Con motivo de la gira por los 35 años de Ácido Argentino, que traerá a La H No Murió a Europa, me di el gusto de charlar con uno de los grandes héroes del metal argentino: el Tano Romano. La entrevista fue un sueño hecho realidad: desde el primer momento, el Tano se mostró amable, cercano y con una enorme predisposición para conversar. Hablamos de muchas cosas, más allá de la gira: sus recientes shows junto a Iron Maiden, su postura política, su relación con los demás integrantes de la banda, el recuerdo de quienes ya no están y el legado que dejará cuando ya no esté entre nosotros.

Una charla divertida y emotiva, cargada de anécdotas, reflexiones y momentos especiales. Una entrevista que disfruté muchísimo y que fue, sin dudas, un verdadero placer realizar.

Tano, ¿cómo estás? Muchas gracias por este rato y por la buena onda de siempre. Es un placer poder charlar con vos nuevamente. Además, ya desde el primer momento se te nota especialmente contento: estás con la remera de la fecha de Iron Maiden, así que me imagino que todavía estás disfrutando todo lo que pasó.

Sí, estamos muy contentos por lo de Maiden, que estuvo buenísimo. Sobre todo por poder tocar con una de nuestras grandes influencias y volver a escuchar esas viejas canciones que nos marcaron.

En nuestro caso, además, La H No Murió es como una manera de volver al monstruo rock de Hermética, cuando participamos en un estadio con un montón de gente disfrutando nuestras canciones.

Creo que todos los que fueron a Maiden sabían de qué se trataba Hermética, y lo demostraron porque cantaron todas las canciones y armaron un pogo hermoso. Así que estamos muy felices de haber participado.

Y está buenísimo que una banda nacional, aunque obviamente tocando canciones de Hermética, que es algo tan emblemático para Argentina, haya tenido semejante respuesta frente a un público internacional. No siempre pasa algo así.

Después te vas enterando de algunas cosas mientras estás tocando. Por ejemplo, alguien dijo que estaba Adrian Smith ahí atrás, chequeando o afinando la guitarra, no sé exactamente qué estaba haciendo. Mientras nosotros tocábamos, escuchó que en algunas partes la gente cantaba a pleno y le hizo señas a su asistente, como prestando atención a cómo cantaba la gente las canciones. Eso también nos pasa a nosotros. A veces tocamos y están las bandas teloneras de los lugares donde vamos, y escuchás que todo el público está cantando. Entonces decís: “Ah, bueno, estos son conocidos, a la gente le gustan, se ve que hace mucho que vienen tocando”.

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Está buenísimo eso. Y la verdad que se te nota contento, y me pone muy contento a mí también. Justamente te estaba mostrando que tengo un tatuaje de Maiden, porque es una banda que también significa muchísimo para mí. Yo esa gira la vi acá y es una locura, es hermosa.

No tuvimos la oportunidad de sacarnos una foto con ellos. Esta es la segunda vez que tocamos con Maiden, porque en la visita anterior tocamos con Malón. Y esta vez dijimos: “Bueno, esta vez nos tenemos que poder sacar una foto”. Pero lamentablemente los productores, yo no creo que haya sido por la banda, no quisieron tener ningún problema. A lo mejor se habrán encontrado en algunos lugares donde les habrán hinchado las pelotas y habrán dicho: “No, no nos metamos en ese quilombo”. Pero bueno, es una lástima, porque para nosotros era una manera de agradecerles. Sus canciones fueron de las primeras que sacábamos e intentábamos tocar en los ensayos. Te hablo de la época anterior a Hermética, en Cerbero. Y bueno, no se dio, pero la verdad que estuvo buenísimo estar ahí, compartir y poder pisar el mismo escenario. Creo que es un sueño para cualquier músico poder tocar de telonero de Maiden.

Claro, más cuando Maiden le cambió la vida al mundo. Para mí es así: Maiden, lo más grande que hay. Eso no lo discuto.

Hay muchas bandas de esa época que nos hicieron conocer este nuevo estilo musical llamado heavy metal. Maiden, Judas Priest, Black Sabbath, que es la principal. Venía del rock pesado, pero yo creo que todos aprendimos de Black Sabbath. Maiden, Judas Priest, todas las bandas creo que de ahí algo sacamos.

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Bueno, ahora volcándonos en La H No Murió y en lo que nos convoca hoy, que es la gira por Europa. ¿Qué significa para ustedes ver que canciones que nacieron hace más de 30 años siguen llegando al público y, encima, ahora tan lejos de Argentina, después de cruzar el charco?

A lo mejor, si hubiésemos tenido una compañía discográfica como las bandas de afuera, hubiésemos llegado mucho antes. Que llegue La H No Murió, que llegue Malón, costó un montón de tiempo porque todo se da por el boca en boca.

Hermética llegó donde llegó por eso. Cuando escuchás una banda que te gusta, se la querés hacer escuchar a tus amigos, y así, de boca en boca, llegó Hermética. Costó mucho, pero también hay muchos argentinos que viven en España y en distintas partes de Europa que se encargan de hacer correr la voz sobre una banda argentina y de hacernos conocidos con la gente de allá. La verdad que fue una fiesta cada una de las visitas que tuvimos en España. Fue increíble encontrarnos con tantos argentinos, latinos, españoles y también europeos que se acercaron.

Yo creo que somos una banda que laburamos mucho y que ya tenemos la experiencia de tocar tantos años. Pasamos por un montón de equipamiento y hoy podemos decir que estamos tocando con tecnología de última generación. Tenemos un equipo técnico de primer nivel. Todo ese conjunto de cosas hace que, nos vea quien nos vea, vaya a valorar y notar todo el trabajo que tenemos detrás: los ensayos, la composición, el sonido y lo que es un show en vivo de la banda.

Me llama la atención eso que mencionás, que también se acerca gente que no es argentina o latina. Eso se ve mucho. Supongo que también va a pasar en Berlín, porque más allá de los shows en España, tienen una fecha ahí, en un país que ya no es hispanohablante.

Sí, es la primera vez que vamos a ir. Fuimos a España, pero a otros lugares todavía no habíamos ido, así que va a ser nuestra primera vez en Alemania. Y por lo que nos cuentan los organizadores, la fecha viene muy bien. Eso quiere decir que se están vendiendo entradas, que hay gente que nos quiere ver. Yo creo que principalmente son argentinos y gente de Latinoamérica. Pero acá también pasa que vienen bandas que uno no conoce y tocan en el Teatro Flores. Y uno siempre va a ver qué onda, a querer conocer una banda nueva. Así que seguramente también habrá algunos alemanes escuchando nuestra música y viendo qué representamos. En ese momento representamos, de alguna manera, al heavy metal latinoamericano y lo llevamos a los lugares donde podemos. Ojalá que esto sirva para seguir abriendo puertas y que otras bandas también puedan transitar el mismo camino.

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Ya hablando un poco de esto, de que hace tanto tiempo que están vigentes estas canciones antiguas, me quiero meter un poco más en lo que son las canciones y el legado de Hermética. Muchas canciones de Hermética fueron escritas, como ya sabemos, hace alrededor de 35 años. Y si bien se cumplen 35 años de Ácido Argentino, hay temas como la desigualdad, el trabajo, la pobreza o la situación social que siguen apareciendo en la realidad argentina y mundial. Y lo digo también desde mi experiencia viviendo en Europa. ¿Cómo sienten hoy esa vigencia de las canciones, de ese mensaje? Capaz algunas canciones adquirieron otro significado. ¿Cómo sienten que las recibe el público hoy?

Sí, son increíbles las cosas que escribió Ricardo en ese momento. En mi caso estaba la parte musical. Así como cuando escuché Maiden o Judas Priest y nunca entendí lo que decían sus letras, el mensaje de sus canciones me llegó al corazón a través de la música y empecé a tocar este estilo musical porque escuché esa música que ellos me hicieron llegar. En el caso nuestro, creo que la música también, de alguna manera, llega. Porque cuando vos escuchás una banda, si no te gusta la parte musical, no sé si le das tanta oportunidad a lo que dice la canción. No te tenés que bancar un tema que no te gusta musicalmente solamente por lo que dice la letra. A lo mejor lo escuchás una vez y después no lo volvés a escuchar. Pero en este caso parece que las dos cosas entraron bien en mucha gente. Ricardo documentó, la idea era esa: documentar en aquel momento esas cosas feas que vivíamos y que veíamos.

Como dijo Ricardo en una declaración, la idea era que el día de mañana un pibe, 35 años después, pudiera ver entre las cosas de sus padres y encontrara un disco de Hermética, y pudiera entender cómo se vivía en aquella época, cuando su padre tenía la edad que él tiene hoy, por ejemplo 20 años.

Hace poco fue el aniversario del fallecimiento de Ricardo y me crucé nuevamente con esa declaración. La tengo muy presente.

Era eso. La idea era documentar lo mal que vivíamos en ese momento, para que el pibe del día de mañana pudiera verlo. Supuestamente, uno imaginaba que 35 años después los problemas tendrían que estar solucionados. Y lamentablemente seguimos teniendo los mismos quilombos, nosotros y en muchas partes del mundo. Y mucha gente, al escuchar la música y traducir las letras, o quienes hablan nuestro idioma y escuchan lo que dicen nuestras canciones, se sienten identificados. Y bueno, es una manera de pedir justicia.

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Vi recientemente un recital de ustedes que se hizo viral. No me acuerdo exactamente dónde fue, pero Claudio, que obviamente es quien tiene el micrófono, se manifestó en contra del gobierno actual y de las medidas que se están tomando contra los trabajadores. También sé que otros colegas de ustedes —voy a nombrar el ejemplo más conocido, que es Horcas, aunque hubo otros— estuvieron manifestándose en eventos y protestas sociales. Desde tu lugar, ¿cuál es tu posición respecto a esto? ¿Y cuál es la posición de la banda? ¿Vos acompañás a Claudio?

Sí, estamos todos en la misma. No es que estamos del lado de un partido político o de otro. Si mañana sube el peronismo y hace cagadas, nosotros también vamos a hablar de eso. Como en el caso de Ricardo, cuando habló, por ejemplo, en “Olvídalo y volverá por más”. Yo creo que todas las bandas de heavy metal, especialmente las bandas argentinas, hablan de estas cosas en sus letras. Sea el gobierno que esté, siempre hay cosas para decir.

Y sí, estamos viviendo una situación económica fea. Nosotros lo vemos con nuestros amigos, con la familia, en los shows, cuando hablás con la gente y también por lo que nos cuentan los productores. Hay bandas de este estilo y de otros estilos que antes convocaban mil personas y hoy convocan 500.

Todo coincide con el problema económico que está viviendo la gente. A todos nos gustaría ir a todos los shows, pero si no tenés para llevar un plato de comida a tu casa y tenés que gastar ese dinero en una entrada, vas a comprar comida para tu casa y vas a perder esa oportunidad de disfrutar. No porque no te guste, sino porque hay prioridades.

Saliendo un poco de este tema, hace poco también vi una entrevista que le hicieron a Claudio, donde contó que hizo un cambio en su estilo de vida, especialmente en relación con los consumos y con todo lo que implica estar de gira. Él mismo decía que siente que está mejor con la voz y demás. ¿Cómo se vio reflejado eso en la dinámica de la banda y en las presentaciones? ¿Y vos, u otro integrante del grupo, también tomaron una postura similar, quizás tratando de bajar un poco el ritmo o cambiar algunas cosas?

Yo siempre le rompí las pelotas a Claudio: “Pará con esto, pará”. Uno se va poniendo grande y dice: “Bueno, listo”. De joven te bancás muchas cosas, pero después, de grande, te tenés que cuidar un poco más. Y la verdad que sí, Claudio dejó todo eso. Nosotros también ayudamos a que no pase. Antes, este ambiente era medio jodido. A veces viene gente que se acerca, consumidores o personas con adicciones a ciertas sustancias. Y a lo mejor no lo hacen para hacerle un mal a nadie, sino porque para ellos eso está bien, lo quieren compartir y terminan haciéndole mal a otras personas.
Entonces estamos cuidando que esas cosas no pasen. Si antes venían y traían tres o cuatro vinos para que tomemos antes o después del show, tratamos de que eso no suceda. Y nos dimos cuenta, Claudio inclusive se dio cuenta, de que cambió mucho: mejoró mucho su voz, respira mejor y llega mejor al final del show.

También cambió mucho en su personalidad, porque esas cosas también te hacen cambiar. Y a veces termina pasando lo que pasó con Hermética: uno puede tomar una mala decisión porque está en otra, en otra historia. Tu cabeza está en otro lado y no podés pensar demasiado. La verdad que estamos felices de que Claudio esté bien y que esté mejor. Todos tratamos de cuidarnos para llegar de la mejor manera al último día. También tuvo mucho que ver lo que pasó con Ricardo y lo que pasó con Pato recientemente. Son personas de nuestra edad que hoy ya no están en este mundo. Y eso también te hace pensar que tenés que dejar ciertas cosas y cuidarte un poco más.

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Esto me dispara dos preguntas, pero primero voy por un lado. Ya que lo mencionaste, con la partida de tantos ídolos que estamos teniendo, no solo a nivel nacional y de gente cercana a ustedes, como fue el caso de Ricardo y Pato, sino también para toda la Argentina, como el Indio, y a nivel internacional. Hace poco se fue Cronos, de Venom, que sé que fue una influencia para vos y para Cerbero en sus comienzos. ¿Cómo sentís que todas estas ausencias van dejando a la escena? ¿Y qué lugar creés que empiezan a ocupar ustedes? Porque quizás la gente piensa: “Este ya no está, pero todavía tenemos esto”, que en este caso serían ustedes. ¿Cómo sentís que la gente va acomodando todo esto?

Nosotros llegamos a una edad en la que todo esto es parte de la vida. Obviamente, todos vamos a ir por ahí algún día. Pero es como que ya te toca más de cerca, porque vivimos una etapa fea, triste, en nuestra vida, en la que vas viendo cómo tus amigos y colegas de tu misma edad, por una cosa o por otra, van dejando este mundo.

Y seguramente el día de mañana nosotros también vamos a ser el motivo por el que van a estar hablando de nosotros. Lo importante es que lo lindo que queda es lo que uno hizo. Nosotros, cada vez que tocamos los temas de Hermética, sabemos que la gente recuerda a Ricardo, recuerda a Pato, y nosotros también los recordamos.

A veces te ponés a pensar y recordar. Si bien con Hermética tuvimos momentos muy lindos y otros no tan lindos en la última etapa, y después la separación de Hermética también tuvo momentos feos, hoy hay gente que a nosotros medio que nos bardea porque dice que tocamos canciones que grabamos nosotros, pero que no las podemos tocar. Y bueno, esas cosas tampoco te hacen sentir bien.

Pero estamos felices. Yo creo que el día que nos vayamos, va a quedar esto. De Ricardo quedaron todas esas grandes letras, y por eso siempre vamos a estar hablando de Ricardo. Siempre va a haber algo de Ricardo. Pato también dejó algo muy lindo. Cuando entró a Hermética, justamente en Ácido Argentino, le dio una vuelta de rosca a lo que veníamos haciendo.

Se nota un montón en la batería.

Claro, la banda sonó de otra manera. Además, en esa época el doble bombo era algo nuevo para nosotros. Inclusive, las canciones de ese disco sonaron de otra manera, y las canciones que Pato no grabó del primer disco también sonaban de otra manera con el doble bombo de Pato.

Yo me sentía mucho más acompañado con mis riffs, porque si hay algo que siempre quise es que la banda nunca pierda esa potencia de heavy metal que a mí me gusta. Y con la batería de Pato tuvimos una química muy particular: entre los bombos de él y los machaques míos, como le digo yo, sonaba como una sola cosa, pero con dos instrumentos tocando al mismo tiempo. Hacían que esos riffs sonaran de otra manera.

Lo bueno es eso: que uno se va, pero quedan las cosas que hizo en la vida. Y bueno, yo, si me toca irme mañana, me voy feliz, porque toda mi vida hice lo que amo. Le puse la mejor onda, todo el esfuerzo y toda la responsabilidad.

Y hoy estoy disfrutando de eso: de tocar y de que la gente pueda disfrutar de nuestra música.

Si tuvieras que pensar en la banda, ya sea Hermética, Malón, o incluso en vos mismo, y decir “este es mi legado, esto es lo que dejo”, ¿qué sería? Más allá de las canciones, los mensajes o todo lo general. ¿Hay algo puntual por lo que te gustaría que te recuerden? Puede ser cierto estilo de guitarra, cierta actitud… Si decís “yo, Tano Romano, quiero que me recuerden por esto”, ¿qué sentís que dejás?

Yo creo que me van a recordar porque dediqué toda una vida a este estilo musical. Si te ponés a pensar en la parte económica, seguramente te irías a tocar otra cosa, porque siempre nos costó muchísimo. Pero bueno, fue toda una vida haciendo las cosas con responsabilidad.

Creo que hoy, hablando de esto, los pibes jóvenes, más que nada, se dan cuenta de que, como hablábamos antes sobre los consumos, no fue lo mío. Sin tener que consumir un montón de sustancias que hacen mal, y que vemos en grandes artistas que se van temprano de este mundo por ese motivo, por haberse excedido con los consumos, yo pude disfrutarlo igual y lo sigo disfrutando.

Y creo que también se puede. Cuidándose uno, se puede llegar al mismo lugar y se pueden crear cosas. En mi caso, los chicos muchas veces me hablan de los riffs de las canciones, de cómo estaba mi mano derecha, de mi ritmo. Bueno, eso lo logré con esfuerzo y sin tener que acudir a ninguna sustancia rara. Entonces creo que se puede. Tratemos de cuidarnos y no engancharnos en eso, porque nunca terminás bien enganchándote con las drogas o con los excesos de alcohol.

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Sí, muy buen mensaje. De paso comparto algo personal: yo estoy hace casi seis meses limpio de todo, así que te banco. Es algo bueno para decir.

Hay cosas lindas. Uno vive como con los ojos cerrados y de repente los abre y se da cuenta de que hay cosas lindas. Y de grande, cuanto más vas creciendo, yo creo que más amás la vida y más amás todo. Valorás mucho más las cosas porque sabés que ya no sabés cuánto tiempo más las vas a poder disfrutar. Entonces uno valora mucho más el tiempo. Principalmente, cada minuto tenés que disfrutarlo al mango porque no sabés si ese es el último minuto que tenés para disfrutar.

Sí, tal cual. Comparto absolutamente todo lo que decís. Pero antes de cerrar completamente, me gustaría preguntarte algo que igual tocamos un poquito: ¿cómo se sienten ustedes cuando interpretan de nuevo esas canciones? ¿Hay canciones que hayan cambiado mucho en la forma en que las tocan o en cómo suenan, más allá de una cuestión tecnológica? ¿Hoy quizás tienen que buscarle la vuelta a algún arreglo, bajar algún tono o hacer algún cambio? ¿Cómo ven eso?

Y, algunas cositas pulimos, porque en aquel momento no le dábamos tanta bola a lo musical. Cada uno estaba en la suya y todos queríamos ir para adelante. Capaz uno estaba haciendo cinco notas y el otro estaba haciendo seis, y decíamos: “Pará, ¿cómo?”. En algún momento algo se cruzaba y no le dábamos tanta importancia a eso. Hoy, con la experiencia de tantos años y de tantas canciones que uno hizo, hay algunas cosas que se pulieron y hacen que todo suene mejor. También está el equipamiento que hoy tenemos. En aquella época, cuando grabamos Ácido Argentino, la verdad que no logramos el mejor sonido en el disco porque no había nada. No había equipamiento ni experiencia de cómo hacer sonar esta música. Hicimos lo que pudimos, pero lo bueno es que también quedó demostrado que a veces no tenés el mejor sonido, pero sí tenés las mejores canciones y también llegás al corazón de la gente.

Hoy tenemos esas canciones que la gente ama y tenemos un buen sonido que en aquel momento no teníamos. Entonces hoy las canciones suenan increíblemente bien y la gente puede disfrutar de cosas que antes no. Antes se cruzaban los instrumentos o ibas a un show en vivo y era más una bola de ruido que otra cosa. Hoy la tecnología avanzó. Tocamos y al otro día, o esa misma noche, la gente ya está subiendo imágenes y videos del show. Y en los comentarios todos coinciden en que la banda está sonando muy bien, qué buen espectáculo, qué buenas luces, qué bien que tocaron, qué bien está Claudio. Hoy no podés chamuyar: lo que hacés, la gente lo ve. Y así como mañana pueden decir “qué bueno que estuvo”, también pueden decir “che, loco, sonó re mal, no se entendió nada, el Tano estaba arruinado”. Pero no pasa eso, pasa lo otro. La gente hoy está disfrutando de un buen espectáculo y un buen sonido, y eso es lo que siempre quisimos y lo que queremos: que la gente escuche nuestras canciones como tienen que ser y que escuche cada nota que uno toca. No que a lo mejor te mates tocando un riff para que suene bien y no pifiar una nota, y después del otro lado no se entienda nada de lo que estás haciendo.

Entonces te mataste y nadie disfrutó. Hoy disfrutan de todas esas cosas, y nosotros también. Y nosotros también tenemos que estar bien pilas porque sabemos que lo que estás haciendo, si te mandás una pifia, lo escuchó todo el lugar donde estás tocando.

Y ahora termina en Instagram y perdiste.

Claro, por eso termina en todos lados. Pero bueno, está buena esta comunicación.

El otro día escuché a alguien que estaba haciendo una entrevista y hablaba de cómo antes eran los sellos discográficos, que era otra cosa. La verdad que yo, en la época de Cerbero, antes de Hermética, nunca pude grabar un disco porque un sello discográfico nunca me iba a dar cabida. Sin embargo, hoy una banda nueva que se arma graba su disco. Los pibes la tienen re clara: se bajan unos programitas, consiguen unas plaquitas, graban algo digno y lo suben a todas las plataformas, y desde cualquier parte del mundo pueden escuchar esa música.

Antes, si vos no tenías una compañía discográfica que te grabara un disco y te lo bancabas vos, no llegabas a ningún lado. Tenías que agarrar un casete y dárselo a alguien que viajaba para que se lo lleve y se lo haga escuchar a alguien. Entonces yo creo que esto a nosotros nos benefició, a los músicos que queremos que nuestra música la escuche todo el mundo. Creo que nos benefició por estas nuevas tecnologías, las redes y todas las plataformas que hoy existen.

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Pero ya que salió el tema, te hago una pregunta que no tenía agendada. ¿No creés que también antes, a ver, la música que se vendía… Yo quería escuchar el disco, iba y lo compraba. Hoy lo tengo todo en internet, tengo que pagar casi nada o directamente no lo pago. ¿No sentís que capaz eso también afecta económicamente un poco a las bandas?

Sí, afecta. Pero bueno, antes una banda nueva, ¿a quién le vendías un disco? No se lo vendías a nadie. Entonces no te conocían. Tocabas y no iban a verte porque nadie sabía qué hacías.
Hoy, si vos escuchás una banda, a veces te suben esos reels y te aparece una banda que está tocando, o esos programas de talentos que hay, donde escuchás a alguien. A mí me pasa, a veces me quedo colgado ahí. Algunos chicos que van y cantan, se cantan todo.

Y entonces decís: “Mañana viene uno, una banda de esas que vi, estos pibes sonaban bien”, y vas a ir a verla. De otra manera era muy, pero muy difícil llegar. No llegabas a nadie. Tocabas y no llegabas a nadie, solamente a los que te iban a ver, y después eso corría la bola.

Por eso a Hermética también le costó mucho tiempo llegar a tanta gente. Nosotros tocábamos 60 veces por año, íbamos y llevábamos nuestra música. No hacía falta que alguien viajara para decir: “Tomá, llevate un casete”. Íbamos nosotros y tocábamos. Pero bueno, hoy no sé si la gente o las bandas tienen esa posibilidad de ir a tocar por todos lados, más que nada también por lo económico que hablábamos antes.

Tengo una pregunta medio imaginaria, ¿no? Salgámonos un poco de la realidad. Si pudieras agarrar Ácido Argentino, por ejemplo, u otro disco de cualquiera de las etapas de tu carrera, y decir: “Che, bueno, con este disco puedo hacer cualquier cosa”, ya sea una película, un cómic, un videojuego… ¿Qué te gustaría hacer con algo así?

Está buena esa pregunta. Me gustaría hacer algo que todavía está en tratativas y que nunca hicimos, pero que queremos hacer en algún momento. Ojalá que podamos y que la vida nos dé esa posibilidad: principalmente me gustaría grabar el disco de Cerbero que nunca grabamos en aquella época.

Con Willy seguimos viéndonos, somos hermanos, más que amigos. Nos conocemos de toda la vida. Nuestra primera banda junto con Willy, con Carlos Cuadrado, que éramos Cerbero, el bajista de La H No Murió, de Malón, con Willy Caballero, fue nuestra primera banda. Primero me gustaría eso, grabarlo. Ojalá que podamos hacerlo.

Siempre que nos juntamos decimos: “Mirá”. Justamente ahora, dentro de un par de horas, tenía una entrevista con Willy. Me dijeron para hacer una nota y charlar de Cerbero, así que vamos a estar hablando de eso.

Me gustaría porque la verdad que están buenas las canciones. Hoy pasó tanto tiempo y, si las grabamos con el sonido que tenemos actualmente, con la tecnología y con todos los equipos que tenemos, son canciones que tranquilamente podrían haber sido canciones de Hermética, de Malón o de cualquiera de las bandas en las que estuve después de Cerbero. Son canciones que pueden sonar muy actuales musicalmente.

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Y después, con respecto a lo demás, no sé. La verdad que yo no veo cómics y todas esas cosas. Mi vida pasó por la música. Yo me pongo a tocar y quiero componer.

Cuando me pongo a zapar, hoy hay muchas maneras de hacerlo. Antes viajaba en el bondi y los ruidos del bondi, que estaba todo destartalado, capaz que por momentos me parecían una batería, y en mi cabeza estaba zapando mientras llegaba a mi laburo.

Hoy tenés la posibilidad de ponerte una batería en YouTube, que es lo que hago: baterías de heavy metal a distintas velocidades. Tengo armados unos chorizos de dos horas, con pequeñas partes de batería de 40 segundos, de un minuto, de dos minutos, todas pegadas una atrás de la otra. Le pongo play, enchufo mi viola y me pongo a tocar, a zapar, sin saber qué va a pasar. Porque uno está tocando con una batería a buena velocidad y, de repente, la que sigue bajó totalmente a algo pesado, y tenés que improvisar en ese momento.

Y disfruto de esas cosas, de ponerme a zapar, a tocar. De todo eso que grabo, por momentos salen cosas que están buenísimas y quedan grabadas. Después aparece otra batería que te lleva a otro lado. Y eso, si no lo hubiese grabado, quedaba solamente en ese lindo momento que disfruté. Ahora, como lo grabo, tengo un montón de cosas ahí. Es más, el último disco de Malón lo grabamos con carpetas que yo tenía grabadas durante la pandemia. Eran horas de grabación que nos pusimos a escuchar y dijimos: “Qué bueno que está eso, esa parte qué buena”. Y así empezamos a seleccionar.

Y ahora, después de ese disco, pasó un montón de tiempo, así que tengo un montón de otras cosas para futuros discos. Disfruto de esas cosas. No tanto de otras. La tecnología me encanta, pero también me cuesta mucho pilotearla. Antes tenía, por ejemplo, cuatro bafles Mesa/Boogie y un cabezal en la espalda cada vez que tocábamos. Hoy toco con un pedacito así que tiene, no los cuatro Mesa/Boogie, sino cuatro Mesa/Boogie, 16 Marshall y todos los equipos que te puedas imaginar. Y de ahí sale mi sonido para la gente y para mi oído también.
Y bueno, disfruto de eso: de poder tener un buen audio y de jugar con esas baterías.

Gracias, Tano. Me encantaría hablar mil horas más. Los voy a ver en Madrid y, si se puede, espero poder encontrarme con ustedes para charlar un rato. Este viaje desde Copenhague para allá es un placer. Soy fan de toda la vida, estuve en la vuelta de Malón, estuve en La H y en todas. Así que fue un placer hacer esta nota con vos, la disfruté un montón y espero que vos también.

Dale, nos vemos allá y seguimos charlando todo lo que vos quieras.

Allá por 2011 Mi Última Solución estaban dando sus primeros pasos en la escena del post hardcore y el metalcore en Argentina, y década y media después los tenemos como uno de los grandes nombres del estilo en el plano local. A pocos días de tenerlos celebrando los 10 años de Falsos Monumentos, su segundo álbum, en el Teatro Flores, nos comunicamos con el bajista Axel Millar para hablar sobre ello, el paso del tiempo y sobre ser teloneros de una banda bastante diferente como es The Rasmus.

—¡Buenas a toda la gente de Mi Última Solución! Un gusto tenerlos respondiendo nuestras preguntas. ¿Cómo viene la mano? ¿Cómo están las cosas con la banda?

¡Buenas, buenas! Por acá todo muy bien, a mucho ensayo con doble lista y las cosas con la banda están en un momento muy especial, ya que se nos viene un noviembre movidito.

—¿Cómo está la expectativa antes de tocar con The Rasmus el 4 de noviembre?

La fecha con The Rasmus nos tiene súper entusiasmados; es una banda que admiramos y compartir escenario con ellos es un tremendo honor. Preparamos una lista bastante acorde a lo que pensamos que a su público le va a gustar, con unos toquecitos de todo lo que es Mi Última Solución en vivo.

—Tengo que decir que me llama la atención verlos en el mismo cartel con los The Rasmus, porque en cuanto a estilo no los imaginaba tocando con ellos. Claro que ésta es una apreciación mía, porque me imagino que ustedes considerarán que hay puntos en común.

Quizá no somos la banda más parecida a ellos, pero tampoco estamos muy lejos. Nuestra parte más melódica podría ser parte de una playlist con canciones de ellos. Hace poco anduvimos por la feria emo y en una misma campera vimos convivir parches de Bring Me The Horizon con parches de The Rasmus, así que algo hay ahí.

—Aparte del concierto con The Rasmus en el Teatro Flores, el 8 van a estar como artistas principales en el Groove de Palermo. ¿Qué podemos esperar de esta fecha?

Así como para la fecha con The Rasmus tenemos una lista breve y más cercana, quizá, al público que va a ver a los finlandeses, en Groove la lista va a ser más extensa y representativa de todo lo que es MUS, centrado obviamente en nuestro segundo disco, Falsos Monumentos.

—Tengo que decir que me llama la atención la cantidad de teloneros. ¡Es casi un festival!

Un poco la idea era celebrar en ese modo, onda un “MUS FEST” ya que es una fecha súper especial y la queríamos compartir con estas bandas amigas: All For Love, Renacer del Tiempo, Error 404 y Post20.

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—La fecha en Groove es para celebrar los 10 años de Falsos Monumentos. ¿Cómo ven ese álbum a una década de su salida?

Diez años y sigue siendo un disco que nos gusta mucho, hoy en día todavía tiene cosas que sentimos vigentes y las canciones nos divierten mucho para hacerlas en vivo. Está muy cerca de ser un disco que se sienta “viejo”.

—¿Hay alguna canción que hiciera rato que no tocaban y que fuera un desafío volver a aprender para la fecha?

“El fuego dentro nuestro” y “Perdidos” deben ser dos de los temas que menos tocamos en vivo, y prepararlos para este evento no fue tanto un desafío, pero claramente les dedicamos más tiempo en los ensayos frente a canciones que siempre incluimos en nuestros shows.

—Visto a la distancia, ¿hay alguna canción de Falsos Monumentos de la que estén particularmente orgullosos? ¿Les pasó de notar algo nuevo en estos días de tener que estar escuchándolo de vuelta?

Escuchar -y volver a tocar completo- Falsos Monumentos nos ha demostrado lo importante que es ese disco, y lo clave que fue todo el proceso de composición y grabación del mismo, para llegar a donde estamos hoy a nivel musical, pudimos subrayar varias cosas que al día de hoy mantenemos. Definitivamente la canción que más orgullo nos da es “El fin de mi calma”, que mes a mes es el tema más escuchado en Spotify y uno de los puntos más fuertes de conexión en nuestros shows. Nos dio una gran sorpresa en el reci con las mexicanas de The Warning y esperamos repetir ese momento ahora con The Rasmus.

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—Siguiendo eso, ¿cómo ven la evolución de la banda desde que comenzaron allá por 2011?

Con Falsos Monumentos medio que clavamos bandera en la tierra del “somos esto” y luego Reflejos De Uno Mismo mostró un poco un lado más experimental, quizá. Todo ese camino hoy sigue, nosotros sentimos que seguimos creciendo, y las nuevas canciones son un nuevo escalón en este trayecto.

—Después de este par de fechas, ¿cuáles son sus planes de ahí en adelante?

Queremos enfocarnos a pleno en terminar los temas nuevos y el disco acústico. Estos últimos meses estuvimos laburando mucho eso y charlando sobre cómo encarar esta nueva etapa que nos tiene muy entusiasmados, así que serán meses de mucho trabajo.

—¿Qué quisieran decirle a la gente los va a ir a ver con The Rasmus el 4 de noviembre y luego el 8 de noviembre en Groove?

Ya sea la primera vez que nos vayan a ver en vivo, o la vez número mil, les queremos decir que la MUS Family es lo más y siempre tiene espacio para seguir recibiendo nuevas caras, que nos vamos a divertir mucho y que se van a ir a sus casas con ganas de volver a encontrarnos en un reci todos juntos bien pronto.

Los bandas alemanas parecen estar en una batalla constante por mantener el estilo tradicional del heavy metal clásico. Pero justo en el medio entre sonar como algo que nada que ver con el metal de los ochentas y quedarse atrapados en el tiempo está Generation Steel, quinteto de la ciudad de Wetzlar liderada por el guitarrista rítmico Jack The Riffer, quien tras varios años turbulentos de cambios de formación logró reunir un grupo de músicos envidiable justo para la grabación de Steelmachine, su tercer álbum de estudio. Nos reunimos con el guitarrista para hablar sobre ello.

Jack, es un honor estar hablando con vos. Estuve escuchando el nuevo álbum de Generation Steel y es un gran disco. 

¡Gracias!

¿Cómo estás? ¿Cómo vienen las cosas?

Gracias por invitarme a la entrevista. Todo está bien. Las cosas están avanzando muy bien. Estamos muy contentos con el álbum, con la nueva formación y con la próxima gira, por supuesto. Generation Steel sigue avanzando, creo. [Ríe]

Antes de cada entrevista, busco otras entrevistas que haya dado el músico. La mayoría de las entrevistas a Generation Steel fueron en alemán. Algunas se publicaron en inglés e incluso encontré una en italiano. Hasta el último momento no había encontrado ninguna en español. Había una, así que esta será la segunda entrevista con la banda que se publique en nuestro idioma. ¿Cómo presentarías a Generation Steel ante un público que todavía no los conoce? ¿Cómo describirías a la banda?

Formé la banda en 2019 y nuestro objetivo era tocar heavy metal tradicional alemán, al estilo de Grave Digger, aunque también tenemos influencias de Judas Priest y Metal Church. Ahora tenemos tres álbumes publicados. En los primeros años tuvimos otra formación, pero seguramente hablaremos de eso más adelante.

Crecí escuchando este tipo de metal alemán. Tengo 52 años y esta es mi generación musical. De ahí viene el nombre Generation Steel, pero no se refiere solamente a la banda. También incluye a todos los grupos y a cada hombre o mujer que disfruta de este estilo de metal. Todos somos “la generación de acero”.

Para nosotros es muy importante que no nos vean únicamente como una banda. Necesitamos el entorno, a la gente, a los fans y a los amigos de este estilo musical. Somos una comunidad muy buena. 

Toda la comunidad metalera es la generación del acero.

Y no importa si nunca nos conocimos personalmente. Tú eres de Argentina y nosotros somos de Alemania, pero Generation Steel es algo mundial. En cualquier lugar del planeta hay fans de este tipo de metal, y eso es lo que nos une.

Incluso en los países más pequeños podés encontrar fans de heavy metal.

Sí, por supuesto.

Y el “steel” también está en el título del nuevo álbum es Steelmachine. ¿Cómo surgió la idea?

En la portada del primer álbum había un águila y en la del segundo, un león. Entonces dijimos que no queríamos poner otro animal, como un tiburón, un simio o un gorila [Risas].

También pensamos que el tercer álbum es muy importante para cualquier banda. El tercero, o quizá el cuarto, puede determinar si un grupo logra avanzar y desarrollarse o no. Para nosotros era fundamental mostrar una evolución respecto de los dos primeros discos, marcar una diferencia y llegar al siguiente nivel.

Eso tenía que reflejarse no solamente en las canciones, el sonido y la producción, sino también en el título, la portada y en el concepto general del álbum. Así llegamos a Steelmachine. Creo que el significado es bastante claro. Es Generation Steel, es la máquina de acero. Este es nuestro tercer álbum y, para nosotros, el más importante hasta ahora.

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Cuando vi el título, enseguida pensé en Udo Dirkschneider y Accept. Tuve que comprobar si U.D.O. había publicado un álbum llamado Steelmachine, pero me acordé de que se llamaba Steelhammer…

También está Steel Factory. Steelhammer y Steel Factory. ¡Con las bandas alemanas todo se refiere al acero!

¿Qué pasa con el heavy metal alemán y el acero?

Quizá sea porque Alemania tiene una larga tradición en la industria siderúrgica.

Claro, no hay ningún otro tipo de metal.

¡Quizá sea eso! ¡Estoy bromeando!

Para este disco, mencionaste que hubo muchos cambios en la formación, con un nuevo cantante y otros integrantes.

No tenemos un baterista nuevo. Esto es importante porque Marc se incorporó a la banda hace dos o tres años, antes que Thilo, Micke y Fabs. Marc es un amigo mío desde hace muchísimo tiempo. Siempre quise tenerlo en la banda.

Pero sí, el resto de los puestos cambió.

Generation Steel se formó en 2019 y tuvo muchos integrantes que entraron y salieron. ¿Cómo compararías esta nueva formación con las anteriores?

En primer lugar, tengo que decir que todos esos cambios y las dificultades dentro de la banda no son divertidos ni agradables. Cada integrante anterior tuvo sus motivos personales para marcharse. Fueron decisiones individuales, diferencias en la manera de pensar, en los objetivos y en la forma de trabajar.

