Si algo tiene el death metal, son distintos caminos y vertientes en los que se va moviendo y expandiendo. Empujando sus límites hacia nuevos horizontes. Dentro de estas dinámicas, aparecen Beyond Creation y Fallujah, dos agrupaciones con interpretaciones muy diferentes del género, pero que comparten esa búsqueda y ambición por romper barreras. Y por encontrar una identidad, a base de una constante evolución.

Estas dos bandas se van a estar viendo las caras el próximo miércoles 22 de abril, en el Teatro Flores (Av. Rivadavia 7806). Beyond Creation para festejar los 15 años de su debut, y Fallujah actuando como los invitados de honor. El evento es producido por Icarus Music, y contará con la participación en el plano local de Expiration, Lesa Humanidad y Exitium Creation.

Las entradas se encuentran a la venta online por sistema Passline o también se pueden encontrar de forma física en Icarus Music Store (Aristóbulo del Valle 104, La Boca).

Beyond Creation y el tecnicismo extremo

Beyond Creation nace en Canadá, en la ciudad de Montreal, en 2005. Formado y liderado por Simon Girard, el grupo surge con una idea muy clara: llevar el death metal técnico al siguiente nivel. Siguiendo la línea musical de nombres como Death, Obscura y sus compatriotas, Quo Vadis, desde un comienzo el grupo resaltó por combinar de forma muy equilibrada precisión, agresividad y virtuosismo. Todo esto, llevado a grandes proporciones.

Es así que editan The Aura (2011), una obra que rompió paradigmas por el elevado nivel de virtuosismo y complejidad musical con el que cuenta. Con la presencia del bajo fretless (sin trastes) como elemento distintivo, la banda se ganó rápidamente la atención y oídos de toda la comunidad del death metal extremo/progresivo.

Tras esto, los canadienses pulieron su propuesta con sus siguientes lanzamientos, Earthborn Evolution (2014) y Algorythm (2018), en dónde se aprecia un mayor enfoque en la técnica y la melodía, con pasajes más elaborados y maduros.

A diferencia de referentes de su país como Gorguts o Cryptopsy, Beyond Creation no recurre únicamente en la velocidad y brutalidad técnica del death metal, sino que integra elementos del mundo del Jazz y el Fusion, para lograr construir estructuras más pulidas y claras, llenas de capas y matices que permiten apreciar el despliegue dinámico y sutil de sus músicos.

Tres razones para no perdértelos:

• 15° aniversario de The Aura: Celebrando los 15 años de su debut, los canadienses van a estar tocando el disco entero y de forma íntegra. De principio a fin. Una oportunidad única de apreciar una de las obras más representativas del género en los últimos años.
• Precisión quirúrgica sobre el escenario: El virtuoso y exquisito trabajo instrumental de Beyond Creation no sólo se aprecia en estudio, sino que se potencia en vivo. A diferencia de otros grupos, los de Montreal mantienen e incluso mejoran, la interpretación de sus composiciones, incorporando un grado mayor de intensidad y visceralidad a su propuesta.
• 1° vez como banda cabecera: Esta va a ser la 3ra presentación del grupo en suelo argentino, pero la primera que llegan como el acto principal del evento. Tras su bautismo de fuego en 2019, en Uniclub junto a Exhumed, y su segunda visita acompañados de Cynic al Teatrito, en 2023, en esta ocasión Simon y compañía van a estar arribando al Teatro Flores, marcando también, su debut en este recinto. Un recinto que ofrece mayor capacidad y mejor acústica para apreciar la calidad técnica de la banda. Además, de un setilist con mayor duración.

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Fallujah: envolviendo ambientes

Un poco más abajo en el mapa, más específicamente en la Bahía de San Francisco, California, tenemos a Fallujah. Fundada en 2007, esta banda tuvo un inicio más emparentado al Deathcore pero rápidamente giraron el rumbo hacia terrenos más progresivos y atmosféricos.

El grupo se distinguió por un sonido que contiene una mezcla de agresión técnica con paisajes sonoros etéreos. Su principal particularidad, es el uso de capas de sintetizadores, guitarras con mucho reverb y pasajes ambientales. Todo para crear una sensación de “ambiente en el espacio”.

El punto de inflexión en su carrera se encuentra en The Flesh Prevails (2014), dónde encuentran su estilo e identidad. A partir de acá, la banda continúo expandiendo su concepto musical con obras como Dreamless (2016) y Undying Light (2019), en dónde aparecen arreglos más melódicos e incluso ambientales.

Sin embargo, el grupo liderado por su guitarrista, Scott Carstairs, retomó la senda de la agresividad en Empyrean (2022) y su más reciente trabajo, Xenotaph (2019), el cual, vienen a presentar.

Tres razones para no perdértelos:

• Presentación de Xenotaph: Tal como mencionamos, los estadounidenses llegan con nuevo disco bajo el brazo, lo que conlleva un setlist enfocado en este material
• El despliegue visual en directo: Fallujah se caracteriza por contar con espectáculo de atmosférico inmersivo, en dónde las luces y las sombras cumplen un rol clave. En un escenario grande como el del Teatro Flores, van a encontrar la suficiente comodidad para crear los climas que buscan.
• Alineación renovada pero más afianzada: Tras un par de cambios de formación su líder, Scott Carstairs, encontró regularidad y talento en los últimos ingresos, destacando el de Kyle Schaefer en las voces y el del bajista Evan Brewer, reconocido por su trabajo en The Faceless.

Etiquetas: Beyond Creation, Death Metal, Death Metal Tecnico, Deathcore, Fallujah, metal progresivo

Los reyes de la cerveza han vuelto. Para animar el mes y levantar el espíritu “alcohólico” de nuestro interior, llega Tankard a la Argentina. El mítico grupo de thrash metal alemán se presenta en el país el próximo lunes 27 de abril, en el Teatrito (Sarmiento 1752, CABA), para compartir sus mayores éxitos musicales y arrancar la semana a pura fiesta y cerveza.

Las entradas se encuentran disponibles a través del sistema Passline o de forma física, en la tienda oficial de Icarus Music Store. El show está producido por Icarus Music y va a contar con la participación nacional de Bastardos, Pucara y Metal Crucifier. Desde las 18hs, van a poder disfrutar de la previa a pura cerveza y música. No se lo pierdan.

Con más de 40 años de carrera y decenas de discos a sus espaldas, la banda más alocada del “Big Teutonic Four” llega a Sudamérica en medio de su gira, “Kings of Beer Tour 2026”. Es por eso que desde Track To Hell, te invitamos a recorrer los trabajos claves de los cerveceros, que los convirtieron en el referente festivo y alegre del thrash.

Chemical Invasion (1987)

Considerado, tanto por críticos como fanáticos, como el álbum definitivo de Tankard y un pilar fundamental del thrash alemán. Publicado bajo el sello Noise Records, este segundo trabajo de estudio marcó un salto significativo en técnica y producción respecto a su debut, consolidando su estilo y temática “cervecera”.

Desde su inicio arrollador con “Total Addiction” hasta su cierre descontrolado y fiestero con “Alcohol” (cover del grupo de hardcore Gang Green), el disco presenta todos los ingredientes tanto musicales como visuales, que asociarían a Tankard, con locura, fiesta y humor irreverente. Thrash agresivo pero con sus dosis de alegría.

Beast Of Bourbon (2004)

Si de clásicos hablamos, Tankard ha sabido construir varios a lo largo de su carrera, por fuera de su etapa dorada en la década de los 80’. Y sin duda alguna, este es el más representativo de sus tiempos modernos. O al menos, dentro del siglo XXI. Fue la obra que definió el sonido potente y desenfrenado que tienen hasta hoy en día. Con piezas que se volvieron en reliquias que no pueden faltar en vivo y con lo que quizás para muchos, sea su principal gran himno: “Die With A Beer In Your Hand”, que lirica y musicalmente, encapsula a la perfección el espíritu del grupo.

Si Kreator tiene Enemy Of God (2005), Sodom el M-16 (2001), y Destruction su The Antichrist (2001), pues Tankard tiene su Beast Of Bourbon (2004).

The Morning After (1988)

El nombre lo dice todo. El disco de la resaca es una declaración de principios. Una portada legendaria, composiciones más directas, y un Andreas “Gerre” Geremia frente a los micrófonos, más acelerado y descontrolado que nunca. El trabajo lo tiene todo si lo que uno busca es un thrash violento, frenético pero divertido y melódico a la vez. Se trata de una obra que consolidó el estatus de los alemanes en toda Europa, y que con temas como “Commandments”, “T.V Hero” y el tema título, se convirtió en unos de lo mas populares de su catálogo.

Al fin y al cabo, como un viejo sabio dijo alguna vez, todos fuimos el de la portada.

Kings Of Beer (2000)

A diferencia de otras bandas que viven de sus primeros trabajos y no mucho más, Tankard se puede jactar de haber compuesto grandes himnos a lo largo y amplio de toda su discografía. Y si algo le sobra a este disco, son justamente himnos. Y es que uno de las primeras canciones con los que uno se cruza al conocer a los germanos amantes de la cerveza, es el tema homónimo que da nombre a la obra. Una de sus piezas más legendarias y laureadas en vivo.

Pero más allá de eso, Kings Of Beer se puede jactar de ser el álbum que reubicó a Tankard en el mapa metálico, luego de una década complicada en los 90’. De ser el que encamino el sonido y la producción de la banda hasta Beast Of Bourbon. Y de ser el que les valió el apodo que hoy en día tienen. Mejor forma de arrancar el siglo, no tuvieron.

Stone Cold Sober (1992)

El disco más “maduro” de la banda. O por lo menos, el primero de varios que nos mostró que Gerre y compañía, podían componer mucho más que solo piezas dedicadas al alcohol y la fiesta. Manteniendo su faceta alegre y cervecera en piezas como “Freiber” y “Centerfold”, la banda a su vez ofrece un enfoque más “serio” y “crítico” en sus composiciones, con letras orientadas más satíricas e irónicas sobre la sociedad y política de los 90’, y una dirección musical más pulida y controlada, sin tanto desenfreno.

Con temas como “Jurisdiction”, “Mindwild” o “Sleeping With The Past”, Tankard demostró que podían ser mucho más que solo los graciosos de la clase.

Bonus Track:

Zombie Attack (1986)

Y como no, no podía faltar el debut. La obra que lo comenzó todo. Se trata de un trabajo que rebosa de juventud, entusiasmo y mucha adrenalina. A diferencia de sus siguientes obras, donde conseguirían sonar profesionalmente descontrolados, acá los alemanes se encuentran en un punto dónde prima la actitud y las ganas por hacer música. Es por eso que la producción suena sucia, cruda, y poco cuidada. Pero pese a estas imperfecciones, no deja de ser un clásico del género con joyas infaltables en vivo como “Zombie Attack” y su otro gran himno, “Empty Tankard”.

A Girl Called Cerveza (2012)

De los últimos años, su lanzamiento más exitoso y popular. No sólo por el increíble estado de gracia compositivo y creativo en el que se hallaba la banda en este trabajo, sino por el tono melódico y moderno que encuentran. Manteniendo su esencia cómica y alegre, Tankard demostró que sigue en forma, y que dentro de las limitaciones que ofrece el género, saben reinventarse.

Etiquetas: Alemania, argentina, Tankard, Thrash Metal

Avatar vuelven a hacer historia en Ciudad de México tras arrasar el pasado otoño con su excepcional concierto de Noche de Brujas, que convocó a casi 8.000 personas en Pepsi Center. 

Esta vez la cita se dio en Vive Latino, una opción algo peculiar, ya que se trata de un festival muy generalista, donde por igual encontramos cumbia, salsa, hip hop, punk o rock, de artistas tanto mexicanos, como de otros países latinoamericanos, españoles o incluso internacionales. Aunque también estaban Smashing Pumpkins, me atrevo a decir que Avatar es lo más oscuro que ha sonado en esta edición de Vive Latino.

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El festival era enorme (150.000 asistentes aproximados, divididos en cinco escenarios) y fue retransmitido en directo a través de la plataforma Amazon, llegando todavía a muchos más espectadores. 

Y es que la banda no deja de coleccionar hitos últimamente: esa misma semana estaba celebrando su inclusión en el Top 5 de Billboard en las radios de EEUU con su canción “Tonight we must be warriors”. A principios de año, la revista Kerrang! les dedicó un especial de veinte páginas (precisamente motivado por su éxito mexicano en Noche de Brujas). El pasado 7 de marzo realizaron una actuación especial en Le Zenith de París que ha sido grabada íntegramente por su equipo con calidad profesional y que pronto verá la luz públicamente. Además, no han parado de ejecutar sold outs en una doble gira larguísima y muy intensa, encadenando la etapa estadounidense de “In the Airwaves tour” (24 fechas en Norteamérica entre noviembre y diciembre de 2025) con la etapa europea, a la que añadieron el subtítulo “A night to be torn apart” (con casi otras 30 fechas en toda Europa de febrero a marzo de 2026), amén de su presencia en el crucero Shiprocked.

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El propio Johannes declaraba sobre el escenario en el concierto de Vive Latino del 15 de marzo: “Fijaos, estamos en la gira más loca del mundo. Porque estamos en una gira europea ahora mismo: una gira europea que empezó en Florida, bajó hasta las Bahamas, después se fue a Europa, por toooda Europa, y ahora que hemos terminado con Europa, nos hemos metido directamente en un avión para venir hasta aquí, para traer todo lo que nos quede dentro y dároslo a vosotros”.

