Con motivo del lanzamiento de su disco debut, nos reunimos con los chicos de Kubika para que nos cuenten toda la actualidad de la banda y alguna curiosidad más.

– ¿Cómo afrontáis la salida de Disorders y cómo ha sido el proceso de grabación del mismo?

Kubika: La salida de Disorders la hemos vivido muy intensamente, ha sido un día muy especial para nosotros. Teníamos muchas ganas de que este trabajo viera la luz en su totalidad y que pudiéramos hacer llegar al público todos los lados, aristas y vértices de este disco, Disorders, donde nos hemos volcado todos y cada uno de los componentes de Kubika. Ahora que el disco está en la calle, podemos decir que cerramos un capítulo y pasamos al siguiente.

Respecto al proceso de grabación, todos los temas han sido minuciosamente trabajados antes de entrar al estudio, para comenzar el proceso con toda la parte instrumental y vocal perfectamente clara. Las guitarras y el bajo se grabaron en MadRubik Studio. Estas pistas se enviaron a Alex Cappa, de Metropol Studios, que terminó de grabar batería y voces, y se encargó también de la mezcla y el máster.

–Beka, tu manera de cantar es especialmente llamativa y te diferencia de otras compañeras de la escena, cuáles son las personas que te inspiraron a ponerte delante de un micrófono) y ?Que bandas han influenciado a Kubika a la hora de plasmar su sonido?

Beka: Muchas gracias, agradecemos tus palabras . Tal vez mi voz y forma de cantar sea distinta precisamente porque nunca he perseguido seguir un patrón o fijarme especialmente en la forma de cantar de nadie. Soy yo al natural aunque, por supuesto, he tenido mis reinas, y muy distintas. Entre ellas podemos destacar a Wendy O Williams, Tina Turner, Angela Gossow, Amy Winehouse, Gloria Gaynor, Tatiana Shmaylyuk …

Kubika: Todos los miembros de Kubika tenemos influencias artísticas muy diferentes, que quedan plasmadas en nuestra forma de componer e interpretar la música. Si nos centramos en el sonido del grupo, el peso de la guitarra es prominente, con un sonido inspirado en bandas como Slipknot, Machine Head o Lamb Of God, entre otras.

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– ¿Cómo ha sido la composición de las letras, ya que personalmente creo que es uno de los puntos fuertes del álbum?

Ha sido un proceso bastante complicado debido a la temática que hemos abordado en el disco, pues escribir acerca de ello requiere un alto grado de empatía que te permita explorar una gran variedad de emociones, con la idea de intentar acercarse, aunque sea un poco, a lo que podría llegar a sentir alguien en una situación así. Por supuesto, con un enfoque lo más respetuoso posible, para no herir la sensibilidad de nadie y, sin embargo, poner sobre la mesa un problema que, más allá de la patología, tiene una dimensión social que afecta a muchas personas, y a sus familias.

–Beka compartes sello discográfico con Hynphernia de Death & Legacy ¿Te ves colaborando con ella o que ella colabore con Kubika en algún momento?

Beka: Ya he colaborado con Cintia en directo, cantando una canción con su banda durante una gira de cinco días. ¡Fue muy divertido!. Así que, si se propone en algún momento, por nuestra parte estaríamos encantados y sería fácil de cuadrar.

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– ¿Cuáles son los planes para la banda en lo que queda de 2026 y que podemos esperar de vosotros a nivel gira nacional?

De momento, tenemos muchas ganas de llevar nuestro disco al directo, esa es nuestra prioridad ahora. Tampoco queremos dejar de lado la composición de nuevos temas, así que trataremos de sacar tiempo para la parte creativa, la cual también nos encanta.

Respecto a una gira nacional, solo podemos ofrecer algunas fechas confirmadas, pero seguimos trabajando en cerrar más. Hasta la fecha, estaremos en:

16 de Mayo en Amayuelas de Abajo (Palencia). Festival Semilla Rock.

12 de Septiembre en Madrid, sala Siroco.

19 de Diciembre en Badalona, en Bloody Fest.

– Si tuvierais que girar con alguna banda internacional, ¿Cuál sería la soñada por toda la banda?

Como mencionamos anteriormente, cada miembro tiene diversas influencias e ilusiones, así que ponerse de acuerdo en una sola banda ha sido imposible.

Por eso, vamos a decir unas cuantas:

Beka: Me haría una especial ilusión girar con Jinjer!

Alex: Sería una auténtica pasada poder girar con Dream Theater o con Slipknot!

Berni: Un sueño hecho realidad sería girar con Tool.

Gonza: Me encantaría girar alguna vez con Tesseract o con Gojira.

Crystal Lake está de vuelta con nueva música, nueva energía y una nueva etapa. Tras el lanzamiento de su último álbum el pasado viernes, hablamos con John Robert C., el nuevo vocalista de la banda, sobre su entrada en el grupo, el proceso creativo del disco, las colaboraciones, la reacción de los fans y cómo es formar parte de una banda japonesa siendo de Brooklyn. También hablamos sobre la próxima gira europea con parada en España y sobre cómo compagina su vida como cantante con la de padre.

Quería preguntarte: es el primer disco completo que haces con la banda, si no me equivoco.

Sí.

¿Cuál fue el enfoque para vosotros con esta nueva formación y cómo presentarse al al mundo del metalcore? ¿Cómo empezásteis con esto?

No creo que su mentalidad haya cambiado con mi entrada en la banda. Creo que yo me he adaptado al camino que ellos ya tenían. Y creo que eso es algo bueno. No estamos intentando cambiar lo que es Crystal Lake. Como siempre, la idea es transmitir emoción feroz, ya sea algo emocional desde el corazón, o que quieras hacer mosh, o hacer headbang, lo que sea. Ese siempre es nuestro enfoque: la emoción. Incluso si la banda insiste en algo, si no puedes tocar perfecto, al menos transmite algo. Todo gira alrededor de la emoción.

Eso es genial, porque es exactamente lo que sentí escuchando el álbum. Hay algunas diferencias entre el anterior cantante, Ryo, y tú, pero siento la misma energía.

Todo está quizá un poco más pulido, pero sigue estando la emoción. Creo que esa es la palabra perfecta para describir a Crystal Lake. Puedes sentir muchos tipos de emociones: rabia, belleza, tristeza… todo.

Relacionado con el álbum, tienen colaboraciones increíbles. Jesse Leach, Taylor Barber de Left to Suffer, que es un cantante brutal, y David de Signs of the Swarm. ¿Teníais todo esto planeado desde el principio?

Desde que entré en la banda he estado diciendo que teníamos que hacer colaboraciones con David, Carl y Taylor. Lo repetí muchas veces. Revisamos nuestras listas de amigos: YD, Mitsuru, Gaku, TJ y yo. Pensamos en quién sería un gran cantante y quién querría participar.

Hablamos con todos nuestros amigos casi al mismo tiempo. Y resultó que llevábamos mucho tiempo hablando de estas personas. Tener a alguien como Mike Terry en nuestro álbum es increíble porque lo conozco desde hace mucho. Conozco a Taylor desde hace años, también a David. Es genial poder trabajar con amigos y también crear nuevas conexiones con cantantes legendarios como Carl y Jesse.

Intento modelar la forma en la que transmito emociones inspirado en Jesse Leach. Él suena como si se estuviera muriendo cuando canta. Suena como si estuviera en llamas. Su voz está llena de emoción. Y en cuanto a letras, Carl es una inspiración enorme para mí. Misery Signals es una de las bandas underground más importantes y sus letras son muy emocionales, muy inteligentes. Me encanta eso.

Hacer lo que amas con amigos debe ser increíble, especialmente con música. ¿Cómo estáis recibiendo la reacción del público? He visto muchas opiniones positivas sobre el álbum.

Sí, definitivamente he visto positividad, lo cual es genial. Los únicos comentarios negativos que veo parecen venir de gente que no quiere que el álbum sea bueno. No es que realmente no les guste, sino que sienten que “no debería ser bueno”.

En otras bandas he recibido críticas negativas y podía entenderlas. Pero ahora, cuando leo comentarios negativos, siento que simplemente están llorando. Estoy sintiendo el apoyo positivo. Sabremos mejor cómo funcionó el álbum después la gira con Miss May I. Si a la gente realmente le gusta, mantendrá las luces de mi casa encendidas. Si no, las apagaremos.

Quiero decirte algo: lo que hiciste es increíble. Entrar en Crystal Lake, una banda enorme de Japón, no es fácil.

Gracias.

La banda lleva activa desde 2002 o 2003, si no me equivoco.

Sí, es una locura. Mucho tiempo.

Creo que mucha gente esperaba que fallaras. Como: “¿Será capaz de llenar los zapatos de Ryo?”

Sí, la gente quiere que falles. Pero también entiendo esa reacción. A mí mismo me pasa cuando una banda cambia de cantante. Muchas veces pienso: “El antiguo era mejor”. Soy el primero que dice eso sobre otras bandas.

También eres padre, ¿no?

Sí. Soy padre a tiempo completo y cantante a tiempo completo. Cuando me voy de gira dejo a mi pareja con nuestro hijo, tres gatos, una casa y dos coches. Y le digo: “Nos vemos en unos meses”.

Ser padre es más difícil que ser cantante, pero también es más divertido. Me encanta ser padre. Corro por la casa, juego con mi hijo. Mi chica odia cuando estoy corriendo y gritando por la casa, pero yo lo adoro.

Vais a venir de gira por Europa pronto. Estaréis en España en marzo con Miss May I, The Great American Ghost y Diesect. ¿Cómo os sentís con esta gira?

Me encanta tocar en España. Estoy muy emocionado de tocar en salas cerradas, me gustan los festivales, pero en una sala pequeña puedes interactuar con el público. Puedes sacar el micrófono y hacer que toda la sala grite. En festivales grandes eso no funciona igual.

La sala en Barcelona tiene unas 800 personas. Es un tamaño perfecto.

Sí, me encantan las salas pequeñas.

Quería preguntarte también por el tema cultural. Tú eres de Brooklyn y te uniste a una banda japonesa. Es una diferencia cultural enorme. ¿Cómo lo manejaste?

Intento adaptarme, igual que ellos cuando vienen aquí. No hablo japonés lo suficiente para tener conversaciones largas. Mis compañeros hablan inglés, pero en Japón a veces estoy en una mesa con gente y simplemente me quedo callado. Aprender un idioma es difícil con mi vida: giras, ser padre, trabajar. Pero me adapto al ambiente. Aunque no hablemos mucho, puedo sentir la vibra y pasarlo bien. Tengo amigos japoneses que apenas hablan inglés, pero aun así somos buenos amigos.

Cuanto más tiempo pasas allí, más aprecias su cultura.

Por ejemplo, algo que me encanta es cómo usan las escaleras mecánicas. La gente se pone a un lado para que los demás puedan pasar. En Estados Unidos la gente se queda en medio con la mochila y nadie puede pasar. Son pequeñas cosas culturales. También me gusta mucho su etiqueta en los restaurantes. Tienen una frase para agradecer la comida al terminar. Es algo muy bonito.

Recuerdo la primera vez que llegué a Japón. Bajé por una escalera mecánica y me quedé en medio con mi maleta. Me dijeron inmediatamente que me apartara a un lado. Luego vi a todo el mundo haciendo fila para el tren y pensé: “Ok… esto va a ser muy diferente”.

Imagínate cómo es para ellos. Durante 24 años la banda era solo japonesa y de repente aparece un italiano-americano de Brooklyn.

Soy como un niño dibujando en las paredes con un rotulador dentro del grupo. Incluso me han corregido cómo dejar los palillos en la mesa. En Japón no puedes dejar los palillos clavados en la comida porque eso se hace en ceremonias funerarias. Así que a veces estoy solo intentando comer ramen y alguien me corrige cómo dejo los palillos. Pero así es la cultura. Para ellos es natural.

Para mí también hay cosas naturales, como poner el tenedor en la comida. Yo soy muy bromista. Siempre estoy haciendo chistes, poniendo apodos a la gente. Tengo una frase que digo siempre: “This is America”. La digo en cualquier parte del mundo, incluso cuando estoy en otro país. Es como mi frase típica.

Creo que ya terminamos nuestras preguntas. Solo quiero darte las gracias, John. Fue increíble hablar contigo. Nos vemos en Barcelona.

Gracias a ti.

Tras el breve regreso de Subterranean Kids en 2023, una nueva etapa toma forma bajo el nombre de Subterranean. Con Mimo al frente —voz histórica del proyecto— y acompañado por Alberto “Brutus”, Gerard y Jordi, la banda arranca una nueva singladura que conecta pasado y presente del hardcore barcelonés. Hablamos con ellos sobre rupturas, reencuentros, legado, composición y el inminente lanzamiento de su nuevo disco.

—Vuestro último retorno en 2023, como Subterranean Kids, estuvo marcado por el fichaje por HFMN y el hecho de actuar junto a NOFX, aunque el estreno en directo fue en la Estraperlo de Badalona (14/5/2023), en un concierto para amigos e invitados, pero la reunión tuvo un corto recorrido. ¿Cuántos conciertos fueron finalmente, y qué pasó?

Mimo: Fueron los conciertos con NoFX, un festival en Castellón y el Mondra’n’Roll en Euskadi y poca cosa más. Lo que pasó es que hubo divergencias de pensamiento sobre dónde y qué dirección debería tomar la banda, que también se juntaron con divergencias personales y de actitud entre algunos miembros.

—A finales de ese mismo año se arma la nueva banda, Subterranean, que se presentó en Guíxols en febrero, en marzo en Terrassa teloneando a Crim, algunos festivales, y en Badalona de nuevo con los californianos R.K.L., en 2025, treinta años después de actuar juntos en Barcelona en el 93 en KGB —y quizá también en Garatge Club—. ¿Cómo fue el reencuentro con los americanos?

Mimo: La verdad es que fue bien. Alberto y yo ya los conocíamos de antes; yo sobre todo a Barry y a Little Joe. Como es normal, estuvimos comentando cosas e historias del pasado y de cómo estamos ahora. Musicalmente nos comentaron —según ellos, y si hay que creerles— que les gustamos mucho más ahora que antes. La verdad es que son gente muy fácil y agradable.

Alberto: Barry RKL y yo conservamos una amistad desde que teníamos 20 años, creo. Estuvo hospedado varios días en mi casa en su primer viaje a Europa celebrando su graduación en la universidad. A partir de ahí nos íbamos carteando, explicándonos nuestras aventuras: él con su nueva banda RKL y yo con mi nueva banda GRB.

En el 93 tuvieron problemas en una accidentada gira europea. Barry me envió un “help” y RKL se instaló en mi casa en Barcelona para reponerse y reestructurar la banda antes de volver a California e iniciar la gira que tenían programada, en la cual me incorporé como técnico de sonido. Así que te puedes imaginar que el encuentro fue bonito.

