso, pero en general no afectó realmente la producción del disco. Y poco después de terminar en el estudio, ya empezamos a buscar un nuevo guitarrista, y lo encontramos bastante rápido, así que ahora volvimos a ser cinco.

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Perfecto, perfecto. Y hablando de las guitarras del álbum, tengo entendido que contaron con Jean Bormann como invitado en un par de canciones, de Rage. Me encanta esa banda, fue una muy linda sorpresa verlo acreditado. ¿Cómo fue trabajar con él? ¿Cómo se dio eso?

Bueno, conocemos a Jean por Rage, claro. Tuvimos la oportunidad de tocar con ellos en un par de shows en el pasado. Y cuando estás en backstage y hablás, te vas conociendo… y él se volvió fan de Godsnake desde el primer momento, por decirlo así. Y nosotros somos fans de Rage desde hace muchos años. Entonces fue un placer conocerlo, y cuando estábamos pensando en posibles candidatos, después de que Pepe se fue, empezamos a debatir con la banda a quién podíamos invitar… y la primera idea fue: ¿por qué no preguntarle a Jean? Así que le mandé un WhatsApp, un mensaje de voz, y le pregunté si le interesaba. Y dijo que sería un placer. Fue así de fácil.

Buenísimo.

Le mandamos las versiones de los temas y en menos de una semana ya nos devolvió sus solos. Increíble.

Sí… cuando recibí el álbum para escucharlo, me quedé mirando la portada un rato, tratando de entenderla… ¿cómo la describirías? ¿Es como una bala atravesando un vidrio, o algo así?

Sí, bueno… la idea era tener un parlante grande.

Ah, claro… ahora lo veo, es como un parlante.

Sí, sí. Y eso está bueno, porque es arte que quizás no entendés al instante. La idea era un parlante medio destruido, roto… y después queríamos incorporar el concepto de la serpiente. Entonces pensé: ¿y si usamos piel de serpiente en la membrana?

Ah… claro, ahora lo noto.

Entonces, en sí es bastante simple, pero la idea detrás del título Inhale the Noise tiene que ver con eso: la música como una fuerza muy poderosa. La música puede transformarlo todo, e “inhalar el ruido” es como absorber esa energía. Entonces queríamos algo que representara el ruido, la música, y también el concepto de la serpiente. Por eso trabajamos otra vez, por tercera vez, con Björn Gosses de Killustrations. Al principio él propuso ideas más raras, pero le dijimos: mantengámoslo simple. Así que lo hicimos de esa manera, y sí, estamos contentos con el resultado. Porque tampoco es una portada típica de thrash metal… incluso podría ser de jazz o de cualquier otra cosa.

Claro, sí… me gusta eso, como que se aleja de lo típico.

Sí, es un poco más… avant-garde, por decirlo así.

Sí, bastante abstracta si lo pensás. Entonces… si comparás con el primer disco de Godsnake, Poison Thorn… ¿cuánto sentís que cambió o mejoró la banda desde ese momento?

Es una buena pregunta. Justo me la hicieron hace poco también, sobre mi voz, por ejemplo. Y sinceramente, yo no noto una gran diferencia. Pero otros músicos te dicen: “sí, hay un salto, hay más armonías”… no sé. Yo diría que no es que las canciones sean “mejores” ahora, el estilo de composición es el mismo… pero sí puede ser que ahora sea más claro lo que queremos hacer.

Más personal, quizás.

Sí, puede ser eso. Más definido. Las guitarras ya eran buenas en el primer disco, la batería también… Sidney, por ejemplo, es una bestia tocando. Y sé que él fue mejorando, cada vez más sólido, lo mismo el resto… pero no sé si se escucha como un cambio tan evidente entre el primero y el tercero. Creo que simplemente seguimos haciendo lo nuestro, con más ambición, quizás.

En diciembre sacaron el single “No Happy End”. ¿Por qué decidieron lanzarlo como single independiente y no dentro de un álbum?

Ese tema en realidad venía de la época del segundo disco, Eye for an Eye. Cuando terminamos de grabar todo, nos dimos cuenta de que el total era demasiado largo para vinilo. Para CD no había problema, pero para vinilo sí, así que el productor dijo que convenía sacar un tema. Entonces tuvimos que decidir cuál quedaba afuera, y al final elegimos “No Happy End”. Y en ese momento Sidney dijo: “esto lo podemos usar después como single independiente”. Y así fue. Cuando hubo un espacio entre lanzamientos, lo sacamos con un lyric video.

Claro, como para tener algo entre medio.

Exacto, esa fue la idea.

¿Y cuáles son los planes a futuro de la banda? Sé que tienen varios shows en Alemania, y que suelen tocar más que nada ahí, con algunas fechas en Bélgica o Suiza…

Sí, y justamente queremos cambiar eso. Queremos salir más al exterior, mostrar la banda en otros lugares. Está buenísimo tocar en ciudades donde ya nos conocen, como Hamburgo o Essen, pero también queremos expandirnos. En octubre de 2024 hicimos una gira europea como soporte de Threshold, y tocamos en Alemania, Holanda, Bélgica y Suiza. Fue una gran experiencia, y queremos repetir algo así. Queremos salir de nuestro país y llegar a más gente.

Sí, porque una cosa es tocar donde ya te conocen, y otra es probarte en lugares nuevos.

Exacto.

El álbum Inhale the Noise sale el 17. ¿Qué te gustaría decirle a la gente que lo va a escuchar?

Espero que lo sientan como algo fresco, especialmente para gente como en Argentina que quizás no nos conoce.jalá encuentren algo que les guste, que les vuele la cabeza, que haga explotar los parlantes… y que podamos ganar nuevos oyentes. Creo que Inhale the Noise muestra a Godsnake al 400%. Esto es lo que somos. Si te gusta, genial. Y si no, está bien también. El gusto es subjetivo, pero esto es lo que hacemos, con total honestidad.

¡Cuánto me alegra ver triunfar a Opera Magna! Llevo años escuchándoles y son una de mis bandas españolas favoritas de todos los tiempos. Durante años los he considerado también de las bandas más infravaloradas en nuestro país, ya que, aunque siempre están en el panorama, creo que deberían estar sonando mucho más y teniendo una mayor cobertura por su calidad musical, virtuosismo y carisma. 

Desde luego, ¡sigo pensando que deberían tener más repercusión! Pero están en un gran momento: enlazando el final de su gira con Angra con su propia gira nacional para celebrar el aniversario de su disco Poe, regrabando algunos de sus éxitos con invitados de excepción y exportando su música hasta Japón.

Hemos tenido la suerte de poder hablar sobre todo esto con Enrique Mompó (principal compositor y miembro fundador junto a Francisco Javier Nula) y José Vicente Broseta (vocalista) y espero poder verles una vez más en directo en uno o más de sus próximos conciertos:

• 2 de mayo en Sala Rockville, Madrid
• 22 de mayo, sala Spectrum, Murcia
• 30 de mayo, sala Azkena, Bilbao
• 24 de julio, Concerts de Vivers, Valencia + Warcry
• 22 de agosto, Castrillo Metal Fest, Murcia

Buenos días, muchísimas gracias por concedernos esta entrevista. En primer lugar: ¡felicidades! Parece que estáis viviendo un momento muy dulce para la banda, con esta gira de aniversario, justo después de estar de tour con Angra y con vuestros éxitos internacionales ¡abriéndoos camino en un mercado tan importante como Japón! Por favor, contadme un poco cómo estáis viviendo esta etapa de Opera Magna y qué circunstancias la han propiciado.

José Broseta: Por mi parte, estoy muy contento con el material más reciente como “Heroica”. Creo que hemos tenido una evolución muy natural, siendo fieles a nuestro estilo como banda.

Lo de Japón está siendo muy especial: trabajar con Red Rivet Records es un placer. Ya editaron en su momento “Poe” y “Del amor y otros demonios”, y es muy bonito ver que siguen interesados en nuestros nuevos lanzamientos y que los discos se mueven tan bien allí.

La gira con Angra fue increíble por la exposición que supuso y por compartir escenario con artistas a los que llevamos tanto tiempo admirando. Además, conocer a la gente de Arwen fue un regalo: fueron compañeros excepcionales durante todas las fechas. También fue un reto técnico para nosotros y para nuestro técnico habitual, pero conseguimos salir del paso y disfrutar muchísimo de la oportunidad.

Ahora mismo estáis regrabando varias de las canciones de “Poe” con colaboradores muy interesantes: ¿cómo surgió esta idea?, ¿podéis adelantarnos un poco más sobre qué nos queda por ver? ¿Y sacaréis un álbum en formato físico con estas regrabaciones?

José Broseta: La idea surgió cuando nuestro diseñador habitual, Fernando Nanderas, nos destacó el hecho de que se cumplían quince años del lanzamiento de “Poe” en 2025. Estuvimos dándole vueltas a ver que podríamos hacer para celebrarlo y decidimos que era buena idea rodearnos de amigos y gente cercana a la banda para esta ocasión.

Para mí ha sido genial poder contar con voces que admiramos y que nos han inspirado durante tantos años. Es increíble pensar que ha pasado tanto tiempo desde la edición original y que los temas nos sigan sonando frescos, que sigamos teniendo ilusión por tocarlos y por revisitar ese universo.

Respecto a lo que queda por ver… aún hay colaboraciones muy especiales que estamos deseando anunciar. Y sobre el formato físico, sí, tendremos en nuestros conciertos el EP “POE XV Redux” a la venta y, en breve, en nuestra página Web.

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Por cierto, que “Heroica” no ha sido vuestra primera incursión en aguas internacionales, ya grabasteis versiones en inglés de “Del amor y otros demonios”. Por favor, habladme de aquella experiencia.

José Broseta: Fue un proceso muy intenso. “Del amor y otros demonios” ya era una obra exigente en sí misma, y revisitarla por completo para hacer la versión en inglés supuso un esfuerzo enorme. Pero también fue una experiencia muy enriquecedora: nos obligó a mirar el disco desde otra perspectiva, a reinterpretar matices y a adaptarnos a un idioma que tiene una musicalidad distinta (lo cual fue posible gracias a la inestimable ayuda de Ada Murillo, que hizo un trabajo increíble adaptando las letras).

Tengo que decir que precisamente “Del amor y otros demonios” ha sido un álbum muy importante para mí, y que mi hijo de cinco añitos podría cantaros entera “Donde latía un corazón” de lo mucho que la pongo en casa. ¿Tenéis pensado darle también una nueva vida a este álbum en el futuro como estáis haciendo con “Poe”?

José Broseta: A corto plazo no creo que vayamos a hacer algo similar, como te comentaba, fue una obra muy intensa y la versión en inglés ya nos hizo revisar todo ese trabajo. Pero quién sabe lo que pasará en un futuro, puede que en unos años sintamos que queremos hacer algo. También ha sido una obra importante para nosotros.

Opera Magna se caracteriza en mi opinión por ser una banda muy referencial, no sólo en sus letras, sino también en la música, con guiños y referencias muy variadas y que entiendo que vienen sobre todo de la mano experta de Enrique Mompó y que al menos yo agradezco mucho poder reconocer aquí y allá. Por favor, Enrique, ¿puedes hablarnos de tus fuentes de inspiración preferidas? 

Enrique Mompó: La inspiración viene directamente de lo que escuchas, lo que trabajas y lo que admiras. Siempre estoy a la caza de cosas que me puedan servir para mi propio trabajo, para Opera. 

La música y la creación, no vienen de la nada, el arte es una herencia y un legado que se mueve influenciándose de generación en generación. En mi caso la influencia ha sido muy diversa a lo largo de los años, al principio venía de las bandas más representativas del power metal del 2000 hasta los maestros por todos conocidos de la música clásica. En años posteriores me influenció más todo el tema de las bandas sonoras: John Williams, Danny Elfman… También me ha influenciado mucho el maestro Seiji Yokoyama, que posee una sensibilidad fuera de lo común, o Thomas Bergersen, que es una fuente inagotable de ideas. 

En todo caso, Enrique, componer para una banda tan exigente en lo instrumental como Opera Magna, que requiere no sólo riffs pegadizos, sino también un trabajo intenso de orquestación, no debe ser nada fácil ¿puedes hablarnos del proceso creativo? 

Enrique Mompó: Bueno, es trabajo lento y tedioso, porque se parte de una idea concreta, y hasta llegar a completar toda la canción, hay muchas tomas de decisiones. Ahí es donde creo que esta el punto de inflexión: ser crítico y ver las diferentes posibilidades en las que puede convertirse una canción. 

Normalmente trabajo la melodía y la armonía a la vez. Cuando tengo una idea interesante la maqueto con varios arreglos, hasta encontrar el que más le pega. Voy puliendo la sección y la continúo con una o dos ideas posibles. Es importante trabajar, reposar y escuchar. Pero lo más importante es tener intuición u olfato, que es esa cosa que te dice que una idea es mejor que otra en función de tu propio valor estético. Para mí la mejor brújula es la emoción. 

Pero si Opera Magna es exigente en lo instrumental, también lo es y mucho en la voz, por favor José, ¿puedes hablarnos un poco de cómo es cantar en Opera Magna?, ¿cómo preparas y cuidas tus habilidades vocales?

José Broseta: Te puedo decir que últimamente lo que más estudio es el repertorio de Opera Magna y cómo poder llevarlo al directo en condiciones. Es un material muy exigente y quiero afrontarlo con la mayor solidez posible.

Trabajo con un coach vocal en Valencia, Alberto Andrade, que me ayuda a cantar de forma saludable y a mantener la técnica en su sitio. Eso me permite relajarme en el escenario, disfrutar de la actuación y no comprometer mi salud vocal.

Por cierto, José, que siempre apareces en las listas de mejores vocalistas de metal en España ¿Cómo es estar en la vanguardia de este género en nuestro país? 

José Broseta: Es algo que agradezco muchísimo, sobre todo porque viene del cariño del público, pero no puedo evitar sufrir un poco de síndrome del impostor cuando veo mi nombre al lado del de cantantes consagrados. Aun así, es genial ver que puedo conectar con la gente y eso es todo un honor.

Ambos tenéis proyectos paralelos que no solo conviven bien con la banda, sino que hasta generan sinergias positivas ¿queréis contarnos un poco al respecto? 

José Broseta: Es cierto que en el pasado me he implicado bastante en otros proyectos, como Systemia, pero hace ya un tiempo en el que estoy centrado en Opera Magna. La excepción sería The Backseats, un grupo de covers en el que comparto escenario con músicos increíbles como Joan de Gigatron, Monty Peiró ex-Sweet Little Sisters (y mil proyectos más) Davish de Angelus Apatrida, Cristobal ex-In Mute, Vicent ex-Toxia, con los que hacemos un concierto súper especial al terminar el año…pero aparte de eso, solo participo en algunas colaboraciones como la más reciente con Íseldur o las repetidas veces que he tenido la suerte de grabar para “Legado de una tragedia” de Joaquín Padilla.

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Por cierto, Enrique, que en cada uno de tus grupos tocas diferentes instrumentos, ¿hay algún cacharro al que no sepas sacarle música? 🙂 Y ahora más en serio: ¿qué objetivos futuros tienes en lo instrumental?, ¿hay algo que aún no hayas probado y que tengas en mente incorporar? 

Enrique Mompó: Cada instrumento ha llegado en un momento vital diferente, atendiendo a un interés o una necesidad. Cada instrumento me ha llevado a un sitio diferente, y me ha hecho entender un poco más la música. Me encantaría tocar todos los instrumentos del mundo, pero me conformaré con las librerías de sonido. Ahora mismo con la cantidad de carga de trabajo, conciertos y compromisos de la vida adulta, es difícil encontrar tiempo para desarrollar todas las facetas que me gustaría. El poco tiempo del que dispongo lo uso para componer, producir, tocar de forma distendida, y repasar repertorios.

Quiero preguntarle lo mismo a José: que, como muchos de los más grandes, comenzaste a cantar un poco de casualidad (ya que antes tocabas la guitarra en otro proyecto), que sorprendiste a todos empezando directamente con un nivel altísimo, y que además cada año nos sorprendes con una performance aún mejor: ¿qué nuevos objetivos o metas tienes en el uso de tu voz?, ¿hay algo que aún no hayas probado y que tengas en mente incorporar?

José Broseta: Mi objetivo a nivel vocal ahora mismo es seguir entrenando la técnica que me permita hacer los conciertos de Opera Magna con la exigencia necesaria, estoy al 100% con ello. Estaría bien seguir ampliando registros y recursos, pero ahora lo que más me motiva es poder disfrutar del directo y dar el máximo en cada actuación.

Para finalizar: ¿Cuál es el futuro de Opera Magna? 

José Broseta: Ahora mismo nuestro futuro inmediato es celebrar en directo esta gira del 15 aniversario de “Poe”. Además, es la primera gira desde que Juan Lahuerta es oficialmente batería de la banda, y estamos deseando que la gente pueda vivir estos conciertos con nosotros. 

Después de eso, lo normal sería pensar en material nuevo, pero no es algo que tengamos decidido aun.

Muchas gracias por contestar esta entrevista y por hacer lo que hacéis. Nos vemos en vuestra gira de aniversario, que ya empieza con primera parada en Zaragoza. Si queréis añadir alguna impresión relativa a esta inminente gira ¡es el momento!

José Broseta: ¡Gracias a ti por la entrevista! Pues aprovecho para decirle a la gente que nos hace mucha ilusión traer de nuevo al 2026 el legado de nuestro disco “Poe”, ya que fue un álbum que nos definió como banda. Va a ser una gira muy especial, ¡esperamos ver a todo el mundo!

Assignment es una banda originaria de Alemania, a menudo etiquetada como metal progresivo, con un sonido muy único y depurado. Llevan componiendo desde principios de los 90 y acaban de sacar su último álbum de estudio With The End Comes Silence, un disco futurista y distópico, a la vez lleno de pasajes delicados y evocadores. Hemos tenido la oportunidad de hablar de ello con su fundador, Goran Panić.

Buenas tardes, soy Cristina de Track To Hell, muchas gracias por concedernos esta entrevista. Lo primero, quisiera daros la enhorabuena, la banda lleva recorrido un largo camino desde 1994, más de 30 años de trayectoria, y ahora acabáis de sacar un estupendo álbum, With The End Comes Silence, que demuestra que estáis más vivos que nunca. Por favor, Goran, ¿puedes hablarnos un poco de esta actual etapa de Assignment?

Bueno, desde nuestra perspectiva, es un paso más en nuestro viaje musical. Es nuestro tercer disco con Diego Valdez en la voz, así que ahora hay una estabilidad consolidada, y aparte de la salida de nuestro tecladista de siempre, Gert Sprick, la formación también es la misma. Como banda, y yo como principal compositor, el objetivo es el mismo de siempre: intentar mejorar y sonar mejor en cada lanzamiento. Si no creyéramos en lograrlo, no nos molestaríamos en hacerlo.

Y en tu opinión ¿han evolucionado también las cosas a vuestro alrededor?, ¿cómo valoras la escena del metal progresivo en los últimos tiempos? ¿Y qué papel juega la IA en este ámbito artístico?

En general, no me gusta el término “progresivo” en lo que respecta a la música. Me niego a que me llamen progresivo, ya que se asocia con ciertos rasgos distintivos de nuestro sonido: canciones largas, compases irregulares, cambios de tempo y demás. Amigos, todo esto se hizo hace mucho tiempo… Se podría decir que Kansas o Rush son progresivos, pero como ya dije, ellos ya hacían eso en los años 70… Supongo que el nombre se convirtió en el cajón de sastre que la industria musical necesita para etiquetar el producto… Así que, en realidad, lo que prefiero es incorporar diferentes estilos a la música, que puedan crear distintos paisajes sonoros. 

Y nuestra opinión sobre la IA la dejamos clara en el libreto que acompaña el disco: estamos totalmente en contra porque creemos que deshumanizará a la humanidad y acabará con todas las formas de arte.

