Con motivo del lanzamiento de su nuevo disco Transience, publicado el pasado 29 de marzo vía Arising Empire, me junte con Daniela “Lela” Gruber, vocalista de Venues para que me cuente un poquito más sobre este disco y sobre Venues, una de las bandas más destacadas en la escena alternativa germana.

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Hola Lela, te escribe Lucas desde Tracktohell, en España, primero que todo felicidades por el nuevo disco, creo que es fantástico y bastante fresco para la escena alternativa actual ¿Cómo fue el proceso de composición, escribiste todas las letras del álbum tu sola?

(Lela): Hola Lucas, muchísimas gracias, ha sido una locura de proceso y estoy muy contenta de que finalmente lo vayamos a poder compartir con todo el mundo. Comenzamos a escribir el disco hace dos años e incluso sacamos el primer single “Reflections” en 2022, fuimos al estudio hasta tres veces mientras escribíamos y grabábamos Transience, así que tuvimos más tiempo de concentrarnos en escribir y seguir trabajando en el disco, en lugar de llegar y grabar todo como estaba de una sola toma.

A la hora de escribir Robin (Voz secundaria) y yo empezamos a ver de que queríamos hablar en este disco y tras tenerlo claro yo comencé a escribir mis partes “Clean” y Robin hizo lo propio con las partes donde él realiza “Screams”, pero de vez en cuando combinamos el método y escribimos canciones juntos.

Una de mis canciones favoritas del disco es “Unspoken Words” ¿Cúal es la historia sobre esta canción?

(Lela): Esta canción trata sobre una relación tóxica y como a veces no sabemos o no encontramos la palabra adecuada para dejarla, necesitamos ayuda pero no sabemos como pedirla y permanecemos callados, pero hay veces y momentos en donde uno tiene que dejar eso que tanto le perjudica ya que no conviene seguir persiguiendo algo que no es bueno y es mejor irse y dejar las cosas como están.

La escena alternativa alemana actual es muy interesante gracias a bandas como Avralize, Alleviate e incluso vosotros mismos en Venues ¿Crees que todos vosotros podéis poner la escena de Alemania en el top de la escena alternativa europea?

(Lela): Yo creo que Alemania ha estado construyendo una escena hardcore y alternativa muy bonita en estos últimos años, así que si creo que estamos muy cerca de poner a nuestro país a la cabeza de la escena alternativa europea y es genial ser parte de ella y estar rodeada de tantas buenas bandas y buenos músicos.

Para la gente que no conozca mucho acerca de Venues, donde nace la banda y ¿Cuáles son tus influencias principales como cantante?

(Lela): Venues se forma en 2025 y antes de mi llegada tenían otro cantante que se fue en 2018, así que yo me incorporé al grupo en 2019 y siendo que somos una pequeña familia y estoy muy contenta de formar parte del grupo. Mis influencias a la hora de cantar se remontan a artistas como Janis Joplin (Era mi idola cuando era una niña) y actualmente intento fijarme en cantantes o artistas que puedan hacer diferentes sonidos con su voz, que sean completos como pueden ser Courtney LaPlante (Spiritbox) y Will Ramos (Lorna Shore).

Otra cosa guay sobre el disco, es su portada y su artwork, ¿Quién la ha diseñado y crees que representa exactamente lo que buscabais para este nuevo disco?

(Lela): La portada la diseñó Venera Red, quien es una habitual colaboradora nuestra y estamos muy contentos con el resultado final, es una artista muy talentosa y se nota que lo hace con el corazón y es buenísima en su trabajo. Le solemos dar las letras y las canciones para que ella las escuche y sin que le digamos nada ya sabe que crear inspirada en las mismas. Ella sabe interpretar lo que nosotros queremos transmitir con nuestras canciones.

En abril, Blind Channel volverán a tocar en España y vosotros habéis girado con ellos, ¿Cómo fue esa experiencia, te gusta su música?

(Lela): Tuvimos el honor de girar y abrir los shows de Blind Channel el año pasado y fue genial, esos chicos son un amor y musicalmente fue bastante natural para nosotros girar con una banda como ellos, ojalá podamos compartir escenario nuevamente, ¿Quién sabe?

Cuando salga el disco (el 29 de marzo), ¿ Cual es el siguiente paso para Venues: Gira?, Festivales veraniegos? o quizás un full tour europeo?, hay alguna chance de ver a Venues en España en 2025?

(Lela): Después del lanzamiento, hicimos algunos shows por nuestra zona con bandas geniales como Avralize, Mavis y Alleviate tocando antes que nosotros, las entradas estaban agotadas y fue muy especial para nosotros. Vamos a tocar en algunos festivales y estamos intentando configurar nuestro próximo tour europeo para comienzos del 2025, lamentablemente creo que España no está en la lista de ciudades donde vamos a tocar, pero cruzo los dedos para ir allí y poder tocar pronto , me encantaría!

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La banda Call Ov The Void respondió en conjunto a una entrevista acerca de su álbum debut, “On Grief and Dying”, y algunas coordenadas que nos permiten ubicarlo en términos de su sonido y de la escena musical en la que fue gestado. Además, anticipan algo de lo próximo que se viene. 

-Antes que nada, muchas gracias por brindarnos esta entrevista. Debo felicitarlos por el excelente disco debut que lanzaron y empezar por sacarme una duda vinculada al estilo de la banda. Call Ov The Void explícitamente hace referencia al sonido de los grupos de death doom metal de principios, y diría mediados, de los 90s. ¿Fue esa una decisión deliberada o simplemente fue inevitable que se filtraran las influencias?

¡Muchas gracias a ti, Marcos! Estamos encantados de que lo hayas disfrutado. Fue una decisión totalmente deliberada. Creemos que la música de esa época, en aquellos lugares, es de lo mejor que se ha compuesto y queríamos rendirle tributo, así como aportar nuestra propia interpretación de aquel sonido.

-Para saber si estuve acertado en mi reseña del álbum, ¿cuáles son las principales influencias que ustedes reconocen en su música? ¿Hasta qué punto creen que el sonido de Call Ov The Void puede evolucionar en el futuro?

Cosas como Katatonia, October Tide, Swallow the Sun, Enslaved, Opeth, Theatre of Tragedy, Daylight Dies, My Dying Bride, Insomnium, Paradise Lost, Candlemass, Warning (UK), The Foreshadowing, Pallbearer, Alcest, Agalloch, Carcass, Akercocke. En general los cuatro escuchamos copiosas cantidades de black, doom y heavy, que definitivamente influyen en el sonido, así como otras cosas como Depeche Mode, Tears for Fears y Spandau Ballet.

-Bueno, yo mencioné a Katatonia, My Dying Bride, Paradise Lost…

Nos pareció muy curioso que en tu reseña mencionaras que sería posible que la próxima evolución de la banda se dirigiera hacia el sonido que bandas como Katatonia, Anathema o Paradise Lost tomaron posteriormente, ya que, si bien es cierto que hemos coqueteado con la idea de grabar algún EP compuesto en su totalidad por canciones con voz limpia, lo más probable es que el próximo álbum de larga duración adquiera un tenor más pesado y complejo. Estamos pensando en hacer canciones más largas, más intensas, empezar a incorporar blast beats y compases compuestos, e incluso llegar a coquetear con el funeral doom, el black atmosférico y cosas por el estilo. Nos imaginamos algo como The Coral Tombs de AHAB, con todos esos matices y diferentes ideas, pero obviamente adaptado al sonido de COTV.

-Eso es muy interesante. Justamente, me pareció que en el disco que lanzaron estaba más marcado el potencial para lo que podría ser un desarrollo en el sentido de las bandas que, de alguna manera, homenajearon, pero me alegra que vayan a optar por una evolución diferente y apuesten a lo más pesado. Por otro lado, “On Grief and Dying” tiene dos participaciones internacionales, comencemos por el invitado en el track “A Peaceful Surrender”. ¿Cómo surgió y se concretó la idea de invitar a Blazej Kasprzak de Batushka?

Nosotros le abrimos a Batushka en octubre de 2022. Nos la pasamos increíble sobre el escenario y cuando bajamos algunos miembros de la banda se acercaron para felicitarnos, entre ellos Błażej, quien nos preguntó si pensábamos grabar pronto a lo cual le respondimos que estábamos en ello y se ofreció a colaborar. Pasó alrededor de un año hasta que nos sentimos lo suficientemente cómodos con el material para enviárselo. Escuchó lo que teníamos y él eligió “A Peaceful Surrender”, nos enseñó la propuesta y finalmente, nos mandó los tracks para incorporarlos a la mezcla.

-El segundo aporte internacional es la mezcla y masterización a cargo de Dan Swanö. ¿Por qué decidieron contratarlo a él para este trabajo y cómo fue la experiencia?

En realidad, Dan solo se hizo cargo de la masterización. La mezcla y la producción del álbum estuvieron a cargo de nuestro gran amigo y productor Samuel Becerra (cantante, guitarrista y productor de Aetherevm). A Dan lo tuvimos en mente desde el principio, hace ya unos cuatro o cinco años. Queríamos a alguien que comprendiera bien el sonido, ¿y quién mejor que alguien que estuvo ahí desde el principio, en aquella legendaria escena sueca de los 90’s? Trabajar con él fue muy fácil y rápido, es un artista sumamente profesional.

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-En un disco tan uniforme en cuanto a calidad compositiva, esta puede ser una tarea difícil, pero, si tuvieran que elegir las tres canciones que más cabalmente representan el estilo de Call Ov The Void, ¿cuáles serían? Considerando que “A Peaceful Surrender” fue el single, restarían dos más. ¿Por qué esas elecciones?

De hecho, el primer sencillo del álbum fue “One Last Regret”, canción que cuenta con un lyric video dirigido por nuestro portadista, Alejandro Voorduin. Justamente creemos que esa canción y “A Peaceful Surrender” son una excelente muestra de la propuesta musical, pues dejan ver las dinámicas, riffs y melodías que nos encanta utilizar. Para la tercera opción, creo que elegiríamos a “Into Nothingness”, la tercera pieza del álbum, ya que cuenta con un amplio rango de estilos e ideas que consideramos características del proyecto, pero que se destacan del resto de las composiciones. A pesar de que amamos todas las canciones, creemos que estas tres tienen un brillo especial sobre ellas.

-¿Cómo es el proceso creativo de la banda? ¿Qué los inspira por fuera de la música?

Todos aportamos en el aspecto creativo de las canciones, ya sea en composición, arreglos, ideas, letras o melodías vocales, pero lo más normal es que cada quien trabaje por su cuenta. Hasta el momento los principales compositores del proyecto han sido José Luis (voz y guitarra) y René (guitarra), ellos suelen trabajar sus canciones en Guitar Pro, las mandan al grupo para que cada quien las estudie y tenga tiempo de proponer, para después llegar al ensayo y empezar a armarlas. Este proceso puede durar entre un par de semanas, hasta años. Es normal que las canciones vayan mutando a lo largo del tiempo, e incluso, hay algunas canciones que siguen en su proceso, como algunas piezas de “Drowned”, nuestro primer EP, las cuales estamos pensando regrabar para futuros trabajos. Fuera de la música somos sujetos bastante ñoños y ordinarios. Nos gusta el ánime, los videojuegos, los carros, el basketball y beber fuerte.

-¿De qué manera les parece que está siendo recibido el disco por el público? ¿Tienen planes para presentarlo en vivo?

Estamos muy sorprendidos y agradecidos con la recepción que está teniendo nuestro álbum. Es muy gratificante ver a través de los comentarios de nuestros seguidores y de las reseñas cómo la gente genuinamente está comprendiendo lo que quisimos hacer con este trabajo, lo consideramos como todo un logro. Estamos convenciéndonos que hicimos un trabajo claro y conciso.

Actualmente ya estamos interpretando algunas de las canciones del álbum en nuestros sets en vivo, pero definitivamente haremos una presentación formal una vez que se encuentre el material físico a la venta (más o menos en otoño de este año), misma que contará con la participación del algunas de las mejores bandas de la escena nacional, eso es seguro.

-En relación con la pregunta anterior. ¿Cómo ven la escena del doom metal en México y que alcance mundial cree que tiene?

Honestamente es excelente y cada año parece crecer más y más. Bandas como Majestic Downfall, Matalobos, Fumata, Terror Cósmico, Abyssal, Rex Defunctis, Muerto, Bury Me In The Desert, Evercloud, Weedsnake, Devil’s Whiskey y Satánico Pandemonium (solo por mencionar algunas), rinden cuenta del crecimiento y la calidad del género (en todas sus presentaciones) en nuestro país. De estas mencionadas, probablemente Majestic Downfall y Matalobos sean las que más exposición internacional estén teniendo, Majestic siendo una banda ya muy bien consolidada en la escena del doom/death mundial, y Matalobos cada vez más presente en eventos con bandas importantes, e incluso contando con su propia gira colombiana en 2022.

-¿Les interesaría hacer una gira sudamericana, o apuntan principalmente al mercado norteamericano y europeo?

Sí tenemos la idea de girar este disco al menos en un país del cono sur este año, aún estamos afinando detalles, pero esperamos poder concretar algo ya muy pronto.

-Para terminar. Si tuvieran la oportunidad de tocar como banda soporte de algún grupo internacional, el que sea, ¿cuál elegirían y por qué?

Probablemente October Tide o My Dying Bride. Ambas bandas siguen manteniendo ese sonido que las caracterizó en sus épocas más clásicas y son grandes influencias para nuestro trabajo. Nos sentiríamos honrados de compartir escenario.

En 2012, la cantante Isabelle Tazbir y el guitarrista Adam Korchok se propusieron llevar las sonoridades oscuras del death doom metal a Toronto, Canadá. De esa idea salió Ischemic, que ahora se completa con el baterista Mrudul Kamble, el bajista Lyndon Quadros y el guitarrista Jon Radic, y que con el paso del tiempo y de los álbumes ha ido creando una imagen y un sonido que pueden llamar propio en el mundo de la música extrema. Con la inminente salida de su tercer LP Condemned To The Breaking Wheel a la vuelta de la esquina, pudimos hablar cara a cara con Adam sobre este nuevo trabajo y la manera en la que la banda combina estos sonidos en cada uno de sus trabajos.

—¿Cómo vienen las cosas con el trabajo que implica promover un álbum?

¡Vienen bien! Estamos llegando al lanzamiento final, que será el 5 de abril, así que hemos estado maquinando todo, terminando de ensayar y todo ese tipo de cosas. Y también terminando algunas cosas de relaciones públicas, lo cual ha sido muy divertido.

—Esta entrevista es con Track To Hell, que es un sitio dirigido a un público de habla hispana. Creo que esta es la primera vez que dan una entrevista para una audiencia de ese tipo, siendo que no encontré ni una sola entrevista con Ischemic en español.

No creo que haya alguna, lo cual es una pena porque sé que Sudamérica y España son lugares muy fuertes para la comunidad metalera, así que estoy quisiera darle un gran abrazo a todo ese grupo.

—Para la gente que no sepa acerca de Ischemic, ¿cómo describirías el sonido de la banda?

Con Ischemic hemos tenido un enfoque en el death doom metal. Cuando Isabelle y yo comenzamos la banda en 2012, no había ni una banda de death doom en Toronto o al menos una que tocara en vivo. Así que nuestra idea era encontrar el punto medio de lo que era el death doom en ese momento: éramos una banda de la vieja escuela a lo Autopsy o Asphyx, pero nos gustaba lo que pasaba con las bandas nuevas como Conan (Nota: se levanta y muestra la camiseta de la banda inglesa) y Hooded Menace, y queríamos unir todos esos diferentes sonidos, además de bandas como Katatonia. Así que agarramos todo lo que era el death doom en ese momento y lo metimos en una licuadora, y eso es Ischemic.

—Canadá no es la clase de lugar que asocio con el death doom, siempre pienso en eso como un estilo más europeo, no hay mucho por ahí. Estaba escuchando los dos primeros álbumes, Stagnation & Woe y el autotitulado, y ambos duraban más de 50 minutos y el segundo incluso tenía una canción de 22 minutos en el cierre, pero este nuevo Condemned To The Breaking Wheel es mucho más corto, teniendo apenas 30 minutos: es casi como un EP, y además sólo son cuatro canciones. ¿Tenían planeado hacer un álbum más corto?

Sí, con Ischemic decidimos ir por las cuatro canciones. Pero como “Scattering Garden”, como la mencionaste, tiene 22 minutos… después de eso, nos dijimos que ya habíamos creado nuestro opus doom, así que para este podríamos condensar el sonido un poco. Así que para cuando grabamos todo y lo armamos, recuerdo que noté que duraba media hora, pero creo que es una cosa de Canadá con las bandas de acá de condensar todo y sacarlo: hay una banda que nos gusta mucho, Wilt, que hicieron tres canciones y duraba 30 minutos. 

Nuestra idea era condensar el sonido para que fuera más amigable para tocar en vivo, como para poder tocar todo el material del álbum en vivo y luego meter una o dos canciones viejas, que es lo que haremos en los próximos shows. Íbamos a tener una canción en el medio como para alcanzar los 45 minutos, pero el tiempo que nos dieron para la mezcla nos lo impidió y es así que quedó más corto.

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—He visto muchas bandas teloneras a las que les dan media hora para tocar, pero tienen canciones muy largas. ¿Y qué van a hacer? ¿Tocar tres canciones? Es una buena idea para tocar en vivo.

¿Cuánto ha evolucionado la banda desde el inicio?

Como viste, muchas de nuestras primeras canciones duraban alrededor de 12 minutos, así que para poder mezclarlas en vivo se han ido poniendo más y más cortas pero manteniendo ese sonido death doom. Definitivamente hemos tratado de hacerlo más fácil para nosotros y que las presentaciones en vivo sean más entretenidas, así que condensar todo en canciones más cortas ha sido algo en lo que hemos ido evolucionando. 

También los temas han cambiado un poco: solíamos enfocarnos en cierta temática médica a lo Carcass, porque Isabelle, nuestra cantante, es enfermera y está muy interesada en ello, y en la tristeza y la depresión en general, esa clase de contenido. Pero nos hemos ido enfocando en temas un tanto más sobrenaturales: ahora estoy muy metido en el paganismo antiguo, así que la canción “Tomb Fog” recuerda mucho a los antiguos zigurats mesopotámicos, mientras que Kamble hizo “Rust and Bones” y es una canción sobre máquinas mortales en un futuro post apocalíptico, y la última canción “Abandon” sigue esa onda más triste a lo Agalloch. Así que hemos tenido un cambio desde las letras sobre experiencias más básicas con las que todos nos podemos relacionar a estas más místicas.

—Mencionabas lo de las letras, y si no estoy equivocado es la primera vez que van a publicarlas. ¿Qué tan importantes son las letras para ustedes?

¡Sí! Creo que la diferencia con las letras del pasado es que Isabelle era la única que las escribía: generalmente lo que hacíamos era que yo componía una canción, con riffs y una estructura, y pensaba cuál sería la vibra que me da la canción, y ella decía cuáles eran las letras que compondría. Pero esta vez, con Kamble y yo escribiendo las canciones, decidimos desde un principio sobre qué estaríamos escribiendo. 

La mayor parte de las letras siguen siendo de ella, pero ciertamente hay partes en las canciones donde digo que quiero tal letra en ese lugar: todo lo que está alrededor es irrelevante, pero mientras pueda meter esta línea estaré feliz. Hay muchas de las letras que no sé qué son, porque ella tiene un enfoque muy a lo Gorgoroth donde la magia se pierde si les dice a todos cuáles son, que es algo que respeto. Pero acá pensamos que era genial cuando la gente puede cantar y seguirnos, y eso es lo que intentamos con eso.

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—Otra cosa de la que quería hablar con respecto al álbum es la portada. Fue diseñada por uno de los miembros de la banda.

