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Entrevista Mosh: “Estamos orgullosísimos de pertenecer a una escena metalera tan rica y de tanto nivel”
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Con motivo del lanzamiento de su nuevo disco “Vértigo”, nos juntamos con los navarros Mosh para que nos cuenten todo acerca de este nuevo y explosivo lanzamiento y lo que supone lanzarlo en estos tiempos tan extraños y delicados para todos.

– Lo primero, ¿ Cómo estáis chicos y que supone para vosotros poder lanzar por fin este nuevo disco?

Hola compañerxs!! Estamos muy bien!! Comiéndonos las uñas y contando los días, la horas, los minutos que quedan hasta el primer bolo de arranque de gira… A puntito de reventar!!

– ¿Cómo ha sido el proceso de grabación y donde habéis compuesto las canciones?

“Vértigo” ha sido grabado en Madrid, en TMFS (The Metal Factory Studios) por Alex Cappa, Pablo Rousselon y Jorge Rodríguez Segura. Productores de sobra conocidos en el mundo del metal. El disco anterior también lo hicimos con ellos, y para “Vértigo” repetimos. Estamos encantados con el resultado, es salvaje cómo suena!!

– ¿Cómo surge la colaboración con Rober de Bellako?

Es una banda que ya conocíamos y que a todos nos gustaba. Queríamos hacer una colaboración y los tentamos (a ver si había suerte)… Y mira tú por dónde que Rober se apuntó enseguida y se vino para Madrid. Incluso trajo alguna idea propia e hicimos algunos cambios que sugirió en cuanto a métrica vocal y fue bestial como quedó el tema. No fue la típica colaboración en la que el tipo viene, canta y ya está, sólo por el nombre, esto es algo más.

– ¿Y que pensáis vosotros de la escena “Metal y Hardcore” del País Vasco, Navarra, Pamplona , os gustan bandas como Dawn Of The Maya , Herra , Meltdown o Childrain?

Las conocemos a todas. Y todas nos gustan!! Incluso hemos tenido la suerte de compartir escenario con algunas de ellas. Creo recordar haber tocado con Childrain en la Groove de Portugalete, con Meltdown en un DimetalFest (fue en otro escenario diferente al nuestro, pero pudimos verlos en directo), a Dawn Of The Maya los hemos visto varias veces (la última en su bolo de despedida en Zentral – Iruña) y con Herra no hemos tenido el placer de coincidir pero conocemos su música, hemos visto videoclips y están en nuestras playlist!! Así que estamos orgullosísimos de pertenecer a una escena metalera tan rica y de tanto nivel!! Es pequeñita (en cuanto a que no es nada mainstream) pero está muy muy viva y ha dado y está dando muy pero que muy buenas bandas que sentarán precedente. Al tiempo…

– La portada es espectacular, ¿ Cómo surge esta idea y quién la creo?

Ha sido obra de Guillem Bosch. Un conocido ilustrador catalán que ha trabajado para marcas muy tochas y en el mundo musical ha hecho obras para Berri Txarrak, Toundra, Koma… Respecto a cómo creó ese Oni (demonio japonés) fue producto de su mente calenturienta… Nosotros le dijimos que el disco se iba a llamar “Vértigo”, y que queríamos algo que representase ese miedo… Este disco iba a suponer un cambio musical en nuestra trayectoria y teníamos ese miedo, esa incertidumbre e inquietud ante si gustará o no… Nos daba “Vértigo” todo eso, y ya la pandemia (que mandó a tomar x culo todos nuestros planes iniciales) terminó de justificar el título! Así que sobre esas ideas Guillem se puso a trabajar, nos mandó un boceto y ya de primeras nos flipo!!

– Hemos visto en los últimos años como bandas como Dawn Of The Maya o Bolu2Death consiguieron tocar en el Resu, Hiranya y EON en el Download y Mind Driller o Morphium en el Leyendas del rock, pero ¿ En cual de todos los festivales nacionales os gustaría tocar a MOSH?

En TO-DOS. Precisamente el próximo año estaremos el día 03/07/2022 en el Resurrection Fest… Es un puto honor!! Además somos público de todos esos festis, y es un premio poder actuar en esas plazas.

– Para los que no os conozcan de nada ¿Dónde y cuando nace Mosh y cuales son vuestras influencias principales?

Mosh nace en la Ribera de Navarra en 2014. Somos de un pueblo pequeño y terminamos juntándonos los cinco tipos más locos… Veníamos de otras bandas que estaban de parón o a punto de ello y no nos hizo falta nada más para juntarnos y hacer cosas propias. Vivimos la música!! La necesitamosh!! Respecto a influencias… Buf, son muy variadas. Por citar así a lo loco: Kvelertak, Architects, Hamlet, While She Sleeps, Meshuggah, Berri Txarrak, Tesseract… Pero también nos gusta mucha música fuera del rollo metal..

– Este 2021 cumplen 20 años dos discos vitales para el metal contemporáneo como son “Toxicity” de SOAD e “lowa” de Slipknot, que suponen estos dos discos para vosotros y han tenido alguna influencia directa en vuestra música?

Ambos nos tuvieron enganchadísimos!! Cuando salió “Toxicity” de SOAD nos voló la puta cabeza!! ¿Qué cojones era eso? Esa especie de metal frenético con melodías armenias y esos contrastes tan brutales… Bufff.. Lo quemamos. Literal. Y el “lowa” de los Slipknot fue otro pelotazo!! Esta vez pura potencia, oscuridad y misterio… Y todo el rato a toda hostia todo!! Se salen…

– ¿Cuáles son los planes de cara a finales de año y para 2022 en MOSH?

Estamos ultimando los ensayos para comenzar con la gira de presentación de “Vértigo”. De momento estas son las fechas confirmadas para este 2021 y parte del próximo 2022. Apuntad:
– 16/10/2021 VILLAVA Navarra TOTEM
– 23/10/2021 ZARAGOZA Zaragoza LO INTENTO
– 30/10/2021 SALAMANCA Zaragoza POTEMKIM
– 04/12/2021 PORTUGALETE Vizcaya GROOVE

– Chicos muchísimas gracias por vuestro tiempo y nos vemos en los escenarios…

Muchísimas gracias a vosotrxs y a todo el equipo de “Track To Hell”!!! Es un placer que nos cedáis un poquito de vuestro espacio!! Gracias!! Nos VeMOSH!!!

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Martín Méndez (White Stones, Opeth): “Cuando llegué a Suecia, sólo tenía un cassette de Fito Páez”
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Desde que reemplazara a Johan de Farfalla en Opeth en 1997, el bajista uruguayo Martín Méndez se terminó convirtiendo en uno de los representantes más visibles de la camada de músicos del metal sudamericano. Siendo el miembro que por más tiempo ha acompañado al cantante y guitarrista Mikael Åkerfeldt, su personalidad calmada y un tanto callada puede hacer que quede un tanto tapado al lado del extrovertido líder de los progresivos suecos, pero en 2019 Méndez dio comienzo a White Stones, un proyecto donde el oriundo de Montevideo puede mostrar todo el material que fue acumulando a lo largo de los años. Habiendo editado su segundo álbum Dancing Into Oblivion a través de Nuclear Blast, pudimos entrevistarlo y explorar su proceso de composición, sus influencias musicales, el ambiente en Opeth y mucho más.


TTH: ¿Cómo te está yendo allá? ¿Hace cuánto te mudaste a España?

MM: Mudarme, por decirlo legalmente, hace cuatro años creo que estoy acá. Pero yo ya venía bastante seguido por estos lados porque en mi familia tengo dos hijos nacidos acá en Barcelona, en Cataluña, y han ido a la escuela acá desde chicos. Así que he estado yendo y viniendo, entre una cosa y otra, desde hace unos siete años. 

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TTH: Dancing Into Oblivion es ya el segundo disco de White Stones. Para poner a los lectores en contexto, ¿cómo se dio formar esta banda? ¿Cuál fue el empujón inicial?

MM: Normalmente, cuando estoy libre con Opeth, siempre me he puesto a componer música. Esta vez, después de haber hecho la gira de Sorceress, nos tomamos un año sabático y como otros años me había puesto a escribir. Pero esta vez me había decidido a terminar lo que estaba haciendo, porque siempre terminaba en un disco duro, sin terminar la música y las ideas que tenía. Me pareció aburrido que se haya transformado en algo recurrente cada año. Esta vez me decidí a terminar el trabajo, aunque sea para mí, pero quería terminar. Y nació todo así, sin saber qué iba a hacer con la música: la grabé, la mandé a mezclar y todo. El resultado me gustó, y de ahí fue cuando empecé a mostrarle a la gente, entre ellos mi mánager, el de Opeth. Me consiguió el contrato con Nuclear Blast, y a partir de ese momento fue cuando me di cuenta de que la cosa iba más seria, que se había formado una banda sin haberlo planeado de alguna manera, ¿no?

TTH: Sí, el disco [debut, Kuarahy] salió una después del último recital de Opeth antes de la pandemia.

MM: Sí, exactamente.

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TTH: En muchos lugares White Stones aparece como simplemente “una banda de death metal”. Pero creo que ambos podemos coincidir que el sonido del grupo va más allá de eso. ¿Cómo describirías a White Stones?

MM: Claro, White Stones no es una banda típica de death metal, para nada. No es algo que buscaría tampoco: a mí me interesa hacer lo que estoy haciendo, que es experimentar dentro de las raíces del death metal, pero con otras influencias. Y no sé etiquetar la música, no sé cómo lo haría. Para mí entender, es metal. ¿Qué tipo de metal? No lo sé, entre death metal y… hay muchas influencias en realidad. Pero no sé cuál sería la etiqueta correcta.

TTH: Vos sos el segundo miembro de Opeth con más tiempo en la banda, luego de Mikael [Åkerfeldt], pero creo que este es el primer grupo con el que grabás desde que llegaste a la banda.

MM: Sí, he participado en algunos, pero como proyecto mío es el primero.

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TTH: ¿Cómo fue participar en una grabación por fuera de Opeth? Suena como que es un cambio bastante particular.

MM: Sí, claro. A ver, comparando White Stones con Opeth, son dos mundos diferentes. Opeth es un grupo con más trayectoria, que todo es más grande, por decirlo así. Con White Stones, es todo más personal y más casero, porque escribo la música, me grabo y lo mismo grabo al resto. No tenemos productor, estoy involucrado en la carátula, los videoclips, en todo. Estoy mucho más involucrado en cada paso de la banda, es todo mucho más casero, ¿no? Hay menos presupuesto también y eso, quieras o no, cuenta bastante cuando hay tanta diferencia en esto. Pero bueno, creo que con los años que he estado en Opeth he aprendido a gestionar muchas cosas, entre ellas lo que es la grabación y todo esto, y me sentí bastante bien grabando yo mismo los instrumentos y participando en todo lo otro relacionado con el disco.

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TTH: Cuando comenzaste con White Stones, tenías a dos miembros de Vidres A La Sang, la banda catalana. Nunca había pensado en una conexión entre Opeth y VALS, ¿Cómo se dio eso?

MM: El cantante Eloi [Boucherie], quien es que ha participado en los dos discos de White Stones, era literalmente mi vecino cuando grabé el primer disco: él tiene el estudio Farm of Sound, donde grabé los dos discos. Como era mi vecino y el estudio está a diez metros de donde vivíamos, lo utilizaba mucho yo también y fue donde creé los primeros temas de White Stones y todo esto. Y a la hora de grabar las voces, al principio como era un proyecto que lo hacía para mí más que nada, lo iba a cantar yo. Y cuando iba a cantarlo, pues le pregunté si me daba una mano para grabarme. Y bueno, fue cuestión de ponerme frente al micrófono cinco minutos y me di cuenta que no era lo que yo quería hacer, no sonaba como yo quería, y le pedí automáticamente a Eloi: “¿Te animás a probar?”. Siendo cantante, pintaba más que para mí. Probó y fue algo mutuo que nos gustó mucho enseguida, y de ahí ya le pregunté si quería grabar el resto de los temas y me dijo que sí. Y de ahí le dimos para adelante, fue cuando comenzó un poco la creación de los primeros temas del disco. Y el resto fue un poco más fácil, en el sentido de decirle al baterista de VALS en el primer disco, que estaba ahí a la vuelta también, para que me ayude con las baterías. Y fue todo un poco así, como pidiendo al principio favores y después, cuando la banda estaba consolidada, todos pasaron a ser miembros. Pero ahora, en el segundo disco, el baterista lo he cambiado.

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TTH: Justo te iba a preguntar por eso, por Joan Carles Marí que está en este disco. Te iba a preguntar por qué ya no estaba Jordi Farré, pero después vi que el tipo tiene como cinco bandas, participa en un montón.

MM: Sí, sí. Este [Marí] es un músico increíble, para empezar. A él lo contacté dos meses antes de entrar al estudio, cuando le pregunté si estaba interesado y le mandé los demos que tenía. Pero nos encontramos la primera vez en el estudio, directamente cuando iba a grabar. Estuvo dos días grabando, y fue una de estas conexiones químicamente increíbles que, a los cinco minutos de estar en el estudio, parecía que nos conocíamos hacía mucho tiempo, tanto musical como personalmente. Y ya te digo que es un baterista de estos polivalentes: él toca flamenco, jazz, metal y todo, y este nuevo disco era perfecto para el estilo de baterista que es.

TTH: Decías que al principio la idea era que vos cantaras, porque vos en Requiem Aeternam (NdR: la banda en la que estuvo Méndez antes de emigrar a Suecia, donde también estaba el futuro baterista de Opeth Martín López) cantabas. Me imagino que 25 años después de no hacer guturales ni nada uno se desacostumbra.

MM: Claro claro, no es lo mismo ya. [Risas] Canté en alguna más, en algún grupo en Suecia, pero no llegamos nunca a largar disco. Estuve cantando en algunas bandas más, pero te estoy hablando de veinte y pico de años. Y sí retomar otra vez así en seco es un poco complicado.

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TTH: Con el primer disco Kuarahy, vos comparás el proceso detrás de ese disco con el proceso de Dancing Into Oblivion. ¿Cómo creés que cambió?

MM: Lo que fue el proceso de composición y grabación fue muy similar: escribo las canciones en el estudio que tengo en casa y después es ir a grabarlo porque, tanto en el primero como el segundo, grabo yo las guitarras. Sin hacer los solos, el resto son todas por mí. O sea que es bastante parecido en ese sentido, que entré al estudio, grabé la batería y después estuve ahí una semana machacándome yo con el bajo y las guitarras y al final las voces. Pero lo que es las diferencias que encuentro entre los dos discos es que, para empezar, que fueron escritos en diferentes tiempos, lo resalto esto porque en el último fue cuando había comenzado la pandemia y, claro, este último fue un poco difícil y distinto. Esto a mí me ayudó, en el sentido de que estuve en casa y pude tener el tiempo necesario para hacer este disco y aproveché las emociones también que tenía en el cuerpo, de toda la situación. Y esto creo que también marca un poco la diferencia comparado con el primero, que no vivíamos una situación así y esto influye a la hora de componer. Y la experiencia también, que me dio hacer Kuarahy me ayudó mucho a hacer las cosas un poco mejor con Dancing Into Oblivion.

TTH: Y si encima hace un año y medio que dieron el último recital [con Opeth], hay que mantenerse ocupado.

MM: Sí, claro. Para mí fue esencial estar ocupado, tener la cabeza ocupada todo este año. Eso me mantiene sano de alguna manera, ¿no? Componiendo. Y estoy contentísimo de que encontré inspiración justo en ese momento,

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TTH: Hablando de la composición, ¿qué música te inspira?

MM: Escucho mucha música. Por ejemplo, algo que me influencia mucho es, un poco, la música folclórica latinoamericana. Para mí el tango es algo que lo escucho desde que me acuerdo que existo: Astor Piazzola para mí es uno de los grandes. Y me inspira mucho escuchar eso: tanto el tango, como milonga, como bossa nova o latin jazz, o sea que las raíces las tengo muy presentes musicalmente. Rock argentino sigo escuchando un montón también: yo cuando me fui a Suecia, con 17 años, llevaba un walkman y un cassette de Circo Beat de Fito Páez, imaginate. E iba a buscar mis sueños con el death metal. [Risas] El jazz hace muchos años que lo escucho y me influencia mucho. Yo creo que todo lo que escucho, una mezcla entre todo esto, me influencia bastante. A lo mejor no en nada obvio en la música, porque estoy haciendo, quieras o no, metal extremo, pero las emociones me dan ganas de componer cuando escucho esta música.

TTH: Me acordé que me había encontrado con una nota donde decías que, cuando llegaste a Suecia, no hablabas ni sueco ni inglés ni nada.

MM: Nada, nada, nada [Nota: Lo enfatiza]. [Risas] Era español puro y ya está.

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TTH: Leí esa nota y me hizo pensar cómo terminaste en Opeth.

MM: Mirá, la primera vez que me encontré con el Mikael [Nota: él lo pronuncia como “Michael”: máy-quel], la primera vez que hicimos una pequeña introducción, nos pusimos a tocar un poco, hicimos un “jam”, yo no hablaba nada. Prácticamente eran dos palabras contadas en inglés y una en sueco. Sabía decir “hola” y ya está. Y él siempre tiene la anécdota de que, cuando estábamos tocando esta “jam”, me pidió que cierre la puerta de la sala donde estábamos por tocar. Y claro, yo lo miré y le hice con la cabeza que “sí” y seguí tocando, ¿yo qué sé qué me dice? Y me lo repitió como cuatro veces y se reía al final, decía “Este no me entiende nada” [Risas].

TTH: ¿Extrañabas grabar death metal? No componer, porque vos dijiste que fuiste acumulando material. Pero, ¿extrañabas grabar death? Considerando el cambio de estilo de Opeth desde Heritage.

MM: No. A ver, con lo que hacemos con Opeth estoy más que contento: me encanta el estilo que estamos haciendo y cada disco es un poco diferente. Es un reto, de alguna manera, y me encanta. Y death metal ya te digo que toco cada noche que estamos de gira, que son muchas. Todo desde “Deliverance” a “Demon of the Fall”, todas canciones que son pesadas. O sea que la dosis de death metal no me falta, lo que pasa es que lo hago porque yo creo que es el estilo que más he mamado desde que crecí, el estilo que más he escuchado y tocado. Y creo que salió naturalmente por ese lado: me gusta experimentarlo, pero la base creo que es bastante natural que me haya salido.

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TTH: Cuando estaba buscando información sobre White Stones, por un momento pensé acerca del nombre de la banda. Y no sé cómo fue que me acordé que hay un barrio en Montevideo llamado Piedras Blancas, y creo que es el barrio donde vos creciste. ¿Vos te seguís sintiendo cercano a Uruguay a pesar de todos los años que viviste en Suecia y en España?

MM: Sí. A ver, las raíces nunca se pierden, creo. Y menos los años tan importantes como desde que nacés hasta ser adolescente. Creo que son los años que marcan realmente tu esencia como lo que sos, al fin y al cabo. Y sí, yo he vivido más años en Suecia que en Uruguay. Siento un poquito una parte mía sueca, no te lo voy a negar, pero la mayoría es de ahí, es de Uruguay. El nombre de White Stones es un pequeño tributo que le hice a este barrio, siempre lo tuve un poco en broma en la cabeza: “Le pondré algún día a un grupo ‘White Stones’”. Que suena lindo comparado con lo que es, porque es un barrio bastante jodido, duro. Pero bien, es un tributo y el logo también: el Sol de Mayo, que está tanto en la bandera argentina como en la uruguaya, está en el logo de White Stones. Me encontré en un momento un poco nostálgico, también, cuando estaba formando todo esto, aproveché la volada y me gustó el nombre para ese grupo.