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Estoy fascinada por With The End Comes Silence, sobre todo por su tema central. Desde la portada se insinúa la distopía, un aspecto que se desarrolla muy bien en la letra de la canción homónima. ¿Te inspiraste en la realidad para escribirlo o es todo ciencia ficción?

Desafortunadamente, en la realidad actual del mundo. Y el hecho cada vez más evidente es que la humanidad no aprende de su pasado. Ese es un punto, además del que mencionaste antes: el desarrollo tecnológico, que se está volviendo inquietante, lenta pero inexorablemente. En resumen, el futuro no pinta nada bien, desde luego no está hecho de rayos de sol y arcoiris…

Musicalmente, es un álbum muy completo, atmosférico y evocador. Me encanta su estructura y el equilibrio entre los instrumentos. ¿Es difícil componer un álbum así, con tanta atención al detalle?

Quizás no sea difícil, pero sin duda requiere mucho tiempo y esfuerzo. Después de terminar la primera demo de una canción, paso a la siguiente. Cuando siento que tengo suficiente material e ideas para el álbum, empiezo a revisar las canciones para la siguiente etapa, donde pueden surgir muchos cambios. Y de una canción a otra, eso puede ocurrir una vez, o incluso varias, siempre y cuando no sienta que “ya está”.

Hablando de los diferentes instrumentos, por favor, cuéntame más sobre este teclista: Bratislav Metulski. Lo vi en tu página web y quiero saber más.

Bueno, si lo viste en nuestra página web, seguramente pudiste leer su información: es un payaso muerto, asesinado por un psicópata llamado Nihil Baxter. ¿Y has visto su foto? ¿¡Qué es esto!?, ¿verdad? Es muy divertido, además, obviamente es un personaje ficticio. Después de que nuestro tecladista de toda la vida, Gert Sprick, dejara la banda tras el álbum “Reflections”, necesitábamos un reemplazo. Pero no pudimos encontrar al adecuado, sobre todo por falta de tiempo. Cuando compongo las canciones y creo las demos, suelo incluir algunas ideas sobre lo que podrían hacer los teclados. Así que los chicos dijeron: “Goran, tendrás que hacerlo tú”. Y Goran lo hizo, pero Goran no es tecladista, así que inventé a Bratislav Metulski por ahora… Pensé que si Running Wild puede tener a Angelo Sasso en la batería, ¿por qué Bratislav Metulski no puede estar en los teclados? Así que es solo por diversión, nada más…

Ya hemos visto dos sencillos del álbum, “Fallen” y “Angel of Berlin”, cuyo vídeo me ha parecido muy bello e intrigante, con este joven caminando por la ciudad. ¿Puedes contarme más sobre esta canción y las ideas que expresa el vídeo? Me encanta.

Bueno, el vídeo refleja a la perfección la letra de la canción. Y la letra se basa en una experiencia personal. Mi empresa me envió a Berlín por un proyecto, pero esa oportunidad surgió en un momento en que estaba pasando por serios problemas personales; me sentía completamente vacío y agotado. Y de repente, conoces a alguien y experimentas cómo dos almas rotas se sanan mutuamente y se enamoran, pero sabiendo que no pueden tener un futuro juntos. Épico y trágico a la vez…

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También me impactó “With the End Comes Silence”, la canción que da nombre al álbum, que, en mi opinión, es una de las más potentes y progresivas del disco. Cuéntame más sobre ella y: ¿tendremos también un videoclip para esta canción? 

No está previsto grabar un videoclip para la canción, simplemente porque es la más larga, con 9 minutos de duración. Sin duda, es la canción más progresiva del disco, y a mi parecer, también la que tiene el estribillo más pegadizo. El tema se basa en la frase “you´ll never miss it, until it is gone away” (en castellano: “nunca lo echarás de menos hasta que se haya ido”). Esta frase se aplica al final de una vida, al final de una relación o incluso a la disolución de una banda. Pero como nada dura para siempre, hay un mensaje positivo. En la letra de la canción se lee: “Morning mist, and the sun awakes the smell of roses, with a smile, i await the end that life composes” (“Niebla matutina, y el sol despierta el aroma de las rosas, con una sonrisa, espero el final que la vida compone”).

Es cierto que suena a un final pero también a un futuro interesante. Por cierto, en tu opinión, ¿cuál es el futuro de Assignment?

Ojalá un par de discos más, ya que esto es algo que solo depende de nosotros y que siempre lo tenemos en mente. También estamos trabajando en algunos directos que, si todo sale bien, podrían concretarse muy pronto.

Ojalá que sea así, y podamos veros en directo pronto… ¿en España quizás? He notado que, a pesar de tener miembros hispanohablantes, como Diego, no soléis visitar mucho nuestro país. ¿Podremos veros en el sur de Europa en estos próximos shows en vivo?

Bueno, primero tendríamos que recibir una invitación… Otro problema es que la mayoría de los miembros de la banda tienen trabajos a tiempo completo, familias con hijos y otras obligaciones además de hacer música. No es imposible, pero sí muy difícil. Definitivamente nos gustaría y no lo descartamos.

Muchas gracias y felicidades por el buen trabajo.

¡Gracias Cristina por tu interés y apoyo! Que fluya el metal.

Dark Moor es una de las bandas más internacionales del metal / hard rock sinfónico que tenemos en España. Este sábado 18 de abril nos ofrecen la cita ineludible de su concierto de 25º Aniversario, en una fecha única en el Movistar Arena.

Hemos tenido la oportunidad de charlar hablar brevemente con su fundador y guitarrista Enrik García, sobre esta celebración y el complejo momento que atraviesa la escena actualmente. Esperamos un llenazo este fin de semana y poder seguir escuchándolos muchos años más.

Hola Enrik, muchas gracias por concederme esta entrevista. Lo primero quería darte la enhorabuena, estáis de aniversario, la banda que tú fundaste cumple ahora 25 años. Por favor, ¿puedes hablarme un poco de la etapa actual de Dark Moor y cómo estáis viviendo esta celebración?

Pues está siendo muy especial para nosotros, estamos recibiendo mucho cariño por parte de los fans y eso para nosotros es lo que nos da energía y nuestro pago por todo el esfuerzo. El pasado sábado tocamos en un festival en Dinamarca, Epic Fest, en el que nunca habíamos tocado y había literalmente miles de personas esperando para vernos por primera vez, fue muy emocionante.

La banda en la actualidad está muy centrada en estos conciertos y dar el máximo posible en directo porque nuestros seguidores se lo merecen.

Además, aquí en Madrid, nos espera este fin de semana un concierto por todo lo alto, ¿puedes ponernos un poco los dientes largos dándonos algún detalle sobre qué podemos esperar este sábado en el Movistar Arena?

Sí, va a ser un concierto que hemos preparado con muchísimo cariño y va a ser único e irrepetible. Vamos a tocar canciones que llevábamos mucho tiempo sin tocar, e incluso alguna que no hemos tocado nunca en directo, haciendo un recorrido por todos nuestros álbumes, que son once en total. 

Además vamos a contar con tres invitados de lujo: Javi Díez a los teclados que ha tocado con bandas tan importantes como Mago de Oz o Arwen, con Óscar Calvo al violín, de Cronómetro Budú, y con la soprano Mariana Otero, que creo que va a sorprender muchísimo a nuestros fans por sus dotes y el tándem que va a formar con Alfred, nuestro vocalista.

Estáis lanzando algunos vídeos increíbles con versiones en español de algunos de vuestros temas más icónicos. También tenemos canciones nuevas en nuestro idioma como “V de Vendetta”. ¿Podemos entonces adivinar un futuro nuevo álbum de Dark Moor totalmente en castellano? 

Ojalá, pero ahora mismo no hay un futuro claro para la banda, su continuidad es una incógnita para nosotros mismos. Es posible que esta gira sea nuestra despedida, pero es algo que el futuro dirá. Ojalá podamos seguir muchos años más, pero ahora mismo es complicado.

Ojalá así sea. En cualquier caso, habéis conseguido posicionaros como una banda plenamente internacional, acabáis de estar tocando en Dinamarca… ¿Qué es, en tu opinión, lo más gratificante de ser una banda internacional y cuáles son sus principales retos?

Es tremendamente complicado conseguir tocar en Europa o Asia, como lo hemos hecho nosotros. En Latinoamérica es algo más sencillo para las bandas de aquí, pero cruzar los Pirineos es muy difícil. Nosotros al cantar en inglés en la mayoría de nuestra discografía ha sido algo más fácil, pero la exigencia y competitividad que hay es muy, muy fuerte. 

Para nosotros es un honor haber podido abrir camino en este sentido para otras bandas que nos puedan suceder. Tocar en países como Japón o Corea, o en Rusia, Holanda o República Checa y ver a cientos de fans que te conocen, te siguen y te aman por tu trabajo y tu música es una de las cosas más bonitas que hemos tenido la suerte de vivir.

¿Qué otras cosas podría deparar ese futuro complejo a Dark Moor? Ya que habéis regresado al estudio, ¿podemos esperar temas nuevos próximamente?

Como te digo, ahora mismo el futuro de la banda es una incógnita. Pero también te puedo decir que yo a nivel personal tengo muchas ganas de seguir haciendo música, y de hecho tengo un disco casi completamente compuesto. Ojalá pueda ser un nuevo disco de Dark Moor.

Para finalizar, si pudieras viajar atrás en el tiempo y encontrarte con aquel Enrik de los 90 que empezaba a dar forma a Dark Moor, ¿qué consejo le darías después de todo lo aprendido?

Bueno, para mí es fácil, ya que soy profesor y director de una escuela de música y hay muchos chavales a los que aconsejo qué hacer. Lo más importante es creer en lo que haces y disfrutar de la música y de compartirla con el público. Que tengan paciencia y que donde se cierra una puerta, siempre se abre otra.

Muchas gracias por tu tiempo y ¡mucha mierda para el sábado!

¡Gracias a vosotros y vuestro fantástico medio!

Hoy he tenido la suerte de charlar con Ben Hutcherson, guitarrista y co-vocalista en la banda de doom metal norteamericana Khemmis, que acaba de sacar su quinto álbum de estudio. Ben es un tío encantador y comprometido que confiesa estar pasando por el mejor momento de su vida en los cuarenta tras trabajar mucho en su salud mental, dejar atrás sus adicciones y su empleo “formal” en el mundo académico. Aunque sus convicciones están claras tanto para él como para el resto de la banda y hablamos de ellas ampliamente, el álbum que ya esta online no es en absoluto político ni de crítica social, sino un disco centrado en la belleza del arte y en aportar esperanza y felicidad a los seguidores del doom metal.

Buenas tardes, Ben, gracias por concederme esta entrevista. Lo primero darte la enhorabuena: más de 10 años de banda, vuestro 5º álbum de estudio salió hace unos días, y además estáis a punto de empezar un tour que va a ser bastante largo ¿cómo estás viviendo esta etapa tan ajetreada de Khemmis?

Buenas tardes, encantado de charlar contigo. Lo has dicho muy bien, es una etapa “ajetreada”. Pero estamos muy ilusionados con todo esto. El nuevo álbum acaba de salir, y la acogida de los singles ha sido fenomenal. Y en concreto hoy, llevamos desde muy temprano esta mañana haciendo entrevistas y después cuando acabemos, Dave, nuestro bajista, y yo, vamos a llenar la furgoneta y vamos a conducir nueve horas hasta Oklahoma para ir a tocar con Acid Bath este fin de semana. Los otros dos compañeros irán allí en avión. Va a ser un fin de semana genial. Va a ser el primer show en un verano efectivamente muy ajetreado: tenemos muchas fechas en todo EEUU, y se acaban de anunciar algunas fechas europeas, más otras cuantas que quedan por confirmar y que probablemente anunciaremos la semana que viene o la siguiente.

¿Alguna de esas nuevas fechas será en España o cerca?

Si te soy sincero, no lo recuerdo. Hemos estado trabajando con diferentes fechas y borradores de la gira. Pero si no fuera en esta ocasión, seguro que sería para el verano de 2027 o muy pronto. Queremos volver a Europa el año que viene para una gira más larga. Así que si no nos véis en España de aquí a otoño, eso es que nos veréis el verano siguiente.

Sobre el nuevo álbum, se llama “Khemmis” al igual que la banda y los singles son videoclips muy originales ¿puedes contarme un poco sobre el concepto principal de este disco y qué podemos encontrar de nuevo con respecto a los anteriores?

Claro. ¿Cuál sería el concepto principal del disco? Verás, Deceiver fue un álbum que grabamos y que se inspiró en momentos muy oscuros de nuestras vidas personales. Por ello fué un álbum muy difícil de grabar. Tuvimos que explorar gran parte de nuestras tragedias personales, y estamos contentos de haberlo hecho. Yo por ejemplo acababa de ser diagnosticado acerca de mi salud mental y también llevaba un tiempo sobrio, decisión que había tomado sólo unos pocos años antes. Y debo decir que estoy muy contento de haber llegado sobrio al encierro que supuso la pandemia del Covid. No sé cómo hubiera podido sobrevivir a eso si no hubiera estado limpio en aquel momento… Entonces, cuando llegó el momento de grabar este nuevo disco, teníamos claras algunas cosas: musicalmente queríamos hacer algo concreto, que además también tiene que ver con la etapa de giras muy intensas que acabábamos de terminar. Hemos estado girando muchísimo después de sacar Deceiver, estuvimos de gira con Trivium, con Mastodon… hicimos una gira europea enorme tanto de festivales como de cabeza de cartel… 

Así que lo que queríamos era hacer un nuevo álbum que tuviera una buena pegada en directo, que eligiéramos la canción que eligiéramos, pudiéramos confiar en que iba a funcionar con la energía adecuada ¡que tuviera poder! Y algo que no queríamos era volver a excavar en nuestras tragedias personales, pues ya lo habíamos hecho profundamente antes. Así que para escribir las letras y encontrar la inspiración, seguimos un principio fundamental, que ha sido “grabar un álbum que, si lo hubiera hecho otra persona, a nosotros nos encantara”, un álbum que realmente no sorprendiera y tuviéramos ganas de escuchar.

Además, como el mundo entero actualmente, y muy especialmente nuestro país, EEUU, es un lugar tan aterrador y está tan roto, que todo parece que está en llamas… esta vez no quiero desarrollar un arte que me haga sentir aún peor, o que me pida una nueva reflexión sobre la muerte de seres queridos o las batallas que cada uno está luchando. Quería escribir sobre algo que transmita esperanza. Y por supuesto, como es metal, va a seguir siendo oscuro. Desde luego. No vamos a ponernos a tocar escalas mayores y hablar de la luz del sol y los cachorritos, no vamos a pasarnos a la positividad tóxica. Seguirá siendo oscuro, muy melódico y melancólico. Y será una historia totalmente ficticia, por primera vez en la historia del grupo nos basaremos en crear ficción. Porque antes siempre hemos hablado de nuestras vidas y hemos usado diferentes metáforas. Pero esta vez todo es ficción. Claro, todos sabemos que cuando alguien crea algo siempre pone una parte de sí mismo en la creación, y aunque deliberadamente hagamos ficción habrá algo dentro que tenga que ver con nuestro recorrido vital y nuestras luchas personales y estos temas… Pero el corazón del disco es una celebración: reconectar con el placer del Heavy Metal con mayúsculas. Musicalmente, estéticamente, espiritualmente… 

Y es que internamente estamos redescubriendo el placer de crear heavy metal, juntos, como amigos y como hermanos. De una forma muy integral. Lo estamos sintiendo como el cierre de un círculo. Ya no estamos en la etapa de fingir que tenemos veinticinco años… Yo no quiero volver a tener veinticinco años, tengo cuarenta y un años y con sus altos y sus bajos creo que me siento cómodo a nivel espiritual. Al menos casi todo el tiempo. No quiero volver a sentirme como me sentía cuando era más joven. Y sé que les ocurre también a mis compañeros. Y creo que esto nos ha hecho mejores como banda, a nivel creativo, profesionalmente, y también en el escenario. Y lo que queríamos era conjugar todo esto en un nuevo disco, donde la música suene salvadora, triunfal… que suene como algo que te de ganas de coger una buena cerveza fría, o en mi caso un Red Bull sin azúcar, y bailar y menear la cabeza y sentirte libre por un rato. Y este es el tipo de atmósfera que queríamos transmitir en este nuevo disco.

Ben, eso es muy interesante y desde luego coincido contigo en que necesitamos también un poco de esperanza y felicidad en estos tiempos oscuros.  Y me alegra mucho escuchar que te sientes bien contigo mismo, además después de los cuarenta. Todos los cuarentones que conozco, incluida yo misma, estamos pasando unas crisis de la mediana edad a nivel estratosférico… pero en tu caso es al revés, estás en un punto álgido y se te nota. 

Bueno, para ser justos, he sido músico profesional tanto tiempo que siempre ha parecido que estaba atravesando una crisis de la mediana edad (ríe). Ya sabes, he pasado tanto tiempo de mi vida en una furgoneta vieja viajando por el mundo, poniéndome camisetas de heavy metal sin mangas. Siempre he parecido el tipo de persona que tiene un Chevrolet El Camino sin ruedas aparcado en su jardín… simplemente es la imagen que doy y ya está (ríe). Pero el hecho de que haya dejado mi trabajo anterior, más formal, también es importante en cómo me siento ahora… Yo antes era profesor de sociología y lo dejé en gran parte porque no me hacía feliz y además iba a seguir estando arruinado por mucho que trabajase. Este es el sistema. Así que prefiero estar arruinado persiguiendo mis sueños, creando arte y compartiéndola con el mundo, que estar igual pero manteniéndome en un trabajo que me drena el alma cada día. Entonces en este punto de mi vida una mala crisis de la mediana edad sería cortarme el pelo y ponerme un traje y corbata para ir a trabajar (ríe). 

La verdad es que iba a preguntártelo más adelante, porque precisamente yo también soy profesora de sociología y doctora igual que tú. Entonces tenía aquí una pregunta muy importante ¿qué porcentaje de cordura perdiste escribiendo tu Tesis Doctoral?

Jajaja, yo diría que ¡el 100%! Me destrozó (ríe). Lo estaba hablando el otro día con otro académico amigo mío, Edward Banchs, que ha estudiado el Heavy Metal en África, estábamos hablando de los programas de doctorado… Y a veces han venido a hablar conmigo estudiantes de doctorado, me hablan en algún concierto o en mi canal de Twitch, y me preguntan “¿debería hacer este grado, o este otro?”… y yo les digo “No. No lo hagas. El trabajo para el que crees que te estás preparando ya no existe. Vas a estar trabajando en una facultad y a la vez en cinco escuelas diferentes, por un salario mínimo… y eso asumiendo que consigas pasar el programa sin desintegrarte literalmente. Así que no lo hagas. Simplemente no lo hagas. Haz cualquier otra cosa”. Y no es que ya no crea en la educación, no es así. Yo tuve una mala experiencia y creo que eso sería suficiente para dar este consejo, pero es que además conozco a tantísima gente está en la misma situación: mi mujer tiene el doctorado, Phil Pendergast tiene el doctorado… Y Phil salió mucho mejor de todo aquello que la mayoría de la gente que conozco y aún así el doctorado le cambió totalmente, y él te lo dirá, dependiendo de como le pilles te dará más o menos detalles, pero podemos coincidir en que es duro. 