Sí, Kamble. Él la hizo y fue impresionante, la primera vez que la vi quise asegurarme de que no fuera IA y él me aseguró que no. [Risas] Y si lo ves en algunos bordes está claro que no fue algo generado por una computadora, hay algunas imágenes de stock e imágenes históricas de esas enormes ruedas giratorias que están sacadas de manuscritos medievales, de máquinas que utilizaban. Hizo un muy buen trabajo con las capas y el esquema de colores, ciertamente evoca una mezcla de lo que todas las canciones significan en conjunto, porque es un área muy desolada pero también hay instrumentos de tortura muy antiguos: nuestra idea es que una niebla sepulcral emerge de las profundidades antiguas y los condena a todos a sufrir esta tortura, dejando sólo óxido y huesos mientras estas máquinas son poseídas y aniquilan a la humanidad, haciendo que abandonemos toda esperanza.

—¿Qué planes tienen a futuro para la banda?

Ahora mismo vamos a estar promocionando Condemned To The Breaking Wheel. Tenemos varios shows geniales organizados para mayo, vamos a estar tocando con una gran banda de black / sludge metal de Georgia llamada Malevich en Waterloo, y esa misma semana vamos a estar tocando con Fuck The Facts, que al menos en Canadá son una banda conocida de grindcore / death metal y cuya vocalista Mel influenció mucho a Isabelle. Esos son los shows grandes que de verdad estamos esperando, y en junio tendremos repunte en los shows. Así que ahora es todo promocionar, dar shows en vivo y ver a dónde lleva todo, poniéndonos con el álbum.

—¿Qué quisieras decirle a todos los oyentes que tendrá este nuevo álbum?

Definitivamente escuchen Condemned To The Breaking Wheel, es un buen golpe rápido al estómago así que no tienen que dedicarle mucho tiempo de su día en comparación con otros álbum de death doom. Tiene mucho trabajo metido, es la personificación de la formación que tenemos ahora porque tuvimos cambios desde el último álbum hasta ahora: es producto de una nueva entidad, pero como sido Isa y yo hemos estado en la banda por más de 12 años también somos nosotros encontrando el camino. Y Kamble ha sido un gran cambio porque él es muy disciplinado, muy técnico: como dije, él creó toda esa portada y es increíble cómo hace todo solo, realmente ayudó a estimular a la banda de muchas maneras. 

Si estás metido en el death doom y el doom extremo de todo tipo, dale una escucha y te aseguramos que vamos a deprimirte el día, ¡pero de una manera positiva! Un poco de oscuridad sombría.

Estuvimos hablando con Carlos Foak, vocalista de Bloody Kitchen, quienes recientemente sacaron a la luz su nuevo trabajo Caos y nos cuenta un poco sobre cómo fue el proceso de la creación de este trabajo.

– ¿Cómo fue el proceso de composición del disco?

La composición es algo de lo que se ocupa Carlos. Tiene una facilidad innata para componer y cuando tiene una idea suele aparecer con el tema completo terminado al día siguiente. El resto de la banda aporta su granito de arena mejorando algún riff, introduciendo algún solo o dando ideas sobre partes del tema, pero por lo general la primera versión suele parecerse mucho al resultado final, lo cual es fantástico porque significa que estamos a gusto con lo que sale al principio.

– ¿Hubo alguna forma puntual de inspirarse para las historias de las canciones?

En nuestro caso, la inspiración puede venir de cualquier lugar. A veces es una película o un libro. Otras veces es una idea que simplemente surge. En ocasiones, la inspiración surge escuchando temas de otros artistas que no tienen nada que ver y se nos ocurre una idea loca que al final cobra sentido. Podemos decir que es una manera un tanto “caótica”, pero nos funciona bien. Al mismo tiempo, este disco ha bebido también de algunas experiencias personales, lo ha que hecho que Bloody Kitchen haya roto esa barrera de “ficción” que suele mantener siempre y esto ha hecho que “Caos” haya sido un avance no solo en lo musical.

– La banda maneja letras en español por ser su idioma nativo. ¿En algún momento el tema del idioma de las letras se discutió?

Cantar en español es una premisa y el punto diferenciador de Bloody Kitchen. Es lo que nos aporta valor añadido en el mercado musical español y latino. Llevamos con orgullo ser de las pocas bandas de metal industrial que cantan en español, con lo que en ningún momento se ha planteado siquiera cantar en otros idiomas. Sin embargo, sí que hacemos concesiones y en “Caos” hay palabras en otros idiomas, como es el caso del tema “Natsukashii” o “Bloody Kitchen”, en el que nos atrevemos a hacer un guiño a nuestros fans alemanes.

– Los trabajos anteriores de la banda los posicionó en lugares altos a lo largo de Europa. ¿Cómo recibieron esta noticia?

Fue algo tan inesperado como motivador. Ni en nuestros mejores sueños se daba la circunstancia de llamar la atención fuera de nuestras fronteras. Para una banda sin sello discográfico y sin más apoyo que nuestra ilusión y determinación por sacar el trabajo adelante, es muy difícil abrirse paso y llegar donde están ya otras bandas más profesionalizadas. Ver nuestras canciones en los primeros puestos de la radio ruso-alemana dedicada íntegramente a la “Neue Deutsche Härte”, con más de cincuenta mil oyentes mensuales y compitiendo contra bandazas del nivel de Eisbrecher o Megaherz, fue un auténtico subidón. Aparecer en el Top10 fue una fantasía, supimos que Bloody Kitchen gustaba fuera de nuestras fronteras y que el idioma no era una barrera. Cuando llegamos a ser número uno, aquello superó toda expectativa y sentimos que todo cobraba sentido. Es algo por lo que estamos muy orgullosos y agradecidos. 

– Si bien el estilo de la banda es uno, ¿Hay influencias por parte de los integrantes al momento de componer? 

Cada uno tiene sus influencias y sus bandas favoritas. Lo cierto es que Carlos es quien compone y Bloody Kitchen surgió como un “experimento” en el que poder llevar el estilo de metal industrial alemán (NDH) a nuestro idioma influido claramente por bandas como Rammstein o Eisbrecher a la cabeza, pero también por otras bandas no tan evidentes con estilos alternativos como puedan ser Combichrist o 3teeth. La gente se suele sorprender, pero debemos gran parte de nuestra música también al trabajo que Massive Attack o Smashing Pumpkins hicieron entre los 90s y 00´s. Entre los integrantes hay una gran amalgama y si hiciéramos una playlist común habría temas de Fist of the North Star, Slipknot o Architects por poner algunos ejemplos.

– ¿Cómo viene el año para Bloody Kitchen?

Tras lanzar el álbum estamos a la caza y captura de oportunidades para defenderlo en directo. La presentación fue el día siguiente de lanzarlo en una abarrotada Sala Silikona en Madrid, y estamos buscando salir de nuestra zona y llevar nuestro espectáculo a otras ciudades. De momento tenemos varios bolos cerrados en Madrid (muy atentos al de octubre 2024 porque va a ser brutal). También estamos preparando una pequeña sesión para meternos a grabar en estudio, pero de momento es una sorpresa y no podemos desvelar más.

Muchas gracias por la entrevista y por la oportunidad de acercarnos un poco más a nuestros fans. Si todavía no nos conoces, te animamos a escuchar “Caos” en tu plataforma favorita y a seguirnos en nuestras redes sociales: @somosbloodykitchen 

Los powermetaleros argentinos Innerforce se preparan para festejar sus 10 años de carrera el sábado 6 de abril en el Roxy (Niceto Vega 5542) de Buenos Aires, acompañados por Psycho Poker, Requiem For Edén y los brasileños Armiferum. Con motivo de esto y para conocer más a la banda, hablamos con el guitarrista Paty Pérez a poco de que se dé esta fecha histórica para una de las bandas emergentes del metal argentino.

¡Buenas Hermanos Metaleros de Track To Hell!

¿Cómo describirías a InnerForce para alguien que aún no los conoce, de dónde son y por qué eligieron ese nombre?

InnerForce es una banda de heavy metal clásico / “New Wave of British Metal”, oriunda de Buenos Aires (CABA), Argentina, que tiene como objetivo volver a las raíces del metal tradicional, intentando llevar un mensaje de optimismo y con el “norte” compositivo en volver a los estribillos, riffs y solos coreables. El nombre InnerForce refleja nuestra creencia en el “poder interior” que todos tenemos para superar los desafíos y conquistar nuestras metas.-

¿Qué bandas han marcado su estilo y cuáles son sus influencias, solo heavy-power o demás géneros?

Nuestro estilo está profundamente influenciado por bandas icónicas del heavy metal y el power metal como Iron Maiden, Judas Priest, Helloween, etc. Sin embargo, también incorporamos elementos de otros géneros como el thrash, prog, metalcore, etc. para crear nuestro propio sonido.-

¿Cuándo comenzaron a trabajar en las canciones de “Arcadia” y qué tan diferente fue el proceso compositivo en comparación con su anterior álbum “From Within”?

Comenzamos a trabajar en las canciones de “Arcadia” años después de lanzar nuestro álbum anterior “From Within”. El proceso fue diferente en el sentido de que estábamos más experimentados y maduros como banda, lo que nos permitió explorar nuevas ideas y sonidos. “Arcadia” es un reflejo de nuestra evolución como músicos y compositores, sin dejar de lado la búsqueda de hacer “canciones”, que sean simples a la escucha, pero con sus complejidades en los detalles.

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¿Qué los motivó a escribir sus canciones en inglés en lugar de español?

Optamos por escribir nuestras canciones en inglés por un tema de gusto (nuestras bandas favoritas cantan en inglés), facilidad y además para alcanzar a una audiencia más amplia y conectarnos personas de todo el mundo.-

¿Cómo fue el proceso para que tomes la iniciativa y te desempeñes en el rol de cantante, cómo fue la experiencia?

Realmente fue (y es) una experiencia desafiante pero emocionante. Siempre tuve una profunda pasión por mis cantantes favoritos o, mejor dicho, mis “héroes” del metal (Kiske, Dickinson, Scheepers, Halford, Hayer, etc..) y el poder de transmitir emociones a través de la voz. Fue un proceso de crecimiento personal y artístico que me permitió conectarme más profundamente con la música y además entender desde otra perspectiva el roll del cantante. No es para nada fácil, lleva mucha responsabilidad y sacrificio, pero cuando logras los resultados que buscas, la satisfacción es inexplicable.-

¿Qué respuesta han tenido hasta ahora ahora tanto de los medios como de los fans en general acerca del nuevo álbum?

Hasta ahora, la respuesta fue increíblemente positiva. Estamos emocionados de ver cómo la gente se aprende las canciones y las cantan en los shows. No solamente la gente de Argentina, sino que las veces que pudimos viajar para tocar en otros lados, la gente acompaña con su garra y energía y al terminar cada show, se acerca a felicitar y agradecer. Esos gestos son hermosos… en esos momentos se te infla el pecho y te sentís orgulloso del trabajo que uno hace día a día.-

¿Cuál es su canción favorita para tocar en vivo?

¡Esa es una pregunta difícil! Pero si tengo que elegir, diría que “Galleons Of Nations” siempre crea una energía increíble en el escenario y en la audiencia.-

¿Cómo se sienten acerca de la evolución de su sonido a lo largo de los años?

La verdad es que no me doy cuenta si logramos una evolución de nuestro sonido a lo largo de los años. Creemos que es importante seguir desafiándonos a nosotros mismos y explorar nuevas fronteras creativas mientras mantenemos nuestra esencia como banda, pero eso no implica que busquemos modificar el audio a medida que pasa el tiempo… Igualmente, es verdad que en principio buscábamos un sonido más analógico: amplificadores valvulares y pedales… pero con el tiempo fueron apareciendo soluciones más cómodas y fieles al sonido que nos gusta, como los “amp modelers” que nos hicieron la vida más fácil, sin perder sonido que nos gusta.-

¿Tienen preparado algo especial para quienes asistirán al Roxy?, invitados, merch?

¡Por supuesto! Tenemos varias sorpresa… invitados especiales, cambios en el setlist y algunas cositas que no puedo contar!! Vengan para no perdérselas!!!

Vienen de presentarse en el Furia Metal Fest, contanos cómo estuvo eso?

Fue una experiencia muy grosa!!! Es excelente compartir el escenario con otras bandas increíbles y sentir la energía de la gente!!! La verdad es que el laburo que hace la gente de VIDA y la camaradería entre bandas es algo único.-

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Mil gracias a toda la gente que hace Track to Hell y a todos ustedes que están leyendo!!!! Que la “fuerza interior” los guíe en todo momento y que el metal sea nuestro eterno compañero! Los esperamos el sábado 6 de abril en el Roxy!!! Saludos… Paty Pérez! (Nos vemos en el pogo!!).-

Etiquetas: argentina, Innerforce, Power Metal, speed metal

Cuando se habla de black metal, las primeras imágenes que se nos vienen a la cabeza son músicos con corpse paint, la controversia sobre quemas de iglesias, asesinatos y una oscuridad inquietante que se conecta con la naturaleza. 

Este género musical, también conocido por su velocidad, sus guturales gritos y una estética profundamente sombría, no sería completo sin la presencia de sus icónicos logos. 

Por ese entonces nos surgió la siguiente pregunta: ¿Quién es la mente maestra detrás de la creación de los logos más reconocidos en el ambiente del BM ? 

Desde Track to Hell, nos contactamos con Christophe Szpajdel. Conocido por muchos como “el Señor de los Logos“, Szpajdel ha dejado una marca indeleble en la escena del diseño gráfico, especialmente en el ámbito del metal extremo. Su estilo lo ha catapultado ganándose el reconocimiento y la admiración de artistas, bandas y seguidores en todo el mundo.

Tuvimos la oportunidad de contactarnos via email con Christophe donde amablemente nos contó acerca de su vida y obra, desde sus humildes comienzos hasta su ascenso como uno de los diseñadores de logotipos más influyentes de la escena musical.

– Gracias Christophe por dedicarnos tu tiempo para Track to Hell

De nada. Es un placer para mí formar parte del sitio. Espero que más gente se fije en mí y algún día, espero exhibir mi arte en América del Sur.

– ¿De dónde y cómo surgió tu interés por los logotipos?

Temas medievales, Art Nouveau (movimiento artístico y cultural que floreció principalmente en Europa entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX), naturaleza, cultura y paisajes que me rodean.

– ¿A qué edad comenzaste con esta pasión por dibujar y especialmente diseñar logotipos?

A los 16, primero recreando logotipos de mis bandas favoritas como Possessed, Kreator, Venom, Celtic Frost, Protector, Sarcofago… y luego, en 1989, cuando me uní a un fanzine llamado Septicore, empecé a ofrecer mis servicios a bandas que pensé que podrían necesitar un buen logotipo.

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– ¿Cuáles fueron los logotipos que primero captaron tu atención?

Durante los años 80, cuando descubrí el metal, la música, pero también la arquitectura Art Deco/Art Nouveau que realmente me inspiró.

– ¿Cuál fue el primer logotipo que creaste?

Bastantes, Morbid Death/Blasphereion/Pre-Enthroned (Bélgica), Disgrace (Finlandia), Morbid God/Moonspell y una revisión del Filii Nigrantium Infernalium, inicialmente concebido por Belathauzer.

– Sabemos que diseñaste el logo para la banda noruega de black metal Emperor. ¿Qué recuerdos tenés de esos días?

Fue a finales de 1990, principios de 1991, cuando estuve en contacto con Samoth y habló en una de sus cartas sobre iniciar una nueva banda, y yo llegué con una sorpresa, un logotipo de Emperor que fue adoptado de inmediato.

– ¿Cómo encontrás tu inspiración?

Estos días, escuchando la música de la banda.

– ¿Tenés interés en hacer diseños de portadas, etc., además de los logotipos?

No realmente, lo he intentado varias veces pero he sido criticado unánimemente por mis obras de arte de portadas de álbumes por ser anatómicamente “incorrectas” y ninguna de ellas se ha utilizado, me han dicho que me centre solo en hacer logotipos, y he escuchado a los críticos. No tengo arrepentimientos de centrarme en los logotipos. Hay tantos otros artistas que entregan arte increíble, así que hagamos un favor y démosles la oportunidad de satisfacer a clientes exigentes.

– ¿Cuál es tu género de metal favorito y menos favorito? Contanos qué bandas escuchas actualmente.

Soy muy ecléctico en mis gustos. Prefiero bandas que sean conmovedoras, originales, únicas e inspiradoras, sin importar el género. 

Actualmente escucho TIK (folk-punk), Severoth (depressive dark metal), Labyrinthus Stellarum (cosmic dark metal), Necrom (death metal), Stryvigor (black/death), Colotyphus (melodic black/death metal), Karabiner (thrash old school), todas de Ucrania. 

Luego Funeratus, Mortal Profecia, Scrupulous, Rebaelliun, Mortal Profecia (todas de Brasil), Sartan (una de las grandes bandas de Argentina, con un black/death propio que está completamente fuera de lo común y una banda que realmente se destaca entre todas las demás.), Sur AStru, Dordeduh, Necrovile (Rumania).

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– ¿Crear un logotipo simple es más fácil o más difícil que uno complicado?

Pregunta muy difícil. A veces, un logotipo simple requiere mucha más atención al detalle que un logotipo brutal/complicado donde las discrepancias son más fáciles de disimular. Un logotipo simple, todo está claro. Es como un vocalista de heavy metal, tiene que tener su voz correcta a diferencia de un gruñidor de black/death/grind que tiene más margen de maniobra para cometer errores.

– Has creado más de 10,000 diseños. ¿Tenés algún favorito específico?

Emperor, Wolves in the Throne Room.

– Christophe, una vez más, gracias. ¿Algún comentario final?

Gracias por esta entrevista y recuerden: Nos vemos en uno o más de los siguientes eventos donde organizaré una exposición de arte. Devon Open Studios: Reminiscencias en Leadworks en Plymouth durante todo septiembre, en Bucharest Deathfest, 1 de marzo de 2025 y probablemente algunos más. 

Al hablar sobre el heavy metal estadounidense, históricamente las bandas más grandes han venido de los grandes centros urbanos de la costa este u oeste, sobre todo California. Pero de vez en cuando podemos escuchar bandas interesantes viniendo de lugares con menos lupas puestas encima, como es el caso de Voidgazer, un cuarteto proveniente de St. Louis, ciudad en el estado de Missouri, que recientemente firmaron contrato con el sello alemán Atomic Fire para relanzar su EP Dance of the Undesirables en formato LP. Y habiendo escuchado el álbum, con su particular mezcla de estilos, queda muy en claro que el grupo tiene mucho para dar, y es por eso que nos pudimos contactar con su guitarrista y líder Manny Watts, para que nos haga una presentación de su banda y las influencias que hacen a su música.

—Quería arrancar diciendo que es un placer poder estar acá hablando contigo, porque he tenido muchas entrevistas con muchas bandas diferentes pero no recuerdo una donde la banda todavía no hubiera lanzado su primer LP. Es una gran oportunidad.

¡Estoy muy emocionado!

—Estarán sacando su primer disco dentro de poco, ¿cómo viene eso?

Es muy genial, ha sido genial trabajar con Atomic Fire, que ahora es Reigning Phoenix Music. Ha sido muy divertido trabajar con ellos, ha sido muy interesante: ellos se manejan por el horario europeo, así que termino recibiendo e-mails a las 3 de la mañana. Ya tenemos nuestro primer single disponible y la gente está realmente entusiasmada por eso. Es excelente ver que nuestro material le llegue a la gente en el plano internacional, porque nosotros somos del Medio Oeste. Me fijé en el video, porque soy un narcisista, y tiene 23000 vistas: yo nunca había tenido 23000 vistas de nada, así que ha sido sorprendente.

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—Yo soy de Argentina, así que sé lo que es que te manden e-mails a cualquier hora. Además, con respecto a St. Louis: no sé si la llamaríamos una “ciudad grande”…

(Entusiasmado) ¡Es una gran ciudad!

