Desde el cuartel general de TrackToHell nos dimos la chance de contactarnos con Javier “Knario” Compiano, vocalista/líder de Plan 4 quienes estarán presentando su nuevo álbum “Mecanismo de Odio” este próximo domingo 8 de septiembre en El Teatro Flores.

Javi, espero te encuentres bien, agradezco la oportunidad de tener esta entrevista con vos para recorrer tú pasado y presente como músico y gran aporte a la escena metálica del país. ¿Qué recuerdos tenés de tus días en Carnarium ??

¿Cómo andas loco? Antes de todo, gracias por el lugar. De Carnarium, ¿qué recuerdo? Bueno, un montón de cosas. Sería muy larga la respuesta. Pero básicamente, más allá de lo que recuerdo, que son momentos muy lindos, es donde yo aprendí básicamente un montón de cosas. Cuando entré a Carnarium, los chicos ya tenían un año o dos años de banda, se llamaban Arsenica, no se llamaba Carnarium. Y la verdad que aprendí muchísimo.

Cuando entró Pablo de la Valle en la guitarra, como segunda guitarra, la banda pasó de ser Arsenica a Carnarium. Y ahí es donde empezamos a componer nuestras canciones, que es donde aprendí muchísimo.
Ahí empecé a escribir letras, porque a veces cuando nos juntamos, nos reímos, había una letra que era rara, y ahí empecé a escribir letras. Al principio, escribía letras y música todo el baterista, Pablo Gimelli, y después empezamos a colaborar más. Y fue realmente un gran aprendizaje Carnarium. Y ahora, tenemos un grupo de WhatsApp, toda la formación original, y nos vemos siempre, la pasamos muy bien. Realmente estamos ahí, uno de los guitarristas que vive en Estados Unidos, y cuando viene, nos juntamos, y la pasamos muy bien.

Fuiste parte de la grabación de un excelente disco de Raíz, qué podés contarnos acerca del proceso de grabación en una época donde no existía tanta información y equipamientos.

Con respecto a Raíz, lo sumo que fue otro aprendizaje, obviamente, y sí, grabamos un solo disco, “Manteniéndose Real“, y fue un disco muy bien recibido en la escena.
De alguna forma, cuando arrancamos Plan también había ya un cimiento de Raíz, éramos en su comienzo tres de los cuatro Raíz, así que fue una linda experiencia hasta un punto, después realmente, o sea, por lo mal que la pasamos en una etapa considerable de Raíz, fue que armamos Plan 4, o sea que en realidad Raíz quedó con un sabor medio agridulce, también se aprendió, y lo lindo es que quedó un muy buen disco como Manteniéndose Real, y un EP que es “La línea de Fuego“, la banda ya estaba, no teníamos al “Oso” (Fernando Santacroce), estaba en un momento difícil, y justamente ahí ya no estábamos bien, no estábamos bien con César (Morabito) ahí en la banda, por eso terminamos separándonos y armando Plan 4, así que quedó un sabor agridulce de Raíz.

Participaste como invitado en muchos proyectos de distintos géneros, ejemplo Skiltron, Horcas y recientemente te vi en Darlo Todo, has pasado pasando del folk metal, thrash, nu metal y heavy metal, ¿Soles escuchar bandas de todos estos estilos ??

Con respecto a lo de las invitaciones, escucho metal, en un 90-95%. Escucho otros géneros más pop y demás. Ahora, dentro del metal, por lo menos el folk metal no es un estilo que escuche mucho, pero lo conozco. Y más allá de eso, cuando ves a una banda que tiene guitarras y tiene ciertos yeites que tiene que ver con el metal, uno ya sabe si hablamos de cantar arriba de una canción, ¿no? Pero creo que también podría cantar canciones de otros estilos, pop y demás, y no lo haría mal, ya que escucho bandas del estilo.
La verdad es que no me cuesta adaptarme, obviamente, siempre que la voz esté dentro de mi rango vocal. Yo soy barítono, no puedo cantar una canción que es de tenor alto, no la voy a poder cantar, porque la voy a tener que versionar. Pero cuando está dentro de mi registro, sí, creo que no tengo problemas en eso. Por suerte, bueno, tiene que ver con la apertura musical, sí.

Has tenido la oportunidad de ser vocalista invitado de Heaven Shall Burn en el Wacken, existirá la posibilidad que se repita en la visita de la banda a Buenos Aires?

Estuvo muy bueno, no sé si se va a repetir acá, no tengo idea, no le hable a Marcus, su cantante hace un par de años ya, pero bueno no sé, le voy a escribir y posiblemente vaya a ver el show, así que ahí veremos.
Fue una gran experiencia además está decirlo lo de Wacken, fue muy muy lindo así que bueno vamos a ver.

Actualmente sos parte del tributo a una gran banda como V8, qué se siente ser la voz de temas tan emblemáticos del metal argentino y cómo te adaptaste a esas gemas ?

Bueno, el tributo a V8 fue una convocatoria de Gustavo Rowek, a quien conozco hace muchos años, también con Sergio Berdichevsky.
Obviamente tenía todos los discos de V8 en cassette, conozco perfectamente la obra, si bien no la había cantado en su totalidad, que son canciones bastante difíciles, las tenía bastante incorporadas, he oído.
La verdad que tuve que dedicarle mucho tiempo a aprender las letras porque son muy largas y las canciones tienen variantes inesperadas y por momentos tienen pasajes bastante largos y hay que estar atento.
Es un desafío cantar V8, pero a la vez es un placer porque son canciones que vivieron mucho con uno, te rememoran tiempos muy lindos, adolescencia y demás.
Y además, está decir que es un honor que me haya elegido y también cantar las canciones de la banda que fue la Biblia del metal en Argentina. Es como, siendo parte de la escena argentina, creo que es interesante de cualquier forma. Obviamente, creo que hay que estar a la altura de las obras y creo que este tributo está muy bien, se reflejan muy bien las canciones, mejor dicho, se ejecutan muy bien y hasta ahora, el show que he tenido, la posibilidad de tocar en vivo, la respuesta fue muy linda y estamos muy bien aparte, nos llevamos bien, es un lindo proyecto.
Por otra parte, también tener la venia del Beto Zamarbide es muy piola. Yo hablé con él antes de encargar el tributo, le dije a Gustavo que quería su contacto y que necesitaba como que me dé la venia. Y bueno, el Beto ya es como un amigo de hace muchos años y me tiró la mejor, eso la verdad que también me dio mucha seguridad y me terminó de convencer de encarar el proyecto cuando Gustavo me citó.

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Vayamos a lo que respecta sobre el nuevo trabajo de Plan 4  ¿Qué podes contarnos de “Mecanismo de odio”, qué podremos encontrar como oyentes ?

“Mecanismo de odio” es él disco, mé es muy difícil todavía, como no tomé tanta distancia a catalogarlo, creo que es el disco que suena más pesado de Plan Cuatro, por varias cosas técnicas, es el bajo más firme y técnico que tuvimos, con frecuencia y cuerpo, por la forma que están grabadas las guitarras y la forma de tocar con Nico que es un animal.
Pienso que por ahí, es el disco más riffero, es muy riffero, tiene muchos riffs, algún disco anterior tuvo cosas un poco más melódicas y este lo tiene, pero de otra forma y es más agresivo.
Fue un disco muy difícil de hacer en la parte emocional, pero a la vez había una urgente necesidad de hacerlo, por momentos fue duro, pero fue un placer también, por más que uno por ahí esté dolido o esté triste o no esté de la mejor forma, si uno realmente siente la música siente que tiene que hacerla en cualquier estado en el que esté, y bueno lo que salga depende de ese estado de ánimo, pero bueno el disco había que hacerlo y se hizo, y es lo que realmente me pone más contento, porque es un homenaje a Gonza (Espejo) , siempre fue pensado así.

¿Cómo fue el proceso de composición y grabación?

En cuanto a composición y grabación, bueno, esta vez las canciones salieron de ideas mías, tenía un montón de ideas grabadas en unos audios de riffs más que nada, melodías vocales, un montón de cosas. Fui desgrabando y ordenando eso y se los fui pasando a los chicos, algunas cosas por ahí las pasé con más precisión que otras, pero obviamente los chicos lo interpretaron y son músicos de alto calibre, así que lo que quedó, quedó genial y todos pusieron su talento, obviamente, las canciones no las pasé nota por nota todo exactamente, fueron ideas que se pasaron y fueron mutando también y cada uno puso lo suyo.
Esta vez fueron ideas mías que desgrabé, mostré y ahí pasaba la picadora, después también hay cosas que compuso Nico, algunas partes, depende de cada canción, pero las fuimos desarrollando juntos. Eso sí, se desarrollaron con todos interactuando, nos juntamos en la sala, las trabajamos, fue un muy lindo trabajo en ese sentido, tomé la batuta del tema, pero todos los chicos estuvieron alineados y trabajamos juntos, así que me poné muy contento.

¿Qué aporte pudieron dar las nuevas incorporaciones en el al sonido y el proceso creativo?

Bueno, como te decía, cada uno puso su personalidad y lo que aportaron también fue su talento, porque son tres músicos de la puta madre, tanto Junior, Nico, como Juani, no podríamos haber llegado a este resultado si ellos no tocasen como tocan, y no fuesen excelentes músicos, así que su aporte fue enorme, no solo desde lo musical, sino también desde lo anímico y lo personal, porque ellos sabían que era un desafío hacer este disco y ninguno se “amilanó”.
Junior fue asistente de Gonzalo 15 años, yo sé que él internamente también sentía una responsabilidad, pero se hizo de forma muy, no sé si la palabra es sana, pero hubo toda una muy buena intención y una muy buena energía al hacer esto, sí que aportaron desde lo humano y aportaron desde lo técnico y desde el talento que tienen, pero se pusieron la casaca realmente, es lo que más contento me pone.

Plan 4 sufrió lamentablemente algunos cambios bruscos en su historial, sobre todo con las lamentables pérdidas de Gonzalo y Leandro, ¿pensaron en abandonar el proyecto en alguna oportunidad?

En cuanto a Gonza y Lea, fueron circunstancias distintas. Lea lamentablemente falleció cuando ya no estaba en la banda. Él se fue por motus propio.
Lea era abogado y su parte laboral no le estaba permitiendo desarrollar todo lo que tenía que hacer con Plan 4 como él quería y como todos queríamos. Y la verdad es que él vino y nos planteó, fue muy sincero, que no iba a poder continuar. Tenía que tomar una decisión, porque sabía la exigencia que tenía Plan 4 así que Lea falleció después de que se fue. Obviamente fue muy triste.
Gonza fue estando en la banda, ¿viste? Fue todo un proceso que él estaba en la banda, estuvimos toda la carrera y éramos los que nos consultábamos todo, éramos nosotros dos, así que fue muy duro.

Cuando pasó lo de Gonza, Junior estaba preparado porque Gonza estaba con problemas de salud, Junior estaba preparado por cualquier cosa que pase, obviamente aceptado por Gonza, ¿no? Habíamos hecho ensayos con Gonza presente, a ver si estaba todo bien.

Después, lo que era difícil era el tema del guitarrista también. Cuando Pehuel me dice que se va, ahí realmente fue donde dudé de continuar, en realidad no es que dudé, pero dependía de encontrar un guitarrista de altura. Y bueno, apareció Nico, a quien ya conocía, pero no estábamos en contacto y ahí todo cambió, realmente es un guitarrista increíble. Pero ese fue el momento donde se dudó más, es cuando Pehuel me dijo “no sigo” y realmente venía de tratar de rearmar todo sin Gonza y bueno, fue como otro golpe. Hubo que respetar la decisión y se siguió adelante.

¿Quién está a cargo del arte de portada?

Los dibujos del arte de tapa están a cargo de Gastón Ruiz Girado, que es quien hizo la tapa de “En mil pedazos“, el dibujo de la tapa, los diseños los hacía Gonza y a veces algún diseñador también, pero generalmente todo lo que era diseño estaba a cargo de Gonza. Esta vez, bueno, los dibujos son de Gastón Ruiz Girado y el diseño de tapa, lo hizo Penumbra, y el diseño del booklet, del CD en general, lo hizo Guille Estévez, de Estévez Ideas. Quedó genial.
La idea era que sea bien “Plan” y creo que se logró.

La idea es que el disco tenga características sobresalientes de lo que es Plan 4, desde la imagen, desde el audio y había que tener en cuenta un montón de cosas para que eso sea así. Mi idea no era ser totalmente distinto, sino continuar con lo que estábamos haciendo y agregarle alguna novedad, que es lo que hicimos en cada disco.

El próximo domingo 8 de septiembre se estarán presentando en el teatro Flores, ¿tienen pensada alguna sorpresa? ¿Algún invitado ?

Para el show de Flores va a haber un invitado y sorpresas, vamos a tocar seis temas nuevos, dos que ya se conocen y cuatro nuevos, no sé si va a haber otra sorpresa, va a ser un show de Plan 4 de los extensos, poderoso, eso creo que no es sorpresa pero va a ser un show extenso y muy intenso.

Suelo culminar mis entrevistas preguntando lo siguiente: si pudieras armar un festival de metal, ¿Cuál sería tu cartel ideal? incluyendo a Plan 4, por supuesto.

Si pudiese armar un festival de metal, la grilla perfecta, no sé, es muy difícil. Bueno, ponemos bandas que estén activas, me gustaría que sea Metallica, Slayer, Judas, y pondría bandas extremas, Carcass, Napalm Death, Cannibal Corpse, y pondría, Slipknot, una banda que medie, una cosa así, ese podría ser un buen line-up y abre Plan 4

Con motivo del lanzamiento de su nuevo disco Distortion, que sale a la venta este viernes 6 de septiembre a través de Arising Empire, nos reunimos con Future Palace para que nos cuenten un poquito la actualidad de la banda y alguna que otra curiosidad.

1- Hola chicos, felicidades por el nuevo disco, creo que es fresco y muy bueno. Lo primero que me gustaría saber es como ha sido el proceso creativo y que os ha inspirado a la hora de crear este nuevo disco.

(Future Palace): Hola!, muchas gracias, para mi (Maria, vocalista de la banda) fue muy estresante ya que tuve una infección bucal, lo que me llevo a estar en casa con antibióticos y debido a esto retrasar las horas en el estudio, donde se supone que íbamos a grabar, así que tuve que montar todo en 1-2 semanas, incluido la grabación de los demos de las canciones.

2- Future Palace es una “banda nueva” para mucha gente, especialmente en España o al menos no mucha gente os conoce por aquí, así que quería saber como nace la banda y cuales son vuestras influencias principales que dan ese sonido tan particular que tenéis.

(Future Palace): Nos conocimos por un amigo en común y comenzamos a trabajar juntos rápidamente y al ver que todo cuajaba tan bien decidimos montar este proyecto juntos que hoy derivo en Future Palace, un momento perfecto si me preguntas y nuestras primeras influencias fueron bandas como Pvris, Emarosa o Rain City Drive (conocidos anteriormente como Slaves).

3- ¿Cómo fue la experiencia grabando el videoclip de “Decarabia”?

(Future Palace): Fue muy divertida pero a la vez agotadora, habíamos grabado “Dreamstate” el día anterior así que estábamos muy cansados y siempre batallando contra el tiempo y las cosas que teníamos que hacer. Fue muy divertido como se dio la situación en general y nos reímos mucho con nuestros “Outfits” de estilo disco y sobre todo con Bipo, el tipo que estaba detrás de las cámaras y que se convirtió en el “Demonio” que sale en el videoclip de forma espontánea.

4- Habéis tocado este verano en dos grandes festivales como Wacken Open Air y nuestro Resurrection Fest compartiendo cartel con bandas tan importantes como Avenged Sevenfold, Sum 41, Bring Me The Horizon o Machine Head, entre otros, ¿Cómo fueron aquellas experiencias?

(Johannes): Este verano fue una experiencia inolvidable y genial para nosotros, además que era la primera vez que íbamos a grandes festivales de diferentes países tocando con gente que admiramos y conociendo a otro montón de gente nueva ya sea fans o gente de los grupos.

5- Tras la salida del álbum el 6 de septiembre, ¿Cuáles son los planes para Future Palace? Haréis acústicos para promocionar el material, firmas de discos, un tour como cabezas de cartel…?

(Johannes): Cinco semanas después de la salida del álbum, nos embarcaremos en el tour como cabezas de cartel más grande que hemos hecho hasta la fecha, estamos justamente en la mitad de la fase de producción y logística y nos morimos de ganas de ver a la gente y tocar las canciones de “Distortion”.

6- Maria, tienes una voz muy personal, ¿Cuáles fueron las personas que te impulsaron a ser cantante profesional cuando eras pequeña?

(Maria): Cuando era pequeña me gustaban mucho cantantes como Christina Aguilera, Demi Lovato, Hayley Williams de Paramore, Kelly Clarkson, Avril Lavigne o Whitney Houston, entre muchas otras.

7- Tras haber tocado en el Resurrection Fest 2024, hay alguna posibilidad de poder veros como cabezas de cartel en 2025 tal vez?

(Johannes): Nos encantaría volver a tocar en España el próximo año ya que el público que nos vino a ver fue muy entusiasta y con la mente abierta, aquellos que no nos conocían mucho, así que estamos trabajando en ello.

Tuve el agrado de entrevistar a Denis Kormakov, alias “El Ruso”, guitarra y voz de la banda Domination, quien nos cuenta sobre el nuevo álbum, las peripecias de su nueva gira europea y cómo ve la escena del metal en Argentina. Sin mas preámbulos, disfruten !!

Han lanzado un excelente álbum, con un sonido hyper profesional, cómo fué el recibimiento de los fans y de la prensa ??

¡Muchísimas gracias! Hasta el momento está teniendo una muy buena repercusión, creemos que es lo que más o menos la gente esperaba de este álbum, la variedad de estilos con los que cuenta sin irnos por las ramas, con el agregado del toque progresivo que suma además a lo conceptual. Lo de irnos por las ramas igual lo haremos en algún momento ajaja (La idea es siempre experimentar a la hora de componer y ver que sale a la hora de la producción).

Escuchando tú voz, encuentro cierto parecido al caudal de Ripper Owens, ¿encontrás influencia en el ex vocalista de Judas Priest y Iced Earth ?

Seguro que algo habré sacado de ahí, de adolescente lo escuchaba mucho y hasta tuvimos el placer de contar con su colaboración en el tema que le da el nombre al segundo disco “Beneath The Silence” y también de telonearlo y conocerlo en persona el año pasado. Con el tema vocal fui absorbiendo estilos a lo largo de los años, influencia de muchos cantantes no solo dentro de lo que es el metal. Todavía sigo en la búsqueda tanto de estilos como mejorar técnicas y matices.

Para quien aún no ha escuchado el disco, ¿podrías contar cuál es la temática principal en la que giran las letras?

Para quienes no nos conocen y no han escuchado el disco, el nombre de la banda “Domination” es porque los álbumes tienen un concepto, contamos historias con algo de ficción y de realidad. La temática es sobre la dominación y la evolución humana. En este 4 LP se trata sobre La Santa Inquisición, una de las épocas más crueles de la historia de la humanidad, la persecución a las grandes mentes, los castigos y torturas a los “delitos” contra la fe.

El disco presenta un subibaja de emociones, pasamos temas extremos a “power baladas” de excelente calidad, todos participan en el proceso de composición o hay alguien designado a las letras?

Los 4 aportamos diferentes cosas para armar este LP. Hubo canciones compuestas directamente en la sala de ensayo, otras desde la casa de cada uno las que luego fuimos ensamblando y terminamos cerrando con la preproducción del disco. El subibaja de emociones tambien se debe al concepto, historia. Fue un lindo trabajo desde que arrancamos con la producción del EP adelanto de este disco “Holy Order” hasta el momento que salió a la luz finalmente el “Echoes Of Persecution“.

Han regresado hace poco de una nueva travesía por Europa, contanos cómo fue esta experiencia?

Lo de Europa la verdad que nos salió mejor de lo que esperábamos y se disfruta el doble al haber sido autogestionada. La respuesta de la gente nos asombró, ya que la vez anterior habíamos estado en el 2016 (8 años atrás) presentando el Beneath the Silence, y la mayoría de la gente que nos vio en ese momento volvió a los shows y se sumó mucha gente nueva.

Ya ésta tercer gira por Europa estuvimos como cabeza de cartel y tocamos en varios festivales, por suerte salió todo muy bien: logística, traslados, los shows, la gente. Estamos muy agradecidos a todos los amigos que nos dieron una gran mano. Estamos más que entusiasmados y enfocados en lo que se viene.

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¿Alguna anécdota para contar?

Uff. Un montón. En el único lugar que nos paró la gendarmería fue en Francia, teníamos la bandera argentina con el “DOMINATION” en el parabrisas delantero y apenas cruzamos el peaje de lo que sería la frontera España – Francia enseguida nos pararon. Se ve que siguen con bronca por lo del mundial ajaja. Anecdotas hubo mil, entre las comidas, los bailes de Jerom, las chinchulineadas, ronquidos, la baba, la mugre que estaba creando vida propia en la furgoneta, etc. Tenemos para hacer una película con todo eso.

¿Con qué bandas han compartido escenario y puedas recomendarnos?

Durante la gira compartimos escenario con las siguientes bandas y todas de un muy buen nivel:

Airare Nuf, Our Natural Killers, Empire of Disease, Juicio Final, Morphium, Stainless Madness, Dekadenza, Defaced Humanity, Dagger of brutus, Disreality, Tales of Gaia,  Medo, Raven Horse, Aiodos, Airos, Prophane, Bufalo Head.
Me sorprendió mucho la banda Alemana Dekadenza, tenían un estilo muy particular con un saxo y muy buenas líneas vocales.

¿Qué opinas sobre la escena actual del metal en Argentina?

Creo que está en una transición la escena. No hay nada establecido por suerte.
Hay muy buenos músicos y bandas que tocan a gran nivel. Hoy en día creo que lo que se valora más es ser auténtico. Si la gente que va a los shows ve que lo estas dando todo arriba del escenario y lo estás pasando bien, eso se transmite y se genera un gran clima entre los espectadores y los músicos. La gente se quiere divertir, armar torres burzum, pasar un buen rato cuando sale. Hay que entender eso y tratar que se vayan contentos de un show.

Si pudieras elegir un festival para tocar, ¿Cuál sería y cómo armarías el lineup?

Creo que no soy la persona más indicada para esta pregunta. Sinceramente te lo contesto con el lineup ajaja.
Igorrr, Babushka, Bezdna Analnogo Ugnetenia, Zeal & Ardor, Clown Core, Domination.

Esto es mas a gusto personal xd. Me encantaria que en un futuro estemos tocando en festivales como el Wacken, Download, Resurrection, etc.

Sin más, Ruso te agradezco la predisposición para esta entrevista y me gustaría que dejes un último mensaje para nuestros lectores. Nos vemos en el pogo !!!

Muchas gracias por el espacio y a los lectores me gustaría invitarlos a nuestra presentación oficial del disco el 31 de Agosto en Galpon – B (Cochabamba 2536, C1247 CABA) a partir de las 19.30hs.

Meses después de la salida de su nuevo álbum La Magia del Caos, Lörihen se preparan para ofrecer la presentación en vivo del álbum en el Teatro Flores de Buenos Aires el sábado 14 de septiembre, para todos los fans. Para poder hablar de este evento tan especial, nos contactamos con el guitarrista y compositor Emiliano Obregón para que nos cuente todo lo que hay detrás de esta fecha.

—Emi, ¿cómo anda todo? ¿Cómo van las cosas con toda esta fecha y con todos los problemas que surgen al organizar las fechas?

Bien. Es como vos bien dijiste, es un laburo importante, pero deseado, buscado, con lo cual no deja de ser “sarna con gusto”, como dice la frase, ¿no? Así que claro, de eso se trata: de poder seguir. Estamos contentos, es un año en el que estamos con mucha actividad.

—No sé si vos te acordás que yo te había entrevistado en creo que diciembre último, que fue para la salida y presentación del disco La Magia del Caos.

Sí, sí, me imagino. Lo tengo en los chats, en los historiales. Lo que pasa es que… Pablito y Gabi para lo que son campañas así de lanzamiento, para shows… Para que tengas una idea, hoy tengo siete notas, pero de dos semanas para acá, a una semana, hay 60 notas agendadas.

—Sí, sí, me imagino, me imagino. No, yo mencionaba eso porque ese fue para cuando salía el disco de La Magia del Caos. Ese era el lanzamiento del disco, ahora el 14 de septiembre tienen la fecha en el Teatro Flores y ese fue presentado como la presentación oficial.

