Tras más de dos décadas de carrera, creo que nadie a estas alturas debería cuestionar la calidad de los norteamericanos Alter Bridge, quienes se siguen consolidando como una de las mejores y más eficientes bandas de su generación dentro del rock y el hard rock moderno, siempre tratando de sorprender y evolucionar en su línea musical.
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La misma banda que antaño fue vista como el proyecto de los “Ex-Miembros de Creed” y que se tradujo en un gran primer disco (One Day Remains de 2004), a día de hoy es uno de los combos más destacados de su generación junto a otros pesos pesados como Halestorm y Volbeat, entre otros.
Ahora en 2026, los de Florida regresan con su octavo disco homónimo para demostrar que su sonido sigue teniendo peso en la escena y que aún les queda cuerda para rato, la cuestión es ¿Lo habrán conseguido?
Para empezar debemos comentar que con sus 12 cortes, los chicos nos regalan 1 hora y 23 minutos de música, con lo cual, volvemos a ver a una banda que no hace “Canciones de usar y tirar”, si no cortes que tienen muchos matices y detalles a descubrir con cada escucha, no es que se hayan vuelto Tool o Dream Theater, pero si que hacen gala de un exquisito gusto por las melodías, la intensidad y la caña en muchos momentos del álbum.
El disco ya comienza sin florituras con “Silent Divide”, con un riff bastante pesado de Mark Tremonti, uno de los mejores y más infravalorados músicos de su generación, quizás por no hacer gala de “Rock Star”, y simplemente plantarse con sus guitarras en el escenario sin nada más, no es alguien “Vistoso” y sin embargo es mucho mejor músico que otros compañeros de profesión.
Myles por su parte nos regala el tono digamos “Habitual” dentro de su abanico vocal, con subidas y bajadas en la línea de sus anteriores trabajos, pero siempre con ese toque especial que tiene para embelesarnos y poner a AB un paso por delante de muchos nombres del estilo como Three Days Grace, Breaking Benjamin o Disturbed, por citar solo unos pocos.
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El binomio “Rue The Day” y “Power Down”, es otro gran momento dentro de la primera parte del disco ya que enseña dos de las caras más destacadas de la banda, siendo la primera un corte cañero, moderno y que podría haber encajado en discos como Blackbird, mientras que “Power Down” es mucho más pesada y a la vez comienza de forma rápida, pudiendo ser una pieza fija en la próxima gira de la banda y con un gran estribillo que acompaña a la perfección esta canción que se corona con un potente y eficaz solo de Tremonti.
Pero luego tenemos momentos, donde la delicadeza se hace presente y es que la balada “Hang by a Thread”, demuestra lo completos que son Alter Bridge como grupo y es que cuando hace falta oxigenar el disco entre un vendaval de guitarras y agudos imposibles, ellos bajan 2 revoluciones y al igual que en su momento hicieron con “In Loving Memory” (una de las mejores y más emotivas baladas de hard rock de este siglo) o la exitosa y delicada “Watch Over You”, los chicos vuelven a tocarnos el corazón con esta bella canción que seguro cala hondo entre los fanáticos de la banda tal y como hicieron las dos citadas anteriormente en sus respectivos años de publicación.
Luego hay cortes más continuistas como “White Lies Within”, combinando unas guitarras afiladísimas con un Myles que sigue evidenciando porque a la hora de hablar de cantantes de rock actuales, este caballero sigue estando como poco entre los 5 mejores de los últimos tres lustros, demostrando una clase y un nivel vocal impecable.
O sorpresas como “Disregarded”, quizás la pieza más metalera del disco con clara influencia de Pantera y que no se si es lo que mejor les queda a AB, sin embargo el estribillo más melódico si que me cuadra más musicalmente con el sonido de los norteamericanos.
Y por último, no podía faltar el lado “Semi-Progresivo” del disco que se traduce en “Slave To Master”, un extenso corte que se alarga hasta los 9 minutos de duración (como les puede ocurrir a sus compañeros de Avenged Sevenfold, por ejemplo, en algunos temas de su discografía) y que si, hace gala de la gran técnica que poseen estos chicos, sobre todo Myles y Tremonti, con la capacidad de no llegar a saturar al oyente pese a la longitud del corte.
Con lo cual y me puedo hacer cargo de lo que estoy escribiendo, creo que los chicos han dado en la diana con este nuevo trabajo, es de admirar que tras ocho discos sigan sonando tan impecables como el primer día y posiblemente sea su trabajo más completo en el último lustro, evidenciando que la búsqueda aunque tarde más o menos, si uno se centra, la acaba encontrando y con ella grandes resultados como es este disco homónimo de Alter Bridge.
Wildhunt es una banda surgida en Vienna, Austria, allá por el ya lejano 2011. Si bien se suelen presentar normalmente como una banda de heavy metal tradicional, al escucharlo, uno nota un ligero giro hacia el thrash metal de la bahía californiana, lo que convierte a esta en una verdadera agrupación old school.
A pesar ya de contar con más de una década y media de actividad, su material es escaso (1 EP y 2 LP) pero lo suficientemente representativo de lo que estos muchachos austriacos quieren expresar. Su última obra, el reciente Aletheia, es el que me llevó a conocerlos de la mejor manera posible.
Quiero empezar esta reseña por el final de lo que suelo acostumbrar. Primero, veamos en resumen con que nos podemos encontrar. ¿Con qué? Con una demencial cantidad de solos de guitarras, pocas líneas vocales y un bajo que no se deja amedrentar por las 6 cuerdas.
Damos play en mi servicio de stream y lo primero con lo que me encuentro es una pista instrumental llamada “Touching the Ground”. No es un instrumental cualquiera, ni se siquiera si funciona muy bien como apertura de un disco, puesto que…no presagia nada. Sin embargo, lo que aquí tenemos es un dueto de guitarras ejecutado de la manera más virtuosa y violenta posible. Bueno, sí, de alguna manera esta intro anuncia que los grandes actores de este disco serán las guitarras.
Como si pareciera irónico, comienza a sonar la segunda pieza “The Holy Pale” con una larga duración instrumental y yo me pregunto -“Che ¿Todo el disco es así?”- De repente, aparecen las primeras líneas vocales de Wolfgang, su cantante.
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Un pasaje sin pena ni gloria, pero igual de bueno, es lo que sigue con “Made Man” para luego dar lugar a una nueva pieza instrumental, pero que ésta, esta si, funcionaria muy bien como apertura de disco. “Kanashibari” es una corta canción donde un par de guitarras limpias convidan su sonido con arpegios mientras descansan en la base de un contundente bajo y que poco a poco desencadena en una vorágine de distorsión para empalmar perfectamente con el segmento que le sigue “In Frozen Dreams”.
El mejor momento de Wildhunt en el disco son estas 2 piezas que sin duda alguna hubiesen funcionado mejor al principio de la obra. No hace falta mencionar cual es mi parte favorita, creo ha quedado más que claro.
En “Aletheia” vuelvo a destacar el comienzo con guitarras limpias, esta vez acústicas. Para el cierre “Sole Voyage” nos da un poco del último shock de energía que ha sido constante en toda la reproducción. La canción más épica y enérgica del disco, con unos 11 minutos de duración. El tercio intermedio es simplemente espectacular. Venimos de una oda de heavy y thrash de lo más crudo del centro europeo y pasamos a al solo mas blusero y playero habido y por haber, con sutilezas de flamenco (ja). Simplemente espectacular de principio a fin y con el sello de lo que una banda como Wildhunt quiere mostrar.
