El mundo del “metal sinfónico con cantante principal femenina” es un ambiente congestionado y muy competitivo. Desde hace años el nombre más destacado ha sido el de Epica, pero también podemos mencionar a Delain, Xandria, After Forever, ReVamp, MaYaN y otro largo etcétera incluso si nos limitamos a los grupos europeos que se mantuvieron en el ambiente sinfónico más tradicional, lo que elimina a gente como Within Temptation. Pero otro nombre que me gustaría sumar a la lista sería Leaves’ Eyes, siendo que este peculiar conjunto venía acompañado de un pedigree bastante interesante que le debería haber ayudado mucho en su momento.

Formado en 2003, Leaves’ Eyes reunía a la cantante noruega Liv Kristine Espenæs con los alemanes Atrocity, la banda de su por entonces esposo Alexander Krull. Leaves’ Eyes parece haber sido una de las razones por las que Liv Kristine fuera despedida de Theatre of Tragedy, la banda con la que venía cantando desde 1993 Theatre of Tragedy justamente habían sido pioneros tanto del uso de las voces femeninas líricas como de su combinación con rugidos death metal, siendo una influencia hasta el día de hoy en muchos grupos sinfónicos / góticos. En los últimos discos se habían tirado de cabeza a un estilo rockero electro-industrial que había dividido a sus fans, así que Leaves’ Eyes fue la oportunidad para que Liv Kristine volviera a ese sonido sinfónico clásico.

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Se la considerara como una banda hecha y derecha o como un vehículo solista de Liv Kristine con los miembros de Atrocity encargándose de la música, Leaves’ Eyes lograron lanzar una seguidilla de álbumes más que aceptables para el que ya fuera fan del metal sinfónico, e hicieron un buen papel en la lucha por ganarse el puesto de banda líder del metal sinfónico europeo que Nightwish había dejado libre. Sin embargo, al final el mayor punto en común que terminarían teniendo con Nightwish se daría en 2016: la polémica salida de su cantante. Declaraciones y acusaciones cruzadas, acompañadas por el divorcio de Liv Kristine y Krull ese mismo año, dieron material para una novela metalera de aquellas. 

Mientras Liv se enfocó tanto en su carrera solista como en Midnattsol, la banda en la que participa su hermana menor Carmen Elise y a la que Liv se unió en 2017, Leaves’ Eyes decidieron seguir adelante, ahora con la cantante finlandesa Elina Siirala que, vaya coincidencia, es pariente lejana del líder de Nightwish Tuomas Holopainen, agregando a las conexiones. Y al igual que el grupo finlandés, Leaves’ Eyes la ha tenido muy complicada para que el público y la crítica acepte esta nueva etapa en su carrera: muchos han acusado a Siirala de ser una cantante técnicamente competente pero con falta de personalidad, aunque estoy bastante seguro de que Krull y compañía podrían haber conseguido a la mejor cantante del mundo y aun así tendrían que estar nadando en brea para convencer al público, como suele pasar con casi cualquier cambio de vocalista.

Así llegamos a Myths of Fate, noveno álbum de Leaves’ Eyes y tercero de la etapa post Liv tras Sign of the Dragonhead y The Last Viking. Uno de los detalles más importantes es que es también el primero sin el guitarrista Thorsten Bauer, quien dejó tanto Leaves’ Eyes como Atrocity en 2021, aunque a diferencia de todas las salidas mencionadas en este texto lo de Bauer parece haber sido en buenos términos. Este cambio en la formación es importante, siendo que Bauer y Krull eran los encargados de la composición, así que sería interesante escuchar cómo su ausencia afectaría a las canciones de este nuevo trabajo.

Myths of Fate hace énfasis en el costado más bombástico de la propuesta de Leaves’ Eyes, con muchos sonidos orquestados combinados con el repiqueteo del doble bombo del baterista Joris Nijenhuis. “Forged By Fire” abre el camino con su intro de coros, cuerdas y teclados como para musicalizar una escena de película de fantasía épica, más tarde con las guitarras de Micki Richter y Luc Gebhardt replicando la melodía y dejándole servido a Siirala para que haga lo suyo, elevando su voz con elegancia lírica y combinándola con los rugidos de Krull. La presencia vocal de Krull no es tan prominente en este disco, y me parece una lástima: Siirala es, como dijimos antes, una cantante muy capaz, pero en el mar de vocalistas líricas en bandas de metal sinfónico no sería capaz de distinguirla, y la voz de Krull ayudaría a darle más dinámica a las canciones.

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Los elementos folk, que siempre han sido parte de la propuesta del grupo pero que se venían incrementando en los últimos discos, siguen estando, aunque acá en instancias más específicas en vez de estar diseminados por todo el disco: el inicio y final de “Realm of Dark Waves”, la intro de “In Eternity”, la balada pesada “Goddess of the Night” y las melodías de “Einherjar” son un par de ejemplos de esto. Otro detalle más que hay que mencionar es que Myths of Fate no tiene una canción de duración “épica”, a la manera del tema título en The Last Viking o “Waves of Euphoria” en Sign of the Dragonhead, con las canciones manteniéndose en un rango de 4 a 5 minutos.

“Who Wants To Live Forever” parece buscar el hit dramático del álbum, con su estribillo prominente como para que el público lo cante y el bajo prominente de estilo más rockero. También se ven esas intenciones más accesibles en “In Eternity”, aunque no creo que funcione tan bien debido al uso de esos coros con “wows” alargados que se pusieron de moda hace como una década. 

Pero si hay un detalle de verdad llamativo se puede entonces en el tema de las letras: las canciones de Leaves’ Eyes suelen seguir una temática vikinga y de mitología nórdica, algo que continuaron tras la salida de Liv. Pero vi más de una crítica acerca de que la banda continuara con ello ahora con Siirala en las voces, siendo que antes era Liv la que se encargaba de las letras y estas reflejaban su interés por ese mundo, mientras que ahora siendo un rejunte de alemanes con una cantante finlandesa se sentía como una simple copia. Myths of Fate sigue esa temática nórdica, pero también incluye “Sons of Triglav”, canción que toma su nombre de la montaña más alta de Eslovenia y símbolo del país. Como un intento de hacerse una identidad más propia, funciona tanto en lírica como en canción, con sus elegantes acompañamientos orquestales.

¿Qué nos queda de todo esto? Myths of Fate es ciertamente un disco de Leaves’ Eyes: esto puede sonar como una obviedad y claramente lo es, pero lo digo en el sentido de que será un disco que gustará a los que ya hayan disfrutado los discos anteriores de la banda, sobre todo en la nueva etapa con Siirala. Y también a los que sean fans de esta onda sinfónica/gótica y quieran algo como para pasar el rato, porque es un disco que cumple sin ofrecer nada nuevo más allá del contexto de la misma obra del grupo. Es un disco cumplidor, que suena bien y que hace su trabajo de manera óptima sin dar para tirar manteca al techo.

Fuera porque la Internet y los sitios de piratería facilitaran descubrir música, porque el éxito de la saga de El Señor de los Anillos le diera ganas a muchos de blandir una espada, por la calidad de los lanzamientos conjuntos de muchos grupos o por todas esas circunstancias (y más) juntas, la llegada del nuevo milenio trajo la explosión de la movida del folk metal dentro del mainstream metalero. Claro que para los conocedores esto no era algo nuevo, con gente como los ingleses Skyclad y el proyecto noruego Isengard contándose entre los primeros que experimentaran con la combinación de metal con melodías e instrumentos tomados de la música tradicional europea, pero ahora con un sonido un tanto más accesible y teniendo lanzamientos en discográficas grandes todo este género recibió un gran empujón, con Finlandia convirtiéndose en uno de los centros más importantes del estilo. Y entre todos los grupos formados por tipos que andaban por ahí dando recitales vestidos como si acabaran de cazar y despellejar a las presas de las que estaban vistiendo sus pieles, uno de los grupos más particulares era un conjunto de Lahti llamado Korpiklaani.

Digo “particular” porque Korpiklaani tenían una actitud mucho más “fiestera” en su propuesta, con muchas canciones para disfrutar cantando a viva voz con amigos en una taberna mientras tomabas cerveza de esas jarras de madera que aparecen en las recreaciones medievales. Esta no es una referencia sacada de la nada, siendo que su primer disco Spirit of the Forest incluía “Wooden Pints”, que debe ser considerado entre los hits del folk metal. 

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Puede que fuera por esa actitud menos seria y por cantar en inglés en vez de su idioma natal, pero que creo que la propuesta de Korpiklaani podía llegar a verse menos “auténtica” que algo como Ensiferum, que cantaban y siguen cantando en inglés pero sobre temas “serios”, y Finntroll, que tendrán sus momentos movidos gracias a la influencia “humppa” pero lo hacen cantando en sueco. Claro que esto será a oídos y ojos de quienes no tuviesen idea de la historia de la banda, siendo que Korpiklaani tenían un currículum folk fuerte al haber comenzado una década atrás como un dúo de música folclórica sámi (un pueblo indígena finlandés) por su cantante Jonne Järvelä. Pero parece que ser la “banda de cumpleaños” del folk metal les resultó y al día de hoy Korpiklaani siguen adelante, editando el 5 de abril su decimosegundo álbum de estudio, titulado Rankarumpu.

Más allá de componer de manera exclusiva en finlandés a partir del conceptual Ukon Wacka, a primera escucha Korpiklaani no han tenido grandes cambios en su propuesta desde su segundo cambio de nombre. Pero esto no quiere decir que no hayan tenido sus intentos de sazonar su sonido con algún ingrediente nuevo: en Noita metieron un cover en finlandés de “Mony Mony”, canción de la banda de los sesentas Tommy James and the Shondells, y su anterior álbum Jylhä incluía a “Pidot”, track que incluía elementos de música bluegrass. Claro que, como todo experimento, las cosas pueden resultar en fracaso, y es por eso que le había dado una reseña bastante fría a Jylhä allá por 2021, y revisitando aquella reseña puedo decir que Rankarumpu se siente como un intento de corregir muchos de los problemas encontrados tanto en aquel trabajo como en un par de los anteriores (¿Habrán leído mi reseña?).

