El powerviolence es un género que siempre nos trae joyas, aunque no sea uno de los géneros más escuchados en el mainstream pero si en el underground… Y a todos nos gusta el underground, el descubrir cosas nuevas, gente humilde que se junta en su pequeño garito para echar un rato y componer música; eso es uno de los motores que aunque no muchos lo sepan, mueven a millones de personas en todo el mundo y gracias a ellos, el extremo sigue más vivo que nunca.

Wasp Mother nos brinda su tercer EP titulado Digital Pollution. Los de Massachusetts han seguido la línea que dejaron con sus anteriores trabajos, dejándonos en bandeja con un trabajo breve, pero aún así lleno de agresividad. Contundencia y rabia, liderada por las violentas vocales de Jenny Mac. 

Todo comienza con “Gravemouth”, unas guitarras sucias, una voz salvaje que nos lleva a unos blastbeats extremos con unos riffs simples pero potentes, todo para pasar a “Burnout”.

En este siguiente tema nos encontramos con una introducción protagonizada por un ritmo que nos recuerda algo al hardcore con esos característicos tombs para dejar entrar al resto de la banda, manteniendo el ritmo pero llevándolo al extremo, acabando con cuatro brutales compases de blast. En tercer lugar nos encontramos con “Boring”.

Brutalidad en estado puro con unos riffs pesados combinados con los mejores aspectos del grindcore y el powerviolence con bastantes toques de crust, teniendo así uno de los temas de más larga duración a lo que se refiere este nuevo proyecto de los Norteamericanos. “Hubris” es la antepenúltima pieza del álbum, recordándome en los primeros compases al “Narcissus” de los máximos promotores del grind, Napalm Death, con esa impedancia de guitarra dejando entrar a un agresivo bajo que por si pensabais que se había acabado la locura, nos deja degustar los últimos 30 segundos de canción dignos para romper cuellos. 

“Call your doctor if you experience any of the following side effects”, esa es la locución que nos introduce a “Akathisia”, 26 segundos de gritos, donde todos los componentes de la agrupación de Massachusetts se van más aún al extremo para finalmente brindarnos con “Pale”, otro tema donde el bajista se luce completamente y da fin a este trabajo de 9 minutos, que personalmente son de los más extremos que he sentido con los auriculares puestos. 

Así que si buscáis locura extrema, cerrar los ojos y escuchar este Digital Pollution mientras os imagináis el moshpit más agresivo de vuestras vidas!

El supergrupo femenino Exit Eden vuelve este 2024 con su segundo y esperadísimo trabajo Femmes Fatales, que sale hoy mismo viernes 12 de enero a la venta vía Napalm Records y que presenta dos grandes y notables novedades: Es el primer disco que contiene canciones propias de las chicas y es el primero que editan en formato trío tras la salida de Amanda Somerville el año pasado.

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En estas doce nuevas piezas, Clementine Delauney, Marina LaTorraca y Anna Brunner, siguen un poquito la línea de su debut pero desplegando aún más su magia y talento vocal, tanto a nivel individual como colectivo.

El disco se abre con el corte que da título al disco “Femme Fatale”, donde ya podemos ver el poderío que desprenden estas tres mujeres, con un arreglo de fondo muy épico y un toque de sensualidad desde el comienzo con Marina abriendo el tema y Anna haciendo el siguiente fraseado, para que Clementine se luzca como solamente ella sabe en el estribillo con esa espectacular, delicada y poderosa voz.

El corte cuenta con dos particularidades, un gran solo de guitarra y una parte narrada en francés por parte de Clementine que te seduce y atrapa al instante.

El primer cover no tarda mucho en llegar y no es otro que el clásico “It’s a Sin”, del dúo británico Pet Shop Boys, un referente dentro del synthpop y el pop electrónico en los 80 y 90.

Y si, evidentemente las chicas mejoran un tema que si pegó fue por estar en el momento y lugar adecuado, pero que no deja de ser uno de tantos, las armonías entre las tres cantantes es perfecta y los agudos razgados de Anna Brunner, le dan ese toque enérgico a la canción.

Las dos siguientes invitadas ya las conocemos de sobra y es que “Run” fue el primer single del disco, que nos sorprendió por ser una canción propia y que cuenta con la participación estelar de Marko Hietala, quien se complementa muy bien con las chicas.

Mientras que la siguiente, no es otra que “Separate Ways”, el mítico himno que popularizaron Journey y que ellas le dan una vuelta de tuerca más con un toque más melancólico y sinfónico.

“Buried in the Past”, es otro de los temas cuya autoría es exclusiva de ellas y es un corte bastante cañero que marca el ecuador del disco con paso firme y donde vemos como Marina y Anna pueden brillar sin apenas despeinarse en sus partes y Clementine le da el toque extra y personal a la canción antes de que llegue uno de los mejores covers del álbum.

Que no es otro que “Desentanchée, tema original de Myléne Farmer, pero que la mayoría de mi generación conocimos gracias a la versión que en 2002 realizó la guapísima, atractiva y talentosa artista belga Kate Ryan y que ahora podemos disfrutar en una versión mucho más rockera.

A pesar de su comienzo más pausado, enseguida los vientos dejan paso a las voces y las tres te van envolviendo con sus diferentes personalidades y tonos, siendo un auténtico lujo para el oyente escucharlas cantar juntas y siendo honestos, no extrañando para nada a su ex-compañera.

Sobra decir que Clementine es la prota principal debido a su ascendencia francesa y que es una caricia al alma escucharla por fin cantar en su lengua natal, mientras que las segundas voces embellecen aún más la canción.

“Dying in My Dreams”, quizás sea junto con “Run!” una de las mejores canciones del disco, oscura, desafiante, con una Anna Brunner muy bien a las voces en el comienzo de la canción y un estribillo que poquito a poco se te va quedando en la cabeza y que estoy seguro en directo sonará aún mejor.

Las dos siguientes son covers y mientras “Poison” es simplemente espectacular pese a que ya hemos oído muchas versiones de la canción , esta seguramente sea de las mejores y hay que destacar los diferentes matices que les dan las tres cantantes, Anna con su tono más oscuro, Marina en la línea melódica y Clementine con la parte más sinfónica y reafirmándose como una de las mejores cantantes de su generación.

“Alone”, corte popularizado gracias a Heart, pone el toque melancólico al álbum y te transporta a una tarde de inverno medio gris y nublada, solo con las voces de ellas sonando en tu reproductor, haciendo un buen contraste con el cover de Alice Cooper anterior.

De nuevo con un resultado fantástico y siendo de los temas más intensos del disco y casi casi superando a la original.

La caña y la épica vuelven gracias a “Hold Back Your Fear”, un corte que podría haber encajado en un disco de Visions of Atlantis, algo bastante normal siendo Clementine miembro de Exit Eden, esto es lo que tiene este disco que al contener canciones propias te sigue sorprendiendo pese a que ya estamos casi en el final del álbum.