—La nueva formación cuenta con Mimo a la voz, único miembro original de SK, junto a Alberto aka Brutus, guitarra de los míticos GRB y habitual en las últimas alineaciones de SK, además de Gerard y Jordi al bajo y batería. ¿Cómo fue decidir el cambio de nombre y por qué la elección de Gerard y Jordi?

Mimo: Después de la separación de S.K. surgió la posibilidad de continuar con otro proyecto con Alberto. Hablamos con Gerard, que ya sabía lo que había pasado, y nos dijo que si queríamos hacer algo contáramos con él. Así fue. Pensando en quién podría ser el batería, se me ocurrió llamar a Jordi sin saber qué respuesta nos daría. La verdad es que no se lo pensó ni un momento: nos dijo que sí y que además tenía local de ensayo y equipo. Todo salió así de fácil, se empezaban a alinear los astros.

Alberto: Mimo y Boliche son los fundadores de Subterranean Kids. Al no estar Boliche en el proyecto veíamos feo e incoherente conservar el nombre, pero por otra parte la voz de Mimo es sello de la casa y además tocamos temas de Subterranean Kids. ¿Solución? Kids fuera.

—¿Creéis que Jordi hará olvidar esos ritmos imposibles de Boliche a la batería?

Mimo: No se pueden comparar, cada uno tiene su manera de tocar. Jordi siempre comentó que esto sería un reto para él y yo personalmente creo que lo ha superado con creces y solvencia. Es muy exigente consigo mismo y no tiene nada que envidiarle. Es un placer y un seguro tenerlo en la banda.

Alberto y Gerard: Eso depende de la perspectiva de quien lo vea. Pifa es una bestia, contundente y muy preciso, una gozada. Boliche y Pifa tienen su estilo propio, como todo músico. Nos parecería absurdo plantearlo desde una perspectiva comparativa o competitiva. A unos les puede gustar más uno que el otro, pero este factor no tiene por qué condicionar la trayectoria de nadie.

—¿El cambio de nombre es debido a algún posible conflicto entre los miembros originales o a romper en parte con el pasado?

Mimo: Se quitó el “Kids” más que nada por respeto hacia la banda y porque ya no somos “kids”. ¿Y por qué cambiar lo de Subterranean cuando al empezar tocábamos temas de S.K. que Gerard y Jordi se habían aprendido? Casi el 100% de las letras son mías y parte de las canciones que tocamos son de la última época, en la que Alberto fue responsable de la composición musical. Además tocamos algunas de las canciones más conocidas de S.K., junto con un tema de G.R.B. y lo nuevo que estábamos sacando. Lo más fácil era llamarse Subterranean si estás tocando temas que son tuyos.

—¿Por qué habéis mantenido parte del nombre original y no uno distinto, teniendo en cuenta que existen otras bandas llamadas Subterranean por el mundo?

Mimo: La primera parte queda respondida en la pregunta anterior. Y respecto a lo de la otra banda, tienes razón, no lo habíamos pensado. Hemos ido a lo fácil y por eso hemos añadido H.C., Subterranean H.C. o hardcore-punk, para diferenciar.

—Explicadnos cómo ha sido el proceso de composición y la elección de Estudios Ultramarinos, en Sant Feliu de Guíxols, y de Santi García para la grabación y producción.

Mimo: La composición ha sido muy fluida y fácil, aunque también muy elaborada y detallista. Hay temas que estaban hechos a finales de los 90 y que eran inéditos; los hemos retocado y actualizado tanto en estructura como en música y letras. Otros son totalmente nuevos. Más que elegir el estudio, fueron David (HFMN) y Santi quienes nos propusieron grabar allí. Ya conocíamos las producciones de Santi, sin dejar de lado el trabajo de su hermano en el mastering, donde todo se realza y compacta. Santi siempre dijo que nos haría un discazo y así ha sido.

Alberto: Tenemos un proceso de composición maravilloso. Todo sale fluido, natural y rápido. Trabajamos en equipo, todo el mundo aporta. Hay mucha creatividad, poco conformismo y exigencia musical.

—De momento han aparecido un par de cortes en formato videoclip del álbum que verá la luz el 6 de marzo. ¿Por qué habéis elegido esta forma de proceder y qué hay de la elección de las imágenes que ilustran “Generación Perdida”?

Mimo: Esto lo hemos dejado en manos de HFMN, que nos ha guiado en la forma de proceder y en los tiempos hasta la salida del disco. El primer videoclip, “Bajo tu piel”, es como una presentación de la banda. Fue creado por Teniem Potencial, a quienes dimos libertad dentro de los medios disponibles, y el resultado es impresionante. El segundo es un videolyric creado por Gerard Bernal, el bajista, que ha interpretado la letra desde un punto de vista bastante interesante.

—¿Qué puedes contarnos del contenido del disco, tanto musicalmente como en la temática de las letras?

Mimo: Ha salido lo que pretendíamos: un disco de hardcore de principio a fin, con un sonido actualizado y brutal, y con letras que tocan temas sociales y políticos, pero también temas intimistas con sus sentimientos y emociones. HARDCOREPUNK. PUNKHARDCORE.

Gerard: Es un disco dinámico, con diversidad de estilos dentro del hardcore/punk y bastante técnico. Hemos conservado el estilo de riffs de la última época de Subterranean Kids, actualizándolos lo justo para mantener el sonido de siempre pero adaptado al presente.

—Un excomponente de Subterranean Kids comentó que el nuevo trabajo suena bastante a R.K.L. ¿Estáis de acuerdo o pensáis que sigue sonando a los viejos Sub Kids?

Mimo: Suena a Subterranean. Suena a lo que siempre he querido para la banda en la que toco. Hay variedad, pero suena duro y contundente, que es lo que pretendíamos.

Alberto: Puede que algunos temas sí, los antiguos que hicimos en el 97. No lo sé ni me importa demasiado. En mi ADN llevo no solo RKL, sino también Dead Kennedys, Bad Brains, Hüsker Dü… Es normal que eso se manifieste en tu música. Lejos de verlo negativo, lo veo bonito.

—Habéis anunciado gira estatal con siete fechas en marzo, abril y mayo. En el pasado visitasteis casi toda Europa, pero ¿qué hay de América?

Mimo: Ufff… A mí personalmente me encantaría. Pero vayamos paso a paso. Si tiene que ser, será; y si no, no será.

Gerard: Tal como está Estados Unidos hoy en día lo veo difícil. Tendrían que cambiar algunas cosas. América Latina ya es diferente; estaría muy bien poder hacer una gira por ahí. Si sale la posibilidad y es factible, todo se puede hablar.

En el marco de la actualidad de Harakiri for the Sky y sus próximos conciertos en España, dialogamos con J.J., voz de la banda austríaca, sobre identidad, melancolía, evolución y los desafíos de girar en estos tiempos.

Harakiri for the Sky siempre se ha caracterizado por un delicado equilibrio entre la agresividad y la melancolía. ¿Cómo trabajáis internamente esa dualidad para no perder nunca la honestidad ni la intensidad?

Creo que es bastante fácil responder a eso porque lo tomamos tal y como viene. Escribo letras que surgen en el día a día, en un 99 % autobiográficas. Y lo mismo ocurre con la música. Matthias también tiene muchas influencias diferentes. Las influencias cambian, la vida sigue, y por eso no intentamos pisar siempre el mismo terreno. Seguimos el ritmo del tiempo.

Hay cierta negatividad en nuestras mentes que nunca desaparecerá, eso es seguro. Pero también te haces mayor y algunas cosas cambian. Estás creciendo constantemente, tanto a nivel personal como artístico.

¿Qué tipo de negatividad crees que seguirás teniendo?

Sí, soy una persona bastante melancólica. Siempre estoy luchando contra el paso del tiempo, la pérdida de personas, las relaciones rotas. Todo eso me sigue entristeciendo cuando mis amigos se separan o cuando algo termina.

Ser una persona melancólica es parte de mi vida. Además, hoy en día también soy más sensible al exterior, a cómo está cambiando el mundo. Es difícil mantenerse optimista.

No creo que antes todo fuera mejor, siempre han pasado cosas estúpidas. Pero hoy, con las redes sociales, nos bombardean constantemente con malas noticias. Cada vez que abres Instagram hay algo terrible ocurriendo en algún lugar. Esta época es bastante difícil.

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Entonces, podemos decir que la música y tus letras funcionan como una especie de catarsis.

Sí, creo que “catarsis” es una de las mejores palabras para describir cómo trabajamos y por qué seguimos haciéndolo después de tantos años. Lo necesitamos para mantenernos mentalmente sanos. La creatividad, hacer arte, escribir canciones y letras siempre ha sido una buena forma de canalizar todo eso, ya sea a nivel social o personal. Es bueno tener algo con lo que puedas procesarlo todo.

¿Solo canalizas eso a través de la música o haces alguna otra actividad para desconectar?

También tengo otra banda llamada Karg. Pero, en general, lo que más me gusta y lo que siempre me ha gustado es escribir letras. Creo que eso me acompañará hasta el final.

Mirando la discografía de Harakiri for the Sky, se percibe una clara evolución. ¿Hay algún álbum o periodo que consideres especialmente decisivo?

Cada álbum fue un paso importante. El periodo entre Aokigahara y III: Trauma fue clave porque ahí todo empezó a crecer y dimos muchos más conciertos.

A nivel lírico, creo que di un gran paso de III: Trauma a Arson. Empecé a escribir de una manera más poética, trabajando más con metáforas.

Pero, en general, tanto musical como líricamente, creo que Mӕre fue el paso más grande. Lo extraño es que escribí un álbum sobre una ruptura que todavía no había ocurrido. Sucedió después de que el álbum estuviera terminado. Todo pasó exactamente como lo había escrito, casi como una premonición. Por eso ese disco ocupa un lugar muy especial en mi corazón.

Dentro del black metal moderno, la banda ha construido una identidad muy distintiva. ¿Cómo vivís esa tensión entre respetar las raíces del género y traspasar sus límites?

Es muy fácil responder a eso: simplemente hacemos lo que nos gusta. Si un riff suena bien y encaja, lo usamos. No pensamos demasiado en las críticas.

Estamos abiertos a todas las influencias: indie, grunge, post metal. Matthias tiene raíces en el death metal melódico, como In Flames, luego vinieron bandas como Insomnium, Katatonia, más tarde Deftones o Alcest. Mezcla todo lo que escucha y el resultado es una canción de Harakiri for the Sky.

Creo que esa es la razón por la que nunca hemos hecho dos álbumes iguales. Siempre seguimos adelante.

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¿En qué dirección podría ir el nuevo material? ¿Qué estás escuchando ahora?

Escucho una mezcla enorme de cosas nuevas y antiguas. Me gusta mucho el nuevo disco de Walg, de Suiza. Tambien el ultimo de Agriculture. También escuché bastante Danzig, Dinosaur Jr., el nuevo Converge. 2025 fue un año increíble en cuanto a lanzamientos.

Me gustan mucho Yellow Eyes, una banda bastante abstracta de Nueva York, y Heretoir, de Alemania, que tocarán con nosotros en algunas fechas. Y una de mis bandas favoritas es Off the Wand & the Moon, de Dinamarca, muy minimalista y triste.

¿Te dejas llevar cuando escribes o piensas mucho la estructura?

Me dejo llevar completamente. No pienso demasiado en cómo debe empezar o terminar una canción. Eso viene con el proceso. No sigo reglas del tipo “si empieza suave debe terminar pesado”. Simplemente surge.

Hoy en día parece cada vez más difícil girar y mantener una banda. ¿Qué retos afrontas?

Desde la pandemia todo es más complicado. Antes la gente estaba más interesada en ir a conciertos. Ahora las preventas son fundamentales porque necesitas saber si es seguro hacer un show.

Todo es más caro, pero la gente no quiere pagar más por la música. Los costes suben, pero los ingresos para las bandas siguen siendo los mismos. Si no tienes una gran agencia, es casi imposible hacer giras grandes.

En Europa funciona relativamente bien, pero en Estados Unidos es casi como unas vacaciones muy caras. Es un sueño tocar allí, pero vuelves con menos dinero del que llevaste. Cuando tienes veinte años es una aventura; cuando tienes familia, lo piensas dos veces.

Aun así, seguimos siendo afortunados. Hemos tocado en países como Armenia, Kazajistán o Kirguistán. Nunca imaginé visitar esos lugares, y mucho menos tocar allí.

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En directo, la intensidad emocional es muy visible. ¿Qué querés provocar en el público?

Cada concierto es diferente. Yo me meto completamente en las canciones y a veces ni siquiera interactúo mucho con el público. Las letras son tan personales que cuando las canto vuelvo a sentir lo que sentía al escribirlas.

No todos los conciertos tienen la misma intensidad, porque no todos los días eres la misma persona. Pero siempre intentamos dar lo mejor.

Pronto tocaran en España. ¿Qué recuerdos tenéis del público español?

Sí, siento una conexión especial. Los españoles y los latinoamericanos tienen una mentalidad muy abierta y apasionada. Cuando tocamos allí sentimos que realmente aprecian que estemos, que no somos simplemente otra banda más.

En Estados Unidos puedes ser una entre mil bandas tocando cada noche. En el sur de Europa o en Sudamérica se siente diferente, como algo especial. Y eso es muy bonito.

Entrevistador: Matías Frank

Con In Verses recién estrenado, tuvimos el placer de dialogar con Ian Kenny y Drew Goddard, cantante y guitarrista, respectivamente, de Karnivool. El cuarto disco de los australianos llega tras trece largos años y es el sucesor de Asymmetry.

En una charla muy agradable, nos cuentan sobre el porqué de la larga espera, sus sensaciones con el disco y hasta qué es lo que, como artistas, ven que le falta a la escena y a la música en general, entre otras cosas.
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Antes que nada, quería agradecerles por la entrevista y felicitarlos por el lanzamiento del disco. Realmente hicieron un gran trabajo.

IK – Bueno, muchas gracias, es un placer.

Bueno, les tomó trece años encontrar al sucesor de Asymmetry. Cuéntenme un poco por qué la espera se hizo tan larga.

IK – Bueno, si debería contar todo lo que pasó en estos trece años, me llevaría mucho tiempo…

No tengo apuro…

IK – (Risas). Bueno, voy a tratar de resumir un poco. Es que la realización del disco no fue un trabajo de tiempo completo. Entre giras y proyectos personales, fue pasando el tiempo mientras iban apareciendo algunas canciones.

DG – En 2024 decidimos que teníamos material suficiente y nos pusimos a trabajar con los temas. Ya habíamos lanzado “All It Takes” en 2021 y lo incluimos en el disco.

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¿Y respecto al proceso de composición?

AG – En realidad, depende de la canción, depende del álbum. No tenemos una manera fija para componer. A veces nace de una zapada con el resto de los chicos, a veces alguien trae algo que puede funcionar. Como con “Aozora”, por ejemplo. Tuve dando vueltas en mi cabeza esa batería entrecortada del inicio del tema durante mucho tiempo, jugando con eso, creando samples. Y a partir de ahí se fue armando. Pero lo que es seguro es que siempre empezamos por la sección musical y después le agregamos la letra.

