Indepth es una banda de technical/prog death metal proveniente de la ciudad de Aguascalientes, en el estado mexicano de Aguascalientes, de quienes ya hemos hablado en otras ocasiones en Track to Hell. Su estilo bestial, reminiscente al sonido de bandas como Beyond Creation y Obscura, se ha posicionado como una de las fuerzas creativas de su escena.

Con miembros de bandas como Becoming the Entity, Kalaveraztekah y Stormchaser, no son ningunos extraños en el mundo del metal extremo en México. A propósito de la fecha que tendrán en Guadalajara este sábado 7 de diciembre en el Anexo del Foro Independencia junto a excelentes talentos locales como The Summon, Cathartic y Visceral Abnormality, les realizamos una entrevista donde reflexionan sobre su paso por los escenarios y oídos mexicanos.

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¿En qué año y cómo es que se forma la banda?

La banda se forma en 2013 por Luigi Ponce y Nando Tovar como proyecto de melodeath con fuertes influencias de Hypocrisy y Children of Bodom, pero oficialmente es en 2015 cuando se une Dan Wolf en la batería y se empieza la búsqueda de un sonido más técnico y progresivo.

¿Cuáles fueron sus influencias y sus motivaciones para armar Indepth?

Nuestras principales y más fuertes influencias son The Faceless, Arkaik, Cynic y Beyond Creation.

¿Cuáles fueron los retos que enfrentaron en ese momento y cómo los contrastan con los actuales?

Definitivamente las experiencias que hemos vivido a través de los años son lo principal. Es lo que nos ha ido enseñando qué cosas cambiar y mejorar en cada aspecto de la banda y en cómo trabajamos y nos relacionamos internamente.

Su primer álbum, “The Endless Pursuit” se estrenó en 2019, ¿cómo fue el proceso de grabación de aquel álbum?, ¿qué fue lo que aprendieron con ese trabajo?

Fue un proceso de muchísimo aprendizaje en el que aún íbamos encontrando nuestro sonido y una manera en particular de trabajar. Dato curioso, ese disco se grabó 2 veces, debido a una falla en el hardware del estudio de Luigi (quien es también nuestro productor). Aunque los resultados nos lograron convencer más y dejar más satisfechos, fue un gran reto qué superar.

En 2022 lanzaron su álbum “Ancient Architects”, ¿qué tan diferente fue grabarlo con respecto al primero?

Ya con una madurez interna y personal de cada miembro de la banda, con un ritmo de trabajo y una cohesión más marcada. Fue un proceso que disfrutamos de inicio a fin y del cual nos sentimos muy satisfechos.

¿Cuál es la canción favorita de “Ancient Architects” de cada miembro?

Fer: Primal Panspermia, Universal Scar, Dark Matter Leviathan y Ancient Architects.

Luigi: Coma Cluster y The Terraformist.

Nando: The Embodiment, The Arrival II y Ancient Architects

Dan: Ethereal Desert, Universal Scar y The Terraformist.

¿Qué es lo mejor de tocar en Indepth?

La convivencia y cercanía que tenemos dentro de la banda, el haber encontrado un esquema de trabajo que nos ha funcionado bastante y el poder superar nuestros límites como músicos.

¿Qué dificultades han enfrentado con su carrera musical?

Creemos fuertemente que la adversidad nos ha forjado como músicos y ejecutantes. Hemos pasado los retos habituales de una banda mexicana de death metal, pero nos hemos sabido mantener a flote y hemos aprendido muchísimo en el proceso.

¿Qué es lo mejor de tocar en vivo y cuál ha sido su concierto favorito de la banda?

La sinergia con el público y el poder disfrutar junto con ellos la música es lo mejor de estar en el escenario.

Nuestros eventos favoritos hasta la fecha son con Cynic y Beyond Creation en Circo Volador y Metal Fest de Foro del Lago 2024.

¿Qué esperan de su show en Guadalajara este 7 de diciembre?

Cerrar con broche de oro en un gran show con toda la gente de Guadalajara y presentarles un set muy especial con algunos temas sorpresa.

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¿Qué planes hay en el futuro de la banda?

Iniciando 2025 empezaremos a producir nuestro próximo larga duración así como fechas en distintos lugares del país que pronto estaremos anunciando.

¿Algo más que quieran hacer saber a nuestros lectores?

Los invitamos a seguir a Indepth y escuchar nuestra música en todas nuestras plataformas.

¡Gracias a ustedes y su apoyo es que Indepth sigue y pensamos seguirles ofreciendo grandes shows y más música!

Speedfreak es una banda tapatía de speed/black ‘n’ roll formada en octubre del 2020 originalmente por el baterista Daniel “Scar” Hernández y el cantante Fernando Maldonado, más tarde uniéndoseles el guitarrista Gerardo “Riffman” Arce, el bajista Manuel “Many” Cueva y más recientemente, Dave Villanueva a la segunda guitarra, todos ellos figuras ya destacadas de la escena del metal underground de Guadalajara.

La banda debutó el año pasado con lo que fue su primer sencillo titulado Son of Man Collapse, seguido de Hellspeed Rock N’ Roll ese mismo año, Bastardizer en marzo de 2024, para finalmente estrenar su primer álbum de larga duración este julio pasado, también titulado “Hellspeed Rock n’ Roll” lanzado en físico por Metal Coffin Records.

Posicionándose rápidamente como uno de los referentes mexicanos de este género que comienza a popularizarse cada vez más, han performado junto a agrupaciones como Ewig Frost, Bewitcher y se encuentran próximos a participar en el concierto de los titanes del metal Venom y Warbringer, este domingo 8 de diciembre en el C3 Stage de Guadalajara.

En Track To Hell tuvimos la fortuna de entrevistar al baterista y fundador de la agrupación, Daniel “Scar” Hernández previo a este concierto, misma que les dejamos a continuación:

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¿Cuándo y cómo nace Speedfreak?
La idea de formar Speedfreak surgio a finales del 2022 y al inicio se planeaba que solo fuera una banda de estudio y de un solo hombre al estilo de Bathory, Toxic Holocaust y bandas pioneras de ese tipo, obviamente el nombre totalmente relacionado con los masters MOTÖRHEAD. Al no poderse concretar el proyecto tal cual se estaba pensando, lo mas factible fue que se consolidara como una banda con mas integrantes y para tocar en vivo.

¿Cuáles son sus principales influencias?
Son diversas, ya que cada integrante es un mundo, va desde el Old school Thrash Metal, Black metal, Punk, New Wave of Thrash Metal, Rock n’ Roll, todo esto conforma y forma pues un solo concepto que definimos como HELLSPEED ROCK N’ ROLL

¿Cómo es su proceso de composición?
Normalmente planteamos ideas en los ensayos pero mas que nada, nosotros desde casa tenemos las herramientas para poder grabar maquetas e ideas para futuras canciones, asi se facilita mas el trabajo en equipo.

¿Qué es lo que más te gusta de la escena punk/speed/thrash de Guadalajara?
Realmente, siendo honestos, sentimos o siento que por el momento no existe y apenas está resurgiendo ya que muchas bandas se disolvieron y nuevas están naciendo de las cenizas, hay morros menores de edad que se están adentrando en este pedo y esta chingón que nazcan nuevos proyectos, y a mí personalmente me gusta apoyar a estos morros porque yo fui alguna ves uno y nadie me estiro la mano y quisiera poder hacer eso con alguien mas para hacerlo crecer.

¿Cuáles han sido los retos más grandes para Speedfreak?
El reto mas grande que tuvimos fue la composición, grabación y lanzamiento de nuestro álbum debut HELLSPEED ROCK N’ ROLL. costo enojos, tristezas, desilusiones, felicidad, un mar de emociones y peleas para terminarlo.

¿Qué cambiarías de la escena de metal en México?
Yo cambiaría por completo el cliché de que en eventos o conciertos siempre se les da el apoyo a las bandas que son compas de los organizadores y OJO no es envidia, simplemente hay muchas bandas muy cabronas de todos los estados que están rezagadas y además, no se les da el trato que se merecen, ni una botella de agua se le da a la banda local, ya ni una cerveza, créeme que con eso, la banda se va a sentir apoyada de alguna manera.

¿Cómo fue el proceso de grabación de su nuevo disco y qué aprendieron?
Tal como lo mencioné anteriormente, el proceso de composición fue desde casa y la grabación igual, todo fue completamente grabado, mezclado y masterizado por nosotros mismos, aquí debo dar mención a que Fernando Maldonado se rifo el trabajo de la mezcla y máster y ya andaba renunciando a todo a la verga pero al final se logró.

¿Si volvieran a vivir ese momento de sus vidas habrían hecho algo diferente?
Yo creo personalmente que Speedfreak es el mejor proyecto musical en el que he participado, siento que estamos logrando algo, lento pero seguro y sobre todo con constancia, no cambiaría el hecho de que esta banda me ha abierto las puertas a muchas buenas oportunidades y además de conocer personas que ahora considero mis amigos.

¿Qué planes hay en el futuro para Speedfreak?
2025 queremos que sea un año mas tranquilo, para poder componer el siguiente material y no apresurarnos, quisiéramos tener la oportunidad de poder participar en un Fest, dentro del país y hasta fuera del país si existe esa oportunidad, no queremos estancarnos, queremos crecer pero crecer a su tiempo.

¿Algo más que quieran decirle a nuestros lectores?
A todos las personas quisiera decirles que nunca, nunca, nunca, se basen en las opiniones de otras personas, si eres músico, a mucha gente no le va a gustar tu música pero a otros sí, pero, lo más importante, es que lo que hagas te guste a ti y punto, no hay otra manera de hacer las cosas bien si tú mismo no te la crees, esa es la manera para que como persona, como amigo, como músico, puedas lograr cosas grandes, no estancarse y perseverar, así es esto.

La banda México-Canadiense Dante, se dió el tiempo para regalarnos una agradable entrevista con Track To Hell, acá les dejamos la charla.

Háblanos un poco de la historia de Dante para la gente que no te conoce en países como España o Argentina, como fue la idea de crear un grupo con integrantes de México y Canadá?

Eso no fue planeado. Dante viene de un proyecto entre Efrén (bajo y productor musical) y Fer (batería) para tocar covers en el circuito de tipo “Pubs”. La pandemia frustró ese proyecto y Efrén y Fer buscaron que la banda hiciera música original. Para las melodías nos pareció una buena idea buscar talento fuera de México y fue así como Fer se acercó a su maestro de batería en Canadá, Ryan VanPooederoyen quien acabó escribiendo todas las letras y melodías de los sencillos de Dante. Fue él, y hasta entonces, quien sugirió que Jon Howard cantara el primer sencillo a partir del cual, Jon se unió a la banda definitivamente.

Tu música mezcla un poco de varias cosas dentro del rock pesado, se puede escuchar algo de ñu metal, sinfónico, metal core, y demás, pero a esto le suman una infinidad de cambios de tiempo dentro de las canciones lo que lo hace mucho más agradable al oído, ¿De dónde sale esto?

Durante el proceso de composición nos es importante resaltar la ejecución de cada instrumento y aprovechar el rango vocal de Jon. Nos gusta lograr armonías y melodías a pesar del sello de música pesada de la banda, y usar “half times” hablando rítmicamente, nos ha dado una buena plataforma y pausas que resaltan partes mas vibrantes a medida que progresa la rola.

¿Cuáles son las influencias musicales más marcadas en tu infancia? y llegaron a cambiar con el paso de los años?

Somos varios integrantes de diferentes edades y diferentes trasfondos musicales y, aunque cada quien escucha cosas diferentes, todos tenemos música que nos une, como Pantera, Metallica, Whitesnake y otras bandas clásicas. Bandas nuevas que tenemos en común algunos o todos los integrantes son Sleep Token, Ghost, Royal Blood, Spiritbox.

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En el nuevo sencillo de Dante, Reflections, la producción se escucha diferente a los sencillos Karma Mirror o Anesthesia, el sonido es más amplio y más enfocado a acordes más armoniosos, ¿A que se debió esto?

Tratamos de mantener una línea similar en nuestra música sin caer en que todas las canciones se parezcan entre sí. Como bien mencionas, buscamos tener amplitud, y no solamente quedarnos con un sonido.

Anesthesia es el primer sencillo de la banda. Expresamos un sentido de ánimo recién salido de Pandemia. Reflections es muestra una cara más vibrante de la banda.

Hablamos nuevamente sobre tu nuevo sencillo Reflections, pero no sobre el sonido sino sobre el homenaje a Dante Alighieri, ¿De donde viene esta idea?

La idea de Dante como nombre de banda se inspira en Dante Alighieri pero no es exclusiva de Reflections. De hecho esa rola fue escrita antes que Karma Mirror. Creemos mucho en el flujo de emociones que parten de nuestras vivencias. Nos conectamos con Dante Alighieri porque pensamos que todo acto resuena en el universo. Dante Alighieri puso a cada conducta en un infierno desde un punto de vista teológico. Nuestros conceptos se acercan a que, como él lo vislumbró, cada acto personal tiene consecuencias (buenas y malas) y el universo siempre te coloca donde debes estar. En reflections quisimos mostrar la potencialidad de meditar sobre nuestros actos y encontrar el camino positivo hacia adelante.

¿Quien se encargó del arte de este sencillo, es increíble ya que refleja mucho el mensaje y la música que contiene?

El arte del sencillo es una obra del artista mexicano Erik Rico. Erik ya había creado esa pieza antes de publicar reflections. La expresión estética y el estado emocional del humano que se ve en la pieza encajaba perfecto. Justo encontramos cómo transmitir el sentimiento de manera no verbal. El remolino ocular describe perfecto la intención de la rola. Estamos muy agradecidos que Erik Rico haya aceptado asociar su arte con nuestra rola.

Cuales son los planes a futuro para la banda, ¿Planean sacar sólo sencillos o piensan poner todos en un disco en algún momento de su carrera?

Pronto lanzaremos un EP con los sencillos que hemos sacado y una balada inédita. Más adelante, seguiremos componiendo para empezar a trabajar en el primer álbum, pero este ya no incluirá ninguna de las canciones que han salido. Estamos poniendo mucho énfasis en la producción de un show en vivo.

¿Creen que al día de hoy se puede vivir de la música? sobre todo teniendo en cuenta que a la mayoría de las productoras ya no les interesa el rock y el metal en lo absoluto y las emisoras de radio menos.

¡Claro! La industria musical está muy enfocada en lo que vende, sin importar si es rock, metal o reggaetón. Hay muchísimas bandas nuevas o actuales que están haciendo cosas increíbles, como Sleep Token, Spiritbox, Royal Blood, Leprous, Zeal & Ardor, Haken y muchas más que están incorporando elementos pop, electrónicos, atmosféricos y dance en su música. Muchas de esas bandas están en los festivales más importantes del momento, como Sleep Token, que serán los headliners del Download Festival en el 2025.

Dante no nace de una intención monetaria. Nos impulsa sacar música que conecte con la audiencia, pero creemos que hay mucho potencial en la industria.

¿Qué opinan de la industria musical en el 2024? ¿tienen algún apoyo de ellos o esto es autoproducido en su totalidad?

Dante es autoproducido al 100 por ciento. Fer el baterista es parte de una promotora de espectáculos que se vinculará con la banda. Pensamos que la industria de música pesada tiene demasiado potencial. Solo hace falta hacer las cosas de manera más institucional.

Al final, nuestro interés es ser parte del movimiento.

El tema Reckoning me recuerda un poco al In Flames después del Clayman, pero en la misma canción cambian un poco a bandas como Korn, algo que hicieron los mismos In Flames años después, ¿Ambas bandas y estilos musicales influyeron en ustedes?

Las dos bandas han sido influencia de algunos integrantes de Dante de alguna forma, aunque nunca nos sentamos a escribir Reckoning con la idea de “quiero sonar a In Flames y a Korn”. Es un honor que nos pongan en la misma frase que a bandas tan importantes como esas, pero la idea es sonar a Dante con todo lo que nos ha marcado a lo largo de los años.

Ponemos atención a lo que los fans nos dicen. En los comentarios del video hay quien piensa que sonamos a “AC/DC y Slipknot”. Nos satisface que pueda decirse que hay tan importantes facetas de metal heroes en lo que hacemos.

¿Qué les dirías a todos los metaleros que leen nuestra página en varios países de habla hispana para que se enganchen a escuchar Dante?

Si te gusta la música pesada, enérgica y divertida, con temas introspectivos que te harán headbangear tanto como te harán conectar y reflexionar, escucha a Dante en tu plataforma musical preferida. Nuestros más recientes sencillos, Reflections y Karma Mirror, son un gran ejemplo de lo que hemos hecho y de lo que somos capaces. Seguiremos haciendo ruido, así que esperamos que nos acompañes en este camino.

Y diviértete. Es el DNA de la música pesada. Invitamos a nuestros fans a que recuerden lo que es ponerse unas botas, jeans y playera and rock the fuck out.

Para los estándares de las bandas que suelen pasar por Sudamérica, Swansong son un conjunto bastante joven, habiéndose formado en 2019. Pero estos deathmetaleros melódicos finlandeses han demostrado muy bien su sonido en su LP debut Awakening, y ahora de la mano de un proyecto internacional podremos verlos en vivo en Argentina (el 17 de noviembre en Marquee Session Live, CABA) y Chile, en este último caso junto a Chelsea Grin luego de la repentina cancelación del CL. Rock, y por eso los tenemos acá respondiendo un par de preguntas para conocerlos.

—¡Hola a todos! Encantados de que respondan nuestras preguntas. Antes que nada, ¿cómo van las cosas con ustedes en este momento?

Hola y saludos desde Finlandia. Hemos estado bastante ocupados últimamente con los preparativos para nuestro viaje a América Latina. Casi todo está listo, aún quedan algunas cositas por hacer.

—¿Cómo describirían la música de Swansong?

Nuestra música combina lo brutal y lo hermoso. Hay muchas melodías intensas y riffs contundentes. Sobre todo, destacan las poderosas voces de Jemina.

—Tocarán en Argentina en un par de semanas. ¿Cuáles son sus expectativas para este concierto y para toda la gira?

Esperamos pasar un gran momento, dar un excelente show y conocer a los fans. Es nuestra primera vez en Argentina, así que estamos muy emocionados de ir.

—Esta gira fue posible gracias al Metal Swap Project, parte de la iniciativa “Come To Latin America”. ¿Cómo la describirían? ¿Cómo surgió?

“Come to Latin America” es un proyecto muy importante para que las bandas emergentes construyan una base de fans y ganen visibilidad. Nos sentimos muy honrados de participar en él. Creo que nuestra participación se debe, en gran medida, a los medios especializados en metal tanto finlandeses como latinoamericanos, y sus recomendaciones. Este proyecto es algo enorme para nosotros.

—¿Han escuchado comentarios de otros músicos sobre cómo suelen ser las audiencias latinoamericanas con las bandas internacionales?

Hemos escuchado que, en general, la escena del metal está creciendo en todo el continente. No es que alguna vez haya sido pequeña; algunos de los festivales de metal y rock más grandes del mundo siempre han estado en América Latina. Al menos, desde que tengo memoria.

—Siendo una banda finlandesa, ¿creen que hay algún elemento que sea característico del heavy metal finlandés? ¿Alguna clase de “sonido finlandés”?

Hay alguna similitud. No sé si es acerca del sonido, la composición o la atmósfera general, pero puedes darte cuenta muy fácilmente si una banda es del norte.

—¿Cómo deciden qué canción incluir en la lista? ¿Es un esfuerzo grupal?

Jemina es la que suele elegir la lista, y después tomamos las decisiones finales en conjunto. Tratamos de que la lista tenga una buena combinación de velocidad y agresión con momentos más lentos y melódicos.

—¿Qué debería esperar la gente de un concierto de Swansong?

Pasarla bien, buena música, headbanging y diversión. De eso es lo que se tratan los conciertos.

—¿Cuáles son los planes de la banda para después de la gira?

Tenemos shows en Finlandia, y además mucho trabajo de estudio para nuestro segundo álbum. Vamos a estar muy ocupados tras la gira.

—¿Qué te gustaría decirle a la gente que los va a ir a ver en Argentina?

¡Los veremos en Argentina! ¡Mucho amor y buenas vibras de parte de Swansong!

