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Raphael Mendes: “Algunos creen que simulo, pero así es cómo canto”
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Es complicado pasar de ser considerado un simple chiste a ser algo serio, pero en el caso de Raphael Mendes es seguro decir que la transición ha sido un éxito. El cantante brasileño se hizo conocido a través de Youtube, gracias a su voz extremadamente similar a la de Bruce Dickinson de Iron Maiden, con videos con la simple premisa de “¿Qué pasaría si Bruce cantara en otras bandas?” donde grababa covers de Dio, Skid Row, Kansas, Metallica, Roxette y muchos en ese estilo. Estos alcanzaron tal popularidad que el oriundo de Curitiba firmó con el sello italiano Frontiers Records y en 2021 editó su debut con Icon of Sin, su nueva banda de heavy metal.

Pudimos hablar con Raphael con motivo de su visita a Argentina, donde estará dando un par de recitales para celebrar los cuarenta años de The Number of the Beast, el tercer álbum de Maiden y el primero del grupo junto a Dickinson.


—Primero, ¡estoy muy agradecido de tener esta entrevista contigo, Raphael! ¿Cuáles son tus expectativas para este próximo recital en Argentina? ¿Tuviste la oportunidad de visitar nuestro país antes?

Yo también estoy agradecido. ¡Muchas gracias por esta oportunidad!

Siempre escuché que el metal es muy fuerte en Argentina, sobre todo con Iron Maiden. Estoy tan emocionado por sentir esta energía en el público, estoy seguro de que será inolvidable. Nunca he estado antes en Argentina, estoy seguro de que es un gran país para visitar. Siempre he visto que Buenos Aires es una ciudad hermosa por las fotos y los videos, así que estoy muy emocionado de estar ahí.

—Aparte de ser el álbum que vas a tocar en su 40mo aniversario, ¿qué lugar ocupa The Number of the Beast en tu admiración por Iron Maiden? ¿Es tu favorito de ellos?

Es complicado decir que un álbum de Iron Maiden como un favorito. Pero puedo decir que está en mi Top 5. Es un gran álbum, y un clásico importante del heavy metal. Somewhere In Time tiene un lugar especial en mi lista, en verdad amo ese álbum.

—¿Cuál dirías que es tu canción favorita del álbum? ¿Por qué?

Creo que “Hallowed Be Thy Name”. Para mí es una de las mejores canciones de Maiden de todos los tiempos, la letra es fantástica, la composición es impresionante, la progresión de los cambios en la canción de acuerdo a la historia del condenado a muerte y cómo se despide de este mundo. Steve Harris es fantástico para crear esas historias.

—Estoy muy seguro de que estarás muy cansado de responder preguntas acerca de las similitudes con Bruce Dickinson, así que quería preguntarte sobre tu entrenamiento vocal. ¿Cómo lo describirías? ¿Cuánto tiempo ensayás? ¿Cuánto te tomó lograr ese timbre vocal?

Esa es una pregunta interesante, porque algunas personas creen que en realidad simulo. Pero, viejo, nunca había cantado hasta que escuché a Bruce cantar por primera vez, cuando estaba viendo el DVD de Rock In Rio. Me fascinó la manera en que lo hacía, así que lo intenté por primera vez puede que en 2006, y noté que podía hacer algo como eso. Tenía esta voz de manera natural, el tono, la única manera en que sé cantar es así. Así que practiqué todos los días, y claro que estaba mejorando. Primero logré las notas medias y el vibrato, y luego aprendí las notas altas y el belting. He practicado todos los días hasta hoy. Antes de los shows cuido la alimentación, a veces puede ser peligroso para la voz. Pero, básicamente, es eso.

—El año pasado sacaste tu primer álbum con Icon of Sin, el cual me gustó mucho. ¿Cómo fue comenzar a ser el frontman de tu propia banda y canciones?

En realidad Icon of Sin es una banda que el sello Frontiers Records, del que soy parte, creó para mí. En 2020 se interesaron en mí por mis videos, así que comenzamos a trabajar juntos. Me pusieron en contacto con dos grandes músicos en Curitiba: Marcelo Gelbcke y Sérgio Mazul, quienes crearon todas las canciones del álbum, así que me uní a ellos y grabé ahí. De verdad amo la banda y todas las canciones de nuestro primer álbum, y trabajar con ellos ha sido increíble, ¡en verdad son muy creativos!

—¿Cuáles son tus planes futuros con Icon of Sin?

Comenzamos a trabajar en el nuevo álbum, pero todavía no tenemos una fecha de salida. Luego de los shows en Argentina estaré en Curitiba para ver nuestros planes, queremos tocar en vivo en lo que queda del año.

—¿Qué querrías decirle a nuestros lectores?

Estoy muy feliz de poder estar en Argentina por primera vez y hacer lo que más me gusta. Rockeemos durante estos dos increíbles días, ¡estoy seguro de que será genial!

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Pablo Maldonado (Malicia): “Muchos chicos nos preguntaban cuándo volvíamos”
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Parece que hubiera sido ayer que Malicia había anunciado una pausa en sus actividades, y no que en realidad fuera hace ya cuatro años. Claro que en el medio se dio la edición de Neurovivo en 2020, el monumental primer álbum en vivo de estos veteranos del thrash metal argentino que registró su última presentación antes de comenzar dicha, y puede que el haber vivido una pandemia mundial y dos Copas América en ese espacio de tiempo haya terminado por distorsionar de todo la sensación del tiempo.

De cualquier manera, Malicia está de vuelta. Con formación renovada gracias a la entrada del guitarrista Emiliano Pérez (ex Criptofonia) y del baterista Martín Marques (también miembro de Catacomb, Corrossive y Warchief), los siempre presentes Maximiliano Escobar (voz y guitarra) y Pablo Maldonado (bajo) se pusieron manos a la obra para preparar la que será la vuelta del cuarteto este próximo 6 de agosto en El Teatrito (Sarmiento 1752, CABA). Es por ello que pudimos hablar con Pablo para que nos contara los detalles no sólo de este recital, sino también de la reedición de Malicia, el que fuera el debut homónimo editado en 1999.


TTH: ¡Buenas, Malicia! ¿Cómo van las cosas con la banda?

Estamos muy bien, con muchas ganas de tocar el 6 de agosto en El Teatrito y arrancar una nueva etapa con la banda, con giras en el interior y luego ponernos a hacer un nuevo disco.

TTH: ¿Qué los llevó a reeditar su primer disco?

Las ediciones viejas de nuestro primer disco, editado en 1999, se agotaron hace un tiempo y salió la propuesta de Icarus para reeditarlo en CD y sacarlo en cassette y vinilo para los coleccionistas. Es una idea buenísima para la gente que quiera tener el CD en formato físico y felices de ver nuestro primer trabajo en vinilo.

TTH: ¿Qué recuerdan del ambiente de la escena del metal cuando sacaron Malicia? ¿Y el ambiente dentro de la banda?

Salió en 1999 y en esa época grabar algo en forma independiente era muy complicado: por conocimiento, por no tener los elementos necesarios para poder grabar y salir a pedir lo que hacía falta. Pero bueno, fue una forma de trabajar que a través del tiempo se fue repitiendo pero ganando conocimiento y recursos. ¡La banda estaba muy a full, con ganas de que vea la calle el primer disco y poder tocarlo en todos lados!

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TTH: Por esa época el cassette todavía estaba presente, ¿pero se imaginaron alguna vez editar este álbum en vinilo?

Por un par de años no llegó a salir en Vinilo, el cassette es un formato que no nos gusta ni ahora ni en esa época se daña muy fácil y el sonido no es el mejor, pero para coleccionar está buenísimo. Gracias a los coleccionistas que no dejaron morir el formato de vinilo y aumentó la gente que colecciona ese formato se dio la oportunidad de poder ver nuestro disco Malicia 23 años después en VINILO.

TTH: Aparte del formato en el que lo reeditan, ¿hicieron algún cambio en lo que se refiere a packaging? ¿O buscaron que fuera una reproducción fiel de la edición original?

Sí, viene con slipcase que es la tapa de cartón que recubre el CD, el arte interno renovado con imágenes de esa época y remasterizado.

TTH: Creo que podemos estar de acuerdo con que es un clásico que los músicos digan que los discos o las canciones son como sus hijos. Sin embargo y con respecto a ese disco debut, ¿sienten que hubieran hecho algo diferente en cuanto a la composición?

¡Jaja! Nunca repetimos eso de los hijos, no soy padre pero no compararía un material discográfico con algo tan especial como ser padre, se entiende también que es una forma de decir. Lo que si sentimos es que sacar un nuevo material es darle a la banda nueva energía, Maxi es el que compone las canciones en Malicia pero hablando con él está conforme con toda la carrera de la banda. En cuanto a composición, no le tocaría nada a ningún disco, y el sonido es lo mejor que podíamos hacer en esa época. Igual hoy en día lo escucho y se lo escucha muy bien.

TTH: ¿Cuál les parece la mejor canción del álbum? ¿Por qué?

No tengo mejor canción. La verdad me gustan todas, unas más que otras dependiendo la época en que las escuche. Por ahí una que nunca dejamos de tocar en vivo es “En la mira”, que nos gusta mucho tocarla y nuestros seguidores la tienen como un clásico de la banda.

TTH: ¿Qué esperan para la presentación del 6 de agosto?

Sabemos que se va a poner lindo el lugar. Muchos chicos en estos cuatro años nos preguntaban cuando volvíamos y se veía lejano. Pero bueno, ahora queda una semana de espera para poder salir a encontrarnos desde el escenario con todos los que nos vienen aguantando desde hace tiempo, vamos a hacer un repaso por toda la discografía de la banda y hacer muchos temas que no suenan en vivo hace mucho tiempo.

TTH: ¿Qué tienen para decirles a nuestros lectores?

Gracias, Martín, por el espacio, por la difusión, a los lectores. Y a todos los que nos quieran escuchar nos encuentran en Spotify, en todas las redes o para los que quieren el formato físico pueden encontrar nuestros 7 discos de estudio y Neurovivo (CD DOBLE+DVD) en Icarus.

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Todd Harris (Mortal Thrall): “Tenemos mucho contra lo que rebelarnos”
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ENGLISH VERSION BELOW

El mundo del black metal suele moverse por terrenos como el de la fantasía y el satanismo, pero de vez en cuando se mete con temáticas de la vida real en sus canciones. Tal es el caso del dúo estadounidense de post black metal Mortal Thrall, formado por el cantante, guitarrista y bajista Todd Harris y el tecladista Christopher Scott Davis. Con su álbum su LP debut A Path of Fire, editado por Trepanation Recordings, ya en la calle, fue momento de hablar con Harris para que nos comentara sobre la idea conceptual detrás de este primer trabajo de una nueva luminaria del metal negro.


Antes que nada, quería agradecerte, Todd, por esta entrevista para Track To Hell. Mortal Thrall acaba de lanzar “A Path to Fire”, un gran disco que tuve el placer de reseñar. Es un álbum conceptual, y ustedes mismos dicen que “Mortal Thrall es un grupo de post-black metal con influencia barroca.” Antes de profundizar en el concepto de la obra, me preguntaba si la influencia barroca se relacionaba con dicho concepto por razones históricas.

TH: La etiqueta de la influencia barroca fue colocada por nuestro biógrafo. Él la escuchó en el álbum y tenía sentido dejarla. Yo estuve súper influenciado por el arte renacentista cuando lo escribí y la intro es una pieza de guitarra clásica. La descripción se sentía precisa y parecía encajar con el sonido general del disco. Hallé el concepto del álbum cuando ya estaba en el proceso de componer la música. Todo pareció encajar sin esfuerzo, así que en ese sentido, todo se dio con mucha suerte.

El álbum cuenta la historia de María de los Dolores López, la última víctima de la Inquisición Española, uno de los tantos genocidios perpetrados por la Iglesia Católica. Ella fue asesinada en 1781. Sé que usaste esta historia real como metáfora para reflexionar acerca del mundo en la actualidad. Contanos más al respecto.

TH: Cuando me crucé con la historia, los paralelismos con la situación de los Estados Unidos, específicamente, comenzaron a revelarse por sí mismos. La opresión religiosa fue adentrándose cada vez más en el gobierno (aunque ha estado allí por un largo tiempo) y empezó a revelarse más y más. La historia de su opresión y abuso me enfureció y me quedó en la cabeza. Ya en el momento en que me topé con su historia sabía que sería el concepto del álbum y no me resistí.

¿Por qué elegiste, como artista y como hombre, desarrollar esta idea?

TH: Tengo claro que soy un hombre contando la historia de una mujer, pero resonó tanto dentro de mí que no podía dejar de contarla. La historia es una metáfora de la opresión, como mencionaste antes, y sentí que era universal de muchas maneras. Siendo gay, la opresión es algo con lo que puedo relacionarme, y aunque hay muchas cosas que experimentó María que yo nunca podré entender, sentí mucha empatía con ella. Hice lo mejor que puede para ser lo más respetuoso con ella, hasta en el arte de tapa. No quería nada que fuera horrible. Quería algo que fuera verídico, pero no morboso como son las tapas de los discos de metal a veces. Caelan Stokkermans hizo un gran trabajo y tuvimos varias conversaciones para llegar a esa verdad. Cuando usé las propias palabras documentadas de María, me aseguré de que fuera una vocalista femenina (Emily Low de Oubliette) quien las cantara. Realmente espero que todo haya salido de la manera más respetuosa posible, porque esa fue siempre mi intención.

La mayoría de las personas que vayan a leer esta entrevista son de España y América Latina, donde la historia de “la beata Dolores” puede estar un poco más difundida que en países angloparlantes. Tampoco es que sea una historia demasiado popular, pero mi punto es que en los Estados Unidos, por ejemplo, tienen los juicios por brujería de Salem, la esclavitud de las mujeres negras, etcétera. Entonces, ¿cuáles pensás que son los aspectos más interesantes de esta historia que te hicieron elegirla para ser el concepto del álbum?

TH: Pienso que la historia de María me atrajo particularmente por su desafío ferviente a la iglesia. Ella nunca sintió que estuviera haciendo nada malo y siguió diciéndolo hasta el final. Su espíritu rebelde y su lucha fueron lo que más me atrapó de la historia. No tenía, necesariamente, la intención de escribir un álbum conceptual hasta que me crucé con su historia. Como artista, a veces te encontrás con algo que te habla y simplemente sabés que será tu tema. Ese fue justamente el caso con este concepto.

El black metal es un género que tradicionalmente se opuso a las religiones abrahámicas, pero usualmente expresa esa oposición mediante el satanismo, algo que se convirtió en un cliché, creo yo. Vos elegiste una historia real para hacerlo y creo que fue algo inteligente, ya que como suele decirse: “la realidad supera a la ficción.” ¿Creés que tus razones para contar esta historia en particular fueron tan importantes como tu intención de expresar tu oposición contra la opresión religiosa en general? Lo pregunto porque escuché que estás planeando seguir haciendo discos conceptuales.

TH: Sí, ciertamente lo siento de esa manera. Hubo una conexión emocional con la historia y creo que eso me atrajo tanto como el aspecto de la oposición contra la opresión. La historia me envolvió porque resonaba mucho conmigo. Tengo mis propias experiencias con la opresión religiosa, que no tienen nada que ver con mi sexualidad, y en las que no voy a profundizar porque son personales, pero es suficiente con decir que siempre ha sido una parte de mi vida volver a situaciones de mi niñez. Por lo tanto, realmente creo que me conecté mucho con la historia por una multitud de razones y había un aspecto emocional muy serio en ello. Pensando a futuro, es probable que busque otro concepto, una historia que sienta que deba ser contada, con la que me conecte emocionalmente, y que crea que tiene sentido desarrollar.

Mortal Thrall es una banda de Tennessee, un estado bastante conservador, si no me equivoco. Cuando escribí la reseña de A Path to Fire, por supuesto señalé sus virtudes musicales, pero también enfaticé la importancia que tenía el hecho de que fuera un álbum conceptual porque expresaba los peligros detrás del ascenso de la extrema derecha, especialmente para las minorías. El disco salió y no pasó mucho tiempo hasta que la Corte Suprema de los Estados Unidos tomó una decisión en contra del aborto, en contra de los derechos de las mujeres, y al día siguiente hubo un asesinato en masa dentro de un bar gay en Oslo. Se dice con frecuencia que los artistas son gente muy intuitiva y suelen capturar el espíritu de la época. ¿Qué opinás al respecto?

TH: No voy a mentir: es bastante surrealista. Pienso que todos los que estábamos atentos al clima político en nuestro país ya veníamos venir esto desde fines de 2016. Habiendo dicho eso, el hecho de que el álbum saliera hace un mes y hoy nos encontremos con la revocación del caso Roe vs. Wade, que implica tirar a la basura cincuenta años de derechos, es demasiado para digerir. Ya sabemos que habrá más retrocesos en leyes antidiscriminación, quizás en cuanto al matrimonio gay a nivel federal, y otras vinculadas a la privacidad. Entonces, tenemos una enorme lucha por delante, que no sé exactamente cómo será. Me parece que todavía estamos tratando de imaginarlo. Pero no nos iremos a ningún lugar, no seremos silenciados y no abandonaremos nuestra posición.

