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En 1969, King Crimson cambiaron la historia de la música rock con su debut In The Court of the Crimson King: aunque se puede llegar a discutir si este fue el primer disco de rock progresivo, no se puede negar que ningún álbum lanzado posteriormente puede disputarse ese título. Con sus extensas canciones recontexualizando los elementos del rock dentro de estructuras jazzeras / psicodélicas llenas de cambios de compases cercanos a la música pesada y sumándole letras llenas de imágenes surrealistas, la banda inglesa había establecido casi todas las características que se asociarían con el género durante la década de los setentas.
Otra característica del rock progresivo de la que King Crimson serían pioneros fueron los eternos cambios de formación: justo después del debut, toda la formación con excepción del guitarrista Robert Fripp se iría del grupo, por lo que Fripp terminaría como el líder de facto de la banda. Esto conllevaría a que tras In The Wake of Poseidon (1970), álbum que se ha visto revalorizado con el tiempo pero donde las intenciones de repetir la fórmula del debut son muy claras tanto en estilo como en la misma estructura del disco, el material de King Crimson comenzaría a ir por rumbos muy particulares, con Lizard (1970) y Islands (1971) poniendo un fuerte énfasis en las influencias jazzeras antes mencionadas.
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Sería luego de este último que tendríamos otra renovación total de la formación, con Fripp sumando al bajista y cantante John Wetton (ex Family), al baterista Bill Bruford (quien venía de tocar con Yes), al violinista David Cross y al percusionista Jamie Muir, quien tenía un background fuertemente relacionado al mundo del free jazz. La incorporación de estos dos últimos músicos es lo que marcaría las intenciones del guitarrista de cambiar por completo las cosas, dando lugar al particular Larks’ Tongues In Aspic (1972): la mayor parte del álbum era instrumental, abriendo y cerrando con las dos partes que dan nombre al disco, además de un estilo todavía más cercano al jazz. Estos tintes experimentales terminarían explotando con Starless and Bible Black (1974), compuesto casi en su totalidad por grabaciones en vivo con overdubs de estudio y que sería el disco más experimental de esta primera etapa de la banda.
Irónicamente, estos dos trabajos extremadamente experimentales también marcarían la salida de los dos miembros más experimentales de King Crimson. El primero sería Muir, quien cansado de las giras y de la industria musical decidió irse abruptamente de la banda una semana después de lanzado Larks’ Tongues In Aspic para recluirse en un monasterio budista en el sur de Escocia, y luego vendría David Cross, quien fue despedido del grupo poco después de terminada la gira por EEUU, debido al distanciamiento tanto personal como musical que había expresado con respecto al resto de la banda, sobre todo porque su violín quedaba tapado frente a los otros instrumentos en las presentaciones en vivo.
Tres meses después de la salida de Starless and Bible Black, una semana después de terminada su gira por Estados Unidos y apenas un día después del despido oficial de Cross (según Fripp, había decidido esperar al fin de la gira para comunicarle la decisión pero tuvo que dejarle la tarea a EG, los representantes de la banda, porque Cross iba a volver inmediatamente a Europa mientras él se quedaba unos días en EEUU, y los representantes terminaron esperando hasta último momento para hacer su tarea), King Crimson entraron a los estudios Olympic para grabar su nuevo álbum, y uno marcaría un antes y un después en la historia de la banda.
A diferencia de Starless and Bible Black, el séptimo álbum de King Crimson sería un esfuerzo casi completamente de estudio: aunque manteniendo que muchas de las canciones se habían originado a partir de improvisaciones en vivo (el track “Fallen Angel” se puede rastrear hasta al menos 1972 a través de los numerosos registros que se tienen de las presentaciones), sólo el track “Providence” es una grabación en vivo editada para el disco. Esta fue grabada durante la gira por EEUU en la ciudad del mismo nombre en Rhode Island, y es por ello que todavía puede escucharse el violín y mellotron de David Cross, a pesar de que ya no era integrante de la banda.
Cross no sería el único ex integrante de King Crimson que haría su aparición en este disco, siendo que habría una gran cantidad de músicos de sesión durante las grabaciones, incluyendo a los saxofonistas y ex miembros Ian McDonald y Mel Collins, a los que se sumó una corneta, oboes, chelos y contrabajos en varias secciones. El uso de músicos de sesión (el único álbum de la formación con Bruford y Wetton que los tuvo) dio lugar a un sonido más elaborado y denso, que fue también lo que daría el nombre del álbum: debido a la cantidad de instrumentos y distorsión en estos, los vúmetros de las consolas de Olympic Studios casi siempre estaban en rojo, lo que inspiró el nombre Red (rojo) para el disco: esos vúmetros se pueden ver en la contraportada del álbum.
Red arranca con la canción título, un instrumental de seis minutos dirigido por la guitarra multi trackeada de Fripp, dando lugar a uno de los riffs más pesados de la discografía de King Crimson junto al bajo grueso de Wetton y los complejos ritmos de Bruford, con una sección de chelos en el medio. La manera en la que el riff inicial de Fripp asciende y va mutando es extrañamente pegadiza, incluso con la cantidad de análisis que se pueden encontrar acerca de la cantidad de detalles para nerds de la guitarra que se pueden encontrar a lo largo del track.
Iniciar con una canción pesada y continuarla con una mucho más tranquila era casi una tradición en King Crimson, y Red la respetaron con la siguiente “Fallen Angel”, por lejos la canción más tranquila del álbum, con el oboe acompañando la voz relajada de Wetton en una composición lenta que por momentos casi parece una balada, a lo que se suma el uso inusual de una guitarra acústica, la última vez que este instrumento aparecería en un disco de la banda. Sin embargo, poco a poco las cosas se van poniendo más complicadas, en dos crescendos donde podemos escuchar cómo la guitarra de Fripp casi suena como una alarma, el bajo de Wetton se hace cada vez más presente y Bruford empieza a probar todas las partes de su batería, luego pasando a una parte más tranquila para luego repetir el proceso en el final.
“One More Red Nightmare” tuvo su letra a cargo de John Wetton, donde describe una pesadilla arriba de un avión. En una entrevista con Song Facts, Wetton dijo que se inspiró en que, por esa época, “estaban tomando casi tres vuelos por día”, al punto de considerarse ya conocidos de varios miembros de la tripulación. Sea sólo un mal sueño o la descripción del avión de verdad cayendo, esa sensación de incomodidad se ve reflejada en la música, no sólo siendo la canción cantada más pesada del álbum sino también en el uso de compases irregulares en las secciones instrumentales, como 15/8 y 7/4.
Como nota aparte sobre esta canción, uno de sus aspectos más legendarios es un sonido percusivo que se escucha durante varias secciones, a partir del minuto 1:44: algunos fans lo han confundido con una batería electrónica, a pesar de que la primera batería de ese tipo no sería comercializada hasta dos años después de salido el álbum. En su sitio oficial, Bruford reveló que se trataba de un platillo Zilco roto que había encontrado en un cesto de basura en la sala de ensayos, al que le habían doblado uno de los lados para que entrara en el recipiente: el baterista comparó su forma con “un sombrero australiano”, haciendo referencia al modelo de bush hat que tiene un lado doblado hacia arriba. Esa deformación le dio ese sonido tan particular a la canción, y Bruford continuó usándolo durante un año hasta que se partió.
Seguida viene “Providence”, la improvisación grabada en vivo durante la última gira. El track está dividido en dos secciones, con una primera parte dominada por el violín de David Cross, dándole un aire como de banda sonora de alguna película muda expresionista alemana, mientras que la segunda tiene la batería de Bruford y el bajo de Wetton como protagonistas: el tono de bajo parece algo que podría haber aparecido en un disco de stoner rock de los noventas, por dar alguna comparación. Puede que este sea mi track menos favorito del Red, aunque sea sólo porque al ser una improvisación no se siente tan estructurada o desarrollada como el resto.