No en vano, México es un lugar muy querido por la banda sueca desde sus primeras incursiones en el país (en los festivales Domination 2019 y Hell and Heaven 2022) y especialmente tras su visita en 2024 como headliners para la promoción de su disco inmediatamente anterior, “Dance Devil Dance”. Tienen en este país al menos tres clubes de fans, que divulgan cientos de memes cariñosos e idiosincráticos y que llevan su amor por esta banda como un signo de identidad. Para celebrar su participación en Vive Latino, el pasado 13 de marzo, estos clubes (“Avatar.Mexico”, “Avatar Country MX” y “Johannes mi religión”), se reunieron en una multitudinaria fiesta en su honor en la que se escuchó su música, se pudo comprar merchandising exclusivo y se intercambiaron coleccionables de la banda.

No es de extrañar que al plantar pie en el país se encontraran a varios fans esperándoles en el aeropuerto, a los que atendieron con su buena disposición característica, pese al jet lag y el cansancio acumulado.

Y sí, es de las muy pocas veces que puedo decir que he visto al vocalista Johannes Eckerström un poco fatigado… pero un Johannes levemente fatigado es un huracán para cualquier otra persona. De hecho esta fatiga tan solo se notó por unos segundos en el vídeo de saludo post-concierto (algo que la banda acostumbra siempre a realizar) y en los primeros compases del propio show: si bien la cadenciosa “Captain Goat” con la que abrieron pudo dar pie a captar estos matices, después de eso: “Holy shit!” El grupo entero se vino arriba para realizar no sólo un directo tan potente como el que nos tienen acostumbrados sino incluso mayor. Y es que el público de Ciudad de México se lo merece por su tremenda energía e incondicional apoyo.

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La producción fue obviamente más pequeña que lo que pudimos ver en salas grandes. No hubo piano ni trono dorado, pero supieron sacar partido en lo visual a sus cambios de vestuario y al protagonismo de un hipertrofiado logo de la banda que dominaba el escenario.

Sufrieron unos pequeños problemas de sonido al principio, cosa de la que también se recuperaron airosos y, para su deleite, desencadenaron un moshpit masivo al fondo del escenario Little Caesars.

Fue una actuación generosa, de una hora completa, en la que los suecos interpretaron un set de once temas, intercalados con algunos discursos muy breves. Hablaron un poco en español y disfrutaron del “oeoeoeee” que el público hispanohablante siempre les dedica. 

Setlist:

1. Captain Goat
2. Hail The Apocalypse
3. The Eagle Has Landed
4. In The Airwaves
5. Bloody Angel
6. Death And Glitz
7. The Dirt I’m Buried In
8. Silence In The Age of Apes
9. Torn Apart
10. Tonight We Must Be Warriors
11. Smells Like A Freakshow

El punto más fuerte del show fue sin duda “Torn Apart”, una de sus canciones más emblemáticas (perteneciente al disco Black Waltz de 2012) que, siendo muy querida por los fans, no se había escuchado en Noche de Brujas y que además es el leitmotiv de esta peculiar gira: “A night to be torn apart”. 

Pero no por ello debemos desmerecer realmente a ninguna de las canciones que pusieron en práctica, pues cada una emocionó al público a su propia manera: alternaron sus éxitos más consolidados (“Bloody Angel”, “Hail The Apocalypse” o, mi personal favorita, “The Dirt I’m Buried In”) con cuatro temas que fueron single de su último disco, “Don’t go in the forest” y que han pasado a ser automáticamente hits imprescindibles para sus fans. De estas, destaco especialmente la penúltima del set, “Tonight We Must Be Warriors”, que parece estar convirtiéndose en el himno que Johannes deseaba al hablar de ella en sus últimas entrevistas. Su mensaje es bastante claro: la unión hace la fuerza. Parafraseando al cantante: como si se tratara de una canción de Manowar pero teniendo en mente un espíritu político de izquierdas sin tapujos.

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Tras ella, el frontman hizo un alto para agradecer la entrega del público y anunciar el final del show. Preguntó también cuántos de los presentes ya los conocían, ante lo cual aproximadamente la mitad le respondieron con gritos de entusiasmo. Después preguntó cuántos de ellos los veían por primera vez y los gritos de esa otra mitad fueron aún más ensordecedores, demostrando así que incluso los espectadores más casuales, que quizás habían venido allí a escuchar cumbia, habían caído bajo el embrujo de su circo del terror. Fueron recibidos con frases como “Bienvenidos a la familia. Oh, no tenéis ni idea de en qué os habéis metido. Veréis, ahora que habéis tomado la decisión de seguir este camino y fugaros con el circo, la gente va a empezar a hablar… Y lo que hemos hecho aquí hoy, lo seguiremos haciendo para siempre”.

Avatar son en todo una familia y una democracia. No sólo Johannes brilló esa noche, sino que cada integrante de la banda demostró su enorme virtuosismo y tuvo su momento de oro. Con John a la batería dirigiendo todo el espectáculo como una infalible entidad robótica. Jonas y Tim a las guitarras como dueto único y totalmente simbiótico (protagonizando Jonas el inicio de “Bloody Angel” y más tarde su compañero ese momento icónico en el que Johannes señala: “mirad todos, es Tiiiim” para presentar su solo en “Warriors”). Y Henrik, no únicamente al bajo, sino también a los coros, alcanzando cada vez mayor presencia vocal e incluso atreviéndose con guturales en esta nueva etapa. 

Después sonó la imprescindible “Smells like a Freakshow” donde la locura del headbanging alcanzó sus mayores cotas. Algo casi increíble para una banda que no para de moverse por el escenario y que luce algunas de las melenas más icónicas del género, especialmente la dorada de Tim, la rizada de Henrik y la muy especial de Jonas, el rey de Avatar Country, con sus rastas hasta la cadera, convertidas en látigos durante casi todo el show.

Finalmente, se despidieron con su discurso característico de amor y solidaridad. Una versión algo más apresurada del que estrenaron precisamente en la misma Ciudad de México el pasado 31 de octubre con una determinación e intensidad tales que quedó grabado en la mente de todos los asistentes a aquella cita. Esta vez sonó así: “Somos Avatar y os amamos. Oíd la promesa: Avatar volverá y mientras tanto, prometed vosotros que seréis buenos con vosotros mismos, que seréis buenos unos con los otros, que vais a cuidar los unos de los otros. Porque el mundo está pasando unos tiempos jodidamente horribles, pero nosotros solo hemos visto belleza aquí esta noche. Todos sois importantes, no lo olvidéis nunca”.

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Una banda que, pese a estar envuelta en sudor y maquillaje negro, pese a sus letras muchas veces escabrosas… realmente sabe despertar el amor de su público, el cual a su paso, se llena de sentimientos positivos, toma la decisión de hacerse vegano o les dedica al grupo fanart de altísima calidad. Y no solo fanart: entre otras curiosidades, Avatar también da nombre a un fósil de estrella de mar, el “Ophiocoma avatar”, descubierto al sur de Suecia en 2023 por el paleontólogo y seguidor del grupo Dr. Ben Thuy.

Una banda autoexigente, que siempre busca romper sus límites y que parece estar en uno de los momentos más dulces de su carrera. Carrera por cierto muy larga ya, pues sus orígenes datan de 2001, cuando sus miembros eran aún menores de edad y que siempre han estado compaginando la música con otras responsabilidades, dándolo todo incluso en aquellos primeros shows en los que había más gente sobre el escenario que entre el público. Son todo un ejemplo de superación y de unidad.

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¿Dónde podremos verles a continuación? Tras unos fugaces días de descanso, volverán a la carga en abril con nuevas fechas en los Estados Unidos, para volver en mayo a girar por Europa acompañando nada menos que a Metallica en cuatro únicas fechas (en Alemania, Hungría, Irlanda y Reino Unido). También serán uno de los platos fuertes este verano en el festival Göteborg Brinner, organizado por sus compatriotas suecos In Flames.

Si pierdes tu camino en mitad de un bosque oscuro y ves a lo lejos una carpa medio iluminada de la que sale música circense… ¿resistirás la tentación de unirte a ellos?

Una cita imperdible para los fanáticos en Argentina del melodeath es la de In Flames. Los suecos se van a estar presentando en el país el próximo domingo 19 de abril, en el Teatro Flores (Av. Rivadavia 7806) ubicado en la Ciudad de Buenos Aires. Como parte de su gira, LATIN AMERICA TOUR ’26, el grupo liderado por Anders Fridén regresa para desplegar toda la potencia y adrenalina de su música, repasando los éxitos que los convirtieron en uno de los mayores exponentes del género y el sonido Gotemburgo. Con más de 30 años de carrera, te contamos cuales son los mayores hits que tienen que decir presente, en un show de ellos.

“Coerced Coexistence” (Colony, 1999)

Una de sus piezas más clásicas, pertenecientes a su primera época, como referentes del death metal melódico de mediados y fines de los 90’. Si bien el tema marca el primer registro de voz limpia de su vocalista, Anders Fridén, en mayor proporción hay predominio de guturales y gruñidos agudos. La línea de las guitarras es melódica pero sin perder el eje violento e intenso del género. Cuenta con una letra que trata sobre un viaje espiritual del alma, enmarcado en los temas generales del álbum que abarcan la religión, la sociedad y la espiritualidad.

De la vieja era del grupo, se convirtió en una de las más rescatadas en sus conciertos en el último tiempo.

“Only for the Weak” (Clayman, 2000)

La canción que los catapultó a la fama. Editada en pleno auge del Nu Metal y la cadena televisiva MTV, su vídeo puso a la banda en el mapa y radar de mucha gente que no estaba familiarizado con ellos. Posee uno de los riffs más reconocibles dentro de la carrera de los suecos, hecho para que la gente lo salté en vivo. La letra describe una dinámica emocional agotadora donde el protagonista se siente responsable de la tristeza de alguien más, aceptando un destino sombrío.

Su estribillo melódico y ganchero junto con las voces agresivas de Fridén, marcaron la pauta en la que el grupo empezaría a trabajar. Un tema que combina los últimos retazos del melodeath de sus inicios, junto con la estructura compositiva más explosiva del metal alternativo. No por nada es la canción que más tocaron en vivo en toda su carrera.

“I Am Above” (I, the Mask, 2019)

Si tuviéramos que destacar algún clásico moderno dentro de la discografía de In Flames, ese podría ser “I Am Above”. Lanzada como sencillo en diciembre del 2018, este tema retoma la fuerza y agresividad de sus comienzos. Aunque manteniendo las bases modernas que el grupo construyó en los últimos años. La voz de Anders Fridén juega entre tonos más rasgados y emotivos, teniendo como resultado una interpretación intensa pero épica.

Una pieza que conjuga muy bien todas sus etapas.

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“Take This Life” (Come Clarity, 2006)

Si algo valorable tiene In Flames, es que a lo largo de su discografía fueron sacando grandes éxitos. Y “Take This Life” es uno de sus mejores ejemplos, ya que se encuentra atravesado en medio de su pasado más rabioso y su presente más melódico. Cuenta con un arranque frenético de batería acompañado de un riff que se mantiene constante a lo largo del tema, hasta desembocar en un estribillo con Anders bajando las revoluciones y sacando a relucir su voz más limpia y cristalina.

Tiene la particularidad de haber formado parte del videojuego Guitar Hero III: Legends of Rock, lo que la volvió en una de las canciones más famosas reconocidas del grupo. Y el principal cierre de sus shows.

“Cloud Connected” (Reroute to Remain, 2002)

Una de las composiciones más disruptivas de su carrera, por el contexto en el que salió. Se podría decir que es una canción que definió su transición hacia un sonido más moderno y alternativo, al incorporar sintetizadores y texturas electrónicas a su propuesta extrema. Tiene un halo futurista y envolvente que trae a la cabeza a nombres como Deftones o Linkin Park, lo que sin duda, marca un claro alejamiento con sus contemporáneos de la escuela de death metal melódico de Gotemburgo.

A diferencia de otros temas, acá la banda prioriza lo magnético antes que lo potente y agresivo, lo que en sus recitales la vuelve en uno de los momentos más hipnóticos y relajados.

Por primera vez en Argentina, de la mano de HERESY METAL MEDIA, la banda estadounidense SEVEN SPIRES estarán tocando el martes 21 de abril de 2026, a partir de las 19 horas, sobre las tablas de Uniclub (Guardia Vieja 3360, C.A.B.A.). Las entradas se pueden adquirir por sistema Alpogo. 

La banda se formó en 2013 en el Berklee College of Music de Boston, lo que ya de por sí da cuenta del nivel de estos músicos, por Adrienne Cowan (voces y teclados) y Jack Kosto (guitarras), a los que debemos agregar para conformar la actual formación a los señores Peter Albert de Reyna (quien se sumará casi en el arranque mismo) y Dylan Gowan (bajo y batería, respectivamente).

La agrupación se caracteriza por presentar una propuesta que combina distintos elementos propios de variados géneros del metal y más allá: conocidos por la realización de álbumes conceptuales a lo largo de cada uno de ellos encontramos elementos de metal sinfónico, power metal, death metal melódico, black metal e, incluso jazz y toques electrónicos. 

Ello genera una propuesta altamente interesante lo que resalta con la versatilidad de la voz de Adrienne Cowan, mezclando estilos vocales limpios y guturales, junto a melodías melancólicas al son del jazz. 

A esto debemos sumar elementos orquestales y cinematográficos que complementan cada tema y las historias que nos relatan.

La banda cuenta con cuatro lanzamientos de estudio que permiten al oyente percibir de inmediato no solo la excelsa calidad de cada uno de los músicos como instrumentista sino la conjunción de esas individualidades en una banda que te sumerge en un viaje musical de lo más variado e interesante donde el metal es el norte.

