Hay algo en el minimalismo de BIG|BRAVE que resulta masivo e imponente. Este trío canadiense, formado por Robin Wattie (voz y guitarra), Mathieu Ball (guitarra) y Tasy Hudson (batería y percusión), siempre me cautivó y, debo decirlo, desde el primer momento capté en su música, un espíritu folklórico que me recordó al canto con caja de las culturas andinas del norte Argentino. Creo que esa ocurrencia tiene que ver, justamente, con que se trata de una expresión sencilla, visceral, casi ínfima en sus recursos, pero que -sin embargo- encarna el sonido de la montaña, una de las cosas más enormes que puedan imaginarse. Cabe señalar que, en esta ocasión, hay otras personas invitadas para la ejecución de guitarras, sintetizadores y saxos en algunas canciones. El estilo de la banda podría catalogarse como alternativo, experimental o indie: una original mezcla de metal, noise rock, post rock y folk.

Compositivamente, la propuesta se basa en el canto femenino, con una voz muy dulce y melancólica, una guitarra que busca constantemente generar texturas y sutiles melodías entramadas con disonancia, acoples, cacofonía, atonalidad, distorsión, afinaciones no convencionales, en fin: todo lo que el grupo propone como una deconstrucción de la técnica.

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Las letras exploran las diversas formas en que se vive la vulnerabilidad humana, el aislamiento entre las multitudes, el vínculo humano con la naturaleza. Hay una catarsis, una necesidad expresiva urgente, cual flor que se abre. Los títulos de los tracks están escritos siempre con minúscula y dando la impresión de ser posibles recortes extraídos de un único flujo mental que tiene algo de artificio joyceano.

“A Chaos of Flowers” aparece ofreciendo cierta continuidad con el anterior “Nature Morte” (2023), un tanto más agresivo, algo que ya puede verse desde el arte de tapa: el ramo de flores invertido se da vuelta, y el fondo pasa de negro a blanco. “i felt a funeral” suena exactamente a eso: evoca una tristeza inconmensurable, emana una oscuridad envolvente, con la ternura de una inevitabilidad omnipotente que viene a abrazarnos. Esos acordes deformes y crudos demuestran una efectividad maravillosa.

“not speaking of the ways” tiene una actitud diferente, más pesada, con un ímpetu como de marcha hacia la incertidumbre. Nos brinda un interesante riff repetitivo y una percusión un poco más potente, en un avance hacia un final pacífico. “chanson pour mon ombre” sigue rompiendo las reglas de la ejecución de la guitarra. Por momentos, percibo algunos ecos de la música de Björk. Los instrumentos erigen estructuras tambaleantes, efímeras: esculturas fugaces, de una fragilidad esencial. Hay un romanticismo en el aire, y “canon: in canon” así lo confirma. Recordemos que esto no se limita a sentir amor, sino que se refiere a las pasiones, a la dialéctica de las emociones con la razón, que suele llevar a una nostalgia por algún tiempo en que la conciencia (civilizada) no era la principal fuente de nuestro propio sufrimiento.

metal melódico en su país natal.

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En “a song for Marie part iii” sentimos una fosa en el recorrido, hay algo de las búsquedas más microscópicas de la improvisación libre contemporánea, y así llegamos a “theft”, que nos hace ascender muy lentamente. Los espectros que vibran con las cuerdas son presencias admonitorias que logran alcanzar momentos corrosivos. Luego, “quotidian: solemnity” enfatiza aún más la apuesta noise de la banda, al punto de que es la voz, prácticamente, la única responsable de que haya una melodía: el fondo es una bruma de esquirlas metálicas que golpean contra un cuerpo entumecido. El final llega con “moonset”, quizás la canción de sonoridad más folk, coqueteando con el country, aunque va in crescendo con actitud casi sludge.

Un precioso disco para escuchar viajando por la ruta un día nublado o lluvioso y, si es atravesando paisajes de belleza conmovedora, mucho mejor. Ya perdí la cuenta de cuántas veces lo escuché y seguirá sonando en mi casa hasta quién sabe cuándo.

Para bien o para mal, sobre todo si eres “Hater” (cansino ya a estas alturas del partido que se tenga que hablar de ellos) de Bring Me The Horizon, ya te puedes ir escondiendo debajo de un puente y es que la banda de Sheffield ha sorprendido a todo el mundo lanzando su nuevo disco (al menos de manera digital, ya que la versión física se espera para finales de septiembre) Post Human: NeX Gen y con él vuelven a demostrar porque son una de las mejores y más personales bandas de su generación, más allá de la “controvertida” figura de su frontman.

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Para esta séptima entrega, los liderados por Oli Sykes vuelven a girar un poquito más la rosca y si bien, este álbum visto en conjunto es una continuación lógica de su EP o Mini álbum anterior, lo cierto es que siguen aportando matices sonoros que evidencian la enorme creatividad de estos tipos y que contra todo pronostico han salido bastante bien parados de la salida de su talentoso teclista y segunda voz Jordan Fish.

Y es que Jordan ha sido una pieza fundamental para la banda desde hacía 11 años y claro, era muy necesario ver como salían adelante sin él y una vez escuchado y re escuchado el disco, los seguidores de BMTH, pueden respirar tranquilos que aquí hay banda para rato, al menos eso es lo que parece.

Para ir aclarando el asunto, tenemos que señalar que no todas las canciones del disco son nuevas, ya que hasta seis temas del disco ya los pudimos ir escuchando poquito a poco, todos ellos con fantásticos resultados, siendo una de mis favoritas “Amen!” junto al icónico Daryl Palumbo de Glassjaw y Lil Uzi Vert, que demuestra que cuando quieren ponerse guerreros, caña tienen y de sobra.

Otra cosa a destacar del disco, es que personalmente pienso que es el complemento perfecto a su EP anterior y es que si aquel, la banda volvía a demostrar que el metal moderno y el post hardcore no lo habían perdido, en este lo certifican al 100%.

Prueba de ello es “Lost”, un cañonazo de pop punk medio alternativo que bien podría ser su particular “I’m Not Okay” de MCR pero llevado al 2024 y que presenta ciertos guiños a Yellowcard, una absoluta delicia para quienes hemos crecido escuchando ambos estilos: El Pop Punk y El Post Hardcore en los 2000.

Pero aún es más latente en “Youtopia”, donde si no piensas en The Used y Story of the Year escuchando el tema, es que no has vivido esa época, porque la influencia o el tributo se si quiere es muy claro y con un resultado fantástico.

Aunque los que busquen ruido y la parte más metalera moderna de la banda, la van a encontrar en la potente “A Bullet W-My Blood On”, donde cuentan con la colaboración de Spencer y Aaron de Underoath, con lo cual se podía intuir que esta sería de las canciones más potentes del álbum y así lo ha sido, siendo de las mejores que han hecho en el último lustro.

Y para los que están en medio, tranquilos que BMTH tiene dos perlitas para ustedes, la que ya conocemos y nos encanta “Kool-Aid”, un cañonazo medio nu metalero moderno, que seguro pondrá patas arriba los conciertos de la banda este verano, y quizás la sorpresa viene de la mano de “LiMousine” ya que se puede percibir una atmósfera a lo Deftones que ya está generando diversas opiniones entre sus seguidores ya que quizás sea un corte que no te esperas de ellos al igual que la alternativa N/A, otra gran canción del disco pero a la cual hay que darle el mimo necesario para conectar con ella.

Y aquí me quiero detener y preguntarles ¿Hasta cuándo vais a considerar a BMTH simplemente como una banda de metal moderno?, cuando en su catálogo tienen piezas como “Chelsea Smile” y “Football Season is Over” pero también cosas como “Teardrops” o “Avalanche”, no señores Bring Me The Horizon es una banda alternativa, seguramente la mejor y si no poco le falta de su generación, donde la creatividad sigue viento en popa y nos ha vuelto a regalar otro discazo (Por suerte dejaron atrás el fallido AMO, que tenía alguna pincelada pero que no funcionó) y siguen evidenciando que su techo dista mucho de estar cerca.

Hace años que quieren hundirlos, que dicen que ya no son los de antes y chico, menos mal que no son los de 2006, porque nos habríamos perdido discos tan notables como Sempiternal, Post Survival: Horror o este nuevo trabajo donde sin querer extenderme mucho más han vuelto a dar en la diana y a entregar uno de los discos del año.Period.

Si había un territorio por conquistar para los ucranianos Jinjer ese era Estados Unidos, por eso que hayan podido grabar su primer dvd allí es sinónimo del gran estado que viven Tati Shmaylyuk y compañía en la actualidad.

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Para los que ya conocemos como se las gastan en directo estos chicos, lo cierto es que no vamos a encontrar ninguna novedad, sin embargo como documento audiovisual y sobre todo si ere fan de Jinjer, este directo es de absoluta visualización y compra.

En un recinto abarrotado, Jinjer nos regalaron lo que mejor saben hacer, un directo potente, complejo con diferentes pasajes en las canciones y con la figura de su frontwoman como símbolo principal y absoluto.

Y es que si, Tatiana sabe contagiar al público la energía que desprenden las canciones de Jinjer y por algo muchas compañeras de profesión han mostrado sus respetos para con la cantante ucraniana, así como en Youtube muchos y muchas Vocal Coach no pueden si no rendirse ante el talento de esta mujer.

El repertorio consta de 16 canciones grabada en la ciudad angelina, más dos cortes (“Wallflowers” y “Discloure!”) grabados en París el año pasado en el marco de su gira europea.

En el mismo se concentra básicamente lo que es Jinjer en 2024, con una canciones muy solidas como “Home Back” o Vortex”, pero intercaladas con clásicos de la banda como la tremenda “I Speak Astronomy”, “Pisces” , “Call Me a Symbol” o la gran “Sit Stay Roll Over”, tema con el que muchos conocimos a Jinjer hace casi una década.

En resumen es un gran testimonio para cualquier amante del metal moderno y que pese a que quizás no sea la mejor época para el dvd o blu ray, creo firmemente que Jinjer han logrado con este Live in Los Angeles, que merezca la pena ahorrarse unos euros e ir lo antes posible a por el a la tienda más cercana, porque habiéndolo visto, reafirmo rotundamente que merece la pena invertir su dinero en este trabajo.