—Una gran ciudad, pero la mayor parte de las bandas vienen de California o Nueva York, los lugares realmente grandes…

Creo que el Medio Oeste y muchas de las bandas de por aquí tienen algo para ofrecer. Hay cierto sonido del Medio Oeste en estas bandas: si vives por aquí, tanta de nuestra infraestructura está colapsando y gran parte de ella está muy descuidada y dejada en el abandono. Terminas influenciado por todo lo que ves, sobre todo en St. Louis donde hay partes grandes de la ciudad que están directamente colapsando: así que creo que las bandas del Medio Oeste tienen este sonido mugriento y lúgubre. Creo que tenemos bastante de eso, y que la gente se está dando cuenta de ello ahora.

—Estaba pensando en un tercer lugar grande pero no lo recordaba, y era Texas.

¡Texas! Hay muchas cosas saliendo de Texas.

—No diría que Voidgazer es una banda nueva: ustedes comenzaron en 2016, si no estoy equivocado.

¡Sí! Cuando comenzamos a juguetear con eso y probar a diferentes personas. Grabé por mí mismo un EP en mi universidad. Pero diría que no empezamos de verdad hasta 2020, que dimos un par de shows y entonces la pandemia golpeó. Esa fue una cagada, nos cortó las alas, pero mantuvimos la formación y empezamos a dar shows de vuelta, y apenas nosotros cuatro empezamos a mostrarnos la gente comenzó a prestarnos atención, al menos en nuestra comunidad. Pero sí, hemos estado haciéndolo desde hace un tiempo.

—Lo decía porque no creo que muchas de las personas que nos leen en Track To Hell sepan acerca de ustedes.

¡Probablemente muy pocos! Esperamos que lleguemos a muchas personas nuevas.

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—¿Cómo definirías el sonido de Voidgazer? Porque estaba escuchando el nuevo disco, antes de que salga, y tiene un sonido muy extraño y particular.

Es extraño, pero creo que también es muy familiar. Combinamos muchas de nuestras influencias e intereses, pero creo que a pesar de que estamos mezclando todos estos géneros siempre sonamos como Voidgazer: no se vuelve demasiado amplio, que es lo que quiero evitar, siempre suena “voidgazeresco”. Probamos con muchas etiquetas y definiciones diferentes, pero lo llamamos “biker metal”: estamos muy metidos en la cultura motociclista y ese tipo de cosas. Es simplemente heavy metal: somos demasiado rápidos para el doom, demasiado doom para el progresivo. Creo no es más que el viejo y querido heavy metal, y de esa manera podemos tocar con bandas de death metal, las bandas más puercas del doom metal: no creo que quedemos fuera de lugar en muchas escenas.

—Las voces muy a lo death metal con las melodías, y esos riffs casi rock’n’roll.

¡Muy rock’n’roll! Es ahí de donde vienen.

—Creo que en una entrevista habías mencionado que la gente los comparaba con Motörhead, pero no necesariamente que eran unos clones.

Uno dijo que era The Black Dahlia Murder mezclado con Motörhead, ¡así que lo llamaron “The Black Dahlia Motör”! Eso me parece muy divertido. ¡Y eso es lo que quiero hacer! Quiero agarrar el rock’n’roll de la vieja escuela, el heavy metal de la vieja escuela y meterlo en un contexto moderno: una filosofía de la vieja escuela, pero darle una bocanada de aire fresco.

—Creo que eso se puede ver esa mezcla de influencias en el logo de la banda, el que usaron en la portada. Porque tienen un nombre como de banda de black o death metal, pero hecho al estilo de una banda de metal de los ochentas, casi como de una banda de glam metal.

¡Exacto! Quisimos hacerlo de esa manera: somos tipos que les gusta que les gusta la fiesta, y queremos que la gente sepa eso. Si ves en lo que están metidos todos, venimos de lugares muy diferentes pero juntamos todo de una manera muy genial. En cuanto a todo lo de los ochentas, el señor Kyle Hammer, nuestro baterista y mi mejor amigo, está súper metido en el estilo de los ochentas, mucho thrash y el death metal de la vieja escuela: él sabe cómo crear esa estética, está al frente de eso.

—Cuando recibí el e-mail de Reigning Phoenix y vi el nombre de la banda, creí que era otra banda de death metal o black metal, tal vez de black atmosférico, uno de esos estilos raros. Pero cuando los escuché, me pregunté qué mierda era esto… de una manera positiva.

¡Eso es lo que quiero que haga la gente!

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—Este álbum, Dance of the Undesirables, fue lanzado originalmente como un EP.

Sí, lo sacamos de manera independiente hace un par de años.

—¿Cómo describirías este LP? ¿Es una reedición? ¿Cuál es la diferencia con el original?

La mezcla fue actualizada, hay un nuevo máster y algunos bonus tracks, cambiamos el arte. Esta es la primera vez que lo podemos tener en un formato físico, porque lo sacamos nosotros hace unos años y entonces empezamos a hablar con la gente de RPM. Es de cierta manera un relanzamiento, pero la realidad es que somos una banda de St. Louis y la gente que lo había escuchado era la gente de St. Louis, así que para el resto del mundo es algo nuevo. Creo que hay muy buen material para todos los que nos escuchen por primera vez y también para los que han estado con nosotros desde el primer día.

—Es bastante genial que sean una pequeña banda de St. Louis y terminen trabajando con un sello europeo y hablando con un tipo en Argentina, en el otro lado del continente.

Sí, es increíble. Cuando comenzamos a hablar con ellos, nos dijimos: “¿Meshuggah está en este sello?”. [Risas] ¿Opeth? ¿Helloween y bandas de ese estilo? Y hace poco también se sumaron Michael Schenker y Kerry King. No tengo idea si esta gente le presta atención a los recién llegados en sus sellos, pero el hecho de que haya posibilidad de que Meshuggah esté escuchando a Voidgazer es una locura. Es muy divertido.

—Tengo la lista aquí, está Udo, el ex Accept.

¡Balls To The Wall!

—Skull Fist, Primal Fear…

Me encantaría girar con Skull Fist, pegaría muy fuerte.

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—Mencionaste el arte de la portada, y me encanta. Mencionaste a Motörhead, y parece una versión de terror de una portada de ellos.

¡Exacto! Es medio glam pero de una manera retorcida, hay cierto aspecto decrépito. No es todo sol y arco iris en el Medio Oeste.

—Sé que es una versión actualizada de la portada del original, la que tiene a los tipos con las cadenas.

Sí, porque tuvimos esa portada hecha después de la original y ya nos habíamos comprometido con ella, pero deseábamos que esa pudiera haber sido la portada. Así que aprovechamos la oportunidad para que esta fuera la portada, porque es genial: lo ponemos en la portada y lo ponemos en todo. A todos les encanta, a mí me encanta. Y ahora es complicado, porque es tan genial que nos preguntamos cómo vamos a hacer para siquiera igualarlo: esa imagen condensa de manera perfecta lo que quiero que la gente entienda de nosotros. Creo que es muy importante que la gente pueda ver la portada de un álbum y que la entienda de alguna manera, la primera impresión es tan importante.

—Es como un motor con agujas, con algo de La Cosa.

Una invención horripilante, un montículo de carne. Me encanta ese concepto de lo mecánico mezclándose con la carne, como algo de una película de terror.

—Y también creo que se ve de la misma manera que suena la banda.

¡Exacto! ¡Eso es lo que buscábamos!

—Vi que una de las canciones es “Jesus Take The Needle”. Y también está “Sexual Sadist Serial Slasher”.

¡Todos títulos muy divertidos!

—Todas suenan tal cual como sus títulos.

Honestamente, creo que comenzamos con el título y armamos la canción a partir de eso. Es algo divertido.

—¿Qué planes tienen a futuro con respecto a la banda?

No estamos muy lejos de terminar de componer el próximo álbum. De verdad espero que podamos grabarlo y sacarlo bien rápido. Sé que los álbumes tienen ciclos y ese tipo de cosas, y sé que todos piensan que su nuevo material es el mejor pero lo nuestro extremadamente bueno. Hay un par de canciones que ya tenemos armadas y que creo que están para andar imprimiendo dinero, creo que a la gente de verdad les va a gustar. Creo que refinamos la técnica y la filosofía al momento de componer. Quiero terminar con eso, comenzar algunas giras, agarrar la ruta y ver a dónde nos lleva, tenemos una gran oportunidad enfrente nuestro ahora mismo.

—Sí, estaba leyendo algunas entrevistas con revistas de metal pero también de St. Louis, así que fue toda una sorpresa verlos en un sello europeo grande con todas estas bandas europeas elegantes. Y también Angra, que son de Brasil.

No lo puedo creer, es genial.

—¿Qué te gustaría decirle a la gente que vaya a escuchar este Dance of the Undesirables?

¿Qué quisiera decirles? Quiero ver qué quieren decirme a mí: creo que estamos haciendo algo muy raro y quiero ver si les gusta este tipo de cosas. ¿Acaso los entretiene? Eso es lo que quiero saber. ¿Acaso les “activa las almendras”? (NdT: Es una referencia a un meme sobre un chef australiano y la manera en la que describe las comidas). Quiero saberlo, quiero hablar con la gente sobre música. Me encanta hacer música, hablar con la gente sobre música, pienso en eso todos los días, toco la guitarra, pienso en riffs y demás. Quiero saber si les entretiene o no.

Los californianos melódicos hardcore Ignite se preparan para pisar tierras españolas a fines de marzo y traer toda la fuerza punk al país, y es por eso que hablamos con su bajista y miembro fundador Brett Rasmussen por esta ocasión tan especial, con el guitarrista Kevin Kilkenny sumándose para una de esta tanda de preguntas de puro punk.

—Hola, Ignite. Soy Martín, y esta es una entrevista para Track To Hell. Antes de comenzar la entrevista real, quería saber cómo va todo con la banda.

Hola Martín, Brett aquí de Ignite. Todo va genial, estamos a punto de iniciar nuestra gira de primavera por Europa/Reino Unido y estamos muy emocionados por volver a la carretera en Europa y tocar en muchos de los lugares que amamos.

—Han dado una gran cantidad de conciertos en Europa a lo largo de los años, especialmente en Alemania. ¿Qué crees que hace que la banda sea tan atractiva para el público europeo?

Creo que mucho tiene que ver con los primeros días de Ignite. Nuestro primer sello discográfico fue alemán y nuestra primera gira también fue en Europa. Europa es el lugar donde obtuvimos más exposición y, por supuesto, es donde tocamos la mayoría de los conciertos en los años 90.

—¿Cómo eligen las canciones que terminan en la lista de canciones?

Esa es una pregunta interesante. Normalmente cambiamos las canciones en cada gira al menos un poco. Pero hay algunas canciones que la mayoría de la gente quiere escuchar sí o sí, como nuestras canciones Bleeding, Veteran y Let It Burn, que están en el set todas las noches. Creo que es importante tocar canciones de cada etapa de la banda, pero no puedes satisfacer a todos, todas las noches con la selección de canciones, supongo.

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—Su álbum de 2022, Ignite, fue su primer álbum con Eli en la voz, luego de la salida de Zoli. ¿Han tenido algún comentario al respecto? ¿Cómo creen que la gente recibió el cambio en las voces?

Nunca se sabe realmente cómo van a reaccionar los fanáticos ante tus nuevas canciones. Cuando terminamos de grabar el álbum, estábamos muy felices y orgullosos de lo que habíamos creado, pero la verdadera prueba es la reacción y respuesta de los fanáticos a tu música. ¡Hemos quedado asombrados por la respuesta! Ha sido genial ver lo abierta que es la gente con respecto a Eli cantando en Ignite. Esperaba que la respuesta fuera buena, pero definitivamente ha superado todas nuestras expectativas.

—¿Cuánto cambiaron las canciones con Eli en la voz? Tanto las antiguas como las nuevas.

Encontramos a Eli después de unos 6 meses de búsqueda de un cantante en 2020. Fue una sorpresa para todos nosotros, ha sido amigo nuestro durante años y su nombre surgió cuando nos envió una canción con su voz en una canción de Ignite y nos sorprendió descubrir que este tipo no solo es un talento increíble en la guitarra (ver Holy Grail/Huntress) sino que también tiene una voz poderosa, una voz que encaja perfectamente con el sonido de Ignite. Una vez que empezamos a trabajar con Eli, fue prácticamente el mismo camino creativo en el que siempre hemos estado. El objetivo es y fue escribir hardcore melódico que nos inspire. Inspirarnos a nosotros mismos primero y luego enviarlo al mundo.

—¿Qué crees que hace que la música hardcore y punk una a tanta gente de diferentes culturas alrededor del mundo?

Nuestro guitarrista Kevin Kilkenny quería responder a esta pregunta…
Lo que inicialmente me atrajo de esta escena fue lo identificable que era el mensaje detrás de la música para mí. No podía encontrar esto en ningún otro lugar. Estaba perdido, asustado y confundido y esta música me dio la bienvenida. Esas primeras amistades y la comunidad a la que me presentaron cambiaron mi vida y me dieron un sentido de pertenencia. Esto es lo que me ha mantenido todos estos años. No estaba pensando en lograr nada, para mí se trataba de sanar, es terapia para mí.

—Ignite parece ser una de esas bandas que se toma su tiempo entre álbumes. ¿Planeas grabar el seguimiento de Ignite lo antes posible?

Ya lanzamos un nuevo sencillo en enero ¡y sí, el objetivo es seguir sacando nueva música tan a menudo como podamos! Es la mejor manera de mantenernos conectados con nuestros fans. Queremos lanzar música tan a menudo como humanamente sea posible. Nos encanta escribir juntos y crear juntos. Hay una nueva mentalidad en IGNITE ahora y es crear y compartir tanta música como podamos.

—¿Qué les gustaría decir a las personas que los verán en España?

¡Energía alta! No importa el tamaño del espectáculo, tratamos cada show de la misma manera, ya sea un festival para 10,000 personas o un pequeño espectáculo en un bar. Cada persona que se toma el tiempo para venir a vernos tocar merece obtener el mejor show que podamos ofrecer.

En la ola de bandas de metal progresivo del nuevo milenio, los polacos Riverside se pueden contar no sólo entre los nombres más destacados, sino también de los más consistentes en cuanto a la alta calidad de su discografía. Esto se ve en su nuevo álbum ID.Entity (2023), su nuevo disco y el que los tendrá visitando por primera vez Argentina el 28 de marzo próximo, ocasión por la que entrevistamos a su cantante, bajista y líder Mariusz Duda, con quien hablamos sobre el nuevo álbum, la música de la banda, el avance de la IA, el mundo del rock y el metal progresivo y mucho más.

—Primero, ¿cómo vienen las cosas? Van a estar girando por Sudamérica dentro de poco.

Sí, vamos a estar haciendo eso. Hoy tuvimos no el último ensayo, eso será el lunes, pero nos estamos preparando para eso, y ahora estamos aterrados porque tenemos que comprar algunas cosas para todo este mes. Así que vamos a ser muchos en el avión, así que pedí este pequeño teclado MIDI para el avión, para trabajar durante esos largos viajes. Así que las cosas van bien.

—Esta va a ser la primera vez que vendrán a la Argentina. ¿Conocés algo del país? ¿Algo de música rock?

Conozco a su país sobre todo por el fútbol. No soy el mayor fan del fútbol, porque no sólo mis compañeros de banda sino también nuestro equipo técnico estuvieron todo el tiempo jugando al FIFA durante la gira (Risas), y de verdad lo odio, pero esa fue su carta de presentación para mí. Yo nací en el 75, así que todavía recuerdo los mundiales de México 86 e Italia 90, donde Argentina reinó. Eso es lo que recuerdo.

—Cuando estaba puliendo algunos detalles acerca de las preguntas, vi en Twitter algo bastante interesante: que ustedes anunciaron el concierto después de que alguien les preguntó por qué no habían tocado en Argentina en Facebook. Que les habían preguntado y ustedes dijeron que no había promotores que estuvieran dispuestos a organizar un concierto de Riverside en este país.

Eso es verdad.

—Y entonces alguien etiquetó a la gente de Icarus Music. Eso es muy interesante.

Desearía que esa persona hubiera hecho esa pregunta al menos 10 años atrás, así alguien hubiera podido hablar con esos promotores 10 años atrás, pero como sabes es mejor tarde que nunca. Pero estamos felices de poder estar en Argentina luego de 20 años, eso significa que debes seguir intentando todo lo que puedas, eso es genial para mí. No tuvimos oportunidad hasta ahora de estar en Argentina porque no recibimos la invitación, de que digan “Vamos, chicos, tal vez quieran venir a la Argentina”. Nadie dijo eso, pero hubo propuestas de México, propuestas de Chile, siempre había gente diciendo que fuéramos a Chile y cosas como esas. No es que no nos gustara Argentina, es que no habíamos tenido la oportunidad porque no pudimos encontrar un promotor.

Ah, y eso me recuerda algo más: Julio Cortázar. Ese es uno de mis escritores favoritos. ¡Tengo sus libros en mis estantes! Es argentino, ¿no?

—Sí, era argentino. Vivió un tiempo largo en Francia, pero era argentino.

Lo más seguro es que a lo largo de la entrevista me vaya acordando de cosas.

—Fue muy divertido ver a la gente taggeando diferentes promotores. Me recordó eso que dicen de que cada vez que una banda postea algo en redes sociales, siempre hay alguien que comenta “Come to Brazil”, y que encima eso termine resultando, que la gente termine haciendo la diferencia. ¿Qué tan complicado es encontrar gente dispuesta a organizar un concierto de Riverside?

Bueno, nosotros tenemos nuestro propio mánager / agente, y él es el responsable detrás de eso. Él es el que se encarga de trabajar en nuestras giras, así no tenemos que hacerlo nosotros. Y por supuesto puedo culparlo a él (Risas) porque no hayamos ido a Argentina, pero soy demasiado educado para eso. Pero es genial que las redes sociales puedan ayudar de vez en cuando, no sólo destruir tu cerebro sino también ayudar con la comunicación. Así que, respondiendo a tu pregunta, creo que es muy fácil, simplemente necesitaríamos etiquetar algunas personas y listo. Tal vez deberíamos hablar con alguien en Japón esta vez, porque nunca hemos ido a Japón: tal vez hacer un post en Facebook que diga “Queremos ir a Japón, ¿pueden ayudarnos con eso?”. ¿Quién sabe? Tal vez alguien pueda ayudarnos, sería mucho más fácil que andar pagándole a algunos promotores alrededor del mundo, como estamos haciendo ahora.

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—Hablando acerca del nuevo álbum, ¿cómo te sentís acerca de la recepción que tuvo ID.Entity?

(Lo piensa un segundo) ¡Me siento bien! Estaba esperando tener un recibimiento mixto del álbum, y cuando lo recibí no me sorprendí ni positiva ni negativamente. Sin embargo, creo que nuestros fans prefieren música mucho más melancólica antes que música más animada. Pero por otro lado sólo puedo hablar de la recepción que tuvimos en algunos países y durante nuestras presentaciones en vivo, y en su mayor parte estuvieron muy satisfechos. Siempre es importante tocar algunas canciones en vivo, porque eso puede cambiar tu punto de vista, tu opinión acerca del álbum. Siempre fuimos una banda mejor durante nuestros shows en vivo que en los álbumes, y es muy gracioso porque este nuevo álbum fue de cierta manera inspirado por la energía que creamos durante nuestros shows en vivo. Es por eso que cambiamos de estudio y lo grabamos en dos o tres meses, para poder capturar esa energía en vivo en vez de estar un año en el estudio creando un álbum a lo The Dark Side Of The Moon. Capturamos esa energía en vivo en este nuevo álbum, pero tengo esta sensación de que hay muchos fans a los que no les llegó a la primera porque era demasiado animado o demasiado alegre y supongo que prefieren llorar o sumergirse en la oscuridad. Pero también escuché montones de opiniones que decían que puede que no fuera su álbum favorito de los que sacamos, pero después de vernos en vivo creen que las canciones son geniales y que el álbum se va poniendo mejor. Así que esa es una gran reacción en mi opinión.

