Puede que para Bastardös su más de década y media como proyecto activo no se haya traducido en una montaña de material, pero para estos guerreros del thrash metal en Argentina parece que las cosas no se miden por cantidad sino en calidad. Así que con eso en mente y con la banda a punto de presentarse en el Uniclub de Buenos Aires para celebrar su segundo álbum Entierrö, nos comunicamos con el guitarrista Tomás Doglioli sobre esta fecha tan especial.

Buenas, Bastardös! Muchas gracias por tomarse el tiempo para responder estas preguntas. ¿Cómo vienen las cosas en la banda?

Ante todo gracias a ustedes por abrir estos espacios.

Este último tiempo estamos bastante atareados. Venimos de una gira por Corrientes y con muchos ensayos por delante de cara a lo que va a ser la presentación de nuestro último álbum.

Ustedes van a estar presentándose el 26 de julio en Uniclub, ¿cómo vienen preparándose para esta fecha tan importante?

Estamos preparando un concierto demoledor. Es un show producido por nosotros por lo que estamos bastante entretenidos con toda la organización. En paralelo terminando de editar el disco y ultimando los últimos detalles en esta recta final.

¿Qué tienen preparado para este recital? ¿Cómo esperan que salgan las cosas?

 Vamos a estar tocando todo el nuevo álbum y reviviendo temas de tiempos anteriores.

Quizás tengamos algunas sorpresas para el público….

Importante saber que arranca temprano 18 hs comienza la primera banda soporte. Es apto para todo público, lo cual nos pareció genial para que sea un espectáculo que se pueda disfrutar en familia.

Esperamos que salga todo bien.

Siendo que van a estar presentando su nuevo álbum Entierrö, podemos hablar un poco acerca de este disco. ¿Cómo creen que evolucionó el sonido de Bastardös comparado con el LP debut Bastardös?

Para este disco, a diferencia del primero, yo lo grabé a distancia. Vivo en la Patagonia, así que contratamos un home studio junto al productor musical y las guitarras las desarrollamos con Neural y Headrush. En el primero fueron con Marshalls…

Logramos seguir con nuestra línea de sonido pero amigándonos con cierta tecnología la cual debo admitir estaba bastante reacio a este tema. Aun así, en líneas generales estoy muy contento de haber descubierto estos bichos.

Las voces y demás si las hemos grabado en el estudio en Bayres.

Con respecto al disco en general, se van a encontrar con mucho contenido social.

Entierrö es bastante corto, con 27 minutos y monedas. ¿Cómo fue que decidieron que fuera así de corto? ¿Fue algo planeado o simplemente salió de esa manera?

Fue decisión propia. Todo dura tan poco hoy por hoy que queríamos que se escuche de principio a fin. Cuando termina querés volver a escucharlo. Ya nadie mira un documental de dos horas, todos son videos de cinco segundos sin ningún tipo de información ni contenido.

Con títulos como “Instinto Caníbal”, “Herencia Muerta” y “Cementerio Indio”, ¿cómo describirían el contenido lírico del álbum?

Somos una banda con mucho contenido social en nuestras letras, la voz de los oprimidos. Es difícil en una canción de cuatro estrofas contar quinientos años de historias, pero con nuestros escritos buscamos abrir puertas para que el oyente investigue sobre lo que contamos.

“Cementerio Indio” es una historia verídica ocurrida en el año 1924 en el territorio nacional del Chaco. Una de las cientos de historias teñidas con sangre en este territorio. En nuestro primer disco la canción “La masacre” también es un hecho verídico.

Y para el disco que viene ya tengo una nueva historia que contar y revivir. Sucedió en Senillosa, Neuquén. Pronto sabrán más…

Ustedes se sienten bastante orgullosos de la etiqueta de “thrash metal”, no por nada tienen una canción llamada “Apocalipsis Thrash”. ¿Qué es el thrash para ustedes?

El Thrash Metal es una rama dentro del metal que más allá de lo musical, es social y contestatario. Nos identificamos mucho con esto y viviendo en Argentina tenemos para tirar manteca al techo si de social hablamos.

Después de esta fecha de presentación, ¿cuáles son los planes de Bastardös a futuro? ¿Tienen algo planeado?

Nos vamos de gira. Bolivia, Chile y parece que se suma Brasil. Paralelo a esta gira vamos a estar terminando de presentar el disco por el país y encarando el tercero el cual ya lo estamos componiendo.

¿Qué querrían decir tanto a nuestros lectores como a la gente que los vaya a ver en Uniclub?

Si claro. Manténgase fuerte, odien a los políticos y que sepan que no están solos.

Etiquetas: argentina, bastardös, Thrash Metal

Como parte del movimiento denominado white metal, Bloodgood hizo una gran labor por allá en los ochentas con discos como Detonation, Rock in a Hard Place o su debut homónimo; Track to Hell entrevistó a su vocalista Les Carlsen y nos contó parte de la historia de la banda y algo de su carrera solista.

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Les Carlsen, bienvenido a Track To Hell, puedes decirnos la historia de cómo se formó Bloodgood?

Es realmente bueno estar aquí. En el inicio de 1984 respondí a un anuncio en el periódico, llamé al número y era Michael Bloodgood, así que fui a conocerlo y hablamos de formar una banda en honor a Jesucristo, nos caímos bien, pero nunca nos habíamos oído tocar. Pero pensamos, intentémoslo, así que ensayamos con David Zaffiro, J.T. Taylor, Michael Bloodgood y yo, y aprendimos algunas canciones de Ronnie James Dio, para ver cómo sonábamos, y sonamos genial, así que dijimos, sí, hagamos música sobre Jesús, música original, todo sobre Jesús, así se formó Bloodgood. Michael ya tenía esa visión desde hacía varios años antes de conocerme.

Sin Michael Bloodgood han pensado en grabar un nuevo disco?

No, se acabó, se acabó, sin Michael no habrá Bloodgood. Y eso fue algo que Michael y yo nos dijimos, que no lo haríamos, así que no quiero hacerlo, soy Les Carlsen, el cantante de Bloodgood y canto algunas canciones de Bloodgood en directo.

Sí, me encanta tu carrera solista, increíbles tus álbumes, me gusta mucho el último, es increíble, puro heavy metal. háblame del nuevo álbum

El nuevo álbum es bastante emocionante, tengo a Paul Jackson a la guitarra, a Craig Church a la guitarra, en el bajo a Juan Van Dunk, tengo a Jeffrey McCormack a la batería, y me tengo a mí mismo.

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¿Qué opinas del álbum Against The Law de Stryper?

Creo que no lo escuché mucho en realidad, creo que lo extraño un poco, sé que era un buen álbum musical según Oz Fox, le encantaba, Oz disfrutaba mucho de su trabajo con la guitarra; era fantástico, pero para ser sincero, no lo escuché mucho.

Tu álbum solista He’s Coming, mantiene la fuerza del heavy metal clásico de los 80. ¿Te gustaría lanzar otro álbum solista con un tipo de música diferente?

Bueno, estoy en transición, ¿sabes?, y Bloodgood no siempre hizo heavy metal porque éramos un poco musicales. Así que creo que exploramos la música, eso es lo que me gustaría hacer, a mi edad no intento encajar en ningún género, pero quiero escribir canciones que salgan de mí y no me preocupa si son pesadas o suaves, sino que sean apropiadas para la canción que escribo, pero habrá algunas sorpresas en este nuevo disco.

*Les busca algo en su bolsillo, saca su celular y pone algo de su nuevo disco que aún no sale al mercado

Wouuu, increíble, muchas gracias, esto suena potente, heavy del clásico y tu voz está magnífica

Nadie lo ha oído antes, sólo ustedes. 

Muchísimas gracias por ese detalle, con la nueva tendencia de crear superbandas con miembros importantes del rock, ¿has pensado alguna vez en hacer una con miembros clásicos del metal cristiano, otra banda nueva? 

Bueno, en mi último álbum, Oz Fox estaba en él, David Zafiro estaba en él, estoy abierto a eso, y si es así, sí, quiero decir, si dios me lo pone, lo haré. Como solista, puedes tener a quien quieras en el disco, así que vamos, pero me encanta mi banda solista, los chicos de mi banda son muy unidos, como hermanos y familia, mi esposa Joyce también canta.

Dime tres bandas de rock y metal poco conocidas que hayas estado escuchando en los últimos años. 

Chaotic Resemblance, son una banda cristiana buenísima, su primer álbum fue producido por Oz Fox de Stryper.

Deberías buscarlos porque son increíbles. Me gusta mucho lo que hace Jamie Rowe y me gusta Disciple. Disciple, una banda increíble, luego hay otro cantante, el cantante cristiano de Jelly Roll. Brandon Lake no es metalero, pero me gusta, escribe canciones geniales y contundentes.

Cuál es la canción que, al escucharla, te hace pensar: ¿Por qué no la escribí?

Supongo que hay algunas que desearía haber escrito, “Bridge Over Troubled Water” de Simon & Garfunkel, sí, me encanta esta canción, “Wind Beneath My Wings”, es un clásico, creo que me habría encantado escribirla, ¡Dios mío!, “Something” de los Beatles, un montón de canciones de los Beatles como “Here Comes the Sun”. Pero estoy muy agradecido de haber podido escribir canciones que le gustan a la gente, y que hayan sido parte de mi vida.

¿Qué opinas de que Judas Priest haya lanzado canciones como Angel o Crown of Thorns, pero antes escribían canciones como A Torch of Evil o Race with the Devil? 

Realmente no pienso en eso, sólo pienso en la gente que está perdida y se encuentra, ya sabes, hay gente que se salva o no, todo lo que hacen en el mundo, lo hacen con todo su corazón y toda su mente, pero creo que todos buscan la verdad, el mundo puede disfrazarse para parecer verdad, pero solo hay una verdad y esa es Jesucristo, así que eso es no solo lo que pienso, sino lo que sé como un hecho.

¿Cuál consideras que fue la mejor producción discográfica de la carrera mundial de Bloodgood?

Creo que si tuviera que decir cuál sería mi álbum favorito, sería Detonation por la forma en que se armó, el primer álbum estuvo muy controlado por el productor Darrel Mannfield y fue genial, él estuvo genial y fue maravilloso, pero para nuestro segundo álbum, le preguntamos a la discográfica si podíamos alquilar un estudio para ensayar y producirlo nosotros mismos, así que Michael, David y yo produjimos Detonation, y resultó ser nuestro álbum más vendido. ¿Qué les dice eso a las discográficas? Que le dejas saber al público de qué están hablando, ¿me entiendes?

Totalmente. Tenías una buena relación con Michael Bloodgood antes de que falleciera? ¿Cómo fue colaborar con el Proyecto Liberty and Justice?

Si, totalmente, siempre fuimos muy buenos amigos. Me acabo de acordar al ver tus discos de esa banda, ¿cómo se llamaba el guitarrista?

Justin Murr

Él falleció, me buscó, me contactó y me preguntó si haría las canciones y así lo hice. Creo que mi amigo Chris Jericho, el luchador, también lo hizo, está en un grupo llamado Fozzy.

¿Cuáles fueron las bandas que te inspiraron al principio de tu carrera?

Los Beatles, sí, sí, sí. Los Rolling Stones. Sabes, cuando era joven empecé a cantar, me gustaba Elvis, ya soy bastante mayor. Pero los Beatles realmente me hicieron decir: “Sí, quiero hacer eso” y creo que Michael Bloodgood tenía la misma respuesta. Cuando escuchó a los Beatles, pienso: “Guau, eso es lo que quería hacer”, pero también escuché a James Brown, Wilson Pickett, Janis Joplin, Jimi Hendrix. Sabes, me gustaba el rhythm and blues. Mi primer concierto que vi fue de los Beatles probablemente en 1965. 

Unas palabras para nuestros lectores

Bueno, es la primera vez que nos vemos y lo que quiero decir es que eres un gran entusiasta de la música y que probablemente tengas un gran conocimiento de ella y que probablemente podrían aprender algunas cosas de ti, como persona que escucha con mucha atención, tienen que ver su material y visitar Track to Hell.

El rock se suele relacionar con el mundo urbano, pero nunca hay que olvidar que sus raíces están en la música rural de los Estados Unidos. Desde el otro lado del Atlántico, un dúo de músicos busca devolver esa atmósfera de granja al rock, de manera casi literal: The Inspector Cluzo es un dúo formado por el cantante y guitarrista Laurent “Malcolm” Lacrouts y el baterista Mathieu “Phil” Jourdain, que llevan adelante una iniciativa de pura autogestión tanto musical como económica desde Lou Casse, su granja en el sur de Francia. Ahora con su nuevo álbum Less Is More, nos comunicamos con la banda para que nos cuenten sobre sus ideas, su música, el mundo de la granja, la manera de combatir el cambio climático y las influencias detrás de su manera de trabajar.

—¡Buenas a todos en The Inspector Cluzo! ¿Cómo vienen las cosas en estos momentos?

Estamos bien, tenemos muchas cosas con las que lidiar en la granja antes de comenzar la gira. Lanzamos nuestro nuevo álbum el 6 de junio último y nos han propuesto telonear a Neil Young en sus conciertos en Europa, así que en estos momentos estamos planeando todo.

—Recientemente editaron su nuevo álbum Less Is More, a través de su propio sello FucktheBassPlayer Records, como es habitual. ¿Cómo describirían el estilo de su música en este nuevo álbum?

Esta vez, como he dicho previamente, no queríamos demasiadas capas sino mantener un sonido crudo (sólo con batería, guitarra, voces y algunas segundas guitarras aquí y allá para el estéreo), como si estuviéramos tocando en vivo. Hemos ensayado mucho las canciones antes de entrar al estudio, para grabar como las bandas de los noventas lo hacían (Nirvana, por ejemplo). Así que grabamos todo en vivo sin ningún metrónomo ni pistas (no los usamos ni en vivo ni en ningún otro lugar), es todo orgánico y tocado verdaderamente en vivo. Vance Powell es EL hombre para el sonido analógico para nosotros y se volvió un muy buen amigo, así que naturalmente fuimos con él para grabar. Él siempre consigue capturar la mejor versión de nosotros.

