En plena cuenta regresiva para su regreso a Sudamérica, Mikael Stanne, vocalista y miembro fundador de Dark Tranquillity, conversó con nosotros sobre la gira que celebra dos de sus discos más emblemáticos: The Gallery y Character. En una charla cercana y sincera, el músico repasó la energía de sus primeros años, el proceso creativo detrás de cada álbum, sus recuerdos de la escena de Gotemburgo y la influencia de figuras clave como Thomas Lindberg de At The Gates. Además, adelantó cómo vive el presente de la banda tras Endtime Signals y qué puede esperar el público argentino de este show único.

The Gallery revisa una época muy querida por tus fans. ¿Cómo percibes ahora la energía de esas canciones, en comparación con cuando las escribiste por primera vez?

Ayer lo viví de verdad. Ensayamos por primera vez. Los demás chicos no han estado en casa, pero ayer escuchamos un par de horas y me sentí muy bien. Me trajo muchos recuerdos y sentimientos de cómo era tener 20 años y escribir canciones por primera vez. Era la primera vez que cantaba en la banda y recuerdo lo increíble que se sentía y lo mucho que nos divertíamos. Pensábamos: “Sí, todo es posible”. Básicamente nos sentíamos invencibles. Teníamos 19 y 20 años cuando escribimos ese álbum y creíamos que nada podía detenernos. Ahora tenemos 30 años de experiencia y podemos tocar cualquier cosa, pero suena fantástico.
El set es increíblemente bueno. Suena mejor que nunca. No podría estar más contento. La gira comienza pasado mañana en Colonia, Alemania. Estoy un poco nervioso porque tengo que recordar canciones viejas que no canto hace mucho tiempo, pero va a ser súper genial.

¿Habrá canciones que no tocabas desde hace mucho tiempo?

O nunca, en realidad. Hay algunas que nunca hemos tocado y otras que no tocamos hace al menos cinco años. Todo es nuevo.

Decías que te sentías invencible, que podías hacer cualquier cosa. Pero después de 30 años has hecho una carrera muy sólida.

Exactamente, creo que es esa ambición y también la falta de conciencia de uno mismo. Simplemente dices: “Hagámoslo, podemos hacerlo todo”. Por eso suceden grandes cosas, porque no te cuestionas como cuando eres mayor. Algunos de los mejores álbumes han sido escritos por veinteañeros que no sabían nada mejor. Esa energía pura a veces da lugar a música increíble.

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Ahora todos conocemos la escena death metal sueca de Gotemburgo. ¿Qué recuerdas de ella y cuál crees que es la diferencia con ahora?

Sin duda, todo era nuevo. Cuando empezó, éramos solo unos críos. Cuando escribimos “The Gallery” yo tenía 19 o 20 años. Estábamos enamorados del metal extremo. Había una gran comunidad de amigos en Gotemburgo. Nos reuníamos en el autobús, hablábamos de música, compartíamos salas de ensayo y equipos. El aspecto comunitario y la amistad eran de las cosas que más me gustaban.

Lo bonito es que todos seguimos siendo grandes amigos. Todos los que estábamos en esta escena desde 1988 hasta ahora seguimos haciéndolo.

¿Algún recuerdo o algo que decir sobre el fallecimiento de Thomas de At The Gates?

Thomas fue la razón principal por la que existe una escena metalera en Gotemburgo. Él fue el primero y el más importante para todos nosotros. Estaba muy por delante, intercambiaba cintas, escribía sobre la escena y conocía a todo el mundo. Crecimos muy cerca. Lo conocí cuando yo tenía 14 años y él 16. Era la persona más importante en cuanto a cómo inspiraba a todos. Tenía una mentalidad muy abierta. Quería que todas las influencias fueran igual de importantes, pero al mismo tiempo era exigente y consciente de lo que escuchaba.
Se lo tomaba muy en serio, aunque nos divirtiéramos. Significaba mucho para nosotros. Es una pérdida increíble. Ha inspirado a tanta gente en todo el mundo que su legado siempre estará ahí, pero eso no lo hace más fácil.

Bueno, ahora vamos a hablar del álbum Character. Hay diez años de diferencia con The Gallery. Para mí es más crudo y feroz, al igual que el otro disco que revisitaran en la gira. ¿Cómo ves hoy ese álbum y cómo te parece mezclar esas canciones con las de The Gallery?

Va a ser un poco diferente y me encanta cómo quedó ese álbum. Fue el momento en el que empezamos a ser totalmente independientes, ya no necesitábamos que nadie nos enseñara cómo trabajar en un estudio. Aprendimos por nuestra cuenta para producir nuestros álbumes. Con Character lo conseguimos: “Este es nuestro álbum, suena como queremos“. Fue liberador. En 2004 fui padre y al mismo tiempo pasaron muchas cosas en la banda. Había mucha agitación, pero conseguimos salir adelante y hacer un álbum. Por eso creo que es tan emocional y, en cierto modo, disperso. Me encanta porque muestra lo turbulento que era todo cuando se escribió.
Una de las cosas que más me gusta de tocar canciones antiguas es intentar averiguar qué pasaba por mi mente mientras las componíamos. Además, tocar estas canciones me trae muchos recuerdos de antiguas giras, salas de ensayo y estudios. Aunque han pasado diez años, parece que ha pasado mucho más tiempo porque son totalmente diferentes.

¿Cómo crees que se combinarán las canciones de ambos álbumes en el set?

Vamos a dividir todo el conjunto en tres partes. Habrá una parte dedicada a The Gallery, otra a Character y otra en la que interpretaremos algunos de nuestros viejos éxitos. Todo estará muy separado. Empezaremos esta semana y veremos sobre la marcha.

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Bueno, estas giras van a Argentina y Latinoamérica. Ya has estado allí. ¿Qué recuerdos tienes?

Muchos recuerdos maravillosos. A veces es difícil recordar porque viajas casi todos los días y dormir es un lujo, pero ha sido increíble: gente maravillosa, multitudes increíbles, muy acogedoras. Cuando empezamos recibíamos cartas de fans de Latinoamérica. Finalmente empezamos a girar allí en 2001 o 2002 y nos dimos cuenta de que era real. Es increíble.

Cuando viajas de Europa a Sudamérica, con tanto calor, ¿cómo te afecta?

A veces es una locura. Pasas de una zona muy fría a un calor insoportable en un día y eso te puede afectar. El calor me afecta mucho. Soy escandinavo, así que tocar a 40 grados en plena luz del día es horrible. Quiero estar en una habitación fría con aire acondicionado cuando actúo para poder respirar. Pero nos las arreglamos.

Con este espectáculo, ¿qué quieres transmitir más allá del setlist? ¿Habrá algún elemento visual, sonoro o emocional diferente?

En Europa estamos haciendo un espectáculo muy ambicioso. No sé cuánto podremos llevar a Sudamérica, pero es algo muy clásico, algo que nunca hemos hecho antes. La idea es dividir el show en tres partes totalmente diferentes. Estoy emocionado. Lo evaluaremos cada noche y cuando vayamos a Sudamérica será perfecto.

En The Gallery hay canciones con voces femeninas. ¿Habrá algún invitado especial en los conciertos?

Lo hemos pensado. Hablamos de tener material pregrabado o invitar a algún artista, pero decidimos no hacerlo por ahora. Quizá añadamos canciones sobre la marcha, ya veremos. Es algo que hemos hecho en el pasado muy raramente.

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Con Endtime Signals recién publicado, ¿crees que el álbum es un capítulo cerrado o que aún tiene camino por recorrer en directo?

Nunca es un capítulo cerrado, pero creo que la gira de este álbum ya terminó. Dimos más conciertos con este álbum que con cualquier otro anterior. Ahora podemos hacer algo diferente, como subir al escenario y tocar canciones que no hemos tocado nunca. Después de esta gira empezaremos a componer un nuevo álbum.

¿Van a empezar a componer justo después de la gira o ya tienen ideas?

Sí, al menos empezar a recopilar material. Ya hemos empezado a hablar de ello y sabemos por dónde empezar. A principios del año que viene empezaremos de verdad.

Si tuvieras la oportunidad de hacer un proyecto que no fuera un álbum tradicional, ¿qué harías?

Martin y yo hemos hablado de que sería divertido hacer la banda sonora de un videojuego. Hacer música para un juego con nuestra estética. Nuestra música puede ser una aventura, así que puedes hacer lo que quieras con ella.

¿Cuáles son tus influencias a la hora de componer?

Durante mucho tiempo fueron los libros que leía los que influyeron en mi escritura, o la música que escuchaba. Pero creo que son sobre todo las cosas visuales las que me inspiran a hacer algo. Encuentras un videojuego con una estética increíble y eso me inspira a pensar: “Yo también quiero hacer algo creativo“.

Después de tres décadas, ¿Qué es lo que todavía te motiva a componer música heavy? ¿Cómo crees que evolucionará el sonido de Dark Tranquillity en los próximos cinco años?

Solo queremos evolucionar, seguir adelante y ser diferentes, pero también mantenernos auténticos. Lo que hicimos con Endtime Signals fue profundo y nos encantó. Sabemos que tenemos una nueva forma de componer y eso influirá en el próximo álbum. Aún no hemos empezado a hablar mucho sobre ello, pero estoy emocionado.

Para terminar, ¿quieres enviar un mensaje a los fans sudamericanos y europeos?

Estoy increíblemente feliz y agradecido de que todavía podamos hacer esto y de que haya gente ansiosa por vernos. Estoy súper feliz de que vayamos a celebrar estos dos álbumes juntos y de que podamos celebrar el hecho de haberlo hecho durante tanto tiempo. Ya estoy emocionado, aunque aún faltan tres meses.

Axel Fabricio Amaya entrevistó a Néstor Ávalos, artista mexicano que ha hecho portadas para bandas como Bloodbath, Blut Aus Nord, Moonspell, Varathron y un sin fin más, mientras presenta sus obras en el Candelabrum 2025 en México.

Con motivo del lanzamiento de Inner, el sexto álbum de estudio de los alemanes Der Weg einer Freiheit, charlamos con su líder Nikita Kamprad. Considerados uno de los grandes exponentes del black metal actual, no solo compuso la música y las letras, sino que también se encargó de la producción, la mezcla y el mastering.

Con muy buena onda y predisposición, Nikita nos contó en detalle el proceso creativo detrás de este nuevo trabajo, que define como su disco más personal y profundo hasta la fecha. Además, adelantó sus planes para llevar la música de la banda a nuevos territorios, incluyendo Latinoamérica.

Hola Nikita. Vamos a charlar del nuevo disco que estuve escuchando el finde. Me gustó mucho. Tengo un par de preguntas. Como es una exploración del mundo interior, ¿qué emociones, pensamientos o conflictos te inspiraron para componer este álbum? ¿Cómo se refleja eso en las letras?

Como dijiste, Inner es una palabra en alemán que para mí significa enfocarse, volver al yo interior, descubrir lo importante, meditar. Escribir este disco y las letras fue un proceso de descubrir cosas nuevas sobre mí. Cuando escribís hacés preguntas y profundizás. Tus pensamientos pueden adquirir otro significado al ponerlos en palabras. Escribir letras siempre es transformador. Este disco es muy profundo y personal porque vivimos en un mundo turbulento, con negatividad y manipulación por todos lados, sobre todo en el celular e Internet.

Pero hay un montón de cosas hermosas y analógicas: mirar por la ventana, ver un árbol, leer un libro o escuchar música. Siento que hoy los medios digitales nos distraen de lo importante y de lo humano, de las cosas reales que tenemos que trabajar por dentro y por fuera. Para mí la música es el mejor lugar para escapar y dejarme llevar. Eso fue clave en los últimos cuatro años cuando escribí este álbum.

El disco anterior fue en 2021. Fueron años intensos…

Con el ante último álbum estábamos en plena pandemia y todo el mundo pensaba: “¿Qué va a pasar ahora?”. Y después cada semana algo nuevo. Es un círculo vicioso del que tenés que salir. Creo que la música es ideal para eso.

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Hablemos de las letras y los temas. Algunos tienen títulos muy evocadores como “Xibalba”, “Martyr”, “Finister” o “Free”. ¿Cómo elegís los nombres de las canciones? ¿Hasta qué punto influyen esos títulos en el clima o la estructura musical?

Cuando arranco a componer siempre le pongo un título provisorio. La mayoría de las veces todavía no hay letra, la música viene primero. Pero trato de encontrar un título que encaje con la música. Con “Xibalba”, por ejemplo, viene de la mitología maya. Cuando empecé a componer sentí una emoción muy fuerte, la misma que me provocó uno de los riffs, que me llevó al recuerdo de The Fountain. Algunas partes de esa peli hablan de la cultura maya. En algún momento dije: “Ok, vamos a ponerle Xibalba a esta canción y ver cómo evoluciona”.

Fuimos a México en 2023 a tocar a un festival. Tobias y yo después recorrimos Yucatán, visitamos un templo maya en medio del monte, escuchamos la pre-producción de esa canción mientras manejábamos entre los árboles. Fue muy especial. Por eso dejamos “Xibalba” como título, le iba perfecto al tema. A veces los títulos surgen así, de manera muy intuitiva.

Vos también te encargás de la producción, mezcla y masterización. ¿Qué ventajas y desventajas tiene hacer todo vos, tanto lo creativo como lo técnico?

La ventaja es que puedo enfocarme en los detalles. El tiempo de estudio suele estar limitado por la guita. Acá atrás tengo mi propio estudio, que armé en 2021 en plena pandemia. Soy productor musical, tengo años de experiencia, mi sala y mi equipo. Pensé: “¿Por qué no hacerlo todo de punta a punta?”. Antes laburábamos con un productor o ingeniero externo y otro para mezcla y master. Esta vez sentí que podía hacerlo. Me llevó un año y medio de laburo continuo desde la composición, ensayos, grabación, mezcla y master.

La mayoría de las bandas no pueden, pero a mí me encanta producir. Lo hice y estoy muy orgulloso, aunque fue agotador. Después necesitaba un descanso.
Quizás la próxima vez sea distinto. No somos una banda que saque discos cada dos años sino cada cuatro. Ya veremos.

Tu música va de lo melódico a lo brutal, de lo atmosférico a lo abrasivo. ¿Cómo decidiste el equilibrio entre esos elementos en Inner? ¿Cuál fue el mayor desafío para lograrlo?

Para mí la música nunca es un concepto previo. No hay un plan maestro tipo “quiero algo brutal, algo frágil, algo limpio”. La música es un proceso muy intuitivo. La razón por la que nuestra música tiene tantos contrastes es mi propia naturaleza.

El nuevo disco no suena igual que el primero. Soy humano y cambio cada año. Cada vez que escribo un disco, cambia. El próximo también cambiará. No reinventamos la rueda pero siempre hay evolución.
Muchos nos dijeron que musicalmente volvimos a nuestros orígenes, que eran agresivos. Con Nocturne teníamos canciones más tranquilas y experimentales. Con este volvimos a un estilo más agresivo y directo.

Sí, pero también tiene momentos de calma y reflexión. Especialmente “Forlorn”, la última, que arranca muy tranquila. Además, es la unica cancion en inglés del disco. ¿Por qué decidieron cantar algunas canciones en inglés y otras en alemán?

En Noctvnr empezamos con “Immortal” porque el invitado era David de Devil’s Trade y no canta en alemán. Aprovechamos para explorar el inglés y ver cómo gustaba. Funcionó muy bien también en “Haven”. En el nuevo álbum “Forlorn” es otra en inglés porque la compusimos con Nicolas, nuestro guitarrista, que se siente más cómodo escribiendo en inglés.

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En Inner y también en los demás hay al menos una instrumental. ¿Qué papel tienen esos interludios en el álbum y qué aportan frente a las canciones con voces?

Desde el primer disco siempre fui fan de los temas instrumentales. Muchas de nuestras canciones tienen partes largas sin voz y siguen funcionando. Mi idea es que las canciones funcionen sin voz; la voz es la frutilla del postre. En el nuevo disco el instrumental es un puente entre “Fragment” y “Forlorn”. Siempre va a ser importante para nosotros poner el foco en los instrumentos.

