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Ninth In Pluto – Ninth In Pluto (2022)
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No puedo decir que es un mal disco el de Ninth In Pluto, porque tengo debilidad por la cultura nipona. Sin embargo, hay algo que tras escucharlo varias veces no termina de gustarme. Tal vez sea el desmesurado esfuerzo de la productora (Tune Code Japan) de crear una banda para vender merchandising. Es que desde las fotografías de los miembros de la banda, hasta la página oficial de Ninth in Pluto se hace imposible no imaginarse un live action de un anime de poca monta. NIP era conocido hasta hace pocos años como Ninth. La banda atraviesa varios estilos musicales, fusionando el deathcore con elementos melódicos propios del rock del país del sol naciente.

La banda es reciente, se lanzó el 29 de abril de 2022, según puede leerse en su página web oficial tomaron como concepto la “Cualidad malévola que los humanos no deberían tener. ¿Por qué los humanos entran en conflicto y no pueden entenderse entre sí?”, y es que yo tampoco lo entiendo. 

“End of the World” es el tema con el que abren este primer álbum de nueve temas. Ingresamos a una atmósfera misteriosa hasta el primer corte de guitarra, que logra mantener una melodía monótona en consonancia con la voz de Zero (Akai Kutsu), el cuál si logra un buen nivel de guturales. Le sigue “Unwilling”, intenta aportar mayor ritmo al disco, pero sigue sin consistencia, tal vez lo más interesante del tema lo encontramos en el puente, pero la armonía decae al incorporar los coros y el estribillo sobre acelerado.

“Venom” es uno de los únicos temas del disco que logra alcanzar la calidad necesaria como para comprender a la banda de forma orgánica. La voz de Zero se ensambla muy bien con la proyección armónica de la canción, el riff de guitarra de Yosuke (Sunawachi Saga) acompaña prolijamente la atmósfera densa que intentan reflejar.  En “Discode” la agresividad se mantiene, la banda logra un buen ensamble. Nuevamente se destacan momentos bien cronometrados entre la agresividad y las melodías armónicas.

“月蝕”, el quinto tema, inicia con una melodía que denota la formación musical de sus miembros. Durante los primeros segundos que nos introducen al tema escuchamos un piano que mantendrá la base musical de todo la canción. Se destaca la impresionante energía que Raika descarga en la batería. “Gemini” continua manteniendo una melodía sostenida en el piano, la cual mantiene una especie de suspenso que es cortado abruptamente para introducirnos en una atmósfera terrorífica.

“Ruin” podría funcionar muy bien como corte de difusión en medios occidentales. Es un tema prolijo, con una introducción pegadiza que te pone a mover la cabeza en seguida,  y te recuerda en algunos casos al opening de un anime. “Hollow” tiene una impresionante intro de guitarras, que amalgaman muy bien con la velocidad propuesta en la batería de Raika y el bajo de En. “Hades Euphoria” es el tema con el que cierra el disco, escuchamos una introducción que nos sumerge en una atmósfera de ciencia ficción. La canción mantiene una fuerza poderosa hasta el final, donde retoma la calma melodía del inicio.

Sin ánimos de ofender a ningún fanático, creo que Ninth in Pluto es una banda que promete mucho y logra poco. Si bien la formación musical de sus miembros es destacable, y la presentación como banda “visual” quizás brindé un buen espectáculo en vivo, su primer disco es más que olvidable.

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Amon Amarth – The Great Heathen Army (2022)
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Es bastante llamativo como de unos años a esta parte, los vikingos suecos Amon Amarth, han conseguido pasar de ser una banda respetada y destacada dentro del metal europeo, a directamente ser una de las más grandes y populares dentro del mismo.

Para muestra de ello, no sólo encabezan los escenarios medianos de muchos festivales en el viejo continente, si no que para su próxima gira europea prevista para invierno, han conseguido llevarla a cabo ni más ni menos que junto a los californianos Machine Head en igualdad de condiciones, algo que evidencia que estos tipos se encuentran en el mejor momento de su historia.

Con casi tres décadas a sus espaldas, la banda vuelve este 2022 con el que es ya su doceavo disco de estudio “The Great Heathen Army”, para demostrarnos que aún tienen mucho que decir con su feroz combinación de viking, death metal melódico y ciertas pinceladas actuales.

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En este nuevo disco se podría decir que la banda recupera un poquito el sonido más “clásico” pero manteniendo esa producción actual que les ha puesto por encima de compañeros como In Flames, Ensiferum o Turisas a nivel de popularidad.

Escuchando el disco y con cortes tan poderosos como la inicial “Get in the Ring”, ya podemos darnos una idea de que estos tipos no han perdido un ápice de fuerza con los años y que sus canciones suenan igual de agresivas pero con las dosis justas de melodías, tal y como cuando empezaron.

Johan Hegg, sigue cantando de forma impecable con esos guturales infernales que nos estremecen una vez que damos play a una canción de Amon Amarth, es ya la seña de identidad de la banda, su potente voz y se diferencia de otros compañeros de profesión, haciendo que sea muy sencillo identificar las canciones de la banda.

Amon Amarth, han sabido combinar lo mejor del death metal melódico con ciertos riffs actuales y contando las clásicas historias relacionadas con la mitología vikinga, dando como resultado un disco pesado, intenso y posiblemente de lo mejor y más completo que hayan grabado en mucho tiempo.

Llama la atención que para el corte “Saxons and Viking”, hayan contado con la colaboración ni más ni menos que de Billy Byford, voz y líder de los míticos Saxon, dando aún más sentido al titulo del corte y creando una buena dupla vocal junto a Johan, siendo uno de los mejores temas del disco.

Por otro lado en cortes como “Oden Owns You All”, la banda se desmarca con un pelotazo que combina el viking con toques del metalcore de bandas como Trivium o Killswitch Engage, dando como resultado un corte cargado de energía y destreza instrumental.

Y seguramente “Dawn of Norsemen”, sea de lo mejorcito que podamos encontrar el disco, en donde se evidencia el poder que tienen estos tipos a nivel musical y lo inspirados que han estado a lo largo de estas nueve canciones.

Los suecos, han creado una obra muy completa, que en mi opinión supera a sus dos predecesores (Jomsviking de 2013 y Berserker de 2019) y sigue justificando el tirón popular que tienen y que posiblemente aumente aún más con esta nueva y destacada obra, la cual es desde ya uno de los mejores discos del año y de lo más destacado de la banda en lo que llevamos de década.

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Tombs – Ex Oblivion (2022)
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Tombs
, la banda neoyorquina de post-metal, acaba de lanzar un nuevo EP titulado Ex Oblivion, nuevamente a través del sello Season of Mist. El trío actualmente formado por Mike Hill (voz y guitarra), Drew Murphy (voz y bajo) y Justin Spaeth (batería) sigue haciendo gala de su idea de que el prefijo “post” colocado antes de “metal”, más que remitir a un campo poblado por ciertos grupos con un estilo determinado, significa estar más allá de cualquier restricción para poder hacer lo que tengan ganas: desde combinar géneros hasta grabar cinco pistas tan diferentes entre sí que parecen de cinco bandas distintas. Cabe señalar que así como Hill fue el iniciador del proyecto, Spaeth se encargó de la grabación y mezcla en Tombs Metal Compound de todos los tracks excepto los dos últimos en la lista.

Hill siempre sostuvo que su intención fue, desde el principio, hacer la música que le gustaría escuchar y no atarse a ningún estilo en particular. Todo lo que sonara oscuro y le sirviera como medio expresivo en distintos momentos de su vida era válido para Tombs. Así, a lo largo de la trayectoria del grupo se fueron percibiendo las influencias, no solamente del black metal, sino del goth rock y el death rock de bandas como Fields of the Nephilim y The Sisters of Mercy, y también de la prolífica escena de la música avant-garde de Nueva York.

“Ex Oblivion”, el single con videoclip propio, suena a esa mezcla equilibrada y enérgica entre estilos que acabamos de mencionar. Le sigue “Killed by Death”, clásico de Motörhead, que tiene aquí otra versión bastante fiel a la original, con Dan Higgins (Hammerfight, Enginehead) como guitarrista invitado. A continuación, “Commit Suicide”, un cover de G.G. Allin, irrumpe en la forma de una canción con actitud hardcore punk. “Sombre Ruin” resulta mucho más disruptiva, con una sonoridad electrónica, industrial, bastante sorprendente en el contexto general. Se trata de un remix de una canción del álbum Under Sullen Skies (2020). Finalmente, “Murder Legendre” tiene a Dwid Hellion (Integrity) tocando el piano modificado e incorporando el elemento noise a un track mucho más tétrico, para terminar con un EP que parece simbolizar el deseo de hacer lo que sea (y efectivamente, poder hacerlo).

