Tuvimos la oportunidad de hablar con Nicolás Quinteros, tecladista y miembro fundador de la banda chilena de metal progresivo Delta, quien se encuentran próximos a presentarse el viernes 24 de marzo en Buenos Aires, Argentina, como parte de la promoción de su nuevo álbum Fears (2021), el primero con la cantante argentina Paula Loza.

— ¡Buenas, gente de Delta! ¿Cómo se encuentran en estos momentos?

¡Buenas Track to Hell! Muchas gracias por este espacio. Estamos muy contentos y emocionados de poder pisar tierras argentinas con nuestra música y también de poder estar aquí compartiendo con ustedes. Expectantes de lo que viene.

— ¿Cómo presentarían a Delta a alguien que no los conoce?

Bueno, creo que podríamos decir que es una banda de rock/metal progresivo muy dinámica, con una una muy potente y versátil voz femenina. Con influencias muy diversas, de muchos colores, pero de corazón oscuro jaja.

— ¿Cómo se da el proceso de composición en Delta?

Bueno, normalmente presentamos ideas ya bastante avanzadas por cada uno al momento de compartirlas con el resto de la banda. Luego de eso vamos viendo que ideas funcionan mejor, las vamos adornando y alimentando en conjunto y con respecto a las letras, pasa algo similar. Lo importante es que haya algo interesante que decir.

— Las letras de Fears parecen tener cierto tono reflexivo. ¿Cómo las describirían? ¿Hay alguna temática en particular que buscaron para este disco?

En general nuestras letras hablan sobre cómo vemos el mundo, como dices tú, bastante reflexivas. Sin embargo hay algunas otras que son despechos o quizás críticas sociales. Nos gusta hablar de lo que está sucediendo, de lo que nos rodea y ponerlo en tela de juicio en nuestras canciones. Creemos que es importante cultivar el pensamiento crítico y generar conciencia.

— En una entrevista anterior mencionaron que un problema importante por el que pasaron fue el constante recambio de cantantes. ¿Fue por esto que pasaron ocho años entre The End of Philosophy y Fears? ¿A qué se debieron estos recambios?

Si, el año 2014 separamos caminos con Felipe (1er vocalista de la banda) y fue muy complicado lograr alguien que tuviera los elementos musicales que nosotros queríamos encontrar en un cantante y, al mismo tiempo, la cohesión con un nuevo compañero de banda. Tuvimos que llegar hasta Córdoba para dar con Paula jaja. No fue nada fácil.

Entre medio de eso lanzamos algunos singles para intentar mantenernos vigentes. No queríamos que se sintiera que la banda había muerto, así que continuamos trabajando entremedio con los cantantes que nos acompañaron en su momento. Luego vino el COVID y esa parte de la historia todo el planeta la conoce jaja.

— Siguiendo con la pregunta anterior, durante mucho tiempo tuvieron cantantes hombres, pero eventualmente empezaron a utilizar voces femeninas. ¿A qué se debió este cambio?

Así es. La verdad es que el registro que manejaba Felipe era de “contra-tenor”. Era muy muy agudo y encontrar alguien que manejara ese registro con tranquilidad era muy difícil. El 2014, luego del quiebre, nosotros teníamos que seguir con los conciertos programados y Consuelo Schuster fue quien nos acompañó en ese momento. Ella había cantado con nosotros como invitada y corista en los discos Deny Humanity y The End of Philosophy, entonces nos fue muy natural invitarla a ella a participar. La verdad es que se dió muy bien la música nuestra con voz femenina, sin embargo Consuelo tenía otros planes artísticos y no pudimos concretar su permanencia en la banda. Fue así como nació la convicción de que la voz de Delta debía ser, idealmente, femenina.

— El metalero argentino promedio no parece pensar mucho en el mundo del metal chileno. ¿Cómo podrías llegar a describir la escena? ¿Qué bandas recomendarían?

Nuestra escena es pequeña y muy orientada al metal extremo. No es mucho lo que hay en el nicho del progresivo. Sin embargo el metal extremo tiene bastante espacio. También está fuerte el mundo del metal instrumental orientado a la guitarra y finalmente el heavy metal más ochentero. Bandas como Alejandro Silva Power Cuarteto, Violent Passion Surrogate, Octopus, Lechuga, Caterina Nix y Nuclear son algunos nombres diversos que se me vienen a la cabeza rápidamente pensando en el metal chileno, pero hay muchas bandas más.

— ¿Es popular el metal argentino en Chile? ¿Qué opinión se tiene de nuestra escena trasandina?

¡Rata Blanca! El gran estandarte del metal argentino en Chile. Yo creo que es lo primero que uno piensa cuando le hablan de metal argentino. Han venido varias veces aquí a Chile con muy buen margen de público y gran show de Giardino y compañía.

En Chile consumimos muchísima música argentina, pero creo que va más de la mano del rock que del metal. Todos conocen a Soda, Charly García, Spinetta, La Renga, Calamaro y tantos otros, incluyendo la música más tradicional.

Ahora, lo que yo he escuchado de metal Argentino, la banda A.N.I.M.A.L. me gusta harto!

— ¿Qué querrían decirles a nuestros lectores y a la gente que los va a ir a ver?

Que esperamos que disfruten del show. Es nuestra primera vez tocando en sus tierras y queremos conectar con ellos a través de lo que hacemos. Vamos con todo, así que no se lo pueden perder.

Nos pueden seguir en las diferentes plataformas como @deltaprogband (Instagram, Facebook, YouTube) y en Spotify (ahí es más difícil encontrarnos). En la página web www.deltaprogband.com están los enlaces a todos nuestros sitios. ¡Los esperamos y esperamos verles pronto!

Muchas gracias por el espacio, chicos. ¡Nos vemos pronto!

Cathartic es una banda tapatía de death metal clásico formada en 2019 por Erick y Jimmy Beltrán a las guitarras, Jimmy Figueroa al bajo y Angel Rosales a la batería. Influenciados por bandas como Bolt Thrower, Carcass y Sadistic Intent y con apenas un par de años de existencia han logrado consolidar un EP (Ceremonial Ressurection, 2021) , numerosas fechas dentro y fuera del país, y más reciente un disco de larga duración lanzado el año pasado y que lleva por título Through the Abysmal Gates of Subconscious por lo que han aceptado a concedernos esta entrevista.

Tenemos entendido que antes de Cathartic, los hermanos Beltrán ya se encontraban colaborando en un proyecto anterior. ¿De qué trataba este otro proyecto y cómo fue que evolucionó en 2019 a lo que conocemos hoy en día? 

Realmente los 4 integrantes originales de Cathartic tocábamos juntos en una banda que existió del 2006 al 2015, llamada Iron Force. En ese lapso de tiempo nuestro baterista Carlos García formó otra banda llamada Imminent Reaper en donde él se encargó de la guitarra y la voz, invitando a mi hermano Deo Beltrán a la otra guitarra y después de un par de bajistas inestables yo entré durante un año a apoyar sus presentaciones en vivo tocando el bajo. Esto sucedió en el 2013. Para el 2015 Iron Force se desintegra después de un acuerdo fallido con un sello que había prometido el lanzamiento del vinil y CD de nuestro álbum debut, quedando guardado para siempre. Ya sin el interés de continuar haciendo música yo me retiré de la escena del metal en Guadalajara. Enfocándome por completo en mis estudios universitarios del 2015 al 2019 mientras mi hermano y Carlos continuaron en Imminent Reaper.

¿Qué nos pueden platicar sobre el proceso de grabación del álbum? 

Fue grabado en Irapuato, Guanajuato, en los estudios Bravesound de Jesús Bravo (Agony Lords) en los primeros días de noviembre del 2021. Estuvimos hospedados ahí varios días durante el proceso para lograr terminar con la captura, días después Jesús se enfocó en la mezcla y lo mandamos masterizar con Tomas Skogsberg de los Sunlight Studios en Suecia.

Sabemos que  además de Tomas, el primer EP fue masterizado por el legendario Dan Swano. ¿Qué diferencias pudieron notar al trabajar con uno y otro? 

Sí, ambos fueron muy amables y agradables con nuestro trabajo. Son realmente dos profesionales que trabajan de forma eficiente y confías completamente en lo que están haciendo. Sin duda algo que pudimos notar es que Tomas mantiene un estilo aún más “Old School” para trabajar y realizar el master, mientras que Dan te da todo un programa a nombre de Unisound para obtener las canciones en diversos formatos o requerimientos (máster para vinilo/master para streaming y CD, wav, mp3, canción por canción o todo de un tirón, etc).

Han tenido algunos problemas para conservar a sus bateristas, ¿a qué se han debido estos cambios? 

Han sido por motivos diferentes. Carlos García nuestro primer baterista y quien grabó “Ceremonial Resurrection” ya tiene una hija y una nieta, tocaba en Maniaca y Fahrenheit en los 90. Después en Soul Possessed, Iron Force e Imminent Reaper. Entonces él realmente ya tenía otro intereses y compromisos, que la música. Con Ángel, quién grabó “Through the Abysmal Gates of Subconscious” fueron diferencias y perspectivas diferentes.

Su primer álbum ha tenido una aceptación nada despreciable por parte de la comunidad metalera en todo el mundo, suponemos qué gracias a la buena distribución que han logrado y que los ha colocado en estantes de Alemania, China e Inglaterra. ¿Cómo es que una banda independiente mexicana logra colocarse en el mercado mundial del metal? 

Gracias por tu comentario. Todo lo que hemos hecho desde un principio ha sido bajo la base del verdadero amor y pasión al metal. Desde la presentación en nuestras portadas, el buscar trabajar con personas más profesionales y de quienes podemos aprender o nos pueden dar un mejor resultado, siempre con la intención de compartir eso con quienes entienden el mismo sentimiento y les apasiona el género. Todo se ha manejado en base al formato físico. El escribir cartas, imprimir CD-r profesionales como demostraciones para sellos, fanzines y metal-maniacos apasionados. Hacer intercambios, ESCUCHAR lo que están haciendo en otras partes del mundo, qué sello lanzó tal o cuál álbum, EP, split, edición en cassette, edición en CD, en Latinoamérica, Europa, México. Realmente es un estilo de vida para nosotros y no solamente de fin de semana cuando nos vemos para ensayar o cuando tenemos que salir en la fotografía o en el anuncio del próximo evento. Todo el tiempo estamos leyendo fanzines, blogs, reseñas, haciendo lista de intercambios, yendo a pasar corajes con Correos de México, haciendo entregas personales de nuestro material y en especial, escuchando música; Heavy, Death, Black, Thrash, Doom, etc. Siento que eso es un gran problema para muchas bandas y músicos de Guadalajara y México. Les importa más su papel de “artista”, “músico”, ser reconocidos en la “escena” a la que pertenecen, ya sea como súper “trves” resentidos o como los súper “influencers”. En lugar de realmente escuchar, apoyar y conocer el trabajo de otros aquí y en cualquier parte del mundo. No solamente en Europa o Estados Unidos.

Acaban de regresar de una exitosa mini gira por Colombia en noviembre del año pasado. ¿Qué nos pueden relatar de esta experiencia?, ¿cómo los recibió el público colombiano? 

Los parceros son de lo mejor. La pasamos muy bien por allá y logramos conocer a personas que ahora son buenos amigos y que esperamos volver a ver pronto. Nos recibieron muy bien y logramos dar a conocer un poco más el nombre de CATHARTIC saliendo a dar la cara , dispuestos a hacerlo en más partes del mundo. El único problema que tuvimos en el viaje fue con las aerolíneas, trasbordamos en Panamá y nuestro vuelo de regreso se atrasó bastante. Ya cansados, con sueño y al final de la aventura ya nomás quieres salir del aeropuerto, haha.

Recientemente han sido incluidos en el line-up oficial del Candelabrum Metal Fest a realizarse en los primeros días de septiembre de este año en León, Guanajuato. Un festival muy joven, pero qué rápidamente se ha posicionado como una de las opciones mejor curadas dentro del país. ¿Qué esperan de su participación dentro de este evento? 

Me da mucho gusto poder formar parte de este festival, desde la primera edición manejaron y trabajaron todo de la forma más profesional, con toda la intención de escuchar a la gente y público asistente. Aunque claro, siempre habrá personas a las que no les guste algo y se la pasen quejando, ya sea por el día que va a ser o el por qué no metieron a la banda del amigo que tiene 25 años de trayectoria y un demo/ensayo grabado. En lo personal esperamos salir a darlo todo, hacer lo nuestro y que más gente conozca a la banda y lo que estamos haciendo. Siempre agradecidos con las personas que nos dan la oportunidad abriéndonos la puerta y con quién esté dispuesto a escuchar nuestro trabajo.

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México se ha visto acribillado por una vorágine de conciertos de metal durante todo 2023, ¿por qué eventos se encuentran más emocionados? 

Sí, sin duda desde que la pandemia terminó ahora se vienen muchos eventos en todas partes, desde lo underground hasta festivales masivos. En lo personal me interesa mucho el Cadaver Fest en CDMX con General Surgery, Perdition Temple, Mortuary, Primordial Rites, Ungodly Rest… También el Candelabrum Metal Fest (como fan) y es muy probable que vaya al “Klash of the Titans” de Testament y Kreator con mi hermano. Ya lo que pueda ir saliendo de eventos locales y si la economía me lo permite, lo voy a ir tomando.

¿Qué opinan de la escena actual tanto de Jalisco como del resto de México?, ¿creen que se encuentre retrocediendo, creciendo o la ven estancada? 

Sin duda ha crecido mucho pero lamentablemente siento que no ha dado el potencial que verdaderamente tiene. Hay muchas envidias, a la gente le parece chistoso y divertido estar perdiendo el tiempo tirando tierra a otros y haciendo memes en lugar de enfocarse en lo suyo. Mucho ardido, creído y llorón. Si a mí no me gusta una banda de entrada la ignoro. No me interesa, entonces no pierdo mi tiempo en hablar mal de ellos o de estar pendiente de lo que hagan. Si una banda me gusta mucho veo la forma de acercarme a ellos, de algún modo, en algún momento, tiempo y espacio. Al final, todos debemos entender que el mundo es muy grande, que nuestras bandas y nuestro “talento” es muy pequeño, cómo para poder abarcar toda la gloria que da la música y el Heavy Metal.

¿Qué otros proyectos, giras o acontecimientos se proyectan para el futuro de Cathartic? 

Tenemos pensado tomar muy pocas fechas para este 2023, por lo que mencionaste de lo saturado que está de eventos y porque queremos enfocarnos a distribuir el álbum a otros países y a componer nueva música. Por el momento solamente está el Candelabrum en septiembre y Ecuador en agosto. Del 9 al 15 estaremos visitando este increíble país al lado de Goath (Alemania) para hacer unas fechas. Hay otra fecha pendiente en agosto pero no me toca a mí confirmar esa información. Por lo pronto es todo.

¿Hay algo más que quieran decirle a sus seguidores y a los lectores de Track to Hell?

Gracias a todos nuestros amigos y a las personas que nos apoyan y han dado buen visto a nuestro trabajo. A ti, por darnos el espacio y tomarte el tiempo de redactar las preguntas y leer mis respuestas. Todo el éxito para ustedes en Track to Hell.

“¡Oh alma mía, no aspires a la vida inmortal, pero agota el campo de lo posible!” – A. Camus.

Colaborador de mil bandas y artistas (Thin Lizzy, Blue Murder, Whitesnake, The Dead Daisies, Ted Nugent y Tim “Ripper” Owens, por sólo nombrar un par), el bajista y cantante mexicano Marco Mendoza es un trabajador del rock, y que de vez en cuando se da un respiro para proyectos propios, como es el caso del Marco Mendoza Trio. Con motivo de la visita a México junto a su banda de jazz, pudimos entrevistarlo y ver su visión de la música y del rock en el mundo moderno.

Marco de nuevo en tierras aztecas, esta vez con Marco Mendoza Trío en un festival de jazz. Cuéntanos un poco de este trío, de este proyecto, ya que por lo general conocemos al Marco Mendoza en su faceta rock, en su faceta heavy, dinos algo de esto.

 Siempre he tenido mucha suerte, viviendo en Los Ángeles me han invitado a muchos proyectos. Yo crecí en Tijuana, soy mexicano, a los 15 años me fui a EEUU pero traía en las raíces la música latina, la afrocubana, el funk, brasileiro y todo eso. Entonces cuando tuve la oportunidad en Los Ángeles a mediados de los noventas, llegaba yo de giras con los proyectos de rock grandes, y tenía tiempo, y fue cuando monté un trío, que se trataba de tocar un poco de fusión jazz, y empezamos a experimentar con canciones conocidas, hacerles arreglos diferentes y como pego, hubo mucho interés. 

Llegaba todo mundo ahí, nombres grandísimos, artistas conocidos mundialmente que llegaban a tocar con nosotros, Chaka Khan, Stevie Wonder, David Coverdale, Ted Nugent, David Lee Roth, muchos, Carmine Appice, muchos bateristas, porque el baterista que traía era Joe Heredia, muy conocido, muy respetado, el percusionista Kevin Chavez, y en el piano pasaron muy buenos músicos pero terminamos con Renato Neto que es un brasileño que terminó tocando con Prince, porque ahí llegó Prince y se lo llevó de mis tocadas. 

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Entonces a mi me fascinó porque, para mí como bajista cantante, me pude soltar un poco e investigar diferentes estilos de música y ritmos y todo eso, y pues hubo mucho interés, Eddie Schwart el promotor y su hermana me conocieron aquí. Yo vine a tocar en un club, Papabeto se llamaba, llego al lugar y les gustó lo que estaba haciendo con Renato y nos invitaron aquí a tocar jazz, esta va a ser la tercera vez ya. Ahora traigo a Hans Zermullen otro pianista muy bueno de Los Ángeles, Enrique Nativitas que es un baterista increíble de México, y con un percusionista buenísimo; a mi me encanta porque es algo diferente, me encanta ponerme sombreros, pensar de otro modo, pero es un proyecto de mucha energía y muchos colores, de los estilos del jazz, funk, salsa, brasilero, blues de todo.

Usted tiene un estilo para tocar muy blusero cuando lo veo en escenario. La pregunta es: blues, heavy, hard, jazz, etc, experimenta usted con muchos géneros, ¿es muy apasionado a la música en general?

 Si, me encanta, me gusta meterme y averiguar como bajista que es lo que tengo que tocar y ver mi objetivo como bajista y he tenido oportunidad de tocar muchos estilos desde que llegué a Los Ángeles, con mucha gente pesada, así que aprendí mucho, a tocar salsa, reggae, blues, jazz, funk, entonces hago arreglos de canciones conocidas, y me divierto mucho haciéndolo.

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Pues me acaba de confirmar que es muy apasionado a muchos géneros musicales, pero ¿cuál es su especial su género favorito de música?

 Ahora es el proyecto que tengo, jazz fusión, pero con funk, colores brasileños, salseros, bluseros, la cuestión es divertirnos y que la audiencia también lo haga.

¿Has escuchado los discos nuevos de tus proyectos anteriores? Por ejemplo, lo nuevo de The Dead Daisies, Whitesnake, etc…

 Un poco, pero sinceramente no mucho porque siempre ando muy ocupado; cuando empezó la pandemia hice 4 proyectos, 4 álbumes, uno fue el mío que salió hace poco el 16 de septiembre, que se llama New Direction, y acabo de hacer casi 70 fechas en Europa, voy llegando hace 2 o 3 días de Escocia, y a veces no tengo el tiempo, cuando llego a mi casa, tengo mis hijos, mi esposa, me encanta compartir tiempo con la familia, como que me desconecto un poco y luego me conecto otra vez, pero si los escucho de a poquitos, digo, siempre voy a ser fanático de Whitesnake, de Thin Lizzy, Ted Nugent, ahorita tenemos un proyecto que se llama Iconic.

Siempre voy a ser fan de The Dead Daisies ahora que están con Glenn Hughes, son familia, somos amigos, pasamos mucho tiempo, convivimos mucho, si me interesa, pero escucho poco porque siempre tengo cosas nuevas, ahora tengo 2 proyectos grandes enfrente de mi que no puedo mencionar, que se van a anunciar en enero o febrero, el año pasado tuve la oportunidad de tocar con Journey, fue increíble, una experiencia hermosa, yo soy fanático de la música, son mis amigos, hermanos, somos familia, nos hablamos, y ahí estamos.

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En el último disco de Black Star Riders, y le pregunto esto porque usted es mexicano, dice el lado erróneo del paraíso, y muestran a México, me sorprendió esa portada donde muestran a México como el lado donde es el paraíso auténtico, y no EEUU, para mí como colombiano y que vivo en México fue una muy agradable sorpresa, no se si lo ha visto?

 No, no, no, explícame por favor.

La portada muestra a México como el paraíso y no EEUU, dando completamente la vuelta a todo lo que la gente piensa de que el paraíso es EEUU, en especial los latinos.

 Que bonito eso, sinceramente la cultura mexicana, hispanoamericana es muy respetada por todo el mundo, desafortunadamente las cosas malas que pasan aquí, les dan más atención, ojalá que pasáramos ya por todo eso, porque a mi me encanta mi país, yo me crié en Tijuana y tengo muchas memorias hermosas, mi papá le encantaba viajar por todo México, viajamos bastante, mi primer gira fue aquí con Martín Mayo de El Ritual en aquellos años era el único grupo de rock en español.

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¿Recuerda en qué año?