Uno fue el lanzamiento…

—Por eso estaba pensando, porque dije: “¿No había presentado este disco ya?” Entonces dije: “Ah, no, ese fue el lanzamiento. Esta es la presentación oficial”.

Correcto. De alguna manera, el disco nosotros lo vamos a seguir girando por lo menos un año más, sí. Pero el disco tiene todo: todo el proceso creativo, la gestación, la salida… Es un evento porque es la primera vez que la gente pudo escuchar algunas canciones fue en el show del Vorterix, y después tiene la presentación oficial cuando el disco tiene, entendemos, siete u ocho meses en la calle. Igual, te digo, son hábitos que se van perdiendo, porque cada vez se largan menos discos y se largan más sencillos. Con lo cual, para las nuevas generaciones, esto de la presentación oficial del disco, cuando las bandas dejen de sacar discos y saquen solamente sencillos, entiendo que puede ser algo que tienda a desaparecer. Por ahí los shows van a tener un motivo particular o especial, pero como que no se conmemora el disco porque no hay disco. Hoy se volvió mucho a esa manera de lanzar material, ¿no?

—Sí, con todo lo que es streaming de Spotify, especialmente.

Es así.

—Igualmente creo que para las bandas de metal creo que sale más sacar el disco todo junto ya. Si me preguntás, muchas veces Spotify es más cómodo para escuchar discos que canciones específicas, a menos que estén en playlists.

Pero, ¿sabés qué? Hay una tendencia a que las cosas sean así, como muy de picotear. Por eso los artistas también se prestan a sacar singles, ¿viste? Porque la realidad es que es mucho menos el esfuerzo y la carga horaria que se dedica a un single que a un disco. Y el disco, si te lo ponés a analizar, al mes siguiente ya es un disco viejo, y encima cualquier disco que haga ya tiene veinte discos más encima.

La manera de largar singles también está buena porque te pone en el ojo del huracán con mucha menos carga horaria. Antes de la existencia de las plataformas digitales y de toda esta manera de consumir así con playlists y que aparezcan los curadores, no era viable. No se editaban singles: vos comprabas el disco o el CD en formato físico y tenías para escuchar y consumirlo de punta a punta.

Es un tema el cambio de época y el cambio de consumo en todos los aspectos de la vida.

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—Encima, Spotify son un rejunte de miserables respecto a la plata que sacan de las reproducciones. La cantidad de dinero que le dan a las bandas es una miseria.

Es muy poco, pero tiene una relación directa con, si así se quiere, la flexibilización o la precarización laboral, con la aparición de plataformas de todo tipo. Hace ya 10, 15 años, tenés Grabr, que es una plataforma que permite que si vos, casualmente u ocasionalmente, viajás a Toronto porque tenés a tu tía Jenny que vive en Toronto, vas a conectar con Damián, que es un fletero de La Matanza que necesita una pieza que está allá. Entonces vos aprovechás el viaje, se la traes a Damián a La Matanza, y en el medio John Walker, que es un canadiense que tuvo el ingenio de armar una app que hizo que vos te encuentres con Damián, te saca una tajada a vos y le cobra un fee a Damián.

La aparición de todas esas plataformas de conectar gente y los vacíos legales, porque es todo tan etéreo. Es algo que está ahí, pero no está claramente definido. La estructura de Internet y de la red está, pero no es completamente clara. Esto provoca que surjan estas cuestiones y que la gente, de alguna manera, es entendible: el tipo que quiere escuchar el último disco de Maiden y no quiere esperar a que salga en físico apreta un botón en el teléfono y lo empieza a escuchar.

—Claro, y además también estaba pensando en lo de la primera fecha del lanzamiento del disco, la presentación del disco. Pensé: “Bueno, pero Vorterix y el Teatro Flores…”, y después busqué el Teatro Flores y vi que tiene un poquito más de capacidad. Entonces dije: “Ah, bueno, ahí tiene más sentido”. Es la gente que va a escuchar estas canciones en vivo y el primero era la gente que quería escuchar las canciones.

Lo que no tiene que suceder es que se pierda, aunque cada vez sucede más porque la tecnología pone el show más cerca. Estamos a dos minutos de que te toquen el timbre y te bajen un balde de pochoclos para ver un show de los Stones en la puerta de tu casa, que venga Mick Jagger y te diga: “Te traigo la pizza, quédate acá, no vengas”. Lo que no puede suceder, y los músicos intentamos que no suceda, es que se pierda la diferencia entre el vivo y quedarse en casa viendo un recital por Flow. Que el Flow sea una cuestión de distancia, que no lo podés ver porque estás a 1000 km: al momento en que pongamos en duda si vamos a ir a un recital o no porque lo tenemos apretando un botón del control remoto, estamos al horno.

—¿Qué pueden ir adelantando sobre esta presentación en el Teatro Flores? ¿Tienen algo pensado que puedas adelantar?

Mirá, nosotros en lo que va a ser la presentación oficial de este nuevo disco vamos a repasar un poco la discografía de Lörihen, porque no podemos obviarlo. Vamos a hacer hincapié en el nuevo disco, La Magia del Caos, que es un disco que nos está trayendo muchas alegrías y que nos permitió volver a un montón de ciudades a las que no íbamos hace mucho tiempo. Así que lo vamos a tocar casi, te diría, en su totalidad, y después vamos a complementar con otras 12 o 15 canciones más de los discos anteriores.

—Va a ser largo, largo.

Va a ser largo, sí. Va a ser una veintena de canciones, yo calculo. Nosotros hemos tocado 25 para los 25 años, me acuerdo que fue un show de 2 horas y cuarto, un show de 25 canciones en el que terminamos extenuados, pero felices, ¿no?, por todo lo que implica y significa.

—Cuando te hice la primera entrevista, el disco todavía no había salido, y obviamente ahora ya está hace varios meses en la calle. ¿Cómo viene la recepción de La Magia del Caos? ¿Pudiste leer algunos comentarios?

Bien, la realidad es que viene bien. Lo notamos en las convocatorias, en cómo la gente canta las canciones, y en el tiempo que la gente tardó en asimilar e incorporar las canciones. Eso te da cuenta si el disco gustó o no, al mes o a los dos meses te das cuenta. Así que nada, es un disco que gustó mucho, que me parece que tiene mucha musicalidad y que un poco nos hace volver a los orígenes de la banda, que eso también siempre gusta, viste.

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—Con lo de los orígenes, habíamos mencionado eso de que está todo hecho con una sola guitarra, como en los primeros discos de la banda. Al principio era una sola guitarra, luego sumaron dos, y después volvieron a una sola. Es como una vuelta a la manera de manejarse en los orígenes.

Tenemos varios discos, el primer disco Utopía fue compuesto con una sola guitarra. El recurso armónico, si bien está en las voces, en arreglos y detalles, no está en la parte rítmica: ésta siempre fue pensada para una sola viola.En este nuevo disco se pueden encontrar esas cosas así, es un disco pesado y que tranquilamente puede remitir al primer disco de Lörihen.

—Se nota un cambio en el sonido y estilo de la banda desde los primeros discos hasta ahora. Los primeros discos que eran más power clásico, heavy power o como quieras llamarlo, y estos últimos discos que tienen influencia más hard rock o de heavy clásico. Y yo estaba buscando algunas entrevistas que te habían hecho, y en una mencionabas que en su momento sentías como una saturación en el mundo del power metal, sobre todo en el power metal argentino. Como que había muchas bandas power y que medio… no solamente había muchas, sino que eran muy parecidas entre ellas.

Sí, yo creo que hubo un tiempo, por aquellos años cuando se gesta todo esto, en el que claro, el género empezó a tener exponentes y referentes por todos lados. Que Lörihen, por ahí, tuviera un primer disco orientado al Power Metal no fue una cosa pensada, sino una decantación natural hacia dónde fue el material que compusimos. No fue pensado como puede ser hoy el último disco, que está más dirigido el rumbo o más enfocado. En ese momento, salió lo que tenía que salir porque éramos pibes, yo era un pibe de 19 o 20 años que estaba escribiendo sus primeros temas.

Pero creo que sí, en su momento éramos muchas bandas, se vivió una época hermosa por aquellos años, pero necesitábamos, yo por lo menos, darle un poco de aire a las canciones. Después de Paradigma, que fue el tercero de la banda en el año 2003, yo ya estaba por ahí canciones que hagan más peso o tengan más foco puesto en la melodía vocal, en la cuestión armónica de las melodías, y que toda la composición gire en torno a eso. Entonces por ahí el recuerdo armónico estaba más enfocado en las voces.

Los discos posteriores tienen otra ingeniería, uno los tiene que pensar de otra manera. No es garantía que cuanto más cosas uno meta en un disco, mejor va a sonar. Todo lo contrario, a veces se puede ser más contundente cuando se depura más o cuando tiene menos recursos o no tiene planos tan agresivos y la cosa es más sutil, el disco entiendo que es más contundente. Es un poco lo que buscamos con Bajo la Cruz y con los discos que vinieron después.

—¿Viste algún comentario de alguien…? No digo quejándose, ¿pero sí diciendo que no le gusta tanto la onda de los nuevos discos?

Sí, hay gente, que está perfecto. No tiene por qué gustarle a todo el mundo, lo que uno hace no deja de ser una expresión artística que está directamente relacionada con lo que uno está sintiendo y lo que está sucediendo en el seno de una banda. Es una foto de una momento que está atravesando una banda, con lo cual puede haber gente a la que no le rinda ni le sirva lo que estamos haciendo ni cómo estamos diciendo, como en otro momento sí pudo haber sintonía y armonía con esa persona y podemos haber conectado porque escuchó una letra que hablaba de algo que le había sucedido, la interpretó, le bajó una idea y esa idea lo hizo sentirse reflejado en lo que estábamos diciendo

—Encima podemos decir que si Lörihen se hubiera mantenido en esa onda de power no estaría en el lugar en el que está ahora.

Es que hay una cuestión, por ahí, de noción musical. En primer lugar, de decisión artística. Antes de cualquier cosa, hay una decisión artística de hacia dónde enfocar un proyecto, que tiene que ver con lo que está viviendo cada uno y con lo que tiene ganas de comunicar: si va al mensaje, si va a la parte lírica. Pero lo musical va directamente de la mano de lo que uno está viendo y de la música que está escuchando, lo que gira en torno a uno. Este último disco La Magia del Caos es un disco que compuse cuando tenían entre los 45 y los 47 años, es muy difícil que suceda lo mismo en la vida de una persona de 45, 47, 50 pirulos que en la vida de una persona de 18, 19 años: es imposible, inviable.

Con lo cual, digo, entra a jugar la idea de una puesta en escena. Yo compuse muchos años jingles y música para películas, para marcas, con una puesta en escena. Con un “necesito que esto sea así, necesito que me pases un audiologo de 15 segundos ¿Qué querés? Algo country, una música… Bueno, dale, te armo la música country con el mensaje, la letra va a decir esto, va a decir pum, te lo armo en red, te pongo…”.

Ahora, cuando un artista se sienta a expresar y a dejar en un disco reflejado lo que le sale de las entrañas, yo la verdad que dejo que la cosa fluya. Como decía anteriormente, por ahí con un andarivel de “hasta acá” y “hasta acá”, delimitando por ahí la propuesta y el recurso musical que uno va a usar, pero tenés que dejar que fluya la cosa. Porque de eso se trata, así se han generado y se han gestado los mejores discos, y es lo que uno busca, ¿no?

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—Cuando hablamos de los primeros discos de la banda: visto a la distancia, y con distancia son décadas ya a esta altura, ¿vos te ponés a ver los primeros discos de la banda? ¿Hay alguna cosa específica en alguno de los discos de Lörihen en el que digas: “Esto específico, de verdad lo podríamos haber hecho mejor”? Por ejemplo, agarro y tengo notas que hice hace 4 o 5 años, me las pongo a leer de vuelta y digo “¿Qué quise…? ¿Por qué escribí esto”.

¡Claro!

— ¿Te pasa eso? ¿Alguna vez te pusiste a escuchar esos discos y decir “Ah, esto podríamos haberlo hecho mucho mejor”?

Lo que pasa es que un disco no es una frase hecha, es como un hijo. Y es una foto fiel reflejo de lo que uno estaba atravesando, viviendo. Yo difícilmente le pueda poner un ojo crítico a un disco una vez que salió, años después. Lo vuelvo a escuchar, pero desde otro lugar, no desde el lado de “bueno, a ver si esto”. Una vez pensaba en sacar un disco que pudiera llegar a encontrar su versión 2.0 en años, le hago el upgrade, le cargo unas strings o le sumo un teclado, le sumo esto, le sumo lo otro. Pero la realidad es que uno suelta el disco, lo deja ir, y es lo mejor que pude haber hecho en ese entonces. O no, es lo que quiso hacer, con todos sus defectos pero vale por lo que refleja en ese momento.

Entonces, por ahí lo más importante es permitir que el disco vaya donde tenga que ir, que la canción vaya donde tenga que ir, que sea recibida por quien quiera tomar ese mensaje, tomar esa canción. Con los años, la visión más crítica que uno puede tener es el ojo técnico, Si se quiere, si esto lo hubiera hecho sonar de otra manera…

No me gusta cómo suena el redoblante de Paradigma, mirá vos, eso que me pasé, no sé, seis meses mezclándolo. Bueno, no me gusta dónde lo llevé. Tengo que pensar en ese momento el recurso técnico que había, la computadora que se usaba para mezclar, era de 2003, y el recurso humano de conocimiento que tenía no era el que tengo hoy. Mi criterio estaba clavado en aquel momento con un montón de información menos en la cabeza. A su vez, es experiencia, ensayo y error, y te permite también desandar o hacer más fáciles ciertas cosas.

—Es agarrar y decir “Sí, en entonces días lo habría hecho de otra manera, pero en ese momento era lo que se podía lograr con lo que tenía”.

Lo que pasa es que lo que te salió, más que lo que se podía, porque “lo que se podía” suena a que quedó corto, ¿viste? Suena a que no llegué. No, fue lo mejor…

Lo mismo me sucede con discos de otras bandas. No sé, escucho el Walls of Jericho de Helloween, Piece of Mind de Maiden, The Dark Side of the Moon de Pink Floyd, el Álbum Blanco de los Beatles, o All Along The Watchtower de Hendrix. Podríamos estar toda la noche toda la noche, y digo “¡Qué discazos, boludo!”. Claro, suenan bien y algunos no, pero para ese momento reflejaron lo que el artista quería decir con el mejor recurso que se pudo, el recurso técnico, pero no así el recurso artístico. Hay discos que son una cagada, no tengo duda, digo que son hechos a medida, sin criterio porque había que sacar un disco, había que componer algo, pero cualquier disco que tiene corazón y que está hecho de manera auténtica es súper valorable.

—Esas imperfecciones generaron esa conexión con el público.

Total.

—Ustedes justamente se toman su tiempo entre discos. Desde hace varios años, como que se toman su tiempo: tuvieron 5 años, 8 años entre discos. Eso es algo en lo que podemos estar de acuerdo, el tiempo que se toman. Esto no es de ponerte presión ni nada, pero ¿estás pensando en el siguiente disco? ¿Cómo trabajan en ese tema de la composición? ¿Sos de agarrar y guardar ideas?

No, ¿sabés que tengo un montón de ideas? Un montón de discos externos, algunos me los robaron, los perdí, pasó el año pasado. Yo siento que tiene que haber un disparador, algo que me diga de arrancar con el nuevo disco. De a poquito voy empezando, pero tiene que haber un disparador. Después, las ideas que quedaron en el camino para un disco no suelo agarrarlas, arranco con un “New Folder”, un proyecto vacío, una hoja vacía de ruta para ir hacia donde tengamos que ir, creo que eso enmarca todo lo que viene después. Por eso digo que el disco es una foto súper fiel de lo que está sucediendo en un periodo de tiempo previo a la salida del disco, al año anterior o los dos años anteriores.

Sí, nos tomamos el tiempo es por la demanda que tiene cada disco. Generalmente me gusta tener, no sé, 20 canciones para grabar y dejar 10 o 12, pero tener 20 canciones, con lo cual hay un laburo de preproducción y de horas en estudio y de composición que es monstruoso. Es mucho el tiempo que uno pasa en el proceso de composición, grabación, mezcla y master.

—Vos no trabajás con descartes del disco anterior. Cada disco arranca de cero.

No me va eso, porque son canciones y arreglos que no llegaron a salir. Entiendo que empezás a modificar, pero son cosas que no están sucediendo en ese momento, son ideas que venían de años anteriores que no sé si tienen mucho sentido con lo que uno hoy está sintiendo: la vibra, el estoque, lo que uno quería decir. Yo prefiero borrar y arrancar de cero.

—Allá por, creo que fue 2017, sacaste este disco, Alas, que es tu disco solista. Es un disco de rock, blues, no sé muy bien cómo definirlo. Es un disco de rock, pero está muy alejado de cualquier cosa que hayas hecho con Lörihen.

Sí, totalmente. Hace bastante que no lo escucho ese.

Ese disco es un interludio que se vio envasado en Alas. Diría que refleja lo que sucedió musicalmente conmigo entre 2010 y 2014-2015, que salió Aún Sigo Latiendo. La idea fue no detenerme, no dejar de componer, pero con Lörihen habíamos decidido hacer una pausa. La verdad es que estaba cansado de la producción, de laburar, de armar las giras y demás, así que decidí tomarme un tiempo, fue casi un año cuasi sabático que me puse a componer cuatro o cinco temas que después formaron parte de Alas. Lo que pasa es que después empecé con el proceso creativo de Aún Sigo Latiendo y salir a girarlo. Así que entre la composición y la salida de Alas pasaron cinco años.

—Sí, lo estoy escuchando. Es muy diferente, me recuerda a los temas más accesibles de Pappo en su última etapa, con las voces femeninas de fondo. Tiene ese toque de blues, pero no el blues pesado, sino algo más suave. ¿Alguna vez pensaste en seguir con esa carrera solista? ¿Sacar un sucesor de Alas?

No lo descarto. Tengo, de hecho, tengo algunas cosas. Empecé a componer para lo que se convirtió en La Magia del Caos, y algunas ideas que estaban apareciendo me re tiraban para ese lugar más blusero. Yo tengo una conexión bastante fuerte con todo lo que es el blues, porque de chico escucho muchísimos violeros de blues, de Vaughan a Hendrix, pasando por Albert Collins, Albert King, Buddy Guy, de más para acá Bonamassa, cosas de Mayer. Un montón de violeros que me gusta la impronta que le dan y las canciones melódicas, con toda esa cosa súper blusera.

Pero la realidad es que no lo quiero hacer sin tiempo, y desde Desconexión para acá me metí muy de lleno en lo que fue Lörihen.

—No sé si vos viste esto que había pasado, habían sido Andreas Kisser y Derrick Green de Sepultura. Creo que fue que estaban con la gira despedida de Sepultura y habían dicho que tenían pensado armar un proyecto de reggae después de la gira despedida de la banda, que a muchos les causó gracia, porque “¿qué carajo hacen los músicos de Sepultura pensando en tocar reggae?”. Pero la idea de armar un proyecto aparte para música que nada que ver, aparte de la carrera solista, ¿nunca pensaste eso o es demasiado trabajo?

No, no tengo el tiempo para hacerlo como me gustaría. Y entiendo que lo de Sepultura, por ejemplo, me parece súper razonable. Pensá en los años que arrancaron con ese proyecto y claramente pudo haber habido un… digo, no es que uno se mete en un género y por eso no va a hacer otra cosa. Pero incorporás otras cosas, y con los años está buenísimo que así suceda.

Estoy seguro de que Rob Halford, en la casa, escucha pop. No tengo dudas de que Steve Harris escuche discos de Abba, escucha cosas de Eric Clapton, escucha los Beatles. Uno también necesita descontracturar un poco, no ponerle etiquetas a lo que uno hace. Tiene que tener tiempo, obviamente.

—Para ir cerrando, ¿qué le querés decir a la gente que va a ir al Teatro Flores?

Que es importante para una banda como nosotros, que después de tantos años sigue apostando y que hace una apuesta tan fuerte como la de producir y autogestionar un Teatro Flores, sentirse acompañados. Creemos que hicimos uno de los mejores discos de Lörihen y que va a ser uno de los mejores shows. Así que me parece que es una súper oportunidad para asistir y no tengo dudas de que va a ser una fiesta.

Estamos ya solamente a un mes del inicio del tercer Candelabrum Metal Fest que se celebrará este sábado 7 y domingo 8 de septiembre en la Velaria de la Feria de León, en el corazón del Bajío mexicano y hace poco se dieron a conocer las bandas que participarán en la pre fiesta oficial al evento, misma que ya puede ser considerada como el primer día de actividades del festival, a realizarse el viernes 6 en Rockstar Burgers, ubicado en el mismo complejo universitario donde se llevará a cabo el festival.

Esta fiesta contará con la participación de bandas tanto locales, como internacionales, conformando el cartel Morta Skuld desde Wisconsin, Dark Meditation de Seattle, así como las bandas nacionales The Pit, Hagel, Sutura y Godbelow, jóvenes promesas del black nacional, cuyos miembros han desfilado por proyectos nacionales e internacionales como Satanic Rites III, Dodsfall, Dark Matter y Circle of Ashes y con quienes pudimos tener una excelente charla a propósito de la trayectoria de la banda y de este evento, que se realizará en su propia ciudad.

¿En qué año y cómo se formó el proyecto?

Se formó a principios del 2019 y la idea base era la de hacer una banda de covers de black metal para tocar solamente una vez. La alineación era Raúl en la guitarra líder, Timmy en la voz, Francisco en la batería, Fer en la guitarra Rítmica y Noe en el bajo, quien nos ayudó en esas presentaciones cuando éramos una banda de covers.

¿Cuáles fueron las bandas más importantes para influenciar su sonido?

Podríamos decir que las bandas principales serían Shining y Mgla, adicional a eso podríamos mencionar a Altar Of Plagues, Lantlos o a Advent Sorrow.

¿Cómo fue el proceso de grabación de su primer álbum?

Fue muy rápido y productivo. Aprovechamos la pandemia para a hacer ese disco, inmediatamente en cuanto habíamos acabado de grabar nuestro primer EP y era la primera vez que nos metíamos a grabar en Urvn Studios. El trato con Rubén fue excelente, es muy buen productor y nos ayudó en muchas cosas ahí dentro del estudio las cuales le agradecemos totalmente.

¿Cuáles han sido sus conciertos favoritos en la carrera de la banda?

Cada concierto es diferente y todos tienen su lado bueno, pero si tuviéramos que mencionar sólo algunos, sin duda nos quedaríamos con los eventos donde les abrimos a Marduk y a Rotting Christ en León y Toluca respectivamente, ya que fueron eventos sold out y el recibimiento y comentarios de los asistentes fueron muy gratificantes.
Y hablando de la gira nacional que hicimos en el 2023 para la presentación de nuestro LP “Noogena”, sin duda nos quedaríamos con las presentación de Monterrey ya que fue una de las fechas donde más apoyo recibimos del público, ya que prácticamente nos compraron toda la merch (playeras y discos) que llevamos. Y por último y no menos importante la presentación aquí en León de dicha gira, ya que afortunadamente el apoyo de nuestros paisanos no nos deja abajo y fue de igual manera un evento sold out.

¿Cómo surge el contacto con la organización del Candelabrum Metal Fest?

Estuvimos escribiendo a la organización desde el año pasado, mostrándoles nuestra propuesta y nuestro interés por participar, ellos nos agradecieron y nos comentaron que estarían en contacto más adelante. Hace un par de meses uno de los organizadores nos contactó directamente y nos ofreció la oportunidad de participar en la pre fiesta.

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¿Qué pueden opinar de las otras bandas con las que estarán compartiendo escenario?

Candelabrum se ha destacado por incluir bandas de la escena underground y en ocasiones anteriores prácticamente todas han recibido muy buenos comentarios. Así que estamos seguros de que será una muy buena noche

¿Cuáles son sus expectativas para este concierto?

Estamos muy emocionados por ser parte de un evento tan importante y bien organizado como lo es esta pre fiesta, ya que sabemos que la mayoría de los asistentes al festival por ser foráneos llegan a la ciudad días antes del festival y pues muchos acuden para empezar a calentar motores. Es por ello que tenemos una gran oportunidad de llegar a nuevos escuchas tanto nacionales como internacionales, de igual manera sabemos que muchos de los integrantes de las bandas que tocarán en el festival también acuden y sabemos que dando todo de nosotros como lo hacemos cada show que tenemos, podemos abrirnos las puertas para shows más grandes ya sea nacionales o internacionales.

¿Qué viene en el futuro de Godbelow?

