Desde Getafe, Mvrmvr emerge como una de las propuestas más inquietantes y profundas del metal atmosférico español. Su nuevo trabajo, Red Hill, es un álbum conceptual que entrelaza historia, simbología, crítica y emoción, tomando como eje el Cerro de los Ángeles y su carga espiritual, política y social. En esta entrevista, la banda nos habla sobre la gestación del disco, sus influencias, su relación con la ciudad y la manera en que transforman el dolor histórico en arte sonoro.

• Red Hill es un álbum conceptual muy ambicioso. ¿Cómo definirían la historia que quieren contar y cómo conecta con su ciudad y su historia?

Red Hill es un álbum muy conectado con nuestra ciudad y nuestras vivencias. De ahí toma el nombre, Cerro Rojo, pero en inglés obviamente, en referencia al nombre que se le dio al Cerro de los Ángeles en un corto periodo de tiempo en 1937. El Cerro de los Ángeles, que hay quien lo considera centro geográfico de la Península, es un lugar cargado de simbolismo e historia, pero para nosotros representa un catalizador de dolor y represión que se alza en forma de monumento religioso.

Tal vez mucha gente de Getafe, o de cualquier parte de España, no conoce o no ha hecho por conocer todo lo que representa este lugar. Es cierto que el disco no se centra únicamente en un episodio durante la Guerra Civil, sino que abarca mucho más, desde épocas pasadas hasta lo que supone este monumento para nosotros en la actualidad.

• Han trabajado con Víctor Saiz en California Studios para grabar, mezclar y masterizar el disco. ¿Cómo influyó su trabajo en la atmósfera final del álbum?

Víctor es un gran profesional y California Studios es un lugar inmejorable para grabar hoy en día en Madrid. Ya teníamos la experiencia previa de trabajar juntos con Pvtrefactio y el resultado fue muy positivo. En esta ocasión las dos partes nos conocíamos mejor y todo ha fluido con mucha naturalidad y entendimiento.

A la hora de tomar decisiones existe cierto diálogo, siempre escuchamos y respetamos las sugerencias de Víctor y algunas de las decisiones recaen sobre él. En todo momento buscamos un sonido orgánico, que todo suene bien pulido pero real. Además, a la hora de grabar el ambiente siempre es muy distendido, sin nada de presión, y así las cosas salen mejor.

El resultado final, mezcla y masterización, nos parece que tiene ese sello de identidad de California. Es una gozada escuchar un metal tan oscuro, con tantos matices y elementos, y sentir que todo está en su sitio, que todo tiene protagonismo.

• La portada de Azahara G. Martínez refleja un ambiente muy oscuro y simbólico. ¿Qué importancia tiene el arte visual para la narrativa de Red Hill?

Creemos que lo habéis definido muy bien, el Cerro de los Ángeles es un lugar lúgubre y oscuro. A priori puede parecer un lugar de paz y reconciliación. De hecho, creemos que la Iglesia así lo pretende. Pero a nada que tengas una mirada crítica, te das cuenta de que es una colina cargada de muerte y de odio.

Todo esto se trata de transmitir desde esa portada sobria, que de alguna manera supone una mirada invertida a la historia, a lo que la mayoría dormida puede creer hoy en día. Si subes hasta la cima y entras en el templo, es un lugar que realmente da miedo.

Luego tenemos ese sentido reforzado de que la portada del disco es realmente lo que es: ahí tienes el Cerro Rojo, renovado tras su destrucción. Lo que una vez fue destruido, a día de hoy se eleva aún más alto (666 metros para ser exactos), alzado por la dictadura franquista como un elemento de control que te vigila desde cualquier parte allí arriba. De alguna manera, nosotros queremos bajarlo de ahí.

• El disco aborda la relación entre la Iglesia y la dictadura franquista en el Cerro de los Ángeles. ¿Qué los motivó a explorar ese episodio histórico desde una perspectiva musical?

Al final es una herida abierta, y cada ciudad, cada pueblo de España tendrá su propio Cerro de los Ángeles. No diremos que este punto negro en la historia de España —que hemos tenido muchos, pero quizá este sea el más grande de todos— no haya sido tratado antes por otros artistas. Sin embargo, creemos haber hecho un acercamiento diferente, tal vez más profundo, más cercano y, desde luego, mucho más incómodo.

Parece un cliché que una banda de metal europea ataque a la Iglesia, y en parte es cierto, porque muchos lo hacen vagamente desde la fe o desde la ficción. Nosotros no hablamos de demonios, ni rituales, ni invocaciones, tampoco tratamos de ser despectivos con una fe milenaria. Creemos que vamos a un problema mucho más tangible, que señala a una entidad y una cúpula a los que la religión les importa bien poco. En la Iglesia como institución en España anidó el mal por mucho tiempo y fue el azote para muchos españoles tan humildes como inocentes.

• Su sonido mezcla post black, blackgaze, atmospheric black, doom y toques progresivos. ¿Cómo trabajan para mantener coherencia entre tanta diversidad sonora?

Mantener la coherencia es tan importante como complejo. Hemos tenido grandes disputas para poder hacer sonar todo lo más aunado y coherente posible. Al final somos una banda que tratamos de pulir mucho todos los aspectos, quizá más de lo que deberíamos, aunque luego da sus frutos.

A todos nos gustan diferentes estilos, incluso géneros más allá del metal, y la música hay que disfrutarla. Por esta mezcla, Red Hill es un disco muy ameno, que invita a ser reescuchado y no se hace pesado. El post metal, donde intentamos mantenernos, ofrece mucha libertad y muchas posibilidades. Las canciones tan largas, con estructuras tan variables, suponen un reto como músicos, pero también un universo infinito en el que probar y jugar.

• Las letras de Red Hill contienen metáforas ocultistas y ritualísticas. ¿Qué papel juega lo simbólico y místico a la hora de componer música tan intensa y envolvente?

Para nosotros es crucial, ya que nos da la libertad de poder decir lo que queremos de una forma más velada, que invita al oyente a leerse las letras, analizarlas y reflexionar sobre ellas. Nos gusta que las personas que nos escuchan saquen sus propias conclusiones acerca de lo que se habla en la canción, así como utilizar estos recursos más “místicos” para poder reivindicar temas sociales y mundanos, jugando con esa antítesis.

Además, a nivel personal, encontramos mucha inspiración en la simbología alquímica, el ocultismo y las tradiciones.

• Algunos comparan su estilo con Amenra, Deafheaven o Mgła. ¿Cuáles son sus principales influencias y cómo las adaptan a su propio universo sonoro?

Para nosotros es todo un honor, ya que son tres bandas que nos han influenciado mucho a lo largo de estos años en Murmur.

También tenemos influencias muy variadas y dispares entre nosotros, y creemos que eso se transmite en nuestra música. Vemos esto como algo muy positivo, ya que nos ayuda a no sonar repetitivos o “parecidos a”, intentando siempre crear algo original.

Para este álbum yo citaría a una banda pilar en nuestras influencias: los irlandeses Altar of Plagues, sobre todo en Red Hill 2, así como ya en algunos temas de Pvtrefactio.

Las partes más pesadas y atmosféricas tal vez nos acerquen a proyectos como Amenra, mientras que las secciones más melódicas y de blackgaze evocan a Deafheaven o Heretoir. Por último, con Red Hill siempre citamos ese intento de dotar al disco de un lado ‘folk’, ya que hablamos sobre lugares de nuestra ciudad natal, con influencias de Agalloch, Wolves in the Throne Room o Falls of Rauros.

• Red Hill parece buscar una experiencia sensorial completa para el oyente. ¿Cómo trasladan esa intensidad y atmósfera a sus conciertos?

Tiene cierta complejidad, especialmente después de los dos videoclips tan ambiciosos que hemos podido realizar, llevar un directo que no quede carente en comparación.

Nosotros vemos nuestro directo como un añadido a esa experiencia. Siempre intentamos cuidar la escenografía y el vestuario para generar un ambiente propicio. Como nuestras letras, nuestros conciertos tienen ese tono ritualístico llevado a cabo por Beatriz (la vocalista). Para este álbum, hemos cambiado la propuesta a una mucho más sobria, que evoque a la nostalgia y al dolor. Ahora más que un ritual, llevamos a cabo un rito de sepultura, una despedida.

A nuestro vestuario también le hemos dado un toque más bélico, desgastado, mientras que Beatriz luce como una plañidera que transmite esa frialdad y ese lamento mientras guía el rito en sí mismo.

• Tras Red Hill, ¿qué dirección imaginan para Murmur? ¿Más exploración conceptual, nuevos elementos musicales o mantener la misma senda atmosférica y oscura?

Ahora mismo, y aun estando tan centrados en la salida del álbum, tenemos ideas puestas sobre la mesa. Lo conceptual, así como ese tono oscuro y reflexivo, es algo que caracteriza la esencia de la banda, por lo que seguirá apareciendo en nuestros nuevos trabajos.

A nivel musical, intentamos ir evolucionando, aprendiendo y llevando la madurez que da la experiencia a nuestros temas. Tampoco somos una banda que se cierre a las pretensiones ligadas a un género determinado, por lo que creemos que lo que venga en el futuro mantendrá nuestra esencia, pero seguirá siendo una nueva cara a descubrir de Murmur.

Tras varios años de separación y proyectos aparte, los abanderados del hardcore argentino Nueva Etica estuvieron de regreso para reunirse con sus fans el domingo 9 de noviembre en el Teatro Flores, en una fecha tan violenta y catártica como emotiva. Para esta ocasión hablamos con el guitarrista Lisandro Guerra sobre tan esperada fecha.

—Muchas gracias a todos en Nueva Ética por darnos tiempo para esta entrevista. ¿Cómo vienen las cosas ahora con la banda? ¿Cómo se están dando los preparativos para la fecha de regreso?

Hola a todos, muchas gracias por brindarnos este espacio y por tomarse el tiempo en realizarnos esta entrevista. Estamos laburando a full para que la noche el 9 de noviembre en el Teatro Flores sea una velada única e inolvidable, un reencuentro de lujo con tantos amigos de la banda que no vemos hace mucho.

—¿Cómo se sintió reunir a Nueva Ética después de casi una década y media?

Una felicidad enorme poder volver a preparar a la máquina para estar en un escenario, en nuestro hogar, ya que la ultima vez que pudimos juntarnos fue en un gira por EE.UU. así que no podemos más de las ganas.

—¿Creen que la escena hardcore haya cambiado en estos años que Nueva Ética estuvo alejado de los escenarios?

Por supuesto que si. Es algo natural, la escena hardcore siempre va cambiando con las décadas, ingresa nueva gente, nuevas bandas, pero a pesar de eso la esencia siempre es la misma.

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—He visto gente joven, que lo más seguro no haya podido verlos durante esa primera etapa, descubriendo a Nueva Ética en estos años. ¿Creen que mantener joven a la escena es algo importante?

La escena es un lugar de encuentro de jóvenes y no tan jóvenes con las ganas de unos y la experiencia de los otros, es lo que a la larga genera los mejores momentos y esta claro que sin los jóvenes se marchitaría irremediablemente.

—Hablando acerca de la fecha en el Teatro Flores, ¿cómo armaron la lista de canciones? ¿Cuáles creen que tienen sí o sí que estar presentes en un concierto de Nueva Ética?

Con la lista buscamos un equilibrio entre los temas de todos las épocas para que gente que no vio nunca a Nueva pueda saber de qué se trataba y los más conocedores se sientan satisfechos de que escucharon los temas que querían escuchar. Son varios que no pueden faltar.

—Creo que la pregunta obvia es acerca del futuro. ¿Qué viene después de esta fecha para el futuro de Nueva Ética? ¿Cuáles son los planes?

La verdad es que ni nosotros mismos sabemos a dónde nos llevará la vida, ahora estamos enfocados en esta fecha para dar lo mejor, después mientras estemos juntos quien sabe…

1914 es una banda que puede decir que ha experimentado, de una forma u otra, las cosas de las que hablan en sus canciones. Rhapsody of Fire nunca pelearon con dragones, Running Wild nunca saquearon navíos en sus aventuras como piratas, Mastodon nunca se enfrentaron a una enorme ballena blanca, y ninguna banda de black metal se habrá encontrado con Satanás, pero estos ucranianos dedicados de lleno a la temática de la Primera Guerra Mundial pueden decir que han experimentado la guerra en primera persona. Formados en 2014 justo a tiempo tanto para el centenario de la Gran Guerra como para el comienzo de la invasión rusa a su país natal, el cuarteto de la ciudad de Lviv trata de representar el conflicto bélico con la mayor precisión posible, no sólo por su respeto a los hechos históricos sino también por vivir en una zona de guerra, y a pesar de tener ahora a uno de sus integrantes peleando en las fuerzas ucranianas la máquina de 1914 no para. 

Es así que a poco de que salga su nuevo álbum Viribus Unitis el 14 de noviembre, pudimos hablar largo rato con el cantante Dmytro Kumar, o “2.Division, Infanterie-Regiment Nr.147, Oberleutnant – Ditmar Kumarberg” como se presenta en los últimos álbumes, tanto sobre este nuevo trabajo como de la manera en la que se habla sobre la Primera Guerra Mundial en los medios y entre otras bandas de metal, la actualidad en Ucrania, la importancia de la representación certera de los hechos históricos y un sinfín más de temas.

Track To Hell: Le hice una entrevista a la banda hace como cuatro o cinco años, ¿sabés? Estábamos con Vitaliy, creo.

Dmytro: ¡Sí! Con un tipo grandote, ¿no?

Track To Hell: Así es, en noviembre de 2021, cuando lanzaron Where Fear and Weapons Meet. Y obviamente estábamos en la pandemia, así que las cosas deben haber cambiado mucho en 1914. ¿Cómo está todo?

Dmytro: Vitaliy ahora está en el ejército, así que le puedes mandar un saludo.

Track To Hell: Ah, mierda.

Dmytro: ¡Así es la vida! ¿Cómo han cambiado las cosas? Bueno, pasamos lentamente de la pandemia a la guerra, a la Gran Guerra. Nosotros la llamamos la Gran Guerra porque para nosotros los ucranianos la guerra comenzó hace más de 11 años, por Crimea, por la región de Donetsk y todo eso. Pero hace más de tres años empezó realmente la invasión a gran escala, y la llamamos la Gran Guerra.

TTH: La banda comenzó con la guerra, básicamente.

Dmytro: Sí, la banda comenzó en el centenario de la Gran Guerra y también cuando comenzó la guerra entre Rusia y Ucrania.

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TTH: Me da un poco de vergüenza admitir que tardé un tiempo largo en darme cuenta de que 1914 se había formado justo cuando se cumplían 100 años de la Primera Guerra Mundial. Así que… hablemos un poco acerca del gran tema que tenemos hoy. [Risas] Así que tienen un nuevo álbum, que estará saliendo en un par de días, y se llama Viribus Unitis. Contamos un poco acerca de la estructura de este álbum, porque obviamente es acerca de la Primera Guerra Mundial porque ese es el concepto alrededor del cual gira la banda, pero cada disco parece que trata acerca de la guerra desde diferentes ángulos, diferentes frentes. Y por lo que vi de este Viribus Unitis, los títulos de las canciones van en orden cronológico y además es acerca de un solo soldado. Contanos acerca de eso.

Dmytro: Todo el álbum está basado en el la historia de guerra de un soldado de nuestra ciudad natal Lviv, o Lemberg, de la región de Galitzia, donde nació la banda. Todo lo relacionado con este álbum se basa en sus memorias de guerra, cartas desde la cautividad y hechos históricos reales. He combinado todo esto en un álbum para reconstruir, año tras año, paso a paso, su camino de guerra, su destino y cómo reaccionó, cómo comenzó esta guerra.

Se trasladó desde Lemberg, porque los rusos invadieron y capturaron mi ciudad natal. Este soldado, nuestro protagonista, se mudó a Przemyśl, y luego de Przemyśl a los Montes Cárpatos. Desde los Cárpatos, después de una de las batallas más grandes de la Primera Guerra Mundial, la Operación Invierno de los Cárpatos, él y su regimiento se trasladaron al frente italiano, donde pasó más de dos años.

Fue capturado, y la historia relata cómo escapó y regresó de la cautividad. Desde Viena volvió a Lviv, nuestra ciudad natal, para luchar contra las tropas polacas que invadieron después de la Primera Guerra Mundial en lo que se llama la Guerra Polaco-Ucraniana.

Nuestros vecinos de Polonia invadieron nuestra ciudad natal y Galitzia. Él regresó desde Austria a Lemberg para luchar contra los polacos y murió el último día de la ofensiva. Es una historia sin un final feliz, y fue enterrado en una tumba desconocida, como muchos otros soldados desconocidos, como el soldado desconocido del ejército ucraniano, y es ahí donde termina todo. Es una historia que provoca horror que no es sólo acerca de un soldado, sino que muestra toda la historia ucraniana.

Sabes, cada vez que luchamos, siempre estamos esforzándonos por nuestra independencia, y tenemos muchos enemigos. Los rusos nos invadieron durante la Primera Guerra Mundial. Los rusos nos invadieron durante la Segunda Guerra Mundial. Los invasores rusos volvieron de nuevo, y cada vez nos enfrentamos al mismo enemigo y repetimos las mismas historias. Mucha gente nuestra ha muerto porque queremos ser un país normal, con nuestra independencia, nuestro idioma, historia y cultura. Queremos ser un país democrático normal en el corazón de Europa.

Pero cada vez nos enfrentamos a invasores, a vecinos que intentan robar una parte de nuestra tierra, de nuestra historia. Este álbum, en realidad, no trata solo sobre un soldado ucraniano, sino sobre todos los soldados ucranianos que han luchado y muerto por nuestra independencia.

TTH: Recuerdo haber leído una entrevista donde no sé si eras tú o alguien más, creo que eras tú, diciendo que no muchas personas hablan sobre los combates luchados en el frente oriental.

Dmytro: ¡Sí!

TTH: Que el frente occidental recibe mucha más atención porque están involucrados, ya sabes, los ingleses y los franceses… 

Dmytro: Vamos a llamarlos, digamos, [hace comillas con los dedos] “los europeos”. Porque para la mayoría de los europeos, en realidad, los pueblos eslavos, de Polonia, de Ucrania, de Eslovaquia, no son realmente considerados “europeos”.

TTH: Son algo diferente.

Dmytro: Sí, algunos eslavos de mierda de los que nos podría importar una mierda su existencia. Y reaccionaron de esa manera.

TTH: Lo del frente oriental y el frente occidental me recuerda a lo que pasa también con la Segunda Guerra Mundial. Obviamente muchos hablan acerca de los alemanes y los rusos y Stalingrado y demás, pero aparte de eso no se habla mucho. Y eso es algo que aprecio acerca de la banda, que no estén hablando sólo sobre las guerras y las batallas más famosas.

Dmytro: Por ejemplo, si hablamos acerca de los horrores del frente oriental… ¿De dónde eres?

TTH: Argentina.

Dmytro: (Se queda pensando porque claramente no se lo esperaba) ¡Ah!

TTH: Lo sé, lo sé.

Dmytro: OK, OK. (Se ríe)

TTH: Muchos creen que soy de España porque la página es de España, pero…

Dmytro: Bastante alejado de aquí.

TTH: Bueno, España tiene una Galicia, así que…

Dmytro: Lo sé, lo sé. Tenemos las mismas regiones que los celtas gallegos en España y la Galitzia de Ucrania, y probablemente la misma historia de las tribus celtas. Si hablamos del frente oriental, una de las batallas más horribles y sangrientas de la Primera Guerra Mundial ocurrió aquí, en Ucrania. Por ejemplo, la operación invernal de los Cárpatos, con alrededor de dos millones de bajas. ¿Te lo puedes imaginar? Dos millones de muertos, de gente en las montañas. Es una locura. 

Verdún tuvo alrededor de un millón de muertos, de ambos lados, pero Verdún es una marca muy conocida.

Sí, sí. Todo el mundo conoce Passchendaele, todo el mundo conoce Verdún, todos conocen Ypres o Somme.

TTH: Esas tienen una canción de Iron Maiden sobre ellas.

