En la historia contemporánea alternativa, existe un buen puñado de discos y artistas que bien merecerían un capítulo propio dentro de la misma, evidentemente Nirvana y Nevermind, quizás sea el caso que primero se les venga a la cabeza y al cual se podría sumar Pantera, quienes con Vulgar Display of Power le dieron al metal pesado una frescura, intensidad y sonido que venía pidiendo a gritos, pero a comienzos de la década del 2000, hubo una banda que con su tercer disco, dio vuelta la historia del punk y el hardcore en sus diferentes facetas, esta no era otra que At The Drive In y justamente de ellos vamos a hablar en esta ocasión.

Formados en la árida región de El Paso, Texas, los chicos de ATDI ya venían destacando en la escena punk y hardcore, gracias a sus dos primeros discos Acrobatic Tenement de 1996 y el notable In/Casino/Out de 1998, con una explosiva e intensa combinación de punk, hardcore y sonidos alternativos, que los convirtieron en una de las “Promesas” del post hardcore a finales de los 90.

Con Cedric Bixler-Zavala como voz principal, Omar Rodriguez- López en la guitarra, Jim Ward en la otra guitarra, teclados y voces, Paul Hinojos al bajo y Tony Hajjar a la batería y la percusión, At The Drive In eran un torbellino sobre las tablas, un huracán desmedido de emociones y quienes convertían sus shows en una especie de catarsis colectiva, pero a todo eso le hacía falta algo más y esto llegó y de una forma más que contundente cuando lanzaron Relationship of Command en septiembre del año 2000, ahí la historia cambió para siempre y no hubo vuelta atrás.

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El disco salió bajo el ala de Fearless Records y con el apoyo de la multinacional Virgin, pero las cosas ya empezaron serias cuando al ver los créditos vemos dos datos muy importantes, en primer lugar fue producido nada más y nada menos que por el señor Ross Robinson (Korn, Sepultura, Machine Head), uno de los nombres más importantes y controvertidos a la hora de hablar de productores discográficos y mezclado por Andy Wallace, con lo cual ya el salto a nivel musical y profesional respecto a su predecesor, es muy notorio.

Pero en segundo lugar y quizás el dato que evidenciaría otro tipo de información, es que fue compuesto únicamente por Cedric y Omar, mientras el resto del grupo no tuvo participación en este aspecto aunque si a nivel musical.

Pues con el disco en las manos, uno se debe dar cuenta de la joya que está sosteniendo y como sus 45 minutos con 31 segundos, dieron vuelta la escena a la que pertenecían influenciando a toda la generación posterior.

El disco comienza con “Arcasenal” y ya te das cuenta de como esta vez el caos hermoso e impredecible de la banda, estaba muy bien cohesionado, con un bajo muy marcado al comienzo y un Cedric cantando de manera nerviosa, desprolija y a la vez brillante, la banda abría fuego a lo grande, para ir posteriormente incendiando todo a su paso.

Lo que posteriormente triunfó en la MTV, los de El Paso ya lo habían hecho antes y si no como se explica “Pattern Against User”, un corte que recoge ese post hardcore melódico y que luego quisieron imitar bandas como Senses Fail o incluso casi una década después Pierce The Veil.

Claramente hay influencias visibles: Fugazi, Rites of Spring, Weezer, Primus a nivel instrumental en algunas partes y un cierto paralelismo con sus homónimos suecos Refused, quienes dos años antes de este disco con The Shape of Punk To Come, quizás pusieron el primer peldaño para que el post hardcore explotase de manera comercial y luego ATDI, Thursday, Glassjaw, Alexisonfire y The Used, lo llevarán a las masas del “Mainstream”.

Pero todo esta hecho con una crudeza y un buen gusto que es un escándalo lo bien que suena 25 años después y la vigencia que sigue teniendo para el sonido alternativo.

Por otro lado hablemos de la banda a nivel creativo, que es otro de los factores que hicieron de la misma, un torbellino y que lamentablemente no pudieron surfear la ola tan grande en la que esta obra los colocó.

Claramente en los cortes más densos, es Jim Ward quien tiene un peso especial, no mucho a nivel dirección musical, pero si para entender que tanto el como Paul y Tony, estaban en un lado musical concreto, mientras que el binomio Bixler-Zavala/Rodríguez-López, en otro bien distinto y que se evidenció a posteriori con los dos proyectos que crearon tras la separación de la banda: Sparta y The Mars Volta, respectivamente… Pero esta etapa quedará para otro especial.

El disco fue grabado y mezclado en el extinto Indigo Ranch, situado en Malibú, California y donde muchos de los mejores discos de las últimas tres décadas fueron grabados e incluso y como dato curioso, la banda argentina A.N.I.M.A.L., grabó los que muchos consideran dos de sus tres mejores discos Poder Latino en 1998 y Usa Toda Tu Fuerza en el año 2000.

Para que entendáis porque muchos pensamos que había dos bandos en el grupo, tomemos como referencia dos de los cortes del disco, “Invalid Litter Dept”, un viaje sonoro de 6 minutos de duración, emotivo, intenso y con Cedric combinando partes recitadas con un estribillo algo más punk pop core a lo Texas is the Reason y con una letra extremadamente delicada que trata sobre las mujeres asesinadas en Ciudad Juárez, algo que ninguna banda de aquella época se había atrevido a abordar en alguna de sus canciones y sin embargo, estos tipos lo hicieron y con un resultado impactante.

Por otro lado, podríamos situar a “Sleepwalk Capsules”, una patada en el estómago, feroz, rápida, nerviosa y con ciertos aires al sonido que tenían Rage Against The Machine, que no te da un respiro en sus 3 minutos y 28 segundos de duración, con un puente lento que te hace imaginar caminando al borde de la cornisa, con el riesgo de caer al precipicio, para luego estallar en su tramo final.

Pero todo lo bueno que este disco nos dejó, también tiene un lado más oscuro y es que el caos de sus canciones, al parecer también estaba presente detrás del escenario y esto motivó que tras la correspondiente gira de presentación del mismo, tras siete años de carrera, la banda decidía dar un paso al costado y así poder seguir cada uno por su camino antes de que todo explotase por los aires, algo que al parecer estuvo muy cerca de suceder.

Sea como sea, a 25 años de su publicación, es de recibo intentar transmitir lo que Relationship of Command significó no solamente para ATDI como banda, si no para todos los que nos enamoramos de ella gracias a esta obra cumbre de los 2000, del punk hardcore, del post hardcore y del sonido alternativo, sin la cual muchas cosas posteriores no hubieran sucedido de la misma manera.

En Track To Hell siempre estamos atentos a lo que mueve el metal y sus ramificaciones, y febrero de 2026 no decepcionó. Este mes nos trajo discos que nos hicieron girar la cabeza, romper cuellos y emocionarnos al mismo tiempo. En esta publicación, varios miembros del staff compartimos cuáles fueron los lanzamientos que más escuchamos, repasando lo que nos impactó y nos mantuvo en bucle durante todo el mes.

1) Cryptic Shift – Overspace & Supertime

El cuarteto de Leeds vuelve tras seis años con una bestia de 80 minutos repartidos en apenas cinco temas. Death/thrash progresivo que bebe de Voivod, Atheist, Obscura y algo de Death, pero con voz propia y una ambición descomunal.

El plato fuerte es “Stratocumulus Evergaol”, una épica de 29 minutos dividida en seis movimientos que podría ser el disco entero de cualquier otra banda. Jazz fusion, técnica y una narrativa de ciencia ficción construida con obsesivo detalle completan el material. Difícil, densa, exigente — pero para quienes se entreguen, una de las obras más importantes del metal extremo en años. Disco del mes y del año!!!!

2) Ponte Del Diavolo – De Venom Natura

Los italianos se mandaron un discazo que suena a ritual pero con mucha onda. El disco es una mezcla rara: tiene la pesadez del metal, el ritmo del post-punk y una voz femenina que te hipnotiza. Lo más loco es que usan dos bajos en vez de los instrumentos de siempre, logrando un sonido súper profundo. Es ideal para escuchar de noche si te gusta la música con atmósfera, misterio y un toque “brujeril” sin ser puro ruido.

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3) Tailgunner – Midnight Bliz

Es un disco de Heavy Metal clásico puro y duro. Olvidate de experimentos raros; acá tenés guitarras gemelas a toda velocidad, estribillos pegadizos y mucha energía al estilo de la vieja escuela (Iron Maiden o Helloween). Aunque no inventan la pólvora, los tipos tocan con una pasión que te vuela la cabeza. Es música optimista, rápida y diseñada para hacer “pogo” en el living de tu casa.

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1) BlackRain – Orphans of The Light

Un gran regreso de esta banda francesa de sleaze metal. Y digo un gran regreso, no porque fueron muchos los años sin material (por el contrario) si no porque con este último album recuperaron esa vibra que supieron tener con sus mejores discos. Para mi, es un claro disco del mes. Buena producción, canciones largas y épicas, letras en frances, etc.

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2) Tailgunner – Midnight Bliz

No mucho más para agregar de lo que ya dijeron. Banda britanica producida por un britanico (KK Downing). Heavy metal al estilo nwobhm. Suenan que da calambre y la rompen en vivo. Este disco ya está en boca de todos y no es por buen marketing, es porque es de los mejores discos del mes.

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3) Clawfinger – Before We All Die

Esta banda si vuelve. Después de como 19 años. Encima con un discazo a la altura de las más grandes. Tremenda la producción de rap metal. Y con material de sobra para hablar siempre en sus letras.

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1) Converge – Love is not Enough

Con su nueva obra, los norteamericanos vuelven a evidenciar que lo suyo no entiende de modas ni del paso del tiempo, es una colección de piezas oscuras, trágicas e incluso llenas de ira, pero que acaban convirtiéndose en arte gracias a su manera de plasmarlas en un papel y hacerlas canciones.

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2) Mothica – Somewhere in Between

Esta particular criatura ha entendido como salir de la oscuridad que la rodea y lo ha hecho con un conjunto, breve, pero más que sólido de canciones, donde si bien, podría haberse esforzado un poquito más y regalarnos un disco completo, lo que aquí vamos a encontrar son (seguramente) varias de las mejores canciones que Mothica ha escrito hasta la fecha y que pone de manifiesto que a ella le espera (si sus demonios internos la dejan) un presente y futuro más que interesante.

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3) Story of the Year – A.R.S.O.N.

Aunque sus días dorados hayan quedado atrás hace muchos años, los chicos de SOTY vuelven a dar en la diana con su nuevo trabajo, donde parecen sonar como el primer día y su mezcla de post hardcore, pop punk y emocore, dan como resultado uno de sus mejores discos hasta la fecha, devolviéndonos a unos días que, si bien, no volverán, si que podemos rememorar con cariño escuchando estas canciones.

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1) Sylosis – The New Flesh

The New Flesh confirma el buen momento de Sylosis tras A Sign of Things to Come. El grupo apuesta por riffs más densos y un enfoque más groove sin abandonar su base metalcore ni su pulso melódico. Con una producción contundente y ecos de thrash clásico, el disco destaca por su agresividad, precisión rítmica y la voz más rasgada de Josh Middleton, ofreciendo un trabajo directo, compacto y sin relleno.

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2) Atlas – Sunder

Sunder, tercer álbum de los finlandeses Atlas, ofrece 29 minutos de metal moderno intenso y atmosférico. Con riffs pesados, grooves marcados y una mezcla de voces agresivas y limpias, el disco equilibra contundencia y melancolía. Su sonido, influenciado por metalcore, doom melódico y metal progresivo, construye un paisaje oscuro y emocional inspirado en la crudeza del invierno nórdico.

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3) Space Of Variations – Poisoned Art

Poisoned Art demuestra que Space of Variations atraviesa uno de sus mejores momentos. El disco combina breakdowns demoledores, riffs contundentes y estribillos pegadizos con una producción limpia y moderna. La voz de Dima Kozhuhur alterna furia y melodía con gran eficacia, mientras que los toques electrónicos aportan variedad. El resultado es un álbum intenso, accesible y muy representativo del metalcore actual.

1) Wolfchant – Echoes of the Time Once Past.

Un gran retorno de la veterana banda de metal pagano. Si bien, la mezcla tiene una pequeña falta de fuerza, las canciones son sólidas y mantienen un ritmo constante durante todo el álbum.

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2) Mayhem – Liturgy of Death

Un disco que es mas experimental que al anterior, y que si bien tiene algunas leves caídas de ritmo. Demuestra el buen nivel de salud que tiene mayhem. Con riff filosos y creativos, una base ritmica que es una locomotora y un attila en un nivel supremo.

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3) Converge – Love is not Enough

Un gran retorno, que muestra el balance de Converge entre violencia y emoción.

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1) Exhumed – Red Asphalt

Considerando lo que me gusta el death metal, puede parecer raro que no sea muy fan del gore ultra explícito, sea que hablemos de música o de películas: tiene que haber cierto nivel de exageración caricaturesca como para que no me provoque rechazo, y eso no suele lograrse poniendo alguna foto sacada de Goringa en la portada. Por suerte es ahí que tenemos a Exhumed, paladines del “gore metal” que llevan 35 años aplicando esa estética específica de efectos prácticos de las películas splatter clásicas de bajo presupuesto, con sus limitaciones y defectos siendo convertidas en su mayor atractivo. Este álbum es un trabajo conceptual centrado alrededor de los accidentes automovilísticos, y Exhumed lo explotan con suficientes riffs brutales y sentido del humor como para agradar hasta al metalero más perseguido.

2) Michael Monroe – Outerstellar 

Michael Monroe es un tipo que ha sabido envejecer muchísimo mejor que muchos de sus congéneres del rock’n’roll glam de los ochentas, al punto de que diría que muchos de sus mejores lanzamientos han sido en los últimos 15 años, desde su regreso solista con Sensory Overdrive. Este Outerstellar no será de lo más destacado de la obra del finlandés, pero incluso un Monroe en piloto automático es capaz de sacar más que un puñado de temazos que muchos músicos con mayor convocatoria envidiarían.

3) Iron & Wine – Hen’s Teeth

Uno de los beneficios de ponerse viejo es encontrar el atractivo en ciertas expresiones artísticas más sutiles a las que en otra época nunca le hubiera prestado atención. Tomemos el caso de Hen’s Teeth, el nuevo álbum del estadounidense Sam Bean, más conocido como Iron & Wine. Esta onda de cantautores indies acústicos “niño sensible” (con énfasis en las comillas de “niño”, siendo que hablamos de un tipo de más de 50 años) no son algo que busque activamente, pero este disco de I&W pega en el punto justo de balance de expresividad folk y sensibilidad pop como para que en más de una ocasión me diga “Che, qué temazo”.

1) Tailgunner – Midnight Bliz

¿Que tenemos acá? Un DISCAZO con todas las letras de Heavy Metal clásico tradicional. Ni más ni menos. Una obra que comprende completamente la esencia del género y la plasma a la perfección en cada de una de sus piezas. Desde el lado más aguerrido y salvaje de las guitarras, hasta el más emotivo y melódico. Una absoluta demencia.  

Hacía mucho tiempo que no escuchaba un disco de Heavy Metal y dijera con absoluta sinceridad: “DIOS, QUE DISCAZO DEL RE CARAJO”. Con razón cuenta con la aprobación y producción del mismismo K.K Downing. Por goleada, lo mejor del mes y de momentos, del año.