Sé que hubo cambios de integrantes, especialmente con Alan Norrispour en el bajo desde este año. ¿Cómo influye eso en el sonido y la dinámica creativa del grupo durante la grabación?

Cuando compongo escribo las dos guitarras, el bajo e incluso la batería. Siento que la banda es como una pequeña orquesta y hay que componer cada elemento con el mismo peso. El bajo es fundamental; si lo sacás, la canción ya no funciona.

Estoy muy agradecido a los integrantes que tocan sus instrumentos. Antes yo grababa guitarras y bajo, pero ya no podía seguir. Por eso Alan se sumó. Ya nos ayudó con las guitarras en 2023 en una gira y lo conocemos bien. No sabíamos que también tocaba el bajo. Nuestro bajista anterior, Nicholas Ziska, fue papá y cambió sus prioridades. Hablamos todo con transparencia. Nicholas sigue en la banda y puede volver cuando tenga tiempo. Por ahora Alan es nuestro nuevo bajista y laburó impecable.

Entonces, ¿qué querés que el oyente se lleve después de escuchar Inner? ¿Hay alguna experiencia, reflexión o estado emocional que quieras provocar?

Queremos que la gente viva el disco entero. Que se tomen el tiempo, se pongan auris o un buen equipo y se metan en el viaje. No es música para tener de fondo en el laburo. Así se aprovecha al máximo. Eso es lo que la gente nos dice después de escucharlo y es re gratificante porque era nuestra intención.
No poder concentrarse en algo de más de tres minutos es uno de los problemas de nuestra época. Todo se volvió canciones rápidas y pegadizas. Nosotros no aceptamos eso. Queremos que nuestra música se viva como una obra de arte, no como algo descartable.

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Van a salir de gira para presentar el disco. ¿Qué podemos esperar de los shows?

Nos encanta tocar sets largos de 90 minutos. Es agotador pero re gratificante. Nos permite soltarnos por completo y creo que nuestros fans lo valoran. Tocamos todos los temas nuevos menos uno, más un par de viejos que rearmamos y les metimos nuevos efectos y sonidos. Incluso hacemos uno del primer disco con un estilo vocal renovado. Está muy bueno.

Esta gira no va a España ni a Dinamarca. ¿Habrá continuación este año? ¿Se van a anunciar más fechas para el año que viene?

Solo se anunciará una fecha más en diciembre. El año que viene estamos trabajando en muchos shows nuevos y queremos llevar este álbum a todos lados. Pero todos tienen laburo full time salvo yo. Siempre es complicado encontrar el equilibrio. Sería genial tocar en nuevos mercados como Latinoamérica. Me encantaría, quizá en 2026.

Tenés conexión con Argentina, especialmente con Los Males del Mundo. ¿Hay posibilidad de hacer una gira con ellos también en Europa?

Sí, ya lo pensamos. Tobias, Allan y yo también tocamos con Los Males del Mundo. Cuando podamos organizar una gira por Latinoamérica sólo tenemos que traer a Danny y al otro guitarrista. Necesitamos promotores que quieran hacerlo. También lo pensamos para Europa. Para mí y para Tobias sería agotador tocar con dos bandas, pero para una gira más chica, especialmente en Latinoamérica, lo podemos imaginar.

Eso estaría buenísimo. Bueno, creo que no tengo más preguntas. Muchas gracias por tu tiempo.

Gracias a vos. Quiero recalcar que valoramos mucho la dedicación de ustedes y el laburo que hacen en su revista y en los medios donde colaboran, así como a todos los colegas del palo. La mayoría no lo hacen por guita y es un laburo duro. Lo apreciamos de verdad. Es una gran ayuda para que bandas como la nuestra se den a conocer.

Me encuentro con uno de los creadores de la agrupación sueca, Eclipse, Magnus Henriksson guitarrista y una de las mentes creativas de la banda que también ha estado en W.E.T., nos habla un poco de su trayectoria y algo del futuro de Eclipse ahora que no tienen sello discográfico, todo esto gracias a su primera visita a México para el festival Candelabrum en su cuarta edición.

¿Cómo describirías el sonido de Eclipse y su evolución a lo largo de los años?

Cuando hicimos el primer disco era más aor, con los años, la banda ha progresado, tenemos más influencias, es más duro, más pesado, y tenemos más pop; tenemos más influencias en cada álbum, intentamos incorporar mucha música folklórica sueca.

Así que diría que, de ser el primer álbum, un género muy específico, ahora tenemos un sonido bastante amplio, con muchas influencias.

¿Podrías decirnos cuáles son las diferencias entre tocar hard rock en los 90, cuando empezaron con la banda, y ahora en 2025? 

Creo que hay una gran diferencia, cuando empezamos a casi nadie le gustaba ese tipo de música, todos decían: “¿Cómo demonios se puede tocar esa mierda?” y luego, alrededor de 2006, alcanzamos un auge considerable para ese tipo de hard rock melódico en Europa y especialmente en Suecia. 

Tuvimos una especie de resurgimiento en ese género; la gente empezó a escuchar hard rock melódico de nuevo y después, empezó a alcanzar su máximo esplendor, pero antes, era imposible.

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¿Cuál es el papel de la guitarra en la creación del sonido Eclipse? 

La guitarra es básicamente el instrumento más importante del sonido Eclipse, porque escribimos canciones con guitarra y nuestros temas están muy centrados en los riffs, ¿sabes?, creo que la guitarra es una parte fundamental del sonido Eclipse, sin duda. 

Tanto Erik Mårtensson como yo escribimos canciones para Eclipse y somos guitarristas, así que pensamos como guitarristas cuando escribimos música, la guitarra es fundamental en nuestro sonido. 

¿Has colaborado alguna vez con otras bandas o músicos? ¿Puedes contarnos tu experiencia? 

Sí, he colaborado con muchas otras bandas y músicos, cuando no estoy tocando en Eclipse, a veces toco la guitarra en una banda llamada Tiamat, no sé si has oído hablar de ellos.

Sí, por supuesto.

Pero no soy un miembro fijo de la banda, pero a veces toco en vivo con ellos, como un músico a sueldo, es bastante diferente a tocar con Eclipse, es un sonido totalmente diferente, una música totalmente diferente y todo, me encanta eso, porque es algo único, Eclipse está muy centrado en los riffs, es una música muy positiva y enérgica y Tiamat es música muy, muy oscura, profunda, un poco depresiva y melancólica, lo cual es un buen contraste, así que me encanta hacer ambas cosas.

¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con Frontier Records y qué relevancia ha tenido Frontier Records en la carrera de Eclipse?

Realmente empezaron con el lanzamiento de nuestro segundo álbum, “Second to None“, ese fue el primer álbum que hicimos con Frontier Records, porque Marcel Jacob escuchó nuestras canciones y le gustaron, ¿si recuerdas a el bajista de Talisman? 

Sí, increíble músico, la base creativa de Talisman y otras bandas..

Cuando la escuchó, pensó: “Creo que conozco una discográfica a la que le encantaría“, envió nuestra maqueta a Frontier Records, y gracias a Marcel Jacob, firmamos con ellos, creo que tuvimos una buena colaboración, pero es hora de seguir adelante, han hecho todo lo posible por ayudarnos.

Creo que ese sello ya no nos queda, así que, por ahora, no tenemos ningún sello, porque nuestro contrato con ellos ha terminado, así que, por ahora, no sabemos cuál será nuestro próximo sello discográfico, tuvimos una buena racha con ellos durante muchos, muchos años. 

W.E.T. es una super banda, y está al mismo nivel que muchas otras. ¿Han pensado en seguir con el proyecto durante muchos años? 

No lo sé, no hemos dado muchos conciertos, hicimos unos pocos, no sé cuántos, pero la verdad es que no tenemos tiempo para invertir en esa banda, porque, como todos saben, Jeff Scott Soto tiene miles de otros proyectos en marcha y ahora pasamos todo el tiempo con Eclipse y no sé qué está haciendo Robert Säll ahora mismo, pero está ocupado con su trabajo.

W.E.T. es desde el principio una banda de Frontiers que formó Serafino Perugino como un supergrupo, así que no veo que W.E.T. continúe, quizás otro álbum, no lo sé, pero ahora ya no trabajamos con Frontiers, no estoy seguro.

Que mala noticia.

Puede que haya otro álbum de W.E.T., no estoy seguro, nunca digas nunca, nunca digas nunca, pero no estoy seguro de ello.

¿Cómo fue la historia de W.E.T. para crear este proyecto? ¿Es solo para Frontiers Records? ¿O cada músico dice: “Oye, quiero tocar contigo”?

No. 

¿La idea es solo para Frontiers? 

La idea surgió de Serafino de Frontiers, quería formar un supergrupo, quería que Erik y Robert Säll de Work of Art, compusieran las canciones y quería que Jeff Scott Soto fuera el cantante principal.

Luego tuvimos que formar una banda, así que Erik me pidió que fuera el guitarrista principal, luego le pidió a Robert Bäck que fuera el baterista, así surgió W.E.T. 

Como guitarrista, ¿qué técnica o aspecto creativo has desarrollado a lo largo de tu carrera con Eclipse?

Wouuuu, cuando escribes un solo de guitarra, intentas hacerlo lo mejor posible y a veces, cuando intentas grabar un solo para un álbum, tocas por encima de tu nivel, intentas tocar mejor, intentas superarte, diría que cuando grabo un solo de guitarra para Eclipse, intento hacer algo que nunca antes había hecho, al grabar es posible porque te exiges a ti mismo.

Puedes hacer punch-in, eso me ha ayudado mucho a tocar y grabar con Eclipse a lo largo de los años, porque siempre te exiges a ti mismo para ser mejor al grabar un álbum, diría que he desarrollado muchas técnicas nuevas grabando con Eclipse.

Todo se siente natural para mí, porque tocamos las canciones en vivo todo el tiempo, pero cuando las grabé, pensé: “Oh, esto es… ¿cómo voy a hacerlo?”. Es muy difícil. Pero ahora lo llevo en la sangre, así que puedo hacerlo.

Dime tus 3 discos de hard rock favoritos de toda tu vida.

Bueno, depende de qué… Bueno, AC/DC es hard rock, ¿verdad? 

Sí, claro. 

Bueno, entonces diría “Highway to Hell“ de AC/DC, es mi banda favorita de todos los tiempos.

¿Y Scorpions? ¿Son metal o hard rock? 

Cambia con la época, pero es hard rock.

Estoy de acuerdo, no es realmente metal, nunca fueron metal, fueron una influencia para las bandas de metal, pero no creo que sean metal, así que diría Scorpions con su disco “Blackout“. Scorpions también es una de mis bandas favoritas de todos los tiempos.

Y en tercer lugar, diría Deep Purple, “Made in Japan“. 

Por favor, dime algo para que la gente lea nuestro sitio web, Track to Hell.

Amigos de habla hispana, los queremos a todos, es la primera vez que tocamos en México, es un sueño hecho realidad para nosotros, en serio que lo es. Hemos estado en España muchas veces, España siempre nos ha apoyado desde el primer día, la primera vez que tocamos en Madrid, tuvimos un lleno absoluto y nos han estado apoyando desde entonces. Solo tocamos una vez en Argentina, fue el año pasado en Buenos Aires, tuvimos una recepción fantástica y un concierto increíble.

En Track To Hell conversamos con Cris Frederiksen, fundador de la banda danesa Svartsot, acerca del lanzamiento de su nuevo disco Peregrinus y todo lo que hay detrás de su sonido y temática.
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1) ¿Qué te llevó a querer profundizar en el tema central del nuevo álbum sobre las Cruzadas?

En realidad era una idea que tenía en mente desde hace mucho tiempo, aproximadamente desde 2015. Originalmente planeaba que el álbum tratara sobre las cruzadas danesas en la región del Báltico a finales del siglo XII y principios del XIII. Pero cuando empecé a escribir música para el sucesor de Kumbl a mediados de 2022, retomé algunas ideas antiguas basadas en escalas árabes, y el primer tema en el que trabajé (“Neglentia”) prácticamente se escribió solo. Así que decidí que el disco debía tratar sobre las cruzadas en Tierra Santa. Me pareció un experimento interesante y un reto intentar incorporar un sonido árabe en algunos temas.

2) ¿Qué diferencias encuentras entre este álbum y los anteriores?

Creo que siempre ha habido una progresión clara desde el estilo muy simple de los dos primeros discos, añadiendo elementos más progresivos en los siguientes dos. Kumbl (quinto álbum) fue diferente porque fue un experimento con canciones populares antiguas y baladas medievales reinterpretadas, pero ese disco no sería el mismo sin los dos anteriores.
Así que Peregrinus retoma un poco donde dejamos Vældet (cuarto álbum), pero con incorporaciones de música tradicional árabe y también tomando prestadas algunas melodías medievales antiguas, algo que nunca habíamos hecho antes de Kumbl. Por ahora hemos terminado de usar melodías tradicionales, al menos en un futuro próximo.
En general creo que este disco es más maduro y oscuro que los demás. No tan alegre como los dos primeros, quizá no tan progresivo como Vældet, pero ciertamente con más experimentación. También creo que representa la dirección que seguiremos de ahora en adelante.

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3) ¿Qué te llevó a incluir sonidos orientales en este trabajo?

En parte ya lo he respondido. “Neglentia”, la primera canción que escribí para el álbum, surgió de ideas basadas en escalas árabes, lo que llevó a elegir el tema concreto del disco. Después fue necesario incluir más canciones con ese tipo de sonido para encajar con la temática, así que incorporé escalas árabes en partes de “Simplicitas” y tomé elementos de una canción popular árabe llamada “Al Nedda” para “Spiritualitas”. Estos elementos encajan con la atmósfera de la historia que contamos en el álbum.

4) Su nombre, Svartsot, significa “enfermedad negra” en danés antiguo. ¿Cómo se relaciona ese concepto con los temas del disco, especialmente las Cruzadas o los conflictos históricos?

Nos llamamos Svartsot desde 2005 y el trabajo en este disco empezó en 2022, es decir, 17 años después. Así que no hay conexión entre nuestro nombre y el concepto del álbum.
Mucha gente cree que el nombre se refiere a la peste negra, tema del tercer disco Maledictus Eris, pero no es así. “Svartsot” es un término antiguo para una enfermedad grave del hígado (conocida históricamente como ictericia negra en inglés) causada por cirrosis o hepatitis, en la que el hígado ya no procesa bien la bilirrubina y la piel se vuelve negruzca antes de morir. Esto puede ser resultado de beber demasiado durante mucho tiempo, así que nos pareció un nombre bastante apropiado para una banda de folk metal con influencias de death metal melódico.

5) En su formación tienen instrumentos como flauta, whistles, mandolina, gaita sueca, etc. ¿Cómo deciden qué instrumento folk encaja con cada canción — y hay alguno que aún no hayan usado y les gustaría incorporar?

Usamos mandolina, tin whistles y gaita. Probamos con el acordeón en el segundo álbum (Mulmets Viser de 2010), pero sentimos que no funcionaba para nosotros y lo dejamos. La mandolina y los whistles han sido parte de nuestro sonido desde los primeros días; la gaita se sumó en el tercer álbum y desde entonces no hemos cambiado mucho la variedad de instrumentos.
Para este disco añadimos un whistle especialmente fabricado para poder tocar la escala árabe en “Spiritualitas”, ya que un tin whistle estándar no puede hacerlo. He visto comentarios que dicen que usamos sitares en este álbum, pero no es cierto: fue un uso experimental de guitarras acústicas, una de ellas muy mal entonada.
Básicamente dejo que la melodía decida qué instrumento folk usar. Algunas melodías simplemente suenan bien en un instrumento en particular, o mal en otro. Algunas no pueden tocarse en gaita, por ejemplo, porque tiene un rango limitado. La mandolina es más fácil de adaptar pero no siempre tiene el sonido adecuado para un tema. Así que la propia canción dicta qué instrumentos van mejor.
En cuanto a otros instrumentos, estamos abiertos a experimentar y no creo que haya límites mientras encajen con la canción. Quizá incluso incluyamos nuevos instrumentos en el material en el que estoy trabajando ahora.

