¿Que son nuestros gustos si no otra cosa que lo que necesitamos escuchar en cada momento de nuestra vida? Atado a cada emoción, a lo que nos sucede, lo que vemos, lo que pensamos, lo que creemos. Solo de algo estoy totalmente seguro y es que nuestras percepciones sobre la vida misma cambian y con ello, también nuestros gustos musicales. Quizás, a veces, para los músicos esta afirmación también es válida cuando llega la hora de hacer su música. Es común entonces que existan bandas que difícilmente se casen con los géneros, etiquetas o rótulos, en pos de la búsqueda de versatilidad emocional de sus obras. Hay artistas que reflejaron sus inicios musicales de una forma completamente diferente a lo que hoy nos ofrecen a nivel musical. Hay bandas, como Death SS, que definitivamente son un inmejorable ejemplo de lo que les estoy hablando.

Death SS es una agrupación italiana con una longeva carrera dentro de la escena del metal italiano (y un poco fuera de ella también) que por sus características califica muy bien como banda de culto. Steve Sylvester es prácticamente el progenitor de este proyecto y quien pujó desde un primer momento por su consolidación. Speed metal, doom, la imagen característica del shock rock, elementos de black metal y hasta influencias en dicho género es lo que podemos encontrar en sus inicios. Un poco de heavy luego, para virar al metal industrial, volver al heavy y llegar al día de hoy con The Entity, su más reciente álbum, una propuesta de metal llena de elementos góticos, hard rock, aor, sinfónicos e industrial.

The entity es un álbum de índole conceptual que está inspirado en obras literarias de Aleister Crowley, como así también en los personajes del imaginario de Robert Louis Stevenson y James Hogg, algo que no me sorprende para una banda como esta que tranquilamente la podemos emparentar con otras como Alice Cooper (una de sus principales influencias). Esta magistral obra comienza con una pieza inspirada en el poema de Crowley “Ave Adonai”, que con un solitario órgano al inicio nos adelanta la tetricidad con la que nos encontraremos en el resto del álbum. Unas voces operísticas de fondo adornan esta canción que redondea un gran comienzo de disco.

“Justified Sinner” en segundo lugar, single promocional al mismo tiempo y que nace inspirado en la obra de James Hogg, es una canción que respeta el sello del disco. No mucho para decir sobre este tema que no haya descrito aún (aunque tampoco para el resto). “Posessión” es una canción con un tempo considerablemente más rápido, enérgica y un estribillo que repite el nombre de la misma. El solo excepcional destaca por el resto de los segmentos de la canción. Un tímido theremín se hace oír a la pasada. Lo que viene de inmediato es “Dr. Jekyll & Sister Hyde” que no hace falta aclarar que está inspirada en la película británica del mismo nombre (y esta, a su vez, en la obra de Robert Louis Stevenson). No mucho de mi agrado y aunque a esta altura uno podría recriminarle a The Entity la falta de estructuras diferentes, no hay que olvidar que a un álbum conceptual hay que pensarlo como un todo y no como piezas aisladas.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Trick Or Treat – Ghosted (2025)

De nuevo los órganos tétricos para presentar “Two Souls” que luego explota con un riff cuasi power metal que será constante hasta el final de la misma pero que nunca quisiéramos dejarlo de escuchar. Un gran shock de energía para el gimnasio.

Punto y aparte para lo próximo, porque “Out To Get Me” es la primer power balada del disco. Acá nos encontramos con unas estrofas que vagan entre la tranquilidad y pasividad de la voz de Steve hasta que llega el estribillo para desatar un grito desesperado de alguien que escapa del mismísimo infierno (Claro que en sentido metafórico… ¿O no?). “Hell Is Revelead” con unas fantásticas guitarras gemelas y una gran actuación de estas en líneas generales, abre la segunda mitad del disco. “Love Until Death” tiene un comienzo con una melodía que me fascina. Una canción que coquetea nuevamente con los elementos musicales de las power baladas y que subo al podio de favoritas. “The Whitechapel Wolf” es una canción que no me logra atrapar por completo pero que mantiene mínimamente el nivel general del disco.

Luego nos encontramos con una pieza que se acerca más a un rock clásico de los 60s. Hablamos de “The Evil Painter” construida con algunas escalas y órganos típicos de la época o al menos esa es la vibra que me da. “Cimiterra” es uno de los puntos fuertes del álbum. Con una fuerte presencia del sonido de un theremín, volvemos al punto cúspide de lo tétrico de la obra. Un excelente puente ejecutado con las guitarras une el final del estribillo con el comienzo de una nueva estrofa. El solo espectacular condecora a Cimiterra como una de las mejores canciones. “Evil Never Dies” en la última ubicación, es nuevamente un shock de energía. Tempos nuevamente en otra velocidad, un pre-estribillo que nos pone un poco ansiosos por lo que viene.

Sin duda alguna The Entity redondea un gran trabajo, una gran obra y pone en evidencia toda la experiencia de una leyenda como Steve Sylvester. Como particularidad, en esta ocasión, Steve trabajo de la mano del aclamado productor Tom Dalgety, conocido por sus trabajos con Ghost, Rammstein, Pixies, Opeth, entre otros tantos. Y vaya que si se nota la excelencia de este dúo productor. ¿La portada? Simplemente una genialidad. Bien sabemos que a lo largo de su carrera han sido mas controversiales que otra cosa y que eso, ayuda mucho a la hora de llegar a su música porque ¿Quién no quisiera ver que hay detrás de la caratula de un tipo que parece recién traído desde la profundidad de las tinieblas? Como bien saben, siempre acompañan a Steve diferentes músicos así que por esta ocasión no hare reparos en quienes conforman Death SS en su totalidad.

A decir verdad, este disco realmente me ha gustado. Un disco que me recuerda a la primera vez que escuché Trash y Hey Stoopid de Alice Cooper, o que por lo menos me recuerda a las producciones musicales de finales de los 80s. Una producción natural y orgánica y que debe pensarse como un todo por su impronta de álbum conceptual, tal como The Crimson Idol de WASP. Una historia musical que se relata en diferentes capítulos y que a cualquiera que quiera pasar un buen rato y que guste de la literatura clásica de terror como a Steve, no debería dudar ni un segundo en darle una oportunidad.

3 años pasaron para que desde Suecia llegara un nuevo disco de H.E.A.T, Welcome to the Future trae la misma línea que su antecesor Force Majeure, tal vez un poco más suave pero con las mismas armonías que han caracterizado a la banda desde sus inicios, ya tienen su fórmula que les funciona y ellos se dieron cuenta que en su álbum del 2017, Into the Great Unknown donde trataron de cambiar un poco, no funcionó del todo bien, así que para que ir por otro camino, la idea les quedó clara, el hard rock melódico es lo suyo y aquí en Welcome to the Future eso continua.

“Disaster” es un tema muy bueno para abrir sus conciertos en esta gira que empieza ahora por Latinoamérica, seguramente sonará en todas sus presentaciones de este tour al igual que su segunda canción “Bad Time for Love”, acá suenan más alegres y divertidos, es clara la gran tarea que hizo Jona Tee con los teclados en cada tema, parece llevar la batuta en todo momento y le da un toque único a cada nota del disco.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Perÿ Rodriguez (Gueppardo): “Hacer arte es más que darle órdenes a una máquina”

Con unos pequeños arreglos orquestales suena “In Disguise” que junto con “Rock Bottom” pueden ser los temas más especiales de este disco sin necesidad de convertirse en sencillos, Dave Dalone sigue sacando riffs bajo la manga, cada uno muy similar al otro pero con algo que los diferencia entre sí, sus riffs dan paso a los sólos de guitarra que recuerdan los ochentas en cada pulsación de sus cuerdas.

La manera de cómo se integra el teclado y la guitarra en “Children of the Storm” es perfecta, por que cuando cambian del intro al riff que lleva la canción, se intensifica y le da otro estilo, se vuelve más un tema de fiesta en donde todos pueden levantar su cerveza y saltar al lado de su amplificador mientras se grita el coro “You were born, children of the storm, facing what we’ve never done before. you were born, children of the storm, can’t you see their hearts already tore, children of the storm”.

“Paradise Lost” evoca brevemente a lo que está haciendo Avantasia y es que el paso de Kenny Leckremo por esta banda los influenció en algo, eso no cabe duda, “Losing Game” suena muy a sus dos primeros discos, H.E.A.T del 2008 y Freedom Rock del 2010, es más que lógico, todos sus miembros siguen en pie desde sus inicios, puede que un par de ellos hayan salido y entrado nuevamente, pero la formación y la esencia se mantiene firme.

Para marchar al pie de guerra está la canción “We Will not Forget”, último tema del disco, ideal para que suene en un partido de rugby en donde todos salen a dar todo de sí y vencer al enemigo, “Call my Name” es el más suave del álbum, a veces tiene toques de música disco. “Tear It Down (R.N.R.R.)” parece que quedó fuera de su disco anterior pero que buena canción es, tiene coros entre Def Leppard y Accept, posee la energía del Force Majeure, y “Running to You” es H.E.A.T. por donde se escuche, es una melodía que lleva la forma de la banda al igual que “The End”.

Se extraña un poco la fuerza del baterista Don Crash pero no hace un mal trabajo, sólo le faltó algo más del punch al que ya nos tenía acostumbrados, y Jimmy Jay sigue impecable en su ejecución del bajo, se extraña mucho la dupla entre Eric Rivers y Dave Dalone, ojalá en algún futuro no muy lejano, regresen a la banda al igual que Erik Grönwall pero sin que ningún miembro de los actuales tenga que dejarla, algo así como lo que está haciendo Helloween en la actualidad.

Welcome to the Future es una muestra que la agrupación no pierde su creatividad, sus ideas siguen saliendo por cada poro del cuerpo al momento de grabar, acá H.E.A.T nos deja claro que hay banda para rato, mucho rato.

Era sin duda uno de los lanzamientos alternativos más esperados de la temporada y ahora que Sleep Token han lanzado Even in Arcadia, viene la pregunta crucial ¿Han estado a la altura de lo esperado? o por el contrario es un disco más en la carrera de la banda británica.

Pues tras haber escuchado a conciencia y en repetidas ocasiones el cuarto disco de la banda, al contrario que otros “Entendidos” musicales, debo decir que la banda cumple y con creces lo que algunos esperábamos de ellos con este nuevo trabajo.

También es cierto que con cada disco, Sleep Token va agotando los efectos sorpresa de cara al público más “exigente” y es que el inicio con “Look to Windward” es una pequeña evidencia de esto que estoy diciendo, ya que pese a ser una canción bastante bien resuelta, con ese intro que suena a los 2000 por los cuatro costados, se extiende un poquito de más y no es todo lo redondo que podría haber sido.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Yungblud confirma un único show en España para otoño

Si que hacia la mitad con ese “Break” agresivo vuelve a unificar los dos mundos de Sleep Token, pero estaremos todos de acuerdo que en “Emergence”, está mucho mejor ejecutado y expresado a nivel musical y lírico.

De “Caramel”, poco puedo decir que no haya dicho cuando salió publicada y es que es una de las mejores canciones de la banda hasta la fecha y cuenta una realidad que quizás muchos prefieran ignorar, pero que la banda vive en sus propias carnes como precio a pagar por su altísimo nivel de popularidad conseguido en menos de un lustro.

Por supuesto que el lado “Pop” está ultra presente piezas como “Past Self”, con referencias más cercanas a Post Malone o The Weeknd que a BMTH o Poppy por citar dos nombres modernos pero con la contundencia suficiente como para captar a millones de personas y arrastrarlas al lado más alternativo de la música actual.

Con temas como este, se entiende porque Sleep Token gustan y disgustan a partes iguales, aunque también os digo que esta canción con el sol resplandeciente y una Monster helada, puede ser una postal más que repetida a lo largo del verano que se aproxima en Europa.

El giro vuelve a darse con “Dangerous”, un corte mucho menos “Happy” que su predecesor, pero con un Vessel imponente a las voces, capaz de erizarte hasta el último vello de tu piel con su tono vocal tan personal y diferente al de otros compañeros de profesión.

La segunda mitad del disco viene con el corte que da título al álbum y que es de lo menos destacado ya que repite un poco la fórmula que conocemos de la banda y deja paso a “Provider”, un corte con claras alusiones al R’N’B y donde Sleep Token vuelven al sonido moderno y algo procesado de “Past Self”, pero mucho más complejo que este y con diversas capas sonoras para descubrir con cada escucha que uno le de, siendo justos este lado de Sleep Token, aunque lo disfrute, entiendo porque les pueda chirriar a los que esperaban más metal en este disco.

El final a lo I Prevail es bonito, ya que recupera un poquito la distorsión y pueda regalarte ese lado más pesado de la banda, que tanto andas buscando, pero es breve y con cuenta gotas.

“Damocles”, último single del disco antes de su salida oficial, si que convence con una letra tremenda y un Vessel que emociona hasta las lágrimas al oyente desde la primera vez que uno la escuche y que es otro de los grandes momentos del álbum, donde Sleep Token muestra sus mejores cartas.

Para el final, se guardan dos cortes muy interesantes como son “Gethsemane”, con un comienzo delicado que evidencia la tremenda capacidad y recursos vocales que tiene Vessel como cantante y que presenta una estructura “marciana” como Sleep Token nos tiene acostumbrados, con un ritmo in crescendo a lo Polyphia o Dreamcacther y ciertas reminiscencias a bandas como Deftones con un riff brutal y directo al pecho que parte el tema en dos y bien podría haber encajado en su disco anterior.

Para luego en la segunda parte presentar un sonido a lo Post Malone en la era de Hollywood Bleeding, que sin duda va a descolocar a cualquiera que no este familiarizado con esta banda.