Definitivamente nuestra prioridad en este momento es terminar de componer nuestro segundo álbum de larga duración. Ya tenemos prácticamente 3 canciones nuevas pero seguimos componiendo. Posteriormente planeamos hacer otra gira nacional para presentar el nuevo material en vivo y ver la posibilidad de organizar un tour en Latinoamérica.

¿Algo más que quieran decir a nuestros lectores?

Darles un agradecimiento a todos ustedes que nos han escuchado y nos han apoyado y creer en su escena, al Candelabrum por la invitación de tocar en su pre fiesta y a ustedes por habernos hecho está entrevista, se los agradecemos y pronto tendremos más música nueva.

Al black metal se lo suele relacionar con los riffs fríos, los gritos, la blasfemia, el corpsepaint y demás características. Pero es un estilo muy amplio y con lugar para muchas expresiones diferentes, como podemos ver con el proyecto neerlandés  Alburnum. Formado en 2017 por el multi instrumentista D.B. y recientemente aumentado con la incorporación del baterista Robbert van Rumund (R.v.R.), este grupo combina los sonidos del black metal con la melancolía de los instrumentos folk, dando lugar a una mezcla muy personal. En contacto con D.B., el músico le contó a Track To Hell la historia de la banda, los detalles de su LP The Withered Roots of Reality y los temas que tocan en este álbum debut.

¿Cómo surgió Alburnum?

Ya llevaba varios años tocando thrash y heavy metal antes de descubrir el black meta,l y decidí probar algunas ideas. Vivo en una zona muy conservadora de los Países Bajos y siempre tuve dificultades para encontrar compañeros de banda o lugares para ensayar, por lo que comenzar un proyecto en solitario me dio mucha libertad para hacer lo que quería. El COVID me dio el tiempo que necesitaba para terminar algunas canciones, y desde entonces no he dejado de encontrar más inspiración.

R.v.R. ha sido un buen amigo durante años, así que pedirle que fuera el baterista de sesión fue algo lógico. También es un gran cantante, y sus coros añadieron aún más profundidad a nuestro sonido. Sus contribuciones son definitivamente la guinda del pastel de todo el material. ¡Echen un vistazo a sus otros proyectos bajo el nombre de Chronos Defied!

¿Qué influencias musicales y temáticas han influido en la creación de “The Withered Roots Of Reality”?

Nuestro EP debut Buitenlucht (Aire Exterior) comenzó con un estilo más depresivo/minimalista de black metal. Los instrumentos folk se añadieron bastante a último momento, pero eso fue lo que realmente llamó la atención de mucha gente. Así que decidí apostar por completo la próxima vez y escribir un álbum completamente “folk” desde el principio. Por supuesto, bandas como Windir, Agalloch y Drudkh siempre han sido una gran influencia.

¿Cómo fue el proceso de composición y grabación de este primer álbum?

Comencé a componerlo inmediatamente después de terminar las grabaciones del primer EP en 2021. Eso tomó aproximadamente dos años, y luego otro año para la preparación, las grabaciones reales y la producción. Para mí, eso se sintió como mucho tiempo, pero supongo que dos años entre lanzamientos no está nada mal.

Soy muy detallista con mis arreglos, así que trato de tener la canción casi completamente terminada en forma de demo antes de siquiera considerar el tiempo de estudio. Aunque he aprendido a soltar un poco ese control; las cosas siempre cambian en el último momento, tal vez un relleno de batería diferente funcione mejor, tal vez agregue una capa extra de guitarra o quite algo que no funciona. Así que quiero dejar las cosas un poco más abiertas a la creatividad la próxima vez, tal vez eso acelere aún más el proceso.

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¿Hubo algún desafío particular que te enfrentaste?

Escribir y grabar el primer EP me enseñó mucho, por lo que la segunda vez fue mucho más fácil y menos estresante. Por supuesto, aún fue mucho trabajo, pero me gusta desafiarme a mí mismo. Grabamos las baterías y las guitarras eléctricas en el estudio de Wessel (Laster), luego me tomé una semana libre para grabar todas las partes de voces, guitarras acústicas, acordeón y mandolina en casa. Fue agotador, pero estoy muy contento con el resultado y lo volvería a hacer con gusto.

¿Podrías describir cómo combinas los elementos del black metal atmosférico y el folk en su música?

Supongo que surge de manera natural para mí. El primer EP ni siquiera tenía la intención de ser un disco “folk” hasta que la gente me convenció de que lo era. Así que cambié de rumbo para este álbum y realmente incorporé esas influencias. Me inspiro en bandas similares del género, pero también en mucha música folk irlandesa y escocesa, bluegrass y country estadounidense, algo de música clásica y bandas sonoras de películas. Los clásicos como Maiden y Priest siempre los tengo en mente.

En comparación con bandas similares, trato de evitar el uso de teclados y sintetizadores para hacer que las cosas suenen más épicas. En su lugar, es un buen desafío usar instrumentos reales y ver dónde encajan en la estructura de una canción. Por supuesto, me encantan bandas como Windir que usan muchos teclados, pero para mis propias canciones suena demasiado cursi y atrapado en los años 90. Prefiero un sonido más orgánico y natural.

¿Qué temas se abordan en “The Withered Roots Of Reality”? ¿Cómo se relacionan con el título del álbum?

El álbum trata principalmente sobre mis luchas personales con la salud mental, contadas a través de metáforas de folclore y misticismo. Trata sobre intentar conformarse con la sociedad moderna, anhelar tiempos más simples, sentirse perdido y desconectado de lo que te hace humano. La depresión es un tema importante, aunque no es un disco de DSBM (Depressive Suicidal Black Metal) en absoluto. Más bien es lo opuesto: superar estas luchas con gran esfuerzo, no regodearse en ellas.

¿Hay alguna canción en este álbum que tenga un significado especial para ti? ¿Por qué?

Para la introducción de la última canción del álbum, “A Veil of Darkness Upon My Ancestral Home”, usé una grabación original en cassette de mi servicio de bautismo de 1997. Ese es el órgano de la iglesia que se escucha mientras yo estaba en esa sala como un bebé. Así que eso tiene un significado realmente personal para mí, mucho más que una introducción ambiental genérica. Las letras también detallan las luchas con la salud mental que he tenido toda mi vida, así que todo encaja.

¿Cómo fue la experiencia de grabar y producir el álbum de manera independiente? ¿Cuáles fueron las ventajas y desventajas?

Anteriormente tuvimos una gran cooperación con Babylon Doom Cult Records, que desafortunadamente está cerrando. En ese momento el álbum estaba casi terminado y yo estaba bastante impaciente, así que decidí lanzarlo por mi cuenta en lugar de buscar otro sello. En realidad, me gustó mucho la libertad, y estoy contento de que el álbum esté ahí afuera ahora en lugar de retrasarlo hasta que alguien más diga que sí. Por supuesto, un sello podría habernos dado más exposición, así que tal vez busquemos uno nuevamente para el próximo disco. Pero lo estamos haciendo bastante bien como banda independiente en este momento.

¿Cómo ha sido la recepción del público y la crítica hacia su primer álbum hasta ahora?

¡Muy buena! Hasta ahora, solo he visto reseñas positivas, incluso a nivel internacional. No estamos reinventando el género ni nada por el estilo, pero ese tampoco era el objetivo. Solo queríamos hacer un disco realmente sólido en este estilo, y lo logramos.

¿Cuáles son sus planes a futuro?

Tenemos suficiente material de demostración para al menos dos nuevos lanzamientos. Probablemente un EP corto y un álbum completo más largo, pero eso aún podría cambiar. Será más lento, más pesado y más oscuro que nuestro último álbum, pero definitivamente manteniendo las melodías y los instrumentos folclóricos. ¡Esperamos que esté listo dentro de unos dos años!

¿Tienen presentaciones en vivo para promocionar “The Withered Roots Of Reality”?

Todavía no. Me encanta tocar en vivo y lo he hecho con otros proyectos, pero lleva mucho tiempo y energía organizarlo mientras también trabajo a tiempo completo. Así que prefiero dedicar ese tiempo a escribir nuevo material de estudio en su lugar. A veces recibo ofertas, ¡así que quién sabe dentro de unos años!

¿Qué les gustaría decirles a nuestros lectores y a sus seguidores?

Gracias por el apoyo e interés. Cualquier venta a través de nuestro Bandcamp va directamente hacia hacer posible nueva música. ¡Esperen más de nosotros en los próximos años!

Con más de 15 años de experiencia, Frater es una de las bandas con mayor crecimiento en la escena del metal argentino, un ambiente donde muchas veces parece que las bandas “nuevas” la tienen el doble o el triple de difícil. Con su tercer álbum Sangre y Viento ya disponible, pudimos comunicarnos con su bajista Andrés Zadunaisky para que nos cuente todo sobre la historia de la banda y el enorme recital que van a estar dando el sábado 10 de agosto en El Teatrito de Buenos Aires.

Para darlos a conocer a nuestros lectores de todo el mundo, ¿cómo y cuándo se formó la banda?

Frater se forma en el 2008 en la ciudad de Buenos Aires, inicialmente entre Andrés Bori, guitarrista y cantante y Federico Mele, baterista, quienes deciden, luego de tener una banda de metal progresivo llamada Eco, donde las cosas no salen según lo esperado, iniciar otra banda muy diferente, con otros objetivos tanto musicales como proyectuales, donde el foco esté puesto en la mixtura de estilos y una impronta musical muy marcada en el metal extremo y el death metal pero con un fuerte agregado melódico.

En esos años la banda graba su primer EP con la primera formación y un par de años después entramos Joaquín Gómez, actual guitarrista y yo a la banda para la grabación de nuestro primer álbum “Into the Light” en el año 2012.

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¿Cómo ha evolucionado el sonido de la banda desde sus inicios hasta el presente?

El sonido de la banda a lo largo de los lanzamientos se ha ido profundizando en esa idea inicial de mezclar estilos dentro y fuera del metal, agregar variaciones rítmicas más construidas desde lo progresivo y utilizar matices de voces muy distintos pero complementarios, haciendo de esto

nuestra identidad a la hora de componer y arreglar nuestros temas. En los tres discos que hemos lanzado está muy presente todo esto pero siempre tratando de elevar nuestra propia vara, tanto compositiva como en la ejecución a la hora de tocar y grabar. 

¿Cuáles han sido algunos de los desafíos más significativos que han enfrentado como banda?

Creo que en primera medida crear una identidad propia, amalgamando las distintas influencias y estilos que nos gustan para lograr que Frater suene a lo que suena en los discos y tratar que sea reconocible. Luego está el tema proyectual y las formaciones, nosotros hemos cambiado de integrantes algunas veces y eso siempre fue difícil por momentos, pero actualmente estamos muy sólidos en ese apartado.

Por último y no menos importante, superar el bache que hubo entre este último lanzamiento y el anterior, “Pulso en Eclipse” donde pasaron 7 años, la pandemia y muchas cosas en el medio que hicieron que esa parte de nuestra historia sea compleja, pero eso también devino en la inspiración para mucho del material que hay en nuestro último disco, así que todo es parte de lo que utilizamos para crear la música al fin y al cabo.

¿Cómo describirían el estilo musical de Frater?

Le escapamos mucho a las etiquetas y si bien el que lo escucha puede detectar lo que haya dando vueltas, preferimos decir que mezclamos lo que nos gusta y nos suena bien. Puede ser metal o no, puede ser progresivo o más directo, puede ser algo en la vena extrema o simplemente algo reminiscente al rock y puede entrar perfectamente en un tema.

Lo que sí hay en común es que hay una búsqueda de hacer música que suene a nosotros y que a la hora de salir a defender lo que grabamos podamos subirnos a un escenario y no solo pasarla bien sino llevar esa misma idea del disco a un vivo y que se traduzca lo más fiel posible.  

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¿Cómo equilibran las diferentes influencias musicales para mantener una identidad única?

Tenemos una filosofía muy ligada a la canción, donde un buen riff o una buena melodía siempre van a pesar más en la balanza. Eso allana el camino a la hora de seleccionar material y trabajarlo. Nos enfocamos en generar climas pero a la misma vez nos gusta que los temas tengan ganchos melódicos y pequeñas secciones rítmicas que atraigan al oyente y lo sumerjan en un lugar específico. Diría que cada canción cuenta una historia y esa historia se puede entender como que está pasando en un lugar donde uno puede sentirse dentro. Los distintos elementos que podemos usar para lograr eso, son muy vastos y tratamos de elegir lo que mejor represente la idea que se busca en cada pieza.

De todas maneras, al fin del día es el trabajo del que escucha hacer esa relación y encontrarle su propio significado tanto lírico como musical.

¿Hay algún álbum o canción en particular que sientan que marcó un punto de inflexión en su estilo?

Sería muy difícil, casi imposible responder eso porque hay tanta música dando vueltas cuando componemos y tocamos que ninguna respuesta sería la justa. 

Prefiero repetir lo que decía anteriormente, el objetivo es mezclar estilos o simplemente lo que nos gusta e intentar hacer algo que suene a nosotros y que sintamos que nos representa.

Mejor que el oyente saque sus conclusiones. 

¿Qué pueden contarnos sobre el nuevo álbum que están promocionando? ¿Cómo se diferencia de sus trabajos anteriores?

Este disco es más visceral que los anteriores, también por su temática pero aparte por el contexto en el que fue compuesto y posteriormente grabado.

Musicalmente está mucho en la línea del anterior, donde está muy presente el elemento melódico pero es más complejo en los arreglos y más crudo en el sonido.  

¿Cuál fue el proceso de composición y producción del álbum? ¿Hubo alguna novedad en esta etapa?

Bueno, hubo varias. En primer lugar la producción fue hecha por nosotros y la mezcla y el master por Fede Mele, nuestro batero, ya que él se dedica a esto y conoce del tema, con aporte de todos al proceso pero fue mano de él lograr lo que se logró. En discos anteriores la producción también estuvo a nuestro cargo pero mezcla y el master no, por ende el resultado estaba muy ligado a la visión de otra persona, en este disco eso no sucedió. Este disco es 100% nuestra visión y buscamos perfeccionar tanto la parte musical como la parte de producción y grabación.

Por otro lado, la inclusión de Juan Orcajada, nuestro actual cantante, le dio a la banda más matices de voces, más posibilidad de hacer arreglos y variaciones que abren un horizonte nuevo muy interesante. El aporte de Juan hace que todo suene más grande, más nutrido y pesado también y el contraste que se da con la voz de Andrés Bori termina dando una mixtura muy particular y nos parece que es de las cosas más significativas del disco y de esta nueva etapa en general.

¿Qué temas o conceptos principales exploran en este nuevo trabajo?

Hay muchos tópicos diversos en los temas que se conectan unos con otros, tengan que ver o no. No es un álbum conceptual pero muchos temas comparten ideas y temáticas en común.

El disco, al igual que los anteriores, hace foco en la dualidad de la vida y la muerte como tema central, pero desde allí se ramifica a otros lugares, desde cosas más cotidianas y directas a completamente subjetivas y sutiles.

Hay canciones con críticas hacia el manejo de la información y la llamada post verdad, el rol de los medios y las redes sociales, algunos con tintes más políticos pero también hay otros mucho más introspectivos y con una temática más personal, pero que en algún punto se unen con las ideas anteriores y viceversa. 

¿Cómo eligieron el título del álbum y qué significado tiene para ustedes?

Bueno, en representación de esa dualidad de la vida y la muerte que está presente también en discos anteriores. De todas maneras es una reducción bastante grande ponerlo así pero de ahí nace la idea del nombre.

No fue el único título que se barajó pero finalmente era el más representativo del material en su conjunto y nos parecía que era un buen guiño a otras ideas que había en los otros discos también.

¿Hay alguna canción del álbum que tenga una historia especial detrás de ella?

Hay un tema que se llama “Días” que dice básicamente que el precio de no tener memoria es repetir infinitamente los errores que uno comete. Esa canción es, seguramente, la más antigua de todo el disco, tiene muchos años ya que se compuso y se escribió la letra, apuntada principalmente a la visión de cosas que pasaban en nuestro país en esos años, pero haberla grabado hace algunos meses y ver la vigencia que tiene todavía le da más sentido y su significado sigue teniendo peso en el presente.

¿Qué pueden adelantarnos sobre el show del próximo 10 de agosto ¿Cómo están preparándose para él?

Estamos preparando un show que va a ser histórico, a la altura de la apuesta que estamos haciendo. Hasta el momento sería el show más grande que hicimos así que queremos que salga todo impecable y la gente se sienta dentro del disco y siendo parte de los temas y su historia. Nos gustan los shows inmersivos, con buenas luces, efectos visuales y un gran sonido así que estamos afilando todo al detalle para que sea algo inolvidable. También el setlist será acorde, con una lista extensa y explosiva. 

¿Van a tener invitados especiales?

Por el momento entiendo que no, pero puede haber sorpresas cerca de la fecha así que a estar atentos.

Imaginemos un gran festival donde tienen la posibilidad de armar el lineup siendo cabeza de cartel, con qué bandas les gustaría compartir dicho evento?

Como tenemos en puerta justamente un show histórico para nosotros vamos a decir que Fisión Nuclear y No Guerra, que son las bandas que nos acompañan en nuestra fecha de este sábado son las elegidas para una cita de este calibre.

Desde ya, muchas gracias por su tiempo, ¿últimas palabras finales para los fans?

Gracias a todo Track To Hell por la nota y aprovechar para saludar a todos los que los leen e invitarlos al Teatrito el 10 de Agosto para la presentación oficial de “Sangre y Viento”!

El mundo del metal y de las bandas sonoras son más cercanos de los que parecen: artistas como Karl Sanders (Nile) han hablado sobre cómo la música de películas épicas ha influenciado su música, y juegos como DOOM y Doom Eternal en los últimos años han llevado el sonido del metal extremo a mucha gente que seguramente nunca habría escuchado. En un panorama más humilde pero igualmente creativo tenemos a Sofía Frasz, la multi instrumentista estadounidense detrás de Exiled Hope, un proyecto que la tiene como única integrante y donde la música busca contar una historia de tintes tan épicos como trágicos a lo largo de sus canciones. Con su nuevo álbum Apocrypha a punto de salir, pudimos hablar con Sofía acerca de la historia de este proyecto, su manera de manejarse, la historia detrás de los álbumes y sobre por qué algunas cosas es mejor dejarlas en el estudio en vez de llevarlas arriba de un escenario.

—¿Cómo vienen las cosas con la promoción del nuevo álbum?

Ha sido agotador, pero fantástico. Nunca me había sentido tan apoyada como ahora, y tengo muchas habilidades nuevas a mi disposición. He estado haciendo muchas nuevas conexiones, incluso en medio del caos de la escuela de derecho y tratando de terminar con eso mientras trabajo en un par de empleos diferentes. Pero sí, es realmente emocionante y me da algo a lo que esperar y algo por lo que trabajar. Así que, sí, supongo que estoy en un lugar mucho mejor que hace un par de años con este proyecto.

—Sí, justo vi que tu cuenta de Instagram es “Legally_Metal”…

¡Sí! Es un chiste con Legally Blonde (Nota del traductor: La película que en España se conoce como Una Rubia Muy Legal y en Hispanoamérica como Legalmente Rubia).

—Si no estoy equivocado, esta es la primera entrevista que das a un medio en español. Así que comencemos desde el principio, así nuestros lectores pueden conocerte. ¿Cómo comenzó Exiled Hope?

Exiled Hope comenzó en 2019, cuando estaba terminando mi primer año de universidad. Había estado en una banda de indie rock alternativo durante mi primer año de universidad, pero no era el escape creativo que realmente estaba buscando. Ya sabes, cuando estás en una banda tienes que hacer compromisos, y no hay nada de malo en eso si es lo que quieres hacer pero simplemente no era el entorno adecuado para la música que quería crear y las historias que quería contar. Estaba realmente impaciente por comenzar con mi propio proyecto, pero no tenía las habilidades necesarias para tocar todos los instrumentos yo misma ni para hacer todas las partes vocales por mi cuenta. Además, no tenía a nadie en mi equipo para la mezcla y la masterización. De hecho, en esos primeros días no sabía que eso era algo que tenías que hacer para que tu música fuera escuchable.

Sí, comencé completamente desde cero, haciendo todo yo misma. Me enseñé a tocar el piano para hacer todas las partes de sintetizador y teclado en mi música, con este pequeño teclado MIDI que había comprado en una tienda de música. He estado tocando la guitarra desde que tenía 12 años, así que esa fue probablemente la parte más fácil del proyecto para mí. La parte más difícil fue juntar todas las piezas, porque cuando solo tocas tu propio instrumento, o solo tocas un instrumento y no está realmente en el contexto de las canciones o tocando con otras partes de la música, no estás activamente juntando esas piezas tú misma. Terminas teniendo que reaprender a tocar tu instrumento para que tenga sentido en el contexto más amplio de la música que estás tratando de crear.

Me había considerado una buena guitarrista, pero a partir de entonces tuve que repensar la manera en la que me acercaba a mi instrumento principal, ahora en el contexto de crear todas estas nuevas canciones desde cero, con todas mis propias partes instrumentales. Luego, en algún momento de 2021, sentí que había llegado a un estancamiento con respecto a mis habilidades vocales, así que tomé clases de canto pop contemporáneo. Eso hizo que mi nivel de habilidad en términos de canto y composición se disparara, porque entonces aprendí a escribir canciones para mi rango vocal, para mi conjunto de habilidades, y a hacer que todas las partes se complementaran de una manera que estaba a punto de descubrir antes, pero que aún no había logrado. Así es como comenzó Exiled Hope: comenzó porque me sentía inquieta y no podía expresar completamente lo que quería dentro del contexto de la banda en la que estaba. Luego me pregunté: ¿por qué no lo intento y veo a dónde me lleva? Y ahora estamos aquí.

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—Es realmente agradable escuchar que has tenido que aprender a tocar un instrumento, porque estoy muy acostumbrado a esos proyectos de metal en los que un músico toca todos los instrumentos. Los escucho hablar sobre tener que grabar la guitarra, el bajo, los teclados y la batería, y me pregunto cómo hicieron para aprender a tocar todos estos instrumentos al mismo tiempo. Es genial escuchar a alguien decir: “Sí, tuve que aprender a tocar teclados y otros instrumentos”.

Quiero preguntarte sobre el nombre “Exiled Hope”. Es algo intrigante, ¿cómo surgió?

Siempre tuve la intención de que el proyecto fuera conceptual. Así que, “Hope” es un personaje en la historia general de los álbumes que escribo. El nombre “Exiled Hope” surgió cuando estaba desarrollando la historia de una mujer que se convierte en una especie de heroína popular en su ciudad. Ella se convierte en una figura legendaria en el contexto de ser rechazada por su sociedad porque ve toda la corrupción que está ocurriendo entre los políticos de la ciudad y el liderazgo. Ella intenta alertar sobre eso y es exiliada de su ciudad. El nombre “Exiled Hope” proviene tanto del nombre del personaje como de lo que ella representa: personas que no entienden completamente o no se atreven a esperar algo mejor en la posición en la que se encuentran actualmente. Así que, el nombre representa su arquetipo como esta heroína fuera de la ley en el contexto más amplio de la historia. Es el personaje, pero también el sentimiento de esperanza que está asociado con él.

—He visto muchos adjetivos diferentes al describir tu música, como metal sinfónico, power metal, black metal, gótico, etc. En tus propias palabras, ¿cómo describirías la música de Exiled Hope?

Recientemente, llegué a la descripción de “blackened power metal”, que creo que describe de manera más precisa la combinación de lo que hago. Es decir, juego con una variedad de géneros, porque una vez que tengo una idea, o escucho canciones mientras escucho música de manera casual y pienso “esto suena genial”, escucho potencial para algo más que quiero explorar y llevar a mi propia música.

Hay muchas cosas pasando y no es estrictamente black metal ni power metal, y a veces no es ninguno de esos estilos. Pero creo que esa etiqueta de género abarca la concepción más amplia de lo que es el género, porque el power metal puede ser muchas cosas. Por ejemplo, bandas como Sabaton y Kamelot, y tal vez incluso Nightwish podrían considerarse power metal en algún momento. El punto es que es un género muy amplio y no siempre habla tanto del estilo de la música como del carácter distintivo del proyecto y su esencia.

En el sentido de que es una historia conceptual épica contada a lo largo de varios álbumes, y eso es lo que el power metal representa: llevar esas historias a la vida y crear algo enorme para que los oyentes sigan y se relacionen de maneras especiales. Así que sí, diría que la mayoría de mi música encaja bastante bien en ese espectro de metal extremo a power metal.