 Setenta y algo, tenía yo 16 años, me agarraron y me trajeron a Ciudad de México, aquí fue donde nació mi hijo Marco Rentería que es el bajista de Caifanes. Tengo memorias muy hermosas, muy bonitas, y después me fui a vivir a Los Ángeles y pues hay mucha gente que tiene miedo sinceramente de venir para acá, nosotros sabemos cómo es todo por acá, pero como cultura, la busca la gente de todo el mundo, yo ando sin exagerar por todo el mundo, y a todos les fascina nuestra cultura, ya vista la portada que tengo de mi nuevo disco, ando celebrando la cultura maya, azteca, mexicana por todos lados, el anterior disco que se llamó Viva La Rock, le metí el español, el francés y el inglés, porque yo siento que soy del planeta tierra. 

Tengo muchos años viajando, muchísimos, y a veces caigo aquí y me quedo un rato y salgo de gira por todo el mundo, ahora vivo en Los Ángeles, así que es muy bonito lo que está haciendo Black Star Riders, yo tuve participación con ellos en un álbum, el primero All Hell Breaks Loose y me salió la oportunidad de trabajar con The Dead Daisies que me interesó más, por lo que tú quieras, y salí después del primer álbum, así que buena suerte para ellos.

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Háblanos de tu nuevo y estupendo disco solista New Direction, tanto este como el anterior Viva La Rock, ambos con buenos invitados, excelente producción y sobre todo buen hard rock.

 Es el segundo álbum que sale con el mismo sello, Mighty Music Dinamarca, y lo que resultó fue el primer disco que hicimos con ese sello, mi amigo, mi primer guitarrista cuando salí con el proyecto solista de rock, Soren Andersen, que fue mi productor de mi primer álbum, me divertí tanto, nos la pasamos increíble, resultó muy bien el disco, principalmente en Europa y Japón, queremos venir por Latinoamérica, lo estamos planeando, entonces salió el disco, se vendió muy bien, giré en el 19, y me habló el sello y me dijo, quieres tomar la segunda opción y les dije que sí, por supuesto.

Empezamos a escribir la música en septiembre del 19, luego nos juntamos a principios de diciembre, salimos de gira, llegamos muy cansados, pero escribimos el 80% de las canciones, casi todo terminado, trabajamos en su estudio en Dinamarca, en Copenhague, nos fuimos para navidad a nuestras casas, yo me fui a Los Ángeles, nos fuimos a Hawaii de vacaciones, volvimos y fue cuando pegó la pandemia, quedamos que nos íbamos a juntar a finales de febrero, no se pudo, de repente se cerró el mundo, no podíamos salir, entonces hubo 2 o 3 intentos falsos de juntarnos, y se cancelaron, se cerraron países, no pude viajar y de repente hasta junio del 21 nos sentamos y terminamos, parecía que este año no iba a salir, porque los sellos tienen su diplomacia, sus planes de manejo de dinero, porque también les pegó muy duro.

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El año pasado hice una gira y me fue muy bien, con todas las restricciones, me fue increíble, me puso en el mapa un poco más duro, y entonces este año me empezaron a invitar mucho, acabo de llegar de Escocia, hicimos casi 70 fechas por toda Europa. Me encanta el álbum, tuve ya la oportunidad de escucharlo todo de arriba abajo, y sinceramente sin ser presumido, hay muy buenas canciones, muy buena energía positiva, optimista, que es lo que necesitamos ahora, y parece que la gente que lo baja siente lo mismo, entonces nos está yendo bien, ando muy divertido porque es mi música, y ando cantando con mis letras, mis melodías y mis mensajes sublinguales.

Yo vivo una vida tratando de ser lo más positivo, soy humano y también caigo de vez en cuando, pero gracias a mi sobriedad, no tomo alcohol, no drogas, no nada, ya tengo 35 años de sobriedad, trato de enfocarme en la energía positiva en la vida, principalmente en la pandemia que nos tumbó psicológicamente, espiritualmente, nos tumbó mucho, muchos problemas, así que yo me enfoco principalmente en mi música porque es un vehículo que si se deja ir uno y está escuchando la música, puede meterse y empezar a pensar en la onda positiva.

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¿Cuál es la historia de tu vida como músico?

 Principalmente yo le debo mi carrera musical a mi abuelita, María Luisa Vda de Mendoza Cortés, ella llegó a Tijuana cuando mis padres se separaron, mi padre andaba trabajando mucho, y ella llegó a cuidarnos, llegó con su piano, era maestra de piano, ahí comenzó todo, era maestra de concierto clásico, ahí escuché todo, Brahms, Chopin, Beethoven, y me empezó a interesar la melodía, los ritmos, la armonía, quise meterme al piano, pero yo andaba muy acelerado aquí en el coco, y se me hizo muy difícil porque era mucha disciplina, la música ante clásica tiene el objetivo ser igual, se repite todo, no hay chance de moverse, ya está escrito y hay que repetirlo como está escrito.

Yo no lo sentía, y no me podía concentrar, entonces le dije a mi abuelita, no no no, así que aprendí muy poco, lo necesario para escribir ideas, me retiré y mi hermana fue a la que agarraron para que estudiara piano, y ese fue el primer interés; a mi hermano Carlos le compraron una guitarra acústica para su cumpleaños, aprendió 2 3 acordes, y la dejó, yo me di cuenta que había un libro de música, la agarraba y la escondía, cuando no había nadie me metía en mi cuarto y con el libro comencé a sacar acordes, así fue, con 2 3 4 acordes vi que podía tocar varias canciones con esos acordes; en aquellos tiempos en la radio eran canciones como Gloria, Born on the Bayou de Creedence Clearwater Revival, Proud Mary, Suzie Q, canciones sencillas y así fue cómo empecé.

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Eso fue en los setentas, en la época dorada del rock.

 Exacto, ahí andábamos, una Navidad no recuerdo qué año, pero llegó mi papá con el Abbey Road de The Beatles como regalo, y hasta el día de hoy le doy mis respetos porque ese fue esa fue la caja de pandora que se abrió para mi hermano y yo, boom, nos voló la cabeza, el interés se subió más y empecé a aprender más cosas, a inspirarme, y hasta ahora Paul MacCartney es uno de mis ídolos, mis respetos, tengo mis amigos que tocan con él y no lo he conocido, me han invitado a ir a sus conciertos pero ando en otro país, ando de gira, pero me va a tocar algún día, así fue cómo comenzó.

A mi hermano le gustó más la batería, yo en la guitarra y mi papá se dió cuenta y por tratar de separarnos de las cosas malas de Tijuana nos compró instrumentos para que nos metiéramos por ahí, entonces también fue por mi papá que lo adoro, fue un ejemplo increíble, él tocaba el clarinete, le encantaba la música, entonces empezó a comprar equipo y agregó un cuarto cerca de la casa para que ensayáramos, hizo mucho por nosotros, de repente conocimos a otros músicos hermanos que tocaban bajo y guitarra y nos juntábamos con ellos y empezamos a componer música, esa fue la chispa.

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Nos encontramos con otro grupo que tenía 2 o 3 años más que nosotros, ellos tocaban en las reuniones escolares, en fiestas privadas y su bajista se fue a otra ciudad a vivir, a mi ya me conocían un poco y me llamaron, me dijeron, necesitamos un bajista que cante como tú, ¿tocas bajo? Y les dije “Me imagino que sí”, y me dieron una audición 2 semanas después, me dieron 5 canciones, le dije a mi papá y fuimos a una casa de empeños, y encontramos un bajo muy económico, no tenía marca ni nada.

Me aprendí las canciones, audicioné y me dieron el trabajo, ya tocaba bastante guitarra y en ese momento me di cuenta porque era más fácil cantar y tocar la guitarra al mismo tiempo, cuando empecé con el bajo, se me dificultó cantar, y yo tengo algo, que cuando algo se me hace difícil tengo que sobresalir, no se porque pero me prende, así fue con las matemáticas, se me hacía difícil pero me metía mucho y sacaba buenas calificaciones, entonces con el bajo porque es un ritmo diferente a la melodía, empecé a meterme y me interesó mucho, me enamoré de la música, y 75 años después (risas) aquí seguimos.

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¿Cuál es el soundtrack de su vida, sus 10 canciones favoritas?

 Let it Be de The Beatles, Come Together, Hey Jude de The Beatles, Suzie Q de Creedence Clearwater Revival, All in Love is Fair de Stevie Wonder, Whole Lotta Love de Led Zeppelin, Hush de Deep Purple, cuando salió Black Sabbath se me abrió otro mundo, yo terminé grabando con Bill Ward pero es Iron Man la que me mata, Smoke on the Water de Deep Purple, también Stairway to Heaven de Led Zeppelin, son canciones inmortales, y después Ted Nugent que empecé a trabajar con el, Cat Scratch Fever, In Memory of Elizabeth Reed de The Allman Brothers, Guitar Man Bread, Here I Go Again, Is this Love, In the Still of the Night de Whitesnake, The Boys are Back in Town de Thin Lizzy, y así, son tantas las canciones que es difícil escoger.

Ya sabemos sus canciones favoritas, ahora dime una que tú digas: “Caramba, ¿por qué no escribí esta canción?”.

 Let It Be de The Beatles, ese mensaje lo uso diariamente, así de simple, Let It Be, tolerancia, paciencia, aceptar.

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El último proyecto que escuchamos rodeado de puros maestros se dió hace poco creo yo en el crucero Monster of Cruise, llamado Iconic, junto con Michael Sweet (Stryper), Tommy Aldridge (Whitesnake), Nathan James (Inglorious), Joel Hoekstra (Night Ranger) y por supuesto a quien tengo al lado Marco Mendoza, ¿cómo se dió esta idea, fue en el crucero y ya estaba planeado antes?

 Esto fue algo que resultó durante la pandemia, yo tengo una relación con el sello Frontiers Records, tengo 4 o 5 proyectos con ellos, el primero fue mi primer disco solista Live for Tomorrow fue con ellos, también les debo a ellos mucho respeto, me abrieron las puertas, entonces me habló Mario que trabaja con un amigo de Frontiers y me dijo, tenemos un proyecto en puerta, la verdad es que siempre me andan invitando, porque no juntamos a este músico y a este otro y hacemos algo, hicimos la lucha y no se pudo por cualquier cosa. 

Entonces Joel Hoekstra, Michael Sweet y Nathan James se juntaron con Alessandro del Vecchio y empezaron ese proyecto, empezaron a escribir canciones y luego se comunicó Mario conmigo, que es la mano derecha del patrón de Frontiers, y me dijo, Marco tenemos este proyecto y están escribiendo música y no tienen bajista, te interesaría ser parte de él? ¿Por qué no escuchas la música? Te voy a mandar unas canciones, e inmediatamente me di cuenta de que encajaba, son grandes músicos, mucho talento, Nathan James vocalista increíble y también Michael Sweet, guitarristas geniales, una energía muy bonita, y me mandaron los demos y dije sí. 

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La música ya estaba escrita sólo era montar el bajo, pero no tenían baterista, y me dijeron que escogiera uno, uno de mi gusto, vivo en Los Ángeles y tengo comunicación con todos, sin presumir, escuché la música y me recordó mucho a Whitesnake, esa energía, esos colores, las guitarras, la voz de Nathan entonces les dije, ok ahora me comunico, le hablé a Tommy Aldridge y me dijo, mándame la música y me dijo, que crees si, vamos hacerlo, somos grandes amigos, hemos hecho muchas cosas.

La primera vez que lo vi a usted en México, venía con Tommy Aldridge no se si recuerda

Si, claro, con Yamaha, 2006, Tommy Aldridge es único, sólo existe uno, yo como bajista me conecto con él y hemos pasado mucho tiempo juntos, lo estimo y lo quiero como persona, nos mandaron los tracks y grabamos, la idea original era que yo sólo tocaría los tracks, y empezó a crecer, crecer, crecer, y ahora vamos hacer unos videos para ver que pasa, el resultado ha sido increíble y veremos que pasa.

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Mucha gente dice, entre ellos Gene Simmons, que el rock está muriendo, lógico no es lo mismo que antes, muchos de sus músicos ya no están con nosotros, pero es la ley de la vida, llegamos a cierta edad y no podemos vivir 500 años, ¿Cuál es tu opinión de que el rock está muriendo?

 Yo conozco a Gene, lo considero amigo, hemos estado de gira muchas veces, y respeto su opinión, lo que yo creo que lo que él quiere decir es que la industria del rock ya cambió, porque yo creo con todo mi respeto es donde viven ellos, están en un nivel muy arriba, me imagino que a ellos les afectó la economía de la pandemia y todo, entonces cambió el modelo; pero mis experiencias personales, que viajo por todo el mundo, no creo que el rock se acabe, viene una generación nueva también, no tan grande porque en aquellos tiempos había mucho dinero, mucho mercadeo, era mil veces más grande.

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La radio pasaba mucho rock.

 Exacto, y ahora es algo más calmado, yo creo que el modo de los rockeros es el modo de pensar y apreciar cierta energía y cierto modo de vivir, los principios que tenemos, pero no creo que muera. Ahora lo que necesitamos hacer es salir y girar y girar, y empezar otra vez, conocer y encontrar el nuevo modelo que es lo que estamos haciendo, y va hacer la generación más nueva porque yo ya voy a cumplir 90 años (risas) pero adoro lo que hago, tengo toda la energía que viene de Dios, está la energía que viene del escenario, cuando me conecto es algo muy bonito, yo creo que voy a seguir tocando hasta que ya no pueda, y para terminar de contestar las nuevas generaciones tienen que agarrar la bandera y seguir adelante, vamos a buscar otro modelo para difundir y que se conozca la música.

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¿Qué opina de las nuevas bandas con sonido clásico, bandas que retomaron el poder de los 60´s y 70´s y lo grabaron en los 2000?, para mi son las bandas que como lo acabas de decir, son los que heredaron la bandera y les toca el turno de dar la cara.

 Exacto, estoy de acuerdo contigo, 100%, lo bonito es que andan buscando también lo que he escuchado, encuentran diferentes colores, tienen la ventaja que no se si sea bueno o malo, que no tienen canciones que han sido hit grandes entonces pueden seguir experimentando, ¿Si me entiendes?, cuando tienen canciones que ya son muy conocidas, tienen que seguir por esa línea y es lo que les pasa a las bandas clásicas, que salen y tienen que tocar los hits, tratan de experimentar y cambiar su color y no se puede, tienen que salir con su música que ya es conocida, entonces esa es una ventaja para las bandas nuevas, The Answer los conozco, andan buscando cambiar siempre y no se acepta hoy en día, pero ese es el artista verdadero, yo soy así, así me considero, siempre ando buscando cosas nuevas, diferente modo de pensar y experimentar musicalmente.

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Es una lástima para este tipo de bandas porque los fanáticos “clásicos” les dan la espalda porque dicen que si suena igual para qué escucharlo. Y yo les digo “No suena igual, suena parecido por su influencia, pero no igual”. Desafortunadamente los fans no les dan la oportunidad que se merece.

 Eso refiere a la pregunta anterior, lo que tienen que hacer es salir y tocar y tocar, aprovechar de que tenemos la oportunidad de que podemos mostrar lo que estamos haciendo, yo a mi edad, a esta etapa de mi carrera lo sigo haciendo, salgo y toco canciones nuevas que nadie conoce y me doy cuenta de cuál es la música que tiene resultado y cuál no y me quedo con la que me da más resultado, pero eso es lo bonito, la música es en definitiva, no tiene final, es infinita, se sigue buscando, y si algo se escucha parecido pues se escucha parecido y ya, son 7 notas.

Si nos ponemos a pensar psicológicamente a estudiar todo, ya ha pasado todo, si comparas el jazz, el clásico, lo afrocubano ya se ha hecho de un modo u otro, esa es la influencia, es lo que agarramos ahora y como que lo mezclamos y también es cómo uno interpreta la música en el escenario, el mensaje, la melodía.

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Esta pregunta tiene que ver con algunas atrás, en algunas plataformas como Netflix, HBO, etc, han sacado series en donde su música me transporta a los ochentas, muchos niños escuchan eso y preguntan, qué banda es esa, y es Faster Pussycat por nombrar alguna, y otra vez vuelve y resurge algo que jamás creíamos ver, generaciones muy jóvenes con sus playeras de bandas ochenteras, ¿Que opinas de esto?

 Me encanta, yo me divierto con eso, fue una era en la música que fue muy bonita, fue mi etapa favorita, tengo muchas memorias de esos años, me encanta escuchar esa música principalmente en esos medios, y que las generaciones nuevas se den cuenta, mi hija que tiene 19 años también, a los 14 o 13 andaba con sus vinilos de Led Zeppelin, The Beatles, The Rolling Stones, se metió en la música, lo que es muy bonito y es mágico.

Has estado en muchos proyectos, en grandes bandas, dime cuál sería tu super proyecto de ensueño con músicos vivos, el que tú digas, quiero tocar con ellos sin importar el nivel, para mi sería todo un honor tocar con ellos.

 Bueno Robert Plant y Jimmy Page, Paul McCartney, tengo a mi amigo Darryl Jones tocando con los Stones, con Steve Lukather, uno de mis favoritos.

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Me atrevo a decir que en la voz dirías Steven Tyler

 Si, por supuesto, me conoces bien, me encantaría tocar con Aerosmith, es de mis bandas favoritas, Steven Tyler es otro nivel, estuvimos de gira con ellos y lo conocí, lo que hacen es increíble, su voz, él se entrega completamente, te conecta, en la batería Tommy Aldridge de nuevo, o Deen Castronovo en batería y voz, o Simon Phillips, Brian Tichy, son tantos, en los teclados he tocado con muchos, Jon Lord me encantaría pero ya se nos fue, Rick Wakeman, he tenido como pianista a Greg Roby, en general sería, Greg Roby en el piano, Steve Lukather en la guitarra, Simon Phillips o Tommy Aldridge en la batería, Steven Tyler en la voz y yo en el bajo y voz, me encantaría hacer algo así, que bárbaro.

Ha cambiado mucho la forma de componer y grabar música desde el primer disco en que hizo parte hasta el nuevo disco New Direction?

 Bueno, ahora mismo te podría enseñar en mi celular cuantas ideas, puede ser un coro, una letra, o una melodía, tenemos la facilidad de documentar las cosas en nuestro teléfono, en mi casa tengo un piano y si se me ocurre algo, pum, pongo el teléfono toco 2 3 partes, sale una idea, son semillas, luego llego al estudio a escribir, yo tengo que trabajar con otra persona, para mi se me dificulta mucho solito, necesito un ingeniero, un músico o un productor porque en ese momento empieza la energía, es una conexión humana, una conversación musical, me abre las puertas más rápido.

Cuando estoy sólo es un poco limitado porque todo viene de un ángulo nada más, en cambio llega otra energía y poom, se abre la puerta, así soy yo, y con Soren (Andersen) tengo esa energía, es increíble, nos sentamos y en una hora tenemos 2 o 3 canciones, rápido, es increíble, la facilidad ahí está, llegamos y con Protools nos sentamos y ponemos la batería, ideas ideas, luego las escuchamos, cambiamos, les metemos arreglos, ponemos la letra, o sea que es un proceso más rápido, pero lo que está pasando ahora que es lo que estamos haciendo nosotros es escribir las ideas y luego traemos a los músicos para que escuchen, hacen su tarea, hacen sus notas y empezamos a tocar en vivo lo que para mi es muy importante porque ya cambian los colores, también los arreglos, cambia la energía, eso es lo que hacemos, siempre terminamos con veinti tantas ideas y luego escogemos cuales vamos hacer, luego llegamos a 15, de 15 a 12, de 12 a 11 y bien, llega un baterista, tocamos y cuadramos.

La energía cambia, y es lo que documentamos, es un proceso mucho más fácil, más económico, más accesible, para la próxima vez ya le dije a Soren que nos juntemos 2 semanas, que traigamos a los músicos y que nos encerremos a tocar, para que fluya la química, ya que en aquellos tiempos en los setentas así era, es una magia, es algo que no podemos identificar, ese factor cuando están 2, 3, 4 o 5 humanos juntos y ver que resulta. Ahora lo que está pasando es que todo el mundo está volviendo a lo análogo para grabar, es lo que yo prefiero, es un sonido increíble, así que estamos haciendo la lucha, para el siguiente no creo hacer un álbum por un buen tiempo, yo creo que será un ep o sencillos ahora, tengo mucha música, ya tengo 4 discos solistas.

Con motivo del lanzamiento del tercer disco de su proyecto solista Liv Sin, tuve la oportunidad de hablar con su líder y reina del heavy metal moderno sueco Liv Jagrell, para que me cuente un poco sobre este nuevo disco y su cierre de historia con Sister Sin. Como siempre tan amable y simpática, esto fue lo que me contó.

– Como surgió recuperar este proyecto, tras 3 años desde tu último disco “Burning Sermons”?

(Liv): Bueno, comenzamos a escribir canciones para el nuevo material y justo apareció la pandemia y todo se paró. Quizás como todas las bandas, seguimos escribiendo separados, porque algo había que hacer y desde el principio, dijimos que íbamos a escribir el nuevo material después de los conciertos de verano con Sister Sin, pero como todo se pospuso casi dos años, me alegro de que hayamos podido escribir el disco con tiempo en nuestras casas.

Además, algo que me pone muy contenta, es que esta vez no tuvimos ningún tipo de presión ni apuro y pudimos experimentar más con los nuevos temas.

– ¿Habéis lanzado algunos singles, pero cuando podemos esperar el nuevo disco de Liv Sin?

(Liv): Si todo va según lo previsto, la fecha estimada es el próximo 27 de enero de 2023.

– ¿Cómo fue la experiencia de volver a girar con Sister Sin en la gira de reunión?

(Liv): Fue muy divertido y pareció como si nunca nos hubiésemos separado, nos lo pasamos genial juntos y fue muy guay sentir que había una energía positiva entre todos los miembros de la banda, ya veremos si podemos hacer algunos shows más juntos, pero dudo que volvamos a editar música de Sister Sin.

