El nuevo trabajo de los americanos Fallujah és definitivamente un antes y un después en la historia de la propia banda. A través de Nuclear Blast, la banda se ha podido reconfigurar completamente tras la llevada de su nuevo guitarrista Sam Mooradian (Inhale Existence), además del canadiense Kevin Alexander (Dysembodied Tyrant). Juntamente con Evan Brewer, Kyle Schaefer y el fundador Scott Carstairs, estos han escrito un capítulo nuevo en el que sin duda, nos someteremos a posiblemente una de las mejores experiencias auditivas de este 2025.

Con Xenotaph, como dicta Schaefer “Los fans, con suerte, se sorprenderán y emocionarán con las nuevas direcciones a las que estamos apuntando (…) también podrán reconocer algunos de los elementos del core que hemos ido construyendo en el pasado. Hay algunos momentos donde hemos querido que nuestra música se sienta completamente nueva incluso fuera de nuestro carácter, con también momentos donde hemos querido inclinarnos a lo que la banda ya sabía hacer bien. Se trata de ser dinámico y excitante, mientras se siente como una única pieza cohesionada lírica y narrativamente. Queremos hacer que esta música impacte a nuestros fans de la manera que nuestra música preferida nos ha impactado a nosotros“.

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La encargada de abrir el sexto álbum de estudio de la banda es el prólogo “In Stars We Drown“, donde, bajo un manto técnico y groovie acompañado de una gran melodía intercalando armónicos y guturales, dando esta paso a “Kaleidoscopic Waves“. Aquí nos muestran una faceta frenética con hiatos casi acústicos, propios del progresivo, todo a escala mayor.

Sin duda, a lo largo del tema, se hace cada vez más agradable escucharlo, gracias también a la maravillosa producción del álbum. Esta canción, “A Parasitic Dream” sirve como ejemplo de lo que nos espera en el resto del trabajo; double-beats, armónicos, coros, increibles solos de parte de Mooradian y Carstairs y unas agresivas pero agradables vueltas.

“Labrynth Of Stone” és uno de los temas que más he escuchado, aquí el tecnicismo alcanza una pequeña cúspide en lo que se refiere al álbum en su totalidad. Este se ve suficientemente matizado por otro de los mejores chorus del álbum, remarcando la semejante calidad de Kyle Schaefer en la voz, yendo de la mano de las polirrítmias y compases asimétricos con otro puente pesado. Cinco minutos que en cierto modo, se te hacen cortos.

El ecuador de los ocho que componen el álbum, es un pequeño canon de lo que es su anterior tema, aunque subiendo el nivel en términos de pesadez. En “The Crystaline Veil” siguen jugando entre el death técnico y el progresivo melódico, sin soltar el apartado gutural, pudiéndose considerar un tema promedio de la banda; excelencia en todos los ámbitos.

Con “Step Through The Portal And Breathe” podemos llegar a notar algo de monotonía en cierto modo comparándola con los anteriores temas, siguiendo esta una fórmula similar sin llegar a sentirse repetitivo ni mucho menos. Está escrito de tal manera que se sienta parte del álbum (sin parecer sufrir una crisis de personalidad como otras bandas), tomando cada aspecto que identifica a Fallujah como una de las mejores bandas del género.

La banda rompe esa monotonía (que para nada es algo negativo) convirtiéndola en un tema muy original, postulándose como uno de los mejores de este LP. “The Obsidian Architect”. Pasando a una tonalidad menor dejando de lado la parte melódica y agradable en gran parte del tema, donde irrumpe una faceta extrema de manera excelente que lleva el tema In Crescendo hacia un memorable solo por parte de Sam Mooradian, prosiguiendo a otro de Carstairs. Esto da paso a un epílogo donde los growls de Schaefer me hacen partir el cuello (yendo acorde con el tempo esta vez, cosa no muy probable en este género).

Nos encontramos con el último tema, el homónimo “Xenotaph”. Una canción rítmica en las estrofas, pero con un espectacular blastbeat envolvente en el estribillo propios del black atmosférico que cuaja completamente con la dirección de la canción. La segunda parte retorna de manera técnica otra vez cayendo de golpe en una pausa armónica y sintetizada, manteniéndose esta a la última vuelta para cerrar el álbum por todo lo alto.

Otra vez, Fallujah sigue sin decepcionar. Han experimentado lo suficiente como para darnos un sabor refrescante manteniendo a la vez la identidad propia que define a la banda. Un excelente álbum que lo postula como uno de los mejores del ecuador de este 2025, con muchas ganas de que los de la West-Coast pisen nuestro país para brindarnos en vivo este nuevo Xenotaph.

…And Oceans es una banda que se puede calificar de “excéntrica”. Dieron sus primeros pasos en los noventas con su propia versión de la nueva corriente sinfónica del black metal, con la llegada del nuevo milenio se pudieron contar entre los pioneros del black metal industrial, adoptaron un nuevo nombre para marcar este cambio de estilo, sacaron un disco industrial como Havoc Unit, se separaron en 2013 y en 2017 anunciaron su vuelta, aunque con un par de cambios de formación antes de poder llegar a editar su regreso con Cosmic World Mother en 2020. Cambios de estilo, de nombre, de seudónimos y una tonelada de rumores extraños acerca de sus miembros, …And Oceans ha sabido hacerse una mitología personal bastante particular.

Tanto en Cosmic World Mother como en As in Gardens, So in Tombs, los dos álbumes esta nueva etapa en su carrera, …And Oceans se habían mostrado firmes en su idea de volver al sonido de black metal sinfónico de sus inicios, con sus blast beats y riffs helados mezclados con teclados grandilocuentes, sin tantos de los sonidos industriales que habían caracterizado a sus producciones inmediatamente previas a su separación. Para este The Regeneration Itinerary, séptimo trabajo del grupo, las cosas se mantienen (casi) por el mismo camino.

Tracks como “Förnyelse i Tre Akter”, “The Terminal Filter” y “I Am Coin, I Am Two”, por sólo elegir un puñado, muestran bien este sonido épico y aplastante a lo Emperor que ha caracterizado las últimas producciones de …And Oceans. Estos tracks, y muchos más, muestran la tremenda tarea no sólo de la dupla de guitarras de Timo “T” Kontio y Teemu Saari, los dos integrantes que se mantienen de la formación original, sino también de Kauko Kuusisalo en la batería y Antti Simonen en los teclados, estos últimos el elemento fundamental que le termina dando su identidad al álbum.

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El acelerador está apretado al fondo durante casi todo The Regeneration Itinerary, pero de vez en cuando el sexteto se toma la libertad de rebajar un poco las canciones, como se da en “Prophetical Mercury Implement” o “The Fire In Which We Burn”, por mencionar un par. Pero por regla general el doble bombo domina los ritmos, a veces en solitario pero casi siempre con los blast beats bien al frente.

En reglas generales la descripción de The Regeneration Itinerary podría arrancar y terminar ahí, siendo un disco dentro de todo homogéneo en sus intenciones: la atmósfera épica, los rugidos brutales de Mathias Lillmåns y los colchones de teclados dominan casi toda la placa. Pero hay lugar para ciertas cosas inesperadas, siendo una de ellas que parece que estos finlandeses decidieron echarle un ojo al pasado y volver a darle espacio a esos sonidos de máquina de vuelta en su fórmula, sin dejar de lado los machaques blackmetaleros. 

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Esto se ve ya en la inicial “Inertiae”, que también fue el primer adelanto del álbum: una introducción de sintetizadores que da paso a una ola de blast beats y rugidos, para de repente pasar a una sección corta dominada por los beats electrónicos antes de volver al black metal hecho y derecho. Estos elementos electrónicos también aparecen en “The Form And The Formless”, pero creo que el mejor uso que se le da es en la final “The Discord Static”, la canción más experimental de The Regeneration Itinerary. Esto se ve en la manera en la que la canción se apoya en unos teclados programados, tiene su sección electrónica en el medio y en el final poco a poco se va distorsionando hasta convertirse simplemente en estática. Es un buen final para el álbum, o al menos uno con su sello distintivo.

Esto no significa que The Regeneration Itinerary marque el regreso del …And Oceans más industrial, pero la idea de mezclar su sonido más directo actual con las tendencias electrónicas que dominaron su sonido durante la década de los 2000 termina siendo no sólo interesante, sino que también da resultados interesantes en el proceso. E incluso aquel que no se sienta tan entusiasmado con esta idea podrá encontrar mucho para gustar en este nuevo álbum, porque …And Oceans mantienen la potencia blackmetalera en cada una de sus canciones, ofreciendo mucho a aquellos que simplemente quieran ese sonido grandilocuente y lleno de detalles que el grupo viene cultivando. Son más unos detalles acá y allá que le agregan variedad a las canciones, y que da lugar al que me parece su lanzamiento más interesante en esta segunda etapa de la banda.

Dicen que no hay mal que por bien no venga y quizás sea la mera necesidad de auto consolarme por la fallida visita de Horcas a la ciudad de Bahía Blanca, show que prometía ser mi primera cobertura para Track To Hell y la primera del medio fuera de la ciudad de la furia. Aunque…bueno, es de público conocimiento que (nuevamente) una inclemencia climática azotó a la ciudad e hizo prácticamente imposible que el show aconteciera. Sin embargo, gracias al flyer que prometía el recital que no fue, es que me encontré con la banda que hoy motiva esta nueva reseña. Por eso, si, no hay mal que por bien no venga.

El Otro Humano es un proyecto de groove metal que acaba de nacer en la ya mencionada ciudad de Bahia Blanca, conformada por sus 3 miembros Martín y Agustín Saccone y Gonzalo Torres. Y nunca mejor bienvenida una banda que abraza un estilo de metal que en mis 14 años viviendo aquí, no he logrado reconocer en otras agrupaciones (pero si, digamos, una comunidad muy grande de black metal). Para conmemorar el origen de su nuevo camino, El Otro Humano acaba de lanzar bajo producción independiente su nuevo EP Acción Imperfecta, que consta de 3 piezas y una duración aproximada de 11 minutos.

Como obertura de este lacónico álbum tenemos a “Yo soy solo”, una canción donde es recurrente el nombre de la misma y con un riff de arranque por demás potente, con mucha distorsión, no dando lugar a las conjeturas sobre de que va.  Aquí nuestro narrador experimenta una catarsis producto de un mundo que no acompaña sus percepciones, pero al mismo tiempo se regocija de ello. Un gran arranque de disco, una gran presentación de banda.

La obra continua con “Al dependiente” que emprende con un espectacular fill de batería. Un segmento que transcurre con constantes cambios de matices, bajando y subiendo el ritmo, pero siempre con una impronta de música aguerrida. La canción, en definitiva, es un periplo: termina de la misma forma que comienza. Punto a destacar las voces interpuestas en lo que denota una gran producción vocal.

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El cierre definitivo lo da “El Tercer Mundo”. Aquí podemos notar ligeramente tintes melódicos a diferencia de sus predecesoras sustentados por un excelente riff de guitarra. Un grito en el cielo que manifiesta la inconformidad con la marginalidad que le toca vivir en ese tercer mundo. Adorna esta excelente pieza, que sin cuestionamiento alguno es mi favorita, un magnífico solo de guitarra que conecta muy bien con el desenlace de la misma.

11 minutos que coronan un gran comienzo para esta emergente banda. Un álbum que al margen de ser corto por su mero formato EP, también lo es por la corta duración de sus canciones, pero que al mismo tiempo resulta en un shock de adrenalina por su constante entrega de energía y metal. La producción estuvo a cargo de la misma banda, lo cual lo hace más significativamente brillante (y lo mucho que sabemos los argentinos del trabajo a pulmón de las bandas). Guitarras potentes y bien ejecutadas, voces bien producidas, letras que llaman a la introspección. Quizás, por momentos, el bajo se nota algo perdido o muy bajo (valga la redundancia) pero aún así el EP no pierde cuerpo en ningún momento. El arte de tapa estuvo a cargo de Gonzalo Torres, mismo miembro de la banda.

Una banda que emerge y que aún con su tácito derecho a equivocarse, logra superar con creces el inicio de carreras de muchas bandas del momento. Y que a pesar de las dificultades impuestas por las grandes distancias en un país de basto territorio que concentra la mayoría de los sucesos musicales en la ciudad capital, puede hacerle frente a cualquiera de los proyectos que cuentan con más recursos. Acción Inmediata es una muy buena oportunidad para dar apoyo a quienes realmente se toman en serio la música y el metal y por ello, invito a ustedes, estimados lectores, a escucharlo.