Pero a la vez, creo que esto conecta con una apreciación por ese tipo de disfrute que… mira yo sé lo que es estar en un sistema institucional en el que te sientes tan desconectado de todos los demás e incluso de tí mismo que hasta pierdes la esperanza en la humanidad. Pierdes la fe en ti mismo. No es algo bueno. Pero la idea de escribir música con mis tres mejores amigos y poder compartirla con el mundo, eso reduce mucho el sufrimiento. Si puedes contribuir a la vida de alguien, darle alguna pequeña luz en su vida o una esperanza… Yo lo sé porque en momentos de mi vida he necesitado muchísimo eso. Siento mucha gratitud por la música que he escuchado y que me ha mantenido a flote en mis años más oscuros. Los conciertos a los que he ido cuando pensaba que ni siquiera iba a ser capaz de disfrutar de la música en directo. Recuerdo algo muy vívidamente: poco después de conseguir estar sobrio, yo venía de un estado de bloqueo mental muy grande, y fuí a un concierto; estaba totalmente sobrio y yo pensaba que la música ya nunca sería capaz de hacerme sentir nada estando sobrio. Yo tenía este miedo y se lo había comentado a mi terapeuta, había reflexionado sobre ello muchísimo y creo que también se lo había dicho incluso a Mike, un gran amigo y de hecho el vocalista de la banda que iba a ver. Estaba muy asustado, pero en el momento en que sonó la música, mi corazón se abrió y lo sentí “sí, sigue ahí”… cuando acabó, se me caía una lagrimita. Así que sí: la música seguía ahí, seguía teniendo el poder de hacerme sentir con cada fibra de mi cuerpo. 

Y esa es la misión que queríamos imponernos: intentar hacer algo que pudiera hacer eso por nosotros si lo escuchásemos, y si a lo mejor puede hacerle sentir eso a alguien más… es lo que queremos hacer. Todo nos ha llevado a este punto y es como el siguiente paso inevitable en nuestra carrera. 

Es un hermoso objetivo y parece ser todo un reto para componer. Por cierto, que tanto Phil como tú, ambos tocáis la guitarra y cantáis, por lo que me pregunto si os resulta fácil o difícil poneros de acuerdo entre los dos a la hora de componer y escribir las letras, de decidir quién hace cada parte.

La verdad es que ya estamos en un punto en que todo esto sucede de forma bastante intuitiva. En realidad, la única relación más cercana que tengo es con mi mujer o mi familia más inmediata. Khemmis es la relación más larga y duradera que he tenido con nadie más en toda mi vida. Nos conocemos muy bien. Ya tenemos la habilidad de traer una idea creativa y ver las posibilidades, distribuir las opciones sin tener que pensarlo demasiado. No es que haya tres opciones “a, b y c”, no hay un orden riguroso ni unas estadísticas en las que basarnos. Es más bien como entrar en un estado compartido de creatividad entre los cuatro, donde las ideas fluyen muy bien. También sabemos muy bien cuáles son nuestros puntos fuertes y débiles, quién toca o compone mejor determinadas partes de una canción… Por ejemplo todos saben que yo me voy a pasar tocando demasiadas notas mientras que Phil va a tocar tres o cuatro notas, pero al final entre los dos y nuestros otros dos compañeros, encontraremos el punto medio adecuado. Además tenemos influencias muy parecidas. Aunque cada uno tenga su estilo de componer o cantar, bebemos de fuentes comunes, tenemos una paleta de colores compartida en gran parte. 

Tampoco se trata de lo que quiere tocar una persona en concreto, sino de qué hace la mejor canción. Probaremos muchas ideas, si tenemos por ejemplo ideas diferentes para un riff, si yo lo quiero hacer de una manera y Phil de otra, y luego Dave y Zach cada uno tienen también sus ideas sobre cómo debería quedar, simplemente lo probamos todo y buscamos qué opción convence a todos más completamente, y si ninguna nos parece buena a todos, no tenemos problema en dejar atrás esas ideas y crear otra nueva. No nos colgamos tampoco del resultado final porque el trabajo creativo nos gusta mucho. Trabajar y tocar juntos es el verdadero objetivo. Sabemos que si lo hacemos así el resultado final será bueno. Nadie puede decir “vamos a componer la mejor canción de la historia” porque eso es imposible, no va a ocurrir haciéndolo así. Pero si decimos “vamos a hacer algo juntos de lo que estemos orgullosos y que suene a Khemmis, siendo a la vez diferente a lo que ya hemos hecho”, pues eso funciona. Ni siquiera buscamos ser mejores que en trabajos anteriores, solo hacer algo nuestro y nuevo. Si la gente piensa que lo nuevo mejora a lo anterior, ¡genial!, pero si a la gente resulta que le gustan más los primeros discos, ¡pues bien también! Tan solo el hecho de que a la gente le guste algo que hemos hecho ¡ya es genial! 

Viendo los nuevos singles estoy segura de que a todo el mundo le va a gustar el disco nuevo. Por cierto, que cuando hablamos de cantar, tú te encargas de la voz gutural, que siempre son mis favoritas en las bandas de metal, pero también sé que es difícil iniciarse en ellas, ¿Cómo empezaste a cantar guturales?

Empecé a cantar, a ver… como hace diecisiete o dieciocho años… ¡hace ya demasiado tiempo! Estaba en otra banda, en Memphis, Tennessee, donde yo nací y me crié. Era una banda que hacía algo así como sludge-death-doom y se llamaba Galaxicon, y teníamos la idea de que todos en la banda tenían que cantar. Yo nunca antes había cantado pero dije “genial, lo probaré”… Hace tanto tiempo que no había muchos recursos para aprender, ahora hay cursos de instagram o youtube por todas partes y cosas similares que te enseñan a cantar guturales o cualquier estilo incluso gratis… No había nada de eso entonces. Lo único parecido eran unos cursos que impartía una mujer maravillosa, cuyo nombre ¡ay!, no recuerdo bien. Esta mujer tenía sus DVD llamados algo así como “The scent of screaming” y había enseñado a mucha gente grande, como Randy Blythe o Matthew de Trivium… pero yo no los tenía. Entonces mi aprendizaje fue de ensayo y error. Por ejemplo, probaba algo y luego decía “oh, no debe ser así, porque ahora no podré hablar en tres días” (ríe)… En algún momento me dí cuenta de que lo mejor sería aprender los fundamentos del canto convencional, la respiración, la técnica… y ya luego añadir los guturales a ese aprendizaje, y por fin pude cantar. Pero la verdad es que he seguido basándome en la prueba y el error, y puedes verlo a lo largo de nuestros álbumes, en cada uno he mejorado y he aprendido algo nuevo. Y creo que en Deceiver fue la primera vez que al grabar mis partes me dije “sí, está bien hecho”… me había ocurrido en alguna canción de Desolation, pero allí aún veía que me faltaba aprender ciertas cosas. No le aconsejaría a la gente empezar como yo hice, yo les diría “primero aprende los fundamentos del canto y ya le añadirás la voz demoniaca”.

Eso es un buen consejo. Verás hablábamos sobre la inspiración del disco: ya me has comentado que en esta ocasión os basáis en la ficción. Además conserváis el arte de la portada con un estilo que siempre me recuerda a la literatura de fantasía clásica… tenéis portadas que recuerdan a Elric de Melniboné, a personajes de Robert E. Howard o incluso a Lovecraft…  aunque luego las letras no son concretas en ese sentido… Querría preguntarte: ¿hay un “lore de fantasía” en Khemmis? y también ¿Qué referentes literarios son tus favoritos?

Sí, totalmente, podrías escribir un libro tan largo como la biblia sobre el lore de Khemmis: sobre quienes son los personajes, su historia… pero nos gusta ser un poco ambiguos porque nos gusta oír las teorías de los fans. Estuvimos leyendo un hilo de Reddit en el que algunos fans hacían teorías sobre todo esto… se fijaban en los diferentes álbumes y su arte y eso ¡nos parece genial!. Si simplemente telegrafiamos cada detalle, no quedaría espacio a la interpretación, que es una parte esencial del arte. Preferimos que cada cual haga su interpretación, salvo que fuera algo horrible, fascista o nazi, ese sería nuestro único límite; todo lo demás nos parecerá muy bien. Incluso si no es nuestra historia, nos parece bien. Porque no es el tipo de mensaje que estamos dando. No es una guía exhaustiva de algo. A mí me recuerda un poco a la saga de videojuegos Dark Souls. Porque los videojuegos de Dark Souls son geniales en ese sentido. La gente tiene millones de teorías y eso me encanta. Además es totalmente voluntario, puedes jugar perfectamente a los juegos de una forma más superficial, sin fijarte en todo eso, y disfrutarlos mucho. Pero si prefieres fijarte en los detalles y crear tus teorías, tienes otro tipo de experiencia.

Y sobre nuestras referencias literarias, Phil y yo tenemos muchas influencias, por ejemplo a mí me encanta Stephen King, especialmente la serie de La torre oscura, es una de mis cosas favoritas de todo el mundo, la he leído mil veces… También me gusta la ciencia ficción un poco rara y oscura, desde luego Lovecraft y muchos otros, terror, fantasía… Thomas Ligotti… todas esas historias en las que nada es como parece a simple vista. Y justamente todos esos tienen en común que su modelo de contar historias es no dar todos los detalles desde el principio, tienen una parte de misterio e interpretación abstracta. Algo que te deja espacio para crear tus propios mundos en tu mente y eso me llama mucho la atención. 

Gracias, voy a hacerte la última pregunta, no quiero robarte mucho más tiempo. Dime, como músico que lleva mucho tiempo en el mundillo y además como sociólogo ¿crees que estamos viviendo buenos tiempos o malos tiempos para el metal?

Bien, pues siguiendo la tradición clásica de la sociología diré que “depende”. Claro, depende: hay muchas cosas buenas en la sociedad humana actual que benefician al heavy metal y a la creatividad. Por ejemplo la barrera para entrar en el mundo de la música es mucho más accesible que en el pasado y creo que eso es bueno. Me refiero a que ahora más gente puede hacer su propia música por sí mismo. Ahora es posible que simplemente si tienes una guitarra, un ordenador y un programa básico, puedas componer y editar tu propio disco con una calidad aceptable. Incluso hay recursos para que las personas puedan aprender a mezclar audio a un buen nivel sin necesidad de pagar equipos caros o ir a clases. Y puede sonar bien. Con esto no estoy diciendo lo típico de que “cualquiera puede hacerlo” porque eso es una gran mentira. Pero es cierto que hoy en día la música es más accesible que en el pasado. Pero hay personas que ni siquiera pueden acceder a esos recursos, tanto aquí en los EEUU como en otros lugares. Como comentaba antes sobre mi amigo Edward Banchs, que ha estudiado el Heavy Metal en África… se nos olvida que mucha gente aún no tiene acceso a muchas cosas. Aunque tú veas que por ochocientos dólares en EEUU puedes costearte todo lo necesario para grabar una maqueta, hay millones de personas que nunca tendrán ese dinero ni tampoco la posibilidad de comprar esas cosas donde ellos viven. Así que el acceso aún debería abrirse mucho más. Creo que hay gente con mucho que aportar a la música y nunca podremos conocerlos. La música metal sigue siendo en mucho sentido un mercado copado por hombres blancos occidentales y eso tiene que cambiar. Los varones blancos occidentales han sido los dueños del heavy metal durante demasiado tiempo, como de muchas otras cosas… Yo quiero oír cosas que vengan de colectivos diferentes: de un origen étnico distinto o bien metal hecho por mujeres, por personas queer, metal hecho en otros idiomas… quiero ver su aproximación a la música, a la estética, a las historias… Y eso es algo que no se ha conseguido aún plenamente.

Otra cosa un poco buena y un poco mala del metal actual es que, por el lado bueno, por fin hemos llegado a un punto en que las oportunidades de experimentar la música en directo son enormes. Hay muchos conciertos todo el tiempo, de un montón de bandas buenísimas… Pero por el lado malo, hay gente que no valora esto. Empezando por nosotros los estadounidenses, en nuestro país ya no se valoran las artes, no hay ningún tipo de ayuda para las artes… entonces es todo una competición y un trabajo duro al borde de la ruina, lleno de problemas. Y algunos se enriquecen con el trabajo de los artistas, pero sin darles ninguna ayuda. Entonces me gustaría transmitir el mensaje de que los fans del metal deberían también actuar, por un lado abriendo su mente a grupos nuevos, de diferentes contextos, y también apoyando a aquellas bandas que les hagan sentir algo. Que les apoyen de la manera que sea: escuchando, comprando, yendo a conciertos… Y sobre todo que no den por sentado que siempre vamos a poder ver música en directo. Fíjate con la pandemia, parecía que todos los músicos nos iríamos a pique porque era imposible hacer un concierto, pueden pasar muchas cosas. 

Entonces estamos en un momento fantástico pero frágil en el heavy metal. No lo demos por sentado y apoyemos a los artistas. Comprar una camiseta, un disco o una entrada marca una enorme diferencia hoy en día, cada aportación cuenta muchísimo. Creo que además esto nos conecta de una mayor manera con la música, porque participamos de ella. Tenemos al alcance de la mano tremendas bibliotecas musicales con toda la producción de la historia de la humanidad y lo damos por hecho sin valorarlo. Creo que todo el mundo debería desinstalarse el Spotify porque hace mucho daño a la industria y también a los aficionados… Creo que es más intenso y valioso cuando vamos creando nuestra propia biblioteca, cuando conectamos con las bandas que realmente nos emocionan y les damos nuestro apoyo de persona a persona.

¡Que le den a Spotify!

¡Al 100%!

Muchísimas gracias por tu tiempo.

Gracias a ti, estoy deseando que vayamos a España muy pronto.

Se acerca un estallido en la noche en Buenos Aires porque Tronador está de regreso. Tras años de ausencia, la legendaria banda de los 80s vuelve al ruedo y brindará un concierto en Gier el próximo 30 de mayo.

Las novedades no terminan allí porque esta presentación en vivo estará acompañada por la reedicion de su clásico álbum, “Estallido en la Noche”, por vez primera en formato CD, totalmente remasterizado y con canciones extras.

Tronador fue una banda fundada en 1987 que, tras el fallecimiento de su guitarrista y fundador, el recordado Sergio Espina, deciden seguir adelante y consiguen grabar en 1991 su primera producción. “Estallido en la Noche”, editado en formato cassette, fue plasmado por la formación de Jorge Martinez en voces, Lucas Wagner en batería, Claudio “El Tano” Marciello en guitarras y Sergio Gonzalez en bajo.

Hoy, con el Vikingo y Lucas al frente, ambos miembros originales, la banda está de vuelta para rememorar aquellas canciones pero también para mirar hacia el futuro.

Por este motivo desde Track To Hell nos pusimos en contacto con Jorge “El Vikingo” Martinez para adentrarnos en los pormenores de este regreso. Y a su vez, también nos contactamos con Mariano Mazzei del sello 2M, responsables de la reedición del disco. Ambos nos brindaron detalles de este regreso.

Jorge, ¿cómo estás? Este regreso tiene dos aristas… por un lado el relanzamiento del disco “Estallido en la Noche”, pero por otro presentarse en vivo.

Sí, exacto. Tiene dos aristas, pero una va de la mano con la otra sin querer. No fue el cometido, no fue el propósito. Es decir, primero hubo unas cuestiones de avanzada, de relanzamiento de gente que le interesaba el disco y después charlas con el baterista (Lucas Wagner). Dijimos ¿cómo andas para cantar las canciones, todavía llegas a las notas?; ¿y a vos todavía te dan las patas para tocar? Una charla de amigos. Y bueno, fue así como empezamos a joder con eso y vimos que la bancábamos, que rendíamos. Que yo podía cantar esas canciones como hace treinta y pico de años y él está también impecable tocando como siempre. Entonces dijimos bueno, capaz que es ahora que nos tenemos que juntar. Y así fue. No fue a propósito, sino que la charla del disco trajo aparejado esto y bueno, acá estamos.

¿Cómo se conforma la banda actualmente?

Está Lucas Wagner en la batería. Marcela Maíz en bajo, Ramiro Mendoza en guitarra y bueno, yo en canto y guitarra también. Ahora llevo unas partes importantes en guitarra, así que estamos con esa formación.

Ya son 35 años de Estallido en la Noche.

Sí, sí, 35 años, ¿viste? El otro día justamente eso fue lo que estaba hablando con Lucas y dijimos che, 35 años del disco, es increíble. Y todas las cosas que pasaron en esos 35 años ¿no? Y eso hace también que capaz que tengamos ganas, porque al principio fue así. A ver cómo suenan estas canciones ahora en 2026, con el sonido moderno que hay ahora que es demoledor. Y dijimos bueno, vamos a viajar en ese túnel del tiempo, pero trayéndolo al presente. Y ahí vamos con Estallido en la Noche, porque las canciones suenan bien y porque ni imaginábamos que ya habían pasado 35 años. Esa es la verdad, impresionante.

¿Qué recordás de la grabación del disco?

Muchas cosas. Primero porque grabamos en uno de los mejores estudios del país, que aún hoy lo sigue siendo. Además, es un estudio histórico donde todo el rock nacional grabó ahí. Nosotros no imaginábamos esas cosas. Grabamos en Estudios Panda, un nivel profesional increíble, con un sonido increíble con prestaciones del lugar tremendas. El ingeniero de sonido, El Pájaro Randazzo, un tipo genial que es uno de los mejores del país, pero lejos, eh, y que trabajó, entre otros, con Valeria Lynch, Baglietto, Vitale, Mariano Mores. Bueno, es impresionante con la cantidad de gente que trabajó. Hoy en día está trabajando con Miguel Mateos. También grabó el disco debut de Logos. Porque nosotros lo invitamos a Beto Zamarbide a meter coros en una canción y Beto vio lo que el tipo hizo sonar la banda y entonces Beto después lo convoca para su disco de Logos. Y después quedó una amistad tremenda con el pájaro a través de los años, es un tipazo. Y hoy es uno de los número uno del país también.

Justo te iba a preguntar cómo se había dado esa colaboración con el Beto.

Claro, yo le dije Beto la famosa frase por aquellos años, hay que contextualizar, que hay una generación que no te conoce en vivo, no te conoce en el escenario. Tiene el recuerdo tuyo de V8, pero no en el escenario. Así que lo invité a cantar y después lo invité a un par de shows a cantar en vivo y eso es como que a Beto lo motivó, lo inspiró para volver después con lo que sería Logos. En esa época él andaba mucho de luthier. Es un gran luthier Beto y estaba con Horacio “Tucata” Suárez, que fue guitarrista de El Reloj, que Dios lo tenga en la gloria. Un gran luthier, de los mejores que hubo en el país. Bueno, Beto trabajó mucho con él y aprendió mucho de él. Entonces, en esas mateadas que nos mandamos a la tarde en el taller de Tucata, que él estaba ahí laburando y aprendiendo, de ahí vino “che, loco, venía a grabar, te tienen que conocer las nuevas generaciones” y después lo invitamos a cantar en vivo. Creo que hicimos un show en Obras por esa época, no recuerdo, y lo invitamos a Beto a cantar. Es decir, la amistad con Beto viene décadas y fue así como pasó.

¿Cómo fue la edición del disco en su momento?

Con la edición de hubo problemas porque en ese momento las cosas se masterizaban en cinta y se pasaban algo que se llamaba DAT. Y el DAT en definitiva es una cinta de fierro, de ferrum, que es tremenda. ¿Pero qué pasa? Cuando después de ahí lo van a masterizar a cassete o a disco o lo que sea, los técnicos que en ese momento hacían el pasaje del DAT a la cinta, ya sea en cassete o en disco, no estaban cancheros, entonces quedaba más rápido o más despacio, nunca la velocidad original. Y recordamos que decíamos loco, yo no canto así, mi voz parece una ardillita y yo no toco así. Pero ya no podías reclamarle a nadie. Una vez que eso estaba fabricado, impreso y y a punto de salir a la calle, no había forma de que lo arreglaran, así que quedó más rápido el disco. Quedó mucho más rápido, pero bueno, eso es con la tecnología se pudo corregir.

¿Cómo fue el proceso de remasterización? ¿Cómo lo trajeron hoy al sonido actual?