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6) Dado que sus temáticas están muy ligadas a la historia (folclore danés, guerras, etc.), ¿cómo equilibran la precisión histórica con la creación artística? ¿Hasta qué punto se permiten inventar o reinterpretar sin traicionar el pasado?

Tratamos de ser lo más fieles posible a la historia e investigamos mucho antes de escribir las letras. Pero también debe ser una buena historia, así que tomamos algunas licencias artísticas.
Sin embargo, este es el primer disco en el que nuestro vocalista, Thor, se ha encargado completamente de las letras, así que quizá haya más libertades artísticas que en los anteriores, donde yo tenía más peso en la escritura. Un buen ejemplo —aunque no es nuevo para nosotros— es la pérdida de religión del protagonista. Esto habría sido casi impensable para una persona medieval, pues significaba excomunión, quedar fuera de la sociedad y casi seguro morir. Hemos tomado un proceso de pensamiento muy moderno y lo hemos aplicado al personaje principal, aunque solo en la parte final de la historia, cuando muere. ¿Tal vez esto sí podría ser concebible para una persona medieval?

7) ¿Qué planes tienen para el futuro? ¿Alguna gira o algo que quieras compartir?

Tenemos algunos conciertos aquí en Dinamarca a principios del próximo año, y nuestro agente internacional está trabajando en planes, pero no podemos anunciar nada concreto todavía. Aparte de eso, estoy trabajando en nuevo material. Por lo demás, solo esperamos que a la gente le guste el nuevo disco y poder salir a tocar fuera de Dinamarca para presentarlo tan pronto como podamos.

Con más de una década al frente del black metal sinfónico extremo en Argentina y el continente, Mortuorial Eclipse se prepara para dar un paso crucial en su carrera: una gira por Europa que los llevará a escenarios donde su música ya resuena desde hace tiempo, pero que por distintas razones no habían podido pisar hasta ahora. La banda, conocida por su potencia escénica, su elaborada propuesta sonora y visual, y su enfoque casi ceremonial del metal extremo, se encuentra en plena cuenta regresiva para una travesía que promete dejar huella.

Antes de embarcarse en este esperado tour, hablamos con ellos sobre las expectativas, los desafíos de llevar el metal extremo argentino al otro lado del Atlántico, las diferencias entre públicos, y lo que se viene para el futuro del grupo. Esto fue lo que nos contaron.

—Buenas a todos en Mortuorial Eclipse, y muchas gracias por darnos su tiempo para esta entrevista. ¿Cómo vienen todos en la banda?

Hola, Gracias por el espacio! Bien, super ansiosos por comenzar este nuevo tour por Europa, una empresa que nos ha llevado mucho trabajo y finalmente puede es un hecho.

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—Este mes que viene van a estar girando por Europa. ¿Cuáles son las expectativas con respecto a este viaje? ¿Cómo sienten la espera?

Nuestra a visita a Europa era una gran deuda que arrastramos desde hace bastante y en lo particular España, hemos colaborado en el pasado con sellos locales por lo que la banda tiene una base de seguidores de mas de 10 años así que con muy agradecidos y expectante para aplastar la península. 

—¿Hay algún destino en Europa al que sientan muchas más ganas de volver?

De los pasados tours nos hemos llevados muy buenas experiencia por lo que realmente es difícil definir solo un lugar, pero definitiva son mas los que nos quedan por conocer y a eso venimos, no hemos tocado nunca en los países que forman parte de este tour.

—¿Qué diferencia ven entre tocar en los escenarios argentinos y los europeos? Sobre todo en lo que se refiere a público.

Depende en que parte de Europa estemos, iberia y los países del este europeo quizás son bastante similares a Latinoamérica en cuanto a la respuesta del publico y a la forma de vivir el metal extremo mientras que el publico de Europa central puede percibirse mas “frio” inicialmente pero con una convicción y pasión enorme. La escena obviamente esta mucho mas desarrollada y geográficamente es mucho mas simple y ágil que en Sudamérica donde las distancias son enormes y la escena extrema fuera de las bandas mainstream solo tienen cabida en el underground. 

—No hay muchas bandas argentinas que puedan girar por Europa, o al menos no que puedan hacerla a una escala y frecuencia como la de Mortuorial Eclipse. ¿Creen que el estilo de black sinfónico de la banda tenga mayor aceptación entre el público europeo?

Estamos a punto de comprobarlo, es muy difícil y caro para las bandas latinas ingresar al circuito europeo y mas aun ser tenidas en cuenta en los grandes festivales lo que realmente es una pena por que las propuestas son muy buenas e innovadores. En cuanto al genero, creo que la cultura del metal en Europa permite que géneros experimentales tengan mas aceptación que en lugares donde se encasillan mas en los géneros tradicionales. es un gran desafío. 

—¿Cuáles son los planes para después de la gira europea?

Hay mucho material en etapa de producción y luego de nuestro retorno planeamos finalizar las composiciones y grabar durante los primeros meses de 2026. El tour es un momento donde mucha musical decanta y nuevas ideas se materializan así que nos gusta aprovechar esa inercia.

—¿Cómo viene el trabajo con respecto al tercer álbum?

Mas demorado de lo que esperábamos pero disfrutando el proceso, no tenemos apuro realmente aunque ya se acumula nuevo material y es inminente liberar nueva música .

—¿Qué tienen para decirle a los fans que los van a ir a ver a sus conciertos en Europa?

Vamos a por ellos! Visitar Europa y especialmente España ha estado en las prioridades de la banda por largo tiempo y recién este año de la mano del equipo de Aurum Booking pudo llevarse a cabo. Es muy complicado para bandas extremas de Argentina hacer este tipo de cruzadas por lo que el publico encontrara propuestas muy aguerridas y con sed insaciable por aniquilarlos y mostrar lo que tienen. Esperamos verlos ahí!  

Con motivo de su aparición en el Stone Fest en Asturias, el festival que tuvo a Oviedo vibrando con el metal el 5 y 6 de septiembre, pudimos hablar con Oliver König y Klara Bachmair, bajista y violinista del combo alemán de black metal Firtan, que fueron parte de la lista de bandas junto a gente como Mars Red Sky, Totengott y Voul. Además de hablar sobre este festival, nos contaron sobre el presente de Firtan, su futuro y lo que mueve a la banda.

—¡Hola Oliver! Me gustaría empezar esta entrevista agradeciéndote por prestarnos un poco de tu tiempo, ya que debes estar bastante ocupado. ¿Cómo van las cosas con Firtan en este momento?

Oliver: ¡Las cosas van muy bien! Acabamos de regresar de tres grandes festivales veraniegos y sentimos que nuestros shows resonaron con mucha gente que recién está conociendo nuestra música. Además, actualmente estamos terminando de componer nuestro próximo álbum, lo cual nos tiene muy entusiasmados.

—Hablemos un poco de Firtan. Sabemos que la banda lleva activa década y media, pero también pensamos que este estilo de black metal (y el black metal en general, obviamente) puede ser un género bastante de nicho, incluso cuando hablamos de sus bandas más grandes. Así que puede haber gente leyendo esta entrevista que quizás no los conozca. ¿Cómo les gustaría presentar Firtan a ellos?

Klara: Nos inspiramos en la energía cruda de las bandas de black metal de los noventas. Sin embargo, nuestro sonido ha evolucionado hacia algo más progresivo. Nos gusta jugar con la tensión entre la agresión y la melancolía, incorporando el violín como un elemento recurrente.

—Tener sus canciones en alemán puede hacerlas bastante crípticas para mucha gente. ¿Cómo describirían los temas detrás de las canciones de Firtan?

Klara: Nuestras letras salen de las influencias filosóficas y literarias (por ejemplo Friedrich Nietzsche, Thomas Mann, Rainer M. Rilke). Los temas tratan acerca de la lucha del individuo con su mundo interior, pero también dentro del contexto más amplio de la humanidad.

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—En un par de semanas van a estar tocando en el Stone Fest en Asturias. ¿Cuáles son sus expectativas acerca de este concierto? Si no estoy equivocado, esta va a ser la primera vez que van a estar tocando en España.

Oliver: Estamos esperando con muchas ganas nuestro debut en España. Yo ya he tocado varios conciertos como músico de sesión en España con Finsterforst. También planeamos quedarnos más allá del festival para explorar las montañas cercanas, así que estamos muy entusiasmados por eso también.

—¿Cómo describirías un concierto de Firtan como experiencia? ¿Qué debería esperar la gente al verlos en vivo sobre el escenario?

Klara: Nuestra música contiene un torrente de emociones cambiantes, e invitamos al público a experimentarlas con nosotros. Nos movemos entre una agresión extática y pasajes melancólicos. Transmitir estas emociones al público y vivirlas juntos es esencial en lo que hacemos.

—¿Dónde les gustaría tocar por primera vez?

Oliver: Probablemente en Noruega… Nos gusta mucho la naturaleza de allá.

—¿Qué sigue para Firtan? ¿Cuáles son sus planes para el futuro?

Oliver: Como mencioné, estamos trabajando en un nuevo álbum y habrá algunas giras próximamente. Estamos muy emocionados por el año que viene y por ver a muchos en el camino.

—Muchas gracias Oliver por esta entrevista. Para cerrar, ¿qué te gustaría decirle a la gente que los verá en el Stone Fest 2025 en Asturias?

Oliver: Agradecemos que le den una oportunidad a nuestra música!

El Otro Humano es una banda emergen de groove metal de Bahía Blanca, ciudad portuaria argentina. Recientemente sacarón su primer material en formato EP Acción Imperfecta y pronto se haran con su segunda presentación en vivo en el KillFest 4ta edición, junto a Cromatismos, Storbo y la banda Nacer Mvuerto desde la ciudad capital. Para conocer un poco más de este nuevo proyecto charlamos brevemente con Agustín Saccone, guitarrista de la banda y esto fue lo que nos dijó.

¡Hola Agustín, gusto en saludarte! Espero te encuentres bien. Después de muchos contratiempos parece que El Otro Humano arrancó con todo. Entonces, para empezar…

¿Querés contarnos un poco cómo surgió la banda? ¿Quiénes la forman?

Hola, Leo. Un gustazo estar en contacto con vos y Track to Hell otra vez. Antes que nada, quiero agradecerles por el espacio y el interés de su parte con las bandas.

La música de El Otro Humano se viene gestando desde hace varios años. Durante la pandemia, entre 2020 y 2021, estuvimos componiendo por separado sin imaginar que más adelante esas canciones estarían en plataformas para escuchar o serían tocadas en vivo.

Por un lado, Gonzalo Torres (batería) y Martin Saccone (voz y bajo) pasaron mucho tiempo en la casa de Elías trabajando las primeras maquetas. Por otro lado, yo pasé mi último año de estadía en Bs. As. (2020) componiendo canciones para un proyecto solista.

La realidad es que somos amigos hace mucho tiempo y con Martin somos hermanos, entonces, al encontrarnos en la ciudad (2021), vimos la oportunidad de juntar el tipo de mentalidad musical/creativa que tiene cada uno de los tres en una sola identidad que es la que marca hoy a El Otro Humano, la cual, por supuesto, irá mutando y evolucionando con el tiempo.

Los ensayos serios comenzaron a principios de 2024. Estuvimos mucho tiempo pensando inteligentemente qué tipo de banda queríamos tener y cómo iba a ser proyectada. Fueron casi cuatro años de componer, escuchar, trabajar, probar, practicar, aprender cosas nuevas, soltar creencias subjetivas que no suman, pensar distinto, irse, volver, mutar, cargar y disparar.

En mayo de este año (2025) contamos con una sola, pero muy intensa, presentación en vivo donde tocamos las tres canciones de nuestro primer EP Acción Imperfecta y el resto de nuestras canciones. Esa noche también tocamos cuatro canciones de Lamb of God donde Elías se sube como invitado a cantar Omerta, Laid to Rest, Redneck, y Ruin. En este momento nos encontramos ensayando para nuestra segunda presentación en el Festival de Metal KILLFEST.

La formación actual de El Otro Humano es: Gonzalo Torres (batería), Martin Saccone (voz y bajo) y Agustin Saccone (guitarra y coros).

¿Qué bandas o artistas toman de referencia o influencia a la hora de construir su música?

Hablando por mí, dejé de sentirme influenciado por la música de los demás hace varios años. Escucho lo que hago, y prefiero encontrar inspiración en lo que me pasa, siento y razono como ser humano en razón de un propósito definido.

No puedo responder por mis compañeros de banda, pero estoy seguro de que les pasa algo parecido. Obvio que escuchamos música a diario como cualquier persona necesita, y me sería imposible detallar de manera breve todas las vertientes que escuchamos.

Nos gusta mucho la música cargada de energía, groove y emociones. Si tuviese que mencionar tres bandas serían: System of a Down, Iron Maiden y Babymetal, y como referencia singular: la banda alemana Knorkator, por su enfoque impredecible.

En Track To Hell ya reseñamos su reciente y primer EP Acción Imperfecta, que demás está decir resulta en un tremendo debut. Contanos un poco sobre la producción ¿Fue desarrollada por ustedes mismos o cómo se llevó a cabo? ¿Hubo colaboración externa?

Primero que nada, ¡muchas gracias por escucharlo y por las palabras! Nos alegra un montón que al día de hoy nos sigan llegando buenos comentarios sobre nuestro primer trabajo de estudio.

Todas las canciones están escritas por nosotros tres, aunque fragmentos de canciones y letras se comenzaron a trabajar, como comenté antes, en la casa de Elías, quién trabajó en las primeras composiciones aportando letras y criterio musical.

Al día de hoy contamos con más de 20 canciones propias, de las cuales elegimos las tres que más definidas estaban a la hora de grabar nuestro primer EP. Esas canciones son: “Yo soy solo”, “Al dependiente” y “El tercer mundo”. El resto de canciones todavía está en proceso de producción para poder lograr la mejor versión de las canciones; unas forman parte de nuestro repertorio en vivo, y las otras se siguen trabajando detenidamente.

Las baterías fueron ejecutadas por el baterista, grabadas por Jorge Ludueña en Sala XIII con la asistencia de Diego Martínez, guitarrista y cantante de Nacer Muerto. Los instrumentos y las voces se grabaron de manera autodidacta en el homestudio de la banda.

Dí con la banda por casualidad al verlos en el flyer de lo que iba a ser mi primer cobertura, el recital de Horcas suspendido, que bueno…también iba a ser su primer show tocando. ¿Vieron afectada su labor musical por la inundación? ¿Tuvieron que postergar la salida o grabación del material?

A diferencia de un montón de personas que atravesaron un momento fatal con la inundación a principios de este año, nosotros no sufrimos pérdidas materiales ni familiares ni tampoco tuvimos que postergar nuestros planes.

Y a pesar de todo, ahora sí se viene el debut, en el KillFest 4, con los chicos de Nacer Muerto. ¿Qué tenés para contarnos de este próximo show? ¿Van a estar presentando nuevas canciones?

La banda se presentó por primera vez el pasado 10 de mayo en So Fresh junto a las bandas Doctrine of Death, y Maiden Madness.

El próximo show será el 19 de septiembre participando del KILLFEST en su cuarta edición. Es un festival que se viene construyendo desde 2016, cuando comenzó siendo un encuentro de músicos que rendían homenaje a sus bandas preferidas. Con el tiempo, el evento creció y fue tomando identidad propia.

Hoy, por lo menos en esta edición, todas las bandas apuestan por lo suyo con canciones propias. Obviamente, a todos nos gusta dar sorpresas y más aún dentro de un evento que comenzó rindiendo tributos.

Estamos muy contentos de compartir esta fecha tan importante con Nacer Muerto, Cromatismos y Storbo. Vamos a tocar las canciones de nuestro primer EP, también canciones nuevas, y algunas otras que conocemos bien.

Si bien Bahía Blanca es una ciudad grande y con mucha historia y cultura metalera, no deja de ser cierto que en Argentina cuanto más alejado de la capital estás, más difícil se hace sostener una agrupación. ¿Qué dificultades percibís vos como músico para llevar adelante una banda de metal acá en Bahía? ¿Qué crees que le falta a la ciudad?

