La escena del post-metal tiene exponentes que siempre serán ineludibles: Neurosis, Isis, Cult of Luna, Rosetta, Amenra, Inter Arma… Comparar a Arcem con cualquiera de estas bandas sería una obviedad. Si te gusta el género y no conocías a este grupo, te recomiendo escucharlo. Se trata de un cuarteto con base en Indiana, conformado por Babe Woodward (voz y guitarra), Dave Mckie (guitarra), Matthew Pressel (bajo) y Scott Kooima (batería). “Arrival at Grief” es su segundo álbum, un trabajo conceptual en el que cada canción representa una fase en el proceso de duelo.

“A Nascent Life Yet Again Torn from my Hands” es un comienzo potente, una de esas canciones debido a las cuales es recomendable siempre tener la precaución de no dejar el volumen de los parlantes muy alto luego de usarlos. Todo explota en el primer segundo. Se despliegan todas las características típicas del género: voz furiosa, guitarras potentes y una base rítmica versátil, en composiciones extensas con un enfoque progresivo, atravesando distintos climas, algunos tormentosos y otros más calmos. Una mezcla excepcional permite que cada instrumento brille, y está claro que Arcem es un conjunto de excelentes músicos.

En contraste con el track anterior, “The Heavenly Bodies That Revolve Around Us” empieza más pacíficamente, evocando otras emociones. El canto es melódico y la instrumentación mucho menos agresiva, suena etérea, sobrevolando una batería de despliegue virtuoso. Recién hacia la mitad de la canción todo se torna intensamente violento para luego volver a ingresar en un espacio melancólico e introspectivo, mediante texturas armónicas tejidas con trémolos.

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“Ambivalence and Lust Will Signify the Collapse” suena demasiado similar a Cult of Luna. Repito: demasiado. Más allá de la voz, los riffs de guitarra parecen, directamente, un tributo. Como fan de la banda sueca, debo decir que, si todo el disco de Arcem fuera así, estaríamos en problemas. Por suerte, no es lo que sucede. ¿Me gusta la canción? Sí, claro. Pero la sensación es un poco molesta debido a una similitud tan evidente. Afortunadamente, estos estadounidenses recuperan la senda más propia en “Every Breath, Every Footprint, Will Not Undo This Loss”, con una atmósfera diferente, más depresiva. Unas guitarras y un bajo minimalistas con mucho delay, sobre una percusión casi ritual, van generando las condiciones para la irrupción de la avalancha sonora que sabíamos se avecinaba, para luego entrar en un tramo más nostálgico. Se nota que existe gran potencial en lo que Arcem puede hacer sin necesidad de imitar a nadie.

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Toda la parte inicial de “Our Haunting Reflections in a Rose Tinted Mirror” tiene varias reminiscencias post-rock, salvo cuando la voz ataca. Creo que vale la pena volver a destacar la calidad de lo que ejecuta cada integrante de Arcem. La materia prima es increíble, sería grandioso que lograran avanzar más en la búsqueda de una propuesta distintiva. El cierre del disco es “Bearing the Torch For All Those Despondent”, que empieza con un bajo exquisito. Dije que ciertas comparaciones eran obvias y se podía prescindir de ellas, pero no puedo evitarlo. Me disculpo. Aquí me hallo ante segmentos que remiten muy fuertemente a Isis, otra banda que amo. Entonces, la cuestión es la siguiente: Arcem tiene todas influencias encantadoras, y músicos muy talentosos, ¿qué es lo único que faltaría para que su música se elevara aún más alto? Creo que la respuesta es: tomar esos valiosos puntos de referencia y hacer lo posible para honrarlos diferenciándose de ellos, como deben hacer los hijos en el proceso de construir su propia identidad para tener la oportunidad de ser felices. Como sea, es un muy buen disco.

La música es entre muchas otras cosas, una expresión cultural que tiende ha ser un fiel reflejo artístico de la perspectiva subjetiva de los artistas que la componen y de su interpretación de la realidad, “Ranchero Star’’ el más reciente release de Colores Santos es un gran ejemplo de lo antedicho, puesto que expone exquisitamente el sonido del Rock en español, pero de manera auténtica, influenciado profundamente por una mexicanidad que le da un sabor único, y que puede ser además disfrutado por cualquier persona, sin importar su nacionalidad, o lengua.

El pequeño release de la banda de rock es un acierto más en su innegable trayectoria, trayectoria que ha dado a la escena del rock en español varía cosa de qué hablar por los últimos años, y es que es conocido que Colores Santos es una banda que tiende a ser sinónimo de calidad y diversidad musical, ‘’Ranchero Star’’ no es la excepción, la obra está compuesta por 5 pistas, 3 de ellas canciones ya previamente popularizadas y aplaudidas por la audiencia, y las otras dos completamente nuevas, lo que tienen en común es el alma mexicana que caracteriza el fondo de ‘’Colores Santos’’, se trata de música de lo más agradable y digerible, que te transporta a paisajes cómodos y psicodélicos en los que sentirás vibrar el concepto de rock de rancho que ha sido usado previamente para describir el sonido de la banda.

Las tres canciones previamente publicadas son:

Capitán Palmera: Con un ritmo alegre, un sonido tropical y una letra que nos transforma por un segundo en el protagonista de la misma, es la canción que abre la obra. Ser el Capitán Palmera significa cerrar los ojos y permitirnos volar en la psicodélica música playera que esta primera pista tiene para nosotros, es un viaje sumamente agradable, ideal para recordar a través de cada instrumento y la voz, la arena y el mar. ‘’Flor del Sur (Amapola)’’: Una de las canciones más recientes del conjunto, se trata de una oda a la mexicanidad, tanto a través de los conceptos y la historia que nos cuenta, como de sus arreglos musicales, es una linda obra que refleja bien lo que mora detrás del espíritu de Colores Santos.

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Hombre Gato: Debo ser sincero respecto a esta canción, puesto que no puedo ser imparcial, se trata de mi personal favorita, no solo del álbum, sino probablemente de toda la discografía de la banda. Cuando Colores Santos habla de su capacidad de hacer poesía y con magia transformarla en música, Hombre Gato es la canción que, a través de su ritmo y emotividad, surca mi mente y se hace presente como el mejor ejemplo de esa poesía musical, se siente personal y profunda.

Las dos canciones nuevas son:

Niño Salvaje: ‘’La música no terminará’’ , un homenaje a la música y a la sensación de Eureka, a la sensibilidad artística que ha dado a tantos mexicanos la oportunidad de darle voz, forma y lienzo a el espíritu que permea las tierras que inspiran la composición musical de Colores Santos, así como el arte de muchos otros que han llegado a la serendipia. Pista emotiva y capaz de reflejar la capacidad innovativa del conjunto, es un aporte que le sienta bien a la discografía de la banda.

Ranchero Star: Esta es diferente, y le da nombre a todo el EP, con un sonido que conjunta lo moderno y lo tradicional, tintes de rock y de música latina contemporánea, nos permite asomarnos a lo que fue una de las formaciones militares más importantes y fuertes de la historia de México, particularmente durante el periodo de la revolución, la división del norte y su polémico líder, Pancho Villa. Contrasta perfectamente con Flor del Sur, puesto que este es un ritmo más desértico y seco, con un poquito más de agresividad musical y una historia más intensa, cruda. Ranchero Star, el mero Doroteo Arango, una canción diferente, pero eso sí, con la esencia clara, se siente fresca, a pesar de lo árido del desierto al que nos transporta.

“Ranchero Star”, el EP que nos demuestra la flexibilidad, capacidad de crear y exceso de talento del que goza Colores Santos, no lo dejes de escuchar, si eres de México vas a sentir una nostalgia bellísima, y si eres de fuera, seguro también, pero además, es probable que sientas una irremediable necesidad de visitar el territorio que en muchas formas es similar a el conjunto, diverso, mágico, tropical y ruidoso (deliciosamente).

Los black metaleros franceses, Seth, han editado su nuevo larga duración, el séptimo en su carrera,  titulado “La France Des Maudits” bajo el sello Season of Mist.

La formación está conformada por Saint Vincent (voz), Heimoth (guitarra), Drakhian (guitarra), EsX (bajo), Pierre Le Pape (teclado) y Alsvid (batería). 

En escena desde 1995 donde tuvieron años de silencio, sobre todo entre “Era-Decay” (2004) y “The Howling Spirit” (2013) hasta la salida de un excelente álbum editado en 2021 como fue “La Morsure Du Christ“

La agrupación retoma el camino que dejaron en su anterior lanzamiento, donde nos hablaron de la rebelión y la revolución francesa.

La France Des Maudits está compuesto por ocho canciones y cuenta con una duración de 46 minutos donde nos encontramos con un disco repleto de capas de sonidos de puro black metal melódico sin llegar sonar como Dimmu Borgir o Cradle of Filth.

