En la visita de Rolan Grapow en plan solista por territorio mexicano, Track to Hell pudo hacer una entrevista exclusiva con uno de los mejores músicos en la escena del power metal; el ex guitarrista de Helloween y actual guitarrista de Masterplan, nos cuenta algo de su pasado y de sus planes a futuro tanto solista como con su actual banda.

Simon Brette tendrá una larga experiencia en el mundo del black metal, pero es también el hombre detrás de Wÿntër Ärvn, un proyecto de neofolk que acaba de lanzar su nuevo álbum Sous l’orage noir – L’astre et la chute. Leo Sandroni habló con Simon sobre esta nueva instancia en su carrera.

1. Salut Simon! Primero, déjame decirte que realmente disfruto mucho tu música y tengo unas muchas preguntas al respecto, así que…para presentarte a ti mismo… ¿Puedes contarnos cómo surgió este proyecto?

Hola a todos. En primer lugar, quiero darles las gracias por darme la oportunidad de escribir algunas líneas en TrackToHell. ¡Significa mucho!

Bueno, la génesis de Wynter Arvn tiene lugar alrededor de 2016, en el tiempo que tenía un proyecto de black metal en solitario llamado Vintergeist que lanzó 1 álbum, Nemossos. Un día, una idea surgió de mí: tomé mi vieja y cansada guitarra folk y empecé a tocar riffs de Vintergeist, con arpegios, slow picking, etc, y me di cuenta de que necesitaba hacer algo con eso.

Me tomó 1 año para reunir viejas composiciones y transcribirlas en acústico, luego empecé a escribir mis propias canciones acústicas alrededor de riffs de black metal… y mi primer álbum salió, en 2018, con la ayuda de Antiq Label, y luego Abysses, 3 años más tarde, y aquí estamos para Sous l’Orage Noir – l’Astre et la Chute.

Y para la pequeña pista: Wynter Arvn es en realidad una contracción de Vinter de Vintergeist, y Arvn para Arvernian que era mi stagename en ese entonces.

2. He notado que estas influenciado por el black metal y se que has estado tocando en algunas bandas ¿Cuáles son los principales elementos que tomas de este tipo de música para Wÿntër Ärvn?

De hecho, toqué black metal durante 15 años en varias, las más conocidas son Aorlhac (melodic black metal) y Belore (atmospheric BM). También sigo involucrado en un proyecto de medieval black metal, Hardiesse, con Hyver de Antiq.

Yo diría “emociones”. El black metal es un verdadero recipiente para expresar sentimientos profundos y enterrados a la cara del mundo, rabia, dolor, nostalgia, ¡incluso tranquilidad! … Yo quería expresar de alguna manera diferente al black metal, como he dicho antes. Además, estoy en el black metal desde hace casi 20 años y seguiré por mucho tiempo.
El black tiene esta particularidad única de trascender al oyente y ponerlo en una fase de estasis (en mi opinión). Yo quería tomar esto de este género y transportarlo a una pieza musical más introspectiva y acústica.
Para que conste, mis principales influencias en Wÿntër Ärvn son Dissection, Lord Belial, Emperor, Lutomysl y Drudkh, etc; la escena underground francesa es también una gran influencia para mí con bandas como Mortifera, Nehemah, Sigillum Diabolicum…

3. ¿Has tocado tu música en shows en vivo? ¿O piensas hacerlo?

Llevo mucho tiempo dándole vueltas… pero me encuentro con un problema técnico. No domino eficientemente todo el hardware y el software necesario para poner mi música en vivo (y yo trabajo en I.T… oh, dulce ironía).

Todavía estoy buscando músicos en Francia o en otros lugares para tratar de hacerlo realidad con 3 guitarras. Por ahora estoy un poco frustrado, para ser honesto, pero sé que va a suceder algún día.

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4. ¿Cuántas personas participan en la producción de los álbumes de Wÿntër Ärvn?

Básicamente, Wynter Arvn consiste en mí y yo mismo para la composición, grabación, arreglos y la mayoría de los instrumentos. Los invitados sólo aparecen para una canción o 2 (excepto Vitorrio Sabelli, el maestro del clarinete italiano con el que casi hice dúo en Abysses, y participa en 3 canciones de este nuevo disco).

Empecé a colaborar con gente de la escena black metal en Francia para Abysses en 2021, y también para este próximo opus, y todavía quiero y necesito ampliar esta colaboración a más artistas para futuros lanzamientos. Había, si no recuerdo mal, 6 invitados para Abysses, y 7 para Sous l’Orage Noir. También trabajé por primera vez con Déhà para la mezcla y la masterización, y creo que forma parte del proyecto para los próximos lanzamientos.

Y si añadimos al artista de la portada Sozo Tozo, Maena, los diseñadores de “Evhemeria”, el personal del sello (Hyver y La Griesche) …de hecho, ¡son más de 10 personas las que han participado en algún momento! … Me acabo de dar cuenta. Maldita sea

5. Sigo tus redes sociales y allí puedo notar tu profunda conexión con la naturaleza y tu entusiasmo por viajar. ¿Qué tipo de experiencias o lugares son los que más te motivan a hacer música?

Me encanta pensar en las montañas (eso es un cliché del black metal, ¿no?), en mi región natal, Auvernia (soy de Clermont-Ferrand, una ciudad de black metal infernal, por cierto, con muchas bandas y la catedral negra más cliché [de nuevo]) y también en los Alpes y otros países montañosos.

También tuve la oportunidad de vivir en Irlanda y de visitar muchos lugares europeos, siempre en la naturaleza y fuera de las grandes ciudades. No diría que la naturaleza es el primer recipiente creativo de Wynter Arvn, pero estar allí, físicamente destrozado tras largas caminatas, en la cima de una montaña, definitivamente crea algo en mí que utilizo en mis proyectos musicales. Los humanos no nos merecemos la naturaleza.
Además, vivir al pie de enormes bosques de abetos ayuda un poco a superar las inquietudes de la vida moderna y a desconectar para dejar que el espíritu vague por otra parte, y creo que eso se puede encontrar en mi música.

6. Hace poco escuché Sous l’Orage Noir L’Astre et la Chute para reseñarlo y me vinieron sentimientos como paz y tranquilidad en cada canción. ¿Qué intentas decir o revelar con este álbum?

Bueno, este álbum es bastante particular y significativo para mí. Es, en cierto modo, mi historia desde la infancia hasta la edad adulta en 8 pasos que representan una parte concreta de mi vida.

Los sentimientos expresados aquí son totalmente oscuros o luminosos, llenos de rabia y resignación o esperanzados. Es un juego de luz y oscuridad. Creo que las mejores palabras para describirlo serían “nostalgia” y “melancolía”, con un toque de esperanza en alguna parte.
No se me da especialmente bien explicar de qué va todo esto. Pero cuando hablé con gente que escuchó este disco antes de su lanzamiento, muchos de ellos tenían opiniones diferentes sobre él. También significa que mi música puede tocar uno u otro sentimiento y sensibilidad. Me quedo con eso.

7. Parece que no te interesa el típico negocio de la música y que simplemente disfrutas haciendo tu música. También es muy valioso en tiempos donde todo sucede demasiado rápido y a través de teléfonos y computadoras… ya sabes que hoy en día es muy habitual incorporar la IA en las producciones musicales. ¿Qué opinas de estas nuevas musicales?

Sólo hago música y me encanta. Aunque me parecería bien que mi arte funcionara bien y traspasara las fronteras de Europa… pero si no ocurre, tampoco pasa nada. Realmente no me importa. El hecho de que alguien en algún lugar me escuche y disfrute de mi música por lo que es con su propio prisma, me basta para decir “misión cumplida“.

En cuanto a lo de la IA, la verdad es que no tengo opinión. La gente debería entrenarse para reconocer lo que es IA y lo que no. Si no lo hacen, o si no les importa, tampoco pasa nada. No voy a ser alguien que le diga a alguien lo que debe escuchar. Lo ÚNICO que desprecio es cuando alguien que ha hecho algo con IA engaña a la gente no diciéndolo claramente. Esto es lo peor.

Pero este es mi sentimiento como artista no profesional. Personalmente, apoyo profundamente a los artistas tradicionales comprando sus obras si me gustan, compartiéndolas con mis contactos, en las redes sociales, etc. Todo el mundo debería hacerlo.

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8. Hace unos años vi por primera vez a un músico medieval y me sorprendió lo modernos que sonaban sus instrumentos. ¿Incorporas alguno de ellos en tu música? ¿Cómo cuáles?

Utilizo algunos instrumentos medievales, ¡tienes razón!
Normalmente, la columna vertebral de mis canciones está hecha con guitarras folk y/o clásicas, para el tema principal y las melodías. Las melodías se enriquecen después con otros instrumentos como saz, laúd, balalaika, zanfona, guitarras barrocas… ¡e incluso un banjo! … Me gusta mezclar instrumentos que no deberían funcionar juntos para crear algo. Tú decides si funciona o no.

También uso un montón de cosas raras para las percusiones, como un hueso de fémur de ternera (golpeando el cráneo de una oveja para hacer algunas percusiones secas), tambores chamánicos, etc. … En general, me encanta experimentar con instrumentos acústicos. Todo lo relacionado con Wÿntër Ärvn es también: nada eléctrico, nada de distorsión, nada de VST. Todo está hecho y grabado desenchufado, en mi casa, para capturar la esencia misma de cada instrumento y material que utilizo.

9. Antes de despedirnos y para cerrar esta charla… ¿Dónde podemos conseguir tu próximo álbum?

La única opción para los no franceses es comprarlo a través del bandcamp o la página web de Antiq Label. Aún no sé si habrá distribuidores en Argentina… estén atentos a la página de facebook de Antiq o a la venta por correo.

Y de nuevo, gracias por darme la oportunidad de escribir algunas palabras en su web.

Saludos eternos a Track To Hell y a todos los argentinos.

Wÿntër.

Previando ante la llegada de Gutalax en Argentina, desde el cuartel de Track To Hell nos comunicamos con dos de las bandas que serán parte de la fiesta que se llevará a cabo este 20 de Marzo en Uniclub. Ademas de los checos, se estarán presentando: CAHNALET, bRuTaL nOiSe, DISPLEASURE, Buköwski Grind y CranialgrinD

Organizan los amigos de Criminal Metal Camp

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Para quienes aún no los conocen, ¿cómo nació la banda y cómo describirían su sonido? 

bRuTaL nOiSe – A principios de 1993, amparados bajo el mote de Ano Negro, un puñado de adolescentes descontentos empiezan a ensayar temas HC/thrash que se irían pudriendo, acelerando y mutando, hasta que en el ’95 se empezó a llamar Brutal Noise, un mestizo de música exxtrema con salpicones de todo lo que sea contundente y al hueso. Las intros acústicas, las armonías épicas y los solos, te los debemos xa la proxx.

CAHNALET – La banda se forma en el año 2013 en el back de la grabación del álbum euforia de BP, Brenda Cuesta (BloodParade) reúne a amigos y colegas del metal y el Punk a hacer unas canciones que tenía ganas hacia tiempo de plasmar , de estilo hardcore punk y metal , a los 2 meses grabamos el primer simple “Calypso Baby” apadrinados por Topo Toppelberg (Pentagrama Chile) presentándolo en Gran Buenos Aires y Capital Federal.

¿Cuáles son sus principales influencias musicales?

bRuTaL nOiSe – Uffff. Lista larga, muy larga, tediosa. Más porque han pasado muchos cuerpos por este ruido, dejando sus jirones musicales colgados en éste alambre de púas. Todo lo que contenga violencia auditiva nos influenció, todo lo que se pare desde fuera del ring nos puede alimentar y todo lo que traiga groove nos despierta. Bandas que nada que ver entre sí hacen una orgía y nosotros miramos, erectos. Cada CD nuestro es diferente porque cada vez, fue grabado por gente diferente.

CAHNALET – Las influencias son variadas, pero se puede decir que el metal extremo el crust y hardcore punk denotan nuestro estilo, no tenemos bandas en particular que nos hayan influenciado particularmente, pero sí años de tocar metal extremo y hardcore punk de esa experiencia sale Cahnalet.

El estilo vocal en el grindcore y sus derivados es muy particular. ¿Cómo desarrollaron su técnica y qué consejos darían a quienes quieran incursionar en este tipo de canto?

bRuTaL nOiSe – El puesto que más ha rotado en “Brutal” han sido los vocales. El encargado actual arrancó a gritar a los 34 años, un montón. Técnica como tal… tratar de poder hablar al día siguiente. Sin buscar una apología a la rotura, el grind se aprende haciendo grind, rompiendo y cantando sobre la cicatriz.

CAHNALET – No hacemos grind pero si somos fans del género sin dudas, nuestra vocalista tiene un tinte vocal más estridente thrash si se quiere y versatilidad para posar su voz dándole la personalidad la cual buscamos bien poseso y agresivo. Concejos vocales.. muchos para este estilo, una buena conexión con tu respiración

Y con tu parte muscular, hay muchas técnicas y todas requieren de constancia y descubrimiento físico.