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2) Converge – Love is not Enough

Que título para ponerle de nombre a una obra y publicarla en el mes del amor. Más en concreto, un día antes del 14. Y es que visto desde la perspectiva agresiva, desenfrenada y explosiva de la banda, el título encaja a la perfección con lo que ofrece la obra: una bomba de tiempo aniquiladora que en apenas media hora, no deja nada vivo a su paso.  

Los amantes del Hardcore, se pueden quedar tranquilos de que Converge volvió su estilo crudo y directo de siempre. Recomendado es poco.

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3) Karnivool – In Verses

Seré honesto. Karnivool venía siendo una de mis cuentas pendientes. Por lo que este In Verses fue la excusa perfecta para tener lo que se dice “un primer acercamiento” con el grupo. Y creo que la decisión no pudo ser más acertada, porque los australianos respondieron con holgado éxito, a la vara y expectativas que tenía acerca de ellos. 

El trabajo se resume en un notable ejercicio de metal progresivo moderno, bien de la escuela de Haken, Leprous, o Caligula’s Horse. Las composiciones reposan entre la melodía, los detalles sutiles, y los estribillos enérgicos, en los que la banda saca relucir su costado más explosivo y pesado. Todo esto sin dejar de lado la elegancia y fluidez con la que desarrollan los temas. 

En líneas general, gran álbum cuyo único pecado quizás sea su duración. Pero que aún así, se siente fresco y renovante. A diferencia del último de Soen.

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Cuenta la leyenda que en las oscuras calles de Brandoa, Portugal, allá por mediados de la década de los 90’, un grupo de jóvenes licántropos apareció en medio de la noche y bajo el brillo de una luna llena, largó un aullido musical. Uno que hechizó a toda una generación. Uno que no pasó desapercibido. Uno con su fuerza y misticismo, marcó un antes y después dentro de la escena gótica.

Dicho aullido, se llamó Wolfheart. Y el grupo de jóvenes licántropos que lanzó el hechizo, era mejor conocido como Moonspell. Aprovechando la visita de los portugueses a la Argentina bajo la luna del próximo 21 de marzo, en el Teatrito, por el 30° aniversario de su obra magna, desde Track To Hell repasamos los aspectos que la volvieron en un clásico representativo de todo un género.

Contexto: La escena Doom/Gothic de los 90’

El lanzamiento de Wolfheart (1995), coincidió con un boom expansivo que se venía desarrollando y gestionando rápidamente en aquella época: el Doom/Gothic.

Este subgénero del metal se caracteriza por fusionar la pesadez y lentitud del Doom Metal con las atmósferas melancólicas y románticas del Gothic Metal. Surgió a principios de los años 90 en Europa, evolucionando principalmente de la escena Death/Doom británica. En aquella época, muchas bandas comenzaron a redefinir su identidad y sonido, incorporando teclados, voces femeninas melódicas y un tono más trágico y romántico en sus composiciones, con letras con centradas en el dolor, la tristeza y la pérdida. 

Algunos casos representativos de esta transición musical fueron Paradise Lost, My Dying Bride, The Gathering, Tiamat, y Anathema, entre tantos. Y es acá, donde entra en cuestión la banda que nos trae, Moonspell.

Antecedentes: Los primeros rugidos 

Oriundos de Lisboa, Portugal, la banda se formó en 1989 con el nombre de Morbid God. Comandados bajo la dirección musical de Fernando Ribeiro, comenzaron practicando un Black Metal crudo y primitivo, con una temática fuertemente orientada en el paganismo y el ocultismo. Sin embargo, lentamente irían abriendo el abanico de influencias e ideas. 

Tras grabar una demo, los portugueses se rebautizan como Moonspell, y editan el EP Under the Moonspell (1994), una obra oscura y agresiva, pero con ciertos pasajes acústicos y exóticos, que los pone dentro del radar europeo y les permite firmar con un sello de renombre como Century Media. 

Es bajo esta discográfica, que publican al año siguiente su álbum debut, Wolfheart, con el cual conseguirían el éxito y reconocimiento internacional. 

Corazón de lobo: El aullido de la consolidación

Guiados por un sonido y una esencia más sombría y atmosférica, esta obra supuso el salto definitivo del grupo hacia estos terrenos más góticos, dejando casi por completo atrás, la furia primitiva del Black Metal de sus inicios. 

Hay varios aspectos que volvieron a Wolfheart, en un emblema del género y de la banda. Musicalmente, está marcado por una línea melancólica y dramática, que se fusiona con atmosferas oscuras envolventes, y elementos del folclore portugués. Las letras presentan una temática más “romántica”, llena de referencias a vampiros, hombres lobo y demás criaturas pertenecientes a las tinieblas de la oscuridad. Y visualmente, refleja una estética que simboliza el espíritu de la banda: el de un aullido llena de furia, dolor y sentimiento.

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Las voces de Fernando buscan más que solo atacar. Presentan misterio, atracción, majestuosidad. A diferencia de sus anteriores grabaciones, no sólo recurre a gritos guturales desgarradores, sino que utiliza un tono de voz grave, para impregnar a la música matices narrativas y teatrales, reforzando el concepto atmosférico sombrío del disco. 

Reflejados por el aura lunar de su música e imagen, Moonspell consolidó un estilo. Y también una identidad. Una marcada por la elegancia, la oscuridad, la cautivación y la tragedia. Y una que los seguiría a lo largo de su carrera. Aunque eso ya es una historia para otro día.

Canciones: Los himnos que quedaron para la eternidad

La obra cuenta con los dos mayores clásicos de la banda. Y dos de las más identificativas dentro de la historia de Moonspell.

• Vampiria: tétrica, perversa, misteriosa. Se trata de una pieza en gran parte atmosférica, con una base cinematográfica, teatral y llena de matices, apoyada en los teclados. No obstante, cuenta con un quiebre a la mitad, en dónde la banda desata toda su fuerza y agresividad, con uno de los riffs más memorables de su carrera.  

La letra, por su parte, explora el mito del vampirismo desde una perspectiva romántica y oscura, centrada en la figura de la mujer vampiro y la sed eterna. Un enfoque que se potencia con la interpretación vocal de Fernando, que alterna entre susurros profundos, un estilo narrativo dramático y gritos desgarradores. 

Una composición que no falta nunca en sus interpretaciones en vivo. 

• Alma Mater: El himno por excelencia del grupo. Describir Alma Mater implica más que solo hablar de una obra o composición musical. Implica hacerlo de un símbolo de identidad. En este caso, el de la banda con su música y propuesta.
• Es una pieza que fusiona la agresividad del metal extremo con una atmósfera solemne y un profundo sentimiento nacional. Y posee una estructura coral y majestuosa, que atrapa al oyente desde el primer segundo.

Fernando Ribeiro ha explicado que el título representa algo superior que une a las personas: un sentido eterno de pertenencia y retorno. Y simbólicamente el tema es eso. Un punto de encuentro y entendimiento en el que el público se une a la banda para agitar y gritar con el puño en alto, el nombre de la canción. 

Sin duda alguna, el hechizo más grande y atrapante que los de Lisboa, supieron conjurar. 

Producción: la mano de Waldemar Sorychta

La obra fue grabada en los estudios alemanes de Century Media, en un periodo de apenas dos semanas, comprendido entre del 29 de enero al 13 de febrero de 1995. 

El álbum fue producido por el polaco Waldemar Sorychta, una figura crucial para la época y reconocido por sus trabajos con grupos como Tiamat (Wildhoney, 1994), Samael (Ceremony of Opposites,1994), y The Gathering (Mandylion, 1995).  El productor desempeñó un rol clave al actuar como mentor y guía de los portugueses. Su enfoque consistió en buscar un sonido más limpio, armonioso y prolijo, y en estructurar las composiciones para que resultaran más accesibles y atrapantes para el público. Todo esto, sin perder la agresividad y el toque oscuro que traía la banda. El resultado fue una producción con muchos arreglos atmosféricos que se volvieron en uno de los elementos característicos de la agrupación.

El año: Un clásico que marcó una época

El lanzamiento de Wolfheart en 1995, coincidió con el de otras obras que ayudaron a definir la escena Doom/Gothic y que con el tiempo, se volvieron en clásicos representativo del género.

Paradise Lost – Draconian Times

My Dying Bride – The Angel and the Dark River

The Gathering – Mandylion

Anathema – The Silent Enigma

Theatre of Tragedy – Theatre of Tragedy

Lacrimosa – Inferno

Gira 30° Aniversario

De la mano de Icarus, Moonspell regresa a Argentina en el marco de su gira Wolfheart and Other Stories 2026, en la que la banda recorrerá los himnos más emblemáticos de su disco debut, y de su larga y amplia trayectoria.

La presentación tendrá lugar el sábado 21 de marzo, en El Teatrito (Sarmiento 1752, CABA), a partir de las 18hs. Los tickets se encuentran en la venta en el sistema de Passline, y en las oficinas de Icarus Music, ubicadas en Aristóbulo del Valle 104, La Boca (Lunes a Viernes de 9 a 18 hs).

1986 fue indudablemente un año enorme para el metal, sobre todo (pero sin limitarse) en lo que concierne al thrash metal, con Los Ángeles y Nueva York ya establecidas como las dos capitales del estilo. Pero también en Europa y en otras velocidades pasaban cosas importantes, y esto es algo que recorremos en esta lista de álbumes que en este 2026 van a estar cumpliendo 40 años de salidos.

17/02: King Diamond – Fatal Portrait

En 1985 Mercyful Fate anunció la que sería la primera de sus separaciones, dándole la oportunidad al cantante King Diamond de comenzar su carrera solista. Su debut Fatal Portrait mostraba al rey danés redoblando la apuesta en su particular interpretación del heavy metal, con su característica voz en falsete, las estructuras plenamente narrativas de sus canciones y las tendencias progresivas que ya se veían en esos primeros álbumes de Mercyful Fate y que se harían más evidentes con el paso del tiempo. Aunque indudablemente el siguiente Abigail tendría al Rey Diamante saltando varios escalones en todo sentido, este Fatal Portrait es un debut espectacular, con canciones como “Halloween” y “The Candle” convirtiéndose en parte casi inseparable de las presentaciones en vivo del músico.

01/03: Kreator – Pleasure To Kill

1986 fue un año brutal para el thrash metal, y acá hablamos de ambos lados del Atlántico. En la escena germana tanto Destruction como Sodom lanzarían sus brutales álbumes debut, pero creo que fue Kreator con su segundo álbum Pleasure To Kill los que se llevan el premio dentro de esa escena. Mejorando un poco la calidad de sonido sin abandonar del todo esa producción crudísima que caracteriza a sus primeros álbumes, los liderados por el cantante y guitarrista Mille Petrozza firman un testamento de thrash metal impiadoso y directo a la yugular, más de una vez cruzando la línea y metiéndose en momentos de death metal rudimentario pero sobre todo agresivo, donde un Petrozza de apenas 20 años parece dejarse la garganta a cada momento.

03/03: Metallica – Master of Puppets

Y hablando de thrash, en la ciudad de San Francisco teníamos a Metallica redoblando la apuesta en el crecimiento de su sonido que habían tenido en el anterior Ride The Lightning. Su tercer álbum Master of Puppets es considerado en estos días no sólo un clásico del thrash metal, sino también uno de los álbumes más importantes de todo el heavy metal. Ya desde el inicio acústico de “Battery” (de las introducciones más icónicas de la historia del género, sin lugar a dudas), pasando por la épica del tema título, la narrativa lovecraftiana de “The Thing That Should Not Be”, la exploración de la locura en “Welcome Home (Sanitarium)”, la diatriba antibélica (y velocidad rapidísima) de “Disposable Heroes”, el ataque a la hipocresía de los televangelistas con “Leper Messiah” (en épocas de PMRC, pánicos satánicos e intentos de censura por parte de la derecha religiosa), la hermosura instrumental de “Orion” y la final “Damage, Inc.”, con otra intro icónica (en este caso una grabación al revés) y más violencia thrashera. Para este punto ya se notaba que Metallica no era el rejunte de apenas adolescentes que había formado la banda, sino que ahora eran unos adultos que habían perfeccionado y pulido su fórmula. Y durante la gira de presentación del álbum el mundo adulto los encontraría de la manera más trágica con la muerte del bajista Cliff Burton, dando lugar a uno de los puntos más oscuros de su carrera.

10/06: Candlemass – Epicus Doomicus Metallicus

Suecia también tenía bastante para dar a mediados de los ochentas. Y en 1986, esto se dio con la salida de Epicus Doomicus Metallicus, el LP debut de Candlemass. El combo liderado por el bajista Leif Edling plantó los cimientos de todo un estilo no sólo con el título de este debut, sino también con la combinación de los riffs lentos y las voces de tono operático mostradas plasmadas por el cantante de sesión Johan Langquist, quien años después se terminaría convirtiendo en vocalista pleno de Candlemass. Entre las atmósferas melancólicas y la oscuridad casi gótica mostrada en cada una de las canciones, Epicus Doomicus Metallicus se terminaría convirtiendo en uno de los álbumes más influyentes de los ochentas, mostrando toda una nueva manera de interpretar los riffs lentos y densos de Black Sabbath.

25/09: Megadeth – Peace Sells… But Who’s Buying?

Tras un debut auspicioso aunque un tanto limitado por una producción bastante cruda, para su segundo álbum Megadeth ya era un grupo más experimentado, más aceitado y dispuesto a comerse al mundo. Dave Mustaine nunca iba a ser un gran cantante pero siempre lo compensó no sólo con su habilidad detrás de las seis cuerdas sino también al encontrar gente a su nivel para acompañarlo, con Chris Poland probando estar a la par del colorado, mientras que el bajista David Ellefson y el baterista Gar Samuelson dejaban todo detrás de la base instrumental. Con estos músicos, Mustaine se marca algunos de sus mayores clásicos como “Peace Sells” (con una de las estructuras líricas más icónicas del metal, “¿A qué te refieres con que herí tus sentimientos? Ni siquiera sabía que tenías sentimientos”), la oscura “The Conjuring” y la melódica “My Last Words”. Faltaba para que sacaran su álbum más importante, pero estaba claro que el resentimiento de Mustaine hacia sus ex compañeros en Metallica seguía siendo combustible para sus ambiciones de más.

29/09: Iron Maiden – Somewhere In Time

Después del paso monumental que había sido tanto el álbum de estudio anterior Powerslave como su álbum en vivo Live After Death (de esos álbumes que terminaron marcando los estándares en cuanto a lanzamientos en vivo en el metal), Iron Maiden tenían en claro que el único camino que podían seguir era hacia adelante. Así que su sexto álbum los tiene poniéndose todavía más ambiciosos, lo cual es bastante decir para una banda que había apuntado siempre tan alto: con excepción de “Deja-Vu” todas las canciones superan los cinco minutos, y tenemos las primeras instancias de la banda experimentando con sonidos sintetizados, controlados a través de las guitarras en este caso, algo que va de la mano con la atmósfera de ciencia ficción que se siente a lo largo de todo el álbum. Estos sonidos, combinados con la voz única y operática de Bruce Dickinson, dan como resultado uno de los álbumes más épicos del metal de los ochentas, una década donde podemos decir sin lugar a dudas que Iron Maiden tuvieron la corona.

