“As Spoken” es el tercer disco de Knoll, esta banda de “funeral grindcore” oriunda de Tennessee. Este joven quinteto tiene una notable actitud vanguardista que lo aleja de todo abuso del género que ejecutan, a diferencia de cada vez más grupos que se colocan al borde de la excusa para producir ruidos carentes de sentido más allá de sus ingenuas intenciones. La música de Knoll incorpora influencias del black metal, el noise-rock y, ocasionalmente, una instrumentación ampliada, incorporando, por ejemplo, la trompeta. El hecho de que hayan sido convocados para tocar en el Roadburn Festival de 2021 es un claro indicador de que no son, simplemente, una banda de grindcore más. Algunas comparaciones que pueden servir de referencias son Fawn Limbs y Theories.

El primer track, homónimo al disco, empieza sin rodeos, con un golpe frontal y directo. Sobra decir que la batería es brutal, acribillando a puro blast beat, La voz suena siempre rabiosa, un poco más aguda que lo habitual dentro del estilo en cuestión. Las guitarras oscilan entre los machaques despiadados y el trémolo riffing más ominoso, pasando por esas secuencias frenéticas que suben y bajan por el diapasón como si la mano fuera una rata atrapada en una jaula.

“Offering” ralentiza el ritmo y le permite al bajo adquirir mayor notoriedad. Las regulares aceleraciones y desaceleraciones son la norma para Knoll: su grindcore no es para nada una mera sucesión de breves ráfagas compiladas en un álbum de quince minutos, los cambios dentro de cada canción dan la pauta de una búsqueda compositiva distinta. El mismo deseo de tener una posición disidente se revela en la gráfica que nada tiene que ver con lo “gore” o la violencia, sino con una imaginería ambigua, referente al Southern Gothic propio de la cultura de su zona de origen, todo en blanco y negro. “Wept Offering” se presenta con tramos prácticamente sludge. “Revile of Light” es el track más extenso, superando los seis minutos, por lo que era esperable un despliegue de recursos prominente, ingresando la trompeta y diversos momentos muy diferenciables entre sí. La viscosa oscuridad reinante permite sobresalir a la implacable percusión y al trabajo vocal completamente desquiciado. Hasta podría decirse que existen lapsos atmosféricos, en particular hacia el final.

El riff inicial de “Mereward” tiene bastante groove, intercalado con compases de esa ya mencionada exploración climática, que puedan alcanzar los puros acoples saturados de reverberación. A continuación, “Guardian Bind” avanza en la senda ya trazada con énfasis y lleva hacia “Unto Viewing”, donde encontramos líneas de guitarra que incrementan la heterogeneidad demostrada hasta este punto. Que no se pretendan paisajes emocionales: todo lo que ofrece Knoll es furia y desesperación vertiginosa. “Portrait” tiene un comienzo especialmente siniestro, denso y lento. Si bien todo se agita en determinados segmentos, la pieza es, en general, de una maldad sigilosa.

“Utterance” vuelve a exhibir la inclinación hacia una construcción sonora empujando los límites de la musicalidad, con un enfoque minimalista y tensamente calmo, totalmente ajeno al metal, que nos transporta, fugazmente, a otro espacio. “Fettered Oath” marca el retorno del cruel frenesí que culmina con “Shall It Be”, incluyendo un tremendo breakdown; una conclusión digna de un excelente álbum para cualquier amante de la música más extrema.

Los vitorianos Nulled llegan este año con su nuevo disco The Traitor, donde pretenden poner la escena del País Vasco en el punto de mira del metalcore y el hardcore actual.

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El disco cuenta con 10 temas cargados de brutalidad sonora y riffs explosivos, con las miras puestas en el hardcore y el metalcore actual.

Tras la intro “65432”, pasamos rápidamente a “Dreams”, Un potente corte marcado por ese riff inicial que te empieza a dejar claro que estos chicos vienen a por todas con este nuevo trabajo.

Pero mejor aún es “Embracing the Darkness”, una patada en el estómago con Alex destrozándonos los tímpanos con sus guturales y con unos “breaks” muy en la onda de bandas como August Burns Red o Bury Tomorrow, muy potentes y que si sois afines a este tipo de bandas sabréis apreciar a la primera.

El binomio “Pt.1 Love” y “Pt.2 Rage”, nos muestran las diferentes maneras de plasmar el sonido que tienen Nulled, con varios registros y detalles a analizar con cada escucha que le vayas dando a ambas piezas.

Quizás uno de los mejores temas del disco llega con el que le da nombre al mismo y que pudimos escuchar hace unas semanas, con una intro medio oscura y electrónica, la canción deja paso a unos guturales tremendos y una base que no te da respiro casi desde el comienzo y que por sonoridad podría llegar a recordar en algunos momentos a Betraying The Martyrs o incluso a algunos pasajes accesibles de Bleeding Through o Winds of Plague.

Para mi de lo mejorcito del disco con diferencia y que evidencian que aún hay mucho que contar en este estilo y que con bandas como Nulled el presente y futuro del género está asegurado.

“Mind Ruler”, cuenta con la colaboración del señor Diego, vocalista de Teksuo y bueno que decir cuando este chico colabora en alguna canción, le da un toque extra de calidad y pone casi el cierre de oro al álbum, las voces de Alex y Diego empastan muy bien juntas, y la base es absolutamente abrumadora con unas guitarras afiladísimas que poco tienen que envidiarles a compañeros de profesión extranjeros.

El disco está muy bien a nivel de producción y demuestra el gran salto de madurez compositiva que han dado estos chicos, con clara intención de evolucionar dentro de su sonido y aunque es pronto para afirmarlo con rotundidad, cuidado porque estamos ante uno de los mejores discos de la temporada y no me extrañaría si mucha gente acaba dándome la razón cuando llegue diciembre.

Los metaleros modernos suecos Dead By April vuelven este 2024 con su nuevo y flamante trabajo The Affliction, para demostrarnos que su melódico y potente sonido sigue teniendo la misma vigencia que antaño.

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En este nuevo disco podremos ver al señor Pontus Hjelm como cantante “clean” principal y a Christopher Kirstensen como screamer principal sustituyendo a Jimmie Strimell, pero poco importa cuando las canciones nuevas de DBA siguen sonando igual de poderosas que sus clásicos de su discografía.

El disco se abre con “Swarm Mode” y ya podemos respirar tranquilos porque el sonido de DBA sigue impecable y combinando esa base de metal/metalcore con los estribillos limpios cristalinos que siempre han tenido y con los cuales nos han conquistado a muchos durante más de tres lustros.

Los primeros invitados tardan poquito en dejarse ver y es que en el tercer corte “Outcome”, la banda sueca cuenta con la ayuda de sus amigos Smash Into Pieces, en un dueto fantástico donde la influencia de bandas como Linkin Park es más que palpable y que podría ser un tema de Blind Channel o From Ashes To New, perfectamente (algo lógico al ser dos bandas afines al sonido de DBA).

Pero esto recién empieza y con “Hurricane” tenemos el segundo bombazo seguido del disco y que nos recuerda a la primera época de la banda con ese pop metalcore pegadizo y fresco que seguro en directo suena aún mejor.

El binomio de singles “Heartbeat Failing” y “Break My Fall”, ya los conocemos de sobra y nos pueden traer ciertas reminiscencias a bandas como Amaranthe y la última etapa de Sonic Syndicate, entendiendo porque la banda los eligió para promocionar este nuevo trabajo ya que son dos pelotazos de metal pop core absolutamente irresistibles.

En el tema de los vocalistas, hay que decir que DBA eligieron muy bien las colaboraciones y es que un tema como “Wasteland” junto a The Day We Left Earth es de lo mejorcito del disco sin duda y pone los pelos de punta cuando Pontus canta las partes limpias, es tremendo que más de una década después este muchacho siga cantando y este mejor que nunca a nivel vocal, aunque muchos sigan pidiendo la vuelta de Zandro Santiago, creo que con los dos últimos discos han demostrado que su puesto está más que cubierto.

El lado más alternativo viene de la mano de “Dreamlike”, un corte que nos puede recordar un poquito a lo que hacen compañeros suyos como Blind Channel y que seguro suena aún más poderoso en el directo y le aporta ese toque actual al disco, con bases sampleadas y electrónicas.

Quizás lo único que podría restarle algún punto es que 14 tracks igual es un poquito mucho para un disco, porque al final los 54 minutos de duración que tiene el disco se te pueden hacer un pelín largos si no eres afín a este estilo, pero es un dato prácticamente anecdótico que no empaña para nada este regreso más que notable para Dead By April y que esperemos podamos verlos en las salas de nuestro país tras su arrollador paso por el Resurrection Fest el verano pasado.

