Year Of No Light, la gran banda francesa de post-metal instrumental, acaba de lanzar Les Maîtres Fous (“Los Maestros Locos”), un álbum inspirado en un documental homónimo del director y etnólogo francés Jean Rouch en 1955. Este trabajo también puede considerarse una “docuficción” y Rouch el creador de la “etnoficción”, pues se trata de retratar un fenómeno cultural desde un enfoque narrativo que da cuenta de una interpretación casi guionada y con un montaje claramente cinematográfico. En el film, Rouch presenta el movimiento Hauka en Níger. Este consistía en encuentros para la realización de rituales en los que sus integrantes eran “poseídos” por los espíritus de los administradores coloniales británicos, desplegando conductas grotescas para luego de esta suerte de catarsis, volver a sus vidas cotidianas. Sin embargo, hay distintas hipótesis acerca de estas “posesiones”, pues no queda claro si realmente se trataba de ceremonias religiosas o de eventos “teatrales”, paródicos, para burlarse de las autoridades blancas, entre otras miradas posibles. En cualquier caso, la obra fue muy controversial y censurada en todos los territorios británicos.

Tuvimos la gran oportunidad de intercambiar ideas al respecto con YONL y conversar sobre muchos otros temas. Hablamos con Jérôme Alban (guitarra y teclados) y Mathieu Mégemont (batería y electrónica).

Muchas gracias por brindarnos esta posibilidad. Ustedes ya tienen un lugar verdaderamente relevante en la escena internacional del post-metal. Su último álbum Consolamentum (2021) fue una obra maestra épica, y cualquiera sabe que Ausserwelt (2010) definitivamente es una referencia en el contexto de cualquier conversación sobre la historia del género. ¿Cuál es su reflexión acerca de sus logros en una carrera de dos décadas?

J: Siempre es un poco extraño mirar atrás en un período de tiempo tan largo. Definitivamente ya no somos las personas que éramos hace veinte años. El hecho de que esos discos hayan sido tan bien recibidos es una enorme bendición y un pequeño milagro para mí. Por mi parte, solo me siento muy afortunado de que haya gente que apoye nuestra música.

Su nuevo álbum, Les Maîtres Fous fue grabado en vivo y compuesto en respuesta al controversial documental de Jean Rouch con el mismo título. No sabía nada sobre ese trabajo antes de esta entrevista, así que decidí verlo. Entiendo que el Musée Du Quai Branly de París les comisionó la obra para su exhibición de 2012 titulada ‘L’Invention Du Sauvage’ (La Invención del Salvaje). ¿Qué fue lo que les pareció interesante sobre este film?

J: Es un film fascinante y perturbador, en el que la ficción y la alucinación nunca están lejos, aunque sea un documental. Contiene imágenes impactantes que son verdaderos catalizadores creativos.

M: El film es increíblemente revelador de la experiencia colonial y su impacto en la psique de quienes eran sus sujetos. La estética del documental de Rouch’s amplifica la dimensión simbólica del ritual tribal, empujándolo hacia algo que bordea una experiencia psicodélica y horrible. Fue este aspecto del que quisimos hacernos eco a través de la música, enfatizando el inquietante y, a la vez liberador, trance que la película evoca.

Ustedes tiene una larga historia de interacción con películas. La banda de sonido de Vampyr (2013) de Dreyer, que tocaron en vivo por primera vez el 28 de mayo de 2010 en el Barbey Theatre de Bordeaux, es un ejemplo sobresaliente. Luego volvieron a tocarla en el Roadburn Festival. Cuéntenme más sobre la relación entre el grupo y las artes visuales.

J: Eso es algo muy importante para nuestra música. Por mi parte, tengo una relación con la composición muy cercana a la que uno puede tener en las artes visuales. Me gusta buscar texturas sonoras y trabajar con la música como un arquitecto tratando de hacer arte abstracto. Con frecuencia componemos colectivamente y usamos muchas palabras cercanas a las artes visuales durante este trabajo.

M: Ser una banda enteramente instrumental nos da, por defecto, la habilidad de crear una música que sea más narrativa y, de cierta manera, más visual. Operamos conceptualizando un tema general para cada álbum, luego ofreciendo un marco lo suficientemente abstracto a través de toda la gráfica y los títulos de las canciones, así cada oyente puede crear su propia historia e imaginería para la música. Todos compartimos un profundo interés por la música clásica (y contemporánea) y las bandas sonoras de películas, y nos gusta pensar en nosotros mismos tanto como una orquesta como una banda. Pero en casos como los que mencionaste –Vampyr y Les Maîtres Fous– conscientemente nos ubicamos al servicio de las películas, tratando lo más posible de desaparecer, a pesar de la naturaleza inherentemente impuesta de la ejecución en vivo. Nuestra verdadera meta era resaltar las películas y la visión de sus creadores, no de la banda.

Cuando miré el documental y después volví a escuchar su disco, pensé en Obscured by Clouds (1972) de Pink Floyd, escrito como banda sonora de La Vallée de Barbet Schroeder, otra película francesa con contenido “antropológico”. Esta colaboración ya había empezado con Music from the Film More (1969). ¿Es Pink Floyd una influencia para ustedes? ¿Por qué eligen hacer música instrumental?

J: Pink Floyd es una gran influencia para nosotros; pocas bandas han inventado tantas nuevas formas de hacer música. Me gusta la música instrumental porque deja mucho más espacio para contar historias y para el trance.

M: Pink Floyd permanece como una de esas bandas a las que siempre vuelvo. Es una inagotable fuente de inspiración, al menos hasta The Final Cut. Puede parecer obvio, pero tracks como “Echoes” o “Atom Heart Mother” son fundamentos inconmovibles de lo que ahora llamamos “post-rock”, y ellos incluso tuvieron la audacia de mantenerse más innovadores y aventurados que lo producido por muchas de las bandas actuales. Debo admitir que mi batería y timbales son los mismos modelos que Nick Mason usaba en los primeros años de la banda: simplemente los afiné para encajar mejor con la estética sonora general de YONL.

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La música de este disco fue grabada en 2015. ¿Por qué no la publicaron entonces y lo hacen ahora?

J: Tuvimos esta grabación en reserva por años. Nuestro sello tuvo una cancelación de un lanzamiento y nos preguntó si teníamos algo reservado, así que fue la oportunidad para publicar este proyecto tan crudo y abstracto, del cual hay registro en video:

¿Planean volver a tocar este disco en vivo otra vez?

J: No lo creo, tenemos muchos proyectos en este momento: el próximo álbum, que ya está bastante avanzado, y una colaboración con la banda A Swarm of the Sun, un grupo que nos gusta mucho. Después, creo que vamos a trabajar en otro proyecto radical y experimental otra vez: siempre es un ejercicio gratificante.

Si tuvieran que definir la esencia del post-metal, ¿Cuál sería?

J: Pesadez, trance, pared de sonido, agitación de los sentidos.

M: Para mí es solo una etiqueta.

Considerando la pregunta final del documental: ¿creen que hay alguna clase de secreto que ciertos cultos, sectas, o incluso sociedades llamadas “primitivas” conocen para sobrellevar el sufrimiento con el que la gente tiene que luchar en la vida cotidiana?

J: Pienso que una de las características humanas es trascender la particularmente incómoda posición de la existencia a través de la espiritualidad. Esto crea formas artísticas fascinantes. Llamémoslo religión. Los problemas reales surgen cuando la religión se vuelve ideológica y política.

M: Creo que los seres humanos nacemos con mecanismos psíquicos idénticos. Luego es la cultura la que nos construye, ya sea emancipándonos o alienándonos. La gente llamada “primitiva” usa referencias culturales o herramientas que las sociedades “civilizadas” han abandonado, pero todos permanecemos, al final, atados a nuestra psique compartida. En ese sentido, el trance es una herramienta que todos poseemos, en donde sea que estemos en este planeta, y cualquiera sea la cultura a la que pertenezcamos. Jérôme habla de religión, yo preferiría usar el término metafísica, porque la religión depende del dogma, y el dogma contiene ideología y política. Creer que la religión puede ser puramente espiritual solamente funciona si se toma distancia de los textos doctrinarios, o a través de un proceso de interpretación y reinterpretación que las autoridades conservadoras de la fé nunca aceptarían.

Jimmy Jay, bajista y miembro fundador de H.E.A.T comparte algunas palabras con nosotros en una entrevista exclusiva para Track To Hell en su paso por tierras aztecas.

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Primero que todo, los felicito por su nuevo disco Welcome to the Future, es increíble, siguen siendo lo más creativos posible.

Sí, intentamos superarnos en cada álbum, estamos muy contentos con él, nos enorgullece que de principio a fin, hayamos hecho toda la producción, la mezcla, todo dentro de la banda, así que estamos muy orgullosos de este.

 ¿Cuéntanos un poco de la historia de cómo surgió H.E.A.T?

Había dos bandas diferentes en nuestra ciudad natal, Upplands Väsby, Suecia, una se llamaba Trading Fate Merged y la otra Dream. Teníamos algo en común: Kenny, el cantante de ambas bandas. Luego decidimos fusionarlas y así surgió H.E.A.T, así que yo, Crash y Kenny estábamos en Trading Fate Merged, y Dave, Jonah y Kenny eran Dream.

¿El nombre de la banda tiene algo que ver con el equipo de baloncesto de la NBA o es por algo más?

No tiene nada que ver con baloncesto y su equipo, eso es seguro, es la abreviatura de algo, pero ese es nuestro secreto mejor guardado, lo que representa la banda. 

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Es bastante similar con los puntos

Si, es muy similar.

El nuevo álbum mantiene la esencia de la banda que han presentado desde sus inicios, ¿Les gustaría probar algo diferente en su próxima entrega?

No creo que nos sentemos y digamos que queremos probar algo nuevo, sólo seguimos componiendo canciones que nos gustan y las lanzamos, no sabemos qué nos va a gustar mañana, nuestros gustos cambian constantemente y bueno, hemos pasado por varias épocas con H.E.A.T, hicimos algo un poco más moderno en Into the Great Unknown, y eso era lo que nos gustaba en ese momento.

Pero, sí, ¿quién sabe? No es nada planeado, así que si pasa, pasa. 

Sí, porque Into the Great Unknown es muy diferente a los otros álbumes, y especialmente a Tearing Down The Walls, son muy diferentes. Aunque no a todos les gustó, los fanáticos quieren el mismo sonido siempre y eso no está bien

Pero creo que algunas de nuestras mejores canciones son de Into the Great Unknown, cómo “Redefined”, una de mis canciones favoritas de H.E.A.T y hay varios fans que siempre la escuchan, así que, bueno, creo que ese álbum fue un poco irregular en cuanto a la calidad de las canciones, pero en general, creo que son canciones realmente brillantes.

Regresar con su vocalista original fue una gran decisión, ¿siempre mantuvieron contacto con él o cómo sucedió?

No mantuvimos mucho contacto, Kenny vivió en el Reino Unido y luego en España, pero, cuando Erik Grönwall dejó la banda, sentimos que era la única opción, porque no queríamos ser una banda con un tercer vocalista principal, así que estuvo bien que Kenny estuviera dispuesto, y cuando lo vimos, fue como si no hubiera pasado el tiempo, fue como en aquellos tiempos, ¿sabes? 

Es como cuando tienes zapatos viejos y nunca te los pones, pero cuando los usas te encajan perfectamente.

Sí, exacto, ahora es perfecto, y además era uno de nuestros mejores amigos, y lo sigue siendo hoy, fue genial tenerlo de vuelta.

¿Welcome to the Future tiene canciones sobrantes de Force Majeure?

Sí, posiblemente, hay canciones que se escribieron para otros álbumes, pero por alguna razón no aparecen en ellos. No me acuerdo ahora mismo de cuáles canciones pero sí pasó, y sigue pasando en nuestra banda. 

Hay temas que no estaban listas en su momento y tardaron un poco más en escribirse como “Harder to Breathe” fue una de esas canciones que se escribieron para H.E.A.T II pero no se sentía que estaba terminada hasta que la volvimos a mencionar para Force Majeure, y estoy seguro de que hay canciones en Welcome to the Future que también son así.

Son una de las pocas bandas que mantiene la formación original, ¿Tienen alguna amistad cercana fuera de la banda?

Sí, diría que lo más importante es nuestra amistad en torno a la banda, éramos solo un grupo de amigos que creamos una banda y seguimos siendo grandes amigos hoy en día, somos muy privilegiados de salir a trabajar y tocar música con nuestros mejores amigos. 

¿Has pensado en hacer un disco acústico o con orquesta sinfónica?

