Bajo el cielo plomizo de Granollers, aquel sábado 18 de abril de 1026 no amaneció: se invocó. Crucé el umbral de la Nau B1 como quien entra en una cripta, con la certeza de que lo que aguardaba dentro no era música, sino una forma antigua de comunión: un pacto sellado con sudor, distorsión y una fe torcida. Con los cambios de horario, el aire ya estaba denso, cargado de esa electricidad previa al derrumbe, y cuando Arkhaeth descargó el primer golpe a las 16:00, sentí cómo algo en mi interior se alineaba con el caos: no había melodía, había fricción, acero contra hueso.

Cuando Abysmal Lord irrumpió, la sala dejó de ser sala: era fosa. Todo era suciedad, crudeza sin domesticar, una violencia informe que me arrastraba sin pedir permiso. La penumbra se espesó con Necroracle, cuyo descenso a “Depths of Tartarus” no fue un tema, sino un sepulcro abierto bajo nuestros pies: una masa sonora adherida a la piel como una segunda sombra.

Más tarde, Adorior emergió como una herida abierta; vi a Julie Kiss escupir cada verso como si expulsara siglos de veneno acumulado, y cuando “Author of Incest” me atravesó, entendí que aquello no era un repertorio, sino una disección. “Ophidian Strike” y “Bleed on My Teeth” no se escuchaban: se sufrían. Y yo permanecía allí, inmóvil y entregado, mientras el sonido me erosionaba por dentro.

Pero fue Wrang quien me empujó definitivamente al borde; su liturgia de blasfemia y melancolía —articulada en un set que avanzaba como una invocación (Doodgeslagen onschuld, Haatspraak, Nachten in Wahlheim, Domstad swart metael, Voor ons de zee, Morbide Delirium)— transformó el pogo en un ritual tribal donde cada cuerpo chocaba como si quisiera desintegrarse en el otro, y no cerró su actuación: la dejó suspendida en el aire, como un presagio oscuro que sugería que aún no habíamos tocado fondo.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Winds of Agony II Día 1: “Una reunión de muerte y oscuridad”

Y entonces llegó el momento en que el tiempo dejó de avanzar. A las 22:20, cuando Tom Gabriel Warrior apareció al frente de Triumph Of Death, no vi a un músico: vi a un custodio de algo primigenio, un canal abierto hacia los cimientos mismos del metal extremo. El primer acorde de “The Third of the Storms (Evoked Damnation)” no sonó: descendió. Fue como si el aire se rasgara y dejara pasar una corriente antigua, un eco directo de Hellhammer que me golpeó el pecho con una gravedad casi física. Sentí el riff como una pulsación mineral, como si la sala entera respirara a través de amplificadores moribundos. Cada tema fue una invocación deliberada: “Massacra” y “Maniac” no eran canciones, eran reliquias afiladas, huesos desenterrados que aún conservaban carne; “Blood Insanity” me atravesó con su lentitud malsana, como un veneno que decide tomarse su tiempo, y “Decapitator” cayó sobre nosotros con la inevitabilidad de una sentencia ya escrita. Pero lo que realmente me desgarró fue ese tono de guitarra, ese sonido sucio, cavernoso, casi enfermo, que Warrior arrastraba como una cadena oxidada: no buscaba perfección, buscaba verdad, y la encontró en cada nota torcida, en cada silencio incómodo.