—¿Cómo creen que ha evolucionado el sonido y la manera de manejarse de The Inspector Cluzo desde que comenzaron en 2007?

Bueno, es nuestro décimo álbum, hemos vivido más cosas desde su último álbum así que tenemos más cosas para decir siendo que estamos inspirados por las experiencias en nuestra vida: las personas que conocimos, los problemas que hemos arreglado en ambos mundos de la granja y la música. ¡El plan era hacer un álbum que estuviera muy cercano a lo que hemos hecho en vivo durante 20 años! Este álbum es más de “mandar a la mierda”, como dijo Vance Powell cuando nos visitó en la granja, así que es un disco “sin arreglos”, sólo batería, guitarras y voces. Líricamente, el álbum trata entre otras cosas acerca de lo que nuestra sociedad debe enfrentar, un hecho universal y global: el cambio climático.

—Este álbum Less Is More está inspirado en las figuras del naturalista y ensayista Henry David Thoreau y el filósofo Guy Debord. ¿Cómo describirían a estas figuras históricas en sus propias palabras? ¿Qué fue lo que les atrajo de sus historias e ideas?

Ciertamente, en algunas canciones y en general hemos estado influenciados por esos dos filósofos, que de cierta manera predijeron el mundo en el que estamos viviendo.

H. D. Thoreau fue el primer ecologista, y vivió lejos de la sociedad en el bosque por un tiempo y entonces escribió su libro Walden, él ya tenía la filosofía de “menos es más”. También escribió Desobediencia Civil, que inspiró a Gandhi y Martin Luther King.

También estamos inspirados por el libro La Sociedad del Espectáculo, escrito por Guy Debord en 1967. Al escribir el desarrollo futuro de nuestra sociedad, el filósofo predijo las consecuencia del consumo en masa y la cultura híper materialista. De hecho, predijo que a la larga uno de los resultados posibles sería que “La verdad sería simplemente un momento de la falsedad”. ¿Suena familiar? Eso llevó a la canción “As Stupid As You Can”.

—¿Cuál es la idea detrás del título Less Is More?

Es el lema de la música blues y de toda la música americana que siempre dice que “menos es más”. Está relacionado con la filosofía rural de hacer algo asombroso con pocas herramientas, la creatividad sirviendo de balance a la falta de recursos, o que la elegancia es diferente a la sofisticación o que no siempre está relacionada a la elegancia sofisticada, siempre mostrándose a través de su apariencia simple. Por otro lado, es un lema “post crecimiento” como respuesta al cambio climático, para parar el crecimiento infinito.

—En la promoción de Less Is More, ustedes se definen como “Dos agricultores orgánicos de Gascuña haciendo un álbum”, obviamente haciendo referencia a la granja de productos orgánicos que manejan de manera conjunta: no por nada tienen una canción llamada “Running A Family Farm Is More Rock Than Playing Rock N Roll Music”. ¿Cómo consideran que su conexión con el mundo agropecuario influencia su música y sus letras?

Es verdad que vamos y venimos entre la granja y tocar música o hacernos cargo de nuestro negocio musical (siendo que somos 100% independientes y 100% autofinanciados). Nos comportamos de la misma manera, aplicamos los mismo valores en la música y en la granja que nosotros y otros llaman hoy en día “post crecimiento”, creando riqueza local, riqueza social local y riqueza ambiental. Viviendo en una granja, rodeados por la naturaleza, inspira muchas de nuestras composiciones además de traernos paz, perfecto para componer música. Podemos decir que siendo 100% independientes en la música nos da ideas que podemos aplicar en la agricultura, cuando técnicas agrarias ecológicas para enfrentarnos al cambio climático.

Aparte de eso, hacer ambas cosas nos saca la presión que podríamos llegar a tener en una actividad o la otra.

—¿Qué tan importante es la autogestión en la manera en la que funciona The Inspector Cluzo?

Estamos realmente motivados para demostrar que una banda completamente DIY puede alcanzar un cierto nivel sin vender su alma y manteniendo sus valores. Siempre hemos sido independientes, tanto en el mundo de la música como en el mundo de la agricultura. En lo musical, somos 100% autofinanciados: somos nuestro propio sello discográfico (F.TheBassPlayer Records), nuestra propia agencia de booking, editorial, productora, y mucho más. Esta es nuestra filosofía post-crecimiento. Además, somos LIBRES de hacer lo que queremos, y eso es una gran fuente de motivación.

—¿Cuáles son sus planes a futuro? ¿Qué es lo que se viene en el seno de The Inspector Cluzo?

Tenemos una gran gira programada para acompañar el lanzamiento de nuestro álbum Less Is More, que incluye abrir para nuestro ídolo Neil Young a comienzos del verano por toda Europa, así como tocar en el famoso festival de jazz de Montreux y abrir para nuestros grandes amigos Clutch en el medio oeste de Estados Unidos. En otoño recorreremos Europa tocando en clubes, y planeamos visitar todos los países que hemos visitado hasta ahora (llevamos más de 1200 conciertos en 67 países). Todo eso, obviamente, regresando a la granja entre show y show para ocuparnos del trabajo que hay que hacer.

—En 2018 y 2019 dieron sus primeros conciertos en Latinoamérica. ¿Han pensado en volver a tocar por esa zona?

Sí, recordamos esas fechas fantásticas. Tenemos una conexión especial con América Latina como gascones, así que haremos todo lo posible por volver en 2026. Vamos a intentar convencer a algunos promotores de que nos agenden shows allá. Actualmente estamos trabajando en eso.

—¿Qué querrían decirle a la gente que vaya a escuchar Less Is More?

Primero que nada, escuchen este álbum bien fuerte, porque es un disco de rock and roll, y preferiblemente en vinilo, ya que fue hecho especialmente para eso también. Después, simplemente embárquense en un viaje a través de las canciones. Es un álbum que vale la pena escuchar de la primera a la última canción. Esperamos que lo disfrutes.

Year Of No Light, la gran banda francesa de post-metal instrumental, acaba de lanzar Les Maîtres Fous (“Los Maestros Locos”), un álbum inspirado en un documental homónimo del director y etnólogo francés Jean Rouch en 1955. Este trabajo también puede considerarse una “docuficción” y Rouch el creador de la “etnoficción”, pues se trata de retratar un fenómeno cultural desde un enfoque narrativo que da cuenta de una interpretación casi guionada y con un montaje claramente cinematográfico. En el film, Rouch presenta el movimiento Hauka en Níger. Este consistía en encuentros para la realización de rituales en los que sus integrantes eran “poseídos” por los espíritus de los administradores coloniales británicos, desplegando conductas grotescas para luego de esta suerte de catarsis, volver a sus vidas cotidianas. Sin embargo, hay distintas hipótesis acerca de estas “posesiones”, pues no queda claro si realmente se trataba de ceremonias religiosas o de eventos “teatrales”, paródicos, para burlarse de las autoridades blancas, entre otras miradas posibles. En cualquier caso, la obra fue muy controversial y censurada en todos los territorios británicos.

Tuvimos la gran oportunidad de intercambiar ideas al respecto con YONL y conversar sobre muchos otros temas. Hablamos con Jérôme Alban (guitarra y teclados) y Mathieu Mégemont (batería y electrónica).

Muchas gracias por brindarnos esta posibilidad. Ustedes ya tienen un lugar verdaderamente relevante en la escena internacional del post-metal. Su último álbum Consolamentum (2021) fue una obra maestra épica, y cualquiera sabe que Ausserwelt (2010) definitivamente es una referencia en el contexto de cualquier conversación sobre la historia del género. ¿Cuál es su reflexión acerca de sus logros en una carrera de dos décadas?

J: Siempre es un poco extraño mirar atrás en un período de tiempo tan largo. Definitivamente ya no somos las personas que éramos hace veinte años. El hecho de que esos discos hayan sido tan bien recibidos es una enorme bendición y un pequeño milagro para mí. Por mi parte, solo me siento muy afortunado de que haya gente que apoye nuestra música.

Su nuevo álbum, Les Maîtres Fous fue grabado en vivo y compuesto en respuesta al controversial documental de Jean Rouch con el mismo título. No sabía nada sobre ese trabajo antes de esta entrevista, así que decidí verlo. Entiendo que el Musée Du Quai Branly de París les comisionó la obra para su exhibición de 2012 titulada ‘L’Invention Du Sauvage’ (La Invención del Salvaje). ¿Qué fue lo que les pareció interesante sobre este film?

J: Es un film fascinante y perturbador, en el que la ficción y la alucinación nunca están lejos, aunque sea un documental. Contiene imágenes impactantes que son verdaderos catalizadores creativos.

M: El film es increíblemente revelador de la experiencia colonial y su impacto en la psique de quienes eran sus sujetos. La estética del documental de Rouch’s amplifica la dimensión simbólica del ritual tribal, empujándolo hacia algo que bordea una experiencia psicodélica y horrible. Fue este aspecto del que quisimos hacernos eco a través de la música, enfatizando el inquietante y, a la vez liberador, trance que la película evoca.

Ustedes tiene una larga historia de interacción con películas. La banda de sonido de Vampyr (2013) de Dreyer, que tocaron en vivo por primera vez el 28 de mayo de 2010 en el Barbey Theatre de Bordeaux, es un ejemplo sobresaliente. Luego volvieron a tocarla en el Roadburn Festival. Cuéntenme más sobre la relación entre el grupo y las artes visuales.

J: Eso es algo muy importante para nuestra música. Por mi parte, tengo una relación con la composición muy cercana a la que uno puede tener en las artes visuales. Me gusta buscar texturas sonoras y trabajar con la música como un arquitecto tratando de hacer arte abstracto. Con frecuencia componemos colectivamente y usamos muchas palabras cercanas a las artes visuales durante este trabajo.

M: Ser una banda enteramente instrumental nos da, por defecto, la habilidad de crear una música que sea más narrativa y, de cierta manera, más visual. Operamos conceptualizando un tema general para cada álbum, luego ofreciendo un marco lo suficientemente abstracto a través de toda la gráfica y los títulos de las canciones, así cada oyente puede crear su propia historia e imaginería para la música. Todos compartimos un profundo interés por la música clásica (y contemporánea) y las bandas sonoras de películas, y nos gusta pensar en nosotros mismos tanto como una orquesta como una banda. Pero en casos como los que mencionaste –Vampyr y Les Maîtres Fous– conscientemente nos ubicamos al servicio de las películas, tratando lo más posible de desaparecer, a pesar de la naturaleza inherentemente impuesta de la ejecución en vivo. Nuestra verdadera meta era resaltar las películas y la visión de sus creadores, no de la banda.

Cuando miré el documental y después volví a escuchar su disco, pensé en Obscured by Clouds (1972) de Pink Floyd, escrito como banda sonora de La Vallée de Barbet Schroeder, otra película francesa con contenido “antropológico”. Esta colaboración ya había empezado con Music from the Film More (1969). ¿Es Pink Floyd una influencia para ustedes? ¿Por qué eligen hacer música instrumental?

J: Pink Floyd es una gran influencia para nosotros; pocas bandas han inventado tantas nuevas formas de hacer música. Me gusta la música instrumental porque deja mucho más espacio para contar historias y para el trance.

M: Pink Floyd permanece como una de esas bandas a las que siempre vuelvo. Es una inagotable fuente de inspiración, al menos hasta The Final Cut. Puede parecer obvio, pero tracks como “Echoes” o “Atom Heart Mother” son fundamentos inconmovibles de lo que ahora llamamos “post-rock”, y ellos incluso tuvieron la audacia de mantenerse más innovadores y aventurados que lo producido por muchas de las bandas actuales. Debo admitir que mi batería y timbales son los mismos modelos que Nick Mason usaba en los primeros años de la banda: simplemente los afiné para encajar mejor con la estética sonora general de YONL.

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La música de este disco fue grabada en 2015. ¿Por qué no la publicaron entonces y lo hacen ahora?

J: Tuvimos esta grabación en reserva por años. Nuestro sello tuvo una cancelación de un lanzamiento y nos preguntó si teníamos algo reservado, así que fue la oportunidad para publicar este proyecto tan crudo y abstracto, del cual hay registro en video:

¿Planean volver a tocar este disco en vivo otra vez?

J: No lo creo, tenemos muchos proyectos en este momento: el próximo álbum, que ya está bastante avanzado, y una colaboración con la banda A Swarm of the Sun, un grupo que nos gusta mucho. Después, creo que vamos a trabajar en otro proyecto radical y experimental otra vez: siempre es un ejercicio gratificante.

Si tuvieran que definir la esencia del post-metal, ¿Cuál sería?

J: Pesadez, trance, pared de sonido, agitación de los sentidos.

M: Para mí es solo una etiqueta.

Considerando la pregunta final del documental: ¿creen que hay alguna clase de secreto que ciertos cultos, sectas, o incluso sociedades llamadas “primitivas” conocen para sobrellevar el sufrimiento con el que la gente tiene que luchar en la vida cotidiana?

J: Pienso que una de las características humanas es trascender la particularmente incómoda posición de la existencia a través de la espiritualidad. Esto crea formas artísticas fascinantes. Llamémoslo religión. Los problemas reales surgen cuando la religión se vuelve ideológica y política.