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TTH: ¿Cómo están las cosas con Opeth? ¿Tienen algún plan?

MM: Planes sí, bastantes. La cosa que cuándo podramos concretarlos. Ahora seguimos teniendo prácticamente la gira entera pendiente de In Cauda Venenum, el nuevo disco, y lo prioritario es terminar esta gira, ver cuándo podemos seguirla. Hay planes para el futuro cercano de comenzarla, pero todo depende de la situación, cómo avance. La idea es esa, por ahora.

TTH: ¿Quisieras mandarle un mensaje a nuestros lectores?

MM: Acerca de White Stones, si le dan la oportunidad de escuchar este disco creo que a los que son amantes del metal un poco extremo les puede llegar a gustar, sería bueno que le den la oportunidad. Y me encantaría algún día poder tocar para el público tanto argentino como sudamericano, sería un sueño la verdad. Pero aparte de eso, agradecer siempre por el apoyo, porque siempre nos han recibido muy bien cuando vamos con Opeth y siempre sentimos el apoyo desde acá mismo. Y muchas gracias por todos los años y ojalá que sean más.

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Esa Holopainen (Silver Lake, Amorphis): “Silver Lake es un álbum de metal, sin ser un álbum de metal”
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Con una carrera de más de treinta años que lo vio trascender las barreras del death metal para alcanzar una mezcla única de metal pesado, melodía y puro orgullo finlandés junto a AmorphisEsa Holopainen es sin lugar a dudas uno de los músicos más importantes de su país natal. Con la pandemia interrumpiendo la presentación del álbum Queen of Time (2018) y las celebraciones por las tres décadas de carrera del sexteto, Holopainen no se quedó de brazos cruzados y decidió lanzar su carrera solista, juntando a toda una alineación de cantantes estrella y editando su álbum Silver Lake el 28 de mayo a través del sello alemán Nuclear Blast. En esta entrevista, el guitarrista nos cuenta acerca de las ideas de este nuevo trabajo, la composición, las historias detrás de un par de los cantantes, las actividades futuras de Amorphis y mucho más.


TTH: Esa, estamos viviendo en una época complicada. Así que lo primero que quería preguntarte es cómo te está yendo.

EH: ¡Gracias! Me está yendo bien, a pesar de toda la situación, pero es complicado, como has dicho. Todos están batallando en estos momentos, y especialmente los negocios, que la están pasando muy duro. Debemos tener esperanza y ver que podamos volver a una vida más normal. Tuvimos la posibilidad de dar seis recitales en festivales en el verano, algo que fue sorpresivamente bueno, pero me temo que las cosas no están mejorando, la cantidad de casos de Covid se han ido incrementando en el verano. Así que es complicado.

TTH: Seis conciertos es nada comparado con la época previa al Covid.

EH: [Se ríe] ¡Sí!

TTH: Este álbum, que en algunos lados aparece como “Silver Lake”, y en otros como “Esa Holopainen’s Silver Lake”, ¿hace cuánto lo venís componiendo?

EH: [Lo piensa un segundo] Empecé a componer el álbum el año pasado, apenas comenzó el Covid-19. Tenía un par de canciones ya listas, que no había usado en ningún lado y que, por decirlo de alguna manera, quería hacerlas realidad. Estas tres canciones que tenía eran “Sentiment”, “Promising Sun” y “Ray of Light”. comencé a trabajar con ellas y a buscar a los cantantes, y así es básicamente cómo comenzó todo. Creo que tomó medio año armar todo el material y grabarlo. Y sí, fue un proceso muy intenso y muy largo, no quería apurarlo. Lo bueno fue que no necesitaba hacerlo, porque no había recitales. [Se ríe] Amorphis tampoco estaba activo en ese momento, volvimos ahora a trabajar en el nuevo disco. Así que estaba completamente enfocado en hacer este nuevo álbum.

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TTH: Una de las cosas más interesantes acerca de este álbum es que casi todas las canciones tienen un cantante diferente. ¿Fue la idea desde el comienzo?

EH: [Piensa un poco] Cuando comencé todo el proyecto, no estaba seguro de si iba a hacer un álbum completamente instrumental, si iba a tener un cantante o varios. A poco de arrancar, mi productor me dijo que necesitaba tener vocalistas en estas canciones. Las estructuras de las canciones son bastante sólidas y de verdad necesitan voces. Y como estas canciones eran tan versátiles, pensé que sería buena idea pedirle a diferentes cantantes para que aparecieran en diferentes canciones. Y ya con las tres primeras canciones que hice tenía a Björn [Strid] de Soilwork, Einar [Solberg] de Leprous y Jonas Renkse de Katatonia. Eso me abrió los ojos a la clase de álbum que iba a hacer, empecé a pedirle a más amigos que colaboraran conmigo, y yo comencé a componer canciones basándome en estos cantantes que tenía en mente.

TTH: Justo te iba a preguntar si habías compuesto esas canciones de acuerdo con cada cantante, o si las habías adaptado después.

EH: ¡Sí! ¡Absolutamente! [Piensa un poco] Fue un poco de pensar en quién podría encajar en ellas, pero empecé a pensar en quién me gusta, en quiénes conozco. Soy un  gran fan de Katatonia, por ejemplo, y amo cómo Katatonia trata su música en las versiones acústicas. Tenía canciones acústicas y pensé que Jonas vendría como anillo al dedo. Lo mismo con “Promising Sun”, que era un poco más pesada. Y Björn es un buen amigo, pensé en él.  No necesariamente que encajara, sino que algo hiciera “clic” en mi cabeza mientras componía: qué cantantes y qué canciones quería.

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TTH: La primera vez que escuché el adelanto “Storm” y vi su video, no sabía acerca de este cantante, Håkan Hemlin. Creo que la mayor parte de los fans metaleros no sabrían acerca de él. ¿Qué nos podés contar acerca de Hemlin?

EH: Håkan Hemlin viene de un ambiente musical bastante diferente. La gente en Finlandia, en Escandinavi, lo conoce más por formar parte de un dúo folk llamado Nordmen. Ellos fueron muy populares durante los noventas en Escandinavia, vendieron millones de álbumes por acá. Supongo que la banda terminó desapareciendo, pero él tiene una gran personalidad y su voz es increíble, es realmente única. Tenerlo en este álbum fue toda una sorpresa, porque tenemos un amigo en común que conocía a Håkan. Estaba trabajando en una canción en el estudio y mi productor me dijo de tener a Håkan, que si lo recordaba. Obvio que lo recordaba. En ese momento dijo que no tenía nada que hacer en Estocolmo y que estaba muy metido en la idea de aparecer en la canción. Estuve muy feliz por cómo salió la canción y todo lo demás, sobre todo porque, para mí, Håkan ha sido la gema oculta de Suecia, así que esta fue una gran oportunidad de acercarlo a una audiencia más grande, a la gente fuera de Escandinavia. Tuvimos muchos comentarios positivos, y todos se están preguntando quién es este tipo, el de la gran voz.

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TTH: Hablando sobre tener cantantes inesperados en el álbum, creo que lo mismo podría decirse sobre el cantante de la quinta canción “Alkusointu”, Vesa… [NdR: Tenía problemas para pronunciar el nombre]

EH: Vesa-Matti Loiri.

TTH: ¡Gracias! ¿Qué nos podés decir acerca de él? Diría que es un cantante todavía más inesperado.

EH: Sí, primero que todo Vesa-Matti Loiri es el actor más conocido de Finlandia. Es actor y también cantante, es una súper estrella aquí en Finlandia, la gente lo compara con Johnny Cash, todos lo conocen. Y de nuevo, tenemos amigos en común: tengo un amigo de la infancia con el que había comenzado mi primera banda en su momento, él se convirtió en productor cinematográfico y televisivo, y además es mánager de varios actores en Finlandia, entre ellos Vesa-Matti Loiri. Esto fue también algo del estudio que salió de manera sorpresiva con mi productor: estaba pensando en “Alkusointu” para que fuera un instrumental, no podía imaginarme que hubiera muchas voces. Y entonces se nos ocurrió la idea de tener a un actor de voz haciendo un “spoken word”. Así que le presenté la canción y los temas líricos a mi amigo, mánager de Vesa-Matti Loiri. Escucharon la canción, leyeron las letras y le interesó mucho hacer esta canción. Esa fue una de las cosas mágicas al momento de hacer este álbum: el día que pasamos en el estudio grabando con Vesa-Matti Loiri. Él tiene 77 años y un gran carisma. Eso fue muy lindo, y estoy muy feliz de que pudiéramos capturar su gran voz para esta canción.

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TTH: ¿Cómo compararías el estilo musical de Silver Lake con el de Amorphis? Porque esa sería la primera comparación que todos harían entre esos grupos, por obvias razones.

EH: Sí, creo que eso es algo inevitable. Como lo pienso yo, son dos cosas completamente diferentes, pero obviamente hay similitudes musicales porque tiene la huella musical que también pongo en Amorphis. No hubiera ofrecido ninguna de estas composiciones o ideas en ninguna sesión de Amorphis. Supongo que lo más cercano que estamos de Amorphis es obviamente “In Her Solitude”, la canción con Tomi Joutsen cantando. [Piensa un poco] Pero tratar de describir qué es Silver Lake es… es un álbum de metal, sin ser un álbum de metal. Es muy emotivo, para mí es un álbum extremadamente personal, es muy difícil de categorizar, ¿sabes?

TTH: Sí, los músicos no quieren tener que estar comparando todas sus canciones entre ellas.

EH: Sí, es difícil porque todos los músicos y compositores usualmente tienen perspectivas diferentes al momento de hacer y grabar sus canciones que al tocar para un oyente. Creo que esa es una de las cosas más grandes, ¿no? Cuando tocas la canción para alguien, te pueden decir cosas que a uno no se le hubiesen ocurrido sobre su propia música.

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TTH: “Silver Lake” es bastante corto: nueve canciones, 37 minutos. ¿Fue algo planeado el tener un álbum más corto? Porque los álbumes de Amorphis suelen ser bastante largos, cercanos a una hora.

EH: Sí, lo es. Comparado con Amorphis, es bastante corto. Pero, ¿sabés? Escucho los discos viejos de Slayer y demás, y todos son de más o menos 40 minutos, algunos de apenas 30 minutos. No lo pensé mucho, tenía estas nueve canciones terminadas, pensé que fluían de manera perfecta: comienza, crece y todo lo que quería para este álbum ocurre ahí. Así que no quería agregar más canciones a propósito, no quería comenzar a componer y buscar más cantantes. [Risas] Sólo para hacer más largo el álbum. De esta manera estoy súper feliz con todas las canciones y con cómo salieron. Pero sí, comparado con lo que he hecho en el pasado es un disco bastante corto.

TTH: Conseguir esos cantantes ya fue suficiente trabajo para un álbum.

EH: Lo fue, créeme. Algo que fue muy diferente al hacer y grabar es que siempre grabo las canciones una después de la otra. Usualmente, cuando estás en el estudio, tocas todo de principio a fin: las baterías, guitarras, bajo, terminas todas las voces, haces todo el arte, trece canciones o lo que sea. Pero en este caso, siempre terminaba una canción y después íbamos más allá. Con las baterías, tocábamos dos o tres canciones y seguíamos. Lo más importante es que, como tenía tantos cantantes diferentes, siempre quería enfocarme en cada canción y en lo que pasaba en ella, el tipo de voces que iba a aparecer. Así que fue como estar trabajando en pequeños proyectos dentro del álbum. Y eso fue genial, muy diferente de lo que haríamos en Amorphis.

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TTH: Digamos que quisieras hacer un segundo álbum de Silver Lake, con muchos cantantes diferentes. ¿A quién querrías tener cantando en una de tus canciones? Que no haya estado en este disco. Si tuvieras un deseo.

EH: [Lo piensa profundamente] Si pudiera elegir a cualquiera, elegiría a alguien como Kate Bush. [Risas] Eso es una misión imposible. Lo que me gusta de este álbum, y que trabajaría de la misma manera en el segundo, es que para mí es importante que conozca al cantante y que tengamos algún tipo de conexión. Tuve la suerte de conocer a un montón de gente durante mi carrera. Pero me gustaría hacer una canción para Michael Poulsen de Volbeat, por ejemplo: él es un buen amigo, y sería muy lindo hacer algo diferente para él, pero algo en lo que también se sienta cómodo, eso sería genial. Y obviamente sería genial tener a un cantante como Bruce Dickinson. [Risas] ¡Misión imposible!

TTH: ¡Un poco caro!

EH: ¡Sí! ¡Probablemente!

TTH: ¿Cómo están las cosas con lo nuevo de Amorphis?

EH: ¡Muy bien! Y casi terminamos con la grabación del álbum, vamos a grabar algunas voces más justo este fin de semana, algunos instrumentos adicionales más tarde. Creo que todo debería estar finalizado y mezclado en septiembre. El álbum saldrá en febrero del año que viene. ¡Todo está yendo bien! Me gusta mucho el material que tenemos para el álbum de Amorphis, y estoy seguro de que será un muy buen disco.

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TTH: ¿Qué querrías decirle a los lectores de Track To Hell?

EH: ¡Sí! Escuchen el álbum de “Silver Lake by Esa Holopainen”, creo que sorprenderá a mucha gente si todavía no lo han hecho. Muestra otro lado de mí, tiene todo lo que me influencia, todos los diferentes gustos musicales están ahí. Y, mientras tanto, el año que viene, cuando salga lo nuevo de Amorphis, esperamos poder volver a girar por Sudamérica también.

TTH: Eso es lo que todos estamos esperando.

EH: ¡Sí, sí! ¿Sabes? Para ustedes y para nosotros, la música es una parte tan importante de nuestras vidas. Compartirla y tener la experiencia de la música en vivo es algo que ningún streaming puede reemplazar, hay que sentir la música. De verdad espero y deseo que el año que viene podamos girar de vuelta. 

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Erdve: “Valoramos la libertad creativa y no seguimos los cánones”
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Tuvimos la posibilidad de entrevistar a Karolis “Krizas” Urbanavičius (bajista y pianista) y Vaidotas Darulis (cantante y guitarrista) de la banda lituana Erdve, que con la potencia de su post metal lograron, desde el comienzo, captar la atención de un sello como Season Of Mist, y hacer llegar su interesante propuesta al mundo entero.


– Muchas gracias por concedernos esta entrevista. Erdve es una banda que no tiene una historia larga, pero en alrededor de seis años, lograron grabar dos excelentes discos que fueron editados por un importante sello, y lo hicieron desde un país pequeño y cantando en su lengua materna. ¿Cuáles son sus reflexiones al respecto? ¿Qué nos pueden contar sobre los orígenes y concepto de la banda?  

K: Hola, Marcos. Gracias por tu interés. En cuanto a la formación de Erdve, su comienzo fue orgánico, cuando la actividad de cada cual reunió a individuos distintos, pero a la vez similares, que pudieron comprenderse mutuamente con rapidez. Ahora Erdve es un ser vivo, creciendo, cambiando, expandiéndose y descubriéndose. La cuestión de la expresión mediante nuestra lengua vernácula, en especial tratándose de música pesada en la que no hay voces limpias, cabe más a quien grita. Cantar en la lengua materna y poder usar palabras que no pueden traducirse revela el arte en todo su poder. Cada oyente que realmente esté interesado en las letras puede encontrar la forma de traducirlas, tal como sucede cuando están cantadas en inglés o en el idioma que sea, si no es el propio. Valoramos mucho la libertad creativa y no seguimos los cánones, en vista de lo cual, estamos felices de haber captado la atención de un sello como Season Of Mist.  

 V: ¡Gracias por hablar con nosotros! Sentimos que vamos por la senda correcta con lo que hemos hecho hasta ahora (lanzamientos, shows, videos, etc.). Me parece que también tenemos que mejorar en muchos aspectos. Todo lo que hacemos se siente fresco para nosotros porque estamos en un constante flujo de ideas, no solamente en cuanto a la música, sino también el aspecto visual, los eventos, proyectos futuros, colaboraciones, etc. Estamos en proceso de encontrar el modo de comunicar todo productivamente, así que, para nosotros, es como estar en los comienzos de la banda, en cuanto al potencial que podemos vislumbrar. Cantar en nuestro idioma se siente más natural, auténtico y honesto. He cantado en inglés en mi grupo anterior, y estaba bien, pero me sentía raro haciéndolo, como cumpliendo con otro cliché del metal. Hubo un momento de inspiración en el que las bandas islandesas empezaron a cantar en su propia lengua y pareció que eso, en efecto, funcionaba para ellas como una ventaja. Supongo, como vocalista y escritor de las letras, que, si bien tengo la suficiente fluidez en inglés como para expresarme narrativamente, no sabría cuál sería el propósito de hacerlo, a no ser tratar de que la música sea más accesible. Nuestra intención es expresar emociones naturalmente, ser lo más honestos que sea posible con nuestra música. En este momento, no puedo imaginar la música de Erdve en inglés, aunque no lo descartemos para el futuro.  

-¿Qué sucede con los integrantes de la banda? He leído que son tres, pero hay un segundo guitarrista cuando tocan en vivo y en la mayoría de las fotografías del grupo.  

K: Desde el principio, Erdve fue una banda de cuatro músicos y ahora estamos en un momento de cambio. Cuando uno es parte de varios proyectos al mismo tiempo, tarde o temprano tiene que elegir, porque es un proceso extremadamente intenso, así que estamos agradecidos con nuestro ahora ex segundo guitarrista, Kristijonas Nenartavičius por el tiempo que pasamos juntos.  

V: Es verdad, estoy de acuerdo con Krizas, los cambios de formación a veces son inevitables, porque al principio de cada proyecto, es imposible predecir lo ocupado que uno va a estar con el paso de los años. La vida está cambiando constantemente y la creatividad, dentro de los límites del tiempo de cada uno, tiene que tener su propósito, también. Debe ser un proceso que pueda disfrutarse como para que valga la pena sacrificar tiempo de tus responsabilidades diarias.  

 -Las categorías usadas para etiquetar los estilos musicales siempre son problemáticas. Según el sello que los edita, ustedes tocan “Sludge Hardcore Experimental”, pero cuando hice la reseña de su disco “Savigaila”, se me ocurrió que Post Metal sería más acertado. Si bien es cierto que existe una tendencia experimental, se manifiesta sobre todo en la combinación de estilos y la exploración en términos compositivos: encuentro algo de Post Sludge, Post Hardcore, hasta Post Black Metal, por eso es que, simplemente Post Metal, en sentido amplio, me pareció la mejor opción. ¿Qué opinan al respecto?  

K: Bueno, cada persona escucha a Erdve de una manera diferente, así que tu descripción de nuestra música suena como una opinión competente con la que yo no podría discutir. Estoy seguro de que voy a tenerla en cuenta en el futuro, en debates sobre cómo denominar a nuestra música después de “Savigaila”. Desde mi punto de vista, estamos expandiendo límites, tratando de captar las sutilezas de cada subgénero e interpretarlas a nuestra manera, tomando los aspectos que consideramos más importantes y significativos para nosotros.  

V: Recientemente tuvimos una discusión sobre esto mismo y llegamos a la conclusión de que todo depende de quién otorgue o lea la categorización. Para la audiencia de preferencias amplias, este tipo de descripciones sirven como para darle una idea del sonido de una banda antes de escucharla. Para la crítica, entusiastas y fans, tiene más que ver con un análisis en profundidad de determinada sonoridad, estilo de tocar, actitud, instrumentación, composición, etc. Creo que Post Metal sería acertado si acordamos que esa descripción es flexible en cuanto a potenciales estilos que puede adoptar la música, pero no si pretendemos que describa un sonido determinado. ¿Eso tiene sentido? No soy un gran experto en géneros, para serte honesto. Al decir “experimental”, nos referimos a que, definitivamente, vamos a usar lo que sea que nos guste dentro del amplio mundo musical, interpretándolo a nuestro modo y haciendo que encaje en el panorama general. “Sludge” porque nos gusta el sonido grave y los machaques ruidosos y “Hardcore” por la energía de las composiciones. Para mí se entiende que hacemos Metal, pero en The Metal Archives siguen oponiéndose a incluirnos, y hasta parecen ofendidos.  