El disco incluye riffs memorables que se complementan con teclados y samples orquestales que le inducen un aura de majestuosidad y épica a cada entonación. 

El registro vocal de Vincent va variando con el correr de las canciones, en ocasiones podemos escucharlo con tonos rasgados y gritos de dolor mientras que el resto de los músicos cumplen su labor con creces. Hay muchos beats que se entremezclan con medios tempos dependiendo el momento de la canción.

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La placa abre con “Paris Des Maléfices” con un black metal clásico que se caracteriza por tener una filosa melodía de guitarra que nos va dando un indicio de para donde va el álbum. 

Le sigue “Et Que Vive Le Diable!“, la misma nos sumerge en el sufrimiento de una revolución oscura. En la misma, podemos escuchar cánticos y frases a modo de himno en la lengua nativa de la banda.

“La Destruction Des Reliques” nos lleva a un punto álgido con su atmósfera oscura, construida por capas de instrumentos que se fusionan a la perfección. La canción parece llegar a su fin, pero da sus últimos coletazos para dar paso a “Dans le Cœur un Poignard“, un tema más pacífico e introspectivo, que quizás muestra un dolor aún más profundo.

“Marianne” es una pequeña pieza instrumental delicada que nos transporta a finales del siglo XVIII con un toque de modernidad propio de Seth.

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La segunda parte del álbum comienza con “Ivre Du Sang Des Saints” y nos devuelve a la brutalidad del inicio del disco. El sonido de las guitarras van construyendo excelentes melodías que cautivan al escucha mientras que”Insurrection” es una de las canciones clave del álbum ya que recoge todo lo construido hasta ahora y lo amplifica con aún más dolor.

“Le Vin Du Condamné” nos lleva al cierre de esta historia épica, concluyendo entre gritos de dolor y coros celestiales en la canción las larga del disco.

Seth demuestra una vez más que su talento compositivo está en su mejor momento creando un álbum notable y más que recomendado para todo fan del género.

Trece años dan para mucho y si no que se lo pregunten a las que un día fueron denominadas las “Reinas” del nu metal, es decir las canadienses Kittie que regresan con su séptimo disco de estudio Fire de la mano de Sumerian Records y tras trece años desde su último disco I’ve Failed You, para demostrar que aún tienen mucho que aportar en la escena metalera moderna.

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Hay que decir que los adelantos previos a la salida del álbum (“We Are Shadows”, “One Foot in the Grave”, “Eyes Wide Open”) ya daban una muestra muy concreta de lo que estas chicas se traían entre manos con este regreso y todo apuntaba a que volvían por todo lo alto.

Tras haber escuchado el disco en repetidas ocasiones, la respuesta es SI, Kittie vuelven con el que seguramente sea su mejor trabajo en más de tres lustros y que justifica todo el revuelo causado con su regreso.

Por supuesto que no inventan nada nuevo, pero en un terreno donde antaño supieron reinar, Mercedes, Morgan y compañía vuelven a demostrar su impecable y abrasador sonido que tanto ha influenciado a las generaciones de bandas posteriores con presencia femenina que tanto triunfan en estos días, véase Infected Rain o Jinjer, entre otras.

Un tema que ilustra a la perfección lo que digo es “I Still Wear This Crown”, con un sonido limpio pero sin perder la brutalidad que las caracteriza y una Morgan tremenda en el aspecto vocal, tanto en las partes agresivas como en las melódicas.

“Falter”, es otra prueba de que Kittie han sabido evolucionar durante todos estos años, para volver cual ave fénix, con las mismas fuerzas que en sus días dorados e incluso, me atrevería a decir que musicalmente mejor que antaño.

“Vultures” o la pesada “Grime”, nos muestran el toque groove de las canadienses y como Morgan no ha perdido ni un ápice de calidad en su voz, siendo una delicia escucharla cantar melódico, quizás en este registro esté en su mejor momento, mientras que sus fraseos guturales siguen sonando atronadores como de costumbre.

Sin inventar nada nuevo, Kittie vuelven con todo en este nuevo disco y a recuperar un trono que nunca debieron haber perdido, ojalá que se queden por muchos años más y que este disco sirva como una especie de “Renacimiento” para las chicas ya que la banda suena mejor que nunca y creo que puede volver a dar muchas alegrías como hicieron hace dos décadas.

De vez en cuando me gusta escuchar death metal. Es un género que me agrada, especialmente en su vertiente más avant-garde y disonante, pero disfruto mucho de los clásicos en los diversos subgéneros. Lo que me sucede con los máximos exponentes -justamente- es que, a esta altura, ya no espero grandes cambios en sus propuestas, y para seguir escuchando más o menos siempre lo mismo, me quedo con los mejores trabajos de sus discografías. Por eso, cuando aparece algún nuevo proyecto que no se plantea como un tributo a las leyendas, en seguida capta mi atención, y más si están involucrados artistas de bandas que conozco y tocan otros estilos.

Umbra Vitae es el proyecto de death metal moderno liderado por Jacob Bannon de la legendaria banda de post-hardcore Converge, junto con integrantes de Hatebreed, The Red Chord y Uncle Acid. El productor es, una vez más, el prestigioso Kurt Ballou, guitarrista del mismo mítico grupo de Bannon. “Light of Death” es su segundo disco, tras el aclamado debut “Shadow of Life” (2020), y el juego de palabras entre ambos títulos resulta evidente. Otro aspecto que sobresale, tanto por la gráfica como por la lírica, es cierta temática concerniente a la preocupación por el transhumanismo, la subjetividad y los alcances de la tecnología en la vida posmoderna.

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Algunos tracks como “Leave of Absence” Y “Belief Is Obsolete” tienen una actitud bastante hardcore y, por momentos, deathcore, es la realidad, lo que no quita que el death metal se asome con nitidez en algunos riffs contundentes. La voz de Bannon, por otro lado, no tiene la guturalidad habitual en el género, lo que le otorga un rasgo distintivo a la propuesta. En “Clear Cutter” y “Anti-Spirit Machine” (que posee un solo pirotécnico de guitarra) daría la impresión de que lo más puro del género extremo en cuestión empezara a sedimentarse, incluso aproximándose a lo más melódico de Entombed, o quizás también de Carcass. Umbra Vitae suena a una entidad nacida para hacer que los cuerpos se azoten en el mosh.

“Reality In Retrograde” retorna a la sonoridad más crust, si se quiere, mientras “Past Tense” baja la velocidad e introduce climas no experimentados previamente, con cambios bastante interesantes. Así llega “Velvet Black”, mi track favorito del álbum y el que, precisamente, desafía las etiquetas a pura excelencia musical. Se trata de una canción tendiente al doom, con voz limpia, que se torna levemente rasposa en el encantador estribillo e incluye otro magistral solo de guitarra. Cabe destacar que tuvo su propio videoclip. “Twenty-Twenty Vision”, “Algorithm of Fear” y “Empty Vessel” recuperan el frenesí iracundo con ecos nítidos del death metal de la vieja escuela sueca.

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Era de esperarse alguna sorpresa más, y la encontramos en la introducción a plena guitarra acústica de “Cause & Effect”, que no tarda en explotar con una violencia a mid-tempo, con episódicas aceleraciones. A esta altura ya es obvio que estamos ante una larga lista de tracks: son quince, aunque el disco dura menos de 46 minutos. “Deep End” y “Nature vs. Nurture” agitan todo nuevamente, en especial con el fantástico solo hacia la conclusión de la segunda. Llega “Fatal Flow” y la demostración de atrocidad continúa. En un tramo, recuerda a Cannibal Corpse, aunque despliega una singular diversidad. El disco termina con una canción homónima, despiadada, de crueldad inclaudicable, que culmina a puro martillazo. No me equivoqué: vale la pena escuchar esta obra de death metal ya que no aburre en absoluto.

Thou ya es toda una institución en la escena del sludge metal. La banda oriunda de Baton Rouge, Louisiana, supo imponerse dentro del estilo, no solo a fuerza de discos demoledores, sino también de covers de leyendas como Nirvana (un álbum entero, de hecho), Neil Young o Nine Inch Nails, colaboraciones con grandes artistas y un posicionamiento ideológico explícito. “Umbilical” es su sexto álbum de estudio como grupo solo y constituye una demostración aplastante de lo pesada que puede ser su música. Teniendo esto en cuenta, debo decir que, si bien se trata de una obra excepcional, extraño un poco esos momentos melancólicos que tan bien elaboraron en otros trabajos.

La formación actual del grupo es Bryan Funck (voz), Andy Gibbs (guitarra), Matthew Thudium (guitarra y voz), K.C. Stafford (guitarra y voz), Mitch Wells (bajo y voz) y Tyler Coburn (batería). En conjunto, producen un blackened sludge metal monumental, y lo hacen con una actitud totalmente Do It Yourself, basada en extensas giras y coherente con el anarquismo que profesan, siempre en apoyo de la ampliación y defensa de los derechos civiles, en especial de los sectores sociales oprimidos.