IK – Sí, claro. Analizamos qué letra podría ir con cada tema, tenemos en cuenta la melodía y cómo encajarla con las vocales, por ejemplo. También si la música tiene correlación con lo que queremos contar.

Es un disco bastante oscuro, con letras que no son del todo alentadoras…

IK – Sí, yo diría que oscila un poco entre la desesperanza y la esperanza. Es un poco el resultado de las cosas que nos fueron pasando y fuimos observando a lo largo de estos años. Es, a la vez, un disco bastante introspectivo.

AG – Algo que me fascina es ver cómo la gente tiene miradas muy diferentes sobre las canciones. La recepción es muy distinta dependiendo de quién la escucha.

Sí, una vez que el artista lanza una obra, un disco en este caso, es como que ya no le pertenece y queda a la interpretación de quien lo escucha.

AG – Sí, alguien puede conmoverse y otro sentir angustia; es distinto para cada uno.

Quería hablar de dos canciones en particular del disco. La primera es “Reanimation”. La primera colaboración de la banda con otro artista: el talentoso Guthrie Govan. ¿Cómo surgió la colaboración y cómo fue trabajar con él?

IK – Bueno, la verdad es que secuestramos a su perro hasta que hizo el solo (risas).

AG – La letra dice antes del solo: “Feeling alone in a crowded place” (Sintiéndome solo entre una multitud). Así que el solo tenía que sentirse como alguien que estuviera a punto de tener un ataque de pánico, como un grito de auxilio.

La conexión con Guthrie se dio a través de un amigo en común que lo conoce de The Aristocrats. Lo contactamos por email y aceptó de inmediato. Hubo muchos mensajes de ida y vuelta. Nos hizo mil preguntas sobre el tema y lo que queríamos, algo normal. A mí me ha pasado colaborando con otros artistas también: querés estar seguro de estar haciendo el mejor trabajo posible.

La verdad, lo volvimos un poco loco por la diferencia horaria. A veces se despertaba y tenía tres o cuatro mensajes. No queríamos que el solo fuera pura velocidad o una demostración de virtuosismo; buscábamos algo equilibrado, además de ser capaces de reproducirlo tocando en vivo. Y estamos encantados con el resultado.

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La otra canción sobre la que les quiero preguntar es “Salva”, el tema que cierra el disco. Esas gaitas al final… se sienten como una especie de redención.

AG – En ninguna de las entrevistas previas nos mencionaron esa palabra: “redención”. Y creo que es la adecuada para el tema. Antiguamente, las gaitas se usaban antes de que los ejércitos comenzaran una batalla, y usarlas en este tema de esa manera es un poco como darles un nuevo sentido.

IK – Sí, absolutamente. De hecho, si algún escocés nos dice que no es la manera correcta de usarla o que no es para este tipo de música, no me importaría demasiado. Nos gustan mucho. Le confiere al tema esa aura de redención, como un grito de liberación.

Están cerca de comenzar una nueva gira europea, la cual arrancará en abril en Copenhague. ¿Cómo se están preparando para eso?

Estamos tocando versiones acústicas de los temas, viendo cómo funcionan y tocándolos de corrido, ya que el disco fue grabado de a tramos. Seguramente algunos temas no vayan a sonar en vivo de la misma manera que en el disco. Pero sí, supongo que esa es nuestra manera de prepararnos.

¿Cómo ven la escena del rock progresivo y de la música en general en estos tiempos en los que la inmediatez y el éxito son los que mandan?

AG – Bueno, respecto del rock progresivo, la verdad es que nosotros no nacimos como una banda de rock progresivo. Creo que se fue dando de manera gradual. Yo, personalmente, escucho desde Radiohead hasta Meshuggah, por ejemplo. De hecho, In Rainbows (disco de Radiohead editado en 2007) fue una gran influencia para mí. O Tool: ellos sí tocan con amplificadores reales, lo que a mí me encanta, pero también me gusta jugar mucho con lo digital, las secuencias, etc.

IK – Sí, podría ser. También podríamos encajar en algún lado entre The Beatles y Meshuggah (risas).

AG – Respecto de estos tiempos que corren, creo que tanto en el género progresivo como en los otros géneros se debería tener una mirada más humana, poner el foco más en lo humano.

Minutos antes de subirse al escenario de Razzmatazz 2 en Barcelona, Marc “Zelli” Zellweger, vocalista de Paleface Swiss, nos concede esta entrevista en plena recta final de su tour europeo. La banda llega tras una serie de shows agotados y después del lanzamiento de su nuevo EP a principios de año, que incluye la potente colaboración con Stick to Your Guns.

En la previa de un concierto que promete ser una auténtica locura, hablamos sobre cómo están viviendo esta gira, la presión de crecer cada vez más, el proceso creativo en la carretera y su conexión especial con España. Arrancamos.

(Entrevista en Video subtitulada al finalizar la publicación)

– Zelli, bienvenido al canal.

Muchas gracias.

– Es un placer tenerte aquí.

Muchas gracias por invitarme.

– Así que, primero que todo, Zelli, estáis cerrando el tour europeo ahora.

Sí, nos queda Barcelona y luego un par de fechas en Francia.

– ¿Cómo os habéis sentido con esta gira? Hacer shows agotados, el de Madrid ayer, que fue una locura… ¿Cómo os sentisteis al respecto? ¿Sientes un poco más de presión ahora, porque os estáis haciendo más y más grandes?

Por supuesto que sí. Yo creo que puedo manejar la presión, pero también sé que yo mismo me pongo aún más presión. Hemos vendido más entradas que nunca, más gente quiere estar entretenida y tenemos que entregar más y más.

Pero fue muy divertido. Fue la primera vez que tuvimos una gran producción en todo, así que teníamos que preocuparnos por nosotros mismos más que nunca. Tengo que ser consciente de lo que estamos haciendo: no fiesta todas las noches y bla, bla, bla…

Pero todo salió súper bien. Fue una gira realmente exitosa para nosotros. Todo estaba lleno y parece que todo el mundo se divirtió. Y sí, fue rápido, honestamente. Parece que comenzamos ayer y la gira ya terminó.

– ¿Cuánto tiempo ha pasado?

Salí de mi casa el 3 de enero, así que llevamos más o menos un mes en la carretera. Exactamente un mes ahora. Pero se siente tan rápido, honestamente… es una locura, hombre.

– Y es la primera vez que estáis haciendo la colaboración con Stick to Your Guns, la canción “Instrument of War”, que creo que es una locura, y que viene en el nuevo EP que lanzasteis a principios de enero. ¿Cómo os sentís yendo de gira con Stick to Your Guns? Y luego, ¿cómo os sentisteis con el EP? Creo que es un poco una continuación de “Cursed”, pero cada vez más emocional y más personal, sobre todas las experiencias de la gira y tal.

Sobre la primera pregunta, estar con Stick es increíble. Hicimos una gira con ellos en Estados Unidos el año pasado y ahí fue cuando escribimos la canción juntos. Es una locura, es un gran honor para nosotros. Todos crecimos escuchando a la banda. Yo he sido un gran fan durante muchos años.

Dato curioso: el primer breakdown hardcore que nuestro guitarrista Yannick escuchó fue uno de Stick to Your Guns, cuando era muy joven. Así que es simplemente alucinante para mí que ahora nos estén apoyando. Son gente realmente increíble. Ellos ya lo han visto todo, han hecho todo, y podemos aprender mucho de ellos. Cuentan historias divertidas y fue una gran experiencia escribir una canción juntos.

No queremos hacer simples “featurings”, queremos hacer colaboraciones reales: sentarnos en la misma habitación y escribir juntos. Eso es exactamente lo que hicimos en una pequeña habitación de hotel en Denver en la última gira. Fue súper divertido e increíble, y creo que encaja muy bien en el EP.

Cada canción es súper individual, en mi opinión. Cada una cuenta una pequeña historia por sí misma. Como ya dijiste, escribimos el 100 % del EP en la carretera, lo grabamos en la carretera y filmamos los videoclips también. Es absolutamente una locura.

Ha sido mucho trabajo, muchos días y noches estresantes, pero valió la pena. Sé que son solo cuatro canciones, no suena como mucho, pero créeme, es muchísimo trabajo.

– Y luego, Zelli, quiero hacerte dos últimas preguntas. La primera: si tuvieras delante a alguien que no conoce la música de Paleface Swiss en absoluto y tuvieras que elegir una canción para mostrársela, ¿cuál sería?

“Hatred”. Es una elección bastante buena. Creo que mezcla todo el ambiente más old school con lo más nuevo.

– Y la última: estamos en Barcelona. Habéis estado aquí en España, en el Resurrection Fest. De hecho, compartimos hotel, os vi desayunando, pero no quería molestar. Era un gran hotel, nos quedamos allí un par de noches.

Sí, creo que fue el año pasado.

– Así que, Zelli, tres cosas que amas de España.

Los fans apasionados. Se siente como que, una vez que son fans de tu banda, nunca te dejan ir. Se agarran a ti. Cantan fuerte, están encendidos cada vez que estamos aquí. Eso es lo que realmente amo.

También me encanta la comida, la cocina española es genial. Y pasamos mucho tiempo en Tenerife, donde escribimos todo “Cursed”. Ron vive allí y grabamos y escribimos todo en su casa, así que tenemos una conexión muy fuerte con España. Diría que la cultura española es otra cosa que amo, y también Ron. Ron es lo tercero que más me encanta de España. Es un tipo súper genial.

– Ok, Zelli, muchísimas gracias por tu tiempo. Ha sido un placer. Estoy deseando veros y darlo todo.

Sí, gracias.

 

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Con más de dos décadas de trayectoria dentro del pagan metal europeo, los alemanes Wolfchant regresan con Echoes of a Time Once Past, un álbum que conecta su esencia original con la madurez de su etapa actual. En esta entrevista, Lohki repasa el proceso creativo del disco, la reconstrucción de la banda tras momentos difíciles, el enfoque lírico y musical de este nuevo trabajo, y los objetivos de Wolfchant en el presente, en una charla profunda y honesta.
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He escuchado el nuevo álbum. Echoes of a Time Once Past fue muy bien recibido y he leído que es su octavo álbum de estudio y el segundo desde el regreso de la banda. ¿Qué representa este disco para Wolfchant en esta nueva etapa?

Para nosotros es, en cierto modo, una mezcla entre el Wolfchant antiguo y el Wolfchant actual. Por eso lo llamamos Echoes of a Time Once Past. Hay una sensación muy fuerte de nuestros primeros años, a comienzos de los 2000, combinada con todo lo que hemos hecho en los últimos diez años. Queríamos unir esas dos etapas y reflejarlas en las canciones. En nuestra opinión, funcionó muy bien. No queríamos crear algo completamente nuevo, sino tomar lo mejor de ambos estilos y unirlos en este disco.

Escuchando el álbum, noté influencias de power metal y heavy metal, pero también partes de cuerdas y momentos más épicos o melódicos. Las canciones fluyen naturalmente de una parte a otra, sin quedarse encerradas en un solo estilo, ya sea power, folk o extremo. ¿Cómo fue el proceso de composición para lograr ese equilibrio?

Normalmente uno de los guitarristas o algún miembro de la banda llega con una idea inicial. Todos tenemos la posibilidad de grabar en casa. Vivimos repartidos por toda Alemania, pero desde hace unos diez años contamos con nuestro propio estudio. Compartimos la idea y todos trabajamos sobre ella. Ese proceso puede llevar semanas o incluso años. En el caso de Echoes of a Time Once Past, nos llevó casi tres años.
Grabamos muchas canciones, alrededor de 18, y con el tiempo íbamos parando, escuchando y decidiendo cuáles representaban mejor lo que sentíamos en ese momento. Al final dijimos: “Estas son las canciones que queremos en el disco”. A veces sentíamos que necesitábamos partes más agresivas, más voces gritadas, y en otros momentos algo más suave, quizás con violonchelos. Es un proceso largo, que puede durar meses o incluso años.

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Claro. Mencionaste que el proceso llevó casi tres años. Yo estaba algo confundido porque pensaba que el lanzamiento de 2024 era un álbum completamente nuevo. ¿Hay canciones de este disco que fueron escritas antes de ese lanzamiento?

El lanzamiento de 2024 no fue un álbum nuevo, sino una reedición de nuestro segundo disco, A Pagan Storm. Ese álbum salió originalmente en 2007 y durante mucho tiempo no estuvo disponible. Muchos fans nos lo pedían, así que decidimos regrabarlo completamente en 2024 y lanzarlo como un doble CD: la versión original y la nueva. Pero no lo consideramos un álbum oficial nuevo. Nuestro último álbum de estudio antes de Echoes of a Time Once Past fue Omega Bestia, en 2021.

Entiendo, fue un error mío. Pensé que era material nuevo. De todos modos, A Pagan Storm fue un disco muy importante. Recuerdo que en Argentina, alrededor de 2008 o 2009, el pagan y el folk metal se volvieron muy populares y ese álbum se escuchaba muchísimo.

Sí, para nosotros A Pagan Storm sigue siendo un disco muy importante. Fue un gran paso adelante en nuestra carrera y ayudó a que mucha gente se acercara al pagan metal en esa época.

Hablando de la historia de la banda, sé que hubo una pausa alrededor de 2018 y luego el regreso en 2019 con nuevos miembros. ¿Cómo fue el proceso de reconstruir la identidad de Wolfchant sin perder su esencia?

En realidad no fue una separación como tal. Nos tomamos un tiempo porque nuestro guitarrista falleció de cáncer. Era muy joven y se había unido a la banda solo cuatro años antes. Falleció en agosto de 2018 y fue una pérdida enorme para nosotros.
Aun así, teníamos compromisos importantes como Wacken, Summer Breeze y 70.000 Tons of Metal. Sus padres nos dijeron que no paráramos, que él no lo habría querido. Seguimos adelante, pero sentíamos un vacío muy grande. Después del 70.000 Tons de 2019 decidimos tomarnos un descanso para recomponernos. Necesitábamos tiempo para procesar todo. Tras aproximadamente un año, nos sentimos preparados para empezar de nuevo y ahí fue cuando realmente regresamos.

Gracias por aclararlo. Entremos ahora en las letras. ¿Es Echoes of a Time Once Past un álbum conceptual? ¿Qué tipo de historias o imágenes inspiraron las letras?

No es un álbum conceptual. Cada canción cuenta una historia diferente. En el pasado hicimos discos conceptuales, pero esta vez queríamos letras variadas. Por ejemplo, “Lifeblood” habla de los últimos momentos de una persona en una batalla, de los pensamientos finales antes de morir. Otras canciones siguen explorando la naturaleza, como “Goddess of Fire”, que trata sobre una figura mitológica que seduce y destruye al ser humano. Son historias independientes, no hay un concepto general que las una.

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Me llamó la atención el uso de diferentes idiomas en el disco. Algunas canciones están en alemán y otras en inglés. ¿Cómo deciden eso?