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-Hablando de su estilo, me queda claro que han desarrollado un sonido propio. No obstante, me pregunto sobre sus influencias, porque relaciono su música con la de bandas como Cult Of Luna, Converge, All Pigs Must Die, Cult Leader, This Gift Is A Curse, Downfall Of Gaia, Wiegedood…  

K: Con el paso de los años escuchando música, uno recibe la influencia de muchas bandas, incluidas las que mencionaste. Pero para explayarnos más, para que el sonido alcance ese punto de insana explosión que buscamos, hay momentos en que solamente remitirse a las referencias no alcanza y falta condimento. Erdve tiene un sonido que es el resultado de varios años de trabajo, exploración y desarrollo de Vaidotas, cantante, guitarrista e ingeniero de sonido.  

V: Como fanático de la música pesada, he escuchado atentamente tantos estilos desde mi adolescencia, desde Nu Metal hasta Death, Black, Doom, y todos los grupos más oscuros que solamente existen en MySpace. Más adelante, profundicé en otros tipos de música, como algunos estilos de Jazz, Electrónica, Drum & Bass, Ambient, etc. En cada uno hallé elementos que podía tomar e integrar en un collage cohesivo. Una de nuestras canciones más pesadas se inspira en la simpleza que se encuentra en el disco “Mezzanine” de Massive Attack. Podría darte muchos más ejemplos como este, supongo que la inspiración proviene de distintos géneros, aunque es cierto que usamos el Metal y el Hardcore como bases, por eso parece que nuestras principales influencias son bandas similares. 

-Considerando su desarrollo como grupo, ¿cuáles son las principales diferencias que pueden reconocer entre “Vaitojimas” (2018), su primer disco, y el reciente “Savigaila”? 

K: Bueno, “Vaitojimas” surgió de la mente de Vaidotas, y salió a luz suave y rápidamente. La creación de “Savigaila” comenzó inmediatamente después de la salida de “Vaitojimas”, pero el proceso fue más extenso, llevó tres años de búsqueda y modelado, hasta alcanzar el producto final. Hubo canciones adicionales que se tocaron en vivo, pero no quedaron en el disco; tal vez se incorporen a alguno en el futuro.  

V: “Vaitojimas” fue un disco muy crudo y espontáneo, muy expresivo y emocional. “Savigaila” es más sofisticado y pensado, y tomó más tiempo componerlo. Queríamos que fuera un trabajo más inteligente, por decirlo de alguna manera. Pero el resultado va más allá y estamos contentos con eso. Es una buena reflexión sobre cómo nos hemos sentido en los últimos años, y así debe ser la música, mientras podamos pararnos con sinceridad y honestidad detrás de lo que producimos con nuestra creatividad.

-Si no me equivoco, su primer disco, en cuanto a las letras, abordaba tópicos como la violencia y los conflictos sociales, pero luego se volvieron más introspectivas, lidiando con la culpa, la autocompasión, la envidia, el amor y lo “sagrado”. Me genera curiosidad ese aspecto, en particular, considerando que el catolicismo es muy fuerte en Lituania, y que también hay algunos problemas con la inmigración.  

 K: Para empezar, Erdve no se relaciona con el catolicismo ni con ninguna otra entidad religiosa. Temáticamente, en nuestra música, presentamos lo que nos resulta relevante, lo que solemos descubrir comunicándonos entre nosotros, lo que vivenciamos, lo que sucede próximo o lejano en el tiempo. De un modo u otro, directa o indirectamente, lo que nos afecta en nuestras vidas. 

V: Yo creo que ese cambio se dio porque evolucionamos como personas desde el primer disco. Ya mencioné los cambios en la vida y eso fue un factor crucial en cuanto a por qué miramos más hacia adentro que hacia afuera. Nos volvimos más críticos con nuestros defectos y problemas. Nos parece que es un enfoque más maduro el que se genera a partir de la reflexión sobre uno mismo, y no la mera expresión de rebelión carente de auto-conciencia. Por supuesto que opinamos y empleamos varios conceptos y contextos que encajan en nuestra narrativa. Quizás, para decirlo con más simpleza, como personas nos sentimos perdidas, sin un claro sentido en la vida, y la cultura del escapismo hace que experimentemos autocompasión, en vez de realmente buscar lo que podría hacernos felices. 

-Su música explora distintos climas, una gran variedad de paisajes emocionales. No obstante, en general, es muy intensa y poderosa, y la calidad de los riffs y el sonido del bajo llamaron mi atención. ¿Qué pueden decir sobre el proceso creativo de la banda y sus elecciones en cuanto a equipamiento?

V: Para serte honesto, no nos preocupa mucho la cuestión del equipamiento. Solemos usar lo que tengamos a disposición, pues tratamos de no invertir demasiado en amplificadores y pedales caros. Usualmente en los shows usamos el backline que haya: por lo general funciona bien. En los ensayos, seguimos usando los viejos amplificadores que tenemos hace una década, nada demasiado especial. Con respecto a la grabación, todo el sonido se logra con plugins, los venimos usando desde hace varios años. Para crear el sonido de bajo, usamos entre dos y tres capas al mismo tiempo, una muy grave, “gorda” y opaca, otra muy distorsionada sin frecuencias bajas y una tercera opcional, para dar énfasis en ciertas secciones, pero esta técnica, en verdad, es de uso frecuente entre los productores. Con respecto al proceso creativo, grabamos muchos demos, cada cosa que se nos ocurre. No solemos discutir demasiado acerca de las ideas iniciales, grabamos directamente y vemos si funcionan. Es un proceso basado en las computadoras, pero todo es así ahora. Le recomendaría a cualquier banda, si es que todavía no lo han hecho, que aprendan a grabar por sí mismas, créanme: hay muchos cursos on-line gratis, y también programas de grabación.

-He leído que ustedes, como grupo, se involucran directamente en todo lo que es el aspecto visual de su arte y tal como decías, también en los aspectos técnicos de la grabación. Eso me parece muy interesante, ya que, si bien firmaron con un gran sello discográfico, siguen manteniendo una actitud muy Do It Yourself (DIY). ¿Qué opinan sobre eso?

K: Nos alegra que la pandemia no nos haya perjudicado como banda, y durante todo este tiempo, hemos decidido experimentar y concretar varios proyectos propios en video. Hemos presentado tres videoclips y planeamos realizar más en el futuro, el tiempo dirá si así será. 

V: En realidad no diría que es ser DIY, sino que somos personas muy curiosas y nos gusta hacer las cosas por nuestra cuenta. Crear videos conceptuales se convirtió en una pasión para nosotros, así que vamos a hacer más. Esa actividad realmente nos vuelve un equipo con un objetivo en común, porque tocar música y ensayar se puede tornar repetitivo. Estoy seguro de que tenemos ideas creativas que vamos a explorar en el futuro, a menos que nos aburramos en algún punto (esperemos que no, pero tampoco sería un problema si sucediera).  

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-Pude ver el video del concierto en vivo que dieron en la Iglesia de San Juan (Lituania) en 2019, y es sorprendente. Me interesa saber acerca de las decisiones detrás de ese proyecto.  

K: Primero, la Iglesia de San Juan es un lugar especial en términos arquitectónicos y culturales, donde tuvimos la oportunidad exclusiva de tocar y presentar nuestra música de manera inusual. Ese edificio es parte de nuestra herencia cultural y nos pertenece como sociedad, más allá de la institución dogmática a la que se delegue su administración. Considerando algunas dificultades organizativas, fue un milagro que pudiera llevarse a cabo. Estamos satisfechos con el resultado. 

V: Sentimos que el entorno es gran parte de la experiencia de todo concierto, así que estamos siempre atentos a cada posibilidad de brindar vivencias únicas a nuestra audiencia. Fue un show muy intenso, desde su organización hasta su implementación, así que nos alegra que haya ido tanta gente para disfrutarlo junto con nosotros. También tocamos en una prisión el año pasado y vamos a publicar un video de calidad profesional muy pronto por YouTube.  

-¿Qué nos pueden decir sobre la música extrema en Lituania? ¿Algunas bandas que puedan recomendarnos?  

K: Especialmente en años recientes, el número de bandas tocando música pesada en Lituania ha aumentado, igual que la atención que está recibiendo la escena, pero la cuestión es que lo mismo puede decirse de la edad de las personas que hacen esa música. Los festivales al aire libre atraen suficiente audiencia como para poder decir que hay bastante público para el Metal. Hay pocos nombres que mencionaría: Death In Taiga, Au-Dessus y Extravaganza. 

V: En este caso, voy a estar levemente en desacuerdo con mi compañero, porque tengo una mirada distinta de la escena. Siento que hay una transición generacional, en la que las bandas más viejas dejan de tocar o no son lo suficientemente ambiciosas como para mantener una línea de trabajo consistente, mientras aparecen otras nuevas con ímpetu para ofrecer cosas diferentes. Lo mismo se aplica a quienes organizan shows o administran locales para tocar. Necesitamos nutrir la escena renovando la audiencia, con experiencias novedosas, tratando de evolucionar, probando cosas diversas, hacer movidas arriesgadas, porque de lo contrario, es difícil que la juventud se sienta atraída por algo que no cambia, y si el público es el mismo de siempre, envejece y pierde interés por la novedad, o peor, se vuelve alérgico a las propuestas nuevas y a los cambios que se van dando en cada género.  

-¿Hay algo que les gustaría decirle a la potencial audiencia de Erdve en España, América Latina y el resto del mundo?  

K: Gracias por escuchar y descubrir.  

V: Salud y hágannos saber qué sienten cuando escuchen nuestra música; siempre nos gusta recibir retroalimentación de la gente.  

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Lóstregos: “La respuesta de la gente ha sido bestial a todos los niveles”
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Los muchachos de Lóstregos nos estuvieron contando un poco de su material más reciente “Onde Calan os Corazóns Ruxen As Pedras” también nos van a contar cómo los trato este y anterior año en relación a su música además contar un poco el futuro de la banda

– ¿Cómo fue el proceso de composición del disco?

La composición se llevaba gestando desde 2018 que fue cuando empezamos a sacar las primeras ideas, es fruto de muchas horas en el local de ensayo, comenzando como comentaba por estructuras base, luego mirar adornos, cortes, cambios de tempo, seguir con arreglos y una vez tuvimos todo eso, comenzamos a mirar las partes en las que podíamos añadir instrumentación a mayores (teclados, violonchelo…) y ensayar los temas todo lo que pudimos para llevarlos preparados para la grabación.

– ¿Tenían las letras escritas desde antes o fueron apareciendo con la música?

Primero por norma general va la música, una vez estamos prácticamente con el tema acabado es cuando nos empiezan a llegar las sensaciones según las cuales encaminamos los temas a una temática, cuando conseguimos encauzar a que va ir referido el tema en cuestión nos empapamos de dicha historia hasta que las palabras fluyen solas.

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– ¿Cómo sienten este disco en relación a sus trabajos anteriores?

Consideramos que es nuestro trabajo más elaborado hasta la fecha, no solo en tema compositivo, también en cuanto a sonido, artwork… todo en general, al comienzo ya decimos que este disco tenía que ser un salto a todos los niveles en comparación a los trabajos anteriores y estamos muy satisfechos con el resultado final. La respuesta de la gente ha sido bestial a todos los niveles, tanto es así que nuestra copias de la edición en vinilo se han agotado en tan solo dos días!

– ¿En que se basaron para escribir las letras del disco?

El concepto lírico del álbum gira en torno al “folclore galego” cuatro historias que en principio pueden parecer inconexas, pero que juntas definen el carácter de esta tierra y sus gentes a través del tiempo, leyendas como “A Cova Do Rei Cintolo” en Mondoñedo, historia heredada en la batalla del Medulio, historia más actual como la de Man de Camelle o los antiguos cultos paganos, todo ello junto cobra sentido bajo los auspicios del crepitar del fuego.

– En el disco durante muchos momentos se escuchan muchas influencias variadas ¿Son parte de todos o alguno en particular las propone?

Siendo el Black Metal un nexo común dentro del seno de la banda, cada uno tiene un estilo predilecto fuera del Black Metal, ya sea este Folk, Jazz, Punk, Rock Progresivo… lo que se puede escuchar es la fusión de todas las influencias bajo un mismo tótem siendo el Black Metal la base principal.

– ¿Cómo los trato el 2020?

Imagino que como a la mayoría, sin pena ni gloria, ensayando las veces que hemos podido, haciendo rutas de senderismo por el bosque o la costa cuando nos lo permitían, buscar sellos para poder editar el trabajo en diferentes formatos físicos y coordinar todo.

– ¿Cómo sienten que los tratara el 2021?

Este año hasta la salida del disco estaba siguiendo un poco la tónica del anterior, a raíz del lanzamiento del disco como ya he mencionado antes, hemos sentido un gran apoyo constante lo cual siempre es motivante, si todo sale según lo previsto antes de que acabe el año esperamos ya tener presentado el disco en algún que otro directo, los cuales estamos preparando con más energía que nunca

– ¿Hay algo cómo banda que les gustaría cumplir o sienten que ya lograron bastante?

Siempre se puede conseguir más, realmente nos centramos en seguir recorriendo el sendero siendo fieles a nosotros mismos.

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Skarlett (Skarlett Riot) “Es genial mirar atrás y ver como hemos progresado y madurado juntos como banda”
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Con motivo del lanzamiento de su tercer disco de estudio “Invicta” (Despotz Records, 2021) nos juntamos con la vocalista Skarlett de los británicos Skarlett Riot para que nos cuente todos los detalles sobre este nuevo y potente trabajo.

Lo primero, felicidades Skarlett por este nuevo lanzamiento, es fantástico y posible el mejor disco de Skarlett Riot hasta la fecha.

– Skarlett, ¿Cómo ha sido el proceso de grabación de “Invicta”?, especialmente en estos tiempos de la pandemia y la cuarentena que ha provocado el Covid19

Skarlett (Voz): Fue realmente un desafío, tuvimos que irnos del estudio a mitad de la grabación del disco debido a la cuarentena y tuvimos que esperar unos meses hasta poder volver allí a grabar el resto del álbum. Además, tuvimos que grabar cada uno nuestras partes de forma individual cuando habitualmente lo hacemos en conjunto, con lo cual fue bastante complicado acomodarse a esta nueva situación. Pero bueno, al tener más tiempo para grabar , pudimos concentrarnos para añadir los toques finales a las canciones y tenerlas listas al 100% antes de grabarlas.

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– Escuchando el disco, no hay enormes diferencias con vuestro anterior trabajo (Regenarate,ndr.), pero si que hay nuevas vibras en las canciones y tu voz suena mejor que nunca, ¿lo sientes así tú también?.

S: Bueno, yo creo que “Invicta” es un disco más heavy que el anterior, creo que las dinámicas y las texturas lo hacen más completo. Tenemos algunas canciones más lentas y eso implica que las partes más cañeras tengan un mayor peso y sorprendan más. Hemos trabajado más en la sección de vientos, cuerdas y la producción en general.
Pienso que es muy interesante este nuevo trabajo!

– Hablemos ahora de “Human”, la cual considero que es una de vuestras mejores canciones hasta la fecha y en cierto modo parece una hermanita pequeña de “Warrior”, debido a lo poderoso y positivo del mensaje en la canción, ¿Cuál es la historia detrás de esta pieza?

S: “Human”, habla sobre la manera en que tenemos de tratar a las personas y como debemos ser cuidadosos en las formas que tenemos para con los demás, a veces un simple comentario o un acto puede afectar el día de una persona o peor aún toda su vida, hay que tener cuidado en las formas que usamos y el respeto es clave para con los demás.
Tú no sabes por lo que puede estar pasando una persona, entonces antes de hablar piensa bien las cosas y se agradable con los demás.

En 2020 cumplisteis vuestra primera década como banda, mirando atrás que opinión tienes ahora de temas como “Faded Memory”, “House Of Cards” o “Ignite”, muchos de nosotros os conocimos gracias a canciones como estas…

S:
Pues no se nos ha pasado rápido la verdad, es genial mirar atrás y ver como hemos progresado y madurado juntos como banda. Sin estas canciones no estaríamos hoy aquí, aunque musicalmente hablando creo que somos mejor banda ahora mismo y estamos más fuertes que nunca.

– Otra de las grandes canciones de “Invicta”, es “Black Cloud”, la cual en ciertas partes me ha recordado a “Aerials” de System Of A Down, ¿lo habías pensado en ello?, ¿os gusta esta banda a vosotros?.

S: Wow! es una gran comparación, la verdad es que hasta que me lo has comentado no se me había ocurrido pensar en ellos, voy a chequear esta canción ahora mismo!

– La última vez que nos vimos fue en el marco del “Metal Female Voices Tour” en Madrid en donde compartisteis cartel con Butcher Babies, Kobra And The Lotus , Ignea y Asphodelia , ¿Que recuerdos te trae aquella gira? ¿y como fue para vosotros tocar en España por primera vez?

S: Aquella fue una de nuestras giras favoritas sin duda, encajamos muy bien y visitamos un montón de lugares preciosos y conocimos un montón de gente maravillosa.

Compartimos el autobus con todos ellos y nos pudimos conocer muy bien entre todos los grupos. España fue muy amable con nosotros y nos encantó visitar Barcelona también por primera vez, nos encantó tocar allí. Hicimos amistad con un par de músicos callejeros y yo acabé cantando con ellos fuera de un bar, fue muy guay y tenemos muy buenos recuerdos de aquella gira.

– Ahora con el disco en las tiendas, ¿Cuáles son los planes para la banda? , ¿Pensáis girar por UK y Europa hacia finales del 2021 y el 2022?

S: Estamos trabajando para algunas cosas hacia finales del año y sobre todo queremos intentar girar en 2022, ha sido un año raro y difícil, así que esperamos poder girar el próximo año.

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Metator: “Nuestro ámbito natural como banda son los antros y tugurios”
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La gente de Metator nos estuvo contando un poco sobre su primer disco titulado “Akocedakor” y sobre cómo fueron estos años para la banda además de lo que va a ser un poco del futuro de la misma.

– ¿Cómo fue el proceso de composición del disco?

Es como una recopilación del set list clásico de cuando la banda era Akocedakor, del 2004 al 2015. Todo lo hemos compuesto bajo el lema “tan brutal como sea posible”, sin caer en los tópicos trillados. Buscamos la máxima violencia, para luego hacerla trascender hacia el sonido y después depurar cualquier aspecto que no sea lo suficientemente agresivo o terrorífico. Nos gusta que uno no se parezca a otro y que todos tengan una idea que los cohesione. El último tema del disco es “Bomber”, cover de Motorhead en tributo a Lemmy.

– ¿En que se inspiraron para escribir las letras?

Nuestra temática es el “Philosophic death metal”, crisis existenciales del pasado, presente y del futuro post-apocalíptico que se nos viene. Apertura forzosa de conciencia mediante substancias y disciplina marcial, elecciones de dramático sufrimiento, castigos colosales…

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– ¿Cómo ven este disco en relación a sus trabajos anteriores?

Es nuestro 1r Lp como Metator, pero en relación a lo hecho con otras bandas creo que podemos decir que nunca habíamos llegado a algo tan extremo. Es un proceso de radicalización de años y nunca ha habido tregua. No es ni lo más técnico ni virtuoso ni nada así, pero transmite auténtica sensación de peligro.