—Tus dos primeros álbumes salieron en 2020 y 2021, pero luego tomaste tres años para lanzar este nuevo álbum, Apocrypha. Escribí esa pregunta y luego pensé: “Bueno, 2020 y 2021 fueron años de pandemia”. Así que, ¿qué pasó en medio de esos tres años?

En el medio empecé la facultad de derecho, lo cual fue un gran desafío y consumió mucho de mi tiempo: en agosto voy a comenzar mi último año y después terminaré de una vez por todas. Eso me permitió dar un paso atrás y reflexionar sobre mi música y mi carrera. Sentí que había llegado a un estancamiento después de lanzar mi segundo álbum, así que decidí que necesitaba tiempo para entender qué me faltaba.

En ese período, me enfoqué en mejorar mis habilidades. Tomé lecciones de canto, lo cual elevó considerablemente mi capacidad vocal y mi habilidad para componer. También conocí a un ingeniero de audio a través de Instagram, con quien empecé a colaborar. Desde 2021, él ha mezclado y masterizado toda mi música.

Además, trabajé en versiones de canciones de otros artistas y las subí a mi canal de YouTube. Aunque no son el enfoque principal de mi proyecto, es una manera de demostrar que sigo aprendiendo y evolucionando. Aprendí mucho al estudiar a otros compositores y artistas que admiro, y traté de incorporar esos aprendizajes en mi propia música.

En resumen, esos tres años fueron un período de crecimiento y autoexploración. Me ayudaron a mejorar mis habilidades y a clarificar mi visión artística, y ahora estoy emocionada de finalmente compartir todo lo que he aprendido y desarrollado con Apocrypha.

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—Así que, este tercer álbum, Apocrypha, ¿qué puedes contarnos sobre él?

Puedo decirte que es un álbum conceptual, como todos mis álbumes. Se desarrolla en el mismo universo que los dos primeros, pero es una especie de desvío hacia la mente de otro conjunto de personajes en el mismo mundo.

Se trata de secretos, de averiguar lo que ocurrió antes que tú, y de lidiar con la tensión entre lo que piensas que puedes hacer con un tremendo poder, y lo que realmente eres capaz de hacer con él y lo que los demás esperan que hagas con ese poder.

La historia se centra en uno de los personajes que es descendiente del personaje que exilió a Hope y eventualmente la mató en el primer álbum. Este personaje está luchando con su lugar en la secuencia de eventos y con lo que puede hacer para abordar su pasado y contribuir de manera más positiva al legado de Hope, intentando ser mejor de lo que siente que estaba destinado a ser, basándose en la trayectoria y el camino que le ha sido impuesto por la sociedad y por las personas a su alrededor.

Entonces, esencialmente se trata de él luchando contra todas estas fuerzas y tratando de superar todos los obstáculos para averiguar quién es en medio de todo esto.

—Es interesante, porque estaba pensando en todas esas bandas que tienen una historia a través de todos sus álbumes como Coheed & Cambria y Rhapsody of Fire. ¿Cómo conceptualizas toda la historia que quieres contar?

En cada álbum, es como un arco narrativo. Generalmente, empiezo con el tema general. El primer álbum establece el tono para todo el universo con la historia de fondo de Hope y cómo ella se convierte en una figura mártir en este universo. Luego, el segundo álbum, Angel of Greytown, explora cómo el legado de Hope ha impactado a la gente de esa ciudad, cientos de años después de su muerte y tras la toma de poder por fuerzas malignas.

Apocrypha trata sobre encontrar tu propia voz en medio de las diferentes fuerzas que intentan convertirte en algo que no estás seguro de querer ser. Habla de volver al pasado, a la historia, y a las personas a tu alrededor para descubrir cómo sortear todos esos obstáculos y averiguar quién eres. Así que va de lo muy amplio a lo muy específico en ese marco temporal, comenzando con la introducción del universo y la historia, y luego el álbum 3 profundiza más en los sentimientos y conflictos internos y externos de personajes específicos. La historia o el capítulo se desarrolla según lo que tenga más sentido contar basándose en dónde quedó el último capítulo.

—Estaba pensando en el nombre del álbum, Apocrypha, porque ese es un término bíblico, relacionado con falsificaciones y textos no canónicos. Entonces, me preguntaba cómo se relaciona esto con el tema de los otros álbumes.

El nombre Apocrypha esencialmente se refiere a todos los secretos que este personaje debe descubrir para entender quién es realmente y quién quiere ser, porque hay muchas cosas que se le ocultan para asegurarse de que permanezca en el camino predestinado para él. Así que hay personajes en la historia que intentan evitar que descubra la verdad y desentierre esos secretos apócrifos, para que no pueda desviarse del plan que han establecido para él.

—¿Cómo crees que el sonido de Exiled Hope ha cambiado con el tiempo, desde 2019 hasta 2024? Por ejemplo, comparando el último álbum con el álbum debut, ¿cómo crees que ha evolucionado?

Bueno, está mucho más enfocado, diría. Pero también es un sonido más enfocado con una mayor experimentación concentrada. Es más sonoramente diverso, hay delimitaciones más claras entre los estilos musicales en las canciones de este álbum. Eso viene de que realmente he descubierto cuál es mi estilo y cómo jugar con diferentes estilos de manera efectiva, mientras que antes solo estaba tratando de descubrir quién era como música. Ahora tengo una identidad clara y sé lo que estoy haciendo, hasta el punto en que se puede notar cuándo me inclino intencionalmente hacia ciertas ideas, a diferencia del pasado, cuando las ideas simplemente se escribían por sí solas porque no sabía bien qué hacer con ellas.

Mis habilidades han mejorado hasta el punto en que ahora puedo controlar conscientemente lo que estoy haciendo para enfocar ciertos aspectos de la música. Así, hay canciones que son más black metal, otras que son más death metal melódico, otras que son más doom metal, y todo esto es intencional. Finalmente estoy en un punto en el que puedo tomar piezas de otros estilos que me gustan y ponerlas en su propio contexto, para llevar intencionalmente al oyente a través de diferentes sentimientos y estilos. Todo esto hace que el álbum se sienta mucho más cohesivo, aunque las canciones suenen bastante diferentes entre sí.

—Sí, es menos… cuando hablamos del blackened power metal, tiene menos de esa mezcla de diferentes géneros. Está enfocado en un género específico en cada canción.

Sí, diría que el estilo está mucho más enfocado porque finalmente tengo la capacidad de concentrar ciertas técnicas y tipos de habilidades en canciones específicas para evocar un efecto determinado. En los primeros dos álbumes no podía hacer eso tan eficazmente porque tenía menos habilidades en mi repertorio, así que usaba todo lo que tenía en cada canción. Ahora, sin embargo, todo parece tener mucho más sentido en su propio contexto.

—Mencionaste antes que tuviste que aprender a tocar un instrumento. Quería preguntarte, ¿qué vino primero, el heavy metal o el deseo de ser música? ¿El metal te hizo querer convertirte en música o eso vino después?

Creo que quería ser música antes de entrar en el metal. Solo empecé a interesarme en el metal cuando tenía alrededor de 13 o 14 años. Siempre había tenido interés en la música desde una edad temprana, pero no era estrictamente metal. Crecí con rock clásico, música folk, country y todo tipo de cosas que no eran metal. Eso influyó en cómo abordé esta extraña mezcla de géneros que se ha convertido en Exiled Hope. No se trata de crear metal, sino de crear música que sirva a la visión para la canción que quiero crear. Jugar con los géneros es parte de eso, claramente, porque no quiero que mis oyentes sientan que no entienden lo que pueden esperar de mí. Pero también es genial tener ese conocimiento de que unir todos estos estilos diferentes puede hacer que la música sea mucho más interesante.

Llevo eso a toda mi música y me aseguro de que sea música para músicos, básicamente, porque está escrita con la intención de que no es simplemente para oyentes casuales. Realmente tienes que meterte en la música que creo porque las líneas estilísticas se difuminan y mi estilo no es realmente el más accesible debido a lo extraño que puede llegar a ser.

—Quería preguntarte porque vi que estuviste en un sitio web llamado Sleeping Village hablando sobre una lista de reproducción de Spotify con tus influencias, y cómo incluías nombres que mucha gente esperaría después de escuchar tu música, como Nightwish y Avantasia, pero también incluiste una canción de Daughtry y en el texto pusiste que sabías cómo la gente podría reaccionar a eso. Como mencioné antes, soy de Argentina, y Daughtry no es una banda conocida aquí, pero tengo muchos amigos estadounidenses y sé la reputación que tienen esas bandas post-grunge entre algunos oyentes más elitistas.

Es muy curioso porque muchas veces me preguntan si escucho algo que no sea metal, y yo les respondo que sí, que el 75% del tiempo lo que estoy escuchando es música que no es metal. Pero, dado que el metal tiende a ser el género predominante que escucho y que quiero crear, eso influye en la música que hago.

Esto da lugar a una especie de mezcla vanguardista de diferentes géneros dentro del metal, donde tomo elementos de diversos géneros y los coloco en el contexto del metal.

—Sí, vi en algún lugar (no sé si era en una reseña o si eras tú) que usaban la etiqueta “metal cinematográfico” para describir tu música. La única otra banda que recuerdo que usa ese género es Rhapsody of Fire. Es bastante interesante, ya que realmente tienes experiencia componiendo para películas.

¡Lo hice! Hice la banda sonora para una película de terror independiente. Fue muy divertido, y la razón por la que también utilizo la etiqueta “metal cinematográfico” es porque uno de mis mayores objetivos como músico es hacer bandas sonoras para películas, televisión y videojuegos.

Utilizando la etiqueta “metal cinematográfico”, intento crear una asociación más amplia con mi música, donde no se trata solo de metal, sino del potencial de estas habilidades e influencias estilísticas para crear música que cuente una historia y que sea algo muy grande. Eso es lo que Exiled Hope representa, y es mi misión como artista: no sólo crear álbumes por el simple hecho de crearlos, sino abrir nuevas puertas y establecer conexiones con nuevas historias y narradores, como cineastas y productores de videojuegos.

La película de terror independiente fue muy divertida de componer. Es un género completamente diferente del que suelo hacer; no es metal en absoluto, es electrónica. Pero muestra que tomo las mismas sensibilidades y técnicas de composición que utilizo en el metal y las traduzco a algo que funciona en el contexto de una película. Mi música se basa en contar historias, así que ¿por qué no llevar eso a otros contextos y crear nuevas oportunidades?

—¿Tienes planes de interpretar estas canciones en vivo? ¿O Exiled Hope seguirá siendo un proyecto de estudio?

Exiled Hope seguirá siendo un proyecto de estudio. No soy una intérprete en vivo y creo que reunir una banda para interpretar toda esta música sería una pesadilla logística. Además, no soy muy aficionada a viajar y los últimos años han sido muy caóticos con la escuela y tratando de terminar todo, así como encontrar mi lugar en estos nuevos trabajos y en el mundo profesional en el que estoy. No veo que tenga el tiempo o la capacidad para hacer esto en vivo, al menos en el futuro cercano.

—Sí, he escuchado mucho a músicos de metal, y estamos hablando acerca de gente con experiencia, hablar sobre hacer giras, y suena una pesadilla.

Sí, suena horrible. No estoy criticando a las personas que disfrutan de las giras y los viajes, pero sí que suena difícil, y no estoy preparada para eso aún.

—Sí, y esas personas de las que estamos hablando solo tienen que viajar con dos guitarras, un bajo y una batería. No tienen que viajar con una orquesta.

Sí, sería realmente incómodo si solo estuviera yo en el escenario con una guitarra y un micrófono, y luego una pista de respaldo para todo lo demás. No sé, simplemente siento que eso no tendría mucho sentido. De nuevo, no es para lo que realmente creo música. Creo estas canciones con la intención de que sean licenciadas para su uso en televisión y películas, y en otros medios similares. No creo mi música con la intención de poder tocarla en vivo, sino con la intención de que pueda estar en una banda sonora algún día o influenciar la forma en que eventualmente hago música para bandas sonoras.

—Para terminar, ¿qué te gustaría decirles a nuestros lectores?

Solo quiero decirles a ñps lectores que les agradezco por escuchar mi proyecto. Espero que realmente lo disfruten. Tengo otro sencillo que saldrá en solo un par de días, el 11 de julio. Estoy lanzando el siguiente sencillo de Apocrypha, se llama “Lightborn”. Es una pista de power metal clásica, mucho más directa que los otros sencillos que he lanzado para Exiled Hope. No es una mezcla de géneros tan extraña como las demás; es mucho más clara y directa. Sabes un poco lo que puedes esperar de ella.

Las melodías, los guiños y la interpretación general de la canción la hacen realmente especial. Hay referencias a otras canciones del álbum integradas en “Lightborn” que creo que la convierten en la canción perfecta para unir todo y centrar la atención en el tema general del álbum, en lugar de ser solo una pieza aislada.

—Puedes escucharla como un sencillo, pero también encaja en la narrativa del álbum.

Absolutamente, se lanzará en todo el mundo en todas las plataformas, así que puedes escucharla en Spotify o descargarla desde mi página de Bandcamp. Espero que la disfruten.

Directos desde lo profundo de Catalunya y mostrando el orgullo por sus orígenes tanto en su música como en sus letras, los death/thrasheros Siroll! son una de las bandas más destacadas de los últimos años en materia de metal pesado en lengua català. Con su cuarto LP Al gra! ya en las calles, pudimos hablar con Siroll! para que nos cuenten más sobre su trabajo y su forma de manejarse.

Buenas chicos, aquí desde Track To Hell os queremos saludar y agradeceros por participar en esta entrevista.

En nada presentaréis vuestro cuarto álbum de estudio “Al Gra!”. Siendo que han pasado seis años del anterior “Doble o res”, ¿Cuál creéis que ha sido la evolución más notoria respecto al anterior?

Este disco (que no es originariamente nuestro) tiene un cariz más hardcore y menos death metal que lo que es habitual en nuestro estilo, pero no es una evolución hacia ninguna parte, es el disco que hemos podido sacar ahora y el siguiente probablemente no tenga nada que ver con este. Podemos destacar que hay un poco más de melodía, voces más limpias, y que lo hemos masterizado como es debido.

¿Hay alguna inspiración la cual quisierais destacar en este trabajo?

Hay mucho de Habeas Corpus, Walls of Jericho y Hatebreed.

¿Hay alguna canción en “Al Gra!” de la que estéis particularmente orgullosos?

Nos encanta “Plou poc, però pel poc que plou, plou prou” porque hemos logrado sacar mucho partido de una idea que inicialmente era muy simple. Ha resultado ser muy efectiva, pegadiza y perfecta para la radio. Además, hemos incorporado un trabalenguas en el estribillo, lo cual no ha sido nada fácil.

Después de ver bandas como Angoixa, Òsserp, Bocc o Sota Terra, por nombrar algunas, ¿cómo veis la escena del metal en catalán?

No estamos seguros de si actualmente hay más bandas que hace diez años o si simplemente estamos más atentos, pero parece que cada vez hay más y de mejor calidad. ¡Y eso es algo positivo, que siga así!

Como autóctono del Baix Camp, no faltaré a vuestra fecha en el festival Castellhell. ¿Será un set dedicado a “Al Gra” o también tendremos temas clásicos?

Vamos a rehacer el setlist e incluiremos temas de nuestro último disco, pero no haremos un setlist de presentación. Mezclaremos lo nuevo con lo viejo, destacando lo más potente y reduciendo al mínimo las pausas.

¿Cómo veis la escena en un periodo de 5 años aquí en Cataluña? ¿Creéis que festivales como Move Your Fucking Brain o el propio Castellhell tendrán aún más prestigio como eventos underground?

Sí, ya están captando la atención porque son “eventos familiares” con un line-up que se sale de lo habitual y, por lo tanto, resultan interesantes. Además, cuentan con un buen ambiente, precios accesibles y no están masificados, lo cual es de agradecer en estos días.

Para finalizar, ¿qué querríais decir a nuestros lectores?

Les invitamos a visitar nuestra página web www.siroll.cat, donde pueden escuchar y descargar nuestra música de forma totalmente gratuita. Si les gusta y desean colaborar, pueden hacer una donación en el mismo sitio. ¡Gracias por la entrevista, salut!

En una nueva entrevista exclusiva, Donny Burbage, el nuevo miembro de Cradle of Filth, nos cuenta sobre su adaptación a la banda, las influencias musicales que ha aportado al grupo, su amor por la música de videojuegos y sus recuerdos más preciados en el escenario.

Gracias Donny por el contacto con TTH, antes que nada me gustaría empezar preguntándote ¿cómo fue la adaptación a la banda?

Gracias por pedirme hacer esta entrevista con vos. Adaptarme a la banda fue algo que no me tomó mucho tiempo ya que tengo experiencia aprendiendo canciones para otras bandas y supliendo. Y todos nos llevamos bien inmediatamente porque todos somos bastante graciosos y tenemos un sentido del humor similar de chistes secos y juegos de palabras.

¿Cómo fue el proceso de unirte a Cradle of Filth?

Me uní a Cradle of Filth en mayo de 2022 y tuve 3 semanas para aprender 16 canciones y luego volar inmediatamente para ensayar y salir de gira con ellos. Nunca había conocido a nadie de la banda antes de nuestro primer ensayo, pero me pidieron en una llamada telefónica que suplantara a Richard tras su salida de la banda. 

Soy bastante bueno aprendiendo canciones muy rápido, así que no fue un problema para mí aprender 16 canciones en unas pocas semanas. En algún momento de la gira, en un día libre, Dani y yo estábamos pasando el rato y me pidió que me quedara porque le gustaba estar conmigo. Así que aquí estoy, terminando el próximo álbum con ellos.

¿Cómo se sintió ser elegido para ocupar el puesto de guitarrista en una banda tan legendaria con un legado tan importante en el black metal?

Para mí, sentí que solo estaba haciendo mi trabajo y estoy acostumbrado a trabajar con muchos artistas. No me di cuenta de que realmente estaba haciendo cosas geniales tocando para Cradle hasta nuestra gira europea en 2022. Toco en otra banda, Aether Realm, y he suplantado a Vale of Pnath también, así que las giras no son nada nuevo para mí. Incluso las giras en Europa, pero nunca había hecho festivales europeos antes. Tocar en Knottfest en Finlandia fue cuando me di cuenta de que estaba haciendo cosas realmente geniales.

¿Cómo ha sido la experiencia de integrarte en la dinámica de la banda y trabajar con músicos tan talentosos y experimentados?

Integrarse en la banda ha sido una experiencia muy suave y cómoda. Dani, Dougal, Ashok, Martin, Zoe y yo nos llevamos muy bien. De hecho, tengo un recuerdo muy vívido de mi primer show con Cradle of Filth. Estábamos parados en el escenario de espaldas al público antes de tocar la primera nota del show y Dani pasó junto a mí y me dio una palmada en la espalda como un “bienvenido al show“. Fue algo muy genial que hizo, ya que me hizo sentir parte del grupo. En cuanto a trabajar con músicos talentosos, no es nada nuevo para mí, ya que he sido músico de sesión por un tiempo. Y he tenido la suerte de rodearme siempre de músicos muy talentosos desde que empecé a tocar la guitarra. Creo que así es como mejoras en el instrumento, rodeándote de personas que son mejores que tú.

¿Cómo describirías tu estilo musical como guitarrista? ¿Qué influencias musicales pudiste traer a la banda?

Musicalmente, mi estilo de guitarra está fuertemente influenciado por el sonido de Gotemburgo. Escuché mucho a At the Gates, In Flames y The Haunted mientras crecía. Hay otras bandas que me influyen que son finlandesas como Wintersun y Ensiferum. Sin embargo, soy un camaleón musical y, como músico de sesión en el pasado, he aprendido a tocar muchos estilos de música, incluyendo afro cubano y muchos estilos de guitarra clásica latinoamericana junto con Blues, Jazz y Country.

Lo que sentí que aporté a este álbum fueron algunos riffs e ideas que están inspirados en la música de videojuegos, principalmente Nobuo Uematsu de la fama de Final Fantasy y algunos riffs que tienen una vibra más pesada y brutal, manteniendo un sonido oscuro que deja saber a los oyentes que soy fan del álbum Midian. Cuando se trata de partes orquestales que he escrito, diría que hay algunas frases con sonido de Danny Elfman y Nobuo que podrían escuchar.

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¿Has tenido la oportunidad de traer nuevas ideas o composiciones a la banda desde tu llegada?

¡Sí! ¡Absolutamente! No solo soy guitarrista, sino también orquestador y compositor. Así que pude escribir algunas partes de teclado para este álbum y luego envié el MIDI a Sam para que lo pasara por algunas mejores bibliotecas. Creo que cuando se trata de ideas de guitarra para la banda, lo abordé con un enfoque muy agresivo y cargado de riffs para las canciones que escribí, pero quería traer una vibra de Midian a ellas. Hay dos canciones en el nuevo álbum que realmente abarcan un sonido más moderno que rinde homenaje a Midian. Incluso hay algunos guiños a algunas frases de algunas canciones de Midian. Me gusta mucho rehacer una melodía con acordes alternativos para invocar una emoción diferente en la melodía, haciéndola similar pero casi irreconocible.

Estás de gira y tocando en festivales europeos, ¿cómo va toda la experiencia?

Me encanta girar y me encanta estar en un nuevo país y ciudad todos los días. La mejor parte de las giras es probar nueva comida en todas partes y conocer gente de diferentes culturas. Creo que la mejor parte del mundo es lo diferente que puede ser en cada rincón. Sería muy aburrido si todos y todo fuera igual.

Ya hay mucha ansiedad por el nuevo álbum de COF, ¿qué nos puedes decir sobre él?

No sé qué puedo decir. No me gusta influir en una opinión sobre algo que no está lanzado. Creo que es mejor dejar que todos tengan la oportunidad de experimentar un álbum por sí mismos y descubrir qué partes les gustan de cada canción.

¿Hay alguna canción específica en la que hayas tenido una contribución significativa desde que te uniste?

Hay una canción específicamente en el próximo álbum en la que escribí todas las guitarras y teclados. Tenía una idea para los tambores, así que lo programé en MIDI cuando hice el demo. Puse todo junto y al grupo realmente le gustó. Así que dejé que Martin y Daniel Firth (lo llamamos Dougal) hicieran el bajo y la batería, pero había una visión clara de lo que quería para ella. También hubo un solo adicional que Ashok escribió para una parte, algo simple que solo eleva la canción hacia el final. Aparte de esa canción, arreglé algunas otras y trabajé en teclados con Zoe y Ashok y yo tendríamos llamadas por Zoom para armar canciones y probar diferentes riffs de guitarra. Incluso hubo algunos días en los que todos estábamos juntos de gira y nos encerrábamos en una habitación de hotel en un día libre para trabajar en armar algunas ideas.

Ha habido una foto de Dani con Ed Sheeran, ¿puedes confirmar que hay tal colaboración y estará en el álbum?

100% hay una canción de Ed Sheeran y Cradle of Filth y es mega buena. Nuestros planes son lanzarla en el próximo álbum, posiblemente para un lanzamiento especial.

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¿Qué piensas sobre la escena actual del black metal y el papel que juega Cradle of Filth en ella?

El black metal no es realmente lo mío. No pienso en Cradle of Filth como una banda de black metal. Creo que Cradle of Filth es una banda de metal sinfónico oscuro con un sonido gótico y demoníaco que tiene influencias y raíces de black metal y metal extremo. Diré que mi banda favorita actual que tiene una vibra de black metal pero no necesariamente black metal es Alcest.

¿Hay alguna canción de Cradle of Filth que tenga un significado especial para ti?

Death Magick for Adepts del álbum Midian. Este álbum fue mi primer álbum de Cradle of Filth y las orquestaciones realmente me inspiraron, especialmente en esta canción. Inmediatamente aprendí a tocar los teclados de esta canción cuando tenía 16 años en mi primera escucha. Esa canción es la razón por la que aprendí a escribir orquestaciones.

¿Tienes algún ritual especial o preparación antes de subir al escenario con la banda?

jaja, no, para nada. Ni siquiera caliento antes de actuar. Solo me pongo el maquillaje, trato de beber una botella de agua con electrolitos y luego me visto. Intentaré jugar algo durante el día antes de tener que empezar a prepararme. Soy un gran nerd de los videojuegos, especialmente de Dark Souls y Elden Ring.

Finalmente, la pregunta habitual que hago a mis entrevistados, imaginemos un gran festival, ¿con qué bandas te gustaría formar el cartel?

Simple. El festival sería solo una alarma de Nokia sonando durante 3 días.

Donny, muchas gracias por tu tiempo, tus últimas palabras para nuestros lectores y fans.

