El grupo sevillano de heavy metal Ira Regia nos trae su nuevo EP Donde el sol calla, el primer material luego de su vuelta al ruedo desde el verano del 2020 (recordemos que habían cesado su actividad en 2016).

“Aqueronte”, es la introducción instrumental con la que el grupo nos da la bienvenida con la guitarra como protagonista con un buen ritmo en las baterías y unas voces liricas que nos van acompañando hacia el “Infierno” que es el segundo track del EP y ambos temas están inspirados en el Infierno de la Divina Comedia de Dante, las dos canciones se integran perfectamente y podrían ser una sola pero mas larga. Con guitarras afiladas y una voz potente nos sumergen en el interior del báratro con unos grandes coros femeninos y hasta se animan en el estribillo al italiano donde se puede oír un pasaje de la Divina Comedia.

Con “Profeta”, toca bajar revoluciones y gozar de la mezcla de ritmos, desde voces melódicas a mas extremas, de riffs tranquilos a machaques intensos y hasta momentos de virtuosismos, todo en el mismo tema.

Para cerrar eligen la balada “Tiempo”, la canción ideal para que el vocalista Germán Repetto se destaque con una voz mas relajada acompañada de una guitarra melódica, poco a poco la canción va subiendo la intensidad dando los típicos sube y baja de canciones de este estilo, para cerrar un muy buen solo de guitarra que se va despidiendo cargado de virtuosismo.

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Cerca del año 2007 esta banda me hubiese agradado mucho, pero todo lo bueno se hace esperar. Story About Illusion es un proyecto solista que comenzó en el 2019 con algunas pequeñas canciones, pero al cabo de unos meses ya su compositor tenia suficiente material como para crear un álbum. Todo el proceso para crear su obra fue durante la época de pandemia y confinamiento, entre 2019 y 2020, para que el resultado lograse salir luego en el año 2021.

En el presente año, de la firma de Epictronic Records, Story About Illusion resurge con un nuevo proyecto titulado Perfect Equilibrium, sorprendiendo desde el principio hasta el final.

La intro “Time to Sleep” tiene unos tintes folks y hasta una pizca de metal sinfónico a los que nadie se puede resistir, es realmente una melodía instrumental con un trabajo notable al hacer la mezcla de los instrumentos. Son 4 minutos de una muy buena experiencia que se destaca en la rítmica de las cuerdas. Y esto es algo que hay que resaltar, ya que a lo largo del álbum, a pesar de que cada canción tenga algún que otro pequeño defecto o incomodidad, el despliegue de talento en el operar instrumental que lleva el creador del proyecto es excelente.

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El contenido conceptual de cada letra varia bastante, desde algunos desafíos hacia la religión y sus seguidores hasta simplemente baladas románticas, cargadas de afecto, drama y empalago.

Lo que es un poco incomodo es que dentro de las canciones hay un cambio en el ritmo que te deja esperando otra cosa, predomina una especie de hard rock, varía desde el punk californiano hasta me atrevería decir un tanto emo e indie. Un minuto de la canción es un género, otro minuto otro género y esta división me resulta un poquito incomoda, ya que es algo que se repite en todas las canciones del álbum. Sin embargo este tipo de experimentos son ideales para crecer y demostrar la versatilidad que tiene el compositor para lograr los distintos ritmos. No recomiendo que los mezcle a todos en una canción. De la voz, no tengo quejas, tampoco halagos, pero se que es un sonido completo del que mucha gente disfrutara escuchar.

Babymetal, con poco más de 10 años en la industria demoliendo prejuicios y causando controversias, tanto por sus edades, como por sus talentosas voces y los muchos rumores que han acarreado consigo desde su inicio hasta su supuesto final, atravesando cambios que parecían que marcarían el fin para estos jóvenes talentos, siendo que los mismos solo serian un capítulo más de la historia de este conjunto; la banda idol japonesa, ya no permite que se escape el tiempo, y este año 2023 han lanzado su más reciente trabajo The Other One. Esta banda que domina distintos tipos de género dentro del metal, el j-pop, y kawaii metal, busca refrescar a sus seguidores y a todo su público en general con 10 nuevas canciones.

The Other One comienza de una manera épica con la canción “METAL KINGDOM” no hay fallas en esta canción, voces maduras que hacen del coro introductorio una experiencia muy buena, los acordes ejecutados son una belleza, en concepto trasciende de la oscuridad a la grandeza y energía rápidamente.

“Divine attack – shingeki”, esta es la canción por excelencia que muestra la potencia con la que este grupo se dispuso a volver luego de su hiato de tiempo. La proyección sonora que la melodía comprende está muy bien ejecutada, la mezcla varía en instrumentos, incluyendo arreglos que confunden lo sinfónico y clásico con lo moderno y virtual.

“Mirror mirror”, parece un inicio instrumental de una melodía positiva, engañoso como los espejos e ilusiones que nombra en la lírica, busca tintes acústicos por segundos, por otros segundos la cadencia de las canciones tiene tonos más heavy, a veces más power, a veces hasta doom, la mezcla está casi excedida de géneros que no deberían mezclarse, pero que extrañamente han quedado bien en esta ocasión.

Otras canciones como “Time wave” tienden al pop, puramente pop, por más guitarras y percusión que por segundos aparezcan, se han dado el gusto de meter al género del pop dentro de un álbum de metal pesado.

Bases potentes, solos de guitarra veloces, voces más kawaiis que guturales, el contenido conceptual de sus canciones ha madurado bastante si se le compara con discos anteriores. Esperemos que con este nuevo trabajo deslumbren una vez más al público con sus hermosos vestuarios, maquillajes y muy buenas puestas en escena.

6 largos años tuvieron que pasar para que Night Demon, la banda proveniente de Ventura, California, sacara un nuevo disco. La espera fue larga, pero el resultado valió la pena.

Outsider es el resultado de algo que ya llevaba varios años en planeación, un disco conceptual resultado de películas de terror, suspenso y ficción, aquí el gran problema es que siempre nos mostramos agrios a escuchar un disco de heavy metal conceptual, pero para no caer en este error, vamos a ver canción por canción para darnos una mejor idea.

“Prelude” es el tema que da inicio con un bajo mostrándonos el camino a lo desconocido, cómo si Jason Voorhees de Viernes 13 acechara nuestra casa y viniera por nosotros, así dan paso a “Outsider”, un tema que nos muestra que la fuerza bajó un par de tonos pero que aún así suenan bien heavys, Jarvis Leatherby se toma su papel de bajista y vocalista muy en serio, en este que es su tema principal hace de las suyas sin dejar espacio para el error, su corto paso por la banda Cirith Ungol le dió una buena lección de vida, de verdad te muestra el camino solitario que el disco va a recorrer; de inmediato llega “Obsidian”, con un riff muy poderoso por parte de Armand Anthony, te sigue llevando de la mano por un viaje a lo más profundo de sus mentes, en este punto ninguno de nosotros sabe a donde llegaremos o cuales son las intenciones de la banda, esperemos que no sean como los finales de las películas de terror de los ochentas.