– ¿Cómo líder de Sister Sin y de este proyecto, fuisteis parte de una especie de “era dorada” para el hard rock y el heavy metal sueco junto a compañeros como Thundermother, Crucified Barbara e incluso Crashdïet, como ves la escena sueca actualmente y hay alguna banda moderna que te haya llamado la atención?

(Liv): Creo que es muy buena y sigue creciendo, hay bandas nuevas como Eleine, Orbit Culture y Avatar, que son geniales, aunque bueno Avatar no son tan nuevos, pero han crecido mucho en estos últimos años y además tenemos bandas dentro de la nueva ola del black y el death metal sueco que son muy interesantes.

– ¿Qué podemos esperar de Liv Sin para 2023? ¿Vais a hacer alguna gira, festivales de verano…?

(Liv): Eso es justamente lo que espero y deseo, pero por el momento no tenemos mucho planeado ni reservado, es una situación muy extraña tras el covid y las giras son bastante complicadas lamentablemente.

– ¿En el pasado habéis colaborado con gente que son “Heroes” para muchos de nosotros como Doro Pesch, Björn Strid de Soilwork o Jykri 69 from The 69 Eyes, cuál es tu “dueto soñado” que aún no hayas podido realizar?

(Liv): Sin duda Rob Flynn de Machine Head y Dee Snider de Twisted Sister, cualquiera de ellos sería una colaboración soñada para mí.

– ¿Os he podido ver en todas las visitas que habéis hecho a España, hay alguna posibilidad de volver a veros tocar aquí?

(Liv): Si! , España está cerca de ser confirmada para 2023, así que mantén los ojos abiertos y nos vemos allí.

– Liv, muchas gracias por tu tiempo y buena suerte en este nuevo capítulo de tu carrera

(Liv): Muchas Gracias 🙂 🙂

Los Ramones fueron una de las bandas punk más legendarias de la historia, pero en Argentina dejaron una huella todavía más profunda en la escena rockera local, dando lugar a la expresión “punk ramonero”. Y si hay que hablar sobre los mayores representantes de esa corriente en el país, muchos apuntarían sin lugar a dudas a Expulsados, el cuarteto oriundo de Lomas de Zamora comandado por el cantante Sebastián Expulsado.

Más allá de las comparaciones constantes con el cuarteto de Nueva York, que Expulsados parecen aceptar como una marca de honor, el hecho de llegar a las tres décadas de carrera en el rock argentino es todo un logro a destacar. Ahora con su octavo disco El Laberinto de Neblina ya en la calle, pudimos hablar con el encargado del micrófono para que nos cuente los pormenores del presente de Expulsados, su nuevo trabajo y lo que será su presentación del domingo 20 de noviembre próximo en El Teatro Flores.

—Buenos días, gente. Primero, quería felicitarlos por la salida de El Laberinto de Neblina. ¿Cómo vieron la recepción de este nuevo disco? ¿Cómo compararían este álbum con los anteriores?

La recepción fue excelente. A nuestro público le gustó, así que, misión cumplida. El disco sigue la misma línea de los anteriores. Es una fotografía más de un periodo de la banda en el que nos sentimos consolidados como amigos y como músicos.

—Ahora se van a presentar el 20 de noviembre en el Teatro Flores, ¿cómo los tiene la espera hasta la presentación? ¿Cuánta preparación lleva un recital así?

Va a ser la primera vez después de casi 3 años sin tocar en Buenos Aires. Estamos muy ansiosos y con mucha adrenalina contenida. Venimos hace una semana ensayando la lista y practicando algunas de las canciones nuevas para presentarlas en el show. Estamos con todo preparándolo.

—¿Tienen preparado algo especial para este recital?

Va a ser un show largo con canciones de todos los discos y algunos covers. Probablemente incorporemos un amigo en algunas canciones para sumar teclados, algo que no solemos hacer.

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—Incluso con los cambios de formación por los que pasaron, Expulsados llevan casi tres décadas de historia, algo que no se ve mucho en una banda punk (ni siquiera los mismos Ramones estuvieron tanto tiempo). ¿Cómo creen que lograron mantenerse tanto tiempo y siempre fieles a su sonido?

Creo que la fórmula es hacer lo que nos gusta. Siempre lo hicimos y siempre pusimos la música por delante de todo. Disfrutamos cada ensayo, cada gira y cada reunión con la banda.

Nos respetamos mucho entre nosotros y todos tenemos la misma voz y voto en cada decisión que haya que tomar.

Es nuestra vida.

—En estos 30 años, ¿cuál creen que fue el momento más importante de su carrera hasta ahora?

Sinceramente todos.

Hay momentos que marcan más que otros el camino de la banda como ser el lanzamiento de un disco pero disfrutamos cada día y cada ensayo.

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—Hace unos años en una entrevista decían que “la rebeldía del punk no pasa por romper un mingitorio”. ¿Por dónde dirían que pasa en estos días? ¿O es algo que no tiene respuesta?

Creo que el punk vale por su música. La rebeldía es un concepto que se va reformulando según las épocas.

Para mí, hoy un rebelde es el que colabora con las causas que cree justas. Ante la falta de empatía que abunda en nuestra sociedad eso es rebeldía.

—Muchas veces se habla del “no future” del punk rock. ¿Ustedes son de pensar en el futuro? ¿Tienen planes para Expulsados?

Quien cree que no hay futuro debe luchar por que lo haya. Desde su lugar y ayudando a futuros ajenos.

Nada es fácil y nadie te regala nada pero hay que remarla siempre.

Expulsados siempre piensa en el presente y planifica a futuro.

Por delante hay varias giras, nacionales e internacionales. El 3 de diciembre tocamos en Chile y el año que viene volvemos a México.

Queremos que el próximo disco no tarde en llegar así que ya estamos craneando eso también.

—¿Qué tendrían ganas de decirle a la gente que los va a ver el 20 de noviembre en el Teatro Flores?

Que vengan temprano para ver a Charlie 3 (la banda que nos va a acompañar esa noche) y que esperamos que lo disfruten mucho.

¡Muchas gracias por su tiempo!

El metal argentino siempre estuvo mucho más relacionado al thrash, pero es innegable que el power metal tiene un seguimiento más que respetable entre las huestes metálicas argentinas. Uno de los nombres que viene pisando fuerte en los últimos tiempos es Innerforce, banda de Buenos Aires que en septiembre de este año editó su segundo álbum Arcadia y tuvo la oportunidad de acompañar a los escoceses Alestorm durante su gira sudamericana. Nos comunicamos con Martín Puricelli Camps, guitarrista del cuarteto, para que nos dé los detalles acerca de la banda, su presente y su futuro.

– Arcadia viene con un trabajo importante en producción y postproducción, sienten que han logrado una madurez diferente a la de su primer disco en cuanto a trabajo integral y compositivo?

¡En efecto! Mirando hacia atrás, vemos que From Within (nuestro primer álbum) es un disco adolescente, tanto en composición como en producción. Si bien amamos las canciones que lo integran, al compararlo con Arcadia, hay una diferencia abismal.

En primer lugar, nuestra meta es siempre mejorar y parte de ello, es poder mirar objetivamente lo hecho y corregir errores.

Por otro lado Diego Souto, nuestro productor musical, también aprendió muchísimas cosas con From Within y tiene nuestra misma mentalidad! Sin decir que entiende a la perfección hacia donde se dirige musicalmente InnerForce.

Dicho esto, consideramos que luego de estos 4 años de trabajo, hemos adquirido una madurez tal que hace que ARCADIA sea un disco mucho más rico que From Within.

– Cuando escuchaba el disco me detuve bastante en Arcadia, el tema que da nombre al disco. A mí parecer es el tema que puede funcionar como carta de presentación, se notan muy bien las destrezas de cada miembro de la banda. Algo de eso tuvo que ver en la elección del nombre del disco o fue algo más?

De hecho si, fue una canción en la que todos pusimos nuestro granito de arena así que es una canción que lleva la personalidad de cada uno de nosotros. Además durante todo el proceso de la preproducción era la canción que más disfrutábamos tocar, así que así es como el disco lleva su nombre.

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– Si bien son una banda que destaca en el power metal en muchos de los temas de este nuevo disco se notan influencias de deth metal, se animarían a hacer un tema más cercano a ese género?

Bueno! Muchísimas gracias por las palabras! En realidad, nuestro objetivo es poder ofrecer una “paleta de colores” con el correr de la discografia de Inner.
Creemos que los diferentes géneros del metal, pueden también ser utilizados cómo herramientas o “momentos” en determinadas canciones.
Nunca abandonaremos nuestras raíces, pero si pretendemos no caer en una monotonía que aburra.

– El pasado 4 de julio hicieron la presentación de su disco en el Uniclub en Caba, fue un show muy esperado después de dos años. ¿Fue una presentación especial? ¿Qué se siente volver a los escenarios Argentinos?

En realidad, en esa ocasión presentamos la nueva formación, ya que alejo (ex cantante) y tomas (ex baterista) ya no están en la formación actual.
Actualmente somos 4 en vez de 5.
Francisco Pérez Borchiero en voces y guitarras
Martín Puricelli en guitarras y coros.
Agustín Oettel en bajos y coros
Marcelo Schiariti en batería.

– De Argentina a Europa. Son una banda con un gran potencial y sin ánimos de comparaciones ¿Cuáles son las diferencias que notan entre la industria argentina y la europea (Fomento, paga, etc)? ¿Cómo les gustaría que se mueva la escena en el país?

Que pregunta! Jajajaja. De modo de no extendernos demasiado, porque justo esa comparación da para hablar muchísimo, lo cierto es que en países con más estabilidad económica, existe la posibilidad de que, en caso que tu banda guste, te apoyen.
En argentina sucede que tenemos grandes bandas, grandes músicos, pero el espectador muchas veces tiene que elegir en que gastar su dinero, por lo que se dificulta que puedan comprar un ticket + 2 cervezas + cena + merch de las bandas.

– ¿Qué proyectos tienen a futuro? Ya están trabajando en nuevo material?

A futuro nos gustaría mantener las giras. Entendemos que para abrir un mercado nuevo hay que ir, no queda otra opción. Entonces estamos focalizados en que 2023 tiene que ser un año de muchos países recorridos.
Respecto a material nuevo, ¡si! De hecho, somos de la cultura de tener más canciones producidas que las que irán al álbum finalmente.
Es decir, tanto de From Within como de Arcadia, han quedado canciones afuera.
Sumado a eso, en todos estos años hemos generado nuevas composiciones así que en realidad, resta sentarse a trabajarlas con el productor en este verano 2022/2023.

Fotografía de portada: Bel Santos

Al hablar sobre el metal extremo sueco, hay muchos nombres que se nos pueden venir a la mente: Entombed, At The Gates, Dismember y un largo etcétera. Pero la oferta no se termina ahí, como demuestra el power trío Defleshed: formados en 1991 en la ciudad de Uppsala, estos adictos a la velocidad lanzaron cinco álbumes de puro y salvaje thrash / death metal antes de anunciar su separación en 2005. Pero como todo vuelve, en 2021 el grupo anunció su vuelta a los escenarios, lanzando primero un single con dos canciones nuevas y luego sí confirmando todo con Grind over Matter, su primer LP en 17 años. Con motivo de esto nos comunicamos con su cantante y bajista Gustaf Jorde, para hablar sobre la vuelta de su banda y esta nueva obra de metal crudo y directo.

—¿Cómo vienen las cosas en Suecia en estos momentos?

Hemos estado ocupados ensayando para la semana del lanzamiento, cuando tendremos un par de shows. Nos estamos metiendo a fondo en eso ahora mismo, en hacer que las cosas se den. Ya sabes cómo es todo, antes de un lanzamiento siempre hay un montón de cosas por hacer. Así que tratamos de mantenernos y superar todo, básicamente eso.

—Reunir de vuelta a la banda luego de más de 15 años no es algo que se vea todos los días. ¿Qué les hizo querer comenzar de vuelta con Defleshed?

Un par de años atrás le tiré la idea a los otros de si querían grabar un par de canciones, sólo para ver cómo salían las cosas. Todos teníamos un poco de curiosidad por ver cómo sonaríamos hoy en día, después de tantos años, y en ese momento también estábamos preparando una caja de vinilos: pensamos que sería genial agregar un 7 pulgadas nuevo, así cuando abrieran la caja fuera lo primero que vieras y nadie debía saberlo. Ese fue el puntapié inicial para reunirnos y grabar dos canciones. Pero entonces esa caja de vinilos no se dio y pensamos que esas canciones eran demasiado buenas y el proceso había sido demasiado divertido como para tirarlo todo, así que dijimos de sacar estas canciones y ver si podíamos firmar un contrato para sacar un LP con un sello decente. Fue entonces que recibimos esta oferta de parte de Metal Blade que no podíamos rechazar, y fue así cómo se dio todo. Así que cuando grabamos esas canciones no teníamos pensada una reunión, o alguna idea sobre la dominación mundial ni nada de eso: simplemente queríamos hacer música juntos de vuelta.

—Fue algo que simplemente ocurrió.

Una cosa llevó a la otra. Hoy tenemos un álbum, todo ocurrió muy rápido.

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—¿Cuánto tiempo estuvieron trabajando en Grind Over Matter?

Empezamos con las canciones en noviembre último, así que hace menos de un año. Lars comenzó a componer los riffs y las canciones y comenzamos a grabar el 23 de enero, así que fue un proceso muy corto de hacer las canciones y grabarlas. Pero Metal Blade quería sacar el disco en otoño, así que teníamos que tenerlas producidas en marzo, porque el vinilo toma mucho tiempo para prensar. Así que todo debía ocurrir muy rápido.

—Cuando estaba escuchando Grind over Matter, decidí escuchar el resto de los álbumes para hacer una comparación. Y más allá de la calidad de sonido, en mi opinión este álbum podría haber salido justo después de Reclaim The Beat y no habría sonado fuera de lugar. ¿Estaban tratando de mantener ese sonido clásico?

Ese sonido aparece de manera natural cuando hacemos las canciones juntos. Cuando armamos las canciones de Defleshed todos contribuyen a ella, Lars contribuye con los riffs y la estructura de la canción, luego yo le agrego las letras y los patrones, y entonces Matte agrega lo suyo así, así que ninguno de nosotros podría hacer una canción de Defleshed por sí solo. Tenemos que estar los tres en ese proceso, y eso le da ese sonido especial incluso si no lo buscáramos, así que se da de manera natural. Lo que queríamos esta vez era darle algo nuevo, no podemos hacer el mismo álbum una y otra vez, no queríamos hacer Fast Forward 2.0. Así que necesitábamos tener canciones nuevas y un toque fresco para hacerlo relevante, y creo que es un balance: tenemos que sonar como lo hacíamos en esa época pero también necesitamos sonar frescos, y creo que lo logramos esta vez.

—Hablabas acerca de los otros miembros, y creo que es muy interesante que hayan sido casi las mismas personas durante años y años.

Sí, cuando estás separado por 17 años es muy fácil estar juntos. [Risas].

—Sí, pero incluso antes que eso.

Sí, eso es porque si eres un trío es muy complicado reemplazar a uno de ellos: cada miembro es una parte grande de la banda. Nuestro sonido está basado en nosotros tres y no podríamos cambiarlo, no hay razón para hacerlo. Defleshed son estos tres tipos y nada más, si alguno de nosotros no hubiera estado de acuerdo con grabar o reunir a la banda no lo habríamos hecho. Así que es lo que es, esta banda son tres tipos: tómalo o déjalo.

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—Cuando estaban componiendo este nuevo álbum, ¿qué fue lo que los inspiró?

Musicalmente, Lars no está muy al tanto de la música nueva: él está metido en el thrash y heavy metal de los ochentas, AC/DC y los riffs a lo Angus Young, y a eso le agregamos velocidad y energía, y eso es básicamente todo. En lo que a mí se refiere y las letras, no sé si me inspiró pero no quería las mismas letras de vuelta. Todas las letras son acerca de la paradoja de la humanidad, que es la especie más inteligente y a pesar de eso somos tan estúpidos, que transformamos el mundo en mierda. Esa fue la base, básicamente.

—Estaba pensando sobre lo que decías de no querer hacer el mismo álbum una y otra vez. Cuando Defleshed se separó originalmente en 2005, eso fue hace mucho tiempo, así que cuando se reunieron y comenzaron a tocar, componer canciones y grabar, ¿sintieron que algo había cambiado?

Sí, eso creo. Todos tenemos perspectivas nuevas acerca de las cosas y perspectivas nuevas sobre los otros, hemos estado metidos en otros proyectos musicales, en bandas y demás en todo este tiempo. Para nosotros todo este periodo de tiempo pasó muy rápido, creo que la banda ahora está más saludable que nunca porque tenemos nuevas perspectivas ahora y estamos conectados. No discutimos mucho, hacemos todo en consenso, es muy fácil arreglárselas porque no tienes que lidiar con muchas personas, son sólo otros dos tipos.

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—Casi todos los álbumes de Defleshed son bastante cortos, tienen dos discos que duran menos de media hora. Este no es tan corto pero va por ese lado, ¿eso es algo que buscan desde el comienzo? ¿Esa experiencia rápìda y veloz?

¡Sí! Básicamente, en la música cortamos todas las cosas innecesarias: no hay elementos atmosféricos, no hay solos. No sé, nos comprometemos a que todo sea más corto, dejamos afuera todo lo que sea innecesario, porque eso agrega a la intensidad. Y cuando tienes esa música intensa, eso no es algo que puedas estar escuchando por mucho tiempo, las canciones deben ser más cortas. Y esta vez estaba en el contrato que debíamos entregar 34 minutos y lo hicimos con precisión de segundos. [Risas]. Pero creo que si lo comparas con Reign In Blood, un álbum de verdad excelente de 29 minutos, no necesitas más que eso, esa es la manera que lo veo. Tratamos de mantenerlo corto y preciso, y dejar a la gente con una sorpresa. Si el álbum durara 45 minutos, creo que no habría un factor sorpresa porque la gente comenzaría a aburrirse.

—Luego de lanzar el álbum, ¿cuáles son sus planes como banda para el futuro?

Bueno, el día de la edición vamos a estar tocando en Uppsala, nuestra ciudad natal que es también la misma ciudad donde dimos nuestro último recital, así que volvemos y tratamos de tener una velada especial. Y al día siguiente tocaremos en una ciudad sueca llamada Karlstad, que está un poco más cerca de la frontera con Noruega. De ahí daremos algunos shows puntuales por Suecia, iremos a Alemania para un festival a fines de noviembre, y luego en diciembre iremos a Japón. Eso es lo que tenemos para este año, para el siguiente estamos negociando algunos festivales ahora mismo. Son shows especiales, no nos vamos a meter en giras de cinco semanas ni nada de eso: los festivales y las giras de una semana están bien.

—He hablado con muchos músicos y esas giras de cinco semanas son imposibles en estos días.

Sí, tienes que tener una banda profesional. [Risas]. Tenemos nuestras obligaciones, yo tengo mi negocio, Lars tiene sus obligaciones y Matte también, no podemos estar alejados de casa.

—¿Qué te gustaría decirle a todos tus fans en España y Latinoamérica?

Escuchen nuestro nuevo álbum Grind over Matter si están preparados para una buena cachetada. [Risas]. Todos necesitamos una de vez en cuando, cuando las cosas y el mundo se están viendo como se ven siempre podemos usar algo de energía extra para que nos golpee un poco.

Provenientes de Barcelona y mezclando toda la furia del death metal, el grindcore y el hardcore punk, Ósserp se vienen haciendo un nombre en el mundo de la música pesada nacional desde que dieran sus primeros pasos hace casi una década. Habiendo editado su tercer álbum Els nous cants de la Sibil·la este 19 de agosto, tuvimos la oportunidad de hablar con el quinteto y que nos contaran los detalles detrás del disco y sus temas líricos.

Ósserp se encuentra próxima a cumplir 10 años. ¿Cómo surgió la banda?

Ostia 10 años ya… ¡no había caído en esto! Pues la banda se formó como un mero pasatiempo entre Alex (batería) y yo, durante un cierto tiempo anterior al 2013 ensayabamos sin ningún tipo de pretensión, no fué hasta la llegada de Xavi (Cantante) y Dani (ex-bajista) que nos pusimos el nombre y empezamos a grabar y tocar en directo, a partir de allí en 2016 se incorpora Vali (cantante) sustituyendo a Xavi que se fue a vivir a Euskadi, y en 2017 entra Benja (guitarra/bajista) y a la vuelta a Barcelona de Xavi ya nos quedamos con la formación actual. 

¿Cuáles eran los objetivos 10 años atrás y en qué punto se encuentran hoy en día en relación a aquello?

No tiene nada que ver, al principio solo era quedar para pasar el rato y tocar música, 0 pretensiones, con el tiempo nos lo empezamos a tomar mucho más en serio, y seguramente cuando sacamos el primer disco ahí ya vimos que la reacción de la gente era más intensa, y desde entonces, nos tomamos todo lo del grupo lo máximo de profesional posible, teniendo en cuenta que no vivimos de esto y que sigue siendo una cosa amateur, pero ha cambiado como la noche y el día desde el inicio. 

Tienen, sin contar el presente disco, dos trabajos de estudio, ¿Qué pueden decir en relación a cada uno de ellos, mirando en retrospectiva y con el paso del tiempo?