—Uno de los elementos del álbum de los que vi más hablar a la gente fueron los sintetizadores de los ochentas. ¿Cómo se les ocurrió la idea de usar esos teclados más prominentes?

Bueno, eso es sólo al principio del disco, no es que vayas a encontrar esos sintetizadores en cada canción.

—Claro, pero arrancan el álbum.

Bueno, yo crecí en esa década, esa fue mi época, y nunca dejé de escuchar ese tipo de música. Michał (Łapaj, tecladista de la banda) había comprado nuevos teclados con esos sonidos geniales que simplemente decidimos utilizar, en especial ese bajo tu-du-du-tututu que suena muy bien. Pero también tuvo que ver con las letras “¿Quién pretendes ser para complacer a todos?”: quería comenzar el álbum pretendiendo ser alguien más. Estábamos buscando ideas, y esto conectado con algunos riffs metaleros me pareció bastante original. Ya hicimos algo de música country en Wasteland, así que necesitábamos algo más y elegimos este fragmento de sintetizadores porque eso fue lo hicimos en el pasado, porque Love, Fear and the Time Machine también estuvo inspirado en los ochentas pero sin el uso de los sintetizadores sino por bandas más como The Cure, por ejemplo. Ahora fue simplemente el sonido de teclado, y si escuchas eso puedes compararlo con A-Ha, Mr. Mister o alguna otra anda de los ochentas, pero no porque estuviéramos influenciados por ellas sino porque es ese sonido genérico de los ochentas.

—Simplemente es un elemento, un aditamento.

Sí, Riverside siempre hace esos experimentos en todos los álbumes. Recuerdo que en Shrine of New Generation Slaves hicimos “Celebrity Touch” y la gente pensaba que estábamos sonando como Deep Purple, o en Wasteland con la canción título que suena medio folk o casi country, en Second Life Syndrome teníamos “Artificial Smile”, en Rapid Eye Movement teníamos “Rainbow Box”. Siempre algo un poco diferente que el resto del álbum, así que simplemente se nos ocurrió algo diferente.

—Recuerdo una entrevista donde mencionaste querer traer algo de felicidad a la banda. ¿Considerarías a Riverside una banda más melancólica antes de este álbum?

Sí, por supuesto, estamos llenos de melancolía: tengo mi proyecto solista que se llama Lunatic Soul, así que esto es como estar todavía más melancólico y más conectado con la muerte y, no sé, viajes después de la muerte. Pero cuando nuestro guitarrista [Piotr Grudziński] murió y habíamos estado sufriendo durante tantos años, necesitábamos un descanso, porque con esa cantidad de melancolía que teníamos yo quería otra cosa. Si lo ves desde esa perspectiva, te darás cuenta y entenderás por qué hicimos este tipo de álbum. Fue algo natural para mí, un cambio natural: hagamos algo diferente, aunque sea un poco diferente. Es por eso que tenemos canciones como “Friend of Foe?” y “Self-Aware” en este álbum, y eso es muy gracioso porque he tenido entrevistas donde me preguntan por qué no hicimos todo el álbum en ese estilo: “¡Eso sería original! ¡Eso sería diferente!”. Porque aquí está “Friend or For?”, aquí está “Self-Aware”, pero en el medio está el Riverside clásico. Y estoy de acuerdo, tal vez para la próxima deberíamos hacer grandes cambios. Pero para mí, ID.Entity significa que deberías tener la visión completa, y es por eso que quise poner todas estas cosas características de Riverside, incluso cosas que ya conocemos. Incluso la canción “The Place Where I Belong” es muy progresiva y termina con todo este solo de guitarra y nos dijimos “Oh Dios, esto es tan ‘progresivo’” (NdT: remarca las comillas con los dedos) en el mal sentido, a veces es un poco vergonzoso (NdT: directamente usó la palabra “cringe”), pero ese es “el lugar al que pertenezco”, ese era el mensaje: que lo que sea que hagamos, como sea que nos etiqueten, siempre seremos esta banda progresiva, así que hagamos esta canción como la más progresiva. Así que necesitaba un compilado de canciones que mostrara la música de Riverside con algo algo, pero no totalmente fresco porque esa no sería nuestra identidad sino algo diferente, pero vaya uno a saber lo que haremos en el próximo álbum, ¡tal vez hagamos muchos más cambios!

—Riverside para mí siempre estuvo en esa línea entre el rock progresivo y el metal progresivo: obviamente son más pesados que la banda típica de sonido de los setentas, pero tampoco son Dream Theater o bandas similares de metal progresivo súper exagerado. ¿Suelen importarte esas etiquetas? ¿Qué te parecen?

Eso que mencionaste es nuestro estilo, nuestro lugar en la comunidad progresiva. Siempre quise estar en algún lugar en el medio. No quería pertenecer a todo esto del metal progresivo porque no somos esa clase de banda y además no estamos usando guitarras de siete u ocho cuerdas, no somos una banda de djent a lo Meshuggah y no usamos esos pasajes instrumentales como Dream Theater de guitarras y teclados todo el tiempo, todo en Riverside está basado en melodías y canciones. Pero sí, encontré ese espacio entre el rock y el metal desde el inicio, porque eso es lo que soy, lo que escucho, lo que quiero crear: nunca fui fan de tener demasiados instrumentales, y si metiera eso preferiría cosas más espaciales y ambientales antes que estructuras muy complicadas. Para mí, el mejor ejemplo de ese tipo de banda sería Marillion en Clutching At Straws o Misplaced Childhood, porque en la superficie puedes escuchar las canciones pero en el fondo se están divirtiendo con el estilo rítmico y demás pero es accesible, no es que hay que sufrir para andar escuchando todo porque es muy normal. Es un gran ejemplo para mí y yo quería hacer ese tipo de música con Riverside también. Pero también, debido a la herencia de al menos dos de los miembros, también había algunos elementos metaleros, y nuestro baterista [Piotr Kozieradzki, que venía de tocar durante todos los noventas en los deathmetaleros Hate] al principio se comportaba como si no supiera cómo empezar a tocar la batería de una manera diferente: “¡Hoooola! ¡Esta no es una banda de metal! ¡Así que adáptate!”. Así que siguió adaptándose y se adaptó, eso fue bastante divertido. Pero sí, estar entre esos dos géneros está bien, y prefiero eso a que nos etiqueten como una banda de metal progresivo, porque la gente siempre está pensando en bandas como Dream Theater, Haken o Tesseract y no somos de ese tipos de bandas.

—Con toda la cosa ultra técnica.

Exacto, ese acercamiento técnico no está en Riverside. Prefiero un acercamiento más punk, no tan estricto ni tan perfecto, es un poco desafinado y pintando fuera de las líneas, un poco más flexible y desarreglado. A lo Motörhead (NdT: Hace mímica de tocar el bajo de manera agresiva) en vez de algo como (NdT: Hace mímica de un bajo jazzero ultra complicado). Riverside es una cosa más vieja escuela que esas bandas nuevas criadas con, no sé, música de computadora. Ese es el punto.

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—En mi experiencia y leyendo muchas reseñas de este álbum y comentarios sobre el mismo, parece que muchos fans del rock progresivo son un tanto conservadores con su música, lo cual parece casi como una contradicción. En el sentido de parece que quieren que todo suene como de los setentas, como si fuera Genesis y Yes.

Sí, estoy de acuerdo contigo. Eso es muy gracioso, porque para mucha gente “ser progresivo” significa empujar los límites todo el tiempo, pero para otros es en realidad este acercamiento clásico y listo. Dicen que quieren escuchar cosas nuevas, pero al mismo tiempo quieren el mismo álbum de Genesis pero con diferentes bandas. Creo que si ves a los ochentas, por ejemplo, había muchas bandas que sonaban muy similares a Marillion con Fish, esa era toda esa movida del “neo-progresivo”, lo que fuera eso, y en mi opinión no era muy buena porque esas primeras bandas tenían algo nuevo pero el resto eran muy, muy conservadoras. En los noventas, cuando Porcupine Tree apareció, ellos fueron la primera banda que comenzó a experimentar con electrónica y samples, pero recuerdo la primera vez que los escuché eran muy buenos pero estaban muy conectados con el krautrock y no me lo esperaba, eran muy similares y Steven [Wilson] estaba buscando su propio sonido y me gustaba porque me sentía igual, también quería tener esos mundos musicales y debe ser por eso que nos terminamos convirtiendo en colegas / amigos. Riverside y Porcupine Tree son buenos ejemplos de ese tipo de música, con Porcupine Tree estando en ese lugar entre metal y rock pero con más elementos electrónicos, beats y groove, y Riverside con las melodías más clásicas a lo Marillion, y esa fue la mayor diferencia entre nosotros. En la última década escucho que la mayoría es metal progresivo a lo Meshuggah, siete cuerdas y grandes guitarristas que pueden hacer locuras como los tipos de Polyphia o Animals As Leaders. Es sorprendente, y es eso con ese tipo de música y el cantante que suena como que viene de una banda emo, gritando y cantando al mismo tiempo con diferentes variaciones y terminan siendo muy similares unos con otros. Todo ese metal progresivo de estos días, a lo Sleep Token o parecidos, es simplemente post Meshuggah con esa variante o esta variante: puede que sea la música para mayores de 30, pero nunca quise pertenecer a ese género, para ser honesto. No podemos tocar de esa manera y tampoco disfruto ese tipo de música.

—Sleep Token suelen dividir opiniones.

Sí, no sé qué está pasando con esa banda, debe ser porque aparecieron sobre todo a través de TikTok. Pero no teníamos una banda que experimentara con pop, Autotune y esas cosas que se pueden escuchar en la música pop en estos días, así que desde ese punto de vista son algo muy fresco, pero desde otro punto son muy complicados de escuchar. Si tuviera que elegir, elegiría a Linkin Park [Risas], tienen mejores canciones.

—Siendo que esta va a ser la primera vez que toques en Argentina y que antes mencionaste a Japón, hablando acerca de lugares que todavía no hayas visitado con Riverside: ¿hay algún otro lugar que te gustaría visitar con la banda?

Creo que Australia y Japón son los dos países que nos gustaría visitar. Tal vez con el próximo álbum hagamos una gira. Y nada más, pero eso sería muy lindo.

—Hace poco sacaste tu nuevo álbum solista AFR AI D, que obviamente es una referencia a la inteligencia artificial.

Es verdad, y también a la identidad, porque si ves el título el “ID” está al final de “afraid” y al inicio de “identidad”.

—Veo que estás interesado en cómo se ha ido desarrollando la inteligencia artificial últimamente, lo cual ha sido bastante controvertido.

Eso es cierto. Mencioné esto en la entrevista anterior, pero hoy vi un meme acerca de inteligencia artificial y era acerca de “lo que tememos” y “cuál es la realidad”. Y “lo que tememos” es un montón de máquinas como de Terminator, con armas, porque la gente le tiene miedo a la inteligencia artificial de esa manera, pero “la realidad” creo que eran cuatro actrices ganadoras del Oscar con sus pechos expuestos y demás, todas juntas. creo que era Jennifer Aniston a los 30 o 25 como la conocimos en Friends, junto a Emma Watson de Harry Potter, Scarlett Johansson y no sé quién más: eso es IA, esos deepfakes y esas fotos extrañas que siempre ves de gente famosas hechas con IA. Eso es algo que deberíamos temer, no que vayan a aparecer los terminators, tendríamos que temer a la gente que está haciendo este tipo de contenido, porque será complicado distinguir la realidad y la mentira en el futuro. Y gracias a eso, seremos manipulados, estaremos todavía más divididos, más polarizados y algunas personas usarán eso para sus fines políticos.

—Estaba pensando en eso porque en las últimas semanas hubo controversia por bandas como Deicide y Pestilence, bandas grandes que no llenarán estadios pero son grandes, usando IA para crear sus portadas de álbumes. Creo que también estaba Kerry King con su nuevo disco, y está este temor de que la IA termine reemplazando a los artistas humanos con computadoras.

El desarrollo tecnológico siempre conlleva perder trabajos para otras personas. Es natural, es orgánico. La IA fue creada sobre todo para hacer las cosas más rápidas y más baratas, eso es algo positivo en mi opinión. Si haces trabajo en el estudio, gracias a la IA puedes hacer algo rápido, y no estoy hablando acerca de componer música, sino algo técnico como quitar el clipping o problemas técnicos en las ondas: gracias a la IA, puedes deshacerte de eso en 10 minutos, no tener que estar haciendo eso de manera manual todo el día. Así que eso ayuda. Pero no creo que sea algo terrible, porque el aspecto humano siempre será importante. Habrás visto estos videos hechos con IA de las fotos que se mueven, que son tan populares que ya no los puedes ni ver. Pero si usas la IA de una manera diferente, tal vez en algo pequeño, y puedes conectar esa humanidad con esa inteligencia artificial puedes lograr algo original, y creo que eso es hermoso. En mi opinión, el mayor miedo no es que lo usen para las tapas de los discos, sino que lo usen para meter a tus amigos cercanos en alguna película porno, porque eso puede terminar destruyendo la vida de una persona. Eso es algo que deberíamos temer, no que la IA haga la portada de lo nuevo de Kerry King porque ahí ya a quién carajo le importa.

—Sí, igual creo que mi problema con la portada de Pestilence es que se veía horrible.

Ahí depende del artista. Si el artista quiere cooperar con sus diseñadores gráficos favoritos, continuará haciéndolo. Pero si eres un novato y simplemente quieres crear algo a veces es más fácil hacer algo con la IA y listo. Eso está bien, pero si quieres desarrollarte tendrás que traer algo más original, y para eso necesitarás a un ser humano.

—¿Qué te gustaría decirle a la gente que vaya a ver a Riverside en Argentina?

Perdón que nos haya tomado tanto tiempo, quisiera de verdad disculparme. Y muchas gracias a todos en las redes sociales por su apoyo y por traernos a la Argentina, ¡a toda esa gente que etiquetó a todos estos promotores!

Con Martín Cirillo

Las leyendas del punk argentino 2 Minutos se encuentran de gira por España, trayendo el punk de barrio a tierras ibéricas, y por eso hablamos con Walter Velázquez, mucho más conocido simplemente como Mosca, eterno cantante del quinteto, para que nos cuente sobre el presente de la banda y lo que atrae al público a sus conciertos.

– ¡Qué gusto tenerlos por España nuevamente, Mosca! Tienen unas cuántas fechas planeadas por todo el país, ¿verdad?

Si, tenemos un total de 7 conciertos. Vamos a dar nuestro primer show, que es en Palma de Mallorca, luego Málaga, Madrid, dos en Barcelona, Valencia, Bilbao, y para casa. Va a ser la tercera vez que va a 2 Minutos a España. La primera fue en 2017. La segunda fue 2019. Y la tercera es esta, el tercer desembarco es en el 2024.

– ¿Sí, sí, cómo se siente regresar a España para otro día después de tanto tiempo?

Bien la verdad que muy contentos. Muy contento. ¿Entiendes? Sí, sí, ansiosos, ansiosos.

– ¿Qué diferencias notan entre el público español y el público argentino?

Yo creo que sí, es como más eufórico. El público argentino o llámalo latino es más eufórico. El español está ahí, tranqui tomándose una birra. Mira a la banda, aplaude o no sé parece sí es más salvaje el público en Argentina. Es como un clásico, tiene furia. Vas a ver un show y hacen pogo hasta con Depeche Mode.

– Sí, sí, Ah, tipo 2 minutos. Siempre me pareció una banda, está re contra Argentina, viste en todo sentido, no sé. O sea, no. ¿O sea, usted los escucha a cualquiera y no creo que pueda identificarlos como que sea de cualquier otro país, viste? En. ¿Aparte de los argentinos que viven en España, ¿qué creen? ¿Qué es lo que tipo la banda traiga gente de otros países? Porque también tocó en Latinoamérica que digo aparte.

En julio vamos a cumplir 37 años con la banda. La armamos cuando teníamos 20 años. Hemos ido a tocar mucho nosotros.

De nuestra camada, los punta de lanza éramos nosotros, los chicos de Babasónicos, con otro tipo de música, otro público. Nuestras canciones hablan de cosas que le pueden pasar a cualquier persona, en cualquier lado del planeta. Básicamente yo creo que es eso.

La mayoría de nuestro público suele ser latino. Tal vez, algún que otro español que conoce la banda que vaya a verlo o algún latino que vive en un barrio que tiene amigos españoles y van a venir a verlo…

– Este año van a sacar un nuevo disco, que es un disco de reversiones ¿verdad?.

Es un disco de reversiones que se grabó. Durante 2023 y parte de 2022. Va a salir en digital, vinilo y en CD. El título es “La Máquina de Hacer Cagadas” que va a recopilar todos los singles que fuimos sacando en el último par de años en Spotify. Tenemos muchísimos invitados de todos lados, y de muchos estilos musicales. Va a salir en algún momento de 2024.

– Para “Ya no sos igual” invitaron a Trueno, ¿verdad?

Si, ese fue La primera reversión que sacamos, en Spotify. También están los Die Toten Hosen, en el tema.

– ¿Recibieron comentarios negativos acerca de invitar a alguien tan lejano musicalmente?

¡Claro! Sí se armó como una especie de “a mí me gusta”, “no, ¿la cagaron loco” y “para cuándo un tema de 2 Minutos con Duki?” Hay gente que le gusta, hay gente que no. A nosotros nos gusta.

– ¿Hay alguna canción en particular que sientan que representa su experiencia como banda?

Uh buena pregunta… tenemos muchas canciones… Es difícil… Como representante nuestra, la más conocida, sería “Ya no sos igual”. Que es nuestro mayor “hit”. Tenemos unos cuantos, pero esta es la que más nos representa. Nosotros no hablamos de ciencia ficción, caballos alados, ni esas cosas… Hablamos de las cosas que nos pasan todos los días.

– En esos 37 años como banda… ¿Cómo crees que fue evolucionando el punk en Argentina?

Yo creo que evolucionó para bien. Cuando empezábamos no había tantas bandas. Era un circuito muy reducido, pequeño. Luego empezó a crecer poco a poco, y algunas discográficas empezaron a editar a tipos de bandas como la nuestra. Costó mucho entrar en lo que es hacerse reconocer como un estilo más, pero hoy en día goza de muy buena salud. En todo Latinoamérica y el mundo. Es un estilo que quedó para siempre, salen bandas todo el tiempo.

– ¿Cómo mantienen viva la energía? ¿Cómo se mantiene viva la pasión arriba del escenario después de tantos conciertos que han dado?

Yo creo que se da naturalmente. Cuando se formó la banda dijimos “Tengamos más o menos entre 12 y 15 canciones para salir, no hagamos ningún cover de nada, y salgamos. Que la banda dure lo que tenga que durar y que llegue a donde tenga que llegar.” Nunca nos imaginamos estar arañando los 37 años de carrera… Sacamos un montón de discos… Y viajamos fuera de nuestro país… A otro continente… Nunca lo imaginamos.

Eso mismo es como que también te da fuerza y energía salir y dar un show. Y no somos más, chicos de 20 años. Ya somos gente grande…

– ¿Hay algún lugar específico que estén en especialmente emocionados por visitar durante la gira?

Y… Creo que Barcelona, porque tenemos mucha gente amiga. Creo que debe haber muchísimos argentinos viviendo en Barcelona y Madrid. La comunidad latina en España es muy grande.

– A quiénes vayan a verlos a España, ¿Qué querrías decirle a esa gente?

Que vengan a vernos, que la pasen bien y que se vayan con un buen recuerdo… Vaya uno a saber cuándo volveremos otra vez… ¡Este va a ser el tercer desembarco! ¡De Valentín Alsina a España!