“Beyond the Grave” es un tema a medios tiempos con una base mucho más lenta y más densa, rayando un poco en el doom, pero perfecta para seguir la línea de un disco conceptual, en algunos momentos te sientes atraído por el siguiente paso a seguir, ya quieres escuchar la siguiente canción para ver que pasa en esta película que cada uno se inventa en su cabeza a raíz de lo que escuchamos.

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De repente el susto llega con Rebirth y corremos entre árboles siniestros en donde no existe una salida si no una caída al inframundo, y es que el inicio de la canción parece diseñada para ello, y si en este momento creíamos que el siguiente paso era una cabaña a la que podríamos entrar y escondernos del pánico por un momento, pues pensamos mal, “Escape from Beyond” te atrapa en todo sentido, bueno, malo e intrigante, por que arranca con toda velocidad pero trata de darte espacio para que puedas tomarte un respiro, y vuelve y te atrapa como si una arena movediza no te dejará respirar durante un minuto y luego algo de impulsara hacía afuera y una bocanada de aire entrara de repente por unos microsegundos y luego para abajo nuevamente, pero cuando crees que todo acabó en tu mente suena a lo lejos las primeras notas de “A Wake” y te ves sentado al lado de un río con un suave cause en donde podrás beber unas cuantas gotas de su agua con algo de precaución porque no sabes que cosa extraña pueda contener.

“The Wrath” es el inicio del fin, aquí vamos viendo la luz al final del túnel, no todo está perdido, la esperanza de que no todo el camino recorrido fue en vano nos hace sentir seguros por primera vez en este viaje, y es así cómo llegamos al desenlace de esto en donde el malo es el que gana, no olvidemos que estamos en una película de terror con una banda sonora conceptual de heavy metal con raíces ochenteras, acá el bueno nunca saldrá victorioso, así que “The Last Day” acaba contigo, te atrapó finalmente, no lo lograste, es tu fin, es una pesadilla en la que no puedes abrir los ojos para que esto acabe, lo siento por ti, el disco te atrapó de principio a fin, y lo peor es que quieres volver a repetirlo una y otra vez.

De esta manera el filme de terror creado por Dusty, Jarvis y Armand nos envuelve de tal manera que queremos repetir lo antes vivido, el disco nos muestra que el tiempo que se tomaron para hacerlo, valió la pena. La portada va de la mano con lo que escuchamos y vivimos en estos 37 minutos de incertidumbre.

Hace dos décadas cuando llegó a mi vida la música de Story of the Year, no hubiese imaginado que 20 años después estaría escribiendo sobre un disco de ellos, si no que dudaba que siguiesen haciendo música juntos, pero aquí estamos disfrutando de uno de los regresos del año, en lo que a música alternativa y post hardcore se refiere.

La banda vuelve tras cinco años desde su último disco Wolves, para demostrar porque un día fueron uno de los grupos más importantes del post hardcore y el emocore de comienzos de los 2000 junto a Finch, Silverstein, A Static Lullaby, Saosin o Thursday, entre otros.

Entrando a analizar el disco, no sólo llama la atención el sonido tan bien conseguido que este posee, no es difícil cerrar los ojos y transportarte a 2003, cuando su explosivo debut Page Avenue, sonaba por todos lados y ellos eran portada de Alternative Press, ocupaban un lugar de privilegio en el Warped Tour y junto a The Used o My Chemical Romance, dominaban la escena alternativa gracias a himnos como “Until the day I Die” o “Anthem of our Dying Day”, entre otros.

Si no que además esta vez las canciones tienen ese peso que parecían haber perdido hace uno o dos discos atrás, la sensación es que la banda ha dado un golpe sobre a la mesa y se viene a reivindicar a dos décadas de haber editado su primer disco.

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La voz de Dan Marsala es un escándalo, realmente sorprende como el tipo no sólo sigue cantando como los ángeles, sino que, además, parece que el tiempo no haya pasado para él, se nota que han preparado este disco con el esmero y el mimo que se merece y han vuelto a poner el nombre de Story of the Year a la altura de las circunstancias.

Cortes como la nostalgia y adolescente”2005″, “Dead and Gone”, la más seria “Sorry About Me”, donde la banda aborda el tema de la salud mental y la voz de Dan te da escalofríos desde el primer momento que empieza a cantar y que podría haber encajado en su segundo disco e incluso en Black Swan, su tercer trabajo y seguramente el último gran disco de la banda norteamericana o la pegadiza “Take the Ride”, son algunos de los mejores momentos del álbum y de la banda en más de diez años sin lugar a dudas.

La banda sin buscarlo ha vuelto a sus días dorados y ojalá que sea por muchos años, porque este Tear me to Pieces, es lo mejor que han grabado en tres lustros y si te gusta el post hardcore de los 2000, no te pierdas el regreso explosivo de uno de los grupos emblemas del género, porque SOTY han vuelto y por la puerta grande.

WeissRavana es un grupo japonés que busca experimentar con el deathcore melódico, y que ahora nos muestra su último trabajo, un EP titulado Awakening Of The Ancient Blood y conformado con 5 canciones.

Empezando con lo que yo considero una mala idea; la intro de “Cliffed by the follis” empieza con una idea, sigue con otra y otra, formando una mezcla que tiene el mismo volumen y no es agradable de oír, un anuncio con un recitado limpio de la cantante, un chirrido molesto y una melodía, todo al mismo tiempo. No quiero expandirme mas sobre los guturales, porque mis comentarios no serian positivos, solo puedo decir que mi gato lo oyó y se preocupó bastante. Es casi en el último minuto que esta canción tiene gracia, percusión, cuerdas, la mezcla instrumental es muy buena, pero las voces simplemente pueden encontrar un camino mejor.

Las cosas parecen cambiar con “Awakening of the ancient blood”, es muy diferente en su inicio, con un teclado y una sinfonía hermosa, pero nuevamente en los guturales la voz es tan aguda y cerrada que no termina de sonar bien, ni los femeninos ni los masculinos, lo que es una pena porque si querían que uno entendiese la lírica de la canción es casi imposible (a menos a que esté escrita).

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El tercer tema de esta banda, mezcla la formula de los dos anteriores restando los puntos negativos que tenían. Una voz clara, limpia, recitando mientras una bien lograda composición acompaña, finalmente puedo decir que este es uno de los temas que mas me agradan de este EP. Y me habría gustado decir lo mismo de la siguiente canción pero el sufrimiento es el mismo, se salva por la realmente buena percusión, debo decir que algo que salva mucho las melodías de este grupo es el trabajo en la batería que realmente tiene una composición maravillosamente lograda.

“Teaser song” como cierre funciona muy bien, fue una experiencia agradable para el final de este EP.

Mi conclusión es que este grupo tiene un gran talento en la composición de sus liricas y melodías, pero realmente necesita práctica, pulido, pulcritud y trabajar mucho en las voces guturales si es ese realmente el camino que desean continuar, si por otro lado quisieran tomar un camino no tan complicado, recomendaría mucho que fueran por el camino de lo sinfónico, ya que lo poco que hicieron en esos ritmos se los noto mejor y cómodos.