– ¿Cómo los trató el 2020 a nivel banda?

Pintaba atronador a nivel de participación en festivales. En lugar de lamentarnos preferimos pensar que al menos haya servido para arrejuntar fuerza y odio, porque veo a todo el mundo con ganas feroces de bronca metálica.

– ¿Sienten que hay algo cómo banda que les falte cumplir?

Nuestro ámbito natural como banda son los antros y tugurios. Nos comunicamos con las energías de los camerinos decrépitos, hemos derramado sangre peleando por el metal… No se no ocurre qué más podemos pedir.

– ¿En qué momento se sienten más cómodos? ¿Dentro del estudio o arriba del escenario?

Algunos estudios realmente impresionan por lo chulos que son, y pasar por ellos es una experiencia como músico, pase lo que pase dentro. Pero el escenario es la palestra, el ring, por lo que te has partido la cara cada día, es lo que acaba dando sentido a todo lo demás.

– ¿Qué planes vienen para el futuro de la banda?

Nos vemos en octubre en el Sick Dog Fest, DF. Mexico. Para 2022 el Iberian Warriors fest que resiste, y esperamos confirmar alguno más que se está cociendo. Sin menoscabo de volver a antros, tugurios y ocupas. Tenemos la inminente publicación de un Split junto a Mugre, Troll, y otras bandas con nuevo material. Y por supuesto el segundo disco de Metator también para 2022.

– La última no sería una pregunta sino más bien si pueden decir unas palabras para los fans que los siguen desde siempre y los que los están descubriendo ahora y desde ya muchas gracias

Si conocen algún lugar en el que pueda haber manifestaciones sobrenaturales, aquellos en los que dé auténtico pavor entrar, contad con nosotros, con nuestras substancias alucinógenas y con nuestros puños. Siempre en nombre del metal. Así como el Cosmos sobre nosotros, la ley del metal en nuestras guitarras. Salud a todos!.

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Tamás Kátai (Thy Catafalque): “Los streamings me aburren. No hay interacción, no hay energía, no hay pasión”
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El pasado 25 de junio, el proyecto de avant-garde/progressive/black metal Thy Catafalque, piloteado por su único miembro oficial, el multiinstrumentalista Tamás Kátai (acompañado de un ejército de músicos de sesión), ha lanzado su décimo álbum de estudio. Un trabajo que resume una trayectoria impecable de más de 20 años y que aún hoy sigue dando patadas. Importantes, pesadas y experimentales patadas.

Abarcando un mar de sonidos, estilos e inspiraciones, Vadak es un lanzamiento que es difícil de definir en pocas palabras, por lo que nos permitimos conducir una breve pero substancial entrevista a Tamás en la que nos platica del significado del nombre, cómo ha desarrollado su proceso creativo y de su gusto por Las Bisteces, entre otras cosas.

TTH: Antes que nada, déjanos agradecerte por esta entrevista. Estamos muy contentos de poder hacerte algunas preguntas. Vadak es un álbum fenomenal y no hemos dejado de escucharlos desde su lanzamiento, así que gracias por eso también. Ahora a lo que nos ocupa:

Thy Catafalque ha estado acostumbrado a lanzar un álbum cada dos años, salvo algunas excepciones. Esta vez, el lanzamiento de Vadak sucedió casi justo un año después de Naiv. ¿A qué se debe esto? ¿Contabas ya con música escrita o grabada o simplemente fue debido a la pandemia?

TK: La mayoría de las veces trabajo de corrido. Por lo regular sé que es bueno parar durante algún tiempo después de terminar un álbum y lo hago un poco porque suele haber demasiado trabajo luego de entregar el material de audio — tengo qué entregar el diseño de las portadas (yo hago todos los diseños), mucho papeleo, trabajo de promoción, videos y entrevistas como esta. Considerando que tengo un trabajo diurno bastante demandante no suele haber demasiado tiempo para componer y grabar música nueva, pero a veces lo hago. Estos ciclos promocionales están creciendo cada vez más y más con cada lanzamiento, y eso es algo bueno, por supuesto, pero también significa que tengo menos tiempo de crear cosas nuevas. Aún así mientras hablamos tengo unas cuatro o cinco canciones ya grabadas sin las voces, pero no tengo idea de cómo terminarán. Puede que las deseche o las haga a un lado por el momento, en verdad que no lo sé ahora mismo. Oh, y también puedo ser más rápido que la mayoría de las bandas porque TC no es una banda normal, ni siquiera es una banda; es solo un proyecto de estudio, lo que significa que no hay conciertos, ni tours, ni siquiera ensayos.

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TTH: En la mayoría de los países hispanoparlantes prácticamente no tenemos información sobre arte y cultura húngara, por lo que Thy Catafalque podría ser una buena venta para asomarnos a ese mundo. En algunos lugares leímos que el título del álbum viene a significar algo como “fieros” o “salvajes” (pudiendo referirse tanto a animales, como humanos), pero por alguna razón, al tratar de traducir el título nos aparecía algo como “suero”.

¿Te gustaría confirmarnos cuál es el significado del álbum y qué relación temática tiene este con la obra en su totalidad?

T: “Vadak” vendría a significar “animales salvajes” en este caso. También puede significar “gente salvaje”, sí, pero no tengo idea de cómo diste con la traducción de “suero”, jaja. El contexto del álbum viene de la idea de que nosotros, como todos los seres vivientes, estamos siendo asechados constantemente por la muerte en el bosque de los tiempos. Esta ha sido la imagen en mi cabeza últimamente, pero sabes que esto es un tema recurrente con Thy Catafalque. Siempre he hablado de este u otros temas similares, así que no es tanto un concepto específico para la ocasión, sino de lo que en sí ha tratado este proyecto todo este tiempo; fallecer, el tiempo, el bosque, los animales, el universo y los sueños.

TTH: Hemos leído que disfrutas de otros proyectos que también hablan en sus idiomas originales (o incluso anteriores a estos). ¿Escuchas proyectos en español?

T: Dato curioso: La chica que aparece en la portada de Vadak es Española; ella fue quien pintó la portada para Naiv y también quien aparece en el video de Embersólyom. Es una persona muy cercana a mí que también me presentó muchos actos musicales interesantes en español. Mis favoritos son Neonymus, Jordi Savall, Joaquín Díaz y Las Bistecs.

TTH: Sabemos que tourear está fuera de la mesa, pero con el auge de los conciertos en streaming como un formato cada vez más popular debido al estado actual del mundo, ¿has llegado a pensar en organizar o aparecer en un evento de esta clase?, ¿crees que sería similar a tocar en vivo?

T: No, de hecho ni siquiera disfruto ver un concierto en línea. Me aburren. No hay interacción, no hay energía, no hay pasión. Le faltan todas las cosas que hacen a un concierto asombroso. Se siente vacío para mí, como un ensayo glorificado, sencillamente no ofrece nada.

TTH: ¿Qué suena en tu playlist últimamente?, ¿qué tipo de música o dieta musical ha influenciado tu trabajo actual?

T: De acuerdo, ayer estaba escuchando a Paradise Lost. Gothic, Shades of God y especialmente Icon. Esta es su época dorada para mí. También me gustan cosas posteriores, pero hombre, Icon es una obra maestra. Lo he escuchado desde que salió. Creo que me ha influenciado de una forma u otra porque sencillamente tiene qué haber pasado.

TTH: ¿Hay algo más que quisieras hacerle saber a tu público hispanoparlante?, ¿algún proyecto nuevo qué esperar en el futuro o alguna clase de mensaje?

T: No creo tener un mensaje en específico para esta audiencia, excepto que… no, sí lo hay. Tengo qué decirles que estaré eternamente agradecido por al menos tres cosas: salmorejo, churros y cachapas. Me encantan. ¡Gracias!

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Burial Pit: “El disco captura lo vivido con los horribles humanos que infestan el planeta”
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Tuvimos la posibilidad de entrevistar a Jack Thomas (guitarrista) y Matt Sourdin (bajista) de la banda australiana Burial Pit, cuya formación se completa con Josh Gibbons (guitarra), Adrian Griffin (batería) y Scott Tabone (voz). Lanzaron su brutal disco debut este año y no pasaron desapercibidos.

– Reseñé su álbum ‘Subhuman Scum’ y, sin dudas, estará entre los candidatos a mis favoritos del año. Las principales razones: es su primer trabajo, y en ese sentido, ya lograron algo de gran calidad, y a la vez, su música tiene interesantes características, sobre las que me gustaría conversar luego. Primero, cuéntennos acerca de la historia de la banda y el proceso creativo detrás del disco.  

J.T.: ¡Gracias por tus amables palabras! Estamos muy felices con lo que conseguimos. Burial Pit empezó a fines de 2018. Yo conocí a Matt en el parque al final de mi calle, por medio de algunos amigos en común, y charlamos sobre hacer música. Él mencionó que iría al show de Dimmu Borgir con algunos amigos y me invitó a sumarme, pues yo mismo pensaba concurrir por mi parte. En ese concierto, conocí a Griff y Josh. Yo ya tenía unas cuantas canciones compuestas para un proyecto Death/Sludge, sobre las que les hablé y ellos dijeron que les gustaría tocarlas. Le pedí a Scotty que se incorporara, porque ya veníamos tocando en otra banda juntos, y desde el primer ensayo todo sonó brutal.

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– Ustedes dicen tocar “Sludge Metal Violento”, algo que suena bastante acertado, pero también encuentro algunos trazos de Death Metal o Grindcore en la música que hacen, sobre todo en la voz, que despliega un amplio rango, incluyendo hasta pig squeals. ¿Les parece haber creado un nuevo monstruo suturando partes de distintos estilos? ¿Cuáles son sus principales influencias?  

J.T.: Sí, definitivamente hay un amplio espectro de influencias de distintos sub-géneros mezcladas en nuestra música. Antes de que Matt introdujera el término “Sludge Violento” yo hubiera hablado de Death/Sludge/Doom. Mis principales influencias para tocar en Burial Pit fueron Primitive Man, en particular el álbum “Caustic”, el disco de Gatecreeper “Sonoran Depravation” y el de Bongripper “Miserable”. Quería mezclar todo lo que me gustaba de esos artistas, los contundentes riffs disonantes, la lentitud dolorosa pero entramada con cierto groove y ese empuje a sacudir la cabeza que tiene el Death Metal y que hace que cada oyente quiera escuchar un tema durante nueve minutos. ¡Me encantaría que el “Violent Sludge Metal” se convirtiera en un sub-género en sí mismo!

– Cuando escuché el disco, los temas “Subhuman” y “Scum”, así también como las guitarras en “Priest”, llamaron mi atención. Me parece que tienen atributos que los hacen resaltar. ¿Qué nos pueden decir sobre ellos? 

M.S.: Yo quería hacer algunos temas más atmosféricos o “ambient” que acompañaran al resto. Mi propósito era generar un estado de ánimo oscuro, frío y siniestro que hiciera que la gente se sintiera tensa e incómoda. El canto que se oye en esos tracks es de monjes ortodoxos búlgaros, y me pareció que esos samples se ajustarían perfectamente al álbum, porque estamos usando sus propias ceremonias religiosas como armas en su contra. Creo que puedo hablar por toda la banda cuando digo que tenemos una perspectiva profundamente antirreligiosa, así que usar esos cantos y ceremonias de manera musicalmente “blasfema” es expresar un mensaje de enorme disgusto hacia esas horrendas organizaciones.

– Asumo que la pandemia afectó sus planes, y no sé cómo es la situación en Australia en este momento, pero, en cualquier caso, decidieron hacer un show por live stream con una filosofía muy Do It Yourself, el 29 de Mayo (Nota: posteriormente pudieron tocar en un concierto presencial). Quería saber sobre las decisiones detrás del evento y su percepción acerca de la pandemia, la industria musical y el futuro próximo.  

J.T: Ese live stream, de hecho, fue una decisión de último minuto, ¡tomada la noche anterior! Se suponía que debíamos tocar para el lanzamiento del disco en Melbourne y dos días antes hubo otro brote de COVID, así que volvimos a un cierre. Eso nos hizo sentir devastados, porque iba a ser nuestro primer concierto en otro estado y encabezando el cartel. Decidimos ir al lugar donde ensayamos y componemos, y conversando allí, surgió la idea de hacer ese show y transmitirlo de esa manera. No teníamos idea de cómo funcionaría, pero tampoco teníamos nada que perder. Por suerte, nuestro baterista es un genio en cuanto a las cuestiones técnicas y con la ayuda de nuestro amigo Az, que dirige los Adversary Studios, se las arreglaron para hacerlo posible. Fue una gran forma de poder conectarnos con nuestros amigos y fans en Melbourne, que estaban encerrados en sus casas y, además, una oportunidad para compartir los temas con el resto del mundo.

– Cuando hice la reseña de su disco, escribí: “Vale la pena escucharlo tantas veces como sea posible y sentir cómo converge con la catástrofe que estamos viviendo en estos tiempos oscuros. Como suele decirse, el disco captura el espíritu de la época.” ¿Qué opinan al respecto? 

J.T.: Sí, fue una gran reseña. El disco definitivamente es una captura de los tiempos que vivimos, no tanto en relación con la pandemia, sino con los horribles seres humanos que infestan el planeta y el fracaso de todos los sistemas para proteger a las víctimas de sus abusos.

– ¿Qué hay del video de “Lord of Limbs”? Estuvo muy bien realizado, pero cuando salió el de “Priest”, tuvo un enfoque totalmente distinto, lo que me genera curiosidad.  

J.T: El video de “Priest” fue filmado mientras estábamos en casa, todos en cuarentena. Fue algo humorístico, como para ayudarnos a sobrellevar lo que estábamos experimentando. En cambio, el de “Lord of Limbs” fue hecho seriamente. Queríamos que fuera simple y sombrío, y dejar que la canción hiciera la mayor parte del trabajo. Delegamos la dirección creativa en nuestro amigo David Xuereb de Grim Reflections que filmó y editó el video, y nos dejó encantados con el resultado.

– Todos sabemos que AC/DC ama Argentina y en Argentina se ama a AC/DC, por eso grabaron su DVD en vivo en Buenos Aires. Pero hablando de Metal en particular, Thy Art Is Murder es otra banda australiana que rápidamente me viene a la mente. Portal también está adquiriendo mayor notoriedad. ¿Qué nos pueden decir sobre la escena en su país?  

J.T.: La escena del Metal en Australia es asombrosa en este momento. Me parece que algo bueno que ocurrió por el cierre de fronteras es que mucha gente empezó a mirar tierra adentro y así darse cuenta de los grupos que hay acá. Hay demasiadas bandas underground para nombrar, pero algunas que podrían disfrutar las personas a quienes les guste Burial Pit serían: Resin Tomb, Munt, Isua, Kvll, Descent, Shackles, Hadal Maw, Alchemy, Mountain Wizard Death Cult, Feculent… Y me detendré aquí porque podríamos hacer una entrevista entera dedicada a la escena.

– Siempre he escuchado comparaciones entre Australia y Argentina, principalmente por sus latitudes similares, climas, áreas desérticas, etc. Honestamente, no sé si las comparaciones podrían ir más allá, pero vos Matt me dijiste que estuviste en Argentina en 2020, justo antes de que comenzara la pandemia, y quería saber tu opinión sobre esa experiencia y si les gustaría tocar en Sudamérica.  

M.S.: Sí, estuve tres veces en Argentina y cada vez que voy, me gusta más. Viví un tiempo en Perú y viajé mucho por Sudamérica, ya que trabajo en turismo de aventura. Amo la variedad de paisajes que hay en Argentina, en especial la zona de los lagos desde Bariloche hasta San Martín de los Andes, y los lugares hermosos y remotos como Ushuaia. La gente allí es muy amable y receptiva, así que espero que algún día Burial Pit pueda tocar allí. Sería un honor y un privilegio.

¿Hay algo que quisieran decirle a la gente en España y América Latina que todavía no ha escuchado a la banda? 

J.T.: Escuchen el disco a todo volumen con ropa interior de recambio cerca.

– Bueno, muchas gracias por su amabilidad. 

J.T. y M.S.: ¡Gracias a vos! Apreciamos mucho el apoyo.

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ReDimoni: “Decidimos sacar el material en una trilogía de EP’s”
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Los muchachos de ReDimoni nos estuvieron contando detalles de On The Brink Of Existence, su más reciente EP de estudio, el cual salió este año sumando un pilar más en la carrera poderosa de esta banda oriunda de Barcelona.

– ¿Cómo fue el proceso creativo del EP?

¡Saludos! Fue un proceso lento debido a nuestros compromisos personales fuera de la banda, de ahí también la variedad entre los temas.

A pesar de ser un proceso lento, nunca hemos dejado de aportar ideas hasta formar los temas. Nuestra máxima es que a todos nos tiene que molar un tema de principio a fin, hecho que hace que a menudo descartemos riffs o temas que nos acaban de convencer.

Por otro lado, el confinamiento durante la pandemia nos ha dado la oportunidad de trabajar de una manera diferente; trabajando más los temas desde casa y grabando diferentes pistas y así poder perfilar los toques y arreglos.

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– ¿En que se inspiraron para escribir las letras?

La temática lírica se focaliza en la transición entre la vida, la muerte y el más allá.

– Al ser editado por ustedes mismos, ¿sintieron que fue más sencillo hacer la mezcla?

Creo que no ha impactado el hecho que sea autoeditado en el proceso de mezcla. La diferencia principal ha sido que en anteriores lanzamientos las mezclas las hacía el guitarrista que teníamos por aquel entonces (David – que también es técnico de sonido profesional), mientras que en esta ocasión hemos acudido a un estudio y dejamos las mezclas a criterio de Javi de Moontower Studios.

Javi entiende nuestro estilo a la perfección y estamos muy satisfechos con el resultado!

– Dentro de los 21 años de carrera en la banda, ¿que sienten que le suma este disco a la banda?

En primer lugar, y al contrario que los otros lanzamientos, se ha grabado y mezclado en un estudio profesional. Anteriormente grabamos en el local de ensayo, hecho que nos daba mucha libertad, pero no eran las condiciones óptimas.

Ir a un estudio ha impactado mucho en la mezcla y resultado final.

– ¿Sienten que les falta cumplir algo cómo banda?

¡Giras y festivales! Así como poder tocar en lugares donde todavía no hemos ido.

– Su última publicación fue en 2014, ¿qué sensación tuvieron al sacar este nuevo disco?

Fue como quitarnos un peso de encima. Teníamos material para un disco entero pero no todos los temas tenían el mismo grado de madurez. Decidimos sacar el material a modo de tres Eps (como si fuera una trilogía) para no demorar más el lanzamiento de material.

– ¿Cómo describirían la banda a alguien que quiere empezar a conocerlos?

Thrash metal de la vieja escuela influenciado sobretodo por la escuela teutónica.

– ¿Qué planes hay en el futuro de Redimoni?

Seguimos acabando la composición del siguiente EP (segunda parte del disco) y esperamos poder entrar en el estudio a finales de 2021.

Idealmente, nos gustaría encontrar un sello que se hiciera cargo del lanzamiento, pero ya se verá. De momento seguimos con la promoción al máximo.

Esperamos que este lanzamiento nos pueda abrir las puertas a conciertos en sitios en los que todavía no hemos tocado, siempre y cuando la situación con el covid lo permita!

– ¿Podrían dejar unas palabras para los fans que los están leyendo?

Saludos y muchas gracias por el apoyo! No hubiéramos aguantado estas dos décadas a no ser por el apoyo continuado que hemos recibido! METAL HEART!!