M: Creo que los seres humanos nacemos con mecanismos psíquicos idénticos. Luego es la cultura la que nos construye, ya sea emancipándonos o alienándonos. La gente llamada “primitiva” usa referencias culturales o herramientas que las sociedades “civilizadas” han abandonado, pero todos permanecemos, al final, atados a nuestra psique compartida. En ese sentido, el trance es una herramienta que todos poseemos, en donde sea que estemos en este planeta, y cualquiera sea la cultura a la que pertenezcamos. Jérôme habla de religión, yo preferiría usar el término metafísica, porque la religión depende del dogma, y el dogma contiene ideología y política. Creer que la religión puede ser puramente espiritual solamente funciona si se toma distancia de los textos doctrinarios, o a través de un proceso de interpretación y reinterpretación que las autoridades conservadoras de la fé nunca aceptarían.

Jimmy Jay, bajista y miembro fundador de H.E.A.T comparte algunas palabras con nosotros en una entrevista exclusiva para Track To Hell en su paso por tierras aztecas.

Primero que todo, los felicito por su nuevo disco Welcome to the Future, es increíble, siguen siendo lo más creativos posible.

Sí, intentamos superarnos en cada álbum, estamos muy contentos con él, nos enorgullece que de principio a fin, hayamos hecho toda la producción, la mezcla, todo dentro de la banda, así que estamos muy orgullosos de este.

 ¿Cuéntanos un poco de la historia de cómo surgió H.E.A.T?

Había dos bandas diferentes en nuestra ciudad natal, Upplands Väsby, Suecia, una se llamaba Trading Fate Merged y la otra Dream. Teníamos algo en común: Kenny, el cantante de ambas bandas. Luego decidimos fusionarlas y así surgió H.E.A.T, así que yo, Crash y Kenny estábamos en Trading Fate Merged, y Dave, Jonah y Kenny eran Dream.

¿El nombre de la banda tiene algo que ver con el equipo de baloncesto de la NBA o es por algo más?

No tiene nada que ver con baloncesto y su equipo, eso es seguro, es la abreviatura de algo, pero ese es nuestro secreto mejor guardado, lo que representa la banda. 

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Es bastante similar con los puntos

Si, es muy similar.

El nuevo álbum mantiene la esencia de la banda que han presentado desde sus inicios, ¿Les gustaría probar algo diferente en su próxima entrega?

No creo que nos sentemos y digamos que queremos probar algo nuevo, sólo seguimos componiendo canciones que nos gustan y las lanzamos, no sabemos qué nos va a gustar mañana, nuestros gustos cambian constantemente y bueno, hemos pasado por varias épocas con H.E.A.T, hicimos algo un poco más moderno en Into the Great Unknown, y eso era lo que nos gustaba en ese momento.

Pero, sí, ¿quién sabe? No es nada planeado, así que si pasa, pasa. 

Sí, porque Into the Great Unknown es muy diferente a los otros álbumes, y especialmente a Tearing Down The Walls, son muy diferentes. Aunque no a todos les gustó, los fanáticos quieren el mismo sonido siempre y eso no está bien

Pero creo que algunas de nuestras mejores canciones son de Into the Great Unknown, cómo “Redefined”, una de mis canciones favoritas de H.E.A.T y hay varios fans que siempre la escuchan, así que, bueno, creo que ese álbum fue un poco irregular en cuanto a la calidad de las canciones, pero en general, creo que son canciones realmente brillantes.

Regresar con su vocalista original fue una gran decisión, ¿siempre mantuvieron contacto con él o cómo sucedió?

No mantuvimos mucho contacto, Kenny vivió en el Reino Unido y luego en España, pero, cuando Erik Grönwall dejó la banda, sentimos que era la única opción, porque no queríamos ser una banda con un tercer vocalista principal, así que estuvo bien que Kenny estuviera dispuesto, y cuando lo vimos, fue como si no hubiera pasado el tiempo, fue como en aquellos tiempos, ¿sabes? 

Es como cuando tienes zapatos viejos y nunca te los pones, pero cuando los usas te encajan perfectamente.

Sí, exacto, ahora es perfecto, y además era uno de nuestros mejores amigos, y lo sigue siendo hoy, fue genial tenerlo de vuelta.

¿Welcome to the Future tiene canciones sobrantes de Force Majeure?

Sí, posiblemente, hay canciones que se escribieron para otros álbumes, pero por alguna razón no aparecen en ellos. No me acuerdo ahora mismo de cuáles canciones pero sí pasó, y sigue pasando en nuestra banda. 

Hay temas que no estaban listas en su momento y tardaron un poco más en escribirse como “Harder to Breathe” fue una de esas canciones que se escribieron para H.E.A.T II pero no se sentía que estaba terminada hasta que la volvimos a mencionar para Force Majeure, y estoy seguro de que hay canciones en Welcome to the Future que también son así.

Son una de las pocas bandas que mantiene la formación original, ¿Tienen alguna amistad cercana fuera de la banda?

Sí, diría que lo más importante es nuestra amistad en torno a la banda, éramos solo un grupo de amigos que creamos una banda y seguimos siendo grandes amigos hoy en día, somos muy privilegiados de salir a trabajar y tocar música con nuestros mejores amigos. 

¿Has pensado en hacer un disco acústico o con orquesta sinfónica?

No hemos hablado del álbum con alguna orquesta sinfónica. No lo sé. Sí hemos hablado de un disco acústico, pero supongo que hemos postergado la idea porque queremos tocar rock and roll.

Pero me imagino que si algún día hiciéramos un álbum acústico, creo que sería una especie de recopilatorio de sólo versiones acústicas, pero no lo sé, hoy en día no se habla de eso, y no creo que vaya a suceder pronto.

Es una buena idea.

Si, por qué no.

¿Te gustaría hacer algo con Erik Grönwall y Kenny Lecremo juntos, donde ambas voces participen simultáneamente?

Lo pensamos, claro, bueno, quizá nuestros caminos se crucen así en el futuro, no lo sé, quién sabe, simplemente hay algunas cosas que se salen de control, y claro, depende mucho de lo que pase en la vida de Erik en su carrera y todo eso, pero desde luego no nos oponemos, nada nos impediría hacerlo si todo fuera bien.

¿Y con el otro guitarrista Eric Rivers? 

Sí, hemos hablado con él y sigue siendo uno de mis mejores amigos, tiene una invitación permanente para venir a conciertos y, ya sabes, ser guitarrista invitado y cosas así, él lo sabe, tiene mucho que hacer con su familia, tiene muchas otras cosas en su vida, por supuesto. Así que es lo mismo con Erik, si todo sale bien, serán más que bienvenidos, todos somos amigos, tanto los que no están en la banda como los que sí lo están, no hay nada que lo impida.

Es algo como lo que Helloween hizo en su último álbum y tour con todos los cantantes

Me encantaría que eso sucediera. 

¿Qué opinas del álbum Skid Row con Erik Grönwall? 

Creo que es bueno, sí, creo que fue muy bueno para Erik y fue muy bueno para Skid Row en mi opinión, lograron volver y lanzar buen material, creo que es un gran álbum.

¿Por qué una gran proporción de bandas provienen de tu país? ¿Tiene que ver con que les enseñan arte desde la infancia o en la escuela?

Mi idea es que, bueno, hace muchos años, cuando empezamos a tocar y también con bandas como Europe en los 80, había muchos locales de ensayo disponibles para que los jóvenes formaran bandas y tocaran música, era una buena plataforma para que los jóvenes músicos tocaran y ensayarán, la única manera de destacar es tocando mucho, y nosotros tuvimos la oportunidad de hacerlo.

Pero hoy en día es un tema muy importante en Suecia porque están cerrando muchos de estos locales y hay muchas bandas y artistas que están muy molestos con el gobierno por cerrarlos porque perjudicará la exportación de música sueca. 

Es muy diferente a Latinoamérica, acá es imposible esto

Me imagino que en muchos países es difícil, incluso con pasión no tener dónde tocar o conectar con otros músicos o cosas así, porque no es algo que se dé por sentado, tuvimos un ambiente fantástico para aprender a tocar y convertirnos en una buena banda.

Dime 5 álbumes del rock y metal que todo fanático debería tener en su colección.

Obviamente, Def Leppard con Hysteria, tienen que estar ahí. Pantera y su Cowboys From Hell, Kiss… bueno, eso es difícil, Destroyer debería estar. Pink Floyd, The Wall, y Iron Maiden, también es difícil elegir, ¿sabes?, pero quizás Powerslave.

Por último, unas palabras para nuestros lectores.

Bueno, gracias por escuchar, leer o lo que sea que vayan a hacer, sigan escuchando rock y apoyando el género.

Death SS es una legendaria banda italiana que viene en acción desde finales de los 70s. Con un extenso recorrido a través de los años y a través de diferentes facetas musicales,  ha logrado consolidarse al día de hoy como una agrupación de culto. Charlamos un poco con su lider y principal propulsor, Steve Sylvester para que nos cuente un poco sobre su mas reciente lanzamiento, el album conceptual The Entity.

¡Hola Steve! He escuchado recientemente tu último álbum y déjame decirte que es increíble… ¿Cómo surgió la idea de este álbum conceptual?

The Entity es un concepto esotérico-horrorífico compuesto por 12 temas dedicados a la Entidad, el espíritu paranormal que siempre ha estado en el centro del proyecto artístico DEATH SS. La idea básica se me ocurrió hace varios años, hablando con mi amigo James Hogg. James es el último descendiente del escritor escocés homónimo que en 1824 escribió la novela “The Private Memoirs and Confessions of a Justified Sinner“, una magistral sátira gótica sobre las paradojas de la fe y el tema de la duplicidad del alma humana, considerada precursora de la famosa novela de Robert Louis Stevenson “The Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde“. Ambas novelas exploran el “lado oscuro” del hombre y su doble naturaleza, la buena y la mala. Partiendo de esta inspiración incluí varios elementos más, que van desde Aleister Crowley, que intenta liberar al hombre despertando su genio artístico a través de sus invocaciones mágicas, para luego continuar con figuras históricas como Jack el Destripador y el pintor Walter Sickert, y también ficticias, como una de las heroínas de los cómics eróticos italianos de los años 70 Cimiteria y mucho más, hasta volver a conectar con la historia de la banda.

Sé que Tom Dalgety formó parte de la producción musical. ¿Cómo te sentiste trabajando con él?

Elegí a Tom Dalgety como productor de este álbum porque conocía sus trabajos. Realmente admiraba lo que hizo con bandas como Ghost, The Cult, Damned, Killing Joke y Rammstein… Estaba seguro de que sería la persona más adecuada para dar el sonido correcto que tenía en mente para las canciones de este álbum. Por suerte a Tom le gustaron las canciones y aceptó trabajar conmigo. Trabajar con él fue fácil y agradable porque ambos viajábamos en las mismas coordenadas. Por eso fue decisivo para el resultado final del producto.

¿Tienes previsto tocar el álbum entero?

Me encantaría hacerlo. Desgraciadamente, no creo que sea posible porque aún tenemos que tocar las canciones clásicas de los otros álbumes, y no podríamos meterlo todo en la duración de un concierto. De todas formas, seguro que incluiremos varias canciones de “The Entity” en los nuevos conciertos.

Death SS es una banda que nunca se ha visto limitada por los géneros del metal… ¿Qué debemos esperar de The Entity?

Si ya has tenido la oportunidad de escuchar el disco, te habrás dado cuenta de que esta vez nos hemos mantenido en atmósferas muy clásicas, potenciando un sonido limpio pero muy potente, con referencias a cierto tipo de sonido oscuro de los 70 y principios de los 80. Me pareció que era el tipo de sonido más adecuado para las atmósferas descritas por el concepto.

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Empezaste hace más de 4 décadas y hoy podemos decir que ya sos una legendaria banda de culto… ¿Extrañas algo de los viejos tiempos? ¿Qué diferencias notas con los tiempos modernos a la hora de hacer música?

No me arrepiento de nada del pasado… Cada época tiene sus aspectos positivos y negativos y siempre hay que evolucionar y seguir adelante. Mi forma de hacer música nunca ha cambiado con los años. Sólo las tecnologías en el estudio de grabación y en el equipo que utilizo en directo para los conciertos pueden cambiar y evolucionar, pero el alma siempre sigue siendo la misma.

¿Quiénes fueron tus principales influencias cuando creaste Death SS?

Desde el punto de vista musical, nací escuchando el viejo glam rock británico, bandas como The Sweet, Slade, T. Rex y similares. Luego llegué a conocer oscuros y progresivos como Black Sabbath y Black Widow, y después descubrí el primer punk rock de Damned, Sex Pistols etc. Al final intenté unir y mezclar todas estas diferentes influencias musicales, cosiendo encima la teatralidad de Alice Cooper y KISS.

A lo largo de tu carrera has compartido escenario con viejas y nuevas grandes bandas… ¿Recuerdas alguna en particular?

Sí, he tenido el privilegio de compartir escenario con muchos grandes artistas a lo largo de los años. Es difícil mencionar a alguien en particular. Mencionaré entre los últimos por orden de tiempo a Ghost, King Diamond, Behemoth, pero también a Demon y Moonspell…

¿Cuál es el plan para el futuro próximo? ¿Consideras que aún te quedan cosas por hacer o te sientes satisfecho con lo conseguido hasta ahora?

Mientras la llama de la creatividad artística arda en mi interior y sienta que tengo algo válido que expresar a través de mi música, ¡seguiran oyendo hablar de DEATH SS!

Una de las razones por las que empecé a escuchar tu música fueron las increíbles portadas de los álbumes. ¿Qué opinás de las portadas generadas por IA?

Por el momento nunca he utilizado este tipo de tecnología. Simplemente no la he necesitado. Soy diseñador gráfico y siempre creo personalmente las ilustraciones de mis álbumes, ayudado por el personal de mi discográfica. Doy mucha importancia a la portada del álbum porque debe ser capaz de encerrar en una sola imagen la esencia del propio álbum. Para conseguir este propósito, en mi opinión, se pueden utilizar todos los medios artísticos disponibles, ya sean dibujos, fotografías y, por lo tanto, también IA si es necesario, ¿Por qué no?