Grata sorpresa tengo al recibir el nuevo trabajo discográfico de los monstruos canadienses de Cryptopsy, uno de los pioneros del tech/brutal Death; y el gravity blast e hyper blasting de la mano de Flo Mounier. Ahora bien ¿Por qué llamarlo sorpresa? Por 2 motivos principalmente: por un lado, la reciente visita a Buenos Aires en febrero, donde tuvimos el agrado de recibir esta banda por primera vez, que nos dejó ganas de más por algunas cuestiones técnicas que acortaron el set (pueden leer la reseña a cargo de Gaston Coco en el link que dejo más abajo) y no estuvieron adelantando ningún nuevo tema; y por el otro, el antecedente que supone el lapso transcurrido entre el actual último lanzamiento As Gomorrah Burns en 2023 y el álbum homónimo Cryptopsy en 2012, dando nada menos que un tal de unos ¡11 años de diferencia! Aunque si nos ponemos técnicos podríamos decir que los 2 EP’s que salieron en el medio podrían constituir un “disco”, pero, en fin, todo hacía suponer que no veríamos una nueva producción en un corto plazo, especialmente en menos de 2 años, aparentemente decidieron acelerar luego de la pandemia y seguir agrandando su discografía con cierta continuidad.

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Dejando de lado el contexto, vamos al álbum, primero se puede mencionar que el lanzamiento viene de la mano de los franceses de Season of Mist, es decir que de esta forma se despegan del sello alemán Nuclear Blast, siendo el primer lanzamiento por este medio. Dándole un vistazo a la portada, esta fue realizada por Martin Lacroix, exvocalista de la agrupación, fallecido hace poco más de 1 año, por lo cual se puede considerar un homenaje póstumo, con un diseño de tipo fantasmagórico/difuminado que recuerda un poco a los trabajos realizados por los ’90, puntualmente se puede hacer mención de Whisper Supremacy por el estilo minimalista y la forma de uso de la paleta de colores, aunque más oscura en este caso, y tal parece que esto da una pista de la aparición invitada de otro exvocalista de la banda, Mike DiSalvo, quien se encargó de grabar el disco mencionado previamente y justamente tiene una aparición en la pista “Embrace The Nihility”.

Sonoramente estamos hablando de un muy lógico sucesor de As Gomorrah Burns, si te gustó ese sonido en líneas generales, esto te va a gustar también. Como siempre, desde su llegada hace unos 20 años, tenemos a Christian Donaldson a cargo del apartado de la producción, por lo cual su criterio está más que claro a esta altura. Tenemos el sonido de tipo orgánico en el kit de batería al que nos tiene acostumbrados Flo Mounier, lo cual considero que es un gran acierto, debido a que forma parte de la identidad de la banda, es un sello característico de la casa esto de no usar triggers, a excepción del bombo, lo cual le da una expresión mucho más genuina y se sienten perfectamente las diferentes intensidades en cada uno de los golpes. En cuanto a las guitarras, si bien el sonido es similar al álbum previo, se sienten presentes 2 diferencias: en primer lugar, el tono se lo siente un poco más agresivo/crudo, lo que no hace más que mejorar lo que significa el brutal death; y en segundo lugar, se siente mayor presencia de la guitarra en la mezcla, está levemente más al frente, lo que también ayuda a que tenga mayor contundencia en las canciones.

Escuchando a Matt McGachy, considero que este lanzamiento sin duda es su mejor ejecución dentro de la banda hasta la fecha, por consolidar su estilo, y también porque su voz se la escucha mejor, como si su técnica o “estado de salud” hubiera mejorado respecto del lanzamiento anterior, ya que se la sentía un poco rasposa por momentos, incluso ha mejorado o explorado mejor su registro más alto, ya que en esta ocasión se pueden escuchar los gritos más agudos que haya dado en la discografía de los canadienses, me retrotrajo a la época dorada de Brain Drill, donde Steve tenía los guturales graves y a contrapartida, sus gritos agudos bien arriba, bueno, los gritos de McGachy rondan por ese registro. Y no nos olvidemos de Olivier Pinard, gran bajista, que, si bien el bajo aquí no es tan protagonista, se pueden notar algunos highlights como se aprecia en el adelanto “Until There’s Nothing Left”, algo que es costumbre también en la agrupación. Hasta acá, todo hace suponer que estamos ante un nuevo discazo ¿Será así? Veamos los temas.

Como bien mencionaba, el primer adelanto elegido fue Until There’s Nothing Left, un tema que arranca al más puro estilo inconfundible de Cryptopsy, riffs tremolados, la bateria de Flo Mounier pegando los traditional blast-beats con la formula intercalada de redoblante por un lado y por el otro, crash y bombo, alternando la notación entre tresillos de corcheas y semicorcheas (tomando un metrónomo a +/-320 BPM), todo esto sumado a los gritos de McGachy, la letra bien parece hablar de algo relacionado al ciberacoso, desde la perspectiva de la persona manipuladora que atrae a su victima para aprovecharse, posiblemente extrayendo fotos sin ropa con el fin de chantajear, o al menos esa sensación da en una simple leída. En el medio tenemos como mencionaba, el highlight en el bajo de Olivier previo a un pseudo-slam con una variación en el riff utilizando ligados para dar paso a un solo muy melódico, aunque esto es típico de Donaldson, quien además de poner solos por momentos rápidos, suele meter inherentemente mucha melodía para que no se trate simplemente de una ejecución de licks para meter la mayor cantidad de notas por segundo. Sin duda un tema que muestra gran parte de lo que representan los canadienses para este disco.

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Por dar un vistazo general musicalmente, ya desde el minuto cero escuchando “The Nimis Adoration” está claro con que nos vamos a encontrar arrancando a toda máquina, excelente elección ya que se aprecian los recursos que caracterizan al Cryptopsy post-2010, que mezcla de forma muy homogénea la forma de tocar de sus primeros años con algunos elementos más modernos en los riffs, ya que en el medio de la canción tenemos un riff tremolado más melódico para dar paso a un solo de guitarra excepcional. También podemos notar un punto bastante particular, en “Our Great Deception” tenemos una intro sin distorsión (sería incorrecto decir acústico) que hace recordar un poco a ese recurso que utiliza la banda para salirse un poco de contexto y “divertirse”, como en el caso de “Red-Skinned Spacegoat” del álbum homónimo que incorpora un pasaje de tipo música lounge (o al menos ellos lo han definido de este modo), hay puntos altísimos a nivel vocal en “Dead Eyes Replete” y “Fools Last Acclaim”, donde McGachy explora su registro más alto por momentos utilizando las falsas cuerdas vocales, resultando en alaridos sorprendentes.

El disco en líneas generales es variado a nivel compositivo, lo cual hace que, a pesar de ser ejecutado a altas velocidades, no impida que sea un taladro de notas insoportable. Recién llegando al final tenemos el tema más largo del disco, rozando los 6 minutos, de la mano de “Malicious Needs”, que destaca por ser una canción más bien rítmica, si bien comienza con un hyper blasting, intercambiando con skank beats, también se escucha algún ritmo más “pausado” con ghost notes para dar un poco de aire, dando una pista de lo que sucede más adelante, bajando bastante la frecuencia de BPM, dando un cierre épico más “tranquilo” para lo que suele ser la banda.

Como para cerrar y en parte reiterando lo ya mencionado, este disco es un digno sucesor de As Gomorrah Burns, por lo cual tranquilamente entra como uno de los mejores lanzamientos del año, nuevamente los Cryptopsy demuestran de que son capaces y que están lejos aún del retiro, en especial viendo cómo se han revitalizado en estos últimos años. Dicho sea de paso, esperamos que puedan volver a estas tierras, ya que su debut en suelo argentino se demoró demasiado y seguramente si vienen presentando esta producción van a arrasar.

¿Que son nuestros gustos si no otra cosa que lo que necesitamos escuchar en cada momento de nuestra vida? Atado a cada emoción, a lo que nos sucede, lo que vemos, lo que pensamos, lo que creemos. Solo de algo estoy totalmente seguro y es que nuestras percepciones sobre la vida misma cambian y con ello, también nuestros gustos musicales. Quizás, a veces, para los músicos esta afirmación también es válida cuando llega la hora de hacer su música. Es común entonces que existan bandas que difícilmente se casen con los géneros, etiquetas o rótulos, en pos de la búsqueda de versatilidad emocional de sus obras. Hay artistas que reflejaron sus inicios musicales de una forma completamente diferente a lo que hoy nos ofrecen a nivel musical. Hay bandas, como Death SS, que definitivamente son un inmejorable ejemplo de lo que les estoy hablando.

Death SS es una agrupación italiana con una longeva carrera dentro de la escena del metal italiano (y un poco fuera de ella también) que por sus características califica muy bien como banda de culto. Steve Sylvester es prácticamente el progenitor de este proyecto y quien pujó desde un primer momento por su consolidación. Speed metal, doom, la imagen característica del shock rock, elementos de black metal y hasta influencias en dicho género es lo que podemos encontrar en sus inicios. Un poco de heavy luego, para virar al metal industrial, volver al heavy y llegar al día de hoy con The Entity, su más reciente álbum, una propuesta de metal llena de elementos góticos, hard rock, aor, sinfónicos e industrial.

The entity es un álbum de índole conceptual que está inspirado en obras literarias de Aleister Crowley, como así también en los personajes del imaginario de Robert Louis Stevenson y James Hogg, algo que no me sorprende para una banda como esta que tranquilamente la podemos emparentar con otras como Alice Cooper (una de sus principales influencias). Esta magistral obra comienza con una pieza inspirada en el poema de Crowley “Ave Adonai”, que con un solitario órgano al inicio nos adelanta la tetricidad con la que nos encontraremos en el resto del álbum. Unas voces operísticas de fondo adornan esta canción que redondea un gran comienzo de disco.

“Justified Sinner” en segundo lugar, single promocional al mismo tiempo y que nace inspirado en la obra de James Hogg, es una canción que respeta el sello del disco. No mucho para decir sobre este tema que no haya descrito aún (aunque tampoco para el resto). “Posessión” es una canción con un tempo considerablemente más rápido, enérgica y un estribillo que repite el nombre de la misma. El solo excepcional destaca por el resto de los segmentos de la canción. Un tímido theremín se hace oír a la pasada. Lo que viene de inmediato es “Dr. Jekyll & Sister Hyde” que no hace falta aclarar que está inspirada en la película británica del mismo nombre (y esta, a su vez, en la obra de Robert Louis Stevenson). No mucho de mi agrado y aunque a esta altura uno podría recriminarle a The Entity la falta de estructuras diferentes, no hay que olvidar que a un álbum conceptual hay que pensarlo como un todo y no como piezas aisladas.

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De nuevo los órganos tétricos para presentar “Two Souls” que luego explota con un riff cuasi power metal que será constante hasta el final de la misma pero que nunca quisiéramos dejarlo de escuchar. Un gran shock de energía para el gimnasio.

Punto y aparte para lo próximo, porque “Out To Get Me” es la primer power balada del disco. Acá nos encontramos con unas estrofas que vagan entre la tranquilidad y pasividad de la voz de Steve hasta que llega el estribillo para desatar un grito desesperado de alguien que escapa del mismísimo infierno (Claro que en sentido metafórico… ¿O no?). “Hell Is Revelead” con unas fantásticas guitarras gemelas y una gran actuación de estas en líneas generales, abre la segunda mitad del disco. “Love Until Death” tiene un comienzo con una melodía que me fascina. Una canción que coquetea nuevamente con los elementos musicales de las power baladas y que subo al podio de favoritas. “The Whitechapel Wolf” es una canción que no me logra atrapar por completo pero que mantiene mínimamente el nivel general del disco.

Luego nos encontramos con una pieza que se acerca más a un rock clásico de los 60s. Hablamos de “The Evil Painter” construida con algunas escalas y órganos típicos de la época o al menos esa es la vibra que me da. “Cimiterra” es uno de los puntos fuertes del álbum. Con una fuerte presencia del sonido de un theremín, volvemos al punto cúspide de lo tétrico de la obra. Un excelente puente ejecutado con las guitarras une el final del estribillo con el comienzo de una nueva estrofa. El solo espectacular condecora a Cimiterra como una de las mejores canciones. “Evil Never Dies” en la última ubicación, es nuevamente un shock de energía. Tempos nuevamente en otra velocidad, un pre-estribillo que nos pone un poco ansiosos por lo que viene.