Hablando de conservadurismo, tratemos el tema de las fuerzas conservadoras dentro del black metal cómo género. Debo decir que el asunto del conservadurismo cuando se discute sobre arte es un oxímoron absoluto ya que la esencia del arte es empujar las fronteras, si no romper cadenas. Dicho sea de paso, la escena del black metal no solamente tiene muchos puristas sino también facciones neonazis. ¿Pensás que tanto los artistas como sus seguidores en la escena reflejan lo que pasa en la sociedad como totalidad? ¿Considerás que hay una lucha dentro del género que es un espejo de una creciente pelea social?

TH: Ciertamente parece haber un paralelo, como mínimo. Siempre me pareció interesante que existieran fascistas en una escena que se supone rebelde. Nunca tuvo sentido para mí, o tal vez, mi comprensión de lo que es la rebelión es distinta de la de ellos, pero lo dudo. Creo que hubo una competencia por ver quién era más extremo y, de alguna manera, el elemento fascista se desarrolló con el tiempo. Siempre hubo fascistas de perfil bajo por ahí, pero últimamente empezaron a revelarse más abiertamente.

La música tiene su propia historia, también, y la del black metal en particular es bastante sórdida cuando se trata de los derechos de las personas LGBT. Podemos mencionar las opiniones de Vikernes, los crímenes de odio cometidos por Faust de Emperor y Jon Nödtveidt de Dissection, por ejemplo. Al mismo tiempo, hay músicos gays como Gaahl, entonces, otra vez, hablando del black metal, ¿cuál es la situación de los músicos y la audiencia LGBT hoy en día?

TH: La gente LGBT siempre estuvo involucrada en el metal, desde sus comienzos, con Judas Priest como perfecto ejemplo. Pienso que el metal siempre ha sido hipermasculino y eso alejaba a mucha gente LGBT pero es algo que está cambiando rápidamente. Sí, el black metal tiene una historia particularmente sórdida, tal como vos decís, con la comunidad LGBT, pero cada vez más personas LGBT están encontrando en el black metal su medio preferido para trabajar, y haciéndolo muy bien, empujando los límites dentro del género. El black metal siempre me ha hablado a mí muy personalmente, la naturaleza atmosférica de la música, específicamente. Su poder, la velocidad, las tantas áreas que hay para explorar. No me sorprende para nada que más gente LGBT se sienta atraída a trabajar dentro del estilo. Realmente tiene mucho sentido si volvemos a referirnos al aspecto rebelde que comentamos antes. Tenemos mucho contra lo qué rebelarnos.

Esto podría sonar extraño, pero también estuve pensando mucho acerca del fenómeno Kate Bush. “Running Up That Hill” tiene una letra muy significativa para las mujeres y las personas oprimidas, en general, y fue lanzada en 1985. Me animaría a decir que es una canción feminista, pero es mucho más que eso si pensamos en la heteronormatividad, el supremacismo blanco, el capacitismo, etc. La cosa es que, un show muy popular la pasa en 2022 y se convierte en un hit, y las letras parecen ser aún más significativas, ¿se entiende? Sí, ya sé que el arte suele tratar temas universales y atemporales, pero no estoy tan seguro de que este sea el caso porque hablamos de estructuras de poder y cosas que están mal moralmente y ya deberían haber cambiado. ¿Qué opinás?

TH: De hecho, soy un gran fan de Kate Bush, y estoy disfrutando mucho su merecido ingreso al mainstream. Es una artista tan brillante y espero que la gente explore su catálogo. El contenido lírico de RUTH es muy interesante porque parece que las personas encuentran muchos significados. Si la gente lo toma como un himno feminista o en contra de la opresión, me sumo totalmente a la idea. Kate dijo que esa canción fue escrita acerca de una pareja luchando y deseando intercambiar lugares para que cada cual pudiera entender, desde el otro lugar, lo que estaban pensando y así poder fortalecer la relación, pero puedo verla, absolutamente, como vinculada con las fuerzas en una lucha de poder. Esa es una de las cosas que más amo de la música: las diferentes interpretaciones que la gente pude tomar de la letra de una canción, aunque quizás no hayan sido intencionales, pero la canción se vuelve más fuerte por eso.

Mortal Thrall definitivamente es una de ellas, pero ¿qué otras bandas están tratando de cambiar las cosas en la escena del black metal?

TH: Feminazgul es una banda que absolutamente me viene a la mente. Grandes personas y una banda fantástica. También Awenden, Bull of Apis, Bull of Bronze, Hvidsten, Dawn Treader, Tumultuous Ruin, Sacred Son, Violet Cold y Necron han venido al black metal con una perspectiva fresca y trabajando duro para instalar ideales antifascistas dentro de la escena.


 

‘WE HAVE AN AWFUL LOT TO REBEL AGAINST’: INTERVIEW WITH TODD HARRIS OF MORTAL THRALL

For the most part, black metal tends to talk about things like fantasy and Satanism, but sometimes some people decide to talk about some real world stuff. That’s the case with the American post black metal duo Mortal Thrall, formed by singer, guitarist and bassist Todd Harris and keyboardist Christopher Scott Davis. With their debut LP A Path of Fire, released by Trepanation Recordings, now on the streets, it was time to talk with Harris, so he could give us details about the conceptual idea behind this first album of a new promising name in black metal.


First of all, I wanted to thank you very much, Todd, for this interview. Mortal Thrall has just released ‘A Path to Fire’, a great record that I had the pleasure of reviewing. It’s a concept album and you say that ‘Mortal Thrall are a baroque influenced post black metal group’. Before diving into the album’s concept, I was wondering if that baroque influence was related to that concept, for historical reasons, or not?

A: The baroque tag was coined by our biographer. He heard that in the album and it made sense to leave it. I was super influenced by renaissance art when writing the album and the intro was a classical guitar piece. The description felt accurate and seemed to fit the overall sound of the record. I found the concept as I was already in the process of writing the music. It all seemed to fit together effortlessly, so in that way, it was all very lucky.

The album tells the story of María de los Dolores López, the last victim of the Spanish Inquisition, one of the many genocides perpetrated by the Catholic Church. She was killed in 1781. I know you used that real story as a metaphor to reflect on the world today. Tell us more about that.

A: When I ran across that story, the parallels just started to reveal themselves to me to our current situation in the US specifically. Religious oppression was creeping its way further and further into our government (though it’s been there for a long time) and was starting to reveal itself more and more. The story of her oppression and abuse I found infuriating and it stuck in my head. I knew after coming across her story that it would be the concept pretty much right away and I didn’t fight it.

Why did you choose, as an artist and as a man, to develop this particular idea?

A: It’s not lost on me that I’m a man telling a woman’s story, but it resonated with me so much that I couldn’t not tell it. The story is a metaphor as you mentioned earlier for oppression, and it felt very universal in a lot of ways. Being gay, the oppression was relatable and while there are things Maria experienced that I will never understand, I felt great empathy for her. I did my best to be as respectful as possible to her, right down to the artwork. I didn’t want some gruesome cover art. I wanted it to be truthful, but not some gorefest as metal covers can sometimes be. Caelan Stokkermans did a wonderful work and we had several conversations to achieve that truth. When I used Maria’s own documented words, I made sure that a female vocalist (Emily Low of Oubliette) sang those words. I really hope that this came across as respectful as possible, because that was always the intention.

Most of the people who are gonna read this interview are from Spain and Latin America, where the story of ‘la beata Dolores’ might be a bit more popular than in English speaking countries. It’s not very popular, anyways, but my point is, in the US you had the Salem witch trials, the slavery of black women, etc. So, what do you think are the most interesting aspects of this story that made you choose it for your album?

A: I think I was particularly drawn to this story because of Maria’s fervent defiance to the church. She never felt like she was doing anything wrong and voiced that all the way to the end. Her rebellious spirit and her fight were what really pulled me into the story. I hadn’t necessarily intended to write a concept album until I ran across her story. As artists, sometimes when you find something that speaks to you, you just know that’s your subject, and that was very much the case with this concept.

Black metal is a genre traditionally opposed to Abrahamic religions, but it usually expresses that opposition through Satanism, which has become a cliché, I believe. You chose actual history to do it and I think that was very smart because, as it’s often said, ‘reality surpasses fiction’. Do you believe your reasons for telling this particular story were as important as your intention to state your opposition against religious oppression in general? I’m asking this because I’ve heard you’re planning to make more concept albums.

A: Yes, I certainly do feel that way. There was an emotional attachment to the story, and I think that drove me just as much as the opposition aspect. I was personally wrapped up in her story because it resonated with me so much. I have my own experiences with religious oppression that have nothing to do with my sexuality that I won’t go into as they’re personal, but suffice it to say, it’s always been a part of my life going back to my childhood. So, I really think I connected very hard with this story for a multitude of reasons and there was a serious emotional aspect to it. Going forward, that will likely be what I’m looking for in another concept. A story that I feel should be told, that I connect with emotionally, but that also has a deeper point that I want to get across.

Mortal Thrall is a band from Tennessee, a rather conservative state if I’m not mistaken. When I reviewed ‘A Path to Fire’, of course I pointed out all its musical virtues, but also emphasized the importance it had as a concept album because it expressed the dangers behind the rise of the far right, especially for minorities. The album was released and it didn’t took long until the Supreme Court in the US made a decision against abortion, a decision against women’s rights, and the day after that there was a mass shooting inside a gay bar in Oslo. It’s often said that artists are very intuitive people and they usually capture the spirit of the times. What do you think about this?

A: I’m not going to lie, it’s quite surreal. I think most of us who were paying attention to the political climate in this country knew this was coming and we’ve known that since late 2016. Having said that, the fact that this was just released a month ago and we find ourselves in the reality of the reversal of Roe v Wade and 50 years of rights being thrown in the trash, it’s a lot to take in. We know that more reversals of anti-discrimination laws, likely the reversal of gay marriage federally, and privacy laws being reversed are coming. So, we have a hell of a fight ahead of us. I don’t know quite what that looks like. I think we’re all sort of figuring it out. But we won’t go away, and we won’t be silenced, and we won’t just let this stand.

Speaking of conservatism, let’s talk about conservative forces within black metal as a genre. I must say that the issue of conservatism when art is being discussed is absolutely oxymoronic because the essence of art is pushing boundaries, if not breaking chains. By the way, the black metal scene is not only full of gatekeepers but it also has its own Neo-Nazi factions. Do you think both artists and followers within the scene reflect what happens in society as a whole? Do you believe there is a struggle within the scene that mirrors the escalating struggle in society?

A: There certainly does seem to be a parallel, to say the least. I’ve always found it interesting that fascists exist in a scene that is supposedly so rebellious. It’s never made any sense to me at all, or maybe my understanding of rebellion is different than theirs, but I doubt it. I think there was this sort of buildup of who could be more extreme and this ridiculous fascist element sort of developed over time. There’s always been an underbelly of fascists running around, but only recently have they really started to reveal themselves so openly.

Music has its own history, too, and black metal history is even more sordid when it comes to the rights of LGBT people. We can mention Vikernes’ opinions, the hate crimes committed by Faust of Emperor and Jon Nödtveidt of Dissection, for example. At the same time, we have gay artists like Gaahl, so, again, speaking of black metal, what do you think about the situation of LGBT musicians and LGBT people in the audience today?

A: LGBT people have always been involved in metal going back to the earliest days, Judas Priest being a perfect example. I think metal has been so hyper masculine for so many years, that being gay was just a non-starter for some, but that’s rapidly changing. Yes, black metal has a particularly sordid history as you mentioned with the LGBT community, but more and more LGBT individuals have found black metal to be a preferred medium to work within, and quite well I do believe, pushing boundaries within the genre. Black metal has always spoken to me personally, the atmospheric nature of the music specifically. The power of the music, the speed, the many areas to explore within it. I’m not at all surprised that more LGBT people are drawn to working within the genre. It really makes a lot of sense, going back to the rebellious aspect I mentioned earlier. We have an awful lot to rebel against.

This might sound odd, but I’ve been also thinking a lot about the Kate Bush phenomenon. ‘Running Up That Hill’ has very meaningful lyrics to women and oppressed people in general, and it was released in 1985. I’d even say it’s a feminist song, but it’s more than that if we think about heteronormativity, white supremacism, ableism, etc. The thing is, a very popular TV show plays it in 2022, it becomes a hit and the lyrics seem to be even more meaningful today, you know what I mean? Yeah, I know art often deals with universal and timeless topics, but I’m not sure this is the case because we’re talking about power structures and things that are morally wrong and should have changed by now. What do you think?

A: I’m actually a massive Kate Bush fan, so I’m thoroughly enjoying her much deserved push into the mainstream. Such an utterly brilliant artist and I really hope people really dive into her catalog. They lyrical content of RUTH is very interesting as so many people seem to find a lot of different meanings in the lyrics. If people find it to be an anthem for feminism or oppression, I’m all for it. Kate has stated that song was written about a couple struggling and wishing she could swap places with her partner to better understand what they are thinking to strengthen the relationship, but I can absolutely see it being about strength and about a struggle for power. That’s one of the things I love about music most. The different interpretations people can get out of a lyric that might not have even been intended, but the song becomes even stronger for it.

Mortal Thrall is definitely one of them, but what other bands are trying to change things within the black metal scene?

A: Feminazgul is a band that absolutely comes to mind. Great people and a fantastic band. Also, Awenden, Bull of Apis, Bull of Bronze, Hvidsten, Dawn Treader, Tumultuous Ruin, Sacred Son, Violet Cold and Necron are all coming at black metal from a fresh perspective and working toward pushing antifascist ideals within the scene.

 

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Dusk Within: “Sigan apoyando a las bandas locales”
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Inglaterra, Alemania, Suecia, Finlandia y demás países suelen tener el monopolio en la producción de heavy metal en Europa. Pero, por suerte, de vez en cuando alguna banda oriunda de otros países logra levantar cabeza y mostrar el potencial para destacarse a nivel internacional. Tal es el caso de Dusk Within, un sexteto de death metal melódico oriundo de Bratislava, capital de Eslovaquia. Habiendo editado recientemente su EP debut Vicious Circle, pudimos comunicarnos con el grupo para poder conocerlo mejor.

¿Cómo comenzó Dusk Within?

Estuvimos barajando la idea de comenzar nuestro propio proyecto desde que Marek [Cikatricis] comenzó a tocar con Guardians of Asgaard. Luego de un año de planes conseguimos a Klaudia [Čapková] para tocar el teclado y Andrej [Feješ] como segundo guitarrista, y empezamos a trabajar en nuestras propias canciones.

La mayor parte de ustedes vienen de Guardians of Asgaard, una banda tributo a Amon Amarth. ¿Cómo fue que esa banda dio paso a Dusk Within?

Sí, en Guardians éramos amigos desde hace tiempo, nos conocemos de otras bandas donde hemos tocado a lo largo de los años: por ejemplo, Narran [Abeloron] y Flavio [Křeček] de Morhörr, y con Michal [Gulán] de algunos proyectos “sin nombre”, etcétera. Como mencioné anteriormente, la idea de Dusk Within vino sobre todo con la llegada de Marek Cikatricis a la banda.

¿Cómo describirías el sonido de Dusk Within? ¿Cuáles serían sus influencias?

La mayor parte de nuestras influencias vienen de las bandas icónicas del melodeath, como Dark Tranquillity, Insomnium, Be’lakor, Children of Bodom, etcétera.

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En abril de este año, sacaron su EP debut Vicious Circle. ¿Cómo fue el proceso de composición detrás de ello?

La mayor parte de las canciones fueron escritas por Marek años atrás, con otros miembros componiendo / actualizando sus propias líneas instrumentales. Las canciones las grabamos en dos estudios diferentes.

¿De qué tratan las canciones? ¿De qué temas hablan?

Son acerca de autoconocimiento y filosofía.

¿Cómo les fue con la presentación oficial del álbum?

Tocamos en el Randal Club de Bratislava. El público la pasó muy divertido, así que salió bien. También tuvimos algunos problemas técnicos aunque nada serio: por ejemplo, se nos caían los platillos todo el tiempo.

¿Qué planes tienen a futuro?

Todavía no está anunciado oficialmente, pero vamos a tener un nuevo guitarrista que estará en lugar de Marek, quien comenzará su carrera solista con su nuevo proyecto (¡Le deseamos lo mejor!). Así que con un nuevo escuadrón e ideas la motivación está bastante grande, así que nos gustaría grabar un álbum completo con canciones nuevas. Además, cada miembro está preparando videos playthrough de las canciones de Vicious Circle.

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¿Cómo es la escena metalera de Bratislava?