Ahora estamos muy entusiasmados con la nueva formación. Estoy especialmente orgulloso de haber incorporado a Thilo. Cuando Pascal, nuestro anterior cantante, decidió dejar la banda por motivos personales, me pregunté si ese era el momento en que Generation Steel debía terminar o si, por el contrario, podía ser una oportunidad para seguir desarrollándonos.

Me dije a mí mismo que necesitaba un excelente guitarrista principal porque yo no puedo tocar la guitarra solista. Soy guitarrista rítmico. 

Sos Jack El Riffero, no “Jack El Que Hace Los Solos”.

No soy Yngwie Malmsteen ni nada parecido. Entonces empecé a pensar quién podría ocupar ese puesto y se me ocurrió Thilo. En ese momento no nos conocíamos personalmente, así que le escribí por Facebook Messenger. Me presenté, le conté que era Jack, de Generation Steel, y le expliqué mi idea y lo que quería hacer con la banda.

Me respondió que iba a echarle un vistazo. Yo pensé que nunca se uniría a una banda tan pequeña. Pero dos días después me contestó que sí, que estaba dentro. No podía creerlo. Fue fantástico.

Una semana después fui a visitarlo a su casa. Vive a unos 500 kilómetros de mí. Pasamos todo el fin de semana en su estudio, que está en su propia casa. Revisamos el material que Generation Steel tenía para el próximo álbum, pero también escuchamos sus composiciones personales.

Thilo tenía muchísimas ideas y canciones que había grabado durante los años anteriores. Había mucho material y era realmente bueno. Le propuse que juntáramos nuestras ideas y hiciéramos un nuevo disco. Le dije que Steelmachine necesitaba su sello personal y le pregunté si quería escribir las canciones y encargarse de la preproducción. Aceptó, y Thilo escribió todo el material instrumental y los arreglos del álbum. 

Después tuvimos que afrontar otra situación: nuestro cantante dejó la banda y empezamos a buscar un reemplazo. Entonces Thilo nos habló de Micke, que vive en Suecia, cerca de Estocolmo, muy lejos de nosotros.  Así que al principio pensé: “¿Un cantante de Suecia? ¿Cómo va a funcionar esto?”.

Escuché a Micke y me sorprendió su voz. Es un cantante de metal excelente. Organizamos una videollamada, hablamos de todos los detalles y así se incorporó a la banda.

Thilo y Micke ya se conocían de la banda internacional Feanor, que había sido formada por David Shankle, el ex guitarrista de Manowar. David se fue del grupo hace unos tres o cuatro años y Thilo ocupó su lugar. Fue entonces cuando Thilo y Micke se conocieron.

Ahora los dos están en Generation Steel y estoy muy contento con cómo se dieron las cosas. El resultado es Steelmachine.

Es curioso que puedas escribirle a un guitarrista legendario, invitarlo a tu banda y que acepte considerarlo. ¿Por qué no?

Sí, es genial.

Por el estilo musical y la imagen de Generation Steel, uno podría pensar que son una banda no necesariamente “retro”, pero sí de heavy metal muy tradicional. Pero mencionaste que no quieren reinventar el género y tampoco quieren sonar como si estuvieran atrapados en 1985. ¿Qué tan difícil es encontrar ese equilibrio?

Es una cuestión de nuestra filosofía personal. Cuando hablas con los fans del metal, te das cuenta de que para ellos es muy importante que una banda sea auténtica. Si tienes un grupo de metal, tienes que ser fiel a lo que haces. Pero ¿qué significa ser auténtico? ¿Cuál es la definición de metal auténtico?

Creo que muchas veces la gente piensa en cómo sonaban las bandas de metal en los años ochenta. Nuestro estilo, la música, la batería, los riffs de guitarra, el bajo y la voz de Micke son propios del heavy metal tradicional de aquella época. Sin embargo, las producciones de los años ochenta no tenían el sonido grande y potente que se puede conseguir hoy. 

Para nosotros es importante combinar ambas cosas: componer canciones de la manera tradicional, pero con un sonido moderno que tenga fuerza. ¿Somos auténticos o no? Creo que es una discusión un poco absurda. Tenemos músicos con experiencia y sabemos exactamente qué hacemos y qué queremos. Nuestra idea es conservar la esencia del heavy metal tradicional, pero conseguir un sonido actual.

Escuché muchas bandas que quieren sonar como los grupos clásicos y legendarios de los ochenta, pero intentan imitarlo todo, incluso los aspectos de aquellas producciones que esas bandas odiaban. Porque muchos detalles de la producción de los ochentas no envejecieron tan bien.

Por supuesto. Si alguien quiere hacer en 2026 una producción que suene como una de 1985 o 1983, puede hacerlo. No hay ningún problema. Pero nosotros decidimos que queríamos un sonido moderno. Esperamos que los fans lo acepten.

Las reseñas están empezando a llegar y son muy positivas. Nos dan buenos comentarios sobre la producción. Piet, de Iron Savior, se encargó de producir el álbum, y la gente destaca que el sonido es moderno y actual.

Uno tiene que… no diría “adaptarse”, pero sí tal vez aprovechar las posibilidades de las nuevas técnicas de producción.

Por supuesto, creo que es muy importante que cada banda encuentre su propio perfil. No hay que ser una copia de otra.

Puedes tocar al estilo de Judas Priest, Grave Digger, Accept o cualquier banda que te guste. Pero es fundamental hacerlo a tu manera y con tu propio sonido. Tenés que desarrollar una identidad y marcar una diferencia.

Lo ideal sería que alguien escuchara una canción y dijera: “Esto tiene que ser Generation Steel”. Si conseguimos eso, estamos haciendo las cosas bien.

El heavy metal no debería depender únicamente de la nostalgia. ¿Cuáles dirías que son tus principales influencias como músico?

Accept, por supuesto, Grave Digger, Metal Church y Jeff Waters, de Annihilator. Me gustan especialmente los primero álbumes de Annihilator, como Never Neverland y Alice in Hell. Ese material antiguo es excelente.

Creo que muchos seguidores de Annihilator terminan diciendo lo mismo, que a partir de los años noventa las cosas empezaron a ir cuesta abajo: todo se va al infierno, y no sólo Alice. ¿Cuáles son los planes de la banda para los próximos meses? Mencionaste una gira con Mystic Prophecy y Iron Savior.

El álbum sale la semana que viene, el 16 de octubre. Ese será el día del lanzamiento y en noviembre y diciembre saldremos de gira con Iron Savior y Mystic Prophecy. La gira comenzará el 13 de noviembre y el primer concierto será también nuestro show de presentación del álbum.

Además, estoy trabajando mucho en las contrataciones para los festivales del año que viene. Ayer anunciamos nuestra participación en el No Playback Festival, en Alemania. Es un festival muy bueno y estamos trabajando para conseguir más fechas.

Nuestro objetivo es tocar en vivo todo lo que podamos el año que viene. Pero conseguir un lugar en los festivales es muy difícil. En Alemania y en Europa central hay menos festivales que antes, mientras que hay muchas más bandas. La persona que organiza un festival quizá tenga quince o veinte lugares disponibles para todo un fin de semana, pero puede haber hasta dos mil bandas que quieran tocar allí.

Es casi una lotería. Hace falta mucha suerte para conseguir una fecha. Es muy difícil, pero esperamos que el nuevo álbum nos ayude. Creo que es un disco muy bueno y que demuestra la evolución de la banda. Ahora veremos qué pasa.

Vi videos y reseñas de los grandes festivales europeos de heavy metal y es impresionante. Algunos tienen cuatro, cinco o seis escenarios. Pero también hay bandas que terminan tocando a las nueve o diez de la mañana, en escenarios secundarios y frente a cuatro…

¡Cinco personas! [Risas] ¡Hay más músicos arriba del escenario que gente frente a él!

Teniendo todo esto en cuenta, ¿qué te gustaría decirles a quienes escuchen el nuevo álbum de Generation Steel y lean esta entrevista?

Los queremos a todos, a los fans del metal de todo el mundo. Todos somos Generation Steel. Stay metal! Stay steel!

En el mundo del death metal británico hay un puñado de nombres que pueden ser considerados como realezas absolutas del género, mismos que se han posicionado tan alto en la estima de los más aferrados al género violento que sus mismos logos y epitetos son sinónimos de brutalidad y crudeza sonora y sin duda, dentro de este pequeño círculo, Benediction es uno de los más entrañables.

A propósito de su gira por latinoamérica que lleva por nombre “Ravage of Empires – Latam Tour”, que llevará a (casi) toda la banda a seis diferentes países, incluido México este viernes 23 de octubre en la capital, más precisamente en el Circo Volador, nos permitimos una entrañable plática con uno de sus miembros fundadores, el amo de las cuerdas Peter “Rew” Rewinski.

Muchas gracias por acompañarnos, Rew. Es un verdadero placer conocerte. Empecemos.
Peter, formas parte de Benediction desde 1989. Cuando miras atrás, a aquellos primeros años, ¿recuerdas algún momento en particular en el que te diste cuenta de que la banda se estaba convirtiendo en algo mucho más grande que otra banda más de death metal underground?

Bueno, sí. En los primeros días, cuando empezamos, apenas habíamos dado unos cuantos conciertos en el Reino Unido. Recuerdo que tuvimos la suerte de hacer nuestra primera gira con Paradise Lost y Autopsy.
Habíamos dado unos cuantos conciertos en Inglaterra, ¿sabes? Tocábamos en shows locales ante quizá 100 o 200 personas. Recuerdo que salimos de gira y tocamos en Alemania ante unas 2,000 personas. Nos preguntábamos: «¿Hay otra banda tocando o algo así? No lo sabemos». Y nos respondieron: «¡No, están aquí para verlos a ustedes!». Fue entonces cuando me di cuenta de que esto iba en serio, ¿sabes a qué me refiero?

Sí, ¡genial! Suena increíble. Benediction surgió en Birmingham en un momento muy especial, junto a bandas como Napalm Death y Bolt Thrower. ¿Cómo era realmente formar parte de esa escena antes de que el death metal se consolidara como género?

Fue realmente genial. Es difícil juzgarlo en aquel momento: todo se sentía natural y normal. Pero, al mirar atrás, supongo que sí fue algo especial. Te reunías con esa gente en el pub del barrio. Obviamente, todos bebíamos en el mismo lugar. Napalm Death estaba en una esquina y Bolt Thrower en la otra, ¿sabes a qué me refiero? Simplemente nos encontrábamos y pasábamos el rato juntos. Sí, es bastante especial pensarlo ahora. ¿Quién iba a imaginar que seguiríamos aquí haciendo esto? Me siento privilegiado.

¡Suena genial! Hablemos de Transcend The Rubicon. Sigue considerándose uno de los discos esenciales del death metal británico. Cuando lo escuchas hoy, ¿qué percibes de manera distinta a lo que escuchabas cuando lo grabaron en 1993?

Uf, es una pregunta difícil porque he convivido con ese álbum durante tanto tiempo y hemos tocado en vivo la mayor parte de sus canciones. Es complicado observarlo realmente desde fuera, tomar distancia y analizarlo.
Supongo que se considera un clásico por la actitud que teníamos en aquella época, por el momento en que salió y por cómo éramos como banda: probablemente estábamos empezando a encontrar nuestro camino, ¿sabes? Lo recuerdo con cariño y todavía tocamos esas canciones. Creo que siguen sonando frescas y funcionan muy bien en vivo. Muchas de ellas, de hecho. No diría que fue un simple peldaño, pero sí nos ayudó a encaminar las cosas.

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Han pasado por varios cambios de alineación y distintas etapas, pero algo que me parece notable es que la identidad de la banda se ha mantenido. ¿Qué elementos hacen que algo suene inconfundiblemente a Benediction?

Bueno, Darren, el guitarrista, y yo estamos juntos en la banda desde el principio, y simplemente intentamos no hacer nada extraordinario. Somos Benediction, una banda de death metal. No vamos a reinventar el mundo; solo nos gusta tocar buen metal.
Mantenerlo sencillo, que la manera de componer sea simple, ¿sabes? Todavía escribo la mayor parte de mi material sentado en mi habitación. Sigo teniendo una guitarra junto a la cama. Es death metal natural y orgánico, por así decirlo. En realidad, el proceso consiste en mantener las cosas sencillas y ser fieles a lo que empezamos haciendo. Cuando formas la banda, te preguntas por qué quieres tocar este tipo de música. Si recuerdas esa razón y la mantienes presente todo el tiempo, no cambias demasiado. Nosotros no hemos cambiado porque no queremos hacerlo. Somos Benediction.

Y hablando de eso, después de tantos años tocando con Darren, ¿cómo evitas repetirte? ¿Cómo sigues generando ideas nuevas en lugar de reciclar simplemente lo que ya ha funcionado en el pasado?

Sí, entiendo a qué te refieres. Si lo miras desde la perspectiva de un guitarrista, básicamente siempre tienes la misma parte del diapasón. Casi todos los riffs se construyen alrededor de los primeros seis trastes de las tres primeras cuerdas. Probablemente podrías tocar un concierto entero así.
No sé, la verdad es que no lo pienso demasiado. Me gusta tocar la guitarra, así que me siento y toco. Tengo la suerte de encontrar buenos riffs que disfruto tocando, y también de que a la gente le gusten. Como dije, no le doy demasiadas vueltas: simplemente me gusta tocar la guitarra y hacer metal con ella. Así de sencillo.

Sí, es una gran respuesta. Creo que ahí está el secreto. Cuando Dave Ingram regresó para Scriptures, hubo mucha emoción por el regreso de la formación clásica de Benediction. ¿Su vuelta cambió de alguna manera tu enfoque al componer o fue más bien como retomar algo que nunca había desaparecido del todo?

Un poco de ambas cosas. Su regreso llegó en el momento perfecto. Llevábamos mucho tiempo trabajando en bastante material y todo empezaba a encajar. Cuando volvió, le enviamos las canciones para que grabara las voces. Hacía tiempo que no lo hacía, pero lo que nos devolvió sonaba como si nunca se hubiera ido; incluso había vuelto mejor. Fue algo especial y el momento fue ideal. Además, trabajamos con Scott en Grindstone Studios. Hizo un gran trabajo porque ya era un gran fan de Benediction y quería conservar el sonido clásico de la banda sin sobreproducirlo, aunque modernizándolo un poco. Creo que lo hizo muy bien.

¿Sientes que algo ha evolucionado con el tiempo? Si es así, ¿qué señalarías?

No demasiado. Como banda y en nuestra manera de componer, no hemos cambiado mucho. Quizá somos un poco más astutos y mejores músicos. Lo único que ha cambiado es que hemos modernizado el sonido, haciéndolo más actual sin perder ese filo crudo. Si lo hubiéramos perdido o hubiéramos sobreproducido demasiado los discos, simplemente ya no sería Benediction. Se trata de ser la mejor versión posible de Benediction.

¡Genial! Ya tienen algunos trucos bajo la manga. En Ravage of Empires, ¿intentaron conscientemente conservar el sonido clásico de Benediction o creen que surge de forma natural por la manera en que tú y Darren componen?

Sí, surge de forma natural. Como digo, se trata de intentar ser la mejor versión de uno mismo. Nos exigimos mucho mutuamente. Le envío muchos riffs y me dice: «No, ese no sirve», o selecciona algunas partes y las cambia. Trabajamos muy bien juntos. Antes nos reuníamos en la sala de ensayo alrededor de una grabadora con un micrófono. Ahora, con las computadoras, es mucho más fácil, pero el proceso no ha cambiado tanto.

Eso era justamente lo que me preguntaba: cómo ha evolucionado el proceso de composición con el tiempo. Y hablando de la gira latinoamericana que están por comenzar, ya han tocado varias veces en la región. ¿Qué tiene el público metalero latinoamericano que hace que quieran regresar?

Me gusta pensar que el público es igual sin importar dónde esté: todos somos fans del metal y estamos unidos, somos hermanos y hermanas. Pero sí, parece que en Latinoamérica se aprecia muchísimo la música metal y la gente sabe expresar cuánto le gusta. Es fantástico. La mejor sensación del mundo es salir al escenario y ver al público entregándose frente a ti.
Ya sea haciendo stage diving o bailando, no hay nada mejor que ver a alguien disfrutando con tu música. Y eso es lo que parece ocurrir en Latinoamérica. La gente está feliz de expresarse, ¿sabes?

Genial. Yo soy de México, en particular. ¿Recuerdas algo especial de las veces que han tocado en mi país?

Sí, estamos muy emocionados esta vez. Las últimas veces que tocamos en México fue en festivales al aire libre, así que el set no resulta igual de bueno. Pero ahora tocaremos en un recinto cerrado y seremos la banda principal, por lo que podremos tocar más tiempo y el sonido será mejor. Me entusiasma mucho. La última vez que tocamos bajo techo en México fue allá por los años noventa.
En el 92 o el 93; creo que quizá en el 92. Ha pasado muchísimo tiempo desde que tocamos bajo techo. Tenemos muchas ganas de hacerlo y de ofrecerles a los fans un poco más de Benediction, con un set más largo y mejor sonido. Además, en interiores siempre suena mejor y llevamos nuestro propio equipo de sonido. Va a estar muy bien.

Eso los coloca entre las primeras bandas de death metal que llegaron a México. ¡Qué genial! ¿Hay algo del país que te entusiasme especialmente? ¿Te gusta la comida? ¿Te gusta hacer turismo?

Sí, la última vez que estuvimos ahí creo que fue hace unos tres años. Me parece que tocamos en el Heaven and Hell o algo así. Pude ver mucho de México ya que me quedé algunos días. Fui a ver las pirámides; fui a ver la casa de Frida Kahlo; comí muy buenos tacos; fui a una función de lucha lire: hice de todo. Así que sí, México es un gran lugar. Muy bonito país, muy bonita gente, gente muy amigable. 

¡Muy bien! Después de 37 años con Benediction, ¿qué te sigue dando ganas de tomar la guitarra, subirte a un escenario y tocar death metal frente al público?

No lo sé, la verdad. Pero sigo haciéndolo. Supongo que podrías decir: ¿qué otra cosa podría hacer? Ha sido parte de mi vida. Aun así, todavía me emociona. Sales al escenario y ves a la gente frente a ti, con sonrisas, disfrutando muchísimo de tu música. Después quieren conocerte y son muy amables y amistosos. Creo que eso es, en realidad: conocer a la gente. Siempre es algo importante para mí; siempre tengo tiempo para los fans.

Suena muy bien. En tu opinión, ¿qué canción de Benediction crees que está infravalorada?

Del nuevo álbum, creo que Crawling Over Corpses es una canción fantástica. Lo tiene todo, ¿sabes? No la llamaría exactamente death metal; es más bien muy Benediction. Está muy bien construida y, de hecho, es una historia de amor. Así que sí, probablemente sea mi canción favorita entre las más infravaloradas.

¿Nos puedes contar la historia?

Bueno, está en el título: «Arrastrarse sobre cadáveres para llegar hasta ti», ¿sabes a qué me refiero?

Jajaja, está bien.

Sí, es la retorcida mente de Dave Ingram.

¿Hay algún álbum de Benediction en el que cambiarías algo si pudieras volver al pasado y grabarlo de nuevo?

No me gusta mucho decirlo porque no está bien criticar tu propia música. Pero, si tuviera que elegir uno, sería The Dreams You Dread. No creo que la producción fuera la que realmente queríamos ni que reflejara dónde estaba la banda en aquel momento.
Creo que con ese álbum perdimos un poco el rumbo, ¿sabes? Si pudiéramos volver atrás, probablemente querría grabarlo de nuevo. Tiene buenas canciones, que no se me malinterprete: hay temas muy sólidos. Pero si tuviera que elegir uno, sería ese.

En esa misma línea, si pudieras volver a la sala de ensayo de Birmingham en 1989 y decirle una cosa a tu yo más joven, ¿qué le dirías?

No cambies, sigue siendo como eres. Me siento privilegiado de estar en esta situación; no sé quién lo dice siempre, pero de verdad lo siento así. Soy como la gente que está ahí escuchando: simplemente soy un fan del metal que toca la guitarra. No soy diferente de ti ni de los fans que vienen a nuestros conciertos. Eso es lo que me digo: sé fiel a ti mismo.

Seguir siendo fiel a uno mismo. ¡Muy bien! Antes de terminar, ¿quieres dejarles algún mensaje especial a tus fans de Latinoamérica y México?

Sí, solo quiero decir que vamos a estar en Ciudad de México. No se lo pierdan, porque será un concierto especial con Benediction y Ravage of Empires, con el mismísimo Kam Lee al frente: el maestro, el original. No falten; vengan a ver cómo chocan las leyendas.

¡Genial! Estamos muy emocionados.

Yo también.

Rew, ha sido un placer. Muchas gracias por concedernos esta entrevista. Fue breve y al grano. Nos veremos muy pronto. Que tengas buen viaje; seguimos en contacto.

Sí, gracias, amigo. Muchísimas gracias.

Puede que Signum Regis se considere un pez grande en un estanque pequeño, al ser la banda de metal con mayor proyección internacional de Eslovaquia, un país que no es particularmente conocido por su escena metalera. Pero no por eso hay que menospreciar los logros del quinteto, con una discografía sólida y un público fiel tanto en la escena del power metal como del progresivo. Y con su nuevo álbum Beyond Spacetime a la vuelta de la esquina, era momento de hablar con su bajista y compositor principal Ronnie König, quien accedió a darnos unos minutos para contarnos sobre el presente de la banda, lo accidentado que fue grabar este nuevo lanzamiento y sobre si pueden considerarse o no una banda cristiana.

¿Cómo estás? ¿Cómo están las cosas? Sé que tener que promocionar un nuevo álbum implica mucho trabajo, muchas entrevistas y muchas cosas.

Estoy muy bien, muchas gracias. Sí, es bastante trabajo. Puedes llamarlo trabajo, pero es algo bueno. Estoy muy contento de que tengamos todas estas entrevistas y toda esta promoción.

No hay forma de que un integrante de una banda pueda quejarse de esto. Es genial. Es parte de que el sueño se haga realidad. Estoy contento de que nos esté yendo tan bien con este álbum y todo está bien.

Además, tener que hacer tantas entrevistas demuestra que hay mucha gente interesada en la banda y en el nuevo álbum.

Realmente parece que es así, porque no recuerdo la última vez que tuvimos tantas cosas pasando durante el lanzamiento de un álbum. Realmente se siente bien.

Este nuevo álbum, Beyond Spacetime, ¿qué podés contarnos sobre él? Lo primero que vi del álbum fue la portada y me pareció muy interesante. Pero quería preguntarte primero por una característica que noté: la cantidad de cantantes diferentes que aparecen en el disco. No es la primera vez que tienen invitados, pero la lista de este álbum es realmente impresionante. ¿Cómo decidieron tener tantos cantantes? ¿Fue por la situación de Jota y por no tener un cantante fijo en la banda? ¿Cómo llegaron a tener tantos cantantes?

Tuvimos un momento bastante difícil con este álbum. Como acabas de mencionar, Jota dejó la banda y estábamos en medio del proceso de intentar hacer un nuevo álbum. De repente, no teníamos cantante para hacerlo. Como algunos de los oyentes y espectadores quizá sepan, Eslovaquia no es un país grande y la escena metalera es pequeña. No es como que puedas conseguir un nuevo cantante en cinco días cuando pierdes uno.

No es Suecia.

Exacto, no es Suecia ni Finlandia, nada de eso. Eventualmente puedes ponerte en contacto con alguien, pero eso lleva tiempo. No queríamos pasar demasiado tiempo esperando cuando ya estábamos en medio del proceso de grabación. Entonces dijimos: “Volvamos a 2013, cuando hicimos exactamente lo mismo”. En ese momento tampoco teníamos un cantante y grabamos el álbum con invitados. ¿Por qué no hacerlo otra vez después de 13 años? Invitamos a un montón de invitados y así es como terminaron todos en el álbum. Pero lo interesante que pasó durante la grabación con esos invitados es que volvimos a conectarnos con nuestro antiguo cantante, Mayo Petranin, y también con Jota al mismo tiempo.

Por eso puedes escuchar a los dos en el álbum y por eso Mayo ahora volvió a la banda como cantante principal y miembro oficial nuevamente. Cuando pasas un tiempo con la gente, hablas con ellos y vuelves a conectar, se abren oportunidades. En este caso, Mayo estuvo de acuerdo con la idea de volver a la banda y ahora tenemos una formación completa. En el próximo álbum, después de Beyond Spacetime, Mayo volverá a ser el cantante principal y hará la mayor parte del trabajo vocal.

Tengo que admitir que estaba bastante confundido porque, si entrás a un sitio como Metal Archives, donde intentan mantener actualizados los cambios de formación de las bandas, no aparece que Mayo haya vuelto. Supongo que cuando salga el álbum lo van a agregar nuevamente. Pero yo realmente no sabía quién estaba cantando en el álbum y quién no.

Si quieres, puedo confundirte todavía más, porque no es tan sencillo: hubo una idea de que los dos volvieran, Jota y Mayo, al mismo tiempo, como una especie de dinámica de doble cantante.

Como Helloween.

Sí, exactamente. Esa era la idea y la estuvimos considerando seriamente y trabajando en ella. Pero, lamentablemente, Jota está de vuelta en Brasil en este momento, así que la situación logística es imposible. Por lo tanto, eso no va a suceder. Pero en algún momento ese era el plan.

Dios.

Quizás en el futuro. Por ahora tenemos a Mayo. Estamos contentos con eso. No “bien”, estamos perfectamente felices con eso.

Sí. Me imagino que en algún momento van a terminar teniendo a todos los exintegrantes de la banda de vuelta. Sería como una especie de situación inversa a Slipknot.

[Risas] ¿Por qué no? Si tienes buenas relaciones con esas personas y siguen haciendo música, ¿por qué no? Todos somos amigos. No es como un matrimonio dentro de una banda. Trabajas con este tipo, con aquel tipo. Así que ¿por qué no?

Cualquier cosa puede pasar y siempre refresca la situación. A veces, cuando no sabés qué hacer, aparece alguien nuevo y te da ideas, motivación y entusiasmo. Así que todo es posible, pero no estoy diciendo que vaya a suceder ahora. Tenemos esta formación, se puede decir que es la formación clásica, y simplemente estamos esperando poder tocar en vivo tal como estamos. Somos amigos desde hace muchos años y esa amistad sigue funcionando. Cuando salimos a tocar y tenemos que pasar tres días en una camioneta, no es un problema. Disfrutamos de la compañía del otro, nos divertimos, nos reímos juntos. Hay un buen ambiente y es agradable.

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Hablando de la formación del álbum, además de Víctor Smolski en guitarra, tienen a Ralf Scheepers, Tim “Ripper” Owens, Matt Smith, Jota, Tasos Lazaris… También a David Åkesson y a Johnny Gioeli, de Riot y Crush 40. Quería preguntarte si hubo algún desafío particular a la hora de trabajar con tantos cantantes diferentes, con voces y estilos distintos. ¿Hubo alguna dificultad en particular?

No creo que la haya habido. Creo que fue más difícil en el pasado porque en 2013 no teníamos esta experiencia.

Esta vez realmente pensamos a quién elegir para cada canción. Por ejemplo, mencionaste a Johnny Gioeli. Hay una especie de balada de rock country, acústica, en la que canta Johnny, y ese tipo de voz es perfecta para la canción.

Puedes elegir a Tim “Ripper” Owens para “Time to Pay”, que definitivamente es una canción para ese tipo de voz. Ya teníamos en mente a quién elegir y funcionó.

En un caso intentamos invitar a alguien, pero finalmente no pudo hacerlo porque tuvo un accidente con sus dientes o algo así, y no pudo cantar en ese momento, lo cual fue desafortunado. Pero cuando estos tipos grabaron sus partes, no les pedimos cambios. No les dijimos: “No, no lo cantes así, hazlo de otra manera”. No pasó nada de eso. Lo que nos enviaron es lo que escuchas en el álbum. Fue fluido y agradable. 

No es que eliges al cantante y después tienes que pensar cómo ponerlo en el álbum. Ya tenés la canción y sabés que esa persona es perfecta para ella. Lo elegí para eso.

Exactamente. Y no hubo sorpresas. A veces incluso hubo sorpresas positivas, porque estos tipos entregaron más de lo que esperábamos.

Sí. Creo que leí que, cuando ocurrió la situación con Jota, el otro álbum estaba algo así como un 80 % terminado en cuanto a la parte instrumental.

No recuerdo exactamente, porque gran parte de este trabajo, la mayor parte, la hizo Filip solo, cuando estaba trabajando en un álbum solista. Este álbum empezó como un álbum solista de Filip. Después decidió: “No quiero hacer un álbum solista. ¿Cuál es el sentido? Hagámoslo para Signum Regis”. 

Así que básicamente llegó a la banda con las manos llenas de canciones. Es difícil decir qué porcentaje estaba terminado, pero yo llamo a este álbum “el álbum de Filip”. Yo estoy ahí tocando el bajo, pero la mayor parte del trabajo, la composición y todo eso lo hizo Filip. Por supuesto, después tuvimos que adaptar esas canciones y modificarlas para que encajaran con el concepto de Signum Regis. 

Yo trabajé en algunas letras y escribí algunas canciones completas, hay una canción que escribí hace algún tiempo. La gente está acostumbrada a que yo sea el principal compositor de la banda, pero en este caso no. En este caso es Filip.

Es el momento de Filip.

Sí.

Antes que nada, tengo que agradecerte por pronunciar el nombre de la banda (Nota del Autor: Ronnie lo pronuncia con una “g” suave, como en “García”), porque yo iba a pronunciarlo como “Signum Regis” (Nota del Autor: lo iba a pronuncia con la “g” como en el italiano “Giorgio”). 

Sé que los estadounidenses lo pronuncian de una forma diferente. Lo sé. Los estadounidenses lo llaman “Signum Regis” de esa manera y estoy bien con eso. Es latín, así que puedes pronunciarlo de una manera latina, pero si lo pronuncias a la inglesa también está bien. A veces cambio entre las dos dependiendo de con quién estoy hablando. Las dos están bien.

Como decía antes, tengo que decir que la portada del álbum es bastante interesante. Creo que tiene el equilibrio perfecto. Se ve muy fuerte, muy imponente, pero también un poco tonta, aunque de una manera interesante, como sucede con mucho power metal, donde caminan sobre esa línea entre esas dos cosas. ¿Cómo trabajaste con Uwe Arling en la portada? ¿Cómo surgió el concepto?

Primero quiero decir que esto no fue generado por inteligencia artificial. Es algo hecho a mano. Lo digo porque algunas personas pensaron que era algo generado por IA.

Sí, yo también temí que fuera IA porque estaba escuchando el nuevo álbum de Forbidden. Me gustó el álbum, pero cada vez que lo escuchaba tenía que ver esa horrible portada generada por IA y eso arruina un poco la experiencia. 

Sé de qué estás hablando, hay algunas portadas realmente terribles por ahí ahora mismo. Pero esto es lo que pienso: cuando lanzas cinco o seis sencillos, probablemente no puedas hacer una portada hecha a mano para cada sencillo que sacas. Pero para el álbum creo que sigue siendo importante tener involucrado a un artista real y que se haga de verdad. Eso es lo que hicimos con Uwe Arling. Es un artista alemán que hace este tipo de cosas desde hace muchos años, creo que esta es la tercera portada que hizo para nosotros.

Y la idea general, como dijiste, es caminar sobre el límite entre lo serio y la comedia, porque lo del espacio es algo bastante gracioso. Pero toda la idea viene de Tommy, mi hermano, que mencionaste como el encargado de las letras y todo eso.

Hay un par de cosas sucediendo en esta portada. El cantante no está en la banda en este momento, así que tenemos a nuestra mascota, King Rex, en el centro.

No es una persona real. Es nuestra mascota, por así decirlo. Está en el medio y puedes imaginar que es casi como si fuera el cantante, ¿no? Pero es solamente una mascota.

Además, no necesita oxígeno.

No lo necesita porque es mucho mejor que todos los demás, ¿no?

Y eso me lleva al punto de que hay una canción llamada “Beyond Spacetime” que hace referencia a la creación del universo. Con un poco de imaginación, puedes ver a King Rex como el creador del universo. Y tiene este planeta en la mano, ¿no? Eso representa la creación, esa es básicamente la idea.

Por supuesto, las letras son más serias que la portada y la gente es libre de interpretarlas como quiera. Pero nos pareció divertido y no queríamos quedarnos para siempre con una sola fórmula. En el álbum Undivided, él era una especie de guerrero rey en una escena de lucha con una espada. No queremos hacer 20 álbumes en los que siempre sea el rey luchando contra algunos goblins, así que pensamos que era un buen momento para ponerlo en el espacio. La próxima vez podría ser otra cosa. ¿Quién sabe qué? Iron Maiden hace algo parecido con Eddie. No es siempre el mismo Eddie, pero sabes que es Eddie.

Creo que eso responde a la pregunta.

Sí. Mencionaste a Eddie, que puede ser una especie de zombi, después puede ser un monstruo gigante en el espacio y antes podía ser una especie de segador. Tiene muchas formas diferentes.

Exactamente. Lo entendiste al 100 %. Esa es la idea. Puedo entender por qué algunas bandas tienen una imagen pirata durante un álbum, el segundo álbum, el tercero, pero después del quinto álbum empiezo a aburrirme de la fórmula pirata.

No quiero quedar atrapado en esa caja para siempre. Tenemos que dejar abierta la posibilidad de hacer otras cosas en el futuro. Quién sabe qué puede traer el futuro.

Sí. Perdón, estaba pensando en eso porque cuando mencioné el álbum de Forbidden estaba hablando con un par de amigos y les decía que algunas bandas viejas quieren usar IA porque piensan que pueden escribir un prompt y listo. Y lo único que se les ocurre poner en la portada es un cráneo en llamas.

Como los clichés, ¿no?

Sí. Un cráneo en llamas, un cráneo en llamas que se vea increíble. Últimamente vi como 14 portadas con cráneos en llamas.

Exactamente.

Signum Regis es conocida como una banda de metal cristiano, pero no sé cuánto se identifica la banda con esa etiqueta, porque hay muchas bandas que no quieren quedar encerradas en una categoría. También vi muchos seguidores de Signum Regis que no son cristianos ni religiosos. Ustedes tampoco están en un sello de metal cristiano y veo que mucha gente habla de la banda dentro del ámbito del power metal. ¿Qué pensás que atrae a la música de la banda a personas que no son cristianas o religiosas?

Es una gran pregunta porque me gustaría aclarar esto una vez más, porque aparece bastante seguido. Yo soy cristiano, a veces escribo letras sobre historias cristianas y sobre este tipo de temas. 

Pero somos una banda mixta, tenemos ateos en la banda. Entonces, ¿puedes realmente decir que somos una banda cristiana porque tenemos algunas letras de ese tipo? Y, por otro lado, ¿puedes decir que no somos una banda cristiana cuando tenemos esas letras? Estamos caminando por ese punto intermedio. Los integrantes de la banda saben que algunos son cristianos y otros no, y no ven ningún problema en eso.

A mí no me molesta que alguien diga que somos una banda cristiana, pero muy pronto me di cuenta de que hay que tener cuidado desde el punto de vista de la banda. Porque si dices “Soy cristiano”, siempre aparece gente que te dice: “Ah, este tipo no es cristiano, así que solamente está tratando de sacarle dinero a la gente y hacerles creer que son una banda cristiana”. No quiero estar en una posición en la que pueda llevar a alguien a pensar que somos una banda cuyo arte está completamente relacionado con temas y letras religiosas.

Yo soy cristiano y siempre lo voy a ser. No tengo ningún problema con las letras que escribí en el pasado sobre estos temas cristianos. Pero no quiero confundir a nadie. Somos una banda de rock and roll y lo hacemos por el arte. Si alguien nos escucha por el arte, para mí está perfectamente bien.

Creo que muchas bandas son así. Dave Mustaine de Megadeth, por ejemplo, habla de ser cristiano todo el tiempo: es cristiano y tiene letras relacionadas con eso, pero no es un ministerio. Creo que somos ese tipo de banda que camina por ese punto intermedio entre ser artistas e incluir en las letras algunas de las cosas en las que uno cree.

Eso termina influyendo en tu música y en tus canciones, porque así es como vivís.

Sí, exactamente. Eso es simplemente la vida.

Como dijiste antes, y esto es algo que había anotado, ustedes son de Eslovaquia, un país no es particularmente conocido por tener una gran escena metalera. Incluso dentro de Europa están al lado de países como Polonia, que tiene una escena metalera muy grande, al menos eso parece. Viendo la historia de la banda, ¿tuvieron algún tipo de dificultad para desarrollar Signum Regis en su propio país? ¿Cómo es intentar tener una banda de heavy metal en un país que no es pequeño, pero que tiene una escena metalera realmente pequeña?

Creo que sí. Como dijiste correctamente, Eslovaquia no es un país típicamente metalero. No tiene la infraestructura, por así decirlo, desde las bandas hasta los promotores, los sellos y todas esas cosas que tienen países como Alemania desde hace décadas. Nosotros no tenemos eso acá, o lo tenemos todo a una escala mucho menor. Así que no resulta fácil para una banda como la nuestra.

Probablemente seamos, o quizá somos, la banda metalera eslovaca más grande en términos de reconocimiento mundial, pero no somos para nada la banda más grande de Eslovaquia. Hay bandas mucho más grandes que tienen una asistencia mucho mejor en sus conciertos. Va más gente, pero principalmente esas bandas tienen letras en eslovaco. Por eso nunca escuchas hablar de ellas fuera del país. Pueden tener 10.000 personas en un concierto, pero fuera del país nadie las conoce.

Así que decidimos ser una banda de nivel mundial, por decirlo de alguna manera, con letras en inglés, para que nuestra música sea accesible para cualquier persona en el mundo. Fue una decisión que tomamos desde el principio y creo que fue una buena decisión. Este género, seamos honestos, no es el más grande del mundo y necesitas tener seguidores de diferentes lugares. Si tuvieras que depender de un solo país pequeño, simplemente no tendrías suficientes seguidores para hacer nada. Creo que incluso conseguir un contrato con un sello desde un país que nadie conoce hace las cosas un poco más difíciles que si fueras de Suecia o algo así.