Gracias a Will del sello Seasons of Mist, tuve la oportunidad de entrevistar a Tamás, el multinstrumentista húngaro, cerebro de Thy Catafalque, quien amablemente respondió mis consignas sobre su nuevo trabajo. XII: A gyönyörü álmok ezután jönnek tiene su fecha de salida a la luz el próximo 14 de noviembre, el cual ya tuve el placer de escuchar y les aseguro que es excelente.

Tamás, gracias por la oportunidad de entrevistarte nuevamente para Track To Hell. La última vez que hablamos fue con motivo del lanzamiento de Vadak. ¿Qué puedes contarnos sobre la evolución musical desde aquel álbum hasta este nuevo lanzamiento?

Gracias por recibirme de nuevo. Vadak salió en 2021 y desde entonces hemos sacado Alföld el año pasado y XII saldrá dentro de tres semanas. Musicalmente no siento muchas diferencias. Quiero decir que Alföld era más bien un álbum de metal extremo sólido, casi tradicional, bastante pesado, oscuro y homogéneo, y en este sentido había diferencias innegables con Vadak. Pero con XII el paisaje vuelve a ser más colorido y la alegría y la aventura vuelven a estar sobre la mesa. La producción, sin embargo, es definitivamente otra cuestión, y esta vez suena más profesional porque el ingeniero de sonido no soy yo, sino otra persona (Gábor Vári, de Miracle Sound Szeged), que sabe realmente lo que hace.

¿Qué emociones o experiencias personales han influido en la creación de este nuevo álbum?

La vida en general. No hay grandes conceptos sobre el álbum, son sólo las diez próximas canciones que tengo y que disfruté tremendamente escribiéndolas y grabándolas.

¿Dónde encuentra la inspiración para sus nuevas canciones?

No lo sé. Y lo digo en serio. Puede ser y muchas veces es cualquier cosa, literalmente. Una línea en un libro, una imagen de algo que veo en el subte, una línea de guitarra aleatoria de una canción aleatoria que escucho. No tengo respuesta y eso es lo que lo hace interesante.

¿Cuánto suele tardar en crear una canción, desde la fase de composición hasta la de producción?

Varía muchísimo. Suele ser un proceso largo, pruebo todo lo que se me ocurre y no paro hasta explorar todas las ideas que van surgiendo. Luego suelo necesitar otra fase en la que me deshago de la grasa y encuentro el equilibrio adecuado de los ingredientes. Entonces se le da forma y llega el momento de los pequeños detalles. Los pequeños detalles son cruciales, marcan la diferencia. Y lo más importante es que en esta fase tendrás que tener una visión clara de lo que realmente quieres contar con la canción en sí para poder dirigir el barco en esa dirección y ser prudente con las proporciones. Este proceso requiere tiempo y energía. Sin embargo, las mejores canciones son siempre las más cortas y espontáneas.

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El debut de Thy Catafalque Sublunary Tragedies se publicó hace 25 años, en 1999. ¿Cuánto de ese Thy Catafalque está presente en XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek?

En realidad estuve escuchando mucho Sublunary recientemente porque Season Of Mist lo volvió a publicar este enero y necesitaba una remasterización. Me gusta mucho el disco, era un disco de black metal valiente y único con una producción terrible y muchos errores. Sé que Thy Catafalque siempre tendrá las raíces del black metal, es parte de nuestro ADN y aunque obviamente ahora hay muchos más colores en la música, el negro siempre será uno de ellos. Y todavía se puede escuchar en algunas de las canciones como en Mindenevő o Vasgyár.

¿Qué temas líricos conectan todos estas álbumes? ¿Han cambiado mucho sus letras desde el principio?

Sí, el mayor cambio fue pasar del inglés al húngaro en el tercer álbum, Tűnő idő tárlat. Al principio mis mayores influencias eran la literatura medieval y romántica inglesa, de ahí incluso el nombre del grupo, pero en 2004 las letras estaban enraizadas en la literatura, la ciencia y el folclore húngaros del siglo XX. Ahí es donde me siento como en casa y de donde proceden la mayoría de las letras.

¿Podés compartir el concepto que hay detrás del arte de la portada y su conexión con los temas o el contenido musical del álbum?

Esta es una imagen fija del vídeo que rodamos para la canción que da título al álbum. Esta escena aparece en el vídeo. Me gustó mucho el encuadre y decidí utilizarlo como representación de la esperanza y la pureza en medio de un paisaje otoñal que se prepara para caer en la decadencia. Esta dualidad es a menudo visible en nuestros contenidos musicales y líricos y encaja con el mundo visual de Thy Catafalque. Además, casualmente, la portada anterior fue tomada a sólo un par de kilómetros de distancia, pero se trata de un hombre (yo mismo) de pie en un campo estéril en blanco y negro. Estas dos fotos, una al lado de la otra, parecen complementarias.

Thy Catafalque ha ido ganando adeptos a lo largo de los años. ¿Cómo percibis la acogida y el impacto de su música, sobre todo teniendo en cuenta su carácter experimental y poco convencional?

Bueno, simplemente hago lo que siempre he hecho e intento no tener en cuenta el mundo exterior para mantener un entorno artístico sano. Pero, por supuesto, me doy cuenta de que hay muchos oyentes que aprecian nuestra música desde entornos geográficos, lingüísticos o culturales totalmente distintos y que se conectan con ella únicamente por los sentimientos que les evoca, y eso es un logro muy bonito, sobre todo teniendo en cuenta que no tienen ni idea de la letra.

¿Tenés alguna influencia musical o de otro tipo que haya influido en tu visión artística y en su forma de crear música?

La literatura, como he mencionado antes. La arquitectura, las bellas artes, la fotografía y el cine. Me encantan las películas de Béla Tarr, por ejemplo, un director húngaro, y siento que su ethos también resuena en mis obras. También mencionaré las películas de Marcell Jankovics. Búsquenlos, estos artistas únicos son verdaderos maestros de Hungría.

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En este nuevo álbum hay 20 artistas invitados. ¿Cómo fue el proceso de selección de estos artistas, y qué impacto crees que tuvieron en el resultado final del disco?

Intenté utilizar instrumentos en directo siempre que fuera posible en lugar de virtuales, aunque sólo fuera durante un par de segundos. En esas ocasiones me puse en contacto con alguien que pudiera grabarme el instrumento solicitado. A muchos de estos artistas ya los conocía de trabajos anteriores y la mayoría de las grabaciones se enviaron por Internet, excepto las voces. Son más personales y es mucho mejor trabajarlas juntos. Por supuesto, este arsenal en directo tiene un impacto enorme, hace que el sonido general sea más natural y orgánico. Al mismo tiempo, he intentado evitar meter instrumentos por todas partes. Creo que el álbum no está saturado.

En las versiones físicas del álbum, podemos escuchar la canción extra “Babylon“, del grupo Omega. ¿Qué les hizo decidirse a versionar esta canción en concreto?

No, es al revés. “Babylon” sólo está en la edición digital, no en la física. El vinilo habría sido demasiado largo y no quería un doble LP sólo por 3 minutos y medio extra. Me parecería un desperdicio innecesario de fuentes. Siempre me gustó la canción, pero pensé que la original sonaba demasiado boomer y antigua y que podía hacerla un poco más ajustada. Además, no era muy difícil de tocar y me alegré de encontrar una canción que pudiera interpretar, jaja.

Imaginemos que tenés la oportunidad de organizar un gran festival de metal. ¿Cómo confeccionarías el cartel? ¿Qué bandas serían tus cabezas de cartel y qué criterios utilizarías para elegir a los demás artistas?

Tendría a Emperor o Ihsahn, Pan-Thy-Monium, Dismember y Sepultura del 91.

Gracias de antemano por tu tiempo. Espero que haya oportunidad de verlos girar por Argentina algún día. ¿Cuáles serían tus últimas palabras para nuestros lectores?

Gracias de nuevo por la entrevista, fue un placer hablar y espero que algún día podamos tocar en América Latina y Argentina.

Mystification es una banda de brutal death metal mexicana originaria de Guadalajara, Jalisco y León, Guanajuato formada en 2022 por Adriana G. Puga (Talent Nation Latin America Management) a la guitarra y Moritz González (Fractal Dimension, Dark Matter), más tarde uniéndose Osvaldo Hernández (Symbiotic) al bajo y Sergio Arenas (Ensamhet) en las voces, completando así un proyecto violento y fascinante que se encuentra estrenando su primer sencillo: Declassified Truth.

Lidiando con temas sobre los fenómenos del cosmos y los grandes misterios de la vida, en Track to Hell tuvimos la fortuna de entrevistar a su guitarrista y líder:

Adriana, tengo entendido que a pesar de ser una figura ya conocida en la escena latinoamericana por tu trabajo con medios y management, este es tu primer proyecto musical, ¿es correcto?

¡Muchas gracias por el espacio, Axel! Sí, estos últimos 4 años había estado enfocada en el management con la agencia de booking Talent Nation Latinamerica, y hace apenas dos años empecé a trabajar en Mystification, mi propio proyecto musical en el que escribo sobre temáticas que me maravillan.

¿Cómo nace Mystification?

La banda nace en 2022 de estar platicando con Moritz, mi novio y también miembro fundador sobre realizar un proyecto juntos; yo llevo muchos años tocando la guitarra y lo había hecho como hobbie hasta que Moritz me convenció de materializar algo propio y empezamos con planes y composición, lo cual ha sido nuevo para mi pero muy divertido. Fue hasta 2023 que empezamos a componer en forma.

¿A qué hace alusión el nombre de la banda?

Estuvimos pensando en más nombres pero Mystification se nos hizo el más adecuado por el concepto de la banda, hablar de lo desconocido, invitar a la reflexión y explorar temáticas que son del interés social y que no han sido muy clarificadas en los últimos años por el control que quieren tener los gobiernos —por ejemplo en el tema de la desclasificación, mismo que trata nuestro single debut—.

¿A qué se debe el tema alienígena, tienes alguna experiencia al respecto que quisieras compartirnos?

Desde pequeña veía documentales del cosmos en VHS con mi abuelito y la serie de Star Trek, eso despertó mi interés por estas temáticas en las que me he ido empapando más conforme he crecido. En cuestión a alguna experiencia “paranormal”, no he tenido la fortuna de ver un ovni o algo en el cielo, pero espero poder experimentarlo algún día. El álbum va a tratar sobre temas no sólo alienígenas, sino fenómenos y acontecimientos astronómicos que suceden en el cosmos, es un concepto algo ñoño para llevar estos temas a la mesa y que la gente conozca un poco más de astronomía, todo se basa en datos y teorías reales, no estamos usando la fantasía en esta ocasión. Y el álbum debut saldrá en 2025.

Tienes la fortuna de haber empezado este proyecto con tu novio Moritz en la batería, otra figura sumamente importante y talentosa en la escena de León, ¿cómo fue empezar a armar las canciones con él?

La verdad ha sido un proceso súper divertido y llevadero, cambiamos los planes de noches de películas por componer, y han sido las mejores dates. La dinámica fue escribir mis riffs y enseñárselos para que me ayudara con arreglos y demás para después incorporar la batería, qué puedo decir si tengo como pareja y band mate a uno de los bateristas más impresionantes del país. En cuanto a las letras, las escribo yo con estos temas que menciono y se las mostraba para saber su opinión, también me ayudó con el ritmo y a dar las indicaciones de fraseo al vocalista. Admiro mucho el talento, trayectoria y experiencia de Moritz.

También trabajas con Osvaldo de Symbiotic y Sergio de Ensamhet otras dos caras bastante conocidas de León, casi pudiéramos decir que esta es una “superband”, ¿cómo ha sido colaborar con ellos?

La verdad ha sido increíble, son grandes músicos y amigos nuestros que confiaron en el proyecto y les gustó el concepto. Osvaldo es un excelente artista y agregó líneas de bajo súper locas como queríamos, la voz de Sergio es sumamente brutal, además, mide 2 metros, se va a ver muy imponente en el escenario.

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¿Qué hay en el futuro para Mystification y cuáles son tus deseos para este proyecto?

En diciembre lanzamos el segundo sencillo con video musical y el próximo año sale nuestro álbum debut. Estaremos subiendo algunos studio report a nuestro canal de YouTube por si quieren conocer el proceso de grabación. Mi deseo es que la gente conozca más sobre estos temas y se maravillen tanto como yo con los misterios que esconde nuestro universo.

¿Algo más que quieras comentar a nuestros lectores?

Si les gustan estas temáticas y el brutal death metal pueden seguir a Mystification en nuestras redes para conocer más de los próximos lanzamientos.

Punk, ska, ritmos latinos y mucha fiesta con consciencia social. Esa es la manera de definir de manera más básica la propuesta de Talco, el combo italiano que lleva 20 años adelante con su mezcla de estilos sobre una base de punk rock. Con la celebración por las dos décadas de vida del grupo ahora tenemos la salida de su nuevo álbum en vivo, el directamente titulado 20th Anniversary Live Album, y la gira que se viene a través de Europa, nos comunicamos con el cantante y guitarrista Tomasso “Dema” De Mattia, hablando sobre el nuevo álbum, la actualidad de la banda, covers de canciones argentinas, compromiso político y la evolución del grupo.

Promocionar un disco, incluso antes de que salga, es una tarea larga y complicada. ¿Cómo viene todo con eso?

Bueno, es un periodo raro. Es un periodo raro y al mismo tiempo hermoso para mí, personalmente, porque escribiendo las canciones estoy paralelamente aprovechando de este disco en vivo y la próxima semana vamos a grabar un disco nuevo. Pues es un periodo particularmente bueno para Talco porque tenemos esto, que creo que ha sido una cosa muy natural.

A veces tú celebras el 20º aniversario y te dices: “Vale, hago un directo, hago un Greatest Hits o algo”, pero es una cosa normal, no es nada nuevo. Pero lo bueno es que todo ha sido natural.No había un plan para grabar estos directos, simplemente teníamos nuestra mesa de grabación durante la gira de Videogame y grabamos todos los conciertos, hasta el punto de decir: “Bueno, hemos tocado bastante bien, ¿por qué no aprovechamos para hacer un disco en vivo?”.

Al final, a veces te dicen que cuando sale un disco en vivo o un Greatest Hits, la banda no tiene más ideas, pero la verdad es que ya estamos grabando un disco nuevo. Es por eso que lo hemos elegido, porque es algo natural. Creo que para celebrar el 20º aniversario era necesario.

Sí, su último y único álbum en vivo, hasta donde sé, había sido 10 Years – Live in Iruña, del 2014, que era para celebrar los 10 años, y ahora ya este nuevo disco celebra los 20 años.

¿Fue una coincidencia eso? ¿O dijeron “Bueno, 20 años, 10 años”?

Bueno, yo creo que es una coincidencia, porque cuando hemos pensado definitivamente en hacerlo, hemos dicho: “pero, ¿no lo habíamos hecho 10 años antes?”. Pues no lo hemos decidido para hacer algo paralelo. Es que cuando lo hemos decidido, la respuesta que hemos dado a esta pregunta fue: “Sí, hemos grabado 10 años antes un directo, pero han pasado años. En 10 años hemos grabado otros discos”.

Estaban otras canciones que hemos hecho, la posibilidad de insertar también de las viejas canciones. Pienso en “La mano de Dios”, que no estaba en 10 Years, algunas otras canciones que hemos aprovechado. Y, bueno, tenemos otras canciones que para nosotros habrían podido valorar este directo que han salido después de los 10 años. Por ejemplo, las primeras que me vienen a la mente son los últimos dos singles de Videogame, como “Muro di plastica” y “Garage Jukebox”, y la gente ya empezó temprano a aprender a cantarlas en los conciertos. Pues nos da placer ver algo un poco más completo, han pasado 10 años al final.

Sí, cuando vi en la lista de las canciones “La mano de Dios” fue todo un choque, porque yo conozco esa canción de toda la vida, porque en Argentina todo el mundo la conoce. Pero ver esa canción fuera de Argentina es algo tan extraño porque la conozco por la versión de Rodrigo.

No, no, yo la conocí a… la descubrí en el 2016, me parece, 2017, y hemos decidido ponerla, hacerla un poco más pachanka, punk, en nuestro estilo y ya está. Ya era una canción perfecta en el estilo del Potro Rodrigo, claro.

Sí, no hay que cambiarle mucho para adaptarlo a un estilo más punk, más rápido.

Y tampoco teníamos la intención, porque si una canción la ha escrito una persona, para nosotros es más una celebración del jugador que de la persona que la ha escrito.

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En la época pre-YouTube, se veían más los discos en vivo. Ustedes dan ya un montón de recitales, uno se imaginaría que una banda como ustedes, que toca tantos recitales y pone tanto énfasis en las presentaciones en vivo, tendrían más álbumes en vivo. ¿Por qué no se sacan más seguido? ¿Es por alguna cosa en especial o es simplemente porque no tienen ganas de sacar?

No lo sé, no lo sé. Al final, elegir hacer un disco en directo es una cosa muy personal de una banda. A veces hay bandas que están más a gusto en una situación de directo, algunas en una situación de estudio. En el mainstream, me sale decir que una banda que salía mejor en estudio que en directo era System of a Down, a mi gusto, el nivel del estudio me gustaba más que el directo. 

Otras veces me gustan más los directos. Por ejemplo, mi banda preferida es Iron Maiden, y en directo están fenomenales. Es algo muy personal de cada banda. Para nosotros, creo que nos gusta mucho estar en el estudio y grabar nuevas canciones, pero el aspecto mayor de Talco supongo que sea el directo, porque es un género, un estilo de música muy festivo y creo que se puede valorar al máximo con el directo, creo que es algo más justo para nosotros.

Sí, sí. Tampoco hay que ser Metallica que todas las semanas saca un nuevo álbum en vivo en Helsinki.

Claro, es una cosa especial. Esto es claro. No es que podamos hacer todos los discos en directo ahora. Y para eso creo que vale la pena hacerlo porque si va a repetirse tres, cuatro, seis veces, acaba siendo algo pesado.

Encima para una banda independiente, digamos, es una banda de otras características, no pueden agarrarse de eso, de sacar cada vez que quieran un disco, es todo un tema.

Claro, claro.

Estaba leyendo hace poco una entrevista con Mundo Sonoro, que decían: “En Europa Central se nos considera una banda de punk rock con interludios de ska, y en España una banda de ska pachanka con interludios de punk”. ¿Cómo creen que eso afecte a la aceptación de la banda en diferentes países?

No creo que vaya a afectar porque cada banda tiene su propio público, sobre todo seguramente. Es claro que hablo para mí porque he escrito las canciones de Talco, pero vengo de muchos ambientes diferentes también en Italia. Yo escucho un montón de punk rock, ska, metal, y he tocado con bandas de hardcore. Esta distinción nunca me pasó por la cabeza hacerla, y espero no tener que hacerla en el futuro.

Pero respecto al resto, ¿qué puedo decir? A mí no me asustan estas diferencias. Creo que es normal que cada ambiente tenga su propio público, y lo veo totalmente lógico. Por ejemplo, en España, donde la escena de ska y punk está un poco más diferenciada del punk rock hardcore, lo veo normal. En Alemania, que tiene una escena más punk, nosotros estamos más insertados en ese ambiente. Para Talco, aunque tenemos todas estas influencias, la base de punk rock es la más fuerte, sin duda alguna.

Sí, una cosa que también me llama la atención es que Italia tiene una escena hardcore punk enorme, pero generalmente, cuando se habla de bandas hardcore italianas, no suelen tener mucha influencia de ska ni de otros géneros. Son más directamente bandas de punk puro, a menos que estemos hablando de algo tipo Banda Bassotti o ustedes, claro. Me llama la atención cómo esa onda ska, con toques latinos, no se asocia tanto con Italia. Además, ustedes tocan mucho en Alemania y España. ¿Creen que se tiene más aceptación por esos lugares?

Para nosotros fue normal, porque cuando empezamos a tocar, la escena en Italia ya estaba decayendo y prácticamente no existía. No nos preocupábamos mucho por eso, porque la única oportunidad de tocar estaba fuera del país. Todos nos decían: “Talco, si vais afuera podréis tener una carrera vuestra”. Yo no me habría esperado tener una carrera así, me siento muy orgulloso de haber empezado fuera, inicialmente en Europa Central, y luego expandirnos a España, donde funcionó muy bien. 

