Los norteamericanos From Ashes to New vuelven este 2023 con el que es ya su cuarto disco de estudio Blackout y tras tres años desde el exitoso Panic para seguir demostrando que el Nu Metal sigue más vivo que nunca y que ellos junto a bandas como Blind Channel, I Prevail o Fire From the Gods harán todo lo posible para que esta llama nunca se apague.

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En estas 12 nuevas canciones, la banda de Lancaster sigue firme con esa explosiva combinación de nu metal, sonidos alternativos y una pizca de post hardcore, que los ha llevado a ser una de las bandas más importantes en la escena alternativa en este último lustro.

El disco se abre con “Heartache”, un corte que comienza con unos versos rapeados al más puro estilo Linkin Park o más actualmente I Prevail y es imposible no pensar en aquella era dorada cuando el estribillo melódico se hace presente, los pelos de punta con esa manera de cantar que tiene Danny Case y lo bien secundado que está por su compañero Matt Brandyberry, sin duda un comienzo inmejorable.

“Nightmare” es uno de los singles del disco y es imposible no caer rendido si te gusta el nu metal a semejante bombazo que podría haber estado firmado por bandas como Blind Channel y de haber salido en 2002, estos chicos serían una de las bandas más importantes de su generación, pero a su favor dire que para la esta era, From Ashes to New están manteniendo el legado que Papa Raoch, Linkin Park, Disturbed o Limp Bizkit construyeron hace más de 25 años y lo hacen con temazos como este.

“Hate Me Too”, nos muestra un lado algo más melódico y alternativo de la banda, quizás en la órbita de bandas como Story of The Year o los The Used del primer disco, una absoluta delicia pop alternativa que ha arrasado en las listas de su país natal, por razones obvias, un estribillo ultra melódico y una base rítmica que te invita a calzarte las Adidas Superstar o las Vans old school y botar como si no hubiese un mañana.

En “Hope You’re Happy”, la banda aborda el tema de las relaciones tóxicas y de lo complicado que es salir de ellas una vez te das cuenta donde estás metido o metida.

El comienzo es pausado para enseguida levantar el vuelo con un punteo de guitarra a lo Saosin, pero más próximo musicalmente a la movida alternativa moderna, con un Danny brillante en los versos y en el estribillo. Para redondear la canción cuenta con un mini break bastante acertado que acaba por redondear otra de las joyitas del álbum.

La siguiente pieza es un poco paralela a la anterior en cuanto a temática se refiere y es que “Bearly Breathing” aborda aquella relación que se debe terminar, aunque duela, ambos saben que es lo mejor para evitar seguir dañándose, si vale, el tema es bastante cliché pero que puedo hacer yo cuando tengo unos versos rapeados a lo Linkin Park o Adema delante y un estribillo que lo mismo te transporta al Ozzfest que al Download Festival. Pues nada, lo que hay que hacer es rendirse ante la calidad que tienen estos chicos y darles el crédito que merecen.

“Dead to Me”, es un corte bastante más heavy con unas guitarras bien afiladas y a pesar del susurrante comienzo, los rapeados de Matt se adueñan del tema y ese break en el estribillo es una absoluta delicia mostrándonos la cara más aguerrida de Danny.

Sin duda es una de las piezas más agresivas y cañeras del disco y nos hace pensar en que de algún modo u otro hay que alejarnos de todo lo que sea tóxico y dañino para nosotros.

Para “Monster in Me”, la banda coquetea con el sonido alternativo mezclando rap, rock y algo de metal y acercándose a lo que podrían hacer en algún que otro tema, sus compañeros de Falling in Reverse, quizás no me encaje tanto con el disco, aunque los screams de Danny son muy buenos y de lo mejorcito del tema.

Mucho mejor resulta está la ultra melódica y algo melancólica “Echoes”, una suerte de medio tiempo alternativo (algo así como la prima lejana de “Hurricane” de I Prevail) que hará las delicias de cualquiera que la escuche y que oxigena al disco después de tanto tema enérgico. El estribillo es una gloria y el tono de Danny hace que se te erice la piel con esa suavidad y emoción que pone al cantar.

“Armageddon”, ya la conocéis todos, una absoluta bomba de relojería digna de discos como Meteora o Lovehatetragedy y que nos demuestra lo bien que ejecutan estos muchachos, ese estilo que hace dos décadas era objeto de burla y admiración a partes iguales y hoy, tiene bastante más crédito del que solamente algunos le supimos dar en su época dorada.

El final es muy potente y la pausa antes del último coro es maravillosa y le da una vuelta más de tuerca la canción, que sin duda es uno de los temas alternativos del año.

“Legacy” es curiosa ya que nos podría recordar a sus compatriotas finlandeses Blind Channel y ligeramente a su mega hit “Dark Side”, combinando el sonido alternativo suyo con un estribillo más pegadizo que chicle en los zapatos, es de esas canciones que con dos escuchas ya te sabrás de memoria.

Para “Until we Break” From Ashes to New han contado con la participación especial del señor Matty Mullins, vocalista de Memphis May Fire y lo cierto es que el resultado es bastante bueno, no olvidemos que de las bandas de metalcore melódico MMF eran de las que más alternativas sonaban en su época quizás junto con We Came as Romans y Of Mice & Men, curiosamente, las tres ahora suenan mucho más cerca de bandas como From Ashes To New, Sevendust o Linkin Park que de Architects o The Ghost Inside.

“Broken by Design” pone el punto y final a un disco del que esperaba mucho y mucho he recibido, From Ashes to New vuelven a entregarnos un disco sólido, moderno, pegadizo y con muy buenas canciones, quizás la temática de estas se pueda hacer algo repetitiva, pero eso no quita para que la banda siga su evolución de manera notable y que tres años después su estilo siga sonando fresco y accesible superando en algunos momentos a su predecesor y manteniéndolos como una de las bandas alternativas más destacadas de la actualidad.

Los suecos Eleine vuelven este 2023 con su cuarto esfuerzo discográfico y para demostrar que su evolución sigue viento en popa combinado sus raíces más oscuras, con elementos sinfónicos y un toque de modernidad que los diferencia de sus compañeros de profesión.

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En estos 10 nuevos cortes vamos a poder encontrar, en resumidas cuentas, la esencia de Eleine y como han evolucionado respecto a sus trabajos anteriores, añadiendo ese toque extra que los ha convertido en una de las bandas contemporáneas más destacadas en su Suecia natal.

El disco abre fuego con “Never Forget”, un corte moderno, pero con esos arreglos sinfónicos que son una delicia para el oyente y le dan este toque épico para arrancar el álbum con la fuerza justa para atrapar al oyente desde el primer segundo en el que pulsas play.

Madeleine Liljestam nos vuelve a embelesar con su espectacular voz, tanto en los pasajes más melódicos como en los más operísticos y Rikard Ekberg, es el contrapunto perfecto para su compañera con esos guturales heredados de bandas como In Flames o Ensiferum.

“Stand by the Flame”, es la siguiente y es un corte que comienza de forma pesada con una batería bastante potente y donde Madeleine brilla al momento de ponerse frente al micrófono, quizás recordando un poco a la última etapa de Lacuna Coil, sobre todo porque el sonido es bastante actual y la base es bien metalera.

Rikard nos deleita con un breve, pero muy efectivo solo de guitarra que redondea esta pieza cuya letra nos habla de no rendirse ante las adversidades y luchar por lo que uno desea sin importar cuantas piedras haya en el camino.

“We Are Legion”, es uno de los singles elegidos del disco y ya lo hemos escuchado varias veces, con ese inicio tan barroco nos recuerda al sonido más “típico” de la banda y se entiende porque ha sido elegida como single, con Rikard arrancando la canción de forma gutural, para que Maddie le conteste en la parte melódica y estallen juntos en el estribillo.

Estoy convencido de que, si hiciera otra gira acústica como el año pasado, esta sería de las piezas más sencillas de convertir al formato desenchufado y quedaría tan bien como en la versión de este álbum.

“Blood In Their Eyes”, es una de las mejores piezas del álbum sin duda alguna, en 3 minutos y 19 segundos, la banda plasma la energía que tienen y es imposible no rendirse ante la magia vocal de Madeleine, una chica que domina con solvencia cualquier tono que le toque interpretar en sus canciones.

La guitarra de Rikard ahora sí que suena más afilada y hará las delicias de los que hemos disfrutado con sus tres discos anteriores.