Dmytro: Exacto, pero nadie conoce el Frente Oriental y, en realidad, a la gente no le importa en absoluto un carajo. Por ejemplo, la segunda batalla más grande del frente oriental ocurrió aquí, en Ucrania, y se llama la Ofensiva Brusilov. Puedes buscarlo en Google y te vas a impresionar: más de dos millones y medio de bajas. Dos millones y medio. Es una cantidad enorme de heridos y muertos, y enormes pérdidas para el Imperio Húngaro. Después de la Ofensiva Brusilov, nunca se recuperaron realmente. Ellos simplemente lo perdieron todo, por eso colapsaron. Y nadie conoce esta parte de la historia, por eso intento difundir las historias y los mensajes. Cantamos muchas canciones sobre el frente occidental; tenemos una canción sobre Verdún, otra sobre Passchendaele, pero siempre intentamos combinarlo, por ejemplo, con el Imperio Otomano, o con la batalla de los soldados ucranianos como Philip Konowal, o con los Arditi, los soldados italianos. Siempre intentamos mostrar que la Primera Guerra Mundial no fue solo sobre alemanes, británicos y franceses. Muchas naciones estuvieron involucradas. Tengo en mente muchas historias que contar, y para los nuevos álbumes también. Por eso este disco está basado en el destino de un soldado ucraniano, para mostrar su historia, la historia de Ucrania y todos estos eventos históricos al mundo. Por ejemplo, en Europa ni siquiera saben mucho sobre el frente italiano.

TTH: Exacto.

Dmytro: Saben sobre el frente occidental, pero el frente italiano no estaba en occidente, ¿viste? Es como un poco al sur, así que no saben nada al respecto. Cuando intentas hablar con alemanes, franceses, belgas o con gente de los Países Bajos sobre el frente italiano… No, no saben nada, ni siquiera sobre Italia. Para ellos, Ucrania es otro planeta, ¿entiendes? Muchos ucranianos sirvieron en el frente italiano, por eso es que incluí esta gran historia sobre los acontecimientos ucranianos, luego el frente italiano, la captura y la fuga a través de Austria, y después regresar nuevamente a Ucrania, donde finalmente falleció.

TTH: Reuniendo todas las diferentes partes de la guerra en una sola historia.

Dmytro: Ajá.

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TTH: Entonces, quiero… Si no me equivoco, la canción “1919 (The Home Where I Died)” nos lleva a la época posterior a la guerra.

Dmytro: Sí. “1919” trata en realidad sobre la guerra ruso-ucraniana o ruso-polaco-ucraniana. E incluso uso la expresión “la guerra que nunca termina”, porque, como sabes, cada vez que nosotros, los ucranianos, nos enfrentamos a guerras de mierda, como las guerras polaco-ucranianas, luego los bolcheviques intentaron conquistar Ucrania, y después de ellos los rojos, como la Unión Soviética, vinieron aquí, y luego los alemanes vinieron y trataron de conquistarnos, y de nuevo los comunistas… es una locura. Cada vez que intentamos construir nuestra independencia, siempre nos enfrentamos a toda esta mierda.

TTH: Sí, porque si escuchas a mucha, mucha gente hablando de esa época, de esa era en Europa, podrías pensar que, cuando terminó la Primera Guerra Mundial…

Dmytro: ¡Que todo estaba bien!

TTH: Que todo fue paz hasta la Segunda Guerra Mundial, digamos. 21 años de paz, y no es así.

Dmytro: Y nosotros nos olvidamos completamente del fascismo en Italia, de cómo empezó. Después de la Primera Guerra Mundial, directamente nos olvidamos de las guerras balcánicas, de cómo Serbia invadió todo. Nos olvidamos por completo de las revoluciones en Alemania y de cómo continuó la República de Weimar. Y nos olvidamos de la guerra polaco-ucraniana y de la guerra polaco-rumana, y luego Rumania también invadió Ucrania, una enorme cantidad de guerras.

TTH: Eran cuatro años de guerra y luego nada más, hasta que Hitler invadió Polonia. 

Así que hay un detalle sobre la banda que quería preguntarte y es sobre los pseudónimos, los nombres que usan. Todos en la banda usan un pseudónimo con un rango muy largo y un nombre, y, si no me equivoco, los cambian con cada álbum para ajustarse al concepto. Quería preguntarte, ¿cómo los eligen? Porque suenan como nombres reales, pero muchas veces también suenan muy cercanos a sus nombres reales. Es algo en lo que he estado pensando desde la primera entrevista.

Dmytro: Un segundo, voy a agarrar el vinilo y lo leeré directamente de donde lo tenemos. (Se va a buscar el vinilo y vuelve unos segundos después). Así que, por ejemplo, en la vida real nuestro baterista se llama Rostyslav Potoplyak. Si chequeas el nombre, verás que aquí se llama Rostislaw Potoplacht, como una versión alemana de los apellidos ucranianos. Lo mismo para mí: aquí soy Ditmar Kumarberg y en la vida real soy Dimitri o Dmytro, así que es la versión germánica de mi nombre. Entonces reaccionamos de esta manera, usando los típicos nombres ucranianos y eslavos, con algo de pronunciación germánica debido al Imperio Austrohúngaro y porque ellos intentaban germanizar todo.

TTH: Diferentes versiones.

Dmytro: Exacto, diferentes versiones de los nombres reales. Otro ejemplo es el de nuestro bajista Armen Ohanesian, que en la transcripción germana es algo como Armen Howhannisjan.

TTH: No lo había notado, te agradezco mucho. Entonces algo que realmente aprecio de 1914 es que se adentran profundamente en, digamos, los aspectos menos gloriosos de la guerra. Obviamente, hay muchas bandas que hablan sobre la guerra; por ejemplo, hace un par de semanas estaba escuchando el nuevo disco de Sabaton y pensaba en eso. (Dmytro mira con la mirada más desaprobatoria que haya visto en mi vida).Sí, lo sé. Pero ustedes toman otra ruta: muchas bandas hablan de eventos históricos, pero suenan como la versión musical de la versión de Hollywood de esos hechos históricos. Ustedes, en cambio, hablan de cosas como soldados ejecutados por deserción, como en la canción “Coward”, de Where Fear and Weapons Meet. Ahora, ¿tienen algún comentario sobre cómo tratan estos eventos históricos en sus canciones?

Dmytro: Primero que nada, el principal problema de este tipo de bandas, como Sabaton y muchas otras que cantan sobre la guerra, es que quieren ser estrellas del rock y actúan como un típico rockstar o un típico fanático del metal.

TTH: Tienen que comprimir todo este evento histórico en una canción de tres minutos y medio.

Dmytro: Ellos quieren ser estrellas de rock, y yo no quiero serlo. (Risas). Entonces, esta es la razón principal. Yo me meto a fondo: hago una enorme investigación histórica. Para este álbum, pasé alrededor de seis meses en archivos, leyendo muchas cartas de soldados desde la cautividad, muchas memorias de guerra. ¿Quién quiere hacer esto? ¿Sabaton? No, ellos no quieren leer sobre eso; solo abren Wikipedia, leen sobre algún evento y luego piden a Chat GPT que les proporcione letras genéricas, combinan su música genérica con esas letras genéricas y obtienen lo mismo de álbum en álbum. Pero la gente sigue consumiendo esa porquería, se trata sobre el coeficiente intelectual en el mundo y no sobre la música.

TTH: Y hay gente que dice que se interesó en la historia gracias a Sabaton. Pero no los tomarías como una fuente confiable.

Dmytro: Oh sí, ellos leyeron Wikipedia. Tantas cosas geniales. (Risas). ¡A la mierda con esto! No puedo parar de reírme si seguimos hablando sobre este “metal Disney”. Mi misión principal es difundir mensajes y contar historias. No soy un fanático del metal, no soy músico, no soy cantante. Soy un nerd de la historia, y no quiero ser una estrella de rock. Por eso reacciono de manera completamente diferente. Para mí es más importante tener una historia con precisión histórica completa que los riffs poderosos o grandes letras con estribillos y versos que la gente recuerde y cante, a la mierda con eso. No, yo tengo letras 100 % históricamente precisas y un trasfondo y narrativa históricamente exactos. Y para mí esto es más importante que cualquier festival enorme o cosas por el estilo. Esa es una manera completamente diferente de pensarlo.

TTH: Es como si estuvieran cantando sobre estos eventos históricos reales como si estuvieran hablando de El Señor de los Anillos, ¿sabes? Si hablas de ficción, hazlo como quieras. Pero estos son eventos históricos reales con personas reales involucradas.

Dmytro: Desde hace unos 20 años estoy excavando a los soldados muertos de la Primera Guerra Mundial. Empecé en las montañas Cárpatos, en el bosque de Volinia, y los enterramos. Vi muchos restos humanos, muchos esqueletos con cartas, por ejemplo, dirigidas a sus madres, y nos sentábamos a leerlas. Y es como… mierda. No sólo te da inspiración, sino que te cambia mucho la manera de pensar, ¿sabes?

TTH: Esta es gente de verdad. 

Dmytro: Sí, es real. Aquí desentierras a un soldado muerto de verdad, con su maldito rifle, con sus malditos restos, con su maldita mochila con pan dentro. Y nosotros, como ucranianos, hemos enfrentado la guerra durante más de 11 años. Todo esto te da un punto de vista completamente diferente. Te cambia la mente, la forma de pensar y cómo reaccionas ante muchas, muchas cosas en la vida. Realmente creo que todos los ucranianos que se quedaron en Ucrania ahora mismo tienen alguna forma de estrés postraumático, porque cada vez te enfrentas a drones, ataques con misiles de crucero y esas noticias horribles. Así que sí, como nación tenemos un gran estrés postraumático. Si comparas esta experiencia con la “mierda” de experiencia de Sabaton, ellos solo están tomando cerveza y divirtiéndose, haciendo música para fiestas o eventos, y vienen a nuestro show a tomar cerveza y pasarla bien. La guerra no es eso. La guerra no es diversión, y no, no me impresiona toda esa mierda genérica.

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TTH: Así que, cuando hablas de la muerte como algo que no se puede separar de la guerra, estaba pensando en la portada del álbum con la enorme Parca en la parte trasera, y la Parca está obviamente en todas las portadas de los discos. Eso es algo que realmente aprecio de la banda, porque nos recuerda que la muerte siempre está presente cuando hablamos de guerra. Cuéntanos un poco sobre la portada del álbum.

Dmytro: Como mencionaste, sí, se trata de eso. Sabes, por un lado tenemos al arcángel, y uno podría pensar “oh, es nuestro arcángel, probablemente se trata de algo divino, de la salvación, del salvador”. Pero no, nada de eso. El arcángel está ahí como un cómplice de la Parca, y juntos hacen un enorme baño de sangre, como si estuvieran cortando vidas, una tras otra. Se trata de una cantidad enorme de gente muerta, y no tiene nada que ver con la protección, ni con la fe, ni con Dios, ni con nada de eso. La guerra solo tiene que ver con esa maldita Parca, y aunque intentes confiar en el lado divino, no: están juntos en el mismo crimen.

TTH: Recuerdo que alguien decía que 1914 nunca falla con las portadas de sus álbumes, que siempre son geniales. Pero al ver esta portada en particular, me hace… sabes, me hace pensar.

Dmytro: Incluso en el caso de la portada, porque Viribus Unitis tiene un significado un poco distinto si hablamos del disco en su conjunto. Pero si hablamos del arte del álbum: ese arcángel y la Parca juntos, con sus fuerzas unidas, te matan.

TTH: Porque cuando pensamos en el arcángel pensamos en el cielo, y con la Parca pensamos en el infierno. Pero están trabajando juntos.

Dmytro: El infierno está aquí.

TTH: Estamos en medio del cielo y el infierno.

Dmytro: En el medio del cielo y el infierno, tienes la guerra, tienes la trinchera.

TTH: Tengo un par de amigos que son realmente, realmente grandes fanáticos de los juegos de guerra, especialmente juegos de estrategia bélica. Especialmente World of Warships, pero también Isonzo, es como, ya sabes…

Dmytro: Conozco ese juego.

TTH: Sí, y ellos estaban realmente emocionados cuando les conté que iba a entrevistarte. Y conozco un par de personas que se interesaron mucho en la Primera Guerra Mundial gracias a ustedes, gracias a la banda. Principalmente porque la mayoría de las canciones de metal sobre guerras tratan sobre la Segunda Guerra Mundial, que recibe mucha más atención. ¿Recibes comentarios similares sobre personas que se interesan en la Primera Guerra Mundial gracias a 1914?

Dmytro: Por supuesto, por supuesto. Y no solo recibo comentarios, tengo muchísimas respuestas de belgas, franceses, alemanes… Y lo más importante es que no se trata solo de mensajes. Van a nuestros shows con toda la familia: el padre, la madre, el abuelo, y traen muchos recuerdos familiares. Me dicen: “Mira, aquí está la fotografía de mi abuelo. Él luchó aquí, murió aquí”. Y me traen balas, fragmentos, cruces de tumbas de guerra, monedas conmemorativas, libros… Cada vez que hacemos giras por Europa recibo una cantidad enorme de regalos de familias, porque esta parte de la historia es muy importante para ellos. Y no son metaleros, ¿sabes? Este verano, por ejemplo, tocamos en Bélgica, y había una abuela con su nieto que fue directamente a nuestro concierto porque cantábamos sobre un regimiento belga. Ella conocía la canción porque su abuelo había servido en ese regimiento, y para ella fue realmente importante ver a esos “tipos raros” de Ucrania que cantaban sobre su abuelo. Nadie en Bélgica lo hacía, pero sí unos chicos de Ucrania.

Ella me llevó una foto y una pequeña bala de un fusil belga como regalo. Para mí, eso significa muchísimo. Me da muchísima inspiración, me pone la piel de gallina. Tengo una gran colección de estos regalos, de todo eso.

Y, por supuesto, también recibimos muchos mensajes de gente que nos dice: “Nos inspiraron”, “Nos dieron una dirección correcta para nuestras investigaciones históricas”, y cosas así. Porque, sabes, yo no soy metalero, no soy músico. Solo soy un nerd de la historia. Mi misión es difundir el mensaje y contar las historias. Lo más importante para mí es contar las historias sobre la Gran Guerra. Esa es nuestra diferencia total con otras bandas de metal que cantan sobre la guerra: nosotros no lo hacemos para entretener, ni para divertirnos y beber cerveza. Esto es una parte real de nuestra vida, de nuestra experiencia, de nuestra existencia.

TTH: Es sobre la educación.

Dmytro: Y sí, es sobre la educación.

TTH: En febrero lanzaron una colaboración con Ship Her Son, llamándose la Barney Hines Band, en honor al soldado australiano de la Primera Guerra Mundial, Barney Hines.

Dmytro: Ah, lo conoces. Eso está bien.

TTH: Lo tuve que buscar, lo siento, pero fue un artículo muy interesante. Juntos hicieron un cover de The Prodigy, de “Invaders Must Die”. ¿Cómo se dio eso? Porque esas son tres cosas que no me imaginaría juntar: ustedes, una banda rara industrial y una canción de The Prodigy.

Dmytro: Sí, primero que todo, no soy un fan del metal. Soy un gran fan de la música industrial. Estoy completamente inmerso en música industrial, música marcial, dark folk y, por supuesto, punk rock. Para mí, colaborar con artistas industriales es natural.

Si revisas los álbumes anteriores de 1914, como Where Fear and Weapons Meet, en los LP adicionales tenemos versiones especiales llamadas “versiones Shell-Shocked”, que son canciones industriales enormes. También tenemos unos remixes electrónicos, por ejemplo en Blind Leading the Blind hay una versión de “…and a Cross Now Marks His Place”, y en nuestro primer álbum, donde incluimos dos remixes industriales/electrónicos como material adicional. Con cada álbum siempre he intentado incluir algo de material industrial o electrónico. Incluso en la edición de tres LP del nuevo álbum, hay una versión de “Die Karpathenschlacht” a cargo de Ship Her Son, y la siguiente canción es con Kadaitcha, uno de los proyectos de noise e industrial más famosos de Ucrania. 

Entonces, nuevamente, como bonus en vinilo tenemos un remix de Kadaitcha y adicionalmente dos canciones de 1914 junto con dos remixes industriales. Para mí, esto es una forma de pensar y de expresar la música. Por ejemplo, la canción “Invaders Must Die” en mi mente se habría lanzado originalmente como 1914, sin sellos ni contratos, pero estando bajo Napalm Records tenemos un contrato que nos impide lanzar canciones sin sello. Por eso creamos, en colaboración, la Barney Hines Band, para poder sacar material de manera libre fuera de las restricciones de 1914. Algo justo en el medio entre Ship Her Son y 1914.

TTH: Como si fuera otro proyecto.

Dmytro: Exacto, como un proyecto aparte. Así que grabamos “Invaders Must Die” y lo sacamos. Lo pensé como un regalo para los soldados ucranianos, para el regimiento de nuestro guitarrista, que lo pudieran lanzar a través de su canal de Youtube. Pero en el último minuto, Napalm Records me contactó con un mensaje diciendo que ellos lo lanzarían, que no lo publicara, pero que sería desde el canal de Napalm Records, no desde el nuestro.

Eso arruinó un poco mi plan original, pero esta canción era una colaboración pensada como un apoyo, un regalo para los soldados ucranianos y para nuestros fans que están entre las filas del ejército ucraniano. Recibí muchísimos videos de chicos con nuestro merch en las trincheras, usando chalecos antibalas con camisetas de 1914, parches, uniformes, etc. Eso te da mucha inspiración y escalofríos. Esta canción, en esencia, nació como un regalo para ellos.

TTH: Entonces, quería preguntarte, ya sabes, para cerrar, ¿qué te gustaría decirles a los fans y a las personas que estarán escuchando este nuevo álbum? ¿Qué quisieras decirles?

Dmytro: Uh, ¡odio este tipo de preguntas!

TTH: ¡Lo sé! ¡Lo sé!

Dmytro: No quiero decirles nada. Solo escuchen el álbum, pongan play y, ya sabes, aprendan un poco. Eso es todo. Edúquense y prepárense para la guerra, porque la Tercera Guerra Mundial ya está aquí. Entonces, prepárense: compren armas, compren fusiles, practiquen disparar, consigan medicina táctica y prepárense.

En una ocasión tuvimos la oportunidad de conversar con los muchachos de Cruces Negras, la banda tributo a Black Sabbath, quienes se presentarán este viernes 21 de noviembre en Club V con su espectáculo “Homenaje a Ozzy Osbourne”. El show llega tras su última aparición el 7 de julio de 2025 y luego del fallecimiento de Ozzy, ocurrido el 22 del mismo mes, hecho que marcó profundamente al mundo metalero.

Cruces Negras nace como un tributo, pero después de 20 años ¿sienten que se convirtieron en una banda con identidad propia más allá del homenaje?

Si, sin dudas. Podes tomar el homenaje como una excusa para que un grupo de amigos se junten a hacer música. Todos arrancamos haciendo canciones de otros artistas. Nosotros continuamos y lo hacemos con mucho respeto.

¿Qué elementos creen que distinguen a Cruces Negras de otros tributos a Sabbath que existen en la escena local e internacional?

Ya de por sí somos 6 músicos. Algunos grupos prefieren ser solo 4 integrantes por el formato en el que se presentó Black Sabbath, pero lo real es que en los discos hay más instrumentos involucrados y de eso se trata, sonar lo más parecido al disco y no depender de una pista. Quizas seria mas facil, pero cómo interpretamos un grupo donde los músicos tocaban de verdad, preferimos que los músicos hagan lo mismo.

Reproducir el sonido de Sabbath implica también reproducir su energía. ¿Cómo se traduce esa búsqueda en los ensayos y en el vivo?

En el caso de Adrian (guitarrista), se tomó la molestia de ver cómo hace los arreglos Iommi dado la condición de él. Hubo algunas canciones que Sabbath nunca tocó en vivo, por lo que también se tuvo que dar una idea de cómo resolverlas. Ale (baterista) fue raro al principio ya que escuchaba a Purple y Zeppelin, y Bill Ward es un batero mas rustico y menos técnico, tuvo que aprender a ser más sencillo.
Renzo (voz) llegó para darle el toque de Dio, pero en esa oportunidad al homenajear a Ozzy es un nuevo desafío. Nico (tecladista) hace todo tipo de arreglos orquestales, en el disco hay bajo más allá del bajo y el te lo traduce en el teclado o bien si hay un solo con 2 guitarras, sabe dónde apoyarse en la base.