Los álbumes en cooperación creativa forman parte de lo más brillantemente logrado en la discografía de la banda: “Myopia” (con Mizmor, 2022), “May Our Chamber Be Full” (con Emma Ruth Rundle, 2020), “Let Our Names Be Forgotten” (con Ragana, 2018) y “Released From Love/You, Whom I Always Hated” (con The Body, 2015). Hay que mencionar también los splits con The HIRS Collective (2018), Great Falls (2015), Cower (2011) y Haarp (2009), entre muchos otros. Esto da cuenta del espíritu colectivista de Thou, claramente ligado a su posicionamiento político, más allá de la estética. Mi disco favorito de estos estadounidenses es “Magus” (2018).

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Volviendo a “Umbilical”, repetiré la advertencia que ya he dado: es una apuesta a la brutalidad, no encontraremos el aspecto atmosférico que sí hallamos en otros trabajos. “Narcissist’s Prayer” es un derrumbe capturado en un loop temporal: un riff lento y saturado de distorsión y fuzz que se reitera una y otra vez, para que la tétrica voz comunique la prédica. En “Emotional Terrorist” aparece un enfoque que me resulta mucho más atractivo, aunque no tanto el estribillo, con ese grito repetitivo que, para lo que puede ser Thou, me parece un tanto simplón. “Lonely Vigil” se impone espesa, cenagosa, tan sureña como puede ser. Este álbum tiene bastantes reminiscencias de Eyehategod, y eso tampoco es lo que quiero encontrar en Thou, aunque no significa que, necesariamente, me desagrade.

“House of Ideas” trae de vuelta la versión potente más pura de la banda, aunque no le suma mucho la nueva irrupción de gritos en secuencia al estilo punk. Los riffs son siempre aplastantes. Los machaques, en particular, son trituradores. Nos encontramos ante una exhibición de total violencia. Es cierto, el sludge tiene parte de sus raíces en el hardcore, pero cuando de Thou se trata, me cautiva más su incursión en territorios naturales del black metal, con algo de su agresiva forma de venerar lo enigmático que flota en los paisajes y sus climas. El solo de guitarra que emerge hacia el final es de lo más sublime del disco hasta el momento.

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Llega “I Feel Nothing When You Cry”, acelerando el ritmo, quedando casi al borde del groove metal. “Unbidden Guest” continúa con el ataque frontal, y a ningún riff le falta gancho, eso hay que admitirlo. “I Return as Chained and Bound to You” ralentiza el avance, sin variar mucho la emotividad evocada. En “The Promise” seguimos por la misma senda, que nos transporta al riff abrumador de “Panic Stricken, I Flee”, donde, una vez más, hacia el final encontramos un poco más de melodía en la guitarra. El track que da cierre al álbum es “Siege Perilous” que, teniendo en cuenta lo que estuve diciendo acerca de mis preferencias, me parece la mejor canción del disco. En efecto, esta obra es una monstruosidad: la bestia del pantano, literalmente. Pero debo decir que también me gusta cuando en las mismas aguas turbias sobrevuelan las hadas.

A pesar de conocer casi la mitad del nuevo disco de las mexicanas The Warning, sobra decir que esperaba su lanzamiento con todas las ganas del mundo y que tenía las expectativas muy altas por ver como sonaban el resto de las canciones de las chicas, tras haberlo hecho, puedo decir sobradamente que estamos ante uno de los mejores discos de la temporada y con creces.

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El disco comienza a lo grande con el binomio “Six Feet Deep“, corte que da título al disco y la ya conocida “S!ck“, de la cual poco se puede decir que no sepáis ya, ambos con un corte bien rockero a lo Halestorm (no en vano, una de sus “Madrinas” en la industria es la señorita Lzzy Hale), donde podemos ver las intenciones muy claras de las chicas de continuar justo donde lo habían dejado con su anterior disco Error y vaya si lo consiguen.

La voz de Daniela, suena cristalina, pero con un toque de distorsión que le da ese guiño moderno a su sonido y que ya se pudo comprobar cuando las chicas estuvieron en España hace unos meses atrás.

La siguiente invitada a la fiesta es “Apologize“, uno de los cortes que aún no habíamos podido escuchar y como sucede con sus dos temas previos, el sonido es brutal, algo más “alternativo”, con una melodía vocal de Dani muy bien ejecutada, para luego sorprender con un break primero acústico oscuro y luego un scream de la rubia que reza justamente “Apologize”.

Sin duda una más que grata sorpresa que seguro funciona a las mil maravillas en la nueva gira que las chicas tienen para el ciclo de este disco.

Para la siguiente, creo que no hacen falta más adjetivos ya que nos la sabemos de memoria y es que “Qué Más Quieres“, es una de las mejores canciones, ya no solo del disco, si no de toda la carrera de The Warning hasta la fecha, simplemente fantástica y una delicia escuchar a Ale en los coros.

La batería de Pau suena contundente y directa, por eso es muy difícil quitarse esta canción de la cabeza desde la primera escucha que uno le de.

La influencia de bandas como Muse, se puede percibir en “More“, otro de los singles que ya conocíamos del disco y que pudimos disfrutar, en mi caso personal, en la visita de las chicas a Madrid, donde fue muy bien recibida y evidenció lo que yo percibía y es que esta es de las canciones que suena mejor en el vivo que en su formato de audio.

Quizás le pese mucho estar justo debajo de “Que Más Quieres”, pero aún así esta bastante bien resuelta.

Las revoluciones bajan un poco con “Escapism“, pero sin dejar de lado la intensidad, en este caso con Ale y Pau marcando el tempo de la canción desde el comienzo y Daniela derrochando su poderío vocal pero con un tono más pausado, siendo el estribillo el momento más rockero del tema, seguramente sea otro de los casos en los que haya que darle un par de escuchas hasta caer en el tema, pero la sensualidad que desprenden las tres aquí es de armas tomar.

Ale y su bajo marcan de forma notable el comienzo de “Satisfied“, mucho más potente que su predecesora y con Dani envolviéndote poquito a poco con su voz, además de un potente solo a través de sus seis cuerdas.

Las chicas, intentan combinar ese hard rock moderno con toques medio metálicos, pero sin pasarse de rosca, lo cual reafirma mis palabras escritas más arriba cuando decía que este disco comienza casi justo donde lo dejó el anterior y continúa la senda evolutiva del trio.

El lado más descarado lo sacan con “Burnout“, un tema que oxigena al disco gracias a su juguetón y particular ritmo y que sirve de contraposición a la cañera y arrolladora “Sharks“, con un riff mucho más oscuro y potente, es más con ciertas pinceladas o actitud cercana a bandas como Papa Roach o Linkin Park y Daniela escupiendo fraseos mucho más veloces que costumbre, para explotar en un estribillo que bien podría haber sido escrito en 2002 y a nadie le sorprendería, sin duda el tema que más va a sorprender al público, tanto a los asiduos a The Warning como a quienes no las hayan escuchado antes.

Parecido, pero que no nos sorprende a quienes llevamos escuchándola varios meses, llega “Hell You Called a Dream“, otro de los bombazos del disco y que sin duda dio el puntapié perfecto al mismo, cuando las chicas comenzaron a presentar el álbum y esta canción fue de las primeras que pudimos escuchar.

“Consume“, sorprende por su desafiante letra y su sonido alternativo, siendo como una especie de respuesta a los que pensaban que las chicas se ablandarían con este nuevo disco ya que su popularidad está por las nubes y están imparables, pues no Dani, Ale y Pau entregan con este tema un gran “F**k You” a la industria y puede ser un auténtico pelotazo en directo.

Y con la ya conocida “Automatic Sun“, el trío cierra de manera más que notable su nuevo disco, el cual evidentemente cumple con las expectativas que había y deja la puerta abierta hacia algunos nuevos sonidos a explorar con el siguiente disco, de momento este es desde ya uno de los discos del año y si, con este gran nuevo trabajo, The Warning van derechitas al podio del rock alternativo actual sin apenas rivales y con paso firme.

Vengo siguiendo a esta banda estadounidense desde que salió su disco debut ‘Corporeality’ en 2019. En aquel entonces, me cautivó su blackened doom metal, con una profunda melancolía que, por momentos, se tornaba especialmente intensa. Luego, tras algunos cambios de line-up, llegó un segundo álbum, “In God’s Infinite Silence” (2023) que, sin perder ese toque de oscura tristeza, apostó a incrementar la brutalidad. Y allí algo sucedió… Parece que el grupo decidió seguir el camino de la furia: cambió su logo (me gustaba más el anterior, pero el nuevo, de estilo grindcore, parece más coherente con la actual tendencia extrema del cuarteto) y grabó “It Will Hurt the Entire Time You Are Alive”, un EP con cuatro tracks del más contundente noisecore, con influencias que van desde Cult Leader hasta Full of Hell. La banda ahora está formada por Maggie Stephens (voz, letras, composición y ruido), Kevin Nolan (guitarra), Zack Van Sant (bajo) y Mike Quigley (batería).