No hemos hablado del álbum con alguna orquesta sinfónica. No lo sé. Sí hemos hablado de un disco acústico, pero supongo que hemos postergado la idea porque queremos tocar rock and roll.

Pero me imagino que si algún día hiciéramos un álbum acústico, creo que sería una especie de recopilatorio de sólo versiones acústicas, pero no lo sé, hoy en día no se habla de eso, y no creo que vaya a suceder pronto.

Es una buena idea.

Si, por qué no.

¿Te gustaría hacer algo con Erik Grönwall y Kenny Lecremo juntos, donde ambas voces participen simultáneamente?

Lo pensamos, claro, bueno, quizá nuestros caminos se crucen así en el futuro, no lo sé, quién sabe, simplemente hay algunas cosas que se salen de control, y claro, depende mucho de lo que pase en la vida de Erik en su carrera y todo eso, pero desde luego no nos oponemos, nada nos impediría hacerlo si todo fuera bien.

¿Y con el otro guitarrista Eric Rivers? 

Sí, hemos hablado con él y sigue siendo uno de mis mejores amigos, tiene una invitación permanente para venir a conciertos y, ya sabes, ser guitarrista invitado y cosas así, él lo sabe, tiene mucho que hacer con su familia, tiene muchas otras cosas en su vida, por supuesto. Así que es lo mismo con Erik, si todo sale bien, serán más que bienvenidos, todos somos amigos, tanto los que no están en la banda como los que sí lo están, no hay nada que lo impida.

Es algo como lo que Helloween hizo en su último álbum y tour con todos los cantantes

Me encantaría que eso sucediera. 

¿Qué opinas del álbum Skid Row con Erik Grönwall? 

Creo que es bueno, sí, creo que fue muy bueno para Erik y fue muy bueno para Skid Row en mi opinión, lograron volver y lanzar buen material, creo que es un gran álbum.

¿Por qué una gran proporción de bandas provienen de tu país? ¿Tiene que ver con que les enseñan arte desde la infancia o en la escuela?

Mi idea es que, bueno, hace muchos años, cuando empezamos a tocar y también con bandas como Europe en los 80, había muchos locales de ensayo disponibles para que los jóvenes formaran bandas y tocaran música, era una buena plataforma para que los jóvenes músicos tocaran y ensayarán, la única manera de destacar es tocando mucho, y nosotros tuvimos la oportunidad de hacerlo.

Pero hoy en día es un tema muy importante en Suecia porque están cerrando muchos de estos locales y hay muchas bandas y artistas que están muy molestos con el gobierno por cerrarlos porque perjudicará la exportación de música sueca. 

Es muy diferente a Latinoamérica, acá es imposible esto

Me imagino que en muchos países es difícil, incluso con pasión no tener dónde tocar o conectar con otros músicos o cosas así, porque no es algo que se dé por sentado, tuvimos un ambiente fantástico para aprender a tocar y convertirnos en una buena banda.

Dime 5 álbumes del rock y metal que todo fanático debería tener en su colección.

Obviamente, Def Leppard con Hysteria, tienen que estar ahí. Pantera y su Cowboys From Hell, Kiss… bueno, eso es difícil, Destroyer debería estar. Pink Floyd, The Wall, y Iron Maiden, también es difícil elegir, ¿sabes?, pero quizás Powerslave.

Por último, unas palabras para nuestros lectores.

Bueno, gracias por escuchar, leer o lo que sea que vayan a hacer, sigan escuchando rock y apoyando el género.

Death SS es una legendaria banda italiana que viene en acción desde finales de los 70s. Con un extenso recorrido a través de los años y a través de diferentes facetas musicales,  ha logrado consolidarse al día de hoy como una agrupación de culto. Charlamos un poco con su lider y principal propulsor, Steve Sylvester para que nos cuente un poco sobre su mas reciente lanzamiento, el album conceptual The Entity.

¡Hola Steve! He escuchado recientemente tu último álbum y déjame decirte que es increíble… ¿Cómo surgió la idea de este álbum conceptual?

The Entity es un concepto esotérico-horrorífico compuesto por 12 temas dedicados a la Entidad, el espíritu paranormal que siempre ha estado en el centro del proyecto artístico DEATH SS. La idea básica se me ocurrió hace varios años, hablando con mi amigo James Hogg. James es el último descendiente del escritor escocés homónimo que en 1824 escribió la novela “The Private Memoirs and Confessions of a Justified Sinner“, una magistral sátira gótica sobre las paradojas de la fe y el tema de la duplicidad del alma humana, considerada precursora de la famosa novela de Robert Louis Stevenson “The Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde“. Ambas novelas exploran el “lado oscuro” del hombre y su doble naturaleza, la buena y la mala. Partiendo de esta inspiración incluí varios elementos más, que van desde Aleister Crowley, que intenta liberar al hombre despertando su genio artístico a través de sus invocaciones mágicas, para luego continuar con figuras históricas como Jack el Destripador y el pintor Walter Sickert, y también ficticias, como una de las heroínas de los cómics eróticos italianos de los años 70 Cimiteria y mucho más, hasta volver a conectar con la historia de la banda.

Sé que Tom Dalgety formó parte de la producción musical. ¿Cómo te sentiste trabajando con él?

Elegí a Tom Dalgety como productor de este álbum porque conocía sus trabajos. Realmente admiraba lo que hizo con bandas como Ghost, The Cult, Damned, Killing Joke y Rammstein… Estaba seguro de que sería la persona más adecuada para dar el sonido correcto que tenía en mente para las canciones de este álbum. Por suerte a Tom le gustaron las canciones y aceptó trabajar conmigo. Trabajar con él fue fácil y agradable porque ambos viajábamos en las mismas coordenadas. Por eso fue decisivo para el resultado final del producto.

¿Tienes previsto tocar el álbum entero?

Me encantaría hacerlo. Desgraciadamente, no creo que sea posible porque aún tenemos que tocar las canciones clásicas de los otros álbumes, y no podríamos meterlo todo en la duración de un concierto. De todas formas, seguro que incluiremos varias canciones de “The Entity” en los nuevos conciertos.

Death SS es una banda que nunca se ha visto limitada por los géneros del metal… ¿Qué debemos esperar de The Entity?

Si ya has tenido la oportunidad de escuchar el disco, te habrás dado cuenta de que esta vez nos hemos mantenido en atmósferas muy clásicas, potenciando un sonido limpio pero muy potente, con referencias a cierto tipo de sonido oscuro de los 70 y principios de los 80. Me pareció que era el tipo de sonido más adecuado para las atmósferas descritas por el concepto.

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Empezaste hace más de 4 décadas y hoy podemos decir que ya sos una legendaria banda de culto… ¿Extrañas algo de los viejos tiempos? ¿Qué diferencias notas con los tiempos modernos a la hora de hacer música?

No me arrepiento de nada del pasado… Cada época tiene sus aspectos positivos y negativos y siempre hay que evolucionar y seguir adelante. Mi forma de hacer música nunca ha cambiado con los años. Sólo las tecnologías en el estudio de grabación y en el equipo que utilizo en directo para los conciertos pueden cambiar y evolucionar, pero el alma siempre sigue siendo la misma.

¿Quiénes fueron tus principales influencias cuando creaste Death SS?

Desde el punto de vista musical, nací escuchando el viejo glam rock británico, bandas como The Sweet, Slade, T. Rex y similares. Luego llegué a conocer oscuros y progresivos como Black Sabbath y Black Widow, y después descubrí el primer punk rock de Damned, Sex Pistols etc. Al final intenté unir y mezclar todas estas diferentes influencias musicales, cosiendo encima la teatralidad de Alice Cooper y KISS.

A lo largo de tu carrera has compartido escenario con viejas y nuevas grandes bandas… ¿Recuerdas alguna en particular?

Sí, he tenido el privilegio de compartir escenario con muchos grandes artistas a lo largo de los años. Es difícil mencionar a alguien en particular. Mencionaré entre los últimos por orden de tiempo a Ghost, King Diamond, Behemoth, pero también a Demon y Moonspell…

¿Cuál es el plan para el futuro próximo? ¿Consideras que aún te quedan cosas por hacer o te sientes satisfecho con lo conseguido hasta ahora?

Mientras la llama de la creatividad artística arda en mi interior y sienta que tengo algo válido que expresar a través de mi música, ¡seguiran oyendo hablar de DEATH SS!

Una de las razones por las que empecé a escuchar tu música fueron las increíbles portadas de los álbumes. ¿Qué opinás de las portadas generadas por IA?

Por el momento nunca he utilizado este tipo de tecnología. Simplemente no la he necesitado. Soy diseñador gráfico y siempre creo personalmente las ilustraciones de mis álbumes, ayudado por el personal de mi discográfica. Doy mucha importancia a la portada del álbum porque debe ser capaz de encerrar en una sola imagen la esencia del propio álbum. Para conseguir este propósito, en mi opinión, se pueden utilizar todos los medios artísticos disponibles, ya sean dibujos, fotografías y, por lo tanto, también IA si es necesario, ¿Por qué no?

Por último…para alguien que nunca ha escuchado a Death SS…¿Qué álbum recomiendas para iniciarse en tu música?

Bueno, definitivamente diría que el último, “The Entity” porque es el que representa exactamente lo que DEATH SS es artísticamente en este momento.

Axel Fabricio entrevistó a Andrés Garavito, jefe de Cráneo Productions y cofundador del Estigma Fest, festival colombiano dedicado al doom metal y a la difusión de un género que no ha tenido tanta cabida en la escena latinoamericana. Hablaron sobre los desafíos de hacer estos eventos tan específicos, el público al que está dirigido, cómo es manejar una productora en este ambiente y mucho más.

Podes ver la entrevista en el siguiente video

La banda Indar nos abre las puertas a su universo sonoro con motivo del lanzamiento de su primer álbum, Anlage. Hablamos con ellas sobre la evolución de su sonido, las temáticas sociales que atraviesan sus letras, el proceso de grabación, sus influencias y lo que significa para ellas compartir escenario y seguir creciendo como banda completamente autogestionada. Un trabajo honesto, visceral y profundamente comprometido con su identidad.

¿Cómo describirías el sonido de este nuevo disco en comparación con vuestros trabajos anteriores?

Aunque habíamos lanzado algunos singles anteriormente, estos están incluidos en Anlage. Este es nuestro primer disco así que no podemos compararlo con nada que hayamos hecho anteriormente. Sí que vemos una evolución desde las primeras composiciones cuando la banda empezaba a formarse. De hecho algunos de los temas presentes en Anlage han ido evolucionando en el tiempo junto a la banda y las primeras veces que los tocamos en directo eran bastante distintos a la versión final. En este creemos que con el tiempo hemos ido desarrollando la personalidad de la banda y hemos adaptado esas ideas tan intuitivas del principio a una identidad con coherencia. 

¿Qué temáticas o conceptos les han inspirado más a la hora de componer este álbum?

Además de crear canciones a raíz de nuestras vivencias personales, ha salido de forma natural hablar sobre temáticas sociales como puede ser una reivindicación al bienestar animal, a luchar contra la presión social o el empoderamiento ante las desigualdades de género.

¿Cómo ha sido el proceso de grabación del disco? ¿Ha habido alguna diferencia significativa respecto a cómo lo grabasteis en trabajos anteriores?

En realidad fuimos grabando por tandas. Antes de lanzar Anlage grabamos cinco singles, que están incluidos en el disco. Los dos primeros, Prey y Rotten Roots, sí que tuvieron un proceso de grabación bastante diferente a los demás, ya que los grabamos con Ra Tache y como no podíamos desplazarnos a su estudio en los Pirineos, ella se trajo su equipo y los grabamos con ella en nuestros locales de ensayo. Después ella en su estudio hizo la producción y premezcla y finalmente de la mezcla y master final se encargó Óscar en Axtudio. Respecto al resto de temas, que vinieron después, aunque estábamos muy contentas con el trabajó de Ra, resultó imposible coordinarnos con ella por temas de calendario, así que decidimos hacer todo el proceso directamente con Óscar en Axtudio. Los siguientes singles (Udol, Nostalgia y Oxyde) los fuimos grabando conforme los íbamos a sacar y, finalmente, cuando Nuria (LaRubiaProducciones) y Dani (FourSkulls) nos dieron la posibilidad de lanzar un trabajo de larga duración completo, grabamos el resto de temas juntos. El proceso tanto con Ra como con Óscar siempre ha sido muy satisfactorio. Implica mucho trabajo, porque somos perfeccionistas (y ellos también) pero es un trabajo agradecido. 

¿Qué artistas o géneros han influido en la creación de este disco?