¿Hay algún tema que todavía represente un desafío técnico o emocional para la banda?

En 20 años te diría que los temas que aún no hemos tocado en vivo. Son los que arriba del escenario te generan más adrenalina, en su mayoría no son clásicos y a pesar de eso están buenísimos.

¿Cómo ven el vínculo de las nuevas generaciones con la música de Sabbath, en tiempos dominados por el consumo rápido y el algoritmo

Nosotros somos de edades distintas y cada uno tiene su manera de usar las redes. Pero en algo coincidimos: el público que te ve en vivo, se acuerda. Hoy todo pasa por la pantalla, entonces cuando alguien vive un show de verdad, con el cuerpo ahí, eso pega distinto. La pantalla puede intentar imitarlo, pero no llega. Es como las fotos con filtro: sí, están buenas, pero sabés que no son reales. En cambio un show no tiene filtro, es lo que está pasando ahí, no puede imitarse. Es auténtico.

La noticia de la muerte de Ozzy los reunió de nuevo. ¿Qué emociones aparecieron al tocar sus canciones después de ese impacto?

Tristeza y Respeto. Nadie esperaba su muerte tan rapido. Fue shockeante.

Más allá del homenaje, ¿Cómo los marcó Ozzy como artistas y como personas?

Ozzy fue un personaje introvertido. Cada uno lo conoció de manera distinta. Julian creó Cruces Negras justamente por el legado importante que le dieron al metal. Adrian conoció a Ozzy en su etapa solista, y asi cada uno tiene su versión.

¿Cómo imaginan la continuidad del proyecto: más shows tributo, material propio, cruces con otras disciplinas?

El proyecto esta vigente, son etapas, a veces tenemos muchos shows, a veces pocos. Cuando nos invitan a tocar y los 6 podemos vamos y la pasamos bien. En esta oportunidad el show lo gestionamos nosotros porque los 6 queriamos hacer este homenaje

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Cruces Negras está formado por Renzo Favaro en voz, Julián Rodríguez en bajo y coros, Ale Reggiani en batería, Adrián Daguerre y Prati Suárez en guitarras, y Nicolás Loto en teclados. A diferencia de Black Sabbath, que solía recurrir a músicos de apoyo ocultos detrás del escenario para reproducir los arreglos de estudio, Cruces Negras eligió ponerlos de cara al público. Por eso la formación se completa con seis integrantes en escena, buscando sonar tan fieles a los discos como sea posible.

Renzo Favaro es también la voz principal de Fughu y participó en el último trabajo de Jerikó, teloneando a Steve Harris. Julián Rodríguez, con experiencia en proyectos tributo a Judas Priest, Iron Maiden y Mercyful Fate, fue bajista de Matan S.A. y en los 90 compartió con Adrián Daguerre y Prati Suárez la banda de thrash Complex. Ale Reggiani, músico egresado, sesionista y fotógrafo de rock, trabajó junto a Juan del Barrio (Spinetta Jade, Los Abuelos de la Nada, Suéter) y la agrupación Awkanya. Por su parte, Nicolás Loto, DJ de la movida house con una marcada influencia del metal, integró previamente The Tripolares —proyecto de rock progresivo instrumental junto a  Ale  Reggiani— y Stargazer, tributo a Rainbow.

📍 Viernes 21 de Noviembre – 20 hs – Club V – Corrientes 5008, CABA

🎟️ Entradas a la venta $15.000 ALIAS: crucesnegras (a nombre de Alejandro Reggiani)

Enviar comprobante vía WhatsApp al 1165512753 o 1133581638

Lo que comenzó “como un juego” en el Resurrection Fest acabó convirtiéndose en una de las propuestas más frescas y sinceras de la escena hardcore actual. Fuet! es energía, honestidad y catarsis en estado puro. Desde sus inicios improvisados hasta ganar el Mad Cool Talent y compartir cartel con bandas como Refused o Bring Me The Horizon, el grupo madrileño ha recorrido un camino tan inesperado como apasionante. Con su primer álbum, Make It Happen, confirman que lo suyo va en serio: un disco crudo y emocional que captura la fuerza del directo y la vulnerabilidad del proceso creativo. Charlamos con ellos sobre sus comienzos, el presente de la escena hardcore estatal y el viaje que los ha llevado a convertir lo espontáneo en una realidad a la que mirar de frente.

Hoy tenemos una entrevista especial con Annisokay, una de las bandas más destacadas del metal moderno alemán. Aprovechando su paso por España como cabezas de cartel, hablamos sobre su nueva etapa con Abyss – The Complete Edition, su conexión con el público español y la evolución de su sonido. Con su mezcla de potencia, melodía y emoción, Annisokay demuestra por qué se ha convertido en una referencia del género.

• Bien, chicos, bienvenidos. Primero que nada, es su segunda vez en España, creo. Esta vez estuvieron aquí con Within Temptation el año pasado, ¿verdad?

Sí, en el festival, esta sería la tercera vez.

• Pero ahora ustedes son los cabezas de cartel, lo cual es genial para mí. Los sigo desde 2018, así que es increíble verlos creciendo y haciendo las cosas tan bien. ¿Cómo se sienten al encabezar esta vez? ¿Cómo va la gira? He visto algunos shows en solitario, casi en solitario también.

Bueno, puedo hablar por todos: estamos realmente felices con toda la gira hasta ahora. Es muy emocionante y estamos muy agradecidos de que tanta gente venga, incluso de distintos países, lejos de Alemania, y que canten todas las letras y se vuelvan locos. Significa mucho para nosotros.

En España, especialmente, antes de tocar con Within Temptation no habíamos tenido contacto con el público español en giras o shows. Pero el año pasado tocamos en esa gira y también en un festival por primera vez, el Z! Live Festival, en Zamora. Fue muy bueno, aunque hacía muchísimo calor. Tocamos tarde, así que estuvo bien. Con Within Temptation tocamos en Barcelona y Madrid, creo.

Sí, fue genial. Es un gran país para nosotros.

• Mucha gente aquí los aprecia mucho.

Sí, la gente con la que hablamos la última vez estaba muy agradecida de que por fin tocáramos aquí.

• Y ahora, siendo los cabezas de cartel, también es algo increíble. No tenemos tantas bandas de metal moderno viniendo a España; la escena aquí no es tan grande como en Alemania. Su nuevo álbum sale el 24 de noviembre, titulado Abyss – The Complete Edition. ¿Cómo surgió la idea? ¿Pensaron desde el inicio en hacer una primera parte más suave, otra más pesada, y luego unirlas? ¿O fue algo espontáneo?

En realidad, cuando empezamos a escribir las primeras canciones, la idea era hacer un álbum. No pensábamos en EPs. Esa idea surgió después, cuando vimos que no éramos lo suficientemente rápidos componiendo canciones que nos dejaran conformes. Teníamos algunas muy buenas, pero no un disco completo. Queríamos publicar algo, así que decidimos lanzar un EP… luego otro.

El arte de la portada, la mujer con dos rostros, iba a ser originalmente la imagen principal del álbum. Luego pensamos en dividirla: usar una mitad primero, y la otra después. Finalmente decidimos combinar ambos EPs, pero no queríamos simplemente juntarlos, así que agregamos tres canciones nuevas para completar el concepto y cerrar la historia, el “capítulo final”.

Musicalmente, hay una conexión entre Into the Abyss y Inner Sanctum: comparten melodías y letras, funcionan como marco del disco. Las tres canciones nuevas se ubican entre esos dos EPs.

Si tienes el vinilo, puedes unir las portadas de ambos EPs, y ahora con la nueva edición hay una imagen intermedia que da otra capa visual y conceptual. Lo mismo ocurre con la música: añadimos profundidad al conjunto para hacerlo más completo.

—Las dos canciones nuevas son una mezcla perfecta entre los dos primeros EPs. Esa era la idea: el punto de unión.

• Y falta una canción más, que se publicará junto con el álbum…

Sí, y en mi opinión es la mejor del disco.<¿

• Genial. Ahora, ya que están en España, ¿qué es lo que más les gusta del país? ¿La comida, la gente, el clima?

El clima es increíble. Hoy se sentía como un día de verano. La última vez fuimos a la playa, comimos tapas, y todos fueron muy amables. Es un ambiente relajado, algo que no siempre pasa en Alemania. Además, muchos alemanes vienen aquí de vacaciones, y ahora venir a trabajar y hacer música en el mismo lugar donde normalmente pasarías tus vacaciones es algo muy especial. Me encanta eso.

• Volviendo a la parte musical: cuando comienzan a escribir canciones, ¿por dónde empiezan? ¿Por la letra, la melodía, la instrumentación?

Depende del tema, pero generalmente empiezo con una idea lírica. Tener el concepto o las palabras me inspira melodías. Si es una canción de amor, tengo ciertos tipos de melodías; si es una canción sobre guerra o algo más agresivo, es otra cosa. Me gusta que la música tenga sentido con el mensaje.

Después suelo componer primero el coro, porque es la parte más importante hoy en día. Luego muestro mis ideas al resto; si no les convence, ya sé qué líneas seguir o qué descartar. A veces hacemos varias versiones del mismo coro hasta encontrar la mejor. Luego grabamos demos y en el estudio cada uno aporta sus ideas. Así es como trabajamos.

• Última pregunta: si alguien que nunca escuchó a Annisokay tuviera que oír solo una canción para conocerlos, ¿cuál sería?

—Para mí, “Never Enough”.
—Yo diría “Silent Anger”, aunque todavía no salió, pero representa todo lo que es Annisokay.
—Para mí, “Human”, por el mensaje tan fuerte que tiene.
—Y yo elijo “Like a Parasite”, porque es experimental, tiene partes pesadas, un coro melódico y un interludio tipo drum and bass. Lo tiene todo.

• Así que ahí tienen cuatro canciones para empezar a conocer a Annisokay.

 

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En el marco de la inminente aparición de la banda italiana en el Madrid Death Fest Vol. 2 (Sala Moby Dick, Madrid – viernes 7 de noviembre de 2025) y tras el buen recibimiento de su último álbum XUL, hablamos con el guitarrista/compositor Mario Di Giambattista para conocer los entresijos del nuevo trabajo, la filosofía de la banda y las expectativas para su actuación en Madrid.

Mario, ¿qué te trae de vuelta a nuestro país?

Honestamente, siempre es un placer volver a España. El ambiente aquí es increíble: la gente, la comida, la energía. Cada vez que tocamos aquí, se siente como si estuviéramos con la familia. La escena española siempre nos ha apoyado mucho, así que regresar se siente totalmente natural.

Este verano tuvimos la oportunidad de tenerte en el Move Your Fucking Brain EF; ¿qué opinas del público hispano?

¡El público hispano es una locura, en el mejor sentido posible! Tenéis muchísima pasión. La energía es increíble de principio a fin. No solo veis el concierto, lo vivís.
Eso realmente nos impulsa a dar aún más sobre el escenario. Es uno de esos públicos que hacen que cada show sea inolvidable.

Hablando de vuestro último álbum XUL, la prensa destaca que ha sido un paso adelante en vuestra carrera. ¿Cómo lo ves en retrospectiva?
Sí, creo que es cierto. XUL definitivamente marcó un punto de inflexión para nosotros, nos esforzamos mucho en ese disco, tanto musical como conceptualmente.
Mirando atrás, creo que es el álbum en el que encontramos el equilibrio perfecto entre atmósfera y brutalidad. Sigue sonando a Devangelic, pero con más profundidad y una visión más clara de quiénes somos.

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¿Podrías contarnos un poco sobre el concepto lírico y estético de XUL?

El concepto principal gira en torno a la dualidad de la naturaleza humana, la lucha constante entre el bien y el mal dentro de uno mismo, donde a menudo prevalecen los demonios interiores.
Este tema es más relevante que nunca, considerando los trágicos acontecimientos que afectan a varios países europeos.
Para la portada del álbum, colaboramos una vez más con Nick Keller, como hicimos en nuestro lanzamiento anterior, Ersetu. Él capturó perfectamente la esencia de nuestro concepto, dando vida a nuestra visión con una obra de arte extraordinaria.

La imagen muestra a un demonio gigante sosteniendo a una figura humana, simbolizando cómo la humanidad suele ser incapaz de superar sus propias debilidades; nuestros demonios internos inevitablemente triunfan sobre nosotros.
El proceso creativo fue muy colaborativo: intercambiamos muchas ideas, correos y videos describiendo diversos demonios antiguos. Fue un proceso muy interesante, especialmente porque resultaba difícil plasmar visualmente un tema tan complejo.

El demonio principal está inspirado en Humbaba, una deidad mesopotámica asociada con los terremotos, a menudo representada con dientes de dragón y un rostro grotesco hecho de entrañas: una imagen realmente brutal.
La canción vinculada a esta obra explora cómo los humanos, capaces de cometer actos atroces y perversos contra otros y contra la naturaleza, pueden caer en la ilusión de la omnipotencia y la inmortalidad. Sin embargo, impulsados por su propia maldad, terminan condenados a un sufrimiento eterno, un tormento que los consume mental y físicamente.

Desde el punto de vista musical, habéis comentado que os habéis movido hacia un death metal “más clásico”. ¿Qué significó eso para la composición, el sonido y el directo?

Queríamos volver un poco a las raíces: menos demostrar técnica y más escribir canciones que golpeen fuerte. Nos inspiramos en el sonido old-school, con esa vibra cruda y poderosa, pero con nuestro propio toque. Los riffs respiran más, los grooves son más pesados, y todo suena más orgánico. En directo, aún mejor: las canciones son más dinámicas y pegan más duro.

Hablando de los directos otra vez: ¿qué podemos esperar del show en Madrid el 7 de noviembre? ¿Alguna preparación especial?
¡Podéis esperar caos total, en el buen sentido, por supuesto!, hemos preparado un setlist muy potente, con canciones de XUL y algunos temas antiguos.
España siempre aporta una energía loca, así que estamos más que listos para igualarla.

Finalmente: un mensaje para los fans que van a veros en Madrid y para quienes están descubriendo ahora a Devangelic.
A todos los que vayan al concierto de Madrid: gracias por el apoyo, de verdad significa mucho, tenemos muchas ganas de veros y compartir esa energía una vez más y si estás descubriendo ahora a Devangelic, ¡bienvenido!. Ven a un concierto, escucha XUL y descubre de qué va esto. Es oscuro, es pesado y es real. ¡Nos vemos en el pit!

La banda portuguesa de brutal death metal Analepsy regresa mañana a los escenarios españoles como parte del Madrid Death Fest 2, un evento que reunirá a algunas de las formaciones más potentes del género. En plena preparación de su nuevo material y tras tres años de giras con Quiescence, el guitarrista y fundador Marco Martins nos habla sobre la evolución del grupo, su conexión con el público español y lo que los fans pueden esperar de su demoledor directo en la capital.

Marco, estáis a punto de regresar a los escenarios españoles en el Madrid Deathfest. ¿Qué significa esta fecha para Analepsy y cómo se están preparando para el evento?

Siempre es un placer tocar en España, y volver después de todos estos meses nos hace muchísima ilusión. La última vez que tocamos en Madrid fue hace ya unos años, así que tenemos muchas ganas de esta fecha. Hemos estado afinando todos los detalles para el show, y además traemos material nuevo que nunca hemos tocado en directo. El Madrid Deathfest será la primera vez que alguien los escuche en vivo, así que va a ser una noche especial.

Han pasado ya tres años desde la publicación de Quiescence, un disco que consolidó vuestro sonido y os posicionó como una de las bandas más potentes del género. ¿Qué balance haces de este trabajo ahora que ha tenido tiempo de respirar en directo?

Quiescence ha sido nuestro foco principal durante estos últimos años, prácticamente en cada gira o concierto desde su lanzamiento. Tocarlo en vivo le dio a las canciones una nueva energía. Algunas partes sonaron más contundentes de lo que esperábamos, y otras cobraron una vida distinta dependiendo del público. También nos mostró que podíamos explorar un lado más atmosférico y dinámico sin alejarnos de lo que define el sonido de Analepsy. Mirando atrás, fue un álbum que ayudó mucho a marcar la dirección que estamos tomando ahora.

Quiescence fue un álbum destacado en su lanzamiento no solo por su nivel técnico y sonoro, sino también por su concepto cósmico y filosófico. ¿Qué queríais transmitir con esa narrativa de destrucción y renacimiento?

Siempre hemos preferido alejarnos de los temas típicos del gore o el shock. Queríamos explorar algo más reflexivo. No es una idea completamente nueva dentro del género, pero siempre nos ha atraído más la narrativa científica o cósmica. En Quiescence, el foco estaba en los ciclos: destrucción, renacimiento y la quietud que existe antes y después de que todo colapse. Esa atmósfera es la que impulsa todo el concepto del disco.

En estos últimos meses habéis publicado dos nuevos singles: “Doomsday Protocol” y “Cryogenic Rebirth”. ¿Qué representan estos temas dentro de la evolución de la banda? ¿Son una continuación del universo de Quiescence o el inicio de algo nuevo?

Estos dos temas son en realidad regrabaciones de canciones antiguas que escribimos en la época de Atrocities from Beyond, entre 2016 y 2017. En su momento quedaron como caras B, pero siempre sentimos que tenían potencial. Así que decidimos recuperarlas y reconstruirlas desde cero, reescritas y reinterpretadas con la formación actual. En cierto modo, sirven como una mirada retrospectiva a nuestras raíces mientras seguimos escribiendo nuestro próximo disco. Era el momento perfecto para darles la atención que merecían.

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Ambos singles mantienen vuestra identidad brutal, pero con una producción más pulida y una atmósfera más expansiva. ¿Podemos interpretarlo como una pista de hacia dónde se dirige Analepsy en el futuro?

Sí, totalmente. Aunque estas canciones vienen de material antiguo, fueron completamente reescritas con un enfoque más denso y atmosférico. Es una especie de retrospectiva que mezcla el crecimiento y la profundidad que encontramos en Quiescence con la potencia y agresividad de Atrocities from Beyond. Estamos poniendo mucho más énfasis en la ambientación, el peso y la dinámica, pero sin perder lo que hace que sonemos a nosotros. Esa dirección es la que llevaremos al próximo disco.

Precisamente muchos fans han empezado a especular con la posibilidad de un nuevo álbum. ¿Podemos esperar un nuevo trabajo de estudio en 2026, o de momento preferís centraros en los directos y los lanzamientos individuales?

Nuestro objetivo es 2026 o principios de 2027. Ahora mismo estamos muy metidos en el proceso de composición del nuevo disco, aunque lo compaginamos con las giras. Los singles que hemos sacado no formarán parte del álbum; son más bien un puente entre capítulos, algo para ofrecer al público mientras seguimos tocando y preparando lo que viene.

En cuanto al directo, ¿cómo estáis planteando el setlist para Madrid? ¿Habrá espacio para estos nuevos singles junto a los clásicos de vuestro repertorio?

Por supuesto. Tocaremos ambos nuevos singles en directo por primera vez, así que eso será algo especial para Madrid. Además, el set recorrerá todas nuestras etapas: un poco de todo, desde Atrocities, Quiescence y el EP inicial Dehumanization by Supremacy.

La escena europea del brutal death metal parece estar viviendo un renacimiento, con bandas cada vez más técnicas y producciones más ambiciosas. ¿Dónde se sitúa Analepsy dentro de este panorama actual?

Intentamos no pensar demasiado en eso. Nos centramos en hacer música que sea auténtica para nosotros y que mantenga nuestra identidad. Si la gente conecta con ella, eso siempre es un plus. La escena está creciendo mucho, especialmente en Europa, y hay muchas bandas haciendo cosas increíbles ahora mismo. Nosotros nos vemos como parte de esa ola, aportando nuestro propio enfoque.

Eres el único miembro original que continúa desde los inicios de la banda. ¿Cómo ha influido tu visión personal en mantener la coherencia de Analepsy a lo largo de los años y en la incorporación de nuevos músicos?

Sí, es cierto. Para mí es muy importante mantener a la banda avanzando sin perder lo que siempre ha representado Analepsy. Al mismo tiempo, me aseguro de que cada miembro aporte algo propio. Calin, Léo y Jacinto tienen sus ideas y estilos, y eso es lo que mantiene viva la evolución del grupo, en lugar de simplemente repetir el pasado. Se trata de conservar el núcleo, pero llevarlo más lejos.