El primero “Sang i Sutge” seguramente era más una recopilación de canciones que teníamos hechas, y seguramente no había mucho concepto detrás, aunque recuerdo la grabación del mismo con mucha estima, fué muy divertido, con muchos amigos en el estudio etc… “Al meu pas s’alça la mort” fué algo más complicado, cambios de miembros, un tema serio de salud, etc… Fue más complicado de componer y grabar, con Benja que entró casi para entrar al estudio, pero nos flipó como quedó y a mucha gente le gustó. El actual hemos tenido una pandemia de por medio, 2 años muertos, así que ha sido una experiencia bien extraña, pero teníamos claro que disco queríamos hacer, y creíamos que funcionaría, pero seguramente no pensamos que llegaría a tanta gente de repente. Incluido otros países. 

Comparando al Ósserp del 2013/2014/2015 con el Ósserp del 2022 ¿Qué cambios hubo, si es que hubo alguno?

Un poco lo que te decía antes, seguramente ahora nos tomamos todo de una forma bastante más profesional, todo lo que se puede, sabiendo que no vives de la música, pero seguramente el mayor cambio sea ese, pensamos todo con mucha más antelación y está todo más meditado. 

Ahora si, enfocándonos en Els nous cants de la Sibil·la, tuvieron que pasar 5 años desde el último lanzamiento, ¿Qué pasó en ese lapso de tiempo?

¡Pues una pandemia! 2020 y 2021 han sido 2 años muertos. El disco ya estaba totalmente compuesto a finales del 2019, principios del 2020. Llegó el Covid, y se fueron todos los planes a la mierda. Lo grabamos en verano del 2020, y como veíamos que la cosa no avanzaba ni volvían los conciertos, pues nos lo tomamos con calma para mezclar, masterizar, etc… En el 2021 decidimos que si no se podía tocar de forma “normal” no tocaríamos, así que nos plantamos en el 2022 y por eso ha salido el disco ahora. 

¿Cómo fue el proceso de composición?

Muy diferente de las otras veces, los otros discos, normalmente componíamos yo y Alex (batería) y Xavi (cantante) hacía las letras, pero al entrar Benja y tener también a Vali, al final lo compusimos entre los 5, con lo que había muchos más inputs, más discusiones, y muchas más visiones, cosa que ha hecho que el la música se ha enriquecido muchísimo. 

Han expresado que el disco trata sobre la insignificancia del hombre en el universo, ¿Es un trabajo conceptual? ¿Pueden desarrollar un poco esta idea que transmite el disco?

No, el disco no es un disco conceptual, simplemente es una recopilación de historias que sí que pueden tener un nexo de unión pero que no fue escrito de forma premeditada. Es como en los libros de cuentos que le ponen un título y una portada que englobe un poco todo. Lo que sí es verdad es que visto en perspectiva e intentándolo definir en pocas palabras sí que adquiere una imagen como de disco conceptual.

En general todas las letras de Ósserp hablan de los típicos temas que tratan las religiones o plantean respuestas a las típicas preguntas que se hace el hombre, como quiénes somos y de dónde venimos. Siempre visto desde un punto de vista fatalista y oscuro. La verdad es que considero que lo más bonito de las letras es el cómo se explican las cosas más que lo que intentan explicar, pues suelen ser también temas muy abiertos. El hecho de que estén escritas en catalán tampoco ayuda, pero también es algo que lo hace más bonito, pues al ser nuestra lengua materna tenemos muchos más recursos… así que, animamos a cualquiera que  no entienda una mierda de catalán que pruebe con el traductor de Google, catalán-castellano funciona bastante bien, igual que con el inglés.

A su vez, esta temática está relacionada con la Sibila, personaje de la mitología griega y romana, más específicamente con el canto de la Sibila, que anuncia el fin del mundo… ¿Cómo nace la idea de hablar sobre esto?

La idea que tuvimos cuando formamos el grupo era intentar hablar de cosas más o menos trascendentales pero de una forma atemporal, que no se pudiesen contextualizar en un momento histórico concreto. Una buena forma de conseguirlo era intentar escribir leyendas; historias ficticias con moralejas y para hacerlo todo un poco más personal nos inventamos un ser mitológico que es el Ósserp y que usamos a conveniencia. Como el disco se puede entender como un conjunto de leyendas. Nos dimos cuenta de que había 2 conceptos que se desarrollaban en las letras, uno era la insignificancia del hombre en el tiempo y el otro ciertos aspectos esenciales que nos definen como humanos como la ira, el miedo, el deseo de poder, la obstinación y que a su vez son autodestructivos… Els cants de la Sibil·la es una celebración protocristiana que aún se sigue celebrando en algunos sitios de las islas Baleares y por Catalunya (aunque no sé si en Catalunya se ha recuperado), y que vienen a ser algo así como que alguien viene anunciando el fin del mundo. Llegados a este punto es fàcil ver la relación, ¿no? El nexo de unión entre todas las canciones es hablar del fin o de cómo nos dirigimos hacia él. Y Bueno la idea de meter a la Sibil.la por aquí es porqué nosotros somos del mediterráneo y hablamos de cosas que nos son próximas tanto cultural como geográficamente… hablar de vikingos, trolls, zombies… nos queda demasiado lejos. Estos guiños a la cultura clàssica y la cultura judeocristiana los puedes encontrar en toda nuestra discografía.

¿Cómo se relaciona el canto de la Sibila con la insignificancia del ser?

Como he comentado, Els Cants de la Sibil.la es una serie de cantos en los que se habla del fin de la humanidad. Nosotros le hemos añadido el “nous” (nuevos) que vendría a ser “Los Nuevos cantos de la Sibil.la”. hemos escrito 9 canciones donde se abordan temas como la insignificancia del hombre en el cosmos y de lo autodestructivos que somos llenos de pasiones viscerales… yo creo que pega bastante con la música, tampoco hace falta entender mucho lo que decimos como para que te transmita ese mal rollo de “ostia, se me ha ido de las manos y he entrado en barrena, voy de cabeza al precipicio”.

En cuanto a lo meramente musical, se habla de death metal, de death grind, de pasajes black metal… ¿Ustedes creen pertenecer a un estilo particular, o se identifican más con algún género o subgénero?

La verdad es que no, intentamos mezclar todo lo que nos gusta sin ponernos ninguna etiqueta ni corsé a la hora de componer, nos da igual en donde se nos encuadré. 

¿Cómo fue el proceso de grabación del disco?

Un poco convulso, porque fue la primera vez que componíamos entre los 5 entre el local, que Benja (guitarra/bajo) componía también temas, con lo que alteró un poco lo que veníamos haciendo habitualmente, después llegó el covid que aún lo complicó todavía más. El disco se grabó en agosto de 2020, justo en la primera salida del confinamiento. Después decidimos grabar las voces por nuestra cuenta y yo (Dani) me pase el resto del año trabajando en mi casa en bastantes temas de producción. Una vez terminé, Aleix Archs mezcló el disco durante el 2021 y después Arthur Rizk lo masterizó a finales del 2021. Casi hemos invertido un año en el proceso. 

El sonido es un punto alto en el disco, mucha nitidez y peso, expresando tal vez lo que el contenido lírico reza. Trabajaron con Alex Archs en Estudi Labedoble, ¿Qué pueden decir de tal experiencia?

Llevamos trabajando con Aleix desde el primer EP, siempre ha sido la persona de confianza en el estudio, y siempre se involucra al 1000 en la grabación, en la búsqueda de sonidos, en la mezcla, con lo que él va creciendo junto a nosotros y creo que se ve claramente en el trabajo, es de los mejores ingenieros que conozco. 

A su vez, el mastering estuvo a cargo de Arthur Rizk, conocido por trabajar con bandas como Pissgrave o Power Trip… ¿Cómo llegan a él y qué pueden decir del resultado final?

Yo seguía a Arthur desde hace bastante tiempo, de hecho ya habíamos intercambiado emails e ideas en 2019, incluso nos vimos en persona en un viaje que él realizó a Barcelona para tocar con una de sus bandas, después llegó el Covid y se fue un poco al traste los planes originales que teníamos con él, y al final solo pudo realizar el master, pero hemos quedado muy contentos y hace relativamente poco nos volvimos a ver con el, en en el concierto de Eternal Champion en Barcelona, y ya hemos quedado que para el próximo disco seguro que se va a involucrar más a fondo. 

Del mismo modo, y siguiendo la línea del resto del contenido, la portada, el arte de tapa es de gran nivel ¿Cómo llegaron al diseño y contenido?

Lo mismo, a base de seguir muy de cerca el trabajo de varios diseñadores al final nos decantamos por Paolo Girardi porque queríamos hacer algo más colorido y la verdad es que es un genio, mucha gente ha entrado al disco, gracias a su portada. 

¿Cómo fue la recepción de Els Nous Cants de la Sibil-la?

Hasta ahora más que bien, está funcionando muy bien en USA y en otros países europeos, hemos salido en bastantes medios especializados internacionales, el disco lleva un número de escuchas digitales que nos parece una locura con lo que entendemos que todo está funcionando más bien de lo que teníamos en mente. 

¿Qué planes tienen para su presentación?

Vamos a realizar un concierto de presentación en Barcelona, en octubre, junto a Altarage y 3 bandas más, y después esperamos poder tocar tanto como podamos en el estado español y algún que otro país más, ya tenemos unas cuantas fechas cerradas y estamos en proceso de cerrar más, vamos a estar o a intentar estar bastante ocupados al menos hasta el verano del 2023

¿Y qué planes tienen a futuro como banda?

De momento disfrutar del disco, ver a dónde nos lleva, y volver a tocar en directo lo máximo posible, que es algo que echamos mucho de menos después de los 2 años del Covid de parón.

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Tener que ser el sucesor de una leyenda es siempre un desafío, y eso es exactamente lo que le pasó a Edu Falaschi: el cantante ya tenía una larga experiencia en bandas como Mitrium y Symbols, pero es seguro decir que su gran momento se dio cuando fue seleccionado por Angra para reemplazar a André Matos en el 2000. Aunque era un puesto complicado y eventualmente se terminaría yendo no de la mejor manera, es seguro decir que el oriundo de São Paulo ocupó el puesto con dignidad, dándole voz a las canciones de los brasileños durante la primera mitad del siglo XXI en cuatro discos. Y habiendo puesto fin a Almah, la banda que liderara durante otra década, el cantante e instrumentista por fin pudo demostrar de lo que es capaz con Vera Cruz, su primer álbum original como solista, lanzado en 2021.

Preparándose para visitar Argentina y presentar el disco el 1ro de diciembre, pudimos hablar con Edu y que nos cuente cosas del álbum, las giras y lo que es la vida del cantante de heavy metal.

—¿Cómo vienen las cosas en este 2022? Me imagino que vienen mejor que en 2020, 2021…

Ah sí, muy bien. Estamos trabajando ahora…

—Estuve viendo porque en este año, en 2022, pudiste dar recitales de vuelta, que creo que no podías desde 2020. ¿Cómo fue volver a dar recitales? ¿Cómo se sintió después de tanto tiempo?

Bien. Mira, es una cosa natural porque yo he estado haciendo esto por 30 años y nos quedamos en casa por dos años por cuenta de la pandemia, pero… las cosas no se olvidan. Entonces es natural para nosotros, que somos músicos profesionales. Pero obviamente el primer concierto después de dos años fue un poco más emocional que los otros, porque es una vuelta. Encontrarse con los fans y poder cantar con los otros, la emoción creo que fue un poco mayor. Pero la parte de la psicología, nerviosa, no pasó nada, pero si fue emocionante porque es encontrarse con los fans de nuevo, en vivo y hacer conciertos…

—Y encima con un nuevo disco, Vera Cruz. Estaba notando que es un disco grande, muy masivo. ¿Cuánto tiempo estuvieron armando este disco?

Tardamos como un año trabajando sólo en los arreglos, y fue un disco que… (Nota del redactor: Piensa un poco) Mira, es mi primer disco como cantante solista, entonces es un disco importante para mi carrera, porque estoy empezando algo nuevo. Yo empecé mi carrera solista con los clásicos de cuando yo era el cantante de Angra, entonces tocamos clásicos de Rebirth, de Temple of Shadows y otros discos. Pero los fans estaban pidiendo algo nuevo, y entonces ciertamente quería algo que tuviese una proporción, una importancia similar con las cosas yo he hecho con Angra. Había una pequeña precisión, y entonces yo siempre quise hacer algo especial, un disco tan bueno como Rebirth y Temple of Shadows. Por eso me quedé como un año componiendo y haciendo todos los arreglos, fue un disco en el que trabajé bastante.

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—Y además, una de las partes más interesantes del disco es que sea un álbum conceptual acerca de… podríamos decir que sobre historia brasileña, pero creo que hay más aparte de eso. ¿Cómo se te ocurrió esta idea?

Yo estaba, como dije antes, comenzando una carrera como solista y estaba completando 30 años como cantante profesional. Pensé que me gustaría hacer algo especial, para los fans y como una forma de agradecimiento y también para devolver todas las cosas buenas que los fans me dieron durante esos 30 años, en especial acá en Brasil. Que obviamente por vivir aquí y ser un cantante nacional, yo siempre digo que es como la base de mi carrera: tocamos en Japón, en Europa, en Latinoamérica, pero vivimos acá, somos brasileros. 

Entonces, por eso, me puse a pensar y a hacer un disco que hablase sobre la historia de Brasil, el nacimiento de Brasil. Y “Vera Cruz” es el primer nombre de la tierra de Brasil, la “Isla de Vera Cruz” porque pensaban que era una isla. Por eso es un disco conceptual, con toda la historia y la parte que también habla sobre el descubrimiento de Brasil por los portugueses, ¿no? Que “descubrimiento” así (NdR: hace gestos de comillas) porque ya había brasileros acá, los indígenas, pero los portugueses llegaron y conquistaron.

—El disco tiene un par de invitados bastante importantes, pero creo que el más llamativo para mí, y para muchas personas, es Max Cavalera en la canción “Face of the Storm”, que es también la canción más pesada del disco, en eso podemos estar de acuerdo. ¿Cómo se dio esta colaboración?

Cuando estaba componiendo las canciones, yo también hacía la parte musical conectada con las letras, ¿no? Como dije antes, es un disco conceptual y hay una historia completa empieza, cronológicamente, desde pre embarcación hasta la última, y esta canción habla sobre la parte de la guerra de una horda maligna, que es una orden europea, contra los indígenas, que es el ejército de Jorge, el personaje principal. Es como una guerra del mal contra el bien, entonces para representar eso estaba la posibilidad de invitar a una persona para representar a la parte de los indígenas, la furia de los indígenas para luchar contra esta orden maligna y también contra la invasión de los portugueses. 

Yo pensé: “¿Quién podría hacer eso?”, porque en la parte musical es una voz agresiva, gutural, que yo no sé hacer, tenía que tener un cantante para hacer eso. Yo pensé que la persona perfecta para eso sería Max, porque es brasilero, podría representar muy bien a los indígenas, la fuerza de los indígenas, y también porque su voz es una cosa magnífica. Todo fue perfecto y la contribución fue perfecta, ¡y también porque es un gran ídolo! Yo soy muy fan de Max, fue como un sueño tenerlo a él en un disco, en eso también.

—Encima hacía rato que Max no estaba como un invitado en un disco. Un tiempo largo, como 25 años.

¡Sí, es verdad! Fue una gran sorpresa que dijera “sí” para el proyecto, hacía como 25 años que no cantaba con otros artistas, entonces fue muy importante para mí tener eso, y me quedé muy contento.

—Una cosa que te quería preguntar, que me llamó la atención. Vos decís que este es tu primer disco como solista. Recordemos la banda anterior, Almah: una cosa que noté es que el primer disco, Almah, tiene tu nombre en la tapa, pero creo que vos no considerás eso como un disco solista. ¿Cómo definís que Almah es una banda y esto es tu carrera solista?

Yo siempre digo que Vera Cruz es el primero de verdad porque en 2006 había una idea de hacer una banda, es por eso que Almah está en grande, como el logotipo de una banda, y en pequeño está “por Edu Falaschi”. Fue una cuestión más de marketing, para que los fans supieran que Almah era un proyecto del cantante de Angra, porque yo estaba en Angra, más por eso. Pero la intención, desde el principio, fue siempre hacer una banda, entonces no era un proyecto solista.

—Entonces esto es oficial, es Edu haciendo su disco.

Y también otra cosa: con Almah yo estaba cantando con Angra al mismo tiempo, entonces yo era el cantante de Angra, no un cantante solista. Ahora con Vera Cruz yo estoy completamente solo, no hay otra banda, no soy cantante de otro proyecto. Entonces solamente “Vera Cruz” y solamente “Edu Falaschi” en el marketing, por eso es más natural decir que este disco es el primero como cantante solista.

—Vas a venir a la Argentina el 1ro de diciembre. Hace rato que no venías a Argentina, no sé si recordás cuándo fue.

Sí sí sí, con Angra tocamos en el Teatro Flores. ¿Existe todavía?

—Sí, sigue estando.

Muy bien, muy bien. Porque recuerdo que los conciertos estaban siempre muy llenos de gente y los fans muy locos cantando todo, los fans contentos, los fans felices. Entonces ahora al volver a Argentina en diciembre yo espero eso de los fans, la energía. Vamos a cantar básicamente las canciones que yo ayudé a construir con Angra y vamos a tocar de todos los discos de Angra que yo grabé como Rebirth, Temple of Shadows, Hunters and Prey, Aurora Consurgens y Aqua. Y obviamente canciones de Vera Cruz, entonces va a ser un concierto lleno de clásicos y mucha nostalgia también.

—Después de esta gira, de presentar el disco, ¿tenés planes a futuro?

Sí, claro. Estamos ahora en un 70% de la gira. Vamos para Japón, a Latinoamérica con México, Chile y otros países. La idea es que después de terminar ya empezar el próximo disco, empezar a trabajar y también, obviamente, lanzar el DVD que hicimos acá en Brasil, en São Paulo, que va a ser un blu-ray, que todavía estamos produciendo y que creo que en marzo o abril vamos a lanzar. Y después un poco más tarde lanzaremos el disco nuevo, ese es el plan. Y después más giras.

—Es un trabajo constante.

Sí, non stop.

—¿Qué te gustaría decir a los fans en Argentina y a nuestros lectores?

Me gustaría invitarlos a todos. Toda la información del concierto del 1ro de diciembre en Buenos Aires está en mi sitio oficial edufalaschi.com.br. Va a ser una cosa buena cantar conmigo, por ejemplo (NdR: Edu toma la guitarra y comienza a tocar “Nova Era” del disco Rebirth) Somehow I know / The things are gonna change. Muchas canciones, y también canciones de Vera Cruz como (NdR: comienza a tocar “Rainha do Luar”) Glimpse of holy nature / Silence comes to sing. Entonces así va a ser un concierto muy especial, mucha nostalgia y emoción. Entonces, vamos todos juntos y nos vemos muy pronto.

El hardcore en Argentina sigue dando pelea a pesar de las adversidades, como podemos ver con los chicos de Infierno: el cuarteto se estará presentando en el Viuda Negra Fest Vol. 1 este sábado 8 de octubre, como parte de la presentación de su disco Sembrando El Terror. Por ello nos comunicamos con Martín Marinoni, guitarrista y fundador de la banda, para que nos cuente más acerca del grupo.

Martín Marinoni

—¡Buenas, Infierno! ¿Cómo se encuentran al momento de esta entrevista?

¡Hola! Muchas gracias por su tiempo y por darnos un espacio en el sitio, lo valoramos muchísimo. Estamos muy bien! Con muchos proyectos como banda y nos prestamos este sábado 8 de octubre a presentarnos en nuestro ciclo “Viuda Negra Fest Vol. 1” en el que estaremos acompañados por bandas amigas y por emprendedores de la cultura independiente.

—En sus palabras, ¿cómo describirían el sonido y las ideas de la banda?

Te podemos decir sin dudar que es simplemente hardcore; con un mensaje directo sin poesías que suenen lindas sino más bien un mensaje que sea claro y que quede dando vueltas en la cabeza de quienes nos escuchen. Musicalmente tratamos que sea contundente, con cambios de ritmos y tratamos que te vuele la cabeza.

—¿Cómo describirían las letras de Sembrando El Terror?

Las letras van desde el despojo y la masacre de los pueblos originarios hasta las frustraciones que vivimos día a día. De alguna manera al escucharnos te estamos alentando a seguir sin bajar los brazos.

—Venían dando muchos recitales hasta que se declaró la pandemia, ¿cómo se vive la vuelta a los escenarios?

En un estilo como el nuestro es fundamental tener ese contacto y comunión con el público. El hardcore tiene ese ingrediente que casi ningún otro estilo lo tiene, nosotros lo vivimos con mucha alegría y con mucho compromiso.

—¿Cómo ven la escena hardcore actual en Argentina?

Hay muchas bandas muy buenas, que suenan muy bien tocando todos los fines de semana aquí en Argentina. Así que mientras eso suceda todo va ir bien. Hay muchas propuestas y eso hace que se mantenga en movimiento todo. Eso es lo importante para que la escena nunca muera. 

—¿Cuáles son los planes a futuro de Infierno?

El futuro más que nada es nuestro presente, estamos terminando de grabar nuestro nuevo EP de 5 temas en los estudios Warehouse de Fito Norando. Aún falta pero eso nos va dar el pie para poder presentarlo en 2023 por todos lados donde sea posible.

—¿Qué quisieran decirles a sus fans y a nuestros lectores?

¡A seguir dándole pelea a la vida! Es complicado pero de eso se trata de seguir adelante. Que pueden escucharnos en Spotify, YouTube y que si pueden asistan a nuestros shows que siempre tratamos siempre de dar lo mejor y seguramente quedará nuestro show en la memoria.

¡Muchas gracias Martín y staff de Track To Hell por brindarnos este espacio! ¡Abrazo!