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Krisiun – Mortem Solis (2022)
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Si hay algo en lo que todo el mundo podría estar de acuerdo para reconocerle a Krisiun es la constancia. El hecho de que este trío brasileño se haya mantenido adelante durante más de tres décadas con casi la misma formación y editando material de manera razonablemente regular es algo que diría que es hasta admirable, considerando lo salvaje y caníbal que suele ser el mundo del metal extremo latinoamericano.

Teniendo ya en mis manos (o, mejor dicho, en mi disco duro) a Mortem Solis, el flamante decimosegundo LP de estos oriundos de Rio Grande do Sul, y pudiendo darle play, también se puede comprobar que esa constancia se sigue extendiendo a la música en sí. Y es que los hermanos Kolesne / Camargo, como unos AC/DC, unos Slayer o unos Cannibal Corpse del death metal brasileño, no suelen dejar muy a la imaginación cómo va a sonar cada nuevo lanzamiento: escuche dos de sus discos al azar y lo más seguro es que, grosso modo, pueda dilucidar sin problemas la onda de cada uno de sus nuevos lanzamientos de estudio.

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Lo de Krisiun es pura brutalidad, blasfemia y blast beats, y lo ha sido desde el principio de su carrera: si uno quiere su death metal más experimental o más dado a tomar riesgos lo mejor es que vaya a escuchar Gorguts o Imperial Triumphant, porque estos brasileños no están muy interesados en explorar los límites del género. Claro que esto tiene sus ventajas: nunca habrá que preocuparse por que decidan sacar de la nada un Illud Divinum Insanus, un The Unspoken King, un Promise o demás traspiés que otras leyendas del género han cometido al querer darle una vuelta de tuerca a su sonido. 

Sin embargo, he leído más de una reseña que interpreta esta fidelidad a su sonido original menos como “constancia” y más como “repetición”, así que sé que esto no es algo del gusto de todo el mundo. Además, también significa que la suerte que correrá cada uno de sus discos arranca y termina en qué tan inspirado esté el trío en ese momento. Así que de la misma manera que pueda tener bombazos como Conquerors of Armageddon (2000), AssassiNation (2006) o Southern Storm (2008), también pueden tener otros no tan bien recibidos y considerados, como Bloodshed (2004) o Forged in Fury (2015): todo tiene que ver con lo bien engrasada y ajustada que esté la máquina gaúcha de death metal.

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“Sworn Enemies” comienza el álbum exactamente de la manera que uno se esperaría: la guitarra de Moyses Kolesne escupiendo un riff serpenteante, la batería de Max Kolesne demostrando su dominio de los blast beats, y las voces entre guturales y gritadas de Alex Camargo, quien además se mantiene a la par de los riffs con sus punteos precisos en el bajo. Es un inicio más que correcto para el disco, con una interesante sección melódica en el medio, y la calidad se mantiene en la siguiente “Serpent Messiah”, que sigue este sonido clásico de puro Krisiun en sus riffs brutales.

Me repetiría mucho si hablara de cada una de las canciones: como bien establecí antes, Krisiun no es una banda muy interesada en meterle muchas variantes a su fórmula. Pero quería mencionar un par de tracks específicos, como para destacar algunas instancias individuales, como por ejemplo “Necronomical” y su inicio de bajo y batería que parece perfecta para las presentaciones en vivo, a la que agregan un riff de guitarra cortante y preciso.

Tampoco podía pasar por alto los momentos thrasheros de “War Blood Hammer”, ni la final “Worm God”, con esa introducción melódica donde los brasileños logran demostrar su valía como compositores por fuera del death metal más brutal. Y ya que hablamos de melodías, hay que mencionar el interludio “Dawn Sun Carnage”, que con sus melodías del Cercano Oriente bien puede recordar a la carrera solista de Karl Sanders (Nile) como a algún track perdido de la banda sonora de Age of Mythology, y lo digo con la mejor de las intenciones.

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Con 40 minutos y monedas, Mortem Solis dura lo justo y necesario para un disco de Krisiun, sin que ningún track se alargue más de lo debido ni que se sienta que haya algo que hubiera estado bueno cortar del producto final. Y es para destacar a Mark Lewis (Whitechapel, The Black Dahlia Murder, Rings of Saturn), quien tuvo una labor espectacular encargándose del sonido del álbum, permitiendo que cada instrumento se escuche fuerte y claro.

Con Krisiun es fácil saber lo que uno recibirá, y Mortem Solis es otro gran capítulo en la historia del trío lucha por el (death) metal. Está claro que no ganará ningún fan nuevo y que si uno no es ya fan de la onda del grupo entonces no encontrará mucho, pero personalmente creo que es un muy buen trabajo, uno muy recomendable de parte de una de las exportaciones al exterior más grandes del metal brasileño.

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Icxitonttli – Terra Existence (2022)
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En su más reciente producción, Icxitonttli hace un repaso por casi toda la gama de sonidos dentro de la primera y la segunda ola del black metal escandinavo y lo comprime en una producción lo-fi que nos recuerda al Eternal Hails….. de Darkthrone.

Terra Existence es el nombre de este nuevo material de 46 minutos de duración. A lo largo de 10 tracks Berith Kallpell, líder del proyecto originario de Toluca, México, acompañado de Jazel García, nos propone un sofocado universo de misterios galácticos y primigenios cultos satánicos, con un cierto sabor lovecraftiano que retumba en el corazón mismo de varios de los riffs más pegajosos que ha escuchado el metal mexicano este año.

El inicio del disco no alcanza a capturar del todo las ambiciones sonoras del trabajo, pues su primera canción Return of the Golden Age aunque con cierta influencia melódica de Dissection augura algo un poco más genérico. Rápidamente el material empieza a tornarse más estilizado con Satan, Lord and Master con cambios en la estructura de la canción y un pasaje que recuerda a Lost City of Uppakra del anteriormente mencionado Eternal Hails….., que sin imitar el sonido de los noruegos en su último album, se nota una ambición similar al tratar de rendir tributo al sonido, percusiones y ambientes de los congelados clásicos del género como Immortal, Azazel, Satyricon, Marduk, Emperor e incluso los primeros álbumes de Dimmu Borgir.

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Es a partir de este punto que el repaso por aquellos estilos seminales se comienza a apreciar, como la escuela melódica a través de canciones como Astral Dimensions o Sealing Our Pact; la escuela más rocanrolera con Darkness be my Guide Collective Shit y la epicidad de las canciones más grandilocuentes de las primeras olas con Sirius, Orion, Pleiades y Part II, Enter Cosmos… Alpha Centauri. 

De alguna manera, esto no se va sin mencionar que en algunas de las ocasiones el disco parece caer en ciertos clichés que son un poco más difíciles de ignorar hoy en día, pero lo que es innegable es que a pesar de ser un trabajo que en forma no presenta algo innovador en sí mismo, tiene el mérito de ser uno de estos proyectos de la segunda década de este siglo que parecen haber digerido el arte del lo-fi en un trabajo que suena tanto conciso como descuidado, una característica que siempre nos fascina a los amantes del black de la vieja escuela.

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Ashenspire – Hostile Architecture (2022)
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Hostile Architecture es el segundo full-length (además de dos singles) de este colectivo escocés de RABM (“Red Anarchist Black Metal”) avant-garde. Ya desde el principio es obvio que el posicionamiento político anticapitalista y antifascista forma parte de la propuesta integral del proyecto. Sin embargo, resulta llamativa la insistencia en el uso de la etiqueta “black metal”, cuando, en verdad, si bien algo del estilo puede percibirse, la música de Ashenspire suena a algo distinto, una mezcla entre Daughters, Alexis Marshall, BRUIT ≤, Godspeed You! Black Emperor y algunos proyectos de John Zorn, solo por nombrar algunas coordenadas. Chat Pile, una banda más reciente, también tiene varios puntos de contacto. Aunque la comparación pueda ser pertinente, no suena a lo que hace White Ward, por ejemplo. Las voces no son como ninguna de las variantes típicas en el black metal, y rara vez la guitarra o la batería despliegan los recursos estilísticos propios del mismo. Si a eso le sumamos la instrumentación no convencional (violín, piano preparado, Rhodes, saxo y dulcimer martillado), daría la impresión de que etiquetarse con esa categoría puede deberse a un deseo de contrariar a lo más rancio de dicha escena musical. Si por un momento dejamos de lado esa posible intención, diríamos que la banda ejecuta un metal alternativo, experimental y progresivo. El line-up del grupo en este trabajo incluyó nueve integrantes.