Sígueme en Instagram @donnyburbage y en Twitch, donde hablo de música y desgloso canciones. También puedes escuchar algo de la música genial que he escrito para otras bandas como Aether Realm y Vale of Pnath en Spotify. Y recuerden, donde quiera que vayan, allí están.

Desde el cuartel general de TrackToHell nos dimos la chance de contactarnos con Javier “Knario” Compiano, vocalista/líder de Plan 4 quienes estarán presentando su nuevo álbum “Mecanismo de Odio” este próximo domingo 8 de septiembre en El Teatro Flores.

Javi, espero te encuentres bien, agradezco la oportunidad de tener esta entrevista con vos para recorrer tú pasado y presente como músico y gran aporte a la escena metálica del país. ¿Qué recuerdos tenés de tus días en Carnarium ??

¿Cómo andas loco? Antes de todo, gracias por el lugar. De Carnarium, ¿qué recuerdo? Bueno, un montón de cosas. Sería muy larga la respuesta. Pero básicamente, más allá de lo que recuerdo, que son momentos muy lindos, es donde yo aprendí básicamente un montón de cosas. Cuando entré a Carnarium, los chicos ya tenían un año o dos años de banda, se llamaban Arsenica, no se llamaba Carnarium. Y la verdad que aprendí muchísimo.

Cuando entró Pablo de la Valle en la guitarra, como segunda guitarra, la banda pasó de ser Arsenica a Carnarium. Y ahí es donde empezamos a componer nuestras canciones, que es donde aprendí muchísimo.
Ahí empecé a escribir letras, porque a veces cuando nos juntamos, nos reímos, había una letra que era rara, y ahí empecé a escribir letras. Al principio, escribía letras y música todo el baterista, Pablo Gimelli, y después empezamos a colaborar más. Y fue realmente un gran aprendizaje Carnarium. Y ahora, tenemos un grupo de WhatsApp, toda la formación original, y nos vemos siempre, la pasamos muy bien. Realmente estamos ahí, uno de los guitarristas que vive en Estados Unidos, y cuando viene, nos juntamos, y la pasamos muy bien.

Fuiste parte de la grabación de un excelente disco de Raíz, qué podés contarnos acerca del proceso de grabación en una época donde no existía tanta información y equipamientos.

Con respecto a Raíz, lo sumo que fue otro aprendizaje, obviamente, y sí, grabamos un solo disco, “Manteniéndose Real“, y fue un disco muy bien recibido en la escena.
De alguna forma, cuando arrancamos Plan también había ya un cimiento de Raíz, éramos en su comienzo tres de los cuatro Raíz, así que fue una linda experiencia hasta un punto, después realmente, o sea, por lo mal que la pasamos en una etapa considerable de Raíz, fue que armamos Plan 4, o sea que en realidad Raíz quedó con un sabor medio agridulce, también se aprendió, y lo lindo es que quedó un muy buen disco como Manteniéndose Real, y un EP que es “La línea de Fuego“, la banda ya estaba, no teníamos al “Oso” (Fernando Santacroce), estaba en un momento difícil, y justamente ahí ya no estábamos bien, no estábamos bien con César (Morabito) ahí en la banda, por eso terminamos separándonos y armando Plan 4, así que quedó un sabor agridulce de Raíz.

Participaste como invitado en muchos proyectos de distintos géneros, ejemplo Skiltron, Horcas y recientemente te vi en Darlo Todo, has pasado pasando del folk metal, thrash, nu metal y heavy metal, ¿Soles escuchar bandas de todos estos estilos ??

Con respecto a lo de las invitaciones, escucho metal, en un 90-95%. Escucho otros géneros más pop y demás. Ahora, dentro del metal, por lo menos el folk metal no es un estilo que escuche mucho, pero lo conozco. Y más allá de eso, cuando ves a una banda que tiene guitarras y tiene ciertos yeites que tiene que ver con el metal, uno ya sabe si hablamos de cantar arriba de una canción, ¿no? Pero creo que también podría cantar canciones de otros estilos, pop y demás, y no lo haría mal, ya que escucho bandas del estilo.
La verdad es que no me cuesta adaptarme, obviamente, siempre que la voz esté dentro de mi rango vocal. Yo soy barítono, no puedo cantar una canción que es de tenor alto, no la voy a poder cantar, porque la voy a tener que versionar. Pero cuando está dentro de mi registro, sí, creo que no tengo problemas en eso. Por suerte, bueno, tiene que ver con la apertura musical, sí.

Has tenido la oportunidad de ser vocalista invitado de Heaven Shall Burn en el Wacken, existirá la posibilidad que se repita en la visita de la banda a Buenos Aires?

Estuvo muy bueno, no sé si se va a repetir acá, no tengo idea, no le hable a Marcus, su cantante hace un par de años ya, pero bueno no sé, le voy a escribir y posiblemente vaya a ver el show, así que ahí veremos.
Fue una gran experiencia además está decirlo lo de Wacken, fue muy muy lindo así que bueno vamos a ver.

Actualmente sos parte del tributo a una gran banda como V8, qué se siente ser la voz de temas tan emblemáticos del metal argentino y cómo te adaptaste a esas gemas ?

Bueno, el tributo a V8 fue una convocatoria de Gustavo Rowek, a quien conozco hace muchos años, también con Sergio Berdichevsky.
Obviamente tenía todos los discos de V8 en cassette, conozco perfectamente la obra, si bien no la había cantado en su totalidad, que son canciones bastante difíciles, las tenía bastante incorporadas, he oído.
La verdad que tuve que dedicarle mucho tiempo a aprender las letras porque son muy largas y las canciones tienen variantes inesperadas y por momentos tienen pasajes bastante largos y hay que estar atento.
Es un desafío cantar V8, pero a la vez es un placer porque son canciones que vivieron mucho con uno, te rememoran tiempos muy lindos, adolescencia y demás.
Y además, está decir que es un honor que me haya elegido y también cantar las canciones de la banda que fue la Biblia del metal en Argentina. Es como, siendo parte de la escena argentina, creo que es interesante de cualquier forma. Obviamente, creo que hay que estar a la altura de las obras y creo que este tributo está muy bien, se reflejan muy bien las canciones, mejor dicho, se ejecutan muy bien y hasta ahora, el show que he tenido, la posibilidad de tocar en vivo, la respuesta fue muy linda y estamos muy bien aparte, nos llevamos bien, es un lindo proyecto.
Por otra parte, también tener la venia del Beto Zamarbide es muy piola. Yo hablé con él antes de encargar el tributo, le dije a Gustavo que quería su contacto y que necesitaba como que me dé la venia. Y bueno, el Beto ya es como un amigo de hace muchos años y me tiró la mejor, eso la verdad que también me dio mucha seguridad y me terminó de convencer de encarar el proyecto cuando Gustavo me citó.

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Vayamos a lo que respecta sobre el nuevo trabajo de Plan 4  ¿Qué podes contarnos de “Mecanismo de odio”, qué podremos encontrar como oyentes ?

“Mecanismo de odio” es él disco, mé es muy difícil todavía, como no tomé tanta distancia a catalogarlo, creo que es el disco que suena más pesado de Plan Cuatro, por varias cosas técnicas, es el bajo más firme y técnico que tuvimos, con frecuencia y cuerpo, por la forma que están grabadas las guitarras y la forma de tocar con Nico que es un animal.
Pienso que por ahí, es el disco más riffero, es muy riffero, tiene muchos riffs, algún disco anterior tuvo cosas un poco más melódicas y este lo tiene, pero de otra forma y es más agresivo.
Fue un disco muy difícil de hacer en la parte emocional, pero a la vez había una urgente necesidad de hacerlo, por momentos fue duro, pero fue un placer también, por más que uno por ahí esté dolido o esté triste o no esté de la mejor forma, si uno realmente siente la música siente que tiene que hacerla en cualquier estado en el que esté, y bueno lo que salga depende de ese estado de ánimo, pero bueno el disco había que hacerlo y se hizo, y es lo que realmente me pone más contento, porque es un homenaje a Gonza (Espejo) , siempre fue pensado así.

¿Cómo fue el proceso de composición y grabación?

En cuanto a composición y grabación, bueno, esta vez las canciones salieron de ideas mías, tenía un montón de ideas grabadas en unos audios de riffs más que nada, melodías vocales, un montón de cosas. Fui desgrabando y ordenando eso y se los fui pasando a los chicos, algunas cosas por ahí las pasé con más precisión que otras, pero obviamente los chicos lo interpretaron y son músicos de alto calibre, así que lo que quedó, quedó genial y todos pusieron su talento, obviamente, las canciones no las pasé nota por nota todo exactamente, fueron ideas que se pasaron y fueron mutando también y cada uno puso lo suyo.
Esta vez fueron ideas mías que desgrabé, mostré y ahí pasaba la picadora, después también hay cosas que compuso Nico, algunas partes, depende de cada canción, pero las fuimos desarrollando juntos. Eso sí, se desarrollaron con todos interactuando, nos juntamos en la sala, las trabajamos, fue un muy lindo trabajo en ese sentido, tomé la batuta del tema, pero todos los chicos estuvieron alineados y trabajamos juntos, así que me poné muy contento.

¿Qué aporte pudieron dar las nuevas incorporaciones en el al sonido y el proceso creativo?

Bueno, como te decía, cada uno puso su personalidad y lo que aportaron también fue su talento, porque son tres músicos de la puta madre, tanto Junior, Nico, como Juani, no podríamos haber llegado a este resultado si ellos no tocasen como tocan, y no fuesen excelentes músicos, así que su aporte fue enorme, no solo desde lo musical, sino también desde lo anímico y lo personal, porque ellos sabían que era un desafío hacer este disco y ninguno se “amilanó”.
Junior fue asistente de Gonzalo 15 años, yo sé que él internamente también sentía una responsabilidad, pero se hizo de forma muy, no sé si la palabra es sana, pero hubo toda una muy buena intención y una muy buena energía al hacer esto, sí que aportaron desde lo humano y aportaron desde lo técnico y desde el talento que tienen, pero se pusieron la casaca realmente, es lo que más contento me pone.

Plan 4 sufrió lamentablemente algunos cambios bruscos en su historial, sobre todo con las lamentables pérdidas de Gonzalo y Leandro, ¿pensaron en abandonar el proyecto en alguna oportunidad?

En cuanto a Gonza y Lea, fueron circunstancias distintas. Lea lamentablemente falleció cuando ya no estaba en la banda. Él se fue por motus propio.
Lea era abogado y su parte laboral no le estaba permitiendo desarrollar todo lo que tenía que hacer con Plan 4 como él quería y como todos queríamos. Y la verdad es que él vino y nos planteó, fue muy sincero, que no iba a poder continuar. Tenía que tomar una decisión, porque sabía la exigencia que tenía Plan 4 así que Lea falleció después de que se fue. Obviamente fue muy triste.
Gonza fue estando en la banda, ¿viste? Fue todo un proceso que él estaba en la banda, estuvimos toda la carrera y éramos los que nos consultábamos todo, éramos nosotros dos, así que fue muy duro.

Cuando pasó lo de Gonza, Junior estaba preparado porque Gonza estaba con problemas de salud, Junior estaba preparado por cualquier cosa que pase, obviamente aceptado por Gonza, ¿no? Habíamos hecho ensayos con Gonza presente, a ver si estaba todo bien.

Después, lo que era difícil era el tema del guitarrista también. Cuando Pehuel me dice que se va, ahí realmente fue donde dudé de continuar, en realidad no es que dudé, pero dependía de encontrar un guitarrista de altura. Y bueno, apareció Nico, a quien ya conocía, pero no estábamos en contacto y ahí todo cambió, realmente es un guitarrista increíble. Pero ese fue el momento donde se dudó más, es cuando Pehuel me dijo “no sigo” y realmente venía de tratar de rearmar todo sin Gonza y bueno, fue como otro golpe. Hubo que respetar la decisión y se siguió adelante.

¿Quién está a cargo del arte de portada?

Los dibujos del arte de tapa están a cargo de Gastón Ruiz Girado, que es quien hizo la tapa de “En mil pedazos“, el dibujo de la tapa, los diseños los hacía Gonza y a veces algún diseñador también, pero generalmente todo lo que era diseño estaba a cargo de Gonza. Esta vez, bueno, los dibujos son de Gastón Ruiz Girado y el diseño de tapa, lo hizo Penumbra, y el diseño del booklet, del CD en general, lo hizo Guille Estévez, de Estévez Ideas. Quedó genial.
La idea era que sea bien “Plan” y creo que se logró.

La idea es que el disco tenga características sobresalientes de lo que es Plan 4, desde la imagen, desde el audio y había que tener en cuenta un montón de cosas para que eso sea así. Mi idea no era ser totalmente distinto, sino continuar con lo que estábamos haciendo y agregarle alguna novedad, que es lo que hicimos en cada disco.

El próximo domingo 8 de septiembre se estarán presentando en el teatro Flores, ¿tienen pensada alguna sorpresa? ¿Algún invitado ?

Para el show de Flores va a haber un invitado y sorpresas, vamos a tocar seis temas nuevos, dos que ya se conocen y cuatro nuevos, no sé si va a haber otra sorpresa, va a ser un show de Plan 4 de los extensos, poderoso, eso creo que no es sorpresa pero va a ser un show extenso y muy intenso.

Suelo culminar mis entrevistas preguntando lo siguiente: si pudieras armar un festival de metal, ¿Cuál sería tu cartel ideal? incluyendo a Plan 4, por supuesto.

Si pudiese armar un festival de metal, la grilla perfecta, no sé, es muy difícil. Bueno, ponemos bandas que estén activas, me gustaría que sea Metallica, Slayer, Judas, y pondría bandas extremas, Carcass, Napalm Death, Cannibal Corpse, y pondría, Slipknot, una banda que medie, una cosa así, ese podría ser un buen line-up y abre Plan 4

Con motivo del lanzamiento de su nuevo disco Distortion, que sale a la venta este viernes 6 de septiembre a través de Arising Empire, nos reunimos con Future Palace para que nos cuenten un poquito la actualidad de la banda y alguna que otra curiosidad.

1- Hola chicos, felicidades por el nuevo disco, creo que es fresco y muy bueno. Lo primero que me gustaría saber es como ha sido el proceso creativo y que os ha inspirado a la hora de crear este nuevo disco.

(Future Palace): Hola!, muchas gracias, para mi (Maria, vocalista de la banda) fue muy estresante ya que tuve una infección bucal, lo que me llevo a estar en casa con antibióticos y debido a esto retrasar las horas en el estudio, donde se supone que íbamos a grabar, así que tuve que montar todo en 1-2 semanas, incluido la grabación de los demos de las canciones.

2- Future Palace es una “banda nueva” para mucha gente, especialmente en España o al menos no mucha gente os conoce por aquí, así que quería saber como nace la banda y cuales son vuestras influencias principales que dan ese sonido tan particular que tenéis.

(Future Palace): Nos conocimos por un amigo en común y comenzamos a trabajar juntos rápidamente y al ver que todo cuajaba tan bien decidimos montar este proyecto juntos que hoy derivo en Future Palace, un momento perfecto si me preguntas y nuestras primeras influencias fueron bandas como Pvris, Emarosa o Rain City Drive (conocidos anteriormente como Slaves).

3- ¿Cómo fue la experiencia grabando el videoclip de “Decarabia”?

(Future Palace): Fue muy divertida pero a la vez agotadora, habíamos grabado “Dreamstate” el día anterior así que estábamos muy cansados y siempre batallando contra el tiempo y las cosas que teníamos que hacer. Fue muy divertido como se dio la situación en general y nos reímos mucho con nuestros “Outfits” de estilo disco y sobre todo con Bipo, el tipo que estaba detrás de las cámaras y que se convirtió en el “Demonio” que sale en el videoclip de forma espontánea.

4- Habéis tocado este verano en dos grandes festivales como Wacken Open Air y nuestro Resurrection Fest compartiendo cartel con bandas tan importantes como Avenged Sevenfold, Sum 41, Bring Me The Horizon o Machine Head, entre otros, ¿Cómo fueron aquellas experiencias?

(Johannes): Este verano fue una experiencia inolvidable y genial para nosotros, además que era la primera vez que íbamos a grandes festivales de diferentes países tocando con gente que admiramos y conociendo a otro montón de gente nueva ya sea fans o gente de los grupos.

5- Tras la salida del álbum el 6 de septiembre, ¿Cuáles son los planes para Future Palace? Haréis acústicos para promocionar el material, firmas de discos, un tour como cabezas de cartel…?

(Johannes): Cinco semanas después de la salida del álbum, nos embarcaremos en el tour como cabezas de cartel más grande que hemos hecho hasta la fecha, estamos justamente en la mitad de la fase de producción y logística y nos morimos de ganas de ver a la gente y tocar las canciones de “Distortion”.

6- Maria, tienes una voz muy personal, ¿Cuáles fueron las personas que te impulsaron a ser cantante profesional cuando eras pequeña?

(Maria): Cuando era pequeña me gustaban mucho cantantes como Christina Aguilera, Demi Lovato, Hayley Williams de Paramore, Kelly Clarkson, Avril Lavigne o Whitney Houston, entre muchas otras.

7- Tras haber tocado en el Resurrection Fest 2024, hay alguna posibilidad de poder veros como cabezas de cartel en 2025 tal vez?

(Johannes): Nos encantaría volver a tocar en España el próximo año ya que el público que nos vino a ver fue muy entusiasta y con la mente abierta, aquellos que no nos conocían mucho, así que estamos trabajando en ello.

Tuve el agrado de entrevistar a Denis Kormakov, alias “El Ruso”, guitarra y voz de la banda Domination, quien nos cuenta sobre el nuevo álbum, las peripecias de su nueva gira europea y cómo ve la escena del metal en Argentina. Sin mas preámbulos, disfruten !!

Han lanzado un excelente álbum, con un sonido hyper profesional, cómo fué el recibimiento de los fans y de la prensa ??

¡Muchísimas gracias! Hasta el momento está teniendo una muy buena repercusión, creemos que es lo que más o menos la gente esperaba de este álbum, la variedad de estilos con los que cuenta sin irnos por las ramas, con el agregado del toque progresivo que suma además a lo conceptual. Lo de irnos por las ramas igual lo haremos en algún momento ajaja (La idea es siempre experimentar a la hora de componer y ver que sale a la hora de la producción).

Escuchando tú voz, encuentro cierto parecido al caudal de Ripper Owens, ¿encontrás influencia en el ex vocalista de Judas Priest y Iced Earth ?

Seguro que algo habré sacado de ahí, de adolescente lo escuchaba mucho y hasta tuvimos el placer de contar con su colaboración en el tema que le da el nombre al segundo disco “Beneath The Silence” y también de telonearlo y conocerlo en persona el año pasado. Con el tema vocal fui absorbiendo estilos a lo largo de los años, influencia de muchos cantantes no solo dentro de lo que es el metal. Todavía sigo en la búsqueda tanto de estilos como mejorar técnicas y matices.

Para quien aún no ha escuchado el disco, ¿podrías contar cuál es la temática principal en la que giran las letras?

Para quienes no nos conocen y no han escuchado el disco, el nombre de la banda “Domination” es porque los álbumes tienen un concepto, contamos historias con algo de ficción y de realidad. La temática es sobre la dominación y la evolución humana. En este 4 LP se trata sobre La Santa Inquisición, una de las épocas más crueles de la historia de la humanidad, la persecución a las grandes mentes, los castigos y torturas a los “delitos” contra la fe.

El disco presenta un subibaja de emociones, pasamos temas extremos a “power baladas” de excelente calidad, todos participan en el proceso de composición o hay alguien designado a las letras?

Los 4 aportamos diferentes cosas para armar este LP. Hubo canciones compuestas directamente en la sala de ensayo, otras desde la casa de cada uno las que luego fuimos ensamblando y terminamos cerrando con la preproducción del disco. El subibaja de emociones tambien se debe al concepto, historia. Fue un lindo trabajo desde que arrancamos con la producción del EP adelanto de este disco “Holy Order” hasta el momento que salió a la luz finalmente el “Echoes Of Persecution“.

Han regresado hace poco de una nueva travesía por Europa, contanos cómo fue esta experiencia?

Lo de Europa la verdad que nos salió mejor de lo que esperábamos y se disfruta el doble al haber sido autogestionada. La respuesta de la gente nos asombró, ya que la vez anterior habíamos estado en el 2016 (8 años atrás) presentando el Beneath the Silence, y la mayoría de la gente que nos vio en ese momento volvió a los shows y se sumó mucha gente nueva.

Ya ésta tercer gira por Europa estuvimos como cabeza de cartel y tocamos en varios festivales, por suerte salió todo muy bien: logística, traslados, los shows, la gente. Estamos muy agradecidos a todos los amigos que nos dieron una gran mano. Estamos más que entusiasmados y enfocados en lo que se viene.

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¿Alguna anécdota para contar?

Uff. Un montón. En el único lugar que nos paró la gendarmería fue en Francia, teníamos la bandera argentina con el “DOMINATION” en el parabrisas delantero y apenas cruzamos el peaje de lo que sería la frontera España – Francia enseguida nos pararon. Se ve que siguen con bronca por lo del mundial ajaja. Anecdotas hubo mil, entre las comidas, los bailes de Jerom, las chinchulineadas, ronquidos, la baba, la mugre que estaba creando vida propia en la furgoneta, etc. Tenemos para hacer una película con todo eso.

¿Con qué bandas han compartido escenario y puedas recomendarnos?

Durante la gira compartimos escenario con las siguientes bandas y todas de un muy buen nivel:

Airare Nuf, Our Natural Killers, Empire of Disease, Juicio Final, Morphium, Stainless Madness, Dekadenza, Defaced Humanity, Dagger of brutus, Disreality, Tales of Gaia,  Medo, Raven Horse, Aiodos, Airos, Prophane, Bufalo Head.
Me sorprendió mucho la banda Alemana Dekadenza, tenían un estilo muy particular con un saxo y muy buenas líneas vocales.

¿Qué opinas sobre la escena actual del metal en Argentina?

Creo que está en una transición la escena. No hay nada establecido por suerte.
Hay muy buenos músicos y bandas que tocan a gran nivel. Hoy en día creo que lo que se valora más es ser auténtico. Si la gente que va a los shows ve que lo estas dando todo arriba del escenario y lo estás pasando bien, eso se transmite y se genera un gran clima entre los espectadores y los músicos. La gente se quiere divertir, armar torres burzum, pasar un buen rato cuando sale. Hay que entender eso y tratar que se vayan contentos de un show.

Si pudieras elegir un festival para tocar, ¿Cuál sería y cómo armarías el lineup?

Creo que no soy la persona más indicada para esta pregunta. Sinceramente te lo contesto con el lineup ajaja.
Igorrr, Babushka, Bezdna Analnogo Ugnetenia, Zeal & Ardor, Clown Core, Domination.

Esto es mas a gusto personal xd. Me encantaria que en un futuro estemos tocando en festivales como el Wacken, Download, Resurrection, etc.

Sin más, Ruso te agradezco la predisposición para esta entrevista y me gustaría que dejes un último mensaje para nuestros lectores. Nos vemos en el pogo !!!

Muchas gracias por el espacio y a los lectores me gustaría invitarlos a nuestra presentación oficial del disco el 31 de Agosto en Galpon – B (Cochabamba 2536, C1247 CABA) a partir de las 19.30hs.

Meses después de la salida de su nuevo álbum La Magia del Caos, Lörihen se preparan para ofrecer la presentación en vivo del álbum en el Teatro Flores de Buenos Aires el sábado 14 de septiembre, para todos los fans. Para poder hablar de este evento tan especial, nos contactamos con el guitarrista y compositor Emiliano Obregón para que nos cuente todo lo que hay detrás de esta fecha.

—Emi, ¿cómo anda todo? ¿Cómo van las cosas con toda esta fecha y con todos los problemas que surgen al organizar las fechas?

Bien. Es como vos bien dijiste, es un laburo importante, pero deseado, buscado, con lo cual no deja de ser “sarna con gusto”, como dice la frase, ¿no? Así que claro, de eso se trata: de poder seguir. Estamos contentos, es un año en el que estamos con mucha actividad.

—No sé si vos te acordás que yo te había entrevistado en creo que diciembre último, que fue para la salida y presentación del disco La Magia del Caos.

Sí, sí, me imagino. Lo tengo en los chats, en los historiales. Lo que pasa es que… Pablito y Gabi para lo que son campañas así de lanzamiento, para shows… Para que tengas una idea, hoy tengo siete notas, pero de dos semanas para acá, a una semana, hay 60 notas agendadas.

—Sí, sí, me imagino, me imagino. No, yo mencionaba eso porque ese fue para cuando salía el disco de La Magia del Caos. Ese era el lanzamiento del disco, ahora el 14 de septiembre tienen la fecha en el Teatro Flores y ese fue presentado como la presentación oficial.