Red cierra con su quinto track “Starless”, la canción más larga con sus más de 12 minutos. Como “Fallen Angel” antes, “Starless” tiene un inicio tranquilo, en este caso marcado por los teclados a cargo de Fripp y los ritmos lentos de batería, hasta que aparece la voz de John Wetton y un saxofón acompañándolo mientras describe el fin de una larga amistad entre dos personas. Durante la canción, Wetton utiliza la frase “Starless and bible black”, el nombre del disco anterior: esto es porque una primera versión se había compuesto para que apareciera en ese disco, pero se decidió utilizar sólo una parte instrumental para ese disco, con la versión original siendo tocada y desarrollada a lo largo de la gira de presentación. El título “Starless” es simplemente una versión acortada del título original, para evitar confusiones.
La parte cantada se termina poco después de los cuatro minutos, mientras el resto de la canción se basa en un crescendo de melodías de guitarra, punteos poderosos de bajo y más ritmos complejos de parte de Bruford, mutando hasta convertirse en un jazz con un solo de saxofón inquieto. Se van sumando más y más instrumentos, dando lugar a un final perfecto, como si el álbum hubiera sido una película y estos fueran los créditos finales.
Red se puede describir, sin lugar a dudas, como un disco “pesado”. Aunque esa “pesadez” se podía sentir en los discos anteriores de la etapa “improvisada” de King Crimson, es a lo largo de Red donde encontramos el punto cúlmine de esto. Muchas retrospectivas han llegado a calificar a este como un disco de heavy metal, y evidencia no les falta: muchas partes suenan como si algo salido de una dimensión alterna donde Black Sabbath hubieran sido influenciados directamente por el free jazz, o una premonición de bastante de la obra de los thrasheros progresivos Voivod. Ciertamente hay que pensar a futuro o en mundos alternativos, porque no hay mucho en 1974 con lo que se pueda comparar lo hecho en estos casi 40 minutos.
En contraste con discos anteriores, la grabación de Red no tuvo grandes historias de conflictos, discusiones y cambios de último momento, pero eso no significa que hayan sido del todo cómodas. En una entrevista con Rolling Stone en 2019, Bill Bruford describió el proceso de grabación como “perturbador”, sobre todo debido a la actitud de Fripp durante este periodo: el guitarrista era conocido por su personalidad controladora y perfeccionista al momento de grabar (es una de las razones del constante cambio de miembros en los primeros años), pero durante Red el músico se limitaba a grabar sus partes y overdubs y luego se iba del estudio para dejar que John Wetton y el ingeniero George Chkiantz se encargaran de terminar todo, incluso negándose a dar su opinión sobre cualquier decisión que tomara el resto de los músicos.
Resulta que esta actitud de parte de Fripp tenía su razón detrás: el músico ya no se sentía feliz con la banda. En algunas entrevistas que ha dado a lo largo de las últimas cinco décadas, el guitarrista adujo estar cansado, debido a que había sacado siete álbumes en seis años y dado casi 400 recitales de por medio (con los viajes en avión antes mencionados de por medio), y también desilusionado con respecto a la industria musical y a todos sus manejos. En una conferencia de prensa celebrando los 50 años de la banda, Fripp reveló que le había propuesto a EG retirarse de King Crimson y ser reemplazado por como líder por el antes mencionado Ian McDonald, quien fue uno de los fundadores del grupo, y como guitarrista por Steve Hackett (en ese entonces integrante de Genesis), algo que los representantes rechazaron de plano.
Sin ganas de seguir girando ni de tener que lidiar con la industria musical, sintiéndose musicalmente estancado y pasando por lo que podría describir como una “crisis espiritual”, el 25 de septiembre de 1974, dos semanas antes de la salida de Red, Robert Fripp dio a través de un comunicado la separación de King Crimson, diciendo que la banda “había dejado de existir”. Según John Wetton, tanto él como Bill Bruford se sintieron “estafados” con la decisión de Fripp de terminar con el grupo, siendo que ambos habían dejado atrás proyectos bastante lucrativos con tal de tocar en King Crimson. Pero no había mucho que se pudiera hacer: Fripp era el líder, y si el líder no quería seguir adelante lo mejor era hacer lo propio.
Tras la separación, los tres miembros de esta formación de King Crimson fueron por caminos separados, aunque teniendo en común una gran cantidad de trabajo como músicos de sesión.
John Wetton giró como bajista de Roxy Music en 1975 (se lo puede escuchar en el álbum en vivo Viva! Roxy Music de 1976), grabó Return To Fantasy y High and Mighty con Uriah Heep y múltiples discos solistas de Bryan Ferry, más tarde formando el supergrupo Asia junto a otros músicos progresivos de la época y convirtiéndose en una de las bandas más exitosas de principios de los ochentas. En el medio, terminaría reuniéndose nuevamente con Bill Bruford para formar el supergrupo progresivo U.K., grabando dos discos (Bruford participaría sólo del debut).
Hablando de Bill Bruford, su carrera posterior incluyó grabar Fish Out of Water, el único álbum solista de material original del bajista de Yes Chris Squire; girar junto a Genesis, apareciendo en el álbum en vivo Seconds Out (1977), y formar su banda solista Bruford, con la que llevó a grabar tres discos. Como curiosidad, también apareció en Sumar á Sýrlandi, álbum debut de 1975 de la banda islandesa de rock cómico Stuðmenn, uno de los ítems más particulares de su largo currículum.
Por último, Robert Fripp decidió alejarse de la música durante un tiempo, decidiendo dedicarse a estudiar las enseñanzas de John G. Bennett y el místico George Gurdjieff, y más tarde participando como músico de sesión en álbumes de Brian Eno, David Bowie, Blondie y Peter Gabriel, entre otros. Su trabajo como sesionista hizo que le volvieran las ganas de componer y formar una banda, y el interés que se le había generado por la música new wave dio lugar a que formara primero la efímera banda The League of Gentlemen en 1980, y más tarde Discipline, otro grupo de corta vida que al poco tiempo decidió convertir en la nueva encarnación de King Crimson. Pero esta es una historia para otro momento, y uno que ya contamos en el post de abajo.
Cuando salió, Red se convirtió en el disco menos exitoso de King Crimson hasta ese momento, apenas pasando una semana en los charts de ventas de álbumes de Inglaterra. Sin embargo, fue bien recibido por los críticos (toda una rareza para el rock progresivo) y se convirtió en un álbum de culto entre los fans de la banda, con un estatus legendario que no ha hecho más que aumentar a lo largo del tiempo. Muchos ven a Red como un precursor del metal progresivo (Robert Fripp mismo ha dicho que considera a “Red” como una de las primeras canciones de heavy metal en 5/8), además de aparecer en muchas listas de mejores álbumes de la historia, mientras que “Starless” ha recibido la mayor atención de todas las canciones, sobre todo luego de que fuera usada al inicio de la película Mandy en 2018.
Aprovechando la inminente llegada de Michale Graves a España para despedirse de los escenarios tocando sus dos clásicos discos grabados junto a las leyendas del punk rock The Misfits, hoy vengo a recomendar cinco temas que no pueden faltar en el setlist de este particular personaje.