Cuando atacaron “Chainsaw” y “Reaper”, sentí que el suelo desaparecía bajo mis pies; el público ya no era público, éramos un solo organismo convulsionando, un coro sin voz entregado al pulso primitivo que ellos dictaban. Y entonces llegó “Messiah”, y en ese instante supe que no estaba presenciando un homenaje, sino una resurrección incompleta, deliberadamente imperfecta, como todo lo verdaderamente vivo. El guiño a Celtic Frost con “Visions of Mortality” abrió una grieta de solemnidad, una belleza oscura que contrastaba con la crudeza anterior, y yo me encontré suspendido entre dos eras, dos formas de entender la misma oscuridad. Pero el final… el final no fue un final. “Triumph of Death” se desplegó como una plegaria agonizante, repetitiva, casi hipnótica, y en su cadencia lenta sentí algo parecido a la rendición: no al cansancio, sino a la aceptación de que esa música no se posee, te posee. Miré a Warrior, su figura rígida, casi hierática, y comprendí que él no interpretaba esas canciones: las mantenía vivas, como brasas que se niegan a extinguirse.

Cuando Naglfar tomó el relevo, el frío escandinavo limpió parcialmente la herida, elevando el espíritu con una precisión casi quirúrgica, pero ya era tarde: yo seguía atrapado en el eco anterior. Pestkraft volvió a sumergirnos en la rabia, y Caveman Cult selló la noche con una violencia terminal, como si todo debiera terminar reducido a escombros. Salí de nuevo a las calles de Granollers con los oídos en llamas y el alma extrañamente serena, consciente de haber atravesado algo irrepetible. Aún ahora, mientras recuerdo, los riffs de Hellhammer siguen resonando dentro de mí, como un latido antiguo que insiste en recordarme que, en lo más hondo del abismo, siempre arde una luz negra que no guía… sino que reclama.

El segundo día comenzaría mucho más pronto para nosotros, desde primera hora con Yellow Eyes y su Black Metal de nuevo cuño. El suyo fue uno de los discos más sorprendentes del pasado 2025 y en la Engine Room lo pudieron desplegar debidamente. Son una de esas bandas destinadas a crecer mucho, aunque no tanto como los belgas Wiegedood, quienes hace años que se pasaron el juego en Roadburn, y cada nueva edición tratan de hacer algo nuevo para saltar la banca. En esta ocasión, reinterpretaron parte de su discografía, acompañados por los vientos de los Blind Man. Una autentica locura que solo puede ocurrir una vez en la vida y que solo puede darse en este maravilloso festival. 

Atropelladamente comprobamos un rato la mala hostia que se gastan los Planning For Burial, para llegar hasta otro de los grandes momentos del festi. Agriculture presentando uno de los grandes discos de los últimos tiempos. El sonido espiritual de los americanos pasaría por encima del 013 como un tornado y constató lo mucho que han mejorado desde su primera comparecencia en la misma plaza. Lo que antes era timidez, ahora sería confianza absoluta y una puesta en escena propia de grandes estrellas. Seguramente sean la banda de Post Black más en forma del momento, por encima de tótems como Deafheaven o Alcest.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Roadburn Festival 2026 Día 1: “De lo inesperado a lo trascendental”

Del futuro del género, pasaríamos a uno de los tres sets que Krallice iban a ofrecer en Roadburn, concretamente en el que rememorarían sus primeros tiempos. Su aplastante técnica convencería a todos los presentes de que sus galones no habían sido regalados y nos serviría de perfecto preámbulo para un nuevo set de Cult Of Luna, en este caso atacando sus creaciones más recientes. Resultaría otro bolo excelso, pero menos impactante que el que vivimos el jueves. 

Finalmente renunciaríamos a la locura de Zu en el Paradox, para ver en el Engine Room a Bosse-De-Nage, constatando como su actuación acabaría siendo la menos lucida de todo el viernes. Por el camino nos quedó por ver a Mandy Indiana, Street Sex y un largo etcétera, pero es lo que tiene el Roadburn. Al tener todo el tiempo al alcance semejante oferta conciertil, uno tiene que elegir y puede que a veces no acierte del todo. 

 

Los norteamericanos From Ashes to New vuelven este año con su esperadísimo nuevo trabajo Reflections, para demostrar como el metal moderno (que no metalcore, a dios gracias visto el estado el género en la actualidad…) está más vivo y en mejor forma que nunca.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Mothica – Somewhere in Between (2026)

Los de Lancaster, Pennsylvania, siguen en la línea marcada por sus dos trabajos anteriores, pero con el toque necesario para aportar un poquito más en su evolución como banda.