Dentro de la banda tenemos gustos e influencias muy variados y eso se nota al escuchar la música ya que cuesta definirla en cuanto a géneros. En general creemos que las mayores influencias son bandas como Amenra, Gojira, Alcest, Opeth, Jinjer, incluso Chelsea Wolfe… 

¿Tienes alguna canción favorita del nuevo disco? ¿Por qué?

Es difícil, le tenemos mucho aprecio a todas ya que con cada una hemos podido explorar nuevas áreas musicalmente y a nivel de temática, pero la canción favorita siempre suele ser la última que has compuesto porque generalmente es las más “fresca” y menos “rallada”,  y en este caso es Thalassophobia. Creemos que es una canción bastante distinta a las demás y disfrutamos mucho del viaje que propone. Aún así todas tienen su momento. 

¿Hay alguna canción que sientas que representa mejor la esencia de INDAR en este momento?

Tenemos temas bastante distintos entre sí que se complementan entre ellos para formar un todo, así que es difícil que uno de ellos pueda representar a los demás… desde el viaje de nueve minutos que comentábamos de Thalassophobia, hasta la canción un poco más melódica que sería Nostalgia, pasando por las atmósferas de los primeros temas que sacamos, Rotten Roots y Prey… aunque sí que es verdad que de algún modo todos combinan esa parte visceral con otra mucho más contemplativa, cada una en su medida. En este sentido seguramente podríamos escoger Udol, que es además nuestro tema más conocido, ya que en él exploramos la parte más extrema de ambos aspectos. 

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¿Qué importancia tiene la crítica social o personal en las canciones de este álbum?

Inevitablemente bastante. Pues es precisamente por nuestras vivencias personales y las de nuestro alrededor que queda reflejada una crítica social y descontento con la que muchísima gente, en especial los círculos desfavorecidos o minoritarios, se pueden sentir identificados. Es decir, nos gusta pensar que nuestro activismo nace de la naturalidad y transparencia simplemente contando nuestra verdad, en ningún momento hay intención de difundirlo a modo ‘’feminismo’’ panfletario para contentar a nadie ni hablar de ello por moda. Precisamente que nuestra formación sea completamente femenina fué algo que surgió de forma orgánica. 

¿Hay alguna historia especial detrás de alguna de las canciones del disco que te gustaría compartir?

Si, a colación de la pregunta anterior destacaremos Udol. Es un tema que representa bastante bien el concepto del disco, en el que muestra que no nos arrepentimos de ser quien somos y no hay cabida para gente que nos quiera pisar. Una pura celebración de nosotras mismas en letras mayúsculas. Y al final esto es la historia de todas, o al menos debería serlo.

¿Normalmente componéis en conjunto o cada miembro de la banda aporta ideas por separado?

La mayoría de los temas parte de una idea inicial de voz o guitarra, o incluso de un concepto, y a partir de aquí se trabajan en conjunto en el local. 

El 2 de mayo presentaron el disco en la Sala Vol. ¿Cómo les fue?

El concierto del 2 de mayo fue un día muy especial porque presentábamos oficialmente nuestro disco, en la sala Vol en la que ya hemos tocado tres veces y para nosotras es simbólicamente nuestra casa. Fue emotivo ya que ahí hicimos hace más de un año nuestro segundo concierto, junto con Bones of Minerva, y fue muy pocos días después del primero así que para nosotras prácticamente ahí empezó todo. El concierto del día 2 fue nuestro décimo concierto, número redondo, y estar en ese mismo escenario poco más de un año después y ver todo el camino recorrido, las caras habituales que siempre nos acompañan más las nuevas que se han ido sumando, fue como un milestone para nosotras. 

Tuvieron como invitados a Dríade desde Madrid. ¿Qué nos puedes contar sobre ellos y qué significo para ustedes compartir escenario juntos?

Conocimos la música de Driade a través de redes sociales y nos llamó mucho la atención su energía y su propuesta. Su estilo de música es más cercano al metal alternativo y “core” que el nuestro pero aún así encajamos muy bien musicalmente y les invitamos.  Nos lo pasamos muy bien durante su concierto, tienen una propuesta muy potente y enérgica. Además Carmela accedió a subirse al escenario con nosotras para cantar junto a Sara una versión única de Rotten Roots, que la verdad fue muy especial y tanto el público como nosotras disfrutamos mucho. 

¿Qué otras fechas tienen confirmadas para la presentación del disco?

Por ahora podemos decir que el día 16 de mayo haremos nuestra primera presentación fuera de España, ya que estaremos tocando en Brighton en el Alternative Escape. También el próximo día 21 de Junio tocaremos en el Metal Academy Fest, el festival donde nuestra cantante Sara trabaja de profesora de canto, junto a Onirophagus. Además de eso tenemos fechas durante los próximos meses que todavía no se pueden desvelar, así que os animamos a seguir nuestras redes para estar al día de todo. 

Finalmente, te dejamos este espacio para que dejes un mensaje a nuestros lectores.

Pues primero de todo muchísimas gracias a Track to Hell por hacernos esta entrevista y a los lectores por leerla y por el interés. Esperamos que disfrutéis de Anlage y ojalá os podamos ver en alguno de los próximos conciertos. Muchísimas gracias!

Dani Escobar tiene una conversación con Chaney Crabb, cantante de la banda de deathcore progresivo Entheos, hablando sobre la evolución en el sonido de la banda, la manera de componer las canciones, la influencia de Fredrik Thordendal y su disco “Sol Niger Within” (1997), y cómo ha cambiado la idea de ser una mujer cantando en una banda de metal extremo.

Evadne, la banda de doom/death originaria de Valencia, España, se estará presentando por primera vez en latinoamérica este mes de mayo y junio con fechas en países como México, Brasil, Chile y Colombia, en lo que promete ser una gira cargada de sentimiento por sus veinte años de trayectoria y que lleva por título “Behind The Veil of Melancholy”, por lo que tuvimos la oportunidad de entrevistar a esta fabulosa agrupación y conocer sus perspectivas sobre estos eventos en puerta.

Antes que nada, queremos agradecerles su tiempo para contestar esta entrevista y felicitarles por su trabajo, en Track To Hell estamos seguros que todo su público en Latinoamérica está sumamente emocionado por el anuncio de la gira. ¿Es esta la primera vez que se presentan en los países anunciados o ya habían asistido antes a alguno(s)?

Sí, será nuestra primera vez en Latinoamérica, por eso esta gira va a ser muy especial e inolvidable para nosotros. Desde hace algunos años atrás se había hablado de la posibilidad de poder asistir a algún festival o hacer algunos conciertos sueltos en Ecuador o México, pero por unas razones u otras no llego a concretarse.

Ahora sentimos que es el momento ideal de poder dar el salto al otro lado del charco, así que confiamos en que también sea especial para todo el público que asista a los conciertos.

¿Cómo se sienten con el anuncio?

Estamos muy contentos y emocionados. Realmente, es un sueño hecho realidad poder llevar nuestra música tan lejos y a un público tan entregado.

¿Qué es lo que más esperan de esta gira, qué les emociona y cuál creen que será el reto más grande?

Lo principal y lo que más nos emociona es poder compartir un momento tan especial con nuestros seguidores o cualquier persona curiosa que venga a disfrutar de nuestra música en directo. Por otro lado, el reto más grande probablemente tenga que ver con la logística, aunque estamos acostumbrados a los viajes y los horarios intempestivos, siempre da nervios la expectación de que todo salga bien y sea una buena gira para todas las personas involucradas.

¿Cómo es que surge la intención de venir para acá?

Latinoamérica siempre ha sido un lugar importante donde poder llevar nuestra música. Además, gracias a buenos amigos como Dani Molina de Total Death y la implicación y apuesta de Andrés Garavito de Cráneo Productions, el cual ha trabajado arduamente en conjunto con otras promotoras de cada país, ha hecho que todo esto sea posible.

¿Qué sorpresas pueden esperar los asistentes a los eventos?

Ahora mismo estamos trabajando un set especial que incluye canciones emblemáticas de nuestra carrera y con las que realmente disfrutamos y nos sentimos identificados. Nos gustaría que cada show sea una experiencia emocional y profunda con la que todo el mundo pueda conectar.

¿Podemos esperar escuchar algo del nuevo material que se ha estado anunciando en redes?

Lamentablemente aún estamos trabajando en ese material y no habrá ni tiempo, ni espacio para ello, aun así, pensamos que el público disfrutará con las canciones que tenemos preparadas.

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¿Qué es lo más difícil de tocar en una banda como Evadne?

Claramente mantener el equilibrio entre nuestras vidas personales y el compromiso que implica estar en una banda que intenta superarse con cada nuevo disco. El trabajo y dedicación que se requiere actualmente en la música es bastante elevado y en nuestro caso, y teniendo en cuenta que también somos bastante exigentes con nuestro material, consideramos que el nivel de detalle y emoción que intentamos transmitir hace que esa exigencia se sienta más punzante.

¿Qué es lo más recompensante de tocar en una banda como Evadne?

Todo lo que tenga que ver con el proceso creativo y poder compartir algo propio con tanta gente en diferentes partes del mundo. Sin duda, eso crea una conexión con nuestros seguidores. Saber que nuestra música tiene un impacto emocional en las personas es algo intensamente gratificante.

¿Cómo perciben ustedes que ha sido el impacto de Evadne en Latinoamérica?

Aunque aún no tenemos la experiencia ni la percepción de tocar allí, de un modo u otro, sentimos que nuestra música ha encontrado un hogar especial en Latinoamérica. Siempre hemos tenido la sensación de que la pasión y el apoyo de la gente latinoamericana está en otro nivel.

¿En dónde se ve la banda en cinco años?

Esperamos que, evolucionando como músicos, siempre explorando nuevos territorios musicales, pero manteniendo esa esencia melancólica que queremos que perdure en nuestras composiciones. También nos gustaría consolidarnos en la escena y tener más presencia en escenarios internacionales.

¿Algo más que quieran hacer saber a nuestros lectores?

En primer lugar, gracias a vosotros por esta cálida entrevista y agradecer de todo corazón a todas las personas que nos han mostrado su apoyo durante todos estos años, sin ellos nada de esto sería posible. ¡Nos vemos en los escenarios en mayo, listos para compartir momentos inolvidables con todos vosotros!

Moonlight Haze es una banda relativamente joven oriunda de Italia que ha escalado significativamente dentro del mundo del metal. Con su sello carácteristico de bandas de power metal, esta agrupación ha lanzado recientemente su obra Beyond, la cual combina estilos del power, el sinfónico y algo de hard rock, rememorandonos constantemente a las bandas clásicas y consagradas del género. Con el motivo de dar a conocer su carrera y su último disco, Chiara Tricarico, lider y cantante, nos responde algunas preguntas acerca de ello.

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– Ciao Chiara, Come stai? He escuchado su nuevo álbum “Beyond” y me ha gustado mucho. Dejame decirte que tu parte vocal es increíble. Entonces… ¿Qué podrías decirnos sobre el origen de la banda? ¿Cómo empezó todo?

¡Ciao, sto bene, grazie! Me alegro de que les haya gustado el disco y el trabajo que he hecho a las voces. Todo comenzó a finales de 2018 cuando Giulio me pidió que creara una nueva banda con él: Al principio era un poco escéptico sobre comenzar un nuevo proyecto desde cero, pero cuando escuché la demo de las primeras canciones que escribió, me vendió. Lo mismo ocurrió con Alberto Melinato, Marco Falanga y Alessandro Jacobi, guitarristas y bajista respectivamente. Estamos muy contentos y orgullosos de que la formación siga siendo la misma desde el principio.

– A veces algunas canciones me recuerdan a grandes bandas del género. ¿Cuáles son sus principales influencias?

En la banda todos escuchamos diferentes géneros musicales y en absoluto sólo metal. Personalmente me inspiro mucho en la música clásica y pop, pero por supuesto bandas de metal como Sonata Arctica, Avantasia, Edguy, Nightwish y Helloween han sido muy influyentes en mi forma de componer.

– En cuanto a la pregunta anterior… he dicho que algunas canciones me recuerdan a ciertas grandes bandas… y también se debe a lo natural y orgánico que me parece el sonido de Beyond. ¿Cómo se produjo el álbum?

Esta vez trabajamos con el legendario Sascha Paeth como productor de Beyond. Fue una experiencia absolutamente genial y estamos más que contentos con el resultado. Fue él quien nos animó a grabar de forma más “orgánica” y todos estamos de acuerdo en que hizo un gran trabajo resaltando algunas de nuestras señas de identidad y nos ayudó a atrevernos un poco más con las canciones.