Ya mencioné a las guitarras como interpretes principales de este álbum, pero todos los componentes funcionan aquí a la perfección, sin taparse uno con otros. Claramente la mezcla esta muy bien lograda. Sin esforzar mucho el oído uno puede escuchar también los bajos, la percusión. Gran performance en la voz de Wolfgang. Se nota que Wildhunt no se ha guardado en la producción de este disco y que ha optado por las viejas formas más orgánicas y no las nuevas formas donde todo es más comprimido.
La banda se completa con Julian en guitarra principal, Robbie en bajo y Lukas en batería.
No vale la pena hacer un sobre análisis de Aletheia, no han inventado la pólvora ni la rueda, ni es una obra conceptual que pueda llevarnos a conectar con lo más profundo de nuestro ser. Aún así, con lo superfluo de su propuesta, logran convencer al oído de cualquier adicto y necesitado del heavy metal clásico, emulando a lo mejor de las bandas de principios de los 80s. Un gran disco el que nos ha traído Wildhunt.
La evolución y el auge de los germanos Beyond The Black en estos últimos años ha sido una cosa impresionante, de ser una banda pequeña (aunque muy buena) dentro de su estilo, hoy Jennifer Haben y los suyos llenan grandes salas en muchas partes del continente europeo y su nombre, cada vez tiene más peso en los festivales de la región.
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Por eso había muchas ganas de enfrentarme a su sexto trabajo de estudio Break The Silence, para comprobar donde se encuentra musicalmente la banda en este nuevo año que acaba de comenzar.
Y lo cierto es que visto lo visto en estas diez nuevas piezas, hay que decir que si no ocurre nada extraño, este 2026 puede ser el año en el que Beyond The Black exploten definitivamente.
Tras tres años desde su último disco, la banda ha tenido (dentro de lo posible, ya que se han pateado medio mundo presentando el álbum) tiempo para componer y entregar otra gran obra para su catálogo personal.
El disco ya comienza fuerte con “Rising Hell”, un corte moderno donde quizás la banda germana haya aparcado el power metal más clásico, en favor de un sonido fresco, rockero y con Jennifer fantástica a las voces sin necesidad de excederse para sonar mejor, esta chica tienen diferentes registros y en todos se defiende muy bien, este tema es la prueba perfecta de ello.
En “Break The Silence”, nos deleitan con unas melodías irresistibles y pegadizas, que seguro sonarán incluso mejor en directo con Jennifer combinando su delicada voz con otros momentos más poderosos.
BTB, sorprenden con “The Art of Being Alone” ya que cuentan con la colaboración del señor Chris Harms, vocalista de Lord of the Lost, con quien Jenny congenia a las mil maravillas vocalmente y nos dan un dueto épico y con ciertos aires melancólicos que harán las delicias de quienes gusten de este tipo de canciones y el sonido neo gótico moderno.
“Ravens”, marca el ecuador del disco y con el evidencian que a veces menos es más, ya que este es un corte con aires de balada o medio tiempo de comienzo acústico y sin embargo consigue emocionar al oyente gracias al delicado tono vocal que la cantante usa en esta ocasión de manera muy inteligente ya que permite a los que escuchamos el tema sumergirnos en el universo de la canción y con él erizarnos la piel al oírla cantar.
La letra es especialmente bella y está dedicada a los seguidores del grupo, con lo cual quizás la emoción es aún mas grande ya que su honestidad para con el público es innegable.
“The Flood”, por el contrario es un corte mucho más moderno, lleno de momentos electrónicos y arreglos de cuerda, que no desentonarían en un disco de Amaranthe por ejemplo.
En líneas generales, la banda continúa su evolución musical, llena de momentos a descubrir en este nuevo trabajo que si bien no es nada “Rompedor”, si que vuelve a situar a Beyond The Black como una de las bandas del momento dentro de su estilo y que te invita a seguir descubriendo hasta donde son capaces de llegar con su particular y personal sonido.
Ellende entrega un nuevo capítulo dentro de una discografía que, lejos de repetirse, viene ajustando su identidad disco a disco. El proyecto liderado por L.G., nacido en Graz, Austria, vuelve a operar bajo una lógica clara: usar el black metal como punto de partida, pero no como límite. Este sexto álbum de estudio, editado mientras aún estabamos comiendo lo que sobró de la cena de año nuevo por AOP Records, se presenta como una obra conceptual atravesada por la idea de quiebre, desgaste y reconstrucción, tanto a nivel sonoro como narrativo.
Desde sus primeros trabajos, Ellende se caracterizó por un enfoque introspectivo dentro del black metal atmosférico. Material como el EP “Rückzug in die Innerlichkeit” (2012) pasando por el “Todbringer” (2016) establecieron una base marcada por estructuras extensas, climas densos y una fuerte carga emocional. Con el paso de los años, esa identidad fue ampliándose: “Lebensnehmer” (2019) y “Ellenbogengesellschaft” (2022) profundizaron el costado melódico y ambiental, mientras que “Todbringerin” (2024) consolidó una narrativa más fragmentada, con mayor presencia de pasajes calmos y arreglos no estrictamente metaleros. Este nuevo trabajo se apoya en ese recorrido y lo lleva un paso más adelante.
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El disco funciona como una obra de desarrollo progresivo. No busca impacto inmediato ni se sostiene en canciones individuales pensadas para funcionar de manera aislada. Desde el inicio, con “Nur”, queda claro que el foco está puesto en la construcción de atmósferas y en el flujo general del álbum. A lo largo del tracklist, Ellende alterna momentos de black metal más tradicional —blast beats contenidos, riffs en capas, voces ásperas— con extensos pasajes introspectivos donde el piano, los sintetizadores y los tempos bajos toman protagonismo.
Una de las claves de esta nueva placa es su manejo del contraste. Temas divididos en partes, como “Wahrheit” o “Zeitenwende”, funcionan casi como movimientos internos dentro de una misma idea, reforzando el carácter conceptual del álbum. A diferencia de trabajos anteriores, acá la agresión aparece de forma más medida y estratégica. No hay una acumulación constante de tensión, sino una dinámica que sube y baja, permitiendo que las secciones más densas respiren y tengan mayor peso cuando finalmente irrumpen.
En términos de sonido, el álbum mantiene la identidad de Ellende: guitarras envolventes, capas superpuestas y una producción que prioriza la profundidad antes que la nitidez. Sin embargo, se percibe un mayor cuidado en los arreglos y en el uso del silencio como recurso. Algunos pasajes se extienden más de lo habitual, lo que puede generar sensaciones encontradas: para algunos oyentes refuerza la inmersión; para otros, puede resultar excesivo o reiterativo. Esa decisión, lejos de ser un error, parece deliberada y coherente con el concepto de desgaste y fragmentación que atraviesa el disco.
El rol de L.G. como eje creativo vuelve a ser central. Aunque Ellende suele contar con colaboradores e invitados, la impronta personal del proyecto se mantiene intacta. Las voces, mayormente desgarradas pero contenidas, acompañan el clima general sin buscar protagonismo excesivo. La batería cumple una función más narrativa que técnica, marcando transiciones y acentos en lugar de imponer una velocidad constante.
“Zerfall” no es un disco pensado para el impacto rápido ni para la escucha casual. Exige tiempo, atención y cierta predisposición a recorrer sus climas cambiantes. Dentro de la discografía, se posiciona como una obra de madurez, donde el proyecto reafirma su identidad sin necesidad de volver sobre fórmulas pasadas. No reinventa su sonido, pero sí lo reorganiza, ajustando tensiones y explorando nuevas formas de narrar desde el black metal atmosférico.