El disco llega a su fin, pero no sin antes dejarnos dos temas más, un potente cover de “Kayleigh”, corte que es original de Marillion y que honestamente ellas no solamente mejoran si no que le dan algo de interés ya que nunca he entendido la fiebre con este tipo de grupos de rock progresivo.

Para finalizar tenemos “Elysium”, el último tema propio de las chicas y que cierra de forma notable esta nueva entrega de Exit Eden, donde se han arriesgado con temas nuevos y han demostrado porque son tres de las mujeres más importantes de su escena y pese a las adversidades le han sabido encontrar la vuelta y entregarnos una más que notable continuación de su álbum debut. !Bravo por ellas¡

A ver, yo creo que cualquiera que conozca a los chicos de Svdestada ya debería saber que su propuesta no es apta para todos los públicos, esa crudeza sangrante en sus composiciones helaría la piel a cualquiera que se enfrente a un disco suyo por primera vez, para los que ya conocemos de sobra su sonido, este nuevo disco Candela nos vuelve a dejar en evidencia la exquisitez con la que un estilo tan extremo como el Crust puede sonar casi perfecto.

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En estas siete nuevas composiciones, la banda sigue ahondando en esa combinación tan explosiva como compleja que mezcla su blackened crust con ciertas pinceladas de mathcore y punk visceral, dando como resultado un disco abrumador y al alcance de muy pocos.

El disco se abre con la impresionante “Amargor”, con ese grito desgarrador de “No Siempre Querer es Poder…” que te noquea desde la primera escucha y que seguramente sea una de las mejores composiciones de la banda madrileña y que te asegura que el disco ya a partir de aquí no tiene vuelta atrás.

El viaje continúa y si te sumerges en el álbum, verás la progresión que siguen respecto a sus dos discos anteriores, con una variedad en los cambios de ritmo, en las composiciones que tienen un grado de frescura mucho mayor respecto a su debut por ejemplo y lo mejor de todo es que no pierden ni un ápice de violencia lírica e instrumental.

En cuanto al aspecto de las letras, Svdestada siempre me han parecido un grupo del cual no se deben explicar sus letras si no sentirlas y para ello que mejor que recurrir a su bandcamp o su canal de Youtube, donde están allí descritas.

Y vosotros diréis ¿Pero no es un poco justo, solo siete canciones para un nuevo disco?, si escucháis el corte que le pone título a esta obra, veréis como a Svdestada no le han hecho falta nada más que siete canciones, para ser candidatos ya a uno de los discos nacionales del año….Avisados Estáis.

El nuevo disco de Magnum debería llamarse Here Comes the Storm en lugar de Here Comes the Rain, y esto se debe a la dos fuertes noticias que el grupo ha tenido que enfrentar últimamente, primero el mal estado de salud en el que se encuentra su tecladista Rick Benton y luego la muerte de uno de sus músicos fundadores, el guitarrista y compositor Tony Clarkin que justo antes de que este disco saliera a la venta, murió a causa de una fuerte enfermedad; a pesar de todo, Magnum siempre ha sido un grupo que ha salido adelante sin importar lo que pueda pasar.

La primera conclusión a la que se llega en su primera escucha, es que es un disco muy diverso y con diferentes texturas en sus canciones, algo que no es nuevo en Magnum, pero que lo hace especial, este disco Here Comes the Rain llega a poner su granito de arena para que el hard rock melódico siga cobrando fuerza y que muchas bandas nuevas se interesen en este género que tantas alegrías nos ha dado.

En Magnum, la melodía en conjunto es lo más importante, así que este disco no es la acepción, tiene grandes arreglos, unas guitarras pegadizas, la voz de Bob Catley que a pesar de sus 77 años, sigue sonando muy bien, por algo es una de las constantes en Avantasia; algunos de los temas más sobresalientes del disco son “After the Silence” con un gran intro de teclado muy relajante, “I Wanna Live” que de igual manera tiene un buen intro pero con una tonada a medio tiempo dirigida por el teclado hasta el final, “Blue Tango” es más hard rockera al estilo ochentero, muy al estilo Wings of Heaven del 88 al igual que “The Seventh Darkness”.

Otro temas como “Broken City”, “Some Kind of Treachery”, “After the Silence” o “Borderline” la banda nos sorprende con otro tipo de arreglos, tratando de recordar su etapa más progresiva; en algunas partes del disco se aprecian trompetas y un poco de saxofón, mismos que encajan perfecto en las canciones, se siente la gran labor del tecladista Rick Benton en cada pasaje del álbum.

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Otro acierto aquí, fue la portada a cargo nuevamente de Rodney Matthews que ha seguido los pasos de la banda durante muchos años, por eso bandas como Asia, Uriah Heep, Hawkind o Nazareth entre muchísimas más, cuentan con sus servicios creativos.

Este disco deja una gran duda, ¿qué pasará de aquí en adelante con la banda tras la muerte del gran Tony, que era uno de los miembros fundadores y el compositor de la banda?, ¿saldrán adelante con alguien más? o ¿será este el fin de esta gran banda?, sólo nos queda esperar y cruzar los dedos para que tomen una buena decisión en cuanto al futuro de Magnum.

Barque of Dante es una banda con un detalle peculiar para los compatriotas de mi país. El grupo que nació en el 2004 de origen chino cuenta desde el año 2017 con un vocalista de Argentina, Roberto Castiglioni, a quien tuve el gusto de escuchar en vivo cuando formó parte de Cernunnos. Él, junto a Xie Zhiheng, Wang Wenjia, Dick Gilchrist y Zhang Qing, conforma Barque of Dante, que lanza su nuevo material al mundo: el álbum “Columbus”. Cuenta con un total de 10 canciones, y un arte de portada realmente bien logrado, ya que es solo un primer vistazo de como entran los personajes en las distintas narrativas que propone la lírica de estos temas.

Se puede decir que el conjunto asiático está muy bien ubicado dentro del power metal, el fantasy y hasta un poco de metal sinfónico, por lo que se ve a lo largo del álbum, donde los arreglos que dan detalles de distintos tipos de sonidos no faltaron en ningún momento.

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Cuando uno piensa en power metal se imagina la típica pelea entre guitarra y teclado, una batería compulsiva y agitada y unos tonos agudísimos en la voz, no vamos a decir que uno no disfruta de esto siempre y cuando este bien hecha la mezcla de los sonidos, pero Barque of Dante se ha encargado de hacerlo diferente, usando recursos que involucran no solo los típicos tonos adorables del power metal, sino también con arreglos que involucran desde lo étnico a lo culturalmente geográfico, buscando ambientarnos dentro de la historia de cada una de las canciones, esto último se aplica un poco más a la canción “A Divine Decision” . Columbus inicia con la canción cuyo nombre hace honor a su álbum, energía pura, coros armoniosos, velocidad y destreza en el desempeño de cada instrumento. Siempre se agradece y aprecia la claridad de Castiglioni en la fonética.