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Rankarumpu es un trabajo muy power, no tanto en la influencia powermetalera sino en el acercamiento de Korpiklaani a las canciones: desde que apretamos play se siente una energía constante en cada uno de los tracks, como si alguien hubiera metido algún ingrediente especial en la hidromiel de los músicos. Ya desde el vamos, con “Kotomaa” arrancando con un coro de voces proclamando la belleza de su patria finesa, si el lector no sabe nada de finlandés lo más seguro es que igual se contagie con la manera en la que Olli Vänskä y Sami Perttula parecen sacarle chispas a su violín y acordeón, los instrumentos que le dan a las canciones esa atmósfera de fiesta medieval. Esto no quiere decir que el resto de los instrumentos se queden atrás, porque Cane Savijärvi escupe riffs con sus guitarras, mientras la batería de Samuli Mikkonen y el bajo de Jarkko Aaltonen proveen la base a toda la fiesta medieval que se da encima de ellos mientras esperamos a que sirvan los platos de alce y ciervo.

Saltando entre los tracks del álbum, “Metään” toma muy de sorpresa con su introducción de guitarra ochentosa y más tarde metiendo una sección más reposada y de voces limpias en medio de la vorágine folk metal a su alrededor. “Kalmisto” es otra que llama la atención por su marcha metalera más pesada y con mayor énfasis en la melodía, algo que se repite e intensifica en la final “Harhainen höyhen”, que bien sirve como un momento de reflexión luego de tanta adrenalina. De las otras canciones rápidas, “Rankarumpu” tiene unos riffs metaleros bien pesados, y “Saunaan” es una celebración a toda velocidad del mayor regalo de la cultura finlandesa al mundo de los baños calientes.

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Ahora, hay algo que queda claro a las pocas escuchas: este es un disco sólo casi exclusivo para los que ya sean fans de Korpiklaani y sus composiciones más rápidas. Si te gusta una de las canciones rápidas lo más seguro es que te gusten todas, porque no hay mucha variación en la fórmula, lo cual se puede considerar un vicio tanto de Korpiklaani como de muchos otros grupos de folk metal. Pero en Rankarumpu el sexteto logra compensar ese problema manteniendo las canciones dentro de una duración accesible, lo mismo con el álbum completo: luego de dos discos seguidos superando la hora de duración, Rankarumpu se limita a unos mucho más manejables 43 minutos.

Los álbumes de Korpiklaani suelen nacer y morir en cuan inspirado esté el grupo en ese momento al componer y no creo que en 2024 sea justo andar pidiéndoles un trabajo a la altura de Spirit of the Forest o Voice of the Wilderness. Pero estando ya 20 años metidos en la etapa más famosa de la banda diría que Rankarumpu es un álbum a destacar y digno de darle una oportunidad, incluso aunque sea sólo para musicalizar algún baile pagano en medio del bosque.

Tras el éxito cosechado con su anterior trabajo (Sendas de Leyenda), los folk rockeros Celtian vuelven este 2024 con su cuarto disco de estudio (Tercero en lo que sería la etapa “Xana”, con justamente ella como vocalista principal del grupo) para demostrar que mal que les pese a los “Haters”, Celtian ya son una de las bandas nacionales más destacadas de este último tiempo.

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En este Secretos de Amor y Muerte, nos vamos a encontrar a una banda que ya parece haber logrado su madurez sonora y ha afianzado los detalles y recursos musicales que había en sus dos discos anteriores, pero añadiendo algunos matices nuevos que sorprenderán al oyente.

Tras una cristalina introducción llamada “La Ira Encantada”, muy en la línea Celtian, la banda abre el disco con “La Profecía” un poderoso corte con una base muy enérgica y cañera que combina elementos tanto del folk rock como del power, pero siempre sonando personal gracias al delicado tono vocal de Xana Lavey, sin duda una de las cantantes más personales de la escena nacional.

“Adalina” es la siguiente y esta ya comienza de forma más intensa que su predecesora, pero con la dosis justa de melodía vocal que Xana le imprime a sus composiciones, tiene varios cambios de ritmo y recuerda un poquito al primer disco de la banda con ella (En Tierra de Hadas), el señor Sergio Culebras aporta un solo bastante importante y enriquece aún más la canción con él mismo.

En “Serena”, nos vamos a encontrar la cara más “Folkie” del grupo mucho más festival con melodías muy limpias y bonitas, sumadas a la voz melódica de Xana, la cual demuestra que cualquier registro que presente lo va a dominar y quedaros con esto último de cara a la siguiente canción…

Creo que esta será una de las fijas en su próxima gira ya que te levanta el ánimo y te invita a bailar y saltar con la voz entonando el pegadizo estribillo de la canción sin duda.

Y si antes mencionaba los pequeños (grandes) detalles que Celtian ha sumado a este nuevo disco, es porque “Maleficio de Sangre” no solamente es una de las mejores canciones de la banda hasta la fecha si no también de las más ambiciosas.

Es oscura, pesada, de las más metaleras que han hecho y que cuenta con voces guturales !A cargo de Xana¡ por si le faltaba algún registro por explorar a esta chica, ahora le suma unos screams en la canción espectaculares y que pueden dar mucho juego en el directo ya que se complementan con un “Break” final que dejará en shock a más de uno.

Para redondearla, tiene un estribillo super melódico que se te quedará grabado en la mente desde el primer minuto que lo escuches, así que si esta es una de las mejores piezas del disco con diferencia.

El ecuador del disco viene de la mano de “Hasta el Final”, con un ritmo espectacular que no da respiro al oyente y una gran melodía vocal interpretada por Xana Lavey, Celtian han perpetrado en esta canción una más que notable continuación después de la sorpresa mayúscula que supuso “Maleficio de Sangre”.

Los coros de Charly Lopez de Bon Vivant se hacen presentes y le aportan un juego de voces con Xana más que acertado, mientras que el solo de Sergio echa fuego y las cuerdas están afiladísimas demostrando que cuando quieren ponerse cañeros, Celtian lo hacen y de que forma.

La revoluciones bajan un poquito con “Camino en la Tempestad”, una guitarras más oscuras dan comienzo al tema y ese aire melancólico crea una atmósfera muy interesante para el oyente, esta es otra de las piezas que por sus cambios de ritmo puede funcionar muy bien en el directo.

La melódica “No Vuelvas a Llorar” y el tremendo bombazo que es “Caricia Mordaz”, ofrecen esa diversidad sonora que está marcada a fuego en el ADN de Celtian y que quizás en este disco se haya plasmado aún mejor que en sus trabajos previos.

Sobra decir que lo de Xana haciendo ciertos pasajes guturales en este disco es un auténtico espectáculo y que si en directo los reproduce igual, la sorpresa que se van a llevar algunos puede ser de campeonato.

“Renacer” es otro de los cortes que mantienen la línea habitual de la banda combinando lo moderno, lo medieval, lo pop, lo rockero y que se adorna muy bien con un gran solo del señor Jorge Salan que no necesita presentación y que sigue demostrando que su magia a las seis cuerdas no entiende de estilos musicales.

“Sueños de Cristal”, es otra delicia que podría ser vista como la hermanita pequeña de “Lágrimas de Cera” por ejemplo, siendo un corte de folk rock metal moderno muy bien ejecutado y que gustará tanto a los fans más antiguos de Celtian como a los que acaban de llegar al sonido de estos chicos.

El interludio “Oh, Catarina”, lejos de pasar desapercibido, nos eriza la piel gracias al cristalino sonido de voz que presenta Xana y que sin apenas ayuda emociona y enmudece al oyente con la magia que despliega en esta pieza tan delicada.

El disco llega a su fin, pero no sin antes regalarlos otro tema donde el power se hace presente y ese es “Tras el Letargo”, un tema con agridulce lírica y que cuenta con el señor Rafa Blas como vocalista invitado, siendo una muy acertada elección y cuyo resultado si bien no es la mejor canción del disco, lo cierra de manera más que notable.

En un país como España donde hacer folk no es tarea fácil, Celtian vuelven a demostrar que no está todo perdido y que si las cosas se hacen con esfuerzo, mimo y dedicación, los resultados acaban llegando y en su caso particular es hora ya de dejar los prejuicios de lado y empezar a darles el crédito que merecen, porque con este disco Celtian vuelven a dar en la diana y se siguen afianzando como una de las mejores bandas de rock de nuestro país y eso, señores, no es nada fácil.

Disclaimer: Para poder disfrutar este disco recomiendo una atmósfera de luz tenue, si es posible una buena compañía para así poder disfrutar las sensaciones que produce cada uno de los tracks, un aperitivo (a elección) y dejarse llevar por la melancolía que evoca cada nota.

Los búlgaros Darkflight editarán este 29 de abril su quinto larga duración de estudio luego de 7 años de la salida de “The Hereafter” (2017). La nueva placa será lanzada por Symbol Of Domination Productions/Satanath Records y Australis Records. Su título es “Entropy”, y cuenta con 9 tracks de alto nivel compositivo y sonoro en sus 46 minutos de duración.

Su discografía se completa con “Closure” (2014), un EP llamado “In a Breathless Flight” (2010), “Perfectly Calm” (2008) y el debut, “Under the Shadow of Fear” que vio la luz en 2003.

Encaminados en un melodic doom metal con toques atmosféricos, lo de Darkflight lo podemos emparentar con bandas de renombre como My Dying Bride, Anathema, Katatonia, entre otras del género.

La formación incluye a: Milen Todorov en voz además de ser el encargado del bajo, Ivo Iliev en guitarra/sintetizadores y Valentín Deskov tras los parches quien se incorporó al grupo en 2023.

El arranque del álbum es con “A sad place to call home”, una buena canción para romper el hielo y sentirse parte de la melancolía que transmite la banda. La misma cuenta con un excelente trabajo de batería, voces limpias y un piano que marca el ritmo hasta el final de la misma.

Una nueva canción arremete en nuestros oídos: el track número dos titulado “Second Genesis” fue uno de los cortes adelanto del álbum. El mismo inicia con unos bellos arreglos de guitarra que se mantienen durante gran parte de la canción y se combinan con la voz melancólica de Milen.

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Una sorpresiva incursión de una voz femenina hace que la tercera canción del álbum nos haga sumergir en el más profundo trance. La musicalización durante estos 4:40 minutos de “So Much to Tell” hacen que recordemos aquellos grandes discos de The Gathering como fueron “How measure a planet?” o el “if_then_else”. Una excelente canción para dejarla en Repeat.

Titulada como “Vague Echoes”, encontramos una aceptable interpretación con buena calidad en las estructuras de la canción, con sonidos de guitarras con algo de distorsión.