Un disco que dialoga con su propio pasado y que refuerza una evolución sostenida, más preocupada por el contenido y la forma que por la urgencia o el golpe inmediato.
Lord Of The Lost regresan con Opus Noir Vol. 2, un disco que confirma que su crecimiento tras su paso por Eurovisión no fue algo pasajero. Lejos de acomodarse, la banda alemana continúa ampliando su alcance sin renunciar a su base metal, combinando guitarras contundentes, bases electrónicas y una estética oscura muy reconocible. Este nuevo trabajo se presenta como una continuación natural de su etapa más reciente, mostrando a un grupo seguro de sí mismo y consciente de sus puntos fuertes.
El álbum es la segunda parte de la trilogía Opus Noir y mantiene una coherencia clara con el primer volumen, aunque con un tono algo más abierto y accesible. Las canciones apuestan por estructuras directas, estribillos bien definidos y una producción pulida que refuerza su impacto. Aun así, el disco conserva un ambiente sombrío que encaja bien con el concepto general y con el estilo habitual de la banda.
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A nivel musical, Lord Of The Lost se mueven con soltura entre el metal industrial, el gothic metal y un rock moderno pensado para grandes escenarios. Temas como “The Fall From Grace” y “One Of Us Will Be Next” destacan por su equilibrio entre melodía y fuerza, mientras que “The Last Star” combina un estribillo muy pegadizo con riffs más agresivos. Chris Harms vuelve a demostrar su versatilidad vocal, alternando registros limpios con partes más duras.
Las colaboraciones aportan variedad sin romper la unidad del álbum. IAMX deja su sello en “What Have We Become”, aportando un tono más cinematográfico, mientras que Käärijä suma energía y actitud en “Raveyard”. Estos cruces refuerzan el lado más actual y atrevido del grupo, ampliando su paleta sonora.
Opus Noir Vol. 2 es un disco sólido, coherente y muy efectivo, que mejora varios aspectos de su predecesor. No busca reinventar a Lord Of The Lost, sino afianzar su identidad y demostrar que saben escribir canciones grandes, pegadizas y con carácter.
Con We Are Him, Darvaza presenta un segundo álbum que refuerza su carácter siniestro desde una perspectiva más controlada y ceremonial. El disco transmite una sensación de dominio y convicción, alejándose de una violencia puramente desatada para apostar por una agresión más calculada. El resultado es un black metal que no busca perderse en el caos, sino imponer su mensaje con una firmeza casi dogmática, manteniendo siempre una atmósfera opresiva y desafiante.
Desde su formación a mediados de la década pasada, Darvaza ha construido su sonido sobre una lectura muy personal de los cimientos del black metal. No se trata de nostalgia ni de replicar fórmulas antiguas, sino de comprender su espíritu original y adaptarlo a un lenguaje propio. Tras una serie de lanzamientos cortos, su debut Ascending Into Perdition dejó claro que el proyecto tenía una identidad definida, marcada por riffs severos y una interpretación vocal cargada de dramatismo. En este nuevo trabajo, esa identidad se muestra más depurada y segura.
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El inicio del álbum es directo y contundente, dejando poco espacio para la duda. “Holy Blood” abre el camino con un ataque frontal que combina crudeza y estructura, mientras que “Chaos.Fire.Devotion” amplía el espectro con un enfoque más solemne y marcial. En estos primeros temas, la voz de Wraath destaca por su versatilidad, alternando registros sin romper la cohesión del conjunto. “A Last Prayer in Gethsemane” añade un matiz más controlado y solemne antes de que “Lazarus” marque un cambio claro en el desarrollo del disco.
A partir de ahí, We Are Him se mueve hacia terrenos más densos y atmosféricos, sin perder intensidad. “Lazarus” avanza con un pulso amenazante, apoyado en tempos medios que refuerzan su peso, mientras que “Blood of No-One” introduce variaciones rítmicas que aportan dinamismo y profundidad. Estos pasajes permiten que la música respire y gane en dramatismo, preparando el terreno para “Slaying Heaven”, que cierra el recorrido con una sensación de triunfo oscuro y solemne.
Este nuevo disco se presenta como un paso adelante en la evolución de Darvaza, no tanto por un cambio radical de estilo, sino por una mayor claridad en sus intenciones. El álbum resulta más cohesionado y memorable que su predecesor, dejando una impresión duradera tras varias escuchas. Sin concesiones ni adornos innecesarios, la banda entrega un trabajo sólido que consolida su posición dentro del black metal contemporáneo y confirma su capacidad para crecer sin traicionar su esencia.
Nordicwinter es una banda o, mejor dicho, un proyecto unipersonal llevado a cabo por Evillair (de nombre real Yves Allaire), un canadiense de Quebec que apuesta por el black metal. Desde su primer material de larga duración allá por 2007, ha sacado en total 8 discos de estudio.
Hoy se me da por reseñar, casualmente, su última y reciente obra Solitude. Para darles un poco más de contexto, cabe mencionar que el black metal de Nordicwinter no es el black tradicional al que nos tienen acostumbrados los amigos del norte europeo, sino más bien, una variante que quedo definida perfectamente bajo el rótulo de black metal atmosférico. Este subgénero en particular fue una rama que descubrí hace unos pocos años y que hizo que, si el black metal me generaba curiosidad, ahora acapare completamente mi atención.
Solitude es una obra de estructura bastante estándar dentro del tipo de discos que estos artistas suelen componer. Una obra de pocos temas, pero cada uno de ellos con una larga duración. Las sutiles ambientaciones y los constantes guturales de voces agudas conforman los principales elementos que dan personalidad al estilo.
“Whispers of the Frozen Abyss” con unos casi 10 minutos de duración, es la pieza que da obertura al disco, una perfecta invitación a la introspección al igual que su predecesora “The Howling Void”. Estas 2 canciones forman un vínculo que se vuelve casi homogéneo, al punto de casi no distinguir el fin de una y el comienzo de la otra. Un excelente inicio de disco.
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“Echoes of a Dying Sun” no es mi pieza favorita, pero juega un papel importante en la totalidad mientras que “The Sorrow of Eternal Frost” es para mí, la cúspide del disco. Los vientos de fondo se mezclan de forma armoniosa con las guitarras y voces agudas de Evillair.
Luego para cerrar, “Eternal Night’s Embrace” y el instrumental “As The Last Light Fades”. Un cierre más que digno para un disco que viene de tocar su mejor momento en la mitad de su reproducción.
Solitude no es un disco que vaya a dejarte con la boca abierta, más en este tipo de estilos de metal que son tan rígidos en su forma de construirse y que si uno ya escucha 2 o 3 de estas bandas, siente que ya lo escuchó todo. Sin embargo, la vara esta muy alta para el black metal atmosférico y, aquí, Nordicwinter no es la excepción.
Los elementos atmosféricos se encuentran con mucha presencia, mientras que las voces guturales y las guitarras con predominancia de los agudos, armonizan muy bien con los primeros. Los relatos de este canadiense son tan interesantes y personales, como el black metal lo requiere, nunca dejando de lado la influencia generada por la inmersión en la profundidad de los bosques.