Los cordobeses Viva Belgrado son algo especial, creo que para cualquiera que haya escuchado un disco suyo, esta banda le ha marcado de una u otra forma en su vida diaria y es que la manera que tienen de transmitir sentimientos ya sea con canciones furiosas e intensas como otras mucho más hermosas e intimistas, lo tienen muy pocas bandas alternativas en este país y esto es así, Viva Belgrado son prácticamente únicos en su especie.

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En estas doce nuevas composiciones, la banda ha seguido el camino del crecimiento lógico que tenían discos como Bellavista o Ulises, dos obras simplemente exquisitas y que aún hoy si las escuchas descubrirás algún matiz nuevo que se te había pasado por alto anteriormente.

Por eso, aunque en el anterior disco (Bellavista) había algunas influencias que tomaron y con las que pillaron a la gente un pelín descolocada, en este trabajo todo está mucho más asentado y la gente ha recibido con naturalidad e ilusión canciones como “Jupiter and Beyond the Infinite”, donde cuentan con la colaboración del artista Erik Urano, conocido en la escena trap y urbana nacional marcándose unos fraseados rapeados en medio de una atmósfera sonora cristalina y que lejos de parecer postiza, es totalmente disfrutable.

Lo mismo que nos pasó cuando escuchamos, el que ya es uno de los mejores temas alternativos del año como es la hermosa y delicada “Elena Observando la Osa Mayor”, donde pese a la ausencia de guitarras, lo compensan con una letra absolutamente preciosa y auténtica, dando como resultado otra perla en la discografía de la banda.

Otro punto a favor de estos chicos es la gran visión que tienen a la hora de escribir sus canciones y es que a pesar de usar ciertas metáforas a veces, es fácil identificarse con sus letras ya que cuentan historias de las que saben hablar o que quizás hayan sido protagonistas, en lugar de perderse en un mar de ideas “ficticias”, Viva Belgrado nos abren siempre las puertas a sus entrañas y creo que por eso han llegado donde están hoy y la gente sigue emocionándose cuando se lanza un nuevo disco del grupo.

Fijémonos en “Gemini” y esa frase tan demoledora como cierta “…Mi mayor enemigo es Mi reflejo”, de verdad hace falta decir más, yo creo que no, que con esto demuestran la crudeza que tienen a veces y con la facilidad que te la plasman en una canción.

Lo mismo ocurre con “Perfect Blue”, de mis canciones favoritas del disco y que pone en evidencia que a veces no hace falta litros de distorsión para sonar mejor y que se puede hacer un tema accesible pero con clase y esto último Viva Belgrado la tienen de sobra.

Una vez más Viva Belgrado, vuelven a posicionarse cuatro pasos por delante de cualquiera que se precie dentro de la escena nacional en su órbita, demostrando que saben empezar un disco y terminarlo sin perder la cohesión entre las canciones y que las historias sean bien narradas y calen hondo dentro de tu interior, en eso los cordobeses son los absolutos maestros en este país y que sigan siéndolo por muchos años más porque Viva Belgrado como se dice hoy en día “Son todo lo que está bien”.

A estas alturas de la película, está claro que cada paso dado por Mägo de Öz, no es que vaya a ser mirado con lupa, si no que quieras o no va a traer debate y es que los madrileños viven en la cresta de la ola desde hace más de dos décadas y eso les ha traído muy buenos momentos y otros que estoy seguro preferirían olvidar.

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Pero sea como sea la banda vuelve este 2024 con su décimo quinto disco de estudio y el primero con Rafa Blas como vocalista de la banda, para demostrar que “es mejor morir luchando que ni quiera intentarlo”.

El disco lo abre la poderosa “Alicia en el Metalverso”, corte que da título y se extiende hasta los doce minutos de duración, al más puro estilo “Satania” o “Pensatorium”, con un riff incial bien pesado y si con cierto guiño a Sabbath o Metallica.

El tema ya nos presenta a la protagonista de esta nueva “historia”, que es Alicia y podemos ver los diferentes matices musicales de Mago con un Rafa mostrando ya su poderío vocal y su amplio abanico de tonos, muy propios de él y que quizás su anterior vocalista no tenía tanto, sobre todo en lo que a agudos se refiere.

A destacar las guitarras del señor Jorge Salán, una delicia volver a escucharlo con sus compañeros de Mägo y muy bien secundado por Víctor de Andrés y la fantástica presencia de la señorita Diva Satánica de Bloodhunter, aportando el toque gutural y metalero a la canción, que es un buen puntapié para este nuevo disco de la banda madrileña.

Poco se puede decir de “El Sombrerero Loco” que no se haya dicho ya y es que el primer single del disco es un pelotazo de folk rock metal moderno con un comienzo coral en inglés cortesía de Xana Lavey (Celtian), Alba Moreno y Eli Amoedo de Against Myself que le da ese toque “distinto” a otros singles de la banda y que deja paso a la potencia y la melodía de Rafa en las voces y un ritmo frenético y pegadizo que no te podrás quitar de la cabeza desde la primera escucha.

Mención aparte para el solo de Jorge Salan y el duelo melódico de guitarras entre él y Victor que es absolutamente maravilloso y de lo más destacado de la canción, junto a ese agudo final de Rafa que pone los pelos como escarpias desde que lo escuchas por primera vez.

Las guitarras afiladas de Victor y Jorge dan comienzo a “El Metalverso”, un corte muy potente y con algunas de las mejores melodías del disco y hasta de Mägo en el último lustro y es que el corte navega entre estas dos tierras, pero sin perder el hilo conductor de la historia que se narra en el disco.

La voz de Rafa suena impecable en las melodías y combina el folk con toques celtas con ciertos toques actuales y todo muy bien llevado desde la base rítmica, siendo una de las canciones más destacadas y pegadizas de todo el disco y que seguro suena aún mejor en directo.

“Seremos Huracán”, fue el segundo single del disco y de nuevo con Víctor y Jorge destacando desde el principio, el primero con el riff incial y luego Jorge hacia la mitad con un solo fantástico, no hacen más que darles la razón a Mägo de que era más que necesaria la vuelta de este señor, el mejor guitarrista que han tenido en su historia, punto y final.

Rafa nos puede recordar un poquito a Tete Novoa, pero siempre con su toque personal y de nuevo deja un agudo impresionante que le suma varios puntos a la canción y al disco en sí.

El solo de Víctor es una pasada y por algo se lo fichó en su momento y ahora está devolviendo todo eso con trabajo y mucho talento que es lo que el guitarrista leonés tiene.

“Como un Susurro”, puede pillar al oyente por sorpresa y es que a pesar de ser una “Power Ballad” muy habitual en el sonido de Mägo, donde vemos a Rafa mostrarnos su talento a la hora de interpretar este tipo de canciones y lo bien que le quedan, con arreglos muy cuidados y que oxigenan al disco tras varias canciones cañeras.

O casi…ya que hacia el minuto 4.10, con un grito estremecedor y un riff que recuerda a los Bullet for my Valentine de la era “Fever” con unas gotas de power metal, la canción da un giro de 180 grados dejando al oyente a cuadros y quizás con la necesidad de escuchar la canción completa una o dos veces más para acabar de pillarle la onda.

Tras coger un poquito de aire después de semejante sorpresón, llegamos al single más reciente del álbum y es que “Luna de Sangre” cuenta con la colaboración del señor Isra Ramos y lo cierto es que no es lo que esperaba, al menos en mi modesta opinión, o sea suena muy bien, las voces de Rafa e Isra quedan muy bien juntas pero eso es todo, para mi se queda como una canción casi intrascendente para el disco.

Eso si, el aspecto instrumental es brillante, el solo de Jorge una vez más es para quitarse el sombrero, con el violín de Moha dibujando una bella melodía justo antes del solo de Jorge Salán, quedando muy bien para la canción.

Volvemos a bajar las revoluciones con “Somos los hijos del Rock”, esta vez si la balada que siempre está presente en los discos de Mägo de Öz, con una letra positiva y que da buena vibra al oyente, es una buena canción para ir encarando la recta final del álbum.

Quizás no tenga la carga emocional y la sensibilidad de “Desde Mi Cielo” o la fragilidad de “Siempre”, pero vuelve a evidenciar que aunque lo detestes Txus Di Fellatio escribe muy buenas baladas y medios tiempos cuando está concentrado.