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Arrancamos con lo que fue el tercer disco de la banda y que salió editado en 1997 bajo el título de American Psycho y supuso el debut de Graves al frente de la banda y a pesar de que tenía la difícil tarea de sustituir a Danzig, muchos pensamos que lo hizo más que bien en el disco y una gran muestra de ello fue:
- “Dig Up Her Bones” (Extraído de American Psycho de 1997): Este es un auténtico clásico y al ser el primer single con videoclip oficial, mucha gente joven descubrió a la banda a través de este temazo, el cual no puede faltar bajo ningún concepto en la gira de Michale Graves por nuestro país.
2. “American Psycho” (Extraído de American Psycho de 1997): El corte que da título al primer disco junto a Graves, es otra gran muestra de que pese al cariño que uno le pueda tener a la etapa de Danzig, la siguiente no estuvo nada, pero nada mal. Quizás si sonaban algo más pulidos que en sus comienzos, pero eso no quita para que temas como este sean de los mejores grabados en los noventa por la legendaria banda oriunda de Lodi, New Jersey.
3. “Scream” (Extraído de Famous Monsters de 1999): Si, no hay discusión de que si hay temas con los que cualquiera relaciona a The Misfits, este es uno de ellos y con motivo de peso, ya que es un auténtico himno de horror punk rock y que cuenta con su histórico videoclip dirigido por el mismísimo George A. Romero y hoy ya es un tema imprescindible para entender el punk rock de la década de los 90.
4. “Saturday Night” (Extraído de Famous Monsters de 1999): En este caso, “Saturday Night” aparece en la lista porque creo que mostró una cara algo más melancólica y demostró que sabían hacer muy buenos medios tiempos. Personajes como Will Francis de Aiden, Chris Motionless de Motionless In White o Matt Skiba de Alkaline Trio/Ex-Blink 182 la han mencionado alguna vez entre sus canciones favoritas de la banda y en lo personal tengo que sumarme a estos chicos ya que es una de mis piezas favoritas de la banda.
5. “Fiend Club” (Extraído de Famous Monsters de 1999): Y por supuesto, a pesar de que es un gran disco y tiene muchísimos temazos, no podía cerrar la lista sin este himno dedicado a sus seguidores (“El Fiend Club”) que los hemos acompañado por años, ya sean los primeros fans de la banda como los que somos algo más jóvenes y nos sumamos a su universo justamente con discos como este, que lamentablemente fue el último con Graves y siendo justos quizás, el último gran disco de la banda, pero que al menos nos dejo un cierre con broche de oro a la breve pero intensa etapa de Graves con ellos. Sea como sea… Larga Vida a The Misfits, una de las mejores bandas de punk rock de la historia y de las 10 más importantes de mi vida personal, deseando estoy y estamos muchos de escuchar estas canciones tan míticas una última vez en nuestro país a partir de la semana que viene.
Etiquetas: Final Tour, Hardcore Punk, Horror Punk, Michale Graves, Punk Rock, Spanish Tour 2024, The Misfits
Octubre vuelve a repetir (como el mes pasado) una cantidad increíble de conciertos en España, aquí le dejamos una enorme lista que apenas rasca la superficie.
Michale Graves
Fechas: 2 de Octubre en Castellon, 3 de Octubre en Murcia, 4 de Octubre en Sevilla, 5 de Octubre en Malaga, 7 de Octubre en Madrid y 8 de Octubre en Oviedo.
Avernal
Fechas: 03 de Octubre en Granada, 04 de Octubre en Sevilla, 08 de Octubre en Valencia, 11 de Octubre en Ponferrada, 12 de Octubre en Logroño, 13 de Octubre en Santander, 17 de Octubre en Vigo, 20 de Octubre en Lugo, 24 de Octubre en Zaragoza, 25 de Octubre en Barcelona y 26 de Octubre en Madrid.
Sonata Arctica + Firewind + Serious Black
Fechas: 3 de Octubre en Barcelona, 4 de Octubre en Madrid y 6 de Octubre en Pamplona.
Nashville Pussy
Fechas: 3 de Octubre en Madrid, 4 de Octubre en Jerez, 5 de Octubre en Estepona, 6 de Octubre en Cox, 8 de Octubre en A Coruña, 9 de Octubre en Vitoria-Gasteiz, 10 de Octubre en Bilbao y 11 de Octubre en Gijón.
Castellhell VII
Fechas: 4 y 5 de Octubre en Castellhell del Camp (Tarragona).
Stillbirth + Kanine
Fechas: 6 de Octubre en Madrid.
Visions Of Atlantis + Illumishade
Fechas: 11 de Octubre en Barcelona, 12 de Octubre en Madrid y 14 de Octubre en Vitoria.
Danko Jones + Los Pepes
Fechas: 13 de Octubre en Madrid y 17 de Octubre en Barcelona.
Rotting Christ + Borknagar + Seth
Fechas: 15 de Octubre en Navarra, 16 de Octubre en Ponferrada, 19 de Octubre en Madrid, 20 de Octubre en Sevilla, 22 de Octubre en Murcia y 23 de Octubre en Barcelona.
The White Buffalo
Fechas: 15 de Octubre en Barcelona y 16 de Octubre en Madrid.
Reb Beach & The Bad Boys
Fechas: 15 de Octubre en Barcelona y 16 de Octubre en Madrid.
Celeste
Fechas: 16 de Octubre en Barcelona, 17 de Octubre en Portugalete, 20 de Octubre en Madrid y 21 de Octubre en Murcia.
Vinnie Moore
Fechas: 16 de Octubre en Madrid, 17 de Octubre en A Coruña, 18 de Octubre en Bilbao y 19 de Octubre en Barcelona.
Septicflesh + Equilibrium + Oceans + Scar Of The Sun
Fechas: 17 de Octubre en Madrid y 18 de Octubre en Barcelona.
Shakra + Leyenda
Fechas: 17 de Octubre en Barcelona, 18 de Octubre en Zaragoza, 19 de Octubre en Vitoria y 20 de Octubre en Madrid.
Kamelot + AD Infinitum + Blackbriar + Frozen Crown
Fechas: 22 de Octubre en Bilbao y 23 de Octubre en Madrid.
The Gems
Fechas: 23 de Octubre en Madrid, 26 de Octubre en Murcia y 27 de Octubre en Barcelona.
GUN
Fechas: 23 de Octubre en Madrid y 24 de Octubre en Valladolid.
Accept + Phil Campbell and the Bastard Sons
Fechas: 23 de Octubre en Barcelona, 24 de Octubre en Madrid, 25 de Octubre en Murcia y 26 de Octubre en Pamplona.
Guilttrip + Foreign Hands + Sorcerer
Fechas: 24 de Octubre en Barcelona, 25 de Octubre en Madrid y 26 de Octubre en Bilbao.
Ulcerate + Fange
Fechas:26 de Octubre en Castellon, 27 de Octubre en Portugalete, 29 de Octubre en Valencia, 30 de Octubre en Murcia, 31 de Octubre en Granada, 01 de Noviembre en Madrid, 02 de Noviembre en Zaragoza y 03 de Noviembre en Barcelona.
Angra + Witherfall
Fechas: 27 de Octubre en Sevilla, 29 de Octubre en Vitoria-Gasteiz y 29 de Octubre en Barcelona.
7d7d
Fechas: 27 de Octubre en Santiago de Compostela, 28 de Octubre en Madrid, 31 de Octubre en Barcelona y 1 de Noviembre en Bilbao.
Etiquetas: 7d7d, ad infinitum, Blackbriar, Borknagar, Danko Jones, Frozen Crown, Gun, Illumishade, kamelot, Leyenda, Los Pepes, Michale Graves, Reb Beach & The Bad Boys, Rotting Christ, Seth, Shakra, The Gems, Visions Of Atlantis
En un nuevo video en nuestro canal, Pablo y Martín hablan de un Top6 bandas (y un par más) que deberían organizar alguna reunión, por el bien de ellos y el bien de toda la escena metalera.