Es algo que hacemos desde Pagan Storm. A veces sentimos que el inglés no encaja bien con una canción, entonces probamos en alemán, que es un idioma más duro y, en ciertos casos, funciona mejor. Otras veces sucede lo contrario. Escuchamos la canción en alemán y sentimos que es demasiado difícil, entonces pasamos al inglés. Elegimos el idioma según lo que mejor funcione para cada canción.

Lo entiendo perfectamente. A veces no entender la letra también genera una sensación especial.

Exactamente. A veces no es necesario entender las palabras. Es una cuestión de sensaciones. La música, la voz, la energía… eso puede ser suficiente.

¿Qué sentimientos buscan transmitir con este álbum?

Queremos que, al terminar de escuchar el disco, el oyente se sienta mejor. Quizás no necesariamente feliz, pero sí más fuerte, con una sensación positiva. No queremos deprimir a nadie. Si tuviste un mal día y escuchás Wolfchant, nuestra intención es que salgas con más energía.

Algo que me llamó mucho la atención es el trabajo orquestal. ¿Cómo grabaron las cuerdas y los arreglos sinfónicos?

Al principio lo hacíamos con instrumentos reales, pero era muy complicado y caro. Con el tiempo empezamos a usar software, que hoy en día es de altísima calidad. Las guitarras, el bajo y la batería son reales, por supuesto, pero la orquesta está hecha completamente con software.

La batería suena muy potente en el disco.

Nuestro baterista es una bestia absoluta. Siempre grabamos la batería de forma real. No usamos baterías programadas, salvo algunos ajustes mínimos.

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Hablemos de la gira Rites of the Blood Moon. El cartel es increíble. Cuando lo vi, pensé: “Tengo que estar ahí”.

Podés esperar exactamente eso: cuatro bandas increíbles. Personalmente me gustan mucho Belore, Skyforger y Arab Altor. Hay una mezcla muy rica de pagan metal, desde Suecia hasta Francia, Alemania y Estonia.
Son bandas con mucha experiencia y creo que va a ser algo realmente especial vernos a todos juntos en el escenario. Tenemos once conciertos por delante y va a ser épico.
Para ser honestos, será nuestro primer concierto en Dinamarca. He estado muchas veces en Copenhague por trabajo, pero musicalmente es la primera vez que tocamos allí. Tenemos muchas ganas y esperamos un show intenso, cercano y muy especial.

Dijiste que estuviste varias veces en Copenhague por trabajo. ¿A qué te dedicás vos y a qué se dedican los demás integrantes de la banda, teniendo en cuenta que Wolfchant es un hobby para ustedes?

Exactamente. Nuestro baterista es abogado y tenemos uno, dos o tres ingenieros que trabajan para BMW en el área de electrónica y control de calidad. En mi caso, soy director de seguridad y formo parte de la dirección de una empresa. Todos tenemos una buena formación y trabajos estables.
Desde hace tiempo decidimos que, aunque la música es muy importante para nosotros, no queríamos depender económicamente de ella. Eso nos da total libertad para hacer lo que queremos con Wolfchant: si a la gente le gusta, genial, y si no, no pasa nada, porque no necesitamos vivir de la música.
En nuestros trabajos todos saben que tocamos en una banda y, en muchos casos, incluso a la gente de la dirección le gusta el metal. Hay muchísimos metaleros, más de los que uno imagina, y eso genera una conexión muy natural e interesante.

Si pudieran crear algo fuera del formato habitual de la banda, como una película o un videojuego, ¿qué les gustaría hacer?

Ya tuvimos una experiencia así hace algunos años con una producción animada de Cartoon Network. Fue muy divertido y nos trajo muchos fans, especialmente en Estados Unidos y Canadá. Si tuviéramos la oportunidad de repetir algo así, lo haríamos sin dudarlo.

Por último, ¿cuáles son los objetivos a corto y mediano plazo para Wolfchant?

Seguir sacando discos, dar conciertos, conectar con los fans y viajar con nuestra música. No buscamos más que eso: hacer lo que amamos y compartirlo con la gente.

Ponte del Diavolo se ha consolidado como una de las propuestas más inquietantes y personales dentro del doom contemporáneo. Con una formación poco convencional basada en dos bajos y una identidad sonora que desafía etiquetas, la banda continúa expandiendo sus límites creativos. En esta entrevista, Krhura Abro reflexiona sobre los orígenes del proyecto, sus influencias más allá del metal y lo que esperan de su próxima gira por España.

– ¿En qué momento se dieron cuenta de que Ponte del Diavolo no iba a ser “solo otra banda”, sino un proyecto con identidad propia?

Krhura Abro: No lo esperábamos en absoluto, pero las reacciones a nuestra primera demo nos mostraron que estaba circulando ampliamente en los círculos underground.

– Erba del Diavolo fue quien propuso originalmente la idea de un proyecto doom construido alrededor de dos bajos. ¿Por qué esa obsesión en lugar de añadir más guitarras?

Krhura Abro: Fue Erba del Diavolo quien tuvo la idea de un nuevo proyecto doom con dos bajos. Se puso en contacto con nosotros y, después de algunas sesiones de ensayo juntos, nos dimos cuenta de que algo interesante estaba tomando forma. El sonido ya nos parecía completo de esta manera, y esta formación también nos obliga a explorar soluciones diferentes a las de otras bandas.

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– Muchas bandas intentan volverse más extremas con cada nuevo lanzamiento. ¿Ven su objetivo como volverse más extremos o más honestos?

Krhura Abro: Nunca lo pensamos realmente en esos términos. “Extremo” puede interpretarse de muchas maneras. Pero diría que la honestidad es la base para crear música que realmente sientas y que signifique algo para ti.

– ¿Qué banda que no sea de metal ha tenido mayor influencia en la forma en que componen o entienden la música?

Krhura Abro: No creo que podamos reducirlo a nombres concretos. Hemos escuchado muchas bandas de la escena punk, post-punk y dark wave. También nos gusta mucho la música electrónica, el rap y la música de los 80 en general, y a veces es realmente interesante e inspirador ver cómo los distintos géneros abordan la estructura y la composición de las canciones.

– ¿Cuál es la música más “anti-metal” que escuchan cuando están solos en la furgoneta de gira?

Krhura Abro: En la furgoneta no escuchamos mucho metal, principalmente porque el audio no siempre es el mejor para ese tipo de discos. Además, cada noche escuchamos metal en directo durante tres o cuatro horas, así que nuestros oídos necesitan un poco de desintoxicación. Por eso suena mucho pop de los 80, rap old school y clásicos para cantar a coro, aunque no considero nada de eso como anti-metal. Por supuesto, siempre hay espacio para reyes como Judas Priest o Black Sabbath.

– Si pudieran invitar a un músico de cualquier parte del mundo para colaborar en una canción, ¿quién sería?

Krhura Abro: Mi elección estaría entre Robert Smith, Tony Iommi o David Gilmour.

– ¿Qué canción del nuevo álbum les impone más respeto a la hora de tocarla en directo?

Krhura Abro: No es que tengamos miedo de tocar ninguna canción en vivo, pero será la primera vez que integremos algunos instrumentos nuevos y pistas de acompañamiento en nuestros conciertos, así que eso será interesante.

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– ¿Preferirían tocar en una iglesia abandonada con pésima acústica o en un festival moderno con sonido perfecto pero sin alma?

Krhura Abro: Hemos tocado en ambos contextos y disfrutado los dos, pero definitivamente prefiero clubes profesionales. Cuando la gente paga una entrada, merece una buena experiencia. No estoy de acuerdo con que los festivales no tengan alma. Un buen sistema de sonido puede ayudarnos a transmitir nuestra “alma” tal y como fue concebida. Dicho esto, el público juega un papel fundamental en la experiencia general.

– ¿Qué esperan de esta próxima gira en España, tanto a nivel artístico como personal?

Krhura Abro: Sé que el público español tiene hambre de música extrema y que la gente allí es salvaje (en el buen sentido, por supuesto). A nivel personal, espero toneladas de hierba.

– ¿Cómo están planteando el setlist para estos conciertos?

Krhura Abro: Lo estamos discutiendo y depende de si serán conciertos como cabezas de cartel o en festivales, pero pueden esperar una buena mezcla de todas las etapas de la banda.

– ¿La gira incluirá invitados especiales en algunos conciertos?

Krhura Abro: Por ahora tenemos algunos conciertos seleccionados en los que los invitados del disco tocarán en directo con nosotros. No siempre es fácil organizarlo, pero cuando sucede es algo muy emocionante.

Nacido en Suecia, hijo de padres uruguayos y radicado actualmente en Estocolmo, el baterista Martín López —fundador de Soen y exintegrante de Opeth y Amon Amarth— conversó con nosotros sobre el nuevo disco de la banda, Reliance, y reflexionó sobre la desconexión humana, el papel del arte en tiempos de individualismo y la necesidad de mantener viva la conciencia colectiva.

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Hola, Martín, ¿cómo estás? Si estás en Suecia, estamos cerca, ya que vivo en Copenhague.

Hola, bien, gracias. Sí, acá estoy. Los latinos en Escandinavia somos pocos, pero estamos.

Bueno, antes que nada, gracias por el tiempo. Recibimos el nuevo disco y me llamó mucho la atención el equilibrio entre la destreza progresiva y la faceta melódica, sobre todo en las voces. ¿Cómo logran ese balance entre lo técnico y lo emocional?

Hace varios discos que venimos buscando justamente eso: que la complejidad no se interponga con el mensaje. Queremos que las canciones sean canciones, no solo excusas para solos de guitarra o de batería. Buscamos que cualquiera pueda conectar con ellas sin tener que ser músico, pero a la vez que cada integrante tenga libertad para expresarse con su instrumento. Reliance sigue esa línea, pero con más experimentación. Es una progresión natural del disco anterior.

¿Y cómo trabajan la composición? ¿Cada uno aporta ideas o nace desde la batería?

Yo escribo las canciones en casa. Cuando tengo bastante material, empiezo a trabajar con Joel (Ekelöf, vocalista) para definir la expresión de cada tema. Si la canción tiene fuerza y calidad, pasa al siguiente paso: se la envío al resto de los músicos para que la aprendan, sumen sus ideas y la llevemos al máximo nivel posible.

¿El disco tiene un concepto que unifique las canciones?

Musicalmente siempre buscamos balance. Queremos que la agresividad y la violencia del metal convivan con la melancolía y la emoción. No dar solo una hora de metal, sino una representación más completa de lo que somos. Este disco es más directo y mejor compuesto.
En cuanto a las letras, siempre trabajamos tres ejes: la relación con el mundo (sociedad, política, injusticia), la dependencia entre los seres humanos, y una tercera línea más introspectiva, casi existencial: ¿quiénes somos, por qué estamos acá y cómo encontrar cierta felicidad en la vida?

Supongo que escribir sobre eso también implica un autoanálisis. ¿Te ha pasado de sacar conclusiones personales a través de las letras?

Totalmente. Aunque no predicamos ni pretendemos dar soluciones, escribir te obliga a reflexionar. Hay mucha injusticia, mucha desconexión. Y sí, te hace analizar tus propias decisiones. Todos sabemos que deberíamos dejar el teléfono y volver a conectarnos de verdad, pero después hay que hacerlo… y no siempre lo hacemos.

Exacto. Hoy estamos tan programados que cuesta salir del celular, y eso afecta incluso nuestra manera de vincularnos.

Es imposible escapar del todo. En Escandinavia ya no se puede pagar con dinero físico. Todo pasa por el teléfono. Fui al supermercado con mi hija de doce años: entró, escaneó todo con el móvil, pagó y se fue sin hablar con nadie. El mundo está diseñado para no relacionarnos, y eso da miedo. Cuando no conocés al otro, lo empezás a temer.

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Y ese miedo genera aislamiento. En lugar de buscar alivio en el contacto humano, mucha gente se encierra, o recurre a distracciones que empeoran las cosas.

Tal cual. Y ahí entra el concepto del disco: Reliance, “dependencia”. Trata sobre la necesidad de depender unos de otros. Si estás mal, necesitás que alguien te levante. Pero hoy todos temen molestar. Vivimos en una cultura que glorifica la autosuficiencia, la fuerza, el no necesitar a nadie. Es una mentira enorme. Lo único que nos da felicidad real es estar rodeados de personas que nos quieren.

Esa idea de autosuficiencia extrema también está muy presente en redes sociales.

Sí, y es terrible. Esos tipos que dicen que tenés que ser fuerte, ganar plata, estar solo y despreciar a los demás son los verdaderos perdedores. Tengo hijos adolescentes y veo cómo los bombardean con esos mensajes. Es catastrófico.

En ese sentido, está bueno que desde el metal se sigan planteando reflexiones así.

Sí, aunque nunca entendí por qué hay tanto miedo a hablar de temas importantes. Muchos músicos prefieren escribir sobre dragones o asesinatos. Y está bien si es una metáfora, pero el metal también puede ser una herramienta para decir cosas con peso, no solo entretenimiento.

Coincido. De hecho, tanto Uruguay como Argentina tienen una tradición de música combativa, de reflexión social.

Totalmente. Nosotros crecimos con Hermética, por ejemplo. Si comparás sus letras con lo que se escribe hoy, decís “¿qué pasó?”. El rock y el metal vienen de la clase obrera, de la calle. Y eso casi no se habla más. La izquierda tiene otras agendas y la derecha ni se acerca. La clase trabajadora quedó sin voz.

Sí, pasa mucho en Argentina. Se destruyó la conciencia de clase, y muchos trabajadores creen que están más cerca de ser ricos que de ser pobres.

Exacto. Los poderosos hacen que el obrero vea al más pobre como enemigo. Y al final somos todos parte de lo mismo: laburantes, gente que vive el día a día.

Hablando de que los músicos también son obreros, su trabajo es salir a tocar. ¿Cómo vienen con las giras?

Arrancamos en febrero con una gira escandinava. Después vamos a Estados Unidos, y a los festivales europeos en verano. En octubre y noviembre de 2026 vamos a hacer una gira por Europa como headliners, y a comienzos de 2027 por Sudamérica. También hay planes para Australia, Japón y, si todo se da, Medio Oriente.

¡Medio Oriente! ¿Qué expectativas tenés con eso?

Es muy especial. Cuando tocamos en Turquía vinieron 500 personas desde Irán. Nuestra música conecta en lugares donde la gente es oprimida, porque las letras hablan de eso. Nos gustaría llegar incluso a Arabia Saudita, aunque no sabemos si podríamos hablar con tanta libertad… veremos si volvemos. (Ríe)

(Ríe) Con todas las cruces invertidas no sé si los dejan pasar. (Martín usaba una remera de Dark Funeral)

Me pongo una de Estudiantes de La Plata y listo. Jaja

 (Ríe) Perfecto. Bueno, ya para cerrar: si tuvieras que definir Reliance con una sola frase, ¿cuál sería?

Es una aventura entre la agresividad y la melancolía.

Perfecto. Ese es el título de la entrevista.

(Ríe) Me gusta.