Finalmente, ¿qué pueden esperar los fans españoles de vuestro concierto en el Madrid Deathfest y qué mensaje les mandarías antes del festival?

Podéis esperar un show pesado y directo al grano. Traemos una mezcla de material nuevo y clásico, y no podemos esperar para tocar estas canciones por primera vez en vivo. Mil gracias a nuestros hermanos que nos han apoyado durante todo este tiempo. ¡Nos vemos en Madrid!

En los primerísimos años del nuevo milenio, los canadienses Despised Icon se pudieron contar entre los pioneros de uno de los sonidos que dominaría gran parte de la música pesada durante poco más de una década: el deathcore. Mezclando death metal con hardcore y breakdowns, esta nueva escena ganó una cantidad enorme tanto de seguidores fieles como de detractores, acusándolo de ser “falso metal”. Pero Despised Icon no estuvieron durante sus años más álgidos, separándose justo en 2010. Pero tras su vuelta en 2014 la banda ha ido recuperando el tiempo perdido, y ahora con la salida de su nuevo trabajo Shadow Work verán de recuperar los seis años que han pasado desde el último Purgatory de 2019. En entrevista con el guitarrista Éric Jarrin, nos contó los detalles detrás de este nuevo capítulo en la historia de Despised Icon.

TTH: Antes que nada, bienvenido al canal de Track to Hell, y muchas gracias. Felicitaciones por el nuevo álbum Shadow Work: sé que todavía no ha salido, pero tuve la oportunidad de escucharlo y es realmente genial. ¿Cómo vienen las cosas?

Éric: Oh, todo va muy bien. Y gracias por tus amables palabras sobre el álbum, me alegra que te haya gustado. Ha sido un tiempo bastante ocupado últimamente, preparando todo para el lanzamiento del disco, que saldrá el 31 de octubre.

TTH: ¡En Halloween!

Éric: ¡Sí, en Halloween! Ya tenemos dos singles para los que hicimos videos. El último fin de semana grabamos un video para un tercer single que va a salir el 17 de octubre. Así que sí, hemos estado bastante ocupados. Recién tocamos dos shows el último mes, en un festival en Nueva Inglaterra. Nos estamos preparando para esta nueva gira norteamericana, que vamos a hacer por Estados Unidos durante todo el mes de noviembre, muy ocupados con eso.

TTH: Estos fueron sus primeros shows de este año, los últimos los habían dado en 2024.

Éric: Exactamente. ¿Sabes? Ya no somos una banda que esté girando a tiempo completo, sólo tocamos 25 a 30 shows cada año. Tratamos de combinar todo en una sola gira. Estuvimos en Europa el año pasado para toda una gira con Dying Fetus y Chelsea Grin, y ahora sólo tomamos dos shows. Pero fueron muy emocionantes, porque no tenemos tantas oportunidades de tocar tan seguido. Siempre es lindo volver al escenario, y especialmente para estos shows. Tocamos una canción nueva para los fans, “Over My Dead Body”. Todo se ve muy bien y estoy muy ansioso por estar en la ruta de vuelta durante todo el mes que viene.

TTH: Sí, escuchas hablar sobre esas bandas que dan 50 o 60 shows cada año y me parece una locura, aunque sólo sea un show por semana.

Éric: Bueno, en aquellos tiempos cuando estábamos de gira a tiempo completo, creo que fue después del lanzamiento del álbum The Ills of Modern Man, tocamos 208 shows en un solo año.

TTH: Dios, ni me puedo imaginar eso.

Éric: ¡Imagínate que se estaban comenzando a formar tensiones entre los miembros!

TTH: Justamente tengo un par de preguntas sobre eso. Pero quería preguntarte algo, porque han pasado seis años desde Purgatory, el último álbum. Eso es mucho tiempo, y tengo que preguntarles: ¿qué pasó para que tardaran tanto tiempo en sacar nuevo material?

Éric: Bueno, de esos seis años, se pueden descartar fácilmente unos tres, porque justo después del lanzamiento de Purgatory en 2019 llegó la pandemia. Y, bueno, durante unos dos años, aquí en Canadá, las restricciones y confinamientos del gobierno fueron muy intensos y severos. Incluso tuvimos toque de queda. Así que, por más de un año, si no más, no pudimos reunirnos como banda, vernos ni trabajar en música. Mhm. Así que todos estábamos, quizás, en casa; yo, por ejemplo, en mi estudio escribiendo música solo. Pero, claro, ese no es el modo en que normalmente trabajamos como banda. Así que perdimos como un buen año, o más, solo por eso.

Y ahora el álbum ya está grabado desde hace un tiempo, pero a veces entregas el álbum al sello y, como tienen muchas otras bandas con lanzamientos, ellos eligen cuándo quieren publicarlo. Además, hoy en día necesitan tener el álbum con seis a nueve meses de anticipación para poder hacer una promoción adecuada, enviarlo a periodistas y todo eso. Así que, sí… en mi mente, han sido más como tres años. Pero, con todos estos retrasos y la pandemia, sí, han sido seis años.

Aunque también queríamos tomarnos nuestro tiempo. Honestamente, no creo que eso haga tanta diferencia para nuestros fans, porque no somos una banda joven que necesite desarrollarse y estar de gira constantemente. Llevamos casi 25 años como banda, así que preferimos enfocarnos en escribir música, estar satisfechos con los resultados y las canciones, y tomarnos el tiempo para lanzar algo que los fans disfruten, y que nosotros también disfrutemos.

TTH: Sí, ya sabes, se escucha de muchas bandas que sacaron un álbum a fines de 2019, en 2020 o a comienzos de 2020, y esos fueron como sus “años perdidos”. No pudieron hacer nada.

Éric: Es un poco triste porque creo que Purgatory fue un buen álbum, pero nunca recibió la atención que merecía, ya que se lanzó en noviembre de 2019. Y todos los shows y festivales en los que íbamos a tocar durante el verano de 2020 para promocionarlo simplemente desaparecieron. Se esfumaron.

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TTH: ¿cómo describirías Shadow Work? ¿Cómo lo compararías con los álbumes anteriores? Aunque, bueno, ambos sabemos que Despised Icon no es una banda que cambie con cada disco, no es ese tipo de banda. Pero, ¿cómo describirías este álbum?

Eric: Bueno, aunque creo que somos una banda que siempre se mantuvo fiel a su sonido, pienso que este álbum representa una evolución lógica respecto a todos los anteriores que hicimos desde que volvimos con Beast. Ya sabes, Beast, Purgatory y Shadow Work. Para mí se siente como una evolución natural. Pero, al mismo tiempo, con todo lo que pasó, y también porque nosotros cambiamos como músicos y como personas, nos permitimos experimentar un poco más y jugar más con los extremos. Algunas canciones son de las más rápidas que hemos grabado, y algunos breakdowns son de los más pesados, lentos y afinados en tonos más bajos que hemos hecho.

También tuvimos una artista invitada, Misstiq, de Australia, que hace arreglos orquestales para distintas bandas, y ella participó en el álbum. Además, invitamos a algunos amigos a colaborar en las voces: Tom de Chelsea Grin, Scott de Carnifex y Matt de Kublai Khan. Así que sí, nos tomamos nuestro tiempo y experimentamos un poco más, incluso con partes más melódicas.

Así que creo que es simplemente una evolución lógica, pero sigue sonando a Despised Icon. Cuando escuchás las canciones, aunque haya algo diferente, la gente seguramente dirá “sí, reconozco esta banda, reconozco esas voces”. No cambiamos demasiado quiénes somos, pero nos dimos la libertad de experimentar un poco más.

TTH: ¿Cómo se dio el tener a los cantantes invitados?

Éric: No habíamos tenido invitados desde hacía mucho. Creo que la última vez que tuvimos vocalistas invitados fue en el álbum Day of Mourning, y fueron principalmente amigos cercanos de bandas como Beneath the Massacre y Ion Dissonance, porque todos somos de la misma ciudad. Pero decidimos invitar a estos músicos porque tenemos una historia con sus bandas.

Con Carnifex, por ejemplo, hemos hecho muchas giras juntos. Son buenos amigos. Scott es un gran amigo; incluso cuando no estamos de gira, seguimos en contacto, nos mandamos mensajes, él y Alex hablan por teléfono de vez en cuando cada año. Lo mismo con Tom: hicimos una gira completa por Europa con él. Antes solíamos girar con Dan, cuando era el vocalista de Lorna Shore. Así que tenemos una relación de amistad con Tom, y lo mismo con Matt. A Kublai Khan los llevamos de gira con nosotros en 2019, durante el ciclo del álbum Purgatory, y ahí conectamos con Matt, nos hicimos amigos.

Así que, para nosotros, la decisión de tenerlos en el álbum fue principalmente porque tenemos una historia con ellos y con sus bandas. Los apreciamos, los respetamos y son amigos. Así que sí, fue sobre todo por esas razones que los invitamos a participar en el disco.

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TTH: Así que, para este álbum, tienen nuevamente a Eliran Kantor haciendo la portada, igual que en Purgatory. No sé cuánto trabajaron junto a él en esta portada en particular. ¿Tuvieron alguna participación o aporte en la idea? Porque tengo que decir que me encanta la portada del álbum. Sé que se ve totalmente aterradora. La vi y enseguida supe: “ah, este es Eliran Kantor”. Reconocí su estilo, y me encanta; se ve aterradora. Entonces, ¿cómo describirías la portada del álbum?

Éric: Sí, Eliran se ha convertido en un amigo desde que trabajamos con él en Purgatory. Pero lo curioso es cómo llegamos a conocerlo. Tal vez un mes o dos antes de tener que entregar el álbum (hablo de Purgatory) a Nuclear Blast Records, no nos gustaba el arte de portada que teníamos en ese momento, en el que habíamos estado trabajando. Así que le pedimos al sello que nos ayudara a encontrar a otro artista para hacer la portada.

Y, como él había trabajado con bandas como Thy Art Is Murder, Testament, Hatebreed y otras del mismo sello, Nuclear Blast nos puso en contacto con él. En cuestión de un mes, él pintó la portada de Purgatory. Pero en ese momento todavía no habíamos hablado con él directamente.

Después empezamos a hacer giras para Purgatory y, en algunas de las giras por Europa, cada vez que tocábamos en Berlín, él venía al show para conocernos, y finalmente pudimos presentarnos en persona. Ahí fue cuando empezamos a hacernos amigos y a hablar más con él.

En la última gira (o, bueno, en la gira anterior que hicimos por Europa) nos reunimos con él y le contamos que estábamos trabajando en nuevo material, que teníamos nuevas canciones. Le compartimos el concepto del álbum. En ese momento no estoy seguro de si ya sabíamos que se llamaría Shadow Work, pero el concepto iba por esa línea. Pasamos el día con él en Berlín y nos dijo: “es una locura que estén hablando de todo esto, porque anoche tuve una pesadilla en la que me arrancaba la mandíbula y la sostenía en las manos”. Y agregó: “eso podría parecer una corona”. Y nosotros dijimos: “hombre, es una gran idea”.

Y bueno, pensamos que las cosas no pasan por casualidad, así que dijimos: “usemos esa pesadilla que tuviste, dibuja algo a partir de eso y trabajemos sobre esa idea”. Y así fue como surgió la portada del álbum.

TTH: Sí, esa es una de las pesadillas más aterradoras que he escuchado. Tuvo esa visión, esa pesadilla, y a partir de eso creó la portada, y yo pensé: “wow, eso está genial”. Suena casi más aterrador que la propia portada. Dios… Así que quería preguntarte algo. Tuve otra entrevista con músicos de deathcore, y me interesa saber si creés que ha habido un cambio en cómo la gente percibe el deathcore en los últimos años. Porque me parece interesante la historia de la banda: ustedes se separaron en, creo que fue en 2010, ¿no? Y en ese momento el deathcore estaba en su punto más alto. Desde entonces hasta hoy, ¿creés que la percepción del deathcore ha cambiado?

Éric: Es difícil de decir, pero creo que los puristas del metal, los fans más hardcore, siempre van a criticar el deathcore y a odiarlo. En ese sentido, sí, siempre habrá quienes lo desprecien.

Pero creo que ha empezado a ser un poco más aceptado, y hay una nueva generación de fans que son menos elitistas con los géneros y, bueno, más abiertos de mente. Recuerdo que cuando nos separamos en 2010, ya empezaba a haber cierto rechazo hacia el deathcore. No era odio total, pero sí: cada género del metal se burlaba un poco del deathcore, diciendo “estos son posers, esto es falso, no es metal de verdad”, cosas así.

Creo que con los años eso ha cambiado. Ahora se ha demostrado que es un género que llegó para quedarse. Nosotros empezamos a tocar lo que hoy se llama deathcore en 2002, y en ese momento ni siquiera tenía nombre. Así que supongo que nunca va a desaparecer; va a seguir ahí, igual que el black metal, el slam, el power metal o cualquier otro género. Sí, creo que la percepción ha cambiado un poco, pero siempre habrá algunos que lo odien, y no hay nada que podamos hacer al respecto.

TTH: Sí, es verdad. Recuerdo haber leído hace unos meses sobre Hellfest, uno de esos festivales de metal europeos donde tocan bandas de black metal y death metal, pero también había como cabeza de cartel una banda como Slipknot. Y me pareció interesante, porque si hablamos ahora del deathcore, antes de eso estaba el nu metal, ¿te acordás de cómo la gente hablaba de ese género? En su momento se usaba casi como un insulto, y ahora está teniendo una especie de resurgimiento, con gente que lo abraza sin problema.

Y con el deathcore pasa algo parecido. Hoy en día veo muchas bandas que no tienen ningún problema en que las llamen deathcore. Es interesante porque, en el caso de Despised Icon, ustedes parecen ser de las pocas bandas de esa primera ola que no rehúyen de esa etiqueta. Muchos músicos prefieren no ser llamados así, dicen “somos una banda de death metal a la que le gusta mucho el hardcore o el hardcore punk”. Pero ustedes nunca negaron esa identidad, y eso me parece muy interesante.

Éric: Sí, tal vez en algún momento, cuando como decís era algo más negativo y la gente se burlaba de ese término, no estábamos tan contentos de que nos asociaran con él. Pero eso no duró mucho, y tal vez fue divertido, porque creo que la primera vez que vi la palabra deathcore fue en una de nuestras primeras camisetas de merchandising, en 2003 o 2004. Tenía el logo de Despised Icon en letras grandes, y abajo decía “Montreal Deathcore”, porque ya sabíamos que estábamos mezclando influencias de death metal y hardcore.

No sabíamos que se iba a convertir en algo así; era más bien una frase que nuestro cantante, Alex, había inventado. Pero tenés razón: hoy en día aceptamos completamente que somos una banda de deathcore, porque eso es lo que hacemos. Tomamos elementos del hardcore y del death metal, y los mezclamos. Ya no peleamos contra esa etiqueta, y hasta siento un poco de orgullo de ser una de las primeras bandas en hacerlo.

Así que sí, acepto el título, ya sea que nos llamen los reyes del deathcore, los abuelos del deathcore o los padres del deathcore, está bien. Para nosotros sigue siendo solo música metal. Escucho metal, hardcore, glam metal, hard rock… y cuando agarro la guitarra, sale lo que salga.

TTH: No hay muchas bandas que puedan ponerle nombre a un género. No sé si la gente usaba el término deathcore antes de esa camiseta, pero no son muchas las bandas que logran eso. Es como Candlemass poniéndose Epicus Doomicus Metallicus a un disco y que a partir de ese momento le digan “doom metal épico” a su estilo.

Éric: Sí, exactamente. Lo mismo pasa con otras bandas, y yo tengo mucho respeto por Candlemass y su música. Así que todo está bien.

Otra cosa que me dicen mucho es que, aunque somos una de las bandas originales de la primera ola del deathcore, la mayoría de las bandas que hoy en día se etiquetan como deathcore no suenan mucho a Despised Icon. Tienen todos esos sonidos orquestales…

TTH: ¡El sonido Lorna Shore!

Éric: Sí, exactamente. Creo que no suena en nada a Despised Icon. Si pones una canción de Lorna Shore y una de Despised Icon lado a lado…

TTH: No se parecen en nada.

Éric: Sí, es muy amplio. Hay muchas formas de integrar elementos de hardcore y death metal en la música.

TTH: Bueno, de la misma manera, cuando el género todavía no estaba definido, había bandas como Bring Me the Horizon o Suicide Silence, ese tipo de cosas. Y creo que no suenan en nada a Despised Icon, pero es un género realmente amplio. Sí, exactamente. Incluso las bandas que incorporan electrónica muestran que es un género muy amplio.

Antes mencionabas que tuvieron sus primeros conciertos en 2025. ¿Cómo se siente tocar después de nueve meses desde el último show? ¿Qué se siente volver a subir al escenario?

Éric: Se siente genial. Siempre nos sentimos un poco oxidados, porque ya todos estamos bien pasados de los 40; algunos casi llegando a los 50. Así que necesitamos calentar, hacer ejercicios y practicar un poco más. Pero en cuanto tocamos la primera nota, ver a los fans, la reacción del público… se siente increíble. Olvidas todos los problemas, los físicos o lo que sea, y simplemente te concentras en el show, y es maravilloso.

Además, sigue siendo increíble poder tocar canciones nuevas que a la gente le gustan y quiere escuchar. Porque algunas bandas grandes sacan álbumes nuevos cada cierto tiempo, y los fans ni se interesan; solo quieren escuchar los temas antiguos. Pero afortunadamente, para nosotros, la gente todavía se interesa por el material nuevo y las canciones nuevas que lanzamos. Así que sí, se siente genial.

TTH: Entonces, ¿qué sigue para Despised Icon? ¿Cuáles son sus planes? Escuché que tienen una gira planeada.

Éric: Sí, este año nuestro siguiente paso va a ser hacer una gira completa por Estados Unidos. Después de eso, me encantaría tocar un poco más aquí en Canadá, porque no hemos tocado mucho. Canadá es un país muy grande y nosotros estamos en la parte este, pero me gustaría ir a la parte oeste, así que quizá trabajemos en eso.

Además, hace tanto que no lanzamos material nuevo y viendo la reacción tan positiva que ha tenido la gente, siento que cuando volvamos a casa para el nuevo año probablemente vamos a empezar a escribir cosas nuevas, planear nuevas canciones y entrar al estudio para poder lanzar un álbum antes de que pasen otros cinco o seis años.

TTH: Oh, espero que sea así. Y, una última cosa: ¿Qué les dirías a las personas, a los fans que van a escuchar Shadow Work cuando salga, y que nos van a ver en la gira por Estados Unidos y luego en Canadá? ¿Qué mensaje les darías?

Éric: Bueno, todo lo que puedo decir es un agradecimiento muy sincero y honesto. Gracias por apoyar a la banda, por estar con nosotros todos estos años, por escuchar nuestra música y comprar el merchandising. Eso realmente nos ayuda y nos da la motivación para seguir adelante.

No damos nada por sentado y estamos realmente, realmente agradecidos con todos los fans que siguen escuchándonos y apoyándonos después de todos estos años. Ha sido un viaje increíble; ya casi son 25 años. Y sí, creo que todavía nos queda mucho por dar. Queremos seguir desafiándonos a nosotros mismos y continuar escribiendo y sacando música.

A propósito de la gira que la espectacular banda de heavy/power metal Lörihen empezará gira por nuestro país empezando este jueves 30 de octubre en la ciudad de Puebla, nos tomamos la libertad de platicar un rato con Emiliano Obregón, líder y fundador de la banda de 1996, donde platicamos un poco sobre sus experiencias y expectativas para este segundo tour en tierras mexicanas.

Hola Emiliano, muchísimo gusto y muchas gracias tu tiempo para tomar este entrevista. Antes que nada, cuéntame, ¿esta es la primera vez que vienen a México o ya nos habían visitado antes?

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No, agradecer, agradecer el cariño, contacto. Bueno, de alguna manera cómo ha crecido exponencialmente en los últimos tiempos la cantidad de gente que nos sigue, nos escucha, entiendo que nosotros somos muy de generar eso, pero la verdad que creo, en mi caso, México es como si fuera un segundo hogar, porque más allá de todo esto tengo ascendencia mexicana, tengo familia mexicana ya, así que es un placer siempre estar visitándolos.