Los italianos Nocturna vuelven este 2024 con su nuevo disco Of Sorcery and Darkness, tras las gratas sensaciones que nos dejó su debut Daughters of the Night hace dos años y que colocó a sus dos frontwomen Grace Darkling y Rehn Stillnight como las “Princesitas” del metal melódico en su país natal.

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En estos 10 nuevos cortes, las chicas y el resto de sus compañeros han configurado una más que interesante continuación de su debut, pero mejorando las pocas cosas que había que mejorar en aquel primer trabajo.

Y no es por quitarle merito a Hedon (Guitarra y fundador de este proyecto), pero la realidad es la que es y es que Nocturna brillan por la espectacular figura y voces de sus dos cantantes, tómalo o déjalo.

Ese inicio tremendo en “Burn the Witch”, donde la voz más oscura de Grace se complementa a la perfección con la más “operística” de Rehn, dan el puntapié perfecto al disco y es que lo de estas chicas es una auténtica delicia, la capacidad que tienen las dos para cambiar de tono vocal en cuestión de segundos y que no suene postizo, es muy admirable y hace que las sigamos reivindicando.

El binomio “Sapphire” y “Noctis Avem”, nos muestra el sendero más power metalero sinfónico de estas chicas, con tonos imposibles y delicados, acompañados por bases mucho más contundentes que algunos de sus compañeros de profresión, ellas le aportan la energía para brillar con luz propia dentro del disco y los arreglos sinfónicos hacen el resto.

Si uno tiene que buscar referentes en el sonido de Ncoturna, creo que los nombres salen solos y esos podrían ser los de Visions of Atlantis, Xandria y por supuesto After Forever y Nightwish, pero no nos confundamos, estas chicas no pretenden imitar el sonido de esas bandas, si no que las toman como molde para crear su propio sonido y tras el cual han surgido proyectos como Elettra Storm.

La potente “Midnight Sun” es uno de los mejores cortes del disco, con ese comienzo frenético pero acompañado por las voces cristalinas de Rehn primero y de Grace luego, te envuelven y son capaces de mantener la atención del oyente de principio a fin, ya que sus cambios de ritmo están muy bien ejecutados.

Los dos singles “Seven Sins”, con unos teclados a lo Epica y una base bastante metalera pero sin perder el sonido medio clásico de la banda y con Grace comenzando de forma sublime la canción, para luego ser arropada por su compañera y el más melódico “Strangers”, son de lo mejorcito del álbum y quizás podrían haber encajado en su debut sin problemas.

Ambas serán fijas en la próxima gira de la banda, de eso no hay duda y demuestran la progresión que están teniendo y a la cual no se le puede pedir mucho más ya que la entrega ha sido muy bien ejecutada y es una más que digna sucesora de su anterior obra.

A estas alturas de la película, hablar de Kerry King, es hacerlo de una figura fundamental para el metal pesado, concretamente para el thrash metal ya que junto a Slayer pusieron al género en la cresta de la ola hace ya más de 35 años, por eso somos muchos los que esperábamos el primer disco solista de Kerry tras la disolución de Slayer, pero la cuestión es ¿Habrá merecido la pena todos estos meses de espera?.

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Finalizada la escucha del disco, ya no recuerdo cuantas veces lo he escuchado estos días, lo cierto es que la respuesta es un si, pero con muchos interrogantes y una firme sensación de que podría haber sido mucho mejor de lo que aquí hay plasmado.

Que no se me malinterprete, el disco suena como un cañón y creo que la elección de Mark Osegueda como vocalista para este proyecto es 100% acertada y el tipo cumple a la perfección (Algo lógico viniendo de una banda tan importante como Death Angel) con su labor en este disco, pero precisamente por los nombres aquí reunidos, creo que el disco podría haber logrado el título y se ha quedado a las puertas de la final, a buen entendedor…pocas palabras.

Si tu eres seguidor de Slayer o conoces mínimamente el sonido de la banda, ya puedes hacerte una idea de lo que este disco contiene en su interior y es que ¿alguien piensa que tras más de 35 años de carrera Kerry King va a cambiar de estilo?.

Pues en estas 13 canciones, vas a tener lo que andas buscando, sonidos estridentes, guitarras endiabladas, velocidad por doquier, voces agresivas pero con el gancho suficiente para captar a gente que quizás no este muy familiarizada con el estilo…Pero ¿Acaso no es esto lo que Slayer ya hicieron en toda su carrera y lo que Death Angel han continuado?, donde queda el atractivo del disco entonces?

Pues bueno, si uno escucha canciones tan potentes como “Residue”, el lado más punk thrash en “Two Fist” o la veloz “Toxic” o la feroz “Idle Hands”, lo cierto es que la sensación es bastante buena, la capacidad de Osegueda para acercarse a la figura y los tonos vocales de Araya, nos hacen pensar en que si Slayer hubiesen seguido activos quizás este disco hubiese sido una continuación natural de Repentless y a nadie le parecería mal.

Pero siendo Kerry King quien es, quizás el disco nos deja la sensación de que el tipo estudió para el examen, pero en lugar de tomárselo en serio al 100%, lo dejo a medias y por eso el disco se queda a medio camino entre lo que pintaba para ser y lo que finalmente es, un disco heavy, rápido, potente, bien armado, pero que si somos justos, si no tuviese el nombre de Kerry King, sería un disco de thrash metal más este 2024, muy correcto pero hasta ahí y no podemos inflar algo simplemente porque viene de la mano de un tipo como King, justamente por este motivo es que si este proyecto continúa, el siguiente esfuerzo tiene que ser mucho mayor que este disco debut.

Los Barbarian Swords regresan con fuerza con su quinto álbum de estudio, “Fetid“, un trabajo que podemos considerar más oscuro y poderoso que sus anteriores entregas. Más elegantes, curtidos y maduros, tenemos entre nosotros este quinto álbum desde “Crusaders of the Apocalypse”, aquel demo que editaron en 2012. La discografía de la agrupación se completa con “Hunting Rats” (2014), “Worms” (2016), “Totemic Anal Turbofucker” (2019) y “Anti-Dogma Megaforce” (2022).

La alineación del conjunto está compuesta por Von Päx (voz), J. Pnzr (guitarras, bajo, teclados), Steamroller (guitarra) y Uretra (batería).

A diferencia de “Anti-Dogma Megaforce” donde la velocidad era la clave, en Fetid la decadencia y la lentitud toman el control. Las guitarras y la batería crean una atmósfera opresiva y desesperada, con riffs y melodías terroríficas que te mantienen en vilo de principio a fin.

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Con una portada sencillamente espectacular realizada por Juanjo Castellano quien también ha trabajado con The Black Dahlia Murder, Unleashed, Skeletal Remains, Avulsed entre otros, y editado a través del sello discográfico Base Record Production, tenemos esta obra repleta de crudeza y oscuridad a lo largo de seis canciones que te arrastrarán a las profundidades del black doom catalán.

La banda ha sabido depurar su sonido, haciéndolo más orgánico, todo encaja a la perfección, desde la contundente base rítmica hasta los detalles más sutiles, con riffs abismales y la percusión que te envuelven en una atmósfera opresiva, mientras la voz gutural de Von Päx te susurra historias de desolación y venganza.

Fetid va más allá de las etiquetas del black doom. La densidad y lentitud de sus composiciones, junto a la atmósfera claustrofóbica que crean, rozan los límites del funeral doom. La banda no se limita a la brutalidad del death metal, sino que explora la profundidad y la desolación del doom en su máxima expresión.

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El ábum abre con “Cherokee Firestorm“, un tema que desde el primer instante te atrapa con sus cuerdas chirriantes y su sonoridad arrolladora. La banda no se anda con rodeos y pone toda la carne en el asador desde el comienzo, dejando claro su esencia fulminante y plagada de oscuridad.

Temas como “Six Feet of Justice“, “Tancredus, Smash“, “Even Brave Men Fear Death” y “Genocidal Theogony” (se destaca por sus teclados espeluznantes que añaden un toque extra de oscuridad a la atmósfera). te sumergen en un estado en que no podes salir con facilidad.

El disco finaliza con “Not Even Light“, un tema que conserva la esencia de la banda en todo momento, con una combinación de elementos del black y el doom metal. Instrumentos audaces, un gutural ensordecedor y paisajes sonoros cargados de oscuridad son los ingredientes que hacen de este corte uno de los mejores temas de la placa.

La música de Barbarian Swords en Fetid no solo te hace sentir incómodo/a, sino que también te induce a un estado de trance casi hipnótico. Los riffs repetitivos y la atmósfera opresiva no lo hacen apto para almas sensibles, sino para aquellos que buscan explorar los rincones más oscuros.

Recomendado para amantes de lo tortuoso, de lo oscuro, para todo aquel que busca una experiencia auditiva extrema que te transporte a un mundo repleto de miedos y pesadillas.

Etiquetas: Avulsed, Barbarian Swords, Base Record Production, Black Doom Metal, Skeletal Remains, The Black Dahlia Murder, Unleashed

El artista LRH (también conocido como Kasara), quien actúa como baterista en bandas como Black Death Ritual, Deathchain y Horna, mantiene vivo el espíritu del verdadero black metal escandinavo con su debut en solitario bajo el proyecto Night Shall Drape Us. Su obra, titulada “Lunatic Choir“, ha sido editada por el sello francés Seasons of Mist el pasado 26 de abril del 2024.

Lunatic Choir suena a los gélidos confines de la Finlandia natal de LHR, ocho canciones que evocan los bosques helados y las vistas cubiertas de nieve de esos climas septentrionales.

Entre los músicos que participan, LRH hacer referencia a sus “hermanos de sangre”, entre ellos están Infection, Spellgoth y Wraath y son los artífices de una obra maestra de crudeza y precisión que destila la esencia de este género extremo.

La mente maestra detrás del proyecto, no solo aporta su talento como compositor, sino que también ha sido bajista y guitarrista de Horna, una de las bandas más emblemáticas del black metal. Su voz, cargada de una tenebrosa intensidad, se convierte en la guía espiritual de la banda.

