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Cross Roarr: “La gente estaba muy loca”
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Siempre es curioso cómo los primeros minutos después de la hora en la que citan los carteles el ambiente en el Anexo Independencia siempre parece un tanto desértico, y cómo a partir de los primeros acordes disonantes de una tocada, la gente con chamarras de cuero comienzan a aparecerse, como convocados de entre las paredes, o más bien como polillas hacia la luz. Antes se encuentran fuera, fumando, tomando, para después entrar a fumar con más riesgo y tomar más caro.

Para cuando Hell’s Terror culminaba su acto, ya podían dejarse ver los primeros de estos entes asistentes a la tocada. Comenzaron a acercarse más para el hardcore de No Föckk’n Respëct y para cuando Speedfreak terminaba, el recinto contaba con la mayor parte del público que terminaría de contemplar a Atrox, sedientos, furiosos de velocidad. El “¡otra más rápida!” no tardó en aparecerse y tampoco tardaron Igor Troncoso (bajo), Germán Flores (batería) y Juan Pablo Muñóz (guitarra), el trío manizaleño de música nihilista y encabronada que lleva por nombre Cross Roarr. Sin embargo, la súplica del público se vería retada por un proyecto que a pesar de regocijarse en la velocidad, también hace de las atmósferas y los ritmos lentos parte de su arsenal. Fue una noche en la que los mugrosos marihuanos triunfamos.

Al término de un show cochino y macizo, me aventuré a los camerinos para tener una entrevista que servirá para la retrospectiva de la segunda gira de este power trio en tierras mexas.

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¿Cómo se sintieron en esta presentación y con el cierre de gira?

Excelente, muy bien. La respuesta del público muy buena, el sonido muy adecuado y la dimos toda.

Platíquenme, ¿cómo se formó la banda?

Bueno, la banda tiene una larga historia. En sus inicios la comencé en la patagonia chilena, fue en realidad crear un proyecto solista que tuviera influencias del blues, del doom, del heavy metal y de ese rock primitivo, entonces ese fue el punto de partida de Cross Roarr a finales del 2013 y principios del 2014.

¿Cuáles son sus principales influencias?

Dissection, Evil Blood, Pentagram, Motörhead, Angel Witch, Maiden, toda la NWOBHM y el doom metal primitivo, también el black metal anticósmico.

¿Qué material han publicado a la fecha?

Tenemos dos álbumes de estudio publicados por el sello mexicano Iron, Blood & Dead Corp, tenemos un demo del año 2016, tenemos cuatro splits con bandas sudamericanas y este año entramos a la grabación del tercer y cuarto álbum.

Esta es la segunda vez que vienen a México, ¿cómo es que volvieron tan pronto?

A partir de la expectativa que se había generado la primera vez hubo muchos promotores en ciudades diferentes en las que faltaron por tocar y entonces se pudo concretar, por así decirlo, la parte dos de lo que fue la primera gira.

¿Cuál fue su fecha favorita en esta gira y por qué?

Podría decirse que ayer en León, el lugar estaba a reventar, la gente estaba muy loca, nosotros estábamos muy a gusto y nos sentimos bien, igual el show de hoy fue muy memorable, igual el de Irapuato. Creo que la mayoría de fechas nos la pasamos de putas y la dimos toda.

¿Qué es lo que más les gusta de México?

Los tacos.

¿Qué es lo que menos les gusta de México?

La violencia y los secuestros.

¿Cuáles son las bandas que más les gustaron durante su paso por el país?

Bueno, yo soy seguidor del metal mexicano y me ha gustado también el metal mexicano old school, desde Lvzbel, Aspid, Cenotaph, The Chasm, Khafra, y también con las bandas que tocamos hay una llamada Witch Rider, Santo Fuzz, Atrox, Speedfreak. Puedo decir que todas las bandas con las que teloneamos dieron muy, muy buen nivel en el metal mexicano.

¿Cuál es su opinión de nuestra escena nacional?

Excelente, yo creo que a nivel latinoamericano, México está dando la parada entre los mejores festivales de la región, tanto de bandas y organizaciones, como también de público asistente a las tocadas.

¿Qué canción recomiendan para alguien que apenas va a conocer a Cross Roarr?

Liltith the Acid Queen, pueden ver el video oficial que fue capturado en Ecuador y mezclado en Los Angeles, California.

 

¿Qué planes hay a futuro para la banda?

Tenemos la gira europea que comprenderá España, Francia, Reino Unido, Alemania y Holanda, en junio, en cuatro meses.

Muy bien, ya solamente para finalizar, ¿algo que quieran decirle a nuestros lectores?

Sigan escuchando y leyendo este tipo de medios y de transmisión de conocimiento, porque el metal también es conocimiento y sigan en el camino y la búsqueda de ser libres.

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Aron Bragi Baldursson (Aaru): “Creemos que hay una falta de diversidad en Islandia sobre los tipos de metal que se tocan”
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Aunque Islandia es una tierra que ha sabido dar su aporte al mundo de la música pesada, con casi cualquier estilo metalero teniendo algún nombre importante proveniente de esta isla, hasta hace no tanto era seguro decir que el “djent islandés” estaba lejos de ser una realidad. Pero con la popularidad cada vez más grande de este estilo sólo era cuestión de tiempo para que apareciera un representante de este estilo en el lugar, y tal fue el caso de los chicos de Aaru, banda que hace poco editó su LP debut SWNPL. Es por eso que Daniel Escobar Díaz se comunicó con su baterista y letrista Aron Bragi Baldursson para que nos cuente sobre el grupo.


Hola chicos, es un gran honor tenerlos aquí con nosotros, una banda que he estado siguiendo de cerca este último año, y finalmente, nos trajeron su nuevo “SWNPL”. Entonces, como primera pregunta, dime: ¿Quién sois? ¿Cuáles son los miembros de Aaru? 

Aaru está formado por dos guitarristas, Alexander Glói Pétursson (28) y Úlfar Alexander Úlfarsson (27), un baterista y letrista, Aron Bragi Baldursson (32), y un bajista, Gauti Hreinsson (28). 

Después del lanzamiento de vuestro álbum;¿Qué significa “SWNPL”? 

Por ahora no queremos revelar qué significa SWNPL. Será revelado a su debido tiempo. 

Luego, contarnos algo más sobre vuestra historia;¿Cómo y cuándo os conocisteis y empezasteis este proyecto y qué bandas os inspiraron? 

Glói y Aron iban al mismo colegio desde que éramos niños. Ambos éramos chicos emo, escuchábamos y veíamos Viva La Bam (Show de Bam Margera en MTV). Pero en ese momento nos conocíamos pero realmente no nos conocíamos. Luego, a principios de 2014, Glói contactó a Aron y le preguntó si estaría interesado en trabajar en un proyecto musical. Después de trabajar en un par de canciones, hablamos de formar una banda. Glói conocía a otros músicos que podían desempeñar sus respectivos roles. Luego, a principios de 2015, nos reunimos todos en un KFC en nuestra ciudad natal y tuvimos nuestra primera reunión de banda. Los únicos miembros que quedan de la formación original son Aron y Glói. El bajista original abandonó y el guitarrista (Úlfar) de otra de las bandas de Glói saltó al bajo. Al poco tiempo, el otro guitarrista también se retiró y Úlfar pasó al rol de guitarrista. El vocalista de la otra banda de Glói, Gauti, se convirtió luego en el bajista de Aaru. Hemos pasado por dos vocalistas diferentes. Snorri, que fue el original y prestó su voz para nuestro primer EP, Ozymandias, y Rúnar, a quien puedes escuchar en The Human Condition. Por ahora solo somos instrumentales pero tenemos una competición/audición en curso hasta finales de febrero para buscar un nuevo vocalista. 

Cuando empezamos Aaru, las inspiraciones de Glói fueron bandas como Sentinel, Erra y Northlane (pre node). Aron había empezado recientemente a escuchar bandas como Periphery y Tesseract. La idea original de Aaru era hacer metalcore progresivo. Desde entonces hemos evolucionado nuestro sonido y las bandas que más nos han influenciado hasta hoy son: Humanity’s Last Breath, Allt, Vildhjarta e Invent Animate.

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Sé que hoy en día, como músico, puede ser difícil encontrar la manera de conseguir fans, obviamente sé que la cantidad de bandas es enorme; ¿Cuál crees que es la forma inteligente de construir tu camino en la música? 

El mayor esfuerzo que hicimos para construir una base de fans fue cuando comenzamos Thall Thursdays. Cada jueves publicábamos un clip de Glói y/o Úlfar interpretando un papel que escribimos recientemente. Los guitarristas escribían en Guitar Pro, luego normalmente nos reuníamos los lunes para grabar la música y luego los miércoles para grabar el vídeo y luego lanzarlo al día siguiente. Hemos realizado más de 120 de ellos. Este fue, con diferencia, el mayor impulso para que nuestra música saliera a la luz. Como vivimos en Islandia, la escena del metal aquí es pequeña, por decir lo menos, por lo que siempre fue nuestra intención utilizar las redes sociales para ganar audiencia fuera del país. Los jueves hubo mucho trabajo pero nos divertimos haciéndolos y ver el crecimiento constante de nuestra audiencia fue satisfactorio. 

Además, puedo decir que sois una de las primeras bandas islandesas que escucho…¿Es fácil formar una banda allí? ¿Cómo es la escena del metal allí? 

No diríamos que sea particularmente fácil formar una banda en Islandia. El primer obstáculo es que no hay tantas opciones como en las comunidades más grandes. Muchos músicos aquí están en múltiples proyectos por eso. Además, encontrar gente que esté 100% de acuerdo sobre qué tipo de música hacer no es fácil. La escena del metal en general es muy unida, pequeña y todos conocen a todos. Sin embargo, creemos que hay una falta de diversidad en los tipos de metal que se tocan. Como ejemplo de ello, Aaru fue el primero en interpretar a Djent y Thall en Islandia. Y sigue siendo así. 

Después de descubrirte con “The Human Condition” allá por 2022, las voces fueron uno de mis aspectos favoritos del EP, también las letras; ¿Qué te hizo elegir un álbum completamente melódico en lugar de seguir la línea que hiciste en 2021 y agregar voces? 

La razón principal por la que no teníamos voces en SWNPL es porque nos faltaba el vocalista. Tuvimos que separarnos de Rúnar a principios de 2023. Pero no queríamos pasar mucho tiempo sin publicar música, así que se tomó la decisión de hacer un álbum instrumental mientras buscamos un nuevo vocalista. Sostenemos que una gran parte del atractivo de Aaru son los instrumentos y por lo tanto sentimos que podrían valerse por sí solos por ahora. Siempre fue el plan, y sigue siendo, tener voces en Aaru y estamos ansiosos por encontrar a alguien que esté emocionado de trabajar con nosotros. 

Estamos llegando al final de esta entrevista y, por supuesto, sé que viajar allí no será fácil, pero…¿Hay alguna intención de hacer una gira fuera de Islandia? ¿Quizás en Finlandia con bandas emergentes como Atlas? 

En lo que respecta a las giras, puedo decir con seguridad que no es barato ni fácil dado que vivimos en una isla. Lo principal es que tiene que tener sentido fiscal. Esperamos poca o ninguna ganancia monetaria, sin embargo, tenemos familias en las que debemos pensar y, por lo tanto, no podemos gastar todo nuestro dinero en giras. En cuanto a Atlas, son buenos amigos nuestros y nos encantaría hacer una gira con ellos cuando surja la oportunidad. 

…y, por terminar este momento con ustedes, ¿Qué significa Aaru? 

Estuvimos mucho tiempo intentando pensar en un buen nombre para la banda. Es un gran dolor de cabeza encontrar algo interesante que aún no se haya tomado. Aron estaba investigando mitologías y se topó con Aaru, que es básicamente la versión del cielo de la mitología egipcia. También tenía dos A al principio, así que si alguna vez tocáramos en algún lugar donde enumeraran las bandas alfabéticamente, seríamos los primeros. 

Ha sido un placer chicos, realmente os deseo lo mejor en vuestros proyectos y, además, ¡espero veros algún día! 
¡¡¡Salud!!!

 

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Aron Bragi Baldursson (Aaru): “We feel there is a lack of diversity in the types of metal being played in Iceland”
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Even though Iceland is a land that has managed to give a lot to the heavy music world, with almost every single major metal genre having some well known band coming from this island, until not that long ago it was pretty safe to say that “Icelandic djent” was pretty far from being a thing. But with the ever-growing popularity of this style it was only a matter of time to end up having some Icelandic band playing it, and that was what happened with the guys behind Aaru, a band that recently released their debut LP SWNPL. So that’s why Daniel Escobar Díaz ended up talking with Aaru’s drummer and lyricist Aron Bragi Baldursson, to get to know the band and their music.


Hey guys, it’s a huge honor to having you here with us, a band that I’ve been following closer this last year, and finally, you brought us your new “SWNPL”. So, as my first question, tell me, Who are you? Which are the members of Aaru?

Aaru consists of two guitarists, Alexander Glói Pétursson (28) and Úlfar Alexander Úlfarsson (27), a drummer/lyricist, Aron Bragi Baldursson (32), and a bassist, Gauti Hreinsson (28).

Following your album release; what does “SWNPL” stand for?

For now we do not want to reveal what SWNPL stands for. It will be revealed in due time.

Then, tell us something more about your story; how and when did you met and started this project and which bands inspired you?

Glói and Aron went to the same school since we were children. We were both emo boys, listening to HIM and watching Viva La Bam. But at that time we knew of each other but didn’t really know each other. Then early 2014 Glói contacts Aron, asking if he’d be interested in working on some music. After working on a couple of songs they discussed starting a band. Glói knew some other musicians who could fill their respective roles. Then early 2015 we all met at a KFC in our hometown and had our first band meeting. The only remaining members of that original line-up are Aron and Glói. The original bassist dropped out and the guitarist (Úlfar) from another of Glói’s bands jumped in on bass. Alter a little while the other guitarist dropped out as well and Úlfar switched to the guitarist role. The vocalist of Glói’s other band, Gauti, then became the bass player of Aaru.

We have gone through two different vocalists. Snorri who was the original and Ient his voice to our first EP, Ozymandias, and Rúnar who you can hear perform on The Human Condition. For now we are just instrumental but have a competition/audition ongoing til the end of february to look for a new vocalist.

When we started Aaru Glói’s inspirations were bands such as Sentinel, Erra and Northlane (pre node). Aron had recently started listening to bands like Periphery and Tesseract. The original idea of Aaru was to make Progressive Metalcore music. Since then we have evolved our sound and the bands that have influenced us the most up until today consist of: Humanity’s Last Breath, Allt, Vildhjarta and Invent Animate.

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I know that nowadays, as a musician, it can be difficult to find your way to getting fans, as the number of bands it’s huge. What do you think is the clever way to build your path on music?

The biggest push we made to build a fanbase was when we started Thall Thursdays. Every thursday we’d release a clip of Glói and/or Úlfar playing a part we recently wrote. The guitarists would write in Guitar Pro, then we’d usually meet on mondays to record the music and then wednesdays to record the video and then release the day after. We have done over 120 of them. This was by far the biggest push for our music to get out there. As we live in Iceland, the metal scene here is small to say the least so it was always our intention to use social media to gain an audience outside the country. Thall thursdays was a lot of work but we had fun making them and seeing the steady growth of our audience was satisfying.

Also, I can say you are one of the first Icelandic bands that I listen to… Is it easy to form a band there? How’s the metal scene there?

We wouldn’t say it’s particularly easy to start a band in Iceland. The first hurdle being that there aren’t as many options as in bigger communities. A lot of musicians here are in multiple projects because of that. Also finding people that 100% agree on what kind of music to make is not easy. The metal scene overall is tight knit, small and everybody knows everybody. We feel there is however a lack of diversity in the types of metal being played. As an example of that Aaru were the first to play Djent and Thall in Iceland. And it remains so.

After discovering you with “The Human Condition” back on 2022, the vocals were one of my favorite aspects of the EP, also the lyrics; what made you choose a fully-melodic album instead of following the line that you did back in 2021 and adding vocals?

The main reason we didn’t have vocals on SWNPL is because we lacked the vocalist. We had to part ways with Rdnar in early 2023. But did not want to go too long without releasing music so the decision was made to do an instrumental album while we look for a new vocalist. We maintain that a large part of the appeal of Aaru is the instrumentals and therefore felt they could stand on their own for now. It was always the plan, and still is, to have vocals in Aaru and we are looking forward to find someone that’s excited to work with us.

We’re arriving to the end on this interview, and of course, I know touring it’s not gonna be easy there but… Is there any intentions on touring outside Iceland? Maybe in Finland with emerging bands like Atlas?

As far as touring goes it’s safe to say it’s not cheap nor easy given that we live on an island. The main thing is that it has to make fiscal sense. We expect little to no monetary gain, however we do have families we need to think about and therefore can’t spend all our money touring. As for Atlas, they are good friends of ours and we’d love to tour with them when the opportunity arises.

…and, for ending this moment with you guys, what does Aaru mean?

We went for a long time trying to think of a good band name. It’s quite the headache coming up with something cool that hasn’t been taken yet. Aron was looking into mythologies and stumbled upon Aaru which is the Egyptian mythology version of heaven basically. It also had two A’s in the beginning so if we ever played somewhere where they’d list the bands alphabetically, we’d be first.

It’s been a pleasure guys, I really wish you the best on your projects and, also, wishing to see you one day!
Cheers!!!
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Fernando Lamattina (Svdestada): “Nuestra música de cabecera no es ni el crust, ni el punk, ni el black, es el tango”
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Considerando el desarrollo de Svdestada desde su debut hace cinco años, ¿puedes analizar la progresión musical de la banda a lo largo de sus tres discos, especialmente en relación con el último lanzamiento, “Candela”? 