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Entrevista Mosh: “Estamos orgullosísimos de pertenecer a una escena metalera tan rica y de tanto nivel”
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Con motivo del lanzamiento de su nuevo disco “Vértigo”, nos juntamos con los navarros Mosh para que nos cuenten todo acerca de este nuevo y explosivo lanzamiento y lo que supone lanzarlo en estos tiempos tan extraños y delicados para todos.

– Lo primero, ¿ Cómo estáis chicos y que supone para vosotros poder lanzar por fin este nuevo disco?

Hola compañerxs!! Estamos muy bien!! Comiéndonos las uñas y contando los días, la horas, los minutos que quedan hasta el primer bolo de arranque de gira… A puntito de reventar!!

– ¿Cómo ha sido el proceso de grabación y donde habéis compuesto las canciones?

“Vértigo” ha sido grabado en Madrid, en TMFS (The Metal Factory Studios) por Alex Cappa, Pablo Rousselon y Jorge Rodríguez Segura. Productores de sobra conocidos en el mundo del metal. El disco anterior también lo hicimos con ellos, y para “Vértigo” repetimos. Estamos encantados con el resultado, es salvaje cómo suena!!

– ¿Cómo surge la colaboración con Rober de Bellako?

Es una banda que ya conocíamos y que a todos nos gustaba. Queríamos hacer una colaboración y los tentamos (a ver si había suerte)… Y mira tú por dónde que Rober se apuntó enseguida y se vino para Madrid. Incluso trajo alguna idea propia e hicimos algunos cambios que sugirió en cuanto a métrica vocal y fue bestial como quedó el tema. No fue la típica colaboración en la que el tipo viene, canta y ya está, sólo por el nombre, esto es algo más.

– ¿Y que pensáis vosotros de la escena “Metal y Hardcore” del País Vasco, Navarra, Pamplona , os gustan bandas como Dawn Of The Maya , Herra , Meltdown o Childrain?

Las conocemos a todas. Y todas nos gustan!! Incluso hemos tenido la suerte de compartir escenario con algunas de ellas. Creo recordar haber tocado con Childrain en la Groove de Portugalete, con Meltdown en un DimetalFest (fue en otro escenario diferente al nuestro, pero pudimos verlos en directo), a Dawn Of The Maya los hemos visto varias veces (la última en su bolo de despedida en Zentral – Iruña) y con Herra no hemos tenido el placer de coincidir pero conocemos su música, hemos visto videoclips y están en nuestras playlist!! Así que estamos orgullosísimos de pertenecer a una escena metalera tan rica y de tanto nivel!! Es pequeñita (en cuanto a que no es nada mainstream) pero está muy muy viva y ha dado y está dando muy pero que muy buenas bandas que sentarán precedente. Al tiempo…

– La portada es espectacular, ¿ Cómo surge esta idea y quién la creo?

Ha sido obra de Guillem Bosch. Un conocido ilustrador catalán que ha trabajado para marcas muy tochas y en el mundo musical ha hecho obras para Berri Txarrak, Toundra, Koma… Respecto a cómo creó ese Oni (demonio japonés) fue producto de su mente calenturienta… Nosotros le dijimos que el disco se iba a llamar “Vértigo”, y que queríamos algo que representase ese miedo… Este disco iba a suponer un cambio musical en nuestra trayectoria y teníamos ese miedo, esa incertidumbre e inquietud ante si gustará o no… Nos daba “Vértigo” todo eso, y ya la pandemia (que mandó a tomar x culo todos nuestros planes iniciales) terminó de justificar el título! Así que sobre esas ideas Guillem se puso a trabajar, nos mandó un boceto y ya de primeras nos flipo!!

– Hemos visto en los últimos años como bandas como Dawn Of The Maya o Bolu2Death consiguieron tocar en el Resu, Hiranya y EON en el Download y Mind Driller o Morphium en el Leyendas del rock, pero ¿ En cual de todos los festivales nacionales os gustaría tocar a MOSH?

En TO-DOS. Precisamente el próximo año estaremos el día 03/07/2022 en el Resurrection Fest… Es un puto honor!! Además somos público de todos esos festis, y es un premio poder actuar en esas plazas.

– Para los que no os conozcan de nada ¿Dónde y cuando nace Mosh y cuales son vuestras influencias principales?

Mosh nace en la Ribera de Navarra en 2014. Somos de un pueblo pequeño y terminamos juntándonos los cinco tipos más locos… Veníamos de otras bandas que estaban de parón o a punto de ello y no nos hizo falta nada más para juntarnos y hacer cosas propias. Vivimos la música!! La necesitamosh!! Respecto a influencias… Buf, son muy variadas. Por citar así a lo loco: Kvelertak, Architects, Hamlet, While She Sleeps, Meshuggah, Berri Txarrak, Tesseract… Pero también nos gusta mucha música fuera del rollo metal..

– Este 2021 cumplen 20 años dos discos vitales para el metal contemporáneo como son “Toxicity” de SOAD e “lowa” de Slipknot, que suponen estos dos discos para vosotros y han tenido alguna influencia directa en vuestra música?

Ambos nos tuvieron enganchadísimos!! Cuando salió “Toxicity” de SOAD nos voló la puta cabeza!! ¿Qué cojones era eso? Esa especie de metal frenético con melodías armenias y esos contrastes tan brutales… Bufff.. Lo quemamos. Literal. Y el “lowa” de los Slipknot fue otro pelotazo!! Esta vez pura potencia, oscuridad y misterio… Y todo el rato a toda hostia todo!! Se salen…

– ¿Cuáles son los planes de cara a finales de año y para 2022 en MOSH?

Estamos ultimando los ensayos para comenzar con la gira de presentación de “Vértigo”. De momento estas son las fechas confirmadas para este 2021 y parte del próximo 2022. Apuntad:
– 16/10/2021 VILLAVA Navarra TOTEM
– 23/10/2021 ZARAGOZA Zaragoza LO INTENTO
– 30/10/2021 SALAMANCA Zaragoza POTEMKIM
– 04/12/2021 PORTUGALETE Vizcaya GROOVE

– Chicos muchísimas gracias por vuestro tiempo y nos vemos en los escenarios…

Muchísimas gracias a vosotrxs y a todo el equipo de “Track To Hell”!!! Es un placer que nos cedáis un poquito de vuestro espacio!! Gracias!! Nos VeMOSH!!!

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Martín Méndez (White Stones, Opeth): “Cuando llegué a Suecia, sólo tenía un cassette de Fito Páez”
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Desde que reemplazara a Johan de Farfalla en Opeth en 1997, el bajista uruguayo Martín Méndez se terminó convirtiendo en uno de los representantes más visibles de la camada de músicos del metal sudamericano. Siendo el miembro que por más tiempo ha acompañado al cantante y guitarrista Mikael Åkerfeldt, su personalidad calmada y un tanto callada puede hacer que quede un tanto tapado al lado del extrovertido líder de los progresivos suecos, pero en 2019 Méndez dio comienzo a White Stones, un proyecto donde el oriundo de Montevideo puede mostrar todo el material que fue acumulando a lo largo de los años. Habiendo editado su segundo álbum Dancing Into Oblivion a través de Nuclear Blast, pudimos entrevistarlo y explorar su proceso de composición, sus influencias musicales, el ambiente en Opeth y mucho más.


TTH: ¿Cómo te está yendo allá? ¿Hace cuánto te mudaste a España?

MM: Mudarme, por decirlo legalmente, hace cuatro años creo que estoy acá. Pero yo ya venía bastante seguido por estos lados porque en mi familia tengo dos hijos nacidos acá en Barcelona, en Cataluña, y han ido a la escuela acá desde chicos. Así que he estado yendo y viniendo, entre una cosa y otra, desde hace unos siete años. 

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TTH: Dancing Into Oblivion es ya el segundo disco de White Stones. Para poner a los lectores en contexto, ¿cómo se dio formar esta banda? ¿Cuál fue el empujón inicial?

MM: Normalmente, cuando estoy libre con Opeth, siempre me he puesto a componer música. Esta vez, después de haber hecho la gira de Sorceress, nos tomamos un año sabático y como otros años me había puesto a escribir. Pero esta vez me había decidido a terminar lo que estaba haciendo, porque siempre terminaba en un disco duro, sin terminar la música y las ideas que tenía. Me pareció aburrido que se haya transformado en algo recurrente cada año. Esta vez me decidí a terminar el trabajo, aunque sea para mí, pero quería terminar. Y nació todo así, sin saber qué iba a hacer con la música: la grabé, la mandé a mezclar y todo. El resultado me gustó, y de ahí fue cuando empecé a mostrarle a la gente, entre ellos mi mánager, el de Opeth. Me consiguió el contrato con Nuclear Blast, y a partir de ese momento fue cuando me di cuenta de que la cosa iba más seria, que se había formado una banda sin haberlo planeado de alguna manera, ¿no?

TTH: Sí, el disco [debut, Kuarahy] salió una después del último recital de Opeth antes de la pandemia.

MM: Sí, exactamente.

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TTH: En muchos lugares White Stones aparece como simplemente “una banda de death metal”. Pero creo que ambos podemos coincidir que el sonido del grupo va más allá de eso. ¿Cómo describirías a White Stones?

MM: Claro, White Stones no es una banda típica de death metal, para nada. No es algo que buscaría tampoco: a mí me interesa hacer lo que estoy haciendo, que es experimentar dentro de las raíces del death metal, pero con otras influencias. Y no sé etiquetar la música, no sé cómo lo haría. Para mí entender, es metal. ¿Qué tipo de metal? No lo sé, entre death metal y… hay muchas influencias en realidad. Pero no sé cuál sería la etiqueta correcta.

TTH: Vos sos el segundo miembro de Opeth con más tiempo en la banda, luego de Mikael [Åkerfeldt], pero creo que este es el primer grupo con el que grabás desde que llegaste a la banda.

MM: Sí, he participado en algunos, pero como proyecto mío es el primero.

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TTH: ¿Cómo fue participar en una grabación por fuera de Opeth? Suena como que es un cambio bastante particular.

MM: Sí, claro. A ver, comparando White Stones con Opeth, son dos mundos diferentes. Opeth es un grupo con más trayectoria, que todo es más grande, por decirlo así. Con White Stones, es todo más personal y más casero, porque escribo la música, me grabo y lo mismo grabo al resto. No tenemos productor, estoy involucrado en la carátula, los videoclips, en todo. Estoy mucho más involucrado en cada paso de la banda, es todo mucho más casero, ¿no? Hay menos presupuesto también y eso, quieras o no, cuenta bastante cuando hay tanta diferencia en esto. Pero bueno, creo que con los años que he estado en Opeth he aprendido a gestionar muchas cosas, entre ellas lo que es la grabación y todo esto, y me sentí bastante bien grabando yo mismo los instrumentos y participando en todo lo otro relacionado con el disco.

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TTH: Cuando comenzaste con White Stones, tenías a dos miembros de Vidres A La Sang, la banda catalana. Nunca había pensado en una conexión entre Opeth y VALS, ¿Cómo se dio eso?

MM: El cantante Eloi [Boucherie], quien es que ha participado en los dos discos de White Stones, era literalmente mi vecino cuando grabé el primer disco: él tiene el estudio Farm of Sound, donde grabé los dos discos. Como era mi vecino y el estudio está a diez metros de donde vivíamos, lo utilizaba mucho yo también y fue donde creé los primeros temas de White Stones y todo esto. Y a la hora de grabar las voces, al principio como era un proyecto que lo hacía para mí más que nada, lo iba a cantar yo. Y cuando iba a cantarlo, pues le pregunté si me daba una mano para grabarme. Y bueno, fue cuestión de ponerme frente al micrófono cinco minutos y me di cuenta que no era lo que yo quería hacer, no sonaba como yo quería, y le pedí automáticamente a Eloi: “¿Te animás a probar?”. Siendo cantante, pintaba más que para mí. Probó y fue algo mutuo que nos gustó mucho enseguida, y de ahí ya le pregunté si quería grabar el resto de los temas y me dijo que sí. Y de ahí le dimos para adelante, fue cuando comenzó un poco la creación de los primeros temas del disco. Y el resto fue un poco más fácil, en el sentido de decirle al baterista de VALS en el primer disco, que estaba ahí a la vuelta también, para que me ayude con las baterías. Y fue todo un poco así, como pidiendo al principio favores y después, cuando la banda estaba consolidada, todos pasaron a ser miembros. Pero ahora, en el segundo disco, el baterista lo he cambiado.

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TTH: Justo te iba a preguntar por eso, por Joan Carles Marí que está en este disco. Te iba a preguntar por qué ya no estaba Jordi Farré, pero después vi que el tipo tiene como cinco bandas, participa en un montón.

MM: Sí, sí. Este [Marí] es un músico increíble, para empezar. A él lo contacté dos meses antes de entrar al estudio, cuando le pregunté si estaba interesado y le mandé los demos que tenía. Pero nos encontramos la primera vez en el estudio, directamente cuando iba a grabar. Estuvo dos días grabando, y fue una de estas conexiones químicamente increíbles que, a los cinco minutos de estar en el estudio, parecía que nos conocíamos hacía mucho tiempo, tanto musical como personalmente. Y ya te digo que es un baterista de estos polivalentes: él toca flamenco, jazz, metal y todo, y este nuevo disco era perfecto para el estilo de baterista que es.

TTH: Decías que al principio la idea era que vos cantaras, porque vos en Requiem Aeternam (NdR: la banda en la que estuvo Méndez antes de emigrar a Suecia, donde también estaba el futuro baterista de Opeth Martín López) cantabas. Me imagino que 25 años después de no hacer guturales ni nada uno se desacostumbra.

MM: Claro claro, no es lo mismo ya. [Risas] Canté en alguna más, en algún grupo en Suecia, pero no llegamos nunca a largar disco. Estuve cantando en algunas bandas más, pero te estoy hablando de veinte y pico de años. Y sí retomar otra vez así en seco es un poco complicado.

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TTH: Con el primer disco Kuarahy, vos comparás el proceso detrás de ese disco con el proceso de Dancing Into Oblivion. ¿Cómo creés que cambió?

MM: Lo que fue el proceso de composición y grabación fue muy similar: escribo las canciones en el estudio que tengo en casa y después es ir a grabarlo porque, tanto en el primero como el segundo, grabo yo las guitarras. Sin hacer los solos, el resto son todas por mí. O sea que es bastante parecido en ese sentido, que entré al estudio, grabé la batería y después estuve ahí una semana machacándome yo con el bajo y las guitarras y al final las voces. Pero lo que es las diferencias que encuentro entre los dos discos es que, para empezar, que fueron escritos en diferentes tiempos, lo resalto esto porque en el último fue cuando había comenzado la pandemia y, claro, este último fue un poco difícil y distinto. Esto a mí me ayudó, en el sentido de que estuve en casa y pude tener el tiempo necesario para hacer este disco y aproveché las emociones también que tenía en el cuerpo, de toda la situación. Y esto creo que también marca un poco la diferencia comparado con el primero, que no vivíamos una situación así y esto influye a la hora de componer. Y la experiencia también, que me dio hacer Kuarahy me ayudó mucho a hacer las cosas un poco mejor con Dancing Into Oblivion.

TTH: Y si encima hace un año y medio que dieron el último recital [con Opeth], hay que mantenerse ocupado.

MM: Sí, claro. Para mí fue esencial estar ocupado, tener la cabeza ocupada todo este año. Eso me mantiene sano de alguna manera, ¿no? Componiendo. Y estoy contentísimo de que encontré inspiración justo en ese momento,

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TTH: Hablando de la composición, ¿qué música te inspira?

MM: Escucho mucha música. Por ejemplo, algo que me influencia mucho es, un poco, la música folclórica latinoamericana. Para mí el tango es algo que lo escucho desde que me acuerdo que existo: Astor Piazzola para mí es uno de los grandes. Y me inspira mucho escuchar eso: tanto el tango, como milonga, como bossa nova o latin jazz, o sea que las raíces las tengo muy presentes musicalmente. Rock argentino sigo escuchando un montón también: yo cuando me fui a Suecia, con 17 años, llevaba un walkman y un cassette de Circo Beat de Fito Páez, imaginate. E iba a buscar mis sueños con el death metal. [Risas] El jazz hace muchos años que lo escucho y me influencia mucho. Yo creo que todo lo que escucho, una mezcla entre todo esto, me influencia bastante. A lo mejor no en nada obvio en la música, porque estoy haciendo, quieras o no, metal extremo, pero las emociones me dan ganas de componer cuando escucho esta música.

TTH: Me acordé que me había encontrado con una nota donde decías que, cuando llegaste a Suecia, no hablabas ni sueco ni inglés ni nada.

MM: Nada, nada, nada [Nota: Lo enfatiza]. [Risas] Era español puro y ya está.

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TTH: Leí esa nota y me hizo pensar cómo terminaste en Opeth.

MM: Mirá, la primera vez que me encontré con el Mikael [Nota: él lo pronuncia como “Michael”: máy-quel], la primera vez que hicimos una pequeña introducción, nos pusimos a tocar un poco, hicimos un “jam”, yo no hablaba nada. Prácticamente eran dos palabras contadas en inglés y una en sueco. Sabía decir “hola” y ya está. Y él siempre tiene la anécdota de que, cuando estábamos tocando esta “jam”, me pidió que cierre la puerta de la sala donde estábamos por tocar. Y claro, yo lo miré y le hice con la cabeza que “sí” y seguí tocando, ¿yo qué sé qué me dice? Y me lo repitió como cuatro veces y se reía al final, decía “Este no me entiende nada” [Risas].

TTH: ¿Extrañabas grabar death metal? No componer, porque vos dijiste que fuiste acumulando material. Pero, ¿extrañabas grabar death? Considerando el cambio de estilo de Opeth desde Heritage.

MM: No. A ver, con lo que hacemos con Opeth estoy más que contento: me encanta el estilo que estamos haciendo y cada disco es un poco diferente. Es un reto, de alguna manera, y me encanta. Y death metal ya te digo que toco cada noche que estamos de gira, que son muchas. Todo desde “Deliverance” a “Demon of the Fall”, todas canciones que son pesadas. O sea que la dosis de death metal no me falta, lo que pasa es que lo hago porque yo creo que es el estilo que más he mamado desde que crecí, el estilo que más he escuchado y tocado. Y creo que salió naturalmente por ese lado: me gusta experimentarlo, pero la base creo que es bastante natural que me haya salido.

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TTH: Cuando estaba buscando información sobre White Stones, por un momento pensé acerca del nombre de la banda. Y no sé cómo fue que me acordé que hay un barrio en Montevideo llamado Piedras Blancas, y creo que es el barrio donde vos creciste. ¿Vos te seguís sintiendo cercano a Uruguay a pesar de todos los años que viviste en Suecia y en España?

MM: Sí. A ver, las raíces nunca se pierden, creo. Y menos los años tan importantes como desde que nacés hasta ser adolescente. Creo que son los años que marcan realmente tu esencia como lo que sos, al fin y al cabo. Y sí, yo he vivido más años en Suecia que en Uruguay. Siento un poquito una parte mía sueca, no te lo voy a negar, pero la mayoría es de ahí, es de Uruguay. El nombre de White Stones es un pequeño tributo que le hice a este barrio, siempre lo tuve un poco en broma en la cabeza: “Le pondré algún día a un grupo ‘White Stones’”. Que suena lindo comparado con lo que es, porque es un barrio bastante jodido, duro. Pero bien, es un tributo y el logo también: el Sol de Mayo, que está tanto en la bandera argentina como en la uruguaya, está en el logo de White Stones. Me encontré en un momento un poco nostálgico, también, cuando estaba formando todo esto, aproveché la volada y me gustó el nombre para ese grupo.