Por último…para alguien que nunca ha escuchado a Death SS…¿Qué álbum recomiendas para iniciarse en tu música?

Bueno, definitivamente diría que el último, “The Entity” porque es el que representa exactamente lo que DEATH SS es artísticamente en este momento.

Axel Fabricio entrevistó a Andrés Garavito, jefe de Cráneo Productions y cofundador del Estigma Fest, festival colombiano dedicado al doom metal y a la difusión de un género que no ha tenido tanta cabida en la escena latinoamericana. Hablaron sobre los desafíos de hacer estos eventos tan específicos, el público al que está dirigido, cómo es manejar una productora en este ambiente y mucho más.

Podes ver la entrevista en el siguiente video

La banda Indar nos abre las puertas a su universo sonoro con motivo del lanzamiento de su primer álbum, Anlage. Hablamos con ellas sobre la evolución de su sonido, las temáticas sociales que atraviesan sus letras, el proceso de grabación, sus influencias y lo que significa para ellas compartir escenario y seguir creciendo como banda completamente autogestionada. Un trabajo honesto, visceral y profundamente comprometido con su identidad.

¿Cómo describirías el sonido de este nuevo disco en comparación con vuestros trabajos anteriores?

Aunque habíamos lanzado algunos singles anteriormente, estos están incluidos en Anlage. Este es nuestro primer disco así que no podemos compararlo con nada que hayamos hecho anteriormente. Sí que vemos una evolución desde las primeras composiciones cuando la banda empezaba a formarse. De hecho algunos de los temas presentes en Anlage han ido evolucionando en el tiempo junto a la banda y las primeras veces que los tocamos en directo eran bastante distintos a la versión final. En este creemos que con el tiempo hemos ido desarrollando la personalidad de la banda y hemos adaptado esas ideas tan intuitivas del principio a una identidad con coherencia. 

¿Qué temáticas o conceptos les han inspirado más a la hora de componer este álbum?

Además de crear canciones a raíz de nuestras vivencias personales, ha salido de forma natural hablar sobre temáticas sociales como puede ser una reivindicación al bienestar animal, a luchar contra la presión social o el empoderamiento ante las desigualdades de género.

¿Cómo ha sido el proceso de grabación del disco? ¿Ha habido alguna diferencia significativa respecto a cómo lo grabasteis en trabajos anteriores?

En realidad fuimos grabando por tandas. Antes de lanzar Anlage grabamos cinco singles, que están incluidos en el disco. Los dos primeros, Prey y Rotten Roots, sí que tuvieron un proceso de grabación bastante diferente a los demás, ya que los grabamos con Ra Tache y como no podíamos desplazarnos a su estudio en los Pirineos, ella se trajo su equipo y los grabamos con ella en nuestros locales de ensayo. Después ella en su estudio hizo la producción y premezcla y finalmente de la mezcla y master final se encargó Óscar en Axtudio. Respecto al resto de temas, que vinieron después, aunque estábamos muy contentas con el trabajó de Ra, resultó imposible coordinarnos con ella por temas de calendario, así que decidimos hacer todo el proceso directamente con Óscar en Axtudio. Los siguientes singles (Udol, Nostalgia y Oxyde) los fuimos grabando conforme los íbamos a sacar y, finalmente, cuando Nuria (LaRubiaProducciones) y Dani (FourSkulls) nos dieron la posibilidad de lanzar un trabajo de larga duración completo, grabamos el resto de temas juntos. El proceso tanto con Ra como con Óscar siempre ha sido muy satisfactorio. Implica mucho trabajo, porque somos perfeccionistas (y ellos también) pero es un trabajo agradecido. 

¿Qué artistas o géneros han influido en la creación de este disco?

Dentro de la banda tenemos gustos e influencias muy variados y eso se nota al escuchar la música ya que cuesta definirla en cuanto a géneros. En general creemos que las mayores influencias son bandas como Amenra, Gojira, Alcest, Opeth, Jinjer, incluso Chelsea Wolfe… 

¿Tienes alguna canción favorita del nuevo disco? ¿Por qué?

Es difícil, le tenemos mucho aprecio a todas ya que con cada una hemos podido explorar nuevas áreas musicalmente y a nivel de temática, pero la canción favorita siempre suele ser la última que has compuesto porque generalmente es las más “fresca” y menos “rallada”,  y en este caso es Thalassophobia. Creemos que es una canción bastante distinta a las demás y disfrutamos mucho del viaje que propone. Aún así todas tienen su momento. 

¿Hay alguna canción que sientas que representa mejor la esencia de INDAR en este momento?

Tenemos temas bastante distintos entre sí que se complementan entre ellos para formar un todo, así que es difícil que uno de ellos pueda representar a los demás… desde el viaje de nueve minutos que comentábamos de Thalassophobia, hasta la canción un poco más melódica que sería Nostalgia, pasando por las atmósferas de los primeros temas que sacamos, Rotten Roots y Prey… aunque sí que es verdad que de algún modo todos combinan esa parte visceral con otra mucho más contemplativa, cada una en su medida. En este sentido seguramente podríamos escoger Udol, que es además nuestro tema más conocido, ya que en él exploramos la parte más extrema de ambos aspectos. 

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¿Qué importancia tiene la crítica social o personal en las canciones de este álbum?

Inevitablemente bastante. Pues es precisamente por nuestras vivencias personales y las de nuestro alrededor que queda reflejada una crítica social y descontento con la que muchísima gente, en especial los círculos desfavorecidos o minoritarios, se pueden sentir identificados. Es decir, nos gusta pensar que nuestro activismo nace de la naturalidad y transparencia simplemente contando nuestra verdad, en ningún momento hay intención de difundirlo a modo ‘’feminismo’’ panfletario para contentar a nadie ni hablar de ello por moda. Precisamente que nuestra formación sea completamente femenina fué algo que surgió de forma orgánica. 

¿Hay alguna historia especial detrás de alguna de las canciones del disco que te gustaría compartir?

Si, a colación de la pregunta anterior destacaremos Udol. Es un tema que representa bastante bien el concepto del disco, en el que muestra que no nos arrepentimos de ser quien somos y no hay cabida para gente que nos quiera pisar. Una pura celebración de nosotras mismas en letras mayúsculas. Y al final esto es la historia de todas, o al menos debería serlo.

¿Normalmente componéis en conjunto o cada miembro de la banda aporta ideas por separado?

La mayoría de los temas parte de una idea inicial de voz o guitarra, o incluso de un concepto, y a partir de aquí se trabajan en conjunto en el local. 

El 2 de mayo presentaron el disco en la Sala Vol. ¿Cómo les fue?

El concierto del 2 de mayo fue un día muy especial porque presentábamos oficialmente nuestro disco, en la sala Vol en la que ya hemos tocado tres veces y para nosotras es simbólicamente nuestra casa. Fue emotivo ya que ahí hicimos hace más de un año nuestro segundo concierto, junto con Bones of Minerva, y fue muy pocos días después del primero así que para nosotras prácticamente ahí empezó todo. El concierto del día 2 fue nuestro décimo concierto, número redondo, y estar en ese mismo escenario poco más de un año después y ver todo el camino recorrido, las caras habituales que siempre nos acompañan más las nuevas que se han ido sumando, fue como un milestone para nosotras. 

Tuvieron como invitados a Dríade desde Madrid. ¿Qué nos puedes contar sobre ellos y qué significo para ustedes compartir escenario juntos?

Conocimos la música de Driade a través de redes sociales y nos llamó mucho la atención su energía y su propuesta. Su estilo de música es más cercano al metal alternativo y “core” que el nuestro pero aún así encajamos muy bien musicalmente y les invitamos.  Nos lo pasamos muy bien durante su concierto, tienen una propuesta muy potente y enérgica. Además Carmela accedió a subirse al escenario con nosotras para cantar junto a Sara una versión única de Rotten Roots, que la verdad fue muy especial y tanto el público como nosotras disfrutamos mucho. 

¿Qué otras fechas tienen confirmadas para la presentación del disco?

Por ahora podemos decir que el día 16 de mayo haremos nuestra primera presentación fuera de España, ya que estaremos tocando en Brighton en el Alternative Escape. También el próximo día 21 de Junio tocaremos en el Metal Academy Fest, el festival donde nuestra cantante Sara trabaja de profesora de canto, junto a Onirophagus. Además de eso tenemos fechas durante los próximos meses que todavía no se pueden desvelar, así que os animamos a seguir nuestras redes para estar al día de todo. 

Finalmente, te dejamos este espacio para que dejes un mensaje a nuestros lectores.

Pues primero de todo muchísimas gracias a Track to Hell por hacernos esta entrevista y a los lectores por leerla y por el interés. Esperamos que disfrutéis de Anlage y ojalá os podamos ver en alguno de los próximos conciertos. Muchísimas gracias!

Dani Escobar tiene una conversación con Chaney Crabb, cantante de la banda de deathcore progresivo Entheos, hablando sobre la evolución en el sonido de la banda, la manera de componer las canciones, la influencia de Fredrik Thordendal y su disco “Sol Niger Within” (1997), y cómo ha cambiado la idea de ser una mujer cantando en una banda de metal extremo.

Evadne, la banda de doom/death originaria de Valencia, España, se estará presentando por primera vez en latinoamérica este mes de mayo y junio con fechas en países como México, Brasil, Chile y Colombia, en lo que promete ser una gira cargada de sentimiento por sus veinte años de trayectoria y que lleva por título “Behind The Veil of Melancholy”, por lo que tuvimos la oportunidad de entrevistar a esta fabulosa agrupación y conocer sus perspectivas sobre estos eventos en puerta.

Antes que nada, queremos agradecerles su tiempo para contestar esta entrevista y felicitarles por su trabajo, en Track To Hell estamos seguros que todo su público en Latinoamérica está sumamente emocionado por el anuncio de la gira. ¿Es esta la primera vez que se presentan en los países anunciados o ya habían asistido antes a alguno(s)?

Sí, será nuestra primera vez en Latinoamérica, por eso esta gira va a ser muy especial e inolvidable para nosotros. Desde hace algunos años atrás se había hablado de la posibilidad de poder asistir a algún festival o hacer algunos conciertos sueltos en Ecuador o México, pero por unas razones u otras no llego a concretarse.

Ahora sentimos que es el momento ideal de poder dar el salto al otro lado del charco, así que confiamos en que también sea especial para todo el público que asista a los conciertos.

¿Cómo se sienten con el anuncio?

Estamos muy contentos y emocionados. Realmente, es un sueño hecho realidad poder llevar nuestra música tan lejos y a un público tan entregado.

¿Qué es lo que más esperan de esta gira, qué les emociona y cuál creen que será el reto más grande?

Lo principal y lo que más nos emociona es poder compartir un momento tan especial con nuestros seguidores o cualquier persona curiosa que venga a disfrutar de nuestra música en directo. Por otro lado, el reto más grande probablemente tenga que ver con la logística, aunque estamos acostumbrados a los viajes y los horarios intempestivos, siempre da nervios la expectación de que todo salga bien y sea una buena gira para todas las personas involucradas.

¿Cómo es que surge la intención de venir para acá?

Latinoamérica siempre ha sido un lugar importante donde poder llevar nuestra música. Además, gracias a buenos amigos como Dani Molina de Total Death y la implicación y apuesta de Andrés Garavito de Cráneo Productions, el cual ha trabajado arduamente en conjunto con otras promotoras de cada país, ha hecho que todo esto sea posible.

¿Qué sorpresas pueden esperar los asistentes a los eventos?

Ahora mismo estamos trabajando un set especial que incluye canciones emblemáticas de nuestra carrera y con las que realmente disfrutamos y nos sentimos identificados. Nos gustaría que cada show sea una experiencia emocional y profunda con la que todo el mundo pueda conectar.

¿Podemos esperar escuchar algo del nuevo material que se ha estado anunciando en redes?

Lamentablemente aún estamos trabajando en ese material y no habrá ni tiempo, ni espacio para ello, aun así, pensamos que el público disfrutará con las canciones que tenemos preparadas.

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¿Qué es lo más difícil de tocar en una banda como Evadne?

Claramente mantener el equilibrio entre nuestras vidas personales y el compromiso que implica estar en una banda que intenta superarse con cada nuevo disco. El trabajo y dedicación que se requiere actualmente en la música es bastante elevado y en nuestro caso, y teniendo en cuenta que también somos bastante exigentes con nuestro material, consideramos que el nivel de detalle y emoción que intentamos transmitir hace que esa exigencia se sienta más punzante.

¿Qué es lo más recompensante de tocar en una banda como Evadne?

Todo lo que tenga que ver con el proceso creativo y poder compartir algo propio con tanta gente en diferentes partes del mundo. Sin duda, eso crea una conexión con nuestros seguidores. Saber que nuestra música tiene un impacto emocional en las personas es algo intensamente gratificante.

¿Cómo perciben ustedes que ha sido el impacto de Evadne en Latinoamérica?

Aunque aún no tenemos la experiencia ni la percepción de tocar allí, de un modo u otro, sentimos que nuestra música ha encontrado un hogar especial en Latinoamérica. Siempre hemos tenido la sensación de que la pasión y el apoyo de la gente latinoamericana está en otro nivel.

¿En dónde se ve la banda en cinco años?

Esperamos que, evolucionando como músicos, siempre explorando nuevos territorios musicales, pero manteniendo esa esencia melancólica que queremos que perdure en nuestras composiciones. También nos gustaría consolidarnos en la escena y tener más presencia en escenarios internacionales.

¿Algo más que quieran hacer saber a nuestros lectores?

En primer lugar, gracias a vosotros por esta cálida entrevista y agradecer de todo corazón a todas las personas que nos han mostrado su apoyo durante todos estos años, sin ellos nada de esto sería posible. ¡Nos vemos en los escenarios en mayo, listos para compartir momentos inolvidables con todos vosotros!