01/10: Saint Vitus – Born Too Late

Como dijimos antes, no todo era velocidad en 1986, porque también en el mundo de los riffs lentos las cosas se estaban desarrollando. El tercer álbum de Saint Vitus, el primero del grupo junto al cantante Scott “Wino” Weinrich, mostraba que Estados Unidos había aprendido bien las enseñanzas sabbatheras, ahora agregando una cuota importante de oscuridad y melancolía real. Mientras que los dos álbumes anteriores tenían sus momentos sacados de películas de terror de bajo presupuesto, Born Too Late lidia con temas como el abuso de drogas y alcohol, algo donde lamentablemente Weinrich tenía mucha experiencia. Detrás de su portada rosada, Born Too Late es un disco tan negro en atmósfera como podía darse en el doom metal de la época, planteando algunos de los pilares donde terminaría explotando el sludge en años posteriores.

07/10: Slayer – Reign In Blood

Tras un debut más cercano al speed metal y una secuela que los mostraba inusualmente ambiciosos y hasta casi progresivos, para su tercer álbum Slayer decidieron tomar sus canciones y sacarles todo lo que pudiera estar de más. El resultado fue Reign In Blood, un álbum indudablemente legendario que en menos de media hora (específicamente 28 minutos) establecieron un nuevo estándar en materia de metal extremo. Obviamente “Angel of Death” y “Raining Blood”, las canciones que abren y cierran respectivamente la placa, son sus puntos más altos no sólo dentro del álbum sino tal vez dentro de la discografía de Slayer, pero en el medio tenemos “Jesus Saves”, “Criminally Insane”, “Necrophobic” y muchas más, que se terminan antes de que uno pueda sentir que la cosa se pone repetitiva. Este sería el álbum que marcaría de ahora en más el sonido de Slayer, y que inspiraría a muchas bandas a acelerar sus canciones a niveles nunca antes escuchados. 

07/10: Nuclear Assault – Game Over

El thrash metal estadounidense no sólo estaba teniendo una gran explosión en la Costa Oeste, porque en octubre los neoyorquinos Nuclear Assault daban a conocer su álbum debut Game Over. Un año antes de que D.R.I lanzaran su clásico Crossover y le dieran nombre a este estilo, Nuclear Assault ya se mostraban como abanderados de esta tendencia de thrash metal con sus raíces todavía plantadas en el mundo del hardcore punk. Con sus canciones que rara vez pasan de los tres minutos, el cuarteto hace un repaso de los temas típicos del thrash de los ochentas: guerras nucleares, anti religión, política y más escenarios post apocalípticos. ¿Qué más se quiere del metal de la época?

17/11: Dark Angel – Darkness Descends

Nuevamente en California, no sólo las bandas pertenecientes a los “cuatro grandes del thrash” marcaban tendencia. Dark Angel ya prometían mucho en su debut We Have Arrived (qué título), pero es con su Darkness Descends donde las cosas de verdad se muestran a todo vapor. Riff tras riff tras riff de pura violencia, con la batería de Gene Hoglan que no parece dar ni un solo respiro y unas guitarras tan filosas que parecen cortar a través de los parlantes. Considerado por muchos como el punto máximo de la discografía de una banda que para muchos tenía todo para ser unos gigantes del estilo.

No hay dudas que Nile se forjó de un nombre y una identidad en el Death Metal. Su peculiar enfoque y temática en la mitología egipcia los volvió en un grupo fácilmente reconocible dentro de los cánones del género. Encabezados por su líder Karl Sanders, la banda se presenta en Argentina, el próximo 15 de marzo en el Teatrito, para demostrar su poderío musical y ofrecer un ritual lleno de misticismo y brutalidad a partes iguales.

Breve recorrido histórico

Nile fue fundada por su guitarrista y vocalista Karl Sanders en 1993, tras la disolución de su anterior banda de Thrash Metal, Morriah. Provenientes de, Carolina del Sur, Estados Unidos, el grupo empezó sus andanzas grabando y editando distintos demos y Eps, lo que le permitió realizar sus primeras giras por su país y poco a poco, ir construyendo la base de su sonido. 

Esta construcción llegaría con el lanzamiento de su primer álbum de larga duración, Amongst the Catacombs of Nephren-Ka (1998). Dicha obra, se desprendía completamente de las raíces e influencias del Thrash de sus primeras grabaciones y comenzaba a consolidar la dirección musical del grupo: la de fusionar la fuerza más bruta y rudimentaria del Death Metal, con arreglos técnicos y pasajes atmosféricos con instrumentos tradicionales de Medio Oriente. 

Amparados bajo la firma de Relapse Records, el grupo consiguió el despegue y éxito necesario, para ir colocando su nombre en el mapa. Lentamente, fueron ganando terreno y reconocimiento dentro de la escena extrema, con producciones discográficas como Black Seeds of Vengeance (2000), In Their Darkened Shrines (2002). Sin embargo, es con la salida de Annihilation of the Wicked (2005), que los de Greenville consiguen la fama y el éxito a nivel global. Su producción nítida junto con el elevado nivel de brutalidad técnica, lo convirtieron en unos de los trabajos más influyentes y exitosos de su carrera.

A partir de este punto, el grupo se volvió en unos de los referentes modernos del género, manteniendo su estatus y llevando la marca distinta de su sonido, a distintas partes del mundo. Siempre conservando su identidad, y perfeccionando su propuesta aún más. Si bien en los últimos años, sufrieron varios cambios críticos en su alineación, en la actualidad gozan de un gran presente reflejado en sus más recientes obras Vile Nilotic Rites (2019), The Underworld Awaits Us All (2024), donde la banda sigue empujando los límites de su velocidad y técnica.

Contenido lírico

Movidos e impulsados por los conocimientos e inquietudes de su mente creadora, Karl Sanders, desde sus inicios Nile se distinguió del resto de agrupaciones del Death Metal, al adoptar una temática orientada a la historia, mitología y costumbres del Antiguo Egipto. Y no solo en el apartado letrístico. Tanto en las portadas y como en el nombre de las canciones, se ve reflejada esta idea por construir una ambientación y estética influenciada en tumbas, faraones y deidades. 

Muchas de sus composiciones adaptan fragmentos de los Textos de las Pirámides, el Libro de los Muertos y el Libro de las Puertas. Sanders ha confesado en más de una ocasión, que algunos de los títulos largos de sus canciones, están relacionados con el título real del texto antiguo, de los capítulos del Libro de los Muertos. Un caso es “Chapter of Obeisance Before Giving Breath to the Inert One in the Presence of the Crescent Shaped Horns” de su aclamado Annihilation of the Wicked (2005). 

No obstante, la banda también se ha inspirado en relatos de H.P. Lovecraft, para la creación de varias de sus piezas. En especial, en los mitos de Cthulhu. Apoyado en este tipo de deidades más siniestras y antropomórficas, el grupo integra el horror cósmico de la ficción a sus letras, marcando paralelismos entre el universo egipcio y el Lovecraftiano. 

En el interior de los libretos de sus trabajos, el grupo incluye notas y comentarios, conocidas como “Liner Notes”, que explican la inspiración o el origen de las letras de cada una de sus canciones, dándole un valor educativo y antropológico a su propuesta.

De esta forma, el contenido lírico de sus composiciones juega un papel clave, ya que no solo le otorga una visible identidad temática al grupo, sino que se encuentra directamente enlazada con el apartado musical y los distintos recursos que Sanders y compañía, utilizan para potenciar su propuesta.

Contenido musical 

El sonido de Nile es inconfundible. Se trata de una pared sónica, que avanza a toda velocidad y fuerza, directo hacia el oyente, pero desde distintas direcciones. Y es que el estilo que los estadounidenses practican se podría llegar a considerar versátil y dinámico.

El Death Metal que ejecutan combina segmentos vertiginosos, abrasivos y brutales junto con pasajes atmosféricos y conceptuales del Medio Oriente. Para ello, la banda usa escalas frigias y árabes e incorpora instrumentos más tradicionales a su música, con el fin de recrear este ambiente más místico, ancestral y milenario.

Originalmente concebido como un trío, los de Greenville fueron cambiando de miembros a medida que pasó el tiempo. La alineación original incluía a Sanders, a su mejor amigo Pete Hammoura (batería) y a Chief Spires (bajo/voz). Sin embargo, las exigencias técnicas de su música hicieron que progresivamente, empezara la rotación de músicos. 

Es por eso que la incorporación del batero George Kollias a sus filas fue clave. Su llegada en 2004 coincidió con el lanzamiento de su celebre Annihilation of the Wicked. Su veloz y precisa forma de tocar el instrumento, lo volvieron en un pilar fundamental y distinguible del grupo. 

Sus blast beats alcanzan velocidades superiores a 260 BPM, y a la vez, integra elementos de jazz y fusión en sus rellenos (fills), lo que añade una capa de sofisticación a la brutalidad de su ejecución.

A día de hoy, es el miembro más antiguo del grupo después de Sanders, el cual ha dicho que no se imagina buscando otra baterista, en caso de que Kollias se fuera. “Si llega el día en que George ya no quiera tocar en Nile, entonces creo que estamos acabados. No quiero encontrar otro baterista. Eso será todo cuando llegue ese día”.

Si bien su líder remarcó en más de una ocasión que no considera que Nile sea un grupo de Death Metal técnico, musicalmente hablando, posee muchos elementos que requieren de un elevado nivel de dominio y destreza de los músicos, y los vuelve, sin duda, en uno de los más prodigiosos y complejos del género. 

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Contenido vocal 

El enfoque de Nile respecto a las voces es distintivo: no tienen un único “frontman”, sino que utilizan un ataque vocal múltiple (generalmente tres voces) para crear texturas y diálogos, que van desde guturales cavernosos hasta gritos rasgados.

Siendo Karl Sanders el portavoz oficial de la banda, su tono se caracteriza por ser extremadamente grave y profunda, encargándose generalmente de las partes más densas y espirituales de las canciones. Y es que el grupo se apoya mucho en esta función de parte del cantante: la de crear momentos más sombríos y ceremoniales para permitir que él recité sus frases asumiendo el rol de un dios o una deidad. 

Si bien Sanders es el cerebro y fundador, eso no quita que sea la única voz reconocible de su bestia. Y es que si hablamos de vocalistas de Nile, sin duda el nombre de Dallas Toler-Wade es el segundo que se aparece en los papeles. Con un tono particular, su estilo era más agresivo, rítmico y con una dicción clara, lo que permitía entender las complejas letras en medio del caos técnico. Siendo participe en obras clásicas como In Their Darkened Shrines (2002) 

y Annihilation of the Wicked (2005), su salida en 2017 significó una baja sensible para Nile, marcando el fin de una alianza gutural y rítmica icónica con Sanders.

En la actualidad, el guitarrista Brian Kingsland ocupa el lugar que dejó Dallas. Con un registro gutural más amplio, el vocalista aprovecha sus gritos agudos y rasgados para agregar una capa más de desesperación a la música. Y es que los norteamericanos siempre buscaron explotar al máximo los recursos vocales de sus músicos, para poder reforzar la idea de un intercambio verbal entre seres mitológicos, criaturas monstruosas o predicadores del Medio Oriente. Concepto que plasma la banda en sus actuaciones en vivo.

Presentación en Buenos Aires

De la mano de Icarus Music, la banda comandada por Karl Sanders se presentará en Argentina, el domingo 15 de marzo en el Teatrito (Sarmiento 1752, CABA) para presentar el material de su más reciente trabajo, The Underworld Awaits Us All (2024). Su regreso a Buenos Aires trae como promesa no un recital, sino un ritual: una experiencia inmersiva al Antiguo Egipto, llena de mitos, monstruos, y deidades que no sabemos si es mejor, que sigan encerradas en sus tumbas. 

La agenda de Track To Hell para marzo en Copenhague se presenta repleta de conciertos de rock, punk y metal, combinando el talento de bandas consolidadas con nuevas propuestas de la escena underground. A lo largo del mes habrá fechas en diferentes salas de la ciudad, ofreciendo un recorrido que va desde el rock alternativo hasta el metal más intenso. Marzo se perfila como el momento ideal para sumergirse en guitarras afiladas, espíritu punk y una potente energía en directo dentro de una escena local dinámica y en constante crecimiento.

Jinjer + Unprocessed + Textures
Fecha: 1 de Marzo en Copenhague.

The Fall of Troy
Fecha: 7 de Marzo en Buenos Aires.

Cannonball
Fechas: 6 y 7 de Marzo en Copenhague.

Kanonenfieber + Mental Cruelty
Fecha: 7 de Marzo en Copenhague.

Amaranthe + Epica + Charlotte Wessels
Fecha: 10 de Marzo en Copenhague.

Carpenter Brut
Fecha: 16 de Marzo en Copenhague.

Kataklysm + Vader + Blood Red Throne
Fecha: 19 de Marzo en Copenhague.

Guttural Disgorge + DETHRXNER
Fecha: 21 de Marzo en Copenhague.

Stoned Jesus + Wheel
Fecha: 29 de Marzo en Copenhague.

Hulder
Fecha: 30 de Marzo en Copenhague.

La agenda de Track To Hell para marzo en Buenos Aires llega cargada de shows de rock, punk y metal, con propuestas de bandas consagradas y proyectos emergentes. Durante todo el mes habrá fechas en distintas salas de la ciudad, con una programación que va del rock alternativo al metal más contundente. Marzo se presenta como una gran oportunidad para disfrutar de riffs potentes, actitud punk y mucha energía en vivo dentro de una escena porteña siempre vibrante.

Booze & Glory
Fecha: 2 de Marzo en Buenos Aires.

The Fall of Troy
Fecha: 7 de Marzo en Buenos Aires.

Diavol Strain
Fecha: 7 de Marzo en Buenos Aires.

Suicidal Tendencies + Madball
Fecha: 8 de Marzo en Buenos Aires.

Stick Men
Fecha: 11 de Marzo en Buenos Aires.

Vola
Fecha: 13 de Marzo en Buenos Aires.

D.R.I. + Ratos De Porao
Fecha: 14 de Marzo en Buenos Aires.

Speed
Fecha: 14 de Marzo en Buenos Aires.

Bardcore Fest
Fecha: 14 de Marzo en Buenos Aires.

Nile
Fecha: 15 de Marzo en Buenos Aires.

Symphony
Fecha: 17 de Marzo en Buenos Aires.

Katatonia
Fecha: 19 de Marzo en Buenos Aires.

The Adicts
Fecha: 20 de Marzo en Buenos Aires.

Carcamal + Jabali + Ocultos
Fecha: 20 de Marzo en Buenos Aires.

Moonspell
Fecha: 21 de Marzo en Buenos Aires.

Alestorm
Fecha: 22 de Marzo en Buenos Aires.

Pennywise + Millencolin + Mute + Da Skate
Fecha: 22 de Marzo en Buenos Aires.

AC/DC + The Pretty Reckless
Fecha: 23, 27 y 31 de Marzo en Buenos Aires.

Nargaroth
Fecha: 24 de Marzo en Buenos Aires.

The Red Jumpsuit Apparatus
Fecha: 26 de Marzo en Buenos Aires.

Unto Others
Fecha: 26 de Marzo en Buenos Aires.

Rata Blanca
Fecha: 26, 28 y 29 de Marzo en Buenos Aires.