Creemos que Svdestada ha tenido su propio proceso de conocimiento, asimilación, maduración y llegada a su meta en términos compositivos. Svdestada empezó como una banda totalmente desorientada, con un puñado de canciones heredadas de proyectos anteriores que estaban ya huérfanas, y que se unieron en ese primer disco de retales llamado “Yo soy el mar”. Cuando empezó la composición del segundo disco llamado “Azabache”, dimos con una primera canción en la que encontramos el sonido que queríamos hacer. Esa canción se llama “Fuga”, y contiene posiblemente la formula base de todo lo que ha ocurrido en Svdestada de ahí en adelante. A partir de ahí, Svdestada empezó a componer canciones con un criterio y una intención mucho más uniforme. Creemos que “Azabache” fue un disco ya mucho más concreto que su predecesor “Yo soy el mar”, y que en “Candela” hemos consolidado ese sonido que consideramos totalmente propio y particular. 

A lo largo de todo el álbum, se destaca mucho la originalidad y variedad en los riffs. ¿Podrías reflexionar sobre cómo la banda ha logrado incorporar esta nueva dimensión musical en comparación con sus obras anteriores desde una perspectiva estructural y de composición? 

Siempre hemos sido una banda de riffs. Además de unos riffs que tienen que generar una sensación muy concreta que a veces nos cuesta conseguir para poder aprobarlos. Nos comemos mucho la cabeza para crearlos. La energía que tiene que emanar un riff para que le pertenezca al sonido de Svdestada no es para nada oscura o triste per se. La esencia de un buen riff creemos que está en que este amplifique la sensación (sea cual sea) del que lo escucha. Intentamos hacer riffs que puedan servir para que al escucharlos ya sea triste, en la oscuridad máxima, o incluso de manera positiva en un momento de resiliencia y buen humor, el mismo amplifique la sensación que tenga el oyente en ese momento. Si el riff consigue eso, sí tiene esa capacidad camaleónica, si el riff es capaz de ser válido para amplificar cualquier sensación, lo damos por válido para crear una canción. 

La escena crust/punk parece encontrar en Svdestada una excepción. ¿Podrías abordar cómo la banda ha logrado hacer su música más accesible sin comprometer la intensidad característica del género, desde un punto de vista sociolingüístico? 

Creemos que somos bastante profanos en el mundo del crust/punk. Esta etiqueta se la debemos sobre todo a la zapatilla y la velocidad que tenemos en la base rítmica de nuestras composiciones. Si nuestras baterías no fueran las que son, y desmembraras el resto de elementos, no quedaría casi rastro de crust o de punk en nuestras canciones posiblemente. Al final, el tener esa base de punk zapatilla tan divertida en nuestras canciones, sobre un sonido que quizás es más dramático al estar lleno de armonías de guitarras y bajo propias del Metal, junto a la voz tan blacker de Mario, hace que por alguna razón u otra, a una amalgama más amplia de gente le podamos llegar. Aunque esto hoy en día también es un arma de doble filo. Por esta misma razón, que a priori puede parecer positiva, a veces nos damos cuenta de que nos cuesta pertenecer a escenas concretas y tener espacios asignados que nos gustaría ocupar. Nunca eres lo suficientemente crust, punk, o black para tener el hueco en ningún lado concreto. Aunque utilices sus recursos, no perteneces al black, al punk, al crust ni al screamo. La famosa “Tierra de nadie”. Pero ya estamos acostumbrados a lidiar con ello y seguimos luchando. 

“Amargor” es identificada como la mejor canción del álbum por mucha

gente. ¿Podrías analizar el contenido y el mensaje de esta pieza en particular, considerando su lugar destacado en el conjunto del álbum “Candela”? 

“Amargoir” fue de las primeras canciones que compusimos para el nuevo disco. Estábamos enfocados en conseguir una canción que tuviera una energía muy concreta. Creemos que el riff final de la canción, esa melodía que hace la guitarra, es de las mejores cosas que hemos compuesto desde que creamos Svdestada. El final de “Amargor” es de esas melodías que puedes estar silbando toda la tarde después de oírla, y así como bien tú dices, nos lo ha recalcado mucha gente. Sabíamos cuando la estábamos grabando en Kollapse que sería irremediablemente el single del disco. El mensaje, como siempre en Svdestada, son vivencias personales de Mario contadas desde su pluma poética. Amargor es búsqueda de entendimiento ante circunstancias que no acontecen como uno tenía planificado a priori, y creemos que la música y el mensaje han quedado muy bien alineados en esta canción. 

Es absolutamente elogiable el desempeño de Eder de la Cámara con las baquetas y bombos, especialmente en los blast beats de “Efímero”. ¿Qué evaluación haces, de cómo la habilidad técnica de este miembro ha contribuido a la distinción sonora de Svdestada? 

La entrada de Eder en la banda en este tercer disco ha sido lo que ha salvado a Svdestada de su muerte. Posiblemente, de no haber llegado él, no hubiésemos hecho Candela. Y no sólo por su monstruosa manera de tocar, o su agresividad y su constancia en el instrumento. Eder ha sido un aire fresco al grupo a todos los niveles. Ha entrado en la banda como elefante en una cacharrería, poniéndose a la espalda un montón de responsabilidades y tirando del carro como el que más. Sus ganas, además, nos han llenado al resto de nueva ilusión por la banda, hasta tal 

punto que creemos que eso se nota en este disco que hemos hecho. El mejor hasta la fecha, y se lo debemos todo en un 80% a él. 

Svdestada ha logrado hacer atractivo el género crust mediante un excepcional trabajo en melodías y letras. ¿Podrías profundizar en el proceso creativo de la banda en la elaboración de estas melodías y letras, considerando aspectos lingüísticos y estilísticos? 

Las melodías de Svdestada tienen truco. Fer, nuestro guitarra, lo reconoce abiertamente. Esa energía que en la pregunta anterior mencionábamos, ese limbo entre la felicidad y la tristeza, se encuentra también en el tango argentino y el concepto está totalmente robado de ahí. El estilo musical de cabecera de Svdestada, no es ni el crust, ni el punk, ni el black, es el tango. Todas las melodías de guitarra, Fer las compone tarareando primero, como si de melodías de tango se tratasen. Una vez que las tiene en el cerebro, se trasladan a la guitarra en la medida de lo posible y se bastardizan hasta sonar a Svdestada. Ahí empieza la fórmula, que hace perfecto tándem con la pluma de Mario. Unas letras que al final también consiguen siempre destilar esa desazón desgarrada propia del tango, generando así un aura que no está alojada ni en la tristeza, ni en la alegría, ni en la oscuridad. El sonido de Svdestada, acaba siendo muy épico y luminoso casi siempre. Puede que igual eso hace que también acabe teniendo esa energía crust que comentas y todo desemboque en ese territorio común. 

Se afirma que con “Candela”, Svdestada ha experimentado un salto de calidad que les conferirá reconocimiento en nuevos lugares. ¿Podrías ampliar sobre cómo este álbum puede influir en la expansión de la banda más allá de la escena local y nacional, teniendo en cuenta posibles impactos sociopolíticos?

Agradecemos mucho ese tipo de afirmaciones y nos ilusionan un montón. Muchísimas gracias. Ojalá así sea. Llegar a más gente y tocar en más lugares creo que es el objetivo de cualquier banda DIY como la nuestra. Sabemos que el castellano siempre es una limitación para el crecimiento internacional, pero estamos muy ilusionados con algunas posibilidades e invitaciones que nos han surgido en varias partes de Europa con la salida de Candela. Esperamos poder ir concretando cosas para llevar el disco lo más lejos posible. 

Nos llamo la atención de su anterior trabajo la voz en la intro de Manifiesto, que viene de un fragmento de un capitulo de la serie argentina Los Simuladores. ¿Cómo surgió esa idea? 

Esa es la Intro de nuestro disco anterior, “Azabache”. La temática general de aquel disco basculaba en la crítica social a la ceguera que produce al individuo cualquier tipo de bandera identitaria. El negro Azabache simbolizaba la “no bandera” para nosotros. La absoluta anarquía. Esa reinterpretación de la escena de “Los Simuladores” nos parecía un buen manifiesto (nunca mejor dicho) para resumir la idea que queríamos transmitir con ese disco. En “Manifiesto” se aprecia una conversación donde se invita al interlocutor a pensar en lo que hay detrás de su supuesta lucha de cabecera. Fue un poco atrevido en una escena punk como la que nos movemos arrancar el disco con eso y a continuación con la frase “El punk ha muerto” en la canción “Azabache” que daba nombre al disco. Pero nos la jugamos porque creíamos verdaderamente en ello, y para nuestra sorpresa, tuvo mucho mejor acogida de la que esperábamos. Nos dimos cuenta que hay muchísima gente que piensa igual que nosotros al respecto de ciertos temas. 

¿Tienen pensado girar presentando el nuevo trabajo? ¿Qué fechas tienen confirmadas?

Muy pronto anunciaremos nuevas fechas en las que estamos trabajando. Desde nuestra ciudad Madrid, a algunas otras provincias de España, y una posible gira europea a lo largo del verano. 

¿Qué querrían decirle a la gente que lea esta entrevista? 

Agradecerles enormemente el cariño que nos han dado hasta ahora con el nuevo disco y todo el apoyo que hemos estado recibiendo. No podemos estar más contentos y orgullosos.

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Iván Flores (Greengoat): “Escuchamos desde metal hasta flamenco, e influye en todo lo que hacemos”
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Estuvimos hablando con Iván Flores, guitarra y voz de los madrileños Greengoat sobre su más reciente trabajo A.I y ahora les  vamos a consultar sobre como se gesto esta idea tecnología que engancho a mas de uno…


  1. Primero que nada, saludarlos y felicitarlos por el disco chicos, debo decir que es un tremendo arranque, pero quisiera empezar preguntando: ¿Cómo fue el proceso de grabación del disco?

Fue un proceso bastante intenso. Teníamos varios temas creados desde hacia años pero las adaptamos y evolucionaron hasta formar parte del todo que es el disco. Al hacer un disco temático cada pieza cuenta una parte de la historia y darle forma como queríamos ha sido toda una aventura.

  1. ¿Tuvieron alguna manera particular de escribir las letras?

Las letras las escribe Ruth. Ambos ponemos en común ideas, sentimientos, temática y ella les da forma.

  1. ¿Cómo se llega al concepto de A.I?

Fue a finales de 2022 y era una idea que teníamos en mente porque yo, por mi trabajo, he tenido la oportunidad de trabajar con inteligencia artificial hace ya años y me pareció inquietante e interesante. Era un tema del que hablábamos a menudo y nos pareció muy buena temática sobre la que profundizar.

  1. Si bien son una banda joven y pasaron por algunos cambios antes de lo que son actualmente. ¿Sienten que eso tuvo que ver en todo lo que vino después para ustedes?

Totalmente. Quedarnos solo dos en la banda impulso una nueva manera de componer y de crear que nos ha llevado a descubrir esta forma de expresarnos y hacer música. No sería lo que es ahora.

  1. ¿Hubo algún motivo particular para que las letras sean en inglés o solo fue algo que se dio?

Es algo que se dio sin más y el inglés tiene una sonoridad muy peculiar que se ajusta mucho a este estilo.

  1. Vemos que hay una mezcla de estilos en las canciones. ¿Cuáles son las influencias que llevaron a ese sonido o quizás hubo una particular que lo definió?

Creo que cuando hacemos música no pensamos en referencias, damos a la canción lo que pide aunque las influencias están ahí pero de una manera inconsciente. Ambos escuchamos de todo, desde metal hasta flamenco e influye en todo lo que hacemos.

  1. Siendo solo dos integrantes en la banda, ¿sienten que es más fácil, indistinto o más difícil componer?

Es igual, pero al ser solo dos puede que la parte de poner las ideas en común sea más sencilla. Además nos entendemos muy bien entre nosotros y es todo muy fluido.

  1. Después de un comienzo de año así, ¿cómo viene el 2024 para Greengoat?

Pinta genial! Estamos alucinando con la respuesta y el apoyo a nuestra música. Este año tenemos varios conciertos previstos y además ya estamos trabajando en algunas ideas nuevas. No paramos de crear.

Espero que este año sea mas que bueno para ustedes y que vengan mas cosas buenas como este disco o incluso mejores. Saludos!

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Mind Driller: “No hay una fórmula que te abra las puertas del paraíso”
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Con motivo del lanzamiento de su nuevo disco The Void, que estará a la venta este mes de enero vía Art Gates Records, me junté con Javi Industrial (Guitarra), Estefanía Aledo (Voz) y Reimon (Batería) para que me cuenten todo sobre este nuevo disco y alguna curiosidad más.


Buenos días chicos, Lucas de Tracktohell os escribe y lo primero es destacar el nuevo disco y la evolución que continuáis respecto a “Involution”.

1. ¿Cómo surgen estas nuevas canciones y aparte de Javi Industrial, hay algún miembro que haya aportado alguna base para las canciones del disco?

Estefi: Normalmente, las ideas siempre nacen de Javi, y luego los cantantes vamos aportando  nuestras líneas vocales y letras. Sin embargo, lo que principalmente desmarca este disco de los
anteriores es el trabajo de pre-producción que hemos hecho junto a Raúl Abellán previo a la grabación del disco. Eso es para mi, sin duda, lo que ha marcado la diferencia.

Reimon: Como lo comenta Estefi, siempre parte de una idea muy cruda del Boss y en los ensayos comenzamos a darle forma instrumentalmente hablando, luego vienen los demás condimentos ,sin embargo esta vez usamos un muy buen comodín que fue usar un productor externo y mezclado con nuestra ideas ha salido este pedazo de disco.

2. Sabemos que Mind Driller es un grupo que le da mucha importancia a la imagen y al aspecto visual en la música, ?Cómo surge el cambio de color para este disco, dejando atrás el naranja y negro del disco anterior?.

Reimon: Como en casi todo fue una elección democrática después de votarlo, intentando mantener una congruencia de lo que teníamos en la cabeza y de lo que podría ser el disco. Gracias
a nuestra Modista Ana Sanchez que siempre le da forma a nuestra locuras (risas).

3. Sois un grupo con influencias muy dispares, ¿Hay alguna banda que hayáis descubierto y que haya servido, aunque sea de referencia para este nuevo trabajo?

Estefi: Es cierto que cada uno de nosotros dentro del metal tira hacia varios estilos diferentes. Por mi parte, una banda que he descubierto hace relativamente poco y me ha inspirado para lo
nuevo de Mind Driller puede haber sido Wargasm.

Reimon: Puff creo que Mind Driller es un compendio de diferentes referentes y cada uno es de su padre y de su madre. Sin embargo es eso exactamente lo que aporta la identidad de la banda, pero personalmente he estado escuchando Kim Dracula. (risas)

Javi: Para este disco me puse a escuchar muchos estilos variados y no solo de metal, me vino genial la verdad jaja

4. El año pasado cumplió su primera década “Red Industrial”, vuestro debut, ¿Cómo veis con la perspectiva del tiempo aquel trabajo?

Reimon: Cierto 10 años! Creo que se ha evolucionado de manera natural como debe ser, y también creo que se ha expandido el gen de Javi por el amor a este proyecto, es decir estamos
mucho mas comprometidos y enamorados de lo que hacemos ahora mas que nunca.

Javi: Es un primer disco de un proyecto que en aquel entonces era más individual que colectivo y  eso se nota, pero es un trabajo del que estoy súper orgulloso porque fue el inicio de algo que tenía en mente mucho tiempo y que fui capaz de crear.

5. ¿Cómo surge “Bangladesh”? , con un título bastante particular, pero que es de las piezas más destacadas del disco.

Javi: La idea de esta letra en particular es de mi compañero V Stone, habla de la pobreza y de la situación que se vive allí. Musicalmente es un tema que le dimos muchas vueltas pero que finalmente quedamos muy contentos con el resultado final.

6. Mind Driller ha estado presente en el Resurrection Fest, en el Leyendas del Rock o en el Rock Fest…¿Pero cuándo podremos ver a la banda dar el salto al Hellfest, al Vagos Open Air o al Copenhell?

Estefi: Por descontado nos encantaría llegar a tocar en esos festivales, pero nunca se sabe. No hay una fórmula que te abra las puertas del paraíso (risas), lo que sí está en nuestras manos es
seguir trabajando duro para que con suerte podamos llamar su atención y despertar su interés por la banda así como han hecho bandas colegas como Ankor o The Broken Horizon.

Reimon: Esperemos que muy pronto la verdad, estamos trabajando para intentar llegar a más sitios y más festis de ese calibre, creo que estamos en buen camino.

7. ¿Cuáles son los planes para la banda en 2024, habrá gira de presentación del disco, nuevos videoclips…?

Reimon: Por supuesto habrá gira y más videoclip, estamos ansiosos por mostraros el disco y nuestra agenda para 2024, pero lo primero es la próxima 17/01/24 fecha que se lanzará nuestro siguiente single y video. Estad atentos a nuestras redes.

Javi: Con la salida de The Void el próximo 26 de Enero, comenzaremos a tratar de llevar nuestro nuevo directo lo más lejos posible, es donde más disfrutamos, encima del escenario.

Muchísimas gracias por vuestro tiempo y nos vemos en 2024, felices fiestas chicos!

Reimon: Gracias a ustedes por el apoyo y la dedicación.

Javi: Un saludo a los lectores y muchísimas gracias a vosotros por difundir nuestro trabajo y darnos la ocasión de expresarnos.