Quinta canción del disco: con bellas melodías que recuerdan al Anathema del “Eternity”, nos encontramos con “Buried Together”, un track que sería la banda sonora ideal para alguien que se encuentre realizando un viaje en una ruta con la única compañía de las estrellas. Un tema realmente mágico.

Arranca “Rebirth” y encontramos un piano acompañado de una delicada voz melódica que sugiere un sentido de conexión profunda y misteriosa con el oyente. Más que recomendable.

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Se acerca el final del disco: suena “Your Time has Passed” siguiendo la línea general del disco, una canción simple, efectiva, con una base de guitarras que mantiene los riff durante los casi 4 minutos (la más corta del LP) que dura la canción.

Es tiempo de “Towards the Ruins” y la intro rememora a la canción “To Myself i Turned” de los italianos Lacuna Coil. Un gran tema de Darkflight.

El álbum es un viaje a través de emociones. Cada canción nos lleva a un lugar diferente, desde la alegría y esperanza, hasta la tristeza y la nostalgia. A lo largo de la escucha, nos encontramos con paisajes que nos resuenan profundamente haciendo que podamos disfrutar de una travesía sensorial en estado puro.

En esta ocasión escuchamos el nuevo disco de los rusos Wardra, una agrupación que viene batallando en la oscuridad desde el año 2016 con su propuesta de black metal con tintes atmosféricos y algo de doom metal.

Tras la edición en cassette de su primer material, titulado “Copper-colored Sky” en 2017, un EP al que llamaron “Ancestor of the New World” (2018) y un split junto a Logos (no confundir con la banda argentina de heavy metal) al que llamaron “Aberration of the Abyss” (2020), podemos encontrar un buen álbum lleno de oscuridad, maldad y algo de melodía.

La banda en cuestión nos presenta su segundo larga duración titulado “Warden of the Stellar Crypts” bajo el sello Satanath Records, a editarse el 17 de abril del presente año 2024 en donde los comandados por Vladimir Snegotsky (alias “W”), quien oficia de líder y se desempeña en la guitarra junto a “B” en el bajo, K” en las voces sumando como invitado a Dmitry Fiskin en la batería, nos demuestran la evolución en esta nueva entrega.

Durante poco más de 43 minutos, podemos encontrar en los 8 tracks que componen el material, una buena dosis de black metal, voces de ultratumba que se mezclan entre partes a medio ritmo, otras a pura velocida y un tanto de ritmos atmosféricos que amalgaman la calma entre tanta tormenta sonora. Las canciones que integran el álbum rondan en promedio los 6 minutos y tienen gran calidad.

Es de destacar el trabajo en la guitarra y el bajo marcando el ritmo de la batería. Como puntos altos se pueden destacar los tracks “Star Crypt”, “Essence of the Void” y “Silent Witness“.

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La producción suena cruda pero a su vez con buenos arreglos que hacen disfrutable el material. Las voces son claras, los solos de guitarra adentran al escucha en el disfrute de cada nota.

Como información adicional, podemos comentar que el álbum fue grabado en 2023: la batería y percusión en Mindcrusher Labs Studio, las voces en Rofocale Rec, lo instrumental en CDM Records, en tanto que la mezcla y masterización estuvieron a cargo de Sergey Lazar.

El arte de tapa fue obra de los artistas Elena y Vladimir del estudio Rotten Fantom.

En definitiva, un muy buen álbum hecho para fans del más crudo black metal, de bandas como Darvaza, y para quienes también admiran los sonidos calmos que el doom puede otorgar, haciendo que la conjunción funcione a la perfección.

A pesar de su ajetreada agenda con Eluveitie, la señorita Fabienne Erni ha encontrado el hueco necesario para publicar Another Side Of You, el segundo trabajo de su proyecto paralelo Illumishade, bajo el ala de Napalm Records.

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La primera advertencia que quizás se deba hacer antes de enfrentarse a este nuevo disco de la banda, es que esto NO es el Eluveitie 2.0, es más no es algo que Fabi pretenda si con su banda madre le va de maravilla, si no es una forma de explorar nuevos horizontes musicales que quizás no tengan cabida en la banda principal de la cantante.

Con lo cual si nos sumergimos en el disco, nos vamos a encontrar pasajes melódicos, algunos complejos heredados del sonido djent otros enfocados hacia el metal más moderno (sin querer comparar pero hay destellos de bandas como Spiritbox o Forever Still, en alguna pieza), pero siempre con esa voz hermosa y delicada que tiene Fabienne y que quizás sea el punto más diferencial de la banda respecto a otros grupos del mismo estilo.

No hay nadie en el metal moderno con la voz de Fabienne, es de esas voces que si cierras los ojos y escuchas una canción sabrás que es ella quien la canta, quizás lo mismo que ocurre con Courtney Lapante o Daniela Villarreal de The Warning en otro estilo.

Los teclados de Mirjam Skal le dan al álbum un toque medio melancólico y encajan muy bien con la base rítmica y al final construyen un disco bastante bien calibrado, pero que aún superando a su predecesor, no llega a brillar del todo, quizás porque el estilo está muy “explotado” ya y cada vez cuesta más sorprender al oyente que está familiarizado con el mismo.

Pero que esto no os confunda, el disco tiene muchas texturas y matices a descubrir ya sea en piezas “angelicales” como “Cloudreader”  como en otras más potentes (aunque sin perder el hilo melódico conductor) como “Riptide” o “Here We Are” y tengo la sensación que este disco está hecho para el directo, donde seguramente las canciones saquen un cuerpo de ventaja respecto a las versiones de audio.

Pese a todo Illumishade aprueban y casi se aproximan a una nota más que respetable con este nuevo disco, que deja la puerta abierta al margen de mejor para su próximo trabajo, en donde quizás deben buscar alejarse de la uniformidad de la que este peca en algún momento y intentar brillar un poquito más.

Fabienne Erni igualmente sigue demostrando porque es una de las voces más destacadas y personales de su escena y le aplaudimos una vez más su versatilidad y como ha sabido impregnar de su calidad este nuevo disco de Illumishade.

Con la publicación de su nuevo disco Self Hell, los británicos While She Sleeps se encuentran en un momento crucial para su carrera y este no es otro que dar el paso final y situarse a la altura comercial y popular de compañeros suyos como Parkway Drive, Bring Me The Horizon o Architects, entre otros.

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Y es que como pudimos comprobar el año pasado, la banda ya está jugando en las grandes ligas, siendo capaces de meter más de 1500 personas en Málaga, cuando visitaron por primera vez dicha soleada y veraniega ciudad y luego agotar el mítico Alexandra Palace en su país natal, colmando las 10 mil almas del recinto londinense, con lo cual estamos ante una banda cuya explosión definitiva es cuestión de meses.

Por eso este Self Hell, el sexto disco de la banda es de vital importancia, porque puede darles ese empujón final y que el próximo año sean ellos los que puedan ocupar plaza de “Headliners” en los festivales más importantes del mundo como hoy en día hacen Parkway, Korn, Bring Me The Horizon o I Prevail (en USA sobre todo).

El disco en si consta de 12 canciones y si lo escuchamos con mimo y dedicación, podremos observar que se trata de una versión mejorada de su disco anterior (Sleeps Socierty), esto se pone de manifiesto ya con la inicial “Leave Me Alone”, con un riff inicial marca de la casa y un Loz dejándose la garganta en el micrófono combinando los screams con versos medio rapeados, que inauguran un gran disco y esta idea se afianza aún más con la fantástica “Rainbows”, con una base inicial que bien podrían haber hecho tanto Enter Shikari como los BMTH actuales, y que entre tanto fraseado agresivo, cuelan un estribillo melódico y con un poquito de filtro pero que es absolutamente brillante y que puede sonar a gloria en directo aún más.

Cuando pienso en la evolución de WSS, creo que es más que evidente que los chicos han dejado de ser una “banda más de metalcore, muy buena pero una más” y esto podemos observarlo al escuchar el corte que da título al disco, donde asoman claras influencias de bandas como Limp Bizkit (el inicio bien podría encajar en un disco de Durst y compañía) y Slipknot, sobre todo en las partes más cañeras, evidenciando el amplio abanico musical que tiene la banda de Sheffield.

Mientras “Wildfire” nos recuerda a la era dorada del metalcore más melódico y es imposible que no se te dibuje una sonrisa al escucharlo, si me dicen que este tema lo hubiesen grabado Funeral For a Friend en 2004, me lo creería sin dudar y le da ese toque medio retro al álbum. El corte se redondea con un solo de guitarra hermoso y que convierte a esta pieza en una de las más destacadas del álbum con diferencia.

El ecuador del disco llega con “No Feeling is Final”, un corte que sirve a modo de interludio y que aunque suena bien y crea ambiente, no suma nada al global del disco y es más diría que lo hace tambalear.

Sin embargo la intensa y emocional “Dopesick” nos muestra una cara mucho más alternativa de la banda uniendo fuerzas con Stone y mostrando la cruda realidad, donde la ansiedad y las adicciones han formado parte de la banda y continúan aún hoy luchando contra ellas.

La furia vuelve con el imponente dueto con Alex Taylor de Malevolence en “Down”, quizás un corte más “Old School” y que podría haber encajado en discos como Brainwashed, siendo una auténtica delicia para el oyente.

Para concluir podemos destacar cortes ricos en composición como “To The Flowers” con un bonito riff de Sean Long y donde la voz melódica de Loz se hace muy presente demostrando que junto a personajes como Sam Carter, han demostrado ser muy buenos cantantes en su totalidad, completos y no solo destacar en los “Screams” o guturales, que también, pero ellos con los años se han ido superando a si mismos en todos los registros que manejan.

“Out Of The Blue”, es un interludio (A lo Pendulum) que deja paso a la parte final del disco, la cual llega con el binomio “Enemy Mentality” y “Radical Hatred/Radical Love”, que cierran de forma más que notable este nuevo disco de While She Sleeps.

Sincero, Intenso, Potente y con muchas buenas canciones, While She Sleeps se estrenan este 2024, año que como decía al principio tiene todos los números para hacer crecer aún más a la banda británica y con un disco tan bien ejecutado y armado como este, no debería sorprendernos si esto ocurre en lo que resta del año y de cara al 2025.

Tras su “sorpresiva” salida de Eskimo Callboy (Hoy Electric Callboy), el vocalista Sebastian “Sushi” Biesler, no se quedó de brazos cruzados y dió vida a GHØSTKID,  un proyecto con el cual acaba de lanzar su segundo disco Hollywood Suicide vía Century Media Records y con el que quiere demostrar que aún tiene cuerda para rato.

