A estas alturas, el nombre de Symphony X es prácticamente sinónimo de Metal Progresivo. Hablar de ellos implica hacerlo de una de las mayores instituciones del género. Un grupo que supo conjugar una identidad a través de un sonido neoclásico virtuoso y elegante, combinado con un tono heroico y épico en sus composiciones.

Con más de 30 años de carrera, el conjunto de Michael Romeo arriba a tierras argentinas el próximo 17 de marzo en el Teatro Flores, para celebrar sus mayores éxitos. En este especial, venimos repasar cinco aspectos que ayudan a entender el camino que recorrieron para forjar su estatus y éxito. También explorar los motivos por los que no te lo podés perder en vivo. 

El carácter conceptual de sus obras

Es de público conocimiento la fuerte y marcada influencia de obras literarias en las composiciones de Symphony X. Al punto, que se volvió en uno de los mayores rasgos reconocibles del grupo. 

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El caso más famoso sin duda es su canción “The Odyssey” del álbum homónimo del 2002. Esta composición de 24 minutos se encuentra directamente influenciada en el poema “La Odisea” de Homero y está llena de pasajes y arreglos épicos, que musicalizan con heroísmo y dramatismo, el viaje del histórico personaje griego. 

Sin embargo, esta pieza no es el único relato literario que el grupo proyectó musicalmente. El álbum Paradise Lost (2007) está inspirado de forma libre en el poema del inglés John Milton. Underworld (2015) toma como temática y principal núcleo narrativo “La Divina Comedia” de Dante, explorando temáticas como el infierno, el pecado, y la redención. 

Por su parte, V: The New Mythology Suite (2000) es un disco íntegramente conceptual, basado en los mitos de la civilización antigua y perdida, de Atlántida. Si bien es la única obra de su catálogo que narra una historia de principio a fin, no cabe duda de que la literatura es un factor clave en el proceso compositivo y musical del grupo, otorgándole una riqueza y profundidad a sus letras.

Las influencias musicales de Michael Romeo 

Sin duda alguna, la mente y alma de Symphony X es Michael Romeo. Es su creación y en base a sus inquietudes musicales, es que el grupo construyó su sonido e identidad. Y eso se nota en las influencias musicales que tuvo el músico a lo largo de su vida. 

Si bien es reconocido por su virtuosismo y precisión en la guitarra, lo cierto es que Romeo se introdujo en el mundo de la música a través del piano. Sus padres contrataron a un profesor particular que lo visitaba una vez a la semana. Y fue así, que a sus 10 años, ya empezó a conocer compositores clásicos que en el futuro se volverían grandes inspiraciones para sus obras como Bach, Beethoven, Mozart y Verdi. 

Por su parte, recién sus 12 años empezó a escuchar Kiss y Ozzy Osbourne. Hecho que llevó al pequeño Romeo a tocar la guitarra. A partir de ahí, comenzó un viaje de ida hacia el rock que lo llevó a tener como principales influencias a músicos como Randy Rhoads, Ritchie Blackmore, Uli Jon Roth y en especial, Yngwie Malmsteen, que impactaría fuertemente en el sonido neoclásico de Symphony X en sus primeros años. 

Esta mezcla de influencias ha llevado a que Romeo consiga fusionar en su estilo, la elegancia y teatralidad de la música clásica, con la potencia y velocidad del Rock/Metal. Convirtiéndole en uno de los guitarristas y compositores mas virtuosos y completos del género.

Su estrecha y particular relación con Japón 

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Al tratarse de un grupo norteamericano, uno pensaría que Symphony X debutó con un sello discográfico de su mismo país. Pero lo cierto es que no. Nada más alejado de la realidad, quién puso su ojo y atención en el señor Michal Romeo tras grabar su primera demo The Dark Chapter en 1994, fue una discográfica en Japón. La ahora extinta Zero Corporation Label. Aun así, las grabaciones de su álbum debut se hicieron en Nueva York, en los estudios de The Hit Factory.

No obstante, la relación del grupo con Japón no quedaría solo ahí. Durante sus primeros cuatro años de carrera (1994-1998), la banda sólo se enfocó en componer y sacar material de estudio. Pero no en hacer interpretaciones en vivo. Es así, que su debut sobre los escenarios se dio recién en junio de 1998. Casualmente, en suelo japones.

De esta forma, el grupo logró mayor alcance y un especial vínculo con el país del sol naciente que se completó con el uso de la actual guitarra de Michael Romeo: un modelo personalizado Dellinger Prominence-MJR, de la marca Caparison. ¿De que país? Ni más, ni menos que Japón. Una particular conexión que los volvió extremadamente populares allá.

La fuerte unión de sus miembros

Otro aspecto que caracteriza a Symphony X es su estable y unida alineación. Y es que a lo largo de los años, el grupo ha sabido mantener una base sólida dentro de sus líneas, con pocas alteraciones. 

La primera y más visible sin duda, fue la de su cantante. Ya hemos mencionado a Romeo como el alma y mente del grupo. De eso no cabe discusión. Pero si tuviéramos que decir quién es la voz, todas las respuestas apuntarían a Russell Allen. Y es que el vocalista ha grabado todos los clásicos y éxitos del grupo. Sin embargo, para sorpresa de algunos, Allen no es un miembro original. Ya que antes de su llegada hubo otro vocalista: Rod Tyler, quién grabó el debut homónimo en 1994. Allen llegarían recién para el siguiente lanzamiento, The Damnation Game (1995), para luego escribir la historia que ya conocemos.

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Por su parte, el puesto de baterista corrió casi siempre a cargo Jason Rullo. Sólo hubo un disco dónde el batero dijo ausente y fue en Twilight in Olympus (1998). A su vez el bajista original, Thomas Miller, fue miembro activo del grupo hasta esa obra. ¿El motivo? El comienzo de las giras y tours por distintos países, llevaron a que el músico no continuará. En su lugar, ingresará Michael LePond, quién ocupa el puesto hasta la fecha.

Como Michael Pinnella fue siempre la mano derecha de Romeo y estuvo presente en todas las grabaciones, como tecladista, la alineación de Symphony X no sufre modificaciones desde 1999, marcando la fuerte unión de sus miembros y la visión musical que comparten. 

Discos autoproducidos

Por último, una cualidad que empezó a desarrollar el quinteto a partir de The Odyssey, es la de producir los discos por sus propios medios. Tras el lanzamiento de V: The New Mythology Suite” en 2000, Romeo se encargó de la producción de sus siguientes obras, de forma solitaria, priorizando un enfoque más orquestal y pesado. Como resultado de esta búsqueda, salieron trabajos como Paradise Lost (2007) y Iconoclast (2011), que presentan un sonido mucho más moderno y oscuro, y composiciones más directas, que se alejan del carácter neoclásico de sus primeras obras. 

Esta nueva mirada compositiva llevó al grupo a captar nuevas audiencias, pero sin perder la base sólida de fanáticos que ya tenían, marcando un camino musical que el grupo supo abrazar en Underworld (2015) y que en un futuro, averiguaremos si lo mantienen en su próximo lanzamiento.

Por primera vez, en el marco del “Knightclub Tour”, Feuerschwanz tomara por asalto El Teatrito (Sarmiento 1752, CABA) el jueves 23 de abril de 2026 para enfrentarse a los fans que tiene en la Argentina.

Con una combinación de folk metal medieval, power metal y melodías sinfónicas, Feuerschwanz propone recorrer los clásicos de su discografía y temas de su más reciente producción “Knightclub” lanzada durante el mes de agosto de 2025.

Con una formación plenamente consolidada desde hace unos años (Peter Henrici y Ben Metzner, en las voces principales y otros instrumentos; Stephanie Pracht, violín; Hans Platz, guitarra; Jan Jamaszyk, bajo; Rolf Hering, batería; y las danzantes Susi Miez y Jenny Diehl, en su rol de Schildmaid), el disco lanzado en el año que acaba de concluir presenta todas las notas características que le vienen permitiendo a la banda ser el centro de atención durante los últimos años en diferentes festivales del viejo continente.

Envuelto en esa aura característica de un folk metal medieval, matizado con guiños a otros géneros del metal, y la presencia de reconocidos invitados, “Knigthclub” muestra la magistral composición de la banda al momento de combinar distintas melodías musicales con un tinte irónico. En el marco de esa producción destacan temas tales como “Valhalla”, donde resalta la participación de una de las damas del metal de todos los tiempos, Doro; “Testament”, con un estribillo ganchero de principio a fin; y “Lord of fyre”, con la participación de Lord of the Lost, y sus estrofas en inglés, cierra la placa mostrando la excelente sinergia que han conseguido ambas bandas.

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Esta primera visita de Feuerschwanz nos permite proponerte un recorrido por la discografía de una banda que resulta bastante prolífica en la materia. Y, para los desprevenidos, una aclaración necesaria: la mayoría de los temas están cantados en el idioma natal de estos teutones.

En forma plenamente arbitraria, podríamos distinguir tres etapas en la mencionada discografía. En un primer momento, que a nuestro entender comprende los 4 primeros discos, es nítida la preponderancia de las melodías folk en las producciones de la agrupación, con escasos guiños al heavy metal y una atmósfera de ironía y diversión.

Así nos encontramos con el primer lanzamiento de la banda que data del año 2025, “Prima Nocte”, un disco con clara preponderancia de la vertiente folk de la banda y melodías que te mantienen entretenido de principio a fin. Merecen destacarse el tema que le da nombre al álbum, una verdadera joya folk impregnada de melodías paganas, y “Gute Nacht” que es la canción más metalera de la placa.

Sucedieron a esta placa, “Met & Miezen” (2007) donde continúa la preponderancia del folk y “Metvernichter” (2009) que muestra un aire más metalero de arranque. En este último álbum podemos resaltar “Vampir”, con un aire un poco más pesado y rápido al que los germanos nos tenían acostumbrados hasta ese momento, y “Schnaps und Schnecken”, puro ritmo folk.

Esta primera etapa encuentra su cierre con el lanzamiento de “Wunsch ist Wunsch” en el ya lejano año 2011, un disco que sigue presentando un folk puro, pero con un aire más hardrockero. Podríamos destacar el tema que da nombre al disco y “Symposium”.

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La segunda etapa está marcada por dos lanzamientos que no vas a poder encontrar en Spotify, lo cual resulta extraño porque son las producciones donde la banda comienza a virar hacia un sonido nítidamente de folk metal. “Walhalligalli” (2012) donde podemos oír guitarras más rifferas, pero siempre manteniendo la característica folk. Se destacan “Mach dich frei”, que abre el álbum, “Bandit”, con una interesante melodía folk que te hará mover la jarra de cerveza de arriba abajo, y “Rübezahl”.

La otra joya que deberás esmerarte en encontrar es “Auf’s Leben!” (2014) puesto que definitivamente marca la consolidación del folk metal. Destacan la canción que da nombre al álbum, “Mann aus Metall”, donde predomina un riff pesado y oscuro, e “In Vino Veritas”, jocosa y que invita al brindis.

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Finalmente, la tercer y última etapa, que se mantiene hasta la actualidad, reconoce su inicio con “Sex is Muss” (2016) pues estamos ya en presencia de un folk metal claramente. Siempre se encuentra presente el tono divertido y de parodia, pero acompañado por metal esta vez. Destaca “Hexenjagd”, con un inicio hilarante.

Esta placa fue seguida por “Methämmer” (2018), un álbum más metalero, con riffs más claros y nítidos, mezclados con las siempre presentes melodías folk. Destacan “Schubsetanz”, “Die Horner Hoch”, un himno folk para gritar a viva voz su estribillo, “Prinzessin” y “Operation Drachensturm”

El tercer lanzamiento de esta etapa está constituido por “Das elfte Gebot” (2020) destacan “Meister der Minne”, “Das elfte gebot”, “Kampfzwerg” y “Lords of Powermet”, dando lugar a una de las canciones de la banda con más influencia powermetalera.

En el año 2021 nos encontramos con “Memento Mori” donde sobresalen “Untot im Drachenboot”, con algún guiño al power metal, “Ultima nocte”, con una atmósfera que hace imposible no pensar en sus compatriotas de Powerwolf, y “Rausch der barbarei”, con Hamaton de invitados, logrando una interesante fusión entre la onda de ambas bandas.

Merecen mención en “Fegefeuer” (2023) “Bastard von Asgard”, con la participación estelar de Fabienne Erni de Eluveitie, un tema de alto nivel que, además de la belleza que le aporta la voz de la invitada, cuenta con una melodía y una velocidad que hacen que este destinada a convertirse en un clásico infaltable de la banda, “Berzerkermode”, con un estribillo para su ejecución en vivo, y “Fegefeuer”.

La siguiente producción es la que cuenta con más temas cantados en inglés e invitados. “Warriors” del año 2024 nos sorprende con “Highlander” (versión en inglés), “The unholy grail”, donde cuentan con invitados con Dominum y Orden Ogan, “Momento Mori (versión en inglés), con la participación tanto de los Lord of the Lost como de Chris Harms, y “Song of ice and fire”, y la colaboración de Patty Gurdy.

Definitivamente, la consolidación de la banda tiene lugar en esta etapa. La propuesta de un folk metal, con algunos guiños de power metal y otras vertientes del metal incluso, se consolida en base a riffs más presentes y marcados conformando una perfecta armonía con las melodías folks que predominan, conformando la fórmula que ha permitido a Feuerschwanz llevar su propuesta a los principales festivales europeos y, próximamente, permitir su arribo a tierras latinoamericanas.

De la mano de ICARUS MUSIC tenemos la posibilidad de ser parte de una noche con lo mejor del folk metal europeo. Una velada para ceñirse la espada a la cintura, colocarte la armadura y no olvidarte el cuerno para brindar y saltar con la propuesta de estos teutones.

Dentro del tsunami de visitas internacionales que nos depara este 2026, de la mano de Icarus Music el viernes 24 de abril de 2026 se estarán presentando en la Argentina Visions Of Atlantis, como banda invitada especial de los suecos Amaranthe, en El Teatrito (Sarmiento 1752, CABA), garantizando una noche junto a lo mejor del actual metal europeo.

Los austriacos de Visions Of Atlantis nos prometen una noche de pura melodía metálica al son de su propuesta de power metal sinfónico y la impronta pirata que dejaron traslucir a partir de su disco Wanderers y que adoptaron definitivamente desde el año 2022 con Pirates.

Luego de sus inicios en el año 2000, con su metal sinfónico y la combinación de voces limpias masculinas y femeninas que los caracterizó desde su primera época, VoA atravesó diversos cambios de formación, especialmente en las voces, lo que no les impidió editar cinco discos, logrando consolidarse definitivamente a partir de la incorporación en las voces femeninas de Clémentine Delauney.

En esa primera época, la banda lanzó al mercado trabajos de estudio entre los años 2004 y 2013, Eternal Endless Infinity (2002), Cast Away (2004), Trinity (2007), Delta (2011) y Ethera (2013), donde mostraron las notas que caracterizarían a la banda a lo largo de su carrera: un metal sinfónico por excelencia con la conjunción de voces limpias femeninas y masculinas. Sin embargo, a pesar de ese inicio prolífico en cuanto a lanzamientos, los constantes cambios de formación, esencialmente en el rol de cantantes, conspiraron contra la consolidación plena de la banda.

Pero esa consolidación comenzó a vislumbrarse a partir del ingreso en el rol de las voces femeninas de Clémentine Delauney y el lanzamiento de The Deep & the Dark en el año 2018. Los tres álbumes lanzados con posterioridad posibilitaron la consagración definitiva de la banda y el establecimiento de una formación más estable, permitiendo a la banda poner de manifiesto ante el público la riqueza de su propuesta.

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Teniendo en cuenta esa, podríamos denominar, nueva etapa de la banda a continuación te recomendamos los mejores temas, a criterio del staff de TTH, que integran cada uno de los discos editados con Clémentine al mando de las voces.

El primero de ellos es The Deep & the Dark (2018) y entre los temas que merecen destacarse se encuentran el que da título al álbum y abre la producción “The Deep And The Dark”; “Return To Lemuria”; “The Silent Mutiny”, una mezcla perfecta de melodía y pesadez; y “Words Of War”, poseedor del mejor estribillo a dos voces de la producción.

La placa pone de relieve el nivel sinfónico de la banda, sin dejar de lado el peso metalero de esas sinfonías, y muestra la calidad y colores de la voz de Clémentine Delauney. En esta producción las voces masculinas se encuentran a cargo de Siegfried Samer (cantantes de la banda Dragony, cuya escucha si son amante del metal sinfónico te recomendamos).

Inmediatamente después del anterior sale a la luz Wanderers (2019) que consolida el camino musical y creativo de la agrupación austriaca y marca la incorporación en la voz masculina de Michele Guaitoli (también una de las voces de la banda italiana de power metal melódico Temperance).