Tras unos adelantos previos, los barceloneses A Dark Reborn vuelven con su nuevo disco Last Echo, para demostrar porque son una de las bandas nacionales más importantes de la actualidad y como poco tienen que envidiar a compañeros del viejo continente.

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El disco cuenta con 11 nuevos cortes, algunos ya conocidos como la inicial “The Flight”, corte  incluido en el EP homónimo que lanzó la banda el año pasado y donde ya pudimos hacernos una idea de que estos chicos tienen una calidad tremenda, con esa mezcla de metal moderno, toques de metalcore y algún guiño a bandas como Infected Rain o Fallcie.

Lur tiene una voz preciosa pero cuando hay que dar caña, te deja sin respiro tal y como sucede con compañeras como Clau Violette (Astray Valley) o Hynphernia (Death & Legacy), en sus respectivos estilos.

“Illusions”, es otro de los cortes de aquel primer EP, y si no lo conoces ya estás tardando en escucharlo, con una mezcla infernal de sonidos, a ratos cañero, a ratos melódico pero siempre con convicción y ese gancho necesario para llegar al gran público, ese que consume bandas como Spiritbox o Jinjer.

El corte que da título al disco “Last Echo”, es de las canciones más destacadas del álbum, al menos desde mi perspectiva, con un comienzo susurrante y misterioso, riffs pesados y una Lur que arranca de manera lenta pero con intensidad y poco a poco va subiendo los tonos, con unos guturales arrebatadores que acabarán por conquistarte en cuanto le des dos o tres escuchas al tema.

Llama la atención “Ritual”, donde la banda ha contado con la colaboración ni más ni menos que del señor Daniël de Jongh, ex miembro de Textures y que conforma un juego de voces impresionante junto a Lur, siendo esta uno de los 3 mejores temas del disco.

Escuchando temas como “Levitating the Void”, se entiende porque lo escogieron como uno de los singles de este disco y que es un potente corte, moderno, intenso y con una combinación de ritmos impresionante, característica que se mantiene a lo largo de todo el disco.

Cerrando este fantástico trabajo, A Dark Reborn, nos muestran su cara más melódica gracias a “Hopeless”, que me trae reminiscencias de bandas como Forever Still, pero simplemente como una mera referencia.

Creo que es justo el corte que oxigena al disco, entre tanto riff y voces cañeras y le da esa diversidad que hace que A Dark Reborn destaquen dentro de la escena under nacional.

Veremos a ver donde los lleva este disco, pero tras haberlo escuchado en repetidas ocasiones, creo que en 2024 A Dark Reborn, no tienen límites y el futuro se pinta brillante para ellos.

Desde Madrid nos llega el primer álbum de estudio de los chicos de Greengoat. Formados en 2021 y con cambios en su formación, ahora como un dúo nos traen A.I., el disco del cual ya nos fueron dando algunos adelantos pero que finalmente vio la luz para llevarnos por un viaje de atmósferas oscuras, psicodélicas y misteriosas sin dejar de lado los riffs y la distorsión. Integrados por Iván Flores en guitarra y voces y Ruth “Kalypso” moya en batería tenemos un sonido que va desde lo pesado y a veces disonante mezclado con armonía y ritmos fuertes además de melódicos.

La placa da introducción con Void la cual es un audio enumerando las 3 leyes de la robótica creadas por Isaac Asimov y la cual nos hace entrar en ambiente para que llegue The Seed, con un riff pesado y lento con mucho fuzz además de una batería densa que para cuando empieza nos da una letra junto con una rítmica limpia sin dejar de lado un estribillo potente siendo un muy buen comienzo. Luego pasamos a A.I canción que le da nombre a la placa, nos encontramos con una canción mucho más setentera con vibras stoner, no olvidándose de lo pesado y con un solo de guitarra bien psicodélico que acompaña muy bien a lo que se viene escuchando. 

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La cosa se vuelve un poco más pesada con Human donde arranca un riff pesado y nos encontramos un ritmo rockero que se mezcla con lo anterior dando un muy buen resultado. Durante toda la placa notamos cosas muy similares a otras bandas que seguro son influencia de los músicos, eso se nota un poco en Awake donde notamos una similitud a tool en algunos momentos quizás un poco más doom para una placa que no tiene momentos bajos ni densos que la hagan poco amigable al oído.

Pasando la mitad del disco llega Naraka I donde se vuelve a lo pesado y lento que hace mover la cabeza siendo el tema que más llega al doom en toda la placa, pero como se dijo anteriormente no llega al punto de resultar en algo difícil de escuchar. Es el turno de Naraka II donde vemos la parte opuesta de la propuesta, un sonido movido con efectos volviendo al stoner dejando un poquito de doom en el fondo para que no sea tan brusco el cambio preparando todo para el cierre. El final está a cargo de Burn the End donde una vez más encontramos una impronta de rock con elementos stoner que ayudan a que no se pierda ese hilo conductor que tiene la banda a lo largo del disco dando un cierre justo y preciso para un disco sólido y potente.

Así pasó A.I. el primer disco de Greengoat el cual no tuvo momento bajo y nos hizo viajar por estilos marcando sensaciones. Si bien esta es una banda joven está logrando mucho en este viaje iniciado promete mucho y nos deja con ganas de más. Solo queda esperar cosas nuevas de este grupo.

Luego de un demo a principio de año, que sólo sirvió para acrecentar la manija, los velocistas Malakía cierran el año con el lanzamiento de La Leyenda Roja, un Ep de apenas 17 minutos, dividido en 5 canciones aceleradas y fieles a la velocidad.

Ni bien se disipa el intro de «Raiden», un riff en clave Voivod da comienzo a la contienda, que de acá en mas, no dará respiro alguno. Sin demora ni sospecha llega «Escila Y Caribis», que con su noble estribillo se convierte en un hit instantáneo y ciertamente un favorito de quien escribe; mientras que «Un Demente Contra Otro» y «Venganza en el Páramo» continúan el derrotero de velocidad y ritmos frenéticos. Y ya para el final, «Hawaii ’86» le pone la frutilla al postre cerrando el Ep a puro rocanrol.

La Leyenda Roja es otro claro ejemplo de que los actos mas interesantes en materia de Heavy Metal siempre provendrán del subterráneo y habrá que ir a buscarlos a bares, reductos, antros que destilan alcohol y desbordan peligro. El Heavy Metal es violencia y Malakía tiene su afilada katana siempre dispuesta al combate.