Puede que para Bastardös su más de década y media como proyecto activo no se haya traducido en una montaña de material, pero para estos guerreros del thrash metal en Argentina parece que las cosas no se miden por cantidad sino en calidad. Así que con eso en mente y con la banda a punto de presentarse en el Uniclub de Buenos Aires para celebrar su segundo álbum Entierrö, nos comunicamos con el guitarrista Tomás Doglioli sobre esta fecha tan especial.

Buenas, Bastardös! Muchas gracias por tomarse el tiempo para responder estas preguntas. ¿Cómo vienen las cosas en la banda?

Ante todo gracias a ustedes por abrir estos espacios.

Este último tiempo estamos bastante atareados. Venimos de una gira por Corrientes y con muchos ensayos por delante de cara a lo que va a ser la presentación de nuestro último álbum.

Ustedes van a estar presentándose el 26 de julio en Uniclub, ¿cómo vienen preparándose para esta fecha tan importante?

Estamos preparando un concierto demoledor. Es un show producido por nosotros por lo que estamos bastante entretenidos con toda la organización. En paralelo terminando de editar el disco y ultimando los últimos detalles en esta recta final.

¿Qué tienen preparado para este recital? ¿Cómo esperan que salgan las cosas?

 Vamos a estar tocando todo el nuevo álbum y reviviendo temas de tiempos anteriores.

Quizás tengamos algunas sorpresas para el público….

Importante saber que arranca temprano 18 hs comienza la primera banda soporte. Es apto para todo público, lo cual nos pareció genial para que sea un espectáculo que se pueda disfrutar en familia.

Esperamos que salga todo bien.

Siendo que van a estar presentando su nuevo álbum Entierrö, podemos hablar un poco acerca de este disco. ¿Cómo creen que evolucionó el sonido de Bastardös comparado con el LP debut Bastardös?

Para este disco, a diferencia del primero, yo lo grabé a distancia. Vivo en la Patagonia, así que contratamos un home studio junto al productor musical y las guitarras las desarrollamos con Neural y Headrush. En el primero fueron con Marshalls…

Logramos seguir con nuestra línea de sonido pero amigándonos con cierta tecnología la cual debo admitir estaba bastante reacio a este tema. Aun así, en líneas generales estoy muy contento de haber descubierto estos bichos.

Las voces y demás si las hemos grabado en el estudio en Bayres.

Con respecto al disco en general, se van a encontrar con mucho contenido social.

Entierrö es bastante corto, con 27 minutos y monedas. ¿Cómo fue que decidieron que fuera así de corto? ¿Fue algo planeado o simplemente salió de esa manera?

Fue decisión propia. Todo dura tan poco hoy por hoy que queríamos que se escuche de principio a fin. Cuando termina querés volver a escucharlo. Ya nadie mira un documental de dos horas, todos son videos de cinco segundos sin ningún tipo de información ni contenido.

Con títulos como “Instinto Caníbal”, “Herencia Muerta” y “Cementerio Indio”, ¿cómo describirían el contenido lírico del álbum?

Somos una banda con mucho contenido social en nuestras letras, la voz de los oprimidos. Es difícil en una canción de cuatro estrofas contar quinientos años de historias, pero con nuestros escritos buscamos abrir puertas para que el oyente investigue sobre lo que contamos.

“Cementerio Indio” es una historia verídica ocurrida en el año 1924 en el territorio nacional del Chaco. Una de las cientos de historias teñidas con sangre en este territorio. En nuestro primer disco la canción “La masacre” también es un hecho verídico.

Y para el disco que viene ya tengo una nueva historia que contar y revivir. Sucedió en Senillosa, Neuquén. Pronto sabrán más…

Ustedes se sienten bastante orgullosos de la etiqueta de “thrash metal”, no por nada tienen una canción llamada “Apocalipsis Thrash”. ¿Qué es el thrash para ustedes?

El Thrash Metal es una rama dentro del metal que más allá de lo musical, es social y contestatario. Nos identificamos mucho con esto y viviendo en Argentina tenemos para tirar manteca al techo si de social hablamos.

Después de esta fecha de presentación, ¿cuáles son los planes de Bastardös a futuro? ¿Tienen algo planeado?

Nos vamos de gira. Bolivia, Chile y parece que se suma Brasil. Paralelo a esta gira vamos a estar terminando de presentar el disco por el país y encarando el tercero el cual ya lo estamos componiendo.

¿Qué querrían decir tanto a nuestros lectores como a la gente que los vaya a ver en Uniclub?

Si claro. Manténgase fuerte, odien a los políticos y que sepan que no están solos.

Etiquetas: argentina, bastardös, Thrash Metal

Como parte del movimiento denominado white metal, Bloodgood hizo una gran labor por allá en los ochentas con discos como Detonation, Rock in a Hard Place o su debut homónimo; Track to Hell entrevistó a su vocalista Les Carlsen y nos contó parte de la historia de la banda y algo de su carrera solista.

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Les Carlsen, bienvenido a Track To Hell, puedes decirnos la historia de cómo se formó Bloodgood?

Es realmente bueno estar aquí. En el inicio de 1984 respondí a un anuncio en el periódico, llamé al número y era Michael Bloodgood, así que fui a conocerlo y hablamos de formar una banda en honor a Jesucristo, nos caímos bien, pero nunca nos habíamos oído tocar. Pero pensamos, intentémoslo, así que ensayamos con David Zaffiro, J.T. Taylor, Michael Bloodgood y yo, y aprendimos algunas canciones de Ronnie James Dio, para ver cómo sonábamos, y sonamos genial, así que dijimos, sí, hagamos música sobre Jesús, música original, todo sobre Jesús, así se formó Bloodgood. Michael ya tenía esa visión desde hacía varios años antes de conocerme.

Sin Michael Bloodgood han pensado en grabar un nuevo disco?

No, se acabó, se acabó, sin Michael no habrá Bloodgood. Y eso fue algo que Michael y yo nos dijimos, que no lo haríamos, así que no quiero hacerlo, soy Les Carlsen, el cantante de Bloodgood y canto algunas canciones de Bloodgood en directo.

Sí, me encanta tu carrera solista, increíbles tus álbumes, me gusta mucho el último, es increíble, puro heavy metal. háblame del nuevo álbum

El nuevo álbum es bastante emocionante, tengo a Paul Jackson a la guitarra, a Craig Church a la guitarra, en el bajo a Juan Van Dunk, tengo a Jeffrey McCormack a la batería, y me tengo a mí mismo.

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¿Qué opinas del álbum Against The Law de Stryper?

Creo que no lo escuché mucho en realidad, creo que lo extraño un poco, sé que era un buen álbum musical según Oz Fox, le encantaba, Oz disfrutaba mucho de su trabajo con la guitarra; era fantástico, pero para ser sincero, no lo escuché mucho.

Tu álbum solista He’s Coming, mantiene la fuerza del heavy metal clásico de los 80. ¿Te gustaría lanzar otro álbum solista con un tipo de música diferente?

Bueno, estoy en transición, ¿sabes?, y Bloodgood no siempre hizo heavy metal porque éramos un poco musicales. Así que creo que exploramos la música, eso es lo que me gustaría hacer, a mi edad no intento encajar en ningún género, pero quiero escribir canciones que salgan de mí y no me preocupa si son pesadas o suaves, sino que sean apropiadas para la canción que escribo, pero habrá algunas sorpresas en este nuevo disco.

*Les busca algo en su bolsillo, saca su celular y pone algo de su nuevo disco que aún no sale al mercado

Wouuu, increíble, muchas gracias, esto suena potente, heavy del clásico y tu voz está magnífica

Nadie lo ha oído antes, sólo ustedes. 

Muchísimas gracias por ese detalle, con la nueva tendencia de crear superbandas con miembros importantes del rock, ¿has pensado alguna vez en hacer una con miembros clásicos del metal cristiano, otra banda nueva? 

Bueno, en mi último álbum, Oz Fox estaba en él, David Zafiro estaba en él, estoy abierto a eso, y si es así, sí, quiero decir, si dios me lo pone, lo haré. Como solista, puedes tener a quien quieras en el disco, así que vamos, pero me encanta mi banda solista, los chicos de mi banda son muy unidos, como hermanos y familia, mi esposa Joyce también canta.

Dime tres bandas de rock y metal poco conocidas que hayas estado escuchando en los últimos años. 

Chaotic Resemblance, son una banda cristiana buenísima, su primer álbum fue producido por Oz Fox de Stryper.

Deberías buscarlos porque son increíbles. Me gusta mucho lo que hace Jamie Rowe y me gusta Disciple. Disciple, una banda increíble, luego hay otro cantante, el cantante cristiano de Jelly Roll. Brandon Lake no es metalero, pero me gusta, escribe canciones geniales y contundentes.

Cuál es la canción que, al escucharla, te hace pensar: ¿Por qué no la escribí?

Supongo que hay algunas que desearía haber escrito, “Bridge Over Troubled Water” de Simon & Garfunkel, sí, me encanta esta canción, “Wind Beneath My Wings”, es un clásico, creo que me habría encantado escribirla, ¡Dios mío!, “Something” de los Beatles, un montón de canciones de los Beatles como “Here Comes the Sun”. Pero estoy muy agradecido de haber podido escribir canciones que le gustan a la gente, y que hayan sido parte de mi vida.

¿Qué opinas de que Judas Priest haya lanzado canciones como Angel o Crown of Thorns, pero antes escribían canciones como A Torch of Evil o Race with the Devil? 

Realmente no pienso en eso, sólo pienso en la gente que está perdida y se encuentra, ya sabes, hay gente que se salva o no, todo lo que hacen en el mundo, lo hacen con todo su corazón y toda su mente, pero creo que todos buscan la verdad, el mundo puede disfrazarse para parecer verdad, pero solo hay una verdad y esa es Jesucristo, así que eso es no solo lo que pienso, sino lo que sé como un hecho.

¿Cuál consideras que fue la mejor producción discográfica de la carrera mundial de Bloodgood?

Creo que si tuviera que decir cuál sería mi álbum favorito, sería Detonation por la forma en que se armó, el primer álbum estuvo muy controlado por el productor Darrel Mannfield y fue genial, él estuvo genial y fue maravilloso, pero para nuestro segundo álbum, le preguntamos a la discográfica si podíamos alquilar un estudio para ensayar y producirlo nosotros mismos, así que Michael, David y yo produjimos Detonation, y resultó ser nuestro álbum más vendido. ¿Qué les dice eso a las discográficas? Que le dejas saber al público de qué están hablando, ¿me entiendes?

Totalmente. Tenías una buena relación con Michael Bloodgood antes de que falleciera? ¿Cómo fue colaborar con el Proyecto Liberty and Justice?

Si, totalmente, siempre fuimos muy buenos amigos. Me acabo de acordar al ver tus discos de esa banda, ¿cómo se llamaba el guitarrista?

Justin Murr

Él falleció, me buscó, me contactó y me preguntó si haría las canciones y así lo hice. Creo que mi amigo Chris Jericho, el luchador, también lo hizo, está en un grupo llamado Fozzy.

¿Cuáles fueron las bandas que te inspiraron al principio de tu carrera?

Los Beatles, sí, sí, sí. Los Rolling Stones. Sabes, cuando era joven empecé a cantar, me gustaba Elvis, ya soy bastante mayor. Pero los Beatles realmente me hicieron decir: “Sí, quiero hacer eso” y creo que Michael Bloodgood tenía la misma respuesta. Cuando escuchó a los Beatles, pienso: “Guau, eso es lo que quería hacer”, pero también escuché a James Brown, Wilson Pickett, Janis Joplin, Jimi Hendrix. Sabes, me gustaba el rhythm and blues. Mi primer concierto que vi fue de los Beatles probablemente en 1965. 

Unas palabras para nuestros lectores

Bueno, es la primera vez que nos vemos y lo que quiero decir es que eres un gran entusiasta de la música y que probablemente tengas un gran conocimiento de ella y que probablemente podrían aprender algunas cosas de ti, como persona que escucha con mucha atención, tienen que ver su material y visitar Track to Hell.

El rock se suele relacionar con el mundo urbano, pero nunca hay que olvidar que sus raíces están en la música rural de los Estados Unidos. Desde el otro lado del Atlántico, un dúo de músicos busca devolver esa atmósfera de granja al rock, de manera casi literal: The Inspector Cluzo es un dúo formado por el cantante y guitarrista Laurent “Malcolm” Lacrouts y el baterista Mathieu “Phil” Jourdain, que llevan adelante una iniciativa de pura autogestión tanto musical como económica desde Lou Casse, su granja en el sur de Francia. Ahora con su nuevo álbum Less Is More, nos comunicamos con la banda para que nos cuenten sobre sus ideas, su música, el mundo de la granja, la manera de combatir el cambio climático y las influencias detrás de su manera de trabajar.

—¡Buenas a todos en The Inspector Cluzo! ¿Cómo vienen las cosas en estos momentos?

Estamos bien, tenemos muchas cosas con las que lidiar en la granja antes de comenzar la gira. Lanzamos nuestro nuevo álbum el 6 de junio último y nos han propuesto telonear a Neil Young en sus conciertos en Europa, así que en estos momentos estamos planeando todo.

—Recientemente editaron su nuevo álbum Less Is More, a través de su propio sello FucktheBassPlayer Records, como es habitual. ¿Cómo describirían el estilo de su música en este nuevo álbum?

Esta vez, como he dicho previamente, no queríamos demasiadas capas sino mantener un sonido crudo (sólo con batería, guitarra, voces y algunas segundas guitarras aquí y allá para el estéreo), como si estuviéramos tocando en vivo. Hemos ensayado mucho las canciones antes de entrar al estudio, para grabar como las bandas de los noventas lo hacían (Nirvana, por ejemplo). Así que grabamos todo en vivo sin ningún metrónomo ni pistas (no los usamos ni en vivo ni en ningún otro lugar), es todo orgánico y tocado verdaderamente en vivo. Vance Powell es EL hombre para el sonido analógico para nosotros y se volvió un muy buen amigo, así que naturalmente fuimos con él para grabar. Él siempre consigue capturar la mejor versión de nosotros.