El EP comienza con “Philadelphia”, un título que remite a la ciudad de origen del proyecto. Los riffs suenan despiadados y la batería es implacable. La voz de Stephens es rabiosa. En un tramo, el bajo suena solo, casi con reminiscencias del metal alternativo de los 90’s. “It Will Hurt” continúa con el ataque frontal, un cruel ejercicio de violencia abrumadora. El aspecto noise de esta nueva encarnación de Cathari se hace más evidente. El sonido de la guitarra me recuerda a Deftones, y como es uno de mis grupos favoritos, me encanta que eso suceda.

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El despliegue percusivo es sobresaliente. “Weight” sigue golpeando con fuerza y no carece de groove. La composición adquiere una actitud más experimental y cada elemento del conjunto aumenta su propia exposición, a la vez que se entrama con el resto de manera palpitante, con una vitalidad corrosiva. Percibo ecos del estilo de Henry Rollins. Finalmente, llega “Don’t Fear Death”, con un enfoque post-hardcore. Durante un breve lapso, mientras suena una línea de bajo excelente, emerge algo de esa inclinación más calma e introspectiva que tanto me gusta en Cathari, pero dura poco… Esta gente está muy enojada y este es un EP de pura catarsis sonora.

Rope Sect es una banda alemana de integrantes con pseudónimos que vuelve a salir de su reclusión ascética para seducirnos, una vez más, con su mezcla de goth rock y post-punk, atractiva para el público de Joy Division, Bauhaus, The Cure, Christian Death, The Smiths, Fields of the Nephilim, The Mission, y tantas otras. El cuarteto formado por Inmesher (voz, letras, guitarra y percusión), Gaarentwynder (guitarra principal), Harbinger (bajo) y Redeemer (batería), nos ofrece su tercer LP (aparte de EP y singles), tras “Personae Ingratae” (2017) y el magnífico “The Great Flood” (2020). Hace tiempo que hay un revival de este estilo, con grupos como Placebo, She Wants Revenge, Editors e Interpol, por eso es interesante encontrar más expresiones con rasgos distintivos.

Por empezar, esta suerte de filosofía que otorga un marco a la totalidad de sus obras. La idea de una secta de personas que se aíslan de una sociedad decadente y crean sus propias reglas, con la soga como un símbolo de unión y, al mismo tiempo, del suicidio en caso de sucumbir a la desesperación ante la realidad de un mundo condenado. Luego, está la voz. Es cierto, hay antecedentes de esa cualidad tan romántica en Ian Curtis, Peter Murphy y Morrissey, pero el trabajo de Inmesher es mesmerizante. Por otro lado, Rope Sect incorpora algo de “hard rock” a su fórmula, por no decir un toque de heavy metal, especialmente en algunos riffs y solos de guitarra.

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“Revel In Disguise” ya nos coloca frente a la esencia de la banda: el canto especialmente cautivante, la base rítmica precisa, con un bajo de notable presencia (fiel a los estilos en los que el grupo abreva) y guitarras que pasan de emitir melodías atrapantes, a machaques que, sin ser muy pesados, resultan certeros. “Cesspool Of Vice” baja un poco la velocidad, para acelerarla durante el estribillo. Un solo de guitarra y un adorno en la línea de bajo dan cuenta de un talento exquisito para ejecutar una propuesta muy clara: dentro del mencionado resurgimiento dark, Rope Sect hace una apuesta más apta para el mosh. En “Nefelibatas” hay tramos particularmente potentes, y las palabras flotan etéreas, con una dulzura tramposa, que captura esa ironía tan explotada de hacer que la melancolía suene bella, o que el pesimismo parezca alegre. Con “L’Appel Du Vide” la intensidad se incrementa. La música es enérgica, como si ilustrara la fuerza de gravedad que nos atrae en caída libre.

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“Mementote” tal vez sea el track con más gancho del disco (y eso es mucho decir porque son todas muy buenas canciones). No me cuesta nada imaginarme al público saltando en un concierto de la banda. Le sigue “Massenmensch”, aumentando la agitación. Abundan a lo largo de todo el álbum esos arreglos, esos “yeites” -como decimos en Argentina- tan propios del metal, pero llevados a un clima de delicado rock oscuro. “Hindsight Bias”, en contraste, se presenta levemente más calma, y da espacio para que se evidencie otra característica importante de Rope Sect: cada instrumento tiene algo que mostrar, más allá de cumplir una función concreta en un conjunto. No estamos ante el particular arte de la simpleza como encontramos en The Ramones, por dar un ejemplo. Aquí hay bastante más. Y llega el final con una canción poderosa que tiene a King Dude como invitado en la voz, haciendo una excelente colaboración, que llega a un punto cúlmine de sonoridad casi black metal.

Si Rope Sect les gusta tanto como a mí, y quieren encontrar más proyectos en este movimiento “new-retro dark”, además de las referencias en los links, recomiendo Have A Nice Life, Giles Corey,  Planning For Burial, Sprain, A Pregnant Light, Crippling Alcoholism, Roscian y Kollaps. Disfruten que la vida se termina.

Ya sabemos que Kim Gordon es famosa por ser integrante fundadora de Sonic Youth, una de las más grandes bandas de rock alternativo, que viene explorando los alcances de la vanguardia desde principios de la década de 1980. Recordemos que también estuvo casada por tres décadas con Thurston Moore (el otro gran referente de dicho grupo), y fue su separación lo que marcó el final de la banda. Eso generó las condiciones para que esta cantante, guitarrista, bajista y compositora, decidiera lanzar su carrera solista con un estilo que combina música industrial, noise rock y trip-hop, siempre con una actitud vanguardista, tanto en el sonido como en las letras. Algunas posibles comparaciones que se me ocurren para su trabajo son (siempre muy parcialmente): Laurie Anderson, Genesis P-Orridge, Lydia Lunch, Björk y St. Vincent (que también lanzó un nuevo disco este año), etc. El trabajo está editado por el legendario sello Matador Records, gran plataforma indie.

“The Collective” es su segundo disco, tras el debut con “No Home Record” (2014). El comienzo con “BYE BYE” nos introduce en una atmósfera totalmente urbana y nocturna, con recursos que nos remiten a Nine Inch Nails y Massive Attack. La guitarra sigue un enfoque ruidoso, pero con bastante gancho. “The Candy House” sigue explotando esa misma veta, siempre con la voz seductora de Gordon otorgándole a todo un tinte de feminidad empoderada. “I Don’t Miss My Mind” irrumpe con mayor corrosión. La base rítmica es acompañada por sonidos como de sierras en un taller metalúrgico. Las palabras brotan casi con una cadencia declamatoria, expresando la retórica de un existencialismo militante. Esta mujer tiene algo que decir sobre la vida en este caótico mundo actual. La fotografía de la portada, mostrando a alguien mirando a través de la pantalla de un celular tiene mucho que ver con eso.

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Hablando de militancia, “I’m A Man” nos presenta a un hombre conflictuado por sus inseguridades, en el marco de una matriz patriarcal, por su relación de pareja con una mujer “superior”, al punto de que llega a cuestionar su propia marginalidad con respecto a la masculinidad hegemónica. “Trophies” profundiza el estilo con primacía del ritmo, simple y conciso, como base para el desarrollo discursivo, pues de esto se trata, más que de canto melódico. “It’s Dark Inside” retorna la acidez y es mucho más retorcida en su composición. Lo que hace Gordon destila las emanaciones metropolitanas de costa a costa, de Los Angeles a Nueva York, captura partículas anecdóticas flotando en ese miasma contemporáneo. “Psychedelic Orgasm” tiene un estribillo encantador que irrumpe en un caos contenido, como de rush hour sofocada, con sutiles ecos que recuerdan a Aphex Twin. “Tree House” incluye una guitarra disonante y muy cambiante. Las peripecias de la percusión resultan clave para Gordon. En “Shelf Warmer” nos encontramos con otro momento en el que, si no fuera por la voz, estarían dadas todas las condiciones para un rap.

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“The Believers” tiene pasajes de particular oscuridad, y “Dream Dollar” nos lleva, a puro noise y con un pulso como de corazón gigante agitado, al final de esta oda femenina a la decadencia del sueño que empezó con el mismo nacimiento de eso llamado “America” (una idea, más que un país) y que nunca termina, constantemente camuflada con ropajes atractivos para gran parte del resto del mundo, aunque por dentro está plagada de contradicciones irresolubles y crueldades que deciden ignorarse para privilegiar lo idealizado. Un disco para escuchar cuando cae el sol y se encienden las coloridas luces artificiales que se reflejan en los cristales.