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Las letras en estos géneros suelen ser extremas, grotescas o satíricas. ¿Qué temas abordan en sus canciones y qué buscan transmitir con ellas?

bRuTaL nOiSe – Extremo, grotesco, satírico, sí. Pero además libre. El extremo habilita para atacar o defender o contar lo que sea, en el tono que se te ocurra, asquerosa o ingeniosamente. Brutal no baja línea, no discursa, y tampoco se pierde en la huevada. Del asco al sistema, con sus mamarrachos uniformados (y armados) y sabernos ratas de laboratorio, saltamos al pornogore autobiográfico y contarte que el grindcore da muchísima sed. Y todo porque? Porque podemos!

CAHNALET – Abordamos en nuestras letras tardo esa rabia acumulada, el anti todo y la bronca hacia sociedades quietas y mentes vacías es nuestra principal temática, pero las letras lo destacan desde un lado grotesco, satírico y agresivo

Si tuvieran que recomendar tres discos esenciales del género a alguien que recién empieza a escuchar grindcore/goregrind, ¿cuáles serían?

bRuTaL nOiSe – Es una respuesta subjetiva, personal, no consensuada… peeero así es la vida!

• Brutal Truth – Extreme Conditions Demand Extreme Responses
• Fear Factory – Soul of a New Machine
• Carcass – Symphonies of Sickness
• Napalm Death – Fear, Emptiness, Despair

CAHNALET – Recomendamos entre otros jeje

• Disgorge (México) – Nechrolocaust
• Anarchus & Monastery – Anarchus / Monastery Split
• Defecation – Purity Dilution

Para cerrar, ¿qué podemos esperar de su presentación junto a Gutalax y qué proyectos futuros tienen en camino?

bRuTaL nOiSe – Volcaremos media hora de sudorosa y violenta diversión, nuestra y suya, que les duela el cuerpito pero queden queriendo volvernos a cruzar. ¡Nos vemos en el pogo! En el futuro cercano de Brutal asoman la grabación de un EP, parir jugosos temas nuevos, y seguir “ruideándola” x Argentina y seguirnos sacando la bronca con nuestros instrumentos y el público.

CAHNALET – Tenemos preparado un show agresivo y contundente, para volar cabezas y hacer Pogo hasta gastarse los borcegos Muchas gracias por la nota!

Después de años de espera y varios sencillos que dejaron huella, Löanshark finalmente presenta su álbum debut, una oda al heavy metal clásico con un sonido fresco y potente. En esta entrevista, Lögan, guitarrista y cantante de la banda, nos cuenta sobre la creación del disco, sus influencias, el proceso de composición y sus aspiraciones a conquistar grandes festivales. Con una identidad bien definida y una pasión inquebrantable, Löanshark demuestra que el metal se mantiene vivo con esfuerzo y autenticidad. ¡Prepárate para conocer más sobre esta prometedora banda!

– Después de 7 años de espera, No Sins to Confess llega con toda la fuerza del heavy metal clásico, ¿por qué al fin se decidieron en sacar un disco larga duración después de lanzar varios sencillos año tras año? 

¡Hola! Aquí Lögan, cantante y guitarrista de la banda.

Bueno, la verdad es que el álbum estaba terminado y listo para su lanzamiento a principios de 2023. El plan inicial era entrar al estudio en 2020, pero como todos sabemos, “las cosas cambiaron.” Tuvimos que adaptarnos a la situación y aprovechamos la oportunidad para entrar al estudio en la segunda mitad de 2022. Al final, teníamos claro desde el principio que el álbum debut se grabaría después de algunos EPs y sencillos, así que incluso sin ningún “problema técnico”, habría salido después de 2020, seguro.

– La influencia de las bandas ochenteras se nota en todo el disco, pero también se siente un aire nuevo en temas como Electric Shocking Waves o Another Man in the Trunk, ¿cuáles son las influencias más fuertes en la banda actuales y clásicas? 

La NWOBHM está en nuestras raíces, pero también tenemos un amplio espectro de estilos que nos gustan. Lo importante es que tenemos nuestro estilo personal muy claro, así que reconocemos fácilmente lo que suena como nosotros y lo que no.

– ¿Tienen planeado algún tour para apoyar este disco? 

De momento estamos cerrando algunas fechas por España, pero estamos mirando ya al 2026 para la fechas importantes por Europa.

– El sueño de muchas bandas es tocar en festivales enormes con multitudes impresionantes de oyentes, ¿en cuáles festivales se sueñan tocando, dando a conocer su arte? 

¡Para empezar nos gustaría participar en el Rock Fest aquí en nuestra ciudad Barcelona, pero hay que decir que llegar a un Keep It True en Alemania algún día no estaría mal!

– ¿Por qué decidieron ser un power trío y no una agrupación de 4 o 5 integrantes? 

Sinceramente me hubiera encantado tener un cantante para este proyecto pero al final, no teniendo muchas opciones decidí encargarme personalmente de la voz y también siendo acostumbrado a tocar la guitarra por mi cuenta decidí optar por un power trio. Hay que decir que los temas en realidad no necesitan una segunda guitarra y esto a la hora de componer ayuda mucho a no pasarse demasiado con los clásicos arreglos doble guitarra Maiden/Priest.

– ¿Cómo fue la manera de componer el disco? se reunieron en alguna sala de ensayo o todo lo hacían vía internet y cada uno enviaba sus partes a los demás y luego se acoplaban?  

El proceso de composición de los temas ocurre principalmente en el local de ensayo con toda la banda junta, comenzando desde los riffs de guitarra principales y las ideas básicas sobre cómo debería sonar la canción. A veces es el proceso es rápido, a veces no, pero nos gusta tomarnos nuestro tiempo con ello, y estamos realmente contentos con los resultados.

– El arte del disco tiene mucho que ver con el contenido musical, ¿cuéntenos un poco de cómo se llegó a este resultado final? 

Teníamos una bastante clara idea de cómo queríamos la portada del disco empezando por toda la temática que nos rodea y sobre todo la referencia a algunos temas incluidos en el disco. Hay que decir que el artista Stanislav Atanasov ha captado totalmente nuestras intenciones y esto es parte importante del resultado final.

– Nos podrías enviar unas palabras a todos nuestros lectores de habla hispana que apenas conocen la banda, en especial de Latinoamérica. 

¡Si habéis llegado hasta aquí y ya sois nuestros seguidores os podemos asegurar que el álbum respetará lo que esperabais y si es gracias esta entrevista que te os habéis enterado de nosotros os animamos a darle una escucha!

¡Un saludo a todos los amantes de la vieja escuela que estáis por allí, esperamos un día de llegar hasta vosotros! 

¡LARGA VIDA AL ROCK ‘N ROLL!

Los argentinos Los Vencidos han estado haciendo mucho por hacerse un nombre en el under del punk rock en el país, con una identidad que mezcla las melodías pegadizas del pop punk a lo Ramones con las letras centradas en la filosofía straight edge de rechazo de las drogas y el alcohol. Hablamos con la banda sobre la salida de su EP Tres y las ideas que los hacen funcionar como grupo.

—Antes de comenzar, quería agradecerles por darse un tiempo para responder nuestras preguntas. ¿Cómo vienen las cosas con la banda?

Hola, muchas gracias a ustedes por brindarnos este espacio y su tiempo.
Actualmente, la banda se encuentra inmersa en el proceso de composición de nuevos temas, con la idea de dar forma a un EP que planeamos lanzar a mediados de este 2025 y preparando una versión de un tema de la banda The Queers para que este sea parte de un compilado que se editara en EE.UU. Estamos realmente emocionados con la dirección que está tomando nuestra música y con la edición de nuestro primer vinilo “Tres”, un proyecto que nos llena de orgullo. Este lanzamiento es un paso significativo para nosotros, ya que siempre hemos sido grandes amantes de los formatos físicos. Este vinilo es el reflejo del esfuerzo, la pasión y el trabajo de todo un año, y representa un logro que nos emociona profundamente.”

—Los Vencidos están activos desde hace una década. ¿Cómo comenzó la banda? ¿Cómo se dio el nombre del grupo?

La banda nació de forma natural, como suele suceder en muchas bandas, éramos un grupo de amigos con el deseo de seguir tocando juntos luego de la disolución de las bandas en que las que tocábamos. Los tres veníamos de diferentes proyectos dentro de la escena del hardcore y el punk, pero lo que nos unía era mucho más que el estilo musical. Compartíamos la misma pasión por la música y una serie de principios que nos definían como personas y como músicos. Estos valores comunes fueron la base sobre la cual decidimos embarcarnos en este nuevo proyecto, sabiendo que, a pesar de nuestras distintas trayectorias, estábamos alineados en nuestra visión y compromiso.

A partir de esa conexión, decidimos crear una nueva banda, esta vez con un enfoque completamente ramonescore, donde la temática straightedge se convierte en la columna vertebral de nuestras letras y el alma del proyecto.

El nombre de la banda surgió de la manera más simple y espontánea; cada uno aportó un nombre y tras un proceso de descarte, finalmente nos decidimos por “Los Vencidos” que para nosotros es un nombre que representa y refleja ese espíritu de resistencia y perseverancia, algo que siempre ha estado presente en cada uno de nosotros, y que se plasma en nuestra música y en nuestra forma de manejarnos como banda.

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—¿Cómo le explicarías la idea detrás del “Straight edge” a nuestros lectores?

De manera breve les diría que el movimiento Straight edge es una filosofía de vida que se originó en el contexto de la subcultura del hardcore punk a principios de los años 80 en los Estados Unidos. Este estilo de vida promueve la abstinencia total de alcohol, tabaco y drogas, elementos que eran comúnmente aceptados dentro de la escena del punk rock en esa época. Incluyendo posteriormente por las nuevas generaciones y según el país una dieta vegetariana o vegana a estos principios. La idea central del Straight edge es rechazar el consumo de sustancias que alteran la mente y el cuerpo, promoviendo una vida más saludable y consciente.

Aunque existen diversas interpretaciones del movimiento, su inicio con la banda Minor Threat, que a través de sus letras, destacaban su postura crítica hacia el consumo de drogas y de alcohol. Los temas “Straight Edge”, “In My Eyes” y “Out of Step” fueron fundamentales para cimentar la identidad de este movimiento dentro del hardcore punk. En estas su cantante Ian MacKaye, expresa de manera explícita los valores del Straight edge, como una declaración de independencia frente a las presiones sociales que fomentaban el consumo de estas sustancias.

Seguramente muchos acerca de porque la “X” en las manos , este es el símbolo más reconocible del movimiento y a menudo se marca en el dorso de las manos, especialmente en conciertos, como una señal de que quien la lleva es parte de este. Esta marca se originó en los bares y clubes, donde a los menores de edad se les dibujaba una “X”; en las manos para indicar que no podían consumir alcohol, pero con el tiempo pasó a ser un símbolo distintivo de la cultura Straight edge.

Para nosotros, el Straight Edge no se limita simplemente a una elección de vida saludable, sino que es una postura consciente y firme frente a los excesos que prevalecen en nuestra sociedad. Va más allá de abstenerse de sustancias, representando una crítica directa a la cultura del consumo desenfrenado, tanto dentro del ámbito musical como en la vida cotidiana. Es una forma de cuestionar las normas impuestas por la sociedad y de rechazar la superficialidad de un mundo que prioriza la gratificación inmediata sobre el bienestar real y duradero.

—¿Cómo surgió la idea de combinar el mensaje Straight edge con el sonido ramonero?

La idea de combinar el mensaje Straight edge con el sonido ramonero surgió de nuestra profunda conexión con ambas influencias. Desde nuestros inicios en la escena hardcore, el Straight edge ha sido un principio fundamental para nosotros, representando un estilo de vida saludable y una postura crítica ante los excesos. Por otro lado, el sonido ramonero siempre ha sido una influencia crucial, con su energía cruda y su simplicidad, que nos conecta con el espíritu del punk.

Al unir estos dos elementos, queríamos crear algo único: un sonido que mantuviera la esencia del punk clásico de los Ramones, pero con la intensidad y actitud del hardcore, todo ello respaldado por el mensaje Straight edge. La combinación de estas influencias nos permitió crear un proyecto que reflejara nuestra visión de la música, una que celebra la libertad personal, la energía del punk y la filosofía del Straight edge. Así nació Los Vencidos: una fusión de lo mejor de dos mundos que compartimos y que sentimos que podían coexistir de manera natural.

—Mucho de lo que se habla y escribe acerca de Los Vencidos hace hincapié en la idea de ser “la única banda Straight edge del mundo que incursiona en los géneros ramonescore y punk rock”. Siendo que el Straight edge es algo generalmente más relacionado con el hardcore punk, ¿cuál creen que es la razón por la que esta combinación no se vea más seguido? ¿Cuál es la separación, sea de actitud o de ideología, que se ve entre ambas escenas?

Es cierto que el Straight edge siempre ha estado más vinculado al hardcore o al hardcore metal, géneros en los que la filosofía del Straight edge ha tenido una fuerte presencia. Sin embargo, el Straight edge tiene sus raíces en el punk, y ese es un vínculo que nosotros nunca perdimos. Para nosotros, el punk, especialmente el ramonescore, siempre ha sido un pilar fundamental, con su velocidad y su energía que se conecta perfectamente con la filosofía Straight edge.