Entre las canciones destacables podemos señalar “Release My Symphony”, un tema extenso para lo que suele ofrecernos la banda y que pone sobre la mesa todas sus virtudes; “A Journey To Remember”; “To The Universe” y “At The End Of The World”, con uno de los estribillos más pegadizos del álbum.

Es en este álbum donde la banda comienza a dejar vislumbrar el cambio hacia la temática pirata que tomaría cuerpo a partir de los dos siguientes lanzamientos. Una característica del disco es la mayor participación de la voz masculina en comparación con el anterior.

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Ya definitivamente con una impronta pirata tanto en las letras como en la apariencia, la banda lanza el tercer álbum de esta etapa Pirates (2022). Con un arranque demoledor la placa nos presenta una seguidilla de temas que merecen destacarse, y escucharse una y otra vez: “Pirates Will Return”, toda una declaración de principios para abrir el lanzamiento; “Melancholy Angel”; “Master The Hurricane” y “Clocks”, tema ideal para su presentación en vivo, siendo estos tres últimos cortes de difusión del álbum. Otros temas recomendables que forman parte de esta joya en la discografía de la banda austriaca son “Legion Of The Seas”; “Wild Elysium”, mostrando ambos temas la potencia que también puede ofrecer la banda; y “Mercy”.

Sin duda, la producción más lograda, a criterio de quien escribe estas líneas, de la discografía de la banda. Se nota la consolidación de la formación y la cada vez mayor complementación entre las dos voces.

Finalmente, nos encontramos con la última producción de los austriacos Pirates II – Armada (2024) y que es el disco que aún se encuentran presentando sobre las tablas (aunque contamos con el anuncio del lanzamiento para febrero de la versión instrumental de este disco). Cuenta con temas que relucen como “The Land Of The Free”; “Monsters”; “Armada”; “The Dead Of The Sea”, donde las voces de Clémentine y Michele se complementan a la perfección; “Hellfire”, un tema donde destacan la combinación de lo power y lo sinfónico y la voz de Clémentine se luce; y “Where The Sky And Ocean Blend”, un tema que excede la duración promedio a que nos tiene acostumbrados la banda, pero que le permite desplegar todos los trucos musicales propios del género.

Esta producción marca la definitiva consolidación del cambio estético y de temática que llevó a cabo la banda en estos últimos años. Una jugada arriesgada que salió bien, ya que las nuevas producciones han ofrecido a los oyentes temas impregnados de sinfonía y dureza, todo ello encuadrado por la dulzura de la voz de Clémentine.

El 24 de abril de 2026 el barco pirata tripulado por Visions Of Atlantis tocará suelo argentino. No te pierdas la oportunidad de ser testigos de la sinfonía y la potencia que estos piratas tienen para nosotros.

El primer mes del año nos ha dejado mucho material interesante y desde TracktoHell, queremos recomendaros los discos que más nos han cautivado en estos últimos 31 días.

1) ChRocktikal – I’m Break, You Aware

A veces los cambios de rumbo son para mejor y aunque sea doloroso dejar el pasado atrás con un legado excelente, es necesario continuar y seguir tus propios instintos, esto es lo que ha hecho Soyeon, con su nuevo proyecto y claramente ha demostrado estar a la altura de su calidad como artista e incluso poder sorprender a la audiencia.

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2) Poppy – Empty Hands

La norteamericana ha vuelto a hacer de las suyas y como resultado ha entregado una obra cuanto menos particular, con momentos muy cañeros y otros más alternativos e incluso algo pop, cosa que ella siempre ha enseñado, pero que quizás en este disco haya potenciado un poquito más, aún así la artista sigue evidenciando que su creatividad personal está por encima de la media actual.

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3) Alter Bridge – Alter Bridge: 

Los de Florida han entregado una obra sólida, donde vuelven a jugar de manera inteligente sus cartas y acaban por llevarse la partida con mayor convicción que en otras obras pasadas, la voz de Myles Kennedy vuelve a sonar de manera impecable y sus compañeros lo acompañan de la misma manera. Sin inventar nada nuevo, AB se reafirma como uno de los mejores grupos de rock de los últimos tiempos y que sea por muchos años más.

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1) Ellende – Zerfall

Para mí, el nuevo álbum de Ellende es una obra de madurez que reafirma su identidad sin caer en la repetición. L.G. demuestra nuevamente su capacidad de usar el black metal como base, pero explorando climas, silencios y arreglos que amplían el género hacia territorios más introspectivos y atmosféricos. No busca impactar de inmediato: cada tema respira, se fragmenta y construye una narrativa interna que exige atención y tiempo. Zerfall se siente como un diálogo con su propio pasado, consolidando un proyecto que evoluciona de manera orgánica, donde la agresión es medida y cada pausa tiene un propósito. Para quienes disfrutan de un black metal profundo, emocional y cuidadosamente estructurado, este disco es un viaje más que una colección de canciones.

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2) Marianas Rest – The Bereaved

The Bereaved confirma a Marianas Rest como maestros del metal melancólico. El álbum combina riffs potentes, melodías delicadas y atmósferas sombrías de manera muy equilibrada, transmitiendo con fuerza las distintas etapas del duelo sin perder musicalidad ni emoción. Cada canción tiene su propio peso, pero el conjunto fluye con coherencia, mostrando madurez compositiva y consolidando a la banda como un referente dentro del metal extremo europeo. Es un disco que exige atención, pero recompensa con intensidad y profundidad emocional.

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3) Elwood Stray – Descending

Descending me parece una reafirmación sólida de Elwood Stray dentro del metalcore moderno. El disco equilibra agresión y accesibilidad con mucha precisión: riffs potentes, voces desgarradas y estribillos melódicos se alternan con pasajes más calmados y electrónicos, manteniendo la energía constante sin sentirse repetitivo. Cada tema cumple su función dentro del flujo general, mostrando madurez compositiva y una banda segura de su identidad, capaz de explorar matices sin perder la fuerza que los define.

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1) Ellende – Zerfall

Si buscás música que te mueva el piso, tenés que escuchar este disco. La placa juega todo el tiempo con los cambios: pasa de momentos muy tranquilos y suaves a explosiones de puro metal con gritos cargados de sentimiento.

No es solo ruido; tiene violines, piano y hasta un cover de Skyrim que encaja perfecto. Es ideal para ponerte los auriculares y desconectar de todo. Si te gusta el metal que mezcla la furia con partes más relajadas y profundas, dale una oportunidad porque te va a atrapar de principio a fin.

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2) Moon Wisdom – Let Water Flow

Si te gusta el Black Metal pero no querés algo que sea solo ruido, el debut de estos italianos, te va a interesar. Es un disco corto (dura menos de 30 minutos) y va directo al grano.

Lo que lo hace entretenido es que mezcla la fuerza del metal más clásico con ritmos que vienen del punk y momentos más melancólicos. Tenés temas rápidos como “As Rain” y otros más lentos y pesados como “Frozen Soul”. Es música ideal para cuando buscás algo oscuro, pero que a la vez tenga buenas melodías y se note bien cada instrumento.

3) Hällas – Panorama

Si buscás algo que suene distinto, tenés que darle una chance al nuevo material de los suecos. No es el típico disco de metal; es más bien un viaje al rock de los años 70, con sintetizadores que parecen de película espacial y guitarras con mucha melodía.

Lo más loco es que arranca con un tema de 21 minutos, pero no te aburrís porque todo el tiempo están pasando cosas. Es música para imaginarte historias de fantasía y mundos lejanos. Si te gusta el rock progresivo que suena “viejo” pero con fuerza, este disco es una joya que se siente como una aventura de principio a fin.

1) Lionheart – Valley Of Death II

Que masa este disco por favor. Poco a poco me voy acercando más al hardcore y discos como estos son un verdadero aval para seguir haciéndolo. ¿Lo mejor? su duración de 20 y tantos minutos y su explosividad que son un shock de energía que sirven muy bien como pre-entreno. Muy buen material de los californianos.

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2) Poppy- Empty Hands

Un discazo el que sacó Poppy en este mes, consolidándose como uno de los platos fuertes entre los artistas más jóvenes y denotando que se encuentra en un gran momento. El estilo de siempre, un disco que mezcla sus dos facetas entre lo pop y el metal, con un gran despliegue de guturales y una propuesta por demás artística, dando relevancia a las letras y el materia audiovisual.

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3) Wildhunt – Aletheia

Una obra austriaca del heavy metal y thrash más clásico habido y por haber, pero con el atenuante de que aquí el actor principal son los solos de guitarra. Si lo que te gusta es el excepcional biri-biri del lado virtuoso del género, este disco es para vos.

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1) Megadeth – Megadeth

Obviamente el gran lanzamiento del mes es el supuesto álbum final de Megadeth, de la cual tuvimos una reseña colectiva porque todos tuvimos algo para decir. Y claramente ser algo de Megadeth lo ponía inmediatamente como lo más importante de enero, pero este es un caso donde es el nombre lo que pesa, porque si fuéramos a juzgarlo por el material en sí entonces no habría mucha manteca para tirar al techo. Este Megadeth es ciertamente un álbum de la banda de Dave Mustaine, y bien podría ser un cúmulo de todo lo que el Colorado y sus músicos de turno vienen haciendo desde Endgame en adelante, más que nada en la estructura que viene repitiendo desde hace década y media: un par de temas thrasheros que dan esperanza, un par de canciones medio tiempo que son como reversiones de alguna canción de Youthanasia o Countdown To Extinction, una canción específica que será considerada de lo peor de la discografía de la Sinfónica, y otras canciones medio intrascendentes que entran por un oído y salen por el otro sin dejar mucho. Cerrar con un cover de “Ride The Lightning” de Metallica, una de las tantas canciones para las que Mustaine contribuyó durante su paso por la banda aunque fuera sólo en un par de riffs, es lo único de verdad novedoso, aunque sea una versión copiada y pegada que cambia apenas las voces. No deja mucho a menos que seas parte del culto a la personalidad en la que se ha convertido la base de fans de Megadeth.

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2) Voidhämmer – Noxious Emissions EP

Por un tema de horarios laborales no he tenido mucho tiempo para escuchar discos largos, así que decidí centrarme bastante en EPs como para tachar discos completos. En ese caso tenemos el debut de Voidhämmer, trío de death metal estadounidense que le agrega una dosis muy fuerte de punk extremo a su sonido. Noxious Emissions es un álbum que hace honor a su nombre, con cuatro canciones que parecen haber sido grabadas en una cámara llena de cadáveres. 14 minutos muy interesantes para quienes quieran un poco de death vieja escuela pero con un toque más desordenado.

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3) I Promised The World – I Promised The World EP

Otro EP al que le estuve prestando atención fue el “debut” de I Promised The World, la banda antes conocida como Sinema que acá nos trae su primer lanzamiento bajo su nuevo nombre. A pesar de ese cambio, el sonido del grupo sigue en su búsqueda de revivir esa onda de metalcore / post hardcore de mediados y fines de los 2000, el “sonido MySpace” como podríamos llamarlo. Voces gritadas y limpias, riffs medio épicos medio para moshear, melodías melosas y ese toque adolescente en la atmósfera. Nada en realidad original, pero es un sonido que no viene mal que las bandas nuevas intenten revivir, ahora con una perspectiva renovada.

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1) Megadeth – Megadeth

Megadeth se retira con este disco, que se siente como un repaso o resumen de toda su carrera. Desde temas rápidos y thrasheros como “Tipping Point”, que rememoran sus comienzos y, por qué no, parte de su última etapa, hasta otros de medio tiempo y más rockeros como “Another Bad Day”, que parecen rememorar los discos de principio de los noventa.

Al recorrer todos los temas, el disco se siente como una despedida, y el golpe final con “The Last Note” hace que se te forme un nudo en la garganta.

No es perfecto, tiene alguna caída y peca de seguir sosteniendo el resentimiento de Mustaine hacia sus excompañeros de Metallica. Esto, a base de un cover de “Ride the Lightning”, que no aporta nada. Pero es un disco digno y un cierre súper respetable para una carrera ejemplar.

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2) Ellende – Zerfall

Este disco muestra un claro avance y progreso en la carrera de la banda, que logra ponerla en lo más alto del black metal atmosférico. Muestra un desarrollo de atmósferas muy interesante, apoyado en capas de sonido que parecen “de fondo”, pero no: ahí está la sustancia del álbum. Los riffs etéreos están muy bien trabajados y hacen un gran contraste con los que buscan ir más rápido y pesado.

La batería es un punto aparte, ya que logra acompañar cada momento de la mejor manera. Un album que si te gusta el Black Metal con mucho sentimiento, te va a encantar.

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3) The Ruins of Beverast – Tempelschlaf

Tras 5 años sin sacar material, el proyecto personal de Alexander von Meilenwald vuelve con un disco sólido y orgánico. La intención es mezclar las atmósferas y la agresividad del black metal atmosférico con elementos más lentos y rituales del doom metal. Logran fusionarse de gran manera, creando momentos de todo tipo: desde rápidos y agresivos, hasta pasajes ritualísticos donde distintos sonidos van alternando su protagonismo para entregar distintas emociones.

Un disco largo, que requiere el compromiso del escucha, pero que no se vuelve denso ni aburrido.

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1) Hällas – Panorama

Sin dudas, el mejor álbum de enero y un firme candidato desde ya, para lo mejor del año. Y es que “Panorama” es mucho que solo un disco. Es un viaje. Uno hacia el pasado.

Más en concreto, hacia las gloriosas épocas del rock progresivo de los 70’. Desde su sonido y sistema de composición, la obra busca eso: retrotraer al oyente en el tiempo y llevarlo hacia los días en dónde todo se sentía más orgánico, más fluido, y más natural. En dónde las ideas musicales volaban sin ataduras, y en dónde los músicos no parecían estar preocupados por los patrones ni mandatos de la industria musical, priorizando así la libertad compositiva.

De esta forma, estamos ante una obra que vive y respira rock progresivo en su más fiel y pura esencia, que no tiene nada que envidiarle a los más grandes del género y que ubica a los suecos Hällas, ya no como una promesa, sino como
una realidad definitiva dentro del panorama actual de la música.

2) Alter Bridge – Alter Bridge

De las bandas de mayor renombre, la única que supo estar a la altura de su nombre y legado. Y es que en esta oportunidad, Alter Bridge nos presentó un disco auto titulado, que posee todos los elementos característicos del grupo
pero con la particularidad de hacerlo con mucha sobriedad y en un gran nivel. Todas las composiciones sacan a relucir la gran capacidad de la banda para entregar riffs endemoniadamente potentes, musculosos y adictivos. Cada tema
posee su impronta y personalidad. Y por su parte, la voz de Myles simplemente
brilla.

Con una duración que alcanza la hora, la obra en ningún momento se siente que se alarga o le sobra minutos. Más bien lo contrario, avanza con suma frescura y fluidez, que hace imposible no querer repetirlo una y otra vez. Un excitante disco de Hard Rock Alternativo con toques de Heavy, que funciona como un gran punto de inicio, para aquellos que todavía no escucharon nada de Alter Bridge.

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3) Wildhunt — Alethieia

Ni Megadeth, ni Kreator. El mejor disco de Thrash del mes provino de Austria y lo firmaron los muchachos de Wildhunt. Este grupo que había debutado en 2016 se tomó ni más ni menos que 10 años para volver a entregar nuevo
material discográfico. Y este es uno de esos casos dónde uno puede decir con una sonrisa en el rostro: “vaya que sí valió la pena la espera”.

“Alethieia” presenta una interesante mezcla de Heavy y Thrash Metal, todo bien amalgamado con algunas pinceladas US Power Metal, que hace inevitable no pensar en bandas como Jag Panzer, Liege Lord o Savatage. A su vez, contiene un elaborado y detallado trabajo en las guitarras, que construyen paisajes y caminos progresivos pero melódicos con sus riffs. A esto, le sumamos un tono épico en sus composiciones propios de unos Manilla Road o unos Cirith Ungol, y tenemos como resultado una excelente muestra de cómo componer un Thrash Metal tomando prestado elementos más tradicionales y técnicos del Heavy Metal.

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Buenos Aires se afirma como un territorio fundamental para el rock, el metal y el punk, con una agenda de recitales que crece y se fortalece a medida que avanza el año. Las salas y escenarios de la ciudad vibran con shows intensos y cargados de energía, donde las guitarras filosas y los golpes rítmicos marcan el pulso de cada noche. Este momento del calendario se caracteriza por giras consistentes y una amplia variedad de propuestas, creando un ambiente cercano y apasionado en el que artistas y público se encuentran cara a cara, reafirmando a estos estilos como ejes centrales de la música en vivo.

My Chemical Romance + The Hives
Fecha: 1 de Febrero en Buenos Aires.

Avenged Sevenfold + Mr. Bungle
Fecha: 3 de Febrero en Buenos Aires.

Enforcer
Fecha: 5 de Febrero en Buenos Aires.

Weather Systems
Fecha: 6 de Febrero en Buenos Aires.

Rivers of Nihil
Fecha: 6 de Febrero en Buenos Aires.