Lo que no entiendo que haya otro medio tiempo seguido como “Por Si Un Día Te Pierdes”, pero curiosamente me gusta mucho más que la anterior y la letra es un hermoso canto para Leia, la hija de Txus en una suerte de “testamento” para la criatura y lo cierto es que acaba emocionando bastante sobre todo por los arreglos y el maravilloso sólo de guitarra que embellecen la canción aún más y la colocan como uno de los momentos álgidos del disco.

El disco llega a su fin de la mano de “La Voz de los Valientes”, con la señorita Xana Lavey (Celtian) cantando de forma cristalina los primeros versos de la canción y enamorándote con ese tono que solamente ella posee, deja paso a una base muy poderosa y “prototípica” de Mägo muy metálica y moderna que en cierto modo podría ser una hermana pequeña de “El Sombrerero Loco” y que quizás hubiese destacado más hacia la mitad del disco, pero curiosamente sirve para cerrar el mismo de forma más que notable.

Hacia la mitad del tema vuelven a rugir las guitarras de Jorge y Víctor, los cuales se han encargado de levantar a Mägo de Öz tras el bajón que supuso el disco anterior y lo poco valorado que estuvo el complejo Ira Dei y de nuevo Xana vuelve a embelesarnos con su voz junto a Rafa con unos tonos altísimos que perduran hasta el final de la canción cerrando este “Metalverso” y la historia de Alicia de una manera mucho mejor de la que muchos esperaban y hasta deseaban…

Pues esto es lo que da de sí este nuevo disco de Mägo de Öz, que no no han vuelto a hacer un “Gaia II”, tampoco la versión 2024 de “Finisterra”, pero si uno de sus dos mejores discos en la última década sin duda alguna, Rafa Blas justifica con creces su fichaje por Mägo y ojalá que le muchas alegrías más a esta banda, que quieras o no, tiene su lugar bien arriba ganado dentro del rock/metal en español y siempre es interesante ver como continúan su historia.

Creo que somos muchos los que cuando se anunció la partida de Matt Skiba de Blink 182, lo celebramos porque eso iba a significar el regreso de Alkaline Trio y afortunadamente así ha sido y la banda de Chicago, vuelve este 2024 con su décimo disco de estudio Blood, Hair and Eyeballs para demostrar que aún tienen mucho que contarnos.

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Escuchado el disco, la verdad es que quiero agradecerle a Skiba que haya vuelto a AK3 y que no haya perdido ese toque mágico que tienen las composiciones de esta banda, ni que haya querido edulcorarlas más de lo necesario, no, lo que hay aquí es un disco de Alkaline Trio de los de siempre combinando ese punk rock melódico oscurete con rock alternativo y esas letras tan personales que escriben Dan Andriano y el propio Skiba.

Y dicho esto en estas 10 nuevas composiciones lo que vamos a encontrar es justo lo que hemos venido a buscar, desde el riff rockero de “Hot for Preacher”, ya tienes la sensación de que la banda ha vuelto justo desde donde lo habían dejado en 2018 con su último disco Is This Thing Cursed? y eso siempre es bueno teniendo en cuenta la calidad de aquel trabajo.

Cortes como “Bad Time”, “Meet Me”, “Scars” o el corte que da título al disco nos muestran la mejor cara musical del trío (ahora con el señor Atom Willard, tras los parches en sustitución de Derek Grant), combinando esas melodías oscuras pero pegadizas y con el binomio Skiba/Andriano sonando perfectos en el juego de voces, ya que sus diferentes matices vocales son los que hacen de Alkaline Trio un grupo diferente a muchos de sus compañeros de generación.

En el aspecto lírico ya os podéis imaginar por donde van los tiros: Sangre, Pesadillas, Corazones Rotos, humor negro y melancolía son los temas recurrentes y es de destacar que los empleen de forma coherente y no así como así, pero claro tras diez discos de estudio es lógico que la brillantez a la hora de escribir aunque no sea novedosa para los que conocemos a la banda si que siga estando presente y firme y no fijan ser una banda que no son.

Pero hay que reconocer una cosa, este disco está muy bien, es muy disfrutable, pero no es el mejor disco de AK3 ni mucho menos, tampoco es una versión actualizada del mítico Good Mourning, como leí por ahi (hay que ser cenizo para decir semejante barbaridad y quedarte tan ancho), pero si que nos trae de vuelta y con nota a una de las mejores bandas de su generación y eso ya solamente, es motivo de celebración y que mejor que hacerlo con este nuevo disco de los norteamericanos.

Cruzamos el Atlántico hacia el noroeste hacia la remota isla de Islandia, un país de volcanes, glaciares y vikingos, donde han salido grupos como Beneath o Sólstafir.

Desde Reykjavik, llega el emergente grupo Aaru, un proyecto que mezcla el djent y el progresivo al más estilo thall, promovido por Vildhjarta allá por el año 2011. Pero Aaru quiere ir más allá, ellos llevan esa incertidumbre ambiental y brutalidad hacia otro extremo, sin hacer falta de vocales ya que en este álbum debut de los nórdicos, nos encontramos con un trabajo completamente melódico.

Así que, aunque la portada nos parezca inofensiva y algo family friendly, hacerme caso; el álbum entero es todo lo contrario.

Este “S.W.N.P.L” nos muestra por completo la identidad “djenty” de la banda, haciéndonos vivir toda cuesta en picado de emociones para después volver a la calma con esos momentos completamente atmosféricos. Aaru nos presenta una tecnicidad que poco a poco está saliendo más a la luz en la escena del metal. En mi opinión, adoro esos cambios de intensidad como en “Polar Bears Are Not Beer” o también mi tema preferido sin duda, “Scandinavian Saskatchewan”; riffs disonantes, breakdowns que te parten el cuello, unas baterías complejas y técnicas… Si eres uno de esos músicos que le gusta observar hasta donde puede llegar el ser humano en términos técnicamente instrumentales e incluso producción, este es un álbum que no te va a dejar para menos, donde Aaru consigue demostrarte que todos los temas no siguen una misma línea, sino que mientras tienes el foco puesto en el compás, encuentras de repente unos cambios abruptos y drásticos los cuales caracterizan canciones como “DILLIGAF” o “Kölski”, con esta última siendo presentada como sencillo este pasado año junto a “Deathwish”.

Esto es thall gente, esto es ARTE.

Arrancó el 2024 y con ello nos trajo un muy buen álbum de heavy/thrash metal. En este caso, desde Serbia, tenemos a las metaleras Jenner, quienes nos presentan su segundo LP titulado Prove Them Wrong. El mismo se despacha con 45 minutos de puro machaque y guitarras gemelas.

La formación de la banda está conformada por Aleksandra Stamenković (también conocida como Alexandra Lioness) en voz y guitarra, Anja Mirković al bajo, y Selena Simić en la batería. Ya cuentan con otro álbum, To Live is to Suffer (2017), el cual fue editado en CD/LP/CASS a través de Fighter Records.

La música de las muchachas mezcla thrash, speed y heavy metal, más bien enfocado a la vieja escuela. Su thrash se mezcla con los otros estilos, permitiendo así que el disco fluya con naturalidad, colocando temas con cortes grooveros o canciones que enfatizan más sus cualidades emotivas.

El disco está bien ejecutado y con buenas actuaciones en todo el álbum. Las canciones son precisas, compactas y están llenas de riffs y ganchos.

Me recuerda mucho a los 80, aunque Jenner es mucho más que una banda que ejecuta lo retro de los géneros antes mencionados.

El trabajo de guitarra líder de la vocalista/guitarrista Aleksandra Stamenković es de lo mejor que se ha escuchado en los últimos años. Lograron tomar un género clásico y producir algo que vale la pena escuchar en este 2024.

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Prove Them Wrong ofrece una experiencia agradable para cualquier fanático del thrash metal clásico. Los riffs, solos y coros del LP están por encima del promedio en este estilo, colocando a Jenner fácilmente por encima de la cantidad de agrupaciones genéricas de thrash y heavy metal.

Podemos desmenuzar cada uno de los tracks de la siguiente manera:

1) No Time For Prayer: Con una intro lenta para luego explotar en un riff thrashero y tapping de guitarras gemelas que preparan el ambiente, voz limpia y con un toque rasposo.

2) Prove Them Wrong: Más directa que la anterior, un track sin sorpresas, ideal para tocar en vivo, un buen solo melódico, la mejor parte de la canción.

3) Born For Something More: El mejor tema del disco (a mi parecer), armonías a lo Iron Maiden para luego volverse pegadiza y con un sonido tirando al AOR, con un solo virtuoso que demuestra que no son solamente un truco.

4) Down in the Pit: Una canción melódica, riffs pesados, pero la letra y la voz le falta el enfoque de las anteriores, cuenta con un solo espectacular que no alcanza para salvarla.

