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Lord of the Lost – Blood and Glitter (2023)
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Ni dos años han tardado los teutones industriales glamurosos Lord of the Lost en darle continuación a ese fantástico álbum que era Judas, pero si tenían el material listo ¿por qué no sacarlo a la luz y empezar el siguiente capítulo de su más que interesante trayectoria musical?

Y si nos sumergimos en el universo del disco, lo primero que vamos a poder percibir es que la banda no ha diferido musicalmente apenas respecto a su anterior trabajo y visto lo bien que les ha funcionado, no veo el motivo de peso para variar su rumbo musical, si en su estilo actual les va sobradamente bien.

Lo que nos vamos a encontrar es un disco cargado de buenos riffs, partes donde estos se combinan a la perfección con el sonido electrónico que siempre han tenido estos chicos, unas letras bastante trabajadas y concretas y a un Chris Harms que sigue cantando como los ángeles y es la pieza vital de esta banda.

El disco arranca con el corte que da título al álbum y aquí destacamos los distintos matices que le da Chris a su voz en la canción y a la cual le sigue la particular y explícita “Leave your hate in the comments”, un mensaje claro a los “haters” de turno que no hacen más que amuermar la vida de la gente en general, esta tiene pinta de sonar aún mejor en directo que en audio.

Más cañera es “The Future of the Past Life”, con unos arreglos bastante notables y que recuerdan a la época de su disco anterior, vamos que podría haber encajado en el mismo y nadie se hubiera sorprendido. Y aquí tenemos la potente voz del señor Marcus Bischoff de Heaven Shall Burn que se complementa a la perfección con Chris y pone su potente garganta a la pieza.

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El metal industrial pero bailable se hace presente en “Reset the Preset”, en donde parece que hubieran metido en una coctelera a los Motionless In White del Infamous, a la versión más light de Combichrist, no en vano colabora el mismísimo Andy Laplegua en la canción y a los propios LOTL, es de esos temas que vas a amar u odiar al instante dentro del disco sin duda.

La rockera “Destruction Manual” con guiños a bandas como Rob Zombie hará las delicias de los seguidores más old school de la banda, mientras que “Forever Lost” nos recuerda a los LOTL más modernos, pero cuenta con un grito final que puede estremecer a cualquiera que se enfrente a esta pieza.

El disco como bien avisaba más arriba está lleno de secuencias, sonidos electrónicos, algunos momentos de saturación sonora, pero realmente no es eso lo que uno busca en LOTL, que quieras cantar, bailar, tener momentos más cañeros y agresivos y así y todo sean las canciones las que destaquen por encima de la producción.

Quizás la versión de “The Look”, mega clásico que popularizaron los suecos Roxette, no haga sumar muchos puntos al resultad final, ya que es un tema bastante versionado (tal y como pasó con la versión de “Personal Jesus” de Marilyn Manson), pero que, sin embargo, vamos a disfrutar y volver a canturrear hasta la saciedad cuando nos hagamos con una copia del disco.

Sea como sea, Lord of the Lost, vuelven a demostrar que están en su mejor momento, sus llenos en media Europa el pasado otoño así lo evidencian, y lo que funciona, si no tiene defectos ¿Para qué lo vamos a cambiar?, pues LOTL han logrado seguir la estela de su predecesor y volver a editar un buen disco, otro más en su carrera, poco más no les podemos pedir.

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Uriah Heep – Chaos & Colour (2023)
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La química fundamental se basa en fórmulas básicas: encuentras elementos para que las cosas funcionen y así se crean materiales nuevos. Lo mismo pasa algunas bandas de rock clásico, ejemplo claro Iron Maiden, Rolling Stones, Nazareth, Testament, Pearl Jam, Angra y otras más que descubren la regla para crear melodías con las que se sienten a gusto y deciden ya no cambiar, Uriah Heep es otro de estos grupos que decidieron seguir su línea ya hace más de una década, y con su lema, ¿si funciona para qué cambiar? Es así cómo se escucha lo nuevo de los británicos liderados aún por su único miembro original Mick Box, el disco suena muy similar tanto en producción cómo en sonido a sus 4 largas duraciones anteriores, OJO, esto no quiere decir que Chaos & Colour sea un disco idéntico o malo. ¡NO!, todo lo contrario, es un disco con poder, excelentes armonías, con un teclado que siempre sabe sobresalir, con una portada muy creativa, que es un poco más suave, si, pero no pierde estilo por un segundo, además de todo esto, recordemos que estos señores tienen más de 20 discos de estudio, así que ya saben que hacer al momento de grabar un nuevo disco, novatos no son.

Chaos & Colour es un buen título para un disco en esta época post pandemia, cómo dice el genio de la banda Mick Box, Chaos se refiere a todas esas empresas que cerraron, todo el caos que hubo a nivel mundial debido al Covid, y Colour es el color que tenía la gente en la música que era una de las pocas cosas que los hacían ver el mundo de manera diferente dándole un toque más armonioso a su vida, que título más acertado en estos años.

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El primer single de este disco lo pudimos escuchar el año pasado y es el tema con el que se abre el disco, “Save Me Tonight”, escrita por el bajista Dave Rimmer en conjunto con el gran genio de las voces Jeff Scott Soto (que siempre anda poniendo su granito de arena donde lo dejan), la sincronía del tecladista Phil Lanzon con su piano Hammond (totalmente influenciado por Jon Lord, Deep Purple) y la guitarra de Mick Box es la química que hace que el grupo no pare de respirar, le da la fuerza necesaria para que su creatividad no tenga fin, en donde Phil entra, Mick baja la guardia con riffs muy melódicos, y cuando Phil para Mick hace de lo suyo sin dejar espacio para tomar aliento; de la misma manera suena “Silver Sunlight” pero un poco más lenta y con más poder en la guitarra.

El intro de “Closer to Your Dreams” te transporta a los setentas, en lo personal es el mejor tema del disco y eso que es el último en la lista, “Hail the Sunrise” posee una base decadente a medios tiempos, perfecta para dejar que la voz de Bernie Shaw haga de las suyas, recordemos que este señor lleva en la banda más de 3 décadas al igual que su compañero de teclados Phil Lanzon; el común denominador del disco es lo positivo en el, y esto se ve en casi todos los temas, “One Nation, One Sun” es un claro ejemplo, y ni que decir de “Fly Like an Eagle”, “Age of Changes” o “You’ll Never Be Alone”, canciones compuestas para personas que perdieron mucho en estos últimos años en los que el mundo dio un cambio muy abrupto.

En temas como “Hurricane” o “Golden Light” el sonido setentero llega a la mente de inmediato, esto es cómo estar en la época dorada del rock, aparecen algunos detalles que se asemejan al disco Salisbury del 71, la magia sigue vigente y prometen mantenerla viva por más tiempo.

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Para este disco volvieron a contar con la labor de la producción y mezcla de Jay Ruston que había hecho de las suyas en el anterior disco Living the Dream y fue todo un acierto, Ruston ha trabajado con un sin número de bandas de gran importancia cómo Anthrax, Mr. Bungle, Amon Amarth, Crobot, The Winery Dogs, Black Star Riders, y muchas más, así que contar de nuevo con el, era garantía para la banda.

Uriah Heep siempre fue una banda opacada por Deep Purple, ambas tenían un sonido similar, un Hammond que les dio ese toque único, un guitarrista que se lucía donde le daban espacio; lastimosamente a Uriah Heep no se le dio el reconocimiento que se merecían, y es que los señores de Deep Purple hicieron unos discos que llegaron a empañar a muchas bandas de su generación, pero si vemos los discos nuevos de Mick Box y compañía, superan en calidad a todas las bandas que salieron con ellos.

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Tears Seven Times – As Porphyria Once Went (2023)
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Nunca llegué a tener una cuenta en MySpace: digamos que por la época en la que aquella página se volvía en la plataforma que definía gran parte de la música pesada de la década del 2000, yo no tenía computadora en mi casa y ni siquiera estaba metido en toda esa onda. Pero en estos días estoy muy al tanto de todo la onda de metalcore que solía ser el estilo predilecto de los grupos que se promocionaban a través de esa red social, y como tal creo que Tears Seven Times debe ser alguna clase de viajero del tiempo o debe haber quedado congelado a lo Fry en Futurama y lo descongelaron el 7 de enero último, con la salida de su disco debut independiente As Porphyria Once Went.