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TTH: ¿Cómo están las cosas con Opeth? ¿Tienen algún plan?

MM: Planes sí, bastantes. La cosa que cuándo podramos concretarlos. Ahora seguimos teniendo prácticamente la gira entera pendiente de In Cauda Venenum, el nuevo disco, y lo prioritario es terminar esta gira, ver cuándo podemos seguirla. Hay planes para el futuro cercano de comenzarla, pero todo depende de la situación, cómo avance. La idea es esa, por ahora.

TTH: ¿Quisieras mandarle un mensaje a nuestros lectores?

MM: Acerca de White Stones, si le dan la oportunidad de escuchar este disco creo que a los que son amantes del metal un poco extremo les puede llegar a gustar, sería bueno que le den la oportunidad. Y me encantaría algún día poder tocar para el público tanto argentino como sudamericano, sería un sueño la verdad. Pero aparte de eso, agradecer siempre por el apoyo, porque siempre nos han recibido muy bien cuando vamos con Opeth y siempre sentimos el apoyo desde acá mismo. Y muchas gracias por todos los años y ojalá que sean más.

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Esa Holopainen (Silver Lake, Amorphis): “Silver Lake es un álbum de metal, sin ser un álbum de metal”
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Con una carrera de más de treinta años que lo vio trascender las barreras del death metal para alcanzar una mezcla única de metal pesado, melodía y puro orgullo finlandés junto a AmorphisEsa Holopainen es sin lugar a dudas uno de los músicos más importantes de su país natal. Con la pandemia interrumpiendo la presentación del álbum Queen of Time (2018) y las celebraciones por las tres décadas de carrera del sexteto, Holopainen no se quedó de brazos cruzados y decidió lanzar su carrera solista, juntando a toda una alineación de cantantes estrella y editando su álbum Silver Lake el 28 de mayo a través del sello alemán Nuclear Blast. En esta entrevista, el guitarrista nos cuenta acerca de las ideas de este nuevo trabajo, la composición, las historias detrás de un par de los cantantes, las actividades futuras de Amorphis y mucho más.


TTH: Esa, estamos viviendo en una época complicada. Así que lo primero que quería preguntarte es cómo te está yendo.

EH: ¡Gracias! Me está yendo bien, a pesar de toda la situación, pero es complicado, como has dicho. Todos están batallando en estos momentos, y especialmente los negocios, que la están pasando muy duro. Debemos tener esperanza y ver que podamos volver a una vida más normal. Tuvimos la posibilidad de dar seis recitales en festivales en el verano, algo que fue sorpresivamente bueno, pero me temo que las cosas no están mejorando, la cantidad de casos de Covid se han ido incrementando en el verano. Así que es complicado.

TTH: Seis conciertos es nada comparado con la época previa al Covid.

EH: [Se ríe] ¡Sí!

TTH: Este álbum, que en algunos lados aparece como “Silver Lake”, y en otros como “Esa Holopainen’s Silver Lake”, ¿hace cuánto lo venís componiendo?

EH: [Lo piensa un segundo] Empecé a componer el álbum el año pasado, apenas comenzó el Covid-19. Tenía un par de canciones ya listas, que no había usado en ningún lado y que, por decirlo de alguna manera, quería hacerlas realidad. Estas tres canciones que tenía eran “Sentiment”, “Promising Sun” y “Ray of Light”. comencé a trabajar con ellas y a buscar a los cantantes, y así es básicamente cómo comenzó todo. Creo que tomó medio año armar todo el material y grabarlo. Y sí, fue un proceso muy intenso y muy largo, no quería apurarlo. Lo bueno fue que no necesitaba hacerlo, porque no había recitales. [Se ríe] Amorphis tampoco estaba activo en ese momento, volvimos ahora a trabajar en el nuevo disco. Así que estaba completamente enfocado en hacer este nuevo álbum.

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TTH: Una de las cosas más interesantes acerca de este álbum es que casi todas las canciones tienen un cantante diferente. ¿Fue la idea desde el comienzo?

EH: [Piensa un poco] Cuando comencé todo el proyecto, no estaba seguro de si iba a hacer un álbum completamente instrumental, si iba a tener un cantante o varios. A poco de arrancar, mi productor me dijo que necesitaba tener vocalistas en estas canciones. Las estructuras de las canciones son bastante sólidas y de verdad necesitan voces. Y como estas canciones eran tan versátiles, pensé que sería buena idea pedirle a diferentes cantantes para que aparecieran en diferentes canciones. Y ya con las tres primeras canciones que hice tenía a Björn [Strid] de Soilwork, Einar [Solberg] de Leprous y Jonas Renkse de Katatonia. Eso me abrió los ojos a la clase de álbum que iba a hacer, empecé a pedirle a más amigos que colaboraran conmigo, y yo comencé a componer canciones basándome en estos cantantes que tenía en mente.

TTH: Justo te iba a preguntar si habías compuesto esas canciones de acuerdo con cada cantante, o si las habías adaptado después.

EH: ¡Sí! ¡Absolutamente! [Piensa un poco] Fue un poco de pensar en quién podría encajar en ellas, pero empecé a pensar en quién me gusta, en quiénes conozco. Soy un  gran fan de Katatonia, por ejemplo, y amo cómo Katatonia trata su música en las versiones acústicas. Tenía canciones acústicas y pensé que Jonas vendría como anillo al dedo. Lo mismo con “Promising Sun”, que era un poco más pesada. Y Björn es un buen amigo, pensé en él.  No necesariamente que encajara, sino que algo hiciera “clic” en mi cabeza mientras componía: qué cantantes y qué canciones quería.

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TTH: La primera vez que escuché el adelanto “Storm” y vi su video, no sabía acerca de este cantante, Håkan Hemlin. Creo que la mayor parte de los fans metaleros no sabrían acerca de él. ¿Qué nos podés contar acerca de Hemlin?

EH: Håkan Hemlin viene de un ambiente musical bastante diferente. La gente en Finlandia, en Escandinavi, lo conoce más por formar parte de un dúo folk llamado Nordmen. Ellos fueron muy populares durante los noventas en Escandinavia, vendieron millones de álbumes por acá. Supongo que la banda terminó desapareciendo, pero él tiene una gran personalidad y su voz es increíble, es realmente única. Tenerlo en este álbum fue toda una sorpresa, porque tenemos un amigo en común que conocía a Håkan. Estaba trabajando en una canción en el estudio y mi productor me dijo de tener a Håkan, que si lo recordaba. Obvio que lo recordaba. En ese momento dijo que no tenía nada que hacer en Estocolmo y que estaba muy metido en la idea de aparecer en la canción. Estuve muy feliz por cómo salió la canción y todo lo demás, sobre todo porque, para mí, Håkan ha sido la gema oculta de Suecia, así que esta fue una gran oportunidad de acercarlo a una audiencia más grande, a la gente fuera de Escandinavia. Tuvimos muchos comentarios positivos, y todos se están preguntando quién es este tipo, el de la gran voz.

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TTH: Hablando sobre tener cantantes inesperados en el álbum, creo que lo mismo podría decirse sobre el cantante de la quinta canción “Alkusointu”, Vesa… [NdR: Tenía problemas para pronunciar el nombre]

EH: Vesa-Matti Loiri.

TTH: ¡Gracias! ¿Qué nos podés decir acerca de él? Diría que es un cantante todavía más inesperado.

EH: Sí, primero que todo Vesa-Matti Loiri es el actor más conocido de Finlandia. Es actor y también cantante, es una súper estrella aquí en Finlandia, la gente lo compara con Johnny Cash, todos lo conocen. Y de nuevo, tenemos amigos en común: tengo un amigo de la infancia con el que había comenzado mi primera banda en su momento, él se convirtió en productor cinematográfico y televisivo, y además es mánager de varios actores en Finlandia, entre ellos Vesa-Matti Loiri. Esto fue también algo del estudio que salió de manera sorpresiva con mi productor: estaba pensando en “Alkusointu” para que fuera un instrumental, no podía imaginarme que hubiera muchas voces. Y entonces se nos ocurrió la idea de tener a un actor de voz haciendo un “spoken word”. Así que le presenté la canción y los temas líricos a mi amigo, mánager de Vesa-Matti Loiri. Escucharon la canción, leyeron las letras y le interesó mucho hacer esta canción. Esa fue una de las cosas mágicas al momento de hacer este álbum: el día que pasamos en el estudio grabando con Vesa-Matti Loiri. Él tiene 77 años y un gran carisma. Eso fue muy lindo, y estoy muy feliz de que pudiéramos capturar su gran voz para esta canción.

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TTH: ¿Cómo compararías el estilo musical de Silver Lake con el de Amorphis? Porque esa sería la primera comparación que todos harían entre esos grupos, por obvias razones.

EH: Sí, creo que eso es algo inevitable. Como lo pienso yo, son dos cosas completamente diferentes, pero obviamente hay similitudes musicales porque tiene la huella musical que también pongo en Amorphis. No hubiera ofrecido ninguna de estas composiciones o ideas en ninguna sesión de Amorphis. Supongo que lo más cercano que estamos de Amorphis es obviamente “In Her Solitude”, la canción con Tomi Joutsen cantando. [Piensa un poco] Pero tratar de describir qué es Silver Lake es… es un álbum de metal, sin ser un álbum de metal. Es muy emotivo, para mí es un álbum extremadamente personal, es muy difícil de categorizar, ¿sabes?

TTH: Sí, los músicos no quieren tener que estar comparando todas sus canciones entre ellas.

EH: Sí, es difícil porque todos los músicos y compositores usualmente tienen perspectivas diferentes al momento de hacer y grabar sus canciones que al tocar para un oyente. Creo que esa es una de las cosas más grandes, ¿no? Cuando tocas la canción para alguien, te pueden decir cosas que a uno no se le hubiesen ocurrido sobre su propia música.

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TTH: “Silver Lake” es bastante corto: nueve canciones, 37 minutos. ¿Fue algo planeado el tener un álbum más corto? Porque los álbumes de Amorphis suelen ser bastante largos, cercanos a una hora.

EH: Sí, lo es. Comparado con Amorphis, es bastante corto. Pero, ¿sabés? Escucho los discos viejos de Slayer y demás, y todos son de más o menos 40 minutos, algunos de apenas 30 minutos. No lo pensé mucho, tenía estas nueve canciones terminadas, pensé que fluían de manera perfecta: comienza, crece y todo lo que quería para este álbum ocurre ahí. Así que no quería agregar más canciones a propósito, no quería comenzar a componer y buscar más cantantes. [Risas] Sólo para hacer más largo el álbum. De esta manera estoy súper feliz con todas las canciones y con cómo salieron. Pero sí, comparado con lo que he hecho en el pasado es un disco bastante corto.

TTH: Conseguir esos cantantes ya fue suficiente trabajo para un álbum.

EH: Lo fue, créeme. Algo que fue muy diferente al hacer y grabar es que siempre grabo las canciones una después de la otra. Usualmente, cuando estás en el estudio, tocas todo de principio a fin: las baterías, guitarras, bajo, terminas todas las voces, haces todo el arte, trece canciones o lo que sea. Pero en este caso, siempre terminaba una canción y después íbamos más allá. Con las baterías, tocábamos dos o tres canciones y seguíamos. Lo más importante es que, como tenía tantos cantantes diferentes, siempre quería enfocarme en cada canción y en lo que pasaba en ella, el tipo de voces que iba a aparecer. Así que fue como estar trabajando en pequeños proyectos dentro del álbum. Y eso fue genial, muy diferente de lo que haríamos en Amorphis.

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TTH: Digamos que quisieras hacer un segundo álbum de Silver Lake, con muchos cantantes diferentes. ¿A quién querrías tener cantando en una de tus canciones? Que no haya estado en este disco. Si tuvieras un deseo.

EH: [Lo piensa profundamente] Si pudiera elegir a cualquiera, elegiría a alguien como Kate Bush. [Risas] Eso es una misión imposible. Lo que me gusta de este álbum, y que trabajaría de la misma manera en el segundo, es que para mí es importante que conozca al cantante y que tengamos algún tipo de conexión. Tuve la suerte de conocer a un montón de gente durante mi carrera. Pero me gustaría hacer una canción para Michael Poulsen de Volbeat, por ejemplo: él es un buen amigo, y sería muy lindo hacer algo diferente para él, pero algo en lo que también se sienta cómodo, eso sería genial. Y obviamente sería genial tener a un cantante como Bruce Dickinson. [Risas] ¡Misión imposible!

TTH: ¡Un poco caro!

EH: ¡Sí! ¡Probablemente!

TTH: ¿Cómo están las cosas con lo nuevo de Amorphis?

EH: ¡Muy bien! Y casi terminamos con la grabación del álbum, vamos a grabar algunas voces más justo este fin de semana, algunos instrumentos adicionales más tarde. Creo que todo debería estar finalizado y mezclado en septiembre. El álbum saldrá en febrero del año que viene. ¡Todo está yendo bien! Me gusta mucho el material que tenemos para el álbum de Amorphis, y estoy seguro de que será un muy buen disco.

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TTH: ¿Qué querrías decirle a los lectores de Track To Hell?

EH: ¡Sí! Escuchen el álbum de “Silver Lake by Esa Holopainen”, creo que sorprenderá a mucha gente si todavía no lo han hecho. Muestra otro lado de mí, tiene todo lo que me influencia, todos los diferentes gustos musicales están ahí. Y, mientras tanto, el año que viene, cuando salga lo nuevo de Amorphis, esperamos poder volver a girar por Sudamérica también.

TTH: Eso es lo que todos estamos esperando.

EH: ¡Sí, sí! ¿Sabes? Para ustedes y para nosotros, la música es una parte tan importante de nuestras vidas. Compartirla y tener la experiencia de la música en vivo es algo que ningún streaming puede reemplazar, hay que sentir la música. De verdad espero y deseo que el año que viene podamos girar de vuelta. 

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Erdve: “Valoramos la libertad creativa y no seguimos los cánones”
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Tuvimos la posibilidad de entrevistar a Karolis “Krizas” Urbanavičius (bajista y pianista) y Vaidotas Darulis (cantante y guitarrista) de la banda lituana Erdve, que con la potencia de su post metal lograron, desde el comienzo, captar la atención de un sello como Season Of Mist, y hacer llegar su interesante propuesta al mundo entero.


– Muchas gracias por concedernos esta entrevista. Erdve es una banda que no tiene una historia larga, pero en alrededor de seis años, lograron grabar dos excelentes discos que fueron editados por un importante sello, y lo hicieron desde un país pequeño y cantando en su lengua materna. ¿Cuáles son sus reflexiones al respecto? ¿Qué nos pueden contar sobre los orígenes y concepto de la banda?  

K: Hola, Marcos. Gracias por tu interés. En cuanto a la formación de Erdve, su comienzo fue orgánico, cuando la actividad de cada cual reunió a individuos distintos, pero a la vez similares, que pudieron comprenderse mutuamente con rapidez. Ahora Erdve es un ser vivo, creciendo, cambiando, expandiéndose y descubriéndose. La cuestión de la expresión mediante nuestra lengua vernácula, en especial tratándose de música pesada en la que no hay voces limpias, cabe más a quien grita. Cantar en la lengua materna y poder usar palabras que no pueden traducirse revela el arte en todo su poder. Cada oyente que realmente esté interesado en las letras puede encontrar la forma de traducirlas, tal como sucede cuando están cantadas en inglés o en el idioma que sea, si no es el propio. Valoramos mucho la libertad creativa y no seguimos los cánones, en vista de lo cual, estamos felices de haber captado la atención de un sello como Season Of Mist.  

 V: ¡Gracias por hablar con nosotros! Sentimos que vamos por la senda correcta con lo que hemos hecho hasta ahora (lanzamientos, shows, videos, etc.). Me parece que también tenemos que mejorar en muchos aspectos. Todo lo que hacemos se siente fresco para nosotros porque estamos en un constante flujo de ideas, no solamente en cuanto a la música, sino también el aspecto visual, los eventos, proyectos futuros, colaboraciones, etc. Estamos en proceso de encontrar el modo de comunicar todo productivamente, así que, para nosotros, es como estar en los comienzos de la banda, en cuanto al potencial que podemos vislumbrar. Cantar en nuestro idioma se siente más natural, auténtico y honesto. He cantado en inglés en mi grupo anterior, y estaba bien, pero me sentía raro haciéndolo, como cumpliendo con otro cliché del metal. Hubo un momento de inspiración en el que las bandas islandesas empezaron a cantar en su propia lengua y pareció que eso, en efecto, funcionaba para ellas como una ventaja. Supongo, como vocalista y escritor de las letras, que, si bien tengo la suficiente fluidez en inglés como para expresarme narrativamente, no sabría cuál sería el propósito de hacerlo, a no ser tratar de que la música sea más accesible. Nuestra intención es expresar emociones naturalmente, ser lo más honestos que sea posible con nuestra música. En este momento, no puedo imaginar la música de Erdve en inglés, aunque no lo descartemos para el futuro.  

-¿Qué sucede con los integrantes de la banda? He leído que son tres, pero hay un segundo guitarrista cuando tocan en vivo y en la mayoría de las fotografías del grupo.  

K: Desde el principio, Erdve fue una banda de cuatro músicos y ahora estamos en un momento de cambio. Cuando uno es parte de varios proyectos al mismo tiempo, tarde o temprano tiene que elegir, porque es un proceso extremadamente intenso, así que estamos agradecidos con nuestro ahora ex segundo guitarrista, Kristijonas Nenartavičius por el tiempo que pasamos juntos.  

V: Es verdad, estoy de acuerdo con Krizas, los cambios de formación a veces son inevitables, porque al principio de cada proyecto, es imposible predecir lo ocupado que uno va a estar con el paso de los años. La vida está cambiando constantemente y la creatividad, dentro de los límites del tiempo de cada uno, tiene que tener su propósito, también. Debe ser un proceso que pueda disfrutarse como para que valga la pena sacrificar tiempo de tus responsabilidades diarias.  

 -Las categorías usadas para etiquetar los estilos musicales siempre son problemáticas. Según el sello que los edita, ustedes tocan “Sludge Hardcore Experimental”, pero cuando hice la reseña de su disco “Savigaila”, se me ocurrió que Post Metal sería más acertado. Si bien es cierto que existe una tendencia experimental, se manifiesta sobre todo en la combinación de estilos y la exploración en términos compositivos: encuentro algo de Post Sludge, Post Hardcore, hasta Post Black Metal, por eso es que, simplemente Post Metal, en sentido amplio, me pareció la mejor opción. ¿Qué opinan al respecto?  

K: Bueno, cada persona escucha a Erdve de una manera diferente, así que tu descripción de nuestra música suena como una opinión competente con la que yo no podría discutir. Estoy seguro de que voy a tenerla en cuenta en el futuro, en debates sobre cómo denominar a nuestra música después de “Savigaila”. Desde mi punto de vista, estamos expandiendo límites, tratando de captar las sutilezas de cada subgénero e interpretarlas a nuestra manera, tomando los aspectos que consideramos más importantes y significativos para nosotros.  

V: Recientemente tuvimos una discusión sobre esto mismo y llegamos a la conclusión de que todo depende de quién otorgue o lea la categorización. Para la audiencia de preferencias amplias, este tipo de descripciones sirven como para darle una idea del sonido de una banda antes de escucharla. Para la crítica, entusiastas y fans, tiene más que ver con un análisis en profundidad de determinada sonoridad, estilo de tocar, actitud, instrumentación, composición, etc. Creo que Post Metal sería acertado si acordamos que esa descripción es flexible en cuanto a potenciales estilos que puede adoptar la música, pero no si pretendemos que describa un sonido determinado. ¿Eso tiene sentido? No soy un gran experto en géneros, para serte honesto. Al decir “experimental”, nos referimos a que, definitivamente, vamos a usar lo que sea que nos guste dentro del amplio mundo musical, interpretándolo a nuestro modo y haciendo que encaje en el panorama general. “Sludge” porque nos gusta el sonido grave y los machaques ruidosos y “Hardcore” por la energía de las composiciones. Para mí se entiende que hacemos Metal, pero en The Metal Archives siguen oponiéndose a incluirnos, y hasta parecen ofendidos.  