Honestamente, no puedo explicarlo, porque siempre hemos tocado nuestras cosas, nuestra música, lo que nos gustaba, sin pensar mucho en planificar una carrera. Para nosotros, el hecho de que gustara fue una suerte y un privilegio, pero nunca pensamos en programar nuestra vida concentrada en la música. Era nuestro sueño, pero la realidad es que parecía difícil, sobre todo viviendo en Italia, donde no existía una escena.

Estaba pensando en una banda italiana, era CCCP, creo que se llamaba.

¡Sí!

CCCP, una banda de ese estilo, pero no este estilo más punkchanka, como ustedes le dicen. Así más de fiesta, más…

CCCP pertenece a una escena de los años 70s. Proto-punk rock, un poco electrónico, proto-indie rock.

¡Sí, de una!

Una de las características principales de Talco, al menos para mí, es que sea en una banda muy comprometida en lo político. A ver, no son 100% políticos todo el tiempo, no son Rage Against The Machine, ¿no? Pero es un compromiso que no se puede obviar, no es que podés agarrar y decir “Ah, no me enteré que era en una banda política”. ¿Qué te complica de ser una banda de esas características? Ser una banda comprometida con algo político, porque mencionabas antes a System of a Down, por ejemplo, y System of a Down era una banda política, todo eso, y les pasó que se quemaron después de ¿cuánto? ¿Cuatro o cinco discos?

Ahora han vuelto a tocar, pero no hacen discos desde creo 2005.

No sé, no puedo hablar en general, solo desde nuestra experiencia. Siempre hemos estado comprometidos, pero claro, no estamos al nivel de una banda como Rage Against The Machine, que es muy mainstream. Me gustan mucho, pero hemos notado que cuando habláis de ciertas cosas te enfrentas a dos problemas: a la gente que cree que no se tenga que hablar de estas cosas y las que piensan que se tiene que hablar de ellas.

Los que no quieren que hablemos de estos temas suelen decir: “¡Qué pesados! ¿Por qué siempre tenéis que hablar de política?”. Nosotros hablamos de lo que nos interesa a nosotros, no de lo que intentamos imponer o enseñar a otros, lo cual es muy diferente. Pretender enseñar me parece presuntuoso, porque la música no cambia el mundo. Lo que hace es informar, pero primero y ante todo, hacemos música.

Luego están aquellos que piensan que es necesario hablar de estos temas. A veces, estas personas parecen imponer su visión y eso me molesta personalmente, porque aunque yo os escucho, siento que no me escucháis a mí. No es recíproco, y cuando eso pasa, digo: “Voy a decir lo que pienso, no lo que vosotros queréis que diga”. Si alguien quiere compartir su opinión conmigo, siempre estoy abierto a hablar, pero si me dicen lo que debo hacer, nunca lo haré.

A veces, cuando habláis de política, os ponen una etiqueta y os dicen: “No podéis hacer esto o aquello”. ¿Por qué? ¿Porque lo decidisteis vosotros o porque lo decidí yo? Se habla mucho de coherencia cuando realmente la coherencia no existe. Sin embargo, aunque no existe, siempre se piensa que los demás son incoherentes, y no se miran a ellos mismos.

Y además, como se dice, todo el compromiso político me parece muy importante. Creo que podemos estar de acuerdo en la etapa que estamos viviendo, sobre todo, porque uno ve que estamos hablando de Italia, estamos hablando de acá de Argentina, estamos hablando de varios países de Europa, ¿sí? Donde tenemos cada vez más líderes de ultraderecha siendo elegidos alrededor del mundo. O sea, y la gente, viste, diciendo cosas. No sé si viste posteos o gente diciendo “Los conservadores son los verdaderos punks”, y ese tipo de cosas. El compromiso político es súper importante, sobre todo en estos días.

Yo creo que sí, porque vivimos en un momento de desinformación. A mí me sale de decir que teníamos una posibilidad, una oportunidad muy grande con la democracia y la hemos disfrutado solo para exportar una democracia que no es democracia, más que todo.

El privilegio que se tiene en la democracia es tener la libertad de hacer cultura. Y es una cosa que falta completamente. Estamos viviendo en un momento donde la economía está dominando el mundo desde hace 100 años, dos siglos más.

Y hemos perdido la pasión por la cultura porque la cultura no tiene un objetivo que no sea la cultura. Nosotros estamos intentando siempre tener el objetivo de aparecer, de exhibirnos sin dar una definición de lo que es nuestra exhibición.

Porque a veces, a mí me parece que encuentro gente ignorante que solo para exhibir aprende una cosa que le ha dicho un político de derecha o un amigo de memoria. Es verdad y se enseña en TikTok, en Instagram. Somos todos protagonistas y lo que perdemos es la cultura, porque a la gente no le importa nada la cultura. La cultura no me hace ganar dinero, no me hace conseguir un éxito, no me hace nada, pues no me importa nada. La cultura es la base de por qué el mundo está en un desastre así.

Porque nos falta pensar también a nivel independiente, a nivel individual. Porque hemos siempre, esta cosa de los eslóganes, de la ideología, nosotros hemos siempre pensado que la colectividad sea la cosa mejor del mundo.

La colectividad es la cosa mejor del mundo, pero es una forma de muchas individualidades, mucha diversidad que va junta a hacer una idea, no que una idea llega del alto para no hacer esfuerzo, no hacer fatiga. Yo siempre he pensado esto y todo esto es una falta total de cultura, de autonomía y de coraje a veces.

Sí, estaba pensando porque esto que decías de que, sobre todo la mentalidad de mucha gente en lo que fue la post-pandemia y que la pandemia a ustedes también los afectó. Es más, sacaron el disco Videogame, que era como una cosa que habían pensado en pandemia, como que fue centrado en videojuegos, que eso también habla acerca de lo que decían, de que ustedes hablan de lo que quieran.

A mí, personalmente, la pandemia, tengo que decir la verdad, a mí me ha hecho bien porque estaba en un periodo que se tocaba demasiado, yo tenía ansiedad, no lo podía imaginar, me ha hecho nacer de nuevo, pero he perdido totalmente la confianza en la gente después de la pandemia, porque he mirado un egoísmo total, una desinformación total. Mucha gente decía: “Saldremos mejores desde esta experiencia”. A mí me parece que cada persona mentía diciendo: “Ah, yo tengo muy claro que la gente tiene que salvarse”, porque estaba pensando solo en el miedo de morir, el miedo de morir ellos, no la otra gente. Esta es una mentalidad que ha tenido siempre en general Europa y América, entendida como Estados Unidos, ¿no?

Y hay siempre una mentalidad: “Antes llego yo, después todos”. Y creo que la pandemia la ha amplificado de una manera brutal. Y a mí me asusta, pero también me decepciona este nivel a que ha llegado esta humanidad. Pues, tengo que decir que la pandemia ha puesto, como se dice, ha exhibido definitivamente, la manera siempre más explícita, la falta de humanidad, de accesibilidad, de química con el próximo.

Un montonazo de gente que no le importaba lo que le pasara al vecino. Si no le importaba lo que le pasara al vecino, imaginate gente más lejos.

Sí, sí, sí. Eso.

Ustedes tocaron en un montón de lugares diferentes. Mencionamos obviamente España y Alemania, que es el lugar donde tocan un montonazo, pero hablamos de lugares tipo Rusia, Japón, México, ¿verdad? Grecia… ¿Hay algún lugar que no hayan visitado donde les gustaría tocar?

Bueno, a mí me gustaría que acabase la guerra [Risas]

¡Sí, sí! ¡Obvio!

Pero en general, lo que me ha encantado más, siempre lo he dicho en Japón. A mí me gustaría tocar también en América del Norte, en Estados Unidos; me gustaría un montón bajar desde México también, llegar hasta la Argentina. Personalmente, existen sitios donde me tocaría más tocar, ahora como ahora, porque creo que el continente americano es un continente muy bueno. Es que para nosotros siempre ha sido un poco difícil llegar a otro continente y organizarlo, cuesta mucho. Pero claro, la intención está siempre; la intención está siempre porque nosotros, cuando hemos partido en Europa, se partía con nuestra furgoneta, dormimos dentro de la furgoneta durante años, y hemos empezado a ver resultados buenos ya en estos momentos. Pero los resultados mejores los hemos visto, notado, después de ocho o nueve años. Pues estamos siempre; nuestra mentalidad es esta: a nosotros nos gusta partir desde cero para poder ver qué podemos hacer, si gustamos o no gustamos. Esperamos de gustar cuando tendremos la posibilidad de llegar a estos países que soñamos, y ya está.

Sí, me asombró cuando vi en Setlist.FM, donde te dicen dónde tocó tal banda en tal lado, que nunca hayan tocado en Sudamérica, porque tienen un sonido muy, muy de por acá, muy aceptado por estos lugares.

Sí, a veces nos preguntamos si puede ser que, hablando o cantando en castellano o en español, puede ser una dificultad para nosotros. Pero al final, nunca tuvimos dificultad de tocar en esos países. Hemos tocado en España, que se habla en castellano. Hemos tocado en Alemania, que claramente no comprende el italiano. En todos los países del este de Europa, en Japón también, pues ahora vamos a intentar en Inglaterra, donde están muy así con el inglés, con las bandas que hablan inglés y todo. Pero parece que tenemos la oportunidad también, cantando en italiano, de tocar ahí. Pues espero que la tengamos también en el continente de Latinoamérica, de Sudamérica, americano en general.

¿Qué se viene en el futuro de la banda? Dijiste que ya van a estar grabando un nuevo álbum. ¿Nos podés adelantar algo acerca de este nuevo disco?

Sí, sí, sí, claro, claro. Al final han salido 13 canciones. Yo creo que a mí, personalmente, me recuerda mucho el periodo de Gran Galà y Silent Town, pero es claro que, desde Gran Galà y Silent Town hasta ahora, han estado dos discos fundamentales para nosotros que nos han madurado también como personas y como músicos, que son Videogame, que es el disco punk rock, y Locktown, que es el disco completamente de songwriting folk. Estas cosas, naturalmente, van a influenciar un poco en lo que hacemos. Estoy pensando de una manera en un Gran Galà en versión dopada.

¿Cómo ves la evolución de la banda desde que arrancaron hace 20 años? Porque decían que el primer disco en vivo lo grabaron en 2014 y la banda arrancó en 2004. Y 2014 y 2004 son años completamente diferentes para muchos. ¿Cómo ves la evolución de la banda desde que arrancaron?

Yo creo que como personas somos seguramente más viejos, más responsables. Pues se ha acabado de hacer una pasión. Debe considerarse esta pasión también como trabajo. Esto comporta muchas cosas de profesionalidad, de seriedad.

Pensar que somos seis personas, seis amigos, pero seis personas que siempre tienen que caminar juntos. Y esta es una cosa muy buena para nosotros.

A nivel musical, claro, hemos empezado tocando un género que estaba influyendo de las bandas que nos gustaban, como la Banda Bassotti, Mano Negra, el punk rock californiano. Hemos ido adelante, pensando que se podía, al interior de estos estilos que ya estaban perfectos, pero construir una pequeña parte para nosotros, un estilo un poco más personal.

Y esto creo que nos ha involucrado siempre más a intentar de mejorarnos. Si después a veces sale, a veces no, es una cosa. Pero la idea de intentar mejorar siempre el nivel de la banda, experimentando, estudiando nuevas cosas para nosotros, ha llegado a este momento.

Ver atrás para nosotros es un orgullo porque hemos tenido el coraje en estilos, como se decía antes, muy cerrados, de hacer nuestras cosas, nuestro género que nos gusta, personalizarlo un poco sin algunas presunciones, esperando que a algunos no les gustara. Hemos tenido la fortuna de que a algunos les ha gustado y estamos aquí.

Siempre hay que agradecer que el arte de uno le llegue a la gente.

Tienes que decir siempre gracias a la gente y siempre pensar en qué haces para ti mismo. Pero aún tienes que decirles gracias porque es la gente que te hace vivir de lo que te gusta.

¿Qué querrías decir a los fans de Talco, a los que vayan a escuchar este nuevo álbum en vivo y a la gente que los vaya a ver en la gira que tienen para el 2025?

Bueno, espero que vengan porque desde las anticipadas parece que la gente quiere ver a Talco después de 20 años, que no es una cosa que se da por contada, como se dice. Es un privilegio.

Nosotros haremos naturalmente una gira celebrativa. Haremos muchas canciones que no hacemos desde hace muchos años, tocaremos como mínimo dos horas por concierto. Llegaremos exhaustos al final de la gira, pero lo haremos con mucho entusiasmo. Si la respuesta de la gente está, así tenemos que hacer mucho más al respecto de lo que se tenía que hacer.

Los estadounidenses The Ghost Inside se ganaron una segunda vida que a muchos no se les presenta, luego del accidente que tuvieron en 2015 que se saldó con dos muertos, múltiples lesiones y, lo más llamativo, la pérdida de una pierna por parte de su baterista Andrew Tkaczyk. Tras varios años de recuperación y un primer intento de volver a los escenarios justo cuando comenzara la pandemia, que provocó que tuvieran que sacar su álbum de regreso sin poder presentarlo en vivo, la banda de metalcore está ahora de verdad de vuelta con su sexto álbum Searching For Solace, con una gira europea incluida. Hablamos con el bajista Jim Riley sobre este nuevo álbum, el presente del grupo, cómo fue tocar en (casi) todos los continentes y la aventura de llevar su música hasta los lugares más recónditos.

Primero que nada, estoy contento de estar aquí hoy hablando contigo. Quería preguntarte cómo va todo. Sé que promover un álbum y hacer giras, ya sabes, todo eso es muy agotador. ¿Cómo va todo?

Todo está genial. De hecho, tuvimos bastante tiempo libre este verano. Estuvimos en casa durante julio y agosto, así que ahora estamos volviendo a un periodo realmente ocupado. Acabamos de estar en Australia con Parkway Drive, lo cual fue increíble. Creo que todo el mundo que le gusta la música metal ha visto fotos de ese espectáculo. Fue muy genial estar allí y verlo de cerca.

Ahora estamos aquí unos días en el Reino Unido y hasta ahora los shows han sido increíbles. Siempre sabemos que los fans aquí son de los mejores del mundo. Después, nos iremos al continente y terminaremos esta gira en España, lo cual nos tiene muy emocionados, ya que no hemos tocado un show propiamente allí en como 10 años. Será muy genial finalmente volver y hacer un par de shows en clubes. Tocamos en el Resurrection Festival, creo que fue el verano pasado, y fue uno de los momentos destacados.

Sí, en 2023.

Y fue genial. Nuestros fans españoles están muy agradecidos porque no podemos ir allí en cada gira. No todas las giras llegan tan lejos, al oeste de Europa, así que fue muy genial ver muchas caras conocidas que no habíamos visto en mucho tiempo.

El Resurrection Festival es increíble y ser parte de él es genial. Estamos emocionados porque estamos tocando muchas canciones del nuevo disco, muchas canciones viejas, en general un set muy largo. Es realmente divertido tocar música nueva, especialmente música que escribimos con la idea de que la iba a interpretar en vivo. ¡Así que nos lo estamos pasando genial!

¿Qué opinas sobre la recepción que ha tenido este nuevo álbum?

Estamos realmente muy contentos con ello. La gente que ha estado con nosotros en este camino y que realmente disfrutó del álbum homónimo, creo que vio que este disco, en su esencia, sigue siendo definitivamente un disco de The Ghost Inside. Pero tenemos que seguir avanzando, tenemos que probar cosas nuevas, tenemos que desafiarnos a nosotros mismos.

Sí, intentar nuevas cosas sin perder la identidad de la banda es definitivamente un reto, pero también sentimos una gran libertad después de escribir el álbum homónimo, para escribir cualquier tipo de canciones que quisiéramos. Realmente escribimos este disco para nosotros y la única cosa que nos importaba era si nos gustaba la canción o no.

Creo que cuando estábamos escribiendo el álbum homónimo, una canción como “Wash It Away” no habría sido una que pensáramos: “Oh, esto es algo que podemos hacer”. Ahora sentimos que podemos hacer lo que queramos, y depende de la gente que escucha la música decidir si les gusta o no. Pero nosotros estamos enamorados de él.

Este es también el primer disco, creo, en el que las 11 canciones probablemente entrarán en el setlist durante este ciclo de gira. Cada una de ellas es una canción especial para nosotros y nunca antes nos habíamos sentido así. En discos anteriores, tenías ocho o nueve canciones de las que estabas enamorado y luego tenías que incluir otra o dos que sabías que eran las últimas que entraron en el disco.

Esta vez, de hecho, había dos canciones que no entraron en el disco, y te das cuenta de que tienes cosas extra. Nunca realmente habíamos tenido eso en el pasado, así que eso también es emocionante para nosotros. No solo estábamos tratando de escribir hasta el final del disco; escribimos mucho material y tuvimos que reducirlo para que fuera un disco.

Sí, escuchas mucho acerca de bandas que para el disco escriben como 20 canciones y luego solo eligen 10 o 12.

Exactamente, y si hay dos canciones que están bien, quizás puedas combinar las mejores partes de ambas para hacer una muy buena canción.

Las pegas una con la otra y haces una sola gran canción.

Sí, simplemente haces un remix. Pero, en general, la recepción del disco ha sido realmente genial. Por ejemplo, estamos comenzando los sets con “Death Grip” y puede que sea uno de los momentos de coro más grandes y ruidosos de todo el espectáculo. Cada vez que lanzábamos un álbum en el pasado, solía tomar un tiempo para que las canciones nuevas ganaran fuerza, pero creo que las seis canciones nuevas que estamos tocando en este set son temas con los que los fans ya están cantando y pasándola bien.

Para nosotros, esto es muy gratificante, porque sabemos que hemos empujado los límites de lo que algunos de nuestros seguidores podrían esperar de la banda. Pero ver que la gente sigue viniendo a los conciertos, y que hay muchos de ellos, disfrutando tanto de las canciones nuevas como de las antiguas, es algo que se siente increíble como artista.

Siempre existe esa sensación de nerviosismo antes de lanzar algo nuevo, el temor de que a nadie le guste más la banda, de que nadie venga a verte tocar y que tu carrera pueda terminar. Así que estar aquí tocando nuevas canciones, y que la gente cante junto a ellas y se divierta, es algo muy gratificante.

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Si no me equivoco, ahora mismo están en Inglaterra, ¿verdad?

Estamos en Birmingham hoy, sí.

Y en unos días tocarán en Europa continental. ¿Qué esperas de los próximos conciertos que vienen?

El Reino Unido siempre se siente muy parecido a América, la respuesta del público es similar. Pero cuando llegamos a Alemania, hay un cambio total de ambiente, y no solo en Alemania, sino también en Bélgica, Países Bajos, Francia y España. Es como un cambio de vibra donde las personas son muy, muy agradecidas por la música pesada. La música heavy sigue siendo algo underground, pero no tanto como en otros lados.

Las personas allí escuchan mucho metal y sus festivales, como Wacken, Full Force y Rock Am Ring, son algunos de los más grandes del mundo, llenos de bandas de metal. Es genial ir allí, la banda lleva ya 16 años y creo que este es nuestro vigésimo viaje a Europa, o algo así. Y cada vez es mejor que la anterior. La gente sigue regresando, ahora incluso con sus hijos.

Es increíble, siempre lo esperamos con ansias. No importa qué problemas puedan estar ocurriendo para la banda fuera de la gira, siempre esperamos con emoción subirnos a ese avión y venir aquí a tocar estos shows. Así que estamos muy emocionados.

Cuando estoy escribiendo las preguntas para cada entrevista, me gusta revisar Setlist.FM. Vi que tuvieron unos 10 días entre tocar en Australia y luego en Escocia, que están a casi 10,000 millas de distancia. ¡Esa es una distancia increíble! ¿Qué tan estresante puede ser cubrir una distancia tan grande en tan poco tiempo?

Esta fue realmente difícil, ya sabes, todos tenemos familias y cosas pasando en casa, así que volamos desde Australia de regreso a los EE. UU. por cinco días, y luego a Escocia. Los vuelos se retrasan por el clima, hubo huracanes locos afectando a América, así que la parte del viaje se vuelve bastante estresante. Especialmente cuando no empiezas una gira en un lugar como Londres o Los Ángeles, donde puedes volar directamente y ya estás ahí. Cuando estás de gira en Escocia, tienes que volar a otro lugar y luego hacer una conexión, lo que hace que el día de viaje sea mucho más largo.