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Continuando con los streamings en Twitch, Pablo Gándara nos estuvo hablando sobre las últimas noticias en el mundo del metal, los últimos discos escuchados, las peripecias de Pablo por países raros y cómo se viaja sin saber inglés.
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Si el debut de Mercyful Fate Melissa fue uno de los pilares dentro del metal oscuro, Don´t Break the Oath reforzó esos cimientos para que King Diamond y su banda llegaran a ser una de las agrupaciones más importantes en la escena del metal de los años ochentas, por eso repitieron la misma fórmula de su antecesor, misma alineación, mismo productor, si algo funciona, para que cambiarlo.
Este álbum no solo consolidó la identidad musical de ellos, sino que también dejó una marca profunda en la escena del heavy metal en aquel entonces, la mezcla de elementos oscuros, líricas místicas y una musicalidad técnica lo convirtió en un referente para otras bandas que querían incorporar la pesadez, la teatralidad y el satanismo en uno sólo.
Los guitarristas Michael Denner y Hank Shermann son fundamentales en el sonido característico del álbum. Este disco es un ejemplo perfecto de cómo las guitarras pueden ser tanto melódicas como agresivas. La combinación de riffs potentes y solos virtuosos crea una base sólida para las composiciones. Denner, con su estilo melódico, aporta una profundidad emocional a las canciones, mientras que Shermann añade un enfoque más agresivo y técnico. El uso de la doble guitarra permite que las melodías se entrelacen de manera efectiva, creando un sonido denso pero accesible.
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En una época donde el metal se estaba diversificando rápidamente, esta obra de arte trajo de vuelta elementos más oscuros y teatrales al metal. La influencia de éste álbum y su debut se puede ver en bandas posteriores como Metallica, Slayer, Mayhem, Kreator entre otras más, ellos han mencionado a Mercyful Fate como una fuente de inspiración. El disco también marcó un momento importante en la evolución del metal extremo, ayudando a establecer el black metal como un subgénero a tener en cuenta. La atmósfera oscura y las letras controversiales resonaron con los jóvenes que buscaban algo más allá del glam metal predominante en ese momento.
Temas como “Welcome Princess of Hell”, “Gypsy” o “Come to the Sabbath” muestran su habilidad para construir riffs memorables que se quedan grabados en la mente del oyente, además, los solos son una parte integral del álbum; ambos guitarristas despliegan su virtuosismo sin caer en el exceso, manteniendo siempre el foco en la canción.
Las letras del álbum están impregnadas de simbolismo y referencias a lo oculto. King Diamond se inspira en sus propias experiencias e intereses personales relacionados con el satanismo y lo sobrenatural cómo él lo ha mencionado en diferentes ocasiones. Canciones como “Black Masses” reflejan esta fascinación por lo oscuro, con una narrativa que invita al oyente a explorar temas tabú. El título “Don’t Break the Oath” sugiere un compromiso con estas creencias oscuras, ofreciendo una visión provocativa sobre la lealtad a lo prohibido.
La tapa del lp refleja perfectamente su contenido, un demonio en llamas que simboliza la temática del ocultismo y la traición que están presente en cada rincón del álbum. La influencia de Don’t Break the Oath perdurará por muchos años más, recordándonos la importancia de explorar lo oscuro y lo desconocido a través de la música.
Etiquetas: Don’t Break the Oath, Hank Shermann, Heavy Metal, Kim Ruzz, king diamond, Melissa, Mercyful Fate, Michael Denner, Timi Hansen
En un nuevo video en nuestro canal, Pablo y Martín hablan sobre seis conciertos que les parecen los más importantes en los que hayan estado, por las razones que a ellos se les ocurran.
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El quinto álbum de estudio de Iron Maiden Powerslave, llegó un día cómo hoy pero de 1984. Un año antes, la doncella había grabado un disco con mucha calidad titulado Piece of Mind, pero para esta nueva producción, querían llegar a otro nivel en todo sentido, así fue como la banda de Steve Harris, bajista y fundador de la misma, crean un disco que asombró a toda su fanaticada y muchos otros más, ganando adeptos incondicionales alrededor del globo.
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El domingo 8 de septiembre se llevará a cabo el segundo día de la tercera edición del Candelabrum Metal Fest, el festival de metal más grande de la región Bajío del país, y como con el primer día aquí van seis bandas que definitivamente no vas a querer perderte, ya sea por la rareza del acto o sencillamente por la mera calidad de la banda.
Este festival ha sido uno de los importantes en el país en el último año, distinguido por el público más “picky” de México por presentar una oferta que difícilmente puede replicarse con otros festivales, y que de hecho, ha empezado a replantear la curaduría de otros festivales, como el MXMF Metal Fest, que ha empezado a incorporar cada vez más bandas de black, thrash, death, speed, heavy y grindcore, apelando al gusto de aquellos asistentes que ya están un poco cansados de la sobre representación del nu metal, metalcore o deathcore.
Así que sin más preambula, chequemos algunas de las mejores bandas que nos ofrece esta edición:
MATALOBOS
Sin duda una de las apuestas más fuertes de la escena nacional que nos presentará este festival, son los oriundos de León, misma sede del festival, que con un impecable y desolador melodic doom/death bañado de folclor y ciertos dejos de música tradicional mexicana, esta agrupación formada en 2014 es destacada por ser una banda ya de un calibre internacional, habiendo viajado a su gira Colombiana apenas hace un par de años, en el marco del Estigma Fest, para más tarde presentarse junto a Centopah y Tribulation en la Ciudad de México. Este es solamente otro paso en la cimentación de una de las bandas más potentes del país y sin duda es un acto original y trascendente que no querrás que termine.
No es ningún secreto que el equipo mexicano de Track to Hell tiene una particular debilidad por los géneros más oscuros del metal, sobre todo el doom, pero es que la banda originaria de Seattle, Washington no es ningún chiste y es que este impresionante power dúo de la tristeza compuesto por Dylan Desmond al bajo y Jesse Shreibman a la batería nos demuestra que definitivamente no es necesaria, ni la velocidad, ni una guitarra para poder crear algo del metal más inovador y desgarrador que se haya visto en los últimos años. Siendo una de las poquísimas agrupaciones de funeral doom que ha alcanzado un nivel que ha rozado en el mainstream del género con su importantísimo “Mirror Reaper”, la visita de los estadounidenses a México era una cita ya pendiente.
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Y efectivamente, el doom no para, doom en todo el mundo y doom en León doom city. La olvidada banda de la NWOBHM obra de Terry Jones y su hijo Alex, hará historia en nuestro país presentándose por primera vez en el marco de este festival. Con una complicada (y hasta polémica) historia y leyenda de origen, esta es una banda que puede pertenecer a los annales del género casi desde los inicios del mismo, aunque apenas en los últimos años alcanzando reconocimiento de forma mundial, las hechizantes melodías y la épica ambientación de los londinenses es otro de esos espectáculos que no se han visto en nuestro país y que por si sí, o por si no, te recomendamos vehementemente que no te los pierdas.
HELLRIPPER
Este furioso, pero divertido proyecto de Escocia es defintivamente otro acto que ya necesitábamos ver en México. Liderado por James McBain, el speed y black metal del Hellripper convergen en una insana comunión de maldad, donde la maldad, el satanismo y sobre todo las cabras nos impulsan a un frenético headbang que sin duda hará temblar los cimientos de la Velaria de la Feria. Un tupa-tupa sin igual que nos hará reminiscencia de aquella legendaria presentación de Midnight en el primer Candelabrum será lo que le espere a este relativamente joven pero imponente proyecto. ¡Las cabrás serán alabadas!