La escena pesada de Bratislava ha estado en el under profundo durante años, pero por otro lado hay muchas bandas, la mayor parte de ellas tocando géneros de metal extremo. La cantidad de público ha sido bastante promedio: la mayor parte de los metaleros eslovacos prefieren ir a ver bandas más grandes y conocidas antes que ver a las locales.

 ¿Qué les gustaría decirles a nuestros lectores?

Que sigan escuchando y apoyando a las bandas de metal, incluso a las bandas pequeñas locales. Cada compartida, cada like y cada vista nos llena de energía y alegría. Estamos todavía más agradecidos con la gente de otros países que se acercan a nosotros. También queremos agradecerles por esta entrevista, sigan trabajando bien y esperamos vernos de vuelta en un concierto nuestro.

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BlackBeer: “Muchas bandas se focalizan en complicarse de más, nosotros fuimos por el lado contrario”
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El pasado 13 de mayo, la banda francesa BlackBeer ha lanzado su primer álbum titulado Take the Freedom, y el mismo día lo ha presentado en directo. Unos días antes de tal evento, la banda nos concedió una nota donde nos cuentan un poco cómo ha sido el proceso de la grabación del álbum, y los obstáculos que se sortearon para que esto fuese posible, demostrando que cuando hay ganas se consigue lo que uno se propone. 

¿Cómo nace Take the Freedom?

Iván Sencion: Emmy me envió las ideas que tenía, y fuimos probando melodías sobre esas ideas. Luego armamos las melodías finales, los arreglos, y las letras. Nos enviábamos los archivos por internet, ya que Emmy estaba en Francia y yo en Buenos Aires, en aquel momento.

Era muy difícil, porque para ir al estudio había que pedir un permiso, que lo hemos hecho durante la época de Covid. Pero todo empezó a fluir de forma muy natural, y en muy poco tiempo teníamos 11 temas grabados. En cuanto tuvimos la grabación, empezamos a distribuirla por discográficas europeas, y fue allí cuando surgió la oportunidad de venir a Francia. 

A pesar de las distancias y las complicaciones, ¿cómo dieron con la fórmula perfecta para poder trabajar?

Hemos encontrado una fórmula bastante práctica para componer. Cuando compones en grupo, siempre hay choques de ideas que pueden ser muy buenas, o ideas que atrasan. Creo que se hicieron canciones de forma muy rápida, porque estábamos todos en la misma sintonía, y muchas veces las canciones no necesitaban ningún tipo de arreglo, porque la idea ya estaba perfecta desde el inicio.

No quisimos perder tiempo con la teoría, sino que quisimos focalizarnos en sumar a la canción desde el punto de vista de transmitir. Hay muchas bandas que se están focalizando en una fórmula de complicarse de más. Nosotros hemos ido por el sitio contrario. Simplificar a veces te permite componer con más libertad, y que el mensaje sea más claro. 

Poco se habla de las portadas y del arte del álbum más allá de la música. ¿Cómo eligieron la portada de Take the Freedom?

Cuando empezamos con BlackBeer empezamos a hacer unos modelos de conceptos, donde hay un coche, en un desierto con carteles que decían “San Martín, Venezuela” (lugares de origen de los miembros). Quisimos respetar la estética de nuestro primer videoclip de la canción.

Contactamos con el artista brasileño Gustavo Sazes, quien trabajó previamente con Arch Enemy, Avalanch, Angra, Kamelot, entre otros… Tuvimos una muy buena conexión desde el inicio. Nos dijo que quería escuchar el disco, y de lo que escuchó, salió la portada y la estética del álbum. No podemos estar más felices con el resultado.

¿Cuál es el futuro próximo de BlackBeer?

Tenemos algunas propuestas para salir por Suiza, Portugal, Alemania (país de origen de nuestra discográfica), Francia, España… No es una gira propiamente dicha, sino que serán fechas aisladas en esos países.

Por otro lado, estamos adelantando material para los próximos meses. Estamos por filmar 2 vídeos, y estamos trabajando las canciones de próximo disco. Sabemos que el próximo disco tendrá otra dinámica porque lo estamos componiendo de forma presencial, y lo grabaremos de la misma manera. 


Pueden escuchar “Take the Freedom” en Spotify, a través del siguiente ENLACE.

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Au-Dessus: “El black metal no tiene fronteras en la actualidad”
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Au-Dessus, la banda lituana de post black metal, tuvo la amabilidad de contestar algunas preguntas de manera colectiva, con motivo del reciente lanzamiento de su EP “Mend”. Estas fueron sus respuestas para Track To Hell.

-Acaban de lanzar “Mend”, un excelente EP con cinco tracks. ¿Cómo fue el proceso creativo detrás del mismo?

AD: ¡Hola! Antes que nada queríamos agradecerte. “Mend” nos tomó bastante tiempo, porque estuvimos saliendo mucho de gira antes de la pandemia, tras la salida de “End of Chapter”. La pandemia también afectó nuestro tiempo: el proceso de composición se tornó más lento. Lo bueno es que pudimos dedicar más tiempo para enfocarnos en los detalles, nuestras emociones y la manera de poder manifestarlas durante ese período.

-Su historia como banda no es extensa, pero ya grabaron dos EP y un full-length. ¿Cómo describirían su experiencia como grupo a lo largo de los años? ¿Cuáles fueron los principales obstáculos que tuvieron que superar? ¿Qué les permitió ser tan productivos en un lapso relativamente corto? Me permito señalar el hiato luego de “End of Chapter” (2017): ¿fue por la pandemia?

AD: Siempre fuimos todos amigos, desde la adolescencia. Nos conocemos muy bien, incluso en aspectos no tan agradables. Pero conocernos tan bien nos ayuda a trabajar para cumplir con nuestros objetivos, sin importar las circunstancias, y eso es lo que mantiene viva a la banda. Los últimos años no fueron tan productivos como los primeros tres o cuatro, pero nos las arreglamos para seguir adelante y creo que, de ahora en más, volveremos a ponernos en forma para recuperar el modo de trabajo que solíamos tener. 

-“End of Chapter”, también editado por el sello Les Acteurs de L’Ombre Productions, fue un gran disco. ¿Cuáles son las principales diferencias que pueden encontrar entre ese álbum y “Mend”? Lo pregunto en términos musicales y conceptuales.

AD: “End of Chapter” fue un disco que funcionó como cierre para el primer EP “Au-Dessus”, algo así como el segundo libro que terminó ese primer período creativo. Hablando de “Mend”, es más pesado y su composición fluyó más fácilmente, haciendo todo sin apuro, lo que nos ayudó a trabajar sobre los detalles. Mientras escribíamos este EP hubo menos jam sessions que antes. Esta vez trabajamos separados con cada instrumento y todo estuvo más controlado, tuvimos más tiempo para pensar y tomar decisiones acerca de cómo sería el resultado final. De todas maneras, no tenemos una fórmula para componer.

-Ustedes afirman que cada canción en “Mend” es “la inscripción de una mente rota en el camino de repararse a sí misma y encontrar la paz con sus propios demonios. Cada pieza representa un estado mental en una peregrinación hacia la autopercepción.” ¿Podrían desarrollar un poco más esa idea?

AD: Se trata de una mente en el camino de arreglarse a sí misma y lograr la paz con sus demonios, por lo tanto, las letras son historias que recorren desde el principio hasta el final de ese proceso, relatando las distintas etapas en ese viaje hacia hallar la autopercepción. Este concepto surgió tanto de intereses personales como filosóficos. En nuestra banda, la música viene primero y luego las letras.

-Como ya saben, “post black metal” es la categoría que suele usarse para describir su música. Otras etiquetas como black metal “melódico”, “atmosférico”, “sinfónico”, “avant-garde”, etc., ya se vienen utilizando hace bastante tiempo, pero “post black metal” es un poco más reciente y no estoy seguro de hasta qué punto es realmente descriptiva. Creo que se usa más para referirse a bandas que no buscan la “crudeza” de antaño en el sonido, compositivamente hacen una música más compleja y tienden a evitar la imaginería tradicional y los tópicos como el satanismo, la misantropía, el nihilismo o la ideación depresiva o suicida. También cosas como el corpse paint. ¿Están de acuerdo con esto? Es decir, ¿opinan que la categoría es descriptiva musicalmente o, de alguna manera, refleja más la estética general de muchos nuevos proyectos?

AD: De hecho, creo que el black metal no tiene fronteras en la actualidad y la palabra “post” se empezó a usar ante el clamor por una nueva era dentro del género. No hay reglas como usar corpse paint o hacer nada en particular para lucir como una banda de black metal. La música se volvió más experimental, las grabaciones suenan mejor. Sí, creemos que el término “post black metal” refleja la estética de una nueva generación de bandas.

-También me resulta curioso que las bandas consideradas clásicas o fundacionales dentro del género evolucionaron mucho (pienso en los discos más experimentales de Mayhem o Satyricon) o, directamente, dejaron de hacer black metal (Ulver, Darkthrone, etc.). Entonces, ya no queda tan claro qué sería el black metal “puro” o “verdadero”. ¿Qué piensan al respecto?

AD: La pureza del black metal existe en tanto cada artista haga algo que considere puro. No diríamos que hay bandas más “puras” que otras. Eso depende de la interpretación de cada oyente.

-¿Cuáles son sus principales influencias como grupo? ¿Qué otras bandas han estado escuchando últimamente?

AD: Escuchamos toneladas de música muy diversa, pero dentro de lo que es el black metal, sobresalen Mayhem, Altar of Plagues, Deathspell Omega…

-Au-Dessus y Erdve son las únicas bandas de Lituania que me vienen a la mente en este preciso momento. ¿Hay otros grupos que recomendarían? ¿Qué pueden decir sobre la escena del metal en Lituania?

AD: Nos alegra decir que la música extrema en Lituania está creciendo rápido y hay muchas bandas que vale la pena escuchar, tales como Luctus, Sisyphean, Extravaganza y otras.


-¿Tienen planeado salir de gira este año?

AD: Sí, tenemos algunos festivales en lugares cerrados en otoño. No puedo esperar a volver a los escenarios.

-¿Cómo presentarían la banda a su audiencia potencial en América Latina y España?

AD: Siempre es difícil hacerlo con palabras, es mejor dejar que la música le hable por sí misma a cada persona.

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Philip Graves (Redshark): “El objetivo es hacer música que nos guste”
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Foto portada: Manuel Damea Morenas

Debido a su último lanzamiento Digital Race, nos juntamos con Philip Graves, líder y guitarrista de la banda española de heavy/speed/power metal Redshark para hablar de su primer larga duración, la actualidad y pasado del grupo.

– ¿Cómo se formó la banda?

Redshark nació en 2012 como una banda mía en solitario, la cual en el siguiente año recluté a los primeros miembros de la primera formación. Más adelante hicimos nuestros primeros conciertos, lanzamos nuestro primer EP Rain Of Destruction, y finalmente después de pasar de trío a cuarteto y de cuarteto a quinteto lanzamos Evil Realm en 2019 y Digital Race en este 2022.

– ¿Cuáles eran los objetivos o metas en aquel entonces?

Pues las mismas que ahora pero quizás con menos ambición. Nuestro objetivo siempre ha sido hacer música porque nos gusta, y si no nos gusta primero a nosotros mismos lo que hacemos, no tiene sentido seguir adelante con ello. ¿Que luego es un éxito? Pues mejor. Hacemos la mejor música posible y lo más importante, que quien la escuche no pueda decir que esté mal lo que hacemos, independientemente de que le guste o no.

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– ¿Qué nos pueden contar acerca de sus dos EPs previos, Rain of Destruction y Evil Realm?

El primer EP Rain of Destruction fue muy primitivo, lo grabamos nosotros mismos, nos quisimos fiar de que podíamos conseguir un buen resultado a nuestra manera, pero no, no fue así, a pesar de que hay buenas canciones que no descartamos volver a grabar alguna en el futuro, todo se verá. En cuanto a Evil Realm, puedo decir que es un trabajo en el que dimos un salto cualitativo a nuestra propuesta, entró Pau a la banda, las canciones son mejores, la producción también… Cada trabajo creo que hemos ido mejorando, y eso es lo más importante para nosotros.

– ¿Cómo se dieron los ingresos de Chris Carrest y Pau Correas a la banda?

El de Chris debido a que yo al principio era bajista/cantante, quise que la banda fuéramos dos guitarristas, y claro, ya que él se propuso a entrar y yo he sido guitarrista desde siempre, pues decidí volver a mi querido instrumento. Con Pau me pasó algo similar, no considero que yo sea mal cantante, pero en aquel momento, su anterior banda Kill the Krait acababan de dejarlo y vi una buena oportunidad el proponerle entrar a la banda, ya que tiene mucha mejor voz que yo y personalmente yo no me veía con tiempo ni motivación de ponerme en serio con la voz.

Ambos entraron en la banda porque siempre han sido amigos muy cercanos nuestros y para nosotros es primordial que seamos primero amigos y después compañeros de banda.

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– Al momento de encarar un nuevo proyecto, ¿cómo es el proceso compositivo de la banda?

Siempre solemos grabar tanto yo como Javi los temas enteros en casa, luego los enseñamos al resto para que se aprendan dichas canciones y en el local las ponemos en común. Nos abrimos a las ideas de los demás y siempre solemos aprovecharlas para hacer otras canciones. De las letras se encarga Pau en hacer algunas pero sobre todo en corregir el inglés, ya que es quien mejor nivel tiene.

– Actualmente se encuentran presentando su primer disco de estudio, Digital Race. Luego de 10 años como banda, ¿En qué momento los encuentra este debut?

Pues nos pilla en un momento en el que a nivel de banda sonamos como nunca pero a su vez con ciertas dificultades de cara a poder programar fechas de conciertos ya que parece ser que ha terminado (o está terminando) la pandemia y las bandas más grandes son las que ahora están acaparando todas las fechas en lo que queda de 2022, además de que los festivales de este verano la mayoría son carteles reciclados desde hace años. En ese aspecto hemos tenido mala suerte. No obstante creemos que ha salido un disco brutal que la gente está disfrutando y estamos muy orgullosos de ello.

– ¿Qué significa y cuál es el mensaje de dicho trabajo?

Digital Race es una crítica acerca de la digitalización de la gente, de cómo la humanidad en el siglo XXI vive pegada a los móviles y a los ordenadores. Eso mismo se refleja en la portada con las personas robotizadas y en la que el tiburón rojo pretende acabar con ellas.

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– ¿Cuáles son los planes para la presentación del disco?

Pues tocar lo máximo posible, donde y como se pueda. Como he dicho antes, el panorama este año es complicado con tanta sobresaturación, las agendas de las salas hasta los topes. Ya hemos dado dos conciertos este año, nos quedan algunos más y tiene pinta que hasta 2023 será complicado poder hacer más, pero bueno, vamos a ver qué sucede.

– En febrero del presente año, Mark Striker dejó la banda por motivos personales, y en su lugar anunciaron a Eric Killer. ¿Cómo se integró a la banda?

Pues muy bien ya que es amigo nuestro desde hace bastantes años y accedió a entrar a la banda sin pensarlo. En lo musical la verdad es que ya con el primer ensayo se sabía todos los temas, así que nos puso las cosas bastante fáciles. Tenemos muchas ganas de componer nuevas canciones con un batería de este potencial.

– ¿Con qué banda amiga les gustaría girar? ¿Con qué banda que ustedes admiren les gustaría compartir escenario?

Bandas amigas pues te diría Streamer, Löanshark, Witchtower, Iron Curtain, Raptor, Savaged… Hay muchas y la verdad, con cualquier banda amiga estaríamos dispuestos a hacer gira, eso está claro, una gira son muchas horas que convives con otras personas y al final es mejor estar a gusto en ese sentido. Bandas que admiramos y que nos gustaría compartir escenario hay muchísimas, la lista es infinita pero abrir para Mercyful Fate o Metal Church por citar alguna, sería impresionante.

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– ¿Cómo ven la escena actual de España en cuanto al heavy metal y qué bandas gustarían recomendar?

Pues la verdad que público hay bastante más de lo que uno cree. El tema está en que a veces es complicado arrastrar a la gente para que acuda a tu concierto pero siempre se hace lo que se puede. Hay mucha oferta, demasiada, y más últimamente, aunque entiendo a los promotores y bandas más grandes, viven de esto y por fin tienen que trabajar.

Me gustaría recomendar las bandas que he citado antes además de otras como Chantrice, War Dogs, Raptore, Graveyard, Körgull the Exterminator, Kilmara, Estertor e infinidad de muchas más.

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ELNUEVEONCE: “Componer fue un proceso de redescubrimiento”
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Aprovechando la salida de su disco debut, no perdimos la oportunidad de charlar largo y tendido con Nazareno Gómez Antolini y Nikko Taranto, vocalista y baterista respectivamente de ELNUEVEONCE para que nos cuenten todo acerca de este nuevo proyecto y un poquito de la industria y la música en general, pasen y lean lo que nos contó.

  1. ¿Cómo surge ELNUEVEONCE ? ¿Cómo fue volver a crear música y más en un ambiente tan caldeado y complicado como fue, y sigue siendo, el de la pandemia?