La dificultad de sostener una agrupación es por mentalidad y no por ubicación o por factores económicos. Hoy en día te podés hacer ver y escuchar desde cualquier lugar del mundo. Podés tener una banda donde sea. Ahora bien, que a esa banda le vaya bien o perdure en el tiempo tiene que ver más con cómo encara la realidad donde está situado el proyecto y cómo se encuentran con ellas mismas las personas en ese momento.

El problema suele ser: ¿qué propósito tiene tu banda? Si pudieses armarla en el lugar donde más te gustaría estar, ¿cómo te iría? ¿Tenés un plan? Las bandas sin propósito definido suelen durar alrededor de 4 o 5 años en el mejor de los casos, y digo “en el mejor de los casos” porque hay bandas que están hace 30 años pero en realidad duraron 3.

Yo creo que lo único que falta es mentalidad y saber pararse en el tiempo. Veo mucho talento sepultado por falta de esa mentalidad correcta para hacer perdurar algo a través de los años y a la vez crecer para no estancarse siempre en lo mismo.

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Lamentablemente, hay muchas bandas creyendo que porque algo funcionó hace 10 o 20 años, también funcionará hoy en día y ese es uno de los peores errores que una banda puede cometer. Además, sucede que las bandas en el fondo no quieren crecer. Te puedo asegurar que si existiese un manual definitivo para tener éxito con una banda, la mayoría de los músicos lo rechazarían porque ese manual atacaría sus sistema de creencias y trataría de derrocar lo que ellos creen que es correcto y verdadero para sus bandas, lo cual casi siempre es todo lo contrario.

¿Cuidar el patrimonio? ¿Invertir dinero? ¿Dejar de gastar plata en cosas que no necesito para vivir? ¿Proyectar la banda hacia los que todavía no me conocen y no para mis amigos de siempre? ¿Juntarnos para producir? ¿Dejar de comer, consumir y contar historias nostálgicas en las horas de trabajo? Son algunas de las preguntas que a todo músico le incomodaría preguntarse.

Desde que tengo 15 años, advierto que los músicos (o la mayoría) usan la música como excusa para un propósito distinto que nada que ver con CREAR: socializar, consumir, perder el tiempo, no pensar, criticar, competir, y encontrar en formaciones similares los motivos suficientes para reforzar todo lo que uno cree correcto y verdadero. Es como cuando una comida no está sabrosa y buscás en tu cabeza una razón para disfrutar del plato.

Me canso de ver (y esto es una condición humana y no particularmente musical) es como las personas están en descontento por lo que sucede alrededor de ellas pero no hacen más que quejarse. Te pongo el ejemplo más común de todos: pegarle al gobierno de turno. ¿Qué tiene que ver eso con lo que pasa en tu banda? Si todo fuera como deseás, ¿le iría bien a tu proyecto? La gente se queja porque el aire es gratis y no tienen ni idea de qué modelo de país quieren o simplemente la van de “rebeldes antisistema”, lo cual me parece muy berreta.

Viven en una casa de 10 ambientes y les encanta quejarse porque las cosas no son como ellos quieren. Parecido a quienes culpan su fracaso a que otras bandas pagan para telonear a grupos de afuera. ¿Qué tiene que ver una cosa con la otra?

Cuestión importantísima: un músico es 50% arriba del escenario y 50% abajo del escenario. Lo que dejás abajo del escenario tiene que coincidir con lo que mostrás arriba. Si no sos una persona que no deja una buena experiencia luego de compartir palabras, ideas, o argumentos, ¿por qué esperás que una audiencia te siga o te aplauda?

Otro punto: si no sos oyente de lo que creás, ¿por qué esperás que otro lo sea? Basta de ensayo monótono y repetitivo, las bandas deberían juntarse a escuchar lo que hacen y reflexionar sobre si realmente vale la pena ser escuchado. Invito a revisar los discursos que repetimos. Si decimos que en Bahía la gente no va a los recitales, ¿por qué esperamos que suceda lo contrario? Si decimos que el bahiense es de determinada forma, ¿a dónde vamos a llegar con esa idea?

Deberíamos agradecer que Bahía Blanca es una ciudad grande, con gente interesada en la música. La dificultad hoy es lograr que esa gente salga de su casa y asista a los recitales. Siempre fue difícil y seguirá siéndolo porque se necesita algo más complicado de conseguir que plata, mentalidad o residir en la ciudad más metalera del mundo: la atención de las personas.

Por último, falta música, ¡y mucha! Es increíble como las bandas dejan pasar los años y no publican nuevas canciones o directamente no publican nada. Luego sucede que el público ya no quiere salir de su casa para escuchar lo mismo y vivir la misma experiencia que vivieron la primera vez que asistieron para verte tocar con tu banda.

En fin, hay que dejar de victimizarse, animarse a pensar distinto, arriesgarse siempre por algo mejor y por sobre todas las cosas premeditar los shows. ¡Dejen de subirse al escenario a ensayar, porque el público se da cuenta!

Músicos en Bahía hay de sobra, y muy buenos. Vamos, muchachos y muchachas: todos deberíamos tener una banda que la rompa.

Hoy te preguntaba por las influencias en general, pero… ¿alguna banda de acá de Bahía que puedas destacar o siempre te haya gustado (exista o no)?

Sí, obvio que existen. Bandas que pueda destacar de Bahía hay muchas. Tendría que extenderme, y no me gustaría dejar a nadie afuera, pero voy a nombrar algunas que realmente dejaron algo en mí.

A finales de 2007 escuché el primer EP de Averno y no lo podía creer. Me impactó mucho, yo tenía 15 años. En 2009/2010, lo que viví con la banda Matrero no lo volví a vivir con ninguna otra banda. Quisiera subrayar el primer disco de Infirmor, Subconsciente, el cual en mi adolescencia escuché incontables veces y al día de hoy disfruto mucho reproducirlo.
Años más tarde, en 2014/2015, me gustaba mucho la música de Lonko. También una banda de rock grueso llamada Monos Mutantes, con grandes músicos de la ciudad, muy buenas composiciones y letras que movían mis pensamientos.

Hoy en día bandas de metal haciendo cosas lindas hay… pero muy pocas. Creo que la escena necesita al menos diez bandas más que la rompan en vivo. Sé que es mucho pedir, pero nunca voy a perder la fe.

Volviendo al álbum, se nota que no es algo hecho a la pasada y que aparte de la producción meramente musical también hay letras profundas. ¿De qué van las letras de Acción Imperfecta?

¡Muchas gracias por el cumplido, Leo! Se agradece mucho el interés que mostraste por El Otro Humano desde el primer día. Por supuesto, no fue algo hecho a la pasada: las primeras maquetas comenzaron en 2020 y el primer EP fue publicado en 2025.

Tenemos, como comenté antes, más de 20 canciones compuestas, y decidimos grabar estas tres por la particularidad de cada pieza. La lista de canciones que hoy en día estamos ensayando, incluido el EP, fue premeditada con mucho detenimiento.

Las letras de El Otro Humano tratan del individuo, de sus reflexiones y de los desafíos que enfrenta en su paso terrenal. Alienación, contradicciones internas y resistencia frente al caos. Cada canción funciona como un espejo en el que los oyentes se reconocen, aunque esto incomode.

¿Qué es lo que esperás para El Otro Humano en lo que se viene?

Constancia.

Y, por último, algo que suelo preguntar siempre: ¿Cómo o dónde podemos conseguir el EP?

Acción Imperfecta está disponible en Spotify y YouTube.

Los invito a escuchar las canciones este 19 de Septiembre en So Fresh en el KILLFEST 4. Todas las bandas estamos preparando algo especial para esa noche. ¡No se lo pierdan! De paso, comento un poco el sistema de entradas con el cual nos estamos manejando.

Alias: Killfest4
Nombre: Agustin Saccone
Entrada: $13.000

Envías el comprobante con nombres de asistenes
al 291 47 48 911 o al instagram @killfest.arg, ¡y listo!
El día del recital, cuando entrás, mencionás tu nombre y se te entrega la entrada física.
Más fácil imposible.

¡Los esperamos!

De parte de toda la banda, te agradecemos mucho por esta entrevista. Un saludo enorme para toda la gente de Track to Hell.

En un mundo que acelera, desfragmenta y desconecta, diseñar nuestro destino se vuelve necesario.

El Otro Humano

Dead Fish es una banda que desde 1991 viene dando su buena dosis de hardcore punk desde su Brasil natal, con más de 30 años de carrera y varios discos en su haber el grupo lanzo en 2024 “Labirinto da Memoria”, su último trabajo de estudio el cual los embarco en una gira tanto por Europa como por Latinoamérica. En esta ocasión nos contaron un poco como se preparó ese nuevo disco y las giras que vienen en camino.

Lábirinto da Memória fue una continuación necesaria de “Ponto Cede” (Punto Ciego) de 2018. Decidí hacer un álbum que, a través de mis recuerdos, hablara de nuestra memoria colectiva como país. Esto surgió tras leer el libro “Realismo Capitalista” de Mark Fisher.

Brasil, a diferencia de Argentina, tiene un problema de memoria muy pendiente. Personalmente, creo que es un tema importante que debemos abordar, para evitar algunos acontecimientos recientes en Brasil, como el auge del fascismo que ha estado ocurriendo a nivel mundial, pero que aquí en Brasil tuvo presencia en las elecciones de 2018 e incluso hoy.

1 – Bueno hablando del disco en sí, ¿Sienten que hay un proceso compositivo o un sonido nuevo en comparación a sus trabajos anteriores?

Sí, fue intencional: un texto nuevo con una estructura ligeramente diferente a la que estábamos haciendo. Pedí que el álbum fuera melodioso y con más armonías, y creo que lo logramos.

2 – ¿Alguna canción nació de forma inesperada o de manera distinta a las demás?

Más de una, pero “Dentes Amarelos” fue la más icónica, ya que trata sobre los dientes y su crecimiento. La idea surgió después de una visita al dentista, donde me recomendaron un blanqueamiento dental, algo que obviamente nunca me hice.

3 – Ahora hablando a nivel de ustedes como banda y después de tantos años de carrera. ¿Sus influencias siguen siendo las mismas o hay algunas nuevas?

Las influencias siempre cambian a lo largo de la vida, y esta banda no es la excepción. Mantenemos nuestra base musical con bandas como Cólera, Ratos de Porão, 7 Seconds y Bad Brains, pero hoy tenemos miembros más jóvenes que yo y un baterista muy conectado con la escena metalera. Así que este álbum incorpora muchas de mis influencias: música brasileña de los 60 y 70, como Sergio Sampaio y Raul Seixas, pero también nuestras influencias punk rock, como Bad Religion.

4 – ¿Cómo se sienten a nivel personal y banda al seguir la ruta después de tantos años juntos?

Me siento privilegiado y feliz de poder seguir en el escenario y girando haciendo lo que me apasiona. La banda es más antigua y más tranquila, pero siento que aún tenemos mucho por hacer.

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5 – En lo que respecta a la gira, se vienen dos destinos importantes como Europa y Latinoamérica, ambos con gran movida en cuanto a la escena se trata. ¿Qué expectativas tienen para estos tours?

Vamos a España por primera vez en nuestra carrera y estamos felices de estar allí. Regresar a Argentina con los compañeros de Eterna Inocencia también es muy importante para nosotros. Tenemos las mayores expectativas posibles. Trabajaremos duro en los próximos meses, y creo que esto es perfecto, especialmente en territorios donde no se habla portugués.

6 – ¿Se van a centrar en el disco nuevo o van a mezclar con clásicos de la banda?

Tenemos que tocar los clásicos, pero esta gira es sobre el “Laberinto de la Memoria” y estamos organizando el setlist de manera que todo esto suceda, las canciones viejas y las nuevas.

7 – Una última, ¿Cómo sienten la respuesta de las generaciones tanto nuevas como viejas hacia su música?

Me encanta ver la curiosidad de los jóvenes por nuestro trabajo. Ya no somos tan jóvenes, y es un gesto generoso de su parte. Me alegra haber podido abarcar 30 años y varias generaciones, despertando en ellos la chispa del cuestionamiento y la rebeldía.

Liv Sin es una banda sueca de death metal melódico formada hace casi una decada por su cantante y lider Liv Jagrell. En el mes de agosto sacaron su cuarto y más reciente album titulado Close Your Eyes el cual ha repercutido de manera muy positiva entre sus oyentes. Tuvimos una pequeña charla con Liv para saber un poco más acerca de la banda.

Hola Liv, es un verdadero placer poder entrevistarte. He estado escuchando su último album recientemente y dejame decirte que es realmente sorprendente! así que…para presentar a tu banda a nuestros lectores…

…¿Puedes contarnos como se creó Liv Sin?

Empecé Liv Sin cuando Sister Sin decidió terminar y yo no estaba lista para ello. Para mi, la música es mi vida entera y todo lo que deseaba hacer, así que decidí comenzar mi propia banda con un estilo de metal más pesado, ya que siempre quise explorarlos. Empecé la banda en 2016 con mi novio (Per), que toca la batería, y juntos hemos hecho crecer esta banda a través de los años.

He notado que Liv Sin combina muchos estilos diferentes como heavy, death, hard rock, industrial y muchos más ¿Cuales son sus principales influencias?

Oh…muy difícil de decir, hay demasiadas, pero para nombrar algunas: Orbit Culture, Whitechapel, Parkway Drive, In Flames y Spiritbox.

Y de acuerdo a la pregunta anterior ¿Como describirías el sonido de la banda?

Como una mezcla del metal más moderno y tradicional con heavy, riffs pesados, melodías pegadizas, voces gritonas y sintetizadores espeluznantes, mucha energía y a veces blast beast.

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¿Que diferencias encuentras entre el ayer y hoy a la hora de hacer su música?

En los últimos años, tanto Per como yo, hemos tomado cursos de producción musical que nos han ayudado a desarrollar el sonido del grupo. A Per le encanta crear sus propios sonidos de sintetizador y a mi me encanta la parte de producción, cómo hacer que la melodía suene y como usar los sintetizadores con las guitarras, o como dejar que las armonías en las voces impulsen la canción. Así que definitivamente creo que eso ha cambiado nuestro sonido hacia algo más experimental e industrial.

Yo sé que el metal no es la música preferida de las discográficas por el momento ¿ Cuan difícil ha sido producir sus albums?

Bueno, no ha sido fácil. Especialmente con el nuevo album, porque nos echaron de nuestro anterior sello justo antes de entrar al estudio. Es una lucha constante con el tiempo y las finanzas, a veces se siente como si nunca terminara. Pero nosotros sacamos el nuevo album con la nueva discográfica despues de un montón de…¿rechazos? Y estamos muy contentos con él, así que genial que finalmente esté allí afuera.

Liv Sin ha empezado a sonar más agresivo con los años y, por supuesto, tu voz ha ido acompañando ese cambio. De hecho, en Close Your Eyes, he notado algunos guturales…¿Que desafíos han presentado estos cambios para ti?

Para mi, los guturales no han sido un desafío, ellos en realidad son un poco más fácil en la voz que los constantes cantos agudos que solía hacer. Para mi, como también me gusta el estilo vocal más agudo, el reto es más bien no sobrecargarlos en la grabación porque luego acabare pasandola mal en la gira cuando necesite hacerlos cada día en vivo (jaja).

¿Estarán presentando Close Your Eyes en un tour?¿Que países planean visitar? Esperamos verlos en latinoamerica algún día!

Si, seguro lo haremos! Ahora mismo se nos vienen conciertos de fin de semana durante el otoño aquí en Suecia, pero yo realmente espero que podamos salir más el año que viene, preferentemente por todo el mundo (jaja). Me encanta salir de gira y por eso amo ir a otros paises, y yo puedo decir que nos encantaría ir a latinoamerica muy pronto.

¿Que esperas para Liv Sin en los próximos años?

Si se cumplen mis deseos, diría que muchas giras, tocando en festivales y haciendo nueva música!

Y para finalizar…¿Como nos podemos hacer con Close Your Eyes?

Lo pueden pedir a través de nuestro Bandcamp si quieren un vinílo físico, y si no, está disponible en todas las plataformas de streaming!