Spellgoth, se une a la oscuridad con su voz gutural y agrega una capa extra de crudeza y ferocidad a la música, Infection, quien oficia de vocalista de Ajattara y Behexen, aporta su experiencia y versatilidad a la obra, tejiendo atmósferas siniestras y melodías memorables.

Wraath, el tercer “hermano”, completa el linaje con su furia como guitarrista en Behexen, Darvaza y Beyond Man. Su voz desgarradora en Darvaza y su bajo en Mare añaden una dosis extra de salvajismo a la paleta sonora de Night Shall Drape Us.

El arte de la portada, a cargo de Mar.A Artworks, es una obra maestra en sí misma. La combinación de la imagen, que fusiona la figura de La Muerte con la diosa hindú Kali, es una elección audaz y fascinante. En blanco y negro, cada detalle cobra vida, desde los brazos que sostienen distintos elementos significativos hasta el sol radiante de fondo y la luna serena que observa desde lejos.

Los brazos izquierdos, con un cáliz de sangre en el inferior y una daga en el superior, evocan un sentido de poder y misterio. Mientras tanto, los brazos derechos, con uno apuntando hacia arriba en una pose reminiscente de Baphomet y el otro sosteniendo la guadaña de La Muerte, representan la dualidad de la divinidad y el destino final.

Esta amalgama de imágenes, junto con el título en rojo ardiente que proclama “Lunatic Choirs”, anticipa la experiencia que aguarda al sumergirse en la obra musical. La combinación de lo celestial y lo sombrío, lo místico y lo macabro, promete transportar al oyente a un viaje emocional y espiritual único, donde los coros lunáticos entonan melodías que desafían la razón y encantan el alma.

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La música de “Hymn of Rebellion” transita desde un sonido ambiental y atmosférico, creando una sensación de tensión y expectativa, hasta desembocar en un black metal crudo y visceral. Las guitarras desgarradoras, los riffs sucios y la voz gutural de Wraath nos sumergen en un torbellino de emociones, reflejando la intensidad del mensaje que se transmite.

Tras una introducción cruda pero bien elaborada, “Dead Eden” que a diferencia del tema anterior, este himno se caracteriza por una crudeza más palpable, invitándonos a abrazar la muerte y destruir el Edén, reduciendo su pasto a cenizas.

La letra va más allá de la simple destrucción, nos invita a interpretar la destrucción del Edén como la liberación de nuestra propia prisión, el acto de morder el fruto prohibido para alcanzar el conocimiento y la divinidad. Es una metáfora para deshacernos de la “inocencia” terrenal, abrazar la marca de la muerte guiada por Lucifer y renacer en una forma espiritual superior.

La canción irrumpe con una pared de guitarras gruesas y una batería contundente, manteniendo un ritmo frenético sin tregua. Los pasajes melódicos, a pesar de su crudeza, resultan hipnóticos y cautivadores. Spellgoth toma las riendas vocales en “Dead Eden”, mientras que Infection lo acompaña. Sus voces se fusionan a la perfección con la furia instrumental.

“Ethereal Constrictor” es una canción poderosa y atmosférica que explora temas de espiritualidad, trascendencia y destrucción. La canción presenta un equilibrio entre melodía y crudeza, y el uso de coros angelicales añade una dimensión interesante a la estética general. Si bien la canción carece de cierta diversidad en su estructura, la energía y la intensidad constantes la convierten en una experiencia auditiva memorable.  muy al estilo de Satyricon y Behemoth.

El siguiente tema, “Ashes of Men“, fue el tercero y último de los adelantos previo a que el disco fuera lanzado, es una excelente muestra del talento y potencial de LRH, La canción combina Un black metal feroz, sin concesiones, de la vieja escuela creando una experiencia auditiva memorable. Si bien la banda podría experimentar con diferentes estructuras y tempos en futuros lanzamientos, “Ashes of Men” es una obra sólida que confirma su dominio del género.

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“Unification” nos sumerge en un torbellino de black metal sombrío y agresivo heredero del estilo finlandés que marcó a generaciones. Un bajo imponente resuena en la segunda mitad, mientras un coro limpio, similar al de Infection, eleva la canción a un punto álgido de emotividad, a esto se le suma el tortuoso sonido de las voces que nos envuelve en una atmósfera oscura y plagada de emociones.

“Lunacy and Horror” continúa la estela oscura y melancólica de los temas anteriores, con Wraath enunciando una lírica que define la esencia del proyecto y del álbum: la muerte, la oscuridad, la locura y el horror.

La canción se desarrolla como una continuación natural del tema anterior y se revela el significado de la obra, la misma es una oda a la locura y el horror que envuelve el mundo. Los tres vocalistas se unen en un coro lunático que canta la alabanza a la oscuridad.

“Under the Dead Sky” nos acerca al final del álbum con un himno herético y despiadado, una oda a la liberación del alma y la unión con la Muerte Santa.

“Embraced by the skeletal branches, Death Holy Death, When entered to the circle of void. Death Holy Death! Let Him hear, taste and see the offering. Death Holy Death!” (Abrazado por las ramas esqueléticas, Muerte Santa Muerte, Cuando se entra en el círculo del vacío. ¡Muerte, santa muerte! Que Él oiga, pruebe y vea la ofrenda. ¡Muerte, santa muerte!).

A pesar de la temática oscura, “Under the Dead Sky” no cae en la monotonía. La introducción de una sección media ambiental más lenta rompe con la intensidad del black metal y aporta un respiro necesario. Este contraste intensifica el impacto del crescendo final, un pasaje dramático y emotivo que eleva la canción a su punto álgido.

Se posiciona como la canción más fuerte del álbum, un himno imprescindible para cualquier fan del género que busca algo más que simples riffs y blast beats.

La canción nos sumerge en un ambiente siniestro y evocador, donde LRH y sus hermanos rinden homenaje a Kali, la diosa hindú de la destrucción, desde la perspectiva del Sendero de la Mano Izquierda.

Los riffs pesados y las voces guturales crean una atmósfera opresiva, mientras las letras exaltan el poder destructor de Kali: “Jai Ma Kali, déjame ahogarme en el lago rojo que nos has ofrecido. ¡Jai Ma Kali! Levántate del abismo y devora este mundo de presas”.

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A diferencia de las canciones anteriores, “The Queen of the Red Streams” apuesta por un enfoque más deliberado y experimental. Los ritmos y estructuras no convencionales, junto con los cambios dinámicos, dan lugar a una pieza única que muestra el lado más progresivo de la banda. Este cambio de ritmo demuestra la versatilidad de LRH y su capacidad para explorar diferentes facetas del Black Metal.

Este track es un final perfecto para un álbum memorable. Una canción que nos invita a reflexionar sobre la destrucción y la muerte, pero también sobre la fuerza y el poder de la renovación.

El videoclip de este tema es una obra de arte en sí misma. Imágenes simbólicas, una estética cuidada y la presencia de LRH y sus hermanos en una morgue se combinan para crear una experiencia visual impactante que complementa perfectamente la música.

Sin duda, LRH ha dejado una huella imborrable en el panorama del black metal con este primer álbum y esperamos con ansias ver qué nos deparan en el futuro ya que ha dejado un claro candidato a mejor lanzamiento del género en 2024.

Si bien el nombre de Riot no resuena con la misma fuerza que otras bandas de heavy metal de su época, su legado musical es innegable. A pesar de una popularidad comercial discreta, Riot se consolidó como una de las bandas más subestimadas del género, dejando huella con su talento y originalidad.
Nacida en 1975 bajo el liderazgo de Mark Reale, la banda se caracterizó por sus fuertes melodías, técnica depurada y una estética única marcada por la mascota “Johnny“, una criatura mitad foca, mitad humano.

El álbum “Thundersteel” de 1988 marcó un punto de inflexión en la trayectoria de Riot. Esta obra maestra del speed metal no sólo elevó su reconocimiento, sino que también influyó de manera significativa en el desarrollo del género. Sin embargo, las leyes del mercado, a menudo ajenas al valor artístico, no acompañaron el talento de la banda, lo que llevó a su separación en 1984.

Afortunadamente, el llamado del heavy metal era demasiado fuerte y regresaron en el ’88, la popularidad fluctuó al ritmo de las mareas musicales, pero mantuvieron una base de admiradores fieles hasta el nuestros días.

La figura de Mark Reale, guitarrista y compositor principal, fue pilar fundamental de la banda. Su talento innegable y su dedicación a la música lo convirtieron en el alma de Riot. Lamentablemente, en 2012, una enfermedad truncó su vida, dejando un vacío irreparable en el mundo del heavy metal, es por eso que al momento de continuar, la banda decide cambiar el nombre del grupo, agregando el V (quinto) en honor a su ex líder.

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Más allá de su historia, RIOT representa la pasión por el rock clásico, la fuerza de las melodías atemporales y la capacidad de reinventarse sin perder la esencia, tanto que han vuelto a sorprendernos con su nuevo disco, “Mean Streets”. Un álbum que marca un poderoso regreso tras el susto vivido por su guitarrista Nick Lee, quien afortunadamente se ha recuperado por completo luego que haya sufrido múltiples convulsiones que lo llevaron a ser internado en el hospital y a entrar en un coma inducido en julio de 2022.

Editados por Atomic Fire Records, Mean Streets salió a la venta este 10 de mayo del 2024 en todo el mundo, el diseño artístico corrió a cargo de Gyula Havancsák, manteniendo la esencia típica de la banda (foca incluida).

En 2025, Riot celebrará su 50 aniversario, un hito que refleja su impacto duradero en la escena musical. Con su nuevo álbum y su energía arrolladora, la banda está lista para seguir conquistando generaciones de fanáticos del metal. A continuación repasaremos una a una cada canción del álbum.

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El álbum comienza con “Hail To The Warriors“, una canción de heavy metal clásico de la vieja escuela. Gritos agudos por parte de Todd, muy al estilo Rob Halford, un trabajo de batería realmente superlativo, bombos rápidos, estribillos pegadizos, solos de guitarra asesinos y un bajo potente.