No puedo compararlo realmente, pero tiene sentido. Si, por ejemplo, en Argentina tienen grandes jugadores de fútbol, imagina que haya un jugador realmente bueno en Islandia, un país que no sea famoso por eso. Definitivamente lo tendría más difícil, porque no es algo típico de ese país.

Hay una especie de carga por eso, seguro, pero no me estoy quejando. Estamos bien, estoy contento con cómo están saliendo las cosas. No somos famosos y probablemente nunca lo seremos, pero incluso eso puede verse como algo positivo porque quiero pasar tiempo con mi familia. No quiero tocar 350 conciertos al año y pasar todo el año en aeropuertos, entonces terminas teniendo lo mejor de los dos mundos: tengo tiempo para mi familia y puedo disfrutar de mi música. No veo la música como un trabajo porque no la hago como un trabajo. Me divierto cuando la hago.

Estaba pensando que ves muchos países donde tienen bandas realmente grandes, con mucho público en su propio país, pero quizás nunca escuchaste hablar de ellas porque cantan en su propio idioma y viven en su propia burbuja. Como he visto muchas bandas alemanas o rusas que llenan estadios, pero de las que nunca escuché hablar de ellas porque cantan en sus propios idiomas. No todas puedes ser Rammstein o algo así.

En Alemania existe una tradición desde hace mucho tiempo, desde Scorpions o incluso antes, de empezar inmediatamente a cantar en inglés. Pero Eslovaquia era un país socialista, comunista, en aquella época. Entonces creo que ni siquiera estaba permitido cantar en inglés: quizás podías hacerlo en tu casa pero nunca llegarías a ningún lado cantando en inglés. Entonces también falta esa tradición.

Cuando mirás hacia atrás, a los primeros álbumes de la banda, ¿cuánto pensás que cambió Signum Regis?

El cambio más evidente es que ya no canta Göran Edma, ese es el más obvio. Y creo que nos volvimos más pesados, con un sonido un poco más moderno. Ya no estamos completamente enfocados en el neoclasicismo.

Y en ese tipo de cosas realmente virtuosas.

Seguimos siendo virtuosos, pero si escucho el primer álbum, creo que el alcance era más limitado, por así decirlo. Ahora podemos hacer cualquier cosa, podemos tener elementos neoclásicos, cosas virtuosas, metal tradicional, rock. Podemos hacer cualquier cosa porque, después de ocho álbumes, la gente está acostumbrada a recibir cosas diferentes, logramos salir de esa caja.

Al mismo tiempo, seguimos disfrutando de la música metal. No estamos intentando redescubrir el jazz ni nada parecido, somos bastante libres para hacer lo que queremos, pero al final del día seguimos queriendo hacer lo mismo, y eso es heavy metal.

¿Qué están planeando después de este álbum? ¿Cuáles son sus planes?

El álbum sale dentro de un par de días, por así decirlo. La semana que viene, el 9 de octubre, dentro de siete días. Después de eso tendremos un concierto en Eslovaquia, después tenemos otros tres conciertos en noviembre, en Países Bajos y Alemania. Y luego viene algo grande: una pequeña gira que vamos a hacer por Europa con la banda estadounidense Theocracy y la banda griega Sunburst.

Vamos a tocar en lugares donde nunca tocamos antes, como París y un par de sitios más. Es algo que estamos esperando con muchas ganas. Y si llega música nueva, supongo que todavía no es el momento adecuado, pero hay un montón de canciones listas y preparadas para la próxima vez. Cuando todos estén listos, yo estaré listo. Entonces ese es el plan: simplemente vamos a seguir haciendo lo que estamos haciendo.

¿Qué te gustaría decirle a la gente que va a escuchar este nuevo álbum, Beyond Spacetime? ¿Qué querés decirles?

Primero que nada, un enorme gracias. Gracias por dedicar su tiempo a escuchar Signum Regis. Hay muchísimas opciones, así que si decidieron dedicar su valioso tiempo a Signum Regis, eso significa mucho para nosotros. Y si les gusta, quizás también puedan escuchar nuestros álbumes anteriores. Como mencionamos, hay unos cuantos. Hay algo para todos los que disfrutan del metal. Sígannos, escúchennos, déjennos algún comentario, lo que sea. Tratamos de leerlo todo. ¡Y gracias!

El punk en Argentina viene en todas las formas y colores, y los quilmeños Eterna Inocencia han demostrado que se puede mezclar la violencia y la melodía con un mensaje directo a través de más de tres décadas. Con el grupo próximo a presentarse el 17 de octubre en el Teatro Flores (CABA) para festejar los 25 años de su álbum A los que se han apagado, hablamos con su cantante Guillermo Mármol, con algo que comenzó siendo sobre el álbum y terminó siendo sobre las ideas de Eterna Inocencia y lo que es ser una banda punk en el contexto actual.

—Guille, un gusto estar hablando con vos.

¡Igualmente!

—Recuerdo cuando descubrí a Eterna Inocencia en un blog en el 2009 tipo Blogspot.

[Sinceramente sorprendido] ¡Huy, mirá vos!

—Quería preguntarte, bueno, ¿cómo va todo últimamente? ¿Cómo vienen las cosas?

La verdad que, para cómo está todo en general, somos unos agradecidos de poder seguir tocando como venimos tocando hace tanto tiempo, bajo siempre los mismos preceptos. Te diría que hay mucho trabajo, pero también mucha recompensa después de 30 años de estar tocando.

Un presente maravilloso para la banda, siendo que la realidad está tan difícil. Muchas fechas programadas, tuvimos un año muy bueno para nosotros. Pudimos, entre el año pasado y este, ir incrementando nuevos destinos. Fuimos a Chile y Uruguay, y le sumamos Brasil, Costa Rica y México este año. Algunos festivales también pudimos hacer a principios de año, grandes, y ahora estamos preparando un tour larguísimo para la segunda mitad del año.

También incluye, en este caso, tres conciertos en Chile, la fecha del Teatro Flores y después conciertos por Tucumán, Córdoba, Bariloche, Neuquén, Concepción del Uruguay, Montevideo. La verdad que un montón.

Así que no, contento. A pesar de lo difícil que se ve todo, la verdad que es un presente muy positivo para Eterna.

—Mencionabas la fecha del Teatro Flores, el 17 de octubre, donde van a estar celebrando los 25 años de A los que se han apagado. ¿Cómo vienen las preparaciones? ¿Hay nervios? Tenés un montón de recitales encima, pero me imagino que siempre hay nervios en cada recital.

Lo empezamos a pensar a partir de la vigencia que tiene el disco. Cumple un cuarto de siglo, pero a la vez tiene letras muy claras que se resignifican en el presente, y quizá también con un pasado que viene del hardcore punk, con todo lo que eso implica: las herramientas que podemos tener para intentar explicar la realidad, las que teníamos y las que mejoramos con el tiempo.

Es un momento muy potente para este estilo de música que siempre gustó de decir cosas. Entonces, lo estamos pensando a partir de esa vigencia. Va a convivir, digamos, el cuarto de siglo que tiene el disco con el presente de la banda.

Además, en el caso de la fecha de Flores, tocamos con nuestros amigos de Tenemos Explosivos, que es una banda también en franco ascenso en Chile y que intenta tener un acercamiento, como hicimos el año pasado con Dead Fish de Brasil, para que las bandas de otros países hermanos y también del mismo estilo que Eterna puedan ser vistas por nuestra gente acá en Buenos Aires.

Creo que va a tener un condimento especial que bandas argentinas y chilenas, en este contexto, estén tocando con la perspectiva que tienen ambos grupos. Me parece que está bueno para contrarrestar un poco tanta virulencia recalcitrante.

Sin ir más lejos, hace un mes atrás, o poco menos, ahora en el mes de septiembre, a consecuencia del último golpe militar en Chile, el Ejecutivo Nacional de la Argentina reivindicó la dictadura militar chilena.

Me parece que está bueno contraponer un poco el canto de nuestras bandas y nuestra propuesta musical a este presente.

—Vos mencionás, por ejemplo, que antes tocaban con Dead Fish, que son brasileños, y ahora tocan con Tenemos Explosivos, que son chilenos. También para que vean que en otros países hay bandas. Obviamente, no digo que no lo sepan, pero me refiero a que muchas veces parece que, a menos que sean bandas estadounidenses o estemos hablando de, no sé, Die Toten Hosen de Alemania, no muchas veces no se conocen bandas de otros países.

Exacto. Y es exactamente así. Es un esfuerzo tremendo para todas las bandas porque, como siempre, se hace todo a pulmón, como la gran mayoría de las bandas de rock.

—Cuando pensás en A los que se han apagado, ¿qué recordás de la época en la que grabaron el disco? El disco salió en 2001, lo grabaron en 2000. ¿Qué recordás de esa época?

Una época muy turbulenta en general. El país, de hecho, ese mismo año del disco, en diciembre, tuvo una crisis tremenda.

—Todo se fue a la mierda.

Fue un año muy difícil.

También estaba la sensación de que lo que veníamos criticando con Eterna en particular, pero dentro del hardcore punk en general, tenía bastante de cierto, porque por alguna razón ese modelo terminó colapsando. Y eso me lleva mucho al diálogo con la actualidad.

Incluso creo que el hecho de que en el último tiempo hayan surgido muchas bandas de punk, hardcore o post hardcore en Argentina y también en otras partes del mundo, pero particularmente acá, está directamente asociado a ese presente, que es muy similar a cuando nosotros también nos pusimos a hacer música.

Lo veo también desde ahí. Es un momento en el que podemos sacar las herramientas que teníamos, desempolvarlas, lustrarlas y decir: “Bueno, esto es lo que tenemos acá, lo que supimos usar, todavía está plausible para ser utilizado”. Entonces, me viene mucho ese recuerdo de la pauperización general, de la degradación general. Y hoy, con los datos oficiales mientras estamos hablando, dicen que volvió a subir la pobreza en la Argentina.

—Sí, sí, obviamente. Pero ¿cómo? Si los shoppings están llenos de gente.

No, por eso. Y, de hecho, nosotros también, como banda y con muchos años, creo que todos los que están dedicados al arte y la cultura están también afectados.

Pensando un poco en cómo veíamos ese momento, “a los que se han apagado”, esta idea me parece que está ahí presente: poder contar historias que a la gente le resulten significativas. En definitiva, sigue siendo importante.

Lo que nosotros veíamos en ese momento con mucha urgencia, también por la edad que teníamos y con las herramientas que teníamos, sirvió, me parece, para después, en el futuro, tener estas herramientas y poder volver a pensar en seguir cantando algo que resulte importante para el otro que lo escucha. Eso es algo muy propio del hardcore y el punk.

Igual, me atrevería a decir que es algo propio de cualquiera que se precie de querer ser escuchado y de tener ganas de decir cosas. No es algo exclusivo. Vengo hablando hace tiempo de Homero, como poeta de los cantos homéricos, que no son justamente capítulos. Los de La Ilíada y La Odisea son cantos.

Sí. Muchos poetas, como Brendan Behan, un declamador irlandés y cantor a capela que decía que si una historia no hacía reír o llorar, no valdría la pena que fuera contada.

—Exacto. Si no provoca nada en quien la escucha, ¿para qué está la historia?

Algo así, ¿no? Y creo que eso es lo que recuerdo de ese tiempo, para volver a la pregunta y quizás darle una síntesis. En ese contexto particular, la idea de ir por algo que resulte significativo y que también contenga, de alguna manera, o intente por lo menos contener a la gente.

Creo que algo de eso se logró porque Eterna es una banda convocante y funciona de manera gregaria. La gente que viene a ver la banda sabe que está en una. Sabe que, si se cae un teléfono celular, alguien lo levanta y lo devuelve, no se lo roba. Lo mismo con la billetera o con la llave de una casa. Ese público es un público que me parece que también viene a eso. Viene a comportarse así en comunidad y a sostener valores que hoy escasean.

Porque, en realidad, con el maltrato que se escucha hacia los periodistas, hacia la profesión, el destrato, el insulto, el agravio, para una banda como Eterna Inocencia, que se pensó de alguna manera, hasta el nombre, en un contexto de trabajo con las infancias, es una gran pregunta para hacernos hoy: ¿qué escuchan nuestras infancias? ¿Qué escuchan decir a nuestros adultos?

—Estaba pensando en el disco y una cosa que me llamó la atención la primera vez que lo vi fue la portada. La portada es un tanto engañosa para lo violento que es el disco.

Uno está acostumbrado a los discos de hardcore punk, ¿viste? Con esa fuente tipo graffiti, esa onda más estadounidense. Ya sabemos más o menos cómo se ven los discos de esa escena, pero la tapa no te indica tanto cómo va a sonar el disco.

Vos tenés ahí dos ediciones. Una primera edición que se hizo por una cuestión económica, la edición de 2001, que es una edición donde nosotros conseguimos unos CD en ese momento, de los que eran formatos slim pequeños, porque las cajitas salían más baratas. Fue la primera vez que trabajamos con serigrafía sobre una tapa. Hicimos un cuadrado naranja en el cual decía Eterna Inocencia, digamos, de manera deformada, y las líneas del mapa americano aparecían todas interconectadas, como que rearmábamos el continente uniendo las líneas de todos los países.

Es una edición prácticamente, te digo, inhallable. Y otra característica que tiene es que los créditos están impresos sobre el propio CD. Viste, todo grabado, tal fecha, tal otra, en tal lugar, todo lo que tiene que ver con optimizar el recurso porque no teníamos para una imprenta. Entonces el diseñador dijo: “Che, metamos todo directamente en el CD”, y fue un golazo.

Después tenés una segunda edición…

—Sí, acá está está en una página en Geocities.

Un golazo esa página. Bueno, una segunda edición ya presenta un grabado de una artista alemana expresionista que se llama Käthe Kollwitz. Kollwitz es una artista del expresionismo alemán de entreguerras. Ella tuvo dos hijos que, de hecho, murieron en la guerra, uno en la Primera Guerra Mundial y otro en la Segunda. Fue la primera mujer en poder ingresar a la Academia de Artes de Berlín y, por supuesto, también estuvo muy marcada todo el tiempo por los nazis.

Y esos dibujos de Käthe Kollwitz yo los veía en el diario La Protesta. El diario La Protesta, un diario centenario que siguió saliendo hasta mediados de la década del 90, una publicación anarquista que nació en el año 1897 y todavía en 1997, 2000 continuaba saliendo. Ya en el siglo XXI no salió más.

En La Protesta, que yo compraba en el andén del subte C en Constitución, que era uno de los puntos donde se vendía, estaban los dibujos de Käthe Kollwitz. Entonces, está bueno también pensar dónde los encontré. En una publicación que hoy es también prácticamente inhallable, era extrañísimo ver una publicación anarquista directamente, el caso de La Protesta. Y bueno, el tiempo me llevó a formar parte también del grupo de redacción del periódico años después, lo cual para mí significó un paréntesis formativo en mi vida y, por supuesto y por supuesto estoy orgulloso.

Te cuento anécdotas, después vos te fijás. El redactor responsable era, mirá, hijo de anarquistas, afrodescendiente, caboverdiano, boxeador y soldador. Su nombre era Amanecer Fiorito. Yo pensé que el tipo usaba un seudónimo.

—Y no, ese era su nombre legal.

Exacto. Y el hermano del chabón se llamaba Floreal.

Bueno, a este negro caboverdiano, boxeador, soldador y que padecía insomnio, un personaje de una novela pero te lo puedo asegurar, que vivía en Dock Sud, lo terminé conociendo y nos hicimos muy amigos.

Ahí pasé a formar parte del comité de redacción de La Protesta y vos sabés que las tapas de La Protesta en ese momento las dibujaba Hermenegildo Sábat, que es el mismo dibujante de Clarín. ¿Viste cuando abrís generalmente Clarín, dice “presidente Milei” y tiene como un león subido? ¿Esas cosas? Un dibujo que vos lo mirás y decís: “Si este es Sábat”.

Bueno, Sábat entregaba los dibujos para la etapa de La Protesta, que nosotros íbamos a buscar a la calle Tacuarí, a la redacción de Clarín. Otra época también, parece, pero nada, lejos en el tiempo, aunque muy curioso.

Bueno, con esa tapa después nosotros íbamos a la imprenta. Y, por supuesto, los dibujos no salían firmados. Todo el mundo veía que era el trazo de Sábat, pero no estaba la firma. Así que, claro, todo eso, aunque parezca mentira, está atrás de esas tapas, de esas letras también, ¿no? Y esa manera de mirar la realidad.

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—Corregime si me equivoco, pero A los que se han apagado fue el primer álbum de Eterna que estaba completamente en español. O sea, antes creo que tenían una onda más Fun People en lo de tener canciones en inglés y canciones en español, o mezclando. ¿Fue una decisión consciente en su momento hacer este disco completamente en español?

Sí, totalmente. Muy influenciada también por las giras que llevamos adelante, donde empezábamos a tener contacto con distintas culturas y ahí mismo se nos planteaba en la gira por España o por Francia, en el año 2000, ¿por qué cantábamos en inglés?

Y también nosotros empezamos a escuchar a otros cantautores, como por ejemplo Daniel Viglietti, Alfredo Zitarrosa, Atahualpa Yupanqui, que tenían letras muy parecidas a las nuestras de repente, pero con otro estilo de música.

Y eso también hizo mella, como que nos terminó de definir en cuanto a nuestra realidad latinoamericana. Y a partir del año 2000 en adelante, todos los temas de Eterna son en español.

—Viendo el disco a la distancia, ¿hay alguna canción del álbum de la que te sientas particularmente orgulloso?

Me gusta mucho el último tema, “Le pertenezco a sus ojos”, y de hecho ahora lo volvimos a regrabar e hicimos un video. Estamos contentos con eso porque quizás no regrabamos todo el disco, pero suena distinto. Veinticinco años después tiene otra cadencia, otro aplomo y nos pareció que iba a ser un tema testigo, digamos, en cuanto a sonoridad.

Tal es así que lo terminamos grabando también en formato video. El video está realizado en el muelle de pescadores de la ciudad de Quilmes. Son unas ruinas actuales del muelle de pescadores, pero bueno, la banda también nació en Quilmes y termina un poco como cerrando todo, ¿no? Sin moverse muy lejos de donde las canciones nacieron, en términos geográficos, si querés.

—Es una banda que, bueno, termina tocando, como vos dijiste, en Chile, en México, en España, en diferentes países, pero sigue siendo una banda de Quilmes.

Sí, porque ahí es donde la banda nació. Hay parte de los integrantes también y la historia del grupo está asociada definitivamente a Quilmes.

—Cuando estaban grabando el disco, ¿te imaginabas que iban a estar haciendo celebraciones por la salida del disco 25 años después?

La verdad que no, pero tampoco pensaba en un sentido de finitud, ¿viste? Si me preguntás, creo que conservo la misma determinación que tengo el día de hoy, ¿viste? Esto de seguir tocando. No sé si hubiera pensado en celebrar los 25 años de un disco, pero sí estaba convencido de que, mientras pudiera tocar, iba a ser un proyecto para toda la vida, a full.

Porque venía de proyectos anteriores y, ya cuando armamos Eterna, como que terminó por lo menos de cuajar las experiencias previas respecto de cómo armar una banda de rock. Ya teníamos algunas cosas claras y, bueno, es como que encajó todo para que el proyecto pudiera arrancar muy bien desde el principio y perdurar en el tiempo.

—Van a estar tocando el álbum completo y no es tanto esfuerzo porque el álbum dura dura 23 minutos.

Exacto. Lo vamos dosificando, ¿viste? Dos temitas, metemos otro. Dos temitas, metemos otro. Va a ir apareciendo distintas veces a lo largo del show, ¿viste? Pero, por supuesto, también acompañado por su segmento, por su estética, por sus visuales asociadas a esa época y a ese disco.

—Una cosa que estaba pensando, porque cuando busco notas que hayan hecho las bandas, cuando tengo las entrevistas y todo, una que me llamó la atención fue ver una entrevista con un medio chileno y ver que al parecer tienen como un seguimiento en Chile. No sé hasta qué punto, pero tienen como un seguimiento en Chile. Me llamó la atención eso porque muchas veces, como que en Argentina nos sorprendemos cuando bandas argentinas tienen seguimiento en otros países porque nos parece raro, estamos como en una burbuja. Onda, yo me acuerdo que hace varios meses había venido un amigo mexicano de visita y había traído un Blu-ray de Babasónicos, creo que era en México, donde tiene muchísimo seguimiento, y dije “¿Cómo?”. Y entonces estaba pensando, ¿qué crees que atrajo el público chileno a la banda?

El mensaje de la banda me parece que caló muy hondo en Chile y quizá también la constancia de las visitas. Suelen sentirse muy identificados con el mensaje, con las letras de la banda, con la fuerza de la banda. Es muy curioso y, bueno, un público muy efusivo también, muy demostrativo.

La verdad que nos quiere mucho y nos hace sentir como en casa cada vez que vamos. Ya hace mucho tiempo que visitamos Chile también. Pero sí, es muy curioso. La verdad que también sirve para esto, un poco lo que hablábamos recién, ¿no? Para desmitificar. Porque quizá una cosa son las políticas de gobierno y otra cosa es la gente, el ciudadano de a pie, la calle y cómo te reciben. Te invito a un recital de Eterna Inocencia y no lo podés creer.

—Eso de desmitificar, porque a veces uno como que se guía demasiado por lo que dicen en redes sociales o por lo que dicen cosas de internet y no se da cuenta de que son personas.

Claro. Y además, el público que está conectado con nosotros es también un público trasandino que piensa como nosotros. Entonces, por lo general, es gente muy copada, no está ni ahí con pensar en un sentido ni de individualismo ni de nacionalismo exacerbado.

Más allá de las diferencias culturales, que sirven para enriquecer y complementar al otro, o sea, no mucho más. Entonces se cae todo eso, ¿viste? Y en un recital es como que se cristaliza todo en ese momento. Lo podés ver con claridad. Es un flash, te digo.

Después, si podés, fijate. Tenés episodios por ahí en la página de internet, por ejemplo, y hay algún episodio del año pasado en el Teatro Caupolicán, por ejemplo, uno de los lugares donde bandas emblemáticas tocaron, por decirte. Fue en noviembre del año pasado, ya casi un año, y fue una locura total la sinergia que tenemos, también con Tenemos Explosivos. Es muy potente, la verdad que es muy potente, muy muy muy fuerte. Ir y volver es un flash.

—Obviamente ya esta altura queda claro que Eterna Inocencia es una banda extremadamente política. Se nota en las canciones, en la manera de manejarse, en el hazlo tú mismo, en toda la manera de manejarse. Y además no tenés pelos en la lengua para hablar de la gente en el poder ni nada de eso. Yo, obviamente, estoy metido en todo esto pero vengo del lado más del heavy metal, y no sé si vos viste que hace varias semanas fue lo de Horcas, que se habían presentado en apoyo a los trabajadores de Fate.

Sí, lo vi..

—Y me llamó la atención la cantidad de gente en los comentarios diciendo: “No, el metal no se tiene que mezclar con la política” o “La música no se tiene que mezclar con la política”. Esta gente después escucha, no sé, The Clash. Ah, no, eso de The Clash no es música política ni nada. Y me llamaba la atención eso de gente viniendo del metal, que decí lo que quieras acerca del metal en Argentina pero ya arrancó con una cosa política. Imaginate lo que dirá esa gente del punk. ¿Qué creés que hace que esta gente termine queriendo atacar estos reclamos? ¿Quieren despolitizar la música?

Es una buena pregunta, ¿no? Mirá, dentro del punk yo creo que, por suerte, no hay mucha discusión al respecto, a diferencia de otros estilos de música. Entonces uno hasta se siente más cómodo, digamos, ahí, porque lo raro sería que una acción así fuese cuestionada.

Nosotros, por ejemplo, fuimos un día cualquiera, no bien empezó el conflicto, con dos guitarras criollas a tocar en la puerta de la fábrica. Una noche cualquiera para los trabajadores que estaban ahí, para pasar el rato con ellos, para también escucharlos y, sobre todo, para hacer un poco más llevadero el hecho de tener que estar ahí, pasando las horas frente al portón de la fábrica. Y, por el contrario, por supuesto, la gente que escucha la banda se siente representada y hasta agradecida, digamos, de que la banda esté tocando ahí.

Yo sí creo que las bandas no son partidos políticos, eso me parece que es así. Pero también pueden hacer su aporte cultural, ¿no? Y desde ahí, me parece que lo mejor es pensar siempre en una sociedad, vamos a decir, heterogénea, que pueda convivir en la diversidad, que trate de pensar una salida colectiva. Y bueno, me parece que por lo menos plantearlo desde ahí es interesante al comienzo.

Me parece extraño encontrar en el hardcore y en el punk gente que tenga un pensamiento más de orden, si querés, conservador o apolítico. Sí, o sea, político no sé si sería la palabra correcta, porque todo es político, ¿no?

—Se dicen “apolíticos”.

Exactamente, exactamente. Así que bueno, resumiendo, creo que en el hardcore y en el punk no se expresan esas dificultades que sí a veces aparecen en otros estilos, ¿no?

El metal, igual, también en su variante nacional tiene un componente obrero y trabajador muy interesante, ¿no? Muy interesante. Que también hay algo de clasismo ahí, ¿no? Aunque no sea una cuestión estrictamente política. Pero bueno, también sabemos que es un estilo donde tenés tendencias más conservadoras, por decir así.

—Entonces, volviendo ya para cerrar, dos cosas. Una es, bueno, ¿qué planes tienen para después de este concierto? O sea, sé que van a estar tocando, mencionabas, en Chile. Van a estar tocando en Chile…

En Chile, después tenemos en Uruguay fecha también en noviembre. Básicamente, ahora la idea es terminar toda esta vuelta con la gira y en diciembre seguramente cerrar probablemente, como siempre lo hacemos, en un lugar en zona sur y un lugar en zona norte, para hacer un poquito y un poquito, en el conurbano.

Y ya estamos pensando en el verano del año que viene, a ver qué vamos a hacer, si vamos a armar alguna girita. Pero bueno, la verdad que estamos evaluando el estado de situación y el estado financiero, digamos.

—Que siempre es complicado en este país.

Salir de gira es muy complicado, ¿viste? Y se está haciendo verdaderamente difícil. Pero bueno, vamos a ver. De acá a enero todavía tenemos unos meses para terminar de definir y ver si arrancamos 2027 también girando.

Mientras tanto, estamos haciendo nuevas canciones, así que bueno, espero que terminemos porque las que están saliendo están buenísimas. Y ojalá que en 2027 podamos darle un disco nuevo a la gente.

—Ya, ya, ya es tiempo para un nuevo disco de Eterna.

Total, sí, sí, totalmente.

—A los van a ver el 17 de octubre, y los van a ver en Chile, que los van a ver en Uruguay, ¿qué les querés decir?

Que por supuesto los invitamos porque, como te decía más temprano, se trata de revivir emociones y darnos aliento entre todos, básicamente, ¿no?

Es una experiencia que hoy es verdaderamente de carácter inmersivo, porque el recital de Eterna Inocencia hoy empieza y, por distintas circunstancias que van pasando a lo largo del concierto, te mete en una, boludo, y te llevan, digamos, a divertirte, pero también a dejarte algo.

Así que nada, los esperamos a todos para cantar, para convocarnos, para convocar también a las voces que no están y tributarlas, ¿no? Así que bueno, todos invitados de una.

Suecia es una gran fuente de artistas musicales de todo tipo, sea pop, rock, metal, electrónica o lo que sea. Pero Hällas debe ser de los más particulares del país de la dinamita, IKEA y el smörgåstårta, con su propuesta que combina rock pesado, elementos progresivos y una atmósfera de fantasía que muchos grupos clásicos del estilo de los setentas envidiarían. Con la gira por España a punto de comenzar, presentando su cuarto LP Panorama, hablamos con su tecladista Nicklas Malmqvist, sobre cómo crear una canción de Hällas, lo que es ser una banda independiente, la industria musical y lo que hay que hacer cuando todo arriba del escenario falla al mismo tiempo.

Nicklas, es un honor poder hablar con vos hoy. Gracias por aceptar la entrevista. Vi la oportunidad cuando me enviaron el correo y pensé que era una buena ocasión para hablar con vos. He visto a mucha gente hablando de la banda, así que pensé en aprovecharla. ¿Cómo estás? ¿Cómo están las cosas? Vi que mucha gente disfrutó el nuevo álbum, así que creo que es algo de lo que pueden estar orgullosos.

Sí, creo que fue bastante bien recibido. Cuando estás en casa y parece que no pasa nada, no sabes qué está pasando o qué no está pasando. Pero cuando sales y conoces gente durante una gira, ves parte del impacto. Para mí es muy difícil imaginar que haya gente en Argentina escuchando y disfrutando el álbum, pero es increíble.

Sí, vi algunos medios más especializados hablando de la banda, pero también vi a mucha gente mencionándolos y diciéndoles a otros: “Che, ¿escuchaste esto?”. Ese tipo de recomendación de boca en boca.

Sí, de boca en boca.

Exactamente.

Creo que es lo mejor que podría pasar. En estos tiempos en los que todas las corporaciones compiten por tu atención, es genial saber que la gente todavía encuentra otras maneras de hablar de música en la vida real.

Sí. Y hablando un poco de Panorama, el nuevo álbum, sé que salió hace meses, pero sigue siendo su trabajo más reciente. Creo que mucha gente mencionó que empezar con una canción de 21 minutos es una decisión bastante arriesgada, como hacer su propio “2112” de Rush.

Sí. Venimos pensando en la idea de hacer una canción que ocupara todo un lado del vinilo. Lo pensamos durante años, pero en los últimos álbumes estuvimos bastante limitados por el tiempo de estudio, porque fuimos a un estudio en Estocolmo que era muy caro, pero para este álbum volvimos a tener nuestro propio estudio. Entonces realmente tuvimos tiempo para hacer esta canción larga.

Depende de lo que estés haciendo en una canción. Si estás haciendo “música para masajes”, puedes hacer fácilmente 20 minutos. No hay problema, es un acorde [Risas]. Pero si vas a hacer una canción progresiva, ese es el desafío.

El objetivo era conseguir que, cuando terminara la canción, el oyente no tuviera la sensación de haber estado escuchando durante 21 minutos. Queríamos que el ritmo fuera bueno, que todo fluyera y que no se volviera aburrida, demasiado extensa o demasiado corta. Al principio pensamos en ponerla en el lado B, pero después pensamos que algunos de los grandes discos antiguos empezaban con una canción larga.

Sí.

Entonces pensamos: “¿Por qué no?”. Y tuvimos que poner algo completamente diferente como primera canción del lado B. Esa terminó siendo “Face of an Angel”, que es una canción muy pop, muy inmediata. Es como una forma de compensar la canción larga cuando das vuelta el disco. Algo completamente diferente que te dé ganas de escuchar también el lado B. Y termina con algo más parecido a la primera canción del lado A, más progresivo.

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Cuando estaba leyendo otras entrevistas, vi que habían pensado en descartar “Face of an Angel” porque creían que sonaba demasiado como una canción de Mark Knopfler.

[Risas] ¡Sí!

Yo leí eso y después empecé a escuchar la canción específicamente y pensé: “Ah, ya sé a qué se refieren”. Realmente tiene algo de Mark Knopfler.

Creo que sí. [Risas]

Sí, supongo que ya tengo ese sesgo. Pero, hablando de esto, ¿qué pensás que hace que una canción de Hällas sea una canción de Hällas? ¿Cuál sería el ingrediente?

Tenemos las canciones más inmediatas y pop, que hacemos ocasionalmente. Muchas veces son un poco cursis, pero de una manera que nos gusta. Pensamos: “¿A quién le importa? Queremos hacer esto de todos modos”.

Y después tenemos las canciones más progresivas, más serias… No diría que son más serias, sino simplemente más progresivas.

En las canciones progresivas usamos muchas guitarras gemelas, por supuesto. Los guitarristas haciendo “didli didli du” [Nota: Tararea como una melodía complicada]. También suelen estar basadas en acordes clásicos del metal. Tenemos teclados, como órgano o sintetizador, además de la voz de Tommy y su forma de tocar el bajo. En realidad, Tommy es guitarrista desde el principio. Nunca quiso tocar el bajo, así que, de alguna manera, toca el bajo como si fuera una guitarra. Supongo que eso también forma parte del sonido.

Y, por supuesto, está la batería de Casper. Nunca pensé demasiado en la batería de Casper. Simplemente está ahí y funciona. [Risas] Sí, es un buen baterista, pero tenemos esta formación con dos guitarras y estamos bastante inspirados por los videojuegos de 8 y 16 bits, las películas de fantasía, cosas como Conan el Bárbaro y los juegos de rol.

Después agregamos elementos de bandas sonoras a las canciones, que creo que vienen principalmente de los videojuegos. Por ejemplo, si juegas a Mega Man y escuchas la banda sonora, te das cuenta de que en realidad es como Iron Maiden con sonidos sintetizados. “Chiptune”, pero Iron Maiden. ¡Es metal! [Risas]

También está todo el elemento narrativo de la banda, no solamente por los álbumes conceptuales sino por toda la mitología que construyeron alrededor de ella.

Sí. Creo que nos gusta mucho el concepto de un álbum. Nos gusta crear una historia que tenga algunos elementos existenciales para nosotros. Pero no queremos volvernos políticos ni nada de eso, simplemente tenemos algunas preguntas y pensamientos y nos gusta ponerlos dentro de una historia.

Además, es difícil contar mucho o desarrollar una historia en una sola canción, por eso creemos que tiene que abarcar todo un álbum. Al principio, cuando hicimos los primeros tres lanzamientos, que formaban una trilogía, sentíamos que todavía había más para contar.

Si tienes unos 45 minutos en un vinilo y haces música progresiva, hay muchos pasajes instrumentales. No hay tantas letras, así que necesitas varias canciones para contar una historia.

A menos que hagas como esas bandas que terminan poniendo toda la historia en las notas del álbum y tenés que leer los libretos para entender todo el contexto de las letras.

Sí, podrías hacer eso. Nosotros no lo hicimos porque queremos que el oyente interprete el significado y la historia. Dejamos algunos espacios vacíos para que el oyente los complete.

Este es el primer álbum de ustedes editado a través de Äventyr Records. Ustedes editaron los otros álbumes con otros sellos, pero este es el primero con su propio sello. Antes mencionaste que ahora tienen su propio estudio. ¿Qué diferencia hace trabajar con su propio sello?

Es un poco pronto para saberlo, pero sentimos que, de todos modos, teníamos que hacer mucho trabajo nosotros mismos. Entonces pensamos: ¿para qué usar un sello? Tuvimos dos sellos antes, el primero era un sello independiente muy pequeño de Suecia y ellos dependían de nosotros para todo. Nosotros teníamos que proporcionar el diseño, la diagramación, todo. Lo único que realmente hacían era poner un anuncio en Facebook y encargarse de la distribución, que de todos modos no funcionaba, y, por supuesto, imprimir y fabricar los discos físicos. Sentimos que podíamos hacer todo eso nosotros mismos.

El otro sello tenía más fuerza, pero de alguna manera cambiaron a todo el personal y el nuevo equipo estaba enfocado solamente en Suecia y los países nórdicos. Entonces sentimos, y ellos también, que no podíamos trabajar juntos. No tenía sentido. Así que nos quedamos sin sello y pensamos que quizás podíamos empezar el nuestro y ver qué pasaba. Y funcionó bastante bien.

No sé cómo funciona la distribución en Sudamérica, pero al menos siempre puedes encontrar gente con la que trabajar como sello, siempre hay una solución. Es más difícil cuando dependes de otra persona y de que esa persona esté interesada en dedicar el tiempo y el esfuerzo necesarios para que las cosas funcionen como tú quieres. 

Fue mucho trabajo, y además tienes que poder financiar todo. Tienes que poner mucho dinero porque hoy un sello es más parecido a un banco. Ellos ponen el dinero por adelantado y después se quedan con una gran parte de todo. Es como un préstamo bancario muy caro que dura 70 años. [Risas]

Por supuesto, un sello puede hacer cosas muy buenas. Nosotros también tenemos que concentrarnos primero en la música y después salir a tocar. Pero, por ahora, sigo sintiendo que fue la decisión correcta para nosotros.

No sé si trabajando con un sello tradicional les permitirían, por ejemplo, editar una canción de 21 minutos y tener el tiempo suficiente para grabarla. He entrevistado a muchas bandas que empezaron con su propio sello y no veo muchas que se arrepientan de haberlo hecho, como que consideran que fue la mejor decisión que podrían haber tomado en un momento determinado de su carrera. 

Si ves a las grandes bandas, muchas de las más importantes tienen cierto control sobre sus propias grabaciones. Creo que, si tienes una base de seguidores que sabes que puede comprar discos y puedes reunir la inversión necesaria para imprimirlos, es posible. Pero lleva mucho tiempo antes de obtener la recompensa, nosotros tuvimos la suerte de poder hacerlo realidad.

Eso demuestra cuánto avanzó la banda y cuántos seguidores acumuló. De hecho, iba a preguntarte sobre eso, porque van a estar de gira por España dentro de algunas semanas. Creo que será la primera vez que estén allí como cabezas de cartel. ¿Qué podés contarnos sobre eso?

a estuvimos tocando en algunos festivales allí. Fuimos al Asana Festival este año y el año pasado fuimos al Resurrection Fest. También hicimos una gira allí hace muchos años con Kadavar, la banda alemana.

Ah, Kadavar. Sí, los de las barbas.

Sí. Hicimos una gira como banda soporte y estuvimos en algunos lugares de España. No estuvimos mucho allí, pero siempre es interesante ver cómo funcionan las cosas. Creo que los lugares no son tan grandes, así que supongo que va a estar bien. Además, las entradas se están vendiendo bastante bien, creo que va a estar bien. Pero siempre es así cuando vas por primera vez a un país, después vuelves por segunda vez y las cosas mejoran un poco, y después vuelven a mejorar.

Tienes que empezar desde cero. Hace aproximadamente un año tocamos en Sudamérica. Fuimos a Argentina y tocamos… Creo que fue São Paulo. No, São Paulo no.