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La idea del disco es musicalizar el drama del capitalismo tardío, más específicamente, las consecuencias de la estratificación social y la opresión estatal en los contextos urbanos. De allí el título del álbum, que remite a la agresividad simbólica representada en los espacios plagados de construcciones de estilo brutalista o posmoderno, absolutamente utilitarias, funcionales a una organización foucaultiana de las masas populares, que solo valen por su fuerza de trabajo. A eso se suma el rechazo visceral que las autoridades tienen hacia las disidencias y su ataque a la marginalidad.

“The Law of Asbestos” empieza con melancólicas melodías de dulcimer, saxo y violín, que evocan sentimientos de decadencia histórica. El conjunto de batería, bajo y guitarra suena compacto, con gran calidad técnica y nitidez en la mezcla, imponiéndose con mucha fuerza. Hace su aparición el piano preparado. La voz mantiene una actitud discursiva, declamatoria, dando lugar a protestas y diatribas; el “canto melódico” es mínimo. De hecho, y tal como sucede con otras de las referencias mencionadas, lo que hacen los vocalistas parece tributario del estilo cultivado por Henry Rollins. En “Béton Brut” la voz tiene mayor histrionismo y la base rítmica recién adquiere tintes más usuales en la música extrema. La línea de bajo logra destacarse siempre.

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“Plattenbau Persephone Praxis” disminuye la intensidad, hundiéndose en una atmósfera más introspectiva, con un piano preparado. La batería sorprende en pasajes donde demuestra una expresividad diferente y disruptiva, hasta que vuelve a acelerarse. El saxo cobra mayor preponderancia. El comienzo coral de “How the Mighty Have Vision” resulta sorprendente, sobre todo cuando se incorpora la voz solista, generando un clima operístico. Le sigue “Tragic Heroin”, el single con videoclip y una de las canciones más crudas y directas, aunque no por ello menos emotiva. Cabe señalar que aquí hallamos un estribillo más cantado, en sentido estricto. “Apathy as Arsenic Lethargy as Lead” sigue explotando la veta más contundente y el canto tiene más vuelo.

“Palimpsest” vuelve a cambiar el escenario, ya que es un track instrumental con un enfoque casi de jazz. Es raro que no se le aplique a Ashenspire la etiqueta de “jazz noir” o “dark jazz” que está tan de moda últimamente. Todo termina con “Cable Street Again”, con el Rhodes sonando, y aquí la teatralidad nos recuerda a otras propuestas más emparentadas con el black metal, en especial las bandas polacas Furia y Odraza. Hacia el final todo va escalando, con dedicado aporte del violín (permanente en todas las pistas) hacia un clímax que luego decae, cual retorno a la triste realidad. “Hostile Architecture” es una obra que vale la pena escuchar y apreciar globalmente, atendiendo no solamente a la música, sino también al mensaje.

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Oceans Of Slumber – Starlight and Ash (2022)
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Si uno tuviese que nombrar a algunas de las bandas de metal y derivados, más interesantes a lo largo de esta década lideradas por una mujer (sin contar a Jinjer, los conocemos todos) esas serían Sumo Cyco desde Canadá, Semblant desde Brasil, Infected Rain desde Moldavia, Skarlett Riot desde el Reino Unido o Nervosa entre otras agrupaciones destacadas.

Pues bien, a este grupo de ilustres nombres habría que añadirle el de los tejanos Oceans Of Slumber, quienes con su explosiva y compleja mezcla de gothic, metal progresivo, melodeath y sonidos propios del southern, han conseguido colarse como una de las bandas más interesantes y originales de la década dentro del metal.

Ya desde su segundo y majestuoso disco (“Winter” de 2016), cuando Cammie Beverly (anteriormente Gilbert), la banda dio un salto de calidad en su sonido muy grande y que se ha mantenido hasta el día de hoy.

Después de una obra maestra como su disco homónimo del 2020, muchos éramos los que estábamos expectantes ante el nuevo material de los norteamericanos y lo cierto es que no han defraudado en absoluto, es más diría que han dado un paso más en su evolución como banda.

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Es cierto que si lo comparamos con sus trabajos previos, está claro que es el disco más “accesible” de Oceans of Slumber hasta la fecha, y matizó las comillas, porque estamos lejos de escuchar un disco “Radio Friendly” , es cierto que las composiciones de 6 o 9 minutos han dejado lugar a otras más directas de 4 o 5 minutos, pero esto no quita ni un ápice de calidad a la banda.

Los pasajes progresivos siguen muy presentes, pero se van mezclando con sonidos más góticos y el resultado es igual de fantástico que en entregas anteriores, Cammie sigue demostrando su versatilidad como vocalista y lo mismo te eriza la piel con sus tonos más melódicos que te noquea en sus momentos más agresivos.

Si en “Hearts Of Stone”, vemos el lado más gótico de la banda y lo bien que se desenvuelven en él mismo, en canciones como “The Lighthouse”, podemos observar tonos más cerca del soul por parte de Cammie y el resultado es igual de notable.

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En el medio, podemos encontrarnos quizás la parte más melódica del disco gracias a cortes como “The Hanging Tree”, que si bien no sorprende, aprueba con nota la intención de esclarecer el enrevesado sonido de la banda, otras como “Salvation”, presentan un tono más grandilocuente y con un resultado más sólido, lo mismo que “Just a Day”, con una presencia del piano bastante buena y unos tonos cercanos al doom muy potentes y que seguro harán las delicias del sector más “heavy” de sus seguidores.

La versión de la archi-conocida “House Of The Rising Sun”, es correcta pero sin ninguna sorpresa excesiva y el final con “The Shipbuilders Son”, llega justo a tiempo para poder cerrar el disco y que el oyente empiece a procesar todos y cada uno de los matices musicales que el mismo presenta.

Es curioso, porque si bien es el disco menos “heavy” que han hecho, lo cierto es que en cierto modo puede ser de los más pesados e intensos que hayan grabado hasta la fecha, lo cual les reafirma como una de las mejores y más destacadas bandas de la última década dentro del metal y sus derivados.

Cammi y compañía han vuelto a crear una joya compleja y a la cual debes dedicarle el tiempo que merece, ya que el nivel compositivo y musical aquí mostrado está a día de hoy, al alcance de muy pocos.

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Scarcity – Aveilut (2022)
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“Aveilut” (palabra hebrea que significa “luto”) es el álbum debut de este proyecto estadounidense de black metal experimental al que claramente le caben las etiquetas de avant-garde, drone y la categoría autoimpuesta de “microtonal”, en el marco de unas “meditaciones acerca de la pérdida y la resistencia”. La obra editada por el sello The Flenser, es resultado -fundamentalmente- de la creatividad y talento del multi-instrumentalista Brendon Randall-Myers, oriundo de Brooklyn, y actualmente, también director del Glenn Branca Ensemble, desde el fallecimiento, en 2018, del reconocido compositor y guitarrista que exploraba en sus sinfonías las posibilidades de los usos no convencionales del instrumento y las armonías logradas microtonalmente.

Randall-Myers compuso el disco durante la peor etapa de la pandemia de COVID, mientras asimilaba las muertes repentinas de dos personas cercanas a él. La enfermedad golpeó muy fuerte a Nueva York y eso se refleja en la música, como resignación ante la realidad innegable de la amenaza constante de la muerte. Para completar la formación de Scarcity, se incorporó el vocalista Doug Moore (Pyrrhon, Weeping Sores, Glorious Depravity y Seputus) quien, a su vez, atravesó la cuarentena viviendo al lado de una casa funeraria neoyorquina.

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Técnicamente, el sonido de Scarcity se construyó empleando 72 divisiones de la octava, afinaciones alternativas, politonalidad, repetición, fenómenos psicoacústicos y “macrofrases”, todo para tratar de evocar la inmensidad del duelo, el vacío existencial que se vivencia cuando el sufrimiento nos lleva a la estupefacción y causa entumecimiento. El concepto de “riff” queda disuelto en una neblina escabrosa. Las letras tienen un contenido acorde a los tiempos de crisis sanitaria: las catástrofes causadas por elementos que escapan a nuestro control y encuentran en la muerte un destino inevitable.