“Feel the Fire” fue el segundo track que conocimos como adelanto antes de la llegada del disco, en este encontramos melodías más simples y directas con un estribillo coreable mientras levantas “los puños de acero”.

La tercera canción del álbum es “Love Beyond the Grave“, la misma inicia con unas melodías de guitarras gemelas y un sonido heavymetalero con algo de groove a ritmo lento para luego volver a la carga con un gran riff hasta su final.

“High Noon” sirvió como primer adelanto para presentar este Mean Streets, una canción que arrasa con toda su energía, con gran labor en la batería realizando cortes y las notas filosas de las guitarras hacen que sea una de las mejores canciones del presente larga duración.

Con una muy buena intro de batería y a gran velocidad comienza “Before this time“, con buenos riff antes de la llegada del estribillo, la canción suena excelente, en realidad todo el álbum dispone de una excelente producción.

“Higher” es otro claro ejemplo del speed metal de Riot. Un riff de inicio contundente y machacante, que luego se convierte en un ritmo lento con una armonía encima que luego cambia con un explosivo riff hasta el final.

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Suena la canción homónima, “Mean Streets” y recuerda mucho a temas que la banda compuso e interpretó en la década de los 80s. Una muy buena entrega con sonidos potentes y riff filosos.

“Open Road” es una canción que va más del tipo hard rock con tintes de heavy metal, sonidos a medio tempo, el sonido es fresco y

El corte más “thrashero/speedmetalero” del larga duración lo titularon “Mortal Eyes“, con imponentes riff, una marcada sesión técnica en la batería, con esos bombos a la velocidad de la luz , un juego de guitarras gemelas hacen que sea una de las mejores canciones del décimo séptimo disco de la agrupación.

Va llegando el final y las piezas se destacan por seguir el ritmo y nunca decaer pero con algo de sorpresas, “Lost Dreams” trae consigo más heavy metal, una canción que hace mover la cabeza al ritmo de esos riff y juegos con la batería, canción destinada a pertenecer al repertorio de la banda en vivo.

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“Lean into It” es una pista con un sentimiento diferente a las demás, casi Iron Maiden en la parte del estribillo, el arranque suena más bien a Whitesnake con un solo de muy buena ejecución. En el segundo solo, la canción va tomando otra velocidad y se va transitando a pura armonías y estribillos gancheros para volverse más pesada al final junto a una batería que está volando a puro doble bombo.

El cierre del álbum está a cargo de “No More“, una canción que comienza medio tiempo medio, con buenos coros y un buen estribillo, de repente aparece un rebaje de velocidad en la mitad de la canción que invita a un buen solo de guitarra para retomar con hacia el final a pura melodía

Mean Streets es, sin duda, uno de los mejores discos de heavy metal clásico que se han lanzado en 2024.

Entre los aficionados al hardcore, Japón es una de las fuentes más interesantes de artistas del estilo sobre todo, en especial para los que busquen el costado más ruidoso del estilo . Y en 2010 muchos fanáticos creyeron haber encontrado otro gran nombre para agregar a los de G.I.S.M, Crow, Death Side y Bastard con la aparición de Kriegshög. Este cuarteto de Tokio editó su LP debut autotitulado ese mismo año, vomitando 13 canciones en 25 minutos de pura furia punk y dejando a muchos blogs hablando sobre ellos. Pero tras ese lanzamiento casi no se volvió a saber de estos punks de negro, más allá de un par de singles y apariciones en compilados, y tuvimos que esperar hasta el 26 de abril último, cuando Kriegshög editaron Love & Revenge a través del sello inglés especialista en punk ruidoso La Vida Es Un Mus.

Luego de 14 años de espera, ¿en qué estado encontramos a estos japoneses? A pesar de que su segundo álbum tiene nombre y portada dignos de ser lo nuevo de una banda como AFI, Kriegshög siguen firmes en la senda del ruido y la distorsión, y quienes esperaban esas dos cosas las tendrán a cuatro manos, porque el cuarteto supura enojo y energía por cada poro. En las primeras escuchas pareciera que el tiempo no hubiera pasado para Kriegshög, siendo tan brutales como cuando se hubieran dado primero a conocer: desde que patean la puerta con “虚空” (“Vacío”) hasta que terminan de romper todo con la final “冷たい人間” (“Persona fría”), la banda arremete contra toda barrera a base de puros guitarrazos, gritos y escupitajos.

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Pero tampoco pasa demasiado tiempo, aunque sí unas tantas escuchas considerando la duración del disco, hasta que comenzamos a notar que hay un par de diferencias importantes entre Love & Revenge y el álbum debut, que van más allá del año en el que fueron editados. La más obvia es que este segundo disco tiene un sonido mucho más claro: seguirá siendo punk y lo fi, pero comparado con el sonido de refugio nuclear de su debut este nuevo parece grabado en un sótano húmedo pero más cómodo. 

Y también es obvio que la banda sacó un poco el pie del acelerador. Claro que siguen yendo a una velocidad inhumana y cualquiera terminaría en la sala de emergencias tratando de hacer headbanging con cualquiera de estas canciones, pero está claro que la velocidad Napalm Death del primero es más intensa y anárquica que la velocidad Motörhead / Discharge a la que Kriegshög va casi siempre en este álbum. Y hablando de Discharge, esa fue la primera banda a la que Love & Revenge me recordó: imaginen a los ingleses siendo trasplantados de Stoke-on-Trent a Tokio y tendrán una idea bastante clara de cómo suena este disco.

Entre el sonido, la velocidad y que las canciones sean bastante más largas (¡Casi llegan a los 3 minutos de promedio por track!) que en aquel disco, Love & Revenge presenta a unos Kriegshög más controlados, más armados y desarrollados. ¿Será una crítica decir que una banda punk ahora suena menos anárquica y caótica? Más allá de esos dogmas, creo que todo esto funciona en beneficio del disco: riffs más marcados y discernibles, baterías que todavía van a toda velocidad, voces igual de desgarradas y una atmósfera como para tirar una molotov y prender fuego algún patrullero. ¿Será un delito decir que me gusta más este segundo disco que el primero? Si es así, pónganme las esposas y los grilletes, porque es lo que me parece.

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¿Que es la magia sino la expresión más pura e intensa del alma humana? Hacer arte y transformar el mundo a través de la música es magia. Lograr estimular la mente para concebir paisajes imaginarios con atmósferas bien detalladas a través de la música es muy mágico, y Fernando Mejía el nombre detrás de A Rose Diying In The Rain, es un gran mago ya que todo lo anterior lo logra de forma sublime con su más reciente EP eternal sunset.

No basta escuchar el disco una sola vez, merece al menos un par de escuchas para poder apreciar los prodigiosos arreglos, el maravilloso manejo y concepción de la atmósfera, la complejidad de la composición y la emotividad detrás de la voz, un despliegue de talento, tanto en fondo como en forma.

El disco si bien es complejo, no es abrumador, es de hecho muy digerible y fácil de disfrutar, un exquisito ejemplo del post black metal y probablemente un buen punto de partida para aquellos que no sean tan afines al género, o para variar, a todo el metal extremo.

Si bien el principal género de la entrega es post black metal, todas las canciones que le componen gozan de atmósferas dignas de los mejores discos de black metal atmosférico, me viene a la mente el disco Hallucinogen de la banda francesa Blut Aus Nord, no porque sean similares, sino por la complejidad y magia que existe detrás de la ambientación que es “alucinante”, aunque claro, cada obra te empuja a alucinar cosas bastante distintas.

Dejando de lado el tema de la atmósfera, es justo abordar la profunda emotividad que consigue el disco. Melancolía, nostalgia, curiosidad, duda, calma y mucho misterio, es apenas una parte de todo lo que te va a hacer sentir eternal sunset, el lenguaje es insuficiente para describir lo que la música nos transmite y este álbum lo deja claro.

Cada canción es una historia distinta, compleja y bien lograda, aún así todo la obra goza de un estilo marcado y único. “spring memories” nos va a recibir con melancolía y curiosidad, es una apertura ideal ya que nos prepara apropiadamente para las otras cinco canciones, la voz cargada de nostalgia al igual que la música nos habla de la aventura que se avecina, lo de la lluvia es un gran detalle.

“dancing leaves”, arranca también con lluvia, un poco más triste y nos empieza a envolver en el aura misteriosa y calmada del disco, hemos entrado de lleno a ese paisaje tan particular del EP, las cosas empiezan a ponerse intensas para terminar con calma.

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Aunque todas las pistas son remarcables, “warm april sunset”, fue la que más me movió de la silla. ¿Qué clase de truco arcano lleno de potencia e intencionalidad es este? Es el clímax del EP, es perderse en el paisaje y encontrarse con los guardianes que lo protegen, es no entender la carga emotiva tan poderosa que eternal sunset tiene para nosotros, pero es una escalada jodidamente hermosa.

“púrpura”, ¿de qué otro color sería sino el misterio? Y está es la parte más bella de la extraña sensación de duda durante el recorrido por el místico paisaje de eternal sunset, la magia que baja de la montaña y sus árboles, no, no estás de viaje, es “solo una canción”, sigues en tu aplicación de música preferida.

¿Querías respuestas? Quizás las encuentres en “lavender garden”, en la calma de un pastizal abandonado, o cualquiera que sea la imagen mental (Seguro van a ser muchas) que te ocasionen las diversas transiciones que la canción más larga del EP tiene que ofrecerte.

¡Hemos llegado al “cielo”!, la última canción del EP. Es una pena que ya se haya terminado, y la introducción melancólica que es característica de todas estas canciones te acompaña en tu luto, pero créeme, es mejor así, todo gran viaje tiene un final, y este es uno digno de toda la aventura que es escuchar eternal sunset.

Si algún día te da por explorar un túmulo antiguo y olvidado, ubicado en algún punto desconocido de un bosque templado, en el que se dice que se oculta una magia antigua y poderosa, eternal sunset de A Rose Diying In The Rain es lo que va a estar soñando de fondo, pero también cualquier otro momento es bueno para darle play a esta chulada de disco.