Uno fue el lanzamiento…

—Por eso estaba pensando, porque dije: “¿No había presentado este disco ya?” Entonces dije: “Ah, no, ese fue el lanzamiento. Esta es la presentación oficial”.

Correcto. De alguna manera, el disco nosotros lo vamos a seguir girando por lo menos un año más, sí. Pero el disco tiene todo: todo el proceso creativo, la gestación, la salida… Es un evento porque es la primera vez que la gente pudo escuchar algunas canciones fue en el show del Vorterix, y después tiene la presentación oficial cuando el disco tiene, entendemos, siete u ocho meses en la calle. Igual, te digo, son hábitos que se van perdiendo, porque cada vez se largan menos discos y se largan más sencillos. Con lo cual, para las nuevas generaciones, esto de la presentación oficial del disco, cuando las bandas dejen de sacar discos y saquen solamente sencillos, entiendo que puede ser algo que tienda a desaparecer. Por ahí los shows van a tener un motivo particular o especial, pero como que no se conmemora el disco porque no hay disco. Hoy se volvió mucho a esa manera de lanzar material, ¿no?

—Sí, con todo lo que es streaming de Spotify, especialmente.

Es así.

—Igualmente creo que para las bandas de metal creo que sale más sacar el disco todo junto ya. Si me preguntás, muchas veces Spotify es más cómodo para escuchar discos que canciones específicas, a menos que estén en playlists.

Pero, ¿sabés qué? Hay una tendencia a que las cosas sean así, como muy de picotear. Por eso los artistas también se prestan a sacar singles, ¿viste? Porque la realidad es que es mucho menos el esfuerzo y la carga horaria que se dedica a un single que a un disco. Y el disco, si te lo ponés a analizar, al mes siguiente ya es un disco viejo, y encima cualquier disco que haga ya tiene veinte discos más encima.

La manera de largar singles también está buena porque te pone en el ojo del huracán con mucha menos carga horaria. Antes de la existencia de las plataformas digitales y de toda esta manera de consumir así con playlists y que aparezcan los curadores, no era viable. No se editaban singles: vos comprabas el disco o el CD en formato físico y tenías para escuchar y consumirlo de punta a punta.

Es un tema el cambio de época y el cambio de consumo en todos los aspectos de la vida.

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—Encima, Spotify son un rejunte de miserables respecto a la plata que sacan de las reproducciones. La cantidad de dinero que le dan a las bandas es una miseria.

Es muy poco, pero tiene una relación directa con, si así se quiere, la flexibilización o la precarización laboral, con la aparición de plataformas de todo tipo. Hace ya 10, 15 años, tenés Grabr, que es una plataforma que permite que si vos, casualmente u ocasionalmente, viajás a Toronto porque tenés a tu tía Jenny que vive en Toronto, vas a conectar con Damián, que es un fletero de La Matanza que necesita una pieza que está allá. Entonces vos aprovechás el viaje, se la traes a Damián a La Matanza, y en el medio John Walker, que es un canadiense que tuvo el ingenio de armar una app que hizo que vos te encuentres con Damián, te saca una tajada a vos y le cobra un fee a Damián.

La aparición de todas esas plataformas de conectar gente y los vacíos legales, porque es todo tan etéreo. Es algo que está ahí, pero no está claramente definido. La estructura de Internet y de la red está, pero no es completamente clara. Esto provoca que surjan estas cuestiones y que la gente, de alguna manera, es entendible: el tipo que quiere escuchar el último disco de Maiden y no quiere esperar a que salga en físico apreta un botón en el teléfono y lo empieza a escuchar.

—Claro, y además también estaba pensando en lo de la primera fecha del lanzamiento del disco, la presentación del disco. Pensé: “Bueno, pero Vorterix y el Teatro Flores…”, y después busqué el Teatro Flores y vi que tiene un poquito más de capacidad. Entonces dije: “Ah, bueno, ahí tiene más sentido”. Es la gente que va a escuchar estas canciones en vivo y el primero era la gente que quería escuchar las canciones.

Lo que no tiene que suceder es que se pierda, aunque cada vez sucede más porque la tecnología pone el show más cerca. Estamos a dos minutos de que te toquen el timbre y te bajen un balde de pochoclos para ver un show de los Stones en la puerta de tu casa, que venga Mick Jagger y te diga: “Te traigo la pizza, quédate acá, no vengas”. Lo que no puede suceder, y los músicos intentamos que no suceda, es que se pierda la diferencia entre el vivo y quedarse en casa viendo un recital por Flow. Que el Flow sea una cuestión de distancia, que no lo podés ver porque estás a 1000 km: al momento en que pongamos en duda si vamos a ir a un recital o no porque lo tenemos apretando un botón del control remoto, estamos al horno.

—¿Qué pueden ir adelantando sobre esta presentación en el Teatro Flores? ¿Tienen algo pensado que puedas adelantar?

Mirá, nosotros en lo que va a ser la presentación oficial de este nuevo disco vamos a repasar un poco la discografía de Lörihen, porque no podemos obviarlo. Vamos a hacer hincapié en el nuevo disco, La Magia del Caos, que es un disco que nos está trayendo muchas alegrías y que nos permitió volver a un montón de ciudades a las que no íbamos hace mucho tiempo. Así que lo vamos a tocar casi, te diría, en su totalidad, y después vamos a complementar con otras 12 o 15 canciones más de los discos anteriores.

—Va a ser largo, largo.

Va a ser largo, sí. Va a ser una veintena de canciones, yo calculo. Nosotros hemos tocado 25 para los 25 años, me acuerdo que fue un show de 2 horas y cuarto, un show de 25 canciones en el que terminamos extenuados, pero felices, ¿no?, por todo lo que implica y significa.

—Cuando te hice la primera entrevista, el disco todavía no había salido, y obviamente ahora ya está hace varios meses en la calle. ¿Cómo viene la recepción de La Magia del Caos? ¿Pudiste leer algunos comentarios?

Bien, la realidad es que viene bien. Lo notamos en las convocatorias, en cómo la gente canta las canciones, y en el tiempo que la gente tardó en asimilar e incorporar las canciones. Eso te da cuenta si el disco gustó o no, al mes o a los dos meses te das cuenta. Así que nada, es un disco que gustó mucho, que me parece que tiene mucha musicalidad y que un poco nos hace volver a los orígenes de la banda, que eso también siempre gusta, viste.

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—Con lo de los orígenes, habíamos mencionado eso de que está todo hecho con una sola guitarra, como en los primeros discos de la banda. Al principio era una sola guitarra, luego sumaron dos, y después volvieron a una sola. Es como una vuelta a la manera de manejarse en los orígenes.

Tenemos varios discos, el primer disco Utopía fue compuesto con una sola guitarra. El recurso armónico, si bien está en las voces, en arreglos y detalles, no está en la parte rítmica: ésta siempre fue pensada para una sola viola.En este nuevo disco se pueden encontrar esas cosas así, es un disco pesado y que tranquilamente puede remitir al primer disco de Lörihen.

—Se nota un cambio en el sonido y estilo de la banda desde los primeros discos hasta ahora. Los primeros discos que eran más power clásico, heavy power o como quieras llamarlo, y estos últimos discos que tienen influencia más hard rock o de heavy clásico. Y yo estaba buscando algunas entrevistas que te habían hecho, y en una mencionabas que en su momento sentías como una saturación en el mundo del power metal, sobre todo en el power metal argentino. Como que había muchas bandas power y que medio… no solamente había muchas, sino que eran muy parecidas entre ellas.

Sí, yo creo que hubo un tiempo, por aquellos años cuando se gesta todo esto, en el que claro, el género empezó a tener exponentes y referentes por todos lados. Que Lörihen, por ahí, tuviera un primer disco orientado al Power Metal no fue una cosa pensada, sino una decantación natural hacia dónde fue el material que compusimos. No fue pensado como puede ser hoy el último disco, que está más dirigido el rumbo o más enfocado. En ese momento, salió lo que tenía que salir porque éramos pibes, yo era un pibe de 19 o 20 años que estaba escribiendo sus primeros temas.

Pero creo que sí, en su momento éramos muchas bandas, se vivió una época hermosa por aquellos años, pero necesitábamos, yo por lo menos, darle un poco de aire a las canciones. Después de Paradigma, que fue el tercero de la banda en el año 2003, yo ya estaba por ahí canciones que hagan más peso o tengan más foco puesto en la melodía vocal, en la cuestión armónica de las melodías, y que toda la composición gire en torno a eso. Entonces por ahí el recuerdo armónico estaba más enfocado en las voces.

Los discos posteriores tienen otra ingeniería, uno los tiene que pensar de otra manera. No es garantía que cuanto más cosas uno meta en un disco, mejor va a sonar. Todo lo contrario, a veces se puede ser más contundente cuando se depura más o cuando tiene menos recursos o no tiene planos tan agresivos y la cosa es más sutil, el disco entiendo que es más contundente. Es un poco lo que buscamos con Bajo la Cruz y con los discos que vinieron después.

—¿Viste algún comentario de alguien…? No digo quejándose, ¿pero sí diciendo que no le gusta tanto la onda de los nuevos discos?

Sí, hay gente, que está perfecto. No tiene por qué gustarle a todo el mundo, lo que uno hace no deja de ser una expresión artística que está directamente relacionada con lo que uno está sintiendo y lo que está sucediendo en el seno de una banda. Es una foto de una momento que está atravesando una banda, con lo cual puede haber gente a la que no le rinda ni le sirva lo que estamos haciendo ni cómo estamos diciendo, como en otro momento sí pudo haber sintonía y armonía con esa persona y podemos haber conectado porque escuchó una letra que hablaba de algo que le había sucedido, la interpretó, le bajó una idea y esa idea lo hizo sentirse reflejado en lo que estábamos diciendo

—Encima podemos decir que si Lörihen se hubiera mantenido en esa onda de power no estaría en el lugar en el que está ahora.

Es que hay una cuestión, por ahí, de noción musical. En primer lugar, de decisión artística. Antes de cualquier cosa, hay una decisión artística de hacia dónde enfocar un proyecto, que tiene que ver con lo que está viviendo cada uno y con lo que tiene ganas de comunicar: si va al mensaje, si va a la parte lírica. Pero lo musical va directamente de la mano de lo que uno está viendo y de la música que está escuchando, lo que gira en torno a uno. Este último disco La Magia del Caos es un disco que compuse cuando tenían entre los 45 y los 47 años, es muy difícil que suceda lo mismo en la vida de una persona de 45, 47, 50 pirulos que en la vida de una persona de 18, 19 años: es imposible, inviable.

Con lo cual, digo, entra a jugar la idea de una puesta en escena. Yo compuse muchos años jingles y música para películas, para marcas, con una puesta en escena. Con un “necesito que esto sea así, necesito que me pases un audiologo de 15 segundos ¿Qué querés? Algo country, una música… Bueno, dale, te armo la música country con el mensaje, la letra va a decir esto, va a decir pum, te lo armo en red, te pongo…”.

Ahora, cuando un artista se sienta a expresar y a dejar en un disco reflejado lo que le sale de las entrañas, yo la verdad que dejo que la cosa fluya. Como decía anteriormente, por ahí con un andarivel de “hasta acá” y “hasta acá”, delimitando por ahí la propuesta y el recurso musical que uno va a usar, pero tenés que dejar que fluya la cosa. Porque de eso se trata, así se han generado y se han gestado los mejores discos, y es lo que uno busca, ¿no?

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—Cuando hablamos de los primeros discos de la banda: visto a la distancia, y con distancia son décadas ya a esta altura, ¿vos te ponés a ver los primeros discos de la banda? ¿Hay alguna cosa específica en alguno de los discos de Lörihen en el que digas: “Esto específico, de verdad lo podríamos haber hecho mejor”? Por ejemplo, agarro y tengo notas que hice hace 4 o 5 años, me las pongo a leer de vuelta y digo “¿Qué quise…? ¿Por qué escribí esto”.

¡Claro!

— ¿Te pasa eso? ¿Alguna vez te pusiste a escuchar esos discos y decir “Ah, esto podríamos haberlo hecho mucho mejor”?

Lo que pasa es que un disco no es una frase hecha, es como un hijo. Y es una foto fiel reflejo de lo que uno estaba atravesando, viviendo. Yo difícilmente le pueda poner un ojo crítico a un disco una vez que salió, años después. Lo vuelvo a escuchar, pero desde otro lugar, no desde el lado de “bueno, a ver si esto”. Una vez pensaba en sacar un disco que pudiera llegar a encontrar su versión 2.0 en años, le hago el upgrade, le cargo unas strings o le sumo un teclado, le sumo esto, le sumo lo otro. Pero la realidad es que uno suelta el disco, lo deja ir, y es lo mejor que pude haber hecho en ese entonces. O no, es lo que quiso hacer, con todos sus defectos pero vale por lo que refleja en ese momento.

Entonces, por ahí lo más importante es permitir que el disco vaya donde tenga que ir, que la canción vaya donde tenga que ir, que sea recibida por quien quiera tomar ese mensaje, tomar esa canción. Con los años, la visión más crítica que uno puede tener es el ojo técnico, Si se quiere, si esto lo hubiera hecho sonar de otra manera…

No me gusta cómo suena el redoblante de Paradigma, mirá vos, eso que me pasé, no sé, seis meses mezclándolo. Bueno, no me gusta dónde lo llevé. Tengo que pensar en ese momento el recurso técnico que había, la computadora que se usaba para mezclar, era de 2003, y el recurso humano de conocimiento que tenía no era el que tengo hoy. Mi criterio estaba clavado en aquel momento con un montón de información menos en la cabeza. A su vez, es experiencia, ensayo y error, y te permite también desandar o hacer más fáciles ciertas cosas.

—Es agarrar y decir “Sí, en entonces días lo habría hecho de otra manera, pero en ese momento era lo que se podía lograr con lo que tenía”.

Lo que pasa es que lo que te salió, más que lo que se podía, porque “lo que se podía” suena a que quedó corto, ¿viste? Suena a que no llegué. No, fue lo mejor…

Lo mismo me sucede con discos de otras bandas. No sé, escucho el Walls of Jericho de Helloween, Piece of Mind de Maiden, The Dark Side of the Moon de Pink Floyd, el Álbum Blanco de los Beatles, o All Along The Watchtower de Hendrix. Podríamos estar toda la noche toda la noche, y digo “¡Qué discazos, boludo!”. Claro, suenan bien y algunos no, pero para ese momento reflejaron lo que el artista quería decir con el mejor recurso que se pudo, el recurso técnico, pero no así el recurso artístico. Hay discos que son una cagada, no tengo duda, digo que son hechos a medida, sin criterio porque había que sacar un disco, había que componer algo, pero cualquier disco que tiene corazón y que está hecho de manera auténtica es súper valorable.

—Esas imperfecciones generaron esa conexión con el público.

Total.

—Ustedes justamente se toman su tiempo entre discos. Desde hace varios años, como que se toman su tiempo: tuvieron 5 años, 8 años entre discos. Eso es algo en lo que podemos estar de acuerdo, el tiempo que se toman. Esto no es de ponerte presión ni nada, pero ¿estás pensando en el siguiente disco? ¿Cómo trabajan en ese tema de la composición? ¿Sos de agarrar y guardar ideas?

No, ¿sabés que tengo un montón de ideas? Un montón de discos externos, algunos me los robaron, los perdí, pasó el año pasado. Yo siento que tiene que haber un disparador, algo que me diga de arrancar con el nuevo disco. De a poquito voy empezando, pero tiene que haber un disparador. Después, las ideas que quedaron en el camino para un disco no suelo agarrarlas, arranco con un “New Folder”, un proyecto vacío, una hoja vacía de ruta para ir hacia donde tengamos que ir, creo que eso enmarca todo lo que viene después. Por eso digo que el disco es una foto súper fiel de lo que está sucediendo en un periodo de tiempo previo a la salida del disco, al año anterior o los dos años anteriores.

Sí, nos tomamos el tiempo es por la demanda que tiene cada disco. Generalmente me gusta tener, no sé, 20 canciones para grabar y dejar 10 o 12, pero tener 20 canciones, con lo cual hay un laburo de preproducción y de horas en estudio y de composición que es monstruoso. Es mucho el tiempo que uno pasa en el proceso de composición, grabación, mezcla y master.

—Vos no trabajás con descartes del disco anterior. Cada disco arranca de cero.

No me va eso, porque son canciones y arreglos que no llegaron a salir. Entiendo que empezás a modificar, pero son cosas que no están sucediendo en ese momento, son ideas que venían de años anteriores que no sé si tienen mucho sentido con lo que uno hoy está sintiendo: la vibra, el estoque, lo que uno quería decir. Yo prefiero borrar y arrancar de cero.

—Allá por, creo que fue 2017, sacaste este disco, Alas, que es tu disco solista. Es un disco de rock, blues, no sé muy bien cómo definirlo. Es un disco de rock, pero está muy alejado de cualquier cosa que hayas hecho con Lörihen.

Sí, totalmente. Hace bastante que no lo escucho ese.

Ese disco es un interludio que se vio envasado en Alas. Diría que refleja lo que sucedió musicalmente conmigo entre 2010 y 2014-2015, que salió Aún Sigo Latiendo. La idea fue no detenerme, no dejar de componer, pero con Lörihen habíamos decidido hacer una pausa. La verdad es que estaba cansado de la producción, de laburar, de armar las giras y demás, así que decidí tomarme un tiempo, fue casi un año cuasi sabático que me puse a componer cuatro o cinco temas que después formaron parte de Alas. Lo que pasa es que después empecé con el proceso creativo de Aún Sigo Latiendo y salir a girarlo. Así que entre la composición y la salida de Alas pasaron cinco años.

—Sí, lo estoy escuchando. Es muy diferente, me recuerda a los temas más accesibles de Pappo en su última etapa, con las voces femeninas de fondo. Tiene ese toque de blues, pero no el blues pesado, sino algo más suave. ¿Alguna vez pensaste en seguir con esa carrera solista? ¿Sacar un sucesor de Alas?

No lo descarto. Tengo, de hecho, tengo algunas cosas. Empecé a componer para lo que se convirtió en La Magia del Caos, y algunas ideas que estaban apareciendo me re tiraban para ese lugar más blusero. Yo tengo una conexión bastante fuerte con todo lo que es el blues, porque de chico escucho muchísimos violeros de blues, de Vaughan a Hendrix, pasando por Albert Collins, Albert King, Buddy Guy, de más para acá Bonamassa, cosas de Mayer. Un montón de violeros que me gusta la impronta que le dan y las canciones melódicas, con toda esa cosa súper blusera.

Pero la realidad es que no lo quiero hacer sin tiempo, y desde Desconexión para acá me metí muy de lleno en lo que fue Lörihen.

—No sé si vos viste esto que había pasado, habían sido Andreas Kisser y Derrick Green de Sepultura. Creo que fue que estaban con la gira despedida de Sepultura y habían dicho que tenían pensado armar un proyecto de reggae después de la gira despedida de la banda, que a muchos les causó gracia, porque “¿qué carajo hacen los músicos de Sepultura pensando en tocar reggae?”. Pero la idea de armar un proyecto aparte para música que nada que ver, aparte de la carrera solista, ¿nunca pensaste eso o es demasiado trabajo?

No, no tengo el tiempo para hacerlo como me gustaría. Y entiendo que lo de Sepultura, por ejemplo, me parece súper razonable. Pensá en los años que arrancaron con ese proyecto y claramente pudo haber habido un… digo, no es que uno se mete en un género y por eso no va a hacer otra cosa. Pero incorporás otras cosas, y con los años está buenísimo que así suceda.

Estoy seguro de que Rob Halford, en la casa, escucha pop. No tengo dudas de que Steve Harris escuche discos de Abba, escucha cosas de Eric Clapton, escucha los Beatles. Uno también necesita descontracturar un poco, no ponerle etiquetas a lo que uno hace. Tiene que tener tiempo, obviamente.

—Para ir cerrando, ¿qué le querés decir a la gente que va a ir al Teatro Flores?

Que es importante para una banda como nosotros, que después de tantos años sigue apostando y que hace una apuesta tan fuerte como la de producir y autogestionar un Teatro Flores, sentirse acompañados. Creemos que hicimos uno de los mejores discos de Lörihen y que va a ser uno de los mejores shows. Así que me parece que es una súper oportunidad para asistir y no tengo dudas de que va a ser una fiesta.

Estamos ya solamente a un mes del inicio del tercer Candelabrum Metal Fest que se celebrará este sábado 7 y domingo 8 de septiembre en la Velaria de la Feria de León, en el corazón del Bajío mexicano y hace poco se dieron a conocer las bandas que participarán en la pre fiesta oficial al evento, misma que ya puede ser considerada como el primer día de actividades del festival, a realizarse el viernes 6 en Rockstar Burgers, ubicado en el mismo complejo universitario donde se llevará a cabo el festival.

Esta fiesta contará con la participación de bandas tanto locales, como internacionales, conformando el cartel Morta Skuld desde Wisconsin, Dark Meditation de Seattle, así como las bandas nacionales The Pit, Hagel, Sutura y Godbelow, jóvenes promesas del black nacional, cuyos miembros han desfilado por proyectos nacionales e internacionales como Satanic Rites III, Dodsfall, Dark Matter y Circle of Ashes y con quienes pudimos tener una excelente charla a propósito de la trayectoria de la banda y de este evento, que se realizará en su propia ciudad.

¿En qué año y cómo se formó el proyecto?

Se formó a principios del 2019 y la idea base era la de hacer una banda de covers de black metal para tocar solamente una vez. La alineación era Raúl en la guitarra líder, Timmy en la voz, Francisco en la batería, Fer en la guitarra Rítmica y Noe en el bajo, quien nos ayudó en esas presentaciones cuando éramos una banda de covers.

¿Cuáles fueron las bandas más importantes para influenciar su sonido?

Podríamos decir que las bandas principales serían Shining y Mgla, adicional a eso podríamos mencionar a Altar Of Plagues, Lantlos o a Advent Sorrow.

¿Cómo fue el proceso de grabación de su primer álbum?

Fue muy rápido y productivo. Aprovechamos la pandemia para a hacer ese disco, inmediatamente en cuanto habíamos acabado de grabar nuestro primer EP y era la primera vez que nos metíamos a grabar en Urvn Studios. El trato con Rubén fue excelente, es muy buen productor y nos ayudó en muchas cosas ahí dentro del estudio las cuales le agradecemos totalmente.

¿Cuáles han sido sus conciertos favoritos en la carrera de la banda?

Cada concierto es diferente y todos tienen su lado bueno, pero si tuviéramos que mencionar sólo algunos, sin duda nos quedaríamos con los eventos donde les abrimos a Marduk y a Rotting Christ en León y Toluca respectivamente, ya que fueron eventos sold out y el recibimiento y comentarios de los asistentes fueron muy gratificantes.
Y hablando de la gira nacional que hicimos en el 2023 para la presentación de nuestro LP “Noogena”, sin duda nos quedaríamos con las presentación de Monterrey ya que fue una de las fechas donde más apoyo recibimos del público, ya que prácticamente nos compraron toda la merch (playeras y discos) que llevamos. Y por último y no menos importante la presentación aquí en León de dicha gira, ya que afortunadamente el apoyo de nuestros paisanos no nos deja abajo y fue de igual manera un evento sold out.

¿Cómo surge el contacto con la organización del Candelabrum Metal Fest?

Estuvimos escribiendo a la organización desde el año pasado, mostrándoles nuestra propuesta y nuestro interés por participar, ellos nos agradecieron y nos comentaron que estarían en contacto más adelante. Hace un par de meses uno de los organizadores nos contactó directamente y nos ofreció la oportunidad de participar en la pre fiesta.

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¿Qué pueden opinar de las otras bandas con las que estarán compartiendo escenario?

Candelabrum se ha destacado por incluir bandas de la escena underground y en ocasiones anteriores prácticamente todas han recibido muy buenos comentarios. Así que estamos seguros de que será una muy buena noche

¿Cuáles son sus expectativas para este concierto?

Estamos muy emocionados por ser parte de un evento tan importante y bien organizado como lo es esta pre fiesta, ya que sabemos que la mayoría de los asistentes al festival por ser foráneos llegan a la ciudad días antes del festival y pues muchos acuden para empezar a calentar motores. Es por ello que tenemos una gran oportunidad de llegar a nuevos escuchas tanto nacionales como internacionales, de igual manera sabemos que muchos de los integrantes de las bandas que tocarán en el festival también acuden y sabemos que dando todo de nosotros como lo hacemos cada show que tenemos, podemos abrirnos las puertas para shows más grandes ya sea nacionales o internacionales.