Claro, si bien el DAT es como te dije, es una cosa que ya está obsoleta para lo que es la tecnología de hoy, si vos lo cuidas y lo conservas bien, tiene una resistencia muy buena. El DAT llegó intacto, impecable a los días de hoy. Casi no se usó. Eso lo tenía guardado bajo siete llaves el baterista Lucas. Entonces fuimos a la casa de uno de los pocos que digitalizan en el país, que es un crack, Wilkie Amieva, es un fenómeno. Él digitalizó todo de lo que es el DAT al sistema digital. Y lo hizo fiel, con un sonido tremendo. Porque también se puede perder información si la persona no está ducha en hacer eso. El tipo sacó un sonido tremendo y después de ahí lo llevamos a mi amigo personal, Julián Bonino, que es uno de los pocos que hace Dolby Atmos en el país y lo separó canal por canal y lo masterizó y lo recontra remasterizó. Y no se puede creer como suena. Además, eso está pasado por sistema Atmos, que es un sistema de sonido envolvente. Es un sonido a 360° para que se entienda. Y es lo que se viene. Julián trabaja con bandas como Paradise Lost, Tarja, trabaja con muchas bandas de metal qué es lo que le gusta. Trabaja con un montón de estilos musicales, pero lo que le gusta es el metal. Y la amistad con él nació de una manera increíble. Él era fanático de la banda y en uno de los shows era muy chico él. Cuando nos reencontramos de vuelta me decía “yo pogueaba, yo saltaba y tengo un recuerdo del primer show que los vi, que fue en Remember, en la calle Corrientes, y guardo una púa de metal”. El Tano Marciello en ese momento se hacía las púas con monedas, las gastaba en el asfalto, en el cordón de la vereda y usaba esas púas y se la regaló. Y bueno, tiene esos recuerdos, esas anécdotas que hoy en día aquel pibito de 15 años es un todo un profesional, ¿no? El otro día fui a visitar a sus oficinas y es tremendo las cosas que hace. Y me dice loco, soy fanático de la banda y yo esto lo voy a hacer sonar, pero como nadie. Y no se puede creer lo que suena.

Me encantó que el arte de tapa es nuevo, pero respeta el original y ahora se luce mucho más, ¿no?

Sí, sí, totalmente. Mariano de 2M que es un fenómeno… -bueno, la verdad que todos ahí en 2M son gente macanuda y super profesionales- supo captar bien la idea. Junto con el diseñador de 2M captaron bien la idea y respetaron aquel espíritu. Entonces lleva la misma esencia, pero con la tecnología de hoy. O sea, es tremendo el arte de tapa que se mandaron. A mi humilde forma de ver, es una cosa muy cuidada, muy detallista. Está buenísimo.

Coincido, me encantó. ¿Y qué nos puedes contar del show en Gier? ¿Con qué nos vamos a encontrar?

Bueno, el show va a ser el 30 de mayo, ahí como bien dijiste en Gier y te vas a encontrar con que vamos a tocar todo el disco más especies de bonus track -que algunos aparecen en la reedición del CD- de canciones de aquella época que no fueron grabadas. Y prácticamente hoy van a ser primicias porque fueron tocadas en aquella época y nunca grabadas. Entonces vamos a tocar esas canciones compuestas de aquella época con el disco, más algún un cover, sorpresa por supuesto, Y tenemos unos invitados, pero tremendos, de lujo, que creo que no corresponde decirlo. Pero lo que sí puedo garantizar es que van a ver unos invitados que son parte de la historia del rock y metal arriba del escenario. Van a ver eso. Y hay tres bandas amigas que van a tocar ese día que son Brakas, Bansheera e Irizar Killers.

¿Y cuáles serían los pasos a seguir o los planes de la banda para el futuro?

Bueno, mira, en principio, tocar bien el 30. Y ya tenemos fechas cerradas para después del Mundial. Esperamos que pase el Mundial y que todo el mundo va a estar como pendiente de eso, y tocar. La idea cuando nos juntamos, dijimos que haya trueno para rato, si no, no tiene sentido. Y sobre todo las cosas, algo que es más importante que cualquier otra cosa, es pasarla bien. A veces también en este tiempo, con las ansiedades y todo, uno pierde de vista eso de pasarla bien, ¿no? Y se desespera y trata de buscarle el pelo al huevo y qué sé yo. Y la verdad que hace ya un tiempito, unas cuantas semanas, que decidí bajar 200 cambios y decir bueno, vamos a disfrutar de esto, porque si no, si uno no disfruta lo que va haciendo, ¿para qué sirve tocar? Entonces la idea es disfrutar e ir fluyendo. Seguramente grabaremos un disco nuevo. Como proyectos hay un montón y como realidad es esta fecha y hay unas cuantas fechas cerradas para después del Mundial.

Mariano, este fue un año bastante movido para 2M en materia de lanzamientos porque tuvo, entre otras cosas, el último disco de Megadeth. ¿Cómo fue esa experiencia?

Este año venimos con una agenda tremenda de lanzamientos. Ya arrancar el año con el lanzamiento del nuevo álbum de Megadeth, fue increíble. Fue una experiencia maravillosa, desde el comienzo de la negociación por la licencia, hasta el momento del lanzamiento. Mucho trabajo, muchas ideas, ¡realmente Megadeth es una banda gigante! Además de Megadeth, tuvimos otros lanzamientos importantes este año: Amorphis, Danko Jones, Mr. Big, Crazy Lixx, los 2 títulos de Udo Dirkschneider y se vienen muchos lanzamientos más.

¿Cómo se da lo de Tronador?

Nos contactó Jorge Vikingo Martinez, y nos contó su idea sobre la reedición del album de Tronador, un disco que está cumpliendo ¡35 años! Un pedazo de la historia del metal argentino. Nos pareció muy buena su propuesta y a ellos también les pareció bien nuestra propuesta sobre la reedición. Así que hubo algunas reuniones para charlar sobre el proceso y ahí arrancamos.

¿Cómo fue el proceso de remasterización?

Por suerte, Lucas (Wagner) tenía el Dat con toda la sesión de grabación del disco, así que se pudo trabajar sin problemas en un estudio, se van a sorprender con lo que suena esta edición.

El arte del disco también es totalmente nuevo.

El arte es completamente nuevo, obviamente antes se trabajaba con lo que había y si podía, pero se tomó el concepto original del arte y se actualizó, ahora hay muchas herramientas para mejorar y crear.

¿Querés comentarnos sobre los extras que incluye el disco?

Los 3 Bonus Track que trae esta edición, que fueron idea de Lucas y Jorge, dijeron que tenían algunas grabaciones más que no habían sido incluidas en el Cassette y que querían que salgan a la luz. Es lo más lindo que tienen las reediciones, poder contar con material que no se conocía de la banda.

¿Qué más podemos esperar de 2M para lo que queda del año?

Arrancamos con todo el 2026 y así vamos a seguir el resto del año. Se vienen las reediciones de Kamikaze, 3 y Víctima del Rock en Cd, Cassette y Vinilo. Nuevo album de Deep Purple, nuevo album de Tarja, también vamos a editar el álbum de DarloTodo y algunas otras producciones más que que ya hemos anunciado en nuestras redes.

Anneke van Giersbergen es una de esas artistas carismáticas e inmarcesibles que una vez tras otra nos regalan trabajos impecables. Habrá quien la conozca por su recorrido con The Gathering, con VUUR o con uno de sus diferentes proyectos en solitario, como Agua de Annique o el actual firmado con su propio nombre. También es posible encontrar su voz luminosa en sus múltiples colaboraciones con grandes nombres como Devin Townsend, Ayreon o Within Temptation. Talento y presencia se unen en una mujer poderosa y que nunca para de trabajar. Ella es la sonrisa del metal. Y hemos tenido la suerte de poder entrevistarla sobre los múltiples proyectos en los que está metida.

Hola, muchas gracias por concederme esta entrevista. Sé que estás muy ocupada estos días, con el disco La Mort, y girando tanto con tu proyecto personal como con The Gathering 30 aniversario… ¿Cómo estás viviendo esta etapa tan bulliciosa?

Estoy muy ilusionada, porque estamos a punto de salir de gira con The Gathering, que es algo genial. Ya hicimos algunos shows el año pasado con la formación original de la banda y se siente genial volver a los escenarios y cantar nuestras canciones. Estoy deseando hacer conciertos todo el año… Y desde luego con mi propia banda acabamos de sacar el nuevo EP y está funcionando muy bien. Creo que nos están prestando mucha atención, como vosotros, por ejemplo, con esta entrevista… Es muy agradable poder hablar con todo el mundo sobre el nuevo EP y las nuevas canciones. No me puedo quejar. 

He estado escuchando La Mort, es un trabajo maravilloso. El anterior, La Vie, también lo era. Por favor, ¿me puedes hablar un poco de este formato y del papel de cada EPs dentro de la trilogía?

Sí. Serán tres EP y sus títulos La Vie, La Mort, L’Amour, con como los tres pilares de la vida: la vida y la muerte, y lo que mantiene todo unido, que es el amor. Y en mis canciones hablo de estas cosas: del amor, de la pérdida, de la naturaleza… de las cosas que me suceden a mí personalmente. Hay muchos temas en los tres EPs, pero son temas comunes a todas las personas, o eso creo… Porque me he dado cuenta de que a veces escribo sobre mis cosas, lo que pienso o siento, y a veces llego a pensar que son cosas mías muy personales y que a lo mejor a nadie le interesará lo que cuento: desde luego, eso no importa ya que yo hago música porque amo hacer música… Pero lo curioso es que muy a menudo la gente me dice “estoy pasando por lo mismo”, o “yo también pienso sobre estas mismas cosas”… Entonces me hace sentir bien el poder compartir esas cosas. Reflexionar sobre la vida, la muerte, el amor… y estos temas. Así que para resumir, sería como una gran cesta donde caben distintos temas de la vida, divididos en estos tres pilares. 

Me han encantado las letras. Me ha encantado leerlas y creo que tanto la primera como la última puedo entender sus metáforas, por favor, corrígeme si me equivoco, pero creo que “Fade In Fade Out” nos habla sobre nacer, vivir, morir y nuestro legado… y “Sail Towards The Sun” es una hermosa canción que, ya has mencionado en otras entrevistas que le has dedicado a la memoria de tus padres…

Sí, así es, me alegro que te hayan gustado.

Son maravillosas. Y me encantaría que nos hablaras un poco más sobre las otras dos, que me resultan más enigmáticas por ejemplo sobre “Red Sky”, me encantaría saber  ¿qué significa ese cielo rojo hacia el que te guían tus sueños?

Claro, verás. No sé si te ocurre a ti, pero yo sueño mucho y cuando me despierto puedo recordar casi todo. Y en mis sueños puedo hacerlo todo, lo sé todo… En los sueños uno no tiene límites. En mis sueños puedo volar, componer música preciosa para toda una orquesta… y luego ¡me despierto! Y no puedo hacer todas esas cosas. Y me pregunto ¿por qué es así?… Y sobre la metáfora, siento que hay una gran nube, una nube repleta con todo el conocimiento del mundo, y podemos adentrarnos en ella en los sueños, pero cuando despertamos tenemos que aprender. La vida es más dura. Tenemos que atravesar muchas dificultades para aprender ciertas cosas en la vida… y quería escribir sobre esto. Sobre por qué la vida nos pone tantas dificultades y por qué no es más sencillo simplemente volar como en un sueño y alcanzar el conocimiento, aprender de una vez y sin dolor todo aquello que necesitamos para vivir y sobrevivir. Puede parecer un tema algo pesado, pero también puede ser ligero, si lo tomamos literal es la sensación de despertar de un sueño y darnos cuenta de que: ¡vaya! No lo se todo, no puedo volar, pero puedo aprender algunas cosas de esa experiencia.

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Muchas gracias, es una preciosa metáfora. La otra canción de la que quería preguntarte es “Handle Me With Care”, que me da la sensación de tratar sobre la competitividad o las personas tóxicas ¿cómo la describirías tú?

Algo parecido. Hay un contraste, porque la música es muy bailable, pero las letras sí, son más profundas. A veces la gente asume que eres de una determinada manera pero por dentro tú sientes que eres una persona totalmente distinta. Y a veces tienes que trabajar mucho para que la gente te tome en serio. De eso trata. Son unas letras algo más poéticas y abstractas que otras más directas. Pero ya sabes que la gente que escucha música también puede proyectar en ella sus propias ideas y sentimientos, su propia historia. También puedo decirte de ella que esta canción en concreto funciona muy bien en directo, suena muy bien y me gusta cantarla en directo así que va a estar en nuestro setlist en el tour.

Estoy deseando veros en directo y precisamente te quería preguntar ¿es difícil componer y coordinar una banda tan grande como la que te acompaña en este proyecto?

No, no es difícil. Me gusta mucho. Lo bueno de tener una banda grande es que hay muchos buenos músicos y todos tienen buenas ideas y opciones que ofrecer. Es todo un lujo tenerlos a mi lado. Y para componer, mi sistema de composición sigue un orden determinado: empiezo componiendo yo sola, por mí misma, casi siempre con la guitarra, a veces con el ordenador o con algunos bits de batería… voy grabando las demos, hago las canciones completas, y con este material acudo a la banda, a los componentes más centrales: la guitarra, el bajo, la batería…  Y trabajamos en las canciones. Después vienen los demás, el violín, los vientos… vienen después. Es un proceso de composición que me gusta mucho. Porque cuando empiezo componiendo yo sola, puedo pensar en qué es lo que quiero, tomarme mi tiempo… si tengo uno de esos días en el que no avanzo, no pasa nada, está bien, no hay presión. Resulta muy liberador componer por mí misma, pero también necesito a la banda porque lo completan todo y tienen ideas muy bonitas. Por ejemplo tenemos un teclista que hace unas preciosas melodías… Así que las canciones sí que crecen gracias a tener una banda grande en el estudio y en directo.

También estás trabajando en la tercera entrega, L’amour ¿nos puedes adelantar alguna cosilla de lo que vamos a encontrar en L’amour?

Sí, ya tengo algunas canciones en marcha… muchas ideas en las que quiero trabajar… todo está de momento en mi cabeza, tengo muchas cosas que aún quedan por desarrollar… pero ahora vamos a estar de gira y haciendo muchos conciertos, por lo que creo que será cuando llegue el verano que por fin podré sentarme y trabajar en todas las cosas que tengo en mi cabeza y todos esos pedacitos de canción que ya tengo en marcha. También creo que me va a venir bien la influencia de estos viajes… cuando viajo en las giras, sea porque brilla el sol, o porque conozco gente nueva… al final surgen nuevas ideas en las giras, y eso es lo que voy a hacer estos meses. Creo que me va a ayudar a sentarme en serio este verano a componer unas cuatro, cinco o a lo mejor seis canciones más.

Por cierto, que al leer el nombre de la trilogía: La Vie, La Mort, L’Amour me ha recordado a esta canción clásica de Nana Mouskouri, que trata los mismos temas en otro orden, La Vie, L’Amour, La Mort… me preguntaba si te has inspirado en ella.

No… no la conozco, creo. Sí conozco a Nana Mouskouri y me gusta mucho, mi familia ha escuchado siempre sus álbumes, y yo la he escuchado en casa un montón cuando era joven, pero no recordaba esta canción en concreto. ¡Ahora que me lo dices la voy a buscar! La verdad es que llegué a este título porque estaba escuchando una entrevista con un director de cine francés, o alguien dedicado al cine, no puedo precisar… Lo importante es que él hablaba de estos tres pilares de la vida, los mencionó en francés y me pareció muy inspirador.

Anneke, por favor, dime ¿Cuántos idiomas hablas? porque hablas inglés, entiendo que tu idioma natal es neerlandés, también entiendes francés y me consta que también español… ¿Cuántos idiomas hablas?

Bueno, un poco de todos estos idiomas, pero no tanto, sólo lo suficiente para manejarme un poco en las giras… ya sabes, cuando viajas vas recogiendo palabras aquí y allá. Desde luego el inglés… también escucho alemán, español, quizás francés… creo que estos serían los idiomas que más escucho cuando viajo, y puedo decir algunas cosas, pero creo que no podría por ejemplo hacer toda esta entrevista en español ¡aunque me encantaría! La verdad es que en los 90 empecé un curso de español, cuando estábamos de gira con The Gathering, hacíamos muchas giras, así que empecé este curso de español pero por los propios viajes terminé dejándolo, quizás debería haber seguido.

Eres muy querida aquí en España y en otros países de habla hispana en latinoamérica ¿Sientes tú también esa conexión especial con el público hispanohablante?

Sí. Eso es verdad. Y mira, mucha gente me pregunta por qué los títulos de la trilogía están en francés y siempre les digo que “porque es un idioma muy bonito” y también pienso que me gustaría hacer algo en español en el futuro próximo, pero estaba pensando en hacer una canción con la letra toda en español… también es un idioma muy bonito y muy universal. Sería muy natural para mí. La verdad es que en Europa el francés y el español son importantes y son idiomas que mueven el mundo. Además recuerda que yo vengo de Holanda y nuestro idioma hay que admitir que es un poco duro. Escuchar el idioma español, da igual lo que se diga, suena bonito, y me encanta dirigirme al público hispanohablante y también escucharles a ellos.

Además vamos a poder verte en el Rock Imperium de Cartagena… Ya nos has visitado otras veces ¿Hay algo que tengas ganas de ver o de hacer en tu paso por España?

Sobre todo a la gente. Me gusta porque en España la gente habla con el corazón. Cuando algo les gusta, se nota, hacen ruido, nos demuestran su amor. Y cuando algo no les gusta también se nota, lo dejan ver. En Holanda la gente es más reservada. Eso también está bien, me gusta ver a la gente que disfruta la música y cierra los ojos y se deja llevar por el sonido simplemente. Pero también me gusta venir aquí al sur de Europa, todo el Mediterraneo, la gente es más pasional, sobre todas las materias: la cultura, las películas, el arte, la música… Todo eso me hace mucha ilusión a mí y a toda la banda.

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También quería preguntarte por esta gira de aniversario de The Gathering 30 aniversario ¿Cómo surgió este reencuentro?, ¿quién tuvo la idea?

Fué idea de René, el guitarrista de The Gathering. La verdad es que llevábamos unos años sin hablar mucho. No teníamos ningún problema pero todos estábamos ocupados con nuestras cosas. Pero entonces mi mamá murió hace dos años. Y ella nos había acompañado mucho con The Gathering en nuestros primeros tiempos, los chicos la conocían y la guardaban mucho cariño. Entonces tanto René como su hermano Hans me mandaron unos mensajes preciosos para decirme cuánto lo sentían y cuánto querían a mi madre. Fué precioso. Así que después pensamos en vernos y tomar un café, ponernos al día, charlar.. Y después de quedar ya varias veces, un día René nos dijo que efectivamente el álbum Mandylion iba a cumplir treinta años. Por él habíamos obtenido un disco de oro en Holanda. Era un buen motivo de celebración y nos planteamos qué podríamos hacer que fuera bonito, como un concierto grande o algo así… entonces yo dije: “Si vamos a hacerlo, hay que hacerlo bien, a conciencia”. Por eso llamamos a Jelmer y fué muy agradable reunirnos de nuevo, la formación original. Empezamos a ensayar y nos gustó mucho. Las canciones antiguas seguían ahí y nos sentimos muy bien de tocarlas de nuevo. Nos sentimos hermanados todos. En realidad fue bastante espontáneo. Y además a la gente le gustó mucho. Sí que sabíamos que a la gente le iba a gustar, iban a disfrutar de vernos de nuevo con la formación clásica, y que iban a disfrutar celebrando el álbum Mandylion, pero de verdad que no esperábamos tanto entusiasmo. Estamos muy contentos.