Llevado adelante en solitario por un músico estadounidense sólo conocido como Sid K, T7T (que parece tomar su nombre del instrumental “Tears Seven Times Salt” de los pioneros Undying) es un proyecto que bebe de esa combinación de guitarras ultra melódicas, voces gritadas y limpias, breakdowns y baterías inquietas: “Hot Topic-core”, como le suelen decir en la prensa pesada estadounidense (no sé, nunca fui a un Hot Topic). La fuerza del tiempo terminó por redimir todo este estilo ante los ojos de la prensa metalera o debe ser que los que crecieron escuchando toda esa onda ahora escriben reseñas, pero más allá de T7T últimamente me encontré con varios ejemplos de grupos probando suerte con toda esta onda, lo cual demuestra el carácter cíclico de las tendencias musicales.

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Sin embargo, As Porphyria Once Went es un disco con una estructura bastante particular, y su actitud al momento de tomar influencia de todas esas bandas a lo Underoath o los mismos Undying (reconocidos por T7T como referencias directas) es menos “copiar y pegar” de lo que pude haber dado a entender antes. Los tracks “Could Tell a Love” y “Sombering My Last Chapter” son las más “normales”, con esa energía inmediata y su énfasis en el riff (que, nota aparte, tienen muy buena calidad a lo largo de todo el álbum), y son las que más recuerdan a la onda tradicional de aquellos grupos. Pero en el panorama general del disco son la minoría: en el medio de ambas está el instrumental lento “Forever Beautiful”, que enlaza directamente con “Sombering My Last Chapter”, y la segunda mitad del álbum mete un cantidad de influencias inusuales.

Las tres canciones que conforman la otra mitad de este disco, que apenas rasca los 33 minutos, superan todas los seis minutos de duración, e incluyen el uso de algunos pianos, guitarras acústicas y hasta un par de arreglos sinfónicos, sin dejar de lado los riffs y la base de metalcore melódico de las primeras canciones, que más de una vez cruza la línea y se mete de lleno en el melodeath. “Metalcore gótico” puede llegar a parecer alguna clase de chiste, pero es la manera más acertada de describir un track como “The Stained Glass Romance” o “A Return To Melancholy”, con esas secciones acústicas y atmósferas melancólicas.

Claro que estos son sólo detalles: a fin de cuentas, creo que T7T funciona tanto si uno es un treintañero que quiere hacer como si el 2009 nunca hubiera terminado o si simplemente busca un muy buen disco para pasar el rato: APOW es la clase de álbum que habría dado mucho más que hablar si hubiera salido hace una década y media a través de un sello onda Sumerian Records o Epitaph. Pero sin importar si pueda quedar un tanto desplazado temporalmente, su álbum debut es un disco extremadamente recomendable, con o sin nostalgia de por medio.

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VV – Neon Noir (2023)
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Si hay que hablar de personajes icónicos dentro del rock y el metal europeo surgidos a comienzos de este siglo, uno podría pensar inmediatamente en Tarja Turunen, quien junto a Nightwish se convirtieron en una de las bandas más grandes del viejo continente gracias a obras tan sublimes como Oceanborn y Once, en Till Lindemann que llevó a Rammstein a los grandes estadios del mundo con su explosiva mezcla de metal industrial cantando en su idioma natal, el alemán, seguramente en Cristina Scabbia, ya que con su banda Lacuna Coil llegó a girar en grandes festivales y llevar su mezcla de goth rock, metal moderno y pinceladas oscuras a Estados Unidos compartiendo escenario con Avenged Sevenfold, Bleeding Through y Disturbed entre otros y por último en Simone Simons, la bellísima y talentosa vocalista de Épica, que es considera una de las mejores cantantes de metal sinfónico de la historia.

Pero a todos estos nombres ilustres, hay uno que no se puede pasar por alto y ese no es otro, que el del señor Ville Valo, si, un muchacho que desde la gélida y hermosa Finlandia llegó a lo más alto del rock oscuro y alternativo junto a su banda H.I.M, sin duda una de las más populares de los últimos 25 años dentro de la escena alternativa y de las más influyentes también todo sea dicho.

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Pero lamentablemente, la historia de la banda que lideraba Valo, se acabó en 2017 tras más de dos décadas de carrera y más de 12 millones de discos vendidos en todo el mundo, siendo considerados los pioneros del “Love Metal” e influenciando a toda una generación de bandas y artistas de diversos estilos como Howard Jones (Killswitch Engage), Benji Madden y Billy Martin (Good Charlotte), Marta Peterson (Bleeding Through), Motionless In White, Aiden, Blind Channel, Atreyu y hasta el  mismísimo Bam Margera, cayeron rendidos ante el talento de Valo y sus compañeros.

Hoy Ville debuta con su primer disco en solitario bajo el pseudónimo “VV” y que lleva por título Neon Noir, en donde al artista finlandés vuelve a destacar en una obra cargada de matices y emociones muy bien traducidas en el formato de canción alternativa.

En este nuevo disco, quizás nuevo sería un poco “iluso” ya que el músico retoma su sonido, casi exactamente donde lo dejo con su anterior banda, porque escuchando los primeros compases de la inicial “Echolocate Your Love” y la bella “Run Away From The Sun”, uno no puede más que sonreír pensando en discos como “Love Metal” y “Tears On Tape” y alegrarse por que el regreso de Ville sea en el terreno que mejor se le ha dado durante casi dos décadas y media.

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El single “Neon Noir”, ya nos dejó un gran sabor de boca cuando salió y pudimos ver que la esencia del músico seguía intacta y que no había lugar para los experimentos, quizás el disco tenga un giro más pop y no tan metal, pero a final de cuentas lo que importa es que Neon Noir sea un buen disco y de hecho lo es y con creces.

“Loveletting” nos trae el lado más pop del disco, pero un pop siempre con pinceladas alternativas exquisitas y que harán las delicias de los que hemos seguido a este muchacho desde los 2000, una hermosa pieza con aroma gélido y que podría encajar entre “The Funeral of Hearts” y “Join Me In Death” y a nadie le parecería mal, ya que equilibria ambos mundos como solamente Valo sabe hacerlo.

Más rockera es “The Foreverlost” y sirve como contrapunto perfecto a la pieza anterior, evidenciando lo bien organizado y pensado que está este disco, el cual no pretende inventar nada nuevo, pero si demostrar el buen estado de forma con el que Ville Valo vuelve a la escena este 2023.

Los ecos de H.I.M están muy presentes, pero quizás en “Salute the Sanguine”, se hacen aún más evidentes, siendo un corte fantástico que podría haber encajado en aquella pequeña joya que era “Dark Light”, uno de los discos más populares de la banda finlandesa.

Los que busquen el lado más oscurete del músico, lo van a encontrar en la pesada e intensa balada “Saturnine Saturnalia”, en donde vemos esa base rítmica densa a lo Sabbath, pero con el toque melancólico de Ville a la voz, sin duda una pieza muy acertada y que puede dar mucho de sí en su próxima gira.

Si somos justos, Ville Valo ha vuelto donde lo había dejado y no creo que pretenda a estas alturas de su carrera tomar riesgos innecesarios con experimentos fallidos, no, Ville ha plasmado un gran disco de rock alternativo que, si recuerda a su banda madre, pero dado que ésta ya no existe más que en la memoria de sus seguidores, es un notable primer paso para seguir acompañando al músico en este viaje de “Love Metal” que tantas alegrías nos ha dado a todos los que crecimos con su música.

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Katatonia – Sky Void of Stars (2023)
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Katatonia, el grupo que empezó siendo un pequeño dueto en Estocolmo hace poco más de 30 años, escaló prósperamente, a pesar de los altibajos que se fueron presentando a lo largo de su trayectoria artística. En sus comienzos oscilaron entre los géneros del doom, death y black metal, atreviéndose a abrirse paso entre la industria del metal gótico, el alternativo y el progresivo. Lejos de lo que muchos pensaron, los intercambios de integrantes que Katatonia sufrió en un par de etapas, hicieron del sonido de la banda un sonido especifico que dejaría una impronta cuyo sello de autenticidad seria reconocido en todo lugar donde sonara.

Luego de un descanso, este 20 de enero, gracias al sello de Napalm Records los fans pueden disfrutar de la experiencia que brinda el nuevo álbum Sky Void of Stars. El arte en la portada es una delicia visual que anticipa un escenario de lo que sigue dentro del álbum, y aunque no se oyen específicamente los cantos de los pájaros que vemos en la ilustración, si podemos encontrar canciones que aluden a la temática como “Birds” donde el sonido se distingue por su nitidez en la percusión, y es donde podemos destacar los nuevos sonidos que la banda a adquirido a lo largo del álbum.