Y para cerrar el disco tenemos los 8 minutos y 24 segundos de “Infinite Baths”, que como todo el disco, es una montaña rusa sonora y de emociones, con un comienzo épico y lento que puede conmover a quién escuche a la banda por primera vez, para dejar paso a un final a todo trapo y donde dan rienda suelta a toda esa rabia contenida (quizás en exceso ya que se podrían haber marcado alguna canción más metalera) a lo largo del disco con unos fraseos de guitarra afilados y un Vessel muy agresivo y brutal a las voces, quizás para que uno no piense que a Sleep Token se le olvidaron sus raíces más pesadas antes de entrar al estudio.

Por lo que vuelvo a formular la pregunta ¿Han estado Sleep Token a la altura de lo esperado?, pues yo diría que si con matices, ya que no tengo muy claro que este disco supere a su predecesor, aunque si que pueda igualarlo en varias ocasiones, pero también hay que ser realista y saber que para futuras entregas, Sleep Token tienen que volver a pulsar esa tecla que los haga brillar en todo su esplendor y no por partes como ocurre en este nuevo disco, que si cumple y es más que interesante, pero podría haberlo sido bastante más a nivel conjunto y no individualmente.

Tras las buenas sensaciones que nos dejó su anterior trabajo (Starstruck de 2022), los italianos Sick N’ Beautiful vuelven con su cuarto disco de estudio Horror Vacui, para demostrar porque su propuesta tiene todos los números para despuntar aún más este año.

Herma es una vocalista bastante especial, ya en el debut de Venus 5 pudimos ver como se adaptó a sus compañeras con un tono más “accesible” y sin embargo en este proyecto nos regala su lado más metalero, descarado y potente.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Lordi – Limited Deadition (2025)

El comienzo de “[Human] Overrrated“, permite ver ciertas influencias de bandas como Static-X combinadas con el industrial/metal moderno de In This Moment (sobre todo de discos como Ritual) y marca una línea musical que se va a mantener a lo largo de los casi 46 minutos que dura el disco.

Aunque combinados con otros elementos musicales, Sick N’ Beautiful han sabido jugar sus cartas muy bien y entregar un disco que mantiene la frescura de su predecesor, pero con un “Punch” extra que lo convierte quizás en el mejor que hayan grabado hasta la fecha.

Los singles “Haunted“, “Hate Manifesto” o la potente y fantástica “Raise the Dragon“, ya hacían ver que la banda iba a volver con todo en este nuevo disco y desde luego con pelotazos como “Death Police“, así ha sido.

Greta explora a lo largo del álbum sus diferentes registros y lo cierto que en todos suena más que interesante, por algo Lordi los han llevado de teloneros en la primera parte de su nueva gira europea, porque con su particular sonido pueden encajar con diferentes grupos.

La pesada y desafiante “Railride” o su siguiente invitada “God Save The Bride“, con una intro a lo Metallica en el Black Album, son dos claros ejemplos de como Sick N’ Beautiful te sorprenden con sus giros sonoros a lo largo del disco.

“God Save The Bride“, pasa de un sonido medio misterioso y oscuro a un ritmo trepidante y que seguramente sea de los mejores momentos del disco.

Está claro que Herma ha plasmado el disco que ella quería junto a la banda y si la fórmula funciona y es efectiva, quienes somos nosotros para decirle que la cambie si las canciones conforman un disco más que redondo y sólido como este.

Cuando pienso en el power metal me veo a mi mismo en mi adolescencia, allá por mediados de la primera década del nuevo milenio, fascinado y descubriendo cada una de las bandas de este virtuosísimo género originario del norte de Europa. Sonata Arctica, Stratovarius, Edguy, algunas pioneras como Helloween, otras con elementos de sinfonías como Nightwish. Sin embargo, no logré que este encuentro y exacerbado gusto por el estilo, trascendiera más allá de esa década. Es entendible. Encuentro yo, ciertos paralelismos con el destino del heavy y el glam en los lejanos 80s, un estilo que, por su exponencial crecimiento y éxito, se vio enormemente sobre explotado para finales de la década ¿El resultado? Miles de bandas que terminaban por sonar todas igual, como si accidentalmente, hubiesen transformado al género en un proceso estandarizado para crear a las bandas. Bueno, pues, con el power siento, en gran medida, que sucedió algo similar: mucho éxito, muchas bandas, recursos sobre explotados.

¿A que viene todo esto? A que hoy me siento a escribir una reseña y análisis del nuevo disco de Trick or Treat, una banda de power metal, pero con una característica muy peculiar. Ghosted, como se titula este trabajo, saldrá (o salió, si es que leen esto luego) el 26 de abril bajo el sello Scarlet Records. La banda de origen italiano y con casi 2 décadas de existencia con material propio, es un poco (y bastante) esquiva, a las típicas temáticas de mitología nórdica y fantasía del tipo Calabozos y Dragones. Más bien, estos señores, han decidido por apostar a darnos donde mejor pueden: la nostalgia. Literatura, comics, cine y hasta anime son algunos de los disparadores para construir sus discos. Durante el año 2019 y principios del 2020, sacaron mes a mes, un single que se correspondía con el signo zodiacal y al mismo tiempo, con los personajes de la celebre serie Saint Seiya y que, en conjunto, conformaron el álbum The Legend Of The XII Saints.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Trick or Treat estrena el videoclip de “Dance with The Dancing Clown”

Para Ghosted, lo que nos traen, es una propuesta que rinde tributo al cine de horror de los 80s, a los comics y videojuegos. Con “Lost In The Haunted House” al inicio, nos dan una corta introducción de lo que vendrá, emulando al soundtrack de las series de terror infantiles como Tales From The Crypt o Goosebumps, y como al mismo tiempo dejando en claro que no habrá historias de terror profundo sino más bien una ronda de metal, horror y diversión. De inmediato nos hacemos con “Craven Road“, una canción muy ganchera que referencia al comic italiano Dylan Dog, un joven detective londinense que investiga casos paranormales. Un gran solo acompaña y destaca por el resto; un tenue y esporádico teclado da sensaciones de tenebrosidad. “Bloodmoon“, que es lo que sigue, tiene un condimento especial: la colaboración de Adrienne Cowan, cantante de Seven Spires y recurrente en Avantasia. Esta pieza es una oda al popular videojuego japones Castlevania. Por momentos es una canción con la estructura típica del mejor power metal habido y por haber, por otros, se acerca más al death metal de bandas como Children Of Bodom y esto último, gracias al trabajo vocal de guturales de Adrienne. Bloodmoon fue el segundo single promocional presentado.

“Ghosted“, que trata sobre el fenómeno de redes sociales “ghosting”, donde una persona puede sentirse invisibilizada y en soledad por otros a través de ciertas conductas, fue el primer single promocional y que viene acompañado de un videoclip donde el protagonista entra en una dimensión paralela donde es, justamente, invisible para la sociedad. Un tema del cual no hay mucho que esperar en la cuota musical.

“Dancing With The Dancing Clown“, en cuarto lugar, es el último single promocional, también acompañado con un (bizarrisimo) videoclip, donde un maestro payaso asesino, enseña a un discípulo como perseguir a sus víctimas. Para un disco bastante estándar y típico, es este tema quien por lejos se ha convertido en mi segmento favorito por tener el mejor estribillo. Siguiendo la línea temporal, nos encontramos con “Polybius“, que a mi entender, por su mero nombre, hace referencia a un juego arcade ficticio de una famosa leyenda urbana que aseguraba que quienes lo jugaban tendían a consecuencias y efectos como la locura, las pesadillas y hasta el suicidio. Una canción que por momentos suena a un power más clásico, como el de Helloween.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Del Metal al Cómic: La unión de dos artes marginadas

“Evil Dead Never Sleeps“, una especie de tributo a la película de horror de los 80s, Army of Darkness y “Return To The Monkey Islands” (adivinen de que va…) son las 2 siguientes piezas y de las cuales no tengo mucho más para agregar en cuanto a lo musical, salvo porque en ésta última tenemos colaborando a Chris Bowes de la banda Alestorm (un poco obvia la elección de esta canción para su participación). Más de lo mismo si, pero muy asertivo y ganchero. Ambas historias son muy representadas desde lo instrumental.

“Make A Difference” en noveno lugar y sin mucho para acotar, así que, pasando a lo próximo, nos topamos con “The 13th“, que conmemora a las películas de los 80s Friday The 13th. Una muy buena canción si de tributos a la cultura cinéfila hablamos, con una letra más explicita sobre la referencia que trata.

Para rematar y completar este promisorio disco, en último lugar, “Bitter Dreams“. Si hablamos de Jason Voorhes en la anterior, no podía faltar Freddy Krueger y por eso la última pieza se corresponde con Nightmare On Elm Street ¿Una competidora para Dream Warriors de Dokken? Ni por asomo, lejísimos de ser un himno del metal como aquella excelentísima y memorable canción, pero no por ello una mala.

Eso es el disco. Como lo verán, una descripción de que va cada una de las canciones desde la temática de las letras mas no así de lo musical. Pues, no por nada ese primer párrafo. Y es que el nuevo disco de Trick Or Treat es una experiencia que desde lo musical no promete nada nuevo, nada diferente, por lo cual, si han escuchado mucho power metal en los años 2000 como yo, de alguna manera, ya habrán “escuchado” este disco. Voces agudas y virtuosas, rápidos tiempos marcados por el doble bombo de la batería, guitarras gemelas y gran apoyo de teclados (la receta del power metal). Quizás, lo que deba remarcar es que, Trick Or Treat no apunta a otra cosa que brindar una experiencia de metal y diversión y que su música se construye a partir de esa idea y en eso, cumplen al 100% su propósito.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Especial Rob Zombie: “Reinventando el terror de culto”

Una banda con mucha experiencia en el lomo, con colaboraciones de grandes artistas del ambiente, participación en los grandes festivales y teloneando en muchas ocasiones a bandas consagradas, no necesita que le digan que hacer y de que manera. Alle Conti, quien carga con las voces, es también quien diseño la portada. Completan la formación, Guido Benedetti y Luca Venturelli en guitarras, Leonel Villani Conti en bajo y Dario Capacci en batería. Simone Mularoni fue el productor a cargo, que, ya que lo menciono, otro gran acierto del disco es la producción. Natural y muy a lo vieja escuela, y es por eso que insisto tanto en las bandas del 2000, porque así suena Ghosted.

Pongan el disco, templen su pensamiento y déjenlo correr. Como siempre, si tengo que emparentarlos con algún otro grupo para que tomen de referencia y decidan si darle (o no) play, puedo pensar en Edguy. Me recuerdan a ellos más que a ninguna otra banda, con ese mix de metal, diversión y videoclips graciosos. Veremos si tendremos nuevamente a Trick Or Treat por tierras sudamericanas o ibéricas para presentar este nuevo álbum.

The Man-Eating Tree arrancó como una iniciativa de varios miembros de la escena metalera finlandesa allá por 2009. No sé si llamarlos un “supergrupo” ni tengo idea si los integrantes consideraban al grupo de esa manera, pero está claro que podíamos encontrar un par de nombres interesantes en el currículum de los músicos, siendo los más importantes Poisonblack, Sentenced, Fall of the Leafe y Eternal Tears of Sorrow, así que habría bastante para fans de la movida gótica. Pero después de su debut Vine (2010) y su casi inmediato sucesor Harvest (2011), The Man-Eating Tree pasaron por una gran cantidad de cambios de formación, dejando pasar cuatro años hasta el siguiente In The Absence of Light (2015), para luego tener más cambios de formación y que pasara otra década hasta su cuarto álbum, este flamante Night Verses editado por el sello alemán Noble Demon el 11 de abril.

Con el guitarrista Janne Markus como único miembro de las formaciones que grabaron los discos anteriores, esta nueva versión de The Man-Eating Tree tiene también sus antecedentes, pudiendo contarse entre los integrantes al bajista Mika Junttila de los melodeath Mors Subita y al cantante Manne Ikonen, quien fuera miembro fundador y vocalista de Ghost Brigade durante veinte años. 

Con estos nuevos integrantes, teniendo sus propias influencias y orígenes, cabría esperar un cambio en el estilo de The Man-Eating Tree. Y de alguna manera hay una diferencia, aunque es más una continuación del sonido de In The Absence of Light: mientras Vine y Harvest estuvieron dominados por la voz limpia de Tuomas Tuominen (ex Fall of the Leafe), el tercer disco marcó no sólo la llegada de Antti Kumpulainen como vocalista sino también la incorporación de voces podridas, algo que claramente quisieron destacar siendo que en ese disco son las primeras que uno escucha. Night Verses mantiene esa dinámica con Ikonen, alternando entre ambas vocalizaciones entre secciones, como una mezcla entre las voces de Amorphis y el sonido atmosférico de Katatonia.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Hangman’s Chair – Saddiction (2025)

Así que The Man-Eating Tree no van a ganar ningún premio a la originalidad. Pero lo mismo se podía decir de los discos anteriores, y que las canciones estén hechas con elementos muy familiares nos significa que no vayan a funcionar, y en general Night Verses se mantiene en un nivel no tanto espectacular, pero si “bueno” tirando a “muy bueno”.

Los tres adelantos mostraron bien las tres caras del álbum. El primero, “Seer”, es de las más tradicionalmente metaleras, con ese riff directo en los versos y el doble bombo que se puede escuchar en el estribillo mientras las voces podridas y limpias se enfrentan unas con otras. “To The Sinking”, por otro lado, es una especie de “balada doom”, con acompañamiento de teclados y guitarras atmosféricas sumiéndonos en la más profunda oscuridad, aunque por momentos la voz de Ikonen puede ser un poco melosa sin las guitarras pesadas alrededor. Por último, “Ruins of Insanity” es más “katatoniesca”, ahora dejándole todo el trabajo a las voces limpias y con esas guitarras de riffs elegantes.