 

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Emiliano Obregón (Lörihen): “El negocio de la música está volviendo al modelo del rey llamando al bufón”
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Lörihen es un nombre grande en la escena metalera argentina, con casi treinta años de carrera, siete discos de estudio y una gran selección de músicos tanto en la formación actual como los que tuvieron su paso por ella, nutriendo las filas de otras agrupaciones de renombre en Argentina y en el plano internacional. En ocasión de la salida próxima de su disco La Magia del Caos, hablamos con su guitarrista y líder de toda la vida Emiliano Obregón.


—¿Cómo vienen las cosas con Lörihen? Porque dentro de poco van a estar presentando el nuevo disco.

La verdad es que vienen bien, estamos prestos a lanzar un nuevo disco en Vorterix. El disco tuvo un proceso de grabación súper extenso, la producción fueron dos años más o menos. Pero estamos muy contentos, con muchas ganas de que llegue el día del show. Estamos felices con el sonido, con todo lo que logramos: la gestación de un disco es un proceso súper importante que a veces no sale bien, a veces no se define bien. Así que estamos con mucha ansiedad y laburando a full en la sala de ensayo.

—Encima el disco sale ese mismo día…

El físico estamos tratando de que llegue ese día, pero lo más probable es que en tres o cuatro días esté ya disponible en las redes sociales. No lo anunciamos todavía pero es probable que esté disponible en unos días.

—¿De dónde salió el título La Magia del Caos?

La Magia del Caos fue un título que me pareció súper interesante, y aparte tenía mucha relación con todo lo que estábamos viviendo. Yo considero, en lo personal, que mis últimos tres o cuatro años fueron caóticos y que a la vez, en ese caos en el que uno puede llegar a vivir, suceden cosas. Así que me pareció súper apropiado a lo que iba a ser el nuevo disco. Venimos de vivir una pandemia en la que creo que todos vivimos en un caos, todos pasamos por situaciones que no estábamos acostumbrados, que jamás habíamos vivido, con lo cual creo que fue caótico para todos.

Aquellos que tenemos la capacidad de adaptarnos a los cambios, que creemos y consideramos a la resiliencia como gran parte de la inteligencia emocional que tiene que tener una persona, le sacamos agua a la pandemia, ¿no? En mi caso compuse más de treinta canciones, con la banda generamos un montón de contenido. Aproveché la pandemia en parte para cuidarme a nivel salud, porque corría en el living de mi casa mucho más, hacía más deporte de lo que hago ahora. Así que, nada, viene por ahí.

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—Si no estoy equivocado, en estos momentos la banda es un cuarteto.

Correcto.

Utopía, disco que sacaron hace más de 20 años, lo habían compuesto con una sola guitarra.

Sí, correcto.

—Este sería el primer disco desde esa época que componen con una sola guitarra en mente.

Correcto, correcto. Utopía de alguna manera fue compuesto para dos guitarras, esa por ahí es la diferencia. Este disco fue compuesto desde el primer tema hasta el último para una sola guitarra: es decir menos recurso armónico, menos recurso… Digo, tenés una sola viola, las cosas hay que hacerlas con una sola, así que está pensado y concebido de esa manera. Utopía sí estaba pensado para ser ejecutado, lo grabé yo sólo como violero pero estaba pensado para ser ejecutado con dos violas.

—Porque en los créditos aparecía también el otro guitarrista.

Aparecía Rodrigo Gudiña como invitado. Grabaron un montón de amigos en ese disco, grabó mi profe Miguelito Oropeza, grabó el “Checho” Verry, de Elmer por aquellos años, y unos cuantos amigos de aquellos años, de los noventas, pero que formaban parte como invitados en los solos. Javi Cuevas de Jerikó grabó un solo en ese disco. Pero digamos que todo lo que es la composición rítmica la grabé yo y fue una sola viola.

—Aparte de tener las canciones de este disco en vivo, cuando tienen que tocar las canciones de los otros discos que se compusieron y se grabaron con dos guitarras, ¿cómo se buscó adaptar esas canciones viejas a este nuevo formato de una sola guitarra?

Qué buena pregunta. Y sí, la verdad es que pasamos por ese proceso durante tres o cuatro meses de ensayo intensivo, porque había que reagrupar todo, cambiar la manera de tocar: ciertos solos o los pasás al teclado o los hago yo, se pierden las rítmicas del apoyo, entonces se replanteó todo. ¿Viste cuando vos decís “La casa se refaccionó”? Es una refacción donde se movieron las bases y se pusieron columnas.

Acá se cambió toda la estructura de la canción, y creo que le dio un plus también, porque de alguna manera, al sacar un instrumento, lo que sucede es que la viola que queda tiene que sonar más y mejor, tiene que sonar más intensa, tiene que estar más afilada o por ahí estás mucho más al frente, mucho más expuesto, con lo cual necesariamente tiene que sonar firme. Así que, nada, es un proceso y fue un desafío para mí también, como violero, el de poder hacer sonar a la banda y sostenerla con una sola guitarra.

—Vos estás en la banda desde sus inicios, desde poco después que yo nací que soy del 94. ¿Cómo ves el cambio de estilo de Lörihen desde sus inicios más power metal a este estilo mucho más heavy clásico o más hard rock? O sea, ¿creés que es tan grande como muchos dicen o es algo natural que se dio?

A ver, es una maduración natural que se da en un montón de cosas. Vos pensá que las primeras canciones de Lörihen las compongo cuando tengo 18 años, hoy tengo 47, o sea son 30 años después de mi vida con otros recursos, con otra manera de ver, de interpretar la música y con otras ganas. Y con una experiencia de vida que me lleva a decir otras cosas, tocar de otra manera y tener, por ahí, otros objetivos. Entonces yo creo que la música fue pasando… Lo que me sucede a mí como compositor y autor, le sucede a los chicos aquellos que pasaron por la banda como músicos con lo suyo.

Es el caso de Juli [Barrett] que estuvo 15 años en la banda, entró en el 2001 y se fue en 2016: Juli entró con 16 años y se va siendo el violero de Tarja Turunen, estuvo tocando con el bajista de los Rolling Stones, compartiendo banda con un montón de animales, y cuando entra a la banda no conocía Iron Maiden por ejemplo, no sabía lo que era una triada, Juli venía de escuchar Riff. Entonces todos pasamos por un aprendizaje y por un crecimiento musical, personal, que se ve directamente.

Lo cruza al artista lo que le sucede en la vida, cómo evoluciona, qué experiencias de vida tiene, y todo eso lo termina empapando. Todo eso termina siendo la resultante de los procesos que uno atraviesa y que se ve después reflejado en los discos. Creo que hoy en día la banda está con una madurez increíble, que nos permite sacar discos como el que va a salir en unos días.

—Aparte de ser el guitarrista de la banda, vos también sos el encargado de la producción. ¿Cómo es tu forma de trabajar al momento de buscar el sonido correcto con Lörihen?

Mirá, yo me tuve que correr del instrumento para poder ponerme a producir a la banda, tuve que dejar de ser guitarrista. Tuve que empezar a ser objetivo desde otro lugar, ver a la banda parado perpendicularmente en el centro de la banda y no desde el lado de la guitarra. No es algo sencillo, yo no me desenamoré de la viola pero sí estuve 20 años laburando en un estudio, produciendo bandas, grabando singles, grabando música de banda de sonido de películas, cortos, cosas para publicidad.

Y eso de alguna manera me permitió entender o levantar cierta data que nos permitía hacer sonar mejor a los discos y buscarle una arista a las canciones, que por ahí cuando uno está muy metido en la banda y está muy metido en el instrumento es muy difícil que suceda. Desde el punto de vista de la imparcialidad, de decir “Bueno, loco, a la canción le falta esto”, de buscarle que la vuelta de tuerca sea hacia el lado de la canción y no hacia el lado del instrumento.

—En una entrevista vos recordabas la época en la que había que salir a la calle a repartir flyers de las fechas, en la época cuando comenzaron y cuando sacaron el primer disco. ¿Cómo ves los cambios en el negocio de la música? Porque primero tuvimos las redes sociales, y más tarde el streaming con plataformas como YouTube y Spotify, ¿cómo creés que afectó eso?

Tiene cosas positivas y cosas negativas obviamente, ¿no? O sea, entiendo que hay un montón de herramientas que nosotros no teníamos que hoy están al alcance de la mano, que son buenísimas. La parte negativa es que la torta hoy se corta de otra manera, lamentablemente. Yo creo que en todos los aspectos, a nivel global, vamos a generar nosotros mismos, el negocio mismo es muy voraz y va hacia una precarización de lo que es el esquema de repartición de regalías de un artista, que al fin y al cabo es el que compone, el que graba, el que produce, y el que sube la canción.

Como que de alguna manera se está volviendo a esto de que estaba el rey, llamaba al bufón para que venga a tocar, a cantar, le pagaba con una cena y de alguna manera el que era el que administraba el negocio o administraba el circo, digamos. Bueno, acá está empezando a suceder algo muy parecido, no despotrico contra esto, porque de la misma manera que yo aprieto un botón, pagó 20 dólares y tengo mi disco subido a todas las plataformas, me pueden escuchar desde España. Sería inviable que yo mande por correo un disco a Japón, Andorra, a Canadá o a Jerusalén para que Lörihen llegue y entre a ese mercado: hoy tengo la posibilidad de que mi música esté disponible en esos países.

Obviamente la paga la decide la persona que tiene la plataforma, así como vos estás sentado en el sillón de tu casa y querés que te traigan un paquete de cigarrillos a las 4 de la mañana. Bueno, el paquete de cigarrillos que sale 1600 lo vas a pagar tres lucas, porque vas a tener a un pibe que está en la calle laburando con una bicicleta a las 4 de la mañana que se va a tomar el laburo de irte a buscar el paquete de cigarrillos y te lleva a tu casa.

Vos lo vas a pagar más caro, al pibe le van a caer monedas que al fin y al cabo es él el que está yendo a buscar el paquete y te lo está dejando en la casa, y hay una persona que generó una aplicación desde el living de su casa o desde la cama, durmiendo, que va a estar cobrando una regalía por haber craneado esa conexión virtual o ese trading, esa manera de hacer un negocio hoy que es a través de un smartphone, una terminal, un teléfono.

Así que la torta no se reparte más entre el pibe que te lleva el paquete de cigarrillos y vos que lo pagás, se reparte entre el pibe que te lleva el paquete, vos que lo pagas y el tipo que generó el contacto entre ustedes.

—Ya para ir terminando, ¿qué quisieran decirle a la gente que los vaya a ver a Vorterix a presentar este disco?

Que sigan apoyando a las bandas, que la verdad es que estamos con muchísimas ganas de que llegue el sábado 23. Es todo un acontecimiento para nosotros, un octavo disco como dijiste vos, casi 30 años de carrera, las mismas energías y ganas, así que los invitamos a todos al Vorterix el sábado 23, va a ser una fiesta. Van a estar los chicos de Arpeghy y también como invitados los chicos de Innerforce, dos bandas enormes y amigas de muchos años. Y va a ser una fiesta, no tengan dudas.

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Fátima (Rabia Pérez): “No sobrevive el más fuerte, sino el que mejor se adapta”
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Con motivo del lanzamiento de su explosivo EP Premonición, me junte con Fátima, vocalista de los metaleros Rabia Pérez para que me cuente un poquito todo sobre este lanzamiento y alguna curiosidad más.

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Hola chicos muy buenas, Lucas de Tracktohell os escribe y primero que todo felicidades por el nuevo disco, ya que, pese a ser un EP es sin duda, uno de los discos nacionales del año con
diferencia.

1. Cómo y Cuando nace “Premonición”, como fue grabado y quién se encargó de la producción, para aquellos que no lo sepan.
Hola que tal encantada Lucas, soy Faty (fundadora- compositora- voz) . Lo primero darte las gracias por la entrevista, por la difusión y por tus palabras. Esta vez Premonición se había empezado a componer (en su mayoría) en 2021, por Gaby, Mau Nadalig y por mí, y participando a posteriori toda la banda al completo en sus arreglos y aportando cada un@ su toque. Grabado y masterizado por Alex Cappa en Metropol Studios en Mayo del 2023, saliendo a la luz el 15 de diciembre de 2023 de la mano del sello discográfico ART GATES.

2. Para quiénes no conozcan mucho de la banda, cuales son vuestras principales influencias ya que en el disco hay varios matices musicales a descubrir.
Ahí está la cuestión… tenemos influencias muy vario pintas, desde Iron Maiden, Gojira, Bullet for my Valentine, Slipknot, Bring me the Horizon, Rammstein…

3. Cómo surge el arte de la portada ya que combina distintos elementos pero que combinan muy bien juntos.
Muchas gracias jejeje, en eso es Gaby el responsable, cuando se deja llevar por el significado tanto de las melodías como de las letras de los temas. Es algo que nos gusta mucho y sobre todo, hago hincapié en que es Gaby el que le pone mucho mimo en la elaboración de los diseños, ya que los hace él. Nos encanta que estén totalmente coordinados, no que sea porque sí y ya está.

4. Vais a girar junto a las chicas de Cobra Spell, como surge esta gira con una banda que a priori, no es “tan” de vuestro estilo musical.
Nos surgió así, y la verdad que ni nos lo pensamos. Sabemos que es complicado, pero de la misma manera que como te he comentado anteriormente nuestras influencias son muy variopintas, cabe también la posibilidad que hasta a una gran mayoría del público le ocurra lo mismo. O eso, al menos es lo que nos gustaría.

5. Habéis girado con 5rand y estuvisteis en la última edición del Hefesto Metal Fest ¿Es Rabia Perez una banda todoterreno en cuanto a los tours que hacéis?
Por supuesto. En mi caso pienso que no sobrevive el más fuerte, sino el que mejor se adapta. Y así es como queremos seguir. “Al menos siempre he pensado que ese es el significado de todoterreno cuando te diriges a alguien”.

6. Si miramos los títulos de las canciones del EP, hay referencias literarias muy evidentes ¿Os habéis planteado la idea de un disco conceptual sobre algún tema concreto?
Sí, siempre cada EP va con un mensaje subliminal (y directo) sobre algo en concreto, en el que a mi (en mi caso) como compositora letrista veo la necesidad de que vaya rodeado y adornado de factores externos que para que tenga dicho mensaje son muy necesarios. Eso es lo que hace que parezcan diferentes temáticas entre sí, pero si se analizan tienen una conexión entre ellos como ya he dicho muy necesaria.

7. ¿Cuáles son los planes de la banda de cara a 2024, más allá del tour ya confirmado, hay algún otro a la vista?
Se están ya cerrando más fechas, …de cara al verano,… en el próximo invierno, pero que hasta que no estén ya confirmadas y requetefirmadas no anunciaremos por si acaso jejeje.

Muchísimas gracias por vuestro tiempo y nos vemos en los escenarios chicos. Lucas Capeluto
Muchísimas gracias a ti de nuevo por brindarnos la oportunidad de llegar a más gente, por tus palabras que nos dan mucha fuerza y a todos los lectores y oyentes. Viva la música.

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Clau Violette (Astray Valley): “La idea era hablar de un amor ‘gore’ y psicótico”
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Buenos días Clau, te escribe Lucas de Track To Hell y lo primero felicidades por el nuevo disco de Astray Valley, ya que no son tiempos fáciles y poder sacar un nuevo trabajo y que encima sea tan completo como este, merece un doble reconocimiento.

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1. ¿Cómo ha sido el proceso de composición y grabación del disco?

Muy diferente a veces anteriores, y eso creo que es una ventaja de la que estamos muy contentos en general. Anteriormente siempre habíamos trabajado teniendo la idea de hacer un disco conceptual en la cabeza, componiendo canciones que se adaptaran a aquello que queríamos narrar. Ahora, en cambio, trabajamos las canciones centrándonos en una melodía principal y lo hacemos girar todo alrededor de esa melodía.

Sobre el tema de grabación, nosotros hemos hecho la preproducción en casa, ya que Joan suele encargarse de grabar las demos, de forma que cuando grabamos ya tenemos muy claro el sonido que estamos buscando. De otro lado, también hemos contado con el trabajo de Txosse de Wheel Sound Studios para grabar las voces, y Max Morton para el master y mezcla del disco. ¡No podríamos estar más contentos con su trabajo!

2. “Your Skin” es vuestro último single. ¿Cómo surge la idea del videoclip, que es una pasada, y sufriste mucho con la sangre en los ojos al final de la canción?

La base de está canción era hablar de un amor “gore” y psicótico. Además, queríamos irnos a algo muy distinto de lo que fue visualmente el primer single “Pray for the Devil”. Por esa razón encontramos imágenes más luminosas y con un concepto radicalmente diferente. Lo de la sangre, la verdad, creo que fue lo más emocionante y divertido de grabar, porque se tenía que hacer bien y en una toma. Como curiosidad, diré, ¡que aun llevando peluca lleve mechones de pelo rojo rosado durante un mes!

3. La portada del disco me transporta en parte a películas como “Eyes Wide Shut”, ¿de donde surge la idea y quién la ha plasmado?

En general soy muy fan del cine y conozco la referencia! Pero no, puede recordar, pero no tiene nada que ver….Quizás me gustaría más comparar las referencias con un cine oscuro de los 80’s/90’s (Hellraiser, Alien, Drácula de Bram Stoker, The Dark Crystal, Labyrinth..) Estaríamos más cerca de el terror orgánico o de la fantasía en donde los personajes y criaturas no eran digitales y teníamos esos maquillajes impresionantes o entes oscuros hechos a mano. Me parecía muy imponente representar una deidad malvada con esa mirada tenebrosa.