Lo que nosotros hicimos fue integrar de manera natural el mensaje Straight edge dentro del estilo ramonescore, uniendo ambas influencias para crear algo auténtico y único que reflejara no solo nuestra identidad como banda, sino también nuestro estilo de vida. Es cierto que no se ve con frecuencia esta fusión porque, históricamente, el Straight edge se ha asociado más con la intensidad y la rebeldía del hardcore, mientras que el ramonescore tiende a tener un enfoque más melódico. Sin embargo, creemos que ambas escenas comparten una actitud de resistencia y una postura DIY, y esa es precisamente la conexión que queríamos explorar.

En cuanto a la separación ideológica, vemos que el hardcore y el punk pueden diferir en términos de enfoque y mensaje, pero ambas escenas comparten una filosofía de autodefinición y cuestionamiento de las normas establecidas. En Los Vencidos, intentamos combinar lo mejor de ambos mundos, manteniendo la actitud y la energía del punk y el hardcore, pero con la firmeza y el compromiso del Straight edge.

Si bien somos la única banda Straight edge del mundo en incursionar en este género, nos gustaría que las nuevas generaciones pudieran naturalizar esta fusión dentro de la escena hardcore punk (nuestra escena), que sigue viva y en constante movimiento gracias a sellos como X En el Desierto, los cuales organizan shows que integran a bandas jóvenes de hardcore punk en eventos que siempre tienen una temática solidaria, con el objetivo de recaudar fondos para quienes más lo necesitan.

Sería increíble ver surgir más bandas Straight edge que se atrevan a experimentar con el punk rock, llevando el mensaje Straight edge a nuevas audiencias y creando una escena más diversa dentro de la música que amamos.

—¿Cómo describirías las canciones incluidas en este nuevo EP Tres? ¿Cómo se relacionan sus letras con el Straight edge?

Las canciones de “Tres” son simples, directas y, sobre todo, honestas. Queremos que cada tema refleje lo que pensamos y cómo percibimos el mundo que nos rodea. Algunas de las canciones tienen un carácter más personal, abordando emociones y experiencias que hemos vivido a lo largo de nuestras vidas, mientras que otras buscan provocar una reflexión más profunda sobre el estilo de vida que hemos elegido.

En particular, hay dos canciones que hacen una referencia directa al movimiento Straight edge, un estilo de vida que adoptamos hace años y que es fundamental para nuestra identidad como banda. A través de estos temas, buscamos transmitir la importancia de la autodisciplina, la integridad y el respeto, tanto hacia uno mismo como hacia los demás. No solo hablamos del Straight edge como un conjunto de principios, sino como una filosofía de vida que ha marcado nuestra forma de ver el mundo.

En resumen, las canciones de “Tres” son una extensión de nuestra manera de vivir y de ver el mundo, con el Straight edge como uno de los pilares que sustentan tanto nuestras letras como nuestra actitud como banda.

—Una de las canciones que más me llaman la atención es la final “Hoy tu amor mañana el mundo”. Mucha gente, incluido yo, pensará viendo que el título que sería una versión en español de la canción de los Ramones, pero podemos coincidir que va mucho más allá de eso. ¿Cómo nació la idea detrás de esta canción específica?

Este tema está inspirado directamente en los Ramones, una de nuestras bandas favoritas dentro del punk rock. Desde el principio, quisimos rendirles homenaje y reflejar nuestra admiración por su música, que ha sido una gran influencia en nuestro estilo y nuestra forma de hacer música. “Hoy tu amor, mañana el mundo” surgió como una forma de plasmar ese cariño y respeto por la banda, incorporando su energía y actitud al tema.

El nombre de la canción es un guiño a los Ramones, pero va mucho más allá de eso. Intentamos tomar ese espíritu rebelde y directo que ellos representan, pero añadiendo nuestra propia visión y mensaje. Es una mezcla de admiración por lo que hicieron los Ramones y un reflejo de nuestra propia forma de ver el mundo.

La letra habla de dos jóvenes que, a pesar de las adversidades de la vida diaria, logran superarlas gracias a abrazar la filosofía Straight edge, que el amor verdadero puede vencer cualquier obstáculo, y de cómo la actitud que tomamos puede ser la clave para seguir adelante.

La canción no solo celebra el legado de los Ramones, sino que también busca expresar nuestra forma de ser como banda y nuestra manera de conectar con lo que significa ser parte de esta escena.

—¿Cuál es tu canción favorita de Tres?

Podria decirte “El SXE es lo que quiero” porque en ella está la esencia de este ultimo EP, pero en realidad, no podríamos decir que tenemos solo una canción favorita, ya que cada una de nuestras canciones representa algo único y personal para nosotros. Cada tema refleja diferentes facetas de quienes somos, tanto a nivel individual como colectivo. Cada canción tiene su propio significado y cada una refleja una parte importante de nuestro viaje como banda y como personas.

No Es Solo Música; son expresiones de lo que somos y de lo que queremos compartir con quienes nos escuchan. Por eso, no creemos que haya una canción más importante que otra, ya que todas juntas forman un todo que es fiel reflejo de nuestra identidad y nuestras vivencias.

—Aparte de ser su mayor influencia musical, ¿qué significan los Ramones para ustedes?

Los Ramones son, sin lugar a dudas, una de nuestras bandas favoritas de toda la vida. Nos han acompañado en diferentes momentos y circunstancias, su música sigue siendo una constante en nuestras vidas. A lo largo del tiempo, nuestros gustos musicales se han ampliado, pero los Ramones siempre estan ahí, como una especie de ancla emocional que nunca pierde su relevancia. La energía, el estilo y la actitud de su música siguen siendo una gran fuente de inspiración para nosotros, y estamos convencidos de que su legado perdurará en nuestros corazones por siempre. En cierto modo, los Ramones están clavados en nuestros corazones, como un bate de béisbol que marca su huella de forma indeleble y eterna.
Tuvimos la suerte de conocer a CJ, Marky y a Richie Ramone y su humildad reconfirmo porque somos sus fans.

—¿Cuáles son los planes de Los Vencidos a futuro? ¿Tienen recitales planeados ya?

Nuestros planes para este 2025 incluyen seguir componiendo y trabajando en nuevos temas, con la idea de llevarlos nuevamente a un formato físico, algo que es muy importante para nosotros, ya que somos grandes amantes de los formatos tradicionales como el vinilo, el CD y el cassette. Creemos que el formato físico tiene una magia única, y queremos que nuestra música esté disponible en ese formato, como una forma de rendir homenaje a las tradiciones musicales que tanto valoramos.

No solemos tocar con mucha frecuencia, ya que preferimos hacerlo de manera espaciada pero nos gustaría tocar 4 veces este año y si es posible junto a Mariscal X que para nosotros es la llama de esta nueva generación.

—¿Qué querrían decirles a nuestros lectores en Track To Hell?

Lo que queremos transmitirles es que se involucren plenamente en lo que les apasiona, en cualquier forma de manifestación artística que elijan. Que se atrevan a poner su propia impronta, a crear algo auténtico que refleje quiénes son y qué creen. Es importante seguir sus principios, aquellos que consideren esenciales no solo para su propio bienestar, sino también para el bienestar colectivo, para el mundo en general. La música al igual que cualquier otra forma de arte, tiene el poder de abrir fronteras, de conectar a las personas más allá de las barreras físicas, culturales o sociales.

Por eso, les animamos a no rendirse, a seguir adelante con cada proyecto que emprendan, por más difícil que sea el camino. La perseverancia, la pasión y la autenticidad son claves para lograr que su arte llegue a los demás de una forma significativa. El arte tiene el poder de transformar, de inspirar y de cambiar realidades, y es nuestra responsabilidad aprovecharlo para seguir adelante y hacer que nuestras ideas encuentren un espacio en el mundo.

PAZ, AMOR Y MUCHO PUNK ROCK & HARDCORE ( XLOSVENCIDOSX )

Foto portada: Sergio Albert

Crossed regresa con Realismo Ausente, su tercer álbum, donde llevan su intensidad en vivo al estudio sin artificios. En esta entrevista, la banda nos habla sobre la crudeza emocional del disco, sus influencias del realismo mágico, la lucha constante en la escena hardcore y metal en España, y la emoción de presentarlo en una gira europea y festivales de renombre.

– “Realismo Ausente” es vuestro tercer álbum. ¿Cómo definiríais su sonido en comparación con vuestros trabajos anteriores?

Para Realismo ausente queríamos plasmar el sonido que llevamos en directo, tanto la contundencia como la intensidad, usando nuestros propios amplis y equipo, sin “inventar” nada en el estudio. Teníamos muy claro cómo queríamos que sonara este disco y creemos que así lo hemos conseguido. Tanto la grabación, realizada por Borja Pérez, como la mezcla y el master, que fueron llevados a cabo por Jack Shirley de Atomic Garden, nos parecen que han quedado incluso mejor de lo que pensábamos.

– ¿Cuál fue la inspiración detrás del título “Realismo Ausente”? ¿Qué concepto o mensaje queréis transmitir con este disco?

El tema que conceptualiza todo el disco habla sobre la memoria y la pérdida, de una forma personal y familiar, de vivencias que cuestan ser firmes y hacen que pienses que el dolor pasa rápido, pero al final te va acompañando y transformando. Es una reflexión sobre cómo todo va cambiando a tu alrededor y no puedes hacer nada, solo adaptarte, sufriendo sin posibilidad de procesar nada.

– ¿Cómo ha sido el proceso de composición y grabación de este álbum? ¿Hubo algún reto especial esta vez?

La verdad es que fue todo muy orgánico y democrático. Siempre solemos llevar riffs o esqueletos de posibles canciones y entre los cuatro les vamos dando forma hasta terminar un tema. Vamos recopilando material y al final ordenamos y conceptualizamos todo musicalmente. Es un proceso realmente entretenido y enriquecedor; siempre que muestras algo a tus compañeros y entre todos lo cambiáis y le dais forma, sale siempre algo mucho mejor.

El verdadero reto ha sido ponernos fechas, como casi siempre; tal día tenemos que tener el disco, así que hay que componer, pero tenemos estos conciertos antes, así que hay que ensayar el setlist… Lo más complicado es eso, organizarse para que dé tiempo a todo y sobre todo hacerlo bien, pero creo que esta vez, como las anteriores, hemos conseguido lo que queríamos.

– ¿Hay alguna canción en el disco que sintáis especialmente representativa de esta etapa de la banda? ¿Por qué?

La verdad es que todas las canciones juntas dan sentido al disco; no es un disco lineal como tal, pero sí que creemos que escucharlo de principio a fin tiene, conceptualmente, sentido y hace que te introduzcas de alguna forma en él. Eso es lo que queríamos conseguir.

– Hemos visto que el hardcore siempre ha sido una base en vuestro sonido, pero también experimentáis con otros estilos. ¿Qué novedades sonoras o influencias podemos esperar en este disco?

Nos encanta experimentar un poco en cada trabajo, o más bien, evolucionar. Siempre hemos escuchado música muy diferente y nos empapamos de muchos estilos distintos; no reflejarlos en las composiciones sería casi como engañarnos. Nos encanta el post punk y la electrónica y siempre queremos meter algo de noise o drone. Al principio teníamos respeto por hacer un poco de mezcla y que pudiera quedar forzado, pero la verdad es que estamos muy cómodos dándole al proyecto una identidad propia. También nos encanta el shoegaze y cuando podemos metemos pasajes más de ese estilo, pero siempre estamos abiertos a experimentar; creo que es original y enriquecedor.

– Vuestras letras suelen ser directas y críticas. ¿De qué temáticas habláis en “Realismo Ausente”?

Me encanta de siempre apoyarme líricamente en cosas que me influencien en el momento en el que me pongo con un nuevo disco; en este caso estuve leyendo mucha literatura latinoamericana perteneciente al realismo mágico. Me influyó para tratar temas que pueden parecer descritos como una cosa que no son, o para dar simbolismos de forma retorcida a elementos que uso de recurso. La temática es como el concepto, hablar de la pertenencia a un lugar, del paso del tiempo y del cambio.

– ¿Hay alguna canción que tenga una historia o anécdota especial detrás de su creación?

Cuando compusimos el tema “Distrés”, me acuerdo de que no todos estábamos de acuerdo con ir a ensayar, porque volvíamos de viaje o no llegábamos a la hora y discutimos por WhatsApp por ir o no ir. Al final fuimos y compusimos ese tema, así que mereció la bronca insistir para aprovechar una tarde de ensayo.

– Con este tercer álbum, ¿sentís que Crossed ha encontrado su identidad definitiva o seguís en evolución?

Creo que nos vamos acercando a lo que sería, para nosotros, el “sonido Crossed”; creo que estamos trabajando en crear una identidad para ser lo más originales posible. Pero, como decía antes, nos encanta experimentar y con ello evolucionar. Para nosotros no hay tope en cuanto a búsqueda de sonido y eso es motivador.

– ¿Cómo veis la escena hardcore y metal en España actualmente? ¿Creéis que ha cambiado desde que empezasteis?