“Vemod” oxigena el disco antes de la recta final, con una suerte de interludio instrumental que deja paso a “Through The Mist”, un corte que comienza de manera lenta pero que enseguida coge ritmo y se transforma en un poderoso track cargado de guitarras afiladas (por dios, como se nota que han crecido escuchando a bandas como Dark Tranquillity o Children of Bodom)y un Rikard muy agresivo a la voz pero perfectamente secundado por Maddie, con su aterciopelada voz y un estribillo que se te quedará en la cabeza desde la primera escucha.

Por el contrario “Suffering” quizás sea algo menos destacada que la anterior, pero igualmente mantiene ese grado de intensidad musical que se ha podido ver a lo largo del disco, este corte quizás gane más puntos en el directo y su toque melancólico pueda captar a algún seguidor actual de bandas como Evanescence o incluso Within Temptation.

Las últimas dos piezas, son ya conocidas por los que seguimos la trayectoria de Eleine y es que “War Das Alles”, presenta un poco lo que ya hemos visto a lo largo de estas nuevas canciones de la banda y quizás destaque sobre todo la parte gutural de Rikard y la particularidad de que el estribillo está cantado en alemán, algo que sin duda sorprenderá al oyente cuando escuche esta canción.

Y por su parte, el corte que da título al disco pone el broche de oro al mismo y un cierre más que notable ya que se trata de una de las mejores piezas del álbum, condensando lo mejor de la banda y sacándole el máximo partido posible, con una base bien cañera (hacia el final hay doble bombo espectacular que debería sonar de muerte en directo), un Rikard brillante a las seis cuerdas y Madeleine dando lo mejor de sí misma en un estribillo que está escrito en oro y que seguramente sea de las piezas más celebradas por sus seguidores en la próxima gira de la banda este otoño.

Para quién esté familiarizado con la música de Eleine, el disco es una evolución natural de su anterior trabajo sin desviarse mucho de la senda compositiva que los caracteriza, pero con algunos destellos de evolución que veremos donde los llevan, porque con un disco tan sólido como este, creo estar seguro de que ahora mismo Eleine no tienen techo y su futuro se antoja brillante.

12 bellas canciones componen el nuevo disco de Shakra, “Invincible”, que en verdad está demasiado bueno, claro está que todos sus discos son una maravilla y que la banda hasta ahora no ha tenido un álbum que sea flojo.

El disco sigue su línea melódica combinada con un hard rock de mucho nivel, la banda no trata de innovar en lo más mínimo pero con esto que hacen es más que suficiente para que su resultado sea grandioso, recordemos que llevan más de 2 décadas y media con 12 discos cargados de buena material, dicho esto, estoy seguro que sus fans lo recibirán con los brazos abiertos.

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Muchos de estos temas tienen la marca registrada de Shakra, melodías lentas al inicio para que luego de desvanecerse, entre una guitarra con un riff pegadizo que perdura en toda la canción, el tema que abre “The Way It Is” es claro ejemplo de ello, al igual que “Devil Left Hell” o “Tell Her That I´m Sorry”.

Otras canciones como “Old Irish Song” o el tema que da título al disco “Invincible” entran con un poco más de poder, pero mientras la melodía avanza, el camino te lleva al mismo lugar, hard rock melódico con la misma calidad de las otras. Tengo que reconocer que esta vez escogieron la mejor canción para dar el nombre al disco, “Invincible” se lleva a las demás por mucho.

Con un medio tiempo llega “As I Lay Down to Sleep” donde su vocalista Mark Fox cambia un poco su tono y se sienta otro tipo de textura, esto hace que esta balada deje huella; una de las que se queda en tu cabeza cuando el disco termina es “House of Rock” y “Walls of Hate” además de la labor de sus guitarristas Thom Blunier y Thomas Muster, es que tienen una parte coral muy bien lograda, algo así cómo lo que hizo Def Leppard en el “Pyromania” o en el “Hysteria” en su momento.

El resto de la banda está conformada por Domonik Pfister en el bajo y Roger Tanner en la batería; el disco salió por AFM Records y vale la pena resaltar la labor de la producción tan limpia y clara, perfecta para este tipo de música que cada vez logra tener más adeptos en sus filas.

“Scars To Remember” es el décimo disco del power tio danés Blindstone, y a pesar que conocí esta banda hace poco cuando sacaron su anterior álbum “Deliverance At The Crossroads” del 2019, siento que ya conozco toda su historia a través de este nuevo álbum que suena simplemente magnifico.

Si es la primera vez que escuchas esta banda o ya los sigues desde inicios de la década del 2000, sabrás que aquí lo que sobra es calidad, porque Blindstone es una mezcla entre Lynyrd Skynyrd de los 90´s con el sentimiento de la guitarra de Gary Moore y Frank Marino y un poco de Deep Purple en su época más hard rockera.

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Aquí definitivamente no se por donde empezar, ya que cada pista del disco es impresionante, y no me quiero ver cómo un fan from hell porque no lo soy, a penas conozco la banda, pero he escuchado el disco unas 5 veces y me sigue sorprendiendo que desde esa parte del planeta y en pleno 2023 salgan este tipo de joyas musicales que nos llegan a alegrar el día. La formación actual consta de Martin J. Andersen (guitarras, voz), Jesper Bunk (bajo) y Anders Hvidtfeldt (batería).

El disco abre con “Embrace The Sky” seguido del tema que da como nombre al disco “Scars To Remember”, apague y vámonos, no puede seguir nada mejor, pero o sorpresa, “Down For The Count”, “Waste Your Time” y en especial “Drums Of War” te dejan boquiabierto.

Pasamos por temas bluserones movidos y otros algo lentos pero con un sentimiento especial en cada nota, “The Fields Of Bethel” o “World Weary Blues” reflejan esa calidad como si se tratase de músicos afroamericanos que viven en el sur de EEUU.

La madurez que el grupo a alcanzado a lo largo de 2 décadas se puede ver reflejada en “Scars To Remember”, es un disco que tiene impregnado toda la época dorada del rock clásico pero en el 2023.

Miasmes es una joven banda, nacida apenas en el 2021 en Francia, que impacta con su sonido en su nuevo álbum, el cual se conforma por nueve canciones, cuyo idioma sonante es el de su lengua natal. Miasmes formada por G en el bajo y en las voces (quien estuvo en bandas como Ritualization y Antaeus), K en la guitarra (participe de la banda Como Muertos) y C en la percusión, estas personas han creado sus canciones con las bases mas originarias del black metal, esas que no tenían ningún temor de usar arreglos y bases pertenecientes al rock and roll y al punk. Este lanzamiento al mundo viene de la mano de Les Acteurs de l’Ombre Productions.Répugnance es un álbum que evoca totalmente al folclore y lo tradicional del black metal, su arte de portada no queda exenta en este caso, ya que la misma muestra los objetos que incluso dan un indicio a los nombres de las canciones.

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La mezcla de los distintos elementos en el sonido es verdaderamente buena, el ambiente sonoro tiene los aires lejanos de un punk muy rebelde y destructivo desde sus canciones iniciales como “Délivrance” y “Prophétie”, sin embargo aquí mismo, haría una pequeña observación de algo que no me agrado y es que el inicio de “Prophétie” son los segundos finales de “Délivrance”. Pero esto es solo un detalle mínimo que prácticamente a nadie molesta.

Se puede decir con toda seguridad que Miasmes tendrá un éxito rotundo en sus shows y presentaciones ya que escuchar estos temas en vivo será algo fenomenal. Sobre todo, para mi gusto, cundo suene la canción “Malemort”, de todo el álbum puedo decir que es mi favorita y no dudo que también llegue a ser la de sus seguidores, ya que cada línea a sido perfectamente mezclada en especial en esta canción.

Estamos ante otro de los grandes regresos del año en curso, que está siendo excelente a nivel musical. “Purge”, editado por Avalanche Records, nos trae a Godflesh, el legendario dúo de Birmingham en su estado más puro. A esta altura, decir que fueron pioneros del metal industrial, desde fines de los 80 ‘s, es un lugar común, aunque es bueno recordar su influencia innegable en todo el metal alternativo de los 90’ s. Justin K. Broadrick (voz, guitarras, electrónica) y B.C. Green (bajo) supieron encontrar una fórmula muy precisa y efectiva, tan minimalista como contundente, y nunca dejaron de utilizarla, con sutiles variaciones.

Nadie esperaba ninguna sorpresa: Godflesh se autorreproduce fractalmente, es una iteración maligna. La banda ya tiene sus trademarks, sus rasgos identitarios y, después de prácticamente haber creado un estilo, quizás no sea pertinente demandarles experimentación. Tal vez por eso, Broadrick sea tan prolífico en otros proyectos, entre los que se destaca Jesu, donde explora aspectos más melancólicos de su creatividad con climas tendientes al post-rock y shoegaze.