Recién estamos en la primera semana de enero, y ya se huele que será un año magnífico para los lanzamientos del oscuro mundo de la música pesada… Digo esto, porque en cuanto me enteré que Vitriol iba a publicar un álbum pronto quise escuchar el adelanto, que me dejó perplejo. Por suerte, los amigos de Century Media Records nos enviaron esta maravillosa obra de arte para ser reseñada, y no dudé ni un minuto en ofrecerme a escribirla después de haberle dado una escuchada por encima al álbum completo.

“Suffer & Become”, el nuevo álbum de Vitriol, es una odisea musical que explora temas profundos y oscuros a través de cada una de sus canciones. En “Shame and its Afterbirth”, la banda reflexiona sobre la lucha entre la naturaleza instintiva y las barreras impuestas por la sociedad contemporánea, mientras que “The Flowers of Sadism” nos sumerge en una experiencia visceral marcada por la desilusión y el dolor, explorando la transformación a través del sufrimiento.

“Nursing from the Mother Wound” narra una experiencia de pérdida y carga emocional, destacando la lucha contra las limitaciones autoimpuestas para encontrar la verdadera esencia y conexión con el entorno. “The Isolating Lie of Learning Another” profundiza en la introspección y el autoengaño, explorando la verdadera naturaleza del yo a través de experiencias transformadoras. “Survivals Careening Inertia” ofrece una experiencia instrumental única, con guitarras que empiezan sin distorsión alguna, pero con la misma tecnicalidad propia del death metal técnico, que luego sorprenden desplegándose como un enjambre de insectos de aguijones prominentes.

En “Weaponized Loss”, la conexión entre soledad y autodestrucción se revela, destacando el desarrollo de nuevas facultades en el aislamiento. “Flood of Predation” aborda la desconfianza hacia la virtud no probada y la arrogancia que resuena desde fuera de los límites de la arena, revelando una experiencia de confrontación con la iluminación. “Locked in Thine Frothing Wisdom” explora la relación entre el dolor y la transformación, cuestionando si el amor sobrevive a la muerte iniciática.

“I am Every Enemy” presenta al narrador como un instrumento del despreciador más justo, desafiando normas y creencias establecidas, mientras que “He Will Fight Savagely” expresa una renuncia al amor gentil y la vanidad de la creación, buscando la devoción al salvaje atractivo. En resumen, “Suffer & Become” es una obra maestra que navega por las profundidades de la experiencia humana, ofreciendo una amalgama de emociones y reflexiones a través de su poderosa música y lírica impactante.

Estamos en los primeros días de Enero, y ya tenemos un favorito para el Top 10 de mejores álbumes del 2024. Esperemos que siga así.

Los alicantinos Mind Driller ya tienen listo su nuevo disco The Void, que saldrá en enero de 2024 y donde continúan la senda evolutiva de su disco anterior (Involution) y siguen demostrando por qué son una de las bandas destacadas de la escena alternativa nacional.

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El disco cuenta con 10 nuevas piezas, de las cuales ya conocemos los singles: “Game Over” y “The Fallout”, ambos muy contundentes, modernos y con una gran aceptación entre sus seguidores.

El resto del disco comienza con “Armour”, con un piano que enseguida deja paso a las guitarras de Javi y al tándem rítmico entre Reimon y Pharaoh, con una Estefanía comenzando de manera melódica y V haciendo su entrada en el estribillo de forma explosiva, siendo estos dos cantantes una de las duplas más potentes de la escena, por su parte Dani aporta el toque industrial al tema con su particular voz.

“A.I.”, es otra de las nuevas canciones del disco que no conocíamos y esta si tiene un hilo conductor con su anterior disco, de nuevo con Estefanía Aledo brillando entre las voces melódicas y algún tono más rasgado y sorprende el aporte de V con un tono muy trabajado a nivel melódico, siendo una grata sorpresa para el oyente desde el momento que pulsas play al disco.

“Happy Hunting”, puede ser uno de los cortes más destacados, siendo una montaña rusa sonora, con Dani aportando su toque industrial con esa potente voz y que hace un contraste muy interesante con la de V, que cada vez va tomando un tono más personal (sin dejar de lado claras referencias como Brandon Boyd, Mike Patton o Jonathan Davis), es un corte que atrapa pero que quizás te acabé de conquistar si le das un par de escuchas más, sobre todo si no conoces mucho a estos chicos.

“Insanity”, como su nombre indica es simplemente una apisonadora, con la bese electrónica muy al frente y una Estefa demostrando la versatilidad que tiene tanto en los tonos más cristalinos como en los más potentes, lo mismo que Dani quien te destroza los oídos con su potente voz haciendo un contraste muy interesante con su compañera.

Y es que creo que es hora, si no lo era ya con el disco anterior, de dejar de ver a Mind Driller como un grupo de “metal industrial” al uso, no señores, aquí hay muchos matices musicales a destacar y descubrir, si no les conoces, aparte del industrial, que por supuesto está muy presente pero MD son mucho más que eso.

“Bangladesh”, si que podría ser un corte que hará las delicias del sector más “old school” de los seguidores de la banda ya que podría haber encajado en un disco como Zirkus, sin duda alguna.

Los arreglos son muy acertados y es imponente como termina la canción Estefa con unos versos “gritados” que ponen los pelos de punta a más de uno para luego brillar de forma melódica en el estribillo.

Más moderno es “Believers”, combinando las voces de manera espectacular y dejando un aroma a lo Static-X por el camino bastante interesante, siendo Estefa quien lleva el peso principal de las voces en esta pieza, que creo que será de las que más puntos puedan ganar en directo.

La joya de la corona dentro del disco y seguramente en la carrera de la banda llega de la mano de “Tic-Tac”, un absoluto bombazo donde combinan lo mejor de su ADN como banda, con un estribillo escrito en oro, una base rítmica apabullante y un triple juego de voces absolutamente brutal, adornado con un “break” que hará las delicias de los que se encuentren el mosh de un concierto de Mind Driller el próximo año.

El disco se cierra con la ya mencionada “Game Over”, pero no sin antes darnos un último zarpazo y ese no es otro que “End of the World”, un explosivo corte donde Estefanía vuelve a brillar desde su susurrante “Burn Baby Burn” hasta su puente melódico y una vez más demostrando la gran conexión vocal que tiene con V, dando como resultado quizás el corte que más vaya a sorprender al oyente sobre todo en el aspecto vocal, en lo musical es un corte muy potente pero con el espacio necesario para la electrónica que le da un sabor diferente a otras canciones del álbum.

Pues quizás es pronto para afirmarlo de forma rotunda, pero estamos no solo ante un regreso explosivo y más que notable de la banda alicantina, sino que puede ser uno de los dos mejores discos de su carrera hasta la fecha, creo que cuando los oyentes se enfrenten a este disco, por primera vez, no van a saber exactamente a lo que se enfrentan, Mind Driller han apostado a lo grande y han salido vencedores con uno de los discos más destacados del próximo año, si no me creen, escucharlo y nos vemos en 12 meses, pero aquí hay victoria asegurada.