ELNUEVEONCE surge en 2019 entre Gonzalo Gallo (guitarra) con la idea de hacer un proyecto más pesado de lo que ambos teníamos o por lo menos con componentes que no teníamos en nuestras otras bandas (yo en ese momento aún no sabía que se iba a disolver Deny). Luego se sumó Nikko Taranto (batería) que, cuando se enteró cómo se llamaba la banda, lo tomó como una señal (era la fecha de nacimiento de su hijo Gael). Por último se incorporó Franco Barroso, que había tocado el bajo en Deny conmigo y nos habíamos hecho muy amigos, incluso ya había producido y/o mezclado nuestros primeros dos singles.

La pandemia fue un desafío por la distancia entre todos nosotros, que como mínimo vivíamos a 30/40 minutos de diferencia y en las primeras fases no nos podíamos mover siquiera unas cuadras. De a poco las medidas se fueron “ablandando” y pudimos comenzar a juntarnos y componer de forma más fluida. El lado positivo es que la pandemia nos permitió darle un tiempo de incubación y curación al disco que hoy la industria no te lo permite, te demanda contenido en tan poco tiempo y creo eso en mi opinión hizo que la música pierda mucha calidad.

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  1. Naza, la aventura de Deny concluyó en 2019. ¿Te costó mucho reencontrarte con la música a nivel de composición e inspiración?

Me costó muchísimo, estaba triste por la disolución de Deny, también porque intente construir un personaje artístico que tuviese características similares a mi trayecto con mi ex Banda y componentes nuevos que lo distingan. Por un lado a nivel matices en la voz y por otro que temáticas fui sumando a la hora de escribir. Cómo todo, fue un proceso de redescubrimiento y de conocerme con mis compañeros a nivel estructural, quien ocupaba cada lugar en la creación de Amuletos.

  1. Nikko, ¿cómo surge la oportunidad de tocar un estilo tan opuesto al que hacías con Infierno 18?

A decir verdad, siempre fui influenciado por la música pesada mayormente. Desde muy chico tuve mi lado nu metal bien incorporado y eso podía convivir tranquilamente con Infierno. Había temas nuestros que tenían ciertos breaks, cortes o machaques muy de esencia pesada. Me debía un proyecto así y creo que me llegó en el momento personal indicado.

  1. ¿Cuáles son las influencias principales de la banda? Porque escuchando el disco, lo mismo puedo pensar en Deftones y Fever 333 que en otras más modernas como Stray From The Path o Saosin, pero igual me equivoco, así que cuéntenme ustedes cuáles son sus bandas favoritas.

Excepto Saosin (que me encanta pero que no fue inspiración en el disco) le pegaste a todas! También nos gusta mucho Beartooth, algunas cosas instrumentales tienen influencias de Crosses, de NIN, The Neighborhood, también Twenty One Pilots, Limp Bizkit y Korn.

Por eso quizás el disco tiene algo que lo saca un poco del Post-Hardcore promedio.

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  1. El disco destaca mucho en el aspecto lírico. ¿Han compuesto todos juntos? ¿O cómo fue el proceso de composición de las letras?

Las letras puedo decir que tuvieron mano de Gonza, Frank y yo en mayor o menor medida. Principalmente las escribo yo porque el concepto del disco y el norte sobre lo que queremos decir quizás lo traje yo (Naza). Pero por ejemplo “Muerto” es una letra que en su mayoría la trajo Gonza. Hay canciones en las que me había trabado y Frank me ayudó a desenroscarme. Que la narrativa no sea desde una sola perspectiva enriquece muchísimo el proceso. Ah, dato no menor: también hay letras que compuse con mi hermano Tobías, específicamente “Partes de Mí” y “Volviendo a Perder”, que son letras muy personales. El disco se trata sobre el proceso del duelo y a qué cosas nos aferramos para sobrellevarlo, cuáles son nuestros Amuletos para pasar de un capítulo de nuestras vidas hacia otro.

  1. ¿Cómo ven la escena argentina del metal y el hardcore? En donde ustedes vendrían a estar en medio como un nexo de unión entre ambos estilos.

Resurgiendo principalmente, hay un deseo post-pandemia de reconectar con la gente y la escena local, en lo personal no siento que estemos en el medio de nada, simplemente creo que podemos estar en shows de distintos géneros y hoy la necesidad de colaborar de forma horizontal hace que la línea entre géneros se esté difuminando. Me doy cuenta por los mensajes de apoyo que recibimos de artistas de distintos géneros: metal tradicional, rock alternativo, punk, hardcore, etc.

  1. ¿Qué planes hay para la banda de cara a la segunda mitad del año, más allá del show que confirmaron con Arde La Sangre?

El 10 de junio hacemos un show a beneficio para colaborar con una agrupación que reparte comida a personas en situación de calle o de bajos recursos. Ya estamos estructurando un tour a nivel nacional para lo que resta del año pero este show que mencioné (el 911 FEST) es el primero de muchos para crear música con compromiso social. Esperamos poder viajar pronto por el continente y nos encantaría ir a España ❤️🤘.

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Frank y Carlitos (Runa Llena): “Conseguimos que todos nos sintamos Runa Llena”
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Con motivo del lanzamiento de su primer disco AON, nos juntamos con Frank y Carlitos, miembros fundadores de Runa Llena, para que nos cuenten todo acerca de esta nueva andadura musical que han emprendido juntos.

  • Lo primero chicos, muy buenas tardes. ¿Cómo están en este día tan especial como es el lanzamiento de vuestro primer disco con Runa Llena?

Sobre todo, emocionados y tremendamente satisfechos al comprobar que la acogida del disco está resultando espectacular. Es un disco que se ha creado y ha nacido en momentos nada fáciles para nadie. Ha sido engendrado en plena pandemia. Es el primogénito de unos artistas que empezaban a trabajar por primera vez juntos, y es el resultado de muchísimo esfuerzo, pasión y cariño, así que nosotros estábamos, y estamos convencidos del buen trabajo que hemos hecho.

Pero la última palabra no es la nuestra, claro está, y ahora que ha llegado al gran público por fin, todas las opiniones que estamos recibiendo son muy muy positivas. Nos alegra y motiva mucho ver las caras y expresiones de los primeros oyentes en estos días, ya que en ellas se refleja sorpresa, y además de agradar, un artista también quiere y necesita sorprender. Creemos que con este disco se va a sorprender mucha gente, ya que, sin haber inventado la pólvora ni un nuevo género musical jejeje, en el primer disco de Runa Llena hemos dejado claro que la banda tiene personalidad propia.

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  • ¿Cómo surge la idea de embarcaros en esta nueva aventura tras una salida cuanto menos “controvertida” de Mägo de Oz? ¿Teníais claro que queríais seguir haciendo música juntos?

Pues sí, después de aquella salida de nuestra banda de toda la vida en la que hemos estado durante casi 30 años y en la que hemos ido creciendo a medida que ella también crecía, no atravesábamos un momento nada fácil ni agradable. Y sí fue un momento bastante traumático, además de toda la controversia y el conflicto que seguimos arrastrando todavía en la actualidad. Pero la situación era la que se había impuesto y no era momento de quedarse quieto.

Había que empezar a andar con aire puro y fresco y tanto Carlitos como yo debíamos seguir haciendo canciones, debíamos seguir creyendo en nuestro potencial y debíamos de dar rienda suelta a lo que más nos gusta hacer, que no es otra cosa que Música. En seguida pensamos en rodearnos de buenos amigos, buenos músicos, buena gente y empezar de nuevo algo grande, al igual que lo hicimos en aquellos primeros discos de nuestra carrera. Era el momento de empezar otro camino. Puede parecer duro, y en realidad lo es, pero está siendo maravilloso.

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  • Este proyecto cuenta con muy buenos músicos aparte de vosotros dos, ¿cómo surge la idea de contar con cada uno de ellos?

Fue a raíz de una llamada de nuestro buen amigo Joaquín Arellano “el niño” que se puso en contacto con nosotros para animarnos e interesarse por nuestra situación personal después de la salida de Mägo. Unos días después, o al día siguiente creo, le propusimos formar parte de lo que teníamos en mente y en seguida los tres nos reunimos (cuando todavía se podía antes del confinamiento), y empezamos a barajar nombres de grandes músicos y amigos para plantearles nuestras ganas de tocar y hacer música. Tuvimos mucha suerte de que todos y cada uno, a la primera llamada, y sin casi dejarnos terminar de hablar, decían que sí. Sí a trabajar con nosotros, sí a las ganas, sí al compromiso, y sí a darle forma a este proyecto llamado Runa Llena.

En realidad, una de las cosas más grandes que nos ha pasado desde que empezamos a formar el grupo, yo creo que es haber conseguido que seamos y nos sintamos todos y cada uno Runa Llena. Me explico: aunque pueda parecer que Carlitos y yo hayamos reclutado al “dream team” jeje, lo que en realidad ha pasado es que desde los primeros momentos en los que íbamos hablando de nuestro proyecto de formar una banda nueva a cada uno de los nuevos miembros, se iba creando una sinergia, una unión y un compañerismo a modo de piña, que pienso que tiene mucho que ver con la personalidad propia de la banda a la hora de componer y hacer música. Además de ser grandes instrumentistas, nuestros compañeros tienen gran creatividad e inquietudes musicales fuera de lo común.

Todos y cada uno aportamos en cada composición, en cada desarrollo de cada tema. Tenemos muy claro el concepto de cada canción y juntos definimos muy bien lo que esa canción nos va pidiendo en cuanto a arreglos e instrumentación.

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  • ¿Cómo surge el nombre de la banda y el logo de la misma?

Recuerdo que al principio no fue fácil encontrar un nombre con el que nos identificásemos, creo que en un principio nos podía la presión de todo lo acontecido últimamente en nuestras vidas. Después de varias vueltas a la cabeza dimos con un nombre que tenía dos vertientes que definían muy bien nuestra situación. Por un lado, las runas son esas piedras mágicas que lanzaban los druidas, magos y brujos al firmamento intentando adivinar un futuro incierto, y eso nos definía muy bien, porque más incierto no podía ser jajaja… Y por otro lado también nos quisimos auto homenajear con el nombre de uno de los muchos temas que hemos hecho en nuestra anterior banda, y así tener siempre presente de donde partimos y recordar toda una vida de la que estamos y estaremos muy orgullosos.

En cuanto al logo, tiene mucho que ver con la cultura celta que tanto nos atrae, y jugando con la Triple Diosa hice yo mismo algunos bocetos que luego nuestro buen amigo Pantera Mexicat (director y colaborador de nuestros videos y arte gráfico) mejoró junto con otra buena amiga, Verónica Gentile, creadora de la portada de Aon.

  • “Nunca Apagarán Tu Luz” fue el primer single del grupo. Parece toda una declaración de intenciones, ¿es algo así el mensaje que queríais dar con este primer adelanto?

Exactamente, creemos que es un problema muy grave que está siendo una lacra para la sociedad. Últimamente están habiendo muchísimos casos de secuelas psicológicas que pueden durar toda la vida, afecta sobre todo a niños y jóvenes adolescentes, pero también hay muchos casos en sectores de personas adultas. En muchos casos se llega hasta el suicidio. Pensamos que es un problema social que en el que todos debemos poner nuestro granito de arena para atajarlo de base, rompiendo ese silencio que, en muchas ocasiones parte, no sólo del que lo sufre, sino de la propia sociedad. Hemos querido en esta canción hacer un llamamiento para, entre todos, acabar con esto. La verdad, estamos sorprendidos con el efecto que hemos causado, ya que se han puesto en contacto con nosotros tanto víctimas que lo sufren o lo han sufrido, asociaciones que luchan para atender a las víctimas y también intentar prevenirlo, incluso agresores que están muy arrepentidos de haber causado tanto daño.

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  • Vamos con una referente a Mägo. El año que viene se cumplirán 20 años del mítico Gaia, ¿qué recuerdos y qué opinión os merece ahora dos décadas después aquel disco que os hizo girar por toda España y por otros tantos rincones del planeta?

Como puedes imaginar, son muchísimas las vivencias, emociones y los recuerdos que se nos vienen a la cabeza de toda una vida (de hecho, más de la mitad de nuestras vidas) creciendo y haciendo crecer a una banda cono Mägo de Oz. Estamos muy orgullosos de haber colaborado durante tantos años en hacer a esta banda tan grande, y no fue nada fácil, pero ahí hemos estado en las buenas y en las malas, que hubo unas cuantas. Esa unión y compañerismo que nos hizo crecer como personas, como músicos y como banda, ya no existía. Todo ese trabajo quedará para siempre, pero, como alguien dijo una vez, las canciones son eternas, los grupos no. Mägo de Oz ya camina sólo desde hace algún tiempo, en Runa Llena sabemos que tendremos que luchar mucho desde este nuevo principio, pero no se nos ha olvidado todo aquel esfuerzo. Con honestidad, trabajo y tenacidad emprendemos este nuevo camino.

  • ¿Cuáles son los planes para Runa Llena de cara a la segunda mitad del año? ¿Qué podemos esperar tras la salida del disco? ¿Gira nacional? ¿Acústicos? ¿Firmas?

Una vez ya presentado nuestro primer trabajo, y aprovechando las buenas críticas y aceptación por parte tanto de medios y público, lo que queremos es presentar al grupo en directo, ya que llevamos dos años ensayando y preparándonos para hacer un concierto que demuestre todo el potencial de Runa Llena. Es un repertorio basado evidentemente en tocar íntegramente Aon, y temas nuestros de bandas anteriores de miembros de este grupo como Mägo de Oz o Perfect Smile. Queremos dejar, ahora en directo, la personalidad y fuerza que tiene Runa Llena en directo. Serán conciertos muy muy especiales dadas las ganas de salir a un escenario después de bastante tiempo. Somos conscientes de toda esa lista de espera y calendarios aplazados después de la pandemia, pero estamos seguros de que pronto tendremos fechas. De momento hay confirmadas dos en México, Guadalajara y Ciudad de México los días 26 y 28 de mayo respectivamente, y la participación en el Brutal Metal Festival el 7 de julio en San Javier (Murcia).

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  • Chicos, muchísimas gracias por vuestro tiempo y nos vemos en los escenarios.

Muchísimas gracias a vosotros por vuestra labor y por ayudarnos a difundir nuestro primer trabajo “Aon”, en el que Runa Llena hemos puesto tanto esfuerzo y cariño.

Encontraréis toda la información del grupo (noticias, conciertos, redes sociales, vías de contratación, etc.) en nuestra página web runallena.com

Un abrazo y seguimos en contacto!!!

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Roberto “Feo” (El Último Ke Zierre): “Argentina es un país que sabe mucho de rock”
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El Último Ke Zierre es una banda que se puede preciar de estar siempre al pie del cañón. Con tres décadas y media manteniendo vivo al punk rock español, estos valencianos oriundos de Burriana se han hecho de un público no sólo en tierras ibéricas, sino también en Latinoamérica. Justamente, y a poco de que el quinteto se presente en Argentina junto a Aliento De Perro, nos pusimos en contacto con Rober “El Feo”, eterno cantante de EUKZ, para que nos cuente sobre la actualidad y futuro de estos pilares del rock español.

1 – Muy buenas, chicos. ¿Cómo están? Lo primero que me gustaría saber es cómo se sienten tocando en Buenos Aires una vez más. ¿Qué significa Argentina para El Último Ke Zierre, viniendo desde el otro lado del océano?

Pues después de estar parados dos años, con muchos nervios, y mucha ilusión. Para nosotros Argentina es un país que sabe mucho de rock, y siempre es una gozada, y un premio que no sabemos si merecemos, poder tocar para el publico argentino.

2 – Ahora llega la época de festivales en España. ¿Cómo afrontan una nueva presencia en el cartel del Viña Rock 2022? .

Igual que en la respuesta anterior. Venimos de estar aislados y de repente tienes que tocar para miles de personas. Ilusión y pánico.

3 – Bad Religion van a girar por España con el 40 aniversario, pero vosotros ya estáis inmersos en la celebración de vuestro 35 cumpleaños. ¿Cómo es mantenerse unidos tanto tiempo en la carretera y con la misma ilusión que cuando empezasteis? .

Esto es una montaña rusa. Con muchos altibajos, pero junto a la familia es lo que le da sentido a tu vida.

4 – Sobra decir que el Punk no ha muerto ni lo pretende, ¿pero hay bandas actuales que os llamen la atención tanto a nivel nacional como internacional o latinoamericano? .

Hay muchas bandas que nos gustan, de ahora y de antes, de rock y de otros estilos, ya se que no te contesto, pero no me apetece nombrar algunas y dejarme otras…

5 – ¿Hay planes de grabar un nuevo disco de cara al 2023?

Ese es el plan pero ya veremos como van las cosas. Hemos aprendido que todo puede cambiar muy rápidamente.

6 – Tras la época de festivales, ¿cuáles son los planes de la banda de cara a la segunda mitad del año?

Algún viaje mas y preparar disco.