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Tuvimos la oportunidad de hablar con Nicolás Quinteros, tecladista y miembro fundador de la banda chilena de metal progresivo Delta, quien se encuentran próximos a presentarse el viernes 24 de marzo en Buenos Aires, Argentina, como parte de la promoción de su nuevo álbum Fears (2021), el primero con la cantante argentina Paula Loza.

— ¡Buenas, gente de Delta! ¿Cómo se encuentran en estos momentos?

¡Buenas Track to Hell! Muchas gracias por este espacio. Estamos muy contentos y emocionados de poder pisar tierras argentinas con nuestra música y también de poder estar aquí compartiendo con ustedes. Expectantes de lo que viene.

— ¿Cómo presentarían a Delta a alguien que no los conoce?

Bueno, creo que podríamos decir que es una banda de rock/metal progresivo muy dinámica, con una una muy potente y versátil voz femenina. Con influencias muy diversas, de muchos colores, pero de corazón oscuro jaja.

— ¿Cómo se da el proceso de composición en Delta?

Bueno, normalmente presentamos ideas ya bastante avanzadas por cada uno al momento de compartirlas con el resto de la banda. Luego de eso vamos viendo que ideas funcionan mejor, las vamos adornando y alimentando en conjunto y con respecto a las letras, pasa algo similar. Lo importante es que haya algo interesante que decir.

— Las letras de Fears parecen tener cierto tono reflexivo. ¿Cómo las describirían? ¿Hay alguna temática en particular que buscaron para este disco?

En general nuestras letras hablan sobre cómo vemos el mundo, como dices tú, bastante reflexivas. Sin embargo hay algunas otras que son despechos o quizás críticas sociales. Nos gusta hablar de lo que está sucediendo, de lo que nos rodea y ponerlo en tela de juicio en nuestras canciones. Creemos que es importante cultivar el pensamiento crítico y generar conciencia.

— En una entrevista anterior mencionaron que un problema importante por el que pasaron fue el constante recambio de cantantes. ¿Fue por esto que pasaron ocho años entre The End of Philosophy y Fears? ¿A qué se debieron estos recambios?

Si, el año 2014 separamos caminos con Felipe (1er vocalista de la banda) y fue muy complicado lograr alguien que tuviera los elementos musicales que nosotros queríamos encontrar en un cantante y, al mismo tiempo, la cohesión con un nuevo compañero de banda. Tuvimos que llegar hasta Córdoba para dar con Paula jaja. No fue nada fácil.

Entre medio de eso lanzamos algunos singles para intentar mantenernos vigentes. No queríamos que se sintiera que la banda había muerto, así que continuamos trabajando entremedio con los cantantes que nos acompañaron en su momento. Luego vino el COVID y esa parte de la historia todo el planeta la conoce jaja.

— Siguiendo con la pregunta anterior, durante mucho tiempo tuvieron cantantes hombres, pero eventualmente empezaron a utilizar voces femeninas. ¿A qué se debió este cambio?

Así es. La verdad es que el registro que manejaba Felipe era de “contra-tenor”. Era muy muy agudo y encontrar alguien que manejara ese registro con tranquilidad era muy difícil. El 2014, luego del quiebre, nosotros teníamos que seguir con los conciertos programados y Consuelo Schuster fue quien nos acompañó en ese momento. Ella había cantado con nosotros como invitada y corista en los discos Deny Humanity y The End of Philosophy, entonces nos fue muy natural invitarla a ella a participar. La verdad es que se dió muy bien la música nuestra con voz femenina, sin embargo Consuelo tenía otros planes artísticos y no pudimos concretar su permanencia en la banda. Fue así como nació la convicción de que la voz de Delta debía ser, idealmente, femenina.

— El metalero argentino promedio no parece pensar mucho en el mundo del metal chileno. ¿Cómo podrías llegar a describir la escena? ¿Qué bandas recomendarían?

Nuestra escena es pequeña y muy orientada al metal extremo. No es mucho lo que hay en el nicho del progresivo. Sin embargo el metal extremo tiene bastante espacio. También está fuerte el mundo del metal instrumental orientado a la guitarra y finalmente el heavy metal más ochentero. Bandas como Alejandro Silva Power Cuarteto, Violent Passion Surrogate, Octopus, Lechuga, Caterina Nix y Nuclear son algunos nombres diversos que se me vienen a la cabeza rápidamente pensando en el metal chileno, pero hay muchas bandas más.

— ¿Es popular el metal argentino en Chile? ¿Qué opinión se tiene de nuestra escena trasandina?

¡Rata Blanca! El gran estandarte del metal argentino en Chile. Yo creo que es lo primero que uno piensa cuando le hablan de metal argentino. Han venido varias veces aquí a Chile con muy buen margen de público y gran show de Giardino y compañía.

En Chile consumimos muchísima música argentina, pero creo que va más de la mano del rock que del metal. Todos conocen a Soda, Charly García, Spinetta, La Renga, Calamaro y tantos otros, incluyendo la música más tradicional.

Ahora, lo que yo he escuchado de metal Argentino, la banda A.N.I.M.A.L. me gusta harto!

— ¿Qué querrían decirles a nuestros lectores y a la gente que los va a ir a ver?

Que esperamos que disfruten del show. Es nuestra primera vez tocando en sus tierras y queremos conectar con ellos a través de lo que hacemos. Vamos con todo, así que no se lo pueden perder.

Nos pueden seguir en las diferentes plataformas como @deltaprogband (Instagram, Facebook, YouTube) y en Spotify (ahí es más difícil encontrarnos). En la página web www.deltaprogband.com están los enlaces a todos nuestros sitios. ¡Los esperamos y esperamos verles pronto!

Muchas gracias por el espacio, chicos. ¡Nos vemos pronto!

Cathartic es una banda tapatía de death metal clásico formada en 2019 por Erick y Jimmy Beltrán a las guitarras, Jimmy Figueroa al bajo y Angel Rosales a la batería. Influenciados por bandas como Bolt Thrower, Carcass y Sadistic Intent y con apenas un par de años de existencia han logrado consolidar un EP (Ceremonial Ressurection, 2021) , numerosas fechas dentro y fuera del país, y más reciente un disco de larga duración lanzado el año pasado y que lleva por título Through the Abysmal Gates of Subconscious por lo que han aceptado a concedernos esta entrevista.

Tenemos entendido que antes de Cathartic, los hermanos Beltrán ya se encontraban colaborando en un proyecto anterior. ¿De qué trataba este otro proyecto y cómo fue que evolucionó en 2019 a lo que conocemos hoy en día? 

Realmente los 4 integrantes originales de Cathartic tocábamos juntos en una banda que existió del 2006 al 2015, llamada Iron Force. En ese lapso de tiempo nuestro baterista Carlos García formó otra banda llamada Imminent Reaper en donde él se encargó de la guitarra y la voz, invitando a mi hermano Deo Beltrán a la otra guitarra y después de un par de bajistas inestables yo entré durante un año a apoyar sus presentaciones en vivo tocando el bajo. Esto sucedió en el 2013. Para el 2015 Iron Force se desintegra después de un acuerdo fallido con un sello que había prometido el lanzamiento del vinil y CD de nuestro álbum debut, quedando guardado para siempre. Ya sin el interés de continuar haciendo música yo me retiré de la escena del metal en Guadalajara. Enfocándome por completo en mis estudios universitarios del 2015 al 2019 mientras mi hermano y Carlos continuaron en Imminent Reaper.

¿Qué nos pueden platicar sobre el proceso de grabación del álbum? 

Fue grabado en Irapuato, Guanajuato, en los estudios Bravesound de Jesús Bravo (Agony Lords) en los primeros días de noviembre del 2021. Estuvimos hospedados ahí varios días durante el proceso para lograr terminar con la captura, días después Jesús se enfocó en la mezcla y lo mandamos masterizar con Tomas Skogsberg de los Sunlight Studios en Suecia.

Sabemos que  además de Tomas, el primer EP fue masterizado por el legendario Dan Swano. ¿Qué diferencias pudieron notar al trabajar con uno y otro? 

Sí, ambos fueron muy amables y agradables con nuestro trabajo. Son realmente dos profesionales que trabajan de forma eficiente y confías completamente en lo que están haciendo. Sin duda algo que pudimos notar es que Tomas mantiene un estilo aún más “Old School” para trabajar y realizar el master, mientras que Dan te da todo un programa a nombre de Unisound para obtener las canciones en diversos formatos o requerimientos (máster para vinilo/master para streaming y CD, wav, mp3, canción por canción o todo de un tirón, etc).

Han tenido algunos problemas para conservar a sus bateristas, ¿a qué se han debido estos cambios? 

Han sido por motivos diferentes. Carlos García nuestro primer baterista y quien grabó “Ceremonial Resurrection” ya tiene una hija y una nieta, tocaba en Maniaca y Fahrenheit en los 90. Después en Soul Possessed, Iron Force e Imminent Reaper. Entonces él realmente ya tenía otro intereses y compromisos, que la música. Con Ángel, quién grabó “Through the Abysmal Gates of Subconscious” fueron diferencias y perspectivas diferentes.

Su primer álbum ha tenido una aceptación nada despreciable por parte de la comunidad metalera en todo el mundo, suponemos qué gracias a la buena distribución que han logrado y que los ha colocado en estantes de Alemania, China e Inglaterra. ¿Cómo es que una banda independiente mexicana logra colocarse en el mercado mundial del metal? 

Gracias por tu comentario. Todo lo que hemos hecho desde un principio ha sido bajo la base del verdadero amor y pasión al metal. Desde la presentación en nuestras portadas, el buscar trabajar con personas más profesionales y de quienes podemos aprender o nos pueden dar un mejor resultado, siempre con la intención de compartir eso con quienes entienden el mismo sentimiento y les apasiona el género. Todo se ha manejado en base al formato físico. El escribir cartas, imprimir CD-r profesionales como demostraciones para sellos, fanzines y metal-maniacos apasionados. Hacer intercambios, ESCUCHAR lo que están haciendo en otras partes del mundo, qué sello lanzó tal o cuál álbum, EP, split, edición en cassette, edición en CD, en Latinoamérica, Europa, México. Realmente es un estilo de vida para nosotros y no solamente de fin de semana cuando nos vemos para ensayar o cuando tenemos que salir en la fotografía o en el anuncio del próximo evento. Todo el tiempo estamos leyendo fanzines, blogs, reseñas, haciendo lista de intercambios, yendo a pasar corajes con Correos de México, haciendo entregas personales de nuestro material y en especial, escuchando música; Heavy, Death, Black, Thrash, Doom, etc. Siento que eso es un gran problema para muchas bandas y músicos de Guadalajara y México. Les importa más su papel de “artista”, “músico”, ser reconocidos en la “escena” a la que pertenecen, ya sea como súper “trves” resentidos o como los súper “influencers”. En lugar de realmente escuchar, apoyar y conocer el trabajo de otros aquí y en cualquier parte del mundo. No solamente en Europa o Estados Unidos.

Acaban de regresar de una exitosa mini gira por Colombia en noviembre del año pasado. ¿Qué nos pueden relatar de esta experiencia?, ¿cómo los recibió el público colombiano? 

Los parceros son de lo mejor. La pasamos muy bien por allá y logramos conocer a personas que ahora son buenos amigos y que esperamos volver a ver pronto. Nos recibieron muy bien y logramos dar a conocer un poco más el nombre de CATHARTIC saliendo a dar la cara , dispuestos a hacerlo en más partes del mundo. El único problema que tuvimos en el viaje fue con las aerolíneas, trasbordamos en Panamá y nuestro vuelo de regreso se atrasó bastante. Ya cansados, con sueño y al final de la aventura ya nomás quieres salir del aeropuerto, haha.

Recientemente han sido incluidos en el line-up oficial del Candelabrum Metal Fest a realizarse en los primeros días de septiembre de este año en León, Guanajuato. Un festival muy joven, pero qué rápidamente se ha posicionado como una de las opciones mejor curadas dentro del país. ¿Qué esperan de su participación dentro de este evento? 

Me da mucho gusto poder formar parte de este festival, desde la primera edición manejaron y trabajaron todo de la forma más profesional, con toda la intención de escuchar a la gente y público asistente. Aunque claro, siempre habrá personas a las que no les guste algo y se la pasen quejando, ya sea por el día que va a ser o el por qué no metieron a la banda del amigo que tiene 25 años de trayectoria y un demo/ensayo grabado. En lo personal esperamos salir a darlo todo, hacer lo nuestro y que más gente conozca a la banda y lo que estamos haciendo. Siempre agradecidos con las personas que nos dan la oportunidad abriéndonos la puerta y con quién esté dispuesto a escuchar nuestro trabajo.

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México se ha visto acribillado por una vorágine de conciertos de metal durante todo 2023, ¿por qué eventos se encuentran más emocionados? 

Sí, sin duda desde que la pandemia terminó ahora se vienen muchos eventos en todas partes, desde lo underground hasta festivales masivos. En lo personal me interesa mucho el Cadaver Fest en CDMX con General Surgery, Perdition Temple, Mortuary, Primordial Rites, Ungodly Rest… También el Candelabrum Metal Fest (como fan) y es muy probable que vaya al “Klash of the Titans” de Testament y Kreator con mi hermano. Ya lo que pueda ir saliendo de eventos locales y si la economía me lo permite, lo voy a ir tomando.

¿Qué opinan de la escena actual tanto de Jalisco como del resto de México?, ¿creen que se encuentre retrocediendo, creciendo o la ven estancada? 

Sin duda ha crecido mucho pero lamentablemente siento que no ha dado el potencial que verdaderamente tiene. Hay muchas envidias, a la gente le parece chistoso y divertido estar perdiendo el tiempo tirando tierra a otros y haciendo memes en lugar de enfocarse en lo suyo. Mucho ardido, creído y llorón. Si a mí no me gusta una banda de entrada la ignoro. No me interesa, entonces no pierdo mi tiempo en hablar mal de ellos o de estar pendiente de lo que hagan. Si una banda me gusta mucho veo la forma de acercarme a ellos, de algún modo, en algún momento, tiempo y espacio. Al final, todos debemos entender que el mundo es muy grande, que nuestras bandas y nuestro “talento” es muy pequeño, cómo para poder abarcar toda la gloria que da la música y el Heavy Metal.

¿Qué otros proyectos, giras o acontecimientos se proyectan para el futuro de Cathartic? 

Tenemos pensado tomar muy pocas fechas para este 2023, por lo que mencionaste de lo saturado que está de eventos y porque queremos enfocarnos a distribuir el álbum a otros países y a componer nueva música. Por el momento solamente está el Candelabrum en septiembre y Ecuador en agosto. Del 9 al 15 estaremos visitando este increíble país al lado de Goath (Alemania) para hacer unas fechas. Hay otra fecha pendiente en agosto pero no me toca a mí confirmar esa información. Por lo pronto es todo.

¿Hay algo más que quieran decirle a sus seguidores y a los lectores de Track to Hell?

Gracias a todos nuestros amigos y a las personas que nos apoyan y han dado buen visto a nuestro trabajo. A ti, por darnos el espacio y tomarte el tiempo de redactar las preguntas y leer mis respuestas. Todo el éxito para ustedes en Track to Hell.

“¡Oh alma mía, no aspires a la vida inmortal, pero agota el campo de lo posible!” – A. Camus.

Colaborador de mil bandas y artistas (Thin Lizzy, Blue Murder, Whitesnake, The Dead Daisies, Ted Nugent y Tim “Ripper” Owens, por sólo nombrar un par), el bajista y cantante mexicano Marco Mendoza es un trabajador del rock, y que de vez en cuando se da un respiro para proyectos propios, como es el caso del Marco Mendoza Trio. Con motivo de la visita a México junto a su banda de jazz, pudimos entrevistarlo y ver su visión de la música y del rock en el mundo moderno.

Marco de nuevo en tierras aztecas, esta vez con Marco Mendoza Trío en un festival de jazz. Cuéntanos un poco de este trío, de este proyecto, ya que por lo general conocemos al Marco Mendoza en su faceta rock, en su faceta heavy, dinos algo de esto.

 Siempre he tenido mucha suerte, viviendo en Los Ángeles me han invitado a muchos proyectos. Yo crecí en Tijuana, soy mexicano, a los 15 años me fui a EEUU pero traía en las raíces la música latina, la afrocubana, el funk, brasileiro y todo eso. Entonces cuando tuve la oportunidad en Los Ángeles a mediados de los noventas, llegaba yo de giras con los proyectos de rock grandes, y tenía tiempo, y fue cuando monté un trío, que se trataba de tocar un poco de fusión jazz, y empezamos a experimentar con canciones conocidas, hacerles arreglos diferentes y como pego, hubo mucho interés. 

Llegaba todo mundo ahí, nombres grandísimos, artistas conocidos mundialmente que llegaban a tocar con nosotros, Chaka Khan, Stevie Wonder, David Coverdale, Ted Nugent, David Lee Roth, muchos, Carmine Appice, muchos bateristas, porque el baterista que traía era Joe Heredia, muy conocido, muy respetado, el percusionista Kevin Chavez, y en el piano pasaron muy buenos músicos pero terminamos con Renato Neto que es un brasileño que terminó tocando con Prince, porque ahí llegó Prince y se lo llevó de mis tocadas. 

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Entonces a mi me fascinó porque, para mí como bajista cantante, me pude soltar un poco e investigar diferentes estilos de música y ritmos y todo eso, y pues hubo mucho interés, Eddie Schwart el promotor y su hermana me conocieron aquí. Yo vine a tocar en un club, Papabeto se llamaba, llego al lugar y les gustó lo que estaba haciendo con Renato y nos invitaron aquí a tocar jazz, esta va a ser la tercera vez ya. Ahora traigo a Hans Zermullen otro pianista muy bueno de Los Ángeles, Enrique Nativitas que es un baterista increíble de México, y con un percusionista buenísimo; a mi me encanta porque es algo diferente, me encanta ponerme sombreros, pensar de otro modo, pero es un proyecto de mucha energía y muchos colores, de los estilos del jazz, funk, salsa, brasilero, blues de todo.

Usted tiene un estilo para tocar muy blusero cuando lo veo en escenario. La pregunta es: blues, heavy, hard, jazz, etc, experimenta usted con muchos géneros, ¿es muy apasionado a la música en general?

 Si, me encanta, me gusta meterme y averiguar como bajista que es lo que tengo que tocar y ver mi objetivo como bajista y he tenido oportunidad de tocar muchos estilos desde que llegué a Los Ángeles, con mucha gente pesada, así que aprendí mucho, a tocar salsa, reggae, blues, jazz, funk, entonces hago arreglos de canciones conocidas, y me divierto mucho haciéndolo.

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Pues me acaba de confirmar que es muy apasionado a muchos géneros musicales, pero ¿cuál es su especial su género favorito de música?

 Ahora es el proyecto que tengo, jazz fusión, pero con funk, colores brasileños, salseros, bluseros, la cuestión es divertirnos y que la audiencia también lo haga.

¿Has escuchado los discos nuevos de tus proyectos anteriores? Por ejemplo, lo nuevo de The Dead Daisies, Whitesnake, etc…

 Un poco, pero sinceramente no mucho porque siempre ando muy ocupado; cuando empezó la pandemia hice 4 proyectos, 4 álbumes, uno fue el mío que salió hace poco el 16 de septiembre, que se llama New Direction, y acabo de hacer casi 70 fechas en Europa, voy llegando hace 2 o 3 días de Escocia, y a veces no tengo el tiempo, cuando llego a mi casa, tengo mis hijos, mi esposa, me encanta compartir tiempo con la familia, como que me desconecto un poco y luego me conecto otra vez, pero si los escucho de a poquitos, digo, siempre voy a ser fanático de Whitesnake, de Thin Lizzy, Ted Nugent, ahorita tenemos un proyecto que se llama Iconic.

Siempre voy a ser fan de The Dead Daisies ahora que están con Glenn Hughes, son familia, somos amigos, pasamos mucho tiempo, convivimos mucho, si me interesa, pero escucho poco porque siempre tengo cosas nuevas, ahora tengo 2 proyectos grandes enfrente de mi que no puedo mencionar, que se van a anunciar en enero o febrero, el año pasado tuve la oportunidad de tocar con Journey, fue increíble, una experiencia hermosa, yo soy fanático de la música, son mis amigos, hermanos, somos familia, nos hablamos, y ahí estamos.

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En el último disco de Black Star Riders, y le pregunto esto porque usted es mexicano, dice el lado erróneo del paraíso, y muestran a México, me sorprendió esa portada donde muestran a México como el lado donde es el paraíso auténtico, y no EEUU, para mí como colombiano y que vivo en México fue una muy agradable sorpresa, no se si lo ha visto?

 No, no, no, explícame por favor.

La portada muestra a México como el paraíso y no EEUU, dando completamente la vuelta a todo lo que la gente piensa de que el paraíso es EEUU, en especial los latinos.

 Que bonito eso, sinceramente la cultura mexicana, hispanoamericana es muy respetada por todo el mundo, desafortunadamente las cosas malas que pasan aquí, les dan más atención, ojalá que pasáramos ya por todo eso, porque a mi me encanta mi país, yo me crié en Tijuana y tengo muchas memorias hermosas, mi papá le encantaba viajar por todo México, viajamos bastante, mi primer gira fue aquí con Martín Mayo de El Ritual en aquellos años era el único grupo de rock en español.

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¿Recuerda en qué año?