Salvando las distancias a todas estas referencias, normalmente me encargo del apartado artístico creando ilustraciones previas a lo que vamos a llevar a cabo. Mi mejor amigo Marc Rojas, que es artista 3D siempre me ayuda muchísimo a hacer realidad mis ideas y la verdad tiene mucho talento. Normalmente de un dibujo él me ayuda a llevarlo a la realidad, en este caso, la máscara está hecha de resina y yo le di el color. Si has venido alguna vez a algún concierto nuestro verás que también suelo traer un cráneo de ciervo, Marc me ayudó a llevarlo a la realidad y adaptarlo a mis proporciones para llevarlo cantando! Me lo puedo poner porque es de plástico, en el caso de la máscara, la resina pesa demasiado. Sobre la portada, Nat Enemede nos ayudó a tener una foto que nos encanta y que transmite exactamente lo que buscábamos.

4. “Days are Fading” es uno de mis temas favoritos del álbum, de donde sale la idea para la letra de la canción?

¡Nos alegra mucho que te guste! La verdad es que es una canción a la que le tenemos mucho cariño. La realidad es que quisimos que este disco tuviera todos los elementos que nos gusta escuchar fuera de Astray y Days are Fading es una canción esperanzadora con mucha luz para contrastar con las dos canciones que la acompañan en el disco que son más duras. Para esté tema en concreto hicimos el estribillo entre Joan y yo y el resto salió bastante solo.

Por otro lado, también como curiosidad, este disco está lleno de guiños a otros artistas que en algún momento nos han influenciado o marcado y en este tema en concreto hay un par de frases que directamente son un homenaje para David Bowie! Es un detalle que nos parecía interesante, ya que al final, es un artista muy reconocido en otro género musical, nosotros apreciamos y tratamos de aprender de todos lados!

5. Vamos ahora con una más personal, como fue colaborar con Lena de Infected Rain y con Mägo de Öz, con lo que ello conlleva?

La verdad, una experiencia de la que aprender, al final cuando trabajas codo con codo con gente tan grande lo mejor que puedes hacer es escuchar y llevarte todo lo que puedas contigo. Estoy muy agradecida de las oportunidades que salieron y sin duda son recuerdos que guardo en mi memoria para siempre!

6. Habéis girado con Butcher Babies, Jinjer, Oceans Ate Alaska, hay alguna banda con la que te gustaría compartir escenario?

¡Por supuesto que sí! No solamente repetiría encantada con todas las bandas que mencionas y teniendo en cuenta que cada miembro de la banda te puede contestar bandas distintas, voy a hablar por mi. Me encantaría poder compartir escenario con In This Moment, Ghost, Motionless in White, Powerwolf… y fíjate que no tienen nada que ver entre ellas, pero realmente creo que podríamos gustar a su público.

7. ¿Cómo habéis recibido vuestra inclusión en el cartel del Rock Imperium Festval 2024?

La verdad, estamos muy contentos. La gente nos ha felicitado mucho y sentir ese feedback de la gente siempre es un motivo para seguir luchando aunque sean duras las circunstancias para seguir estando en oportunidades parecidas o mejores que salgan gracias al esfuerzo.

8. ¿Cuáles son los planes para la banda cuando el disco esté en la calle, habrá gira nacional?, Festivales?, etc.

Esperamos que si, la verdad, estamos trabajando en ello. ¡Esperamos veros a todos y a todas allí disfrutándolo tanto como nosotros!

Muchísimas gracias por tu tempo y nos vemos en los escenarios muy pronto.

Muchísimas gracias a ti, estamos muy contentos con el feedback del nuevo disco y esperamos verte pronto! Un fuerte abrazo

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Michał Kiełbasa (Whalesong): “We merge all the genres and we have no limits”
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Working as a guitar technician for Mayhem, Mgła and Watain is no joke, but Michał “Neithan” Kiełbasa has always had the need to express himself through music with an avant-garde attitude. Whalesong is his own creation, a very special Polish group with a touch of black metal, but which goes far beyond that. We talked about many different things in this long and interesting interview.


First of all, I wanted to thank you very much for this interview, Michał.

Hi Marcos. And I would like to thank you very much for invitation, I really appreciate that.

I reviewed the new Whalesong album “Leaving a Dream” and I must say it is a monumental record. What can you tell us about the creative process behind it and the differences you can find with the previous albums?

Thank you very much for kind words. I started to compose ‘Leaving a Dream’ around 2017-2018, so right after releasing ‘Disorder’ – our first album. When I started the band, I was mainly writing the music on guitar – that’s how our first albums came to life. It changed a bit with ‘Radiance of a Thousand Suns’ – this one was originally supposed to be an EP, yet it evolved quite naturally into a second full length. I had already prepared riffs and guitars, but when recording the drums, we started to completely improvise in the studio. Then I added guitars and bass, changed some lengths of songs and started to add a lot of less usual instruments. While writing ‘Leaving a Dream’ first I was preparing arrangement sheets – writing down the ideas for whole composition, the way it’s supposed to evolve, colors I want to achieve sonically etc. Then I started to seek the sounds on the guitar or sometimes on different instruments. After that we recorded drums – again fully improvised. Next, I added main guitars, bass and started to orchestrate these forms – adding all the additional stuff. Write now I’m still writing like this; songs evolve slowly in new directions when I’m adding new textures and it’s a very interesting process for me as a composer.

By Aleksandra Wojcińska

Do you think of Whalesong more as a “collective” or just as a band? Why? What does it imply?

Both, but more like a band. The core members create the band – which is also our live lineup. All the guests and friends who help us record the albums – they brought a lot to this music, so we could say that the albums were done by a collective. I would like to expand the core lineup a bit – to let’s say a 6-piece, so the live shows would be even more overwhelming and have more layers – just like on the albums. Important thing is that our live lineup also can be evolving from time to time – we are able to play some shows as duo/trio/quartet/quintet etc. – all depends on the setlist, logistics and calendar of each of musicians. It’s also an interesting thing for us.

Your music avoids categorization because, even though it’s clearly experimental, it includes elements of industrial metal, black metal, sludge metal, doom metal, post-punk, post-rock, noise-rock, jazz, etc. Is that something you want to achieve deliberately or it’s just a natural consequence of your creative process and, eventually, it might very well end up with a, let’s say, a post-black metal or a neo-folk record, just to mention two random genres?

I have a clear vision of what I want to do next – not even now but let’s say 2-3 albums ahead. All the changes that appeared in our music are quite natural, what we’re doing now is what I wanted to do since the beginning and recording our debut EP ‘Filth’ in 2010. Finally, after the release of ‘Leaving a Dream’ we’re in the place where the record perfectly shows what is this band and what we’re doing. In the past it was a bit confusing – as live we were already performing some of the songs from ‘Leaving a Dream’, but we were right after (or once even before!) the release of ‘Disorder’ which was very brutal and kinda ‘metal’ record. ‘Leaving a Dream’ vibe also corresponds perfectly with our new songs that we already perform live quite often. Regarding the last part of your question – with this band we’re kinda escaping more and more from metal music, it’s still there, but it’s just a tiny piece creating what Whalesong is. And we’re definitely not gonna do a neofolk album – I have other band called Grave of Love which is a neofolk band – one is enough then, ha, ha. I don’t want this band to be a band like Ulver as well (although I am a huge fan of this group) – where every album is a completely different genre. I think here we merge all the genres and we have no limits, we are beyond that. We just play music. Hopefully a good one.

By Michał Borek

Do you have any favorite tracks on the album? If so, why those?

This is a tough question! It all changes all the time but currently my favorites are: 1) ‘Forgive’ – I like how dulcimer adds these few notes to the main guitar and I also love the beginning of this track – it sounds like a beginning of a rehearsal, everyone picks up their instruments, turn on the amps, someone hits accidentally a string, tunes in, joins and after few seconds everyone plays together; 2) ‘Leaving a Dream’ – for many years I wanted to write a noir jazz track, I’m really happy how it turned out with Elise’s voice, Steve’s piano and Aleksander’s saxophone, this song turned out to be very magical; 3) ‘Here I Am’ – this one is a very personal, I love it’s dynamics, how it goes up and down, up and down and then we get the overwhelming finale; 4) ‘Hope’ – this one is a very calm, silent and magical song, Elise’s voice added again a lot to this, recently we performed it live, the crowd was mesmerized; 5) ‘We Are Free’ – I love to play this one live, very mellow and hypnotizing track, I love it’s finale, so brutal and crushing; 6) ‘From the Ashes’ – the longest song on the album, it shows all faces of Whalesong, the loud and also the quiet, the final part is a total magic – thanks to Elise and great performance of Wukir Suryadi from Senyawa.

Michał, you work as a guitar technician for Mayhem, Mgła and Watain. Have those bands and your work with them influenced your music in any way?

My work as guitar tech did not influence my music in Whalesong – although thanks to it I learned a lot. Yet I must admit that Mayhem was always a huge influence for me since I was 13-14 years old. I’m pretty sure you can hear it somehow in our oldest riffs. Now when I hear those bands so often live – it definitely can affect me a bit when I write some metal riffs – but it will not affect Whalesong as we play something completely different guitar-wise and we have completely different arrangements, often based on improvisation.

I’m curious about your work with such great bands. What are the pros and cons of working with them when they are on tour?

The pros are: great time with people I like, travelling and seeing the world and different cultures, doing what I love to do. The cons: it’s not an easy job, a lot of stressful and unpredictable situations, you don’t sleep too much so you can get extremely exhausted after some time, especially when there is a lot of time zone changes. Yet we all love to do this and that’s what we chose to do.

By Michał Borek

What are your main influences when it comes to thinking of your music writing? What bands/artists do you listen to more often? Do you listen to new music or you usually listen to the same music you’ve already listened for a long time?

The musical ideas come and go in random moments, I just try to write them down so I don’t forget. Influences can come from everywhere – music, movies, books, articles, paintings and art, various life situations. It’s very random. Regarding what I listen to more often – it also varies from time to time, currently I listen a lot to new David Eugene Edwards album ‘Hyacinth’, new Hania Rani ‘Ghosts’, new records from Hexvessel, Wolvennest, new Chelsea Wolfe singles and also various albums by St. Vincent, Blood Incantation, Anenzephalia, UFO and Portishead. I constantly seek new music, every week I try to check some new stuff, of course I love to get back to some stuff I know, but again all depends on the moment. Yet I love to find new artists or finally check some older classics that somehow, I have not known to well.

Let’s talk about the guest musicians on this new album. I’m interested in all of them but especially Attila Csihar from Mayhem and Steve Blanco from Imperial Triumphant. I want to know about the decisions leading to those collaborations.

I know both of them for few years. I knew that Steve is an insanely great pianist, although most of people mainly recognize him as the bass player (even though he plays also piano in Imperial Triumphant). When I thought some of the songs on ‘Leaving a Dream’ need a piano he was my first choice to ask due to his jazz background – as I wanted this exact style of playing. What he did was mind-blowing and I am extremely happy it worked out! Insane stuff. Regarding Attila – I always wanted to do something with him and I thought his voice would fit perfectly the mid part of ‘From the Ashes’. Originally this song was supposed to be an instrumental track, but after Elise improvised her suberb vocal lines I thought this experimental part could also use something. In the meantime, Attila said he really likes this track and he could record something. The voices he did added a lot to this song.

Now something about other guests and friends. Aleksander Papierz – he recorded saxophone for us again (we already worked together on previous Whalesong album ‘Radiance of a Thousand Suns’ and I also did a collaboration improv album with him called ‘Movements’, it was released by Antenna Non Grata in 2022). It is very natural for us to work together, we will definitely do something with each other again in the future, it would be also cool to perform together live someday. Lazarus – he is the vocalist and leader of Medico Peste. We’ve been on tour together last year. I don’t like to do any metal vocals myself, I’m never happy with that – so it was much easier to ask somebody to do it. I really like his style and also know what he’s capable of – fun fact is a lot of people think quite often t that Attila did vocals for ‘Ascend!’ and well, not at all, it’s Lazarus! In ‘We Have Never Really Lived’ there is a female voice drone in the background during a whole song – it’s Dancing Deadlips voice. She did a remix for us in the past and also did her vocal reinterpretations of two ‘Radiance’ songs that can be heard on ‘Radiant Suns Deformed’ remix album. I had an idea to have such a drone and thought her voice would suit it perfectly. Tomasz Herisz – another guest who already performed on our previous album. Tomasz is a great vibraphone player and percussionist. He plays in orchestras, wins a lot of percussion contests. I’m really glad he shared his talent with us again. Especially ‘Hope’, ‘Ascend!’ and ‘Leaving a Dream’ gained a lot thanks to him. Then we have Miro – great pianist, although he has completely different style to Steve. He is my very good friend and we work together in Grave of Love. I thought his very specific magical and eerie style would fit few tracks here. I especially love what he did in ‘We Have Never…’. Next is Pawel Pelka – great French horn player, we worked together on Grave of Love ‘All Those Tears Ago’ album and during recording session I thought we could also record some improvised parts for Whalesong. It was definitely a best choice ever. Last guest is Wukir Suryadi – I know him for few years and I am a huge fan of his work with Senyawa. I’m really glad he wanted to work with me on this record. He is able to create a total hypnotic magic on his self-made instruments. I thought something like that could perfectly end this experimental track. What you can hear in the end of ‘From the Ashes’ is one of my favorite parts of the album, especially since Elise added her out of this world voice.

What about the instruments you choose to create your music? You play a lot of instruments, including many “unconventional” ones in rock music (hammered dulcimer, tubular bells, vibes, mellotron, keys, lyre, theremin, gong, zither, sitar, violin, etc.) and objects such as plastic bags, saws and metal springs. Can you explain those choices?

With Whalesong I first write in my head the whole ‘song idea’ or the colors and dynamics. Then I seek the sounds on guitar and sometimes also on bass if it is more ‘post-punk’ vibe stuff. Since forever I used these two instruments to write ‘core’ elements of the song. Sometimes it’s electric guitar run through the amp or an acoustic one. Once we record drums and the first guitar layers – then I add other instruments and seek new melodies and textures following what I had in my mind or new ideas based on new instrument’s sounds. Nowadays I also started to write songs on piano, mellotron, vibraphone and hammered dulcimer – since I own them, I finally can do this, it also pushed me into new directions. From time to time, I also start with an electronic beat. When I don’t have ideas on one instrument – then I move to the other one until I get something I am fond of. I also like to create some ambient / noise textures on various synths or modular systems, this also can become a song sooner or later – like for example ‘shekissedmewithhervenomouslips’. You never know. Instruments like dulcimer, tubular bells, vibes, mellotron, gongs – these are things I always wanted to use in my music and own. I’m really glad that after many years I finally could afford them and get. It makes everything much easier and it also lets me to focus properly on the arrangements – I never liked to rent an instrument for one day and then seek the sounds in rush. One correction – I don’t use lyre, the thing in booklet is SOMA Lyra8 organismic synthesizer – it’s a great unusual synth, perfect for improvisations. More than a half of the ‘Leaving a Dream’ songs have it somewhere in the background. Regarding unusual stuff like plastic bags, saw and metal springs – me and also most of the band have industrial background where using various unmusical objects in musical way was always a natural choice. Just look at Einstürzende Neubauten, for example. I am huge fan of using metal saws. I really love how they sound when hit alone and also when stacked. Sometimes we bring this unusual stuff to our shows as well.

By Aleksandra Wojcińska

The lyrics are also very interesting. Tell us more about them, because, I think they are more or less connected, but I’m not sure if “Leaving a Dream” is a concept album.

Thank you very much for kind words. Although each song is a separate thing, still somehow the lyrics are connected in one way or another. Some of them are quite personal. I would not call this album a concept album, but at the same time it is not a compilation of random songs. One of the key questions appearing here and there is: What happens to dreams when the dreamer disappears? Are we somewhere between reality and dreams? There is a lot of possible answers. I am really glad how the lyrics worked out. They are not so obvious.

Considering the complexity of your music, the instrumentation, the guest artists, etc. What’s your approach to playing live? Do you try to recreate the recorded music the best you can or do you believe that playing live should allow you to create live versions with their own intrinsic value?

We definitely avoid playing the songs the same way as on the album. We usually rearrange them completely, sometimes the song is not even similar to the original version – like for example ‘Flesh’ from ‘Radiance of a Thousand Suns’, which you can hear in a completely different arrangement on ‘From the Ashes of the Past’ live album. I like to improvise around some elements of the original song and push it into a completely new direction. Thanks to that these songs ‘live’ and are not boring. Sometimes they can even evolve into something brand new – like current live version of ‘Forgive’, sooner or later it will become a brand new song that will be on our fifth record. The live arrangements also depend on the current live lineup and instruments we use that day – it all changes constantly. And this is another thing I like a lot in this band, it’s a bit unique. I also want our shows to by physical, they are loud so you can feel the frequencies and drones in your body – then this is the full experience. I tried to achieve this also on the albums– if you play them loud then you will gain even more from this music. During our live shows I conduct the others – so we never know what will happen, neither do I – in the heat moment I can get some completely new idea for a direction where we can take the song or for how long some riff/theme will resound. I want our shows to be cathartic, purifying, freeing and somehow, ecstatic: ‘We Are Free’. Right now, we have just announced three shows with Hexvessel in Poland in December. Hopefully we will play some shows in Europe in 2024 so you will be able to experience this by yourself soon.

What can we expect from the next Whalesong record? Do you already have any plans or not?

Actually, we already recorded drums for our next album last year and I finished main guitar parts two months ago. Now I am slowly figuring out all the additional guitar layers, instruments and textures. This time we will also record a lot of various synths. A lot of songs we performed live in the last three years, some of them are a bit heavy. There’s a lot of no wave influences, as well as some gothic Americana and trip-hop vibes. The next record seems to be a bit darker when compared now to the ‘Leaving a Dream’ songs. I also have a lot of ideas for the fifth album which I’m very slowly writing in the meantime.

Thank you very much for this interview!

And I thank you very much for the great questions and your time!