Este un disco de un sub-género muy de nicho, así que no es una recomendación que le pueda hacer a cualquiera que ya se sienta cultivado con la música que ya guardaron en memoria. Por el contrario, a aquellos curiosos que buscan encontrarse con la música en una relación más profunda y personal, este tipo de discos son esenciales para dar un paso hacia ello. Una oportunidad a Nordicwinter.
Desde que aparecieran en 1993, Rotten Sound ha ido perfeccionando el arte de hacer grindcore. Claro que “el arte de hacer grindcore” puede sonar como una frase muy extraña, porque este no es un estilo que suene muy “artístico”, sino más como una broma donde llevamos las características del punk rock en general y el hardcore punk en particular a su extremo: canciones más rápidas, más cortas, más caóticas, más gritadas. ¿Qué tan difícil puede ser hacer un rejunte de canciones de 30 segundos? Pero créanme que es más complicado de lo que parece y es por eso que está lleno de bandas de grindcore de mierda sin nada para recomendar, por lo que lo de los finlandeses sea tan destacable.
Así que, ¿qué nos traen en esta ocasión los oriundos de la ciudad de Vaasa? Rotten Sound tienen una tradición de sacar al menos un EP entre disco y disco, que de cierta manera es como un “medio disco” considerando que menos de la mitad de los LPs que sacaron pasan de la media hora. Esta tradición sigue con Mass Extinction, un nuevo EP a editarse el 12 de diciembre a través de Season of Mist: ocho canciones, ninguna llegando a los dos minutos y juntas apenas raspando los diez. Para quien no esté metido en esto, tratar de analizar algo así debe sentirse como tratar de armar un análisis profundo del mingitorio de Marcel Duchamp, pero hay bastante para sacar de acá.
Aunque pasen los años, Rotten Sound sigue manteniendo su habilidad de llenar las canciones de detalles en el menor tiempo posible. Arranca “Recycle” tenemos gritos, doble bombo, secciones de blast beats, riffs hardcore, un breakdown, death growls invitando al mosh y una sección final hecha de manera milimétrica para que a todos nos den ganas de meternos en una carrera brutal para ver cuánto podemos empujar al que tengamos al lado, y todo ello en apenas 69 segundos. “Ride of the Future” arranca groovero, desemboca en una catarata de blast beats, vuelve al groove y tiene más gritos para dejarse la garganta en apenas 45 segundos, y “Gone” se construye alrededor de un par de riffs de corte crust punk y más blast beats, pasando entre diferentes secciones e incluso pasando a algo bastante distinto cerca del final, en 50 segundos justos.
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Con ese párrafo resumimos casi todo Mass Extinction, casi nunca saliéndose de esa fórmula, lo cual puede sonar como que lo estoy llamando repetitivo y es verdad que podría ponerse así si no fuera por la longitud de las canciones. Pero hay más variedad de lo que uno pensaría: el final con “Mass Extinction” es una canción con un ritmo a medio tiempo construida alrededor de una grabación de Jim Jones, el líder religioso de la secta del Templo del Pueblo, dando un discurso el 18 de noviembre de 1978, el día que 923 de sus seguidores se suicidaran o fueran asesinados en la comuna que habían construido en Guyana. No es el único sample apocalíptico que usan, siendo que en “Brave New World” se puede escuchar otro discurso, en este caso de Marshall Applewhite, del culto Heaven’s Gate que ganara infamia mundial luego de cometer un suicidio colectivo en 1997.
Riffs, apocalipsis, gritos, blast beats, momentos para el mosh, Mass Extinction definitivamente lo tiene todo. Está para darle una escucha rápida y luego darle otras más, una pequeña bomba de ruido por parte de Rotten Sound que cumple con todo lo que se espera por parte de unos veteranos del grindcore como son los finlandeses. A darle play, que este disco es corto… al igual que la vida.
Los norteamericanos I Prevail han estrenado su cuarto disco de estudio Violent Nature, con el cual comienzan una nueva etapa tras la marcha de Brian Burkheiser y la pregunta era ¿Podrán seguir su ascendente camino sin él?.
Pues tras escuchar el disco en repetidas ocasiones, la respuesta sigue sin estar excesivamente clara, para ser justos y es que si, el disco suena bien, la producción es impecable, pero siento que hay algo que falta en el global del álbum.
El comienzo con “Synthetic Soul”, podría haber encajado en su disco anterior, pero carece de la chispa que I Prevail siempre han tenido, las voces del estribillo melódico suenan bien, pero no es nada que no se pueda escuchar en bandas similares como Memphis May Fire, Blind Channel o incluso Bad Omens, sin embargo cuando aparece el lado más agresivo, inclina la balanza hacia un lado positivo, aunque no matador.
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El binomio “NWO” y “Pray”, si que son piezas más redondas, siendo la primera un cañonazo de metal moderno que hará las delicias del sector más “Heavy” de sus seguidores, mientras que “Pray”, muestra el lado más alternativo con un guiñó más que evidente a Papa Roach (la intro de guitarra tiene partes influenciadas por “Last Resort”) y que oxigenan este primer bloque del álbum con la otra vertiente de la banda de Michigan.
El disco es una constante máquina expendedora de emociones, ya que la melancolía se hace presente en “Annihilate Me”, sin duda uno de los mejores cortes del álbum y donde I Prevail realmente destacan con un final cañero y un break bastante efectivo.
El corte que da titulo al disco sorprendió en su momento cuando lo presentaron, pero para quien esto escribe, es un tema del montón, dentro del catálogo de la banda norteamericana y es que como este hay varios mejores en sus anteriores trabajos y parece más un intento de querer sonar super pesados sin Brian, cuando ellos nunca han sido ni Suicide Silence ni Whitechapel, si no una banda que combina elementos del metal más cañero con melodías pegadizas.
La épica se hace presente en “Rain”, con un Eric Vanlerberghe muy acertado en las voces melódicas, quizás el enigma principal que había antes de las salida del álbum y que sin duda será uno de los temas fijos en la próxima gira de la banda.
Con “Into Hell”, quizás estemos ante el mejor tema del disco, donde I Prevail hacen lo que mejor saben combinando un estribillo digno de ser coreado en arenas, con un Eric demostrando que puede cargarse el peso de las voces melódica y agresiva a la vez, aunque aquí predomine la primera y seguro que conquista el corazón de muchos amantes del estilo.
La faceta que faltaba dentro del disco, era la de las baladas y esto se resuelve con “Crimson & Clover”, una preciosa pieza acústica donde vemos lo bien que se les ha dado siempre este tipo de canciones a la banda y pone los pelos de punta de principio a fin, demostrando que incluso en los momentos más oscuros, si uno se aferra a lo que cree con fuerza, podrá encontrar ese pequeño halo de luz que lo haga salir adelante.
Tras la calma, vuelve la tormenta con “God”, un pelotazo a medio camino entre Slipknot y Parkway Drive, con el cual I Prevail evidencian que en el disco la caña nunca se ha dejado de lado y que cuando se enfadan, muerden con fuerza.
Con “Stay Away”, el disco llega a su fin de manera intensa y con una calma que se interrumpe por pasajes agresivos, a la vez que presenta otros más melódicos y atmosféricos, claramente influenciados por Deftones y que han sabido plasmar de manera más que inteligente.
I Prevail no ha puesto un freno en su camino, si no que a través de este disco, lo ha ido atravesando con cautela y a veces acelerando los pasos, entregando una obra interesante, pero no memorable, contundente, pero no excesiva y que refleja perfectamente el estado actual del grupo, con lo cual más no les podemos pedir, solo que no pierdan el norte de lo que vienen haciendo hasta ahora.