El powerviolence es un género que siempre nos trae joyas, aunque no sea uno de los géneros más escuchados en el mainstream pero si en el underground… Y a todos nos gusta el underground, el descubrir cosas nuevas, gente humilde que se junta en su pequeño garito para echar un rato y componer música; eso es uno de los motores que aunque no muchos lo sepan, mueven a millones de personas en todo el mundo y gracias a ellos, el extremo sigue más vivo que nunca.

Wasp Mother nos brinda su tercer EP titulado Digital Pollution. Los de Massachusetts han seguido la línea que dejaron con sus anteriores trabajos, dejándonos en bandeja con un trabajo breve, pero aún así lleno de agresividad. Contundencia y rabia, liderada por las violentas vocales de Jenny Mac. 

Todo comienza con “Gravemouth”, unas guitarras sucias, una voz salvaje que nos lleva a unos blastbeats extremos con unos riffs simples pero potentes, todo para pasar a “Burnout”.

En este siguiente tema nos encontramos con una introducción protagonizada por un ritmo que nos recuerda algo al hardcore con esos característicos tombs para dejar entrar al resto de la banda, manteniendo el ritmo pero llevándolo al extremo, acabando con cuatro brutales compases de blast. En tercer lugar nos encontramos con “Boring”.

Brutalidad en estado puro con unos riffs pesados combinados con los mejores aspectos del grindcore y el powerviolence con bastantes toques de crust, teniendo así uno de los temas de más larga duración a lo que se refiere este nuevo proyecto de los Norteamericanos. “Hubris” es la antepenúltima pieza del álbum, recordándome en los primeros compases al “Narcissus” de los máximos promotores del grind, Napalm Death, con esa impedancia de guitarra dejando entrar a un agresivo bajo que por si pensabais que se había acabado la locura, nos deja degustar los últimos 30 segundos de canción dignos para romper cuellos. 

“Call your doctor if you experience any of the following side effects”, esa es la locución que nos introduce a “Akathisia”, 26 segundos de gritos, donde todos los componentes de la agrupación de Massachusetts se van más aún al extremo para finalmente brindarnos con “Pale”, otro tema donde el bajista se luce completamente y da fin a este trabajo de 9 minutos, que personalmente son de los más extremos que he sentido con los auriculares puestos. 

Así que si buscáis locura extrema, cerrar los ojos y escuchar este Digital Pollution mientras os imagináis el moshpit más agresivo de vuestras vidas!

El supergrupo femenino Exit Eden vuelve este 2024 con su segundo y esperadísimo trabajo Femmes Fatales, que sale hoy mismo viernes 12 de enero a la venta vía Napalm Records y que presenta dos grandes y notables novedades: Es el primer disco que contiene canciones propias de las chicas y es el primero que editan en formato trío tras la salida de Amanda Somerville el año pasado.

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En estas doce nuevas piezas, Clementine Delauney, Marina LaTorraca y Anna Brunner, siguen un poquito la línea de su debut pero desplegando aún más su magia y talento vocal, tanto a nivel individual como colectivo.

El disco se abre con el corte que da título al disco “Femme Fatale”, donde ya podemos ver el poderío que desprenden estas tres mujeres, con un arreglo de fondo muy épico y un toque de sensualidad desde el comienzo con Marina abriendo el tema y Anna haciendo el siguiente fraseado, para que Clementine se luzca como solamente ella sabe en el estribillo con esa espectacular, delicada y poderosa voz.

El corte cuenta con dos particularidades, un gran solo de guitarra y una parte narrada en francés por parte de Clementine que te seduce y atrapa al instante.

El primer cover no tarda mucho en llegar y no es otro que el clásico “It’s a Sin”, del dúo británico Pet Shop Boys, un referente dentro del synthpop y el pop electrónico en los 80 y 90.

Y si, evidentemente las chicas mejoran un tema que si pegó fue por estar en el momento y lugar adecuado, pero que no deja de ser uno de tantos, las armonías entre las tres cantantes es perfecta y los agudos razgados de Anna Brunner, le dan ese toque enérgico a la canción.

Las dos siguientes invitadas ya las conocemos de sobra y es que “Run” fue el primer single del disco, que nos sorprendió por ser una canción propia y que cuenta con la participación estelar de Marko Hietala, quien se complementa muy bien con las chicas.

Mientras que la siguiente, no es otra que “Separate Ways”, el mítico himno que popularizaron Journey y que ellas le dan una vuelta de tuerca más con un toque más melancólico y sinfónico.

“Buried in the Past”, es otro de los temas cuya autoría es exclusiva de ellas y es un corte bastante cañero que marca el ecuador del disco con paso firme y donde vemos como Marina y Anna pueden brillar sin apenas despeinarse en sus partes y Clementine le da el toque extra y personal a la canción antes de que llegue uno de los mejores covers del álbum.

Que no es otro que “Desentanchée, tema original de Myléne Farmer, pero que la mayoría de mi generación conocimos gracias a la versión que en 2002 realizó la guapísima, atractiva y talentosa artista belga Kate Ryan y que ahora podemos disfrutar en una versión mucho más rockera.

A pesar de su comienzo más pausado, enseguida los vientos dejan paso a las voces y las tres te van envolviendo con sus diferentes personalidades y tonos, siendo un auténtico lujo para el oyente escucharlas cantar juntas y siendo honestos, no extrañando para nada a su ex-compañera.

Sobra decir que Clementine es la prota principal debido a su ascendencia francesa y que es una caricia al alma escucharla por fin cantar en su lengua natal, mientras que las segundas voces embellecen aún más la canción.

“Dying in My Dreams”, quizás sea junto con “Run!” una de las mejores canciones del disco, oscura, desafiante, con una Anna Brunner muy bien a las voces en el comienzo de la canción y un estribillo que poquito a poco se te va quedando en la cabeza y que estoy seguro en directo sonará aún mejor.

Las dos siguientes son covers y mientras “Poison” es simplemente espectacular pese a que ya hemos oído muchas versiones de la canción , esta seguramente sea de las mejores y hay que destacar los diferentes matices que les dan las tres cantantes, Anna con su tono más oscuro, Marina en la línea melódica y Clementine con la parte más sinfónica y reafirmándose como una de las mejores cantantes de su generación.

“Alone”, corte popularizado gracias a Heart, pone el toque melancólico al álbum y te transporta a una tarde de inverno medio gris y nublada, solo con las voces de ellas sonando en tu reproductor, haciendo un buen contraste con el cover de Alice Cooper anterior.

De nuevo con un resultado fantástico y siendo de los temas más intensos del disco y casi casi superando a la original.

La caña y la épica vuelven gracias a “Hold Back Your Fear”, un corte que podría haber encajado en un disco de Visions of Atlantis, algo bastante normal siendo Clementine miembro de Exit Eden, esto es lo que tiene este disco que al contener canciones propias te sigue sorprendiendo pese a que ya estamos casi en el final del álbum.