Siempre te has movido mucho, has colaborado con muchas personas y te has destacado como Frontwoman, abriéndole el camino a otras mujeres en este mundo de la música. ¿Cómo ves el tema de mujer e igualdad de género en la música actualmente?

Me siento orgullosa. Creo que sí, que con The Gathering fuimos capaces de inspirar a otras mujeres, no solo vocalistas, también instrumentistas, o fotógrafas, o mujeres en general de la escena del metal. Estoy orgullosa. Pero todo sucedió muy espontáneamente. La banda buscaba vocalista. Yo hice la audición y salió muy bien, todo encajó. Nunca pensamos en que yo era una chica y ellos chicos. No estábamos pensando en cambiar nada en la escena del metal, que efectivamente era como de un 99% masculina. Simplemente pensamos “esto suena bien”. Así que quizás la fortaleza en la banda y nuestra música es la espontaneidad, sentir que funcionaba. Y ahora que ha pasado el tiempo, como compositora y como vocalista, creo que lo más importante es trabajar con tu propia visión y con lo que a tí te guste de verdad, de corazón. Fíjate, he visto a vocalistas ceñirse a un estilo musical simplemente porque había pocos ejemplos. Estoy pensando en los 90. Teníamos a Whitney Houston, teníamos a Bjork… eran geniales, pero muy específicas, y había otras cantantes que trataban de seguirles la estela a ellas como modelo concreto. Pero creo que lo importante para triunfar es ser una misma, cantar desde el corazón, usar tu creatividad y tu poder. Si lo haces así, da igual tu género, podrás aportar algo.

Pero efectivamente, hay algo diferente en la energía masculina y la femenina. Y creo que la energía femenina combina muy bien con los sonidos pesados del rock y el metal. Es una combinación perfecta. Y a mí me encanta también compartir y trabajar con esa energía masculina. Pero también me hace feliz ver que más mujeres, desde los 90, han entrado a formar parte de este mundo. En realidad diría que tenemos algo bueno en la escena del heavy metal, porque creo que sí es una escena muy abierta a las mujeres y al poder y la energía femeninas. Estoy feliz de ello. Desde luego queda mucho por hacer, pero en comparación con otros aspectos de la vida, creo que en el heavy metal las mujeres son muy respetadas. En cambio en los negocios, el deporte, la política… no es así. Hay mucho que conquistar aún para las mujeres, tanto a nivel de respeto como en cuanto a paga, a economía y más cosas. Por ello yo estoy feliz de trabajar en la música y en concreto en el heavy metal.

También quería preguntarte por algo relacionado con tu país, que es el parque de atracciones de las hadas: Efteling. Voy a ir con mi hijo de cinco añitos este verano y tengo entendido que podremos escuchar tu voz en el parque Efteling ¿por favor, me puedes contar algo más sobre ello?

¡Oh! Tu niño de cinco añitos, ¡qué mono! Es cierto: mi voz se puede oír en la atracción “Baron”, pero creo que es para más mayores. A mí la verdad es que me da algo de respeto montar: es una montaña rusa bastante grande y al principio hay un baile con fantasmas, que es donde se escucha mi canción. Así que si lo que quieres es escuchar mi voz, tal vez podéis hacer la cola, que es muy bonita y tematizada, pero no montar en el carro. Creo que podéis salir sin llegar a montar, es lo que yo haría porque de verdad que me asusta esa montaña rusa. Lo hice alguna vez: entrar para escuchar la música y salir sin llegar a montar. Es bonita pero da respeto. Espero que lo paséis muy bien. 

Es que haces de todo. También vas a estar haciendo algo en el teatro ¿es así?

Sí. De vez en cuando me gusta participar en el teatro de aquí… hacemos proyectos con otra gente de mi banda… y elegimos temas que nos puedan gustar. Ahora vamos a hacer un proyecto teatral basado en la música irlandesa. Lo hemos comenzado este año y ahora hemos parado pero continuará el año próximo. Es algo bastante diferente a mi música habitual y es que ¡es una locura cuántos teatros tenemos aquí en Holanda! Me siento muy afortunada porque creo que actuamos en total unas ochenta veces en diferentes teatros con este proyecto. Así que más adelante pensaremos otra idea bonita y haremos otras ochenta funciones. Es algo que hago de forma no exactamente paralela, pero sí algo diferente a mi música habitual.

Nunca paras

No. ¡Me encanta cantar!

Y también estás trabajando con Devin Townsend, con quien has colaborado otras veces. Apareces en el álbum The Moth que sale ahora en mayo. ¿Nos cuentas un poco sobre esto?

Claro. Como ya sabrás, Devin ha estado trabajando en esto durante varios años, y muchos más años antes de eso yo había colaborado con él y ya me enseñó algunas demos… era un trabajo enorme, me explicó que habría cuerdas y un coro… ya se veía que iba a ser un proyecto enorme. Recuerdo que pensé que iba a ser una locura de bueno y de grande. Y lo és. Y ya está a punto de salir. Estoy muy agradecida de que me haya invitado a colaborar en algunas canciones de este proyecto tan grande y tan bonito. 

Muchas gracias por tu tiempo, Anneke, y mucha suerte con todos los proyectos.

Gracias a ti por dedicarme el tuyo, espero verte en España muy pronto.

Mentiría si no señalara que he conocido a Hortzak debido a las estupendas películas del director Paul Urkijo, vocalista del proyecto. Pero Hortzak esconde eso y mucho más: el virtuosismo de unos músicos consagrados en la escena vasca (David Zabala, Asier Gabiola y Mike Cuesta, son sus compañeros), letras críticas y monstruosas, y un poco de esa referencialidad friki que tanto me gusta.

Sus dos álbumes de estudio son pequeñas joyas para disfrutar, sobre todo en formato físico ya que las portadas y arte interior son realmente impactantes. 

Y además podremos verles por primerísima vez en directo, este próximo mes de mayo de 2026, el día 10 en Vitoria, el 23 en Larratxo, Donostia (con Anestesia y Kudai) y el 30 de mayo en Lekeitio.

Sobre todo esto, hemos charlado con Paul Urkijo.

Buenos días, Paul, gracias por concederme esta entrevista. Hablamos de “Ez dut pozik egon nahi”, el nuevo álbum de tu banda, Hortzak. Es un trabajo excelente y en él me quiero centrar, pero desde luego no puedo obviar tu faceta como cineasta. Es muy probable que muchas personas te conozcan principalmente por éxitos como “Irati” o “Gaua”. Es casi obligatorio que te pregunte al menos ¿Cómo combinas estas dos vertientes artísticas? ¿Existen sinergias positivas entre ellas? 

Bueno, uno es mi oficio (el cine) y el otro es un proyecto que surge entre amigos. En plena pandemia del Covid, David Zabala, que es amigo de hace muchos años y guitarra de Hortzak, me dijo que estaba componiendo temas con Asier Gabiola (batería). Me propuso cantar porque sabía que me gustaba berrear… así que con ciertas dudas me puse a escribir las letras de las canciones. Hortzak surgió sin ningún tipo de pretensión. Solo para divertirnos y desahogarnos. Pero de alguna manera, al escribir las letras termino contando historias al igual que en las pelis. Supongo que las dos (las pelis y la música) son una forma expresión o de catarsis.

Tu nuevo trabajo musical es efectivamente “Ez dut pozik egon nahi” (“No quiero ser feliz”), un título que es toda una declaración de intenciones en una sociedad de consumo salvaje y artificial, que esconde muchos trapos sucios. Esto se refuerza en todo el álbum, especialmente en la canción del mismo nombre. Por favor, háblame un poco del proceso creativo de este álbum y de su mensaje principal.

Efectivamente es un grito de rabia y es un desahogo ante lo feo que estamos dejando el mundo y de la impotencia y la hipocresía en la que vivimos… Y básicamente el proceso creativo ha sido así: David y Asier hacen los temas y me los pasan para que les ponga letras. Y, en este último disco, Mike Cuesta se unió a la banda con el bajo. En el caso de las letras, se me van ocurriendo temas de los que me gusta hablar. En general son historias fantásticas, monstruosas o mitológicas, mezcladas con temas de mala ostia y violencia.

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Hortzak es una banda que defiende su música en euskera, en un género que, aunque sigue teniendo como idioma mayoritario el inglés, sí que se presta a la diversidad. Cada vez nos llegan más bandas cuya lengua y señas de identidad están muy arraigadas a sus lugares de origen, sean Noruega, Islandia, Mongolia o Brasil. Entonces: ¿Cómo es tocar metal en euskera? ¿Crees tú también que el metal se presta a la diversidad simbólica y lingüística?

Yo siempre he escuchado música en euskera. Y aquí siempre ha habido una escena muy potente de Metal, Hard Core, Black metal… con gente como Su Ta Gar, Anestesia, Numen, Berri Txarrak… Hay un montón de bandas y estilos muy diversos. Y para nosotros es normal porque hemos crecido con ello. Pero siempre hay un factor de reivindicar nuestra cultura e idioma. Y también de ser críticos con nuestro propio entorno.

Yo todavía no soy capaz de hablar euskera, pero sí he podido reconocer enseguida algunos insertos en el álbum, como el profeta loco de “La vida de Brian” que abre el álbum y más tarde la buena noticia de que volvemos a tener carne en el menú de “Las dos torres”, que le dan un toque de humor algo friki a un álbum que por lo demás trata temas serios y oscuros. ¿Puedes hablarme de estas referencias? 

¡Jajaja! Sí, es bastante Freak. Pero es lo que somos. Nos gusta meter esa clase de audios. Como lo han hecho muchas bandas antes de nosotros. La intro es del gran Terry Gilliam de profeta desquiciado, con el cual nos identificamos en su tono apocalíptico y absurdo. Y el audio de los Uruk Hai gritando eso de que hay carne de orco, siempre nos ha hecho mucha gracia (para mí una de las mejores escenas de LOTR) y nos venía genial para la canción “Antropofagia” que habla de la gente rica comiéndose a gente pobre porque la brutalidad del mercado libre lo ampara. Además, la primera canción “Horda Beltza” es un homenaje a los Orcos en general, que son los mejores, aunque siempre mueran.

También he visto de casualidad que, como yo, sigues entre otros a Raised By Owls, una banda a la que tengo mucho cariño pese a no ser nada conocidos en España, y que aportan grandes cantidades de humor a su música. Así que, siguiendo también el hilo de la pregunta anterior: ¿Qué papel tiene el humor en el metal, en tu opinión?

Pues siempre está presente porque nos lo queremos pasar bien y no nos tomamos demasiado en serio a nosotros mismo, en la vida en general. Pero también porque entre los miembros del grupo y colegas cercanos, el humor negro es una de las formas en las que mejor expresamos nuestras frustraciones. 

Como decía, los temas tratados en el álbum son profundos, serios y relevantes: encontramos violencia, avaricia, la impunidad de los poderosos… junto a la imaginería mitológica y religiosa y siempre con una fuerte perspectiva existencialista. ¿Cuáles son vuestras fuentes de inspiración? ¿Cómo de importante es la crítica social para Hortzak?

Pues lo que comentaba. Son tema que me molan, y la verdad es que no sé hacer nada sin cierta crítica o reflexión social. Y creo que mis compañeros piensan igual. Mis pelis también lo tienen de alguna manera. Creo que la rabia y el desahogo con la que vibra la potencia de las canciones precisamente viene de exponer el mundo en el que vivimos. Y la mitología siempre esta lleno de personajes y símbolos que ayudan a hablar de ello, pero desde una perspectiva monstruosa.

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Sois una banda relativamente joven, fundada en 2020 si no me equivoco, y siendo este vuestro segundo álbum de estudio. Parece que os estáis consolidando rápidamente como banda y en cuanto a sonido. ¿Puedes hablarnos un poco de los inicios de Hortzak y de la etapa que está viviendo la banda ahora mismo?

Como te he comentado antes, el comienzo fue algo improvisado. “Zabala” y “Asi” tenían los temas del primer disco y luego metí yo la voz. Luego como no se saben estar quietos pues se cascaron en muy poco tiempo otros doce temas. Y yo, no sé cómo, entre peli y peli saco el tiempo para escribir las letras… Ahora con Mikel y el segundo disco nos hemos propuesto hacer algún bolo. Aunque Zabala ya me dijo ayer que ya tiene un tema nuevo… no sabe parar el chaval, jajaja.

El nuevo álbum acaba de caer en mis manos hace pocos días y ya lo estoy quemando a base de darle vueltas en mi reproductor de CD. ¿Tendremos la oportunidad de disfrutarlo también en directo este año 2026?

Pues nos vamos a desvirgar en directo, porque tenemos algunos conciertos programados ahora en mayo por la zona de País Vasco. El 10 en Vitoria, el 23 en Donostia y el 30 en Lekeitio. Y habrá alguno más si sobrevivimos a estos. 

Y ya para terminar: ¿Dónde te gustaría ver a Hortzak dentro de otros 6 años?

Pues siempre decimos que Hortzak es para disfrutar y sin pretensiones. Sin ningún tipo de compromiso. Así que espero que sigamos sacando temas porque significará que seguimos disfrutando de hacer ruido.

Mila esker, muchas gracias por tu tiempo y enhorabuena por el buen trabajo.

Ya queda muy poco para la visita de The Rumjacks a España este mayo y, por ese motivo, hemos podido charlar con Johnny McKelvey, bajista y miembro fundador de la banda. Es una persona encantadora y está entusiasmado por volver a visitar nuestro país, donde el grupo siempre es muy bien acogido. Por mi parte, yo tengo muchas ganas de ver en directo tanto sus grandes éxitos como algunas de las nuevas canciones de su último disco, Dead Anthems (2025), además, el veinte aniversario de la banda se está acercando y Johnny nos revela algunos de sus planes para celebrarlo.

Hola, muchas gracias por concederme esta entrevista y dedicarme unos minutos. Sé que no tenéis mucho tiempo libre. Sois conocidos por ser una de las bandas que más gira del mundo. ¿Cómo lográis mantener esa energía constante a lo largo de los años?

Hola, muchas gracias a vosotros. La respuesta corta sería “por el público”. Porque no importa lo muy agotador y cansado que resulta estar de gira, viajar, trabajar de noche… todo eso es trabajo duro pero también es muy divertido y nos encanta absolutamente, por eso lo hacemos. Así que puedes estar cansado y desgastado, puedes estar incluso totalmente agotado ese día, pero en el momento en que subes al escenario y ves a los fans ¡todo eso desaparece! Así que hay otros momentos para sentirse cansado, pero cuando estás con la gente, ellos te dan su energía y borran todo el agotamiento ¡y por eso seguimos haciéndolo! Es la parte más bonita, dentro de todo lo que implica este trabajo.

Dentro de muy poco os veremos en directo en España. Sois una banda muy querida aquí, nos habéis visitado ya en muchas ocasiones, cada vez en salas más grandes. ¿A qué creéis que se debe vuestra conexión con el público español?

¿Pues, sabes qué es? De nuevo, es por la gente, los fans y las personas para las que tocas. Y, por muchas razones, creo que a los españoles les gusta pasarlo bien, les gusta la fiesta, aman la vida. Cada vez que hemos venido de gira por aquí, por las muchas regiones de España, todo el mundo es muy acogedor, las actuaciones resultan divertidas, todos están dispuestos a pasar un buen rato. Por eso se nos hace muy difícil decir que no a volver a España, tenemos siempre una acogida espectacular y nosotros lo disfrutamos mucho también. Es un país muy bonito y sentimos que somos muy afortunados de poder volver y actuar para gente que realmente tiene ganas de estar allí con nosotros. Puedes verlo, que todo el mundo está allí por el mismo motivo, que es disfrutar de la música. Me encanta.

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Por cierto, ¿Cómo habéis escogido a los teloneros que os acompañarán por nuestro país? Es curioso que en cada ciudad serán bandas diferentes y muy variadas.

Es una buena pregunta. La verdad es que nos gusta tocar tanto con bandas que hacen lo mismo que nosotros, que son del mismo género, y es como la elección más obvia lo de tocar con bandas similares… pero también nos gusta mucho la variedad. A mí, particularmente me gusta asistir a conciertos con alineaciones mixtas y variadas: es enriquecedor, porque aporta más cosas. Una noche con música que suena similar también tiene sus dificultades, porque el concierto puede durar cinco o seis horas. Por eso también pienso que el público encuentra refrescante que haya variedad. También si acuden a diferentes fechas a lo largo de una gira. Está bien cuando el público a lo mejor ni siquiera conoce a las bandas con las que tocamos ¡o que no nos conocen a nosotros!, creo que es algo positivo porque podemos complementarnos unos a otros. Todo aporta algo, y en esta ocasión vamos a tocar junto con varias bandas diversas y estamos contentos con ello.

Quería preguntarte también por el último disco “Dead Anthems” y la etapa actual del grupo. Además ya lleváis más de cinco años con Mike como vocalista y ya estáis plenamente consolidados con él. Así que ¿cómo son The Rumjacks en la era actual de la banda?

Es genial, creo que todavía estamos en la cresta de la ola respecto a la incorporación de Mike. Creo que esta ha sido la mejor decisión que hemos tomado como banda. Lo estamos disfrutando mucho, pero también estamos trabajando mucho, ya sabes que estamos mucho de gira, y “Dead Anthems” todavía suena a nuevo, tiene apenas un año de vida y eso es bastante joven para un disco. Así que nos estamos centrando en mantener al máximo esa energía y estar de gira y seguir adelante. Y uno de nuestros objetivos está siendo volver a visitar algunos lugares que no habíamos visitado aún, o no tanto, o hacía mucho que no volvíamos. Hemos tomado conscientemente la decisión de volver a ver a los fans que más han estado esperándonos. La verdad es que estamos muy contentos e ilusionados con esto, nos encanta estar de gira otra vez. 

Y además también hemos estado componiendo. Vamos a volver al estudio dentro de un mes o así y es posible que hagamos un lanzamiento pequeño, como un EP o algo similar. No es seguro, pero ya tenemos bastantes canciones. Así que ya ves: estamos de gira, componiendo… muy contentos porque las cosas se mueven adelante. Y a la vez, mientras hacemos todo esto, también estamos tratando de recordar que en 2028 será nuestro veinte aniversario, así que habrá de nuevo mucho que hacer y que girar. Tenemos por delante unos años muy ilusionantes.

¡Nunca paráis!

Nunca.

He estado mirando vuestros setlist y veo que estáis abriendo vuestros últimos conciertos con “Come Hell or High Waters”, que es una canción que personalmente me encanta, tanto por su música como por su mensaje sobre migración y resiliencia, que creo que es muy necesario. En un mundo que cada vez parece más salvajemente racista y xenófobo, ¿Qué acogida está teniendo esta canción?

Muchas gracias por decir eso. La verdad es que también es de mis canciones favoritas del nuevo disco. Personalmente estoy muy contento de abrir con ella porque disfruto mucho de esa canción. Así que, sí, es cierto que hemos estado abriendo con ella en la gira y está siendo muy bien recibida. Pero siempre decimos, con nuestra propia música, que cada uno puede escucharla a su manera. Puede ser la canción entera, las letras o la música. Hay quien disfruta la melodía sin tener mucho en cuenta la letra y eso también está bien. Si lo que te gusta es solamente la música, estamos felices de formar parte de ello, del disfrute de alguien a través de la música. Y verás, tienes razón en que hay mucha gente con la mente muy estrecha y con visiones muy tontas sobre el resto del mundo, las culturas, las migraciones… Es un tema muy potente en este momento y hay muchas ideas estúpidas al respecto a su alrededor. 