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En este nuevo disco, la banda que se completa con Jan Marco “Janz” Heinz a la guitarra, Christian “Chris” Kisseler a la otra guitarra, Stanislaw “Stanni” Czywill al bajo y Joakim Stephan “Steve” Möller a la batería.

Para quienes no conozcan a estos muchachos, el sonido que tienen combina elementos del post hardcore, el nu metal industrial, pinceladas alternativas y ciertos toques goth y todo este cóctel pasado por el filtro actual, lo que hace que si te gustan bandas como Motionless In White, Marilyn Manson, BMTH, Get Scared o Ice Nine Kills, estos chicos pueden convertirse en tu nueva banda favorita.

Estas 10 nuevas canciones, suponen una pequeña evolución respecto a su álbum debut homónimo de 2020 y eso ya se nota con las primeras notas de “Hollywood Suicide”, donde ya podemos notar ese toque industrial que Sebastian le ha dado a este nuevo proyecto y que es un buen comienzo para este nuevo trabajo.

Lo mismo ocurre con “S3x”, un corte que comienza pausado y que su progresión sonora es de admirar, con un puente muy oscuro a lo BMTH y un Sebastian bastante destacado a las voces.

Totalmente opuesta es “FSU”, un corte claramente influenciado por Marilyn Manson y Motionless In White, donde la base rítmica invita al pogo y el estribillo es totalmente coreable y festivo.

El “Break” final es abrumador y provocará más de un pogo salvaje en su próxima gira, de eso no hay duda alguna.

Es totalmente comprensible que la hayan elegido como single dentro del disco, lo mismo que sucede con “Heavy Rain”, quizás de lo mejorcito que han hecho estos chicos hasta la fecha.

El corte es muy delicado en cuanto a la temática lírica, ya que aborda el tema de la toxicidad en las relaciones y por eso el videoclip nos muestra una historia terrible, que acaba de la peor forma, el rítmo es denso, pero con las voces melódicas (se nota la influencia de bandas como Linkin Park y BMTH) hacen un buen contraste y seguro es las canciones que no faltarán en sus directos este año.

Frases como “Today Your Lips Taste Like a Broken Glass, I Tried My Best but Your Words Keep on Cutting Me Up…” son un puñal en el estómago y erizan la piel a cualquiera que haya pasado por una situación tóxica y estos chicos han tenido la capacidad de convertir esta delicada situación en una de sus mejores canciones.

La oscura “Valerie”, baja las revoluciones del álbum y lo oxigena justo cuando llegamos al ecuador del mismo, con lo cual hasta aquí se podría decir que el disco cumple y bastante bien los objetivos que planteaba la banda.

El binomio “Black Cloud” (con unos fraseos melódicos ultra pegadizos) y “Ugly”, inauguran de forma bastante acertada la segunda mitad del disco y podemos entender el sonido que plantean, ya que esta última tiene un toque medio post hardcore griton con bases electrónicas que no desentonarían en un disco de INK.

Si bien “Blood” no aporta mucho al resultado final, la siguiente protagonista “Murder” si que añade un poquito más de sangre al disco, con unos screams bestiales y un estribillo muy intenso que seguro suma algún puntito más en directo y que es de lo mejorcito del disco junto con temas como “Heavy Rain” o “S3x”.

Aunque “Dahlia” presente ecos de From First To Last (con Sonny Moore claro) y “Helena Drive” intente cerrar el disco con un toque medio dramático, quizás hubiese ganado más puntos hacia la mitad y no aquí, donde quizás pueda pasar medio desapercibida para el oyente no habitual de la banda.

Pues si GHØSTKID, cumplen con este disco, es más tienen muchos momentos de notable alto, pero quizás cierta dispersión hacia el final del álbum nos deje con una sensación de lo que pintaba para ser, pero no acabó siendo del todo.

Aún así contamos los días para verlos en nuestro país junto a sus compañeros finlandeses Blind Channel, en donde quizás esté la verdadera prueba de fuego y esa no es otra que ver como suenan estos temas nuevos en directo, veremos que ocurre y quizás después de verlos haya que darle una nueva escucha a este retorno de los germanos.

Los canadienses Sum 41 han lanzado un disco que genera sentimientos encontrados, primero positivos porque es el primero en un lustro sin música nueva de la banda que lidera Deryck Whibley y segundo negativos, porque lamentablemente será el último disco de su carrera, tal y como anunciaron el año pasado, así que es un disco que uno coge de manera agridulce ya desde un principio.

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Este nuevo trabajo de la banda, tal y como su título indica, recoge las dos caras del sonido de Sum 41, así pues, Heaven, nos muestra el lado más punk popero y alternativo de la banda, donde temas como “Dopamine”, “Not Quite Myself” o la ya conocida “Landmines”, nos traen de vuelta a los Sum de la primera época, con un sonido más trabajado pero con la misma energía de antaño y sin necesidad de caer en la burda copia como hicieron en aquel desastrozo Underclass Hero, afortunadamente ellos han sido capaz de volver a hacer temas de este estilo pero con la personalidad que ese disco no tenía y que recuperaron en obras posteriores como Order In Decline.

Con apenas 27 minutos, el disco se pasa como un suspiro pero nos regala una despedida más que acertada de estos chicos dentro del estilo que les vio crecer y les dio la popularidad allá por los 2000.

Sum 41 cierran esta etapa con notable y si algún día vuelven, podrán decir que al menos estos casi 25 años de carrera lo despidieron a lo grande.

Pero para hacer más completo aún este trabajo en Hell, la banda vuelve a la época de discos como Chuck (a día de hoy el segundo mejor de su carrera de lejos) y si bien nunca han sido ni Slayer, ni Metallica o Iron Maiden, si que han sabido aplicar sus influencias para entre el punk pop ultra pegadizo, colar temas con un toque mucho más oscuro como eran “88” o “We’re All To Blame”, dos joyas en el catálogo de estos sujetos si me preguntan a mi.

Por eso en Hell, temas como “Over The Edge”, “It’s All Me” o esa contundente “You Wanted War” con unas guitarras bestiales a cargo de Dave Baksh y Tom Thacker, se postulan como de lo mejor del disco y nos muestran que aquella propuesta “curiosa” (y a veces no tomada en serio) de los 2000, es hoy una marca registrada en el sonido de Sum 41 y pese a ser su último disco, aún pueden regalarnos bombazos como estos, sobre todo “You Wanted War” con un solo de guitarra mano a mano entre Dave y Tom que pondrá los pelos como escarpias a los que como un servidor disfruta del punk pop y el metal al mismo nivel.

Para el final se dejan la cañera “How The End Begins”, donde cierran con broche de oro no solo el disco más largo de su carrera, si no (seguramente) el mejor que hayan grabado en la última década y no sabemos si esto es un adiós definitivo, un “Hasta Luego” temporal o si esporádicamente volverán a tocar (por ejemplo como hicieron bandas amigas como Gob, Good Charlotte, Fenix TX o The Movielife, en festivales como el When We Were Young Fest), pero si esto es la despedida de Sum 41, hay que ponerse de pie y agradecerles por regalarnos un último trabajo tan bien hecho y destacado como este Heaven :x: Hell.

Así pues Sum 41 se despiden con una de sus mejores obras y volviendo a juntar lo mejor de ambos mundos (el punk pop y el rock/metal) de la mejor manera posible y sin apenas fallos, completando así una de las discografías más sólidas dentro del genero y evidenciando su relevancia dentro del mismo.

Gracias por todo lo que habéis significado para tanta gente y ojalá en caso de que haya regreso sea tan notable como este.

No es el único y quizás tampoco el que lo hace más o mejor, (esa decisión se la encomiendo enteramente al buen juicio de los lectores) pero, al menos desde mi óptica, es incuestionable que la sensación de estar siendo perseguidos por una deidad forestal nórdica está presente a lo largo de cada pista que compone a Ihsahn, álbum homónimo de la banda de un hombre compuesta por el reconocido artista noruego, Vegard Sverre Tveitan.

Como cada vez que les recomiende un disco, les recomiendo también que lo acompañen con una historia y en este caso particular, Ihsahn tiene una historia que apela a la aprehensión, a la sensación de estar siendo acechado de cerca por la otredad, pero entre todas las emociones
que esta entrega nos da, haré especial hincapié a la omnipresente ominosidad, como si algo terrible estuviera a punto de cernirse sobre nosotros y fuera muy tarde para reaccionar o hacer algo al respecto.

La primera canción, Cervus Venator cumple la función de introducirnos al mundo fantástico que IHSAHN tiene preparado para nosotros, y posteriormente el caos y la paranoia se desatan en el segundo track THE PROMETHEAN SPARK, incrementando con cada canción hasta encontrar una especie de pausa o descanso en ANIMA EXTRANAE.

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El álbum goza de una atmósfera inmersiva que te conduce por un paisaje frío, compuesto por estrechos pasillos con un suelo de hojas secas, paredes de altas coníferas aglomeradas en espacios reducidos, un sol distante y apenas presente, y un protagonista que ignora el frío debido a su sudoración adrenalínica. Terminarás por enfrentarte a una situación en la que correrás tan rápido y por tanto tiempo como te sea posible, a sabiendas de que eventualmente serás alcanzado por aquello de lo que con tanto frenesí intentabas huir, lo anterior es una garantía de entretenimiento.

Una de las mayores gracias del disco es que no solo te absorbe en un bosque escandinavo en el que eso otro terrorífico te acosa incesantemente como en A TASTE OF THE AMBROSIA, sino que te habla de su concepción, del origen de aquello que te estremece, y quizás a eso es a lo que Vegard Sverre se dedicó con más devoción, a la gestación de este hórrido perseguidor en TWICE BORN, mismo que está inevitablemente influenciado por clásicos del género que han hecho legendarias representaciones tanto de dioses oscuros y desconocidos, como de atmósferas abrumadoras y aprensivas.

Te invito a qué le des tu propio panorama, historia e interpretación, por qué el principal acierto de este material es que te permite hacerlo fácilmente, es sensato seguir el orden de las canciones del álbum por qué pienso que hay una cierta aleación entre cada canción y la que la
precede o continua.

Es experimental, auténtico, tiene un mensaje y te va a entretener mucho, eso sí, se lo recomiendo a todos, menos a los paranoicos.