Tras más de dos décadas de carrera, creo que nadie a estas alturas debería cuestionar la calidad de los norteamericanos Alter Bridge, quienes se siguen consolidando como una de las mejores y más eficientes bandas de su generación dentro del rock y el hard rock moderno, siempre tratando de sorprender y evolucionar en su línea musical.
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La misma banda que antaño fue vista como el proyecto de los “Ex-Miembros de Creed” y que se tradujo en un gran primer disco (One Day Remains de 2004), a día de hoy es uno de los combos más destacados de su generación junto a otros pesos pesados como Halestorm y Volbeat, entre otros.
Ahora en 2026, los de Florida regresan con su octavo disco homónimo para demostrar que su sonido sigue teniendo peso en la escena y que aún les queda cuerda para rato, la cuestión es ¿Lo habrán conseguido?
Para empezar debemos comentar que con sus 12 cortes, los chicos nos regalan 1 hora y 23 minutos de música, con lo cual, volvemos a ver a una banda que no hace “Canciones de usar y tirar”, si no cortes que tienen muchos matices y detalles a descubrir con cada escucha, no es que se hayan vuelto Tool o Dream Theater, pero si que hacen gala de un exquisito gusto por las melodías, la intensidad y la caña en muchos momentos del álbum.
El disco ya comienza sin florituras con “Silent Divide”, con un riff bastante pesado de Mark Tremonti, uno de los mejores y más infravalorados músicos de su generación, quizás por no hacer gala de “Rock Star”, y simplemente plantarse con sus guitarras en el escenario sin nada más, no es alguien “Vistoso” y sin embargo es mucho mejor músico que otros compañeros de profesión.
Myles por su parte nos regala el tono digamos “Habitual” dentro de su abanico vocal, con subidas y bajadas en la línea de sus anteriores trabajos, pero siempre con ese toque especial que tiene para embelesarnos y poner a AB un paso por delante de muchos nombres del estilo como Three Days Grace, Breaking Benjamin o Disturbed, por citar solo unos pocos.
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El binomio “Rue The Day” y “Power Down”, es otro gran momento dentro de la primera parte del disco ya que enseña dos de las caras más destacadas de la banda, siendo la primera un corte cañero, moderno y que podría haber encajado en discos como Blackbird, mientras que “Power Down” es mucho más pesada y a la vez comienza de forma rápida, pudiendo ser una pieza fija en la próxima gira de la banda y con un gran estribillo que acompaña a la perfección esta canción que se corona con un potente y eficaz solo de Tremonti.
Pero luego tenemos momentos, donde la delicadeza se hace presente y es que la balada “Hang by a Thread”, demuestra lo completos que son Alter Bridge como grupo y es que cuando hace falta oxigenar el disco entre un vendaval de guitarras y agudos imposibles, ellos bajan 2 revoluciones y al igual que en su momento hicieron con “In Loving Memory” (una de las mejores y más emotivas baladas de hard rock de este siglo) o la exitosa y delicada “Watch Over You”, los chicos vuelven a tocarnos el corazón con esta bella canción que seguro cala hondo entre los fanáticos de la banda tal y como hicieron las dos citadas anteriormente en sus respectivos años de publicación.
Luego hay cortes más continuistas como “White Lies Within”, combinando unas guitarras afiladísimas con un Myles que sigue evidenciando porque a la hora de hablar de cantantes de rock actuales, este caballero sigue estando como poco entre los 5 mejores de los últimos tres lustros, demostrando una clase y un nivel vocal impecable.
O sorpresas como “Disregarded”, quizás la pieza más metalera del disco con clara influencia de Pantera y que no se si es lo que mejor les queda a AB, sin embargo el estribillo más melódico si que me cuadra más musicalmente con el sonido de los norteamericanos.
Y por último, no podía faltar el lado “Semi-Progresivo” del disco que se traduce en “Slave To Master”, un extenso corte que se alarga hasta los 9 minutos de duración (como les puede ocurrir a sus compañeros de Avenged Sevenfold, por ejemplo, en algunos temas de su discografía) y que si, hace gala de la gran técnica que poseen estos chicos, sobre todo Myles y Tremonti, con la capacidad de no llegar a saturar al oyente pese a la longitud del corte.
Con lo cual y me puedo hacer cargo de lo que estoy escribiendo, creo que los chicos han dado en la diana con este nuevo trabajo, es de admirar que tras ocho discos sigan sonando tan impecables como el primer día y posiblemente sea su trabajo más completo en el último lustro, evidenciando que la búsqueda aunque tarde más o menos, si uno se centra, la acaba encontrando y con ella grandes resultados como es este disco homónimo de Alter Bridge.
Wildhunt es una banda surgida en Vienna, Austria, allá por el ya lejano 2011. Si bien se suelen presentar normalmente como una banda de heavy metal tradicional, al escucharlo, uno nota un ligero giro hacia el thrash metal de la bahía californiana, lo que convierte a esta en una verdadera agrupación old school.
A pesar ya de contar con más de una década y media de actividad, su material es escaso (1 EP y 2 LP) pero lo suficientemente representativo de lo que estos muchachos austriacos quieren expresar. Su última obra, el reciente Aletheia, es el que me llevó a conocerlos de la mejor manera posible.
Quiero empezar esta reseña por el final de lo que suelo acostumbrar. Primero, veamos en resumen con que nos podemos encontrar. ¿Con qué? Con una demencial cantidad de solos de guitarras, pocas líneas vocales y un bajo que no se deja amedrentar por las 6 cuerdas.
Damos play en mi servicio de stream y lo primero con lo que me encuentro es una pista instrumental llamada “Touching the Ground”. No es un instrumental cualquiera, ni se siquiera si funciona muy bien como apertura de un disco, puesto que…no presagia nada. Sin embargo, lo que aquí tenemos es un dueto de guitarras ejecutado de la manera más virtuosa y violenta posible. Bueno, sí, de alguna manera esta intro anuncia que los grandes actores de este disco serán las guitarras.
Como si pareciera irónico, comienza a sonar la segunda pieza “The Holy Pale” con una larga duración instrumental y yo me pregunto -“Che ¿Todo el disco es así?”- De repente, aparecen las primeras líneas vocales de Wolfgang, su cantante.
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Un pasaje sin pena ni gloria, pero igual de bueno, es lo que sigue con “Made Man” para luego dar lugar a una nueva pieza instrumental, pero que ésta, esta si, funcionaria muy bien como apertura de disco. “Kanashibari” es una corta canción donde un par de guitarras limpias convidan su sonido con arpegios mientras descansan en la base de un contundente bajo y que poco a poco desencadena en una vorágine de distorsión para empalmar perfectamente con el segmento que le sigue “In Frozen Dreams”.
El mejor momento de Wildhunt en el disco son estas 2 piezas que sin duda alguna hubiesen funcionado mejor al principio de la obra. No hace falta mencionar cual es mi parte favorita, creo ha quedado más que claro.
En “Aletheia” vuelvo a destacar el comienzo con guitarras limpias, esta vez acústicas. Para el cierre “Sole Voyage” nos da un poco del último shock de energía que ha sido constante en toda la reproducción. La canción más épica y enérgica del disco, con unos 11 minutos de duración. El tercio intermedio es simplemente espectacular. Venimos de una oda de heavy y thrash de lo más crudo del centro europeo y pasamos a al solo mas blusero y playero habido y por haber, con sutilezas de flamenco (ja). Simplemente espectacular de principio a fin y con el sello de lo que una banda como Wildhunt quiere mostrar.