Sin duda alguna The Entity redondea un gran trabajo, una gran obra y pone en evidencia toda la experiencia de una leyenda como Steve Sylvester. Como particularidad, en esta ocasión, Steve trabajo de la mano del aclamado productor Tom Dalgety, conocido por sus trabajos con Ghost, Rammstein, Pixies, Opeth, entre otros tantos. Y vaya que si se nota la excelencia de este dúo productor. ¿La portada? Simplemente una genialidad. Bien sabemos que a lo largo de su carrera han sido mas controversiales que otra cosa y que eso, ayuda mucho a la hora de llegar a su música porque ¿Quién no quisiera ver que hay detrás de la caratula de un tipo que parece recién traído desde la profundidad de las tinieblas? Como bien saben, siempre acompañan a Steve diferentes músicos así que por esta ocasión no hare reparos en quienes conforman Death SS en su totalidad.

A decir verdad, este disco realmente me ha gustado. Un disco que me recuerda a la primera vez que escuché Trash y Hey Stoopid de Alice Cooper, o que por lo menos me recuerda a las producciones musicales de finales de los 80s. Una producción natural y orgánica y que debe pensarse como un todo por su impronta de álbum conceptual, tal como The Crimson Idol de WASP. Una historia musical que se relata en diferentes capítulos y que a cualquiera que quiera pasar un buen rato y que guste de la literatura clásica de terror como a Steve, no debería dudar ni un segundo en darle una oportunidad.

3 años pasaron para que desde Suecia llegara un nuevo disco de H.E.A.T, Welcome to the Future trae la misma línea que su antecesor Force Majeure, tal vez un poco más suave pero con las mismas armonías que han caracterizado a la banda desde sus inicios, ya tienen su fórmula que les funciona y ellos se dieron cuenta que en su álbum del 2017, Into the Great Unknown donde trataron de cambiar un poco, no funcionó del todo bien, así que para que ir por otro camino, la idea les quedó clara, el hard rock melódico es lo suyo y aquí en Welcome to the Future eso continua.

“Disaster” es un tema muy bueno para abrir sus conciertos en esta gira que empieza ahora por Latinoamérica, seguramente sonará en todas sus presentaciones de este tour al igual que su segunda canción “Bad Time for Love”, acá suenan más alegres y divertidos, es clara la gran tarea que hizo Jona Tee con los teclados en cada tema, parece llevar la batuta en todo momento y le da un toque único a cada nota del disco.

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Con unos pequeños arreglos orquestales suena “In Disguise” que junto con “Rock Bottom” pueden ser los temas más especiales de este disco sin necesidad de convertirse en sencillos, Dave Dalone sigue sacando riffs bajo la manga, cada uno muy similar al otro pero con algo que los diferencia entre sí, sus riffs dan paso a los sólos de guitarra que recuerdan los ochentas en cada pulsación de sus cuerdas.

La manera de cómo se integra el teclado y la guitarra en “Children of the Storm” es perfecta, por que cuando cambian del intro al riff que lleva la canción, se intensifica y le da otro estilo, se vuelve más un tema de fiesta en donde todos pueden levantar su cerveza y saltar al lado de su amplificador mientras se grita el coro “You were born, children of the storm, facing what we’ve never done before. you were born, children of the storm, can’t you see their hearts already tore, children of the storm”.

“Paradise Lost” evoca brevemente a lo que está haciendo Avantasia y es que el paso de Kenny Leckremo por esta banda los influenció en algo, eso no cabe duda, “Losing Game” suena muy a sus dos primeros discos, H.E.A.T del 2008 y Freedom Rock del 2010, es más que lógico, todos sus miembros siguen en pie desde sus inicios, puede que un par de ellos hayan salido y entrado nuevamente, pero la formación y la esencia se mantiene firme.

Para marchar al pie de guerra está la canción “We Will not Forget”, último tema del disco, ideal para que suene en un partido de rugby en donde todos salen a dar todo de sí y vencer al enemigo, “Call my Name” es el más suave del álbum, a veces tiene toques de música disco. “Tear It Down (R.N.R.R.)” parece que quedó fuera de su disco anterior pero que buena canción es, tiene coros entre Def Leppard y Accept, posee la energía del Force Majeure, y “Running to You” es H.E.A.T. por donde se escuche, es una melodía que lleva la forma de la banda al igual que “The End”.

Se extraña un poco la fuerza del baterista Don Crash pero no hace un mal trabajo, sólo le faltó algo más del punch al que ya nos tenía acostumbrados, y Jimmy Jay sigue impecable en su ejecución del bajo, se extraña mucho la dupla entre Eric Rivers y Dave Dalone, ojalá en algún futuro no muy lejano, regresen a la banda al igual que Erik Grönwall pero sin que ningún miembro de los actuales tenga que dejarla, algo así como lo que está haciendo Helloween en la actualidad.

Welcome to the Future es una muestra que la agrupación no pierde su creatividad, sus ideas siguen saliendo por cada poro del cuerpo al momento de grabar, acá H.E.A.T nos deja claro que hay banda para rato, mucho rato.

Era sin duda uno de los lanzamientos alternativos más esperados de la temporada y ahora que Sleep Token han lanzado Even in Arcadia, viene la pregunta crucial ¿Han estado a la altura de lo esperado? o por el contrario es un disco más en la carrera de la banda británica.

Pues tras haber escuchado a conciencia y en repetidas ocasiones el cuarto disco de la banda, al contrario que otros “Entendidos” musicales, debo decir que la banda cumple y con creces lo que algunos esperábamos de ellos con este nuevo trabajo.

También es cierto que con cada disco, Sleep Token va agotando los efectos sorpresa de cara al público más “exigente” y es que el inicio con “Look to Windward” es una pequeña evidencia de esto que estoy diciendo, ya que pese a ser una canción bastante bien resuelta, con ese intro que suena a los 2000 por los cuatro costados, se extiende un poquito de más y no es todo lo redondo que podría haber sido.

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Si que hacia la mitad con ese “Break” agresivo vuelve a unificar los dos mundos de Sleep Token, pero estaremos todos de acuerdo que en “Emergence”, está mucho mejor ejecutado y expresado a nivel musical y lírico.

De “Caramel”, poco puedo decir que no haya dicho cuando salió publicada y es que es una de las mejores canciones de la banda hasta la fecha y cuenta una realidad que quizás muchos prefieran ignorar, pero que la banda vive en sus propias carnes como precio a pagar por su altísimo nivel de popularidad conseguido en menos de un lustro.

Por supuesto que el lado “Pop” está ultra presente piezas como “Past Self”, con referencias más cercanas a Post Malone o The Weeknd que a BMTH o Poppy por citar dos nombres modernos pero con la contundencia suficiente como para captar a millones de personas y arrastrarlas al lado más alternativo de la música actual.

Con temas como este, se entiende porque Sleep Token gustan y disgustan a partes iguales, aunque también os digo que esta canción con el sol resplandeciente y una Monster helada, puede ser una postal más que repetida a lo largo del verano que se aproxima en Europa.

El giro vuelve a darse con “Dangerous”, un corte mucho menos “Happy” que su predecesor, pero con un Vessel imponente a las voces, capaz de erizarte hasta el último vello de tu piel con su tono vocal tan personal y diferente al de otros compañeros de profesión.

La segunda mitad del disco viene con el corte que da título al álbum y que es de lo menos destacado ya que repite un poco la fórmula que conocemos de la banda y deja paso a “Provider”, un corte con claras alusiones al R’N’B y donde Sleep Token vuelven al sonido moderno y algo procesado de “Past Self”, pero mucho más complejo que este y con diversas capas sonoras para descubrir con cada escucha que uno le de, siendo justos este lado de Sleep Token, aunque lo disfrute, entiendo porque les pueda chirriar a los que esperaban más metal en este disco.

El final a lo I Prevail es bonito, ya que recupera un poquito la distorsión y pueda regalarte ese lado más pesado de la banda, que tanto andas buscando, pero es breve y con cuenta gotas.

“Damocles”, último single del disco antes de su salida oficial, si que convence con una letra tremenda y un Vessel que emociona hasta las lágrimas al oyente desde la primera vez que uno la escuche y que es otro de los grandes momentos del álbum, donde Sleep Token muestra sus mejores cartas.

Para el final, se guardan dos cortes muy interesantes como son “Gethsemane”, con un comienzo delicado que evidencia la tremenda capacidad y recursos vocales que tiene Vessel como cantante y que presenta una estructura “marciana” como Sleep Token nos tiene acostumbrados, con un ritmo in crescendo a lo Polyphia o Dreamcacther y ciertas reminiscencias a bandas como Deftones con un riff brutal y directo al pecho que parte el tema en dos y bien podría haber encajado en su disco anterior.

Para luego en la segunda parte presentar un sonido a lo Post Malone en la era de Hollywood Bleeding, que sin duda va a descolocar a cualquiera que no este familiarizado con esta banda.

Y para cerrar el disco tenemos los 8 minutos y 24 segundos de “Infinite Baths”, que como todo el disco, es una montaña rusa sonora y de emociones, con un comienzo épico y lento que puede conmover a quién escuche a la banda por primera vez, para dejar paso a un final a todo trapo y donde dan rienda suelta a toda esa rabia contenida (quizás en exceso ya que se podrían haber marcado alguna canción más metalera) a lo largo del disco con unos fraseos de guitarra afilados y un Vessel muy agresivo y brutal a las voces, quizás para que uno no piense que a Sleep Token se le olvidaron sus raíces más pesadas antes de entrar al estudio.

Por lo que vuelvo a formular la pregunta ¿Han estado Sleep Token a la altura de lo esperado?, pues yo diría que si con matices, ya que no tengo muy claro que este disco supere a su predecesor, aunque si que pueda igualarlo en varias ocasiones, pero también hay que ser realista y saber que para futuras entregas, Sleep Token tienen que volver a pulsar esa tecla que los haga brillar en todo su esplendor y no por partes como ocurre en este nuevo disco, que si cumple y es más que interesante, pero podría haberlo sido bastante más a nivel conjunto y no individualmente.

Tras las buenas sensaciones que nos dejó su anterior trabajo (Starstruck de 2022), los italianos Sick N’ Beautiful vuelven con su cuarto disco de estudio Horror Vacui, para demostrar porque su propuesta tiene todos los números para despuntar aún más este año.

Herma es una vocalista bastante especial, ya en el debut de Venus 5 pudimos ver como se adaptó a sus compañeras con un tono más “accesible” y sin embargo en este proyecto nos regala su lado más metalero, descarado y potente.

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El comienzo de “[Human] Overrrated“, permite ver ciertas influencias de bandas como Static-X combinadas con el industrial/metal moderno de In This Moment (sobre todo de discos como Ritual) y marca una línea musical que se va a mantener a lo largo de los casi 46 minutos que dura el disco.

Aunque combinados con otros elementos musicales, Sick N’ Beautiful han sabido jugar sus cartas muy bien y entregar un disco que mantiene la frescura de su predecesor, pero con un “Punch” extra que lo convierte quizás en el mejor que hayan grabado hasta la fecha.

Los singles “Haunted“, “Hate Manifesto” o la potente y fantástica “Raise the Dragon“, ya hacían ver que la banda iba a volver con todo en este nuevo disco y desde luego con pelotazos como “Death Police“, así ha sido.

Greta explora a lo largo del álbum sus diferentes registros y lo cierto que en todos suena más que interesante, por algo Lordi los han llevado de teloneros en la primera parte de su nueva gira europea, porque con su particular sonido pueden encajar con diferentes grupos.

La pesada y desafiante “Railride” o su siguiente invitada “God Save The Bride“, con una intro a lo Metallica en el Black Album, son dos claros ejemplos de como Sick N’ Beautiful te sorprenden con sus giros sonoros a lo largo del disco.

“God Save The Bride“, pasa de un sonido medio misterioso y oscuro a un ritmo trepidante y que seguramente sea de los mejores momentos del disco.