Habrá quienes peyorativamente crean que toman sonidos de la rítmica emo, sin embargo, al ser la melancolía lo que se quiere destacar habrá cadencias en las melodías que inevitablemente son compartidas con géneros tales como el core, pero son las de menos dentro del álbum, ya que trascienden hasta alcanzar los pasos del metal y sus subgéneros oscuros. En este álbum el vocalista Jonas Renske, va más allá con las letras de sus canciones emprendiendo un camino mas vibrante y oscuro. Va de lo lúgubre a lo romántico, de lo romántico a lo urgente, en cada una de las canciones de este álbum se puede notar el crecimiento musical y la destreza que han puesto en escena cada uno de los miembros de la banda.

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Obituary – Dying of Everything (2023)
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Si el 2022 fue un año lleno de muy buenos discos para el metal, este 2023 pinta igual o mejor. ¿Y por qué lo digo? Ahora me toca la tarea de hablar del nuevo disco de Obituary llamado Dying Of Everything y esto es cómo una bala de cañón atravesando los tímpanos, es verdad que no están inventando nada nuevo, pero es un disco donde los señores de Florida siguen dando de qué hablar, su fuerza sigue intacta, y su calidad al momento de hacer buen death metal, no tiene comparación.

Los guturales de John Tardy siguen intactos y estamos hablando de que ya no tiene 20 años, son más de 5 décadas y media que este señor tiene a su espalda y sigue con toda la energía, los riffs potentes y aplastantes de Trevor Peres se hacen notar en este disco, a veces me recuerdan un poco al Kill ´Em All o al Show No Mercy, y ni qué decir de Donald Tardy, esa batería suena totalmente acoplada, podría tocar hasta dormido en el estudio de grabación y sonaría perfecto, estos 3 miembros son cómo hermanos, el tiempo los ha hecho inseparables.

Cuando escuchas por primera vez Barely Alive, te das cuenta de que esto no tiene arreglos extras, una producción de poner y quitar o arreglar, aquí vemos que es un disco directo, hecho con corazón de metal y con ganas de patear traseros en su gira, podría hablar de todas y cada una de las 10 canciones que componen el disco, pero es cómo repetir lo mismo, esto no quiere decir que el disco sea igual, NO!, es igual en el sentido de que cada canción tiene el mismo poder que el primer tema, pero es diferente en cuanto a su atmósfera musical, Without a Conscience, Dying of Everything o By the Dawn tienen una base que arranca a 10.000 kms por hora y no se detiene, pero al escucharlas detenidamente, todas van por caminos diferentes; los guturales son cada vez más densos y eso se ve en Be Warned y The Wrong Time.

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Dying Of Everything no es un disco hecho de la noche a la mañana, cada tema está creado para ser devastador, y en este término “War” es la que sobresale, tiene una base rítmica lenta y a la vez exaltante, los solos de guitarra están muy en la línea de su anterior disco homónimo del 2017, gran labor la de Ken Andrews que ya lleva una década trabajando con la banda y es el miembro más nuevo. “My Will to Live” me recuerda un riff de la época clásica de Metallica, un tema un poco más lento pero muy bien logrado, “Weaponize the Hate” y “Torn Apart” nos transportan por momentos a 1997 cuando Back from the Dead salió a flote.

Vamos a resaltar la labor artística de Mariusz Lewandowski, un Polaco que se encargó de la portada del disco y que logró captar la esencia del mismo, lastimosamente murió el año pasado pero nos dejó está gran portada para el disco Dying Of Everything, la tapa del disco va muy de la mano con artes cómo The End Complete del 92 o World Demise del 94; la mezcla corrió a cargo del viejo amigo de la banda Joe Cincotta que ha trabajado con otras bandas del estilo cómo Suffocation al igual que con Obituary en anteriores grabaciones.

Para terminar, sólo quiero decir que si vas a escuchar el álbum de Obituary tratando de encontrar algo nuevo o diferente, estás en el lugar incorrecto, pero si quieres escuchar death metal con fuerza extrema a la vieja escuela, este es el disco para ti, estoy seguro que será uno de las mejores grabaciones de death metal del 2023.

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Iggy Pop – Every Loser (2023)
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Iggy Pop, La Iguana. nos da un repaso de su trayectoria musical con su nueva entrega Every Loser. El padrino del punk está de regreso, hace sólo 4 años que su último disco Free vio la luz, y ahora para inicios del 2023 Every Loser llega como si fuera un regalo de post navidad para los rockeros de antaño que hicieron su carta a los reyes magos y pidieron que este año llegue muy buena música, a lo que La Iguana responde: “Aquí estoy para cumplir sus deseos”.
El disco está a cargo de Andrew Watt como productor, aunque esto no es una buena señal, Watt hace un buen papel, el disco también cuenta con invitados de lujo, (quien no quisiera trabajar con Iggy), Dave Navarro, Duff McKagan, Chad Smith, Taylor Hawkins, Stone Gossard, Travis Barker entre otros.
Antes de empezar con el disco, quiero hacer una mirada global en el mundo clásico del rock en general, y analizar quien a los 75 años sigue rockeando con las bolas en alto y sin camisa? La respuesta es Iggy Pop, La Iguana se gana el respeto de todos sin duda alguna.
“Frenzy” es un tema con el sello Stooges: “I’m in a frenzy, you fucking prick, I’m in a frenzy, you goddamn dick”. ¿Quien más tiene este tipo de poesía bizarra, tosca y que aún tenga algo de repercusión en las mentes post punk?.
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“Strung Out Johnny” viene con elementos country mezclado con medios tiempos, una muy buena línea de bajo y excelentes coros.
“New Atlantis” es una canción dedicada a su ciudad adoptiva, Miami, en donde podemos apreciar una frase directa a los colombianos (“Colombian pushers and murderers”). Pensé que esto ya era historia patria, pero veo que no es así; está canción está más dedicada a la gente de Miami que aunque es pura y autentica, pronto será ahogada por el mar.
“Modern Day Rip Off” suena al viejo Alice Cooper en sus primeros discos, un tema muy movido y con partes de voces graciosas, no es algo nuevo en el, pero siempre le sale de maravilla; Morning Show tiene un estilo sureño, más enfocado a su carrera de inicios del 2000, en el habla un poco de su figura, de cómo pasa el tiempo y así darle cara para seguir su rumbo diario.
“The News for Andy” es el tema más corto y suena a una poesía cantada con un piano olvidado de un cabaret de paso. “Neo Punk” vuelva a patear el trasero, y nos recuerdo cómo han cambiado las cosas para este movimiento, ahora ya no necesitas ser punk de verdad para incitar a la anarquía, ahora necesitas verte cómo punk para llamar la atención y ganar buen dinero de la manera más fácil y superficial.
Podemos notar un ambiente más acoplado musicalmente en “All The Way Down”. Aquí la letra es más directa, Iggy nos muestra el mundo loco en el que vivimos; en “Comments” la sátira hacía las redes, en especial a Meta y su jefe Zuckerberg, son más que directas, y ni que decir si tienes una cara bonita, irás directo a Hollywood y tendrás tu futuro asegurado, sabías palabras de la Iguana.
“My Animus Interlude” no se sabe si es de relleno o que es lo que trataba de hacer, tendríamos que preguntarle, mejor dejémoslo así. Ya para cerrar llega “The Regency” con muy buenos cambios de tiempo y de entonación, y una letra en contra del gobierno, esto no es nuevo con Iggy, pero que bien que lo siga haciendo.
A pesar de que es un disco corto, Iggy nos da un repaso de toda su carrera con este disco, podemos pasar de finales de los sesentas a la actualidad en una sola canción, podemos ver las raíces de The Stooges mezcladas a la perfección con la carrera solista de Iggy, aquí nos damos cuenta cuando un artista no tiene que rendirle cuentas a nadie y hace las cosas por placer y convicción.

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KOLLAPS\E – Phantom Centre (2023)
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KOLLAPS\E es una nueva banda sueca de post-metal que ya había salido a escena en 2021 con un EP de dos tracks titulado “The Pandemic Sessions” lanzado de manera independiente. Ambas canciones están incluidas en este álbum debut, “Phantom Centre”, editado por el sello Trepanation Recordings. El grupo, oriundo de Helsingborg, empezó en 2018 como un proyecto musical que debió continuar su desarrollo atravesando el devenir del panorama sanitario mundial. Con claras influencias de sus compatriotas de Cult of Luna, el cuarteto conformado por Daniel Wallenborg (voz y guitarra), Peter Walefors (guitarra), Dennis Akensson (bajo) y Johannes Landgren (batería) ha iniciado el viaje en busca de crear su propia identidad. Hay que decir que el país escandinavo ya está convirtiéndose en una de las capitales internacionales del post-metal, con otros exponentes tales como Novarupta y Suffocate For Fuck Sake.