Hay algo en el minimalismo de BIG|BRAVE que resulta masivo e imponente. Este trío canadiense, formado por Robin Wattie (voz y guitarra), Mathieu Ball (guitarra) y Tasy Hudson (batería y percusión), siempre me cautivó y, debo decirlo, desde el primer momento capté en su música, un espíritu folklórico que me recordó al canto con caja de las culturas andinas del norte Argentino. Creo que esa ocurrencia tiene que ver, justamente, con que se trata de una expresión sencilla, visceral, casi ínfima en sus recursos, pero que -sin embargo- encarna el sonido de la montaña, una de las cosas más enormes que puedan imaginarse. Cabe señalar que, en esta ocasión, hay otras personas invitadas para la ejecución de guitarras, sintetizadores y saxos en algunas canciones. El estilo de la banda podría catalogarse como alternativo, experimental o indie: una original mezcla de metal, noise rock, post rock y folk.

Compositivamente, la propuesta se basa en el canto femenino, con una voz muy dulce y melancólica, una guitarra que busca constantemente generar texturas y sutiles melodías entramadas con disonancia, acoples, cacofonía, atonalidad, distorsión, afinaciones no convencionales, en fin: todo lo que el grupo propone como una deconstrucción de la técnica.

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Las letras exploran las diversas formas en que se vive la vulnerabilidad humana, el aislamiento entre las multitudes, el vínculo humano con la naturaleza. Hay una catarsis, una necesidad expresiva urgente, cual flor que se abre. Los títulos de los tracks están escritos siempre con minúscula y dando la impresión de ser posibles recortes extraídos de un único flujo mental que tiene algo de artificio joyceano.

“A Chaos of Flowers” aparece ofreciendo cierta continuidad con el anterior “Nature Morte” (2023), un tanto más agresivo, algo que ya puede verse desde el arte de tapa: el ramo de flores invertido se da vuelta, y el fondo pasa de negro a blanco. “i felt a funeral” suena exactamente a eso: evoca una tristeza inconmensurable, emana una oscuridad envolvente, con la ternura de una inevitabilidad omnipotente que viene a abrazarnos. Esos acordes deformes y crudos demuestran una efectividad maravillosa.

“not speaking of the ways” tiene una actitud diferente, más pesada, con un ímpetu como de marcha hacia la incertidumbre. Nos brinda un interesante riff repetitivo y una percusión un poco más potente, en un avance hacia un final pacífico. “chanson pour mon ombre” sigue rompiendo las reglas de la ejecución de la guitarra. Por momentos, percibo algunos ecos de la música de Björk. Los instrumentos erigen estructuras tambaleantes, efímeras: esculturas fugaces, de una fragilidad esencial. Hay un romanticismo en el aire, y “canon: in canon” así lo confirma. Recordemos que esto no se limita a sentir amor, sino que se refiere a las pasiones, a la dialéctica de las emociones con la razón, que suele llevar a una nostalgia por algún tiempo en que la conciencia (civilizada) no era la principal fuente de nuestro propio sufrimiento.

metal melódico en su país natal.

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En “a song for Marie part iii” sentimos una fosa en el recorrido, hay algo de las búsquedas más microscópicas de la improvisación libre contemporánea, y así llegamos a “theft”, que nos hace ascender muy lentamente. Los espectros que vibran con las cuerdas son presencias admonitorias que logran alcanzar momentos corrosivos. Luego, “quotidian: solemnity” enfatiza aún más la apuesta noise de la banda, al punto de que es la voz, prácticamente, la única responsable de que haya una melodía: el fondo es una bruma de esquirlas metálicas que golpean contra un cuerpo entumecido. El final llega con “moonset”, quizás la canción de sonoridad más folk, coqueteando con el country, aunque va in crescendo con actitud casi sludge.

Un precioso disco para escuchar viajando por la ruta un día nublado o lluvioso y, si es atravesando paisajes de belleza conmovedora, mucho mejor. Ya perdí la cuenta de cuántas veces lo escuché y seguirá sonando en mi casa hasta quién sabe cuándo.

Para bien o para mal, sobre todo si eres “Hater” (cansino ya a estas alturas del partido que se tenga que hablar de ellos) de Bring Me The Horizon, ya te puedes ir escondiendo debajo de un puente y es que la banda de Sheffield ha sorprendido a todo el mundo lanzando su nuevo disco (al menos de manera digital, ya que la versión física se espera para finales de septiembre) Post Human: NeX Gen y con él vuelven a demostrar porque son una de las mejores y más personales bandas de su generación, más allá de la “controvertida” figura de su frontman.

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Para esta séptima entrega, los liderados por Oli Sykes vuelven a girar un poquito más la rosca y si bien, este álbum visto en conjunto es una continuación lógica de su EP o Mini álbum anterior, lo cierto es que siguen aportando matices sonoros que evidencian la enorme creatividad de estos tipos y que contra todo pronostico han salido bastante bien parados de la salida de su talentoso teclista y segunda voz Jordan Fish.

Y es que Jordan ha sido una pieza fundamental para la banda desde hacía 11 años y claro, era muy necesario ver como salían adelante sin él y una vez escuchado y re escuchado el disco, los seguidores de BMTH, pueden respirar tranquilos que aquí hay banda para rato, al menos eso es lo que parece.

Para ir aclarando el asunto, tenemos que señalar que no todas las canciones del disco son nuevas, ya que hasta seis temas del disco ya los pudimos ir escuchando poquito a poco, todos ellos con fantásticos resultados, siendo una de mis favoritas “Amen!” junto al icónico Daryl Palumbo de Glassjaw y Lil Uzi Vert, que demuestra que cuando quieren ponerse guerreros, caña tienen y de sobra.

Otra cosa a destacar del disco, es que personalmente pienso que es el complemento perfecto a su EP anterior y es que si aquel, la banda volvía a demostrar que el metal moderno y el post hardcore no lo habían perdido, en este lo certifican al 100%.

Prueba de ello es “Lost”, un cañonazo de pop punk medio alternativo que bien podría ser su particular “I’m Not Okay” de MCR pero llevado al 2024 y que presenta ciertos guiños a Yellowcard, una absoluta delicia para quienes hemos crecido escuchando ambos estilos: El Pop Punk y El Post Hardcore en los 2000.

Pero aún es más latente en “Youtopia”, donde si no piensas en The Used y Story of the Year escuchando el tema, es que no has vivido esa época, porque la influencia o el tributo se si quiere es muy claro y con un resultado fantástico.

Aunque los que busquen ruido y la parte más metalera moderna de la banda, la van a encontrar en la potente “A Bullet W-My Blood On”, donde cuentan con la colaboración de Spencer y Aaron de Underoath, con lo cual se podía intuir que esta sería de las canciones más potentes del álbum y así lo ha sido, siendo de las mejores que han hecho en el último lustro.

Y para los que están en medio, tranquilos que BMTH tiene dos perlitas para ustedes, la que ya conocemos y nos encanta “Kool-Aid”, un cañonazo medio nu metalero moderno, que seguro pondrá patas arriba los conciertos de la banda este verano, y quizás la sorpresa viene de la mano de “LiMousine” ya que se puede percibir una atmósfera a lo Deftones que ya está generando diversas opiniones entre sus seguidores ya que quizás sea un corte que no te esperas de ellos al igual que la alternativa N/A, otra gran canción del disco pero a la cual hay que darle el mimo necesario para conectar con ella.

Y aquí me quiero detener y preguntarles ¿Hasta cuándo vais a considerar a BMTH simplemente como una banda de metal moderno?, cuando en su catálogo tienen piezas como “Chelsea Smile” y “Football Season is Over” pero también cosas como “Teardrops” o “Avalanche”, no señores Bring Me The Horizon es una banda alternativa, seguramente la mejor y si no poco le falta de su generación, donde la creatividad sigue viento en popa y nos ha vuelto a regalar otro discazo (Por suerte dejaron atrás el fallido AMO, que tenía alguna pincelada pero que no funcionó) y siguen evidenciando que su techo dista mucho de estar cerca.

Hace años que quieren hundirlos, que dicen que ya no son los de antes y chico, menos mal que no son los de 2006, porque nos habríamos perdido discos tan notables como Sempiternal, Post Survival: Horror o este nuevo trabajo donde sin querer extenderme mucho más han vuelto a dar en la diana y a entregar uno de los discos del año.Period.

Si había un territorio por conquistar para los ucranianos Jinjer ese era Estados Unidos, por eso que hayan podido grabar su primer dvd allí es sinónimo del gran estado que viven Tati Shmaylyuk y compañía en la actualidad.

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Para los que ya conocemos como se las gastan en directo estos chicos, lo cierto es que no vamos a encontrar ninguna novedad, sin embargo como documento audiovisual y sobre todo si ere fan de Jinjer, este directo es de absoluta visualización y compra.

En un recinto abarrotado, Jinjer nos regalaron lo que mejor saben hacer, un directo potente, complejo con diferentes pasajes en las canciones y con la figura de su frontwoman como símbolo principal y absoluto.

Y es que si, Tatiana sabe contagiar al público la energía que desprenden las canciones de Jinjer y por algo muchas compañeras de profesión han mostrado sus respetos para con la cantante ucraniana, así como en Youtube muchos y muchas Vocal Coach no pueden si no rendirse ante el talento de esta mujer.

El repertorio consta de 16 canciones grabada en la ciudad angelina, más dos cortes (“Wallflowers” y “Discloure!”) grabados en París el año pasado en el marco de su gira europea.

En el mismo se concentra básicamente lo que es Jinjer en 2024, con una canciones muy solidas como “Home Back” o Vortex”, pero intercaladas con clásicos de la banda como la tremenda “I Speak Astronomy”, “Pisces” , “Call Me a Symbol” o la gran “Sit Stay Roll Over”, tema con el que muchos conocimos a Jinjer hace casi una década.

En resumen es un gran testimonio para cualquier amante del metal moderno y que pese a que quizás no sea la mejor época para el dvd o blu ray, creo firmemente que Jinjer han logrado con este Live in Los Angeles, que merezca la pena ahorrarse unos euros e ir lo antes posible a por el a la tienda más cercana, porque habiéndolo visto, reafirmo rotundamente que merece la pena invertir su dinero en este trabajo.