Creo que Jonathan [Vigil, cantante], uno de los chicos del equipo y yo volamos juntos, y fueron unas 30 horas desde que salimos hacia el aeropuerto hasta que llegamos al hotel. Es un día largo, pero vale la pena. Llegas al primer show, ves todas esas caras sonrientes y todo el estrés de si tu maleta hará la conexión, o si estás cansado, se desvanece rápidamente cuando puedes hacer lo que probablemente sea el mejor trabajo del mundo.

Sí, terminas escuchando todas esas historias de terror sobre los instrumentos que se pierden.

Sí, tenemos AirTags en cada uno de los estuches, precisamente por esa razón.

Las canciones que tocan, ¿cómo eligen qué canciones terminan en el setlist? ¿Es un esfuerzo grupal? ¿Es una decisión colectiva?

Sí, normalmente Jonathan o yo armamos algo que fluya bien y tenga sentido. Usamos diferentes guitarras para distintas canciones, así que tratamos de agruparlas para no tener que cambiar de guitarra después de cada canción. Como habrás visto en Setlist.FM, tocamos las canciones “Split” y “Secret” juntas, y parte de la razón es que usamos la misma guitarra para ambas canciones.

Así que comenzamos por ahí, luego añadimos las canciones que sabemos que tenemos que tocar, como “Engine 45” y otras más. Es como que las primeras 10 canciones se eligen solas, y luego decimos: “Hace tiempo que no tocamos esta canción, deberíamos incluirla para los fans más antiguos que vienen a vernos”. En esta gira estamos tocando “Secret” y “Light Years” por primera vez, así que nos sentamos y pensamos: “¿Qué canción nueva queremos aprender a tocar en vivo e incluir en el setlist?”, y esas dos destacaron.

Definitivamente es un esfuerzo grupal. Incluso en esta gira, durante las primeras dos noches tocamos algunas canciones en un orden diferente y ya las hemos cambiado porque no sentimos que fluían como queríamos. Así que sí, es un trabajo en equipo y siempre está evolucionando.

Entraste a la banda en 2009, así que has estado en casi todos sus álbumes, excepto por el álbum debut. Eh, pero puedes decir lo mismo de casi todos en la banda porque hubo un gran cambio de formación después de ese álbum.

¿Cómo crees que la banda ha cambiado y evolucionado desde Returners?

Creo que comenzamos como una banda que, eh, tenía mucha ambición, pero cumplimos con muchos de nuestros objetivos y sueños bastante pronto en ese tiempo. Y, eh, tuvimos que seguir estableciendo nuevas metas y nuevos, eh, como nuevos sueños, y luego, eh, sigues alcanzando esos objetivos y te preguntas: “bueno, ¿cuál es el siguiente sueño?” Y para nosotros, el primero siempre fue tocar en el Warped Tour en América, y lo hicimos en 2012, que es el mismo año en que lanzamos Get What You Give en Epitaph Records. Fue como si lográramos todo lo que siempre soñamos de una sola vez, y luego te preguntas: “bueno, ¿qué sigue?”

Sí, tocamos en el escenario principal del Warped Tour, eh, dos veranos después. Tocamos en algunos festivales realmente grandes en toda Europa en 2015. Hemos tenido mucha suerte al haber comenzado desde abajo, de gira en una furgoneta. No teníamos a nadie que trabajara para nosotros; éramos solo los cinco. Y poco a poco, hemos tenido un éxito bastante constante. Creo que parte de eso es trabajo duro y parte es simplemente que hemos cambiado. Hablamos mucho sobre esto en primavera, eh, que Returners fue un álbum que escribimos en 2009, que fue hace 15 años. Y todos nosotros tenemos alrededor de 40 años ahora, y teníamos entre 20 y 25 cuando se escribió ese álbum. La persona que eres a los 20 o 25 es muy diferente de la persona que eres a los 35 o 40.

Así que creo que uno de los cambios más grandes es que hemos madurado mucho. Es gracioso, cuando escuchamos de nuevo Returners, especialmente, aunque amamos el álbum, como compositores más viejos y experimentados, lo escuchamos y decimos: “no puedo creer que dejamos que eso pasara la prueba”. Sí, si volviéramos a escribir esas canciones ahora, las escribiríamos de manera diferente, lo cual no necesariamente es algo bueno. Creo que Returners captura específicamente una gran energía de ese momento de ser joven, de tener el mundo entero al alcance de la mano, justo cuando la banda estaba comenzando.

La vida ha tomado giros y vueltas para todos nosotros y se ha vuelto más seria, creo, y ahora escribimos sobre cosas más serias que hace 15 años. Además, ahora tenemos más tiempo para escribir que antes. Cuanto más tiempo pasas escribiendo canciones, creo que el proceso se vuelve más fluido. Pasamos más tiempo trabajando en estas canciones, añadiendo capas y perfeccionándolas que cuando éramos jóvenes, cuando simplemente decíamos: “sí, eso está bien, lo ponemos en el álbum, es suficiente, pasemos a lo siguiente”.

Mencionaba a 2009 y 2010, y esos fueron los grandes años para el metalcore. No sé si quieres considerarte parte del metalcore, y digo esto porque recuerdo un tiempo en que el término “metalcore” se usaba como un insulto.

Creo que incluso en términos de etiquetas, bandas como The Ghost Inside y algunas otras como For The Fallen Dreams, Counterparts y algunas más, no encajaban realmente en el hardcore, pero tampoco encajaban completamente en el metalcore. No teníamos esa cosa de “youth crew” que caracteriza a una banda de hardcore, pero tampoco teníamos el estilo realmente técnico de bandas como As I Lay Dying o Bullet For My Valentine, que eran bastante metalcore. Nos encontrábamos en algún lugar en el medio, lo cual era difícil de etiquetar, pero creo que también ayudó a todos nosotros porque muchos de los chicos del hardcore seguían viniendo a nuestros shows y les gustaba la banda. Pero también estábamos atrayendo a algunos de los chicos del metalcore, y pudimos tocar para una audiencia más grande al encontrarnos en ese punto medio. Pero ahora todo ha cambiado; todo está más allá de las etiquetas en este punto.

Ves que muchas bandas, ya sabes, adoptan el término sin prejuicios, como, ya sabes, de la misma manera que cosas como el nu metal y el pop punk. Recuerdo un tiempo en el que esos términos también se usaban como insultos, ahora “metalcore” se ha vuelto menos divisivo en los últimos años.

Creo que las líneas entre los géneros se han difuminado bastante y creo que eso es algo bueno. Las bandas que son gigantes, como A Day To Remember, que son un poco de todo, como un poco de pop punk y un poco de metalcore. Y luego, también hay bandas más nuevas que están surgiendo, como Knocked Loose, que realmente no encajan en una categoría de género. Para mí, son claramente una banda de hardcore, pero cuando escuchas su música, sus influencias son definitivamente más de metal y metalcore.

Creo que la idea de encasillar a las bandas y luego solo gustar de lo que hay en una categoría basada en ese nombre, ese tiempo ya pasó, lo cual es genial para todos. Los shows están comenzando a tener esa sensación mixta nuevamente, como tener una banda de pop punk con una banda de metal, y todo tiene sentido. Además, todos son amigos fuera de estas bandas, así que todo tiene sentido.

Hablando sobre la última década, creo que ha sido bastante dura para la banda. Tuvieron el horrible accidente en 2015 y luego dieron solo dos shows en 2019 y 2020, y terminaron lanzando su álbum homónimo en medio de la pandemia.

Sí, y para nosotros ha sido definitivamente interesante. El accidente de autobús en 2015 puso la carrera de la banda en pausa y todos nuestros amigos seguían tocando shows, lo cual fue realmente difícil. Ver a bandas con las que éramos amigos tener éxito; había muchos sentimientos de celos. Sabes, Architects es una banda que adoramos absolutamente y esos chicos son increíbles, pero los vimos pasar de ser aproximadamente del mismo tamaño que nosotros a convertirse en una de las bandas más grandes del mundo mientras nosotros estábamos en casa, sin poder tocar.

De ninguna manera estoy resentido por su éxito, porque no puedo pensar en nadie que lo merezca más que ellos, pero estábamos tan, tan celosos de simplemente ver eso y no poder hacer nada al respecto. Entonces, finalmente, regresar en 2019 y 2020, y hacer que las cosas comenzaran de nuevo y tener este disco listo. Teníamos varios shows grandes programados para el verano de 2020, y luego todo se cerró de nuevo por otro año entero.

Creo que, de alguna manera, fue incluso más difícil para nosotros, porque después del accidente era como: “Está bien, vamos a sanar estas heridas, y tan pronto como estemos físicamente listos, los shows estarán ahí para nosotros”. Con el COVID y la pandemia, era como si todo se pusiera en pausa, pero no sabías cuándo iba a comenzar de nuevo y no estaba bajo tu control. Creo que eso fue tan difícil para nosotros como la recuperación del accidente, por loco que suene.

Tuvimos que luchar tanto para volver, literalmente, a ponernos de pie y hacer que la banda funcionara y volver a trabajar, solo para que eso desapareciera nuevamente. ¿Es esta una señal del universo de que no se supone que estemos aquí? Pero sí, el regreso desde entonces, desde que comenzamos a hacer shows en 2022, ha sido realmente increíble. Así que, sí, es parte de la historia ahora, pero ha sido un tiempo difícil. También creo que nos ha ayudado a tener mucho que decir.

A veces, cuando las cosas van realmente bien, es difícil escribir canciones que signifiquen algo, y es difícil escribir sobre los mejores momentos de tu vida. Creo que estos desafíos nos han hecho mejores personas y nos han dado mucho de qué escribir que creo que es muy relevante. A veces, estando en la banda, puedes perder de vista lo que es la vida real. Debido a las circunstancias, hemos experimentado mucha vida real.

Para mí, la música siempre ha sido un lugar al que escapar cuando la vida real se vuelve complicada, y sé que nuestra banda, en particular, intenta escribir sobre cosas importantes, que es lo que resuena con la gente. Sabes, Jonathan ha escrito canciones sobre perder a su padre y perder a su hermano, y la cantidad de veces que las personas se han acercado a él o a cualquiera de nosotros y han dicho: “Sabes, perdí a mi mejor amigo y esa canción me ayudó a superarlo”, te hace darte cuenta del impacto que la música puede tener en las personas.

Así que, sí, ahora hemos tenido que superar nuestros propios obstáculos, lo que nos ha dado muchas cosas de las que escribir, que es lo que la gente quiere. La gente no quiere que digamos: “Hey, todo está genial, hay arcoíris y mariposas”. Quieren que digamos: “La vida es dura, pero estamos luchando con más fuerza”. Eso es lo que la gente necesita de The Ghost Inside, y hemos tenido mucho nuevo material del cual escribir.

Es raro que hayas recibido mucha atención después del accidente de autobús, aunque fue horrible. Conozco a muchos amigos que llegaron a conocerlos gracias a las noticias sobre el accidente y lo que pasó con Andrew, obviamente. Me recuerda un poco a Def Leppard, que se hizo más grande después del accidente de su batería. Aunque debo decir que Andrew tiene una posición y un estilo en la banda que son mucho más exigentes, teniendo que tocar con… ¿cómo se llama? [Nota: Yo estaba pensando en la palabra “prótesis”]

Con su pequeño muñón.

Con una banda pesada como The Ghost Inside, suena increíble que él haya podido hacer eso.

Han tocado en muchos lugares y son una de las pocas bandas que han tocado en países como China, Tailandia e incluso Vietnam. Eso fue increíble cuando vi los países que estaban resaltados en el sitio web. ¿Hay algún lugar al que te gustaría visitar para dar un concierto y que no hayan estado antes?

Uno de los lugares que ha estado en nuestra lista durante mucho tiempo siempre ha sido América Latina y Sudamérica. Y este año finalmente fuimos allí, lo cual fue realmente increíble, aunque no llegamos a Argentina: la próxima lo haremos.

Pero nos gusta la aventura. Es una de las cosas que siempre me ha gustado de nuestra banda en particular: que vamos a lugares donde otras bandas normalmente no van, solo para marcarlo en el mapa. Fuimos a China y mencionaste Vietnam; según tengo entendido, fuimos la primera banda alternativa de América en tocar en Vietnam después de la guerra de Vietnam. Cuando estuvimos allí, dijeron que las únicas otras personas que habían estado eran como los Backstreet Boys y Garth Brooks o algo así. Y fue una experiencia muy especial.

El espectáculo fue gratuito, patrocinado por todas las tiendas de tatuajes y tiendas de skate locales, que donaron dinero para comprar nuestros boletos de avión. Tuvimos un viaje donde no ganamos nada más que lo que costó el viaje y el alojamiento. Fue realmente especial. Podías sentir que estos eran chicos que habían visto tantos shows en YouTube o en DVDs y que no habían tenido la oportunidad de experimentar cómo una banda extranjera venía y hacía lo suyo. Tienen una buena escena local allí, y ciertamente no quiero restarles importancia, pero siempre hay algo especial en que alguien de afuera venga a tu escena. Lo amé; fue uno de los viajes más geniales de mi vida. Fue un gran honor tocar para esos chicos que, como decía, fue un círculo completo.

A veces, en América, en el Reino Unido y en Europa, tienen bandas todo el tiempo. Si miras la cartelera en la entrada de este lugar, hay un espectáculo casi todos los días. Siempre hay al menos un espectáculo de una banda como The Ghost Inside cada semana, así que estas personas tienen muchas opciones de shows a los que ir. A veces tienen que elegir a cuáles asistir porque no es barato ir a los shows. Así que fue un poco el problema opuesto allí: estos chicos nunca habían estado en un show. Fue realmente especial hacer eso. Hicimos una gira por Sudáfrica hace unos años también, y fue muy, muy genial, con una vibra similar, muy rural. Tuvimos la oportunidad de ir allí como una banda de hardcore estadounidense, tocando en estas pequeñas ciudades. No sé dónde más podríamos ir en este momento. Siempre bromeamos sobre ir a la Antártida, porque Metallica estuvo allí, y eso completaría el conjunto, ¿sabes? Si tocáramos para unos pingüinos con auriculares.

Sería genial ir a, no sé, a India o a algún lugar así. Creo que es uno de los pocos lugares a los que no hemos ido y que realmente sería un lugar muy interesante para marcar en el mapa. O, ya sabes, un lugar como Egipto. Sé que no suelen hacer shows allí, pero para mí eso sería como tocar cerca de la pirámide. Y sí, eso sería increíble.

Quiero agradecerte y tengo una última pregunta para cerrar. ¿Qué te gustaría decirles a todos tus fans y a las personas que te verán en Europa, especialmente en España?

Solo quiero decir cuán agradecidos estamos de ser una banda que ha estado visitando estos países como forasteros durante 15 o 16 años, y ser recibidos cada vez. Cuando la banda pasó por esta tragedia y estuvimos ausentes durante cinco años, los europeos fueron algunos de los primeros en levantar la mano y decir: “Por favor, regresen, los extrañamos, necesitamos que vuelvan”. Quiero agradecer especialmente a nuestros fans en España por su paciencia.

Sé que no vamos allí en cada gira; a menudo solo vamos a Barcelona y Madrid. Sé que la gente toma aviones, trenes y hace largos viajes para llegar a esos shows, y no puedo expresar lo mucho que apreciamos eso. No damos por sentado el esfuerzo que nuestros fans ponen en venir a vernos, y les prometo que lo devolveremos al 110%.

Estamos muy, muy agradecidos de seguir haciendo esto y de sentir que esto no es el final de nada; realmente es el comienzo del próximo capítulo para nosotros. Sentimos que estamos entrando de nuevo en el futuro, y es realmente emocionante. Creo que es la primera vez en mucho tiempo que tenemos esa emoción y esa sensación de hacer algo nuevo, y eso probablemente significa que seguiremos haciéndolo por mucho tiempo.

Rock oscuro y elegante pero sin sonar impenetrable: esa parece ser la idea detrás de New Wave Kill. La banda madrileña viene pisando fuerte con la salida pronta de su álbum Stitches For The Soul, un gran lanzamiento para quien busque ese sonido de los ochentas sin que suene como un reciclaje de influencias, y por eso nos comunicamos con su cantante y guitarrista Felipe Vein para hablar de ello.

– ¿Cómo describirían “Stitches For The Soul” a alguien que los vaya a escuchar por primera vez?

Stitches For The Soul es un álbum con mucha profundidad de emociones y sentimientos que surge tras los desafíos que surgen durante la vida. A través de nuestras canciones hemos querido reflejar un sentimiento de esperanza pese a las dificultades que pueden surgir.

– “Stitches For The Soul” suena a un título muy profundo. ¿Qué significado tiene este nombre para la banda? ¿Cómo conecta con las canciones del álbum?

Cada canción del álbum representa un momento crítico o de cambio y a través de exteriorizar estos sentimiento por medio de la música se cierran esas heridas. Y esto es Stitches for the Soul-un cierre de capítulo.

– ¿Cómo fue el proceso creativo detrás de Stitches For The Soul? ¿Hubo algún reto particular que enfrentaron durante la grabación?

El proceso creativo duró bastante tiempo. Muchas de las canciones fueron compuestas durante el confinamiento y algunas incluso son anteriores a este período. Cuando empezamos el proceso de producción surgieron nuevas canciones que acabaron entrando en el álbum.

Teniendo en cuenta que es nuestro primer álbum y nuestra primera grabación, lo disfrutamos un montón y aprendimos muchísimos en el estudio. Tuvimos momentos de todo tipo, sobre todo cuando buscábamos la interpretación de ciertas canciones que requerían poner mucho sentimiento.

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– En términos de sonido, ¿qué diferencia a este álbum de trabajos anteriores de New Wave Kill? ¿Han experimentado con nuevos géneros o influencias musicales esta vez?

Actualmente solo tenemos 5 canciones publicadas, y algunas están en el álbum. Nos gusta experimentar con nuevos sonidos siempre y cuando se mantengan fieles a nuestro sonido y estilo musical.

– ¿Hay alguna canción en particular en Stitches For The Soul que tenga un significado especial para ustedes? ¿Pueden contarnos la historia detrás de ella?

Todos nuestras canciones tienen algún tipo de mensaje / significado que consideramos importante, pero “No Door Cage” es una canción muy especial para mi porque refleja muy bien cómo es estar en una situación difícil y oscura, pero también es un grito de aceptación que rompe el círculo y es el comienzo de un punto de vista diferente. 

– Muchas bandas utilizan la música para abordar temas sociales o personales. ¿Qué temáticas o mensajes centrales se abordan en este álbum? ¿Cómo esperan que los oyentes conecten con ellos?

Al final el mensaje de Stitches for the Soul es que, pese a lo difícil que puede parecer una situación, siempre hay esperanza. Para nosotros la música es algo personal y profundo y no la tratamos tanto para abordar temas sociales sino que se basa en experiencias propias.

– Sabemos que Madrid tiene una rica escena musical. ¿Cómo creen que la ciudad ha influido en su música y en la creación de Stitches For The Soul?

Stitches for the Soul ha tenido influencias de distintas ciudades del mundo, ya que la mayoría de los miembros de la banda hemos tenido la suerte de poder viajar bastante y eso ha influenciado mucho en el sonido.

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– ¿Cuáles han sido sus principales influencias en la creación de este álbum? ¿Han tomado inspiración de alguna banda o género específico mientras componían?

Se podría decir que nuestra música pertenece a varios géneros que se pueden resumir en 3 géneros: post-punk, neo folk y rock gótico. Teniendo esto en cuenta que nuestras mayores influencias han sido: Nick Cave, Chelsea Wolf, Human Tetris entre otras…

– ¿Tienen pensada una gira presentando el disco? ¿Hay fechas confirmadas?

En estos momentos tenemos el festival de Santuario (Pinto, Madrid) confirmado y estamos pendientes de cerrar más shows para 2025. ¡Animamos a la gente a que nos sigáis por redes para estar actualizados con las nuevas fechas que vayan saliendo!

– Por último, ¿qué le dirían a sus fans sobre este nuevo álbum? ¿Cómo les gustaría que lo escucharan y qué esperan que se lleven de la experiencia?

 Para nosotros sería un gran reconocimiento que nuestro oyentes pudieran conectar con nosotros a través de nuestra canciones y que pudiesen tocarles de una forma profunda.

¡Abrazo!