“Era” fue el primer single (más allá de los dos anticipos del mencionado EP) y rápidamente nos coloca frente al poderío de la banda: riffs contundentes y transiciones melódicas sobre las que se despliega un canto furioso. Como es típico del estilo, el bajo tiene una presencia muy marcada en la estructura compositiva y la batería se destaca por una precisión indispensable cuando los tempos abren amplios espacios. Un solo de guitarra emerge poco antes de la ralentizada conclusión brutal. “Beautiful Desolate” –segundo corte de difusión- persiste en un clima similar, embistiendo con más fuerza. El sonido general recuerda mucho a los primeros trabajos de COL: ritmos, armonías, melodías y estilo vocal. Esto no puede desagradar al público de dicha banda –como es mi caso- pero anhelo encontrar rasgos diferenciales que sobresalgan y “Uhtceare” parece ser el punto del trayecto donde van asomando con más claridad. Es un track instrumental muy bien elaborado y con matices melancólicos, que pasa por diversos momentos de gran intensidad para terminar apaciblemente.

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A continuación, “Anaemia” sigue enfatizando lo distintivo y hay que admitir que cuando se lo reconoce, es algo digno de mérito: no es fácil estar parados sobre los hombros de gigantes. Las texturas no se modifican demasiado, pero van apareciendo otras coloraciones. Así, “Bränt Barn Skyr Elden” explota tras una larga introducción y daría la impresión de que se eleva el nivel de agresividad. Aquí resuenan ecos de lo hecho por grupos como Hexis o Implore, y esa es una sensación que no había tenido antes, lo cual es bueno: otro signo de exploración y no de imitar un modelo.

Curiosamente, se podría pensar que gran parte de la esencia de la banda ya estaba destilada en los dos tracks que dieron a conocer el año pasado: “Radiant-Static” y “Murrain”, los cuales fueron escritos en plena cuarentena, al comienzo de la pandemia. Quizás eso, si bien dificultó la posibilidad de trabajar colectivamente, favoreció la introspección y el surgimiento de las ideas más personales, que parecen acentuar ciertos aspectos post-hardcore. De esta manera, con “Phantom Centre”, KOLLAPS\E ha dado el primer sólido paso en el camino a convertirse en otro exponente del post-metal sueco.

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Indepth – Ancient Architects (2022)
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Una dosis de death metal con tintes progresivos lanzó el mes pasado la banda mexicana Indepth. El disco Ancient Architects cuenta con 11 tracks que conforman un álbum de 56 minutos. Lanzado bajo el sello Concreto Records, en sus letras hallarás temas sobre mitologías de galaxias, apocalipsis terrestre y dioses que destruyen y crean planetas a capricho.

Si eres fan de grupos como Obscura o Beyond Creation este disco te interesa. Las melodías que otorgan los guitarristas Luigi Ponce y Fer Castro te dejarán un buen sabor de boca.
Considero que a diferencia del disco pasado, “The Endless Pursuit” del 2019, en éste se nota más madurez musical en la ejecución y creación de la música. Incluso dándose el lujo de hacer pasajes más instrumentales y emotivos como en “Coma Cluster”, que tiene partes con sintetizadores de violines o cuerdas.

La incorporación de un bajo fretless en el death metal, desde Steve DiGiorgio, ha provocado que una oleada de bajistas adopte el sonido a sus composiciones, y en Indepth no es la excepción. El trabajo que hace Nando Tovar es de primer nivel y me ha gustado que tenga un buen lugar en el sonido general de la mezcla del “Ancient Architects”, ya que puedes escucharlo cómo sigue las melodías de la guitarra o cuando refuerza el trabajo del baterista Dan Wolf.

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Pasando a las percusiones: la ejecución es sobria y bien hecha. Cumple en todo momento sin buscar competir con los demás instrumentos. Tampoco podría decir que “me encanta”, pero es justo lo necesario que requiere una banda de este corte.

El arte del disco fue hecho por el australiano Mitchell Nolte, quien ha realizado trabajos para Aborted y Mystifier, por lo que el nivel de textura en la obra de estos seres (¿cuervos?) resulta interesante.

En suma los oriundos de Aguascalientes, México, cumplen con creces en su tercera producción discográfica. Es un disco redondo en su temática y su propuesta. Mis canciones favoritas son “Coma Cluster”, “The Arrival II- Outer World” y “Ethereal Desert”.

Ojo: no es un disco para los que buscan brutalidad extrema, pero sí una melodía cargada de riffs aplastantes.

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Misþyrming – Með hamri (2022)
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El lanzamiento de álbumes en diciembre tiene algo de declaración de principios. Puede inferirse cierta intencionalidad de demostrar una falta de interés por ingresar en las listas de “lo mejor del año”, o incluso, desprecio por las reseñas. Cuando los medios especializados ya están cerrando el ciclo en curso, realmente hay que tener ganas de dedicarle tiempo a ediciones de último momento. Este disco vale la pena. Se trata del tercer álbum de Misþyrming, editado por el sello NoEvDia (Norma Evangelium Diaboli).

Islandia es una tierra tan idílica como tétrica, impresionante por donde se la mire y se la escuche. Allí supo nacer y prosperar un black metal sublime. Misþyrming, como la mayoría de los artistas de ese país, surgió de la ciudad capital, Reikiavik. Otros proyectos ya célebres provenientes de las mismas tierras son Svartidauði, Dynfari, Zhrine, Auðn, Mannveira, Kaleikr, Helfró y Nexion, por nombrar algunos, sin olvidar los inicios de Sólstafir.

La banda comenzó en 2013 y actualmente está constituida por Dagur Gíslason (voz, guitarra, piano y electrónica), Tómas Ísdal (guitarra y coros), Gústaf Evensen (bajo y coros) y Magnús Skúlason (batería). Sus dos discos anteriores fueron Söngvar elds og óreiðu (2015) y Algleymi (2019). En esas obras ya habían consolidado un sonido potente y elaborado, con una dosis precisa de brutalidad. Las letras acerca del sufrimiento, la muerte y el caos están escritas en islandés.

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“Með hamri” es un comienzo furioso, casi podría decirse, con reminiscencias de Slayer, hasta que una bruma corrosiva de blast beats y riffs retorcidos se nos viene encima. Hablando de ecos, también surge cierta cadencia hardcore, o hasta D-beat, que denota una apuesta por todo lo “old school”, algo que es confirmado por el solo de guitarra al estilo thrash. Este recorrido nostálgico es afirmado por la propia banda, que proclama, casi a modo de manifiesto, “el sonido del tacón de hierro del black metal pisoteando el rostro de la modernidad musical”, algo que no parecía ser así en sus trabajos anteriores. De hecho, el segundo track, “Með harmi”, ya suena bastante moderno, mucho más melódico, y recuerda a lo hecho por grupos como Mgła y Uada. El ritmo baja y las formas son menos vertiginosas, aunque la voz siempre es agresiva. Hay momentos de particular lentitud, con mayores espacios, a la vez que la electrónica adquiere preeminencia hacia el final.

“Engin miskunn” empieza con una actitud progresiva hasta que todo se acelera hacia el caos y retorna esa impresión de querer volver a la crudeza de las raíces. Sin embargo, el mérito de Misþyrming reside -irónicamente- en no hacerlo de una manera precaria: es imposible desprenderse del hecho de ser una banda relativamente nueva y profesional, con todo lo que eso implica. Lo que sí consiguen, entonces, es una síntesis, una música que emerge desde el presente, con una simpatía clara por el pasado. La incorporación del elemento noise, que regresa en este track, da la pauta de tal combinación.

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Luego, “Engin vorkunn” marca un cambio significativo, con un inicio ritual que abre paso a una canción de bastante groove, que lleva a un headbanging compulsivo y vuelve a remitir a referencias contemporáneas dentro del género. Todo se desarrolla acompañado por algo similar a un susurrante “coro” misterioso. La batería casi marcial de “Blóðhefnd” sorprende y es bienvenida. Se va construyendo la composición muy despacio, con la incorporación de cada nuevo elemento. Lo interesante es que todo es bastante monótono, hasta que irrumpe -ahora sí- un coro en sentido estricto, casi angelical, totalmente alejado de la explosión que se podría haber anticipado.

El piano que inaugura “Aftaka” es grave y opresivo. Después aparecen las guitarras con una sonoridad perforante y un bajo que se impone. La percusión vuelve a tener ímpetu ceremonial para finalmente dejar que se desplieguen los oscuros riffs de otro track avasallante. A medida que va terminando, la canción expone el riff principal (y algunas variaciones del mismo) en todo su esplendor, alternándolo con momentos cataclísmicos. Así culmina un álbum excelente, de poco más de 43 minutos, que -a pesar de todo- había que reseñar en diciembre.