 Setenta y algo, tenía yo 16 años, me agarraron y me trajeron a Ciudad de México, aquí fue donde nació mi hijo Marco Rentería que es el bajista de Caifanes. Tengo memorias muy hermosas, muy bonitas, y después me fui a vivir a Los Ángeles y pues hay mucha gente que tiene miedo sinceramente de venir para acá, nosotros sabemos cómo es todo por acá, pero como cultura, la busca la gente de todo el mundo, yo ando sin exagerar por todo el mundo, y a todos les fascina nuestra cultura, ya vista la portada que tengo de mi nuevo disco, ando celebrando la cultura maya, azteca, mexicana por todos lados, el anterior disco que se llamó Viva La Rock, le metí el español, el francés y el inglés, porque yo siento que soy del planeta tierra. 

Tengo muchos años viajando, muchísimos, y a veces caigo aquí y me quedo un rato y salgo de gira por todo el mundo, ahora vivo en Los Ángeles, así que es muy bonito lo que está haciendo Black Star Riders, yo tuve participación con ellos en un álbum, el primero All Hell Breaks Loose y me salió la oportunidad de trabajar con The Dead Daisies que me interesó más, por lo que tú quieras, y salí después del primer álbum, así que buena suerte para ellos.

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Háblanos de tu nuevo y estupendo disco solista New Direction, tanto este como el anterior Viva La Rock, ambos con buenos invitados, excelente producción y sobre todo buen hard rock.

 Es el segundo álbum que sale con el mismo sello, Mighty Music Dinamarca, y lo que resultó fue el primer disco que hicimos con ese sello, mi amigo, mi primer guitarrista cuando salí con el proyecto solista de rock, Soren Andersen, que fue mi productor de mi primer álbum, me divertí tanto, nos la pasamos increíble, resultó muy bien el disco, principalmente en Europa y Japón, queremos venir por Latinoamérica, lo estamos planeando, entonces salió el disco, se vendió muy bien, giré en el 19, y me habló el sello y me dijo, quieres tomar la segunda opción y les dije que sí, por supuesto.

Empezamos a escribir la música en septiembre del 19, luego nos juntamos a principios de diciembre, salimos de gira, llegamos muy cansados, pero escribimos el 80% de las canciones, casi todo terminado, trabajamos en su estudio en Dinamarca, en Copenhague, nos fuimos para navidad a nuestras casas, yo me fui a Los Ángeles, nos fuimos a Hawaii de vacaciones, volvimos y fue cuando pegó la pandemia, quedamos que nos íbamos a juntar a finales de febrero, no se pudo, de repente se cerró el mundo, no podíamos salir, entonces hubo 2 o 3 intentos falsos de juntarnos, y se cancelaron, se cerraron países, no pude viajar y de repente hasta junio del 21 nos sentamos y terminamos, parecía que este año no iba a salir, porque los sellos tienen su diplomacia, sus planes de manejo de dinero, porque también les pegó muy duro.

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El año pasado hice una gira y me fue muy bien, con todas las restricciones, me fue increíble, me puso en el mapa un poco más duro, y entonces este año me empezaron a invitar mucho, acabo de llegar de Escocia, hicimos casi 70 fechas por toda Europa. Me encanta el álbum, tuve ya la oportunidad de escucharlo todo de arriba abajo, y sinceramente sin ser presumido, hay muy buenas canciones, muy buena energía positiva, optimista, que es lo que necesitamos ahora, y parece que la gente que lo baja siente lo mismo, entonces nos está yendo bien, ando muy divertido porque es mi música, y ando cantando con mis letras, mis melodías y mis mensajes sublinguales.

Yo vivo una vida tratando de ser lo más positivo, soy humano y también caigo de vez en cuando, pero gracias a mi sobriedad, no tomo alcohol, no drogas, no nada, ya tengo 35 años de sobriedad, trato de enfocarme en la energía positiva en la vida, principalmente en la pandemia que nos tumbó psicológicamente, espiritualmente, nos tumbó mucho, muchos problemas, así que yo me enfoco principalmente en mi música porque es un vehículo que si se deja ir uno y está escuchando la música, puede meterse y empezar a pensar en la onda positiva.

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¿Cuál es la historia de tu vida como músico?

 Principalmente yo le debo mi carrera musical a mi abuelita, María Luisa Vda de Mendoza Cortés, ella llegó a Tijuana cuando mis padres se separaron, mi padre andaba trabajando mucho, y ella llegó a cuidarnos, llegó con su piano, era maestra de piano, ahí comenzó todo, era maestra de concierto clásico, ahí escuché todo, Brahms, Chopin, Beethoven, y me empezó a interesar la melodía, los ritmos, la armonía, quise meterme al piano, pero yo andaba muy acelerado aquí en el coco, y se me hizo muy difícil porque era mucha disciplina, la música ante clásica tiene el objetivo ser igual, se repite todo, no hay chance de moverse, ya está escrito y hay que repetirlo como está escrito.

Yo no lo sentía, y no me podía concentrar, entonces le dije a mi abuelita, no no no, así que aprendí muy poco, lo necesario para escribir ideas, me retiré y mi hermana fue a la que agarraron para que estudiara piano, y ese fue el primer interés; a mi hermano Carlos le compraron una guitarra acústica para su cumpleaños, aprendió 2 3 acordes, y la dejó, yo me di cuenta que había un libro de música, la agarraba y la escondía, cuando no había nadie me metía en mi cuarto y con el libro comencé a sacar acordes, así fue, con 2 3 4 acordes vi que podía tocar varias canciones con esos acordes; en aquellos tiempos en la radio eran canciones como Gloria, Born on the Bayou de Creedence Clearwater Revival, Proud Mary, Suzie Q, canciones sencillas y así fue cómo empecé.

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Eso fue en los setentas, en la época dorada del rock.

 Exacto, ahí andábamos, una Navidad no recuerdo qué año, pero llegó mi papá con el Abbey Road de The Beatles como regalo, y hasta el día de hoy le doy mis respetos porque ese fue esa fue la caja de pandora que se abrió para mi hermano y yo, boom, nos voló la cabeza, el interés se subió más y empecé a aprender más cosas, a inspirarme, y hasta ahora Paul MacCartney es uno de mis ídolos, mis respetos, tengo mis amigos que tocan con él y no lo he conocido, me han invitado a ir a sus conciertos pero ando en otro país, ando de gira, pero me va a tocar algún día, así fue cómo comenzó.

A mi hermano le gustó más la batería, yo en la guitarra y mi papá se dió cuenta y por tratar de separarnos de las cosas malas de Tijuana nos compró instrumentos para que nos metiéramos por ahí, entonces también fue por mi papá que lo adoro, fue un ejemplo increíble, él tocaba el clarinete, le encantaba la música, entonces empezó a comprar equipo y agregó un cuarto cerca de la casa para que ensayáramos, hizo mucho por nosotros, de repente conocimos a otros músicos hermanos que tocaban bajo y guitarra y nos juntábamos con ellos y empezamos a componer música, esa fue la chispa.

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Nos encontramos con otro grupo que tenía 2 o 3 años más que nosotros, ellos tocaban en las reuniones escolares, en fiestas privadas y su bajista se fue a otra ciudad a vivir, a mi ya me conocían un poco y me llamaron, me dijeron, necesitamos un bajista que cante como tú, ¿tocas bajo? Y les dije “Me imagino que sí”, y me dieron una audición 2 semanas después, me dieron 5 canciones, le dije a mi papá y fuimos a una casa de empeños, y encontramos un bajo muy económico, no tenía marca ni nada.

Me aprendí las canciones, audicioné y me dieron el trabajo, ya tocaba bastante guitarra y en ese momento me di cuenta porque era más fácil cantar y tocar la guitarra al mismo tiempo, cuando empecé con el bajo, se me dificultó cantar, y yo tengo algo, que cuando algo se me hace difícil tengo que sobresalir, no se porque pero me prende, así fue con las matemáticas, se me hacía difícil pero me metía mucho y sacaba buenas calificaciones, entonces con el bajo porque es un ritmo diferente a la melodía, empecé a meterme y me interesó mucho, me enamoré de la música, y 75 años después (risas) aquí seguimos.

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¿Cuál es el soundtrack de su vida, sus 10 canciones favoritas?

 Let it Be de The Beatles, Come Together, Hey Jude de The Beatles, Suzie Q de Creedence Clearwater Revival, All in Love is Fair de Stevie Wonder, Whole Lotta Love de Led Zeppelin, Hush de Deep Purple, cuando salió Black Sabbath se me abrió otro mundo, yo terminé grabando con Bill Ward pero es Iron Man la que me mata, Smoke on the Water de Deep Purple, también Stairway to Heaven de Led Zeppelin, son canciones inmortales, y después Ted Nugent que empecé a trabajar con el, Cat Scratch Fever, In Memory of Elizabeth Reed de The Allman Brothers, Guitar Man Bread, Here I Go Again, Is this Love, In the Still of the Night de Whitesnake, The Boys are Back in Town de Thin Lizzy, y así, son tantas las canciones que es difícil escoger.

Ya sabemos sus canciones favoritas, ahora dime una que tú digas: “Caramba, ¿por qué no escribí esta canción?”.

 Let It Be de The Beatles, ese mensaje lo uso diariamente, así de simple, Let It Be, tolerancia, paciencia, aceptar.

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El último proyecto que escuchamos rodeado de puros maestros se dió hace poco creo yo en el crucero Monster of Cruise, llamado Iconic, junto con Michael Sweet (Stryper), Tommy Aldridge (Whitesnake), Nathan James (Inglorious), Joel Hoekstra (Night Ranger) y por supuesto a quien tengo al lado Marco Mendoza, ¿cómo se dió esta idea, fue en el crucero y ya estaba planeado antes?

 Esto fue algo que resultó durante la pandemia, yo tengo una relación con el sello Frontiers Records, tengo 4 o 5 proyectos con ellos, el primero fue mi primer disco solista Live for Tomorrow fue con ellos, también les debo a ellos mucho respeto, me abrieron las puertas, entonces me habló Mario que trabaja con un amigo de Frontiers y me dijo, tenemos un proyecto en puerta, la verdad es que siempre me andan invitando, porque no juntamos a este músico y a este otro y hacemos algo, hicimos la lucha y no se pudo por cualquier cosa. 

Entonces Joel Hoekstra, Michael Sweet y Nathan James se juntaron con Alessandro del Vecchio y empezaron ese proyecto, empezaron a escribir canciones y luego se comunicó Mario conmigo, que es la mano derecha del patrón de Frontiers, y me dijo, Marco tenemos este proyecto y están escribiendo música y no tienen bajista, te interesaría ser parte de él? ¿Por qué no escuchas la música? Te voy a mandar unas canciones, e inmediatamente me di cuenta de que encajaba, son grandes músicos, mucho talento, Nathan James vocalista increíble y también Michael Sweet, guitarristas geniales, una energía muy bonita, y me mandaron los demos y dije sí. 

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La música ya estaba escrita sólo era montar el bajo, pero no tenían baterista, y me dijeron que escogiera uno, uno de mi gusto, vivo en Los Ángeles y tengo comunicación con todos, sin presumir, escuché la música y me recordó mucho a Whitesnake, esa energía, esos colores, las guitarras, la voz de Nathan entonces les dije, ok ahora me comunico, le hablé a Tommy Aldridge y me dijo, mándame la música y me dijo, que crees si, vamos hacerlo, somos grandes amigos, hemos hecho muchas cosas.

La primera vez que lo vi a usted en México, venía con Tommy Aldridge no se si recuerda

Si, claro, con Yamaha, 2006, Tommy Aldridge es único, sólo existe uno, yo como bajista me conecto con él y hemos pasado mucho tiempo juntos, lo estimo y lo quiero como persona, nos mandaron los tracks y grabamos, la idea original era que yo sólo tocaría los tracks, y empezó a crecer, crecer, crecer, y ahora vamos hacer unos videos para ver que pasa, el resultado ha sido increíble y veremos que pasa.

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Mucha gente dice, entre ellos Gene Simmons, que el rock está muriendo, lógico no es lo mismo que antes, muchos de sus músicos ya no están con nosotros, pero es la ley de la vida, llegamos a cierta edad y no podemos vivir 500 años, ¿Cuál es tu opinión de que el rock está muriendo?

 Yo conozco a Gene, lo considero amigo, hemos estado de gira muchas veces, y respeto su opinión, lo que yo creo que lo que él quiere decir es que la industria del rock ya cambió, porque yo creo con todo mi respeto es donde viven ellos, están en un nivel muy arriba, me imagino que a ellos les afectó la economía de la pandemia y todo, entonces cambió el modelo; pero mis experiencias personales, que viajo por todo el mundo, no creo que el rock se acabe, viene una generación nueva también, no tan grande porque en aquellos tiempos había mucho dinero, mucho mercadeo, era mil veces más grande.

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La radio pasaba mucho rock.

 Exacto, y ahora es algo más calmado, yo creo que el modo de los rockeros es el modo de pensar y apreciar cierta energía y cierto modo de vivir, los principios que tenemos, pero no creo que muera. Ahora lo que necesitamos hacer es salir y girar y girar, y empezar otra vez, conocer y encontrar el nuevo modelo que es lo que estamos haciendo, y va hacer la generación más nueva porque yo ya voy a cumplir 90 años (risas) pero adoro lo que hago, tengo toda la energía que viene de Dios, está la energía que viene del escenario, cuando me conecto es algo muy bonito, yo creo que voy a seguir tocando hasta que ya no pueda, y para terminar de contestar las nuevas generaciones tienen que agarrar la bandera y seguir adelante, vamos a buscar otro modelo para difundir y que se conozca la música.

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¿Qué opina de las nuevas bandas con sonido clásico, bandas que retomaron el poder de los 60´s y 70´s y lo grabaron en los 2000?, para mi son las bandas que como lo acabas de decir, son los que heredaron la bandera y les toca el turno de dar la cara.

 Exacto, estoy de acuerdo contigo, 100%, lo bonito es que andan buscando también lo que he escuchado, encuentran diferentes colores, tienen la ventaja que no se si sea bueno o malo, que no tienen canciones que han sido hit grandes entonces pueden seguir experimentando, ¿Si me entiendes?, cuando tienen canciones que ya son muy conocidas, tienen que seguir por esa línea y es lo que les pasa a las bandas clásicas, que salen y tienen que tocar los hits, tratan de experimentar y cambiar su color y no se puede, tienen que salir con su música que ya es conocida, entonces esa es una ventaja para las bandas nuevas, The Answer los conozco, andan buscando cambiar siempre y no se acepta hoy en día, pero ese es el artista verdadero, yo soy así, así me considero, siempre ando buscando cosas nuevas, diferente modo de pensar y experimentar musicalmente.

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Es una lástima para este tipo de bandas porque los fanáticos “clásicos” les dan la espalda porque dicen que si suena igual para qué escucharlo. Y yo les digo “No suena igual, suena parecido por su influencia, pero no igual”. Desafortunadamente los fans no les dan la oportunidad que se merece.

 Eso refiere a la pregunta anterior, lo que tienen que hacer es salir y tocar y tocar, aprovechar de que tenemos la oportunidad de que podemos mostrar lo que estamos haciendo, yo a mi edad, a esta etapa de mi carrera lo sigo haciendo, salgo y toco canciones nuevas que nadie conoce y me doy cuenta de cuál es la música que tiene resultado y cuál no y me quedo con la que me da más resultado, pero eso es lo bonito, la música es en definitiva, no tiene final, es infinita, se sigue buscando, y si algo se escucha parecido pues se escucha parecido y ya, son 7 notas.

Si nos ponemos a pensar psicológicamente a estudiar todo, ya ha pasado todo, si comparas el jazz, el clásico, lo afrocubano ya se ha hecho de un modo u otro, esa es la influencia, es lo que agarramos ahora y como que lo mezclamos y también es cómo uno interpreta la música en el escenario, el mensaje, la melodía.

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Esta pregunta tiene que ver con algunas atrás, en algunas plataformas como Netflix, HBO, etc, han sacado series en donde su música me transporta a los ochentas, muchos niños escuchan eso y preguntan, qué banda es esa, y es Faster Pussycat por nombrar alguna, y otra vez vuelve y resurge algo que jamás creíamos ver, generaciones muy jóvenes con sus playeras de bandas ochenteras, ¿Que opinas de esto?

 Me encanta, yo me divierto con eso, fue una era en la música que fue muy bonita, fue mi etapa favorita, tengo muchas memorias de esos años, me encanta escuchar esa música principalmente en esos medios, y que las generaciones nuevas se den cuenta, mi hija que tiene 19 años también, a los 14 o 13 andaba con sus vinilos de Led Zeppelin, The Beatles, The Rolling Stones, se metió en la música, lo que es muy bonito y es mágico.

Has estado en muchos proyectos, en grandes bandas, dime cuál sería tu super proyecto de ensueño con músicos vivos, el que tú digas, quiero tocar con ellos sin importar el nivel, para mi sería todo un honor tocar con ellos.

 Bueno Robert Plant y Jimmy Page, Paul McCartney, tengo a mi amigo Darryl Jones tocando con los Stones, con Steve Lukather, uno de mis favoritos.

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Me atrevo a decir que en la voz dirías Steven Tyler

 Si, por supuesto, me conoces bien, me encantaría tocar con Aerosmith, es de mis bandas favoritas, Steven Tyler es otro nivel, estuvimos de gira con ellos y lo conocí, lo que hacen es increíble, su voz, él se entrega completamente, te conecta, en la batería Tommy Aldridge de nuevo, o Deen Castronovo en batería y voz, o Simon Phillips, Brian Tichy, son tantos, en los teclados he tocado con muchos, Jon Lord me encantaría pero ya se nos fue, Rick Wakeman, he tenido como pianista a Greg Roby, en general sería, Greg Roby en el piano, Steve Lukather en la guitarra, Simon Phillips o Tommy Aldridge en la batería, Steven Tyler en la voz y yo en el bajo y voz, me encantaría hacer algo así, que bárbaro.

Ha cambiado mucho la forma de componer y grabar música desde el primer disco en que hizo parte hasta el nuevo disco New Direction?

 Bueno, ahora mismo te podría enseñar en mi celular cuantas ideas, puede ser un coro, una letra, o una melodía, tenemos la facilidad de documentar las cosas en nuestro teléfono, en mi casa tengo un piano y si se me ocurre algo, pum, pongo el teléfono toco 2 3 partes, sale una idea, son semillas, luego llego al estudio a escribir, yo tengo que trabajar con otra persona, para mi se me dificulta mucho solito, necesito un ingeniero, un músico o un productor porque en ese momento empieza la energía, es una conexión humana, una conversación musical, me abre las puertas más rápido.

Cuando estoy sólo es un poco limitado porque todo viene de un ángulo nada más, en cambio llega otra energía y poom, se abre la puerta, así soy yo, y con Soren (Andersen) tengo esa energía, es increíble, nos sentamos y en una hora tenemos 2 o 3 canciones, rápido, es increíble, la facilidad ahí está, llegamos y con Protools nos sentamos y ponemos la batería, ideas ideas, luego las escuchamos, cambiamos, les metemos arreglos, ponemos la letra, o sea que es un proceso más rápido, pero lo que está pasando ahora que es lo que estamos haciendo nosotros es escribir las ideas y luego traemos a los músicos para que escuchen, hacen su tarea, hacen sus notas y empezamos a tocar en vivo lo que para mi es muy importante porque ya cambian los colores, también los arreglos, cambia la energía, eso es lo que hacemos, siempre terminamos con veinti tantas ideas y luego escogemos cuales vamos hacer, luego llegamos a 15, de 15 a 12, de 12 a 11 y bien, llega un baterista, tocamos y cuadramos.

La energía cambia, y es lo que documentamos, es un proceso mucho más fácil, más económico, más accesible, para la próxima vez ya le dije a Soren que nos juntemos 2 semanas, que traigamos a los músicos y que nos encerremos a tocar, para que fluya la química, ya que en aquellos tiempos en los setentas así era, es una magia, es algo que no podemos identificar, ese factor cuando están 2, 3, 4 o 5 humanos juntos y ver que resulta. Ahora lo que está pasando es que todo el mundo está volviendo a lo análogo para grabar, es lo que yo prefiero, es un sonido increíble, así que estamos haciendo la lucha, para el siguiente no creo hacer un álbum por un buen tiempo, yo creo que será un ep o sencillos ahora, tengo mucha música, ya tengo 4 discos solistas.

Con motivo del lanzamiento del tercer disco de su proyecto solista Liv Sin, tuve la oportunidad de hablar con su líder y reina del heavy metal moderno sueco Liv Jagrell, para que me cuente un poco sobre este nuevo disco y su cierre de historia con Sister Sin. Como siempre tan amable y simpática, esto fue lo que me contó.

– Como surgió recuperar este proyecto, tras 3 años desde tu último disco “Burning Sermons”?

(Liv): Bueno, comenzamos a escribir canciones para el nuevo material y justo apareció la pandemia y todo se paró. Quizás como todas las bandas, seguimos escribiendo separados, porque algo había que hacer y desde el principio, dijimos que íbamos a escribir el nuevo material después de los conciertos de verano con Sister Sin, pero como todo se pospuso casi dos años, me alegro de que hayamos podido escribir el disco con tiempo en nuestras casas.

Además, algo que me pone muy contenta, es que esta vez no tuvimos ningún tipo de presión ni apuro y pudimos experimentar más con los nuevos temas.

– ¿Habéis lanzado algunos singles, pero cuando podemos esperar el nuevo disco de Liv Sin?

(Liv): Si todo va según lo previsto, la fecha estimada es el próximo 27 de enero de 2023.

– ¿Cómo fue la experiencia de volver a girar con Sister Sin en la gira de reunión?

(Liv): Fue muy divertido y pareció como si nunca nos hubiésemos separado, nos lo pasamos genial juntos y fue muy guay sentir que había una energía positiva entre todos los miembros de la banda, ya veremos si podemos hacer algunos shows más juntos, pero dudo que volvamos a editar música de Sister Sin.