Desde Getafe, Mvrmvr emerge como una de las propuestas más inquietantes y profundas del metal atmosférico español. Su nuevo trabajo, Red Hill, es un álbum conceptual que entrelaza historia, simbología, crítica y emoción, tomando como eje el Cerro de los Ángeles y su carga espiritual, política y social. En esta entrevista, la banda nos habla sobre la gestación del disco, sus influencias, su relación con la ciudad y la manera en que transforman el dolor histórico en arte sonoro.

• Red Hill es un álbum conceptual muy ambicioso. ¿Cómo definirían la historia que quieren contar y cómo conecta con su ciudad y su historia?

Red Hill es un álbum muy conectado con nuestra ciudad y nuestras vivencias. De ahí toma el nombre, Cerro Rojo, pero en inglés obviamente, en referencia al nombre que se le dio al Cerro de los Ángeles en un corto periodo de tiempo en 1937. El Cerro de los Ángeles, que hay quien lo considera centro geográfico de la Península, es un lugar cargado de simbolismo e historia, pero para nosotros representa un catalizador de dolor y represión que se alza en forma de monumento religioso.

Tal vez mucha gente de Getafe, o de cualquier parte de España, no conoce o no ha hecho por conocer todo lo que representa este lugar. Es cierto que el disco no se centra únicamente en un episodio durante la Guerra Civil, sino que abarca mucho más, desde épocas pasadas hasta lo que supone este monumento para nosotros en la actualidad.

• Han trabajado con Víctor Saiz en California Studios para grabar, mezclar y masterizar el disco. ¿Cómo influyó su trabajo en la atmósfera final del álbum?

Víctor es un gran profesional y California Studios es un lugar inmejorable para grabar hoy en día en Madrid. Ya teníamos la experiencia previa de trabajar juntos con Pvtrefactio y el resultado fue muy positivo. En esta ocasión las dos partes nos conocíamos mejor y todo ha fluido con mucha naturalidad y entendimiento.

A la hora de tomar decisiones existe cierto diálogo, siempre escuchamos y respetamos las sugerencias de Víctor y algunas de las decisiones recaen sobre él. En todo momento buscamos un sonido orgánico, que todo suene bien pulido pero real. Además, a la hora de grabar el ambiente siempre es muy distendido, sin nada de presión, y así las cosas salen mejor.

El resultado final, mezcla y masterización, nos parece que tiene ese sello de identidad de California. Es una gozada escuchar un metal tan oscuro, con tantos matices y elementos, y sentir que todo está en su sitio, que todo tiene protagonismo.

• La portada de Azahara G. Martínez refleja un ambiente muy oscuro y simbólico. ¿Qué importancia tiene el arte visual para la narrativa de Red Hill?

Creemos que lo habéis definido muy bien, el Cerro de los Ángeles es un lugar lúgubre y oscuro. A priori puede parecer un lugar de paz y reconciliación. De hecho, creemos que la Iglesia así lo pretende. Pero a nada que tengas una mirada crítica, te das cuenta de que es una colina cargada de muerte y de odio.

Todo esto se trata de transmitir desde esa portada sobria, que de alguna manera supone una mirada invertida a la historia, a lo que la mayoría dormida puede creer hoy en día. Si subes hasta la cima y entras en el templo, es un lugar que realmente da miedo.

Luego tenemos ese sentido reforzado de que la portada del disco es realmente lo que es: ahí tienes el Cerro Rojo, renovado tras su destrucción. Lo que una vez fue destruido, a día de hoy se eleva aún más alto (666 metros para ser exactos), alzado por la dictadura franquista como un elemento de control que te vigila desde cualquier parte allí arriba. De alguna manera, nosotros queremos bajarlo de ahí.

• El disco aborda la relación entre la Iglesia y la dictadura franquista en el Cerro de los Ángeles. ¿Qué los motivó a explorar ese episodio histórico desde una perspectiva musical?

Al final es una herida abierta, y cada ciudad, cada pueblo de España tendrá su propio Cerro de los Ángeles. No diremos que este punto negro en la historia de España —que hemos tenido muchos, pero quizá este sea el más grande de todos— no haya sido tratado antes por otros artistas. Sin embargo, creemos haber hecho un acercamiento diferente, tal vez más profundo, más cercano y, desde luego, mucho más incómodo.

Parece un cliché que una banda de metal europea ataque a la Iglesia, y en parte es cierto, porque muchos lo hacen vagamente desde la fe o desde la ficción. Nosotros no hablamos de demonios, ni rituales, ni invocaciones, tampoco tratamos de ser despectivos con una fe milenaria. Creemos que vamos a un problema mucho más tangible, que señala a una entidad y una cúpula a los que la religión les importa bien poco. En la Iglesia como institución en España anidó el mal por mucho tiempo y fue el azote para muchos españoles tan humildes como inocentes.

• Su sonido mezcla post black, blackgaze, atmospheric black, doom y toques progresivos. ¿Cómo trabajan para mantener coherencia entre tanta diversidad sonora?

Mantener la coherencia es tan importante como complejo. Hemos tenido grandes disputas para poder hacer sonar todo lo más aunado y coherente posible. Al final somos una banda que tratamos de pulir mucho todos los aspectos, quizá más de lo que deberíamos, aunque luego da sus frutos.

A todos nos gustan diferentes estilos, incluso géneros más allá del metal, y la música hay que disfrutarla. Por esta mezcla, Red Hill es un disco muy ameno, que invita a ser reescuchado y no se hace pesado. El post metal, donde intentamos mantenernos, ofrece mucha libertad y muchas posibilidades. Las canciones tan largas, con estructuras tan variables, suponen un reto como músicos, pero también un universo infinito en el que probar y jugar.

• Las letras de Red Hill contienen metáforas ocultistas y ritualísticas. ¿Qué papel juega lo simbólico y místico a la hora de componer música tan intensa y envolvente?

Para nosotros es crucial, ya que nos da la libertad de poder decir lo que queremos de una forma más velada, que invita al oyente a leerse las letras, analizarlas y reflexionar sobre ellas. Nos gusta que las personas que nos escuchan saquen sus propias conclusiones acerca de lo que se habla en la canción, así como utilizar estos recursos más “místicos” para poder reivindicar temas sociales y mundanos, jugando con esa antítesis.

Además, a nivel personal, encontramos mucha inspiración en la simbología alquímica, el ocultismo y las tradiciones.

• Algunos comparan su estilo con Amenra, Deafheaven o Mgła. ¿Cuáles son sus principales influencias y cómo las adaptan a su propio universo sonoro?

Para nosotros es todo un honor, ya que son tres bandas que nos han influenciado mucho a lo largo de estos años en Murmur.

También tenemos influencias muy variadas y dispares entre nosotros, y creemos que eso se transmite en nuestra música. Vemos esto como algo muy positivo, ya que nos ayuda a no sonar repetitivos o “parecidos a”, intentando siempre crear algo original.

Para este álbum yo citaría a una banda pilar en nuestras influencias: los irlandeses Altar of Plagues, sobre todo en Red Hill 2, así como ya en algunos temas de Pvtrefactio.

Las partes más pesadas y atmosféricas tal vez nos acerquen a proyectos como Amenra, mientras que las secciones más melódicas y de blackgaze evocan a Deafheaven o Heretoir. Por último, con Red Hill siempre citamos ese intento de dotar al disco de un lado ‘folk’, ya que hablamos sobre lugares de nuestra ciudad natal, con influencias de Agalloch, Wolves in the Throne Room o Falls of Rauros.

• Red Hill parece buscar una experiencia sensorial completa para el oyente. ¿Cómo trasladan esa intensidad y atmósfera a sus conciertos?

Tiene cierta complejidad, especialmente después de los dos videoclips tan ambiciosos que hemos podido realizar, llevar un directo que no quede carente en comparación.

Nosotros vemos nuestro directo como un añadido a esa experiencia. Siempre intentamos cuidar la escenografía y el vestuario para generar un ambiente propicio. Como nuestras letras, nuestros conciertos tienen ese tono ritualístico llevado a cabo por Beatriz (la vocalista). Para este álbum, hemos cambiado la propuesta a una mucho más sobria, que evoque a la nostalgia y al dolor. Ahora más que un ritual, llevamos a cabo un rito de sepultura, una despedida.

A nuestro vestuario también le hemos dado un toque más bélico, desgastado, mientras que Beatriz luce como una plañidera que transmite esa frialdad y ese lamento mientras guía el rito en sí mismo.

• Tras Red Hill, ¿qué dirección imaginan para Murmur? ¿Más exploración conceptual, nuevos elementos musicales o mantener la misma senda atmosférica y oscura?

Ahora mismo, y aun estando tan centrados en la salida del álbum, tenemos ideas puestas sobre la mesa. Lo conceptual, así como ese tono oscuro y reflexivo, es algo que caracteriza la esencia de la banda, por lo que seguirá apareciendo en nuestros nuevos trabajos.

A nivel musical, intentamos ir evolucionando, aprendiendo y llevando la madurez que da la experiencia a nuestros temas. Tampoco somos una banda que se cierre a las pretensiones ligadas a un género determinado, por lo que creemos que lo que venga en el futuro mantendrá nuestra esencia, pero seguirá siendo una nueva cara a descubrir de Murmur.

Tras varios años de separación y proyectos aparte, los abanderados del hardcore argentino Nueva Etica estuvieron de regreso para reunirse con sus fans el domingo 9 de noviembre en el Teatro Flores, en una fecha tan violenta y catártica como emotiva. Para esta ocasión hablamos con el guitarrista Lisandro Guerra sobre tan esperada fecha.

—Muchas gracias a todos en Nueva Ética por darnos tiempo para esta entrevista. ¿Cómo vienen las cosas ahora con la banda? ¿Cómo se están dando los preparativos para la fecha de regreso?

Hola a todos, muchas gracias por brindarnos este espacio y por tomarse el tiempo en realizarnos esta entrevista. Estamos laburando a full para que la noche el 9 de noviembre en el Teatro Flores sea una velada única e inolvidable, un reencuentro de lujo con tantos amigos de la banda que no vemos hace mucho.

—¿Cómo se sintió reunir a Nueva Ética después de casi una década y media?

Una felicidad enorme poder volver a preparar a la máquina para estar en un escenario, en nuestro hogar, ya que la ultima vez que pudimos juntarnos fue en un gira por EE.UU. así que no podemos más de las ganas.

—¿Creen que la escena hardcore haya cambiado en estos años que Nueva Ética estuvo alejado de los escenarios?

Por supuesto que si. Es algo natural, la escena hardcore siempre va cambiando con las décadas, ingresa nueva gente, nuevas bandas, pero a pesar de eso la esencia siempre es la misma.

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—He visto gente joven, que lo más seguro no haya podido verlos durante esa primera etapa, descubriendo a Nueva Ética en estos años. ¿Creen que mantener joven a la escena es algo importante?

La escena es un lugar de encuentro de jóvenes y no tan jóvenes con las ganas de unos y la experiencia de los otros, es lo que a la larga genera los mejores momentos y esta claro que sin los jóvenes se marchitaría irremediablemente.

—Hablando acerca de la fecha en el Teatro Flores, ¿cómo armaron la lista de canciones? ¿Cuáles creen que tienen sí o sí que estar presentes en un concierto de Nueva Ética?

Con la lista buscamos un equilibrio entre los temas de todos las épocas para que gente que no vio nunca a Nueva pueda saber de qué se trataba y los más conocedores se sientan satisfechos de que escucharon los temas que querían escuchar. Son varios que no pueden faltar.

—Creo que la pregunta obvia es acerca del futuro. ¿Qué viene después de esta fecha para el futuro de Nueva Ética? ¿Cuáles son los planes?

La verdad es que ni nosotros mismos sabemos a dónde nos llevará la vida, ahora estamos enfocados en esta fecha para dar lo mejor, después mientras estemos juntos quien sabe…

1914 es una banda que puede decir que ha experimentado, de una forma u otra, las cosas de las que hablan en sus canciones. Rhapsody of Fire nunca pelearon con dragones, Running Wild nunca saquearon navíos en sus aventuras como piratas, Mastodon nunca se enfrentaron a una enorme ballena blanca, y ninguna banda de black metal se habrá encontrado con Satanás, pero estos ucranianos dedicados de lleno a la temática de la Primera Guerra Mundial pueden decir que han experimentado la guerra en primera persona. Formados en 2014 justo a tiempo tanto para el centenario de la Gran Guerra como para el comienzo de la invasión rusa a su país natal, el cuarteto de la ciudad de Lviv trata de representar el conflicto bélico con la mayor precisión posible, no sólo por su respeto a los hechos históricos sino también por vivir en una zona de guerra, y a pesar de tener ahora a uno de sus integrantes peleando en las fuerzas ucranianas la máquina de 1914 no para. 

Es así que a poco de que salga su nuevo álbum Viribus Unitis el 14 de noviembre, pudimos hablar largo rato con el cantante Dmytro Kumar, o “2.Division, Infanterie-Regiment Nr.147, Oberleutnant – Ditmar Kumarberg” como se presenta en los últimos álbumes, tanto sobre este nuevo trabajo como de la manera en la que se habla sobre la Primera Guerra Mundial en los medios y entre otras bandas de metal, la actualidad en Ucrania, la importancia de la representación certera de los hechos históricos y un sinfín más de temas.

Track To Hell: Le hice una entrevista a la banda hace como cuatro o cinco años, ¿sabés? Estábamos con Vitaliy, creo.

Dmytro: ¡Sí! Con un tipo grandote, ¿no?

Track To Hell: Así es, en noviembre de 2021, cuando lanzaron Where Fear and Weapons Meet. Y obviamente estábamos en la pandemia, así que las cosas deben haber cambiado mucho en 1914. ¿Cómo está todo?

Dmytro: Vitaliy ahora está en el ejército, así que le puedes mandar un saludo.

Track To Hell: Ah, mierda.

Dmytro: ¡Así es la vida! ¿Cómo han cambiado las cosas? Bueno, pasamos lentamente de la pandemia a la guerra, a la Gran Guerra. Nosotros la llamamos la Gran Guerra porque para nosotros los ucranianos la guerra comenzó hace más de 11 años, por Crimea, por la región de Donetsk y todo eso. Pero hace más de tres años empezó realmente la invasión a gran escala, y la llamamos la Gran Guerra.

TTH: La banda comenzó con la guerra, básicamente.

Dmytro: Sí, la banda comenzó en el centenario de la Gran Guerra y también cuando comenzó la guerra entre Rusia y Ucrania.

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TTH: Me da un poco de vergüenza admitir que tardé un tiempo largo en darme cuenta de que 1914 se había formado justo cuando se cumplían 100 años de la Primera Guerra Mundial. Así que… hablemos un poco acerca del gran tema que tenemos hoy. [Risas] Así que tienen un nuevo álbum, que estará saliendo en un par de días, y se llama Viribus Unitis. Contamos un poco acerca de la estructura de este álbum, porque obviamente es acerca de la Primera Guerra Mundial porque ese es el concepto alrededor del cual gira la banda, pero cada disco parece que trata acerca de la guerra desde diferentes ángulos, diferentes frentes. Y por lo que vi de este Viribus Unitis, los títulos de las canciones van en orden cronológico y además es acerca de un solo soldado. Contanos acerca de eso.

Dmytro: Todo el álbum está basado en el la historia de guerra de un soldado de nuestra ciudad natal Lviv, o Lemberg, de la región de Galitzia, donde nació la banda. Todo lo relacionado con este álbum se basa en sus memorias de guerra, cartas desde la cautividad y hechos históricos reales. He combinado todo esto en un álbum para reconstruir, año tras año, paso a paso, su camino de guerra, su destino y cómo reaccionó, cómo comenzó esta guerra.

Se trasladó desde Lemberg, porque los rusos invadieron y capturaron mi ciudad natal. Este soldado, nuestro protagonista, se mudó a Przemyśl, y luego de Przemyśl a los Montes Cárpatos. Desde los Cárpatos, después de una de las batallas más grandes de la Primera Guerra Mundial, la Operación Invierno de los Cárpatos, él y su regimiento se trasladaron al frente italiano, donde pasó más de dos años.

Fue capturado, y la historia relata cómo escapó y regresó de la cautividad. Desde Viena volvió a Lviv, nuestra ciudad natal, para luchar contra las tropas polacas que invadieron después de la Primera Guerra Mundial en lo que se llama la Guerra Polaco-Ucraniana.

Nuestros vecinos de Polonia invadieron nuestra ciudad natal y Galitzia. Él regresó desde Austria a Lemberg para luchar contra los polacos y murió el último día de la ofensiva. Es una historia sin un final feliz, y fue enterrado en una tumba desconocida, como muchos otros soldados desconocidos, como el soldado desconocido del ejército ucraniano, y es ahí donde termina todo. Es una historia que provoca horror que no es sólo acerca de un soldado, sino que muestra toda la historia ucraniana.

Sabes, cada vez que luchamos, siempre estamos esforzándonos por nuestra independencia, y tenemos muchos enemigos. Los rusos nos invadieron durante la Primera Guerra Mundial. Los rusos nos invadieron durante la Segunda Guerra Mundial. Los invasores rusos volvieron de nuevo, y cada vez nos enfrentamos al mismo enemigo y repetimos las mismas historias. Mucha gente nuestra ha muerto porque queremos ser un país normal, con nuestra independencia, nuestro idioma, historia y cultura. Queremos ser un país democrático normal en el corazón de Europa.

Pero cada vez nos enfrentamos a invasores, a vecinos que intentan robar una parte de nuestra tierra, de nuestra historia. Este álbum, en realidad, no trata solo sobre un soldado ucraniano, sino sobre todos los soldados ucranianos que han luchado y muerto por nuestra independencia.

TTH: Recuerdo haber leído una entrevista donde no sé si eras tú o alguien más, creo que eras tú, diciendo que no muchas personas hablan sobre los combates luchados en el frente oriental.

Dmytro: ¡Sí!

TTH: Que el frente occidental recibe mucha más atención porque están involucrados, ya sabes, los ingleses y los franceses… 

Dmytro: Vamos a llamarlos, digamos, [hace comillas con los dedos] “los europeos”. Porque para la mayoría de los europeos, en realidad, los pueblos eslavos, de Polonia, de Ucrania, de Eslovaquia, no son realmente considerados “europeos”.

TTH: Son algo diferente.

Dmytro: Sí, algunos eslavos de mierda de los que nos podría importar una mierda su existencia. Y reaccionaron de esa manera.

TTH: Lo del frente oriental y el frente occidental me recuerda a lo que pasa también con la Segunda Guerra Mundial. Obviamente muchos hablan acerca de los alemanes y los rusos y Stalingrado y demás, pero aparte de eso no se habla mucho. Y eso es algo que aprecio acerca de la banda, que no estén hablando sólo sobre las guerras y las batallas más famosas.

Dmytro: Por ejemplo, si hablamos acerca de los horrores del frente oriental… ¿De dónde eres?

TTH: Argentina.

Dmytro: (Se queda pensando porque claramente no se lo esperaba) ¡Ah!

TTH: Lo sé, lo sé.

Dmytro: OK, OK. (Se ríe)

TTH: Muchos creen que soy de España porque la página es de España, pero…

Dmytro: Bastante alejado de aquí.

TTH: Bueno, España tiene una Galicia, así que…

Dmytro: Lo sé, lo sé. Tenemos las mismas regiones que los celtas gallegos en España y la Galitzia de Ucrania, y probablemente la misma historia de las tribus celtas. Si hablamos del frente oriental, una de las batallas más horribles y sangrientas de la Primera Guerra Mundial ocurrió aquí, en Ucrania. Por ejemplo, la operación invernal de los Cárpatos, con alrededor de dos millones de bajas. ¿Te lo puedes imaginar? Dos millones de muertos, de gente en las montañas. Es una locura. 

Verdún tuvo alrededor de un millón de muertos, de ambos lados, pero Verdún es una marca muy conocida.

Sí, sí. Todo el mundo conoce Passchendaele, todo el mundo conoce Verdún, todos conocen Ypres o Somme.

TTH: Esas tienen una canción de Iron Maiden sobre ellas.