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-Hablando de su estilo, me queda claro que han desarrollado un sonido propio. No obstante, me pregunto sobre sus influencias, porque relaciono su música con la de bandas como Cult Of Luna, Converge, All Pigs Must Die, Cult Leader, This Gift Is A Curse, Downfall Of Gaia, Wiegedood…  

K: Con el paso de los años escuchando música, uno recibe la influencia de muchas bandas, incluidas las que mencionaste. Pero para explayarnos más, para que el sonido alcance ese punto de insana explosión que buscamos, hay momentos en que solamente remitirse a las referencias no alcanza y falta condimento. Erdve tiene un sonido que es el resultado de varios años de trabajo, exploración y desarrollo de Vaidotas, cantante, guitarrista e ingeniero de sonido.  

V: Como fanático de la música pesada, he escuchado atentamente tantos estilos desde mi adolescencia, desde Nu Metal hasta Death, Black, Doom, y todos los grupos más oscuros que solamente existen en MySpace. Más adelante, profundicé en otros tipos de música, como algunos estilos de Jazz, Electrónica, Drum & Bass, Ambient, etc. En cada uno hallé elementos que podía tomar e integrar en un collage cohesivo. Una de nuestras canciones más pesadas se inspira en la simpleza que se encuentra en el disco “Mezzanine” de Massive Attack. Podría darte muchos más ejemplos como este, supongo que la inspiración proviene de distintos géneros, aunque es cierto que usamos el Metal y el Hardcore como bases, por eso parece que nuestras principales influencias son bandas similares. 

-Considerando su desarrollo como grupo, ¿cuáles son las principales diferencias que pueden reconocer entre “Vaitojimas” (2018), su primer disco, y el reciente “Savigaila”? 

K: Bueno, “Vaitojimas” surgió de la mente de Vaidotas, y salió a luz suave y rápidamente. La creación de “Savigaila” comenzó inmediatamente después de la salida de “Vaitojimas”, pero el proceso fue más extenso, llevó tres años de búsqueda y modelado, hasta alcanzar el producto final. Hubo canciones adicionales que se tocaron en vivo, pero no quedaron en el disco; tal vez se incorporen a alguno en el futuro.  

V: “Vaitojimas” fue un disco muy crudo y espontáneo, muy expresivo y emocional. “Savigaila” es más sofisticado y pensado, y tomó más tiempo componerlo. Queríamos que fuera un trabajo más inteligente, por decirlo de alguna manera. Pero el resultado va más allá y estamos contentos con eso. Es una buena reflexión sobre cómo nos hemos sentido en los últimos años, y así debe ser la música, mientras podamos pararnos con sinceridad y honestidad detrás de lo que producimos con nuestra creatividad.

-Si no me equivoco, su primer disco, en cuanto a las letras, abordaba tópicos como la violencia y los conflictos sociales, pero luego se volvieron más introspectivas, lidiando con la culpa, la autocompasión, la envidia, el amor y lo “sagrado”. Me genera curiosidad ese aspecto, en particular, considerando que el catolicismo es muy fuerte en Lituania, y que también hay algunos problemas con la inmigración.  

 K: Para empezar, Erdve no se relaciona con el catolicismo ni con ninguna otra entidad religiosa. Temáticamente, en nuestra música, presentamos lo que nos resulta relevante, lo que solemos descubrir comunicándonos entre nosotros, lo que vivenciamos, lo que sucede próximo o lejano en el tiempo. De un modo u otro, directa o indirectamente, lo que nos afecta en nuestras vidas. 

V: Yo creo que ese cambio se dio porque evolucionamos como personas desde el primer disco. Ya mencioné los cambios en la vida y eso fue un factor crucial en cuanto a por qué miramos más hacia adentro que hacia afuera. Nos volvimos más críticos con nuestros defectos y problemas. Nos parece que es un enfoque más maduro el que se genera a partir de la reflexión sobre uno mismo, y no la mera expresión de rebelión carente de auto-conciencia. Por supuesto que opinamos y empleamos varios conceptos y contextos que encajan en nuestra narrativa. Quizás, para decirlo con más simpleza, como personas nos sentimos perdidas, sin un claro sentido en la vida, y la cultura del escapismo hace que experimentemos autocompasión, en vez de realmente buscar lo que podría hacernos felices. 

-Su música explora distintos climas, una gran variedad de paisajes emocionales. No obstante, en general, es muy intensa y poderosa, y la calidad de los riffs y el sonido del bajo llamaron mi atención. ¿Qué pueden decir sobre el proceso creativo de la banda y sus elecciones en cuanto a equipamiento?

V: Para serte honesto, no nos preocupa mucho la cuestión del equipamiento. Solemos usar lo que tengamos a disposición, pues tratamos de no invertir demasiado en amplificadores y pedales caros. Usualmente en los shows usamos el backline que haya: por lo general funciona bien. En los ensayos, seguimos usando los viejos amplificadores que tenemos hace una década, nada demasiado especial. Con respecto a la grabación, todo el sonido se logra con plugins, los venimos usando desde hace varios años. Para crear el sonido de bajo, usamos entre dos y tres capas al mismo tiempo, una muy grave, “gorda” y opaca, otra muy distorsionada sin frecuencias bajas y una tercera opcional, para dar énfasis en ciertas secciones, pero esta técnica, en verdad, es de uso frecuente entre los productores. Con respecto al proceso creativo, grabamos muchos demos, cada cosa que se nos ocurre. No solemos discutir demasiado acerca de las ideas iniciales, grabamos directamente y vemos si funcionan. Es un proceso basado en las computadoras, pero todo es así ahora. Le recomendaría a cualquier banda, si es que todavía no lo han hecho, que aprendan a grabar por sí mismas, créanme: hay muchos cursos on-line gratis, y también programas de grabación.

-He leído que ustedes, como grupo, se involucran directamente en todo lo que es el aspecto visual de su arte y tal como decías, también en los aspectos técnicos de la grabación. Eso me parece muy interesante, ya que, si bien firmaron con un gran sello discográfico, siguen manteniendo una actitud muy Do It Yourself (DIY). ¿Qué opinan sobre eso?

K: Nos alegra que la pandemia no nos haya perjudicado como banda, y durante todo este tiempo, hemos decidido experimentar y concretar varios proyectos propios en video. Hemos presentado tres videoclips y planeamos realizar más en el futuro, el tiempo dirá si así será. 

V: En realidad no diría que es ser DIY, sino que somos personas muy curiosas y nos gusta hacer las cosas por nuestra cuenta. Crear videos conceptuales se convirtió en una pasión para nosotros, así que vamos a hacer más. Esa actividad realmente nos vuelve un equipo con un objetivo en común, porque tocar música y ensayar se puede tornar repetitivo. Estoy seguro de que tenemos ideas creativas que vamos a explorar en el futuro, a menos que nos aburramos en algún punto (esperemos que no, pero tampoco sería un problema si sucediera).  

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-Pude ver el video del concierto en vivo que dieron en la Iglesia de San Juan (Lituania) en 2019, y es sorprendente. Me interesa saber acerca de las decisiones detrás de ese proyecto.  

K: Primero, la Iglesia de San Juan es un lugar especial en términos arquitectónicos y culturales, donde tuvimos la oportunidad exclusiva de tocar y presentar nuestra música de manera inusual. Ese edificio es parte de nuestra herencia cultural y nos pertenece como sociedad, más allá de la institución dogmática a la que se delegue su administración. Considerando algunas dificultades organizativas, fue un milagro que pudiera llevarse a cabo. Estamos satisfechos con el resultado. 

V: Sentimos que el entorno es gran parte de la experiencia de todo concierto, así que estamos siempre atentos a cada posibilidad de brindar vivencias únicas a nuestra audiencia. Fue un show muy intenso, desde su organización hasta su implementación, así que nos alegra que haya ido tanta gente para disfrutarlo junto con nosotros. También tocamos en una prisión el año pasado y vamos a publicar un video de calidad profesional muy pronto por YouTube.  

-¿Qué nos pueden decir sobre la música extrema en Lituania? ¿Algunas bandas que puedan recomendarnos?  

K: Especialmente en años recientes, el número de bandas tocando música pesada en Lituania ha aumentado, igual que la atención que está recibiendo la escena, pero la cuestión es que lo mismo puede decirse de la edad de las personas que hacen esa música. Los festivales al aire libre atraen suficiente audiencia como para poder decir que hay bastante público para el Metal. Hay pocos nombres que mencionaría: Death In Taiga, Au-Dessus y Extravaganza. 

V: En este caso, voy a estar levemente en desacuerdo con mi compañero, porque tengo una mirada distinta de la escena. Siento que hay una transición generacional, en la que las bandas más viejas dejan de tocar o no son lo suficientemente ambiciosas como para mantener una línea de trabajo consistente, mientras aparecen otras nuevas con ímpetu para ofrecer cosas diferentes. Lo mismo se aplica a quienes organizan shows o administran locales para tocar. Necesitamos nutrir la escena renovando la audiencia, con experiencias novedosas, tratando de evolucionar, probando cosas diversas, hacer movidas arriesgadas, porque de lo contrario, es difícil que la juventud se sienta atraída por algo que no cambia, y si el público es el mismo de siempre, envejece y pierde interés por la novedad, o peor, se vuelve alérgico a las propuestas nuevas y a los cambios que se van dando en cada género.  

-¿Hay algo que les gustaría decirle a la potencial audiencia de Erdve en España, América Latina y el resto del mundo?  

K: Gracias por escuchar y descubrir.  

V: Salud y hágannos saber qué sienten cuando escuchen nuestra música; siempre nos gusta recibir retroalimentación de la gente.  

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Lóstregos: “La respuesta de la gente ha sido bestial a todos los niveles”
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Los muchachos de Lóstregos nos estuvieron contando un poco de su material más reciente “Onde Calan os Corazóns Ruxen As Pedras” también nos van a contar cómo los trato este y anterior año en relación a su música además contar un poco el futuro de la banda

– ¿Cómo fue el proceso de composición del disco?

La composición se llevaba gestando desde 2018 que fue cuando empezamos a sacar las primeras ideas, es fruto de muchas horas en el local de ensayo, comenzando como comentaba por estructuras base, luego mirar adornos, cortes, cambios de tempo, seguir con arreglos y una vez tuvimos todo eso, comenzamos a mirar las partes en las que podíamos añadir instrumentación a mayores (teclados, violonchelo…) y ensayar los temas todo lo que pudimos para llevarlos preparados para la grabación.

– ¿Tenían las letras escritas desde antes o fueron apareciendo con la música?

Primero por norma general va la música, una vez estamos prácticamente con el tema acabado es cuando nos empiezan a llegar las sensaciones según las cuales encaminamos los temas a una temática, cuando conseguimos encauzar a que va ir referido el tema en cuestión nos empapamos de dicha historia hasta que las palabras fluyen solas.

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– ¿Cómo sienten este disco en relación a sus trabajos anteriores?

Consideramos que es nuestro trabajo más elaborado hasta la fecha, no solo en tema compositivo, también en cuanto a sonido, artwork… todo en general, al comienzo ya decimos que este disco tenía que ser un salto a todos los niveles en comparación a los trabajos anteriores y estamos muy satisfechos con el resultado final. La respuesta de la gente ha sido bestial a todos los niveles, tanto es así que nuestra copias de la edición en vinilo se han agotado en tan solo dos días!

– ¿En que se basaron para escribir las letras del disco?

El concepto lírico del álbum gira en torno al “folclore galego” cuatro historias que en principio pueden parecer inconexas, pero que juntas definen el carácter de esta tierra y sus gentes a través del tiempo, leyendas como “A Cova Do Rei Cintolo” en Mondoñedo, historia heredada en la batalla del Medulio, historia más actual como la de Man de Camelle o los antiguos cultos paganos, todo ello junto cobra sentido bajo los auspicios del crepitar del fuego.

– En el disco durante muchos momentos se escuchan muchas influencias variadas ¿Son parte de todos o alguno en particular las propone?

Siendo el Black Metal un nexo común dentro del seno de la banda, cada uno tiene un estilo predilecto fuera del Black Metal, ya sea este Folk, Jazz, Punk, Rock Progresivo… lo que se puede escuchar es la fusión de todas las influencias bajo un mismo tótem siendo el Black Metal la base principal.

– ¿Cómo los trato el 2020?

Imagino que como a la mayoría, sin pena ni gloria, ensayando las veces que hemos podido, haciendo rutas de senderismo por el bosque o la costa cuando nos lo permitían, buscar sellos para poder editar el trabajo en diferentes formatos físicos y coordinar todo.

– ¿Cómo sienten que los tratara el 2021?

Este año hasta la salida del disco estaba siguiendo un poco la tónica del anterior, a raíz del lanzamiento del disco como ya he mencionado antes, hemos sentido un gran apoyo constante lo cual siempre es motivante, si todo sale según lo previsto antes de que acabe el año esperamos ya tener presentado el disco en algún que otro directo, los cuales estamos preparando con más energía que nunca

– ¿Hay algo cómo banda que les gustaría cumplir o sienten que ya lograron bastante?

Siempre se puede conseguir más, realmente nos centramos en seguir recorriendo el sendero siendo fieles a nosotros mismos.

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Skarlett (Skarlett Riot) “Es genial mirar atrás y ver como hemos progresado y madurado juntos como banda”
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Con motivo del lanzamiento de su tercer disco de estudio “Invicta” (Despotz Records, 2021) nos juntamos con la vocalista Skarlett de los británicos Skarlett Riot para que nos cuente todos los detalles sobre este nuevo y potente trabajo.

Lo primero, felicidades Skarlett por este nuevo lanzamiento, es fantástico y posible el mejor disco de Skarlett Riot hasta la fecha.

– Skarlett, ¿Cómo ha sido el proceso de grabación de “Invicta”?, especialmente en estos tiempos de la pandemia y la cuarentena que ha provocado el Covid19

Skarlett (Voz): Fue realmente un desafío, tuvimos que irnos del estudio a mitad de la grabación del disco debido a la cuarentena y tuvimos que esperar unos meses hasta poder volver allí a grabar el resto del álbum. Además, tuvimos que grabar cada uno nuestras partes de forma individual cuando habitualmente lo hacemos en conjunto, con lo cual fue bastante complicado acomodarse a esta nueva situación. Pero bueno, al tener más tiempo para grabar , pudimos concentrarnos para añadir los toques finales a las canciones y tenerlas listas al 100% antes de grabarlas.

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– Escuchando el disco, no hay enormes diferencias con vuestro anterior trabajo (Regenarate,ndr.), pero si que hay nuevas vibras en las canciones y tu voz suena mejor que nunca, ¿lo sientes así tú también?.

S: Bueno, yo creo que “Invicta” es un disco más heavy que el anterior, creo que las dinámicas y las texturas lo hacen más completo. Tenemos algunas canciones más lentas y eso implica que las partes más cañeras tengan un mayor peso y sorprendan más. Hemos trabajado más en la sección de vientos, cuerdas y la producción en general.
Pienso que es muy interesante este nuevo trabajo!

– Hablemos ahora de “Human”, la cual considero que es una de vuestras mejores canciones hasta la fecha y en cierto modo parece una hermanita pequeña de “Warrior”, debido a lo poderoso y positivo del mensaje en la canción, ¿Cuál es la historia detrás de esta pieza?

S: “Human”, habla sobre la manera en que tenemos de tratar a las personas y como debemos ser cuidadosos en las formas que tenemos para con los demás, a veces un simple comentario o un acto puede afectar el día de una persona o peor aún toda su vida, hay que tener cuidado en las formas que usamos y el respeto es clave para con los demás.
Tú no sabes por lo que puede estar pasando una persona, entonces antes de hablar piensa bien las cosas y se agradable con los demás.

En 2020 cumplisteis vuestra primera década como banda, mirando atrás que opinión tienes ahora de temas como “Faded Memory”, “House Of Cards” o “Ignite”, muchos de nosotros os conocimos gracias a canciones como estas…

S:
Pues no se nos ha pasado rápido la verdad, es genial mirar atrás y ver como hemos progresado y madurado juntos como banda. Sin estas canciones no estaríamos hoy aquí, aunque musicalmente hablando creo que somos mejor banda ahora mismo y estamos más fuertes que nunca.

– Otra de las grandes canciones de “Invicta”, es “Black Cloud”, la cual en ciertas partes me ha recordado a “Aerials” de System Of A Down, ¿lo habías pensado en ello?, ¿os gusta esta banda a vosotros?.

S: Wow! es una gran comparación, la verdad es que hasta que me lo has comentado no se me había ocurrido pensar en ellos, voy a chequear esta canción ahora mismo!

– La última vez que nos vimos fue en el marco del “Metal Female Voices Tour” en Madrid en donde compartisteis cartel con Butcher Babies, Kobra And The Lotus , Ignea y Asphodelia , ¿Que recuerdos te trae aquella gira? ¿y como fue para vosotros tocar en España por primera vez?

S: Aquella fue una de nuestras giras favoritas sin duda, encajamos muy bien y visitamos un montón de lugares preciosos y conocimos un montón de gente maravillosa.

Compartimos el autobus con todos ellos y nos pudimos conocer muy bien entre todos los grupos. España fue muy amable con nosotros y nos encantó visitar Barcelona también por primera vez, nos encantó tocar allí. Hicimos amistad con un par de músicos callejeros y yo acabé cantando con ellos fuera de un bar, fue muy guay y tenemos muy buenos recuerdos de aquella gira.

– Ahora con el disco en las tiendas, ¿Cuáles son los planes para la banda? , ¿Pensáis girar por UK y Europa hacia finales del 2021 y el 2022?

S: Estamos trabajando para algunas cosas hacia finales del año y sobre todo queremos intentar girar en 2022, ha sido un año raro y difícil, así que esperamos poder girar el próximo año.

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Metator: “Nuestro ámbito natural como banda son los antros y tugurios”
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La gente de Metator nos estuvo contando un poco sobre su primer disco titulado “Akocedakor” y sobre cómo fueron estos años para la banda además de lo que va a ser un poco del futuro de la misma.

– ¿Cómo fue el proceso de composición del disco?

Es como una recopilación del set list clásico de cuando la banda era Akocedakor, del 2004 al 2015. Todo lo hemos compuesto bajo el lema “tan brutal como sea posible”, sin caer en los tópicos trillados. Buscamos la máxima violencia, para luego hacerla trascender hacia el sonido y después depurar cualquier aspecto que no sea lo suficientemente agresivo o terrorífico. Nos gusta que uno no se parezca a otro y que todos tengan una idea que los cohesione. El último tema del disco es “Bomber”, cover de Motorhead en tributo a Lemmy.

– ¿En que se inspiraron para escribir las letras?

Nuestra temática es el “Philosophic death metal”, crisis existenciales del pasado, presente y del futuro post-apocalíptico que se nos viene. Apertura forzosa de conciencia mediante substancias y disciplina marcial, elecciones de dramático sufrimiento, castigos colosales…

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– ¿Cómo ven este disco en relación a sus trabajos anteriores?

Es nuestro 1r Lp como Metator, pero en relación a lo hecho con otras bandas creo que podemos decir que nunca habíamos llegado a algo tan extremo. Es un proceso de radicalización de años y nunca ha habido tregua. No es ni lo más técnico ni virtuoso ni nada así, pero transmite auténtica sensación de peligro.