– Me he dado cuenta de que Moonlight Haze ha estado tocando en grandes festivales y abriendo (y abrirá) conciertos para grandes bandas. ¿Qué sentís cuando tocan para un gran público?

Creemos que es una buena oportunidad para promocionar nuestra música y estamos muy orgullosos de haber podido compartir escenario con algunas leyendas de la música, ¡y esperamos con impaciencia los próximos conciertos!

– ¿Piensan hacer una gira por el resto del mundo en algún momento?

Por supuesto que sí. Últimamente hemos recibido muchas peticiones y estamos trabajando en muchas cosas, ¡así que esperamos que eso ocurra muy pronto!

– Como ya he dicho antes… estoy asombrado con la interpretación vocal. Se oyen voces operísticas y guturales… ¿Hiciste todo el trabajo vocal en el álbum? ¿Es difícil interpretar todas estas voces diferentes en los directos?

Sí, canté todas las voces principales en los álbumes. Bueno, es bastante exigente cantar el repertorio de Moonlight Haze en los directos, pero soy la persona que escribe las líneas vocales, así que no hay nadie más a quien pueda quejarme, ¡ah!

– ¿Qué diferencias notas entre el primer álbum y este último? Me refiero a la producción, las giras, los conciertos, etc.

La pasión que ponemos en nuestra música es seguramente la misma pero, después de muchos años trabajando juntos como un equipo, nuestro trabajo en equipo ha mejorado mucho y también ha habido una evolución en nuestra música: hemos probado muchos sonidos diferentes, estilos de voz y demás. En cuanto a la producción, como ya he dicho, esta vez hemos trabajado por primera vez con Sascha y hemos grabado el álbum de una forma diferente. En cuanto a los conciertos: ¡estamos planeando hacer muchos más conciertos en directo a partir de ahora!

– ¿A qué dificultades crees que se enfrentan como banda de metal para mantenerse activos? ¿Pueden dedicar el 100% de sus esfuerzos sólo a la banda?

Sin duda requiere mucho esfuerzo y pasión. Todos tenemos otros trabajos relacionados con la música o el arte y eso nos ayuda mucho: por ejemplo, Alberto es ingeniero de sonido y se encarga de la mayoría de las grabaciones y los aspectos técnicos de la banda, mientras que Marco es realizador de vídeo profesional y dirige todos nuestros vídeos musicales.

Con una carrera que marcó a fuego el metal español, Elisa C. Martin, repasa en esta entrevista exclusiva su paso por Dark Moor, Dreamaker, Hamka y su etapa solista. Hablamos de su libro, su nuevo disco, la visita a Buenos Aires y su visión sobre la música, la libertad creativa y el legado. Una charla imperdible con una voz icónica del género.

Gracias Elisa por tu tiempo para responder estas preguntas para Track To Hell. Es un placer para mí poder entrevistar a una de las voces femeninas más emblemáticas del metal español. Aún tengo grabado en la memoria cuando cantaba ese temazo “Somewhere in Dreams” de Dark Moor, y no puedo evitar soñar con escucharlo en vivo.

Gracias a vosotros por hacer que los músicos seamos un poquito más visibles. Si te gustó Somewhere in dreams de Dark Moor no puedes faltar a la cita el próximo 15 de junio 😉

Repasando tu larga carrera, has sido parte importante del crecimiento del género, no solo en España sino también a nivel global, ¿qué recuerdos tenés de esos inicios?

Es alucinante mirar atrás y ver todo lo que has conseguido. Saber que has sido una de las mujeres metaleras que han abierto camino para todas las que han venido detrás, es como un sueño. Todos mis recuerdos son maravillosos, incluso los malos… Recuerdo a una niña pequeña que quería ser cantante de heavy metal y cada noche, cuando se iba a la cama, miraba los posters de sus héroes (Doro, Dickinson, Halford, Dio…) soñando que algún día ella también estaría en un póster…, ¡y así fue!

¿Qué fue lo que sucedió en aquel momento que llevó a tu salida, junto con Jorge y Albert, de Dark Moor? ¿Se trató de diferencias musicales, personales, o simplemente ciclos que se cerraron?

Es muy complicado explicar algo tan complicado y que no es cosa de un día puntual, si no de un día a día, así en pocas palabras, pero digamos que había diferencias entre nosotros, no veíamos las cosas de igual manera, así que, los ciclos se cerraron.

¿Cuáles fueron tus temas favoritos de Dark Moor en cuanto a composición y con cuáles te sentías más cómoda interpretando?

Mis canciones favoritas son todas, pero “Maid of Orleans“, “Silver Lake“, “Somewhere in Dreams“, “A Lament of Misery” o “Beyond The Fire” me gustan especialmente, sobre todo por lo cómoda que me siento cantándolas. A nivel compositivo me encantan “Dies Irae“, “Quest for the Eternal Fame“, “The Shadow of the Nile” o “A New World“, entre otras.

Acerca de Dreamaker, el significado del nombre de la banda tiene que ver con lo que no podían hacer en Dark Moor?

Sí amigo 🙂 Dreamaker nació de un sueño. El sueño era hacer música sin censura por parte de los mismos miembros de la banda.

Pasando por Hamka notamos que tienen una propuesta más épica ¿Cómo llegaste a formar parte del proyecto y qué te atrajo de su estilo?

Hamka nació cuando Phil y Will se enfadaron y Fairyland entró en un stand by. Will me propuso hacer una banda y empezamos el proyecto porque me gustó mucho la idea de tener que interpretar música diferente hasta ahora, ya que Hamka es bastante tribal, combinando sonidos y melodías de diferentes culturas.

¿De dónde surge esa necesidad de contar tu vida y plasmarlo en un libro? Se podría considerar como un libro de autoayuda/superación con flashes de tu vida personal?

Un día me llamó un periodista muy importante de España y me dijo que le encantaría que escribiese un libro con mis vivencias. Yo creí que no tenía nada que contar, por eso al principio fui un poco reticente, pero me picó el gusanillo y dije: “voy a intentarlo”. Me puse primero con el índice y empecé a desarrollarlo y mira, acabé escribiendo un libro entre lágrimas, risas y nostalgia, mucha nostalgia. La verdad que tuve que escarbar en mi pasado y me vino muy bien 🙂
Nunca intenté hacer un libro de autoayuda o superación, pero sí que lo es. A mí me ayudó mucho escribir el libro y sé que está ayudando a muchas personas.

En 2022, Nothing Without Pain marca tu debut como solista. ¿Qué sentiste al tener el control total de este proyecto?  ¿Es un reflejo personal o más conceptual?

Realmente es como si, inconscientemente, hubiese puesto música al libro jaja. Me sentí totalmente yo misma componiendo este disco, siendo muy sincera y dejándome llevar. He tenido el control total de todo y ha quedado a mi gusto. Me siento muy feliz con el resultado la verdad.

Si tuvieras que definir en una palabra cada proyecto que integraste —Dark Moor, Dreamaker, Fairyland, Hamka y tu carrera solista—, ¿cuáles serían?

Dark Moor: aprendizaje, Dreamaker: libertad,  Fairyland: madurez, Hamka: exploración y Elisa C.Martin: ilusión.

Cuál sería tu opinión acerca de la IA para la creación de sonidos y portadas de los discos?

Yo creo que todo lo que ayude que sea bienvenido, siempre y cuando no dejemos que hagan las cosas por nosotros y nos vayan cortando la creatividad.

¿Qué expectativas tenés de la visita a Buenos Aires y cuáles son los planes más inmediatos o futuros? ​

Tengo muchas ganas de cantar en Buenos Aires y sentir el calor del público argentino, que me han dicho que son increíbles.
Los planes más inmediatos son la composición del nuevo álbum, que ya estoy en ello, aparte de terminar todos los compromisos que tengo antes de que acabe el 2025 y comiencen los conciertos del 2026.  También quiero lanzar mi escuela de canto online Singerfit antes de junio y escribir un segundo libro.

Para cerrar nuestra entrevista, me gustaría hacerte una pregunta que suelo hacerle a cada entrevistado/a. Tenes la oportunidad de organizar un festival con las 5 bandas/solistas de tus sueños. ¿A quién incluirías en el line up y cómo organizarías el orden de las presentaciones? Además, ¿dónde se presentaría tu banda en ese escenario?

Judas Priest, Iron Maiden, Dio, Warlock, Metallica, Elisa C. Martin

Elisa, nuevamente gracias por tu tiempo y por conceder esta entrevista.

Gracias a vosotros por darnos visibilidad amigos. Sin vosotros sería todo más difícil. ¡Un beso grande desde España!

En medio de un renacimiento del Melodic Death Metal más introspectivo y atmosférico, As The Sun Falls emerge desde Finlandia como una banda que canaliza el frío del norte en una propuesta cargada de melancolía, intensidad y una fuerte identidad sonora. En esta entrevista, Jani Mikkanen guitarrista y motor creativo del grupo— nos adelanta detalles sobre su próximo EP Luonto ja Sydän, reflexiona sobre la evolución musical de la banda y comparte sus expectativas ante su primera visita a España, donde prometen dejar huella con su poderoso y emotivo directo.

– Para quienes aún no conocen a la banda, ¿Cómo se describirían?
Describiría a As The Sun Falls como una interpretación muy melancólica del Melodic Death Metal. Llevamos ese sonido y atmósfera clásica finlandesa, enriquecida con una buena dosis de influencias del Black Metal. El resultado es una experiencia musical fría, emocional e inmersiva.

– Un nuevo EP saldrá el 23 de mayo — ¿Qué nos pueden adelantar sobre él?
El nuevo EP incluye cuatro canciones en total: tres temas completamente nuevos y uno que hemos tomado de nuestros primeros años y reescrito por completo. Está íntegramente en finés y tiene una atmósfera única que se siente muy personal y arraigada a nuestra identidad.

– ¿Cómo ha evolucionado su sonido desde sus primeros lanzamientos?
Este EP marca definitivamente un cambio en nuestro sonido. Es una oda a Finlandia: su historia, su naturaleza y las emociones que despierta. Queríamos reflejar lo que Finlandia significa para nosotros a través de una música cruda y orgánica. Comparado con nuestros lanzamientos anteriores, tiene un espíritu un poco más rock’n’roll, aunque sigue siendo fiel a nuestra esencia melancólica e intensa.

– ¿Qué influencias musicales están más presentes en su trabajo más reciente?
El EP Luonto ja Sydän se inclina más hacia las influencias del Black Metal, con bandas como Saor y Vindland como principales fuentes de inspiración. Por supuesto, nuestro característico sonido Melodeath sigue muy presente, entrelazado con esas texturas ennegrecidas.

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– Visitan España por primera vez — ¿Cuáles son sus expectativas?
Estamos muy emocionados por experimentar la comida, la cultura y por conectar con una audiencia completamente nueva. Ninguno de nosotros ha estado en España antes, así que es una ocasión especial. Tenemos grandes expectativas para nosotros mismos: queremos que nuestro primer show en España sea realmente memorable y ofrecer una actuación inolvidable. Esperamos reunir a una gran multitud y crear una atmósfera poderosa juntos.

– ¿Qué significa para ustedes tocar en una ciudad como Bilbao durante esta gira?
Desde el punto de vista logístico, ha sido todo un desafío. Finlandia y España están relativamente alejadas, con opciones de vuelo limitadas y costosas. Tuvimos que planificar todo al minuto para que funcionara. Por eso, tocar en Bilbao se siente como un verdadero logro: presentarnos por primera vez en España significa mucho para nosotros. No muchas bandas llegan tan lejos, y estamos agradecidos por la oportunidad.

– ¿Qué canción del repertorio actual representa mejor la esencia de AS THE SUN FALLS?
Hay una canción de nuestro primer álbum que, en mi opinión, captura mejor nuestra esencia: “Way to the North“. Es el tema más intenso y épico que hemos escrito hasta ahora. Lleva al oyente en un viaje a través de los paisajes helados de Finlandia — y en directo, ofrece una experiencia muy poderosa y emocional.

