A pesar de su tamaño, las Islas Feroe, situadas en un triángulo casi perfecto entre Islandia, Escocia y Noruega, no suelen ser el primer lugar que viene a la mente cuando se piensa en artistas que producen música moderna experimental con una marcada influencia escandinava. Fenómenos internacionales como Heilung y Wardruna, procedentes de Dinamarca y Noruega respectivamente, han dominado esa estética «vikinga» y «pagana», trasladando su rica herencia histórica a un estilo musical contemporáneo, aunque de raíces tradicionales.

Después llega Eivør, que debutó en el año 2000 con un álbum homónimo de inspiración jazzística que rápidamente se convirtió en un clásico local y dejó su huella en la escena musical de las Islas Feroe. Este éxito continuó durante los siguientes veinte años, a lo largo de los cuales la artista fue desarrollando un estilo y un sonido propios, evolucionando desde el indie y el jazz hacia propuestas más experimentales de pop y folk. Posteriormente, recibió el prestigioso encargo de componer la música para la serie de televisión sobre vikingos The Last Kingdom, para la que creó un conjunto de sonidos contundentes y perfectamente adecuados para una historia sobre vikingos y sajones. Desde entonces, ha seguido participando en proyectos audiovisuales con una marcada influencia nórdica, especialmente en los recientes videojuegos de God of War, que dejaron atrás la antigua Grecia para adentrarse en una historia tradicional de vikingos nórdicos, en sintonía con el sonido que había desarrollado para The Last Kingdom.

Esto marcó un alejamiento de su sonido anterior, acercándose a una propuesta técnicamente más elaborada, aunque todavía primitiva en su esencia. Sin embargo, el resultado sigue siendo inconfundiblemente suyo. Su último lanzamiento continúa explorando este sonido más oscuro y mitológico. Su anterior álbum, Enn, publicado en 2024, ya presentaba una atmósfera inquietante, cargada de misticismo y conflictos de dimensiones cósmicas. Con este nuevo trabajo, titulado Tungl —una palabra que deriva del nórdico antiguo y significa «Luna»—, la música adquiere un carácter luminoso, incluso celestial, que encaja perfectamente con su concepto.

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Esta simbología lunar queda claramente establecida desde el primer tema del álbum. Con la apertura de “And The Moon Cried”, el disco arranca con una composición contundente, cargada de sintetizadores y, por momentos, fuertemente distorsionada. Se trata de una balada con voces superpuestas de una belleza especial, todas interpretadas en feroés tradicional y combinadas con los hipnóticos ritmos de una caja de ritmos, creando un efecto que pone los pelos de punta. Este tipo de instrumentación suele encontrarse en el industrial, pero en este álbum se presenta con un sonido inusualmente limpio. Esta combinación tan particular atraviesa todo el trabajo. La canción siguiente, “Dragon Maiden”, presenta una atmósfera más luminosa y onírica, con voces mucho más presentes y deliberadamente situadas en primer plano, que ocasionalmente susurran al oído del oyente de una manera casi seductora.

Uno de los temas que más me atrapó personalmente fue “Verjugarðar / Walls”, con un sonido bellamente melancólico, aunque también bastante sensual. Aquí vuelven a destacar los bajos y los ritmos de batería, acompañados por sintetizadores de fondo y salpicados por una especie de lamento suave. La canción comienza con Eivør cantando en un registro más agudo, antes de descender a una tonalidad mucho más grave durante el estribillo. No puedo negar que ese cambio consigue dibujarme una sonrisa de inmediato. Puedo imaginar fácilmente este tema acompañando una escena de romance oscuro en alguna película o serie de fantasía romántica de tintes sombríos.

Sin embargo, justo cuando podría parecer que el álbum empieza a caer en cierta repetición, aparece “Spøkilsir / Revenants”, con un sonido dream pop que llena los oídos con voces más rápidas, luminosas y casi jazzísticas, interpretadas en un registro más agudo que aporta una variación interesante a la escucha. El uso de la guitarra en este tema también resulta especialmente satisfactorio, con un rasgueo que presenta un marcado aire western, muy evidente, sobre todo al escucharlo con unos buenos auriculares.

La primera mitad del álbum está interpretada íntegramente en feroés, de ahí los títulos de las canciones en feroés e inglés que hemos visto hasta ahora. La sexta pista, titulada “Healer”, rompe con esta tendencia y presenta los primeros versos cantados en inglés. Hasta el momento, es el tema que ofrece el sonido más épico. En su clímax, despliega un escenario sonoro muy amplio que parece envolver al oyente, situándolo en el centro de una auténtica ola sonora formada por cuerdas orquestales y pianos que avanzan lentamente y terminan por cubrirlo todo.

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Este paisaje sonoro orquestal continúa en “Eon”, que parece funcionar como una especie de segunda parte de “Healer”. No solo mantiene las voces íntegramente en inglés, sino que también retoma ese sonido orquestal. En esta ocasión, el piano ocupa un lugar destacado junto a la voz, respaldados por una serie de hermosas cuerdas y voces de acompañamiento. Aunque estas últimas presentan un carácter menos cinematográfico que las de “Healer” y optan por un sonido más pausado y cercano al pop, no resultan menos efectivas. Esta pequeña pausa de dos canciones funciona como un buen respiro antes de los siguientes temas. “Tann tú saknar / The One You Long For” recupera las voces en feroés y una sonoridad más pagana, incorporando esta vez no solo una mayor presencia de sintetizadores electrónicos, sino también unas imponentes campanas que resuenan en segundo plano durante el estribillo.

En el penúltimo tema, “Fangað / Trapped”, encontramos una colaboración familiar poco habitual, en la que participa la hermana menor de Eivør, Elinborg Pálsdóttir, conocida artísticamente simplemente como Elinborg. Es la canción más corta del álbum y también la que presenta una mayor carga electrónica, con voces distorsionadas y sintetizadores potentes y contundentes. Sin embargo, todo esto se combina con unos singulares jadeos vocales de acompañamiento y unos agudos lamentos que recuerdan a los de algún espíritu errante sumido en la tristeza. Como penúltima pista, es sin duda la canción más particular del disco y una de las que seguramente volveré a escuchar con mayor frecuencia en el futuro.

El álbum llega a su fin con “Everyone But Me”, un cierre que resulta casi decepcionante. Se trata de otra canción íntegramente en inglés, que recupera el piano pausado de “Eon” y unas voces sombrías que nos acercan nuevamente al estilo pop de Eivør. Su interpretación vocal, más potente y melancólica, destaca especialmente, acompañada por una segunda capa de voces que se mezcla con los brillantes elementos electrónicos presentes a lo largo del tema.

Considero que el álbum alcanza sus mejores momentos cuando Eivør se centra en las voces en feroés. Aunque disfruto igualmente de las canciones en inglés, estas destacan respecto al resto del material y, lamentablemente, no siempre por los motivos más acertados. A pesar de estas observaciones, sigo pensando que este álbum merece absolutamente la pena, especialmente para quienes disfrutan de la música más oscura, cargada de sintetizadores y dispuesta a explorar caminos diferentes.