Está claro que Herma ha plasmado el disco que ella quería junto a la banda y si la fórmula funciona y es efectiva, quienes somos nosotros para decirle que la cambie si las canciones conforman un disco más que redondo y sólido como este.

Cuando pienso en el power metal me veo a mi mismo en mi adolescencia, allá por mediados de la primera década del nuevo milenio, fascinado y descubriendo cada una de las bandas de este virtuosísimo género originario del norte de Europa. Sonata Arctica, Stratovarius, Edguy, algunas pioneras como Helloween, otras con elementos de sinfonías como Nightwish. Sin embargo, no logré que este encuentro y exacerbado gusto por el estilo, trascendiera más allá de esa década. Es entendible. Encuentro yo, ciertos paralelismos con el destino del heavy y el glam en los lejanos 80s, un estilo que, por su exponencial crecimiento y éxito, se vio enormemente sobre explotado para finales de la década ¿El resultado? Miles de bandas que terminaban por sonar todas igual, como si accidentalmente, hubiesen transformado al género en un proceso estandarizado para crear a las bandas. Bueno, pues, con el power siento, en gran medida, que sucedió algo similar: mucho éxito, muchas bandas, recursos sobre explotados.

¿A que viene todo esto? A que hoy me siento a escribir una reseña y análisis del nuevo disco de Trick or Treat, una banda de power metal, pero con una característica muy peculiar. Ghosted, como se titula este trabajo, saldrá (o salió, si es que leen esto luego) el 26 de abril bajo el sello Scarlet Records. La banda de origen italiano y con casi 2 décadas de existencia con material propio, es un poco (y bastante) esquiva, a las típicas temáticas de mitología nórdica y fantasía del tipo Calabozos y Dragones. Más bien, estos señores, han decidido por apostar a darnos donde mejor pueden: la nostalgia. Literatura, comics, cine y hasta anime son algunos de los disparadores para construir sus discos. Durante el año 2019 y principios del 2020, sacaron mes a mes, un single que se correspondía con el signo zodiacal y al mismo tiempo, con los personajes de la celebre serie Saint Seiya y que, en conjunto, conformaron el álbum The Legend Of The XII Saints.

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Para Ghosted, lo que nos traen, es una propuesta que rinde tributo al cine de horror de los 80s, a los comics y videojuegos. Con “Lost In The Haunted House” al inicio, nos dan una corta introducción de lo que vendrá, emulando al soundtrack de las series de terror infantiles como Tales From The Crypt o Goosebumps, y como al mismo tiempo dejando en claro que no habrá historias de terror profundo sino más bien una ronda de metal, horror y diversión. De inmediato nos hacemos con “Craven Road“, una canción muy ganchera que referencia al comic italiano Dylan Dog, un joven detective londinense que investiga casos paranormales. Un gran solo acompaña y destaca por el resto; un tenue y esporádico teclado da sensaciones de tenebrosidad. “Bloodmoon“, que es lo que sigue, tiene un condimento especial: la colaboración de Adrienne Cowan, cantante de Seven Spires y recurrente en Avantasia. Esta pieza es una oda al popular videojuego japones Castlevania. Por momentos es una canción con la estructura típica del mejor power metal habido y por haber, por otros, se acerca más al death metal de bandas como Children Of Bodom y esto último, gracias al trabajo vocal de guturales de Adrienne. Bloodmoon fue el segundo single promocional presentado.

“Ghosted“, que trata sobre el fenómeno de redes sociales “ghosting”, donde una persona puede sentirse invisibilizada y en soledad por otros a través de ciertas conductas, fue el primer single promocional y que viene acompañado de un videoclip donde el protagonista entra en una dimensión paralela donde es, justamente, invisible para la sociedad. Un tema del cual no hay mucho que esperar en la cuota musical.

“Dancing With The Dancing Clown“, en cuarto lugar, es el último single promocional, también acompañado con un (bizarrisimo) videoclip, donde un maestro payaso asesino, enseña a un discípulo como perseguir a sus víctimas. Para un disco bastante estándar y típico, es este tema quien por lejos se ha convertido en mi segmento favorito por tener el mejor estribillo. Siguiendo la línea temporal, nos encontramos con “Polybius“, que a mi entender, por su mero nombre, hace referencia a un juego arcade ficticio de una famosa leyenda urbana que aseguraba que quienes lo jugaban tendían a consecuencias y efectos como la locura, las pesadillas y hasta el suicidio. Una canción que por momentos suena a un power más clásico, como el de Helloween.

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“Evil Dead Never Sleeps“, una especie de tributo a la película de horror de los 80s, Army of Darkness y “Return To The Monkey Islands” (adivinen de que va…) son las 2 siguientes piezas y de las cuales no tengo mucho más para agregar en cuanto a lo musical, salvo porque en ésta última tenemos colaborando a Chris Bowes de la banda Alestorm (un poco obvia la elección de esta canción para su participación). Más de lo mismo si, pero muy asertivo y ganchero. Ambas historias son muy representadas desde lo instrumental.

“Make A Difference” en noveno lugar y sin mucho para acotar, así que, pasando a lo próximo, nos topamos con “The 13th“, que conmemora a las películas de los 80s Friday The 13th. Una muy buena canción si de tributos a la cultura cinéfila hablamos, con una letra más explicita sobre la referencia que trata.

Para rematar y completar este promisorio disco, en último lugar, “Bitter Dreams“. Si hablamos de Jason Voorhes en la anterior, no podía faltar Freddy Krueger y por eso la última pieza se corresponde con Nightmare On Elm Street ¿Una competidora para Dream Warriors de Dokken? Ni por asomo, lejísimos de ser un himno del metal como aquella excelentísima y memorable canción, pero no por ello una mala.

Eso es el disco. Como lo verán, una descripción de que va cada una de las canciones desde la temática de las letras mas no así de lo musical. Pues, no por nada ese primer párrafo. Y es que el nuevo disco de Trick Or Treat es una experiencia que desde lo musical no promete nada nuevo, nada diferente, por lo cual, si han escuchado mucho power metal en los años 2000 como yo, de alguna manera, ya habrán “escuchado” este disco. Voces agudas y virtuosas, rápidos tiempos marcados por el doble bombo de la batería, guitarras gemelas y gran apoyo de teclados (la receta del power metal). Quizás, lo que deba remarcar es que, Trick Or Treat no apunta a otra cosa que brindar una experiencia de metal y diversión y que su música se construye a partir de esa idea y en eso, cumplen al 100% su propósito.

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Una banda con mucha experiencia en el lomo, con colaboraciones de grandes artistas del ambiente, participación en los grandes festivales y teloneando en muchas ocasiones a bandas consagradas, no necesita que le digan que hacer y de que manera. Alle Conti, quien carga con las voces, es también quien diseño la portada. Completan la formación, Guido Benedetti y Luca Venturelli en guitarras, Leonel Villani Conti en bajo y Dario Capacci en batería. Simone Mularoni fue el productor a cargo, que, ya que lo menciono, otro gran acierto del disco es la producción. Natural y muy a lo vieja escuela, y es por eso que insisto tanto en las bandas del 2000, porque así suena Ghosted.

Pongan el disco, templen su pensamiento y déjenlo correr. Como siempre, si tengo que emparentarlos con algún otro grupo para que tomen de referencia y decidan si darle (o no) play, puedo pensar en Edguy. Me recuerdan a ellos más que a ninguna otra banda, con ese mix de metal, diversión y videoclips graciosos. Veremos si tendremos nuevamente a Trick Or Treat por tierras sudamericanas o ibéricas para presentar este nuevo álbum.

The Man-Eating Tree arrancó como una iniciativa de varios miembros de la escena metalera finlandesa allá por 2009. No sé si llamarlos un “supergrupo” ni tengo idea si los integrantes consideraban al grupo de esa manera, pero está claro que podíamos encontrar un par de nombres interesantes en el currículum de los músicos, siendo los más importantes Poisonblack, Sentenced, Fall of the Leafe y Eternal Tears of Sorrow, así que habría bastante para fans de la movida gótica. Pero después de su debut Vine (2010) y su casi inmediato sucesor Harvest (2011), The Man-Eating Tree pasaron por una gran cantidad de cambios de formación, dejando pasar cuatro años hasta el siguiente In The Absence of Light (2015), para luego tener más cambios de formación y que pasara otra década hasta su cuarto álbum, este flamante Night Verses editado por el sello alemán Noble Demon el 11 de abril.

Con el guitarrista Janne Markus como único miembro de las formaciones que grabaron los discos anteriores, esta nueva versión de The Man-Eating Tree tiene también sus antecedentes, pudiendo contarse entre los integrantes al bajista Mika Junttila de los melodeath Mors Subita y al cantante Manne Ikonen, quien fuera miembro fundador y vocalista de Ghost Brigade durante veinte años. 

Con estos nuevos integrantes, teniendo sus propias influencias y orígenes, cabría esperar un cambio en el estilo de The Man-Eating Tree. Y de alguna manera hay una diferencia, aunque es más una continuación del sonido de In The Absence of Light: mientras Vine y Harvest estuvieron dominados por la voz limpia de Tuomas Tuominen (ex Fall of the Leafe), el tercer disco marcó no sólo la llegada de Antti Kumpulainen como vocalista sino también la incorporación de voces podridas, algo que claramente quisieron destacar siendo que en ese disco son las primeras que uno escucha. Night Verses mantiene esa dinámica con Ikonen, alternando entre ambas vocalizaciones entre secciones, como una mezcla entre las voces de Amorphis y el sonido atmosférico de Katatonia.

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Así que The Man-Eating Tree no van a ganar ningún premio a la originalidad. Pero lo mismo se podía decir de los discos anteriores, y que las canciones estén hechas con elementos muy familiares nos significa que no vayan a funcionar, y en general Night Verses se mantiene en un nivel no tanto espectacular, pero si “bueno” tirando a “muy bueno”.

Los tres adelantos mostraron bien las tres caras del álbum. El primero, “Seer”, es de las más tradicionalmente metaleras, con ese riff directo en los versos y el doble bombo que se puede escuchar en el estribillo mientras las voces podridas y limpias se enfrentan unas con otras. “To The Sinking”, por otro lado, es una especie de “balada doom”, con acompañamiento de teclados y guitarras atmosféricas sumiéndonos en la más profunda oscuridad, aunque por momentos la voz de Ikonen puede ser un poco melosa sin las guitarras pesadas alrededor. Por último, “Ruins of Insanity” es más “katatoniesca”, ahora dejándole todo el trabajo a las voces limpias y con esas guitarras de riffs elegantes.

Pasando al álbum en sí, “Days Under The Dark” muestra el sonido gótico clásico de The Man-Eating Tree, y en “These Traces” podemos sentir cómo la canción va aumentando en intensidad hasta desembocar en una mezcla de doble bombo y riffs pesados, algo que se repite en la anteúltima “Abandoned” con resultados similares. La final “Reflections” es otra balada gótica atmosférica, y una de proporciones épicas al durar casi diez minutos, con un final extremadamente pesado.

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Los riffs de Janne Markus y el recién llegado Sakke Paavola, quien también se encargó de la portada, son de buen gusto y efectivos, limpios pero sin perder la pesadez. Y la base instrumental de Junttila y el baterista Aksu Hanttu hace un buen trabajo, aunque me hubiera gustado un poco más de dinámica para que el bajo tuviera más presencia, más allá de que la producción cumple su propósito. Otro que cumple es Manne Ikonen: vi que muchos estaban emocionados por su presencia al sentir a este álbum como un sucesor espiritual de lo hecho por Ghost Brigade, considerando la reciente separación de la banda finlandesa, y puedo decir que hace lo suyo de manera más que correcta.

Night Verses es un buen disco, aunque no necesariamente espectacular: es un disco denso y, como lo describí antes, apesadumbrado, lo que lo puede hacer un hueso un tanto duro de roer. Es ciertamente muy Katatonia, una comparación que seguramente veremos en varios lugares al momento de hablar de este álbum y de la que no me podría quejar realmente. A fin de cuentas, es un trabajo muy para fans de este estilo y con poco para los que todavía no estén del todo convencidos. Aunque sea menos “distintivo” en sus ideas que aquellos dos primeros álbumes más atmosféricos, es disfrutable y deja la esperanza de que ahora The Man-Eating Tree puedan encontrar algo de balance y asentamiento en su carrera, uno que les permita desarrollar sus ideas a futuro en esta nueva etapa.