El disco llega a su fin, pero no sin antes dejarnos dos temas más, un potente cover de “Kayleigh”, corte que es original de Marillion y que honestamente ellas no solamente mejoran si no que le dan algo de interés ya que nunca he entendido la fiebre con este tipo de grupos de rock progresivo.

Para finalizar tenemos “Elysium”, el último tema propio de las chicas y que cierra de forma notable esta nueva entrega de Exit Eden, donde se han arriesgado con temas nuevos y han demostrado porque son tres de las mujeres más importantes de su escena y pese a las adversidades le han sabido encontrar la vuelta y entregarnos una más que notable continuación de su álbum debut. !Bravo por ellas¡

A ver, yo creo que cualquiera que conozca a los chicos de Svdestada ya debería saber que su propuesta no es apta para todos los públicos, esa crudeza sangrante en sus composiciones helaría la piel a cualquiera que se enfrente a un disco suyo por primera vez, para los que ya conocemos de sobra su sonido, este nuevo disco Candela nos vuelve a dejar en evidencia la exquisitez con la que un estilo tan extremo como el Crust puede sonar casi perfecto.

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En estas siete nuevas composiciones, la banda sigue ahondando en esa combinación tan explosiva como compleja que mezcla su blackened crust con ciertas pinceladas de mathcore y punk visceral, dando como resultado un disco abrumador y al alcance de muy pocos.

El disco se abre con la impresionante “Amargor”, con ese grito desgarrador de “No Siempre Querer es Poder…” que te noquea desde la primera escucha y que seguramente sea una de las mejores composiciones de la banda madrileña y que te asegura que el disco ya a partir de aquí no tiene vuelta atrás.

El viaje continúa y si te sumerges en el álbum, verás la progresión que siguen respecto a sus dos discos anteriores, con una variedad en los cambios de ritmo, en las composiciones que tienen un grado de frescura mucho mayor respecto a su debut por ejemplo y lo mejor de todo es que no pierden ni un ápice de violencia lírica e instrumental.

En cuanto al aspecto de las letras, Svdestada siempre me han parecido un grupo del cual no se deben explicar sus letras si no sentirlas y para ello que mejor que recurrir a su bandcamp o su canal de Youtube, donde están allí descritas.

Y vosotros diréis ¿Pero no es un poco justo, solo siete canciones para un nuevo disco?, si escucháis el corte que le pone título a esta obra, veréis como a Svdestada no le han hecho falta nada más que siete canciones, para ser candidatos ya a uno de los discos nacionales del año….Avisados Estáis.

El nuevo disco de Magnum debería llamarse Here Comes the Storm en lugar de Here Comes the Rain, y esto se debe a la dos fuertes noticias que el grupo ha tenido que enfrentar últimamente, primero el mal estado de salud en el que se encuentra su tecladista Rick Benton y luego la muerte de uno de sus músicos fundadores, el guitarrista y compositor Tony Clarkin que justo antes de que este disco saliera a la venta, murió a causa de una fuerte enfermedad; a pesar de todo, Magnum siempre ha sido un grupo que ha salido adelante sin importar lo que pueda pasar.

La primera conclusión a la que se llega en su primera escucha, es que es un disco muy diverso y con diferentes texturas en sus canciones, algo que no es nuevo en Magnum, pero que lo hace especial, este disco Here Comes the Rain llega a poner su granito de arena para que el hard rock melódico siga cobrando fuerza y que muchas bandas nuevas se interesen en este género que tantas alegrías nos ha dado.

En Magnum, la melodía en conjunto es lo más importante, así que este disco no es la acepción, tiene grandes arreglos, unas guitarras pegadizas, la voz de Bob Catley que a pesar de sus 77 años, sigue sonando muy bien, por algo es una de las constantes en Avantasia; algunos de los temas más sobresalientes del disco son “After the Silence” con un gran intro de teclado muy relajante, “I Wanna Live” que de igual manera tiene un buen intro pero con una tonada a medio tiempo dirigida por el teclado hasta el final, “Blue Tango” es más hard rockera al estilo ochentero, muy al estilo Wings of Heaven del 88 al igual que “The Seventh Darkness”.

Otro temas como “Broken City”, “Some Kind of Treachery”, “After the Silence” o “Borderline” la banda nos sorprende con otro tipo de arreglos, tratando de recordar su etapa más progresiva; en algunas partes del disco se aprecian trompetas y un poco de saxofón, mismos que encajan perfecto en las canciones, se siente la gran labor del tecladista Rick Benton en cada pasaje del álbum.

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Otro acierto aquí, fue la portada a cargo nuevamente de Rodney Matthews que ha seguido los pasos de la banda durante muchos años, por eso bandas como Asia, Uriah Heep, Hawkind o Nazareth entre muchísimas más, cuentan con sus servicios creativos.

Este disco deja una gran duda, ¿qué pasará de aquí en adelante con la banda tras la muerte del gran Tony, que era uno de los miembros fundadores y el compositor de la banda?, ¿saldrán adelante con alguien más? o ¿será este el fin de esta gran banda?, sólo nos queda esperar y cruzar los dedos para que tomen una buena decisión en cuanto al futuro de Magnum.

Barque of Dante es una banda con un detalle peculiar para los compatriotas de mi país. El grupo que nació en el 2004 de origen chino cuenta desde el año 2017 con un vocalista de Argentina, Roberto Castiglioni, a quien tuve el gusto de escuchar en vivo cuando formó parte de Cernunnos. Él, junto a Xie Zhiheng, Wang Wenjia, Dick Gilchrist y Zhang Qing, conforma Barque of Dante, que lanza su nuevo material al mundo: el álbum “Columbus”. Cuenta con un total de 10 canciones, y un arte de portada realmente bien logrado, ya que es solo un primer vistazo de como entran los personajes en las distintas narrativas que propone la lírica de estos temas.

Se puede decir que el conjunto asiático está muy bien ubicado dentro del power metal, el fantasy y hasta un poco de metal sinfónico, por lo que se ve a lo largo del álbum, donde los arreglos que dan detalles de distintos tipos de sonidos no faltaron en ningún momento.

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Cuando uno piensa en power metal se imagina la típica pelea entre guitarra y teclado, una batería compulsiva y agitada y unos tonos agudísimos en la voz, no vamos a decir que uno no disfruta de esto siempre y cuando este bien hecha la mezcla de los sonidos, pero Barque of Dante se ha encargado de hacerlo diferente, usando recursos que involucran no solo los típicos tonos adorables del power metal, sino también con arreglos que involucran desde lo étnico a lo culturalmente geográfico, buscando ambientarnos dentro de la historia de cada una de las canciones, esto último se aplica un poco más a la canción “A Divine Decision” . Columbus inicia con la canción cuyo nombre hace honor a su álbum, energía pura, coros armoniosos, velocidad y destreza en el desempeño de cada instrumento. Siempre se agradece y aprecia la claridad de Castiglioni en la fonética.