Como en otras oportunidades, la visita de los estadounidenses nos sirve de excusa para recomendarte 10 temas de SEVEN SPIRES que, a mi criterio, merecen destacarse y muestran la versatilidad musical que constituye una de las mayores virtudes de esta banda.

1- “SONGS UPON WINE-STAINED TONGUES” una canción de 7 minutos que inicia con guturales y blast beats, que se mantienen cuando Adrienne cambia a una voz limpia generando un excelente contraste entre esos blast más propios del death/black con la voz limpia que ella nos ofrece. El tema cuenta con la participación del señor Alessandro Conti (a cargo de las voces en TRICK OR TREAT y TWILIGHT FORCE). La voz de ambos da lugar a un estribillo melódico excelente. A mitad del tema aproximadamente nos encontramos con un piano y atmósfera de musical acompañando la voz limpia de ambos, para subir la intensidad desembocando en el puente-estribillo. Combina un estilo preponderantemente melódico y, en ciertos pasajes del comienzo, oscuro. (“A FORTRESS CALLED HOME”- 2024).

2- “ENCOUNTER”: una canción que mezcla riffs en sincronía con la base, melodías emanadas de la voz de Adrianne, una atmósfera operística que recorre la canción de principio a fin y un estribillo melódico que te invita a cantarlo en vivo. Un final musical soberbio. (“SOLVEIG”- 2017).

3- “THIS GOD IS DEAD”: Un inicio casi de música coral/religiosa nos introduce a uno de los temas de mayor duración de la discografía de la banda estadounidense y que cuenta con Roy Khan (ex KAMELOT y CONCEPTION) de invitado. Se convierte en una pieza de metal sinfónico/power a la cual la participación de Khan le suma su impronta vocal característica. La combinación de ambas voces es excelsa. Interesantes cambios de ritmo te sumergen en una marea de intensidades, incluida una parte nítidamente operística, a las que el retorno de la voz del señor Khan le pone una calma melódica. (“GODS OF DEBAUCHERY”- 2021).

4- “THE CABARET OF DREAMS”: inicio metalero junto a un pequeño solo para de inmediato sumergirnos en una melodía jazzera que acompaña las variantes vocales de Adrienne, sin perder la pesadez característica del metal. Es una melodía de jazz insertada en un tema de heavy metal. Una obra maestra. (“SOLVEIG”- 2017).

5- “BURY YOU”: una canción que pone de manifiesto el costado sinfónico del grupo. Es un medio tempo, con voces limpias y una melodía soberbia. (“EMERALD SEAS”- 2020).

6- “GHOST OF YESTERDAY”: un tema sinfónico, con alguna pizca de jazz, para tornarse en un tema de power metal en el estribillo. No falta una parte gutural que muestra todas las facetas de la banda. (“GODS OF DEBAUCHERY”- 2021).

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7- “CLOSURE”: una melodía oriental nos introduce a una composición que presenta una variedad de estilos dentro de sus casi seis minutos de duración. Imposible de encasillar/catalogar, pero con una atmósfera de jazz que dice presente en varios momentos. Compositivamente una obra de arte. Un final a todo palo. (“SOLVEIG”- 2017).

8- “BURN”: una canción donde predomina el costado más gutural y pesado de la banda y la versatilidad vocal de ella. Pero también nos muestran un costado melódico a mitad de su duración, seguido de una parte lenta que te eriza la piel y una parte instrumental donde el jazz vuelve a estar tímidamente presente; el cambio de ritmo y velocidad es mediante la voz de ella lanzando gritos y melodías para todos lados, respaldada por el resto de los músicos, y un final instrumental nuevamente genial. (“SOLVEIG”- 2017)

9- “OCEANS OF TIME”: una combinación de power metal rápido y sinfónico; por momentos, bajan la velocidad para convertir al tema en una mezcla de jazz y metal sinfónico. Uno de los mejores estribillos powermetaleros de la banda, con tintes épicos. (“GODS OF DEBAUCHERY”- 2021)

10- “LOVE´S SOUVENIR”: para el final te dejamos una verdadera joya compositiva. Un arranque de medio tempo de puro jazz, para desencadenar en una suerte de death/black (por la intensidad musical de lo que toca la banda) cantado en parte con voz limpia y en parte gutural. También tenemos lugar para un momento coral casi operístico y un final nuevamente jazzero. Un recorrido por todas las variantes que esta banda nos puede ofrecer. (“A FORTRESS CALLED HOME”- 2024).

Bonus: también queremos destacar “ALMOSTTOWN” donde te recomendamos prestarle atención a la melodía vocal de Adrienne que acompaña el comienzo del solo de guitarra. No tiene desperdicio.

El martes 21 de abril te recomendamos asistir a un show que promete deleitarnos con la combinación de distintos géneros del metal, y más aún, sumado a una ejecución excelsa. No podes perdértelo. Nos vemos ahí.

Últimamente los icónicos maestros del Metal Progresivo están pasando de forma muy constante por Argentina. Tras su paso en diciembre del 2024, en esta oportunidad Dream Theater vuelve al país para presentarse en el Movistar Arena el próximo 24 de abril, en el marco de su gira An Evening With Dream Theater para continuar con los festejos por los 40 años de carrera. Sin embargo, fiel a su estilo, la banda contará con algunas particularidades que convertirán este show, en una experiencia única e imperdible para sus fans.

Desde Track To Hell, te venimos a contar cuáles son. 

1 — Parasomnia al completo

El principal motivo que los trae de regreso: su nueva obra, Parasomnia. Lanzado en febrero 2025, este trabajo fue uno de los acontecimientos más relevantes del año pasado debido a que marcó el regreso del emblemático batero, Mike Portnoy, a la banda. Con una propuesta conceptual centrada en los trastornos del sueño, el álbum trajo de vuelta la vena más oscura y pesada del grupo, combinada con su característica destreza y elegancia. 

Como parte de la promoción, el conjunto neoyorkino ha anunciado que va a interpretar por completo y de forma íntegra, este último lanzamiento. Por lo que la gente podrá disfrutar del estreno en vivo de todas las piezas de la obra en suelo argentino (por excepción de “Night Terror” que ya la habían tocado en su última visita). Un hecho que sólo se dará por esta ocasión.

2 — Una alineación consolidada

Tal como mencionamos, la banda ya cuenta nuevamente con su fundador, Mike Portnoy en sus filas. Tras 15 años de ausencia, el talentoso y estelar batero regresó consolidando la alineación clásica del grupo, que tiene a James LaBrie en las voces, a Jordan Rudess en los teclados, al discreto pero siempre habilidoso John Myung en el bajo, y al líder de la manada, John Petrucci a cargo de las seis cuerdas. 

Un elenco de gran nivel y virtuosismo, que viene al país a demostrar porque son considerados los maestros del progresivo. 

3 — Un viaje en el tiempo con A Change Of Seasons

Para continuar remarcando las joyas que van a aparecer en setlist, además de los habituales clásicos de siempre y la interpretación al completo de Parasomnia, este show contará con la particularidad de presentar en vivo la pieza “A Change Of Seasons”, de su EP homónimo de 1994. 

Sacada del baúl de los recuerdos, la célebre suite de 23 minutos viene siendo uno de los principales atractivos de esta gira, debido a su enorme complejidad técnica y porque no la tocaban en su totalidad desde 2004. De modo que esta será la primera ocasión que la banda la interpretará de principio a fin, en el país. 

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4 — Más de 3hs de show

La entrega y profesionalismo de Dream Theater se ve reflejada en su desempeño en el escenario. Que no sólo incluye una gran performance de sus composiciones, sino de un repertorio variado y extenso. Y esta presentación, no es la excepción. 

Los 71 minutos íntegros de Parasomnia junto con los 23 de A Change Of Seasons ya nos da una duración de show de casi 2 horas. Si a eso le sumamos algunos hits que no pueden faltar nunca en vivo, tenemos como garantía mínima un espectáculo que va a rondar las 3 horas. Algo habitual en Dream Theater, pero muy poco en los recitales que vienen cayendo en el país. 

5 — El Movistar Arena y una segunda casa para la banda

Desde su vuelta al país luego de la pandemia, Petrucci y compañía se han instalado siempre en el Movistar Arena, siendo esta presentación la tercera en este sitio, desplazando a su histórica casa en el país que había sido el Luna Park. 

Con una capacidad para más de 10.000 personas, el Movistar cuenta con las pantallas y disposiciones técnicas para que la banda pueda llevar adelante sus shows y también, con una acústica que permite apreciar con mayor claridad y nitidez, la música de los estadounidenses. Un recinto dónde sin duda, el grupo ya se siente cómodo y lo considera una garantía para sus espectáculos. 

Otro mes que se va y deja atrás grandes nuevos lanzamientos. Algunos discos muy esperados por lo que significan ciertas bandas y por otro lado grandes sorpresas de bandas que hemos escuchado por primera vez. El staff de Track To Hell como siempre, se mantuvo al tanto de la actualidad y aquí nos deja sus recomendaciones del mes.

1) Erra – Silence Outlives The Earth

No soy un fan acerrimo del metalcore o metal moderno (como gusten llamarle). Sin embargo, como no me gustan los prejuicios me dedica a escuchar a cualquier banda que de alguna manera pueda atraparme (la portada de un disco, un single, etc). Hay bandas y discos de metalcore que realmente logran destructurar hasta al metalero más conservador habido y por haber. Erra con este discazo es el claro ejemplo de lo que digo. Excelentisima producción de principio a fin.

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2)Black Label Society – Engines Of Demolition

Un gran disco el que acaba de sacar Zakk Wylde con su banda. Nada del otro mundo respecto de su carrera, puesto que el reconocido guitarrista no busca reinventarse, sino seguir haciendo lo que más le gusta, siempre de la mejor manera posible. Lo tiene todo. Un disco con muchos matices. Matices que logran una escucha entretenida. Con canciones pesadas al fiel estilo californiano, baladas y hasta un gran homenaje a Ozzy Osbourne.

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3) Myrath – Wilderness Of Mirrors

La verdad que nunca le habia prestado tanta atención como ahora a estos tunecinos. Los tenía apenas escuchado porque alguna vez hice una investigación de las diferentes bandas metaleras del mundo y su folclore. Un discazo de principio a fin.

1) Midnatt – Skräckfylld Förtjusning,

Si buscás algo con sabor a metal clásico, tenés que darle una oportunidad a Midnatt. Su debut, es un viaje directo a la Suecia de los ochenta. Lo que más me gusta es que suena real, sin trucos de estudio modernos; es puro Heavy Metal analógico y crudo.

Al estar cantado en sueco, tiene una mística especial que encaja perfecto con esos riffs oscuros y melódicos. Es un disco con mucha actitud, ideal para quienes extrañan el sonido de bandas como Heavy Load. Si te va el metal auténtico y sin filtros, este trabajo te va a encantar.

2) Lamb of God – Into Oblivion

Lo nuevo de Lamb of God es una clase magistral de Groove Metal que no deberías dejar pasar. El disco mantiene esa agresividad técnica que los hizo grandes, pero se nota una madurez increíble en las composiciones. La batería de Art Cruz es una locura y Randy Blythe sigue sonando tan visceral como siempre, escupiendo letras con mucho peso social.

Es un álbum que logra ser pesado y oscuro, pero con un gancho que te mantiene enganchado de principio a fin. Si buscás algo potente para sacudir la cabeza con clase, este es definitivamente el disco indicado.

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3) Rob Zombie – The Great Satan

Si te gusta el caos visual y sonoro, tenés que escuchar lo nuevo del tío Rob. Es un disco que mantiene su estilo de Industrial Metal pero con un toque mucho más psicodélico y experimental.

Lo que me llamó la atención es cómo logra mezclar riffs pesados con samples de películas de terror y ritmos electrónicos que te hacen mover la cabeza sin querer. Es una experiencia inmersiva, ideal para quienes buscan algo que rompa la estructura clásica del metal.

Si querés algo divertido, oscuro y con mucha personalidad, dale una vuelta a este álbum.

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1) Lamb of God – Into Oblivion

Es un disco intenso y fiel a su identidad, aunque no alcanza el nivel de sus obras clásicas. Desde el inicio, destaca su energía visceral, riffs contundentes y la voz de Randy Blythe, que combina agresividad con crítica social. Canciones como “Parasocial Christ” y “Sepsis” reflejan una mirada actual sobre la era digital y mantienen el peso característico de la banda. También hay espacio para lo emocional en “El Vacío”, mostrando una faceta más introspectiva.

En lo instrumental, se resalta el trabajo sólido de la banda, especialmente en guitarras y bajo. La batería de Art Cruz cumple, aunque se menciona cierta nostalgia por el estilo de Chris Adler. En conjunto, el álbum no es revolucionario, pero sí potente, honesto y capaz de reafirmar a la banda como referente del metal moderno.

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2) Erra- Silence Outlives The Earth

Es un álbum que consolida su evolución dentro del metalcore progresivo, combinando técnica, melodía y una atmósfera cohesiva. A dos años de CURE, la banda retoma elementos clave de su identidad con una ejecución más pulida. Los adelantos “gore of being” y “echo sonata” reflejan este equilibrio entre complejidad técnica y sensibilidad melódica, destacando el contraste vocal entre JT Cavey y Jesse Cash.

El disco alterna momentos accesibles y pasajes más intensos, como en “stelliform” y “further eden”, mientras que temas como “black cloud” exploran un enfoque más melódico. En contraste, “cicada siren” aporta peso y precisión rítmica. La segunda mitad refuerza la cohesión con composiciones introspectivas y dinámicas. El cierre, dividido en tres partes, expande el alcance del álbum con una mezcla de agresividad, progresión y variedad estructural, reafirmando la madurez del grupo.