—¿Cómo creen que ha evolucionado el sonido y la manera de manejarse de The Inspector Cluzo desde que comenzaron en 2007?

Bueno, es nuestro décimo álbum, hemos vivido más cosas desde su último álbum así que tenemos más cosas para decir siendo que estamos inspirados por las experiencias en nuestra vida: las personas que conocimos, los problemas que hemos arreglado en ambos mundos de la granja y la música. ¡El plan era hacer un álbum que estuviera muy cercano a lo que hemos hecho en vivo durante 20 años! Este álbum es más de “mandar a la mierda”, como dijo Vance Powell cuando nos visitó en la granja, así que es un disco “sin arreglos”, sólo batería, guitarras y voces. Líricamente, el álbum trata entre otras cosas acerca de lo que nuestra sociedad debe enfrentar, un hecho universal y global: el cambio climático.

—Este álbum Less Is More está inspirado en las figuras del naturalista y ensayista Henry David Thoreau y el filósofo Guy Debord. ¿Cómo describirían a estas figuras históricas en sus propias palabras? ¿Qué fue lo que les atrajo de sus historias e ideas?

Ciertamente, en algunas canciones y en general hemos estado influenciados por esos dos filósofos, que de cierta manera predijeron el mundo en el que estamos viviendo.

H. D. Thoreau fue el primer ecologista, y vivió lejos de la sociedad en el bosque por un tiempo y entonces escribió su libro Walden, él ya tenía la filosofía de “menos es más”. También escribió Desobediencia Civil, que inspiró a Gandhi y Martin Luther King.

También estamos inspirados por el libro La Sociedad del Espectáculo, escrito por Guy Debord en 1967. Al escribir el desarrollo futuro de nuestra sociedad, el filósofo predijo las consecuencia del consumo en masa y la cultura híper materialista. De hecho, predijo que a la larga uno de los resultados posibles sería que “La verdad sería simplemente un momento de la falsedad”. ¿Suena familiar? Eso llevó a la canción “As Stupid As You Can”.

—¿Cuál es la idea detrás del título Less Is More?

Es el lema de la música blues y de toda la música americana que siempre dice que “menos es más”. Está relacionado con la filosofía rural de hacer algo asombroso con pocas herramientas, la creatividad sirviendo de balance a la falta de recursos, o que la elegancia es diferente a la sofisticación o que no siempre está relacionada a la elegancia sofisticada, siempre mostrándose a través de su apariencia simple. Por otro lado, es un lema “post crecimiento” como respuesta al cambio climático, para parar el crecimiento infinito.

—En la promoción de Less Is More, ustedes se definen como “Dos agricultores orgánicos de Gascuña haciendo un álbum”, obviamente haciendo referencia a la granja de productos orgánicos que manejan de manera conjunta: no por nada tienen una canción llamada “Running A Family Farm Is More Rock Than Playing Rock N Roll Music”. ¿Cómo consideran que su conexión con el mundo agropecuario influencia su música y sus letras?

Es verdad que vamos y venimos entre la granja y tocar música o hacernos cargo de nuestro negocio musical (siendo que somos 100% independientes y 100% autofinanciados). Nos comportamos de la misma manera, aplicamos los mismo valores en la música y en la granja que nosotros y otros llaman hoy en día “post crecimiento”, creando riqueza local, riqueza social local y riqueza ambiental. Viviendo en una granja, rodeados por la naturaleza, inspira muchas de nuestras composiciones además de traernos paz, perfecto para componer música. Podemos decir que siendo 100% independientes en la música nos da ideas que podemos aplicar en la agricultura, cuando técnicas agrarias ecológicas para enfrentarnos al cambio climático.

Aparte de eso, hacer ambas cosas nos saca la presión que podríamos llegar a tener en una actividad o la otra.

—¿Qué tan importante es la autogestión en la manera en la que funciona The Inspector Cluzo?

Estamos realmente motivados para demostrar que una banda completamente DIY puede alcanzar un cierto nivel sin vender su alma y manteniendo sus valores. Siempre hemos sido independientes, tanto en el mundo de la música como en el mundo de la agricultura. En lo musical, somos 100% autofinanciados: somos nuestro propio sello discográfico (F.TheBassPlayer Records), nuestra propia agencia de booking, editorial, productora, y mucho más. Esta es nuestra filosofía post-crecimiento. Además, somos LIBRES de hacer lo que queremos, y eso es una gran fuente de motivación.

—¿Cuáles son sus planes a futuro? ¿Qué es lo que se viene en el seno de The Inspector Cluzo?

Tenemos una gran gira programada para acompañar el lanzamiento de nuestro álbum Less Is More, que incluye abrir para nuestro ídolo Neil Young a comienzos del verano por toda Europa, así como tocar en el famoso festival de jazz de Montreux y abrir para nuestros grandes amigos Clutch en el medio oeste de Estados Unidos. En otoño recorreremos Europa tocando en clubes, y planeamos visitar todos los países que hemos visitado hasta ahora (llevamos más de 1200 conciertos en 67 países). Todo eso, obviamente, regresando a la granja entre show y show para ocuparnos del trabajo que hay que hacer.

—En 2018 y 2019 dieron sus primeros conciertos en Latinoamérica. ¿Han pensado en volver a tocar por esa zona?

Sí, recordamos esas fechas fantásticas. Tenemos una conexión especial con América Latina como gascones, así que haremos todo lo posible por volver en 2026. Vamos a intentar convencer a algunos promotores de que nos agenden shows allá. Actualmente estamos trabajando en eso.

—¿Qué querrían decirle a la gente que vaya a escuchar Less Is More?

Primero que nada, escuchen este álbum bien fuerte, porque es un disco de rock and roll, y preferiblemente en vinilo, ya que fue hecho especialmente para eso también. Después, simplemente embárquense en un viaje a través de las canciones. Es un álbum que vale la pena escuchar de la primera a la última canción. Esperamos que lo disfrutes.

Year Of No Light, la gran banda francesa de post-metal instrumental, acaba de lanzar Les Maîtres Fous (“Los Maestros Locos”), un álbum inspirado en un documental homónimo del director y etnólogo francés Jean Rouch en 1955. Este trabajo también puede considerarse una “docuficción” y Rouch el creador de la “etnoficción”, pues se trata de retratar un fenómeno cultural desde un enfoque narrativo que da cuenta de una interpretación casi guionada y con un montaje claramente cinematográfico. En el film, Rouch presenta el movimiento Hauka en Níger. Este consistía en encuentros para la realización de rituales en los que sus integrantes eran “poseídos” por los espíritus de los administradores coloniales británicos, desplegando conductas grotescas para luego de esta suerte de catarsis, volver a sus vidas cotidianas. Sin embargo, hay distintas hipótesis acerca de estas “posesiones”, pues no queda claro si realmente se trataba de ceremonias religiosas o de eventos “teatrales”, paródicos, para burlarse de las autoridades blancas, entre otras miradas posibles. En cualquier caso, la obra fue muy controversial y censurada en todos los territorios británicos.

Tuvimos la gran oportunidad de intercambiar ideas al respecto con YONL y conversar sobre muchos otros temas. Hablamos con Jérôme Alban (guitarra y teclados) y Mathieu Mégemont (batería y electrónica).

Muchas gracias por brindarnos esta posibilidad. Ustedes ya tienen un lugar verdaderamente relevante en la escena internacional del post-metal. Su último álbum Consolamentum (2021) fue una obra maestra épica, y cualquiera sabe que Ausserwelt (2010) definitivamente es una referencia en el contexto de cualquier conversación sobre la historia del género. ¿Cuál es su reflexión acerca de sus logros en una carrera de dos décadas?

J: Siempre es un poco extraño mirar atrás en un período de tiempo tan largo. Definitivamente ya no somos las personas que éramos hace veinte años. El hecho de que esos discos hayan sido tan bien recibidos es una enorme bendición y un pequeño milagro para mí. Por mi parte, solo me siento muy afortunado de que haya gente que apoye nuestra música.

Su nuevo álbum, Les Maîtres Fous fue grabado en vivo y compuesto en respuesta al controversial documental de Jean Rouch con el mismo título. No sabía nada sobre ese trabajo antes de esta entrevista, así que decidí verlo. Entiendo que el Musée Du Quai Branly de París les comisionó la obra para su exhibición de 2012 titulada ‘L’Invention Du Sauvage’ (La Invención del Salvaje). ¿Qué fue lo que les pareció interesante sobre este film?

J: Es un film fascinante y perturbador, en el que la ficción y la alucinación nunca están lejos, aunque sea un documental. Contiene imágenes impactantes que son verdaderos catalizadores creativos.

M: El film es increíblemente revelador de la experiencia colonial y su impacto en la psique de quienes eran sus sujetos. La estética del documental de Rouch’s amplifica la dimensión simbólica del ritual tribal, empujándolo hacia algo que bordea una experiencia psicodélica y horrible. Fue este aspecto del que quisimos hacernos eco a través de la música, enfatizando el inquietante y, a la vez liberador, trance que la película evoca.

Ustedes tiene una larga historia de interacción con películas. La banda de sonido de Vampyr (2013) de Dreyer, que tocaron en vivo por primera vez el 28 de mayo de 2010 en el Barbey Theatre de Bordeaux, es un ejemplo sobresaliente. Luego volvieron a tocarla en el Roadburn Festival. Cuéntenme más sobre la relación entre el grupo y las artes visuales.

J: Eso es algo muy importante para nuestra música. Por mi parte, tengo una relación con la composición muy cercana a la que uno puede tener en las artes visuales. Me gusta buscar texturas sonoras y trabajar con la música como un arquitecto tratando de hacer arte abstracto. Con frecuencia componemos colectivamente y usamos muchas palabras cercanas a las artes visuales durante este trabajo.

M: Ser una banda enteramente instrumental nos da, por defecto, la habilidad de crear una música que sea más narrativa y, de cierta manera, más visual. Operamos conceptualizando un tema general para cada álbum, luego ofreciendo un marco lo suficientemente abstracto a través de toda la gráfica y los títulos de las canciones, así cada oyente puede crear su propia historia e imaginería para la música. Todos compartimos un profundo interés por la música clásica (y contemporánea) y las bandas sonoras de películas, y nos gusta pensar en nosotros mismos tanto como una orquesta como una banda. Pero en casos como los que mencionaste –Vampyr y Les Maîtres Fous– conscientemente nos ubicamos al servicio de las películas, tratando lo más posible de desaparecer, a pesar de la naturaleza inherentemente impuesta de la ejecución en vivo. Nuestra verdadera meta era resaltar las películas y la visión de sus creadores, no de la banda.

Cuando miré el documental y después volví a escuchar su disco, pensé en Obscured by Clouds (1972) de Pink Floyd, escrito como banda sonora de La Vallée de Barbet Schroeder, otra película francesa con contenido “antropológico”. Esta colaboración ya había empezado con Music from the Film More (1969). ¿Es Pink Floyd una influencia para ustedes? ¿Por qué eligen hacer música instrumental?

J: Pink Floyd es una gran influencia para nosotros; pocas bandas han inventado tantas nuevas formas de hacer música. Me gusta la música instrumental porque deja mucho más espacio para contar historias y para el trance.

M: Pink Floyd permanece como una de esas bandas a las que siempre vuelvo. Es una inagotable fuente de inspiración, al menos hasta The Final Cut. Puede parecer obvio, pero tracks como “Echoes” o “Atom Heart Mother” son fundamentos inconmovibles de lo que ahora llamamos “post-rock”, y ellos incluso tuvieron la audacia de mantenerse más innovadores y aventurados que lo producido por muchas de las bandas actuales. Debo admitir que mi batería y timbales son los mismos modelos que Nick Mason usaba en los primeros años de la banda: simplemente los afiné para encajar mejor con la estética sonora general de YONL.

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La música de este disco fue grabada en 2015. ¿Por qué no la publicaron entonces y lo hacen ahora?

J: Tuvimos esta grabación en reserva por años. Nuestro sello tuvo una cancelación de un lanzamiento y nos preguntó si teníamos algo reservado, así que fue la oportunidad para publicar este proyecto tan crudo y abstracto, del cual hay registro en video:

¿Planean volver a tocar este disco en vivo otra vez?

J: No lo creo, tenemos muchos proyectos en este momento: el próximo álbum, que ya está bastante avanzado, y una colaboración con la banda A Swarm of the Sun, un grupo que nos gusta mucho. Después, creo que vamos a trabajar en otro proyecto radical y experimental otra vez: siempre es un ejercicio gratificante.

Si tuvieran que definir la esencia del post-metal, ¿Cuál sería?

J: Pesadez, trance, pared de sonido, agitación de los sentidos.

M: Para mí es solo una etiqueta.

Considerando la pregunta final del documental: ¿creen que hay alguna clase de secreto que ciertos cultos, sectas, o incluso sociedades llamadas “primitivas” conocen para sobrellevar el sufrimiento con el que la gente tiene que luchar en la vida cotidiana?

J: Pienso que una de las características humanas es trascender la particularmente incómoda posición de la existencia a través de la espiritualidad. Esto crea formas artísticas fascinantes. Llamémoslo religión. Los problemas reales surgen cuando la religión se vuelve ideológica y política.