Arde La Sangre
Fecha: 7 de Febrero en Buenos Aires.

O’connor + Darlotodo
Fecha: 7 de Febrero en Buenos Aires.

Otra Salida + Worst
Fecha: 7 de Febrero en Buenos Aires.

Suicidal Tendencies – Madball
Fecha: 8 de Febrero en Buenos Aires.

Marky Ramone
Fecha: 10 de Febrero en Buenos Aires.

Adrian Barilari
Fecha: 10 de Febrero en Buenos Aires.

Psychonaut 4
Fecha: 12 de Febrero en Buenos Aires.

Tribulation
Fecha: 13 de Febrero en Buenos Aires.

Jezabel + Astral + Blacktorch
Fecha: 14 de Febrero en Buenos Aires.

Furia Metal Fest
Fecha: 14, 15 y 16 de Febrero en Zarate.

David Ellefson
Fecha: 14 de Febrero en Buenos Aires.

Obituary
Fecha: 18 de Febrero en Buenos Aires.

Elnueveonce
Fecha: 19 de Febrero en Buenos Aires.

Void Signal Vol. 1
Fecha: 20 de Febrero en Buenos Aires.

Buenos Aires Metal Fest II
Fecha: 21 de Febrero en Buenos Aires.

Fiddlehead + Rival Schools
Fecha: 8 de Febrero en Buenos Aires.

Living Colour
Fecha: 24 de Febrero en Buenos Aires.

Alesana
Fecha: 26 de Febrero en Buenos Aires.

Human Tetris
Fecha: 27 de Febrero en Buenos Aires.

Gene Loves Jezebel
Fecha: 28 de Febrero en Buenos Aires.

Dinamarca se posiciona como un punto clave para el rock, el metal y el punk, con una programación de conciertos que va tomando impulso conforme avanza el calendario. Los escenarios del país se llenan de actuaciones potentes y enérgicas, donde los riffs intensos y los ritmos contundentes dominan la experiencia en vivo. Esta etapa del año destaca por la solidez de las giras y la diversidad de propuestas, generando un clima de cercanía y entusiasmo en el que bandas y público refuerzan su vínculo, consolidando estos géneros como pilares fundamentales de la música en directo.

Paradise Lost + Saturnus + Cwfen
Fecha: 8 de Febrero en Copenhague.

Airbourne + Asomvel
Fecha: 9 de Febrero en Copenhague.

Avatar + Alien Weaponry + AGABAS
Fecha: 10 de Febrero en Copenhague.

Omnium Gatherum + Fallujah + In Mourning
Fecha: 11 de Febrero en Copenhague.

Ereb Altor + Skyforger + Wolfchant + Belore
Fecha: 11 de Febrero en Copenhague.

Terrorpy + Lightchapter + He Who Saw The Abyss
Fecha: 14 de Febrero en Copenhague.

Lorna Shore + Whitechapel + Humanity’s Last Breath + Shadow of Intent
Fecha: 15 de Febrero en Copenhague.

Powerwolf + Hammerfall + Wind Rose
Fecha: 19 de Febrero en Copenhague.

Xasthur + Lukas Häger + Pafund
Fecha: 21 de Febrero en Copenhague.

Igorrr
Fecha: 22 de Febrero en Copenhague.

Soen + Xandria + Vulkan
Fecha: 23 de Febrero en Copenhague.

Sanguisugabogg + Fulci + Gates To Hell + Celestial Sanctuary
Fecha: 26 de Febrero en Copenhague.

Durante febrero, España mantiene viva la efervescencia del rock, el metal y el punk, con una agenda de conciertos que gana fuerza a medida que avanza el año. Las salas continúan vibrando con directos intensos y sonidos contundentes, donde las guitarras afiladas y las baterías implacables marcan el pulso de la escena. Este mes se caracteriza por una mayor consolidación de giras y propuestas, creando un ambiente apasionado y entregado en el que público y artistas comparten una conexión cada vez más sólida, reafirmando estos estilos como esenciales dentro de la música en directo.

Tarja + Marko Hietala
Fechas: 2 de Febrero en Madrid y 3 de Febrero en Barcelona.

President
Fechas: 3 de Febrero en Valencia y 4 de Febrero en Madrid

Biffy Clyro
Fechas: 3 de Febrero en Valencia y 4 de Febrero en Madrid

Smith & Kotzen
Fechas: 3 de Febrero en Madrid y 4 de Febrero en Barcelona

Paleface Swiss + Stick To Your Guns + Static Dress
Fechas: 3 de Febrero en Madrid y 4 de Febrero en Barcelona

Napalm Death + Whiplash + Varukers
Fechas: 4 de Febrero en Pamplona y 5 de Febrero en Madrid.

The Cost
Fechas: 5 de Febrero en Madrid, 6 de Febrero en Valencia y 25 de Febrero en Barcelona.

Brainstorm + Glasya
Fechas: 5 de Febrero en Valladolid, 6 de Febrero en Madrid, 7 de Febrero en Badalona y 8 de Febrero en Vitoria.

Desaster
Fechas: 6 de Febrero en  Barcelona.

Sylosis + Revocation + Distant + Life Cycles
Fechas: 7 de Febrero en Barcelona y 8 de Febrero en Madrid.

Jinjer + Unprocessed + Textures
Fechas: 7 de Febrero en Madrid y 8 de Febrero en Bilbao.

Megara + Astray Valley
Fechas: 7 de Febrero en Barcelona y 13 de Febrero en Madrid.

Alterbridge + Daughtry + Sevendust
Fechas: 8 de Febrero en Barcelona y 12 de Febrero en Madrid.

Lion’s Law + First Attack + No Time
Fechas: 10 de Febrero en Madrid, 11 de Febrero en Vitoria y 12 de Febrero en Barcelona.

Cryptopsy + 200 Stab Wounds + Inferi + Corpse Pile
Fechas: 10 de Febrero en Barcelona, 11 de Febrero en Madrid y 12 de Febrero en Portugalete.

Burning Witches + Hammer King
Fechas: 11 de Febrero en Barcelona, 12 de Febrero en Murcia, 13 de Febrero en Madrid y 14 de Febrero en Vitoria.

Koma
Fecha: 13 de Febrero en Málaga.

Mayhem + Marduk + Immolation
Fecha: 15 de Febrero en Madrid.

All Time Low + Mayday Parade + Four year strong
Fechas: 15 de Febrero en Barcelona y 16 de Febrero en Madrid.

Satan + Hellgrimm
Fechas: 19 de Febrero en Barcelona, 20 de Febrero en Valencia, 21 de Febrero en Madrid y 22 de Febrero en Portugalete.

Avatar + Alien Weaponry + Witch Club Satan
Fechas: 24 de Febrero en Barcelona, 25 de Febrero en Madrid y 28 de Febrero en Portugalete.

Nos llevamos un año más al hombro y cuando menos nos dimos cuenta el milenio ya nos acomodó un cuarto de siglo de vergazos, derrotas, fracasos, pero también mucho, pero mucho ruido nacional.

Fue un excelente año para el metal mexicano, sin duda, cuando en años anteriores tuve qué rascar para elegir los mejores trabajos, sin duda este 2025 se trató más de una elección para acomodarlos en el top 10. Hubieron muchos otros discos que me parecieron excepcionales, y quizás después hablaremos de ellos, pero por el momento aquí está nuestra selección de los mejores álbumes mexicanos de este 2025.

Como siempre, esta lista no se encuentra en ningún orden específico, pero sí lleva nuestra garantía y sello de calidad. Todos los trabajos aquí merecen sendas escuchadas:

MATALOBOS – PHANTASMAGORIA: HEXED LANDS

Ampliamente comentado en este mismo sitio cuando salió a la luz, el tercer larga duración de estos titanes del doom/death mexicano es posiblemente su trabajo más complejo a la fecha. Inspirado en las historias y leyendas que caracterizan al estado mexicano de Guanajuato, este sombrió y folclórico disco de llevará por oscuros callejones, abandonadas presas embrujadas y diabólicos vals a la luz de los candelabros, el olor a tabaco y el regusto a mezcal. Con uno sonido impecable por parte de Urvn Estudio, esta importante banda de la ciudad de León lleva muchos años siendo una de nuestras favoritas, y con trabajos tan impactantes como este, se perfila a posicionarse como una de las referencias absolutas de su estilo en latinoamérica para generaciones por venir.

KALAVERAZTEKAH – NIKAN AXKAN

El metal con influencias prehispánicas suele ser una de dos cosas en México: O estar plagado de clichés sonoros que no llevan a ningún lado y que sirven como un elemento de exotización que en su mayoría es más bien consumido por un público europeo buscando al próximo Amon Amarth pero en versión mesoamericana o un refugio para etno-fascistas que tropicalizan lo peor del género con una visión indigenista. Sin embargo, Kalaveraztekah, con su mezcla de death metal técnico y una verdadera visión creativa al incorporar instrumentos y temáticas prehispánicas en su sonido, desafía la norma y nos ofrece un trabajo excepcional que capturará hasta a los oídos más escépticos. Un viaje al corazón de la brutalidad de la cosmovisión Azteca (o lo poco que comprendemos de ella).

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BURY ME IN THE DESERT – PILGRIM

Hechiceros, místicos y vaqueros, este excepcional dueto tapatío formado por The Black Wizard (Israel Moreno) y The Desert Witch (Sandra Velasco) lleva ya unos años siendo una de las referencias más destacables del sludge/doom/stoner tapatío, que a pesar de encontrarse activos desde el año 2018, es hasta este pasado 2025 que lanzaron su primera placa discográfica. Un disco lisérgico, arenoso y crujiente que se las maneja para evocar sentimientos de determinación y ruina en un ambiente liminal y hostil de manera resoluta, firme y a la vez reflexiva. Agresivos y dinámicos, esperaremos con ansías su siguiente trabajo para ver a dónde más pueden llevar sus hipnóticos ritmos.

HIEROPHANY – TENEBRARUM

Con este disco lanzado poco antes de que terminara el año, la ya longeva banda chilanga Black Hate redefine su personalidad bajo el nombre de “Hierophany”, demostrando que junto con el cambio de nombre, se abre un capitulo más para el proyecto liderado por BG Ikanunna (mente maestra detrás del México Black Metal Chaos Fest y la promotora Lucifer’s Business), demostrando que todos estos años de foguearse en la escena nacional e internacional, hombro con hombro de algunas de las figuras más renombradas del género, ha rendido frutos tanto en el reconocimiento por su proyecto, como en la calidad compositiva y de producción. Con Tenebrarum, la banda alcanza niveles estratosféricos de atmósfera y opresividad. Un trabajo que comprende una paradoja entre el dinamismo de su ejecución, con la estaticidad de su composición; casi como un statement mismo sobre la carrera y la reinvención de esta banda formada en 2006.

VOIGAZER – DISSOLVED IN STEAM

De una de las fuerzas creativas detrás de la banda de post-black metal leonense Godbelow, Voidgazer es un proyecto joven, pero que decidió poner toda la carne en el asador con algo del sludge/doom más apantallador y ponchado que se haya visto en esta región del país. Stoneroso, violento y fluctuante, esta placa de poco menos de 45 minutos de duración envuelve y llena de energía, un par de sentimientos oximorónicos en este estilo, pero que con esta banda, hace sentido. Doom dinámico, como poco se ha visto en México, demostrando que Raúl Terrones es una fuerza de cuidado en la música opresiva latinoamericana y que con el talento disponible de León, pueden dominar los terrenos musicales que quieran.

NOSTALGHIA – VOID ECSTASY

Como ya es absolutamente tradicional en esta sección anual, el talento de Alex Becerra, el músico detrás de esta brillante fuerza creativa llamada Nostalghia, nos vuelve a regalar un trabajo para las listas. Sin embargo, hay algo diferente con Void Ecstasy, tanto musicalmente, como en producto creativo, y es que en lugar de los tres álbumes por año a los que nos tiene acostumbrado este músico capitalino, esta fue su única producción del año, y se nota la intencionalidad de ello. En su etapa más floydesca y menos black metalera, Void Ecstasy es un trabajo exploratorio, mucho más enfocado a la experiencia psicodélica e instrospectiva del prog, que a los lúgubres lamentos de su trabajo más depresivo. Como si la carrera de Becerra dijera “después del trauma, viene la transformación”.

ALFHËIM – MIST, DEATH AND REVENGE

La escena tepicense es una paradoja en sí misma, pues en un lugar costeño, con una cultura mexicana tan marítima, cuesta trabajo imaginarse que un trabajo como Mist, Death and Revenge pueda fraguarse entre el húmedo calor de la ciudad. Este sentimental trabajo, repleto de naturaleza y sutilezas melódicas, parece más bien salido de un espeso pantano irlandés, pero así es la ciudad: un bastión de metal sinfónico, y Alfhëim, dignos herederos de una tradición contracultural regional, logra un disco sobrio y trascendente, que con gustosos guiños al metal extremo, ofrecen una bella experiencia para quien busca el lado más tradicional del sonido folk metal europeo.

STARFORCE – BEYOND THE ETERNAL NIGHT

Con una trayectoria respetable para una banda que recién estrena su primer larga duración, esta prominente banda de heavy metal clásico de la Ciudad de México liderada por la destacada voz de Mely Wild cimenta su sonido con un disco que sigue la línea estética del retrofuturismo sci-fi ochentero, con una producción moderna que revitaliza el sonido del heavy/power metal latinoamericano de la vieja escuela. Una inyección de velocidad y virtuosismo que permite brillar a cada uno de los miembros, aderezado con pasajes melódicos muy bien logrados que permiten una transición orgánica entre diferentes emociones e intensidades. Refrescante en su cuidada nostalgia.

PHANTOM – TYRANTS OF WRATH

Definitivamente la cara de una nueva generación de metal mexicano que se encuentran despegando su carrera de una manera poco vista en la escena extrema nacional. Con sendas giras internacionales a sus espaldas y giras norteamericanas en la vista, este cuarteto tapatío no se ha dormido en sus laureles y nos ofrece un disco grandilocuente, romántico en su aproximación al pasado del género y repleto de riffs. Parte de la Nueva Ola de Speed Metal Mexicano, junto a exponentes como Speedfreak, Anticolor y Härdrocker, este disco de 48 minutos de duración es una oda al metal DIY de la viejísima escuela. Una carta de amor a un pasado idealizado que ha sabido permear en el gusto de una generación que creció escuchando a Linkin Park y Limp Bizkit. Profetas inusuales en un tiempo inusual, pero cosas más raras se han visto y sin duda es un trabajo que entrega lo que promete y con creces.

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SILENT TOMBS – MOURNING HYMNS FROM BEYOND

Desde los inhóspitos rincones de la ciudad de Colima, en el estado de Colima, una banda que pareciera ser nueva, pero que ya lleva sus buenos 8 o 9 años en la escena nos regala un melancólico, pegador y melódico doom/death al más puro estilo de Paradise Lost o My Dying Bride con MHFB. Firmados por el mismísimo Personal Records de Jacobo Córdova (Majestic Downfall, Zombiefication, Dies Irae), esta placa con un sonido impresionantemente profundo y pesado, acorta los pasajes más melódicos y reflexivos del género y entrega pura agonía sonora. Todo un melodrama hecho música, de los buenos, los espectrales, de los malditos y grotescos. Un regalo para el doom mexicano.

Mención honorífica:
SPEEDFREAK – SEED OF EVIL 

Y como también ya es tradición cada año, existen siempre esos pequeños EPs que difícilmente pueden llevar el mote de álbum, pero que por su calidez terminan haciendo el corte, como es el caso de este pequeño pero gandalla trabajo de los niños dorados de Guadalajara. Con la flamante incorporación de Dave Villanueva a la alineación, este trabajo antojadizo y frívolo (en el mejor de los sentidos), inyecta directo en nuestras venas sedientas de chivos violentos thrasheros, además de contar con el segundo cover consecutivo de Into Crypts of Rays de Celtic Frost por una banda mexicana desde el Chronicles Of The Trephine: Creeping Abominations in Saturnine Dimensions de Becoming the Entity (2024).

Weather Systems, ¿Les suena? Seguramente no. A simple vista, el nombre de la banda tal vez no les diga mucho. Después de todo se trata de un grupo formado recién en 2022. Pero si mencionamos los nombres Daniel Cavanagh o Anathema en concreto, seguro el asunto cambie. En este especial, los invitamos a descubrir el nuevo proyecto del guitarrista y compositor inglés, que estará visitando por primera vez suelo argentino, el próximo 6 de febrero en el Teatrito, bajo la producción de Icarus Music y Talent Nation.

Los Antecedentes: Fin de Anathema y el comienzo de nuevos proyectos

Como bien recordamos, en 2020 el mundo fue azotado por la pandemia producto por el virus COVID-19, y eso llevó a un encierro masivo por parte de toda la población. Sin recitales sin festivales, sin salidas. El mundo quedó completamente paralizado. Y sin saber como reaccionar.