Si van a escuchar estos temas, les recomiendo que tengan paciencia y que les digan a sus mascotas que no le están pegando a ningún gato o perro, es solo una forma de cantar.

Fvnerals es una banda alemana, oriunda de Leipzig, que crea una música en los límites entre el doom, el dark ambient y el post-rock. Se trata de un dúo conformado por Tiffany Ström (voz y bajo) y Syd Scarlet (guitarra, composición y arreglos), con el acompañamiento, en esta ocasión, de Thomas Vaccargiu (batería y percusión). Este disco, su tercer larga duración (aparte de dos EPs), fue grabado y mezclado por Tim De Gieter (bajista de Amenra) en Much Luv Studio y masterizado por Jack Shirley en Te Atomic Garden Recording Studio.

“Let the Earth Be Silent”, ya desde el arte de tapa (grandiosa obra de Anton Novozhilov), nos anuncia que vamos a ingresar en las profundidades de un abismo siniestro: el creado por la especie humana para su propia caída. Precisamente a eso remite el título del álbum: al silencio post-apocalíptico que volverá a la Tierra en forma de una total ausencia del ruido que generan los conglomerados urbanos que se expanden como un cáncer. “Ashen Era” comienza con reminiscencias de lo hecho por músicos contemporáneos como Ligeti o Penderecki, hasta que aparece la voz de Ström, en varias capas superpuestas -con un timbre que recuerda al de Chelsea Wolfe o Kristina Esfandiari de King Woman- y una base rítmica ritual. Luego irrumpen los acordes de la guitarra distorsionada, en una canción que ya nos hunde en un océano de bilis negra.

“Descent”, en efecto, continúa llevándonos más y más abajo. El canto adquiere cualidades hipnóticas, como queriendo inducir un estado de trance que haga de la muerte un pasaje sutil a otra condición. La guitarra, con su enfoque textural, genera un clima ominoso y el bajo tiene un aporte delicadamente conciso. Luego, “For Horror Eats the Light” empieza con una propuesta orquestal, sobre todo en la percusión, pero no tardan en imponerse la guitarra y un bajo particularmente sobresaliente. La música es siempre lenta, no hay que esperar ningún tipo de aceleración; ni siquiera variaciones rítmicas significativas. Es que, justamente: ¿acaso estamos cambiando algo en nuestro evidente curso hacia la autodestrucción?

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“Annihilation” retoma la senda del primer track, con una introducción casi de película de terror “culto” de las últimas décadas, otra vez perforada por guitarras atemorizantes -incluyendo acoples- y un recitado admonitorio, sobre la base de una batería que otorga al silencio un rol primordial. “Rite” nos transporta a un macabro escenario ceremonial y cumple una función de interludio instrumental con algunos gemidos para dar paso a “Yearning”. La oscuridad se torna espesa, viscosa, casi podría decirse que va coagulándose de a poco. Nuevamente, como sucede a lo largo de todo el trabajo, puede asociarse el sonido de las guitarras con el que emiten cientos de moscas sobrevolando la podredumbre.

“Barren” es el tramo final en este recorrido hacia la extinción del ego. Tiene momentos especialmente pesados, pero es la armonía en la última parte la que nos inunda con una inmensa tristeza, que alcanza rasgos trágicos. Así culmina un disco que seguramente se encontrará entre lo más destacado de los lanzamientos de este año, al menos para la audiencia amante de los géneros que desafían la tolerancia a todo lo que puede dejarnos al borde de la depresión, pero como una advertencia para despertar.

Host es el nuevo proyecto de Nick Holmes, cantante de Paradise Lost y Bloodbath, y Greg Mackintosh, guitarrista de Paradise Lost y Strigoi (grupo en el que también canta). Al tratarse de música darkwave y con un nombre que remite al disco que la célebre banda de doom metal lanzó allá por 1999, cuando se dijo que “se habían convertido en Depeche Mode”, se podría creer que –en efecto- este trabajo retoma la senda iniciada en aquel entonces, pero no es así. Al escuchar los discos de esa etapa, no solamente “Host”, sino también “Believe in Nothing” (2001) y “Symbol of Life” (2002), se puede percibir que, a decir verdad, en todos persiste un sonido muy propio de los 90’s, entre “industrial” y “alternativo” y no tan oscuro como en el resto de la discografía de Paradise Lost. Esto ya se venía anunciando en “One Second” (1997). En esta oportunidad, Holmes y Mackintosh nos ofrecen una música bien contemporánea, aunque tributaria de muchas influencias que provienen de los 80 ‘s, y extremadamente sombría y melancólica.

“Wretched Soul” comienza con una guitarra a la que se suma una base rítmica electrónica y la romántica voz de Holmes, acompañada por arreglos de cuerdas pasionales. Es cierto, la comparación con Depeche Mode es inevitable pero –justamente- porque esa banda se fue tornando más oscura con el paso del tiempo. Un solo de Mackintosh se abre paso con gran ímpetu. “Tomorrow’s Sky”, el primer single, resulta mucho más bailable: es una canción lista para hacer vibrar los clubes nocturnos de la escena gótica. El trabajo vocal en múltiples capas es excelente y es algo que se reitera a lo largo del disco. Aquí los sintetizadores tienen el dominio. A continuación, “Divine Emotion” -cuarto corte de difusión- profundiza la nostalgia y un bajo bien pesado le suma densidad. Nuevamente un arreglo de cuerdas, bastante más elaborado, gana preeminencia y tiñe todo de una emotividad dulcemente lúgubre.

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En el segundo single, “Hiding from Tomorrow”, encontramos una canción que bien podría ser de Paradise Lost, brillantemente compuesta, pero que muestra más que ninguna otra, los orígenes de los integrantes de Host. Le sigue “A Troubled Mind” retomando la veta más “tecno” que nos transporta otra vez a la pista de baile, incluyendo otro sobresaliente solo de guitarra y más texturas entramadas por las cuerdas. El tercer track en darse a conocer, “My Only Escape”, al comienzo remite a una electrónica bien clásica, donde el bajo vuelve a resaltar mientras todo es lento, pero pronto se acelera y se convierte en mucho más rockero. Este cambio rítmico es alternante en la estructura general. Desde ya que el estribillo de cada canción en “IX” invita a ser coreado por cualquier audiencia. Estamos ante músicos que son expertos en lograr precisamente eso.

El inicio de “Years of Suspicion” es bastante interesante, va avanzando entre la espesura. El riff de guitarra en esta ocasión es uno de los que más remite a Depeche Mode, y sí: es la tercera vez que se menciona a dicha agrupación en esta reseña y con razón. “Inquisition” tiene una guitarra que recuerda mucho a numerosas bandas post-punk. Unos tétricos coros sintetizados dan comienzo a “Instinct”, un track que se va construyendo progresivamente, complejizándose al hacer uso de todos los recursos que se fueron desplegando a lo largo de la obra en su totalidad. Se trata de un excelente primer álbum de un proyecto que es nuevo pero está integrado por un par de músicos que están muy lejos de ser debutantes.