Dmytro: Exacto, pero nadie conoce el Frente Oriental y, en realidad, a la gente no le importa en absoluto un carajo. Por ejemplo, la segunda batalla más grande del frente oriental ocurrió aquí, en Ucrania, y se llama la Ofensiva Brusilov. Puedes buscarlo en Google y te vas a impresionar: más de dos millones y medio de bajas. Dos millones y medio. Es una cantidad enorme de heridos y muertos, y enormes pérdidas para el Imperio Húngaro. Después de la Ofensiva Brusilov, nunca se recuperaron realmente. Ellos simplemente lo perdieron todo, por eso colapsaron. Y nadie conoce esta parte de la historia, por eso intento difundir las historias y los mensajes. Cantamos muchas canciones sobre el frente occidental; tenemos una canción sobre Verdún, otra sobre Passchendaele, pero siempre intentamos combinarlo, por ejemplo, con el Imperio Otomano, o con la batalla de los soldados ucranianos como Philip Konowal, o con los Arditi, los soldados italianos. Siempre intentamos mostrar que la Primera Guerra Mundial no fue solo sobre alemanes, británicos y franceses. Muchas naciones estuvieron involucradas. Tengo en mente muchas historias que contar, y para los nuevos álbumes también. Por eso este disco está basado en el destino de un soldado ucraniano, para mostrar su historia, la historia de Ucrania y todos estos eventos históricos al mundo. Por ejemplo, en Europa ni siquiera saben mucho sobre el frente italiano.

TTH: Exacto.

Dmytro: Saben sobre el frente occidental, pero el frente italiano no estaba en occidente, ¿viste? Es como un poco al sur, así que no saben nada al respecto. Cuando intentas hablar con alemanes, franceses, belgas o con gente de los Países Bajos sobre el frente italiano… No, no saben nada, ni siquiera sobre Italia. Para ellos, Ucrania es otro planeta, ¿entiendes? Muchos ucranianos sirvieron en el frente italiano, por eso es que incluí esta gran historia sobre los acontecimientos ucranianos, luego el frente italiano, la captura y la fuga a través de Austria, y después regresar nuevamente a Ucrania, donde finalmente falleció.

TTH: Reuniendo todas las diferentes partes de la guerra en una sola historia.

Dmytro: Ajá.

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TTH: Entonces, quiero… Si no me equivoco, la canción “1919 (The Home Where I Died)” nos lleva a la época posterior a la guerra.

Dmytro: Sí. “1919” trata en realidad sobre la guerra ruso-ucraniana o ruso-polaco-ucraniana. E incluso uso la expresión “la guerra que nunca termina”, porque, como sabes, cada vez que nosotros, los ucranianos, nos enfrentamos a guerras de mierda, como las guerras polaco-ucranianas, luego los bolcheviques intentaron conquistar Ucrania, y después de ellos los rojos, como la Unión Soviética, vinieron aquí, y luego los alemanes vinieron y trataron de conquistarnos, y de nuevo los comunistas… es una locura. Cada vez que intentamos construir nuestra independencia, siempre nos enfrentamos a toda esta mierda.

TTH: Sí, porque si escuchas a mucha, mucha gente hablando de esa época, de esa era en Europa, podrías pensar que, cuando terminó la Primera Guerra Mundial…

Dmytro: ¡Que todo estaba bien!

TTH: Que todo fue paz hasta la Segunda Guerra Mundial, digamos. 21 años de paz, y no es así.

Dmytro: Y nosotros nos olvidamos completamente del fascismo en Italia, de cómo empezó. Después de la Primera Guerra Mundial, directamente nos olvidamos de las guerras balcánicas, de cómo Serbia invadió todo. Nos olvidamos por completo de las revoluciones en Alemania y de cómo continuó la República de Weimar. Y nos olvidamos de la guerra polaco-ucraniana y de la guerra polaco-rumana, y luego Rumania también invadió Ucrania, una enorme cantidad de guerras.

TTH: Eran cuatro años de guerra y luego nada más, hasta que Hitler invadió Polonia. 

Así que hay un detalle sobre la banda que quería preguntarte y es sobre los pseudónimos, los nombres que usan. Todos en la banda usan un pseudónimo con un rango muy largo y un nombre, y, si no me equivoco, los cambian con cada álbum para ajustarse al concepto. Quería preguntarte, ¿cómo los eligen? Porque suenan como nombres reales, pero muchas veces también suenan muy cercanos a sus nombres reales. Es algo en lo que he estado pensando desde la primera entrevista.

Dmytro: Un segundo, voy a agarrar el vinilo y lo leeré directamente de donde lo tenemos. (Se va a buscar el vinilo y vuelve unos segundos después). Así que, por ejemplo, en la vida real nuestro baterista se llama Rostyslav Potoplyak. Si chequeas el nombre, verás que aquí se llama Rostislaw Potoplacht, como una versión alemana de los apellidos ucranianos. Lo mismo para mí: aquí soy Ditmar Kumarberg y en la vida real soy Dimitri o Dmytro, así que es la versión germánica de mi nombre. Entonces reaccionamos de esta manera, usando los típicos nombres ucranianos y eslavos, con algo de pronunciación germánica debido al Imperio Austrohúngaro y porque ellos intentaban germanizar todo.

TTH: Diferentes versiones.

Dmytro: Exacto, diferentes versiones de los nombres reales. Otro ejemplo es el de nuestro bajista Armen Ohanesian, que en la transcripción germana es algo como Armen Howhannisjan.

TTH: No lo había notado, te agradezco mucho. Entonces algo que realmente aprecio de 1914 es que se adentran profundamente en, digamos, los aspectos menos gloriosos de la guerra. Obviamente, hay muchas bandas que hablan sobre la guerra; por ejemplo, hace un par de semanas estaba escuchando el nuevo disco de Sabaton y pensaba en eso. (Dmytro mira con la mirada más desaprobatoria que haya visto en mi vida).Sí, lo sé. Pero ustedes toman otra ruta: muchas bandas hablan de eventos históricos, pero suenan como la versión musical de la versión de Hollywood de esos hechos históricos. Ustedes, en cambio, hablan de cosas como soldados ejecutados por deserción, como en la canción “Coward”, de Where Fear and Weapons Meet. Ahora, ¿tienen algún comentario sobre cómo tratan estos eventos históricos en sus canciones?

Dmytro: Primero que nada, el principal problema de este tipo de bandas, como Sabaton y muchas otras que cantan sobre la guerra, es que quieren ser estrellas del rock y actúan como un típico rockstar o un típico fanático del metal.

TTH: Tienen que comprimir todo este evento histórico en una canción de tres minutos y medio.

Dmytro: Ellos quieren ser estrellas de rock, y yo no quiero serlo. (Risas). Entonces, esta es la razón principal. Yo me meto a fondo: hago una enorme investigación histórica. Para este álbum, pasé alrededor de seis meses en archivos, leyendo muchas cartas de soldados desde la cautividad, muchas memorias de guerra. ¿Quién quiere hacer esto? ¿Sabaton? No, ellos no quieren leer sobre eso; solo abren Wikipedia, leen sobre algún evento y luego piden a Chat GPT que les proporcione letras genéricas, combinan su música genérica con esas letras genéricas y obtienen lo mismo de álbum en álbum. Pero la gente sigue consumiendo esa porquería, se trata sobre el coeficiente intelectual en el mundo y no sobre la música.

TTH: Y hay gente que dice que se interesó en la historia gracias a Sabaton. Pero no los tomarías como una fuente confiable.

Dmytro: Oh sí, ellos leyeron Wikipedia. Tantas cosas geniales. (Risas). ¡A la mierda con esto! No puedo parar de reírme si seguimos hablando sobre este “metal Disney”. Mi misión principal es difundir mensajes y contar historias. No soy un fanático del metal, no soy músico, no soy cantante. Soy un nerd de la historia, y no quiero ser una estrella de rock. Por eso reacciono de manera completamente diferente. Para mí es más importante tener una historia con precisión histórica completa que los riffs poderosos o grandes letras con estribillos y versos que la gente recuerde y cante, a la mierda con eso. No, yo tengo letras 100 % históricamente precisas y un trasfondo y narrativa históricamente exactos. Y para mí esto es más importante que cualquier festival enorme o cosas por el estilo. Esa es una manera completamente diferente de pensarlo.

TTH: Es como si estuvieran cantando sobre estos eventos históricos reales como si estuvieran hablando de El Señor de los Anillos, ¿sabes? Si hablas de ficción, hazlo como quieras. Pero estos son eventos históricos reales con personas reales involucradas.

Dmytro: Desde hace unos 20 años estoy excavando a los soldados muertos de la Primera Guerra Mundial. Empecé en las montañas Cárpatos, en el bosque de Volinia, y los enterramos. Vi muchos restos humanos, muchos esqueletos con cartas, por ejemplo, dirigidas a sus madres, y nos sentábamos a leerlas. Y es como… mierda. No sólo te da inspiración, sino que te cambia mucho la manera de pensar, ¿sabes?

TTH: Esta es gente de verdad. 

Dmytro: Sí, es real. Aquí desentierras a un soldado muerto de verdad, con su maldito rifle, con sus malditos restos, con su maldita mochila con pan dentro. Y nosotros, como ucranianos, hemos enfrentado la guerra durante más de 11 años. Todo esto te da un punto de vista completamente diferente. Te cambia la mente, la forma de pensar y cómo reaccionas ante muchas, muchas cosas en la vida. Realmente creo que todos los ucranianos que se quedaron en Ucrania ahora mismo tienen alguna forma de estrés postraumático, porque cada vez te enfrentas a drones, ataques con misiles de crucero y esas noticias horribles. Así que sí, como nación tenemos un gran estrés postraumático. Si comparas esta experiencia con la “mierda” de experiencia de Sabaton, ellos solo están tomando cerveza y divirtiéndose, haciendo música para fiestas o eventos, y vienen a nuestro show a tomar cerveza y pasarla bien. La guerra no es eso. La guerra no es diversión, y no, no me impresiona toda esa mierda genérica.

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TTH: Así que, cuando hablas de la muerte como algo que no se puede separar de la guerra, estaba pensando en la portada del álbum con la enorme Parca en la parte trasera, y la Parca está obviamente en todas las portadas de los discos. Eso es algo que realmente aprecio de la banda, porque nos recuerda que la muerte siempre está presente cuando hablamos de guerra. Cuéntanos un poco sobre la portada del álbum.

Dmytro: Como mencionaste, sí, se trata de eso. Sabes, por un lado tenemos al arcángel, y uno podría pensar “oh, es nuestro arcángel, probablemente se trata de algo divino, de la salvación, del salvador”. Pero no, nada de eso. El arcángel está ahí como un cómplice de la Parca, y juntos hacen un enorme baño de sangre, como si estuvieran cortando vidas, una tras otra. Se trata de una cantidad enorme de gente muerta, y no tiene nada que ver con la protección, ni con la fe, ni con Dios, ni con nada de eso. La guerra solo tiene que ver con esa maldita Parca, y aunque intentes confiar en el lado divino, no: están juntos en el mismo crimen.

TTH: Recuerdo que alguien decía que 1914 nunca falla con las portadas de sus álbumes, que siempre son geniales. Pero al ver esta portada en particular, me hace… sabes, me hace pensar.

Dmytro: Incluso en el caso de la portada, porque Viribus Unitis tiene un significado un poco distinto si hablamos del disco en su conjunto. Pero si hablamos del arte del álbum: ese arcángel y la Parca juntos, con sus fuerzas unidas, te matan.

TTH: Porque cuando pensamos en el arcángel pensamos en el cielo, y con la Parca pensamos en el infierno. Pero están trabajando juntos.

Dmytro: El infierno está aquí.

TTH: Estamos en medio del cielo y el infierno.

Dmytro: En el medio del cielo y el infierno, tienes la guerra, tienes la trinchera.

TTH: Tengo un par de amigos que son realmente, realmente grandes fanáticos de los juegos de guerra, especialmente juegos de estrategia bélica. Especialmente World of Warships, pero también Isonzo, es como, ya sabes…

Dmytro: Conozco ese juego.

TTH: Sí, y ellos estaban realmente emocionados cuando les conté que iba a entrevistarte. Y conozco un par de personas que se interesaron mucho en la Primera Guerra Mundial gracias a ustedes, gracias a la banda. Principalmente porque la mayoría de las canciones de metal sobre guerras tratan sobre la Segunda Guerra Mundial, que recibe mucha más atención. ¿Recibes comentarios similares sobre personas que se interesan en la Primera Guerra Mundial gracias a 1914?

Dmytro: Por supuesto, por supuesto. Y no solo recibo comentarios, tengo muchísimas respuestas de belgas, franceses, alemanes… Y lo más importante es que no se trata solo de mensajes. Van a nuestros shows con toda la familia: el padre, la madre, el abuelo, y traen muchos recuerdos familiares. Me dicen: “Mira, aquí está la fotografía de mi abuelo. Él luchó aquí, murió aquí”. Y me traen balas, fragmentos, cruces de tumbas de guerra, monedas conmemorativas, libros… Cada vez que hacemos giras por Europa recibo una cantidad enorme de regalos de familias, porque esta parte de la historia es muy importante para ellos. Y no son metaleros, ¿sabes? Este verano, por ejemplo, tocamos en Bélgica, y había una abuela con su nieto que fue directamente a nuestro concierto porque cantábamos sobre un regimiento belga. Ella conocía la canción porque su abuelo había servido en ese regimiento, y para ella fue realmente importante ver a esos “tipos raros” de Ucrania que cantaban sobre su abuelo. Nadie en Bélgica lo hacía, pero sí unos chicos de Ucrania.

Ella me llevó una foto y una pequeña bala de un fusil belga como regalo. Para mí, eso significa muchísimo. Me da muchísima inspiración, me pone la piel de gallina. Tengo una gran colección de estos regalos, de todo eso.

Y, por supuesto, también recibimos muchos mensajes de gente que nos dice: “Nos inspiraron”, “Nos dieron una dirección correcta para nuestras investigaciones históricas”, y cosas así. Porque, sabes, yo no soy metalero, no soy músico. Solo soy un nerd de la historia. Mi misión es difundir el mensaje y contar las historias. Lo más importante para mí es contar las historias sobre la Gran Guerra. Esa es nuestra diferencia total con otras bandas de metal que cantan sobre la guerra: nosotros no lo hacemos para entretener, ni para divertirnos y beber cerveza. Esto es una parte real de nuestra vida, de nuestra experiencia, de nuestra existencia.

TTH: Es sobre la educación.

Dmytro: Y sí, es sobre la educación.

TTH: En febrero lanzaron una colaboración con Ship Her Son, llamándose la Barney Hines Band, en honor al soldado australiano de la Primera Guerra Mundial, Barney Hines.

Dmytro: Ah, lo conoces. Eso está bien.

TTH: Lo tuve que buscar, lo siento, pero fue un artículo muy interesante. Juntos hicieron un cover de The Prodigy, de “Invaders Must Die”. ¿Cómo se dio eso? Porque esas son tres cosas que no me imaginaría juntar: ustedes, una banda rara industrial y una canción de The Prodigy.

Dmytro: Sí, primero que todo, no soy un fan del metal. Soy un gran fan de la música industrial. Estoy completamente inmerso en música industrial, música marcial, dark folk y, por supuesto, punk rock. Para mí, colaborar con artistas industriales es natural.

Si revisas los álbumes anteriores de 1914, como Where Fear and Weapons Meet, en los LP adicionales tenemos versiones especiales llamadas “versiones Shell-Shocked”, que son canciones industriales enormes. También tenemos unos remixes electrónicos, por ejemplo en Blind Leading the Blind hay una versión de “…and a Cross Now Marks His Place”, y en nuestro primer álbum, donde incluimos dos remixes industriales/electrónicos como material adicional. Con cada álbum siempre he intentado incluir algo de material industrial o electrónico. Incluso en la edición de tres LP del nuevo álbum, hay una versión de “Die Karpathenschlacht” a cargo de Ship Her Son, y la siguiente canción es con Kadaitcha, uno de los proyectos de noise e industrial más famosos de Ucrania. 

Entonces, nuevamente, como bonus en vinilo tenemos un remix de Kadaitcha y adicionalmente dos canciones de 1914 junto con dos remixes industriales. Para mí, esto es una forma de pensar y de expresar la música. Por ejemplo, la canción “Invaders Must Die” en mi mente se habría lanzado originalmente como 1914, sin sellos ni contratos, pero estando bajo Napalm Records tenemos un contrato que nos impide lanzar canciones sin sello. Por eso creamos, en colaboración, la Barney Hines Band, para poder sacar material de manera libre fuera de las restricciones de 1914. Algo justo en el medio entre Ship Her Son y 1914.

TTH: Como si fuera otro proyecto.

Dmytro: Exacto, como un proyecto aparte. Así que grabamos “Invaders Must Die” y lo sacamos. Lo pensé como un regalo para los soldados ucranianos, para el regimiento de nuestro guitarrista, que lo pudieran lanzar a través de su canal de Youtube. Pero en el último minuto, Napalm Records me contactó con un mensaje diciendo que ellos lo lanzarían, que no lo publicara, pero que sería desde el canal de Napalm Records, no desde el nuestro.

Eso arruinó un poco mi plan original, pero esta canción era una colaboración pensada como un apoyo, un regalo para los soldados ucranianos y para nuestros fans que están entre las filas del ejército ucraniano. Recibí muchísimos videos de chicos con nuestro merch en las trincheras, usando chalecos antibalas con camisetas de 1914, parches, uniformes, etc. Eso te da mucha inspiración y escalofríos. Esta canción, en esencia, nació como un regalo para ellos.

TTH: Entonces, quería preguntarte, ya sabes, para cerrar, ¿qué te gustaría decirles a los fans y a las personas que estarán escuchando este nuevo álbum? ¿Qué quisieras decirles?

Dmytro: Uh, ¡odio este tipo de preguntas!

TTH: ¡Lo sé! ¡Lo sé!

Dmytro: No quiero decirles nada. Solo escuchen el álbum, pongan play y, ya sabes, aprendan un poco. Eso es todo. Edúquense y prepárense para la guerra, porque la Tercera Guerra Mundial ya está aquí. Entonces, prepárense: compren armas, compren fusiles, practiquen disparar, consigan medicina táctica y prepárense.

En una ocasión tuvimos la oportunidad de conversar con los muchachos de Cruces Negras, la banda tributo a Black Sabbath, quienes se presentarán este viernes 21 de noviembre en Club V con su espectáculo “Homenaje a Ozzy Osbourne”. El show llega tras su última aparición el 7 de julio de 2025 y luego del fallecimiento de Ozzy, ocurrido el 22 del mismo mes, hecho que marcó profundamente al mundo metalero.

Cruces Negras nace como un tributo, pero después de 20 años ¿sienten que se convirtieron en una banda con identidad propia más allá del homenaje?

Si, sin dudas. Podes tomar el homenaje como una excusa para que un grupo de amigos se junten a hacer música. Todos arrancamos haciendo canciones de otros artistas. Nosotros continuamos y lo hacemos con mucho respeto.

¿Qué elementos creen que distinguen a Cruces Negras de otros tributos a Sabbath que existen en la escena local e internacional?

Ya de por sí somos 6 músicos. Algunos grupos prefieren ser solo 4 integrantes por el formato en el que se presentó Black Sabbath, pero lo real es que en los discos hay más instrumentos involucrados y de eso se trata, sonar lo más parecido al disco y no depender de una pista. Quizas seria mas facil, pero cómo interpretamos un grupo donde los músicos tocaban de verdad, preferimos que los músicos hagan lo mismo.

Reproducir el sonido de Sabbath implica también reproducir su energía. ¿Cómo se traduce esa búsqueda en los ensayos y en el vivo?

En el caso de Adrian (guitarrista), se tomó la molestia de ver cómo hace los arreglos Iommi dado la condición de él. Hubo algunas canciones que Sabbath nunca tocó en vivo, por lo que también se tuvo que dar una idea de cómo resolverlas. Ale (baterista) fue raro al principio ya que escuchaba a Purple y Zeppelin, y Bill Ward es un batero mas rustico y menos técnico, tuvo que aprender a ser más sencillo.
Renzo (voz) llegó para darle el toque de Dio, pero en esa oportunidad al homenajear a Ozzy es un nuevo desafío. Nico (tecladista) hace todo tipo de arreglos orquestales, en el disco hay bajo más allá del bajo y el te lo traduce en el teclado o bien si hay un solo con 2 guitarras, sabe dónde apoyarse en la base.