La agenda de Track To Hell para marzo en España viene repleto de conciertos de rock, punk y metal con propuestas tanto de bandas consagradas como de proyectos emergentes. A lo largo de marzo se suceden fechas de artistas y grupos de diversos estilos (desde rock alternativo hasta metal más contundente) en ciudades como Madrid, Barcelona, Valencia, Málaga, Bilbao, Pamplona, Murcia y otras localidades del país. La programación incluye desde conciertos con sonido pesado y actitud punk hasta actuaciones de hard rock y metal en directo, lo que convierte a marzo en una oportunidad ideal para los amantes de estos géneros de disfrutar de una intensa actividad musical en vivo con riffs potentes, energía sobre el escenario y una escena bien vibrante en diferentes rincones de España.

Harakiri For The Sky + Mvrmvr
Fechas: 4 de Marzo en Barcelona, 5 de Marzo en Madrid y 6 de Marzo en Bilbao.

Motionless in White + Dayseeker + Make Them Suffer
Fechas: 5 de marzo en Barcelona y 6 de Marzo en Madrid

The Crown
Fechas: 6 de Marzo en Barcelona, 7 de Marzo en Portugalete y 8 de Marzo en Madrid.

H.E.A.T + Hitten
Fechas: 6 de Marzo en Pamplona, 7 de Marzo en Santiago de Compostela, 11 de Marzo en Sevilla, 12 de Marzo en Murcia y 13 de Marzo en Valencia.
Mago de Oz
Fechas: 7 de Marzo en Madrid y 21 de Marzo en Barcelona.

Crystal Lake + Miss May I + Great American Ghost + Diesect
Fechas: 9 de marzo en Barcelona, 10 de Marzo en Madrid y el 12 de Marzo en Vitoria.

Dea Matrona
Fechas: 9 de marzo en Madrid y 10 de Marzo en Barcelona.

Deny + Invitados
Fechas: 11 de marzo en Barcelona y 12 de Marzo en Madrid.

Megara + Astray Valley
Fecha: 13 de marzo en Madrid.

Buzzcocks
Fechas: 13 de marzo en Madrid y 14 de Marzo en Barcelona.
Asphyx
Fechas: 13 de marzo en Madrid y 14 de Marzo en Barcelona.

Subterranean
Fechas: 13 de marzo en Bilbao, 14 de Marzo en Andoain, 27 de Marzo en Barcelona y 28 de Marzo en Zaragoza.

Wicked Leather + Abxenta
Fecha: 14 de marzo en Málaga.

Andy Timmons + Pedro Javier González
Fechas: 15 de Marzo en Madrid y 16 de Marzo en Barcelona.

Guilt Trip + Invitados
Fechas: 17 de Marzo en Barcelona, 18 de Marzo en Madrid, 19 de Marzo en Vitoria, 21 de Marzo en A Coruña.
Rage
Fechas: 17 de Marzo en Barcelona, 18 de Marzo en Zaragoza, 19 de Marzo en Burgos, 20 de Marzo en Madrid y 21 de Marzo en Bilbao.
Gluecifer
Fechas: 18 de Marzo en Barcelona, 19 de Marzo en Madrid, 20 de Marzo en Sevilla y 22 de Marzo en Valencia.
Vomitory + Bandas invitadas
Fechas: 19 de Marzo en Granada, 20 de Marzo en Madrid, 21 de Marzo en Castellon, 22 de Marzo en Barcelona y 23 de Marzo en Portugalete.

Luicidal
Fechas: 19 de Marzo en Barcelona, 20 de Marzo en Madrid, 21 de Marzo en Vigo y 22 de Marzo en Vitoria.

Booze & Glory
Fechas: 19 de Marzo en Madrid, 20 de Marzo en Vitoria y 21 de Marzo en Barcelona.

2 Minutos
Fechas: 19 de Marzo en Mallorca, 20 de Marzo en Valencia, 22 de Marzo en Bilbao, 24 de marzo en Madrid y 25 de marzo en Barcelona.

Saratoga
Fecha: 20 de marzo en Málaga.

Desolated+ South Misery + Aggresive and Voiceless
Fecha: 21 de marzo en Madrid.

Kreator + Carcass + Exodus + Nails.
Fecha: 22 de marzo en Madrid.

Airbourne + Asomvel
Fechas: 24 de marzo en Barcelona, 25 de marzo en Madrid y 27 de Marzo en Bilbao.
Bull Brigade
Fechas: 26 de marzo en Donostia, 27 de marzo en Madrid y 28 de Marzo en Barcelona.

Taake
Fechas: 27 de marzo en Barcelona, 28 de marzo en Madrid y 29 de Marzo en Valencia.

ZEKE
Fechas: 27 de marzo en Gasteiz, 28 de marzo en Madrid y 30 de Marzo en Jerez.

Redshark + Rave In Fire
Fecha: 27 de marzo en Madrid.

Fit For A King + Memphis May Fire + Acres + 156/Silence
Fechas: 28 de marzo en Madrid y 29 de marzo en Barcelona.

Dentro del marco de bautismos de fuegos tenemos en este 2026, el de VOLA es uno de los que más promete. Reconocidos dentro de la escena progresiva moderna europea, los daneses debutan en suelo argentino el próximo 13 de marzo, en Uniclub (Guardia Vieja 3360), en la Ciudad de Buenos Aires dentro del marco de su gira “Friend of a Phantom South America Tour 2026”.

Con una sólida y ascendente carrera musical, este grupo se ha consolidado como uno de los más originales y atractivos de los últimos años. En este especial, te venimos a contar por qué.

De Dinamarca para el mundo

Vola nació en 2006, de la mano de su líder y fundador, Asger Mygind, en la ciudad de Copenhague. Todo comenzó como un proyecto individual del músico en el sótano de su casa, explorando distintos sonidos e instrumentos. Sin embargo, con el tiempo se convirtió en una banda integrada por amigos suyos. Entre ellos, aparece el tecladista actual y el otro miembro fundador, Martin Werner. Con Mygind a la voz y a la guitarra

Con Mygind a cargo de la voz y la guitarra, VOLA arrancó como un quinteto, en busca de una identidad y sonido para hacerse de un nombre dentro de la escena del metal progresivo. Es así que editan dos EP’s, llamados Homesick Machinery y Monsters, en 2008 y 2011, respectivamente. Ambos autoproducidos por ellos. 

Con resultados positivos, empiezan las primeras giras del grupo por su país, lo cual llevó a algunos cambios de alineación. Tras la salida de algunos miembros, la agrupación finalmente se terminó transformando en un cuarteto, marcando el inicio del grupo tal cual lo conocemos hoy.

Vola

Influencias y Estilo

VOLA viene a encarnar lo que se podría considerar una nueva ola del metal progresivo. Una ola que tiene como referentes a grupos como Leprous; Caligula Horse; Karnivool; e incluso Soen, en la que predomina la melodía, el uso de efectos y sintetizadores electrónicos, y las sutilezas técnicas de sus músicos. Se prioriza la búsqueda de atmosferas envolventes, de climas introspectivos e incluso, detalles minimalistas. Todo, con un enfoque compositivo moderno, con estribillos pegajosos y fácilmente atrapantes para el oyente. 

VOLA, refuerza estos conceptos con riffs pesados y complejos, que los acerca hacia terrenos más cercanos al Djent, siendo catalogados como uno de los referentes más pesados y novedosos dentro de la escena progresiva actual. 

Lejos del carácter más pirotécnico y virtuoso de grupos como Dream Theater o Symphony X, Vola trabaja un estilo más armonioso y compacto, enfocado en la creación de melodías. Sus temas no buscan ser extensos, ni tampoco tan estrambóticos. Por el contrario, se desarrollan con naturalidad, manteniendo el foco en la sensibilidad y construcción de distintas capas de matices técnicos. 

Entre sus influencias, podemos mencionar grupos como Messhugah, Porcupine Tree, Soilwork, Pain Of Salvation, Devin Townsend (con quién ya han salido de gira en un par de ocasiones), entre tantos.  

Mygind es un gran fan del músico y productor británico Steven Wilson, y esto ve claramente reflejado en su música. “En cuanto a la parte emocional, crecí con Steven Wilson, por ejemplo, y con Porcupine Tree y Opeth, que son muy melancólicos. Y eso me ha inspirado a seguir ese mismo camino de crear algo que, en la superficie, suene triste, pero que también contenga calidez y esperanza” llegó a confesar el músico en varias entrevistas. 

Catalogo

La banda cuenta con cuatro discos hasta la fecha. 

Inmazes (2015): Un debut auspicioso y fresco, con una propuesta potente y mecánica, propios del Djent moderno. La influencia de Messhugah se siente, pero se encuentra bien balanceada con pasajes melódicos y sutiles matices electrónicos. Aun así, se trata de su disco más pesado, dónde destacan “Gutter Moon” y “Stray the Skies“.

Applause of a Distant Crowd (2018): Una continuación que expande su sonido a terrenos más progresivos de

Vola

grupos como Porcupine Tree o Pain Of Salvation. Menos rígido y más orgánico. Ese pareció ser el lema para esta segunda entrega, que daba muestras de una identidad, que progresivamente se iba construyendo. “Smartfriend” y “Whaler” son dos de las composiciones más representan el trabajo.

Witness (2021): La obra que posicionó a los daneses en el mapa global del progresivo, como en una novedad y realidad del género. Con una propuesta más aceitada, acá encontramos una banda encontrando su propia versión de lo que quiere ser. Sonando melódicos, dinámicos, técnicos, minimalistas. Su mayor éxito hasta la fecha, tanto en ventas como en crítica. 

Friend of a Phantom (2024): Un ejemplo de madurez y entendimiento musical. Si en su anterior obra habían llegado a su mayor pico creativo, acá lo mantienen pero encontrando nuevos agregados y detalles que vuelven a esta obra igual de atractiva y renovante dentro de su catálogo. Basta con escuchar “I Don’t Know How We Got Here” y “Break My Lying Tongue” para corroborarlo.

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Miembros

VOLA actualmente es un cuarteto consolidado, que ya lleva casi 10 años sin sufrir modificaciones. A su creador y fundador, Asger Mygind, lo acompaña su mano derecha y compañero desde sus inicios, Martin Werner en los teclados. Le sigue Nicolai Mogensen a cargo del bajo y los sintetizadores desde el 2009, mientras que la última incorporación fue el baterista sueco, Adam Janzi, tras su ingreso en 2017. Desde entonces, el grupo se mantiene intacto afianzando una alineación sólida y unida, la cual marca la química y visión musical que comparten los músicos.

Gira

“Friend of a Phantom South America Tour 2026”, es el nombre del tour que los trae por primera vez a tierras argentinas, para presentar el material de su más reciente y elogiado trabajo discográfico, Friend of a Phantom (2024). Con fechas en países como Costa Rica, México, Brasil y Chile, el grupo se encuentra en mejor momento creativo y compositivo. Con una trayectoria evolutiva y en constante ascenso, VOLA llega para compartir junto con sus fanáticos su enriquecedora propuesta y para justificar porque se volvieron en este lapso de tiempo, en una de las mayores sensaciones de la escena progresiva. 

La cita en Buenos Aires es el viernes 13 de marzo, a partir de las 19 en Uniclub. No se lo pierdan.

De la mano de ICARUS MUSIC, el viernes 24 de abril de 2026 tendrá lugar la tercera presentación de los suecos de AMARANTHE en tierras argentinas en El Teatrito (Sarmiento 1752, CABA). En dicha presentación compartirán escenario con el power metal sinfónico de VISIONS OF ATLANTIS en un doblete que promete dejar a todos los amantes del metal más que satisfechos.

Con su formación actual, compuesta por Elize Ryd (voz limpia), Olof Mörck (guitarras y también miembro de la banda de power metal DRAGONLAND), Morten Løwe Sørensen (batería), Johan Andreassen (bajo), Nils Molin (voz limpia masculina) y Mikael Sehlin (voz gutural), y en el marco de la presentación de su ultimo larga duración, editado en el mes de febrero de 2024, “The Catalyst”, nos traen su propuesta que combina distintos estilos de metal, como el metalcore y el power metal en sus variantes melódicas, pop, música electrónica, entre otros.

Una de las características más relevantes de estos nórdicos, junto con la imposibilidad de encasillarlos en un género especifico del metal, radica en la utilización de tres cantantes: Elize Ryd y Nils Molin (también cantante de la banda DYNAZTY) en las voces limpias y Mikael Sehlin en la voz gutural, lo que posibilita la generación de distintos ambientes dentro de cada una de las canciones que nos ofrecen.

“The Catalyst”, su último lanzamiento, presenta canciones interesantes tales como la que le da nombre al álbum, con una intro con aires electrónicos y un estribillo moderno, popero y pegadizo; “Damnation Flame”, con otro estribillo potente; y “Resistance”, que pone de relieve esa combinación entre un metal moderno y melódico que caracteriza a los suecos.

Su debut con el disco homónimo, “Amaranthe”, allá por el año 2011, nos ofreció una gran presentación ya que es un álbum completo por donde se lo escuche: adecuado juego con las voces limpias y guturales, excelente base rítmica a lo largo de toda la producción y unas guitarras que oscilan entre riffs clásicos y de new metal.

Entre los temas que merecen destacarse encontramos “Leave Everything Behind”, un verdadero temazo donde destacan las tres voces; “Hunger”; “1.000.000 Light Years”; y “Amaranthine”, un lento/medio tiempo donde deslumbra la belleza de la voz de Elize. Un debut que no puede faltar en la colección de ningún metalero.

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En “The Nexus” (2013) encontramos temas como el que abre la placa, “Afterlife”, un tema potente y melódico, a la vez, donde destaca la combinación de las tres voces; “The Nexus”, que no solo le presta su nombre al álbum, sino que también vio la luz para convertirse en un clásico; y “Electroheart”, que te hace vibrar con sus riffs y melodías.

Por su parte, “Massive Addictive”, lanzado en 2014, nos trae uno de los mayores clásicos de la banda “Drop Dead Cynical”, con su estribillo donde predomina la voz de Elize; “Massive Addictive”, con otro estribillo que cuesta dejar de taratearlo después de escucharlo; “Digital World”, otro clásico con todas las virtudes de la banda; y “Exhale”, donde bajan la velocidad para ofrecer una de las líneas más melódicas de la banda.

El lanzamiento de “Maximalism” (2016) nos ofrece “That Song”, con una lejana reminiscencia a Queen; “Fury”, donde predomina la voz gutural para otorgarle furia a un tema pesado de por sí; “Faster”; y “Endlessly”, uno de los lentos más sentidos de la banda y donde la voz de Elize te transporta a distintas sensaciones simultáneas.

En “Helix” (2018) ingresa al comando de las voces limpias masculinas el señor Nils Molin. En la mencionada placa podemos recomendar temas como, por ejemplo, “365”; “Countdown”; el mismo “Helix” que no debería faltar en una presentación en vivo de los suecos; y “Breakthrough Stardust”, con un riff potente y ciertos toques electrónicos.

El álbum previo al que vienen a presentar, “Manifest” del año 2020, cuenta con una joya como “Strong”, donde se luce la invitada Noora Louhimo; y “Crystalline”, uno de los mejores lentos de la discografía de la banda y donde brillan ambas voces limpias.

Luego de este breve repaso discográfico no queda más que decirte que no te pierdas una nueva presentación de los suecos de AMARANTHE en Argentina, en esta oportunidad junto a VISIONS OF ATLANTIS, de la mano de ICARUS MUSIC, quienes nos traen a dos de los mejores exponentes del actual metal europeo en sus variantes moderna y sinfónica.

Nos espera una velada a puro metal. Nos vemos en El Teatrito el viernes 24 de abril de 2026. ¡No faltes!