Tras unos adelantos previos, los barceloneses A Dark Reborn vuelven con su nuevo disco Last Echo, para demostrar porque son una de las bandas nacionales más importantes de la actualidad y como poco tienen que envidiar a compañeros del viejo continente.

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El disco cuenta con 11 nuevos cortes, algunos ya conocidos como la inicial “The Flight”, corte  incluido en el EP homónimo que lanzó la banda el año pasado y donde ya pudimos hacernos una idea de que estos chicos tienen una calidad tremenda, con esa mezcla de metal moderno, toques de metalcore y algún guiño a bandas como Infected Rain o Fallcie.

Lur tiene una voz preciosa pero cuando hay que dar caña, te deja sin respiro tal y como sucede con compañeras como Clau Violette (Astray Valley) o Hynphernia (Death & Legacy), en sus respectivos estilos.

“Illusions”, es otro de los cortes de aquel primer EP, y si no lo conoces ya estás tardando en escucharlo, con una mezcla infernal de sonidos, a ratos cañero, a ratos melódico pero siempre con convicción y ese gancho necesario para llegar al gran público, ese que consume bandas como Spiritbox o Jinjer.

El corte que da título al disco “Last Echo”, es de las canciones más destacadas del álbum, al menos desde mi perspectiva, con un comienzo susurrante y misterioso, riffs pesados y una Lur que arranca de manera lenta pero con intensidad y poco a poco va subiendo los tonos, con unos guturales arrebatadores que acabarán por conquistarte en cuanto le des dos o tres escuchas al tema.

Llama la atención “Ritual”, donde la banda ha contado con la colaboración ni más ni menos que del señor Daniël de Jongh, ex miembro de Textures y que conforma un juego de voces impresionante junto a Lur, siendo esta uno de los 3 mejores temas del disco.

Escuchando temas como “Levitating the Void”, se entiende porque lo escogieron como uno de los singles de este disco y que es un potente corte, moderno, intenso y con una combinación de ritmos impresionante, característica que se mantiene a lo largo de todo el disco.

Cerrando este fantástico trabajo, A Dark Reborn, nos muestran su cara más melódica gracias a “Hopeless”, que me trae reminiscencias de bandas como Forever Still, pero simplemente como una mera referencia.

Creo que es justo el corte que oxigena al disco, entre tanto riff y voces cañeras y le da esa diversidad que hace que A Dark Reborn destaquen dentro de la escena under nacional.

Veremos a ver donde los lleva este disco, pero tras haberlo escuchado en repetidas ocasiones, creo que en 2024 A Dark Reborn, no tienen límites y el futuro se pinta brillante para ellos.

Desde Madrid nos llega el primer álbum de estudio de los chicos de Greengoat. Formados en 2021 y con cambios en su formación, ahora como un dúo nos traen A.I., el disco del cual ya nos fueron dando algunos adelantos pero que finalmente vio la luz para llevarnos por un viaje de atmósferas oscuras, psicodélicas y misteriosas sin dejar de lado los riffs y la distorsión. Integrados por Iván Flores en guitarra y voces y Ruth “Kalypso” moya en batería tenemos un sonido que va desde lo pesado y a veces disonante mezclado con armonía y ritmos fuertes además de melódicos.

La placa da introducción con Void la cual es un audio enumerando las 3 leyes de la robótica creadas por Isaac Asimov y la cual nos hace entrar en ambiente para que llegue The Seed, con un riff pesado y lento con mucho fuzz además de una batería densa que para cuando empieza nos da una letra junto con una rítmica limpia sin dejar de lado un estribillo potente siendo un muy buen comienzo. Luego pasamos a A.I canción que le da nombre a la placa, nos encontramos con una canción mucho más setentera con vibras stoner, no olvidándose de lo pesado y con un solo de guitarra bien psicodélico que acompaña muy bien a lo que se viene escuchando. 

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La cosa se vuelve un poco más pesada con Human donde arranca un riff pesado y nos encontramos un ritmo rockero que se mezcla con lo anterior dando un muy buen resultado. Durante toda la placa notamos cosas muy similares a otras bandas que seguro son influencia de los músicos, eso se nota un poco en Awake donde notamos una similitud a tool en algunos momentos quizás un poco más doom para una placa que no tiene momentos bajos ni densos que la hagan poco amigable al oído.

Pasando la mitad del disco llega Naraka I donde se vuelve a lo pesado y lento que hace mover la cabeza siendo el tema que más llega al doom en toda la placa, pero como se dijo anteriormente no llega al punto de resultar en algo difícil de escuchar. Es el turno de Naraka II donde vemos la parte opuesta de la propuesta, un sonido movido con efectos volviendo al stoner dejando un poquito de doom en el fondo para que no sea tan brusco el cambio preparando todo para el cierre. El final está a cargo de Burn the End donde una vez más encontramos una impronta de rock con elementos stoner que ayudan a que no se pierda ese hilo conductor que tiene la banda a lo largo del disco dando un cierre justo y preciso para un disco sólido y potente.

Así pasó A.I. el primer disco de Greengoat el cual no tuvo momento bajo y nos hizo viajar por estilos marcando sensaciones. Si bien esta es una banda joven está logrando mucho en este viaje iniciado promete mucho y nos deja con ganas de más. Solo queda esperar cosas nuevas de este grupo.

Luego de un demo a principio de año, que sólo sirvió para acrecentar la manija, los velocistas Malakía cierran el año con el lanzamiento de La Leyenda Roja, un Ep de apenas 17 minutos, dividido en 5 canciones aceleradas y fieles a la velocidad.

Ni bien se disipa el intro de «Raiden», un riff en clave Voivod da comienzo a la contienda, que de acá en mas, no dará respiro alguno. Sin demora ni sospecha llega «Escila Y Caribis», que con su noble estribillo se convierte en un hit instantáneo y ciertamente un favorito de quien escribe; mientras que «Un Demente Contra Otro» y «Venganza en el Páramo» continúan el derrotero de velocidad y ritmos frenéticos. Y ya para el final, «Hawaii ’86» le pone la frutilla al postre cerrando el Ep a puro rocanrol.

La Leyenda Roja es otro claro ejemplo de que los actos mas interesantes en materia de Heavy Metal siempre provendrán del subterráneo y habrá que ir a buscarlos a bares, reductos, antros que destilan alcohol y desbordan peligro. El Heavy Metal es violencia y Malakía tiene su afilada katana siempre dispuesta al combate.