– ¿Cómo líder de Sister Sin y de este proyecto, fuisteis parte de una especie de “era dorada” para el hard rock y el heavy metal sueco junto a compañeros como Thundermother, Crucified Barbara e incluso Crashdïet, como ves la escena sueca actualmente y hay alguna banda moderna que te haya llamado la atención?

(Liv): Creo que es muy buena y sigue creciendo, hay bandas nuevas como Eleine, Orbit Culture y Avatar, que son geniales, aunque bueno Avatar no son tan nuevos, pero han crecido mucho en estos últimos años y además tenemos bandas dentro de la nueva ola del black y el death metal sueco que son muy interesantes.

– ¿Qué podemos esperar de Liv Sin para 2023? ¿Vais a hacer alguna gira, festivales de verano…?

(Liv): Eso es justamente lo que espero y deseo, pero por el momento no tenemos mucho planeado ni reservado, es una situación muy extraña tras el covid y las giras son bastante complicadas lamentablemente.

– ¿En el pasado habéis colaborado con gente que son “Heroes” para muchos de nosotros como Doro Pesch, Björn Strid de Soilwork o Jykri 69 from The 69 Eyes, cuál es tu “dueto soñado” que aún no hayas podido realizar?

(Liv): Sin duda Rob Flynn de Machine Head y Dee Snider de Twisted Sister, cualquiera de ellos sería una colaboración soñada para mí.

– ¿Os he podido ver en todas las visitas que habéis hecho a España, hay alguna posibilidad de volver a veros tocar aquí?

(Liv): Si! , España está cerca de ser confirmada para 2023, así que mantén los ojos abiertos y nos vemos allí.

– Liv, muchas gracias por tu tiempo y buena suerte en este nuevo capítulo de tu carrera

(Liv): Muchas Gracias 🙂 🙂

Los Ramones fueron una de las bandas punk más legendarias de la historia, pero en Argentina dejaron una huella todavía más profunda en la escena rockera local, dando lugar a la expresión “punk ramonero”. Y si hay que hablar sobre los mayores representantes de esa corriente en el país, muchos apuntarían sin lugar a dudas a Expulsados, el cuarteto oriundo de Lomas de Zamora comandado por el cantante Sebastián Expulsado.

Más allá de las comparaciones constantes con el cuarteto de Nueva York, que Expulsados parecen aceptar como una marca de honor, el hecho de llegar a las tres décadas de carrera en el rock argentino es todo un logro a destacar. Ahora con su octavo disco El Laberinto de Neblina ya en la calle, pudimos hablar con el encargado del micrófono para que nos cuente los pormenores del presente de Expulsados, su nuevo trabajo y lo que será su presentación del domingo 20 de noviembre próximo en El Teatro Flores.

—Buenos días, gente. Primero, quería felicitarlos por la salida de El Laberinto de Neblina. ¿Cómo vieron la recepción de este nuevo disco? ¿Cómo compararían este álbum con los anteriores?

La recepción fue excelente. A nuestro público le gustó, así que, misión cumplida. El disco sigue la misma línea de los anteriores. Es una fotografía más de un periodo de la banda en el que nos sentimos consolidados como amigos y como músicos.

—Ahora se van a presentar el 20 de noviembre en el Teatro Flores, ¿cómo los tiene la espera hasta la presentación? ¿Cuánta preparación lleva un recital así?

Va a ser la primera vez después de casi 3 años sin tocar en Buenos Aires. Estamos muy ansiosos y con mucha adrenalina contenida. Venimos hace una semana ensayando la lista y practicando algunas de las canciones nuevas para presentarlas en el show. Estamos con todo preparándolo.

—¿Tienen preparado algo especial para este recital?

Va a ser un show largo con canciones de todos los discos y algunos covers. Probablemente incorporemos un amigo en algunas canciones para sumar teclados, algo que no solemos hacer.

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—Incluso con los cambios de formación por los que pasaron, Expulsados llevan casi tres décadas de historia, algo que no se ve mucho en una banda punk (ni siquiera los mismos Ramones estuvieron tanto tiempo). ¿Cómo creen que lograron mantenerse tanto tiempo y siempre fieles a su sonido?

Creo que la fórmula es hacer lo que nos gusta. Siempre lo hicimos y siempre pusimos la música por delante de todo. Disfrutamos cada ensayo, cada gira y cada reunión con la banda.

Nos respetamos mucho entre nosotros y todos tenemos la misma voz y voto en cada decisión que haya que tomar.

Es nuestra vida.

—En estos 30 años, ¿cuál creen que fue el momento más importante de su carrera hasta ahora?

Sinceramente todos.

Hay momentos que marcan más que otros el camino de la banda como ser el lanzamiento de un disco pero disfrutamos cada día y cada ensayo.

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—Hace unos años en una entrevista decían que “la rebeldía del punk no pasa por romper un mingitorio”. ¿Por dónde dirían que pasa en estos días? ¿O es algo que no tiene respuesta?

Creo que el punk vale por su música. La rebeldía es un concepto que se va reformulando según las épocas.

Para mí, hoy un rebelde es el que colabora con las causas que cree justas. Ante la falta de empatía que abunda en nuestra sociedad eso es rebeldía.

—Muchas veces se habla del “no future” del punk rock. ¿Ustedes son de pensar en el futuro? ¿Tienen planes para Expulsados?

Quien cree que no hay futuro debe luchar por que lo haya. Desde su lugar y ayudando a futuros ajenos.

Nada es fácil y nadie te regala nada pero hay que remarla siempre.

Expulsados siempre piensa en el presente y planifica a futuro.

Por delante hay varias giras, nacionales e internacionales. El 3 de diciembre tocamos en Chile y el año que viene volvemos a México.

Queremos que el próximo disco no tarde en llegar así que ya estamos craneando eso también.

—¿Qué tendrían ganas de decirle a la gente que los va a ver el 20 de noviembre en el Teatro Flores?

Que vengan temprano para ver a Charlie 3 (la banda que nos va a acompañar esa noche) y que esperamos que lo disfruten mucho.

¡Muchas gracias por su tiempo!

El metal argentino siempre estuvo mucho más relacionado al thrash, pero es innegable que el power metal tiene un seguimiento más que respetable entre las huestes metálicas argentinas. Uno de los nombres que viene pisando fuerte en los últimos tiempos es Innerforce, banda de Buenos Aires que en septiembre de este año editó su segundo álbum Arcadia y tuvo la oportunidad de acompañar a los escoceses Alestorm durante su gira sudamericana. Nos comunicamos con Martín Puricelli Camps, guitarrista del cuarteto, para que nos dé los detalles acerca de la banda, su presente y su futuro.

– Arcadia viene con un trabajo importante en producción y postproducción, sienten que han logrado una madurez diferente a la de su primer disco en cuanto a trabajo integral y compositivo?

¡En efecto! Mirando hacia atrás, vemos que From Within (nuestro primer álbum) es un disco adolescente, tanto en composición como en producción. Si bien amamos las canciones que lo integran, al compararlo con Arcadia, hay una diferencia abismal.

En primer lugar, nuestra meta es siempre mejorar y parte de ello, es poder mirar objetivamente lo hecho y corregir errores.

Por otro lado Diego Souto, nuestro productor musical, también aprendió muchísimas cosas con From Within y tiene nuestra misma mentalidad! Sin decir que entiende a la perfección hacia donde se dirige musicalmente InnerForce.

Dicho esto, consideramos que luego de estos 4 años de trabajo, hemos adquirido una madurez tal que hace que ARCADIA sea un disco mucho más rico que From Within.

– Cuando escuchaba el disco me detuve bastante en Arcadia, el tema que da nombre al disco. A mí parecer es el tema que puede funcionar como carta de presentación, se notan muy bien las destrezas de cada miembro de la banda. Algo de eso tuvo que ver en la elección del nombre del disco o fue algo más?

De hecho si, fue una canción en la que todos pusimos nuestro granito de arena así que es una canción que lleva la personalidad de cada uno de nosotros. Además durante todo el proceso de la preproducción era la canción que más disfrutábamos tocar, así que así es como el disco lleva su nombre.

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– Si bien son una banda que destaca en el power metal en muchos de los temas de este nuevo disco se notan influencias de deth metal, se animarían a hacer un tema más cercano a ese género?

Bueno! Muchísimas gracias por las palabras! En realidad, nuestro objetivo es poder ofrecer una “paleta de colores” con el correr de la discografia de Inner.
Creemos que los diferentes géneros del metal, pueden también ser utilizados cómo herramientas o “momentos” en determinadas canciones.
Nunca abandonaremos nuestras raíces, pero si pretendemos no caer en una monotonía que aburra.

– El pasado 4 de julio hicieron la presentación de su disco en el Uniclub en Caba, fue un show muy esperado después de dos años. ¿Fue una presentación especial? ¿Qué se siente volver a los escenarios Argentinos?

En realidad, en esa ocasión presentamos la nueva formación, ya que alejo (ex cantante) y tomas (ex baterista) ya no están en la formación actual.
Actualmente somos 4 en vez de 5.
Francisco Pérez Borchiero en voces y guitarras
Martín Puricelli en guitarras y coros.
Agustín Oettel en bajos y coros
Marcelo Schiariti en batería.

– De Argentina a Europa. Son una banda con un gran potencial y sin ánimos de comparaciones ¿Cuáles son las diferencias que notan entre la industria argentina y la europea (Fomento, paga, etc)? ¿Cómo les gustaría que se mueva la escena en el país?

Que pregunta! Jajajaja. De modo de no extendernos demasiado, porque justo esa comparación da para hablar muchísimo, lo cierto es que en países con más estabilidad económica, existe la posibilidad de que, en caso que tu banda guste, te apoyen.
En argentina sucede que tenemos grandes bandas, grandes músicos, pero el espectador muchas veces tiene que elegir en que gastar su dinero, por lo que se dificulta que puedan comprar un ticket + 2 cervezas + cena + merch de las bandas.

– ¿Qué proyectos tienen a futuro? Ya están trabajando en nuevo material?

A futuro nos gustaría mantener las giras. Entendemos que para abrir un mercado nuevo hay que ir, no queda otra opción. Entonces estamos focalizados en que 2023 tiene que ser un año de muchos países recorridos.
Respecto a material nuevo, ¡si! De hecho, somos de la cultura de tener más canciones producidas que las que irán al álbum finalmente.
Es decir, tanto de From Within como de Arcadia, han quedado canciones afuera.
Sumado a eso, en todos estos años hemos generado nuevas composiciones así que en realidad, resta sentarse a trabajarlas con el productor en este verano 2022/2023.

Fotografía de portada: Bel Santos

Al hablar sobre el metal extremo sueco, hay muchos nombres que se nos pueden venir a la mente: Entombed, At The Gates, Dismember y un largo etcétera. Pero la oferta no se termina ahí, como demuestra el power trío Defleshed: formados en 1991 en la ciudad de Uppsala, estos adictos a la velocidad lanzaron cinco álbumes de puro y salvaje thrash / death metal antes de anunciar su separación en 2005. Pero como todo vuelve, en 2021 el grupo anunció su vuelta a los escenarios, lanzando primero un single con dos canciones nuevas y luego sí confirmando todo con Grind over Matter, su primer LP en 17 años. Con motivo de esto nos comunicamos con su cantante y bajista Gustaf Jorde, para hablar sobre la vuelta de su banda y esta nueva obra de metal crudo y directo.

—¿Cómo vienen las cosas en Suecia en estos momentos?

Hemos estado ocupados ensayando para la semana del lanzamiento, cuando tendremos un par de shows. Nos estamos metiendo a fondo en eso ahora mismo, en hacer que las cosas se den. Ya sabes cómo es todo, antes de un lanzamiento siempre hay un montón de cosas por hacer. Así que tratamos de mantenernos y superar todo, básicamente eso.

—Reunir de vuelta a la banda luego de más de 15 años no es algo que se vea todos los días. ¿Qué les hizo querer comenzar de vuelta con Defleshed?

Un par de años atrás le tiré la idea a los otros de si querían grabar un par de canciones, sólo para ver cómo salían las cosas. Todos teníamos un poco de curiosidad por ver cómo sonaríamos hoy en día, después de tantos años, y en ese momento también estábamos preparando una caja de vinilos: pensamos que sería genial agregar un 7 pulgadas nuevo, así cuando abrieran la caja fuera lo primero que vieras y nadie debía saberlo. Ese fue el puntapié inicial para reunirnos y grabar dos canciones. Pero entonces esa caja de vinilos no se dio y pensamos que esas canciones eran demasiado buenas y el proceso había sido demasiado divertido como para tirarlo todo, así que dijimos de sacar estas canciones y ver si podíamos firmar un contrato para sacar un LP con un sello decente. Fue entonces que recibimos esta oferta de parte de Metal Blade que no podíamos rechazar, y fue así cómo se dio todo. Así que cuando grabamos esas canciones no teníamos pensada una reunión, o alguna idea sobre la dominación mundial ni nada de eso: simplemente queríamos hacer música juntos de vuelta.

—Fue algo que simplemente ocurrió.

Una cosa llevó a la otra. Hoy tenemos un álbum, todo ocurrió muy rápido.

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—¿Cuánto tiempo estuvieron trabajando en Grind Over Matter?

Empezamos con las canciones en noviembre último, así que hace menos de un año. Lars comenzó a componer los riffs y las canciones y comenzamos a grabar el 23 de enero, así que fue un proceso muy corto de hacer las canciones y grabarlas. Pero Metal Blade quería sacar el disco en otoño, así que teníamos que tenerlas producidas en marzo, porque el vinilo toma mucho tiempo para prensar. Así que todo debía ocurrir muy rápido.

—Cuando estaba escuchando Grind over Matter, decidí escuchar el resto de los álbumes para hacer una comparación. Y más allá de la calidad de sonido, en mi opinión este álbum podría haber salido justo después de Reclaim The Beat y no habría sonado fuera de lugar. ¿Estaban tratando de mantener ese sonido clásico?

Ese sonido aparece de manera natural cuando hacemos las canciones juntos. Cuando armamos las canciones de Defleshed todos contribuyen a ella, Lars contribuye con los riffs y la estructura de la canción, luego yo le agrego las letras y los patrones, y entonces Matte agrega lo suyo así, así que ninguno de nosotros podría hacer una canción de Defleshed por sí solo. Tenemos que estar los tres en ese proceso, y eso le da ese sonido especial incluso si no lo buscáramos, así que se da de manera natural. Lo que queríamos esta vez era darle algo nuevo, no podemos hacer el mismo álbum una y otra vez, no queríamos hacer Fast Forward 2.0. Así que necesitábamos tener canciones nuevas y un toque fresco para hacerlo relevante, y creo que es un balance: tenemos que sonar como lo hacíamos en esa época pero también necesitamos sonar frescos, y creo que lo logramos esta vez.

—Hablabas acerca de los otros miembros, y creo que es muy interesante que hayan sido casi las mismas personas durante años y años.

Sí, cuando estás separado por 17 años es muy fácil estar juntos. [Risas].

—Sí, pero incluso antes que eso.

Sí, eso es porque si eres un trío es muy complicado reemplazar a uno de ellos: cada miembro es una parte grande de la banda. Nuestro sonido está basado en nosotros tres y no podríamos cambiarlo, no hay razón para hacerlo. Defleshed son estos tres tipos y nada más, si alguno de nosotros no hubiera estado de acuerdo con grabar o reunir a la banda no lo habríamos hecho. Así que es lo que es, esta banda son tres tipos: tómalo o déjalo.

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—Cuando estaban componiendo este nuevo álbum, ¿qué fue lo que los inspiró?

Musicalmente, Lars no está muy al tanto de la música nueva: él está metido en el thrash y heavy metal de los ochentas, AC/DC y los riffs a lo Angus Young, y a eso le agregamos velocidad y energía, y eso es básicamente todo. En lo que a mí se refiere y las letras, no sé si me inspiró pero no quería las mismas letras de vuelta. Todas las letras son acerca de la paradoja de la humanidad, que es la especie más inteligente y a pesar de eso somos tan estúpidos, que transformamos el mundo en mierda. Esa fue la base, básicamente.

—Estaba pensando sobre lo que decías de no querer hacer el mismo álbum una y otra vez. Cuando Defleshed se separó originalmente en 2005, eso fue hace mucho tiempo, así que cuando se reunieron y comenzaron a tocar, componer canciones y grabar, ¿sintieron que algo había cambiado?

Sí, eso creo. Todos tenemos perspectivas nuevas acerca de las cosas y perspectivas nuevas sobre los otros, hemos estado metidos en otros proyectos musicales, en bandas y demás en todo este tiempo. Para nosotros todo este periodo de tiempo pasó muy rápido, creo que la banda ahora está más saludable que nunca porque tenemos nuevas perspectivas ahora y estamos conectados. No discutimos mucho, hacemos todo en consenso, es muy fácil arreglárselas porque no tienes que lidiar con muchas personas, son sólo otros dos tipos.

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—Casi todos los álbumes de Defleshed son bastante cortos, tienen dos discos que duran menos de media hora. Este no es tan corto pero va por ese lado, ¿eso es algo que buscan desde el comienzo? ¿Esa experiencia rápìda y veloz?

¡Sí! Básicamente, en la música cortamos todas las cosas innecesarias: no hay elementos atmosféricos, no hay solos. No sé, nos comprometemos a que todo sea más corto, dejamos afuera todo lo que sea innecesario, porque eso agrega a la intensidad. Y cuando tienes esa música intensa, eso no es algo que puedas estar escuchando por mucho tiempo, las canciones deben ser más cortas. Y esta vez estaba en el contrato que debíamos entregar 34 minutos y lo hicimos con precisión de segundos. [Risas]. Pero creo que si lo comparas con Reign In Blood, un álbum de verdad excelente de 29 minutos, no necesitas más que eso, esa es la manera que lo veo. Tratamos de mantenerlo corto y preciso, y dejar a la gente con una sorpresa. Si el álbum durara 45 minutos, creo que no habría un factor sorpresa porque la gente comenzaría a aburrirse.

—Luego de lanzar el álbum, ¿cuáles son sus planes como banda para el futuro?

Bueno, el día de la edición vamos a estar tocando en Uppsala, nuestra ciudad natal que es también la misma ciudad donde dimos nuestro último recital, así que volvemos y tratamos de tener una velada especial. Y al día siguiente tocaremos en una ciudad sueca llamada Karlstad, que está un poco más cerca de la frontera con Noruega. De ahí daremos algunos shows puntuales por Suecia, iremos a Alemania para un festival a fines de noviembre, y luego en diciembre iremos a Japón. Eso es lo que tenemos para este año, para el siguiente estamos negociando algunos festivales ahora mismo. Son shows especiales, no nos vamos a meter en giras de cinco semanas ni nada de eso: los festivales y las giras de una semana están bien.

—He hablado con muchos músicos y esas giras de cinco semanas son imposibles en estos días.

Sí, tienes que tener una banda profesional. [Risas]. Tenemos nuestras obligaciones, yo tengo mi negocio, Lars tiene sus obligaciones y Matte también, no podemos estar alejados de casa.

—¿Qué te gustaría decirle a todos tus fans en España y Latinoamérica?

Escuchen nuestro nuevo álbum Grind over Matter si están preparados para una buena cachetada. [Risas]. Todos necesitamos una de vez en cuando, cuando las cosas y el mundo se están viendo como se ven siempre podemos usar algo de energía extra para que nos golpee un poco.

Provenientes de Barcelona y mezclando toda la furia del death metal, el grindcore y el hardcore punk, Ósserp se vienen haciendo un nombre en el mundo de la música pesada nacional desde que dieran sus primeros pasos hace casi una década. Habiendo editado su tercer álbum Els nous cants de la Sibil·la este 19 de agosto, tuvimos la oportunidad de hablar con el quinteto y que nos contaran los detalles detrás del disco y sus temas líricos.

Ósserp se encuentra próxima a cumplir 10 años. ¿Cómo surgió la banda?

Ostia 10 años ya… ¡no había caído en esto! Pues la banda se formó como un mero pasatiempo entre Alex (batería) y yo, durante un cierto tiempo anterior al 2013 ensayabamos sin ningún tipo de pretensión, no fué hasta la llegada de Xavi (Cantante) y Dani (ex-bajista) que nos pusimos el nombre y empezamos a grabar y tocar en directo, a partir de allí en 2016 se incorpora Vali (cantante) sustituyendo a Xavi que se fue a vivir a Euskadi, y en 2017 entra Benja (guitarra/bajista) y a la vuelta a Barcelona de Xavi ya nos quedamos con la formación actual. 

¿Cuáles eran los objetivos 10 años atrás y en qué punto se encuentran hoy en día en relación a aquello?

No tiene nada que ver, al principio solo era quedar para pasar el rato y tocar música, 0 pretensiones, con el tiempo nos lo empezamos a tomar mucho más en serio, y seguramente cuando sacamos el primer disco ahí ya vimos que la reacción de la gente era más intensa, y desde entonces, nos tomamos todo lo del grupo lo máximo de profesional posible, teniendo en cuenta que no vivimos de esto y que sigue siendo una cosa amateur, pero ha cambiado como la noche y el día desde el inicio. 

Tienen, sin contar el presente disco, dos trabajos de estudio, ¿Qué pueden decir en relación a cada uno de ellos, mirando en retrospectiva y con el paso del tiempo?