La furia en la voz de Moore (de interesante amplitud de registro) se entrama con el resto de las líneas sonoras dando lugar a una composición de 45 minutos que, si bien está dividida en cinco tracks con numeración romana, constituye una totalidad. En la serie, I posee un aura introductoria, III funciona como una suerte de depresión en un trayecto continuo, que se profundiza en IV, retomando un motivo ya expuesto en II, para volver a escalar en V y llegar a un final casi cinematográfico. Se trata de una música textural, de superficies sensibles, de tejidos orgánicos en decadencia. Es un black metal con influencias provenientes de la obra de Branca y el trabajo de Randall-Myers con orquestas. Se nota una búsqueda que recuerda a la de proyectos como Liturgy o los últimos álbumes de Blut Aus Nord.Resulta interesante que en Scarcity encontramos a un artista que viene de la escena de la música contemporánea. Hace tiempo ya, muchas bandas vienen empleando, a modo de “novedad”, recursos que fueron profusamente desarrollados por mentes como las de Ligeti, Xenakis, Cage, Berio, Stockhausen, Penderecki, Boulez, Reich, solo por nombrar algunos, y aunque quizás no todos los proyectos los tengan como referencias, seguramente son conocidos por Randall-Myers.

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En este sentido, es posible arriesgar la hipótesis de que para un creador proveniente de la escena de la música microtonal contemporánea con intención de incursionar en el metal, el black metal –particularmente- apareciera como la opción más natural, por la importancia dada al trémolo y los ritmos acelerados. De esta manera, las múltiples y diversas guitarras ejecutan tal técnica (entre otras) de manera minuciosa y precisa, mientras la batería y el bajo construyen una red sónica incesante, haciendo que todo adquiera cualidades espectrales. Con el aporte de los gritos, “Aveilut” condensa proporciones similares de angustia, desesperanza, ira y dolor, en una obra que asumió un riesgo fatal y bienvenido. Un trabajo que conjura fantasmas, el rol estructurante de la falta, el recuerdo como presencia de la ausencia, la inercia del deseo de permanecer a pesar de la insoportable finitud de la vida individual.

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Mourir – Disgrâce (2022)
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Animal Bouffe Animal
(2020) fue el excelente disco debut de Mourir, esta banda francesa de black metal oriunda de Toulouse, que comenzó como un proyecto paralelo de Olivier Lolmède, bajista de la banda Plebeian Grandstand, del mismo estilo y origen. Así, esa primera obra reflejó sobre todo el trabajo compositivo de este músico, si bien el grupo se conformó como un cuarteto, donde él canta y toca la guitarra. Ahora nos hallamos ante Disgrâce, el segundo full-length de Mourir, nuevamente editado por el sello Throatruiner Records.

Otra vez, seis tracks son más que suficientes para desarrollar la propuesta de esta banda consolidada como tal, ya desde el aspecto creativo. Hablamos de un black metal melódico y atmosférico, atravesado por el existencialismo tan propio de la filosofía francesa. Volvieron a trabajar junto a Amaury Sauvé, que grabó la música en vivo y la mezcló en The Apiary Studio, para que luego la masterizara Thibault Chaumont en Deviant Lab, ambos estudios en Francia. Chaumont realizó la misma labor en la producción de los álbumes de Plebeian Grandstand.

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El comienzo con “La Pluie, Le Torrent, La Boue, Le Vent, La Lave” es lento, pesado, oscuro y va allanando el camino hacia un siniestro escenario donde interactúan riffs hipnóticos y voces tenebrosas, que oscilan desde agudos alaridos hasta gritos cavernosos. El ritmo se acelera en algunos pasajes. “Que De Chemins Minables” es un track más rápido y agresivo, con un pronunciado corte que deja espacio para que sobresalga el trémolo de las guitarras. El despliegue de la batería también es digno de mención.

“De Pisse Et D’Orgueil” vuelve a bajar la velocidad, introduciendo cierto groove y voces histriónicamente diversas. La música de Mourir es una constante demostración de dramatismo. Por momentos, la voz suena sobre la base que le proveen solamente las guitarras, y luego hay lapsos en los que el canto se monta exclusivamente sobre la base rítmica, con un bajo que resalta como nunca antes. Luego, “Bâtards Égarés” irrumpe como un ataque frontal, una implacable ola de bilis negra.

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Con “En Flammes” ya percibimos un patrón, una organización palpitante en la secuencia de los tracks. La alternancia entre tempos le da al conjunto una cualidad que remite a las variaciones en los latidos del corazón de acuerdo a las vivencias, acentuando el aspecto emocional en la música de Mourir. Varios compases de guitarras solitarias le dan un toque distintivo a la canción, aunque el mismo recurso se reitera en “Soit”, con partes casi teatrales. Este track final tiene momentos en los que asoma un ánimo por explorar recursos no tan evidente con anterioridad.

“Disgrâce” es otro gran disco de una banda que se posiciona como otro referente en el panorama del black metal francés y mundial. Si bien no podría decirse que supera a su predecesor, sí es posible afirmar que refuerza la identidad del proyecto. Habrá quienes repitan hasta el hartazgo que no hay nada nuevo bajo el sol; sin embargo, a veces surgen bandas que, al escucharlas, no es tan sencillo asociarlas automáticamente con otra más famosa. Mourir es una de ellas y eso es un mérito. Un álbum que se suma a los más destacados en lo que va del año.

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Vëlla – Entity Vol.1 (2022)
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Tras un acertado y sorprendente debut, los portugueses Vëlla, vuelven con un nuevo EP, para demostrar que son una de las bandas actuales más destacadas del país vecino.

De la mano de Art Gates Records (Noctem, Mind Driller), los chicos no han parado de trabajar durante la pandemia y cuentan que realmente este era el primero de dos Ep’s que deberían haber sido la continuación de su álbum debut.

Como curiosidad decir que cada tema, parece estar inspirado en un estado de ánimo lo que puede dar lugar a pensar de que es un trabajo conceptual, pero no podemos confirmarlo, aunque tendría todo el sentido del mundo.

El disco se abre con “Of Excess” y ya podemos comprobar que los chicos no han perdido la mano a la hora de hacer cortes furiosos con estribillos melódicos que equilibren a las canciones.

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Este en particular, destaca por un estribillo que podría ser obra de bandas como The Amity Affliction o los We Came As Romans más cañeros y se adorna con un breve y bonito sólo de guitarra que hará las delicias de los seguidores de este estilo que navega entre el metal moderno y el screamo-core.

La machacona base de “Of Fate” parece coquetear con el sonido de los Avenged Sevenfold del Hail To The King pero enseguida la voz Pedro Lopes se desmarca y se aproxima más a un tono entre el post-hardcore y el groove metal, pudiendo gustar a un fan de A7X o Trivium, así como a uno de Parkway Drive o While She Sleeps. Es aquí, quizás donde radique la grandeza de esta banda, en saber tocar diversos estilos y cuajarlos con la convicción suficiente pero sin dejar de aportar su personalidad propia.

“Of Lament”, seguramente sea el corte más pesado del disco y que alegrará a la sección más heavy de sus seguidores, con unas guitarras afiladísimas y unas voces guturales infernales que invitan al pogo y al headbanging desde el minuto uno en el que pulsas “play” a la canción.

“Of Savagery”, cumple con lo visto en las canciones anteriores y el disco se cierra con la brutal “Of Rebith”, que a pesar de un comienzo lento, enseguida va subiendo los decibelios gracias a la colaboración vocal de Lucas Bishop (vocalista de Dawnfall Of Mankind, una de las bandas de slam deathcore más importantes de Portugal) y la conexión con Pedro a nivel vocal es simplemente fantástica, dando como resultado el corte más intenso del disco a nivel tanto de composición como de voces e instrumentación, siendo seguramente el mejor tema del EP.

El disco gustará a todos los que estén familiarizados con la banda y con los estilos que manejan, quizás lo único “negativo” sea la duración, que se antoja corta, aunque es lógico tratándose de un Ep y desde ya esperamos con muchísimas ganas la segunda parte de este trabajo y de ver que más tienen para ofrecernos Vëlla, porque por lo visto en su debut y en este Ep, calidad para despegar tienen de sobra y pueden llegar a sorprender muy pronto.