Pasando al álbum en sí, “Days Under The Dark” muestra el sonido gótico clásico de The Man-Eating Tree, y en “These Traces” podemos sentir cómo la canción va aumentando en intensidad hasta desembocar en una mezcla de doble bombo y riffs pesados, algo que se repite en la anteúltima “Abandoned” con resultados similares. La final “Reflections” es otra balada gótica atmosférica, y una de proporciones épicas al durar casi diez minutos, con un final extremadamente pesado.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: My Dying Bride – A Mortal Binding (2024)

Los riffs de Janne Markus y el recién llegado Sakke Paavola, quien también se encargó de la portada, son de buen gusto y efectivos, limpios pero sin perder la pesadez. Y la base instrumental de Junttila y el baterista Aksu Hanttu hace un buen trabajo, aunque me hubiera gustado un poco más de dinámica para que el bajo tuviera más presencia, más allá de que la producción cumple su propósito. Otro que cumple es Manne Ikonen: vi que muchos estaban emocionados por su presencia al sentir a este álbum como un sucesor espiritual de lo hecho por Ghost Brigade, considerando la reciente separación de la banda finlandesa, y puedo decir que hace lo suyo de manera más que correcta.

Night Verses es un buen disco, aunque no necesariamente espectacular: es un disco denso y, como lo describí antes, apesadumbrado, lo que lo puede hacer un hueso un tanto duro de roer. Es ciertamente muy Katatonia, una comparación que seguramente veremos en varios lugares al momento de hablar de este álbum y de la que no me podría quejar realmente. A fin de cuentas, es un trabajo muy para fans de este estilo y con poco para los que todavía no estén del todo convencidos. Aunque sea menos “distintivo” en sus ideas que aquellos dos primeros álbumes más atmosféricos, es disfrutable y deja la esperanza de que ahora The Man-Eating Tree puedan encontrar algo de balance y asentamiento en su carrera, uno que les permita desarrollar sus ideas a futuro en esta nueva etapa.

Tenemos entre manos el nuevo lanzamiento de los estadounidenses que practican un tech/melodeath más que interesante, The Ossuary Lens de Allegaeon, en este caso se trata del séptimo disco, la noticia interesante, para entrar un poco en contexto en este esperado Full-length, es la vuelta del vocalista Ezra Haynes, luego de un hiato de aproximadamente 8 años. Su sucesor/antecesor, Riley McShane, es un vocalista que aportó una voz de tipo más gutural, que, si bien su forma de vocalizar no es tan típica del melodeath, sino más bien de un death metal en la vena del brutal, lograba acoplarse muy bien a la propuesta sonora de la banda.

En líneas generales, se puede apreciar y aseverar que a nivel compositivo se sigue la misma línea que la banda venía teniendo en las últimas grabaciones. Con todos los elementos que la suelen caracterizar, como ser esos riffs con tapping, el uso de guitarras acústicas en varios puntos (de hecho la intro del disco tiene este componente), power chords como el recurso más reconocible dentro del melodeath, los solos con sweep picking y tapping (o sweep tapping), pasajes con voz limpia, y en la batería una variedad de recursos más que suficiente para complementar, incluyendo los tan queridos blast-beats y algunos contratiempos en algunas ocasiones. En fin, muchos de los elementos a los que nos tienen habituados las bandas de death metal técnico modernas desde la salida del Epitaph de Necrophagist, aunque son pocas las bandas que logran un buen balance para no sonar monótono y terminar siendo más bien un despliegue de licks de guitarra con blast-beats y alguna letra random en clave de guturales, o bien una banda con riffs mediocres con sweep picking metidos a la fuerza durante el resto de la canción, una formula que salió de muchas bandas que quisieron imitar lo hecho por Brain Drill, aunque sin éxito y sonando totalmente genéricas.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Left To Die en Buenos Aires: “Mímesis, muerte y Death Metal”

Antes de hablar puntualmente de los temas, me gustaría remarcar la producción a nivel general del disco, nuevamente un excelente trabajo por parte de Dave Otero, quien viene acompañando en este sentido a la banda desde sus inicios prácticamente (incluso participando en el primer EP, exceptuando Formshifter, el segundo trabajo discográfico), por lo cual conoce a la banda perfectamente a través de toda la evolución que tuvieron en estos 17 años de banda (19 si contamos los 2 años previos donde la banda se llamaba Allegiance), todos los instrumentos se escuchan perfectamente, posiblemente el único instrumento que no se sienta tan presente es el bajo, quizá un +1db le hubiera sentado bien, aunque honestamente no veo esto como un problema, sino más bien algo dentro del campo del criterio personal, ya que hay pasajes donde el bajo destaca, como en “Dark Matter Dynamics” donde el pasaje acústico en el intermedio permite darle bastante presencia aportando un solo, aunque está claro que no es una agrupación donde este instrumento en si destaque mucho. Volviendo a los demás instrumentos, tengo que destacar también el sonido de las guitarras acústicas, con un sonido cristalino, muy agradable al oído, incluso muy bien mezclado cuando suena toda la banda completa y perfectamente audible.

Ya los dos adelantos que habían mostrado daban cuenta de lo que se avecinaba, estamos hablando de “Driftwood” y “The Swarm”, el primero siendo una canción más “medio tempo” (las comillas responden a que dentro del estilo de la banda este tema no es tan veloz en cuanto a la notación en términos generales, sin embargo, no tiene un tempo tan lento, unos +/-117.5 BPM o +/-235 BPM según la notación que se tome de referencia, pero se puede hacer mención del caso de los blast-beats en semicorcheas a 235 BPM aprox.), cuya letra habla de forma introspectiva fantasmas del pasado, muy probablemente de cuestiones relacionadas a las adicciones, siendo al mismo tiempo uno de los temas más melódicos del disco; y en contraste, tenemos a “The Swarm”, cuya letra es totalmente lo opuesto como se puede apreciar en el videoclip, también es uno de los temas rápidos del disco, promediando una velocidad de +/-154 BPM, trazando un paralelismo en el blast-beat, podemos hablar de semicorcheas a +/-308 BPM, ya desde el arranque con el rasgueo marcando una especie de funky con esteroides se distingue que va a ser una canción bien rápida, este tema incluso tiene un coqueteo con el slamming brutal death, los más puristas dirían que técnicamente no se puede aseverar que sea un slam, aunque se entiende que quisieron jugar un poco con este recurso.

Si tenemos que hablar de canciones para destacar, realmente está muy difícil, el repertorio es muy variado y todos los temas tienen su gancho desde la apertura con “Chaos Theory” que es un excelente opener, tanto para el disco como para alguna presentación en vivo estimo, hasta el final. Hay lugar para un cierre épico, arrancando con “Wake Circling Above”, cuya velocidad va en el orden de +/- 168 BPM para ir bajando de a poco, hasta llegar al final con “Scythe”. Una formula que yo considero muy efectiva, esta de cerrar un disco con temas que no sean tan rápidos, cosa muy usual por ejemplo en bandas como Behemoth.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Whitechapel – Hymns In Dissonance (2025)

Como para ir cerrando y no ponerme a comentar cada detalle del disco, seguramente algo se me escaparía, tenemos 2 posibles caminos:

1 – Si ya conoces Allegaeon, este disco claramente no te va a defraudar para nada, a excepción de que te hayas acostumbrado al estilo vocal que tenían previamente, en ese caso, igualmente dale una oportunidad, te aseguro que no habrá un gran problema en este sentido, de cualquier forma, si seguís la banda desde sus inicios, incluso al contrario, te resulte una buena noticia.
2 – Si no conoces la banda, pero te gusta el melodeath y/o el tech death, este disco sin dudas va a ser una excelente adición para escuchar este año, y quien sabe, tal vez te hagas fan de la banda, gran exponente del género junto con Arsis.

Dicen que Tobias Forge lo tiene todo finamente planificado cuando se trata de su proyecto de banda Ghost y a priori pareciera resultar totalmente cierto. Durante estos últimos meses nos hemos ido enterando progresivamente sobre un montón de novedades de la banda. La asunción del nuevo Papa Perpetua V, el anuncio del nuevo disco Skeleta, la nueva gira mundial correspondiente y demás cuestiones que no son tan importantes. Si bien pudiéramos pasar horas y horas hablando sobre cada una de las maniobras de Forge dentro del lore de Ghost, hoy venimos a reseñar su reciente y última obra, como ya mencionamos, Skeleta, lanzado a través del sello Loma Vista Recording, que fue acompañado de eventos de trasnoche, simultáneos, en varías disquerías del hemisferio norte (muy mal por nosotros los sudamericanos).

Por mi parte, debo advertirles que esta reseña puede estar sesgada en ciertos momentos por mi ligero fanatismo, así que si lo que buscan es un análisis con mejor criterio, los invito a leer el segmento debajo de mi colega Gastón. Y no es que este encantando con su lore o lo visual, algo que el músico sueco maneja muy bien, sino que, fue Ghost una banda que me devolvió después de mucho tiempo, esa sensación de aire fresco, de emociones altas, cuando se escucha algo nuevo.

El disco comienza con las 3 piezas que sirvieron como singles promocionales y que fueron saliendo en el orden contrario al que se encuentran en él. “Peacefield”, que representa la esperanza, es la canción con la que nos encontramos en la apertura, pero con una significativa diferencia con el single: esta vez es una versión extendida. Por casi 1 minuto, tenemos anexada al principio una introducción de coros en crescendo, con la predominancia de una voz que pareciera ser infantil. Gran punto a favor para esta pieza que, si ya en el corte promocional parecía muy buena, con este agregado es aún mejor. El estribillo, por su parte, trajo rápidamente desde mi memoria implícita, la canción “Separate Ways” de la banda Journey (y seguramente haya sido igual para ustedes). Un gran comienzo de disco pensado para un gran comienzo de show. Luego, nos podemos hacer de “Lachryma”, segundo corte que fue promocionado con una gran videoclip que rememora lo mejor del cine de horror de los 80s y un poco también a aquella producción de Dokken para la película Pesadilla en Elm Street. Otro gran tema, de nuevo con gran calidad y una perfecta combinación entre lo sombrío de sus estrofas y la dulzura de su estribillo, con un maravilloso solo de guitarra anexado. Para completar la tanda de sencillos, tenemos a mi favorito de todos ellos, “Satanized”, que también fue presentado con una producción audiovisual un poco más minimalista que su sucesora. De aquí destaca enormemente ese estribillo por demás contagioso y nuevamente los solos de guitarra al mejor estilo Judas Priest. La canción se narra desde la perspectiva de alguien que confunde estar enamorado con estar poseído. Esta primer triada corona un excelente arranque de disco.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Ghost confirma su esperado concierto en la Royal Arena de Dinamarca

Lo que sigue es “Guiding Lights”, que en un primer momento fue pensada para la serie Arcane. Una excelente balada que combina muy bien los diferentes elementos musicales para bajar un poco ese ritmo alto con el que veníamos. “De Profundis Borealis”, que arranca con un tímido piano para desembocar en un excelente riff al mejor estilo Iron Maiden, es uno de los puntos fuertes de este disco. Bueno, podríamos decir que toda esta pieza podría pertenecer a cualquiera de los últimos albums de la doncella. En el sexto lugar “Cenotaph”, que no encuentro calificativo alguno para describir a la obra maestra que se encuentra aún en la sencillez de esta pieza. Un segmento musical donde lo que impera es la lírica.

Hasta aquí, podemos decir que el disco cumplió con creces y con una puntuación perfecta y lo que viene de ahora en más, no significa que sea necesariamente malo, sino, más bien, que quizás no pueda seguir el alto nivel que el disco venía trayendo (veran ustedes luego, como me contradigo). La delgada línea entre el amor y el odio queda demarca entre la anterior canción y “Missila Amori”, que lejos de ser mala, termina apelando al buen trabajo que han venido haciendo sus antecesoras para hacerse de nuestra escucha. Lo que viene contiguo, es la canción que, en mi opinión, contiene el mejor riff de guitarra de toda la obra, “Marks Of The Evil One”, y que, dicho sea de paso, recobra el muy buen nivel con el que el disco venía(se los dije). Aún mejor es la narrativa sobre los 4 jinetes del apocalipsis que armoniza con la excelente melodía que acompaña por detrás. “Umbra” tiene un comienzo descomedidamente ochentoso, con sintetizadores muy potentes y la entrada de un riff de guitarra acompañado de un cencerro, para entregar otra excelente historia de amor y satanismo con el sello Ghost.

El disco cierra con “Excelsis” que no es otra cosa que eso, un cierre. Una canción larga para lo que la banda acostumbra pero que necesariamente así lo es para ir construyendo naturalmente la conclusión de Skeleta. Lo importante es lo que ella narra, para entender el porque de la última posición de esta pieza. Algunos prefieren un cierre más enérgico. Por mi parte, me gustan cuando nos traen la melancolía de un adiós.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Smith / Kotzen – Black Light / White Noise (2025)

No olvidemos pasar por alto la excelente portada, inspirada en Ciudadano Kane y Odisea en el espacio y diseñada por el celebre artista Zbigniew M. Bielak. Tampoco podemos dejar de darle su reconocimiento a los impresionantes solos de Fredik Akkeson, que no tienen un gramo de desperdicio.

Skeleta como idea general, es un disco en el cual ya empezamos a notar la “formula” composicional de la banda. Con esto quiero decir, en simples palabras, que no esperen nada nuevo o sorprendente, si es que vienen siguiendo su carrera desde el principio. Y no se alarmen, es un proceso natural para una banda que ya cuenta 6 discos y otros tantos EP. Por el contrario, para aquellos aventureros que se atrevan a escucharlos por primera vez a través de este álbum, podría parecerles el mejor de todos.

AOR de los 80s pero al mismo tiempo moderno, excelsos solos de guitarras y riffs, gran despliegue de sintetizadores y teclados y, obviamente, formidables historias. Este álbum podrá ser de mayor o menor gusto para cada quien, pero que lo tiene todo, lo tiene. Por mi parte, y más allá de las primeras buenas impresiones que anteriormente les mencioné, creo firmemente que esta obra va a envejecer muy bien y será mejor apreciada con el tiempo. Y si de conjeturas se trata, también creo que Tobías Forge pensó a Skeleta como un álbum para ser presentado en vivo porque, en definitiva, eso es Ghost, una banda que está construida y pensada para encantarse con las experiencias en directo y no la miles de etiquetas que sus seguidores puedan ponerles al no poder encasillarlos (aunque bueno, podríamos decir entonces que es una banda de shock rock, ja!). De todas maneras, por una u otra razón, Skeleta es un álbum que ha sido muy bien recibido y que aún con sus cuestionamientos todos se han atrevido a darle al menos una escucha. Un disco que, sin duda alguna, fue el más esperado del mes, y quizás también del año ¿Por qué no?