5) Not Even You Intro: Con voces limpias seguida de riffs arrolladores con otro solo fantástico.

6) Eye For An Eye: Thrash directo al grano, riffs clásicos a lo Municipal Waste, ideal para el pogo.

7) I Saw It All Clear: Una canción lenta, con un buen trabajo de la guitarra principal, ideal para bajar varios cambios.

8) Never Say Die: Velocidad al máximo, volvió el thrash y suena tal como se lo esperaba, te vuela la cabeza.

9) Laws of the Weak: La que cierra el disco, con un corte épico, las chicas se lucen en toda la canción, con guitarras gemelas y riff ideal para levantar el puño cada vez que suene.

En definitiva, le doy un 8/10 !!! Bien por las muchachas.

Ektomorf es uno de los primeros grupos que se nos viene a la cabeza al pensar en el término “Groove Metal” juntamente con Machine Head, Chimaira, Sepultura o Lamb Of God, incluso Slipknot tiene muchos aspectos similares, y no es para menos. La agrupación formada en el año 1993 al sur de las tierras magiares se ha mantenido en pie hasta estos días, aunque no con su agrupación original siendo el líder de la misma Zoltán Farkas el único restante. Aun así, siguen dándonos trabajos excepcionales sin dejar atrás el estilo y sonido original de la banda.

Este pasado 8 de diciembre, a través del sello AFM Records lanzaron su decimocuarto, sí, DECIMOCUARTO trabajo de estudio, pero con la diferencia de ser el más pesado, brutal y siniestro hasta el momento. Recordemos que los húngaros han estado encabezando giras internacionales, siendo punteros en las listas y sobre todo, dejando claro que tienen más ganas que nunca para romper escenarios.

En este álbum, nos topamos con el triste caso que vivió Farkas durante la pandemia, tal y como nos narra: «pasé por una de las mayores depresiones de mi vida, perdí a gente y eso es al fin y al cabo, algo que te queda de por vida». Posiblemente, este sea el trabajo más sentimental compuesto por Ektomorf, y es por eso que lo han querido plasmar en este trabajo tanto en el lado instrumental como en la propia lírica de sus diez temas.

Le damos al play y nos encontramos con “I’m Your Last Hope (The Rope Around Your Neck)” en la que podemos observar una psicodélica intro para seguidamente, comprobar como la banda vuelve más fuerte que nunca, con un pesado riff y una lírica agresiva, la depresión por la que tuvo que pasar el líder y como su última esperanza, es la cuerda que rodea su cuello -haciendo referéncia al suicidio-, todo esto llevado de la mano de una batería a negras combinada al estilo Slam que nos deja claro que la agrupación del sur de Hungría sigue a la misma altura que en el año 2009 con su aclamado “Outcast”. 

En “Die”, las bpm suben significativamente para brindarnos un tema rápido manteniendo la agresividad del anterior al más puro estilo de sus inicios en 1993 con “Havok”, mezclado con un estribillo melódico y, como era de esperar, un parón en los últimos compases del tema para atacar con todo hasta el final. 

En tercera posición nos traen “Never Be The Same Again”, introducida por unas guitarras crudas y sintetizadas recordándonos a algunos a los dioses del groove Pantera, para seguir con un tema más técnico, con compases asimétricos y una mezcla de combinaciones rítmicas un tanto interesante pero nada nuevo, ya que esto lo hemos visto en las anteriores entregas de los de Mezőkovácsháza.

Hasta ahora, nos hemos topado con el factor que el grupo nos quiere transmitir, así como cita Zoltan: «Vivid Black representa mi trabajo más sombrío y enojado hasta la fecha.» comparte el líder de EKTOMORF: «No hay belleza ni atractivo en las canciones; este álbum explora el dolor, el odio, la ira y la decepción derivados de encuentros con personas desagradecidas. En este capítulo de mi vida, agravado por el oscuro momento de despedir a mi madre debido a una prolongada y dolorosa enfermedad, siento un profundo rechazo hacia este mundo. La luz parece haberse extinguido en mí. Vivid Black encapsula mi ser en su totalidad. Este disco será la expresión de mis emociones, cargado de toda la intensidad y furia que llevo dentro.» 

Los siguientes temas serán “Fade Away” y “You And Me” manteniendo la línea híbrida entre las partes extremas con su característico blastbeat y las partes más pesadas y groovies.

El tema homónimo “Vivid Black”, podríamos considerarlo como “más llevadero” en la parte inicial, aunque pesado durante el resto de la canción, siendo este uno de mis temas preferidos en esta recopilación de diez canciones.

En “The Best Of Me” observamos como Farkas habla sobre el tener importancia sobre uno mismo, ignorando la opinión o aceptación de los demás, acompañado por una combinación de riffs cogidos de la mano por una batería que nos hace desplazarnos hasta el lado del Nu-Metal.

Cerramos con “You Belong There” y “REM”, para zanjar este álbum la verdad que un tanto monótono desde fuera, pero si es observado con lupa, podemos llegar a entender el mensaje que nos quiere transmitir la agrupación de Hungría y podríais llegar a concordar conmigo con ser uno de los álbumes más personales de la banda.

Tras cuatro largos años sin sacar disco nuevo, los punk poperos alternativos Neck Deep vuelven este 2024 con su quinto álbum homónimo para confirmar porque son una de las mejores bandas de lo que se conoció la década pasada como “Sadboi Pop Punk” o “Tumblr Pop Punk”.

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Los de Wrexham ya dieron muestra de lo que se venía en esta nueva etapa cuando en febrero del año pasado lanzaron “Heartbreak of the Century” y ya cualquier duda que podría haber con la banda liderada por Ben Barlow se despejó de un plumazo gracias a este pildorazo enérgico y potente de punk pop moderno.

Pero como hay que escuchar los discos completos antes de juzgar, ya con el disco en la mano, podemos afirmar que Neck Deep han vuelto y por la puerta grande al género donde seguramente estén reinando junto a The Story So Far y State Champs, tras la desbandada de compañeros de generación como As It Is, With Confidence, Roam o la debacle absoluta de bandas anteriores a ellos como All Time Low.

El disco se abre con “Dumbstruck Dumbfuck” y ya ese riff a lo New Found Glory te pone en situación para coger tu skate, calzarte las Vans y la gorra y salir a disfrutar sin complejos del mundo, una absoluta delicia con aroma adolescente del 2000 y un Ben que sigue cantando como los ángeles dentro de su estilo y que enseguida lo reconoces aunque sea un tema nuevo de ND.

Por la misma línea camina “Sort Yourself Out”, con la cual es imposible no retroceder 20 años y pensar en la época cuando NFG, Blink, Sum, Mest, GC o The Movielife reinaban y eran el soundtrack diario de mi vida y que ahora Neck Deep han recuperado ese espíritu y lo traen al 2024 sin despeinarse y con la misma energía que antaño.

“This Is All My Fault”, nos trae ciertas reminiscencias de su clásico Life’s Not Out To Get You de 2015 pero con ese toque mejorado y actual que han adquirido Neck Deep con los años y un estribillo escrito en oro redondea otro de los momentos más destacados del disco.

La combativa “We Need More Bricks” y la más agridulce “Heartbreak of the Century”, nos muestran las dos caras de la banda galesa, mientras la primera es un ejercicio de como hacer buen pop punk en 2024 y no caer en la parodia con exceso de producción como es el caso de All Time Low (que no graban un buen disco desde hace por lo menos un lustro), en la segunda Ben hace una letra mucho más sentida donde aborda la salud mental y sus consecuencias como la ansiedad, la depresión y la tristeza interior, pero sin caer en el dramatismo de bandas como Dashboard Confessional o Jimmy Eat World, aunque siguiendo la línea compositiva de ambas.

El disco es un continuo vendaval de melodías y canciones infecciosas evidenciando que Neck Deep han vuelto a sus orígenes haciendo lo que mejor saben y configurando un disco directo, lleno de buenas canciones y que se pasa como un suspiro para el oyente.

Que haya sido producido por el bajista Seb Barlow, hermano de Ben, creo que no es casualidad y que entre todos han trabajado de manera cercana y sin distracciones, entregando quizás su trabajo más completo desde el ya mencionado Life’s Not Out To Get You” y que es desde ya uno de los mejores discos del año en cuanto a sonidos alternativos se refiere.

Neck Deep se reafirman como la banda líder de su generación y que a pesar de haber experimentado en sus dos últimos trabajos, creo que todos sabemos y ellos también que lo mejor que saben hacer son discos concretos y con grandes canciones y este quinto trabajo las tiene y de sobra.