El primero “Sang i Sutge” seguramente era más una recopilación de canciones que teníamos hechas, y seguramente no había mucho concepto detrás, aunque recuerdo la grabación del mismo con mucha estima, fué muy divertido, con muchos amigos en el estudio etc… “Al meu pas s’alça la mort” fué algo más complicado, cambios de miembros, un tema serio de salud, etc… Fue más complicado de componer y grabar, con Benja que entró casi para entrar al estudio, pero nos flipó como quedó y a mucha gente le gustó. El actual hemos tenido una pandemia de por medio, 2 años muertos, así que ha sido una experiencia bien extraña, pero teníamos claro que disco queríamos hacer, y creíamos que funcionaría, pero seguramente no pensamos que llegaría a tanta gente de repente. Incluido otros países. 

Comparando al Ósserp del 2013/2014/2015 con el Ósserp del 2022 ¿Qué cambios hubo, si es que hubo alguno?

Un poco lo que te decía antes, seguramente ahora nos tomamos todo de una forma bastante más profesional, todo lo que se puede, sabiendo que no vives de la música, pero seguramente el mayor cambio sea ese, pensamos todo con mucha más antelación y está todo más meditado. 

Ahora si, enfocándonos en Els nous cants de la Sibil·la, tuvieron que pasar 5 años desde el último lanzamiento, ¿Qué pasó en ese lapso de tiempo?

¡Pues una pandemia! 2020 y 2021 han sido 2 años muertos. El disco ya estaba totalmente compuesto a finales del 2019, principios del 2020. Llegó el Covid, y se fueron todos los planes a la mierda. Lo grabamos en verano del 2020, y como veíamos que la cosa no avanzaba ni volvían los conciertos, pues nos lo tomamos con calma para mezclar, masterizar, etc… En el 2021 decidimos que si no se podía tocar de forma “normal” no tocaríamos, así que nos plantamos en el 2022 y por eso ha salido el disco ahora. 

¿Cómo fue el proceso de composición?

Muy diferente de las otras veces, los otros discos, normalmente componíamos yo y Alex (batería) y Xavi (cantante) hacía las letras, pero al entrar Benja y tener también a Vali, al final lo compusimos entre los 5, con lo que había muchos más inputs, más discusiones, y muchas más visiones, cosa que ha hecho que el la música se ha enriquecido muchísimo. 

Han expresado que el disco trata sobre la insignificancia del hombre en el universo, ¿Es un trabajo conceptual? ¿Pueden desarrollar un poco esta idea que transmite el disco?

No, el disco no es un disco conceptual, simplemente es una recopilación de historias que sí que pueden tener un nexo de unión pero que no fue escrito de forma premeditada. Es como en los libros de cuentos que le ponen un título y una portada que englobe un poco todo. Lo que sí es verdad es que visto en perspectiva e intentándolo definir en pocas palabras sí que adquiere una imagen como de disco conceptual.

En general todas las letras de Ósserp hablan de los típicos temas que tratan las religiones o plantean respuestas a las típicas preguntas que se hace el hombre, como quiénes somos y de dónde venimos. Siempre visto desde un punto de vista fatalista y oscuro. La verdad es que considero que lo más bonito de las letras es el cómo se explican las cosas más que lo que intentan explicar, pues suelen ser también temas muy abiertos. El hecho de que estén escritas en catalán tampoco ayuda, pero también es algo que lo hace más bonito, pues al ser nuestra lengua materna tenemos muchos más recursos… así que, animamos a cualquiera que  no entienda una mierda de catalán que pruebe con el traductor de Google, catalán-castellano funciona bastante bien, igual que con el inglés.

A su vez, esta temática está relacionada con la Sibila, personaje de la mitología griega y romana, más específicamente con el canto de la Sibila, que anuncia el fin del mundo… ¿Cómo nace la idea de hablar sobre esto?

La idea que tuvimos cuando formamos el grupo era intentar hablar de cosas más o menos trascendentales pero de una forma atemporal, que no se pudiesen contextualizar en un momento histórico concreto. Una buena forma de conseguirlo era intentar escribir leyendas; historias ficticias con moralejas y para hacerlo todo un poco más personal nos inventamos un ser mitológico que es el Ósserp y que usamos a conveniencia. Como el disco se puede entender como un conjunto de leyendas. Nos dimos cuenta de que había 2 conceptos que se desarrollaban en las letras, uno era la insignificancia del hombre en el tiempo y el otro ciertos aspectos esenciales que nos definen como humanos como la ira, el miedo, el deseo de poder, la obstinación y que a su vez son autodestructivos… Els cants de la Sibil·la es una celebración protocristiana que aún se sigue celebrando en algunos sitios de las islas Baleares y por Catalunya (aunque no sé si en Catalunya se ha recuperado), y que vienen a ser algo así como que alguien viene anunciando el fin del mundo. Llegados a este punto es fàcil ver la relación, ¿no? El nexo de unión entre todas las canciones es hablar del fin o de cómo nos dirigimos hacia él. Y Bueno la idea de meter a la Sibil.la por aquí es porqué nosotros somos del mediterráneo y hablamos de cosas que nos son próximas tanto cultural como geográficamente… hablar de vikingos, trolls, zombies… nos queda demasiado lejos. Estos guiños a la cultura clàssica y la cultura judeocristiana los puedes encontrar en toda nuestra discografía.

¿Cómo se relaciona el canto de la Sibila con la insignificancia del ser?

Como he comentado, Els Cants de la Sibil.la es una serie de cantos en los que se habla del fin de la humanidad. Nosotros le hemos añadido el “nous” (nuevos) que vendría a ser “Los Nuevos cantos de la Sibil.la”. hemos escrito 9 canciones donde se abordan temas como la insignificancia del hombre en el cosmos y de lo autodestructivos que somos llenos de pasiones viscerales… yo creo que pega bastante con la música, tampoco hace falta entender mucho lo que decimos como para que te transmita ese mal rollo de “ostia, se me ha ido de las manos y he entrado en barrena, voy de cabeza al precipicio”.

En cuanto a lo meramente musical, se habla de death metal, de death grind, de pasajes black metal… ¿Ustedes creen pertenecer a un estilo particular, o se identifican más con algún género o subgénero?

La verdad es que no, intentamos mezclar todo lo que nos gusta sin ponernos ninguna etiqueta ni corsé a la hora de componer, nos da igual en donde se nos encuadré. 

¿Cómo fue el proceso de grabación del disco?

Un poco convulso, porque fue la primera vez que componíamos entre los 5 entre el local, que Benja (guitarra/bajo) componía también temas, con lo que alteró un poco lo que veníamos haciendo habitualmente, después llegó el covid que aún lo complicó todavía más. El disco se grabó en agosto de 2020, justo en la primera salida del confinamiento. Después decidimos grabar las voces por nuestra cuenta y yo (Dani) me pase el resto del año trabajando en mi casa en bastantes temas de producción. Una vez terminé, Aleix Archs mezcló el disco durante el 2021 y después Arthur Rizk lo masterizó a finales del 2021. Casi hemos invertido un año en el proceso. 

El sonido es un punto alto en el disco, mucha nitidez y peso, expresando tal vez lo que el contenido lírico reza. Trabajaron con Alex Archs en Estudi Labedoble, ¿Qué pueden decir de tal experiencia?

Llevamos trabajando con Aleix desde el primer EP, siempre ha sido la persona de confianza en el estudio, y siempre se involucra al 1000 en la grabación, en la búsqueda de sonidos, en la mezcla, con lo que él va creciendo junto a nosotros y creo que se ve claramente en el trabajo, es de los mejores ingenieros que conozco. 

A su vez, el mastering estuvo a cargo de Arthur Rizk, conocido por trabajar con bandas como Pissgrave o Power Trip… ¿Cómo llegan a él y qué pueden decir del resultado final?

Yo seguía a Arthur desde hace bastante tiempo, de hecho ya habíamos intercambiado emails e ideas en 2019, incluso nos vimos en persona en un viaje que él realizó a Barcelona para tocar con una de sus bandas, después llegó el Covid y se fue un poco al traste los planes originales que teníamos con él, y al final solo pudo realizar el master, pero hemos quedado muy contentos y hace relativamente poco nos volvimos a ver con el, en en el concierto de Eternal Champion en Barcelona, y ya hemos quedado que para el próximo disco seguro que se va a involucrar más a fondo. 

Del mismo modo, y siguiendo la línea del resto del contenido, la portada, el arte de tapa es de gran nivel ¿Cómo llegaron al diseño y contenido?

Lo mismo, a base de seguir muy de cerca el trabajo de varios diseñadores al final nos decantamos por Paolo Girardi porque queríamos hacer algo más colorido y la verdad es que es un genio, mucha gente ha entrado al disco, gracias a su portada. 

¿Cómo fue la recepción de Els Nous Cants de la Sibil-la?

Hasta ahora más que bien, está funcionando muy bien en USA y en otros países europeos, hemos salido en bastantes medios especializados internacionales, el disco lleva un número de escuchas digitales que nos parece una locura con lo que entendemos que todo está funcionando más bien de lo que teníamos en mente. 

¿Qué planes tienen para su presentación?

Vamos a realizar un concierto de presentación en Barcelona, en octubre, junto a Altarage y 3 bandas más, y después esperamos poder tocar tanto como podamos en el estado español y algún que otro país más, ya tenemos unas cuantas fechas cerradas y estamos en proceso de cerrar más, vamos a estar o a intentar estar bastante ocupados al menos hasta el verano del 2023

¿Y qué planes tienen a futuro como banda?

De momento disfrutar del disco, ver a dónde nos lleva, y volver a tocar en directo lo máximo posible, que es algo que echamos mucho de menos después de los 2 años del Covid de parón.

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Tener que ser el sucesor de una leyenda es siempre un desafío, y eso es exactamente lo que le pasó a Edu Falaschi: el cantante ya tenía una larga experiencia en bandas como Mitrium y Symbols, pero es seguro decir que su gran momento se dio cuando fue seleccionado por Angra para reemplazar a André Matos en el 2000. Aunque era un puesto complicado y eventualmente se terminaría yendo no de la mejor manera, es seguro decir que el oriundo de São Paulo ocupó el puesto con dignidad, dándole voz a las canciones de los brasileños durante la primera mitad del siglo XXI en cuatro discos. Y habiendo puesto fin a Almah, la banda que liderara durante otra década, el cantante e instrumentista por fin pudo demostrar de lo que es capaz con Vera Cruz, su primer álbum original como solista, lanzado en 2021.

Preparándose para visitar Argentina y presentar el disco el 1ro de diciembre, pudimos hablar con Edu y que nos cuente cosas del álbum, las giras y lo que es la vida del cantante de heavy metal.

—¿Cómo vienen las cosas en este 2022? Me imagino que vienen mejor que en 2020, 2021…

Ah sí, muy bien. Estamos trabajando ahora…

—Estuve viendo porque en este año, en 2022, pudiste dar recitales de vuelta, que creo que no podías desde 2020. ¿Cómo fue volver a dar recitales? ¿Cómo se sintió después de tanto tiempo?

Bien. Mira, es una cosa natural porque yo he estado haciendo esto por 30 años y nos quedamos en casa por dos años por cuenta de la pandemia, pero… las cosas no se olvidan. Entonces es natural para nosotros, que somos músicos profesionales. Pero obviamente el primer concierto después de dos años fue un poco más emocional que los otros, porque es una vuelta. Encontrarse con los fans y poder cantar con los otros, la emoción creo que fue un poco mayor. Pero la parte de la psicología, nerviosa, no pasó nada, pero si fue emocionante porque es encontrarse con los fans de nuevo, en vivo y hacer conciertos…

—Y encima con un nuevo disco, Vera Cruz. Estaba notando que es un disco grande, muy masivo. ¿Cuánto tiempo estuvieron armando este disco?

Tardamos como un año trabajando sólo en los arreglos, y fue un disco que… (Nota del redactor: Piensa un poco) Mira, es mi primer disco como cantante solista, entonces es un disco importante para mi carrera, porque estoy empezando algo nuevo. Yo empecé mi carrera solista con los clásicos de cuando yo era el cantante de Angra, entonces tocamos clásicos de Rebirth, de Temple of Shadows y otros discos. Pero los fans estaban pidiendo algo nuevo, y entonces ciertamente quería algo que tuviese una proporción, una importancia similar con las cosas yo he hecho con Angra. Había una pequeña precisión, y entonces yo siempre quise hacer algo especial, un disco tan bueno como Rebirth y Temple of Shadows. Por eso me quedé como un año componiendo y haciendo todos los arreglos, fue un disco en el que trabajé bastante.

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—Y además, una de las partes más interesantes del disco es que sea un álbum conceptual acerca de… podríamos decir que sobre historia brasileña, pero creo que hay más aparte de eso. ¿Cómo se te ocurrió esta idea?

Yo estaba, como dije antes, comenzando una carrera como solista y estaba completando 30 años como cantante profesional. Pensé que me gustaría hacer algo especial, para los fans y como una forma de agradecimiento y también para devolver todas las cosas buenas que los fans me dieron durante esos 30 años, en especial acá en Brasil. Que obviamente por vivir aquí y ser un cantante nacional, yo siempre digo que es como la base de mi carrera: tocamos en Japón, en Europa, en Latinoamérica, pero vivimos acá, somos brasileros. 

Entonces, por eso, me puse a pensar y a hacer un disco que hablase sobre la historia de Brasil, el nacimiento de Brasil. Y “Vera Cruz” es el primer nombre de la tierra de Brasil, la “Isla de Vera Cruz” porque pensaban que era una isla. Por eso es un disco conceptual, con toda la historia y la parte que también habla sobre el descubrimiento de Brasil por los portugueses, ¿no? Que “descubrimiento” así (NdR: hace gestos de comillas) porque ya había brasileros acá, los indígenas, pero los portugueses llegaron y conquistaron.

—El disco tiene un par de invitados bastante importantes, pero creo que el más llamativo para mí, y para muchas personas, es Max Cavalera en la canción “Face of the Storm”, que es también la canción más pesada del disco, en eso podemos estar de acuerdo. ¿Cómo se dio esta colaboración?

Cuando estaba componiendo las canciones, yo también hacía la parte musical conectada con las letras, ¿no? Como dije antes, es un disco conceptual y hay una historia completa empieza, cronológicamente, desde pre embarcación hasta la última, y esta canción habla sobre la parte de la guerra de una horda maligna, que es una orden europea, contra los indígenas, que es el ejército de Jorge, el personaje principal. Es como una guerra del mal contra el bien, entonces para representar eso estaba la posibilidad de invitar a una persona para representar a la parte de los indígenas, la furia de los indígenas para luchar contra esta orden maligna y también contra la invasión de los portugueses. 

Yo pensé: “¿Quién podría hacer eso?”, porque en la parte musical es una voz agresiva, gutural, que yo no sé hacer, tenía que tener un cantante para hacer eso. Yo pensé que la persona perfecta para eso sería Max, porque es brasilero, podría representar muy bien a los indígenas, la fuerza de los indígenas, y también porque su voz es una cosa magnífica. Todo fue perfecto y la contribución fue perfecta, ¡y también porque es un gran ídolo! Yo soy muy fan de Max, fue como un sueño tenerlo a él en un disco, en eso también.

—Encima hacía rato que Max no estaba como un invitado en un disco. Un tiempo largo, como 25 años.

¡Sí, es verdad! Fue una gran sorpresa que dijera “sí” para el proyecto, hacía como 25 años que no cantaba con otros artistas, entonces fue muy importante para mí tener eso, y me quedé muy contento.

—Una cosa que te quería preguntar, que me llamó la atención. Vos decís que este es tu primer disco como solista. Recordemos la banda anterior, Almah: una cosa que noté es que el primer disco, Almah, tiene tu nombre en la tapa, pero creo que vos no considerás eso como un disco solista. ¿Cómo definís que Almah es una banda y esto es tu carrera solista?

Yo siempre digo que Vera Cruz es el primero de verdad porque en 2006 había una idea de hacer una banda, es por eso que Almah está en grande, como el logotipo de una banda, y en pequeño está “por Edu Falaschi”. Fue una cuestión más de marketing, para que los fans supieran que Almah era un proyecto del cantante de Angra, porque yo estaba en Angra, más por eso. Pero la intención, desde el principio, fue siempre hacer una banda, entonces no era un proyecto solista.

—Entonces esto es oficial, es Edu haciendo su disco.

Y también otra cosa: con Almah yo estaba cantando con Angra al mismo tiempo, entonces yo era el cantante de Angra, no un cantante solista. Ahora con Vera Cruz yo estoy completamente solo, no hay otra banda, no soy cantante de otro proyecto. Entonces solamente “Vera Cruz” y solamente “Edu Falaschi” en el marketing, por eso es más natural decir que este disco es el primero como cantante solista.

—Vas a venir a la Argentina el 1ro de diciembre. Hace rato que no venías a Argentina, no sé si recordás cuándo fue.

Sí sí sí, con Angra tocamos en el Teatro Flores. ¿Existe todavía?

—Sí, sigue estando.

Muy bien, muy bien. Porque recuerdo que los conciertos estaban siempre muy llenos de gente y los fans muy locos cantando todo, los fans contentos, los fans felices. Entonces ahora al volver a Argentina en diciembre yo espero eso de los fans, la energía. Vamos a cantar básicamente las canciones que yo ayudé a construir con Angra y vamos a tocar de todos los discos de Angra que yo grabé como Rebirth, Temple of Shadows, Hunters and Prey, Aurora Consurgens y Aqua. Y obviamente canciones de Vera Cruz, entonces va a ser un concierto lleno de clásicos y mucha nostalgia también.

—Después de esta gira, de presentar el disco, ¿tenés planes a futuro?

Sí, claro. Estamos ahora en un 70% de la gira. Vamos para Japón, a Latinoamérica con México, Chile y otros países. La idea es que después de terminar ya empezar el próximo disco, empezar a trabajar y también, obviamente, lanzar el DVD que hicimos acá en Brasil, en São Paulo, que va a ser un blu-ray, que todavía estamos produciendo y que creo que en marzo o abril vamos a lanzar. Y después un poco más tarde lanzaremos el disco nuevo, ese es el plan. Y después más giras.

—Es un trabajo constante.

Sí, non stop.

—¿Qué te gustaría decir a los fans en Argentina y a nuestros lectores?

Me gustaría invitarlos a todos. Toda la información del concierto del 1ro de diciembre en Buenos Aires está en mi sitio oficial edufalaschi.com.br. Va a ser una cosa buena cantar conmigo, por ejemplo (NdR: Edu toma la guitarra y comienza a tocar “Nova Era” del disco Rebirth) Somehow I know / The things are gonna change. Muchas canciones, y también canciones de Vera Cruz como (NdR: comienza a tocar “Rainha do Luar”) Glimpse of holy nature / Silence comes to sing. Entonces así va a ser un concierto muy especial, mucha nostalgia y emoción. Entonces, vamos todos juntos y nos vemos muy pronto.

El hardcore en Argentina sigue dando pelea a pesar de las adversidades, como podemos ver con los chicos de Infierno: el cuarteto se estará presentando en el Viuda Negra Fest Vol. 1 este sábado 8 de octubre, como parte de la presentación de su disco Sembrando El Terror. Por ello nos comunicamos con Martín Marinoni, guitarrista y fundador de la banda, para que nos cuente más acerca del grupo.

Martín Marinoni

—¡Buenas, Infierno! ¿Cómo se encuentran al momento de esta entrevista?

¡Hola! Muchas gracias por su tiempo y por darnos un espacio en el sitio, lo valoramos muchísimo. Estamos muy bien! Con muchos proyectos como banda y nos prestamos este sábado 8 de octubre a presentarnos en nuestro ciclo “Viuda Negra Fest Vol. 1” en el que estaremos acompañados por bandas amigas y por emprendedores de la cultura independiente.

—En sus palabras, ¿cómo describirían el sonido y las ideas de la banda?

Te podemos decir sin dudar que es simplemente hardcore; con un mensaje directo sin poesías que suenen lindas sino más bien un mensaje que sea claro y que quede dando vueltas en la cabeza de quienes nos escuchen. Musicalmente tratamos que sea contundente, con cambios de ritmos y tratamos que te vuele la cabeza.

—¿Cómo describirían las letras de Sembrando El Terror?

Las letras van desde el despojo y la masacre de los pueblos originarios hasta las frustraciones que vivimos día a día. De alguna manera al escucharnos te estamos alentando a seguir sin bajar los brazos.

—Venían dando muchos recitales hasta que se declaró la pandemia, ¿cómo se vive la vuelta a los escenarios?

En un estilo como el nuestro es fundamental tener ese contacto y comunión con el público. El hardcore tiene ese ingrediente que casi ningún otro estilo lo tiene, nosotros lo vivimos con mucha alegría y con mucho compromiso.

—¿Cómo ven la escena hardcore actual en Argentina?

Hay muchas bandas muy buenas, que suenan muy bien tocando todos los fines de semana aquí en Argentina. Así que mientras eso suceda todo va ir bien. Hay muchas propuestas y eso hace que se mantenga en movimiento todo. Eso es lo importante para que la escena nunca muera. 

—¿Cuáles son los planes a futuro de Infierno?

El futuro más que nada es nuestro presente, estamos terminando de grabar nuestro nuevo EP de 5 temas en los estudios Warehouse de Fito Norando. Aún falta pero eso nos va dar el pie para poder presentarlo en 2023 por todos lados donde sea posible.

—¿Qué quisieran decirles a sus fans y a nuestros lectores?

¡A seguir dándole pelea a la vida! Es complicado pero de eso se trata de seguir adelante. Que pueden escucharnos en Spotify, YouTube y que si pueden asistan a nuestros shows que siempre tratamos siempre de dar lo mejor y seguramente quedará nuestro show en la memoria.

¡Muchas gracias Martín y staff de Track To Hell por brindarnos este espacio! ¡Abrazo!

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