La escena del post-metal tiene exponentes que siempre serán ineludibles: Neurosis, Isis, Cult of Luna, Rosetta, Amenra, Inter Arma… Comparar a Arcem con cualquiera de estas bandas sería una obviedad. Si te gusta el género y no conocías a este grupo, te recomiendo escucharlo. Se trata de un cuarteto con base en Indiana, conformado por Babe Woodward (voz y guitarra), Dave Mckie (guitarra), Matthew Pressel (bajo) y Scott Kooima (batería). “Arrival at Grief” es su segundo álbum, un trabajo conceptual en el que cada canción representa una fase en el proceso de duelo.

“A Nascent Life Yet Again Torn from my Hands” es un comienzo potente, una de esas canciones debido a las cuales es recomendable siempre tener la precaución de no dejar el volumen de los parlantes muy alto luego de usarlos. Todo explota en el primer segundo. Se despliegan todas las características típicas del género: voz furiosa, guitarras potentes y una base rítmica versátil, en composiciones extensas con un enfoque progresivo, atravesando distintos climas, algunos tormentosos y otros más calmos. Una mezcla excepcional permite que cada instrumento brille, y está claro que Arcem es un conjunto de excelentes músicos.

En contraste con el track anterior, “The Heavenly Bodies That Revolve Around Us” empieza más pacíficamente, evocando otras emociones. El canto es melódico y la instrumentación mucho menos agresiva, suena etérea, sobrevolando una batería de despliegue virtuoso. Recién hacia la mitad de la canción todo se torna intensamente violento para luego volver a ingresar en un espacio melancólico e introspectivo, mediante texturas armónicas tejidas con trémolos.

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“Ambivalence and Lust Will Signify the Collapse” suena demasiado similar a Cult of Luna. Repito: demasiado. Más allá de la voz, los riffs de guitarra parecen, directamente, un tributo. Como fan de la banda sueca, debo decir que, si todo el disco de Arcem fuera así, estaríamos en problemas. Por suerte, no es lo que sucede. ¿Me gusta la canción? Sí, claro. Pero la sensación es un poco molesta debido a una similitud tan evidente. Afortunadamente, estos estadounidenses recuperan la senda más propia en “Every Breath, Every Footprint, Will Not Undo This Loss”, con una atmósfera diferente, más depresiva. Unas guitarras y un bajo minimalistas con mucho delay, sobre una percusión casi ritual, van generando las condiciones para la irrupción de la avalancha sonora que sabíamos se avecinaba, para luego entrar en un tramo más nostálgico. Se nota que existe gran potencial en lo que Arcem puede hacer sin necesidad de imitar a nadie.

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Toda la parte inicial de “Our Haunting Reflections in a Rose Tinted Mirror” tiene varias reminiscencias post-rock, salvo cuando la voz ataca. Creo que vale la pena volver a destacar la calidad de lo que ejecuta cada integrante de Arcem. La materia prima es increíble, sería grandioso que lograran avanzar más en la búsqueda de una propuesta distintiva. El cierre del disco es “Bearing the Torch For All Those Despondent”, que empieza con un bajo exquisito. Dije que ciertas comparaciones eran obvias y se podía prescindir de ellas, pero no puedo evitarlo. Me disculpo. Aquí me hallo ante segmentos que remiten muy fuertemente a Isis, otra banda que amo. Entonces, la cuestión es la siguiente: Arcem tiene todas influencias encantadoras, y músicos muy talentosos, ¿qué es lo único que faltaría para que su música se elevara aún más alto? Creo que la respuesta es: tomar esos valiosos puntos de referencia y hacer lo posible para honrarlos diferenciándose de ellos, como deben hacer los hijos en el proceso de construir su propia identidad para tener la oportunidad de ser felices. Como sea, es un muy buen disco.

La música es entre muchas otras cosas, una expresión cultural que tiende ha ser un fiel reflejo artístico de la perspectiva subjetiva de los artistas que la componen y de su interpretación de la realidad, “Ranchero Star’’ el más reciente release de Colores Santos es un gran ejemplo de lo antedicho, puesto que expone exquisitamente el sonido del Rock en español, pero de manera auténtica, influenciado profundamente por una mexicanidad que le da un sabor único, y que puede ser además disfrutado por cualquier persona, sin importar su nacionalidad, o lengua.

El pequeño release de la banda de rock es un acierto más en su innegable trayectoria, trayectoria que ha dado a la escena del rock en español varía cosa de qué hablar por los últimos años, y es que es conocido que Colores Santos es una banda que tiende a ser sinónimo de calidad y diversidad musical, ‘’Ranchero Star’’ no es la excepción, la obra está compuesta por 5 pistas, 3 de ellas canciones ya previamente popularizadas y aplaudidas por la audiencia, y las otras dos completamente nuevas, lo que tienen en común es el alma mexicana que caracteriza el fondo de ‘’Colores Santos’’, se trata de música de lo más agradable y digerible, que te transporta a paisajes cómodos y psicodélicos en los que sentirás vibrar el concepto de rock de rancho que ha sido usado previamente para describir el sonido de la banda.

Las tres canciones previamente publicadas son:

Capitán Palmera: Con un ritmo alegre, un sonido tropical y una letra que nos transforma por un segundo en el protagonista de la misma, es la canción que abre la obra. Ser el Capitán Palmera significa cerrar los ojos y permitirnos volar en la psicodélica música playera que esta primera pista tiene para nosotros, es un viaje sumamente agradable, ideal para recordar a través de cada instrumento y la voz, la arena y el mar. ‘’Flor del Sur (Amapola)’’: Una de las canciones más recientes del conjunto, se trata de una oda a la mexicanidad, tanto a través de los conceptos y la historia que nos cuenta, como de sus arreglos musicales, es una linda obra que refleja bien lo que mora detrás del espíritu de Colores Santos.

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Hombre Gato: Debo ser sincero respecto a esta canción, puesto que no puedo ser imparcial, se trata de mi personal favorita, no solo del álbum, sino probablemente de toda la discografía de la banda. Cuando Colores Santos habla de su capacidad de hacer poesía y con magia transformarla en música, Hombre Gato es la canción que, a través de su ritmo y emotividad, surca mi mente y se hace presente como el mejor ejemplo de esa poesía musical, se siente personal y profunda.

Las dos canciones nuevas son:

Niño Salvaje: ‘’La música no terminará’’ , un homenaje a la música y a la sensación de Eureka, a la sensibilidad artística que ha dado a tantos mexicanos la oportunidad de darle voz, forma y lienzo a el espíritu que permea las tierras que inspiran la composición musical de Colores Santos, así como el arte de muchos otros que han llegado a la serendipia. Pista emotiva y capaz de reflejar la capacidad innovativa del conjunto, es un aporte que le sienta bien a la discografía de la banda.

Ranchero Star: Esta es diferente, y le da nombre a todo el EP, con un sonido que conjunta lo moderno y lo tradicional, tintes de rock y de música latina contemporánea, nos permite asomarnos a lo que fue una de las formaciones militares más importantes y fuertes de la historia de México, particularmente durante el periodo de la revolución, la división del norte y su polémico líder, Pancho Villa. Contrasta perfectamente con Flor del Sur, puesto que este es un ritmo más desértico y seco, con un poquito más de agresividad musical y una historia más intensa, cruda. Ranchero Star, el mero Doroteo Arango, una canción diferente, pero eso sí, con la esencia clara, se siente fresca, a pesar de lo árido del desierto al que nos transporta.

“Ranchero Star”, el EP que nos demuestra la flexibilidad, capacidad de crear y exceso de talento del que goza Colores Santos, no lo dejes de escuchar, si eres de México vas a sentir una nostalgia bellísima, y si eres de fuera, seguro también, pero además, es probable que sientas una irremediable necesidad de visitar el territorio que en muchas formas es similar a el conjunto, diverso, mágico, tropical y ruidoso (deliciosamente).

Los black metaleros franceses, Seth, han editado su nuevo larga duración, el séptimo en su carrera,  titulado “La France Des Maudits” bajo el sello Season of Mist.

La formación está conformada por Saint Vincent (voz), Heimoth (guitarra), Drakhian (guitarra), EsX (bajo), Pierre Le Pape (teclado) y Alsvid (batería). 

En escena desde 1995 donde tuvieron años de silencio, sobre todo entre “Era-Decay” (2004) y “The Howling Spirit” (2013) hasta la salida de un excelente álbum editado en 2021 como fue “La Morsure Du Christ“

La agrupación retoma el camino que dejaron en su anterior lanzamiento, donde nos hablaron de la rebelión y la revolución francesa.

La France Des Maudits está compuesto por ocho canciones y cuenta con una duración de 46 minutos donde nos encontramos con un disco repleto de capas de sonidos de puro black metal melódico sin llegar sonar como Dimmu Borgir o Cradle of Filth.