Indepth es una banda de technical/prog death metal proveniente de la ciudad de Aguascalientes, en el estado mexicano de Aguascalientes, de quienes ya hemos hablado en otras ocasiones en Track to Hell. Su estilo bestial, reminiscente al sonido de bandas como Beyond Creation y Obscura, se ha posicionado como una de las fuerzas creativas de su escena.

Con miembros de bandas como Becoming the Entity, Kalaveraztekah y Stormchaser, no son ningunos extraños en el mundo del metal extremo en México. A propósito de la fecha que tendrán en Guadalajara este sábado 7 de diciembre en el Anexo del Foro Independencia junto a excelentes talentos locales como The Summon, Cathartic y Visceral Abnormality, les realizamos una entrevista donde reflexionan sobre su paso por los escenarios y oídos mexicanos.

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¿En qué año y cómo es que se forma la banda?

La banda se forma en 2013 por Luigi Ponce y Nando Tovar como proyecto de melodeath con fuertes influencias de Hypocrisy y Children of Bodom, pero oficialmente es en 2015 cuando se une Dan Wolf en la batería y se empieza la búsqueda de un sonido más técnico y progresivo.

¿Cuáles fueron sus influencias y sus motivaciones para armar Indepth?

Nuestras principales y más fuertes influencias son The Faceless, Arkaik, Cynic y Beyond Creation.

¿Cuáles fueron los retos que enfrentaron en ese momento y cómo los contrastan con los actuales?

Definitivamente las experiencias que hemos vivido a través de los años son lo principal. Es lo que nos ha ido enseñando qué cosas cambiar y mejorar en cada aspecto de la banda y en cómo trabajamos y nos relacionamos internamente.

Su primer álbum, “The Endless Pursuit” se estrenó en 2019, ¿cómo fue el proceso de grabación de aquel álbum?, ¿qué fue lo que aprendieron con ese trabajo?

Fue un proceso de muchísimo aprendizaje en el que aún íbamos encontrando nuestro sonido y una manera en particular de trabajar. Dato curioso, ese disco se grabó 2 veces, debido a una falla en el hardware del estudio de Luigi (quien es también nuestro productor). Aunque los resultados nos lograron convencer más y dejar más satisfechos, fue un gran reto qué superar.

En 2022 lanzaron su álbum “Ancient Architects”, ¿qué tan diferente fue grabarlo con respecto al primero?

Ya con una madurez interna y personal de cada miembro de la banda, con un ritmo de trabajo y una cohesión más marcada. Fue un proceso que disfrutamos de inicio a fin y del cual nos sentimos muy satisfechos.

¿Cuál es la canción favorita de “Ancient Architects” de cada miembro?

Fer: Primal Panspermia, Universal Scar, Dark Matter Leviathan y Ancient Architects.

Luigi: Coma Cluster y The Terraformist.

Nando: The Embodiment, The Arrival II y Ancient Architects

Dan: Ethereal Desert, Universal Scar y The Terraformist.

¿Qué es lo mejor de tocar en Indepth?

La convivencia y cercanía que tenemos dentro de la banda, el haber encontrado un esquema de trabajo que nos ha funcionado bastante y el poder superar nuestros límites como músicos.

¿Qué dificultades han enfrentado con su carrera musical?

Creemos fuertemente que la adversidad nos ha forjado como músicos y ejecutantes. Hemos pasado los retos habituales de una banda mexicana de death metal, pero nos hemos sabido mantener a flote y hemos aprendido muchísimo en el proceso.

¿Qué es lo mejor de tocar en vivo y cuál ha sido su concierto favorito de la banda?

La sinergia con el público y el poder disfrutar junto con ellos la música es lo mejor de estar en el escenario.

Nuestros eventos favoritos hasta la fecha son con Cynic y Beyond Creation en Circo Volador y Metal Fest de Foro del Lago 2024.

¿Qué esperan de su show en Guadalajara este 7 de diciembre?

Cerrar con broche de oro en un gran show con toda la gente de Guadalajara y presentarles un set muy especial con algunos temas sorpresa.

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¿Qué planes hay en el futuro de la banda?

Iniciando 2025 empezaremos a producir nuestro próximo larga duración así como fechas en distintos lugares del país que pronto estaremos anunciando.

¿Algo más que quieran hacer saber a nuestros lectores?

Los invitamos a seguir a Indepth y escuchar nuestra música en todas nuestras plataformas.

¡Gracias a ustedes y su apoyo es que Indepth sigue y pensamos seguirles ofreciendo grandes shows y más música!

Speedfreak es una banda tapatía de speed/black ‘n’ roll formada en octubre del 2020 originalmente por el baterista Daniel “Scar” Hernández y el cantante Fernando Maldonado, más tarde uniéndoseles el guitarrista Gerardo “Riffman” Arce, el bajista Manuel “Many” Cueva y más recientemente, Dave Villanueva a la segunda guitarra, todos ellos figuras ya destacadas de la escena del metal underground de Guadalajara.

La banda debutó el año pasado con lo que fue su primer sencillo titulado Son of Man Collapse, seguido de Hellspeed Rock N’ Roll ese mismo año, Bastardizer en marzo de 2024, para finalmente estrenar su primer álbum de larga duración este julio pasado, también titulado “Hellspeed Rock n’ Roll” lanzado en físico por Metal Coffin Records.

Posicionándose rápidamente como uno de los referentes mexicanos de este género que comienza a popularizarse cada vez más, han performado junto a agrupaciones como Ewig Frost, Bewitcher y se encuentran próximos a participar en el concierto de los titanes del metal Venom y Warbringer, este domingo 8 de diciembre en el C3 Stage de Guadalajara.

En Track To Hell tuvimos la fortuna de entrevistar al baterista y fundador de la agrupación, Daniel “Scar” Hernández previo a este concierto, misma que les dejamos a continuación:

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¿Cuándo y cómo nace Speedfreak?
La idea de formar Speedfreak surgio a finales del 2022 y al inicio se planeaba que solo fuera una banda de estudio y de un solo hombre al estilo de Bathory, Toxic Holocaust y bandas pioneras de ese tipo, obviamente el nombre totalmente relacionado con los masters MOTÖRHEAD. Al no poderse concretar el proyecto tal cual se estaba pensando, lo mas factible fue que se consolidara como una banda con mas integrantes y para tocar en vivo.

¿Cuáles son sus principales influencias?
Son diversas, ya que cada integrante es un mundo, va desde el Old school Thrash Metal, Black metal, Punk, New Wave of Thrash Metal, Rock n’ Roll, todo esto conforma y forma pues un solo concepto que definimos como HELLSPEED ROCK N’ ROLL

¿Cómo es su proceso de composición?
Normalmente planteamos ideas en los ensayos pero mas que nada, nosotros desde casa tenemos las herramientas para poder grabar maquetas e ideas para futuras canciones, asi se facilita mas el trabajo en equipo.

¿Qué es lo que más te gusta de la escena punk/speed/thrash de Guadalajara?
Realmente, siendo honestos, sentimos o siento que por el momento no existe y apenas está resurgiendo ya que muchas bandas se disolvieron y nuevas están naciendo de las cenizas, hay morros menores de edad que se están adentrando en este pedo y esta chingón que nazcan nuevos proyectos, y a mí personalmente me gusta apoyar a estos morros porque yo fui alguna ves uno y nadie me estiro la mano y quisiera poder hacer eso con alguien mas para hacerlo crecer.

¿Cuáles han sido los retos más grandes para Speedfreak?
El reto mas grande que tuvimos fue la composición, grabación y lanzamiento de nuestro álbum debut HELLSPEED ROCK N’ ROLL. costo enojos, tristezas, desilusiones, felicidad, un mar de emociones y peleas para terminarlo.

¿Qué cambiarías de la escena de metal en México?
Yo cambiaría por completo el cliché de que en eventos o conciertos siempre se les da el apoyo a las bandas que son compas de los organizadores y OJO no es envidia, simplemente hay muchas bandas muy cabronas de todos los estados que están rezagadas y además, no se les da el trato que se merecen, ni una botella de agua se le da a la banda local, ya ni una cerveza, créeme que con eso, la banda se va a sentir apoyada de alguna manera.

¿Cómo fue el proceso de grabación de su nuevo disco y qué aprendieron?
Tal como lo mencioné anteriormente, el proceso de composición fue desde casa y la grabación igual, todo fue completamente grabado, mezclado y masterizado por nosotros mismos, aquí debo dar mención a que Fernando Maldonado se rifo el trabajo de la mezcla y máster y ya andaba renunciando a todo a la verga pero al final se logró.

¿Si volvieran a vivir ese momento de sus vidas habrían hecho algo diferente?
Yo creo personalmente que Speedfreak es el mejor proyecto musical en el que he participado, siento que estamos logrando algo, lento pero seguro y sobre todo con constancia, no cambiaría el hecho de que esta banda me ha abierto las puertas a muchas buenas oportunidades y además de conocer personas que ahora considero mis amigos.

¿Qué planes hay en el futuro para Speedfreak?
2025 queremos que sea un año mas tranquilo, para poder componer el siguiente material y no apresurarnos, quisiéramos tener la oportunidad de poder participar en un Fest, dentro del país y hasta fuera del país si existe esa oportunidad, no queremos estancarnos, queremos crecer pero crecer a su tiempo.

¿Algo más que quieran decirle a nuestros lectores?
A todos las personas quisiera decirles que nunca, nunca, nunca, se basen en las opiniones de otras personas, si eres músico, a mucha gente no le va a gustar tu música pero a otros sí, pero, lo más importante, es que lo que hagas te guste a ti y punto, no hay otra manera de hacer las cosas bien si tú mismo no te la crees, esa es la manera para que como persona, como amigo, como músico, puedas lograr cosas grandes, no estancarse y perseverar, así es esto.

La banda México-Canadiense Dante, se dió el tiempo para regalarnos una agradable entrevista con Track To Hell, acá les dejamos la charla.

Háblanos un poco de la historia de Dante para la gente que no te conoce en países como España o Argentina, como fue la idea de crear un grupo con integrantes de México y Canadá?

Eso no fue planeado. Dante viene de un proyecto entre Efrén (bajo y productor musical) y Fer (batería) para tocar covers en el circuito de tipo “Pubs”. La pandemia frustró ese proyecto y Efrén y Fer buscaron que la banda hiciera música original. Para las melodías nos pareció una buena idea buscar talento fuera de México y fue así como Fer se acercó a su maestro de batería en Canadá, Ryan VanPooederoyen quien acabó escribiendo todas las letras y melodías de los sencillos de Dante. Fue él, y hasta entonces, quien sugirió que Jon Howard cantara el primer sencillo a partir del cual, Jon se unió a la banda definitivamente.

Tu música mezcla un poco de varias cosas dentro del rock pesado, se puede escuchar algo de ñu metal, sinfónico, metal core, y demás, pero a esto le suman una infinidad de cambios de tiempo dentro de las canciones lo que lo hace mucho más agradable al oído, ¿De dónde sale esto?

Durante el proceso de composición nos es importante resaltar la ejecución de cada instrumento y aprovechar el rango vocal de Jon. Nos gusta lograr armonías y melodías a pesar del sello de música pesada de la banda, y usar “half times” hablando rítmicamente, nos ha dado una buena plataforma y pausas que resaltan partes mas vibrantes a medida que progresa la rola.

¿Cuáles son las influencias musicales más marcadas en tu infancia? y llegaron a cambiar con el paso de los años?

Somos varios integrantes de diferentes edades y diferentes trasfondos musicales y, aunque cada quien escucha cosas diferentes, todos tenemos música que nos une, como Pantera, Metallica, Whitesnake y otras bandas clásicas. Bandas nuevas que tenemos en común algunos o todos los integrantes son Sleep Token, Ghost, Royal Blood, Spiritbox.

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En el nuevo sencillo de Dante, Reflections, la producción se escucha diferente a los sencillos Karma Mirror o Anesthesia, el sonido es más amplio y más enfocado a acordes más armoniosos, ¿A que se debió esto?

Tratamos de mantener una línea similar en nuestra música sin caer en que todas las canciones se parezcan entre sí. Como bien mencionas, buscamos tener amplitud, y no solamente quedarnos con un sonido.

Anesthesia es el primer sencillo de la banda. Expresamos un sentido de ánimo recién salido de Pandemia. Reflections es muestra una cara más vibrante de la banda.

Hablamos nuevamente sobre tu nuevo sencillo Reflections, pero no sobre el sonido sino sobre el homenaje a Dante Alighieri, ¿De donde viene esta idea?

La idea de Dante como nombre de banda se inspira en Dante Alighieri pero no es exclusiva de Reflections. De hecho esa rola fue escrita antes que Karma Mirror. Creemos mucho en el flujo de emociones que parten de nuestras vivencias. Nos conectamos con Dante Alighieri porque pensamos que todo acto resuena en el universo. Dante Alighieri puso a cada conducta en un infierno desde un punto de vista teológico. Nuestros conceptos se acercan a que, como él lo vislumbró, cada acto personal tiene consecuencias (buenas y malas) y el universo siempre te coloca donde debes estar. En reflections quisimos mostrar la potencialidad de meditar sobre nuestros actos y encontrar el camino positivo hacia adelante.

¿Quien se encargó del arte de este sencillo, es increíble ya que refleja mucho el mensaje y la música que contiene?

El arte del sencillo es una obra del artista mexicano Erik Rico. Erik ya había creado esa pieza antes de publicar reflections. La expresión estética y el estado emocional del humano que se ve en la pieza encajaba perfecto. Justo encontramos cómo transmitir el sentimiento de manera no verbal. El remolino ocular describe perfecto la intención de la rola. Estamos muy agradecidos que Erik Rico haya aceptado asociar su arte con nuestra rola.

Cuales son los planes a futuro para la banda, ¿Planean sacar sólo sencillos o piensan poner todos en un disco en algún momento de su carrera?

Pronto lanzaremos un EP con los sencillos que hemos sacado y una balada inédita. Más adelante, seguiremos componiendo para empezar a trabajar en el primer álbum, pero este ya no incluirá ninguna de las canciones que han salido. Estamos poniendo mucho énfasis en la producción de un show en vivo.

¿Creen que al día de hoy se puede vivir de la música? sobre todo teniendo en cuenta que a la mayoría de las productoras ya no les interesa el rock y el metal en lo absoluto y las emisoras de radio menos.

¡Claro! La industria musical está muy enfocada en lo que vende, sin importar si es rock, metal o reggaetón. Hay muchísimas bandas nuevas o actuales que están haciendo cosas increíbles, como Sleep Token, Spiritbox, Royal Blood, Leprous, Zeal & Ardor, Haken y muchas más que están incorporando elementos pop, electrónicos, atmosféricos y dance en su música. Muchas de esas bandas están en los festivales más importantes del momento, como Sleep Token, que serán los headliners del Download Festival en el 2025.

Dante no nace de una intención monetaria. Nos impulsa sacar música que conecte con la audiencia, pero creemos que hay mucho potencial en la industria.

¿Qué opinan de la industria musical en el 2024? ¿tienen algún apoyo de ellos o esto es autoproducido en su totalidad?

Dante es autoproducido al 100 por ciento. Fer el baterista es parte de una promotora de espectáculos que se vinculará con la banda. Pensamos que la industria de música pesada tiene demasiado potencial. Solo hace falta hacer las cosas de manera más institucional.

Al final, nuestro interés es ser parte del movimiento.

El tema Reckoning me recuerda un poco al In Flames después del Clayman, pero en la misma canción cambian un poco a bandas como Korn, algo que hicieron los mismos In Flames años después, ¿Ambas bandas y estilos musicales influyeron en ustedes?

Las dos bandas han sido influencia de algunos integrantes de Dante de alguna forma, aunque nunca nos sentamos a escribir Reckoning con la idea de “quiero sonar a In Flames y a Korn”. Es un honor que nos pongan en la misma frase que a bandas tan importantes como esas, pero la idea es sonar a Dante con todo lo que nos ha marcado a lo largo de los años.

Ponemos atención a lo que los fans nos dicen. En los comentarios del video hay quien piensa que sonamos a “AC/DC y Slipknot”. Nos satisface que pueda decirse que hay tan importantes facetas de metal heroes en lo que hacemos.

¿Qué les dirías a todos los metaleros que leen nuestra página en varios países de habla hispana para que se enganchen a escuchar Dante?

Si te gusta la música pesada, enérgica y divertida, con temas introspectivos que te harán headbangear tanto como te harán conectar y reflexionar, escucha a Dante en tu plataforma musical preferida. Nuestros más recientes sencillos, Reflections y Karma Mirror, son un gran ejemplo de lo que hemos hecho y de lo que somos capaces. Seguiremos haciendo ruido, así que esperamos que nos acompañes en este camino.

Y diviértete. Es el DNA de la música pesada. Invitamos a nuestros fans a que recuerden lo que es ponerse unas botas, jeans y playera and rock the fuck out.

Para los estándares de las bandas que suelen pasar por Sudamérica, Swansong son un conjunto bastante joven, habiéndose formado en 2019. Pero estos deathmetaleros melódicos finlandeses han demostrado muy bien su sonido en su LP debut Awakening, y ahora de la mano de un proyecto internacional podremos verlos en vivo en Argentina (el 17 de noviembre en Marquee Session Live, CABA) y Chile, en este último caso junto a Chelsea Grin luego de la repentina cancelación del CL. Rock, y por eso los tenemos acá respondiendo un par de preguntas para conocerlos.

—¡Hola a todos! Encantados de que respondan nuestras preguntas. Antes que nada, ¿cómo van las cosas con ustedes en este momento?

Hola y saludos desde Finlandia. Hemos estado bastante ocupados últimamente con los preparativos para nuestro viaje a América Latina. Casi todo está listo, aún quedan algunas cositas por hacer.

—¿Cómo describirían la música de Swansong?

Nuestra música combina lo brutal y lo hermoso. Hay muchas melodías intensas y riffs contundentes. Sobre todo, destacan las poderosas voces de Jemina.

—Tocarán en Argentina en un par de semanas. ¿Cuáles son sus expectativas para este concierto y para toda la gira?

Esperamos pasar un gran momento, dar un excelente show y conocer a los fans. Es nuestra primera vez en Argentina, así que estamos muy emocionados de ir.

—Esta gira fue posible gracias al Metal Swap Project, parte de la iniciativa “Come To Latin America”. ¿Cómo la describirían? ¿Cómo surgió?

“Come to Latin America” es un proyecto muy importante para que las bandas emergentes construyan una base de fans y ganen visibilidad. Nos sentimos muy honrados de participar en él. Creo que nuestra participación se debe, en gran medida, a los medios especializados en metal tanto finlandeses como latinoamericanos, y sus recomendaciones. Este proyecto es algo enorme para nosotros.

—¿Han escuchado comentarios de otros músicos sobre cómo suelen ser las audiencias latinoamericanas con las bandas internacionales?

Hemos escuchado que, en general, la escena del metal está creciendo en todo el continente. No es que alguna vez haya sido pequeña; algunos de los festivales de metal y rock más grandes del mundo siempre han estado en América Latina. Al menos, desde que tengo memoria.

—Siendo una banda finlandesa, ¿creen que hay algún elemento que sea característico del heavy metal finlandés? ¿Alguna clase de “sonido finlandés”?

Hay alguna similitud. No sé si es acerca del sonido, la composición o la atmósfera general, pero puedes darte cuenta muy fácilmente si una banda es del norte.

—¿Cómo deciden qué canción incluir en la lista? ¿Es un esfuerzo grupal?

Jemina es la que suele elegir la lista, y después tomamos las decisiones finales en conjunto. Tratamos de que la lista tenga una buena combinación de velocidad y agresión con momentos más lentos y melódicos.

—¿Qué debería esperar la gente de un concierto de Swansong?

Pasarla bien, buena música, headbanging y diversión. De eso es lo que se tratan los conciertos.

—¿Cuáles son los planes de la banda para después de la gira?

Tenemos shows en Finlandia, y además mucho trabajo de estudio para nuestro segundo álbum. Vamos a estar muy ocupados tras la gira.

—¿Qué te gustaría decirle a la gente que los va a ir a ver en Argentina?

¡Los veremos en Argentina! ¡Mucho amor y buenas vibras de parte de Swansong!