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Este noveno full-length comienza con “Nero” y todo impacta tan clásico, que parece estar más allá del tiempo, no importa cuándo se lo escuche. Y la verdad es que la misma impresión se extiende en “Land Lord”, que ofrece una voz con otro procesamiento, y más diversidad en la dinámica de las cuerdas, lo que se profundiza aún más en “Army of Non” que, en honor a la verdad, un poco nos retrotrae al pasado (aunque ese ‘Check it out, y’all’ constante resulta llamativo). Los riffs de guitarra agresivamente repetitivos, con modificaciones mínimas, son icónicos: movimientos como los de un cuchillo ya clavado. El  bajo que aporta gran fuerza y empuje, sobre una rítmica programada con precisión, y algún que otro elemento noise.

“Lazarus Leper” es menos pesada, con una electrónica percusiva más sobresaliente, ahondando en la veta drone que Godflesh también siempre cultivó, hasta que “Permission” irrumpe casi con actitud de club nocturno: breakbeats y samples casi festivos entramados con la furia. El sonido de la banda siempre ha sido frío, cruel, urbano, maquinal, aunque solía tener cierta cualidad en la producción que le otorgaba una “suciedad” muy apropiada. Advertencia: esto puede ser el resultado de continuar por un mismo camino a través de las décadas, pero “Purge” impresiona como más limpio, más quirúrgico: no se derrama sangre con los golpes del hierro oxidado. Quizás todo sea como la mordida de la serpiente en la portada.

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“The Father” sigue la dirección más etérea que puede tener Godflesh y que Broadrick explota profusamente en Jesu, en especial por las voces limpias con ecos que resuenan en espacios internos, llamando a la introspección. “Mythology of Self” retoma la violencia en un modo más sigiloso, lento, denso, aunque no por ello menos amenazante. El cierre llega con “You Are the Judge, the Jury and the Executioner”, una suerte de resignación ante las impiadosas relaciones de poder en la vida cotidiana, que es el eje temático que atraviesa el disco, una oda al pesimismo. Es el track más largo de todo el álbum y probablemente sea el más destacable: oscuro, tristemente ceremonial, casi funerario. Mucho se ha hablado del reciente diagnóstico de autismo de Broadrick, que, en todo caso, se encuentra en el extremo más leve del espectro. No obstante, es muy factible que su música refleje bastante de esta condición: la proclividad a la sistematización, la preferencia por la repetición, cierta inflexibilidad en el comportamiento, dificultades para adaptarse al cambio, acotada vinculación social, una empatía más cognitiva que afectiva, etc. De todas maneras, es interesante pensar que la coherencia de estos británicos a lo largo del tiempo, tanto en la música como en las letras, tal vez no haga más que señalar lo poco que realmente ha “evolucionado” el mundo cuando se trata de valores éticos. La propaganda, los colores, las formas, los géneros: todo lo superficial que se agita entre las clases medias y bajas (y lo que las altas dejan ver de sí mismas) “cambia”, pero los poderes que todo lo dominan en las sombras permanecen inalterables.

Lo bueno de enfrentarse a un nuevo disco de Extreme es que seguro será algo diferente, si algo ha caracterizado a esta banda es que desde su primer disco “Extreme” del 89 hasta su anterior álbum “Saudades de Rock” 2008 es que no repiten formulas, siendo “III Sides to Every Story” del 92 el que más nos sorprendió a todos, el mayor problema es que no graban muy seguido pero ante eso no podemos hacer nada.

Después de década y media llega su sexto álbum de estudio llamado simplemente “Six”, en donde 2 factores se notan en su primera escucha, el primero es que Nuno Bettencourt sigue tocando como los dioses, es un fiel alumno de Eddie Van Halen y dos la voz de Gary Cherone sigue intacta, no le han pasado los años, ambos factores son clave para esta banda.

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El tema que abre el disco es “Rise” el mismo que se escogió como primer sencillo, aquí el trabajo de Nuno opaca en ocasiones al resto de la banda que trata de llevarle el ritmo, el video logró obtener más de un millón de vistas en su primera semana, después ed esto los 2 temas que siguen en el disco fueron los siguientes sencillos, “#Rebel” y “Banshee” cada una acompañada de su respectivo video, en este momento ya se pueden sacar conclusiones, la banda no se repite, trata de innovar dentro del marco del hard rock y cada temas es único y diferente a los demás sin perder su base que los hizo famosos.

Es grato ver que la banda tiene la misma alineación del disco del 2008 S”audades de Rock”, además de Gary y Nuno, el grupo cuenta con su viejo compañero Pat Badger en el bajo y Kevin Figueiredo en la batería, punto a favor para la banda de Boston. 

El disco cuenta con 12 canciones que pasan por el funk, clásico, balada, acústico, experimental y demás, pero lo que más predomina es el estilo y la ética profesional, entrelazado con el hard rock de los 80´s. “Thicker Than Blood” experimenta con muchos cambios de tiempo al igual que “X Out”, “Save Me” tiene un riff pegadizo y como muchos disco, el mismo tiene su talón de Aquiles, “Beautiful Girls” se pudo meter como tema escondido para que el que quiera lo adelantara o no.

Vale la pena mencionar que cuando una banda se mete a un estudio cada dos años es muy fácil crear nueva música, pero Extreme no es de ese tipo y rompe la regla al momento de sacar un nuevo disco, la banda se mantiene firme, y “Six” es el reflejo de ello, esperemos que no pasen otros 15 años para tener otra nueva entrega de la banda.

Ya había afirmado, en otra reseña, que este parecía ser el año de los grandes retornos. Tras la salida de los nuevos álbumes de Dødheimsgard, Khanate y Godflesh, y todavía esperando el inminente lanzamiento de Blut Aus Nord, ya está aquí “Hive Mind Narcosis” de Thantifaxath. Si a esta pequeña lista le sumamos a Liturgy, creo que también podemos decir que estamos en el año del black metal de vanguardia. La banda canadiense nos entrega su segundo full-length tras “Sacred White Noise” (2014), y vuelven luego de seis años desde el EP “Void Masquerading as Matter”. La edición de esta nueva obra estuvo a cargo del sello Dark Descent Records. La portada es una reproducción de la tétrica pintura “Vuelo de brujas” de Francisco Goya (1798).

En este disco, el trío anónimo nos ofrece una música que, si bien sigue siendo categorizable como black metal avant-garde, abunda en momentos que remiten al death o al doom metal, con intenciones “psicodélicas”. Aquí vale la pena recordar el verdadero significado de ese término, más allá de su fuerte asociación histórica con los movimientos culturales de la década de 1960. Hablar de psicodelia implica una referencia a toda intención de generar estados mentales, en principio mediante drogas, pero con el tiempo, fue agregándose toda una estética y una ética que, inspiradas en los efectos de las sustancias alucinógenas, también pretendían “expandir” la conciencia. Sin entrar en el debate de hasta qué punto las experiencias que distorsionan la percepción de la realidad suponen algún tipo de aprendizaje significativo, lo cierto es que el propósito de inducir determinados estados psicológicos siempre fue inherente al arte, con su búsqueda por evocar emociones e inspirar reflexiones. ¿A qué tipo de expresiones se aplica la etiqueta de “psicodélicas”, entonces? Si se trata de música, por lo general, a las que manipulan el sonido deliberadamente y de modo muy evidente, para tratar de causar sensaciones y emociones básicas: recurren a la repetición, o la variación extrema, las disonancias, los contrastes, las armonías no convencionales, y los efectos, con fines desde hipnóticos hasta enervantes. Se estuvo hablando mucho de psicodelia cuando salieron los últimos dos discos de Blut Aus Nord y el más reciente de Dødheimsgard.