Como fan desde sus inicios, siempre he apreciado cómo la banda mantiene una mezcla de tradición y experimentación en cada uno de sus álbumes. Sin embargo, lo que realmente destaca de Ghost es que, más allá de su elaborado universo, lo que los hace verdaderamente atractivos son sus canciones: grandes melodías que dejan una huella en quien las escucha.

Ghost, la banda liderada por Tobias Forge, ha logrado consolidar su estatus gracias a su particular mezcla de hard rock y pop accesible, pensada para las masas. Con su reciente Skeletá, sexto álbum de estudio a la fecha, siguen explorando este sonido híbrido, canalizando lo mejor del pop y el hard-rock de los 80. El título del álbum evoca imágenes simbólicas de huesos, y los temas de mortalidad e inmortalidad dominan el disco. Esta nueva placa tiene la sensación de una obra conceptual para el alma, con una voz que, aunque sigue siendo teatral, transmite una cruda sinceridad.

Desde sus comienzos, hasta la explosión global con temas como “Mary On A Cross” que explotó gracias a plataformas con TikTok, Ghost ha recorrido un largo camino. A lo largo de los años, su sonido ha evolucionado gradualmente, pasando de las atmósferas oscuras de Opus Eponymous (2010) hasta Impera (2022). Líricamente, encontramos los dobles sentidos, los motivos religiosos y la carga emocional que ya son característicos pero a medida que avanza el disco, la magia de álbumes previos parece desvanecerse. Aunque Skeletá continúa con el estilo híbrido de la banda, combinando heavy metal, rock clásico y synthpop ochentero, no consigue el gancho instantáneo de otras entregas tornándose repetitivo.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: In Vain – Solemn (2024)

Centrándonos netamente en las canciones, esta edición comienza con la intrigante “Peacefield”, una pieza que mezcla armonías corales y un potente rock. Aunque su solo de guitarra es destacado, la canción no logra alcanzar la fuerza de otros temas previos de la banda. A continuación, “Lachryma” introduce un giro más oscuro y pesado, con riffs intensos y un gancho melódico que engancha rápidamente. La estética vampírica de su video refuerza el tema de lucha interna y el costo de la fama, convirtiéndo se en uno de los puntos más fuertes del álbum.

“Satanized” sigue con un ritmo pegajoso y cánticos latinos que elevan la canción a un nivel de energía y dinamismo. Aunque no trata sobre el diablo, como podría sugerir el título, se centra en el amor y su poder destructivo, mostrando una faceta inesperada pero cautivadora de Ghost. La balada introspectiva “Guiding Lights” toma un tono más reflexivo, pero no logra la magia de otras canciones similares de la banda. Aunque la entrega vocal de Forge es sobresaliente, el tema deja una sensación de desilusión.

En “De Profundis Borealis”, inspirada en Oscar Wilde, las guitarras estallan en una tormenta emocional, reflejando temas de encarcelamiento y libertad mientras que “Cenotaph” presenta una mezcla de horror ochentero con sintetizadores vibrantes y un ritmo pegajoso, explorando la conexión eterna entre pasado, presente y futuro. Aunque su encanto crece con cada escucha, algunas cancionees no logra igualar a las piezas más complejas del álbum. Llegado el momento de “Missilia Amori”, la sensualidad se apodera de la canción, con un ritmo de guitarras llenas de pasión. Sin embargo, su energía se ve opacada por la mayor profundidad de otras canciones, como “Lachryma” y “Satanized” indicadas anteriormente.

“Marks of the Evil One” se adentra en el apocalipsis con referencias bíblicas y un ritmo de batalla. Aunque su gancho es fuerte, su falta de contenido más allá de su pegajoso sonido, la convierte en la pieza más débil del disco. “Umbra”, se presentan ante los oyentes con sonidos de sintetizadores al estilo Blade Runner, explorando temas de amor y muerte, pero no termina de atrapar por completo aunque mantiene la esencia de Ghost. Finalmente, “Excelsis” cierra el álbum con una balada tipo vals, reflexionando sobre la redención y los nuevos comienzos. Aunque suave y melancólica, deja la sensación de que el álbum podría haber sido más potente si se hubiera logrado una mejor fusión de sus elementos.

Skeletá muestra a Ghost explorando diferentes estilos, pero con altibajos que dejan una sensación ambigua. Algunas canciones destacan por su autenticidad y poder, mientras que otras parecen quedar a medio camino, sugiriendo que la banda podría estar preparando el terreno para una nueva fase en su evolución musical. A pesar de sus virtudes y defectos, Skeletá exige múltiples escuchas para ser apreciado, y a pesar de los intentos de encontrar un clic emocional, algo parece faltar.

Tobias Forge ha sugerido que este nuevo lanzamiento musical podría marcar el fin de una era dentro del universo de Ghost. En ese caso, Excelsis, la pista final, suena como una despedida a los personajes papales que han sido su sello distintivo. Si realmente es así, el álbum funciona como un cierre contemplativo, maduro y arriesgado, aunque no llega a la altura de su antecesor. En definitiva, Skeletá es un buen álbum, pero no alcanza las expectativas creadas por sus anteriores trabajos, dejándonos con la sensación de que Ghost aún tiene mucho por ofrecer, pero quizás en una nueva dirección.

Luego de unas vacaciones musicales no programadas, retorno a la actividad con un nuevo disco para reseñar y que me ha dejado muy buenas primeras impresiones. El punto clave para mi favorecida opinión acerca de este material, tiene que ver con la excelentísima producción y la muy buena colección de canciones que consolidaron en un mismo disco. Y es que uno cuando escucha a una banda under se deja llevar por los prejuicios típicos relacionados al mal sonido que puedan tener por la obvia falta de recursos (que no es una queja, sino más bien la simple realidad).

En estas fechas de festividad religiosa aprovecho los feriados para analizar Beyond, la nueva obra de la banda italiana Moonlight Haze. Para ponerlos en sintonía, les puedo contar que esta es una agrupación relativamente nueva que se encuentra en actividad desde el año 2018. Estos chicos italianos, comandados por el baterista y tecladista Giulio Capone y la cantante Chiara Tricarico, ofrecen una experiencia que oscila constantemente entre el hard rock melodico, el power metal y el sinfónico. Beyond entonces, es su nuevo y cuarto álbum de estudio, y verá la luz recién el 23 de mayo, bajo el sello Scarlet Records.

El disco comienza con la pieza de nombre homónimo, una composición sostenida por la bonanza de un reconocible piano, como esos que acompañaban a las melodías vocales de Amy Lee hace 2 décadas atrás (o al menos a mí, es lo que me recuerda). Chiara aquí acompaña con un pequeño relato susurrado, que no se extiende por más de 10 líneas y que me motiva a pensar que “Beyond” obra como una suerte de obertura.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR:Avantasia en Barcelona: “Desgranando la Locura”

Párrafo aparte para “Tame The Storm“, su único single promocional al momento de escribir este artículo. De entrada, nos aborda una espectacular producción audiovisual, donde a priori podemos notar a Chiara encarnando a 2 personajes, entre como ella misma suele ser y algo que pareciera un ente sobrenatural, un espíritu, un demonio o cualquier otra cosa que pueda surgirles de su imaginación. ¿Y por qué destaco estos personajes? Porque ambos forman el dueto vocal principal donde la virtuosa cantante pone de manifiesto sus habilidades no solo para el canto de tipo popular, sino también en su versión de canto lírico.  Como si ello no fuera poco, hacia el final podemos notar algunas líneas narradas en guturales. Esto es una constante en todo el disco, una banda que por demás acompaña muy bien, pero la que se lleva todos los premios es sin dudas Chiara.

Lo siguiente en venir es “Crystallized“, mi segmento favorito del disco, que suena como cualquier banda de power de los 2000 y que aquellos que andamos por encima de los 30 años hemos sabido escuchar hasta el hartazgo. Creo, más bien, que más me recuerda a la extinta banda Alyson Avenue de la cantante Annete Olzon. Punto para ese gran bajo galopante. Lo que sigue, “Chaste The Light” y “Would You Dare“, son 2 piezas con una sintonía muy similar a la anterior. Mucha melodía, estribillos por demás gancheros, algunos coros masculinos y algún que otro gutural, excelentes solos de guitarra.

Comenzando la segunda mitad del álbum llega la primer y única balada, “L’eco Del Silenzo“, que tiene también como particularidad que la segunda mitad está narrada en italiano (y que bien que quedan las lenguas romances en las baladas). “D.N.A“, “Untold” y “Time To Go“, son 3 temas que pasan en una misma escucha muy bien, sin grandes sobresaltos o diferencias respecto a lo que venimos escuchando, pero conservando el gran nivel en todas las aristas.

¿”Awakening“? Un cierre maravilloso para coronar un gran disco que, sin dudarlo, me ha toma por sorpresa por todo lo que les mencioné en el primer párrafo.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: The 7th Guild – Triumviro (2025)

La banda se completa con la participación de Marco Falanga y Alberto Melinato en guitarras y Alessandro Jacobi en bajo. Los 5 funcionan muy bien y hacen notar con elocuencia el despliegue de sus instrumentos, pero insisto, quien se lleva todos los laureles aquí es Chiaria, por su excelentísimo trabajo vocal. Pero no debe ser un gran desafío para alguien que es invitada recurrente en los shows de Avantasia y que colaboró en el último EP de Manowar. No he hecho mención o cita alguna a las letras puesto que no creo que sean realmente un punto fuerte, pero lejos están de ser un desacierto. Simplemente son las típicas letras del género, pero que, al mismo tiempo, no pueden ser de otra manera. La producción se hizo en colaboración con Sascha Paeth, logrando un sonido más natural y orgánico, lejos de las modernas producciones super editadas y artificiales, pero pudiendo sacar todo el brillo a cada uno de los componentes musicales de esta obra. El arte de tapa estuvo a cargo de la diseñadora gráfica Beatrice Demori.

Por alguna de esas razones que uno no puede explicar, porque de creencias y sensaciones se trata, tengo el presentimiento que este álbum va a quedar como uno de mis favoritos del año y es que Moonlight Haze lo ha hecho demasiado bien. Una banda joven, muy joven, pero que pareciera que vienen haciendo su música con la sinergia producto de sus músicos desde hace décadas. ¿Con que lo puedo emparentar para que tomen de referencia y decidir si le dan (o no) una oportunidad? Bueno, estimados lectores, diría que en esta ocasión confíen en mi palabra y simplemente se la den, pero por si acaso, si les gusta el Nightwish de Anette Olzon en Imaginaerum (o Alyson Avenue como ya mencioné), si anhelan los buenos tiempos de power metal allá por la primera década de los 2000, Beyond podría encajar muy bien con sus gustos.

La nueva entrega de esta gran dupla conformada por Adrian Smith (Iron Maiden, ASAP, Urchin, Psycho Motel) y Richie Kotzen (Mr. Big, Poison, The Winery Dogs, Forty Deuce) Smith / Kotzen se puede definir como una obra de arte auditiva donde lo majestuoso se vuelve auditivo y lo extra sensorial se convierte en melodía. 

Esta tercera grabación de estudio refleja claramente lo que dos grandes músicos pueden llegar hacer si se complementan y se entienden perfectamente al momentos de tomas sus guitarras y crear música nueva que sale directamente de sus corazones, Black Light / White Noise como su nombre lo dice, plasma el sentido de los dos artistas involucrados en él, por un lado tenemos a un Richie más tipo “Black Light” y por el otro a un Adrian más “White Noise”, ambas frases revelan sus personalidades muy bien, para los que han llegado a tratarlos, saben a qué me refiero. 

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: H.E.A.T. LANZA NUEVO SENCILLO A POCOS DÍAS DE SU DEBUT EN MÉXICO

Para abrir con broche de oro, “Muddy Water” entra con una dupla de guitarras melódicas a más no poder, rodeada de unas voces que hacen que cada frase suenen tipo gospel; luego 2 temas que dan forma al disco, por un lado “White Noise” con armonías lentas muy a lo que ha hecho Kotzen en su carrera solista, y luego sigue “Black Light” en donde Smith ayuda de gran manera con su voz a crear un tema más rápido pero sin perder el hilo, ambas canciones se complementan entre sí para dar título al álbum. 

Un riff que recuerda los lados b de Iron Maiden, es el de “Blindsided”, empieza como si fuera una toma alterna del Somewhere In Time, pero pronto cambia y se convierte en uno de la dupla Kotzen/Smith; “Outlaw” es el último de los 9 temas que componen el disco pero puede ser de los mejores, muy ochentero y con una línea de bajo muy marcada, la encargada de esto es nada más y nada menos que Julia Lage (Vixen) esposa de Kotzen.

“Wraith” es un tema un poco más sintetizado pero con más cambios de tiempo, algo como lo que hizo Rush en los ochentas; “Darkside” es más en la onda tipo acústico, más campirano por decirlo de alguna manera; “Heavy Weather” va por el mismo camino al inicio, pero cobra un poco de velocidad a medida que el tema se desarrolla; y “Life Unchained” sigue los pasos de estas dos pero un poco más balada al inicio, con un intro largo pero que después del minuto la cosa cambia y las guitarras llegan por todos lados. 

Black Light / White Noise nos muestra lo virtuosos que son estos dos genios, cada tema tiene algo del siguiente pero sin caer en lo repetitivo y cada solo de guitarra nos transporta a diferentes épocas, sólo queda cruzar los dedos y esperar que este proyecto siga y siga por muchos años más. 