Gracias a Will del sello Seasons of Mist, tuve la oportunidad de entrevistar a Tamás, el multinstrumentista húngaro, cerebro de Thy Catafalque, quien amablemente respondió mis consignas sobre su nuevo trabajo. XII: A gyönyörü álmok ezután jönnek tiene su fecha de salida a la luz el próximo 14 de noviembre, el cual ya tuve el placer de escuchar y les aseguro que es excelente.

Tamás, gracias por la oportunidad de entrevistarte nuevamente para Track To Hell. La última vez que hablamos fue con motivo del lanzamiento de Vadak. ¿Qué puedes contarnos sobre la evolución musical desde aquel álbum hasta este nuevo lanzamiento?

Gracias por recibirme de nuevo. Vadak salió en 2021 y desde entonces hemos sacado Alföld el año pasado y XII saldrá dentro de tres semanas. Musicalmente no siento muchas diferencias. Quiero decir que Alföld era más bien un álbum de metal extremo sólido, casi tradicional, bastante pesado, oscuro y homogéneo, y en este sentido había diferencias innegables con Vadak. Pero con XII el paisaje vuelve a ser más colorido y la alegría y la aventura vuelven a estar sobre la mesa. La producción, sin embargo, es definitivamente otra cuestión, y esta vez suena más profesional porque el ingeniero de sonido no soy yo, sino otra persona (Gábor Vári, de Miracle Sound Szeged), que sabe realmente lo que hace.

¿Qué emociones o experiencias personales han influido en la creación de este nuevo álbum?

La vida en general. No hay grandes conceptos sobre el álbum, son sólo las diez próximas canciones que tengo y que disfruté tremendamente escribiéndolas y grabándolas.

¿Dónde encuentra la inspiración para sus nuevas canciones?

No lo sé. Y lo digo en serio. Puede ser y muchas veces es cualquier cosa, literalmente. Una línea en un libro, una imagen de algo que veo en el subte, una línea de guitarra aleatoria de una canción aleatoria que escucho. No tengo respuesta y eso es lo que lo hace interesante.

¿Cuánto suele tardar en crear una canción, desde la fase de composición hasta la de producción?

Varía muchísimo. Suele ser un proceso largo, pruebo todo lo que se me ocurre y no paro hasta explorar todas las ideas que van surgiendo. Luego suelo necesitar otra fase en la que me deshago de la grasa y encuentro el equilibrio adecuado de los ingredientes. Entonces se le da forma y llega el momento de los pequeños detalles. Los pequeños detalles son cruciales, marcan la diferencia. Y lo más importante es que en esta fase tendrás que tener una visión clara de lo que realmente quieres contar con la canción en sí para poder dirigir el barco en esa dirección y ser prudente con las proporciones. Este proceso requiere tiempo y energía. Sin embargo, las mejores canciones son siempre las más cortas y espontáneas.

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El debut de Thy Catafalque Sublunary Tragedies se publicó hace 25 años, en 1999. ¿Cuánto de ese Thy Catafalque está presente en XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek?

En realidad estuve escuchando mucho Sublunary recientemente porque Season Of Mist lo volvió a publicar este enero y necesitaba una remasterización. Me gusta mucho el disco, era un disco de black metal valiente y único con una producción terrible y muchos errores. Sé que Thy Catafalque siempre tendrá las raíces del black metal, es parte de nuestro ADN y aunque obviamente ahora hay muchos más colores en la música, el negro siempre será uno de ellos. Y todavía se puede escuchar en algunas de las canciones como en Mindenevő o Vasgyár.

¿Qué temas líricos conectan todos estas álbumes? ¿Han cambiado mucho sus letras desde el principio?

Sí, el mayor cambio fue pasar del inglés al húngaro en el tercer álbum, Tűnő idő tárlat. Al principio mis mayores influencias eran la literatura medieval y romántica inglesa, de ahí incluso el nombre del grupo, pero en 2004 las letras estaban enraizadas en la literatura, la ciencia y el folclore húngaros del siglo XX. Ahí es donde me siento como en casa y de donde proceden la mayoría de las letras.

¿Podés compartir el concepto que hay detrás del arte de la portada y su conexión con los temas o el contenido musical del álbum?

Esta es una imagen fija del vídeo que rodamos para la canción que da título al álbum. Esta escena aparece en el vídeo. Me gustó mucho el encuadre y decidí utilizarlo como representación de la esperanza y la pureza en medio de un paisaje otoñal que se prepara para caer en la decadencia. Esta dualidad es a menudo visible en nuestros contenidos musicales y líricos y encaja con el mundo visual de Thy Catafalque. Además, casualmente, la portada anterior fue tomada a sólo un par de kilómetros de distancia, pero se trata de un hombre (yo mismo) de pie en un campo estéril en blanco y negro. Estas dos fotos, una al lado de la otra, parecen complementarias.

Thy Catafalque ha ido ganando adeptos a lo largo de los años. ¿Cómo percibis la acogida y el impacto de su música, sobre todo teniendo en cuenta su carácter experimental y poco convencional?

Bueno, simplemente hago lo que siempre he hecho e intento no tener en cuenta el mundo exterior para mantener un entorno artístico sano. Pero, por supuesto, me doy cuenta de que hay muchos oyentes que aprecian nuestra música desde entornos geográficos, lingüísticos o culturales totalmente distintos y que se conectan con ella únicamente por los sentimientos que les evoca, y eso es un logro muy bonito, sobre todo teniendo en cuenta que no tienen ni idea de la letra.

¿Tenés alguna influencia musical o de otro tipo que haya influido en tu visión artística y en su forma de crear música?

La literatura, como he mencionado antes. La arquitectura, las bellas artes, la fotografía y el cine. Me encantan las películas de Béla Tarr, por ejemplo, un director húngaro, y siento que su ethos también resuena en mis obras. También mencionaré las películas de Marcell Jankovics. Búsquenlos, estos artistas únicos son verdaderos maestros de Hungría.

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En este nuevo álbum hay 20 artistas invitados. ¿Cómo fue el proceso de selección de estos artistas, y qué impacto crees que tuvieron en el resultado final del disco?

Intenté utilizar instrumentos en directo siempre que fuera posible en lugar de virtuales, aunque sólo fuera durante un par de segundos. En esas ocasiones me puse en contacto con alguien que pudiera grabarme el instrumento solicitado. A muchos de estos artistas ya los conocía de trabajos anteriores y la mayoría de las grabaciones se enviaron por Internet, excepto las voces. Son más personales y es mucho mejor trabajarlas juntos. Por supuesto, este arsenal en directo tiene un impacto enorme, hace que el sonido general sea más natural y orgánico. Al mismo tiempo, he intentado evitar meter instrumentos por todas partes. Creo que el álbum no está saturado.

En las versiones físicas del álbum, podemos escuchar la canción extra “Babylon“, del grupo Omega. ¿Qué les hizo decidirse a versionar esta canción en concreto?

No, es al revés. “Babylon” sólo está en la edición digital, no en la física. El vinilo habría sido demasiado largo y no quería un doble LP sólo por 3 minutos y medio extra. Me parecería un desperdicio innecesario de fuentes. Siempre me gustó la canción, pero pensé que la original sonaba demasiado boomer y antigua y que podía hacerla un poco más ajustada. Además, no era muy difícil de tocar y me alegré de encontrar una canción que pudiera interpretar, jaja.

Imaginemos que tenés la oportunidad de organizar un gran festival de metal. ¿Cómo confeccionarías el cartel? ¿Qué bandas serían tus cabezas de cartel y qué criterios utilizarías para elegir a los demás artistas?

Tendría a Emperor o Ihsahn, Pan-Thy-Monium, Dismember y Sepultura del 91.

Gracias de antemano por tu tiempo. Espero que haya oportunidad de verlos girar por Argentina algún día. ¿Cuáles serían tus últimas palabras para nuestros lectores?

Gracias de nuevo por la entrevista, fue un placer hablar y espero que algún día podamos tocar en América Latina y Argentina.

Mystification es una banda de brutal death metal mexicana originaria de Guadalajara, Jalisco y León, Guanajuato formada en 2022 por Adriana G. Puga (Talent Nation Latin America Management) a la guitarra y Moritz González (Fractal Dimension, Dark Matter), más tarde uniéndose Osvaldo Hernández (Symbiotic) al bajo y Sergio Arenas (Ensamhet) en las voces, completando así un proyecto violento y fascinante que se encuentra estrenando su primer sencillo: Declassified Truth.

Lidiando con temas sobre los fenómenos del cosmos y los grandes misterios de la vida, en Track to Hell tuvimos la fortuna de entrevistar a su guitarrista y líder:

Adriana, tengo entendido que a pesar de ser una figura ya conocida en la escena latinoamericana por tu trabajo con medios y management, este es tu primer proyecto musical, ¿es correcto?

¡Muchas gracias por el espacio, Axel! Sí, estos últimos 4 años había estado enfocada en el management con la agencia de booking Talent Nation Latinamerica, y hace apenas dos años empecé a trabajar en Mystification, mi propio proyecto musical en el que escribo sobre temáticas que me maravillan.

¿Cómo nace Mystification?

La banda nace en 2022 de estar platicando con Moritz, mi novio y también miembro fundador sobre realizar un proyecto juntos; yo llevo muchos años tocando la guitarra y lo había hecho como hobbie hasta que Moritz me convenció de materializar algo propio y empezamos con planes y composición, lo cual ha sido nuevo para mi pero muy divertido. Fue hasta 2023 que empezamos a componer en forma.

¿A qué hace alusión el nombre de la banda?

Estuvimos pensando en más nombres pero Mystification se nos hizo el más adecuado por el concepto de la banda, hablar de lo desconocido, invitar a la reflexión y explorar temáticas que son del interés social y que no han sido muy clarificadas en los últimos años por el control que quieren tener los gobiernos —por ejemplo en el tema de la desclasificación, mismo que trata nuestro single debut—.

¿A qué se debe el tema alienígena, tienes alguna experiencia al respecto que quisieras compartirnos?

Desde pequeña veía documentales del cosmos en VHS con mi abuelito y la serie de Star Trek, eso despertó mi interés por estas temáticas en las que me he ido empapando más conforme he crecido. En cuestión a alguna experiencia “paranormal”, no he tenido la fortuna de ver un ovni o algo en el cielo, pero espero poder experimentarlo algún día. El álbum va a tratar sobre temas no sólo alienígenas, sino fenómenos y acontecimientos astronómicos que suceden en el cosmos, es un concepto algo ñoño para llevar estos temas a la mesa y que la gente conozca un poco más de astronomía, todo se basa en datos y teorías reales, no estamos usando la fantasía en esta ocasión. Y el álbum debut saldrá en 2025.

Tienes la fortuna de haber empezado este proyecto con tu novio Moritz en la batería, otra figura sumamente importante y talentosa en la escena de León, ¿cómo fue empezar a armar las canciones con él?

La verdad ha sido un proceso súper divertido y llevadero, cambiamos los planes de noches de películas por componer, y han sido las mejores dates. La dinámica fue escribir mis riffs y enseñárselos para que me ayudara con arreglos y demás para después incorporar la batería, qué puedo decir si tengo como pareja y band mate a uno de los bateristas más impresionantes del país. En cuanto a las letras, las escribo yo con estos temas que menciono y se las mostraba para saber su opinión, también me ayudó con el ritmo y a dar las indicaciones de fraseo al vocalista. Admiro mucho el talento, trayectoria y experiencia de Moritz.

También trabajas con Osvaldo de Symbiotic y Sergio de Ensamhet otras dos caras bastante conocidas de León, casi pudiéramos decir que esta es una “superband”, ¿cómo ha sido colaborar con ellos?

La verdad ha sido increíble, son grandes músicos y amigos nuestros que confiaron en el proyecto y les gustó el concepto. Osvaldo es un excelente artista y agregó líneas de bajo súper locas como queríamos, la voz de Sergio es sumamente brutal, además, mide 2 metros, se va a ver muy imponente en el escenario.

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¿Qué hay en el futuro para Mystification y cuáles son tus deseos para este proyecto?

En diciembre lanzamos el segundo sencillo con video musical y el próximo año sale nuestro álbum debut. Estaremos subiendo algunos studio report a nuestro canal de YouTube por si quieren conocer el proceso de grabación. Mi deseo es que la gente conozca más sobre estos temas y se maravillen tanto como yo con los misterios que esconde nuestro universo.

¿Algo más que quieras comentar a nuestros lectores?

Si les gustan estas temáticas y el brutal death metal pueden seguir a Mystification en nuestras redes para conocer más de los próximos lanzamientos.

Punk, ska, ritmos latinos y mucha fiesta con consciencia social. Esa es la manera de definir de manera más básica la propuesta de Talco, el combo italiano que lleva 20 años adelante con su mezcla de estilos sobre una base de punk rock. Con la celebración por las dos décadas de vida del grupo ahora tenemos la salida de su nuevo álbum en vivo, el directamente titulado 20th Anniversary Live Album, y la gira que se viene a través de Europa, nos comunicamos con el cantante y guitarrista Tomasso “Dema” De Mattia, hablando sobre el nuevo álbum, la actualidad de la banda, covers de canciones argentinas, compromiso político y la evolución del grupo.

Promocionar un disco, incluso antes de que salga, es una tarea larga y complicada. ¿Cómo viene todo con eso?

Bueno, es un periodo raro. Es un periodo raro y al mismo tiempo hermoso para mí, personalmente, porque escribiendo las canciones estoy paralelamente aprovechando de este disco en vivo y la próxima semana vamos a grabar un disco nuevo. Pues es un periodo particularmente bueno para Talco porque tenemos esto, que creo que ha sido una cosa muy natural.

A veces tú celebras el 20º aniversario y te dices: “Vale, hago un directo, hago un Greatest Hits o algo”, pero es una cosa normal, no es nada nuevo. Pero lo bueno es que todo ha sido natural.No había un plan para grabar estos directos, simplemente teníamos nuestra mesa de grabación durante la gira de Videogame y grabamos todos los conciertos, hasta el punto de decir: “Bueno, hemos tocado bastante bien, ¿por qué no aprovechamos para hacer un disco en vivo?”.

Al final, a veces te dicen que cuando sale un disco en vivo o un Greatest Hits, la banda no tiene más ideas, pero la verdad es que ya estamos grabando un disco nuevo. Es por eso que lo hemos elegido, porque es algo natural. Creo que para celebrar el 20º aniversario era necesario.

Sí, su último y único álbum en vivo, hasta donde sé, había sido 10 Years – Live in Iruña, del 2014, que era para celebrar los 10 años, y ahora ya este nuevo disco celebra los 20 años.

¿Fue una coincidencia eso? ¿O dijeron “Bueno, 20 años, 10 años”?

Bueno, yo creo que es una coincidencia, porque cuando hemos pensado definitivamente en hacerlo, hemos dicho: “pero, ¿no lo habíamos hecho 10 años antes?”. Pues no lo hemos decidido para hacer algo paralelo. Es que cuando lo hemos decidido, la respuesta que hemos dado a esta pregunta fue: “Sí, hemos grabado 10 años antes un directo, pero han pasado años. En 10 años hemos grabado otros discos”.

Estaban otras canciones que hemos hecho, la posibilidad de insertar también de las viejas canciones. Pienso en “La mano de Dios”, que no estaba en 10 Years, algunas otras canciones que hemos aprovechado. Y, bueno, tenemos otras canciones que para nosotros habrían podido valorar este directo que han salido después de los 10 años. Por ejemplo, las primeras que me vienen a la mente son los últimos dos singles de Videogame, como “Muro di plastica” y “Garage Jukebox”, y la gente ya empezó temprano a aprender a cantarlas en los conciertos. Pues nos da placer ver algo un poco más completo, han pasado 10 años al final.

Sí, cuando vi en la lista de las canciones “La mano de Dios” fue todo un choque, porque yo conozco esa canción de toda la vida, porque en Argentina todo el mundo la conoce. Pero ver esa canción fuera de Argentina es algo tan extraño porque la conozco por la versión de Rodrigo.

No, no, yo la conocí a… la descubrí en el 2016, me parece, 2017, y hemos decidido ponerla, hacerla un poco más pachanka, punk, en nuestro estilo y ya está. Ya era una canción perfecta en el estilo del Potro Rodrigo, claro.

Sí, no hay que cambiarle mucho para adaptarlo a un estilo más punk, más rápido.

Y tampoco teníamos la intención, porque si una canción la ha escrito una persona, para nosotros es más una celebración del jugador que de la persona que la ha escrito.

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En la época pre-YouTube, se veían más los discos en vivo. Ustedes dan ya un montón de recitales, uno se imaginaría que una banda como ustedes, que toca tantos recitales y pone tanto énfasis en las presentaciones en vivo, tendrían más álbumes en vivo. ¿Por qué no se sacan más seguido? ¿Es por alguna cosa en especial o es simplemente porque no tienen ganas de sacar?

No lo sé, no lo sé. Al final, elegir hacer un disco en directo es una cosa muy personal de una banda. A veces hay bandas que están más a gusto en una situación de directo, algunas en una situación de estudio. En el mainstream, me sale decir que una banda que salía mejor en estudio que en directo era System of a Down, a mi gusto, el nivel del estudio me gustaba más que el directo. 

Otras veces me gustan más los directos. Por ejemplo, mi banda preferida es Iron Maiden, y en directo están fenomenales. Es algo muy personal de cada banda. Para nosotros, creo que nos gusta mucho estar en el estudio y grabar nuevas canciones, pero el aspecto mayor de Talco supongo que sea el directo, porque es un género, un estilo de música muy festivo y creo que se puede valorar al máximo con el directo, creo que es algo más justo para nosotros.

Sí, sí. Tampoco hay que ser Metallica que todas las semanas saca un nuevo álbum en vivo en Helsinki.

Claro, es una cosa especial. Esto es claro. No es que podamos hacer todos los discos en directo ahora. Y para eso creo que vale la pena hacerlo porque si va a repetirse tres, cuatro, seis veces, acaba siendo algo pesado.

Encima para una banda independiente, digamos, es una banda de otras características, no pueden agarrarse de eso, de sacar cada vez que quieran un disco, es todo un tema.

Claro, claro.

Estaba leyendo hace poco una entrevista con Mundo Sonoro, que decían: “En Europa Central se nos considera una banda de punk rock con interludios de ska, y en España una banda de ska pachanka con interludios de punk”. ¿Cómo creen que eso afecte a la aceptación de la banda en diferentes países?

No creo que vaya a afectar porque cada banda tiene su propio público, sobre todo seguramente. Es claro que hablo para mí porque he escrito las canciones de Talco, pero vengo de muchos ambientes diferentes también en Italia. Yo escucho un montón de punk rock, ska, metal, y he tocado con bandas de hardcore. Esta distinción nunca me pasó por la cabeza hacerla, y espero no tener que hacerla en el futuro.

Pero respecto al resto, ¿qué puedo decir? A mí no me asustan estas diferencias. Creo que es normal que cada ambiente tenga su propio público, y lo veo totalmente lógico. Por ejemplo, en España, donde la escena de ska y punk está un poco más diferenciada del punk rock hardcore, lo veo normal. En Alemania, que tiene una escena más punk, nosotros estamos más insertados en ese ambiente. Para Talco, aunque tenemos todas estas influencias, la base de punk rock es la más fuerte, sin duda alguna.

Sí, una cosa que también me llama la atención es que Italia tiene una escena hardcore punk enorme, pero generalmente, cuando se habla de bandas hardcore italianas, no suelen tener mucha influencia de ska ni de otros géneros. Son más directamente bandas de punk puro, a menos que estemos hablando de algo tipo Banda Bassotti o ustedes, claro. Me llama la atención cómo esa onda ska, con toques latinos, no se asocia tanto con Italia. Además, ustedes tocan mucho en Alemania y España. ¿Creen que se tiene más aceptación por esos lugares?

Para nosotros fue normal, porque cuando empezamos a tocar, la escena en Italia ya estaba decayendo y prácticamente no existía. No nos preocupábamos mucho por eso, porque la única oportunidad de tocar estaba fuera del país. Todos nos decían: “Talco, si vais afuera podréis tener una carrera vuestra”. Yo no me habría esperado tener una carrera así, me siento muy orgulloso de haber empezado fuera, inicialmente en Europa Central, y luego expandirnos a España, donde funcionó muy bien. 