– ¿Cuáles son los próximos planes de la banda?
Este verano saldremos de gira por Alemania, Francia, Austria, Finlandia y Eslovaquia, tocando en festivales y salas. Tenemos mucha suerte de poder presentarnos en tantos lugares. Luego, en septiembre, nos uniremos a Shade Empire en su gira europea, que incluye un show exclusivo en Barcelona — lo que nos traerá de vuelta a España una vez más. ¿Y después? Bueno, digamos que… los rumores sobre un nuevo álbum de larga duración podrían no estar tan lejos. 😉

Year Of No Light, la gran banda francesa de post-metal instrumental, acaba de lanzar Les Maîtres Fous (“Los Maestros Locos”), un álbum inspirado en un documental homónimo del director y etnólogo francés Jean Rouch en 1955. Este trabajo también puede considerarse una “docuficción” y Rouch el creador de la “etnoficción”, pues se trata de retratar un fenómeno cultural desde un enfoque narrativo que da cuenta de una interpretación casi guionada y con un montaje claramente cinematográfico. En el film, Rouch presenta el movimiento Hauka en Níger. Este consistía en encuentros para la realización de rituales en los que sus integrantes eran “poseídos” por los espíritus de los administradores coloniales británicos, desplegando conductas grotescas para luego de esta suerte de catarsis, volver a sus vidas cotidianas. Sin embargo, hay distintas hipótesis acerca de estas “posesiones”, pues no queda claro si realmente se trataba de ceremonias religiosas o de eventos “teatrales”, paródicos, para burlarse de las autoridades blancas, entre otras miradas posibles. En cualquier caso, la obra fue muy controversial y censurada en todos los territorios británicos.

Tuvimos la gran oportunidad de intercambiar ideas al respecto con YONL y conversar sobre muchos otros temas. Hablamos con Jérôme Alban (guitarra y teclados) y Mathieu Mégemont (batería y electrónica).

Muchas gracias por brindarnos esta posibilidad. Ustedes ya tienen un lugar verdaderamente relevante en la escena internacional del post-metal. Su último álbum Consolamentum (2021) fue una obra maestra épica, y cualquiera sabe que Ausserwelt (2010) definitivamente es una referencia en el contexto de cualquier conversación sobre la historia del género. ¿Cuál es su reflexión acerca de sus logros en una carrera de dos décadas?

J: Siempre es un poco extraño mirar atrás en un período de tiempo tan largo. Definitivamente ya no somos las personas que éramos hace veinte años. El hecho de que esos discos hayan sido tan bien recibidos es una enorme bendición y un pequeño milagro para mí. Por mi parte, solo me siento muy afortunado de que haya gente que apoye nuestra música.

Su nuevo álbum, Les Maîtres Fous fue grabado en vivo y compuesto en respuesta al controversial documental de Jean Rouch con el mismo título. No sabía nada sobre ese trabajo antes de esta entrevista, así que decidí verlo. Entiendo que el Musée Du Quai Branly de París les comisionó la obra para su exhibición de 2012 titulada ‘L’Invention Du Sauvage’ (La Invención del Salvaje). ¿Qué fue lo que les pareció interesante sobre este film?

J: Es un film fascinante y perturbador, en el que la ficción y la alucinación nunca están lejos, aunque sea un documental. Contiene imágenes impactantes que son verdaderos catalizadores creativos.

M: El film es increíblemente revelador de la experiencia colonial y su impacto en la psique de quienes eran sus sujetos. La estética del documental de Rouch’s amplifica la dimensión simbólica del ritual tribal, empujándolo hacia algo que bordea una experiencia psicodélica y horrible. Fue este aspecto del que quisimos hacernos eco a través de la música, enfatizando el inquietante y, a la vez liberador, trance que la película evoca.

Ustedes tiene una larga historia de interacción con películas. La banda de sonido de Vampyr (2013) de Dreyer, que tocaron en vivo por primera vez el 28 de mayo de 2010 en el Barbey Theatre de Bordeaux, es un ejemplo sobresaliente. Luego volvieron a tocarla en el Roadburn Festival. Cuéntenme más sobre la relación entre el grupo y las artes visuales.

J: Eso es algo muy importante para nuestra música. Por mi parte, tengo una relación con la composición muy cercana a la que uno puede tener en las artes visuales. Me gusta buscar texturas sonoras y trabajar con la música como un arquitecto tratando de hacer arte abstracto. Con frecuencia componemos colectivamente y usamos muchas palabras cercanas a las artes visuales durante este trabajo.

M: Ser una banda enteramente instrumental nos da, por defecto, la habilidad de crear una música que sea más narrativa y, de cierta manera, más visual. Operamos conceptualizando un tema general para cada álbum, luego ofreciendo un marco lo suficientemente abstracto a través de toda la gráfica y los títulos de las canciones, así cada oyente puede crear su propia historia e imaginería para la música. Todos compartimos un profundo interés por la música clásica (y contemporánea) y las bandas sonoras de películas, y nos gusta pensar en nosotros mismos tanto como una orquesta como una banda. Pero en casos como los que mencionaste –Vampyr y Les Maîtres Fous– conscientemente nos ubicamos al servicio de las películas, tratando lo más posible de desaparecer, a pesar de la naturaleza inherentemente impuesta de la ejecución en vivo. Nuestra verdadera meta era resaltar las películas y la visión de sus creadores, no de la banda.

Cuando miré el documental y después volví a escuchar su disco, pensé en Obscured by Clouds (1972) de Pink Floyd, escrito como banda sonora de La Vallée de Barbet Schroeder, otra película francesa con contenido “antropológico”. Esta colaboración ya había empezado con Music from the Film More (1969). ¿Es Pink Floyd una influencia para ustedes? ¿Por qué eligen hacer música instrumental?

J: Pink Floyd es una gran influencia para nosotros; pocas bandas han inventado tantas nuevas formas de hacer música. Me gusta la música instrumental porque deja mucho más espacio para contar historias y para el trance.

M: Pink Floyd permanece como una de esas bandas a las que siempre vuelvo. Es una inagotable fuente de inspiración, al menos hasta The Final Cut. Puede parecer obvio, pero tracks como “Echoes” o “Atom Heart Mother” son fundamentos inconmovibles de lo que ahora llamamos “post-rock”, y ellos incluso tuvieron la audacia de mantenerse más innovadores y aventurados que lo producido por muchas de las bandas actuales. Debo admitir que mi batería y timbales son los mismos modelos que Nick Mason usaba en los primeros años de la banda: simplemente los afiné para encajar mejor con la estética sonora general de YONL.

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La música de este disco fue grabada en 2015. ¿Por qué no la publicaron entonces y lo hacen ahora?

J: Tuvimos esta grabación en reserva por años. Nuestro sello tuvo una cancelación de un lanzamiento y nos preguntó si teníamos algo reservado, así que fue la oportunidad para publicar este proyecto tan crudo y abstracto, del cual hay registro en video:

¿Planean volver a tocar este disco en vivo otra vez?

J: No lo creo, tenemos muchos proyectos en este momento: el próximo álbum, que ya está bastante avanzado, y una colaboración con la banda A Swarm of the Sun, un grupo que nos gusta mucho. Después, creo que vamos a trabajar en otro proyecto radical y experimental otra vez: siempre es un ejercicio gratificante.

Si tuvieran que definir la esencia del post-metal, ¿Cuál sería?

J: Pesadez, trance, pared de sonido, agitación de los sentidos.

M: Para mí es solo una etiqueta.

Considerando la pregunta final del documental: ¿creen que hay alguna clase de secreto que ciertos cultos, sectas, o incluso sociedades llamadas “primitivas” conocen para sobrellevar el sufrimiento con el que la gente tiene que luchar en la vida cotidiana?

J: Pienso que una de las características humanas es trascender la particularmente incómoda posición de la existencia a través de la espiritualidad. Esto crea formas artísticas fascinantes. Llamémoslo religión. Los problemas reales surgen cuando la religión se vuelve ideológica y política.

M: Creo que los seres humanos nacemos con mecanismos psíquicos idénticos. Luego es la cultura la que nos construye, ya sea emancipándonos o alienándonos. La gente llamada “primitiva” usa referencias culturales o herramientas que las sociedades “civilizadas” han abandonado, pero todos permanecemos, al final, atados a nuestra psique compartida. En ese sentido, el trance es una herramienta que todos poseemos, en donde sea que estemos en este planeta, y cualquiera sea la cultura a la que pertenezcamos. Jérôme habla de religión, yo preferiría usar el término metafísica, porque la religión depende del dogma, y el dogma contiene ideología y política. Creer que la religión puede ser puramente espiritual solamente funciona si se toma distancia de los textos doctrinarios, o a través de un proceso de interpretación y reinterpretación que las autoridades conservadoras de la fé nunca aceptarían.

Jimmy Jay, bajista y miembro fundador de H.E.A.T comparte algunas palabras con nosotros en una entrevista exclusiva para Track To Hell en su paso por tierras aztecas.

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Primero que todo, los felicito por su nuevo disco Welcome to the Future, es increíble, siguen siendo lo más creativos posible.

Sí, intentamos superarnos en cada álbum, estamos muy contentos con él, nos enorgullece que de principio a fin, hayamos hecho toda la producción, la mezcla, todo dentro de la banda, así que estamos muy orgullosos de este.

 ¿Cuéntanos un poco de la historia de cómo surgió H.E.A.T?

Había dos bandas diferentes en nuestra ciudad natal, Upplands Väsby, Suecia, una se llamaba Trading Fate Merged y la otra Dream. Teníamos algo en común: Kenny, el cantante de ambas bandas. Luego decidimos fusionarlas y así surgió H.E.A.T, así que yo, Crash y Kenny estábamos en Trading Fate Merged, y Dave, Jonah y Kenny eran Dream.

¿El nombre de la banda tiene algo que ver con el equipo de baloncesto de la NBA o es por algo más?

No tiene nada que ver con baloncesto y su equipo, eso es seguro, es la abreviatura de algo, pero ese es nuestro secreto mejor guardado, lo que representa la banda. 

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Es bastante similar con los puntos

Si, es muy similar.

El nuevo álbum mantiene la esencia de la banda que han presentado desde sus inicios, ¿Les gustaría probar algo diferente en su próxima entrega?

No creo que nos sentemos y digamos que queremos probar algo nuevo, sólo seguimos componiendo canciones que nos gustan y las lanzamos, no sabemos qué nos va a gustar mañana, nuestros gustos cambian constantemente y bueno, hemos pasado por varias épocas con H.E.A.T, hicimos algo un poco más moderno en Into the Great Unknown, y eso era lo que nos gustaba en ese momento.

Pero, sí, ¿quién sabe? No es nada planeado, así que si pasa, pasa. 

Sí, porque Into the Great Unknown es muy diferente a los otros álbumes, y especialmente a Tearing Down The Walls, son muy diferentes. Aunque no a todos les gustó, los fanáticos quieren el mismo sonido siempre y eso no está bien

Pero creo que algunas de nuestras mejores canciones son de Into the Great Unknown, cómo “Redefined”, una de mis canciones favoritas de H.E.A.T y hay varios fans que siempre la escuchan, así que, bueno, creo que ese álbum fue un poco irregular en cuanto a la calidad de las canciones, pero en general, creo que son canciones realmente brillantes.

Regresar con su vocalista original fue una gran decisión, ¿siempre mantuvieron contacto con él o cómo sucedió?

No mantuvimos mucho contacto, Kenny vivió en el Reino Unido y luego en España, pero, cuando Erik Grönwall dejó la banda, sentimos que era la única opción, porque no queríamos ser una banda con un tercer vocalista principal, así que estuvo bien que Kenny estuviera dispuesto, y cuando lo vimos, fue como si no hubiera pasado el tiempo, fue como en aquellos tiempos, ¿sabes? 

Es como cuando tienes zapatos viejos y nunca te los pones, pero cuando los usas te encajan perfectamente.

Sí, exacto, ahora es perfecto, y además era uno de nuestros mejores amigos, y lo sigue siendo hoy, fue genial tenerlo de vuelta.

¿Welcome to the Future tiene canciones sobrantes de Force Majeure?

Sí, posiblemente, hay canciones que se escribieron para otros álbumes, pero por alguna razón no aparecen en ellos. No me acuerdo ahora mismo de cuáles canciones pero sí pasó, y sigue pasando en nuestra banda. 

Hay temas que no estaban listas en su momento y tardaron un poco más en escribirse como “Harder to Breathe” fue una de esas canciones que se escribieron para H.E.A.T II pero no se sentía que estaba terminada hasta que la volvimos a mencionar para Force Majeure, y estoy seguro de que hay canciones en Welcome to the Future que también son así.

Son una de las pocas bandas que mantiene la formación original, ¿Tienen alguna amistad cercana fuera de la banda?

Sí, diría que lo más importante es nuestra amistad en torno a la banda, éramos solo un grupo de amigos que creamos una banda y seguimos siendo grandes amigos hoy en día, somos muy privilegiados de salir a trabajar y tocar música con nuestros mejores amigos. 

¿Has pensado en hacer un disco acústico o con orquesta sinfónica?