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Lord of the Lost – Blood and Glitter (2023)
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Ni dos años han tardado los teutones industriales glamurosos Lord of the Lost en darle continuación a ese fantástico álbum que era Judas, pero si tenían el material listo ¿por qué no sacarlo a la luz y empezar el siguiente capítulo de su más que interesante trayectoria musical?

Y si nos sumergimos en el universo del disco, lo primero que vamos a poder percibir es que la banda no ha diferido musicalmente apenas respecto a su anterior trabajo y visto lo bien que les ha funcionado, no veo el motivo de peso para variar su rumbo musical, si en su estilo actual les va sobradamente bien.

Lo que nos vamos a encontrar es un disco cargado de buenos riffs, partes donde estos se combinan a la perfección con el sonido electrónico que siempre han tenido estos chicos, unas letras bastante trabajadas y concretas y a un Chris Harms que sigue cantando como los ángeles y es la pieza vital de esta banda.

El disco arranca con el corte que da título al álbum y aquí destacamos los distintos matices que le da Chris a su voz en la canción y a la cual le sigue la particular y explícita “Leave your hate in the comments”, un mensaje claro a los “haters” de turno que no hacen más que amuermar la vida de la gente en general, esta tiene pinta de sonar aún mejor en directo que en audio.

Más cañera es “The Future of the Past Life”, con unos arreglos bastante notables y que recuerdan a la época de su disco anterior, vamos que podría haber encajado en el mismo y nadie se hubiera sorprendido. Y aquí tenemos la potente voz del señor Marcus Bischoff de Heaven Shall Burn que se complementa a la perfección con Chris y pone su potente garganta a la pieza.

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El metal industrial pero bailable se hace presente en “Reset the Preset”, en donde parece que hubieran metido en una coctelera a los Motionless In White del Infamous, a la versión más light de Combichrist, no en vano colabora el mismísimo Andy Laplegua en la canción y a los propios LOTL, es de esos temas que vas a amar u odiar al instante dentro del disco sin duda.

La rockera “Destruction Manual” con guiños a bandas como Rob Zombie hará las delicias de los seguidores más old school de la banda, mientras que “Forever Lost” nos recuerda a los LOTL más modernos, pero cuenta con un grito final que puede estremecer a cualquiera que se enfrente a esta pieza.

El disco como bien avisaba más arriba está lleno de secuencias, sonidos electrónicos, algunos momentos de saturación sonora, pero realmente no es eso lo que uno busca en LOTL, que quieras cantar, bailar, tener momentos más cañeros y agresivos y así y todo sean las canciones las que destaquen por encima de la producción.

Quizás la versión de “The Look”, mega clásico que popularizaron los suecos Roxette, no haga sumar muchos puntos al resultad final, ya que es un tema bastante versionado (tal y como pasó con la versión de “Personal Jesus” de Marilyn Manson), pero que, sin embargo, vamos a disfrutar y volver a canturrear hasta la saciedad cuando nos hagamos con una copia del disco.

Sea como sea, Lord of the Lost, vuelven a demostrar que están en su mejor momento, sus llenos en media Europa el pasado otoño así lo evidencian, y lo que funciona, si no tiene defectos ¿Para qué lo vamos a cambiar?, pues LOTL han logrado seguir la estela de su predecesor y volver a editar un buen disco, otro más en su carrera, poco más no les podemos pedir.

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Uriah Heep – Chaos & Colour (2023)
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La química fundamental se basa en fórmulas básicas: encuentras elementos para que las cosas funcionen y así se crean materiales nuevos. Lo mismo pasa algunas bandas de rock clásico, ejemplo claro Iron Maiden, Rolling Stones, Nazareth, Testament, Pearl Jam, Angra y otras más que descubren la regla para crear melodías con las que se sienten a gusto y deciden ya no cambiar, Uriah Heep es otro de estos grupos que decidieron seguir su línea ya hace más de una década, y con su lema, ¿si funciona para qué cambiar? Es así cómo se escucha lo nuevo de los británicos liderados aún por su único miembro original Mick Box, el disco suena muy similar tanto en producción cómo en sonido a sus 4 largas duraciones anteriores, OJO, esto no quiere decir que Chaos & Colour sea un disco idéntico o malo. ¡NO!, todo lo contrario, es un disco con poder, excelentes armonías, con un teclado que siempre sabe sobresalir, con una portada muy creativa, que es un poco más suave, si, pero no pierde estilo por un segundo, además de todo esto, recordemos que estos señores tienen más de 20 discos de estudio, así que ya saben que hacer al momento de grabar un nuevo disco, novatos no son.

Chaos & Colour es un buen título para un disco en esta época post pandemia, cómo dice el genio de la banda Mick Box, Chaos se refiere a todas esas empresas que cerraron, todo el caos que hubo a nivel mundial debido al Covid, y Colour es el color que tenía la gente en la música que era una de las pocas cosas que los hacían ver el mundo de manera diferente dándole un toque más armonioso a su vida, que título más acertado en estos años.

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El primer single de este disco lo pudimos escuchar el año pasado y es el tema con el que se abre el disco, “Save Me Tonight”, escrita por el bajista Dave Rimmer en conjunto con el gran genio de las voces Jeff Scott Soto (que siempre anda poniendo su granito de arena donde lo dejan), la sincronía del tecladista Phil Lanzon con su piano Hammond (totalmente influenciado por Jon Lord, Deep Purple) y la guitarra de Mick Box es la química que hace que el grupo no pare de respirar, le da la fuerza necesaria para que su creatividad no tenga fin, en donde Phil entra, Mick baja la guardia con riffs muy melódicos, y cuando Phil para Mick hace de lo suyo sin dejar espacio para tomar aliento; de la misma manera suena “Silver Sunlight” pero un poco más lenta y con más poder en la guitarra.

El intro de “Closer to Your Dreams” te transporta a los setentas, en lo personal es el mejor tema del disco y eso que es el último en la lista, “Hail the Sunrise” posee una base decadente a medios tiempos, perfecta para dejar que la voz de Bernie Shaw haga de las suyas, recordemos que este señor lleva en la banda más de 3 décadas al igual que su compañero de teclados Phil Lanzon; el común denominador del disco es lo positivo en el, y esto se ve en casi todos los temas, “One Nation, One Sun” es un claro ejemplo, y ni que decir de “Fly Like an Eagle”, “Age of Changes” o “You’ll Never Be Alone”, canciones compuestas para personas que perdieron mucho en estos últimos años en los que el mundo dio un cambio muy abrupto.

En temas como “Hurricane” o “Golden Light” el sonido setentero llega a la mente de inmediato, esto es cómo estar en la época dorada del rock, aparecen algunos detalles que se asemejan al disco Salisbury del 71, la magia sigue vigente y prometen mantenerla viva por más tiempo.

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Para este disco volvieron a contar con la labor de la producción y mezcla de Jay Ruston que había hecho de las suyas en el anterior disco Living the Dream y fue todo un acierto, Ruston ha trabajado con un sin número de bandas de gran importancia cómo Anthrax, Mr. Bungle, Amon Amarth, Crobot, The Winery Dogs, Black Star Riders, y muchas más, así que contar de nuevo con el, era garantía para la banda.

Uriah Heep siempre fue una banda opacada por Deep Purple, ambas tenían un sonido similar, un Hammond que les dio ese toque único, un guitarrista que se lucía donde le daban espacio; lastimosamente a Uriah Heep no se le dio el reconocimiento que se merecían, y es que los señores de Deep Purple hicieron unos discos que llegaron a empañar a muchas bandas de su generación, pero si vemos los discos nuevos de Mick Box y compañía, superan en calidad a todas las bandas que salieron con ellos.

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Tears Seven Times – As Porphyria Once Went (2023)
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Nunca llegué a tener una cuenta en MySpace: digamos que por la época en la que aquella página se volvía en la plataforma que definía gran parte de la música pesada de la década del 2000, yo no tenía computadora en mi casa y ni siquiera estaba metido en toda esa onda. Pero en estos días estoy muy al tanto de todo la onda de metalcore que solía ser el estilo predilecto de los grupos que se promocionaban a través de esa red social, y como tal creo que Tears Seven Times debe ser alguna clase de viajero del tiempo o debe haber quedado congelado a lo Fry en Futurama y lo descongelaron el 7 de enero último, con la salida de su disco debut independiente As Porphyria Once Went.