Honestamente, no puedo explicarlo, porque siempre hemos tocado nuestras cosas, nuestra música, lo que nos gustaba, sin pensar mucho en planificar una carrera. Para nosotros, el hecho de que gustara fue una suerte y un privilegio, pero nunca pensamos en programar nuestra vida concentrada en la música. Era nuestro sueño, pero la realidad es que parecía difícil, sobre todo viviendo en Italia, donde no existía una escena.

Estaba pensando en una banda italiana, era CCCP, creo que se llamaba.

¡Sí!

CCCP, una banda de ese estilo, pero no este estilo más punkchanka, como ustedes le dicen. Así más de fiesta, más…

CCCP pertenece a una escena de los años 70s. Proto-punk rock, un poco electrónico, proto-indie rock.

¡Sí, de una!

Una de las características principales de Talco, al menos para mí, es que sea en una banda muy comprometida en lo político. A ver, no son 100% políticos todo el tiempo, no son Rage Against The Machine, ¿no? Pero es un compromiso que no se puede obviar, no es que podés agarrar y decir “Ah, no me enteré que era en una banda política”. ¿Qué te complica de ser una banda de esas características? Ser una banda comprometida con algo político, porque mencionabas antes a System of a Down, por ejemplo, y System of a Down era una banda política, todo eso, y les pasó que se quemaron después de ¿cuánto? ¿Cuatro o cinco discos?

Ahora han vuelto a tocar, pero no hacen discos desde creo 2005.

No sé, no puedo hablar en general, solo desde nuestra experiencia. Siempre hemos estado comprometidos, pero claro, no estamos al nivel de una banda como Rage Against The Machine, que es muy mainstream. Me gustan mucho, pero hemos notado que cuando habláis de ciertas cosas te enfrentas a dos problemas: a la gente que cree que no se tenga que hablar de estas cosas y las que piensan que se tiene que hablar de ellas.

Los que no quieren que hablemos de estos temas suelen decir: “¡Qué pesados! ¿Por qué siempre tenéis que hablar de política?”. Nosotros hablamos de lo que nos interesa a nosotros, no de lo que intentamos imponer o enseñar a otros, lo cual es muy diferente. Pretender enseñar me parece presuntuoso, porque la música no cambia el mundo. Lo que hace es informar, pero primero y ante todo, hacemos música.

Luego están aquellos que piensan que es necesario hablar de estos temas. A veces, estas personas parecen imponer su visión y eso me molesta personalmente, porque aunque yo os escucho, siento que no me escucháis a mí. No es recíproco, y cuando eso pasa, digo: “Voy a decir lo que pienso, no lo que vosotros queréis que diga”. Si alguien quiere compartir su opinión conmigo, siempre estoy abierto a hablar, pero si me dicen lo que debo hacer, nunca lo haré.

A veces, cuando habláis de política, os ponen una etiqueta y os dicen: “No podéis hacer esto o aquello”. ¿Por qué? ¿Porque lo decidisteis vosotros o porque lo decidí yo? Se habla mucho de coherencia cuando realmente la coherencia no existe. Sin embargo, aunque no existe, siempre se piensa que los demás son incoherentes, y no se miran a ellos mismos.

Y además, como se dice, todo el compromiso político me parece muy importante. Creo que podemos estar de acuerdo en la etapa que estamos viviendo, sobre todo, porque uno ve que estamos hablando de Italia, estamos hablando de acá de Argentina, estamos hablando de varios países de Europa, ¿sí? Donde tenemos cada vez más líderes de ultraderecha siendo elegidos alrededor del mundo. O sea, y la gente, viste, diciendo cosas. No sé si viste posteos o gente diciendo “Los conservadores son los verdaderos punks”, y ese tipo de cosas. El compromiso político es súper importante, sobre todo en estos días.

Yo creo que sí, porque vivimos en un momento de desinformación. A mí me sale de decir que teníamos una posibilidad, una oportunidad muy grande con la democracia y la hemos disfrutado solo para exportar una democracia que no es democracia, más que todo.

El privilegio que se tiene en la democracia es tener la libertad de hacer cultura. Y es una cosa que falta completamente. Estamos viviendo en un momento donde la economía está dominando el mundo desde hace 100 años, dos siglos más.

Y hemos perdido la pasión por la cultura porque la cultura no tiene un objetivo que no sea la cultura. Nosotros estamos intentando siempre tener el objetivo de aparecer, de exhibirnos sin dar una definición de lo que es nuestra exhibición.

Porque a veces, a mí me parece que encuentro gente ignorante que solo para exhibir aprende una cosa que le ha dicho un político de derecha o un amigo de memoria. Es verdad y se enseña en TikTok, en Instagram. Somos todos protagonistas y lo que perdemos es la cultura, porque a la gente no le importa nada la cultura. La cultura no me hace ganar dinero, no me hace conseguir un éxito, no me hace nada, pues no me importa nada. La cultura es la base de por qué el mundo está en un desastre así.

Porque nos falta pensar también a nivel independiente, a nivel individual. Porque hemos siempre, esta cosa de los eslóganes, de la ideología, nosotros hemos siempre pensado que la colectividad sea la cosa mejor del mundo.

La colectividad es la cosa mejor del mundo, pero es una forma de muchas individualidades, mucha diversidad que va junta a hacer una idea, no que una idea llega del alto para no hacer esfuerzo, no hacer fatiga. Yo siempre he pensado esto y todo esto es una falta total de cultura, de autonomía y de coraje a veces.

Sí, estaba pensando porque esto que decías de que, sobre todo la mentalidad de mucha gente en lo que fue la post-pandemia y que la pandemia a ustedes también los afectó. Es más, sacaron el disco Videogame, que era como una cosa que habían pensado en pandemia, como que fue centrado en videojuegos, que eso también habla acerca de lo que decían, de que ustedes hablan de lo que quieran.

A mí, personalmente, la pandemia, tengo que decir la verdad, a mí me ha hecho bien porque estaba en un periodo que se tocaba demasiado, yo tenía ansiedad, no lo podía imaginar, me ha hecho nacer de nuevo, pero he perdido totalmente la confianza en la gente después de la pandemia, porque he mirado un egoísmo total, una desinformación total. Mucha gente decía: “Saldremos mejores desde esta experiencia”. A mí me parece que cada persona mentía diciendo: “Ah, yo tengo muy claro que la gente tiene que salvarse”, porque estaba pensando solo en el miedo de morir, el miedo de morir ellos, no la otra gente. Esta es una mentalidad que ha tenido siempre en general Europa y América, entendida como Estados Unidos, ¿no?

Y hay siempre una mentalidad: “Antes llego yo, después todos”. Y creo que la pandemia la ha amplificado de una manera brutal. Y a mí me asusta, pero también me decepciona este nivel a que ha llegado esta humanidad. Pues, tengo que decir que la pandemia ha puesto, como se dice, ha exhibido definitivamente, la manera siempre más explícita, la falta de humanidad, de accesibilidad, de química con el próximo.

Un montonazo de gente que no le importaba lo que le pasara al vecino. Si no le importaba lo que le pasara al vecino, imaginate gente más lejos.

Sí, sí, sí. Eso.

Ustedes tocaron en un montón de lugares diferentes. Mencionamos obviamente España y Alemania, que es el lugar donde tocan un montonazo, pero hablamos de lugares tipo Rusia, Japón, México, ¿verdad? Grecia… ¿Hay algún lugar que no hayan visitado donde les gustaría tocar?

Bueno, a mí me gustaría que acabase la guerra [Risas]

¡Sí, sí! ¡Obvio!

Pero en general, lo que me ha encantado más, siempre lo he dicho en Japón. A mí me gustaría tocar también en América del Norte, en Estados Unidos; me gustaría un montón bajar desde México también, llegar hasta la Argentina. Personalmente, existen sitios donde me tocaría más tocar, ahora como ahora, porque creo que el continente americano es un continente muy bueno. Es que para nosotros siempre ha sido un poco difícil llegar a otro continente y organizarlo, cuesta mucho. Pero claro, la intención está siempre; la intención está siempre porque nosotros, cuando hemos partido en Europa, se partía con nuestra furgoneta, dormimos dentro de la furgoneta durante años, y hemos empezado a ver resultados buenos ya en estos momentos. Pero los resultados mejores los hemos visto, notado, después de ocho o nueve años. Pues estamos siempre; nuestra mentalidad es esta: a nosotros nos gusta partir desde cero para poder ver qué podemos hacer, si gustamos o no gustamos. Esperamos de gustar cuando tendremos la posibilidad de llegar a estos países que soñamos, y ya está.

Sí, me asombró cuando vi en Setlist.FM, donde te dicen dónde tocó tal banda en tal lado, que nunca hayan tocado en Sudamérica, porque tienen un sonido muy, muy de por acá, muy aceptado por estos lugares.

Sí, a veces nos preguntamos si puede ser que, hablando o cantando en castellano o en español, puede ser una dificultad para nosotros. Pero al final, nunca tuvimos dificultad de tocar en esos países. Hemos tocado en España, que se habla en castellano. Hemos tocado en Alemania, que claramente no comprende el italiano. En todos los países del este de Europa, en Japón también, pues ahora vamos a intentar en Inglaterra, donde están muy así con el inglés, con las bandas que hablan inglés y todo. Pero parece que tenemos la oportunidad también, cantando en italiano, de tocar ahí. Pues espero que la tengamos también en el continente de Latinoamérica, de Sudamérica, americano en general.

¿Qué se viene en el futuro de la banda? Dijiste que ya van a estar grabando un nuevo álbum. ¿Nos podés adelantar algo acerca de este nuevo disco?

Sí, sí, sí, claro, claro. Al final han salido 13 canciones. Yo creo que a mí, personalmente, me recuerda mucho el periodo de Gran Galà y Silent Town, pero es claro que, desde Gran Galà y Silent Town hasta ahora, han estado dos discos fundamentales para nosotros que nos han madurado también como personas y como músicos, que son Videogame, que es el disco punk rock, y Locktown, que es el disco completamente de songwriting folk. Estas cosas, naturalmente, van a influenciar un poco en lo que hacemos. Estoy pensando de una manera en un Gran Galà en versión dopada.

¿Cómo ves la evolución de la banda desde que arrancaron hace 20 años? Porque decían que el primer disco en vivo lo grabaron en 2014 y la banda arrancó en 2004. Y 2014 y 2004 son años completamente diferentes para muchos. ¿Cómo ves la evolución de la banda desde que arrancaron?

Yo creo que como personas somos seguramente más viejos, más responsables. Pues se ha acabado de hacer una pasión. Debe considerarse esta pasión también como trabajo. Esto comporta muchas cosas de profesionalidad, de seriedad.

Pensar que somos seis personas, seis amigos, pero seis personas que siempre tienen que caminar juntos. Y esta es una cosa muy buena para nosotros.

A nivel musical, claro, hemos empezado tocando un género que estaba influyendo de las bandas que nos gustaban, como la Banda Bassotti, Mano Negra, el punk rock californiano. Hemos ido adelante, pensando que se podía, al interior de estos estilos que ya estaban perfectos, pero construir una pequeña parte para nosotros, un estilo un poco más personal.

Y esto creo que nos ha involucrado siempre más a intentar de mejorarnos. Si después a veces sale, a veces no, es una cosa. Pero la idea de intentar mejorar siempre el nivel de la banda, experimentando, estudiando nuevas cosas para nosotros, ha llegado a este momento.

Ver atrás para nosotros es un orgullo porque hemos tenido el coraje en estilos, como se decía antes, muy cerrados, de hacer nuestras cosas, nuestro género que nos gusta, personalizarlo un poco sin algunas presunciones, esperando que a algunos no les gustara. Hemos tenido la fortuna de que a algunos les ha gustado y estamos aquí.

Siempre hay que agradecer que el arte de uno le llegue a la gente.

Tienes que decir siempre gracias a la gente y siempre pensar en qué haces para ti mismo. Pero aún tienes que decirles gracias porque es la gente que te hace vivir de lo que te gusta.

¿Qué querrías decir a los fans de Talco, a los que vayan a escuchar este nuevo álbum en vivo y a la gente que los vaya a ver en la gira que tienen para el 2025?

Bueno, espero que vengan porque desde las anticipadas parece que la gente quiere ver a Talco después de 20 años, que no es una cosa que se da por contada, como se dice. Es un privilegio.

Nosotros haremos naturalmente una gira celebrativa. Haremos muchas canciones que no hacemos desde hace muchos años, tocaremos como mínimo dos horas por concierto. Llegaremos exhaustos al final de la gira, pero lo haremos con mucho entusiasmo. Si la respuesta de la gente está, así tenemos que hacer mucho más al respecto de lo que se tenía que hacer.

Los estadounidenses The Ghost Inside se ganaron una segunda vida que a muchos no se les presenta, luego del accidente que tuvieron en 2015 que se saldó con dos muertos, múltiples lesiones y, lo más llamativo, la pérdida de una pierna por parte de su baterista Andrew Tkaczyk. Tras varios años de recuperación y un primer intento de volver a los escenarios justo cuando comenzara la pandemia, que provocó que tuvieran que sacar su álbum de regreso sin poder presentarlo en vivo, la banda de metalcore está ahora de verdad de vuelta con su sexto álbum Searching For Solace, con una gira europea incluida. Hablamos con el bajista Jim Riley sobre este nuevo álbum, el presente del grupo, cómo fue tocar en (casi) todos los continentes y la aventura de llevar su música hasta los lugares más recónditos.

Primero que nada, estoy contento de estar aquí hoy hablando contigo. Quería preguntarte cómo va todo. Sé que promover un álbum y hacer giras, ya sabes, todo eso es muy agotador. ¿Cómo va todo?

Todo está genial. De hecho, tuvimos bastante tiempo libre este verano. Estuvimos en casa durante julio y agosto, así que ahora estamos volviendo a un periodo realmente ocupado. Acabamos de estar en Australia con Parkway Drive, lo cual fue increíble. Creo que todo el mundo que le gusta la música metal ha visto fotos de ese espectáculo. Fue muy genial estar allí y verlo de cerca.

Ahora estamos aquí unos días en el Reino Unido y hasta ahora los shows han sido increíbles. Siempre sabemos que los fans aquí son de los mejores del mundo. Después, nos iremos al continente y terminaremos esta gira en España, lo cual nos tiene muy emocionados, ya que no hemos tocado un show propiamente allí en como 10 años. Será muy genial finalmente volver y hacer un par de shows en clubes. Tocamos en el Resurrection Festival, creo que fue el verano pasado, y fue uno de los momentos destacados.

Sí, en 2023.

Y fue genial. Nuestros fans españoles están muy agradecidos porque no podemos ir allí en cada gira. No todas las giras llegan tan lejos, al oeste de Europa, así que fue muy genial ver muchas caras conocidas que no habíamos visto en mucho tiempo.

El Resurrection Festival es increíble y ser parte de él es genial. Estamos emocionados porque estamos tocando muchas canciones del nuevo disco, muchas canciones viejas, en general un set muy largo. Es realmente divertido tocar música nueva, especialmente música que escribimos con la idea de que la iba a interpretar en vivo. ¡Así que nos lo estamos pasando genial!

¿Qué opinas sobre la recepción que ha tenido este nuevo álbum?

Estamos realmente muy contentos con ello. La gente que ha estado con nosotros en este camino y que realmente disfrutó del álbum homónimo, creo que vio que este disco, en su esencia, sigue siendo definitivamente un disco de The Ghost Inside. Pero tenemos que seguir avanzando, tenemos que probar cosas nuevas, tenemos que desafiarnos a nosotros mismos.

Sí, intentar nuevas cosas sin perder la identidad de la banda es definitivamente un reto, pero también sentimos una gran libertad después de escribir el álbum homónimo, para escribir cualquier tipo de canciones que quisiéramos. Realmente escribimos este disco para nosotros y la única cosa que nos importaba era si nos gustaba la canción o no.

Creo que cuando estábamos escribiendo el álbum homónimo, una canción como “Wash It Away” no habría sido una que pensáramos: “Oh, esto es algo que podemos hacer”. Ahora sentimos que podemos hacer lo que queramos, y depende de la gente que escucha la música decidir si les gusta o no. Pero nosotros estamos enamorados de él.

Este es también el primer disco, creo, en el que las 11 canciones probablemente entrarán en el setlist durante este ciclo de gira. Cada una de ellas es una canción especial para nosotros y nunca antes nos habíamos sentido así. En discos anteriores, tenías ocho o nueve canciones de las que estabas enamorado y luego tenías que incluir otra o dos que sabías que eran las últimas que entraron en el disco.

Esta vez, de hecho, había dos canciones que no entraron en el disco, y te das cuenta de que tienes cosas extra. Nunca realmente habíamos tenido eso en el pasado, así que eso también es emocionante para nosotros. No solo estábamos tratando de escribir hasta el final del disco; escribimos mucho material y tuvimos que reducirlo para que fuera un disco.

Sí, escuchas mucho acerca de bandas que para el disco escriben como 20 canciones y luego solo eligen 10 o 12.

Exactamente, y si hay dos canciones que están bien, quizás puedas combinar las mejores partes de ambas para hacer una muy buena canción.

Las pegas una con la otra y haces una sola gran canción.

Sí, simplemente haces un remix. Pero, en general, la recepción del disco ha sido realmente genial. Por ejemplo, estamos comenzando los sets con “Death Grip” y puede que sea uno de los momentos de coro más grandes y ruidosos de todo el espectáculo. Cada vez que lanzábamos un álbum en el pasado, solía tomar un tiempo para que las canciones nuevas ganaran fuerza, pero creo que las seis canciones nuevas que estamos tocando en este set son temas con los que los fans ya están cantando y pasándola bien.

Para nosotros, esto es muy gratificante, porque sabemos que hemos empujado los límites de lo que algunos de nuestros seguidores podrían esperar de la banda. Pero ver que la gente sigue viniendo a los conciertos, y que hay muchos de ellos, disfrutando tanto de las canciones nuevas como de las antiguas, es algo que se siente increíble como artista.

Siempre existe esa sensación de nerviosismo antes de lanzar algo nuevo, el temor de que a nadie le guste más la banda, de que nadie venga a verte tocar y que tu carrera pueda terminar. Así que estar aquí tocando nuevas canciones, y que la gente cante junto a ellas y se divierta, es algo muy gratificante.

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Si no me equivoco, ahora mismo están en Inglaterra, ¿verdad?

Estamos en Birmingham hoy, sí.

Y en unos días tocarán en Europa continental. ¿Qué esperas de los próximos conciertos que vienen?

El Reino Unido siempre se siente muy parecido a América, la respuesta del público es similar. Pero cuando llegamos a Alemania, hay un cambio total de ambiente, y no solo en Alemania, sino también en Bélgica, Países Bajos, Francia y España. Es como un cambio de vibra donde las personas son muy, muy agradecidas por la música pesada. La música heavy sigue siendo algo underground, pero no tanto como en otros lados.

Las personas allí escuchan mucho metal y sus festivales, como Wacken, Full Force y Rock Am Ring, son algunos de los más grandes del mundo, llenos de bandas de metal. Es genial ir allí, la banda lleva ya 16 años y creo que este es nuestro vigésimo viaje a Europa, o algo así. Y cada vez es mejor que la anterior. La gente sigue regresando, ahora incluso con sus hijos.

Es increíble, siempre lo esperamos con ansias. No importa qué problemas puedan estar ocurriendo para la banda fuera de la gira, siempre esperamos con emoción subirnos a ese avión y venir aquí a tocar estos shows. Así que estamos muy emocionados.

Cuando estoy escribiendo las preguntas para cada entrevista, me gusta revisar Setlist.FM. Vi que tuvieron unos 10 días entre tocar en Australia y luego en Escocia, que están a casi 10,000 millas de distancia. ¡Esa es una distancia increíble! ¿Qué tan estresante puede ser cubrir una distancia tan grande en tan poco tiempo?

Esta fue realmente difícil, ya sabes, todos tenemos familias y cosas pasando en casa, así que volamos desde Australia de regreso a los EE. UU. por cinco días, y luego a Escocia. Los vuelos se retrasan por el clima, hubo huracanes locos afectando a América, así que la parte del viaje se vuelve bastante estresante. Especialmente cuando no empiezas una gira en un lugar como Londres o Los Ángeles, donde puedes volar directamente y ya estás ahí. Cuando estás de gira en Escocia, tienes que volar a otro lugar y luego hacer una conexión, lo que hace que el día de viaje sea mucho más largo.