El nuevo trabajo de los americanos Fallujah és definitivamente un antes y un después en la historia de la propia banda. A través de Nuclear Blast, la banda se ha podido reconfigurar completamente tras la llevada de su nuevo guitarrista Sam Mooradian (Inhale Existence), además del canadiense Kevin Alexander (Dysembodied Tyrant). Juntamente con Evan Brewer, Kyle Schaefer y el fundador Scott Carstairs, estos han escrito un capítulo nuevo en el que sin duda, nos someteremos a posiblemente una de las mejores experiencias auditivas de este 2025.

Con Xenotaph, como dicta Schaefer “Los fans, con suerte, se sorprenderán y emocionarán con las nuevas direcciones a las que estamos apuntando (…) también podrán reconocer algunos de los elementos del core que hemos ido construyendo en el pasado. Hay algunos momentos donde hemos querido que nuestra música se sienta completamente nueva incluso fuera de nuestro carácter, con también momentos donde hemos querido inclinarnos a lo que la banda ya sabía hacer bien. Se trata de ser dinámico y excitante, mientras se siente como una única pieza cohesionada lírica y narrativamente. Queremos hacer que esta música impacte a nuestros fans de la manera que nuestra música preferida nos ha impactado a nosotros“.

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La encargada de abrir el sexto álbum de estudio de la banda es el prólogo “In Stars We Drown“, donde, bajo un manto técnico y groovie acompañado de una gran melodía intercalando armónicos y guturales, dando esta paso a “Kaleidoscopic Waves“. Aquí nos muestran una faceta frenética con hiatos casi acústicos, propios del progresivo, todo a escala mayor.

Sin duda, a lo largo del tema, se hace cada vez más agradable escucharlo, gracias también a la maravillosa producción del álbum. Esta canción, “A Parasitic Dream” sirve como ejemplo de lo que nos espera en el resto del trabajo; double-beats, armónicos, coros, increibles solos de parte de Mooradian y Carstairs y unas agresivas pero agradables vueltas.

“Labrynth Of Stone” és uno de los temas que más he escuchado, aquí el tecnicismo alcanza una pequeña cúspide en lo que se refiere al álbum en su totalidad. Este se ve suficientemente matizado por otro de los mejores chorus del álbum, remarcando la semejante calidad de Kyle Schaefer en la voz, yendo de la mano de las polirrítmias y compases asimétricos con otro puente pesado. Cinco minutos que en cierto modo, se te hacen cortos.

El ecuador de los ocho que componen el álbum, es un pequeño canon de lo que es su anterior tema, aunque subiendo el nivel en términos de pesadez. En “The Crystaline Veil” siguen jugando entre el death técnico y el progresivo melódico, sin soltar el apartado gutural, pudiéndose considerar un tema promedio de la banda; excelencia en todos los ámbitos.

Con “Step Through The Portal And Breathe” podemos llegar a notar algo de monotonía en cierto modo comparándola con los anteriores temas, siguiendo esta una fórmula similar sin llegar a sentirse repetitivo ni mucho menos. Está escrito de tal manera que se sienta parte del álbum (sin parecer sufrir una crisis de personalidad como otras bandas), tomando cada aspecto que identifica a Fallujah como una de las mejores bandas del género.

La banda rompe esa monotonía (que para nada es algo negativo) convirtiéndola en un tema muy original, postulándose como uno de los mejores de este LP. “The Obsidian Architect”. Pasando a una tonalidad menor dejando de lado la parte melódica y agradable en gran parte del tema, donde irrumpe una faceta extrema de manera excelente que lleva el tema In Crescendo hacia un memorable solo por parte de Sam Mooradian, prosiguiendo a otro de Carstairs. Esto da paso a un epílogo donde los growls de Schaefer me hacen partir el cuello (yendo acorde con el tempo esta vez, cosa no muy probable en este género).

Nos encontramos con el último tema, el homónimo “Xenotaph”. Una canción rítmica en las estrofas, pero con un espectacular blastbeat envolvente en el estribillo propios del black atmosférico que cuaja completamente con la dirección de la canción. La segunda parte retorna de manera técnica otra vez cayendo de golpe en una pausa armónica y sintetizada, manteniéndose esta a la última vuelta para cerrar el álbum por todo lo alto.

Otra vez, Fallujah sigue sin decepcionar. Han experimentado lo suficiente como para darnos un sabor refrescante manteniendo a la vez la identidad propia que define a la banda. Un excelente álbum que lo postula como uno de los mejores del ecuador de este 2025, con muchas ganas de que los de la West-Coast pisen nuestro país para brindarnos en vivo este nuevo Xenotaph.

…And Oceans es una banda que se puede calificar de “excéntrica”. Dieron sus primeros pasos en los noventas con su propia versión de la nueva corriente sinfónica del black metal, con la llegada del nuevo milenio se pudieron contar entre los pioneros del black metal industrial, adoptaron un nuevo nombre para marcar este cambio de estilo, sacaron un disco industrial como Havoc Unit, se separaron en 2013 y en 2017 anunciaron su vuelta, aunque con un par de cambios de formación antes de poder llegar a editar su regreso con Cosmic World Mother en 2020. Cambios de estilo, de nombre, de seudónimos y una tonelada de rumores extraños acerca de sus miembros, …And Oceans ha sabido hacerse una mitología personal bastante particular.

Tanto en Cosmic World Mother como en As in Gardens, So in Tombs, los dos álbumes esta nueva etapa en su carrera, …And Oceans se habían mostrado firmes en su idea de volver al sonido de black metal sinfónico de sus inicios, con sus blast beats y riffs helados mezclados con teclados grandilocuentes, sin tantos de los sonidos industriales que habían caracterizado a sus producciones inmediatamente previas a su separación. Para este The Regeneration Itinerary, séptimo trabajo del grupo, las cosas se mantienen (casi) por el mismo camino.

Tracks como “Förnyelse i Tre Akter”, “The Terminal Filter” y “I Am Coin, I Am Two”, por sólo elegir un puñado, muestran bien este sonido épico y aplastante a lo Emperor que ha caracterizado las últimas producciones de …And Oceans. Estos tracks, y muchos más, muestran la tremenda tarea no sólo de la dupla de guitarras de Timo “T” Kontio y Teemu Saari, los dos integrantes que se mantienen de la formación original, sino también de Kauko Kuusisalo en la batería y Antti Simonen en los teclados, estos últimos el elemento fundamental que le termina dando su identidad al álbum.

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El acelerador está apretado al fondo durante casi todo The Regeneration Itinerary, pero de vez en cuando el sexteto se toma la libertad de rebajar un poco las canciones, como se da en “Prophetical Mercury Implement” o “The Fire In Which We Burn”, por mencionar un par. Pero por regla general el doble bombo domina los ritmos, a veces en solitario pero casi siempre con los blast beats bien al frente.

En reglas generales la descripción de The Regeneration Itinerary podría arrancar y terminar ahí, siendo un disco dentro de todo homogéneo en sus intenciones: la atmósfera épica, los rugidos brutales de Mathias Lillmåns y los colchones de teclados dominan casi toda la placa. Pero hay lugar para ciertas cosas inesperadas, siendo una de ellas que parece que estos finlandeses decidieron echarle un ojo al pasado y volver a darle espacio a esos sonidos de máquina de vuelta en su fórmula, sin dejar de lado los machaques blackmetaleros. 

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Esto se ve ya en la inicial “Inertiae”, que también fue el primer adelanto del álbum: una introducción de sintetizadores que da paso a una ola de blast beats y rugidos, para de repente pasar a una sección corta dominada por los beats electrónicos antes de volver al black metal hecho y derecho. Estos elementos electrónicos también aparecen en “The Form And The Formless”, pero creo que el mejor uso que se le da es en la final “The Discord Static”, la canción más experimental de The Regeneration Itinerary. Esto se ve en la manera en la que la canción se apoya en unos teclados programados, tiene su sección electrónica en el medio y en el final poco a poco se va distorsionando hasta convertirse simplemente en estática. Es un buen final para el álbum, o al menos uno con su sello distintivo.

Esto no significa que The Regeneration Itinerary marque el regreso del …And Oceans más industrial, pero la idea de mezclar su sonido más directo actual con las tendencias electrónicas que dominaron su sonido durante la década de los 2000 termina siendo no sólo interesante, sino que también da resultados interesantes en el proceso. E incluso aquel que no se sienta tan entusiasmado con esta idea podrá encontrar mucho para gustar en este nuevo álbum, porque …And Oceans mantienen la potencia blackmetalera en cada una de sus canciones, ofreciendo mucho a aquellos que simplemente quieran ese sonido grandilocuente y lleno de detalles que el grupo viene cultivando. Son más unos detalles acá y allá que le agregan variedad a las canciones, y que da lugar al que me parece su lanzamiento más interesante en esta segunda etapa de la banda.

Dicen que no hay mal que por bien no venga y quizás sea la mera necesidad de auto consolarme por la fallida visita de Horcas a la ciudad de Bahía Blanca, show que prometía ser mi primera cobertura para Track To Hell y la primera del medio fuera de la ciudad de la furia. Aunque…bueno, es de público conocimiento que (nuevamente) una inclemencia climática azotó a la ciudad e hizo prácticamente imposible que el show aconteciera. Sin embargo, gracias al flyer que prometía el recital que no fue, es que me encontré con la banda que hoy motiva esta nueva reseña. Por eso, si, no hay mal que por bien no venga.

El Otro Humano es un proyecto de groove metal que acaba de nacer en la ya mencionada ciudad de Bahia Blanca, conformada por sus 3 miembros Martín y Agustín Saccone y Gonzalo Torres. Y nunca mejor bienvenida una banda que abraza un estilo de metal que en mis 14 años viviendo aquí, no he logrado reconocer en otras agrupaciones (pero si, digamos, una comunidad muy grande de black metal). Para conmemorar el origen de su nuevo camino, El Otro Humano acaba de lanzar bajo producción independiente su nuevo EP Acción Imperfecta, que consta de 3 piezas y una duración aproximada de 11 minutos.

Como obertura de este lacónico álbum tenemos a “Yo soy solo”, una canción donde es recurrente el nombre de la misma y con un riff de arranque por demás potente, con mucha distorsión, no dando lugar a las conjeturas sobre de que va.  Aquí nuestro narrador experimenta una catarsis producto de un mundo que no acompaña sus percepciones, pero al mismo tiempo se regocija de ello. Un gran arranque de disco, una gran presentación de banda.

La obra continua con “Al dependiente” que emprende con un espectacular fill de batería. Un segmento que transcurre con constantes cambios de matices, bajando y subiendo el ritmo, pero siempre con una impronta de música aguerrida. La canción, en definitiva, es un periplo: termina de la misma forma que comienza. Punto a destacar las voces interpuestas en lo que denota una gran producción vocal.

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El cierre definitivo lo da “El Tercer Mundo”. Aquí podemos notar ligeramente tintes melódicos a diferencia de sus predecesoras sustentados por un excelente riff de guitarra. Un grito en el cielo que manifiesta la inconformidad con la marginalidad que le toca vivir en ese tercer mundo. Adorna esta excelente pieza, que sin cuestionamiento alguno es mi favorita, un magnífico solo de guitarra que conecta muy bien con el desenlace de la misma.

11 minutos que coronan un gran comienzo para esta emergente banda. Un álbum que al margen de ser corto por su mero formato EP, también lo es por la corta duración de sus canciones, pero que al mismo tiempo resulta en un shock de adrenalina por su constante entrega de energía y metal. La producción estuvo a cargo de la misma banda, lo cual lo hace más significativamente brillante (y lo mucho que sabemos los argentinos del trabajo a pulmón de las bandas). Guitarras potentes y bien ejecutadas, voces bien producidas, letras que llaman a la introspección. Quizás, por momentos, el bajo se nota algo perdido o muy bajo (valga la redundancia) pero aún así el EP no pierde cuerpo en ningún momento. El arte de tapa estuvo a cargo de Gonzalo Torres, mismo miembro de la banda.

Una banda que emerge y que aún con su tácito derecho a equivocarse, logra superar con creces el inicio de carreras de muchas bandas del momento. Y que a pesar de las dificultades impuestas por las grandes distancias en un país de basto territorio que concentra la mayoría de los sucesos musicales en la ciudad capital, puede hacerle frente a cualquiera de los proyectos que cuentan con más recursos. Acción Inmediata es una muy buena oportunidad para dar apoyo a quienes realmente se toman en serio la música y el metal y por ello, invito a ustedes, estimados lectores, a escucharlo.