Creo que fue en Buenos Aires, en el Uniclub. Es un lugar realmente pequeño, he estado ahí.

Sí, muy pequeño. Entonces tienes que empezar casi como si fueras una banda nueva y esperar que la gente vaya [Risas]. Y después, la próxima vez que vayamos, quizás sea un lugar un poco más grande, un poco mejor.

Y tocaron en São Paulo al día siguiente.

Sí. Hicimos cuatro países en cuatro días. Fue una locura.

Ni siquiera puedo imaginar lo difícil que debe haber sido.

Lo malo es que no llegas a ver nada del país cuando haces algo así. Te pasas todo el tiempo viajando. Se puede hacer, pero es mejor tener algo de tiempo para conocer gente, ver algo y comer algo, porque hay tantos lugares hermosos para conocer.

Conocer gente, comer algo… No tener que pensar en el concierto cada segundo.

Sí, es una mejor manera de hacerlo.

¿Hay algún país en el que todavía no hayan tocado y en el que les gustaría tocar?

Japón sería un sueño. Ninguno de nosotros estuvo en Japón, así que sería increíble.

Sí. Para muchas bandas ese es el sueño, ese momento en el que piensan: “Lo logramos”.

Sí. Pero al principio nuestro sueño era poder tocar en el Sweden Rock Festival. Lo hicimos y después aparece el siguiente objetivo. Por ejemplo, poder ir a Estados Unidos, como hicimos hace un par de años. Era algo que nunca habrías imaginado. Lo mismo con México o Argentina, poder ir a esos lugares y que haya gente que vaya a verte es difícil de comprender.

Si lo piensas, somos solamente un grupo de tipos de una zona rural de Suecia. Vivimos en un pueblo muy pequeño, pero de alguna manera logramos llegar a otras personas con nuestra música.

Es bastante increíble cuando lo pensás. Terminás siendo escuchado por gente del otro lado del mundo.

Es algo que realmente aprecio. Estoy muy agradecido.

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Corregime si me equivoco. Creo que hace un par de semanas tuvieron un concierto en Alemania, según algo que leí en… No sé si conocés Setlist.fm, ahí leí que ese fue su primer concierto sin los disfraces.

Ah, sí.

¿Qué pasó con eso?

[Risas] Pasó algo. Tuvimos problemas muy grandes con la tecnología del escenario. Había tres bandas tocando y nada funcionaba para nosotros. Siempre hay mucha presión de tiempo para hacer la prueba de sonido y se suponía que todo tenía que funcionar, pero no funcionó. No funcionó nada. Entonces no hubo tiempo para cambiarnos de ropa. [Risas] 

Era como: o tocas ahora, o cancelas. Eso nos dijo el promotor, porque nosotros no éramos la banda principal, sino Opeth. Así que decidimos tocar en shorts, y lamentablemente mucha gente tuvo tantos problemas para entrar al lugar que no llegó a tiempo. Había una cola enorme afuera, lo sentimos mucho por eso.

No tenés que disculparte conmigo, fue en Alemania. Pero me gusta pensar en el escenario y, ya sé que es un cliché, compararlo con This Is Spın̈al Tap. [Risas] Al menos no tuvieron el problema del pequeño Stonehenge.

Sí. [Risas] Pero estas cosas pasan todo el tiempo, cuando estás de gira o tocando pasan cosas extrañas. Es un This Is Spın̈al Tap constante. También pasan cosas muy graciosas, al menos cuando las piensas después. En el momento no son graciosas, obviamente. Pero cuando pasa el tiempo y lo recuerdas, puede resultar bastante divertido.

Al menos no les pasó como a Kiss. No sé si conocés la historia, pero cuando Kiss tocó acá, creo que fue en 2009, Gene Simmons hizo ese número en el que vuela sobre el escenario y terminó quedándose en el medio. No sé qué falló en el cable o en la estructura que usa para volar sobre el escenario, pero terminó ahí, simplemente colgado.

[Risas] Pero supongo que también es divertido. En realidad, puede terminar formando parte del show, como algo especial que pasó solamente para la gente que estaba ahí.

Exactamente. Esa gente puede decir: “Yo vi a Hällas tocando en shorts, tratando de hacer todo ese espectáculo de rock de fantasía y aventura”.

Sí, nunca se suponía que eso pasara. Nunca habíamos hecho algo así.

Bueno, para terminar, ¿qué les gustaría decirles a las personas que van a ver a Hällas, principalmente en España, pero también en otros países? ¿Qué les dirías?

[Se queda pensando] Esta es la gira de este álbum y vamos a tocar la canción larga, por supuesto. Eso no podemos hacerlo en los festivales, por ejemplo, porque ocupa casi la mitad del tiempo que tenemos, pero ahora sí vamos a hacerlo. Esperamos ver a la mayor cantidad de gente posible. Probablemente pasen un par de años antes de que podamos volver, así que esperamos que puedan venir. Nunca hicimos conciertos como cabezas de cartel en España. Por supuesto, es diferente a tocar en un festival. Tenemos una mejor producción, mejores luces, sonido y elementos escénicos, es un mejor show. Entonces esperamos verlos allí.S

Gutalax han convertido sus conciertos en auténticas fiestas donde los moshpits, el humor escatológico y la cerveza forman parte del espectáculo. Tras más de una década llevando su particular propuesta por escenarios de todo el mundo, la banda checa mantiene intacta su filosofía: divertirse y hacer que el público también lo haga. Con su regreso a España en el horizonte, hablamos con ellos sobre música, humor, conciertos y, por supuesto, mucha mierda.

– Gutalax lleva años convirtiendo sus conciertos en auténticas fiestas de grindcore. ¿En qué momento os disteis cuenta de que el público había transformado vuestros conciertos en algo que iba mucho más allá de simplemente escuchar música?

¡Es increíble! ¡Nos encanta! Nuestros conciertos siempre son una gran fiesta de mierda y nuestros fans son quienes aportan la diversión, no nosotros. Los queremos a todos.

– Vuestra estética y vuestro sentido del humor son inmediatamente reconocibles, pero detrás de todo eso hay una banda que lleva más de una década trabajando en su música. ¿Creéis que a veces la gente presta demasiada atención al lado escatológico de Gutalax y pasa por alto el trabajo musical que hay detrás?

Sí, definitivamente algunas personas lo hacen, y puedo entenderlo. Pero no hay ningún problema con eso 🙂

– El público español parece tener una conexión especialmente fuerte con Gutalax. ¿Qué diferencias notáis entre tocar en España y hacerlo en otros países?

Nos encanta tocar en todas partes y nuestros conciertos son geniales en cualquier sitio. Los conciertos en España siempre han sido muy salvajes y nos encanta. Más cara a cara, más moshpits, ya sabéis 🙂

– El grindcore puede ser un género extremadamente agresivo, pero vosotros conseguís abordarlo desde una perspectiva muy festiva. ¿Era algo que buscabais deliberadamente desde el principio o surgió de manera natural?

Casi siempre surge de manera natural. Cada concierto es diferente y se convierte en una fiesta diferente.

– ¿Cómo ha cambiado Gutalax desde aquellos primeros años hasta la banda que sois hoy? ¿Hay algo de los primeros tiempos de Gutalax que echéis especialmente de menos?

Somos más viejos, más gordos, más borrachos, más vagos y olemos peor. Pero la pasión por hacer música sigue siendo la misma.

– Habéis conseguido convertir canciones y conceptos aparentemente absurdos en auténticos himnos dentro de la escena grindcore. ¿Cómo es el proceso creativo cuando partís de una idea que inicialmente puede parecer poco más que una broma?

También surge de manera natural. No hay ningún proceso. Y, ¿sabéis lo que decimos en la República Checa? “Toda broma esconde algo de verdad en lo más profundo”. Jajaja.

– Después de tantos años de giras, ¿qué es lo que todavía os sorprende de actuar ante un público que ya conoce tan bien vuestra propuesta?

Que sigamos tocando la misma mierda y la gente siga viniendo, jajaja.

– Habéis compartido cartel con bandas de muchos estilos diferentes. ¿Hay alguna banda con la que todavía no hayáis tocado y que os gustaría especialmente tener como compañera de gira?

Bandas de disco de los 80 y los 90. Definitivamente forman una parte importante de nuestra música y puedo imaginar que una gira con bandas como Rednex, Scooter, Aqua, 666 o Brooklyn Bounce funcionaría de puta madre, jajaja.

– En una época en la que muchas bandas tienen mucho cuidado a la hora de gestionar su imagen en redes sociales, vosotros habéis construido una identidad basada en no tomaros demasiado en serio. ¿Sentís que esa libertad es una parte importante de vuestra identidad?

Es necesario y también es la única manera en la que lo vamos a hacer. ¡Para siempre! No nos importa ninguna imagen, somos lo que somos (somos lo que cagamos, jajaja) y nunca cambiaremos solo por la “imagen”.

– ¿Qué expectativas tenéis para vuestra próxima gira por España?

Diversión, cervezas, paella, fiesta, conciertos increíbles con gente increíble… buen tiempo, jajaja.

Con casi tres décadas de trayectoria a sus espaldas, Eivør afronta una nueva etapa con la llegada de Tungl, un álbum en el que vuelve a explorar ese particular cruce entre tradición feroesa, folk, electrónica y sonidos de marcado carácter oscuro que ha convertido su propuesta en algo difícil de encasillar. El nuevo trabajo llega además acompañado de su incorporación a Nuclear Blast, un movimiento especialmente significativo para una artista que durante años ha defendido su independencia y una manera muy personal de entender la música. Aprovechando el inminente lanzamiento del disco y su próxima gira, hablamos con Eivør Pálsdóttir sobre esta nueva etapa, sus raíces, la conexión con públicos de todo tipo, su experiencia trabajando para videojuegos y series, la situación actual de la industria musical y, por supuesto, sobre esas canciones que adelantan un Tungl donde la oscuridad y la esperanza vuelven a encontrarse.

Buenas tardes, Eivør, gracias por concederme esta entrevista

Hola, gracias a ti, es un placer hablar con vosotros

Lo primero ¡enhorabuena! El lanzamiento de tu nuevo álbum (Tungl) es inminente y lo que he escuchado hasta el momento me parece espectacular: Tiene una temática preciosa y los singles son muy potentes, tanto musicalmente como estéticamente. Por favor, cuéntame un poco más sobre esta nueva etapa de Eivør y qué podemos encontrar el mes que viene en Tungl.

Gracias, sí ¿qué puedo decir? siempre es super ilusionante y también dan muchos nervios cuando un nuevo disco está a punto de salir. Aparecen todas las emociones. Y a veces me toma cierto tiempo y distancia para entender completamente lo que yo misma he creado: tengo que experimentarlo en directo y ver la reacción de la audiencia. De momento tengo un sentimiento muy positivo. He podido compartir con la gente algunas canciones este verano, las he tocado en directo, y me he sentido muy bien. Así que estoy llena de ilusión con esta nueva etapa que empieza a desarrollarse ahora.

Una nueva etapa en la que firmas con Nuclear Blast, una de las productoras más grandes de Metal actual… ¿qué supone para ti la entrada en esta discográfica? 

Pues significa mucho para mí. He estado trabajando de forma independiente muchos años y me he dicho siempre a mí misma que no firmaría por un sello salvo que sintiera que de verdad es una colaboración: que trabajara conmigo. No quiero una discográfica que quiera agarrar mi música y encasillarme en sus cajitas o etiquetas. Llevo haciendo música mucho tiempo como para hacer eso. Así que cuando me encontré con Nuclear Blast, me sentí muy feliz al comprobar su entusiasmo y su amor por mi música, por lo que estoy muy feliz de colaborar con ellos. Creo que compartimos la misma visión acerca de crear música. Obviamente no soy una artista de Metal, para nada, mi música tiene una mezcla de muchos estilos. Pero para mí es muy ilusionante estar en una firma de Metal, porque veo que los seguidores de la música metal ya están en mis conciertos, por algún motivo… es como un crossover: una mezcla de mundos, algo que considero muy bonito. Mi música también es así, por lo que trabajar con ellos resulta apropiado.

Desde luego tu música es muy única y seduce a todo tipo de público. De hecho te iba a preguntar si has notado algún cambio en la audiencia, pero en este caso a raíz de tu colaboración en bandas sonoras de series y videojuegos. Seguro que les has abierto los oídos a muchos gamers a nuevas músicas y nuevas sensibilidades. ¿Has notado su presencia en tus conciertos?

Sí. Totalmente he notado un cambio en mi público, sobre todo en los últimos 8 años. Cuando empecé haciendo música para “The last kingdom”, y después con “God of War” y fue increíble… Veía a gente en mis conciertos vestidos de vikingos o incluso de Kratos. También por supuesto hay gente con looks góticos y hasta abuelitas, abuelitos, niños, amantes del folk… una mezcla muy grande de personas muy diferentes y eso me emociona muchísimo: ver a personas de tan diferentes orígenes y contextos. Es increíble que la música pueda hacer eso, reunirles así. Es maravilloso.

No solo realizas una música única, sino que tus orígenes también lo son. Seguro que muchas personas se han sentido interesadas por el idioma y las tradiciones de las Islas Feroe debido a tu música. ¿Cómo se siente defender tu música en tu propio idioma por todo el mundo?, ¿o alguna vez has pensado: “todo sería más fácil cantando en inglés”?

Hace mucho tiempo, cuando empecé a hacer música ¡hace casi 30 años de mi primer álbum! Entonces cantaba en feroés porque estaba haciendo música inspirada en las tradiciones y el folk feroés. Pero no pensaba que eso fuera a interesar a mucha gente fuera de las Islas Feroe. Así que cuando salí a cantar fuera, sí que pensé “vaya: voy a tener que cantar en inglés a partir de ahora”. Pero entonces vi que la gente era capaz de conectar conmigo casi igual de bien si cantaba en mi propia lengua. Así aprendí que la música no siempre es “entender cada palabra” sino más bien “entender el sentimiento”, y la audiencia es inteligente y tiene empatía, puede entender los sentimientos de alguien que canta en otro idioma. Así aprendí que la música es un idioma universal de verdad.

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Las tres canciones que has sacado hasta el momento (“Walls”, “Healer” y “Dragon Maiden”) me gustan muchísimo, y al escucharlas me trasmiten “esperanza”, cada una a su manera son oscuras pero a la vez esconden luz y mucha fortaleza ¿estoy acertando?, ¿cómo las describirías tú?

¿Sabes qué? me hace muy feliz que me digas esto, porque acabo de hacer otra entrevista y me han dicho que mi álbum les parecía súper oscuro y he pensado: “¿en serio? Para mí no es tan oscuro”. Para mí este álbum, que sé que es duro en sus líneas de bajo y batería, y que tiene un sabor oscuro… pero como tú has dicho, para mí tiene mucha esperanza y coraje. Para mí tiene un mensaje muy fuerte relativo a que debemos creer en que las cosas al final se colocan en su sitio y que siempre sanamos después de rompernos. En mi música es muy importante el contraste: la oscuridad y la luz, y cómo bailan entre sí. Y también en las letras que escribo existe ese contraste, por lo que diría que sí has acertado. 

¿Cuánto hay de mitología y tradición feroesa y cuánto hay de fantasía e introspección en estas canciones?

No estoy segura. Es siempre una mezcla de muchas cosas. No es que siempre escriba sobre mí misma ni mi vida, pero sí que todo suele empezar con un sentimiento propio, una idea o un recuerdo que tengo dentro y que me da la idea de la canción para empezar… pero luego esto crece y nunca se sabe qué camino va a recorrer. A veces recojo inspiración de muchas otras cosas. Pero en general todo empieza con un sentimiento propio o bien con algo que sucede a mi alrededor. O que sucede en el mundo, y que me inspira. 

Por cierto que llevas toda la vida en el mundo de la música, desde que eras casi una niña: ¿qué opinas del actual estado de la industria?, ¿son buenos o malos tiempos para la música?

Un poco las dos cosas a la vez. Los músicos estamos un poco en el medio de ninguna parte ahora mismo. Entonces tenemos el tema de la IA, que es terrible: nos está robando la identidad. Nos roban la música y la copian en todas partes, sin esfuerzo. Y eso da mucho miedo, cuando has trabajado toda tu vida en este área y de repente alguien puede hacer una canción parecida a la tuya en segundos con la IA.

Por su parte, la industria musical está siempre cambiando y te digo la verdad: nunca he sido muy buena navegando en ella. Siempre me ha asustado un poco y he querido mantenerme un poco alejada de la industria. Me gusta hacer las cosas a mi manera. Así que no sé… pero en cuanto a sensaciones, es cierto que no me parece un buen momento para las artes ahora mismo… Pero hay que hacerlas. ¡Me moriría si no lo hiciera! Si eres un alma creativa tienes que crear. Es así. Para los artistas es más importante que nunca ser auténticos, y amar de verdad a su público. Y yo realmente amo a mis fans, a la audiencia: me apoyan, vienen a verme a mis conciertos ¡no puedo pedir más! Es lo más precioso de mi vida.

Y eso es algo que la IA no puede hacer: salir al escenario y conectar con la gente en vivo.

Cierto. Cuando la gente se reúne, hay algo mágico. Cuando la música encuentra a su público, es el mejor regalo para un artista.

Y eso es justo lo que vas a hacer muy pronto: has anunciado un tour muy largo y generoso, siendo tú una artista que además trabaja muy duro sobre el escenario ¿cómo te preparas para un tour así? ¿Y qué podemos esperar de este nuevo tour?

Pues, ahora mismo aún estoy saliendo de la burbuja creativa que supone grabar un nuevo disco. Y a la vez he estado actuando en festivales todo el verano. Así que justo ahora me toca mentalizarme para estar de viaje cinco semanas para el tour, para actuar y compartir la música con la gente. He estado ensayando con mi banda, hemos ensayado varias de las nuevas canciones, y sobre todo ahora estoy tratando de reunir mi energía, toda la chispa que pueda sumar, para subir al escenario y compartir todo eso. Me hace mucha ilusión ir de gira. Es muy distinto actuar en vivo que en el estudio. En el estudio es un ejercicio de introspección, estás dentro de ti misma, y luego en el escenario liberas todo lo que tienes dentro, es muy distinto, y me encantan ambas facetas de la música.

Sí que lamento un poco algo y es que no he visto España en tu anuncio de la gira, ¿Podremos verte por aquí en un futuro próximo? Porfa dí que sí.

Sí, estoy segura de que voy a ir a España muy pronto. Siento que no esté ya agendado en la gira. Sé que no he ido mucho por España hasta ahora, pero últimamente he sido tan afortunada de poder hacer unos pocos conciertos allí hace poco y ha sido genial. Quiero volver muy pronto y seguro que lo voy a hacer. Sin ninguna duda.

Espero que lo hagas, me encantaría verte en directo. De momento aguantaré viendo tus videoclips, que son espectaculares y tengo una pregunta quizás un poco rara que hacerte, ya que proviene de mi peque: tengo un peque de 5 años y le encanta tu música. Cree que eres encantadora y le fascina tu voz. Pero quiere que te pregunte sobre el videoclip de “Dragon Maiden”. Le parece preciosa tu actuación, el paisaje, todo… pero no entiende por qué aparece tu rostro multiplicado en cinco rostros en el estribillo, así que he pensado en preguntarte sobre ello y en general la simbología de este vídeo tan bello.

Wow, qué emoción que le guste a tu peque y qué pregunta tan interesante: se ve que es muy inteligente. Los cinco rostros, se suponen que representan un espejo que te ayuda a adentrarte más en ti misma. Porque esta canción va sobre encontrar la fuerza en uno mismo. Cuando estás mal puedes buscar en tu interior y llamar a tu propia dama del dragón, y ella vendrá con sus alas de fuego a darte su fuerza. Así que estas cinco caras son el espejo y la manera en que están situadas, un poco en triángulo, tienen que ver con la tierra, con una montaña, con afirmarse sobre la tierra y recuperar tu fuerza. Espero que a tu peque le guste la respuesta.

Es maravillosa la respuesta. Ya casi hemos terminado ¿hay algo más que te gustaría decir a tus seguidores en esta nueva etapa?

Sí, me encantaría decirles a mis seguidores en general y también en España que estoy muy agradecida de que me escuchen y sigan mi música. Que me gustaría visitarles pronto y encontrarnos pronto para compartir la música. Y darles las gracias a todos por estar ahí y por su apoyo.

Muchas gracias a ti. Enhorabuena y mucho éxito.

Será un género basado en la negatividad y la oscuridad, pero el black metal depresivo sí que ha logrado unir a la gente a pesar de la distancia e incluso del tiempo. Un ejemplo de ello es In Luna, un proyecto que reúne al multi instrumentista chileno Aukka y al cantante Uruksoth, español de nacimiento y radicado en Alemania, que editara su primer material como parte de un split con otras tres bandas del estilo y más tarde lanzara su debut Forgotten Lives. A más de diez años de la salida de ambos, en octubre tendremos The Architecture of Negativity, el esperado segundo álbum de este dúo, el cual ahora incluye la presencia de dos músicos de sesión salidos de un par de las bandas de black metal más trascendentes de la actualidad. Hablamos con Uruksoth al respecto de este material, el futuro (o no) de la banda, y el mundo del DSBM y el post metal.

—Cuando me llegó la el mensaje acerca de que la banda estaba disponible para entrevistas y dije, “Ah, sí, una una banda de una banda de black depresivo. Yo conozco del género, obviamente, pero esperaba entre las sombras, francamente esperaba que estuvieras así dentro de las sombras todo, porque ya me pasó con un músico de Alemania que estaba entre las sombras.

[Risas] Sí, tanto Aukka como yo somos gente normal que te puedes encontrar en la calle en cualquier día, entonces tenemos la imagen de nuestro día a día. Luego, vale, somos más introspectivos en lo que es la música, pero somos gente normal y corriente.

—¿Cómo viene todo últimamente? Están presentando un nuevo disco después de más de una década sin material nuevo. Quiero mencionar que estaba buscando alguna entrevista de la banda y creo que había encontré una en un blog en inglés, no recuerdo ahora.

La verdad es que nos han hecho muy pocas entrevistas, yo creo que dos, tres o una cosa así.

—Ah, bueno, entonces tengo el privilegio de ser uno de los primeros ¿Cómo viene todo? ¿Cómo viene la promoción de este nuevo disco que saldrá en octubre?

Ahora dentro de nada, a la vuelta de la esquina, con Talheim Records, un sello ubicado en Austria y también tiene su sede en Alemania. Y nada, pues la verdad es que deseando tanto Aukka como yo, deseando ver un poco qué le parece la recepción de la gente. Somos una banda muy underground, no tenemos tanto un gran público, y nosotros perfectos con eso porque esa es la lógica que siempre llevamos, o sea ser un grupo underground, pero con ganas de ver. Después de tantos años que sacamos tanto nuestro debut como poco tiempo después, en el mismo año, también un split con dos temas, y la verdad es que tuvimos una buena acogida y tenemos ganas de mostrar el nuevo material a la gente a ver qué le parece.

—Este estilo es under incluso en el mundo del black metal, no es un estilo que se suponga que tenga que estar tocado en estadios ni nada de eso, al menos hasta cierto punto, obviamente.

Exacto, yo pienso igual.

—Estoy metido, no super metido pero estoy, en el mundo de este tipo de black metal desde hace un tiempo, desde la época en la que visitaba blogs en Blogspot para leer reseñas, y siento que hay una tendencia con este tipo de bandas de sacar un LP, un EP o un demo y después desaparecer como por diez años sin que estén oficialmente separadas. Creo que un ejemplo sería In Luna, desde que sacaron ese material en 2015…

Sí, el disco split.

—El split con Psychonaut 4, Vanhelga y Ofdryyka, después tuvieron el disco y listo. ¿Qué como qué onda durante todo ese tiempo? ¿Simplemente no se sintieron con ganas?

Es un cúmulo, un poco de todo. In Luna nació y lo concebimos y lo hemos lo hemos hecho en este tiempo. Es un proyecto de estudio, que no lo ideamos para sacar cosas cada x años. No teníamos esa necesidad, queríamos hacer una música que nos representase, con unas letras también acordes con ello y no hemos tenido tampoco la necesidad de contar más hasta hace unos años que hemos decidido retomarlo. Como te digo, es un proyecto de estudio, aunque en una ocasión hemos dado un único concierto…

—Primer y único recital,

¡Sí! Además, In Luna es un grupo más paralelo a lo que son o han sido nuestros otros proyectos, de metal extremo también pero de otras vertientes, y lo hemos tenido más aparcado. No terminado, sino aparcado en todos estos años pues eso no teníamos la necesidad de grabar algo por grabar, sino cuando ha sido el momento indicado, que nos ha aparecido ya pues ahora nos apetece.

—Es una expresión del momento, ¿no?

Sí, se podría decir.

—Es personal y es para el momento, no es para decir: “Bueno, ya sacamos el EP, ya sacamos este disco, ahora vamos a hacer eso de vuelta”. No es para forzarse.

Exacto. Además, ya te digo: hemos estado todo este tiempo trabajando en otros grupos, en otros proyectos. También la vida personal, ¿sabes? Te vas haciendo mayor, tampoco tienes el mismo tiempo que hace 10 años, 20 años, ya sabes cómo va.

—Cuando dije lo de las bandas de black que sacan material y después desaparecen como por diez años, iba a mencionar a Thy Light, el grupo brasileño. Me lo había anotado y después vi que Aukka había participado en la remasterización del primer disco de Thy Light, así que coincidencia.

Thy Light es un grupo que me encanta. Eh, Paolo y yo hemos hablado durante años a través de Facebook y tal y bueno, nos podemos conocer hace unos cuantos años porque él se vino a Europa a vivir desde Brasil y es una persona excepcional.

—¿Qué los llevó a volver? O sea, lo describiste como una cosa del momento, como una cosa de simplemente tener como el impulso de sacar nueva música que algo específico que que los llevó a decir “Tenemos que sacar nuevo material con In Luna”, como que la ocasión, el clima, está para un nuevo de In Luna.

No sé cómo decirte, surgió de una forma totalmente natural. Aukka y yo hablábamos, éramos amigos, lógicamente, y hubo un momento, en 2018 más o menos, en que Aukka ya tenía composiciones nuevas en formato demo que había ido grabando, recopilando ideas. Yo también había empezado a escribir algunas letras, y justo fue el momento adecuado para unir todo.

—Simplemente dijeron: “Ah, todas las piezas se están uniendo”.

Exacto, todo encaja y ahora nos apetece volver a grabar algo nuevo.

—Cuando vi el disco y vi que en el reproductor me aparecían cuatro canciones y dije, “Ah, sí, es como un EP”. Y después vi que todo el álbum duraba 36 minutos.

Sí, sí, sí. Salvo una que andará por los seis minutos, casi siete, el resto son canciones largas, con mucho proceso, mucha atmósfera…

—Mucho momento acústico de la nada, con ese contraste clásico entre ruido y calma…

Entre el caos y más calma, más melancolía. A Aukka, en concreto, le gusta crear esas atmósferas que vayan subiendo y bajando.

—Sí, sí. El caos y la calma contrastan y se magnifican uno a otro.

Exacto.

—Entonces, eh con los lanzamientos anteriores de In Luna ustedes tenían baterías programadas, pero en este The Architecture of Negativity tienen no uno, sino dos músicos acompañándolos.

Sí, son dos músicos de sesión, no pertenecen a In Luna como tal, pero han sido músicos de sesión en la grabación del álbum, músicos de estudio.

Por un lado tenemos a Diego Mota. Se le puede conocer por Gaerea y está a las baterías, como digo. Y luego, por otro lado, está Deimos AF, que es un amigo mío de toda la vida de aquí, de la escena de España, de la escena de Cantabria, de donde somos. Es una persona mítica en el black metal de allí. Hemos tocado también juntos en otra banda.

Le gusta mucho Luna y, nada, comentando un día dice: “Ay, pues podría yo grabaros el bajo”. Lo había grabado Aukka siempre, pero bueno, es un bajista fenomenal, guitarrista también, pero bajista fenomenal. Y nada, lo comenté con Aukka y directamente entró a formar parte de la grabación de este disco.

—Con los otros discos con Aukka encargándose de todos los instrumentos, y en este disco teniendo dos músicos haciendo lo suyo, ¿crees que hubo algún cambio en la dinámica al momento de hacer el disco? ¿Cómo cambia la manera de trabajar ahí?

Bueno, lo más notable, por supuesto, es la batería al ser una batería real. Nosotros estamos contentos con lo que ya hicimos en el primer disco y en el split con la batería electrónica, programada, que para el momento estuvo bien. Pero queríamos dar un paso más en nuestro sonido y contar con una batería real y, lógicamente, humana, para el sonido.

—Se nota, por supuesto.

Sí, sí, sí. Y Diego Mota, aparte de ser batería de Gaerea, es músico de sesión, es parte de su trabajo. Contar con él ha sido un lujo porque es un batería increíble, la verdad, y ha aportado mucha potencia a este disco con sus ideas.

Y por la parte del bajo, Deimos también es una persona súper experimentada. Lleva tocando desde mediados o principios de los noventas y, sumada a su experiencia en el bajo, también ha aportado muy buenas ideas al sonido.

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—Estaba escuchando mucho el disco junto y me gustó mucho. Tal cual como lo describiste, con ese contraste entre caos y calma. También me vino el documento con las letras de la banda y quería hablar un poco acerca de eso porque, por lo que entendí, vos sos el encargado de las letras, ¿no?

Sí, de la parte lírica.

—Y la idea del black depresivo, como quieran llamarlo, obviamente nos da una idea de las letras de la banda. Pero siempre me pareció que es un género bastante más amplio de lo que uno pensaría con ese nombre, porque tenés las bandas que van por esa estética de “venas cortadas en el baño”, y creo que In Luna va más por un lado de, no sé, desolación urbana, creo que sería.

Sí, sobre todo en el primer disco y en el split. También eran dos canciones, una de ellas iría más por un tema así, pero también es algo muy introspectivo, las vivencias de cada persona en el mundo, que puede estar un poco al límite.

No tanto como has mencionado tú, por ejemplo, de muchas bandas que tratan temas como el suicidio en concreto, automutilación, etcétera. Nosotros no tocamos esos temas, vamos por una línea quizás a veces más poética, más metafórica en las letras, otras veces más cruda, por así decirlo, en la forma de expresarlo.

Tocamos temas un poco más personales, más ahondando en la negatividad del ser humano. Un poco iría por ahí el asunto. No son temas que hayamos inventado nosotros para nada. Ya hay miles de bandas que abordan temas de ese tipo.

—Más un estado de la mente que algún tipo de acto físico.

Exacto.

—Mencionabas los discos anteriores y una cosa que había es que años atrás tenían un track que se llamaba “The Grey Manifiesto”, donde una parte estaba la frase “música gris para gente gris”.

Sí, sí, sí. Eh, bueno, The Great Manifest es una intro más que un tema y sí, y la frase es un poco también homenaje a la mítica frase de Morbid Angel: “Extreme music for extreme people”. Y nosotros la adaptamos a pues a nuestro rollo, a nuestra temática, poniendo pues esa etiqueta de ”Grey Music for Grey People”.

—El gris es un color que aparece bastante seguido en las letras de In Luna.

Sí, es un concepto porque ahí está el gris entre el negro y el blanco. No es ni una cosa ni la otra, no es ni la luz ni la oscuridad.

—Sí, porque el negro es el color relacionado con el black metal. Literalmente está en el nombre. El blanco, bueno, al metal cristiano lo llamaban en ese momento “white metal”.

[Risas] Sí, es verdad.

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—Yo tengo amigos que no están muy metidos en el heavy metal y a veces les cuento cosas de hablar con bandas y todo eso, y les tengo que explicar que el black depresivo y el post son géneros de verdad, que estoy hablando en serio y no es un invento mío, porque parecen esas parodias cuando agarran y dicen que hay 700 millones de géneros de metal y quieren armar como alguna cosa nueva, y tengo que explicarles que esos son géneros de verdad, que tienen escenas propias y todo. ¿Sentís a veces que incluso dentro del black metal, bandas como In Luna y grupos afines son como una burbuja aparte, un mundillo dentro del mundo del black metal?

Pero yo creo que es así, por lo menos en cualquier estilo o subestilo del metal extremo. Incluso me imagino que también pasa en grupos de heavy metal, de thrash metal, que no sea metal extremo en general. Pero es como te había comentado al principio de la entrevista, entre lo que es más underground y la música más mainstream.

Yo creo que el depressive black metal ya tiene, desde hace muchísimos años, su nicho de seguidores y fans de esta música. El post black metal también tiene su nicho. Es como todo, porque también podrías hacer la misma pregunta sobre el pagan black metal, el atmospheric black metal o cualquier otro subgénero derivado del black metal, del death metal o del doom.

Yo creo que es lo que te digo, que ya no es eso, sino que es más underground, para unos oyentes más concretos que les gusta más investigar o descubrir algún grupo que no sea conocido, para ver qué tal está su música, etcétera. Es, vamos, es una opinión subjetiva, vamos.

—Una cosa que me llama la atención es que no tenés problema con etiquetas como post black metal. Lo menciono porque muchos músicos le tienen miedo a ese tipo de etiquetas y dicen: “No, nosotros no nos definimos como una banda de black depresivo, post black metal, metal atmosférico ni nada. No somos una banda de black metal y punto, o una banda de metal y punto. No hacemos ese tipo de música, hacemos nuestra música y punto”. Pero vos no tenés problema con ese tipo de etiquetas.

No, nosotros no tenemos problema con definir nuestra música dentro de unos parámetros, como puede ser black metal atmosférico, depressive, lo que sea. Ya le das una referencia a la persona que esté investigando bandas en Encyclopaedia Metallum, por ejemplo. Si está buscando bandas de determinado estilo, puede encontrar la nuestra y decir: “Mira, esta banda es de black metal, me interesa”. O puede encontrar otra de otro tipo de black metal que no le llame tanto la atención.

Además, somos una mezcla de depressive black metal y post black metal, porque tenemos elementos más modernos, alguna parte de shoegaze, black metal, ¿sabes? Entonces somos un poco esa amalgama entre lo atmosférico, el blackgaze, que también se le llama, y el black metal. También tenemos partes de un black metal más tradicional.

—¿Cómo definirías la diferencia fundamental con un grupo de black metal tradicional? Nosotros sabemos a qué nos referimos con black metal tradicional, ya conocemos todas las bandas con corpse paint. Obviamente, hay bandas de post black metal que también lo utilizan, pero me refiero a ese tipo de grupos, esa onda más, no sé cómo definirla, más de la escena noruega y todo ese tipo de grupos. ¿Cuál creés que es la diferencia?

Sí, con black metal más ortodoxo, digamos.

— Black metal ortodoxo, digamos. ¿Cuál considerarías que es la diferencia fundamental o si hay alguna específica?

Me imagino que sea, por ejemplo, que en el post black metal experimentas un poco más con otros sonidos, a veces fuera de lo que es el espectro del black metal como tal. Puedes agregar alguna parte de post metal, post rock, cosas que no irían dentro de la senda prefijada del black metal ortodoxo que me has preguntado.

El black metal ortodoxo tendría unos sonidos más clásicos, más noventeros, de principios y mediados de los noventas, con la primera y la segunda ola del black metal. También esos primeros grupos de black metal tenían muchos toques más épicos como, por ejemplo, Enslaved, unos clásicos que luego han seguido y se han puesto más de black progresivo, una cosa así.

Pero, lógicamente, el post black metal tiene sonidos de black metal, como su nombre indica, pero no tan arraigados a esa música de los años noventas, de principios y mediados de los noventas, que es lo que yo caracterizaría como más propio del black metal ortodoxo. Aunque después, ahora y también en el futuro, van a seguir saliendo grupos nuevos con ese sonido de black metal más ortodoxo, pero más abiertos a incorporar influencias.

—Mencionaste géneros como el shoegaze, y me llama la atención pensar que esa escena y la escena del black metal se estaban desarrollando a la par, pero no creo que nadie en su momento se imaginara que podían cruzarse.

Ya lleva muchos años, pero te pones a pensar que a finales de los años noventas, por ejemplo, por ponerte más o menos una fecha, una parte del black metal iba a derivar hacia esos sonidos y tal. No lo habías pensado nunca, y es una cosa positiva porque tenés otra parte de la música que te gusta, que puedes investigar y que te puede llamar la atención. Si te gusta ese otro tipo de black metal, pues mejor que mejor. Para la gente a la que nos gusta la música, fue un descubrimiento, como ha pasado con otros estilos o subestilos.

—¿Qué planes tienen a futuro con In Luna? Obviamente recitales no, porque no es una banda para eso. Pero, ¿qué planes tienen a futuro? ¿Tienen algún algún plan a futuro con In Luna?

No, no tenemos nada pensado, la verdad, porque ahora mismo va a salir el nuevo disco y, en realidad, no es como nos ha pasado la vez anterior. Ya veremos si en unos años grabamos alguna otra cosa o no, o si es el último capítulo. El tiempo lo dirá, según vaya surgiendo.

Ahora estamos muy contentos con lo que hemos grabado y también nos centramos en otros proyectos y bandas que tenemos. Pero, por ahora, el tiempo lo dirá.

—Sobre todo vos, que vi el currículum en Metal Archives y eran cuatro millones de bandas en las que participaste.

¡Son bastantes, sí! Llevo tocando desde el año 98, o sea, que son bastantes años y he estado en un buen número de bandas. Me gustan muchos estilos de metal extremo y he tenido la suerte de estar en bandas de diferentes estilos de metal extremo que me permiten expresarme tanto a nivel vocal, porque me encanta lógicamente cantar, como a nivel lírico, en diferentes aspectos, letras, etcétera.

—Como para cerrar, ¿qué querrías decirles a nuestros lectores, a la gente que va a escuchar este nuevo disco de In Luna? A la gente que pueda interesarse en escuchar el nuevo disco de In Luna a partir de leernos, ¿qué querrías decirles?

Pues que entren a escuchar el nuevo disco nuestro de In Luna, The Architecture of Negativity, como si fuese un viaje. Las cuatro canciones son como un viaje en el cual todo es oscuridad. Es un viaje que habla sobre la depresión, la ansiedad, la pérdida y la negatividad que puede tener cada persona en su interior.

Quizás no sea un viaje fácil, pero que entren en él.