En estos doce cortes, podremos observar como los chicos han sabido recrear el sonido propio del nu metal, el post hardcore e inyectarle pinceladas pop que los han convertido en una de las punta de lanza en este estilo durante este último tiempo.

El disco abre fuego con “Drag Me” y ya podemos entender que si la fórmula funciona bien, para que vamos a cambiarla, así pues, tenemos esos versos rapeados de Matt Brandyberry más que logrados y combinados con la voz melódica de su compañero Danny Case, formando una dupla explosiva con clara influencia de Limp Bizkit, Linkin Park y Papa Roach, sin duda alguna.

La melancólica “Forever”, hereda el sonido de HIM, pero lo combina con guitarras más modernas y un juego de voces irresistible que hará las delicias de los que crecimos con este sonido a comienzos de los 2000.

Por algo Blind Channel los acompañaron en una de sus últimas giras con Joel Hokka a la voz en Estados Unidos, porque ambas bandas comparten muchas de las mismas fuentes musicales y de inspiración.

“Die For You” es una delicia, con cierta herencia de BMTH, pero muy bien ejecutada y con una melodía imposible de ignorar, sin duda una de las joyas ocultas del disco, que estoy convencido sonará aún mejor en vivo.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Against The Current regresa en plena forma con “Heavenly”

El disco sigue vibrando con “Black Hearts”, quizás el corte más cañero hasta el momento y donde vemos la explosión entre el pop, el rap core y el rock alternativo, todo mezclado y con el sello propio de FATN, pero que si te gustan LP vas a disfrutar de lo lindo.

“Upside Down” y “(Not) Psycho”, muestran ese lado “Old School” de la banda y vemos la gran importancia que le dan a los arreglos, los loops y todo lo que les permita hacer las canciones más redondas posible y aviso a navegantes…Aquí hay unas cuantas.

“New Disease”, muestra como ha evolucionado el metal moderno y si la canción tiene un estribillo con gancho va a pegar seguro, FATN se suma con esta pieza a cortes actuales de bandas como Spiritbox y Sleep Token, además de dejar fuera de juego a I Prevail, ya que parece que dicha banda se olvidó bastante de como hacer piezas redondas, pero tranquilos, que este 2026 ya tenemos a From Ashes to New para solucionar este pequeño percance.

Pero no todo es oro en el disco, ya que “Darkside” no aporta mucho al disco, repitiendo la fórmula de mezclar todo lo anterior pero con un resultado donde lo mejor sin duda es la parte rapeada, al ser el puente sospechosamente parecido al himno “By My Self” de Linkin Park…Una cosa es la influencia y otra el semi-robo descarado, lo mismo que sucede con “Falling From Heaven”, al ser una pieza “Comodín”, si no estaba en este disco, podría haber estado tanto en el anterior como en el próximo que grabe la banda, aún así, es efectiva y mejora a su predecesora sin duda.

Para cerrar tenemos “Your Ghost” y quizás el cierre está bien, pero con un par de canciones menos, sumaría algún punto más al resultado final, aún así, siguen por encima de la media tanto en su discografía como entre sus compañeros de profesión y lo único que esperamos es que no se duerman en los laureles y se acomoden, porque FATN siguen con la maquinaría engrasada y llena de energía…Que no la pierdan nunca!

CTM, conocido artisticamente como Claudio “Tano” Marciello, regresa nuevamente a la ciudad portuaria de Bahia Blanca a presentar su último lanzamiento Vive, lanzando durante el transcurso del anterior año.