¿Qué viene en el futuro de Godbelow?

Definitivamente nuestra prioridad en este momento es terminar de componer nuestro segundo álbum de larga duración. Ya tenemos prácticamente 3 canciones nuevas pero seguimos componiendo. Posteriormente planeamos hacer otra gira nacional para presentar el nuevo material en vivo y ver la posibilidad de organizar un tour en Latinoamérica.

¿Algo más que quieran decir a nuestros lectores?

Darles un agradecimiento a todos ustedes que nos han escuchado y nos han apoyado y creer en su escena, al Candelabrum por la invitación de tocar en su pre fiesta y a ustedes por habernos hecho está entrevista, se los agradecemos y pronto tendremos más música nueva.

Al black metal se lo suele relacionar con los riffs fríos, los gritos, la blasfemia, el corpsepaint y demás características. Pero es un estilo muy amplio y con lugar para muchas expresiones diferentes, como podemos ver con el proyecto neerlandés  Alburnum. Formado en 2017 por el multi instrumentista D.B. y recientemente aumentado con la incorporación del baterista Robbert van Rumund (R.v.R.), este grupo combina los sonidos del black metal con la melancolía de los instrumentos folk, dando lugar a una mezcla muy personal. En contacto con D.B., el músico le contó a Track To Hell la historia de la banda, los detalles de su LP The Withered Roots of Reality y los temas que tocan en este álbum debut.

¿Cómo surgió Alburnum?

Ya llevaba varios años tocando thrash y heavy metal antes de descubrir el black meta,l y decidí probar algunas ideas. Vivo en una zona muy conservadora de los Países Bajos y siempre tuve dificultades para encontrar compañeros de banda o lugares para ensayar, por lo que comenzar un proyecto en solitario me dio mucha libertad para hacer lo que quería. El COVID me dio el tiempo que necesitaba para terminar algunas canciones, y desde entonces no he dejado de encontrar más inspiración.

R.v.R. ha sido un buen amigo durante años, así que pedirle que fuera el baterista de sesión fue algo lógico. También es un gran cantante, y sus coros añadieron aún más profundidad a nuestro sonido. Sus contribuciones son definitivamente la guinda del pastel de todo el material. ¡Echen un vistazo a sus otros proyectos bajo el nombre de Chronos Defied!

¿Qué influencias musicales y temáticas han influido en la creación de “The Withered Roots Of Reality”?

Nuestro EP debut Buitenlucht (Aire Exterior) comenzó con un estilo más depresivo/minimalista de black metal. Los instrumentos folk se añadieron bastante a último momento, pero eso fue lo que realmente llamó la atención de mucha gente. Así que decidí apostar por completo la próxima vez y escribir un álbum completamente “folk” desde el principio. Por supuesto, bandas como Windir, Agalloch y Drudkh siempre han sido una gran influencia.

¿Cómo fue el proceso de composición y grabación de este primer álbum?

Comencé a componerlo inmediatamente después de terminar las grabaciones del primer EP en 2021. Eso tomó aproximadamente dos años, y luego otro año para la preparación, las grabaciones reales y la producción. Para mí, eso se sintió como mucho tiempo, pero supongo que dos años entre lanzamientos no está nada mal.

Soy muy detallista con mis arreglos, así que trato de tener la canción casi completamente terminada en forma de demo antes de siquiera considerar el tiempo de estudio. Aunque he aprendido a soltar un poco ese control; las cosas siempre cambian en el último momento, tal vez un relleno de batería diferente funcione mejor, tal vez agregue una capa extra de guitarra o quite algo que no funciona. Así que quiero dejar las cosas un poco más abiertas a la creatividad la próxima vez, tal vez eso acelere aún más el proceso.

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¿Hubo algún desafío particular que te enfrentaste?

Escribir y grabar el primer EP me enseñó mucho, por lo que la segunda vez fue mucho más fácil y menos estresante. Por supuesto, aún fue mucho trabajo, pero me gusta desafiarme a mí mismo. Grabamos las baterías y las guitarras eléctricas en el estudio de Wessel (Laster), luego me tomé una semana libre para grabar todas las partes de voces, guitarras acústicas, acordeón y mandolina en casa. Fue agotador, pero estoy muy contento con el resultado y lo volvería a hacer con gusto.

¿Podrías describir cómo combinas los elementos del black metal atmosférico y el folk en su música?

Supongo que surge de manera natural para mí. El primer EP ni siquiera tenía la intención de ser un disco “folk” hasta que la gente me convenció de que lo era. Así que cambié de rumbo para este álbum y realmente incorporé esas influencias. Me inspiro en bandas similares del género, pero también en mucha música folk irlandesa y escocesa, bluegrass y country estadounidense, algo de música clásica y bandas sonoras de películas. Los clásicos como Maiden y Priest siempre los tengo en mente.

En comparación con bandas similares, trato de evitar el uso de teclados y sintetizadores para hacer que las cosas suenen más épicas. En su lugar, es un buen desafío usar instrumentos reales y ver dónde encajan en la estructura de una canción. Por supuesto, me encantan bandas como Windir que usan muchos teclados, pero para mis propias canciones suena demasiado cursi y atrapado en los años 90. Prefiero un sonido más orgánico y natural.

¿Qué temas se abordan en “The Withered Roots Of Reality”? ¿Cómo se relacionan con el título del álbum?

El álbum trata principalmente sobre mis luchas personales con la salud mental, contadas a través de metáforas de folclore y misticismo. Trata sobre intentar conformarse con la sociedad moderna, anhelar tiempos más simples, sentirse perdido y desconectado de lo que te hace humano. La depresión es un tema importante, aunque no es un disco de DSBM (Depressive Suicidal Black Metal) en absoluto. Más bien es lo opuesto: superar estas luchas con gran esfuerzo, no regodearse en ellas.

¿Hay alguna canción en este álbum que tenga un significado especial para ti? ¿Por qué?

Para la introducción de la última canción del álbum, “A Veil of Darkness Upon My Ancestral Home”, usé una grabación original en cassette de mi servicio de bautismo de 1997. Ese es el órgano de la iglesia que se escucha mientras yo estaba en esa sala como un bebé. Así que eso tiene un significado realmente personal para mí, mucho más que una introducción ambiental genérica. Las letras también detallan las luchas con la salud mental que he tenido toda mi vida, así que todo encaja.

¿Cómo fue la experiencia de grabar y producir el álbum de manera independiente? ¿Cuáles fueron las ventajas y desventajas?

Anteriormente tuvimos una gran cooperación con Babylon Doom Cult Records, que desafortunadamente está cerrando. En ese momento el álbum estaba casi terminado y yo estaba bastante impaciente, así que decidí lanzarlo por mi cuenta en lugar de buscar otro sello. En realidad, me gustó mucho la libertad, y estoy contento de que el álbum esté ahí afuera ahora en lugar de retrasarlo hasta que alguien más diga que sí. Por supuesto, un sello podría habernos dado más exposición, así que tal vez busquemos uno nuevamente para el próximo disco. Pero lo estamos haciendo bastante bien como banda independiente en este momento.

¿Cómo ha sido la recepción del público y la crítica hacia su primer álbum hasta ahora?

¡Muy buena! Hasta ahora, solo he visto reseñas positivas, incluso a nivel internacional. No estamos reinventando el género ni nada por el estilo, pero ese tampoco era el objetivo. Solo queríamos hacer un disco realmente sólido en este estilo, y lo logramos.

¿Cuáles son sus planes a futuro?

Tenemos suficiente material de demostración para al menos dos nuevos lanzamientos. Probablemente un EP corto y un álbum completo más largo, pero eso aún podría cambiar. Será más lento, más pesado y más oscuro que nuestro último álbum, pero definitivamente manteniendo las melodías y los instrumentos folclóricos. ¡Esperamos que esté listo dentro de unos dos años!

¿Tienen presentaciones en vivo para promocionar “The Withered Roots Of Reality”?

Todavía no. Me encanta tocar en vivo y lo he hecho con otros proyectos, pero lleva mucho tiempo y energía organizarlo mientras también trabajo a tiempo completo. Así que prefiero dedicar ese tiempo a escribir nuevo material de estudio en su lugar. A veces recibo ofertas, ¡así que quién sabe dentro de unos años!

¿Qué les gustaría decirles a nuestros lectores y a sus seguidores?

Gracias por el apoyo e interés. Cualquier venta a través de nuestro Bandcamp va directamente hacia hacer posible nueva música. ¡Esperen más de nosotros en los próximos años!

Con más de 15 años de experiencia, Frater es una de las bandas con mayor crecimiento en la escena del metal argentino, un ambiente donde muchas veces parece que las bandas “nuevas” la tienen el doble o el triple de difícil. Con su tercer álbum Sangre y Viento ya disponible, pudimos comunicarnos con su bajista Andrés Zadunaisky para que nos cuente todo sobre la historia de la banda y el enorme recital que van a estar dando el sábado 10 de agosto en El Teatrito de Buenos Aires.

Para darlos a conocer a nuestros lectores de todo el mundo, ¿cómo y cuándo se formó la banda?

Frater se forma en el 2008 en la ciudad de Buenos Aires, inicialmente entre Andrés Bori, guitarrista y cantante y Federico Mele, baterista, quienes deciden, luego de tener una banda de metal progresivo llamada Eco, donde las cosas no salen según lo esperado, iniciar otra banda muy diferente, con otros objetivos tanto musicales como proyectuales, donde el foco esté puesto en la mixtura de estilos y una impronta musical muy marcada en el metal extremo y el death metal pero con un fuerte agregado melódico.

En esos años la banda graba su primer EP con la primera formación y un par de años después entramos Joaquín Gómez, actual guitarrista y yo a la banda para la grabación de nuestro primer álbum “Into the Light” en el año 2012.

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¿Cómo ha evolucionado el sonido de la banda desde sus inicios hasta el presente?

El sonido de la banda a lo largo de los lanzamientos se ha ido profundizando en esa idea inicial de mezclar estilos dentro y fuera del metal, agregar variaciones rítmicas más construidas desde lo progresivo y utilizar matices de voces muy distintos pero complementarios, haciendo de esto

nuestra identidad a la hora de componer y arreglar nuestros temas. En los tres discos que hemos lanzado está muy presente todo esto pero siempre tratando de elevar nuestra propia vara, tanto compositiva como en la ejecución a la hora de tocar y grabar. 

¿Cuáles han sido algunos de los desafíos más significativos que han enfrentado como banda?

Creo que en primera medida crear una identidad propia, amalgamando las distintas influencias y estilos que nos gustan para lograr que Frater suene a lo que suena en los discos y tratar que sea reconocible. Luego está el tema proyectual y las formaciones, nosotros hemos cambiado de integrantes algunas veces y eso siempre fue difícil por momentos, pero actualmente estamos muy sólidos en ese apartado.

Por último y no menos importante, superar el bache que hubo entre este último lanzamiento y el anterior, “Pulso en Eclipse” donde pasaron 7 años, la pandemia y muchas cosas en el medio que hicieron que esa parte de nuestra historia sea compleja, pero eso también devino en la inspiración para mucho del material que hay en nuestro último disco, así que todo es parte de lo que utilizamos para crear la música al fin y al cabo.

¿Cómo describirían el estilo musical de Frater?

Le escapamos mucho a las etiquetas y si bien el que lo escucha puede detectar lo que haya dando vueltas, preferimos decir que mezclamos lo que nos gusta y nos suena bien. Puede ser metal o no, puede ser progresivo o más directo, puede ser algo en la vena extrema o simplemente algo reminiscente al rock y puede entrar perfectamente en un tema.

Lo que sí hay en común es que hay una búsqueda de hacer música que suene a nosotros y que a la hora de salir a defender lo que grabamos podamos subirnos a un escenario y no solo pasarla bien sino llevar esa misma idea del disco a un vivo y que se traduzca lo más fiel posible.  

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¿Cómo equilibran las diferentes influencias musicales para mantener una identidad única?

Tenemos una filosofía muy ligada a la canción, donde un buen riff o una buena melodía siempre van a pesar más en la balanza. Eso allana el camino a la hora de seleccionar material y trabajarlo. Nos enfocamos en generar climas pero a la misma vez nos gusta que los temas tengan ganchos melódicos y pequeñas secciones rítmicas que atraigan al oyente y lo sumerjan en un lugar específico. Diría que cada canción cuenta una historia y esa historia se puede entender como que está pasando en un lugar donde uno puede sentirse dentro. Los distintos elementos que podemos usar para lograr eso, son muy vastos y tratamos de elegir lo que mejor represente la idea que se busca en cada pieza.

De todas maneras, al fin del día es el trabajo del que escucha hacer esa relación y encontrarle su propio significado tanto lírico como musical.

¿Hay algún álbum o canción en particular que sientan que marcó un punto de inflexión en su estilo?

Sería muy difícil, casi imposible responder eso porque hay tanta música dando vueltas cuando componemos y tocamos que ninguna respuesta sería la justa. 

Prefiero repetir lo que decía anteriormente, el objetivo es mezclar estilos o simplemente lo que nos gusta e intentar hacer algo que suene a nosotros y que sintamos que nos representa.

Mejor que el oyente saque sus conclusiones. 

¿Qué pueden contarnos sobre el nuevo álbum que están promocionando? ¿Cómo se diferencia de sus trabajos anteriores?

Este disco es más visceral que los anteriores, también por su temática pero aparte por el contexto en el que fue compuesto y posteriormente grabado.

Musicalmente está mucho en la línea del anterior, donde está muy presente el elemento melódico pero es más complejo en los arreglos y más crudo en el sonido.  

¿Cuál fue el proceso de composición y producción del álbum? ¿Hubo alguna novedad en esta etapa?

Bueno, hubo varias. En primer lugar la producción fue hecha por nosotros y la mezcla y el master por Fede Mele, nuestro batero, ya que él se dedica a esto y conoce del tema, con aporte de todos al proceso pero fue mano de él lograr lo que se logró. En discos anteriores la producción también estuvo a nuestro cargo pero mezcla y el master no, por ende el resultado estaba muy ligado a la visión de otra persona, en este disco eso no sucedió. Este disco es 100% nuestra visión y buscamos perfeccionar tanto la parte musical como la parte de producción y grabación.

Por otro lado, la inclusión de Juan Orcajada, nuestro actual cantante, le dio a la banda más matices de voces, más posibilidad de hacer arreglos y variaciones que abren un horizonte nuevo muy interesante. El aporte de Juan hace que todo suene más grande, más nutrido y pesado también y el contraste que se da con la voz de Andrés Bori termina dando una mixtura muy particular y nos parece que es de las cosas más significativas del disco y de esta nueva etapa en general.

¿Qué temas o conceptos principales exploran en este nuevo trabajo?

Hay muchos tópicos diversos en los temas que se conectan unos con otros, tengan que ver o no. No es un álbum conceptual pero muchos temas comparten ideas y temáticas en común.

El disco, al igual que los anteriores, hace foco en la dualidad de la vida y la muerte como tema central, pero desde allí se ramifica a otros lugares, desde cosas más cotidianas y directas a completamente subjetivas y sutiles.

Hay canciones con críticas hacia el manejo de la información y la llamada post verdad, el rol de los medios y las redes sociales, algunos con tintes más políticos pero también hay otros mucho más introspectivos y con una temática más personal, pero que en algún punto se unen con las ideas anteriores y viceversa. 

¿Cómo eligieron el título del álbum y qué significado tiene para ustedes?

Bueno, en representación de esa dualidad de la vida y la muerte que está presente también en discos anteriores. De todas maneras es una reducción bastante grande ponerlo así pero de ahí nace la idea del nombre.

No fue el único título que se barajó pero finalmente era el más representativo del material en su conjunto y nos parecía que era un buen guiño a otras ideas que había en los otros discos también.

¿Hay alguna canción del álbum que tenga una historia especial detrás de ella?

Hay un tema que se llama “Días” que dice básicamente que el precio de no tener memoria es repetir infinitamente los errores que uno comete. Esa canción es, seguramente, la más antigua de todo el disco, tiene muchos años ya que se compuso y se escribió la letra, apuntada principalmente a la visión de cosas que pasaban en nuestro país en esos años, pero haberla grabado hace algunos meses y ver la vigencia que tiene todavía le da más sentido y su significado sigue teniendo peso en el presente.

¿Qué pueden adelantarnos sobre el show del próximo 10 de agosto ¿Cómo están preparándose para él?

Estamos preparando un show que va a ser histórico, a la altura de la apuesta que estamos haciendo. Hasta el momento sería el show más grande que hicimos así que queremos que salga todo impecable y la gente se sienta dentro del disco y siendo parte de los temas y su historia. Nos gustan los shows inmersivos, con buenas luces, efectos visuales y un gran sonido así que estamos afilando todo al detalle para que sea algo inolvidable. También el setlist será acorde, con una lista extensa y explosiva. 

¿Van a tener invitados especiales?

Por el momento entiendo que no, pero puede haber sorpresas cerca de la fecha así que a estar atentos.

Imaginemos un gran festival donde tienen la posibilidad de armar el lineup siendo cabeza de cartel, con qué bandas les gustaría compartir dicho evento?

Como tenemos en puerta justamente un show histórico para nosotros vamos a decir que Fisión Nuclear y No Guerra, que son las bandas que nos acompañan en nuestra fecha de este sábado son las elegidas para una cita de este calibre.

Desde ya, muchas gracias por su tiempo, ¿últimas palabras finales para los fans?

Gracias a todo Track To Hell por la nota y aprovechar para saludar a todos los que los leen e invitarlos al Teatrito el 10 de Agosto para la presentación oficial de “Sangre y Viento”!

El mundo del metal y de las bandas sonoras son más cercanos de los que parecen: artistas como Karl Sanders (Nile) han hablado sobre cómo la música de películas épicas ha influenciado su música, y juegos como DOOM y Doom Eternal en los últimos años han llevado el sonido del metal extremo a mucha gente que seguramente nunca habría escuchado. En un panorama más humilde pero igualmente creativo tenemos a Sofía Frasz, la multi instrumentista estadounidense detrás de Exiled Hope, un proyecto que la tiene como única integrante y donde la música busca contar una historia de tintes tan épicos como trágicos a lo largo de sus canciones. Con su nuevo álbum Apocrypha a punto de salir, pudimos hablar con Sofía acerca de la historia de este proyecto, su manera de manejarse, la historia detrás de los álbumes y sobre por qué algunas cosas es mejor dejarlas en el estudio en vez de llevarlas arriba de un escenario.

—¿Cómo vienen las cosas con la promoción del nuevo álbum?

Ha sido agotador, pero fantástico. Nunca me había sentido tan apoyada como ahora, y tengo muchas habilidades nuevas a mi disposición. He estado haciendo muchas nuevas conexiones, incluso en medio del caos de la escuela de derecho y tratando de terminar con eso mientras trabajo en un par de empleos diferentes. Pero sí, es realmente emocionante y me da algo a lo que esperar y algo por lo que trabajar. Así que, sí, supongo que estoy en un lugar mucho mejor que hace un par de años con este proyecto.

—Sí, justo vi que tu cuenta de Instagram es “Legally_Metal”…

¡Sí! Es un chiste con Legally Blonde (Nota del traductor: La película que en España se conoce como Una Rubia Muy Legal y en Hispanoamérica como Legalmente Rubia).

—Si no estoy equivocado, esta es la primera entrevista que das a un medio en español. Así que comencemos desde el principio, así nuestros lectores pueden conocerte. ¿Cómo comenzó Exiled Hope?

Exiled Hope comenzó en 2019, cuando estaba terminando mi primer año de universidad. Había estado en una banda de indie rock alternativo durante mi primer año de universidad, pero no era el escape creativo que realmente estaba buscando. Ya sabes, cuando estás en una banda tienes que hacer compromisos, y no hay nada de malo en eso si es lo que quieres hacer pero simplemente no era el entorno adecuado para la música que quería crear y las historias que quería contar. Estaba realmente impaciente por comenzar con mi propio proyecto, pero no tenía las habilidades necesarias para tocar todos los instrumentos yo misma ni para hacer todas las partes vocales por mi cuenta. Además, no tenía a nadie en mi equipo para la mezcla y la masterización. De hecho, en esos primeros días no sabía que eso era algo que tenías que hacer para que tu música fuera escuchable.

Sí, comencé completamente desde cero, haciendo todo yo misma. Me enseñé a tocar el piano para hacer todas las partes de sintetizador y teclado en mi música, con este pequeño teclado MIDI que había comprado en una tienda de música. He estado tocando la guitarra desde que tenía 12 años, así que esa fue probablemente la parte más fácil del proyecto para mí. La parte más difícil fue juntar todas las piezas, porque cuando solo tocas tu propio instrumento, o solo tocas un instrumento y no está realmente en el contexto de las canciones o tocando con otras partes de la música, no estás activamente juntando esas piezas tú misma. Terminas teniendo que reaprender a tocar tu instrumento para que tenga sentido en el contexto más amplio de la música que estás tratando de crear.

Me había considerado una buena guitarrista, pero a partir de entonces tuve que repensar la manera en la que me acercaba a mi instrumento principal, ahora en el contexto de crear todas estas nuevas canciones desde cero, con todas mis propias partes instrumentales. Luego, en algún momento de 2021, sentí que había llegado a un estancamiento con respecto a mis habilidades vocales, así que tomé clases de canto pop contemporáneo. Eso hizo que mi nivel de habilidad en términos de canto y composición se disparara, porque entonces aprendí a escribir canciones para mi rango vocal, para mi conjunto de habilidades, y a hacer que todas las partes se complementaran de una manera que estaba a punto de descubrir antes, pero que aún no había logrado. Así es como comenzó Exiled Hope: comenzó porque me sentía inquieta y no podía expresar completamente lo que quería dentro del contexto de la banda en la que estaba. Luego me pregunté: ¿por qué no lo intento y veo a dónde me lleva? Y ahora estamos aquí.

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—Es realmente agradable escuchar que has tenido que aprender a tocar un instrumento, porque estoy muy acostumbrado a esos proyectos de metal en los que un músico toca todos los instrumentos. Los escucho hablar sobre tener que grabar la guitarra, el bajo, los teclados y la batería, y me pregunto cómo hicieron para aprender a tocar todos estos instrumentos al mismo tiempo. Es genial escuchar a alguien decir: “Sí, tuve que aprender a tocar teclados y otros instrumentos”.

Quiero preguntarte sobre el nombre “Exiled Hope”. Es algo intrigante, ¿cómo surgió?

Siempre tuve la intención de que el proyecto fuera conceptual. Así que, “Hope” es un personaje en la historia general de los álbumes que escribo. El nombre “Exiled Hope” surgió cuando estaba desarrollando la historia de una mujer que se convierte en una especie de heroína popular en su ciudad. Ella se convierte en una figura legendaria en el contexto de ser rechazada por su sociedad porque ve toda la corrupción que está ocurriendo entre los políticos de la ciudad y el liderazgo. Ella intenta alertar sobre eso y es exiliada de su ciudad. El nombre “Exiled Hope” proviene tanto del nombre del personaje como de lo que ella representa: personas que no entienden completamente o no se atreven a esperar algo mejor en la posición en la que se encuentran actualmente. Así que, el nombre representa su arquetipo como esta heroína fuera de la ley en el contexto más amplio de la historia. Es el personaje, pero también el sentimiento de esperanza que está asociado con él.

—He visto muchos adjetivos diferentes al describir tu música, como metal sinfónico, power metal, black metal, gótico, etc. En tus propias palabras, ¿cómo describirías la música de Exiled Hope?

Recientemente, llegué a la descripción de “blackened power metal”, que creo que describe de manera más precisa la combinación de lo que hago. Es decir, juego con una variedad de géneros, porque una vez que tengo una idea, o escucho canciones mientras escucho música de manera casual y pienso “esto suena genial”, escucho potencial para algo más que quiero explorar y llevar a mi propia música.

Hay muchas cosas pasando y no es estrictamente black metal ni power metal, y a veces no es ninguno de esos estilos. Pero creo que esa etiqueta de género abarca la concepción más amplia de lo que es el género, porque el power metal puede ser muchas cosas. Por ejemplo, bandas como Sabaton y Kamelot, y tal vez incluso Nightwish podrían considerarse power metal en algún momento. El punto es que es un género muy amplio y no siempre habla tanto del estilo de la música como del carácter distintivo del proyecto y su esencia.

En el sentido de que es una historia conceptual épica contada a lo largo de varios álbumes, y eso es lo que el power metal representa: llevar esas historias a la vida y crear algo enorme para que los oyentes sigan y se relacionen de maneras especiales. Así que sí, diría que la mayoría de mi música encaja bastante bien en ese espectro de metal extremo a power metal.