M: Creo que los seres humanos nacemos con mecanismos psíquicos idénticos. Luego es la cultura la que nos construye, ya sea emancipándonos o alienándonos. La gente llamada “primitiva” usa referencias culturales o herramientas que las sociedades “civilizadas” han abandonado, pero todos permanecemos, al final, atados a nuestra psique compartida. En ese sentido, el trance es una herramienta que todos poseemos, en donde sea que estemos en este planeta, y cualquiera sea la cultura a la que pertenezcamos. Jérôme habla de religión, yo preferiría usar el término metafísica, porque la religión depende del dogma, y el dogma contiene ideología y política. Creer que la religión puede ser puramente espiritual solamente funciona si se toma distancia de los textos doctrinarios, o a través de un proceso de interpretación y reinterpretación que las autoridades conservadoras de la fé nunca aceptarían.

Jimmy Jay, bajista y miembro fundador de H.E.A.T comparte algunas palabras con nosotros en una entrevista exclusiva para Track To Hell en su paso por tierras aztecas.

Primero que todo, los felicito por su nuevo disco Welcome to the Future, es increíble, siguen siendo lo más creativos posible.

Sí, intentamos superarnos en cada álbum, estamos muy contentos con él, nos enorgullece que de principio a fin, hayamos hecho toda la producción, la mezcla, todo dentro de la banda, así que estamos muy orgullosos de este.

 ¿Cuéntanos un poco de la historia de cómo surgió H.E.A.T?

Había dos bandas diferentes en nuestra ciudad natal, Upplands Väsby, Suecia, una se llamaba Trading Fate Merged y la otra Dream. Teníamos algo en común: Kenny, el cantante de ambas bandas. Luego decidimos fusionarlas y así surgió H.E.A.T, así que yo, Crash y Kenny estábamos en Trading Fate Merged, y Dave, Jonah y Kenny eran Dream.

¿El nombre de la banda tiene algo que ver con el equipo de baloncesto de la NBA o es por algo más?

No tiene nada que ver con baloncesto y su equipo, eso es seguro, es la abreviatura de algo, pero ese es nuestro secreto mejor guardado, lo que representa la banda. 

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Es bastante similar con los puntos

Si, es muy similar.

El nuevo álbum mantiene la esencia de la banda que han presentado desde sus inicios, ¿Les gustaría probar algo diferente en su próxima entrega?

No creo que nos sentemos y digamos que queremos probar algo nuevo, sólo seguimos componiendo canciones que nos gustan y las lanzamos, no sabemos qué nos va a gustar mañana, nuestros gustos cambian constantemente y bueno, hemos pasado por varias épocas con H.E.A.T, hicimos algo un poco más moderno en Into the Great Unknown, y eso era lo que nos gustaba en ese momento.

Pero, sí, ¿quién sabe? No es nada planeado, así que si pasa, pasa. 

Sí, porque Into the Great Unknown es muy diferente a los otros álbumes, y especialmente a Tearing Down The Walls, son muy diferentes. Aunque no a todos les gustó, los fanáticos quieren el mismo sonido siempre y eso no está bien

Pero creo que algunas de nuestras mejores canciones son de Into the Great Unknown, cómo “Redefined”, una de mis canciones favoritas de H.E.A.T y hay varios fans que siempre la escuchan, así que, bueno, creo que ese álbum fue un poco irregular en cuanto a la calidad de las canciones, pero en general, creo que son canciones realmente brillantes.

Regresar con su vocalista original fue una gran decisión, ¿siempre mantuvieron contacto con él o cómo sucedió?

No mantuvimos mucho contacto, Kenny vivió en el Reino Unido y luego en España, pero, cuando Erik Grönwall dejó la banda, sentimos que era la única opción, porque no queríamos ser una banda con un tercer vocalista principal, así que estuvo bien que Kenny estuviera dispuesto, y cuando lo vimos, fue como si no hubiera pasado el tiempo, fue como en aquellos tiempos, ¿sabes? 

Es como cuando tienes zapatos viejos y nunca te los pones, pero cuando los usas te encajan perfectamente.

Sí, exacto, ahora es perfecto, y además era uno de nuestros mejores amigos, y lo sigue siendo hoy, fue genial tenerlo de vuelta.

¿Welcome to the Future tiene canciones sobrantes de Force Majeure?

Sí, posiblemente, hay canciones que se escribieron para otros álbumes, pero por alguna razón no aparecen en ellos. No me acuerdo ahora mismo de cuáles canciones pero sí pasó, y sigue pasando en nuestra banda. 

Hay temas que no estaban listas en su momento y tardaron un poco más en escribirse como “Harder to Breathe” fue una de esas canciones que se escribieron para H.E.A.T II pero no se sentía que estaba terminada hasta que la volvimos a mencionar para Force Majeure, y estoy seguro de que hay canciones en Welcome to the Future que también son así.

Son una de las pocas bandas que mantiene la formación original, ¿Tienen alguna amistad cercana fuera de la banda?

Sí, diría que lo más importante es nuestra amistad en torno a la banda, éramos solo un grupo de amigos que creamos una banda y seguimos siendo grandes amigos hoy en día, somos muy privilegiados de salir a trabajar y tocar música con nuestros mejores amigos. 

¿Has pensado en hacer un disco acústico o con orquesta sinfónica?

No hemos hablado del álbum con alguna orquesta sinfónica. No lo sé. Sí hemos hablado de un disco acústico, pero supongo que hemos postergado la idea porque queremos tocar rock and roll.

Pero me imagino que si algún día hiciéramos un álbum acústico, creo que sería una especie de recopilatorio de sólo versiones acústicas, pero no lo sé, hoy en día no se habla de eso, y no creo que vaya a suceder pronto.

Es una buena idea.

Si, por qué no.

¿Te gustaría hacer algo con Erik Grönwall y Kenny Lecremo juntos, donde ambas voces participen simultáneamente?

Lo pensamos, claro, bueno, quizá nuestros caminos se crucen así en el futuro, no lo sé, quién sabe, simplemente hay algunas cosas que se salen de control, y claro, depende mucho de lo que pase en la vida de Erik en su carrera y todo eso, pero desde luego no nos oponemos, nada nos impediría hacerlo si todo fuera bien.

¿Y con el otro guitarrista Eric Rivers? 

Sí, hemos hablado con él y sigue siendo uno de mis mejores amigos, tiene una invitación permanente para venir a conciertos y, ya sabes, ser guitarrista invitado y cosas así, él lo sabe, tiene mucho que hacer con su familia, tiene muchas otras cosas en su vida, por supuesto. Así que es lo mismo con Erik, si todo sale bien, serán más que bienvenidos, todos somos amigos, tanto los que no están en la banda como los que sí lo están, no hay nada que lo impida.

Es algo como lo que Helloween hizo en su último álbum y tour con todos los cantantes

Me encantaría que eso sucediera. 

¿Qué opinas del álbum Skid Row con Erik Grönwall? 

Creo que es bueno, sí, creo que fue muy bueno para Erik y fue muy bueno para Skid Row en mi opinión, lograron volver y lanzar buen material, creo que es un gran álbum.

¿Por qué una gran proporción de bandas provienen de tu país? ¿Tiene que ver con que les enseñan arte desde la infancia o en la escuela?

Mi idea es que, bueno, hace muchos años, cuando empezamos a tocar y también con bandas como Europe en los 80, había muchos locales de ensayo disponibles para que los jóvenes formaran bandas y tocaran música, era una buena plataforma para que los jóvenes músicos tocaran y ensayarán, la única manera de destacar es tocando mucho, y nosotros tuvimos la oportunidad de hacerlo.

Pero hoy en día es un tema muy importante en Suecia porque están cerrando muchos de estos locales y hay muchas bandas y artistas que están muy molestos con el gobierno por cerrarlos porque perjudicará la exportación de música sueca. 

Es muy diferente a Latinoamérica, acá es imposible esto

Me imagino que en muchos países es difícil, incluso con pasión no tener dónde tocar o conectar con otros músicos o cosas así, porque no es algo que se dé por sentado, tuvimos un ambiente fantástico para aprender a tocar y convertirnos en una buena banda.

Dime 5 álbumes del rock y metal que todo fanático debería tener en su colección.

Obviamente, Def Leppard con Hysteria, tienen que estar ahí. Pantera y su Cowboys From Hell, Kiss… bueno, eso es difícil, Destroyer debería estar. Pink Floyd, The Wall, y Iron Maiden, también es difícil elegir, ¿sabes?, pero quizás Powerslave.

Por último, unas palabras para nuestros lectores.

Bueno, gracias por escuchar, leer o lo que sea que vayan a hacer, sigan escuchando rock y apoyando el género.

Death SS es una legendaria banda italiana que viene en acción desde finales de los 70s. Con un extenso recorrido a través de los años y a través de diferentes facetas musicales,  ha logrado consolidarse al día de hoy como una agrupación de culto. Charlamos un poco con su lider y principal propulsor, Steve Sylvester para que nos cuente un poco sobre su mas reciente lanzamiento, el album conceptual The Entity.

¡Hola Steve! He escuchado recientemente tu último álbum y déjame decirte que es increíble… ¿Cómo surgió la idea de este álbum conceptual?

The Entity es un concepto esotérico-horrorífico compuesto por 12 temas dedicados a la Entidad, el espíritu paranormal que siempre ha estado en el centro del proyecto artístico DEATH SS. La idea básica se me ocurrió hace varios años, hablando con mi amigo James Hogg. James es el último descendiente del escritor escocés homónimo que en 1824 escribió la novela “The Private Memoirs and Confessions of a Justified Sinner“, una magistral sátira gótica sobre las paradojas de la fe y el tema de la duplicidad del alma humana, considerada precursora de la famosa novela de Robert Louis Stevenson “The Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde“. Ambas novelas exploran el “lado oscuro” del hombre y su doble naturaleza, la buena y la mala. Partiendo de esta inspiración incluí varios elementos más, que van desde Aleister Crowley, que intenta liberar al hombre despertando su genio artístico a través de sus invocaciones mágicas, para luego continuar con figuras históricas como Jack el Destripador y el pintor Walter Sickert, y también ficticias, como una de las heroínas de los cómics eróticos italianos de los años 70 Cimiteria y mucho más, hasta volver a conectar con la historia de la banda.

Sé que Tom Dalgety formó parte de la producción musical. ¿Cómo te sentiste trabajando con él?

Elegí a Tom Dalgety como productor de este álbum porque conocía sus trabajos. Realmente admiraba lo que hizo con bandas como Ghost, The Cult, Damned, Killing Joke y Rammstein… Estaba seguro de que sería la persona más adecuada para dar el sonido correcto que tenía en mente para las canciones de este álbum. Por suerte a Tom le gustaron las canciones y aceptó trabajar conmigo. Trabajar con él fue fácil y agradable porque ambos viajábamos en las mismas coordenadas. Por eso fue decisivo para el resultado final del producto.

¿Tienes previsto tocar el álbum entero?

Me encantaría hacerlo. Desgraciadamente, no creo que sea posible porque aún tenemos que tocar las canciones clásicas de los otros álbumes, y no podríamos meterlo todo en la duración de un concierto. De todas formas, seguro que incluiremos varias canciones de “The Entity” en los nuevos conciertos.

Death SS es una banda que nunca se ha visto limitada por los géneros del metal… ¿Qué debemos esperar de The Entity?

Si ya has tenido la oportunidad de escuchar el disco, te habrás dado cuenta de que esta vez nos hemos mantenido en atmósferas muy clásicas, potenciando un sonido limpio pero muy potente, con referencias a cierto tipo de sonido oscuro de los 70 y principios de los 80. Me pareció que era el tipo de sonido más adecuado para las atmósferas descritas por el concepto.

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Empezaste hace más de 4 décadas y hoy podemos decir que ya sos una legendaria banda de culto… ¿Extrañas algo de los viejos tiempos? ¿Qué diferencias notas con los tiempos modernos a la hora de hacer música?

No me arrepiento de nada del pasado… Cada época tiene sus aspectos positivos y negativos y siempre hay que evolucionar y seguir adelante. Mi forma de hacer música nunca ha cambiado con los años. Sólo las tecnologías en el estudio de grabación y en el equipo que utilizo en directo para los conciertos pueden cambiar y evolucionar, pero el alma siempre sigue siendo la misma.

¿Quiénes fueron tus principales influencias cuando creaste Death SS?

Desde el punto de vista musical, nací escuchando el viejo glam rock británico, bandas como The Sweet, Slade, T. Rex y similares. Luego llegué a conocer oscuros y progresivos como Black Sabbath y Black Widow, y después descubrí el primer punk rock de Damned, Sex Pistols etc. Al final intenté unir y mezclar todas estas diferentes influencias musicales, cosiendo encima la teatralidad de Alice Cooper y KISS.

A lo largo de tu carrera has compartido escenario con viejas y nuevas grandes bandas… ¿Recuerdas alguna en particular?

Sí, he tenido el privilegio de compartir escenario con muchos grandes artistas a lo largo de los años. Es difícil mencionar a alguien en particular. Mencionaré entre los últimos por orden de tiempo a Ghost, King Diamond, Behemoth, pero también a Demon y Moonspell…

¿Cuál es el plan para el futuro próximo? ¿Consideras que aún te quedan cosas por hacer o te sientes satisfecho con lo conseguido hasta ahora?

Mientras la llama de la creatividad artística arda en mi interior y sienta que tengo algo válido que expresar a través de mi música, ¡seguiran oyendo hablar de DEATH SS!

Una de las razones por las que empecé a escuchar tu música fueron las increíbles portadas de los álbumes. ¿Qué opinás de las portadas generadas por IA?

Por el momento nunca he utilizado este tipo de tecnología. Simplemente no la he necesitado. Soy diseñador gráfico y siempre creo personalmente las ilustraciones de mis álbumes, ayudado por el personal de mi discográfica. Doy mucha importancia a la portada del álbum porque debe ser capaz de encerrar en una sola imagen la esencia del propio álbum. Para conseguir este propósito, en mi opinión, se pueden utilizar todos los medios artísticos disponibles, ya sean dibujos, fotografías y, por lo tanto, también IA si es necesario, ¿Por qué no?