Creo que hay gente que simplemente es inculta al respecto, y nosotros no estamos aquí para dar lecciones a nadie, de ningún modo. Como he dicho, cada cual puede interpretar nuestras canciones como lo desee, siempre que sea desde una perspectiva positiva y productiva: si le aportamos algo a la gente, estamos contentos. Pero me he dado cuenta de que mucha gente olvida quienes somos. Yo provengo de una familia de ascendencia irlandesa y, aunque no sea la típica cara que la prensa señala para hablar de migración, también podría serlo. La prensa a menudo trata de señalar bando y poner rostros a los que etiquetar y decir “estos son los buenos”, “estos son los malos”. Y la verdad es que mis padres vinieron de Irlanda del Norte para buscar una vida mejor en Australia. Para criarnos con seguridad. No entiendo que se pueda cuestionar algo tan profundamente humano. La naturaleza humana siempre va a buscar un lugar seguro para vivir y para criar a su familia. Pero hay gente que tiene los conceptos muy mezclados y los medios también contribuyen a eso. Se nos olvida que no hay una cara, un aspecto ni un idioma de la gente que merece más de la vida. Hay confusión, pero no por ello lo justifico. Y la cara de la migración bien puede ser una familia irlandesa que se marcha al otro lado del mundo, o puede ser alguien que huye de la guerra en su país de origen. Tampoco hay un bando de la gente que quiere que su vida mejore, porque somos todos. Y esta canción habla de este concepto. De personas que podrían ser cualquiera y sólo quieren ver crecer a su familia con seguridad y vivir una vida feliz y próspera. Esa búsqueda es universal y eso es lo que se nos olvida. Todos queremos lo mismo, no es algo propio de una cultura, una religión o un aspecto físico. Es un derecho humano universal. 

Entonces, sería genial si esta canción hace pensar un poco a la gente. Si ven cómo hay irlandeses en todas partes, si ven que han viajado a todos los rincones del mundo… verán que todo el mundo lo ha hecho y todo el mundo debería sentir que tiene ese derecho, provenga de donde provenga. 

Es una canción preciosa. También me ocurre con la canción “Eye for an eye”, que me ha dejado sobrecogida. Entiendo que hace referencia a la historia de Irlanda, pero a la vez es muy actual y podría aplicarse al planeta Tierra en general. 

Sí, efectivamente, está basada en la historia de Irlanda y el conflicto entre protestantes y católicos, pero también tiene un mensaje universal, acerca de que las generaciones precedentes nos marcan un camino y ¿tú qué vas a hacer?, ¿vas a seguir ese camino marcado, o vas a hacer algo para cambiarlo?. Tú no eres tu padre ni tu abuelo. Eres una persona con tus propias ideas y objetivos. Tienes una educación. Está en tu mano cambiar. Así que creo que has dado en el clavo, porque es una canción universal, aunque tenga una base en Irlanda, podría extrapolarse a cualquier lugar del mundo. Es una situación que se repite en todas partes. Pasar la antorcha pero en el mal sentido. Recorrer el camino sobre las huellas de tus padres. Todos somos parte de nuestra historia y de nuestra familia, pero podemos cambiar las cosas. 

Por cierto que viene acompañada por un videoclip espectacular, en el que sale mucha gente, todos vosotros actuáis, es muy cinematográfico… ¿Fue difícil rodar algo así?

Sí, fue algo difícil, jajaja. ¿Sabes?, para nosotros es fácil subir al escenario, nos sentimos cómodos incluso delante de miles de personas. Pero nos pones delante de una sola cámara y eso nos pone mucho más nerviosos. ¡Preferimos el escenario! Y si además tenemos que actuar, es todo un reto. Igualmente lo pasamos muy bien, y el equipo de personas con el que estuvimos trabajando nos ayudó mucho. No recuerdo ahora el lugar de Inglaterra donde grabamos, pero fue muy divertido, pasamos el día en la ciudad buscando localizaciones y nos metimos en algunas situaciones curiosas al grabar en la calle. Mucha gente nos miraba al pasar, a ver qué hacíamos. Pero al final ha quedado muy bien. Es una canción muy bonita y un poco diferente a las demás, así que estoy muy contento de que hayamos podido sacar este vídeo, para complementarla, como hemos hecho con algunas de las otras canciones.

También me han llamado mucho la atención los videoclips de dibujos animados que habéis hecho con Ben Satchel para “Scandal” y “Cold like this”. ¿Cómo surgió la idea de trabajar con él?

Pues la verdad es que vimos otro videoclip hecho por él para unos amigos, Buster Shuffle, una banda muy interesante de Reino Unido. En fin, su vídeo salió muy bien y creo que fue Mike quien les envió un mensaje para preguntarles: “¿quién os hizo ese videoclip? es genial”. Y además es que nosotros vivimos cada uno en un sitio, cada miembro de la banda está muy lejos de los otros, así que es difícil juntarnos todos, salvo en las giras, y siempre estamos buscando ideas para hacer estas cosas, como los videoclips. Además es una forma de variar, y que no sea siempre la misma imagen de nosotros tocando en una habitación. Así que se juntó todo, porque es una forma de sacar un tipo de videoclip diferente, algo que no hacemos normalmente, y que nos facilita el no tener que volar los seis a algún lugar intermedio para grabar el vídeo. Un vídeo diferente y que no nos obliga a estar en el mismo país, y parece que han quedado bien. 

Yo creo que son muy originales y muy representativos de lo que sois The Rumjacks.

Sí. Yo también creo que el animador hizo un gran trabajo. Y todos hemos disfrutado mucho viendo el resultado final, ya que es la primera vez que trabajamos con este animador y hemos quedado satisfechos. 

Muchas gracias, Johnny, estamos deseando veros por España a mediados de mayo ¿hay algún mensaje que quieras mandar a tus fans españoles?

Desde luego: muchas gracias a todos por apoyar a The Rumjacks. Os queremos mucho y por eso seguimos volviendo. Y gracias por leernos aquí en Track to Hell. Estamos deseando veros muy pronto para esas épicas fiestas españolas, que tanto hemos disfrutado en los años anteriores ¡Muchas gracias! 

Desde su nacimiento en 2017, Serpent ha transitado un camino de transformación constante, dejando atrás etiquetas como el post-hardcore para abrazar una identidad más libre, cruda y honesta. En esta entrevista, la banda reflexiona sobre su evolución, su relación con la agresividad y la emoción en la música, y su firme postura crítica frente a una escena dominada por lo efímero. Con su nuevo trabajo Absolutisme Zen, Serpent no solo reafirma su esencia, sino que también plantea una mirada incómoda y necesaria sobre el mundo actual.

– Serpent comenzó en 2017 dentro de la etiqueta post-hardcore. Hoy, esa etiqueta parece innecesaria. ¿Cómo describiríais la evolución de la banda desde aquellos primeros días hasta el presente?

Sergi: Pues no hace mucho, pero parecen otros tiempos totalmente distintos. La cosa ya empezaba a estar de capa caída en el underground musical pero todavía había esa inercia de la época de vacas gordas en que en Barcelona nos podíamos permitir hacer varios conciertos a la vez en la ciudad y cada uno tenía su nicho. Las bandas de guitarras se etiquetaban en géneros, subgéneros y más allá. Visto desde ahora me parece un poco excesivo y si, ahora mismo innecesario. El espíritu de la banda hoy en día sigue siendo el mismo, queríamos ubicarnos a la sombra del hardcore para que nadie nos pidiese cumplir con ciertos estándares del género y poder hacer lo que nos diese la gana.

Fran: Lo mejor de estos años ha sido “curtir el lomo”: después de tantas alegrías y algún que otro bofetón, hemos aprendido a disfrutar de toda situación, buena o mala. Eso nos ha ayudado a perder el respeto a las etiquetas. Al final, preferimos el error a seguir un manual de instrucciones.

Marc: Yo creo que la banda ha ido evolucionando y liberándose de etiquetas pero con el mismo espíritu de siempre.

– Vuestro sonido combina riffs crudos con momentos más introspectivos y dinámicas complejas. ¿Cómo encontráis el equilibrio entre agresividad y matices en la composición?

Sergi: La agresividad y la emoción son cosas que han estado ahí en todos los grupos de punk-rock y de hardcore que hemos tenido. Y creo que, personalmente, si no pudiese expresar eso no me interesaría hacer música. Anteriormente lo hemos expresado con la ganancia a tope y ritmos más rápidos. Ahora de una forma más libre y abierta. Y aun así, a mi personalmente me parece lo más antisocial y agresivo que he hecho.

Eric: Cuando ensayamos la demo sólo éramos Sergi y yo, y sólo había guitarra y batería. Por aquel entonces no tenía la más remota idea de como Sergi sería capaz de cantar encima de esos riffs y compases rotos. No fue hasta la grabación que escuché las voces, y creo son las que consiguen equilibrar la propuesta. Son agresivas y rabiosas pero añaden un toque melódico que consiguen aligerar el caos, la pesadez y complejidad de la parte instrumental. Quizá en este disco no es tan evidente porque quizá es un pelín más básico o menos raro, pero creo que la voz es fundamental para conseguir ese equilibrio, y también es un elemento que tenemos muy en cuenta para definir que tocamos cada uno en su instrumento.

Fran: Creo que es la parte más divertida de ensayar: ver cómo una demo de Sergi se convierte en una canción orgánica. A veces bromeamos con que el proceso es como un videojuego donde nos enfrentamos a enemigos cada vez más complejos. 

Marc: La agresividad está bastante presente en las composiciones de Serpent, y el equilibrio… quizá aparece cuando entra la voz o la melodía, pero es un equilibrio tenso.

– La crítica social y la mirada crítica son constantes en vuestro trabajo. ¿De qué manera esa perspectiva influye en la música antes que en las letras?

Sergi: Creo que va junto, es una vía de escape. Tenemos nuestras vidas y nuestros trabajos, vivimos en un mundo que cada día esta mas raro y el grupo es algo que tenemos para desahogarnos. La magia va a ocurrir si alguien escucha este disco, con sus letras y su mensaje, y eso hace que se sienta menos solo. Esa alquimia es lo que me ha ido pasado a mi siempre al escuchar discos y es el motor que me hace seguir.

– En algunos sectores se cuestiona la relevancia del rock y el hardcore en la actualidad. ¿Os sentís fuera de época o buscáis precisamente desafiar eso?

Sergi: No creo que se cuestione la relevancia, pero sí es cierto que la música hecha con guitarras y tambores ya no predomina en las nuevas generaciones. Hay muchos motivos y no soy sociólogo pero si pienso en mí mismo cuando empecé me viene a la cabeza cosas como aburrimiento, amistad e idealismo. Era lo que hacías si eras un joven inquieto, hacer un grupo con tus amigos y prenderle fuego a todo. Incluso con cierto bullying ridiculizante a quien quería petarlo de forma artificial, ser famoso o se autoproclamaba solista. Lo que veo ahora es un flujo incesante de estímulos rápidos y baratos, individualismo y resultadismo. Obviamente no está todo perdido, pero las cosas interesantes (que las hay) que salen en el submundo musical no logran tener la suficiente fuerza para inspirar y cambiar el sentido del ciclo actual. 

Eric: El Rock y todas sus variantes siempre tendrán su peso aunque ahora no se le preste la atención que seguramente merece. Esto lo explica muy bien Billy Corgan en una entrevista diciendo que desde finales de los 90, los medios empezaron a dejar de lado a los grupos de rock en favor de los grupos de rap, y no precisamente porque sus cifras fueran malas. El hardcore lo fué y lo sigue siendo: de Inside Out salió Rage Against the Machine que se hicieron un hueco en el mainstream, y la MTV igual te los mezclaba con Maria Carey, Ace of Base, Metallica, Blur o Madonna, y cuantos documentales hemos visto con Dave Grohl alardeando de que él estuvo ahí cuando Bad Brains o Descendents daban sus primeros pasos… Se puede decir que el mainstream era más plural y combinaba cosas pop súper comerciales y ligeras con otras más duras y críticas hasta que dejó de interesar. Lo que entonces viró hacia el rap (el de celebrities eh? no el de N.W.A. y su “Fuck the Police” para entendernos), ahora está centrado en lo urbano y lo latino, y todo es demasiado diferente, sin ir más lejos, la MTV ya ni existe, la difusión, el alcance o la influencia de los medios tradicionales en el ámbito cultural es mínima, el valor de las bandas se mide en followers y en escuchas, y el que te filtra y sugiere los contenidos de forma personalizada son los algoritmos de google o meta… Grupos como nosotros siempre hemos sido bastante irrelevantes si entendemos que nuestro valor se mide en términos de cifras y popularidad. Siempre hemos estado muy lejos de esta idea. 

Fran: Sobre todo en este país, la cultura musical se mueve a una velocidad tan absurda que la lentitud y el reposo que exige el rock o el hardcore ya no parecen bienvenidos. Está claro que estamos fuera de época, pero es que tampoco tenemos ninguna intención de formar parte de la ‘nueva era’. Preferimos la artesanía frente a lo efímero.

Marc: Creo que andamos bastante al margen de todo esto y nos da bastante igual si el rock o el hardcore hoy en dia son relevantes o no. Para mi, mientras la música sea incomoda y transmita algo ya me está bien.

– El título del disco, Absolutisme Zen, sugiere un contraste entre control y calma. ¿Cuál es la idea que queríais transmitir con este concepto?

Sergi: Es más bien sobre como nos han convertido en bestias insensibles para que ya no nos sorprenda nada. Una barbaridad tapa la otra y cada una de ellas es trending topic durante 5 minutos.

– Singles como “Hemos vaciado la sala” o “Viejo y cabreado” tienen historias muy específicas. ¿Qué queréis que el oyente perciba más allá del trasfondo anecdótico?

Sergi: En este caso los dos son temas de duelo absoluto. En el caso de Vell i cabrejat tiene una mirada un pelin más romántica y crepuscular sobre envejecer y encontrar tu sitio. Dejar ir, y no dejarte arrollar por cualquier mierda que venga. Hem buidat la sala es un tema que habla más de la nostalgia tóxica de nuestra generación y de cómo estamos contentísimos viendo grupos “de la época” arrastrándose en grandes eventos mientras las salas, los clubes, los csa/cso cierran uno a uno.

– Musicalmente habéis incorporado guitarras a media distorsión y baterías más resonantes. ¿Fue una decisión consciente para reforzar la agresividad o buscabais nuevos matices?

Sergi: Queríamos que sonara analógico y real. Necesitábamos que las guitarras y bajo fueran orgánicas y con la distorsión justa para que se apreciasen los matices, y la batería tenía que sonar natural para no aplastar todo en una mezcla contundente pero vacía. Estamos contentos porque hemos conseguido que suene como un tiro sin que suene agotador o demasiado distorsionado/comprimido. Y si, hemos buscado desde el principio que sea así.

Fran: es una decisión purista: dejar que las válvulas hicieran todo el trabajo rozando el colapso. No buscábamos ‘distorsión’ estándar, sino la respuesta cruda de un amplificador que suena enfadado. Es una agresividad más real, menos procesada.

– La producción y grabación la habéis manejado vosotros junto a Marc Bòria, Xavi Escribano y Albert Ibarra. ¿Hubo algún conflicto creativo durante el proceso que haya marcado la personalidad final del disco?– 

Sergi: Para nada. Todos son amigos y nos han ayudado a conseguir el disco que queríamos. Por nuestra parte teníamos el disco muy definido en cuanto a composición y sonido.. Personalmente me he sentido super arropado en el proceso. 

Fran: Xavi, Marc y Albert ya formaban parte del universo de Serpent mucho antes de este disco. Son amigos que nos han acompañado en la furgoneta y nos han ayudado a definir nuestro sonido en directo; todos ellos han sido técnicos nuestros en algún concierto, así que saben perfectamente dónde está el ruido que buscamos. Como dato más nerd, para esta grabación cambiamos la dinámica: grabamos las dos guitarras canción por canción, para mantener la tensión de cada tema. Renunciamos a cualquier red de seguridad —sin DI ni opción a reamplificación—, apostando por lo que salía del amplificador en ese momento. Y para la mezcla, decidimos darle una perspectiva externa al proceso con Santi García.

– Algunas letras, como “El himno nacional”, tocan temas muy delicados de política y sociedad. ¿Os preocupa la controversia que puedan generar o la consideráis parte de la función del arte crítico?

Sergi: A veces me siento un marciano cantando cosas fuertes en catalán. Se han dicho cosas desde la música extrema, pero en nuestro caso se entiende claramente porque tampoco gritamos tanto ni tenemos un sonido tan denso. No me siento pionero de nada, solo pienso que deberíamos empezar a andar el camino de expresar frustración y conflicto bruto en catalàn. Sin poetizar tanto, sin la necesidad de ocultarse tras letras sobre ríos o montañas y sin ese tufo de esplai buenrollista que parece que lo impregna todo. Si alguien se ofende con l’Himne Nacional, que es una canción 100% antifascista, apaga y vámonos. 

Eric: entiendo que la canción empieza fuerte , pero si pasas de las cuatro primeras frases y tienes un mínimo de comprensión lectora dudo mucho que genere controversia porque el mensaje queda claro. Tratamos un problemón político-social de alcance global, pero ponemos el foco en el mal de proximidad para señalar que la identidad catalana no nos sitúa por encima de nadie si tus pensamientos e ideales políticos son de extrema derecha. 

Marc: no creo que genere mucha controversia, de hecho normalizamos muchas cosas peores. Está bien utilizar un lenguaje más crudo y directo, que la verdad y como dice Sergi, en catalán no abunda.

– Con la salida de Absolutisme Zen, ¿tenéis ya fechas confirmadas para presentaciones o giras y qué diferencia habrá respecto a anteriores shows?

Sergi: Sí, hay concierto confirmado en Barcelona el 25 de abril, y en Junio hay 4 conciertos. Luego pararemos en verano porque el sol nos sienta mal y tenemos cosas familiares y a partir de septiembre intentaremos montar más cosas. A nivel del “nuevo show”, creo que nuestra esencia nos impide pensar en “el nuevo show”. Quizás ambientamos un poco más todo, y obviamente habrán muchos temas del nuevo disco. Pero, al contrario que lo que pretende el show business, me gusta inspirar con contenido no con adornos. 

Fran: No somos de cerrar el calendario a un año vista. Nuestras redes sociales son el mejor sitio para no perderse futuras fechas. Lo que sí os aseguramos es eficiencia: vamos a meter un repertorio más largo en el mismo tiempo. Además, hemos renovado la zona de merch (ahora con más luz y nuevos productos), donde siempre encontraréis a alguien de la banda —normalmente a Sergi— dispuesto a charlar un rato. 

– En vuestros conciertos se aprecia un rechazo a “ejercicios de estilo inofensivos”. ¿Cómo se traduce eso en la experiencia del público en directo?

Sergi: También es esencial en la banda. No somos un grupo que quiera ser otro grupo. O que se disfrace como grupos de una escena determinada de otro continente. No hay coreografías, discursos precocinados ni nunca nos hemos cuestionado la imagen que debemos dar. Fluimos con la energía de cada concierto porque es nuestro momento, no es una representación teatral. Sí que es verdad que tenemos una clausula de “savoire faire” que nos impide llevar merch propio puesto en público. O sea podemos bajar la basura con una camiseta de Serpent pero poco más.

– Finalmente, para quienes aún no os han visto, ¿qué puede esperar alguien que asista a un concierto de Serpent y qué queréis que se lleven tras la experiencia?

Sergi: Creo que te he contestado con alguna pregunta anterior, pero es eso. Saldremos a tocar, diremos alguna cosa, nos iremos y estaremos encantados de hablar con todo el mundo que quiera hablar con nosotros y de tejer nuevos vínculos.

Fran: y que se preparen para volumen, mucho volumen; como tiene que ser en un concierto de rock. Que el público se lleve secuelas, una experiencia con efectos secundarios.

Los “thrasheros melódicos” Godsnake vienen haciéndose un camino lento pero constante en el metal europeo, primero tocando en su natal Alemania para luego expandirse a otros lugares en Europa. Con su tercer álbum Inhale The Noise a punto de salir a través de Massacre Records, fue una buena oportunidad para sentarnos a hablar con su cantante Torger Neuhaus, quien nos prestó su tiempo para hablar del presente de la banda, los inicios del grupo y el futuro del mismo, además del estilo, lo que es hacer música, las etiquetas que se le ponen a los sonidos y el significado detrás de la portada del álbum-.