Con motivo del lanzamiento de su disco debut, nos reunimos con los chicos de Kubika para que nos cuenten toda la actualidad de la banda y alguna curiosidad más.

– ¿Cómo afrontáis la salida de Disorders y cómo ha sido el proceso de grabación del mismo?

Kubika: La salida de Disorders la hemos vivido muy intensamente, ha sido un día muy especial para nosotros. Teníamos muchas ganas de que este trabajo viera la luz en su totalidad y que pudiéramos hacer llegar al público todos los lados, aristas y vértices de este disco, Disorders, donde nos hemos volcado todos y cada uno de los componentes de Kubika. Ahora que el disco está en la calle, podemos decir que cerramos un capítulo y pasamos al siguiente.

Respecto al proceso de grabación, todos los temas han sido minuciosamente trabajados antes de entrar al estudio, para comenzar el proceso con toda la parte instrumental y vocal perfectamente clara. Las guitarras y el bajo se grabaron en MadRubik Studio. Estas pistas se enviaron a Alex Cappa, de Metropol Studios, que terminó de grabar batería y voces, y se encargó también de la mezcla y el máster.

–Beka, tu manera de cantar es especialmente llamativa y te diferencia de otras compañeras de la escena, cuáles son las personas que te inspiraron a ponerte delante de un micrófono) y ?Que bandas han influenciado a Kubika a la hora de plasmar su sonido?

Beka: Muchas gracias, agradecemos tus palabras . Tal vez mi voz y forma de cantar sea distinta precisamente porque nunca he perseguido seguir un patrón o fijarme especialmente en la forma de cantar de nadie. Soy yo al natural aunque, por supuesto, he tenido mis reinas, y muy distintas. Entre ellas podemos destacar a Wendy O Williams, Tina Turner, Angela Gossow, Amy Winehouse, Gloria Gaynor, Tatiana Shmaylyuk …

Kubika: Todos los miembros de Kubika tenemos influencias artísticas muy diferentes, que quedan plasmadas en nuestra forma de componer e interpretar la música. Si nos centramos en el sonido del grupo, el peso de la guitarra es prominente, con un sonido inspirado en bandas como Slipknot, Machine Head o Lamb Of God, entre otras.

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– ¿Cómo ha sido la composición de las letras, ya que personalmente creo que es uno de los puntos fuertes del álbum?

Ha sido un proceso bastante complicado debido a la temática que hemos abordado en el disco, pues escribir acerca de ello requiere un alto grado de empatía que te permita explorar una gran variedad de emociones, con la idea de intentar acercarse, aunque sea un poco, a lo que podría llegar a sentir alguien en una situación así. Por supuesto, con un enfoque lo más respetuoso posible, para no herir la sensibilidad de nadie y, sin embargo, poner sobre la mesa un problema que, más allá de la patología, tiene una dimensión social que afecta a muchas personas, y a sus familias.

–Beka compartes sello discográfico con Hynphernia de Death & Legacy ¿Te ves colaborando con ella o que ella colabore con Kubika en algún momento?

Beka: Ya he colaborado con Cintia en directo, cantando una canción con su banda durante una gira de cinco días. ¡Fue muy divertido!. Así que, si se propone en algún momento, por nuestra parte estaríamos encantados y sería fácil de cuadrar.

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– ¿Cuáles son los planes para la banda en lo que queda de 2026 y que podemos esperar de vosotros a nivel gira nacional?

De momento, tenemos muchas ganas de llevar nuestro disco al directo, esa es nuestra prioridad ahora. Tampoco queremos dejar de lado la composición de nuevos temas, así que trataremos de sacar tiempo para la parte creativa, la cual también nos encanta.

Respecto a una gira nacional, solo podemos ofrecer algunas fechas confirmadas, pero seguimos trabajando en cerrar más. Hasta la fecha, estaremos en:

16 de Mayo en Amayuelas de Abajo (Palencia). Festival Semilla Rock.

12 de Septiembre en Madrid, sala Siroco.

19 de Diciembre en Badalona, en Bloody Fest.

– Si tuvierais que girar con alguna banda internacional, ¿Cuál sería la soñada por toda la banda?

Como mencionamos anteriormente, cada miembro tiene diversas influencias e ilusiones, así que ponerse de acuerdo en una sola banda ha sido imposible.

Por eso, vamos a decir unas cuantas:

Beka: Me haría una especial ilusión girar con Jinjer!

Alex: Sería una auténtica pasada poder girar con Dream Theater o con Slipknot!

Berni: Un sueño hecho realidad sería girar con Tool.

Gonza: Me encantaría girar alguna vez con Tesseract o con Gojira.

Crystal Lake está de vuelta con nueva música, nueva energía y una nueva etapa. Tras el lanzamiento de su último álbum el pasado viernes, hablamos con John Robert C., el nuevo vocalista de la banda, sobre su entrada en el grupo, el proceso creativo del disco, las colaboraciones, la reacción de los fans y cómo es formar parte de una banda japonesa siendo de Brooklyn. También hablamos sobre la próxima gira europea con parada en España y sobre cómo compagina su vida como cantante con la de padre.

Quería preguntarte: es el primer disco completo que haces con la banda, si no me equivoco.

Sí.

¿Cuál fue el enfoque para vosotros con esta nueva formación y cómo presentarse al al mundo del metalcore? ¿Cómo empezásteis con esto?

No creo que su mentalidad haya cambiado con mi entrada en la banda. Creo que yo me he adaptado al camino que ellos ya tenían. Y creo que eso es algo bueno. No estamos intentando cambiar lo que es Crystal Lake. Como siempre, la idea es transmitir emoción feroz, ya sea algo emocional desde el corazón, o que quieras hacer mosh, o hacer headbang, lo que sea. Ese siempre es nuestro enfoque: la emoción. Incluso si la banda insiste en algo, si no puedes tocar perfecto, al menos transmite algo. Todo gira alrededor de la emoción.

Eso es genial, porque es exactamente lo que sentí escuchando el álbum. Hay algunas diferencias entre el anterior cantante, Ryo, y tú, pero siento la misma energía.

Todo está quizá un poco más pulido, pero sigue estando la emoción. Creo que esa es la palabra perfecta para describir a Crystal Lake. Puedes sentir muchos tipos de emociones: rabia, belleza, tristeza… todo.

Relacionado con el álbum, tienen colaboraciones increíbles. Jesse Leach, Taylor Barber de Left to Suffer, que es un cantante brutal, y David de Signs of the Swarm. ¿Teníais todo esto planeado desde el principio?

Desde que entré en la banda he estado diciendo que teníamos que hacer colaboraciones con David, Carl y Taylor. Lo repetí muchas veces. Revisamos nuestras listas de amigos: YD, Mitsuru, Gaku, TJ y yo. Pensamos en quién sería un gran cantante y quién querría participar.

Hablamos con todos nuestros amigos casi al mismo tiempo. Y resultó que llevábamos mucho tiempo hablando de estas personas. Tener a alguien como Mike Terry en nuestro álbum es increíble porque lo conozco desde hace mucho. Conozco a Taylor desde hace años, también a David. Es genial poder trabajar con amigos y también crear nuevas conexiones con cantantes legendarios como Carl y Jesse.

Intento modelar la forma en la que transmito emociones inspirado en Jesse Leach. Él suena como si se estuviera muriendo cuando canta. Suena como si estuviera en llamas. Su voz está llena de emoción. Y en cuanto a letras, Carl es una inspiración enorme para mí. Misery Signals es una de las bandas underground más importantes y sus letras son muy emocionales, muy inteligentes. Me encanta eso.

Hacer lo que amas con amigos debe ser increíble, especialmente con música. ¿Cómo estáis recibiendo la reacción del público? He visto muchas opiniones positivas sobre el álbum.

Sí, definitivamente he visto positividad, lo cual es genial. Los únicos comentarios negativos que veo parecen venir de gente que no quiere que el álbum sea bueno. No es que realmente no les guste, sino que sienten que “no debería ser bueno”.

En otras bandas he recibido críticas negativas y podía entenderlas. Pero ahora, cuando leo comentarios negativos, siento que simplemente están llorando. Estoy sintiendo el apoyo positivo. Sabremos mejor cómo funcionó el álbum después la gira con Miss May I. Si a la gente realmente le gusta, mantendrá las luces de mi casa encendidas. Si no, las apagaremos.

Quiero decirte algo: lo que hiciste es increíble. Entrar en Crystal Lake, una banda enorme de Japón, no es fácil.

Gracias.

La banda lleva activa desde 2002 o 2003, si no me equivoco.

Sí, es una locura. Mucho tiempo.

Creo que mucha gente esperaba que fallaras. Como: “¿Será capaz de llenar los zapatos de Ryo?”

Sí, la gente quiere que falles. Pero también entiendo esa reacción. A mí mismo me pasa cuando una banda cambia de cantante. Muchas veces pienso: “El antiguo era mejor”. Soy el primero que dice eso sobre otras bandas.

También eres padre, ¿no?

Sí. Soy padre a tiempo completo y cantante a tiempo completo. Cuando me voy de gira dejo a mi pareja con nuestro hijo, tres gatos, una casa y dos coches. Y le digo: “Nos vemos en unos meses”.

Ser padre es más difícil que ser cantante, pero también es más divertido. Me encanta ser padre. Corro por la casa, juego con mi hijo. Mi chica odia cuando estoy corriendo y gritando por la casa, pero yo lo adoro.

Vais a venir de gira por Europa pronto. Estaréis en España en marzo con Miss May I, The Great American Ghost y Diesect. ¿Cómo os sentís con esta gira?

Me encanta tocar en España. Estoy muy emocionado de tocar en salas cerradas, me gustan los festivales, pero en una sala pequeña puedes interactuar con el público. Puedes sacar el micrófono y hacer que toda la sala grite. En festivales grandes eso no funciona igual.

La sala en Barcelona tiene unas 800 personas. Es un tamaño perfecto.

Sí, me encantan las salas pequeñas.

Quería preguntarte también por el tema cultural. Tú eres de Brooklyn y te uniste a una banda japonesa. Es una diferencia cultural enorme. ¿Cómo lo manejaste?

Intento adaptarme, igual que ellos cuando vienen aquí. No hablo japonés lo suficiente para tener conversaciones largas. Mis compañeros hablan inglés, pero en Japón a veces estoy en una mesa con gente y simplemente me quedo callado. Aprender un idioma es difícil con mi vida: giras, ser padre, trabajar. Pero me adapto al ambiente. Aunque no hablemos mucho, puedo sentir la vibra y pasarlo bien. Tengo amigos japoneses que apenas hablan inglés, pero aun así somos buenos amigos.

Cuanto más tiempo pasas allí, más aprecias su cultura.

Por ejemplo, algo que me encanta es cómo usan las escaleras mecánicas. La gente se pone a un lado para que los demás puedan pasar. En Estados Unidos la gente se queda en medio con la mochila y nadie puede pasar. Son pequeñas cosas culturales. También me gusta mucho su etiqueta en los restaurantes. Tienen una frase para agradecer la comida al terminar. Es algo muy bonito.

Recuerdo la primera vez que llegué a Japón. Bajé por una escalera mecánica y me quedé en medio con mi maleta. Me dijeron inmediatamente que me apartara a un lado. Luego vi a todo el mundo haciendo fila para el tren y pensé: “Ok… esto va a ser muy diferente”.

Imagínate cómo es para ellos. Durante 24 años la banda era solo japonesa y de repente aparece un italiano-americano de Brooklyn.

Soy como un niño dibujando en las paredes con un rotulador dentro del grupo. Incluso me han corregido cómo dejar los palillos en la mesa. En Japón no puedes dejar los palillos clavados en la comida porque eso se hace en ceremonias funerarias. Así que a veces estoy solo intentando comer ramen y alguien me corrige cómo dejo los palillos. Pero así es la cultura. Para ellos es natural.

Para mí también hay cosas naturales, como poner el tenedor en la comida. Yo soy muy bromista. Siempre estoy haciendo chistes, poniendo apodos a la gente. Tengo una frase que digo siempre: “This is America”. La digo en cualquier parte del mundo, incluso cuando estoy en otro país. Es como mi frase típica.

Creo que ya terminamos nuestras preguntas. Solo quiero darte las gracias, John. Fue increíble hablar contigo. Nos vemos en Barcelona.

Gracias a ti.

Tras el breve regreso de Subterranean Kids en 2023, una nueva etapa toma forma bajo el nombre de Subterranean. Con Mimo al frente —voz histórica del proyecto— y acompañado por Alberto “Brutus”, Gerard y Jordi, la banda arranca una nueva singladura que conecta pasado y presente del hardcore barcelonés. Hablamos con ellos sobre rupturas, reencuentros, legado, composición y el inminente lanzamiento de su nuevo disco.

—Vuestro último retorno en 2023, como Subterranean Kids, estuvo marcado por el fichaje por HFMN y el hecho de actuar junto a NOFX, aunque el estreno en directo fue en la Estraperlo de Badalona (14/5/2023), en un concierto para amigos e invitados, pero la reunión tuvo un corto recorrido. ¿Cuántos conciertos fueron finalmente, y qué pasó?

Mimo: Fueron los conciertos con NoFX, un festival en Castellón y el Mondra’n’Roll en Euskadi y poca cosa más. Lo que pasó es que hubo divergencias de pensamiento sobre dónde y qué dirección debería tomar la banda, que también se juntaron con divergencias personales y de actitud entre algunos miembros.

—A finales de ese mismo año se arma la nueva banda, Subterranean, que se presentó en Guíxols en febrero, en marzo en Terrassa teloneando a Crim, algunos festivales, y en Badalona de nuevo con los californianos R.K.L., en 2025, treinta años después de actuar juntos en Barcelona en el 93 en KGB —y quizá también en Garatge Club—. ¿Cómo fue el reencuentro con los americanos?

Mimo: La verdad es que fue bien. Alberto y yo ya los conocíamos de antes; yo sobre todo a Barry y a Little Joe. Como es normal, estuvimos comentando cosas e historias del pasado y de cómo estamos ahora. Musicalmente nos comentaron —según ellos, y si hay que creerles— que les gustamos mucho más ahora que antes. La verdad es que son gente muy fácil y agradable.

Alberto: Barry RKL y yo conservamos una amistad desde que teníamos 20 años, creo. Estuvo hospedado varios días en mi casa en su primer viaje a Europa celebrando su graduación en la universidad. A partir de ahí nos íbamos carteando, explicándonos nuestras aventuras: él con su nueva banda RKL y yo con mi nueva banda GRB.

En el 93 tuvieron problemas en una accidentada gira europea. Barry me envió un “help” y RKL se instaló en mi casa en Barcelona para reponerse y reestructurar la banda antes de volver a California e iniciar la gira que tenían programada, en la cual me incorporé como técnico de sonido. Así que te puedes imaginar que el encuentro fue bonito.