Con motivo del lanzamiento de su nuevo disco Transience, publicado el pasado 29 de marzo vía Arising Empire, me junte con Daniela “Lela” Gruber, vocalista de Venues para que me cuente un poquito más sobre este disco y sobre Venues, una de las bandas más destacadas en la escena alternativa germana.

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Hola Lela, te escribe Lucas desde Tracktohell, en España, primero que todo felicidades por el nuevo disco, creo que es fantástico y bastante fresco para la escena alternativa actual ¿Cómo fue el proceso de composición, escribiste todas las letras del álbum tu sola?

(Lela): Hola Lucas, muchísimas gracias, ha sido una locura de proceso y estoy muy contenta de que finalmente lo vayamos a poder compartir con todo el mundo. Comenzamos a escribir el disco hace dos años e incluso sacamos el primer single “Reflections” en 2022, fuimos al estudio hasta tres veces mientras escribíamos y grabábamos Transience, así que tuvimos más tiempo de concentrarnos en escribir y seguir trabajando en el disco, en lugar de llegar y grabar todo como estaba de una sola toma.

A la hora de escribir Robin (Voz secundaria) y yo empezamos a ver de que queríamos hablar en este disco y tras tenerlo claro yo comencé a escribir mis partes “Clean” y Robin hizo lo propio con las partes donde él realiza “Screams”, pero de vez en cuando combinamos el método y escribimos canciones juntos.

Una de mis canciones favoritas del disco es “Unspoken Words” ¿Cúal es la historia sobre esta canción?

(Lela): Esta canción trata sobre una relación tóxica y como a veces no sabemos o no encontramos la palabra adecuada para dejarla, necesitamos ayuda pero no sabemos como pedirla y permanecemos callados, pero hay veces y momentos en donde uno tiene que dejar eso que tanto le perjudica ya que no conviene seguir persiguiendo algo que no es bueno y es mejor irse y dejar las cosas como están.

La escena alternativa alemana actual es muy interesante gracias a bandas como Avralize, Alleviate e incluso vosotros mismos en Venues ¿Crees que todos vosotros podéis poner la escena de Alemania en el top de la escena alternativa europea?

(Lela): Yo creo que Alemania ha estado construyendo una escena hardcore y alternativa muy bonita en estos últimos años, así que si creo que estamos muy cerca de poner a nuestro país a la cabeza de la escena alternativa europea y es genial ser parte de ella y estar rodeada de tantas buenas bandas y buenos músicos.

Para la gente que no conozca mucho acerca de Venues, donde nace la banda y ¿Cuáles son tus influencias principales como cantante?

(Lela): Venues se forma en 2025 y antes de mi llegada tenían otro cantante que se fue en 2018, así que yo me incorporé al grupo en 2019 y siendo que somos una pequeña familia y estoy muy contenta de formar parte del grupo. Mis influencias a la hora de cantar se remontan a artistas como Janis Joplin (Era mi idola cuando era una niña) y actualmente intento fijarme en cantantes o artistas que puedan hacer diferentes sonidos con su voz, que sean completos como pueden ser Courtney LaPlante (Spiritbox) y Will Ramos (Lorna Shore).

Otra cosa guay sobre el disco, es su portada y su artwork, ¿Quién la ha diseñado y crees que representa exactamente lo que buscabais para este nuevo disco?

(Lela): La portada la diseñó Venera Red, quien es una habitual colaboradora nuestra y estamos muy contentos con el resultado final, es una artista muy talentosa y se nota que lo hace con el corazón y es buenísima en su trabajo. Le solemos dar las letras y las canciones para que ella las escuche y sin que le digamos nada ya sabe que crear inspirada en las mismas. Ella sabe interpretar lo que nosotros queremos transmitir con nuestras canciones.

En abril, Blind Channel volverán a tocar en España y vosotros habéis girado con ellos, ¿Cómo fue esa experiencia, te gusta su música?

(Lela): Tuvimos el honor de girar y abrir los shows de Blind Channel el año pasado y fue genial, esos chicos son un amor y musicalmente fue bastante natural para nosotros girar con una banda como ellos, ojalá podamos compartir escenario nuevamente, ¿Quién sabe?

Cuando salga el disco (el 29 de marzo), ¿ Cual es el siguiente paso para Venues: Gira?, Festivales veraniegos? o quizás un full tour europeo?, hay alguna chance de ver a Venues en España en 2025?

(Lela): Después del lanzamiento, hicimos algunos shows por nuestra zona con bandas geniales como Avralize, Mavis y Alleviate tocando antes que nosotros, las entradas estaban agotadas y fue muy especial para nosotros. Vamos a tocar en algunos festivales y estamos intentando configurar nuestro próximo tour europeo para comienzos del 2025, lamentablemente creo que España no está en la lista de ciudades donde vamos a tocar, pero cruzo los dedos para ir allí y poder tocar pronto , me encantaría!

Permanezcan atentos a nuestras redes sociales para cualquier nueva información que vaya saliendo ya que allí damos todas las noticias que vayamos teniendo sobre los shows y los festivales.

La banda Call Ov The Void respondió en conjunto a una entrevista acerca de su álbum debut, “On Grief and Dying”, y algunas coordenadas que nos permiten ubicarlo en términos de su sonido y de la escena musical en la que fue gestado. Además, anticipan algo de lo próximo que se viene. 

-Antes que nada, muchas gracias por brindarnos esta entrevista. Debo felicitarlos por el excelente disco debut que lanzaron y empezar por sacarme una duda vinculada al estilo de la banda. Call Ov The Void explícitamente hace referencia al sonido de los grupos de death doom metal de principios, y diría mediados, de los 90s. ¿Fue esa una decisión deliberada o simplemente fue inevitable que se filtraran las influencias?

¡Muchas gracias a ti, Marcos! Estamos encantados de que lo hayas disfrutado. Fue una decisión totalmente deliberada. Creemos que la música de esa época, en aquellos lugares, es de lo mejor que se ha compuesto y queríamos rendirle tributo, así como aportar nuestra propia interpretación de aquel sonido.

-Para saber si estuve acertado en mi reseña del álbum, ¿cuáles son las principales influencias que ustedes reconocen en su música? ¿Hasta qué punto creen que el sonido de Call Ov The Void puede evolucionar en el futuro?

Cosas como Katatonia, October Tide, Swallow the Sun, Enslaved, Opeth, Theatre of Tragedy, Daylight Dies, My Dying Bride, Insomnium, Paradise Lost, Candlemass, Warning (UK), The Foreshadowing, Pallbearer, Alcest, Agalloch, Carcass, Akercocke. En general los cuatro escuchamos copiosas cantidades de black, doom y heavy, que definitivamente influyen en el sonido, así como otras cosas como Depeche Mode, Tears for Fears y Spandau Ballet.

-Bueno, yo mencioné a Katatonia, My Dying Bride, Paradise Lost…

Nos pareció muy curioso que en tu reseña mencionaras que sería posible que la próxima evolución de la banda se dirigiera hacia el sonido que bandas como Katatonia, Anathema o Paradise Lost tomaron posteriormente, ya que, si bien es cierto que hemos coqueteado con la idea de grabar algún EP compuesto en su totalidad por canciones con voz limpia, lo más probable es que el próximo álbum de larga duración adquiera un tenor más pesado y complejo. Estamos pensando en hacer canciones más largas, más intensas, empezar a incorporar blast beats y compases compuestos, e incluso llegar a coquetear con el funeral doom, el black atmosférico y cosas por el estilo. Nos imaginamos algo como The Coral Tombs de AHAB, con todos esos matices y diferentes ideas, pero obviamente adaptado al sonido de COTV.

-Eso es muy interesante. Justamente, me pareció que en el disco que lanzaron estaba más marcado el potencial para lo que podría ser un desarrollo en el sentido de las bandas que, de alguna manera, homenajearon, pero me alegra que vayan a optar por una evolución diferente y apuesten a lo más pesado. Por otro lado, “On Grief and Dying” tiene dos participaciones internacionales, comencemos por el invitado en el track “A Peaceful Surrender”. ¿Cómo surgió y se concretó la idea de invitar a Blazej Kasprzak de Batushka?

Nosotros le abrimos a Batushka en octubre de 2022. Nos la pasamos increíble sobre el escenario y cuando bajamos algunos miembros de la banda se acercaron para felicitarnos, entre ellos Błażej, quien nos preguntó si pensábamos grabar pronto a lo cual le respondimos que estábamos en ello y se ofreció a colaborar. Pasó alrededor de un año hasta que nos sentimos lo suficientemente cómodos con el material para enviárselo. Escuchó lo que teníamos y él eligió “A Peaceful Surrender”, nos enseñó la propuesta y finalmente, nos mandó los tracks para incorporarlos a la mezcla.

-El segundo aporte internacional es la mezcla y masterización a cargo de Dan Swanö. ¿Por qué decidieron contratarlo a él para este trabajo y cómo fue la experiencia?

En realidad, Dan solo se hizo cargo de la masterización. La mezcla y la producción del álbum estuvieron a cargo de nuestro gran amigo y productor Samuel Becerra (cantante, guitarrista y productor de Aetherevm). A Dan lo tuvimos en mente desde el principio, hace ya unos cuatro o cinco años. Queríamos a alguien que comprendiera bien el sonido, ¿y quién mejor que alguien que estuvo ahí desde el principio, en aquella legendaria escena sueca de los 90’s? Trabajar con él fue muy fácil y rápido, es un artista sumamente profesional.

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-En un disco tan uniforme en cuanto a calidad compositiva, esta puede ser una tarea difícil, pero, si tuvieran que elegir las tres canciones que más cabalmente representan el estilo de Call Ov The Void, ¿cuáles serían? Considerando que “A Peaceful Surrender” fue el single, restarían dos más. ¿Por qué esas elecciones?

De hecho, el primer sencillo del álbum fue “One Last Regret”, canción que cuenta con un lyric video dirigido por nuestro portadista, Alejandro Voorduin. Justamente creemos que esa canción y “A Peaceful Surrender” son una excelente muestra de la propuesta musical, pues dejan ver las dinámicas, riffs y melodías que nos encanta utilizar. Para la tercera opción, creo que elegiríamos a “Into Nothingness”, la tercera pieza del álbum, ya que cuenta con un amplio rango de estilos e ideas que consideramos características del proyecto, pero que se destacan del resto de las composiciones. A pesar de que amamos todas las canciones, creemos que estas tres tienen un brillo especial sobre ellas.

-¿Cómo es el proceso creativo de la banda? ¿Qué los inspira por fuera de la música?

Todos aportamos en el aspecto creativo de las canciones, ya sea en composición, arreglos, ideas, letras o melodías vocales, pero lo más normal es que cada quien trabaje por su cuenta. Hasta el momento los principales compositores del proyecto han sido José Luis (voz y guitarra) y René (guitarra), ellos suelen trabajar sus canciones en Guitar Pro, las mandan al grupo para que cada quien las estudie y tenga tiempo de proponer, para después llegar al ensayo y empezar a armarlas. Este proceso puede durar entre un par de semanas, hasta años. Es normal que las canciones vayan mutando a lo largo del tiempo, e incluso, hay algunas canciones que siguen en su proceso, como algunas piezas de “Drowned”, nuestro primer EP, las cuales estamos pensando regrabar para futuros trabajos. Fuera de la música somos sujetos bastante ñoños y ordinarios. Nos gusta el ánime, los videojuegos, los carros, el basketball y beber fuerte.

-¿De qué manera les parece que está siendo recibido el disco por el público? ¿Tienen planes para presentarlo en vivo?

Estamos muy sorprendidos y agradecidos con la recepción que está teniendo nuestro álbum. Es muy gratificante ver a través de los comentarios de nuestros seguidores y de las reseñas cómo la gente genuinamente está comprendiendo lo que quisimos hacer con este trabajo, lo consideramos como todo un logro. Estamos convenciéndonos que hicimos un trabajo claro y conciso.

Actualmente ya estamos interpretando algunas de las canciones del álbum en nuestros sets en vivo, pero definitivamente haremos una presentación formal una vez que se encuentre el material físico a la venta (más o menos en otoño de este año), misma que contará con la participación del algunas de las mejores bandas de la escena nacional, eso es seguro.

-En relación con la pregunta anterior. ¿Cómo ven la escena del doom metal en México y que alcance mundial cree que tiene?

Honestamente es excelente y cada año parece crecer más y más. Bandas como Majestic Downfall, Matalobos, Fumata, Terror Cósmico, Abyssal, Rex Defunctis, Muerto, Bury Me In The Desert, Evercloud, Weedsnake, Devil’s Whiskey y Satánico Pandemonium (solo por mencionar algunas), rinden cuenta del crecimiento y la calidad del género (en todas sus presentaciones) en nuestro país. De estas mencionadas, probablemente Majestic Downfall y Matalobos sean las que más exposición internacional estén teniendo, Majestic siendo una banda ya muy bien consolidada en la escena del doom/death mundial, y Matalobos cada vez más presente en eventos con bandas importantes, e incluso contando con su propia gira colombiana en 2022.

-¿Les interesaría hacer una gira sudamericana, o apuntan principalmente al mercado norteamericano y europeo?

Sí tenemos la idea de girar este disco al menos en un país del cono sur este año, aún estamos afinando detalles, pero esperamos poder concretar algo ya muy pronto.

-Para terminar. Si tuvieran la oportunidad de tocar como banda soporte de algún grupo internacional, el que sea, ¿cuál elegirían y por qué?

Probablemente October Tide o My Dying Bride. Ambas bandas siguen manteniendo ese sonido que las caracterizó en sus épocas más clásicas y son grandes influencias para nuestro trabajo. Nos sentiríamos honrados de compartir escenario.

En 2012, la cantante Isabelle Tazbir y el guitarrista Adam Korchok se propusieron llevar las sonoridades oscuras del death doom metal a Toronto, Canadá. De esa idea salió Ischemic, que ahora se completa con el baterista Mrudul Kamble, el bajista Lyndon Quadros y el guitarrista Jon Radic, y que con el paso del tiempo y de los álbumes ha ido creando una imagen y un sonido que pueden llamar propio en el mundo de la música extrema. Con la inminente salida de su tercer LP Condemned To The Breaking Wheel a la vuelta de la esquina, pudimos hablar cara a cara con Adam sobre este nuevo trabajo y la manera en la que la banda combina estos sonidos en cada uno de sus trabajos.

—¿Cómo vienen las cosas con el trabajo que implica promover un álbum?

¡Vienen bien! Estamos llegando al lanzamiento final, que será el 5 de abril, así que hemos estado maquinando todo, terminando de ensayar y todo ese tipo de cosas. Y también terminando algunas cosas de relaciones públicas, lo cual ha sido muy divertido.

—Esta entrevista es con Track To Hell, que es un sitio dirigido a un público de habla hispana. Creo que esta es la primera vez que dan una entrevista para una audiencia de ese tipo, siendo que no encontré ni una sola entrevista con Ischemic en español.

No creo que haya alguna, lo cual es una pena porque sé que Sudamérica y España son lugares muy fuertes para la comunidad metalera, así que estoy quisiera darle un gran abrazo a todo ese grupo.

—Para la gente que no sepa acerca de Ischemic, ¿cómo describirías el sonido de la banda?

Con Ischemic hemos tenido un enfoque en el death doom metal. Cuando Isabelle y yo comenzamos la banda en 2012, no había ni una banda de death doom en Toronto o al menos una que tocara en vivo. Así que nuestra idea era encontrar el punto medio de lo que era el death doom en ese momento: éramos una banda de la vieja escuela a lo Autopsy o Asphyx, pero nos gustaba lo que pasaba con las bandas nuevas como Conan (Nota: se levanta y muestra la camiseta de la banda inglesa) y Hooded Menace, y queríamos unir todos esos diferentes sonidos, además de bandas como Katatonia. Así que agarramos todo lo que era el death doom en ese momento y lo metimos en una licuadora, y eso es Ischemic.

—Canadá no es la clase de lugar que asocio con el death doom, siempre pienso en eso como un estilo más europeo, no hay mucho por ahí. Estaba escuchando los dos primeros álbumes, Stagnation & Woe y el autotitulado, y ambos duraban más de 50 minutos y el segundo incluso tenía una canción de 22 minutos en el cierre, pero este nuevo Condemned To The Breaking Wheel es mucho más corto, teniendo apenas 30 minutos: es casi como un EP, y además sólo son cuatro canciones. ¿Tenían planeado hacer un álbum más corto?

Sí, con Ischemic decidimos ir por las cuatro canciones. Pero como “Scattering Garden”, como la mencionaste, tiene 22 minutos… después de eso, nos dijimos que ya habíamos creado nuestro opus doom, así que para este podríamos condensar el sonido un poco. Así que para cuando grabamos todo y lo armamos, recuerdo que noté que duraba media hora, pero creo que es una cosa de Canadá con las bandas de acá de condensar todo y sacarlo: hay una banda que nos gusta mucho, Wilt, que hicieron tres canciones y duraba 30 minutos. 

Nuestra idea era condensar el sonido para que fuera más amigable para tocar en vivo, como para poder tocar todo el material del álbum en vivo y luego meter una o dos canciones viejas, que es lo que haremos en los próximos shows. Íbamos a tener una canción en el medio como para alcanzar los 45 minutos, pero el tiempo que nos dieron para la mezcla nos lo impidió y es así que quedó más corto.

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—He visto muchas bandas teloneras a las que les dan media hora para tocar, pero tienen canciones muy largas. ¿Y qué van a hacer? ¿Tocar tres canciones? Es una buena idea para tocar en vivo.

¿Cuánto ha evolucionado la banda desde el inicio?

Como viste, muchas de nuestras primeras canciones duraban alrededor de 12 minutos, así que para poder mezclarlas en vivo se han ido poniendo más y más cortas pero manteniendo ese sonido death doom. Definitivamente hemos tratado de hacerlo más fácil para nosotros y que las presentaciones en vivo sean más entretenidas, así que condensar todo en canciones más cortas ha sido algo en lo que hemos ido evolucionando. 

También los temas han cambiado un poco: solíamos enfocarnos en cierta temática médica a lo Carcass, porque Isabelle, nuestra cantante, es enfermera y está muy interesada en ello, y en la tristeza y la depresión en general, esa clase de contenido. Pero nos hemos ido enfocando en temas un tanto más sobrenaturales: ahora estoy muy metido en el paganismo antiguo, así que la canción “Tomb Fog” recuerda mucho a los antiguos zigurats mesopotámicos, mientras que Kamble hizo “Rust and Bones” y es una canción sobre máquinas mortales en un futuro post apocalíptico, y la última canción “Abandon” sigue esa onda más triste a lo Agalloch. Así que hemos tenido un cambio desde las letras sobre experiencias más básicas con las que todos nos podemos relacionar a estas más místicas.

—Mencionabas lo de las letras, y si no estoy equivocado es la primera vez que van a publicarlas. ¿Qué tan importantes son las letras para ustedes?

¡Sí! Creo que la diferencia con las letras del pasado es que Isabelle era la única que las escribía: generalmente lo que hacíamos era que yo componía una canción, con riffs y una estructura, y pensaba cuál sería la vibra que me da la canción, y ella decía cuáles eran las letras que compondría. Pero esta vez, con Kamble y yo escribiendo las canciones, decidimos desde un principio sobre qué estaríamos escribiendo. 

La mayor parte de las letras siguen siendo de ella, pero ciertamente hay partes en las canciones donde digo que quiero tal letra en ese lugar: todo lo que está alrededor es irrelevante, pero mientras pueda meter esta línea estaré feliz. Hay muchas de las letras que no sé qué son, porque ella tiene un enfoque muy a lo Gorgoroth donde la magia se pierde si les dice a todos cuáles son, que es algo que respeto. Pero acá pensamos que era genial cuando la gente puede cantar y seguirnos, y eso es lo que intentamos con eso.

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—Otra cosa de la que quería hablar con respecto al álbum es la portada. Fue diseñada por uno de los miembros de la banda.