En la historia contemporánea alternativa, existe un buen puñado de discos y artistas que bien merecerían un capítulo propio dentro de la misma, evidentemente Nirvana y Nevermind, quizás sea el caso que primero se les venga a la cabeza y al cual se podría sumar Pantera, quienes con Vulgar Display of Power le dieron al metal pesado una frescura, intensidad y sonido que venía pidiendo a gritos, pero a comienzos de la década del 2000, hubo una banda que con su tercer disco, dio vuelta la historia del punk y el hardcore en sus diferentes facetas, esta no era otra que At The Drive In y justamente de ellos vamos a hablar en esta ocasión.

Formados en la árida región de El Paso, Texas, los chicos de ATDI ya venían destacando en la escena punk y hardcore, gracias a sus dos primeros discos Acrobatic Tenement de 1996 y el notable In/Casino/Out de 1998, con una explosiva e intensa combinación de punk, hardcore y sonidos alternativos, que los convirtieron en una de las “Promesas” del post hardcore a finales de los 90.

Con Cedric Bixler-Zavala como voz principal, Omar Rodriguez- López en la guitarra, Jim Ward en la otra guitarra, teclados y voces, Paul Hinojos al bajo y Tony Hajjar a la batería y la percusión, At The Drive In eran un torbellino sobre las tablas, un huracán desmedido de emociones y quienes convertían sus shows en una especie de catarsis colectiva, pero a todo eso le hacía falta algo más y esto llegó y de una forma más que contundente cuando lanzaron Relationship of Command en septiembre del año 2000, ahí la historia cambió para siempre y no hubo vuelta atrás.

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El disco salió bajo el ala de Fearless Records y con el apoyo de la multinacional Virgin, pero las cosas ya empezaron serias cuando al ver los créditos vemos dos datos muy importantes, en primer lugar fue producido nada más y nada menos que por el señor Ross Robinson (Korn, Sepultura, Machine Head), uno de los nombres más importantes y controvertidos a la hora de hablar de productores discográficos y mezclado por Andy Wallace, con lo cual ya el salto a nivel musical y profesional respecto a su predecesor, es muy notorio.

Pero en segundo lugar y quizás el dato que evidenciaría otro tipo de información, es que fue compuesto únicamente por Cedric y Omar, mientras el resto del grupo no tuvo participación en este aspecto aunque si a nivel musical.

Pues con el disco en las manos, uno se debe dar cuenta de la joya que está sosteniendo y como sus 45 minutos con 31 segundos, dieron vuelta la escena a la que pertenecían influenciando a toda la generación posterior.

El disco comienza con “Arcasenal” y ya te das cuenta de como esta vez el caos hermoso e impredecible de la banda, estaba muy bien cohesionado, con un bajo muy marcado al comienzo y un Cedric cantando de manera nerviosa, desprolija y a la vez brillante, la banda abría fuego a lo grande, para ir posteriormente incendiando todo a su paso.

Lo que posteriormente triunfó en la MTV, los de El Paso ya lo habían hecho antes y si no como se explica “Pattern Against User”, un corte que recoge ese post hardcore melódico y que luego quisieron imitar bandas como Senses Fail o incluso casi una década después Pierce The Veil.

Claramente hay influencias visibles: Fugazi, Rites of Spring, Weezer, Primus a nivel instrumental en algunas partes y un cierto paralelismo con sus homónimos suecos Refused, quienes dos años antes de este disco con The Shape of Punk To Come, quizás pusieron el primer peldaño para que el post hardcore explotase de manera comercial y luego ATDI, Thursday, Glassjaw, Alexisonfire y The Used, lo llevarán a las masas del “Mainstream”.

Pero todo esta hecho con una crudeza y un buen gusto que es un escándalo lo bien que suena 25 años después y la vigencia que sigue teniendo para el sonido alternativo.

Por otro lado hablemos de la banda a nivel creativo, que es otro de los factores que hicieron de la misma, un torbellino y que lamentablemente no pudieron surfear la ola tan grande en la que esta obra los colocó.

Claramente en los cortes más densos, es Jim Ward quien tiene un peso especial, no mucho a nivel dirección musical, pero si para entender que tanto el como Paul y Tony, estaban en un lado musical concreto, mientras que el binomio Bixler-Zavala/Rodríguez-López, en otro bien distinto y que se evidenció a posteriori con los dos proyectos que crearon tras la separación de la banda: Sparta y The Mars Volta, respectivamente… Pero esta etapa quedará para otro especial.

El disco fue grabado y mezclado en el extinto Indigo Ranch, situado en Malibú, California y donde muchos de los mejores discos de las últimas tres décadas fueron grabados e incluso y como dato curioso, la banda argentina A.N.I.M.A.L., grabó los que muchos consideran dos de sus tres mejores discos Poder Latino en 1998 y Usa Toda Tu Fuerza en el año 2000.

Para que entendáis porque muchos pensamos que había dos bandos en el grupo, tomemos como referencia dos de los cortes del disco, “Invalid Litter Dept”, un viaje sonoro de 6 minutos de duración, emotivo, intenso y con Cedric combinando partes recitadas con un estribillo algo más punk pop core a lo Texas is the Reason y con una letra extremadamente delicada que trata sobre las mujeres asesinadas en Ciudad Juárez, algo que ninguna banda de aquella época se había atrevido a abordar en alguna de sus canciones y sin embargo, estos tipos lo hicieron y con un resultado impactante.

Por otro lado, podríamos situar a “Sleepwalk Capsules”, una patada en el estómago, feroz, rápida, nerviosa y con ciertos aires al sonido que tenían Rage Against The Machine, que no te da un respiro en sus 3 minutos y 28 segundos de duración, con un puente lento que te hace imaginar caminando al borde de la cornisa, con el riesgo de caer al precipicio, para luego estallar en su tramo final.

Pero todo lo bueno que este disco nos dejó, también tiene un lado más oscuro y es que el caos de sus canciones, al parecer también estaba presente detrás del escenario y esto motivó que tras la correspondiente gira de presentación del mismo, tras siete años de carrera, la banda decidía dar un paso al costado y así poder seguir cada uno por su camino antes de que todo explotase por los aires, algo que al parecer estuvo muy cerca de suceder.

Sea como sea, a 25 años de su publicación, es de recibo intentar transmitir lo que Relationship of Command significó no solamente para ATDI como banda, si no para todos los que nos enamoramos de ella gracias a esta obra cumbre de los 2000, del punk hardcore, del post hardcore y del sonido alternativo, sin la cual muchas cosas posteriores no hubieran sucedido de la misma manera.

En Track To Hell siempre estamos atentos a lo que mueve el metal y sus ramificaciones, y febrero de 2026 no decepcionó. Este mes nos trajo discos que nos hicieron girar la cabeza, romper cuellos y emocionarnos al mismo tiempo. En esta publicación, varios miembros del staff compartimos cuáles fueron los lanzamientos que más escuchamos, repasando lo que nos impactó y nos mantuvo en bucle durante todo el mes.

1) Cryptic Shift – Overspace & Supertime

El cuarteto de Leeds vuelve tras seis años con una bestia de 80 minutos repartidos en apenas cinco temas. Death/thrash progresivo que bebe de Voivod, Atheist, Obscura y algo de Death, pero con voz propia y una ambición descomunal.

El plato fuerte es “Stratocumulus Evergaol”, una épica de 29 minutos dividida en seis movimientos que podría ser el disco entero de cualquier otra banda. Jazz fusion, técnica y una narrativa de ciencia ficción construida con obsesivo detalle completan el material. Difícil, densa, exigente — pero para quienes se entreguen, una de las obras más importantes del metal extremo en años. Disco del mes y del año!!!!

2) Ponte Del Diavolo – De Venom Natura

Los italianos se mandaron un discazo que suena a ritual pero con mucha onda. El disco es una mezcla rara: tiene la pesadez del metal, el ritmo del post-punk y una voz femenina que te hipnotiza. Lo más loco es que usan dos bajos en vez de los instrumentos de siempre, logrando un sonido súper profundo. Es ideal para escuchar de noche si te gusta la música con atmósfera, misterio y un toque “brujeril” sin ser puro ruido.

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3) Tailgunner – Midnight Bliz

Es un disco de Heavy Metal clásico puro y duro. Olvidate de experimentos raros; acá tenés guitarras gemelas a toda velocidad, estribillos pegadizos y mucha energía al estilo de la vieja escuela (Iron Maiden o Helloween). Aunque no inventan la pólvora, los tipos tocan con una pasión que te vuela la cabeza. Es música optimista, rápida y diseñada para hacer “pogo” en el living de tu casa.

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1) BlackRain – Orphans of The Light

Un gran regreso de esta banda francesa de sleaze metal. Y digo un gran regreso, no porque fueron muchos los años sin material (por el contrario) si no porque con este último album recuperaron esa vibra que supieron tener con sus mejores discos. Para mi, es un claro disco del mes. Buena producción, canciones largas y épicas, letras en frances, etc.

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2) Tailgunner – Midnight Bliz

No mucho más para agregar de lo que ya dijeron. Banda britanica producida por un britanico (KK Downing). Heavy metal al estilo nwobhm. Suenan que da calambre y la rompen en vivo. Este disco ya está en boca de todos y no es por buen marketing, es porque es de los mejores discos del mes.

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3) Clawfinger – Before We All Die

Esta banda si vuelve. Después de como 19 años. Encima con un discazo a la altura de las más grandes. Tremenda la producción de rap metal. Y con material de sobra para hablar siempre en sus letras.

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1) Converge – Love is not Enough

Con su nueva obra, los norteamericanos vuelven a evidenciar que lo suyo no entiende de modas ni del paso del tiempo, es una colección de piezas oscuras, trágicas e incluso llenas de ira, pero que acaban convirtiéndose en arte gracias a su manera de plasmarlas en un papel y hacerlas canciones.

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2) Mothica – Somewhere in Between

Esta particular criatura ha entendido como salir de la oscuridad que la rodea y lo ha hecho con un conjunto, breve, pero más que sólido de canciones, donde si bien, podría haberse esforzado un poquito más y regalarnos un disco completo, lo que aquí vamos a encontrar son (seguramente) varias de las mejores canciones que Mothica ha escrito hasta la fecha y que pone de manifiesto que a ella le espera (si sus demonios internos la dejan) un presente y futuro más que interesante.

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3) Story of the Year – A.R.S.O.N.

Aunque sus días dorados hayan quedado atrás hace muchos años, los chicos de SOTY vuelven a dar en la diana con su nuevo trabajo, donde parecen sonar como el primer día y su mezcla de post hardcore, pop punk y emocore, dan como resultado uno de sus mejores discos hasta la fecha, devolviéndonos a unos días que, si bien, no volverán, si que podemos rememorar con cariño escuchando estas canciones.

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1) Sylosis – The New Flesh

The New Flesh confirma el buen momento de Sylosis tras A Sign of Things to Come. El grupo apuesta por riffs más densos y un enfoque más groove sin abandonar su base metalcore ni su pulso melódico. Con una producción contundente y ecos de thrash clásico, el disco destaca por su agresividad, precisión rítmica y la voz más rasgada de Josh Middleton, ofreciendo un trabajo directo, compacto y sin relleno.

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2) Atlas – Sunder

Sunder, tercer álbum de los finlandeses Atlas, ofrece 29 minutos de metal moderno intenso y atmosférico. Con riffs pesados, grooves marcados y una mezcla de voces agresivas y limpias, el disco equilibra contundencia y melancolía. Su sonido, influenciado por metalcore, doom melódico y metal progresivo, construye un paisaje oscuro y emocional inspirado en la crudeza del invierno nórdico.

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3) Space Of Variations – Poisoned Art

Poisoned Art demuestra que Space of Variations atraviesa uno de sus mejores momentos. El disco combina breakdowns demoledores, riffs contundentes y estribillos pegadizos con una producción limpia y moderna. La voz de Dima Kozhuhur alterna furia y melodía con gran eficacia, mientras que los toques electrónicos aportan variedad. El resultado es un álbum intenso, accesible y muy representativo del metalcore actual.

1) Wolfchant – Echoes of the Time Once Past.

Un gran retorno de la veterana banda de metal pagano. Si bien, la mezcla tiene una pequeña falta de fuerza, las canciones son sólidas y mantienen un ritmo constante durante todo el álbum.

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2) Mayhem – Liturgy of Death

Un disco que es mas experimental que al anterior, y que si bien tiene algunas leves caídas de ritmo. Demuestra el buen nivel de salud que tiene mayhem. Con riff filosos y creativos, una base ritmica que es una locomotora y un attila en un nivel supremo.

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3) Converge – Love is not Enough

Un gran retorno, que muestra el balance de Converge entre violencia y emoción.

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1) Exhumed – Red Asphalt

Considerando lo que me gusta el death metal, puede parecer raro que no sea muy fan del gore ultra explícito, sea que hablemos de música o de películas: tiene que haber cierto nivel de exageración caricaturesca como para que no me provoque rechazo, y eso no suele lograrse poniendo alguna foto sacada de Goringa en la portada. Por suerte es ahí que tenemos a Exhumed, paladines del “gore metal” que llevan 35 años aplicando esa estética específica de efectos prácticos de las películas splatter clásicas de bajo presupuesto, con sus limitaciones y defectos siendo convertidas en su mayor atractivo. Este álbum es un trabajo conceptual centrado alrededor de los accidentes automovilísticos, y Exhumed lo explotan con suficientes riffs brutales y sentido del humor como para agradar hasta al metalero más perseguido.

2) Michael Monroe – Outerstellar 

Michael Monroe es un tipo que ha sabido envejecer muchísimo mejor que muchos de sus congéneres del rock’n’roll glam de los ochentas, al punto de que diría que muchos de sus mejores lanzamientos han sido en los últimos 15 años, desde su regreso solista con Sensory Overdrive. Este Outerstellar no será de lo más destacado de la obra del finlandés, pero incluso un Monroe en piloto automático es capaz de sacar más que un puñado de temazos que muchos músicos con mayor convocatoria envidiarían.

3) Iron & Wine – Hen’s Teeth

Uno de los beneficios de ponerse viejo es encontrar el atractivo en ciertas expresiones artísticas más sutiles a las que en otra época nunca le hubiera prestado atención. Tomemos el caso de Hen’s Teeth, el nuevo álbum del estadounidense Sam Bean, más conocido como Iron & Wine. Esta onda de cantautores indies acústicos “niño sensible” (con énfasis en las comillas de “niño”, siendo que hablamos de un tipo de más de 50 años) no son algo que busque activamente, pero este disco de I&W pega en el punto justo de balance de expresividad folk y sensibilidad pop como para que en más de una ocasión me diga “Che, qué temazo”.

1) Tailgunner – Midnight Bliz

¿Que tenemos acá? Un DISCAZO con todas las letras de Heavy Metal clásico tradicional. Ni más ni menos. Una obra que comprende completamente la esencia del género y la plasma a la perfección en cada de una de sus piezas. Desde el lado más aguerrido y salvaje de las guitarras, hasta el más emotivo y melódico. Una absoluta demencia.  

Hacía mucho tiempo que no escuchaba un disco de Heavy Metal y dijera con absoluta sinceridad: “DIOS, QUE DISCAZO DEL RE CARAJO”. Con razón cuenta con la aprobación y producción del mismismo K.K Downing. Por goleada, lo mejor del mes y de momentos, del año.