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Cross Roarr: “La gente estaba muy loca”
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Siempre es curioso cómo los primeros minutos después de la hora en la que citan los carteles el ambiente en el Anexo Independencia siempre parece un tanto desértico, y cómo a partir de los primeros acordes disonantes de una tocada, la gente con chamarras de cuero comienzan a aparecerse, como convocados de entre las paredes, o más bien como polillas hacia la luz. Antes se encuentran fuera, fumando, tomando, para después entrar a fumar con más riesgo y tomar más caro.

Para cuando Hell’s Terror culminaba su acto, ya podían dejarse ver los primeros de estos entes asistentes a la tocada. Comenzaron a acercarse más para el hardcore de No Föckk’n Respëct y para cuando Speedfreak terminaba, el recinto contaba con la mayor parte del público que terminaría de contemplar a Atrox, sedientos, furiosos de velocidad. El “¡otra más rápida!” no tardó en aparecerse y tampoco tardaron Igor Troncoso (bajo), Germán Flores (batería) y Juan Pablo Muñóz (guitarra), el trío manizaleño de música nihilista y encabronada que lleva por nombre Cross Roarr. Sin embargo, la súplica del público se vería retada por un proyecto que a pesar de regocijarse en la velocidad, también hace de las atmósferas y los ritmos lentos parte de su arsenal. Fue una noche en la que los mugrosos marihuanos triunfamos.

Al término de un show cochino y macizo, me aventuré a los camerinos para tener una entrevista que servirá para la retrospectiva de la segunda gira de este power trio en tierras mexas.

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¿Cómo se sintieron en esta presentación y con el cierre de gira?

Excelente, muy bien. La respuesta del público muy buena, el sonido muy adecuado y la dimos toda.

Platíquenme, ¿cómo se formó la banda?

Bueno, la banda tiene una larga historia. En sus inicios la comencé en la patagonia chilena, fue en realidad crear un proyecto solista que tuviera influencias del blues, del doom, del heavy metal y de ese rock primitivo, entonces ese fue el punto de partida de Cross Roarr a finales del 2013 y principios del 2014.

¿Cuáles son sus principales influencias?

Dissection, Evil Blood, Pentagram, Motörhead, Angel Witch, Maiden, toda la NWOBHM y el doom metal primitivo, también el black metal anticósmico.

¿Qué material han publicado a la fecha?

Tenemos dos álbumes de estudio publicados por el sello mexicano Iron, Blood & Dead Corp, tenemos un demo del año 2016, tenemos cuatro splits con bandas sudamericanas y este año entramos a la grabación del tercer y cuarto álbum.

Esta es la segunda vez que vienen a México, ¿cómo es que volvieron tan pronto?

A partir de la expectativa que se había generado la primera vez hubo muchos promotores en ciudades diferentes en las que faltaron por tocar y entonces se pudo concretar, por así decirlo, la parte dos de lo que fue la primera gira.

¿Cuál fue su fecha favorita en esta gira y por qué?

Podría decirse que ayer en León, el lugar estaba a reventar, la gente estaba muy loca, nosotros estábamos muy a gusto y nos sentimos bien, igual el show de hoy fue muy memorable, igual el de Irapuato. Creo que la mayoría de fechas nos la pasamos de putas y la dimos toda.

¿Qué es lo que más les gusta de México?

Los tacos.

¿Qué es lo que menos les gusta de México?

La violencia y los secuestros.

¿Cuáles son las bandas que más les gustaron durante su paso por el país?

Bueno, yo soy seguidor del metal mexicano y me ha gustado también el metal mexicano old school, desde Lvzbel, Aspid, Cenotaph, The Chasm, Khafra, y también con las bandas que tocamos hay una llamada Witch Rider, Santo Fuzz, Atrox, Speedfreak. Puedo decir que todas las bandas con las que teloneamos dieron muy, muy buen nivel en el metal mexicano.

¿Cuál es su opinión de nuestra escena nacional?

Excelente, yo creo que a nivel latinoamericano, México está dando la parada entre los mejores festivales de la región, tanto de bandas y organizaciones, como también de público asistente a las tocadas.

¿Qué canción recomiendan para alguien que apenas va a conocer a Cross Roarr?

Liltith the Acid Queen, pueden ver el video oficial que fue capturado en Ecuador y mezclado en Los Angeles, California.

 

¿Qué planes hay a futuro para la banda?

Tenemos la gira europea que comprenderá España, Francia, Reino Unido, Alemania y Holanda, en junio, en cuatro meses.

Muy bien, ya solamente para finalizar, ¿algo que quieran decirle a nuestros lectores?

Sigan escuchando y leyendo este tipo de medios y de transmisión de conocimiento, porque el metal también es conocimiento y sigan en el camino y la búsqueda de ser libres.

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Aron Bragi Baldursson (Aaru): “Creemos que hay una falta de diversidad en Islandia sobre los tipos de metal que se tocan”
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Aunque Islandia es una tierra que ha sabido dar su aporte al mundo de la música pesada, con casi cualquier estilo metalero teniendo algún nombre importante proveniente de esta isla, hasta hace no tanto era seguro decir que el “djent islandés” estaba lejos de ser una realidad. Pero con la popularidad cada vez más grande de este estilo sólo era cuestión de tiempo para que apareciera un representante de este estilo en el lugar, y tal fue el caso de los chicos de Aaru, banda que hace poco editó su LP debut SWNPL. Es por eso que Daniel Escobar Díaz se comunicó con su baterista y letrista Aron Bragi Baldursson para que nos cuente sobre el grupo.


Hola chicos, es un gran honor tenerlos aquí con nosotros, una banda que he estado siguiendo de cerca este último año, y finalmente, nos trajeron su nuevo “SWNPL”. Entonces, como primera pregunta, dime: ¿Quién sois? ¿Cuáles son los miembros de Aaru? 

Aaru está formado por dos guitarristas, Alexander Glói Pétursson (28) y Úlfar Alexander Úlfarsson (27), un baterista y letrista, Aron Bragi Baldursson (32), y un bajista, Gauti Hreinsson (28). 

Después del lanzamiento de vuestro álbum;¿Qué significa “SWNPL”? 

Por ahora no queremos revelar qué significa SWNPL. Será revelado a su debido tiempo. 

Luego, contarnos algo más sobre vuestra historia;¿Cómo y cuándo os conocisteis y empezasteis este proyecto y qué bandas os inspiraron? 

Glói y Aron iban al mismo colegio desde que éramos niños. Ambos éramos chicos emo, escuchábamos y veíamos Viva La Bam (Show de Bam Margera en MTV). Pero en ese momento nos conocíamos pero realmente no nos conocíamos. Luego, a principios de 2014, Glói contactó a Aron y le preguntó si estaría interesado en trabajar en un proyecto musical. Después de trabajar en un par de canciones, hablamos de formar una banda. Glói conocía a otros músicos que podían desempeñar sus respectivos roles. Luego, a principios de 2015, nos reunimos todos en un KFC en nuestra ciudad natal y tuvimos nuestra primera reunión de banda. Los únicos miembros que quedan de la formación original son Aron y Glói. El bajista original abandonó y el guitarrista (Úlfar) de otra de las bandas de Glói saltó al bajo. Al poco tiempo, el otro guitarrista también se retiró y Úlfar pasó al rol de guitarrista. El vocalista de la otra banda de Glói, Gauti, se convirtió luego en el bajista de Aaru. Hemos pasado por dos vocalistas diferentes. Snorri, que fue el original y prestó su voz para nuestro primer EP, Ozymandias, y Rúnar, a quien puedes escuchar en The Human Condition. Por ahora solo somos instrumentales pero tenemos una competición/audición en curso hasta finales de febrero para buscar un nuevo vocalista. 

Cuando empezamos Aaru, las inspiraciones de Glói fueron bandas como Sentinel, Erra y Northlane (pre node). Aron había empezado recientemente a escuchar bandas como Periphery y Tesseract. La idea original de Aaru era hacer metalcore progresivo. Desde entonces hemos evolucionado nuestro sonido y las bandas que más nos han influenciado hasta hoy son: Humanity’s Last Breath, Allt, Vildhjarta e Invent Animate.

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Sé que hoy en día, como músico, puede ser difícil encontrar la manera de conseguir fans, obviamente sé que la cantidad de bandas es enorme; ¿Cuál crees que es la forma inteligente de construir tu camino en la música? 

El mayor esfuerzo que hicimos para construir una base de fans fue cuando comenzamos Thall Thursdays. Cada jueves publicábamos un clip de Glói y/o Úlfar interpretando un papel que escribimos recientemente. Los guitarristas escribían en Guitar Pro, luego normalmente nos reuníamos los lunes para grabar la música y luego los miércoles para grabar el vídeo y luego lanzarlo al día siguiente. Hemos realizado más de 120 de ellos. Este fue, con diferencia, el mayor impulso para que nuestra música saliera a la luz. Como vivimos en Islandia, la escena del metal aquí es pequeña, por decir lo menos, por lo que siempre fue nuestra intención utilizar las redes sociales para ganar audiencia fuera del país. Los jueves hubo mucho trabajo pero nos divertimos haciéndolos y ver el crecimiento constante de nuestra audiencia fue satisfactorio. 

Además, puedo decir que sois una de las primeras bandas islandesas que escucho…¿Es fácil formar una banda allí? ¿Cómo es la escena del metal allí? 

No diríamos que sea particularmente fácil formar una banda en Islandia. El primer obstáculo es que no hay tantas opciones como en las comunidades más grandes. Muchos músicos aquí están en múltiples proyectos por eso. Además, encontrar gente que esté 100% de acuerdo sobre qué tipo de música hacer no es fácil. La escena del metal en general es muy unida, pequeña y todos conocen a todos. Sin embargo, creemos que hay una falta de diversidad en los tipos de metal que se tocan. Como ejemplo de ello, Aaru fue el primero en interpretar a Djent y Thall en Islandia. Y sigue siendo así. 

Después de descubrirte con “The Human Condition” allá por 2022, las voces fueron uno de mis aspectos favoritos del EP, también las letras; ¿Qué te hizo elegir un álbum completamente melódico en lugar de seguir la línea que hiciste en 2021 y agregar voces? 

La razón principal por la que no teníamos voces en SWNPL es porque nos faltaba el vocalista. Tuvimos que separarnos de Rúnar a principios de 2023. Pero no queríamos pasar mucho tiempo sin publicar música, así que se tomó la decisión de hacer un álbum instrumental mientras buscamos un nuevo vocalista. Sostenemos que una gran parte del atractivo de Aaru son los instrumentos y por lo tanto sentimos que podrían valerse por sí solos por ahora. Siempre fue el plan, y sigue siendo, tener voces en Aaru y estamos ansiosos por encontrar a alguien que esté emocionado de trabajar con nosotros. 

Estamos llegando al final de esta entrevista y, por supuesto, sé que viajar allí no será fácil, pero…¿Hay alguna intención de hacer una gira fuera de Islandia? ¿Quizás en Finlandia con bandas emergentes como Atlas? 

En lo que respecta a las giras, puedo decir con seguridad que no es barato ni fácil dado que vivimos en una isla. Lo principal es que tiene que tener sentido fiscal. Esperamos poca o ninguna ganancia monetaria, sin embargo, tenemos familias en las que debemos pensar y, por lo tanto, no podemos gastar todo nuestro dinero en giras. En cuanto a Atlas, son buenos amigos nuestros y nos encantaría hacer una gira con ellos cuando surja la oportunidad. 

…y, por terminar este momento con ustedes, ¿Qué significa Aaru? 

Estuvimos mucho tiempo intentando pensar en un buen nombre para la banda. Es un gran dolor de cabeza encontrar algo interesante que aún no se haya tomado. Aron estaba investigando mitologías y se topó con Aaru, que es básicamente la versión del cielo de la mitología egipcia. También tenía dos A al principio, así que si alguna vez tocáramos en algún lugar donde enumeraran las bandas alfabéticamente, seríamos los primeros. 

Ha sido un placer chicos, realmente os deseo lo mejor en vuestros proyectos y, además, ¡espero veros algún día! 
¡¡¡Salud!!!

 

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Aron Bragi Baldursson (Aaru): “We feel there is a lack of diversity in the types of metal being played in Iceland”
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Even though Iceland is a land that has managed to give a lot to the heavy music world, with almost every single major metal genre having some well known band coming from this island, until not that long ago it was pretty safe to say that “Icelandic djent” was pretty far from being a thing. But with the ever-growing popularity of this style it was only a matter of time to end up having some Icelandic band playing it, and that was what happened with the guys behind Aaru, a band that recently released their debut LP SWNPL. So that’s why Daniel Escobar Díaz ended up talking with Aaru’s drummer and lyricist Aron Bragi Baldursson, to get to know the band and their music.


Hey guys, it’s a huge honor to having you here with us, a band that I’ve been following closer this last year, and finally, you brought us your new “SWNPL”. So, as my first question, tell me, Who are you? Which are the members of Aaru?

Aaru consists of two guitarists, Alexander Glói Pétursson (28) and Úlfar Alexander Úlfarsson (27), a drummer/lyricist, Aron Bragi Baldursson (32), and a bassist, Gauti Hreinsson (28).

Following your album release; what does “SWNPL” stand for?

For now we do not want to reveal what SWNPL stands for. It will be revealed in due time.

Then, tell us something more about your story; how and when did you met and started this project and which bands inspired you?

Glói and Aron went to the same school since we were children. We were both emo boys, listening to HIM and watching Viva La Bam. But at that time we knew of each other but didn’t really know each other. Then early 2014 Glói contacts Aron, asking if he’d be interested in working on some music. After working on a couple of songs they discussed starting a band. Glói knew some other musicians who could fill their respective roles. Then early 2015 we all met at a KFC in our hometown and had our first band meeting. The only remaining members of that original line-up are Aron and Glói. The original bassist dropped out and the guitarist (Úlfar) from another of Glói’s bands jumped in on bass. Alter a little while the other guitarist dropped out as well and Úlfar switched to the guitarist role. The vocalist of Glói’s other band, Gauti, then became the bass player of Aaru.

We have gone through two different vocalists. Snorri who was the original and Ient his voice to our first EP, Ozymandias, and Rúnar who you can hear perform on The Human Condition. For now we are just instrumental but have a competition/audition ongoing til the end of february to look for a new vocalist.

When we started Aaru Glói’s inspirations were bands such as Sentinel, Erra and Northlane (pre node). Aron had recently started listening to bands like Periphery and Tesseract. The original idea of Aaru was to make Progressive Metalcore music. Since then we have evolved our sound and the bands that have influenced us the most up until today consist of: Humanity’s Last Breath, Allt, Vildhjarta and Invent Animate.

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I know that nowadays, as a musician, it can be difficult to find your way to getting fans, as the number of bands it’s huge. What do you think is the clever way to build your path on music?

The biggest push we made to build a fanbase was when we started Thall Thursdays. Every thursday we’d release a clip of Glói and/or Úlfar playing a part we recently wrote. The guitarists would write in Guitar Pro, then we’d usually meet on mondays to record the music and then wednesdays to record the video and then release the day after. We have done over 120 of them. This was by far the biggest push for our music to get out there. As we live in Iceland, the metal scene here is small to say the least so it was always our intention to use social media to gain an audience outside the country. Thall thursdays was a lot of work but we had fun making them and seeing the steady growth of our audience was satisfying.

Also, I can say you are one of the first Icelandic bands that I listen to… Is it easy to form a band there? How’s the metal scene there?

We wouldn’t say it’s particularly easy to start a band in Iceland. The first hurdle being that there aren’t as many options as in bigger communities. A lot of musicians here are in multiple projects because of that. Also finding people that 100% agree on what kind of music to make is not easy. The metal scene overall is tight knit, small and everybody knows everybody. We feel there is however a lack of diversity in the types of metal being played. As an example of that Aaru were the first to play Djent and Thall in Iceland. And it remains so.

After discovering you with “The Human Condition” back on 2022, the vocals were one of my favorite aspects of the EP, also the lyrics; what made you choose a fully-melodic album instead of following the line that you did back in 2021 and adding vocals?

The main reason we didn’t have vocals on SWNPL is because we lacked the vocalist. We had to part ways with Rdnar in early 2023. But did not want to go too long without releasing music so the decision was made to do an instrumental album while we look for a new vocalist. We maintain that a large part of the appeal of Aaru is the instrumentals and therefore felt they could stand on their own for now. It was always the plan, and still is, to have vocals in Aaru and we are looking forward to find someone that’s excited to work with us.

We’re arriving to the end on this interview, and of course, I know touring it’s not gonna be easy there but… Is there any intentions on touring outside Iceland? Maybe in Finland with emerging bands like Atlas?

As far as touring goes it’s safe to say it’s not cheap nor easy given that we live on an island. The main thing is that it has to make fiscal sense. We expect little to no monetary gain, however we do have families we need to think about and therefore can’t spend all our money touring. As for Atlas, they are good friends of ours and we’d love to tour with them when the opportunity arises.

…and, for ending this moment with you guys, what does Aaru mean?

We went for a long time trying to think of a good band name. It’s quite the headache coming up with something cool that hasn’t been taken yet. Aron was looking into mythologies and stumbled upon Aaru which is the Egyptian mythology version of heaven basically. It also had two A’s in the beginning so if we ever played somewhere where they’d list the bands alphabetically, we’d be first.

It’s been a pleasure guys, I really wish you the best on your projects and, also, wishing to see you one day!
Cheers!!!
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Fernando Lamattina (Svdestada): “Nuestra música de cabecera no es ni el crust, ni el punk, ni el black, es el tango”
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Considerando el desarrollo de Svdestada desde su debut hace cinco años, ¿puedes analizar la progresión musical de la banda a lo largo de sus tres discos, especialmente en relación con el último lanzamiento, “Candela”? 