¿Hay algún tema que todavía represente un desafío técnico o emocional para la banda?

En 20 años te diría que los temas que aún no hemos tocado en vivo. Son los que arriba del escenario te generan más adrenalina, en su mayoría no son clásicos y a pesar de eso están buenísimos.

¿Cómo ven el vínculo de las nuevas generaciones con la música de Sabbath, en tiempos dominados por el consumo rápido y el algoritmo

Nosotros somos de edades distintas y cada uno tiene su manera de usar las redes. Pero en algo coincidimos: el público que te ve en vivo, se acuerda. Hoy todo pasa por la pantalla, entonces cuando alguien vive un show de verdad, con el cuerpo ahí, eso pega distinto. La pantalla puede intentar imitarlo, pero no llega. Es como las fotos con filtro: sí, están buenas, pero sabés que no son reales. En cambio un show no tiene filtro, es lo que está pasando ahí, no puede imitarse. Es auténtico.

La noticia de la muerte de Ozzy los reunió de nuevo. ¿Qué emociones aparecieron al tocar sus canciones después de ese impacto?

Tristeza y Respeto. Nadie esperaba su muerte tan rapido. Fue shockeante.

Más allá del homenaje, ¿Cómo los marcó Ozzy como artistas y como personas?

Ozzy fue un personaje introvertido. Cada uno lo conoció de manera distinta. Julian creó Cruces Negras justamente por el legado importante que le dieron al metal. Adrian conoció a Ozzy en su etapa solista, y asi cada uno tiene su versión.

¿Cómo imaginan la continuidad del proyecto: más shows tributo, material propio, cruces con otras disciplinas?

El proyecto esta vigente, son etapas, a veces tenemos muchos shows, a veces pocos. Cuando nos invitan a tocar y los 6 podemos vamos y la pasamos bien. En esta oportunidad el show lo gestionamos nosotros porque los 6 queriamos hacer este homenaje

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Cruces Negras está formado por Renzo Favaro en voz, Julián Rodríguez en bajo y coros, Ale Reggiani en batería, Adrián Daguerre y Prati Suárez en guitarras, y Nicolás Loto en teclados. A diferencia de Black Sabbath, que solía recurrir a músicos de apoyo ocultos detrás del escenario para reproducir los arreglos de estudio, Cruces Negras eligió ponerlos de cara al público. Por eso la formación se completa con seis integrantes en escena, buscando sonar tan fieles a los discos como sea posible.

Renzo Favaro es también la voz principal de Fughu y participó en el último trabajo de Jerikó, teloneando a Steve Harris. Julián Rodríguez, con experiencia en proyectos tributo a Judas Priest, Iron Maiden y Mercyful Fate, fue bajista de Matan S.A. y en los 90 compartió con Adrián Daguerre y Prati Suárez la banda de thrash Complex. Ale Reggiani, músico egresado, sesionista y fotógrafo de rock, trabajó junto a Juan del Barrio (Spinetta Jade, Los Abuelos de la Nada, Suéter) y la agrupación Awkanya. Por su parte, Nicolás Loto, DJ de la movida house con una marcada influencia del metal, integró previamente The Tripolares —proyecto de rock progresivo instrumental junto a  Ale  Reggiani— y Stargazer, tributo a Rainbow.

📍 Viernes 21 de Noviembre – 20 hs – Club V – Corrientes 5008, CABA

🎟️ Entradas a la venta $15.000 ALIAS: crucesnegras (a nombre de Alejandro Reggiani)

Enviar comprobante vía WhatsApp al 1165512753 o 1133581638

Lo que comenzó “como un juego” en el Resurrection Fest acabó convirtiéndose en una de las propuestas más frescas y sinceras de la escena hardcore actual. Fuet! es energía, honestidad y catarsis en estado puro. Desde sus inicios improvisados hasta ganar el Mad Cool Talent y compartir cartel con bandas como Refused o Bring Me The Horizon, el grupo madrileño ha recorrido un camino tan inesperado como apasionante. Con su primer álbum, Make It Happen, confirman que lo suyo va en serio: un disco crudo y emocional que captura la fuerza del directo y la vulnerabilidad del proceso creativo. Charlamos con ellos sobre sus comienzos, el presente de la escena hardcore estatal y el viaje que los ha llevado a convertir lo espontáneo en una realidad a la que mirar de frente.

Hoy tenemos una entrevista especial con Annisokay, una de las bandas más destacadas del metal moderno alemán. Aprovechando su paso por España como cabezas de cartel, hablamos sobre su nueva etapa con Abyss – The Complete Edition, su conexión con el público español y la evolución de su sonido. Con su mezcla de potencia, melodía y emoción, Annisokay demuestra por qué se ha convertido en una referencia del género.

• Bien, chicos, bienvenidos. Primero que nada, es su segunda vez en España, creo. Esta vez estuvieron aquí con Within Temptation el año pasado, ¿verdad?

Sí, en el festival, esta sería la tercera vez.

• Pero ahora ustedes son los cabezas de cartel, lo cual es genial para mí. Los sigo desde 2018, así que es increíble verlos creciendo y haciendo las cosas tan bien. ¿Cómo se sienten al encabezar esta vez? ¿Cómo va la gira? He visto algunos shows en solitario, casi en solitario también.

Bueno, puedo hablar por todos: estamos realmente felices con toda la gira hasta ahora. Es muy emocionante y estamos muy agradecidos de que tanta gente venga, incluso de distintos países, lejos de Alemania, y que canten todas las letras y se vuelvan locos. Significa mucho para nosotros.

En España, especialmente, antes de tocar con Within Temptation no habíamos tenido contacto con el público español en giras o shows. Pero el año pasado tocamos en esa gira y también en un festival por primera vez, el Z! Live Festival, en Zamora. Fue muy bueno, aunque hacía muchísimo calor. Tocamos tarde, así que estuvo bien. Con Within Temptation tocamos en Barcelona y Madrid, creo.

Sí, fue genial. Es un gran país para nosotros.

• Mucha gente aquí los aprecia mucho.

Sí, la gente con la que hablamos la última vez estaba muy agradecida de que por fin tocáramos aquí.

• Y ahora, siendo los cabezas de cartel, también es algo increíble. No tenemos tantas bandas de metal moderno viniendo a España; la escena aquí no es tan grande como en Alemania. Su nuevo álbum sale el 24 de noviembre, titulado Abyss – The Complete Edition. ¿Cómo surgió la idea? ¿Pensaron desde el inicio en hacer una primera parte más suave, otra más pesada, y luego unirlas? ¿O fue algo espontáneo?

En realidad, cuando empezamos a escribir las primeras canciones, la idea era hacer un álbum. No pensábamos en EPs. Esa idea surgió después, cuando vimos que no éramos lo suficientemente rápidos componiendo canciones que nos dejaran conformes. Teníamos algunas muy buenas, pero no un disco completo. Queríamos publicar algo, así que decidimos lanzar un EP… luego otro.

El arte de la portada, la mujer con dos rostros, iba a ser originalmente la imagen principal del álbum. Luego pensamos en dividirla: usar una mitad primero, y la otra después. Finalmente decidimos combinar ambos EPs, pero no queríamos simplemente juntarlos, así que agregamos tres canciones nuevas para completar el concepto y cerrar la historia, el “capítulo final”.

Musicalmente, hay una conexión entre Into the Abyss y Inner Sanctum: comparten melodías y letras, funcionan como marco del disco. Las tres canciones nuevas se ubican entre esos dos EPs.

Si tienes el vinilo, puedes unir las portadas de ambos EPs, y ahora con la nueva edición hay una imagen intermedia que da otra capa visual y conceptual. Lo mismo ocurre con la música: añadimos profundidad al conjunto para hacerlo más completo.

—Las dos canciones nuevas son una mezcla perfecta entre los dos primeros EPs. Esa era la idea: el punto de unión.

• Y falta una canción más, que se publicará junto con el álbum…

Sí, y en mi opinión es la mejor del disco.<¿

• Genial. Ahora, ya que están en España, ¿qué es lo que más les gusta del país? ¿La comida, la gente, el clima?

El clima es increíble. Hoy se sentía como un día de verano. La última vez fuimos a la playa, comimos tapas, y todos fueron muy amables. Es un ambiente relajado, algo que no siempre pasa en Alemania. Además, muchos alemanes vienen aquí de vacaciones, y ahora venir a trabajar y hacer música en el mismo lugar donde normalmente pasarías tus vacaciones es algo muy especial. Me encanta eso.

• Volviendo a la parte musical: cuando comienzan a escribir canciones, ¿por dónde empiezan? ¿Por la letra, la melodía, la instrumentación?

Depende del tema, pero generalmente empiezo con una idea lírica. Tener el concepto o las palabras me inspira melodías. Si es una canción de amor, tengo ciertos tipos de melodías; si es una canción sobre guerra o algo más agresivo, es otra cosa. Me gusta que la música tenga sentido con el mensaje.

Después suelo componer primero el coro, porque es la parte más importante hoy en día. Luego muestro mis ideas al resto; si no les convence, ya sé qué líneas seguir o qué descartar. A veces hacemos varias versiones del mismo coro hasta encontrar la mejor. Luego grabamos demos y en el estudio cada uno aporta sus ideas. Así es como trabajamos.

• Última pregunta: si alguien que nunca escuchó a Annisokay tuviera que oír solo una canción para conocerlos, ¿cuál sería?

—Para mí, “Never Enough”.
—Yo diría “Silent Anger”, aunque todavía no salió, pero representa todo lo que es Annisokay.
—Para mí, “Human”, por el mensaje tan fuerte que tiene.
—Y yo elijo “Like a Parasite”, porque es experimental, tiene partes pesadas, un coro melódico y un interludio tipo drum and bass. Lo tiene todo.

• Así que ahí tienen cuatro canciones para empezar a conocer a Annisokay.

 

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En el marco de la inminente aparición de la banda italiana en el Madrid Death Fest Vol. 2 (Sala Moby Dick, Madrid – viernes 7 de noviembre de 2025) y tras el buen recibimiento de su último álbum XUL, hablamos con el guitarrista/compositor Mario Di Giambattista para conocer los entresijos del nuevo trabajo, la filosofía de la banda y las expectativas para su actuación en Madrid.

Mario, ¿qué te trae de vuelta a nuestro país?

Honestamente, siempre es un placer volver a España. El ambiente aquí es increíble: la gente, la comida, la energía. Cada vez que tocamos aquí, se siente como si estuviéramos con la familia. La escena española siempre nos ha apoyado mucho, así que regresar se siente totalmente natural.

Este verano tuvimos la oportunidad de tenerte en el Move Your Fucking Brain EF; ¿qué opinas del público hispano?

¡El público hispano es una locura, en el mejor sentido posible! Tenéis muchísima pasión. La energía es increíble de principio a fin. No solo veis el concierto, lo vivís.
Eso realmente nos impulsa a dar aún más sobre el escenario. Es uno de esos públicos que hacen que cada show sea inolvidable.

Hablando de vuestro último álbum XUL, la prensa destaca que ha sido un paso adelante en vuestra carrera. ¿Cómo lo ves en retrospectiva?
Sí, creo que es cierto. XUL definitivamente marcó un punto de inflexión para nosotros, nos esforzamos mucho en ese disco, tanto musical como conceptualmente.
Mirando atrás, creo que es el álbum en el que encontramos el equilibrio perfecto entre atmósfera y brutalidad. Sigue sonando a Devangelic, pero con más profundidad y una visión más clara de quiénes somos.

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¿Podrías contarnos un poco sobre el concepto lírico y estético de XUL?

El concepto principal gira en torno a la dualidad de la naturaleza humana, la lucha constante entre el bien y el mal dentro de uno mismo, donde a menudo prevalecen los demonios interiores.
Este tema es más relevante que nunca, considerando los trágicos acontecimientos que afectan a varios países europeos.
Para la portada del álbum, colaboramos una vez más con Nick Keller, como hicimos en nuestro lanzamiento anterior, Ersetu. Él capturó perfectamente la esencia de nuestro concepto, dando vida a nuestra visión con una obra de arte extraordinaria.

La imagen muestra a un demonio gigante sosteniendo a una figura humana, simbolizando cómo la humanidad suele ser incapaz de superar sus propias debilidades; nuestros demonios internos inevitablemente triunfan sobre nosotros.
El proceso creativo fue muy colaborativo: intercambiamos muchas ideas, correos y videos describiendo diversos demonios antiguos. Fue un proceso muy interesante, especialmente porque resultaba difícil plasmar visualmente un tema tan complejo.

El demonio principal está inspirado en Humbaba, una deidad mesopotámica asociada con los terremotos, a menudo representada con dientes de dragón y un rostro grotesco hecho de entrañas: una imagen realmente brutal.
La canción vinculada a esta obra explora cómo los humanos, capaces de cometer actos atroces y perversos contra otros y contra la naturaleza, pueden caer en la ilusión de la omnipotencia y la inmortalidad. Sin embargo, impulsados por su propia maldad, terminan condenados a un sufrimiento eterno, un tormento que los consume mental y físicamente.

Desde el punto de vista musical, habéis comentado que os habéis movido hacia un death metal “más clásico”. ¿Qué significó eso para la composición, el sonido y el directo?

Queríamos volver un poco a las raíces: menos demostrar técnica y más escribir canciones que golpeen fuerte. Nos inspiramos en el sonido old-school, con esa vibra cruda y poderosa, pero con nuestro propio toque. Los riffs respiran más, los grooves son más pesados, y todo suena más orgánico. En directo, aún mejor: las canciones son más dinámicas y pegan más duro.

Hablando de los directos otra vez: ¿qué podemos esperar del show en Madrid el 7 de noviembre? ¿Alguna preparación especial?
¡Podéis esperar caos total, en el buen sentido, por supuesto!, hemos preparado un setlist muy potente, con canciones de XUL y algunos temas antiguos.
España siempre aporta una energía loca, así que estamos más que listos para igualarla.

Finalmente: un mensaje para los fans que van a veros en Madrid y para quienes están descubriendo ahora a Devangelic.
A todos los que vayan al concierto de Madrid: gracias por el apoyo, de verdad significa mucho, tenemos muchas ganas de veros y compartir esa energía una vez más y si estás descubriendo ahora a Devangelic, ¡bienvenido!. Ven a un concierto, escucha XUL y descubre de qué va esto. Es oscuro, es pesado y es real. ¡Nos vemos en el pit!

La banda portuguesa de brutal death metal Analepsy regresa mañana a los escenarios españoles como parte del Madrid Death Fest 2, un evento que reunirá a algunas de las formaciones más potentes del género. En plena preparación de su nuevo material y tras tres años de giras con Quiescence, el guitarrista y fundador Marco Martins nos habla sobre la evolución del grupo, su conexión con el público español y lo que los fans pueden esperar de su demoledor directo en la capital.

Marco, estáis a punto de regresar a los escenarios españoles en el Madrid Deathfest. ¿Qué significa esta fecha para Analepsy y cómo se están preparando para el evento?

Siempre es un placer tocar en España, y volver después de todos estos meses nos hace muchísima ilusión. La última vez que tocamos en Madrid fue hace ya unos años, así que tenemos muchas ganas de esta fecha. Hemos estado afinando todos los detalles para el show, y además traemos material nuevo que nunca hemos tocado en directo. El Madrid Deathfest será la primera vez que alguien los escuche en vivo, así que va a ser una noche especial.

Han pasado ya tres años desde la publicación de Quiescence, un disco que consolidó vuestro sonido y os posicionó como una de las bandas más potentes del género. ¿Qué balance haces de este trabajo ahora que ha tenido tiempo de respirar en directo?

Quiescence ha sido nuestro foco principal durante estos últimos años, prácticamente en cada gira o concierto desde su lanzamiento. Tocarlo en vivo le dio a las canciones una nueva energía. Algunas partes sonaron más contundentes de lo que esperábamos, y otras cobraron una vida distinta dependiendo del público. También nos mostró que podíamos explorar un lado más atmosférico y dinámico sin alejarnos de lo que define el sonido de Analepsy. Mirando atrás, fue un álbum que ayudó mucho a marcar la dirección que estamos tomando ahora.

Quiescence fue un álbum destacado en su lanzamiento no solo por su nivel técnico y sonoro, sino también por su concepto cósmico y filosófico. ¿Qué queríais transmitir con esa narrativa de destrucción y renacimiento?

Siempre hemos preferido alejarnos de los temas típicos del gore o el shock. Queríamos explorar algo más reflexivo. No es una idea completamente nueva dentro del género, pero siempre nos ha atraído más la narrativa científica o cósmica. En Quiescence, el foco estaba en los ciclos: destrucción, renacimiento y la quietud que existe antes y después de que todo colapse. Esa atmósfera es la que impulsa todo el concepto del disco.

En estos últimos meses habéis publicado dos nuevos singles: “Doomsday Protocol” y “Cryogenic Rebirth”. ¿Qué representan estos temas dentro de la evolución de la banda? ¿Son una continuación del universo de Quiescence o el inicio de algo nuevo?

Estos dos temas son en realidad regrabaciones de canciones antiguas que escribimos en la época de Atrocities from Beyond, entre 2016 y 2017. En su momento quedaron como caras B, pero siempre sentimos que tenían potencial. Así que decidimos recuperarlas y reconstruirlas desde cero, reescritas y reinterpretadas con la formación actual. En cierto modo, sirven como una mirada retrospectiva a nuestras raíces mientras seguimos escribiendo nuestro próximo disco. Era el momento perfecto para darles la atención que merecían.

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Ambos singles mantienen vuestra identidad brutal, pero con una producción más pulida y una atmósfera más expansiva. ¿Podemos interpretarlo como una pista de hacia dónde se dirige Analepsy en el futuro?

Sí, totalmente. Aunque estas canciones vienen de material antiguo, fueron completamente reescritas con un enfoque más denso y atmosférico. Es una especie de retrospectiva que mezcla el crecimiento y la profundidad que encontramos en Quiescence con la potencia y agresividad de Atrocities from Beyond. Estamos poniendo mucho más énfasis en la ambientación, el peso y la dinámica, pero sin perder lo que hace que sonemos a nosotros. Esa dirección es la que llevaremos al próximo disco.

Precisamente muchos fans han empezado a especular con la posibilidad de un nuevo álbum. ¿Podemos esperar un nuevo trabajo de estudio en 2026, o de momento preferís centraros en los directos y los lanzamientos individuales?

Nuestro objetivo es 2026 o principios de 2027. Ahora mismo estamos muy metidos en el proceso de composición del nuevo disco, aunque lo compaginamos con las giras. Los singles que hemos sacado no formarán parte del álbum; son más bien un puente entre capítulos, algo para ofrecer al público mientras seguimos tocando y preparando lo que viene.

En cuanto al directo, ¿cómo estáis planteando el setlist para Madrid? ¿Habrá espacio para estos nuevos singles junto a los clásicos de vuestro repertorio?

Por supuesto. Tocaremos ambos nuevos singles en directo por primera vez, así que eso será algo especial para Madrid. Además, el set recorrerá todas nuestras etapas: un poco de todo, desde Atrocities, Quiescence y el EP inicial Dehumanization by Supremacy.

La escena europea del brutal death metal parece estar viviendo un renacimiento, con bandas cada vez más técnicas y producciones más ambiciosas. ¿Dónde se sitúa Analepsy dentro de este panorama actual?

Intentamos no pensar demasiado en eso. Nos centramos en hacer música que sea auténtica para nosotros y que mantenga nuestra identidad. Si la gente conecta con ella, eso siempre es un plus. La escena está creciendo mucho, especialmente en Europa, y hay muchas bandas haciendo cosas increíbles ahora mismo. Nosotros nos vemos como parte de esa ola, aportando nuestro propio enfoque.

Eres el único miembro original que continúa desde los inicios de la banda. ¿Cómo ha influido tu visión personal en mantener la coherencia de Analepsy a lo largo de los años y en la incorporación de nuevos músicos?

Sí, es cierto. Para mí es muy importante mantener a la banda avanzando sin perder lo que siempre ha representado Analepsy. Al mismo tiempo, me aseguro de que cada miembro aporte algo propio. Calin, Léo y Jacinto tienen sus ideas y estilos, y eso es lo que mantiene viva la evolución del grupo, en lugar de simplemente repetir el pasado. Se trata de conservar el núcleo, pero llevarlo más lejos.