Los italianos Nocturna vuelven este 2024 con su nuevo disco Of Sorcery and Darkness, tras las gratas sensaciones que nos dejó su debut Daughters of the Night hace dos años y que colocó a sus dos frontwomen Grace Darkling y Rehn Stillnight como las “Princesitas” del metal melódico en su país natal.

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En estos 10 nuevos cortes, las chicas y el resto de sus compañeros han configurado una más que interesante continuación de su debut, pero mejorando las pocas cosas que había que mejorar en aquel primer trabajo.

Y no es por quitarle merito a Hedon (Guitarra y fundador de este proyecto), pero la realidad es la que es y es que Nocturna brillan por la espectacular figura y voces de sus dos cantantes, tómalo o déjalo.

Ese inicio tremendo en “Burn the Witch”, donde la voz más oscura de Grace se complementa a la perfección con la más “operística” de Rehn, dan el puntapié perfecto al disco y es que lo de estas chicas es una auténtica delicia, la capacidad que tienen las dos para cambiar de tono vocal en cuestión de segundos y que no suene postizo, es muy admirable y hace que las sigamos reivindicando.

El binomio “Sapphire” y “Noctis Avem”, nos muestra el sendero más power metalero sinfónico de estas chicas, con tonos imposibles y delicados, acompañados por bases mucho más contundentes que algunos de sus compañeros de profresión, ellas le aportan la energía para brillar con luz propia dentro del disco y los arreglos sinfónicos hacen el resto.

Si uno tiene que buscar referentes en el sonido de Ncoturna, creo que los nombres salen solos y esos podrían ser los de Visions of Atlantis, Xandria y por supuesto After Forever y Nightwish, pero no nos confundamos, estas chicas no pretenden imitar el sonido de esas bandas, si no que las toman como molde para crear su propio sonido y tras el cual han surgido proyectos como Elettra Storm.

La potente “Midnight Sun” es uno de los mejores cortes del disco, con ese comienzo frenético pero acompañado por las voces cristalinas de Rehn primero y de Grace luego, te envuelven y son capaces de mantener la atención del oyente de principio a fin, ya que sus cambios de ritmo están muy bien ejecutados.

Los dos singles “Seven Sins”, con unos teclados a lo Epica y una base bastante metalera pero sin perder el sonido medio clásico de la banda y con Grace comenzando de forma sublime la canción, para luego ser arropada por su compañera y el más melódico “Strangers”, son de lo mejorcito del álbum y quizás podrían haber encajado en su debut sin problemas.

Ambas serán fijas en la próxima gira de la banda, de eso no hay duda y demuestran la progresión que están teniendo y a la cual no se le puede pedir mucho más ya que la entrega ha sido muy bien ejecutada y es una más que digna sucesora de su anterior obra.

A estas alturas de la película, hablar de Kerry King, es hacerlo de una figura fundamental para el metal pesado, concretamente para el thrash metal ya que junto a Slayer pusieron al género en la cresta de la ola hace ya más de 35 años, por eso somos muchos los que esperábamos el primer disco solista de Kerry tras la disolución de Slayer, pero la cuestión es ¿Habrá merecido la pena todos estos meses de espera?.

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Finalizada la escucha del disco, ya no recuerdo cuantas veces lo he escuchado estos días, lo cierto es que la respuesta es un si, pero con muchos interrogantes y una firme sensación de que podría haber sido mucho mejor de lo que aquí hay plasmado.

Que no se me malinterprete, el disco suena como un cañón y creo que la elección de Mark Osegueda como vocalista para este proyecto es 100% acertada y el tipo cumple a la perfección (Algo lógico viniendo de una banda tan importante como Death Angel) con su labor en este disco, pero precisamente por los nombres aquí reunidos, creo que el disco podría haber logrado el título y se ha quedado a las puertas de la final, a buen entendedor…pocas palabras.

Si tu eres seguidor de Slayer o conoces mínimamente el sonido de la banda, ya puedes hacerte una idea de lo que este disco contiene en su interior y es que ¿alguien piensa que tras más de 35 años de carrera Kerry King va a cambiar de estilo?.

Pues en estas 13 canciones, vas a tener lo que andas buscando, sonidos estridentes, guitarras endiabladas, velocidad por doquier, voces agresivas pero con el gancho suficiente para captar a gente que quizás no este muy familiarizada con el estilo…Pero ¿Acaso no es esto lo que Slayer ya hicieron en toda su carrera y lo que Death Angel han continuado?, donde queda el atractivo del disco entonces?

Pues bueno, si uno escucha canciones tan potentes como “Residue”, el lado más punk thrash en “Two Fist” o la veloz “Toxic” o la feroz “Idle Hands”, lo cierto es que la sensación es bastante buena, la capacidad de Osegueda para acercarse a la figura y los tonos vocales de Araya, nos hacen pensar en que si Slayer hubiesen seguido activos quizás este disco hubiese sido una continuación natural de Repentless y a nadie le parecería mal.

Pero siendo Kerry King quien es, quizás el disco nos deja la sensación de que el tipo estudió para el examen, pero en lugar de tomárselo en serio al 100%, lo dejo a medias y por eso el disco se queda a medio camino entre lo que pintaba para ser y lo que finalmente es, un disco heavy, rápido, potente, bien armado, pero que si somos justos, si no tuviese el nombre de Kerry King, sería un disco de thrash metal más este 2024, muy correcto pero hasta ahí y no podemos inflar algo simplemente porque viene de la mano de un tipo como King, justamente por este motivo es que si este proyecto continúa, el siguiente esfuerzo tiene que ser mucho mayor que este disco debut.

Los Barbarian Swords regresan con fuerza con su quinto álbum de estudio, “Fetid“, un trabajo que podemos considerar más oscuro y poderoso que sus anteriores entregas. Más elegantes, curtidos y maduros, tenemos entre nosotros este quinto álbum desde “Crusaders of the Apocalypse”, aquel demo que editaron en 2012. La discografía de la agrupación se completa con “Hunting Rats” (2014), “Worms” (2016), “Totemic Anal Turbofucker” (2019) y “Anti-Dogma Megaforce” (2022).

La alineación del conjunto está compuesta por Von Päx (voz), J. Pnzr (guitarras, bajo, teclados), Steamroller (guitarra) y Uretra (batería).

A diferencia de “Anti-Dogma Megaforce” donde la velocidad era la clave, en Fetid la decadencia y la lentitud toman el control. Las guitarras y la batería crean una atmósfera opresiva y desesperada, con riffs y melodías terroríficas que te mantienen en vilo de principio a fin.

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Con una portada sencillamente espectacular realizada por Juanjo Castellano quien también ha trabajado con The Black Dahlia Murder, Unleashed, Skeletal Remains, Avulsed entre otros, y editado a través del sello discográfico Base Record Production, tenemos esta obra repleta de crudeza y oscuridad a lo largo de seis canciones que te arrastrarán a las profundidades del black doom catalán.

La banda ha sabido depurar su sonido, haciéndolo más orgánico, todo encaja a la perfección, desde la contundente base rítmica hasta los detalles más sutiles, con riffs abismales y la percusión que te envuelven en una atmósfera opresiva, mientras la voz gutural de Von Päx te susurra historias de desolación y venganza.

Fetid va más allá de las etiquetas del black doom. La densidad y lentitud de sus composiciones, junto a la atmósfera claustrofóbica que crean, rozan los límites del funeral doom. La banda no se limita a la brutalidad del death metal, sino que explora la profundidad y la desolación del doom en su máxima expresión.

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El ábum abre con “Cherokee Firestorm“, un tema que desde el primer instante te atrapa con sus cuerdas chirriantes y su sonoridad arrolladora. La banda no se anda con rodeos y pone toda la carne en el asador desde el comienzo, dejando claro su esencia fulminante y plagada de oscuridad.

Temas como “Six Feet of Justice“, “Tancredus, Smash“, “Even Brave Men Fear Death” y “Genocidal Theogony” (se destaca por sus teclados espeluznantes que añaden un toque extra de oscuridad a la atmósfera). te sumergen en un estado en que no podes salir con facilidad.

El disco finaliza con “Not Even Light“, un tema que conserva la esencia de la banda en todo momento, con una combinación de elementos del black y el doom metal. Instrumentos audaces, un gutural ensordecedor y paisajes sonoros cargados de oscuridad son los ingredientes que hacen de este corte uno de los mejores temas de la placa.

La música de Barbarian Swords en Fetid no solo te hace sentir incómodo/a, sino que también te induce a un estado de trance casi hipnótico. Los riffs repetitivos y la atmósfera opresiva no lo hacen apto para almas sensibles, sino para aquellos que buscan explorar los rincones más oscuros.

Recomendado para amantes de lo tortuoso, de lo oscuro, para todo aquel que busca una experiencia auditiva extrema que te transporte a un mundo repleto de miedos y pesadillas.

Etiquetas: Avulsed, Barbarian Swords, Base Record Production, Black Doom Metal, Skeletal Remains, The Black Dahlia Murder, Unleashed

El artista LRH (también conocido como Kasara), quien actúa como baterista en bandas como Black Death Ritual, Deathchain y Horna, mantiene vivo el espíritu del verdadero black metal escandinavo con su debut en solitario bajo el proyecto Night Shall Drape Us. Su obra, titulada “Lunatic Choir“, ha sido editada por el sello francés Seasons of Mist el pasado 26 de abril del 2024.

Lunatic Choir suena a los gélidos confines de la Finlandia natal de LHR, ocho canciones que evocan los bosques helados y las vistas cubiertas de nieve de esos climas septentrionales.

Entre los músicos que participan, LRH hacer referencia a sus “hermanos de sangre”, entre ellos están Infection, Spellgoth y Wraath y son los artífices de una obra maestra de crudeza y precisión que destila la esencia de este género extremo.

La mente maestra detrás del proyecto, no solo aporta su talento como compositor, sino que también ha sido bajista y guitarrista de Horna, una de las bandas más emblemáticas del black metal. Su voz, cargada de una tenebrosa intensidad, se convierte en la guía espiritual de la banda.