Creo que Jonathan [Vigil, cantante], uno de los chicos del equipo y yo volamos juntos, y fueron unas 30 horas desde que salimos hacia el aeropuerto hasta que llegamos al hotel. Es un día largo, pero vale la pena. Llegas al primer show, ves todas esas caras sonrientes y todo el estrés de si tu maleta hará la conexión, o si estás cansado, se desvanece rápidamente cuando puedes hacer lo que probablemente sea el mejor trabajo del mundo.

Sí, terminas escuchando todas esas historias de terror sobre los instrumentos que se pierden.

Sí, tenemos AirTags en cada uno de los estuches, precisamente por esa razón.

Las canciones que tocan, ¿cómo eligen qué canciones terminan en el setlist? ¿Es un esfuerzo grupal? ¿Es una decisión colectiva?

Sí, normalmente Jonathan o yo armamos algo que fluya bien y tenga sentido. Usamos diferentes guitarras para distintas canciones, así que tratamos de agruparlas para no tener que cambiar de guitarra después de cada canción. Como habrás visto en Setlist.FM, tocamos las canciones “Split” y “Secret” juntas, y parte de la razón es que usamos la misma guitarra para ambas canciones.

Así que comenzamos por ahí, luego añadimos las canciones que sabemos que tenemos que tocar, como “Engine 45” y otras más. Es como que las primeras 10 canciones se eligen solas, y luego decimos: “Hace tiempo que no tocamos esta canción, deberíamos incluirla para los fans más antiguos que vienen a vernos”. En esta gira estamos tocando “Secret” y “Light Years” por primera vez, así que nos sentamos y pensamos: “¿Qué canción nueva queremos aprender a tocar en vivo e incluir en el setlist?”, y esas dos destacaron.

Definitivamente es un esfuerzo grupal. Incluso en esta gira, durante las primeras dos noches tocamos algunas canciones en un orden diferente y ya las hemos cambiado porque no sentimos que fluían como queríamos. Así que sí, es un trabajo en equipo y siempre está evolucionando.

Entraste a la banda en 2009, así que has estado en casi todos sus álbumes, excepto por el álbum debut. Eh, pero puedes decir lo mismo de casi todos en la banda porque hubo un gran cambio de formación después de ese álbum.

¿Cómo crees que la banda ha cambiado y evolucionado desde Returners?

Creo que comenzamos como una banda que, eh, tenía mucha ambición, pero cumplimos con muchos de nuestros objetivos y sueños bastante pronto en ese tiempo. Y, eh, tuvimos que seguir estableciendo nuevas metas y nuevos, eh, como nuevos sueños, y luego, eh, sigues alcanzando esos objetivos y te preguntas: “bueno, ¿cuál es el siguiente sueño?” Y para nosotros, el primero siempre fue tocar en el Warped Tour en América, y lo hicimos en 2012, que es el mismo año en que lanzamos Get What You Give en Epitaph Records. Fue como si lográramos todo lo que siempre soñamos de una sola vez, y luego te preguntas: “bueno, ¿qué sigue?”

Sí, tocamos en el escenario principal del Warped Tour, eh, dos veranos después. Tocamos en algunos festivales realmente grandes en toda Europa en 2015. Hemos tenido mucha suerte al haber comenzado desde abajo, de gira en una furgoneta. No teníamos a nadie que trabajara para nosotros; éramos solo los cinco. Y poco a poco, hemos tenido un éxito bastante constante. Creo que parte de eso es trabajo duro y parte es simplemente que hemos cambiado. Hablamos mucho sobre esto en primavera, eh, que Returners fue un álbum que escribimos en 2009, que fue hace 15 años. Y todos nosotros tenemos alrededor de 40 años ahora, y teníamos entre 20 y 25 cuando se escribió ese álbum. La persona que eres a los 20 o 25 es muy diferente de la persona que eres a los 35 o 40.

Así que creo que uno de los cambios más grandes es que hemos madurado mucho. Es gracioso, cuando escuchamos de nuevo Returners, especialmente, aunque amamos el álbum, como compositores más viejos y experimentados, lo escuchamos y decimos: “no puedo creer que dejamos que eso pasara la prueba”. Sí, si volviéramos a escribir esas canciones ahora, las escribiríamos de manera diferente, lo cual no necesariamente es algo bueno. Creo que Returners captura específicamente una gran energía de ese momento de ser joven, de tener el mundo entero al alcance de la mano, justo cuando la banda estaba comenzando.

La vida ha tomado giros y vueltas para todos nosotros y se ha vuelto más seria, creo, y ahora escribimos sobre cosas más serias que hace 15 años. Además, ahora tenemos más tiempo para escribir que antes. Cuanto más tiempo pasas escribiendo canciones, creo que el proceso se vuelve más fluido. Pasamos más tiempo trabajando en estas canciones, añadiendo capas y perfeccionándolas que cuando éramos jóvenes, cuando simplemente decíamos: “sí, eso está bien, lo ponemos en el álbum, es suficiente, pasemos a lo siguiente”.

Mencionaba a 2009 y 2010, y esos fueron los grandes años para el metalcore. No sé si quieres considerarte parte del metalcore, y digo esto porque recuerdo un tiempo en que el término “metalcore” se usaba como un insulto.

Creo que incluso en términos de etiquetas, bandas como The Ghost Inside y algunas otras como For The Fallen Dreams, Counterparts y algunas más, no encajaban realmente en el hardcore, pero tampoco encajaban completamente en el metalcore. No teníamos esa cosa de “youth crew” que caracteriza a una banda de hardcore, pero tampoco teníamos el estilo realmente técnico de bandas como As I Lay Dying o Bullet For My Valentine, que eran bastante metalcore. Nos encontrábamos en algún lugar en el medio, lo cual era difícil de etiquetar, pero creo que también ayudó a todos nosotros porque muchos de los chicos del hardcore seguían viniendo a nuestros shows y les gustaba la banda. Pero también estábamos atrayendo a algunos de los chicos del metalcore, y pudimos tocar para una audiencia más grande al encontrarnos en ese punto medio. Pero ahora todo ha cambiado; todo está más allá de las etiquetas en este punto.

Ves que muchas bandas, ya sabes, adoptan el término sin prejuicios, como, ya sabes, de la misma manera que cosas como el nu metal y el pop punk. Recuerdo un tiempo en el que esos términos también se usaban como insultos, ahora “metalcore” se ha vuelto menos divisivo en los últimos años.

Creo que las líneas entre los géneros se han difuminado bastante y creo que eso es algo bueno. Las bandas que son gigantes, como A Day To Remember, que son un poco de todo, como un poco de pop punk y un poco de metalcore. Y luego, también hay bandas más nuevas que están surgiendo, como Knocked Loose, que realmente no encajan en una categoría de género. Para mí, son claramente una banda de hardcore, pero cuando escuchas su música, sus influencias son definitivamente más de metal y metalcore.

Creo que la idea de encasillar a las bandas y luego solo gustar de lo que hay en una categoría basada en ese nombre, ese tiempo ya pasó, lo cual es genial para todos. Los shows están comenzando a tener esa sensación mixta nuevamente, como tener una banda de pop punk con una banda de metal, y todo tiene sentido. Además, todos son amigos fuera de estas bandas, así que todo tiene sentido.

Hablando sobre la última década, creo que ha sido bastante dura para la banda. Tuvieron el horrible accidente en 2015 y luego dieron solo dos shows en 2019 y 2020, y terminaron lanzando su álbum homónimo en medio de la pandemia.

Sí, y para nosotros ha sido definitivamente interesante. El accidente de autobús en 2015 puso la carrera de la banda en pausa y todos nuestros amigos seguían tocando shows, lo cual fue realmente difícil. Ver a bandas con las que éramos amigos tener éxito; había muchos sentimientos de celos. Sabes, Architects es una banda que adoramos absolutamente y esos chicos son increíbles, pero los vimos pasar de ser aproximadamente del mismo tamaño que nosotros a convertirse en una de las bandas más grandes del mundo mientras nosotros estábamos en casa, sin poder tocar.

De ninguna manera estoy resentido por su éxito, porque no puedo pensar en nadie que lo merezca más que ellos, pero estábamos tan, tan celosos de simplemente ver eso y no poder hacer nada al respecto. Entonces, finalmente, regresar en 2019 y 2020, y hacer que las cosas comenzaran de nuevo y tener este disco listo. Teníamos varios shows grandes programados para el verano de 2020, y luego todo se cerró de nuevo por otro año entero.

Creo que, de alguna manera, fue incluso más difícil para nosotros, porque después del accidente era como: “Está bien, vamos a sanar estas heridas, y tan pronto como estemos físicamente listos, los shows estarán ahí para nosotros”. Con el COVID y la pandemia, era como si todo se pusiera en pausa, pero no sabías cuándo iba a comenzar de nuevo y no estaba bajo tu control. Creo que eso fue tan difícil para nosotros como la recuperación del accidente, por loco que suene.

Tuvimos que luchar tanto para volver, literalmente, a ponernos de pie y hacer que la banda funcionara y volver a trabajar, solo para que eso desapareciera nuevamente. ¿Es esta una señal del universo de que no se supone que estemos aquí? Pero sí, el regreso desde entonces, desde que comenzamos a hacer shows en 2022, ha sido realmente increíble. Así que, sí, es parte de la historia ahora, pero ha sido un tiempo difícil. También creo que nos ha ayudado a tener mucho que decir.

A veces, cuando las cosas van realmente bien, es difícil escribir canciones que signifiquen algo, y es difícil escribir sobre los mejores momentos de tu vida. Creo que estos desafíos nos han hecho mejores personas y nos han dado mucho de qué escribir que creo que es muy relevante. A veces, estando en la banda, puedes perder de vista lo que es la vida real. Debido a las circunstancias, hemos experimentado mucha vida real.

Para mí, la música siempre ha sido un lugar al que escapar cuando la vida real se vuelve complicada, y sé que nuestra banda, en particular, intenta escribir sobre cosas importantes, que es lo que resuena con la gente. Sabes, Jonathan ha escrito canciones sobre perder a su padre y perder a su hermano, y la cantidad de veces que las personas se han acercado a él o a cualquiera de nosotros y han dicho: “Sabes, perdí a mi mejor amigo y esa canción me ayudó a superarlo”, te hace darte cuenta del impacto que la música puede tener en las personas.

Así que, sí, ahora hemos tenido que superar nuestros propios obstáculos, lo que nos ha dado muchas cosas de las que escribir, que es lo que la gente quiere. La gente no quiere que digamos: “Hey, todo está genial, hay arcoíris y mariposas”. Quieren que digamos: “La vida es dura, pero estamos luchando con más fuerza”. Eso es lo que la gente necesita de The Ghost Inside, y hemos tenido mucho nuevo material del cual escribir.

Es raro que hayas recibido mucha atención después del accidente de autobús, aunque fue horrible. Conozco a muchos amigos que llegaron a conocerlos gracias a las noticias sobre el accidente y lo que pasó con Andrew, obviamente. Me recuerda un poco a Def Leppard, que se hizo más grande después del accidente de su batería. Aunque debo decir que Andrew tiene una posición y un estilo en la banda que son mucho más exigentes, teniendo que tocar con… ¿cómo se llama? [Nota: Yo estaba pensando en la palabra “prótesis”]

Con su pequeño muñón.

Con una banda pesada como The Ghost Inside, suena increíble que él haya podido hacer eso.

Han tocado en muchos lugares y son una de las pocas bandas que han tocado en países como China, Tailandia e incluso Vietnam. Eso fue increíble cuando vi los países que estaban resaltados en el sitio web. ¿Hay algún lugar al que te gustaría visitar para dar un concierto y que no hayan estado antes?

Uno de los lugares que ha estado en nuestra lista durante mucho tiempo siempre ha sido América Latina y Sudamérica. Y este año finalmente fuimos allí, lo cual fue realmente increíble, aunque no llegamos a Argentina: la próxima lo haremos.

Pero nos gusta la aventura. Es una de las cosas que siempre me ha gustado de nuestra banda en particular: que vamos a lugares donde otras bandas normalmente no van, solo para marcarlo en el mapa. Fuimos a China y mencionaste Vietnam; según tengo entendido, fuimos la primera banda alternativa de América en tocar en Vietnam después de la guerra de Vietnam. Cuando estuvimos allí, dijeron que las únicas otras personas que habían estado eran como los Backstreet Boys y Garth Brooks o algo así. Y fue una experiencia muy especial.

El espectáculo fue gratuito, patrocinado por todas las tiendas de tatuajes y tiendas de skate locales, que donaron dinero para comprar nuestros boletos de avión. Tuvimos un viaje donde no ganamos nada más que lo que costó el viaje y el alojamiento. Fue realmente especial. Podías sentir que estos eran chicos que habían visto tantos shows en YouTube o en DVDs y que no habían tenido la oportunidad de experimentar cómo una banda extranjera venía y hacía lo suyo. Tienen una buena escena local allí, y ciertamente no quiero restarles importancia, pero siempre hay algo especial en que alguien de afuera venga a tu escena. Lo amé; fue uno de los viajes más geniales de mi vida. Fue un gran honor tocar para esos chicos que, como decía, fue un círculo completo.

A veces, en América, en el Reino Unido y en Europa, tienen bandas todo el tiempo. Si miras la cartelera en la entrada de este lugar, hay un espectáculo casi todos los días. Siempre hay al menos un espectáculo de una banda como The Ghost Inside cada semana, así que estas personas tienen muchas opciones de shows a los que ir. A veces tienen que elegir a cuáles asistir porque no es barato ir a los shows. Así que fue un poco el problema opuesto allí: estos chicos nunca habían estado en un show. Fue realmente especial hacer eso. Hicimos una gira por Sudáfrica hace unos años también, y fue muy, muy genial, con una vibra similar, muy rural. Tuvimos la oportunidad de ir allí como una banda de hardcore estadounidense, tocando en estas pequeñas ciudades. No sé dónde más podríamos ir en este momento. Siempre bromeamos sobre ir a la Antártida, porque Metallica estuvo allí, y eso completaría el conjunto, ¿sabes? Si tocáramos para unos pingüinos con auriculares.

Sería genial ir a, no sé, a India o a algún lugar así. Creo que es uno de los pocos lugares a los que no hemos ido y que realmente sería un lugar muy interesante para marcar en el mapa. O, ya sabes, un lugar como Egipto. Sé que no suelen hacer shows allí, pero para mí eso sería como tocar cerca de la pirámide. Y sí, eso sería increíble.

Quiero agradecerte y tengo una última pregunta para cerrar. ¿Qué te gustaría decirles a todos tus fans y a las personas que te verán en Europa, especialmente en España?

Solo quiero decir cuán agradecidos estamos de ser una banda que ha estado visitando estos países como forasteros durante 15 o 16 años, y ser recibidos cada vez. Cuando la banda pasó por esta tragedia y estuvimos ausentes durante cinco años, los europeos fueron algunos de los primeros en levantar la mano y decir: “Por favor, regresen, los extrañamos, necesitamos que vuelvan”. Quiero agradecer especialmente a nuestros fans en España por su paciencia.

Sé que no vamos allí en cada gira; a menudo solo vamos a Barcelona y Madrid. Sé que la gente toma aviones, trenes y hace largos viajes para llegar a esos shows, y no puedo expresar lo mucho que apreciamos eso. No damos por sentado el esfuerzo que nuestros fans ponen en venir a vernos, y les prometo que lo devolveremos al 110%.

Estamos muy, muy agradecidos de seguir haciendo esto y de sentir que esto no es el final de nada; realmente es el comienzo del próximo capítulo para nosotros. Sentimos que estamos entrando de nuevo en el futuro, y es realmente emocionante. Creo que es la primera vez en mucho tiempo que tenemos esa emoción y esa sensación de hacer algo nuevo, y eso probablemente significa que seguiremos haciéndolo por mucho tiempo.

Rock oscuro y elegante pero sin sonar impenetrable: esa parece ser la idea detrás de New Wave Kill. La banda madrileña viene pisando fuerte con la salida pronta de su álbum Stitches For The Soul, un gran lanzamiento para quien busque ese sonido de los ochentas sin que suene como un reciclaje de influencias, y por eso nos comunicamos con su cantante y guitarrista Felipe Vein para hablar de ello.

– ¿Cómo describirían “Stitches For The Soul” a alguien que los vaya a escuchar por primera vez?

Stitches For The Soul es un álbum con mucha profundidad de emociones y sentimientos que surge tras los desafíos que surgen durante la vida. A través de nuestras canciones hemos querido reflejar un sentimiento de esperanza pese a las dificultades que pueden surgir.

– “Stitches For The Soul” suena a un título muy profundo. ¿Qué significado tiene este nombre para la banda? ¿Cómo conecta con las canciones del álbum?

Cada canción del álbum representa un momento crítico o de cambio y a través de exteriorizar estos sentimiento por medio de la música se cierran esas heridas. Y esto es Stitches for the Soul-un cierre de capítulo.

– ¿Cómo fue el proceso creativo detrás de Stitches For The Soul? ¿Hubo algún reto particular que enfrentaron durante la grabación?

El proceso creativo duró bastante tiempo. Muchas de las canciones fueron compuestas durante el confinamiento y algunas incluso son anteriores a este período. Cuando empezamos el proceso de producción surgieron nuevas canciones que acabaron entrando en el álbum.

Teniendo en cuenta que es nuestro primer álbum y nuestra primera grabación, lo disfrutamos un montón y aprendimos muchísimos en el estudio. Tuvimos momentos de todo tipo, sobre todo cuando buscábamos la interpretación de ciertas canciones que requerían poner mucho sentimiento.

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– En términos de sonido, ¿qué diferencia a este álbum de trabajos anteriores de New Wave Kill? ¿Han experimentado con nuevos géneros o influencias musicales esta vez?

Actualmente solo tenemos 5 canciones publicadas, y algunas están en el álbum. Nos gusta experimentar con nuevos sonidos siempre y cuando se mantengan fieles a nuestro sonido y estilo musical.

– ¿Hay alguna canción en particular en Stitches For The Soul que tenga un significado especial para ustedes? ¿Pueden contarnos la historia detrás de ella?

Todos nuestras canciones tienen algún tipo de mensaje / significado que consideramos importante, pero “No Door Cage” es una canción muy especial para mi porque refleja muy bien cómo es estar en una situación difícil y oscura, pero también es un grito de aceptación que rompe el círculo y es el comienzo de un punto de vista diferente. 

– Muchas bandas utilizan la música para abordar temas sociales o personales. ¿Qué temáticas o mensajes centrales se abordan en este álbum? ¿Cómo esperan que los oyentes conecten con ellos?

Al final el mensaje de Stitches for the Soul es que, pese a lo difícil que puede parecer una situación, siempre hay esperanza. Para nosotros la música es algo personal y profundo y no la tratamos tanto para abordar temas sociales sino que se basa en experiencias propias.

– Sabemos que Madrid tiene una rica escena musical. ¿Cómo creen que la ciudad ha influido en su música y en la creación de Stitches For The Soul?

Stitches for the Soul ha tenido influencias de distintas ciudades del mundo, ya que la mayoría de los miembros de la banda hemos tenido la suerte de poder viajar bastante y eso ha influenciado mucho en el sonido.

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– ¿Cuáles han sido sus principales influencias en la creación de este álbum? ¿Han tomado inspiración de alguna banda o género específico mientras componían?

Se podría decir que nuestra música pertenece a varios géneros que se pueden resumir en 3 géneros: post-punk, neo folk y rock gótico. Teniendo esto en cuenta que nuestras mayores influencias han sido: Nick Cave, Chelsea Wolf, Human Tetris entre otras…

– ¿Tienen pensada una gira presentando el disco? ¿Hay fechas confirmadas?

En estos momentos tenemos el festival de Santuario (Pinto, Madrid) confirmado y estamos pendientes de cerrar más shows para 2025. ¡Animamos a la gente a que nos sigáis por redes para estar actualizados con las nuevas fechas que vayan saliendo!

– Por último, ¿qué le dirían a sus fans sobre este nuevo álbum? ¿Cómo les gustaría que lo escucharan y qué esperan que se lleven de la experiencia?

 Para nosotros sería un gran reconocimiento que nuestro oyentes pudieran conectar con nosotros a través de nuestra canciones y que pudiesen tocarles de una forma profunda.

¡Abrazo!