 

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Ninth In Pluto – Ninth In Pluto (2022)
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No puedo decir que es un mal disco el de Ninth In Pluto, porque tengo debilidad por la cultura nipona. Sin embargo, hay algo que tras escucharlo varias veces no termina de gustarme. Tal vez sea el desmesurado esfuerzo de la productora (Tune Code Japan) de crear una banda para vender merchandising. Es que desde las fotografías de los miembros de la banda, hasta la página oficial de Ninth in Pluto se hace imposible no imaginarse un live action de un anime de poca monta. NIP era conocido hasta hace pocos años como Ninth. La banda atraviesa varios estilos musicales, fusionando el deathcore con elementos melódicos propios del rock del país del sol naciente.

La banda es reciente, se lanzó el 29 de abril de 2022, según puede leerse en su página web oficial tomaron como concepto la “Cualidad malévola que los humanos no deberían tener. ¿Por qué los humanos entran en conflicto y no pueden entenderse entre sí?”, y es que yo tampoco lo entiendo. 

“End of the World” es el tema con el que abren este primer álbum de nueve temas. Ingresamos a una atmósfera misteriosa hasta el primer corte de guitarra, que logra mantener una melodía monótona en consonancia con la voz de Zero (Akai Kutsu), el cuál si logra un buen nivel de guturales. Le sigue “Unwilling”, intenta aportar mayor ritmo al disco, pero sigue sin consistencia, tal vez lo más interesante del tema lo encontramos en el puente, pero la armonía decae al incorporar los coros y el estribillo sobre acelerado.

“Venom” es uno de los únicos temas del disco que logra alcanzar la calidad necesaria como para comprender a la banda de forma orgánica. La voz de Zero se ensambla muy bien con la proyección armónica de la canción, el riff de guitarra de Yosuke (Sunawachi Saga) acompaña prolijamente la atmósfera densa que intentan reflejar.  En “Discode” la agresividad se mantiene, la banda logra un buen ensamble. Nuevamente se destacan momentos bien cronometrados entre la agresividad y las melodías armónicas.

“月蝕”, el quinto tema, inicia con una melodía que denota la formación musical de sus miembros. Durante los primeros segundos que nos introducen al tema escuchamos un piano que mantendrá la base musical de todo la canción. Se destaca la impresionante energía que Raika descarga en la batería. “Gemini” continua manteniendo una melodía sostenida en el piano, la cual mantiene una especie de suspenso que es cortado abruptamente para introducirnos en una atmósfera terrorífica.

“Ruin” podría funcionar muy bien como corte de difusión en medios occidentales. Es un tema prolijo, con una introducción pegadiza que te pone a mover la cabeza en seguida,  y te recuerda en algunos casos al opening de un anime. “Hollow” tiene una impresionante intro de guitarras, que amalgaman muy bien con la velocidad propuesta en la batería de Raika y el bajo de En. “Hades Euphoria” es el tema con el que cierra el disco, escuchamos una introducción que nos sumerge en una atmósfera de ciencia ficción. La canción mantiene una fuerza poderosa hasta el final, donde retoma la calma melodía del inicio.

Sin ánimos de ofender a ningún fanático, creo que Ninth in Pluto es una banda que promete mucho y logra poco. Si bien la formación musical de sus miembros es destacable, y la presentación como banda “visual” quizás brindé un buen espectáculo en vivo, su primer disco es más que olvidable.

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Amon Amarth – The Great Heathen Army (2022)
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Es bastante llamativo como de unos años a esta parte, los vikingos suecos Amon Amarth, han conseguido pasar de ser una banda respetada y destacada dentro del metal europeo, a directamente ser una de las más grandes y populares dentro del mismo.

Para muestra de ello, no sólo encabezan los escenarios medianos de muchos festivales en el viejo continente, si no que para su próxima gira europea prevista para invierno, han conseguido llevarla a cabo ni más ni menos que junto a los californianos Machine Head en igualdad de condiciones, algo que evidencia que estos tipos se encuentran en el mejor momento de su historia.

Con casi tres décadas a sus espaldas, la banda vuelve este 2022 con el que es ya su doceavo disco de estudio “The Great Heathen Army”, para demostrarnos que aún tienen mucho que decir con su feroz combinación de viking, death metal melódico y ciertas pinceladas actuales.

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En este nuevo disco se podría decir que la banda recupera un poquito el sonido más “clásico” pero manteniendo esa producción actual que les ha puesto por encima de compañeros como In Flames, Ensiferum o Turisas a nivel de popularidad.

Escuchando el disco y con cortes tan poderosos como la inicial “Get in the Ring”, ya podemos darnos una idea de que estos tipos no han perdido un ápice de fuerza con los años y que sus canciones suenan igual de agresivas pero con las dosis justas de melodías, tal y como cuando empezaron.

Johan Hegg, sigue cantando de forma impecable con esos guturales infernales que nos estremecen una vez que damos play a una canción de Amon Amarth, es ya la seña de identidad de la banda, su potente voz y se diferencia de otros compañeros de profesión, haciendo que sea muy sencillo identificar las canciones de la banda.

Amon Amarth, han sabido combinar lo mejor del death metal melódico con ciertos riffs actuales y contando las clásicas historias relacionadas con la mitología vikinga, dando como resultado un disco pesado, intenso y posiblemente de lo mejor y más completo que hayan grabado en mucho tiempo.

Llama la atención que para el corte “Saxons and Viking”, hayan contado con la colaboración ni más ni menos que de Billy Byford, voz y líder de los míticos Saxon, dando aún más sentido al titulo del corte y creando una buena dupla vocal junto a Johan, siendo uno de los mejores temas del disco.

Por otro lado en cortes como “Oden Owns You All”, la banda se desmarca con un pelotazo que combina el viking con toques del metalcore de bandas como Trivium o Killswitch Engage, dando como resultado un corte cargado de energía y destreza instrumental.

Y seguramente “Dawn of Norsemen”, sea de lo mejorcito que podamos encontrar el disco, en donde se evidencia el poder que tienen estos tipos a nivel musical y lo inspirados que han estado a lo largo de estas nueve canciones.

Los suecos, han creado una obra muy completa, que en mi opinión supera a sus dos predecesores (Jomsviking de 2013 y Berserker de 2019) y sigue justificando el tirón popular que tienen y que posiblemente aumente aún más con esta nueva y destacada obra, la cual es desde ya uno de los mejores discos del año y de lo más destacado de la banda en lo que llevamos de década.

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Tombs – Ex Oblivion (2022)
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Tombs
, la banda neoyorquina de post-metal, acaba de lanzar un nuevo EP titulado Ex Oblivion, nuevamente a través del sello Season of Mist. El trío actualmente formado por Mike Hill (voz y guitarra), Drew Murphy (voz y bajo) y Justin Spaeth (batería) sigue haciendo gala de su idea de que el prefijo “post” colocado antes de “metal”, más que remitir a un campo poblado por ciertos grupos con un estilo determinado, significa estar más allá de cualquier restricción para poder hacer lo que tengan ganas: desde combinar géneros hasta grabar cinco pistas tan diferentes entre sí que parecen de cinco bandas distintas. Cabe señalar que así como Hill fue el iniciador del proyecto, Spaeth se encargó de la grabación y mezcla en Tombs Metal Compound de todos los tracks excepto los dos últimos en la lista.

Hill siempre sostuvo que su intención fue, desde el principio, hacer la música que le gustaría escuchar y no atarse a ningún estilo en particular. Todo lo que sonara oscuro y le sirviera como medio expresivo en distintos momentos de su vida era válido para Tombs. Así, a lo largo de la trayectoria del grupo se fueron percibiendo las influencias, no solamente del black metal, sino del goth rock y el death rock de bandas como Fields of the Nephilim y The Sisters of Mercy, y también de la prolífica escena de la música avant-garde de Nueva York.

“Ex Oblivion”, el single con videoclip propio, suena a esa mezcla equilibrada y enérgica entre estilos que acabamos de mencionar. Le sigue “Killed by Death”, clásico de Motörhead, que tiene aquí otra versión bastante fiel a la original, con Dan Higgins (Hammerfight, Enginehead) como guitarrista invitado. A continuación, “Commit Suicide”, un cover de G.G. Allin, irrumpe en la forma de una canción con actitud hardcore punk. “Sombre Ruin” resulta mucho más disruptiva, con una sonoridad electrónica, industrial, bastante sorprendente en el contexto general. Se trata de un remix de una canción del álbum Under Sullen Skies (2020). Finalmente, “Murder Legendre” tiene a Dwid Hellion (Integrity) tocando el piano modificado e incorporando el elemento noise a un track mucho más tétrico, para terminar con un EP que parece simbolizar el deseo de hacer lo que sea (y efectivamente, poder hacerlo).