Spellgoth, se une a la oscuridad con su voz gutural y agrega una capa extra de crudeza y ferocidad a la música, Infection, quien oficia de vocalista de Ajattara y Behexen, aporta su experiencia y versatilidad a la obra, tejiendo atmósferas siniestras y melodías memorables.

Wraath, el tercer “hermano”, completa el linaje con su furia como guitarrista en Behexen, Darvaza y Beyond Man. Su voz desgarradora en Darvaza y su bajo en Mare añaden una dosis extra de salvajismo a la paleta sonora de Night Shall Drape Us.

El arte de la portada, a cargo de Mar.A Artworks, es una obra maestra en sí misma. La combinación de la imagen, que fusiona la figura de La Muerte con la diosa hindú Kali, es una elección audaz y fascinante. En blanco y negro, cada detalle cobra vida, desde los brazos que sostienen distintos elementos significativos hasta el sol radiante de fondo y la luna serena que observa desde lejos.

Los brazos izquierdos, con un cáliz de sangre en el inferior y una daga en el superior, evocan un sentido de poder y misterio. Mientras tanto, los brazos derechos, con uno apuntando hacia arriba en una pose reminiscente de Baphomet y el otro sosteniendo la guadaña de La Muerte, representan la dualidad de la divinidad y el destino final.

Esta amalgama de imágenes, junto con el título en rojo ardiente que proclama “Lunatic Choirs”, anticipa la experiencia que aguarda al sumergirse en la obra musical. La combinación de lo celestial y lo sombrío, lo místico y lo macabro, promete transportar al oyente a un viaje emocional y espiritual único, donde los coros lunáticos entonan melodías que desafían la razón y encantan el alma.

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La música de “Hymn of Rebellion” transita desde un sonido ambiental y atmosférico, creando una sensación de tensión y expectativa, hasta desembocar en un black metal crudo y visceral. Las guitarras desgarradoras, los riffs sucios y la voz gutural de Wraath nos sumergen en un torbellino de emociones, reflejando la intensidad del mensaje que se transmite.

Tras una introducción cruda pero bien elaborada, “Dead Eden” que a diferencia del tema anterior, este himno se caracteriza por una crudeza más palpable, invitándonos a abrazar la muerte y destruir el Edén, reduciendo su pasto a cenizas.

La letra va más allá de la simple destrucción, nos invita a interpretar la destrucción del Edén como la liberación de nuestra propia prisión, el acto de morder el fruto prohibido para alcanzar el conocimiento y la divinidad. Es una metáfora para deshacernos de la “inocencia” terrenal, abrazar la marca de la muerte guiada por Lucifer y renacer en una forma espiritual superior.

La canción irrumpe con una pared de guitarras gruesas y una batería contundente, manteniendo un ritmo frenético sin tregua. Los pasajes melódicos, a pesar de su crudeza, resultan hipnóticos y cautivadores. Spellgoth toma las riendas vocales en “Dead Eden”, mientras que Infection lo acompaña. Sus voces se fusionan a la perfección con la furia instrumental.

“Ethereal Constrictor” es una canción poderosa y atmosférica que explora temas de espiritualidad, trascendencia y destrucción. La canción presenta un equilibrio entre melodía y crudeza, y el uso de coros angelicales añade una dimensión interesante a la estética general. Si bien la canción carece de cierta diversidad en su estructura, la energía y la intensidad constantes la convierten en una experiencia auditiva memorable.  muy al estilo de Satyricon y Behemoth.

El siguiente tema, “Ashes of Men“, fue el tercero y último de los adelantos previo a que el disco fuera lanzado, es una excelente muestra del talento y potencial de LRH, La canción combina Un black metal feroz, sin concesiones, de la vieja escuela creando una experiencia auditiva memorable. Si bien la banda podría experimentar con diferentes estructuras y tempos en futuros lanzamientos, “Ashes of Men” es una obra sólida que confirma su dominio del género.

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“Unification” nos sumerge en un torbellino de black metal sombrío y agresivo heredero del estilo finlandés que marcó a generaciones. Un bajo imponente resuena en la segunda mitad, mientras un coro limpio, similar al de Infection, eleva la canción a un punto álgido de emotividad, a esto se le suma el tortuoso sonido de las voces que nos envuelve en una atmósfera oscura y plagada de emociones.

“Lunacy and Horror” continúa la estela oscura y melancólica de los temas anteriores, con Wraath enunciando una lírica que define la esencia del proyecto y del álbum: la muerte, la oscuridad, la locura y el horror.

La canción se desarrolla como una continuación natural del tema anterior y se revela el significado de la obra, la misma es una oda a la locura y el horror que envuelve el mundo. Los tres vocalistas se unen en un coro lunático que canta la alabanza a la oscuridad.

“Under the Dead Sky” nos acerca al final del álbum con un himno herético y despiadado, una oda a la liberación del alma y la unión con la Muerte Santa.

“Embraced by the skeletal branches, Death Holy Death, When entered to the circle of void. Death Holy Death! Let Him hear, taste and see the offering. Death Holy Death!” (Abrazado por las ramas esqueléticas, Muerte Santa Muerte, Cuando se entra en el círculo del vacío. ¡Muerte, santa muerte! Que Él oiga, pruebe y vea la ofrenda. ¡Muerte, santa muerte!).

A pesar de la temática oscura, “Under the Dead Sky” no cae en la monotonía. La introducción de una sección media ambiental más lenta rompe con la intensidad del black metal y aporta un respiro necesario. Este contraste intensifica el impacto del crescendo final, un pasaje dramático y emotivo que eleva la canción a su punto álgido.

Se posiciona como la canción más fuerte del álbum, un himno imprescindible para cualquier fan del género que busca algo más que simples riffs y blast beats.

La canción nos sumerge en un ambiente siniestro y evocador, donde LRH y sus hermanos rinden homenaje a Kali, la diosa hindú de la destrucción, desde la perspectiva del Sendero de la Mano Izquierda.

Los riffs pesados y las voces guturales crean una atmósfera opresiva, mientras las letras exaltan el poder destructor de Kali: “Jai Ma Kali, déjame ahogarme en el lago rojo que nos has ofrecido. ¡Jai Ma Kali! Levántate del abismo y devora este mundo de presas”.

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A diferencia de las canciones anteriores, “The Queen of the Red Streams” apuesta por un enfoque más deliberado y experimental. Los ritmos y estructuras no convencionales, junto con los cambios dinámicos, dan lugar a una pieza única que muestra el lado más progresivo de la banda. Este cambio de ritmo demuestra la versatilidad de LRH y su capacidad para explorar diferentes facetas del Black Metal.

Este track es un final perfecto para un álbum memorable. Una canción que nos invita a reflexionar sobre la destrucción y la muerte, pero también sobre la fuerza y el poder de la renovación.

El videoclip de este tema es una obra de arte en sí misma. Imágenes simbólicas, una estética cuidada y la presencia de LRH y sus hermanos en una morgue se combinan para crear una experiencia visual impactante que complementa perfectamente la música.

Sin duda, LRH ha dejado una huella imborrable en el panorama del black metal con este primer álbum y esperamos con ansias ver qué nos deparan en el futuro ya que ha dejado un claro candidato a mejor lanzamiento del género en 2024.

Si bien el nombre de Riot no resuena con la misma fuerza que otras bandas de heavy metal de su época, su legado musical es innegable. A pesar de una popularidad comercial discreta, Riot se consolidó como una de las bandas más subestimadas del género, dejando huella con su talento y originalidad.
Nacida en 1975 bajo el liderazgo de Mark Reale, la banda se caracterizó por sus fuertes melodías, técnica depurada y una estética única marcada por la mascota “Johnny“, una criatura mitad foca, mitad humano.

El álbum “Thundersteel” de 1988 marcó un punto de inflexión en la trayectoria de Riot. Esta obra maestra del speed metal no sólo elevó su reconocimiento, sino que también influyó de manera significativa en el desarrollo del género. Sin embargo, las leyes del mercado, a menudo ajenas al valor artístico, no acompañaron el talento de la banda, lo que llevó a su separación en 1984.

Afortunadamente, el llamado del heavy metal era demasiado fuerte y regresaron en el ’88, la popularidad fluctuó al ritmo de las mareas musicales, pero mantuvieron una base de admiradores fieles hasta el nuestros días.

La figura de Mark Reale, guitarrista y compositor principal, fue pilar fundamental de la banda. Su talento innegable y su dedicación a la música lo convirtieron en el alma de Riot. Lamentablemente, en 2012, una enfermedad truncó su vida, dejando un vacío irreparable en el mundo del heavy metal, es por eso que al momento de continuar, la banda decide cambiar el nombre del grupo, agregando el V (quinto) en honor a su ex líder.

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Más allá de su historia, RIOT representa la pasión por el rock clásico, la fuerza de las melodías atemporales y la capacidad de reinventarse sin perder la esencia, tanto que han vuelto a sorprendernos con su nuevo disco, “Mean Streets”. Un álbum que marca un poderoso regreso tras el susto vivido por su guitarrista Nick Lee, quien afortunadamente se ha recuperado por completo luego que haya sufrido múltiples convulsiones que lo llevaron a ser internado en el hospital y a entrar en un coma inducido en julio de 2022.

Editados por Atomic Fire Records, Mean Streets salió a la venta este 10 de mayo del 2024 en todo el mundo, el diseño artístico corrió a cargo de Gyula Havancsák, manteniendo la esencia típica de la banda (foca incluida).

En 2025, Riot celebrará su 50 aniversario, un hito que refleja su impacto duradero en la escena musical. Con su nuevo álbum y su energía arrolladora, la banda está lista para seguir conquistando generaciones de fanáticos del metal. A continuación repasaremos una a una cada canción del álbum.

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El álbum comienza con “Hail To The Warriors“, una canción de heavy metal clásico de la vieja escuela. Gritos agudos por parte de Todd, muy al estilo Rob Halford, un trabajo de batería realmente superlativo, bombos rápidos, estribillos pegadizos, solos de guitarra asesinos y un bajo potente.