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Raphael Mendes: “Algunos creen que simulo, pero así es cómo canto”
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Es complicado pasar de ser considerado un simple chiste a ser algo serio, pero en el caso de Raphael Mendes es seguro decir que la transición ha sido un éxito. El cantante brasileño se hizo conocido a través de Youtube, gracias a su voz extremadamente similar a la de Bruce Dickinson de Iron Maiden, con videos con la simple premisa de “¿Qué pasaría si Bruce cantara en otras bandas?” donde grababa covers de Dio, Skid Row, Kansas, Metallica, Roxette y muchos en ese estilo. Estos alcanzaron tal popularidad que el oriundo de Curitiba firmó con el sello italiano Frontiers Records y en 2021 editó su debut con Icon of Sin, su nueva banda de heavy metal.

Pudimos hablar con Raphael con motivo de su visita a Argentina, donde estará dando un par de recitales para celebrar los cuarenta años de The Number of the Beast, el tercer álbum de Maiden y el primero del grupo junto a Dickinson.


—Primero, ¡estoy muy agradecido de tener esta entrevista contigo, Raphael! ¿Cuáles son tus expectativas para este próximo recital en Argentina? ¿Tuviste la oportunidad de visitar nuestro país antes?

Yo también estoy agradecido. ¡Muchas gracias por esta oportunidad!

Siempre escuché que el metal es muy fuerte en Argentina, sobre todo con Iron Maiden. Estoy tan emocionado por sentir esta energía en el público, estoy seguro de que será inolvidable. Nunca he estado antes en Argentina, estoy seguro de que es un gran país para visitar. Siempre he visto que Buenos Aires es una ciudad hermosa por las fotos y los videos, así que estoy muy emocionado de estar ahí.

—Aparte de ser el álbum que vas a tocar en su 40mo aniversario, ¿qué lugar ocupa The Number of the Beast en tu admiración por Iron Maiden? ¿Es tu favorito de ellos?

Es complicado decir que un álbum de Iron Maiden como un favorito. Pero puedo decir que está en mi Top 5. Es un gran álbum, y un clásico importante del heavy metal. Somewhere In Time tiene un lugar especial en mi lista, en verdad amo ese álbum.

—¿Cuál dirías que es tu canción favorita del álbum? ¿Por qué?

Creo que “Hallowed Be Thy Name”. Para mí es una de las mejores canciones de Maiden de todos los tiempos, la letra es fantástica, la composición es impresionante, la progresión de los cambios en la canción de acuerdo a la historia del condenado a muerte y cómo se despide de este mundo. Steve Harris es fantástico para crear esas historias.

—Estoy muy seguro de que estarás muy cansado de responder preguntas acerca de las similitudes con Bruce Dickinson, así que quería preguntarte sobre tu entrenamiento vocal. ¿Cómo lo describirías? ¿Cuánto tiempo ensayás? ¿Cuánto te tomó lograr ese timbre vocal?

Esa es una pregunta interesante, porque algunas personas creen que en realidad simulo. Pero, viejo, nunca había cantado hasta que escuché a Bruce cantar por primera vez, cuando estaba viendo el DVD de Rock In Rio. Me fascinó la manera en que lo hacía, así que lo intenté por primera vez puede que en 2006, y noté que podía hacer algo como eso. Tenía esta voz de manera natural, el tono, la única manera en que sé cantar es así. Así que practiqué todos los días, y claro que estaba mejorando. Primero logré las notas medias y el vibrato, y luego aprendí las notas altas y el belting. He practicado todos los días hasta hoy. Antes de los shows cuido la alimentación, a veces puede ser peligroso para la voz. Pero, básicamente, es eso.

—El año pasado sacaste tu primer álbum con Icon of Sin, el cual me gustó mucho. ¿Cómo fue comenzar a ser el frontman de tu propia banda y canciones?

En realidad Icon of Sin es una banda que el sello Frontiers Records, del que soy parte, creó para mí. En 2020 se interesaron en mí por mis videos, así que comenzamos a trabajar juntos. Me pusieron en contacto con dos grandes músicos en Curitiba: Marcelo Gelbcke y Sérgio Mazul, quienes crearon todas las canciones del álbum, así que me uní a ellos y grabé ahí. De verdad amo la banda y todas las canciones de nuestro primer álbum, y trabajar con ellos ha sido increíble, ¡en verdad son muy creativos!

—¿Cuáles son tus planes futuros con Icon of Sin?

Comenzamos a trabajar en el nuevo álbum, pero todavía no tenemos una fecha de salida. Luego de los shows en Argentina estaré en Curitiba para ver nuestros planes, queremos tocar en vivo en lo que queda del año.

—¿Qué querrías decirle a nuestros lectores?

Estoy muy feliz de poder estar en Argentina por primera vez y hacer lo que más me gusta. Rockeemos durante estos dos increíbles días, ¡estoy seguro de que será genial!

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Pablo Maldonado (Malicia): “Muchos chicos nos preguntaban cuándo volvíamos”
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Parece que hubiera sido ayer que Malicia había anunciado una pausa en sus actividades, y no que en realidad fuera hace ya cuatro años. Claro que en el medio se dio la edición de Neurovivo en 2020, el monumental primer álbum en vivo de estos veteranos del thrash metal argentino que registró su última presentación antes de comenzar dicha, y puede que el haber vivido una pandemia mundial y dos Copas América en ese espacio de tiempo haya terminado por distorsionar de todo la sensación del tiempo.

De cualquier manera, Malicia está de vuelta. Con formación renovada gracias a la entrada del guitarrista Emiliano Pérez (ex Criptofonia) y del baterista Martín Marques (también miembro de Catacomb, Corrossive y Warchief), los siempre presentes Maximiliano Escobar (voz y guitarra) y Pablo Maldonado (bajo) se pusieron manos a la obra para preparar la que será la vuelta del cuarteto este próximo 6 de agosto en El Teatrito (Sarmiento 1752, CABA). Es por ello que pudimos hablar con Pablo para que nos contara los detalles no sólo de este recital, sino también de la reedición de Malicia, el que fuera el debut homónimo editado en 1999.


TTH: ¡Buenas, Malicia! ¿Cómo van las cosas con la banda?

Estamos muy bien, con muchas ganas de tocar el 6 de agosto en El Teatrito y arrancar una nueva etapa con la banda, con giras en el interior y luego ponernos a hacer un nuevo disco.

TTH: ¿Qué los llevó a reeditar su primer disco?

Las ediciones viejas de nuestro primer disco, editado en 1999, se agotaron hace un tiempo y salió la propuesta de Icarus para reeditarlo en CD y sacarlo en cassette y vinilo para los coleccionistas. Es una idea buenísima para la gente que quiera tener el CD en formato físico y felices de ver nuestro primer trabajo en vinilo.

TTH: ¿Qué recuerdan del ambiente de la escena del metal cuando sacaron Malicia? ¿Y el ambiente dentro de la banda?

Salió en 1999 y en esa época grabar algo en forma independiente era muy complicado: por conocimiento, por no tener los elementos necesarios para poder grabar y salir a pedir lo que hacía falta. Pero bueno, fue una forma de trabajar que a través del tiempo se fue repitiendo pero ganando conocimiento y recursos. ¡La banda estaba muy a full, con ganas de que vea la calle el primer disco y poder tocarlo en todos lados!

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TTH: Por esa época el cassette todavía estaba presente, ¿pero se imaginaron alguna vez editar este álbum en vinilo?

Por un par de años no llegó a salir en Vinilo, el cassette es un formato que no nos gusta ni ahora ni en esa época se daña muy fácil y el sonido no es el mejor, pero para coleccionar está buenísimo. Gracias a los coleccionistas que no dejaron morir el formato de vinilo y aumentó la gente que colecciona ese formato se dio la oportunidad de poder ver nuestro disco Malicia 23 años después en VINILO.

TTH: Aparte del formato en el que lo reeditan, ¿hicieron algún cambio en lo que se refiere a packaging? ¿O buscaron que fuera una reproducción fiel de la edición original?

Sí, viene con slipcase que es la tapa de cartón que recubre el CD, el arte interno renovado con imágenes de esa época y remasterizado.

TTH: Creo que podemos estar de acuerdo con que es un clásico que los músicos digan que los discos o las canciones son como sus hijos. Sin embargo y con respecto a ese disco debut, ¿sienten que hubieran hecho algo diferente en cuanto a la composición?

¡Jaja! Nunca repetimos eso de los hijos, no soy padre pero no compararía un material discográfico con algo tan especial como ser padre, se entiende también que es una forma de decir. Lo que si sentimos es que sacar un nuevo material es darle a la banda nueva energía, Maxi es el que compone las canciones en Malicia pero hablando con él está conforme con toda la carrera de la banda. En cuanto a composición, no le tocaría nada a ningún disco, y el sonido es lo mejor que podíamos hacer en esa época. Igual hoy en día lo escucho y se lo escucha muy bien.

TTH: ¿Cuál les parece la mejor canción del álbum? ¿Por qué?

No tengo mejor canción. La verdad me gustan todas, unas más que otras dependiendo la época en que las escuche. Por ahí una que nunca dejamos de tocar en vivo es “En la mira”, que nos gusta mucho tocarla y nuestros seguidores la tienen como un clásico de la banda.

TTH: ¿Qué esperan para la presentación del 6 de agosto?

Sabemos que se va a poner lindo el lugar. Muchos chicos en estos cuatro años nos preguntaban cuando volvíamos y se veía lejano. Pero bueno, ahora queda una semana de espera para poder salir a encontrarnos desde el escenario con todos los que nos vienen aguantando desde hace tiempo, vamos a hacer un repaso por toda la discografía de la banda y hacer muchos temas que no suenan en vivo hace mucho tiempo.

TTH: ¿Qué tienen para decirles a nuestros lectores?

Gracias, Martín, por el espacio, por la difusión, a los lectores. Y a todos los que nos quieran escuchar nos encuentran en Spotify, en todas las redes o para los que quieren el formato físico pueden encontrar nuestros 7 discos de estudio y Neurovivo (CD DOBLE+DVD) en Icarus.

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Todd Harris (Mortal Thrall): “Tenemos mucho contra lo que rebelarnos”
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ENGLISH VERSION BELOW

El mundo del black metal suele moverse por terrenos como el de la fantasía y el satanismo, pero de vez en cuando se mete con temáticas de la vida real en sus canciones. Tal es el caso del dúo estadounidense de post black metal Mortal Thrall, formado por el cantante, guitarrista y bajista Todd Harris y el tecladista Christopher Scott Davis. Con su álbum su LP debut A Path of Fire, editado por Trepanation Recordings, ya en la calle, fue momento de hablar con Harris para que nos comentara sobre la idea conceptual detrás de este primer trabajo de una nueva luminaria del metal negro.


Antes que nada, quería agradecerte, Todd, por esta entrevista para Track To Hell. Mortal Thrall acaba de lanzar “A Path to Fire”, un gran disco que tuve el placer de reseñar. Es un álbum conceptual, y ustedes mismos dicen que “Mortal Thrall es un grupo de post-black metal con influencia barroca.” Antes de profundizar en el concepto de la obra, me preguntaba si la influencia barroca se relacionaba con dicho concepto por razones históricas.

TH: La etiqueta de la influencia barroca fue colocada por nuestro biógrafo. Él la escuchó en el álbum y tenía sentido dejarla. Yo estuve súper influenciado por el arte renacentista cuando lo escribí y la intro es una pieza de guitarra clásica. La descripción se sentía precisa y parecía encajar con el sonido general del disco. Hallé el concepto del álbum cuando ya estaba en el proceso de componer la música. Todo pareció encajar sin esfuerzo, así que en ese sentido, todo se dio con mucha suerte.

El álbum cuenta la historia de María de los Dolores López, la última víctima de la Inquisición Española, uno de los tantos genocidios perpetrados por la Iglesia Católica. Ella fue asesinada en 1781. Sé que usaste esta historia real como metáfora para reflexionar acerca del mundo en la actualidad. Contanos más al respecto.

TH: Cuando me crucé con la historia, los paralelismos con la situación de los Estados Unidos, específicamente, comenzaron a revelarse por sí mismos. La opresión religiosa fue adentrándose cada vez más en el gobierno (aunque ha estado allí por un largo tiempo) y empezó a revelarse más y más. La historia de su opresión y abuso me enfureció y me quedó en la cabeza. Ya en el momento en que me topé con su historia sabía que sería el concepto del álbum y no me resistí.

¿Por qué elegiste, como artista y como hombre, desarrollar esta idea?

TH: Tengo claro que soy un hombre contando la historia de una mujer, pero resonó tanto dentro de mí que no podía dejar de contarla. La historia es una metáfora de la opresión, como mencionaste antes, y sentí que era universal de muchas maneras. Siendo gay, la opresión es algo con lo que puedo relacionarme, y aunque hay muchas cosas que experimentó María que yo nunca podré entender, sentí mucha empatía con ella. Hice lo mejor que puede para ser lo más respetuoso con ella, hasta en el arte de tapa. No quería nada que fuera horrible. Quería algo que fuera verídico, pero no morboso como son las tapas de los discos de metal a veces. Caelan Stokkermans hizo un gran trabajo y tuvimos varias conversaciones para llegar a esa verdad. Cuando usé las propias palabras documentadas de María, me aseguré de que fuera una vocalista femenina (Emily Low de Oubliette) quien las cantara. Realmente espero que todo haya salido de la manera más respetuosa posible, porque esa fue siempre mi intención.

La mayoría de las personas que vayan a leer esta entrevista son de España y América Latina, donde la historia de “la beata Dolores” puede estar un poco más difundida que en países angloparlantes. Tampoco es que sea una historia demasiado popular, pero mi punto es que en los Estados Unidos, por ejemplo, tienen los juicios por brujería de Salem, la esclavitud de las mujeres negras, etcétera. Entonces, ¿cuáles pensás que son los aspectos más interesantes de esta historia que te hicieron elegirla para ser el concepto del álbum?

TH: Pienso que la historia de María me atrajo particularmente por su desafío ferviente a la iglesia. Ella nunca sintió que estuviera haciendo nada malo y siguió diciéndolo hasta el final. Su espíritu rebelde y su lucha fueron lo que más me atrapó de la historia. No tenía, necesariamente, la intención de escribir un álbum conceptual hasta que me crucé con su historia. Como artista, a veces te encontrás con algo que te habla y simplemente sabés que será tu tema. Ese fue justamente el caso con este concepto.

El black metal es un género que tradicionalmente se opuso a las religiones abrahámicas, pero usualmente expresa esa oposición mediante el satanismo, algo que se convirtió en un cliché, creo yo. Vos elegiste una historia real para hacerlo y creo que fue algo inteligente, ya que como suele decirse: “la realidad supera a la ficción.” ¿Creés que tus razones para contar esta historia en particular fueron tan importantes como tu intención de expresar tu oposición contra la opresión religiosa en general? Lo pregunto porque escuché que estás planeando seguir haciendo discos conceptuales.

TH: Sí, ciertamente lo siento de esa manera. Hubo una conexión emocional con la historia y creo que eso me atrajo tanto como el aspecto de la oposición contra la opresión. La historia me envolvió porque resonaba mucho conmigo. Tengo mis propias experiencias con la opresión religiosa, que no tienen nada que ver con mi sexualidad, y en las que no voy a profundizar porque son personales, pero es suficiente con decir que siempre ha sido una parte de mi vida volver a situaciones de mi niñez. Por lo tanto, realmente creo que me conecté mucho con la historia por una multitud de razones y había un aspecto emocional muy serio en ello. Pensando a futuro, es probable que busque otro concepto, una historia que sienta que deba ser contada, con la que me conecte emocionalmente, y que crea que tiene sentido desarrollar.

Mortal Thrall es una banda de Tennessee, un estado bastante conservador, si no me equivoco. Cuando escribí la reseña de A Path to Fire, por supuesto señalé sus virtudes musicales, pero también enfaticé la importancia que tenía el hecho de que fuera un álbum conceptual porque expresaba los peligros detrás del ascenso de la extrema derecha, especialmente para las minorías. El disco salió y no pasó mucho tiempo hasta que la Corte Suprema de los Estados Unidos tomó una decisión en contra del aborto, en contra de los derechos de las mujeres, y al día siguiente hubo un asesinato en masa dentro de un bar gay en Oslo. Se dice con frecuencia que los artistas son gente muy intuitiva y suelen capturar el espíritu de la época. ¿Qué opinás al respecto?

TH: No voy a mentir: es bastante surrealista. Pienso que todos los que estábamos atentos al clima político en nuestro país ya veníamos venir esto desde fines de 2016. Habiendo dicho eso, el hecho de que el álbum saliera hace un mes y hoy nos encontremos con la revocación del caso Roe vs. Wade, que implica tirar a la basura cincuenta años de derechos, es demasiado para digerir. Ya sabemos que habrá más retrocesos en leyes antidiscriminación, quizás en cuanto al matrimonio gay a nivel federal, y otras vinculadas a la privacidad. Entonces, tenemos una enorme lucha por delante, que no sé exactamente cómo será. Me parece que todavía estamos tratando de imaginarlo. Pero no nos iremos a ningún lugar, no seremos silenciados y no abandonaremos nuestra posición.