Sí, Kamble. Él la hizo y fue impresionante, la primera vez que la vi quise asegurarme de que no fuera IA y él me aseguró que no. [Risas] Y si lo ves en algunos bordes está claro que no fue algo generado por una computadora, hay algunas imágenes de stock e imágenes históricas de esas enormes ruedas giratorias que están sacadas de manuscritos medievales, de máquinas que utilizaban. Hizo un muy buen trabajo con las capas y el esquema de colores, ciertamente evoca una mezcla de lo que todas las canciones significan en conjunto, porque es un área muy desolada pero también hay instrumentos de tortura muy antiguos: nuestra idea es que una niebla sepulcral emerge de las profundidades antiguas y los condena a todos a sufrir esta tortura, dejando sólo óxido y huesos mientras estas máquinas son poseídas y aniquilan a la humanidad, haciendo que abandonemos toda esperanza.

—¿Qué planes tienen a futuro para la banda?

Ahora mismo vamos a estar promocionando Condemned To The Breaking Wheel. Tenemos varios shows geniales organizados para mayo, vamos a estar tocando con una gran banda de black / sludge metal de Georgia llamada Malevich en Waterloo, y esa misma semana vamos a estar tocando con Fuck The Facts, que al menos en Canadá son una banda conocida de grindcore / death metal y cuya vocalista Mel influenció mucho a Isabelle. Esos son los shows grandes que de verdad estamos esperando, y en junio tendremos repunte en los shows. Así que ahora es todo promocionar, dar shows en vivo y ver a dónde lleva todo, poniéndonos con el álbum.

—¿Qué quisieras decirle a todos los oyentes que tendrá este nuevo álbum?

Definitivamente escuchen Condemned To The Breaking Wheel, es un buen golpe rápido al estómago así que no tienen que dedicarle mucho tiempo de su día en comparación con otros álbum de death doom. Tiene mucho trabajo metido, es la personificación de la formación que tenemos ahora porque tuvimos cambios desde el último álbum hasta ahora: es producto de una nueva entidad, pero como sido Isa y yo hemos estado en la banda por más de 12 años también somos nosotros encontrando el camino. Y Kamble ha sido un gran cambio porque él es muy disciplinado, muy técnico: como dije, él creó toda esa portada y es increíble cómo hace todo solo, realmente ayudó a estimular a la banda de muchas maneras. 

Si estás metido en el death doom y el doom extremo de todo tipo, dale una escucha y te aseguramos que vamos a deprimirte el día, ¡pero de una manera positiva! Un poco de oscuridad sombría.

Estuvimos hablando con Carlos Foak, vocalista de Bloody Kitchen, quienes recientemente sacaron a la luz su nuevo trabajo Caos y nos cuenta un poco sobre cómo fue el proceso de la creación de este trabajo.

– ¿Cómo fue el proceso de composición del disco?

La composición es algo de lo que se ocupa Carlos. Tiene una facilidad innata para componer y cuando tiene una idea suele aparecer con el tema completo terminado al día siguiente. El resto de la banda aporta su granito de arena mejorando algún riff, introduciendo algún solo o dando ideas sobre partes del tema, pero por lo general la primera versión suele parecerse mucho al resultado final, lo cual es fantástico porque significa que estamos a gusto con lo que sale al principio.

– ¿Hubo alguna forma puntual de inspirarse para las historias de las canciones?

En nuestro caso, la inspiración puede venir de cualquier lugar. A veces es una película o un libro. Otras veces es una idea que simplemente surge. En ocasiones, la inspiración surge escuchando temas de otros artistas que no tienen nada que ver y se nos ocurre una idea loca que al final cobra sentido. Podemos decir que es una manera un tanto “caótica”, pero nos funciona bien. Al mismo tiempo, este disco ha bebido también de algunas experiencias personales, lo ha que hecho que Bloody Kitchen haya roto esa barrera de “ficción” que suele mantener siempre y esto ha hecho que “Caos” haya sido un avance no solo en lo musical.

– La banda maneja letras en español por ser su idioma nativo. ¿En algún momento el tema del idioma de las letras se discutió?

Cantar en español es una premisa y el punto diferenciador de Bloody Kitchen. Es lo que nos aporta valor añadido en el mercado musical español y latino. Llevamos con orgullo ser de las pocas bandas de metal industrial que cantan en español, con lo que en ningún momento se ha planteado siquiera cantar en otros idiomas. Sin embargo, sí que hacemos concesiones y en “Caos” hay palabras en otros idiomas, como es el caso del tema “Natsukashii” o “Bloody Kitchen”, en el que nos atrevemos a hacer un guiño a nuestros fans alemanes.

– Los trabajos anteriores de la banda los posicionó en lugares altos a lo largo de Europa. ¿Cómo recibieron esta noticia?

Fue algo tan inesperado como motivador. Ni en nuestros mejores sueños se daba la circunstancia de llamar la atención fuera de nuestras fronteras. Para una banda sin sello discográfico y sin más apoyo que nuestra ilusión y determinación por sacar el trabajo adelante, es muy difícil abrirse paso y llegar donde están ya otras bandas más profesionalizadas. Ver nuestras canciones en los primeros puestos de la radio ruso-alemana dedicada íntegramente a la “Neue Deutsche Härte”, con más de cincuenta mil oyentes mensuales y compitiendo contra bandazas del nivel de Eisbrecher o Megaherz, fue un auténtico subidón. Aparecer en el Top10 fue una fantasía, supimos que Bloody Kitchen gustaba fuera de nuestras fronteras y que el idioma no era una barrera. Cuando llegamos a ser número uno, aquello superó toda expectativa y sentimos que todo cobraba sentido. Es algo por lo que estamos muy orgullosos y agradecidos. 

– Si bien el estilo de la banda es uno, ¿Hay influencias por parte de los integrantes al momento de componer? 

Cada uno tiene sus influencias y sus bandas favoritas. Lo cierto es que Carlos es quien compone y Bloody Kitchen surgió como un “experimento” en el que poder llevar el estilo de metal industrial alemán (NDH) a nuestro idioma influido claramente por bandas como Rammstein o Eisbrecher a la cabeza, pero también por otras bandas no tan evidentes con estilos alternativos como puedan ser Combichrist o 3teeth. La gente se suele sorprender, pero debemos gran parte de nuestra música también al trabajo que Massive Attack o Smashing Pumpkins hicieron entre los 90s y 00´s. Entre los integrantes hay una gran amalgama y si hiciéramos una playlist común habría temas de Fist of the North Star, Slipknot o Architects por poner algunos ejemplos.

– ¿Cómo viene el año para Bloody Kitchen?

Tras lanzar el álbum estamos a la caza y captura de oportunidades para defenderlo en directo. La presentación fue el día siguiente de lanzarlo en una abarrotada Sala Silikona en Madrid, y estamos buscando salir de nuestra zona y llevar nuestro espectáculo a otras ciudades. De momento tenemos varios bolos cerrados en Madrid (muy atentos al de octubre 2024 porque va a ser brutal). También estamos preparando una pequeña sesión para meternos a grabar en estudio, pero de momento es una sorpresa y no podemos desvelar más.

Muchas gracias por la entrevista y por la oportunidad de acercarnos un poco más a nuestros fans. Si todavía no nos conoces, te animamos a escuchar “Caos” en tu plataforma favorita y a seguirnos en nuestras redes sociales: @somosbloodykitchen 

Los powermetaleros argentinos Innerforce se preparan para festejar sus 10 años de carrera el sábado 6 de abril en el Roxy (Niceto Vega 5542) de Buenos Aires, acompañados por Psycho Poker, Requiem For Edén y los brasileños Armiferum. Con motivo de esto y para conocer más a la banda, hablamos con el guitarrista Paty Pérez a poco de que se dé esta fecha histórica para una de las bandas emergentes del metal argentino.

¡Buenas Hermanos Metaleros de Track To Hell!

¿Cómo describirías a InnerForce para alguien que aún no los conoce, de dónde son y por qué eligieron ese nombre?

InnerForce es una banda de heavy metal clásico / “New Wave of British Metal”, oriunda de Buenos Aires (CABA), Argentina, que tiene como objetivo volver a las raíces del metal tradicional, intentando llevar un mensaje de optimismo y con el “norte” compositivo en volver a los estribillos, riffs y solos coreables. El nombre InnerForce refleja nuestra creencia en el “poder interior” que todos tenemos para superar los desafíos y conquistar nuestras metas.-

¿Qué bandas han marcado su estilo y cuáles son sus influencias, solo heavy-power o demás géneros?

Nuestro estilo está profundamente influenciado por bandas icónicas del heavy metal y el power metal como Iron Maiden, Judas Priest, Helloween, etc. Sin embargo, también incorporamos elementos de otros géneros como el thrash, prog, metalcore, etc. para crear nuestro propio sonido.-

¿Cuándo comenzaron a trabajar en las canciones de “Arcadia” y qué tan diferente fue el proceso compositivo en comparación con su anterior álbum “From Within”?

Comenzamos a trabajar en las canciones de “Arcadia” años después de lanzar nuestro álbum anterior “From Within”. El proceso fue diferente en el sentido de que estábamos más experimentados y maduros como banda, lo que nos permitió explorar nuevas ideas y sonidos. “Arcadia” es un reflejo de nuestra evolución como músicos y compositores, sin dejar de lado la búsqueda de hacer “canciones”, que sean simples a la escucha, pero con sus complejidades en los detalles.

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¿Qué los motivó a escribir sus canciones en inglés en lugar de español?

Optamos por escribir nuestras canciones en inglés por un tema de gusto (nuestras bandas favoritas cantan en inglés), facilidad y además para alcanzar a una audiencia más amplia y conectarnos personas de todo el mundo.-

¿Cómo fue el proceso para que tomes la iniciativa y te desempeñes en el rol de cantante, cómo fue la experiencia?

Realmente fue (y es) una experiencia desafiante pero emocionante. Siempre tuve una profunda pasión por mis cantantes favoritos o, mejor dicho, mis “héroes” del metal (Kiske, Dickinson, Scheepers, Halford, Hayer, etc..) y el poder de transmitir emociones a través de la voz. Fue un proceso de crecimiento personal y artístico que me permitió conectarme más profundamente con la música y además entender desde otra perspectiva el roll del cantante. No es para nada fácil, lleva mucha responsabilidad y sacrificio, pero cuando logras los resultados que buscas, la satisfacción es inexplicable.-

¿Qué respuesta han tenido hasta ahora ahora tanto de los medios como de los fans en general acerca del nuevo álbum?

Hasta ahora, la respuesta fue increíblemente positiva. Estamos emocionados de ver cómo la gente se aprende las canciones y las cantan en los shows. No solamente la gente de Argentina, sino que las veces que pudimos viajar para tocar en otros lados, la gente acompaña con su garra y energía y al terminar cada show, se acerca a felicitar y agradecer. Esos gestos son hermosos… en esos momentos se te infla el pecho y te sentís orgulloso del trabajo que uno hace día a día.-

¿Cuál es su canción favorita para tocar en vivo?

¡Esa es una pregunta difícil! Pero si tengo que elegir, diría que “Galleons Of Nations” siempre crea una energía increíble en el escenario y en la audiencia.-

¿Cómo se sienten acerca de la evolución de su sonido a lo largo de los años?

La verdad es que no me doy cuenta si logramos una evolución de nuestro sonido a lo largo de los años. Creemos que es importante seguir desafiándonos a nosotros mismos y explorar nuevas fronteras creativas mientras mantenemos nuestra esencia como banda, pero eso no implica que busquemos modificar el audio a medida que pasa el tiempo… Igualmente, es verdad que en principio buscábamos un sonido más analógico: amplificadores valvulares y pedales… pero con el tiempo fueron apareciendo soluciones más cómodas y fieles al sonido que nos gusta, como los “amp modelers” que nos hicieron la vida más fácil, sin perder sonido que nos gusta.-

¿Tienen preparado algo especial para quienes asistirán al Roxy?, invitados, merch?

¡Por supuesto! Tenemos varias sorpresa… invitados especiales, cambios en el setlist y algunas cositas que no puedo contar!! Vengan para no perdérselas!!!

Vienen de presentarse en el Furia Metal Fest, contanos cómo estuvo eso?

Fue una experiencia muy grosa!!! Es excelente compartir el escenario con otras bandas increíbles y sentir la energía de la gente!!! La verdad es que el laburo que hace la gente de VIDA y la camaradería entre bandas es algo único.-

——–

Mil gracias a toda la gente que hace Track to Hell y a todos ustedes que están leyendo!!!! Que la “fuerza interior” los guíe en todo momento y que el metal sea nuestro eterno compañero! Los esperamos el sábado 6 de abril en el Roxy!!! Saludos… Paty Pérez! (Nos vemos en el pogo!!).-

Etiquetas: argentina, Innerforce, Power Metal, speed metal

Cuando se habla de black metal, las primeras imágenes que se nos vienen a la cabeza son músicos con corpse paint, la controversia sobre quemas de iglesias, asesinatos y una oscuridad inquietante que se conecta con la naturaleza. 

Este género musical, también conocido por su velocidad, sus guturales gritos y una estética profundamente sombría, no sería completo sin la presencia de sus icónicos logos. 

Por ese entonces nos surgió la siguiente pregunta: ¿Quién es la mente maestra detrás de la creación de los logos más reconocidos en el ambiente del BM ? 

Desde Track to Hell, nos contactamos con Christophe Szpajdel. Conocido por muchos como “el Señor de los Logos“, Szpajdel ha dejado una marca indeleble en la escena del diseño gráfico, especialmente en el ámbito del metal extremo. Su estilo lo ha catapultado ganándose el reconocimiento y la admiración de artistas, bandas y seguidores en todo el mundo.

Tuvimos la oportunidad de contactarnos via email con Christophe donde amablemente nos contó acerca de su vida y obra, desde sus humildes comienzos hasta su ascenso como uno de los diseñadores de logotipos más influyentes de la escena musical.

– Gracias Christophe por dedicarnos tu tiempo para Track to Hell

De nada. Es un placer para mí formar parte del sitio. Espero que más gente se fije en mí y algún día, espero exhibir mi arte en América del Sur.

– ¿De dónde y cómo surgió tu interés por los logotipos?

Temas medievales, Art Nouveau (movimiento artístico y cultural que floreció principalmente en Europa entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX), naturaleza, cultura y paisajes que me rodean.

– ¿A qué edad comenzaste con esta pasión por dibujar y especialmente diseñar logotipos?

A los 16, primero recreando logotipos de mis bandas favoritas como Possessed, Kreator, Venom, Celtic Frost, Protector, Sarcofago… y luego, en 1989, cuando me uní a un fanzine llamado Septicore, empecé a ofrecer mis servicios a bandas que pensé que podrían necesitar un buen logotipo.

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– ¿Cuáles fueron los logotipos que primero captaron tu atención?

Durante los años 80, cuando descubrí el metal, la música, pero también la arquitectura Art Deco/Art Nouveau que realmente me inspiró.

– ¿Cuál fue el primer logotipo que creaste?

Bastantes, Morbid Death/Blasphereion/Pre-Enthroned (Bélgica), Disgrace (Finlandia), Morbid God/Moonspell y una revisión del Filii Nigrantium Infernalium, inicialmente concebido por Belathauzer.

– Sabemos que diseñaste el logo para la banda noruega de black metal Emperor. ¿Qué recuerdos tenés de esos días?

Fue a finales de 1990, principios de 1991, cuando estuve en contacto con Samoth y habló en una de sus cartas sobre iniciar una nueva banda, y yo llegué con una sorpresa, un logotipo de Emperor que fue adoptado de inmediato.

– ¿Cómo encontrás tu inspiración?

Estos días, escuchando la música de la banda.

– ¿Tenés interés en hacer diseños de portadas, etc., además de los logotipos?

No realmente, lo he intentado varias veces pero he sido criticado unánimemente por mis obras de arte de portadas de álbumes por ser anatómicamente “incorrectas” y ninguna de ellas se ha utilizado, me han dicho que me centre solo en hacer logotipos, y he escuchado a los críticos. No tengo arrepentimientos de centrarme en los logotipos. Hay tantos otros artistas que entregan arte increíble, así que hagamos un favor y démosles la oportunidad de satisfacer a clientes exigentes.

– ¿Cuál es tu género de metal favorito y menos favorito? Contanos qué bandas escuchas actualmente.

Soy muy ecléctico en mis gustos. Prefiero bandas que sean conmovedoras, originales, únicas e inspiradoras, sin importar el género. 

Actualmente escucho TIK (folk-punk), Severoth (depressive dark metal), Labyrinthus Stellarum (cosmic dark metal), Necrom (death metal), Stryvigor (black/death), Colotyphus (melodic black/death metal), Karabiner (thrash old school), todas de Ucrania. 

Luego Funeratus, Mortal Profecia, Scrupulous, Rebaelliun, Mortal Profecia (todas de Brasil), Sartan (una de las grandes bandas de Argentina, con un black/death propio que está completamente fuera de lo común y una banda que realmente se destaca entre todas las demás.), Sur AStru, Dordeduh, Necrovile (Rumania).

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– ¿Crear un logotipo simple es más fácil o más difícil que uno complicado?

Pregunta muy difícil. A veces, un logotipo simple requiere mucha más atención al detalle que un logotipo brutal/complicado donde las discrepancias son más fáciles de disimular. Un logotipo simple, todo está claro. Es como un vocalista de heavy metal, tiene que tener su voz correcta a diferencia de un gruñidor de black/death/grind que tiene más margen de maniobra para cometer errores.

– Has creado más de 10,000 diseños. ¿Tenés algún favorito específico?

Emperor, Wolves in the Throne Room.

– Christophe, una vez más, gracias. ¿Algún comentario final?

Gracias por esta entrevista y recuerden: Nos vemos en uno o más de los siguientes eventos donde organizaré una exposición de arte. Devon Open Studios: Reminiscencias en Leadworks en Plymouth durante todo septiembre, en Bucharest Deathfest, 1 de marzo de 2025 y probablemente algunos más. 

Al hablar sobre el heavy metal estadounidense, históricamente las bandas más grandes han venido de los grandes centros urbanos de la costa este u oeste, sobre todo California. Pero de vez en cuando podemos escuchar bandas interesantes viniendo de lugares con menos lupas puestas encima, como es el caso de Voidgazer, un cuarteto proveniente de St. Louis, ciudad en el estado de Missouri, que recientemente firmaron contrato con el sello alemán Atomic Fire para relanzar su EP Dance of the Undesirables en formato LP. Y habiendo escuchado el álbum, con su particular mezcla de estilos, queda muy en claro que el grupo tiene mucho para dar, y es por eso que nos pudimos contactar con su guitarrista y líder Manny Watts, para que nos haga una presentación de su banda y las influencias que hacen a su música.

—Quería arrancar diciendo que es un placer poder estar acá hablando contigo, porque he tenido muchas entrevistas con muchas bandas diferentes pero no recuerdo una donde la banda todavía no hubiera lanzado su primer LP. Es una gran oportunidad.

¡Estoy muy emocionado!

—Estarán sacando su primer disco dentro de poco, ¿cómo viene eso?

Es muy genial, ha sido genial trabajar con Atomic Fire, que ahora es Reigning Phoenix Music. Ha sido muy divertido trabajar con ellos, ha sido muy interesante: ellos se manejan por el horario europeo, así que termino recibiendo e-mails a las 3 de la mañana. Ya tenemos nuestro primer single disponible y la gente está realmente entusiasmada por eso. Es excelente ver que nuestro material le llegue a la gente en el plano internacional, porque nosotros somos del Medio Oeste. Me fijé en el video, porque soy un narcisista, y tiene 23000 vistas: yo nunca había tenido 23000 vistas de nada, así que ha sido sorprendente.

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—Yo soy de Argentina, así que sé lo que es que te manden e-mails a cualquier hora. Además, con respecto a St. Louis: no sé si la llamaríamos una “ciudad grande”…

(Entusiasmado) ¡Es una gran ciudad!