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2) Converge – Love is not Enough

Que título para ponerle de nombre a una obra y publicarla en el mes del amor. Más en concreto, un día antes del 14. Y es que visto desde la perspectiva agresiva, desenfrenada y explosiva de la banda, el título encaja a la perfección con lo que ofrece la obra: una bomba de tiempo aniquiladora que en apenas media hora, no deja nada vivo a su paso.  

Los amantes del Hardcore, se pueden quedar tranquilos de que Converge volvió su estilo crudo y directo de siempre. Recomendado es poco.

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3) Karnivool – In Verses

Seré honesto. Karnivool venía siendo una de mis cuentas pendientes. Por lo que este In Verses fue la excusa perfecta para tener lo que se dice “un primer acercamiento” con el grupo. Y creo que la decisión no pudo ser más acertada, porque los australianos respondieron con holgado éxito, a la vara y expectativas que tenía acerca de ellos. 

El trabajo se resume en un notable ejercicio de metal progresivo moderno, bien de la escuela de Haken, Leprous, o Caligula’s Horse. Las composiciones reposan entre la melodía, los detalles sutiles, y los estribillos enérgicos, en los que la banda saca relucir su costado más explosivo y pesado. Todo esto sin dejar de lado la elegancia y fluidez con la que desarrollan los temas. 

En líneas general, gran álbum cuyo único pecado quizás sea su duración. Pero que aún así, se siente fresco y renovante. A diferencia del último de Soen.

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Cuenta la leyenda que en las oscuras calles de Brandoa, Portugal, allá por mediados de la década de los 90’, un grupo de jóvenes licántropos apareció en medio de la noche y bajo el brillo de una luna llena, largó un aullido musical. Uno que hechizó a toda una generación. Uno que no pasó desapercibido. Uno con su fuerza y misticismo, marcó un antes y después dentro de la escena gótica.

Dicho aullido, se llamó Wolfheart. Y el grupo de jóvenes licántropos que lanzó el hechizo, era mejor conocido como Moonspell. Aprovechando la visita de los portugueses a la Argentina bajo la luna del próximo 21 de marzo, en el Teatrito, por el 30° aniversario de su obra magna, desde Track To Hell repasamos los aspectos que la volvieron en un clásico representativo de todo un género.

Contexto: La escena Doom/Gothic de los 90’

El lanzamiento de Wolfheart (1995), coincidió con un boom expansivo que se venía desarrollando y gestionando rápidamente en aquella época: el Doom/Gothic.

Este subgénero del metal se caracteriza por fusionar la pesadez y lentitud del Doom Metal con las atmósferas melancólicas y románticas del Gothic Metal. Surgió a principios de los años 90 en Europa, evolucionando principalmente de la escena Death/Doom británica. En aquella época, muchas bandas comenzaron a redefinir su identidad y sonido, incorporando teclados, voces femeninas melódicas y un tono más trágico y romántico en sus composiciones, con letras con centradas en el dolor, la tristeza y la pérdida. 

Algunos casos representativos de esta transición musical fueron Paradise Lost, My Dying Bride, The Gathering, Tiamat, y Anathema, entre tantos. Y es acá, donde entra en cuestión la banda que nos trae, Moonspell.

Antecedentes: Los primeros rugidos 

Oriundos de Lisboa, Portugal, la banda se formó en 1989 con el nombre de Morbid God. Comandados bajo la dirección musical de Fernando Ribeiro, comenzaron practicando un Black Metal crudo y primitivo, con una temática fuertemente orientada en el paganismo y el ocultismo. Sin embargo, lentamente irían abriendo el abanico de influencias e ideas. 

Tras grabar una demo, los portugueses se rebautizan como Moonspell, y editan el EP Under the Moonspell (1994), una obra oscura y agresiva, pero con ciertos pasajes acústicos y exóticos, que los pone dentro del radar europeo y les permite firmar con un sello de renombre como Century Media. 

Es bajo esta discográfica, que publican al año siguiente su álbum debut, Wolfheart, con el cual conseguirían el éxito y reconocimiento internacional. 

Corazón de lobo: El aullido de la consolidación

Guiados por un sonido y una esencia más sombría y atmosférica, esta obra supuso el salto definitivo del grupo hacia estos terrenos más góticos, dejando casi por completo atrás, la furia primitiva del Black Metal de sus inicios. 

Hay varios aspectos que volvieron a Wolfheart, en un emblema del género y de la banda. Musicalmente, está marcado por una línea melancólica y dramática, que se fusiona con atmosferas oscuras envolventes, y elementos del folclore portugués. Las letras presentan una temática más “romántica”, llena de referencias a vampiros, hombres lobo y demás criaturas pertenecientes a las tinieblas de la oscuridad. Y visualmente, refleja una estética que simboliza el espíritu de la banda: el de un aullido llena de furia, dolor y sentimiento.

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Las voces de Fernando buscan más que solo atacar. Presentan misterio, atracción, majestuosidad. A diferencia de sus anteriores grabaciones, no sólo recurre a gritos guturales desgarradores, sino que utiliza un tono de voz grave, para impregnar a la música matices narrativas y teatrales, reforzando el concepto atmosférico sombrío del disco. 

Reflejados por el aura lunar de su música e imagen, Moonspell consolidó un estilo. Y también una identidad. Una marcada por la elegancia, la oscuridad, la cautivación y la tragedia. Y una que los seguiría a lo largo de su carrera. Aunque eso ya es una historia para otro día.

Canciones: Los himnos que quedaron para la eternidad

La obra cuenta con los dos mayores clásicos de la banda. Y dos de las más identificativas dentro de la historia de Moonspell.

• Vampiria: tétrica, perversa, misteriosa. Se trata de una pieza en gran parte atmosférica, con una base cinematográfica, teatral y llena de matices, apoyada en los teclados. No obstante, cuenta con un quiebre a la mitad, en dónde la banda desata toda su fuerza y agresividad, con uno de los riffs más memorables de su carrera.  

La letra, por su parte, explora el mito del vampirismo desde una perspectiva romántica y oscura, centrada en la figura de la mujer vampiro y la sed eterna. Un enfoque que se potencia con la interpretación vocal de Fernando, que alterna entre susurros profundos, un estilo narrativo dramático y gritos desgarradores. 

Una composición que no falta nunca en sus interpretaciones en vivo. 

• Alma Mater: El himno por excelencia del grupo. Describir Alma Mater implica más que solo hablar de una obra o composición musical. Implica hacerlo de un símbolo de identidad. En este caso, el de la banda con su música y propuesta.
• Es una pieza que fusiona la agresividad del metal extremo con una atmósfera solemne y un profundo sentimiento nacional. Y posee una estructura coral y majestuosa, que atrapa al oyente desde el primer segundo.

Fernando Ribeiro ha explicado que el título representa algo superior que une a las personas: un sentido eterno de pertenencia y retorno. Y simbólicamente el tema es eso. Un punto de encuentro y entendimiento en el que el público se une a la banda para agitar y gritar con el puño en alto, el nombre de la canción. 

Sin duda alguna, el hechizo más grande y atrapante que los de Lisboa, supieron conjurar. 

Producción: la mano de Waldemar Sorychta

La obra fue grabada en los estudios alemanes de Century Media, en un periodo de apenas dos semanas, comprendido entre del 29 de enero al 13 de febrero de 1995. 

El álbum fue producido por el polaco Waldemar Sorychta, una figura crucial para la época y reconocido por sus trabajos con grupos como Tiamat (Wildhoney, 1994), Samael (Ceremony of Opposites,1994), y The Gathering (Mandylion, 1995).  El productor desempeñó un rol clave al actuar como mentor y guía de los portugueses. Su enfoque consistió en buscar un sonido más limpio, armonioso y prolijo, y en estructurar las composiciones para que resultaran más accesibles y atrapantes para el público. Todo esto, sin perder la agresividad y el toque oscuro que traía la banda. El resultado fue una producción con muchos arreglos atmosféricos que se volvieron en uno de los elementos característicos de la agrupación.

El año: Un clásico que marcó una época

El lanzamiento de Wolfheart en 1995, coincidió con el de otras obras que ayudaron a definir la escena Doom/Gothic y que con el tiempo, se volvieron en clásicos representativo del género.

Paradise Lost – Draconian Times

My Dying Bride – The Angel and the Dark River

The Gathering – Mandylion

Anathema – The Silent Enigma

Theatre of Tragedy – Theatre of Tragedy

Lacrimosa – Inferno

Gira 30° Aniversario

De la mano de Icarus, Moonspell regresa a Argentina en el marco de su gira Wolfheart and Other Stories 2026, en la que la banda recorrerá los himnos más emblemáticos de su disco debut, y de su larga y amplia trayectoria.

La presentación tendrá lugar el sábado 21 de marzo, en El Teatrito (Sarmiento 1752, CABA), a partir de las 18hs. Los tickets se encuentran en la venta en el sistema de Passline, y en las oficinas de Icarus Music, ubicadas en Aristóbulo del Valle 104, La Boca (Lunes a Viernes de 9 a 18 hs).

1986 fue indudablemente un año enorme para el metal, sobre todo (pero sin limitarse) en lo que concierne al thrash metal, con Los Ángeles y Nueva York ya establecidas como las dos capitales del estilo. Pero también en Europa y en otras velocidades pasaban cosas importantes, y esto es algo que recorremos en esta lista de álbumes que en este 2026 van a estar cumpliendo 40 años de salidos.

17/02: King Diamond – Fatal Portrait

En 1985 Mercyful Fate anunció la que sería la primera de sus separaciones, dándole la oportunidad al cantante King Diamond de comenzar su carrera solista. Su debut Fatal Portrait mostraba al rey danés redoblando la apuesta en su particular interpretación del heavy metal, con su característica voz en falsete, las estructuras plenamente narrativas de sus canciones y las tendencias progresivas que ya se veían en esos primeros álbumes de Mercyful Fate y que se harían más evidentes con el paso del tiempo. Aunque indudablemente el siguiente Abigail tendría al Rey Diamante saltando varios escalones en todo sentido, este Fatal Portrait es un debut espectacular, con canciones como “Halloween” y “The Candle” convirtiéndose en parte casi inseparable de las presentaciones en vivo del músico.

01/03: Kreator – Pleasure To Kill

1986 fue un año brutal para el thrash metal, y acá hablamos de ambos lados del Atlántico. En la escena germana tanto Destruction como Sodom lanzarían sus brutales álbumes debut, pero creo que fue Kreator con su segundo álbum Pleasure To Kill los que se llevan el premio dentro de esa escena. Mejorando un poco la calidad de sonido sin abandonar del todo esa producción crudísima que caracteriza a sus primeros álbumes, los liderados por el cantante y guitarrista Mille Petrozza firman un testamento de thrash metal impiadoso y directo a la yugular, más de una vez cruzando la línea y metiéndose en momentos de death metal rudimentario pero sobre todo agresivo, donde un Petrozza de apenas 20 años parece dejarse la garganta a cada momento.

03/03: Metallica – Master of Puppets

Y hablando de thrash, en la ciudad de San Francisco teníamos a Metallica redoblando la apuesta en el crecimiento de su sonido que habían tenido en el anterior Ride The Lightning. Su tercer álbum Master of Puppets es considerado en estos días no sólo un clásico del thrash metal, sino también uno de los álbumes más importantes de todo el heavy metal. Ya desde el inicio acústico de “Battery” (de las introducciones más icónicas de la historia del género, sin lugar a dudas), pasando por la épica del tema título, la narrativa lovecraftiana de “The Thing That Should Not Be”, la exploración de la locura en “Welcome Home (Sanitarium)”, la diatriba antibélica (y velocidad rapidísima) de “Disposable Heroes”, el ataque a la hipocresía de los televangelistas con “Leper Messiah” (en épocas de PMRC, pánicos satánicos e intentos de censura por parte de la derecha religiosa), la hermosura instrumental de “Orion” y la final “Damage, Inc.”, con otra intro icónica (en este caso una grabación al revés) y más violencia thrashera. Para este punto ya se notaba que Metallica no era el rejunte de apenas adolescentes que había formado la banda, sino que ahora eran unos adultos que habían perfeccionado y pulido su fórmula. Y durante la gira de presentación del álbum el mundo adulto los encontraría de la manera más trágica con la muerte del bajista Cliff Burton, dando lugar a uno de los puntos más oscuros de su carrera.

10/06: Candlemass – Epicus Doomicus Metallicus

Suecia también tenía bastante para dar a mediados de los ochentas. Y en 1986, esto se dio con la salida de Epicus Doomicus Metallicus, el LP debut de Candlemass. El combo liderado por el bajista Leif Edling plantó los cimientos de todo un estilo no sólo con el título de este debut, sino también con la combinación de los riffs lentos y las voces de tono operático mostradas plasmadas por el cantante de sesión Johan Langquist, quien años después se terminaría convirtiendo en vocalista pleno de Candlemass. Entre las atmósferas melancólicas y la oscuridad casi gótica mostrada en cada una de las canciones, Epicus Doomicus Metallicus se terminaría convirtiendo en uno de los álbumes más influyentes de los ochentas, mostrando toda una nueva manera de interpretar los riffs lentos y densos de Black Sabbath.

25/09: Megadeth – Peace Sells… But Who’s Buying?

Tras un debut auspicioso aunque un tanto limitado por una producción bastante cruda, para su segundo álbum Megadeth ya era un grupo más experimentado, más aceitado y dispuesto a comerse al mundo. Dave Mustaine nunca iba a ser un gran cantante pero siempre lo compensó no sólo con su habilidad detrás de las seis cuerdas sino también al encontrar gente a su nivel para acompañarlo, con Chris Poland probando estar a la par del colorado, mientras que el bajista David Ellefson y el baterista Gar Samuelson dejaban todo detrás de la base instrumental. Con estos músicos, Mustaine se marca algunos de sus mayores clásicos como “Peace Sells” (con una de las estructuras líricas más icónicas del metal, “¿A qué te refieres con que herí tus sentimientos? Ni siquiera sabía que tenías sentimientos”), la oscura “The Conjuring” y la melódica “My Last Words”. Faltaba para que sacaran su álbum más importante, pero estaba claro que el resentimiento de Mustaine hacia sus ex compañeros en Metallica seguía siendo combustible para sus ambiciones de más.

29/09: Iron Maiden – Somewhere In Time

Después del paso monumental que había sido tanto el álbum de estudio anterior Powerslave como su álbum en vivo Live After Death (de esos álbumes que terminaron marcando los estándares en cuanto a lanzamientos en vivo en el metal), Iron Maiden tenían en claro que el único camino que podían seguir era hacia adelante. Así que su sexto álbum los tiene poniéndose todavía más ambiciosos, lo cual es bastante decir para una banda que había apuntado siempre tan alto: con excepción de “Deja-Vu” todas las canciones superan los cinco minutos, y tenemos las primeras instancias de la banda experimentando con sonidos sintetizados, controlados a través de las guitarras en este caso, algo que va de la mano con la atmósfera de ciencia ficción que se siente a lo largo de todo el álbum. Estos sonidos, combinados con la voz única y operática de Bruce Dickinson, dan como resultado uno de los álbumes más épicos del metal de los ochentas, una década donde podemos decir sin lugar a dudas que Iron Maiden tuvieron la corona.