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3) Gaerea – Loss

Loss de Gaerea reafirma su crecimiento tras Limbo y Mirage, manteniendo una combinación efectiva de agresividad y melodía con una producción sólida. A lo largo de sus 45 minutos, el disco alterna entre atmósferas tensas y explosiones de intensidad en temas como “Luminary”, “Submerged” y “Hellbound”, mientras que canciones como “Phoenix” y “Cyclone” aportan un enfoque más melódico. La batería destaca constantemente por su potencia, y el cierre con “Stardust” suma un matiz más emocional y extenso que equilibra el conjunto.

Sin embargo, también se percibe un cambio claro en la identidad de la banda: dejan atrás parte de ese post-black elegante y atmosférico que los distinguía para acercarse a un metalcore moderno muy bien ejecutado, pero más genérico en comparación. Aunque el resultado es contundente y accesible, puede generar cierta división entre quienes valoraban más su faceta original y quienes conectan con esta evolución más directa y estructurada.

1) Hellripper – Coronach

En un año dónde el Thrash viene pasando muy desapercibido, sin tantos lanzamientos rutilantes, Hellripper se encarga de poner nuevamente al género en lo más alto, tal como viene haciendo en los últimos años. Y es que desde sus comienzos, que este proyecto individual liderado por James McBain viene haciendo ruido y destacando en cada lanzamiento. 

Sin embargo, en esta oportunidad estamos en condiciones de afirmar que el inglés sacó su trabajo más completo hasta la fecha. Con un gran despliegue rítmico, una fusión equilibrada entre melodía y agresividad, junto con una producción orgánica que recuerda a nombres como Celtic Frost o Sabbat, el presente Coronach se erige como una gema perdida en el tiempo, para los fanáticos del Black/Thrash/Speed más oscuro y devastador. Sin pretensiones ni búsquedas raras, Hellripper nos demuestra que la clave está en entender tu estilo, y ser lo más fiel y natural a él. Para lo mejor del año.

2) Myrath – Wilderness Of Mirrors

Entrando por la ventana de marzo y salvando el mes tenemos el nuevo trabajo de Myrath. La banda proveniente de Túnez volvió a la acción y en esta séptima placa nos regaló una nueva dosis de Power Metal Progresivo con pinceladas árabes que realzan este estilo que ellos practican y autodefinen como Metal Oriental.

A diferencia de sus obras anteriores, acá hay un enfoque mucho más marcado en la construcción de pasajes y atmosferas arábigas, con cierto toque dramático. Como si de una obra de teatro se tratase, el disco es un sube y baja emotivo, donde los versos se desarrollan con calma y armonía para luego desatar todo el torbellino de epicidad y grandeza en el estribillo. Con grandes arreglos orquestales, el disco consigue su función de llevar al oyente en un viaje por la alfombra mágica, a un mundo lleno de aventura y fantasía. 

3)Neurosis — An Undying Love For A Burning World

El nuevo disco de Neurosis es como ese regalo inesperado que tu tío te daba en navidad, que generalmente resultaba ser una remera linda de marca para poder ir a cumpleaños o salir a pasear al shopping con tu familia. Un regalo que no te esperabas para nada pero que terminas usando y disfrutando en tu día a día. De esa forma se siente esta nueva obra de los estadounidenses que cayó prácticamente del cielo, ya que se dio en un contexto de nula comunicación, sin ningún tipo de aviso ni anuncio. 

Y es que más allá de lo repentina que fue la aparición de este trabajo, el otro punto sorpresivo de este lanzamiento es que se dio sin su líder, Scott Kelly, tras su polémica salida hace unos 4 años. Sin embargo, Neurosis encontró una buena razón para seguir adelante bajo la tutela de Aaron Turner, uno de sus mejores alumnos tras lo hecho en Isis.

El resultado? Un viaje pantanoso y apocalíptico de una hora en las que los riffs te absorben y hunden lentamente en la podredumbre y pesadez de su propuesta. Una sólida combinación de Sludge Metal con pasajes Doom junto con otros más ásperos propios del Hardcore. Un ejercicio exigente pero competente. Al más fiel estilo de Neurosis.

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1) Exodus – Goliath

Tras la salida de Zetro Souza y el regreso de Rob Dukes a las voces, Exodus editan un álbum que se podría calificar fácilmente de “hecho en piloto automático”. Y sí, es innegable que este Goliath por momentos se puede sentir como hecho a media máquina, o al menos un par de escalones por debajo del nivel más que decente que venían mostrando en la última década. Pero tampoco voy a negar que tiene sus momentos muy entretenidos y varios riffs como para tararear y sacar el hambre de escuchar thrash clásico.

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2) Tyketto – Closer to the Sun

Tras una década del anterior Reach, Tyketto vuelven a las andadas con otra selección de canciones de hard rock radial. Danny Vaughn sigue manteniendo el nivel detrás del micrófono y las canciones dan ganas de ponerse el fijador en el pelo y pretender que Nirvana nunca editó Nevermind. Nada novedoso, nada que rompa los esquemas, nada experimental ni esas cosas: las canciones siguen el manual y no tengo problema con eso.

3) Lost Society – Hell Is A State of Mind

De fundamentalistas del revival del thrash metal de chaleco de parches y jeans rotos a metaleros alternativos de uñas pintadas y estribillos melódicos, los finlandeses Lost Society han dado unos volantazos en su carrera que no se habrían visto ni en el episodio más movido de Meteoro. No puedo decir que haya sido fan de sus discos post pandemia o que siquiera sea “fan” de esta sexta entrega en su discografía, pero creo que acá han logrado hacer un álbum que pueda escuchar de principio a fin sin preguntarme qué diablos estoy escuchando. ¿Tal vez el balance adecuado?

El viernes 1° de mayo, de la mano de los amigos de ICARUS MUSIC, podremos disfrutar de una de las voces emblemáticas y más reconocibles del heavy metal: UDO DIRKSCHNEIDER quien nos agitara con su potencia demoledora en El Teatrito (Sarmiento 1752, C.A.B.A.).

En el marco de su “Ball to the Wall Latin America Tour 2026” UDO, con su voz única, su estatura baja, la vestimenta de camuflaje y el pelo corto rubio, notas identitarias de este vocalista, nos invita a repasar un disco que forma parte de la historia del heavy metal y otros clásicos de su carrera solista. Las entradas se consiguen por sistema Passline.

A más de 40 años de su lanzamiento, la próxima visita de una voz tan reconocible, nos sirve de excusa para hacer unas breves referencias al disco más emblemático de los alemanes ACCEPT.

Una de las formaciones más clásicas de la banda dio a luz esta obra maestra: Udo Dirkschneider (voces), Peter Baltes (bajo), Herman Frank (guitarra), Wolf Hoffmann (guitarra) y Stefan Kaufmann (batería), la cual a pesar del paso del tiempo, de los diecisiete discos de estudio y de los distintos parates a los que se vio sometida la formación a lo largo de su carrera, hoy en día sigue siendo un referente no solo de ACCEPT mismo sino de todo el mundo del heavy metal.

Un tracklist compuesto por 10 canciones:

1. Balls to the Wall
2. London Leatherboys
3. Fight It Back
4. Head over Heels
5. Losing More than You’ve Ever Had
6. Love Child
7. Turn Me On
8. Losers and Winners
9. Guardian of the Night
10. Winter Dreams

Luego de cuatro álbumes, que habían recibido críticas dispares, el lanzamiento de su quinto disco de estudio colocó a la banda en el ojo del mundo del metal y el rock duro de la época. Hablamos de una época que cuenta con no pocas joyas de la historia del heavy metal, tales como “Kill´Em All” de Metallica o durante el desarrollo de la época dorada de Iron Maiden.

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“Balls to the Wall” aportó un sonido crudo, directo y contundente, riffs filosos y, al mismo tiempo, melódicos, temas controversiales para la época (sobre todo en países como los Estados Unidos de América) y sentó las bases para el desarrollo incipiente de distintas variantes del metal. Se trata de un álbum que no solo definió el sonido de la banda, sino que desparrama rebeldía y controversia por sus cuatro costados (tengamos en cuenta las ediciones disponibles de la época).

Cuenta con un tema que constituye uno de los mayores himnos del metal y que todos en alguna oportunidad hemos gritado a viva voz: “Balls to the Wall”. Ese riff potente y candencioso, sumado a la voz rasposa de UDO y la base rítmica, hacen de esta canción un verdadero himno del metal. A ello debemos sumar un estribillo, simple, pero pegadizo que no deja de retumbar en tu mente desde la primera escucha.

El coro y la parte casi narrada de mitad del tema, acompañado de un bajo que suena en primera línea, parecen pensado para su representación en vivo desde su nacimiento.

En un contexto de guerra fría y represión de ideas que intentaran romper con el status quo de la época, la letra de “Balls to the Wall” refleja rebeldía y una declaración sobre la opresión imperante en la época. Representa un grito tendiente a despertar a quienes se encontraban somnolientos ante la realidad imperante en un mundo, muy similar al actual, aletargado y displicente. Quizás eso también sea algo que contribuye a su vigencia: una letra que refleja con precisión el mundo en que fue creada, pero que sigue sonando actual.

También podemos destacar temas como “London Leatherboys” o “Love Child” que, más allá de su fuerza musical, eran letras pensadas para generar controversia en las mentes, muchas veces limitadas, de la época; o “Fight It Back”, donde la maquinaria alemana nos pone delante un tema de puro heavy metal que contiene todos los elementos necesarios para hacerte sacudir el cuello de principio a fin.

Que no queden dudas, hay clásicos que no pierden vigencia, y “Balls to the Wall” y UDO son dos de esos clásicos que no queres dejar pasar.

Nos vemos el 1° de mayo para celebrar parte de la historia del metal.

La agenda de Track To Hell para abril en España llega cargada de conciertos de rock, punk y metal, consolidando la primavera como uno de los momentos más intensos del directo. El mes combina bandas consolidadas con propuestas emergentes que mantienen vivo el pulso del underground, recorriendo estilos que van del rock alternativo al metal más contundente.

Entre descargas de actitud punk, noches de hard rock y shows de metal sin concesiones, abril se presenta como una oportunidad perfecta para sumergirse en la música en vivo: riffs afilados, energía desbordante y una escena que sigue vibrando con fuerza.

ZEKE
Fechas: 2 de Abril en Valencia y 3 de Abril en Barcelona.

Arima
Fechas: 4 de Abril en Barcelona

Stoned Jesus + Wheel
Fechas: 8 de Abril en Madrid y 9 de Abril en Barcelona.

FM
Fechas: 9 de Abril en Barcelona, 10 de Abril en Zaragozam 11 de Abril en Pamplona y 12 de Abril en Madrid.

Infected Rain + Butcher Babies + Black Spikes
Fechas: 11 de Abril en Barcelona y 12 de Abril en Madrid.

Lucifer
Fecha: 13 de Abril en Barcelona

Lord Of The Lost + Dogma + League Of Distortion
Fechas: 14 de Abril en Madrid y 15 de Abril en Barcelona.

Full of Hell + The Body + Jarhead Fertilizer + JAD
Fechas: 16 de Abril en Madrid y 17 de Abril en Barcelona.

Shiraz Lane + Strangers
Fechas: 16 de Abril en Madrid y 18 de Abril en Barcelona.

Kælan Mikla
Fechas: 17 de Abril en Madrid y 18 de Abril en Barcelona.

Hamlet
Fecha: 17 de Abril en Barcelona.

Winds Of Agony
Fechas: 17 y 18 de Abril en Barcelona.

Acherontia + Monogordo
Fecha: 18 de Abril en Barcelona.

Dark Moor
Fecha: 18 de Abril en Madrid.

Koma
Fecha: 18 de Abril en Madrid.

1914 + Katla
Fechas: 20 de Abril en Madrid y 21 de Abril en Barcelona.

Saxon
Fechas: 24 de Abril en Barcelona, 25 de Abril en Bilbao y 26 de Abril en Madrid.

Machine Head
Fechas: 25 de Abril en Pamplona, 27 de Abril en Madrid, 29 de Abril en Malaga y 30 de Abril en Barcelona.
Robert Jon & The Wreck
Fecha: 29 de Abril en Barcelona

Exhumed + Gruesome
Fecha: 29 de Abril en Barcelona
Benediction
Fecha: 30 de Abril en Madrid

Avalanch
Fecha: 30 de Abril en Malaga

La agenda de Track To Hell para abril en Copenhague llega cargada de conciertos de rock, punk y metal, mezclando la fuerza de bandas ya consolidadas con el empuje de nuevas propuestas de la escena underground. Durante todo el mes, distintas salas de la ciudad acogerán una programación variada, con sonidos que van desde el rock alternativo hasta el metal más contundente. Abril se presenta como una oportunidad perfecta para dejarse llevar por guitarras intensas, actitud punk y una energía en directo arrolladora dentro de una escena local viva y en constante evolución.

Hypocrisy + Abbath + Vomitory + Vreid
Fecha: 3 de Abril en Copenhague.

Poppy + Fox Lake + Ocean Grove
Fecha: 5 de Abril en Copenhague.

Machine Head
Fecha: 11 de Abril en Copenhague.

Karnivool + Intervals
Fecha: 14 de Abril en Copenhague.

Baest + Coffin Feder + Livløs
Fecha: 24 de Abril en Copenhague.

Tame Impala
Fecha: 25 de Abril en Copenhague.

Kreator + Carcass + Exodus + Nails
Fecha: 25 de Abril en Copenhague.

Iotunn + In Vain + Nephylim
Fecha: 26 de Abril en Copenhague.

Full of Hell + The Body + JAD + Jardhead Fertilize
Fecha: 26 de Abril en Copenhague.