Creemos que Svdestada ha tenido su propio proceso de conocimiento, asimilación, maduración y llegada a su meta en términos compositivos. Svdestada empezó como una banda totalmente desorientada, con un puñado de canciones heredadas de proyectos anteriores que estaban ya huérfanas, y que se unieron en ese primer disco de retales llamado “Yo soy el mar”. Cuando empezó la composición del segundo disco llamado “Azabache”, dimos con una primera canción en la que encontramos el sonido que queríamos hacer. Esa canción se llama “Fuga”, y contiene posiblemente la formula base de todo lo que ha ocurrido en Svdestada de ahí en adelante. A partir de ahí, Svdestada empezó a componer canciones con un criterio y una intención mucho más uniforme. Creemos que “Azabache” fue un disco ya mucho más concreto que su predecesor “Yo soy el mar”, y que en “Candela” hemos consolidado ese sonido que consideramos totalmente propio y particular. 

A lo largo de todo el álbum, se destaca mucho la originalidad y variedad en los riffs. ¿Podrías reflexionar sobre cómo la banda ha logrado incorporar esta nueva dimensión musical en comparación con sus obras anteriores desde una perspectiva estructural y de composición? 

Siempre hemos sido una banda de riffs. Además de unos riffs que tienen que generar una sensación muy concreta que a veces nos cuesta conseguir para poder aprobarlos. Nos comemos mucho la cabeza para crearlos. La energía que tiene que emanar un riff para que le pertenezca al sonido de Svdestada no es para nada oscura o triste per se. La esencia de un buen riff creemos que está en que este amplifique la sensación (sea cual sea) del que lo escucha. Intentamos hacer riffs que puedan servir para que al escucharlos ya sea triste, en la oscuridad máxima, o incluso de manera positiva en un momento de resiliencia y buen humor, el mismo amplifique la sensación que tenga el oyente en ese momento. Si el riff consigue eso, sí tiene esa capacidad camaleónica, si el riff es capaz de ser válido para amplificar cualquier sensación, lo damos por válido para crear una canción. 

La escena crust/punk parece encontrar en Svdestada una excepción. ¿Podrías abordar cómo la banda ha logrado hacer su música más accesible sin comprometer la intensidad característica del género, desde un punto de vista sociolingüístico? 

Creemos que somos bastante profanos en el mundo del crust/punk. Esta etiqueta se la debemos sobre todo a la zapatilla y la velocidad que tenemos en la base rítmica de nuestras composiciones. Si nuestras baterías no fueran las que son, y desmembraras el resto de elementos, no quedaría casi rastro de crust o de punk en nuestras canciones posiblemente. Al final, el tener esa base de punk zapatilla tan divertida en nuestras canciones, sobre un sonido que quizás es más dramático al estar lleno de armonías de guitarras y bajo propias del Metal, junto a la voz tan blacker de Mario, hace que por alguna razón u otra, a una amalgama más amplia de gente le podamos llegar. Aunque esto hoy en día también es un arma de doble filo. Por esta misma razón, que a priori puede parecer positiva, a veces nos damos cuenta de que nos cuesta pertenecer a escenas concretas y tener espacios asignados que nos gustaría ocupar. Nunca eres lo suficientemente crust, punk, o black para tener el hueco en ningún lado concreto. Aunque utilices sus recursos, no perteneces al black, al punk, al crust ni al screamo. La famosa “Tierra de nadie”. Pero ya estamos acostumbrados a lidiar con ello y seguimos luchando. 

“Amargor” es identificada como la mejor canción del álbum por mucha

gente. ¿Podrías analizar el contenido y el mensaje de esta pieza en particular, considerando su lugar destacado en el conjunto del álbum “Candela”? 

“Amargoir” fue de las primeras canciones que compusimos para el nuevo disco. Estábamos enfocados en conseguir una canción que tuviera una energía muy concreta. Creemos que el riff final de la canción, esa melodía que hace la guitarra, es de las mejores cosas que hemos compuesto desde que creamos Svdestada. El final de “Amargor” es de esas melodías que puedes estar silbando toda la tarde después de oírla, y así como bien tú dices, nos lo ha recalcado mucha gente. Sabíamos cuando la estábamos grabando en Kollapse que sería irremediablemente el single del disco. El mensaje, como siempre en Svdestada, son vivencias personales de Mario contadas desde su pluma poética. Amargor es búsqueda de entendimiento ante circunstancias que no acontecen como uno tenía planificado a priori, y creemos que la música y el mensaje han quedado muy bien alineados en esta canción. 

Es absolutamente elogiable el desempeño de Eder de la Cámara con las baquetas y bombos, especialmente en los blast beats de “Efímero”. ¿Qué evaluación haces, de cómo la habilidad técnica de este miembro ha contribuido a la distinción sonora de Svdestada? 

La entrada de Eder en la banda en este tercer disco ha sido lo que ha salvado a Svdestada de su muerte. Posiblemente, de no haber llegado él, no hubiésemos hecho Candela. Y no sólo por su monstruosa manera de tocar, o su agresividad y su constancia en el instrumento. Eder ha sido un aire fresco al grupo a todos los niveles. Ha entrado en la banda como elefante en una cacharrería, poniéndose a la espalda un montón de responsabilidades y tirando del carro como el que más. Sus ganas, además, nos han llenado al resto de nueva ilusión por la banda, hasta tal 

punto que creemos que eso se nota en este disco que hemos hecho. El mejor hasta la fecha, y se lo debemos todo en un 80% a él. 

Svdestada ha logrado hacer atractivo el género crust mediante un excepcional trabajo en melodías y letras. ¿Podrías profundizar en el proceso creativo de la banda en la elaboración de estas melodías y letras, considerando aspectos lingüísticos y estilísticos? 

Las melodías de Svdestada tienen truco. Fer, nuestro guitarra, lo reconoce abiertamente. Esa energía que en la pregunta anterior mencionábamos, ese limbo entre la felicidad y la tristeza, se encuentra también en el tango argentino y el concepto está totalmente robado de ahí. El estilo musical de cabecera de Svdestada, no es ni el crust, ni el punk, ni el black, es el tango. Todas las melodías de guitarra, Fer las compone tarareando primero, como si de melodías de tango se tratasen. Una vez que las tiene en el cerebro, se trasladan a la guitarra en la medida de lo posible y se bastardizan hasta sonar a Svdestada. Ahí empieza la fórmula, que hace perfecto tándem con la pluma de Mario. Unas letras que al final también consiguen siempre destilar esa desazón desgarrada propia del tango, generando así un aura que no está alojada ni en la tristeza, ni en la alegría, ni en la oscuridad. El sonido de Svdestada, acaba siendo muy épico y luminoso casi siempre. Puede que igual eso hace que también acabe teniendo esa energía crust que comentas y todo desemboque en ese territorio común. 

Se afirma que con “Candela”, Svdestada ha experimentado un salto de calidad que les conferirá reconocimiento en nuevos lugares. ¿Podrías ampliar sobre cómo este álbum puede influir en la expansión de la banda más allá de la escena local y nacional, teniendo en cuenta posibles impactos sociopolíticos?

Agradecemos mucho ese tipo de afirmaciones y nos ilusionan un montón. Muchísimas gracias. Ojalá así sea. Llegar a más gente y tocar en más lugares creo que es el objetivo de cualquier banda DIY como la nuestra. Sabemos que el castellano siempre es una limitación para el crecimiento internacional, pero estamos muy ilusionados con algunas posibilidades e invitaciones que nos han surgido en varias partes de Europa con la salida de Candela. Esperamos poder ir concretando cosas para llevar el disco lo más lejos posible. 

Nos llamo la atención de su anterior trabajo la voz en la intro de Manifiesto, que viene de un fragmento de un capitulo de la serie argentina Los Simuladores. ¿Cómo surgió esa idea? 

Esa es la Intro de nuestro disco anterior, “Azabache”. La temática general de aquel disco basculaba en la crítica social a la ceguera que produce al individuo cualquier tipo de bandera identitaria. El negro Azabache simbolizaba la “no bandera” para nosotros. La absoluta anarquía. Esa reinterpretación de la escena de “Los Simuladores” nos parecía un buen manifiesto (nunca mejor dicho) para resumir la idea que queríamos transmitir con ese disco. En “Manifiesto” se aprecia una conversación donde se invita al interlocutor a pensar en lo que hay detrás de su supuesta lucha de cabecera. Fue un poco atrevido en una escena punk como la que nos movemos arrancar el disco con eso y a continuación con la frase “El punk ha muerto” en la canción “Azabache” que daba nombre al disco. Pero nos la jugamos porque creíamos verdaderamente en ello, y para nuestra sorpresa, tuvo mucho mejor acogida de la que esperábamos. Nos dimos cuenta que hay muchísima gente que piensa igual que nosotros al respecto de ciertos temas. 

¿Tienen pensado girar presentando el nuevo trabajo? ¿Qué fechas tienen confirmadas?

Muy pronto anunciaremos nuevas fechas en las que estamos trabajando. Desde nuestra ciudad Madrid, a algunas otras provincias de España, y una posible gira europea a lo largo del verano. 

¿Qué querrían decirle a la gente que lea esta entrevista? 

Agradecerles enormemente el cariño que nos han dado hasta ahora con el nuevo disco y todo el apoyo que hemos estado recibiendo. No podemos estar más contentos y orgullosos.

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Iván Flores (Greengoat): “Escuchamos desde metal hasta flamenco, e influye en todo lo que hacemos”
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Estuvimos hablando con Iván Flores, guitarra y voz de los madrileños Greengoat sobre su más reciente trabajo A.I y ahora les  vamos a consultar sobre como se gesto esta idea tecnología que engancho a mas de uno…


  1. Primero que nada, saludarlos y felicitarlos por el disco chicos, debo decir que es un tremendo arranque, pero quisiera empezar preguntando: ¿Cómo fue el proceso de grabación del disco?

Fue un proceso bastante intenso. Teníamos varios temas creados desde hacia años pero las adaptamos y evolucionaron hasta formar parte del todo que es el disco. Al hacer un disco temático cada pieza cuenta una parte de la historia y darle forma como queríamos ha sido toda una aventura.

  1. ¿Tuvieron alguna manera particular de escribir las letras?

Las letras las escribe Ruth. Ambos ponemos en común ideas, sentimientos, temática y ella les da forma.

  1. ¿Cómo se llega al concepto de A.I?

Fue a finales de 2022 y era una idea que teníamos en mente porque yo, por mi trabajo, he tenido la oportunidad de trabajar con inteligencia artificial hace ya años y me pareció inquietante e interesante. Era un tema del que hablábamos a menudo y nos pareció muy buena temática sobre la que profundizar.

  1. Si bien son una banda joven y pasaron por algunos cambios antes de lo que son actualmente. ¿Sienten que eso tuvo que ver en todo lo que vino después para ustedes?

Totalmente. Quedarnos solo dos en la banda impulso una nueva manera de componer y de crear que nos ha llevado a descubrir esta forma de expresarnos y hacer música. No sería lo que es ahora.

  1. ¿Hubo algún motivo particular para que las letras sean en inglés o solo fue algo que se dio?

Es algo que se dio sin más y el inglés tiene una sonoridad muy peculiar que se ajusta mucho a este estilo.

  1. Vemos que hay una mezcla de estilos en las canciones. ¿Cuáles son las influencias que llevaron a ese sonido o quizás hubo una particular que lo definió?

Creo que cuando hacemos música no pensamos en referencias, damos a la canción lo que pide aunque las influencias están ahí pero de una manera inconsciente. Ambos escuchamos de todo, desde metal hasta flamenco e influye en todo lo que hacemos.

  1. Siendo solo dos integrantes en la banda, ¿sienten que es más fácil, indistinto o más difícil componer?

Es igual, pero al ser solo dos puede que la parte de poner las ideas en común sea más sencilla. Además nos entendemos muy bien entre nosotros y es todo muy fluido.

  1. Después de un comienzo de año así, ¿cómo viene el 2024 para Greengoat?

Pinta genial! Estamos alucinando con la respuesta y el apoyo a nuestra música. Este año tenemos varios conciertos previstos y además ya estamos trabajando en algunas ideas nuevas. No paramos de crear.

Espero que este año sea mas que bueno para ustedes y que vengan mas cosas buenas como este disco o incluso mejores. Saludos!

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Mind Driller: “No hay una fórmula que te abra las puertas del paraíso”
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Con motivo del lanzamiento de su nuevo disco The Void, que estará a la venta este mes de enero vía Art Gates Records, me junté con Javi Industrial (Guitarra), Estefanía Aledo (Voz) y Reimon (Batería) para que me cuenten todo sobre este nuevo disco y alguna curiosidad más.


Buenos días chicos, Lucas de Tracktohell os escribe y lo primero es destacar el nuevo disco y la evolución que continuáis respecto a “Involution”.

1. ¿Cómo surgen estas nuevas canciones y aparte de Javi Industrial, hay algún miembro que haya aportado alguna base para las canciones del disco?

Estefi: Normalmente, las ideas siempre nacen de Javi, y luego los cantantes vamos aportando  nuestras líneas vocales y letras. Sin embargo, lo que principalmente desmarca este disco de los
anteriores es el trabajo de pre-producción que hemos hecho junto a Raúl Abellán previo a la grabación del disco. Eso es para mi, sin duda, lo que ha marcado la diferencia.

Reimon: Como lo comenta Estefi, siempre parte de una idea muy cruda del Boss y en los ensayos comenzamos a darle forma instrumentalmente hablando, luego vienen los demás condimentos ,sin embargo esta vez usamos un muy buen comodín que fue usar un productor externo y mezclado con nuestra ideas ha salido este pedazo de disco.

2. Sabemos que Mind Driller es un grupo que le da mucha importancia a la imagen y al aspecto visual en la música, ?Cómo surge el cambio de color para este disco, dejando atrás el naranja y negro del disco anterior?.

Reimon: Como en casi todo fue una elección democrática después de votarlo, intentando mantener una congruencia de lo que teníamos en la cabeza y de lo que podría ser el disco. Gracias
a nuestra Modista Ana Sanchez que siempre le da forma a nuestra locuras (risas).

3. Sois un grupo con influencias muy dispares, ¿Hay alguna banda que hayáis descubierto y que haya servido, aunque sea de referencia para este nuevo trabajo?

Estefi: Es cierto que cada uno de nosotros dentro del metal tira hacia varios estilos diferentes. Por mi parte, una banda que he descubierto hace relativamente poco y me ha inspirado para lo
nuevo de Mind Driller puede haber sido Wargasm.

Reimon: Puff creo que Mind Driller es un compendio de diferentes referentes y cada uno es de su padre y de su madre. Sin embargo es eso exactamente lo que aporta la identidad de la banda, pero personalmente he estado escuchando Kim Dracula. (risas)

Javi: Para este disco me puse a escuchar muchos estilos variados y no solo de metal, me vino genial la verdad jaja

4. El año pasado cumplió su primera década “Red Industrial”, vuestro debut, ¿Cómo veis con la perspectiva del tiempo aquel trabajo?

Reimon: Cierto 10 años! Creo que se ha evolucionado de manera natural como debe ser, y también creo que se ha expandido el gen de Javi por el amor a este proyecto, es decir estamos
mucho mas comprometidos y enamorados de lo que hacemos ahora mas que nunca.

Javi: Es un primer disco de un proyecto que en aquel entonces era más individual que colectivo y  eso se nota, pero es un trabajo del que estoy súper orgulloso porque fue el inicio de algo que tenía en mente mucho tiempo y que fui capaz de crear.

5. ¿Cómo surge “Bangladesh”? , con un título bastante particular, pero que es de las piezas más destacadas del disco.

Javi: La idea de esta letra en particular es de mi compañero V Stone, habla de la pobreza y de la situación que se vive allí. Musicalmente es un tema que le dimos muchas vueltas pero que finalmente quedamos muy contentos con el resultado final.

6. Mind Driller ha estado presente en el Resurrection Fest, en el Leyendas del Rock o en el Rock Fest…¿Pero cuándo podremos ver a la banda dar el salto al Hellfest, al Vagos Open Air o al Copenhell?

Estefi: Por descontado nos encantaría llegar a tocar en esos festivales, pero nunca se sabe. No hay una fórmula que te abra las puertas del paraíso (risas), lo que sí está en nuestras manos es
seguir trabajando duro para que con suerte podamos llamar su atención y despertar su interés por la banda así como han hecho bandas colegas como Ankor o The Broken Horizon.

Reimon: Esperemos que muy pronto la verdad, estamos trabajando para intentar llegar a más sitios y más festis de ese calibre, creo que estamos en buen camino.

7. ¿Cuáles son los planes para la banda en 2024, habrá gira de presentación del disco, nuevos videoclips…?

Reimon: Por supuesto habrá gira y más videoclip, estamos ansiosos por mostraros el disco y nuestra agenda para 2024, pero lo primero es la próxima 17/01/24 fecha que se lanzará nuestro siguiente single y video. Estad atentos a nuestras redes.

Javi: Con la salida de The Void el próximo 26 de Enero, comenzaremos a tratar de llevar nuestro nuevo directo lo más lejos posible, es donde más disfrutamos, encima del escenario.

Muchísimas gracias por vuestro tiempo y nos vemos en 2024, felices fiestas chicos!

Reimon: Gracias a ustedes por el apoyo y la dedicación.

Javi: Un saludo a los lectores y muchísimas gracias a vosotros por difundir nuestro trabajo y darnos la ocasión de expresarnos.