Siempre hemos visto muy buen nivel en la escena nacional; hay muchísimas bandas de todos los estilos tremendamente buenas y con muchas hemos tenido el placer de compartir escenarios y aventuras. Sí que es cierto que siempre hay una tendencia o “moda” que hace que de vez en cuando se minimice mucho la música extrema y con ella no se visualice tanto, pero el potencial y las bandas están; ahora es cosa de moverse sin parar para llegar y, al final, en un país como este, tener un grupo de música extrema y contracultural significa estar luchando en la brecha constantemente.

– ¿Qué fechas tienen para la presentación del álbum?

Del 4 al 20 de abril nos embarcaremos en una gira europea en la que presentaremos el nuevo disco y con la que estamos muy ilusionados. Luego presentaremos el disco en casa, en la sala Siroco de madrid, el 5 de junio. Tenemos el enorme placer de telonear el 11 de ese mismo mes a Chat Pile de la mano de Primavera Sound y luego estaremos por más lugares dentro y fuera del país y algunos festivales que iremos anunciando poco a poco.

– Han estado en el Can’t Keep Us Down 2025 y estarán en el Resurrection Fest 2025 ¿Qué expectativas tienen de estos festivales?

El Can’t Keep Us Down ha sido toda una experiencia; nos lo pasamos genial y disfrutamos muchísimo. Se portaron con nosotros muy bien y fueron muy profesionales y se nota que lleva años y que cada vez va a más.

Tenemos muchísimas ganas del Resurrection, es un festival al que hemos acudido como público años atrás y es un sueño cumplido poder participar en él, estamos nerviosos ya.

– Si tuvierais que describir este disco en una sola frase para alguien que nunca os ha escuchado, ¿cuál sería?

Melancolía disonante y abrasiva

Los powermetaleros riojanos Tierra Santa se encuentran promocionando su nuevo álbum Un Viaje Épico. Y un viaje épico les espera, siendo que ahora van a tener su gira latinoamericana como parte de ello, incluyendo una parada en Buenos Aires, Argentina, este 13 de marzo. Nos comunicamos con su cantante Ángel San Juan para que nos cuente sobre esto.

—¡Buenas a todos en Tierra Santa! ¿Cómo viene tratando la vida últimamente a la banda?

Bien bien, no nos podemos quejar

—Van a estar presentando su nuevo disco Un Viaje Épico, que editaron en noviembre último. Siendo un álbum relativamente nuevo, ¿como describirían su contenido y su sonido?

Es un disco con un sonido definido claro y enérgico, pienso que es el sonido mas equilibrado que hemos conseguido hasta la fecha. La temática esta enfocada en la Odisea escrita por Homero, el regreso de Ulises a su hogar, aunque no es un disco conceptual

—¿Qué canción podrían considerar que refleja mejor lo que buscaron con este nuevo álbum? ¿Por qué?

Realmente todas las canciones están conectadas de una u otra manera, es un disco completo y redondo, hay que escucharlo entero en el orden que esta, es mi opinión

—Y ahora van a estar girando por Latinoamérica, incluyendo su tercera a Argentina. ¿Qué esperan de esta travesía, este “viaje épico”, que van a tener por estas tierras?

Espero pasarlo muy bien junto a nuestros seguidores

—¿Qué recuerdan de aquella primera visita a los escenarios argentinos? Fue en el Festival Iberoamericano de Metal en 2006, junto a Lörihen, Beto Vázquez Infinity, Renacer y Patán.

Buaa, fue espectacular, cuando todos los que estuvieron corearon el nombre del grupo, fue algo muy grande, se me erizo toda la piel. Un gran recuerdo

—En 2022 Roberto tuvo una emergencia médica muy grave arriba del escenario, por ponerlo de una manera suave. ¿Vienen tomando algún tipo de precaución desde aquel evento?

Nadie esta exento de que le pueda pasar esto

—Más allá de los cambios de formación que ha tenido Tierra Santa, ¿cómo compararían a esta versión actual de la banda con la que arrancara allá por los noventas?

Me siento muy orgulloso de haber compartido escenario con cada una de las personas que han pasado por este grupo, no voy a comparar nada, solo se que he vivido grandes momentos con ellos

—¿Qué quisieran decirle a nuestros lectores y a la gente que los irá a ver en Buenos Aires?

Todos somos uno

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Axel Fabricio Amaya se reúne con Clemente Escalona, baterista de los death / doom mexicanos Matalobos, para hablar acerca de Phantasmagoria: Hexed Lands, el tercer LP de la banda, y la temática folclórica que rodea a las canciones de la banda, además de lo que es hacer metal en México.

The Baboon Show es una de las bandas más enérgicas y apasionadas del punk rock actual. Con 20 años de carrera a sus espaldas, el grupo sigue demostrando su compromiso con la música y su mensaje contestatario. Para celebrar su aniversario, lanzaron el EP “Forward In Reverse”, un trabajo que refleja la esencia de la banda y marca el inicio de una nueva etapa. Hablamos con Niclas Svensson, baterista de The Baboon Show, sobre este nuevo lanzamiento, su proceso creativo y la evolución de la banda a lo largo de dos décadas.

“Forward In Reverse” es su nuevo EP y llega en un momento muy especial para la banda. ¿Cómo encaja este lanzamiento en la celebración de su 20º aniversario?

Queríamos tener algo nuevo para presentar a nuestros fans en nuestra gira de celebración del 20º aniversario. Se siente genial incluir nuevas canciones en el setlist junto a los clásicos de The Baboon Show. Ya las hemos tocado en el Reino Unido y Suecia, y al público le han encantado. Este EP, junto con la gira de aniversario, marca el inicio de otros veinte años con The Baboon Show.

El título sugiere una contradicción interesante. ¿Qué representa “Forward In Reverse” para ustedes? ¿Es una mirada al pasado, al futuro o ambas cosas?

Es más bien una forma de describir cómo actúan nuestros políticos y líderes en la actualidad. En lugar de avanzar y mejorar las cosas para todos, siguen con su agenda capitalista codiciosa y nos llevan hacia atrás. Van hacia adelante, pero en reversa. Esa es una manera de verlo. Estos son tiempos terribles, pero nunca nos callaremos. Siempre señalaremos los problemas del mundo, pero lo hacemos mientras rockeamos y nos divertimos.

Después de dos décadas, ¿cómo ha cambiado su enfoque para componer y grabar? ¿Sienten que este EP refleja una evolución en su sonido o filosofía?

¡¡20 años! ¡¿Qué demonios pasó?! Jaja. El tiempo vuela. Pero, en serio, no creo que haya cambiado demasiado. Todos escribimos canciones y letras cuando nos sentimos inspirados. El mundo es un lugar hermoso pero también lleno de problemas, y nos inspiramos en todo, desde la música y el arte hasta eventos históricos o simplemente las luchas de la vida cotidiana. El sonido del EP es quizás un poco más moderno, pero sigue sonando a The Baboon Show. Cecilia tiene una voz muy fuerte y característica, y a veces bromeamos diciendo que podríamos grabar cualquier género y seguiría sonando a The Baboon Show mientras ella cante. Jaja.

¿Cómo fue el proceso de grabación de este EP? ¿Hubo desafíos o momentos destacados?

Lo grabamos en Ingrid Studios en Estocolmo junto a Johan Gustafsson (The Hives). Grabamos las canciones en vivo. Nos encanta tocar juntos en la misma sala para capturar la auténtica sensación de un show en directo. Así como en nuestros conciertos, lo hacemos juntos. Un momento destacado para mí fue cuando escuché el solo de guitarra de Simon en “Could You Be It”. ¡Increíble!

Las letras de The Baboon Show siempre han sido directas y llenas de mensajes fuertes. ¿Qué temáticas querían explorar en “Forward In Reverse”?

Cuando vas a un concierto de The Baboon Show, puedes esperar una gran fiesta de rock’n’roll con solo vibras positivas. Pero sí, también tenemos cosas que decir. Las letras de este nuevo EP no son muy diferentes de nuestros lanzamientos anteriores. Queremos denunciar la desigualdad y los problemas del mundo. Hay demasiada mierda sucediendo por todas partes. Pero no intentamos pintar un cuadro de completa oscuridad y fatalidad, también traemos mucha esperanza en nuestras letras. Mientras nos unamos contra los opresores, podemos lograr muchas cosas buenas para un futuro mejor.

Veinte años en la industria no es algo que muchas bandas puedan decir. Mirando atrás, ¿cuales han sido los momentos más importantes que los trajeron hasta aquí?

Diría que el hecho de haber estado de gira constantemente. Si realmente amas lo que haces, la gente lo notará. Amamos tocar en vivo y conectar con nuestros fans en todo el mundo. A veces siento que nuestros fans pueden leernos como un libro abierto. Jaja. Si hubiéramos fingido todo, no existiríamos hoy. Honestamente, ha habido momentos en los que he tenido lágrimas en los ojos durante nuestros shows en vivo. Lágrimas de felicidad, por supuesto. Incluso después de veinte años, algunos momentos siguen siendo muy especiales. Estamos muy felices de seguir aquí.

Si pudieran viajar en el tiempo y hablar con The Baboon Show de 2003, ¿qué consejo se darían?

¡Solo sigan adelante! ¡Valdrá la pena!

Sus shows en vivo son pura energía. ¿Tienen algo especial planeado para la gira de aniversario y la presentación de “Forward In Reverse”?

Tendremos un show más grande, tanto musical como visualmente. En muchas ciudades tocaremos en lugares más grandes que antes. Habremos algunas sorpresas con canciones que apenas hemos tocado antes, tanto viejas como nuevas. ¡Ven a nuestro show y lo verás! Jaja.

Si tuvieran que resumir lo que The Baboon Show significa después de 20 años en una frase, ¿cual sería?

¡Vaya viaje ha sido y aún no ha terminado!

Foto portada: Patrick Insdet

Etiquetas: Niclas Svensson, Punk Rock, Suecia, The Baboon Show

Crimson Storm es una banda que mantiene viva la esencia del heavy speed metal con un sonido fiel a la vieja escuela. Desde sus inicios en Cerdeña hasta su actual base en Barcelona, el grupo ha evolucionado sin perder su identidad. En esta entrevista, Lögan, guitarrista y fundador, nos habla sobre su más reciente disco Livin’ on the Bad Side, su visión sobre la industria musical y su firme postura contra el uso de inteligencia artificial en la composición. ¡Prepárate para una dosis de puro metal sin concesiones!

– Al investigar sobre Crimson Storm, vemos que la banda inició en Cerdeña y ahora están en España, ¿cómo fue este movimiento para la agrupación? 

Hola ¡Aquí Lögan, guitarrista y fundador de la banda! Seguramente el traslado ayudo totalmente la llegada de la banda hasta el día de hoy siendo Barcelona una ciudad que permite una movilidad mejor tener sobre todo una proyección mas profesional.

– Livin´ on the Bad Side contiene muchos de los sencillos anteriormente grabados, ¿hubo algún cambio en ellos cuando decidieron incorporarlos en este disco? 

Seguramente ha habido mayor profesionalidad a la hora de la producción junto a la mayor experiencia que suponen temas del estilo a la hora de ejecutarlos.

– Muchos fanáticos del metal se inclinan por sonidos nuevos y más extremos, pero ustedes se mantienen fieles al sonido clásico del heavy speed metal lo que muchos otros agradecemos, ¿a qué se debe esto de seguir manteniendo la llama del metal ochentero viva?

Básicamente porqué el estilo que siempre hemos escuchado y con lo que hemos empezado a tocar los instrumentos, aun queriendo no sabríamos como componer temas con estilo moderno o diferente en general de lo que hacemos.

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– ¿Qué opinan de que algunos músicos ya usan la inteligencia artificial como método de ayuda en sus canciones?

Que son unos estafadores y ya está, si no sabes componer tu propia música busca otra pasión jajajaja

– Livin´ on the Bad Side cuenta con 8 temas a parte del intro que están llenas de velocidad, poder y mucha pasión por el metal, un disco corto pero sustancioso, ¿ya tienen planeado un segundo disco o es muy pronto para pensar en esto? 

Por supuesto que estamos trabajando ya al segundo disco aun que estamos en las fases iniciales del mismo. Me gustaría personalmente sacar un 7” antes del larga duración seguramente.

– “Nightmare Deceiver” y “Haraki Rendez-vous” son temas que sobresalen del disco ya que van con medios tiempos y suenan más melódicos que los demás, ¿a que se debe este gran acierto? 

Son temas que ya venían tocándose con la banda desde hace tiempo entonces hemos decidido incluirlos para este primer álbum.

– “Seven Days of Mayhem” es el último tema el cuál es cantado en español, pero su título es en inglés, ¿cuál fue la idea de hacerlo así?

La canción ya venía en el primer EP de la banda, pero a la hora de tocarlo con la nueva formación el tema mismo pedía ser cantado en castellano con una letra relacionada a la historia de la ciudad condal.

– ¿Por último, pueden enviar un mensaje a todos nuestros lectores de habla hispana en especial en América Latina? 

¡Si habéis llegado hasta aquí y ya sois nuestros seguidores os podemos asegurar que el álbum respetará lo que esperabais y si es gracias esta entrevista que te os habéis enterado de nosotros os animamos a darle una escucha!

¡Un saludo a todos los amantes de la vieja escuela que estáis por allí, esperamos un día de llegar hasta vosotros! 

¡LARGA VIDA AL ROCK ‘N ROLL!