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La depresión como hilo conductor entre varios de los proyectos de este excelente festival se cimenta año con año y esta vez, tendremos la fortuna de presenciar a uno de los proyectos más emblemáticos del depressive sucidal black metal. Definitivamente la banda de metal más grande de Georgia (el país) es un acto ya clásico para el público especializado, y aunque liderados por Graf, su cantante, la banda ha anunciado en sus redes sociales que por motivos no esclarecidos el cantante de 38 años no podrá acompañarnos este domingo 8 en la Velaria de la Feria de León, aunque se rumora que otro cantante, sumamente popular dentro del microgénero, se hará cargo de las cuerdas vocales para su presentación, así que si de por sí este era un acto imperdible, es posible que este invitado especial lo haga todo mucho más único.
Y finalmente, uno de los platos fuertes del festival, originarios de la tercera ola de la escena más infame en todo el mundo del metal, liderados por Infernus y formados en la ciudad de Bergen por allá del lejano 1992, sus miembros se han visto envueltos en toda clase de polémicas y delitos, y aunque de ninguna manera condonamos los actos de sus miembros, sin lugar a dudas presenciar un concierto de Gorgoroth es presenciar un pedazo vivo de historia. Satánicos, brutales y precisos, el estatus de culto que tiene esta legendaria banda no es para tomarse a menos y, aunque es un acto que ya ha venido en más de una ocasión a nuestras tierras, vale la pena quedarse hasta el final para apreciar lo que los noruegos tienen para mostrar.
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En 1969, King Crimson cambiaron la historia de la música rock con su debut In The Court of the Crimson King: aunque se puede llegar a discutir si este fue el primer disco de rock progresivo, no se puede negar que ningún álbum lanzado posteriormente puede disputarse ese título. Con sus extensas canciones recontexualizando los elementos del rock dentro de estructuras jazzeras / psicodélicas llenas de cambios de compases cercanos a la música pesada y sumándole letras llenas de imágenes surrealistas, la banda inglesa había establecido casi todas las características que se asociarían con el género durante la década de los setentas.
Otra característica del rock progresivo de la que King Crimson serían pioneros fueron los eternos cambios de formación: justo después del debut, toda la formación con excepción del guitarrista Robert Fripp se iría del grupo, por lo que Fripp terminaría como el líder de facto de la banda. Esto conllevaría a que tras In The Wake of Poseidon (1970), álbum que se ha visto revalorizado con el tiempo pero donde las intenciones de repetir la fórmula del debut son muy claras tanto en estilo como en la misma estructura del disco, el material de King Crimson comenzaría a ir por rumbos muy particulares, con Lizard (1970) y Islands (1971) poniendo un fuerte énfasis en las influencias jazzeras antes mencionadas.
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Sería luego de este último que tendríamos otra renovación total de la formación, con Fripp sumando al bajista y cantante John Wetton (ex Family), al baterista Bill Bruford (quien venía de tocar con Yes), al violinista David Cross y al percusionista Jamie Muir, quien tenía un background fuertemente relacionado al mundo del free jazz. La incorporación de estos dos últimos músicos es lo que marcaría las intenciones del guitarrista de cambiar por completo las cosas, dando lugar al particular Larks’ Tongues In Aspic (1972): la mayor parte del álbum era instrumental, abriendo y cerrando con las dos partes que dan nombre al disco, además de un estilo todavía más cercano al jazz. Estos tintes experimentales terminarían explotando con Starless and Bible Black (1974), compuesto casi en su totalidad por grabaciones en vivo con overdubs de estudio y que sería el disco más experimental de esta primera etapa de la banda.
Irónicamente, estos dos trabajos extremadamente experimentales también marcarían la salida de los dos miembros más experimentales de King Crimson. El primero sería Muir, quien cansado de las giras y de la industria musical decidió irse abruptamente de la banda una semana después de lanzado Larks’ Tongues In Aspic para recluirse en un monasterio budista en el sur de Escocia, y luego vendría David Cross, quien fue despedido del grupo poco después de terminada la gira por EEUU, debido al distanciamiento tanto personal como musical que había expresado con respecto al resto de la banda, sobre todo porque su violín quedaba tapado frente a los otros instrumentos en las presentaciones en vivo.
Tres meses después de la salida de Starless and Bible Black, una semana después de terminada su gira por Estados Unidos y apenas un día después del despido oficial de Cross (según Fripp, había decidido esperar al fin de la gira para comunicarle la decisión pero tuvo que dejarle la tarea a EG, los representantes de la banda, porque Cross iba a volver inmediatamente a Europa mientras él se quedaba unos días en EEUU, y los representantes terminaron esperando hasta último momento para hacer su tarea), King Crimson entraron a los estudios Olympic para grabar su nuevo álbum, y uno marcaría un antes y un después en la historia de la banda.
A diferencia de Starless and Bible Black, el séptimo álbum de King Crimson sería un esfuerzo casi completamente de estudio: aunque manteniendo que muchas de las canciones se habían originado a partir de improvisaciones en vivo (el track “Fallen Angel” se puede rastrear hasta al menos 1972 a través de los numerosos registros que se tienen de las presentaciones), sólo el track “Providence” es una grabación en vivo editada para el disco. Esta fue grabada durante la gira por EEUU en la ciudad del mismo nombre en Rhode Island, y es por ello que todavía puede escucharse el violín y mellotron de David Cross, a pesar de que ya no era integrante de la banda.
Cross no sería el único ex integrante de King Crimson que haría su aparición en este disco, siendo que habría una gran cantidad de músicos de sesión durante las grabaciones, incluyendo a los saxofonistas y ex miembros Ian McDonald y Mel Collins, a los que se sumó una corneta, oboes, chelos y contrabajos en varias secciones. El uso de músicos de sesión (el único álbum de la formación con Bruford y Wetton que los tuvo) dio lugar a un sonido más elaborado y denso, que fue también lo que daría el nombre del álbum: debido a la cantidad de instrumentos y distorsión en estos, los vúmetros de las consolas de Olympic Studios casi siempre estaban en rojo, lo que inspiró el nombre Red (rojo) para el disco: esos vúmetros se pueden ver en la contraportada del álbum.
Red arranca con la canción título, un instrumental de seis minutos dirigido por la guitarra multi trackeada de Fripp, dando lugar a uno de los riffs más pesados de la discografía de King Crimson junto al bajo grueso de Wetton y los complejos ritmos de Bruford, con una sección de chelos en el medio. La manera en la que el riff inicial de Fripp asciende y va mutando es extrañamente pegadiza, incluso con la cantidad de análisis que se pueden encontrar acerca de la cantidad de detalles para nerds de la guitarra que se pueden encontrar a lo largo del track.
Iniciar con una canción pesada y continuarla con una mucho más tranquila era casi una tradición en King Crimson, y Red la respetaron con la siguiente “Fallen Angel”, por lejos la canción más tranquila del álbum, con el oboe acompañando la voz relajada de Wetton en una composición lenta que por momentos casi parece una balada, a lo que se suma el uso inusual de una guitarra acústica, la última vez que este instrumento aparecería en un disco de la banda. Sin embargo, poco a poco las cosas se van poniendo más complicadas, en dos crescendos donde podemos escuchar cómo la guitarra de Fripp casi suena como una alarma, el bajo de Wetton se hace cada vez más presente y Bruford empieza a probar todas las partes de su batería, luego pasando a una parte más tranquila para luego repetir el proceso en el final.