Por último…para alguien que nunca ha escuchado a Death SS…¿Qué álbum recomiendas para iniciarse en tu música?

Bueno, definitivamente diría que el último, “The Entity” porque es el que representa exactamente lo que DEATH SS es artísticamente en este momento.

Axel Fabricio entrevistó a Andrés Garavito, jefe de Cráneo Productions y cofundador del Estigma Fest, festival colombiano dedicado al doom metal y a la difusión de un género que no ha tenido tanta cabida en la escena latinoamericana. Hablaron sobre los desafíos de hacer estos eventos tan específicos, el público al que está dirigido, cómo es manejar una productora en este ambiente y mucho más.

Podes ver la entrevista en el siguiente video

La banda Indar nos abre las puertas a su universo sonoro con motivo del lanzamiento de su primer álbum, Anlage. Hablamos con ellas sobre la evolución de su sonido, las temáticas sociales que atraviesan sus letras, el proceso de grabación, sus influencias y lo que significa para ellas compartir escenario y seguir creciendo como banda completamente autogestionada. Un trabajo honesto, visceral y profundamente comprometido con su identidad.

¿Cómo describirías el sonido de este nuevo disco en comparación con vuestros trabajos anteriores?

Aunque habíamos lanzado algunos singles anteriormente, estos están incluidos en Anlage. Este es nuestro primer disco así que no podemos compararlo con nada que hayamos hecho anteriormente. Sí que vemos una evolución desde las primeras composiciones cuando la banda empezaba a formarse. De hecho algunos de los temas presentes en Anlage han ido evolucionando en el tiempo junto a la banda y las primeras veces que los tocamos en directo eran bastante distintos a la versión final. En este creemos que con el tiempo hemos ido desarrollando la personalidad de la banda y hemos adaptado esas ideas tan intuitivas del principio a una identidad con coherencia. 

¿Qué temáticas o conceptos les han inspirado más a la hora de componer este álbum?

Además de crear canciones a raíz de nuestras vivencias personales, ha salido de forma natural hablar sobre temáticas sociales como puede ser una reivindicación al bienestar animal, a luchar contra la presión social o el empoderamiento ante las desigualdades de género.

¿Cómo ha sido el proceso de grabación del disco? ¿Ha habido alguna diferencia significativa respecto a cómo lo grabasteis en trabajos anteriores?

En realidad fuimos grabando por tandas. Antes de lanzar Anlage grabamos cinco singles, que están incluidos en el disco. Los dos primeros, Prey y Rotten Roots, sí que tuvieron un proceso de grabación bastante diferente a los demás, ya que los grabamos con Ra Tache y como no podíamos desplazarnos a su estudio en los Pirineos, ella se trajo su equipo y los grabamos con ella en nuestros locales de ensayo. Después ella en su estudio hizo la producción y premezcla y finalmente de la mezcla y master final se encargó Óscar en Axtudio. Respecto al resto de temas, que vinieron después, aunque estábamos muy contentas con el trabajó de Ra, resultó imposible coordinarnos con ella por temas de calendario, así que decidimos hacer todo el proceso directamente con Óscar en Axtudio. Los siguientes singles (Udol, Nostalgia y Oxyde) los fuimos grabando conforme los íbamos a sacar y, finalmente, cuando Nuria (LaRubiaProducciones) y Dani (FourSkulls) nos dieron la posibilidad de lanzar un trabajo de larga duración completo, grabamos el resto de temas juntos. El proceso tanto con Ra como con Óscar siempre ha sido muy satisfactorio. Implica mucho trabajo, porque somos perfeccionistas (y ellos también) pero es un trabajo agradecido. 

¿Qué artistas o géneros han influido en la creación de este disco?

Dentro de la banda tenemos gustos e influencias muy variados y eso se nota al escuchar la música ya que cuesta definirla en cuanto a géneros. En general creemos que las mayores influencias son bandas como Amenra, Gojira, Alcest, Opeth, Jinjer, incluso Chelsea Wolfe… 

¿Tienes alguna canción favorita del nuevo disco? ¿Por qué?

Es difícil, le tenemos mucho aprecio a todas ya que con cada una hemos podido explorar nuevas áreas musicalmente y a nivel de temática, pero la canción favorita siempre suele ser la última que has compuesto porque generalmente es las más “fresca” y menos “rallada”,  y en este caso es Thalassophobia. Creemos que es una canción bastante distinta a las demás y disfrutamos mucho del viaje que propone. Aún así todas tienen su momento. 

¿Hay alguna canción que sientas que representa mejor la esencia de INDAR en este momento?

Tenemos temas bastante distintos entre sí que se complementan entre ellos para formar un todo, así que es difícil que uno de ellos pueda representar a los demás… desde el viaje de nueve minutos que comentábamos de Thalassophobia, hasta la canción un poco más melódica que sería Nostalgia, pasando por las atmósferas de los primeros temas que sacamos, Rotten Roots y Prey… aunque sí que es verdad que de algún modo todos combinan esa parte visceral con otra mucho más contemplativa, cada una en su medida. En este sentido seguramente podríamos escoger Udol, que es además nuestro tema más conocido, ya que en él exploramos la parte más extrema de ambos aspectos. 

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¿Qué importancia tiene la crítica social o personal en las canciones de este álbum?

Inevitablemente bastante. Pues es precisamente por nuestras vivencias personales y las de nuestro alrededor que queda reflejada una crítica social y descontento con la que muchísima gente, en especial los círculos desfavorecidos o minoritarios, se pueden sentir identificados. Es decir, nos gusta pensar que nuestro activismo nace de la naturalidad y transparencia simplemente contando nuestra verdad, en ningún momento hay intención de difundirlo a modo ‘’feminismo’’ panfletario para contentar a nadie ni hablar de ello por moda. Precisamente que nuestra formación sea completamente femenina fué algo que surgió de forma orgánica. 

¿Hay alguna historia especial detrás de alguna de las canciones del disco que te gustaría compartir?

Si, a colación de la pregunta anterior destacaremos Udol. Es un tema que representa bastante bien el concepto del disco, en el que muestra que no nos arrepentimos de ser quien somos y no hay cabida para gente que nos quiera pisar. Una pura celebración de nosotras mismas en letras mayúsculas. Y al final esto es la historia de todas, o al menos debería serlo.

¿Normalmente componéis en conjunto o cada miembro de la banda aporta ideas por separado?

La mayoría de los temas parte de una idea inicial de voz o guitarra, o incluso de un concepto, y a partir de aquí se trabajan en conjunto en el local. 

El 2 de mayo presentaron el disco en la Sala Vol. ¿Cómo les fue?

El concierto del 2 de mayo fue un día muy especial porque presentábamos oficialmente nuestro disco, en la sala Vol en la que ya hemos tocado tres veces y para nosotras es simbólicamente nuestra casa. Fue emotivo ya que ahí hicimos hace más de un año nuestro segundo concierto, junto con Bones of Minerva, y fue muy pocos días después del primero así que para nosotras prácticamente ahí empezó todo. El concierto del día 2 fue nuestro décimo concierto, número redondo, y estar en ese mismo escenario poco más de un año después y ver todo el camino recorrido, las caras habituales que siempre nos acompañan más las nuevas que se han ido sumando, fue como un milestone para nosotras. 

Tuvieron como invitados a Dríade desde Madrid. ¿Qué nos puedes contar sobre ellos y qué significo para ustedes compartir escenario juntos?

Conocimos la música de Driade a través de redes sociales y nos llamó mucho la atención su energía y su propuesta. Su estilo de música es más cercano al metal alternativo y “core” que el nuestro pero aún así encajamos muy bien musicalmente y les invitamos.  Nos lo pasamos muy bien durante su concierto, tienen una propuesta muy potente y enérgica. Además Carmela accedió a subirse al escenario con nosotras para cantar junto a Sara una versión única de Rotten Roots, que la verdad fue muy especial y tanto el público como nosotras disfrutamos mucho. 

¿Qué otras fechas tienen confirmadas para la presentación del disco?

Por ahora podemos decir que el día 16 de mayo haremos nuestra primera presentación fuera de España, ya que estaremos tocando en Brighton en el Alternative Escape. También el próximo día 21 de Junio tocaremos en el Metal Academy Fest, el festival donde nuestra cantante Sara trabaja de profesora de canto, junto a Onirophagus. Además de eso tenemos fechas durante los próximos meses que todavía no se pueden desvelar, así que os animamos a seguir nuestras redes para estar al día de todo. 

Finalmente, te dejamos este espacio para que dejes un mensaje a nuestros lectores.

Pues primero de todo muchísimas gracias a Track to Hell por hacernos esta entrevista y a los lectores por leerla y por el interés. Esperamos que disfrutéis de Anlage y ojalá os podamos ver en alguno de los próximos conciertos. Muchísimas gracias!

Dani Escobar tiene una conversación con Chaney Crabb, cantante de la banda de deathcore progresivo Entheos, hablando sobre la evolución en el sonido de la banda, la manera de componer las canciones, la influencia de Fredrik Thordendal y su disco “Sol Niger Within” (1997), y cómo ha cambiado la idea de ser una mujer cantando en una banda de metal extremo.

Evadne, la banda de doom/death originaria de Valencia, España, se estará presentando por primera vez en latinoamérica este mes de mayo y junio con fechas en países como México, Brasil, Chile y Colombia, en lo que promete ser una gira cargada de sentimiento por sus veinte años de trayectoria y que lleva por título “Behind The Veil of Melancholy”, por lo que tuvimos la oportunidad de entrevistar a esta fabulosa agrupación y conocer sus perspectivas sobre estos eventos en puerta.

Antes que nada, queremos agradecerles su tiempo para contestar esta entrevista y felicitarles por su trabajo, en Track To Hell estamos seguros que todo su público en Latinoamérica está sumamente emocionado por el anuncio de la gira. ¿Es esta la primera vez que se presentan en los países anunciados o ya habían asistido antes a alguno(s)?

Sí, será nuestra primera vez en Latinoamérica, por eso esta gira va a ser muy especial e inolvidable para nosotros. Desde hace algunos años atrás se había hablado de la posibilidad de poder asistir a algún festival o hacer algunos conciertos sueltos en Ecuador o México, pero por unas razones u otras no llego a concretarse.

Ahora sentimos que es el momento ideal de poder dar el salto al otro lado del charco, así que confiamos en que también sea especial para todo el público que asista a los conciertos.

¿Cómo se sienten con el anuncio?

Estamos muy contentos y emocionados. Realmente, es un sueño hecho realidad poder llevar nuestra música tan lejos y a un público tan entregado.

¿Qué es lo que más esperan de esta gira, qué les emociona y cuál creen que será el reto más grande?

Lo principal y lo que más nos emociona es poder compartir un momento tan especial con nuestros seguidores o cualquier persona curiosa que venga a disfrutar de nuestra música en directo. Por otro lado, el reto más grande probablemente tenga que ver con la logística, aunque estamos acostumbrados a los viajes y los horarios intempestivos, siempre da nervios la expectación de que todo salga bien y sea una buena gira para todas las personas involucradas.

¿Cómo es que surge la intención de venir para acá?

Latinoamérica siempre ha sido un lugar importante donde poder llevar nuestra música. Además, gracias a buenos amigos como Dani Molina de Total Death y la implicación y apuesta de Andrés Garavito de Cráneo Productions, el cual ha trabajado arduamente en conjunto con otras promotoras de cada país, ha hecho que todo esto sea posible.

¿Qué sorpresas pueden esperar los asistentes a los eventos?

Ahora mismo estamos trabajando un set especial que incluye canciones emblemáticas de nuestra carrera y con las que realmente disfrutamos y nos sentimos identificados. Nos gustaría que cada show sea una experiencia emocional y profunda con la que todo el mundo pueda conectar.

¿Podemos esperar escuchar algo del nuevo material que se ha estado anunciando en redes?

Lamentablemente aún estamos trabajando en ese material y no habrá ni tiempo, ni espacio para ello, aun así, pensamos que el público disfrutará con las canciones que tenemos preparadas.

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¿Qué es lo más difícil de tocar en una banda como Evadne?

Claramente mantener el equilibrio entre nuestras vidas personales y el compromiso que implica estar en una banda que intenta superarse con cada nuevo disco. El trabajo y dedicación que se requiere actualmente en la música es bastante elevado y en nuestro caso, y teniendo en cuenta que también somos bastante exigentes con nuestro material, consideramos que el nivel de detalle y emoción que intentamos transmitir hace que esa exigencia se sienta más punzante.

¿Qué es lo más recompensante de tocar en una banda como Evadne?

Todo lo que tenga que ver con el proceso creativo y poder compartir algo propio con tanta gente en diferentes partes del mundo. Sin duda, eso crea una conexión con nuestros seguidores. Saber que nuestra música tiene un impacto emocional en las personas es algo intensamente gratificante.

¿Cómo perciben ustedes que ha sido el impacto de Evadne en Latinoamérica?

Aunque aún no tenemos la experiencia ni la percepción de tocar allí, de un modo u otro, sentimos que nuestra música ha encontrado un hogar especial en Latinoamérica. Siempre hemos tenido la sensación de que la pasión y el apoyo de la gente latinoamericana está en otro nivel.

¿En dónde se ve la banda en cinco años?

Esperamos que, evolucionando como músicos, siempre explorando nuevos territorios musicales, pero manteniendo esa esencia melancólica que queremos que perdure en nuestras composiciones. También nos gustaría consolidarnos en la escena y tener más presencia en escenarios internacionales.

¿Algo más que quieran hacer saber a nuestros lectores?

En primer lugar, gracias a vosotros por esta cálida entrevista y agradecer de todo corazón a todas las personas que nos han mostrado su apoyo durante todos estos años, sin ellos nada de esto sería posible. ¡Nos vemos en los escenarios en mayo, listos para compartir momentos inolvidables con todos vosotros!