En la visita de Rolan Grapow en plan solista por territorio mexicano, Track to Hell pudo hacer una entrevista exclusiva con uno de los mejores músicos en la escena del power metal; el ex guitarrista de Helloween y actual guitarrista de Masterplan, nos cuenta algo de su pasado y de sus planes a futuro tanto solista como con su actual banda.

Simon Brette tendrá una larga experiencia en el mundo del black metal, pero es también el hombre detrás de Wÿntër Ärvn, un proyecto de neofolk que acaba de lanzar su nuevo álbum Sous l’orage noir – L’astre et la chute. Leo Sandroni habló con Simon sobre esta nueva instancia en su carrera.

1. Salut Simon! Primero, déjame decirte que realmente disfruto mucho tu música y tengo unas muchas preguntas al respecto, así que…para presentarte a ti mismo… ¿Puedes contarnos cómo surgió este proyecto?

Hola a todos. En primer lugar, quiero darles las gracias por darme la oportunidad de escribir algunas líneas en TrackToHell. ¡Significa mucho!

Bueno, la génesis de Wynter Arvn tiene lugar alrededor de 2016, en el tiempo que tenía un proyecto de black metal en solitario llamado Vintergeist que lanzó 1 álbum, Nemossos. Un día, una idea surgió de mí: tomé mi vieja y cansada guitarra folk y empecé a tocar riffs de Vintergeist, con arpegios, slow picking, etc, y me di cuenta de que necesitaba hacer algo con eso.

Me tomó 1 año para reunir viejas composiciones y transcribirlas en acústico, luego empecé a escribir mis propias canciones acústicas alrededor de riffs de black metal… y mi primer álbum salió, en 2018, con la ayuda de Antiq Label, y luego Abysses, 3 años más tarde, y aquí estamos para Sous l’Orage Noir – l’Astre et la Chute.

Y para la pequeña pista: Wynter Arvn es en realidad una contracción de Vinter de Vintergeist, y Arvn para Arvernian que era mi stagename en ese entonces.

2. He notado que estas influenciado por el black metal y se que has estado tocando en algunas bandas ¿Cuáles son los principales elementos que tomas de este tipo de música para Wÿntër Ärvn?

De hecho, toqué black metal durante 15 años en varias, las más conocidas son Aorlhac (melodic black metal) y Belore (atmospheric BM). También sigo involucrado en un proyecto de medieval black metal, Hardiesse, con Hyver de Antiq.

Yo diría “emociones”. El black metal es un verdadero recipiente para expresar sentimientos profundos y enterrados a la cara del mundo, rabia, dolor, nostalgia, ¡incluso tranquilidad! … Yo quería expresar de alguna manera diferente al black metal, como he dicho antes. Además, estoy en el black metal desde hace casi 20 años y seguiré por mucho tiempo.
El black tiene esta particularidad única de trascender al oyente y ponerlo en una fase de estasis (en mi opinión). Yo quería tomar esto de este género y transportarlo a una pieza musical más introspectiva y acústica.
Para que conste, mis principales influencias en Wÿntër Ärvn son Dissection, Lord Belial, Emperor, Lutomysl y Drudkh, etc; la escena underground francesa es también una gran influencia para mí con bandas como Mortifera, Nehemah, Sigillum Diabolicum…

3. ¿Has tocado tu música en shows en vivo? ¿O piensas hacerlo?

Llevo mucho tiempo dándole vueltas… pero me encuentro con un problema técnico. No domino eficientemente todo el hardware y el software necesario para poner mi música en vivo (y yo trabajo en I.T… oh, dulce ironía).

Todavía estoy buscando músicos en Francia o en otros lugares para tratar de hacerlo realidad con 3 guitarras. Por ahora estoy un poco frustrado, para ser honesto, pero sé que va a suceder algún día.

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4. ¿Cuántas personas participan en la producción de los álbumes de Wÿntër Ärvn?

Básicamente, Wynter Arvn consiste en mí y yo mismo para la composición, grabación, arreglos y la mayoría de los instrumentos. Los invitados sólo aparecen para una canción o 2 (excepto Vitorrio Sabelli, el maestro del clarinete italiano con el que casi hice dúo en Abysses, y participa en 3 canciones de este nuevo disco).

Empecé a colaborar con gente de la escena black metal en Francia para Abysses en 2021, y también para este próximo opus, y todavía quiero y necesito ampliar esta colaboración a más artistas para futuros lanzamientos. Había, si no recuerdo mal, 6 invitados para Abysses, y 7 para Sous l’Orage Noir. También trabajé por primera vez con Déhà para la mezcla y la masterización, y creo que forma parte del proyecto para los próximos lanzamientos.

Y si añadimos al artista de la portada Sozo Tozo, Maena, los diseñadores de “Evhemeria”, el personal del sello (Hyver y La Griesche) …de hecho, ¡son más de 10 personas las que han participado en algún momento! … Me acabo de dar cuenta. Maldita sea

5. Sigo tus redes sociales y allí puedo notar tu profunda conexión con la naturaleza y tu entusiasmo por viajar. ¿Qué tipo de experiencias o lugares son los que más te motivan a hacer música?

Me encanta pensar en las montañas (eso es un cliché del black metal, ¿no?), en mi región natal, Auvernia (soy de Clermont-Ferrand, una ciudad de black metal infernal, por cierto, con muchas bandas y la catedral negra más cliché [de nuevo]) y también en los Alpes y otros países montañosos.

También tuve la oportunidad de vivir en Irlanda y de visitar muchos lugares europeos, siempre en la naturaleza y fuera de las grandes ciudades. No diría que la naturaleza es el primer recipiente creativo de Wynter Arvn, pero estar allí, físicamente destrozado tras largas caminatas, en la cima de una montaña, definitivamente crea algo en mí que utilizo en mis proyectos musicales. Los humanos no nos merecemos la naturaleza.
Además, vivir al pie de enormes bosques de abetos ayuda un poco a superar las inquietudes de la vida moderna y a desconectar para dejar que el espíritu vague por otra parte, y creo que eso se puede encontrar en mi música.

6. Hace poco escuché Sous l’Orage Noir L’Astre et la Chute para reseñarlo y me vinieron sentimientos como paz y tranquilidad en cada canción. ¿Qué intentas decir o revelar con este álbum?

Bueno, este álbum es bastante particular y significativo para mí. Es, en cierto modo, mi historia desde la infancia hasta la edad adulta en 8 pasos que representan una parte concreta de mi vida.

Los sentimientos expresados aquí son totalmente oscuros o luminosos, llenos de rabia y resignación o esperanzados. Es un juego de luz y oscuridad. Creo que las mejores palabras para describirlo serían “nostalgia” y “melancolía”, con un toque de esperanza en alguna parte.
No se me da especialmente bien explicar de qué va todo esto. Pero cuando hablé con gente que escuchó este disco antes de su lanzamiento, muchos de ellos tenían opiniones diferentes sobre él. También significa que mi música puede tocar uno u otro sentimiento y sensibilidad. Me quedo con eso.

7. Parece que no te interesa el típico negocio de la música y que simplemente disfrutas haciendo tu música. También es muy valioso en tiempos donde todo sucede demasiado rápido y a través de teléfonos y computadoras… ya sabes que hoy en día es muy habitual incorporar la IA en las producciones musicales. ¿Qué opinas de estas nuevas musicales?

Sólo hago música y me encanta. Aunque me parecería bien que mi arte funcionara bien y traspasara las fronteras de Europa… pero si no ocurre, tampoco pasa nada. Realmente no me importa. El hecho de que alguien en algún lugar me escuche y disfrute de mi música por lo que es con su propio prisma, me basta para decir “misión cumplida“.

En cuanto a lo de la IA, la verdad es que no tengo opinión. La gente debería entrenarse para reconocer lo que es IA y lo que no. Si no lo hacen, o si no les importa, tampoco pasa nada. No voy a ser alguien que le diga a alguien lo que debe escuchar. Lo ÚNICO que desprecio es cuando alguien que ha hecho algo con IA engaña a la gente no diciéndolo claramente. Esto es lo peor.

Pero este es mi sentimiento como artista no profesional. Personalmente, apoyo profundamente a los artistas tradicionales comprando sus obras si me gustan, compartiéndolas con mis contactos, en las redes sociales, etc. Todo el mundo debería hacerlo.

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8. Hace unos años vi por primera vez a un músico medieval y me sorprendió lo modernos que sonaban sus instrumentos. ¿Incorporas alguno de ellos en tu música? ¿Cómo cuáles?

Utilizo algunos instrumentos medievales, ¡tienes razón!
Normalmente, la columna vertebral de mis canciones está hecha con guitarras folk y/o clásicas, para el tema principal y las melodías. Las melodías se enriquecen después con otros instrumentos como saz, laúd, balalaika, zanfona, guitarras barrocas… ¡e incluso un banjo! … Me gusta mezclar instrumentos que no deberían funcionar juntos para crear algo. Tú decides si funciona o no.

También uso un montón de cosas raras para las percusiones, como un hueso de fémur de ternera (golpeando el cráneo de una oveja para hacer algunas percusiones secas), tambores chamánicos, etc. … En general, me encanta experimentar con instrumentos acústicos. Todo lo relacionado con Wÿntër Ärvn es también: nada eléctrico, nada de distorsión, nada de VST. Todo está hecho y grabado desenchufado, en mi casa, para capturar la esencia misma de cada instrumento y material que utilizo.

9. Antes de despedirnos y para cerrar esta charla… ¿Dónde podemos conseguir tu próximo álbum?

La única opción para los no franceses es comprarlo a través del bandcamp o la página web de Antiq Label. Aún no sé si habrá distribuidores en Argentina… estén atentos a la página de facebook de Antiq o a la venta por correo.

Y de nuevo, gracias por darme la oportunidad de escribir algunas palabras en su web.

Saludos eternos a Track To Hell y a todos los argentinos.

Wÿntër.

Previando ante la llegada de Gutalax en Argentina, desde el cuartel de Track To Hell nos comunicamos con dos de las bandas que serán parte de la fiesta que se llevará a cabo este 20 de Marzo en Uniclub. Ademas de los checos, se estarán presentando: CAHNALET, bRuTaL nOiSe, DISPLEASURE, Buköwski Grind y CranialgrinD

Organizan los amigos de Criminal Metal Camp

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Para quienes aún no los conocen, ¿cómo nació la banda y cómo describirían su sonido? 

bRuTaL nOiSe – A principios de 1993, amparados bajo el mote de Ano Negro, un puñado de adolescentes descontentos empiezan a ensayar temas HC/thrash que se irían pudriendo, acelerando y mutando, hasta que en el ’95 se empezó a llamar Brutal Noise, un mestizo de música exxtrema con salpicones de todo lo que sea contundente y al hueso. Las intros acústicas, las armonías épicas y los solos, te los debemos xa la proxx.

CAHNALET – La banda se forma en el año 2013 en el back de la grabación del álbum euforia de BP, Brenda Cuesta (BloodParade) reúne a amigos y colegas del metal y el Punk a hacer unas canciones que tenía ganas hacia tiempo de plasmar , de estilo hardcore punk y metal , a los 2 meses grabamos el primer simple “Calypso Baby” apadrinados por Topo Toppelberg (Pentagrama Chile) presentándolo en Gran Buenos Aires y Capital Federal.

¿Cuáles son sus principales influencias musicales?

bRuTaL nOiSe – Uffff. Lista larga, muy larga, tediosa. Más porque han pasado muchos cuerpos por este ruido, dejando sus jirones musicales colgados en éste alambre de púas. Todo lo que contenga violencia auditiva nos influenció, todo lo que se pare desde fuera del ring nos puede alimentar y todo lo que traiga groove nos despierta. Bandas que nada que ver entre sí hacen una orgía y nosotros miramos, erectos. Cada CD nuestro es diferente porque cada vez, fue grabado por gente diferente.

CAHNALET – Las influencias son variadas, pero se puede decir que el metal extremo el crust y hardcore punk denotan nuestro estilo, no tenemos bandas en particular que nos hayan influenciado particularmente, pero sí años de tocar metal extremo y hardcore punk de esa experiencia sale Cahnalet.

El estilo vocal en el grindcore y sus derivados es muy particular. ¿Cómo desarrollaron su técnica y qué consejos darían a quienes quieran incursionar en este tipo de canto?

bRuTaL nOiSe – El puesto que más ha rotado en “Brutal” han sido los vocales. El encargado actual arrancó a gritar a los 34 años, un montón. Técnica como tal… tratar de poder hablar al día siguiente. Sin buscar una apología a la rotura, el grind se aprende haciendo grind, rompiendo y cantando sobre la cicatriz.

CAHNALET – No hacemos grind pero si somos fans del género sin dudas, nuestra vocalista tiene un tinte vocal más estridente thrash si se quiere y versatilidad para posar su voz dándole la personalidad la cual buscamos bien poseso y agresivo. Concejos vocales.. muchos para este estilo, una buena conexión con tu respiración

Y con tu parte muscular, hay muchas técnicas y todas requieren de constancia y descubrimiento físico.