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Krisiun – Mortem Solis (2022)
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Si hay algo en lo que todo el mundo podría estar de acuerdo para reconocerle a Krisiun es la constancia. El hecho de que este trío brasileño se haya mantenido adelante durante más de tres décadas con casi la misma formación y editando material de manera razonablemente regular es algo que diría que es hasta admirable, considerando lo salvaje y caníbal que suele ser el mundo del metal extremo latinoamericano.

Teniendo ya en mis manos (o, mejor dicho, en mi disco duro) a Mortem Solis, el flamante decimosegundo LP de estos oriundos de Rio Grande do Sul, y pudiendo darle play, también se puede comprobar que esa constancia se sigue extendiendo a la música en sí. Y es que los hermanos Kolesne / Camargo, como unos AC/DC, unos Slayer o unos Cannibal Corpse del death metal brasileño, no suelen dejar muy a la imaginación cómo va a sonar cada nuevo lanzamiento: escuche dos de sus discos al azar y lo más seguro es que, grosso modo, pueda dilucidar sin problemas la onda de cada uno de sus nuevos lanzamientos de estudio.

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Lo de Krisiun es pura brutalidad, blasfemia y blast beats, y lo ha sido desde el principio de su carrera: si uno quiere su death metal más experimental o más dado a tomar riesgos lo mejor es que vaya a escuchar Gorguts o Imperial Triumphant, porque estos brasileños no están muy interesados en explorar los límites del género. Claro que esto tiene sus ventajas: nunca habrá que preocuparse por que decidan sacar de la nada un Illud Divinum Insanus, un The Unspoken King, un Promise o demás traspiés que otras leyendas del género han cometido al querer darle una vuelta de tuerca a su sonido. 

Sin embargo, he leído más de una reseña que interpreta esta fidelidad a su sonido original menos como “constancia” y más como “repetición”, así que sé que esto no es algo del gusto de todo el mundo. Además, también significa que la suerte que correrá cada uno de sus discos arranca y termina en qué tan inspirado esté el trío en ese momento. Así que de la misma manera que pueda tener bombazos como Conquerors of Armageddon (2000), AssassiNation (2006) o Southern Storm (2008), también pueden tener otros no tan bien recibidos y considerados, como Bloodshed (2004) o Forged in Fury (2015): todo tiene que ver con lo bien engrasada y ajustada que esté la máquina gaúcha de death metal.

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“Sworn Enemies” comienza el álbum exactamente de la manera que uno se esperaría: la guitarra de Moyses Kolesne escupiendo un riff serpenteante, la batería de Max Kolesne demostrando su dominio de los blast beats, y las voces entre guturales y gritadas de Alex Camargo, quien además se mantiene a la par de los riffs con sus punteos precisos en el bajo. Es un inicio más que correcto para el disco, con una interesante sección melódica en el medio, y la calidad se mantiene en la siguiente “Serpent Messiah”, que sigue este sonido clásico de puro Krisiun en sus riffs brutales.

Me repetiría mucho si hablara de cada una de las canciones: como bien establecí antes, Krisiun no es una banda muy interesada en meterle muchas variantes a su fórmula. Pero quería mencionar un par de tracks específicos, como para destacar algunas instancias individuales, como por ejemplo “Necronomical” y su inicio de bajo y batería que parece perfecta para las presentaciones en vivo, a la que agregan un riff de guitarra cortante y preciso.

Tampoco podía pasar por alto los momentos thrasheros de “War Blood Hammer”, ni la final “Worm God”, con esa introducción melódica donde los brasileños logran demostrar su valía como compositores por fuera del death metal más brutal. Y ya que hablamos de melodías, hay que mencionar el interludio “Dawn Sun Carnage”, que con sus melodías del Cercano Oriente bien puede recordar a la carrera solista de Karl Sanders (Nile) como a algún track perdido de la banda sonora de Age of Mythology, y lo digo con la mejor de las intenciones.

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Con 40 minutos y monedas, Mortem Solis dura lo justo y necesario para un disco de Krisiun, sin que ningún track se alargue más de lo debido ni que se sienta que haya algo que hubiera estado bueno cortar del producto final. Y es para destacar a Mark Lewis (Whitechapel, The Black Dahlia Murder, Rings of Saturn), quien tuvo una labor espectacular encargándose del sonido del álbum, permitiendo que cada instrumento se escuche fuerte y claro.

Con Krisiun es fácil saber lo que uno recibirá, y Mortem Solis es otro gran capítulo en la historia del trío lucha por el (death) metal. Está claro que no ganará ningún fan nuevo y que si uno no es ya fan de la onda del grupo entonces no encontrará mucho, pero personalmente creo que es un muy buen trabajo, uno muy recomendable de parte de una de las exportaciones al exterior más grandes del metal brasileño.

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Icxitonttli – Terra Existence (2022)
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En su más reciente producción, Icxitonttli hace un repaso por casi toda la gama de sonidos dentro de la primera y la segunda ola del black metal escandinavo y lo comprime en una producción lo-fi que nos recuerda al Eternal Hails….. de Darkthrone.

Terra Existence es el nombre de este nuevo material de 46 minutos de duración. A lo largo de 10 tracks Berith Kallpell, líder del proyecto originario de Toluca, México, acompañado de Jazel García, nos propone un sofocado universo de misterios galácticos y primigenios cultos satánicos, con un cierto sabor lovecraftiano que retumba en el corazón mismo de varios de los riffs más pegajosos que ha escuchado el metal mexicano este año.

El inicio del disco no alcanza a capturar del todo las ambiciones sonoras del trabajo, pues su primera canción Return of the Golden Age aunque con cierta influencia melódica de Dissection augura algo un poco más genérico. Rápidamente el material empieza a tornarse más estilizado con Satan, Lord and Master con cambios en la estructura de la canción y un pasaje que recuerda a Lost City of Uppakra del anteriormente mencionado Eternal Hails….., que sin imitar el sonido de los noruegos en su último album, se nota una ambición similar al tratar de rendir tributo al sonido, percusiones y ambientes de los congelados clásicos del género como Immortal, Azazel, Satyricon, Marduk, Emperor e incluso los primeros álbumes de Dimmu Borgir.

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Es a partir de este punto que el repaso por aquellos estilos seminales se comienza a apreciar, como la escuela melódica a través de canciones como Astral Dimensions o Sealing Our Pact; la escuela más rocanrolera con Darkness be my Guide Collective Shit y la epicidad de las canciones más grandilocuentes de las primeras olas con Sirius, Orion, Pleiades y Part II, Enter Cosmos… Alpha Centauri. 

De alguna manera, esto no se va sin mencionar que en algunas de las ocasiones el disco parece caer en ciertos clichés que son un poco más difíciles de ignorar hoy en día, pero lo que es innegable es que a pesar de ser un trabajo que en forma no presenta algo innovador en sí mismo, tiene el mérito de ser uno de estos proyectos de la segunda década de este siglo que parecen haber digerido el arte del lo-fi en un trabajo que suena tanto conciso como descuidado, una característica que siempre nos fascina a los amantes del black de la vieja escuela.

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Ashenspire – Hostile Architecture (2022)
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Hostile Architecture es el segundo full-length (además de dos singles) de este colectivo escocés de RABM (“Red Anarchist Black Metal”) avant-garde. Ya desde el principio es obvio que el posicionamiento político anticapitalista y antifascista forma parte de la propuesta integral del proyecto. Sin embargo, resulta llamativa la insistencia en el uso de la etiqueta “black metal”, cuando, en verdad, si bien algo del estilo puede percibirse, la música de Ashenspire suena a algo distinto, una mezcla entre Daughters, Alexis Marshall, BRUIT ≤, Godspeed You! Black Emperor y algunos proyectos de John Zorn, solo por nombrar algunas coordenadas. Chat Pile, una banda más reciente, también tiene varios puntos de contacto. Aunque la comparación pueda ser pertinente, no suena a lo que hace White Ward, por ejemplo. Las voces no son como ninguna de las variantes típicas en el black metal, y rara vez la guitarra o la batería despliegan los recursos estilísticos propios del mismo. Si a eso le sumamos la instrumentación no convencional (violín, piano preparado, Rhodes, saxo y dulcimer martillado), daría la impresión de que etiquetarse con esa categoría puede deberse a un deseo de contrariar a lo más rancio de dicha escena musical. Si por un momento dejamos de lado esa posible intención, diríamos que la banda ejecuta un metal alternativo, experimental y progresivo. El line-up del grupo en este trabajo incluyó nueve integrantes.