¿Que son nuestros gustos si no otra cosa que lo que necesitamos escuchar en cada momento de nuestra vida? Atado a cada emoción, a lo que nos sucede, lo que vemos, lo que pensamos, lo que creemos. Solo de algo estoy totalmente seguro y es que nuestras percepciones sobre la vida misma cambian y con ello, también nuestros gustos musicales. Quizás, a veces, para los músicos esta afirmación también es válida cuando llega la hora de hacer su música. Es común entonces que existan bandas que difícilmente se casen con los géneros, etiquetas o rótulos, en pos de la búsqueda de versatilidad emocional de sus obras. Hay artistas que reflejaron sus inicios musicales de una forma completamente diferente a lo que hoy nos ofrecen a nivel musical. Hay bandas, como Death SS, que definitivamente son un inmejorable ejemplo de lo que les estoy hablando.

Death SS es una agrupación italiana con una longeva carrera dentro de la escena del metal italiano (y un poco fuera de ella también) que por sus características califica muy bien como banda de culto. Steve Sylvester es prácticamente el progenitor de este proyecto y quien pujó desde un primer momento por su consolidación. Speed metal, doom, la imagen característica del shock rock, elementos de black metal y hasta influencias en dicho género es lo que podemos encontrar en sus inicios. Un poco de heavy luego, para virar al metal industrial, volver al heavy y llegar al día de hoy con The Entity, su más reciente álbum, una propuesta de metal llena de elementos góticos, hard rock, aor, sinfónicos e industrial.

The entity es un álbum de índole conceptual que está inspirado en obras literarias de Aleister Crowley, como así también en los personajes del imaginario de Robert Louis Stevenson y James Hogg, algo que no me sorprende para una banda como esta que tranquilamente la podemos emparentar con otras como Alice Cooper (una de sus principales influencias). Esta magistral obra comienza con una pieza inspirada en el poema de Crowley “Ave Adonai”, que con un solitario órgano al inicio nos adelanta la tetricidad con la que nos encontraremos en el resto del álbum. Unas voces operísticas de fondo adornan esta canción que redondea un gran comienzo de disco.

“Justified Sinner” en segundo lugar, single promocional al mismo tiempo y que nace inspirado en la obra de James Hogg, es una canción que respeta el sello del disco. No mucho para decir sobre este tema que no haya descrito aún (aunque tampoco para el resto). “Posessión” es una canción con un tempo considerablemente más rápido, enérgica y un estribillo que repite el nombre de la misma. El solo excepcional destaca por el resto de los segmentos de la canción. Un tímido theremín se hace oír a la pasada. Lo que viene de inmediato es “Dr. Jekyll & Sister Hyde” que no hace falta aclarar que está inspirada en la película británica del mismo nombre (y esta, a su vez, en la obra de Robert Louis Stevenson). No mucho de mi agrado y aunque a esta altura uno podría recriminarle a The Entity la falta de estructuras diferentes, no hay que olvidar que a un álbum conceptual hay que pensarlo como un todo y no como piezas aisladas.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Trick Or Treat – Ghosted (2025)

De nuevo los órganos tétricos para presentar “Two Souls” que luego explota con un riff cuasi power metal que será constante hasta el final de la misma pero que nunca quisiéramos dejarlo de escuchar. Un gran shock de energía para el gimnasio.

Punto y aparte para lo próximo, porque “Out To Get Me” es la primer power balada del disco. Acá nos encontramos con unas estrofas que vagan entre la tranquilidad y pasividad de la voz de Steve hasta que llega el estribillo para desatar un grito desesperado de alguien que escapa del mismísimo infierno (Claro que en sentido metafórico… ¿O no?). “Hell Is Revelead” con unas fantásticas guitarras gemelas y una gran actuación de estas en líneas generales, abre la segunda mitad del disco. “Love Until Death” tiene un comienzo con una melodía que me fascina. Una canción que coquetea nuevamente con los elementos musicales de las power baladas y que subo al podio de favoritas. “The Whitechapel Wolf” es una canción que no me logra atrapar por completo pero que mantiene mínimamente el nivel general del disco.

Luego nos encontramos con una pieza que se acerca más a un rock clásico de los 60s. Hablamos de “The Evil Painter” construida con algunas escalas y órganos típicos de la época o al menos esa es la vibra que me da. “Cimiterra” es uno de los puntos fuertes del álbum. Con una fuerte presencia del sonido de un theremín, volvemos al punto cúspide de lo tétrico de la obra. Un excelente puente ejecutado con las guitarras une el final del estribillo con el comienzo de una nueva estrofa. El solo espectacular condecora a Cimiterra como una de las mejores canciones. “Evil Never Dies” en la última ubicación, es nuevamente un shock de energía. Tempos nuevamente en otra velocidad, un pre-estribillo que nos pone un poco ansiosos por lo que viene.

Sin duda alguna The Entity redondea un gran trabajo, una gran obra y pone en evidencia toda la experiencia de una leyenda como Steve Sylvester. Como particularidad, en esta ocasión, Steve trabajo de la mano del aclamado productor Tom Dalgety, conocido por sus trabajos con Ghost, Rammstein, Pixies, Opeth, entre otros tantos. Y vaya que si se nota la excelencia de este dúo productor. ¿La portada? Simplemente una genialidad. Bien sabemos que a lo largo de su carrera han sido mas controversiales que otra cosa y que eso, ayuda mucho a la hora de llegar a su música porque ¿Quién no quisiera ver que hay detrás de la caratula de un tipo que parece recién traído desde la profundidad de las tinieblas? Como bien saben, siempre acompañan a Steve diferentes músicos así que por esta ocasión no hare reparos en quienes conforman Death SS en su totalidad.

A decir verdad, este disco realmente me ha gustado. Un disco que me recuerda a la primera vez que escuché Trash y Hey Stoopid de Alice Cooper, o que por lo menos me recuerda a las producciones musicales de finales de los 80s. Una producción natural y orgánica y que debe pensarse como un todo por su impronta de álbum conceptual, tal como The Crimson Idol de WASP. Una historia musical que se relata en diferentes capítulos y que a cualquiera que quiera pasar un buen rato y que guste de la literatura clásica de terror como a Steve, no debería dudar ni un segundo en darle una oportunidad.

3 años pasaron para que desde Suecia llegara un nuevo disco de H.E.A.T, Welcome to the Future trae la misma línea que su antecesor Force Majeure, tal vez un poco más suave pero con las mismas armonías que han caracterizado a la banda desde sus inicios, ya tienen su fórmula que les funciona y ellos se dieron cuenta que en su álbum del 2017, Into the Great Unknown donde trataron de cambiar un poco, no funcionó del todo bien, así que para que ir por otro camino, la idea les quedó clara, el hard rock melódico es lo suyo y aquí en Welcome to the Future eso continua.

“Disaster” es un tema muy bueno para abrir sus conciertos en esta gira que empieza ahora por Latinoamérica, seguramente sonará en todas sus presentaciones de este tour al igual que su segunda canción “Bad Time for Love”, acá suenan más alegres y divertidos, es clara la gran tarea que hizo Jona Tee con los teclados en cada tema, parece llevar la batuta en todo momento y le da un toque único a cada nota del disco.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Perÿ Rodriguez (Gueppardo): “Hacer arte es más que darle órdenes a una máquina”

Con unos pequeños arreglos orquestales suena “In Disguise” que junto con “Rock Bottom” pueden ser los temas más especiales de este disco sin necesidad de convertirse en sencillos, Dave Dalone sigue sacando riffs bajo la manga, cada uno muy similar al otro pero con algo que los diferencia entre sí, sus riffs dan paso a los sólos de guitarra que recuerdan los ochentas en cada pulsación de sus cuerdas.

La manera de cómo se integra el teclado y la guitarra en “Children of the Storm” es perfecta, por que cuando cambian del intro al riff que lleva la canción, se intensifica y le da otro estilo, se vuelve más un tema de fiesta en donde todos pueden levantar su cerveza y saltar al lado de su amplificador mientras se grita el coro “You were born, children of the storm, facing what we’ve never done before. you were born, children of the storm, can’t you see their hearts already tore, children of the storm”.

“Paradise Lost” evoca brevemente a lo que está haciendo Avantasia y es que el paso de Kenny Leckremo por esta banda los influenció en algo, eso no cabe duda, “Losing Game” suena muy a sus dos primeros discos, H.E.A.T del 2008 y Freedom Rock del 2010, es más que lógico, todos sus miembros siguen en pie desde sus inicios, puede que un par de ellos hayan salido y entrado nuevamente, pero la formación y la esencia se mantiene firme.

Para marchar al pie de guerra está la canción “We Will not Forget”, último tema del disco, ideal para que suene en un partido de rugby en donde todos salen a dar todo de sí y vencer al enemigo, “Call my Name” es el más suave del álbum, a veces tiene toques de música disco. “Tear It Down (R.N.R.R.)” parece que quedó fuera de su disco anterior pero que buena canción es, tiene coros entre Def Leppard y Accept, posee la energía del Force Majeure, y “Running to You” es H.E.A.T. por donde se escuche, es una melodía que lleva la forma de la banda al igual que “The End”.

Se extraña un poco la fuerza del baterista Don Crash pero no hace un mal trabajo, sólo le faltó algo más del punch al que ya nos tenía acostumbrados, y Jimmy Jay sigue impecable en su ejecución del bajo, se extraña mucho la dupla entre Eric Rivers y Dave Dalone, ojalá en algún futuro no muy lejano, regresen a la banda al igual que Erik Grönwall pero sin que ningún miembro de los actuales tenga que dejarla, algo así como lo que está haciendo Helloween en la actualidad.

Welcome to the Future es una muestra que la agrupación no pierde su creatividad, sus ideas siguen saliendo por cada poro del cuerpo al momento de grabar, acá H.E.A.T nos deja claro que hay banda para rato, mucho rato.

Era sin duda uno de los lanzamientos alternativos más esperados de la temporada y ahora que Sleep Token han lanzado Even in Arcadia, viene la pregunta crucial ¿Han estado a la altura de lo esperado? o por el contrario es un disco más en la carrera de la banda británica.

Pues tras haber escuchado a conciencia y en repetidas ocasiones el cuarto disco de la banda, al contrario que otros “Entendidos” musicales, debo decir que la banda cumple y con creces lo que algunos esperábamos de ellos con este nuevo trabajo.

También es cierto que con cada disco, Sleep Token va agotando los efectos sorpresa de cara al público más “exigente” y es que el inicio con “Look to Windward” es una pequeña evidencia de esto que estoy diciendo, ya que pese a ser una canción bastante bien resuelta, con ese intro que suena a los 2000 por los cuatro costados, se extiende un poquito de más y no es todo lo redondo que podría haber sido.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Yungblud confirma un único show en España para otoño

Si que hacia la mitad con ese “Break” agresivo vuelve a unificar los dos mundos de Sleep Token, pero estaremos todos de acuerdo que en “Emergence”, está mucho mejor ejecutado y expresado a nivel musical y lírico.

De “Caramel”, poco puedo decir que no haya dicho cuando salió publicada y es que es una de las mejores canciones de la banda hasta la fecha y cuenta una realidad que quizás muchos prefieran ignorar, pero que la banda vive en sus propias carnes como precio a pagar por su altísimo nivel de popularidad conseguido en menos de un lustro.

Por supuesto que el lado “Pop” está ultra presente piezas como “Past Self”, con referencias más cercanas a Post Malone o The Weeknd que a BMTH o Poppy por citar dos nombres modernos pero con la contundencia suficiente como para captar a millones de personas y arrastrarlas al lado más alternativo de la música actual.

Con temas como este, se entiende porque Sleep Token gustan y disgustan a partes iguales, aunque también os digo que esta canción con el sol resplandeciente y una Monster helada, puede ser una postal más que repetida a lo largo del verano que se aproxima en Europa.

El giro vuelve a darse con “Dangerous”, un corte mucho menos “Happy” que su predecesor, pero con un Vessel imponente a las voces, capaz de erizarte hasta el último vello de tu piel con su tono vocal tan personal y diferente al de otros compañeros de profesión.

La segunda mitad del disco viene con el corte que da título al álbum y que es de lo menos destacado ya que repite un poco la fórmula que conocemos de la banda y deja paso a “Provider”, un corte con claras alusiones al R’N’B y donde Sleep Token vuelven al sonido moderno y algo procesado de “Past Self”, pero mucho más complejo que este y con diversas capas sonoras para descubrir con cada escucha que uno le de, siendo justos este lado de Sleep Token, aunque lo disfrute, entiendo porque les pueda chirriar a los que esperaban más metal en este disco.

El final a lo I Prevail es bonito, ya que recupera un poquito la distorsión y pueda regalarte ese lado más pesado de la banda, que tanto andas buscando, pero es breve y con cuenta gotas.

“Damocles”, último single del disco antes de su salida oficial, si que convence con una letra tremenda y un Vessel que emociona hasta las lágrimas al oyente desde la primera vez que uno la escuche y que es otro de los grandes momentos del álbum, donde Sleep Token muestra sus mejores cartas.

Para el final, se guardan dos cortes muy interesantes como son “Gethsemane”, con un comienzo delicado que evidencia la tremenda capacidad y recursos vocales que tiene Vessel como cantante y que presenta una estructura “marciana” como Sleep Token nos tiene acostumbrados, con un ritmo in crescendo a lo Polyphia o Dreamcacther y ciertas reminiscencias a bandas como Deftones con un riff brutal y directo al pecho que parte el tema en dos y bien podría haber encajado en su disco anterior.

Para luego en la segunda parte presentar un sonido a lo Post Malone en la era de Hollywood Bleeding, que sin duda va a descolocar a cualquiera que no este familiarizado con esta banda.