Si algo tiene el death metal, son distintos caminos y vertientes en los que se va moviendo y expandiendo. Empujando sus límites hacia nuevos horizontes. Dentro de estas dinámicas, aparecen Beyond Creation y Fallujah, dos agrupaciones con interpretaciones muy diferentes del género, pero que comparten esa búsqueda y ambición por romper barreras. Y por encontrar una identidad, a base de una constante evolución.

Estas dos bandas se van a estar viendo las caras el próximo miércoles 22 de abril, en el Teatro Flores (Av. Rivadavia 7806). Beyond Creation para festejar los 15 años de su debut, y Fallujah actuando como los invitados de honor. El evento es producido por Icarus Music, y contará con la participación en el plano local de Expiration, Lesa Humanidad y Exitium Creation.

Las entradas se encuentran a la venta online por sistema Passline o también se pueden encontrar de forma física en Icarus Music Store (Aristóbulo del Valle 104, La Boca).

Beyond Creation y el tecnicismo extremo

Beyond Creation nace en Canadá, en la ciudad de Montreal, en 2005. Formado y liderado por Simon Girard, el grupo surge con una idea muy clara: llevar el death metal técnico al siguiente nivel. Siguiendo la línea musical de nombres como Death, Obscura y sus compatriotas, Quo Vadis, desde un comienzo el grupo resaltó por combinar de forma muy equilibrada precisión, agresividad y virtuosismo. Todo esto, llevado a grandes proporciones.

Es así que editan The Aura (2011), una obra que rompió paradigmas por el elevado nivel de virtuosismo y complejidad musical con el que cuenta. Con la presencia del bajo fretless (sin trastes) como elemento distintivo, la banda se ganó rápidamente la atención y oídos de toda la comunidad del death metal extremo/progresivo.

Tras esto, los canadienses pulieron su propuesta con sus siguientes lanzamientos, Earthborn Evolution (2014) y Algorythm (2018), en dónde se aprecia un mayor enfoque en la técnica y la melodía, con pasajes más elaborados y maduros.

A diferencia de referentes de su país como Gorguts o Cryptopsy, Beyond Creation no recurre únicamente en la velocidad y brutalidad técnica del death metal, sino que integra elementos del mundo del Jazz y el Fusion, para lograr construir estructuras más pulidas y claras, llenas de capas y matices que permiten apreciar el despliegue dinámico y sutil de sus músicos.

Tres razones para no perdértelos:

• 15° aniversario de The Aura: Celebrando los 15 años de su debut, los canadienses van a estar tocando el disco entero y de forma íntegra. De principio a fin. Una oportunidad única de apreciar una de las obras más representativas del género en los últimos años.
• Precisión quirúrgica sobre el escenario: El virtuoso y exquisito trabajo instrumental de Beyond Creation no sólo se aprecia en estudio, sino que se potencia en vivo. A diferencia de otros grupos, los de Montreal mantienen e incluso mejoran, la interpretación de sus composiciones, incorporando un grado mayor de intensidad y visceralidad a su propuesta.
• 1° vez como banda cabecera: Esta va a ser la 3ra presentación del grupo en suelo argentino, pero la primera que llegan como el acto principal del evento. Tras su bautismo de fuego en 2019, en Uniclub junto a Exhumed, y su segunda visita acompañados de Cynic al Teatrito, en 2023, en esta ocasión Simon y compañía van a estar arribando al Teatro Flores, marcando también, su debut en este recinto. Un recinto que ofrece mayor capacidad y mejor acústica para apreciar la calidad técnica de la banda. Además, de un setilist con mayor duración.

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Fallujah: envolviendo ambientes

Un poco más abajo en el mapa, más específicamente en la Bahía de San Francisco, California, tenemos a Fallujah. Fundada en 2007, esta banda tuvo un inicio más emparentado al Deathcore pero rápidamente giraron el rumbo hacia terrenos más progresivos y atmosféricos.

El grupo se distinguió por un sonido que contiene una mezcla de agresión técnica con paisajes sonoros etéreos. Su principal particularidad, es el uso de capas de sintetizadores, guitarras con mucho reverb y pasajes ambientales. Todo para crear una sensación de “ambiente en el espacio”.

El punto de inflexión en su carrera se encuentra en The Flesh Prevails (2014), dónde encuentran su estilo e identidad. A partir de acá, la banda continúo expandiendo su concepto musical con obras como Dreamless (2016) y Undying Light (2019), en dónde aparecen arreglos más melódicos e incluso ambientales.

Sin embargo, el grupo liderado por su guitarrista, Scott Carstairs, retomó la senda de la agresividad en Empyrean (2022) y su más reciente trabajo, Xenotaph (2019), el cual, vienen a presentar.

Tres razones para no perdértelos:

• Presentación de Xenotaph: Tal como mencionamos, los estadounidenses llegan con nuevo disco bajo el brazo, lo que conlleva un setlist enfocado en este material
• El despliegue visual en directo: Fallujah se caracteriza por contar con espectáculo de atmosférico inmersivo, en dónde las luces y las sombras cumplen un rol clave. En un escenario grande como el del Teatro Flores, van a encontrar la suficiente comodidad para crear los climas que buscan.
• Alineación renovada pero más afianzada: Tras un par de cambios de formación su líder, Scott Carstairs, encontró regularidad y talento en los últimos ingresos, destacando el de Kyle Schaefer en las voces y el del bajista Evan Brewer, reconocido por su trabajo en The Faceless.

Etiquetas: Beyond Creation, Death Metal, Death Metal Tecnico, Deathcore, Fallujah, metal progresivo

Los reyes de la cerveza han vuelto. Para animar el mes y levantar el espíritu “alcohólico” de nuestro interior, llega Tankard a la Argentina. El mítico grupo de thrash metal alemán se presenta en el país el próximo lunes 27 de abril, en el Teatrito (Sarmiento 1752, CABA), para compartir sus mayores éxitos musicales y arrancar la semana a pura fiesta y cerveza.

Las entradas se encuentran disponibles a través del sistema Passline o de forma física, en la tienda oficial de Icarus Music Store. El show está producido por Icarus Music y va a contar con la participación nacional de Bastardos, Pucara y Metal Crucifier. Desde las 18hs, van a poder disfrutar de la previa a pura cerveza y música. No se lo pierdan.

Con más de 40 años de carrera y decenas de discos a sus espaldas, la banda más alocada del “Big Teutonic Four” llega a Sudamérica en medio de su gira, “Kings of Beer Tour 2026”. Es por eso que desde Track To Hell, te invitamos a recorrer los trabajos claves de los cerveceros, que los convirtieron en el referente festivo y alegre del thrash.

Chemical Invasion (1987)

Considerado, tanto por críticos como fanáticos, como el álbum definitivo de Tankard y un pilar fundamental del thrash alemán. Publicado bajo el sello Noise Records, este segundo trabajo de estudio marcó un salto significativo en técnica y producción respecto a su debut, consolidando su estilo y temática “cervecera”.

Desde su inicio arrollador con “Total Addiction” hasta su cierre descontrolado y fiestero con “Alcohol” (cover del grupo de hardcore Gang Green), el disco presenta todos los ingredientes tanto musicales como visuales, que asociarían a Tankard, con locura, fiesta y humor irreverente. Thrash agresivo pero con sus dosis de alegría.

Beast Of Bourbon (2004)

Si de clásicos hablamos, Tankard ha sabido construir varios a lo largo de su carrera, por fuera de su etapa dorada en la década de los 80’. Y sin duda alguna, este es el más representativo de sus tiempos modernos. O al menos, dentro del siglo XXI. Fue la obra que definió el sonido potente y desenfrenado que tienen hasta hoy en día. Con piezas que se volvieron en reliquias que no pueden faltar en vivo y con lo que quizás para muchos, sea su principal gran himno: “Die With A Beer In Your Hand”, que lirica y musicalmente, encapsula a la perfección el espíritu del grupo.

Si Kreator tiene Enemy Of God (2005), Sodom el M-16 (2001), y Destruction su The Antichrist (2001), pues Tankard tiene su Beast Of Bourbon (2004).

The Morning After (1988)

El nombre lo dice todo. El disco de la resaca es una declaración de principios. Una portada legendaria, composiciones más directas, y un Andreas “Gerre” Geremia frente a los micrófonos, más acelerado y descontrolado que nunca. El trabajo lo tiene todo si lo que uno busca es un thrash violento, frenético pero divertido y melódico a la vez. Se trata de una obra que consolidó el estatus de los alemanes en toda Europa, y que con temas como “Commandments”, “T.V Hero” y el tema título, se convirtió en unos de lo mas populares de su catálogo.

Al fin y al cabo, como un viejo sabio dijo alguna vez, todos fuimos el de la portada.

Kings Of Beer (2000)

A diferencia de otras bandas que viven de sus primeros trabajos y no mucho más, Tankard se puede jactar de haber compuesto grandes himnos a lo largo y amplio de toda su discografía. Y si algo le sobra a este disco, son justamente himnos. Y es que uno de las primeras canciones con los que uno se cruza al conocer a los germanos amantes de la cerveza, es el tema homónimo que da nombre a la obra. Una de sus piezas más legendarias y laureadas en vivo.

Pero más allá de eso, Kings Of Beer se puede jactar de ser el álbum que reubicó a Tankard en el mapa metálico, luego de una década complicada en los 90’. De ser el que encamino el sonido y la producción de la banda hasta Beast Of Bourbon. Y de ser el que les valió el apodo que hoy en día tienen. Mejor forma de arrancar el siglo, no tuvieron.

Stone Cold Sober (1992)

El disco más “maduro” de la banda. O por lo menos, el primero de varios que nos mostró que Gerre y compañía, podían componer mucho más que solo piezas dedicadas al alcohol y la fiesta. Manteniendo su faceta alegre y cervecera en piezas como “Freiber” y “Centerfold”, la banda a su vez ofrece un enfoque más “serio” y “crítico” en sus composiciones, con letras orientadas más satíricas e irónicas sobre la sociedad y política de los 90’, y una dirección musical más pulida y controlada, sin tanto desenfreno.

Con temas como “Jurisdiction”, “Mindwild” o “Sleeping With The Past”, Tankard demostró que podían ser mucho más que solo los graciosos de la clase.

Bonus Track:

Zombie Attack (1986)

Y como no, no podía faltar el debut. La obra que lo comenzó todo. Se trata de un trabajo que rebosa de juventud, entusiasmo y mucha adrenalina. A diferencia de sus siguientes obras, donde conseguirían sonar profesionalmente descontrolados, acá los alemanes se encuentran en un punto dónde prima la actitud y las ganas por hacer música. Es por eso que la producción suena sucia, cruda, y poco cuidada. Pero pese a estas imperfecciones, no deja de ser un clásico del género con joyas infaltables en vivo como “Zombie Attack” y su otro gran himno, “Empty Tankard”.

A Girl Called Cerveza (2012)

De los últimos años, su lanzamiento más exitoso y popular. No sólo por el increíble estado de gracia compositivo y creativo en el que se hallaba la banda en este trabajo, sino por el tono melódico y moderno que encuentran. Manteniendo su esencia cómica y alegre, Tankard demostró que sigue en forma, y que dentro de las limitaciones que ofrece el género, saben reinventarse.

Etiquetas: Alemania, argentina, Tankard, Thrash Metal

Avatar vuelven a hacer historia en Ciudad de México tras arrasar el pasado otoño con su excepcional concierto de Noche de Brujas, que convocó a casi 8.000 personas en Pepsi Center. 

Esta vez la cita se dio en Vive Latino, una opción algo peculiar, ya que se trata de un festival muy generalista, donde por igual encontramos cumbia, salsa, hip hop, punk o rock, de artistas tanto mexicanos, como de otros países latinoamericanos, españoles o incluso internacionales. Aunque también estaban Smashing Pumpkins, me atrevo a decir que Avatar es lo más oscuro que ha sonado en esta edición de Vive Latino.

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El festival era enorme (150.000 asistentes aproximados, divididos en cinco escenarios) y fue retransmitido en directo a través de la plataforma Amazon, llegando todavía a muchos más espectadores. 

Y es que la banda no deja de coleccionar hitos últimamente: esa misma semana estaba celebrando su inclusión en el Top 5 de Billboard en las radios de EEUU con su canción “Tonight we must be warriors”. A principios de año, la revista Kerrang! les dedicó un especial de veinte páginas (precisamente motivado por su éxito mexicano en Noche de Brujas). El pasado 7 de marzo realizaron una actuación especial en Le Zenith de París que ha sido grabada íntegramente por su equipo con calidad profesional y que pronto verá la luz públicamente. Además, no han parado de ejecutar sold outs en una doble gira larguísima y muy intensa, encadenando la etapa estadounidense de “In the Airwaves tour” (24 fechas en Norteamérica entre noviembre y diciembre de 2025) con la etapa europea, a la que añadieron el subtítulo “A night to be torn apart” (con casi otras 30 fechas en toda Europa de febrero a marzo de 2026), amén de su presencia en el crucero Shiprocked.

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El propio Johannes declaraba sobre el escenario en el concierto de Vive Latino del 15 de marzo: “Fijaos, estamos en la gira más loca del mundo. Porque estamos en una gira europea ahora mismo: una gira europea que empezó en Florida, bajó hasta las Bahamas, después se fue a Europa, por toooda Europa, y ahora que hemos terminado con Europa, nos hemos metido directamente en un avión para venir hasta aquí, para traer todo lo que nos quede dentro y dároslo a vosotros”.