El disco incluye riffs memorables que se complementan con teclados y samples orquestales que le inducen un aura de majestuosidad y épica a cada entonación. 

El registro vocal de Vincent va variando con el correr de las canciones, en ocasiones podemos escucharlo con tonos rasgados y gritos de dolor mientras que el resto de los músicos cumplen su labor con creces. Hay muchos beats que se entremezclan con medios tempos dependiendo el momento de la canción.

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La placa abre con “Paris Des Maléfices” con un black metal clásico que se caracteriza por tener una filosa melodía de guitarra que nos va dando un indicio de para donde va el álbum. 

Le sigue “Et Que Vive Le Diable!“, la misma nos sumerge en el sufrimiento de una revolución oscura. En la misma, podemos escuchar cánticos y frases a modo de himno en la lengua nativa de la banda.

“La Destruction Des Reliques” nos lleva a un punto álgido con su atmósfera oscura, construida por capas de instrumentos que se fusionan a la perfección. La canción parece llegar a su fin, pero da sus últimos coletazos para dar paso a “Dans le Cœur un Poignard“, un tema más pacífico e introspectivo, que quizás muestra un dolor aún más profundo.

“Marianne” es una pequeña pieza instrumental delicada que nos transporta a finales del siglo XVIII con un toque de modernidad propio de Seth.

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La segunda parte del álbum comienza con “Ivre Du Sang Des Saints” y nos devuelve a la brutalidad del inicio del disco. El sonido de las guitarras van construyendo excelentes melodías que cautivan al escucha mientras que”Insurrection” es una de las canciones clave del álbum ya que recoge todo lo construido hasta ahora y lo amplifica con aún más dolor.

“Le Vin Du Condamné” nos lleva al cierre de esta historia épica, concluyendo entre gritos de dolor y coros celestiales en la canción las larga del disco.

Seth demuestra una vez más que su talento compositivo está en su mejor momento creando un álbum notable y más que recomendado para todo fan del género.

Trece años dan para mucho y si no que se lo pregunten a las que un día fueron denominadas las “Reinas” del nu metal, es decir las canadienses Kittie que regresan con su séptimo disco de estudio Fire de la mano de Sumerian Records y tras trece años desde su último disco I’ve Failed You, para demostrar que aún tienen mucho que aportar en la escena metalera moderna.

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Hay que decir que los adelantos previos a la salida del álbum (“We Are Shadows”, “One Foot in the Grave”, “Eyes Wide Open”) ya daban una muestra muy concreta de lo que estas chicas se traían entre manos con este regreso y todo apuntaba a que volvían por todo lo alto.

Tras haber escuchado el disco en repetidas ocasiones, la respuesta es SI, Kittie vuelven con el que seguramente sea su mejor trabajo en más de tres lustros y que justifica todo el revuelo causado con su regreso.

Por supuesto que no inventan nada nuevo, pero en un terreno donde antaño supieron reinar, Mercedes, Morgan y compañía vuelven a demostrar su impecable y abrasador sonido que tanto ha influenciado a las generaciones de bandas posteriores con presencia femenina que tanto triunfan en estos días, véase Infected Rain o Jinjer, entre otras.

Un tema que ilustra a la perfección lo que digo es “I Still Wear This Crown”, con un sonido limpio pero sin perder la brutalidad que las caracteriza y una Morgan tremenda en el aspecto vocal, tanto en las partes agresivas como en las melódicas.

“Falter”, es otra prueba de que Kittie han sabido evolucionar durante todos estos años, para volver cual ave fénix, con las mismas fuerzas que en sus días dorados e incluso, me atrevería a decir que musicalmente mejor que antaño.

“Vultures” o la pesada “Grime”, nos muestran el toque groove de las canadienses y como Morgan no ha perdido ni un ápice de calidad en su voz, siendo una delicia escucharla cantar melódico, quizás en este registro esté en su mejor momento, mientras que sus fraseos guturales siguen sonando atronadores como de costumbre.

Sin inventar nada nuevo, Kittie vuelven con todo en este nuevo disco y a recuperar un trono que nunca debieron haber perdido, ojalá que se queden por muchos años más y que este disco sirva como una especie de “Renacimiento” para las chicas ya que la banda suena mejor que nunca y creo que puede volver a dar muchas alegrías como hicieron hace dos décadas.

De vez en cuando me gusta escuchar death metal. Es un género que me agrada, especialmente en su vertiente más avant-garde y disonante, pero disfruto mucho de los clásicos en los diversos subgéneros. Lo que me sucede con los máximos exponentes -justamente- es que, a esta altura, ya no espero grandes cambios en sus propuestas, y para seguir escuchando más o menos siempre lo mismo, me quedo con los mejores trabajos de sus discografías. Por eso, cuando aparece algún nuevo proyecto que no se plantea como un tributo a las leyendas, en seguida capta mi atención, y más si están involucrados artistas de bandas que conozco y tocan otros estilos.

Umbra Vitae es el proyecto de death metal moderno liderado por Jacob Bannon de la legendaria banda de post-hardcore Converge, junto con integrantes de Hatebreed, The Red Chord y Uncle Acid. El productor es, una vez más, el prestigioso Kurt Ballou, guitarrista del mismo mítico grupo de Bannon. “Light of Death” es su segundo disco, tras el aclamado debut “Shadow of Life” (2020), y el juego de palabras entre ambos títulos resulta evidente. Otro aspecto que sobresale, tanto por la gráfica como por la lírica, es cierta temática concerniente a la preocupación por el transhumanismo, la subjetividad y los alcances de la tecnología en la vida posmoderna.

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Algunos tracks como “Leave of Absence” Y “Belief Is Obsolete” tienen una actitud bastante hardcore y, por momentos, deathcore, es la realidad, lo que no quita que el death metal se asome con nitidez en algunos riffs contundentes. La voz de Bannon, por otro lado, no tiene la guturalidad habitual en el género, lo que le otorga un rasgo distintivo a la propuesta. En “Clear Cutter” y “Anti-Spirit Machine” (que posee un solo pirotécnico de guitarra) daría la impresión de que lo más puro del género extremo en cuestión empezara a sedimentarse, incluso aproximándose a lo más melódico de Entombed, o quizás también de Carcass. Umbra Vitae suena a una entidad nacida para hacer que los cuerpos se azoten en el mosh.

“Reality In Retrograde” retorna a la sonoridad más crust, si se quiere, mientras “Past Tense” baja la velocidad e introduce climas no experimentados previamente, con cambios bastante interesantes. Así llega “Velvet Black”, mi track favorito del álbum y el que, precisamente, desafía las etiquetas a pura excelencia musical. Se trata de una canción tendiente al doom, con voz limpia, que se torna levemente rasposa en el encantador estribillo e incluye otro magistral solo de guitarra. Cabe destacar que tuvo su propio videoclip. “Twenty-Twenty Vision”, “Algorithm of Fear” y “Empty Vessel” recuperan el frenesí iracundo con ecos nítidos del death metal de la vieja escuela sueca.

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Era de esperarse alguna sorpresa más, y la encontramos en la introducción a plena guitarra acústica de “Cause & Effect”, que no tarda en explotar con una violencia a mid-tempo, con episódicas aceleraciones. A esta altura ya es obvio que estamos ante una larga lista de tracks: son quince, aunque el disco dura menos de 46 minutos. “Deep End” y “Nature vs. Nurture” agitan todo nuevamente, en especial con el fantástico solo hacia la conclusión de la segunda. Llega “Fatal Flow” y la demostración de atrocidad continúa. En un tramo, recuerda a Cannibal Corpse, aunque despliega una singular diversidad. El disco termina con una canción homónima, despiadada, de crueldad inclaudicable, que culmina a puro martillazo. No me equivoqué: vale la pena escuchar esta obra de death metal ya que no aburre en absoluto.

Thou ya es toda una institución en la escena del sludge metal. La banda oriunda de Baton Rouge, Louisiana, supo imponerse dentro del estilo, no solo a fuerza de discos demoledores, sino también de covers de leyendas como Nirvana (un álbum entero, de hecho), Neil Young o Nine Inch Nails, colaboraciones con grandes artistas y un posicionamiento ideológico explícito. “Umbilical” es su sexto álbum de estudio como grupo solo y constituye una demostración aplastante de lo pesada que puede ser su música. Teniendo esto en cuenta, debo decir que, si bien se trata de una obra excepcional, extraño un poco esos momentos melancólicos que tan bien elaboraron en otros trabajos.

La formación actual del grupo es Bryan Funck (voz), Andy Gibbs (guitarra), Matthew Thudium (guitarra y voz), K.C. Stafford (guitarra y voz), Mitch Wells (bajo y voz) y Tyler Coburn (batería). En conjunto, producen un blackened sludge metal monumental, y lo hacen con una actitud totalmente Do It Yourself, basada en extensas giras y coherente con el anarquismo que profesan, siempre en apoyo de la ampliación y defensa de los derechos civiles, en especial de los sectores sociales oprimidos.