Hay proyectos con objetivos tan claros que no dejan margen para la interpretación. Blodig puede considerarse un nuevo supergrupo en la escena underground del metal extremo argentino, surgido con el fin de crear un death metal tributario de aquel nacido en Suecia a principios de los 90’s, con ese típico sonido de motosierra logrado en las guitarras gracias al poder del -desde entonces- célebre pedal Boss HM-2 con todas sus perillas al máximo. La banda está integrada por Gabriel García (The Conjuring, ex Mortem) y Sergio Conforti (Banda de la Muerte, ex Los Antiguos, ex Avernal) en guitarras, Gabriel Lupi (Bloodfiend y DestroyTheHumans) en voz, Federico Fischer (Babas del Diablo, ex Matan S.A.) en bajo y Charly Villalva en batería (este último participó en el EP y su presentación en vivo y dejó de formar parte del grupo). La grabación, mezcla y masterización estuvieron a cargo de Sebastián Barrionuevo (Medium, ex Avernal) en FDM Studio, excepto el registro de la batería que lo hizo Horacio Castro en Estudio Urizen. Cabe señalar que Blodig ya tuvo su debut sobre un escenario, al tocar como soporte en el show por el 30° aniversario de Avernal.

Cuatro tracks que, en conjunto no superan los veinte minutos, forman un EP suficiente para despertar a este zombie voraz (el arte de tapa es más que elocuente). Es que, la banda aparece como novedad, pero ha llegado para invocar las fuerzas oscuras que comenzaron a agitarse en Estocolmo hace más de tres décadas, con grupos legendarios como Nihilist, Entombed, Carnage, Dismember y Unleashed, solo por nombrar algunos. Desde ya que ese sonido también fue explorado fuera de dicha ciudad por Grave y Vomitory, y después por decenas de propuestas más modernas, tanto suecas (Paganizer, Entrails, Lik, Crawl, etc.) como internacionales (Bloodbath y Gatecreeper, entre las más sobresalientes).

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“The Dance of the Corpses”, la canción más extensa, ya echa todas las cartas sobre la mesa: riffs aplastantes y pegadizos, un bajo enérgico y preciso, una batería tan brutal como versátil, la voz podrida -como debe ser- y una composición que hace gala de una evidente intención de evitar la monotonía, lo que abre espacios para solos de guitarra con melodías bien logradas. “Inert Bodies” avanza a los mazazos y empieza a notarse que todo se acelera con furia directo al hueso. El blast beat es profuso, obviamente. No obstante, los cortes abruptos con cambios de ritmo son destacables, así como los machaques ocasionalmente perforados por notas como cuchillos afilados. “I Am The Chaos” tiene una cadencia D-beat, alternada con pasajes donde todo se torna más pantanoso. La labor de las guitarras constantemente apela a lo tétrico sin rodeos. Luego, “The Cavern” ofrece más riffs de calidad, entramados con líneas melódicas minimalistas, para dar cierre a un debut más que meritorio de Blodig, haciendo honor a los espíritus que habitan ese infierno congelado en el tiempo.

Si el lector en algún momento ha tenido aunque sea un mínimo interés en la música gótica y/o industrial, puede que le suene el nombre de Adrian Hates. Y si no, es más seguro que haya escuchado el nombre de Diary of Dreams, el proyecto que este multi instrumentista alemán viene liderando desde hace más de treinta años y con el que ya lanzó 15 LPs, haciéndose todo un nombre en el mundo de las atmósferas oscuras, melodías lúgubres y ritmos bailables, habiendo editado un puñado grande de trabajos importantes como Freak Perfume (2002) y Nigredo (2004), por sólo nombrar un par.

Desde que diera comienzo a DoD en 1989, el oriundo de Düsseldorf viene manteniendo casi sin excepciones un ritmo de un nuevo disco cada dos años, como mucho dejando pasar tres años muy de vez en cuando. Así que la espera de seis años desde el muy buen trabajo anterior hell In Eden (2017) fue llamativa, pero personalmente creo que dejar pasar más tiempo es algo que le vendría bien a DoD: como suele pasar con esta clase de proyectos tan prolíficos hay un par de baches en su obra, siendo que si tampoco varía mucho la fórmula cada nuevo álbum se ve atado a qué tan inspirada esté la mente detrás.

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Ya teniendo en mis manos el flamante Melancholin, editado como es costumbre por Accession Records, ¿se puede comprobar si Hates aprovechó esa larga espera? No voy a negar que la larga intro de la inicial “Mein Werk aus Zement”, con cierto minimalismo excesivo en sus orquestaciones y ritmos programados, me hizo dudar un poco, pero apenas aparece la voz grave de Hates, las guitarras pesadas y esos teclados robóticos, queda claro que ese crescendo tiene un propósito. Siempre manteniendo el buen gusto y sin dejar que esos beats interfieran con las melodías melancólicas y viceversa, esta es una canción que da ganas de ir a alguna discoteca gótica europea o comenzar una partida nueva de Deus Ex, dependiendo del gusto del oyente.

“The Secret” inicia con unos teclados serpenteantes, poniendo más énfasis en el costado darkwave del grupo, pero a mitad del track se saca de la manga esas baterías ochentosas y un bajo pesado que le dan un aspecto más rockero a todo el asunto, aunque me hubiera gustado que esa segunda parte fuera más larga. “Viva la Bestia” tiene unas voces rasgadas que me recuerdan a ciertos momentos de Lacrimosa, y al igual que con la banda de Tilo Wolff siento que no es el mejor uso de las capacidades vocales del cantante, pero ya para la siguiente “Gedeih & Verderb” las cosas se van acomodando, con una canción completamente en alemán con una buena melodía de guitarras y esos ritmos repetitivos pero adictivos.

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Para no repetirnos mucho, vamos a decir que el resto de Melancholin se mantiene dentro de esa combinación de guitarras, electrónica y las voces lúgubres de Hates, llenas de dolor, soledad, romanticismo y demás sentimientos tan caros al mundo gótico. Más allá de una canción más bailable como “The Fatalist”, el material es más lento y “atmosférico”, a veces introduciendo elementos de rock industrial como en “Beyond the Void”. Si tuviera que elegir una canción esa sería “All is Fragile”, una suerte de balada gótica de tristeza infinita con un estribillo como para gritar llorando hasta que se corra el delineador.

Puede parecer que Melancholin es un trabajo aburrido o repetitivo si describo de esa manera la segunda mitad del disco, pero si uno es fan de la obra de Hates tanto esa parte como el resto del álbum tiene no sólo los elementos sino también el nivel de composición como para justificar el no variar mucho la fórmula: “No hay que arreglar lo que no está roto” es una máxima que se aplica perfectamente en este caso. Por suerte, Melancholin no exagera tanto con la duración al dar punto final tras 52 minutos, considerando que los álbumes de DoD suelen superar la hora de duración. Así que si se está de humor para las noches de lluvia, las luces parpadeantes y la soledad urbana, el decimoquinto trabajo de DoD es un acompañante perfecto.