No en vano, México es un lugar muy querido por la banda sueca desde sus primeras incursiones en el país (en los festivales Domination 2019 y Hell and Heaven 2022) y especialmente tras su visita en 2024 como headliners para la promoción de su disco inmediatamente anterior, “Dance Devil Dance”. Tienen en este país al menos tres clubes de fans, que divulgan cientos de memes cariñosos e idiosincráticos y que llevan su amor por esta banda como un signo de identidad. Para celebrar su participación en Vive Latino, el pasado 13 de marzo, estos clubes (“Avatar.Mexico”, “Avatar Country MX” y “Johannes mi religión”), se reunieron en una multitudinaria fiesta en su honor en la que se escuchó su música, se pudo comprar merchandising exclusivo y se intercambiaron coleccionables de la banda.

No es de extrañar que al plantar pie en el país se encontraran a varios fans esperándoles en el aeropuerto, a los que atendieron con su buena disposición característica, pese al jet lag y el cansancio acumulado.

Y sí, es de las muy pocas veces que puedo decir que he visto al vocalista Johannes Eckerström un poco fatigado… pero un Johannes levemente fatigado es un huracán para cualquier otra persona. De hecho esta fatiga tan solo se notó por unos segundos en el vídeo de saludo post-concierto (algo que la banda acostumbra siempre a realizar) y en los primeros compases del propio show: si bien la cadenciosa “Captain Goat” con la que abrieron pudo dar pie a captar estos matices, después de eso: “Holy shit!” El grupo entero se vino arriba para realizar no sólo un directo tan potente como el que nos tienen acostumbrados sino incluso mayor. Y es que el público de Ciudad de México se lo merece por su tremenda energía e incondicional apoyo.

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La producción fue obviamente más pequeña que lo que pudimos ver en salas grandes. No hubo piano ni trono dorado, pero supieron sacar partido en lo visual a sus cambios de vestuario y al protagonismo de un hipertrofiado logo de la banda que dominaba el escenario.

Sufrieron unos pequeños problemas de sonido al principio, cosa de la que también se recuperaron airosos y, para su deleite, desencadenaron un moshpit masivo al fondo del escenario Little Caesars.

Fue una actuación generosa, de una hora completa, en la que los suecos interpretaron un set de once temas, intercalados con algunos discursos muy breves. Hablaron un poco en español y disfrutaron del “oeoeoeee” que el público hispanohablante siempre les dedica. 

Setlist:

1. Captain Goat
2. Hail The Apocalypse
3. The Eagle Has Landed
4. In The Airwaves
5. Bloody Angel
6. Death And Glitz
7. The Dirt I’m Buried In
8. Silence In The Age of Apes
9. Torn Apart
10. Tonight We Must Be Warriors
11. Smells Like A Freakshow

El punto más fuerte del show fue sin duda “Torn Apart”, una de sus canciones más emblemáticas (perteneciente al disco Black Waltz de 2012) que, siendo muy querida por los fans, no se había escuchado en Noche de Brujas y que además es el leitmotiv de esta peculiar gira: “A night to be torn apart”. 

Pero no por ello debemos desmerecer realmente a ninguna de las canciones que pusieron en práctica, pues cada una emocionó al público a su propia manera: alternaron sus éxitos más consolidados (“Bloody Angel”, “Hail The Apocalypse” o, mi personal favorita, “The Dirt I’m Buried In”) con cuatro temas que fueron single de su último disco, “Don’t go in the forest” y que han pasado a ser automáticamente hits imprescindibles para sus fans. De estas, destaco especialmente la penúltima del set, “Tonight We Must Be Warriors”, que parece estar convirtiéndose en el himno que Johannes deseaba al hablar de ella en sus últimas entrevistas. Su mensaje es bastante claro: la unión hace la fuerza. Parafraseando al cantante: como si se tratara de una canción de Manowar pero teniendo en mente un espíritu político de izquierdas sin tapujos.

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Tras ella, el frontman hizo un alto para agradecer la entrega del público y anunciar el final del show. Preguntó también cuántos de los presentes ya los conocían, ante lo cual aproximadamente la mitad le respondieron con gritos de entusiasmo. Después preguntó cuántos de ellos los veían por primera vez y los gritos de esa otra mitad fueron aún más ensordecedores, demostrando así que incluso los espectadores más casuales, que quizás habían venido allí a escuchar cumbia, habían caído bajo el embrujo de su circo del terror. Fueron recibidos con frases como “Bienvenidos a la familia. Oh, no tenéis ni idea de en qué os habéis metido. Veréis, ahora que habéis tomado la decisión de seguir este camino y fugaros con el circo, la gente va a empezar a hablar… Y lo que hemos hecho aquí hoy, lo seguiremos haciendo para siempre”.

Avatar son en todo una familia y una democracia. No sólo Johannes brilló esa noche, sino que cada integrante de la banda demostró su enorme virtuosismo y tuvo su momento de oro. Con John a la batería dirigiendo todo el espectáculo como una infalible entidad robótica. Jonas y Tim a las guitarras como dueto único y totalmente simbiótico (protagonizando Jonas el inicio de “Bloody Angel” y más tarde su compañero ese momento icónico en el que Johannes señala: “mirad todos, es Tiiiim” para presentar su solo en “Warriors”). Y Henrik, no únicamente al bajo, sino también a los coros, alcanzando cada vez mayor presencia vocal e incluso atreviéndose con guturales en esta nueva etapa. 

Después sonó la imprescindible “Smells like a Freakshow” donde la locura del headbanging alcanzó sus mayores cotas. Algo casi increíble para una banda que no para de moverse por el escenario y que luce algunas de las melenas más icónicas del género, especialmente la dorada de Tim, la rizada de Henrik y la muy especial de Jonas, el rey de Avatar Country, con sus rastas hasta la cadera, convertidas en látigos durante casi todo el show.

Finalmente, se despidieron con su discurso característico de amor y solidaridad. Una versión algo más apresurada del que estrenaron precisamente en la misma Ciudad de México el pasado 31 de octubre con una determinación e intensidad tales que quedó grabado en la mente de todos los asistentes a aquella cita. Esta vez sonó así: “Somos Avatar y os amamos. Oíd la promesa: Avatar volverá y mientras tanto, prometed vosotros que seréis buenos con vosotros mismos, que seréis buenos unos con los otros, que vais a cuidar los unos de los otros. Porque el mundo está pasando unos tiempos jodidamente horribles, pero nosotros solo hemos visto belleza aquí esta noche. Todos sois importantes, no lo olvidéis nunca”.

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Una banda que, pese a estar envuelta en sudor y maquillaje negro, pese a sus letras muchas veces escabrosas… realmente sabe despertar el amor de su público, el cual a su paso, se llena de sentimientos positivos, toma la decisión de hacerse vegano o les dedica al grupo fanart de altísima calidad. Y no solo fanart: entre otras curiosidades, Avatar también da nombre a un fósil de estrella de mar, el “Ophiocoma avatar”, descubierto al sur de Suecia en 2023 por el paleontólogo y seguidor del grupo Dr. Ben Thuy.

Una banda autoexigente, que siempre busca romper sus límites y que parece estar en uno de los momentos más dulces de su carrera. Carrera por cierto muy larga ya, pues sus orígenes datan de 2001, cuando sus miembros eran aún menores de edad y que siempre han estado compaginando la música con otras responsabilidades, dándolo todo incluso en aquellos primeros shows en los que había más gente sobre el escenario que entre el público. Son todo un ejemplo de superación y de unidad.

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¿Dónde podremos verles a continuación? Tras unos fugaces días de descanso, volverán a la carga en abril con nuevas fechas en los Estados Unidos, para volver en mayo a girar por Europa acompañando nada menos que a Metallica en cuatro únicas fechas (en Alemania, Hungría, Irlanda y Reino Unido). También serán uno de los platos fuertes este verano en el festival Göteborg Brinner, organizado por sus compatriotas suecos In Flames.

Si pierdes tu camino en mitad de un bosque oscuro y ves a lo lejos una carpa medio iluminada de la que sale música circense… ¿resistirás la tentación de unirte a ellos?

Una cita imperdible para los fanáticos en Argentina del melodeath es la de In Flames. Los suecos se van a estar presentando en el país el próximo domingo 19 de abril, en el Teatro Flores (Av. Rivadavia 7806) ubicado en la Ciudad de Buenos Aires. Como parte de su gira, LATIN AMERICA TOUR ’26, el grupo liderado por Anders Fridén regresa para desplegar toda la potencia y adrenalina de su música, repasando los éxitos que los convirtieron en uno de los mayores exponentes del género y el sonido Gotemburgo. Con más de 30 años de carrera, te contamos cuales son los mayores hits que tienen que decir presente, en un show de ellos.

“Coerced Coexistence” (Colony, 1999)

Una de sus piezas más clásicas, pertenecientes a su primera época, como referentes del death metal melódico de mediados y fines de los 90’. Si bien el tema marca el primer registro de voz limpia de su vocalista, Anders Fridén, en mayor proporción hay predominio de guturales y gruñidos agudos. La línea de las guitarras es melódica pero sin perder el eje violento e intenso del género. Cuenta con una letra que trata sobre un viaje espiritual del alma, enmarcado en los temas generales del álbum que abarcan la religión, la sociedad y la espiritualidad.

De la vieja era del grupo, se convirtió en una de las más rescatadas en sus conciertos en el último tiempo.

“Only for the Weak” (Clayman, 2000)

La canción que los catapultó a la fama. Editada en pleno auge del Nu Metal y la cadena televisiva MTV, su vídeo puso a la banda en el mapa y radar de mucha gente que no estaba familiarizado con ellos. Posee uno de los riffs más reconocibles dentro de la carrera de los suecos, hecho para que la gente lo salté en vivo. La letra describe una dinámica emocional agotadora donde el protagonista se siente responsable de la tristeza de alguien más, aceptando un destino sombrío.

Su estribillo melódico y ganchero junto con las voces agresivas de Fridén, marcaron la pauta en la que el grupo empezaría a trabajar. Un tema que combina los últimos retazos del melodeath de sus inicios, junto con la estructura compositiva más explosiva del metal alternativo. No por nada es la canción que más tocaron en vivo en toda su carrera.

“I Am Above” (I, the Mask, 2019)

Si tuviéramos que destacar algún clásico moderno dentro de la discografía de In Flames, ese podría ser “I Am Above”. Lanzada como sencillo en diciembre del 2018, este tema retoma la fuerza y agresividad de sus comienzos. Aunque manteniendo las bases modernas que el grupo construyó en los últimos años. La voz de Anders Fridén juega entre tonos más rasgados y emotivos, teniendo como resultado una interpretación intensa pero épica.

Una pieza que conjuga muy bien todas sus etapas.

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“Take This Life” (Come Clarity, 2006)

Si algo valorable tiene In Flames, es que a lo largo de su discografía fueron sacando grandes éxitos. Y “Take This Life” es uno de sus mejores ejemplos, ya que se encuentra atravesado en medio de su pasado más rabioso y su presente más melódico. Cuenta con un arranque frenético de batería acompañado de un riff que se mantiene constante a lo largo del tema, hasta desembocar en un estribillo con Anders bajando las revoluciones y sacando a relucir su voz más limpia y cristalina.

Tiene la particularidad de haber formado parte del videojuego Guitar Hero III: Legends of Rock, lo que la volvió en una de las canciones más famosas reconocidas del grupo. Y el principal cierre de sus shows.

“Cloud Connected” (Reroute to Remain, 2002)

Una de las composiciones más disruptivas de su carrera, por el contexto en el que salió. Se podría decir que es una canción que definió su transición hacia un sonido más moderno y alternativo, al incorporar sintetizadores y texturas electrónicas a su propuesta extrema. Tiene un halo futurista y envolvente que trae a la cabeza a nombres como Deftones o Linkin Park, lo que sin duda, marca un claro alejamiento con sus contemporáneos de la escuela de death metal melódico de Gotemburgo.

A diferencia de otros temas, acá la banda prioriza lo magnético antes que lo potente y agresivo, lo que en sus recitales la vuelve en uno de los momentos más hipnóticos y relajados.

Por primera vez en Argentina, de la mano de HERESY METAL MEDIA, la banda estadounidense SEVEN SPIRES estarán tocando el martes 21 de abril de 2026, a partir de las 19 horas, sobre las tablas de Uniclub (Guardia Vieja 3360, C.A.B.A.). Las entradas se pueden adquirir por sistema Alpogo. 

La banda se formó en 2013 en el Berklee College of Music de Boston, lo que ya de por sí da cuenta del nivel de estos músicos, por Adrienne Cowan (voces y teclados) y Jack Kosto (guitarras), a los que debemos agregar para conformar la actual formación a los señores Peter Albert de Reyna (quien se sumará casi en el arranque mismo) y Dylan Gowan (bajo y batería, respectivamente).

La agrupación se caracteriza por presentar una propuesta que combina distintos elementos propios de variados géneros del metal y más allá: conocidos por la realización de álbumes conceptuales a lo largo de cada uno de ellos encontramos elementos de metal sinfónico, power metal, death metal melódico, black metal e, incluso jazz y toques electrónicos. 

Ello genera una propuesta altamente interesante lo que resalta con la versatilidad de la voz de Adrienne Cowan, mezclando estilos vocales limpios y guturales, junto a melodías melancólicas al son del jazz. 

A esto debemos sumar elementos orquestales y cinematográficos que complementan cada tema y las historias que nos relatan.

La banda cuenta con cuatro lanzamientos de estudio que permiten al oyente percibir de inmediato no solo la excelsa calidad de cada uno de los músicos como instrumentista sino la conjunción de esas individualidades en una banda que te sumerge en un viaje musical de lo más variado e interesante donde el metal es el norte.