“As Spoken” es el tercer disco de Knoll, esta banda de “funeral grindcore” oriunda de Tennessee. Este joven quinteto tiene una notable actitud vanguardista que lo aleja de todo abuso del género que ejecutan, a diferencia de cada vez más grupos que se colocan al borde de la excusa para producir ruidos carentes de sentido más allá de sus ingenuas intenciones. La música de Knoll incorpora influencias del black metal, el noise-rock y, ocasionalmente, una instrumentación ampliada, incorporando, por ejemplo, la trompeta. El hecho de que hayan sido convocados para tocar en el Roadburn Festival de 2021 es un claro indicador de que no son, simplemente, una banda de grindcore más. Algunas comparaciones que pueden servir de referencias son Fawn Limbs y Theories.

El primer track, homónimo al disco, empieza sin rodeos, con un golpe frontal y directo. Sobra decir que la batería es brutal, acribillando a puro blast beat, La voz suena siempre rabiosa, un poco más aguda que lo habitual dentro del estilo en cuestión. Las guitarras oscilan entre los machaques despiadados y el trémolo riffing más ominoso, pasando por esas secuencias frenéticas que suben y bajan por el diapasón como si la mano fuera una rata atrapada en una jaula.

“Offering” ralentiza el ritmo y le permite al bajo adquirir mayor notoriedad. Las regulares aceleraciones y desaceleraciones son la norma para Knoll: su grindcore no es para nada una mera sucesión de breves ráfagas compiladas en un álbum de quince minutos, los cambios dentro de cada canción dan la pauta de una búsqueda compositiva distinta. El mismo deseo de tener una posición disidente se revela en la gráfica que nada tiene que ver con lo “gore” o la violencia, sino con una imaginería ambigua, referente al Southern Gothic propio de la cultura de su zona de origen, todo en blanco y negro. “Wept Offering” se presenta con tramos prácticamente sludge. “Revile of Light” es el track más extenso, superando los seis minutos, por lo que era esperable un despliegue de recursos prominente, ingresando la trompeta y diversos momentos muy diferenciables entre sí. La viscosa oscuridad reinante permite sobresalir a la implacable percusión y al trabajo vocal completamente desquiciado. Hasta podría decirse que existen lapsos atmosféricos, en particular hacia el final.

El riff inicial de “Mereward” tiene bastante groove, intercalado con compases de esa ya mencionada exploración climática, que puedan alcanzar los puros acoples saturados de reverberación. A continuación, “Guardian Bind” avanza en la senda ya trazada con énfasis y lleva hacia “Unto Viewing”, donde encontramos líneas de guitarra que incrementan la heterogeneidad demostrada hasta este punto. Que no se pretendan paisajes emocionales: todo lo que ofrece Knoll es furia y desesperación vertiginosa. “Portrait” tiene un comienzo especialmente siniestro, denso y lento. Si bien todo se agita en determinados segmentos, la pieza es, en general, de una maldad sigilosa.

“Utterance” vuelve a exhibir la inclinación hacia una construcción sonora empujando los límites de la musicalidad, con un enfoque minimalista y tensamente calmo, totalmente ajeno al metal, que nos transporta, fugazmente, a otro espacio. “Fettered Oath” marca el retorno del cruel frenesí que culmina con “Shall It Be”, incluyendo un tremendo breakdown; una conclusión digna de un excelente álbum para cualquier amante de la música más extrema.

Los vitorianos Nulled llegan este año con su nuevo disco The Traitor, donde pretenden poner la escena del País Vasco en el punto de mira del metalcore y el hardcore actual.

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El disco cuenta con 10 temas cargados de brutalidad sonora y riffs explosivos, con las miras puestas en el hardcore y el metalcore actual.

Tras la intro “65432”, pasamos rápidamente a “Dreams”, Un potente corte marcado por ese riff inicial que te empieza a dejar claro que estos chicos vienen a por todas con este nuevo trabajo.

Pero mejor aún es “Embracing the Darkness”, una patada en el estómago con Alex destrozándonos los tímpanos con sus guturales y con unos “breaks” muy en la onda de bandas como August Burns Red o Bury Tomorrow, muy potentes y que si sois afines a este tipo de bandas sabréis apreciar a la primera.

El binomio “Pt.1 Love” y “Pt.2 Rage”, nos muestran las diferentes maneras de plasmar el sonido que tienen Nulled, con varios registros y detalles a analizar con cada escucha que le vayas dando a ambas piezas.

Quizás uno de los mejores temas del disco llega con el que le da nombre al mismo y que pudimos escuchar hace unas semanas, con una intro medio oscura y electrónica, la canción deja paso a unos guturales tremendos y una base que no te da respiro casi desde el comienzo y que por sonoridad podría llegar a recordar en algunos momentos a Betraying The Martyrs o incluso a algunos pasajes accesibles de Bleeding Through o Winds of Plague.

Para mi de lo mejorcito del disco con diferencia y que evidencian que aún hay mucho que contar en este estilo y que con bandas como Nulled el presente y futuro del género está asegurado.

“Mind Ruler”, cuenta con la colaboración del señor Diego, vocalista de Teksuo y bueno que decir cuando este chico colabora en alguna canción, le da un toque extra de calidad y pone casi el cierre de oro al álbum, las voces de Alex y Diego empastan muy bien juntas, y la base es absolutamente abrumadora con unas guitarras afiladísimas que poco tienen que envidiarles a compañeros de profesión extranjeros.

El disco está muy bien a nivel de producción y demuestra el gran salto de madurez compositiva que han dado estos chicos, con clara intención de evolucionar dentro de su sonido y aunque es pronto para afirmarlo con rotundidad, cuidado porque estamos ante uno de los mejores discos de la temporada y no me extrañaría si mucha gente acaba dándome la razón cuando llegue diciembre.

Los metaleros modernos suecos Dead By April vuelven este 2024 con su nuevo y flamante trabajo The Affliction, para demostrarnos que su melódico y potente sonido sigue teniendo la misma vigencia que antaño.

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En este nuevo disco podremos ver al señor Pontus Hjelm como cantante “clean” principal y a Christopher Kirstensen como screamer principal sustituyendo a Jimmie Strimell, pero poco importa cuando las canciones nuevas de DBA siguen sonando igual de poderosas que sus clásicos de su discografía.

El disco se abre con “Swarm Mode” y ya podemos respirar tranquilos porque el sonido de DBA sigue impecable y combinando esa base de metal/metalcore con los estribillos limpios cristalinos que siempre han tenido y con los cuales nos han conquistado a muchos durante más de tres lustros.

Los primeros invitados tardan poquito en dejarse ver y es que en el tercer corte “Outcome”, la banda sueca cuenta con la ayuda de sus amigos Smash Into Pieces, en un dueto fantástico donde la influencia de bandas como Linkin Park es más que palpable y que podría ser un tema de Blind Channel o From Ashes To New, perfectamente (algo lógico al ser dos bandas afines al sonido de DBA).

Pero esto recién empieza y con “Hurricane” tenemos el segundo bombazo seguido del disco y que nos recuerda a la primera época de la banda con ese pop metalcore pegadizo y fresco que seguro en directo suena aún mejor.

El binomio de singles “Heartbeat Failing” y “Break My Fall”, ya los conocemos de sobra y nos pueden traer ciertas reminiscencias a bandas como Amaranthe y la última etapa de Sonic Syndicate, entendiendo porque la banda los eligió para promocionar este nuevo trabajo ya que son dos pelotazos de metal pop core absolutamente irresistibles.

En el tema de los vocalistas, hay que decir que DBA eligieron muy bien las colaboraciones y es que un tema como “Wasteland” junto a The Day We Left Earth es de lo mejorcito del disco sin duda y pone los pelos de punta cuando Pontus canta las partes limpias, es tremendo que más de una década después este muchacho siga cantando y este mejor que nunca a nivel vocal, aunque muchos sigan pidiendo la vuelta de Zandro Santiago, creo que con los dos últimos discos han demostrado que su puesto está más que cubierto.

El lado más alternativo viene de la mano de “Dreamlike”, un corte que nos puede recordar un poquito a lo que hacen compañeros suyos como Blind Channel y que seguro suena aún más poderoso en el directo y le aporta ese toque actual al disco, con bases sampleadas y electrónicas.

Quizás lo único que podría restarle algún punto es que 14 tracks igual es un poquito mucho para un disco, porque al final los 54 minutos de duración que tiene el disco se te pueden hacer un pelín largos si no eres afín a este estilo, pero es un dato prácticamente anecdótico que no empaña para nada este regreso más que notable para Dead By April y que esperemos podamos verlos en las salas de nuestro país tras su arrollador paso por el Resurrection Fest el verano pasado.