El grupo sevillano de heavy metal Ira Regia nos trae su nuevo EP Donde el sol calla, el primer material luego de su vuelta al ruedo desde el verano del 2020 (recordemos que habían cesado su actividad en 2016).

“Aqueronte”, es la introducción instrumental con la que el grupo nos da la bienvenida con la guitarra como protagonista con un buen ritmo en las baterías y unas voces liricas que nos van acompañando hacia el “Infierno” que es el segundo track del EP y ambos temas están inspirados en el Infierno de la Divina Comedia de Dante, las dos canciones se integran perfectamente y podrían ser una sola pero mas larga. Con guitarras afiladas y una voz potente nos sumergen en el interior del báratro con unos grandes coros femeninos y hasta se animan en el estribillo al italiano donde se puede oír un pasaje de la Divina Comedia.

Con “Profeta”, toca bajar revoluciones y gozar de la mezcla de ritmos, desde voces melódicas a mas extremas, de riffs tranquilos a machaques intensos y hasta momentos de virtuosismos, todo en el mismo tema.

Para cerrar eligen la balada “Tiempo”, la canción ideal para que el vocalista Germán Repetto se destaque con una voz mas relajada acompañada de una guitarra melódica, poco a poco la canción va subiendo la intensidad dando los típicos sube y baja de canciones de este estilo, para cerrar un muy buen solo de guitarra que se va despidiendo cargado de virtuosismo.

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Cerca del año 2007 esta banda me hubiese agradado mucho, pero todo lo bueno se hace esperar. Story About Illusion es un proyecto solista que comenzó en el 2019 con algunas pequeñas canciones, pero al cabo de unos meses ya su compositor tenia suficiente material como para crear un álbum. Todo el proceso para crear su obra fue durante la época de pandemia y confinamiento, entre 2019 y 2020, para que el resultado lograse salir luego en el año 2021.

En el presente año, de la firma de Epictronic Records, Story About Illusion resurge con un nuevo proyecto titulado Perfect Equilibrium, sorprendiendo desde el principio hasta el final.

La intro “Time to Sleep” tiene unos tintes folks y hasta una pizca de metal sinfónico a los que nadie se puede resistir, es realmente una melodía instrumental con un trabajo notable al hacer la mezcla de los instrumentos. Son 4 minutos de una muy buena experiencia que se destaca en la rítmica de las cuerdas. Y esto es algo que hay que resaltar, ya que a lo largo del álbum, a pesar de que cada canción tenga algún que otro pequeño defecto o incomodidad, el despliegue de talento en el operar instrumental que lleva el creador del proyecto es excelente.

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Lo que es un poco incomodo es que dentro de las canciones hay un cambio en el ritmo que te deja esperando otra cosa, predomina una especie de hard rock, varía desde el punk californiano hasta me atrevería decir un tanto emo e indie. Un minuto de la canción es un género, otro minuto otro género y esta división me resulta un poquito incomoda, ya que es algo que se repite en todas las canciones del álbum. Sin embargo este tipo de experimentos son ideales para crecer y demostrar la versatilidad que tiene el compositor para lograr los distintos ritmos. No recomiendo que los mezcle a todos en una canción. De la voz, no tengo quejas, tampoco halagos, pero se que es un sonido completo del que mucha gente disfrutara escuchar.

Babymetal, con poco más de 10 años en la industria demoliendo prejuicios y causando controversias, tanto por sus edades, como por sus talentosas voces y los muchos rumores que han acarreado consigo desde su inicio hasta su supuesto final, atravesando cambios que parecían que marcarían el fin para estos jóvenes talentos, siendo que los mismos solo serian un capítulo más de la historia de este conjunto; la banda idol japonesa, ya no permite que se escape el tiempo, y este año 2023 han lanzado su más reciente trabajo The Other One. Esta banda que domina distintos tipos de género dentro del metal, el j-pop, y kawaii metal, busca refrescar a sus seguidores y a todo su público en general con 10 nuevas canciones.

The Other One comienza de una manera épica con la canción “METAL KINGDOM” no hay fallas en esta canción, voces maduras que hacen del coro introductorio una experiencia muy buena, los acordes ejecutados son una belleza, en concepto trasciende de la oscuridad a la grandeza y energía rápidamente.

“Divine attack – shingeki”, esta es la canción por excelencia que muestra la potencia con la que este grupo se dispuso a volver luego de su hiato de tiempo. La proyección sonora que la melodía comprende está muy bien ejecutada, la mezcla varía en instrumentos, incluyendo arreglos que confunden lo sinfónico y clásico con lo moderno y virtual.

“Mirror mirror”, parece un inicio instrumental de una melodía positiva, engañoso como los espejos e ilusiones que nombra en la lírica, busca tintes acústicos por segundos, por otros segundos la cadencia de las canciones tiene tonos más heavy, a veces más power, a veces hasta doom, la mezcla está casi excedida de géneros que no deberían mezclarse, pero que extrañamente han quedado bien en esta ocasión.

Otras canciones como “Time wave” tienden al pop, puramente pop, por más guitarras y percusión que por segundos aparezcan, se han dado el gusto de meter al género del pop dentro de un álbum de metal pesado.

Bases potentes, solos de guitarra veloces, voces más kawaiis que guturales, el contenido conceptual de sus canciones ha madurado bastante si se le compara con discos anteriores. Esperemos que con este nuevo trabajo deslumbren una vez más al público con sus hermosos vestuarios, maquillajes y muy buenas puestas en escena.

6 largos años tuvieron que pasar para que Night Demon, la banda proveniente de Ventura, California, sacara un nuevo disco. La espera fue larga, pero el resultado valió la pena.

Outsider es el resultado de algo que ya llevaba varios años en planeación, un disco conceptual resultado de películas de terror, suspenso y ficción, aquí el gran problema es que siempre nos mostramos agrios a escuchar un disco de heavy metal conceptual, pero para no caer en este error, vamos a ver canción por canción para darnos una mejor idea.

“Prelude” es el tema que da inicio con un bajo mostrándonos el camino a lo desconocido, cómo si Jason Voorhees de Viernes 13 acechara nuestra casa y viniera por nosotros, así dan paso a “Outsider”, un tema que nos muestra que la fuerza bajó un par de tonos pero que aún así suenan bien heavys, Jarvis Leatherby se toma su papel de bajista y vocalista muy en serio, en este que es su tema principal hace de las suyas sin dejar espacio para el error, su corto paso por la banda Cirith Ungol le dió una buena lección de vida, de verdad te muestra el camino solitario que el disco va a recorrer; de inmediato llega “Obsidian”, con un riff muy poderoso por parte de Armand Anthony, te sigue llevando de la mano por un viaje a lo más profundo de sus mentes, en este punto ninguno de nosotros sabe a donde llegaremos o cuales son las intenciones de la banda, esperemos que no sean como los finales de las películas de terror de los ochentas.