01/10: Saint Vitus – Born Too Late

Como dijimos antes, no todo era velocidad en 1986, porque también en el mundo de los riffs lentos las cosas se estaban desarrollando. El tercer álbum de Saint Vitus, el primero del grupo junto al cantante Scott “Wino” Weinrich, mostraba que Estados Unidos había aprendido bien las enseñanzas sabbatheras, ahora agregando una cuota importante de oscuridad y melancolía real. Mientras que los dos álbumes anteriores tenían sus momentos sacados de películas de terror de bajo presupuesto, Born Too Late lidia con temas como el abuso de drogas y alcohol, algo donde lamentablemente Weinrich tenía mucha experiencia. Detrás de su portada rosada, Born Too Late es un disco tan negro en atmósfera como podía darse en el doom metal de la época, planteando algunos de los pilares donde terminaría explotando el sludge en años posteriores.

07/10: Slayer – Reign In Blood

Tras un debut más cercano al speed metal y una secuela que los mostraba inusualmente ambiciosos y hasta casi progresivos, para su tercer álbum Slayer decidieron tomar sus canciones y sacarles todo lo que pudiera estar de más. El resultado fue Reign In Blood, un álbum indudablemente legendario que en menos de media hora (específicamente 28 minutos) establecieron un nuevo estándar en materia de metal extremo. Obviamente “Angel of Death” y “Raining Blood”, las canciones que abren y cierran respectivamente la placa, son sus puntos más altos no sólo dentro del álbum sino tal vez dentro de la discografía de Slayer, pero en el medio tenemos “Jesus Saves”, “Criminally Insane”, “Necrophobic” y muchas más, que se terminan antes de que uno pueda sentir que la cosa se pone repetitiva. Este sería el álbum que marcaría de ahora en más el sonido de Slayer, y que inspiraría a muchas bandas a acelerar sus canciones a niveles nunca antes escuchados. 

07/10: Nuclear Assault – Game Over

El thrash metal estadounidense no sólo estaba teniendo una gran explosión en la Costa Oeste, porque en octubre los neoyorquinos Nuclear Assault daban a conocer su álbum debut Game Over. Un año antes de que D.R.I lanzaran su clásico Crossover y le dieran nombre a este estilo, Nuclear Assault ya se mostraban como abanderados de esta tendencia de thrash metal con sus raíces todavía plantadas en el mundo del hardcore punk. Con sus canciones que rara vez pasan de los tres minutos, el cuarteto hace un repaso de los temas típicos del thrash de los ochentas: guerras nucleares, anti religión, política y más escenarios post apocalípticos. ¿Qué más se quiere del metal de la época?

17/11: Dark Angel – Darkness Descends

Nuevamente en California, no sólo las bandas pertenecientes a los “cuatro grandes del thrash” marcaban tendencia. Dark Angel ya prometían mucho en su debut We Have Arrived (qué título), pero es con su Darkness Descends donde las cosas de verdad se muestran a todo vapor. Riff tras riff tras riff de pura violencia, con la batería de Gene Hoglan que no parece dar ni un solo respiro y unas guitarras tan filosas que parecen cortar a través de los parlantes. Considerado por muchos como el punto máximo de la discografía de una banda que para muchos tenía todo para ser unos gigantes del estilo.

No hay dudas que Nile se forjó de un nombre y una identidad en el Death Metal. Su peculiar enfoque y temática en la mitología egipcia los volvió en un grupo fácilmente reconocible dentro de los cánones del género. Encabezados por su líder Karl Sanders, la banda se presenta en Argentina, el próximo 15 de marzo en el Teatrito, para demostrar su poderío musical y ofrecer un ritual lleno de misticismo y brutalidad a partes iguales.

Breve recorrido histórico

Nile fue fundada por su guitarrista y vocalista Karl Sanders en 1993, tras la disolución de su anterior banda de Thrash Metal, Morriah. Provenientes de, Carolina del Sur, Estados Unidos, el grupo empezó sus andanzas grabando y editando distintos demos y Eps, lo que le permitió realizar sus primeras giras por su país y poco a poco, ir construyendo la base de su sonido. 

Esta construcción llegaría con el lanzamiento de su primer álbum de larga duración, Amongst the Catacombs of Nephren-Ka (1998). Dicha obra, se desprendía completamente de las raíces e influencias del Thrash de sus primeras grabaciones y comenzaba a consolidar la dirección musical del grupo: la de fusionar la fuerza más bruta y rudimentaria del Death Metal, con arreglos técnicos y pasajes atmosféricos con instrumentos tradicionales de Medio Oriente. 

Amparados bajo la firma de Relapse Records, el grupo consiguió el despegue y éxito necesario, para ir colocando su nombre en el mapa. Lentamente, fueron ganando terreno y reconocimiento dentro de la escena extrema, con producciones discográficas como Black Seeds of Vengeance (2000), In Their Darkened Shrines (2002). Sin embargo, es con la salida de Annihilation of the Wicked (2005), que los de Greenville consiguen la fama y el éxito a nivel global. Su producción nítida junto con el elevado nivel de brutalidad técnica, lo convirtieron en unos de los trabajos más influyentes y exitosos de su carrera.

A partir de este punto, el grupo se volvió en unos de los referentes modernos del género, manteniendo su estatus y llevando la marca distinta de su sonido, a distintas partes del mundo. Siempre conservando su identidad, y perfeccionando su propuesta aún más. Si bien en los últimos años, sufrieron varios cambios críticos en su alineación, en la actualidad gozan de un gran presente reflejado en sus más recientes obras Vile Nilotic Rites (2019), The Underworld Awaits Us All (2024), donde la banda sigue empujando los límites de su velocidad y técnica.

Contenido lírico

Movidos e impulsados por los conocimientos e inquietudes de su mente creadora, Karl Sanders, desde sus inicios Nile se distinguió del resto de agrupaciones del Death Metal, al adoptar una temática orientada a la historia, mitología y costumbres del Antiguo Egipto. Y no solo en el apartado letrístico. Tanto en las portadas y como en el nombre de las canciones, se ve reflejada esta idea por construir una ambientación y estética influenciada en tumbas, faraones y deidades. 

Muchas de sus composiciones adaptan fragmentos de los Textos de las Pirámides, el Libro de los Muertos y el Libro de las Puertas. Sanders ha confesado en más de una ocasión, que algunos de los títulos largos de sus canciones, están relacionados con el título real del texto antiguo, de los capítulos del Libro de los Muertos. Un caso es “Chapter of Obeisance Before Giving Breath to the Inert One in the Presence of the Crescent Shaped Horns” de su aclamado Annihilation of the Wicked (2005). 

No obstante, la banda también se ha inspirado en relatos de H.P. Lovecraft, para la creación de varias de sus piezas. En especial, en los mitos de Cthulhu. Apoyado en este tipo de deidades más siniestras y antropomórficas, el grupo integra el horror cósmico de la ficción a sus letras, marcando paralelismos entre el universo egipcio y el Lovecraftiano. 

En el interior de los libretos de sus trabajos, el grupo incluye notas y comentarios, conocidas como “Liner Notes”, que explican la inspiración o el origen de las letras de cada una de sus canciones, dándole un valor educativo y antropológico a su propuesta.

De esta forma, el contenido lírico de sus composiciones juega un papel clave, ya que no solo le otorga una visible identidad temática al grupo, sino que se encuentra directamente enlazada con el apartado musical y los distintos recursos que Sanders y compañía, utilizan para potenciar su propuesta.

Contenido musical 

El sonido de Nile es inconfundible. Se trata de una pared sónica, que avanza a toda velocidad y fuerza, directo hacia el oyente, pero desde distintas direcciones. Y es que el estilo que los estadounidenses practican se podría llegar a considerar versátil y dinámico.

El Death Metal que ejecutan combina segmentos vertiginosos, abrasivos y brutales junto con pasajes atmosféricos y conceptuales del Medio Oriente. Para ello, la banda usa escalas frigias y árabes e incorpora instrumentos más tradicionales a su música, con el fin de recrear este ambiente más místico, ancestral y milenario.

Originalmente concebido como un trío, los de Greenville fueron cambiando de miembros a medida que pasó el tiempo. La alineación original incluía a Sanders, a su mejor amigo Pete Hammoura (batería) y a Chief Spires (bajo/voz). Sin embargo, las exigencias técnicas de su música hicieron que progresivamente, empezara la rotación de músicos. 

Es por eso que la incorporación del batero George Kollias a sus filas fue clave. Su llegada en 2004 coincidió con el lanzamiento de su celebre Annihilation of the Wicked. Su veloz y precisa forma de tocar el instrumento, lo volvieron en un pilar fundamental y distinguible del grupo. 

Sus blast beats alcanzan velocidades superiores a 260 BPM, y a la vez, integra elementos de jazz y fusión en sus rellenos (fills), lo que añade una capa de sofisticación a la brutalidad de su ejecución.

A día de hoy, es el miembro más antiguo del grupo después de Sanders, el cual ha dicho que no se imagina buscando otra baterista, en caso de que Kollias se fuera. “Si llega el día en que George ya no quiera tocar en Nile, entonces creo que estamos acabados. No quiero encontrar otro baterista. Eso será todo cuando llegue ese día”.

Si bien su líder remarcó en más de una ocasión que no considera que Nile sea un grupo de Death Metal técnico, musicalmente hablando, posee muchos elementos que requieren de un elevado nivel de dominio y destreza de los músicos, y los vuelve, sin duda, en uno de los más prodigiosos y complejos del género. 

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Contenido vocal 

El enfoque de Nile respecto a las voces es distintivo: no tienen un único “frontman”, sino que utilizan un ataque vocal múltiple (generalmente tres voces) para crear texturas y diálogos, que van desde guturales cavernosos hasta gritos rasgados.

Siendo Karl Sanders el portavoz oficial de la banda, su tono se caracteriza por ser extremadamente grave y profunda, encargándose generalmente de las partes más densas y espirituales de las canciones. Y es que el grupo se apoya mucho en esta función de parte del cantante: la de crear momentos más sombríos y ceremoniales para permitir que él recité sus frases asumiendo el rol de un dios o una deidad. 

Si bien Sanders es el cerebro y fundador, eso no quita que sea la única voz reconocible de su bestia. Y es que si hablamos de vocalistas de Nile, sin duda el nombre de Dallas Toler-Wade es el segundo que se aparece en los papeles. Con un tono particular, su estilo era más agresivo, rítmico y con una dicción clara, lo que permitía entender las complejas letras en medio del caos técnico. Siendo participe en obras clásicas como In Their Darkened Shrines (2002) 

y Annihilation of the Wicked (2005), su salida en 2017 significó una baja sensible para Nile, marcando el fin de una alianza gutural y rítmica icónica con Sanders.

En la actualidad, el guitarrista Brian Kingsland ocupa el lugar que dejó Dallas. Con un registro gutural más amplio, el vocalista aprovecha sus gritos agudos y rasgados para agregar una capa más de desesperación a la música. Y es que los norteamericanos siempre buscaron explotar al máximo los recursos vocales de sus músicos, para poder reforzar la idea de un intercambio verbal entre seres mitológicos, criaturas monstruosas o predicadores del Medio Oriente. Concepto que plasma la banda en sus actuaciones en vivo.

Presentación en Buenos Aires

De la mano de Icarus Music, la banda comandada por Karl Sanders se presentará en Argentina, el domingo 15 de marzo en el Teatrito (Sarmiento 1752, CABA) para presentar el material de su más reciente trabajo, The Underworld Awaits Us All (2024). Su regreso a Buenos Aires trae como promesa no un recital, sino un ritual: una experiencia inmersiva al Antiguo Egipto, llena de mitos, monstruos, y deidades que no sabemos si es mejor, que sigan encerradas en sus tumbas. 

La agenda de Track To Hell para marzo en Copenhague se presenta repleta de conciertos de rock, punk y metal, combinando el talento de bandas consolidadas con nuevas propuestas de la escena underground. A lo largo del mes habrá fechas en diferentes salas de la ciudad, ofreciendo un recorrido que va desde el rock alternativo hasta el metal más intenso. Marzo se perfila como el momento ideal para sumergirse en guitarras afiladas, espíritu punk y una potente energía en directo dentro de una escena local dinámica y en constante crecimiento.

Jinjer + Unprocessed + Textures
Fecha: 1 de Marzo en Copenhague.

The Fall of Troy
Fecha: 7 de Marzo en Buenos Aires.

Cannonball
Fechas: 6 y 7 de Marzo en Copenhague.

Kanonenfieber + Mental Cruelty
Fecha: 7 de Marzo en Copenhague.

Amaranthe + Epica + Charlotte Wessels
Fecha: 10 de Marzo en Copenhague.

Carpenter Brut
Fecha: 16 de Marzo en Copenhague.

Kataklysm + Vader + Blood Red Throne
Fecha: 19 de Marzo en Copenhague.

Guttural Disgorge + DETHRXNER
Fecha: 21 de Marzo en Copenhague.

Stoned Jesus + Wheel
Fecha: 29 de Marzo en Copenhague.

Hulder
Fecha: 30 de Marzo en Copenhague.

La agenda de Track To Hell para marzo en Buenos Aires llega cargada de shows de rock, punk y metal, con propuestas de bandas consagradas y proyectos emergentes. Durante todo el mes habrá fechas en distintas salas de la ciudad, con una programación que va del rock alternativo al metal más contundente. Marzo se presenta como una gran oportunidad para disfrutar de riffs potentes, actitud punk y mucha energía en vivo dentro de una escena porteña siempre vibrante.

Booze & Glory
Fecha: 2 de Marzo en Buenos Aires.

The Fall of Troy
Fecha: 7 de Marzo en Buenos Aires.

Diavol Strain
Fecha: 7 de Marzo en Buenos Aires.

Suicidal Tendencies + Madball
Fecha: 8 de Marzo en Buenos Aires.

Stick Men
Fecha: 11 de Marzo en Buenos Aires.

Vola
Fecha: 13 de Marzo en Buenos Aires.

D.R.I. + Ratos De Porao
Fecha: 14 de Marzo en Buenos Aires.

Speed
Fecha: 14 de Marzo en Buenos Aires.

Bardcore Fest
Fecha: 14 de Marzo en Buenos Aires.

Nile
Fecha: 15 de Marzo en Buenos Aires.

Symphony
Fecha: 17 de Marzo en Buenos Aires.

Katatonia
Fecha: 19 de Marzo en Buenos Aires.

The Adicts
Fecha: 20 de Marzo en Buenos Aires.

Carcamal + Jabali + Ocultos
Fecha: 20 de Marzo en Buenos Aires.

Moonspell
Fecha: 21 de Marzo en Buenos Aires.

Alestorm
Fecha: 22 de Marzo en Buenos Aires.

Pennywise + Millencolin + Mute + Da Skate
Fecha: 22 de Marzo en Buenos Aires.

AC/DC + The Pretty Reckless
Fecha: 23, 27 y 31 de Marzo en Buenos Aires.

Nargaroth
Fecha: 24 de Marzo en Buenos Aires.

The Red Jumpsuit Apparatus
Fecha: 26 de Marzo en Buenos Aires.

Unto Others
Fecha: 26 de Marzo en Buenos Aires.

Rata Blanca
Fecha: 26, 28 y 29 de Marzo en Buenos Aires.