Con motivo de la gira por los 35 años de Ácido Argentino, que traerá a La H No Murió a Europa, me di el gusto de charlar con uno de los grandes héroes del metal argentino: el Tano Romano. La entrevista fue un sueño hecho realidad: desde el primer momento, el Tano se mostró amable, cercano y con una enorme predisposición para conversar. Hablamos de muchas cosas, más allá de la gira: sus recientes shows junto a Iron Maiden, su postura política, su relación con los demás integrantes de la banda, el recuerdo de quienes ya no están y el legado que dejará cuando ya no esté entre nosotros.

Una charla divertida y emotiva, cargada de anécdotas, reflexiones y momentos especiales. Una entrevista que disfruté muchísimo y que fue, sin dudas, un verdadero placer realizar.

Tano, ¿cómo estás? Muchas gracias por este rato y por la buena onda de siempre. Es un placer poder charlar con vos nuevamente. Además, ya desde el primer momento se te nota especialmente contento: estás con la remera de la fecha de Iron Maiden, así que me imagino que todavía estás disfrutando todo lo que pasó.

Sí, estamos muy contentos por lo de Maiden, que estuvo buenísimo. Sobre todo por poder tocar con una de nuestras grandes influencias y volver a escuchar esas viejas canciones que nos marcaron.

En nuestro caso, además, La H No Murió es como una manera de volver al monstruo rock de Hermética, cuando participamos en un estadio con un montón de gente disfrutando nuestras canciones.

Creo que todos los que fueron a Maiden sabían de qué se trataba Hermética, y lo demostraron porque cantaron todas las canciones y armaron un pogo hermoso. Así que estamos muy felices de haber participado.

Y está buenísimo que una banda nacional, aunque obviamente tocando canciones de Hermética, que es algo tan emblemático para Argentina, haya tenido semejante respuesta frente a un público internacional. No siempre pasa algo así.

Después te vas enterando de algunas cosas mientras estás tocando. Por ejemplo, alguien dijo que estaba Adrian Smith ahí atrás, chequeando o afinando la guitarra, no sé exactamente qué estaba haciendo. Mientras nosotros tocábamos, escuchó que en algunas partes la gente cantaba a pleno y le hizo señas a su asistente, como prestando atención a cómo cantaba la gente las canciones. Eso también nos pasa a nosotros. A veces tocamos y están las bandas teloneras de los lugares donde vamos, y escuchás que todo el público está cantando. Entonces decís: “Ah, bueno, estos son conocidos, a la gente le gustan, se ve que hace mucho que vienen tocando”.

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Está buenísimo eso. Y la verdad que se te nota contento, y me pone muy contento a mí también. Justamente te estaba mostrando que tengo un tatuaje de Maiden, porque es una banda que también significa muchísimo para mí. Yo esa gira la vi acá y es una locura, es hermosa.

No tuvimos la oportunidad de sacarnos una foto con ellos. Esta es la segunda vez que tocamos con Maiden, porque en la visita anterior tocamos con Malón. Y esta vez dijimos: “Bueno, esta vez nos tenemos que poder sacar una foto”. Pero lamentablemente los productores, yo no creo que haya sido por la banda, no quisieron tener ningún problema. A lo mejor se habrán encontrado en algunos lugares donde les habrán hinchado las pelotas y habrán dicho: “No, no nos metamos en ese quilombo”. Pero bueno, es una lástima, porque para nosotros era una manera de agradecerles. Sus canciones fueron de las primeras que sacábamos e intentábamos tocar en los ensayos. Te hablo de la época anterior a Hermética, en Cerbero. Y bueno, no se dio, pero la verdad que estuvo buenísimo estar ahí, compartir y poder pisar el mismo escenario. Creo que es un sueño para cualquier músico poder tocar de telonero de Maiden.

Claro, más cuando Maiden le cambió la vida al mundo. Para mí es así: Maiden, lo más grande que hay. Eso no lo discuto.

Hay muchas bandas de esa época que nos hicieron conocer este nuevo estilo musical llamado heavy metal. Maiden, Judas Priest, Black Sabbath, que es la principal. Venía del rock pesado, pero yo creo que todos aprendimos de Black Sabbath. Maiden, Judas Priest, todas las bandas creo que de ahí algo sacamos.

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Bueno, ahora volcándonos en La H No Murió y en lo que nos convoca hoy, que es la gira por Europa. ¿Qué significa para ustedes ver que canciones que nacieron hace más de 30 años siguen llegando al público y, encima, ahora tan lejos de Argentina, después de cruzar el charco?

A lo mejor, si hubiésemos tenido una compañía discográfica como las bandas de afuera, hubiésemos llegado mucho antes. Que llegue La H No Murió, que llegue Malón, costó un montón de tiempo porque todo se da por el boca en boca.

Hermética llegó donde llegó por eso. Cuando escuchás una banda que te gusta, se la querés hacer escuchar a tus amigos, y así, de boca en boca, llegó Hermética. Costó mucho, pero también hay muchos argentinos que viven en España y en distintas partes de Europa que se encargan de hacer correr la voz sobre una banda argentina y de hacernos conocidos con la gente de allá. La verdad que fue una fiesta cada una de las visitas que tuvimos en España. Fue increíble encontrarnos con tantos argentinos, latinos, españoles y también europeos que se acercaron.

Yo creo que somos una banda que laburamos mucho y que ya tenemos la experiencia de tocar tantos años. Pasamos por un montón de equipamiento y hoy podemos decir que estamos tocando con tecnología de última generación. Tenemos un equipo técnico de primer nivel. Todo ese conjunto de cosas hace que, nos vea quien nos vea, vaya a valorar y notar todo el trabajo que tenemos detrás: los ensayos, la composición, el sonido y lo que es un show en vivo de la banda.

Me llama la atención eso que mencionás, que también se acerca gente que no es argentina o latina. Eso se ve mucho. Supongo que también va a pasar en Berlín, porque más allá de los shows en España, tienen una fecha ahí, en un país que ya no es hispanohablante.

Sí, es la primera vez que vamos a ir. Fuimos a España, pero a otros lugares todavía no habíamos ido, así que va a ser nuestra primera vez en Alemania. Y por lo que nos cuentan los organizadores, la fecha viene muy bien. Eso quiere decir que se están vendiendo entradas, que hay gente que nos quiere ver. Yo creo que principalmente son argentinos y gente de Latinoamérica. Pero acá también pasa que vienen bandas que uno no conoce y tocan en el Teatro Flores. Y uno siempre va a ver qué onda, a querer conocer una banda nueva. Así que seguramente también habrá algunos alemanes escuchando nuestra música y viendo qué representamos. En ese momento representamos, de alguna manera, al heavy metal latinoamericano y lo llevamos a los lugares donde podemos. Ojalá que esto sirva para seguir abriendo puertas y que otras bandas también puedan transitar el mismo camino.

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Ya hablando un poco de esto, de que hace tanto tiempo que están vigentes estas canciones antiguas, me quiero meter un poco más en lo que son las canciones y el legado de Hermética. Muchas canciones de Hermética fueron escritas, como ya sabemos, hace alrededor de 35 años. Y si bien se cumplen 35 años de Ácido Argentino, hay temas como la desigualdad, el trabajo, la pobreza o la situación social que siguen apareciendo en la realidad argentina y mundial. Y lo digo también desde mi experiencia viviendo en Europa. ¿Cómo sienten hoy esa vigencia de las canciones, de ese mensaje? Capaz algunas canciones adquirieron otro significado. ¿Cómo sienten que las recibe el público hoy?

Sí, son increíbles las cosas que escribió Ricardo en ese momento. En mi caso estaba la parte musical. Así como cuando escuché Maiden o Judas Priest y nunca entendí lo que decían sus letras, el mensaje de sus canciones me llegó al corazón a través de la música y empecé a tocar este estilo musical porque escuché esa música que ellos me hicieron llegar. En el caso nuestro, creo que la música también, de alguna manera, llega. Porque cuando vos escuchás una banda, si no te gusta la parte musical, no sé si le das tanta oportunidad a lo que dice la canción. No te tenés que bancar un tema que no te gusta musicalmente solamente por lo que dice la letra. A lo mejor lo escuchás una vez y después no lo volvés a escuchar. Pero en este caso parece que las dos cosas entraron bien en mucha gente. Ricardo documentó, la idea era esa: documentar en aquel momento esas cosas feas que vivíamos y que veíamos.

Como dijo Ricardo en una declaración, la idea era que el día de mañana un pibe, 35 años después, pudiera ver entre las cosas de sus padres y encontrara un disco de Hermética, y pudiera entender cómo se vivía en aquella época, cuando su padre tenía la edad que él tiene hoy, por ejemplo 20 años.

Hace poco fue el aniversario del fallecimiento de Ricardo y me crucé nuevamente con esa declaración. La tengo muy presente.

Era eso. La idea era documentar lo mal que vivíamos en ese momento, para que el pibe del día de mañana pudiera verlo. Supuestamente, uno imaginaba que 35 años después los problemas tendrían que estar solucionados. Y lamentablemente seguimos teniendo los mismos quilombos, nosotros y en muchas partes del mundo. Y mucha gente, al escuchar la música y traducir las letras, o quienes hablan nuestro idioma y escuchan lo que dicen nuestras canciones, se sienten identificados. Y bueno, es una manera de pedir justicia.

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Vi recientemente un recital de ustedes que se hizo viral. No me acuerdo exactamente dónde fue, pero Claudio, que obviamente es quien tiene el micrófono, se manifestó en contra del gobierno actual y de las medidas que se están tomando contra los trabajadores. También sé que otros colegas de ustedes —voy a nombrar el ejemplo más conocido, que es Horcas, aunque hubo otros— estuvieron manifestándose en eventos y protestas sociales. Desde tu lugar, ¿cuál es tu posición respecto a esto? ¿Y cuál es la posición de la banda? ¿Vos acompañás a Claudio?

Sí, estamos todos en la misma. No es que estamos del lado de un partido político o de otro. Si mañana sube el peronismo y hace cagadas, nosotros también vamos a hablar de eso. Como en el caso de Ricardo, cuando habló, por ejemplo, en “Olvídalo y volverá por más”. Yo creo que todas las bandas de heavy metal, especialmente las bandas argentinas, hablan de estas cosas en sus letras. Sea el gobierno que esté, siempre hay cosas para decir.

Y sí, estamos viviendo una situación económica fea. Nosotros lo vemos con nuestros amigos, con la familia, en los shows, cuando hablás con la gente y también por lo que nos cuentan los productores. Hay bandas de este estilo y de otros estilos que antes convocaban mil personas y hoy convocan 500.

Todo coincide con el problema económico que está viviendo la gente. A todos nos gustaría ir a todos los shows, pero si no tenés para llevar un plato de comida a tu casa y tenés que gastar ese dinero en una entrada, vas a comprar comida para tu casa y vas a perder esa oportunidad de disfrutar. No porque no te guste, sino porque hay prioridades.

Saliendo un poco de este tema, hace poco también vi una entrevista que le hicieron a Claudio, donde contó que hizo un cambio en su estilo de vida, especialmente en relación con los consumos y con todo lo que implica estar de gira. Él mismo decía que siente que está mejor con la voz y demás. ¿Cómo se vio reflejado eso en la dinámica de la banda y en las presentaciones? ¿Y vos, u otro integrante del grupo, también tomaron una postura similar, quizás tratando de bajar un poco el ritmo o cambiar algunas cosas?

Yo siempre le rompí las pelotas a Claudio: “Pará con esto, pará”. Uno se va poniendo grande y dice: “Bueno, listo”. De joven te bancás muchas cosas, pero después, de grande, te tenés que cuidar un poco más. Y la verdad que sí, Claudio dejó todo eso. Nosotros también ayudamos a que no pase. Antes, este ambiente era medio jodido. A veces viene gente que se acerca, consumidores o personas con adicciones a ciertas sustancias. Y a lo mejor no lo hacen para hacerle un mal a nadie, sino porque para ellos eso está bien, lo quieren compartir y terminan haciéndole mal a otras personas.
Entonces estamos cuidando que esas cosas no pasen. Si antes venían y traían tres o cuatro vinos para que tomemos antes o después del show, tratamos de que eso no suceda. Y nos dimos cuenta, Claudio inclusive se dio cuenta, de que cambió mucho: mejoró mucho su voz, respira mejor y llega mejor al final del show.

También cambió mucho en su personalidad, porque esas cosas también te hacen cambiar. Y a veces termina pasando lo que pasó con Hermética: uno puede tomar una mala decisión porque está en otra, en otra historia. Tu cabeza está en otro lado y no podés pensar demasiado. La verdad que estamos felices de que Claudio esté bien y que esté mejor. Todos tratamos de cuidarnos para llegar de la mejor manera al último día. También tuvo mucho que ver lo que pasó con Ricardo y lo que pasó con Pato recientemente. Son personas de nuestra edad que hoy ya no están en este mundo. Y eso también te hace pensar que tenés que dejar ciertas cosas y cuidarte un poco más.

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Esto me dispara dos preguntas, pero primero voy por un lado. Ya que lo mencionaste, con la partida de tantos ídolos que estamos teniendo, no solo a nivel nacional y de gente cercana a ustedes, como fue el caso de Ricardo y Pato, sino también para toda la Argentina, como el Indio, y a nivel internacional. Hace poco se fue Cronos, de Venom, que sé que fue una influencia para vos y para Cerbero en sus comienzos. ¿Cómo sentís que todas estas ausencias van dejando a la escena? ¿Y qué lugar creés que empiezan a ocupar ustedes? Porque quizás la gente piensa: “Este ya no está, pero todavía tenemos esto”, que en este caso serían ustedes. ¿Cómo sentís que la gente va acomodando todo esto?

Nosotros llegamos a una edad en la que todo esto es parte de la vida. Obviamente, todos vamos a ir por ahí algún día. Pero es como que ya te toca más de cerca, porque vivimos una etapa fea, triste, en nuestra vida, en la que vas viendo cómo tus amigos y colegas de tu misma edad, por una cosa o por otra, van dejando este mundo.

Y seguramente el día de mañana nosotros también vamos a ser el motivo por el que van a estar hablando de nosotros. Lo importante es que lo lindo que queda es lo que uno hizo. Nosotros, cada vez que tocamos los temas de Hermética, sabemos que la gente recuerda a Ricardo, recuerda a Pato, y nosotros también los recordamos.

A veces te ponés a pensar y recordar. Si bien con Hermética tuvimos momentos muy lindos y otros no tan lindos en la última etapa, y después la separación de Hermética también tuvo momentos feos, hoy hay gente que a nosotros medio que nos bardea porque dice que tocamos canciones que grabamos nosotros, pero que no las podemos tocar. Y bueno, esas cosas tampoco te hacen sentir bien.

Pero estamos felices. Yo creo que el día que nos vayamos, va a quedar esto. De Ricardo quedaron todas esas grandes letras, y por eso siempre vamos a estar hablando de Ricardo. Siempre va a haber algo de Ricardo. Pato también dejó algo muy lindo. Cuando entró a Hermética, justamente en Ácido Argentino, le dio una vuelta de rosca a lo que veníamos haciendo.

Se nota un montón en la batería.

Claro, la banda sonó de otra manera. Además, en esa época el doble bombo era algo nuevo para nosotros. Inclusive, las canciones de ese disco sonaron de otra manera, y las canciones que Pato no grabó del primer disco también sonaban de otra manera con el doble bombo de Pato.

Yo me sentía mucho más acompañado con mis riffs, porque si hay algo que siempre quise es que la banda nunca pierda esa potencia de heavy metal que a mí me gusta. Y con la batería de Pato tuvimos una química muy particular: entre los bombos de él y los machaques míos, como le digo yo, sonaba como una sola cosa, pero con dos instrumentos tocando al mismo tiempo. Hacían que esos riffs sonaran de otra manera.

Lo bueno es eso: que uno se va, pero quedan las cosas que hizo en la vida. Y bueno, yo, si me toca irme mañana, me voy feliz, porque toda mi vida hice lo que amo. Le puse la mejor onda, todo el esfuerzo y toda la responsabilidad.

Y hoy estoy disfrutando de eso: de tocar y de que la gente pueda disfrutar de nuestra música.

Si tuvieras que pensar en la banda, ya sea Hermética, Malón, o incluso en vos mismo, y decir “este es mi legado, esto es lo que dejo”, ¿qué sería? Más allá de las canciones, los mensajes o todo lo general. ¿Hay algo puntual por lo que te gustaría que te recuerden? Puede ser cierto estilo de guitarra, cierta actitud… Si decís “yo, Tano Romano, quiero que me recuerden por esto”, ¿qué sentís que dejás?

Yo creo que me van a recordar porque dediqué toda una vida a este estilo musical. Si te ponés a pensar en la parte económica, seguramente te irías a tocar otra cosa, porque siempre nos costó muchísimo. Pero bueno, fue toda una vida haciendo las cosas con responsabilidad.

Creo que hoy, hablando de esto, los pibes jóvenes, más que nada, se dan cuenta de que, como hablábamos antes sobre los consumos, no fue lo mío. Sin tener que consumir un montón de sustancias que hacen mal, y que vemos en grandes artistas que se van temprano de este mundo por ese motivo, por haberse excedido con los consumos, yo pude disfrutarlo igual y lo sigo disfrutando.

Y creo que también se puede. Cuidándose uno, se puede llegar al mismo lugar y se pueden crear cosas. En mi caso, los chicos muchas veces me hablan de los riffs de las canciones, de cómo estaba mi mano derecha, de mi ritmo. Bueno, eso lo logré con esfuerzo y sin tener que acudir a ninguna sustancia rara. Entonces creo que se puede. Tratemos de cuidarnos y no engancharnos en eso, porque nunca terminás bien enganchándote con las drogas o con los excesos de alcohol.

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Sí, muy buen mensaje. De paso comparto algo personal: yo estoy hace casi seis meses limpio de todo, así que te banco. Es algo bueno para decir.

Hay cosas lindas. Uno vive como con los ojos cerrados y de repente los abre y se da cuenta de que hay cosas lindas. Y de grande, cuanto más vas creciendo, yo creo que más amás la vida y más amás todo. Valorás mucho más las cosas porque sabés que ya no sabés cuánto tiempo más las vas a poder disfrutar. Entonces uno valora mucho más el tiempo. Principalmente, cada minuto tenés que disfrutarlo al mango porque no sabés si ese es el último minuto que tenés para disfrutar.

Sí, tal cual. Comparto absolutamente todo lo que decís. Pero antes de cerrar completamente, me gustaría preguntarte algo que igual tocamos un poquito: ¿cómo se sienten ustedes cuando interpretan de nuevo esas canciones? ¿Hay canciones que hayan cambiado mucho en la forma en que las tocan o en cómo suenan, más allá de una cuestión tecnológica? ¿Hoy quizás tienen que buscarle la vuelta a algún arreglo, bajar algún tono o hacer algún cambio? ¿Cómo ven eso?

Y, algunas cositas pulimos, porque en aquel momento no le dábamos tanta bola a lo musical. Cada uno estaba en la suya y todos queríamos ir para adelante. Capaz uno estaba haciendo cinco notas y el otro estaba haciendo seis, y decíamos: “Pará, ¿cómo?”. En algún momento algo se cruzaba y no le dábamos tanta importancia a eso. Hoy, con la experiencia de tantos años y de tantas canciones que uno hizo, hay algunas cosas que se pulieron y hacen que todo suene mejor. También está el equipamiento que hoy tenemos. En aquella época, cuando grabamos Ácido Argentino, la verdad que no logramos el mejor sonido en el disco porque no había nada. No había equipamiento ni experiencia de cómo hacer sonar esta música. Hicimos lo que pudimos, pero lo bueno es que también quedó demostrado que a veces no tenés el mejor sonido, pero sí tenés las mejores canciones y también llegás al corazón de la gente.

Hoy tenemos esas canciones que la gente ama y tenemos un buen sonido que en aquel momento no teníamos. Entonces hoy las canciones suenan increíblemente bien y la gente puede disfrutar de cosas que antes no. Antes se cruzaban los instrumentos o ibas a un show en vivo y era más una bola de ruido que otra cosa. Hoy la tecnología avanzó. Tocamos y al otro día, o esa misma noche, la gente ya está subiendo imágenes y videos del show. Y en los comentarios todos coinciden en que la banda está sonando muy bien, qué buen espectáculo, qué buenas luces, qué bien que tocaron, qué bien está Claudio. Hoy no podés chamuyar: lo que hacés, la gente lo ve. Y así como mañana pueden decir “qué bueno que estuvo”, también pueden decir “che, loco, sonó re mal, no se entendió nada, el Tano estaba arruinado”. Pero no pasa eso, pasa lo otro. La gente hoy está disfrutando de un buen espectáculo y un buen sonido, y eso es lo que siempre quisimos y lo que queremos: que la gente escuche nuestras canciones como tienen que ser y que escuche cada nota que uno toca. No que a lo mejor te mates tocando un riff para que suene bien y no pifiar una nota, y después del otro lado no se entienda nada de lo que estás haciendo.

Entonces te mataste y nadie disfrutó. Hoy disfrutan de todas esas cosas, y nosotros también. Y nosotros también tenemos que estar bien pilas porque sabemos que lo que estás haciendo, si te mandás una pifia, lo escuchó todo el lugar donde estás tocando.

Y ahora termina en Instagram y perdiste.

Claro, por eso termina en todos lados. Pero bueno, está buena esta comunicación.

El otro día escuché a alguien que estaba haciendo una entrevista y hablaba de cómo antes eran los sellos discográficos, que era otra cosa. La verdad que yo, en la época de Cerbero, antes de Hermética, nunca pude grabar un disco porque un sello discográfico nunca me iba a dar cabida. Sin embargo, hoy una banda nueva que se arma graba su disco. Los pibes la tienen re clara: se bajan unos programitas, consiguen unas plaquitas, graban algo digno y lo suben a todas las plataformas, y desde cualquier parte del mundo pueden escuchar esa música.

Antes, si vos no tenías una compañía discográfica que te grabara un disco y te lo bancabas vos, no llegabas a ningún lado. Tenías que agarrar un casete y dárselo a alguien que viajaba para que se lo lleve y se lo haga escuchar a alguien. Entonces yo creo que esto a nosotros nos benefició, a los músicos que queremos que nuestra música la escuche todo el mundo. Creo que nos benefició por estas nuevas tecnologías, las redes y todas las plataformas que hoy existen.

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Pero ya que salió el tema, te hago una pregunta que no tenía agendada. ¿No creés que también antes, a ver, la música que se vendía… Yo quería escuchar el disco, iba y lo compraba. Hoy lo tengo todo en internet, tengo que pagar casi nada o directamente no lo pago. ¿No sentís que capaz eso también afecta económicamente un poco a las bandas?

Sí, afecta. Pero bueno, antes una banda nueva, ¿a quién le vendías un disco? No se lo vendías a nadie. Entonces no te conocían. Tocabas y no iban a verte porque nadie sabía qué hacías.
Hoy, si vos escuchás una banda, a veces te suben esos reels y te aparece una banda que está tocando, o esos programas de talentos que hay, donde escuchás a alguien. A mí me pasa, a veces me quedo colgado ahí. Algunos chicos que van y cantan, se cantan todo.

Y entonces decís: “Mañana viene uno, una banda de esas que vi, estos pibes sonaban bien”, y vas a ir a verla. De otra manera era muy, pero muy difícil llegar. No llegabas a nadie. Tocabas y no llegabas a nadie, solamente a los que te iban a ver, y después eso corría la bola.

Por eso a Hermética también le costó mucho tiempo llegar a tanta gente. Nosotros tocábamos 60 veces por año, íbamos y llevábamos nuestra música. No hacía falta que alguien viajara para decir: “Tomá, llevate un casete”. Íbamos nosotros y tocábamos. Pero bueno, hoy no sé si la gente o las bandas tienen esa posibilidad de ir a tocar por todos lados, más que nada también por lo económico que hablábamos antes.

Tengo una pregunta medio imaginaria, ¿no? Salgámonos un poco de la realidad. Si pudieras agarrar Ácido Argentino, por ejemplo, u otro disco de cualquiera de las etapas de tu carrera, y decir: “Che, bueno, con este disco puedo hacer cualquier cosa”, ya sea una película, un cómic, un videojuego… ¿Qué te gustaría hacer con algo así?

Está buena esa pregunta. Me gustaría hacer algo que todavía está en tratativas y que nunca hicimos, pero que queremos hacer en algún momento. Ojalá que podamos y que la vida nos dé esa posibilidad: principalmente me gustaría grabar el disco de Cerbero que nunca grabamos en aquella época.

Con Willy seguimos viéndonos, somos hermanos, más que amigos. Nos conocemos de toda la vida. Nuestra primera banda junto con Willy, con Carlos Cuadrado, que éramos Cerbero, el bajista de La H No Murió, de Malón, con Willy Caballero, fue nuestra primera banda. Primero me gustaría eso, grabarlo. Ojalá que podamos hacerlo.

Siempre que nos juntamos decimos: “Mirá”. Justamente ahora, dentro de un par de horas, tenía una entrevista con Willy. Me dijeron para hacer una nota y charlar de Cerbero, así que vamos a estar hablando de eso.

Me gustaría porque la verdad que están buenas las canciones. Hoy pasó tanto tiempo y, si las grabamos con el sonido que tenemos actualmente, con la tecnología y con todos los equipos que tenemos, son canciones que tranquilamente podrían haber sido canciones de Hermética, de Malón o de cualquiera de las bandas en las que estuve después de Cerbero. Son canciones que pueden sonar muy actuales musicalmente.

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Y después, con respecto a lo demás, no sé. La verdad que yo no veo cómics y todas esas cosas. Mi vida pasó por la música. Yo me pongo a tocar y quiero componer.

Cuando me pongo a zapar, hoy hay muchas maneras de hacerlo. Antes viajaba en el bondi y los ruidos del bondi, que estaba todo destartalado, capaz que por momentos me parecían una batería, y en mi cabeza estaba zapando mientras llegaba a mi laburo.

Hoy tenés la posibilidad de ponerte una batería en YouTube, que es lo que hago: baterías de heavy metal a distintas velocidades. Tengo armados unos chorizos de dos horas, con pequeñas partes de batería de 40 segundos, de un minuto, de dos minutos, todas pegadas una atrás de la otra. Le pongo play, enchufo mi viola y me pongo a tocar, a zapar, sin saber qué va a pasar. Porque uno está tocando con una batería a buena velocidad y, de repente, la que sigue bajó totalmente a algo pesado, y tenés que improvisar en ese momento.

Y disfruto de esas cosas, de ponerme a zapar, a tocar. De todo eso que grabo, por momentos salen cosas que están buenísimas y quedan grabadas. Después aparece otra batería que te lleva a otro lado. Y eso, si no lo hubiese grabado, quedaba solamente en ese lindo momento que disfruté. Ahora, como lo grabo, tengo un montón de cosas ahí. Es más, el último disco de Malón lo grabamos con carpetas que yo tenía grabadas durante la pandemia. Eran horas de grabación que nos pusimos a escuchar y dijimos: “Qué bueno que está eso, esa parte qué buena”. Y así empezamos a seleccionar.

Y ahora, después de ese disco, pasó un montón de tiempo, así que tengo un montón de otras cosas para futuros discos. Disfruto de esas cosas. No tanto de otras. La tecnología me encanta, pero también me cuesta mucho pilotearla. Antes tenía, por ejemplo, cuatro bafles Mesa/Boogie y un cabezal en la espalda cada vez que tocábamos. Hoy toco con un pedacito así que tiene, no los cuatro Mesa/Boogie, sino cuatro Mesa/Boogie, 16 Marshall y todos los equipos que te puedas imaginar. Y de ahí sale mi sonido para la gente y para mi oído también.
Y bueno, disfruto de eso: de poder tener un buen audio y de jugar con esas baterías.

Gracias, Tano. Me encantaría hablar mil horas más. Los voy a ver en Madrid y, si se puede, espero poder encontrarme con ustedes para charlar un rato. Este viaje desde Copenhague para allá es un placer. Soy fan de toda la vida, estuve en la vuelta de Malón, estuve en La H y en todas. Así que fue un placer hacer esta nota con vos, la disfruté un montón y espero que vos también.

Dale, nos vemos allá y seguimos charlando todo lo que vos quieras.

Allá por 2011 Mi Última Solución estaban dando sus primeros pasos en la escena del post hardcore y el metalcore en Argentina, y década y media después los tenemos como uno de los grandes nombres del estilo en el plano local. A pocos días de tenerlos celebrando los 10 años de Falsos Monumentos, su segundo álbum, en el Teatro Flores, nos comunicamos con el bajista Axel Millar para hablar sobre ello, el paso del tiempo y sobre ser teloneros de una banda bastante diferente como es The Rasmus.

—¡Buenas a toda la gente de Mi Última Solución! Un gusto tenerlos respondiendo nuestras preguntas. ¿Cómo viene la mano? ¿Cómo están las cosas con la banda?

¡Buenas, buenas! Por acá todo muy bien, a mucho ensayo con doble lista y las cosas con la banda están en un momento muy especial, ya que se nos viene un noviembre movidito.

—¿Cómo está la expectativa antes de tocar con The Rasmus el 4 de noviembre?

La fecha con The Rasmus nos tiene súper entusiasmados; es una banda que admiramos y compartir escenario con ellos es un tremendo honor. Preparamos una lista bastante acorde a lo que pensamos que a su público le va a gustar, con unos toquecitos de todo lo que es Mi Última Solución en vivo.

—Tengo que decir que me llama la atención verlos en el mismo cartel con los The Rasmus, porque en cuanto a estilo no los imaginaba tocando con ellos. Claro que ésta es una apreciación mía, porque me imagino que ustedes considerarán que hay puntos en común.

Quizá no somos la banda más parecida a ellos, pero tampoco estamos muy lejos. Nuestra parte más melódica podría ser parte de una playlist con canciones de ellos. Hace poco anduvimos por la feria emo y en una misma campera vimos convivir parches de Bring Me The Horizon con parches de The Rasmus, así que algo hay ahí.

—Aparte del concierto con The Rasmus en el Teatro Flores, el 8 van a estar como artistas principales en el Groove de Palermo. ¿Qué podemos esperar de esta fecha?

Así como para la fecha con The Rasmus tenemos una lista breve y más cercana, quizá, al público que va a ver a los finlandeses, en Groove la lista va a ser más extensa y representativa de todo lo que es MUS, centrado obviamente en nuestro segundo disco, Falsos Monumentos.

—Tengo que decir que me llama la atención la cantidad de teloneros. ¡Es casi un festival!

Un poco la idea era celebrar en ese modo, onda un “MUS FEST” ya que es una fecha súper especial y la queríamos compartir con estas bandas amigas: All For Love, Renacer del Tiempo, Error 404 y Post20.

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—La fecha en Groove es para celebrar los 10 años de Falsos Monumentos. ¿Cómo ven ese álbum a una década de su salida?

Diez años y sigue siendo un disco que nos gusta mucho, hoy en día todavía tiene cosas que sentimos vigentes y las canciones nos divierten mucho para hacerlas en vivo. Está muy cerca de ser un disco que se sienta “viejo”.

—¿Hay alguna canción que hiciera rato que no tocaban y que fuera un desafío volver a aprender para la fecha?

“El fuego dentro nuestro” y “Perdidos” deben ser dos de los temas que menos tocamos en vivo, y prepararlos para este evento no fue tanto un desafío, pero claramente les dedicamos más tiempo en los ensayos frente a canciones que siempre incluimos en nuestros shows.

—Visto a la distancia, ¿hay alguna canción de Falsos Monumentos de la que estén particularmente orgullosos? ¿Les pasó de notar algo nuevo en estos días de tener que estar escuchándolo de vuelta?

Escuchar -y volver a tocar completo- Falsos Monumentos nos ha demostrado lo importante que es ese disco, y lo clave que fue todo el proceso de composición y grabación del mismo, para llegar a donde estamos hoy a nivel musical, pudimos subrayar varias cosas que al día de hoy mantenemos. Definitivamente la canción que más orgullo nos da es “El fin de mi calma”, que mes a mes es el tema más escuchado en Spotify y uno de los puntos más fuertes de conexión en nuestros shows. Nos dio una gran sorpresa en el reci con las mexicanas de The Warning y esperamos repetir ese momento ahora con The Rasmus.

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—Siguiendo eso, ¿cómo ven la evolución de la banda desde que comenzaron allá por 2011?

Con Falsos Monumentos medio que clavamos bandera en la tierra del “somos esto” y luego Reflejos De Uno Mismo mostró un poco un lado más experimental, quizá. Todo ese camino hoy sigue, nosotros sentimos que seguimos creciendo, y las nuevas canciones son un nuevo escalón en este trayecto.

—Después de este par de fechas, ¿cuáles son sus planes de ahí en adelante?

Queremos enfocarnos a pleno en terminar los temas nuevos y el disco acústico. Estos últimos meses estuvimos laburando mucho eso y charlando sobre cómo encarar esta nueva etapa que nos tiene muy entusiasmados, así que serán meses de mucho trabajo.

—¿Qué quisieran decirle a la gente los va a ir a ver con The Rasmus el 4 de noviembre y luego el 8 de noviembre en Groove?

Ya sea la primera vez que nos vayan a ver en vivo, o la vez número mil, les queremos decir que la MUS Family es lo más y siempre tiene espacio para seguir recibiendo nuevas caras, que nos vamos a divertir mucho y que se van a ir a sus casas con ganas de volver a encontrarnos en un reci todos juntos bien pronto.

Los bandas alemanas parecen estar en una batalla constante por mantener el estilo tradicional del heavy metal clásico. Pero justo en el medio entre sonar como algo que nada que ver con el metal de los ochentas y quedarse atrapados en el tiempo está Generation Steel, quinteto de la ciudad de Wetzlar liderada por el guitarrista rítmico Jack The Riffer, quien tras varios años turbulentos de cambios de formación logró reunir un grupo de músicos envidiable justo para la grabación de Steelmachine, su tercer álbum de estudio. Nos reunimos con el guitarrista para hablar sobre ello.

Jack, es un honor estar hablando con vos. Estuve escuchando el nuevo álbum de Generation Steel y es un gran disco. 

¡Gracias!

¿Cómo estás? ¿Cómo vienen las cosas?

Gracias por invitarme a la entrevista. Todo está bien. Las cosas están avanzando muy bien. Estamos muy contentos con el álbum, con la nueva formación y con la próxima gira, por supuesto. Generation Steel sigue avanzando, creo. [Ríe]

Antes de cada entrevista, busco otras entrevistas que haya dado el músico. La mayoría de las entrevistas a Generation Steel fueron en alemán. Algunas se publicaron en inglés e incluso encontré una en italiano. Hasta el último momento no había encontrado ninguna en español. Había una, así que esta será la segunda entrevista con la banda que se publique en nuestro idioma. ¿Cómo presentarías a Generation Steel ante un público que todavía no los conoce? ¿Cómo describirías a la banda?

Formé la banda en 2019 y nuestro objetivo era tocar heavy metal tradicional alemán, al estilo de Grave Digger, aunque también tenemos influencias de Judas Priest y Metal Church. Ahora tenemos tres álbumes publicados. En los primeros años tuvimos otra formación, pero seguramente hablaremos de eso más adelante.

Crecí escuchando este tipo de metal alemán. Tengo 52 años y esta es mi generación musical. De ahí viene el nombre Generation Steel, pero no se refiere solamente a la banda. También incluye a todos los grupos y a cada hombre o mujer que disfruta de este estilo de metal. Todos somos “la generación de acero”.

Para nosotros es muy importante que no nos vean únicamente como una banda. Necesitamos el entorno, a la gente, a los fans y a los amigos de este estilo musical. Somos una comunidad muy buena. 

Toda la comunidad metalera es la generación del acero.

Y no importa si nunca nos conocimos personalmente. Tú eres de Argentina y nosotros somos de Alemania, pero Generation Steel es algo mundial. En cualquier lugar del planeta hay fans de este tipo de metal, y eso es lo que nos une.

Incluso en los países más pequeños podés encontrar fans de heavy metal.

Sí, por supuesto.

Y el “steel” también está en el título del nuevo álbum es Steelmachine. ¿Cómo surgió la idea?

En la portada del primer álbum había un águila y en la del segundo, un león. Entonces dijimos que no queríamos poner otro animal, como un tiburón, un simio o un gorila [Risas].

También pensamos que el tercer álbum es muy importante para cualquier banda. El tercero, o quizá el cuarto, puede determinar si un grupo logra avanzar y desarrollarse o no. Para nosotros era fundamental mostrar una evolución respecto de los dos primeros discos, marcar una diferencia y llegar al siguiente nivel.

Eso tenía que reflejarse no solamente en las canciones, el sonido y la producción, sino también en el título, la portada y en el concepto general del álbum. Así llegamos a Steelmachine. Creo que el significado es bastante claro. Es Generation Steel, es la máquina de acero. Este es nuestro tercer álbum y, para nosotros, el más importante hasta ahora.

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Cuando vi el título, enseguida pensé en Udo Dirkschneider y Accept. Tuve que comprobar si U.D.O. había publicado un álbum llamado Steelmachine, pero me acordé de que se llamaba Steelhammer…

También está Steel Factory. Steelhammer y Steel Factory. ¡Con las bandas alemanas todo se refiere al acero!

¿Qué pasa con el heavy metal alemán y el acero?

Quizá sea porque Alemania tiene una larga tradición en la industria siderúrgica.

Claro, no hay ningún otro tipo de metal.

¡Quizá sea eso! ¡Estoy bromeando!

Para este disco, mencionaste que hubo muchos cambios en la formación, con un nuevo cantante y otros integrantes.

No tenemos un baterista nuevo. Esto es importante porque Marc se incorporó a la banda hace dos o tres años, antes que Thilo, Micke y Fabs. Marc es un amigo mío desde hace muchísimo tiempo. Siempre quise tenerlo en la banda.

Pero sí, el resto de los puestos cambió.

Generation Steel se formó en 2019 y tuvo muchos integrantes que entraron y salieron. ¿Cómo compararías esta nueva formación con las anteriores?

En primer lugar, tengo que decir que todos esos cambios y las dificultades dentro de la banda no son divertidos ni agradables. Cada integrante anterior tuvo sus motivos personales para marcharse. Fueron decisiones individuales, diferencias en la manera de pensar, en los objetivos y en la forma de trabajar.