En este contexto, se produjo la triste noticia de la separación de Anathema. El grupo británico de Rock Progresivo Alternativo (pionero en sus comienzos del Death/Doom) había lanzado un comunicado oficial por redes, anunciando que tras todas las dificultades experimentadas durante el 2020, entrarían en un estado de “pausa indefinida”. Esta noticia evidentemente dejó a los seguidores desconsolados pero expectantes de cara a una posible reunión del grupo. Sin embargo, esas expectativas se vieron difuminadas al enterarse meses después, que la separación también se debió a diferencias creativas entre los dos pilares del grupo, Vicent Cavanagh y su hermano, Daniel.

Mientras que el primero quería seguir la línea musical del último trabajo The Optimist (2017) y enfocarse mucho más en la música electrónica, Daniel quería mantenerse fiel al espíritu progresivo sensible y retomar el lado más melancólico y emotivo de la banda.

De esta manera terminaron naciendo dos nuevos grupos. Por un lado, Vincent Cavanagh se metió de lleno en su propio proyecto en solitario, llamado The Radicant. Por el otro, nace Weather Systems: el proyecto sucesor de Anathema a cargo de Daniel Cavanagh y en claro homenaje a su aclamado disco del 2012, titulado con ese nombre, dando una idea de la dirección musical que buscaría llevar adelante.

La Conformación y lanzamiento de “Ocean Without a Shore”

Como ya mencionamos, 2022 fue el año en que Daniel Cavanagh dio a conocer la noticia de la conformación de este proyecto. Para ello, se intentó codear de viejos miembros de su antigua banda. En primer lugar había sumado a sus filas a John Douglas, mítico bajista del grupo pero finalmente, se terminó bajando del barco. Sin embargo, el que se quedó fue el portugués Daniel Cardoso. El batero y tecladista había colaborado y producido los dos últimos trabajos de Anathema, Distant Satellites (2014) y el anteriormente nombrado, The Optimist. Y en esta ocasión, se vuelve en el nuevo compañero de aventuras de Daniel.

Acompañados por Soraia Silva a cargo de las voces femeninas, el 27 de septiembre de 2024, editaron su álbum de debut, “Ocean Without a Shore” con el sello Music Theories Recordings.

Tal como mencionó Daniel, el trabajo se produjo con la intención de ser una continuación espiritual de Anathema. La obra contó con composiciones y material que el guitarrista había compuesto idealmente antes de la pandemia, para lo que tendría que haber sido el sucesor de The Optimist. De modo que tanto el sonido como la estructura de las canciones, poseen el alma y espíritu de su ex grupo.

Y es que nada más ver el nombre de algunos de los temas, quedó en evidencia la intención del músico por conectar esta obra con el mundo de Anathema. Los casos más evidentes son: “Untouchable Part 3”, que lógicamente pretende ser una tercera parte de las dos piezas anteriores del álbum Weather Systems (2012), y “Are You There? Part 2”, que es una continuación de la pieza incluida en A Natural Disaster (2003). 

No obstante, el resto de las composiciones también parecen compartir espacio en este mismo universo, ya que respiran y transmiten un alto grado emotividad y melancolía, similar al de obras como A Fine Day To Exist (2001) y We’re Here Because We’re Here (2010).

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Con una portada que funciona como una fiel contracara del lado luminoso que tenía la tapa del disco editado en 2012, “Ocean Without a Shore” se posicionó como una de las sorpresas dentro del mundo progresivo/alternativo del 2024, siendo bien recibido tanto por la crítica como por los fans más acérrimos del músico. Apoyado sobre las delicadas notas tanto del teclado como de la guitarra, la obra carga con luces y sombras a partes iguales, dando como resultado una propuesta de autor que se siente personal, íntima y por sobre todas las cosas, transparente. Y que no teme en mirar tanto al pasado, como al futuro.

El presente y comienzo del viaje

Tras un 2025 en dónde el grupo comenzó a brindar sus primeras actuaciones en vivo, ahora se encuentran el presente año afrontando lo que será su primera gira por Latinoamérica, con el propósito de compartir la música de su álbum debut, pero al mismo tiempo, de traer de vuelta aquellos míticos y conmovedores clásicos que en algún momento, creímos no volver a ver jamás. Junto con Daniel Cavanagh y Daniel Cardoso, formarán parte del tour, Soraira Silva como vocalista femenina y André Marinho en bajo y guitarra. Una oportunidad única de poder disfrutar del comienzo del viaje de un nuevo grupo, así como de los himnos de uno viejo.

Si echamos la vista un poquito atrás en el tiempo, podremos observar como a mediados de la década del 2000, hubo una catarata arrolladora de discos que influenciaron a la siguiente generación alternativa y que aún hoy muchos de ellos siguen teniendo un peso importante para las bandas que los editaron, así que en este especial os invito a recordar diez de aquellas obras que este 2026 cumplen ya la friolera de dos décadas.

1) Rise Against – The Suffering & The Witness: El año 2006, no pudo haber comenzado de mejor forma que con la publicación de The Suffering & The Witness, el cuarto disco de Rise Against y que supuso el segundo trabajo bajo el ala de la multinacional Geffen Records, pero como veremos en otros casos de la lista, este cambio de discográfica no mermó para nada la calidad de la banda norteamericana, al contrario, les dieron más presupuesto y con ello, grabaron una las obras maestras del punk melódico de este siglo. Canciones como “Survive”, “Ready to Fall”, “Prayer of the Refugee” o “The Good Left Undone”, todos himnos invencibles dentro de la carrera de los de Chicago y los cuales si somos honestos, jamás han podido superar con el paso de los años y sus discos posteriores.

2) Alexisonfire – Crisis: Sin duda una de las eras doradas para el post hardcore y el screamo más mainstream fue la década del 2000 y justamente en el trono del género y desde Canadá, los chicos de Alexisonfire fueron uno de los buques insignia del estilo junto a compañeros como The Used, Thursday, Saosin o Silverstein, todos juntos configuraron un movimiento que enamoró e influenció a todos aquellos que escuchábamos punk rock, metal y hardcore a la vez, pero ellos lo hicieron juntando todos los estilos citados y creando uno solo que hoy trae la nostalgia de los que lo vivimos expandirse por aquellos días. Esa combinación de tres voces como eran las de Dallas Green, Wade MacNeil y George Pettit, fueron un soplo de aire fresco e innovador para una escena que luego intentó imitar esta fórmula, sobre todo a nivel musical, pero nunca con la clase, la emoción y la honestidad que tenían los canadienses.

3) Bring Me The Horizon – Count Your Blessings: Cuando el Reino Unido parecía estar conquistado por bandas como Hundred Reasons y Funeral For a Friend en el terreno alternativo, Skindred y Fightstar comenzaban a despuntar y los reyes del países eran Bullet For My Valentine, hubo una banda que irrumpió con un sonido que no se parecía en nada a las bandas citadas y sin embargo logró conquistar los corazones de los fanáticos de muchos de estos grupos, hablamos por supuesto de unos (entonces noveles, pero incendiarios y desafiantes) jovencísimos Bring Me The Horizon, quienes con su disco debut, pusieron una bomba atómica en la escena metalera británica, concretamente gracias a un sonido deathcore que no se estilaba en el país por aquella época.

4) Bleeding Through – The Truth: Si hablamos de metalcore “Old School”, claramente debemos citar nombres propios como Killswitch Engage, As I Lay Dying (aunque os joda a muchos, es una de las mejores bandas que ha dado el estilo en toda su historia, fin del asunto) o incluso Unearth, pero hay una que incluso es mejor que esta última y que si bien, no llegó a los grandes recintos como las dos primeras, su relevancia e influencia posterior, es casi similar, hablamos por supuesto de los californianos Bleeding Through, quienes con su cuarto trabajo se consolidaron como una de las mejores, más intensas y arrolladoras bandas de metalcore en la historia, su estilo no solamente bebía del metal de bandas como Pantera, Machine Head o Slayer, si no también del hardcore y el punk, sumado a pinceladas medio oscuras, hicieron de la agrupación liderada por Brandan Schieppati una banda muy especial y quizás en The Truth supieron condensar todo lo que venían ofreciendo en el pasado y a su vez con el himno “Kill To Believe”, demostraron que podían llegar al mainstream sin perder su estilo rudo y callejero.

5) Billy Talent – Billy Talent II: A mediados de los 2000, el punk melódico vivía una época bastante particular, exitosa por un lado gracias a leyendas del estilo como Blink 182, The Offspring y Green Day y a la vez cuestionada por sus continuadores y es que bandas como Good Charlotte, Simple Plan, Mest, Gob, Autopilot Off o la musa del estilo hecho para MTV, Avril Lavigne, a quienes todos teníamos como “Crush” en aquél momento y soñábamos con cruzarnos con alguna chica parecida a ella en los pasillos de nuestro instituto.

Esto, frunció el ceño de quienes habían crecido en los noventa con bandas mucho más respetadas como No Use For a Name o Lagwagon, entre otros y sin embargo hubo una banda que logró hacer de puente entre ambas facciones, hablamos de Billy Talent, un cuarteto canadiense que si bien no inventaban nada nuevo, si que sorprendieron al gran público con temazos como “Try Honesty” y con su segundo disco, dieron el salto a la masividad absoluta sobre todo en países como Alemania y el Reino Unido, donde eran considerados estrellas, llenando recintos para miles de personas, algo poco habitual para una banda tan joven.

Quizás la estridente voz de Ben Kowalewicz, un chico todoterreno sobre el escenario y que podía sonar melódico y agresivo a la vez, pero con el gancho suficiente como para llegar a un gran público, la muestra fue aquellos dos “Sold Out” históricos en el Brixton Academy de Londres al año siguiente del lanzamiento de su segundo disco y como evidenciaron que su explosión era evidente e imparable.

6) AFI – Decemberundeground: Otro de los grupos que tuvo su explosión comercial en esta época, fueron sin duda, los californianos AFI, quienes al cambiar de discográfica (algo muy cuestionado por sus fans más “Old School) y visto el éxito de su disco anterior (el majetuoso Sing The Sorrow, el cual llegó a vender un millón de copias solo en Estados Unidos), se acabaron por consolidar con su séptimo disco, el cual contaba con una imagen blanca y cristalina, pero que no perdía un ápice de intensidad y a la cual se le añadía un toque melancólico, romántico y sensual gracias a la voz de un Davey Havok, que se convirtió en referente absoluto de miles de personas.

Con temas como “Miss Murder”, “Kill Caustic” o “Love Like Winter”, los chicos de AFI llegaron a la cima de su carrera y cerraron la gira de aquel disco llenando el mítico Long Beach Arena ante más de 12 mil personas, consolidándolos como una de las bandas más destacadas de su generación.

7) Trivium – The Crusade: Desde Orlando y con un aire fresco, cañero y dispuesto a arrasar, Trivium llegaban al 2006 con una misión, superar el fenómeno que supuso su segundo disco Ascendancy, el cual es considerado como uno de los mejores discos de la banda y del estilo en este siglo.

Pues con The Crusade, la banda siguió su evolución lógica y entregaron una obra sólida, llena de matices a descubrir con cada escucha y cuyas referencias miraban hacia el pasado una vez más: Megadeth, Slayer, Iron Maiden, Pantera y sobre todo Metallica, demostrando que estos chicos, aún siendo muy jóvenes todavía, tenían claro que el heavy metal debía volver a resurgir y llegar a las grandes masas como antaño y ellos junto a Avenged Sevenfold, Atreyu, Bullet For My Valentine o Killswitch Engage, lo lograron.

8) Fightstar – Grand Unification: Seguramente sea el nombre más infravalorado de este especial y es que la carrera de Fightstar ya empezó con muchísimo ruido, expectación y una pizca de polémica.

Y esto se debe pura y exclusivamente a la figura de su cantante y guitarrista, el cual no era otro que Charlie Simpson, pero porque la figura de este chico puso a su nuevo proyecto en el ojo del huracán, pues básicamente porque el músico había dejado hacía unos meses atrás Busted, la banda de pop rock británica más exitosa de los 2000 junto a McFly, justo el momento más importante de su carrera y esto fue un jarro de agua fría para los seguidores de la agrupación que formó junto a Matt Willis y James Bourne, muchos de los cuales no le perdonaron por muchos años semejante “Traición”.

Lo que estos adolescentes no sabían era que Charlie era el más alternativo de los tres, no en vano ya en conciertos con Busted salía portando camisetas de Deftones, The Cure, Thrice o Smashing Pumpkins, con lo cual quizás si fue bueno para él abandonar un proyecto que seguramente se le empezaba a quedar pequeño, por muy paradójico que esto pudiese resultar a ojos comerciales.

Así pues, el 13 de marzo, salió el primer disco, Grand Unification, y con él llegó el tsunami y es que si, Simpson mostraba una cara totalmente distinta a lo que había hecho con su banda anterior y su sonido era mucho más intenso, agresivo, con ciertos pasajes melódicos y un acercamiento firme al post hardcore que tan de moda estaba por aquellos días, la prensa especializada se apresuró en colocarlos como una de las revelaciones británicas del 2006 y posicionarlos dentro de la nueva ola del estilo con artistas como Funeral For a Friend, Thursday, The Used, Thrice y por supuesto Story of The Year.

Dentro del disco había joyas como “Sleep Well Tonight”, “Paint Your Target” o la propia “Grand Unification”, que si te gusta el género pero no conoces a Fightstar y su música, no debes dejar escapar jamás.

9) Papa Roach – The Paramour Sessions: Para el 2006, creo no exagerar si afirmó que el “Nu Metal”, estaba atravesando su momento más delicado y decadente y es que al público cada vez le interesaba menos lo que hacía seis años era carne de éxito, millones de discos vendidos y portadas de revistas por doquier.

Por esta razón es que el metal alternativo comenzó a ocupar su lugar y de ahí surgieron bandas como Three Days Grace o Breaking Benjamin, con un sonido más denso, deprimente y a la vez pegadizo, por otro lado la euforia generada por Avenged Sevenfold, Bullet For My Valentine o Atreyu, hicieron que otras bandas diesen una vuelta de tuerca a su sonido característico en favor de algo más rockero y moderno.

Quizás a la banda que mejor le funcionó dicho cambio de estilo fue a los muchachos de Papa Roach, quienes tras un justito LoveHateTragedy en 2002 y un mucho mejor resuelto Getting Away With Murder en 2004, donde con temas como “Scars” o “Not Listening”, ya se empezaba a intuir un cambio en el sonido de los californianos, algo que se materializó mucho más en este The Paramour Sessions, donde la banda se empapó de influencias rockeras (según la banda lo que más escucharon fue Mötley Crüe, Aerosmith, Faith No More, Red Hot Chili Peppers o Iron Maiden) y esto se pudo ver ya en el explosivo primer single “To Be Loved…” y en otros cortes como “Forever” o “Reckless”, siendo un golpe sobre la mesa para estos chicos que de haber seguido con el sonido de Infest, quizás hoy en día no estarían aquí.

10) My Chemical Romance – The Black Parade: Para cerrar esta nostálgica y fantástica lista, no podían faltar ellos, la banda que reventó la escena alternativa con este disco, la banda que influenció a millones de personas y cuyo legado fue, es y será indiscutible.

Hablamos por supuesto de My Chemical Romance, los de New Jersey que ya venían en un ascenso meteórico gracias a su anterior trabajo Three Cheers For Sweet Revenge (para muchos el mejor de la banda, para otros al mismo nivel que su siguiente trabajo, que nos ocupa ahora en el especial), se colocaron como una de las bandas del momento y su sonido estaba por todos lados, surgiendo claros imitadores como Aiden, I Am Ghost o Bleed The Dream (Alguien se acuerda de ellos?), quizás por esta misma razón y a riesgo de perder su creatividad musical, la banda pegó un volantazo y en aquel lejano 11 de septiembre de 2006, MCR publicó “Welcome to the Black Parade”, primer single de su tercer y esperadísimo trabajo al cual le da título y como se suele decir… El resto es historia…

Solo 5 minutos y 15 segundos les bastaron a Gerard Way, Frank Iero, Ray Toro, Mikey Way y Bob Bryar, para cambiar la historia alternativa moderna, con un comienzo pausado, al que le siguió una continuación in crescendo para explotar en el estribillo más pop punk, los de New Jersey crearon su propia mini ópera rock moderna y con ella cambiaron la industria alternativa, pasando de grandes recintos a los estadios de medio mundo, llenando todo tipo de portadas y trayendo un sonido que con sus diferentes elementos nos regaló quizás el mejor disco de aquel año, un disco que se convirtió en un monstruo imparable, que casi acaba con la banda al mismo tiempo que los llevó a vender más de 4 millones de copias en todo el mundo y cuya continuación no tuvo nada que ver, evidenciando lo gran banda que eran y la gran creatividad artística que My Chemical Romance ha sabido desarrollar a lo largo de su historia.