“Beyond the Grave” es un tema a medios tiempos con una base mucho más lenta y más densa, rayando un poco en el doom, pero perfecta para seguir la línea de un disco conceptual, en algunos momentos te sientes atraído por el siguiente paso a seguir, ya quieres escuchar la siguiente canción para ver que pasa en esta película que cada uno se inventa en su cabeza a raíz de lo que escuchamos.

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De repente el susto llega con Rebirth y corremos entre árboles siniestros en donde no existe una salida si no una caída al inframundo, y es que el inicio de la canción parece diseñada para ello, y si en este momento creíamos que el siguiente paso era una cabaña a la que podríamos entrar y escondernos del pánico por un momento, pues pensamos mal, “Escape from Beyond” te atrapa en todo sentido, bueno, malo e intrigante, por que arranca con toda velocidad pero trata de darte espacio para que puedas tomarte un respiro, y vuelve y te atrapa como si una arena movediza no te dejará respirar durante un minuto y luego algo de impulsara hacía afuera y una bocanada de aire entrara de repente por unos microsegundos y luego para abajo nuevamente, pero cuando crees que todo acabó en tu mente suena a lo lejos las primeras notas de “A Wake” y te ves sentado al lado de un río con un suave cause en donde podrás beber unas cuantas gotas de su agua con algo de precaución porque no sabes que cosa extraña pueda contener.

“The Wrath” es el inicio del fin, aquí vamos viendo la luz al final del túnel, no todo está perdido, la esperanza de que no todo el camino recorrido fue en vano nos hace sentir seguros por primera vez en este viaje, y es así cómo llegamos al desenlace de esto en donde el malo es el que gana, no olvidemos que estamos en una película de terror con una banda sonora conceptual de heavy metal con raíces ochenteras, acá el bueno nunca saldrá victorioso, así que “The Last Day” acaba contigo, te atrapó finalmente, no lo lograste, es tu fin, es una pesadilla en la que no puedes abrir los ojos para que esto acabe, lo siento por ti, el disco te atrapó de principio a fin, y lo peor es que quieres volver a repetirlo una y otra vez.

De esta manera el filme de terror creado por Dusty, Jarvis y Armand nos envuelve de tal manera que queremos repetir lo antes vivido, el disco nos muestra que el tiempo que se tomaron para hacerlo, valió la pena. La portada va de la mano con lo que escuchamos y vivimos en estos 37 minutos de incertidumbre.

Hace dos décadas cuando llegó a mi vida la música de Story of the Year, no hubiese imaginado que 20 años después estaría escribiendo sobre un disco de ellos, si no que dudaba que siguiesen haciendo música juntos, pero aquí estamos disfrutando de uno de los regresos del año, en lo que a música alternativa y post hardcore se refiere.

La banda vuelve tras cinco años desde su último disco Wolves, para demostrar porque un día fueron uno de los grupos más importantes del post hardcore y el emocore de comienzos de los 2000 junto a Finch, Silverstein, A Static Lullaby, Saosin o Thursday, entre otros.

Entrando a analizar el disco, no sólo llama la atención el sonido tan bien conseguido que este posee, no es difícil cerrar los ojos y transportarte a 2003, cuando su explosivo debut Page Avenue, sonaba por todos lados y ellos eran portada de Alternative Press, ocupaban un lugar de privilegio en el Warped Tour y junto a The Used o My Chemical Romance, dominaban la escena alternativa gracias a himnos como “Until the day I Die” o “Anthem of our Dying Day”, entre otros.

Si no que además esta vez las canciones tienen ese peso que parecían haber perdido hace uno o dos discos atrás, la sensación es que la banda ha dado un golpe sobre a la mesa y se viene a reivindicar a dos décadas de haber editado su primer disco.

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La voz de Dan Marsala es un escándalo, realmente sorprende como el tipo no sólo sigue cantando como los ángeles, sino que, además, parece que el tiempo no haya pasado para él, se nota que han preparado este disco con el esmero y el mimo que se merece y han vuelto a poner el nombre de Story of the Year a la altura de las circunstancias.

Cortes como la nostalgia y adolescente”2005″, “Dead and Gone”, la más seria “Sorry About Me”, donde la banda aborda el tema de la salud mental y la voz de Dan te da escalofríos desde el primer momento que empieza a cantar y que podría haber encajado en su segundo disco e incluso en Black Swan, su tercer trabajo y seguramente el último gran disco de la banda norteamericana o la pegadiza “Take the Ride”, son algunos de los mejores momentos del álbum y de la banda en más de diez años sin lugar a dudas.

La banda sin buscarlo ha vuelto a sus días dorados y ojalá que sea por muchos años, porque este Tear me to Pieces, es lo mejor que han grabado en tres lustros y si te gusta el post hardcore de los 2000, no te pierdas el regreso explosivo de uno de los grupos emblemas del género, porque SOTY han vuelto y por la puerta grande.

WeissRavana es un grupo japonés que busca experimentar con el deathcore melódico, y que ahora nos muestra su último trabajo, un EP titulado Awakening Of The Ancient Blood y conformado con 5 canciones.

Empezando con lo que yo considero una mala idea; la intro de “Cliffed by the follis” empieza con una idea, sigue con otra y otra, formando una mezcla que tiene el mismo volumen y no es agradable de oír, un anuncio con un recitado limpio de la cantante, un chirrido molesto y una melodía, todo al mismo tiempo. No quiero expandirme mas sobre los guturales, porque mis comentarios no serian positivos, solo puedo decir que mi gato lo oyó y se preocupó bastante. Es casi en el último minuto que esta canción tiene gracia, percusión, cuerdas, la mezcla instrumental es muy buena, pero las voces simplemente pueden encontrar un camino mejor.

Las cosas parecen cambiar con “Awakening of the ancient blood”, es muy diferente en su inicio, con un teclado y una sinfonía hermosa, pero nuevamente en los guturales la voz es tan aguda y cerrada que no termina de sonar bien, ni los femeninos ni los masculinos, lo que es una pena porque si querían que uno entendiese la lírica de la canción es casi imposible (a menos a que esté escrita).

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El tercer tema de esta banda, mezcla la formula de los dos anteriores restando los puntos negativos que tenían. Una voz clara, limpia, recitando mientras una bien lograda composición acompaña, finalmente puedo decir que este es uno de los temas que mas me agradan de este EP. Y me habría gustado decir lo mismo de la siguiente canción pero el sufrimiento es el mismo, se salva por la realmente buena percusión, debo decir que algo que salva mucho las melodías de este grupo es el trabajo en la batería que realmente tiene una composición maravillosamente lograda.

“Teaser song” como cierre funciona muy bien, fue una experiencia agradable para el final de este EP.

Mi conclusión es que este grupo tiene un gran talento en la composición de sus liricas y melodías, pero realmente necesita práctica, pulido, pulcritud y trabajar mucho en las voces guturales si es ese realmente el camino que desean continuar, si por otro lado quisieran tomar un camino no tan complicado, recomendaría mucho que fueran por el camino de lo sinfónico, ya que lo poco que hicieron en esos ritmos se los noto mejor y cómodos.