El mundo del “metal sinfónico con cantante principal femenina” es un ambiente congestionado y muy competitivo. Desde hace años el nombre más destacado ha sido el de Epica, pero también podemos mencionar a Delain, Xandria, After Forever, ReVamp, MaYaN y otro largo etcétera incluso si nos limitamos a los grupos europeos que se mantuvieron en el ambiente sinfónico más tradicional, lo que elimina a gente como Within Temptation. Pero otro nombre que me gustaría sumar a la lista sería Leaves’ Eyes, siendo que este peculiar conjunto venía acompañado de un pedigree bastante interesante que le debería haber ayudado mucho en su momento.

Formado en 2003, Leaves’ Eyes reunía a la cantante noruega Liv Kristine Espenæs con los alemanes Atrocity, la banda de su por entonces esposo Alexander Krull. Leaves’ Eyes parece haber sido una de las razones por las que Liv Kristine fuera despedida de Theatre of Tragedy, la banda con la que venía cantando desde 1993 Theatre of Tragedy justamente habían sido pioneros tanto del uso de las voces femeninas líricas como de su combinación con rugidos death metal, siendo una influencia hasta el día de hoy en muchos grupos sinfónicos / góticos. En los últimos discos se habían tirado de cabeza a un estilo rockero electro-industrial que había dividido a sus fans, así que Leaves’ Eyes fue la oportunidad para que Liv Kristine volviera a ese sonido sinfónico clásico.

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Se la considerara como una banda hecha y derecha o como un vehículo solista de Liv Kristine con los miembros de Atrocity encargándose de la música, Leaves’ Eyes lograron lanzar una seguidilla de álbumes más que aceptables para el que ya fuera fan del metal sinfónico, e hicieron un buen papel en la lucha por ganarse el puesto de banda líder del metal sinfónico europeo que Nightwish había dejado libre. Sin embargo, al final el mayor punto en común que terminarían teniendo con Nightwish se daría en 2016: la polémica salida de su cantante. Declaraciones y acusaciones cruzadas, acompañadas por el divorcio de Liv Kristine y Krull ese mismo año, dieron material para una novela metalera de aquellas. 

Mientras Liv se enfocó tanto en su carrera solista como en Midnattsol, la banda en la que participa su hermana menor Carmen Elise y a la que Liv se unió en 2017, Leaves’ Eyes decidieron seguir adelante, ahora con la cantante finlandesa Elina Siirala que, vaya coincidencia, es pariente lejana del líder de Nightwish Tuomas Holopainen, agregando a las conexiones. Y al igual que el grupo finlandés, Leaves’ Eyes la ha tenido muy complicada para que el público y la crítica acepte esta nueva etapa en su carrera: muchos han acusado a Siirala de ser una cantante técnicamente competente pero con falta de personalidad, aunque estoy bastante seguro de que Krull y compañía podrían haber conseguido a la mejor cantante del mundo y aun así tendrían que estar nadando en brea para convencer al público, como suele pasar con casi cualquier cambio de vocalista.

Así llegamos a Myths of Fate, noveno álbum de Leaves’ Eyes y tercero de la etapa post Liv tras Sign of the Dragonhead y The Last Viking. Uno de los detalles más importantes es que es también el primero sin el guitarrista Thorsten Bauer, quien dejó tanto Leaves’ Eyes como Atrocity en 2021, aunque a diferencia de todas las salidas mencionadas en este texto lo de Bauer parece haber sido en buenos términos. Este cambio en la formación es importante, siendo que Bauer y Krull eran los encargados de la composición, así que sería interesante escuchar cómo su ausencia afectaría a las canciones de este nuevo trabajo.

Myths of Fate hace énfasis en el costado más bombástico de la propuesta de Leaves’ Eyes, con muchos sonidos orquestados combinados con el repiqueteo del doble bombo del baterista Joris Nijenhuis. “Forged By Fire” abre el camino con su intro de coros, cuerdas y teclados como para musicalizar una escena de película de fantasía épica, más tarde con las guitarras de Micki Richter y Luc Gebhardt replicando la melodía y dejándole servido a Siirala para que haga lo suyo, elevando su voz con elegancia lírica y combinándola con los rugidos de Krull. La presencia vocal de Krull no es tan prominente en este disco, y me parece una lástima: Siirala es, como dijimos antes, una cantante muy capaz, pero en el mar de vocalistas líricas en bandas de metal sinfónico no sería capaz de distinguirla, y la voz de Krull ayudaría a darle más dinámica a las canciones.

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Los elementos folk, que siempre han sido parte de la propuesta del grupo pero que se venían incrementando en los últimos discos, siguen estando, aunque acá en instancias más específicas en vez de estar diseminados por todo el disco: el inicio y final de “Realm of Dark Waves”, la intro de “In Eternity”, la balada pesada “Goddess of the Night” y las melodías de “Einherjar” son un par de ejemplos de esto. Otro detalle más que hay que mencionar es que Myths of Fate no tiene una canción de duración “épica”, a la manera del tema título en The Last Viking o “Waves of Euphoria” en Sign of the Dragonhead, con las canciones manteniéndose en un rango de 4 a 5 minutos.

“Who Wants To Live Forever” parece buscar el hit dramático del álbum, con su estribillo prominente como para que el público lo cante y el bajo prominente de estilo más rockero. También se ven esas intenciones más accesibles en “In Eternity”, aunque no creo que funcione tan bien debido al uso de esos coros con “wows” alargados que se pusieron de moda hace como una década. 

Pero si hay un detalle de verdad llamativo se puede entonces en el tema de las letras: las canciones de Leaves’ Eyes suelen seguir una temática vikinga y de mitología nórdica, algo que continuaron tras la salida de Liv. Pero vi más de una crítica acerca de que la banda continuara con ello ahora con Siirala en las voces, siendo que antes era Liv la que se encargaba de las letras y estas reflejaban su interés por ese mundo, mientras que ahora siendo un rejunte de alemanes con una cantante finlandesa se sentía como una simple copia. Myths of Fate sigue esa temática nórdica, pero también incluye “Sons of Triglav”, canción que toma su nombre de la montaña más alta de Eslovenia y símbolo del país. Como un intento de hacerse una identidad más propia, funciona tanto en lírica como en canción, con sus elegantes acompañamientos orquestales.

¿Qué nos queda de todo esto? Myths of Fate es ciertamente un disco de Leaves’ Eyes: esto puede sonar como una obviedad y claramente lo es, pero lo digo en el sentido de que será un disco que gustará a los que ya hayan disfrutado los discos anteriores de la banda, sobre todo en la nueva etapa con Siirala. Y también a los que sean fans de esta onda sinfónica/gótica y quieran algo como para pasar el rato, porque es un disco que cumple sin ofrecer nada nuevo más allá del contexto de la misma obra del grupo. Es un disco cumplidor, que suena bien y que hace su trabajo de manera óptima sin dar para tirar manteca al techo.

Fuera porque la Internet y los sitios de piratería facilitaran descubrir música, porque el éxito de la saga de El Señor de los Anillos le diera ganas a muchos de blandir una espada, por la calidad de los lanzamientos conjuntos de muchos grupos o por todas esas circunstancias (y más) juntas, la llegada del nuevo milenio trajo la explosión de la movida del folk metal dentro del mainstream metalero. Claro que para los conocedores esto no era algo nuevo, con gente como los ingleses Skyclad y el proyecto noruego Isengard contándose entre los primeros que experimentaran con la combinación de metal con melodías e instrumentos tomados de la música tradicional europea, pero ahora con un sonido un tanto más accesible y teniendo lanzamientos en discográficas grandes todo este género recibió un gran empujón, con Finlandia convirtiéndose en uno de los centros más importantes del estilo. Y entre todos los grupos formados por tipos que andaban por ahí dando recitales vestidos como si acabaran de cazar y despellejar a las presas de las que estaban vistiendo sus pieles, uno de los grupos más particulares era un conjunto de Lahti llamado Korpiklaani.

Digo “particular” porque Korpiklaani tenían una actitud mucho más “fiestera” en su propuesta, con muchas canciones para disfrutar cantando a viva voz con amigos en una taberna mientras tomabas cerveza de esas jarras de madera que aparecen en las recreaciones medievales. Esta no es una referencia sacada de la nada, siendo que su primer disco Spirit of the Forest incluía “Wooden Pints”, que debe ser considerado entre los hits del folk metal. 

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Puede que fuera por esa actitud menos seria y por cantar en inglés en vez de su idioma natal, pero que creo que la propuesta de Korpiklaani podía llegar a verse menos “auténtica” que algo como Ensiferum, que cantaban y siguen cantando en inglés pero sobre temas “serios”, y Finntroll, que tendrán sus momentos movidos gracias a la influencia “humppa” pero lo hacen cantando en sueco. Claro que esto será a oídos y ojos de quienes no tuviesen idea de la historia de la banda, siendo que Korpiklaani tenían un currículum folk fuerte al haber comenzado una década atrás como un dúo de música folclórica sámi (un pueblo indígena finlandés) por su cantante Jonne Järvelä. Pero parece que ser la “banda de cumpleaños” del folk metal les resultó y al día de hoy Korpiklaani siguen adelante, editando el 5 de abril su decimosegundo álbum de estudio, titulado Rankarumpu.

Más allá de componer de manera exclusiva en finlandés a partir del conceptual Ukon Wacka, a primera escucha Korpiklaani no han tenido grandes cambios en su propuesta desde su segundo cambio de nombre. Pero esto no quiere decir que no hayan tenido sus intentos de sazonar su sonido con algún ingrediente nuevo: en Noita metieron un cover en finlandés de “Mony Mony”, canción de la banda de los sesentas Tommy James and the Shondells, y su anterior álbum Jylhä incluía a “Pidot”, track que incluía elementos de música bluegrass. Claro que, como todo experimento, las cosas pueden resultar en fracaso, y es por eso que le había dado una reseña bastante fría a Jylhä allá por 2021, y revisitando aquella reseña puedo decir que Rankarumpu se siente como un intento de corregir muchos de los problemas encontrados tanto en aquel trabajo como en un par de los anteriores (¿Habrán leído mi reseña?).