A estas alturas, el nombre de Symphony X es prácticamente sinónimo de Metal Progresivo. Hablar de ellos implica hacerlo de una de las mayores instituciones del género. Un grupo que supo conjugar una identidad a través de un sonido neoclásico virtuoso y elegante, combinado con un tono heroico y épico en sus composiciones.

Con más de 30 años de carrera, el conjunto de Michael Romeo arriba a tierras argentinas el próximo 17 de marzo en el Teatro Flores, para celebrar sus mayores éxitos. En este especial, venimos repasar cinco aspectos que ayudan a entender el camino que recorrieron para forjar su estatus y éxito. También explorar los motivos por los que no te lo podés perder en vivo. 

El carácter conceptual de sus obras

Es de público conocimiento la fuerte y marcada influencia de obras literarias en las composiciones de Symphony X. Al punto, que se volvió en uno de los mayores rasgos reconocibles del grupo. 

Foto sitio oficial

El caso más famoso sin duda es su canción “The Odyssey” del álbum homónimo del 2002. Esta composición de 24 minutos se encuentra directamente influenciada en el poema “La Odisea” de Homero y está llena de pasajes y arreglos épicos, que musicalizan con heroísmo y dramatismo, el viaje del histórico personaje griego. 

Sin embargo, esta pieza no es el único relato literario que el grupo proyectó musicalmente. El álbum Paradise Lost (2007) está inspirado de forma libre en el poema del inglés John Milton. Underworld (2015) toma como temática y principal núcleo narrativo “La Divina Comedia” de Dante, explorando temáticas como el infierno, el pecado, y la redención. 

Por su parte, V: The New Mythology Suite (2000) es un disco íntegramente conceptual, basado en los mitos de la civilización antigua y perdida, de Atlántida. Si bien es la única obra de su catálogo que narra una historia de principio a fin, no cabe duda de que la literatura es un factor clave en el proceso compositivo y musical del grupo, otorgándole una riqueza y profundidad a sus letras.

Las influencias musicales de Michael Romeo 

Sin duda alguna, la mente y alma de Symphony X es Michael Romeo. Es su creación y en base a sus inquietudes musicales, es que el grupo construyó su sonido e identidad. Y eso se nota en las influencias musicales que tuvo el músico a lo largo de su vida. 

Si bien es reconocido por su virtuosismo y precisión en la guitarra, lo cierto es que Romeo se introdujo en el mundo de la música a través del piano. Sus padres contrataron a un profesor particular que lo visitaba una vez a la semana. Y fue así, que a sus 10 años, ya empezó a conocer compositores clásicos que en el futuro se volverían grandes inspiraciones para sus obras como Bach, Beethoven, Mozart y Verdi. 

Por su parte, recién sus 12 años empezó a escuchar Kiss y Ozzy Osbourne. Hecho que llevó al pequeño Romeo a tocar la guitarra. A partir de ahí, comenzó un viaje de ida hacia el rock que lo llevó a tener como principales influencias a músicos como Randy Rhoads, Ritchie Blackmore, Uli Jon Roth y en especial, Yngwie Malmsteen, que impactaría fuertemente en el sonido neoclásico de Symphony X en sus primeros años. 

Esta mezcla de influencias ha llevado a que Romeo consiga fusionar en su estilo, la elegancia y teatralidad de la música clásica, con la potencia y velocidad del Rock/Metal. Convirtiéndole en uno de los guitarristas y compositores mas virtuosos y completos del género.

Su estrecha y particular relación con Japón 

Foto sitio oficial

Al tratarse de un grupo norteamericano, uno pensaría que Symphony X debutó con un sello discográfico de su mismo país. Pero lo cierto es que no. Nada más alejado de la realidad, quién puso su ojo y atención en el señor Michal Romeo tras grabar su primera demo The Dark Chapter en 1994, fue una discográfica en Japón. La ahora extinta Zero Corporation Label. Aun así, las grabaciones de su álbum debut se hicieron en Nueva York, en los estudios de The Hit Factory.

No obstante, la relación del grupo con Japón no quedaría solo ahí. Durante sus primeros cuatro años de carrera (1994-1998), la banda sólo se enfocó en componer y sacar material de estudio. Pero no en hacer interpretaciones en vivo. Es así, que su debut sobre los escenarios se dio recién en junio de 1998. Casualmente, en suelo japones.

De esta forma, el grupo logró mayor alcance y un especial vínculo con el país del sol naciente que se completó con el uso de la actual guitarra de Michael Romeo: un modelo personalizado Dellinger Prominence-MJR, de la marca Caparison. ¿De que país? Ni más, ni menos que Japón. Una particular conexión que los volvió extremadamente populares allá.

La fuerte unión de sus miembros

Otro aspecto que caracteriza a Symphony X es su estable y unida alineación. Y es que a lo largo de los años, el grupo ha sabido mantener una base sólida dentro de sus líneas, con pocas alteraciones. 

La primera y más visible sin duda, fue la de su cantante. Ya hemos mencionado a Romeo como el alma y mente del grupo. De eso no cabe discusión. Pero si tuviéramos que decir quién es la voz, todas las respuestas apuntarían a Russell Allen. Y es que el vocalista ha grabado todos los clásicos y éxitos del grupo. Sin embargo, para sorpresa de algunos, Allen no es un miembro original. Ya que antes de su llegada hubo otro vocalista: Rod Tyler, quién grabó el debut homónimo en 1994. Allen llegarían recién para el siguiente lanzamiento, The Damnation Game (1995), para luego escribir la historia que ya conocemos.

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Por su parte, el puesto de baterista corrió casi siempre a cargo Jason Rullo. Sólo hubo un disco dónde el batero dijo ausente y fue en Twilight in Olympus (1998). A su vez el bajista original, Thomas Miller, fue miembro activo del grupo hasta esa obra. ¿El motivo? El comienzo de las giras y tours por distintos países, llevaron a que el músico no continuará. En su lugar, ingresará Michael LePond, quién ocupa el puesto hasta la fecha.

Como Michael Pinnella fue siempre la mano derecha de Romeo y estuvo presente en todas las grabaciones, como tecladista, la alineación de Symphony X no sufre modificaciones desde 1999, marcando la fuerte unión de sus miembros y la visión musical que comparten. 

Discos autoproducidos

Por último, una cualidad que empezó a desarrollar el quinteto a partir de The Odyssey, es la de producir los discos por sus propios medios. Tras el lanzamiento de V: The New Mythology Suite” en 2000, Romeo se encargó de la producción de sus siguientes obras, de forma solitaria, priorizando un enfoque más orquestal y pesado. Como resultado de esta búsqueda, salieron trabajos como Paradise Lost (2007) y Iconoclast (2011), que presentan un sonido mucho más moderno y oscuro, y composiciones más directas, que se alejan del carácter neoclásico de sus primeras obras. 

Esta nueva mirada compositiva llevó al grupo a captar nuevas audiencias, pero sin perder la base sólida de fanáticos que ya tenían, marcando un camino musical que el grupo supo abrazar en Underworld (2015) y que en un futuro, averiguaremos si lo mantienen en su próximo lanzamiento.

Por primera vez, en el marco del “Knightclub Tour”, Feuerschwanz tomara por asalto El Teatrito (Sarmiento 1752, CABA) el jueves 23 de abril de 2026 para enfrentarse a los fans que tiene en la Argentina.

Con una combinación de folk metal medieval, power metal y melodías sinfónicas, Feuerschwanz propone recorrer los clásicos de su discografía y temas de su más reciente producción “Knightclub” lanzada durante el mes de agosto de 2025.

Con una formación plenamente consolidada desde hace unos años (Peter Henrici y Ben Metzner, en las voces principales y otros instrumentos; Stephanie Pracht, violín; Hans Platz, guitarra; Jan Jamaszyk, bajo; Rolf Hering, batería; y las danzantes Susi Miez y Jenny Diehl, en su rol de Schildmaid), el disco lanzado en el año que acaba de concluir presenta todas las notas características que le vienen permitiendo a la banda ser el centro de atención durante los últimos años en diferentes festivales del viejo continente.

Envuelto en esa aura característica de un folk metal medieval, matizado con guiños a otros géneros del metal, y la presencia de reconocidos invitados, “Knigthclub” muestra la magistral composición de la banda al momento de combinar distintas melodías musicales con un tinte irónico. En el marco de esa producción destacan temas tales como “Valhalla”, donde resalta la participación de una de las damas del metal de todos los tiempos, Doro; “Testament”, con un estribillo ganchero de principio a fin; y “Lord of fyre”, con la participación de Lord of the Lost, y sus estrofas en inglés, cierra la placa mostrando la excelente sinergia que han conseguido ambas bandas.

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Esta primera visita de Feuerschwanz nos permite proponerte un recorrido por la discografía de una banda que resulta bastante prolífica en la materia. Y, para los desprevenidos, una aclaración necesaria: la mayoría de los temas están cantados en el idioma natal de estos teutones.

En forma plenamente arbitraria, podríamos distinguir tres etapas en la mencionada discografía. En un primer momento, que a nuestro entender comprende los 4 primeros discos, es nítida la preponderancia de las melodías folk en las producciones de la agrupación, con escasos guiños al heavy metal y una atmósfera de ironía y diversión.

Así nos encontramos con el primer lanzamiento de la banda que data del año 2025, “Prima Nocte”, un disco con clara preponderancia de la vertiente folk de la banda y melodías que te mantienen entretenido de principio a fin. Merecen destacarse el tema que le da nombre al álbum, una verdadera joya folk impregnada de melodías paganas, y “Gute Nacht” que es la canción más metalera de la placa.

Sucedieron a esta placa, “Met & Miezen” (2007) donde continúa la preponderancia del folk y “Metvernichter” (2009) que muestra un aire más metalero de arranque. En este último álbum podemos resaltar “Vampir”, con un aire un poco más pesado y rápido al que los germanos nos tenían acostumbrados hasta ese momento, y “Schnaps und Schnecken”, puro ritmo folk.

Esta primera etapa encuentra su cierre con el lanzamiento de “Wunsch ist Wunsch” en el ya lejano año 2011, un disco que sigue presentando un folk puro, pero con un aire más hardrockero. Podríamos destacar el tema que da nombre al disco y “Symposium”.

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La segunda etapa está marcada por dos lanzamientos que no vas a poder encontrar en Spotify, lo cual resulta extraño porque son las producciones donde la banda comienza a virar hacia un sonido nítidamente de folk metal. “Walhalligalli” (2012) donde podemos oír guitarras más rifferas, pero siempre manteniendo la característica folk. Se destacan “Mach dich frei”, que abre el álbum, “Bandit”, con una interesante melodía folk que te hará mover la jarra de cerveza de arriba abajo, y “Rübezahl”.

La otra joya que deberás esmerarte en encontrar es “Auf’s Leben!” (2014) puesto que definitivamente marca la consolidación del folk metal. Destacan la canción que da nombre al álbum, “Mann aus Metall”, donde predomina un riff pesado y oscuro, e “In Vino Veritas”, jocosa y que invita al brindis.

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Finalmente, la tercer y última etapa, que se mantiene hasta la actualidad, reconoce su inicio con “Sex is Muss” (2016) pues estamos ya en presencia de un folk metal claramente. Siempre se encuentra presente el tono divertido y de parodia, pero acompañado por metal esta vez. Destaca “Hexenjagd”, con un inicio hilarante.

Esta placa fue seguida por “Methämmer” (2018), un álbum más metalero, con riffs más claros y nítidos, mezclados con las siempre presentes melodías folk. Destacan “Schubsetanz”, “Die Horner Hoch”, un himno folk para gritar a viva voz su estribillo, “Prinzessin” y “Operation Drachensturm”

El tercer lanzamiento de esta etapa está constituido por “Das elfte Gebot” (2020) destacan “Meister der Minne”, “Das elfte gebot”, “Kampfzwerg” y “Lords of Powermet”, dando lugar a una de las canciones de la banda con más influencia powermetalera.

En el año 2021 nos encontramos con “Memento Mori” donde sobresalen “Untot im Drachenboot”, con algún guiño al power metal, “Ultima nocte”, con una atmósfera que hace imposible no pensar en sus compatriotas de Powerwolf, y “Rausch der barbarei”, con Hamaton de invitados, logrando una interesante fusión entre la onda de ambas bandas.

Merecen mención en “Fegefeuer” (2023) “Bastard von Asgard”, con la participación estelar de Fabienne Erni de Eluveitie, un tema de alto nivel que, además de la belleza que le aporta la voz de la invitada, cuenta con una melodía y una velocidad que hacen que este destinada a convertirse en un clásico infaltable de la banda, “Berzerkermode”, con un estribillo para su ejecución en vivo, y “Fegefeuer”.

La siguiente producción es la que cuenta con más temas cantados en inglés e invitados. “Warriors” del año 2024 nos sorprende con “Highlander” (versión en inglés), “The unholy grail”, donde cuentan con invitados con Dominum y Orden Ogan, “Momento Mori (versión en inglés), con la participación tanto de los Lord of the Lost como de Chris Harms, y “Song of ice and fire”, y la colaboración de Patty Gurdy.

Definitivamente, la consolidación de la banda tiene lugar en esta etapa. La propuesta de un folk metal, con algunos guiños de power metal y otras vertientes del metal incluso, se consolida en base a riffs más presentes y marcados conformando una perfecta armonía con las melodías folks que predominan, conformando la fórmula que ha permitido a Feuerschwanz llevar su propuesta a los principales festivales europeos y, próximamente, permitir su arribo a tierras latinoamericanas.

De la mano de ICARUS MUSIC tenemos la posibilidad de ser parte de una noche con lo mejor del folk metal europeo. Una velada para ceñirse la espada a la cintura, colocarte la armadura y no olvidarte el cuerno para brindar y saltar con la propuesta de estos teutones.

Dentro del tsunami de visitas internacionales que nos depara este 2026, de la mano de Icarus Music el viernes 24 de abril de 2026 se estarán presentando en la Argentina Visions Of Atlantis, como banda invitada especial de los suecos Amaranthe, en El Teatrito (Sarmiento 1752, CABA), garantizando una noche junto a lo mejor del actual metal europeo.

Los austriacos de Visions Of Atlantis nos prometen una noche de pura melodía metálica al son de su propuesta de power metal sinfónico y la impronta pirata que dejaron traslucir a partir de su disco Wanderers y que adoptaron definitivamente desde el año 2022 con Pirates.

Luego de sus inicios en el año 2000, con su metal sinfónico y la combinación de voces limpias masculinas y femeninas que los caracterizó desde su primera época, VoA atravesó diversos cambios de formación, especialmente en las voces, lo que no les impidió editar cinco discos, logrando consolidarse definitivamente a partir de la incorporación en las voces femeninas de Clémentine Delauney.

En esa primera época, la banda lanzó al mercado trabajos de estudio entre los años 2004 y 2013, Eternal Endless Infinity (2002), Cast Away (2004), Trinity (2007), Delta (2011) y Ethera (2013), donde mostraron las notas que caracterizarían a la banda a lo largo de su carrera: un metal sinfónico por excelencia con la conjunción de voces limpias femeninas y masculinas. Sin embargo, a pesar de ese inicio prolífico en cuanto a lanzamientos, los constantes cambios de formación, esencialmente en el rol de cantantes, conspiraron contra la consolidación plena de la banda.

Pero esa consolidación comenzó a vislumbrarse a partir del ingreso en el rol de las voces femeninas de Clémentine Delauney y el lanzamiento de The Deep & the Dark en el año 2018. Los tres álbumes lanzados con posterioridad posibilitaron la consagración definitiva de la banda y el establecimiento de una formación más estable, permitiendo a la banda poner de manifiesto ante el público la riqueza de su propuesta.

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Teniendo en cuenta esa, podríamos denominar, nueva etapa de la banda a continuación te recomendamos los mejores temas, a criterio del staff de TTH, que integran cada uno de los discos editados con Clémentine al mando de las voces.

El primero de ellos es The Deep & the Dark (2018) y entre los temas que merecen destacarse se encuentran el que da título al álbum y abre la producción “The Deep And The Dark”; “Return To Lemuria”; “The Silent Mutiny”, una mezcla perfecta de melodía y pesadez; y “Words Of War”, poseedor del mejor estribillo a dos voces de la producción.

La placa pone de relieve el nivel sinfónico de la banda, sin dejar de lado el peso metalero de esas sinfonías, y muestra la calidad y colores de la voz de Clémentine Delauney. En esta producción las voces masculinas se encuentran a cargo de Siegfried Samer (cantantes de la banda Dragony, cuya escucha si son amante del metal sinfónico te recomendamos).

Inmediatamente después del anterior sale a la luz Wanderers (2019) que consolida el camino musical y creativo de la agrupación austriaca y marca la incorporación en la voz masculina de Michele Guaitoli (también una de las voces de la banda italiana de power metal melódico Temperance).