Si van a escuchar estos temas, les recomiendo que tengan paciencia y que les digan a sus mascotas que no le están pegando a ningún gato o perro, es solo una forma de cantar.

Fvnerals es una banda alemana, oriunda de Leipzig, que crea una música en los límites entre el doom, el dark ambient y el post-rock. Se trata de un dúo conformado por Tiffany Ström (voz y bajo) y Syd Scarlet (guitarra, composición y arreglos), con el acompañamiento, en esta ocasión, de Thomas Vaccargiu (batería y percusión). Este disco, su tercer larga duración (aparte de dos EPs), fue grabado y mezclado por Tim De Gieter (bajista de Amenra) en Much Luv Studio y masterizado por Jack Shirley en Te Atomic Garden Recording Studio.

“Let the Earth Be Silent”, ya desde el arte de tapa (grandiosa obra de Anton Novozhilov), nos anuncia que vamos a ingresar en las profundidades de un abismo siniestro: el creado por la especie humana para su propia caída. Precisamente a eso remite el título del álbum: al silencio post-apocalíptico que volverá a la Tierra en forma de una total ausencia del ruido que generan los conglomerados urbanos que se expanden como un cáncer. “Ashen Era” comienza con reminiscencias de lo hecho por músicos contemporáneos como Ligeti o Penderecki, hasta que aparece la voz de Ström, en varias capas superpuestas -con un timbre que recuerda al de Chelsea Wolfe o Kristina Esfandiari de King Woman- y una base rítmica ritual. Luego irrumpen los acordes de la guitarra distorsionada, en una canción que ya nos hunde en un océano de bilis negra.

“Descent”, en efecto, continúa llevándonos más y más abajo. El canto adquiere cualidades hipnóticas, como queriendo inducir un estado de trance que haga de la muerte un pasaje sutil a otra condición. La guitarra, con su enfoque textural, genera un clima ominoso y el bajo tiene un aporte delicadamente conciso. Luego, “For Horror Eats the Light” empieza con una propuesta orquestal, sobre todo en la percusión, pero no tardan en imponerse la guitarra y un bajo particularmente sobresaliente. La música es siempre lenta, no hay que esperar ningún tipo de aceleración; ni siquiera variaciones rítmicas significativas. Es que, justamente: ¿acaso estamos cambiando algo en nuestro evidente curso hacia la autodestrucción?

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“Annihilation” retoma la senda del primer track, con una introducción casi de película de terror “culto” de las últimas décadas, otra vez perforada por guitarras atemorizantes -incluyendo acoples- y un recitado admonitorio, sobre la base de una batería que otorga al silencio un rol primordial. “Rite” nos transporta a un macabro escenario ceremonial y cumple una función de interludio instrumental con algunos gemidos para dar paso a “Yearning”. La oscuridad se torna espesa, viscosa, casi podría decirse que va coagulándose de a poco. Nuevamente, como sucede a lo largo de todo el trabajo, puede asociarse el sonido de las guitarras con el que emiten cientos de moscas sobrevolando la podredumbre.

“Barren” es el tramo final en este recorrido hacia la extinción del ego. Tiene momentos especialmente pesados, pero es la armonía en la última parte la que nos inunda con una inmensa tristeza, que alcanza rasgos trágicos. Así culmina un disco que seguramente se encontrará entre lo más destacado de los lanzamientos de este año, al menos para la audiencia amante de los géneros que desafían la tolerancia a todo lo que puede dejarnos al borde de la depresión, pero como una advertencia para despertar.

Host es el nuevo proyecto de Nick Holmes, cantante de Paradise Lost y Bloodbath, y Greg Mackintosh, guitarrista de Paradise Lost y Strigoi (grupo en el que también canta). Al tratarse de música darkwave y con un nombre que remite al disco que la célebre banda de doom metal lanzó allá por 1999, cuando se dijo que “se habían convertido en Depeche Mode”, se podría creer que –en efecto- este trabajo retoma la senda iniciada en aquel entonces, pero no es así. Al escuchar los discos de esa etapa, no solamente “Host”, sino también “Believe in Nothing” (2001) y “Symbol of Life” (2002), se puede percibir que, a decir verdad, en todos persiste un sonido muy propio de los 90’s, entre “industrial” y “alternativo” y no tan oscuro como en el resto de la discografía de Paradise Lost. Esto ya se venía anunciando en “One Second” (1997). En esta oportunidad, Holmes y Mackintosh nos ofrecen una música bien contemporánea, aunque tributaria de muchas influencias que provienen de los 80 ‘s, y extremadamente sombría y melancólica.

“Wretched Soul” comienza con una guitarra a la que se suma una base rítmica electrónica y la romántica voz de Holmes, acompañada por arreglos de cuerdas pasionales. Es cierto, la comparación con Depeche Mode es inevitable pero –justamente- porque esa banda se fue tornando más oscura con el paso del tiempo. Un solo de Mackintosh se abre paso con gran ímpetu. “Tomorrow’s Sky”, el primer single, resulta mucho más bailable: es una canción lista para hacer vibrar los clubes nocturnos de la escena gótica. El trabajo vocal en múltiples capas es excelente y es algo que se reitera a lo largo del disco. Aquí los sintetizadores tienen el dominio. A continuación, “Divine Emotion” -cuarto corte de difusión- profundiza la nostalgia y un bajo bien pesado le suma densidad. Nuevamente un arreglo de cuerdas, bastante más elaborado, gana preeminencia y tiñe todo de una emotividad dulcemente lúgubre.

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En el segundo single, “Hiding from Tomorrow”, encontramos una canción que bien podría ser de Paradise Lost, brillantemente compuesta, pero que muestra más que ninguna otra, los orígenes de los integrantes de Host. Le sigue “A Troubled Mind” retomando la veta más “tecno” que nos transporta otra vez a la pista de baile, incluyendo otro sobresaliente solo de guitarra y más texturas entramadas por las cuerdas. El tercer track en darse a conocer, “My Only Escape”, al comienzo remite a una electrónica bien clásica, donde el bajo vuelve a resaltar mientras todo es lento, pero pronto se acelera y se convierte en mucho más rockero. Este cambio rítmico es alternante en la estructura general. Desde ya que el estribillo de cada canción en “IX” invita a ser coreado por cualquier audiencia. Estamos ante músicos que son expertos en lograr precisamente eso.

El inicio de “Years of Suspicion” es bastante interesante, va avanzando entre la espesura. El riff de guitarra en esta ocasión es uno de los que más remite a Depeche Mode, y sí: es la tercera vez que se menciona a dicha agrupación en esta reseña y con razón. “Inquisition” tiene una guitarra que recuerda mucho a numerosas bandas post-punk. Unos tétricos coros sintetizados dan comienzo a “Instinct”, un track que se va construyendo progresivamente, complejizándose al hacer uso de todos los recursos que se fueron desplegando a lo largo de la obra en su totalidad. Se trata de un excelente primer álbum de un proyecto que es nuevo pero está integrado por un par de músicos que están muy lejos de ser debutantes.