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Rankarumpu es un trabajo muy power, no tanto en la influencia powermetalera sino en el acercamiento de Korpiklaani a las canciones: desde que apretamos play se siente una energía constante en cada uno de los tracks, como si alguien hubiera metido algún ingrediente especial en la hidromiel de los músicos. Ya desde el vamos, con “Kotomaa” arrancando con un coro de voces proclamando la belleza de su patria finesa, si el lector no sabe nada de finlandés lo más seguro es que igual se contagie con la manera en la que Olli Vänskä y Sami Perttula parecen sacarle chispas a su violín y acordeón, los instrumentos que le dan a las canciones esa atmósfera de fiesta medieval. Esto no quiere decir que el resto de los instrumentos se queden atrás, porque Cane Savijärvi escupe riffs con sus guitarras, mientras la batería de Samuli Mikkonen y el bajo de Jarkko Aaltonen proveen la base a toda la fiesta medieval que se da encima de ellos mientras esperamos a que sirvan los platos de alce y ciervo.

Saltando entre los tracks del álbum, “Metään” toma muy de sorpresa con su introducción de guitarra ochentosa y más tarde metiendo una sección más reposada y de voces limpias en medio de la vorágine folk metal a su alrededor. “Kalmisto” es otra que llama la atención por su marcha metalera más pesada y con mayor énfasis en la melodía, algo que se repite e intensifica en la final “Harhainen höyhen”, que bien sirve como un momento de reflexión luego de tanta adrenalina. De las otras canciones rápidas, “Rankarumpu” tiene unos riffs metaleros bien pesados, y “Saunaan” es una celebración a toda velocidad del mayor regalo de la cultura finlandesa al mundo de los baños calientes.

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Ahora, hay algo que queda claro a las pocas escuchas: este es un disco sólo casi exclusivo para los que ya sean fans de Korpiklaani y sus composiciones más rápidas. Si te gusta una de las canciones rápidas lo más seguro es que te gusten todas, porque no hay mucha variación en la fórmula, lo cual se puede considerar un vicio tanto de Korpiklaani como de muchos otros grupos de folk metal. Pero en Rankarumpu el sexteto logra compensar ese problema manteniendo las canciones dentro de una duración accesible, lo mismo con el álbum completo: luego de dos discos seguidos superando la hora de duración, Rankarumpu se limita a unos mucho más manejables 43 minutos.

Los álbumes de Korpiklaani suelen nacer y morir en cuan inspirado esté el grupo en ese momento al componer y no creo que en 2024 sea justo andar pidiéndoles un trabajo a la altura de Spirit of the Forest o Voice of the Wilderness. Pero estando ya 20 años metidos en la etapa más famosa de la banda diría que Rankarumpu es un álbum a destacar y digno de darle una oportunidad, incluso aunque sea sólo para musicalizar algún baile pagano en medio del bosque.

Tras el éxito cosechado con su anterior trabajo (Sendas de Leyenda), los folk rockeros Celtian vuelven este 2024 con su cuarto disco de estudio (Tercero en lo que sería la etapa “Xana”, con justamente ella como vocalista principal del grupo) para demostrar que mal que les pese a los “Haters”, Celtian ya son una de las bandas nacionales más destacadas de este último tiempo.

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En este Secretos de Amor y Muerte, nos vamos a encontrar a una banda que ya parece haber logrado su madurez sonora y ha afianzado los detalles y recursos musicales que había en sus dos discos anteriores, pero añadiendo algunos matices nuevos que sorprenderán al oyente.

Tras una cristalina introducción llamada “La Ira Encantada”, muy en la línea Celtian, la banda abre el disco con “La Profecía” un poderoso corte con una base muy enérgica y cañera que combina elementos tanto del folk rock como del power, pero siempre sonando personal gracias al delicado tono vocal de Xana Lavey, sin duda una de las cantantes más personales de la escena nacional.

“Adalina” es la siguiente y esta ya comienza de forma más intensa que su predecesora, pero con la dosis justa de melodía vocal que Xana le imprime a sus composiciones, tiene varios cambios de ritmo y recuerda un poquito al primer disco de la banda con ella (En Tierra de Hadas), el señor Sergio Culebras aporta un solo bastante importante y enriquece aún más la canción con él mismo.

En “Serena”, nos vamos a encontrar la cara más “Folkie” del grupo mucho más festival con melodías muy limpias y bonitas, sumadas a la voz melódica de Xana, la cual demuestra que cualquier registro que presente lo va a dominar y quedaros con esto último de cara a la siguiente canción…

Creo que esta será una de las fijas en su próxima gira ya que te levanta el ánimo y te invita a bailar y saltar con la voz entonando el pegadizo estribillo de la canción sin duda.

Y si antes mencionaba los pequeños (grandes) detalles que Celtian ha sumado a este nuevo disco, es porque “Maleficio de Sangre” no solamente es una de las mejores canciones de la banda hasta la fecha si no también de las más ambiciosas.

Es oscura, pesada, de las más metaleras que han hecho y que cuenta con voces guturales !A cargo de Xana¡ por si le faltaba algún registro por explorar a esta chica, ahora le suma unos screams en la canción espectaculares y que pueden dar mucho juego en el directo ya que se complementan con un “Break” final que dejará en shock a más de uno.

Para redondearla, tiene un estribillo super melódico que se te quedará grabado en la mente desde el primer minuto que lo escuches, así que si esta es una de las mejores piezas del disco con diferencia.

El ecuador del disco viene de la mano de “Hasta el Final”, con un ritmo espectacular que no da respiro al oyente y una gran melodía vocal interpretada por Xana Lavey, Celtian han perpetrado en esta canción una más que notable continuación después de la sorpresa mayúscula que supuso “Maleficio de Sangre”.

Los coros de Charly Lopez de Bon Vivant se hacen presentes y le aportan un juego de voces con Xana más que acertado, mientras que el solo de Sergio echa fuego y las cuerdas están afiladísimas demostrando que cuando quieren ponerse cañeros, Celtian lo hacen y de que forma.

La revoluciones bajan un poquito con “Camino en la Tempestad”, una guitarras más oscuras dan comienzo al tema y ese aire melancólico crea una atmósfera muy interesante para el oyente, esta es otra de las piezas que por sus cambios de ritmo puede funcionar muy bien en el directo.

La melódica “No Vuelvas a Llorar” y el tremendo bombazo que es “Caricia Mordaz”, ofrecen esa diversidad sonora que está marcada a fuego en el ADN de Celtian y que quizás en este disco se haya plasmado aún mejor que en sus trabajos previos.

Sobra decir que lo de Xana haciendo ciertos pasajes guturales en este disco es un auténtico espectáculo y que si en directo los reproduce igual, la sorpresa que se van a llevar algunos puede ser de campeonato.

“Renacer” es otro de los cortes que mantienen la línea habitual de la banda combinando lo moderno, lo medieval, lo pop, lo rockero y que se adorna muy bien con un gran solo del señor Jorge Salan que no necesita presentación y que sigue demostrando que su magia a las seis cuerdas no entiende de estilos musicales.

“Sueños de Cristal”, es otra delicia que podría ser vista como la hermanita pequeña de “Lágrimas de Cera” por ejemplo, siendo un corte de folk rock metal moderno muy bien ejecutado y que gustará tanto a los fans más antiguos de Celtian como a los que acaban de llegar al sonido de estos chicos.

El interludio “Oh, Catarina”, lejos de pasar desapercibido, nos eriza la piel gracias al cristalino sonido de voz que presenta Xana y que sin apenas ayuda emociona y enmudece al oyente con la magia que despliega en esta pieza tan delicada.

El disco llega a su fin, pero no sin antes regalarlos otro tema donde el power se hace presente y ese es “Tras el Letargo”, un tema con agridulce lírica y que cuenta con el señor Rafa Blas como vocalista invitado, siendo una muy acertada elección y cuyo resultado si bien no es la mejor canción del disco, lo cierra de manera más que notable.

En un país como España donde hacer folk no es tarea fácil, Celtian vuelven a demostrar que no está todo perdido y que si las cosas se hacen con esfuerzo, mimo y dedicación, los resultados acaban llegando y en su caso particular es hora ya de dejar los prejuicios de lado y empezar a darles el crédito que merecen, porque con este disco Celtian vuelven a dar en la diana y se siguen afianzando como una de las mejores bandas de rock de nuestro país y eso, señores, no es nada fácil.

Disclaimer: Para poder disfrutar este disco recomiendo una atmósfera de luz tenue, si es posible una buena compañía para así poder disfrutar las sensaciones que produce cada uno de los tracks, un aperitivo (a elección) y dejarse llevar por la melancolía que evoca cada nota.

Los búlgaros Darkflight editarán este 29 de abril su quinto larga duración de estudio luego de 7 años de la salida de “The Hereafter” (2017). La nueva placa será lanzada por Symbol Of Domination Productions/Satanath Records y Australis Records. Su título es “Entropy”, y cuenta con 9 tracks de alto nivel compositivo y sonoro en sus 46 minutos de duración.

Su discografía se completa con “Closure” (2014), un EP llamado “In a Breathless Flight” (2010), “Perfectly Calm” (2008) y el debut, “Under the Shadow of Fear” que vio la luz en 2003.

Encaminados en un melodic doom metal con toques atmosféricos, lo de Darkflight lo podemos emparentar con bandas de renombre como My Dying Bride, Anathema, Katatonia, entre otras del género.

La formación incluye a: Milen Todorov en voz además de ser el encargado del bajo, Ivo Iliev en guitarra/sintetizadores y Valentín Deskov tras los parches quien se incorporó al grupo en 2023.

El arranque del álbum es con “A sad place to call home”, una buena canción para romper el hielo y sentirse parte de la melancolía que transmite la banda. La misma cuenta con un excelente trabajo de batería, voces limpias y un piano que marca el ritmo hasta el final de la misma.

Una nueva canción arremete en nuestros oídos: el track número dos titulado “Second Genesis” fue uno de los cortes adelanto del álbum. El mismo inicia con unos bellos arreglos de guitarra que se mantienen durante gran parte de la canción y se combinan con la voz melancólica de Milen.

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Una sorpresiva incursión de una voz femenina hace que la tercera canción del álbum nos haga sumergir en el más profundo trance. La musicalización durante estos 4:40 minutos de “So Much to Tell” hacen que recordemos aquellos grandes discos de The Gathering como fueron “How measure a planet?” o el “if_then_else”. Una excelente canción para dejarla en Repeat.

Titulada como “Vague Echoes”, encontramos una aceptable interpretación con buena calidad en las estructuras de la canción, con sonidos de guitarras con algo de distorsión.