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Los encapuchados grabaron este álbum en un estudio hogareño propio, creando un trabajo quizás menos “experimental”, pero el más pesado y diverso hasta el momento. “Solar Witch” es un inicio doom a pura cacofonía. La voz furiosa canta sobre una música que avanza lenta y tan densa como estridente. Una aceleración espasmódica hace que todo se torne más siniestro. La guitarra va tejiendo tramas lisérgicas. “Surgical Utopian Love” empieza a todo blast-beat, y las cuerdas generan texturas brumosas que se disipan ocasionalmente. Hay pasajes en los que todo se ralentiza y se explota un enfoque espectral, un arte de hacer que las vibraciones invoquen estados oníricos o, directamente, pesadillas. Es que ya desde la elección de la portada y el título del álbum, queda claro que Thantifaxath se embarcó en una indagación impiadosa acerca de la dialéctica entre la subjetividad y la masividad o la formación social de la mente, en la que pueden coexistir lapsos de racionalidad fugaz con otros de superstición o enaltecimiento absurdo de la ignorancia. Calando más profundo, quizás se aspire a llegar a lo inconsciente, donde no existen esas contradicciones. Las guitarras son insidiosas, van erosionando implacablemente para llegar tan hondo como puedan. Espíritus frágiles podrían pensar en una tortura, pero es necesario atravesar la angustia para saber qué hay después y seguir avanzando hacia eso que llamamos futuro, aunque arrastremos el pasado.

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“The Lost Wisdom of Wolves” vuelve a introducirse en una viscosidad cáustica, que por momentos se cristaliza y suena penetrante.  En “Burning Kingdom of Now” sorprende otro despliegue de la batería y el bajo, más protagonistas, expuestos con fuerza y delicadeza simultáneamente. Surge una atmósfera casi épica, tangencialmente a un accionar surgido de deseos esencialmente destructores. Al escuchar “Hungry Ghosts” resulta inevitable la comparación con lo hecho por Liturgy, sobre todo en el disco editado este año.  La base rítmica adquiere preeminencia nuevamente. Los niveles de inducción al trance se elevan con la electrónica de “Sub Lilith Tunnels” y esos enigmáticos discursos sampleados y procesados, y coros que atraviesan una espacialidad vertiginosa. Se trata de un track con reminiscencias de la música de Ligeti, Penderecki y Xenakis, solo por nombrar algunos compositores contemporáneos.

La experiencia termina con “Mind of the Sun” y ese trémolo rizomático que parece inervar todo. Existe una organicidad esporádica, combinada con una iteración fractal. Se nota una crueldad tan exagerada como lamentablemente explicable. Una muerte en la hoguera, una lobotomía, un engaño amoroso, la retórica política… “Hive Mind Narcosis” destila la ponzoña de la historia hasta el presente y la usa para originar una música sublime, es decir, capaz de producir goce estético aunque esté lejos de adecuarse a lo que podría considerarse bello. Se suma así, sin dudas, a mi lista de discos destacados del 2023.

Con este nuevo disco de Tumulation abrimos las puertas al Death/Doom Metal de principios de los noventa. Y nos gusta adentrarnos en una atmosfera oscura y pesada. “Haunted Funeral Creations” es el último disco de Tumulation y saldrá a la venta el próximo 4 de agosto del 2023, pero la preventa ya se encuentra disponible en la web oficial de Napalm Records.

La rabia contenida no se hace esperar y arranca desde el primer tema con una atmosfera que te hará sentir en lo más intenso del infierno.

Cambiando instrumentos y roles, los miembros de Conjureth formaron Tumulation en 2021 para profundizar en nuevas ideas musicales. inventando un nuevo proceso de composición de canciones que se centra en el sonido pantanoso Doom/Death de principios de los 90. Las dos demostraciones consecutivas de Tumulation recibieron elogios de la crítica tanto de los medios como de los fanáticos, liberando a los veteranos completamente formados de la escena musical extrema. En alianza con Hammerheart Records, Tumulation lanzará su primer álbum “Haunted Funeral Creations” en Agosto de éste año.

Para ser un album Doom nos queda un poco corto, dura apenas 39 minutos. A pesar de la creencia popular, no todas las bandas de doom metal necesitan escribir un álbum de tres días. La producción es tan inmensa como su música, parece que durará para siempre, un pozo infinito de sonido que nunca pierde potencia.

La mezcla del álbum captura bien los detalles. Incluso en sus momentos más melódicos, el bajo y la batería mantienen un sonido robusto que asegura que el álbum nunca esté demasiado lejos de aplastar tu alma. El álbum comienza con la breve introducción instrumental “Emergent Chaos Spirals”. En cuanto a las introducciones, es una pista decente, ya que genera impulso para la primera canción completa. Sin embargo, parece que tenía potencial para convertirse en una canción de larga duración pero, por supuesto, no llega a ninguna parte.

‘Shattered Under The Eclipse’ es el ejemplo perfecto de lo que trata este álbum. Lo más probable es que si te gusta esta canción, te gustará todo lo que sigue. El comienzo es melódico, pero no demasiado, antes de convertirse en riffs aplastantes y tambores en cascada. Las voces son geniales: profundas con mucha inflexión e incluso un sonido ligeramente ennegrecido a veces.

‘Rorschach’ muele los huesos hasta convertirlos en polvo en el primer minuto de su existencia, pero los tambores comienzan a acelerar el ritmo y cuando llega el minuto 1:29, la tormenta golpea y no amaina hasta el minuto 3:11, pero la velocidad se reemplaza por una ranura de trituración en forma de cúpula. El último minuto de la canción es especialmente de gran calidad, me encanta como la batería y el bajo acentúan los riffs. Las voces hacen su magia a la perfección con los demás instrumentos.

‘Bound To The Rakasha’ es quizás mi canción favorita del álbum. Oscuro, profundo y un poco inquietante, es sutil en lo infeccioso que es. Después de la marca de 4 minutos, la canción se vuelve fascinante y desconcertante antes de deslizarse sin esfuerzo en un movimiento melódico que, eventualmente, termina en una enorme nube de fatalidad.

Tumulation es una banda de death/doom metal de San Diego, California, que se formó en 2021. Solo un par de años después, lanzaron una demostración y su primer álbum de larga duración, ‘Haunted Funeral Creations’ extremadamente pesado, optando por centrarse menos en la depresión cavernosa y más en riffs masivos que pesan más que la noche misma. Su lado del death metal tampoco tiene miedo de asomar su cabeza retorcida: los momentos de velocidad y el poder rítmico que destroza la tierra a menudo chocan con su marca de perdición del agujero negro.

Etiquetas: Conjureth, Death Doom, Doom, Haunted Funeral, Metal, rock, Tumulation

Honor a quien honor merece, de esto trata este disco, el guitarrista de Mr Big y Racer X, Paul Gilbert rinde homenaje a la voz del heavy metal Ronnie James Dio con un álbum llamado “The Dio Album” donde se puede apreciar al guitarrista interpretando canciones de Dio de sus diferentes bandas, aquí lo que hace este disco muy especial, es que Paul Gilbert hace con su guitarra la labor de la voz de Ronnie, algo que no se esperaba.

Para abrir el disco la elegida fue “Neon Knights”, original de Black Sabbath, el tema empieza a sonar y cuando llega el momento de escuchar quien es el elegido para cantar este tema, la guitarra de Paul Gilbert hace todas las sílabas sin margen de error, esto suena increíble, a pesar de que el guitarrista ya había anunciado como era el disco, cada que escucho la melodía y llega a la parte de la voz, quedo impactado al escuchar esa guitarra haciendo de lo suyo y simulando la enorme voz de Dio.

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“Kill the King” de Rainbow es la segunda, esta versión es capturada en vivo, con un público que no para de gritar, sigue “Stand Up and Shout” de Dio solista, cada tema no deja de sorprender, “Country Girl” que buena elección, “Man on the Silver Mountain” tiene esa magia oculta, pero sin duda la que mejor suena es “Holy Diver” en algunas partes se puede sentir la voz y no, es la guitarra de Paul que suena muy similar a la voz de Ronald James Padavona.

“Heaven and Hell” por supuesto no podía faltar al igual que “Long Live Rock and Roll”, ya para cerrar llegan otros 3 clásicos, “Don´t Talk to Strangers”, “Starstruck” y “The Last in Line”; es sorprendente la capacidad que tiene Gilbert de tocar la guitarra, por algo es uno de los virtuosos guitarristas dentro de este género.

La edición japonesa cuenta como siempre con un extra y esta vez se fajó, “Love is All” uno de los temas en donde el pequeño gran Dio canta cómo nadie; el baterista invitado es Bill Ray que ya había tocado con Paul anteriormente, y la producción está a cargo del mismo Paul Gilbert; la carátula con ese dragón negro sobre fondo rojo muy minimalista con la tipografía de Dio solista refleja lo que el disco contiene, aquí todo detalle se tomó en cuenta.

Sólo queda decir que es un excelente disco instrumental, en donde el virtuosos de las 6 cuerdas Paul Gilbert no deja de sorprender en cada tema, la selección de temas es lo que se esperaba, lo más conocido de la carrera de Dio, siento que le faltó un tema del “Dehumanizer” y uno de Elf para ser perfecto.