Entre las canciones destacables podemos señalar “Release My Symphony”, un tema extenso para lo que suele ofrecernos la banda y que pone sobre la mesa todas sus virtudes; “A Journey To Remember”; “To The Universe” y “At The End Of The World”, con uno de los estribillos más pegadizos del álbum.

Es en este álbum donde la banda comienza a dejar vislumbrar el cambio hacia la temática pirata que tomaría cuerpo a partir de los dos siguientes lanzamientos. Una característica del disco es la mayor participación de la voz masculina en comparación con el anterior.

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Ya definitivamente con una impronta pirata tanto en las letras como en la apariencia, la banda lanza el tercer álbum de esta etapa Pirates (2022). Con un arranque demoledor la placa nos presenta una seguidilla de temas que merecen destacarse, y escucharse una y otra vez: “Pirates Will Return”, toda una declaración de principios para abrir el lanzamiento; “Melancholy Angel”; “Master The Hurricane” y “Clocks”, tema ideal para su presentación en vivo, siendo estos tres últimos cortes de difusión del álbum. Otros temas recomendables que forman parte de esta joya en la discografía de la banda austriaca son “Legion Of The Seas”; “Wild Elysium”, mostrando ambos temas la potencia que también puede ofrecer la banda; y “Mercy”.

Sin duda, la producción más lograda, a criterio de quien escribe estas líneas, de la discografía de la banda. Se nota la consolidación de la formación y la cada vez mayor complementación entre las dos voces.

Finalmente, nos encontramos con la última producción de los austriacos Pirates II – Armada (2024) y que es el disco que aún se encuentran presentando sobre las tablas (aunque contamos con el anuncio del lanzamiento para febrero de la versión instrumental de este disco). Cuenta con temas que relucen como “The Land Of The Free”; “Monsters”; “Armada”; “The Dead Of The Sea”, donde las voces de Clémentine y Michele se complementan a la perfección; “Hellfire”, un tema donde destacan la combinación de lo power y lo sinfónico y la voz de Clémentine se luce; y “Where The Sky And Ocean Blend”, un tema que excede la duración promedio a que nos tiene acostumbrados la banda, pero que le permite desplegar todos los trucos musicales propios del género.

Esta producción marca la definitiva consolidación del cambio estético y de temática que llevó a cabo la banda en estos últimos años. Una jugada arriesgada que salió bien, ya que las nuevas producciones han ofrecido a los oyentes temas impregnados de sinfonía y dureza, todo ello encuadrado por la dulzura de la voz de Clémentine.

El 24 de abril de 2026 el barco pirata tripulado por Visions Of Atlantis tocará suelo argentino. No te pierdas la oportunidad de ser testigos de la sinfonía y la potencia que estos piratas tienen para nosotros.

El primer mes del año nos ha dejado mucho material interesante y desde TracktoHell, queremos recomendaros los discos que más nos han cautivado en estos últimos 31 días.

1) ChRocktikal – I’m Break, You Aware

A veces los cambios de rumbo son para mejor y aunque sea doloroso dejar el pasado atrás con un legado excelente, es necesario continuar y seguir tus propios instintos, esto es lo que ha hecho Soyeon, con su nuevo proyecto y claramente ha demostrado estar a la altura de su calidad como artista e incluso poder sorprender a la audiencia.

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2) Poppy – Empty Hands

La norteamericana ha vuelto a hacer de las suyas y como resultado ha entregado una obra cuanto menos particular, con momentos muy cañeros y otros más alternativos e incluso algo pop, cosa que ella siempre ha enseñado, pero que quizás en este disco haya potenciado un poquito más, aún así la artista sigue evidenciando que su creatividad personal está por encima de la media actual.

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3) Alter Bridge – Alter Bridge: 

Los de Florida han entregado una obra sólida, donde vuelven a jugar de manera inteligente sus cartas y acaban por llevarse la partida con mayor convicción que en otras obras pasadas, la voz de Myles Kennedy vuelve a sonar de manera impecable y sus compañeros lo acompañan de la misma manera. Sin inventar nada nuevo, AB se reafirma como uno de los mejores grupos de rock de los últimos tiempos y que sea por muchos años más.

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1) Ellende – Zerfall

Para mí, el nuevo álbum de Ellende es una obra de madurez que reafirma su identidad sin caer en la repetición. L.G. demuestra nuevamente su capacidad de usar el black metal como base, pero explorando climas, silencios y arreglos que amplían el género hacia territorios más introspectivos y atmosféricos. No busca impactar de inmediato: cada tema respira, se fragmenta y construye una narrativa interna que exige atención y tiempo. Zerfall se siente como un diálogo con su propio pasado, consolidando un proyecto que evoluciona de manera orgánica, donde la agresión es medida y cada pausa tiene un propósito. Para quienes disfrutan de un black metal profundo, emocional y cuidadosamente estructurado, este disco es un viaje más que una colección de canciones.

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2) Marianas Rest – The Bereaved

The Bereaved confirma a Marianas Rest como maestros del metal melancólico. El álbum combina riffs potentes, melodías delicadas y atmósferas sombrías de manera muy equilibrada, transmitiendo con fuerza las distintas etapas del duelo sin perder musicalidad ni emoción. Cada canción tiene su propio peso, pero el conjunto fluye con coherencia, mostrando madurez compositiva y consolidando a la banda como un referente dentro del metal extremo europeo. Es un disco que exige atención, pero recompensa con intensidad y profundidad emocional.

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3) Elwood Stray – Descending

Descending me parece una reafirmación sólida de Elwood Stray dentro del metalcore moderno. El disco equilibra agresión y accesibilidad con mucha precisión: riffs potentes, voces desgarradas y estribillos melódicos se alternan con pasajes más calmados y electrónicos, manteniendo la energía constante sin sentirse repetitivo. Cada tema cumple su función dentro del flujo general, mostrando madurez compositiva y una banda segura de su identidad, capaz de explorar matices sin perder la fuerza que los define.

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1) Ellende – Zerfall

Si buscás música que te mueva el piso, tenés que escuchar este disco. La placa juega todo el tiempo con los cambios: pasa de momentos muy tranquilos y suaves a explosiones de puro metal con gritos cargados de sentimiento.

No es solo ruido; tiene violines, piano y hasta un cover de Skyrim que encaja perfecto. Es ideal para ponerte los auriculares y desconectar de todo. Si te gusta el metal que mezcla la furia con partes más relajadas y profundas, dale una oportunidad porque te va a atrapar de principio a fin.

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2) Moon Wisdom – Let Water Flow

Si te gusta el Black Metal pero no querés algo que sea solo ruido, el debut de estos italianos, te va a interesar. Es un disco corto (dura menos de 30 minutos) y va directo al grano.

Lo que lo hace entretenido es que mezcla la fuerza del metal más clásico con ritmos que vienen del punk y momentos más melancólicos. Tenés temas rápidos como “As Rain” y otros más lentos y pesados como “Frozen Soul”. Es música ideal para cuando buscás algo oscuro, pero que a la vez tenga buenas melodías y se note bien cada instrumento.

3) Hällas – Panorama

Si buscás algo que suene distinto, tenés que darle una chance al nuevo material de los suecos. No es el típico disco de metal; es más bien un viaje al rock de los años 70, con sintetizadores que parecen de película espacial y guitarras con mucha melodía.

Lo más loco es que arranca con un tema de 21 minutos, pero no te aburrís porque todo el tiempo están pasando cosas. Es música para imaginarte historias de fantasía y mundos lejanos. Si te gusta el rock progresivo que suena “viejo” pero con fuerza, este disco es una joya que se siente como una aventura de principio a fin.

1) Lionheart – Valley Of Death II

Que masa este disco por favor. Poco a poco me voy acercando más al hardcore y discos como estos son un verdadero aval para seguir haciéndolo. ¿Lo mejor? su duración de 20 y tantos minutos y su explosividad que son un shock de energía que sirven muy bien como pre-entreno. Muy buen material de los californianos.

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2) Poppy- Empty Hands

Un discazo el que sacó Poppy en este mes, consolidándose como uno de los platos fuertes entre los artistas más jóvenes y denotando que se encuentra en un gran momento. El estilo de siempre, un disco que mezcla sus dos facetas entre lo pop y el metal, con un gran despliegue de guturales y una propuesta por demás artística, dando relevancia a las letras y el materia audiovisual.

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3) Wildhunt – Aletheia

Una obra austriaca del heavy metal y thrash más clásico habido y por haber, pero con el atenuante de que aquí el actor principal son los solos de guitarra. Si lo que te gusta es el excepcional biri-biri del lado virtuoso del género, este disco es para vos.

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1) Megadeth – Megadeth

Obviamente el gran lanzamiento del mes es el supuesto álbum final de Megadeth, de la cual tuvimos una reseña colectiva porque todos tuvimos algo para decir. Y claramente ser algo de Megadeth lo ponía inmediatamente como lo más importante de enero, pero este es un caso donde es el nombre lo que pesa, porque si fuéramos a juzgarlo por el material en sí entonces no habría mucha manteca para tirar al techo. Este Megadeth es ciertamente un álbum de la banda de Dave Mustaine, y bien podría ser un cúmulo de todo lo que el Colorado y sus músicos de turno vienen haciendo desde Endgame en adelante, más que nada en la estructura que viene repitiendo desde hace década y media: un par de temas thrasheros que dan esperanza, un par de canciones medio tiempo que son como reversiones de alguna canción de Youthanasia o Countdown To Extinction, una canción específica que será considerada de lo peor de la discografía de la Sinfónica, y otras canciones medio intrascendentes que entran por un oído y salen por el otro sin dejar mucho. Cerrar con un cover de “Ride The Lightning” de Metallica, una de las tantas canciones para las que Mustaine contribuyó durante su paso por la banda aunque fuera sólo en un par de riffs, es lo único de verdad novedoso, aunque sea una versión copiada y pegada que cambia apenas las voces. No deja mucho a menos que seas parte del culto a la personalidad en la que se ha convertido la base de fans de Megadeth.

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2) Voidhämmer – Noxious Emissions EP

Por un tema de horarios laborales no he tenido mucho tiempo para escuchar discos largos, así que decidí centrarme bastante en EPs como para tachar discos completos. En ese caso tenemos el debut de Voidhämmer, trío de death metal estadounidense que le agrega una dosis muy fuerte de punk extremo a su sonido. Noxious Emissions es un álbum que hace honor a su nombre, con cuatro canciones que parecen haber sido grabadas en una cámara llena de cadáveres. 14 minutos muy interesantes para quienes quieran un poco de death vieja escuela pero con un toque más desordenado.

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3) I Promised The World – I Promised The World EP

Otro EP al que le estuve prestando atención fue el “debut” de I Promised The World, la banda antes conocida como Sinema que acá nos trae su primer lanzamiento bajo su nuevo nombre. A pesar de ese cambio, el sonido del grupo sigue en su búsqueda de revivir esa onda de metalcore / post hardcore de mediados y fines de los 2000, el “sonido MySpace” como podríamos llamarlo. Voces gritadas y limpias, riffs medio épicos medio para moshear, melodías melosas y ese toque adolescente en la atmósfera. Nada en realidad original, pero es un sonido que no viene mal que las bandas nuevas intenten revivir, ahora con una perspectiva renovada.

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1) Megadeth – Megadeth

Megadeth se retira con este disco, que se siente como un repaso o resumen de toda su carrera. Desde temas rápidos y thrasheros como “Tipping Point”, que rememoran sus comienzos y, por qué no, parte de su última etapa, hasta otros de medio tiempo y más rockeros como “Another Bad Day”, que parecen rememorar los discos de principio de los noventa.

Al recorrer todos los temas, el disco se siente como una despedida, y el golpe final con “The Last Note” hace que se te forme un nudo en la garganta.

No es perfecto, tiene alguna caída y peca de seguir sosteniendo el resentimiento de Mustaine hacia sus excompañeros de Metallica. Esto, a base de un cover de “Ride the Lightning”, que no aporta nada. Pero es un disco digno y un cierre súper respetable para una carrera ejemplar.

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2) Ellende – Zerfall

Este disco muestra un claro avance y progreso en la carrera de la banda, que logra ponerla en lo más alto del black metal atmosférico. Muestra un desarrollo de atmósferas muy interesante, apoyado en capas de sonido que parecen “de fondo”, pero no: ahí está la sustancia del álbum. Los riffs etéreos están muy bien trabajados y hacen un gran contraste con los que buscan ir más rápido y pesado.

La batería es un punto aparte, ya que logra acompañar cada momento de la mejor manera. Un album que si te gusta el Black Metal con mucho sentimiento, te va a encantar.

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3) The Ruins of Beverast – Tempelschlaf

Tras 5 años sin sacar material, el proyecto personal de Alexander von Meilenwald vuelve con un disco sólido y orgánico. La intención es mezclar las atmósferas y la agresividad del black metal atmosférico con elementos más lentos y rituales del doom metal. Logran fusionarse de gran manera, creando momentos de todo tipo: desde rápidos y agresivos, hasta pasajes ritualísticos donde distintos sonidos van alternando su protagonismo para entregar distintas emociones.

Un disco largo, que requiere el compromiso del escucha, pero que no se vuelve denso ni aburrido.

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1) Hällas – Panorama

Sin dudas, el mejor álbum de enero y un firme candidato desde ya, para lo mejor del año. Y es que “Panorama” es mucho que solo un disco. Es un viaje. Uno hacia el pasado.

Más en concreto, hacia las gloriosas épocas del rock progresivo de los 70’. Desde su sonido y sistema de composición, la obra busca eso: retrotraer al oyente en el tiempo y llevarlo hacia los días en dónde todo se sentía más orgánico, más fluido, y más natural. En dónde las ideas musicales volaban sin ataduras, y en dónde los músicos no parecían estar preocupados por los patrones ni mandatos de la industria musical, priorizando así la libertad compositiva.

De esta forma, estamos ante una obra que vive y respira rock progresivo en su más fiel y pura esencia, que no tiene nada que envidiarle a los más grandes del género y que ubica a los suecos Hällas, ya no como una promesa, sino como
una realidad definitiva dentro del panorama actual de la música.

2) Alter Bridge – Alter Bridge

De las bandas de mayor renombre, la única que supo estar a la altura de su nombre y legado. Y es que en esta oportunidad, Alter Bridge nos presentó un disco auto titulado, que posee todos los elementos característicos del grupo
pero con la particularidad de hacerlo con mucha sobriedad y en un gran nivel. Todas las composiciones sacan a relucir la gran capacidad de la banda para entregar riffs endemoniadamente potentes, musculosos y adictivos. Cada tema
posee su impronta y personalidad. Y por su parte, la voz de Myles simplemente
brilla.

Con una duración que alcanza la hora, la obra en ningún momento se siente que se alarga o le sobra minutos. Más bien lo contrario, avanza con suma frescura y fluidez, que hace imposible no querer repetirlo una y otra vez. Un excitante disco de Hard Rock Alternativo con toques de Heavy, que funciona como un gran punto de inicio, para aquellos que todavía no escucharon nada de Alter Bridge.

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3) Wildhunt — Alethieia

Ni Megadeth, ni Kreator. El mejor disco de Thrash del mes provino de Austria y lo firmaron los muchachos de Wildhunt. Este grupo que había debutado en 2016 se tomó ni más ni menos que 10 años para volver a entregar nuevo
material discográfico. Y este es uno de esos casos dónde uno puede decir con una sonrisa en el rostro: “vaya que sí valió la pena la espera”.

“Alethieia” presenta una interesante mezcla de Heavy y Thrash Metal, todo bien amalgamado con algunas pinceladas US Power Metal, que hace inevitable no pensar en bandas como Jag Panzer, Liege Lord o Savatage. A su vez, contiene un elaborado y detallado trabajo en las guitarras, que construyen paisajes y caminos progresivos pero melódicos con sus riffs. A esto, le sumamos un tono épico en sus composiciones propios de unos Manilla Road o unos Cirith Ungol, y tenemos como resultado una excelente muestra de cómo componer un Thrash Metal tomando prestado elementos más tradicionales y técnicos del Heavy Metal.

Lee la reseña completa ➤ aquí.

Buenos Aires se afirma como un territorio fundamental para el rock, el metal y el punk, con una agenda de recitales que crece y se fortalece a medida que avanza el año. Las salas y escenarios de la ciudad vibran con shows intensos y cargados de energía, donde las guitarras filosas y los golpes rítmicos marcan el pulso de cada noche. Este momento del calendario se caracteriza por giras consistentes y una amplia variedad de propuestas, creando un ambiente cercano y apasionado en el que artistas y público se encuentran cara a cara, reafirmando a estos estilos como ejes centrales de la música en vivo.

My Chemical Romance + The Hives
Fecha: 1 de Febrero en Buenos Aires.

Avenged Sevenfold + Mr. Bungle
Fecha: 3 de Febrero en Buenos Aires.

Enforcer
Fecha: 5 de Febrero en Buenos Aires.

Weather Systems
Fecha: 6 de Febrero en Buenos Aires.