Bandcamp: https://livsinofficial.bandcamp.com/merch

Saludos cordiales

Liv Sin crew

En plena cuenta regresiva para su regreso a Sudamérica, Mikael Stanne, vocalista y miembro fundador de Dark Tranquillity, conversó con nosotros sobre la gira que celebra dos de sus discos más emblemáticos: The Gallery y Character. En una charla cercana y sincera, el músico repasó la energía de sus primeros años, el proceso creativo detrás de cada álbum, sus recuerdos de la escena de Gotemburgo y la influencia de figuras clave como Thomas Lindberg de At The Gates. Además, adelantó cómo vive el presente de la banda tras Endtime Signals y qué puede esperar el público argentino de este show único.

The Gallery revisa una época muy querida por tus fans. ¿Cómo percibes ahora la energía de esas canciones, en comparación con cuando las escribiste por primera vez?

Ayer lo viví de verdad. Ensayamos por primera vez. Los demás chicos no han estado en casa, pero ayer escuchamos un par de horas y me sentí muy bien. Me trajo muchos recuerdos y sentimientos de cómo era tener 20 años y escribir canciones por primera vez. Era la primera vez que cantaba en la banda y recuerdo lo increíble que se sentía y lo mucho que nos divertíamos. Pensábamos: “Sí, todo es posible”. Básicamente nos sentíamos invencibles. Teníamos 19 y 20 años cuando escribimos ese álbum y creíamos que nada podía detenernos. Ahora tenemos 30 años de experiencia y podemos tocar cualquier cosa, pero suena fantástico.
El set es increíblemente bueno. Suena mejor que nunca. No podría estar más contento. La gira comienza pasado mañana en Colonia, Alemania. Estoy un poco nervioso porque tengo que recordar canciones viejas que no canto hace mucho tiempo, pero va a ser súper genial.

¿Habrá canciones que no tocabas desde hace mucho tiempo?

O nunca, en realidad. Hay algunas que nunca hemos tocado y otras que no tocamos hace al menos cinco años. Todo es nuevo.

Decías que te sentías invencible, que podías hacer cualquier cosa. Pero después de 30 años has hecho una carrera muy sólida.

Exactamente, creo que es esa ambición y también la falta de conciencia de uno mismo. Simplemente dices: “Hagámoslo, podemos hacerlo todo”. Por eso suceden grandes cosas, porque no te cuestionas como cuando eres mayor. Algunos de los mejores álbumes han sido escritos por veinteañeros que no sabían nada mejor. Esa energía pura a veces da lugar a música increíble.

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Ahora todos conocemos la escena death metal sueca de Gotemburgo. ¿Qué recuerdas de ella y cuál crees que es la diferencia con ahora?

Sin duda, todo era nuevo. Cuando empezó, éramos solo unos críos. Cuando escribimos “The Gallery” yo tenía 19 o 20 años. Estábamos enamorados del metal extremo. Había una gran comunidad de amigos en Gotemburgo. Nos reuníamos en el autobús, hablábamos de música, compartíamos salas de ensayo y equipos. El aspecto comunitario y la amistad eran de las cosas que más me gustaban.

Lo bonito es que todos seguimos siendo grandes amigos. Todos los que estábamos en esta escena desde 1988 hasta ahora seguimos haciéndolo.

¿Algún recuerdo o algo que decir sobre el fallecimiento de Thomas de At The Gates?

Thomas fue la razón principal por la que existe una escena metalera en Gotemburgo. Él fue el primero y el más importante para todos nosotros. Estaba muy por delante, intercambiaba cintas, escribía sobre la escena y conocía a todo el mundo. Crecimos muy cerca. Lo conocí cuando yo tenía 14 años y él 16. Era la persona más importante en cuanto a cómo inspiraba a todos. Tenía una mentalidad muy abierta. Quería que todas las influencias fueran igual de importantes, pero al mismo tiempo era exigente y consciente de lo que escuchaba.
Se lo tomaba muy en serio, aunque nos divirtiéramos. Significaba mucho para nosotros. Es una pérdida increíble. Ha inspirado a tanta gente en todo el mundo que su legado siempre estará ahí, pero eso no lo hace más fácil.

Bueno, ahora vamos a hablar del álbum Character. Hay diez años de diferencia con The Gallery. Para mí es más crudo y feroz, al igual que el otro disco que revisitaran en la gira. ¿Cómo ves hoy ese álbum y cómo te parece mezclar esas canciones con las de The Gallery?

Va a ser un poco diferente y me encanta cómo quedó ese álbum. Fue el momento en el que empezamos a ser totalmente independientes, ya no necesitábamos que nadie nos enseñara cómo trabajar en un estudio. Aprendimos por nuestra cuenta para producir nuestros álbumes. Con Character lo conseguimos: “Este es nuestro álbum, suena como queremos“. Fue liberador. En 2004 fui padre y al mismo tiempo pasaron muchas cosas en la banda. Había mucha agitación, pero conseguimos salir adelante y hacer un álbum. Por eso creo que es tan emocional y, en cierto modo, disperso. Me encanta porque muestra lo turbulento que era todo cuando se escribió.
Una de las cosas que más me gusta de tocar canciones antiguas es intentar averiguar qué pasaba por mi mente mientras las componíamos. Además, tocar estas canciones me trae muchos recuerdos de antiguas giras, salas de ensayo y estudios. Aunque han pasado diez años, parece que ha pasado mucho más tiempo porque son totalmente diferentes.

¿Cómo crees que se combinarán las canciones de ambos álbumes en el set?

Vamos a dividir todo el conjunto en tres partes. Habrá una parte dedicada a The Gallery, otra a Character y otra en la que interpretaremos algunos de nuestros viejos éxitos. Todo estará muy separado. Empezaremos esta semana y veremos sobre la marcha.

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Bueno, estas giras van a Argentina y Latinoamérica. Ya has estado allí. ¿Qué recuerdos tienes?

Muchos recuerdos maravillosos. A veces es difícil recordar porque viajas casi todos los días y dormir es un lujo, pero ha sido increíble: gente maravillosa, multitudes increíbles, muy acogedoras. Cuando empezamos recibíamos cartas de fans de Latinoamérica. Finalmente empezamos a girar allí en 2001 o 2002 y nos dimos cuenta de que era real. Es increíble.

Cuando viajas de Europa a Sudamérica, con tanto calor, ¿cómo te afecta?

A veces es una locura. Pasas de una zona muy fría a un calor insoportable en un día y eso te puede afectar. El calor me afecta mucho. Soy escandinavo, así que tocar a 40 grados en plena luz del día es horrible. Quiero estar en una habitación fría con aire acondicionado cuando actúo para poder respirar. Pero nos las arreglamos.

Con este espectáculo, ¿qué quieres transmitir más allá del setlist? ¿Habrá algún elemento visual, sonoro o emocional diferente?

En Europa estamos haciendo un espectáculo muy ambicioso. No sé cuánto podremos llevar a Sudamérica, pero es algo muy clásico, algo que nunca hemos hecho antes. La idea es dividir el show en tres partes totalmente diferentes. Estoy emocionado. Lo evaluaremos cada noche y cuando vayamos a Sudamérica será perfecto.

En The Gallery hay canciones con voces femeninas. ¿Habrá algún invitado especial en los conciertos?

Lo hemos pensado. Hablamos de tener material pregrabado o invitar a algún artista, pero decidimos no hacerlo por ahora. Quizá añadamos canciones sobre la marcha, ya veremos. Es algo que hemos hecho en el pasado muy raramente.

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Con Endtime Signals recién publicado, ¿crees que el álbum es un capítulo cerrado o que aún tiene camino por recorrer en directo?

Nunca es un capítulo cerrado, pero creo que la gira de este álbum ya terminó. Dimos más conciertos con este álbum que con cualquier otro anterior. Ahora podemos hacer algo diferente, como subir al escenario y tocar canciones que no hemos tocado nunca. Después de esta gira empezaremos a componer un nuevo álbum.

¿Van a empezar a componer justo después de la gira o ya tienen ideas?

Sí, al menos empezar a recopilar material. Ya hemos empezado a hablar de ello y sabemos por dónde empezar. A principios del año que viene empezaremos de verdad.

Si tuvieras la oportunidad de hacer un proyecto que no fuera un álbum tradicional, ¿qué harías?

Martin y yo hemos hablado de que sería divertido hacer la banda sonora de un videojuego. Hacer música para un juego con nuestra estética. Nuestra música puede ser una aventura, así que puedes hacer lo que quieras con ella.

¿Cuáles son tus influencias a la hora de componer?

Durante mucho tiempo fueron los libros que leía los que influyeron en mi escritura, o la música que escuchaba. Pero creo que son sobre todo las cosas visuales las que me inspiran a hacer algo. Encuentras un videojuego con una estética increíble y eso me inspira a pensar: “Yo también quiero hacer algo creativo“.

Después de tres décadas, ¿Qué es lo que todavía te motiva a componer música heavy? ¿Cómo crees que evolucionará el sonido de Dark Tranquillity en los próximos cinco años?

Solo queremos evolucionar, seguir adelante y ser diferentes, pero también mantenernos auténticos. Lo que hicimos con Endtime Signals fue profundo y nos encantó. Sabemos que tenemos una nueva forma de componer y eso influirá en el próximo álbum. Aún no hemos empezado a hablar mucho sobre ello, pero estoy emocionado.

Para terminar, ¿quieres enviar un mensaje a los fans sudamericanos y europeos?

Estoy increíblemente feliz y agradecido de que todavía podamos hacer esto y de que haya gente ansiosa por vernos. Estoy súper feliz de que vayamos a celebrar estos dos álbumes juntos y de que podamos celebrar el hecho de haberlo hecho durante tanto tiempo. Ya estoy emocionado, aunque aún faltan tres meses.

Axel Fabricio Amaya entrevistó a Néstor Ávalos, artista mexicano que ha hecho portadas para bandas como Bloodbath, Blut Aus Nord, Moonspell, Varathron y un sin fin más, mientras presenta sus obras en el Candelabrum 2025 en México.

Con motivo del lanzamiento de Inner, el sexto álbum de estudio de los alemanes Der Weg einer Freiheit, charlamos con su líder Nikita Kamprad. Considerados uno de los grandes exponentes del black metal actual, no solo compuso la música y las letras, sino que también se encargó de la producción, la mezcla y el mastering.

Con muy buena onda y predisposición, Nikita nos contó en detalle el proceso creativo detrás de este nuevo trabajo, que define como su disco más personal y profundo hasta la fecha. Además, adelantó sus planes para llevar la música de la banda a nuevos territorios, incluyendo Latinoamérica.

Hola Nikita. Vamos a charlar del nuevo disco que estuve escuchando el finde. Me gustó mucho. Tengo un par de preguntas. Como es una exploración del mundo interior, ¿qué emociones, pensamientos o conflictos te inspiraron para componer este álbum? ¿Cómo se refleja eso en las letras?

Como dijiste, Inner es una palabra en alemán que para mí significa enfocarse, volver al yo interior, descubrir lo importante, meditar. Escribir este disco y las letras fue un proceso de descubrir cosas nuevas sobre mí. Cuando escribís hacés preguntas y profundizás. Tus pensamientos pueden adquirir otro significado al ponerlos en palabras. Escribir letras siempre es transformador. Este disco es muy profundo y personal porque vivimos en un mundo turbulento, con negatividad y manipulación por todos lados, sobre todo en el celular e Internet.

Pero hay un montón de cosas hermosas y analógicas: mirar por la ventana, ver un árbol, leer un libro o escuchar música. Siento que hoy los medios digitales nos distraen de lo importante y de lo humano, de las cosas reales que tenemos que trabajar por dentro y por fuera. Para mí la música es el mejor lugar para escapar y dejarme llevar. Eso fue clave en los últimos cuatro años cuando escribí este álbum.

El disco anterior fue en 2021. Fueron años intensos…

Con el ante último álbum estábamos en plena pandemia y todo el mundo pensaba: “¿Qué va a pasar ahora?”. Y después cada semana algo nuevo. Es un círculo vicioso del que tenés que salir. Creo que la música es ideal para eso.

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Hablemos de las letras y los temas. Algunos tienen títulos muy evocadores como “Xibalba”, “Martyr”, “Finister” o “Free”. ¿Cómo elegís los nombres de las canciones? ¿Hasta qué punto influyen esos títulos en el clima o la estructura musical?

Cuando arranco a componer siempre le pongo un título provisorio. La mayoría de las veces todavía no hay letra, la música viene primero. Pero trato de encontrar un título que encaje con la música. Con “Xibalba”, por ejemplo, viene de la mitología maya. Cuando empecé a componer sentí una emoción muy fuerte, la misma que me provocó uno de los riffs, que me llevó al recuerdo de The Fountain. Algunas partes de esa peli hablan de la cultura maya. En algún momento dije: “Ok, vamos a ponerle Xibalba a esta canción y ver cómo evoluciona”.

Fuimos a México en 2023 a tocar a un festival. Tobias y yo después recorrimos Yucatán, visitamos un templo maya en medio del monte, escuchamos la pre-producción de esa canción mientras manejábamos entre los árboles. Fue muy especial. Por eso dejamos “Xibalba” como título, le iba perfecto al tema. A veces los títulos surgen así, de manera muy intuitiva.

Vos también te encargás de la producción, mezcla y masterización. ¿Qué ventajas y desventajas tiene hacer todo vos, tanto lo creativo como lo técnico?

La ventaja es que puedo enfocarme en los detalles. El tiempo de estudio suele estar limitado por la guita. Acá atrás tengo mi propio estudio, que armé en 2021 en plena pandemia. Soy productor musical, tengo años de experiencia, mi sala y mi equipo. Pensé: “¿Por qué no hacerlo todo de punta a punta?”. Antes laburábamos con un productor o ingeniero externo y otro para mezcla y master. Esta vez sentí que podía hacerlo. Me llevó un año y medio de laburo continuo desde la composición, ensayos, grabación, mezcla y master.

La mayoría de las bandas no pueden, pero a mí me encanta producir. Lo hice y estoy muy orgulloso, aunque fue agotador. Después necesitaba un descanso.
Quizás la próxima vez sea distinto. No somos una banda que saque discos cada dos años sino cada cuatro. Ya veremos.

Tu música va de lo melódico a lo brutal, de lo atmosférico a lo abrasivo. ¿Cómo decidiste el equilibrio entre esos elementos en Inner? ¿Cuál fue el mayor desafío para lograrlo?

Para mí la música nunca es un concepto previo. No hay un plan maestro tipo “quiero algo brutal, algo frágil, algo limpio”. La música es un proceso muy intuitivo. La razón por la que nuestra música tiene tantos contrastes es mi propia naturaleza.

El nuevo disco no suena igual que el primero. Soy humano y cambio cada año. Cada vez que escribo un disco, cambia. El próximo también cambiará. No reinventamos la rueda pero siempre hay evolución.
Muchos nos dijeron que musicalmente volvimos a nuestros orígenes, que eran agresivos. Con Nocturne teníamos canciones más tranquilas y experimentales. Con este volvimos a un estilo más agresivo y directo.

Sí, pero también tiene momentos de calma y reflexión. Especialmente “Forlorn”, la última, que arranca muy tranquila. Además, es la unica cancion en inglés del disco. ¿Por qué decidieron cantar algunas canciones en inglés y otras en alemán?

En Noctvnr empezamos con “Immortal” porque el invitado era David de Devil’s Trade y no canta en alemán. Aprovechamos para explorar el inglés y ver cómo gustaba. Funcionó muy bien también en “Haven”. En el nuevo álbum “Forlorn” es otra en inglés porque la compusimos con Nicolas, nuestro guitarrista, que se siente más cómodo escribiendo en inglés.

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En Inner y también en los demás hay al menos una instrumental. ¿Qué papel tienen esos interludios en el álbum y qué aportan frente a las canciones con voces?

Desde el primer disco siempre fui fan de los temas instrumentales. Muchas de nuestras canciones tienen partes largas sin voz y siguen funcionando. Mi idea es que las canciones funcionen sin voz; la voz es la frutilla del postre. En el nuevo disco el instrumental es un puente entre “Fragment” y “Forlorn”. Siempre va a ser importante para nosotros poner el foco en los instrumentos.