Los norteamericanos From Ashes to New vuelven este 2023 con el que es ya su cuarto disco de estudio Blackout y tras tres años desde el exitoso Panic para seguir demostrando que el Nu Metal sigue más vivo que nunca y que ellos junto a bandas como Blind Channel, I Prevail o Fire From the Gods harán todo lo posible para que esta llama nunca se apague.

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En estas 12 nuevas canciones, la banda de Lancaster sigue firme con esa explosiva combinación de nu metal, sonidos alternativos y una pizca de post hardcore, que los ha llevado a ser una de las bandas más importantes en la escena alternativa en este último lustro.

El disco se abre con “Heartache”, un corte que comienza con unos versos rapeados al más puro estilo Linkin Park o más actualmente I Prevail y es imposible no pensar en aquella era dorada cuando el estribillo melódico se hace presente, los pelos de punta con esa manera de cantar que tiene Danny Case y lo bien secundado que está por su compañero Matt Brandyberry, sin duda un comienzo inmejorable.

“Nightmare” es uno de los singles del disco y es imposible no caer rendido si te gusta el nu metal a semejante bombazo que podría haber estado firmado por bandas como Blind Channel y de haber salido en 2002, estos chicos serían una de las bandas más importantes de su generación, pero a su favor dire que para la esta era, From Ashes to New están manteniendo el legado que Papa Raoch, Linkin Park, Disturbed o Limp Bizkit construyeron hace más de 25 años y lo hacen con temazos como este.

“Hate Me Too”, nos muestra un lado algo más melódico y alternativo de la banda, quizás en la órbita de bandas como Story of The Year o los The Used del primer disco, una absoluta delicia pop alternativa que ha arrasado en las listas de su país natal, por razones obvias, un estribillo ultra melódico y una base rítmica que te invita a calzarte las Adidas Superstar o las Vans old school y botar como si no hubiese un mañana.

En “Hope You’re Happy”, la banda aborda el tema de las relaciones tóxicas y de lo complicado que es salir de ellas una vez te das cuenta donde estás metido o metida.

El comienzo es pausado para enseguida levantar el vuelo con un punteo de guitarra a lo Saosin, pero más próximo musicalmente a la movida alternativa moderna, con un Danny brillante en los versos y en el estribillo. Para redondear la canción cuenta con un mini break bastante acertado que acaba por redondear otra de las joyitas del álbum.

La siguiente pieza es un poco paralela a la anterior en cuanto a temática se refiere y es que “Bearly Breathing” aborda aquella relación que se debe terminar, aunque duela, ambos saben que es lo mejor para evitar seguir dañándose, si vale, el tema es bastante cliché pero que puedo hacer yo cuando tengo unos versos rapeados a lo Linkin Park o Adema delante y un estribillo que lo mismo te transporta al Ozzfest que al Download Festival. Pues nada, lo que hay que hacer es rendirse ante la calidad que tienen estos chicos y darles el crédito que merecen.

“Dead to Me”, es un corte bastante más heavy con unas guitarras bien afiladas y a pesar del susurrante comienzo, los rapeados de Matt se adueñan del tema y ese break en el estribillo es una absoluta delicia mostrándonos la cara más aguerrida de Danny.

Sin duda es una de las piezas más agresivas y cañeras del disco y nos hace pensar en que de algún modo u otro hay que alejarnos de todo lo que sea tóxico y dañino para nosotros.

Para “Monster in Me”, la banda coquetea con el sonido alternativo mezclando rap, rock y algo de metal y acercándose a lo que podrían hacer en algún que otro tema, sus compañeros de Falling in Reverse, quizás no me encaje tanto con el disco, aunque los screams de Danny son muy buenos y de lo mejorcito del tema.

Mucho mejor resulta está la ultra melódica y algo melancólica “Echoes”, una suerte de medio tiempo alternativo (algo así como la prima lejana de “Hurricane” de I Prevail) que hará las delicias de cualquiera que la escuche y que oxigena al disco después de tanto tema enérgico. El estribillo es una gloria y el tono de Danny hace que se te erice la piel con esa suavidad y emoción que pone al cantar.

“Armageddon”, ya la conocéis todos, una absoluta bomba de relojería digna de discos como Meteora o Lovehatetragedy y que nos demuestra lo bien que ejecutan estos muchachos, ese estilo que hace dos décadas era objeto de burla y admiración a partes iguales y hoy, tiene bastante más crédito del que solamente algunos le supimos dar en su época dorada.

El final es muy potente y la pausa antes del último coro es maravillosa y le da una vuelta más de tuerca la canción, que sin duda es uno de los temas alternativos del año.

“Legacy” es curiosa ya que nos podría recordar a sus compatriotas finlandeses Blind Channel y ligeramente a su mega hit “Dark Side”, combinando el sonido alternativo suyo con un estribillo más pegadizo que chicle en los zapatos, es de esas canciones que con dos escuchas ya te sabrás de memoria.

Para “Until we Break” From Ashes to New han contado con la participación especial del señor Matty Mullins, vocalista de Memphis May Fire y lo cierto es que el resultado es bastante bueno, no olvidemos que de las bandas de metalcore melódico MMF eran de las que más alternativas sonaban en su época quizás junto con We Came as Romans y Of Mice & Men, curiosamente, las tres ahora suenan mucho más cerca de bandas como From Ashes To New, Sevendust o Linkin Park que de Architects o The Ghost Inside.

“Broken by Design” pone el punto y final a un disco del que esperaba mucho y mucho he recibido, From Ashes to New vuelven a entregarnos un disco sólido, moderno, pegadizo y con muy buenas canciones, quizás la temática de estas se pueda hacer algo repetitiva, pero eso no quita para que la banda siga su evolución de manera notable y que tres años después su estilo siga sonando fresco y accesible superando en algunos momentos a su predecesor y manteniéndolos como una de las bandas alternativas más destacadas de la actualidad.

Los suecos Eleine vuelven este 2023 con su cuarto esfuerzo discográfico y para demostrar que su evolución sigue viento en popa combinado sus raíces más oscuras, con elementos sinfónicos y un toque de modernidad que los diferencia de sus compañeros de profesión.

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En estos 10 nuevos cortes vamos a poder encontrar, en resumidas cuentas, la esencia de Eleine y como han evolucionado respecto a sus trabajos anteriores, añadiendo ese toque extra que los ha convertido en una de las bandas contemporáneas más destacadas en su Suecia natal.

El disco abre fuego con “Never Forget”, un corte moderno, pero con esos arreglos sinfónicos que son una delicia para el oyente y le dan este toque épico para arrancar el álbum con la fuerza justa para atrapar al oyente desde el primer segundo en el que pulsas play.

Madeleine Liljestam nos vuelve a embelesar con su espectacular voz, tanto en los pasajes más melódicos como en los más operísticos y Rikard Ekberg, es el contrapunto perfecto para su compañera con esos guturales heredados de bandas como In Flames o Ensiferum.

“Stand by the Flame”, es la siguiente y es un corte que comienza de forma pesada con una batería bastante potente y donde Madeleine brilla al momento de ponerse frente al micrófono, quizás recordando un poco a la última etapa de Lacuna Coil, sobre todo porque el sonido es bastante actual y la base es bien metalera.

Rikard nos deleita con un breve, pero muy efectivo solo de guitarra que redondea esta pieza cuya letra nos habla de no rendirse ante las adversidades y luchar por lo que uno desea sin importar cuantas piedras haya en el camino.

“We Are Legion”, es uno de los singles elegidos del disco y ya lo hemos escuchado varias veces, con ese inicio tan barroco nos recuerda al sonido más “típico” de la banda y se entiende porque ha sido elegida como single, con Rikard arrancando la canción de forma gutural, para que Maddie le conteste en la parte melódica y estallen juntos en el estribillo.

Estoy convencido de que, si hiciera otra gira acústica como el año pasado, esta sería de las piezas más sencillas de convertir al formato desenchufado y quedaría tan bien como en la versión de este álbum.

“Blood In Their Eyes”, es una de las mejores piezas del álbum sin duda alguna, en 3 minutos y 19 segundos, la banda plasma la energía que tienen y es imposible no rendirse ante la magia vocal de Madeleine, una chica que domina con solvencia cualquier tono que le toque interpretar en sus canciones.

La guitarra de Rikard ahora sí que suena más afilada y hará las delicias de los que hemos disfrutado con sus tres discos anteriores.