Y para cerrar el disco tenemos los 8 minutos y 24 segundos de “Infinite Baths”, que como todo el disco, es una montaña rusa sonora y de emociones, con un comienzo épico y lento que puede conmover a quién escuche a la banda por primera vez, para dejar paso a un final a todo trapo y donde dan rienda suelta a toda esa rabia contenida (quizás en exceso ya que se podrían haber marcado alguna canción más metalera) a lo largo del disco con unos fraseos de guitarra afilados y un Vessel muy agresivo y brutal a las voces, quizás para que uno no piense que a Sleep Token se le olvidaron sus raíces más pesadas antes de entrar al estudio.

Por lo que vuelvo a formular la pregunta ¿Han estado Sleep Token a la altura de lo esperado?, pues yo diría que si con matices, ya que no tengo muy claro que este disco supere a su predecesor, aunque si que pueda igualarlo en varias ocasiones, pero también hay que ser realista y saber que para futuras entregas, Sleep Token tienen que volver a pulsar esa tecla que los haga brillar en todo su esplendor y no por partes como ocurre en este nuevo disco, que si cumple y es más que interesante, pero podría haberlo sido bastante más a nivel conjunto y no individualmente.

Tras las buenas sensaciones que nos dejó su anterior trabajo (Starstruck de 2022), los italianos Sick N’ Beautiful vuelven con su cuarto disco de estudio Horror Vacui, para demostrar porque su propuesta tiene todos los números para despuntar aún más este año.

Herma es una vocalista bastante especial, ya en el debut de Venus 5 pudimos ver como se adaptó a sus compañeras con un tono más “accesible” y sin embargo en este proyecto nos regala su lado más metalero, descarado y potente.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Lordi – Limited Deadition (2025)

El comienzo de “[Human] Overrrated“, permite ver ciertas influencias de bandas como Static-X combinadas con el industrial/metal moderno de In This Moment (sobre todo de discos como Ritual) y marca una línea musical que se va a mantener a lo largo de los casi 46 minutos que dura el disco.

Aunque combinados con otros elementos musicales, Sick N’ Beautiful han sabido jugar sus cartas muy bien y entregar un disco que mantiene la frescura de su predecesor, pero con un “Punch” extra que lo convierte quizás en el mejor que hayan grabado hasta la fecha.

Los singles “Haunted“, “Hate Manifesto” o la potente y fantástica “Raise the Dragon“, ya hacían ver que la banda iba a volver con todo en este nuevo disco y desde luego con pelotazos como “Death Police“, así ha sido.

Greta explora a lo largo del álbum sus diferentes registros y lo cierto que en todos suena más que interesante, por algo Lordi los han llevado de teloneros en la primera parte de su nueva gira europea, porque con su particular sonido pueden encajar con diferentes grupos.

La pesada y desafiante “Railride” o su siguiente invitada “God Save The Bride“, con una intro a lo Metallica en el Black Album, son dos claros ejemplos de como Sick N’ Beautiful te sorprenden con sus giros sonoros a lo largo del disco.

“God Save The Bride“, pasa de un sonido medio misterioso y oscuro a un ritmo trepidante y que seguramente sea de los mejores momentos del disco.

Está claro que Herma ha plasmado el disco que ella quería junto a la banda y si la fórmula funciona y es efectiva, quienes somos nosotros para decirle que la cambie si las canciones conforman un disco más que redondo y sólido como este.

Cuando pienso en el power metal me veo a mi mismo en mi adolescencia, allá por mediados de la primera década del nuevo milenio, fascinado y descubriendo cada una de las bandas de este virtuosísimo género originario del norte de Europa. Sonata Arctica, Stratovarius, Edguy, algunas pioneras como Helloween, otras con elementos de sinfonías como Nightwish. Sin embargo, no logré que este encuentro y exacerbado gusto por el estilo, trascendiera más allá de esa década. Es entendible. Encuentro yo, ciertos paralelismos con el destino del heavy y el glam en los lejanos 80s, un estilo que, por su exponencial crecimiento y éxito, se vio enormemente sobre explotado para finales de la década ¿El resultado? Miles de bandas que terminaban por sonar todas igual, como si accidentalmente, hubiesen transformado al género en un proceso estandarizado para crear a las bandas. Bueno, pues, con el power siento, en gran medida, que sucedió algo similar: mucho éxito, muchas bandas, recursos sobre explotados.

¿A que viene todo esto? A que hoy me siento a escribir una reseña y análisis del nuevo disco de Trick or Treat, una banda de power metal, pero con una característica muy peculiar. Ghosted, como se titula este trabajo, saldrá (o salió, si es que leen esto luego) el 26 de abril bajo el sello Scarlet Records. La banda de origen italiano y con casi 2 décadas de existencia con material propio, es un poco (y bastante) esquiva, a las típicas temáticas de mitología nórdica y fantasía del tipo Calabozos y Dragones. Más bien, estos señores, han decidido por apostar a darnos donde mejor pueden: la nostalgia. Literatura, comics, cine y hasta anime son algunos de los disparadores para construir sus discos. Durante el año 2019 y principios del 2020, sacaron mes a mes, un single que se correspondía con el signo zodiacal y al mismo tiempo, con los personajes de la celebre serie Saint Seiya y que, en conjunto, conformaron el álbum The Legend Of The XII Saints.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Trick or Treat estrena el videoclip de “Dance with The Dancing Clown”

Para Ghosted, lo que nos traen, es una propuesta que rinde tributo al cine de horror de los 80s, a los comics y videojuegos. Con “Lost In The Haunted House” al inicio, nos dan una corta introducción de lo que vendrá, emulando al soundtrack de las series de terror infantiles como Tales From The Crypt o Goosebumps, y como al mismo tiempo dejando en claro que no habrá historias de terror profundo sino más bien una ronda de metal, horror y diversión. De inmediato nos hacemos con “Craven Road“, una canción muy ganchera que referencia al comic italiano Dylan Dog, un joven detective londinense que investiga casos paranormales. Un gran solo acompaña y destaca por el resto; un tenue y esporádico teclado da sensaciones de tenebrosidad. “Bloodmoon“, que es lo que sigue, tiene un condimento especial: la colaboración de Adrienne Cowan, cantante de Seven Spires y recurrente en Avantasia. Esta pieza es una oda al popular videojuego japones Castlevania. Por momentos es una canción con la estructura típica del mejor power metal habido y por haber, por otros, se acerca más al death metal de bandas como Children Of Bodom y esto último, gracias al trabajo vocal de guturales de Adrienne. Bloodmoon fue el segundo single promocional presentado.

“Ghosted“, que trata sobre el fenómeno de redes sociales “ghosting”, donde una persona puede sentirse invisibilizada y en soledad por otros a través de ciertas conductas, fue el primer single promocional y que viene acompañado de un videoclip donde el protagonista entra en una dimensión paralela donde es, justamente, invisible para la sociedad. Un tema del cual no hay mucho que esperar en la cuota musical.

“Dancing With The Dancing Clown“, en cuarto lugar, es el último single promocional, también acompañado con un (bizarrisimo) videoclip, donde un maestro payaso asesino, enseña a un discípulo como perseguir a sus víctimas. Para un disco bastante estándar y típico, es este tema quien por lejos se ha convertido en mi segmento favorito por tener el mejor estribillo. Siguiendo la línea temporal, nos encontramos con “Polybius“, que a mi entender, por su mero nombre, hace referencia a un juego arcade ficticio de una famosa leyenda urbana que aseguraba que quienes lo jugaban tendían a consecuencias y efectos como la locura, las pesadillas y hasta el suicidio. Una canción que por momentos suena a un power más clásico, como el de Helloween.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Del Metal al Cómic: La unión de dos artes marginadas

“Evil Dead Never Sleeps“, una especie de tributo a la película de horror de los 80s, Army of Darkness y “Return To The Monkey Islands” (adivinen de que va…) son las 2 siguientes piezas y de las cuales no tengo mucho más para agregar en cuanto a lo musical, salvo porque en ésta última tenemos colaborando a Chris Bowes de la banda Alestorm (un poco obvia la elección de esta canción para su participación). Más de lo mismo si, pero muy asertivo y ganchero. Ambas historias son muy representadas desde lo instrumental.

“Make A Difference” en noveno lugar y sin mucho para acotar, así que, pasando a lo próximo, nos topamos con “The 13th“, que conmemora a las películas de los 80s Friday The 13th. Una muy buena canción si de tributos a la cultura cinéfila hablamos, con una letra más explicita sobre la referencia que trata.

Para rematar y completar este promisorio disco, en último lugar, “Bitter Dreams“. Si hablamos de Jason Voorhes en la anterior, no podía faltar Freddy Krueger y por eso la última pieza se corresponde con Nightmare On Elm Street ¿Una competidora para Dream Warriors de Dokken? Ni por asomo, lejísimos de ser un himno del metal como aquella excelentísima y memorable canción, pero no por ello una mala.

Eso es el disco. Como lo verán, una descripción de que va cada una de las canciones desde la temática de las letras mas no así de lo musical. Pues, no por nada ese primer párrafo. Y es que el nuevo disco de Trick Or Treat es una experiencia que desde lo musical no promete nada nuevo, nada diferente, por lo cual, si han escuchado mucho power metal en los años 2000 como yo, de alguna manera, ya habrán “escuchado” este disco. Voces agudas y virtuosas, rápidos tiempos marcados por el doble bombo de la batería, guitarras gemelas y gran apoyo de teclados (la receta del power metal). Quizás, lo que deba remarcar es que, Trick Or Treat no apunta a otra cosa que brindar una experiencia de metal y diversión y que su música se construye a partir de esa idea y en eso, cumplen al 100% su propósito.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Especial Rob Zombie: “Reinventando el terror de culto”

Una banda con mucha experiencia en el lomo, con colaboraciones de grandes artistas del ambiente, participación en los grandes festivales y teloneando en muchas ocasiones a bandas consagradas, no necesita que le digan que hacer y de que manera. Alle Conti, quien carga con las voces, es también quien diseño la portada. Completan la formación, Guido Benedetti y Luca Venturelli en guitarras, Leonel Villani Conti en bajo y Dario Capacci en batería. Simone Mularoni fue el productor a cargo, que, ya que lo menciono, otro gran acierto del disco es la producción. Natural y muy a lo vieja escuela, y es por eso que insisto tanto en las bandas del 2000, porque así suena Ghosted.

Pongan el disco, templen su pensamiento y déjenlo correr. Como siempre, si tengo que emparentarlos con algún otro grupo para que tomen de referencia y decidan si darle (o no) play, puedo pensar en Edguy. Me recuerdan a ellos más que a ninguna otra banda, con ese mix de metal, diversión y videoclips graciosos. Veremos si tendremos nuevamente a Trick Or Treat por tierras sudamericanas o ibéricas para presentar este nuevo álbum.

The Man-Eating Tree arrancó como una iniciativa de varios miembros de la escena metalera finlandesa allá por 2009. No sé si llamarlos un “supergrupo” ni tengo idea si los integrantes consideraban al grupo de esa manera, pero está claro que podíamos encontrar un par de nombres interesantes en el currículum de los músicos, siendo los más importantes Poisonblack, Sentenced, Fall of the Leafe y Eternal Tears of Sorrow, así que habría bastante para fans de la movida gótica. Pero después de su debut Vine (2010) y su casi inmediato sucesor Harvest (2011), The Man-Eating Tree pasaron por una gran cantidad de cambios de formación, dejando pasar cuatro años hasta el siguiente In The Absence of Light (2015), para luego tener más cambios de formación y que pasara otra década hasta su cuarto álbum, este flamante Night Verses editado por el sello alemán Noble Demon el 11 de abril.

Con el guitarrista Janne Markus como único miembro de las formaciones que grabaron los discos anteriores, esta nueva versión de The Man-Eating Tree tiene también sus antecedentes, pudiendo contarse entre los integrantes al bajista Mika Junttila de los melodeath Mors Subita y al cantante Manne Ikonen, quien fuera miembro fundador y vocalista de Ghost Brigade durante veinte años. 

Con estos nuevos integrantes, teniendo sus propias influencias y orígenes, cabría esperar un cambio en el estilo de The Man-Eating Tree. Y de alguna manera hay una diferencia, aunque es más una continuación del sonido de In The Absence of Light: mientras Vine y Harvest estuvieron dominados por la voz limpia de Tuomas Tuominen (ex Fall of the Leafe), el tercer disco marcó no sólo la llegada de Antti Kumpulainen como vocalista sino también la incorporación de voces podridas, algo que claramente quisieron destacar siendo que en ese disco son las primeras que uno escucha. Night Verses mantiene esa dinámica con Ikonen, alternando entre ambas vocalizaciones entre secciones, como una mezcla entre las voces de Amorphis y el sonido atmosférico de Katatonia.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Hangman’s Chair – Saddiction (2025)

Así que The Man-Eating Tree no van a ganar ningún premio a la originalidad. Pero lo mismo se podía decir de los discos anteriores, y que las canciones estén hechas con elementos muy familiares nos significa que no vayan a funcionar, y en general Night Verses se mantiene en un nivel no tanto espectacular, pero si “bueno” tirando a “muy bueno”.

Los tres adelantos mostraron bien las tres caras del álbum. El primero, “Seer”, es de las más tradicionalmente metaleras, con ese riff directo en los versos y el doble bombo que se puede escuchar en el estribillo mientras las voces podridas y limpias se enfrentan unas con otras. “To The Sinking”, por otro lado, es una especie de “balada doom”, con acompañamiento de teclados y guitarras atmosféricas sumiéndonos en la más profunda oscuridad, aunque por momentos la voz de Ikonen puede ser un poco melosa sin las guitarras pesadas alrededor. Por último, “Ruins of Insanity” es más “katatoniesca”, ahora dejándole todo el trabajo a las voces limpias y con esas guitarras de riffs elegantes.