Hay proyectos con objetivos tan claros que no dejan margen para la interpretación. Blodig puede considerarse un nuevo supergrupo en la escena underground del metal extremo argentino, surgido con el fin de crear un death metal tributario de aquel nacido en Suecia a principios de los 90’s, con ese típico sonido de motosierra logrado en las guitarras gracias al poder del -desde entonces- célebre pedal Boss HM-2 con todas sus perillas al máximo. La banda está integrada por Gabriel García (The Conjuring, ex Mortem) y Sergio Conforti (Banda de la Muerte, ex Los Antiguos, ex Avernal) en guitarras, Gabriel Lupi (Bloodfiend y DestroyTheHumans) en voz, Federico Fischer (Babas del Diablo, ex Matan S.A.) en bajo y Charly Villalva en batería (este último participó en el EP y su presentación en vivo y dejó de formar parte del grupo). La grabación, mezcla y masterización estuvieron a cargo de Sebastián Barrionuevo (Medium, ex Avernal) en FDM Studio, excepto el registro de la batería que lo hizo Horacio Castro en Estudio Urizen. Cabe señalar que Blodig ya tuvo su debut sobre un escenario, al tocar como soporte en el show por el 30° aniversario de Avernal.

Cuatro tracks que, en conjunto no superan los veinte minutos, forman un EP suficiente para despertar a este zombie voraz (el arte de tapa es más que elocuente). Es que, la banda aparece como novedad, pero ha llegado para invocar las fuerzas oscuras que comenzaron a agitarse en Estocolmo hace más de tres décadas, con grupos legendarios como Nihilist, Entombed, Carnage, Dismember y Unleashed, solo por nombrar algunos. Desde ya que ese sonido también fue explorado fuera de dicha ciudad por Grave y Vomitory, y después por decenas de propuestas más modernas, tanto suecas (Paganizer, Entrails, Lik, Crawl, etc.) como internacionales (Bloodbath y Gatecreeper, entre las más sobresalientes).

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“The Dance of the Corpses”, la canción más extensa, ya echa todas las cartas sobre la mesa: riffs aplastantes y pegadizos, un bajo enérgico y preciso, una batería tan brutal como versátil, la voz podrida -como debe ser- y una composición que hace gala de una evidente intención de evitar la monotonía, lo que abre espacios para solos de guitarra con melodías bien logradas. “Inert Bodies” avanza a los mazazos y empieza a notarse que todo se acelera con furia directo al hueso. El blast beat es profuso, obviamente. No obstante, los cortes abruptos con cambios de ritmo son destacables, así como los machaques ocasionalmente perforados por notas como cuchillos afilados. “I Am The Chaos” tiene una cadencia D-beat, alternada con pasajes donde todo se torna más pantanoso. La labor de las guitarras constantemente apela a lo tétrico sin rodeos. Luego, “The Cavern” ofrece más riffs de calidad, entramados con líneas melódicas minimalistas, para dar cierre a un debut más que meritorio de Blodig, haciendo honor a los espíritus que habitan ese infierno congelado en el tiempo.

Si el lector en algún momento ha tenido aunque sea un mínimo interés en la música gótica y/o industrial, puede que le suene el nombre de Adrian Hates. Y si no, es más seguro que haya escuchado el nombre de Diary of Dreams, el proyecto que este multi instrumentista alemán viene liderando desde hace más de treinta años y con el que ya lanzó 15 LPs, haciéndose todo un nombre en el mundo de las atmósferas oscuras, melodías lúgubres y ritmos bailables, habiendo editado un puñado grande de trabajos importantes como Freak Perfume (2002) y Nigredo (2004), por sólo nombrar un par.

Desde que diera comienzo a DoD en 1989, el oriundo de Düsseldorf viene manteniendo casi sin excepciones un ritmo de un nuevo disco cada dos años, como mucho dejando pasar tres años muy de vez en cuando. Así que la espera de seis años desde el muy buen trabajo anterior hell In Eden (2017) fue llamativa, pero personalmente creo que dejar pasar más tiempo es algo que le vendría bien a DoD: como suele pasar con esta clase de proyectos tan prolíficos hay un par de baches en su obra, siendo que si tampoco varía mucho la fórmula cada nuevo álbum se ve atado a qué tan inspirada esté la mente detrás.

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Ya teniendo en mis manos el flamante Melancholin, editado como es costumbre por Accession Records, ¿se puede comprobar si Hates aprovechó esa larga espera? No voy a negar que la larga intro de la inicial “Mein Werk aus Zement”, con cierto minimalismo excesivo en sus orquestaciones y ritmos programados, me hizo dudar un poco, pero apenas aparece la voz grave de Hates, las guitarras pesadas y esos teclados robóticos, queda claro que ese crescendo tiene un propósito. Siempre manteniendo el buen gusto y sin dejar que esos beats interfieran con las melodías melancólicas y viceversa, esta es una canción que da ganas de ir a alguna discoteca gótica europea o comenzar una partida nueva de Deus Ex, dependiendo del gusto del oyente.

“The Secret” inicia con unos teclados serpenteantes, poniendo más énfasis en el costado darkwave del grupo, pero a mitad del track se saca de la manga esas baterías ochentosas y un bajo pesado que le dan un aspecto más rockero a todo el asunto, aunque me hubiera gustado que esa segunda parte fuera más larga. “Viva la Bestia” tiene unas voces rasgadas que me recuerdan a ciertos momentos de Lacrimosa, y al igual que con la banda de Tilo Wolff siento que no es el mejor uso de las capacidades vocales del cantante, pero ya para la siguiente “Gedeih & Verderb” las cosas se van acomodando, con una canción completamente en alemán con una buena melodía de guitarras y esos ritmos repetitivos pero adictivos.

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Para no repetirnos mucho, vamos a decir que el resto de Melancholin se mantiene dentro de esa combinación de guitarras, electrónica y las voces lúgubres de Hates, llenas de dolor, soledad, romanticismo y demás sentimientos tan caros al mundo gótico. Más allá de una canción más bailable como “The Fatalist”, el material es más lento y “atmosférico”, a veces introduciendo elementos de rock industrial como en “Beyond the Void”. Si tuviera que elegir una canción esa sería “All is Fragile”, una suerte de balada gótica de tristeza infinita con un estribillo como para gritar llorando hasta que se corra el delineador.

Puede parecer que Melancholin es un trabajo aburrido o repetitivo si describo de esa manera la segunda mitad del disco, pero si uno es fan de la obra de Hates tanto esa parte como el resto del álbum tiene no sólo los elementos sino también el nivel de composición como para justificar el no variar mucho la fórmula: “No hay que arreglar lo que no está roto” es una máxima que se aplica perfectamente en este caso. Por suerte, Melancholin no exagera tanto con la duración al dar punto final tras 52 minutos, considerando que los álbumes de DoD suelen superar la hora de duración. Así que si se está de humor para las noches de lluvia, las luces parpadeantes y la soledad urbana, el decimoquinto trabajo de DoD es un acompañante perfecto.