El Tano, conocido por su enorme carrera en Almafuerte, al lado del extravagante Ricardio Iorio, se ve comprometido desde hace un tiempo con su carrera solista. Durante el 2025 no solo presento el mecionado album, sino que realizo una gira federal para conmemorar el nombre de Almafuerte, logrando tocar para una multitud enorme en el estadio Obras Sanitarias.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: CTM & Vitico y los Leones en Buenos Aires: Dos pesos pesados

El próximo sábado 16 de mayo, volvera a la ciudad de Bahía Blanca para seguir el recorrido de la gira presentación de Vive de la mano de TDR Producciones. El evento tendra lugar en el íconico Bailotage y contará también con la presencia de las bandas locales Tayer  y NSN y como invitados especiales la banda Viejo Blanco.

El show está pactado para las 20hs y las entradas se pueden conseguir en formato físico en Pitagoras (Drago 63/ Local 18 al 21) y de manera on-line a través de sistema MiEntrada.

Un show con un setlist donde no solo mostrara lo mejor de su faceta solista sino que rememorará el legado de Almafuerte con alguno de sus clásicos. Una gira que promete seguir llegando a varios destinos del pais como Neuquen, Cordoba, General Villegas, Concordia, Chacabuco, etc.

Mentiría si no señalara que he conocido a Hortzak debido a las estupendas películas del director Paul Urkijo, vocalista del proyecto. Pero Hortzak esconde eso y mucho más: el virtuosismo de unos músicos consagrados en la escena vasca (David Zabala, Asier Gabiola y Mike Cuesta, son sus compañeros), letras críticas y monstruosas, y un poco de esa referencialidad friki que tanto me gusta.

Sus dos álbumes de estudio son pequeñas joyas para disfrutar, sobre todo en formato físico ya que las portadas y arte interior son realmente impactantes. 

Y además podremos verles por primerísima vez en directo, este próximo mes de mayo de 2026, el día 10 en Vitoria, el 23 en Larratxo, Donostia (con Anestesia y Kudai) y el 30 de mayo en Lekeitio.

Sobre todo esto, hemos charlado con Paul Urkijo.

Buenos días, Paul, gracias por concederme esta entrevista. Hablamos de “Ez dut pozik egon nahi”, el nuevo álbum de tu banda, Hortzak. Es un trabajo excelente y en él me quiero centrar, pero desde luego no puedo obviar tu faceta como cineasta. Es muy probable que muchas personas te conozcan principalmente por éxitos como “Irati” o “Gaua”. Es casi obligatorio que te pregunte al menos ¿Cómo combinas estas dos vertientes artísticas? ¿Existen sinergias positivas entre ellas? 

Bueno, uno es mi oficio (el cine) y el otro es un proyecto que surge entre amigos. En plena pandemia del Covid, David Zabala, que es amigo de hace muchos años y guitarra de Hortzak, me dijo que estaba componiendo temas con Asier Gabiola (batería). Me propuso cantar porque sabía que me gustaba berrear… así que con ciertas dudas me puse a escribir las letras de las canciones. Hortzak surgió sin ningún tipo de pretensión. Solo para divertirnos y desahogarnos. Pero de alguna manera, al escribir las letras termino contando historias al igual que en las pelis. Supongo que las dos (las pelis y la música) son una forma expresión o de catarsis.

Tu nuevo trabajo musical es efectivamente “Ez dut pozik egon nahi” (“No quiero ser feliz”), un título que es toda una declaración de intenciones en una sociedad de consumo salvaje y artificial, que esconde muchos trapos sucios. Esto se refuerza en todo el álbum, especialmente en la canción del mismo nombre. Por favor, háblame un poco del proceso creativo de este álbum y de su mensaje principal.