Llevado adelante en solitario por un músico estadounidense sólo conocido como Sid K, T7T (que parece tomar su nombre del instrumental “Tears Seven Times Salt” de los pioneros Undying) es un proyecto que bebe de esa combinación de guitarras ultra melódicas, voces gritadas y limpias, breakdowns y baterías inquietas: “Hot Topic-core”, como le suelen decir en la prensa pesada estadounidense (no sé, nunca fui a un Hot Topic). La fuerza del tiempo terminó por redimir todo este estilo ante los ojos de la prensa metalera o debe ser que los que crecieron escuchando toda esa onda ahora escriben reseñas, pero más allá de T7T últimamente me encontré con varios ejemplos de grupos probando suerte con toda esta onda, lo cual demuestra el carácter cíclico de las tendencias musicales.

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Sin embargo, As Porphyria Once Went es un disco con una estructura bastante particular, y su actitud al momento de tomar influencia de todas esas bandas a lo Underoath o los mismos Undying (reconocidos por T7T como referencias directas) es menos “copiar y pegar” de lo que pude haber dado a entender antes. Los tracks “Could Tell a Love” y “Sombering My Last Chapter” son las más “normales”, con esa energía inmediata y su énfasis en el riff (que, nota aparte, tienen muy buena calidad a lo largo de todo el álbum), y son las que más recuerdan a la onda tradicional de aquellos grupos. Pero en el panorama general del disco son la minoría: en el medio de ambas está el instrumental lento “Forever Beautiful”, que enlaza directamente con “Sombering My Last Chapter”, y la segunda mitad del álbum mete un cantidad de influencias inusuales.

Las tres canciones que conforman la otra mitad de este disco, que apenas rasca los 33 minutos, superan todas los seis minutos de duración, e incluyen el uso de algunos pianos, guitarras acústicas y hasta un par de arreglos sinfónicos, sin dejar de lado los riffs y la base de metalcore melódico de las primeras canciones, que más de una vez cruza la línea y se mete de lleno en el melodeath. “Metalcore gótico” puede llegar a parecer alguna clase de chiste, pero es la manera más acertada de describir un track como “The Stained Glass Romance” o “A Return To Melancholy”, con esas secciones acústicas y atmósferas melancólicas.

Claro que estos son sólo detalles: a fin de cuentas, creo que T7T funciona tanto si uno es un treintañero que quiere hacer como si el 2009 nunca hubiera terminado o si simplemente busca un muy buen disco para pasar el rato: APOW es la clase de álbum que habría dado mucho más que hablar si hubiera salido hace una década y media a través de un sello onda Sumerian Records o Epitaph. Pero sin importar si pueda quedar un tanto desplazado temporalmente, su álbum debut es un disco extremadamente recomendable, con o sin nostalgia de por medio.

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VV – Neon Noir (2023)
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Si hay que hablar de personajes icónicos dentro del rock y el metal europeo surgidos a comienzos de este siglo, uno podría pensar inmediatamente en Tarja Turunen, quien junto a Nightwish se convirtieron en una de las bandas más grandes del viejo continente gracias a obras tan sublimes como Oceanborn y Once, en Till Lindemann que llevó a Rammstein a los grandes estadios del mundo con su explosiva mezcla de metal industrial cantando en su idioma natal, el alemán, seguramente en Cristina Scabbia, ya que con su banda Lacuna Coil llegó a girar en grandes festivales y llevar su mezcla de goth rock, metal moderno y pinceladas oscuras a Estados Unidos compartiendo escenario con Avenged Sevenfold, Bleeding Through y Disturbed entre otros y por último en Simone Simons, la bellísima y talentosa vocalista de Épica, que es considera una de las mejores cantantes de metal sinfónico de la historia.

Pero a todos estos nombres ilustres, hay uno que no se puede pasar por alto y ese no es otro, que el del señor Ville Valo, si, un muchacho que desde la gélida y hermosa Finlandia llegó a lo más alto del rock oscuro y alternativo junto a su banda H.I.M, sin duda una de las más populares de los últimos 25 años dentro de la escena alternativa y de las más influyentes también todo sea dicho.

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Pero lamentablemente, la historia de la banda que lideraba Valo, se acabó en 2017 tras más de dos décadas de carrera y más de 12 millones de discos vendidos en todo el mundo, siendo considerados los pioneros del “Love Metal” e influenciando a toda una generación de bandas y artistas de diversos estilos como Howard Jones (Killswitch Engage), Benji Madden y Billy Martin (Good Charlotte), Marta Peterson (Bleeding Through), Motionless In White, Aiden, Blind Channel, Atreyu y hasta el  mismísimo Bam Margera, cayeron rendidos ante el talento de Valo y sus compañeros.

Hoy Ville debuta con su primer disco en solitario bajo el pseudónimo “VV” y que lleva por título Neon Noir, en donde al artista finlandés vuelve a destacar en una obra cargada de matices y emociones muy bien traducidas en el formato de canción alternativa.

En este nuevo disco, quizás nuevo sería un poco “iluso” ya que el músico retoma su sonido, casi exactamente donde lo dejo con su anterior banda, porque escuchando los primeros compases de la inicial “Echolocate Your Love” y la bella “Run Away From The Sun”, uno no puede más que sonreír pensando en discos como “Love Metal” y “Tears On Tape” y alegrarse por que el regreso de Ville sea en el terreno que mejor se le ha dado durante casi dos décadas y media.

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El single “Neon Noir”, ya nos dejó un gran sabor de boca cuando salió y pudimos ver que la esencia del músico seguía intacta y que no había lugar para los experimentos, quizás el disco tenga un giro más pop y no tan metal, pero a final de cuentas lo que importa es que Neon Noir sea un buen disco y de hecho lo es y con creces.

“Loveletting” nos trae el lado más pop del disco, pero un pop siempre con pinceladas alternativas exquisitas y que harán las delicias de los que hemos seguido a este muchacho desde los 2000, una hermosa pieza con aroma gélido y que podría encajar entre “The Funeral of Hearts” y “Join Me In Death” y a nadie le parecería mal, ya que equilibria ambos mundos como solamente Valo sabe hacerlo.

Más rockera es “The Foreverlost” y sirve como contrapunto perfecto a la pieza anterior, evidenciando lo bien organizado y pensado que está este disco, el cual no pretende inventar nada nuevo, pero si demostrar el buen estado de forma con el que Ville Valo vuelve a la escena este 2023.

Los ecos de H.I.M están muy presentes, pero quizás en “Salute the Sanguine”, se hacen aún más evidentes, siendo un corte fantástico que podría haber encajado en aquella pequeña joya que era “Dark Light”, uno de los discos más populares de la banda finlandesa.

Los que busquen el lado más oscurete del músico, lo van a encontrar en la pesada e intensa balada “Saturnine Saturnalia”, en donde vemos esa base rítmica densa a lo Sabbath, pero con el toque melancólico de Ville a la voz, sin duda una pieza muy acertada y que puede dar mucho de sí en su próxima gira.

Si somos justos, Ville Valo ha vuelto donde lo había dejado y no creo que pretenda a estas alturas de su carrera tomar riesgos innecesarios con experimentos fallidos, no, Ville ha plasmado un gran disco de rock alternativo que, si recuerda a su banda madre, pero dado que ésta ya no existe más que en la memoria de sus seguidores, es un notable primer paso para seguir acompañando al músico en este viaje de “Love Metal” que tantas alegrías nos ha dado a todos los que crecimos con su música.

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Katatonia – Sky Void of Stars (2023)
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Katatonia, el grupo que empezó siendo un pequeño dueto en Estocolmo hace poco más de 30 años, escaló prósperamente, a pesar de los altibajos que se fueron presentando a lo largo de su trayectoria artística. En sus comienzos oscilaron entre los géneros del doom, death y black metal, atreviéndose a abrirse paso entre la industria del metal gótico, el alternativo y el progresivo. Lejos de lo que muchos pensaron, los intercambios de integrantes que Katatonia sufrió en un par de etapas, hicieron del sonido de la banda un sonido especifico que dejaría una impronta cuyo sello de autenticidad seria reconocido en todo lugar donde sonara.

Luego de un descanso, este 20 de enero, gracias al sello de Napalm Records los fans pueden disfrutar de la experiencia que brinda el nuevo álbum Sky Void of Stars. El arte en la portada es una delicia visual que anticipa un escenario de lo que sigue dentro del álbum, y aunque no se oyen específicamente los cantos de los pájaros que vemos en la ilustración, si podemos encontrar canciones que aluden a la temática como “Birds” donde el sonido se distingue por su nitidez en la percusión, y es donde podemos destacar los nuevos sonidos que la banda a adquirido a lo largo del álbum.