No hemos hablado del álbum con alguna orquesta sinfónica. No lo sé. Sí hemos hablado de un disco acústico, pero supongo que hemos postergado la idea porque queremos tocar rock and roll.

Pero me imagino que si algún día hiciéramos un álbum acústico, creo que sería una especie de recopilatorio de sólo versiones acústicas, pero no lo sé, hoy en día no se habla de eso, y no creo que vaya a suceder pronto.

Es una buena idea.

Si, por qué no.

¿Te gustaría hacer algo con Erik Grönwall y Kenny Lecremo juntos, donde ambas voces participen simultáneamente?

Lo pensamos, claro, bueno, quizá nuestros caminos se crucen así en el futuro, no lo sé, quién sabe, simplemente hay algunas cosas que se salen de control, y claro, depende mucho de lo que pase en la vida de Erik en su carrera y todo eso, pero desde luego no nos oponemos, nada nos impediría hacerlo si todo fuera bien.

¿Y con el otro guitarrista Eric Rivers? 

Sí, hemos hablado con él y sigue siendo uno de mis mejores amigos, tiene una invitación permanente para venir a conciertos y, ya sabes, ser guitarrista invitado y cosas así, él lo sabe, tiene mucho que hacer con su familia, tiene muchas otras cosas en su vida, por supuesto. Así que es lo mismo con Erik, si todo sale bien, serán más que bienvenidos, todos somos amigos, tanto los que no están en la banda como los que sí lo están, no hay nada que lo impida.

Es algo como lo que Helloween hizo en su último álbum y tour con todos los cantantes

Me encantaría que eso sucediera. 

¿Qué opinas del álbum Skid Row con Erik Grönwall? 

Creo que es bueno, sí, creo que fue muy bueno para Erik y fue muy bueno para Skid Row en mi opinión, lograron volver y lanzar buen material, creo que es un gran álbum.

¿Por qué una gran proporción de bandas provienen de tu país? ¿Tiene que ver con que les enseñan arte desde la infancia o en la escuela?

Mi idea es que, bueno, hace muchos años, cuando empezamos a tocar y también con bandas como Europe en los 80, había muchos locales de ensayo disponibles para que los jóvenes formaran bandas y tocaran música, era una buena plataforma para que los jóvenes músicos tocaran y ensayarán, la única manera de destacar es tocando mucho, y nosotros tuvimos la oportunidad de hacerlo.

Pero hoy en día es un tema muy importante en Suecia porque están cerrando muchos de estos locales y hay muchas bandas y artistas que están muy molestos con el gobierno por cerrarlos porque perjudicará la exportación de música sueca. 

Es muy diferente a Latinoamérica, acá es imposible esto

Me imagino que en muchos países es difícil, incluso con pasión no tener dónde tocar o conectar con otros músicos o cosas así, porque no es algo que se dé por sentado, tuvimos un ambiente fantástico para aprender a tocar y convertirnos en una buena banda.

Dime 5 álbumes del rock y metal que todo fanático debería tener en su colección.

Obviamente, Def Leppard con Hysteria, tienen que estar ahí. Pantera y su Cowboys From Hell, Kiss… bueno, eso es difícil, Destroyer debería estar. Pink Floyd, The Wall, y Iron Maiden, también es difícil elegir, ¿sabes?, pero quizás Powerslave.

Por último, unas palabras para nuestros lectores.

Bueno, gracias por escuchar, leer o lo que sea que vayan a hacer, sigan escuchando rock y apoyando el género.

Death SS es una legendaria banda italiana que viene en acción desde finales de los 70s. Con un extenso recorrido a través de los años y a través de diferentes facetas musicales,  ha logrado consolidarse al día de hoy como una agrupación de culto. Charlamos un poco con su lider y principal propulsor, Steve Sylvester para que nos cuente un poco sobre su mas reciente lanzamiento, el album conceptual The Entity.

¡Hola Steve! He escuchado recientemente tu último álbum y déjame decirte que es increíble… ¿Cómo surgió la idea de este álbum conceptual?

The Entity es un concepto esotérico-horrorífico compuesto por 12 temas dedicados a la Entidad, el espíritu paranormal que siempre ha estado en el centro del proyecto artístico DEATH SS. La idea básica se me ocurrió hace varios años, hablando con mi amigo James Hogg. James es el último descendiente del escritor escocés homónimo que en 1824 escribió la novela “The Private Memoirs and Confessions of a Justified Sinner“, una magistral sátira gótica sobre las paradojas de la fe y el tema de la duplicidad del alma humana, considerada precursora de la famosa novela de Robert Louis Stevenson “The Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde“. Ambas novelas exploran el “lado oscuro” del hombre y su doble naturaleza, la buena y la mala. Partiendo de esta inspiración incluí varios elementos más, que van desde Aleister Crowley, que intenta liberar al hombre despertando su genio artístico a través de sus invocaciones mágicas, para luego continuar con figuras históricas como Jack el Destripador y el pintor Walter Sickert, y también ficticias, como una de las heroínas de los cómics eróticos italianos de los años 70 Cimiteria y mucho más, hasta volver a conectar con la historia de la banda.

Sé que Tom Dalgety formó parte de la producción musical. ¿Cómo te sentiste trabajando con él?

Elegí a Tom Dalgety como productor de este álbum porque conocía sus trabajos. Realmente admiraba lo que hizo con bandas como Ghost, The Cult, Damned, Killing Joke y Rammstein… Estaba seguro de que sería la persona más adecuada para dar el sonido correcto que tenía en mente para las canciones de este álbum. Por suerte a Tom le gustaron las canciones y aceptó trabajar conmigo. Trabajar con él fue fácil y agradable porque ambos viajábamos en las mismas coordenadas. Por eso fue decisivo para el resultado final del producto.

¿Tienes previsto tocar el álbum entero?

Me encantaría hacerlo. Desgraciadamente, no creo que sea posible porque aún tenemos que tocar las canciones clásicas de los otros álbumes, y no podríamos meterlo todo en la duración de un concierto. De todas formas, seguro que incluiremos varias canciones de “The Entity” en los nuevos conciertos.

Death SS es una banda que nunca se ha visto limitada por los géneros del metal… ¿Qué debemos esperar de The Entity?

Si ya has tenido la oportunidad de escuchar el disco, te habrás dado cuenta de que esta vez nos hemos mantenido en atmósferas muy clásicas, potenciando un sonido limpio pero muy potente, con referencias a cierto tipo de sonido oscuro de los 70 y principios de los 80. Me pareció que era el tipo de sonido más adecuado para las atmósferas descritas por el concepto.

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Empezaste hace más de 4 décadas y hoy podemos decir que ya sos una legendaria banda de culto… ¿Extrañas algo de los viejos tiempos? ¿Qué diferencias notas con los tiempos modernos a la hora de hacer música?

No me arrepiento de nada del pasado… Cada época tiene sus aspectos positivos y negativos y siempre hay que evolucionar y seguir adelante. Mi forma de hacer música nunca ha cambiado con los años. Sólo las tecnologías en el estudio de grabación y en el equipo que utilizo en directo para los conciertos pueden cambiar y evolucionar, pero el alma siempre sigue siendo la misma.

¿Quiénes fueron tus principales influencias cuando creaste Death SS?

Desde el punto de vista musical, nací escuchando el viejo glam rock británico, bandas como The Sweet, Slade, T. Rex y similares. Luego llegué a conocer oscuros y progresivos como Black Sabbath y Black Widow, y después descubrí el primer punk rock de Damned, Sex Pistols etc. Al final intenté unir y mezclar todas estas diferentes influencias musicales, cosiendo encima la teatralidad de Alice Cooper y KISS.

A lo largo de tu carrera has compartido escenario con viejas y nuevas grandes bandas… ¿Recuerdas alguna en particular?

Sí, he tenido el privilegio de compartir escenario con muchos grandes artistas a lo largo de los años. Es difícil mencionar a alguien en particular. Mencionaré entre los últimos por orden de tiempo a Ghost, King Diamond, Behemoth, pero también a Demon y Moonspell…

¿Cuál es el plan para el futuro próximo? ¿Consideras que aún te quedan cosas por hacer o te sientes satisfecho con lo conseguido hasta ahora?

Mientras la llama de la creatividad artística arda en mi interior y sienta que tengo algo válido que expresar a través de mi música, ¡seguiran oyendo hablar de DEATH SS!

Una de las razones por las que empecé a escuchar tu música fueron las increíbles portadas de los álbumes. ¿Qué opinás de las portadas generadas por IA?

Por el momento nunca he utilizado este tipo de tecnología. Simplemente no la he necesitado. Soy diseñador gráfico y siempre creo personalmente las ilustraciones de mis álbumes, ayudado por el personal de mi discográfica. Doy mucha importancia a la portada del álbum porque debe ser capaz de encerrar en una sola imagen la esencia del propio álbum. Para conseguir este propósito, en mi opinión, se pueden utilizar todos los medios artísticos disponibles, ya sean dibujos, fotografías y, por lo tanto, también IA si es necesario, ¿Por qué no?

Por último…para alguien que nunca ha escuchado a Death SS…¿Qué álbum recomiendas para iniciarse en tu música?

Bueno, definitivamente diría que el último, “The Entity” porque es el que representa exactamente lo que DEATH SS es artísticamente en este momento.

Axel Fabricio entrevistó a Andrés Garavito, jefe de Cráneo Productions y cofundador del Estigma Fest, festival colombiano dedicado al doom metal y a la difusión de un género que no ha tenido tanta cabida en la escena latinoamericana. Hablaron sobre los desafíos de hacer estos eventos tan específicos, el público al que está dirigido, cómo es manejar una productora en este ambiente y mucho más.

Podes ver la entrevista en el siguiente video

La banda Indar nos abre las puertas a su universo sonoro con motivo del lanzamiento de su primer álbum, Anlage. Hablamos con ellas sobre la evolución de su sonido, las temáticas sociales que atraviesan sus letras, el proceso de grabación, sus influencias y lo que significa para ellas compartir escenario y seguir creciendo como banda completamente autogestionada. Un trabajo honesto, visceral y profundamente comprometido con su identidad.

¿Cómo describirías el sonido de este nuevo disco en comparación con vuestros trabajos anteriores?

Aunque habíamos lanzado algunos singles anteriormente, estos están incluidos en Anlage. Este es nuestro primer disco así que no podemos compararlo con nada que hayamos hecho anteriormente. Sí que vemos una evolución desde las primeras composiciones cuando la banda empezaba a formarse. De hecho algunos de los temas presentes en Anlage han ido evolucionando en el tiempo junto a la banda y las primeras veces que los tocamos en directo eran bastante distintos a la versión final. En este creemos que con el tiempo hemos ido desarrollando la personalidad de la banda y hemos adaptado esas ideas tan intuitivas del principio a una identidad con coherencia. 

¿Qué temáticas o conceptos les han inspirado más a la hora de componer este álbum?

Además de crear canciones a raíz de nuestras vivencias personales, ha salido de forma natural hablar sobre temáticas sociales como puede ser una reivindicación al bienestar animal, a luchar contra la presión social o el empoderamiento ante las desigualdades de género.

¿Cómo ha sido el proceso de grabación del disco? ¿Ha habido alguna diferencia significativa respecto a cómo lo grabasteis en trabajos anteriores?

En realidad fuimos grabando por tandas. Antes de lanzar Anlage grabamos cinco singles, que están incluidos en el disco. Los dos primeros, Prey y Rotten Roots, sí que tuvieron un proceso de grabación bastante diferente a los demás, ya que los grabamos con Ra Tache y como no podíamos desplazarnos a su estudio en los Pirineos, ella se trajo su equipo y los grabamos con ella en nuestros locales de ensayo. Después ella en su estudio hizo la producción y premezcla y finalmente de la mezcla y master final se encargó Óscar en Axtudio. Respecto al resto de temas, que vinieron después, aunque estábamos muy contentas con el trabajó de Ra, resultó imposible coordinarnos con ella por temas de calendario, así que decidimos hacer todo el proceso directamente con Óscar en Axtudio. Los siguientes singles (Udol, Nostalgia y Oxyde) los fuimos grabando conforme los íbamos a sacar y, finalmente, cuando Nuria (LaRubiaProducciones) y Dani (FourSkulls) nos dieron la posibilidad de lanzar un trabajo de larga duración completo, grabamos el resto de temas juntos. El proceso tanto con Ra como con Óscar siempre ha sido muy satisfactorio. Implica mucho trabajo, porque somos perfeccionistas (y ellos también) pero es un trabajo agradecido. 

¿Qué artistas o géneros han influido en la creación de este disco?