Ahora estamos muy entusiasmados con la nueva formación. Estoy especialmente orgulloso de haber incorporado a Thilo. Cuando Pascal, nuestro anterior cantante, decidió dejar la banda por motivos personales, me pregunté si ese era el momento en que Generation Steel debía terminar o si, por el contrario, podía ser una oportunidad para seguir desarrollándonos.

Me dije a mí mismo que necesitaba un excelente guitarrista principal porque yo no puedo tocar la guitarra solista. Soy guitarrista rítmico. 

Sos Jack El Riffero, no “Jack El Que Hace Los Solos”.

No soy Yngwie Malmsteen ni nada parecido. Entonces empecé a pensar quién podría ocupar ese puesto y se me ocurrió Thilo. En ese momento no nos conocíamos personalmente, así que le escribí por Facebook Messenger. Me presenté, le conté que era Jack, de Generation Steel, y le expliqué mi idea y lo que quería hacer con la banda.

Me respondió que iba a echarle un vistazo. Yo pensé que nunca se uniría a una banda tan pequeña. Pero dos días después me contestó que sí, que estaba dentro. No podía creerlo. Fue fantástico.

Una semana después fui a visitarlo a su casa. Vive a unos 500 kilómetros de mí. Pasamos todo el fin de semana en su estudio, que está en su propia casa. Revisamos el material que Generation Steel tenía para el próximo álbum, pero también escuchamos sus composiciones personales.

Thilo tenía muchísimas ideas y canciones que había grabado durante los años anteriores. Había mucho material y era realmente bueno. Le propuse que juntáramos nuestras ideas y hiciéramos un nuevo disco. Le dije que Steelmachine necesitaba su sello personal y le pregunté si quería escribir las canciones y encargarse de la preproducción. Aceptó, y Thilo escribió todo el material instrumental y los arreglos del álbum. 

Después tuvimos que afrontar otra situación: nuestro cantante dejó la banda y empezamos a buscar un reemplazo. Entonces Thilo nos habló de Micke, que vive en Suecia, cerca de Estocolmo, muy lejos de nosotros.  Así que al principio pensé: “¿Un cantante de Suecia? ¿Cómo va a funcionar esto?”.

Escuché a Micke y me sorprendió su voz. Es un cantante de metal excelente. Organizamos una videollamada, hablamos de todos los detalles y así se incorporó a la banda.

Thilo y Micke ya se conocían de la banda internacional Feanor, que había sido formada por David Shankle, el ex guitarrista de Manowar. David se fue del grupo hace unos tres o cuatro años y Thilo ocupó su lugar. Fue entonces cuando Thilo y Micke se conocieron.

Ahora los dos están en Generation Steel y estoy muy contento con cómo se dieron las cosas. El resultado es Steelmachine.

Es curioso que puedas escribirle a un guitarrista legendario, invitarlo a tu banda y que acepte considerarlo. ¿Por qué no?

Sí, es genial.

Por el estilo musical y la imagen de Generation Steel, uno podría pensar que son una banda no necesariamente “retro”, pero sí de heavy metal muy tradicional. Pero mencionaste que no quieren reinventar el género y tampoco quieren sonar como si estuvieran atrapados en 1985. ¿Qué tan difícil es encontrar ese equilibrio?

Es una cuestión de nuestra filosofía personal. Cuando hablas con los fans del metal, te das cuenta de que para ellos es muy importante que una banda sea auténtica. Si tienes un grupo de metal, tienes que ser fiel a lo que haces. Pero ¿qué significa ser auténtico? ¿Cuál es la definición de metal auténtico?

Creo que muchas veces la gente piensa en cómo sonaban las bandas de metal en los años ochenta. Nuestro estilo, la música, la batería, los riffs de guitarra, el bajo y la voz de Micke son propios del heavy metal tradicional de aquella época. Sin embargo, las producciones de los años ochenta no tenían el sonido grande y potente que se puede conseguir hoy. 

Para nosotros es importante combinar ambas cosas: componer canciones de la manera tradicional, pero con un sonido moderno que tenga fuerza. ¿Somos auténticos o no? Creo que es una discusión un poco absurda. Tenemos músicos con experiencia y sabemos exactamente qué hacemos y qué queremos. Nuestra idea es conservar la esencia del heavy metal tradicional, pero conseguir un sonido actual.

Escuché muchas bandas que quieren sonar como los grupos clásicos y legendarios de los ochenta, pero intentan imitarlo todo, incluso los aspectos de aquellas producciones que esas bandas odiaban. Porque muchos detalles de la producción de los ochentas no envejecieron tan bien.

Por supuesto. Si alguien quiere hacer en 2026 una producción que suene como una de 1985 o 1983, puede hacerlo. No hay ningún problema. Pero nosotros decidimos que queríamos un sonido moderno. Esperamos que los fans lo acepten.

Las reseñas están empezando a llegar y son muy positivas. Nos dan buenos comentarios sobre la producción. Piet, de Iron Savior, se encargó de producir el álbum, y la gente destaca que el sonido es moderno y actual.

Uno tiene que… no diría “adaptarse”, pero sí tal vez aprovechar las posibilidades de las nuevas técnicas de producción.

Por supuesto, creo que es muy importante que cada banda encuentre su propio perfil. No hay que ser una copia de otra.

Puedes tocar al estilo de Judas Priest, Grave Digger, Accept o cualquier banda que te guste. Pero es fundamental hacerlo a tu manera y con tu propio sonido. Tenés que desarrollar una identidad y marcar una diferencia.

Lo ideal sería que alguien escuchara una canción y dijera: “Esto tiene que ser Generation Steel”. Si conseguimos eso, estamos haciendo las cosas bien.

El heavy metal no debería depender únicamente de la nostalgia. ¿Cuáles dirías que son tus principales influencias como músico?

Accept, por supuesto, Grave Digger, Metal Church y Jeff Waters, de Annihilator. Me gustan especialmente los primero álbumes de Annihilator, como Never Neverland y Alice in Hell. Ese material antiguo es excelente.

Creo que muchos seguidores de Annihilator terminan diciendo lo mismo, que a partir de los años noventa las cosas empezaron a ir cuesta abajo: todo se va al infierno, y no sólo Alice. ¿Cuáles son los planes de la banda para los próximos meses? Mencionaste una gira con Mystic Prophecy y Iron Savior.

El álbum sale la semana que viene, el 16 de octubre. Ese será el día del lanzamiento y en noviembre y diciembre saldremos de gira con Iron Savior y Mystic Prophecy. La gira comenzará el 13 de noviembre y el primer concierto será también nuestro show de presentación del álbum.

Además, estoy trabajando mucho en las contrataciones para los festivales del año que viene. Ayer anunciamos nuestra participación en el No Playback Festival, en Alemania. Es un festival muy bueno y estamos trabajando para conseguir más fechas.

Nuestro objetivo es tocar en vivo todo lo que podamos el año que viene. Pero conseguir un lugar en los festivales es muy difícil. En Alemania y en Europa central hay menos festivales que antes, mientras que hay muchas más bandas. La persona que organiza un festival quizá tenga quince o veinte lugares disponibles para todo un fin de semana, pero puede haber hasta dos mil bandas que quieran tocar allí.

Es casi una lotería. Hace falta mucha suerte para conseguir una fecha. Es muy difícil, pero esperamos que el nuevo álbum nos ayude. Creo que es un disco muy bueno y que demuestra la evolución de la banda. Ahora veremos qué pasa.

Vi videos y reseñas de los grandes festivales europeos de heavy metal y es impresionante. Algunos tienen cuatro, cinco o seis escenarios. Pero también hay bandas que terminan tocando a las nueve o diez de la mañana, en escenarios secundarios y frente a cuatro…

¡Cinco personas! [Risas] ¡Hay más músicos arriba del escenario que gente frente a él!

Teniendo todo esto en cuenta, ¿qué te gustaría decirles a quienes escuchen el nuevo álbum de Generation Steel y lean esta entrevista?

Los queremos a todos, a los fans del metal de todo el mundo. Todos somos Generation Steel. Stay metal! Stay steel!

En el mundo del death metal británico hay un puñado de nombres que pueden ser considerados como realezas absolutas del género, mismos que se han posicionado tan alto en la estima de los más aferrados al género violento que sus mismos logos y epitetos son sinónimos de brutalidad y crudeza sonora y sin duda, dentro de este pequeño círculo, Benediction es uno de los más entrañables.

A propósito de su gira por latinoamérica que lleva por nombre “Ravage of Empires – Latam Tour”, que llevará a (casi) toda la banda a seis diferentes países, incluido México este viernes 23 de octubre en la capital, más precisamente en el Circo Volador, nos permitimos una entrañable plática con uno de sus miembros fundadores, el amo de las cuerdas Peter “Rew” Rewinski.

Muchas gracias por acompañarnos, Rew. Es un verdadero placer conocerte. Empecemos.
Peter, formas parte de Benediction desde 1989. Cuando miras atrás, a aquellos primeros años, ¿recuerdas algún momento en particular en el que te diste cuenta de que la banda se estaba convirtiendo en algo mucho más grande que otra banda más de death metal underground?

Bueno, sí. En los primeros días, cuando empezamos, apenas habíamos dado unos cuantos conciertos en el Reino Unido. Recuerdo que tuvimos la suerte de hacer nuestra primera gira con Paradise Lost y Autopsy.
Habíamos dado unos cuantos conciertos en Inglaterra, ¿sabes? Tocábamos en shows locales ante quizá 100 o 200 personas. Recuerdo que salimos de gira y tocamos en Alemania ante unas 2,000 personas. Nos preguntábamos: «¿Hay otra banda tocando o algo así? No lo sabemos». Y nos respondieron: «¡No, están aquí para verlos a ustedes!». Fue entonces cuando me di cuenta de que esto iba en serio, ¿sabes a qué me refiero?

Sí, ¡genial! Suena increíble. Benediction surgió en Birmingham en un momento muy especial, junto a bandas como Napalm Death y Bolt Thrower. ¿Cómo era realmente formar parte de esa escena antes de que el death metal se consolidara como género?

Fue realmente genial. Es difícil juzgarlo en aquel momento: todo se sentía natural y normal. Pero, al mirar atrás, supongo que sí fue algo especial. Te reunías con esa gente en el pub del barrio. Obviamente, todos bebíamos en el mismo lugar. Napalm Death estaba en una esquina y Bolt Thrower en la otra, ¿sabes a qué me refiero? Simplemente nos encontrábamos y pasábamos el rato juntos. Sí, es bastante especial pensarlo ahora. ¿Quién iba a imaginar que seguiríamos aquí haciendo esto? Me siento privilegiado.

¡Suena genial! Hablemos de Transcend The Rubicon. Sigue considerándose uno de los discos esenciales del death metal británico. Cuando lo escuchas hoy, ¿qué percibes de manera distinta a lo que escuchabas cuando lo grabaron en 1993?

Uf, es una pregunta difícil porque he convivido con ese álbum durante tanto tiempo y hemos tocado en vivo la mayor parte de sus canciones. Es complicado observarlo realmente desde fuera, tomar distancia y analizarlo.
Supongo que se considera un clásico por la actitud que teníamos en aquella época, por el momento en que salió y por cómo éramos como banda: probablemente estábamos empezando a encontrar nuestro camino, ¿sabes? Lo recuerdo con cariño y todavía tocamos esas canciones. Creo que siguen sonando frescas y funcionan muy bien en vivo. Muchas de ellas, de hecho. No diría que fue un simple peldaño, pero sí nos ayudó a encaminar las cosas.

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Han pasado por varios cambios de alineación y distintas etapas, pero algo que me parece notable es que la identidad de la banda se ha mantenido. ¿Qué elementos hacen que algo suene inconfundiblemente a Benediction?

Bueno, Darren, el guitarrista, y yo estamos juntos en la banda desde el principio, y simplemente intentamos no hacer nada extraordinario. Somos Benediction, una banda de death metal. No vamos a reinventar el mundo; solo nos gusta tocar buen metal.
Mantenerlo sencillo, que la manera de componer sea simple, ¿sabes? Todavía escribo la mayor parte de mi material sentado en mi habitación. Sigo teniendo una guitarra junto a la cama. Es death metal natural y orgánico, por así decirlo. En realidad, el proceso consiste en mantener las cosas sencillas y ser fieles a lo que empezamos haciendo. Cuando formas la banda, te preguntas por qué quieres tocar este tipo de música. Si recuerdas esa razón y la mantienes presente todo el tiempo, no cambias demasiado. Nosotros no hemos cambiado porque no queremos hacerlo. Somos Benediction.

Y hablando de eso, después de tantos años tocando con Darren, ¿cómo evitas repetirte? ¿Cómo sigues generando ideas nuevas en lugar de reciclar simplemente lo que ya ha funcionado en el pasado?

Sí, entiendo a qué te refieres. Si lo miras desde la perspectiva de un guitarrista, básicamente siempre tienes la misma parte del diapasón. Casi todos los riffs se construyen alrededor de los primeros seis trastes de las tres primeras cuerdas. Probablemente podrías tocar un concierto entero así.
No sé, la verdad es que no lo pienso demasiado. Me gusta tocar la guitarra, así que me siento y toco. Tengo la suerte de encontrar buenos riffs que disfruto tocando, y también de que a la gente le gusten. Como dije, no le doy demasiadas vueltas: simplemente me gusta tocar la guitarra y hacer metal con ella. Así de sencillo.

Sí, es una gran respuesta. Creo que ahí está el secreto. Cuando Dave Ingram regresó para Scriptures, hubo mucha emoción por el regreso de la formación clásica de Benediction. ¿Su vuelta cambió de alguna manera tu enfoque al componer o fue más bien como retomar algo que nunca había desaparecido del todo?

Un poco de ambas cosas. Su regreso llegó en el momento perfecto. Llevábamos mucho tiempo trabajando en bastante material y todo empezaba a encajar. Cuando volvió, le enviamos las canciones para que grabara las voces. Hacía tiempo que no lo hacía, pero lo que nos devolvió sonaba como si nunca se hubiera ido; incluso había vuelto mejor. Fue algo especial y el momento fue ideal. Además, trabajamos con Scott en Grindstone Studios. Hizo un gran trabajo porque ya era un gran fan de Benediction y quería conservar el sonido clásico de la banda sin sobreproducirlo, aunque modernizándolo un poco. Creo que lo hizo muy bien.

¿Sientes que algo ha evolucionado con el tiempo? Si es así, ¿qué señalarías?

No demasiado. Como banda y en nuestra manera de componer, no hemos cambiado mucho. Quizá somos un poco más astutos y mejores músicos. Lo único que ha cambiado es que hemos modernizado el sonido, haciéndolo más actual sin perder ese filo crudo. Si lo hubiéramos perdido o hubiéramos sobreproducido demasiado los discos, simplemente ya no sería Benediction. Se trata de ser la mejor versión posible de Benediction.

¡Genial! Ya tienen algunos trucos bajo la manga. En Ravage of Empires, ¿intentaron conscientemente conservar el sonido clásico de Benediction o creen que surge de forma natural por la manera en que tú y Darren componen?

Sí, surge de forma natural. Como digo, se trata de intentar ser la mejor versión de uno mismo. Nos exigimos mucho mutuamente. Le envío muchos riffs y me dice: «No, ese no sirve», o selecciona algunas partes y las cambia. Trabajamos muy bien juntos. Antes nos reuníamos en la sala de ensayo alrededor de una grabadora con un micrófono. Ahora, con las computadoras, es mucho más fácil, pero el proceso no ha cambiado tanto.

Eso era justamente lo que me preguntaba: cómo ha evolucionado el proceso de composición con el tiempo. Y hablando de la gira latinoamericana que están por comenzar, ya han tocado varias veces en la región. ¿Qué tiene el público metalero latinoamericano que hace que quieran regresar?

Me gusta pensar que el público es igual sin importar dónde esté: todos somos fans del metal y estamos unidos, somos hermanos y hermanas. Pero sí, parece que en Latinoamérica se aprecia muchísimo la música metal y la gente sabe expresar cuánto le gusta. Es fantástico. La mejor sensación del mundo es salir al escenario y ver al público entregándose frente a ti.
Ya sea haciendo stage diving o bailando, no hay nada mejor que ver a alguien disfrutando con tu música. Y eso es lo que parece ocurrir en Latinoamérica. La gente está feliz de expresarse, ¿sabes?

Genial. Yo soy de México, en particular. ¿Recuerdas algo especial de las veces que han tocado en mi país?

Sí, estamos muy emocionados esta vez. Las últimas veces que tocamos en México fue en festivales al aire libre, así que el set no resulta igual de bueno. Pero ahora tocaremos en un recinto cerrado y seremos la banda principal, por lo que podremos tocar más tiempo y el sonido será mejor. Me entusiasma mucho. La última vez que tocamos bajo techo en México fue allá por los años noventa.
En el 92 o el 93; creo que quizá en el 92. Ha pasado muchísimo tiempo desde que tocamos bajo techo. Tenemos muchas ganas de hacerlo y de ofrecerles a los fans un poco más de Benediction, con un set más largo y mejor sonido. Además, en interiores siempre suena mejor y llevamos nuestro propio equipo de sonido. Va a estar muy bien.

Eso los coloca entre las primeras bandas de death metal que llegaron a México. ¡Qué genial! ¿Hay algo del país que te entusiasme especialmente? ¿Te gusta la comida? ¿Te gusta hacer turismo?

Sí, la última vez que estuvimos ahí creo que fue hace unos tres años. Me parece que tocamos en el Heaven and Hell o algo así. Pude ver mucho de México ya que me quedé algunos días. Fui a ver las pirámides; fui a ver la casa de Frida Kahlo; comí muy buenos tacos; fui a una función de lucha lire: hice de todo. Así que sí, México es un gran lugar. Muy bonito país, muy bonita gente, gente muy amigable. 

¡Muy bien! Después de 37 años con Benediction, ¿qué te sigue dando ganas de tomar la guitarra, subirte a un escenario y tocar death metal frente al público?

No lo sé, la verdad. Pero sigo haciéndolo. Supongo que podrías decir: ¿qué otra cosa podría hacer? Ha sido parte de mi vida. Aun así, todavía me emociona. Sales al escenario y ves a la gente frente a ti, con sonrisas, disfrutando muchísimo de tu música. Después quieren conocerte y son muy amables y amistosos. Creo que eso es, en realidad: conocer a la gente. Siempre es algo importante para mí; siempre tengo tiempo para los fans.

Suena muy bien. En tu opinión, ¿qué canción de Benediction crees que está infravalorada?

Del nuevo álbum, creo que Crawling Over Corpses es una canción fantástica. Lo tiene todo, ¿sabes? No la llamaría exactamente death metal; es más bien muy Benediction. Está muy bien construida y, de hecho, es una historia de amor. Así que sí, probablemente sea mi canción favorita entre las más infravaloradas.

¿Nos puedes contar la historia?

Bueno, está en el título: «Arrastrarse sobre cadáveres para llegar hasta ti», ¿sabes a qué me refiero?

Jajaja, está bien.

Sí, es la retorcida mente de Dave Ingram.

¿Hay algún álbum de Benediction en el que cambiarías algo si pudieras volver al pasado y grabarlo de nuevo?

No me gusta mucho decirlo porque no está bien criticar tu propia música. Pero, si tuviera que elegir uno, sería The Dreams You Dread. No creo que la producción fuera la que realmente queríamos ni que reflejara dónde estaba la banda en aquel momento.
Creo que con ese álbum perdimos un poco el rumbo, ¿sabes? Si pudiéramos volver atrás, probablemente querría grabarlo de nuevo. Tiene buenas canciones, que no se me malinterprete: hay temas muy sólidos. Pero si tuviera que elegir uno, sería ese.

En esa misma línea, si pudieras volver a la sala de ensayo de Birmingham en 1989 y decirle una cosa a tu yo más joven, ¿qué le dirías?

No cambies, sigue siendo como eres. Me siento privilegiado de estar en esta situación; no sé quién lo dice siempre, pero de verdad lo siento así. Soy como la gente que está ahí escuchando: simplemente soy un fan del metal que toca la guitarra. No soy diferente de ti ni de los fans que vienen a nuestros conciertos. Eso es lo que me digo: sé fiel a ti mismo.

Seguir siendo fiel a uno mismo. ¡Muy bien! Antes de terminar, ¿quieres dejarles algún mensaje especial a tus fans de Latinoamérica y México?

Sí, solo quiero decir que vamos a estar en Ciudad de México. No se lo pierdan, porque será un concierto especial con Benediction y Ravage of Empires, con el mismísimo Kam Lee al frente: el maestro, el original. No falten; vengan a ver cómo chocan las leyendas.

¡Genial! Estamos muy emocionados.

Yo también.

Rew, ha sido un placer. Muchas gracias por concedernos esta entrevista. Fue breve y al grano. Nos veremos muy pronto. Que tengas buen viaje; seguimos en contacto.

Sí, gracias, amigo. Muchísimas gracias.

Puede que Signum Regis se considere un pez grande en un estanque pequeño, al ser la banda de metal con mayor proyección internacional de Eslovaquia, un país que no es particularmente conocido por su escena metalera. Pero no por eso hay que menospreciar los logros del quinteto, con una discografía sólida y un público fiel tanto en la escena del power metal como del progresivo. Y con su nuevo álbum Beyond Spacetime a la vuelta de la esquina, era momento de hablar con su bajista y compositor principal Ronnie König, quien accedió a darnos unos minutos para contarnos sobre el presente de la banda, lo accidentado que fue grabar este nuevo lanzamiento y sobre si pueden considerarse o no una banda cristiana.

¿Cómo estás? ¿Cómo están las cosas? Sé que tener que promocionar un nuevo álbum implica mucho trabajo, muchas entrevistas y muchas cosas.

Estoy muy bien, muchas gracias. Sí, es bastante trabajo. Puedes llamarlo trabajo, pero es algo bueno. Estoy muy contento de que tengamos todas estas entrevistas y toda esta promoción.

No hay forma de que un integrante de una banda pueda quejarse de esto. Es genial. Es parte de que el sueño se haga realidad. Estoy contento de que nos esté yendo tan bien con este álbum y todo está bien.

Además, tener que hacer tantas entrevistas demuestra que hay mucha gente interesada en la banda y en el nuevo álbum.

Realmente parece que es así, porque no recuerdo la última vez que tuvimos tantas cosas pasando durante el lanzamiento de un álbum. Realmente se siente bien.

Este nuevo álbum, Beyond Spacetime, ¿qué podés contarnos sobre él? Lo primero que vi del álbum fue la portada y me pareció muy interesante. Pero quería preguntarte primero por una característica que noté: la cantidad de cantantes diferentes que aparecen en el disco. No es la primera vez que tienen invitados, pero la lista de este álbum es realmente impresionante. ¿Cómo decidieron tener tantos cantantes? ¿Fue por la situación de Jota y por no tener un cantante fijo en la banda? ¿Cómo llegaron a tener tantos cantantes?

Tuvimos un momento bastante difícil con este álbum. Como acabas de mencionar, Jota dejó la banda y estábamos en medio del proceso de intentar hacer un nuevo álbum. De repente, no teníamos cantante para hacerlo. Como algunos de los oyentes y espectadores quizá sepan, Eslovaquia no es un país grande y la escena metalera es pequeña. No es como que puedas conseguir un nuevo cantante en cinco días cuando pierdes uno.

No es Suecia.

Exacto, no es Suecia ni Finlandia, nada de eso. Eventualmente puedes ponerte en contacto con alguien, pero eso lleva tiempo. No queríamos pasar demasiado tiempo esperando cuando ya estábamos en medio del proceso de grabación. Entonces dijimos: “Volvamos a 2013, cuando hicimos exactamente lo mismo”. En ese momento tampoco teníamos un cantante y grabamos el álbum con invitados. ¿Por qué no hacerlo otra vez después de 13 años? Invitamos a un montón de invitados y así es como terminaron todos en el álbum. Pero lo interesante que pasó durante la grabación con esos invitados es que volvimos a conectarnos con nuestro antiguo cantante, Mayo Petranin, y también con Jota al mismo tiempo.

Por eso puedes escuchar a los dos en el álbum y por eso Mayo ahora volvió a la banda como cantante principal y miembro oficial nuevamente. Cuando pasas un tiempo con la gente, hablas con ellos y vuelves a conectar, se abren oportunidades. En este caso, Mayo estuvo de acuerdo con la idea de volver a la banda y ahora tenemos una formación completa. En el próximo álbum, después de Beyond Spacetime, Mayo volverá a ser el cantante principal y hará la mayor parte del trabajo vocal.

Tengo que admitir que estaba bastante confundido porque, si entrás a un sitio como Metal Archives, donde intentan mantener actualizados los cambios de formación de las bandas, no aparece que Mayo haya vuelto. Supongo que cuando salga el álbum lo van a agregar nuevamente. Pero yo realmente no sabía quién estaba cantando en el álbum y quién no.

Si quieres, puedo confundirte todavía más, porque no es tan sencillo: hubo una idea de que los dos volvieran, Jota y Mayo, al mismo tiempo, como una especie de dinámica de doble cantante.

Como Helloween.

Sí, exactamente. Esa era la idea y la estuvimos considerando seriamente y trabajando en ella. Pero, lamentablemente, Jota está de vuelta en Brasil en este momento, así que la situación logística es imposible. Por lo tanto, eso no va a suceder. Pero en algún momento ese era el plan.

Dios.

Quizás en el futuro. Por ahora tenemos a Mayo. Estamos contentos con eso. No “bien”, estamos perfectamente felices con eso.

Sí. Me imagino que en algún momento van a terminar teniendo a todos los exintegrantes de la banda de vuelta. Sería como una especie de situación inversa a Slipknot.

[Risas] ¿Por qué no? Si tienes buenas relaciones con esas personas y siguen haciendo música, ¿por qué no? Todos somos amigos. No es como un matrimonio dentro de una banda. Trabajas con este tipo, con aquel tipo. Así que ¿por qué no?

Cualquier cosa puede pasar y siempre refresca la situación. A veces, cuando no sabés qué hacer, aparece alguien nuevo y te da ideas, motivación y entusiasmo. Así que todo es posible, pero no estoy diciendo que vaya a suceder ahora. Tenemos esta formación, se puede decir que es la formación clásica, y simplemente estamos esperando poder tocar en vivo tal como estamos. Somos amigos desde hace muchos años y esa amistad sigue funcionando. Cuando salimos a tocar y tenemos que pasar tres días en una camioneta, no es un problema. Disfrutamos de la compañía del otro, nos divertimos, nos reímos juntos. Hay un buen ambiente y es agradable.

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Hablando de la formación del álbum, además de Víctor Smolski en guitarra, tienen a Ralf Scheepers, Tim “Ripper” Owens, Matt Smith, Jota, Tasos Lazaris… También a David Åkesson y a Johnny Gioeli, de Riot y Crush 40. Quería preguntarte si hubo algún desafío particular a la hora de trabajar con tantos cantantes diferentes, con voces y estilos distintos. ¿Hubo alguna dificultad en particular?

No creo que la haya habido. Creo que fue más difícil en el pasado porque en 2013 no teníamos esta experiencia.

Esta vez realmente pensamos a quién elegir para cada canción. Por ejemplo, mencionaste a Johnny Gioeli. Hay una especie de balada de rock country, acústica, en la que canta Johnny, y ese tipo de voz es perfecta para la canción.

Puedes elegir a Tim “Ripper” Owens para “Time to Pay”, que definitivamente es una canción para ese tipo de voz. Ya teníamos en mente a quién elegir y funcionó.

En un caso intentamos invitar a alguien, pero finalmente no pudo hacerlo porque tuvo un accidente con sus dientes o algo así, y no pudo cantar en ese momento, lo cual fue desafortunado. Pero cuando estos tipos grabaron sus partes, no les pedimos cambios. No les dijimos: “No, no lo cantes así, hazlo de otra manera”. No pasó nada de eso. Lo que nos enviaron es lo que escuchas en el álbum. Fue fluido y agradable. 

No es que eliges al cantante y después tienes que pensar cómo ponerlo en el álbum. Ya tenés la canción y sabés que esa persona es perfecta para ella. Lo elegí para eso.

Exactamente. Y no hubo sorpresas. A veces incluso hubo sorpresas positivas, porque estos tipos entregaron más de lo que esperábamos.

Sí. Creo que leí que, cuando ocurrió la situación con Jota, el otro álbum estaba algo así como un 80 % terminado en cuanto a la parte instrumental.

No recuerdo exactamente, porque gran parte de este trabajo, la mayor parte, la hizo Filip solo, cuando estaba trabajando en un álbum solista. Este álbum empezó como un álbum solista de Filip. Después decidió: “No quiero hacer un álbum solista. ¿Cuál es el sentido? Hagámoslo para Signum Regis”. 

Así que básicamente llegó a la banda con las manos llenas de canciones. Es difícil decir qué porcentaje estaba terminado, pero yo llamo a este álbum “el álbum de Filip”. Yo estoy ahí tocando el bajo, pero la mayor parte del trabajo, la composición y todo eso lo hizo Filip. Por supuesto, después tuvimos que adaptar esas canciones y modificarlas para que encajaran con el concepto de Signum Regis. 

Yo trabajé en algunas letras y escribí algunas canciones completas, hay una canción que escribí hace algún tiempo. La gente está acostumbrada a que yo sea el principal compositor de la banda, pero en este caso no. En este caso es Filip.

Es el momento de Filip.

Sí.

Antes que nada, tengo que agradecerte por pronunciar el nombre de la banda (Nota del Autor: Ronnie lo pronuncia con una “g” suave, como en “García”), porque yo iba a pronunciarlo como “Signum Regis” (Nota del Autor: lo iba a pronuncia con la “g” como en el italiano “Giorgio”). 

Sé que los estadounidenses lo pronuncian de una forma diferente. Lo sé. Los estadounidenses lo llaman “Signum Regis” de esa manera y estoy bien con eso. Es latín, así que puedes pronunciarlo de una manera latina, pero si lo pronuncias a la inglesa también está bien. A veces cambio entre las dos dependiendo de con quién estoy hablando. Las dos están bien.

Como decía antes, tengo que decir que la portada del álbum es bastante interesante. Creo que tiene el equilibrio perfecto. Se ve muy fuerte, muy imponente, pero también un poco tonta, aunque de una manera interesante, como sucede con mucho power metal, donde caminan sobre esa línea entre esas dos cosas. ¿Cómo trabajaste con Uwe Arling en la portada? ¿Cómo surgió el concepto?

Primero quiero decir que esto no fue generado por inteligencia artificial. Es algo hecho a mano. Lo digo porque algunas personas pensaron que era algo generado por IA.

Sí, yo también temí que fuera IA porque estaba escuchando el nuevo álbum de Forbidden. Me gustó el álbum, pero cada vez que lo escuchaba tenía que ver esa horrible portada generada por IA y eso arruina un poco la experiencia. 

Sé de qué estás hablando, hay algunas portadas realmente terribles por ahí ahora mismo. Pero esto es lo que pienso: cuando lanzas cinco o seis sencillos, probablemente no puedas hacer una portada hecha a mano para cada sencillo que sacas. Pero para el álbum creo que sigue siendo importante tener involucrado a un artista real y que se haga de verdad. Eso es lo que hicimos con Uwe Arling. Es un artista alemán que hace este tipo de cosas desde hace muchos años, creo que esta es la tercera portada que hizo para nosotros.

Y la idea general, como dijiste, es caminar sobre el límite entre lo serio y la comedia, porque lo del espacio es algo bastante gracioso. Pero toda la idea viene de Tommy, mi hermano, que mencionaste como el encargado de las letras y todo eso.

Hay un par de cosas sucediendo en esta portada. El cantante no está en la banda en este momento, así que tenemos a nuestra mascota, King Rex, en el centro.

No es una persona real. Es nuestra mascota, por así decirlo. Está en el medio y puedes imaginar que es casi como si fuera el cantante, ¿no? Pero es solamente una mascota.

Además, no necesita oxígeno.

No lo necesita porque es mucho mejor que todos los demás, ¿no?

Y eso me lleva al punto de que hay una canción llamada “Beyond Spacetime” que hace referencia a la creación del universo. Con un poco de imaginación, puedes ver a King Rex como el creador del universo. Y tiene este planeta en la mano, ¿no? Eso representa la creación, esa es básicamente la idea.

Por supuesto, las letras son más serias que la portada y la gente es libre de interpretarlas como quiera. Pero nos pareció divertido y no queríamos quedarnos para siempre con una sola fórmula. En el álbum Undivided, él era una especie de guerrero rey en una escena de lucha con una espada. No queremos hacer 20 álbumes en los que siempre sea el rey luchando contra algunos goblins, así que pensamos que era un buen momento para ponerlo en el espacio. La próxima vez podría ser otra cosa. ¿Quién sabe qué? Iron Maiden hace algo parecido con Eddie. No es siempre el mismo Eddie, pero sabes que es Eddie.

Creo que eso responde a la pregunta.

Sí. Mencionaste a Eddie, que puede ser una especie de zombi, después puede ser un monstruo gigante en el espacio y antes podía ser una especie de segador. Tiene muchas formas diferentes.

Exactamente. Lo entendiste al 100 %. Esa es la idea. Puedo entender por qué algunas bandas tienen una imagen pirata durante un álbum, el segundo álbum, el tercero, pero después del quinto álbum empiezo a aburrirme de la fórmula pirata.

No quiero quedar atrapado en esa caja para siempre. Tenemos que dejar abierta la posibilidad de hacer otras cosas en el futuro. Quién sabe qué puede traer el futuro.

Sí. Perdón, estaba pensando en eso porque cuando mencioné el álbum de Forbidden estaba hablando con un par de amigos y les decía que algunas bandas viejas quieren usar IA porque piensan que pueden escribir un prompt y listo. Y lo único que se les ocurre poner en la portada es un cráneo en llamas.

Como los clichés, ¿no?

Sí. Un cráneo en llamas, un cráneo en llamas que se vea increíble. Últimamente vi como 14 portadas con cráneos en llamas.

Exactamente.

Signum Regis es conocida como una banda de metal cristiano, pero no sé cuánto se identifica la banda con esa etiqueta, porque hay muchas bandas que no quieren quedar encerradas en una categoría. También vi muchos seguidores de Signum Regis que no son cristianos ni religiosos. Ustedes tampoco están en un sello de metal cristiano y veo que mucha gente habla de la banda dentro del ámbito del power metal. ¿Qué pensás que atrae a la música de la banda a personas que no son cristianas o religiosas?

Es una gran pregunta porque me gustaría aclarar esto una vez más, porque aparece bastante seguido. Yo soy cristiano, a veces escribo letras sobre historias cristianas y sobre este tipo de temas. 

Pero somos una banda mixta, tenemos ateos en la banda. Entonces, ¿puedes realmente decir que somos una banda cristiana porque tenemos algunas letras de ese tipo? Y, por otro lado, ¿puedes decir que no somos una banda cristiana cuando tenemos esas letras? Estamos caminando por ese punto intermedio. Los integrantes de la banda saben que algunos son cristianos y otros no, y no ven ningún problema en eso.

A mí no me molesta que alguien diga que somos una banda cristiana, pero muy pronto me di cuenta de que hay que tener cuidado desde el punto de vista de la banda. Porque si dices “Soy cristiano”, siempre aparece gente que te dice: “Ah, este tipo no es cristiano, así que solamente está tratando de sacarle dinero a la gente y hacerles creer que son una banda cristiana”. No quiero estar en una posición en la que pueda llevar a alguien a pensar que somos una banda cuyo arte está completamente relacionado con temas y letras religiosas.

Yo soy cristiano y siempre lo voy a ser. No tengo ningún problema con las letras que escribí en el pasado sobre estos temas cristianos. Pero no quiero confundir a nadie. Somos una banda de rock and roll y lo hacemos por el arte. Si alguien nos escucha por el arte, para mí está perfectamente bien.

Creo que muchas bandas son así. Dave Mustaine de Megadeth, por ejemplo, habla de ser cristiano todo el tiempo: es cristiano y tiene letras relacionadas con eso, pero no es un ministerio. Creo que somos ese tipo de banda que camina por ese punto intermedio entre ser artistas e incluir en las letras algunas de las cosas en las que uno cree.

Eso termina influyendo en tu música y en tus canciones, porque así es como vivís.

Sí, exactamente. Eso es simplemente la vida.

Como dijiste antes, y esto es algo que había anotado, ustedes son de Eslovaquia, un país no es particularmente conocido por tener una gran escena metalera. Incluso dentro de Europa están al lado de países como Polonia, que tiene una escena metalera muy grande, al menos eso parece. Viendo la historia de la banda, ¿tuvieron algún tipo de dificultad para desarrollar Signum Regis en su propio país? ¿Cómo es intentar tener una banda de heavy metal en un país que no es pequeño, pero que tiene una escena metalera realmente pequeña?

Creo que sí. Como dijiste correctamente, Eslovaquia no es un país típicamente metalero. No tiene la infraestructura, por así decirlo, desde las bandas hasta los promotores, los sellos y todas esas cosas que tienen países como Alemania desde hace décadas. Nosotros no tenemos eso acá, o lo tenemos todo a una escala mucho menor. Así que no resulta fácil para una banda como la nuestra.

Probablemente seamos, o quizá somos, la banda metalera eslovaca más grande en términos de reconocimiento mundial, pero no somos para nada la banda más grande de Eslovaquia. Hay bandas mucho más grandes que tienen una asistencia mucho mejor en sus conciertos. Va más gente, pero principalmente esas bandas tienen letras en eslovaco. Por eso nunca escuchas hablar de ellas fuera del país. Pueden tener 10.000 personas en un concierto, pero fuera del país nadie las conoce.

Así que decidimos ser una banda de nivel mundial, por decirlo de alguna manera, con letras en inglés, para que nuestra música sea accesible para cualquier persona en el mundo. Fue una decisión que tomamos desde el principio y creo que fue una buena decisión. Este género, seamos honestos, no es el más grande del mundo y necesitas tener seguidores de diferentes lugares. Si tuvieras que depender de un solo país pequeño, simplemente no tendrías suficientes seguidores para hacer nada. Creo que incluso conseguir un contrato con un sello desde un país que nadie conoce hace las cosas un poco más difíciles que si fueras de Suecia o algo así.