“One More Red Nightmare” tuvo su letra a cargo de John Wetton, donde describe una pesadilla arriba de un avión. En una entrevista con Song Facts, Wetton dijo que se inspiró en que, por esa época, “estaban tomando casi tres vuelos por día”, al punto de considerarse ya conocidos de varios miembros de la tripulación. Sea sólo un mal sueño o la descripción del avión de verdad cayendo, esa sensación de incomodidad se ve reflejada en la música, no sólo siendo la canción cantada más pesada del álbum sino también en el uso de compases irregulares en las secciones instrumentales, como 15/8 y 7/4.
Como nota aparte sobre esta canción, uno de sus aspectos más legendarios es un sonido percusivo que se escucha durante varias secciones, a partir del minuto 1:44: algunos fans lo han confundido con una batería electrónica, a pesar de que la primera batería de ese tipo no sería comercializada hasta dos años después de salido el álbum. En su sitio oficial, Bruford reveló que se trataba de un platillo Zilco roto que había encontrado en un cesto de basura en la sala de ensayos, al que le habían doblado uno de los lados para que entrara en el recipiente: el baterista comparó su forma con “un sombrero australiano”, haciendo referencia al modelo de bush hat que tiene un lado doblado hacia arriba. Esa deformación le dio ese sonido tan particular a la canción, y Bruford continuó usándolo durante un año hasta que se partió.
Seguida viene “Providence”, la improvisación grabada en vivo durante la última gira. El track está dividido en dos secciones, con una primera parte dominada por el violín de David Cross, dándole un aire como de banda sonora de alguna película muda expresionista alemana, mientras que la segunda tiene la batería de Bruford y el bajo de Wetton como protagonistas: el tono de bajo parece algo que podría haber aparecido en un disco de stoner rock de los noventas, por dar alguna comparación. Puede que este sea mi track menos favorito del Red, aunque sea sólo porque al ser una improvisación no se siente tan estructurada o desarrollada como el resto.
Red cierra con su quinto track “Starless”, la canción más larga con sus más de 12 minutos. Como “Fallen Angel” antes, “Starless” tiene un inicio tranquilo, en este caso marcado por los teclados a cargo de Fripp y los ritmos lentos de batería, hasta que aparece la voz de John Wetton y un saxofón acompañándolo mientras describe el fin de una larga amistad entre dos personas. Durante la canción, Wetton utiliza la frase “Starless and bible black”, el nombre del disco anterior: esto es porque una primera versión se había compuesto para que apareciera en ese disco, pero se decidió utilizar sólo una parte instrumental para ese disco, con la versión original siendo tocada y desarrollada a lo largo de la gira de presentación. El título “Starless” es simplemente una versión acortada del título original, para evitar confusiones.
La parte cantada se termina poco después de los cuatro minutos, mientras el resto de la canción se basa en un crescendo de melodías de guitarra, punteos poderosos de bajo y más ritmos complejos de parte de Bruford, mutando hasta convertirse en un jazz con un solo de saxofón inquieto. Se van sumando más y más instrumentos, dando lugar a un final perfecto, como si el álbum hubiera sido una película y estos fueran los créditos finales.
Red se puede describir, sin lugar a dudas, como un disco “pesado”. Aunque esa “pesadez” se podía sentir en los discos anteriores de la etapa “improvisada” de King Crimson, es a lo largo de Red donde encontramos el punto cúlmine de esto. Muchas retrospectivas han llegado a calificar a este como un disco de heavy metal, y evidencia no les falta: muchas partes suenan como si algo salido de una dimensión alterna donde Black Sabbath hubieran sido influenciados directamente por el free jazz, o una premonición de bastante de la obra de los thrasheros progresivos Voivod. Ciertamente hay que pensar a futuro o en mundos alternativos, porque no hay mucho en 1974 con lo que se pueda comparar lo hecho en estos casi 40 minutos.
En contraste con discos anteriores, la grabación de Red no tuvo grandes historias de conflictos, discusiones y cambios de último momento, pero eso no significa que hayan sido del todo cómodas. En una entrevista con Rolling Stone en 2019, Bill Bruford describió el proceso de grabación como “perturbador”, sobre todo debido a la actitud de Fripp durante este periodo: el guitarrista era conocido por su personalidad controladora y perfeccionista al momento de grabar (es una de las razones del constante cambio de miembros en los primeros años), pero durante Red el músico se limitaba a grabar sus partes y overdubs y luego se iba del estudio para dejar que John Wetton y el ingeniero George Chkiantz se encargaran de terminar todo, incluso negándose a dar su opinión sobre cualquier decisión que tomara el resto de los músicos.
Resulta que esta actitud de parte de Fripp tenía su razón detrás: el músico ya no se sentía feliz con la banda. En algunas entrevistas que ha dado a lo largo de las últimas cinco décadas, el guitarrista adujo estar cansado, debido a que había sacado siete álbumes en seis años y dado casi 400 recitales de por medio (con los viajes en avión antes mencionados de por medio), y también desilusionado con respecto a la industria musical y a todos sus manejos. En una conferencia de prensa celebrando los 50 años de la banda, Fripp reveló que le había propuesto a EG retirarse de King Crimson y ser reemplazado por como líder por el antes mencionado Ian McDonald, quien fue uno de los fundadores del grupo, y como guitarrista por Steve Hackett (en ese entonces integrante de Genesis), algo que los representantes rechazaron de plano.
Sin ganas de seguir girando ni de tener que lidiar con la industria musical, sintiéndose musicalmente estancado y pasando por lo que podría describir como una “crisis espiritual”, el 25 de septiembre de 1974, dos semanas antes de la salida de Red, Robert Fripp dio a través de un comunicado la separación de King Crimson, diciendo que la banda “había dejado de existir”. Según John Wetton, tanto él como Bill Bruford se sintieron “estafados” con la decisión de Fripp de terminar con el grupo, siendo que ambos habían dejado atrás proyectos bastante lucrativos con tal de tocar en King Crimson. Pero no había mucho que se pudiera hacer: Fripp era el líder, y si el líder no quería seguir adelante lo mejor era hacer lo propio.
Tras la separación, los tres miembros de esta formación de King Crimson fueron por caminos separados, aunque teniendo en común una gran cantidad de trabajo como músicos de sesión.
John Wetton giró como bajista de Roxy Music en 1975 (se lo puede escuchar en el álbum en vivo Viva! Roxy Music de 1976), grabó Return To Fantasy y High and Mighty con Uriah Heep y múltiples discos solistas de Bryan Ferry, más tarde formando el supergrupo Asia junto a otros músicos progresivos de la época y convirtiéndose en una de las bandas más exitosas de principios de los ochentas. En el medio, terminaría reuniéndose nuevamente con Bill Bruford para formar el supergrupo progresivo U.K., grabando dos discos (Bruford participaría sólo del debut).
Hablando de Bill Bruford, su carrera posterior incluyó grabar Fish Out of Water, el único álbum solista de material original del bajista de Yes Chris Squire; girar junto a Genesis, apareciendo en el álbum en vivo Seconds Out (1977), y formar su banda solista Bruford, con la que llevó a grabar tres discos. Como curiosidad, también apareció en Sumar á Sýrlandi, álbum debut de 1975 de la banda islandesa de rock cómico Stuðmenn, uno de los ítems más particulares de su largo currículum.