Grata sorpresa tengo al recibir el nuevo trabajo discográfico de los monstruos canadienses de Cryptopsy, uno de los pioneros del tech/brutal Death; y el gravity blast e hyper blasting de la mano de Flo Mounier. Ahora bien ¿Por qué llamarlo sorpresa? Por 2 motivos principalmente: por un lado, la reciente visita a Buenos Aires en febrero, donde tuvimos el agrado de recibir esta banda por primera vez, que nos dejó ganas de más por algunas cuestiones técnicas que acortaron el set (pueden leer la reseña a cargo de Gaston Coco en el link que dejo más abajo) y no estuvieron adelantando ningún nuevo tema; y por el otro, el antecedente que supone el lapso transcurrido entre el actual último lanzamiento As Gomorrah Burns en 2023 y el álbum homónimo Cryptopsy en 2012, dando nada menos que un tal de unos ¡11 años de diferencia! Aunque si nos ponemos técnicos podríamos decir que los 2 EP’s que salieron en el medio podrían constituir un “disco”, pero, en fin, todo hacía suponer que no veríamos una nueva producción en un corto plazo, especialmente en menos de 2 años, aparentemente decidieron acelerar luego de la pandemia y seguir agrandando su discografía con cierta continuidad.

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Dejando de lado el contexto, vamos al álbum, primero se puede mencionar que el lanzamiento viene de la mano de los franceses de Season of Mist, es decir que de esta forma se despegan del sello alemán Nuclear Blast, siendo el primer lanzamiento por este medio. Dándole un vistazo a la portada, esta fue realizada por Martin Lacroix, exvocalista de la agrupación, fallecido hace poco más de 1 año, por lo cual se puede considerar un homenaje póstumo, con un diseño de tipo fantasmagórico/difuminado que recuerda un poco a los trabajos realizados por los ’90, puntualmente se puede hacer mención de Whisper Supremacy por el estilo minimalista y la forma de uso de la paleta de colores, aunque más oscura en este caso, y tal parece que esto da una pista de la aparición invitada de otro exvocalista de la banda, Mike DiSalvo, quien se encargó de grabar el disco mencionado previamente y justamente tiene una aparición en la pista “Embrace The Nihility”.

Sonoramente estamos hablando de un muy lógico sucesor de As Gomorrah Burns, si te gustó ese sonido en líneas generales, esto te va a gustar también. Como siempre, desde su llegada hace unos 20 años, tenemos a Christian Donaldson a cargo del apartado de la producción, por lo cual su criterio está más que claro a esta altura. Tenemos el sonido de tipo orgánico en el kit de batería al que nos tiene acostumbrados Flo Mounier, lo cual considero que es un gran acierto, debido a que forma parte de la identidad de la banda, es un sello característico de la casa esto de no usar triggers, a excepción del bombo, lo cual le da una expresión mucho más genuina y se sienten perfectamente las diferentes intensidades en cada uno de los golpes. En cuanto a las guitarras, si bien el sonido es similar al álbum previo, se sienten presentes 2 diferencias: en primer lugar, el tono se lo siente un poco más agresivo/crudo, lo que no hace más que mejorar lo que significa el brutal death; y en segundo lugar, se siente mayor presencia de la guitarra en la mezcla, está levemente más al frente, lo que también ayuda a que tenga mayor contundencia en las canciones.

Escuchando a Matt McGachy, considero que este lanzamiento sin duda es su mejor ejecución dentro de la banda hasta la fecha, por consolidar su estilo, y también porque su voz se la escucha mejor, como si su técnica o “estado de salud” hubiera mejorado respecto del lanzamiento anterior, ya que se la sentía un poco rasposa por momentos, incluso ha mejorado o explorado mejor su registro más alto, ya que en esta ocasión se pueden escuchar los gritos más agudos que haya dado en la discografía de los canadienses, me retrotrajo a la época dorada de Brain Drill, donde Steve tenía los guturales graves y a contrapartida, sus gritos agudos bien arriba, bueno, los gritos de McGachy rondan por ese registro. Y no nos olvidemos de Olivier Pinard, gran bajista, que, si bien el bajo aquí no es tan protagonista, se pueden notar algunos highlights como se aprecia en el adelanto “Until There’s Nothing Left”, algo que es costumbre también en la agrupación. Hasta acá, todo hace suponer que estamos ante un nuevo discazo ¿Será así? Veamos los temas.

Como bien mencionaba, el primer adelanto elegido fue Until There’s Nothing Left, un tema que arranca al más puro estilo inconfundible de Cryptopsy, riffs tremolados, la bateria de Flo Mounier pegando los traditional blast-beats con la formula intercalada de redoblante por un lado y por el otro, crash y bombo, alternando la notación entre tresillos de corcheas y semicorcheas (tomando un metrónomo a +/-320 BPM), todo esto sumado a los gritos de McGachy, la letra bien parece hablar de algo relacionado al ciberacoso, desde la perspectiva de la persona manipuladora que atrae a su victima para aprovecharse, posiblemente extrayendo fotos sin ropa con el fin de chantajear, o al menos esa sensación da en una simple leída. En el medio tenemos como mencionaba, el highlight en el bajo de Olivier previo a un pseudo-slam con una variación en el riff utilizando ligados para dar paso a un solo muy melódico, aunque esto es típico de Donaldson, quien además de poner solos por momentos rápidos, suele meter inherentemente mucha melodía para que no se trate simplemente de una ejecución de licks para meter la mayor cantidad de notas por segundo. Sin duda un tema que muestra gran parte de lo que representan los canadienses para este disco.

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Por dar un vistazo general musicalmente, ya desde el minuto cero escuchando “The Nimis Adoration” está claro con que nos vamos a encontrar arrancando a toda máquina, excelente elección ya que se aprecian los recursos que caracterizan al Cryptopsy post-2010, que mezcla de forma muy homogénea la forma de tocar de sus primeros años con algunos elementos más modernos en los riffs, ya que en el medio de la canción tenemos un riff tremolado más melódico para dar paso a un solo de guitarra excepcional. También podemos notar un punto bastante particular, en “Our Great Deception” tenemos una intro sin distorsión (sería incorrecto decir acústico) que hace recordar un poco a ese recurso que utiliza la banda para salirse un poco de contexto y “divertirse”, como en el caso de “Red-Skinned Spacegoat” del álbum homónimo que incorpora un pasaje de tipo música lounge (o al menos ellos lo han definido de este modo), hay puntos altísimos a nivel vocal en “Dead Eyes Replete” y “Fools Last Acclaim”, donde McGachy explora su registro más alto por momentos utilizando las falsas cuerdas vocales, resultando en alaridos sorprendentes.

El disco en líneas generales es variado a nivel compositivo, lo cual hace que, a pesar de ser ejecutado a altas velocidades, no impida que sea un taladro de notas insoportable. Recién llegando al final tenemos el tema más largo del disco, rozando los 6 minutos, de la mano de “Malicious Needs”, que destaca por ser una canción más bien rítmica, si bien comienza con un hyper blasting, intercambiando con skank beats, también se escucha algún ritmo más “pausado” con ghost notes para dar un poco de aire, dando una pista de lo que sucede más adelante, bajando bastante la frecuencia de BPM, dando un cierre épico más “tranquilo” para lo que suele ser la banda.

Como para cerrar y en parte reiterando lo ya mencionado, este disco es un digno sucesor de As Gomorrah Burns, por lo cual tranquilamente entra como uno de los mejores lanzamientos del año, nuevamente los Cryptopsy demuestran de que son capaces y que están lejos aún del retiro, en especial viendo cómo se han revitalizado en estos últimos años. Dicho sea de paso, esperamos que puedan volver a estas tierras, ya que su debut en suelo argentino se demoró demasiado y seguramente si vienen presentando esta producción van a arrasar.

¿Que son nuestros gustos si no otra cosa que lo que necesitamos escuchar en cada momento de nuestra vida? Atado a cada emoción, a lo que nos sucede, lo que vemos, lo que pensamos, lo que creemos. Solo de algo estoy totalmente seguro y es que nuestras percepciones sobre la vida misma cambian y con ello, también nuestros gustos musicales. Quizás, a veces, para los músicos esta afirmación también es válida cuando llega la hora de hacer su música. Es común entonces que existan bandas que difícilmente se casen con los géneros, etiquetas o rótulos, en pos de la búsqueda de versatilidad emocional de sus obras. Hay artistas que reflejaron sus inicios musicales de una forma completamente diferente a lo que hoy nos ofrecen a nivel musical. Hay bandas, como Death SS, que definitivamente son un inmejorable ejemplo de lo que les estoy hablando.

Death SS es una agrupación italiana con una longeva carrera dentro de la escena del metal italiano (y un poco fuera de ella también) que por sus características califica muy bien como banda de culto. Steve Sylvester es prácticamente el progenitor de este proyecto y quien pujó desde un primer momento por su consolidación. Speed metal, doom, la imagen característica del shock rock, elementos de black metal y hasta influencias en dicho género es lo que podemos encontrar en sus inicios. Un poco de heavy luego, para virar al metal industrial, volver al heavy y llegar al día de hoy con The Entity, su más reciente álbum, una propuesta de metal llena de elementos góticos, hard rock, aor, sinfónicos e industrial.

The entity es un álbum de índole conceptual que está inspirado en obras literarias de Aleister Crowley, como así también en los personajes del imaginario de Robert Louis Stevenson y James Hogg, algo que no me sorprende para una banda como esta que tranquilamente la podemos emparentar con otras como Alice Cooper (una de sus principales influencias). Esta magistral obra comienza con una pieza inspirada en el poema de Crowley “Ave Adonai”, que con un solitario órgano al inicio nos adelanta la tetricidad con la que nos encontraremos en el resto del álbum. Unas voces operísticas de fondo adornan esta canción que redondea un gran comienzo de disco.

“Justified Sinner” en segundo lugar, single promocional al mismo tiempo y que nace inspirado en la obra de James Hogg, es una canción que respeta el sello del disco. No mucho para decir sobre este tema que no haya descrito aún (aunque tampoco para el resto). “Posessión” es una canción con un tempo considerablemente más rápido, enérgica y un estribillo que repite el nombre de la misma. El solo excepcional destaca por el resto de los segmentos de la canción. Un tímido theremín se hace oír a la pasada. Lo que viene de inmediato es “Dr. Jekyll & Sister Hyde” que no hace falta aclarar que está inspirada en la película británica del mismo nombre (y esta, a su vez, en la obra de Robert Louis Stevenson). No mucho de mi agrado y aunque a esta altura uno podría recriminarle a The Entity la falta de estructuras diferentes, no hay que olvidar que a un álbum conceptual hay que pensarlo como un todo y no como piezas aisladas.

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De nuevo los órganos tétricos para presentar “Two Souls” que luego explota con un riff cuasi power metal que será constante hasta el final de la misma pero que nunca quisiéramos dejarlo de escuchar. Un gran shock de energía para el gimnasio.

Punto y aparte para lo próximo, porque “Out To Get Me” es la primer power balada del disco. Acá nos encontramos con unas estrofas que vagan entre la tranquilidad y pasividad de la voz de Steve hasta que llega el estribillo para desatar un grito desesperado de alguien que escapa del mismísimo infierno (Claro que en sentido metafórico… ¿O no?). “Hell Is Revelead” con unas fantásticas guitarras gemelas y una gran actuación de estas en líneas generales, abre la segunda mitad del disco. “Love Until Death” tiene un comienzo con una melodía que me fascina. Una canción que coquetea nuevamente con los elementos musicales de las power baladas y que subo al podio de favoritas. “The Whitechapel Wolf” es una canción que no me logra atrapar por completo pero que mantiene mínimamente el nivel general del disco.

Luego nos encontramos con una pieza que se acerca más a un rock clásico de los 60s. Hablamos de “The Evil Painter” construida con algunas escalas y órganos típicos de la época o al menos esa es la vibra que me da. “Cimiterra” es uno de los puntos fuertes del álbum. Con una fuerte presencia del sonido de un theremín, volvemos al punto cúspide de lo tétrico de la obra. Un excelente puente ejecutado con las guitarras une el final del estribillo con el comienzo de una nueva estrofa. El solo espectacular condecora a Cimiterra como una de las mejores canciones. “Evil Never Dies” en la última ubicación, es nuevamente un shock de energía. Tempos nuevamente en otra velocidad, un pre-estribillo que nos pone un poco ansiosos por lo que viene.