—Tus dos primeros álbumes salieron en 2020 y 2021, pero luego tomaste tres años para lanzar este nuevo álbum, Apocrypha. Escribí esa pregunta y luego pensé: “Bueno, 2020 y 2021 fueron años de pandemia”. Así que, ¿qué pasó en medio de esos tres años?

En el medio empecé la facultad de derecho, lo cual fue un gran desafío y consumió mucho de mi tiempo: en agosto voy a comenzar mi último año y después terminaré de una vez por todas. Eso me permitió dar un paso atrás y reflexionar sobre mi música y mi carrera. Sentí que había llegado a un estancamiento después de lanzar mi segundo álbum, así que decidí que necesitaba tiempo para entender qué me faltaba.

En ese período, me enfoqué en mejorar mis habilidades. Tomé lecciones de canto, lo cual elevó considerablemente mi capacidad vocal y mi habilidad para componer. También conocí a un ingeniero de audio a través de Instagram, con quien empecé a colaborar. Desde 2021, él ha mezclado y masterizado toda mi música.

Además, trabajé en versiones de canciones de otros artistas y las subí a mi canal de YouTube. Aunque no son el enfoque principal de mi proyecto, es una manera de demostrar que sigo aprendiendo y evolucionando. Aprendí mucho al estudiar a otros compositores y artistas que admiro, y traté de incorporar esos aprendizajes en mi propia música.

En resumen, esos tres años fueron un período de crecimiento y autoexploración. Me ayudaron a mejorar mis habilidades y a clarificar mi visión artística, y ahora estoy emocionada de finalmente compartir todo lo que he aprendido y desarrollado con Apocrypha.

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—Así que, este tercer álbum, Apocrypha, ¿qué puedes contarnos sobre él?

Puedo decirte que es un álbum conceptual, como todos mis álbumes. Se desarrolla en el mismo universo que los dos primeros, pero es una especie de desvío hacia la mente de otro conjunto de personajes en el mismo mundo.

Se trata de secretos, de averiguar lo que ocurrió antes que tú, y de lidiar con la tensión entre lo que piensas que puedes hacer con un tremendo poder, y lo que realmente eres capaz de hacer con él y lo que los demás esperan que hagas con ese poder.

La historia se centra en uno de los personajes que es descendiente del personaje que exilió a Hope y eventualmente la mató en el primer álbum. Este personaje está luchando con su lugar en la secuencia de eventos y con lo que puede hacer para abordar su pasado y contribuir de manera más positiva al legado de Hope, intentando ser mejor de lo que siente que estaba destinado a ser, basándose en la trayectoria y el camino que le ha sido impuesto por la sociedad y por las personas a su alrededor.

Entonces, esencialmente se trata de él luchando contra todas estas fuerzas y tratando de superar todos los obstáculos para averiguar quién es en medio de todo esto.

—Es interesante, porque estaba pensando en todas esas bandas que tienen una historia a través de todos sus álbumes como Coheed & Cambria y Rhapsody of Fire. ¿Cómo conceptualizas toda la historia que quieres contar?

En cada álbum, es como un arco narrativo. Generalmente, empiezo con el tema general. El primer álbum establece el tono para todo el universo con la historia de fondo de Hope y cómo ella se convierte en una figura mártir en este universo. Luego, el segundo álbum, Angel of Greytown, explora cómo el legado de Hope ha impactado a la gente de esa ciudad, cientos de años después de su muerte y tras la toma de poder por fuerzas malignas.

Apocrypha trata sobre encontrar tu propia voz en medio de las diferentes fuerzas que intentan convertirte en algo que no estás seguro de querer ser. Habla de volver al pasado, a la historia, y a las personas a tu alrededor para descubrir cómo sortear todos esos obstáculos y averiguar quién eres. Así que va de lo muy amplio a lo muy específico en ese marco temporal, comenzando con la introducción del universo y la historia, y luego el álbum 3 profundiza más en los sentimientos y conflictos internos y externos de personajes específicos. La historia o el capítulo se desarrolla según lo que tenga más sentido contar basándose en dónde quedó el último capítulo.

—Estaba pensando en el nombre del álbum, Apocrypha, porque ese es un término bíblico, relacionado con falsificaciones y textos no canónicos. Entonces, me preguntaba cómo se relaciona esto con el tema de los otros álbumes.

El nombre Apocrypha esencialmente se refiere a todos los secretos que este personaje debe descubrir para entender quién es realmente y quién quiere ser, porque hay muchas cosas que se le ocultan para asegurarse de que permanezca en el camino predestinado para él. Así que hay personajes en la historia que intentan evitar que descubra la verdad y desentierre esos secretos apócrifos, para que no pueda desviarse del plan que han establecido para él.

—¿Cómo crees que el sonido de Exiled Hope ha cambiado con el tiempo, desde 2019 hasta 2024? Por ejemplo, comparando el último álbum con el álbum debut, ¿cómo crees que ha evolucionado?

Bueno, está mucho más enfocado, diría. Pero también es un sonido más enfocado con una mayor experimentación concentrada. Es más sonoramente diverso, hay delimitaciones más claras entre los estilos musicales en las canciones de este álbum. Eso viene de que realmente he descubierto cuál es mi estilo y cómo jugar con diferentes estilos de manera efectiva, mientras que antes solo estaba tratando de descubrir quién era como música. Ahora tengo una identidad clara y sé lo que estoy haciendo, hasta el punto en que se puede notar cuándo me inclino intencionalmente hacia ciertas ideas, a diferencia del pasado, cuando las ideas simplemente se escribían por sí solas porque no sabía bien qué hacer con ellas.

Mis habilidades han mejorado hasta el punto en que ahora puedo controlar conscientemente lo que estoy haciendo para enfocar ciertos aspectos de la música. Así, hay canciones que son más black metal, otras que son más death metal melódico, otras que son más doom metal, y todo esto es intencional. Finalmente estoy en un punto en el que puedo tomar piezas de otros estilos que me gustan y ponerlas en su propio contexto, para llevar intencionalmente al oyente a través de diferentes sentimientos y estilos. Todo esto hace que el álbum se sienta mucho más cohesivo, aunque las canciones suenen bastante diferentes entre sí.

—Sí, es menos… cuando hablamos del blackened power metal, tiene menos de esa mezcla de diferentes géneros. Está enfocado en un género específico en cada canción.

Sí, diría que el estilo está mucho más enfocado porque finalmente tengo la capacidad de concentrar ciertas técnicas y tipos de habilidades en canciones específicas para evocar un efecto determinado. En los primeros dos álbumes no podía hacer eso tan eficazmente porque tenía menos habilidades en mi repertorio, así que usaba todo lo que tenía en cada canción. Ahora, sin embargo, todo parece tener mucho más sentido en su propio contexto.

—Mencionaste antes que tuviste que aprender a tocar un instrumento. Quería preguntarte, ¿qué vino primero, el heavy metal o el deseo de ser música? ¿El metal te hizo querer convertirte en música o eso vino después?

Creo que quería ser música antes de entrar en el metal. Solo empecé a interesarme en el metal cuando tenía alrededor de 13 o 14 años. Siempre había tenido interés en la música desde una edad temprana, pero no era estrictamente metal. Crecí con rock clásico, música folk, country y todo tipo de cosas que no eran metal. Eso influyó en cómo abordé esta extraña mezcla de géneros que se ha convertido en Exiled Hope. No se trata de crear metal, sino de crear música que sirva a la visión para la canción que quiero crear. Jugar con los géneros es parte de eso, claramente, porque no quiero que mis oyentes sientan que no entienden lo que pueden esperar de mí. Pero también es genial tener ese conocimiento de que unir todos estos estilos diferentes puede hacer que la música sea mucho más interesante.

Llevo eso a toda mi música y me aseguro de que sea música para músicos, básicamente, porque está escrita con la intención de que no es simplemente para oyentes casuales. Realmente tienes que meterte en la música que creo porque las líneas estilísticas se difuminan y mi estilo no es realmente el más accesible debido a lo extraño que puede llegar a ser.

—Quería preguntarte porque vi que estuviste en un sitio web llamado Sleeping Village hablando sobre una lista de reproducción de Spotify con tus influencias, y cómo incluías nombres que mucha gente esperaría después de escuchar tu música, como Nightwish y Avantasia, pero también incluiste una canción de Daughtry y en el texto pusiste que sabías cómo la gente podría reaccionar a eso. Como mencioné antes, soy de Argentina, y Daughtry no es una banda conocida aquí, pero tengo muchos amigos estadounidenses y sé la reputación que tienen esas bandas post-grunge entre algunos oyentes más elitistas.

Es muy curioso porque muchas veces me preguntan si escucho algo que no sea metal, y yo les respondo que sí, que el 75% del tiempo lo que estoy escuchando es música que no es metal. Pero, dado que el metal tiende a ser el género predominante que escucho y que quiero crear, eso influye en la música que hago.

Esto da lugar a una especie de mezcla vanguardista de diferentes géneros dentro del metal, donde tomo elementos de diversos géneros y los coloco en el contexto del metal.

—Sí, vi en algún lugar (no sé si era en una reseña o si eras tú) que usaban la etiqueta “metal cinematográfico” para describir tu música. La única otra banda que recuerdo que usa ese género es Rhapsody of Fire. Es bastante interesante, ya que realmente tienes experiencia componiendo para películas.

¡Lo hice! Hice la banda sonora para una película de terror independiente. Fue muy divertido, y la razón por la que también utilizo la etiqueta “metal cinematográfico” es porque uno de mis mayores objetivos como músico es hacer bandas sonoras para películas, televisión y videojuegos.

Utilizando la etiqueta “metal cinematográfico”, intento crear una asociación más amplia con mi música, donde no se trata solo de metal, sino del potencial de estas habilidades e influencias estilísticas para crear música que cuente una historia y que sea algo muy grande. Eso es lo que Exiled Hope representa, y es mi misión como artista: no sólo crear álbumes por el simple hecho de crearlos, sino abrir nuevas puertas y establecer conexiones con nuevas historias y narradores, como cineastas y productores de videojuegos.

La película de terror independiente fue muy divertida de componer. Es un género completamente diferente del que suelo hacer; no es metal en absoluto, es electrónica. Pero muestra que tomo las mismas sensibilidades y técnicas de composición que utilizo en el metal y las traduzco a algo que funciona en el contexto de una película. Mi música se basa en contar historias, así que ¿por qué no llevar eso a otros contextos y crear nuevas oportunidades?

—¿Tienes planes de interpretar estas canciones en vivo? ¿O Exiled Hope seguirá siendo un proyecto de estudio?

Exiled Hope seguirá siendo un proyecto de estudio. No soy una intérprete en vivo y creo que reunir una banda para interpretar toda esta música sería una pesadilla logística. Además, no soy muy aficionada a viajar y los últimos años han sido muy caóticos con la escuela y tratando de terminar todo, así como encontrar mi lugar en estos nuevos trabajos y en el mundo profesional en el que estoy. No veo que tenga el tiempo o la capacidad para hacer esto en vivo, al menos en el futuro cercano.

—Sí, he escuchado mucho a músicos de metal, y estamos hablando acerca de gente con experiencia, hablar sobre hacer giras, y suena una pesadilla.

Sí, suena horrible. No estoy criticando a las personas que disfrutan de las giras y los viajes, pero sí que suena difícil, y no estoy preparada para eso aún.

—Sí, y esas personas de las que estamos hablando solo tienen que viajar con dos guitarras, un bajo y una batería. No tienen que viajar con una orquesta.

Sí, sería realmente incómodo si solo estuviera yo en el escenario con una guitarra y un micrófono, y luego una pista de respaldo para todo lo demás. No sé, simplemente siento que eso no tendría mucho sentido. De nuevo, no es para lo que realmente creo música. Creo estas canciones con la intención de que sean licenciadas para su uso en televisión y películas, y en otros medios similares. No creo mi música con la intención de poder tocarla en vivo, sino con la intención de que pueda estar en una banda sonora algún día o influenciar la forma en que eventualmente hago música para bandas sonoras.

—Para terminar, ¿qué te gustaría decirles a nuestros lectores?

Solo quiero decirles a ñps lectores que les agradezco por escuchar mi proyecto. Espero que realmente lo disfruten. Tengo otro sencillo que saldrá en solo un par de días, el 11 de julio. Estoy lanzando el siguiente sencillo de Apocrypha, se llama “Lightborn”. Es una pista de power metal clásica, mucho más directa que los otros sencillos que he lanzado para Exiled Hope. No es una mezcla de géneros tan extraña como las demás; es mucho más clara y directa. Sabes un poco lo que puedes esperar de ella.

Las melodías, los guiños y la interpretación general de la canción la hacen realmente especial. Hay referencias a otras canciones del álbum integradas en “Lightborn” que creo que la convierten en la canción perfecta para unir todo y centrar la atención en el tema general del álbum, en lugar de ser solo una pieza aislada.

—Puedes escucharla como un sencillo, pero también encaja en la narrativa del álbum.

Absolutamente, se lanzará en todo el mundo en todas las plataformas, así que puedes escucharla en Spotify o descargarla desde mi página de Bandcamp. Espero que la disfruten.

Directos desde lo profundo de Catalunya y mostrando el orgullo por sus orígenes tanto en su música como en sus letras, los death/thrasheros Siroll! son una de las bandas más destacadas de los últimos años en materia de metal pesado en lengua català. Con su cuarto LP Al gra! ya en las calles, pudimos hablar con Siroll! para que nos cuenten más sobre su trabajo y su forma de manejarse.

Buenas chicos, aquí desde Track To Hell os queremos saludar y agradeceros por participar en esta entrevista.

En nada presentaréis vuestro cuarto álbum de estudio “Al Gra!”. Siendo que han pasado seis años del anterior “Doble o res”, ¿Cuál creéis que ha sido la evolución más notoria respecto al anterior?

Este disco (que no es originariamente nuestro) tiene un cariz más hardcore y menos death metal que lo que es habitual en nuestro estilo, pero no es una evolución hacia ninguna parte, es el disco que hemos podido sacar ahora y el siguiente probablemente no tenga nada que ver con este. Podemos destacar que hay un poco más de melodía, voces más limpias, y que lo hemos masterizado como es debido.

¿Hay alguna inspiración la cual quisierais destacar en este trabajo?

Hay mucho de Habeas Corpus, Walls of Jericho y Hatebreed.

¿Hay alguna canción en “Al Gra!” de la que estéis particularmente orgullosos?

Nos encanta “Plou poc, però pel poc que plou, plou prou” porque hemos logrado sacar mucho partido de una idea que inicialmente era muy simple. Ha resultado ser muy efectiva, pegadiza y perfecta para la radio. Además, hemos incorporado un trabalenguas en el estribillo, lo cual no ha sido nada fácil.

Después de ver bandas como Angoixa, Òsserp, Bocc o Sota Terra, por nombrar algunas, ¿cómo veis la escena del metal en catalán?

No estamos seguros de si actualmente hay más bandas que hace diez años o si simplemente estamos más atentos, pero parece que cada vez hay más y de mejor calidad. ¡Y eso es algo positivo, que siga así!

Como autóctono del Baix Camp, no faltaré a vuestra fecha en el festival Castellhell. ¿Será un set dedicado a “Al Gra” o también tendremos temas clásicos?

Vamos a rehacer el setlist e incluiremos temas de nuestro último disco, pero no haremos un setlist de presentación. Mezclaremos lo nuevo con lo viejo, destacando lo más potente y reduciendo al mínimo las pausas.

¿Cómo veis la escena en un periodo de 5 años aquí en Cataluña? ¿Creéis que festivales como Move Your Fucking Brain o el propio Castellhell tendrán aún más prestigio como eventos underground?

Sí, ya están captando la atención porque son “eventos familiares” con un line-up que se sale de lo habitual y, por lo tanto, resultan interesantes. Además, cuentan con un buen ambiente, precios accesibles y no están masificados, lo cual es de agradecer en estos días.

Para finalizar, ¿qué querríais decir a nuestros lectores?

Les invitamos a visitar nuestra página web www.siroll.cat, donde pueden escuchar y descargar nuestra música de forma totalmente gratuita. Si les gusta y desean colaborar, pueden hacer una donación en el mismo sitio. ¡Gracias por la entrevista, salut!

En una nueva entrevista exclusiva, Donny Burbage, el nuevo miembro de Cradle of Filth, nos cuenta sobre su adaptación a la banda, las influencias musicales que ha aportado al grupo, su amor por la música de videojuegos y sus recuerdos más preciados en el escenario.

Gracias Donny por el contacto con TTH, antes que nada me gustaría empezar preguntándote ¿cómo fue la adaptación a la banda?

Gracias por pedirme hacer esta entrevista con vos. Adaptarme a la banda fue algo que no me tomó mucho tiempo ya que tengo experiencia aprendiendo canciones para otras bandas y supliendo. Y todos nos llevamos bien inmediatamente porque todos somos bastante graciosos y tenemos un sentido del humor similar de chistes secos y juegos de palabras.

¿Cómo fue el proceso de unirte a Cradle of Filth?

Me uní a Cradle of Filth en mayo de 2022 y tuve 3 semanas para aprender 16 canciones y luego volar inmediatamente para ensayar y salir de gira con ellos. Nunca había conocido a nadie de la banda antes de nuestro primer ensayo, pero me pidieron en una llamada telefónica que suplantara a Richard tras su salida de la banda. 

Soy bastante bueno aprendiendo canciones muy rápido, así que no fue un problema para mí aprender 16 canciones en unas pocas semanas. En algún momento de la gira, en un día libre, Dani y yo estábamos pasando el rato y me pidió que me quedara porque le gustaba estar conmigo. Así que aquí estoy, terminando el próximo álbum con ellos.

¿Cómo se sintió ser elegido para ocupar el puesto de guitarrista en una banda tan legendaria con un legado tan importante en el black metal?

Para mí, sentí que solo estaba haciendo mi trabajo y estoy acostumbrado a trabajar con muchos artistas. No me di cuenta de que realmente estaba haciendo cosas geniales tocando para Cradle hasta nuestra gira europea en 2022. Toco en otra banda, Aether Realm, y he suplantado a Vale of Pnath también, así que las giras no son nada nuevo para mí. Incluso las giras en Europa, pero nunca había hecho festivales europeos antes. Tocar en Knottfest en Finlandia fue cuando me di cuenta de que estaba haciendo cosas realmente geniales.

¿Cómo ha sido la experiencia de integrarte en la dinámica de la banda y trabajar con músicos tan talentosos y experimentados?

Integrarse en la banda ha sido una experiencia muy suave y cómoda. Dani, Dougal, Ashok, Martin, Zoe y yo nos llevamos muy bien. De hecho, tengo un recuerdo muy vívido de mi primer show con Cradle of Filth. Estábamos parados en el escenario de espaldas al público antes de tocar la primera nota del show y Dani pasó junto a mí y me dio una palmada en la espalda como un “bienvenido al show“. Fue algo muy genial que hizo, ya que me hizo sentir parte del grupo. En cuanto a trabajar con músicos talentosos, no es nada nuevo para mí, ya que he sido músico de sesión por un tiempo. Y he tenido la suerte de rodearme siempre de músicos muy talentosos desde que empecé a tocar la guitarra. Creo que así es como mejoras en el instrumento, rodeándote de personas que son mejores que tú.

¿Cómo describirías tu estilo musical como guitarrista? ¿Qué influencias musicales pudiste traer a la banda?

Musicalmente, mi estilo de guitarra está fuertemente influenciado por el sonido de Gotemburgo. Escuché mucho a At the Gates, In Flames y The Haunted mientras crecía. Hay otras bandas que me influyen que son finlandesas como Wintersun y Ensiferum. Sin embargo, soy un camaleón musical y, como músico de sesión en el pasado, he aprendido a tocar muchos estilos de música, incluyendo afro cubano y muchos estilos de guitarra clásica latinoamericana junto con Blues, Jazz y Country.

Lo que sentí que aporté a este álbum fueron algunos riffs e ideas que están inspirados en la música de videojuegos, principalmente Nobuo Uematsu de la fama de Final Fantasy y algunos riffs que tienen una vibra más pesada y brutal, manteniendo un sonido oscuro que deja saber a los oyentes que soy fan del álbum Midian. Cuando se trata de partes orquestales que he escrito, diría que hay algunas frases con sonido de Danny Elfman y Nobuo que podrían escuchar.

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¿Has tenido la oportunidad de traer nuevas ideas o composiciones a la banda desde tu llegada?

¡Sí! ¡Absolutamente! No solo soy guitarrista, sino también orquestador y compositor. Así que pude escribir algunas partes de teclado para este álbum y luego envié el MIDI a Sam para que lo pasara por algunas mejores bibliotecas. Creo que cuando se trata de ideas de guitarra para la banda, lo abordé con un enfoque muy agresivo y cargado de riffs para las canciones que escribí, pero quería traer una vibra de Midian a ellas. Hay dos canciones en el nuevo álbum que realmente abarcan un sonido más moderno que rinde homenaje a Midian. Incluso hay algunos guiños a algunas frases de algunas canciones de Midian. Me gusta mucho rehacer una melodía con acordes alternativos para invocar una emoción diferente en la melodía, haciéndola similar pero casi irreconocible.

Estás de gira y tocando en festivales europeos, ¿cómo va toda la experiencia?

Me encanta girar y me encanta estar en un nuevo país y ciudad todos los días. La mejor parte de las giras es probar nueva comida en todas partes y conocer gente de diferentes culturas. Creo que la mejor parte del mundo es lo diferente que puede ser en cada rincón. Sería muy aburrido si todos y todo fuera igual.

Ya hay mucha ansiedad por el nuevo álbum de COF, ¿qué nos puedes decir sobre él?

No sé qué puedo decir. No me gusta influir en una opinión sobre algo que no está lanzado. Creo que es mejor dejar que todos tengan la oportunidad de experimentar un álbum por sí mismos y descubrir qué partes les gustan de cada canción.

¿Hay alguna canción específica en la que hayas tenido una contribución significativa desde que te uniste?

Hay una canción específicamente en el próximo álbum en la que escribí todas las guitarras y teclados. Tenía una idea para los tambores, así que lo programé en MIDI cuando hice el demo. Puse todo junto y al grupo realmente le gustó. Así que dejé que Martin y Daniel Firth (lo llamamos Dougal) hicieran el bajo y la batería, pero había una visión clara de lo que quería para ella. También hubo un solo adicional que Ashok escribió para una parte, algo simple que solo eleva la canción hacia el final. Aparte de esa canción, arreglé algunas otras y trabajé en teclados con Zoe y Ashok y yo tendríamos llamadas por Zoom para armar canciones y probar diferentes riffs de guitarra. Incluso hubo algunos días en los que todos estábamos juntos de gira y nos encerrábamos en una habitación de hotel en un día libre para trabajar en armar algunas ideas.

Ha habido una foto de Dani con Ed Sheeran, ¿puedes confirmar que hay tal colaboración y estará en el álbum?

100% hay una canción de Ed Sheeran y Cradle of Filth y es mega buena. Nuestros planes son lanzarla en el próximo álbum, posiblemente para un lanzamiento especial.

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¿Qué piensas sobre la escena actual del black metal y el papel que juega Cradle of Filth en ella?

El black metal no es realmente lo mío. No pienso en Cradle of Filth como una banda de black metal. Creo que Cradle of Filth es una banda de metal sinfónico oscuro con un sonido gótico y demoníaco que tiene influencias y raíces de black metal y metal extremo. Diré que mi banda favorita actual que tiene una vibra de black metal pero no necesariamente black metal es Alcest.

¿Hay alguna canción de Cradle of Filth que tenga un significado especial para ti?

Death Magick for Adepts del álbum Midian. Este álbum fue mi primer álbum de Cradle of Filth y las orquestaciones realmente me inspiraron, especialmente en esta canción. Inmediatamente aprendí a tocar los teclados de esta canción cuando tenía 16 años en mi primera escucha. Esa canción es la razón por la que aprendí a escribir orquestaciones.

¿Tienes algún ritual especial o preparación antes de subir al escenario con la banda?

jaja, no, para nada. Ni siquiera caliento antes de actuar. Solo me pongo el maquillaje, trato de beber una botella de agua con electrolitos y luego me visto. Intentaré jugar algo durante el día antes de tener que empezar a prepararme. Soy un gran nerd de los videojuegos, especialmente de Dark Souls y Elden Ring.

Finalmente, la pregunta habitual que hago a mis entrevistados, imaginemos un gran festival, ¿con qué bandas te gustaría formar el cartel?

Simple. El festival sería solo una alarma de Nokia sonando durante 3 días.

Donny, muchas gracias por tu tiempo, tus últimas palabras para nuestros lectores y fans.

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