Los álbumes en cooperación creativa forman parte de lo más brillantemente logrado en la discografía de la banda: “Myopia” (con Mizmor, 2022), “May Our Chamber Be Full” (con Emma Ruth Rundle, 2020), “Let Our Names Be Forgotten” (con Ragana, 2018) y “Released From Love/You, Whom I Always Hated” (con The Body, 2015). Hay que mencionar también los splits con The HIRS Collective (2018), Great Falls (2015), Cower (2011) y Haarp (2009), entre muchos otros. Esto da cuenta del espíritu colectivista de Thou, claramente ligado a su posicionamiento político, más allá de la estética. Mi disco favorito de estos estadounidenses es “Magus” (2018).

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Volviendo a “Umbilical”, repetiré la advertencia que ya he dado: es una apuesta a la brutalidad, no encontraremos el aspecto atmosférico que sí hallamos en otros trabajos. “Narcissist’s Prayer” es un derrumbe capturado en un loop temporal: un riff lento y saturado de distorsión y fuzz que se reitera una y otra vez, para que la tétrica voz comunique la prédica. En “Emotional Terrorist” aparece un enfoque que me resulta mucho más atractivo, aunque no tanto el estribillo, con ese grito repetitivo que, para lo que puede ser Thou, me parece un tanto simplón. “Lonely Vigil” se impone espesa, cenagosa, tan sureña como puede ser. Este álbum tiene bastantes reminiscencias de Eyehategod, y eso tampoco es lo que quiero encontrar en Thou, aunque no significa que, necesariamente, me desagrade.

“House of Ideas” trae de vuelta la versión potente más pura de la banda, aunque no le suma mucho la nueva irrupción de gritos en secuencia al estilo punk. Los riffs son siempre aplastantes. Los machaques, en particular, son trituradores. Nos encontramos ante una exhibición de total violencia. Es cierto, el sludge tiene parte de sus raíces en el hardcore, pero cuando de Thou se trata, me cautiva más su incursión en territorios naturales del black metal, con algo de su agresiva forma de venerar lo enigmático que flota en los paisajes y sus climas. El solo de guitarra que emerge hacia el final es de lo más sublime del disco hasta el momento.

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Llega “I Feel Nothing When You Cry”, acelerando el ritmo, quedando casi al borde del groove metal. “Unbidden Guest” continúa con el ataque frontal, y a ningún riff le falta gancho, eso hay que admitirlo. “I Return as Chained and Bound to You” ralentiza el avance, sin variar mucho la emotividad evocada. En “The Promise” seguimos por la misma senda, que nos transporta al riff abrumador de “Panic Stricken, I Flee”, donde, una vez más, hacia el final encontramos un poco más de melodía en la guitarra. El track que da cierre al álbum es “Siege Perilous” que, teniendo en cuenta lo que estuve diciendo acerca de mis preferencias, me parece la mejor canción del disco. En efecto, esta obra es una monstruosidad: la bestia del pantano, literalmente. Pero debo decir que también me gusta cuando en las mismas aguas turbias sobrevuelan las hadas.

A pesar de conocer casi la mitad del nuevo disco de las mexicanas The Warning, sobra decir que esperaba su lanzamiento con todas las ganas del mundo y que tenía las expectativas muy altas por ver como sonaban el resto de las canciones de las chicas, tras haberlo hecho, puedo decir sobradamente que estamos ante uno de los mejores discos de la temporada y con creces.

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El disco comienza a lo grande con el binomio “Six Feet Deep“, corte que da título al disco y la ya conocida “S!ck“, de la cual poco se puede decir que no sepáis ya, ambos con un corte bien rockero a lo Halestorm (no en vano, una de sus “Madrinas” en la industria es la señorita Lzzy Hale), donde podemos ver las intenciones muy claras de las chicas de continuar justo donde lo habían dejado con su anterior disco Error y vaya si lo consiguen.

La voz de Daniela, suena cristalina, pero con un toque de distorsión que le da ese guiño moderno a su sonido y que ya se pudo comprobar cuando las chicas estuvieron en España hace unos meses atrás.

La siguiente invitada a la fiesta es “Apologize“, uno de los cortes que aún no habíamos podido escuchar y como sucede con sus dos temas previos, el sonido es brutal, algo más “alternativo”, con una melodía vocal de Dani muy bien ejecutada, para luego sorprender con un break primero acústico oscuro y luego un scream de la rubia que reza justamente “Apologize”.

Sin duda una más que grata sorpresa que seguro funciona a las mil maravillas en la nueva gira que las chicas tienen para el ciclo de este disco.

Para la siguiente, creo que no hacen falta más adjetivos ya que nos la sabemos de memoria y es que “Qué Más Quieres“, es una de las mejores canciones, ya no solo del disco, si no de toda la carrera de The Warning hasta la fecha, simplemente fantástica y una delicia escuchar a Ale en los coros.

La batería de Pau suena contundente y directa, por eso es muy difícil quitarse esta canción de la cabeza desde la primera escucha que uno le de.

La influencia de bandas como Muse, se puede percibir en “More“, otro de los singles que ya conocíamos del disco y que pudimos disfrutar, en mi caso personal, en la visita de las chicas a Madrid, donde fue muy bien recibida y evidenció lo que yo percibía y es que esta es de las canciones que suena mejor en el vivo que en su formato de audio.

Quizás le pese mucho estar justo debajo de “Que Más Quieres”, pero aún así esta bastante bien resuelta.

Las revoluciones bajan un poco con “Escapism“, pero sin dejar de lado la intensidad, en este caso con Ale y Pau marcando el tempo de la canción desde el comienzo y Daniela derrochando su poderío vocal pero con un tono más pausado, siendo el estribillo el momento más rockero del tema, seguramente sea otro de los casos en los que haya que darle un par de escuchas hasta caer en el tema, pero la sensualidad que desprenden las tres aquí es de armas tomar.

Ale y su bajo marcan de forma notable el comienzo de “Satisfied“, mucho más potente que su predecesora y con Dani envolviéndote poquito a poco con su voz, además de un potente solo a través de sus seis cuerdas.

Las chicas, intentan combinar ese hard rock moderno con toques medio metálicos, pero sin pasarse de rosca, lo cual reafirma mis palabras escritas más arriba cuando decía que este disco comienza casi justo donde lo dejó el anterior y continúa la senda evolutiva del trio.

El lado más descarado lo sacan con “Burnout“, un tema que oxigena al disco gracias a su juguetón y particular ritmo y que sirve de contraposición a la cañera y arrolladora “Sharks“, con un riff mucho más oscuro y potente, es más con ciertas pinceladas o actitud cercana a bandas como Papa Roach o Linkin Park y Daniela escupiendo fraseos mucho más veloces que costumbre, para explotar en un estribillo que bien podría haber sido escrito en 2002 y a nadie le sorprendería, sin duda el tema que más va a sorprender al público, tanto a los asiduos a The Warning como a quienes no las hayan escuchado antes.

Parecido, pero que no nos sorprende a quienes llevamos escuchándola varios meses, llega “Hell You Called a Dream“, otro de los bombazos del disco y que sin duda dio el puntapié perfecto al mismo, cuando las chicas comenzaron a presentar el álbum y esta canción fue de las primeras que pudimos escuchar.

“Consume“, sorprende por su desafiante letra y su sonido alternativo, siendo como una especie de respuesta a los que pensaban que las chicas se ablandarían con este nuevo disco ya que su popularidad está por las nubes y están imparables, pues no Dani, Ale y Pau entregan con este tema un gran “F**k You” a la industria y puede ser un auténtico pelotazo en directo.

Y con la ya conocida “Automatic Sun“, el trío cierra de manera más que notable su nuevo disco, el cual evidentemente cumple con las expectativas que había y deja la puerta abierta hacia algunos nuevos sonidos a explorar con el siguiente disco, de momento este es desde ya uno de los discos del año y si, con este gran nuevo trabajo, The Warning van derechitas al podio del rock alternativo actual sin apenas rivales y con paso firme.

Vengo siguiendo a esta banda estadounidense desde que salió su disco debut ‘Corporeality’ en 2019. En aquel entonces, me cautivó su blackened doom metal, con una profunda melancolía que, por momentos, se tornaba especialmente intensa. Luego, tras algunos cambios de line-up, llegó un segundo álbum, “In God’s Infinite Silence” (2023) que, sin perder ese toque de oscura tristeza, apostó a incrementar la brutalidad. Y allí algo sucedió… Parece que el grupo decidió seguir el camino de la furia: cambió su logo (me gustaba más el anterior, pero el nuevo, de estilo grindcore, parece más coherente con la actual tendencia extrema del cuarteto) y grabó “It Will Hurt the Entire Time You Are Alive”, un EP con cuatro tracks del más contundente noisecore, con influencias que van desde Cult Leader hasta Full of Hell. La banda ahora está formada por Maggie Stephens (voz, letras, composición y ruido), Kevin Nolan (guitarra), Zack Van Sant (bajo) y Mike Quigley (batería).