Finalmente, ¿qué pueden esperar los fans españoles de vuestro concierto en el Madrid Deathfest y qué mensaje les mandarías antes del festival?

Podéis esperar un show pesado y directo al grano. Traemos una mezcla de material nuevo y clásico, y no podemos esperar para tocar estas canciones por primera vez en vivo. Mil gracias a nuestros hermanos que nos han apoyado durante todo este tiempo. ¡Nos vemos en Madrid!

En los primerísimos años del nuevo milenio, los canadienses Despised Icon se pudieron contar entre los pioneros de uno de los sonidos que dominaría gran parte de la música pesada durante poco más de una década: el deathcore. Mezclando death metal con hardcore y breakdowns, esta nueva escena ganó una cantidad enorme tanto de seguidores fieles como de detractores, acusándolo de ser “falso metal”. Pero Despised Icon no estuvieron durante sus años más álgidos, separándose justo en 2010. Pero tras su vuelta en 2014 la banda ha ido recuperando el tiempo perdido, y ahora con la salida de su nuevo trabajo Shadow Work verán de recuperar los seis años que han pasado desde el último Purgatory de 2019. En entrevista con el guitarrista Éric Jarrin, nos contó los detalles detrás de este nuevo capítulo en la historia de Despised Icon.

TTH: Antes que nada, bienvenido al canal de Track to Hell, y muchas gracias. Felicitaciones por el nuevo álbum Shadow Work: sé que todavía no ha salido, pero tuve la oportunidad de escucharlo y es realmente genial. ¿Cómo vienen las cosas?

Éric: Oh, todo va muy bien. Y gracias por tus amables palabras sobre el álbum, me alegra que te haya gustado. Ha sido un tiempo bastante ocupado últimamente, preparando todo para el lanzamiento del disco, que saldrá el 31 de octubre.

TTH: ¡En Halloween!

Éric: ¡Sí, en Halloween! Ya tenemos dos singles para los que hicimos videos. El último fin de semana grabamos un video para un tercer single que va a salir el 17 de octubre. Así que sí, hemos estado bastante ocupados. Recién tocamos dos shows el último mes, en un festival en Nueva Inglaterra. Nos estamos preparando para esta nueva gira norteamericana, que vamos a hacer por Estados Unidos durante todo el mes de noviembre, muy ocupados con eso.

TTH: Estos fueron sus primeros shows de este año, los últimos los habían dado en 2024.

Éric: Exactamente. ¿Sabes? Ya no somos una banda que esté girando a tiempo completo, sólo tocamos 25 a 30 shows cada año. Tratamos de combinar todo en una sola gira. Estuvimos en Europa el año pasado para toda una gira con Dying Fetus y Chelsea Grin, y ahora sólo tomamos dos shows. Pero fueron muy emocionantes, porque no tenemos tantas oportunidades de tocar tan seguido. Siempre es lindo volver al escenario, y especialmente para estos shows. Tocamos una canción nueva para los fans, “Over My Dead Body”. Todo se ve muy bien y estoy muy ansioso por estar en la ruta de vuelta durante todo el mes que viene.

TTH: Sí, escuchas hablar sobre esas bandas que dan 50 o 60 shows cada año y me parece una locura, aunque sólo sea un show por semana.

Éric: Bueno, en aquellos tiempos cuando estábamos de gira a tiempo completo, creo que fue después del lanzamiento del álbum The Ills of Modern Man, tocamos 208 shows en un solo año.

TTH: Dios, ni me puedo imaginar eso.

Éric: ¡Imagínate que se estaban comenzando a formar tensiones entre los miembros!

TTH: Justamente tengo un par de preguntas sobre eso. Pero quería preguntarte algo, porque han pasado seis años desde Purgatory, el último álbum. Eso es mucho tiempo, y tengo que preguntarles: ¿qué pasó para que tardaran tanto tiempo en sacar nuevo material?

Éric: Bueno, de esos seis años, se pueden descartar fácilmente unos tres, porque justo después del lanzamiento de Purgatory en 2019 llegó la pandemia. Y, bueno, durante unos dos años, aquí en Canadá, las restricciones y confinamientos del gobierno fueron muy intensos y severos. Incluso tuvimos toque de queda. Así que, por más de un año, si no más, no pudimos reunirnos como banda, vernos ni trabajar en música. Mhm. Así que todos estábamos, quizás, en casa; yo, por ejemplo, en mi estudio escribiendo música solo. Pero, claro, ese no es el modo en que normalmente trabajamos como banda. Así que perdimos como un buen año, o más, solo por eso.

Y ahora el álbum ya está grabado desde hace un tiempo, pero a veces entregas el álbum al sello y, como tienen muchas otras bandas con lanzamientos, ellos eligen cuándo quieren publicarlo. Además, hoy en día necesitan tener el álbum con seis a nueve meses de anticipación para poder hacer una promoción adecuada, enviarlo a periodistas y todo eso. Así que, sí… en mi mente, han sido más como tres años. Pero, con todos estos retrasos y la pandemia, sí, han sido seis años.

Aunque también queríamos tomarnos nuestro tiempo. Honestamente, no creo que eso haga tanta diferencia para nuestros fans, porque no somos una banda joven que necesite desarrollarse y estar de gira constantemente. Llevamos casi 25 años como banda, así que preferimos enfocarnos en escribir música, estar satisfechos con los resultados y las canciones, y tomarnos el tiempo para lanzar algo que los fans disfruten, y que nosotros también disfrutemos.

TTH: Sí, ya sabes, se escucha de muchas bandas que sacaron un álbum a fines de 2019, en 2020 o a comienzos de 2020, y esos fueron como sus “años perdidos”. No pudieron hacer nada.

Éric: Es un poco triste porque creo que Purgatory fue un buen álbum, pero nunca recibió la atención que merecía, ya que se lanzó en noviembre de 2019. Y todos los shows y festivales en los que íbamos a tocar durante el verano de 2020 para promocionarlo simplemente desaparecieron. Se esfumaron.

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TTH: ¿cómo describirías Shadow Work? ¿Cómo lo compararías con los álbumes anteriores? Aunque, bueno, ambos sabemos que Despised Icon no es una banda que cambie con cada disco, no es ese tipo de banda. Pero, ¿cómo describirías este álbum?

Eric: Bueno, aunque creo que somos una banda que siempre se mantuvo fiel a su sonido, pienso que este álbum representa una evolución lógica respecto a todos los anteriores que hicimos desde que volvimos con Beast. Ya sabes, Beast, Purgatory y Shadow Work. Para mí se siente como una evolución natural. Pero, al mismo tiempo, con todo lo que pasó, y también porque nosotros cambiamos como músicos y como personas, nos permitimos experimentar un poco más y jugar más con los extremos. Algunas canciones son de las más rápidas que hemos grabado, y algunos breakdowns son de los más pesados, lentos y afinados en tonos más bajos que hemos hecho.

También tuvimos una artista invitada, Misstiq, de Australia, que hace arreglos orquestales para distintas bandas, y ella participó en el álbum. Además, invitamos a algunos amigos a colaborar en las voces: Tom de Chelsea Grin, Scott de Carnifex y Matt de Kublai Khan. Así que sí, nos tomamos nuestro tiempo y experimentamos un poco más, incluso con partes más melódicas.

Así que creo que es simplemente una evolución lógica, pero sigue sonando a Despised Icon. Cuando escuchás las canciones, aunque haya algo diferente, la gente seguramente dirá “sí, reconozco esta banda, reconozco esas voces”. No cambiamos demasiado quiénes somos, pero nos dimos la libertad de experimentar un poco más.

TTH: ¿Cómo se dio el tener a los cantantes invitados?

Éric: No habíamos tenido invitados desde hacía mucho. Creo que la última vez que tuvimos vocalistas invitados fue en el álbum Day of Mourning, y fueron principalmente amigos cercanos de bandas como Beneath the Massacre y Ion Dissonance, porque todos somos de la misma ciudad. Pero decidimos invitar a estos músicos porque tenemos una historia con sus bandas.

Con Carnifex, por ejemplo, hemos hecho muchas giras juntos. Son buenos amigos. Scott es un gran amigo; incluso cuando no estamos de gira, seguimos en contacto, nos mandamos mensajes, él y Alex hablan por teléfono de vez en cuando cada año. Lo mismo con Tom: hicimos una gira completa por Europa con él. Antes solíamos girar con Dan, cuando era el vocalista de Lorna Shore. Así que tenemos una relación de amistad con Tom, y lo mismo con Matt. A Kublai Khan los llevamos de gira con nosotros en 2019, durante el ciclo del álbum Purgatory, y ahí conectamos con Matt, nos hicimos amigos.

Así que, para nosotros, la decisión de tenerlos en el álbum fue principalmente porque tenemos una historia con ellos y con sus bandas. Los apreciamos, los respetamos y son amigos. Así que sí, fue sobre todo por esas razones que los invitamos a participar en el disco.

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TTH: Así que, para este álbum, tienen nuevamente a Eliran Kantor haciendo la portada, igual que en Purgatory. No sé cuánto trabajaron junto a él en esta portada en particular. ¿Tuvieron alguna participación o aporte en la idea? Porque tengo que decir que me encanta la portada del álbum. Sé que se ve totalmente aterradora. La vi y enseguida supe: “ah, este es Eliran Kantor”. Reconocí su estilo, y me encanta; se ve aterradora. Entonces, ¿cómo describirías la portada del álbum?

Éric: Sí, Eliran se ha convertido en un amigo desde que trabajamos con él en Purgatory. Pero lo curioso es cómo llegamos a conocerlo. Tal vez un mes o dos antes de tener que entregar el álbum (hablo de Purgatory) a Nuclear Blast Records, no nos gustaba el arte de portada que teníamos en ese momento, en el que habíamos estado trabajando. Así que le pedimos al sello que nos ayudara a encontrar a otro artista para hacer la portada.

Y, como él había trabajado con bandas como Thy Art Is Murder, Testament, Hatebreed y otras del mismo sello, Nuclear Blast nos puso en contacto con él. En cuestión de un mes, él pintó la portada de Purgatory. Pero en ese momento todavía no habíamos hablado con él directamente.

Después empezamos a hacer giras para Purgatory y, en algunas de las giras por Europa, cada vez que tocábamos en Berlín, él venía al show para conocernos, y finalmente pudimos presentarnos en persona. Ahí fue cuando empezamos a hacernos amigos y a hablar más con él.

En la última gira (o, bueno, en la gira anterior que hicimos por Europa) nos reunimos con él y le contamos que estábamos trabajando en nuevo material, que teníamos nuevas canciones. Le compartimos el concepto del álbum. En ese momento no estoy seguro de si ya sabíamos que se llamaría Shadow Work, pero el concepto iba por esa línea. Pasamos el día con él en Berlín y nos dijo: “es una locura que estén hablando de todo esto, porque anoche tuve una pesadilla en la que me arrancaba la mandíbula y la sostenía en las manos”. Y agregó: “eso podría parecer una corona”. Y nosotros dijimos: “hombre, es una gran idea”.

Y bueno, pensamos que las cosas no pasan por casualidad, así que dijimos: “usemos esa pesadilla que tuviste, dibuja algo a partir de eso y trabajemos sobre esa idea”. Y así fue como surgió la portada del álbum.

TTH: Sí, esa es una de las pesadillas más aterradoras que he escuchado. Tuvo esa visión, esa pesadilla, y a partir de eso creó la portada, y yo pensé: “wow, eso está genial”. Suena casi más aterrador que la propia portada. Dios… Así que quería preguntarte algo. Tuve otra entrevista con músicos de deathcore, y me interesa saber si creés que ha habido un cambio en cómo la gente percibe el deathcore en los últimos años. Porque me parece interesante la historia de la banda: ustedes se separaron en, creo que fue en 2010, ¿no? Y en ese momento el deathcore estaba en su punto más alto. Desde entonces hasta hoy, ¿creés que la percepción del deathcore ha cambiado?

Éric: Es difícil de decir, pero creo que los puristas del metal, los fans más hardcore, siempre van a criticar el deathcore y a odiarlo. En ese sentido, sí, siempre habrá quienes lo desprecien.

Pero creo que ha empezado a ser un poco más aceptado, y hay una nueva generación de fans que son menos elitistas con los géneros y, bueno, más abiertos de mente. Recuerdo que cuando nos separamos en 2010, ya empezaba a haber cierto rechazo hacia el deathcore. No era odio total, pero sí: cada género del metal se burlaba un poco del deathcore, diciendo “estos son posers, esto es falso, no es metal de verdad”, cosas así.

Creo que con los años eso ha cambiado. Ahora se ha demostrado que es un género que llegó para quedarse. Nosotros empezamos a tocar lo que hoy se llama deathcore en 2002, y en ese momento ni siquiera tenía nombre. Así que supongo que nunca va a desaparecer; va a seguir ahí, igual que el black metal, el slam, el power metal o cualquier otro género. Sí, creo que la percepción ha cambiado un poco, pero siempre habrá algunos que lo odien, y no hay nada que podamos hacer al respecto.

TTH: Sí, es verdad. Recuerdo haber leído hace unos meses sobre Hellfest, uno de esos festivales de metal europeos donde tocan bandas de black metal y death metal, pero también había como cabeza de cartel una banda como Slipknot. Y me pareció interesante, porque si hablamos ahora del deathcore, antes de eso estaba el nu metal, ¿te acordás de cómo la gente hablaba de ese género? En su momento se usaba casi como un insulto, y ahora está teniendo una especie de resurgimiento, con gente que lo abraza sin problema.

Y con el deathcore pasa algo parecido. Hoy en día veo muchas bandas que no tienen ningún problema en que las llamen deathcore. Es interesante porque, en el caso de Despised Icon, ustedes parecen ser de las pocas bandas de esa primera ola que no rehúyen de esa etiqueta. Muchos músicos prefieren no ser llamados así, dicen “somos una banda de death metal a la que le gusta mucho el hardcore o el hardcore punk”. Pero ustedes nunca negaron esa identidad, y eso me parece muy interesante.

Éric: Sí, tal vez en algún momento, cuando como decís era algo más negativo y la gente se burlaba de ese término, no estábamos tan contentos de que nos asociaran con él. Pero eso no duró mucho, y tal vez fue divertido, porque creo que la primera vez que vi la palabra deathcore fue en una de nuestras primeras camisetas de merchandising, en 2003 o 2004. Tenía el logo de Despised Icon en letras grandes, y abajo decía “Montreal Deathcore”, porque ya sabíamos que estábamos mezclando influencias de death metal y hardcore.

No sabíamos que se iba a convertir en algo así; era más bien una frase que nuestro cantante, Alex, había inventado. Pero tenés razón: hoy en día aceptamos completamente que somos una banda de deathcore, porque eso es lo que hacemos. Tomamos elementos del hardcore y del death metal, y los mezclamos. Ya no peleamos contra esa etiqueta, y hasta siento un poco de orgullo de ser una de las primeras bandas en hacerlo.

Así que sí, acepto el título, ya sea que nos llamen los reyes del deathcore, los abuelos del deathcore o los padres del deathcore, está bien. Para nosotros sigue siendo solo música metal. Escucho metal, hardcore, glam metal, hard rock… y cuando agarro la guitarra, sale lo que salga.

TTH: No hay muchas bandas que puedan ponerle nombre a un género. No sé si la gente usaba el término deathcore antes de esa camiseta, pero no son muchas las bandas que logran eso. Es como Candlemass poniéndose Epicus Doomicus Metallicus a un disco y que a partir de ese momento le digan “doom metal épico” a su estilo.

Éric: Sí, exactamente. Lo mismo pasa con otras bandas, y yo tengo mucho respeto por Candlemass y su música. Así que todo está bien.

Otra cosa que me dicen mucho es que, aunque somos una de las bandas originales de la primera ola del deathcore, la mayoría de las bandas que hoy en día se etiquetan como deathcore no suenan mucho a Despised Icon. Tienen todos esos sonidos orquestales…

TTH: ¡El sonido Lorna Shore!

Éric: Sí, exactamente. Creo que no suena en nada a Despised Icon. Si pones una canción de Lorna Shore y una de Despised Icon lado a lado…

TTH: No se parecen en nada.

Éric: Sí, es muy amplio. Hay muchas formas de integrar elementos de hardcore y death metal en la música.

TTH: Bueno, de la misma manera, cuando el género todavía no estaba definido, había bandas como Bring Me the Horizon o Suicide Silence, ese tipo de cosas. Y creo que no suenan en nada a Despised Icon, pero es un género realmente amplio. Sí, exactamente. Incluso las bandas que incorporan electrónica muestran que es un género muy amplio.

Antes mencionabas que tuvieron sus primeros conciertos en 2025. ¿Cómo se siente tocar después de nueve meses desde el último show? ¿Qué se siente volver a subir al escenario?

Éric: Se siente genial. Siempre nos sentimos un poco oxidados, porque ya todos estamos bien pasados de los 40; algunos casi llegando a los 50. Así que necesitamos calentar, hacer ejercicios y practicar un poco más. Pero en cuanto tocamos la primera nota, ver a los fans, la reacción del público… se siente increíble. Olvidas todos los problemas, los físicos o lo que sea, y simplemente te concentras en el show, y es maravilloso.

Además, sigue siendo increíble poder tocar canciones nuevas que a la gente le gustan y quiere escuchar. Porque algunas bandas grandes sacan álbumes nuevos cada cierto tiempo, y los fans ni se interesan; solo quieren escuchar los temas antiguos. Pero afortunadamente, para nosotros, la gente todavía se interesa por el material nuevo y las canciones nuevas que lanzamos. Así que sí, se siente genial.

TTH: Entonces, ¿qué sigue para Despised Icon? ¿Cuáles son sus planes? Escuché que tienen una gira planeada.

Éric: Sí, este año nuestro siguiente paso va a ser hacer una gira completa por Estados Unidos. Después de eso, me encantaría tocar un poco más aquí en Canadá, porque no hemos tocado mucho. Canadá es un país muy grande y nosotros estamos en la parte este, pero me gustaría ir a la parte oeste, así que quizá trabajemos en eso.

Además, hace tanto que no lanzamos material nuevo y viendo la reacción tan positiva que ha tenido la gente, siento que cuando volvamos a casa para el nuevo año probablemente vamos a empezar a escribir cosas nuevas, planear nuevas canciones y entrar al estudio para poder lanzar un álbum antes de que pasen otros cinco o seis años.

TTH: Oh, espero que sea así. Y, una última cosa: ¿Qué les dirías a las personas, a los fans que van a escuchar Shadow Work cuando salga, y que nos van a ver en la gira por Estados Unidos y luego en Canadá? ¿Qué mensaje les darías?

Éric: Bueno, todo lo que puedo decir es un agradecimiento muy sincero y honesto. Gracias por apoyar a la banda, por estar con nosotros todos estos años, por escuchar nuestra música y comprar el merchandising. Eso realmente nos ayuda y nos da la motivación para seguir adelante.

No damos nada por sentado y estamos realmente, realmente agradecidos con todos los fans que siguen escuchándonos y apoyándonos después de todos estos años. Ha sido un viaje increíble; ya casi son 25 años. Y sí, creo que todavía nos queda mucho por dar. Queremos seguir desafiándonos a nosotros mismos y continuar escribiendo y sacando música.

A propósito de la gira que la espectacular banda de heavy/power metal Lörihen empezará gira por nuestro país empezando este jueves 30 de octubre en la ciudad de Puebla, nos tomamos la libertad de platicar un rato con Emiliano Obregón, líder y fundador de la banda de 1996, donde platicamos un poco sobre sus experiencias y expectativas para este segundo tour en tierras mexicanas.

Hola Emiliano, muchísimo gusto y muchas gracias tu tiempo para tomar este entrevista. Antes que nada, cuéntame, ¿esta es la primera vez que vienen a México o ya nos habían visitado antes?

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No, agradecer, agradecer el cariño, contacto. Bueno, de alguna manera cómo ha crecido exponencialmente en los últimos tiempos la cantidad de gente que nos sigue, nos escucha, entiendo que nosotros somos muy de generar eso, pero la verdad que creo, en mi caso, México es como si fuera un segundo hogar, porque más allá de todo esto tengo ascendencia mexicana, tengo familia mexicana ya, así que es un placer siempre estar visitándolos.