Antes que nada, te agradezco por esta entrevista. Quería preguntarte, ¿cómo vienen las cosas con Godsnake? Sé que las bandas tienen que promocionar y presentar su nuevo álbum, es como que están bastante ocupados, me imagino.

Sí, estamos… digamos… en la fase más intensa ahora, porque el álbum se va a lanzar en dos semanas, el 17. Y… nunca es suficiente, así que empiezan a llegar entrevistas, pedidos, y estamos haciendo mucho material de promoción, todo lo que se puede hacer. Y eso nos gusta mucho, por supuesto, porque está buenísimo poder difundirlo.

Sí, obviamente. Me imagino que tener que hacer, no sé, como 500 entrevistas… yo no lo viví, pero debe ser agotador.

No, todavía no es tanto… pero…

Todavía no, claro. Pero imaginate, no sé… Metallica o ese tipo de bandas…

Sí, sí, sí.

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Para este tipo de entrevistas trato de buscar la mayor cantidad posible de otras entrevistas, en distintos sitios, canales de YouTube y demás, y creo que… esta puede ser la primera entrevista de Godsnake que se publique en español. Encontré un pa de reseñas, pero no hay entrevistas en español. Ni siquiera encontré tantas entrevistas en inglés, al menos escritas. La mayoría están en alemán, y creo que encontré una en griego.

Sí.

Entonces, para nuestra audiencia, la audiencia de habla hispana, esta puede ser la primera vez que escuchen sobre ustedes. Así que… ¿cómo te gustaría describir el estilo de Godsnake? ¿Cómo describirías a la banda?

Muy buena pregunta. Cuando firmamos con Massacre Records, nos preguntaron justamente eso: cómo definiríamos nuestro estilo, qué tipo de música hacemos, y siempre es difícil… sí, es difícil ponerle un nombre preciso, pero… al final decidimos que se podría decir que lo llamamos “thrash metal melódico”. Porque no somos una banda de thrash metal como Overkill o Onslaught. No estamos haciendo eso todo el tiempo.

Claro, sí, sí.

Y… lo que realmente nos gusta es la combinación con algunas melodías cuando llegamos al estribillo. Algunas líneas pegadizas que se te quedan. Nos gusta la pesadez, esa parte más centrada en riffs del thrash, combinada con algo más melódico, por decirlo así. Lo que realmente nos gusta es la combinación con algunas melodías cuando llegamos al estribillo. Entonces… diría que vas a encontrar fans del thrash metal que digan “uh, ustedes son unos blandos”. Pero… por otro lado… no nos importa. Al final es heavy metal, y listo. Pero había que ponerle un nombre, así que eso es lo que hacemos. Incluso volvimos a tener esta discusión cuando salió el tercer álbum: “¿lo dejamos como thrash metal melódico?”. Y llegamos a la conclusión de que sí. Lo dejamos como está.

Sí, he visto algunas bandas que se describen como thrash metal melódico, pero no parece ser algo realmente distinto. No es como cuando decís “death metal melódico”, que es otro género más definido.

Sí, sí, sí.

Pero sí, coincido en que los estribillos melódicos son una de las partes más importantes del sonido de Godsnake. Cuando estaba buscando material sobre la banda, encontré una reseña donde el tipo esperaba escuchar una banda de thrash metal más tradicional, hablando del primer álbum… Y decía algo así como: “no me gustan los estribillos melódicos, porque suenan como… no sé bien… como una banda de metalcore”. Creo que lo comparaba con ese tipo de bandas. Pero era medio gracioso. Igual sí, thrash metal melódico es una forma perfecta de describirlos.

Sí, sí.

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La banda existe desde hace más de una década. Creo que aparecieron por primera vez alrededor de 2014, pero es en los últimos 5 o 6 años donde parece que lograron establecerse más, como algo más… no sé si decir profesional, pero sí más consolidado, sacando más material. ¿Cómo pasó eso? ¿Cómo fue que empezaron hace más de una década, pero en estos últimos años lograron consolidarse?

Sí… cuando empezó la banda… Stevo es el miembro original, digamos el fundador. Cuando empezó la banda… sí, fue en 2014. En ese momento no teníamos nombre, entramos al estudio con Lasse Lammert también, grabando el primer demo, y estando en el estudio, Lasse preguntó: “¿cómo lo guardo en la compu? ¿Cuál es el nombre?”. Y todos dijeron: “No tenemos nombre todavía”. Entonces Lasse tiró: “¿qué tal Godsnake?”. Esa es la versión corta de la historia.

Mmm… sí. Suena bastante potente.

Sí, sí, fue divertido. Pero bueno, yo me uní a la banda más o menos medio año después. Y después hubo algunos cambios de formación… llamémoslo así. Sasha fue reemplazado porque tuvo que mudarse por trabajo, el bajista Thomas también tuvo que irse por distintas prioridades. Entonces, diría que fue alrededor de 2016 cuando realmente nos consolidamos como grupo, con Sidney y el resto… y ahí… empezamos a crecer juntos. Diría que… sí, fue entre 2017 y 2018 cuando decidimos encarar esto de una manera más enfocada, con intenciones claras, por decirlo así. Ya no era simplemente “toquemos música cool”, sino “hagamos música buena, grabémosla y publiquémosla”. Así que sí, tenés razón en que son los últimos 6 años, quizá un poco más, los que se sienten más ambiciosos. Y después nos concentramos en el primer álbum… y seguimos un ritmo bastante normal, digamos, de cada dos o dos años y medio. Fuimos sacando nuevo material, y ahora estamos con el tercer álbum.

Claro.

Así que… para resumir, diría que lo principal fue encontrar a las personas adecuadas, que todo encajara, y llegar a ese punto en el que decís: ahora somos una banda completa, sabemos lo que queremos hacer.

Sí… claro, hay que encontrar a las personas indicadas.

Totalmente, sin duda.

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Y bueno, ahora… cuando hablaba de estar más enfocados en la banda, me refería más que nada al primer álbum. Y ahora ya están en el tercero, Inhale the Noise. ¿Cómo lo describirías? ¿Qué podés decir de este disco?

Durante la grabación, Lasse, el productor, nos dijo: “chicos, esta vez están un poco más thrash, incluso más agresivos”. Y nos pusimos a pensarlo, porque antes de empezar a grabar sí habíamos discutido si debíamos enfocarnos en algo en particular o no… pero al final llegamos a la conclusión de que no, que simplemente lo íbamos a dejar fluir. Elegimos las canciones que mejor encajaban, las que más nos gustaban y donde las mejores ideas se juntaban. Y bueno, si hay que ponerle un nombre, diría que… tiene muchas partes más thrash, especialmente en las estrofas. Y… también hay como una media balada, lo cual está bueno. Pero en general es un disco un poco más directo, más frontal. Y con un mensaje más claro. Leí una reseña donde alguien decía que ahora estamos más enfocados, y pensé… bueno, siempre es interesante ver cómo lo percibe la gente. Decía algo así como que estamos más precisos. Lo escribió en alemán. Y pensé, sí, puede ser… porque ese era el ánimo que teníamos.

Claro.

Me acuerdo cuando teníamos el tema “Inhale the Noise”, el track que da nombre al disco, que es bastante compacto. En una primera versión, Stevo dijo que no estaba tan seguro. Pero después empecé a trabajar en la letra y las líneas vocales, y ahí quedó claro que tenía que ser uno de los temas principales. Y eso pasa mucho en el proceso, cómo van cambiando las cosas.

Sí, a veces empezás con una idea y pensás “esto capaz no funciona”, y todavía ni escuchaste al cantante… ¿Cómo es el proceso de composición en Godsnake?

En general, Stevo trae… más que nada, una canción casi completa. Podríamos decir que él está en su casa y… la fuente de creatividad fluye, ¿no? Entonces graba maquetas ahí mismo… Después generalmente me las manda, y yo empiezo a aportar mis ideas. Y en el mejor de los casos probamos las canciones en la sala de ensayo con toda la banda. Y vemos qué funciona y qué no. Ese sería el escenario ideal. Aunque también tuvimos una o dos canciones que nunca tocamos en vivo antes de grabarlas, y aun así funcionaron muy bien. Pero en general es Stevo quien trae la idea completa, y después yo me encargo de arreglar mis partes y escribir las letras. Y claro, a veces también tiro ideas tipo “esta parte no funciona”, “esto hay que duplicarlo”, “esto es muy largo”… cosas así. Pero básicamente ese es nuestro trabajo, y después lo discutimos con toda la banda cuando probamos los temas en la sala. Y dejamos que todo… se asiente, por decirlo de alguna forma.

Sí, claro. Entonces hablás del grupo completo, y corregime si me equivoco… pero según lo que tengo entendido, ahora son un cuarteto, con una sola guitarra. Al menos por las fotos que me pasaron del sello para esta entrevista, parecen ser cuatro. ¿Cómo afecta eso al sonido de la banda, el hecho de tener una sola guitarra?

Bueno… en realidad, ya estábamos en el estudio. Creo que ya estaba casi todo grabado, solo faltaban los solos y algunas partes vocales… Y el otro guitarrista, Pepe, nos dijo: “chicos, perdón, pero tengo que dejar la banda”. Por razones personales. Su madre está envejeciendo, y además él también toca en Ancient Curse, que es una banda de metal progresivo de Bremen que existe desde… creo que 1985 o 1986. Y ese es su proyecto principal. Entonces decidió enfocarse en eso por una cuestión de tiempo. Igual, no es raro que el guitarrista rítmico principal grabe todas las guitarras en un disco. En este caso, Stevo grabó todas las guitarras rítmicas y sus solos. Pero había tres canciones donde Pepe iba a grabar solos, así que nos faltaban esas partes… y tuvimos que cubrirlas.

Claro.

Encontramos una buena solución para eso, pero en general no afectó realmente la producción del disco. Y poco después de terminar en el estudio, ya empezamos a buscar un nuevo guitarrista, y lo encontramos bastante rápido, así que ahora volvimos a ser cinco.

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Perfecto, perfecto. Y hablando de las guitarras del álbum, tengo entendido que contaron con Jean Bormann como invitado en un par de canciones, de Rage. Me encanta esa banda, fue una muy linda sorpresa verlo acreditado. ¿Cómo fue trabajar con él? ¿Cómo se dio eso?

Bueno, conocemos a Jean por Rage, claro. Tuvimos la oportunidad de tocar con ellos en un par de shows en el pasado. Y cuando estás en backstage y hablás, te vas conociendo… y él se volvió fan de Godsnake desde el primer momento, por decirlo así. Y nosotros somos fans de Rage desde hace muchos años. Entonces fue un placer conocerlo, y cuando estábamos pensando en posibles candidatos, después de que Pepe se fue, empezamos a debatir con la banda a quién podíamos invitar… y la primera idea fue: ¿por qué no preguntarle a Jean? Así que le mandé un WhatsApp, un mensaje de voz, y le pregunté si le interesaba. Y dijo que sería un placer. Fue así de fácil.

Buenísimo.

Le mandamos las versiones de los temas y en menos de una semana ya nos devolvió sus solos. Increíble.

Sí… cuando recibí el álbum para escucharlo, me quedé mirando la portada un rato, tratando de entenderla… ¿cómo la describirías? ¿Es como una bala atravesando un vidrio, o algo así?

Sí, bueno… la idea era tener un parlante grande.

Ah, claro… ahora lo veo, es como un parlante.

Sí, sí. Y eso está bueno, porque es arte que quizás no entendés al instante. La idea era un parlante medio destruido, roto… y después queríamos incorporar el concepto de la serpiente. Entonces pensé: ¿y si usamos piel de serpiente en la membrana?

Ah… claro, ahora lo noto.

Entonces, en sí es bastante simple, pero la idea detrás del título Inhale the Noise tiene que ver con eso: la música como una fuerza muy poderosa. La música puede transformarlo todo, e “inhalar el ruido” es como absorber esa energía. Entonces queríamos algo que representara el ruido, la música, y también el concepto de la serpiente. Por eso trabajamos otra vez, por tercera vez, con Björn Gosses de Killustrations. Al principio él propuso ideas más raras, pero le dijimos: mantengámoslo simple. Así que lo hicimos de esa manera, y sí, estamos contentos con el resultado. Porque tampoco es una portada típica de thrash metal… incluso podría ser de jazz o de cualquier otra cosa.

Claro, sí… me gusta eso, como que se aleja de lo típico.

Sí, es un poco más… avant-garde, por decirlo así.

Sí, bastante abstracta si lo pensás. Entonces… si comparás con el primer disco de Godsnake, Poison Thorn… ¿cuánto sentís que cambió o mejoró la banda desde ese momento?

Es una buena pregunta. Justo me la hicieron hace poco también, sobre mi voz, por ejemplo. Y sinceramente, yo no noto una gran diferencia. Pero otros músicos te dicen: “sí, hay un salto, hay más armonías”… no sé. Yo diría que no es que las canciones sean “mejores” ahora, el estilo de composición es el mismo… pero sí puede ser que ahora sea más claro lo que queremos hacer.

Más personal, quizás.

Sí, puede ser eso. Más definido. Las guitarras ya eran buenas en el primer disco, la batería también… Sidney, por ejemplo, es una bestia tocando. Y sé que él fue mejorando, cada vez más sólido, lo mismo el resto… pero no sé si se escucha como un cambio tan evidente entre el primero y el tercero. Creo que simplemente seguimos haciendo lo nuestro, con más ambición, quizás.

En diciembre sacaron el single “No Happy End”. ¿Por qué decidieron lanzarlo como single independiente y no dentro de un álbum?

Ese tema en realidad venía de la época del segundo disco, Eye for an Eye. Cuando terminamos de grabar todo, nos dimos cuenta de que el total era demasiado largo para vinilo. Para CD no había problema, pero para vinilo sí, así que el productor dijo que convenía sacar un tema. Entonces tuvimos que decidir cuál quedaba afuera, y al final elegimos “No Happy End”. Y en ese momento Sidney dijo: “esto lo podemos usar después como single independiente”. Y así fue. Cuando hubo un espacio entre lanzamientos, lo sacamos con un lyric video.

Claro, como para tener algo entre medio.

Exacto, esa fue la idea.

¿Y cuáles son los planes a futuro de la banda? Sé que tienen varios shows en Alemania, y que suelen tocar más que nada ahí, con algunas fechas en Bélgica o Suiza…

Sí, y justamente queremos cambiar eso. Queremos salir más al exterior, mostrar la banda en otros lugares. Está buenísimo tocar en ciudades donde ya nos conocen, como Hamburgo o Essen, pero también queremos expandirnos. En octubre de 2024 hicimos una gira europea como soporte de Threshold, y tocamos en Alemania, Holanda, Bélgica y Suiza. Fue una gran experiencia, y queremos repetir algo así. Queremos salir de nuestro país y llegar a más gente.

Sí, porque una cosa es tocar donde ya te conocen, y otra es probarte en lugares nuevos.

Exacto.

El álbum Inhale the Noise sale el 17. ¿Qué te gustaría decirle a la gente que lo va a escuchar?

Espero que lo sientan como algo fresco, especialmente para gente como en Argentina que quizás no nos conoce.jalá encuentren algo que les guste, que les vuele la cabeza, que haga explotar los parlantes… y que podamos ganar nuevos oyentes. Creo que Inhale the Noise muestra a Godsnake al 400%. Esto es lo que somos. Si te gusta, genial. Y si no, está bien también. El gusto es subjetivo, pero esto es lo que hacemos, con total honestidad.

¡Cuánto me alegra ver triunfar a Opera Magna! Llevo años escuchándoles y son una de mis bandas españolas favoritas de todos los tiempos. Durante años los he considerado también de las bandas más infravaloradas en nuestro país, ya que, aunque siempre están en el panorama, creo que deberían estar sonando mucho más y teniendo una mayor cobertura por su calidad musical, virtuosismo y carisma. 

Desde luego, ¡sigo pensando que deberían tener más repercusión! Pero están en un gran momento: enlazando el final de su gira con Angra con su propia gira nacional para celebrar el aniversario de su disco Poe, regrabando algunos de sus éxitos con invitados de excepción y exportando su música hasta Japón.

Hemos tenido la suerte de poder hablar sobre todo esto con Enrique Mompó (principal compositor y miembro fundador junto a Francisco Javier Nula) y José Vicente Broseta (vocalista) y espero poder verles una vez más en directo en uno o más de sus próximos conciertos:

• 2 de mayo en Sala Rockville, Madrid
• 22 de mayo, sala Spectrum, Murcia
• 30 de mayo, sala Azkena, Bilbao
• 24 de julio, Concerts de Vivers, Valencia + Warcry
• 22 de agosto, Castrillo Metal Fest, Murcia

Buenos días, muchísimas gracias por concedernos esta entrevista. En primer lugar: ¡felicidades! Parece que estáis viviendo un momento muy dulce para la banda, con esta gira de aniversario, justo después de estar de tour con Angra y con vuestros éxitos internacionales ¡abriéndoos camino en un mercado tan importante como Japón! Por favor, contadme un poco cómo estáis viviendo esta etapa de Opera Magna y qué circunstancias la han propiciado.

José Broseta: Por mi parte, estoy muy contento con el material más reciente como “Heroica”. Creo que hemos tenido una evolución muy natural, siendo fieles a nuestro estilo como banda.

Lo de Japón está siendo muy especial: trabajar con Red Rivet Records es un placer. Ya editaron en su momento “Poe” y “Del amor y otros demonios”, y es muy bonito ver que siguen interesados en nuestros nuevos lanzamientos y que los discos se mueven tan bien allí.

La gira con Angra fue increíble por la exposición que supuso y por compartir escenario con artistas a los que llevamos tanto tiempo admirando. Además, conocer a la gente de Arwen fue un regalo: fueron compañeros excepcionales durante todas las fechas. También fue un reto técnico para nosotros y para nuestro técnico habitual, pero conseguimos salir del paso y disfrutar muchísimo de la oportunidad.

Ahora mismo estáis regrabando varias de las canciones de “Poe” con colaboradores muy interesantes: ¿cómo surgió esta idea?, ¿podéis adelantarnos un poco más sobre qué nos queda por ver? ¿Y sacaréis un álbum en formato físico con estas regrabaciones?

José Broseta: La idea surgió cuando nuestro diseñador habitual, Fernando Nanderas, nos destacó el hecho de que se cumplían quince años del lanzamiento de “Poe” en 2025. Estuvimos dándole vueltas a ver que podríamos hacer para celebrarlo y decidimos que era buena idea rodearnos de amigos y gente cercana a la banda para esta ocasión.

Para mí ha sido genial poder contar con voces que admiramos y que nos han inspirado durante tantos años. Es increíble pensar que ha pasado tanto tiempo desde la edición original y que los temas nos sigan sonando frescos, que sigamos teniendo ilusión por tocarlos y por revisitar ese universo.

Respecto a lo que queda por ver… aún hay colaboraciones muy especiales que estamos deseando anunciar. Y sobre el formato físico, sí, tendremos en nuestros conciertos el EP “POE XV Redux” a la venta y, en breve, en nuestra página Web.

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Por cierto, que “Heroica” no ha sido vuestra primera incursión en aguas internacionales, ya grabasteis versiones en inglés de “Del amor y otros demonios”. Por favor, habladme de aquella experiencia.

José Broseta: Fue un proceso muy intenso. “Del amor y otros demonios” ya era una obra exigente en sí misma, y revisitarla por completo para hacer la versión en inglés supuso un esfuerzo enorme. Pero también fue una experiencia muy enriquecedora: nos obligó a mirar el disco desde otra perspectiva, a reinterpretar matices y a adaptarnos a un idioma que tiene una musicalidad distinta (lo cual fue posible gracias a la inestimable ayuda de Ada Murillo, que hizo un trabajo increíble adaptando las letras).