Dentro de la banda tenemos gustos e influencias muy variados y eso se nota al escuchar la música ya que cuesta definirla en cuanto a géneros. En general creemos que las mayores influencias son bandas como Amenra, Gojira, Alcest, Opeth, Jinjer, incluso Chelsea Wolfe… 

¿Tienes alguna canción favorita del nuevo disco? ¿Por qué?

Es difícil, le tenemos mucho aprecio a todas ya que con cada una hemos podido explorar nuevas áreas musicalmente y a nivel de temática, pero la canción favorita siempre suele ser la última que has compuesto porque generalmente es las más “fresca” y menos “rallada”,  y en este caso es Thalassophobia. Creemos que es una canción bastante distinta a las demás y disfrutamos mucho del viaje que propone. Aún así todas tienen su momento. 

¿Hay alguna canción que sientas que representa mejor la esencia de INDAR en este momento?

Tenemos temas bastante distintos entre sí que se complementan entre ellos para formar un todo, así que es difícil que uno de ellos pueda representar a los demás… desde el viaje de nueve minutos que comentábamos de Thalassophobia, hasta la canción un poco más melódica que sería Nostalgia, pasando por las atmósferas de los primeros temas que sacamos, Rotten Roots y Prey… aunque sí que es verdad que de algún modo todos combinan esa parte visceral con otra mucho más contemplativa, cada una en su medida. En este sentido seguramente podríamos escoger Udol, que es además nuestro tema más conocido, ya que en él exploramos la parte más extrema de ambos aspectos. 

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¿Qué importancia tiene la crítica social o personal en las canciones de este álbum?

Inevitablemente bastante. Pues es precisamente por nuestras vivencias personales y las de nuestro alrededor que queda reflejada una crítica social y descontento con la que muchísima gente, en especial los círculos desfavorecidos o minoritarios, se pueden sentir identificados. Es decir, nos gusta pensar que nuestro activismo nace de la naturalidad y transparencia simplemente contando nuestra verdad, en ningún momento hay intención de difundirlo a modo ‘’feminismo’’ panfletario para contentar a nadie ni hablar de ello por moda. Precisamente que nuestra formación sea completamente femenina fué algo que surgió de forma orgánica. 

¿Hay alguna historia especial detrás de alguna de las canciones del disco que te gustaría compartir?

Si, a colación de la pregunta anterior destacaremos Udol. Es un tema que representa bastante bien el concepto del disco, en el que muestra que no nos arrepentimos de ser quien somos y no hay cabida para gente que nos quiera pisar. Una pura celebración de nosotras mismas en letras mayúsculas. Y al final esto es la historia de todas, o al menos debería serlo.

¿Normalmente componéis en conjunto o cada miembro de la banda aporta ideas por separado?

La mayoría de los temas parte de una idea inicial de voz o guitarra, o incluso de un concepto, y a partir de aquí se trabajan en conjunto en el local. 

El 2 de mayo presentaron el disco en la Sala Vol. ¿Cómo les fue?

El concierto del 2 de mayo fue un día muy especial porque presentábamos oficialmente nuestro disco, en la sala Vol en la que ya hemos tocado tres veces y para nosotras es simbólicamente nuestra casa. Fue emotivo ya que ahí hicimos hace más de un año nuestro segundo concierto, junto con Bones of Minerva, y fue muy pocos días después del primero así que para nosotras prácticamente ahí empezó todo. El concierto del día 2 fue nuestro décimo concierto, número redondo, y estar en ese mismo escenario poco más de un año después y ver todo el camino recorrido, las caras habituales que siempre nos acompañan más las nuevas que se han ido sumando, fue como un milestone para nosotras. 

Tuvieron como invitados a Dríade desde Madrid. ¿Qué nos puedes contar sobre ellos y qué significo para ustedes compartir escenario juntos?

Conocimos la música de Driade a través de redes sociales y nos llamó mucho la atención su energía y su propuesta. Su estilo de música es más cercano al metal alternativo y “core” que el nuestro pero aún así encajamos muy bien musicalmente y les invitamos.  Nos lo pasamos muy bien durante su concierto, tienen una propuesta muy potente y enérgica. Además Carmela accedió a subirse al escenario con nosotras para cantar junto a Sara una versión única de Rotten Roots, que la verdad fue muy especial y tanto el público como nosotras disfrutamos mucho. 

¿Qué otras fechas tienen confirmadas para la presentación del disco?

Por ahora podemos decir que el día 16 de mayo haremos nuestra primera presentación fuera de España, ya que estaremos tocando en Brighton en el Alternative Escape. También el próximo día 21 de Junio tocaremos en el Metal Academy Fest, el festival donde nuestra cantante Sara trabaja de profesora de canto, junto a Onirophagus. Además de eso tenemos fechas durante los próximos meses que todavía no se pueden desvelar, así que os animamos a seguir nuestras redes para estar al día de todo. 

Finalmente, te dejamos este espacio para que dejes un mensaje a nuestros lectores.

Pues primero de todo muchísimas gracias a Track to Hell por hacernos esta entrevista y a los lectores por leerla y por el interés. Esperamos que disfrutéis de Anlage y ojalá os podamos ver en alguno de los próximos conciertos. Muchísimas gracias!

Dani Escobar tiene una conversación con Chaney Crabb, cantante de la banda de deathcore progresivo Entheos, hablando sobre la evolución en el sonido de la banda, la manera de componer las canciones, la influencia de Fredrik Thordendal y su disco “Sol Niger Within” (1997), y cómo ha cambiado la idea de ser una mujer cantando en una banda de metal extremo.

Evadne, la banda de doom/death originaria de Valencia, España, se estará presentando por primera vez en latinoamérica este mes de mayo y junio con fechas en países como México, Brasil, Chile y Colombia, en lo que promete ser una gira cargada de sentimiento por sus veinte años de trayectoria y que lleva por título “Behind The Veil of Melancholy”, por lo que tuvimos la oportunidad de entrevistar a esta fabulosa agrupación y conocer sus perspectivas sobre estos eventos en puerta.

Antes que nada, queremos agradecerles su tiempo para contestar esta entrevista y felicitarles por su trabajo, en Track To Hell estamos seguros que todo su público en Latinoamérica está sumamente emocionado por el anuncio de la gira. ¿Es esta la primera vez que se presentan en los países anunciados o ya habían asistido antes a alguno(s)?

Sí, será nuestra primera vez en Latinoamérica, por eso esta gira va a ser muy especial e inolvidable para nosotros. Desde hace algunos años atrás se había hablado de la posibilidad de poder asistir a algún festival o hacer algunos conciertos sueltos en Ecuador o México, pero por unas razones u otras no llego a concretarse.

Ahora sentimos que es el momento ideal de poder dar el salto al otro lado del charco, así que confiamos en que también sea especial para todo el público que asista a los conciertos.

¿Cómo se sienten con el anuncio?

Estamos muy contentos y emocionados. Realmente, es un sueño hecho realidad poder llevar nuestra música tan lejos y a un público tan entregado.

¿Qué es lo que más esperan de esta gira, qué les emociona y cuál creen que será el reto más grande?

Lo principal y lo que más nos emociona es poder compartir un momento tan especial con nuestros seguidores o cualquier persona curiosa que venga a disfrutar de nuestra música en directo. Por otro lado, el reto más grande probablemente tenga que ver con la logística, aunque estamos acostumbrados a los viajes y los horarios intempestivos, siempre da nervios la expectación de que todo salga bien y sea una buena gira para todas las personas involucradas.

¿Cómo es que surge la intención de venir para acá?

Latinoamérica siempre ha sido un lugar importante donde poder llevar nuestra música. Además, gracias a buenos amigos como Dani Molina de Total Death y la implicación y apuesta de Andrés Garavito de Cráneo Productions, el cual ha trabajado arduamente en conjunto con otras promotoras de cada país, ha hecho que todo esto sea posible.

¿Qué sorpresas pueden esperar los asistentes a los eventos?

Ahora mismo estamos trabajando un set especial que incluye canciones emblemáticas de nuestra carrera y con las que realmente disfrutamos y nos sentimos identificados. Nos gustaría que cada show sea una experiencia emocional y profunda con la que todo el mundo pueda conectar.

¿Podemos esperar escuchar algo del nuevo material que se ha estado anunciando en redes?

Lamentablemente aún estamos trabajando en ese material y no habrá ni tiempo, ni espacio para ello, aun así, pensamos que el público disfrutará con las canciones que tenemos preparadas.

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¿Qué es lo más difícil de tocar en una banda como Evadne?

Claramente mantener el equilibrio entre nuestras vidas personales y el compromiso que implica estar en una banda que intenta superarse con cada nuevo disco. El trabajo y dedicación que se requiere actualmente en la música es bastante elevado y en nuestro caso, y teniendo en cuenta que también somos bastante exigentes con nuestro material, consideramos que el nivel de detalle y emoción que intentamos transmitir hace que esa exigencia se sienta más punzante.

¿Qué es lo más recompensante de tocar en una banda como Evadne?

Todo lo que tenga que ver con el proceso creativo y poder compartir algo propio con tanta gente en diferentes partes del mundo. Sin duda, eso crea una conexión con nuestros seguidores. Saber que nuestra música tiene un impacto emocional en las personas es algo intensamente gratificante.

¿Cómo perciben ustedes que ha sido el impacto de Evadne en Latinoamérica?

Aunque aún no tenemos la experiencia ni la percepción de tocar allí, de un modo u otro, sentimos que nuestra música ha encontrado un hogar especial en Latinoamérica. Siempre hemos tenido la sensación de que la pasión y el apoyo de la gente latinoamericana está en otro nivel.

¿En dónde se ve la banda en cinco años?

Esperamos que, evolucionando como músicos, siempre explorando nuevos territorios musicales, pero manteniendo esa esencia melancólica que queremos que perdure en nuestras composiciones. También nos gustaría consolidarnos en la escena y tener más presencia en escenarios internacionales.

¿Algo más que quieran hacer saber a nuestros lectores?

En primer lugar, gracias a vosotros por esta cálida entrevista y agradecer de todo corazón a todas las personas que nos han mostrado su apoyo durante todos estos años, sin ellos nada de esto sería posible. ¡Nos vemos en los escenarios en mayo, listos para compartir momentos inolvidables con todos vosotros!

Moonlight Haze es una banda relativamente joven oriunda de Italia que ha escalado significativamente dentro del mundo del metal. Con su sello carácteristico de bandas de power metal, esta agrupación ha lanzado recientemente su obra Beyond, la cual combina estilos del power, el sinfónico y algo de hard rock, rememorandonos constantemente a las bandas clásicas y consagradas del género. Con el motivo de dar a conocer su carrera y su último disco, Chiara Tricarico, lider y cantante, nos responde algunas preguntas acerca de ello.

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– Ciao Chiara, Come stai? He escuchado su nuevo álbum “Beyond” y me ha gustado mucho. Dejame decirte que tu parte vocal es increíble. Entonces… ¿Qué podrías decirnos sobre el origen de la banda? ¿Cómo empezó todo?

¡Ciao, sto bene, grazie! Me alegro de que les haya gustado el disco y el trabajo que he hecho a las voces. Todo comenzó a finales de 2018 cuando Giulio me pidió que creara una nueva banda con él: Al principio era un poco escéptico sobre comenzar un nuevo proyecto desde cero, pero cuando escuché la demo de las primeras canciones que escribió, me vendió. Lo mismo ocurrió con Alberto Melinato, Marco Falanga y Alessandro Jacobi, guitarristas y bajista respectivamente. Estamos muy contentos y orgullosos de que la formación siga siendo la misma desde el principio.

– A veces algunas canciones me recuerdan a grandes bandas del género. ¿Cuáles son sus principales influencias?

En la banda todos escuchamos diferentes géneros musicales y en absoluto sólo metal. Personalmente me inspiro mucho en la música clásica y pop, pero por supuesto bandas de metal como Sonata Arctica, Avantasia, Edguy, Nightwish y Helloween han sido muy influyentes en mi forma de componer.

– En cuanto a la pregunta anterior… he dicho que algunas canciones me recuerdan a ciertas grandes bandas… y también se debe a lo natural y orgánico que me parece el sonido de Beyond. ¿Cómo se produjo el álbum?

Esta vez trabajamos con el legendario Sascha Paeth como productor de Beyond. Fue una experiencia absolutamente genial y estamos más que contentos con el resultado. Fue él quien nos animó a grabar de forma más “orgánica” y todos estamos de acuerdo en que hizo un gran trabajo resaltando algunas de nuestras señas de identidad y nos ayudó a atrevernos un poco más con las canciones.