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La idea del disco es musicalizar el drama del capitalismo tardío, más específicamente, las consecuencias de la estratificación social y la opresión estatal en los contextos urbanos. De allí el título del álbum, que remite a la agresividad simbólica representada en los espacios plagados de construcciones de estilo brutalista o posmoderno, absolutamente utilitarias, funcionales a una organización foucaultiana de las masas populares, que solo valen por su fuerza de trabajo. A eso se suma el rechazo visceral que las autoridades tienen hacia las disidencias y su ataque a la marginalidad.

“The Law of Asbestos” empieza con melancólicas melodías de dulcimer, saxo y violín, que evocan sentimientos de decadencia histórica. El conjunto de batería, bajo y guitarra suena compacto, con gran calidad técnica y nitidez en la mezcla, imponiéndose con mucha fuerza. Hace su aparición el piano preparado. La voz mantiene una actitud discursiva, declamatoria, dando lugar a protestas y diatribas; el “canto melódico” es mínimo. De hecho, y tal como sucede con otras de las referencias mencionadas, lo que hacen los vocalistas parece tributario del estilo cultivado por Henry Rollins. En “Béton Brut” la voz tiene mayor histrionismo y la base rítmica recién adquiere tintes más usuales en la música extrema. La línea de bajo logra destacarse siempre.

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“Plattenbau Persephone Praxis” disminuye la intensidad, hundiéndose en una atmósfera más introspectiva, con un piano preparado. La batería sorprende en pasajes donde demuestra una expresividad diferente y disruptiva, hasta que vuelve a acelerarse. El saxo cobra mayor preponderancia. El comienzo coral de “How the Mighty Have Vision” resulta sorprendente, sobre todo cuando se incorpora la voz solista, generando un clima operístico. Le sigue “Tragic Heroin”, el single con videoclip y una de las canciones más crudas y directas, aunque no por ello menos emotiva. Cabe señalar que aquí hallamos un estribillo más cantado, en sentido estricto. “Apathy as Arsenic Lethargy as Lead” sigue explotando la veta más contundente y el canto tiene más vuelo.

“Palimpsest” vuelve a cambiar el escenario, ya que es un track instrumental con un enfoque casi de jazz. Es raro que no se le aplique a Ashenspire la etiqueta de “jazz noir” o “dark jazz” que está tan de moda últimamente. Todo termina con “Cable Street Again”, con el Rhodes sonando, y aquí la teatralidad nos recuerda a otras propuestas más emparentadas con el black metal, en especial las bandas polacas Furia y Odraza. Hacia el final todo va escalando, con dedicado aporte del violín (permanente en todas las pistas) hacia un clímax que luego decae, cual retorno a la triste realidad. “Hostile Architecture” es una obra que vale la pena escuchar y apreciar globalmente, atendiendo no solamente a la música, sino también al mensaje.

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Oceans Of Slumber – Starlight and Ash (2022)
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Si uno tuviese que nombrar a algunas de las bandas de metal y derivados, más interesantes a lo largo de esta década lideradas por una mujer (sin contar a Jinjer, los conocemos todos) esas serían Sumo Cyco desde Canadá, Semblant desde Brasil, Infected Rain desde Moldavia, Skarlett Riot desde el Reino Unido o Nervosa entre otras agrupaciones destacadas.

Pues bien, a este grupo de ilustres nombres habría que añadirle el de los tejanos Oceans Of Slumber, quienes con su explosiva y compleja mezcla de gothic, metal progresivo, melodeath y sonidos propios del southern, han conseguido colarse como una de las bandas más interesantes y originales de la década dentro del metal.

Ya desde su segundo y majestuoso disco (“Winter” de 2016), cuando Cammie Beverly (anteriormente Gilbert), la banda dio un salto de calidad en su sonido muy grande y que se ha mantenido hasta el día de hoy.

Después de una obra maestra como su disco homónimo del 2020, muchos éramos los que estábamos expectantes ante el nuevo material de los norteamericanos y lo cierto es que no han defraudado en absoluto, es más diría que han dado un paso más en su evolución como banda.

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Es cierto que si lo comparamos con sus trabajos previos, está claro que es el disco más “accesible” de Oceans of Slumber hasta la fecha, y matizó las comillas, porque estamos lejos de escuchar un disco “Radio Friendly” , es cierto que las composiciones de 6 o 9 minutos han dejado lugar a otras más directas de 4 o 5 minutos, pero esto no quita ni un ápice de calidad a la banda.

Los pasajes progresivos siguen muy presentes, pero se van mezclando con sonidos más góticos y el resultado es igual de fantástico que en entregas anteriores, Cammie sigue demostrando su versatilidad como vocalista y lo mismo te eriza la piel con sus tonos más melódicos que te noquea en sus momentos más agresivos.

Si en “Hearts Of Stone”, vemos el lado más gótico de la banda y lo bien que se desenvuelven en él mismo, en canciones como “The Lighthouse”, podemos observar tonos más cerca del soul por parte de Cammie y el resultado es igual de notable.

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En el medio, podemos encontrarnos quizás la parte más melódica del disco gracias a cortes como “The Hanging Tree”, que si bien no sorprende, aprueba con nota la intención de esclarecer el enrevesado sonido de la banda, otras como “Salvation”, presentan un tono más grandilocuente y con un resultado más sólido, lo mismo que “Just a Day”, con una presencia del piano bastante buena y unos tonos cercanos al doom muy potentes y que seguro harán las delicias del sector más “heavy” de sus seguidores.

La versión de la archi-conocida “House Of The Rising Sun”, es correcta pero sin ninguna sorpresa excesiva y el final con “The Shipbuilders Son”, llega justo a tiempo para poder cerrar el disco y que el oyente empiece a procesar todos y cada uno de los matices musicales que el mismo presenta.

Es curioso, porque si bien es el disco menos “heavy” que han hecho, lo cierto es que en cierto modo puede ser de los más pesados e intensos que hayan grabado hasta la fecha, lo cual les reafirma como una de las mejores y más destacadas bandas de la última década dentro del metal y sus derivados.

Cammi y compañía han vuelto a crear una joya compleja y a la cual debes dedicarle el tiempo que merece, ya que el nivel compositivo y musical aquí mostrado está a día de hoy, al alcance de muy pocos.

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Scarcity – Aveilut (2022)
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“Aveilut” (palabra hebrea que significa “luto”) es el álbum debut de este proyecto estadounidense de black metal experimental al que claramente le caben las etiquetas de avant-garde, drone y la categoría autoimpuesta de “microtonal”, en el marco de unas “meditaciones acerca de la pérdida y la resistencia”. La obra editada por el sello The Flenser, es resultado -fundamentalmente- de la creatividad y talento del multi-instrumentalista Brendon Randall-Myers, oriundo de Brooklyn, y actualmente, también director del Glenn Branca Ensemble, desde el fallecimiento, en 2018, del reconocido compositor y guitarrista que exploraba en sus sinfonías las posibilidades de los usos no convencionales del instrumento y las armonías logradas microtonalmente.

Randall-Myers compuso el disco durante la peor etapa de la pandemia de COVID, mientras asimilaba las muertes repentinas de dos personas cercanas a él. La enfermedad golpeó muy fuerte a Nueva York y eso se refleja en la música, como resignación ante la realidad innegable de la amenaza constante de la muerte. Para completar la formación de Scarcity, se incorporó el vocalista Doug Moore (Pyrrhon, Weeping Sores, Glorious Depravity y Seputus) quien, a su vez, atravesó la cuarentena viviendo al lado de una casa funeraria neoyorquina.

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Técnicamente, el sonido de Scarcity se construyó empleando 72 divisiones de la octava, afinaciones alternativas, politonalidad, repetición, fenómenos psicoacústicos y “macrofrases”, todo para tratar de evocar la inmensidad del duelo, el vacío existencial que se vivencia cuando el sufrimiento nos lleva a la estupefacción y causa entumecimiento. El concepto de “riff” queda disuelto en una neblina escabrosa. Las letras tienen un contenido acorde a los tiempos de crisis sanitaria: las catástrofes causadas por elementos que escapan a nuestro control y encuentran en la muerte un destino inevitable.