Ya mencioné a las guitarras como interpretes principales de este álbum, pero todos los componentes funcionan aquí a la perfección, sin taparse uno con otros. Claramente la mezcla esta muy bien lograda. Sin esforzar mucho el oído uno puede escuchar también los bajos, la percusión. Gran performance en la voz de Wolfgang. Se nota que Wildhunt no se ha guardado en la producción de este disco y que ha optado por las viejas formas más orgánicas y no las nuevas formas donde todo es más comprimido.
La banda se completa con Julian en guitarra principal, Robbie en bajo y Lukas en batería.
No vale la pena hacer un sobre análisis de Aletheia, no han inventado la pólvora ni la rueda, ni es una obra conceptual que pueda llevarnos a conectar con lo más profundo de nuestro ser. Aún así, con lo superfluo de su propuesta, logran convencer al oído de cualquier adicto y necesitado del heavy metal clásico, emulando a lo mejor de las bandas de principios de los 80s. Un gran disco el que nos ha traído Wildhunt.
La evolución y el auge de los germanos Beyond The Black en estos últimos años ha sido una cosa impresionante, de ser una banda pequeña (aunque muy buena) dentro de su estilo, hoy Jennifer Haben y los suyos llenan grandes salas en muchas partes del continente europeo y su nombre, cada vez tiene más peso en los festivales de la región.
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Por eso había muchas ganas de enfrentarme a su sexto trabajo de estudio Break The Silence, para comprobar donde se encuentra musicalmente la banda en este nuevo año que acaba de comenzar.
Y lo cierto es que visto lo visto en estas diez nuevas piezas, hay que decir que si no ocurre nada extraño, este 2026 puede ser el año en el que Beyond The Black exploten definitivamente.
Tras tres años desde su último disco, la banda ha tenido (dentro de lo posible, ya que se han pateado medio mundo presentando el álbum) tiempo para componer y entregar otra gran obra para su catálogo personal.
El disco ya comienza fuerte con “Rising Hell”, un corte moderno donde quizás la banda germana haya aparcado el power metal más clásico, en favor de un sonido fresco, rockero y con Jennifer fantástica a las voces sin necesidad de excederse para sonar mejor, esta chica tienen diferentes registros y en todos se defiende muy bien, este tema es la prueba perfecta de ello.
En “Break The Silence”, nos deleitan con unas melodías irresistibles y pegadizas, que seguro sonarán incluso mejor en directo con Jennifer combinando su delicada voz con otros momentos más poderosos.
BTB, sorprenden con “The Art of Being Alone” ya que cuentan con la colaboración del señor Chris Harms, vocalista de Lord of the Lost, con quien Jenny congenia a las mil maravillas vocalmente y nos dan un dueto épico y con ciertos aires melancólicos que harán las delicias de quienes gusten de este tipo de canciones y el sonido neo gótico moderno.
“Ravens”, marca el ecuador del disco y con el evidencian que a veces menos es más, ya que este es un corte con aires de balada o medio tiempo de comienzo acústico y sin embargo consigue emocionar al oyente gracias al delicado tono vocal que la cantante usa en esta ocasión de manera muy inteligente ya que permite a los que escuchamos el tema sumergirnos en el universo de la canción y con él erizarnos la piel al oírla cantar.
La letra es especialmente bella y está dedicada a los seguidores del grupo, con lo cual quizás la emoción es aún mas grande ya que su honestidad para con el público es innegable.
“The Flood”, por el contrario es un corte mucho más moderno, lleno de momentos electrónicos y arreglos de cuerda, que no desentonarían en un disco de Amaranthe por ejemplo.
En líneas generales, la banda continúa su evolución musical, llena de momentos a descubrir en este nuevo trabajo que si bien no es nada “Rompedor”, si que vuelve a situar a Beyond The Black como una de las bandas del momento dentro de su estilo y que te invita a seguir descubriendo hasta donde son capaces de llegar con su particular y personal sonido.
Ellende entrega un nuevo capítulo dentro de una discografía que, lejos de repetirse, viene ajustando su identidad disco a disco. El proyecto liderado por L.G., nacido en Graz, Austria, vuelve a operar bajo una lógica clara: usar el black metal como punto de partida, pero no como límite. Este sexto álbum de estudio, editado mientras aún estabamos comiendo lo que sobró de la cena de año nuevo por AOP Records, se presenta como una obra conceptual atravesada por la idea de quiebre, desgaste y reconstrucción, tanto a nivel sonoro como narrativo.
Desde sus primeros trabajos, Ellende se caracterizó por un enfoque introspectivo dentro del black metal atmosférico. Material como el EP “Rückzug in die Innerlichkeit” (2012) pasando por el “Todbringer” (2016) establecieron una base marcada por estructuras extensas, climas densos y una fuerte carga emocional. Con el paso de los años, esa identidad fue ampliándose: “Lebensnehmer” (2019) y “Ellenbogengesellschaft” (2022) profundizaron el costado melódico y ambiental, mientras que “Todbringerin” (2024) consolidó una narrativa más fragmentada, con mayor presencia de pasajes calmos y arreglos no estrictamente metaleros. Este nuevo trabajo se apoya en ese recorrido y lo lleva un paso más adelante.
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El disco funciona como una obra de desarrollo progresivo. No busca impacto inmediato ni se sostiene en canciones individuales pensadas para funcionar de manera aislada. Desde el inicio, con “Nur”, queda claro que el foco está puesto en la construcción de atmósferas y en el flujo general del álbum. A lo largo del tracklist, Ellende alterna momentos de black metal más tradicional —blast beats contenidos, riffs en capas, voces ásperas— con extensos pasajes introspectivos donde el piano, los sintetizadores y los tempos bajos toman protagonismo.
Una de las claves de esta nueva placa es su manejo del contraste. Temas divididos en partes, como “Wahrheit” o “Zeitenwende”, funcionan casi como movimientos internos dentro de una misma idea, reforzando el carácter conceptual del álbum. A diferencia de trabajos anteriores, acá la agresión aparece de forma más medida y estratégica. No hay una acumulación constante de tensión, sino una dinámica que sube y baja, permitiendo que las secciones más densas respiren y tengan mayor peso cuando finalmente irrumpen.
En términos de sonido, el álbum mantiene la identidad de Ellende: guitarras envolventes, capas superpuestas y una producción que prioriza la profundidad antes que la nitidez. Sin embargo, se percibe un mayor cuidado en los arreglos y en el uso del silencio como recurso. Algunos pasajes se extienden más de lo habitual, lo que puede generar sensaciones encontradas: para algunos oyentes refuerza la inmersión; para otros, puede resultar excesivo o reiterativo. Esa decisión, lejos de ser un error, parece deliberada y coherente con el concepto de desgaste y fragmentación que atraviesa el disco.
El rol de L.G. como eje creativo vuelve a ser central. Aunque Ellende suele contar con colaboradores e invitados, la impronta personal del proyecto se mantiene intacta. Las voces, mayormente desgarradas pero contenidas, acompañan el clima general sin buscar protagonismo excesivo. La batería cumple una función más narrativa que técnica, marcando transiciones y acentos en lugar de imponer una velocidad constante.
“Zerfall” no es un disco pensado para el impacto rápido ni para la escucha casual. Exige tiempo, atención y cierta predisposición a recorrer sus climas cambiantes. Dentro de la discografía, se posiciona como una obra de madurez, donde el proyecto reafirma su identidad sin necesidad de volver sobre fórmulas pasadas. No reinventa su sonido, pero sí lo reorganiza, ajustando tensiones y explorando nuevas formas de narrar desde el black metal atmosférico.