Quinta canción del disco: con bellas melodías que recuerdan al Anathema del “Eternity”, nos encontramos con “Buried Together”, un track que sería la banda sonora ideal para alguien que se encuentre realizando un viaje en una ruta con la única compañía de las estrellas. Un tema realmente mágico.

Arranca “Rebirth” y encontramos un piano acompañado de una delicada voz melódica que sugiere un sentido de conexión profunda y misteriosa con el oyente. Más que recomendable.

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Se acerca el final del disco: suena “Your Time has Passed” siguiendo la línea general del disco, una canción simple, efectiva, con una base de guitarras que mantiene los riff durante los casi 4 minutos (la más corta del LP) que dura la canción.

Es tiempo de “Towards the Ruins” y la intro rememora a la canción “To Myself i Turned” de los italianos Lacuna Coil. Un gran tema de Darkflight.

El álbum es un viaje a través de emociones. Cada canción nos lleva a un lugar diferente, desde la alegría y esperanza, hasta la tristeza y la nostalgia. A lo largo de la escucha, nos encontramos con paisajes que nos resuenan profundamente haciendo que podamos disfrutar de una travesía sensorial en estado puro.

En esta ocasión escuchamos el nuevo disco de los rusos Wardra, una agrupación que viene batallando en la oscuridad desde el año 2016 con su propuesta de black metal con tintes atmosféricos y algo de doom metal.

Tras la edición en cassette de su primer material, titulado “Copper-colored Sky” en 2017, un EP al que llamaron “Ancestor of the New World” (2018) y un split junto a Logos (no confundir con la banda argentina de heavy metal) al que llamaron “Aberration of the Abyss” (2020), podemos encontrar un buen álbum lleno de oscuridad, maldad y algo de melodía.

La banda en cuestión nos presenta su segundo larga duración titulado “Warden of the Stellar Crypts” bajo el sello Satanath Records, a editarse el 17 de abril del presente año 2024 en donde los comandados por Vladimir Snegotsky (alias “W”), quien oficia de líder y se desempeña en la guitarra junto a “B” en el bajo, K” en las voces sumando como invitado a Dmitry Fiskin en la batería, nos demuestran la evolución en esta nueva entrega.

Durante poco más de 43 minutos, podemos encontrar en los 8 tracks que componen el material, una buena dosis de black metal, voces de ultratumba que se mezclan entre partes a medio ritmo, otras a pura velocida y un tanto de ritmos atmosféricos que amalgaman la calma entre tanta tormenta sonora. Las canciones que integran el álbum rondan en promedio los 6 minutos y tienen gran calidad.

Es de destacar el trabajo en la guitarra y el bajo marcando el ritmo de la batería. Como puntos altos se pueden destacar los tracks “Star Crypt”, “Essence of the Void” y “Silent Witness“.

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La producción suena cruda pero a su vez con buenos arreglos que hacen disfrutable el material. Las voces son claras, los solos de guitarra adentran al escucha en el disfrute de cada nota.

Como información adicional, podemos comentar que el álbum fue grabado en 2023: la batería y percusión en Mindcrusher Labs Studio, las voces en Rofocale Rec, lo instrumental en CDM Records, en tanto que la mezcla y masterización estuvieron a cargo de Sergey Lazar.

El arte de tapa fue obra de los artistas Elena y Vladimir del estudio Rotten Fantom.

En definitiva, un muy buen álbum hecho para fans del más crudo black metal, de bandas como Darvaza, y para quienes también admiran los sonidos calmos que el doom puede otorgar, haciendo que la conjunción funcione a la perfección.

A pesar de su ajetreada agenda con Eluveitie, la señorita Fabienne Erni ha encontrado el hueco necesario para publicar Another Side Of You, el segundo trabajo de su proyecto paralelo Illumishade, bajo el ala de Napalm Records.

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La primera advertencia que quizás se deba hacer antes de enfrentarse a este nuevo disco de la banda, es que esto NO es el Eluveitie 2.0, es más no es algo que Fabi pretenda si con su banda madre le va de maravilla, si no es una forma de explorar nuevos horizontes musicales que quizás no tengan cabida en la banda principal de la cantante.

Con lo cual si nos sumergimos en el disco, nos vamos a encontrar pasajes melódicos, algunos complejos heredados del sonido djent otros enfocados hacia el metal más moderno (sin querer comparar pero hay destellos de bandas como Spiritbox o Forever Still, en alguna pieza), pero siempre con esa voz hermosa y delicada que tiene Fabienne y que quizás sea el punto más diferencial de la banda respecto a otros grupos del mismo estilo.

No hay nadie en el metal moderno con la voz de Fabienne, es de esas voces que si cierras los ojos y escuchas una canción sabrás que es ella quien la canta, quizás lo mismo que ocurre con Courtney Lapante o Daniela Villarreal de The Warning en otro estilo.

Los teclados de Mirjam Skal le dan al álbum un toque medio melancólico y encajan muy bien con la base rítmica y al final construyen un disco bastante bien calibrado, pero que aún superando a su predecesor, no llega a brillar del todo, quizás porque el estilo está muy “explotado” ya y cada vez cuesta más sorprender al oyente que está familiarizado con el mismo.

Pero que esto no os confunda, el disco tiene muchas texturas y matices a descubrir ya sea en piezas “angelicales” como “Cloudreader”  como en otras más potentes (aunque sin perder el hilo melódico conductor) como “Riptide” o “Here We Are” y tengo la sensación que este disco está hecho para el directo, donde seguramente las canciones saquen un cuerpo de ventaja respecto a las versiones de audio.

Pese a todo Illumishade aprueban y casi se aproximan a una nota más que respetable con este nuevo disco, que deja la puerta abierta al margen de mejor para su próximo trabajo, en donde quizás deben buscar alejarse de la uniformidad de la que este peca en algún momento y intentar brillar un poquito más.

Fabienne Erni igualmente sigue demostrando porque es una de las voces más destacadas y personales de su escena y le aplaudimos una vez más su versatilidad y como ha sabido impregnar de su calidad este nuevo disco de Illumishade.

Con la publicación de su nuevo disco Self Hell, los británicos While She Sleeps se encuentran en un momento crucial para su carrera y este no es otro que dar el paso final y situarse a la altura comercial y popular de compañeros suyos como Parkway Drive, Bring Me The Horizon o Architects, entre otros.

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Y es que como pudimos comprobar el año pasado, la banda ya está jugando en las grandes ligas, siendo capaces de meter más de 1500 personas en Málaga, cuando visitaron por primera vez dicha soleada y veraniega ciudad y luego agotar el mítico Alexandra Palace en su país natal, colmando las 10 mil almas del recinto londinense, con lo cual estamos ante una banda cuya explosión definitiva es cuestión de meses.

Por eso este Self Hell, el sexto disco de la banda es de vital importancia, porque puede darles ese empujón final y que el próximo año sean ellos los que puedan ocupar plaza de “Headliners” en los festivales más importantes del mundo como hoy en día hacen Parkway, Korn, Bring Me The Horizon o I Prevail (en USA sobre todo).

El disco en si consta de 12 canciones y si lo escuchamos con mimo y dedicación, podremos observar que se trata de una versión mejorada de su disco anterior (Sleeps Socierty), esto se pone de manifiesto ya con la inicial “Leave Me Alone”, con un riff inicial marca de la casa y un Loz dejándose la garganta en el micrófono combinando los screams con versos medio rapeados, que inauguran un gran disco y esta idea se afianza aún más con la fantástica “Rainbows”, con una base inicial que bien podrían haber hecho tanto Enter Shikari como los BMTH actuales, y que entre tanto fraseado agresivo, cuelan un estribillo melódico y con un poquito de filtro pero que es absolutamente brillante y que puede sonar a gloria en directo aún más.

Cuando pienso en la evolución de WSS, creo que es más que evidente que los chicos han dejado de ser una “banda más de metalcore, muy buena pero una más” y esto podemos observarlo al escuchar el corte que da título al disco, donde asoman claras influencias de bandas como Limp Bizkit (el inicio bien podría encajar en un disco de Durst y compañía) y Slipknot, sobre todo en las partes más cañeras, evidenciando el amplio abanico musical que tiene la banda de Sheffield.

Mientras “Wildfire” nos recuerda a la era dorada del metalcore más melódico y es imposible que no se te dibuje una sonrisa al escucharlo, si me dicen que este tema lo hubiesen grabado Funeral For a Friend en 2004, me lo creería sin dudar y le da ese toque medio retro al álbum. El corte se redondea con un solo de guitarra hermoso y que convierte a esta pieza en una de las más destacadas del álbum con diferencia.

El ecuador del disco llega con “No Feeling is Final”, un corte que sirve a modo de interludio y que aunque suena bien y crea ambiente, no suma nada al global del disco y es más diría que lo hace tambalear.

Sin embargo la intensa y emocional “Dopesick” nos muestra una cara mucho más alternativa de la banda uniendo fuerzas con Stone y mostrando la cruda realidad, donde la ansiedad y las adicciones han formado parte de la banda y continúan aún hoy luchando contra ellas.

La furia vuelve con el imponente dueto con Alex Taylor de Malevolence en “Down”, quizás un corte más “Old School” y que podría haber encajado en discos como Brainwashed, siendo una auténtica delicia para el oyente.

Para concluir podemos destacar cortes ricos en composición como “To The Flowers” con un bonito riff de Sean Long y donde la voz melódica de Loz se hace muy presente demostrando que junto a personajes como Sam Carter, han demostrado ser muy buenos cantantes en su totalidad, completos y no solo destacar en los “Screams” o guturales, que también, pero ellos con los años se han ido superando a si mismos en todos los registros que manejan.

“Out Of The Blue”, es un interludio (A lo Pendulum) que deja paso a la parte final del disco, la cual llega con el binomio “Enemy Mentality” y “Radical Hatred/Radical Love”, que cierran de forma más que notable este nuevo disco de While She Sleeps.

Sincero, Intenso, Potente y con muchas buenas canciones, While She Sleeps se estrenan este 2024, año que como decía al principio tiene todos los números para hacer crecer aún más a la banda británica y con un disco tan bien ejecutado y armado como este, no debería sorprendernos si esto ocurre en lo que resta del año y de cara al 2025.

Tras su “sorpresiva” salida de Eskimo Callboy (Hoy Electric Callboy), el vocalista Sebastian “Sushi” Biesler, no se quedó de brazos cruzados y dió vida a GHØSTKID,  un proyecto con el cual acaba de lanzar su segundo disco Hollywood Suicide vía Century Media Records y con el que quiere demostrar que aún tiene cuerda para rato.