Sé que hubo cambios de integrantes, especialmente con Alan Norrispour en el bajo desde este año. ¿Cómo influye eso en el sonido y la dinámica creativa del grupo durante la grabación?

Cuando compongo escribo las dos guitarras, el bajo e incluso la batería. Siento que la banda es como una pequeña orquesta y hay que componer cada elemento con el mismo peso. El bajo es fundamental; si lo sacás, la canción ya no funciona.

Estoy muy agradecido a los integrantes que tocan sus instrumentos. Antes yo grababa guitarras y bajo, pero ya no podía seguir. Por eso Alan se sumó. Ya nos ayudó con las guitarras en 2023 en una gira y lo conocemos bien. No sabíamos que también tocaba el bajo. Nuestro bajista anterior, Nicholas Ziska, fue papá y cambió sus prioridades. Hablamos todo con transparencia. Nicholas sigue en la banda y puede volver cuando tenga tiempo. Por ahora Alan es nuestro nuevo bajista y laburó impecable.

Entonces, ¿qué querés que el oyente se lleve después de escuchar Inner? ¿Hay alguna experiencia, reflexión o estado emocional que quieras provocar?

Queremos que la gente viva el disco entero. Que se tomen el tiempo, se pongan auris o un buen equipo y se metan en el viaje. No es música para tener de fondo en el laburo. Así se aprovecha al máximo. Eso es lo que la gente nos dice después de escucharlo y es re gratificante porque era nuestra intención.
No poder concentrarse en algo de más de tres minutos es uno de los problemas de nuestra época. Todo se volvió canciones rápidas y pegadizas. Nosotros no aceptamos eso. Queremos que nuestra música se viva como una obra de arte, no como algo descartable.

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Van a salir de gira para presentar el disco. ¿Qué podemos esperar de los shows?

Nos encanta tocar sets largos de 90 minutos. Es agotador pero re gratificante. Nos permite soltarnos por completo y creo que nuestros fans lo valoran. Tocamos todos los temas nuevos menos uno, más un par de viejos que rearmamos y les metimos nuevos efectos y sonidos. Incluso hacemos uno del primer disco con un estilo vocal renovado. Está muy bueno.

Esta gira no va a España ni a Dinamarca. ¿Habrá continuación este año? ¿Se van a anunciar más fechas para el año que viene?

Solo se anunciará una fecha más en diciembre. El año que viene estamos trabajando en muchos shows nuevos y queremos llevar este álbum a todos lados. Pero todos tienen laburo full time salvo yo. Siempre es complicado encontrar el equilibrio. Sería genial tocar en nuevos mercados como Latinoamérica. Me encantaría, quizá en 2026.

Tenés conexión con Argentina, especialmente con Los Males del Mundo. ¿Hay posibilidad de hacer una gira con ellos también en Europa?

Sí, ya lo pensamos. Tobias, Allan y yo también tocamos con Los Males del Mundo. Cuando podamos organizar una gira por Latinoamérica sólo tenemos que traer a Danny y al otro guitarrista. Necesitamos promotores que quieran hacerlo. También lo pensamos para Europa. Para mí y para Tobias sería agotador tocar con dos bandas, pero para una gira más chica, especialmente en Latinoamérica, lo podemos imaginar.

Eso estaría buenísimo. Bueno, creo que no tengo más preguntas. Muchas gracias por tu tiempo.

Gracias a vos. Quiero recalcar que valoramos mucho la dedicación de ustedes y el laburo que hacen en su revista y en los medios donde colaboran, así como a todos los colegas del palo. La mayoría no lo hacen por guita y es un laburo duro. Lo apreciamos de verdad. Es una gran ayuda para que bandas como la nuestra se den a conocer.

Me encuentro con uno de los creadores de la agrupación sueca, Eclipse, Magnus Henriksson guitarrista y una de las mentes creativas de la banda que también ha estado en W.E.T., nos habla un poco de su trayectoria y algo del futuro de Eclipse ahora que no tienen sello discográfico, todo esto gracias a su primera visita a México para el festival Candelabrum en su cuarta edición.

¿Cómo describirías el sonido de Eclipse y su evolución a lo largo de los años?

Cuando hicimos el primer disco era más aor, con los años, la banda ha progresado, tenemos más influencias, es más duro, más pesado, y tenemos más pop; tenemos más influencias en cada álbum, intentamos incorporar mucha música folklórica sueca.

Así que diría que, de ser el primer álbum, un género muy específico, ahora tenemos un sonido bastante amplio, con muchas influencias.

¿Podrías decirnos cuáles son las diferencias entre tocar hard rock en los 90, cuando empezaron con la banda, y ahora en 2025? 

Creo que hay una gran diferencia, cuando empezamos a casi nadie le gustaba ese tipo de música, todos decían: “¿Cómo demonios se puede tocar esa mierda?” y luego, alrededor de 2006, alcanzamos un auge considerable para ese tipo de hard rock melódico en Europa y especialmente en Suecia. 

Tuvimos una especie de resurgimiento en ese género; la gente empezó a escuchar hard rock melódico de nuevo y después, empezó a alcanzar su máximo esplendor, pero antes, era imposible.

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¿Cuál es el papel de la guitarra en la creación del sonido Eclipse? 

La guitarra es básicamente el instrumento más importante del sonido Eclipse, porque escribimos canciones con guitarra y nuestros temas están muy centrados en los riffs, ¿sabes?, creo que la guitarra es una parte fundamental del sonido Eclipse, sin duda. 

Tanto Erik Mårtensson como yo escribimos canciones para Eclipse y somos guitarristas, así que pensamos como guitarristas cuando escribimos música, la guitarra es fundamental en nuestro sonido. 

¿Has colaborado alguna vez con otras bandas o músicos? ¿Puedes contarnos tu experiencia? 

Sí, he colaborado con muchas otras bandas y músicos, cuando no estoy tocando en Eclipse, a veces toco la guitarra en una banda llamada Tiamat, no sé si has oído hablar de ellos.

Sí, por supuesto.

Pero no soy un miembro fijo de la banda, pero a veces toco en vivo con ellos, como un músico a sueldo, es bastante diferente a tocar con Eclipse, es un sonido totalmente diferente, una música totalmente diferente y todo, me encanta eso, porque es algo único, Eclipse está muy centrado en los riffs, es una música muy positiva y enérgica y Tiamat es música muy, muy oscura, profunda, un poco depresiva y melancólica, lo cual es un buen contraste, así que me encanta hacer ambas cosas.

¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con Frontier Records y qué relevancia ha tenido Frontier Records en la carrera de Eclipse?

Realmente empezaron con el lanzamiento de nuestro segundo álbum, “Second to None“, ese fue el primer álbum que hicimos con Frontier Records, porque Marcel Jacob escuchó nuestras canciones y le gustaron, ¿si recuerdas a el bajista de Talisman? 

Sí, increíble músico, la base creativa de Talisman y otras bandas..

Cuando la escuchó, pensó: “Creo que conozco una discográfica a la que le encantaría“, envió nuestra maqueta a Frontier Records, y gracias a Marcel Jacob, firmamos con ellos, creo que tuvimos una buena colaboración, pero es hora de seguir adelante, han hecho todo lo posible por ayudarnos.

Creo que ese sello ya no nos queda, así que, por ahora, no tenemos ningún sello, porque nuestro contrato con ellos ha terminado, así que, por ahora, no sabemos cuál será nuestro próximo sello discográfico, tuvimos una buena racha con ellos durante muchos, muchos años. 

W.E.T. es una super banda, y está al mismo nivel que muchas otras. ¿Han pensado en seguir con el proyecto durante muchos años? 

No lo sé, no hemos dado muchos conciertos, hicimos unos pocos, no sé cuántos, pero la verdad es que no tenemos tiempo para invertir en esa banda, porque, como todos saben, Jeff Scott Soto tiene miles de otros proyectos en marcha y ahora pasamos todo el tiempo con Eclipse y no sé qué está haciendo Robert Säll ahora mismo, pero está ocupado con su trabajo.

W.E.T. es desde el principio una banda de Frontiers que formó Serafino Perugino como un supergrupo, así que no veo que W.E.T. continúe, quizás otro álbum, no lo sé, pero ahora ya no trabajamos con Frontiers, no estoy seguro.

Que mala noticia.

Puede que haya otro álbum de W.E.T., no estoy seguro, nunca digas nunca, nunca digas nunca, pero no estoy seguro de ello.

¿Cómo fue la historia de W.E.T. para crear este proyecto? ¿Es solo para Frontiers Records? ¿O cada músico dice: “Oye, quiero tocar contigo”?

No. 

¿La idea es solo para Frontiers? 

La idea surgió de Serafino de Frontiers, quería formar un supergrupo, quería que Erik y Robert Säll de Work of Art, compusieran las canciones y quería que Jeff Scott Soto fuera el cantante principal.

Luego tuvimos que formar una banda, así que Erik me pidió que fuera el guitarrista principal, luego le pidió a Robert Bäck que fuera el baterista, así surgió W.E.T. 

Como guitarrista, ¿qué técnica o aspecto creativo has desarrollado a lo largo de tu carrera con Eclipse?

Wouuuu, cuando escribes un solo de guitarra, intentas hacerlo lo mejor posible y a veces, cuando intentas grabar un solo para un álbum, tocas por encima de tu nivel, intentas tocar mejor, intentas superarte, diría que cuando grabo un solo de guitarra para Eclipse, intento hacer algo que nunca antes había hecho, al grabar es posible porque te exiges a ti mismo.

Puedes hacer punch-in, eso me ha ayudado mucho a tocar y grabar con Eclipse a lo largo de los años, porque siempre te exiges a ti mismo para ser mejor al grabar un álbum, diría que he desarrollado muchas técnicas nuevas grabando con Eclipse.

Todo se siente natural para mí, porque tocamos las canciones en vivo todo el tiempo, pero cuando las grabé, pensé: “Oh, esto es… ¿cómo voy a hacerlo?”. Es muy difícil. Pero ahora lo llevo en la sangre, así que puedo hacerlo.

Dime tus 3 discos de hard rock favoritos de toda tu vida.

Bueno, depende de qué… Bueno, AC/DC es hard rock, ¿verdad? 

Sí, claro. 

Bueno, entonces diría “Highway to Hell“ de AC/DC, es mi banda favorita de todos los tiempos.

¿Y Scorpions? ¿Son metal o hard rock? 

Cambia con la época, pero es hard rock.

Estoy de acuerdo, no es realmente metal, nunca fueron metal, fueron una influencia para las bandas de metal, pero no creo que sean metal, así que diría Scorpions con su disco “Blackout“. Scorpions también es una de mis bandas favoritas de todos los tiempos.

Y en tercer lugar, diría Deep Purple, “Made in Japan“. 

Por favor, dime algo para que la gente lea nuestro sitio web, Track to Hell.

Amigos de habla hispana, los queremos a todos, es la primera vez que tocamos en México, es un sueño hecho realidad para nosotros, en serio que lo es. Hemos estado en España muchas veces, España siempre nos ha apoyado desde el primer día, la primera vez que tocamos en Madrid, tuvimos un lleno absoluto y nos han estado apoyando desde entonces. Solo tocamos una vez en Argentina, fue el año pasado en Buenos Aires, tuvimos una recepción fantástica y un concierto increíble.

En Track To Hell conversamos con Cris Frederiksen, fundador de la banda danesa Svartsot, acerca del lanzamiento de su nuevo disco Peregrinus y todo lo que hay detrás de su sonido y temática.
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1) ¿Qué te llevó a querer profundizar en el tema central del nuevo álbum sobre las Cruzadas?

En realidad era una idea que tenía en mente desde hace mucho tiempo, aproximadamente desde 2015. Originalmente planeaba que el álbum tratara sobre las cruzadas danesas en la región del Báltico a finales del siglo XII y principios del XIII. Pero cuando empecé a escribir música para el sucesor de Kumbl a mediados de 2022, retomé algunas ideas antiguas basadas en escalas árabes, y el primer tema en el que trabajé (“Neglentia”) prácticamente se escribió solo. Así que decidí que el disco debía tratar sobre las cruzadas en Tierra Santa. Me pareció un experimento interesante y un reto intentar incorporar un sonido árabe en algunos temas.

2) ¿Qué diferencias encuentras entre este álbum y los anteriores?

Creo que siempre ha habido una progresión clara desde el estilo muy simple de los dos primeros discos, añadiendo elementos más progresivos en los siguientes dos. Kumbl (quinto álbum) fue diferente porque fue un experimento con canciones populares antiguas y baladas medievales reinterpretadas, pero ese disco no sería el mismo sin los dos anteriores.
Así que Peregrinus retoma un poco donde dejamos Vældet (cuarto álbum), pero con incorporaciones de música tradicional árabe y también tomando prestadas algunas melodías medievales antiguas, algo que nunca habíamos hecho antes de Kumbl. Por ahora hemos terminado de usar melodías tradicionales, al menos en un futuro próximo.
En general creo que este disco es más maduro y oscuro que los demás. No tan alegre como los dos primeros, quizá no tan progresivo como Vældet, pero ciertamente con más experimentación. También creo que representa la dirección que seguiremos de ahora en adelante.

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3) ¿Qué te llevó a incluir sonidos orientales en este trabajo?

En parte ya lo he respondido. “Neglentia”, la primera canción que escribí para el álbum, surgió de ideas basadas en escalas árabes, lo que llevó a elegir el tema concreto del disco. Después fue necesario incluir más canciones con ese tipo de sonido para encajar con la temática, así que incorporé escalas árabes en partes de “Simplicitas” y tomé elementos de una canción popular árabe llamada “Al Nedda” para “Spiritualitas”. Estos elementos encajan con la atmósfera de la historia que contamos en el álbum.

4) Su nombre, Svartsot, significa “enfermedad negra” en danés antiguo. ¿Cómo se relaciona ese concepto con los temas del disco, especialmente las Cruzadas o los conflictos históricos?

Nos llamamos Svartsot desde 2005 y el trabajo en este disco empezó en 2022, es decir, 17 años después. Así que no hay conexión entre nuestro nombre y el concepto del álbum.
Mucha gente cree que el nombre se refiere a la peste negra, tema del tercer disco Maledictus Eris, pero no es así. “Svartsot” es un término antiguo para una enfermedad grave del hígado (conocida históricamente como ictericia negra en inglés) causada por cirrosis o hepatitis, en la que el hígado ya no procesa bien la bilirrubina y la piel se vuelve negruzca antes de morir. Esto puede ser resultado de beber demasiado durante mucho tiempo, así que nos pareció un nombre bastante apropiado para una banda de folk metal con influencias de death metal melódico.

5) En su formación tienen instrumentos como flauta, whistles, mandolina, gaita sueca, etc. ¿Cómo deciden qué instrumento folk encaja con cada canción — y hay alguno que aún no hayan usado y les gustaría incorporar?

Usamos mandolina, tin whistles y gaita. Probamos con el acordeón en el segundo álbum (Mulmets Viser de 2010), pero sentimos que no funcionaba para nosotros y lo dejamos. La mandolina y los whistles han sido parte de nuestro sonido desde los primeros días; la gaita se sumó en el tercer álbum y desde entonces no hemos cambiado mucho la variedad de instrumentos.
Para este disco añadimos un whistle especialmente fabricado para poder tocar la escala árabe en “Spiritualitas”, ya que un tin whistle estándar no puede hacerlo. He visto comentarios que dicen que usamos sitares en este álbum, pero no es cierto: fue un uso experimental de guitarras acústicas, una de ellas muy mal entonada.
Básicamente dejo que la melodía decida qué instrumento folk usar. Algunas melodías simplemente suenan bien en un instrumento en particular, o mal en otro. Algunas no pueden tocarse en gaita, por ejemplo, porque tiene un rango limitado. La mandolina es más fácil de adaptar pero no siempre tiene el sonido adecuado para un tema. Así que la propia canción dicta qué instrumentos van mejor.
En cuanto a otros instrumentos, estamos abiertos a experimentar y no creo que haya límites mientras encajen con la canción. Quizá incluso incluyamos nuevos instrumentos en el material en el que estoy trabajando ahora.