“Feel the Fire” fue el segundo track que conocimos como adelanto antes de la llegada del disco, en este encontramos melodías más simples y directas con un estribillo coreable mientras levantas “los puños de acero”.

La tercera canción del álbum es “Love Beyond the Grave“, la misma inicia con unas melodías de guitarras gemelas y un sonido heavymetalero con algo de groove a ritmo lento para luego volver a la carga con un gran riff hasta su final.

“High Noon” sirvió como primer adelanto para presentar este Mean Streets, una canción que arrasa con toda su energía, con gran labor en la batería realizando cortes y las notas filosas de las guitarras hacen que sea una de las mejores canciones del presente larga duración.

Con una muy buena intro de batería y a gran velocidad comienza “Before this time“, con buenos riff antes de la llegada del estribillo, la canción suena excelente, en realidad todo el álbum dispone de una excelente producción.

“Higher” es otro claro ejemplo del speed metal de Riot. Un riff de inicio contundente y machacante, que luego se convierte en un ritmo lento con una armonía encima que luego cambia con un explosivo riff hasta el final.

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Suena la canción homónima, “Mean Streets” y recuerda mucho a temas que la banda compuso e interpretó en la década de los 80s. Una muy buena entrega con sonidos potentes y riff filosos.

“Open Road” es una canción que va más del tipo hard rock con tintes de heavy metal, sonidos a medio tempo, el sonido es fresco y

El corte más “thrashero/speedmetalero” del larga duración lo titularon “Mortal Eyes“, con imponentes riff, una marcada sesión técnica en la batería, con esos bombos a la velocidad de la luz , un juego de guitarras gemelas hacen que sea una de las mejores canciones del décimo séptimo disco de la agrupación.

Va llegando el final y las piezas se destacan por seguir el ritmo y nunca decaer pero con algo de sorpresas, “Lost Dreams” trae consigo más heavy metal, una canción que hace mover la cabeza al ritmo de esos riff y juegos con la batería, canción destinada a pertenecer al repertorio de la banda en vivo.

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“Lean into It” es una pista con un sentimiento diferente a las demás, casi Iron Maiden en la parte del estribillo, el arranque suena más bien a Whitesnake con un solo de muy buena ejecución. En el segundo solo, la canción va tomando otra velocidad y se va transitando a pura armonías y estribillos gancheros para volverse más pesada al final junto a una batería que está volando a puro doble bombo.

El cierre del álbum está a cargo de “No More“, una canción que comienza medio tiempo medio, con buenos coros y un buen estribillo, de repente aparece un rebaje de velocidad en la mitad de la canción que invita a un buen solo de guitarra para retomar con hacia el final a pura melodía

Mean Streets es, sin duda, uno de los mejores discos de heavy metal clásico que se han lanzado en 2024.

Entre los aficionados al hardcore, Japón es una de las fuentes más interesantes de artistas del estilo sobre todo, en especial para los que busquen el costado más ruidoso del estilo . Y en 2010 muchos fanáticos creyeron haber encontrado otro gran nombre para agregar a los de G.I.S.M, Crow, Death Side y Bastard con la aparición de Kriegshög. Este cuarteto de Tokio editó su LP debut autotitulado ese mismo año, vomitando 13 canciones en 25 minutos de pura furia punk y dejando a muchos blogs hablando sobre ellos. Pero tras ese lanzamiento casi no se volvió a saber de estos punks de negro, más allá de un par de singles y apariciones en compilados, y tuvimos que esperar hasta el 26 de abril último, cuando Kriegshög editaron Love & Revenge a través del sello inglés especialista en punk ruidoso La Vida Es Un Mus.

Luego de 14 años de espera, ¿en qué estado encontramos a estos japoneses? A pesar de que su segundo álbum tiene nombre y portada dignos de ser lo nuevo de una banda como AFI, Kriegshög siguen firmes en la senda del ruido y la distorsión, y quienes esperaban esas dos cosas las tendrán a cuatro manos, porque el cuarteto supura enojo y energía por cada poro. En las primeras escuchas pareciera que el tiempo no hubiera pasado para Kriegshög, siendo tan brutales como cuando se hubieran dado primero a conocer: desde que patean la puerta con “虚空” (“Vacío”) hasta que terminan de romper todo con la final “冷たい人間” (“Persona fría”), la banda arremete contra toda barrera a base de puros guitarrazos, gritos y escupitajos.

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Pero tampoco pasa demasiado tiempo, aunque sí unas tantas escuchas considerando la duración del disco, hasta que comenzamos a notar que hay un par de diferencias importantes entre Love & Revenge y el álbum debut, que van más allá del año en el que fueron editados. La más obvia es que este segundo disco tiene un sonido mucho más claro: seguirá siendo punk y lo fi, pero comparado con el sonido de refugio nuclear de su debut este nuevo parece grabado en un sótano húmedo pero más cómodo. 

Y también es obvio que la banda sacó un poco el pie del acelerador. Claro que siguen yendo a una velocidad inhumana y cualquiera terminaría en la sala de emergencias tratando de hacer headbanging con cualquiera de estas canciones, pero está claro que la velocidad Napalm Death del primero es más intensa y anárquica que la velocidad Motörhead / Discharge a la que Kriegshög va casi siempre en este álbum. Y hablando de Discharge, esa fue la primera banda a la que Love & Revenge me recordó: imaginen a los ingleses siendo trasplantados de Stoke-on-Trent a Tokio y tendrán una idea bastante clara de cómo suena este disco.

Entre el sonido, la velocidad y que las canciones sean bastante más largas (¡Casi llegan a los 3 minutos de promedio por track!) que en aquel disco, Love & Revenge presenta a unos Kriegshög más controlados, más armados y desarrollados. ¿Será una crítica decir que una banda punk ahora suena menos anárquica y caótica? Más allá de esos dogmas, creo que todo esto funciona en beneficio del disco: riffs más marcados y discernibles, baterías que todavía van a toda velocidad, voces igual de desgarradas y una atmósfera como para tirar una molotov y prender fuego algún patrullero. ¿Será un delito decir que me gusta más este segundo disco que el primero? Si es así, pónganme las esposas y los grilletes, porque es lo que me parece.

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¿Que es la magia sino la expresión más pura e intensa del alma humana? Hacer arte y transformar el mundo a través de la música es magia. Lograr estimular la mente para concebir paisajes imaginarios con atmósferas bien detalladas a través de la música es muy mágico, y Fernando Mejía el nombre detrás de A Rose Diying In The Rain, es un gran mago ya que todo lo anterior lo logra de forma sublime con su más reciente EP eternal sunset.

No basta escuchar el disco una sola vez, merece al menos un par de escuchas para poder apreciar los prodigiosos arreglos, el maravilloso manejo y concepción de la atmósfera, la complejidad de la composición y la emotividad detrás de la voz, un despliegue de talento, tanto en fondo como en forma.

El disco si bien es complejo, no es abrumador, es de hecho muy digerible y fácil de disfrutar, un exquisito ejemplo del post black metal y probablemente un buen punto de partida para aquellos que no sean tan afines al género, o para variar, a todo el metal extremo.

Si bien el principal género de la entrega es post black metal, todas las canciones que le componen gozan de atmósferas dignas de los mejores discos de black metal atmosférico, me viene a la mente el disco Hallucinogen de la banda francesa Blut Aus Nord, no porque sean similares, sino por la complejidad y magia que existe detrás de la ambientación que es “alucinante”, aunque claro, cada obra te empuja a alucinar cosas bastante distintas.

Dejando de lado el tema de la atmósfera, es justo abordar la profunda emotividad que consigue el disco. Melancolía, nostalgia, curiosidad, duda, calma y mucho misterio, es apenas una parte de todo lo que te va a hacer sentir eternal sunset, el lenguaje es insuficiente para describir lo que la música nos transmite y este álbum lo deja claro.

Cada canción es una historia distinta, compleja y bien lograda, aún así todo la obra goza de un estilo marcado y único. “spring memories” nos va a recibir con melancolía y curiosidad, es una apertura ideal ya que nos prepara apropiadamente para las otras cinco canciones, la voz cargada de nostalgia al igual que la música nos habla de la aventura que se avecina, lo de la lluvia es un gran detalle.

“dancing leaves”, arranca también con lluvia, un poco más triste y nos empieza a envolver en el aura misteriosa y calmada del disco, hemos entrado de lleno a ese paisaje tan particular del EP, las cosas empiezan a ponerse intensas para terminar con calma.

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Aunque todas las pistas son remarcables, “warm april sunset”, fue la que más me movió de la silla. ¿Qué clase de truco arcano lleno de potencia e intencionalidad es este? Es el clímax del EP, es perderse en el paisaje y encontrarse con los guardianes que lo protegen, es no entender la carga emotiva tan poderosa que eternal sunset tiene para nosotros, pero es una escalada jodidamente hermosa.

“púrpura”, ¿de qué otro color sería sino el misterio? Y está es la parte más bella de la extraña sensación de duda durante el recorrido por el místico paisaje de eternal sunset, la magia que baja de la montaña y sus árboles, no, no estás de viaje, es “solo una canción”, sigues en tu aplicación de música preferida.

¿Querías respuestas? Quizás las encuentres en “lavender garden”, en la calma de un pastizal abandonado, o cualquiera que sea la imagen mental (Seguro van a ser muchas) que te ocasionen las diversas transiciones que la canción más larga del EP tiene que ofrecerte.

¡Hemos llegado al “cielo”!, la última canción del EP. Es una pena que ya se haya terminado, y la introducción melancólica que es característica de todas estas canciones te acompaña en tu luto, pero créeme, es mejor así, todo gran viaje tiene un final, y este es uno digno de toda la aventura que es escuchar eternal sunset.

Si algún día te da por explorar un túmulo antiguo y olvidado, ubicado en algún punto desconocido de un bosque templado, en el que se dice que se oculta una magia antigua y poderosa, eternal sunset de A Rose Diying In The Rain es lo que va a estar soñando de fondo, pero también cualquier otro momento es bueno para darle play a esta chulada de disco.