El EP comienza con “Philadelphia”, un título que remite a la ciudad de origen del proyecto. Los riffs suenan despiadados y la batería es implacable. La voz de Stephens es rabiosa. En un tramo, el bajo suena solo, casi con reminiscencias del metal alternativo de los 90’s. “It Will Hurt” continúa con el ataque frontal, un cruel ejercicio de violencia abrumadora. El aspecto noise de esta nueva encarnación de Cathari se hace más evidente. El sonido de la guitarra me recuerda a Deftones, y como es uno de mis grupos favoritos, me encanta que eso suceda.

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El despliegue percusivo es sobresaliente. “Weight” sigue golpeando con fuerza y no carece de groove. La composición adquiere una actitud más experimental y cada elemento del conjunto aumenta su propia exposición, a la vez que se entrama con el resto de manera palpitante, con una vitalidad corrosiva. Percibo ecos del estilo de Henry Rollins. Finalmente, llega “Don’t Fear Death”, con un enfoque post-hardcore. Durante un breve lapso, mientras suena una línea de bajo excelente, emerge algo de esa inclinación más calma e introspectiva que tanto me gusta en Cathari, pero dura poco… Esta gente está muy enojada y este es un EP de pura catarsis sonora.

Rope Sect es una banda alemana de integrantes con pseudónimos que vuelve a salir de su reclusión ascética para seducirnos, una vez más, con su mezcla de goth rock y post-punk, atractiva para el público de Joy Division, Bauhaus, The Cure, Christian Death, The Smiths, Fields of the Nephilim, The Mission, y tantas otras. El cuarteto formado por Inmesher (voz, letras, guitarra y percusión), Gaarentwynder (guitarra principal), Harbinger (bajo) y Redeemer (batería), nos ofrece su tercer LP (aparte de EP y singles), tras “Personae Ingratae” (2017) y el magnífico “The Great Flood” (2020). Hace tiempo que hay un revival de este estilo, con grupos como Placebo, She Wants Revenge, Editors e Interpol, por eso es interesante encontrar más expresiones con rasgos distintivos.

Por empezar, esta suerte de filosofía que otorga un marco a la totalidad de sus obras. La idea de una secta de personas que se aíslan de una sociedad decadente y crean sus propias reglas, con la soga como un símbolo de unión y, al mismo tiempo, del suicidio en caso de sucumbir a la desesperación ante la realidad de un mundo condenado. Luego, está la voz. Es cierto, hay antecedentes de esa cualidad tan romántica en Ian Curtis, Peter Murphy y Morrissey, pero el trabajo de Inmesher es mesmerizante. Por otro lado, Rope Sect incorpora algo de “hard rock” a su fórmula, por no decir un toque de heavy metal, especialmente en algunos riffs y solos de guitarra.

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“Revel In Disguise” ya nos coloca frente a la esencia de la banda: el canto especialmente cautivante, la base rítmica precisa, con un bajo de notable presencia (fiel a los estilos en los que el grupo abreva) y guitarras que pasan de emitir melodías atrapantes, a machaques que, sin ser muy pesados, resultan certeros. “Cesspool Of Vice” baja un poco la velocidad, para acelerarla durante el estribillo. Un solo de guitarra y un adorno en la línea de bajo dan cuenta de un talento exquisito para ejecutar una propuesta muy clara: dentro del mencionado resurgimiento dark, Rope Sect hace una apuesta más apta para el mosh. En “Nefelibatas” hay tramos particularmente potentes, y las palabras flotan etéreas, con una dulzura tramposa, que captura esa ironía tan explotada de hacer que la melancolía suene bella, o que el pesimismo parezca alegre. Con “L’Appel Du Vide” la intensidad se incrementa. La música es enérgica, como si ilustrara la fuerza de gravedad que nos atrae en caída libre.

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“Mementote” tal vez sea el track con más gancho del disco (y eso es mucho decir porque son todas muy buenas canciones). No me cuesta nada imaginarme al público saltando en un concierto de la banda. Le sigue “Massenmensch”, aumentando la agitación. Abundan a lo largo de todo el álbum esos arreglos, esos “yeites” -como decimos en Argentina- tan propios del metal, pero llevados a un clima de delicado rock oscuro. “Hindsight Bias”, en contraste, se presenta levemente más calma, y da espacio para que se evidencie otra característica importante de Rope Sect: cada instrumento tiene algo que mostrar, más allá de cumplir una función concreta en un conjunto. No estamos ante el particular arte de la simpleza como encontramos en The Ramones, por dar un ejemplo. Aquí hay bastante más. Y llega el final con una canción poderosa que tiene a King Dude como invitado en la voz, haciendo una excelente colaboración, que llega a un punto cúlmine de sonoridad casi black metal.

Si Rope Sect les gusta tanto como a mí, y quieren encontrar más proyectos en este movimiento “new-retro dark”, además de las referencias en los links, recomiendo Have A Nice Life, Giles Corey,  Planning For Burial, Sprain, A Pregnant Light, Crippling Alcoholism, Roscian y Kollaps. Disfruten que la vida se termina.

Ya sabemos que Kim Gordon es famosa por ser integrante fundadora de Sonic Youth, una de las más grandes bandas de rock alternativo, que viene explorando los alcances de la vanguardia desde principios de la década de 1980. Recordemos que también estuvo casada por tres décadas con Thurston Moore (el otro gran referente de dicho grupo), y fue su separación lo que marcó el final de la banda. Eso generó las condiciones para que esta cantante, guitarrista, bajista y compositora, decidiera lanzar su carrera solista con un estilo que combina música industrial, noise rock y trip-hop, siempre con una actitud vanguardista, tanto en el sonido como en las letras. Algunas posibles comparaciones que se me ocurren para su trabajo son (siempre muy parcialmente): Laurie Anderson, Genesis P-Orridge, Lydia Lunch, Björk y St. Vincent (que también lanzó un nuevo disco este año), etc. El trabajo está editado por el legendario sello Matador Records, gran plataforma indie.

“The Collective” es su segundo disco, tras el debut con “No Home Record” (2014). El comienzo con “BYE BYE” nos introduce en una atmósfera totalmente urbana y nocturna, con recursos que nos remiten a Nine Inch Nails y Massive Attack. La guitarra sigue un enfoque ruidoso, pero con bastante gancho. “The Candy House” sigue explotando esa misma veta, siempre con la voz seductora de Gordon otorgándole a todo un tinte de feminidad empoderada. “I Don’t Miss My Mind” irrumpe con mayor corrosión. La base rítmica es acompañada por sonidos como de sierras en un taller metalúrgico. Las palabras brotan casi con una cadencia declamatoria, expresando la retórica de un existencialismo militante. Esta mujer tiene algo que decir sobre la vida en este caótico mundo actual. La fotografía de la portada, mostrando a alguien mirando a través de la pantalla de un celular tiene mucho que ver con eso.

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Hablando de militancia, “I’m A Man” nos presenta a un hombre conflictuado por sus inseguridades, en el marco de una matriz patriarcal, por su relación de pareja con una mujer “superior”, al punto de que llega a cuestionar su propia marginalidad con respecto a la masculinidad hegemónica. “Trophies” profundiza el estilo con primacía del ritmo, simple y conciso, como base para el desarrollo discursivo, pues de esto se trata, más que de canto melódico. “It’s Dark Inside” retorna la acidez y es mucho más retorcida en su composición. Lo que hace Gordon destila las emanaciones metropolitanas de costa a costa, de Los Angeles a Nueva York, captura partículas anecdóticas flotando en ese miasma contemporáneo. “Psychedelic Orgasm” tiene un estribillo encantador que irrumpe en un caos contenido, como de rush hour sofocada, con sutiles ecos que recuerdan a Aphex Twin. “Tree House” incluye una guitarra disonante y muy cambiante. Las peripecias de la percusión resultan clave para Gordon. En “Shelf Warmer” nos encontramos con otro momento en el que, si no fuera por la voz, estarían dadas todas las condiciones para un rap.

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“The Believers” tiene pasajes de particular oscuridad, y “Dream Dollar” nos lleva, a puro noise y con un pulso como de corazón gigante agitado, al final de esta oda femenina a la decadencia del sueño que empezó con el mismo nacimiento de eso llamado “America” (una idea, más que un país) y que nunca termina, constantemente camuflada con ropajes atractivos para gran parte del resto del mundo, aunque por dentro está plagada de contradicciones irresolubles y crueldades que deciden ignorarse para privilegiar lo idealizado. Un disco para escuchar cuando cae el sol y se encienden las coloridas luces artificiales que se reflejan en los cristales.