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6) Dado que sus temáticas están muy ligadas a la historia (folclore danés, guerras, etc.), ¿cómo equilibran la precisión histórica con la creación artística? ¿Hasta qué punto se permiten inventar o reinterpretar sin traicionar el pasado?

Tratamos de ser lo más fieles posible a la historia e investigamos mucho antes de escribir las letras. Pero también debe ser una buena historia, así que tomamos algunas licencias artísticas.
Sin embargo, este es el primer disco en el que nuestro vocalista, Thor, se ha encargado completamente de las letras, así que quizá haya más libertades artísticas que en los anteriores, donde yo tenía más peso en la escritura. Un buen ejemplo —aunque no es nuevo para nosotros— es la pérdida de religión del protagonista. Esto habría sido casi impensable para una persona medieval, pues significaba excomunión, quedar fuera de la sociedad y casi seguro morir. Hemos tomado un proceso de pensamiento muy moderno y lo hemos aplicado al personaje principal, aunque solo en la parte final de la historia, cuando muere. ¿Tal vez esto sí podría ser concebible para una persona medieval?

7) ¿Qué planes tienen para el futuro? ¿Alguna gira o algo que quieras compartir?

Tenemos algunos conciertos aquí en Dinamarca a principios del próximo año, y nuestro agente internacional está trabajando en planes, pero no podemos anunciar nada concreto todavía. Aparte de eso, estoy trabajando en nuevo material. Por lo demás, solo esperamos que a la gente le guste el nuevo disco y poder salir a tocar fuera de Dinamarca para presentarlo tan pronto como podamos.

Con más de una década al frente del black metal sinfónico extremo en Argentina y el continente, Mortuorial Eclipse se prepara para dar un paso crucial en su carrera: una gira por Europa que los llevará a escenarios donde su música ya resuena desde hace tiempo, pero que por distintas razones no habían podido pisar hasta ahora. La banda, conocida por su potencia escénica, su elaborada propuesta sonora y visual, y su enfoque casi ceremonial del metal extremo, se encuentra en plena cuenta regresiva para una travesía que promete dejar huella.

Antes de embarcarse en este esperado tour, hablamos con ellos sobre las expectativas, los desafíos de llevar el metal extremo argentino al otro lado del Atlántico, las diferencias entre públicos, y lo que se viene para el futuro del grupo. Esto fue lo que nos contaron.

—Buenas a todos en Mortuorial Eclipse, y muchas gracias por darnos su tiempo para esta entrevista. ¿Cómo vienen todos en la banda?

Hola, Gracias por el espacio! Bien, super ansiosos por comenzar este nuevo tour por Europa, una empresa que nos ha llevado mucho trabajo y finalmente puede es un hecho.

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—Este mes que viene van a estar girando por Europa. ¿Cuáles son las expectativas con respecto a este viaje? ¿Cómo sienten la espera?

Nuestra a visita a Europa era una gran deuda que arrastramos desde hace bastante y en lo particular España, hemos colaborado en el pasado con sellos locales por lo que la banda tiene una base de seguidores de mas de 10 años así que con muy agradecidos y expectante para aplastar la península. 

—¿Hay algún destino en Europa al que sientan muchas más ganas de volver?

De los pasados tours nos hemos llevados muy buenas experiencia por lo que realmente es difícil definir solo un lugar, pero definitiva son mas los que nos quedan por conocer y a eso venimos, no hemos tocado nunca en los países que forman parte de este tour.

—¿Qué diferencia ven entre tocar en los escenarios argentinos y los europeos? Sobre todo en lo que se refiere a público.

Depende en que parte de Europa estemos, iberia y los países del este europeo quizás son bastante similares a Latinoamérica en cuanto a la respuesta del publico y a la forma de vivir el metal extremo mientras que el publico de Europa central puede percibirse mas “frio” inicialmente pero con una convicción y pasión enorme. La escena obviamente esta mucho mas desarrollada y geográficamente es mucho mas simple y ágil que en Sudamérica donde las distancias son enormes y la escena extrema fuera de las bandas mainstream solo tienen cabida en el underground. 

—No hay muchas bandas argentinas que puedan girar por Europa, o al menos no que puedan hacerla a una escala y frecuencia como la de Mortuorial Eclipse. ¿Creen que el estilo de black sinfónico de la banda tenga mayor aceptación entre el público europeo?

Estamos a punto de comprobarlo, es muy difícil y caro para las bandas latinas ingresar al circuito europeo y mas aun ser tenidas en cuenta en los grandes festivales lo que realmente es una pena por que las propuestas son muy buenas e innovadores. En cuanto al genero, creo que la cultura del metal en Europa permite que géneros experimentales tengan mas aceptación que en lugares donde se encasillan mas en los géneros tradicionales. es un gran desafío. 

—¿Cuáles son los planes para después de la gira europea?

Hay mucho material en etapa de producción y luego de nuestro retorno planeamos finalizar las composiciones y grabar durante los primeros meses de 2026. El tour es un momento donde mucha musical decanta y nuevas ideas se materializan así que nos gusta aprovechar esa inercia.

—¿Cómo viene el trabajo con respecto al tercer álbum?

Mas demorado de lo que esperábamos pero disfrutando el proceso, no tenemos apuro realmente aunque ya se acumula nuevo material y es inminente liberar nueva música .

—¿Qué tienen para decirle a los fans que los van a ir a ver a sus conciertos en Europa?

Vamos a por ellos! Visitar Europa y especialmente España ha estado en las prioridades de la banda por largo tiempo y recién este año de la mano del equipo de Aurum Booking pudo llevarse a cabo. Es muy complicado para bandas extremas de Argentina hacer este tipo de cruzadas por lo que el publico encontrara propuestas muy aguerridas y con sed insaciable por aniquilarlos y mostrar lo que tienen. Esperamos verlos ahí!  

Con motivo de su aparición en el Stone Fest en Asturias, el festival que tuvo a Oviedo vibrando con el metal el 5 y 6 de septiembre, pudimos hablar con Oliver König y Klara Bachmair, bajista y violinista del combo alemán de black metal Firtan, que fueron parte de la lista de bandas junto a gente como Mars Red Sky, Totengott y Voul. Además de hablar sobre este festival, nos contaron sobre el presente de Firtan, su futuro y lo que mueve a la banda.

—¡Hola Oliver! Me gustaría empezar esta entrevista agradeciéndote por prestarnos un poco de tu tiempo, ya que debes estar bastante ocupado. ¿Cómo van las cosas con Firtan en este momento?

Oliver: ¡Las cosas van muy bien! Acabamos de regresar de tres grandes festivales veraniegos y sentimos que nuestros shows resonaron con mucha gente que recién está conociendo nuestra música. Además, actualmente estamos terminando de componer nuestro próximo álbum, lo cual nos tiene muy entusiasmados.

—Hablemos un poco de Firtan. Sabemos que la banda lleva activa década y media, pero también pensamos que este estilo de black metal (y el black metal en general, obviamente) puede ser un género bastante de nicho, incluso cuando hablamos de sus bandas más grandes. Así que puede haber gente leyendo esta entrevista que quizás no los conozca. ¿Cómo les gustaría presentar Firtan a ellos?

Klara: Nos inspiramos en la energía cruda de las bandas de black metal de los noventas. Sin embargo, nuestro sonido ha evolucionado hacia algo más progresivo. Nos gusta jugar con la tensión entre la agresión y la melancolía, incorporando el violín como un elemento recurrente.

—Tener sus canciones en alemán puede hacerlas bastante crípticas para mucha gente. ¿Cómo describirían los temas detrás de las canciones de Firtan?

Klara: Nuestras letras salen de las influencias filosóficas y literarias (por ejemplo Friedrich Nietzsche, Thomas Mann, Rainer M. Rilke). Los temas tratan acerca de la lucha del individuo con su mundo interior, pero también dentro del contexto más amplio de la humanidad.

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—En un par de semanas van a estar tocando en el Stone Fest en Asturias. ¿Cuáles son sus expectativas acerca de este concierto? Si no estoy equivocado, esta va a ser la primera vez que van a estar tocando en España.

Oliver: Estamos esperando con muchas ganas nuestro debut en España. Yo ya he tocado varios conciertos como músico de sesión en España con Finsterforst. También planeamos quedarnos más allá del festival para explorar las montañas cercanas, así que estamos muy entusiasmados por eso también.

—¿Cómo describirías un concierto de Firtan como experiencia? ¿Qué debería esperar la gente al verlos en vivo sobre el escenario?

Klara: Nuestra música contiene un torrente de emociones cambiantes, e invitamos al público a experimentarlas con nosotros. Nos movemos entre una agresión extática y pasajes melancólicos. Transmitir estas emociones al público y vivirlas juntos es esencial en lo que hacemos.

—¿Dónde les gustaría tocar por primera vez?

Oliver: Probablemente en Noruega… Nos gusta mucho la naturaleza de allá.

—¿Qué sigue para Firtan? ¿Cuáles son sus planes para el futuro?

Oliver: Como mencioné, estamos trabajando en un nuevo álbum y habrá algunas giras próximamente. Estamos muy emocionados por el año que viene y por ver a muchos en el camino.

—Muchas gracias Oliver por esta entrevista. Para cerrar, ¿qué te gustaría decirle a la gente que los verá en el Stone Fest 2025 en Asturias?

Oliver: Agradecemos que le den una oportunidad a nuestra música!

El Otro Humano es una banda emergen de groove metal de Bahía Blanca, ciudad portuaria argentina. Recientemente sacarón su primer material en formato EP Acción Imperfecta y pronto se haran con su segunda presentación en vivo en el KillFest 4ta edición, junto a Cromatismos, Storbo y la banda Nacer Mvuerto desde la ciudad capital. Para conocer un poco más de este nuevo proyecto charlamos brevemente con Agustín Saccone, guitarrista de la banda y esto fue lo que nos dijó.

¡Hola Agustín, gusto en saludarte! Espero te encuentres bien. Después de muchos contratiempos parece que El Otro Humano arrancó con todo. Entonces, para empezar…

¿Querés contarnos un poco cómo surgió la banda? ¿Quiénes la forman?

Hola, Leo. Un gustazo estar en contacto con vos y Track to Hell otra vez. Antes que nada, quiero agradecerles por el espacio y el interés de su parte con las bandas.

La música de El Otro Humano se viene gestando desde hace varios años. Durante la pandemia, entre 2020 y 2021, estuvimos componiendo por separado sin imaginar que más adelante esas canciones estarían en plataformas para escuchar o serían tocadas en vivo.

Por un lado, Gonzalo Torres (batería) y Martin Saccone (voz y bajo) pasaron mucho tiempo en la casa de Elías trabajando las primeras maquetas. Por otro lado, yo pasé mi último año de estadía en Bs. As. (2020) componiendo canciones para un proyecto solista.

La realidad es que somos amigos hace mucho tiempo y con Martin somos hermanos, entonces, al encontrarnos en la ciudad (2021), vimos la oportunidad de juntar el tipo de mentalidad musical/creativa que tiene cada uno de los tres en una sola identidad que es la que marca hoy a El Otro Humano, la cual, por supuesto, irá mutando y evolucionando con el tiempo.

Los ensayos serios comenzaron a principios de 2024. Estuvimos mucho tiempo pensando inteligentemente qué tipo de banda queríamos tener y cómo iba a ser proyectada. Fueron casi cuatro años de componer, escuchar, trabajar, probar, practicar, aprender cosas nuevas, soltar creencias subjetivas que no suman, pensar distinto, irse, volver, mutar, cargar y disparar.

En mayo de este año (2025) contamos con una sola, pero muy intensa, presentación en vivo donde tocamos las tres canciones de nuestro primer EP Acción Imperfecta y el resto de nuestras canciones. Esa noche también tocamos cuatro canciones de Lamb of God donde Elías se sube como invitado a cantar Omerta, Laid to Rest, Redneck, y Ruin. En este momento nos encontramos ensayando para nuestra segunda presentación en el Festival de Metal KILLFEST.

La formación actual de El Otro Humano es: Gonzalo Torres (batería), Martin Saccone (voz y bajo) y Agustin Saccone (guitarra y coros).

¿Qué bandas o artistas toman de referencia o influencia a la hora de construir su música?

Hablando por mí, dejé de sentirme influenciado por la música de los demás hace varios años. Escucho lo que hago, y prefiero encontrar inspiración en lo que me pasa, siento y razono como ser humano en razón de un propósito definido.

No puedo responder por mis compañeros de banda, pero estoy seguro de que les pasa algo parecido. Obvio que escuchamos música a diario como cualquier persona necesita, y me sería imposible detallar de manera breve todas las vertientes que escuchamos.

Nos gusta mucho la música cargada de energía, groove y emociones. Si tuviese que mencionar tres bandas serían: System of a Down, Iron Maiden y Babymetal, y como referencia singular: la banda alemana Knorkator, por su enfoque impredecible.

En Track To Hell ya reseñamos su reciente y primer EP Acción Imperfecta, que demás está decir resulta en un tremendo debut. Contanos un poco sobre la producción ¿Fue desarrollada por ustedes mismos o cómo se llevó a cabo? ¿Hubo colaboración externa?

Primero que nada, ¡muchas gracias por escucharlo y por las palabras! Nos alegra un montón que al día de hoy nos sigan llegando buenos comentarios sobre nuestro primer trabajo de estudio.

Todas las canciones están escritas por nosotros tres, aunque fragmentos de canciones y letras se comenzaron a trabajar, como comenté antes, en la casa de Elías, quién trabajó en las primeras composiciones aportando letras y criterio musical.

Al día de hoy contamos con más de 20 canciones propias, de las cuales elegimos las tres que más definidas estaban a la hora de grabar nuestro primer EP. Esas canciones son: “Yo soy solo”, “Al dependiente” y “El tercer mundo”. El resto de canciones todavía está en proceso de producción para poder lograr la mejor versión de las canciones; unas forman parte de nuestro repertorio en vivo, y las otras se siguen trabajando detenidamente.

Las baterías fueron ejecutadas por el baterista, grabadas por Jorge Ludueña en Sala XIII con la asistencia de Diego Martínez, guitarrista y cantante de Nacer Muerto. Los instrumentos y las voces se grabaron de manera autodidacta en el homestudio de la banda.

Dí con la banda por casualidad al verlos en el flyer de lo que iba a ser mi primer cobertura, el recital de Horcas suspendido, que bueno…también iba a ser su primer show tocando. ¿Vieron afectada su labor musical por la inundación? ¿Tuvieron que postergar la salida o grabación del material?

A diferencia de un montón de personas que atravesaron un momento fatal con la inundación a principios de este año, nosotros no sufrimos pérdidas materiales ni familiares ni tampoco tuvimos que postergar nuestros planes.

Y a pesar de todo, ahora sí se viene el debut, en el KillFest 4, con los chicos de Nacer Muerto. ¿Qué tenés para contarnos de este próximo show? ¿Van a estar presentando nuevas canciones?

La banda se presentó por primera vez el pasado 10 de mayo en So Fresh junto a las bandas Doctrine of Death, y Maiden Madness.

El próximo show será el 19 de septiembre participando del KILLFEST en su cuarta edición. Es un festival que se viene construyendo desde 2016, cuando comenzó siendo un encuentro de músicos que rendían homenaje a sus bandas preferidas. Con el tiempo, el evento creció y fue tomando identidad propia.

Hoy, por lo menos en esta edición, todas las bandas apuestan por lo suyo con canciones propias. Obviamente, a todos nos gusta dar sorpresas y más aún dentro de un evento que comenzó rindiendo tributos.

Estamos muy contentos de compartir esta fecha tan importante con Nacer Muerto, Cromatismos y Storbo. Vamos a tocar las canciones de nuestro primer EP, también canciones nuevas, y algunas otras que conocemos bien.

Si bien Bahía Blanca es una ciudad grande y con mucha historia y cultura metalera, no deja de ser cierto que en Argentina cuanto más alejado de la capital estás, más difícil se hace sostener una agrupación. ¿Qué dificultades percibís vos como músico para llevar adelante una banda de metal acá en Bahía? ¿Qué crees que le falta a la ciudad?