Rivers of Nihil
Fecha: 6 de Febrero en Buenos Aires.

Arde La Sangre
Fecha: 7 de Febrero en Buenos Aires.

O’connor + Darlotodo
Fecha: 7 de Febrero en Buenos Aires.

Otra Salida + Worst
Fecha: 7 de Febrero en Buenos Aires.

Suicidal Tendencies – Madball
Fecha: 8 de Febrero en Buenos Aires.

Marky Ramone
Fecha: 10 de Febrero en Buenos Aires.

Adrian Barilari
Fecha: 10 de Febrero en Buenos Aires.

Psychonaut 4
Fecha: 12 de Febrero en Buenos Aires.

Tribulation
Fecha: 13 de Febrero en Buenos Aires.

Jezabel + Astral + Blacktorch
Fecha: 14 de Febrero en Buenos Aires.

Furia Metal Fest
Fecha: 14, 15 y 16 de Febrero en Zarate.

David Ellefson
Fecha: 14 de Febrero en Buenos Aires.

Obituary
Fecha: 18 de Febrero en Buenos Aires.

Elnueveonce
Fecha: 19 de Febrero en Buenos Aires.

Void Signal Vol. 1
Fecha: 20 de Febrero en Buenos Aires.

Buenos Aires Metal Fest II
Fecha: 21 de Febrero en Buenos Aires.

Fiddlehead + Rival Schools
Fecha: 8 de Febrero en Buenos Aires.

Living Colour
Fecha: 24 de Febrero en Buenos Aires.

Alesana
Fecha: 26 de Febrero en Buenos Aires.

Human Tetris
Fecha: 27 de Febrero en Buenos Aires.

Gene Loves Jezebel
Fecha: 28 de Febrero en Buenos Aires.

Dinamarca se posiciona como un punto clave para el rock, el metal y el punk, con una programación de conciertos que va tomando impulso conforme avanza el calendario. Los escenarios del país se llenan de actuaciones potentes y enérgicas, donde los riffs intensos y los ritmos contundentes dominan la experiencia en vivo. Esta etapa del año destaca por la solidez de las giras y la diversidad de propuestas, generando un clima de cercanía y entusiasmo en el que bandas y público refuerzan su vínculo, consolidando estos géneros como pilares fundamentales de la música en directo.

Paradise Lost + Saturnus + Cwfen
Fecha: 8 de Febrero en Copenhague.

Airbourne + Asomvel
Fecha: 9 de Febrero en Copenhague.

Avatar + Alien Weaponry + AGABAS
Fecha: 10 de Febrero en Copenhague.

Omnium Gatherum + Fallujah + In Mourning
Fecha: 11 de Febrero en Copenhague.

Ereb Altor + Skyforger + Wolfchant + Belore
Fecha: 11 de Febrero en Copenhague.

Terrorpy + Lightchapter + He Who Saw The Abyss
Fecha: 14 de Febrero en Copenhague.

Lorna Shore + Whitechapel + Humanity’s Last Breath + Shadow of Intent
Fecha: 15 de Febrero en Copenhague.

Powerwolf + Hammerfall + Wind Rose
Fecha: 19 de Febrero en Copenhague.

Xasthur + Lukas Häger + Pafund
Fecha: 21 de Febrero en Copenhague.

Igorrr
Fecha: 22 de Febrero en Copenhague.

Soen + Xandria + Vulkan
Fecha: 23 de Febrero en Copenhague.

Sanguisugabogg + Fulci + Gates To Hell + Celestial Sanctuary
Fecha: 26 de Febrero en Copenhague.

Durante febrero, España mantiene viva la efervescencia del rock, el metal y el punk, con una agenda de conciertos que gana fuerza a medida que avanza el año. Las salas continúan vibrando con directos intensos y sonidos contundentes, donde las guitarras afiladas y las baterías implacables marcan el pulso de la escena. Este mes se caracteriza por una mayor consolidación de giras y propuestas, creando un ambiente apasionado y entregado en el que público y artistas comparten una conexión cada vez más sólida, reafirmando estos estilos como esenciales dentro de la música en directo.

Tarja + Marko Hietala
Fechas: 2 de Febrero en Madrid y 3 de Febrero en Barcelona.

President
Fechas: 3 de Febrero en Valencia y 4 de Febrero en Madrid

Biffy Clyro
Fechas: 3 de Febrero en Valencia y 4 de Febrero en Madrid

Smith & Kotzen
Fechas: 3 de Febrero en Madrid y 4 de Febrero en Barcelona

Paleface Swiss + Stick To Your Guns + Static Dress
Fechas: 3 de Febrero en Madrid y 4 de Febrero en Barcelona

Napalm Death + Whiplash + Varukers
Fechas: 4 de Febrero en Pamplona y 5 de Febrero en Madrid.

The Cost
Fechas: 5 de Febrero en Madrid, 6 de Febrero en Valencia y 25 de Febrero en Barcelona.

Brainstorm + Glasya
Fechas: 5 de Febrero en Valladolid, 6 de Febrero en Madrid, 7 de Febrero en Badalona y 8 de Febrero en Vitoria.

Desaster
Fechas: 6 de Febrero en  Barcelona.

Sylosis + Revocation + Distant + Life Cycles
Fechas: 7 de Febrero en Barcelona y 8 de Febrero en Madrid.

Jinjer + Unprocessed + Textures
Fechas: 7 de Febrero en Madrid y 8 de Febrero en Bilbao.

Megara + Astray Valley
Fechas: 7 de Febrero en Barcelona y 13 de Febrero en Madrid.

Alterbridge + Daughtry + Sevendust
Fechas: 8 de Febrero en Barcelona y 12 de Febrero en Madrid.

Lion’s Law + First Attack + No Time
Fechas: 10 de Febrero en Madrid, 11 de Febrero en Vitoria y 12 de Febrero en Barcelona.

Cryptopsy + 200 Stab Wounds + Inferi + Corpse Pile
Fechas: 10 de Febrero en Barcelona, 11 de Febrero en Madrid y 12 de Febrero en Portugalete.

Burning Witches + Hammer King
Fechas: 11 de Febrero en Barcelona, 12 de Febrero en Murcia, 13 de Febrero en Madrid y 14 de Febrero en Vitoria.

Koma
Fecha: 13 de Febrero en Málaga.

Mayhem + Marduk + Immolation
Fecha: 15 de Febrero en Madrid.

All Time Low + Mayday Parade + Four year strong
Fechas: 15 de Febrero en Barcelona y 16 de Febrero en Madrid.

Satan + Hellgrimm
Fechas: 19 de Febrero en Barcelona, 20 de Febrero en Valencia, 21 de Febrero en Madrid y 22 de Febrero en Portugalete.

Avatar + Alien Weaponry + Witch Club Satan
Fechas: 24 de Febrero en Barcelona, 25 de Febrero en Madrid y 28 de Febrero en Portugalete.

Nos llevamos un año más al hombro y cuando menos nos dimos cuenta el milenio ya nos acomodó un cuarto de siglo de vergazos, derrotas, fracasos, pero también mucho, pero mucho ruido nacional.

Fue un excelente año para el metal mexicano, sin duda, cuando en años anteriores tuve qué rascar para elegir los mejores trabajos, sin duda este 2025 se trató más de una elección para acomodarlos en el top 10. Hubieron muchos otros discos que me parecieron excepcionales, y quizás después hablaremos de ellos, pero por el momento aquí está nuestra selección de los mejores álbumes mexicanos de este 2025.

Como siempre, esta lista no se encuentra en ningún orden específico, pero sí lleva nuestra garantía y sello de calidad. Todos los trabajos aquí merecen sendas escuchadas:

MATALOBOS – PHANTASMAGORIA: HEXED LANDS

Ampliamente comentado en este mismo sitio cuando salió a la luz, el tercer larga duración de estos titanes del doom/death mexicano es posiblemente su trabajo más complejo a la fecha. Inspirado en las historias y leyendas que caracterizan al estado mexicano de Guanajuato, este sombrió y folclórico disco de llevará por oscuros callejones, abandonadas presas embrujadas y diabólicos vals a la luz de los candelabros, el olor a tabaco y el regusto a mezcal. Con uno sonido impecable por parte de Urvn Estudio, esta importante banda de la ciudad de León lleva muchos años siendo una de nuestras favoritas, y con trabajos tan impactantes como este, se perfila a posicionarse como una de las referencias absolutas de su estilo en latinoamérica para generaciones por venir.

KALAVERAZTEKAH – NIKAN AXKAN

El metal con influencias prehispánicas suele ser una de dos cosas en México: O estar plagado de clichés sonoros que no llevan a ningún lado y que sirven como un elemento de exotización que en su mayoría es más bien consumido por un público europeo buscando al próximo Amon Amarth pero en versión mesoamericana o un refugio para etno-fascistas que tropicalizan lo peor del género con una visión indigenista. Sin embargo, Kalaveraztekah, con su mezcla de death metal técnico y una verdadera visión creativa al incorporar instrumentos y temáticas prehispánicas en su sonido, desafía la norma y nos ofrece un trabajo excepcional que capturará hasta a los oídos más escépticos. Un viaje al corazón de la brutalidad de la cosmovisión Azteca (o lo poco que comprendemos de ella).

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BURY ME IN THE DESERT – PILGRIM

Hechiceros, místicos y vaqueros, este excepcional dueto tapatío formado por The Black Wizard (Israel Moreno) y The Desert Witch (Sandra Velasco) lleva ya unos años siendo una de las referencias más destacables del sludge/doom/stoner tapatío, que a pesar de encontrarse activos desde el año 2018, es hasta este pasado 2025 que lanzaron su primera placa discográfica. Un disco lisérgico, arenoso y crujiente que se las maneja para evocar sentimientos de determinación y ruina en un ambiente liminal y hostil de manera resoluta, firme y a la vez reflexiva. Agresivos y dinámicos, esperaremos con ansías su siguiente trabajo para ver a dónde más pueden llevar sus hipnóticos ritmos.

HIEROPHANY – TENEBRARUM

Con este disco lanzado poco antes de que terminara el año, la ya longeva banda chilanga Black Hate redefine su personalidad bajo el nombre de “Hierophany”, demostrando que junto con el cambio de nombre, se abre un capitulo más para el proyecto liderado por BG Ikanunna (mente maestra detrás del México Black Metal Chaos Fest y la promotora Lucifer’s Business), demostrando que todos estos años de foguearse en la escena nacional e internacional, hombro con hombro de algunas de las figuras más renombradas del género, ha rendido frutos tanto en el reconocimiento por su proyecto, como en la calidad compositiva y de producción. Con Tenebrarum, la banda alcanza niveles estratosféricos de atmósfera y opresividad. Un trabajo que comprende una paradoja entre el dinamismo de su ejecución, con la estaticidad de su composición; casi como un statement mismo sobre la carrera y la reinvención de esta banda formada en 2006.

VOIGAZER – DISSOLVED IN STEAM

De una de las fuerzas creativas detrás de la banda de post-black metal leonense Godbelow, Voidgazer es un proyecto joven, pero que decidió poner toda la carne en el asador con algo del sludge/doom más apantallador y ponchado que se haya visto en esta región del país. Stoneroso, violento y fluctuante, esta placa de poco menos de 45 minutos de duración envuelve y llena de energía, un par de sentimientos oximorónicos en este estilo, pero que con esta banda, hace sentido. Doom dinámico, como poco se ha visto en México, demostrando que Raúl Terrones es una fuerza de cuidado en la música opresiva latinoamericana y que con el talento disponible de León, pueden dominar los terrenos musicales que quieran.

NOSTALGHIA – VOID ECSTASY

Como ya es absolutamente tradicional en esta sección anual, el talento de Alex Becerra, el músico detrás de esta brillante fuerza creativa llamada Nostalghia, nos vuelve a regalar un trabajo para las listas. Sin embargo, hay algo diferente con Void Ecstasy, tanto musicalmente, como en producto creativo, y es que en lugar de los tres álbumes por año a los que nos tiene acostumbrado este músico capitalino, esta fue su única producción del año, y se nota la intencionalidad de ello. En su etapa más floydesca y menos black metalera, Void Ecstasy es un trabajo exploratorio, mucho más enfocado a la experiencia psicodélica e instrospectiva del prog, que a los lúgubres lamentos de su trabajo más depresivo. Como si la carrera de Becerra dijera “después del trauma, viene la transformación”.

ALFHËIM – MIST, DEATH AND REVENGE

La escena tepicense es una paradoja en sí misma, pues en un lugar costeño, con una cultura mexicana tan marítima, cuesta trabajo imaginarse que un trabajo como Mist, Death and Revenge pueda fraguarse entre el húmedo calor de la ciudad. Este sentimental trabajo, repleto de naturaleza y sutilezas melódicas, parece más bien salido de un espeso pantano irlandés, pero así es la ciudad: un bastión de metal sinfónico, y Alfhëim, dignos herederos de una tradición contracultural regional, logra un disco sobrio y trascendente, que con gustosos guiños al metal extremo, ofrecen una bella experiencia para quien busca el lado más tradicional del sonido folk metal europeo.

STARFORCE – BEYOND THE ETERNAL NIGHT

Con una trayectoria respetable para una banda que recién estrena su primer larga duración, esta prominente banda de heavy metal clásico de la Ciudad de México liderada por la destacada voz de Mely Wild cimenta su sonido con un disco que sigue la línea estética del retrofuturismo sci-fi ochentero, con una producción moderna que revitaliza el sonido del heavy/power metal latinoamericano de la vieja escuela. Una inyección de velocidad y virtuosismo que permite brillar a cada uno de los miembros, aderezado con pasajes melódicos muy bien logrados que permiten una transición orgánica entre diferentes emociones e intensidades. Refrescante en su cuidada nostalgia.

PHANTOM – TYRANTS OF WRATH

Definitivamente la cara de una nueva generación de metal mexicano que se encuentran despegando su carrera de una manera poco vista en la escena extrema nacional. Con sendas giras internacionales a sus espaldas y giras norteamericanas en la vista, este cuarteto tapatío no se ha dormido en sus laureles y nos ofrece un disco grandilocuente, romántico en su aproximación al pasado del género y repleto de riffs. Parte de la Nueva Ola de Speed Metal Mexicano, junto a exponentes como Speedfreak, Anticolor y Härdrocker, este disco de 48 minutos de duración es una oda al metal DIY de la viejísima escuela. Una carta de amor a un pasado idealizado que ha sabido permear en el gusto de una generación que creció escuchando a Linkin Park y Limp Bizkit. Profetas inusuales en un tiempo inusual, pero cosas más raras se han visto y sin duda es un trabajo que entrega lo que promete y con creces.

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SILENT TOMBS – MOURNING HYMNS FROM BEYOND

Desde los inhóspitos rincones de la ciudad de Colima, en el estado de Colima, una banda que pareciera ser nueva, pero que ya lleva sus buenos 8 o 9 años en la escena nos regala un melancólico, pegador y melódico doom/death al más puro estilo de Paradise Lost o My Dying Bride con MHFB. Firmados por el mismísimo Personal Records de Jacobo Córdova (Majestic Downfall, Zombiefication, Dies Irae), esta placa con un sonido impresionantemente profundo y pesado, acorta los pasajes más melódicos y reflexivos del género y entrega pura agonía sonora. Todo un melodrama hecho música, de los buenos, los espectrales, de los malditos y grotescos. Un regalo para el doom mexicano.

Mención honorífica:
SPEEDFREAK – SEED OF EVIL 

Y como también ya es tradición cada año, existen siempre esos pequeños EPs que difícilmente pueden llevar el mote de álbum, pero que por su calidez terminan haciendo el corte, como es el caso de este pequeño pero gandalla trabajo de los niños dorados de Guadalajara. Con la flamante incorporación de Dave Villanueva a la alineación, este trabajo antojadizo y frívolo (en el mejor de los sentidos), inyecta directo en nuestras venas sedientas de chivos violentos thrasheros, además de contar con el segundo cover consecutivo de Into Crypts of Rays de Celtic Frost por una banda mexicana desde el Chronicles Of The Trephine: Creeping Abominations in Saturnine Dimensions de Becoming the Entity (2024).

Weather Systems, ¿Les suena? Seguramente no. A simple vista, el nombre de la banda tal vez no les diga mucho. Después de todo se trata de un grupo formado recién en 2022. Pero si mencionamos los nombres Daniel Cavanagh o Anathema en concreto, seguro el asunto cambie. En este especial, los invitamos a descubrir el nuevo proyecto del guitarrista y compositor inglés, que estará visitando por primera vez suelo argentino, el próximo 6 de febrero en el Teatrito, bajo la producción de Icarus Music y Talent Nation.

Los Antecedentes: Fin de Anathema y el comienzo de nuevos proyectos

Como bien recordamos, en 2020 el mundo fue azotado por la pandemia producto por el virus COVID-19, y eso llevó a un encierro masivo por parte de toda la población. Sin recitales sin festivales, sin salidas. El mundo quedó completamente paralizado. Y sin saber como reaccionar.