—La nueva formación cuenta con Mimo a la voz, único miembro original de SK, junto a Alberto aka Brutus, guitarra de los míticos GRB y habitual en las últimas alineaciones de SK, además de Gerard y Jordi al bajo y batería. ¿Cómo fue decidir el cambio de nombre y por qué la elección de Gerard y Jordi?

Mimo: Después de la separación de S.K. surgió la posibilidad de continuar con otro proyecto con Alberto. Hablamos con Gerard, que ya sabía lo que había pasado, y nos dijo que si queríamos hacer algo contáramos con él. Así fue. Pensando en quién podría ser el batería, se me ocurrió llamar a Jordi sin saber qué respuesta nos daría. La verdad es que no se lo pensó ni un momento: nos dijo que sí y que además tenía local de ensayo y equipo. Todo salió así de fácil, se empezaban a alinear los astros.

Alberto: Mimo y Boliche son los fundadores de Subterranean Kids. Al no estar Boliche en el proyecto veíamos feo e incoherente conservar el nombre, pero por otra parte la voz de Mimo es sello de la casa y además tocamos temas de Subterranean Kids. ¿Solución? Kids fuera.

—¿Creéis que Jordi hará olvidar esos ritmos imposibles de Boliche a la batería?

Mimo: No se pueden comparar, cada uno tiene su manera de tocar. Jordi siempre comentó que esto sería un reto para él y yo personalmente creo que lo ha superado con creces y solvencia. Es muy exigente consigo mismo y no tiene nada que envidiarle. Es un placer y un seguro tenerlo en la banda.

Alberto y Gerard: Eso depende de la perspectiva de quien lo vea. Pifa es una bestia, contundente y muy preciso, una gozada. Boliche y Pifa tienen su estilo propio, como todo músico. Nos parecería absurdo plantearlo desde una perspectiva comparativa o competitiva. A unos les puede gustar más uno que el otro, pero este factor no tiene por qué condicionar la trayectoria de nadie.

—¿El cambio de nombre es debido a algún posible conflicto entre los miembros originales o a romper en parte con el pasado?

Mimo: Se quitó el “Kids” más que nada por respeto hacia la banda y porque ya no somos “kids”. ¿Y por qué cambiar lo de Subterranean cuando al empezar tocábamos temas de S.K. que Gerard y Jordi se habían aprendido? Casi el 100% de las letras son mías y parte de las canciones que tocamos son de la última época, en la que Alberto fue responsable de la composición musical. Además tocamos algunas de las canciones más conocidas de S.K., junto con un tema de G.R.B. y lo nuevo que estábamos sacando. Lo más fácil era llamarse Subterranean si estás tocando temas que son tuyos.

—¿Por qué habéis mantenido parte del nombre original y no uno distinto, teniendo en cuenta que existen otras bandas llamadas Subterranean por el mundo?

Mimo: La primera parte queda respondida en la pregunta anterior. Y respecto a lo de la otra banda, tienes razón, no lo habíamos pensado. Hemos ido a lo fácil y por eso hemos añadido H.C., Subterranean H.C. o hardcore-punk, para diferenciar.

—Explicadnos cómo ha sido el proceso de composición y la elección de Estudios Ultramarinos, en Sant Feliu de Guíxols, y de Santi García para la grabación y producción.

Mimo: La composición ha sido muy fluida y fácil, aunque también muy elaborada y detallista. Hay temas que estaban hechos a finales de los 90 y que eran inéditos; los hemos retocado y actualizado tanto en estructura como en música y letras. Otros son totalmente nuevos. Más que elegir el estudio, fueron David (HFMN) y Santi quienes nos propusieron grabar allí. Ya conocíamos las producciones de Santi, sin dejar de lado el trabajo de su hermano en el mastering, donde todo se realza y compacta. Santi siempre dijo que nos haría un discazo y así ha sido.

Alberto: Tenemos un proceso de composición maravilloso. Todo sale fluido, natural y rápido. Trabajamos en equipo, todo el mundo aporta. Hay mucha creatividad, poco conformismo y exigencia musical.

—De momento han aparecido un par de cortes en formato videoclip del álbum que verá la luz el 6 de marzo. ¿Por qué habéis elegido esta forma de proceder y qué hay de la elección de las imágenes que ilustran “Generación Perdida”?

Mimo: Esto lo hemos dejado en manos de HFMN, que nos ha guiado en la forma de proceder y en los tiempos hasta la salida del disco. El primer videoclip, “Bajo tu piel”, es como una presentación de la banda. Fue creado por Teniem Potencial, a quienes dimos libertad dentro de los medios disponibles, y el resultado es impresionante. El segundo es un videolyric creado por Gerard Bernal, el bajista, que ha interpretado la letra desde un punto de vista bastante interesante.

—¿Qué puedes contarnos del contenido del disco, tanto musicalmente como en la temática de las letras?

Mimo: Ha salido lo que pretendíamos: un disco de hardcore de principio a fin, con un sonido actualizado y brutal, y con letras que tocan temas sociales y políticos, pero también temas intimistas con sus sentimientos y emociones. HARDCOREPUNK. PUNKHARDCORE.

Gerard: Es un disco dinámico, con diversidad de estilos dentro del hardcore/punk y bastante técnico. Hemos conservado el estilo de riffs de la última época de Subterranean Kids, actualizándolos lo justo para mantener el sonido de siempre pero adaptado al presente.

—Un excomponente de Subterranean Kids comentó que el nuevo trabajo suena bastante a R.K.L. ¿Estáis de acuerdo o pensáis que sigue sonando a los viejos Sub Kids?

Mimo: Suena a Subterranean. Suena a lo que siempre he querido para la banda en la que toco. Hay variedad, pero suena duro y contundente, que es lo que pretendíamos.

Alberto: Puede que algunos temas sí, los antiguos que hicimos en el 97. No lo sé ni me importa demasiado. En mi ADN llevo no solo RKL, sino también Dead Kennedys, Bad Brains, Hüsker Dü… Es normal que eso se manifieste en tu música. Lejos de verlo negativo, lo veo bonito.

—Habéis anunciado gira estatal con siete fechas en marzo, abril y mayo. En el pasado visitasteis casi toda Europa, pero ¿qué hay de América?

Mimo: Ufff… A mí personalmente me encantaría. Pero vayamos paso a paso. Si tiene que ser, será; y si no, no será.

Gerard: Tal como está Estados Unidos hoy en día lo veo difícil. Tendrían que cambiar algunas cosas. América Latina ya es diferente; estaría muy bien poder hacer una gira por ahí. Si sale la posibilidad y es factible, todo se puede hablar.

En el marco de la actualidad de Harakiri for the Sky y sus próximos conciertos en España, dialogamos con J.J., voz de la banda austríaca, sobre identidad, melancolía, evolución y los desafíos de girar en estos tiempos.

Harakiri for the Sky siempre se ha caracterizado por un delicado equilibrio entre la agresividad y la melancolía. ¿Cómo trabajáis internamente esa dualidad para no perder nunca la honestidad ni la intensidad?

Creo que es bastante fácil responder a eso porque lo tomamos tal y como viene. Escribo letras que surgen en el día a día, en un 99 % autobiográficas. Y lo mismo ocurre con la música. Matthias también tiene muchas influencias diferentes. Las influencias cambian, la vida sigue, y por eso no intentamos pisar siempre el mismo terreno. Seguimos el ritmo del tiempo.

Hay cierta negatividad en nuestras mentes que nunca desaparecerá, eso es seguro. Pero también te haces mayor y algunas cosas cambian. Estás creciendo constantemente, tanto a nivel personal como artístico.

¿Qué tipo de negatividad crees que seguirás teniendo?

Sí, soy una persona bastante melancólica. Siempre estoy luchando contra el paso del tiempo, la pérdida de personas, las relaciones rotas. Todo eso me sigue entristeciendo cuando mis amigos se separan o cuando algo termina.

Ser una persona melancólica es parte de mi vida. Además, hoy en día también soy más sensible al exterior, a cómo está cambiando el mundo. Es difícil mantenerse optimista.

No creo que antes todo fuera mejor, siempre han pasado cosas estúpidas. Pero hoy, con las redes sociales, nos bombardean constantemente con malas noticias. Cada vez que abres Instagram hay algo terrible ocurriendo en algún lugar. Esta época es bastante difícil.

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Entonces, podemos decir que la música y tus letras funcionan como una especie de catarsis.

Sí, creo que “catarsis” es una de las mejores palabras para describir cómo trabajamos y por qué seguimos haciéndolo después de tantos años. Lo necesitamos para mantenernos mentalmente sanos. La creatividad, hacer arte, escribir canciones y letras siempre ha sido una buena forma de canalizar todo eso, ya sea a nivel social o personal. Es bueno tener algo con lo que puedas procesarlo todo.

¿Solo canalizas eso a través de la música o haces alguna otra actividad para desconectar?

También tengo otra banda llamada Karg. Pero, en general, lo que más me gusta y lo que siempre me ha gustado es escribir letras. Creo que eso me acompañará hasta el final.

Mirando la discografía de Harakiri for the Sky, se percibe una clara evolución. ¿Hay algún álbum o periodo que consideres especialmente decisivo?

Cada álbum fue un paso importante. El periodo entre Aokigahara y III: Trauma fue clave porque ahí todo empezó a crecer y dimos muchos más conciertos.

A nivel lírico, creo que di un gran paso de III: Trauma a Arson. Empecé a escribir de una manera más poética, trabajando más con metáforas.

Pero, en general, tanto musical como líricamente, creo que Mӕre fue el paso más grande. Lo extraño es que escribí un álbum sobre una ruptura que todavía no había ocurrido. Sucedió después de que el álbum estuviera terminado. Todo pasó exactamente como lo había escrito, casi como una premonición. Por eso ese disco ocupa un lugar muy especial en mi corazón.

Dentro del black metal moderno, la banda ha construido una identidad muy distintiva. ¿Cómo vivís esa tensión entre respetar las raíces del género y traspasar sus límites?

Es muy fácil responder a eso: simplemente hacemos lo que nos gusta. Si un riff suena bien y encaja, lo usamos. No pensamos demasiado en las críticas.

Estamos abiertos a todas las influencias: indie, grunge, post metal. Matthias tiene raíces en el death metal melódico, como In Flames, luego vinieron bandas como Insomnium, Katatonia, más tarde Deftones o Alcest. Mezcla todo lo que escucha y el resultado es una canción de Harakiri for the Sky.

Creo que esa es la razón por la que nunca hemos hecho dos álbumes iguales. Siempre seguimos adelante.

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¿En qué dirección podría ir el nuevo material? ¿Qué estás escuchando ahora?

Escucho una mezcla enorme de cosas nuevas y antiguas. Me gusta mucho el nuevo disco de Walg, de Suiza. Tambien el ultimo de Agriculture. También escuché bastante Danzig, Dinosaur Jr., el nuevo Converge. 2025 fue un año increíble en cuanto a lanzamientos.

Me gustan mucho Yellow Eyes, una banda bastante abstracta de Nueva York, y Heretoir, de Alemania, que tocarán con nosotros en algunas fechas. Y una de mis bandas favoritas es Off the Wand & the Moon, de Dinamarca, muy minimalista y triste.

¿Te dejas llevar cuando escribes o piensas mucho la estructura?

Me dejo llevar completamente. No pienso demasiado en cómo debe empezar o terminar una canción. Eso viene con el proceso. No sigo reglas del tipo “si empieza suave debe terminar pesado”. Simplemente surge.

Hoy en día parece cada vez más difícil girar y mantener una banda. ¿Qué retos afrontas?

Desde la pandemia todo es más complicado. Antes la gente estaba más interesada en ir a conciertos. Ahora las preventas son fundamentales porque necesitas saber si es seguro hacer un show.

Todo es más caro, pero la gente no quiere pagar más por la música. Los costes suben, pero los ingresos para las bandas siguen siendo los mismos. Si no tienes una gran agencia, es casi imposible hacer giras grandes.

En Europa funciona relativamente bien, pero en Estados Unidos es casi como unas vacaciones muy caras. Es un sueño tocar allí, pero vuelves con menos dinero del que llevaste. Cuando tienes veinte años es una aventura; cuando tienes familia, lo piensas dos veces.

Aun así, seguimos siendo afortunados. Hemos tocado en países como Armenia, Kazajistán o Kirguistán. Nunca imaginé visitar esos lugares, y mucho menos tocar allí.

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En directo, la intensidad emocional es muy visible. ¿Qué querés provocar en el público?

Cada concierto es diferente. Yo me meto completamente en las canciones y a veces ni siquiera interactúo mucho con el público. Las letras son tan personales que cuando las canto vuelvo a sentir lo que sentía al escribirlas.

No todos los conciertos tienen la misma intensidad, porque no todos los días eres la misma persona. Pero siempre intentamos dar lo mejor.

Pronto tocaran en España. ¿Qué recuerdos tenéis del público español?

Sí, siento una conexión especial. Los españoles y los latinoamericanos tienen una mentalidad muy abierta y apasionada. Cuando tocamos allí sentimos que realmente aprecian que estemos, que no somos simplemente otra banda más.

En Estados Unidos puedes ser una entre mil bandas tocando cada noche. En el sur de Europa o en Sudamérica se siente diferente, como algo especial. Y eso es muy bonito.

Entrevistador: Matías Frank

Con In Verses recién estrenado, tuvimos el placer de dialogar con Ian Kenny y Drew Goddard, cantante y guitarrista, respectivamente, de Karnivool. El cuarto disco de los australianos llega tras trece largos años y es el sucesor de Asymmetry.

En una charla muy agradable, nos cuentan sobre el porqué de la larga espera, sus sensaciones con el disco y hasta qué es lo que, como artistas, ven que le falta a la escena y a la música en general, entre otras cosas.
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Antes que nada, quería agradecerles por la entrevista y felicitarlos por el lanzamiento del disco. Realmente hicieron un gran trabajo.

IK – Bueno, muchas gracias, es un placer.

Bueno, les tomó trece años encontrar al sucesor de Asymmetry. Cuéntenme un poco por qué la espera se hizo tan larga.

IK – Bueno, si debería contar todo lo que pasó en estos trece años, me llevaría mucho tiempo…

No tengo apuro…

IK – (Risas). Bueno, voy a tratar de resumir un poco. Es que la realización del disco no fue un trabajo de tiempo completo. Entre giras y proyectos personales, fue pasando el tiempo mientras iban apareciendo algunas canciones.

DG – En 2024 decidimos que teníamos material suficiente y nos pusimos a trabajar con los temas. Ya habíamos lanzado “All It Takes” en 2021 y lo incluimos en el disco.

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¿Y respecto al proceso de composición?

AG – En realidad, depende de la canción, depende del álbum. No tenemos una manera fija para componer. A veces nace de una zapada con el resto de los chicos, a veces alguien trae algo que puede funcionar. Como con “Aozora”, por ejemplo. Tuve dando vueltas en mi cabeza esa batería entrecortada del inicio del tema durante mucho tiempo, jugando con eso, creando samples. Y a partir de ahí se fue armando. Pero lo que es seguro es que siempre empezamos por la sección musical y después le agregamos la letra.