Efectivamente es un grito de rabia y es un desahogo ante lo feo que estamos dejando el mundo y de la impotencia y la hipocresía en la que vivimos… Y básicamente el proceso creativo ha sido así: David y Asier hacen los temas y me los pasan para que les ponga letras. Y, en este último disco, Mike Cuesta se unió a la banda con el bajo. En el caso de las letras, se me van ocurriendo temas de los que me gusta hablar. En general son historias fantásticas, monstruosas o mitológicas, mezcladas con temas de mala ostia y violencia.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Hortzak – Ez dut pozik egon nahi (2026)

Hortzak es una banda que defiende su música en euskera, en un género que, aunque sigue teniendo como idioma mayoritario el inglés, sí que se presta a la diversidad. Cada vez nos llegan más bandas cuya lengua y señas de identidad están muy arraigadas a sus lugares de origen, sean Noruega, Islandia, Mongolia o Brasil. Entonces: ¿Cómo es tocar metal en euskera? ¿Crees tú también que el metal se presta a la diversidad simbólica y lingüística?

Yo siempre he escuchado música en euskera. Y aquí siempre ha habido una escena muy potente de Metal, Hard Core, Black metal… con gente como Su Ta Gar, Anestesia, Numen, Berri Txarrak… Hay un montón de bandas y estilos muy diversos. Y para nosotros es normal porque hemos crecido con ello. Pero siempre hay un factor de reivindicar nuestra cultura e idioma. Y también de ser críticos con nuestro propio entorno.

Yo todavía no soy capaz de hablar euskera, pero sí he podido reconocer enseguida algunos insertos en el álbum, como el profeta loco de “La vida de Brian” que abre el álbum y más tarde la buena noticia de que volvemos a tener carne en el menú de “Las dos torres”, que le dan un toque de humor algo friki a un álbum que por lo demás trata temas serios y oscuros. ¿Puedes hablarme de estas referencias? 

¡Jajaja! Sí, es bastante Freak. Pero es lo que somos. Nos gusta meter esa clase de audios. Como lo han hecho muchas bandas antes de nosotros. La intro es del gran Terry Gilliam de profeta desquiciado, con el cual nos identificamos en su tono apocalíptico y absurdo. Y el audio de los Uruk Hai gritando eso de que hay carne de orco, siempre nos ha hecho mucha gracia (para mí una de las mejores escenas de LOTR) y nos venía genial para la canción “Antropofagia” que habla de la gente rica comiéndose a gente pobre porque la brutalidad del mercado libre lo ampara. Además, la primera canción “Horda Beltza” es un homenaje a los Orcos en general, que son los mejores, aunque siempre mueran.

También he visto de casualidad que, como yo, sigues entre otros a Raised By Owls, una banda a la que tengo mucho cariño pese a no ser nada conocidos en España, y que aportan grandes cantidades de humor a su música. Así que, siguiendo también el hilo de la pregunta anterior: ¿Qué papel tiene el humor en el metal, en tu opinión?

Pues siempre está presente porque nos lo queremos pasar bien y no nos tomamos demasiado en serio a nosotros mismo, en la vida en general. Pero también porque entre los miembros del grupo y colegas cercanos, el humor negro es una de las formas en las que mejor expresamos nuestras frustraciones. 

Como decía, los temas tratados en el álbum son profundos, serios y relevantes: encontramos violencia, avaricia, la impunidad de los poderosos… junto a la imaginería mitológica y religiosa y siempre con una fuerte perspectiva existencialista. ¿Cuáles son vuestras fuentes de inspiración? ¿Cómo de importante es la crítica social para Hortzak?

Pues lo que comentaba. Son tema que me molan, y la verdad es que no sé hacer nada sin cierta crítica o reflexión social. Y creo que mis compañeros piensan igual. Mis pelis también lo tienen de alguna manera. Creo que la rabia y el desahogo con la que vibra la potencia de las canciones precisamente viene de exponer el mundo en el que vivimos. Y la mitología siempre esta lleno de personajes y símbolos que ayudan a hablar de ello, pero desde una perspectiva monstruosa.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Neurosis – An Undying Love For a Burning World (2026)

Sois una banda relativamente joven, fundada en 2020 si no me equivoco, y siendo este vuestro segundo álbum de estudio. Parece que os estáis consolidando rápidamente como banda y en cuanto a sonido. ¿Puedes hablarnos un poco de los inicios de Hortzak y de la etapa que está viviendo la banda ahora mismo?