 

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Emiliano Obregón (Lörihen): “El negocio de la música está volviendo al modelo del rey llamando al bufón”
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Lörihen es un nombre grande en la escena metalera argentina, con casi treinta años de carrera, siete discos de estudio y una gran selección de músicos tanto en la formación actual como los que tuvieron su paso por ella, nutriendo las filas de otras agrupaciones de renombre en Argentina y en el plano internacional. En ocasión de la salida próxima de su disco La Magia del Caos, hablamos con su guitarrista y líder de toda la vida Emiliano Obregón.


—¿Cómo vienen las cosas con Lörihen? Porque dentro de poco van a estar presentando el nuevo disco.

La verdad es que vienen bien, estamos prestos a lanzar un nuevo disco en Vorterix. El disco tuvo un proceso de grabación súper extenso, la producción fueron dos años más o menos. Pero estamos muy contentos, con muchas ganas de que llegue el día del show. Estamos felices con el sonido, con todo lo que logramos: la gestación de un disco es un proceso súper importante que a veces no sale bien, a veces no se define bien. Así que estamos con mucha ansiedad y laburando a full en la sala de ensayo.

—Encima el disco sale ese mismo día…

El físico estamos tratando de que llegue ese día, pero lo más probable es que en tres o cuatro días esté ya disponible en las redes sociales. No lo anunciamos todavía pero es probable que esté disponible en unos días.

—¿De dónde salió el título La Magia del Caos?

La Magia del Caos fue un título que me pareció súper interesante, y aparte tenía mucha relación con todo lo que estábamos viviendo. Yo considero, en lo personal, que mis últimos tres o cuatro años fueron caóticos y que a la vez, en ese caos en el que uno puede llegar a vivir, suceden cosas. Así que me pareció súper apropiado a lo que iba a ser el nuevo disco. Venimos de vivir una pandemia en la que creo que todos vivimos en un caos, todos pasamos por situaciones que no estábamos acostumbrados, que jamás habíamos vivido, con lo cual creo que fue caótico para todos.

Aquellos que tenemos la capacidad de adaptarnos a los cambios, que creemos y consideramos a la resiliencia como gran parte de la inteligencia emocional que tiene que tener una persona, le sacamos agua a la pandemia, ¿no? En mi caso compuse más de treinta canciones, con la banda generamos un montón de contenido. Aproveché la pandemia en parte para cuidarme a nivel salud, porque corría en el living de mi casa mucho más, hacía más deporte de lo que hago ahora. Así que, nada, viene por ahí.

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—Si no estoy equivocado, en estos momentos la banda es un cuarteto.

Correcto.

Utopía, disco que sacaron hace más de 20 años, lo habían compuesto con una sola guitarra.

Sí, correcto.

—Este sería el primer disco desde esa época que componen con una sola guitarra en mente.

Correcto, correcto. Utopía de alguna manera fue compuesto para dos guitarras, esa por ahí es la diferencia. Este disco fue compuesto desde el primer tema hasta el último para una sola guitarra: es decir menos recurso armónico, menos recurso… Digo, tenés una sola viola, las cosas hay que hacerlas con una sola, así que está pensado y concebido de esa manera. Utopía sí estaba pensado para ser ejecutado, lo grabé yo sólo como violero pero estaba pensado para ser ejecutado con dos violas.

—Porque en los créditos aparecía también el otro guitarrista.

Aparecía Rodrigo Gudiña como invitado. Grabaron un montón de amigos en ese disco, grabó mi profe Miguelito Oropeza, grabó el “Checho” Verry, de Elmer por aquellos años, y unos cuantos amigos de aquellos años, de los noventas, pero que formaban parte como invitados en los solos. Javi Cuevas de Jerikó grabó un solo en ese disco. Pero digamos que todo lo que es la composición rítmica la grabé yo y fue una sola viola.

—Aparte de tener las canciones de este disco en vivo, cuando tienen que tocar las canciones de los otros discos que se compusieron y se grabaron con dos guitarras, ¿cómo se buscó adaptar esas canciones viejas a este nuevo formato de una sola guitarra?

Qué buena pregunta. Y sí, la verdad es que pasamos por ese proceso durante tres o cuatro meses de ensayo intensivo, porque había que reagrupar todo, cambiar la manera de tocar: ciertos solos o los pasás al teclado o los hago yo, se pierden las rítmicas del apoyo, entonces se replanteó todo. ¿Viste cuando vos decís “La casa se refaccionó”? Es una refacción donde se movieron las bases y se pusieron columnas.

Acá se cambió toda la estructura de la canción, y creo que le dio un plus también, porque de alguna manera, al sacar un instrumento, lo que sucede es que la viola que queda tiene que sonar más y mejor, tiene que sonar más intensa, tiene que estar más afilada o por ahí estás mucho más al frente, mucho más expuesto, con lo cual necesariamente tiene que sonar firme. Así que, nada, es un proceso y fue un desafío para mí también, como violero, el de poder hacer sonar a la banda y sostenerla con una sola guitarra.

—Vos estás en la banda desde sus inicios, desde poco después que yo nací que soy del 94. ¿Cómo ves el cambio de estilo de Lörihen desde sus inicios más power metal a este estilo mucho más heavy clásico o más hard rock? O sea, ¿creés que es tan grande como muchos dicen o es algo natural que se dio?

A ver, es una maduración natural que se da en un montón de cosas. Vos pensá que las primeras canciones de Lörihen las compongo cuando tengo 18 años, hoy tengo 47, o sea son 30 años después de mi vida con otros recursos, con otra manera de ver, de interpretar la música y con otras ganas. Y con una experiencia de vida que me lleva a decir otras cosas, tocar de otra manera y tener, por ahí, otros objetivos. Entonces yo creo que la música fue pasando… Lo que me sucede a mí como compositor y autor, le sucede a los chicos aquellos que pasaron por la banda como músicos con lo suyo.

Es el caso de Juli [Barrett] que estuvo 15 años en la banda, entró en el 2001 y se fue en 2016: Juli entró con 16 años y se va siendo el violero de Tarja Turunen, estuvo tocando con el bajista de los Rolling Stones, compartiendo banda con un montón de animales, y cuando entra a la banda no conocía Iron Maiden por ejemplo, no sabía lo que era una triada, Juli venía de escuchar Riff. Entonces todos pasamos por un aprendizaje y por un crecimiento musical, personal, que se ve directamente.

Lo cruza al artista lo que le sucede en la vida, cómo evoluciona, qué experiencias de vida tiene, y todo eso lo termina empapando. Todo eso termina siendo la resultante de los procesos que uno atraviesa y que se ve después reflejado en los discos. Creo que hoy en día la banda está con una madurez increíble, que nos permite sacar discos como el que va a salir en unos días.

—Aparte de ser el guitarrista de la banda, vos también sos el encargado de la producción. ¿Cómo es tu forma de trabajar al momento de buscar el sonido correcto con Lörihen?

Mirá, yo me tuve que correr del instrumento para poder ponerme a producir a la banda, tuve que dejar de ser guitarrista. Tuve que empezar a ser objetivo desde otro lugar, ver a la banda parado perpendicularmente en el centro de la banda y no desde el lado de la guitarra. No es algo sencillo, yo no me desenamoré de la viola pero sí estuve 20 años laburando en un estudio, produciendo bandas, grabando singles, grabando música de banda de sonido de películas, cortos, cosas para publicidad.

Y eso de alguna manera me permitió entender o levantar cierta data que nos permitía hacer sonar mejor a los discos y buscarle una arista a las canciones, que por ahí cuando uno está muy metido en la banda y está muy metido en el instrumento es muy difícil que suceda. Desde el punto de vista de la imparcialidad, de decir “Bueno, loco, a la canción le falta esto”, de buscarle que la vuelta de tuerca sea hacia el lado de la canción y no hacia el lado del instrumento.

—En una entrevista vos recordabas la época en la que había que salir a la calle a repartir flyers de las fechas, en la época cuando comenzaron y cuando sacaron el primer disco. ¿Cómo ves los cambios en el negocio de la música? Porque primero tuvimos las redes sociales, y más tarde el streaming con plataformas como YouTube y Spotify, ¿cómo creés que afectó eso?

Tiene cosas positivas y cosas negativas obviamente, ¿no? O sea, entiendo que hay un montón de herramientas que nosotros no teníamos que hoy están al alcance de la mano, que son buenísimas. La parte negativa es que la torta hoy se corta de otra manera, lamentablemente. Yo creo que en todos los aspectos, a nivel global, vamos a generar nosotros mismos, el negocio mismo es muy voraz y va hacia una precarización de lo que es el esquema de repartición de regalías de un artista, que al fin y al cabo es el que compone, el que graba, el que produce, y el que sube la canción.

Como que de alguna manera se está volviendo a esto de que estaba el rey, llamaba al bufón para que venga a tocar, a cantar, le pagaba con una cena y de alguna manera el que era el que administraba el negocio o administraba el circo, digamos. Bueno, acá está empezando a suceder algo muy parecido, no despotrico contra esto, porque de la misma manera que yo aprieto un botón, pagó 20 dólares y tengo mi disco subido a todas las plataformas, me pueden escuchar desde España. Sería inviable que yo mande por correo un disco a Japón, Andorra, a Canadá o a Jerusalén para que Lörihen llegue y entre a ese mercado: hoy tengo la posibilidad de que mi música esté disponible en esos países.

Obviamente la paga la decide la persona que tiene la plataforma, así como vos estás sentado en el sillón de tu casa y querés que te traigan un paquete de cigarrillos a las 4 de la mañana. Bueno, el paquete de cigarrillos que sale 1600 lo vas a pagar tres lucas, porque vas a tener a un pibe que está en la calle laburando con una bicicleta a las 4 de la mañana que se va a tomar el laburo de irte a buscar el paquete de cigarrillos y te lleva a tu casa.

Vos lo vas a pagar más caro, al pibe le van a caer monedas que al fin y al cabo es él el que está yendo a buscar el paquete y te lo está dejando en la casa, y hay una persona que generó una aplicación desde el living de su casa o desde la cama, durmiendo, que va a estar cobrando una regalía por haber craneado esa conexión virtual o ese trading, esa manera de hacer un negocio hoy que es a través de un smartphone, una terminal, un teléfono.

Así que la torta no se reparte más entre el pibe que te lleva el paquete de cigarrillos y vos que lo pagás, se reparte entre el pibe que te lleva el paquete, vos que lo pagas y el tipo que generó el contacto entre ustedes.

—Ya para ir terminando, ¿qué quisieran decirle a la gente que los vaya a ver a Vorterix a presentar este disco?

Que sigan apoyando a las bandas, que la verdad es que estamos con muchísimas ganas de que llegue el sábado 23. Es todo un acontecimiento para nosotros, un octavo disco como dijiste vos, casi 30 años de carrera, las mismas energías y ganas, así que los invitamos a todos al Vorterix el sábado 23, va a ser una fiesta. Van a estar los chicos de Arpeghy y también como invitados los chicos de Innerforce, dos bandas enormes y amigas de muchos años. Y va a ser una fiesta, no tengan dudas.

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Fátima (Rabia Pérez): “No sobrevive el más fuerte, sino el que mejor se adapta”
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Con motivo del lanzamiento de su explosivo EP Premonición, me junte con Fátima, vocalista de los metaleros Rabia Pérez para que me cuente un poquito todo sobre este lanzamiento y alguna curiosidad más.

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Hola chicos muy buenas, Lucas de Tracktohell os escribe y primero que todo felicidades por el nuevo disco, ya que, pese a ser un EP es sin duda, uno de los discos nacionales del año con
diferencia.

1. Cómo y Cuando nace “Premonición”, como fue grabado y quién se encargó de la producción, para aquellos que no lo sepan.
Hola que tal encantada Lucas, soy Faty (fundadora- compositora- voz) . Lo primero darte las gracias por la entrevista, por la difusión y por tus palabras. Esta vez Premonición se había empezado a componer (en su mayoría) en 2021, por Gaby, Mau Nadalig y por mí, y participando a posteriori toda la banda al completo en sus arreglos y aportando cada un@ su toque. Grabado y masterizado por Alex Cappa en Metropol Studios en Mayo del 2023, saliendo a la luz el 15 de diciembre de 2023 de la mano del sello discográfico ART GATES.

2. Para quiénes no conozcan mucho de la banda, cuales son vuestras principales influencias ya que en el disco hay varios matices musicales a descubrir.
Ahí está la cuestión… tenemos influencias muy vario pintas, desde Iron Maiden, Gojira, Bullet for my Valentine, Slipknot, Bring me the Horizon, Rammstein…

3. Cómo surge el arte de la portada ya que combina distintos elementos pero que combinan muy bien juntos.
Muchas gracias jejeje, en eso es Gaby el responsable, cuando se deja llevar por el significado tanto de las melodías como de las letras de los temas. Es algo que nos gusta mucho y sobre todo, hago hincapié en que es Gaby el que le pone mucho mimo en la elaboración de los diseños, ya que los hace él. Nos encanta que estén totalmente coordinados, no que sea porque sí y ya está.

4. Vais a girar junto a las chicas de Cobra Spell, como surge esta gira con una banda que a priori, no es “tan” de vuestro estilo musical.
Nos surgió así, y la verdad que ni nos lo pensamos. Sabemos que es complicado, pero de la misma manera que como te he comentado anteriormente nuestras influencias son muy variopintas, cabe también la posibilidad que hasta a una gran mayoría del público le ocurra lo mismo. O eso, al menos es lo que nos gustaría.

5. Habéis girado con 5rand y estuvisteis en la última edición del Hefesto Metal Fest ¿Es Rabia Perez una banda todoterreno en cuanto a los tours que hacéis?
Por supuesto. En mi caso pienso que no sobrevive el más fuerte, sino el que mejor se adapta. Y así es como queremos seguir. “Al menos siempre he pensado que ese es el significado de todoterreno cuando te diriges a alguien”.

6. Si miramos los títulos de las canciones del EP, hay referencias literarias muy evidentes ¿Os habéis planteado la idea de un disco conceptual sobre algún tema concreto?
Sí, siempre cada EP va con un mensaje subliminal (y directo) sobre algo en concreto, en el que a mi (en mi caso) como compositora letrista veo la necesidad de que vaya rodeado y adornado de factores externos que para que tenga dicho mensaje son muy necesarios. Eso es lo que hace que parezcan diferentes temáticas entre sí, pero si se analizan tienen una conexión entre ellos como ya he dicho muy necesaria.

7. ¿Cuáles son los planes de la banda de cara a 2024, más allá del tour ya confirmado, hay algún otro a la vista?
Se están ya cerrando más fechas, …de cara al verano,… en el próximo invierno, pero que hasta que no estén ya confirmadas y requetefirmadas no anunciaremos por si acaso jejeje.

Muchísimas gracias por vuestro tiempo y nos vemos en los escenarios chicos. Lucas Capeluto
Muchísimas gracias a ti de nuevo por brindarnos la oportunidad de llegar a más gente, por tus palabras que nos dan mucha fuerza y a todos los lectores y oyentes. Viva la música.

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Clau Violette (Astray Valley): “La idea era hablar de un amor ‘gore’ y psicótico”
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Buenos días Clau, te escribe Lucas de Track To Hell y lo primero felicidades por el nuevo disco de Astray Valley, ya que no son tiempos fáciles y poder sacar un nuevo trabajo y que encima sea tan completo como este, merece un doble reconocimiento.

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1. ¿Cómo ha sido el proceso de composición y grabación del disco?

Muy diferente a veces anteriores, y eso creo que es una ventaja de la que estamos muy contentos en general. Anteriormente siempre habíamos trabajado teniendo la idea de hacer un disco conceptual en la cabeza, componiendo canciones que se adaptaran a aquello que queríamos narrar. Ahora, en cambio, trabajamos las canciones centrándonos en una melodía principal y lo hacemos girar todo alrededor de esa melodía.

Sobre el tema de grabación, nosotros hemos hecho la preproducción en casa, ya que Joan suele encargarse de grabar las demos, de forma que cuando grabamos ya tenemos muy claro el sonido que estamos buscando. De otro lado, también hemos contado con el trabajo de Txosse de Wheel Sound Studios para grabar las voces, y Max Morton para el master y mezcla del disco. ¡No podríamos estar más contentos con su trabajo!

2. “Your Skin” es vuestro último single. ¿Cómo surge la idea del videoclip, que es una pasada, y sufriste mucho con la sangre en los ojos al final de la canción?

La base de está canción era hablar de un amor “gore” y psicótico. Además, queríamos irnos a algo muy distinto de lo que fue visualmente el primer single “Pray for the Devil”. Por esa razón encontramos imágenes más luminosas y con un concepto radicalmente diferente. Lo de la sangre, la verdad, creo que fue lo más emocionante y divertido de grabar, porque se tenía que hacer bien y en una toma. Como curiosidad, diré, ¡que aun llevando peluca lleve mechones de pelo rojo rosado durante un mes!

3. La portada del disco me transporta en parte a películas como “Eyes Wide Shut”, ¿de donde surge la idea y quién la ha plasmado?

En general soy muy fan del cine y conozco la referencia! Pero no, puede recordar, pero no tiene nada que ver….Quizás me gustaría más comparar las referencias con un cine oscuro de los 80’s/90’s (Hellraiser, Alien, Drácula de Bram Stoker, The Dark Crystal, Labyrinth..) Estaríamos más cerca de el terror orgánico o de la fantasía en donde los personajes y criaturas no eran digitales y teníamos esos maquillajes impresionantes o entes oscuros hechos a mano. Me parecía muy imponente representar una deidad malvada con esa mirada tenebrosa.