– ¿Cómo los trató el 2020 a nivel banda?

Pintaba atronador a nivel de participación en festivales. En lugar de lamentarnos preferimos pensar que al menos haya servido para arrejuntar fuerza y odio, porque veo a todo el mundo con ganas feroces de bronca metálica.

– ¿Sienten que hay algo cómo banda que les falte cumplir?

Nuestro ámbito natural como banda son los antros y tugurios. Nos comunicamos con las energías de los camerinos decrépitos, hemos derramado sangre peleando por el metal… No se no ocurre qué más podemos pedir.

– ¿En qué momento se sienten más cómodos? ¿Dentro del estudio o arriba del escenario?

Algunos estudios realmente impresionan por lo chulos que son, y pasar por ellos es una experiencia como músico, pase lo que pase dentro. Pero el escenario es la palestra, el ring, por lo que te has partido la cara cada día, es lo que acaba dando sentido a todo lo demás.

– ¿Qué planes vienen para el futuro de la banda?

Nos vemos en octubre en el Sick Dog Fest, DF. Mexico. Para 2022 el Iberian Warriors fest que resiste, y esperamos confirmar alguno más que se está cociendo. Sin menoscabo de volver a antros, tugurios y ocupas. Tenemos la inminente publicación de un Split junto a Mugre, Troll, y otras bandas con nuevo material. Y por supuesto el segundo disco de Metator también para 2022.

– La última no sería una pregunta sino más bien si pueden decir unas palabras para los fans que los siguen desde siempre y los que los están descubriendo ahora y desde ya muchas gracias

Si conocen algún lugar en el que pueda haber manifestaciones sobrenaturales, aquellos en los que dé auténtico pavor entrar, contad con nosotros, con nuestras substancias alucinógenas y con nuestros puños. Siempre en nombre del metal. Así como el Cosmos sobre nosotros, la ley del metal en nuestras guitarras. Salud a todos!.

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Tamás Kátai (Thy Catafalque): “Los streamings me aburren. No hay interacción, no hay energía, no hay pasión”
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El pasado 25 de junio, el proyecto de avant-garde/progressive/black metal Thy Catafalque, piloteado por su único miembro oficial, el multiinstrumentalista Tamás Kátai (acompañado de un ejército de músicos de sesión), ha lanzado su décimo álbum de estudio. Un trabajo que resume una trayectoria impecable de más de 20 años y que aún hoy sigue dando patadas. Importantes, pesadas y experimentales patadas.

Abarcando un mar de sonidos, estilos e inspiraciones, Vadak es un lanzamiento que es difícil de definir en pocas palabras, por lo que nos permitimos conducir una breve pero substancial entrevista a Tamás en la que nos platica del significado del nombre, cómo ha desarrollado su proceso creativo y de su gusto por Las Bisteces, entre otras cosas.

TTH: Antes que nada, déjanos agradecerte por esta entrevista. Estamos muy contentos de poder hacerte algunas preguntas. Vadak es un álbum fenomenal y no hemos dejado de escucharlos desde su lanzamiento, así que gracias por eso también. Ahora a lo que nos ocupa:

Thy Catafalque ha estado acostumbrado a lanzar un álbum cada dos años, salvo algunas excepciones. Esta vez, el lanzamiento de Vadak sucedió casi justo un año después de Naiv. ¿A qué se debe esto? ¿Contabas ya con música escrita o grabada o simplemente fue debido a la pandemia?

TK: La mayoría de las veces trabajo de corrido. Por lo regular sé que es bueno parar durante algún tiempo después de terminar un álbum y lo hago un poco porque suele haber demasiado trabajo luego de entregar el material de audio — tengo qué entregar el diseño de las portadas (yo hago todos los diseños), mucho papeleo, trabajo de promoción, videos y entrevistas como esta. Considerando que tengo un trabajo diurno bastante demandante no suele haber demasiado tiempo para componer y grabar música nueva, pero a veces lo hago. Estos ciclos promocionales están creciendo cada vez más y más con cada lanzamiento, y eso es algo bueno, por supuesto, pero también significa que tengo menos tiempo de crear cosas nuevas. Aún así mientras hablamos tengo unas cuatro o cinco canciones ya grabadas sin las voces, pero no tengo idea de cómo terminarán. Puede que las deseche o las haga a un lado por el momento, en verdad que no lo sé ahora mismo. Oh, y también puedo ser más rápido que la mayoría de las bandas porque TC no es una banda normal, ni siquiera es una banda; es solo un proyecto de estudio, lo que significa que no hay conciertos, ni tours, ni siquiera ensayos.

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TTH: En la mayoría de los países hispanoparlantes prácticamente no tenemos información sobre arte y cultura húngara, por lo que Thy Catafalque podría ser una buena venta para asomarnos a ese mundo. En algunos lugares leímos que el título del álbum viene a significar algo como “fieros” o “salvajes” (pudiendo referirse tanto a animales, como humanos), pero por alguna razón, al tratar de traducir el título nos aparecía algo como “suero”.

¿Te gustaría confirmarnos cuál es el significado del álbum y qué relación temática tiene este con la obra en su totalidad?

T: “Vadak” vendría a significar “animales salvajes” en este caso. También puede significar “gente salvaje”, sí, pero no tengo idea de cómo diste con la traducción de “suero”, jaja. El contexto del álbum viene de la idea de que nosotros, como todos los seres vivientes, estamos siendo asechados constantemente por la muerte en el bosque de los tiempos. Esta ha sido la imagen en mi cabeza últimamente, pero sabes que esto es un tema recurrente con Thy Catafalque. Siempre he hablado de este u otros temas similares, así que no es tanto un concepto específico para la ocasión, sino de lo que en sí ha tratado este proyecto todo este tiempo; fallecer, el tiempo, el bosque, los animales, el universo y los sueños.

TTH: Hemos leído que disfrutas de otros proyectos que también hablan en sus idiomas originales (o incluso anteriores a estos). ¿Escuchas proyectos en español?

T: Dato curioso: La chica que aparece en la portada de Vadak es Española; ella fue quien pintó la portada para Naiv y también quien aparece en el video de Embersólyom. Es una persona muy cercana a mí que también me presentó muchos actos musicales interesantes en español. Mis favoritos son Neonymus, Jordi Savall, Joaquín Díaz y Las Bistecs.

TTH: Sabemos que tourear está fuera de la mesa, pero con el auge de los conciertos en streaming como un formato cada vez más popular debido al estado actual del mundo, ¿has llegado a pensar en organizar o aparecer en un evento de esta clase?, ¿crees que sería similar a tocar en vivo?

T: No, de hecho ni siquiera disfruto ver un concierto en línea. Me aburren. No hay interacción, no hay energía, no hay pasión. Le faltan todas las cosas que hacen a un concierto asombroso. Se siente vacío para mí, como un ensayo glorificado, sencillamente no ofrece nada.

TTH: ¿Qué suena en tu playlist últimamente?, ¿qué tipo de música o dieta musical ha influenciado tu trabajo actual?

T: De acuerdo, ayer estaba escuchando a Paradise Lost. Gothic, Shades of God y especialmente Icon. Esta es su época dorada para mí. También me gustan cosas posteriores, pero hombre, Icon es una obra maestra. Lo he escuchado desde que salió. Creo que me ha influenciado de una forma u otra porque sencillamente tiene qué haber pasado.

TTH: ¿Hay algo más que quisieras hacerle saber a tu público hispanoparlante?, ¿algún proyecto nuevo qué esperar en el futuro o alguna clase de mensaje?

T: No creo tener un mensaje en específico para esta audiencia, excepto que… no, sí lo hay. Tengo qué decirles que estaré eternamente agradecido por al menos tres cosas: salmorejo, churros y cachapas. Me encantan. ¡Gracias!

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Burial Pit: “El disco captura lo vivido con los horribles humanos que infestan el planeta”
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Tuvimos la posibilidad de entrevistar a Jack Thomas (guitarrista) y Matt Sourdin (bajista) de la banda australiana Burial Pit, cuya formación se completa con Josh Gibbons (guitarra), Adrian Griffin (batería) y Scott Tabone (voz). Lanzaron su brutal disco debut este año y no pasaron desapercibidos.

– Reseñé su álbum ‘Subhuman Scum’ y, sin dudas, estará entre los candidatos a mis favoritos del año. Las principales razones: es su primer trabajo, y en ese sentido, ya lograron algo de gran calidad, y a la vez, su música tiene interesantes características, sobre las que me gustaría conversar luego. Primero, cuéntennos acerca de la historia de la banda y el proceso creativo detrás del disco.  

J.T.: ¡Gracias por tus amables palabras! Estamos muy felices con lo que conseguimos. Burial Pit empezó a fines de 2018. Yo conocí a Matt en el parque al final de mi calle, por medio de algunos amigos en común, y charlamos sobre hacer música. Él mencionó que iría al show de Dimmu Borgir con algunos amigos y me invitó a sumarme, pues yo mismo pensaba concurrir por mi parte. En ese concierto, conocí a Griff y Josh. Yo ya tenía unas cuantas canciones compuestas para un proyecto Death/Sludge, sobre las que les hablé y ellos dijeron que les gustaría tocarlas. Le pedí a Scotty que se incorporara, porque ya veníamos tocando en otra banda juntos, y desde el primer ensayo todo sonó brutal.

Te puede interesar: – Reseña: Burial Pit – Subhuman Scum (2021)

– Ustedes dicen tocar “Sludge Metal Violento”, algo que suena bastante acertado, pero también encuentro algunos trazos de Death Metal o Grindcore en la música que hacen, sobre todo en la voz, que despliega un amplio rango, incluyendo hasta pig squeals. ¿Les parece haber creado un nuevo monstruo suturando partes de distintos estilos? ¿Cuáles son sus principales influencias?  

J.T.: Sí, definitivamente hay un amplio espectro de influencias de distintos sub-géneros mezcladas en nuestra música. Antes de que Matt introdujera el término “Sludge Violento” yo hubiera hablado de Death/Sludge/Doom. Mis principales influencias para tocar en Burial Pit fueron Primitive Man, en particular el álbum “Caustic”, el disco de Gatecreeper “Sonoran Depravation” y el de Bongripper “Miserable”. Quería mezclar todo lo que me gustaba de esos artistas, los contundentes riffs disonantes, la lentitud dolorosa pero entramada con cierto groove y ese empuje a sacudir la cabeza que tiene el Death Metal y que hace que cada oyente quiera escuchar un tema durante nueve minutos. ¡Me encantaría que el “Violent Sludge Metal” se convirtiera en un sub-género en sí mismo!

– Cuando escuché el disco, los temas “Subhuman” y “Scum”, así también como las guitarras en “Priest”, llamaron mi atención. Me parece que tienen atributos que los hacen resaltar. ¿Qué nos pueden decir sobre ellos? 

M.S.: Yo quería hacer algunos temas más atmosféricos o “ambient” que acompañaran al resto. Mi propósito era generar un estado de ánimo oscuro, frío y siniestro que hiciera que la gente se sintiera tensa e incómoda. El canto que se oye en esos tracks es de monjes ortodoxos búlgaros, y me pareció que esos samples se ajustarían perfectamente al álbum, porque estamos usando sus propias ceremonias religiosas como armas en su contra. Creo que puedo hablar por toda la banda cuando digo que tenemos una perspectiva profundamente antirreligiosa, así que usar esos cantos y ceremonias de manera musicalmente “blasfema” es expresar un mensaje de enorme disgusto hacia esas horrendas organizaciones.

– Asumo que la pandemia afectó sus planes, y no sé cómo es la situación en Australia en este momento, pero, en cualquier caso, decidieron hacer un show por live stream con una filosofía muy Do It Yourself, el 29 de Mayo (Nota: posteriormente pudieron tocar en un concierto presencial). Quería saber sobre las decisiones detrás del evento y su percepción acerca de la pandemia, la industria musical y el futuro próximo.  

J.T: Ese live stream, de hecho, fue una decisión de último minuto, ¡tomada la noche anterior! Se suponía que debíamos tocar para el lanzamiento del disco en Melbourne y dos días antes hubo otro brote de COVID, así que volvimos a un cierre. Eso nos hizo sentir devastados, porque iba a ser nuestro primer concierto en otro estado y encabezando el cartel. Decidimos ir al lugar donde ensayamos y componemos, y conversando allí, surgió la idea de hacer ese show y transmitirlo de esa manera. No teníamos idea de cómo funcionaría, pero tampoco teníamos nada que perder. Por suerte, nuestro baterista es un genio en cuanto a las cuestiones técnicas y con la ayuda de nuestro amigo Az, que dirige los Adversary Studios, se las arreglaron para hacerlo posible. Fue una gran forma de poder conectarnos con nuestros amigos y fans en Melbourne, que estaban encerrados en sus casas y, además, una oportunidad para compartir los temas con el resto del mundo.

– Cuando hice la reseña de su disco, escribí: “Vale la pena escucharlo tantas veces como sea posible y sentir cómo converge con la catástrofe que estamos viviendo en estos tiempos oscuros. Como suele decirse, el disco captura el espíritu de la época.” ¿Qué opinan al respecto? 

J.T.: Sí, fue una gran reseña. El disco definitivamente es una captura de los tiempos que vivimos, no tanto en relación con la pandemia, sino con los horribles seres humanos que infestan el planeta y el fracaso de todos los sistemas para proteger a las víctimas de sus abusos.

– ¿Qué hay del video de “Lord of Limbs”? Estuvo muy bien realizado, pero cuando salió el de “Priest”, tuvo un enfoque totalmente distinto, lo que me genera curiosidad.  

J.T: El video de “Priest” fue filmado mientras estábamos en casa, todos en cuarentena. Fue algo humorístico, como para ayudarnos a sobrellevar lo que estábamos experimentando. En cambio, el de “Lord of Limbs” fue hecho seriamente. Queríamos que fuera simple y sombrío, y dejar que la canción hiciera la mayor parte del trabajo. Delegamos la dirección creativa en nuestro amigo David Xuereb de Grim Reflections que filmó y editó el video, y nos dejó encantados con el resultado.

– Todos sabemos que AC/DC ama Argentina y en Argentina se ama a AC/DC, por eso grabaron su DVD en vivo en Buenos Aires. Pero hablando de Metal en particular, Thy Art Is Murder es otra banda australiana que rápidamente me viene a la mente. Portal también está adquiriendo mayor notoriedad. ¿Qué nos pueden decir sobre la escena en su país?  

J.T.: La escena del Metal en Australia es asombrosa en este momento. Me parece que algo bueno que ocurrió por el cierre de fronteras es que mucha gente empezó a mirar tierra adentro y así darse cuenta de los grupos que hay acá. Hay demasiadas bandas underground para nombrar, pero algunas que podrían disfrutar las personas a quienes les guste Burial Pit serían: Resin Tomb, Munt, Isua, Kvll, Descent, Shackles, Hadal Maw, Alchemy, Mountain Wizard Death Cult, Feculent… Y me detendré aquí porque podríamos hacer una entrevista entera dedicada a la escena.

– Siempre he escuchado comparaciones entre Australia y Argentina, principalmente por sus latitudes similares, climas, áreas desérticas, etc. Honestamente, no sé si las comparaciones podrían ir más allá, pero vos Matt me dijiste que estuviste en Argentina en 2020, justo antes de que comenzara la pandemia, y quería saber tu opinión sobre esa experiencia y si les gustaría tocar en Sudamérica.  

M.S.: Sí, estuve tres veces en Argentina y cada vez que voy, me gusta más. Viví un tiempo en Perú y viajé mucho por Sudamérica, ya que trabajo en turismo de aventura. Amo la variedad de paisajes que hay en Argentina, en especial la zona de los lagos desde Bariloche hasta San Martín de los Andes, y los lugares hermosos y remotos como Ushuaia. La gente allí es muy amable y receptiva, así que espero que algún día Burial Pit pueda tocar allí. Sería un honor y un privilegio.

¿Hay algo que quisieran decirle a la gente en España y América Latina que todavía no ha escuchado a la banda? 

J.T.: Escuchen el disco a todo volumen con ropa interior de recambio cerca.

– Bueno, muchas gracias por su amabilidad. 

J.T. y M.S.: ¡Gracias a vos! Apreciamos mucho el apoyo.

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ReDimoni: “Decidimos sacar el material en una trilogía de EP’s”
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Los muchachos de ReDimoni nos estuvieron contando detalles de On The Brink Of Existence, su más reciente EP de estudio, el cual salió este año sumando un pilar más en la carrera poderosa de esta banda oriunda de Barcelona.

– ¿Cómo fue el proceso creativo del EP?

¡Saludos! Fue un proceso lento debido a nuestros compromisos personales fuera de la banda, de ahí también la variedad entre los temas.

A pesar de ser un proceso lento, nunca hemos dejado de aportar ideas hasta formar los temas. Nuestra máxima es que a todos nos tiene que molar un tema de principio a fin, hecho que hace que a menudo descartemos riffs o temas que nos acaban de convencer.

Por otro lado, el confinamiento durante la pandemia nos ha dado la oportunidad de trabajar de una manera diferente; trabajando más los temas desde casa y grabando diferentes pistas y así poder perfilar los toques y arreglos.

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– ¿En que se inspiraron para escribir las letras?

La temática lírica se focaliza en la transición entre la vida, la muerte y el más allá.

– Al ser editado por ustedes mismos, ¿sintieron que fue más sencillo hacer la mezcla?

Creo que no ha impactado el hecho que sea autoeditado en el proceso de mezcla. La diferencia principal ha sido que en anteriores lanzamientos las mezclas las hacía el guitarrista que teníamos por aquel entonces (David – que también es técnico de sonido profesional), mientras que en esta ocasión hemos acudido a un estudio y dejamos las mezclas a criterio de Javi de Moontower Studios.

Javi entiende nuestro estilo a la perfección y estamos muy satisfechos con el resultado!

– Dentro de los 21 años de carrera en la banda, ¿que sienten que le suma este disco a la banda?

En primer lugar, y al contrario que los otros lanzamientos, se ha grabado y mezclado en un estudio profesional. Anteriormente grabamos en el local de ensayo, hecho que nos daba mucha libertad, pero no eran las condiciones óptimas.

Ir a un estudio ha impactado mucho en la mezcla y resultado final.

– ¿Sienten que les falta cumplir algo cómo banda?

¡Giras y festivales! Así como poder tocar en lugares donde todavía no hemos ido.

– Su última publicación fue en 2014, ¿qué sensación tuvieron al sacar este nuevo disco?

Fue como quitarnos un peso de encima. Teníamos material para un disco entero pero no todos los temas tenían el mismo grado de madurez. Decidimos sacar el material a modo de tres Eps (como si fuera una trilogía) para no demorar más el lanzamiento de material.

– ¿Cómo describirían la banda a alguien que quiere empezar a conocerlos?

Thrash metal de la vieja escuela influenciado sobretodo por la escuela teutónica.

– ¿Qué planes hay en el futuro de Redimoni?

Seguimos acabando la composición del siguiente EP (segunda parte del disco) y esperamos poder entrar en el estudio a finales de 2021.

Idealmente, nos gustaría encontrar un sello que se hiciera cargo del lanzamiento, pero ya se verá. De momento seguimos con la promoción al máximo.

Esperamos que este lanzamiento nos pueda abrir las puertas a conciertos en sitios en los que todavía no hemos tocado, siempre y cuando la situación con el covid lo permita!

– ¿Podrían dejar unas palabras para los fans que los están leyendo?

Saludos y muchas gracias por el apoyo! No hubiéramos aguantado estas dos décadas a no ser por el apoyo continuado que hemos recibido! METAL HEART!!

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