Hablando de conservadurismo, tratemos el tema de las fuerzas conservadoras dentro del black metal cómo género. Debo decir que el asunto del conservadurismo cuando se discute sobre arte es un oxímoron absoluto ya que la esencia del arte es empujar las fronteras, si no romper cadenas. Dicho sea de paso, la escena del black metal no solamente tiene muchos puristas sino también facciones neonazis. ¿Pensás que tanto los artistas como sus seguidores en la escena reflejan lo que pasa en la sociedad como totalidad? ¿Considerás que hay una lucha dentro del género que es un espejo de una creciente pelea social?

TH: Ciertamente parece haber un paralelo, como mínimo. Siempre me pareció interesante que existieran fascistas en una escena que se supone rebelde. Nunca tuvo sentido para mí, o tal vez, mi comprensión de lo que es la rebelión es distinta de la de ellos, pero lo dudo. Creo que hubo una competencia por ver quién era más extremo y, de alguna manera, el elemento fascista se desarrolló con el tiempo. Siempre hubo fascistas de perfil bajo por ahí, pero últimamente empezaron a revelarse más abiertamente.

La música tiene su propia historia, también, y la del black metal en particular es bastante sórdida cuando se trata de los derechos de las personas LGBT. Podemos mencionar las opiniones de Vikernes, los crímenes de odio cometidos por Faust de Emperor y Jon Nödtveidt de Dissection, por ejemplo. Al mismo tiempo, hay músicos gays como Gaahl, entonces, otra vez, hablando del black metal, ¿cuál es la situación de los músicos y la audiencia LGBT hoy en día?

TH: La gente LGBT siempre estuvo involucrada en el metal, desde sus comienzos, con Judas Priest como perfecto ejemplo. Pienso que el metal siempre ha sido hipermasculino y eso alejaba a mucha gente LGBT pero es algo que está cambiando rápidamente. Sí, el black metal tiene una historia particularmente sórdida, tal como vos decís, con la comunidad LGBT, pero cada vez más personas LGBT están encontrando en el black metal su medio preferido para trabajar, y haciéndolo muy bien, empujando los límites dentro del género. El black metal siempre me ha hablado a mí muy personalmente, la naturaleza atmosférica de la música, específicamente. Su poder, la velocidad, las tantas áreas que hay para explorar. No me sorprende para nada que más gente LGBT se sienta atraída a trabajar dentro del estilo. Realmente tiene mucho sentido si volvemos a referirnos al aspecto rebelde que comentamos antes. Tenemos mucho contra lo qué rebelarnos.

Esto podría sonar extraño, pero también estuve pensando mucho acerca del fenómeno Kate Bush. “Running Up That Hill” tiene una letra muy significativa para las mujeres y las personas oprimidas, en general, y fue lanzada en 1985. Me animaría a decir que es una canción feminista, pero es mucho más que eso si pensamos en la heteronormatividad, el supremacismo blanco, el capacitismo, etc. La cosa es que, un show muy popular la pasa en 2022 y se convierte en un hit, y las letras parecen ser aún más significativas, ¿se entiende? Sí, ya sé que el arte suele tratar temas universales y atemporales, pero no estoy tan seguro de que este sea el caso porque hablamos de estructuras de poder y cosas que están mal moralmente y ya deberían haber cambiado. ¿Qué opinás?

TH: De hecho, soy un gran fan de Kate Bush, y estoy disfrutando mucho su merecido ingreso al mainstream. Es una artista tan brillante y espero que la gente explore su catálogo. El contenido lírico de RUTH es muy interesante porque parece que las personas encuentran muchos significados. Si la gente lo toma como un himno feminista o en contra de la opresión, me sumo totalmente a la idea. Kate dijo que esa canción fue escrita acerca de una pareja luchando y deseando intercambiar lugares para que cada cual pudiera entender, desde el otro lugar, lo que estaban pensando y así poder fortalecer la relación, pero puedo verla, absolutamente, como vinculada con las fuerzas en una lucha de poder. Esa es una de las cosas que más amo de la música: las diferentes interpretaciones que la gente pude tomar de la letra de una canción, aunque quizás no hayan sido intencionales, pero la canción se vuelve más fuerte por eso.

Mortal Thrall definitivamente es una de ellas, pero ¿qué otras bandas están tratando de cambiar las cosas en la escena del black metal?

TH: Feminazgul es una banda que absolutamente me viene a la mente. Grandes personas y una banda fantástica. También Awenden, Bull of Apis, Bull of Bronze, Hvidsten, Dawn Treader, Tumultuous Ruin, Sacred Son, Violet Cold y Necron han venido al black metal con una perspectiva fresca y trabajando duro para instalar ideales antifascistas dentro de la escena.


 

‘WE HAVE AN AWFUL LOT TO REBEL AGAINST’: INTERVIEW WITH TODD HARRIS OF MORTAL THRALL

For the most part, black metal tends to talk about things like fantasy and Satanism, but sometimes some people decide to talk about some real world stuff. That’s the case with the American post black metal duo Mortal Thrall, formed by singer, guitarist and bassist Todd Harris and keyboardist Christopher Scott Davis. With their debut LP A Path of Fire, released by Trepanation Recordings, now on the streets, it was time to talk with Harris, so he could give us details about the conceptual idea behind this first album of a new promising name in black metal.


First of all, I wanted to thank you very much, Todd, for this interview. Mortal Thrall has just released ‘A Path to Fire’, a great record that I had the pleasure of reviewing. It’s a concept album and you say that ‘Mortal Thrall are a baroque influenced post black metal group’. Before diving into the album’s concept, I was wondering if that baroque influence was related to that concept, for historical reasons, or not?

A: The baroque tag was coined by our biographer. He heard that in the album and it made sense to leave it. I was super influenced by renaissance art when writing the album and the intro was a classical guitar piece. The description felt accurate and seemed to fit the overall sound of the record. I found the concept as I was already in the process of writing the music. It all seemed to fit together effortlessly, so in that way, it was all very lucky.

The album tells the story of María de los Dolores López, the last victim of the Spanish Inquisition, one of the many genocides perpetrated by the Catholic Church. She was killed in 1781. I know you used that real story as a metaphor to reflect on the world today. Tell us more about that.

A: When I ran across that story, the parallels just started to reveal themselves to me to our current situation in the US specifically. Religious oppression was creeping its way further and further into our government (though it’s been there for a long time) and was starting to reveal itself more and more. The story of her oppression and abuse I found infuriating and it stuck in my head. I knew after coming across her story that it would be the concept pretty much right away and I didn’t fight it.

Why did you choose, as an artist and as a man, to develop this particular idea?

A: It’s not lost on me that I’m a man telling a woman’s story, but it resonated with me so much that I couldn’t not tell it. The story is a metaphor as you mentioned earlier for oppression, and it felt very universal in a lot of ways. Being gay, the oppression was relatable and while there are things Maria experienced that I will never understand, I felt great empathy for her. I did my best to be as respectful as possible to her, right down to the artwork. I didn’t want some gruesome cover art. I wanted it to be truthful, but not some gorefest as metal covers can sometimes be. Caelan Stokkermans did a wonderful work and we had several conversations to achieve that truth. When I used Maria’s own documented words, I made sure that a female vocalist (Emily Low of Oubliette) sang those words. I really hope that this came across as respectful as possible, because that was always the intention.

Most of the people who are gonna read this interview are from Spain and Latin America, where the story of ‘la beata Dolores’ might be a bit more popular than in English speaking countries. It’s not very popular, anyways, but my point is, in the US you had the Salem witch trials, the slavery of black women, etc. So, what do you think are the most interesting aspects of this story that made you choose it for your album?

A: I think I was particularly drawn to this story because of Maria’s fervent defiance to the church. She never felt like she was doing anything wrong and voiced that all the way to the end. Her rebellious spirit and her fight were what really pulled me into the story. I hadn’t necessarily intended to write a concept album until I ran across her story. As artists, sometimes when you find something that speaks to you, you just know that’s your subject, and that was very much the case with this concept.

Black metal is a genre traditionally opposed to Abrahamic religions, but it usually expresses that opposition through Satanism, which has become a cliché, I believe. You chose actual history to do it and I think that was very smart because, as it’s often said, ‘reality surpasses fiction’. Do you believe your reasons for telling this particular story were as important as your intention to state your opposition against religious oppression in general? I’m asking this because I’ve heard you’re planning to make more concept albums.

A: Yes, I certainly do feel that way. There was an emotional attachment to the story, and I think that drove me just as much as the opposition aspect. I was personally wrapped up in her story because it resonated with me so much. I have my own experiences with religious oppression that have nothing to do with my sexuality that I won’t go into as they’re personal, but suffice it to say, it’s always been a part of my life going back to my childhood. So, I really think I connected very hard with this story for a multitude of reasons and there was a serious emotional aspect to it. Going forward, that will likely be what I’m looking for in another concept. A story that I feel should be told, that I connect with emotionally, but that also has a deeper point that I want to get across.

Mortal Thrall is a band from Tennessee, a rather conservative state if I’m not mistaken. When I reviewed ‘A Path to Fire’, of course I pointed out all its musical virtues, but also emphasized the importance it had as a concept album because it expressed the dangers behind the rise of the far right, especially for minorities. The album was released and it didn’t took long until the Supreme Court in the US made a decision against abortion, a decision against women’s rights, and the day after that there was a mass shooting inside a gay bar in Oslo. It’s often said that artists are very intuitive people and they usually capture the spirit of the times. What do you think about this?

A: I’m not going to lie, it’s quite surreal. I think most of us who were paying attention to the political climate in this country knew this was coming and we’ve known that since late 2016. Having said that, the fact that this was just released a month ago and we find ourselves in the reality of the reversal of Roe v Wade and 50 years of rights being thrown in the trash, it’s a lot to take in. We know that more reversals of anti-discrimination laws, likely the reversal of gay marriage federally, and privacy laws being reversed are coming. So, we have a hell of a fight ahead of us. I don’t know quite what that looks like. I think we’re all sort of figuring it out. But we won’t go away, and we won’t be silenced, and we won’t just let this stand.

Speaking of conservatism, let’s talk about conservative forces within black metal as a genre. I must say that the issue of conservatism when art is being discussed is absolutely oxymoronic because the essence of art is pushing boundaries, if not breaking chains. By the way, the black metal scene is not only full of gatekeepers but it also has its own Neo-Nazi factions. Do you think both artists and followers within the scene reflect what happens in society as a whole? Do you believe there is a struggle within the scene that mirrors the escalating struggle in society?

A: There certainly does seem to be a parallel, to say the least. I’ve always found it interesting that fascists exist in a scene that is supposedly so rebellious. It’s never made any sense to me at all, or maybe my understanding of rebellion is different than theirs, but I doubt it. I think there was this sort of buildup of who could be more extreme and this ridiculous fascist element sort of developed over time. There’s always been an underbelly of fascists running around, but only recently have they really started to reveal themselves so openly.

Music has its own history, too, and black metal history is even more sordid when it comes to the rights of LGBT people. We can mention Vikernes’ opinions, the hate crimes committed by Faust of Emperor and Jon Nödtveidt of Dissection, for example. At the same time, we have gay artists like Gaahl, so, again, speaking of black metal, what do you think about the situation of LGBT musicians and LGBT people in the audience today?

A: LGBT people have always been involved in metal going back to the earliest days, Judas Priest being a perfect example. I think metal has been so hyper masculine for so many years, that being gay was just a non-starter for some, but that’s rapidly changing. Yes, black metal has a particularly sordid history as you mentioned with the LGBT community, but more and more LGBT individuals have found black metal to be a preferred medium to work within, and quite well I do believe, pushing boundaries within the genre. Black metal has always spoken to me personally, the atmospheric nature of the music specifically. The power of the music, the speed, the many areas to explore within it. I’m not at all surprised that more LGBT people are drawn to working within the genre. It really makes a lot of sense, going back to the rebellious aspect I mentioned earlier. We have an awful lot to rebel against.

This might sound odd, but I’ve been also thinking a lot about the Kate Bush phenomenon. ‘Running Up That Hill’ has very meaningful lyrics to women and oppressed people in general, and it was released in 1985. I’d even say it’s a feminist song, but it’s more than that if we think about heteronormativity, white supremacism, ableism, etc. The thing is, a very popular TV show plays it in 2022, it becomes a hit and the lyrics seem to be even more meaningful today, you know what I mean? Yeah, I know art often deals with universal and timeless topics, but I’m not sure this is the case because we’re talking about power structures and things that are morally wrong and should have changed by now. What do you think?

A: I’m actually a massive Kate Bush fan, so I’m thoroughly enjoying her much deserved push into the mainstream. Such an utterly brilliant artist and I really hope people really dive into her catalog. They lyrical content of RUTH is very interesting as so many people seem to find a lot of different meanings in the lyrics. If people find it to be an anthem for feminism or oppression, I’m all for it. Kate has stated that song was written about a couple struggling and wishing she could swap places with her partner to better understand what they are thinking to strengthen the relationship, but I can absolutely see it being about strength and about a struggle for power. That’s one of the things I love about music most. The different interpretations people can get out of a lyric that might not have even been intended, but the song becomes even stronger for it.

Mortal Thrall is definitely one of them, but what other bands are trying to change things within the black metal scene?

A: Feminazgul is a band that absolutely comes to mind. Great people and a fantastic band. Also, Awenden, Bull of Apis, Bull of Bronze, Hvidsten, Dawn Treader, Tumultuous Ruin, Sacred Son, Violet Cold and Necron are all coming at black metal from a fresh perspective and working toward pushing antifascist ideals within the scene.

 

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Dusk Within: “Sigan apoyando a las bandas locales”
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Inglaterra, Alemania, Suecia, Finlandia y demás países suelen tener el monopolio en la producción de heavy metal en Europa. Pero, por suerte, de vez en cuando alguna banda oriunda de otros países logra levantar cabeza y mostrar el potencial para destacarse a nivel internacional. Tal es el caso de Dusk Within, un sexteto de death metal melódico oriundo de Bratislava, capital de Eslovaquia. Habiendo editado recientemente su EP debut Vicious Circle, pudimos comunicarnos con el grupo para poder conocerlo mejor.

¿Cómo comenzó Dusk Within?

Estuvimos barajando la idea de comenzar nuestro propio proyecto desde que Marek [Cikatricis] comenzó a tocar con Guardians of Asgaard. Luego de un año de planes conseguimos a Klaudia [Čapková] para tocar el teclado y Andrej [Feješ] como segundo guitarrista, y empezamos a trabajar en nuestras propias canciones.

La mayor parte de ustedes vienen de Guardians of Asgaard, una banda tributo a Amon Amarth. ¿Cómo fue que esa banda dio paso a Dusk Within?

Sí, en Guardians éramos amigos desde hace tiempo, nos conocemos de otras bandas donde hemos tocado a lo largo de los años: por ejemplo, Narran [Abeloron] y Flavio [Křeček] de Morhörr, y con Michal [Gulán] de algunos proyectos “sin nombre”, etcétera. Como mencioné anteriormente, la idea de Dusk Within vino sobre todo con la llegada de Marek Cikatricis a la banda.

¿Cómo describirías el sonido de Dusk Within? ¿Cuáles serían sus influencias?

La mayor parte de nuestras influencias vienen de las bandas icónicas del melodeath, como Dark Tranquillity, Insomnium, Be’lakor, Children of Bodom, etcétera.

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En abril de este año, sacaron su EP debut Vicious Circle. ¿Cómo fue el proceso de composición detrás de ello?

La mayor parte de las canciones fueron escritas por Marek años atrás, con otros miembros componiendo / actualizando sus propias líneas instrumentales. Las canciones las grabamos en dos estudios diferentes.

¿De qué tratan las canciones? ¿De qué temas hablan?

Son acerca de autoconocimiento y filosofía.

¿Cómo les fue con la presentación oficial del álbum?

Tocamos en el Randal Club de Bratislava. El público la pasó muy divertido, así que salió bien. También tuvimos algunos problemas técnicos aunque nada serio: por ejemplo, se nos caían los platillos todo el tiempo.

¿Qué planes tienen a futuro?

Todavía no está anunciado oficialmente, pero vamos a tener un nuevo guitarrista que estará en lugar de Marek, quien comenzará su carrera solista con su nuevo proyecto (¡Le deseamos lo mejor!). Así que con un nuevo escuadrón e ideas la motivación está bastante grande, así que nos gustaría grabar un álbum completo con canciones nuevas. Además, cada miembro está preparando videos playthrough de las canciones de Vicious Circle.

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¿Cómo es la escena metalera de Bratislava?