Por último, Robert Fripp decidió alejarse de la música durante un tiempo, decidiendo dedicarse a estudiar las enseñanzas de John G. Bennett y el místico George Gurdjieff, y más tarde participando como músico de sesión en álbumes de Brian Eno, David Bowie, Blondie y Peter Gabriel, entre otros. Su trabajo como sesionista hizo que le volvieran las ganas de componer y formar una banda, y el interés que se le había generado por la música new wave dio lugar a que formara primero la efímera banda The League of Gentlemen en 1980, y más tarde Discipline, otro grupo de corta vida que al poco tiempo decidió convertir en la nueva encarnación de King Crimson. Pero esta es una historia para otro momento, y uno que ya contamos en el post de abajo.
Cuando salió, Red se convirtió en el disco menos exitoso de King Crimson hasta ese momento, apenas pasando una semana en los charts de ventas de álbumes de Inglaterra. Sin embargo, fue bien recibido por los críticos (toda una rareza para el rock progresivo) y se convirtió en un álbum de culto entre los fans de la banda, con un estatus legendario que no ha hecho más que aumentar a lo largo del tiempo. Muchos ven a Red como un precursor del metal progresivo (Robert Fripp mismo ha dicho que considera a “Red” como una de las primeras canciones de heavy metal en 5/8), además de aparecer en muchas listas de mejores álbumes de la historia, mientras que “Starless” ha recibido la mayor atención de todas las canciones, sobre todo luego de que fuera usada al inicio de la película Mandy en 2018.
Aprovechando la inminente llegada de Michale Graves a España para despedirse de los escenarios tocando sus dos clásicos discos grabados junto a las leyendas del punk rock The Misfits, hoy vengo a recomendar cinco temas que no pueden faltar en el setlist de este particular personaje.
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Arrancamos con lo que fue el tercer disco de la banda y que salió editado en 1997 bajo el título de American Psycho y supuso el debut de Graves al frente de la banda y a pesar de que tenía la difícil tarea de sustituir a Danzig, muchos pensamos que lo hizo más que bien en el disco y una gran muestra de ello fue:
- “Dig Up Her Bones” (Extraído de American Psycho de 1997): Este es un auténtico clásico y al ser el primer single con videoclip oficial, mucha gente joven descubrió a la banda a través de este temazo, el cual no puede faltar bajo ningún concepto en la gira de Michale Graves por nuestro país.
2. “American Psycho” (Extraído de American Psycho de 1997): El corte que da título al primer disco junto a Graves, es otra gran muestra de que pese al cariño que uno le pueda tener a la etapa de Danzig, la siguiente no estuvo nada, pero nada mal. Quizás si sonaban algo más pulidos que en sus comienzos, pero eso no quita para que temas como este sean de los mejores grabados en los noventa por la legendaria banda oriunda de Lodi, New Jersey.
3. “Scream” (Extraído de Famous Monsters de 1999): Si, no hay discusión de que si hay temas con los que cualquiera relaciona a The Misfits, este es uno de ellos y con motivo de peso, ya que es un auténtico himno de horror punk rock y que cuenta con su histórico videoclip dirigido por el mismísimo George A. Romero y hoy ya es un tema imprescindible para entender el punk rock de la década de los 90.
4. “Saturday Night” (Extraído de Famous Monsters de 1999): En este caso, “Saturday Night” aparece en la lista porque creo que mostró una cara algo más melancólica y demostró que sabían hacer muy buenos medios tiempos. Personajes como Will Francis de Aiden, Chris Motionless de Motionless In White o Matt Skiba de Alkaline Trio/Ex-Blink 182 la han mencionado alguna vez entre sus canciones favoritas de la banda y en lo personal tengo que sumarme a estos chicos ya que es una de mis piezas favoritas de la banda.
5. “Fiend Club” (Extraído de Famous Monsters de 1999): Y por supuesto, a pesar de que es un gran disco y tiene muchísimos temazos, no podía cerrar la lista sin este himno dedicado a sus seguidores (“El Fiend Club”) que los hemos acompañado por años, ya sean los primeros fans de la banda como los que somos algo más jóvenes y nos sumamos a su universo justamente con discos como este, que lamentablemente fue el último con Graves y siendo justos quizás, el último gran disco de la banda, pero que al menos nos dejo un cierre con broche de oro a la breve pero intensa etapa de Graves con ellos. Sea como sea… Larga Vida a The Misfits, una de las mejores bandas de punk rock de la historia y de las 10 más importantes de mi vida personal, deseando estoy y estamos muchos de escuchar estas canciones tan míticas una última vez en nuestro país a partir de la semana que viene.
Etiquetas: Final Tour, Hardcore Punk, Horror Punk, Michale Graves, Punk Rock, Spanish Tour 2024, The MisfitsOctubre vuelve a repetir (como el mes pasado) una cantidad increíble de conciertos en España, aquí le dejamos una enorme lista que apenas rasca la superficie.
Michale Graves
Fechas: 2 de Octubre en Castellon, 3 de Octubre en Murcia, 4 de Octubre en Sevilla, 5 de Octubre en Malaga, 7 de Octubre en Madrid y 8 de Octubre en Oviedo.
Avernal
Fechas: 03 de Octubre en Granada, 04 de Octubre en Sevilla, 08 de Octubre en Valencia, 11 de Octubre en Ponferrada, 12 de Octubre en Logroño, 13 de Octubre en Santander, 17 de Octubre en Vigo, 20 de Octubre en Lugo, 24 de Octubre en Zaragoza, 25 de Octubre en Barcelona y 26 de Octubre en Madrid.
Sonata Arctica + Firewind + Serious Black
Fechas: 3 de Octubre en Barcelona, 4 de Octubre en Madrid y 6 de Octubre en Pamplona.
Nashville Pussy
Fechas: 3 de Octubre en Madrid, 4 de Octubre en Jerez, 5 de Octubre en Estepona, 6 de Octubre en Cox, 8 de Octubre en A Coruña, 9 de Octubre en Vitoria-Gasteiz, 10 de Octubre en Bilbao y 11 de Octubre en Gijón.
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Stillbirth + Kanine
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Visions Of Atlantis + Illumishade
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Danko Jones + Los Pepes
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Angra + Witherfall
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7d7d
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En un nuevo video en nuestro canal, Pablo y Martín hablan de un Top6 bandas (y un par más) que deberían organizar alguna reunión, por el bien de ellos y el bien de toda la escena metalera.
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Continuando con los streamings en Twitch, Pablo Gándara nos estuvo hablando sobre las últimas noticias en el mundo del metal, los últimos discos escuchados, las peripecias de Pablo por países raros y cómo se viaja sin saber inglés.
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Si el debut de Mercyful Fate Melissa fue uno de los pilares dentro del metal oscuro, Don´t Break the Oath reforzó esos cimientos para que King Diamond y su banda llegaran a ser una de las agrupaciones más importantes en la escena del metal de los años ochentas, por eso repitieron la misma fórmula de su antecesor, misma alineación, mismo productor, si algo funciona, para que cambiarlo.
Este álbum no solo consolidó la identidad musical de ellos, sino que también dejó una marca profunda en la escena del heavy metal en aquel entonces, la mezcla de elementos oscuros, líricas místicas y una musicalidad técnica lo convirtió en un referente para otras bandas que querían incorporar la pesadez, la teatralidad y el satanismo en uno sólo.
Los guitarristas Michael Denner y Hank Shermann son fundamentales en el sonido característico del álbum. Este disco es un ejemplo perfecto de cómo las guitarras pueden ser tanto melódicas como agresivas. La combinación de riffs potentes y solos virtuosos crea una base sólida para las composiciones. Denner, con su estilo melódico, aporta una profundidad emocional a las canciones, mientras que Shermann añade un enfoque más agresivo y técnico. El uso de la doble guitarra permite que las melodías se entrelacen de manera efectiva, creando un sonido denso pero accesible.