La furia en la voz de Moore (de interesante amplitud de registro) se entrama con el resto de las líneas sonoras dando lugar a una composición de 45 minutos que, si bien está dividida en cinco tracks con numeración romana, constituye una totalidad. En la serie, I posee un aura introductoria, III funciona como una suerte de depresión en un trayecto continuo, que se profundiza en IV, retomando un motivo ya expuesto en II, para volver a escalar en V y llegar a un final casi cinematográfico. Se trata de una música textural, de superficies sensibles, de tejidos orgánicos en decadencia. Es un black metal con influencias provenientes de la obra de Branca y el trabajo de Randall-Myers con orquestas. Se nota una búsqueda que recuerda a la de proyectos como Liturgy o los últimos álbumes de Blut Aus Nord.Resulta interesante que en Scarcity encontramos a un artista que viene de la escena de la música contemporánea. Hace tiempo ya, muchas bandas vienen empleando, a modo de “novedad”, recursos que fueron profusamente desarrollados por mentes como las de Ligeti, Xenakis, Cage, Berio, Stockhausen, Penderecki, Boulez, Reich, solo por nombrar algunos, y aunque quizás no todos los proyectos los tengan como referencias, seguramente son conocidos por Randall-Myers.

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En este sentido, es posible arriesgar la hipótesis de que para un creador proveniente de la escena de la música microtonal contemporánea con intención de incursionar en el metal, el black metal –particularmente- apareciera como la opción más natural, por la importancia dada al trémolo y los ritmos acelerados. De esta manera, las múltiples y diversas guitarras ejecutan tal técnica (entre otras) de manera minuciosa y precisa, mientras la batería y el bajo construyen una red sónica incesante, haciendo que todo adquiera cualidades espectrales. Con el aporte de los gritos, “Aveilut” condensa proporciones similares de angustia, desesperanza, ira y dolor, en una obra que asumió un riesgo fatal y bienvenido. Un trabajo que conjura fantasmas, el rol estructurante de la falta, el recuerdo como presencia de la ausencia, la inercia del deseo de permanecer a pesar de la insoportable finitud de la vida individual.

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Mourir – Disgrâce (2022)
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Animal Bouffe Animal
(2020) fue el excelente disco debut de Mourir, esta banda francesa de black metal oriunda de Toulouse, que comenzó como un proyecto paralelo de Olivier Lolmède, bajista de la banda Plebeian Grandstand, del mismo estilo y origen. Así, esa primera obra reflejó sobre todo el trabajo compositivo de este músico, si bien el grupo se conformó como un cuarteto, donde él canta y toca la guitarra. Ahora nos hallamos ante Disgrâce, el segundo full-length de Mourir, nuevamente editado por el sello Throatruiner Records.

Otra vez, seis tracks son más que suficientes para desarrollar la propuesta de esta banda consolidada como tal, ya desde el aspecto creativo. Hablamos de un black metal melódico y atmosférico, atravesado por el existencialismo tan propio de la filosofía francesa. Volvieron a trabajar junto a Amaury Sauvé, que grabó la música en vivo y la mezcló en The Apiary Studio, para que luego la masterizara Thibault Chaumont en Deviant Lab, ambos estudios en Francia. Chaumont realizó la misma labor en la producción de los álbumes de Plebeian Grandstand.

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El comienzo con “La Pluie, Le Torrent, La Boue, Le Vent, La Lave” es lento, pesado, oscuro y va allanando el camino hacia un siniestro escenario donde interactúan riffs hipnóticos y voces tenebrosas, que oscilan desde agudos alaridos hasta gritos cavernosos. El ritmo se acelera en algunos pasajes. “Que De Chemins Minables” es un track más rápido y agresivo, con un pronunciado corte que deja espacio para que sobresalga el trémolo de las guitarras. El despliegue de la batería también es digno de mención.

“De Pisse Et D’Orgueil” vuelve a bajar la velocidad, introduciendo cierto groove y voces histriónicamente diversas. La música de Mourir es una constante demostración de dramatismo. Por momentos, la voz suena sobre la base que le proveen solamente las guitarras, y luego hay lapsos en los que el canto se monta exclusivamente sobre la base rítmica, con un bajo que resalta como nunca antes. Luego, “Bâtards Égarés” irrumpe como un ataque frontal, una implacable ola de bilis negra.

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Con “En Flammes” ya percibimos un patrón, una organización palpitante en la secuencia de los tracks. La alternancia entre tempos le da al conjunto una cualidad que remite a las variaciones en los latidos del corazón de acuerdo a las vivencias, acentuando el aspecto emocional en la música de Mourir. Varios compases de guitarras solitarias le dan un toque distintivo a la canción, aunque el mismo recurso se reitera en “Soit”, con partes casi teatrales. Este track final tiene momentos en los que asoma un ánimo por explorar recursos no tan evidente con anterioridad.

“Disgrâce” es otro gran disco de una banda que se posiciona como otro referente en el panorama del black metal francés y mundial. Si bien no podría decirse que supera a su predecesor, sí es posible afirmar que refuerza la identidad del proyecto. Habrá quienes repitan hasta el hartazgo que no hay nada nuevo bajo el sol; sin embargo, a veces surgen bandas que, al escucharlas, no es tan sencillo asociarlas automáticamente con otra más famosa. Mourir es una de ellas y eso es un mérito. Un álbum que se suma a los más destacados en lo que va del año.

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Vëlla – Entity Vol.1 (2022)
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Tras un acertado y sorprendente debut, los portugueses Vëlla, vuelven con un nuevo EP, para demostrar que son una de las bandas actuales más destacadas del país vecino.

De la mano de Art Gates Records (Noctem, Mind Driller), los chicos no han parado de trabajar durante la pandemia y cuentan que realmente este era el primero de dos Ep’s que deberían haber sido la continuación de su álbum debut.

Como curiosidad decir que cada tema, parece estar inspirado en un estado de ánimo lo que puede dar lugar a pensar de que es un trabajo conceptual, pero no podemos confirmarlo, aunque tendría todo el sentido del mundo.

El disco se abre con “Of Excess” y ya podemos comprobar que los chicos no han perdido la mano a la hora de hacer cortes furiosos con estribillos melódicos que equilibren a las canciones.

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Este en particular, destaca por un estribillo que podría ser obra de bandas como The Amity Affliction o los We Came As Romans más cañeros y se adorna con un breve y bonito sólo de guitarra que hará las delicias de los seguidores de este estilo que navega entre el metal moderno y el screamo-core.

La machacona base de “Of Fate” parece coquetear con el sonido de los Avenged Sevenfold del Hail To The King pero enseguida la voz Pedro Lopes se desmarca y se aproxima más a un tono entre el post-hardcore y el groove metal, pudiendo gustar a un fan de A7X o Trivium, así como a uno de Parkway Drive o While She Sleeps. Es aquí, quizás donde radique la grandeza de esta banda, en saber tocar diversos estilos y cuajarlos con la convicción suficiente pero sin dejar de aportar su personalidad propia.

“Of Lament”, seguramente sea el corte más pesado del disco y que alegrará a la sección más heavy de sus seguidores, con unas guitarras afiladísimas y unas voces guturales infernales que invitan al pogo y al headbanging desde el minuto uno en el que pulsas “play” a la canción.

“Of Savagery”, cumple con lo visto en las canciones anteriores y el disco se cierra con la brutal “Of Rebith”, que a pesar de un comienzo lento, enseguida va subiendo los decibelios gracias a la colaboración vocal de Lucas Bishop (vocalista de Dawnfall Of Mankind, una de las bandas de slam deathcore más importantes de Portugal) y la conexión con Pedro a nivel vocal es simplemente fantástica, dando como resultado el corte más intenso del disco a nivel tanto de composición como de voces e instrumentación, siendo seguramente el mejor tema del EP.

El disco gustará a todos los que estén familiarizados con la banda y con los estilos que manejan, quizás lo único “negativo” sea la duración, que se antoja corta, aunque es lógico tratándose de un Ep y desde ya esperamos con muchísimas ganas la segunda parte de este trabajo y de ver que más tienen para ofrecernos Vëlla, porque por lo visto en su debut y en este Ep, calidad para despegar tienen de sobra y pueden llegar a sorprender muy pronto.

 

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