Habrá quienes peyorativamente crean que toman sonidos de la rítmica emo, sin embargo, al ser la melancolía lo que se quiere destacar habrá cadencias en las melodías que inevitablemente son compartidas con géneros tales como el core, pero son las de menos dentro del álbum, ya que trascienden hasta alcanzar los pasos del metal y sus subgéneros oscuros. En este álbum el vocalista Jonas Renske, va más allá con las letras de sus canciones emprendiendo un camino mas vibrante y oscuro. Va de lo lúgubre a lo romántico, de lo romántico a lo urgente, en cada una de las canciones de este álbum se puede notar el crecimiento musical y la destreza que han puesto en escena cada uno de los miembros de la banda.

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Obituary – Dying of Everything (2023)
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Si el 2022 fue un año lleno de muy buenos discos para el metal, este 2023 pinta igual o mejor. ¿Y por qué lo digo? Ahora me toca la tarea de hablar del nuevo disco de Obituary llamado Dying Of Everything y esto es cómo una bala de cañón atravesando los tímpanos, es verdad que no están inventando nada nuevo, pero es un disco donde los señores de Florida siguen dando de qué hablar, su fuerza sigue intacta, y su calidad al momento de hacer buen death metal, no tiene comparación.

Los guturales de John Tardy siguen intactos y estamos hablando de que ya no tiene 20 años, son más de 5 décadas y media que este señor tiene a su espalda y sigue con toda la energía, los riffs potentes y aplastantes de Trevor Peres se hacen notar en este disco, a veces me recuerdan un poco al Kill ´Em All o al Show No Mercy, y ni qué decir de Donald Tardy, esa batería suena totalmente acoplada, podría tocar hasta dormido en el estudio de grabación y sonaría perfecto, estos 3 miembros son cómo hermanos, el tiempo los ha hecho inseparables.

Cuando escuchas por primera vez Barely Alive, te das cuenta de que esto no tiene arreglos extras, una producción de poner y quitar o arreglar, aquí vemos que es un disco directo, hecho con corazón de metal y con ganas de patear traseros en su gira, podría hablar de todas y cada una de las 10 canciones que componen el disco, pero es cómo repetir lo mismo, esto no quiere decir que el disco sea igual, NO!, es igual en el sentido de que cada canción tiene el mismo poder que el primer tema, pero es diferente en cuanto a su atmósfera musical, Without a Conscience, Dying of Everything o By the Dawn tienen una base que arranca a 10.000 kms por hora y no se detiene, pero al escucharlas detenidamente, todas van por caminos diferentes; los guturales son cada vez más densos y eso se ve en Be Warned y The Wrong Time.

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Dying Of Everything no es un disco hecho de la noche a la mañana, cada tema está creado para ser devastador, y en este término “War” es la que sobresale, tiene una base rítmica lenta y a la vez exaltante, los solos de guitarra están muy en la línea de su anterior disco homónimo del 2017, gran labor la de Ken Andrews que ya lleva una década trabajando con la banda y es el miembro más nuevo. “My Will to Live” me recuerda un riff de la época clásica de Metallica, un tema un poco más lento pero muy bien logrado, “Weaponize the Hate” y “Torn Apart” nos transportan por momentos a 1997 cuando Back from the Dead salió a flote.

Vamos a resaltar la labor artística de Mariusz Lewandowski, un Polaco que se encargó de la portada del disco y que logró captar la esencia del mismo, lastimosamente murió el año pasado pero nos dejó está gran portada para el disco Dying Of Everything, la tapa del disco va muy de la mano con artes cómo The End Complete del 92 o World Demise del 94; la mezcla corrió a cargo del viejo amigo de la banda Joe Cincotta que ha trabajado con otras bandas del estilo cómo Suffocation al igual que con Obituary en anteriores grabaciones.

Para terminar, sólo quiero decir que si vas a escuchar el álbum de Obituary tratando de encontrar algo nuevo o diferente, estás en el lugar incorrecto, pero si quieres escuchar death metal con fuerza extrema a la vieja escuela, este es el disco para ti, estoy seguro que será uno de las mejores grabaciones de death metal del 2023.

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Iggy Pop – Every Loser (2023)
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Iggy Pop, La Iguana. nos da un repaso de su trayectoria musical con su nueva entrega Every Loser. El padrino del punk está de regreso, hace sólo 4 años que su último disco Free vio la luz, y ahora para inicios del 2023 Every Loser llega como si fuera un regalo de post navidad para los rockeros de antaño que hicieron su carta a los reyes magos y pidieron que este año llegue muy buena música, a lo que La Iguana responde: “Aquí estoy para cumplir sus deseos”.
El disco está a cargo de Andrew Watt como productor, aunque esto no es una buena señal, Watt hace un buen papel, el disco también cuenta con invitados de lujo, (quien no quisiera trabajar con Iggy), Dave Navarro, Duff McKagan, Chad Smith, Taylor Hawkins, Stone Gossard, Travis Barker entre otros.
Antes de empezar con el disco, quiero hacer una mirada global en el mundo clásico del rock en general, y analizar quien a los 75 años sigue rockeando con las bolas en alto y sin camisa? La respuesta es Iggy Pop, La Iguana se gana el respeto de todos sin duda alguna.
“Frenzy” es un tema con el sello Stooges: “I’m in a frenzy, you fucking prick, I’m in a frenzy, you goddamn dick”. ¿Quien más tiene este tipo de poesía bizarra, tosca y que aún tenga algo de repercusión en las mentes post punk?.
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“Strung Out Johnny” viene con elementos country mezclado con medios tiempos, una muy buena línea de bajo y excelentes coros.
“New Atlantis” es una canción dedicada a su ciudad adoptiva, Miami, en donde podemos apreciar una frase directa a los colombianos (“Colombian pushers and murderers”). Pensé que esto ya era historia patria, pero veo que no es así; está canción está más dedicada a la gente de Miami que aunque es pura y autentica, pronto será ahogada por el mar.
“Modern Day Rip Off” suena al viejo Alice Cooper en sus primeros discos, un tema muy movido y con partes de voces graciosas, no es algo nuevo en el, pero siempre le sale de maravilla; Morning Show tiene un estilo sureño, más enfocado a su carrera de inicios del 2000, en el habla un poco de su figura, de cómo pasa el tiempo y así darle cara para seguir su rumbo diario.
“The News for Andy” es el tema más corto y suena a una poesía cantada con un piano olvidado de un cabaret de paso. “Neo Punk” vuelva a patear el trasero, y nos recuerdo cómo han cambiado las cosas para este movimiento, ahora ya no necesitas ser punk de verdad para incitar a la anarquía, ahora necesitas verte cómo punk para llamar la atención y ganar buen dinero de la manera más fácil y superficial.
Podemos notar un ambiente más acoplado musicalmente en “All The Way Down”. Aquí la letra es más directa, Iggy nos muestra el mundo loco en el que vivimos; en “Comments” la sátira hacía las redes, en especial a Meta y su jefe Zuckerberg, son más que directas, y ni que decir si tienes una cara bonita, irás directo a Hollywood y tendrás tu futuro asegurado, sabías palabras de la Iguana.
“My Animus Interlude” no se sabe si es de relleno o que es lo que trataba de hacer, tendríamos que preguntarle, mejor dejémoslo así. Ya para cerrar llega “The Regency” con muy buenos cambios de tiempo y de entonación, y una letra en contra del gobierno, esto no es nuevo con Iggy, pero que bien que lo siga haciendo.
A pesar de que es un disco corto, Iggy nos da un repaso de toda su carrera con este disco, podemos pasar de finales de los sesentas a la actualidad en una sola canción, podemos ver las raíces de The Stooges mezcladas a la perfección con la carrera solista de Iggy, aquí nos damos cuenta cuando un artista no tiene que rendirle cuentas a nadie y hace las cosas por placer y convicción.

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KOLLAPS\E – Phantom Centre (2023)
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KOLLAPS\E es una nueva banda sueca de post-metal que ya había salido a escena en 2021 con un EP de dos tracks titulado “The Pandemic Sessions” lanzado de manera independiente. Ambas canciones están incluidas en este álbum debut, “Phantom Centre”, editado por el sello Trepanation Recordings. El grupo, oriundo de Helsingborg, empezó en 2018 como un proyecto musical que debió continuar su desarrollo atravesando el devenir del panorama sanitario mundial. Con claras influencias de sus compatriotas de Cult of Luna, el cuarteto conformado por Daniel Wallenborg (voz y guitarra), Peter Walefors (guitarra), Dennis Akensson (bajo) y Johannes Landgren (batería) ha iniciado el viaje en busca de crear su propia identidad. Hay que decir que el país escandinavo ya está convirtiéndose en una de las capitales internacionales del post-metal, con otros exponentes tales como Novarupta y Suffocate For Fuck Sake.