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En una época donde el metal se estaba diversificando rápidamente, esta obra de arte trajo de vuelta elementos más oscuros y teatrales al metal. La influencia de éste álbum y su debut se puede ver en bandas posteriores como Metallica, Slayer, Mayhem, Kreator entre otras más, ellos han mencionado a Mercyful Fate como una fuente de inspiración. El disco también marcó un momento importante en la evolución del metal extremo, ayudando a establecer el black metal como un subgénero a tener en cuenta. La atmósfera oscura y las letras controversiales resonaron con los jóvenes que buscaban algo más allá del glam metal predominante en ese momento.
Temas como “Welcome Princess of Hell”, “Gypsy” o “Come to the Sabbath” muestran su habilidad para construir riffs memorables que se quedan grabados en la mente del oyente, además, los solos son una parte integral del álbum; ambos guitarristas despliegan su virtuosismo sin caer en el exceso, manteniendo siempre el foco en la canción.
Las letras del álbum están impregnadas de simbolismo y referencias a lo oculto. King Diamond se inspira en sus propias experiencias e intereses personales relacionados con el satanismo y lo sobrenatural cómo él lo ha mencionado en diferentes ocasiones. Canciones como “Black Masses” reflejan esta fascinación por lo oscuro, con una narrativa que invita al oyente a explorar temas tabú. El título “Don’t Break the Oath” sugiere un compromiso con estas creencias oscuras, ofreciendo una visión provocativa sobre la lealtad a lo prohibido.
La tapa del lp refleja perfectamente su contenido, un demonio en llamas que simboliza la temática del ocultismo y la traición que están presente en cada rincón del álbum. La influencia de Don’t Break the Oath perdurará por muchos años más, recordándonos la importancia de explorar lo oscuro y lo desconocido a través de la música.
Etiquetas: Don’t Break the Oath, Hank Shermann, Heavy Metal, Kim Ruzz, king diamond, Melissa, Mercyful Fate, Michael Denner, Timi HansenEn un nuevo video en nuestro canal, Pablo y Martín hablan sobre seis conciertos que les parecen los más importantes en los que hayan estado, por las razones que a ellos se les ocurran.
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El quinto álbum de estudio de Iron Maiden Powerslave, llegó un día cómo hoy pero de 1984. Un año antes, la doncella había grabado un disco con mucha calidad titulado Piece of Mind, pero para esta nueva producción, querían llegar a otro nivel en todo sentido, así fue como la banda de Steve Harris, bajista y fundador de la misma, crean un disco que asombró a toda su fanaticada y muchos otros más, ganando adeptos incondicionales alrededor del globo.
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El domingo 8 de septiembre se llevará a cabo el segundo día de la tercera edición del Candelabrum Metal Fest, el festival de metal más grande de la región Bajío del país, y como con el primer día aquí van seis bandas que definitivamente no vas a querer perderte, ya sea por la rareza del acto o sencillamente por la mera calidad de la banda.
Este festival ha sido uno de los importantes en el país en el último año, distinguido por el público más “picky” de México por presentar una oferta que difícilmente puede replicarse con otros festivales, y que de hecho, ha empezado a replantear la curaduría de otros festivales, como el MXMF Metal Fest, que ha empezado a incorporar cada vez más bandas de black, thrash, death, speed, heavy y grindcore, apelando al gusto de aquellos asistentes que ya están un poco cansados de la sobre representación del nu metal, metalcore o deathcore.
Así que sin más preambula, chequemos algunas de las mejores bandas que nos ofrece esta edición:
MATALOBOS
Sin duda una de las apuestas más fuertes de la escena nacional que nos presentará este festival, son los oriundos de León, misma sede del festival, que con un impecable y desolador melodic doom/death bañado de folclor y ciertos dejos de música tradicional mexicana, esta agrupación formada en 2014 es destacada por ser una banda ya de un calibre internacional, habiendo viajado a su gira Colombiana apenas hace un par de años, en el marco del Estigma Fest, para más tarde presentarse junto a Centopah y Tribulation en la Ciudad de México. Este es solamente otro paso en la cimentación de una de las bandas más potentes del país y sin duda es un acto original y trascendente que no querrás que termine.
No es ningún secreto que el equipo mexicano de Track to Hell tiene una particular debilidad por los géneros más oscuros del metal, sobre todo el doom, pero es que la banda originaria de Seattle, Washington no es ningún chiste y es que este impresionante power dúo de la tristeza compuesto por Dylan Desmond al bajo y Jesse Shreibman a la batería nos demuestra que definitivamente no es necesaria, ni la velocidad, ni una guitarra para poder crear algo del metal más inovador y desgarrador que se haya visto en los últimos años. Siendo una de las poquísimas agrupaciones de funeral doom que ha alcanzado un nivel que ha rozado en el mainstream del género con su importantísimo “Mirror Reaper”, la visita de los estadounidenses a México era una cita ya pendiente.
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Y efectivamente, el doom no para, doom en todo el mundo y doom en León doom city. La olvidada banda de la NWOBHM obra de Terry Jones y su hijo Alex, hará historia en nuestro país presentándose por primera vez en el marco de este festival. Con una complicada (y hasta polémica) historia y leyenda de origen, esta es una banda que puede pertenecer a los annales del género casi desde los inicios del mismo, aunque apenas en los últimos años alcanzando reconocimiento de forma mundial, las hechizantes melodías y la épica ambientación de los londinenses es otro de esos espectáculos que no se han visto en nuestro país y que por si sí, o por si no, te recomendamos vehementemente que no te los pierdas.
HELLRIPPER
Este furioso, pero divertido proyecto de Escocia es defintivamente otro acto que ya necesitábamos ver en México. Liderado por James McBain, el speed y black metal del Hellripper convergen en una insana comunión de maldad, donde la maldad, el satanismo y sobre todo las cabras nos impulsan a un frenético headbang que sin duda hará temblar los cimientos de la Velaria de la Feria. Un tupa-tupa sin igual que nos hará reminiscencia de aquella legendaria presentación de Midnight en el primer Candelabrum será lo que le espere a este relativamente joven pero imponente proyecto. ¡Las cabrás serán alabadas!
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La depresión como hilo conductor entre varios de los proyectos de este excelente festival se cimenta año con año y esta vez, tendremos la fortuna de presenciar a uno de los proyectos más emblemáticos del depressive sucidal black metal. Definitivamente la banda de metal más grande de Georgia (el país) es un acto ya clásico para el público especializado, y aunque liderados por Graf, su cantante, la banda ha anunciado en sus redes sociales que por motivos no esclarecidos el cantante de 38 años no podrá acompañarnos este domingo 8 en la Velaria de la Feria de León, aunque se rumora que otro cantante, sumamente popular dentro del microgénero, se hará cargo de las cuerdas vocales para su presentación, así que si de por sí este era un acto imperdible, es posible que este invitado especial lo haga todo mucho más único.
Y finalmente, uno de los platos fuertes del festival, originarios de la tercera ola de la escena más infame en todo el mundo del metal, liderados por Infernus y formados en la ciudad de Bergen por allá del lejano 1992, sus miembros se han visto envueltos en toda clase de polémicas y delitos, y aunque de ninguna manera condonamos los actos de sus miembros, sin lugar a dudas presenciar un concierto de Gorgoroth es presenciar un pedazo vivo de historia. Satánicos, brutales y precisos, el estatus de culto que tiene esta legendaria banda no es para tomarse a menos y, aunque es un acto que ya ha venido en más de una ocasión a nuestras tierras, vale la pena quedarse hasta el final para apreciar lo que los noruegos tienen para mostrar.