“Vemod” oxigena el disco antes de la recta final, con una suerte de interludio instrumental que deja paso a “Through The Mist”, un corte que comienza de manera lenta pero que enseguida coge ritmo y se transforma en un poderoso track cargado de guitarras afiladas (por dios, como se nota que han crecido escuchando a bandas como Dark Tranquillity o Children of Bodom)y un Rikard muy agresivo a la voz pero perfectamente secundado por Maddie, con su aterciopelada voz y un estribillo que se te quedará en la cabeza desde la primera escucha.

Por el contrario “Suffering” quizás sea algo menos destacada que la anterior, pero igualmente mantiene ese grado de intensidad musical que se ha podido ver a lo largo del disco, este corte quizás gane más puntos en el directo y su toque melancólico pueda captar a algún seguidor actual de bandas como Evanescence o incluso Within Temptation.

Las últimas dos piezas, son ya conocidas por los que seguimos la trayectoria de Eleine y es que “War Das Alles”, presenta un poco lo que ya hemos visto a lo largo de estas nuevas canciones de la banda y quizás destaque sobre todo la parte gutural de Rikard y la particularidad de que el estribillo está cantado en alemán, algo que sin duda sorprenderá al oyente cuando escuche esta canción.

Y por su parte, el corte que da título al disco pone el broche de oro al mismo y un cierre más que notable ya que se trata de una de las mejores piezas del álbum, condensando lo mejor de la banda y sacándole el máximo partido posible, con una base bien cañera (hacia el final hay doble bombo espectacular que debería sonar de muerte en directo), un Rikard brillante a las seis cuerdas y Madeleine dando lo mejor de sí misma en un estribillo que está escrito en oro y que seguramente sea de las piezas más celebradas por sus seguidores en la próxima gira de la banda este otoño.

Para quién esté familiarizado con la música de Eleine, el disco es una evolución natural de su anterior trabajo sin desviarse mucho de la senda compositiva que los caracteriza, pero con algunos destellos de evolución que veremos donde los llevan, porque con un disco tan sólido como este, creo estar seguro de que ahora mismo Eleine no tienen techo y su futuro se antoja brillante.

12 bellas canciones componen el nuevo disco de Shakra, “Invincible”, que en verdad está demasiado bueno, claro está que todos sus discos son una maravilla y que la banda hasta ahora no ha tenido un álbum que sea flojo.

El disco sigue su línea melódica combinada con un hard rock de mucho nivel, la banda no trata de innovar en lo más mínimo pero con esto que hacen es más que suficiente para que su resultado sea grandioso, recordemos que llevan más de 2 décadas y media con 12 discos cargados de buena material, dicho esto, estoy seguro que sus fans lo recibirán con los brazos abiertos.

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Muchos de estos temas tienen la marca registrada de Shakra, melodías lentas al inicio para que luego de desvanecerse, entre una guitarra con un riff pegadizo que perdura en toda la canción, el tema que abre “The Way It Is” es claro ejemplo de ello, al igual que “Devil Left Hell” o “Tell Her That I´m Sorry”.

Otras canciones como “Old Irish Song” o el tema que da título al disco “Invincible” entran con un poco más de poder, pero mientras la melodía avanza, el camino te lleva al mismo lugar, hard rock melódico con la misma calidad de las otras. Tengo que reconocer que esta vez escogieron la mejor canción para dar el nombre al disco, “Invincible” se lleva a las demás por mucho.

Con un medio tiempo llega “As I Lay Down to Sleep” donde su vocalista Mark Fox cambia un poco su tono y se sienta otro tipo de textura, esto hace que esta balada deje huella; una de las que se queda en tu cabeza cuando el disco termina es “House of Rock” y “Walls of Hate” además de la labor de sus guitarristas Thom Blunier y Thomas Muster, es que tienen una parte coral muy bien lograda, algo así cómo lo que hizo Def Leppard en el “Pyromania” o en el “Hysteria” en su momento.

El resto de la banda está conformada por Domonik Pfister en el bajo y Roger Tanner en la batería; el disco salió por AFM Records y vale la pena resaltar la labor de la producción tan limpia y clara, perfecta para este tipo de música que cada vez logra tener más adeptos en sus filas.

“Scars To Remember” es el décimo disco del power tio danés Blindstone, y a pesar que conocí esta banda hace poco cuando sacaron su anterior álbum “Deliverance At The Crossroads” del 2019, siento que ya conozco toda su historia a través de este nuevo álbum que suena simplemente magnifico.

Si es la primera vez que escuchas esta banda o ya los sigues desde inicios de la década del 2000, sabrás que aquí lo que sobra es calidad, porque Blindstone es una mezcla entre Lynyrd Skynyrd de los 90´s con el sentimiento de la guitarra de Gary Moore y Frank Marino y un poco de Deep Purple en su época más hard rockera.

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Aquí definitivamente no se por donde empezar, ya que cada pista del disco es impresionante, y no me quiero ver cómo un fan from hell porque no lo soy, a penas conozco la banda, pero he escuchado el disco unas 5 veces y me sigue sorprendiendo que desde esa parte del planeta y en pleno 2023 salgan este tipo de joyas musicales que nos llegan a alegrar el día. La formación actual consta de Martin J. Andersen (guitarras, voz), Jesper Bunk (bajo) y Anders Hvidtfeldt (batería).

El disco abre con “Embrace The Sky” seguido del tema que da como nombre al disco “Scars To Remember”, apague y vámonos, no puede seguir nada mejor, pero o sorpresa, “Down For The Count”, “Waste Your Time” y en especial “Drums Of War” te dejan boquiabierto.

Pasamos por temas bluserones movidos y otros algo lentos pero con un sentimiento especial en cada nota, “The Fields Of Bethel” o “World Weary Blues” reflejan esa calidad como si se tratase de músicos afroamericanos que viven en el sur de EEUU.

La madurez que el grupo a alcanzado a lo largo de 2 décadas se puede ver reflejada en “Scars To Remember”, es un disco que tiene impregnado toda la época dorada del rock clásico pero en el 2023.

Miasmes es una joven banda, nacida apenas en el 2021 en Francia, que impacta con su sonido en su nuevo álbum, el cual se conforma por nueve canciones, cuyo idioma sonante es el de su lengua natal. Miasmes formada por G en el bajo y en las voces (quien estuvo en bandas como Ritualization y Antaeus), K en la guitarra (participe de la banda Como Muertos) y C en la percusión, estas personas han creado sus canciones con las bases mas originarias del black metal, esas que no tenían ningún temor de usar arreglos y bases pertenecientes al rock and roll y al punk. Este lanzamiento al mundo viene de la mano de Les Acteurs de l’Ombre Productions.Répugnance es un álbum que evoca totalmente al folclore y lo tradicional del black metal, su arte de portada no queda exenta en este caso, ya que la misma muestra los objetos que incluso dan un indicio a los nombres de las canciones.

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La mezcla de los distintos elementos en el sonido es verdaderamente buena, el ambiente sonoro tiene los aires lejanos de un punk muy rebelde y destructivo desde sus canciones iniciales como “Délivrance” y “Prophétie”, sin embargo aquí mismo, haría una pequeña observación de algo que no me agrado y es que el inicio de “Prophétie” son los segundos finales de “Délivrance”. Pero esto es solo un detalle mínimo que prácticamente a nadie molesta.

Se puede decir con toda seguridad que Miasmes tendrá un éxito rotundo en sus shows y presentaciones ya que escuchar estos temas en vivo será algo fenomenal. Sobre todo, para mi gusto, cundo suene la canción “Malemort”, de todo el álbum puedo decir que es mi favorita y no dudo que también llegue a ser la de sus seguidores, ya que cada línea a sido perfectamente mezclada en especial en esta canción.

Estamos ante otro de los grandes regresos del año en curso, que está siendo excelente a nivel musical. “Purge”, editado por Avalanche Records, nos trae a Godflesh, el legendario dúo de Birmingham en su estado más puro. A esta altura, decir que fueron pioneros del metal industrial, desde fines de los 80 ‘s, es un lugar común, aunque es bueno recordar su influencia innegable en todo el metal alternativo de los 90’ s. Justin K. Broadrick (voz, guitarras, electrónica) y B.C. Green (bajo) supieron encontrar una fórmula muy precisa y efectiva, tan minimalista como contundente, y nunca dejaron de utilizarla, con sutiles variaciones.