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En este nuevo disco, la banda que se completa con Jan Marco “Janz” Heinz a la guitarra, Christian “Chris” Kisseler a la otra guitarra, Stanislaw “Stanni” Czywill al bajo y Joakim Stephan “Steve” Möller a la batería.

Para quienes no conozcan a estos muchachos, el sonido que tienen combina elementos del post hardcore, el nu metal industrial, pinceladas alternativas y ciertos toques goth y todo este cóctel pasado por el filtro actual, lo que hace que si te gustan bandas como Motionless In White, Marilyn Manson, BMTH, Get Scared o Ice Nine Kills, estos chicos pueden convertirse en tu nueva banda favorita.

Estas 10 nuevas canciones, suponen una pequeña evolución respecto a su álbum debut homónimo de 2020 y eso ya se nota con las primeras notas de “Hollywood Suicide”, donde ya podemos notar ese toque industrial que Sebastian le ha dado a este nuevo proyecto y que es un buen comienzo para este nuevo trabajo.

Lo mismo ocurre con “S3x”, un corte que comienza pausado y que su progresión sonora es de admirar, con un puente muy oscuro a lo BMTH y un Sebastian bastante destacado a las voces.

Totalmente opuesta es “FSU”, un corte claramente influenciado por Marilyn Manson y Motionless In White, donde la base rítmica invita al pogo y el estribillo es totalmente coreable y festivo.

El “Break” final es abrumador y provocará más de un pogo salvaje en su próxima gira, de eso no hay duda alguna.

Es totalmente comprensible que la hayan elegido como single dentro del disco, lo mismo que sucede con “Heavy Rain”, quizás de lo mejorcito que han hecho estos chicos hasta la fecha.

El corte es muy delicado en cuanto a la temática lírica, ya que aborda el tema de la toxicidad en las relaciones y por eso el videoclip nos muestra una historia terrible, que acaba de la peor forma, el rítmo es denso, pero con las voces melódicas (se nota la influencia de bandas como Linkin Park y BMTH) hacen un buen contraste y seguro es las canciones que no faltarán en sus directos este año.

Frases como “Today Your Lips Taste Like a Broken Glass, I Tried My Best but Your Words Keep on Cutting Me Up…” son un puñal en el estómago y erizan la piel a cualquiera que haya pasado por una situación tóxica y estos chicos han tenido la capacidad de convertir esta delicada situación en una de sus mejores canciones.

La oscura “Valerie”, baja las revoluciones del álbum y lo oxigena justo cuando llegamos al ecuador del mismo, con lo cual hasta aquí se podría decir que el disco cumple y bastante bien los objetivos que planteaba la banda.

El binomio “Black Cloud” (con unos fraseos melódicos ultra pegadizos) y “Ugly”, inauguran de forma bastante acertada la segunda mitad del disco y podemos entender el sonido que plantean, ya que esta última tiene un toque medio post hardcore griton con bases electrónicas que no desentonarían en un disco de INK.

Si bien “Blood” no aporta mucho al resultado final, la siguiente protagonista “Murder” si que añade un poquito más de sangre al disco, con unos screams bestiales y un estribillo muy intenso que seguro suma algún puntito más en directo y que es de lo mejorcito del disco junto con temas como “Heavy Rain” o “S3x”.

Aunque “Dahlia” presente ecos de From First To Last (con Sonny Moore claro) y “Helena Drive” intente cerrar el disco con un toque medio dramático, quizás hubiese ganado más puntos hacia la mitad y no aquí, donde quizás pueda pasar medio desapercibida para el oyente no habitual de la banda.

Pues si GHØSTKID, cumplen con este disco, es más tienen muchos momentos de notable alto, pero quizás cierta dispersión hacia el final del álbum nos deje con una sensación de lo que pintaba para ser, pero no acabó siendo del todo.

Aún así contamos los días para verlos en nuestro país junto a sus compañeros finlandeses Blind Channel, en donde quizás esté la verdadera prueba de fuego y esa no es otra que ver como suenan estos temas nuevos en directo, veremos que ocurre y quizás después de verlos haya que darle una nueva escucha a este retorno de los germanos.

Los canadienses Sum 41 han lanzado un disco que genera sentimientos encontrados, primero positivos porque es el primero en un lustro sin música nueva de la banda que lidera Deryck Whibley y segundo negativos, porque lamentablemente será el último disco de su carrera, tal y como anunciaron el año pasado, así que es un disco que uno coge de manera agridulce ya desde un principio.

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Este nuevo trabajo de la banda, tal y como su título indica, recoge las dos caras del sonido de Sum 41, así pues, Heaven, nos muestra el lado más punk popero y alternativo de la banda, donde temas como “Dopamine”, “Not Quite Myself” o la ya conocida “Landmines”, nos traen de vuelta a los Sum de la primera época, con un sonido más trabajado pero con la misma energía de antaño y sin necesidad de caer en la burda copia como hicieron en aquel desastrozo Underclass Hero, afortunadamente ellos han sido capaz de volver a hacer temas de este estilo pero con la personalidad que ese disco no tenía y que recuperaron en obras posteriores como Order In Decline.

Con apenas 27 minutos, el disco se pasa como un suspiro pero nos regala una despedida más que acertada de estos chicos dentro del estilo que les vio crecer y les dio la popularidad allá por los 2000.

Sum 41 cierran esta etapa con notable y si algún día vuelven, podrán decir que al menos estos casi 25 años de carrera lo despidieron a lo grande.

Pero para hacer más completo aún este trabajo en Hell, la banda vuelve a la época de discos como Chuck (a día de hoy el segundo mejor de su carrera de lejos) y si bien nunca han sido ni Slayer, ni Metallica o Iron Maiden, si que han sabido aplicar sus influencias para entre el punk pop ultra pegadizo, colar temas con un toque mucho más oscuro como eran “88” o “We’re All To Blame”, dos joyas en el catálogo de estos sujetos si me preguntan a mi.

Por eso en Hell, temas como “Over The Edge”, “It’s All Me” o esa contundente “You Wanted War” con unas guitarras bestiales a cargo de Dave Baksh y Tom Thacker, se postulan como de lo mejor del disco y nos muestran que aquella propuesta “curiosa” (y a veces no tomada en serio) de los 2000, es hoy una marca registrada en el sonido de Sum 41 y pese a ser su último disco, aún pueden regalarnos bombazos como estos, sobre todo “You Wanted War” con un solo de guitarra mano a mano entre Dave y Tom que pondrá los pelos como escarpias a los que como un servidor disfruta del punk pop y el metal al mismo nivel.

Para el final se dejan la cañera “How The End Begins”, donde cierran con broche de oro no solo el disco más largo de su carrera, si no (seguramente) el mejor que hayan grabado en la última década y no sabemos si esto es un adiós definitivo, un “Hasta Luego” temporal o si esporádicamente volverán a tocar (por ejemplo como hicieron bandas amigas como Gob, Good Charlotte, Fenix TX o The Movielife, en festivales como el When We Were Young Fest), pero si esto es la despedida de Sum 41, hay que ponerse de pie y agradecerles por regalarnos un último trabajo tan bien hecho y destacado como este Heaven :x: Hell.

Así pues Sum 41 se despiden con una de sus mejores obras y volviendo a juntar lo mejor de ambos mundos (el punk pop y el rock/metal) de la mejor manera posible y sin apenas fallos, completando así una de las discografías más sólidas dentro del genero y evidenciando su relevancia dentro del mismo.

Gracias por todo lo que habéis significado para tanta gente y ojalá en caso de que haya regreso sea tan notable como este.

No es el único y quizás tampoco el que lo hace más o mejor, (esa decisión se la encomiendo enteramente al buen juicio de los lectores) pero, al menos desde mi óptica, es incuestionable que la sensación de estar siendo perseguidos por una deidad forestal nórdica está presente a lo largo de cada pista que compone a Ihsahn, álbum homónimo de la banda de un hombre compuesta por el reconocido artista noruego, Vegard Sverre Tveitan.

Como cada vez que les recomiende un disco, les recomiendo también que lo acompañen con una historia y en este caso particular, Ihsahn tiene una historia que apela a la aprehensión, a la sensación de estar siendo acechado de cerca por la otredad, pero entre todas las emociones
que esta entrega nos da, haré especial hincapié a la omnipresente ominosidad, como si algo terrible estuviera a punto de cernirse sobre nosotros y fuera muy tarde para reaccionar o hacer algo al respecto.

La primera canción, Cervus Venator cumple la función de introducirnos al mundo fantástico que IHSAHN tiene preparado para nosotros, y posteriormente el caos y la paranoia se desatan en el segundo track THE PROMETHEAN SPARK, incrementando con cada canción hasta encontrar una especie de pausa o descanso en ANIMA EXTRANAE.

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El álbum goza de una atmósfera inmersiva que te conduce por un paisaje frío, compuesto por estrechos pasillos con un suelo de hojas secas, paredes de altas coníferas aglomeradas en espacios reducidos, un sol distante y apenas presente, y un protagonista que ignora el frío debido a su sudoración adrenalínica. Terminarás por enfrentarte a una situación en la que correrás tan rápido y por tanto tiempo como te sea posible, a sabiendas de que eventualmente serás alcanzado por aquello de lo que con tanto frenesí intentabas huir, lo anterior es una garantía de entretenimiento.

Una de las mayores gracias del disco es que no solo te absorbe en un bosque escandinavo en el que eso otro terrorífico te acosa incesantemente como en A TASTE OF THE AMBROSIA, sino que te habla de su concepción, del origen de aquello que te estremece, y quizás a eso es a lo que Vegard Sverre se dedicó con más devoción, a la gestación de este hórrido perseguidor en TWICE BORN, mismo que está inevitablemente influenciado por clásicos del género que han hecho legendarias representaciones tanto de dioses oscuros y desconocidos, como de atmósferas abrumadoras y aprensivas.

Te invito a qué le des tu propio panorama, historia e interpretación, por qué el principal acierto de este material es que te permite hacerlo fácilmente, es sensato seguir el orden de las canciones del álbum por qué pienso que hay una cierta aleación entre cada canción y la que la
precede o continua.

Es experimental, auténtico, tiene un mensaje y te va a entretener mucho, eso sí, se lo recomiendo a todos, menos a los paranoicos.