Un disco que dialoga con su propio pasado y que refuerza una evolución sostenida, más preocupada por el contenido y la forma que por la urgencia o el golpe inmediato.
Lord Of The Lost regresan con Opus Noir Vol. 2, un disco que confirma que su crecimiento tras su paso por Eurovisión no fue algo pasajero. Lejos de acomodarse, la banda alemana continúa ampliando su alcance sin renunciar a su base metal, combinando guitarras contundentes, bases electrónicas y una estética oscura muy reconocible. Este nuevo trabajo se presenta como una continuación natural de su etapa más reciente, mostrando a un grupo seguro de sí mismo y consciente de sus puntos fuertes.
El álbum es la segunda parte de la trilogía Opus Noir y mantiene una coherencia clara con el primer volumen, aunque con un tono algo más abierto y accesible. Las canciones apuestan por estructuras directas, estribillos bien definidos y una producción pulida que refuerza su impacto. Aun así, el disco conserva un ambiente sombrío que encaja bien con el concepto general y con el estilo habitual de la banda.
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A nivel musical, Lord Of The Lost se mueven con soltura entre el metal industrial, el gothic metal y un rock moderno pensado para grandes escenarios. Temas como “The Fall From Grace” y “One Of Us Will Be Next” destacan por su equilibrio entre melodía y fuerza, mientras que “The Last Star” combina un estribillo muy pegadizo con riffs más agresivos. Chris Harms vuelve a demostrar su versatilidad vocal, alternando registros limpios con partes más duras.
Las colaboraciones aportan variedad sin romper la unidad del álbum. IAMX deja su sello en “What Have We Become”, aportando un tono más cinematográfico, mientras que Käärijä suma energía y actitud en “Raveyard”. Estos cruces refuerzan el lado más actual y atrevido del grupo, ampliando su paleta sonora.
Opus Noir Vol. 2 es un disco sólido, coherente y muy efectivo, que mejora varios aspectos de su predecesor. No busca reinventar a Lord Of The Lost, sino afianzar su identidad y demostrar que saben escribir canciones grandes, pegadizas y con carácter.
Con We Are Him, Darvaza presenta un segundo álbum que refuerza su carácter siniestro desde una perspectiva más controlada y ceremonial. El disco transmite una sensación de dominio y convicción, alejándose de una violencia puramente desatada para apostar por una agresión más calculada. El resultado es un black metal que no busca perderse en el caos, sino imponer su mensaje con una firmeza casi dogmática, manteniendo siempre una atmósfera opresiva y desafiante.
Desde su formación a mediados de la década pasada, Darvaza ha construido su sonido sobre una lectura muy personal de los cimientos del black metal. No se trata de nostalgia ni de replicar fórmulas antiguas, sino de comprender su espíritu original y adaptarlo a un lenguaje propio. Tras una serie de lanzamientos cortos, su debut Ascending Into Perdition dejó claro que el proyecto tenía una identidad definida, marcada por riffs severos y una interpretación vocal cargada de dramatismo. En este nuevo trabajo, esa identidad se muestra más depurada y segura.
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El inicio del álbum es directo y contundente, dejando poco espacio para la duda. “Holy Blood” abre el camino con un ataque frontal que combina crudeza y estructura, mientras que “Chaos.Fire.Devotion” amplía el espectro con un enfoque más solemne y marcial. En estos primeros temas, la voz de Wraath destaca por su versatilidad, alternando registros sin romper la cohesión del conjunto. “A Last Prayer in Gethsemane” añade un matiz más controlado y solemne antes de que “Lazarus” marque un cambio claro en el desarrollo del disco.
A partir de ahí, We Are Him se mueve hacia terrenos más densos y atmosféricos, sin perder intensidad. “Lazarus” avanza con un pulso amenazante, apoyado en tempos medios que refuerzan su peso, mientras que “Blood of No-One” introduce variaciones rítmicas que aportan dinamismo y profundidad. Estos pasajes permiten que la música respire y gane en dramatismo, preparando el terreno para “Slaying Heaven”, que cierra el recorrido con una sensación de triunfo oscuro y solemne.
Este nuevo disco se presenta como un paso adelante en la evolución de Darvaza, no tanto por un cambio radical de estilo, sino por una mayor claridad en sus intenciones. El álbum resulta más cohesionado y memorable que su predecesor, dejando una impresión duradera tras varias escuchas. Sin concesiones ni adornos innecesarios, la banda entrega un trabajo sólido que consolida su posición dentro del black metal contemporáneo y confirma su capacidad para crecer sin traicionar su esencia.
Nordicwinter es una banda o, mejor dicho, un proyecto unipersonal llevado a cabo por Evillair (de nombre real Yves Allaire), un canadiense de Quebec que apuesta por el black metal. Desde su primer material de larga duración allá por 2007, ha sacado en total 8 discos de estudio.
Hoy se me da por reseñar, casualmente, su última y reciente obra Solitude. Para darles un poco más de contexto, cabe mencionar que el black metal de Nordicwinter no es el black tradicional al que nos tienen acostumbrados los amigos del norte europeo, sino más bien, una variante que quedo definida perfectamente bajo el rótulo de black metal atmosférico. Este subgénero en particular fue una rama que descubrí hace unos pocos años y que hizo que, si el black metal me generaba curiosidad, ahora acapare completamente mi atención.
Solitude es una obra de estructura bastante estándar dentro del tipo de discos que estos artistas suelen componer. Una obra de pocos temas, pero cada uno de ellos con una larga duración. Las sutiles ambientaciones y los constantes guturales de voces agudas conforman los principales elementos que dan personalidad al estilo.
“Whispers of the Frozen Abyss” con unos casi 10 minutos de duración, es la pieza que da obertura al disco, una perfecta invitación a la introspección al igual que su predecesora “The Howling Void”. Estas 2 canciones forman un vínculo que se vuelve casi homogéneo, al punto de casi no distinguir el fin de una y el comienzo de la otra. Un excelente inicio de disco.
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“Echoes of a Dying Sun” no es mi pieza favorita, pero juega un papel importante en la totalidad mientras que “The Sorrow of Eternal Frost” es para mí, la cúspide del disco. Los vientos de fondo se mezclan de forma armoniosa con las guitarras y voces agudas de Evillair.
Luego para cerrar, “Eternal Night’s Embrace” y el instrumental “As The Last Light Fades”. Un cierre más que digno para un disco que viene de tocar su mejor momento en la mitad de su reproducción.
Solitude no es un disco que vaya a dejarte con la boca abierta, más en este tipo de estilos de metal que son tan rígidos en su forma de construirse y que si uno ya escucha 2 o 3 de estas bandas, siente que ya lo escuchó todo. Sin embargo, la vara esta muy alta para el black metal atmosférico y, aquí, Nordicwinter no es la excepción.
Los elementos atmosféricos se encuentran con mucha presencia, mientras que las voces guturales y las guitarras con predominancia de los agudos, armonizan muy bien con los primeros. Los relatos de este canadiense son tan interesantes y personales, como el black metal lo requiere, nunca dejando de lado la influencia generada por la inmersión en la profundidad de los bosques.