La agenda de Track To Hell para marzo en España viene repleto de conciertos de rock, punk y metal con propuestas tanto de bandas consagradas como de proyectos emergentes. A lo largo de marzo se suceden fechas de artistas y grupos de diversos estilos (desde rock alternativo hasta metal más contundente) en ciudades como Madrid, Barcelona, Valencia, Málaga, Bilbao, Pamplona, Murcia y otras localidades del país. La programación incluye desde conciertos con sonido pesado y actitud punk hasta actuaciones de hard rock y metal en directo, lo que convierte a marzo en una oportunidad ideal para los amantes de estos géneros de disfrutar de una intensa actividad musical en vivo con riffs potentes, energía sobre el escenario y una escena bien vibrante en diferentes rincones de España.

Harakiri For The Sky + Mvrmvr
Fechas: 4 de Marzo en Barcelona, 5 de Marzo en Madrid y 6 de Marzo en Bilbao.

Motionless in White + Dayseeker + Make Them Suffer
Fechas: 5 de marzo en Barcelona y 6 de Marzo en Madrid

The Crown
Fechas: 6 de Marzo en Barcelona, 7 de Marzo en Portugalete y 8 de Marzo en Madrid.

H.E.A.T + Hitten
Fechas: 6 de Marzo en Pamplona, 7 de Marzo en Santiago de Compostela, 11 de Marzo en Sevilla, 12 de Marzo en Murcia y 13 de Marzo en Valencia.
Mago de Oz
Fechas: 7 de Marzo en Madrid y 21 de Marzo en Barcelona.

Crystal Lake + Miss May I + Great American Ghost + Diesect
Fechas: 9 de marzo en Barcelona, 10 de Marzo en Madrid y el 12 de Marzo en Vitoria.

Dea Matrona
Fechas: 9 de marzo en Madrid y 10 de Marzo en Barcelona.

Deny + Invitados
Fechas: 11 de marzo en Barcelona y 12 de Marzo en Madrid.

Megara + Astray Valley
Fecha: 13 de marzo en Madrid.

Buzzcocks
Fechas: 13 de marzo en Madrid y 14 de Marzo en Barcelona.
Asphyx
Fechas: 13 de marzo en Madrid y 14 de Marzo en Barcelona.

Subterranean
Fechas: 13 de marzo en Bilbao, 14 de Marzo en Andoain, 27 de Marzo en Barcelona y 28 de Marzo en Zaragoza.

Wicked Leather + Abxenta
Fecha: 14 de marzo en Málaga.

Andy Timmons + Pedro Javier González
Fechas: 15 de Marzo en Madrid y 16 de Marzo en Barcelona.

Guilt Trip + Invitados
Fechas: 17 de Marzo en Barcelona, 18 de Marzo en Madrid, 19 de Marzo en Vitoria, 21 de Marzo en A Coruña.
Rage
Fechas: 17 de Marzo en Barcelona, 18 de Marzo en Zaragoza, 19 de Marzo en Burgos, 20 de Marzo en Madrid y 21 de Marzo en Bilbao.
Gluecifer
Fechas: 18 de Marzo en Barcelona, 19 de Marzo en Madrid, 20 de Marzo en Sevilla y 22 de Marzo en Valencia.
Vomitory + Bandas invitadas
Fechas: 19 de Marzo en Granada, 20 de Marzo en Madrid, 21 de Marzo en Castellon, 22 de Marzo en Barcelona y 23 de Marzo en Portugalete.

Luicidal
Fechas: 19 de Marzo en Barcelona, 20 de Marzo en Madrid, 21 de Marzo en Vigo y 22 de Marzo en Vitoria.

Booze & Glory
Fechas: 19 de Marzo en Madrid, 20 de Marzo en Vitoria y 21 de Marzo en Barcelona.

2 Minutos
Fechas: 19 de Marzo en Mallorca, 20 de Marzo en Valencia, 22 de Marzo en Bilbao, 24 de marzo en Madrid y 25 de marzo en Barcelona.

Saratoga
Fecha: 20 de marzo en Málaga.

Desolated+ South Misery + Aggresive and Voiceless
Fecha: 21 de marzo en Madrid.

Kreator + Carcass + Exodus + Nails.
Fecha: 22 de marzo en Madrid.

Airbourne + Asomvel
Fechas: 24 de marzo en Barcelona, 25 de marzo en Madrid y 27 de Marzo en Bilbao.
Bull Brigade
Fechas: 26 de marzo en Donostia, 27 de marzo en Madrid y 28 de Marzo en Barcelona.

Taake
Fechas: 27 de marzo en Barcelona, 28 de marzo en Madrid y 29 de Marzo en Valencia.

ZEKE
Fechas: 27 de marzo en Gasteiz, 28 de marzo en Madrid y 30 de Marzo en Jerez.

Redshark + Rave In Fire
Fecha: 27 de marzo en Madrid.

Fit For A King + Memphis May Fire + Acres + 156/Silence
Fechas: 28 de marzo en Madrid y 29 de marzo en Barcelona.

Dentro del marco de bautismos de fuegos tenemos en este 2026, el de VOLA es uno de los que más promete. Reconocidos dentro de la escena progresiva moderna europea, los daneses debutan en suelo argentino el próximo 13 de marzo, en Uniclub (Guardia Vieja 3360), en la Ciudad de Buenos Aires dentro del marco de su gira “Friend of a Phantom South America Tour 2026”.

Con una sólida y ascendente carrera musical, este grupo se ha consolidado como uno de los más originales y atractivos de los últimos años. En este especial, te venimos a contar por qué.

De Dinamarca para el mundo

Vola nació en 2006, de la mano de su líder y fundador, Asger Mygind, en la ciudad de Copenhague. Todo comenzó como un proyecto individual del músico en el sótano de su casa, explorando distintos sonidos e instrumentos. Sin embargo, con el tiempo se convirtió en una banda integrada por amigos suyos. Entre ellos, aparece el tecladista actual y el otro miembro fundador, Martin Werner. Con Mygind a la voz y a la guitarra

Con Mygind a cargo de la voz y la guitarra, VOLA arrancó como un quinteto, en busca de una identidad y sonido para hacerse de un nombre dentro de la escena del metal progresivo. Es así que editan dos EP’s, llamados Homesick Machinery y Monsters, en 2008 y 2011, respectivamente. Ambos autoproducidos por ellos. 

Con resultados positivos, empiezan las primeras giras del grupo por su país, lo cual llevó a algunos cambios de alineación. Tras la salida de algunos miembros, la agrupación finalmente se terminó transformando en un cuarteto, marcando el inicio del grupo tal cual lo conocemos hoy.

Vola

Influencias y Estilo

VOLA viene a encarnar lo que se podría considerar una nueva ola del metal progresivo. Una ola que tiene como referentes a grupos como Leprous; Caligula Horse; Karnivool; e incluso Soen, en la que predomina la melodía, el uso de efectos y sintetizadores electrónicos, y las sutilezas técnicas de sus músicos. Se prioriza la búsqueda de atmosferas envolventes, de climas introspectivos e incluso, detalles minimalistas. Todo, con un enfoque compositivo moderno, con estribillos pegajosos y fácilmente atrapantes para el oyente. 

VOLA, refuerza estos conceptos con riffs pesados y complejos, que los acerca hacia terrenos más cercanos al Djent, siendo catalogados como uno de los referentes más pesados y novedosos dentro de la escena progresiva actual. 

Lejos del carácter más pirotécnico y virtuoso de grupos como Dream Theater o Symphony X, Vola trabaja un estilo más armonioso y compacto, enfocado en la creación de melodías. Sus temas no buscan ser extensos, ni tampoco tan estrambóticos. Por el contrario, se desarrollan con naturalidad, manteniendo el foco en la sensibilidad y construcción de distintas capas de matices técnicos. 

Entre sus influencias, podemos mencionar grupos como Messhugah, Porcupine Tree, Soilwork, Pain Of Salvation, Devin Townsend (con quién ya han salido de gira en un par de ocasiones), entre tantos.  

Mygind es un gran fan del músico y productor británico Steven Wilson, y esto ve claramente reflejado en su música. “En cuanto a la parte emocional, crecí con Steven Wilson, por ejemplo, y con Porcupine Tree y Opeth, que son muy melancólicos. Y eso me ha inspirado a seguir ese mismo camino de crear algo que, en la superficie, suene triste, pero que también contenga calidez y esperanza” llegó a confesar el músico en varias entrevistas. 

Catalogo

La banda cuenta con cuatro discos hasta la fecha. 

Inmazes (2015): Un debut auspicioso y fresco, con una propuesta potente y mecánica, propios del Djent moderno. La influencia de Messhugah se siente, pero se encuentra bien balanceada con pasajes melódicos y sutiles matices electrónicos. Aun así, se trata de su disco más pesado, dónde destacan “Gutter Moon” y “Stray the Skies“.

Applause of a Distant Crowd (2018): Una continuación que expande su sonido a terrenos más progresivos de

Vola

grupos como Porcupine Tree o Pain Of Salvation. Menos rígido y más orgánico. Ese pareció ser el lema para esta segunda entrega, que daba muestras de una identidad, que progresivamente se iba construyendo. “Smartfriend” y “Whaler” son dos de las composiciones más representan el trabajo.

Witness (2021): La obra que posicionó a los daneses en el mapa global del progresivo, como en una novedad y realidad del género. Con una propuesta más aceitada, acá encontramos una banda encontrando su propia versión de lo que quiere ser. Sonando melódicos, dinámicos, técnicos, minimalistas. Su mayor éxito hasta la fecha, tanto en ventas como en crítica. 

Friend of a Phantom (2024): Un ejemplo de madurez y entendimiento musical. Si en su anterior obra habían llegado a su mayor pico creativo, acá lo mantienen pero encontrando nuevos agregados y detalles que vuelven a esta obra igual de atractiva y renovante dentro de su catálogo. Basta con escuchar “I Don’t Know How We Got Here” y “Break My Lying Tongue” para corroborarlo.

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Miembros

VOLA actualmente es un cuarteto consolidado, que ya lleva casi 10 años sin sufrir modificaciones. A su creador y fundador, Asger Mygind, lo acompaña su mano derecha y compañero desde sus inicios, Martin Werner en los teclados. Le sigue Nicolai Mogensen a cargo del bajo y los sintetizadores desde el 2009, mientras que la última incorporación fue el baterista sueco, Adam Janzi, tras su ingreso en 2017. Desde entonces, el grupo se mantiene intacto afianzando una alineación sólida y unida, la cual marca la química y visión musical que comparten los músicos.

Gira

“Friend of a Phantom South America Tour 2026”, es el nombre del tour que los trae por primera vez a tierras argentinas, para presentar el material de su más reciente y elogiado trabajo discográfico, Friend of a Phantom (2024). Con fechas en países como Costa Rica, México, Brasil y Chile, el grupo se encuentra en mejor momento creativo y compositivo. Con una trayectoria evolutiva y en constante ascenso, VOLA llega para compartir junto con sus fanáticos su enriquecedora propuesta y para justificar porque se volvieron en este lapso de tiempo, en una de las mayores sensaciones de la escena progresiva. 

La cita en Buenos Aires es el viernes 13 de marzo, a partir de las 19 en Uniclub. No se lo pierdan.

De la mano de ICARUS MUSIC, el viernes 24 de abril de 2026 tendrá lugar la tercera presentación de los suecos de AMARANTHE en tierras argentinas en El Teatrito (Sarmiento 1752, CABA). En dicha presentación compartirán escenario con el power metal sinfónico de VISIONS OF ATLANTIS en un doblete que promete dejar a todos los amantes del metal más que satisfechos.

Con su formación actual, compuesta por Elize Ryd (voz limpia), Olof Mörck (guitarras y también miembro de la banda de power metal DRAGONLAND), Morten Løwe Sørensen (batería), Johan Andreassen (bajo), Nils Molin (voz limpia masculina) y Mikael Sehlin (voz gutural), y en el marco de la presentación de su ultimo larga duración, editado en el mes de febrero de 2024, “The Catalyst”, nos traen su propuesta que combina distintos estilos de metal, como el metalcore y el power metal en sus variantes melódicas, pop, música electrónica, entre otros.

Una de las características más relevantes de estos nórdicos, junto con la imposibilidad de encasillarlos en un género especifico del metal, radica en la utilización de tres cantantes: Elize Ryd y Nils Molin (también cantante de la banda DYNAZTY) en las voces limpias y Mikael Sehlin en la voz gutural, lo que posibilita la generación de distintos ambientes dentro de cada una de las canciones que nos ofrecen.

“The Catalyst”, su último lanzamiento, presenta canciones interesantes tales como la que le da nombre al álbum, con una intro con aires electrónicos y un estribillo moderno, popero y pegadizo; “Damnation Flame”, con otro estribillo potente; y “Resistance”, que pone de relieve esa combinación entre un metal moderno y melódico que caracteriza a los suecos.

Su debut con el disco homónimo, “Amaranthe”, allá por el año 2011, nos ofreció una gran presentación ya que es un álbum completo por donde se lo escuche: adecuado juego con las voces limpias y guturales, excelente base rítmica a lo largo de toda la producción y unas guitarras que oscilan entre riffs clásicos y de new metal.

Entre los temas que merecen destacarse encontramos “Leave Everything Behind”, un verdadero temazo donde destacan las tres voces; “Hunger”; “1.000.000 Light Years”; y “Amaranthine”, un lento/medio tiempo donde deslumbra la belleza de la voz de Elize. Un debut que no puede faltar en la colección de ningún metalero.

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En “The Nexus” (2013) encontramos temas como el que abre la placa, “Afterlife”, un tema potente y melódico, a la vez, donde destaca la combinación de las tres voces; “The Nexus”, que no solo le presta su nombre al álbum, sino que también vio la luz para convertirse en un clásico; y “Electroheart”, que te hace vibrar con sus riffs y melodías.

Por su parte, “Massive Addictive”, lanzado en 2014, nos trae uno de los mayores clásicos de la banda “Drop Dead Cynical”, con su estribillo donde predomina la voz de Elize; “Massive Addictive”, con otro estribillo que cuesta dejar de taratearlo después de escucharlo; “Digital World”, otro clásico con todas las virtudes de la banda; y “Exhale”, donde bajan la velocidad para ofrecer una de las líneas más melódicas de la banda.

El lanzamiento de “Maximalism” (2016) nos ofrece “That Song”, con una lejana reminiscencia a Queen; “Fury”, donde predomina la voz gutural para otorgarle furia a un tema pesado de por sí; “Faster”; y “Endlessly”, uno de los lentos más sentidos de la banda y donde la voz de Elize te transporta a distintas sensaciones simultáneas.

En “Helix” (2018) ingresa al comando de las voces limpias masculinas el señor Nils Molin. En la mencionada placa podemos recomendar temas como, por ejemplo, “365”; “Countdown”; el mismo “Helix” que no debería faltar en una presentación en vivo de los suecos; y “Breakthrough Stardust”, con un riff potente y ciertos toques electrónicos.

El álbum previo al que vienen a presentar, “Manifest” del año 2020, cuenta con una joya como “Strong”, donde se luce la invitada Noora Louhimo; y “Crystalline”, uno de los mejores lentos de la discografía de la banda y donde brillan ambas voces limpias.

Luego de este breve repaso discográfico no queda más que decirte que no te pierdas una nueva presentación de los suecos de AMARANTHE en Argentina, en esta oportunidad junto a VISIONS OF ATLANTIS, de la mano de ICARUS MUSIC, quienes nos traen a dos de los mejores exponentes del actual metal europeo en sus variantes moderna y sinfónica.

Nos espera una velada a puro metal. Nos vemos en El Teatrito el viernes 24 de abril de 2026. ¡No faltes!