Los cordobeses Viva Belgrado son algo especial, creo que para cualquiera que haya escuchado un disco suyo, esta banda le ha marcado de una u otra forma en su vida diaria y es que la manera que tienen de transmitir sentimientos ya sea con canciones furiosas e intensas como otras mucho más hermosas e intimistas, lo tienen muy pocas bandas alternativas en este país y esto es así, Viva Belgrado son prácticamente únicos en su especie.

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En estas doce nuevas composiciones, la banda ha seguido el camino del crecimiento lógico que tenían discos como Bellavista o Ulises, dos obras simplemente exquisitas y que aún hoy si las escuchas descubrirás algún matiz nuevo que se te había pasado por alto anteriormente.

Por eso, aunque en el anterior disco (Bellavista) había algunas influencias que tomaron y con las que pillaron a la gente un pelín descolocada, en este trabajo todo está mucho más asentado y la gente ha recibido con naturalidad e ilusión canciones como “Jupiter and Beyond the Infinite”, donde cuentan con la colaboración del artista Erik Urano, conocido en la escena trap y urbana nacional marcándose unos fraseados rapeados en medio de una atmósfera sonora cristalina y que lejos de parecer postiza, es totalmente disfrutable.

Lo mismo que nos pasó cuando escuchamos, el que ya es uno de los mejores temas alternativos del año como es la hermosa y delicada “Elena Observando la Osa Mayor”, donde pese a la ausencia de guitarras, lo compensan con una letra absolutamente preciosa y auténtica, dando como resultado otra perla en la discografía de la banda.

Otro punto a favor de estos chicos es la gran visión que tienen a la hora de escribir sus canciones y es que a pesar de usar ciertas metáforas a veces, es fácil identificarse con sus letras ya que cuentan historias de las que saben hablar o que quizás hayan sido protagonistas, en lugar de perderse en un mar de ideas “ficticias”, Viva Belgrado nos abren siempre las puertas a sus entrañas y creo que por eso han llegado donde están hoy y la gente sigue emocionándose cuando se lanza un nuevo disco del grupo.

Fijémonos en “Gemini” y esa frase tan demoledora como cierta “…Mi mayor enemigo es Mi reflejo”, de verdad hace falta decir más, yo creo que no, que con esto demuestran la crudeza que tienen a veces y con la facilidad que te la plasman en una canción.

Lo mismo ocurre con “Perfect Blue”, de mis canciones favoritas del disco y que pone en evidencia que a veces no hace falta litros de distorsión para sonar mejor y que se puede hacer un tema accesible pero con clase y esto último Viva Belgrado la tienen de sobra.

Una vez más Viva Belgrado, vuelven a posicionarse cuatro pasos por delante de cualquiera que se precie dentro de la escena nacional en su órbita, demostrando que saben empezar un disco y terminarlo sin perder la cohesión entre las canciones y que las historias sean bien narradas y calen hondo dentro de tu interior, en eso los cordobeses son los absolutos maestros en este país y que sigan siéndolo por muchos años más porque Viva Belgrado como se dice hoy en día “Son todo lo que está bien”.

A estas alturas de la película, está claro que cada paso dado por Mägo de Öz, no es que vaya a ser mirado con lupa, si no que quieras o no va a traer debate y es que los madrileños viven en la cresta de la ola desde hace más de dos décadas y eso les ha traído muy buenos momentos y otros que estoy seguro preferirían olvidar.

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Pero sea como sea la banda vuelve este 2024 con su décimo quinto disco de estudio y el primero con Rafa Blas como vocalista de la banda, para demostrar que “es mejor morir luchando que ni quiera intentarlo”.

El disco lo abre la poderosa “Alicia en el Metalverso”, corte que da título y se extiende hasta los doce minutos de duración, al más puro estilo “Satania” o “Pensatorium”, con un riff incial bien pesado y si con cierto guiño a Sabbath o Metallica.

El tema ya nos presenta a la protagonista de esta nueva “historia”, que es Alicia y podemos ver los diferentes matices musicales de Mago con un Rafa mostrando ya su poderío vocal y su amplio abanico de tonos, muy propios de él y que quizás su anterior vocalista no tenía tanto, sobre todo en lo que a agudos se refiere.

A destacar las guitarras del señor Jorge Salán, una delicia volver a escucharlo con sus compañeros de Mägo y muy bien secundado por Víctor de Andrés y la fantástica presencia de la señorita Diva Satánica de Bloodhunter, aportando el toque gutural y metalero a la canción, que es un buen puntapié para este nuevo disco de la banda madrileña.

Poco se puede decir de “El Sombrerero Loco” que no se haya dicho ya y es que el primer single del disco es un pelotazo de folk rock metal moderno con un comienzo coral en inglés cortesía de Xana Lavey (Celtian), Alba Moreno y Eli Amoedo de Against Myself que le da ese toque “distinto” a otros singles de la banda y que deja paso a la potencia y la melodía de Rafa en las voces y un ritmo frenético y pegadizo que no te podrás quitar de la cabeza desde la primera escucha.

Mención aparte para el solo de Jorge Salan y el duelo melódico de guitarras entre él y Victor que es absolutamente maravilloso y de lo más destacado de la canción, junto a ese agudo final de Rafa que pone los pelos como escarpias desde que lo escuchas por primera vez.

Las guitarras afiladas de Victor y Jorge dan comienzo a “El Metalverso”, un corte muy potente y con algunas de las mejores melodías del disco y hasta de Mägo en el último lustro y es que el corte navega entre estas dos tierras, pero sin perder el hilo conductor de la historia que se narra en el disco.

La voz de Rafa suena impecable en las melodías y combina el folk con toques celtas con ciertos toques actuales y todo muy bien llevado desde la base rítmica, siendo una de las canciones más destacadas y pegadizas de todo el disco y que seguro suena aún mejor en directo.

“Seremos Huracán”, fue el segundo single del disco y de nuevo con Víctor y Jorge destacando desde el principio, el primero con el riff incial y luego Jorge hacia la mitad con un solo fantástico, no hacen más que darles la razón a Mägo de que era más que necesaria la vuelta de este señor, el mejor guitarrista que han tenido en su historia, punto y final.

Rafa nos puede recordar un poquito a Tete Novoa, pero siempre con su toque personal y de nuevo deja un agudo impresionante que le suma varios puntos a la canción y al disco en sí.

El solo de Víctor es una pasada y por algo se lo fichó en su momento y ahora está devolviendo todo eso con trabajo y mucho talento que es lo que el guitarrista leonés tiene.

“Como un Susurro”, puede pillar al oyente por sorpresa y es que a pesar de ser una “Power Ballad” muy habitual en el sonido de Mägo, donde vemos a Rafa mostrarnos su talento a la hora de interpretar este tipo de canciones y lo bien que le quedan, con arreglos muy cuidados y que oxigenan al disco tras varias canciones cañeras.

O casi…ya que hacia el minuto 4.10, con un grito estremecedor y un riff que recuerda a los Bullet for my Valentine de la era “Fever” con unas gotas de power metal, la canción da un giro de 180 grados dejando al oyente a cuadros y quizás con la necesidad de escuchar la canción completa una o dos veces más para acabar de pillarle la onda.

Tras coger un poquito de aire después de semejante sorpresón, llegamos al single más reciente del álbum y es que “Luna de Sangre” cuenta con la colaboración del señor Isra Ramos y lo cierto es que no es lo que esperaba, al menos en mi modesta opinión, o sea suena muy bien, las voces de Rafa e Isra quedan muy bien juntas pero eso es todo, para mi se queda como una canción casi intrascendente para el disco.

Eso si, el aspecto instrumental es brillante, el solo de Jorge una vez más es para quitarse el sombrero, con el violín de Moha dibujando una bella melodía justo antes del solo de Jorge Salán, quedando muy bien para la canción.

Volvemos a bajar las revoluciones con “Somos los hijos del Rock”, esta vez si la balada que siempre está presente en los discos de Mägo de Öz, con una letra positiva y que da buena vibra al oyente, es una buena canción para ir encarando la recta final del álbum.

Quizás no tenga la carga emocional y la sensibilidad de “Desde Mi Cielo” o la fragilidad de “Siempre”, pero vuelve a evidenciar que aunque lo detestes Txus Di Fellatio escribe muy buenas baladas y medios tiempos cuando está concentrado.