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Las letras en estos géneros suelen ser extremas, grotescas o satíricas. ¿Qué temas abordan en sus canciones y qué buscan transmitir con ellas?

bRuTaL nOiSe – Extremo, grotesco, satírico, sí. Pero además libre. El extremo habilita para atacar o defender o contar lo que sea, en el tono que se te ocurra, asquerosa o ingeniosamente. Brutal no baja línea, no discursa, y tampoco se pierde en la huevada. Del asco al sistema, con sus mamarrachos uniformados (y armados) y sabernos ratas de laboratorio, saltamos al pornogore autobiográfico y contarte que el grindcore da muchísima sed. Y todo porque? Porque podemos!

CAHNALET – Abordamos en nuestras letras tardo esa rabia acumulada, el anti todo y la bronca hacia sociedades quietas y mentes vacías es nuestra principal temática, pero las letras lo destacan desde un lado grotesco, satírico y agresivo

Si tuvieran que recomendar tres discos esenciales del género a alguien que recién empieza a escuchar grindcore/goregrind, ¿cuáles serían?

bRuTaL nOiSe – Es una respuesta subjetiva, personal, no consensuada… peeero así es la vida!

• Brutal Truth – Extreme Conditions Demand Extreme Responses
• Fear Factory – Soul of a New Machine
• Carcass – Symphonies of Sickness
• Napalm Death – Fear, Emptiness, Despair

CAHNALET – Recomendamos entre otros jeje

• Disgorge (México) – Nechrolocaust
• Anarchus & Monastery – Anarchus / Monastery Split
• Defecation – Purity Dilution

Para cerrar, ¿qué podemos esperar de su presentación junto a Gutalax y qué proyectos futuros tienen en camino?

bRuTaL nOiSe – Volcaremos media hora de sudorosa y violenta diversión, nuestra y suya, que les duela el cuerpito pero queden queriendo volvernos a cruzar. ¡Nos vemos en el pogo! En el futuro cercano de Brutal asoman la grabación de un EP, parir jugosos temas nuevos, y seguir “ruideándola” x Argentina y seguirnos sacando la bronca con nuestros instrumentos y el público.

CAHNALET – Tenemos preparado un show agresivo y contundente, para volar cabezas y hacer Pogo hasta gastarse los borcegos Muchas gracias por la nota!

Después de años de espera y varios sencillos que dejaron huella, Löanshark finalmente presenta su álbum debut, una oda al heavy metal clásico con un sonido fresco y potente. En esta entrevista, Lögan, guitarrista y cantante de la banda, nos cuenta sobre la creación del disco, sus influencias, el proceso de composición y sus aspiraciones a conquistar grandes festivales. Con una identidad bien definida y una pasión inquebrantable, Löanshark demuestra que el metal se mantiene vivo con esfuerzo y autenticidad. ¡Prepárate para conocer más sobre esta prometedora banda!

– Después de 7 años de espera, No Sins to Confess llega con toda la fuerza del heavy metal clásico, ¿por qué al fin se decidieron en sacar un disco larga duración después de lanzar varios sencillos año tras año? 

¡Hola! Aquí Lögan, cantante y guitarrista de la banda.

Bueno, la verdad es que el álbum estaba terminado y listo para su lanzamiento a principios de 2023. El plan inicial era entrar al estudio en 2020, pero como todos sabemos, “las cosas cambiaron.” Tuvimos que adaptarnos a la situación y aprovechamos la oportunidad para entrar al estudio en la segunda mitad de 2022. Al final, teníamos claro desde el principio que el álbum debut se grabaría después de algunos EPs y sencillos, así que incluso sin ningún “problema técnico”, habría salido después de 2020, seguro.

– La influencia de las bandas ochenteras se nota en todo el disco, pero también se siente un aire nuevo en temas como Electric Shocking Waves o Another Man in the Trunk, ¿cuáles son las influencias más fuertes en la banda actuales y clásicas? 

La NWOBHM está en nuestras raíces, pero también tenemos un amplio espectro de estilos que nos gustan. Lo importante es que tenemos nuestro estilo personal muy claro, así que reconocemos fácilmente lo que suena como nosotros y lo que no.

– ¿Tienen planeado algún tour para apoyar este disco? 

De momento estamos cerrando algunas fechas por España, pero estamos mirando ya al 2026 para la fechas importantes por Europa.

– El sueño de muchas bandas es tocar en festivales enormes con multitudes impresionantes de oyentes, ¿en cuáles festivales se sueñan tocando, dando a conocer su arte? 

¡Para empezar nos gustaría participar en el Rock Fest aquí en nuestra ciudad Barcelona, pero hay que decir que llegar a un Keep It True en Alemania algún día no estaría mal!

– ¿Por qué decidieron ser un power trío y no una agrupación de 4 o 5 integrantes? 

Sinceramente me hubiera encantado tener un cantante para este proyecto pero al final, no teniendo muchas opciones decidí encargarme personalmente de la voz y también siendo acostumbrado a tocar la guitarra por mi cuenta decidí optar por un power trio. Hay que decir que los temas en realidad no necesitan una segunda guitarra y esto a la hora de componer ayuda mucho a no pasarse demasiado con los clásicos arreglos doble guitarra Maiden/Priest.

– ¿Cómo fue la manera de componer el disco? se reunieron en alguna sala de ensayo o todo lo hacían vía internet y cada uno enviaba sus partes a los demás y luego se acoplaban?  

El proceso de composición de los temas ocurre principalmente en el local de ensayo con toda la banda junta, comenzando desde los riffs de guitarra principales y las ideas básicas sobre cómo debería sonar la canción. A veces es el proceso es rápido, a veces no, pero nos gusta tomarnos nuestro tiempo con ello, y estamos realmente contentos con los resultados.

– El arte del disco tiene mucho que ver con el contenido musical, ¿cuéntenos un poco de cómo se llegó a este resultado final? 

Teníamos una bastante clara idea de cómo queríamos la portada del disco empezando por toda la temática que nos rodea y sobre todo la referencia a algunos temas incluidos en el disco. Hay que decir que el artista Stanislav Atanasov ha captado totalmente nuestras intenciones y esto es parte importante del resultado final.

– Nos podrías enviar unas palabras a todos nuestros lectores de habla hispana que apenas conocen la banda, en especial de Latinoamérica. 

¡Si habéis llegado hasta aquí y ya sois nuestros seguidores os podemos asegurar que el álbum respetará lo que esperabais y si es gracias esta entrevista que te os habéis enterado de nosotros os animamos a darle una escucha!

¡Un saludo a todos los amantes de la vieja escuela que estáis por allí, esperamos un día de llegar hasta vosotros! 

¡LARGA VIDA AL ROCK ‘N ROLL!

Los argentinos Los Vencidos han estado haciendo mucho por hacerse un nombre en el under del punk rock en el país, con una identidad que mezcla las melodías pegadizas del pop punk a lo Ramones con las letras centradas en la filosofía straight edge de rechazo de las drogas y el alcohol. Hablamos con la banda sobre la salida de su EP Tres y las ideas que los hacen funcionar como grupo.

—Antes de comenzar, quería agradecerles por darse un tiempo para responder nuestras preguntas. ¿Cómo vienen las cosas con la banda?

Hola, muchas gracias a ustedes por brindarnos este espacio y su tiempo.
Actualmente, la banda se encuentra inmersa en el proceso de composición de nuevos temas, con la idea de dar forma a un EP que planeamos lanzar a mediados de este 2025 y preparando una versión de un tema de la banda The Queers para que este sea parte de un compilado que se editara en EE.UU. Estamos realmente emocionados con la dirección que está tomando nuestra música y con la edición de nuestro primer vinilo “Tres”, un proyecto que nos llena de orgullo. Este lanzamiento es un paso significativo para nosotros, ya que siempre hemos sido grandes amantes de los formatos físicos. Este vinilo es el reflejo del esfuerzo, la pasión y el trabajo de todo un año, y representa un logro que nos emociona profundamente.”

—Los Vencidos están activos desde hace una década. ¿Cómo comenzó la banda? ¿Cómo se dio el nombre del grupo?

La banda nació de forma natural, como suele suceder en muchas bandas, éramos un grupo de amigos con el deseo de seguir tocando juntos luego de la disolución de las bandas en que las que tocábamos. Los tres veníamos de diferentes proyectos dentro de la escena del hardcore y el punk, pero lo que nos unía era mucho más que el estilo musical. Compartíamos la misma pasión por la música y una serie de principios que nos definían como personas y como músicos. Estos valores comunes fueron la base sobre la cual decidimos embarcarnos en este nuevo proyecto, sabiendo que, a pesar de nuestras distintas trayectorias, estábamos alineados en nuestra visión y compromiso.

A partir de esa conexión, decidimos crear una nueva banda, esta vez con un enfoque completamente ramonescore, donde la temática straightedge se convierte en la columna vertebral de nuestras letras y el alma del proyecto.

El nombre de la banda surgió de la manera más simple y espontánea; cada uno aportó un nombre y tras un proceso de descarte, finalmente nos decidimos por “Los Vencidos” que para nosotros es un nombre que representa y refleja ese espíritu de resistencia y perseverancia, algo que siempre ha estado presente en cada uno de nosotros, y que se plasma en nuestra música y en nuestra forma de manejarnos como banda.

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—¿Cómo le explicarías la idea detrás del “Straight edge” a nuestros lectores?

De manera breve les diría que el movimiento Straight edge es una filosofía de vida que se originó en el contexto de la subcultura del hardcore punk a principios de los años 80 en los Estados Unidos. Este estilo de vida promueve la abstinencia total de alcohol, tabaco y drogas, elementos que eran comúnmente aceptados dentro de la escena del punk rock en esa época. Incluyendo posteriormente por las nuevas generaciones y según el país una dieta vegetariana o vegana a estos principios. La idea central del Straight edge es rechazar el consumo de sustancias que alteran la mente y el cuerpo, promoviendo una vida más saludable y consciente.

Aunque existen diversas interpretaciones del movimiento, su inicio con la banda Minor Threat, que a través de sus letras, destacaban su postura crítica hacia el consumo de drogas y de alcohol. Los temas “Straight Edge”, “In My Eyes” y “Out of Step” fueron fundamentales para cimentar la identidad de este movimiento dentro del hardcore punk. En estas su cantante Ian MacKaye, expresa de manera explícita los valores del Straight edge, como una declaración de independencia frente a las presiones sociales que fomentaban el consumo de estas sustancias.

Seguramente muchos acerca de porque la “X” en las manos , este es el símbolo más reconocible del movimiento y a menudo se marca en el dorso de las manos, especialmente en conciertos, como una señal de que quien la lleva es parte de este. Esta marca se originó en los bares y clubes, donde a los menores de edad se les dibujaba una “X”; en las manos para indicar que no podían consumir alcohol, pero con el tiempo pasó a ser un símbolo distintivo de la cultura Straight edge.

Para nosotros, el Straight Edge no se limita simplemente a una elección de vida saludable, sino que es una postura consciente y firme frente a los excesos que prevalecen en nuestra sociedad. Va más allá de abstenerse de sustancias, representando una crítica directa a la cultura del consumo desenfrenado, tanto dentro del ámbito musical como en la vida cotidiana. Es una forma de cuestionar las normas impuestas por la sociedad y de rechazar la superficialidad de un mundo que prioriza la gratificación inmediata sobre el bienestar real y duradero.

—¿Cómo surgió la idea de combinar el mensaje Straight edge con el sonido ramonero?

La idea de combinar el mensaje Straight edge con el sonido ramonero surgió de nuestra profunda conexión con ambas influencias. Desde nuestros inicios en la escena hardcore, el Straight edge ha sido un principio fundamental para nosotros, representando un estilo de vida saludable y una postura crítica ante los excesos. Por otro lado, el sonido ramonero siempre ha sido una influencia crucial, con su energía cruda y su simplicidad, que nos conecta con el espíritu del punk.

Al unir estos dos elementos, queríamos crear algo único: un sonido que mantuviera la esencia del punk clásico de los Ramones, pero con la intensidad y actitud del hardcore, todo ello respaldado por el mensaje Straight edge. La combinación de estas influencias nos permitió crear un proyecto que reflejara nuestra visión de la música, una que celebra la libertad personal, la energía del punk y la filosofía del Straight edge. Así nació Los Vencidos: una fusión de lo mejor de dos mundos que compartimos y que sentimos que podían coexistir de manera natural.

—Mucho de lo que se habla y escribe acerca de Los Vencidos hace hincapié en la idea de ser “la única banda Straight edge del mundo que incursiona en los géneros ramonescore y punk rock”. Siendo que el Straight edge es algo generalmente más relacionado con el hardcore punk, ¿cuál creen que es la razón por la que esta combinación no se vea más seguido? ¿Cuál es la separación, sea de actitud o de ideología, que se ve entre ambas escenas?

Es cierto que el Straight edge siempre ha estado más vinculado al hardcore o al hardcore metal, géneros en los que la filosofía del Straight edge ha tenido una fuerte presencia. Sin embargo, el Straight edge tiene sus raíces en el punk, y ese es un vínculo que nosotros nunca perdimos. Para nosotros, el punk, especialmente el ramonescore, siempre ha sido un pilar fundamental, con su velocidad y su energía que se conecta perfectamente con la filosofía Straight edge.