Pasando al álbum en sí, “Days Under The Dark” muestra el sonido gótico clásico de The Man-Eating Tree, y en “These Traces” podemos sentir cómo la canción va aumentando en intensidad hasta desembocar en una mezcla de doble bombo y riffs pesados, algo que se repite en la anteúltima “Abandoned” con resultados similares. La final “Reflections” es otra balada gótica atmosférica, y una de proporciones épicas al durar casi diez minutos, con un final extremadamente pesado.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: My Dying Bride – A Mortal Binding (2024)

Los riffs de Janne Markus y el recién llegado Sakke Paavola, quien también se encargó de la portada, son de buen gusto y efectivos, limpios pero sin perder la pesadez. Y la base instrumental de Junttila y el baterista Aksu Hanttu hace un buen trabajo, aunque me hubiera gustado un poco más de dinámica para que el bajo tuviera más presencia, más allá de que la producción cumple su propósito. Otro que cumple es Manne Ikonen: vi que muchos estaban emocionados por su presencia al sentir a este álbum como un sucesor espiritual de lo hecho por Ghost Brigade, considerando la reciente separación de la banda finlandesa, y puedo decir que hace lo suyo de manera más que correcta.

Night Verses es un buen disco, aunque no necesariamente espectacular: es un disco denso y, como lo describí antes, apesadumbrado, lo que lo puede hacer un hueso un tanto duro de roer. Es ciertamente muy Katatonia, una comparación que seguramente veremos en varios lugares al momento de hablar de este álbum y de la que no me podría quejar realmente. A fin de cuentas, es un trabajo muy para fans de este estilo y con poco para los que todavía no estén del todo convencidos. Aunque sea menos “distintivo” en sus ideas que aquellos dos primeros álbumes más atmosféricos, es disfrutable y deja la esperanza de que ahora The Man-Eating Tree puedan encontrar algo de balance y asentamiento en su carrera, uno que les permita desarrollar sus ideas a futuro en esta nueva etapa.

Tenemos entre manos el nuevo lanzamiento de los estadounidenses que practican un tech/melodeath más que interesante, The Ossuary Lens de Allegaeon, en este caso se trata del séptimo disco, la noticia interesante, para entrar un poco en contexto en este esperado Full-length, es la vuelta del vocalista Ezra Haynes, luego de un hiato de aproximadamente 8 años. Su sucesor/antecesor, Riley McShane, es un vocalista que aportó una voz de tipo más gutural, que, si bien su forma de vocalizar no es tan típica del melodeath, sino más bien de un death metal en la vena del brutal, lograba acoplarse muy bien a la propuesta sonora de la banda.

En líneas generales, se puede apreciar y aseverar que a nivel compositivo se sigue la misma línea que la banda venía teniendo en las últimas grabaciones. Con todos los elementos que la suelen caracterizar, como ser esos riffs con tapping, el uso de guitarras acústicas en varios puntos (de hecho la intro del disco tiene este componente), power chords como el recurso más reconocible dentro del melodeath, los solos con sweep picking y tapping (o sweep tapping), pasajes con voz limpia, y en la batería una variedad de recursos más que suficiente para complementar, incluyendo los tan queridos blast-beats y algunos contratiempos en algunas ocasiones. En fin, muchos de los elementos a los que nos tienen habituados las bandas de death metal técnico modernas desde la salida del Epitaph de Necrophagist, aunque son pocas las bandas que logran un buen balance para no sonar monótono y terminar siendo más bien un despliegue de licks de guitarra con blast-beats y alguna letra random en clave de guturales, o bien una banda con riffs mediocres con sweep picking metidos a la fuerza durante el resto de la canción, una formula que salió de muchas bandas que quisieron imitar lo hecho por Brain Drill, aunque sin éxito y sonando totalmente genéricas.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Left To Die en Buenos Aires: “Mímesis, muerte y Death Metal”

Antes de hablar puntualmente de los temas, me gustaría remarcar la producción a nivel general del disco, nuevamente un excelente trabajo por parte de Dave Otero, quien viene acompañando en este sentido a la banda desde sus inicios prácticamente (incluso participando en el primer EP, exceptuando Formshifter, el segundo trabajo discográfico), por lo cual conoce a la banda perfectamente a través de toda la evolución que tuvieron en estos 17 años de banda (19 si contamos los 2 años previos donde la banda se llamaba Allegiance), todos los instrumentos se escuchan perfectamente, posiblemente el único instrumento que no se sienta tan presente es el bajo, quizá un +1db le hubiera sentado bien, aunque honestamente no veo esto como un problema, sino más bien algo dentro del campo del criterio personal, ya que hay pasajes donde el bajo destaca, como en “Dark Matter Dynamics” donde el pasaje acústico en el intermedio permite darle bastante presencia aportando un solo, aunque está claro que no es una agrupación donde este instrumento en si destaque mucho. Volviendo a los demás instrumentos, tengo que destacar también el sonido de las guitarras acústicas, con un sonido cristalino, muy agradable al oído, incluso muy bien mezclado cuando suena toda la banda completa y perfectamente audible.

Ya los dos adelantos que habían mostrado daban cuenta de lo que se avecinaba, estamos hablando de “Driftwood” y “The Swarm”, el primero siendo una canción más “medio tempo” (las comillas responden a que dentro del estilo de la banda este tema no es tan veloz en cuanto a la notación en términos generales, sin embargo, no tiene un tempo tan lento, unos +/-117.5 BPM o +/-235 BPM según la notación que se tome de referencia, pero se puede hacer mención del caso de los blast-beats en semicorcheas a 235 BPM aprox.), cuya letra habla de forma introspectiva fantasmas del pasado, muy probablemente de cuestiones relacionadas a las adicciones, siendo al mismo tiempo uno de los temas más melódicos del disco; y en contraste, tenemos a “The Swarm”, cuya letra es totalmente lo opuesto como se puede apreciar en el videoclip, también es uno de los temas rápidos del disco, promediando una velocidad de +/-154 BPM, trazando un paralelismo en el blast-beat, podemos hablar de semicorcheas a +/-308 BPM, ya desde el arranque con el rasgueo marcando una especie de funky con esteroides se distingue que va a ser una canción bien rápida, este tema incluso tiene un coqueteo con el slamming brutal death, los más puristas dirían que técnicamente no se puede aseverar que sea un slam, aunque se entiende que quisieron jugar un poco con este recurso.

Si tenemos que hablar de canciones para destacar, realmente está muy difícil, el repertorio es muy variado y todos los temas tienen su gancho desde la apertura con “Chaos Theory” que es un excelente opener, tanto para el disco como para alguna presentación en vivo estimo, hasta el final. Hay lugar para un cierre épico, arrancando con “Wake Circling Above”, cuya velocidad va en el orden de +/- 168 BPM para ir bajando de a poco, hasta llegar al final con “Scythe”. Una formula que yo considero muy efectiva, esta de cerrar un disco con temas que no sean tan rápidos, cosa muy usual por ejemplo en bandas como Behemoth.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Whitechapel – Hymns In Dissonance (2025)

Como para ir cerrando y no ponerme a comentar cada detalle del disco, seguramente algo se me escaparía, tenemos 2 posibles caminos:

1 – Si ya conoces Allegaeon, este disco claramente no te va a defraudar para nada, a excepción de que te hayas acostumbrado al estilo vocal que tenían previamente, en ese caso, igualmente dale una oportunidad, te aseguro que no habrá un gran problema en este sentido, de cualquier forma, si seguís la banda desde sus inicios, incluso al contrario, te resulte una buena noticia.
2 – Si no conoces la banda, pero te gusta el melodeath y/o el tech death, este disco sin dudas va a ser una excelente adición para escuchar este año, y quien sabe, tal vez te hagas fan de la banda, gran exponente del género junto con Arsis.

Dicen que Tobias Forge lo tiene todo finamente planificado cuando se trata de su proyecto de banda Ghost y a priori pareciera resultar totalmente cierto. Durante estos últimos meses nos hemos ido enterando progresivamente sobre un montón de novedades de la banda. La asunción del nuevo Papa Perpetua V, el anuncio del nuevo disco Skeleta, la nueva gira mundial correspondiente y demás cuestiones que no son tan importantes. Si bien pudiéramos pasar horas y horas hablando sobre cada una de las maniobras de Forge dentro del lore de Ghost, hoy venimos a reseñar su reciente y última obra, como ya mencionamos, Skeleta, lanzado a través del sello Loma Vista Recording, que fue acompañado de eventos de trasnoche, simultáneos, en varías disquerías del hemisferio norte (muy mal por nosotros los sudamericanos).

Por mi parte, debo advertirles que esta reseña puede estar sesgada en ciertos momentos por mi ligero fanatismo, así que si lo que buscan es un análisis con mejor criterio, los invito a leer el segmento debajo de mi colega Gastón. Y no es que este encantando con su lore o lo visual, algo que el músico sueco maneja muy bien, sino que, fue Ghost una banda que me devolvió después de mucho tiempo, esa sensación de aire fresco, de emociones altas, cuando se escucha algo nuevo.

El disco comienza con las 3 piezas que sirvieron como singles promocionales y que fueron saliendo en el orden contrario al que se encuentran en él. “Peacefield”, que representa la esperanza, es la canción con la que nos encontramos en la apertura, pero con una significativa diferencia con el single: esta vez es una versión extendida. Por casi 1 minuto, tenemos anexada al principio una introducción de coros en crescendo, con la predominancia de una voz que pareciera ser infantil. Gran punto a favor para esta pieza que, si ya en el corte promocional parecía muy buena, con este agregado es aún mejor. El estribillo, por su parte, trajo rápidamente desde mi memoria implícita, la canción “Separate Ways” de la banda Journey (y seguramente haya sido igual para ustedes). Un gran comienzo de disco pensado para un gran comienzo de show. Luego, nos podemos hacer de “Lachryma”, segundo corte que fue promocionado con una gran videoclip que rememora lo mejor del cine de horror de los 80s y un poco también a aquella producción de Dokken para la película Pesadilla en Elm Street. Otro gran tema, de nuevo con gran calidad y una perfecta combinación entre lo sombrío de sus estrofas y la dulzura de su estribillo, con un maravilloso solo de guitarra anexado. Para completar la tanda de sencillos, tenemos a mi favorito de todos ellos, “Satanized”, que también fue presentado con una producción audiovisual un poco más minimalista que su sucesora. De aquí destaca enormemente ese estribillo por demás contagioso y nuevamente los solos de guitarra al mejor estilo Judas Priest. La canción se narra desde la perspectiva de alguien que confunde estar enamorado con estar poseído. Esta primer triada corona un excelente arranque de disco.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Ghost confirma su esperado concierto en la Royal Arena de Dinamarca

Lo que sigue es “Guiding Lights”, que en un primer momento fue pensada para la serie Arcane. Una excelente balada que combina muy bien los diferentes elementos musicales para bajar un poco ese ritmo alto con el que veníamos. “De Profundis Borealis”, que arranca con un tímido piano para desembocar en un excelente riff al mejor estilo Iron Maiden, es uno de los puntos fuertes de este disco. Bueno, podríamos decir que toda esta pieza podría pertenecer a cualquiera de los últimos albums de la doncella. En el sexto lugar “Cenotaph”, que no encuentro calificativo alguno para describir a la obra maestra que se encuentra aún en la sencillez de esta pieza. Un segmento musical donde lo que impera es la lírica.

Hasta aquí, podemos decir que el disco cumplió con creces y con una puntuación perfecta y lo que viene de ahora en más, no significa que sea necesariamente malo, sino, más bien, que quizás no pueda seguir el alto nivel que el disco venía trayendo (veran ustedes luego, como me contradigo). La delgada línea entre el amor y el odio queda demarca entre la anterior canción y “Missila Amori”, que lejos de ser mala, termina apelando al buen trabajo que han venido haciendo sus antecesoras para hacerse de nuestra escucha. Lo que viene contiguo, es la canción que, en mi opinión, contiene el mejor riff de guitarra de toda la obra, “Marks Of The Evil One”, y que, dicho sea de paso, recobra el muy buen nivel con el que el disco venía(se los dije). Aún mejor es la narrativa sobre los 4 jinetes del apocalipsis que armoniza con la excelente melodía que acompaña por detrás. “Umbra” tiene un comienzo descomedidamente ochentoso, con sintetizadores muy potentes y la entrada de un riff de guitarra acompañado de un cencerro, para entregar otra excelente historia de amor y satanismo con el sello Ghost.

El disco cierra con “Excelsis” que no es otra cosa que eso, un cierre. Una canción larga para lo que la banda acostumbra pero que necesariamente así lo es para ir construyendo naturalmente la conclusión de Skeleta. Lo importante es lo que ella narra, para entender el porque de la última posición de esta pieza. Algunos prefieren un cierre más enérgico. Por mi parte, me gustan cuando nos traen la melancolía de un adiós.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Smith / Kotzen – Black Light / White Noise (2025)

No olvidemos pasar por alto la excelente portada, inspirada en Ciudadano Kane y Odisea en el espacio y diseñada por el celebre artista Zbigniew M. Bielak. Tampoco podemos dejar de darle su reconocimiento a los impresionantes solos de Fredik Akkeson, que no tienen un gramo de desperdicio.

Skeleta como idea general, es un disco en el cual ya empezamos a notar la “formula” composicional de la banda. Con esto quiero decir, en simples palabras, que no esperen nada nuevo o sorprendente, si es que vienen siguiendo su carrera desde el principio. Y no se alarmen, es un proceso natural para una banda que ya cuenta 6 discos y otros tantos EP. Por el contrario, para aquellos aventureros que se atrevan a escucharlos por primera vez a través de este álbum, podría parecerles el mejor de todos.

AOR de los 80s pero al mismo tiempo moderno, excelsos solos de guitarras y riffs, gran despliegue de sintetizadores y teclados y, obviamente, formidables historias. Este álbum podrá ser de mayor o menor gusto para cada quien, pero que lo tiene todo, lo tiene. Por mi parte, y más allá de las primeras buenas impresiones que anteriormente les mencioné, creo firmemente que esta obra va a envejecer muy bien y será mejor apreciada con el tiempo. Y si de conjeturas se trata, también creo que Tobías Forge pensó a Skeleta como un álbum para ser presentado en vivo porque, en definitiva, eso es Ghost, una banda que está construida y pensada para encantarse con las experiencias en directo y no la miles de etiquetas que sus seguidores puedan ponerles al no poder encasillarlos (aunque bueno, podríamos decir entonces que es una banda de shock rock, ja!). De todas maneras, por una u otra razón, Skeleta es un álbum que ha sido muy bien recibido y que aún con sus cuestionamientos todos se han atrevido a darle al menos una escucha. Un disco que, sin duda alguna, fue el más esperado del mes, y quizás también del año ¿Por qué no?