En este contexto, se produjo la triste noticia de la separación de Anathema. El grupo británico de Rock Progresivo Alternativo (pionero en sus comienzos del Death/Doom) había lanzado un comunicado oficial por redes, anunciando que tras todas las dificultades experimentadas durante el 2020, entrarían en un estado de “pausa indefinida”. Esta noticia evidentemente dejó a los seguidores desconsolados pero expectantes de cara a una posible reunión del grupo. Sin embargo, esas expectativas se vieron difuminadas al enterarse meses después, que la separación también se debió a diferencias creativas entre los dos pilares del grupo, Vicent Cavanagh y su hermano, Daniel.

Mientras que el primero quería seguir la línea musical del último trabajo The Optimist (2017) y enfocarse mucho más en la música electrónica, Daniel quería mantenerse fiel al espíritu progresivo sensible y retomar el lado más melancólico y emotivo de la banda.

De esta manera terminaron naciendo dos nuevos grupos. Por un lado, Vincent Cavanagh se metió de lleno en su propio proyecto en solitario, llamado The Radicant. Por el otro, nace Weather Systems: el proyecto sucesor de Anathema a cargo de Daniel Cavanagh y en claro homenaje a su aclamado disco del 2012, titulado con ese nombre, dando una idea de la dirección musical que buscaría llevar adelante.

La Conformación y lanzamiento de “Ocean Without a Shore”

Como ya mencionamos, 2022 fue el año en que Daniel Cavanagh dio a conocer la noticia de la conformación de este proyecto. Para ello, se intentó codear de viejos miembros de su antigua banda. En primer lugar había sumado a sus filas a John Douglas, mítico bajista del grupo pero finalmente, se terminó bajando del barco. Sin embargo, el que se quedó fue el portugués Daniel Cardoso. El batero y tecladista había colaborado y producido los dos últimos trabajos de Anathema, Distant Satellites (2014) y el anteriormente nombrado, The Optimist. Y en esta ocasión, se vuelve en el nuevo compañero de aventuras de Daniel.

Acompañados por Soraia Silva a cargo de las voces femeninas, el 27 de septiembre de 2024, editaron su álbum de debut, “Ocean Without a Shore” con el sello Music Theories Recordings.

Tal como mencionó Daniel, el trabajo se produjo con la intención de ser una continuación espiritual de Anathema. La obra contó con composiciones y material que el guitarrista había compuesto idealmente antes de la pandemia, para lo que tendría que haber sido el sucesor de The Optimist. De modo que tanto el sonido como la estructura de las canciones, poseen el alma y espíritu de su ex grupo.

Y es que nada más ver el nombre de algunos de los temas, quedó en evidencia la intención del músico por conectar esta obra con el mundo de Anathema. Los casos más evidentes son: “Untouchable Part 3”, que lógicamente pretende ser una tercera parte de las dos piezas anteriores del álbum Weather Systems (2012), y “Are You There? Part 2”, que es una continuación de la pieza incluida en A Natural Disaster (2003). 

No obstante, el resto de las composiciones también parecen compartir espacio en este mismo universo, ya que respiran y transmiten un alto grado emotividad y melancolía, similar al de obras como A Fine Day To Exist (2001) y We’re Here Because We’re Here (2010).

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Con una portada que funciona como una fiel contracara del lado luminoso que tenía la tapa del disco editado en 2012, “Ocean Without a Shore” se posicionó como una de las sorpresas dentro del mundo progresivo/alternativo del 2024, siendo bien recibido tanto por la crítica como por los fans más acérrimos del músico. Apoyado sobre las delicadas notas tanto del teclado como de la guitarra, la obra carga con luces y sombras a partes iguales, dando como resultado una propuesta de autor que se siente personal, íntima y por sobre todas las cosas, transparente. Y que no teme en mirar tanto al pasado, como al futuro.

El presente y comienzo del viaje

Tras un 2025 en dónde el grupo comenzó a brindar sus primeras actuaciones en vivo, ahora se encuentran el presente año afrontando lo que será su primera gira por Latinoamérica, con el propósito de compartir la música de su álbum debut, pero al mismo tiempo, de traer de vuelta aquellos míticos y conmovedores clásicos que en algún momento, creímos no volver a ver jamás. Junto con Daniel Cavanagh y Daniel Cardoso, formarán parte del tour, Soraira Silva como vocalista femenina y André Marinho en bajo y guitarra. Una oportunidad única de poder disfrutar del comienzo del viaje de un nuevo grupo, así como de los himnos de uno viejo.

Si echamos la vista un poquito atrás en el tiempo, podremos observar como a mediados de la década del 2000, hubo una catarata arrolladora de discos que influenciaron a la siguiente generación alternativa y que aún hoy muchos de ellos siguen teniendo un peso importante para las bandas que los editaron, así que en este especial os invito a recordar diez de aquellas obras que este 2026 cumplen ya la friolera de dos décadas.

1) Rise Against – The Suffering & The Witness: El año 2006, no pudo haber comenzado de mejor forma que con la publicación de The Suffering & The Witness, el cuarto disco de Rise Against y que supuso el segundo trabajo bajo el ala de la multinacional Geffen Records, pero como veremos en otros casos de la lista, este cambio de discográfica no mermó para nada la calidad de la banda norteamericana, al contrario, les dieron más presupuesto y con ello, grabaron una las obras maestras del punk melódico de este siglo. Canciones como “Survive”, “Ready to Fall”, “Prayer of the Refugee” o “The Good Left Undone”, todos himnos invencibles dentro de la carrera de los de Chicago y los cuales si somos honestos, jamás han podido superar con el paso de los años y sus discos posteriores.

2) Alexisonfire – Crisis: Sin duda una de las eras doradas para el post hardcore y el screamo más mainstream fue la década del 2000 y justamente en el trono del género y desde Canadá, los chicos de Alexisonfire fueron uno de los buques insignia del estilo junto a compañeros como The Used, Thursday, Saosin o Silverstein, todos juntos configuraron un movimiento que enamoró e influenció a todos aquellos que escuchábamos punk rock, metal y hardcore a la vez, pero ellos lo hicieron juntando todos los estilos citados y creando uno solo que hoy trae la nostalgia de los que lo vivimos expandirse por aquellos días. Esa combinación de tres voces como eran las de Dallas Green, Wade MacNeil y George Pettit, fueron un soplo de aire fresco e innovador para una escena que luego intentó imitar esta fórmula, sobre todo a nivel musical, pero nunca con la clase, la emoción y la honestidad que tenían los canadienses.

3) Bring Me The Horizon – Count Your Blessings: Cuando el Reino Unido parecía estar conquistado por bandas como Hundred Reasons y Funeral For a Friend en el terreno alternativo, Skindred y Fightstar comenzaban a despuntar y los reyes del países eran Bullet For My Valentine, hubo una banda que irrumpió con un sonido que no se parecía en nada a las bandas citadas y sin embargo logró conquistar los corazones de los fanáticos de muchos de estos grupos, hablamos por supuesto de unos (entonces noveles, pero incendiarios y desafiantes) jovencísimos Bring Me The Horizon, quienes con su disco debut, pusieron una bomba atómica en la escena metalera británica, concretamente gracias a un sonido deathcore que no se estilaba en el país por aquella época.

4) Bleeding Through – The Truth: Si hablamos de metalcore “Old School”, claramente debemos citar nombres propios como Killswitch Engage, As I Lay Dying (aunque os joda a muchos, es una de las mejores bandas que ha dado el estilo en toda su historia, fin del asunto) o incluso Unearth, pero hay una que incluso es mejor que esta última y que si bien, no llegó a los grandes recintos como las dos primeras, su relevancia e influencia posterior, es casi similar, hablamos por supuesto de los californianos Bleeding Through, quienes con su cuarto trabajo se consolidaron como una de las mejores, más intensas y arrolladoras bandas de metalcore en la historia, su estilo no solamente bebía del metal de bandas como Pantera, Machine Head o Slayer, si no también del hardcore y el punk, sumado a pinceladas medio oscuras, hicieron de la agrupación liderada por Brandan Schieppati una banda muy especial y quizás en The Truth supieron condensar todo lo que venían ofreciendo en el pasado y a su vez con el himno “Kill To Believe”, demostraron que podían llegar al mainstream sin perder su estilo rudo y callejero.

5) Billy Talent – Billy Talent II: A mediados de los 2000, el punk melódico vivía una época bastante particular, exitosa por un lado gracias a leyendas del estilo como Blink 182, The Offspring y Green Day y a la vez cuestionada por sus continuadores y es que bandas como Good Charlotte, Simple Plan, Mest, Gob, Autopilot Off o la musa del estilo hecho para MTV, Avril Lavigne, a quienes todos teníamos como “Crush” en aquél momento y soñábamos con cruzarnos con alguna chica parecida a ella en los pasillos de nuestro instituto.

Esto, frunció el ceño de quienes habían crecido en los noventa con bandas mucho más respetadas como No Use For a Name o Lagwagon, entre otros y sin embargo hubo una banda que logró hacer de puente entre ambas facciones, hablamos de Billy Talent, un cuarteto canadiense que si bien no inventaban nada nuevo, si que sorprendieron al gran público con temazos como “Try Honesty” y con su segundo disco, dieron el salto a la masividad absoluta sobre todo en países como Alemania y el Reino Unido, donde eran considerados estrellas, llenando recintos para miles de personas, algo poco habitual para una banda tan joven.

Quizás la estridente voz de Ben Kowalewicz, un chico todoterreno sobre el escenario y que podía sonar melódico y agresivo a la vez, pero con el gancho suficiente como para llegar a un gran público, la muestra fue aquellos dos “Sold Out” históricos en el Brixton Academy de Londres al año siguiente del lanzamiento de su segundo disco y como evidenciaron que su explosión era evidente e imparable.

6) AFI – Decemberundeground: Otro de los grupos que tuvo su explosión comercial en esta época, fueron sin duda, los californianos AFI, quienes al cambiar de discográfica (algo muy cuestionado por sus fans más “Old School) y visto el éxito de su disco anterior (el majetuoso Sing The Sorrow, el cual llegó a vender un millón de copias solo en Estados Unidos), se acabaron por consolidar con su séptimo disco, el cual contaba con una imagen blanca y cristalina, pero que no perdía un ápice de intensidad y a la cual se le añadía un toque melancólico, romántico y sensual gracias a la voz de un Davey Havok, que se convirtió en referente absoluto de miles de personas.

Con temas como “Miss Murder”, “Kill Caustic” o “Love Like Winter”, los chicos de AFI llegaron a la cima de su carrera y cerraron la gira de aquel disco llenando el mítico Long Beach Arena ante más de 12 mil personas, consolidándolos como una de las bandas más destacadas de su generación.

7) Trivium – The Crusade: Desde Orlando y con un aire fresco, cañero y dispuesto a arrasar, Trivium llegaban al 2006 con una misión, superar el fenómeno que supuso su segundo disco Ascendancy, el cual es considerado como uno de los mejores discos de la banda y del estilo en este siglo.

Pues con The Crusade, la banda siguió su evolución lógica y entregaron una obra sólida, llena de matices a descubrir con cada escucha y cuyas referencias miraban hacia el pasado una vez más: Megadeth, Slayer, Iron Maiden, Pantera y sobre todo Metallica, demostrando que estos chicos, aún siendo muy jóvenes todavía, tenían claro que el heavy metal debía volver a resurgir y llegar a las grandes masas como antaño y ellos junto a Avenged Sevenfold, Atreyu, Bullet For My Valentine o Killswitch Engage, lo lograron.

8) Fightstar – Grand Unification: Seguramente sea el nombre más infravalorado de este especial y es que la carrera de Fightstar ya empezó con muchísimo ruido, expectación y una pizca de polémica.

Y esto se debe pura y exclusivamente a la figura de su cantante y guitarrista, el cual no era otro que Charlie Simpson, pero porque la figura de este chico puso a su nuevo proyecto en el ojo del huracán, pues básicamente porque el músico había dejado hacía unos meses atrás Busted, la banda de pop rock británica más exitosa de los 2000 junto a McFly, justo el momento más importante de su carrera y esto fue un jarro de agua fría para los seguidores de la agrupación que formó junto a Matt Willis y James Bourne, muchos de los cuales no le perdonaron por muchos años semejante “Traición”.

Lo que estos adolescentes no sabían era que Charlie era el más alternativo de los tres, no en vano ya en conciertos con Busted salía portando camisetas de Deftones, The Cure, Thrice o Smashing Pumpkins, con lo cual quizás si fue bueno para él abandonar un proyecto que seguramente se le empezaba a quedar pequeño, por muy paradójico que esto pudiese resultar a ojos comerciales.

Así pues, el 13 de marzo, salió el primer disco, Grand Unification, y con él llegó el tsunami y es que si, Simpson mostraba una cara totalmente distinta a lo que había hecho con su banda anterior y su sonido era mucho más intenso, agresivo, con ciertos pasajes melódicos y un acercamiento firme al post hardcore que tan de moda estaba por aquellos días, la prensa especializada se apresuró en colocarlos como una de las revelaciones británicas del 2006 y posicionarlos dentro de la nueva ola del estilo con artistas como Funeral For a Friend, Thursday, The Used, Thrice y por supuesto Story of The Year.

Dentro del disco había joyas como “Sleep Well Tonight”, “Paint Your Target” o la propia “Grand Unification”, que si te gusta el género pero no conoces a Fightstar y su música, no debes dejar escapar jamás.

9) Papa Roach – The Paramour Sessions: Para el 2006, creo no exagerar si afirmó que el “Nu Metal”, estaba atravesando su momento más delicado y decadente y es que al público cada vez le interesaba menos lo que hacía seis años era carne de éxito, millones de discos vendidos y portadas de revistas por doquier.

Por esta razón es que el metal alternativo comenzó a ocupar su lugar y de ahí surgieron bandas como Three Days Grace o Breaking Benjamin, con un sonido más denso, deprimente y a la vez pegadizo, por otro lado la euforia generada por Avenged Sevenfold, Bullet For My Valentine o Atreyu, hicieron que otras bandas diesen una vuelta de tuerca a su sonido característico en favor de algo más rockero y moderno.

Quizás a la banda que mejor le funcionó dicho cambio de estilo fue a los muchachos de Papa Roach, quienes tras un justito LoveHateTragedy en 2002 y un mucho mejor resuelto Getting Away With Murder en 2004, donde con temas como “Scars” o “Not Listening”, ya se empezaba a intuir un cambio en el sonido de los californianos, algo que se materializó mucho más en este The Paramour Sessions, donde la banda se empapó de influencias rockeras (según la banda lo que más escucharon fue Mötley Crüe, Aerosmith, Faith No More, Red Hot Chili Peppers o Iron Maiden) y esto se pudo ver ya en el explosivo primer single “To Be Loved…” y en otros cortes como “Forever” o “Reckless”, siendo un golpe sobre la mesa para estos chicos que de haber seguido con el sonido de Infest, quizás hoy en día no estarían aquí.

10) My Chemical Romance – The Black Parade: Para cerrar esta nostálgica y fantástica lista, no podían faltar ellos, la banda que reventó la escena alternativa con este disco, la banda que influenció a millones de personas y cuyo legado fue, es y será indiscutible.

Hablamos por supuesto de My Chemical Romance, los de New Jersey que ya venían en un ascenso meteórico gracias a su anterior trabajo Three Cheers For Sweet Revenge (para muchos el mejor de la banda, para otros al mismo nivel que su siguiente trabajo, que nos ocupa ahora en el especial), se colocaron como una de las bandas del momento y su sonido estaba por todos lados, surgiendo claros imitadores como Aiden, I Am Ghost o Bleed The Dream (Alguien se acuerda de ellos?), quizás por esta misma razón y a riesgo de perder su creatividad musical, la banda pegó un volantazo y en aquel lejano 11 de septiembre de 2006, MCR publicó “Welcome to the Black Parade”, primer single de su tercer y esperadísimo trabajo al cual le da título y como se suele decir… El resto es historia…

Solo 5 minutos y 15 segundos les bastaron a Gerard Way, Frank Iero, Ray Toro, Mikey Way y Bob Bryar, para cambiar la historia alternativa moderna, con un comienzo pausado, al que le siguió una continuación in crescendo para explotar en el estribillo más pop punk, los de New Jersey crearon su propia mini ópera rock moderna y con ella cambiaron la industria alternativa, pasando de grandes recintos a los estadios de medio mundo, llenando todo tipo de portadas y trayendo un sonido que con sus diferentes elementos nos regaló quizás el mejor disco de aquel año, un disco que se convirtió en un monstruo imparable, que casi acaba con la banda al mismo tiempo que los llevó a vender más de 4 millones de copias en todo el mundo y cuya continuación no tuvo nada que ver, evidenciando lo gran banda que eran y la gran creatividad artística que My Chemical Romance ha sabido desarrollar a lo largo de su historia.