“Era” fue el primer single (más allá de los dos anticipos del mencionado EP) y rápidamente nos coloca frente al poderío de la banda: riffs contundentes y transiciones melódicas sobre las que se despliega un canto furioso. Como es típico del estilo, el bajo tiene una presencia muy marcada en la estructura compositiva y la batería se destaca por una precisión indispensable cuando los tempos abren amplios espacios. Un solo de guitarra emerge poco antes de la ralentizada conclusión brutal. “Beautiful Desolate” –segundo corte de difusión- persiste en un clima similar, embistiendo con más fuerza. El sonido general recuerda mucho a los primeros trabajos de COL: ritmos, armonías, melodías y estilo vocal. Esto no puede desagradar al público de dicha banda –como es mi caso- pero anhelo encontrar rasgos diferenciales que sobresalgan y “Uhtceare” parece ser el punto del trayecto donde van asomando con más claridad. Es un track instrumental muy bien elaborado y con matices melancólicos, que pasa por diversos momentos de gran intensidad para terminar apaciblemente.

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A continuación, “Anaemia” sigue enfatizando lo distintivo y hay que admitir que cuando se lo reconoce, es algo digno de mérito: no es fácil estar parados sobre los hombros de gigantes. Las texturas no se modifican demasiado, pero van apareciendo otras coloraciones. Así, “Bränt Barn Skyr Elden” explota tras una larga introducción y daría la impresión de que se eleva el nivel de agresividad. Aquí resuenan ecos de lo hecho por grupos como Hexis o Implore, y esa es una sensación que no había tenido antes, lo cual es bueno: otro signo de exploración y no de imitar un modelo.

Curiosamente, se podría pensar que gran parte de la esencia de la banda ya estaba destilada en los dos tracks que dieron a conocer el año pasado: “Radiant-Static” y “Murrain”, los cuales fueron escritos en plena cuarentena, al comienzo de la pandemia. Quizás eso, si bien dificultó la posibilidad de trabajar colectivamente, favoreció la introspección y el surgimiento de las ideas más personales, que parecen acentuar ciertos aspectos post-hardcore. De esta manera, con “Phantom Centre”, KOLLAPS\E ha dado el primer sólido paso en el camino a convertirse en otro exponente del post-metal sueco.

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Indepth – Ancient Architects (2022)
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Una dosis de death metal con tintes progresivos lanzó el mes pasado la banda mexicana Indepth. El disco Ancient Architects cuenta con 11 tracks que conforman un álbum de 56 minutos. Lanzado bajo el sello Concreto Records, en sus letras hallarás temas sobre mitologías de galaxias, apocalipsis terrestre y dioses que destruyen y crean planetas a capricho.

Si eres fan de grupos como Obscura o Beyond Creation este disco te interesa. Las melodías que otorgan los guitarristas Luigi Ponce y Fer Castro te dejarán un buen sabor de boca.
Considero que a diferencia del disco pasado, “The Endless Pursuit” del 2019, en éste se nota más madurez musical en la ejecución y creación de la música. Incluso dándose el lujo de hacer pasajes más instrumentales y emotivos como en “Coma Cluster”, que tiene partes con sintetizadores de violines o cuerdas.

La incorporación de un bajo fretless en el death metal, desde Steve DiGiorgio, ha provocado que una oleada de bajistas adopte el sonido a sus composiciones, y en Indepth no es la excepción. El trabajo que hace Nando Tovar es de primer nivel y me ha gustado que tenga un buen lugar en el sonido general de la mezcla del “Ancient Architects”, ya que puedes escucharlo cómo sigue las melodías de la guitarra o cuando refuerza el trabajo del baterista Dan Wolf.

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Pasando a las percusiones: la ejecución es sobria y bien hecha. Cumple en todo momento sin buscar competir con los demás instrumentos. Tampoco podría decir que “me encanta”, pero es justo lo necesario que requiere una banda de este corte.

El arte del disco fue hecho por el australiano Mitchell Nolte, quien ha realizado trabajos para Aborted y Mystifier, por lo que el nivel de textura en la obra de estos seres (¿cuervos?) resulta interesante.

En suma los oriundos de Aguascalientes, México, cumplen con creces en su tercera producción discográfica. Es un disco redondo en su temática y su propuesta. Mis canciones favoritas son “Coma Cluster”, “The Arrival II- Outer World” y “Ethereal Desert”.

Ojo: no es un disco para los que buscan brutalidad extrema, pero sí una melodía cargada de riffs aplastantes.

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Misþyrming – Með hamri (2022)
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El lanzamiento de álbumes en diciembre tiene algo de declaración de principios. Puede inferirse cierta intencionalidad de demostrar una falta de interés por ingresar en las listas de “lo mejor del año”, o incluso, desprecio por las reseñas. Cuando los medios especializados ya están cerrando el ciclo en curso, realmente hay que tener ganas de dedicarle tiempo a ediciones de último momento. Este disco vale la pena. Se trata del tercer álbum de Misþyrming, editado por el sello NoEvDia (Norma Evangelium Diaboli).

Islandia es una tierra tan idílica como tétrica, impresionante por donde se la mire y se la escuche. Allí supo nacer y prosperar un black metal sublime. Misþyrming, como la mayoría de los artistas de ese país, surgió de la ciudad capital, Reikiavik. Otros proyectos ya célebres provenientes de las mismas tierras son Svartidauði, Dynfari, Zhrine, Auðn, Mannveira, Kaleikr, Helfró y Nexion, por nombrar algunos, sin olvidar los inicios de Sólstafir.

La banda comenzó en 2013 y actualmente está constituida por Dagur Gíslason (voz, guitarra, piano y electrónica), Tómas Ísdal (guitarra y coros), Gústaf Evensen (bajo y coros) y Magnús Skúlason (batería). Sus dos discos anteriores fueron Söngvar elds og óreiðu (2015) y Algleymi (2019). En esas obras ya habían consolidado un sonido potente y elaborado, con una dosis precisa de brutalidad. Las letras acerca del sufrimiento, la muerte y el caos están escritas en islandés.

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“Með hamri” es un comienzo furioso, casi podría decirse, con reminiscencias de Slayer, hasta que una bruma corrosiva de blast beats y riffs retorcidos se nos viene encima. Hablando de ecos, también surge cierta cadencia hardcore, o hasta D-beat, que denota una apuesta por todo lo “old school”, algo que es confirmado por el solo de guitarra al estilo thrash. Este recorrido nostálgico es afirmado por la propia banda, que proclama, casi a modo de manifiesto, “el sonido del tacón de hierro del black metal pisoteando el rostro de la modernidad musical”, algo que no parecía ser así en sus trabajos anteriores. De hecho, el segundo track, “Með harmi”, ya suena bastante moderno, mucho más melódico, y recuerda a lo hecho por grupos como Mgła y Uada. El ritmo baja y las formas son menos vertiginosas, aunque la voz siempre es agresiva. Hay momentos de particular lentitud, con mayores espacios, a la vez que la electrónica adquiere preeminencia hacia el final.

“Engin miskunn” empieza con una actitud progresiva hasta que todo se acelera hacia el caos y retorna esa impresión de querer volver a la crudeza de las raíces. Sin embargo, el mérito de Misþyrming reside -irónicamente- en no hacerlo de una manera precaria: es imposible desprenderse del hecho de ser una banda relativamente nueva y profesional, con todo lo que eso implica. Lo que sí consiguen, entonces, es una síntesis, una música que emerge desde el presente, con una simpatía clara por el pasado. La incorporación del elemento noise, que regresa en este track, da la pauta de tal combinación.

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Luego, “Engin vorkunn” marca un cambio significativo, con un inicio ritual que abre paso a una canción de bastante groove, que lleva a un headbanging compulsivo y vuelve a remitir a referencias contemporáneas dentro del género. Todo se desarrolla acompañado por algo similar a un susurrante “coro” misterioso. La batería casi marcial de “Blóðhefnd” sorprende y es bienvenida. Se va construyendo la composición muy despacio, con la incorporación de cada nuevo elemento. Lo interesante es que todo es bastante monótono, hasta que irrumpe -ahora sí- un coro en sentido estricto, casi angelical, totalmente alejado de la explosión que se podría haber anticipado.

El piano que inaugura “Aftaka” es grave y opresivo. Después aparecen las guitarras con una sonoridad perforante y un bajo que se impone. La percusión vuelve a tener ímpetu ceremonial para finalmente dejar que se desplieguen los oscuros riffs de otro track avasallante. A medida que va terminando, la canción expone el riff principal (y algunas variaciones del mismo) en todo su esplendor, alternándolo con momentos cataclísmicos. Así culmina un álbum excelente, de poco más de 43 minutos, que -a pesar de todo- había que reseñar en diciembre.

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