IK – Sí, claro. Analizamos qué letra podría ir con cada tema, tenemos en cuenta la melodía y cómo encajarla con las vocales, por ejemplo. También si la música tiene correlación con lo que queremos contar.

Es un disco bastante oscuro, con letras que no son del todo alentadoras…

IK – Sí, yo diría que oscila un poco entre la desesperanza y la esperanza. Es un poco el resultado de las cosas que nos fueron pasando y fuimos observando a lo largo de estos años. Es, a la vez, un disco bastante introspectivo.

AG – Algo que me fascina es ver cómo la gente tiene miradas muy diferentes sobre las canciones. La recepción es muy distinta dependiendo de quién la escucha.

Sí, una vez que el artista lanza una obra, un disco en este caso, es como que ya no le pertenece y queda a la interpretación de quien lo escucha.

AG – Sí, alguien puede conmoverse y otro sentir angustia; es distinto para cada uno.

Quería hablar de dos canciones en particular del disco. La primera es “Reanimation”. La primera colaboración de la banda con otro artista: el talentoso Guthrie Govan. ¿Cómo surgió la colaboración y cómo fue trabajar con él?

IK – Bueno, la verdad es que secuestramos a su perro hasta que hizo el solo (risas).

AG – La letra dice antes del solo: “Feeling alone in a crowded place” (Sintiéndome solo entre una multitud). Así que el solo tenía que sentirse como alguien que estuviera a punto de tener un ataque de pánico, como un grito de auxilio.

La conexión con Guthrie se dio a través de un amigo en común que lo conoce de The Aristocrats. Lo contactamos por email y aceptó de inmediato. Hubo muchos mensajes de ida y vuelta. Nos hizo mil preguntas sobre el tema y lo que queríamos, algo normal. A mí me ha pasado colaborando con otros artistas también: querés estar seguro de estar haciendo el mejor trabajo posible.

La verdad, lo volvimos un poco loco por la diferencia horaria. A veces se despertaba y tenía tres o cuatro mensajes. No queríamos que el solo fuera pura velocidad o una demostración de virtuosismo; buscábamos algo equilibrado, además de ser capaces de reproducirlo tocando en vivo. Y estamos encantados con el resultado.

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La otra canción sobre la que les quiero preguntar es “Salva”, el tema que cierra el disco. Esas gaitas al final… se sienten como una especie de redención.

AG – En ninguna de las entrevistas previas nos mencionaron esa palabra: “redención”. Y creo que es la adecuada para el tema. Antiguamente, las gaitas se usaban antes de que los ejércitos comenzaran una batalla, y usarlas en este tema de esa manera es un poco como darles un nuevo sentido.

IK – Sí, absolutamente. De hecho, si algún escocés nos dice que no es la manera correcta de usarla o que no es para este tipo de música, no me importaría demasiado. Nos gustan mucho. Le confiere al tema esa aura de redención, como un grito de liberación.

Están cerca de comenzar una nueva gira europea, la cual arrancará en abril en Copenhague. ¿Cómo se están preparando para eso?

Estamos tocando versiones acústicas de los temas, viendo cómo funcionan y tocándolos de corrido, ya que el disco fue grabado de a tramos. Seguramente algunos temas no vayan a sonar en vivo de la misma manera que en el disco. Pero sí, supongo que esa es nuestra manera de prepararnos.

¿Cómo ven la escena del rock progresivo y de la música en general en estos tiempos en los que la inmediatez y el éxito son los que mandan?

AG – Bueno, respecto del rock progresivo, la verdad es que nosotros no nacimos como una banda de rock progresivo. Creo que se fue dando de manera gradual. Yo, personalmente, escucho desde Radiohead hasta Meshuggah, por ejemplo. De hecho, In Rainbows (disco de Radiohead editado en 2007) fue una gran influencia para mí. O Tool: ellos sí tocan con amplificadores reales, lo que a mí me encanta, pero también me gusta jugar mucho con lo digital, las secuencias, etc.

IK – Sí, podría ser. También podríamos encajar en algún lado entre The Beatles y Meshuggah (risas).

AG – Respecto de estos tiempos que corren, creo que tanto en el género progresivo como en los otros géneros se debería tener una mirada más humana, poner el foco más en lo humano.

Minutos antes de subirse al escenario de Razzmatazz 2 en Barcelona, Marc “Zelli” Zellweger, vocalista de Paleface Swiss, nos concede esta entrevista en plena recta final de su tour europeo. La banda llega tras una serie de shows agotados y después del lanzamiento de su nuevo EP a principios de año, que incluye la potente colaboración con Stick to Your Guns.

En la previa de un concierto que promete ser una auténtica locura, hablamos sobre cómo están viviendo esta gira, la presión de crecer cada vez más, el proceso creativo en la carretera y su conexión especial con España. Arrancamos.

(Entrevista en Video subtitulada al finalizar la publicación)

– Zelli, bienvenido al canal.

Muchas gracias.

– Es un placer tenerte aquí.

Muchas gracias por invitarme.

– Así que, primero que todo, Zelli, estáis cerrando el tour europeo ahora.

Sí, nos queda Barcelona y luego un par de fechas en Francia.

– ¿Cómo os habéis sentido con esta gira? Hacer shows agotados, el de Madrid ayer, que fue una locura… ¿Cómo os sentisteis al respecto? ¿Sientes un poco más de presión ahora, porque os estáis haciendo más y más grandes?

Por supuesto que sí. Yo creo que puedo manejar la presión, pero también sé que yo mismo me pongo aún más presión. Hemos vendido más entradas que nunca, más gente quiere estar entretenida y tenemos que entregar más y más.

Pero fue muy divertido. Fue la primera vez que tuvimos una gran producción en todo, así que teníamos que preocuparnos por nosotros mismos más que nunca. Tengo que ser consciente de lo que estamos haciendo: no fiesta todas las noches y bla, bla, bla…

Pero todo salió súper bien. Fue una gira realmente exitosa para nosotros. Todo estaba lleno y parece que todo el mundo se divirtió. Y sí, fue rápido, honestamente. Parece que comenzamos ayer y la gira ya terminó.

– ¿Cuánto tiempo ha pasado?

Salí de mi casa el 3 de enero, así que llevamos más o menos un mes en la carretera. Exactamente un mes ahora. Pero se siente tan rápido, honestamente… es una locura, hombre.

– Y es la primera vez que estáis haciendo la colaboración con Stick to Your Guns, la canción “Instrument of War”, que creo que es una locura, y que viene en el nuevo EP que lanzasteis a principios de enero. ¿Cómo os sentís yendo de gira con Stick to Your Guns? Y luego, ¿cómo os sentisteis con el EP? Creo que es un poco una continuación de “Cursed”, pero cada vez más emocional y más personal, sobre todas las experiencias de la gira y tal.

Sobre la primera pregunta, estar con Stick es increíble. Hicimos una gira con ellos en Estados Unidos el año pasado y ahí fue cuando escribimos la canción juntos. Es una locura, es un gran honor para nosotros. Todos crecimos escuchando a la banda. Yo he sido un gran fan durante muchos años.

Dato curioso: el primer breakdown hardcore que nuestro guitarrista Yannick escuchó fue uno de Stick to Your Guns, cuando era muy joven. Así que es simplemente alucinante para mí que ahora nos estén apoyando. Son gente realmente increíble. Ellos ya lo han visto todo, han hecho todo, y podemos aprender mucho de ellos. Cuentan historias divertidas y fue una gran experiencia escribir una canción juntos.

No queremos hacer simples “featurings”, queremos hacer colaboraciones reales: sentarnos en la misma habitación y escribir juntos. Eso es exactamente lo que hicimos en una pequeña habitación de hotel en Denver en la última gira. Fue súper divertido e increíble, y creo que encaja muy bien en el EP.

Cada canción es súper individual, en mi opinión. Cada una cuenta una pequeña historia por sí misma. Como ya dijiste, escribimos el 100 % del EP en la carretera, lo grabamos en la carretera y filmamos los videoclips también. Es absolutamente una locura.

Ha sido mucho trabajo, muchos días y noches estresantes, pero valió la pena. Sé que son solo cuatro canciones, no suena como mucho, pero créeme, es muchísimo trabajo.

– Y luego, Zelli, quiero hacerte dos últimas preguntas. La primera: si tuvieras delante a alguien que no conoce la música de Paleface Swiss en absoluto y tuvieras que elegir una canción para mostrársela, ¿cuál sería?

“Hatred”. Es una elección bastante buena. Creo que mezcla todo el ambiente más old school con lo más nuevo.

– Y la última: estamos en Barcelona. Habéis estado aquí en España, en el Resurrection Fest. De hecho, compartimos hotel, os vi desayunando, pero no quería molestar. Era un gran hotel, nos quedamos allí un par de noches.

Sí, creo que fue el año pasado.

– Así que, Zelli, tres cosas que amas de España.

Los fans apasionados. Se siente como que, una vez que son fans de tu banda, nunca te dejan ir. Se agarran a ti. Cantan fuerte, están encendidos cada vez que estamos aquí. Eso es lo que realmente amo.

También me encanta la comida, la cocina española es genial. Y pasamos mucho tiempo en Tenerife, donde escribimos todo “Cursed”. Ron vive allí y grabamos y escribimos todo en su casa, así que tenemos una conexión muy fuerte con España. Diría que la cultura española es otra cosa que amo, y también Ron. Ron es lo tercero que más me encanta de España. Es un tipo súper genial.

– Ok, Zelli, muchísimas gracias por tu tiempo. Ha sido un placer. Estoy deseando veros y darlo todo.

Sí, gracias.

 

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Con más de dos décadas de trayectoria dentro del pagan metal europeo, los alemanes Wolfchant regresan con Echoes of a Time Once Past, un álbum que conecta su esencia original con la madurez de su etapa actual. En esta entrevista, Lohki repasa el proceso creativo del disco, la reconstrucción de la banda tras momentos difíciles, el enfoque lírico y musical de este nuevo trabajo, y los objetivos de Wolfchant en el presente, en una charla profunda y honesta.
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He escuchado el nuevo álbum. Echoes of a Time Once Past fue muy bien recibido y he leído que es su octavo álbum de estudio y el segundo desde el regreso de la banda. ¿Qué representa este disco para Wolfchant en esta nueva etapa?

Para nosotros es, en cierto modo, una mezcla entre el Wolfchant antiguo y el Wolfchant actual. Por eso lo llamamos Echoes of a Time Once Past. Hay una sensación muy fuerte de nuestros primeros años, a comienzos de los 2000, combinada con todo lo que hemos hecho en los últimos diez años. Queríamos unir esas dos etapas y reflejarlas en las canciones. En nuestra opinión, funcionó muy bien. No queríamos crear algo completamente nuevo, sino tomar lo mejor de ambos estilos y unirlos en este disco.

Escuchando el álbum, noté influencias de power metal y heavy metal, pero también partes de cuerdas y momentos más épicos o melódicos. Las canciones fluyen naturalmente de una parte a otra, sin quedarse encerradas en un solo estilo, ya sea power, folk o extremo. ¿Cómo fue el proceso de composición para lograr ese equilibrio?

Normalmente uno de los guitarristas o algún miembro de la banda llega con una idea inicial. Todos tenemos la posibilidad de grabar en casa. Vivimos repartidos por toda Alemania, pero desde hace unos diez años contamos con nuestro propio estudio. Compartimos la idea y todos trabajamos sobre ella. Ese proceso puede llevar semanas o incluso años. En el caso de Echoes of a Time Once Past, nos llevó casi tres años.
Grabamos muchas canciones, alrededor de 18, y con el tiempo íbamos parando, escuchando y decidiendo cuáles representaban mejor lo que sentíamos en ese momento. Al final dijimos: “Estas son las canciones que queremos en el disco”. A veces sentíamos que necesitábamos partes más agresivas, más voces gritadas, y en otros momentos algo más suave, quizás con violonchelos. Es un proceso largo, que puede durar meses o incluso años.

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Claro. Mencionaste que el proceso llevó casi tres años. Yo estaba algo confundido porque pensaba que el lanzamiento de 2024 era un álbum completamente nuevo. ¿Hay canciones de este disco que fueron escritas antes de ese lanzamiento?

El lanzamiento de 2024 no fue un álbum nuevo, sino una reedición de nuestro segundo disco, A Pagan Storm. Ese álbum salió originalmente en 2007 y durante mucho tiempo no estuvo disponible. Muchos fans nos lo pedían, así que decidimos regrabarlo completamente en 2024 y lanzarlo como un doble CD: la versión original y la nueva. Pero no lo consideramos un álbum oficial nuevo. Nuestro último álbum de estudio antes de Echoes of a Time Once Past fue Omega Bestia, en 2021.

Entiendo, fue un error mío. Pensé que era material nuevo. De todos modos, A Pagan Storm fue un disco muy importante. Recuerdo que en Argentina, alrededor de 2008 o 2009, el pagan y el folk metal se volvieron muy populares y ese álbum se escuchaba muchísimo.

Sí, para nosotros A Pagan Storm sigue siendo un disco muy importante. Fue un gran paso adelante en nuestra carrera y ayudó a que mucha gente se acercara al pagan metal en esa época.

Hablando de la historia de la banda, sé que hubo una pausa alrededor de 2018 y luego el regreso en 2019 con nuevos miembros. ¿Cómo fue el proceso de reconstruir la identidad de Wolfchant sin perder su esencia?

En realidad no fue una separación como tal. Nos tomamos un tiempo porque nuestro guitarrista falleció de cáncer. Era muy joven y se había unido a la banda solo cuatro años antes. Falleció en agosto de 2018 y fue una pérdida enorme para nosotros.
Aun así, teníamos compromisos importantes como Wacken, Summer Breeze y 70.000 Tons of Metal. Sus padres nos dijeron que no paráramos, que él no lo habría querido. Seguimos adelante, pero sentíamos un vacío muy grande. Después del 70.000 Tons de 2019 decidimos tomarnos un descanso para recomponernos. Necesitábamos tiempo para procesar todo. Tras aproximadamente un año, nos sentimos preparados para empezar de nuevo y ahí fue cuando realmente regresamos.

Gracias por aclararlo. Entremos ahora en las letras. ¿Es Echoes of a Time Once Past un álbum conceptual? ¿Qué tipo de historias o imágenes inspiraron las letras?

No es un álbum conceptual. Cada canción cuenta una historia diferente. En el pasado hicimos discos conceptuales, pero esta vez queríamos letras variadas. Por ejemplo, “Lifeblood” habla de los últimos momentos de una persona en una batalla, de los pensamientos finales antes de morir. Otras canciones siguen explorando la naturaleza, como “Goddess of Fire”, que trata sobre una figura mitológica que seduce y destruye al ser humano. Son historias independientes, no hay un concepto general que las una.

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Me llamó la atención el uso de diferentes idiomas en el disco. Algunas canciones están en alemán y otras en inglés. ¿Cómo deciden eso?