Como fan desde sus inicios, siempre he apreciado cómo la banda mantiene una mezcla de tradición y experimentación en cada uno de sus álbumes. Sin embargo, lo que realmente destaca de Ghost es que, más allá de su elaborado universo, lo que los hace verdaderamente atractivos son sus canciones: grandes melodías que dejan una huella en quien las escucha.

Ghost, la banda liderada por Tobias Forge, ha logrado consolidar su estatus gracias a su particular mezcla de hard rock y pop accesible, pensada para las masas. Con su reciente Skeletá, sexto álbum de estudio a la fecha, siguen explorando este sonido híbrido, canalizando lo mejor del pop y el hard-rock de los 80. El título del álbum evoca imágenes simbólicas de huesos, y los temas de mortalidad e inmortalidad dominan el disco. Esta nueva placa tiene la sensación de una obra conceptual para el alma, con una voz que, aunque sigue siendo teatral, transmite una cruda sinceridad.

Desde sus comienzos, hasta la explosión global con temas como “Mary On A Cross” que explotó gracias a plataformas con TikTok, Ghost ha recorrido un largo camino. A lo largo de los años, su sonido ha evolucionado gradualmente, pasando de las atmósferas oscuras de Opus Eponymous (2010) hasta Impera (2022). Líricamente, encontramos los dobles sentidos, los motivos religiosos y la carga emocional que ya son característicos pero a medida que avanza el disco, la magia de álbumes previos parece desvanecerse. Aunque Skeletá continúa con el estilo híbrido de la banda, combinando heavy metal, rock clásico y synthpop ochentero, no consigue el gancho instantáneo de otras entregas tornándose repetitivo.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: In Vain – Solemn (2024)

Centrándonos netamente en las canciones, esta edición comienza con la intrigante “Peacefield”, una pieza que mezcla armonías corales y un potente rock. Aunque su solo de guitarra es destacado, la canción no logra alcanzar la fuerza de otros temas previos de la banda. A continuación, “Lachryma” introduce un giro más oscuro y pesado, con riffs intensos y un gancho melódico que engancha rápidamente. La estética vampírica de su video refuerza el tema de lucha interna y el costo de la fama, convirtiéndo se en uno de los puntos más fuertes del álbum.

“Satanized” sigue con un ritmo pegajoso y cánticos latinos que elevan la canción a un nivel de energía y dinamismo. Aunque no trata sobre el diablo, como podría sugerir el título, se centra en el amor y su poder destructivo, mostrando una faceta inesperada pero cautivadora de Ghost. La balada introspectiva “Guiding Lights” toma un tono más reflexivo, pero no logra la magia de otras canciones similares de la banda. Aunque la entrega vocal de Forge es sobresaliente, el tema deja una sensación de desilusión.

En “De Profundis Borealis”, inspirada en Oscar Wilde, las guitarras estallan en una tormenta emocional, reflejando temas de encarcelamiento y libertad mientras que “Cenotaph” presenta una mezcla de horror ochentero con sintetizadores vibrantes y un ritmo pegajoso, explorando la conexión eterna entre pasado, presente y futuro. Aunque su encanto crece con cada escucha, algunas cancionees no logra igualar a las piezas más complejas del álbum. Llegado el momento de “Missilia Amori”, la sensualidad se apodera de la canción, con un ritmo de guitarras llenas de pasión. Sin embargo, su energía se ve opacada por la mayor profundidad de otras canciones, como “Lachryma” y “Satanized” indicadas anteriormente.

“Marks of the Evil One” se adentra en el apocalipsis con referencias bíblicas y un ritmo de batalla. Aunque su gancho es fuerte, su falta de contenido más allá de su pegajoso sonido, la convierte en la pieza más débil del disco. “Umbra”, se presentan ante los oyentes con sonidos de sintetizadores al estilo Blade Runner, explorando temas de amor y muerte, pero no termina de atrapar por completo aunque mantiene la esencia de Ghost. Finalmente, “Excelsis” cierra el álbum con una balada tipo vals, reflexionando sobre la redención y los nuevos comienzos. Aunque suave y melancólica, deja la sensación de que el álbum podría haber sido más potente si se hubiera logrado una mejor fusión de sus elementos.

Skeletá muestra a Ghost explorando diferentes estilos, pero con altibajos que dejan una sensación ambigua. Algunas canciones destacan por su autenticidad y poder, mientras que otras parecen quedar a medio camino, sugiriendo que la banda podría estar preparando el terreno para una nueva fase en su evolución musical. A pesar de sus virtudes y defectos, Skeletá exige múltiples escuchas para ser apreciado, y a pesar de los intentos de encontrar un clic emocional, algo parece faltar.

Tobias Forge ha sugerido que este nuevo lanzamiento musical podría marcar el fin de una era dentro del universo de Ghost. En ese caso, Excelsis, la pista final, suena como una despedida a los personajes papales que han sido su sello distintivo. Si realmente es así, el álbum funciona como un cierre contemplativo, maduro y arriesgado, aunque no llega a la altura de su antecesor. En definitiva, Skeletá es un buen álbum, pero no alcanza las expectativas creadas por sus anteriores trabajos, dejándonos con la sensación de que Ghost aún tiene mucho por ofrecer, pero quizás en una nueva dirección.

Luego de unas vacaciones musicales no programadas, retorno a la actividad con un nuevo disco para reseñar y que me ha dejado muy buenas primeras impresiones. El punto clave para mi favorecida opinión acerca de este material, tiene que ver con la excelentísima producción y la muy buena colección de canciones que consolidaron en un mismo disco. Y es que uno cuando escucha a una banda under se deja llevar por los prejuicios típicos relacionados al mal sonido que puedan tener por la obvia falta de recursos (que no es una queja, sino más bien la simple realidad).

En estas fechas de festividad religiosa aprovecho los feriados para analizar Beyond, la nueva obra de la banda italiana Moonlight Haze. Para ponerlos en sintonía, les puedo contar que esta es una agrupación relativamente nueva que se encuentra en actividad desde el año 2018. Estos chicos italianos, comandados por el baterista y tecladista Giulio Capone y la cantante Chiara Tricarico, ofrecen una experiencia que oscila constantemente entre el hard rock melodico, el power metal y el sinfónico. Beyond entonces, es su nuevo y cuarto álbum de estudio, y verá la luz recién el 23 de mayo, bajo el sello Scarlet Records.

El disco comienza con la pieza de nombre homónimo, una composición sostenida por la bonanza de un reconocible piano, como esos que acompañaban a las melodías vocales de Amy Lee hace 2 décadas atrás (o al menos a mí, es lo que me recuerda). Chiara aquí acompaña con un pequeño relato susurrado, que no se extiende por más de 10 líneas y que me motiva a pensar que “Beyond” obra como una suerte de obertura.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR:Avantasia en Barcelona: “Desgranando la Locura”

Párrafo aparte para “Tame The Storm“, su único single promocional al momento de escribir este artículo. De entrada, nos aborda una espectacular producción audiovisual, donde a priori podemos notar a Chiara encarnando a 2 personajes, entre como ella misma suele ser y algo que pareciera un ente sobrenatural, un espíritu, un demonio o cualquier otra cosa que pueda surgirles de su imaginación. ¿Y por qué destaco estos personajes? Porque ambos forman el dueto vocal principal donde la virtuosa cantante pone de manifiesto sus habilidades no solo para el canto de tipo popular, sino también en su versión de canto lírico.  Como si ello no fuera poco, hacia el final podemos notar algunas líneas narradas en guturales. Esto es una constante en todo el disco, una banda que por demás acompaña muy bien, pero la que se lleva todos los premios es sin dudas Chiara.

Lo siguiente en venir es “Crystallized“, mi segmento favorito del disco, que suena como cualquier banda de power de los 2000 y que aquellos que andamos por encima de los 30 años hemos sabido escuchar hasta el hartazgo. Creo, más bien, que más me recuerda a la extinta banda Alyson Avenue de la cantante Annete Olzon. Punto para ese gran bajo galopante. Lo que sigue, “Chaste The Light” y “Would You Dare“, son 2 piezas con una sintonía muy similar a la anterior. Mucha melodía, estribillos por demás gancheros, algunos coros masculinos y algún que otro gutural, excelentes solos de guitarra.

Comenzando la segunda mitad del álbum llega la primer y única balada, “L’eco Del Silenzo“, que tiene también como particularidad que la segunda mitad está narrada en italiano (y que bien que quedan las lenguas romances en las baladas). “D.N.A“, “Untold” y “Time To Go“, son 3 temas que pasan en una misma escucha muy bien, sin grandes sobresaltos o diferencias respecto a lo que venimos escuchando, pero conservando el gran nivel en todas las aristas.

¿”Awakening“? Un cierre maravilloso para coronar un gran disco que, sin dudarlo, me ha toma por sorpresa por todo lo que les mencioné en el primer párrafo.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: The 7th Guild – Triumviro (2025)

La banda se completa con la participación de Marco Falanga y Alberto Melinato en guitarras y Alessandro Jacobi en bajo. Los 5 funcionan muy bien y hacen notar con elocuencia el despliegue de sus instrumentos, pero insisto, quien se lleva todos los laureles aquí es Chiaria, por su excelentísimo trabajo vocal. Pero no debe ser un gran desafío para alguien que es invitada recurrente en los shows de Avantasia y que colaboró en el último EP de Manowar. No he hecho mención o cita alguna a las letras puesto que no creo que sean realmente un punto fuerte, pero lejos están de ser un desacierto. Simplemente son las típicas letras del género, pero que, al mismo tiempo, no pueden ser de otra manera. La producción se hizo en colaboración con Sascha Paeth, logrando un sonido más natural y orgánico, lejos de las modernas producciones super editadas y artificiales, pero pudiendo sacar todo el brillo a cada uno de los componentes musicales de esta obra. El arte de tapa estuvo a cargo de la diseñadora gráfica Beatrice Demori.

Por alguna de esas razones que uno no puede explicar, porque de creencias y sensaciones se trata, tengo el presentimiento que este álbum va a quedar como uno de mis favoritos del año y es que Moonlight Haze lo ha hecho demasiado bien. Una banda joven, muy joven, pero que pareciera que vienen haciendo su música con la sinergia producto de sus músicos desde hace décadas. ¿Con que lo puedo emparentar para que tomen de referencia y decidir si le dan (o no) una oportunidad? Bueno, estimados lectores, diría que en esta ocasión confíen en mi palabra y simplemente se la den, pero por si acaso, si les gusta el Nightwish de Anette Olzon en Imaginaerum (o Alyson Avenue como ya mencioné), si anhelan los buenos tiempos de power metal allá por la primera década de los 2000, Beyond podría encajar muy bien con sus gustos.

La nueva entrega de esta gran dupla conformada por Adrian Smith (Iron Maiden, ASAP, Urchin, Psycho Motel) y Richie Kotzen (Mr. Big, Poison, The Winery Dogs, Forty Deuce) Smith / Kotzen se puede definir como una obra de arte auditiva donde lo majestuoso se vuelve auditivo y lo extra sensorial se convierte en melodía. 

Esta tercera grabación de estudio refleja claramente lo que dos grandes músicos pueden llegar hacer si se complementan y se entienden perfectamente al momentos de tomas sus guitarras y crear música nueva que sale directamente de sus corazones, Black Light / White Noise como su nombre lo dice, plasma el sentido de los dos artistas involucrados en él, por un lado tenemos a un Richie más tipo “Black Light” y por el otro a un Adrian más “White Noise”, ambas frases revelan sus personalidades muy bien, para los que han llegado a tratarlos, saben a qué me refiero. 

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: H.E.A.T. LANZA NUEVO SENCILLO A POCOS DÍAS DE SU DEBUT EN MÉXICO

Para abrir con broche de oro, “Muddy Water” entra con una dupla de guitarras melódicas a más no poder, rodeada de unas voces que hacen que cada frase suenen tipo gospel; luego 2 temas que dan forma al disco, por un lado “White Noise” con armonías lentas muy a lo que ha hecho Kotzen en su carrera solista, y luego sigue “Black Light” en donde Smith ayuda de gran manera con su voz a crear un tema más rápido pero sin perder el hilo, ambas canciones se complementan entre sí para dar título al álbum. 

Un riff que recuerda los lados b de Iron Maiden, es el de “Blindsided”, empieza como si fuera una toma alterna del Somewhere In Time, pero pronto cambia y se convierte en uno de la dupla Kotzen/Smith; “Outlaw” es el último de los 9 temas que componen el disco pero puede ser de los mejores, muy ochentero y con una línea de bajo muy marcada, la encargada de esto es nada más y nada menos que Julia Lage (Vixen) esposa de Kotzen.

“Wraith” es un tema un poco más sintetizado pero con más cambios de tiempo, algo como lo que hizo Rush en los ochentas; “Darkside” es más en la onda tipo acústico, más campirano por decirlo de alguna manera; “Heavy Weather” va por el mismo camino al inicio, pero cobra un poco de velocidad a medida que el tema se desarrolla; y “Life Unchained” sigue los pasos de estas dos pero un poco más balada al inicio, con un intro largo pero que después del minuto la cosa cambia y las guitarras llegan por todos lados. 

Black Light / White Noise nos muestra lo virtuosos que son estos dos genios, cada tema tiene algo del siguiente pero sin caer en lo repetitivo y cada solo de guitarra nos transporta a diferentes épocas, sólo queda cruzar los dedos y esperar que este proyecto siga y siga por muchos años más.