—Una gran ciudad, pero la mayor parte de las bandas vienen de California o Nueva York, los lugares realmente grandes…

Creo que el Medio Oeste y muchas de las bandas de por aquí tienen algo para ofrecer. Hay cierto sonido del Medio Oeste en estas bandas: si vives por aquí, tanta de nuestra infraestructura está colapsando y gran parte de ella está muy descuidada y dejada en el abandono. Terminas influenciado por todo lo que ves, sobre todo en St. Louis donde hay partes grandes de la ciudad que están directamente colapsando: así que creo que las bandas del Medio Oeste tienen este sonido mugriento y lúgubre. Creo que tenemos bastante de eso, y que la gente se está dando cuenta de ello ahora.

—Estaba pensando en un tercer lugar grande pero no lo recordaba, y era Texas.

¡Texas! Hay muchas cosas saliendo de Texas.

—No diría que Voidgazer es una banda nueva: ustedes comenzaron en 2016, si no estoy equivocado.

¡Sí! Cuando comenzamos a juguetear con eso y probar a diferentes personas. Grabé por mí mismo un EP en mi universidad. Pero diría que no empezamos de verdad hasta 2020, que dimos un par de shows y entonces la pandemia golpeó. Esa fue una cagada, nos cortó las alas, pero mantuvimos la formación y empezamos a dar shows de vuelta, y apenas nosotros cuatro empezamos a mostrarnos la gente comenzó a prestarnos atención, al menos en nuestra comunidad. Pero sí, hemos estado haciéndolo desde hace un tiempo.

—Lo decía porque no creo que muchas de las personas que nos leen en Track To Hell sepan acerca de ustedes.

¡Probablemente muy pocos! Esperamos que lleguemos a muchas personas nuevas.

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—¿Cómo definirías el sonido de Voidgazer? Porque estaba escuchando el nuevo disco, antes de que salga, y tiene un sonido muy extraño y particular.

Es extraño, pero creo que también es muy familiar. Combinamos muchas de nuestras influencias e intereses, pero creo que a pesar de que estamos mezclando todos estos géneros siempre sonamos como Voidgazer: no se vuelve demasiado amplio, que es lo que quiero evitar, siempre suena “voidgazeresco”. Probamos con muchas etiquetas y definiciones diferentes, pero lo llamamos “biker metal”: estamos muy metidos en la cultura motociclista y ese tipo de cosas. Es simplemente heavy metal: somos demasiado rápidos para el doom, demasiado doom para el progresivo. Creo no es más que el viejo y querido heavy metal, y de esa manera podemos tocar con bandas de death metal, las bandas más puercas del doom metal: no creo que quedemos fuera de lugar en muchas escenas.

—Las voces muy a lo death metal con las melodías, y esos riffs casi rock’n’roll.

¡Muy rock’n’roll! Es ahí de donde vienen.

—Creo que en una entrevista habías mencionado que la gente los comparaba con Motörhead, pero no necesariamente que eran unos clones.

Uno dijo que era The Black Dahlia Murder mezclado con Motörhead, ¡así que lo llamaron “The Black Dahlia Motör”! Eso me parece muy divertido. ¡Y eso es lo que quiero hacer! Quiero agarrar el rock’n’roll de la vieja escuela, el heavy metal de la vieja escuela y meterlo en un contexto moderno: una filosofía de la vieja escuela, pero darle una bocanada de aire fresco.

—Creo que eso se puede ver esa mezcla de influencias en el logo de la banda, el que usaron en la portada. Porque tienen un nombre como de banda de black o death metal, pero hecho al estilo de una banda de metal de los ochentas, casi como de una banda de glam metal.

¡Exacto! Quisimos hacerlo de esa manera: somos tipos que les gusta que les gusta la fiesta, y queremos que la gente sepa eso. Si ves en lo que están metidos todos, venimos de lugares muy diferentes pero juntamos todo de una manera muy genial. En cuanto a todo lo de los ochentas, el señor Kyle Hammer, nuestro baterista y mi mejor amigo, está súper metido en el estilo de los ochentas, mucho thrash y el death metal de la vieja escuela: él sabe cómo crear esa estética, está al frente de eso.

—Cuando recibí el e-mail de Reigning Phoenix y vi el nombre de la banda, creí que era otra banda de death metal o black metal, tal vez de black atmosférico, uno de esos estilos raros. Pero cuando los escuché, me pregunté qué mierda era esto… de una manera positiva.

¡Eso es lo que quiero que haga la gente!

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—Este álbum, Dance of the Undesirables, fue lanzado originalmente como un EP.

Sí, lo sacamos de manera independiente hace un par de años.

—¿Cómo describirías este LP? ¿Es una reedición? ¿Cuál es la diferencia con el original?

La mezcla fue actualizada, hay un nuevo máster y algunos bonus tracks, cambiamos el arte. Esta es la primera vez que lo podemos tener en un formato físico, porque lo sacamos nosotros hace unos años y entonces empezamos a hablar con la gente de RPM. Es de cierta manera un relanzamiento, pero la realidad es que somos una banda de St. Louis y la gente que lo había escuchado era la gente de St. Louis, así que para el resto del mundo es algo nuevo. Creo que hay muy buen material para todos los que nos escuchen por primera vez y también para los que han estado con nosotros desde el primer día.

—Es bastante genial que sean una pequeña banda de St. Louis y terminen trabajando con un sello europeo y hablando con un tipo en Argentina, en el otro lado del continente.

Sí, es increíble. Cuando comenzamos a hablar con ellos, nos dijimos: “¿Meshuggah está en este sello?”. [Risas] ¿Opeth? ¿Helloween y bandas de ese estilo? Y hace poco también se sumaron Michael Schenker y Kerry King. No tengo idea si esta gente le presta atención a los recién llegados en sus sellos, pero el hecho de que haya posibilidad de que Meshuggah esté escuchando a Voidgazer es una locura. Es muy divertido.

—Tengo la lista aquí, está Udo, el ex Accept.

¡Balls To The Wall!

—Skull Fist, Primal Fear…

Me encantaría girar con Skull Fist, pegaría muy fuerte.

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—Mencionaste el arte de la portada, y me encanta. Mencionaste a Motörhead, y parece una versión de terror de una portada de ellos.

¡Exacto! Es medio glam pero de una manera retorcida, hay cierto aspecto decrépito. No es todo sol y arco iris en el Medio Oeste.

—Sé que es una versión actualizada de la portada del original, la que tiene a los tipos con las cadenas.

Sí, porque tuvimos esa portada hecha después de la original y ya nos habíamos comprometido con ella, pero deseábamos que esa pudiera haber sido la portada. Así que aprovechamos la oportunidad para que esta fuera la portada, porque es genial: lo ponemos en la portada y lo ponemos en todo. A todos les encanta, a mí me encanta. Y ahora es complicado, porque es tan genial que nos preguntamos cómo vamos a hacer para siquiera igualarlo: esa imagen condensa de manera perfecta lo que quiero que la gente entienda de nosotros. Creo que es muy importante que la gente pueda ver la portada de un álbum y que la entienda de alguna manera, la primera impresión es tan importante.

—Es como un motor con agujas, con algo de La Cosa.

Una invención horripilante, un montículo de carne. Me encanta ese concepto de lo mecánico mezclándose con la carne, como algo de una película de terror.

—Y también creo que se ve de la misma manera que suena la banda.

¡Exacto! ¡Eso es lo que buscábamos!

—Vi que una de las canciones es “Jesus Take The Needle”. Y también está “Sexual Sadist Serial Slasher”.

¡Todos títulos muy divertidos!

—Todas suenan tal cual como sus títulos.

Honestamente, creo que comenzamos con el título y armamos la canción a partir de eso. Es algo divertido.

—¿Qué planes tienen a futuro con respecto a la banda?

No estamos muy lejos de terminar de componer el próximo álbum. De verdad espero que podamos grabarlo y sacarlo bien rápido. Sé que los álbumes tienen ciclos y ese tipo de cosas, y sé que todos piensan que su nuevo material es el mejor pero lo nuestro extremadamente bueno. Hay un par de canciones que ya tenemos armadas y que creo que están para andar imprimiendo dinero, creo que a la gente de verdad les va a gustar. Creo que refinamos la técnica y la filosofía al momento de componer. Quiero terminar con eso, comenzar algunas giras, agarrar la ruta y ver a dónde nos lleva, tenemos una gran oportunidad enfrente nuestro ahora mismo.

—Sí, estaba leyendo algunas entrevistas con revistas de metal pero también de St. Louis, así que fue toda una sorpresa verlos en un sello europeo grande con todas estas bandas europeas elegantes. Y también Angra, que son de Brasil.

No lo puedo creer, es genial.

—¿Qué te gustaría decirle a la gente que vaya a escuchar este Dance of the Undesirables?

¿Qué quisiera decirles? Quiero ver qué quieren decirme a mí: creo que estamos haciendo algo muy raro y quiero ver si les gusta este tipo de cosas. ¿Acaso los entretiene? Eso es lo que quiero saber. ¿Acaso les “activa las almendras”? (NdT: Es una referencia a un meme sobre un chef australiano y la manera en la que describe las comidas). Quiero saberlo, quiero hablar con la gente sobre música. Me encanta hacer música, hablar con la gente sobre música, pienso en eso todos los días, toco la guitarra, pienso en riffs y demás. Quiero saber si les entretiene o no.

Los californianos melódicos hardcore Ignite se preparan para pisar tierras españolas a fines de marzo y traer toda la fuerza punk al país, y es por eso que hablamos con su bajista y miembro fundador Brett Rasmussen por esta ocasión tan especial, con el guitarrista Kevin Kilkenny sumándose para una de esta tanda de preguntas de puro punk.

—Hola, Ignite. Soy Martín, y esta es una entrevista para Track To Hell. Antes de comenzar la entrevista real, quería saber cómo va todo con la banda.

Hola Martín, Brett aquí de Ignite. Todo va genial, estamos a punto de iniciar nuestra gira de primavera por Europa/Reino Unido y estamos muy emocionados por volver a la carretera en Europa y tocar en muchos de los lugares que amamos.

—Han dado una gran cantidad de conciertos en Europa a lo largo de los años, especialmente en Alemania. ¿Qué crees que hace que la banda sea tan atractiva para el público europeo?

Creo que mucho tiene que ver con los primeros días de Ignite. Nuestro primer sello discográfico fue alemán y nuestra primera gira también fue en Europa. Europa es el lugar donde obtuvimos más exposición y, por supuesto, es donde tocamos la mayoría de los conciertos en los años 90.

—¿Cómo eligen las canciones que terminan en la lista de canciones?

Esa es una pregunta interesante. Normalmente cambiamos las canciones en cada gira al menos un poco. Pero hay algunas canciones que la mayoría de la gente quiere escuchar sí o sí, como nuestras canciones Bleeding, Veteran y Let It Burn, que están en el set todas las noches. Creo que es importante tocar canciones de cada etapa de la banda, pero no puedes satisfacer a todos, todas las noches con la selección de canciones, supongo.

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—Su álbum de 2022, Ignite, fue su primer álbum con Eli en la voz, luego de la salida de Zoli. ¿Han tenido algún comentario al respecto? ¿Cómo creen que la gente recibió el cambio en las voces?

Nunca se sabe realmente cómo van a reaccionar los fanáticos ante tus nuevas canciones. Cuando terminamos de grabar el álbum, estábamos muy felices y orgullosos de lo que habíamos creado, pero la verdadera prueba es la reacción y respuesta de los fanáticos a tu música. ¡Hemos quedado asombrados por la respuesta! Ha sido genial ver lo abierta que es la gente con respecto a Eli cantando en Ignite. Esperaba que la respuesta fuera buena, pero definitivamente ha superado todas nuestras expectativas.

—¿Cuánto cambiaron las canciones con Eli en la voz? Tanto las antiguas como las nuevas.

Encontramos a Eli después de unos 6 meses de búsqueda de un cantante en 2020. Fue una sorpresa para todos nosotros, ha sido amigo nuestro durante años y su nombre surgió cuando nos envió una canción con su voz en una canción de Ignite y nos sorprendió descubrir que este tipo no solo es un talento increíble en la guitarra (ver Holy Grail/Huntress) sino que también tiene una voz poderosa, una voz que encaja perfectamente con el sonido de Ignite. Una vez que empezamos a trabajar con Eli, fue prácticamente el mismo camino creativo en el que siempre hemos estado. El objetivo es y fue escribir hardcore melódico que nos inspire. Inspirarnos a nosotros mismos primero y luego enviarlo al mundo.

—¿Qué crees que hace que la música hardcore y punk una a tanta gente de diferentes culturas alrededor del mundo?

Nuestro guitarrista Kevin Kilkenny quería responder a esta pregunta…
Lo que inicialmente me atrajo de esta escena fue lo identificable que era el mensaje detrás de la música para mí. No podía encontrar esto en ningún otro lugar. Estaba perdido, asustado y confundido y esta música me dio la bienvenida. Esas primeras amistades y la comunidad a la que me presentaron cambiaron mi vida y me dieron un sentido de pertenencia. Esto es lo que me ha mantenido todos estos años. No estaba pensando en lograr nada, para mí se trataba de sanar, es terapia para mí.

—Ignite parece ser una de esas bandas que se toma su tiempo entre álbumes. ¿Planeas grabar el seguimiento de Ignite lo antes posible?

Ya lanzamos un nuevo sencillo en enero ¡y sí, el objetivo es seguir sacando nueva música tan a menudo como podamos! Es la mejor manera de mantenernos conectados con nuestros fans. Queremos lanzar música tan a menudo como humanamente sea posible. Nos encanta escribir juntos y crear juntos. Hay una nueva mentalidad en IGNITE ahora y es crear y compartir tanta música como podamos.

—¿Qué les gustaría decir a las personas que los verán en España?

¡Energía alta! No importa el tamaño del espectáculo, tratamos cada show de la misma manera, ya sea un festival para 10,000 personas o un pequeño espectáculo en un bar. Cada persona que se toma el tiempo para venir a vernos tocar merece obtener el mejor show que podamos ofrecer.

En la ola de bandas de metal progresivo del nuevo milenio, los polacos Riverside se pueden contar no sólo entre los nombres más destacados, sino también de los más consistentes en cuanto a la alta calidad de su discografía. Esto se ve en su nuevo álbum ID.Entity (2023), su nuevo disco y el que los tendrá visitando por primera vez Argentina el 28 de marzo próximo, ocasión por la que entrevistamos a su cantante, bajista y líder Mariusz Duda, con quien hablamos sobre el nuevo álbum, la música de la banda, el avance de la IA, el mundo del rock y el metal progresivo y mucho más.

—Primero, ¿cómo vienen las cosas? Van a estar girando por Sudamérica dentro de poco.

Sí, vamos a estar haciendo eso. Hoy tuvimos no el último ensayo, eso será el lunes, pero nos estamos preparando para eso, y ahora estamos aterrados porque tenemos que comprar algunas cosas para todo este mes. Así que vamos a ser muchos en el avión, así que pedí este pequeño teclado MIDI para el avión, para trabajar durante esos largos viajes. Así que las cosas van bien.

—Esta va a ser la primera vez que vendrán a la Argentina. ¿Conocés algo del país? ¿Algo de música rock?

Conozco a su país sobre todo por el fútbol. No soy el mayor fan del fútbol, porque no sólo mis compañeros de banda sino también nuestro equipo técnico estuvieron todo el tiempo jugando al FIFA durante la gira (Risas), y de verdad lo odio, pero esa fue su carta de presentación para mí. Yo nací en el 75, así que todavía recuerdo los mundiales de México 86 e Italia 90, donde Argentina reinó. Eso es lo que recuerdo.

—Cuando estaba puliendo algunos detalles acerca de las preguntas, vi en Twitter algo bastante interesante: que ustedes anunciaron el concierto después de que alguien les preguntó por qué no habían tocado en Argentina en Facebook. Que les habían preguntado y ustedes dijeron que no había promotores que estuvieran dispuestos a organizar un concierto de Riverside en este país.

Eso es verdad.

—Y entonces alguien etiquetó a la gente de Icarus Music. Eso es muy interesante.

Desearía que esa persona hubiera hecho esa pregunta al menos 10 años atrás, así alguien hubiera podido hablar con esos promotores 10 años atrás, pero como sabes es mejor tarde que nunca. Pero estamos felices de poder estar en Argentina luego de 20 años, eso significa que debes seguir intentando todo lo que puedas, eso es genial para mí. No tuvimos oportunidad hasta ahora de estar en Argentina porque no recibimos la invitación, de que digan “Vamos, chicos, tal vez quieran venir a la Argentina”. Nadie dijo eso, pero hubo propuestas de México, propuestas de Chile, siempre había gente diciendo que fuéramos a Chile y cosas como esas. No es que no nos gustara Argentina, es que no habíamos tenido la oportunidad porque no pudimos encontrar un promotor.

Ah, y eso me recuerda algo más: Julio Cortázar. Ese es uno de mis escritores favoritos. ¡Tengo sus libros en mis estantes! Es argentino, ¿no?

—Sí, era argentino. Vivió un tiempo largo en Francia, pero era argentino.

Lo más seguro es que a lo largo de la entrevista me vaya acordando de cosas.

—Fue muy divertido ver a la gente taggeando diferentes promotores. Me recordó eso que dicen de que cada vez que una banda postea algo en redes sociales, siempre hay alguien que comenta “Come to Brazil”, y que encima eso termine resultando, que la gente termine haciendo la diferencia. ¿Qué tan complicado es encontrar gente dispuesta a organizar un concierto de Riverside?

Bueno, nosotros tenemos nuestro propio mánager / agente, y él es el responsable detrás de eso. Él es el que se encarga de trabajar en nuestras giras, así no tenemos que hacerlo nosotros. Y por supuesto puedo culparlo a él (Risas) porque no hayamos ido a Argentina, pero soy demasiado educado para eso. Pero es genial que las redes sociales puedan ayudar de vez en cuando, no sólo destruir tu cerebro sino también ayudar con la comunicación. Así que, respondiendo a tu pregunta, creo que es muy fácil, simplemente necesitaríamos etiquetar algunas personas y listo. Tal vez deberíamos hablar con alguien en Japón esta vez, porque nunca hemos ido a Japón: tal vez hacer un post en Facebook que diga “Queremos ir a Japón, ¿pueden ayudarnos con eso?”. ¿Quién sabe? Tal vez alguien pueda ayudarnos, sería mucho más fácil que andar pagándole a algunos promotores alrededor del mundo, como estamos haciendo ahora.

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—Hablando acerca del nuevo álbum, ¿cómo te sentís acerca de la recepción que tuvo ID.Entity?

(Lo piensa un segundo) ¡Me siento bien! Estaba esperando tener un recibimiento mixto del álbum, y cuando lo recibí no me sorprendí ni positiva ni negativamente. Sin embargo, creo que nuestros fans prefieren música mucho más melancólica antes que música más animada. Pero por otro lado sólo puedo hablar de la recepción que tuvimos en algunos países y durante nuestras presentaciones en vivo, y en su mayor parte estuvieron muy satisfechos. Siempre es importante tocar algunas canciones en vivo, porque eso puede cambiar tu punto de vista, tu opinión acerca del álbum. Siempre fuimos una banda mejor durante nuestros shows en vivo que en los álbumes, y es muy gracioso porque este nuevo álbum fue de cierta manera inspirado por la energía que creamos durante nuestros shows en vivo. Es por eso que cambiamos de estudio y lo grabamos en dos o tres meses, para poder capturar esa energía en vivo en vez de estar un año en el estudio creando un álbum a lo The Dark Side Of The Moon. Capturamos esa energía en vivo en este nuevo álbum, pero tengo esta sensación de que hay muchos fans a los que no les llegó a la primera porque era demasiado animado o demasiado alegre y supongo que prefieren llorar o sumergirse en la oscuridad. Pero también escuché montones de opiniones que decían que puede que no fuera su álbum favorito de los que sacamos, pero después de vernos en vivo creen que las canciones son geniales y que el álbum se va poniendo mejor. Así que esa es una gran reacción en mi opinión.