Nadie esperaba ninguna sorpresa: Godflesh se autorreproduce fractalmente, es una iteración maligna. La banda ya tiene sus trademarks, sus rasgos identitarios y, después de prácticamente haber creado un estilo, quizás no sea pertinente demandarles experimentación. Tal vez por eso, Broadrick sea tan prolífico en otros proyectos, entre los que se destaca Jesu, donde explora aspectos más melancólicos de su creatividad con climas tendientes al post-rock y shoegaze.

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Este noveno full-length comienza con “Nero” y todo impacta tan clásico, que parece estar más allá del tiempo, no importa cuándo se lo escuche. Y la verdad es que la misma impresión se extiende en “Land Lord”, que ofrece una voz con otro procesamiento, y más diversidad en la dinámica de las cuerdas, lo que se profundiza aún más en “Army of Non” que, en honor a la verdad, un poco nos retrotrae al pasado (aunque ese ‘Check it out, y’all’ constante resulta llamativo). Los riffs de guitarra agresivamente repetitivos, con modificaciones mínimas, son icónicos: movimientos como los de un cuchillo ya clavado. El  bajo que aporta gran fuerza y empuje, sobre una rítmica programada con precisión, y algún que otro elemento noise.

“Lazarus Leper” es menos pesada, con una electrónica percusiva más sobresaliente, ahondando en la veta drone que Godflesh también siempre cultivó, hasta que “Permission” irrumpe casi con actitud de club nocturno: breakbeats y samples casi festivos entramados con la furia. El sonido de la banda siempre ha sido frío, cruel, urbano, maquinal, aunque solía tener cierta cualidad en la producción que le otorgaba una “suciedad” muy apropiada. Advertencia: esto puede ser el resultado de continuar por un mismo camino a través de las décadas, pero “Purge” impresiona como más limpio, más quirúrgico: no se derrama sangre con los golpes del hierro oxidado. Quizás todo sea como la mordida de la serpiente en la portada.

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“The Father” sigue la dirección más etérea que puede tener Godflesh y que Broadrick explota profusamente en Jesu, en especial por las voces limpias con ecos que resuenan en espacios internos, llamando a la introspección. “Mythology of Self” retoma la violencia en un modo más sigiloso, lento, denso, aunque no por ello menos amenazante. El cierre llega con “You Are the Judge, the Jury and the Executioner”, una suerte de resignación ante las impiadosas relaciones de poder en la vida cotidiana, que es el eje temático que atraviesa el disco, una oda al pesimismo. Es el track más largo de todo el álbum y probablemente sea el más destacable: oscuro, tristemente ceremonial, casi funerario. Mucho se ha hablado del reciente diagnóstico de autismo de Broadrick, que, en todo caso, se encuentra en el extremo más leve del espectro. No obstante, es muy factible que su música refleje bastante de esta condición: la proclividad a la sistematización, la preferencia por la repetición, cierta inflexibilidad en el comportamiento, dificultades para adaptarse al cambio, acotada vinculación social, una empatía más cognitiva que afectiva, etc. De todas maneras, es interesante pensar que la coherencia de estos británicos a lo largo del tiempo, tanto en la música como en las letras, tal vez no haga más que señalar lo poco que realmente ha “evolucionado” el mundo cuando se trata de valores éticos. La propaganda, los colores, las formas, los géneros: todo lo superficial que se agita entre las clases medias y bajas (y lo que las altas dejan ver de sí mismas) “cambia”, pero los poderes que todo lo dominan en las sombras permanecen inalterables.

Lo bueno de enfrentarse a un nuevo disco de Extreme es que seguro será algo diferente, si algo ha caracterizado a esta banda es que desde su primer disco “Extreme” del 89 hasta su anterior álbum “Saudades de Rock” 2008 es que no repiten formulas, siendo “III Sides to Every Story” del 92 el que más nos sorprendió a todos, el mayor problema es que no graban muy seguido pero ante eso no podemos hacer nada.

Después de década y media llega su sexto álbum de estudio llamado simplemente “Six”, en donde 2 factores se notan en su primera escucha, el primero es que Nuno Bettencourt sigue tocando como los dioses, es un fiel alumno de Eddie Van Halen y dos la voz de Gary Cherone sigue intacta, no le han pasado los años, ambos factores son clave para esta banda.

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El tema que abre el disco es “Rise” el mismo que se escogió como primer sencillo, aquí el trabajo de Nuno opaca en ocasiones al resto de la banda que trata de llevarle el ritmo, el video logró obtener más de un millón de vistas en su primera semana, después ed esto los 2 temas que siguen en el disco fueron los siguientes sencillos, “#Rebel” y “Banshee” cada una acompañada de su respectivo video, en este momento ya se pueden sacar conclusiones, la banda no se repite, trata de innovar dentro del marco del hard rock y cada temas es único y diferente a los demás sin perder su base que los hizo famosos.

Es grato ver que la banda tiene la misma alineación del disco del 2008 S”audades de Rock”, además de Gary y Nuno, el grupo cuenta con su viejo compañero Pat Badger en el bajo y Kevin Figueiredo en la batería, punto a favor para la banda de Boston. 

El disco cuenta con 12 canciones que pasan por el funk, clásico, balada, acústico, experimental y demás, pero lo que más predomina es el estilo y la ética profesional, entrelazado con el hard rock de los 80´s. “Thicker Than Blood” experimenta con muchos cambios de tiempo al igual que “X Out”, “Save Me” tiene un riff pegadizo y como muchos disco, el mismo tiene su talón de Aquiles, “Beautiful Girls” se pudo meter como tema escondido para que el que quiera lo adelantara o no.

Vale la pena mencionar que cuando una banda se mete a un estudio cada dos años es muy fácil crear nueva música, pero Extreme no es de ese tipo y rompe la regla al momento de sacar un nuevo disco, la banda se mantiene firme, y “Six” es el reflejo de ello, esperemos que no pasen otros 15 años para tener otra nueva entrega de la banda.

Ya había afirmado, en otra reseña, que este parecía ser el año de los grandes retornos. Tras la salida de los nuevos álbumes de Dødheimsgard, Khanate y Godflesh, y todavía esperando el inminente lanzamiento de Blut Aus Nord, ya está aquí “Hive Mind Narcosis” de Thantifaxath. Si a esta pequeña lista le sumamos a Liturgy, creo que también podemos decir que estamos en el año del black metal de vanguardia. La banda canadiense nos entrega su segundo full-length tras “Sacred White Noise” (2014), y vuelven luego de seis años desde el EP “Void Masquerading as Matter”. La edición de esta nueva obra estuvo a cargo del sello Dark Descent Records. La portada es una reproducción de la tétrica pintura “Vuelo de brujas” de Francisco Goya (1798).

En este disco, el trío anónimo nos ofrece una música que, si bien sigue siendo categorizable como black metal avant-garde, abunda en momentos que remiten al death o al doom metal, con intenciones “psicodélicas”. Aquí vale la pena recordar el verdadero significado de ese término, más allá de su fuerte asociación histórica con los movimientos culturales de la década de 1960. Hablar de psicodelia implica una referencia a toda intención de generar estados mentales, en principio mediante drogas, pero con el tiempo, fue agregándose toda una estética y una ética que, inspiradas en los efectos de las sustancias alucinógenas, también pretendían “expandir” la conciencia. Sin entrar en el debate de hasta qué punto las experiencias que distorsionan la percepción de la realidad suponen algún tipo de aprendizaje significativo, lo cierto es que el propósito de inducir determinados estados psicológicos siempre fue inherente al arte, con su búsqueda por evocar emociones e inspirar reflexiones. ¿A qué tipo de expresiones se aplica la etiqueta de “psicodélicas”, entonces? Si se trata de música, por lo general, a las que manipulan el sonido deliberadamente y de modo muy evidente, para tratar de causar sensaciones y emociones básicas: recurren a la repetición, o la variación extrema, las disonancias, los contrastes, las armonías no convencionales, y los efectos, con fines desde hipnóticos hasta enervantes. Se estuvo hablando mucho de psicodelia cuando salieron los últimos dos discos de Blut Aus Nord y el más reciente de Dødheimsgard.