Lo que nosotros hicimos fue integrar de manera natural el mensaje Straight edge dentro del estilo ramonescore, uniendo ambas influencias para crear algo auténtico y único que reflejara no solo nuestra identidad como banda, sino también nuestro estilo de vida. Es cierto que no se ve con frecuencia esta fusión porque, históricamente, el Straight edge se ha asociado más con la intensidad y la rebeldía del hardcore, mientras que el ramonescore tiende a tener un enfoque más melódico. Sin embargo, creemos que ambas escenas comparten una actitud de resistencia y una postura DIY, y esa es precisamente la conexión que queríamos explorar.

En cuanto a la separación ideológica, vemos que el hardcore y el punk pueden diferir en términos de enfoque y mensaje, pero ambas escenas comparten una filosofía de autodefinición y cuestionamiento de las normas establecidas. En Los Vencidos, intentamos combinar lo mejor de ambos mundos, manteniendo la actitud y la energía del punk y el hardcore, pero con la firmeza y el compromiso del Straight edge.

Si bien somos la única banda Straight edge del mundo en incursionar en este género, nos gustaría que las nuevas generaciones pudieran naturalizar esta fusión dentro de la escena hardcore punk (nuestra escena), que sigue viva y en constante movimiento gracias a sellos como X En el Desierto, los cuales organizan shows que integran a bandas jóvenes de hardcore punk en eventos que siempre tienen una temática solidaria, con el objetivo de recaudar fondos para quienes más lo necesitan.

Sería increíble ver surgir más bandas Straight edge que se atrevan a experimentar con el punk rock, llevando el mensaje Straight edge a nuevas audiencias y creando una escena más diversa dentro de la música que amamos.

—¿Cómo describirías las canciones incluidas en este nuevo EP Tres? ¿Cómo se relacionan sus letras con el Straight edge?

Las canciones de “Tres” son simples, directas y, sobre todo, honestas. Queremos que cada tema refleje lo que pensamos y cómo percibimos el mundo que nos rodea. Algunas de las canciones tienen un carácter más personal, abordando emociones y experiencias que hemos vivido a lo largo de nuestras vidas, mientras que otras buscan provocar una reflexión más profunda sobre el estilo de vida que hemos elegido.

En particular, hay dos canciones que hacen una referencia directa al movimiento Straight edge, un estilo de vida que adoptamos hace años y que es fundamental para nuestra identidad como banda. A través de estos temas, buscamos transmitir la importancia de la autodisciplina, la integridad y el respeto, tanto hacia uno mismo como hacia los demás. No solo hablamos del Straight edge como un conjunto de principios, sino como una filosofía de vida que ha marcado nuestra forma de ver el mundo.

En resumen, las canciones de “Tres” son una extensión de nuestra manera de vivir y de ver el mundo, con el Straight edge como uno de los pilares que sustentan tanto nuestras letras como nuestra actitud como banda.

—Una de las canciones que más me llaman la atención es la final “Hoy tu amor mañana el mundo”. Mucha gente, incluido yo, pensará viendo que el título que sería una versión en español de la canción de los Ramones, pero podemos coincidir que va mucho más allá de eso. ¿Cómo nació la idea detrás de esta canción específica?

Este tema está inspirado directamente en los Ramones, una de nuestras bandas favoritas dentro del punk rock. Desde el principio, quisimos rendirles homenaje y reflejar nuestra admiración por su música, que ha sido una gran influencia en nuestro estilo y nuestra forma de hacer música. “Hoy tu amor, mañana el mundo” surgió como una forma de plasmar ese cariño y respeto por la banda, incorporando su energía y actitud al tema.

El nombre de la canción es un guiño a los Ramones, pero va mucho más allá de eso. Intentamos tomar ese espíritu rebelde y directo que ellos representan, pero añadiendo nuestra propia visión y mensaje. Es una mezcla de admiración por lo que hicieron los Ramones y un reflejo de nuestra propia forma de ver el mundo.

La letra habla de dos jóvenes que, a pesar de las adversidades de la vida diaria, logran superarlas gracias a abrazar la filosofía Straight edge, que el amor verdadero puede vencer cualquier obstáculo, y de cómo la actitud que tomamos puede ser la clave para seguir adelante.

La canción no solo celebra el legado de los Ramones, sino que también busca expresar nuestra forma de ser como banda y nuestra manera de conectar con lo que significa ser parte de esta escena.

—¿Cuál es tu canción favorita de Tres?

Podria decirte “El SXE es lo que quiero” porque en ella está la esencia de este ultimo EP, pero en realidad, no podríamos decir que tenemos solo una canción favorita, ya que cada una de nuestras canciones representa algo único y personal para nosotros. Cada tema refleja diferentes facetas de quienes somos, tanto a nivel individual como colectivo. Cada canción tiene su propio significado y cada una refleja una parte importante de nuestro viaje como banda y como personas.

No Es Solo Música; son expresiones de lo que somos y de lo que queremos compartir con quienes nos escuchan. Por eso, no creemos que haya una canción más importante que otra, ya que todas juntas forman un todo que es fiel reflejo de nuestra identidad y nuestras vivencias.

—Aparte de ser su mayor influencia musical, ¿qué significan los Ramones para ustedes?

Los Ramones son, sin lugar a dudas, una de nuestras bandas favoritas de toda la vida. Nos han acompañado en diferentes momentos y circunstancias, su música sigue siendo una constante en nuestras vidas. A lo largo del tiempo, nuestros gustos musicales se han ampliado, pero los Ramones siempre estan ahí, como una especie de ancla emocional que nunca pierde su relevancia. La energía, el estilo y la actitud de su música siguen siendo una gran fuente de inspiración para nosotros, y estamos convencidos de que su legado perdurará en nuestros corazones por siempre. En cierto modo, los Ramones están clavados en nuestros corazones, como un bate de béisbol que marca su huella de forma indeleble y eterna.
Tuvimos la suerte de conocer a CJ, Marky y a Richie Ramone y su humildad reconfirmo porque somos sus fans.

—¿Cuáles son los planes de Los Vencidos a futuro? ¿Tienen recitales planeados ya?

Nuestros planes para este 2025 incluyen seguir componiendo y trabajando en nuevos temas, con la idea de llevarlos nuevamente a un formato físico, algo que es muy importante para nosotros, ya que somos grandes amantes de los formatos tradicionales como el vinilo, el CD y el cassette. Creemos que el formato físico tiene una magia única, y queremos que nuestra música esté disponible en ese formato, como una forma de rendir homenaje a las tradiciones musicales que tanto valoramos.

No solemos tocar con mucha frecuencia, ya que preferimos hacerlo de manera espaciada pero nos gustaría tocar 4 veces este año y si es posible junto a Mariscal X que para nosotros es la llama de esta nueva generación.

—¿Qué querrían decirles a nuestros lectores en Track To Hell?

Lo que queremos transmitirles es que se involucren plenamente en lo que les apasiona, en cualquier forma de manifestación artística que elijan. Que se atrevan a poner su propia impronta, a crear algo auténtico que refleje quiénes son y qué creen. Es importante seguir sus principios, aquellos que consideren esenciales no solo para su propio bienestar, sino también para el bienestar colectivo, para el mundo en general. La música al igual que cualquier otra forma de arte, tiene el poder de abrir fronteras, de conectar a las personas más allá de las barreras físicas, culturales o sociales.

Por eso, les animamos a no rendirse, a seguir adelante con cada proyecto que emprendan, por más difícil que sea el camino. La perseverancia, la pasión y la autenticidad son claves para lograr que su arte llegue a los demás de una forma significativa. El arte tiene el poder de transformar, de inspirar y de cambiar realidades, y es nuestra responsabilidad aprovecharlo para seguir adelante y hacer que nuestras ideas encuentren un espacio en el mundo.

PAZ, AMOR Y MUCHO PUNK ROCK & HARDCORE ( XLOSVENCIDOSX )

Foto portada: Sergio Albert

Crossed regresa con Realismo Ausente, su tercer álbum, donde llevan su intensidad en vivo al estudio sin artificios. En esta entrevista, la banda nos habla sobre la crudeza emocional del disco, sus influencias del realismo mágico, la lucha constante en la escena hardcore y metal en España, y la emoción de presentarlo en una gira europea y festivales de renombre.

– “Realismo Ausente” es vuestro tercer álbum. ¿Cómo definiríais su sonido en comparación con vuestros trabajos anteriores?

Para Realismo ausente queríamos plasmar el sonido que llevamos en directo, tanto la contundencia como la intensidad, usando nuestros propios amplis y equipo, sin “inventar” nada en el estudio. Teníamos muy claro cómo queríamos que sonara este disco y creemos que así lo hemos conseguido. Tanto la grabación, realizada por Borja Pérez, como la mezcla y el master, que fueron llevados a cabo por Jack Shirley de Atomic Garden, nos parecen que han quedado incluso mejor de lo que pensábamos.

– ¿Cuál fue la inspiración detrás del título “Realismo Ausente”? ¿Qué concepto o mensaje queréis transmitir con este disco?

El tema que conceptualiza todo el disco habla sobre la memoria y la pérdida, de una forma personal y familiar, de vivencias que cuestan ser firmes y hacen que pienses que el dolor pasa rápido, pero al final te va acompañando y transformando. Es una reflexión sobre cómo todo va cambiando a tu alrededor y no puedes hacer nada, solo adaptarte, sufriendo sin posibilidad de procesar nada.

– ¿Cómo ha sido el proceso de composición y grabación de este álbum? ¿Hubo algún reto especial esta vez?

La verdad es que fue todo muy orgánico y democrático. Siempre solemos llevar riffs o esqueletos de posibles canciones y entre los cuatro les vamos dando forma hasta terminar un tema. Vamos recopilando material y al final ordenamos y conceptualizamos todo musicalmente. Es un proceso realmente entretenido y enriquecedor; siempre que muestras algo a tus compañeros y entre todos lo cambiáis y le dais forma, sale siempre algo mucho mejor.

El verdadero reto ha sido ponernos fechas, como casi siempre; tal día tenemos que tener el disco, así que hay que componer, pero tenemos estos conciertos antes, así que hay que ensayar el setlist… Lo más complicado es eso, organizarse para que dé tiempo a todo y sobre todo hacerlo bien, pero creo que esta vez, como las anteriores, hemos conseguido lo que queríamos.

– ¿Hay alguna canción en el disco que sintáis especialmente representativa de esta etapa de la banda? ¿Por qué?

La verdad es que todas las canciones juntas dan sentido al disco; no es un disco lineal como tal, pero sí que creemos que escucharlo de principio a fin tiene, conceptualmente, sentido y hace que te introduzcas de alguna forma en él. Eso es lo que queríamos conseguir.

– Hemos visto que el hardcore siempre ha sido una base en vuestro sonido, pero también experimentáis con otros estilos. ¿Qué novedades sonoras o influencias podemos esperar en este disco?

Nos encanta experimentar un poco en cada trabajo, o más bien, evolucionar. Siempre hemos escuchado música muy diferente y nos empapamos de muchos estilos distintos; no reflejarlos en las composiciones sería casi como engañarnos. Nos encanta el post punk y la electrónica y siempre queremos meter algo de noise o drone. Al principio teníamos respeto por hacer un poco de mezcla y que pudiera quedar forzado, pero la verdad es que estamos muy cómodos dándole al proyecto una identidad propia. También nos encanta el shoegaze y cuando podemos metemos pasajes más de ese estilo, pero siempre estamos abiertos a experimentar; creo que es original y enriquecedor.

– Vuestras letras suelen ser directas y críticas. ¿De qué temáticas habláis en “Realismo Ausente”?

Me encanta de siempre apoyarme líricamente en cosas que me influencien en el momento en el que me pongo con un nuevo disco; en este caso estuve leyendo mucha literatura latinoamericana perteneciente al realismo mágico. Me influyó para tratar temas que pueden parecer descritos como una cosa que no son, o para dar simbolismos de forma retorcida a elementos que uso de recurso. La temática es como el concepto, hablar de la pertenencia a un lugar, del paso del tiempo y del cambio.

– ¿Hay alguna canción que tenga una historia o anécdota especial detrás de su creación?

Cuando compusimos el tema “Distrés”, me acuerdo de que no todos estábamos de acuerdo con ir a ensayar, porque volvíamos de viaje o no llegábamos a la hora y discutimos por WhatsApp por ir o no ir. Al final fuimos y compusimos ese tema, así que mereció la bronca insistir para aprovechar una tarde de ensayo.

– Con este tercer álbum, ¿sentís que Crossed ha encontrado su identidad definitiva o seguís en evolución?

Creo que nos vamos acercando a lo que sería, para nosotros, el “sonido Crossed”; creo que estamos trabajando en crear una identidad para ser lo más originales posible. Pero, como decía antes, nos encanta experimentar y con ello evolucionar. Para nosotros no hay tope en cuanto a búsqueda de sonido y eso es motivador.

– ¿Cómo veis la escena hardcore y metal en España actualmente? ¿Creéis que ha cambiado desde que empezasteis?