—Uno de los elementos del álbum de los que vi más hablar a la gente fueron los sintetizadores de los ochentas. ¿Cómo se les ocurrió la idea de usar esos teclados más prominentes?

Bueno, eso es sólo al principio del disco, no es que vayas a encontrar esos sintetizadores en cada canción.

—Claro, pero arrancan el álbum.

Bueno, yo crecí en esa década, esa fue mi época, y nunca dejé de escuchar ese tipo de música. Michał (Łapaj, tecladista de la banda) había comprado nuevos teclados con esos sonidos geniales que simplemente decidimos utilizar, en especial ese bajo tu-du-du-tututu que suena muy bien. Pero también tuvo que ver con las letras “¿Quién pretendes ser para complacer a todos?”: quería comenzar el álbum pretendiendo ser alguien más. Estábamos buscando ideas, y esto conectado con algunos riffs metaleros me pareció bastante original. Ya hicimos algo de música country en Wasteland, así que necesitábamos algo más y elegimos este fragmento de sintetizadores porque eso fue lo hicimos en el pasado, porque Love, Fear and the Time Machine también estuvo inspirado en los ochentas pero sin el uso de los sintetizadores sino por bandas más como The Cure, por ejemplo. Ahora fue simplemente el sonido de teclado, y si escuchas eso puedes compararlo con A-Ha, Mr. Mister o alguna otra anda de los ochentas, pero no porque estuviéramos influenciados por ellas sino porque es ese sonido genérico de los ochentas.

—Simplemente es un elemento, un aditamento.

Sí, Riverside siempre hace esos experimentos en todos los álbumes. Recuerdo que en Shrine of New Generation Slaves hicimos “Celebrity Touch” y la gente pensaba que estábamos sonando como Deep Purple, o en Wasteland con la canción título que suena medio folk o casi country, en Second Life Syndrome teníamos “Artificial Smile”, en Rapid Eye Movement teníamos “Rainbow Box”. Siempre algo un poco diferente que el resto del álbum, así que simplemente se nos ocurrió algo diferente.

—Recuerdo una entrevista donde mencionaste querer traer algo de felicidad a la banda. ¿Considerarías a Riverside una banda más melancólica antes de este álbum?

Sí, por supuesto, estamos llenos de melancolía: tengo mi proyecto solista que se llama Lunatic Soul, así que esto es como estar todavía más melancólico y más conectado con la muerte y, no sé, viajes después de la muerte. Pero cuando nuestro guitarrista [Piotr Grudziński] murió y habíamos estado sufriendo durante tantos años, necesitábamos un descanso, porque con esa cantidad de melancolía que teníamos yo quería otra cosa. Si lo ves desde esa perspectiva, te darás cuenta y entenderás por qué hicimos este tipo de álbum. Fue algo natural para mí, un cambio natural: hagamos algo diferente, aunque sea un poco diferente. Es por eso que tenemos canciones como “Friend of Foe?” y “Self-Aware” en este álbum, y eso es muy gracioso porque he tenido entrevistas donde me preguntan por qué no hicimos todo el álbum en ese estilo: “¡Eso sería original! ¡Eso sería diferente!”. Porque aquí está “Friend or For?”, aquí está “Self-Aware”, pero en el medio está el Riverside clásico. Y estoy de acuerdo, tal vez para la próxima deberíamos hacer grandes cambios. Pero para mí, ID.Entity significa que deberías tener la visión completa, y es por eso que quise poner todas estas cosas características de Riverside, incluso cosas que ya conocemos. Incluso la canción “The Place Where I Belong” es muy progresiva y termina con todo este solo de guitarra y nos dijimos “Oh Dios, esto es tan ‘progresivo’” (NdT: remarca las comillas con los dedos) en el mal sentido, a veces es un poco vergonzoso (NdT: directamente usó la palabra “cringe”), pero ese es “el lugar al que pertenezco”, ese era el mensaje: que lo que sea que hagamos, como sea que nos etiqueten, siempre seremos esta banda progresiva, así que hagamos esta canción como la más progresiva. Así que necesitaba un compilado de canciones que mostrara la música de Riverside con algo algo, pero no totalmente fresco porque esa no sería nuestra identidad sino algo diferente, pero vaya uno a saber lo que haremos en el próximo álbum, ¡tal vez hagamos muchos más cambios!

—Riverside para mí siempre estuvo en esa línea entre el rock progresivo y el metal progresivo: obviamente son más pesados que la banda típica de sonido de los setentas, pero tampoco son Dream Theater o bandas similares de metal progresivo súper exagerado. ¿Suelen importarte esas etiquetas? ¿Qué te parecen?

Eso que mencionaste es nuestro estilo, nuestro lugar en la comunidad progresiva. Siempre quise estar en algún lugar en el medio. No quería pertenecer a todo esto del metal progresivo porque no somos esa clase de banda y además no estamos usando guitarras de siete u ocho cuerdas, no somos una banda de djent a lo Meshuggah y no usamos esos pasajes instrumentales como Dream Theater de guitarras y teclados todo el tiempo, todo en Riverside está basado en melodías y canciones. Pero sí, encontré ese espacio entre el rock y el metal desde el inicio, porque eso es lo que soy, lo que escucho, lo que quiero crear: nunca fui fan de tener demasiados instrumentales, y si metiera eso preferiría cosas más espaciales y ambientales antes que estructuras muy complicadas. Para mí, el mejor ejemplo de ese tipo de banda sería Marillion en Clutching At Straws o Misplaced Childhood, porque en la superficie puedes escuchar las canciones pero en el fondo se están divirtiendo con el estilo rítmico y demás pero es accesible, no es que hay que sufrir para andar escuchando todo porque es muy normal. Es un gran ejemplo para mí y yo quería hacer ese tipo de música con Riverside también. Pero también, debido a la herencia de al menos dos de los miembros, también había algunos elementos metaleros, y nuestro baterista [Piotr Kozieradzki, que venía de tocar durante todos los noventas en los deathmetaleros Hate] al principio se comportaba como si no supiera cómo empezar a tocar la batería de una manera diferente: “¡Hoooola! ¡Esta no es una banda de metal! ¡Así que adáptate!”. Así que siguió adaptándose y se adaptó, eso fue bastante divertido. Pero sí, estar entre esos dos géneros está bien, y prefiero eso a que nos etiqueten como una banda de metal progresivo, porque la gente siempre está pensando en bandas como Dream Theater, Haken o Tesseract y no somos de ese tipos de bandas.

—Con toda la cosa ultra técnica.

Exacto, ese acercamiento técnico no está en Riverside. Prefiero un acercamiento más punk, no tan estricto ni tan perfecto, es un poco desafinado y pintando fuera de las líneas, un poco más flexible y desarreglado. A lo Motörhead (NdT: Hace mímica de tocar el bajo de manera agresiva) en vez de algo como (NdT: Hace mímica de un bajo jazzero ultra complicado). Riverside es una cosa más vieja escuela que esas bandas nuevas criadas con, no sé, música de computadora. Ese es el punto.

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—En mi experiencia y leyendo muchas reseñas de este álbum y comentarios sobre el mismo, parece que muchos fans del rock progresivo son un tanto conservadores con su música, lo cual parece casi como una contradicción. En el sentido de parece que quieren que todo suene como de los setentas, como si fuera Genesis y Yes.

Sí, estoy de acuerdo contigo. Eso es muy gracioso, porque para mucha gente “ser progresivo” significa empujar los límites todo el tiempo, pero para otros es en realidad este acercamiento clásico y listo. Dicen que quieren escuchar cosas nuevas, pero al mismo tiempo quieren el mismo álbum de Genesis pero con diferentes bandas. Creo que si ves a los ochentas, por ejemplo, había muchas bandas que sonaban muy similares a Marillion con Fish, esa era toda esa movida del “neo-progresivo”, lo que fuera eso, y en mi opinión no era muy buena porque esas primeras bandas tenían algo nuevo pero el resto eran muy, muy conservadoras. En los noventas, cuando Porcupine Tree apareció, ellos fueron la primera banda que comenzó a experimentar con electrónica y samples, pero recuerdo la primera vez que los escuché eran muy buenos pero estaban muy conectados con el krautrock y no me lo esperaba, eran muy similares y Steven [Wilson] estaba buscando su propio sonido y me gustaba porque me sentía igual, también quería tener esos mundos musicales y debe ser por eso que nos terminamos convirtiendo en colegas / amigos. Riverside y Porcupine Tree son buenos ejemplos de ese tipo de música, con Porcupine Tree estando en ese lugar entre metal y rock pero con más elementos electrónicos, beats y groove, y Riverside con las melodías más clásicas a lo Marillion, y esa fue la mayor diferencia entre nosotros. En la última década escucho que la mayoría es metal progresivo a lo Meshuggah, siete cuerdas y grandes guitarristas que pueden hacer locuras como los tipos de Polyphia o Animals As Leaders. Es sorprendente, y es eso con ese tipo de música y el cantante que suena como que viene de una banda emo, gritando y cantando al mismo tiempo con diferentes variaciones y terminan siendo muy similares unos con otros. Todo ese metal progresivo de estos días, a lo Sleep Token o parecidos, es simplemente post Meshuggah con esa variante o esta variante: puede que sea la música para mayores de 30, pero nunca quise pertenecer a ese género, para ser honesto. No podemos tocar de esa manera y tampoco disfruto ese tipo de música.

—Sleep Token suelen dividir opiniones.

Sí, no sé qué está pasando con esa banda, debe ser porque aparecieron sobre todo a través de TikTok. Pero no teníamos una banda que experimentara con pop, Autotune y esas cosas que se pueden escuchar en la música pop en estos días, así que desde ese punto de vista son algo muy fresco, pero desde otro punto son muy complicados de escuchar. Si tuviera que elegir, elegiría a Linkin Park [Risas], tienen mejores canciones.

—Siendo que esta va a ser la primera vez que toques en Argentina y que antes mencionaste a Japón, hablando acerca de lugares que todavía no hayas visitado con Riverside: ¿hay algún otro lugar que te gustaría visitar con la banda?

Creo que Australia y Japón son los dos países que nos gustaría visitar. Tal vez con el próximo álbum hagamos una gira. Y nada más, pero eso sería muy lindo.

—Hace poco sacaste tu nuevo álbum solista AFR AI D, que obviamente es una referencia a la inteligencia artificial.

Es verdad, y también a la identidad, porque si ves el título el “ID” está al final de “afraid” y al inicio de “identidad”.

—Veo que estás interesado en cómo se ha ido desarrollando la inteligencia artificial últimamente, lo cual ha sido bastante controvertido.

Eso es cierto. Mencioné esto en la entrevista anterior, pero hoy vi un meme acerca de inteligencia artificial y era acerca de “lo que tememos” y “cuál es la realidad”. Y “lo que tememos” es un montón de máquinas como de Terminator, con armas, porque la gente le tiene miedo a la inteligencia artificial de esa manera, pero “la realidad” creo que eran cuatro actrices ganadoras del Oscar con sus pechos expuestos y demás, todas juntas. creo que era Jennifer Aniston a los 30 o 25 como la conocimos en Friends, junto a Emma Watson de Harry Potter, Scarlett Johansson y no sé quién más: eso es IA, esos deepfakes y esas fotos extrañas que siempre ves de gente famosas hechas con IA. Eso es algo que deberíamos temer, no que vayan a aparecer los terminators, tendríamos que temer a la gente que está haciendo este tipo de contenido, porque será complicado distinguir la realidad y la mentira en el futuro. Y gracias a eso, seremos manipulados, estaremos todavía más divididos, más polarizados y algunas personas usarán eso para sus fines políticos.

—Estaba pensando en eso porque en las últimas semanas hubo controversia por bandas como Deicide y Pestilence, bandas grandes que no llenarán estadios pero son grandes, usando IA para crear sus portadas de álbumes. Creo que también estaba Kerry King con su nuevo disco, y está este temor de que la IA termine reemplazando a los artistas humanos con computadoras.

El desarrollo tecnológico siempre conlleva perder trabajos para otras personas. Es natural, es orgánico. La IA fue creada sobre todo para hacer las cosas más rápidas y más baratas, eso es algo positivo en mi opinión. Si haces trabajo en el estudio, gracias a la IA puedes hacer algo rápido, y no estoy hablando acerca de componer música, sino algo técnico como quitar el clipping o problemas técnicos en las ondas: gracias a la IA, puedes deshacerte de eso en 10 minutos, no tener que estar haciendo eso de manera manual todo el día. Así que eso ayuda. Pero no creo que sea algo terrible, porque el aspecto humano siempre será importante. Habrás visto estos videos hechos con IA de las fotos que se mueven, que son tan populares que ya no los puedes ni ver. Pero si usas la IA de una manera diferente, tal vez en algo pequeño, y puedes conectar esa humanidad con esa inteligencia artificial puedes lograr algo original, y creo que eso es hermoso. En mi opinión, el mayor miedo no es que lo usen para las tapas de los discos, sino que lo usen para meter a tus amigos cercanos en alguna película porno, porque eso puede terminar destruyendo la vida de una persona. Eso es algo que deberíamos temer, no que la IA haga la portada de lo nuevo de Kerry King porque ahí ya a quién carajo le importa.

—Sí, igual creo que mi problema con la portada de Pestilence es que se veía horrible.

Ahí depende del artista. Si el artista quiere cooperar con sus diseñadores gráficos favoritos, continuará haciéndolo. Pero si eres un novato y simplemente quieres crear algo a veces es más fácil hacer algo con la IA y listo. Eso está bien, pero si quieres desarrollarte tendrás que traer algo más original, y para eso necesitarás a un ser humano.

—¿Qué te gustaría decirle a la gente que vaya a ver a Riverside en Argentina?

Perdón que nos haya tomado tanto tiempo, quisiera de verdad disculparme. Y muchas gracias a todos en las redes sociales por su apoyo y por traernos a la Argentina, ¡a toda esa gente que etiquetó a todos estos promotores!

Con Martín Cirillo

Las leyendas del punk argentino 2 Minutos se encuentran de gira por España, trayendo el punk de barrio a tierras ibéricas, y por eso hablamos con Walter Velázquez, mucho más conocido simplemente como Mosca, eterno cantante del quinteto, para que nos cuente sobre el presente de la banda y lo que atrae al público a sus conciertos.

– ¡Qué gusto tenerlos por España nuevamente, Mosca! Tienen unas cuántas fechas planeadas por todo el país, ¿verdad?

Si, tenemos un total de 7 conciertos. Vamos a dar nuestro primer show, que es en Palma de Mallorca, luego Málaga, Madrid, dos en Barcelona, Valencia, Bilbao, y para casa. Va a ser la tercera vez que va a 2 Minutos a España. La primera fue en 2017. La segunda fue 2019. Y la tercera es esta, el tercer desembarco es en el 2024.

– ¿Sí, sí, cómo se siente regresar a España para otro día después de tanto tiempo?

Bien la verdad que muy contentos. Muy contento. ¿Entiendes? Sí, sí, ansiosos, ansiosos.

– ¿Qué diferencias notan entre el público español y el público argentino?

Yo creo que sí, es como más eufórico. El público argentino o llámalo latino es más eufórico. El español está ahí, tranqui tomándose una birra. Mira a la banda, aplaude o no sé parece sí es más salvaje el público en Argentina. Es como un clásico, tiene furia. Vas a ver un show y hacen pogo hasta con Depeche Mode.

– Sí, sí, Ah, tipo 2 minutos. Siempre me pareció una banda, está re contra Argentina, viste en todo sentido, no sé. O sea, no. ¿O sea, usted los escucha a cualquiera y no creo que pueda identificarlos como que sea de cualquier otro país, viste? En. ¿Aparte de los argentinos que viven en España, ¿qué creen? ¿Qué es lo que tipo la banda traiga gente de otros países? Porque también tocó en Latinoamérica que digo aparte.

En julio vamos a cumplir 37 años con la banda. La armamos cuando teníamos 20 años. Hemos ido a tocar mucho nosotros.

De nuestra camada, los punta de lanza éramos nosotros, los chicos de Babasónicos, con otro tipo de música, otro público. Nuestras canciones hablan de cosas que le pueden pasar a cualquier persona, en cualquier lado del planeta. Básicamente yo creo que es eso.

La mayoría de nuestro público suele ser latino. Tal vez, algún que otro español que conoce la banda que vaya a verlo o algún latino que vive en un barrio que tiene amigos españoles y van a venir a verlo…

– Este año van a sacar un nuevo disco, que es un disco de reversiones ¿verdad?.

Es un disco de reversiones que se grabó. Durante 2023 y parte de 2022. Va a salir en digital, vinilo y en CD. El título es “La Máquina de Hacer Cagadas” que va a recopilar todos los singles que fuimos sacando en el último par de años en Spotify. Tenemos muchísimos invitados de todos lados, y de muchos estilos musicales. Va a salir en algún momento de 2024.

– Para “Ya no sos igual” invitaron a Trueno, ¿verdad?

Si, ese fue La primera reversión que sacamos, en Spotify. También están los Die Toten Hosen, en el tema.

– ¿Recibieron comentarios negativos acerca de invitar a alguien tan lejano musicalmente?

¡Claro! Sí se armó como una especie de “a mí me gusta”, “no, ¿la cagaron loco” y “para cuándo un tema de 2 Minutos con Duki?” Hay gente que le gusta, hay gente que no. A nosotros nos gusta.

– ¿Hay alguna canción en particular que sientan que representa su experiencia como banda?

Uh buena pregunta… tenemos muchas canciones… Es difícil… Como representante nuestra, la más conocida, sería “Ya no sos igual”. Que es nuestro mayor “hit”. Tenemos unos cuantos, pero esta es la que más nos representa. Nosotros no hablamos de ciencia ficción, caballos alados, ni esas cosas… Hablamos de las cosas que nos pasan todos los días.

– En esos 37 años como banda… ¿Cómo crees que fue evolucionando el punk en Argentina?

Yo creo que evolucionó para bien. Cuando empezábamos no había tantas bandas. Era un circuito muy reducido, pequeño. Luego empezó a crecer poco a poco, y algunas discográficas empezaron a editar a tipos de bandas como la nuestra. Costó mucho entrar en lo que es hacerse reconocer como un estilo más, pero hoy en día goza de muy buena salud. En todo Latinoamérica y el mundo. Es un estilo que quedó para siempre, salen bandas todo el tiempo.

– ¿Cómo mantienen viva la energía? ¿Cómo se mantiene viva la pasión arriba del escenario después de tantos conciertos que han dado?

Yo creo que se da naturalmente. Cuando se formó la banda dijimos “Tengamos más o menos entre 12 y 15 canciones para salir, no hagamos ningún cover de nada, y salgamos. Que la banda dure lo que tenga que durar y que llegue a donde tenga que llegar.” Nunca nos imaginamos estar arañando los 37 años de carrera… Sacamos un montón de discos… Y viajamos fuera de nuestro país… A otro continente… Nunca lo imaginamos.

Eso mismo es como que también te da fuerza y energía salir y dar un show. Y no somos más, chicos de 20 años. Ya somos gente grande…

– ¿Hay algún lugar específico que estén en especialmente emocionados por visitar durante la gira?

Y… Creo que Barcelona, porque tenemos mucha gente amiga. Creo que debe haber muchísimos argentinos viviendo en Barcelona y Madrid. La comunidad latina en España es muy grande.

– A quiénes vayan a verlos a España, ¿Qué querrías decirle a esa gente?

Que vengan a vernos, que la pasen bien y que se vayan con un buen recuerdo… Vaya uno a saber cuándo volveremos otra vez… ¡Este va a ser el tercer desembarco! ¡De Valentín Alsina a España!