Sin duda alguna The Entity redondea un gran trabajo, una gran obra y pone en evidencia toda la experiencia de una leyenda como Steve Sylvester. Como particularidad, en esta ocasión, Steve trabajo de la mano del aclamado productor Tom Dalgety, conocido por sus trabajos con Ghost, Rammstein, Pixies, Opeth, entre otros tantos. Y vaya que si se nota la excelencia de este dúo productor. ¿La portada? Simplemente una genialidad. Bien sabemos que a lo largo de su carrera han sido mas controversiales que otra cosa y que eso, ayuda mucho a la hora de llegar a su música porque ¿Quién no quisiera ver que hay detrás de la caratula de un tipo que parece recién traído desde la profundidad de las tinieblas? Como bien saben, siempre acompañan a Steve diferentes músicos así que por esta ocasión no hare reparos en quienes conforman Death SS en su totalidad.

A decir verdad, este disco realmente me ha gustado. Un disco que me recuerda a la primera vez que escuché Trash y Hey Stoopid de Alice Cooper, o que por lo menos me recuerda a las producciones musicales de finales de los 80s. Una producción natural y orgánica y que debe pensarse como un todo por su impronta de álbum conceptual, tal como The Crimson Idol de WASP. Una historia musical que se relata en diferentes capítulos y que a cualquiera que quiera pasar un buen rato y que guste de la literatura clásica de terror como a Steve, no debería dudar ni un segundo en darle una oportunidad.

3 años pasaron para que desde Suecia llegara un nuevo disco de H.E.A.T, Welcome to the Future trae la misma línea que su antecesor Force Majeure, tal vez un poco más suave pero con las mismas armonías que han caracterizado a la banda desde sus inicios, ya tienen su fórmula que les funciona y ellos se dieron cuenta que en su álbum del 2017, Into the Great Unknown donde trataron de cambiar un poco, no funcionó del todo bien, así que para que ir por otro camino, la idea les quedó clara, el hard rock melódico es lo suyo y aquí en Welcome to the Future eso continua.

“Disaster” es un tema muy bueno para abrir sus conciertos en esta gira que empieza ahora por Latinoamérica, seguramente sonará en todas sus presentaciones de este tour al igual que su segunda canción “Bad Time for Love”, acá suenan más alegres y divertidos, es clara la gran tarea que hizo Jona Tee con los teclados en cada tema, parece llevar la batuta en todo momento y le da un toque único a cada nota del disco.

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Con unos pequeños arreglos orquestales suena “In Disguise” que junto con “Rock Bottom” pueden ser los temas más especiales de este disco sin necesidad de convertirse en sencillos, Dave Dalone sigue sacando riffs bajo la manga, cada uno muy similar al otro pero con algo que los diferencia entre sí, sus riffs dan paso a los sólos de guitarra que recuerdan los ochentas en cada pulsación de sus cuerdas.

La manera de cómo se integra el teclado y la guitarra en “Children of the Storm” es perfecta, por que cuando cambian del intro al riff que lleva la canción, se intensifica y le da otro estilo, se vuelve más un tema de fiesta en donde todos pueden levantar su cerveza y saltar al lado de su amplificador mientras se grita el coro “You were born, children of the storm, facing what we’ve never done before. you were born, children of the storm, can’t you see their hearts already tore, children of the storm”.

“Paradise Lost” evoca brevemente a lo que está haciendo Avantasia y es que el paso de Kenny Leckremo por esta banda los influenció en algo, eso no cabe duda, “Losing Game” suena muy a sus dos primeros discos, H.E.A.T del 2008 y Freedom Rock del 2010, es más que lógico, todos sus miembros siguen en pie desde sus inicios, puede que un par de ellos hayan salido y entrado nuevamente, pero la formación y la esencia se mantiene firme.

Para marchar al pie de guerra está la canción “We Will not Forget”, último tema del disco, ideal para que suene en un partido de rugby en donde todos salen a dar todo de sí y vencer al enemigo, “Call my Name” es el más suave del álbum, a veces tiene toques de música disco. “Tear It Down (R.N.R.R.)” parece que quedó fuera de su disco anterior pero que buena canción es, tiene coros entre Def Leppard y Accept, posee la energía del Force Majeure, y “Running to You” es H.E.A.T. por donde se escuche, es una melodía que lleva la forma de la banda al igual que “The End”.

Se extraña un poco la fuerza del baterista Don Crash pero no hace un mal trabajo, sólo le faltó algo más del punch al que ya nos tenía acostumbrados, y Jimmy Jay sigue impecable en su ejecución del bajo, se extraña mucho la dupla entre Eric Rivers y Dave Dalone, ojalá en algún futuro no muy lejano, regresen a la banda al igual que Erik Grönwall pero sin que ningún miembro de los actuales tenga que dejarla, algo así como lo que está haciendo Helloween en la actualidad.

Welcome to the Future es una muestra que la agrupación no pierde su creatividad, sus ideas siguen saliendo por cada poro del cuerpo al momento de grabar, acá H.E.A.T nos deja claro que hay banda para rato, mucho rato.

Era sin duda uno de los lanzamientos alternativos más esperados de la temporada y ahora que Sleep Token han lanzado Even in Arcadia, viene la pregunta crucial ¿Han estado a la altura de lo esperado? o por el contrario es un disco más en la carrera de la banda británica.

Pues tras haber escuchado a conciencia y en repetidas ocasiones el cuarto disco de la banda, al contrario que otros “Entendidos” musicales, debo decir que la banda cumple y con creces lo que algunos esperábamos de ellos con este nuevo trabajo.

También es cierto que con cada disco, Sleep Token va agotando los efectos sorpresa de cara al público más “exigente” y es que el inicio con “Look to Windward” es una pequeña evidencia de esto que estoy diciendo, ya que pese a ser una canción bastante bien resuelta, con ese intro que suena a los 2000 por los cuatro costados, se extiende un poquito de más y no es todo lo redondo que podría haber sido.

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Si que hacia la mitad con ese “Break” agresivo vuelve a unificar los dos mundos de Sleep Token, pero estaremos todos de acuerdo que en “Emergence”, está mucho mejor ejecutado y expresado a nivel musical y lírico.

De “Caramel”, poco puedo decir que no haya dicho cuando salió publicada y es que es una de las mejores canciones de la banda hasta la fecha y cuenta una realidad que quizás muchos prefieran ignorar, pero que la banda vive en sus propias carnes como precio a pagar por su altísimo nivel de popularidad conseguido en menos de un lustro.

Por supuesto que el lado “Pop” está ultra presente piezas como “Past Self”, con referencias más cercanas a Post Malone o The Weeknd que a BMTH o Poppy por citar dos nombres modernos pero con la contundencia suficiente como para captar a millones de personas y arrastrarlas al lado más alternativo de la música actual.

Con temas como este, se entiende porque Sleep Token gustan y disgustan a partes iguales, aunque también os digo que esta canción con el sol resplandeciente y una Monster helada, puede ser una postal más que repetida a lo largo del verano que se aproxima en Europa.

El giro vuelve a darse con “Dangerous”, un corte mucho menos “Happy” que su predecesor, pero con un Vessel imponente a las voces, capaz de erizarte hasta el último vello de tu piel con su tono vocal tan personal y diferente al de otros compañeros de profesión.

La segunda mitad del disco viene con el corte que da título al álbum y que es de lo menos destacado ya que repite un poco la fórmula que conocemos de la banda y deja paso a “Provider”, un corte con claras alusiones al R’N’B y donde Sleep Token vuelven al sonido moderno y algo procesado de “Past Self”, pero mucho más complejo que este y con diversas capas sonoras para descubrir con cada escucha que uno le de, siendo justos este lado de Sleep Token, aunque lo disfrute, entiendo porque les pueda chirriar a los que esperaban más metal en este disco.

El final a lo I Prevail es bonito, ya que recupera un poquito la distorsión y pueda regalarte ese lado más pesado de la banda, que tanto andas buscando, pero es breve y con cuenta gotas.

“Damocles”, último single del disco antes de su salida oficial, si que convence con una letra tremenda y un Vessel que emociona hasta las lágrimas al oyente desde la primera vez que uno la escuche y que es otro de los grandes momentos del álbum, donde Sleep Token muestra sus mejores cartas.

Para el final, se guardan dos cortes muy interesantes como son “Gethsemane”, con un comienzo delicado que evidencia la tremenda capacidad y recursos vocales que tiene Vessel como cantante y que presenta una estructura “marciana” como Sleep Token nos tiene acostumbrados, con un ritmo in crescendo a lo Polyphia o Dreamcacther y ciertas reminiscencias a bandas como Deftones con un riff brutal y directo al pecho que parte el tema en dos y bien podría haber encajado en su disco anterior.

Para luego en la segunda parte presentar un sonido a lo Post Malone en la era de Hollywood Bleeding, que sin duda va a descolocar a cualquiera que no este familiarizado con esta banda.

Y para cerrar el disco tenemos los 8 minutos y 24 segundos de “Infinite Baths”, que como todo el disco, es una montaña rusa sonora y de emociones, con un comienzo épico y lento que puede conmover a quién escuche a la banda por primera vez, para dejar paso a un final a todo trapo y donde dan rienda suelta a toda esa rabia contenida (quizás en exceso ya que se podrían haber marcado alguna canción más metalera) a lo largo del disco con unos fraseos de guitarra afilados y un Vessel muy agresivo y brutal a las voces, quizás para que uno no piense que a Sleep Token se le olvidaron sus raíces más pesadas antes de entrar al estudio.

Por lo que vuelvo a formular la pregunta ¿Han estado Sleep Token a la altura de lo esperado?, pues yo diría que si con matices, ya que no tengo muy claro que este disco supere a su predecesor, aunque si que pueda igualarlo en varias ocasiones, pero también hay que ser realista y saber que para futuras entregas, Sleep Token tienen que volver a pulsar esa tecla que los haga brillar en todo su esplendor y no por partes como ocurre en este nuevo disco, que si cumple y es más que interesante, pero podría haberlo sido bastante más a nivel conjunto y no individualmente.

Tras las buenas sensaciones que nos dejó su anterior trabajo (Starstruck de 2022), los italianos Sick N’ Beautiful vuelven con su cuarto disco de estudio Horror Vacui, para demostrar porque su propuesta tiene todos los números para despuntar aún más este año.

Herma es una vocalista bastante especial, ya en el debut de Venus 5 pudimos ver como se adaptó a sus compañeras con un tono más “accesible” y sin embargo en este proyecto nos regala su lado más metalero, descarado y potente.

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El comienzo de “[Human] Overrrated“, permite ver ciertas influencias de bandas como Static-X combinadas con el industrial/metal moderno de In This Moment (sobre todo de discos como Ritual) y marca una línea musical que se va a mantener a lo largo de los casi 46 minutos que dura el disco.

Aunque combinados con otros elementos musicales, Sick N’ Beautiful han sabido jugar sus cartas muy bien y entregar un disco que mantiene la frescura de su predecesor, pero con un “Punch” extra que lo convierte quizás en el mejor que hayan grabado hasta la fecha.

Los singles “Haunted“, “Hate Manifesto” o la potente y fantástica “Raise the Dragon“, ya hacían ver que la banda iba a volver con todo en este nuevo disco y desde luego con pelotazos como “Death Police“, así ha sido.

Greta explora a lo largo del álbum sus diferentes registros y lo cierto que en todos suena más que interesante, por algo Lordi los han llevado de teloneros en la primera parte de su nueva gira europea, porque con su particular sonido pueden encajar con diferentes grupos.

La pesada y desafiante “Railride” o su siguiente invitada “God Save The Bride“, con una intro a lo Metallica en el Black Album, son dos claros ejemplos de como Sick N’ Beautiful te sorprenden con sus giros sonoros a lo largo del disco.

“God Save The Bride“, pasa de un sonido medio misterioso y oscuro a un ritmo trepidante y que seguramente sea de los mejores momentos del disco.