No puedo compararlo realmente, pero tiene sentido. Si, por ejemplo, en Argentina tienen grandes jugadores de fútbol, imagina que haya un jugador realmente bueno en Islandia, un país que no sea famoso por eso. Definitivamente lo tendría más difícil, porque no es algo típico de ese país.

Hay una especie de carga por eso, seguro, pero no me estoy quejando. Estamos bien, estoy contento con cómo están saliendo las cosas. No somos famosos y probablemente nunca lo seremos, pero incluso eso puede verse como algo positivo porque quiero pasar tiempo con mi familia. No quiero tocar 350 conciertos al año y pasar todo el año en aeropuertos, entonces terminas teniendo lo mejor de los dos mundos: tengo tiempo para mi familia y puedo disfrutar de mi música. No veo la música como un trabajo porque no la hago como un trabajo. Me divierto cuando la hago.

Estaba pensando que ves muchos países donde tienen bandas realmente grandes, con mucho público en su propio país, pero quizás nunca escuchaste hablar de ellas porque cantan en su propio idioma y viven en su propia burbuja. Como he visto muchas bandas alemanas o rusas que llenan estadios, pero de las que nunca escuché hablar de ellas porque cantan en sus propios idiomas. No todas puedes ser Rammstein o algo así.

En Alemania existe una tradición desde hace mucho tiempo, desde Scorpions o incluso antes, de empezar inmediatamente a cantar en inglés. Pero Eslovaquia era un país socialista, comunista, en aquella época. Entonces creo que ni siquiera estaba permitido cantar en inglés: quizás podías hacerlo en tu casa pero nunca llegarías a ningún lado cantando en inglés. Entonces también falta esa tradición.

Cuando mirás hacia atrás, a los primeros álbumes de la banda, ¿cuánto pensás que cambió Signum Regis?

El cambio más evidente es que ya no canta Göran Edma, ese es el más obvio. Y creo que nos volvimos más pesados, con un sonido un poco más moderno. Ya no estamos completamente enfocados en el neoclasicismo.

Y en ese tipo de cosas realmente virtuosas.

Seguimos siendo virtuosos, pero si escucho el primer álbum, creo que el alcance era más limitado, por así decirlo. Ahora podemos hacer cualquier cosa, podemos tener elementos neoclásicos, cosas virtuosas, metal tradicional, rock. Podemos hacer cualquier cosa porque, después de ocho álbumes, la gente está acostumbrada a recibir cosas diferentes, logramos salir de esa caja.

Al mismo tiempo, seguimos disfrutando de la música metal. No estamos intentando redescubrir el jazz ni nada parecido, somos bastante libres para hacer lo que queremos, pero al final del día seguimos queriendo hacer lo mismo, y eso es heavy metal.

¿Qué están planeando después de este álbum? ¿Cuáles son sus planes?

El álbum sale dentro de un par de días, por así decirlo. La semana que viene, el 9 de octubre, dentro de siete días. Después de eso tendremos un concierto en Eslovaquia, después tenemos otros tres conciertos en noviembre, en Países Bajos y Alemania. Y luego viene algo grande: una pequeña gira que vamos a hacer por Europa con la banda estadounidense Theocracy y la banda griega Sunburst.

Vamos a tocar en lugares donde nunca tocamos antes, como París y un par de sitios más. Es algo que estamos esperando con muchas ganas. Y si llega música nueva, supongo que todavía no es el momento adecuado, pero hay un montón de canciones listas y preparadas para la próxima vez. Cuando todos estén listos, yo estaré listo. Entonces ese es el plan: simplemente vamos a seguir haciendo lo que estamos haciendo.

¿Qué te gustaría decirle a la gente que va a escuchar este nuevo álbum, Beyond Spacetime? ¿Qué querés decirles?

Primero que nada, un enorme gracias. Gracias por dedicar su tiempo a escuchar Signum Regis. Hay muchísimas opciones, así que si decidieron dedicar su valioso tiempo a Signum Regis, eso significa mucho para nosotros. Y si les gusta, quizás también puedan escuchar nuestros álbumes anteriores. Como mencionamos, hay unos cuantos. Hay algo para todos los que disfrutan del metal. Sígannos, escúchennos, déjennos algún comentario, lo que sea. Tratamos de leerlo todo. ¡Y gracias!

El punk en Argentina viene en todas las formas y colores, y los quilmeños Eterna Inocencia han demostrado que se puede mezclar la violencia y la melodía con un mensaje directo a través de más de tres décadas. Con el grupo próximo a presentarse el 17 de octubre en el Teatro Flores (CABA) para festejar los 25 años de su álbum A los que se han apagado, hablamos con su cantante Guillermo Mármol, con algo que comenzó siendo sobre el álbum y terminó siendo sobre las ideas de Eterna Inocencia y lo que es ser una banda punk en el contexto actual.

—Guille, un gusto estar hablando con vos.

¡Igualmente!

—Recuerdo cuando descubrí a Eterna Inocencia en un blog en el 2009 tipo Blogspot.

[Sinceramente sorprendido] ¡Huy, mirá vos!

—Quería preguntarte, bueno, ¿cómo va todo últimamente? ¿Cómo vienen las cosas?

La verdad que, para cómo está todo en general, somos unos agradecidos de poder seguir tocando como venimos tocando hace tanto tiempo, bajo siempre los mismos preceptos. Te diría que hay mucho trabajo, pero también mucha recompensa después de 30 años de estar tocando.

Un presente maravilloso para la banda, siendo que la realidad está tan difícil. Muchas fechas programadas, tuvimos un año muy bueno para nosotros. Pudimos, entre el año pasado y este, ir incrementando nuevos destinos. Fuimos a Chile y Uruguay, y le sumamos Brasil, Costa Rica y México este año. Algunos festivales también pudimos hacer a principios de año, grandes, y ahora estamos preparando un tour larguísimo para la segunda mitad del año.

También incluye, en este caso, tres conciertos en Chile, la fecha del Teatro Flores y después conciertos por Tucumán, Córdoba, Bariloche, Neuquén, Concepción del Uruguay, Montevideo. La verdad que un montón.

Así que no, contento. A pesar de lo difícil que se ve todo, la verdad que es un presente muy positivo para Eterna.

—Mencionabas la fecha del Teatro Flores, el 17 de octubre, donde van a estar celebrando los 25 años de A los que se han apagado. ¿Cómo vienen las preparaciones? ¿Hay nervios? Tenés un montón de recitales encima, pero me imagino que siempre hay nervios en cada recital.

Lo empezamos a pensar a partir de la vigencia que tiene el disco. Cumple un cuarto de siglo, pero a la vez tiene letras muy claras que se resignifican en el presente, y quizá también con un pasado que viene del hardcore punk, con todo lo que eso implica: las herramientas que podemos tener para intentar explicar la realidad, las que teníamos y las que mejoramos con el tiempo.

Es un momento muy potente para este estilo de música que siempre gustó de decir cosas. Entonces, lo estamos pensando a partir de esa vigencia. Va a convivir, digamos, el cuarto de siglo que tiene el disco con el presente de la banda.

Además, en el caso de la fecha de Flores, tocamos con nuestros amigos de Tenemos Explosivos, que es una banda también en franco ascenso en Chile y que intenta tener un acercamiento, como hicimos el año pasado con Dead Fish de Brasil, para que las bandas de otros países hermanos y también del mismo estilo que Eterna puedan ser vistas por nuestra gente acá en Buenos Aires.

Creo que va a tener un condimento especial que bandas argentinas y chilenas, en este contexto, estén tocando con la perspectiva que tienen ambos grupos. Me parece que está bueno para contrarrestar un poco tanta virulencia recalcitrante.

Sin ir más lejos, hace un mes atrás, o poco menos, ahora en el mes de septiembre, a consecuencia del último golpe militar en Chile, el Ejecutivo Nacional de la Argentina reivindicó la dictadura militar chilena.

Me parece que está bueno contraponer un poco el canto de nuestras bandas y nuestra propuesta musical a este presente.

—Vos mencionás, por ejemplo, que antes tocaban con Dead Fish, que son brasileños, y ahora tocan con Tenemos Explosivos, que son chilenos. También para que vean que en otros países hay bandas. Obviamente, no digo que no lo sepan, pero me refiero a que muchas veces parece que, a menos que sean bandas estadounidenses o estemos hablando de, no sé, Die Toten Hosen de Alemania, no muchas veces no se conocen bandas de otros países.

Exacto. Y es exactamente así. Es un esfuerzo tremendo para todas las bandas porque, como siempre, se hace todo a pulmón, como la gran mayoría de las bandas de rock.

—Cuando pensás en A los que se han apagado, ¿qué recordás de la época en la que grabaron el disco? El disco salió en 2001, lo grabaron en 2000. ¿Qué recordás de esa época?

Una época muy turbulenta en general. El país, de hecho, ese mismo año del disco, en diciembre, tuvo una crisis tremenda.

—Todo se fue a la mierda.

Fue un año muy difícil.

También estaba la sensación de que lo que veníamos criticando con Eterna en particular, pero dentro del hardcore punk en general, tenía bastante de cierto, porque por alguna razón ese modelo terminó colapsando. Y eso me lleva mucho al diálogo con la actualidad.

Incluso creo que el hecho de que en el último tiempo hayan surgido muchas bandas de punk, hardcore o post hardcore en Argentina y también en otras partes del mundo, pero particularmente acá, está directamente asociado a ese presente, que es muy similar a cuando nosotros también nos pusimos a hacer música.

Lo veo también desde ahí. Es un momento en el que podemos sacar las herramientas que teníamos, desempolvarlas, lustrarlas y decir: “Bueno, esto es lo que tenemos acá, lo que supimos usar, todavía está plausible para ser utilizado”. Entonces, me viene mucho ese recuerdo de la pauperización general, de la degradación general. Y hoy, con los datos oficiales mientras estamos hablando, dicen que volvió a subir la pobreza en la Argentina.

—Sí, sí, obviamente. Pero ¿cómo? Si los shoppings están llenos de gente.

No, por eso. Y, de hecho, nosotros también, como banda y con muchos años, creo que todos los que están dedicados al arte y la cultura están también afectados.

Pensando un poco en cómo veíamos ese momento, “a los que se han apagado”, esta idea me parece que está ahí presente: poder contar historias que a la gente le resulten significativas. En definitiva, sigue siendo importante.

Lo que nosotros veíamos en ese momento con mucha urgencia, también por la edad que teníamos y con las herramientas que teníamos, sirvió, me parece, para después, en el futuro, tener estas herramientas y poder volver a pensar en seguir cantando algo que resulte importante para el otro que lo escucha. Eso es algo muy propio del hardcore y el punk.

Igual, me atrevería a decir que es algo propio de cualquiera que se precie de querer ser escuchado y de tener ganas de decir cosas. No es algo exclusivo. Vengo hablando hace tiempo de Homero, como poeta de los cantos homéricos, que no son justamente capítulos. Los de La Ilíada y La Odisea son cantos.

Sí. Muchos poetas, como Brendan Behan, un declamador irlandés y cantor a capela que decía que si una historia no hacía reír o llorar, no valdría la pena que fuera contada.

—Exacto. Si no provoca nada en quien la escucha, ¿para qué está la historia?

Algo así, ¿no? Y creo que eso es lo que recuerdo de ese tiempo, para volver a la pregunta y quizás darle una síntesis. En ese contexto particular, la idea de ir por algo que resulte significativo y que también contenga, de alguna manera, o intente por lo menos contener a la gente.

Creo que algo de eso se logró porque Eterna es una banda convocante y funciona de manera gregaria. La gente que viene a ver la banda sabe que está en una. Sabe que, si se cae un teléfono celular, alguien lo levanta y lo devuelve, no se lo roba. Lo mismo con la billetera o con la llave de una casa. Ese público es un público que me parece que también viene a eso. Viene a comportarse así en comunidad y a sostener valores que hoy escasean.

Porque, en realidad, con el maltrato que se escucha hacia los periodistas, hacia la profesión, el destrato, el insulto, el agravio, para una banda como Eterna Inocencia, que se pensó de alguna manera, hasta el nombre, en un contexto de trabajo con las infancias, es una gran pregunta para hacernos hoy: ¿qué escuchan nuestras infancias? ¿Qué escuchan decir a nuestros adultos?

—Estaba pensando en el disco y una cosa que me llamó la atención la primera vez que lo vi fue la portada. La portada es un tanto engañosa para lo violento que es el disco.

Uno está acostumbrado a los discos de hardcore punk, ¿viste? Con esa fuente tipo graffiti, esa onda más estadounidense. Ya sabemos más o menos cómo se ven los discos de esa escena, pero la tapa no te indica tanto cómo va a sonar el disco.

Vos tenés ahí dos ediciones. Una primera edición que se hizo por una cuestión económica, la edición de 2001, que es una edición donde nosotros conseguimos unos CD en ese momento, de los que eran formatos slim pequeños, porque las cajitas salían más baratas. Fue la primera vez que trabajamos con serigrafía sobre una tapa. Hicimos un cuadrado naranja en el cual decía Eterna Inocencia, digamos, de manera deformada, y las líneas del mapa americano aparecían todas interconectadas, como que rearmábamos el continente uniendo las líneas de todos los países.

Es una edición prácticamente, te digo, inhallable. Y otra característica que tiene es que los créditos están impresos sobre el propio CD. Viste, todo grabado, tal fecha, tal otra, en tal lugar, todo lo que tiene que ver con optimizar el recurso porque no teníamos para una imprenta. Entonces el diseñador dijo: “Che, metamos todo directamente en el CD”, y fue un golazo.

Después tenés una segunda edición…

—Sí, acá está está en una página en Geocities.

Un golazo esa página. Bueno, una segunda edición ya presenta un grabado de una artista alemana expresionista que se llama Käthe Kollwitz. Kollwitz es una artista del expresionismo alemán de entreguerras. Ella tuvo dos hijos que, de hecho, murieron en la guerra, uno en la Primera Guerra Mundial y otro en la Segunda. Fue la primera mujer en poder ingresar a la Academia de Artes de Berlín y, por supuesto, también estuvo muy marcada todo el tiempo por los nazis.

Y esos dibujos de Käthe Kollwitz yo los veía en el diario La Protesta. El diario La Protesta, un diario centenario que siguió saliendo hasta mediados de la década del 90, una publicación anarquista que nació en el año 1897 y todavía en 1997, 2000 continuaba saliendo. Ya en el siglo XXI no salió más.

En La Protesta, que yo compraba en el andén del subte C en Constitución, que era uno de los puntos donde se vendía, estaban los dibujos de Käthe Kollwitz. Entonces, está bueno también pensar dónde los encontré. En una publicación que hoy es también prácticamente inhallable, era extrañísimo ver una publicación anarquista directamente, el caso de La Protesta. Y bueno, el tiempo me llevó a formar parte también del grupo de redacción del periódico años después, lo cual para mí significó un paréntesis formativo en mi vida y, por supuesto y por supuesto estoy orgulloso.

Te cuento anécdotas, después vos te fijás. El redactor responsable era, mirá, hijo de anarquistas, afrodescendiente, caboverdiano, boxeador y soldador. Su nombre era Amanecer Fiorito. Yo pensé que el tipo usaba un seudónimo.

—Y no, ese era su nombre legal.

Exacto. Y el hermano del chabón se llamaba Floreal.

Bueno, a este negro caboverdiano, boxeador, soldador y que padecía insomnio, un personaje de una novela pero te lo puedo asegurar, que vivía en Dock Sud, lo terminé conociendo y nos hicimos muy amigos.

Ahí pasé a formar parte del comité de redacción de La Protesta y vos sabés que las tapas de La Protesta en ese momento las dibujaba Hermenegildo Sábat, que es el mismo dibujante de Clarín. ¿Viste cuando abrís generalmente Clarín, dice “presidente Milei” y tiene como un león subido? ¿Esas cosas? Un dibujo que vos lo mirás y decís: “Si este es Sábat”.

Bueno, Sábat entregaba los dibujos para la etapa de La Protesta, que nosotros íbamos a buscar a la calle Tacuarí, a la redacción de Clarín. Otra época también, parece, pero nada, lejos en el tiempo, aunque muy curioso.

Bueno, con esa tapa después nosotros íbamos a la imprenta. Y, por supuesto, los dibujos no salían firmados. Todo el mundo veía que era el trazo de Sábat, pero no estaba la firma. Así que, claro, todo eso, aunque parezca mentira, está atrás de esas tapas, de esas letras también, ¿no? Y esa manera de mirar la realidad.

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—Corregime si me equivoco, pero A los que se han apagado fue el primer álbum de Eterna que estaba completamente en español. O sea, antes creo que tenían una onda más Fun People en lo de tener canciones en inglés y canciones en español, o mezclando. ¿Fue una decisión consciente en su momento hacer este disco completamente en español?

Sí, totalmente. Muy influenciada también por las giras que llevamos adelante, donde empezábamos a tener contacto con distintas culturas y ahí mismo se nos planteaba en la gira por España o por Francia, en el año 2000, ¿por qué cantábamos en inglés?

Y también nosotros empezamos a escuchar a otros cantautores, como por ejemplo Daniel Viglietti, Alfredo Zitarrosa, Atahualpa Yupanqui, que tenían letras muy parecidas a las nuestras de repente, pero con otro estilo de música.

Y eso también hizo mella, como que nos terminó de definir en cuanto a nuestra realidad latinoamericana. Y a partir del año 2000 en adelante, todos los temas de Eterna son en español.

—Viendo el disco a la distancia, ¿hay alguna canción del álbum de la que te sientas particularmente orgulloso?

Me gusta mucho el último tema, “Le pertenezco a sus ojos”, y de hecho ahora lo volvimos a regrabar e hicimos un video. Estamos contentos con eso porque quizás no regrabamos todo el disco, pero suena distinto. Veinticinco años después tiene otra cadencia, otro aplomo y nos pareció que iba a ser un tema testigo, digamos, en cuanto a sonoridad.

Tal es así que lo terminamos grabando también en formato video. El video está realizado en el muelle de pescadores de la ciudad de Quilmes. Son unas ruinas actuales del muelle de pescadores, pero bueno, la banda también nació en Quilmes y termina un poco como cerrando todo, ¿no? Sin moverse muy lejos de donde las canciones nacieron, en términos geográficos, si querés.

—Es una banda que, bueno, termina tocando, como vos dijiste, en Chile, en México, en España, en diferentes países, pero sigue siendo una banda de Quilmes.

Sí, porque ahí es donde la banda nació. Hay parte de los integrantes también y la historia del grupo está asociada definitivamente a Quilmes.

—Cuando estaban grabando el disco, ¿te imaginabas que iban a estar haciendo celebraciones por la salida del disco 25 años después?

La verdad que no, pero tampoco pensaba en un sentido de finitud, ¿viste? Si me preguntás, creo que conservo la misma determinación que tengo el día de hoy, ¿viste? Esto de seguir tocando. No sé si hubiera pensado en celebrar los 25 años de un disco, pero sí estaba convencido de que, mientras pudiera tocar, iba a ser un proyecto para toda la vida, a full.

Porque venía de proyectos anteriores y, ya cuando armamos Eterna, como que terminó por lo menos de cuajar las experiencias previas respecto de cómo armar una banda de rock. Ya teníamos algunas cosas claras y, bueno, es como que encajó todo para que el proyecto pudiera arrancar muy bien desde el principio y perdurar en el tiempo.

—Van a estar tocando el álbum completo y no es tanto esfuerzo porque el álbum dura dura 23 minutos.

Exacto. Lo vamos dosificando, ¿viste? Dos temitas, metemos otro. Dos temitas, metemos otro. Va a ir apareciendo distintas veces a lo largo del show, ¿viste? Pero, por supuesto, también acompañado por su segmento, por su estética, por sus visuales asociadas a esa época y a ese disco.

—Una cosa que estaba pensando, porque cuando busco notas que hayan hecho las bandas, cuando tengo las entrevistas y todo, una que me llamó la atención fue ver una entrevista con un medio chileno y ver que al parecer tienen como un seguimiento en Chile. No sé hasta qué punto, pero tienen como un seguimiento en Chile. Me llamó la atención eso porque muchas veces, como que en Argentina nos sorprendemos cuando bandas argentinas tienen seguimiento en otros países porque nos parece raro, estamos como en una burbuja. Onda, yo me acuerdo que hace varios meses había venido un amigo mexicano de visita y había traído un Blu-ray de Babasónicos, creo que era en México, donde tiene muchísimo seguimiento, y dije “¿Cómo?”. Y entonces estaba pensando, ¿qué crees que atrajo el público chileno a la banda?

El mensaje de la banda me parece que caló muy hondo en Chile y quizá también la constancia de las visitas. Suelen sentirse muy identificados con el mensaje, con las letras de la banda, con la fuerza de la banda. Es muy curioso y, bueno, un público muy efusivo también, muy demostrativo.

La verdad que nos quiere mucho y nos hace sentir como en casa cada vez que vamos. Ya hace mucho tiempo que visitamos Chile también. Pero sí, es muy curioso. La verdad que también sirve para esto, un poco lo que hablábamos recién, ¿no? Para desmitificar. Porque quizá una cosa son las políticas de gobierno y otra cosa es la gente, el ciudadano de a pie, la calle y cómo te reciben. Te invito a un recital de Eterna Inocencia y no lo podés creer.

—Eso de desmitificar, porque a veces uno como que se guía demasiado por lo que dicen en redes sociales o por lo que dicen cosas de internet y no se da cuenta de que son personas.

Claro. Y además, el público que está conectado con nosotros es también un público trasandino que piensa como nosotros. Entonces, por lo general, es gente muy copada, no está ni ahí con pensar en un sentido ni de individualismo ni de nacionalismo exacerbado.

Más allá de las diferencias culturales, que sirven para enriquecer y complementar al otro, o sea, no mucho más. Entonces se cae todo eso, ¿viste? Y en un recital es como que se cristaliza todo en ese momento. Lo podés ver con claridad. Es un flash, te digo.

Después, si podés, fijate. Tenés episodios por ahí en la página de internet, por ejemplo, y hay algún episodio del año pasado en el Teatro Caupolicán, por ejemplo, uno de los lugares donde bandas emblemáticas tocaron, por decirte. Fue en noviembre del año pasado, ya casi un año, y fue una locura total la sinergia que tenemos, también con Tenemos Explosivos. Es muy potente, la verdad que es muy potente, muy muy muy fuerte. Ir y volver es un flash.

—Obviamente ya esta altura queda claro que Eterna Inocencia es una banda extremadamente política. Se nota en las canciones, en la manera de manejarse, en el hazlo tú mismo, en toda la manera de manejarse. Y además no tenés pelos en la lengua para hablar de la gente en el poder ni nada de eso. Yo, obviamente, estoy metido en todo esto pero vengo del lado más del heavy metal, y no sé si vos viste que hace varias semanas fue lo de Horcas, que se habían presentado en apoyo a los trabajadores de Fate.

Sí, lo vi..

—Y me llamó la atención la cantidad de gente en los comentarios diciendo: “No, el metal no se tiene que mezclar con la política” o “La música no se tiene que mezclar con la política”. Esta gente después escucha, no sé, The Clash. Ah, no, eso de The Clash no es música política ni nada. Y me llamaba la atención eso de gente viniendo del metal, que decí lo que quieras acerca del metal en Argentina pero ya arrancó con una cosa política. Imaginate lo que dirá esa gente del punk. ¿Qué creés que hace que esta gente termine queriendo atacar estos reclamos? ¿Quieren despolitizar la música?

Es una buena pregunta, ¿no? Mirá, dentro del punk yo creo que, por suerte, no hay mucha discusión al respecto, a diferencia de otros estilos de música. Entonces uno hasta se siente más cómodo, digamos, ahí, porque lo raro sería que una acción así fuese cuestionada.

Nosotros, por ejemplo, fuimos un día cualquiera, no bien empezó el conflicto, con dos guitarras criollas a tocar en la puerta de la fábrica. Una noche cualquiera para los trabajadores que estaban ahí, para pasar el rato con ellos, para también escucharlos y, sobre todo, para hacer un poco más llevadero el hecho de tener que estar ahí, pasando las horas frente al portón de la fábrica. Y, por el contrario, por supuesto, la gente que escucha la banda se siente representada y hasta agradecida, digamos, de que la banda esté tocando ahí.

Yo sí creo que las bandas no son partidos políticos, eso me parece que es así. Pero también pueden hacer su aporte cultural, ¿no? Y desde ahí, me parece que lo mejor es pensar siempre en una sociedad, vamos a decir, heterogénea, que pueda convivir en la diversidad, que trate de pensar una salida colectiva. Y bueno, me parece que por lo menos plantearlo desde ahí es interesante al comienzo.

Me parece extraño encontrar en el hardcore y en el punk gente que tenga un pensamiento más de orden, si querés, conservador o apolítico. Sí, o sea, político no sé si sería la palabra correcta, porque todo es político, ¿no?

—Se dicen “apolíticos”.

Exactamente, exactamente. Así que bueno, resumiendo, creo que en el hardcore y en el punk no se expresan esas dificultades que sí a veces aparecen en otros estilos, ¿no?

El metal, igual, también en su variante nacional tiene un componente obrero y trabajador muy interesante, ¿no? Muy interesante. Que también hay algo de clasismo ahí, ¿no? Aunque no sea una cuestión estrictamente política. Pero bueno, también sabemos que es un estilo donde tenés tendencias más conservadoras, por decir así.

—Entonces, volviendo ya para cerrar, dos cosas. Una es, bueno, ¿qué planes tienen para después de este concierto? O sea, sé que van a estar tocando, mencionabas, en Chile. Van a estar tocando en Chile…

En Chile, después tenemos en Uruguay fecha también en noviembre. Básicamente, ahora la idea es terminar toda esta vuelta con la gira y en diciembre seguramente cerrar probablemente, como siempre lo hacemos, en un lugar en zona sur y un lugar en zona norte, para hacer un poquito y un poquito, en el conurbano.

Y ya estamos pensando en el verano del año que viene, a ver qué vamos a hacer, si vamos a armar alguna girita. Pero bueno, la verdad que estamos evaluando el estado de situación y el estado financiero, digamos.

—Que siempre es complicado en este país.

Salir de gira es muy complicado, ¿viste? Y se está haciendo verdaderamente difícil. Pero bueno, vamos a ver. De acá a enero todavía tenemos unos meses para terminar de definir y ver si arrancamos 2027 también girando.

Mientras tanto, estamos haciendo nuevas canciones, así que bueno, espero que terminemos porque las que están saliendo están buenísimas. Y ojalá que en 2027 podamos darle un disco nuevo a la gente.

—Ya, ya, ya es tiempo para un nuevo disco de Eterna.

Total, sí, sí, totalmente.

—A los van a ver el 17 de octubre, y los van a ver en Chile, que los van a ver en Uruguay, ¿qué les querés decir?

Que por supuesto los invitamos porque, como te decía más temprano, se trata de revivir emociones y darnos aliento entre todos, básicamente, ¿no?

Es una experiencia que hoy es verdaderamente de carácter inmersivo, porque el recital de Eterna Inocencia hoy empieza y, por distintas circunstancias que van pasando a lo largo del concierto, te mete en una, boludo, y te llevan, digamos, a divertirte, pero también a dejarte algo.

Así que nada, los esperamos a todos para cantar, para convocarnos, para convocar también a las voces que no están y tributarlas, ¿no? Así que bueno, todos invitados de una.

Suecia es una gran fuente de artistas musicales de todo tipo, sea pop, rock, metal, electrónica o lo que sea. Pero Hällas debe ser de los más particulares del país de la dinamita, IKEA y el smörgåstårta, con su propuesta que combina rock pesado, elementos progresivos y una atmósfera de fantasía que muchos grupos clásicos del estilo de los setentas envidiarían. Con la gira por España a punto de comenzar, presentando su cuarto LP Panorama, hablamos con su tecladista Nicklas Malmqvist, sobre cómo crear una canción de Hällas, lo que es ser una banda independiente, la industria musical y lo que hay que hacer cuando todo arriba del escenario falla al mismo tiempo.

Nicklas, es un honor poder hablar con vos hoy. Gracias por aceptar la entrevista. Vi la oportunidad cuando me enviaron el correo y pensé que era una buena ocasión para hablar con vos. He visto a mucha gente hablando de la banda, así que pensé en aprovecharla. ¿Cómo estás? ¿Cómo están las cosas? Vi que mucha gente disfrutó el nuevo álbum, así que creo que es algo de lo que pueden estar orgullosos.

Sí, creo que fue bastante bien recibido. Cuando estás en casa y parece que no pasa nada, no sabes qué está pasando o qué no está pasando. Pero cuando sales y conoces gente durante una gira, ves parte del impacto. Para mí es muy difícil imaginar que haya gente en Argentina escuchando y disfrutando el álbum, pero es increíble.

Sí, vi algunos medios más especializados hablando de la banda, pero también vi a mucha gente mencionándolos y diciéndoles a otros: “Che, ¿escuchaste esto?”. Ese tipo de recomendación de boca en boca.

Sí, de boca en boca.

Exactamente.

Creo que es lo mejor que podría pasar. En estos tiempos en los que todas las corporaciones compiten por tu atención, es genial saber que la gente todavía encuentra otras maneras de hablar de música en la vida real.

Sí. Y hablando un poco de Panorama, el nuevo álbum, sé que salió hace meses, pero sigue siendo su trabajo más reciente. Creo que mucha gente mencionó que empezar con una canción de 21 minutos es una decisión bastante arriesgada, como hacer su propio “2112” de Rush.

Sí. Venimos pensando en la idea de hacer una canción que ocupara todo un lado del vinilo. Lo pensamos durante años, pero en los últimos álbumes estuvimos bastante limitados por el tiempo de estudio, porque fuimos a un estudio en Estocolmo que era muy caro, pero para este álbum volvimos a tener nuestro propio estudio. Entonces realmente tuvimos tiempo para hacer esta canción larga.

Depende de lo que estés haciendo en una canción. Si estás haciendo “música para masajes”, puedes hacer fácilmente 20 minutos. No hay problema, es un acorde [Risas]. Pero si vas a hacer una canción progresiva, ese es el desafío.

El objetivo era conseguir que, cuando terminara la canción, el oyente no tuviera la sensación de haber estado escuchando durante 21 minutos. Queríamos que el ritmo fuera bueno, que todo fluyera y que no se volviera aburrida, demasiado extensa o demasiado corta. Al principio pensamos en ponerla en el lado B, pero después pensamos que algunos de los grandes discos antiguos empezaban con una canción larga.

Sí.

Entonces pensamos: “¿Por qué no?”. Y tuvimos que poner algo completamente diferente como primera canción del lado B. Esa terminó siendo “Face of an Angel”, que es una canción muy pop, muy inmediata. Es como una forma de compensar la canción larga cuando das vuelta el disco. Algo completamente diferente que te dé ganas de escuchar también el lado B. Y termina con algo más parecido a la primera canción del lado A, más progresivo.

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Cuando estaba leyendo otras entrevistas, vi que habían pensado en descartar “Face of an Angel” porque creían que sonaba demasiado como una canción de Mark Knopfler.

[Risas] ¡Sí!

Yo leí eso y después empecé a escuchar la canción específicamente y pensé: “Ah, ya sé a qué se refieren”. Realmente tiene algo de Mark Knopfler.

Creo que sí. [Risas]

Sí, supongo que ya tengo ese sesgo. Pero, hablando de esto, ¿qué pensás que hace que una canción de Hällas sea una canción de Hällas? ¿Cuál sería el ingrediente?

Tenemos las canciones más inmediatas y pop, que hacemos ocasionalmente. Muchas veces son un poco cursis, pero de una manera que nos gusta. Pensamos: “¿A quién le importa? Queremos hacer esto de todos modos”.

Y después tenemos las canciones más progresivas, más serias… No diría que son más serias, sino simplemente más progresivas.

En las canciones progresivas usamos muchas guitarras gemelas, por supuesto. Los guitarristas haciendo “didli didli du” [Nota: Tararea como una melodía complicada]. También suelen estar basadas en acordes clásicos del metal. Tenemos teclados, como órgano o sintetizador, además de la voz de Tommy y su forma de tocar el bajo. En realidad, Tommy es guitarrista desde el principio. Nunca quiso tocar el bajo, así que, de alguna manera, toca el bajo como si fuera una guitarra. Supongo que eso también forma parte del sonido.

Y, por supuesto, está la batería de Casper. Nunca pensé demasiado en la batería de Casper. Simplemente está ahí y funciona. [Risas] Sí, es un buen baterista, pero tenemos esta formación con dos guitarras y estamos bastante inspirados por los videojuegos de 8 y 16 bits, las películas de fantasía, cosas como Conan el Bárbaro y los juegos de rol.

Después agregamos elementos de bandas sonoras a las canciones, que creo que vienen principalmente de los videojuegos. Por ejemplo, si juegas a Mega Man y escuchas la banda sonora, te das cuenta de que en realidad es como Iron Maiden con sonidos sintetizados. “Chiptune”, pero Iron Maiden. ¡Es metal! [Risas]

También está todo el elemento narrativo de la banda, no solamente por los álbumes conceptuales sino por toda la mitología que construyeron alrededor de ella.

Sí. Creo que nos gusta mucho el concepto de un álbum. Nos gusta crear una historia que tenga algunos elementos existenciales para nosotros. Pero no queremos volvernos políticos ni nada de eso, simplemente tenemos algunas preguntas y pensamientos y nos gusta ponerlos dentro de una historia.

Además, es difícil contar mucho o desarrollar una historia en una sola canción, por eso creemos que tiene que abarcar todo un álbum. Al principio, cuando hicimos los primeros tres lanzamientos, que formaban una trilogía, sentíamos que todavía había más para contar.

Si tienes unos 45 minutos en un vinilo y haces música progresiva, hay muchos pasajes instrumentales. No hay tantas letras, así que necesitas varias canciones para contar una historia.

A menos que hagas como esas bandas que terminan poniendo toda la historia en las notas del álbum y tenés que leer los libretos para entender todo el contexto de las letras.

Sí, podrías hacer eso. Nosotros no lo hicimos porque queremos que el oyente interprete el significado y la historia. Dejamos algunos espacios vacíos para que el oyente los complete.

Este es el primer álbum de ustedes editado a través de Äventyr Records. Ustedes editaron los otros álbumes con otros sellos, pero este es el primero con su propio sello. Antes mencionaste que ahora tienen su propio estudio. ¿Qué diferencia hace trabajar con su propio sello?

Es un poco pronto para saberlo, pero sentimos que, de todos modos, teníamos que hacer mucho trabajo nosotros mismos. Entonces pensamos: ¿para qué usar un sello? Tuvimos dos sellos antes, el primero era un sello independiente muy pequeño de Suecia y ellos dependían de nosotros para todo. Nosotros teníamos que proporcionar el diseño, la diagramación, todo. Lo único que realmente hacían era poner un anuncio en Facebook y encargarse de la distribución, que de todos modos no funcionaba, y, por supuesto, imprimir y fabricar los discos físicos. Sentimos que podíamos hacer todo eso nosotros mismos.

El otro sello tenía más fuerza, pero de alguna manera cambiaron a todo el personal y el nuevo equipo estaba enfocado solamente en Suecia y los países nórdicos. Entonces sentimos, y ellos también, que no podíamos trabajar juntos. No tenía sentido. Así que nos quedamos sin sello y pensamos que quizás podíamos empezar el nuestro y ver qué pasaba. Y funcionó bastante bien.

No sé cómo funciona la distribución en Sudamérica, pero al menos siempre puedes encontrar gente con la que trabajar como sello, siempre hay una solución. Es más difícil cuando dependes de otra persona y de que esa persona esté interesada en dedicar el tiempo y el esfuerzo necesarios para que las cosas funcionen como tú quieres. 

Fue mucho trabajo, y además tienes que poder financiar todo. Tienes que poner mucho dinero porque hoy un sello es más parecido a un banco. Ellos ponen el dinero por adelantado y después se quedan con una gran parte de todo. Es como un préstamo bancario muy caro que dura 70 años. [Risas]

Por supuesto, un sello puede hacer cosas muy buenas. Nosotros también tenemos que concentrarnos primero en la música y después salir a tocar. Pero, por ahora, sigo sintiendo que fue la decisión correcta para nosotros.

No sé si trabajando con un sello tradicional les permitirían, por ejemplo, editar una canción de 21 minutos y tener el tiempo suficiente para grabarla. He entrevistado a muchas bandas que empezaron con su propio sello y no veo muchas que se arrepientan de haberlo hecho, como que consideran que fue la mejor decisión que podrían haber tomado en un momento determinado de su carrera. 

Si ves a las grandes bandas, muchas de las más importantes tienen cierto control sobre sus propias grabaciones. Creo que, si tienes una base de seguidores que sabes que puede comprar discos y puedes reunir la inversión necesaria para imprimirlos, es posible. Pero lleva mucho tiempo antes de obtener la recompensa, nosotros tuvimos la suerte de poder hacerlo realidad.

Eso demuestra cuánto avanzó la banda y cuántos seguidores acumuló. De hecho, iba a preguntarte sobre eso, porque van a estar de gira por España dentro de algunas semanas. Creo que será la primera vez que estén allí como cabezas de cartel. ¿Qué podés contarnos sobre eso?

a estuvimos tocando en algunos festivales allí. Fuimos al Asana Festival este año y el año pasado fuimos al Resurrection Fest. También hicimos una gira allí hace muchos años con Kadavar, la banda alemana.

Ah, Kadavar. Sí, los de las barbas.

Sí. Hicimos una gira como banda soporte y estuvimos en algunos lugares de España. No estuvimos mucho allí, pero siempre es interesante ver cómo funcionan las cosas. Creo que los lugares no son tan grandes, así que supongo que va a estar bien. Además, las entradas se están vendiendo bastante bien, creo que va a estar bien. Pero siempre es así cuando vas por primera vez a un país, después vuelves por segunda vez y las cosas mejoran un poco, y después vuelven a mejorar.

Tienes que empezar desde cero. Hace aproximadamente un año tocamos en Sudamérica. Fuimos a Argentina y tocamos… Creo que fue São Paulo. No, São Paulo no.