Lo que no entiendo que haya otro medio tiempo seguido como “Por Si Un Día Te Pierdes”, pero curiosamente me gusta mucho más que la anterior y la letra es un hermoso canto para Leia, la hija de Txus en una suerte de “testamento” para la criatura y lo cierto es que acaba emocionando bastante sobre todo por los arreglos y el maravilloso sólo de guitarra que embellecen la canción aún más y la colocan como uno de los momentos álgidos del disco.

El disco llega a su fin de la mano de “La Voz de los Valientes”, con la señorita Xana Lavey (Celtian) cantando de forma cristalina los primeros versos de la canción y enamorándote con ese tono que solamente ella posee, deja paso a una base muy poderosa y “prototípica” de Mägo muy metálica y moderna que en cierto modo podría ser una hermana pequeña de “El Sombrerero Loco” y que quizás hubiese destacado más hacia la mitad del disco, pero curiosamente sirve para cerrar el mismo de forma más que notable.

Hacia la mitad del tema vuelven a rugir las guitarras de Jorge y Víctor, los cuales se han encargado de levantar a Mägo de Öz tras el bajón que supuso el disco anterior y lo poco valorado que estuvo el complejo Ira Dei y de nuevo Xana vuelve a embelesarnos con su voz junto a Rafa con unos tonos altísimos que perduran hasta el final de la canción cerrando este “Metalverso” y la historia de Alicia de una manera mucho mejor de la que muchos esperaban y hasta deseaban…

Pues esto es lo que da de sí este nuevo disco de Mägo de Öz, que no no han vuelto a hacer un “Gaia II”, tampoco la versión 2024 de “Finisterra”, pero si uno de sus dos mejores discos en la última década sin duda alguna, Rafa Blas justifica con creces su fichaje por Mägo y ojalá que le muchas alegrías más a esta banda, que quieras o no, tiene su lugar bien arriba ganado dentro del rock/metal en español y siempre es interesante ver como continúan su historia.

Creo que somos muchos los que cuando se anunció la partida de Matt Skiba de Blink 182, lo celebramos porque eso iba a significar el regreso de Alkaline Trio y afortunadamente así ha sido y la banda de Chicago, vuelve este 2024 con su décimo disco de estudio Blood, Hair and Eyeballs para demostrar que aún tienen mucho que contarnos.

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Escuchado el disco, la verdad es que quiero agradecerle a Skiba que haya vuelto a AK3 y que no haya perdido ese toque mágico que tienen las composiciones de esta banda, ni que haya querido edulcorarlas más de lo necesario, no, lo que hay aquí es un disco de Alkaline Trio de los de siempre combinando ese punk rock melódico oscurete con rock alternativo y esas letras tan personales que escriben Dan Andriano y el propio Skiba.

Y dicho esto en estas 10 nuevas composiciones lo que vamos a encontrar es justo lo que hemos venido a buscar, desde el riff rockero de “Hot for Preacher”, ya tienes la sensación de que la banda ha vuelto justo desde donde lo habían dejado en 2018 con su último disco Is This Thing Cursed? y eso siempre es bueno teniendo en cuenta la calidad de aquel trabajo.

Cortes como “Bad Time”, “Meet Me”, “Scars” o el corte que da título al disco nos muestran la mejor cara musical del trío (ahora con el señor Atom Willard, tras los parches en sustitución de Derek Grant), combinando esas melodías oscuras pero pegadizas y con el binomio Skiba/Andriano sonando perfectos en el juego de voces, ya que sus diferentes matices vocales son los que hacen de Alkaline Trio un grupo diferente a muchos de sus compañeros de generación.

En el aspecto lírico ya os podéis imaginar por donde van los tiros: Sangre, Pesadillas, Corazones Rotos, humor negro y melancolía son los temas recurrentes y es de destacar que los empleen de forma coherente y no así como así, pero claro tras diez discos de estudio es lógico que la brillantez a la hora de escribir aunque no sea novedosa para los que conocemos a la banda si que siga estando presente y firme y no fijan ser una banda que no son.

Pero hay que reconocer una cosa, este disco está muy bien, es muy disfrutable, pero no es el mejor disco de AK3 ni mucho menos, tampoco es una versión actualizada del mítico Good Mourning, como leí por ahi (hay que ser cenizo para decir semejante barbaridad y quedarte tan ancho), pero si que nos trae de vuelta y con nota a una de las mejores bandas de su generación y eso ya solamente, es motivo de celebración y que mejor que hacerlo con este nuevo disco de los norteamericanos.

Cruzamos el Atlántico hacia el noroeste hacia la remota isla de Islandia, un país de volcanes, glaciares y vikingos, donde han salido grupos como Beneath o Sólstafir.

Desde Reykjavik, llega el emergente grupo Aaru, un proyecto que mezcla el djent y el progresivo al más estilo thall, promovido por Vildhjarta allá por el año 2011. Pero Aaru quiere ir más allá, ellos llevan esa incertidumbre ambiental y brutalidad hacia otro extremo, sin hacer falta de vocales ya que en este álbum debut de los nórdicos, nos encontramos con un trabajo completamente melódico.

Así que, aunque la portada nos parezca inofensiva y algo family friendly, hacerme caso; el álbum entero es todo lo contrario.

Este “S.W.N.P.L” nos muestra por completo la identidad “djenty” de la banda, haciéndonos vivir toda cuesta en picado de emociones para después volver a la calma con esos momentos completamente atmosféricos. Aaru nos presenta una tecnicidad que poco a poco está saliendo más a la luz en la escena del metal. En mi opinión, adoro esos cambios de intensidad como en “Polar Bears Are Not Beer” o también mi tema preferido sin duda, “Scandinavian Saskatchewan”; riffs disonantes, breakdowns que te parten el cuello, unas baterías complejas y técnicas… Si eres uno de esos músicos que le gusta observar hasta donde puede llegar el ser humano en términos técnicamente instrumentales e incluso producción, este es un álbum que no te va a dejar para menos, donde Aaru consigue demostrarte que todos los temas no siguen una misma línea, sino que mientras tienes el foco puesto en el compás, encuentras de repente unos cambios abruptos y drásticos los cuales caracterizan canciones como “DILLIGAF” o “Kölski”, con esta última siendo presentada como sencillo este pasado año junto a “Deathwish”.

Esto es thall gente, esto es ARTE.

Arrancó el 2024 y con ello nos trajo un muy buen álbum de heavy/thrash metal. En este caso, desde Serbia, tenemos a las metaleras Jenner, quienes nos presentan su segundo LP titulado Prove Them Wrong. El mismo se despacha con 45 minutos de puro machaque y guitarras gemelas.

La formación de la banda está conformada por Aleksandra Stamenković (también conocida como Alexandra Lioness) en voz y guitarra, Anja Mirković al bajo, y Selena Simić en la batería. Ya cuentan con otro álbum, To Live is to Suffer (2017), el cual fue editado en CD/LP/CASS a través de Fighter Records.

La música de las muchachas mezcla thrash, speed y heavy metal, más bien enfocado a la vieja escuela. Su thrash se mezcla con los otros estilos, permitiendo así que el disco fluya con naturalidad, colocando temas con cortes grooveros o canciones que enfatizan más sus cualidades emotivas.

El disco está bien ejecutado y con buenas actuaciones en todo el álbum. Las canciones son precisas, compactas y están llenas de riffs y ganchos.

Me recuerda mucho a los 80, aunque Jenner es mucho más que una banda que ejecuta lo retro de los géneros antes mencionados.

El trabajo de guitarra líder de la vocalista/guitarrista Aleksandra Stamenković es de lo mejor que se ha escuchado en los últimos años. Lograron tomar un género clásico y producir algo que vale la pena escuchar en este 2024.

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Prove Them Wrong ofrece una experiencia agradable para cualquier fanático del thrash metal clásico. Los riffs, solos y coros del LP están por encima del promedio en este estilo, colocando a Jenner fácilmente por encima de la cantidad de agrupaciones genéricas de thrash y heavy metal.

Podemos desmenuzar cada uno de los tracks de la siguiente manera:

1) No Time For Prayer: Con una intro lenta para luego explotar en un riff thrashero y tapping de guitarras gemelas que preparan el ambiente, voz limpia y con un toque rasposo.

2) Prove Them Wrong: Más directa que la anterior, un track sin sorpresas, ideal para tocar en vivo, un buen solo melódico, la mejor parte de la canción.

3) Born For Something More: El mejor tema del disco (a mi parecer), armonías a lo Iron Maiden para luego volverse pegadiza y con un sonido tirando al AOR, con un solo virtuoso que demuestra que no son solamente un truco.

4) Down in the Pit: Una canción melódica, riffs pesados, pero la letra y la voz le falta el enfoque de las anteriores, cuenta con un solo espectacular que no alcanza para salvarla.