La escena pesada de Bratislava ha estado en el under profundo durante años, pero por otro lado hay muchas bandas, la mayor parte de ellas tocando géneros de metal extremo. La cantidad de público ha sido bastante promedio: la mayor parte de los metaleros eslovacos prefieren ir a ver bandas más grandes y conocidas antes que ver a las locales.

 ¿Qué les gustaría decirles a nuestros lectores?

Que sigan escuchando y apoyando a las bandas de metal, incluso a las bandas pequeñas locales. Cada compartida, cada like y cada vista nos llena de energía y alegría. Estamos todavía más agradecidos con la gente de otros países que se acercan a nosotros. También queremos agradecerles por esta entrevista, sigan trabajando bien y esperamos vernos de vuelta en un concierto nuestro.

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BlackBeer: “Muchas bandas se focalizan en complicarse de más, nosotros fuimos por el lado contrario”
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El pasado 13 de mayo, la banda francesa BlackBeer ha lanzado su primer álbum titulado Take the Freedom, y el mismo día lo ha presentado en directo. Unos días antes de tal evento, la banda nos concedió una nota donde nos cuentan un poco cómo ha sido el proceso de la grabación del álbum, y los obstáculos que se sortearon para que esto fuese posible, demostrando que cuando hay ganas se consigue lo que uno se propone. 

¿Cómo nace Take the Freedom?

Iván Sencion: Emmy me envió las ideas que tenía, y fuimos probando melodías sobre esas ideas. Luego armamos las melodías finales, los arreglos, y las letras. Nos enviábamos los archivos por internet, ya que Emmy estaba en Francia y yo en Buenos Aires, en aquel momento.

Era muy difícil, porque para ir al estudio había que pedir un permiso, que lo hemos hecho durante la época de Covid. Pero todo empezó a fluir de forma muy natural, y en muy poco tiempo teníamos 11 temas grabados. En cuanto tuvimos la grabación, empezamos a distribuirla por discográficas europeas, y fue allí cuando surgió la oportunidad de venir a Francia. 

A pesar de las distancias y las complicaciones, ¿cómo dieron con la fórmula perfecta para poder trabajar?

Hemos encontrado una fórmula bastante práctica para componer. Cuando compones en grupo, siempre hay choques de ideas que pueden ser muy buenas, o ideas que atrasan. Creo que se hicieron canciones de forma muy rápida, porque estábamos todos en la misma sintonía, y muchas veces las canciones no necesitaban ningún tipo de arreglo, porque la idea ya estaba perfecta desde el inicio.

No quisimos perder tiempo con la teoría, sino que quisimos focalizarnos en sumar a la canción desde el punto de vista de transmitir. Hay muchas bandas que se están focalizando en una fórmula de complicarse de más. Nosotros hemos ido por el sitio contrario. Simplificar a veces te permite componer con más libertad, y que el mensaje sea más claro. 

Poco se habla de las portadas y del arte del álbum más allá de la música. ¿Cómo eligieron la portada de Take the Freedom?

Cuando empezamos con BlackBeer empezamos a hacer unos modelos de conceptos, donde hay un coche, en un desierto con carteles que decían “San Martín, Venezuela” (lugares de origen de los miembros). Quisimos respetar la estética de nuestro primer videoclip de la canción.

Contactamos con el artista brasileño Gustavo Sazes, quien trabajó previamente con Arch Enemy, Avalanch, Angra, Kamelot, entre otros… Tuvimos una muy buena conexión desde el inicio. Nos dijo que quería escuchar el disco, y de lo que escuchó, salió la portada y la estética del álbum. No podemos estar más felices con el resultado.

¿Cuál es el futuro próximo de BlackBeer?

Tenemos algunas propuestas para salir por Suiza, Portugal, Alemania (país de origen de nuestra discográfica), Francia, España… No es una gira propiamente dicha, sino que serán fechas aisladas en esos países.

Por otro lado, estamos adelantando material para los próximos meses. Estamos por filmar 2 vídeos, y estamos trabajando las canciones de próximo disco. Sabemos que el próximo disco tendrá otra dinámica porque lo estamos componiendo de forma presencial, y lo grabaremos de la misma manera. 


Pueden escuchar “Take the Freedom” en Spotify, a través del siguiente ENLACE.

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Au-Dessus: “El black metal no tiene fronteras en la actualidad”
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Au-Dessus, la banda lituana de post black metal, tuvo la amabilidad de contestar algunas preguntas de manera colectiva, con motivo del reciente lanzamiento de su EP “Mend”. Estas fueron sus respuestas para Track To Hell.

-Acaban de lanzar “Mend”, un excelente EP con cinco tracks. ¿Cómo fue el proceso creativo detrás del mismo?

AD: ¡Hola! Antes que nada queríamos agradecerte. “Mend” nos tomó bastante tiempo, porque estuvimos saliendo mucho de gira antes de la pandemia, tras la salida de “End of Chapter”. La pandemia también afectó nuestro tiempo: el proceso de composición se tornó más lento. Lo bueno es que pudimos dedicar más tiempo para enfocarnos en los detalles, nuestras emociones y la manera de poder manifestarlas durante ese período.

-Su historia como banda no es extensa, pero ya grabaron dos EP y un full-length. ¿Cómo describirían su experiencia como grupo a lo largo de los años? ¿Cuáles fueron los principales obstáculos que tuvieron que superar? ¿Qué les permitió ser tan productivos en un lapso relativamente corto? Me permito señalar el hiato luego de “End of Chapter” (2017): ¿fue por la pandemia?

AD: Siempre fuimos todos amigos, desde la adolescencia. Nos conocemos muy bien, incluso en aspectos no tan agradables. Pero conocernos tan bien nos ayuda a trabajar para cumplir con nuestros objetivos, sin importar las circunstancias, y eso es lo que mantiene viva a la banda. Los últimos años no fueron tan productivos como los primeros tres o cuatro, pero nos las arreglamos para seguir adelante y creo que, de ahora en más, volveremos a ponernos en forma para recuperar el modo de trabajo que solíamos tener. 

-“End of Chapter”, también editado por el sello Les Acteurs de L’Ombre Productions, fue un gran disco. ¿Cuáles son las principales diferencias que pueden encontrar entre ese álbum y “Mend”? Lo pregunto en términos musicales y conceptuales.

AD: “End of Chapter” fue un disco que funcionó como cierre para el primer EP “Au-Dessus”, algo así como el segundo libro que terminó ese primer período creativo. Hablando de “Mend”, es más pesado y su composición fluyó más fácilmente, haciendo todo sin apuro, lo que nos ayudó a trabajar sobre los detalles. Mientras escribíamos este EP hubo menos jam sessions que antes. Esta vez trabajamos separados con cada instrumento y todo estuvo más controlado, tuvimos más tiempo para pensar y tomar decisiones acerca de cómo sería el resultado final. De todas maneras, no tenemos una fórmula para componer.

-Ustedes afirman que cada canción en “Mend” es “la inscripción de una mente rota en el camino de repararse a sí misma y encontrar la paz con sus propios demonios. Cada pieza representa un estado mental en una peregrinación hacia la autopercepción.” ¿Podrían desarrollar un poco más esa idea?

AD: Se trata de una mente en el camino de arreglarse a sí misma y lograr la paz con sus demonios, por lo tanto, las letras son historias que recorren desde el principio hasta el final de ese proceso, relatando las distintas etapas en ese viaje hacia hallar la autopercepción. Este concepto surgió tanto de intereses personales como filosóficos. En nuestra banda, la música viene primero y luego las letras.

-Como ya saben, “post black metal” es la categoría que suele usarse para describir su música. Otras etiquetas como black metal “melódico”, “atmosférico”, “sinfónico”, “avant-garde”, etc., ya se vienen utilizando hace bastante tiempo, pero “post black metal” es un poco más reciente y no estoy seguro de hasta qué punto es realmente descriptiva. Creo que se usa más para referirse a bandas que no buscan la “crudeza” de antaño en el sonido, compositivamente hacen una música más compleja y tienden a evitar la imaginería tradicional y los tópicos como el satanismo, la misantropía, el nihilismo o la ideación depresiva o suicida. También cosas como el corpse paint. ¿Están de acuerdo con esto? Es decir, ¿opinan que la categoría es descriptiva musicalmente o, de alguna manera, refleja más la estética general de muchos nuevos proyectos?

AD: De hecho, creo que el black metal no tiene fronteras en la actualidad y la palabra “post” se empezó a usar ante el clamor por una nueva era dentro del género. No hay reglas como usar corpse paint o hacer nada en particular para lucir como una banda de black metal. La música se volvió más experimental, las grabaciones suenan mejor. Sí, creemos que el término “post black metal” refleja la estética de una nueva generación de bandas.

-También me resulta curioso que las bandas consideradas clásicas o fundacionales dentro del género evolucionaron mucho (pienso en los discos más experimentales de Mayhem o Satyricon) o, directamente, dejaron de hacer black metal (Ulver, Darkthrone, etc.). Entonces, ya no queda tan claro qué sería el black metal “puro” o “verdadero”. ¿Qué piensan al respecto?

AD: La pureza del black metal existe en tanto cada artista haga algo que considere puro. No diríamos que hay bandas más “puras” que otras. Eso depende de la interpretación de cada oyente.

-¿Cuáles son sus principales influencias como grupo? ¿Qué otras bandas han estado escuchando últimamente?

AD: Escuchamos toneladas de música muy diversa, pero dentro de lo que es el black metal, sobresalen Mayhem, Altar of Plagues, Deathspell Omega…

-Au-Dessus y Erdve son las únicas bandas de Lituania que me vienen a la mente en este preciso momento. ¿Hay otros grupos que recomendarían? ¿Qué pueden decir sobre la escena del metal en Lituania?

AD: Nos alegra decir que la música extrema en Lituania está creciendo rápido y hay muchas bandas que vale la pena escuchar, tales como Luctus, Sisyphean, Extravaganza y otras.


-¿Tienen planeado salir de gira este año?

AD: Sí, tenemos algunos festivales en lugares cerrados en otoño. No puedo esperar a volver a los escenarios.

-¿Cómo presentarían la banda a su audiencia potencial en América Latina y España?

AD: Siempre es difícil hacerlo con palabras, es mejor dejar que la música le hable por sí misma a cada persona.

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Philip Graves (Redshark): “El objetivo es hacer música que nos guste”
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Foto portada: Manuel Damea Morenas

Debido a su último lanzamiento Digital Race, nos juntamos con Philip Graves, líder y guitarrista de la banda española de heavy/speed/power metal Redshark para hablar de su primer larga duración, la actualidad y pasado del grupo.

– ¿Cómo se formó la banda?

Redshark nació en 2012 como una banda mía en solitario, la cual en el siguiente año recluté a los primeros miembros de la primera formación. Más adelante hicimos nuestros primeros conciertos, lanzamos nuestro primer EP Rain Of Destruction, y finalmente después de pasar de trío a cuarteto y de cuarteto a quinteto lanzamos Evil Realm en 2019 y Digital Race en este 2022.

– ¿Cuáles eran los objetivos o metas en aquel entonces?

Pues las mismas que ahora pero quizás con menos ambición. Nuestro objetivo siempre ha sido hacer música porque nos gusta, y si no nos gusta primero a nosotros mismos lo que hacemos, no tiene sentido seguir adelante con ello. ¿Que luego es un éxito? Pues mejor. Hacemos la mejor música posible y lo más importante, que quien la escuche no pueda decir que esté mal lo que hacemos, independientemente de que le guste o no.

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– ¿Qué nos pueden contar acerca de sus dos EPs previos, Rain of Destruction y Evil Realm?

El primer EP Rain of Destruction fue muy primitivo, lo grabamos nosotros mismos, nos quisimos fiar de que podíamos conseguir un buen resultado a nuestra manera, pero no, no fue así, a pesar de que hay buenas canciones que no descartamos volver a grabar alguna en el futuro, todo se verá. En cuanto a Evil Realm, puedo decir que es un trabajo en el que dimos un salto cualitativo a nuestra propuesta, entró Pau a la banda, las canciones son mejores, la producción también… Cada trabajo creo que hemos ido mejorando, y eso es lo más importante para nosotros.

– ¿Cómo se dieron los ingresos de Chris Carrest y Pau Correas a la banda?

El de Chris debido a que yo al principio era bajista/cantante, quise que la banda fuéramos dos guitarristas, y claro, ya que él se propuso a entrar y yo he sido guitarrista desde siempre, pues decidí volver a mi querido instrumento. Con Pau me pasó algo similar, no considero que yo sea mal cantante, pero en aquel momento, su anterior banda Kill the Krait acababan de dejarlo y vi una buena oportunidad el proponerle entrar a la banda, ya que tiene mucha mejor voz que yo y personalmente yo no me veía con tiempo ni motivación de ponerme en serio con la voz.

Ambos entraron en la banda porque siempre han sido amigos muy cercanos nuestros y para nosotros es primordial que seamos primero amigos y después compañeros de banda.

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– Al momento de encarar un nuevo proyecto, ¿cómo es el proceso compositivo de la banda?

Siempre solemos grabar tanto yo como Javi los temas enteros en casa, luego los enseñamos al resto para que se aprendan dichas canciones y en el local las ponemos en común. Nos abrimos a las ideas de los demás y siempre solemos aprovecharlas para hacer otras canciones. De las letras se encarga Pau en hacer algunas pero sobre todo en corregir el inglés, ya que es quien mejor nivel tiene.

– Actualmente se encuentran presentando su primer disco de estudio, Digital Race. Luego de 10 años como banda, ¿En qué momento los encuentra este debut?

Pues nos pilla en un momento en el que a nivel de banda sonamos como nunca pero a su vez con ciertas dificultades de cara a poder programar fechas de conciertos ya que parece ser que ha terminado (o está terminando) la pandemia y las bandas más grandes son las que ahora están acaparando todas las fechas en lo que queda de 2022, además de que los festivales de este verano la mayoría son carteles reciclados desde hace años. En ese aspecto hemos tenido mala suerte. No obstante creemos que ha salido un disco brutal que la gente está disfrutando y estamos muy orgullosos de ello.

– ¿Qué significa y cuál es el mensaje de dicho trabajo?

Digital Race es una crítica acerca de la digitalización de la gente, de cómo la humanidad en el siglo XXI vive pegada a los móviles y a los ordenadores. Eso mismo se refleja en la portada con las personas robotizadas y en la que el tiburón rojo pretende acabar con ellas.

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– ¿Cuáles son los planes para la presentación del disco?

Pues tocar lo máximo posible, donde y como se pueda. Como he dicho antes, el panorama este año es complicado con tanta sobresaturación, las agendas de las salas hasta los topes. Ya hemos dado dos conciertos este año, nos quedan algunos más y tiene pinta que hasta 2023 será complicado poder hacer más, pero bueno, vamos a ver qué sucede.

– En febrero del presente año, Mark Striker dejó la banda por motivos personales, y en su lugar anunciaron a Eric Killer. ¿Cómo se integró a la banda?

Pues muy bien ya que es amigo nuestro desde hace bastantes años y accedió a entrar a la banda sin pensarlo. En lo musical la verdad es que ya con el primer ensayo se sabía todos los temas, así que nos puso las cosas bastante fáciles. Tenemos muchas ganas de componer nuevas canciones con un batería de este potencial.

– ¿Con qué banda amiga les gustaría girar? ¿Con qué banda que ustedes admiren les gustaría compartir escenario?

Bandas amigas pues te diría Streamer, Löanshark, Witchtower, Iron Curtain, Raptor, Savaged… Hay muchas y la verdad, con cualquier banda amiga estaríamos dispuestos a hacer gira, eso está claro, una gira son muchas horas que convives con otras personas y al final es mejor estar a gusto en ese sentido. Bandas que admiramos y que nos gustaría compartir escenario hay muchísimas, la lista es infinita pero abrir para Mercyful Fate o Metal Church por citar alguna, sería impresionante.

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– ¿Cómo ven la escena actual de España en cuanto al heavy metal y qué bandas gustarían recomendar?

Pues la verdad que público hay bastante más de lo que uno cree. El tema está en que a veces es complicado arrastrar a la gente para que acuda a tu concierto pero siempre se hace lo que se puede. Hay mucha oferta, demasiada, y más últimamente, aunque entiendo a los promotores y bandas más grandes, viven de esto y por fin tienen que trabajar.

Me gustaría recomendar las bandas que he citado antes además de otras como Chantrice, War Dogs, Raptore, Graveyard, Körgull the Exterminator, Kilmara, Estertor e infinidad de muchas más.

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ELNUEVEONCE: “Componer fue un proceso de redescubrimiento”
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Aprovechando la salida de su disco debut, no perdimos la oportunidad de charlar largo y tendido con Nazareno Gómez Antolini y Nikko Taranto, vocalista y baterista respectivamente de ELNUEVEONCE para que nos cuenten todo acerca de este nuevo proyecto y un poquito de la industria y la música en general, pasen y lean lo que nos contó.

  1. ¿Cómo surge ELNUEVEONCE ? ¿Cómo fue volver a crear música y más en un ambiente tan caldeado y complicado como fue, y sigue siendo, el de la pandemia?