Es algo que hacemos desde Pagan Storm. A veces sentimos que el inglés no encaja bien con una canción, entonces probamos en alemán, que es un idioma más duro y, en ciertos casos, funciona mejor. Otras veces sucede lo contrario. Escuchamos la canción en alemán y sentimos que es demasiado difícil, entonces pasamos al inglés. Elegimos el idioma según lo que mejor funcione para cada canción.

Lo entiendo perfectamente. A veces no entender la letra también genera una sensación especial.

Exactamente. A veces no es necesario entender las palabras. Es una cuestión de sensaciones. La música, la voz, la energía… eso puede ser suficiente.

¿Qué sentimientos buscan transmitir con este álbum?

Queremos que, al terminar de escuchar el disco, el oyente se sienta mejor. Quizás no necesariamente feliz, pero sí más fuerte, con una sensación positiva. No queremos deprimir a nadie. Si tuviste un mal día y escuchás Wolfchant, nuestra intención es que salgas con más energía.

Algo que me llamó mucho la atención es el trabajo orquestal. ¿Cómo grabaron las cuerdas y los arreglos sinfónicos?

Al principio lo hacíamos con instrumentos reales, pero era muy complicado y caro. Con el tiempo empezamos a usar software, que hoy en día es de altísima calidad. Las guitarras, el bajo y la batería son reales, por supuesto, pero la orquesta está hecha completamente con software.

La batería suena muy potente en el disco.

Nuestro baterista es una bestia absoluta. Siempre grabamos la batería de forma real. No usamos baterías programadas, salvo algunos ajustes mínimos.

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Hablemos de la gira Rites of the Blood Moon. El cartel es increíble. Cuando lo vi, pensé: “Tengo que estar ahí”.

Podés esperar exactamente eso: cuatro bandas increíbles. Personalmente me gustan mucho Belore, Skyforger y Arab Altor. Hay una mezcla muy rica de pagan metal, desde Suecia hasta Francia, Alemania y Estonia.
Son bandas con mucha experiencia y creo que va a ser algo realmente especial vernos a todos juntos en el escenario. Tenemos once conciertos por delante y va a ser épico.
Para ser honestos, será nuestro primer concierto en Dinamarca. He estado muchas veces en Copenhague por trabajo, pero musicalmente es la primera vez que tocamos allí. Tenemos muchas ganas y esperamos un show intenso, cercano y muy especial.

Dijiste que estuviste varias veces en Copenhague por trabajo. ¿A qué te dedicás vos y a qué se dedican los demás integrantes de la banda, teniendo en cuenta que Wolfchant es un hobby para ustedes?

Exactamente. Nuestro baterista es abogado y tenemos uno, dos o tres ingenieros que trabajan para BMW en el área de electrónica y control de calidad. En mi caso, soy director de seguridad y formo parte de la dirección de una empresa. Todos tenemos una buena formación y trabajos estables.
Desde hace tiempo decidimos que, aunque la música es muy importante para nosotros, no queríamos depender económicamente de ella. Eso nos da total libertad para hacer lo que queremos con Wolfchant: si a la gente le gusta, genial, y si no, no pasa nada, porque no necesitamos vivir de la música.
En nuestros trabajos todos saben que tocamos en una banda y, en muchos casos, incluso a la gente de la dirección le gusta el metal. Hay muchísimos metaleros, más de los que uno imagina, y eso genera una conexión muy natural e interesante.

Si pudieran crear algo fuera del formato habitual de la banda, como una película o un videojuego, ¿qué les gustaría hacer?

Ya tuvimos una experiencia así hace algunos años con una producción animada de Cartoon Network. Fue muy divertido y nos trajo muchos fans, especialmente en Estados Unidos y Canadá. Si tuviéramos la oportunidad de repetir algo así, lo haríamos sin dudarlo.

Por último, ¿cuáles son los objetivos a corto y mediano plazo para Wolfchant?

Seguir sacando discos, dar conciertos, conectar con los fans y viajar con nuestra música. No buscamos más que eso: hacer lo que amamos y compartirlo con la gente.

Ponte del Diavolo se ha consolidado como una de las propuestas más inquietantes y personales dentro del doom contemporáneo. Con una formación poco convencional basada en dos bajos y una identidad sonora que desafía etiquetas, la banda continúa expandiendo sus límites creativos. En esta entrevista, Krhura Abro reflexiona sobre los orígenes del proyecto, sus influencias más allá del metal y lo que esperan de su próxima gira por España.

– ¿En qué momento se dieron cuenta de que Ponte del Diavolo no iba a ser “solo otra banda”, sino un proyecto con identidad propia?

Krhura Abro: No lo esperábamos en absoluto, pero las reacciones a nuestra primera demo nos mostraron que estaba circulando ampliamente en los círculos underground.

– Erba del Diavolo fue quien propuso originalmente la idea de un proyecto doom construido alrededor de dos bajos. ¿Por qué esa obsesión en lugar de añadir más guitarras?

Krhura Abro: Fue Erba del Diavolo quien tuvo la idea de un nuevo proyecto doom con dos bajos. Se puso en contacto con nosotros y, después de algunas sesiones de ensayo juntos, nos dimos cuenta de que algo interesante estaba tomando forma. El sonido ya nos parecía completo de esta manera, y esta formación también nos obliga a explorar soluciones diferentes a las de otras bandas.

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– Muchas bandas intentan volverse más extremas con cada nuevo lanzamiento. ¿Ven su objetivo como volverse más extremos o más honestos?

Krhura Abro: Nunca lo pensamos realmente en esos términos. “Extremo” puede interpretarse de muchas maneras. Pero diría que la honestidad es la base para crear música que realmente sientas y que signifique algo para ti.

– ¿Qué banda que no sea de metal ha tenido mayor influencia en la forma en que componen o entienden la música?

Krhura Abro: No creo que podamos reducirlo a nombres concretos. Hemos escuchado muchas bandas de la escena punk, post-punk y dark wave. También nos gusta mucho la música electrónica, el rap y la música de los 80 en general, y a veces es realmente interesante e inspirador ver cómo los distintos géneros abordan la estructura y la composición de las canciones.

– ¿Cuál es la música más “anti-metal” que escuchan cuando están solos en la furgoneta de gira?

Krhura Abro: En la furgoneta no escuchamos mucho metal, principalmente porque el audio no siempre es el mejor para ese tipo de discos. Además, cada noche escuchamos metal en directo durante tres o cuatro horas, así que nuestros oídos necesitan un poco de desintoxicación. Por eso suena mucho pop de los 80, rap old school y clásicos para cantar a coro, aunque no considero nada de eso como anti-metal. Por supuesto, siempre hay espacio para reyes como Judas Priest o Black Sabbath.

– Si pudieran invitar a un músico de cualquier parte del mundo para colaborar en una canción, ¿quién sería?

Krhura Abro: Mi elección estaría entre Robert Smith, Tony Iommi o David Gilmour.

– ¿Qué canción del nuevo álbum les impone más respeto a la hora de tocarla en directo?

Krhura Abro: No es que tengamos miedo de tocar ninguna canción en vivo, pero será la primera vez que integremos algunos instrumentos nuevos y pistas de acompañamiento en nuestros conciertos, así que eso será interesante.

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– ¿Preferirían tocar en una iglesia abandonada con pésima acústica o en un festival moderno con sonido perfecto pero sin alma?

Krhura Abro: Hemos tocado en ambos contextos y disfrutado los dos, pero definitivamente prefiero clubes profesionales. Cuando la gente paga una entrada, merece una buena experiencia. No estoy de acuerdo con que los festivales no tengan alma. Un buen sistema de sonido puede ayudarnos a transmitir nuestra “alma” tal y como fue concebida. Dicho esto, el público juega un papel fundamental en la experiencia general.

– ¿Qué esperan de esta próxima gira en España, tanto a nivel artístico como personal?

Krhura Abro: Sé que el público español tiene hambre de música extrema y que la gente allí es salvaje (en el buen sentido, por supuesto). A nivel personal, espero toneladas de hierba.

– ¿Cómo están planteando el setlist para estos conciertos?

Krhura Abro: Lo estamos discutiendo y depende de si serán conciertos como cabezas de cartel o en festivales, pero pueden esperar una buena mezcla de todas las etapas de la banda.

– ¿La gira incluirá invitados especiales en algunos conciertos?

Krhura Abro: Por ahora tenemos algunos conciertos seleccionados en los que los invitados del disco tocarán en directo con nosotros. No siempre es fácil organizarlo, pero cuando sucede es algo muy emocionante.

Nacido en Suecia, hijo de padres uruguayos y radicado actualmente en Estocolmo, el baterista Martín López —fundador de Soen y exintegrante de Opeth y Amon Amarth— conversó con nosotros sobre el nuevo disco de la banda, Reliance, y reflexionó sobre la desconexión humana, el papel del arte en tiempos de individualismo y la necesidad de mantener viva la conciencia colectiva.

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Hola, Martín, ¿cómo estás? Si estás en Suecia, estamos cerca, ya que vivo en Copenhague.

Hola, bien, gracias. Sí, acá estoy. Los latinos en Escandinavia somos pocos, pero estamos.

Bueno, antes que nada, gracias por el tiempo. Recibimos el nuevo disco y me llamó mucho la atención el equilibrio entre la destreza progresiva y la faceta melódica, sobre todo en las voces. ¿Cómo logran ese balance entre lo técnico y lo emocional?

Hace varios discos que venimos buscando justamente eso: que la complejidad no se interponga con el mensaje. Queremos que las canciones sean canciones, no solo excusas para solos de guitarra o de batería. Buscamos que cualquiera pueda conectar con ellas sin tener que ser músico, pero a la vez que cada integrante tenga libertad para expresarse con su instrumento. Reliance sigue esa línea, pero con más experimentación. Es una progresión natural del disco anterior.

¿Y cómo trabajan la composición? ¿Cada uno aporta ideas o nace desde la batería?

Yo escribo las canciones en casa. Cuando tengo bastante material, empiezo a trabajar con Joel (Ekelöf, vocalista) para definir la expresión de cada tema. Si la canción tiene fuerza y calidad, pasa al siguiente paso: se la envío al resto de los músicos para que la aprendan, sumen sus ideas y la llevemos al máximo nivel posible.

¿El disco tiene un concepto que unifique las canciones?

Musicalmente siempre buscamos balance. Queremos que la agresividad y la violencia del metal convivan con la melancolía y la emoción. No dar solo una hora de metal, sino una representación más completa de lo que somos. Este disco es más directo y mejor compuesto.
En cuanto a las letras, siempre trabajamos tres ejes: la relación con el mundo (sociedad, política, injusticia), la dependencia entre los seres humanos, y una tercera línea más introspectiva, casi existencial: ¿quiénes somos, por qué estamos acá y cómo encontrar cierta felicidad en la vida?

Supongo que escribir sobre eso también implica un autoanálisis. ¿Te ha pasado de sacar conclusiones personales a través de las letras?

Totalmente. Aunque no predicamos ni pretendemos dar soluciones, escribir te obliga a reflexionar. Hay mucha injusticia, mucha desconexión. Y sí, te hace analizar tus propias decisiones. Todos sabemos que deberíamos dejar el teléfono y volver a conectarnos de verdad, pero después hay que hacerlo… y no siempre lo hacemos.

Exacto. Hoy estamos tan programados que cuesta salir del celular, y eso afecta incluso nuestra manera de vincularnos.

Es imposible escapar del todo. En Escandinavia ya no se puede pagar con dinero físico. Todo pasa por el teléfono. Fui al supermercado con mi hija de doce años: entró, escaneó todo con el móvil, pagó y se fue sin hablar con nadie. El mundo está diseñado para no relacionarnos, y eso da miedo. Cuando no conocés al otro, lo empezás a temer.

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Y ese miedo genera aislamiento. En lugar de buscar alivio en el contacto humano, mucha gente se encierra, o recurre a distracciones que empeoran las cosas.

Tal cual. Y ahí entra el concepto del disco: Reliance, “dependencia”. Trata sobre la necesidad de depender unos de otros. Si estás mal, necesitás que alguien te levante. Pero hoy todos temen molestar. Vivimos en una cultura que glorifica la autosuficiencia, la fuerza, el no necesitar a nadie. Es una mentira enorme. Lo único que nos da felicidad real es estar rodeados de personas que nos quieren.

Esa idea de autosuficiencia extrema también está muy presente en redes sociales.

Sí, y es terrible. Esos tipos que dicen que tenés que ser fuerte, ganar plata, estar solo y despreciar a los demás son los verdaderos perdedores. Tengo hijos adolescentes y veo cómo los bombardean con esos mensajes. Es catastrófico.

En ese sentido, está bueno que desde el metal se sigan planteando reflexiones así.

Sí, aunque nunca entendí por qué hay tanto miedo a hablar de temas importantes. Muchos músicos prefieren escribir sobre dragones o asesinatos. Y está bien si es una metáfora, pero el metal también puede ser una herramienta para decir cosas con peso, no solo entretenimiento.

Coincido. De hecho, tanto Uruguay como Argentina tienen una tradición de música combativa, de reflexión social.

Totalmente. Nosotros crecimos con Hermética, por ejemplo. Si comparás sus letras con lo que se escribe hoy, decís “¿qué pasó?”. El rock y el metal vienen de la clase obrera, de la calle. Y eso casi no se habla más. La izquierda tiene otras agendas y la derecha ni se acerca. La clase trabajadora quedó sin voz.

Sí, pasa mucho en Argentina. Se destruyó la conciencia de clase, y muchos trabajadores creen que están más cerca de ser ricos que de ser pobres.

Exacto. Los poderosos hacen que el obrero vea al más pobre como enemigo. Y al final somos todos parte de lo mismo: laburantes, gente que vive el día a día.

Hablando de que los músicos también son obreros, su trabajo es salir a tocar. ¿Cómo vienen con las giras?

Arrancamos en febrero con una gira escandinava. Después vamos a Estados Unidos, y a los festivales europeos en verano. En octubre y noviembre de 2026 vamos a hacer una gira por Europa como headliners, y a comienzos de 2027 por Sudamérica. También hay planes para Australia, Japón y, si todo se da, Medio Oriente.

¡Medio Oriente! ¿Qué expectativas tenés con eso?

Es muy especial. Cuando tocamos en Turquía vinieron 500 personas desde Irán. Nuestra música conecta en lugares donde la gente es oprimida, porque las letras hablan de eso. Nos gustaría llegar incluso a Arabia Saudita, aunque no sabemos si podríamos hablar con tanta libertad… veremos si volvemos. (Ríe)

(Ríe) Con todas las cruces invertidas no sé si los dejan pasar. (Martín usaba una remera de Dark Funeral)

Me pongo una de Estudiantes de La Plata y listo. Jaja

 (Ríe) Perfecto. Bueno, ya para cerrar: si tuvieras que definir Reliance con una sola frase, ¿cuál sería?

Es una aventura entre la agresividad y la melancolía.

Perfecto. Ese es el título de la entrevista.

(Ríe) Me gusta.