Recién estamos en la primera semana de enero, y ya se huele que será un año magnífico para los lanzamientos del oscuro mundo de la música pesada… Digo esto, porque en cuanto me enteré que Vitriol iba a publicar un álbum pronto quise escuchar el adelanto, que me dejó perplejo. Por suerte, los amigos de Century Media Records nos enviaron esta maravillosa obra de arte para ser reseñada, y no dudé ni un minuto en ofrecerme a escribirla después de haberle dado una escuchada por encima al álbum completo.

“Suffer & Become”, el nuevo álbum de Vitriol, es una odisea musical que explora temas profundos y oscuros a través de cada una de sus canciones. En “Shame and its Afterbirth”, la banda reflexiona sobre la lucha entre la naturaleza instintiva y las barreras impuestas por la sociedad contemporánea, mientras que “The Flowers of Sadism” nos sumerge en una experiencia visceral marcada por la desilusión y el dolor, explorando la transformación a través del sufrimiento.

“Nursing from the Mother Wound” narra una experiencia de pérdida y carga emocional, destacando la lucha contra las limitaciones autoimpuestas para encontrar la verdadera esencia y conexión con el entorno. “The Isolating Lie of Learning Another” profundiza en la introspección y el autoengaño, explorando la verdadera naturaleza del yo a través de experiencias transformadoras. “Survivals Careening Inertia” ofrece una experiencia instrumental única, con guitarras que empiezan sin distorsión alguna, pero con la misma tecnicalidad propia del death metal técnico, que luego sorprenden desplegándose como un enjambre de insectos de aguijones prominentes.

En “Weaponized Loss”, la conexión entre soledad y autodestrucción se revela, destacando el desarrollo de nuevas facultades en el aislamiento. “Flood of Predation” aborda la desconfianza hacia la virtud no probada y la arrogancia que resuena desde fuera de los límites de la arena, revelando una experiencia de confrontación con la iluminación. “Locked in Thine Frothing Wisdom” explora la relación entre el dolor y la transformación, cuestionando si el amor sobrevive a la muerte iniciática.

“I am Every Enemy” presenta al narrador como un instrumento del despreciador más justo, desafiando normas y creencias establecidas, mientras que “He Will Fight Savagely” expresa una renuncia al amor gentil y la vanidad de la creación, buscando la devoción al salvaje atractivo. En resumen, “Suffer & Become” es una obra maestra que navega por las profundidades de la experiencia humana, ofreciendo una amalgama de emociones y reflexiones a través de su poderosa música y lírica impactante.

Estamos en los primeros días de Enero, y ya tenemos un favorito para el Top 10 de mejores álbumes del 2024. Esperemos que siga así.

Los alicantinos Mind Driller ya tienen listo su nuevo disco The Void, que saldrá en enero de 2024 y donde continúan la senda evolutiva de su disco anterior (Involution) y siguen demostrando por qué son una de las bandas destacadas de la escena alternativa nacional.

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El disco cuenta con 10 nuevas piezas, de las cuales ya conocemos los singles: “Game Over” y “The Fallout”, ambos muy contundentes, modernos y con una gran aceptación entre sus seguidores.

El resto del disco comienza con “Armour”, con un piano que enseguida deja paso a las guitarras de Javi y al tándem rítmico entre Reimon y Pharaoh, con una Estefanía comenzando de manera melódica y V haciendo su entrada en el estribillo de forma explosiva, siendo estos dos cantantes una de las duplas más potentes de la escena, por su parte Dani aporta el toque industrial al tema con su particular voz.

“A.I.”, es otra de las nuevas canciones del disco que no conocíamos y esta si tiene un hilo conductor con su anterior disco, de nuevo con Estefanía Aledo brillando entre las voces melódicas y algún tono más rasgado y sorprende el aporte de V con un tono muy trabajado a nivel melódico, siendo una grata sorpresa para el oyente desde el momento que pulsas play al disco.

“Happy Hunting”, puede ser uno de los cortes más destacados, siendo una montaña rusa sonora, con Dani aportando su toque industrial con esa potente voz y que hace un contraste muy interesante con la de V, que cada vez va tomando un tono más personal (sin dejar de lado claras referencias como Brandon Boyd, Mike Patton o Jonathan Davis), es un corte que atrapa pero que quizás te acabé de conquistar si le das un par de escuchas más, sobre todo si no conoces mucho a estos chicos.

“Insanity”, como su nombre indica es simplemente una apisonadora, con la bese electrónica muy al frente y una Estefa demostrando la versatilidad que tiene tanto en los tonos más cristalinos como en los más potentes, lo mismo que Dani quien te destroza los oídos con su potente voz haciendo un contraste muy interesante con su compañera.

Y es que creo que es hora, si no lo era ya con el disco anterior, de dejar de ver a Mind Driller como un grupo de “metal industrial” al uso, no señores, aquí hay muchos matices musicales a destacar y descubrir, si no les conoces, aparte del industrial, que por supuesto está muy presente pero MD son mucho más que eso.

“Bangladesh”, si que podría ser un corte que hará las delicias del sector más “old school” de los seguidores de la banda ya que podría haber encajado en un disco como Zirkus, sin duda alguna.

Los arreglos son muy acertados y es imponente como termina la canción Estefa con unos versos “gritados” que ponen los pelos de punta a más de uno para luego brillar de forma melódica en el estribillo.

Más moderno es “Believers”, combinando las voces de manera espectacular y dejando un aroma a lo Static-X por el camino bastante interesante, siendo Estefa quien lleva el peso principal de las voces en esta pieza, que creo que será de las que más puntos puedan ganar en directo.

La joya de la corona dentro del disco y seguramente en la carrera de la banda llega de la mano de “Tic-Tac”, un absoluto bombazo donde combinan lo mejor de su ADN como banda, con un estribillo escrito en oro, una base rítmica apabullante y un triple juego de voces absolutamente brutal, adornado con un “break” que hará las delicias de los que se encuentren el mosh de un concierto de Mind Driller el próximo año.

El disco se cierra con la ya mencionada “Game Over”, pero no sin antes darnos un último zarpazo y ese no es otro que “End of the World”, un explosivo corte donde Estefanía vuelve a brillar desde su susurrante “Burn Baby Burn” hasta su puente melódico y una vez más demostrando la gran conexión vocal que tiene con V, dando como resultado quizás el corte que más vaya a sorprender al oyente sobre todo en el aspecto vocal, en lo musical es un corte muy potente pero con el espacio necesario para la electrónica que le da un sabor diferente a otras canciones del álbum.

Pues quizás es pronto para afirmarlo de forma rotunda, pero estamos no solo ante un regreso explosivo y más que notable de la banda alicantina, sino que puede ser uno de los dos mejores discos de su carrera hasta la fecha, creo que cuando los oyentes se enfrenten a este disco, por primera vez, no van a saber exactamente a lo que se enfrentan, Mind Driller han apostado a lo grande y han salido vencedores con uno de los discos más destacados del próximo año, si no me creen, escucharlo y nos vemos en 12 meses, pero aquí hay victoria asegurada.