ELNUEVEONCE surge en 2019 entre Gonzalo Gallo (guitarra) con la idea de hacer un proyecto más pesado de lo que ambos teníamos o por lo menos con componentes que no teníamos en nuestras otras bandas (yo en ese momento aún no sabía que se iba a disolver Deny). Luego se sumó Nikko Taranto (batería) que, cuando se enteró cómo se llamaba la banda, lo tomó como una señal (era la fecha de nacimiento de su hijo Gael). Por último se incorporó Franco Barroso, que había tocado el bajo en Deny conmigo y nos habíamos hecho muy amigos, incluso ya había producido y/o mezclado nuestros primeros dos singles.

La pandemia fue un desafío por la distancia entre todos nosotros, que como mínimo vivíamos a 30/40 minutos de diferencia y en las primeras fases no nos podíamos mover siquiera unas cuadras. De a poco las medidas se fueron “ablandando” y pudimos comenzar a juntarnos y componer de forma más fluida. El lado positivo es que la pandemia nos permitió darle un tiempo de incubación y curación al disco que hoy la industria no te lo permite, te demanda contenido en tan poco tiempo y creo eso en mi opinión hizo que la música pierda mucha calidad.

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  1. Naza, la aventura de Deny concluyó en 2019. ¿Te costó mucho reencontrarte con la música a nivel de composición e inspiración?

Me costó muchísimo, estaba triste por la disolución de Deny, también porque intente construir un personaje artístico que tuviese características similares a mi trayecto con mi ex Banda y componentes nuevos que lo distingan. Por un lado a nivel matices en la voz y por otro que temáticas fui sumando a la hora de escribir. Cómo todo, fue un proceso de redescubrimiento y de conocerme con mis compañeros a nivel estructural, quien ocupaba cada lugar en la creación de Amuletos.

  1. Nikko, ¿cómo surge la oportunidad de tocar un estilo tan opuesto al que hacías con Infierno 18?

A decir verdad, siempre fui influenciado por la música pesada mayormente. Desde muy chico tuve mi lado nu metal bien incorporado y eso podía convivir tranquilamente con Infierno. Había temas nuestros que tenían ciertos breaks, cortes o machaques muy de esencia pesada. Me debía un proyecto así y creo que me llegó en el momento personal indicado.

  1. ¿Cuáles son las influencias principales de la banda? Porque escuchando el disco, lo mismo puedo pensar en Deftones y Fever 333 que en otras más modernas como Stray From The Path o Saosin, pero igual me equivoco, así que cuéntenme ustedes cuáles son sus bandas favoritas.

Excepto Saosin (que me encanta pero que no fue inspiración en el disco) le pegaste a todas! También nos gusta mucho Beartooth, algunas cosas instrumentales tienen influencias de Crosses, de NIN, The Neighborhood, también Twenty One Pilots, Limp Bizkit y Korn.

Por eso quizás el disco tiene algo que lo saca un poco del Post-Hardcore promedio.

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  1. El disco destaca mucho en el aspecto lírico. ¿Han compuesto todos juntos? ¿O cómo fue el proceso de composición de las letras?

Las letras puedo decir que tuvieron mano de Gonza, Frank y yo en mayor o menor medida. Principalmente las escribo yo porque el concepto del disco y el norte sobre lo que queremos decir quizás lo traje yo (Naza). Pero por ejemplo “Muerto” es una letra que en su mayoría la trajo Gonza. Hay canciones en las que me había trabado y Frank me ayudó a desenroscarme. Que la narrativa no sea desde una sola perspectiva enriquece muchísimo el proceso. Ah, dato no menor: también hay letras que compuse con mi hermano Tobías, específicamente “Partes de Mí” y “Volviendo a Perder”, que son letras muy personales. El disco se trata sobre el proceso del duelo y a qué cosas nos aferramos para sobrellevarlo, cuáles son nuestros Amuletos para pasar de un capítulo de nuestras vidas hacia otro.

  1. ¿Cómo ven la escena argentina del metal y el hardcore? En donde ustedes vendrían a estar en medio como un nexo de unión entre ambos estilos.

Resurgiendo principalmente, hay un deseo post-pandemia de reconectar con la gente y la escena local, en lo personal no siento que estemos en el medio de nada, simplemente creo que podemos estar en shows de distintos géneros y hoy la necesidad de colaborar de forma horizontal hace que la línea entre géneros se esté difuminando. Me doy cuenta por los mensajes de apoyo que recibimos de artistas de distintos géneros: metal tradicional, rock alternativo, punk, hardcore, etc.

  1. ¿Qué planes hay para la banda de cara a la segunda mitad del año, más allá del show que confirmaron con Arde La Sangre?

El 10 de junio hacemos un show a beneficio para colaborar con una agrupación que reparte comida a personas en situación de calle o de bajos recursos. Ya estamos estructurando un tour a nivel nacional para lo que resta del año pero este show que mencioné (el 911 FEST) es el primero de muchos para crear música con compromiso social. Esperamos poder viajar pronto por el continente y nos encantaría ir a España ❤️🤘.

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Frank y Carlitos (Runa Llena): “Conseguimos que todos nos sintamos Runa Llena”
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Con motivo del lanzamiento de su primer disco AON, nos juntamos con Frank y Carlitos, miembros fundadores de Runa Llena, para que nos cuenten todo acerca de esta nueva andadura musical que han emprendido juntos.

  • Lo primero chicos, muy buenas tardes. ¿Cómo están en este día tan especial como es el lanzamiento de vuestro primer disco con Runa Llena?

Sobre todo, emocionados y tremendamente satisfechos al comprobar que la acogida del disco está resultando espectacular. Es un disco que se ha creado y ha nacido en momentos nada fáciles para nadie. Ha sido engendrado en plena pandemia. Es el primogénito de unos artistas que empezaban a trabajar por primera vez juntos, y es el resultado de muchísimo esfuerzo, pasión y cariño, así que nosotros estábamos, y estamos convencidos del buen trabajo que hemos hecho.

Pero la última palabra no es la nuestra, claro está, y ahora que ha llegado al gran público por fin, todas las opiniones que estamos recibiendo son muy muy positivas. Nos alegra y motiva mucho ver las caras y expresiones de los primeros oyentes en estos días, ya que en ellas se refleja sorpresa, y además de agradar, un artista también quiere y necesita sorprender. Creemos que con este disco se va a sorprender mucha gente, ya que, sin haber inventado la pólvora ni un nuevo género musical jejeje, en el primer disco de Runa Llena hemos dejado claro que la banda tiene personalidad propia.

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  • ¿Cómo surge la idea de embarcaros en esta nueva aventura tras una salida cuanto menos “controvertida” de Mägo de Oz? ¿Teníais claro que queríais seguir haciendo música juntos?

Pues sí, después de aquella salida de nuestra banda de toda la vida en la que hemos estado durante casi 30 años y en la que hemos ido creciendo a medida que ella también crecía, no atravesábamos un momento nada fácil ni agradable. Y sí fue un momento bastante traumático, además de toda la controversia y el conflicto que seguimos arrastrando todavía en la actualidad. Pero la situación era la que se había impuesto y no era momento de quedarse quieto.

Había que empezar a andar con aire puro y fresco y tanto Carlitos como yo debíamos seguir haciendo canciones, debíamos seguir creyendo en nuestro potencial y debíamos de dar rienda suelta a lo que más nos gusta hacer, que no es otra cosa que Música. En seguida pensamos en rodearnos de buenos amigos, buenos músicos, buena gente y empezar de nuevo algo grande, al igual que lo hicimos en aquellos primeros discos de nuestra carrera. Era el momento de empezar otro camino. Puede parecer duro, y en realidad lo es, pero está siendo maravilloso.

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  • Este proyecto cuenta con muy buenos músicos aparte de vosotros dos, ¿cómo surge la idea de contar con cada uno de ellos?

Fue a raíz de una llamada de nuestro buen amigo Joaquín Arellano “el niño” que se puso en contacto con nosotros para animarnos e interesarse por nuestra situación personal después de la salida de Mägo. Unos días después, o al día siguiente creo, le propusimos formar parte de lo que teníamos en mente y en seguida los tres nos reunimos (cuando todavía se podía antes del confinamiento), y empezamos a barajar nombres de grandes músicos y amigos para plantearles nuestras ganas de tocar y hacer música. Tuvimos mucha suerte de que todos y cada uno, a la primera llamada, y sin casi dejarnos terminar de hablar, decían que sí. Sí a trabajar con nosotros, sí a las ganas, sí al compromiso, y sí a darle forma a este proyecto llamado Runa Llena.

En realidad, una de las cosas más grandes que nos ha pasado desde que empezamos a formar el grupo, yo creo que es haber conseguido que seamos y nos sintamos todos y cada uno Runa Llena. Me explico: aunque pueda parecer que Carlitos y yo hayamos reclutado al “dream team” jeje, lo que en realidad ha pasado es que desde los primeros momentos en los que íbamos hablando de nuestro proyecto de formar una banda nueva a cada uno de los nuevos miembros, se iba creando una sinergia, una unión y un compañerismo a modo de piña, que pienso que tiene mucho que ver con la personalidad propia de la banda a la hora de componer y hacer música. Además de ser grandes instrumentistas, nuestros compañeros tienen gran creatividad e inquietudes musicales fuera de lo común.

Todos y cada uno aportamos en cada composición, en cada desarrollo de cada tema. Tenemos muy claro el concepto de cada canción y juntos definimos muy bien lo que esa canción nos va pidiendo en cuanto a arreglos e instrumentación.

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  • ¿Cómo surge el nombre de la banda y el logo de la misma?

Recuerdo que al principio no fue fácil encontrar un nombre con el que nos identificásemos, creo que en un principio nos podía la presión de todo lo acontecido últimamente en nuestras vidas. Después de varias vueltas a la cabeza dimos con un nombre que tenía dos vertientes que definían muy bien nuestra situación. Por un lado, las runas son esas piedras mágicas que lanzaban los druidas, magos y brujos al firmamento intentando adivinar un futuro incierto, y eso nos definía muy bien, porque más incierto no podía ser jajaja… Y por otro lado también nos quisimos auto homenajear con el nombre de uno de los muchos temas que hemos hecho en nuestra anterior banda, y así tener siempre presente de donde partimos y recordar toda una vida de la que estamos y estaremos muy orgullosos.

En cuanto al logo, tiene mucho que ver con la cultura celta que tanto nos atrae, y jugando con la Triple Diosa hice yo mismo algunos bocetos que luego nuestro buen amigo Pantera Mexicat (director y colaborador de nuestros videos y arte gráfico) mejoró junto con otra buena amiga, Verónica Gentile, creadora de la portada de Aon.

  • “Nunca Apagarán Tu Luz” fue el primer single del grupo. Parece toda una declaración de intenciones, ¿es algo así el mensaje que queríais dar con este primer adelanto?

Exactamente, creemos que es un problema muy grave que está siendo una lacra para la sociedad. Últimamente están habiendo muchísimos casos de secuelas psicológicas que pueden durar toda la vida, afecta sobre todo a niños y jóvenes adolescentes, pero también hay muchos casos en sectores de personas adultas. En muchos casos se llega hasta el suicidio. Pensamos que es un problema social que en el que todos debemos poner nuestro granito de arena para atajarlo de base, rompiendo ese silencio que, en muchas ocasiones parte, no sólo del que lo sufre, sino de la propia sociedad. Hemos querido en esta canción hacer un llamamiento para, entre todos, acabar con esto. La verdad, estamos sorprendidos con el efecto que hemos causado, ya que se han puesto en contacto con nosotros tanto víctimas que lo sufren o lo han sufrido, asociaciones que luchan para atender a las víctimas y también intentar prevenirlo, incluso agresores que están muy arrepentidos de haber causado tanto daño.

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  • Vamos con una referente a Mägo. El año que viene se cumplirán 20 años del mítico Gaia, ¿qué recuerdos y qué opinión os merece ahora dos décadas después aquel disco que os hizo girar por toda España y por otros tantos rincones del planeta?

Como puedes imaginar, son muchísimas las vivencias, emociones y los recuerdos que se nos vienen a la cabeza de toda una vida (de hecho, más de la mitad de nuestras vidas) creciendo y haciendo crecer a una banda cono Mägo de Oz. Estamos muy orgullosos de haber colaborado durante tantos años en hacer a esta banda tan grande, y no fue nada fácil, pero ahí hemos estado en las buenas y en las malas, que hubo unas cuantas. Esa unión y compañerismo que nos hizo crecer como personas, como músicos y como banda, ya no existía. Todo ese trabajo quedará para siempre, pero, como alguien dijo una vez, las canciones son eternas, los grupos no. Mägo de Oz ya camina sólo desde hace algún tiempo, en Runa Llena sabemos que tendremos que luchar mucho desde este nuevo principio, pero no se nos ha olvidado todo aquel esfuerzo. Con honestidad, trabajo y tenacidad emprendemos este nuevo camino.

  • ¿Cuáles son los planes para Runa Llena de cara a la segunda mitad del año? ¿Qué podemos esperar tras la salida del disco? ¿Gira nacional? ¿Acústicos? ¿Firmas?

Una vez ya presentado nuestro primer trabajo, y aprovechando las buenas críticas y aceptación por parte tanto de medios y público, lo que queremos es presentar al grupo en directo, ya que llevamos dos años ensayando y preparándonos para hacer un concierto que demuestre todo el potencial de Runa Llena. Es un repertorio basado evidentemente en tocar íntegramente Aon, y temas nuestros de bandas anteriores de miembros de este grupo como Mägo de Oz o Perfect Smile. Queremos dejar, ahora en directo, la personalidad y fuerza que tiene Runa Llena en directo. Serán conciertos muy muy especiales dadas las ganas de salir a un escenario después de bastante tiempo. Somos conscientes de toda esa lista de espera y calendarios aplazados después de la pandemia, pero estamos seguros de que pronto tendremos fechas. De momento hay confirmadas dos en México, Guadalajara y Ciudad de México los días 26 y 28 de mayo respectivamente, y la participación en el Brutal Metal Festival el 7 de julio en San Javier (Murcia).

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  • Chicos, muchísimas gracias por vuestro tiempo y nos vemos en los escenarios.

Muchísimas gracias a vosotros por vuestra labor y por ayudarnos a difundir nuestro primer trabajo “Aon”, en el que Runa Llena hemos puesto tanto esfuerzo y cariño.

Encontraréis toda la información del grupo (noticias, conciertos, redes sociales, vías de contratación, etc.) en nuestra página web runallena.com

Un abrazo y seguimos en contacto!!!

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Roberto “Feo” (El Último Ke Zierre): “Argentina es un país que sabe mucho de rock”
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El Último Ke Zierre es una banda que se puede preciar de estar siempre al pie del cañón. Con tres décadas y media manteniendo vivo al punk rock español, estos valencianos oriundos de Burriana se han hecho de un público no sólo en tierras ibéricas, sino también en Latinoamérica. Justamente, y a poco de que el quinteto se presente en Argentina junto a Aliento De Perro, nos pusimos en contacto con Rober “El Feo”, eterno cantante de EUKZ, para que nos cuente sobre la actualidad y futuro de estos pilares del rock español.

1 – Muy buenas, chicos. ¿Cómo están? Lo primero que me gustaría saber es cómo se sienten tocando en Buenos Aires una vez más. ¿Qué significa Argentina para El Último Ke Zierre, viniendo desde el otro lado del océano?

Pues después de estar parados dos años, con muchos nervios, y mucha ilusión. Para nosotros Argentina es un país que sabe mucho de rock, y siempre es una gozada, y un premio que no sabemos si merecemos, poder tocar para el publico argentino.

2 – Ahora llega la época de festivales en España. ¿Cómo afrontan una nueva presencia en el cartel del Viña Rock 2022? .

Igual que en la respuesta anterior. Venimos de estar aislados y de repente tienes que tocar para miles de personas. Ilusión y pánico.

3 – Bad Religion van a girar por España con el 40 aniversario, pero vosotros ya estáis inmersos en la celebración de vuestro 35 cumpleaños. ¿Cómo es mantenerse unidos tanto tiempo en la carretera y con la misma ilusión que cuando empezasteis? .

Esto es una montaña rusa. Con muchos altibajos, pero junto a la familia es lo que le da sentido a tu vida.

4 – Sobra decir que el Punk no ha muerto ni lo pretende, ¿pero hay bandas actuales que os llamen la atención tanto a nivel nacional como internacional o latinoamericano? .

Hay muchas bandas que nos gustan, de ahora y de antes, de rock y de otros estilos, ya se que no te contesto, pero no me apetece nombrar algunas y dejarme otras…

5 – ¿Hay planes de grabar un nuevo disco de cara al 2023?

Ese es el plan pero ya veremos como van las cosas. Hemos aprendido que todo puede cambiar muy rápidamente.

6 – Tras la época de festivales, ¿cuáles son los planes de la banda de cara a la segunda mitad del año?

Algún viaje mas y preparar disco.

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