Creo que fue en Buenos Aires, en el Uniclub. Es un lugar realmente pequeño, he estado ahí.

Sí, muy pequeño. Entonces tienes que empezar casi como si fueras una banda nueva y esperar que la gente vaya [Risas]. Y después, la próxima vez que vayamos, quizás sea un lugar un poco más grande, un poco mejor.

Y tocaron en São Paulo al día siguiente.

Sí. Hicimos cuatro países en cuatro días. Fue una locura.

Ni siquiera puedo imaginar lo difícil que debe haber sido.

Lo malo es que no llegas a ver nada del país cuando haces algo así. Te pasas todo el tiempo viajando. Se puede hacer, pero es mejor tener algo de tiempo para conocer gente, ver algo y comer algo, porque hay tantos lugares hermosos para conocer.

Conocer gente, comer algo… No tener que pensar en el concierto cada segundo.

Sí, es una mejor manera de hacerlo.

¿Hay algún país en el que todavía no hayan tocado y en el que les gustaría tocar?

Japón sería un sueño. Ninguno de nosotros estuvo en Japón, así que sería increíble.

Sí. Para muchas bandas ese es el sueño, ese momento en el que piensan: “Lo logramos”.

Sí. Pero al principio nuestro sueño era poder tocar en el Sweden Rock Festival. Lo hicimos y después aparece el siguiente objetivo. Por ejemplo, poder ir a Estados Unidos, como hicimos hace un par de años. Era algo que nunca habrías imaginado. Lo mismo con México o Argentina, poder ir a esos lugares y que haya gente que vaya a verte es difícil de comprender.

Si lo piensas, somos solamente un grupo de tipos de una zona rural de Suecia. Vivimos en un pueblo muy pequeño, pero de alguna manera logramos llegar a otras personas con nuestra música.

Es bastante increíble cuando lo pensás. Terminás siendo escuchado por gente del otro lado del mundo.

Es algo que realmente aprecio. Estoy muy agradecido.

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Corregime si me equivoco. Creo que hace un par de semanas tuvieron un concierto en Alemania, según algo que leí en… No sé si conocés Setlist.fm, ahí leí que ese fue su primer concierto sin los disfraces.

Ah, sí.

¿Qué pasó con eso?

[Risas] Pasó algo. Tuvimos problemas muy grandes con la tecnología del escenario. Había tres bandas tocando y nada funcionaba para nosotros. Siempre hay mucha presión de tiempo para hacer la prueba de sonido y se suponía que todo tenía que funcionar, pero no funcionó. No funcionó nada. Entonces no hubo tiempo para cambiarnos de ropa. [Risas] 

Era como: o tocas ahora, o cancelas. Eso nos dijo el promotor, porque nosotros no éramos la banda principal, sino Opeth. Así que decidimos tocar en shorts, y lamentablemente mucha gente tuvo tantos problemas para entrar al lugar que no llegó a tiempo. Había una cola enorme afuera, lo sentimos mucho por eso.

No tenés que disculparte conmigo, fue en Alemania. Pero me gusta pensar en el escenario y, ya sé que es un cliché, compararlo con This Is Spın̈al Tap. [Risas] Al menos no tuvieron el problema del pequeño Stonehenge.

Sí. [Risas] Pero estas cosas pasan todo el tiempo, cuando estás de gira o tocando pasan cosas extrañas. Es un This Is Spın̈al Tap constante. También pasan cosas muy graciosas, al menos cuando las piensas después. En el momento no son graciosas, obviamente. Pero cuando pasa el tiempo y lo recuerdas, puede resultar bastante divertido.

Al menos no les pasó como a Kiss. No sé si conocés la historia, pero cuando Kiss tocó acá, creo que fue en 2009, Gene Simmons hizo ese número en el que vuela sobre el escenario y terminó quedándose en el medio. No sé qué falló en el cable o en la estructura que usa para volar sobre el escenario, pero terminó ahí, simplemente colgado.

[Risas] Pero supongo que también es divertido. En realidad, puede terminar formando parte del show, como algo especial que pasó solamente para la gente que estaba ahí.

Exactamente. Esa gente puede decir: “Yo vi a Hällas tocando en shorts, tratando de hacer todo ese espectáculo de rock de fantasía y aventura”.

Sí, nunca se suponía que eso pasara. Nunca habíamos hecho algo así.

Bueno, para terminar, ¿qué les gustaría decirles a las personas que van a ver a Hällas, principalmente en España, pero también en otros países? ¿Qué les dirías?

[Se queda pensando] Esta es la gira de este álbum y vamos a tocar la canción larga, por supuesto. Eso no podemos hacerlo en los festivales, por ejemplo, porque ocupa casi la mitad del tiempo que tenemos, pero ahora sí vamos a hacerlo. Esperamos ver a la mayor cantidad de gente posible. Probablemente pasen un par de años antes de que podamos volver, así que esperamos que puedan venir. Nunca hicimos conciertos como cabezas de cartel en España. Por supuesto, es diferente a tocar en un festival. Tenemos una mejor producción, mejores luces, sonido y elementos escénicos, es un mejor show. Entonces esperamos verlos allí.S

Gutalax han convertido sus conciertos en auténticas fiestas donde los moshpits, el humor escatológico y la cerveza forman parte del espectáculo. Tras más de una década llevando su particular propuesta por escenarios de todo el mundo, la banda checa mantiene intacta su filosofía: divertirse y hacer que el público también lo haga. Con su regreso a España en el horizonte, hablamos con ellos sobre música, humor, conciertos y, por supuesto, mucha mierda.

– Gutalax lleva años convirtiendo sus conciertos en auténticas fiestas de grindcore. ¿En qué momento os disteis cuenta de que el público había transformado vuestros conciertos en algo que iba mucho más allá de simplemente escuchar música?

¡Es increíble! ¡Nos encanta! Nuestros conciertos siempre son una gran fiesta de mierda y nuestros fans son quienes aportan la diversión, no nosotros. Los queremos a todos.

– Vuestra estética y vuestro sentido del humor son inmediatamente reconocibles, pero detrás de todo eso hay una banda que lleva más de una década trabajando en su música. ¿Creéis que a veces la gente presta demasiada atención al lado escatológico de Gutalax y pasa por alto el trabajo musical que hay detrás?

Sí, definitivamente algunas personas lo hacen, y puedo entenderlo. Pero no hay ningún problema con eso 🙂

– El público español parece tener una conexión especialmente fuerte con Gutalax. ¿Qué diferencias notáis entre tocar en España y hacerlo en otros países?

Nos encanta tocar en todas partes y nuestros conciertos son geniales en cualquier sitio. Los conciertos en España siempre han sido muy salvajes y nos encanta. Más cara a cara, más moshpits, ya sabéis 🙂

– El grindcore puede ser un género extremadamente agresivo, pero vosotros conseguís abordarlo desde una perspectiva muy festiva. ¿Era algo que buscabais deliberadamente desde el principio o surgió de manera natural?

Casi siempre surge de manera natural. Cada concierto es diferente y se convierte en una fiesta diferente.

– ¿Cómo ha cambiado Gutalax desde aquellos primeros años hasta la banda que sois hoy? ¿Hay algo de los primeros tiempos de Gutalax que echéis especialmente de menos?

Somos más viejos, más gordos, más borrachos, más vagos y olemos peor. Pero la pasión por hacer música sigue siendo la misma.

– Habéis conseguido convertir canciones y conceptos aparentemente absurdos en auténticos himnos dentro de la escena grindcore. ¿Cómo es el proceso creativo cuando partís de una idea que inicialmente puede parecer poco más que una broma?

También surge de manera natural. No hay ningún proceso. Y, ¿sabéis lo que decimos en la República Checa? “Toda broma esconde algo de verdad en lo más profundo”. Jajaja.

– Después de tantos años de giras, ¿qué es lo que todavía os sorprende de actuar ante un público que ya conoce tan bien vuestra propuesta?

Que sigamos tocando la misma mierda y la gente siga viniendo, jajaja.

– Habéis compartido cartel con bandas de muchos estilos diferentes. ¿Hay alguna banda con la que todavía no hayáis tocado y que os gustaría especialmente tener como compañera de gira?

Bandas de disco de los 80 y los 90. Definitivamente forman una parte importante de nuestra música y puedo imaginar que una gira con bandas como Rednex, Scooter, Aqua, 666 o Brooklyn Bounce funcionaría de puta madre, jajaja.

– En una época en la que muchas bandas tienen mucho cuidado a la hora de gestionar su imagen en redes sociales, vosotros habéis construido una identidad basada en no tomaros demasiado en serio. ¿Sentís que esa libertad es una parte importante de vuestra identidad?

Es necesario y también es la única manera en la que lo vamos a hacer. ¡Para siempre! No nos importa ninguna imagen, somos lo que somos (somos lo que cagamos, jajaja) y nunca cambiaremos solo por la “imagen”.

– ¿Qué expectativas tenéis para vuestra próxima gira por España?

Diversión, cervezas, paella, fiesta, conciertos increíbles con gente increíble… buen tiempo, jajaja.

Con casi tres décadas de trayectoria a sus espaldas, Eivør afronta una nueva etapa con la llegada de Tungl, un álbum en el que vuelve a explorar ese particular cruce entre tradición feroesa, folk, electrónica y sonidos de marcado carácter oscuro que ha convertido su propuesta en algo difícil de encasillar. El nuevo trabajo llega además acompañado de su incorporación a Nuclear Blast, un movimiento especialmente significativo para una artista que durante años ha defendido su independencia y una manera muy personal de entender la música. Aprovechando el inminente lanzamiento del disco y su próxima gira, hablamos con Eivør Pálsdóttir sobre esta nueva etapa, sus raíces, la conexión con públicos de todo tipo, su experiencia trabajando para videojuegos y series, la situación actual de la industria musical y, por supuesto, sobre esas canciones que adelantan un Tungl donde la oscuridad y la esperanza vuelven a encontrarse.

Buenas tardes, Eivør, gracias por concederme esta entrevista

Hola, gracias a ti, es un placer hablar con vosotros

Lo primero ¡enhorabuena! El lanzamiento de tu nuevo álbum (Tungl) es inminente y lo que he escuchado hasta el momento me parece espectacular: Tiene una temática preciosa y los singles son muy potentes, tanto musicalmente como estéticamente. Por favor, cuéntame un poco más sobre esta nueva etapa de Eivør y qué podemos encontrar el mes que viene en Tungl.

Gracias, sí ¿qué puedo decir? siempre es super ilusionante y también dan muchos nervios cuando un nuevo disco está a punto de salir. Aparecen todas las emociones. Y a veces me toma cierto tiempo y distancia para entender completamente lo que yo misma he creado: tengo que experimentarlo en directo y ver la reacción de la audiencia. De momento tengo un sentimiento muy positivo. He podido compartir con la gente algunas canciones este verano, las he tocado en directo, y me he sentido muy bien. Así que estoy llena de ilusión con esta nueva etapa que empieza a desarrollarse ahora.

Una nueva etapa en la que firmas con Nuclear Blast, una de las productoras más grandes de Metal actual… ¿qué supone para ti la entrada en esta discográfica? 

Pues significa mucho para mí. He estado trabajando de forma independiente muchos años y me he dicho siempre a mí misma que no firmaría por un sello salvo que sintiera que de verdad es una colaboración: que trabajara conmigo. No quiero una discográfica que quiera agarrar mi música y encasillarme en sus cajitas o etiquetas. Llevo haciendo música mucho tiempo como para hacer eso. Así que cuando me encontré con Nuclear Blast, me sentí muy feliz al comprobar su entusiasmo y su amor por mi música, por lo que estoy muy feliz de colaborar con ellos. Creo que compartimos la misma visión acerca de crear música. Obviamente no soy una artista de Metal, para nada, mi música tiene una mezcla de muchos estilos. Pero para mí es muy ilusionante estar en una firma de Metal, porque veo que los seguidores de la música metal ya están en mis conciertos, por algún motivo… es como un crossover: una mezcla de mundos, algo que considero muy bonito. Mi música también es así, por lo que trabajar con ellos resulta apropiado.

Desde luego tu música es muy única y seduce a todo tipo de público. De hecho te iba a preguntar si has notado algún cambio en la audiencia, pero en este caso a raíz de tu colaboración en bandas sonoras de series y videojuegos. Seguro que les has abierto los oídos a muchos gamers a nuevas músicas y nuevas sensibilidades. ¿Has notado su presencia en tus conciertos?

Sí. Totalmente he notado un cambio en mi público, sobre todo en los últimos 8 años. Cuando empecé haciendo música para “The last kingdom”, y después con “God of War” y fue increíble… Veía a gente en mis conciertos vestidos de vikingos o incluso de Kratos. También por supuesto hay gente con looks góticos y hasta abuelitas, abuelitos, niños, amantes del folk… una mezcla muy grande de personas muy diferentes y eso me emociona muchísimo: ver a personas de tan diferentes orígenes y contextos. Es increíble que la música pueda hacer eso, reunirles así. Es maravilloso.

No solo realizas una música única, sino que tus orígenes también lo son. Seguro que muchas personas se han sentido interesadas por el idioma y las tradiciones de las Islas Feroe debido a tu música. ¿Cómo se siente defender tu música en tu propio idioma por todo el mundo?, ¿o alguna vez has pensado: “todo sería más fácil cantando en inglés”?

Hace mucho tiempo, cuando empecé a hacer música ¡hace casi 30 años de mi primer álbum! Entonces cantaba en feroés porque estaba haciendo música inspirada en las tradiciones y el folk feroés. Pero no pensaba que eso fuera a interesar a mucha gente fuera de las Islas Feroe. Así que cuando salí a cantar fuera, sí que pensé “vaya: voy a tener que cantar en inglés a partir de ahora”. Pero entonces vi que la gente era capaz de conectar conmigo casi igual de bien si cantaba en mi propia lengua. Así aprendí que la música no siempre es “entender cada palabra” sino más bien “entender el sentimiento”, y la audiencia es inteligente y tiene empatía, puede entender los sentimientos de alguien que canta en otro idioma. Así aprendí que la música es un idioma universal de verdad.

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Las tres canciones que has sacado hasta el momento (“Walls”, “Healer” y “Dragon Maiden”) me gustan muchísimo, y al escucharlas me trasmiten “esperanza”, cada una a su manera son oscuras pero a la vez esconden luz y mucha fortaleza ¿estoy acertando?, ¿cómo las describirías tú?

¿Sabes qué? me hace muy feliz que me digas esto, porque acabo de hacer otra entrevista y me han dicho que mi álbum les parecía súper oscuro y he pensado: “¿en serio? Para mí no es tan oscuro”. Para mí este álbum, que sé que es duro en sus líneas de bajo y batería, y que tiene un sabor oscuro… pero como tú has dicho, para mí tiene mucha esperanza y coraje. Para mí tiene un mensaje muy fuerte relativo a que debemos creer en que las cosas al final se colocan en su sitio y que siempre sanamos después de rompernos. En mi música es muy importante el contraste: la oscuridad y la luz, y cómo bailan entre sí. Y también en las letras que escribo existe ese contraste, por lo que diría que sí has acertado. 

¿Cuánto hay de mitología y tradición feroesa y cuánto hay de fantasía e introspección en estas canciones?

No estoy segura. Es siempre una mezcla de muchas cosas. No es que siempre escriba sobre mí misma ni mi vida, pero sí que todo suele empezar con un sentimiento propio, una idea o un recuerdo que tengo dentro y que me da la idea de la canción para empezar… pero luego esto crece y nunca se sabe qué camino va a recorrer. A veces recojo inspiración de muchas otras cosas. Pero en general todo empieza con un sentimiento propio o bien con algo que sucede a mi alrededor. O que sucede en el mundo, y que me inspira. 

Por cierto que llevas toda la vida en el mundo de la música, desde que eras casi una niña: ¿qué opinas del actual estado de la industria?, ¿son buenos o malos tiempos para la música?

Un poco las dos cosas a la vez. Los músicos estamos un poco en el medio de ninguna parte ahora mismo. Entonces tenemos el tema de la IA, que es terrible: nos está robando la identidad. Nos roban la música y la copian en todas partes, sin esfuerzo. Y eso da mucho miedo, cuando has trabajado toda tu vida en este área y de repente alguien puede hacer una canción parecida a la tuya en segundos con la IA.

Por su parte, la industria musical está siempre cambiando y te digo la verdad: nunca he sido muy buena navegando en ella. Siempre me ha asustado un poco y he querido mantenerme un poco alejada de la industria. Me gusta hacer las cosas a mi manera. Así que no sé… pero en cuanto a sensaciones, es cierto que no me parece un buen momento para las artes ahora mismo… Pero hay que hacerlas. ¡Me moriría si no lo hiciera! Si eres un alma creativa tienes que crear. Es así. Para los artistas es más importante que nunca ser auténticos, y amar de verdad a su público. Y yo realmente amo a mis fans, a la audiencia: me apoyan, vienen a verme a mis conciertos ¡no puedo pedir más! Es lo más precioso de mi vida.

Y eso es algo que la IA no puede hacer: salir al escenario y conectar con la gente en vivo.

Cierto. Cuando la gente se reúne, hay algo mágico. Cuando la música encuentra a su público, es el mejor regalo para un artista.

Y eso es justo lo que vas a hacer muy pronto: has anunciado un tour muy largo y generoso, siendo tú una artista que además trabaja muy duro sobre el escenario ¿cómo te preparas para un tour así? ¿Y qué podemos esperar de este nuevo tour?

Pues, ahora mismo aún estoy saliendo de la burbuja creativa que supone grabar un nuevo disco. Y a la vez he estado actuando en festivales todo el verano. Así que justo ahora me toca mentalizarme para estar de viaje cinco semanas para el tour, para actuar y compartir la música con la gente. He estado ensayando con mi banda, hemos ensayado varias de las nuevas canciones, y sobre todo ahora estoy tratando de reunir mi energía, toda la chispa que pueda sumar, para subir al escenario y compartir todo eso. Me hace mucha ilusión ir de gira. Es muy distinto actuar en vivo que en el estudio. En el estudio es un ejercicio de introspección, estás dentro de ti misma, y luego en el escenario liberas todo lo que tienes dentro, es muy distinto, y me encantan ambas facetas de la música.

Sí que lamento un poco algo y es que no he visto España en tu anuncio de la gira, ¿Podremos verte por aquí en un futuro próximo? Porfa dí que sí.

Sí, estoy segura de que voy a ir a España muy pronto. Siento que no esté ya agendado en la gira. Sé que no he ido mucho por España hasta ahora, pero últimamente he sido tan afortunada de poder hacer unos pocos conciertos allí hace poco y ha sido genial. Quiero volver muy pronto y seguro que lo voy a hacer. Sin ninguna duda.

Espero que lo hagas, me encantaría verte en directo. De momento aguantaré viendo tus videoclips, que son espectaculares y tengo una pregunta quizás un poco rara que hacerte, ya que proviene de mi peque: tengo un peque de 5 años y le encanta tu música. Cree que eres encantadora y le fascina tu voz. Pero quiere que te pregunte sobre el videoclip de “Dragon Maiden”. Le parece preciosa tu actuación, el paisaje, todo… pero no entiende por qué aparece tu rostro multiplicado en cinco rostros en el estribillo, así que he pensado en preguntarte sobre ello y en general la simbología de este vídeo tan bello.

Wow, qué emoción que le guste a tu peque y qué pregunta tan interesante: se ve que es muy inteligente. Los cinco rostros, se suponen que representan un espejo que te ayuda a adentrarte más en ti misma. Porque esta canción va sobre encontrar la fuerza en uno mismo. Cuando estás mal puedes buscar en tu interior y llamar a tu propia dama del dragón, y ella vendrá con sus alas de fuego a darte su fuerza. Así que estas cinco caras son el espejo y la manera en que están situadas, un poco en triángulo, tienen que ver con la tierra, con una montaña, con afirmarse sobre la tierra y recuperar tu fuerza. Espero que a tu peque le guste la respuesta.

Es maravillosa la respuesta. Ya casi hemos terminado ¿hay algo más que te gustaría decir a tus seguidores en esta nueva etapa?

Sí, me encantaría decirles a mis seguidores en general y también en España que estoy muy agradecida de que me escuchen y sigan mi música. Que me gustaría visitarles pronto y encontrarnos pronto para compartir la música. Y darles las gracias a todos por estar ahí y por su apoyo.

Muchas gracias a ti. Enhorabuena y mucho éxito.

Será un género basado en la negatividad y la oscuridad, pero el black metal depresivo sí que ha logrado unir a la gente a pesar de la distancia e incluso del tiempo. Un ejemplo de ello es In Luna, un proyecto que reúne al multi instrumentista chileno Aukka y al cantante Uruksoth, español de nacimiento y radicado en Alemania, que editara su primer material como parte de un split con otras tres bandas del estilo y más tarde lanzara su debut Forgotten Lives. A más de diez años de la salida de ambos, en octubre tendremos The Architecture of Negativity, el esperado segundo álbum de este dúo, el cual ahora incluye la presencia de dos músicos de sesión salidos de un par de las bandas de black metal más trascendentes de la actualidad. Hablamos con Uruksoth al respecto de este material, el futuro (o no) de la banda, y el mundo del DSBM y el post metal.

—Cuando me llegó la el mensaje acerca de que la banda estaba disponible para entrevistas y dije, “Ah, sí, una una banda de una banda de black depresivo. Yo conozco del género, obviamente, pero esperaba entre las sombras, francamente esperaba que estuvieras así dentro de las sombras todo, porque ya me pasó con un músico de Alemania que estaba entre las sombras.

[Risas] Sí, tanto Aukka como yo somos gente normal que te puedes encontrar en la calle en cualquier día, entonces tenemos la imagen de nuestro día a día. Luego, vale, somos más introspectivos en lo que es la música, pero somos gente normal y corriente.

—¿Cómo viene todo últimamente? Están presentando un nuevo disco después de más de una década sin material nuevo. Quiero mencionar que estaba buscando alguna entrevista de la banda y creo que había encontré una en un blog en inglés, no recuerdo ahora.

La verdad es que nos han hecho muy pocas entrevistas, yo creo que dos, tres o una cosa así.

—Ah, bueno, entonces tengo el privilegio de ser uno de los primeros ¿Cómo viene todo? ¿Cómo viene la promoción de este nuevo disco que saldrá en octubre?

Ahora dentro de nada, a la vuelta de la esquina, con Talheim Records, un sello ubicado en Austria y también tiene su sede en Alemania. Y nada, pues la verdad es que deseando tanto Aukka como yo, deseando ver un poco qué le parece la recepción de la gente. Somos una banda muy underground, no tenemos tanto un gran público, y nosotros perfectos con eso porque esa es la lógica que siempre llevamos, o sea ser un grupo underground, pero con ganas de ver. Después de tantos años que sacamos tanto nuestro debut como poco tiempo después, en el mismo año, también un split con dos temas, y la verdad es que tuvimos una buena acogida y tenemos ganas de mostrar el nuevo material a la gente a ver qué le parece.

—Este estilo es under incluso en el mundo del black metal, no es un estilo que se suponga que tenga que estar tocado en estadios ni nada de eso, al menos hasta cierto punto, obviamente.

Exacto, yo pienso igual.

—Estoy metido, no super metido pero estoy, en el mundo de este tipo de black metal desde hace un tiempo, desde la época en la que visitaba blogs en Blogspot para leer reseñas, y siento que hay una tendencia con este tipo de bandas de sacar un LP, un EP o un demo y después desaparecer como por diez años sin que estén oficialmente separadas. Creo que un ejemplo sería In Luna, desde que sacaron ese material en 2015…

Sí, el disco split.

—El split con Psychonaut 4, Vanhelga y Ofdryyka, después tuvieron el disco y listo. ¿Qué como qué onda durante todo ese tiempo? ¿Simplemente no se sintieron con ganas?

Es un cúmulo, un poco de todo. In Luna nació y lo concebimos y lo hemos lo hemos hecho en este tiempo. Es un proyecto de estudio, que no lo ideamos para sacar cosas cada x años. No teníamos esa necesidad, queríamos hacer una música que nos representase, con unas letras también acordes con ello y no hemos tenido tampoco la necesidad de contar más hasta hace unos años que hemos decidido retomarlo. Como te digo, es un proyecto de estudio, aunque en una ocasión hemos dado un único concierto…

—Primer y único recital,

¡Sí! Además, In Luna es un grupo más paralelo a lo que son o han sido nuestros otros proyectos, de metal extremo también pero de otras vertientes, y lo hemos tenido más aparcado. No terminado, sino aparcado en todos estos años pues eso no teníamos la necesidad de grabar algo por grabar, sino cuando ha sido el momento indicado, que nos ha aparecido ya pues ahora nos apetece.

—Es una expresión del momento, ¿no?

Sí, se podría decir.

—Es personal y es para el momento, no es para decir: “Bueno, ya sacamos el EP, ya sacamos este disco, ahora vamos a hacer eso de vuelta”. No es para forzarse.

Exacto. Además, ya te digo: hemos estado todo este tiempo trabajando en otros grupos, en otros proyectos. También la vida personal, ¿sabes? Te vas haciendo mayor, tampoco tienes el mismo tiempo que hace 10 años, 20 años, ya sabes cómo va.

—Cuando dije lo de las bandas de black que sacan material y después desaparecen como por diez años, iba a mencionar a Thy Light, el grupo brasileño. Me lo había anotado y después vi que Aukka había participado en la remasterización del primer disco de Thy Light, así que coincidencia.

Thy Light es un grupo que me encanta. Eh, Paolo y yo hemos hablado durante años a través de Facebook y tal y bueno, nos podemos conocer hace unos cuantos años porque él se vino a Europa a vivir desde Brasil y es una persona excepcional.

—¿Qué los llevó a volver? O sea, lo describiste como una cosa del momento, como una cosa de simplemente tener como el impulso de sacar nueva música que algo específico que que los llevó a decir “Tenemos que sacar nuevo material con In Luna”, como que la ocasión, el clima, está para un nuevo de In Luna.

No sé cómo decirte, surgió de una forma totalmente natural. Aukka y yo hablábamos, éramos amigos, lógicamente, y hubo un momento, en 2018 más o menos, en que Aukka ya tenía composiciones nuevas en formato demo que había ido grabando, recopilando ideas. Yo también había empezado a escribir algunas letras, y justo fue el momento adecuado para unir todo.

—Simplemente dijeron: “Ah, todas las piezas se están uniendo”.

Exacto, todo encaja y ahora nos apetece volver a grabar algo nuevo.

—Cuando vi el disco y vi que en el reproductor me aparecían cuatro canciones y dije, “Ah, sí, es como un EP”. Y después vi que todo el álbum duraba 36 minutos.

Sí, sí, sí. Salvo una que andará por los seis minutos, casi siete, el resto son canciones largas, con mucho proceso, mucha atmósfera…

—Mucho momento acústico de la nada, con ese contraste clásico entre ruido y calma…

Entre el caos y más calma, más melancolía. A Aukka, en concreto, le gusta crear esas atmósferas que vayan subiendo y bajando.

—Sí, sí. El caos y la calma contrastan y se magnifican uno a otro.

Exacto.

—Entonces, eh con los lanzamientos anteriores de In Luna ustedes tenían baterías programadas, pero en este The Architecture of Negativity tienen no uno, sino dos músicos acompañándolos.

Sí, son dos músicos de sesión, no pertenecen a In Luna como tal, pero han sido músicos de sesión en la grabación del álbum, músicos de estudio.

Por un lado tenemos a Diego Mota. Se le puede conocer por Gaerea y está a las baterías, como digo. Y luego, por otro lado, está Deimos AF, que es un amigo mío de toda la vida de aquí, de la escena de España, de la escena de Cantabria, de donde somos. Es una persona mítica en el black metal de allí. Hemos tocado también juntos en otra banda.

Le gusta mucho Luna y, nada, comentando un día dice: “Ay, pues podría yo grabaros el bajo”. Lo había grabado Aukka siempre, pero bueno, es un bajista fenomenal, guitarrista también, pero bajista fenomenal. Y nada, lo comenté con Aukka y directamente entró a formar parte de la grabación de este disco.

—Con los otros discos con Aukka encargándose de todos los instrumentos, y en este disco teniendo dos músicos haciendo lo suyo, ¿crees que hubo algún cambio en la dinámica al momento de hacer el disco? ¿Cómo cambia la manera de trabajar ahí?

Bueno, lo más notable, por supuesto, es la batería al ser una batería real. Nosotros estamos contentos con lo que ya hicimos en el primer disco y en el split con la batería electrónica, programada, que para el momento estuvo bien. Pero queríamos dar un paso más en nuestro sonido y contar con una batería real y, lógicamente, humana, para el sonido.

—Se nota, por supuesto.

Sí, sí, sí. Y Diego Mota, aparte de ser batería de Gaerea, es músico de sesión, es parte de su trabajo. Contar con él ha sido un lujo porque es un batería increíble, la verdad, y ha aportado mucha potencia a este disco con sus ideas.

Y por la parte del bajo, Deimos también es una persona súper experimentada. Lleva tocando desde mediados o principios de los noventas y, sumada a su experiencia en el bajo, también ha aportado muy buenas ideas al sonido.

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—Estaba escuchando mucho el disco junto y me gustó mucho. Tal cual como lo describiste, con ese contraste entre caos y calma. También me vino el documento con las letras de la banda y quería hablar un poco acerca de eso porque, por lo que entendí, vos sos el encargado de las letras, ¿no?

Sí, de la parte lírica.

—Y la idea del black depresivo, como quieran llamarlo, obviamente nos da una idea de las letras de la banda. Pero siempre me pareció que es un género bastante más amplio de lo que uno pensaría con ese nombre, porque tenés las bandas que van por esa estética de “venas cortadas en el baño”, y creo que In Luna va más por un lado de, no sé, desolación urbana, creo que sería.

Sí, sobre todo en el primer disco y en el split. También eran dos canciones, una de ellas iría más por un tema así, pero también es algo muy introspectivo, las vivencias de cada persona en el mundo, que puede estar un poco al límite.

No tanto como has mencionado tú, por ejemplo, de muchas bandas que tratan temas como el suicidio en concreto, automutilación, etcétera. Nosotros no tocamos esos temas, vamos por una línea quizás a veces más poética, más metafórica en las letras, otras veces más cruda, por así decirlo, en la forma de expresarlo.

Tocamos temas un poco más personales, más ahondando en la negatividad del ser humano. Un poco iría por ahí el asunto. No son temas que hayamos inventado nosotros para nada. Ya hay miles de bandas que abordan temas de ese tipo.

—Más un estado de la mente que algún tipo de acto físico.

Exacto.

—Mencionabas los discos anteriores y una cosa que había es que años atrás tenían un track que se llamaba “The Grey Manifiesto”, donde una parte estaba la frase “música gris para gente gris”.

Sí, sí, sí. Eh, bueno, The Great Manifest es una intro más que un tema y sí, y la frase es un poco también homenaje a la mítica frase de Morbid Angel: “Extreme music for extreme people”. Y nosotros la adaptamos a pues a nuestro rollo, a nuestra temática, poniendo pues esa etiqueta de ”Grey Music for Grey People”.

—El gris es un color que aparece bastante seguido en las letras de In Luna.

Sí, es un concepto porque ahí está el gris entre el negro y el blanco. No es ni una cosa ni la otra, no es ni la luz ni la oscuridad.

—Sí, porque el negro es el color relacionado con el black metal. Literalmente está en el nombre. El blanco, bueno, al metal cristiano lo llamaban en ese momento “white metal”.

[Risas] Sí, es verdad.

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—Yo tengo amigos que no están muy metidos en el heavy metal y a veces les cuento cosas de hablar con bandas y todo eso, y les tengo que explicar que el black depresivo y el post son géneros de verdad, que estoy hablando en serio y no es un invento mío, porque parecen esas parodias cuando agarran y dicen que hay 700 millones de géneros de metal y quieren armar como alguna cosa nueva, y tengo que explicarles que esos son géneros de verdad, que tienen escenas propias y todo. ¿Sentís a veces que incluso dentro del black metal, bandas como In Luna y grupos afines son como una burbuja aparte, un mundillo dentro del mundo del black metal?

Pero yo creo que es así, por lo menos en cualquier estilo o subestilo del metal extremo. Incluso me imagino que también pasa en grupos de heavy metal, de thrash metal, que no sea metal extremo en general. Pero es como te había comentado al principio de la entrevista, entre lo que es más underground y la música más mainstream.

Yo creo que el depressive black metal ya tiene, desde hace muchísimos años, su nicho de seguidores y fans de esta música. El post black metal también tiene su nicho. Es como todo, porque también podrías hacer la misma pregunta sobre el pagan black metal, el atmospheric black metal o cualquier otro subgénero derivado del black metal, del death metal o del doom.

Yo creo que es lo que te digo, que ya no es eso, sino que es más underground, para unos oyentes más concretos que les gusta más investigar o descubrir algún grupo que no sea conocido, para ver qué tal está su música, etcétera. Es, vamos, es una opinión subjetiva, vamos.

—Una cosa que me llama la atención es que no tenés problema con etiquetas como post black metal. Lo menciono porque muchos músicos le tienen miedo a ese tipo de etiquetas y dicen: “No, nosotros no nos definimos como una banda de black depresivo, post black metal, metal atmosférico ni nada. No somos una banda de black metal y punto, o una banda de metal y punto. No hacemos ese tipo de música, hacemos nuestra música y punto”. Pero vos no tenés problema con ese tipo de etiquetas.

No, nosotros no tenemos problema con definir nuestra música dentro de unos parámetros, como puede ser black metal atmosférico, depressive, lo que sea. Ya le das una referencia a la persona que esté investigando bandas en Encyclopaedia Metallum, por ejemplo. Si está buscando bandas de determinado estilo, puede encontrar la nuestra y decir: “Mira, esta banda es de black metal, me interesa”. O puede encontrar otra de otro tipo de black metal que no le llame tanto la atención.

Además, somos una mezcla de depressive black metal y post black metal, porque tenemos elementos más modernos, alguna parte de shoegaze, black metal, ¿sabes? Entonces somos un poco esa amalgama entre lo atmosférico, el blackgaze, que también se le llama, y el black metal. También tenemos partes de un black metal más tradicional.

—¿Cómo definirías la diferencia fundamental con un grupo de black metal tradicional? Nosotros sabemos a qué nos referimos con black metal tradicional, ya conocemos todas las bandas con corpse paint. Obviamente, hay bandas de post black metal que también lo utilizan, pero me refiero a ese tipo de grupos, esa onda más, no sé cómo definirla, más de la escena noruega y todo ese tipo de grupos. ¿Cuál creés que es la diferencia?

Sí, con black metal más ortodoxo, digamos.

— Black metal ortodoxo, digamos. ¿Cuál considerarías que es la diferencia fundamental o si hay alguna específica?

Me imagino que sea, por ejemplo, que en el post black metal experimentas un poco más con otros sonidos, a veces fuera de lo que es el espectro del black metal como tal. Puedes agregar alguna parte de post metal, post rock, cosas que no irían dentro de la senda prefijada del black metal ortodoxo que me has preguntado.

El black metal ortodoxo tendría unos sonidos más clásicos, más noventeros, de principios y mediados de los noventas, con la primera y la segunda ola del black metal. También esos primeros grupos de black metal tenían muchos toques más épicos como, por ejemplo, Enslaved, unos clásicos que luego han seguido y se han puesto más de black progresivo, una cosa así.

Pero, lógicamente, el post black metal tiene sonidos de black metal, como su nombre indica, pero no tan arraigados a esa música de los años noventas, de principios y mediados de los noventas, que es lo que yo caracterizaría como más propio del black metal ortodoxo. Aunque después, ahora y también en el futuro, van a seguir saliendo grupos nuevos con ese sonido de black metal más ortodoxo, pero más abiertos a incorporar influencias.

—Mencionaste géneros como el shoegaze, y me llama la atención pensar que esa escena y la escena del black metal se estaban desarrollando a la par, pero no creo que nadie en su momento se imaginara que podían cruzarse.

Ya lleva muchos años, pero te pones a pensar que a finales de los años noventas, por ejemplo, por ponerte más o menos una fecha, una parte del black metal iba a derivar hacia esos sonidos y tal. No lo habías pensado nunca, y es una cosa positiva porque tenés otra parte de la música que te gusta, que puedes investigar y que te puede llamar la atención. Si te gusta ese otro tipo de black metal, pues mejor que mejor. Para la gente a la que nos gusta la música, fue un descubrimiento, como ha pasado con otros estilos o subestilos.

—¿Qué planes tienen a futuro con In Luna? Obviamente recitales no, porque no es una banda para eso. Pero, ¿qué planes tienen a futuro? ¿Tienen algún algún plan a futuro con In Luna?

No, no tenemos nada pensado, la verdad, porque ahora mismo va a salir el nuevo disco y, en realidad, no es como nos ha pasado la vez anterior. Ya veremos si en unos años grabamos alguna otra cosa o no, o si es el último capítulo. El tiempo lo dirá, según vaya surgiendo.

Ahora estamos muy contentos con lo que hemos grabado y también nos centramos en otros proyectos y bandas que tenemos. Pero, por ahora, el tiempo lo dirá.

—Sobre todo vos, que vi el currículum en Metal Archives y eran cuatro millones de bandas en las que participaste.

¡Son bastantes, sí! Llevo tocando desde el año 98, o sea, que son bastantes años y he estado en un buen número de bandas. Me gustan muchos estilos de metal extremo y he tenido la suerte de estar en bandas de diferentes estilos de metal extremo que me permiten expresarme tanto a nivel vocal, porque me encanta lógicamente cantar, como a nivel lírico, en diferentes aspectos, letras, etcétera.

—Como para cerrar, ¿qué querrías decirles a nuestros lectores, a la gente que va a escuchar este nuevo disco de In Luna? A la gente que pueda interesarse en escuchar el nuevo disco de In Luna a partir de leernos, ¿qué querrías decirles?

Pues que entren a escuchar el nuevo disco nuestro de In Luna, The Architecture of Negativity, como si fuese un viaje. Las cuatro canciones son como un viaje en el cual todo es oscuridad. Es un viaje que habla sobre la depresión, la ansiedad, la pérdida y la negatividad que puede tener cada persona en su interior.

Quizás no sea un viaje fácil, pero que entren en él.