Tengo que decir que precisamente “Del amor y otros demonios” ha sido un álbum muy importante para mí, y que mi hijo de cinco añitos podría cantaros entera “Donde latía un corazón” de lo mucho que la pongo en casa. ¿Tenéis pensado darle también una nueva vida a este álbum en el futuro como estáis haciendo con “Poe”?

José Broseta: A corto plazo no creo que vayamos a hacer algo similar, como te comentaba, fue una obra muy intensa y la versión en inglés ya nos hizo revisar todo ese trabajo. Pero quién sabe lo que pasará en un futuro, puede que en unos años sintamos que queremos hacer algo. También ha sido una obra importante para nosotros.

Opera Magna se caracteriza en mi opinión por ser una banda muy referencial, no sólo en sus letras, sino también en la música, con guiños y referencias muy variadas y que entiendo que vienen sobre todo de la mano experta de Enrique Mompó y que al menos yo agradezco mucho poder reconocer aquí y allá. Por favor, Enrique, ¿puedes hablarnos de tus fuentes de inspiración preferidas? 

Enrique Mompó: La inspiración viene directamente de lo que escuchas, lo que trabajas y lo que admiras. Siempre estoy a la caza de cosas que me puedan servir para mi propio trabajo, para Opera. 

La música y la creación, no vienen de la nada, el arte es una herencia y un legado que se mueve influenciándose de generación en generación. En mi caso la influencia ha sido muy diversa a lo largo de los años, al principio venía de las bandas más representativas del power metal del 2000 hasta los maestros por todos conocidos de la música clásica. En años posteriores me influenció más todo el tema de las bandas sonoras: John Williams, Danny Elfman… También me ha influenciado mucho el maestro Seiji Yokoyama, que posee una sensibilidad fuera de lo común, o Thomas Bergersen, que es una fuente inagotable de ideas. 

En todo caso, Enrique, componer para una banda tan exigente en lo instrumental como Opera Magna, que requiere no sólo riffs pegadizos, sino también un trabajo intenso de orquestación, no debe ser nada fácil ¿puedes hablarnos del proceso creativo? 

Enrique Mompó: Bueno, es trabajo lento y tedioso, porque se parte de una idea concreta, y hasta llegar a completar toda la canción, hay muchas tomas de decisiones. Ahí es donde creo que esta el punto de inflexión: ser crítico y ver las diferentes posibilidades en las que puede convertirse una canción. 

Normalmente trabajo la melodía y la armonía a la vez. Cuando tengo una idea interesante la maqueto con varios arreglos, hasta encontrar el que más le pega. Voy puliendo la sección y la continúo con una o dos ideas posibles. Es importante trabajar, reposar y escuchar. Pero lo más importante es tener intuición u olfato, que es esa cosa que te dice que una idea es mejor que otra en función de tu propio valor estético. Para mí la mejor brújula es la emoción. 

Pero si Opera Magna es exigente en lo instrumental, también lo es y mucho en la voz, por favor José, ¿puedes hablarnos un poco de cómo es cantar en Opera Magna?, ¿cómo preparas y cuidas tus habilidades vocales?

José Broseta: Te puedo decir que últimamente lo que más estudio es el repertorio de Opera Magna y cómo poder llevarlo al directo en condiciones. Es un material muy exigente y quiero afrontarlo con la mayor solidez posible.

Trabajo con un coach vocal en Valencia, Alberto Andrade, que me ayuda a cantar de forma saludable y a mantener la técnica en su sitio. Eso me permite relajarme en el escenario, disfrutar de la actuación y no comprometer mi salud vocal.

Por cierto, José, que siempre apareces en las listas de mejores vocalistas de metal en España ¿Cómo es estar en la vanguardia de este género en nuestro país? 

José Broseta: Es algo que agradezco muchísimo, sobre todo porque viene del cariño del público, pero no puedo evitar sufrir un poco de síndrome del impostor cuando veo mi nombre al lado del de cantantes consagrados. Aun así, es genial ver que puedo conectar con la gente y eso es todo un honor.

Ambos tenéis proyectos paralelos que no solo conviven bien con la banda, sino que hasta generan sinergias positivas ¿queréis contarnos un poco al respecto? 

José Broseta: Es cierto que en el pasado me he implicado bastante en otros proyectos, como Systemia, pero hace ya un tiempo en el que estoy centrado en Opera Magna. La excepción sería The Backseats, un grupo de covers en el que comparto escenario con músicos increíbles como Joan de Gigatron, Monty Peiró ex-Sweet Little Sisters (y mil proyectos más) Davish de Angelus Apatrida, Cristobal ex-In Mute, Vicent ex-Toxia, con los que hacemos un concierto súper especial al terminar el año…pero aparte de eso, solo participo en algunas colaboraciones como la más reciente con Íseldur o las repetidas veces que he tenido la suerte de grabar para “Legado de una tragedia” de Joaquín Padilla.

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Por cierto, Enrique, que en cada uno de tus grupos tocas diferentes instrumentos, ¿hay algún cacharro al que no sepas sacarle música? 🙂 Y ahora más en serio: ¿qué objetivos futuros tienes en lo instrumental?, ¿hay algo que aún no hayas probado y que tengas en mente incorporar? 

Enrique Mompó: Cada instrumento ha llegado en un momento vital diferente, atendiendo a un interés o una necesidad. Cada instrumento me ha llevado a un sitio diferente, y me ha hecho entender un poco más la música. Me encantaría tocar todos los instrumentos del mundo, pero me conformaré con las librerías de sonido. Ahora mismo con la cantidad de carga de trabajo, conciertos y compromisos de la vida adulta, es difícil encontrar tiempo para desarrollar todas las facetas que me gustaría. El poco tiempo del que dispongo lo uso para componer, producir, tocar de forma distendida, y repasar repertorios.

Quiero preguntarle lo mismo a José: que, como muchos de los más grandes, comenzaste a cantar un poco de casualidad (ya que antes tocabas la guitarra en otro proyecto), que sorprendiste a todos empezando directamente con un nivel altísimo, y que además cada año nos sorprendes con una performance aún mejor: ¿qué nuevos objetivos o metas tienes en el uso de tu voz?, ¿hay algo que aún no hayas probado y que tengas en mente incorporar?

José Broseta: Mi objetivo a nivel vocal ahora mismo es seguir entrenando la técnica que me permita hacer los conciertos de Opera Magna con la exigencia necesaria, estoy al 100% con ello. Estaría bien seguir ampliando registros y recursos, pero ahora lo que más me motiva es poder disfrutar del directo y dar el máximo en cada actuación.

Para finalizar: ¿Cuál es el futuro de Opera Magna? 

José Broseta: Ahora mismo nuestro futuro inmediato es celebrar en directo esta gira del 15 aniversario de “Poe”. Además, es la primera gira desde que Juan Lahuerta es oficialmente batería de la banda, y estamos deseando que la gente pueda vivir estos conciertos con nosotros. 

Después de eso, lo normal sería pensar en material nuevo, pero no es algo que tengamos decidido aun.

Muchas gracias por contestar esta entrevista y por hacer lo que hacéis. Nos vemos en vuestra gira de aniversario, que ya empieza con primera parada en Zaragoza. Si queréis añadir alguna impresión relativa a esta inminente gira ¡es el momento!

José Broseta: ¡Gracias a ti por la entrevista! Pues aprovecho para decirle a la gente que nos hace mucha ilusión traer de nuevo al 2026 el legado de nuestro disco “Poe”, ya que fue un álbum que nos definió como banda. Va a ser una gira muy especial, ¡esperamos ver a todo el mundo!

Assignment es una banda originaria de Alemania, a menudo etiquetada como metal progresivo, con un sonido muy único y depurado. Llevan componiendo desde principios de los 90 y acaban de sacar su último álbum de estudio With The End Comes Silence, un disco futurista y distópico, a la vez lleno de pasajes delicados y evocadores. Hemos tenido la oportunidad de hablar de ello con su fundador, Goran Panić.

Buenas tardes, soy Cristina de Track To Hell, muchas gracias por concedernos esta entrevista. Lo primero, quisiera daros la enhorabuena, la banda lleva recorrido un largo camino desde 1994, más de 30 años de trayectoria, y ahora acabáis de sacar un estupendo álbum, With The End Comes Silence, que demuestra que estáis más vivos que nunca. Por favor, Goran, ¿puedes hablarnos un poco de esta actual etapa de Assignment?

Bueno, desde nuestra perspectiva, es un paso más en nuestro viaje musical. Es nuestro tercer disco con Diego Valdez en la voz, así que ahora hay una estabilidad consolidada, y aparte de la salida de nuestro tecladista de siempre, Gert Sprick, la formación también es la misma. Como banda, y yo como principal compositor, el objetivo es el mismo de siempre: intentar mejorar y sonar mejor en cada lanzamiento. Si no creyéramos en lograrlo, no nos molestaríamos en hacerlo.

Y en tu opinión ¿han evolucionado también las cosas a vuestro alrededor?, ¿cómo valoras la escena del metal progresivo en los últimos tiempos? ¿Y qué papel juega la IA en este ámbito artístico?

En general, no me gusta el término “progresivo” en lo que respecta a la música. Me niego a que me llamen progresivo, ya que se asocia con ciertos rasgos distintivos de nuestro sonido: canciones largas, compases irregulares, cambios de tempo y demás. Amigos, todo esto se hizo hace mucho tiempo… Se podría decir que Kansas o Rush son progresivos, pero como ya dije, ellos ya hacían eso en los años 70… Supongo que el nombre se convirtió en el cajón de sastre que la industria musical necesita para etiquetar el producto… Así que, en realidad, lo que prefiero es incorporar diferentes estilos a la música, que puedan crear distintos paisajes sonoros. 

Y nuestra opinión sobre la IA la dejamos clara en el libreto que acompaña el disco: estamos totalmente en contra porque creemos que deshumanizará a la humanidad y acabará con todas las formas de arte.

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Estoy fascinada por With The End Comes Silence, sobre todo por su tema central. Desde la portada se insinúa la distopía, un aspecto que se desarrolla muy bien en la letra de la canción homónima. ¿Te inspiraste en la realidad para escribirlo o es todo ciencia ficción?

Desafortunadamente, en la realidad actual del mundo. Y el hecho cada vez más evidente es que la humanidad no aprende de su pasado. Ese es un punto, además del que mencionaste antes: el desarrollo tecnológico, que se está volviendo inquietante, lenta pero inexorablemente. En resumen, el futuro no pinta nada bien, desde luego no está hecho de rayos de sol y arcoiris…

Musicalmente, es un álbum muy completo, atmosférico y evocador. Me encanta su estructura y el equilibrio entre los instrumentos. ¿Es difícil componer un álbum así, con tanta atención al detalle?

Quizás no sea difícil, pero sin duda requiere mucho tiempo y esfuerzo. Después de terminar la primera demo de una canción, paso a la siguiente. Cuando siento que tengo suficiente material e ideas para el álbum, empiezo a revisar las canciones para la siguiente etapa, donde pueden surgir muchos cambios. Y de una canción a otra, eso puede ocurrir una vez, o incluso varias, siempre y cuando no sienta que “ya está”.

Hablando de los diferentes instrumentos, por favor, cuéntame más sobre este teclista: Bratislav Metulski. Lo vi en tu página web y quiero saber más.

Bueno, si lo viste en nuestra página web, seguramente pudiste leer su información: es un payaso muerto, asesinado por un psicópata llamado Nihil Baxter. ¿Y has visto su foto? ¿¡Qué es esto!?, ¿verdad? Es muy divertido, además, obviamente es un personaje ficticio. Después de que nuestro tecladista de toda la vida, Gert Sprick, dejara la banda tras el álbum “Reflections”, necesitábamos un reemplazo. Pero no pudimos encontrar al adecuado, sobre todo por falta de tiempo. Cuando compongo las canciones y creo las demos, suelo incluir algunas ideas sobre lo que podrían hacer los teclados. Así que los chicos dijeron: “Goran, tendrás que hacerlo tú”. Y Goran lo hizo, pero Goran no es tecladista, así que inventé a Bratislav Metulski por ahora… Pensé que si Running Wild puede tener a Angelo Sasso en la batería, ¿por qué Bratislav Metulski no puede estar en los teclados? Así que es solo por diversión, nada más…

Ya hemos visto dos sencillos del álbum, “Fallen” y “Angel of Berlin”, cuyo vídeo me ha parecido muy bello e intrigante, con este joven caminando por la ciudad. ¿Puedes contarme más sobre esta canción y las ideas que expresa el vídeo? Me encanta.

Bueno, el vídeo refleja a la perfección la letra de la canción. Y la letra se basa en una experiencia personal. Mi empresa me envió a Berlín por un proyecto, pero esa oportunidad surgió en un momento en que estaba pasando por serios problemas personales; me sentía completamente vacío y agotado. Y de repente, conoces a alguien y experimentas cómo dos almas rotas se sanan mutuamente y se enamoran, pero sabiendo que no pueden tener un futuro juntos. Épico y trágico a la vez…

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También me impactó “With the End Comes Silence”, la canción que da nombre al álbum, que, en mi opinión, es una de las más potentes y progresivas del disco. Cuéntame más sobre ella y: ¿tendremos también un videoclip para esta canción? 

No está previsto grabar un videoclip para la canción, simplemente porque es la más larga, con 9 minutos de duración. Sin duda, es la canción más progresiva del disco, y a mi parecer, también la que tiene el estribillo más pegadizo. El tema se basa en la frase “you´ll never miss it, until it is gone away” (en castellano: “nunca lo echarás de menos hasta que se haya ido”). Esta frase se aplica al final de una vida, al final de una relación o incluso a la disolución de una banda. Pero como nada dura para siempre, hay un mensaje positivo. En la letra de la canción se lee: “Morning mist, and the sun awakes the smell of roses, with a smile, i await the end that life composes” (“Niebla matutina, y el sol despierta el aroma de las rosas, con una sonrisa, espero el final que la vida compone”).

Es cierto que suena a un final pero también a un futuro interesante. Por cierto, en tu opinión, ¿cuál es el futuro de Assignment?

Ojalá un par de discos más, ya que esto es algo que solo depende de nosotros y que siempre lo tenemos en mente. También estamos trabajando en algunos directos que, si todo sale bien, podrían concretarse muy pronto.

Ojalá que sea así, y podamos veros en directo pronto… ¿en España quizás? He notado que, a pesar de tener miembros hispanohablantes, como Diego, no soléis visitar mucho nuestro país. ¿Podremos veros en el sur de Europa en estos próximos shows en vivo?

Bueno, primero tendríamos que recibir una invitación… Otro problema es que la mayoría de los miembros de la banda tienen trabajos a tiempo completo, familias con hijos y otras obligaciones además de hacer música. No es imposible, pero sí muy difícil. Definitivamente nos gustaría y no lo descartamos.

Muchas gracias y felicidades por el buen trabajo.

¡Gracias Cristina por tu interés y apoyo! Que fluya el metal.

Dark Moor es una de las bandas más internacionales del metal / hard rock sinfónico que tenemos en España. Este sábado 18 de abril nos ofrecen la cita ineludible de su concierto de 25º Aniversario, en una fecha única en el Movistar Arena.

Hemos tenido la oportunidad de charlar hablar brevemente con su fundador y guitarrista Enrik García, sobre esta celebración y el complejo momento que atraviesa la escena actualmente. Esperamos un llenazo este fin de semana y poder seguir escuchándolos muchos años más.

Hola Enrik, muchas gracias por concederme esta entrevista. Lo primero quería darte la enhorabuena, estáis de aniversario, la banda que tú fundaste cumple ahora 25 años. Por favor, ¿puedes hablarme un poco de la etapa actual de Dark Moor y cómo estáis viviendo esta celebración?

Pues está siendo muy especial para nosotros, estamos recibiendo mucho cariño por parte de los fans y eso para nosotros es lo que nos da energía y nuestro pago por todo el esfuerzo. El pasado sábado tocamos en un festival en Dinamarca, Epic Fest, en el que nunca habíamos tocado y había literalmente miles de personas esperando para vernos por primera vez, fue muy emocionante.

La banda en la actualidad está muy centrada en estos conciertos y dar el máximo posible en directo porque nuestros seguidores se lo merecen.

Además, aquí en Madrid, nos espera este fin de semana un concierto por todo lo alto, ¿puedes ponernos un poco los dientes largos dándonos algún detalle sobre qué podemos esperar este sábado en el Movistar Arena?

Sí, va a ser un concierto que hemos preparado con muchísimo cariño y va a ser único e irrepetible. Vamos a tocar canciones que llevábamos mucho tiempo sin tocar, e incluso alguna que no hemos tocado nunca en directo, haciendo un recorrido por todos nuestros álbumes, que son once en total. 

Además vamos a contar con tres invitados de lujo: Javi Díez a los teclados que ha tocado con bandas tan importantes como Mago de Oz o Arwen, con Óscar Calvo al violín, de Cronómetro Budú, y con la soprano Mariana Otero, que creo que va a sorprender muchísimo a nuestros fans por sus dotes y el tándem que va a formar con Alfred, nuestro vocalista.

Estáis lanzando algunos vídeos increíbles con versiones en español de algunos de vuestros temas más icónicos. También tenemos canciones nuevas en nuestro idioma como “V de Vendetta”. ¿Podemos entonces adivinar un futuro nuevo álbum de Dark Moor totalmente en castellano? 

Ojalá, pero ahora mismo no hay un futuro claro para la banda, su continuidad es una incógnita para nosotros mismos. Es posible que esta gira sea nuestra despedida, pero es algo que el futuro dirá. Ojalá podamos seguir muchos años más, pero ahora mismo es complicado.

Ojalá así sea. En cualquier caso, habéis conseguido posicionaros como una banda plenamente internacional, acabáis de estar tocando en Dinamarca… ¿Qué es, en tu opinión, lo más gratificante de ser una banda internacional y cuáles son sus principales retos?

Es tremendamente complicado conseguir tocar en Europa o Asia, como lo hemos hecho nosotros. En Latinoamérica es algo más sencillo para las bandas de aquí, pero cruzar los Pirineos es muy difícil. Nosotros al cantar en inglés en la mayoría de nuestra discografía ha sido algo más fácil, pero la exigencia y competitividad que hay es muy, muy fuerte. 

Para nosotros es un honor haber podido abrir camino en este sentido para otras bandas que nos puedan suceder. Tocar en países como Japón o Corea, o en Rusia, Holanda o República Checa y ver a cientos de fans que te conocen, te siguen y te aman por tu trabajo y tu música es una de las cosas más bonitas que hemos tenido la suerte de vivir.

¿Qué otras cosas podría deparar ese futuro complejo a Dark Moor? Ya que habéis regresado al estudio, ¿podemos esperar temas nuevos próximamente?

Como te digo, ahora mismo el futuro de la banda es una incógnita. Pero también te puedo decir que yo a nivel personal tengo muchas ganas de seguir haciendo música, y de hecho tengo un disco casi completamente compuesto. Ojalá pueda ser un nuevo disco de Dark Moor.

Para finalizar, si pudieras viajar atrás en el tiempo y encontrarte con aquel Enrik de los 90 que empezaba a dar forma a Dark Moor, ¿qué consejo le darías después de todo lo aprendido?

Bueno, para mí es fácil, ya que soy profesor y director de una escuela de música y hay muchos chavales a los que aconsejo qué hacer. Lo más importante es creer en lo que haces y disfrutar de la música y de compartirla con el público. Que tengan paciencia y que donde se cierra una puerta, siempre se abre otra.

Muchas gracias por tu tiempo y ¡mucha mierda para el sábado!

¡Gracias a vosotros y vuestro fantástico medio!