Como en otras oportunidades, la visita de los estadounidenses nos sirve de excusa para recomendarte 10 temas de SEVEN SPIRES que, a mi criterio, merecen destacarse y muestran la versatilidad musical que constituye una de las mayores virtudes de esta banda.

1- “SONGS UPON WINE-STAINED TONGUES” una canción de 7 minutos que inicia con guturales y blast beats, que se mantienen cuando Adrienne cambia a una voz limpia generando un excelente contraste entre esos blast más propios del death/black con la voz limpia que ella nos ofrece. El tema cuenta con la participación del señor Alessandro Conti (a cargo de las voces en TRICK OR TREAT y TWILIGHT FORCE). La voz de ambos da lugar a un estribillo melódico excelente. A mitad del tema aproximadamente nos encontramos con un piano y atmósfera de musical acompañando la voz limpia de ambos, para subir la intensidad desembocando en el puente-estribillo. Combina un estilo preponderantemente melódico y, en ciertos pasajes del comienzo, oscuro. (“A FORTRESS CALLED HOME”- 2024).

2- “ENCOUNTER”: una canción que mezcla riffs en sincronía con la base, melodías emanadas de la voz de Adrianne, una atmósfera operística que recorre la canción de principio a fin y un estribillo melódico que te invita a cantarlo en vivo. Un final musical soberbio. (“SOLVEIG”- 2017).

3- “THIS GOD IS DEAD”: Un inicio casi de música coral/religiosa nos introduce a uno de los temas de mayor duración de la discografía de la banda estadounidense y que cuenta con Roy Khan (ex KAMELOT y CONCEPTION) de invitado. Se convierte en una pieza de metal sinfónico/power a la cual la participación de Khan le suma su impronta vocal característica. La combinación de ambas voces es excelsa. Interesantes cambios de ritmo te sumergen en una marea de intensidades, incluida una parte nítidamente operística, a las que el retorno de la voz del señor Khan le pone una calma melódica. (“GODS OF DEBAUCHERY”- 2021).

4- “THE CABARET OF DREAMS”: inicio metalero junto a un pequeño solo para de inmediato sumergirnos en una melodía jazzera que acompaña las variantes vocales de Adrienne, sin perder la pesadez característica del metal. Es una melodía de jazz insertada en un tema de heavy metal. Una obra maestra. (“SOLVEIG”- 2017).

5- “BURY YOU”: una canción que pone de manifiesto el costado sinfónico del grupo. Es un medio tempo, con voces limpias y una melodía soberbia. (“EMERALD SEAS”- 2020).

6- “GHOST OF YESTERDAY”: un tema sinfónico, con alguna pizca de jazz, para tornarse en un tema de power metal en el estribillo. No falta una parte gutural que muestra todas las facetas de la banda. (“GODS OF DEBAUCHERY”- 2021).

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7- “CLOSURE”: una melodía oriental nos introduce a una composición que presenta una variedad de estilos dentro de sus casi seis minutos de duración. Imposible de encasillar/catalogar, pero con una atmósfera de jazz que dice presente en varios momentos. Compositivamente una obra de arte. Un final a todo palo. (“SOLVEIG”- 2017).

8- “BURN”: una canción donde predomina el costado más gutural y pesado de la banda y la versatilidad vocal de ella. Pero también nos muestran un costado melódico a mitad de su duración, seguido de una parte lenta que te eriza la piel y una parte instrumental donde el jazz vuelve a estar tímidamente presente; el cambio de ritmo y velocidad es mediante la voz de ella lanzando gritos y melodías para todos lados, respaldada por el resto de los músicos, y un final instrumental nuevamente genial. (“SOLVEIG”- 2017)

9- “OCEANS OF TIME”: una combinación de power metal rápido y sinfónico; por momentos, bajan la velocidad para convertir al tema en una mezcla de jazz y metal sinfónico. Uno de los mejores estribillos powermetaleros de la banda, con tintes épicos. (“GODS OF DEBAUCHERY”- 2021)

10- “LOVE´S SOUVENIR”: para el final te dejamos una verdadera joya compositiva. Un arranque de medio tempo de puro jazz, para desencadenar en una suerte de death/black (por la intensidad musical de lo que toca la banda) cantado en parte con voz limpia y en parte gutural. También tenemos lugar para un momento coral casi operístico y un final nuevamente jazzero. Un recorrido por todas las variantes que esta banda nos puede ofrecer. (“A FORTRESS CALLED HOME”- 2024).

Bonus: también queremos destacar “ALMOSTTOWN” donde te recomendamos prestarle atención a la melodía vocal de Adrienne que acompaña el comienzo del solo de guitarra. No tiene desperdicio.

El martes 21 de abril te recomendamos asistir a un show que promete deleitarnos con la combinación de distintos géneros del metal, y más aún, sumado a una ejecución excelsa. No podes perdértelo. Nos vemos ahí.

Últimamente los icónicos maestros del Metal Progresivo están pasando de forma muy constante por Argentina. Tras su paso en diciembre del 2024, en esta oportunidad Dream Theater vuelve al país para presentarse en el Movistar Arena el próximo 24 de abril, en el marco de su gira An Evening With Dream Theater para continuar con los festejos por los 40 años de carrera. Sin embargo, fiel a su estilo, la banda contará con algunas particularidades que convertirán este show, en una experiencia única e imperdible para sus fans.

Desde Track To Hell, te venimos a contar cuáles son. 

1 — Parasomnia al completo

El principal motivo que los trae de regreso: su nueva obra, Parasomnia. Lanzado en febrero 2025, este trabajo fue uno de los acontecimientos más relevantes del año pasado debido a que marcó el regreso del emblemático batero, Mike Portnoy, a la banda. Con una propuesta conceptual centrada en los trastornos del sueño, el álbum trajo de vuelta la vena más oscura y pesada del grupo, combinada con su característica destreza y elegancia. 

Como parte de la promoción, el conjunto neoyorkino ha anunciado que va a interpretar por completo y de forma íntegra, este último lanzamiento. Por lo que la gente podrá disfrutar del estreno en vivo de todas las piezas de la obra en suelo argentino (por excepción de “Night Terror” que ya la habían tocado en su última visita). Un hecho que sólo se dará por esta ocasión.

2 — Una alineación consolidada

Tal como mencionamos, la banda ya cuenta nuevamente con su fundador, Mike Portnoy en sus filas. Tras 15 años de ausencia, el talentoso y estelar batero regresó consolidando la alineación clásica del grupo, que tiene a James LaBrie en las voces, a Jordan Rudess en los teclados, al discreto pero siempre habilidoso John Myung en el bajo, y al líder de la manada, John Petrucci a cargo de las seis cuerdas. 

Un elenco de gran nivel y virtuosismo, que viene al país a demostrar porque son considerados los maestros del progresivo. 

3 — Un viaje en el tiempo con A Change Of Seasons

Para continuar remarcando las joyas que van a aparecer en setlist, además de los habituales clásicos de siempre y la interpretación al completo de Parasomnia, este show contará con la particularidad de presentar en vivo la pieza “A Change Of Seasons”, de su EP homónimo de 1994. 

Sacada del baúl de los recuerdos, la célebre suite de 23 minutos viene siendo uno de los principales atractivos de esta gira, debido a su enorme complejidad técnica y porque no la tocaban en su totalidad desde 2004. De modo que esta será la primera ocasión que la banda la interpretará de principio a fin, en el país. 

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4 — Más de 3hs de show

La entrega y profesionalismo de Dream Theater se ve reflejada en su desempeño en el escenario. Que no sólo incluye una gran performance de sus composiciones, sino de un repertorio variado y extenso. Y esta presentación, no es la excepción. 

Los 71 minutos íntegros de Parasomnia junto con los 23 de A Change Of Seasons ya nos da una duración de show de casi 2 horas. Si a eso le sumamos algunos hits que no pueden faltar nunca en vivo, tenemos como garantía mínima un espectáculo que va a rondar las 3 horas. Algo habitual en Dream Theater, pero muy poco en los recitales que vienen cayendo en el país. 

5 — El Movistar Arena y una segunda casa para la banda

Desde su vuelta al país luego de la pandemia, Petrucci y compañía se han instalado siempre en el Movistar Arena, siendo esta presentación la tercera en este sitio, desplazando a su histórica casa en el país que había sido el Luna Park. 

Con una capacidad para más de 10.000 personas, el Movistar cuenta con las pantallas y disposiciones técnicas para que la banda pueda llevar adelante sus shows y también, con una acústica que permite apreciar con mayor claridad y nitidez, la música de los estadounidenses. Un recinto dónde sin duda, el grupo ya se siente cómodo y lo considera una garantía para sus espectáculos. 

Otro mes que se va y deja atrás grandes nuevos lanzamientos. Algunos discos muy esperados por lo que significan ciertas bandas y por otro lado grandes sorpresas de bandas que hemos escuchado por primera vez. El staff de Track To Hell como siempre, se mantuvo al tanto de la actualidad y aquí nos deja sus recomendaciones del mes.

1) Erra – Silence Outlives The Earth

No soy un fan acerrimo del metalcore o metal moderno (como gusten llamarle). Sin embargo, como no me gustan los prejuicios me dedica a escuchar a cualquier banda que de alguna manera pueda atraparme (la portada de un disco, un single, etc). Hay bandas y discos de metalcore que realmente logran destructurar hasta al metalero más conservador habido y por haber. Erra con este discazo es el claro ejemplo de lo que digo. Excelentisima producción de principio a fin.

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2)Black Label Society – Engines Of Demolition

Un gran disco el que acaba de sacar Zakk Wylde con su banda. Nada del otro mundo respecto de su carrera, puesto que el reconocido guitarrista no busca reinventarse, sino seguir haciendo lo que más le gusta, siempre de la mejor manera posible. Lo tiene todo. Un disco con muchos matices. Matices que logran una escucha entretenida. Con canciones pesadas al fiel estilo californiano, baladas y hasta un gran homenaje a Ozzy Osbourne.

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3) Myrath – Wilderness Of Mirrors

La verdad que nunca le habia prestado tanta atención como ahora a estos tunecinos. Los tenía apenas escuchado porque alguna vez hice una investigación de las diferentes bandas metaleras del mundo y su folclore. Un discazo de principio a fin.

1) Midnatt – Skräckfylld Förtjusning,

Si buscás algo con sabor a metal clásico, tenés que darle una oportunidad a Midnatt. Su debut, es un viaje directo a la Suecia de los ochenta. Lo que más me gusta es que suena real, sin trucos de estudio modernos; es puro Heavy Metal analógico y crudo.

Al estar cantado en sueco, tiene una mística especial que encaja perfecto con esos riffs oscuros y melódicos. Es un disco con mucha actitud, ideal para quienes extrañan el sonido de bandas como Heavy Load. Si te va el metal auténtico y sin filtros, este trabajo te va a encantar.

2) Lamb of God – Into Oblivion

Lo nuevo de Lamb of God es una clase magistral de Groove Metal que no deberías dejar pasar. El disco mantiene esa agresividad técnica que los hizo grandes, pero se nota una madurez increíble en las composiciones. La batería de Art Cruz es una locura y Randy Blythe sigue sonando tan visceral como siempre, escupiendo letras con mucho peso social.

Es un álbum que logra ser pesado y oscuro, pero con un gancho que te mantiene enganchado de principio a fin. Si buscás algo potente para sacudir la cabeza con clase, este es definitivamente el disco indicado.

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3) Rob Zombie – The Great Satan

Si te gusta el caos visual y sonoro, tenés que escuchar lo nuevo del tío Rob. Es un disco que mantiene su estilo de Industrial Metal pero con un toque mucho más psicodélico y experimental.

Lo que me llamó la atención es cómo logra mezclar riffs pesados con samples de películas de terror y ritmos electrónicos que te hacen mover la cabeza sin querer. Es una experiencia inmersiva, ideal para quienes buscan algo que rompa la estructura clásica del metal.

Si querés algo divertido, oscuro y con mucha personalidad, dale una vuelta a este álbum.

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1) Lamb of God – Into Oblivion

Es un disco intenso y fiel a su identidad, aunque no alcanza el nivel de sus obras clásicas. Desde el inicio, destaca su energía visceral, riffs contundentes y la voz de Randy Blythe, que combina agresividad con crítica social. Canciones como “Parasocial Christ” y “Sepsis” reflejan una mirada actual sobre la era digital y mantienen el peso característico de la banda. También hay espacio para lo emocional en “El Vacío”, mostrando una faceta más introspectiva.

En lo instrumental, se resalta el trabajo sólido de la banda, especialmente en guitarras y bajo. La batería de Art Cruz cumple, aunque se menciona cierta nostalgia por el estilo de Chris Adler. En conjunto, el álbum no es revolucionario, pero sí potente, honesto y capaz de reafirmar a la banda como referente del metal moderno.

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2) Erra- Silence Outlives The Earth

Es un álbum que consolida su evolución dentro del metalcore progresivo, combinando técnica, melodía y una atmósfera cohesiva. A dos años de CURE, la banda retoma elementos clave de su identidad con una ejecución más pulida. Los adelantos “gore of being” y “echo sonata” reflejan este equilibrio entre complejidad técnica y sensibilidad melódica, destacando el contraste vocal entre JT Cavey y Jesse Cash.

El disco alterna momentos accesibles y pasajes más intensos, como en “stelliform” y “further eden”, mientras que temas como “black cloud” exploran un enfoque más melódico. En contraste, “cicada siren” aporta peso y precisión rítmica. La segunda mitad refuerza la cohesión con composiciones introspectivas y dinámicas. El cierre, dividido en tres partes, expande el alcance del álbum con una mezcla de agresividad, progresión y variedad estructural, reafirmando la madurez del grupo.