– Me he dado cuenta de que Moonlight Haze ha estado tocando en grandes festivales y abriendo (y abrirá) conciertos para grandes bandas. ¿Qué sentís cuando tocan para un gran público?

Creemos que es una buena oportunidad para promocionar nuestra música y estamos muy orgullosos de haber podido compartir escenario con algunas leyendas de la música, ¡y esperamos con impaciencia los próximos conciertos!

– ¿Piensan hacer una gira por el resto del mundo en algún momento?

Por supuesto que sí. Últimamente hemos recibido muchas peticiones y estamos trabajando en muchas cosas, ¡así que esperamos que eso ocurra muy pronto!

– Como ya he dicho antes… estoy asombrado con la interpretación vocal. Se oyen voces operísticas y guturales… ¿Hiciste todo el trabajo vocal en el álbum? ¿Es difícil interpretar todas estas voces diferentes en los directos?

Sí, canté todas las voces principales en los álbumes. Bueno, es bastante exigente cantar el repertorio de Moonlight Haze en los directos, pero soy la persona que escribe las líneas vocales, así que no hay nadie más a quien pueda quejarme, ¡ah!

– ¿Qué diferencias notas entre el primer álbum y este último? Me refiero a la producción, las giras, los conciertos, etc.

La pasión que ponemos en nuestra música es seguramente la misma pero, después de muchos años trabajando juntos como un equipo, nuestro trabajo en equipo ha mejorado mucho y también ha habido una evolución en nuestra música: hemos probado muchos sonidos diferentes, estilos de voz y demás. En cuanto a la producción, como ya he dicho, esta vez hemos trabajado por primera vez con Sascha y hemos grabado el álbum de una forma diferente. En cuanto a los conciertos: ¡estamos planeando hacer muchos más conciertos en directo a partir de ahora!

– ¿A qué dificultades crees que se enfrentan como banda de metal para mantenerse activos? ¿Pueden dedicar el 100% de sus esfuerzos sólo a la banda?

Sin duda requiere mucho esfuerzo y pasión. Todos tenemos otros trabajos relacionados con la música o el arte y eso nos ayuda mucho: por ejemplo, Alberto es ingeniero de sonido y se encarga de la mayoría de las grabaciones y los aspectos técnicos de la banda, mientras que Marco es realizador de vídeo profesional y dirige todos nuestros vídeos musicales.

Con una carrera que marcó a fuego el metal español, Elisa C. Martin, repasa en esta entrevista exclusiva su paso por Dark Moor, Dreamaker, Hamka y su etapa solista. Hablamos de su libro, su nuevo disco, la visita a Buenos Aires y su visión sobre la música, la libertad creativa y el legado. Una charla imperdible con una voz icónica del género.

Gracias Elisa por tu tiempo para responder estas preguntas para Track To Hell. Es un placer para mí poder entrevistar a una de las voces femeninas más emblemáticas del metal español. Aún tengo grabado en la memoria cuando cantaba ese temazo “Somewhere in Dreams” de Dark Moor, y no puedo evitar soñar con escucharlo en vivo.

Gracias a vosotros por hacer que los músicos seamos un poquito más visibles. Si te gustó Somewhere in dreams de Dark Moor no puedes faltar a la cita el próximo 15 de junio 😉

Repasando tu larga carrera, has sido parte importante del crecimiento del género, no solo en España sino también a nivel global, ¿qué recuerdos tenés de esos inicios?

Es alucinante mirar atrás y ver todo lo que has conseguido. Saber que has sido una de las mujeres metaleras que han abierto camino para todas las que han venido detrás, es como un sueño. Todos mis recuerdos son maravillosos, incluso los malos… Recuerdo a una niña pequeña que quería ser cantante de heavy metal y cada noche, cuando se iba a la cama, miraba los posters de sus héroes (Doro, Dickinson, Halford, Dio…) soñando que algún día ella también estaría en un póster…, ¡y así fue!

¿Qué fue lo que sucedió en aquel momento que llevó a tu salida, junto con Jorge y Albert, de Dark Moor? ¿Se trató de diferencias musicales, personales, o simplemente ciclos que se cerraron?

Es muy complicado explicar algo tan complicado y que no es cosa de un día puntual, si no de un día a día, así en pocas palabras, pero digamos que había diferencias entre nosotros, no veíamos las cosas de igual manera, así que, los ciclos se cerraron.

¿Cuáles fueron tus temas favoritos de Dark Moor en cuanto a composición y con cuáles te sentías más cómoda interpretando?

Mis canciones favoritas son todas, pero “Maid of Orleans“, “Silver Lake“, “Somewhere in Dreams“, “A Lament of Misery” o “Beyond The Fire” me gustan especialmente, sobre todo por lo cómoda que me siento cantándolas. A nivel compositivo me encantan “Dies Irae“, “Quest for the Eternal Fame“, “The Shadow of the Nile” o “A New World“, entre otras.

Acerca de Dreamaker, el significado del nombre de la banda tiene que ver con lo que no podían hacer en Dark Moor?

Sí amigo 🙂 Dreamaker nació de un sueño. El sueño era hacer música sin censura por parte de los mismos miembros de la banda.

Pasando por Hamka notamos que tienen una propuesta más épica ¿Cómo llegaste a formar parte del proyecto y qué te atrajo de su estilo?

Hamka nació cuando Phil y Will se enfadaron y Fairyland entró en un stand by. Will me propuso hacer una banda y empezamos el proyecto porque me gustó mucho la idea de tener que interpretar música diferente hasta ahora, ya que Hamka es bastante tribal, combinando sonidos y melodías de diferentes culturas.

¿De dónde surge esa necesidad de contar tu vida y plasmarlo en un libro? Se podría considerar como un libro de autoayuda/superación con flashes de tu vida personal?

Un día me llamó un periodista muy importante de España y me dijo que le encantaría que escribiese un libro con mis vivencias. Yo creí que no tenía nada que contar, por eso al principio fui un poco reticente, pero me picó el gusanillo y dije: “voy a intentarlo”. Me puse primero con el índice y empecé a desarrollarlo y mira, acabé escribiendo un libro entre lágrimas, risas y nostalgia, mucha nostalgia. La verdad que tuve que escarbar en mi pasado y me vino muy bien 🙂
Nunca intenté hacer un libro de autoayuda o superación, pero sí que lo es. A mí me ayudó mucho escribir el libro y sé que está ayudando a muchas personas.

En 2022, Nothing Without Pain marca tu debut como solista. ¿Qué sentiste al tener el control total de este proyecto?  ¿Es un reflejo personal o más conceptual?

Realmente es como si, inconscientemente, hubiese puesto música al libro jaja. Me sentí totalmente yo misma componiendo este disco, siendo muy sincera y dejándome llevar. He tenido el control total de todo y ha quedado a mi gusto. Me siento muy feliz con el resultado la verdad.

Si tuvieras que definir en una palabra cada proyecto que integraste —Dark Moor, Dreamaker, Fairyland, Hamka y tu carrera solista—, ¿cuáles serían?

Dark Moor: aprendizaje, Dreamaker: libertad,  Fairyland: madurez, Hamka: exploración y Elisa C.Martin: ilusión.

Cuál sería tu opinión acerca de la IA para la creación de sonidos y portadas de los discos?

Yo creo que todo lo que ayude que sea bienvenido, siempre y cuando no dejemos que hagan las cosas por nosotros y nos vayan cortando la creatividad.

¿Qué expectativas tenés de la visita a Buenos Aires y cuáles son los planes más inmediatos o futuros? ​

Tengo muchas ganas de cantar en Buenos Aires y sentir el calor del público argentino, que me han dicho que son increíbles.
Los planes más inmediatos son la composición del nuevo álbum, que ya estoy en ello, aparte de terminar todos los compromisos que tengo antes de que acabe el 2025 y comiencen los conciertos del 2026.  También quiero lanzar mi escuela de canto online Singerfit antes de junio y escribir un segundo libro.

Para cerrar nuestra entrevista, me gustaría hacerte una pregunta que suelo hacerle a cada entrevistado/a. Tenes la oportunidad de organizar un festival con las 5 bandas/solistas de tus sueños. ¿A quién incluirías en el line up y cómo organizarías el orden de las presentaciones? Además, ¿dónde se presentaría tu banda en ese escenario?

Judas Priest, Iron Maiden, Dio, Warlock, Metallica, Elisa C. Martin

Elisa, nuevamente gracias por tu tiempo y por conceder esta entrevista.

Gracias a vosotros por darnos visibilidad amigos. Sin vosotros sería todo más difícil. ¡Un beso grande desde España!

En medio de un renacimiento del Melodic Death Metal más introspectivo y atmosférico, As The Sun Falls emerge desde Finlandia como una banda que canaliza el frío del norte en una propuesta cargada de melancolía, intensidad y una fuerte identidad sonora. En esta entrevista, Jani Mikkanen guitarrista y motor creativo del grupo— nos adelanta detalles sobre su próximo EP Luonto ja Sydän, reflexiona sobre la evolución musical de la banda y comparte sus expectativas ante su primera visita a España, donde prometen dejar huella con su poderoso y emotivo directo.

– Para quienes aún no conocen a la banda, ¿Cómo se describirían?
Describiría a As The Sun Falls como una interpretación muy melancólica del Melodic Death Metal. Llevamos ese sonido y atmósfera clásica finlandesa, enriquecida con una buena dosis de influencias del Black Metal. El resultado es una experiencia musical fría, emocional e inmersiva.

– Un nuevo EP saldrá el 23 de mayo — ¿Qué nos pueden adelantar sobre él?
El nuevo EP incluye cuatro canciones en total: tres temas completamente nuevos y uno que hemos tomado de nuestros primeros años y reescrito por completo. Está íntegramente en finés y tiene una atmósfera única que se siente muy personal y arraigada a nuestra identidad.

– ¿Cómo ha evolucionado su sonido desde sus primeros lanzamientos?
Este EP marca definitivamente un cambio en nuestro sonido. Es una oda a Finlandia: su historia, su naturaleza y las emociones que despierta. Queríamos reflejar lo que Finlandia significa para nosotros a través de una música cruda y orgánica. Comparado con nuestros lanzamientos anteriores, tiene un espíritu un poco más rock’n’roll, aunque sigue siendo fiel a nuestra esencia melancólica e intensa.

– ¿Qué influencias musicales están más presentes en su trabajo más reciente?
El EP Luonto ja Sydän se inclina más hacia las influencias del Black Metal, con bandas como Saor y Vindland como principales fuentes de inspiración. Por supuesto, nuestro característico sonido Melodeath sigue muy presente, entrelazado con esas texturas ennegrecidas.

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– Visitan España por primera vez — ¿Cuáles son sus expectativas?
Estamos muy emocionados por experimentar la comida, la cultura y por conectar con una audiencia completamente nueva. Ninguno de nosotros ha estado en España antes, así que es una ocasión especial. Tenemos grandes expectativas para nosotros mismos: queremos que nuestro primer show en España sea realmente memorable y ofrecer una actuación inolvidable. Esperamos reunir a una gran multitud y crear una atmósfera poderosa juntos.

– ¿Qué significa para ustedes tocar en una ciudad como Bilbao durante esta gira?
Desde el punto de vista logístico, ha sido todo un desafío. Finlandia y España están relativamente alejadas, con opciones de vuelo limitadas y costosas. Tuvimos que planificar todo al minuto para que funcionara. Por eso, tocar en Bilbao se siente como un verdadero logro: presentarnos por primera vez en España significa mucho para nosotros. No muchas bandas llegan tan lejos, y estamos agradecidos por la oportunidad.

– ¿Qué canción del repertorio actual representa mejor la esencia de AS THE SUN FALLS?
Hay una canción de nuestro primer álbum que, en mi opinión, captura mejor nuestra esencia: “Way to the North“. Es el tema más intenso y épico que hemos escrito hasta ahora. Lleva al oyente en un viaje a través de los paisajes helados de Finlandia — y en directo, ofrece una experiencia muy poderosa y emocional.

– ¿Cuáles son los próximos planes de la banda?
Este verano saldremos de gira por Alemania, Francia, Austria, Finlandia y Eslovaquia, tocando en festivales y salas. Tenemos mucha suerte de poder presentarnos en tantos lugares. Luego, en septiembre, nos uniremos a Shade Empire en su gira europea, que incluye un show exclusivo en Barcelona — lo que nos traerá de vuelta a España una vez más. ¿Y después? Bueno, digamos que… los rumores sobre un nuevo álbum de larga duración podrían no estar tan lejos. 😉