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Los encapuchados grabaron este álbum en un estudio hogareño propio, creando un trabajo quizás menos “experimental”, pero el más pesado y diverso hasta el momento. “Solar Witch” es un inicio doom a pura cacofonía. La voz furiosa canta sobre una música que avanza lenta y tan densa como estridente. Una aceleración espasmódica hace que todo se torne más siniestro. La guitarra va tejiendo tramas lisérgicas. “Surgical Utopian Love” empieza a todo blast-beat, y las cuerdas generan texturas brumosas que se disipan ocasionalmente. Hay pasajes en los que todo se ralentiza y se explota un enfoque espectral, un arte de hacer que las vibraciones invoquen estados oníricos o, directamente, pesadillas. Es que ya desde la elección de la portada y el título del álbum, queda claro que Thantifaxath se embarcó en una indagación impiadosa acerca de la dialéctica entre la subjetividad y la masividad o la formación social de la mente, en la que pueden coexistir lapsos de racionalidad fugaz con otros de superstición o enaltecimiento absurdo de la ignorancia. Calando más profundo, quizás se aspire a llegar a lo inconsciente, donde no existen esas contradicciones. Las guitarras son insidiosas, van erosionando implacablemente para llegar tan hondo como puedan. Espíritus frágiles podrían pensar en una tortura, pero es necesario atravesar la angustia para saber qué hay después y seguir avanzando hacia eso que llamamos futuro, aunque arrastremos el pasado.

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“The Lost Wisdom of Wolves” vuelve a introducirse en una viscosidad cáustica, que por momentos se cristaliza y suena penetrante.  En “Burning Kingdom of Now” sorprende otro despliegue de la batería y el bajo, más protagonistas, expuestos con fuerza y delicadeza simultáneamente. Surge una atmósfera casi épica, tangencialmente a un accionar surgido de deseos esencialmente destructores. Al escuchar “Hungry Ghosts” resulta inevitable la comparación con lo hecho por Liturgy, sobre todo en el disco editado este año.  La base rítmica adquiere preeminencia nuevamente. Los niveles de inducción al trance se elevan con la electrónica de “Sub Lilith Tunnels” y esos enigmáticos discursos sampleados y procesados, y coros que atraviesan una espacialidad vertiginosa. Se trata de un track con reminiscencias de la música de Ligeti, Penderecki y Xenakis, solo por nombrar algunos compositores contemporáneos.

La experiencia termina con “Mind of the Sun” y ese trémolo rizomático que parece inervar todo. Existe una organicidad esporádica, combinada con una iteración fractal. Se nota una crueldad tan exagerada como lamentablemente explicable. Una muerte en la hoguera, una lobotomía, un engaño amoroso, la retórica política… “Hive Mind Narcosis” destila la ponzoña de la historia hasta el presente y la usa para originar una música sublime, es decir, capaz de producir goce estético aunque esté lejos de adecuarse a lo que podría considerarse bello. Se suma así, sin dudas, a mi lista de discos destacados del 2023.

Con este nuevo disco de Tumulation abrimos las puertas al Death/Doom Metal de principios de los noventa. Y nos gusta adentrarnos en una atmosfera oscura y pesada. “Haunted Funeral Creations” es el último disco de Tumulation y saldrá a la venta el próximo 4 de agosto del 2023, pero la preventa ya se encuentra disponible en la web oficial de Napalm Records.

La rabia contenida no se hace esperar y arranca desde el primer tema con una atmosfera que te hará sentir en lo más intenso del infierno.

Cambiando instrumentos y roles, los miembros de Conjureth formaron Tumulation en 2021 para profundizar en nuevas ideas musicales. inventando un nuevo proceso de composición de canciones que se centra en el sonido pantanoso Doom/Death de principios de los 90. Las dos demostraciones consecutivas de Tumulation recibieron elogios de la crítica tanto de los medios como de los fanáticos, liberando a los veteranos completamente formados de la escena musical extrema. En alianza con Hammerheart Records, Tumulation lanzará su primer álbum “Haunted Funeral Creations” en Agosto de éste año.

Para ser un album Doom nos queda un poco corto, dura apenas 39 minutos. A pesar de la creencia popular, no todas las bandas de doom metal necesitan escribir un álbum de tres días. La producción es tan inmensa como su música, parece que durará para siempre, un pozo infinito de sonido que nunca pierde potencia.

La mezcla del álbum captura bien los detalles. Incluso en sus momentos más melódicos, el bajo y la batería mantienen un sonido robusto que asegura que el álbum nunca esté demasiado lejos de aplastar tu alma. El álbum comienza con la breve introducción instrumental “Emergent Chaos Spirals”. En cuanto a las introducciones, es una pista decente, ya que genera impulso para la primera canción completa. Sin embargo, parece que tenía potencial para convertirse en una canción de larga duración pero, por supuesto, no llega a ninguna parte.

‘Shattered Under The Eclipse’ es el ejemplo perfecto de lo que trata este álbum. Lo más probable es que si te gusta esta canción, te gustará todo lo que sigue. El comienzo es melódico, pero no demasiado, antes de convertirse en riffs aplastantes y tambores en cascada. Las voces son geniales: profundas con mucha inflexión e incluso un sonido ligeramente ennegrecido a veces.

‘Rorschach’ muele los huesos hasta convertirlos en polvo en el primer minuto de su existencia, pero los tambores comienzan a acelerar el ritmo y cuando llega el minuto 1:29, la tormenta golpea y no amaina hasta el minuto 3:11, pero la velocidad se reemplaza por una ranura de trituración en forma de cúpula. El último minuto de la canción es especialmente de gran calidad, me encanta como la batería y el bajo acentúan los riffs. Las voces hacen su magia a la perfección con los demás instrumentos.

‘Bound To The Rakasha’ es quizás mi canción favorita del álbum. Oscuro, profundo y un poco inquietante, es sutil en lo infeccioso que es. Después de la marca de 4 minutos, la canción se vuelve fascinante y desconcertante antes de deslizarse sin esfuerzo en un movimiento melódico que, eventualmente, termina en una enorme nube de fatalidad.

Tumulation es una banda de death/doom metal de San Diego, California, que se formó en 2021. Solo un par de años después, lanzaron una demostración y su primer álbum de larga duración, ‘Haunted Funeral Creations’ extremadamente pesado, optando por centrarse menos en la depresión cavernosa y más en riffs masivos que pesan más que la noche misma. Su lado del death metal tampoco tiene miedo de asomar su cabeza retorcida: los momentos de velocidad y el poder rítmico que destroza la tierra a menudo chocan con su marca de perdición del agujero negro.

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Honor a quien honor merece, de esto trata este disco, el guitarrista de Mr Big y Racer X, Paul Gilbert rinde homenaje a la voz del heavy metal Ronnie James Dio con un álbum llamado “The Dio Album” donde se puede apreciar al guitarrista interpretando canciones de Dio de sus diferentes bandas, aquí lo que hace este disco muy especial, es que Paul Gilbert hace con su guitarra la labor de la voz de Ronnie, algo que no se esperaba.

Para abrir el disco la elegida fue “Neon Knights”, original de Black Sabbath, el tema empieza a sonar y cuando llega el momento de escuchar quien es el elegido para cantar este tema, la guitarra de Paul Gilbert hace todas las sílabas sin margen de error, esto suena increíble, a pesar de que el guitarrista ya había anunciado como era el disco, cada que escucho la melodía y llega a la parte de la voz, quedo impactado al escuchar esa guitarra haciendo de lo suyo y simulando la enorme voz de Dio.

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“Kill the King” de Rainbow es la segunda, esta versión es capturada en vivo, con un público que no para de gritar, sigue “Stand Up and Shout” de Dio solista, cada tema no deja de sorprender, “Country Girl” que buena elección, “Man on the Silver Mountain” tiene esa magia oculta, pero sin duda la que mejor suena es “Holy Diver” en algunas partes se puede sentir la voz y no, es la guitarra de Paul que suena muy similar a la voz de Ronald James Padavona.

“Heaven and Hell” por supuesto no podía faltar al igual que “Long Live Rock and Roll”, ya para cerrar llegan otros 3 clásicos, “Don´t Talk to Strangers”, “Starstruck” y “The Last in Line”; es sorprendente la capacidad que tiene Gilbert de tocar la guitarra, por algo es uno de los virtuosos guitarristas dentro de este género.

La edición japonesa cuenta como siempre con un extra y esta vez se fajó, “Love is All” uno de los temas en donde el pequeño gran Dio canta cómo nadie; el baterista invitado es Bill Ray que ya había tocado con Paul anteriormente, y la producción está a cargo del mismo Paul Gilbert; la carátula con ese dragón negro sobre fondo rojo muy minimalista con la tipografía de Dio solista refleja lo que el disco contiene, aquí todo detalle se tomó en cuenta.

Sólo queda decir que es un excelente disco instrumental, en donde el virtuosos de las 6 cuerdas Paul Gilbert no deja de sorprender en cada tema, la selección de temas es lo que se esperaba, lo más conocido de la carrera de Dio, siento que le faltó un tema del “Dehumanizer” y uno de Elf para ser perfecto.