Está claro que Herma ha plasmado el disco que ella quería junto a la banda y si la fórmula funciona y es efectiva, quienes somos nosotros para decirle que la cambie si las canciones conforman un disco más que redondo y sólido como este.

Cuando pienso en el power metal me veo a mi mismo en mi adolescencia, allá por mediados de la primera década del nuevo milenio, fascinado y descubriendo cada una de las bandas de este virtuosísimo género originario del norte de Europa. Sonata Arctica, Stratovarius, Edguy, algunas pioneras como Helloween, otras con elementos de sinfonías como Nightwish. Sin embargo, no logré que este encuentro y exacerbado gusto por el estilo, trascendiera más allá de esa década. Es entendible. Encuentro yo, ciertos paralelismos con el destino del heavy y el glam en los lejanos 80s, un estilo que, por su exponencial crecimiento y éxito, se vio enormemente sobre explotado para finales de la década ¿El resultado? Miles de bandas que terminaban por sonar todas igual, como si accidentalmente, hubiesen transformado al género en un proceso estandarizado para crear a las bandas. Bueno, pues, con el power siento, en gran medida, que sucedió algo similar: mucho éxito, muchas bandas, recursos sobre explotados.

¿A que viene todo esto? A que hoy me siento a escribir una reseña y análisis del nuevo disco de Trick or Treat, una banda de power metal, pero con una característica muy peculiar. Ghosted, como se titula este trabajo, saldrá (o salió, si es que leen esto luego) el 26 de abril bajo el sello Scarlet Records. La banda de origen italiano y con casi 2 décadas de existencia con material propio, es un poco (y bastante) esquiva, a las típicas temáticas de mitología nórdica y fantasía del tipo Calabozos y Dragones. Más bien, estos señores, han decidido por apostar a darnos donde mejor pueden: la nostalgia. Literatura, comics, cine y hasta anime son algunos de los disparadores para construir sus discos. Durante el año 2019 y principios del 2020, sacaron mes a mes, un single que se correspondía con el signo zodiacal y al mismo tiempo, con los personajes de la celebre serie Saint Seiya y que, en conjunto, conformaron el álbum The Legend Of The XII Saints.

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Para Ghosted, lo que nos traen, es una propuesta que rinde tributo al cine de horror de los 80s, a los comics y videojuegos. Con “Lost In The Haunted House” al inicio, nos dan una corta introducción de lo que vendrá, emulando al soundtrack de las series de terror infantiles como Tales From The Crypt o Goosebumps, y como al mismo tiempo dejando en claro que no habrá historias de terror profundo sino más bien una ronda de metal, horror y diversión. De inmediato nos hacemos con “Craven Road“, una canción muy ganchera que referencia al comic italiano Dylan Dog, un joven detective londinense que investiga casos paranormales. Un gran solo acompaña y destaca por el resto; un tenue y esporádico teclado da sensaciones de tenebrosidad. “Bloodmoon“, que es lo que sigue, tiene un condimento especial: la colaboración de Adrienne Cowan, cantante de Seven Spires y recurrente en Avantasia. Esta pieza es una oda al popular videojuego japones Castlevania. Por momentos es una canción con la estructura típica del mejor power metal habido y por haber, por otros, se acerca más al death metal de bandas como Children Of Bodom y esto último, gracias al trabajo vocal de guturales de Adrienne. Bloodmoon fue el segundo single promocional presentado.

“Ghosted“, que trata sobre el fenómeno de redes sociales “ghosting”, donde una persona puede sentirse invisibilizada y en soledad por otros a través de ciertas conductas, fue el primer single promocional y que viene acompañado de un videoclip donde el protagonista entra en una dimensión paralela donde es, justamente, invisible para la sociedad. Un tema del cual no hay mucho que esperar en la cuota musical.

“Dancing With The Dancing Clown“, en cuarto lugar, es el último single promocional, también acompañado con un (bizarrisimo) videoclip, donde un maestro payaso asesino, enseña a un discípulo como perseguir a sus víctimas. Para un disco bastante estándar y típico, es este tema quien por lejos se ha convertido en mi segmento favorito por tener el mejor estribillo. Siguiendo la línea temporal, nos encontramos con “Polybius“, que a mi entender, por su mero nombre, hace referencia a un juego arcade ficticio de una famosa leyenda urbana que aseguraba que quienes lo jugaban tendían a consecuencias y efectos como la locura, las pesadillas y hasta el suicidio. Una canción que por momentos suena a un power más clásico, como el de Helloween.

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“Evil Dead Never Sleeps“, una especie de tributo a la película de horror de los 80s, Army of Darkness y “Return To The Monkey Islands” (adivinen de que va…) son las 2 siguientes piezas y de las cuales no tengo mucho más para agregar en cuanto a lo musical, salvo porque en ésta última tenemos colaborando a Chris Bowes de la banda Alestorm (un poco obvia la elección de esta canción para su participación). Más de lo mismo si, pero muy asertivo y ganchero. Ambas historias son muy representadas desde lo instrumental.

“Make A Difference” en noveno lugar y sin mucho para acotar, así que, pasando a lo próximo, nos topamos con “The 13th“, que conmemora a las películas de los 80s Friday The 13th. Una muy buena canción si de tributos a la cultura cinéfila hablamos, con una letra más explicita sobre la referencia que trata.

Para rematar y completar este promisorio disco, en último lugar, “Bitter Dreams“. Si hablamos de Jason Voorhes en la anterior, no podía faltar Freddy Krueger y por eso la última pieza se corresponde con Nightmare On Elm Street ¿Una competidora para Dream Warriors de Dokken? Ni por asomo, lejísimos de ser un himno del metal como aquella excelentísima y memorable canción, pero no por ello una mala.

Eso es el disco. Como lo verán, una descripción de que va cada una de las canciones desde la temática de las letras mas no así de lo musical. Pues, no por nada ese primer párrafo. Y es que el nuevo disco de Trick Or Treat es una experiencia que desde lo musical no promete nada nuevo, nada diferente, por lo cual, si han escuchado mucho power metal en los años 2000 como yo, de alguna manera, ya habrán “escuchado” este disco. Voces agudas y virtuosas, rápidos tiempos marcados por el doble bombo de la batería, guitarras gemelas y gran apoyo de teclados (la receta del power metal). Quizás, lo que deba remarcar es que, Trick Or Treat no apunta a otra cosa que brindar una experiencia de metal y diversión y que su música se construye a partir de esa idea y en eso, cumplen al 100% su propósito.

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Una banda con mucha experiencia en el lomo, con colaboraciones de grandes artistas del ambiente, participación en los grandes festivales y teloneando en muchas ocasiones a bandas consagradas, no necesita que le digan que hacer y de que manera. Alle Conti, quien carga con las voces, es también quien diseño la portada. Completan la formación, Guido Benedetti y Luca Venturelli en guitarras, Leonel Villani Conti en bajo y Dario Capacci en batería. Simone Mularoni fue el productor a cargo, que, ya que lo menciono, otro gran acierto del disco es la producción. Natural y muy a lo vieja escuela, y es por eso que insisto tanto en las bandas del 2000, porque así suena Ghosted.

Pongan el disco, templen su pensamiento y déjenlo correr. Como siempre, si tengo que emparentarlos con algún otro grupo para que tomen de referencia y decidan si darle (o no) play, puedo pensar en Edguy. Me recuerdan a ellos más que a ninguna otra banda, con ese mix de metal, diversión y videoclips graciosos. Veremos si tendremos nuevamente a Trick Or Treat por tierras sudamericanas o ibéricas para presentar este nuevo álbum.

The Man-Eating Tree arrancó como una iniciativa de varios miembros de la escena metalera finlandesa allá por 2009. No sé si llamarlos un “supergrupo” ni tengo idea si los integrantes consideraban al grupo de esa manera, pero está claro que podíamos encontrar un par de nombres interesantes en el currículum de los músicos, siendo los más importantes Poisonblack, Sentenced, Fall of the Leafe y Eternal Tears of Sorrow, así que habría bastante para fans de la movida gótica. Pero después de su debut Vine (2010) y su casi inmediato sucesor Harvest (2011), The Man-Eating Tree pasaron por una gran cantidad de cambios de formación, dejando pasar cuatro años hasta el siguiente In The Absence of Light (2015), para luego tener más cambios de formación y que pasara otra década hasta su cuarto álbum, este flamante Night Verses editado por el sello alemán Noble Demon el 11 de abril.

Con el guitarrista Janne Markus como único miembro de las formaciones que grabaron los discos anteriores, esta nueva versión de The Man-Eating Tree tiene también sus antecedentes, pudiendo contarse entre los integrantes al bajista Mika Junttila de los melodeath Mors Subita y al cantante Manne Ikonen, quien fuera miembro fundador y vocalista de Ghost Brigade durante veinte años. 

Con estos nuevos integrantes, teniendo sus propias influencias y orígenes, cabría esperar un cambio en el estilo de The Man-Eating Tree. Y de alguna manera hay una diferencia, aunque es más una continuación del sonido de In The Absence of Light: mientras Vine y Harvest estuvieron dominados por la voz limpia de Tuomas Tuominen (ex Fall of the Leafe), el tercer disco marcó no sólo la llegada de Antti Kumpulainen como vocalista sino también la incorporación de voces podridas, algo que claramente quisieron destacar siendo que en ese disco son las primeras que uno escucha. Night Verses mantiene esa dinámica con Ikonen, alternando entre ambas vocalizaciones entre secciones, como una mezcla entre las voces de Amorphis y el sonido atmosférico de Katatonia.

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Así que The Man-Eating Tree no van a ganar ningún premio a la originalidad. Pero lo mismo se podía decir de los discos anteriores, y que las canciones estén hechas con elementos muy familiares nos significa que no vayan a funcionar, y en general Night Verses se mantiene en un nivel no tanto espectacular, pero si “bueno” tirando a “muy bueno”.

Los tres adelantos mostraron bien las tres caras del álbum. El primero, “Seer”, es de las más tradicionalmente metaleras, con ese riff directo en los versos y el doble bombo que se puede escuchar en el estribillo mientras las voces podridas y limpias se enfrentan unas con otras. “To The Sinking”, por otro lado, es una especie de “balada doom”, con acompañamiento de teclados y guitarras atmosféricas sumiéndonos en la más profunda oscuridad, aunque por momentos la voz de Ikonen puede ser un poco melosa sin las guitarras pesadas alrededor. Por último, “Ruins of Insanity” es más “katatoniesca”, ahora dejándole todo el trabajo a las voces limpias y con esas guitarras de riffs elegantes.

Pasando al álbum en sí, “Days Under The Dark” muestra el sonido gótico clásico de The Man-Eating Tree, y en “These Traces” podemos sentir cómo la canción va aumentando en intensidad hasta desembocar en una mezcla de doble bombo y riffs pesados, algo que se repite en la anteúltima “Abandoned” con resultados similares. La final “Reflections” es otra balada gótica atmosférica, y una de proporciones épicas al durar casi diez minutos, con un final extremadamente pesado.

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Los riffs de Janne Markus y el recién llegado Sakke Paavola, quien también se encargó de la portada, son de buen gusto y efectivos, limpios pero sin perder la pesadez. Y la base instrumental de Junttila y el baterista Aksu Hanttu hace un buen trabajo, aunque me hubiera gustado un poco más de dinámica para que el bajo tuviera más presencia, más allá de que la producción cumple su propósito. Otro que cumple es Manne Ikonen: vi que muchos estaban emocionados por su presencia al sentir a este álbum como un sucesor espiritual de lo hecho por Ghost Brigade, considerando la reciente separación de la banda finlandesa, y puedo decir que hace lo suyo de manera más que correcta.

Night Verses es un buen disco, aunque no necesariamente espectacular: es un disco denso y, como lo describí antes, apesadumbrado, lo que lo puede hacer un hueso un tanto duro de roer. Es ciertamente muy Katatonia, una comparación que seguramente veremos en varios lugares al momento de hablar de este álbum y de la que no me podría quejar realmente. A fin de cuentas, es un trabajo muy para fans de este estilo y con poco para los que todavía no estén del todo convencidos. Aunque sea menos “distintivo” en sus ideas que aquellos dos primeros álbumes más atmosféricos, es disfrutable y deja la esperanza de que ahora The Man-Eating Tree puedan encontrar algo de balance y asentamiento en su carrera, uno que les permita desarrollar sus ideas a futuro en esta nueva etapa.