La dificultad de sostener una agrupación es por mentalidad y no por ubicación o por factores económicos. Hoy en día te podés hacer ver y escuchar desde cualquier lugar del mundo. Podés tener una banda donde sea. Ahora bien, que a esa banda le vaya bien o perdure en el tiempo tiene que ver más con cómo encara la realidad donde está situado el proyecto y cómo se encuentran con ellas mismas las personas en ese momento.

El problema suele ser: ¿qué propósito tiene tu banda? Si pudieses armarla en el lugar donde más te gustaría estar, ¿cómo te iría? ¿Tenés un plan? Las bandas sin propósito definido suelen durar alrededor de 4 o 5 años en el mejor de los casos, y digo “en el mejor de los casos” porque hay bandas que están hace 30 años pero en realidad duraron 3.

Yo creo que lo único que falta es mentalidad y saber pararse en el tiempo. Veo mucho talento sepultado por falta de esa mentalidad correcta para hacer perdurar algo a través de los años y a la vez crecer para no estancarse siempre en lo mismo.

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Lamentablemente, hay muchas bandas creyendo que porque algo funcionó hace 10 o 20 años, también funcionará hoy en día y ese es uno de los peores errores que una banda puede cometer. Además, sucede que las bandas en el fondo no quieren crecer. Te puedo asegurar que si existiese un manual definitivo para tener éxito con una banda, la mayoría de los músicos lo rechazarían porque ese manual atacaría sus sistema de creencias y trataría de derrocar lo que ellos creen que es correcto y verdadero para sus bandas, lo cual casi siempre es todo lo contrario.

¿Cuidar el patrimonio? ¿Invertir dinero? ¿Dejar de gastar plata en cosas que no necesito para vivir? ¿Proyectar la banda hacia los que todavía no me conocen y no para mis amigos de siempre? ¿Juntarnos para producir? ¿Dejar de comer, consumir y contar historias nostálgicas en las horas de trabajo? Son algunas de las preguntas que a todo músico le incomodaría preguntarse.

Desde que tengo 15 años, advierto que los músicos (o la mayoría) usan la música como excusa para un propósito distinto que nada que ver con CREAR: socializar, consumir, perder el tiempo, no pensar, criticar, competir, y encontrar en formaciones similares los motivos suficientes para reforzar todo lo que uno cree correcto y verdadero. Es como cuando una comida no está sabrosa y buscás en tu cabeza una razón para disfrutar del plato.

Me canso de ver (y esto es una condición humana y no particularmente musical) es como las personas están en descontento por lo que sucede alrededor de ellas pero no hacen más que quejarse. Te pongo el ejemplo más común de todos: pegarle al gobierno de turno. ¿Qué tiene que ver eso con lo que pasa en tu banda? Si todo fuera como deseás, ¿le iría bien a tu proyecto? La gente se queja porque el aire es gratis y no tienen ni idea de qué modelo de país quieren o simplemente la van de “rebeldes antisistema”, lo cual me parece muy berreta.

Viven en una casa de 10 ambientes y les encanta quejarse porque las cosas no son como ellos quieren. Parecido a quienes culpan su fracaso a que otras bandas pagan para telonear a grupos de afuera. ¿Qué tiene que ver una cosa con la otra?

Cuestión importantísima: un músico es 50% arriba del escenario y 50% abajo del escenario. Lo que dejás abajo del escenario tiene que coincidir con lo que mostrás arriba. Si no sos una persona que no deja una buena experiencia luego de compartir palabras, ideas, o argumentos, ¿por qué esperás que una audiencia te siga o te aplauda?

Otro punto: si no sos oyente de lo que creás, ¿por qué esperás que otro lo sea? Basta de ensayo monótono y repetitivo, las bandas deberían juntarse a escuchar lo que hacen y reflexionar sobre si realmente vale la pena ser escuchado. Invito a revisar los discursos que repetimos. Si decimos que en Bahía la gente no va a los recitales, ¿por qué esperamos que suceda lo contrario? Si decimos que el bahiense es de determinada forma, ¿a dónde vamos a llegar con esa idea?

Deberíamos agradecer que Bahía Blanca es una ciudad grande, con gente interesada en la música. La dificultad hoy es lograr que esa gente salga de su casa y asista a los recitales. Siempre fue difícil y seguirá siéndolo porque se necesita algo más complicado de conseguir que plata, mentalidad o residir en la ciudad más metalera del mundo: la atención de las personas.

Por último, falta música, ¡y mucha! Es increíble como las bandas dejan pasar los años y no publican nuevas canciones o directamente no publican nada. Luego sucede que el público ya no quiere salir de su casa para escuchar lo mismo y vivir la misma experiencia que vivieron la primera vez que asistieron para verte tocar con tu banda.

En fin, hay que dejar de victimizarse, animarse a pensar distinto, arriesgarse siempre por algo mejor y por sobre todas las cosas premeditar los shows. ¡Dejen de subirse al escenario a ensayar, porque el público se da cuenta!

Músicos en Bahía hay de sobra, y muy buenos. Vamos, muchachos y muchachas: todos deberíamos tener una banda que la rompa.

Hoy te preguntaba por las influencias en general, pero… ¿alguna banda de acá de Bahía que puedas destacar o siempre te haya gustado (exista o no)?

Sí, obvio que existen. Bandas que pueda destacar de Bahía hay muchas. Tendría que extenderme, y no me gustaría dejar a nadie afuera, pero voy a nombrar algunas que realmente dejaron algo en mí.

A finales de 2007 escuché el primer EP de Averno y no lo podía creer. Me impactó mucho, yo tenía 15 años. En 2009/2010, lo que viví con la banda Matrero no lo volví a vivir con ninguna otra banda. Quisiera subrayar el primer disco de Infirmor, Subconsciente, el cual en mi adolescencia escuché incontables veces y al día de hoy disfruto mucho reproducirlo.
Años más tarde, en 2014/2015, me gustaba mucho la música de Lonko. También una banda de rock grueso llamada Monos Mutantes, con grandes músicos de la ciudad, muy buenas composiciones y letras que movían mis pensamientos.

Hoy en día bandas de metal haciendo cosas lindas hay… pero muy pocas. Creo que la escena necesita al menos diez bandas más que la rompan en vivo. Sé que es mucho pedir, pero nunca voy a perder la fe.

Volviendo al álbum, se nota que no es algo hecho a la pasada y que aparte de la producción meramente musical también hay letras profundas. ¿De qué van las letras de Acción Imperfecta?

¡Muchas gracias por el cumplido, Leo! Se agradece mucho el interés que mostraste por El Otro Humano desde el primer día. Por supuesto, no fue algo hecho a la pasada: las primeras maquetas comenzaron en 2020 y el primer EP fue publicado en 2025.

Tenemos, como comenté antes, más de 20 canciones compuestas, y decidimos grabar estas tres por la particularidad de cada pieza. La lista de canciones que hoy en día estamos ensayando, incluido el EP, fue premeditada con mucho detenimiento.

Las letras de El Otro Humano tratan del individuo, de sus reflexiones y de los desafíos que enfrenta en su paso terrenal. Alienación, contradicciones internas y resistencia frente al caos. Cada canción funciona como un espejo en el que los oyentes se reconocen, aunque esto incomode.

¿Qué es lo que esperás para El Otro Humano en lo que se viene?

Constancia.

Y, por último, algo que suelo preguntar siempre: ¿Cómo o dónde podemos conseguir el EP?

Acción Imperfecta está disponible en Spotify y YouTube.

Los invito a escuchar las canciones este 19 de Septiembre en So Fresh en el KILLFEST 4. Todas las bandas estamos preparando algo especial para esa noche. ¡No se lo pierdan! De paso, comento un poco el sistema de entradas con el cual nos estamos manejando.

Alias: Killfest4
Nombre: Agustin Saccone
Entrada: $13.000

Envías el comprobante con nombres de asistenes
al 291 47 48 911 o al instagram @killfest.arg, ¡y listo!
El día del recital, cuando entrás, mencionás tu nombre y se te entrega la entrada física.
Más fácil imposible.

¡Los esperamos!

De parte de toda la banda, te agradecemos mucho por esta entrevista. Un saludo enorme para toda la gente de Track to Hell.

En un mundo que acelera, desfragmenta y desconecta, diseñar nuestro destino se vuelve necesario.

El Otro Humano

Dead Fish es una banda que desde 1991 viene dando su buena dosis de hardcore punk desde su Brasil natal, con más de 30 años de carrera y varios discos en su haber el grupo lanzo en 2024 “Labirinto da Memoria”, su último trabajo de estudio el cual los embarco en una gira tanto por Europa como por Latinoamérica. En esta ocasión nos contaron un poco como se preparó ese nuevo disco y las giras que vienen en camino.

Lábirinto da Memória fue una continuación necesaria de “Ponto Cede” (Punto Ciego) de 2018. Decidí hacer un álbum que, a través de mis recuerdos, hablara de nuestra memoria colectiva como país. Esto surgió tras leer el libro “Realismo Capitalista” de Mark Fisher.

Brasil, a diferencia de Argentina, tiene un problema de memoria muy pendiente. Personalmente, creo que es un tema importante que debemos abordar, para evitar algunos acontecimientos recientes en Brasil, como el auge del fascismo que ha estado ocurriendo a nivel mundial, pero que aquí en Brasil tuvo presencia en las elecciones de 2018 e incluso hoy.

1 – Bueno hablando del disco en sí, ¿Sienten que hay un proceso compositivo o un sonido nuevo en comparación a sus trabajos anteriores?

Sí, fue intencional: un texto nuevo con una estructura ligeramente diferente a la que estábamos haciendo. Pedí que el álbum fuera melodioso y con más armonías, y creo que lo logramos.

2 – ¿Alguna canción nació de forma inesperada o de manera distinta a las demás?

Más de una, pero “Dentes Amarelos” fue la más icónica, ya que trata sobre los dientes y su crecimiento. La idea surgió después de una visita al dentista, donde me recomendaron un blanqueamiento dental, algo que obviamente nunca me hice.

3 – Ahora hablando a nivel de ustedes como banda y después de tantos años de carrera. ¿Sus influencias siguen siendo las mismas o hay algunas nuevas?

Las influencias siempre cambian a lo largo de la vida, y esta banda no es la excepción. Mantenemos nuestra base musical con bandas como Cólera, Ratos de Porão, 7 Seconds y Bad Brains, pero hoy tenemos miembros más jóvenes que yo y un baterista muy conectado con la escena metalera. Así que este álbum incorpora muchas de mis influencias: música brasileña de los 60 y 70, como Sergio Sampaio y Raul Seixas, pero también nuestras influencias punk rock, como Bad Religion.

4 – ¿Cómo se sienten a nivel personal y banda al seguir la ruta después de tantos años juntos?

Me siento privilegiado y feliz de poder seguir en el escenario y girando haciendo lo que me apasiona. La banda es más antigua y más tranquila, pero siento que aún tenemos mucho por hacer.

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5 – En lo que respecta a la gira, se vienen dos destinos importantes como Europa y Latinoamérica, ambos con gran movida en cuanto a la escena se trata. ¿Qué expectativas tienen para estos tours?

Vamos a España por primera vez en nuestra carrera y estamos felices de estar allí. Regresar a Argentina con los compañeros de Eterna Inocencia también es muy importante para nosotros. Tenemos las mayores expectativas posibles. Trabajaremos duro en los próximos meses, y creo que esto es perfecto, especialmente en territorios donde no se habla portugués.

6 – ¿Se van a centrar en el disco nuevo o van a mezclar con clásicos de la banda?

Tenemos que tocar los clásicos, pero esta gira es sobre el “Laberinto de la Memoria” y estamos organizando el setlist de manera que todo esto suceda, las canciones viejas y las nuevas.

7 – Una última, ¿Cómo sienten la respuesta de las generaciones tanto nuevas como viejas hacia su música?

Me encanta ver la curiosidad de los jóvenes por nuestro trabajo. Ya no somos tan jóvenes, y es un gesto generoso de su parte. Me alegra haber podido abarcar 30 años y varias generaciones, despertando en ellos la chispa del cuestionamiento y la rebeldía.

Liv Sin es una banda sueca de death metal melódico formada hace casi una decada por su cantante y lider Liv Jagrell. En el mes de agosto sacaron su cuarto y más reciente album titulado Close Your Eyes el cual ha repercutido de manera muy positiva entre sus oyentes. Tuvimos una pequeña charla con Liv para saber un poco más acerca de la banda.

Hola Liv, es un verdadero placer poder entrevistarte. He estado escuchando su último album recientemente y dejame decirte que es realmente sorprendente! así que…para presentar a tu banda a nuestros lectores…

…¿Puedes contarnos como se creó Liv Sin?

Empecé Liv Sin cuando Sister Sin decidió terminar y yo no estaba lista para ello. Para mi, la música es mi vida entera y todo lo que deseaba hacer, así que decidí comenzar mi propia banda con un estilo de metal más pesado, ya que siempre quise explorarlos. Empecé la banda en 2016 con mi novio (Per), que toca la batería, y juntos hemos hecho crecer esta banda a través de los años.

He notado que Liv Sin combina muchos estilos diferentes como heavy, death, hard rock, industrial y muchos más ¿Cuales son sus principales influencias?

Oh…muy difícil de decir, hay demasiadas, pero para nombrar algunas: Orbit Culture, Whitechapel, Parkway Drive, In Flames y Spiritbox.

Y de acuerdo a la pregunta anterior ¿Como describirías el sonido de la banda?

Como una mezcla del metal más moderno y tradicional con heavy, riffs pesados, melodías pegadizas, voces gritonas y sintetizadores espeluznantes, mucha energía y a veces blast beast.

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¿Que diferencias encuentras entre el ayer y hoy a la hora de hacer su música?

En los últimos años, tanto Per como yo, hemos tomado cursos de producción musical que nos han ayudado a desarrollar el sonido del grupo. A Per le encanta crear sus propios sonidos de sintetizador y a mi me encanta la parte de producción, cómo hacer que la melodía suene y como usar los sintetizadores con las guitarras, o como dejar que las armonías en las voces impulsen la canción. Así que definitivamente creo que eso ha cambiado nuestro sonido hacia algo más experimental e industrial.

Yo sé que el metal no es la música preferida de las discográficas por el momento ¿ Cuan difícil ha sido producir sus albums?

Bueno, no ha sido fácil. Especialmente con el nuevo album, porque nos echaron de nuestro anterior sello justo antes de entrar al estudio. Es una lucha constante con el tiempo y las finanzas, a veces se siente como si nunca terminara. Pero nosotros sacamos el nuevo album con la nueva discográfica despues de un montón de…¿rechazos? Y estamos muy contentos con él, así que genial que finalmente esté allí afuera.

Liv Sin ha empezado a sonar más agresivo con los años y, por supuesto, tu voz ha ido acompañando ese cambio. De hecho, en Close Your Eyes, he notado algunos guturales…¿Que desafíos han presentado estos cambios para ti?

Para mi, los guturales no han sido un desafío, ellos en realidad son un poco más fácil en la voz que los constantes cantos agudos que solía hacer. Para mi, como también me gusta el estilo vocal más agudo, el reto es más bien no sobrecargarlos en la grabación porque luego acabare pasandola mal en la gira cuando necesite hacerlos cada día en vivo (jaja).

¿Estarán presentando Close Your Eyes en un tour?¿Que países planean visitar? Esperamos verlos en latinoamerica algún día!

Si, seguro lo haremos! Ahora mismo se nos vienen conciertos de fin de semana durante el otoño aquí en Suecia, pero yo realmente espero que podamos salir más el año que viene, preferentemente por todo el mundo (jaja). Me encanta salir de gira y por eso amo ir a otros paises, y yo puedo decir que nos encantaría ir a latinoamerica muy pronto.

¿Que esperas para Liv Sin en los próximos años?

Si se cumplen mis deseos, diría que muchas giras, tocando en festivales y haciendo nueva música!

Y para finalizar…¿Como nos podemos hacer con Close Your Eyes?

Lo pueden pedir a través de nuestro Bandcamp si quieren un vinílo físico, y si no, está disponible en todas las plataformas de streaming!

Bandcamp: https://livsinofficial.bandcamp.com/merch

Saludos cordiales

Liv Sin crew