Salvando las distancias a todas estas referencias, normalmente me encargo del apartado artístico creando ilustraciones previas a lo que vamos a llevar a cabo. Mi mejor amigo Marc Rojas, que es artista 3D siempre me ayuda muchísimo a hacer realidad mis ideas y la verdad tiene mucho talento. Normalmente de un dibujo él me ayuda a llevarlo a la realidad, en este caso, la máscara está hecha de resina y yo le di el color. Si has venido alguna vez a algún concierto nuestro verás que también suelo traer un cráneo de ciervo, Marc me ayudó a llevarlo a la realidad y adaptarlo a mis proporciones para llevarlo cantando! Me lo puedo poner porque es de plástico, en el caso de la máscara, la resina pesa demasiado. Sobre la portada, Nat Enemede nos ayudó a tener una foto que nos encanta y que transmite exactamente lo que buscábamos.

4. “Days are Fading” es uno de mis temas favoritos del álbum, de donde sale la idea para la letra de la canción?

¡Nos alegra mucho que te guste! La verdad es que es una canción a la que le tenemos mucho cariño. La realidad es que quisimos que este disco tuviera todos los elementos que nos gusta escuchar fuera de Astray y Days are Fading es una canción esperanzadora con mucha luz para contrastar con las dos canciones que la acompañan en el disco que son más duras. Para esté tema en concreto hicimos el estribillo entre Joan y yo y el resto salió bastante solo.

Por otro lado, también como curiosidad, este disco está lleno de guiños a otros artistas que en algún momento nos han influenciado o marcado y en este tema en concreto hay un par de frases que directamente son un homenaje para David Bowie! Es un detalle que nos parecía interesante, ya que al final, es un artista muy reconocido en otro género musical, nosotros apreciamos y tratamos de aprender de todos lados!

5. Vamos ahora con una más personal, como fue colaborar con Lena de Infected Rain y con Mägo de Öz, con lo que ello conlleva?

La verdad, una experiencia de la que aprender, al final cuando trabajas codo con codo con gente tan grande lo mejor que puedes hacer es escuchar y llevarte todo lo que puedas contigo. Estoy muy agradecida de las oportunidades que salieron y sin duda son recuerdos que guardo en mi memoria para siempre!

6. Habéis girado con Butcher Babies, Jinjer, Oceans Ate Alaska, hay alguna banda con la que te gustaría compartir escenario?

¡Por supuesto que sí! No solamente repetiría encantada con todas las bandas que mencionas y teniendo en cuenta que cada miembro de la banda te puede contestar bandas distintas, voy a hablar por mi. Me encantaría poder compartir escenario con In This Moment, Ghost, Motionless in White, Powerwolf… y fíjate que no tienen nada que ver entre ellas, pero realmente creo que podríamos gustar a su público.

7. ¿Cómo habéis recibido vuestra inclusión en el cartel del Rock Imperium Festval 2024?

La verdad, estamos muy contentos. La gente nos ha felicitado mucho y sentir ese feedback de la gente siempre es un motivo para seguir luchando aunque sean duras las circunstancias para seguir estando en oportunidades parecidas o mejores que salgan gracias al esfuerzo.

8. ¿Cuáles son los planes para la banda cuando el disco esté en la calle, habrá gira nacional?, Festivales?, etc.

Esperamos que si, la verdad, estamos trabajando en ello. ¡Esperamos veros a todos y a todas allí disfrutándolo tanto como nosotros!

Muchísimas gracias por tu tempo y nos vemos en los escenarios muy pronto.

Muchísimas gracias a ti, estamos muy contentos con el feedback del nuevo disco y esperamos verte pronto! Un fuerte abrazo

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Michał Kiełbasa (Whalesong): “We merge all the genres and we have no limits”
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Working as a guitar technician for Mayhem, Mgła and Watain is no joke, but Michał “Neithan” Kiełbasa has always had the need to express himself through music with an avant-garde attitude. Whalesong is his own creation, a very special Polish group with a touch of black metal, but which goes far beyond that. We talked about many different things in this long and interesting interview.


First of all, I wanted to thank you very much for this interview, Michał.

Hi Marcos. And I would like to thank you very much for invitation, I really appreciate that.

I reviewed the new Whalesong album “Leaving a Dream” and I must say it is a monumental record. What can you tell us about the creative process behind it and the differences you can find with the previous albums?

Thank you very much for kind words. I started to compose ‘Leaving a Dream’ around 2017-2018, so right after releasing ‘Disorder’ – our first album. When I started the band, I was mainly writing the music on guitar – that’s how our first albums came to life. It changed a bit with ‘Radiance of a Thousand Suns’ – this one was originally supposed to be an EP, yet it evolved quite naturally into a second full length. I had already prepared riffs and guitars, but when recording the drums, we started to completely improvise in the studio. Then I added guitars and bass, changed some lengths of songs and started to add a lot of less usual instruments. While writing ‘Leaving a Dream’ first I was preparing arrangement sheets – writing down the ideas for whole composition, the way it’s supposed to evolve, colors I want to achieve sonically etc. Then I started to seek the sounds on the guitar or sometimes on different instruments. After that we recorded drums – again fully improvised. Next, I added main guitars, bass and started to orchestrate these forms – adding all the additional stuff. Write now I’m still writing like this; songs evolve slowly in new directions when I’m adding new textures and it’s a very interesting process for me as a composer.

By Aleksandra Wojcińska

Do you think of Whalesong more as a “collective” or just as a band? Why? What does it imply?

Both, but more like a band. The core members create the band – which is also our live lineup. All the guests and friends who help us record the albums – they brought a lot to this music, so we could say that the albums were done by a collective. I would like to expand the core lineup a bit – to let’s say a 6-piece, so the live shows would be even more overwhelming and have more layers – just like on the albums. Important thing is that our live lineup also can be evolving from time to time – we are able to play some shows as duo/trio/quartet/quintet etc. – all depends on the setlist, logistics and calendar of each of musicians. It’s also an interesting thing for us.

Your music avoids categorization because, even though it’s clearly experimental, it includes elements of industrial metal, black metal, sludge metal, doom metal, post-punk, post-rock, noise-rock, jazz, etc. Is that something you want to achieve deliberately or it’s just a natural consequence of your creative process and, eventually, it might very well end up with a, let’s say, a post-black metal or a neo-folk record, just to mention two random genres?

I have a clear vision of what I want to do next – not even now but let’s say 2-3 albums ahead. All the changes that appeared in our music are quite natural, what we’re doing now is what I wanted to do since the beginning and recording our debut EP ‘Filth’ in 2010. Finally, after the release of ‘Leaving a Dream’ we’re in the place where the record perfectly shows what is this band and what we’re doing. In the past it was a bit confusing – as live we were already performing some of the songs from ‘Leaving a Dream’, but we were right after (or once even before!) the release of ‘Disorder’ which was very brutal and kinda ‘metal’ record. ‘Leaving a Dream’ vibe also corresponds perfectly with our new songs that we already perform live quite often. Regarding the last part of your question – with this band we’re kinda escaping more and more from metal music, it’s still there, but it’s just a tiny piece creating what Whalesong is. And we’re definitely not gonna do a neofolk album – I have other band called Grave of Love which is a neofolk band – one is enough then, ha, ha. I don’t want this band to be a band like Ulver as well (although I am a huge fan of this group) – where every album is a completely different genre. I think here we merge all the genres and we have no limits, we are beyond that. We just play music. Hopefully a good one.

By Michał Borek

Do you have any favorite tracks on the album? If so, why those?

This is a tough question! It all changes all the time but currently my favorites are: 1) ‘Forgive’ – I like how dulcimer adds these few notes to the main guitar and I also love the beginning of this track – it sounds like a beginning of a rehearsal, everyone picks up their instruments, turn on the amps, someone hits accidentally a string, tunes in, joins and after few seconds everyone plays together; 2) ‘Leaving a Dream’ – for many years I wanted to write a noir jazz track, I’m really happy how it turned out with Elise’s voice, Steve’s piano and Aleksander’s saxophone, this song turned out to be very magical; 3) ‘Here I Am’ – this one is a very personal, I love it’s dynamics, how it goes up and down, up and down and then we get the overwhelming finale; 4) ‘Hope’ – this one is a very calm, silent and magical song, Elise’s voice added again a lot to this, recently we performed it live, the crowd was mesmerized; 5) ‘We Are Free’ – I love to play this one live, very mellow and hypnotizing track, I love it’s finale, so brutal and crushing; 6) ‘From the Ashes’ – the longest song on the album, it shows all faces of Whalesong, the loud and also the quiet, the final part is a total magic – thanks to Elise and great performance of Wukir Suryadi from Senyawa.

Michał, you work as a guitar technician for Mayhem, Mgła and Watain. Have those bands and your work with them influenced your music in any way?

My work as guitar tech did not influence my music in Whalesong – although thanks to it I learned a lot. Yet I must admit that Mayhem was always a huge influence for me since I was 13-14 years old. I’m pretty sure you can hear it somehow in our oldest riffs. Now when I hear those bands so often live – it definitely can affect me a bit when I write some metal riffs – but it will not affect Whalesong as we play something completely different guitar-wise and we have completely different arrangements, often based on improvisation.

I’m curious about your work with such great bands. What are the pros and cons of working with them when they are on tour?

The pros are: great time with people I like, travelling and seeing the world and different cultures, doing what I love to do. The cons: it’s not an easy job, a lot of stressful and unpredictable situations, you don’t sleep too much so you can get extremely exhausted after some time, especially when there is a lot of time zone changes. Yet we all love to do this and that’s what we chose to do.

By Michał Borek

What are your main influences when it comes to thinking of your music writing? What bands/artists do you listen to more often? Do you listen to new music or you usually listen to the same music you’ve already listened for a long time?

The musical ideas come and go in random moments, I just try to write them down so I don’t forget. Influences can come from everywhere – music, movies, books, articles, paintings and art, various life situations. It’s very random. Regarding what I listen to more often – it also varies from time to time, currently I listen a lot to new David Eugene Edwards album ‘Hyacinth’, new Hania Rani ‘Ghosts’, new records from Hexvessel, Wolvennest, new Chelsea Wolfe singles and also various albums by St. Vincent, Blood Incantation, Anenzephalia, UFO and Portishead. I constantly seek new music, every week I try to check some new stuff, of course I love to get back to some stuff I know, but again all depends on the moment. Yet I love to find new artists or finally check some older classics that somehow, I have not known to well.

Let’s talk about the guest musicians on this new album. I’m interested in all of them but especially Attila Csihar from Mayhem and Steve Blanco from Imperial Triumphant. I want to know about the decisions leading to those collaborations.

I know both of them for few years. I knew that Steve is an insanely great pianist, although most of people mainly recognize him as the bass player (even though he plays also piano in Imperial Triumphant). When I thought some of the songs on ‘Leaving a Dream’ need a piano he was my first choice to ask due to his jazz background – as I wanted this exact style of playing. What he did was mind-blowing and I am extremely happy it worked out! Insane stuff. Regarding Attila – I always wanted to do something with him and I thought his voice would fit perfectly the mid part of ‘From the Ashes’. Originally this song was supposed to be an instrumental track, but after Elise improvised her suberb vocal lines I thought this experimental part could also use something. In the meantime, Attila said he really likes this track and he could record something. The voices he did added a lot to this song.

Now something about other guests and friends. Aleksander Papierz – he recorded saxophone for us again (we already worked together on previous Whalesong album ‘Radiance of a Thousand Suns’ and I also did a collaboration improv album with him called ‘Movements’, it was released by Antenna Non Grata in 2022). It is very natural for us to work together, we will definitely do something with each other again in the future, it would be also cool to perform together live someday. Lazarus – he is the vocalist and leader of Medico Peste. We’ve been on tour together last year. I don’t like to do any metal vocals myself, I’m never happy with that – so it was much easier to ask somebody to do it. I really like his style and also know what he’s capable of – fun fact is a lot of people think quite often t that Attila did vocals for ‘Ascend!’ and well, not at all, it’s Lazarus! In ‘We Have Never Really Lived’ there is a female voice drone in the background during a whole song – it’s Dancing Deadlips voice. She did a remix for us in the past and also did her vocal reinterpretations of two ‘Radiance’ songs that can be heard on ‘Radiant Suns Deformed’ remix album. I had an idea to have such a drone and thought her voice would suit it perfectly. Tomasz Herisz – another guest who already performed on our previous album. Tomasz is a great vibraphone player and percussionist. He plays in orchestras, wins a lot of percussion contests. I’m really glad he shared his talent with us again. Especially ‘Hope’, ‘Ascend!’ and ‘Leaving a Dream’ gained a lot thanks to him. Then we have Miro – great pianist, although he has completely different style to Steve. He is my very good friend and we work together in Grave of Love. I thought his very specific magical and eerie style would fit few tracks here. I especially love what he did in ‘We Have Never…’. Next is Pawel Pelka – great French horn player, we worked together on Grave of Love ‘All Those Tears Ago’ album and during recording session I thought we could also record some improvised parts for Whalesong. It was definitely a best choice ever. Last guest is Wukir Suryadi – I know him for few years and I am a huge fan of his work with Senyawa. I’m really glad he wanted to work with me on this record. He is able to create a total hypnotic magic on his self-made instruments. I thought something like that could perfectly end this experimental track. What you can hear in the end of ‘From the Ashes’ is one of my favorite parts of the album, especially since Elise added her out of this world voice.

What about the instruments you choose to create your music? You play a lot of instruments, including many “unconventional” ones in rock music (hammered dulcimer, tubular bells, vibes, mellotron, keys, lyre, theremin, gong, zither, sitar, violin, etc.) and objects such as plastic bags, saws and metal springs. Can you explain those choices?

With Whalesong I first write in my head the whole ‘song idea’ or the colors and dynamics. Then I seek the sounds on guitar and sometimes also on bass if it is more ‘post-punk’ vibe stuff. Since forever I used these two instruments to write ‘core’ elements of the song. Sometimes it’s electric guitar run through the amp or an acoustic one. Once we record drums and the first guitar layers – then I add other instruments and seek new melodies and textures following what I had in my mind or new ideas based on new instrument’s sounds. Nowadays I also started to write songs on piano, mellotron, vibraphone and hammered dulcimer – since I own them, I finally can do this, it also pushed me into new directions. From time to time, I also start with an electronic beat. When I don’t have ideas on one instrument – then I move to the other one until I get something I am fond of. I also like to create some ambient / noise textures on various synths or modular systems, this also can become a song sooner or later – like for example ‘shekissedmewithhervenomouslips’. You never know. Instruments like dulcimer, tubular bells, vibes, mellotron, gongs – these are things I always wanted to use in my music and own. I’m really glad that after many years I finally could afford them and get. It makes everything much easier and it also lets me to focus properly on the arrangements – I never liked to rent an instrument for one day and then seek the sounds in rush. One correction – I don’t use lyre, the thing in booklet is SOMA Lyra8 organismic synthesizer – it’s a great unusual synth, perfect for improvisations. More than a half of the ‘Leaving a Dream’ songs have it somewhere in the background. Regarding unusual stuff like plastic bags, saw and metal springs – me and also most of the band have industrial background where using various unmusical objects in musical way was always a natural choice. Just look at Einstürzende Neubauten, for example. I am huge fan of using metal saws. I really love how they sound when hit alone and also when stacked. Sometimes we bring this unusual stuff to our shows as well.

By Aleksandra Wojcińska

The lyrics are also very interesting. Tell us more about them, because, I think they are more or less connected, but I’m not sure if “Leaving a Dream” is a concept album.

Thank you very much for kind words. Although each song is a separate thing, still somehow the lyrics are connected in one way or another. Some of them are quite personal. I would not call this album a concept album, but at the same time it is not a compilation of random songs. One of the key questions appearing here and there is: What happens to dreams when the dreamer disappears? Are we somewhere between reality and dreams? There is a lot of possible answers. I am really glad how the lyrics worked out. They are not so obvious.

Considering the complexity of your music, the instrumentation, the guest artists, etc. What’s your approach to playing live? Do you try to recreate the recorded music the best you can or do you believe that playing live should allow you to create live versions with their own intrinsic value?

We definitely avoid playing the songs the same way as on the album. We usually rearrange them completely, sometimes the song is not even similar to the original version – like for example ‘Flesh’ from ‘Radiance of a Thousand Suns’, which you can hear in a completely different arrangement on ‘From the Ashes of the Past’ live album. I like to improvise around some elements of the original song and push it into a completely new direction. Thanks to that these songs ‘live’ and are not boring. Sometimes they can even evolve into something brand new – like current live version of ‘Forgive’, sooner or later it will become a brand new song that will be on our fifth record. The live arrangements also depend on the current live lineup and instruments we use that day – it all changes constantly. And this is another thing I like a lot in this band, it’s a bit unique. I also want our shows to by physical, they are loud so you can feel the frequencies and drones in your body – then this is the full experience. I tried to achieve this also on the albums– if you play them loud then you will gain even more from this music. During our live shows I conduct the others – so we never know what will happen, neither do I – in the heat moment I can get some completely new idea for a direction where we can take the song or for how long some riff/theme will resound. I want our shows to be cathartic, purifying, freeing and somehow, ecstatic: ‘We Are Free’. Right now, we have just announced three shows with Hexvessel in Poland in December. Hopefully we will play some shows in Europe in 2024 so you will be able to experience this by yourself soon.

What can we expect from the next Whalesong record? Do you already have any plans or not?

Actually, we already recorded drums for our next album last year and I finished main guitar parts two months ago. Now I am slowly figuring out all the additional guitar layers, instruments and textures. This time we will also record a lot of various synths. A lot of songs we performed live in the last three years, some of them are a bit heavy. There’s a lot of no wave influences, as well as some gothic Americana and trip-hop vibes. The next record seems to be a bit darker when compared now to the ‘Leaving a Dream’ songs. I also have a lot of ideas for the fifth album which I’m very slowly writing in the meantime.

Thank you very much for this interview!

And I thank you very much for the great questions and your time!

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