5) Not Even You Intro: Con voces limpias seguida de riffs arrolladores con otro solo fantástico.

6) Eye For An Eye: Thrash directo al grano, riffs clásicos a lo Municipal Waste, ideal para el pogo.

7) I Saw It All Clear: Una canción lenta, con un buen trabajo de la guitarra principal, ideal para bajar varios cambios.

8) Never Say Die: Velocidad al máximo, volvió el thrash y suena tal como se lo esperaba, te vuela la cabeza.

9) Laws of the Weak: La que cierra el disco, con un corte épico, las chicas se lucen en toda la canción, con guitarras gemelas y riff ideal para levantar el puño cada vez que suene.

En definitiva, le doy un 8/10 !!! Bien por las muchachas.

Ektomorf es uno de los primeros grupos que se nos viene a la cabeza al pensar en el término “Groove Metal” juntamente con Machine Head, Chimaira, Sepultura o Lamb Of God, incluso Slipknot tiene muchos aspectos similares, y no es para menos. La agrupación formada en el año 1993 al sur de las tierras magiares se ha mantenido en pie hasta estos días, aunque no con su agrupación original siendo el líder de la misma Zoltán Farkas el único restante. Aun así, siguen dándonos trabajos excepcionales sin dejar atrás el estilo y sonido original de la banda.

Este pasado 8 de diciembre, a través del sello AFM Records lanzaron su decimocuarto, sí, DECIMOCUARTO trabajo de estudio, pero con la diferencia de ser el más pesado, brutal y siniestro hasta el momento. Recordemos que los húngaros han estado encabezando giras internacionales, siendo punteros en las listas y sobre todo, dejando claro que tienen más ganas que nunca para romper escenarios.

En este álbum, nos topamos con el triste caso que vivió Farkas durante la pandemia, tal y como nos narra: «pasé por una de las mayores depresiones de mi vida, perdí a gente y eso es al fin y al cabo, algo que te queda de por vida». Posiblemente, este sea el trabajo más sentimental compuesto por Ektomorf, y es por eso que lo han querido plasmar en este trabajo tanto en el lado instrumental como en la propia lírica de sus diez temas.

Le damos al play y nos encontramos con “I’m Your Last Hope (The Rope Around Your Neck)” en la que podemos observar una psicodélica intro para seguidamente, comprobar como la banda vuelve más fuerte que nunca, con un pesado riff y una lírica agresiva, la depresión por la que tuvo que pasar el líder y como su última esperanza, es la cuerda que rodea su cuello -haciendo referéncia al suicidio-, todo esto llevado de la mano de una batería a negras combinada al estilo Slam que nos deja claro que la agrupación del sur de Hungría sigue a la misma altura que en el año 2009 con su aclamado “Outcast”. 

En “Die”, las bpm suben significativamente para brindarnos un tema rápido manteniendo la agresividad del anterior al más puro estilo de sus inicios en 1993 con “Havok”, mezclado con un estribillo melódico y, como era de esperar, un parón en los últimos compases del tema para atacar con todo hasta el final. 

En tercera posición nos traen “Never Be The Same Again”, introducida por unas guitarras crudas y sintetizadas recordándonos a algunos a los dioses del groove Pantera, para seguir con un tema más técnico, con compases asimétricos y una mezcla de combinaciones rítmicas un tanto interesante pero nada nuevo, ya que esto lo hemos visto en las anteriores entregas de los de Mezőkovácsháza.

Hasta ahora, nos hemos topado con el factor que el grupo nos quiere transmitir, así como cita Zoltan: «Vivid Black representa mi trabajo más sombrío y enojado hasta la fecha.» comparte el líder de EKTOMORF: «No hay belleza ni atractivo en las canciones; este álbum explora el dolor, el odio, la ira y la decepción derivados de encuentros con personas desagradecidas. En este capítulo de mi vida, agravado por el oscuro momento de despedir a mi madre debido a una prolongada y dolorosa enfermedad, siento un profundo rechazo hacia este mundo. La luz parece haberse extinguido en mí. Vivid Black encapsula mi ser en su totalidad. Este disco será la expresión de mis emociones, cargado de toda la intensidad y furia que llevo dentro.» 

Los siguientes temas serán “Fade Away” y “You And Me” manteniendo la línea híbrida entre las partes extremas con su característico blastbeat y las partes más pesadas y groovies.

El tema homónimo “Vivid Black”, podríamos considerarlo como “más llevadero” en la parte inicial, aunque pesado durante el resto de la canción, siendo este uno de mis temas preferidos en esta recopilación de diez canciones.

En “The Best Of Me” observamos como Farkas habla sobre el tener importancia sobre uno mismo, ignorando la opinión o aceptación de los demás, acompañado por una combinación de riffs cogidos de la mano por una batería que nos hace desplazarnos hasta el lado del Nu-Metal.

Cerramos con “You Belong There” y “REM”, para zanjar este álbum la verdad que un tanto monótono desde fuera, pero si es observado con lupa, podemos llegar a entender el mensaje que nos quiere transmitir la agrupación de Hungría y podríais llegar a concordar conmigo con ser uno de los álbumes más personales de la banda.

Tras cuatro largos años sin sacar disco nuevo, los punk poperos alternativos Neck Deep vuelven este 2024 con su quinto álbum homónimo para confirmar porque son una de las mejores bandas de lo que se conoció la década pasada como “Sadboi Pop Punk” o “Tumblr Pop Punk”.

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Los de Wrexham ya dieron muestra de lo que se venía en esta nueva etapa cuando en febrero del año pasado lanzaron “Heartbreak of the Century” y ya cualquier duda que podría haber con la banda liderada por Ben Barlow se despejó de un plumazo gracias a este pildorazo enérgico y potente de punk pop moderno.

Pero como hay que escuchar los discos completos antes de juzgar, ya con el disco en la mano, podemos afirmar que Neck Deep han vuelto y por la puerta grande al género donde seguramente estén reinando junto a The Story So Far y State Champs, tras la desbandada de compañeros de generación como As It Is, With Confidence, Roam o la debacle absoluta de bandas anteriores a ellos como All Time Low.

El disco se abre con “Dumbstruck Dumbfuck” y ya ese riff a lo New Found Glory te pone en situación para coger tu skate, calzarte las Vans y la gorra y salir a disfrutar sin complejos del mundo, una absoluta delicia con aroma adolescente del 2000 y un Ben que sigue cantando como los ángeles dentro de su estilo y que enseguida lo reconoces aunque sea un tema nuevo de ND.

Por la misma línea camina “Sort Yourself Out”, con la cual es imposible no retroceder 20 años y pensar en la época cuando NFG, Blink, Sum, Mest, GC o The Movielife reinaban y eran el soundtrack diario de mi vida y que ahora Neck Deep han recuperado ese espíritu y lo traen al 2024 sin despeinarse y con la misma energía que antaño.

“This Is All My Fault”, nos trae ciertas reminiscencias de su clásico Life’s Not Out To Get You de 2015 pero con ese toque mejorado y actual que han adquirido Neck Deep con los años y un estribillo escrito en oro redondea otro de los momentos más destacados del disco.

La combativa “We Need More Bricks” y la más agridulce “Heartbreak of the Century”, nos muestran las dos caras de la banda galesa, mientras la primera es un ejercicio de como hacer buen pop punk en 2024 y no caer en la parodia con exceso de producción como es el caso de All Time Low (que no graban un buen disco desde hace por lo menos un lustro), en la segunda Ben hace una letra mucho más sentida donde aborda la salud mental y sus consecuencias como la ansiedad, la depresión y la tristeza interior, pero sin caer en el dramatismo de bandas como Dashboard Confessional o Jimmy Eat World, aunque siguiendo la línea compositiva de ambas.

El disco es un continuo vendaval de melodías y canciones infecciosas evidenciando que Neck Deep han vuelto a sus orígenes haciendo lo que mejor saben y configurando un disco directo, lleno de buenas canciones y que se pasa como un suspiro para el oyente.

Que haya sido producido por el bajista Seb Barlow, hermano de Ben, creo que no es casualidad y que entre todos han trabajado de manera cercana y sin distracciones, entregando quizás su trabajo más completo desde el ya mencionado Life’s Not Out To Get You” y que es desde ya uno de los mejores discos del año en cuanto a sonidos alternativos se refiere.

Neck Deep se reafirman como la banda líder de su generación y que a pesar de haber experimentado en sus dos últimos trabajos, creo que todos sabemos y ellos también que lo mejor que saben hacer son discos concretos y con grandes canciones y este quinto trabajo las tiene y de sobra.