Este un disco de un sub-género muy de nicho, así que no es una recomendación que le pueda hacer a cualquiera que ya se sienta cultivado con la música que ya guardaron en memoria. Por el contrario, a aquellos curiosos que buscan encontrarse con la música en una relación más profunda y personal, este tipo de discos son esenciales para dar un paso hacia ello. Una oportunidad a Nordicwinter.
Desde que aparecieran en 1993, Rotten Sound ha ido perfeccionando el arte de hacer grindcore. Claro que “el arte de hacer grindcore” puede sonar como una frase muy extraña, porque este no es un estilo que suene muy “artístico”, sino más como una broma donde llevamos las características del punk rock en general y el hardcore punk en particular a su extremo: canciones más rápidas, más cortas, más caóticas, más gritadas. ¿Qué tan difícil puede ser hacer un rejunte de canciones de 30 segundos? Pero créanme que es más complicado de lo que parece y es por eso que está lleno de bandas de grindcore de mierda sin nada para recomendar, por lo que lo de los finlandeses sea tan destacable.
Así que, ¿qué nos traen en esta ocasión los oriundos de la ciudad de Vaasa? Rotten Sound tienen una tradición de sacar al menos un EP entre disco y disco, que de cierta manera es como un “medio disco” considerando que menos de la mitad de los LPs que sacaron pasan de la media hora. Esta tradición sigue con Mass Extinction, un nuevo EP a editarse el 12 de diciembre a través de Season of Mist: ocho canciones, ninguna llegando a los dos minutos y juntas apenas raspando los diez. Para quien no esté metido en esto, tratar de analizar algo así debe sentirse como tratar de armar un análisis profundo del mingitorio de Marcel Duchamp, pero hay bastante para sacar de acá.
Aunque pasen los años, Rotten Sound sigue manteniendo su habilidad de llenar las canciones de detalles en el menor tiempo posible. Arranca “Recycle” tenemos gritos, doble bombo, secciones de blast beats, riffs hardcore, un breakdown, death growls invitando al mosh y una sección final hecha de manera milimétrica para que a todos nos den ganas de meternos en una carrera brutal para ver cuánto podemos empujar al que tengamos al lado, y todo ello en apenas 69 segundos. “Ride of the Future” arranca groovero, desemboca en una catarata de blast beats, vuelve al groove y tiene más gritos para dejarse la garganta en apenas 45 segundos, y “Gone” se construye alrededor de un par de riffs de corte crust punk y más blast beats, pasando entre diferentes secciones e incluso pasando a algo bastante distinto cerca del final, en 50 segundos justos.
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Con ese párrafo resumimos casi todo Mass Extinction, casi nunca saliéndose de esa fórmula, lo cual puede sonar como que lo estoy llamando repetitivo y es verdad que podría ponerse así si no fuera por la longitud de las canciones. Pero hay más variedad de lo que uno pensaría: el final con “Mass Extinction” es una canción con un ritmo a medio tiempo construida alrededor de una grabación de Jim Jones, el líder religioso de la secta del Templo del Pueblo, dando un discurso el 18 de noviembre de 1978, el día que 923 de sus seguidores se suicidaran o fueran asesinados en la comuna que habían construido en Guyana. No es el único sample apocalíptico que usan, siendo que en “Brave New World” se puede escuchar otro discurso, en este caso de Marshall Applewhite, del culto Heaven’s Gate que ganara infamia mundial luego de cometer un suicidio colectivo en 1997.
Riffs, apocalipsis, gritos, blast beats, momentos para el mosh, Mass Extinction definitivamente lo tiene todo. Está para darle una escucha rápida y luego darle otras más, una pequeña bomba de ruido por parte de Rotten Sound que cumple con todo lo que se espera por parte de unos veteranos del grindcore como son los finlandeses. A darle play, que este disco es corto… al igual que la vida.
Los norteamericanos I Prevail han estrenado su cuarto disco de estudio Violent Nature, con el cual comienzan una nueva etapa tras la marcha de Brian Burkheiser y la pregunta era ¿Podrán seguir su ascendente camino sin él?.
Pues tras escuchar el disco en repetidas ocasiones, la respuesta sigue sin estar excesivamente clara, para ser justos y es que si, el disco suena bien, la producción es impecable, pero siento que hay algo que falta en el global del álbum.
El comienzo con “Synthetic Soul”, podría haber encajado en su disco anterior, pero carece de la chispa que I Prevail siempre han tenido, las voces del estribillo melódico suenan bien, pero no es nada que no se pueda escuchar en bandas similares como Memphis May Fire, Blind Channel o incluso Bad Omens, sin embargo cuando aparece el lado más agresivo, inclina la balanza hacia un lado positivo, aunque no matador.
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El binomio “NWO” y “Pray”, si que son piezas más redondas, siendo la primera un cañonazo de metal moderno que hará las delicias del sector más “Heavy” de sus seguidores, mientras que “Pray”, muestra el lado más alternativo con un guiñó más que evidente a Papa Roach (la intro de guitarra tiene partes influenciadas por “Last Resort”) y que oxigenan este primer bloque del álbum con la otra vertiente de la banda de Michigan.
El disco es una constante máquina expendedora de emociones, ya que la melancolía se hace presente en “Annihilate Me”, sin duda uno de los mejores cortes del álbum y donde I Prevail realmente destacan con un final cañero y un break bastante efectivo.
El corte que da titulo al disco sorprendió en su momento cuando lo presentaron, pero para quien esto escribe, es un tema del montón, dentro del catálogo de la banda norteamericana y es que como este hay varios mejores en sus anteriores trabajos y parece más un intento de querer sonar super pesados sin Brian, cuando ellos nunca han sido ni Suicide Silence ni Whitechapel, si no una banda que combina elementos del metal más cañero con melodías pegadizas.
La épica se hace presente en “Rain”, con un Eric Vanlerberghe muy acertado en las voces melódicas, quizás el enigma principal que había antes de las salida del álbum y que sin duda será uno de los temas fijos en la próxima gira de la banda.
Con “Into Hell”, quizás estemos ante el mejor tema del disco, donde I Prevail hacen lo que mejor saben combinando un estribillo digno de ser coreado en arenas, con un Eric demostrando que puede cargarse el peso de las voces melódica y agresiva a la vez, aunque aquí predomine la primera y seguro que conquista el corazón de muchos amantes del estilo.
La faceta que faltaba dentro del disco, era la de las baladas y esto se resuelve con “Crimson & Clover”, una preciosa pieza acústica donde vemos lo bien que se les ha dado siempre este tipo de canciones a la banda y pone los pelos de punta de principio a fin, demostrando que incluso en los momentos más oscuros, si uno se aferra a lo que cree con fuerza, podrá encontrar ese pequeño halo de luz que lo haga salir adelante.
Tras la calma, vuelve la tormenta con “God”, un pelotazo a medio camino entre Slipknot y Parkway Drive, con el cual I Prevail evidencian que en el disco la caña nunca se ha dejado de lado y que cuando se enfadan, muerden con fuerza.
Con “Stay Away”, el disco llega a su fin de manera intensa y con una calma que se interrumpe por pasajes agresivos, a la vez que presenta otros más melódicos y atmosféricos, claramente influenciados por Deftones y que han sabido plasmar de manera más que inteligente.
I Prevail no ha puesto un freno en su camino, si no que a través de este disco, lo ha ido atravesando con cautela y a veces acelerando los pasos, entregando una obra interesante, pero no memorable, contundente, pero no excesiva y que refleja perfectamente el estado actual del grupo, con lo cual más no les podemos pedir, solo que no pierdan el norte de lo que vienen haciendo hasta ahora.