Siempre hemos visto muy buen nivel en la escena nacional; hay muchísimas bandas de todos los estilos tremendamente buenas y con muchas hemos tenido el placer de compartir escenarios y aventuras. Sí que es cierto que siempre hay una tendencia o “moda” que hace que de vez en cuando se minimice mucho la música extrema y con ella no se visualice tanto, pero el potencial y las bandas están; ahora es cosa de moverse sin parar para llegar y, al final, en un país como este, tener un grupo de música extrema y contracultural significa estar luchando en la brecha constantemente.

– ¿Qué fechas tienen para la presentación del álbum?

Del 4 al 20 de abril nos embarcaremos en una gira europea en la que presentaremos el nuevo disco y con la que estamos muy ilusionados. Luego presentaremos el disco en casa, en la sala Siroco de madrid, el 5 de junio. Tenemos el enorme placer de telonear el 11 de ese mismo mes a Chat Pile de la mano de Primavera Sound y luego estaremos por más lugares dentro y fuera del país y algunos festivales que iremos anunciando poco a poco.

– Han estado en el Can’t Keep Us Down 2025 y estarán en el Resurrection Fest 2025 ¿Qué expectativas tienen de estos festivales?

El Can’t Keep Us Down ha sido toda una experiencia; nos lo pasamos genial y disfrutamos muchísimo. Se portaron con nosotros muy bien y fueron muy profesionales y se nota que lleva años y que cada vez va a más.

Tenemos muchísimas ganas del Resurrection, es un festival al que hemos acudido como público años atrás y es un sueño cumplido poder participar en él, estamos nerviosos ya.

– Si tuvierais que describir este disco en una sola frase para alguien que nunca os ha escuchado, ¿cuál sería?

Melancolía disonante y abrasiva

Los powermetaleros riojanos Tierra Santa se encuentran promocionando su nuevo álbum Un Viaje Épico. Y un viaje épico les espera, siendo que ahora van a tener su gira latinoamericana como parte de ello, incluyendo una parada en Buenos Aires, Argentina, este 13 de marzo. Nos comunicamos con su cantante Ángel San Juan para que nos cuente sobre esto.

—¡Buenas a todos en Tierra Santa! ¿Cómo viene tratando la vida últimamente a la banda?

Bien bien, no nos podemos quejar

—Van a estar presentando su nuevo disco Un Viaje Épico, que editaron en noviembre último. Siendo un álbum relativamente nuevo, ¿como describirían su contenido y su sonido?

Es un disco con un sonido definido claro y enérgico, pienso que es el sonido mas equilibrado que hemos conseguido hasta la fecha. La temática esta enfocada en la Odisea escrita por Homero, el regreso de Ulises a su hogar, aunque no es un disco conceptual

—¿Qué canción podrían considerar que refleja mejor lo que buscaron con este nuevo álbum? ¿Por qué?

Realmente todas las canciones están conectadas de una u otra manera, es un disco completo y redondo, hay que escucharlo entero en el orden que esta, es mi opinión

—Y ahora van a estar girando por Latinoamérica, incluyendo su tercera a Argentina. ¿Qué esperan de esta travesía, este “viaje épico”, que van a tener por estas tierras?

Espero pasarlo muy bien junto a nuestros seguidores

—¿Qué recuerdan de aquella primera visita a los escenarios argentinos? Fue en el Festival Iberoamericano de Metal en 2006, junto a Lörihen, Beto Vázquez Infinity, Renacer y Patán.

Buaa, fue espectacular, cuando todos los que estuvieron corearon el nombre del grupo, fue algo muy grande, se me erizo toda la piel. Un gran recuerdo

—En 2022 Roberto tuvo una emergencia médica muy grave arriba del escenario, por ponerlo de una manera suave. ¿Vienen tomando algún tipo de precaución desde aquel evento?

Nadie esta exento de que le pueda pasar esto

—Más allá de los cambios de formación que ha tenido Tierra Santa, ¿cómo compararían a esta versión actual de la banda con la que arrancara allá por los noventas?

Me siento muy orgulloso de haber compartido escenario con cada una de las personas que han pasado por este grupo, no voy a comparar nada, solo se que he vivido grandes momentos con ellos

—¿Qué quisieran decirle a nuestros lectores y a la gente que los irá a ver en Buenos Aires?

Todos somos uno

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Axel Fabricio Amaya se reúne con Clemente Escalona, baterista de los death / doom mexicanos Matalobos, para hablar acerca de Phantasmagoria: Hexed Lands, el tercer LP de la banda, y la temática folclórica que rodea a las canciones de la banda, además de lo que es hacer metal en México.

The Baboon Show es una de las bandas más enérgicas y apasionadas del punk rock actual. Con 20 años de carrera a sus espaldas, el grupo sigue demostrando su compromiso con la música y su mensaje contestatario. Para celebrar su aniversario, lanzaron el EP “Forward In Reverse”, un trabajo que refleja la esencia de la banda y marca el inicio de una nueva etapa. Hablamos con Niclas Svensson, baterista de The Baboon Show, sobre este nuevo lanzamiento, su proceso creativo y la evolución de la banda a lo largo de dos décadas.

“Forward In Reverse” es su nuevo EP y llega en un momento muy especial para la banda. ¿Cómo encaja este lanzamiento en la celebración de su 20º aniversario?

Queríamos tener algo nuevo para presentar a nuestros fans en nuestra gira de celebración del 20º aniversario. Se siente genial incluir nuevas canciones en el setlist junto a los clásicos de The Baboon Show. Ya las hemos tocado en el Reino Unido y Suecia, y al público le han encantado. Este EP, junto con la gira de aniversario, marca el inicio de otros veinte años con The Baboon Show.

El título sugiere una contradicción interesante. ¿Qué representa “Forward In Reverse” para ustedes? ¿Es una mirada al pasado, al futuro o ambas cosas?

Es más bien una forma de describir cómo actúan nuestros políticos y líderes en la actualidad. En lugar de avanzar y mejorar las cosas para todos, siguen con su agenda capitalista codiciosa y nos llevan hacia atrás. Van hacia adelante, pero en reversa. Esa es una manera de verlo. Estos son tiempos terribles, pero nunca nos callaremos. Siempre señalaremos los problemas del mundo, pero lo hacemos mientras rockeamos y nos divertimos.

Después de dos décadas, ¿cómo ha cambiado su enfoque para componer y grabar? ¿Sienten que este EP refleja una evolución en su sonido o filosofía?

¡¡20 años! ¡¿Qué demonios pasó?! Jaja. El tiempo vuela. Pero, en serio, no creo que haya cambiado demasiado. Todos escribimos canciones y letras cuando nos sentimos inspirados. El mundo es un lugar hermoso pero también lleno de problemas, y nos inspiramos en todo, desde la música y el arte hasta eventos históricos o simplemente las luchas de la vida cotidiana. El sonido del EP es quizás un poco más moderno, pero sigue sonando a The Baboon Show. Cecilia tiene una voz muy fuerte y característica, y a veces bromeamos diciendo que podríamos grabar cualquier género y seguiría sonando a The Baboon Show mientras ella cante. Jaja.

¿Cómo fue el proceso de grabación de este EP? ¿Hubo desafíos o momentos destacados?

Lo grabamos en Ingrid Studios en Estocolmo junto a Johan Gustafsson (The Hives). Grabamos las canciones en vivo. Nos encanta tocar juntos en la misma sala para capturar la auténtica sensación de un show en directo. Así como en nuestros conciertos, lo hacemos juntos. Un momento destacado para mí fue cuando escuché el solo de guitarra de Simon en “Could You Be It”. ¡Increíble!

Las letras de The Baboon Show siempre han sido directas y llenas de mensajes fuertes. ¿Qué temáticas querían explorar en “Forward In Reverse”?

Cuando vas a un concierto de The Baboon Show, puedes esperar una gran fiesta de rock’n’roll con solo vibras positivas. Pero sí, también tenemos cosas que decir. Las letras de este nuevo EP no son muy diferentes de nuestros lanzamientos anteriores. Queremos denunciar la desigualdad y los problemas del mundo. Hay demasiada mierda sucediendo por todas partes. Pero no intentamos pintar un cuadro de completa oscuridad y fatalidad, también traemos mucha esperanza en nuestras letras. Mientras nos unamos contra los opresores, podemos lograr muchas cosas buenas para un futuro mejor.

Veinte años en la industria no es algo que muchas bandas puedan decir. Mirando atrás, ¿cuales han sido los momentos más importantes que los trajeron hasta aquí?

Diría que el hecho de haber estado de gira constantemente. Si realmente amas lo que haces, la gente lo notará. Amamos tocar en vivo y conectar con nuestros fans en todo el mundo. A veces siento que nuestros fans pueden leernos como un libro abierto. Jaja. Si hubiéramos fingido todo, no existiríamos hoy. Honestamente, ha habido momentos en los que he tenido lágrimas en los ojos durante nuestros shows en vivo. Lágrimas de felicidad, por supuesto. Incluso después de veinte años, algunos momentos siguen siendo muy especiales. Estamos muy felices de seguir aquí.

Si pudieran viajar en el tiempo y hablar con The Baboon Show de 2003, ¿qué consejo se darían?

¡Solo sigan adelante! ¡Valdrá la pena!

Sus shows en vivo son pura energía. ¿Tienen algo especial planeado para la gira de aniversario y la presentación de “Forward In Reverse”?

Tendremos un show más grande, tanto musical como visualmente. En muchas ciudades tocaremos en lugares más grandes que antes. Habremos algunas sorpresas con canciones que apenas hemos tocado antes, tanto viejas como nuevas. ¡Ven a nuestro show y lo verás! Jaja.

Si tuvieran que resumir lo que The Baboon Show significa después de 20 años en una frase, ¿cual sería?

¡Vaya viaje ha sido y aún no ha terminado!

Foto portada: Patrick Insdet

Etiquetas: Niclas Svensson, Punk Rock, Suecia, The Baboon Show

Crimson Storm es una banda que mantiene viva la esencia del heavy speed metal con un sonido fiel a la vieja escuela. Desde sus inicios en Cerdeña hasta su actual base en Barcelona, el grupo ha evolucionado sin perder su identidad. En esta entrevista, Lögan, guitarrista y fundador, nos habla sobre su más reciente disco Livin’ on the Bad Side, su visión sobre la industria musical y su firme postura contra el uso de inteligencia artificial en la composición. ¡Prepárate para una dosis de puro metal sin concesiones!

– Al investigar sobre Crimson Storm, vemos que la banda inició en Cerdeña y ahora están en España, ¿cómo fue este movimiento para la agrupación? 

Hola ¡Aquí Lögan, guitarrista y fundador de la banda! Seguramente el traslado ayudo totalmente la llegada de la banda hasta el día de hoy siendo Barcelona una ciudad que permite una movilidad mejor tener sobre todo una proyección mas profesional.

– Livin´ on the Bad Side contiene muchos de los sencillos anteriormente grabados, ¿hubo algún cambio en ellos cuando decidieron incorporarlos en este disco? 

Seguramente ha habido mayor profesionalidad a la hora de la producción junto a la mayor experiencia que suponen temas del estilo a la hora de ejecutarlos.

– Muchos fanáticos del metal se inclinan por sonidos nuevos y más extremos, pero ustedes se mantienen fieles al sonido clásico del heavy speed metal lo que muchos otros agradecemos, ¿a qué se debe esto de seguir manteniendo la llama del metal ochentero viva?

Básicamente porqué el estilo que siempre hemos escuchado y con lo que hemos empezado a tocar los instrumentos, aun queriendo no sabríamos como componer temas con estilo moderno o diferente en general de lo que hacemos.

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– ¿Qué opinan de que algunos músicos ya usan la inteligencia artificial como método de ayuda en sus canciones?

Que son unos estafadores y ya está, si no sabes componer tu propia música busca otra pasión jajajaja

– Livin´ on the Bad Side cuenta con 8 temas a parte del intro que están llenas de velocidad, poder y mucha pasión por el metal, un disco corto pero sustancioso, ¿ya tienen planeado un segundo disco o es muy pronto para pensar en esto? 

Por supuesto que estamos trabajando ya al segundo disco aun que estamos en las fases iniciales del mismo. Me gustaría personalmente sacar un 7” antes del larga duración seguramente.

– “Nightmare Deceiver” y “Haraki Rendez-vous” son temas que sobresalen del disco ya que van con medios tiempos y suenan más melódicos que los demás, ¿a que se debe este gran acierto? 

Son temas que ya venían tocándose con la banda desde hace tiempo entonces hemos decidido incluirlos para este primer álbum.

– “Seven Days of Mayhem” es el último tema el cuál es cantado en español, pero su título es en inglés, ¿cuál fue la idea de hacerlo así?

La canción ya venía en el primer EP de la banda, pero a la hora de tocarlo con la nueva formación el tema mismo pedía ser cantado en castellano con una letra relacionada a la historia de la ciudad condal.

– ¿Por último, pueden enviar un mensaje a todos nuestros lectores de habla hispana en especial en América Latina? 

¡Si habéis llegado hasta aquí y ya sois nuestros seguidores os podemos asegurar que el álbum respetará lo que esperabais y si es gracias esta entrevista que te os habéis enterado de nosotros os animamos a darle una escucha!

¡Un saludo a todos los amantes de la vieja escuela que estáis por allí, esperamos un día de llegar hasta vosotros! 

¡LARGA VIDA AL ROCK ‘N ROLL!