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3) Gaerea – Loss

Loss de Gaerea reafirma su crecimiento tras Limbo y Mirage, manteniendo una combinación efectiva de agresividad y melodía con una producción sólida. A lo largo de sus 45 minutos, el disco alterna entre atmósferas tensas y explosiones de intensidad en temas como “Luminary”, “Submerged” y “Hellbound”, mientras que canciones como “Phoenix” y “Cyclone” aportan un enfoque más melódico. La batería destaca constantemente por su potencia, y el cierre con “Stardust” suma un matiz más emocional y extenso que equilibra el conjunto.

Sin embargo, también se percibe un cambio claro en la identidad de la banda: dejan atrás parte de ese post-black elegante y atmosférico que los distinguía para acercarse a un metalcore moderno muy bien ejecutado, pero más genérico en comparación. Aunque el resultado es contundente y accesible, puede generar cierta división entre quienes valoraban más su faceta original y quienes conectan con esta evolución más directa y estructurada.

1) Hellripper – Coronach

En un año dónde el Thrash viene pasando muy desapercibido, sin tantos lanzamientos rutilantes, Hellripper se encarga de poner nuevamente al género en lo más alto, tal como viene haciendo en los últimos años. Y es que desde sus comienzos, que este proyecto individual liderado por James McBain viene haciendo ruido y destacando en cada lanzamiento. 

Sin embargo, en esta oportunidad estamos en condiciones de afirmar que el inglés sacó su trabajo más completo hasta la fecha. Con un gran despliegue rítmico, una fusión equilibrada entre melodía y agresividad, junto con una producción orgánica que recuerda a nombres como Celtic Frost o Sabbat, el presente Coronach se erige como una gema perdida en el tiempo, para los fanáticos del Black/Thrash/Speed más oscuro y devastador. Sin pretensiones ni búsquedas raras, Hellripper nos demuestra que la clave está en entender tu estilo, y ser lo más fiel y natural a él. Para lo mejor del año.

2) Myrath – Wilderness Of Mirrors

Entrando por la ventana de marzo y salvando el mes tenemos el nuevo trabajo de Myrath. La banda proveniente de Túnez volvió a la acción y en esta séptima placa nos regaló una nueva dosis de Power Metal Progresivo con pinceladas árabes que realzan este estilo que ellos practican y autodefinen como Metal Oriental.

A diferencia de sus obras anteriores, acá hay un enfoque mucho más marcado en la construcción de pasajes y atmosferas arábigas, con cierto toque dramático. Como si de una obra de teatro se tratase, el disco es un sube y baja emotivo, donde los versos se desarrollan con calma y armonía para luego desatar todo el torbellino de epicidad y grandeza en el estribillo. Con grandes arreglos orquestales, el disco consigue su función de llevar al oyente en un viaje por la alfombra mágica, a un mundo lleno de aventura y fantasía. 

3)Neurosis — An Undying Love For A Burning World

El nuevo disco de Neurosis es como ese regalo inesperado que tu tío te daba en navidad, que generalmente resultaba ser una remera linda de marca para poder ir a cumpleaños o salir a pasear al shopping con tu familia. Un regalo que no te esperabas para nada pero que terminas usando y disfrutando en tu día a día. De esa forma se siente esta nueva obra de los estadounidenses que cayó prácticamente del cielo, ya que se dio en un contexto de nula comunicación, sin ningún tipo de aviso ni anuncio. 

Y es que más allá de lo repentina que fue la aparición de este trabajo, el otro punto sorpresivo de este lanzamiento es que se dio sin su líder, Scott Kelly, tras su polémica salida hace unos 4 años. Sin embargo, Neurosis encontró una buena razón para seguir adelante bajo la tutela de Aaron Turner, uno de sus mejores alumnos tras lo hecho en Isis.

El resultado? Un viaje pantanoso y apocalíptico de una hora en las que los riffs te absorben y hunden lentamente en la podredumbre y pesadez de su propuesta. Una sólida combinación de Sludge Metal con pasajes Doom junto con otros más ásperos propios del Hardcore. Un ejercicio exigente pero competente. Al más fiel estilo de Neurosis.

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1) Exodus – Goliath

Tras la salida de Zetro Souza y el regreso de Rob Dukes a las voces, Exodus editan un álbum que se podría calificar fácilmente de “hecho en piloto automático”. Y sí, es innegable que este Goliath por momentos se puede sentir como hecho a media máquina, o al menos un par de escalones por debajo del nivel más que decente que venían mostrando en la última década. Pero tampoco voy a negar que tiene sus momentos muy entretenidos y varios riffs como para tararear y sacar el hambre de escuchar thrash clásico.

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2) Tyketto – Closer to the Sun

Tras una década del anterior Reach, Tyketto vuelven a las andadas con otra selección de canciones de hard rock radial. Danny Vaughn sigue manteniendo el nivel detrás del micrófono y las canciones dan ganas de ponerse el fijador en el pelo y pretender que Nirvana nunca editó Nevermind. Nada novedoso, nada que rompa los esquemas, nada experimental ni esas cosas: las canciones siguen el manual y no tengo problema con eso.

3) Lost Society – Hell Is A State of Mind

De fundamentalistas del revival del thrash metal de chaleco de parches y jeans rotos a metaleros alternativos de uñas pintadas y estribillos melódicos, los finlandeses Lost Society han dado unos volantazos en su carrera que no se habrían visto ni en el episodio más movido de Meteoro. No puedo decir que haya sido fan de sus discos post pandemia o que siquiera sea “fan” de esta sexta entrega en su discografía, pero creo que acá han logrado hacer un álbum que pueda escuchar de principio a fin sin preguntarme qué diablos estoy escuchando. ¿Tal vez el balance adecuado?

El viernes 1° de mayo, de la mano de los amigos de ICARUS MUSIC, podremos disfrutar de una de las voces emblemáticas y más reconocibles del heavy metal: UDO DIRKSCHNEIDER quien nos agitara con su potencia demoledora en El Teatrito (Sarmiento 1752, C.A.B.A.).

En el marco de su “Ball to the Wall Latin America Tour 2026” UDO, con su voz única, su estatura baja, la vestimenta de camuflaje y el pelo corto rubio, notas identitarias de este vocalista, nos invita a repasar un disco que forma parte de la historia del heavy metal y otros clásicos de su carrera solista. Las entradas se consiguen por sistema Passline.

A más de 40 años de su lanzamiento, la próxima visita de una voz tan reconocible, nos sirve de excusa para hacer unas breves referencias al disco más emblemático de los alemanes ACCEPT.

Una de las formaciones más clásicas de la banda dio a luz esta obra maestra: Udo Dirkschneider (voces), Peter Baltes (bajo), Herman Frank (guitarra), Wolf Hoffmann (guitarra) y Stefan Kaufmann (batería), la cual a pesar del paso del tiempo, de los diecisiete discos de estudio y de los distintos parates a los que se vio sometida la formación a lo largo de su carrera, hoy en día sigue siendo un referente no solo de ACCEPT mismo sino de todo el mundo del heavy metal.

Un tracklist compuesto por 10 canciones:

1. Balls to the Wall
2. London Leatherboys
3. Fight It Back
4. Head over Heels
5. Losing More than You’ve Ever Had
6. Love Child
7. Turn Me On
8. Losers and Winners
9. Guardian of the Night
10. Winter Dreams

Luego de cuatro álbumes, que habían recibido críticas dispares, el lanzamiento de su quinto disco de estudio colocó a la banda en el ojo del mundo del metal y el rock duro de la época. Hablamos de una época que cuenta con no pocas joyas de la historia del heavy metal, tales como “Kill´Em All” de Metallica o durante el desarrollo de la época dorada de Iron Maiden.

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“Balls to the Wall” aportó un sonido crudo, directo y contundente, riffs filosos y, al mismo tiempo, melódicos, temas controversiales para la época (sobre todo en países como los Estados Unidos de América) y sentó las bases para el desarrollo incipiente de distintas variantes del metal. Se trata de un álbum que no solo definió el sonido de la banda, sino que desparrama rebeldía y controversia por sus cuatro costados (tengamos en cuenta las ediciones disponibles de la época).

Cuenta con un tema que constituye uno de los mayores himnos del metal y que todos en alguna oportunidad hemos gritado a viva voz: “Balls to the Wall”. Ese riff potente y candencioso, sumado a la voz rasposa de UDO y la base rítmica, hacen de esta canción un verdadero himno del metal. A ello debemos sumar un estribillo, simple, pero pegadizo que no deja de retumbar en tu mente desde la primera escucha.

El coro y la parte casi narrada de mitad del tema, acompañado de un bajo que suena en primera línea, parecen pensado para su representación en vivo desde su nacimiento.

En un contexto de guerra fría y represión de ideas que intentaran romper con el status quo de la época, la letra de “Balls to the Wall” refleja rebeldía y una declaración sobre la opresión imperante en la época. Representa un grito tendiente a despertar a quienes se encontraban somnolientos ante la realidad imperante en un mundo, muy similar al actual, aletargado y displicente. Quizás eso también sea algo que contribuye a su vigencia: una letra que refleja con precisión el mundo en que fue creada, pero que sigue sonando actual.

También podemos destacar temas como “London Leatherboys” o “Love Child” que, más allá de su fuerza musical, eran letras pensadas para generar controversia en las mentes, muchas veces limitadas, de la época; o “Fight It Back”, donde la maquinaria alemana nos pone delante un tema de puro heavy metal que contiene todos los elementos necesarios para hacerte sacudir el cuello de principio a fin.

Que no queden dudas, hay clásicos que no pierden vigencia, y “Balls to the Wall” y UDO son dos de esos clásicos que no queres dejar pasar.

Nos vemos el 1° de mayo para celebrar parte de la historia del metal.

La agenda de Track To Hell para abril en España llega cargada de conciertos de rock, punk y metal, consolidando la primavera como uno de los momentos más intensos del directo. El mes combina bandas consolidadas con propuestas emergentes que mantienen vivo el pulso del underground, recorriendo estilos que van del rock alternativo al metal más contundente.

Entre descargas de actitud punk, noches de hard rock y shows de metal sin concesiones, abril se presenta como una oportunidad perfecta para sumergirse en la música en vivo: riffs afilados, energía desbordante y una escena que sigue vibrando con fuerza.

ZEKE
Fechas: 2 de Abril en Valencia y 3 de Abril en Barcelona.

Arima
Fechas: 4 de Abril en Barcelona

Stoned Jesus + Wheel
Fechas: 8 de Abril en Madrid y 9 de Abril en Barcelona.

FM
Fechas: 9 de Abril en Barcelona, 10 de Abril en Zaragozam 11 de Abril en Pamplona y 12 de Abril en Madrid.

Infected Rain + Butcher Babies + Black Spikes
Fechas: 11 de Abril en Barcelona y 12 de Abril en Madrid.

Lucifer
Fecha: 13 de Abril en Barcelona

Lord Of The Lost + Dogma + League Of Distortion
Fechas: 14 de Abril en Madrid y 15 de Abril en Barcelona.

Full of Hell + The Body + Jarhead Fertilizer + JAD
Fechas: 16 de Abril en Madrid y 17 de Abril en Barcelona.

Shiraz Lane + Strangers
Fechas: 16 de Abril en Madrid y 18 de Abril en Barcelona.

Kælan Mikla
Fechas: 17 de Abril en Madrid y 18 de Abril en Barcelona.

Hamlet
Fecha: 17 de Abril en Barcelona.

Winds Of Agony
Fechas: 17 y 18 de Abril en Barcelona.

Acherontia + Monogordo
Fecha: 18 de Abril en Barcelona.

Dark Moor
Fecha: 18 de Abril en Madrid.

Koma
Fecha: 18 de Abril en Madrid.

1914 + Katla
Fechas: 20 de Abril en Madrid y 21 de Abril en Barcelona.

Saxon
Fechas: 24 de Abril en Barcelona, 25 de Abril en Bilbao y 26 de Abril en Madrid.

Machine Head
Fechas: 25 de Abril en Pamplona, 27 de Abril en Madrid, 29 de Abril en Malaga y 30 de Abril en Barcelona.
Robert Jon & The Wreck
Fecha: 29 de Abril en Barcelona

Exhumed + Gruesome
Fecha: 29 de Abril en Barcelona
Benediction
Fecha: 30 de Abril en Madrid

Avalanch
Fecha: 30 de Abril en Malaga

La agenda de Track To Hell para abril en Copenhague llega cargada de conciertos de rock, punk y metal, mezclando la fuerza de bandas ya consolidadas con el empuje de nuevas propuestas de la escena underground. Durante todo el mes, distintas salas de la ciudad acogerán una programación variada, con sonidos que van desde el rock alternativo hasta el metal más contundente. Abril se presenta como una oportunidad perfecta para dejarse llevar por guitarras intensas, actitud punk y una energía en directo arrolladora dentro de una escena local viva y en constante evolución.

Hypocrisy + Abbath + Vomitory + Vreid
Fecha: 3 de Abril en Copenhague.

Poppy + Fox Lake + Ocean Grove
Fecha: 5 de Abril en Copenhague.

Machine Head
Fecha: 11 de Abril en Copenhague.

Karnivool + Intervals
Fecha: 14 de Abril en Copenhague.

Baest + Coffin Feder + Livløs
Fecha: 24 de Abril en Copenhague.

Tame Impala
Fecha: 25 de Abril en Copenhague.

Kreator + Carcass + Exodus + Nails
Fecha: 25 de Abril en Copenhague.

Iotunn + In Vain + Nephylim
Fecha: 26 de Abril en Copenhague.

Full of Hell + The Body + JAD + Jardhead Fertilize
Fecha: 26 de Abril en Copenhague.