Como te he comentado antes, el comienzo fue algo improvisado. “Zabala” y “Asi” tenían los temas del primer disco y luego metí yo la voz. Luego como no se saben estar quietos pues se cascaron en muy poco tiempo otros doce temas. Y yo, no sé cómo, entre peli y peli saco el tiempo para escribir las letras… Ahora con Mikel y el segundo disco nos hemos propuesto hacer algún bolo. Aunque Zabala ya me dijo ayer que ya tiene un tema nuevo… no sabe parar el chaval, jajaja.

El nuevo álbum acaba de caer en mis manos hace pocos días y ya lo estoy quemando a base de darle vueltas en mi reproductor de CD. ¿Tendremos la oportunidad de disfrutarlo también en directo este año 2026?

Pues nos vamos a desvirgar en directo, porque tenemos algunos conciertos programados ahora en mayo por la zona de País Vasco. El 10 en Vitoria, el 23 en Donostia y el 30 en Lekeitio. Y habrá alguno más si sobrevivimos a estos. 

Y ya para terminar: ¿Dónde te gustaría ver a Hortzak dentro de otros 6 años?

Pues siempre decimos que Hortzak es para disfrutar y sin pretensiones. Sin ningún tipo de compromiso. Así que espero que sigamos sacando temas porque significará que seguimos disfrutando de hacer ruido.

Mila esker, muchas gracias por tu tiempo y enhorabuena por el buen trabajo.

El nuevo EP de los australianos Sugar Spine, Soul Before Spirit, es una carta de presentación muy sólida para quienes no los tenían en el radar. En pocas canciones, la banda deja claro su enfoque: mezclar partes melódicas con momentos mucho más agresivos, moviéndose en una línea cercana al metalcore con toques de deathcore. No es un trabajo especialmente largo, pero sí lo suficientemente consistente como para enganchar desde la primera escucha.

La intro “Daun” marca perfectamente el camino del EP. Comienza con una voz melódica que va creciendo poco a poco, generando tensión hasta que finalmente rompe con un sonido mucho más pesado, cercano al deathcore. Es un inicio que funciona muy bien porque prepara al oyente para lo que viene después, mostrando desde el principio esa dualidad entre lo melódico y lo agresivo que define el disco.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Charlie Rolfe (As Everything Unfolds): “Este ha sido el disco más difícil que hemos hecho en nuestra vida”

Con “The Coldness Of Your Absence”, la banda sube el nivel de intensidad. Arranca con mucha fuerza y un punto de caos controlado que le da carácter, para luego abrirse hacia un estribillo melódico muy bien resuelto. Ese contraste es uno de los puntos fuertes del EP, y aquí lo ejecutan de forma especialmente efectiva. Por su parte, “Chained To Your Garden” es otro de los temas más destacados, con un riff muy marcado y una interpretación vocal que lleva el peso del tema. Es una canción directa, bien construida y fácil de recordar.

El cierre llega con “Prisioner of More”, que termina de redondear el EP manteniendo la misma línea y dejando buenas sensaciones. Soul Before Spirit es un muy buen trabajo, compacto y sin relleno, que presenta a una banda con ideas claras y capacidad para moverse entre distintos registros sin perder coherencia. Para quienes no los conocían, es un lanzamiento que merece la pena tener en cuenta.

Una de las bandas más importantes actualmente es Kreator. Esto gracias a sus clásicos discos de los 80, que ayudaron a forjar la identidad de los géneros extremos, y a sus trabajos a partir del 2000, donde a su rabia y violencia le agregaron una gran carga melódica.

El problema es que hace más de dos décadas continúan con la misma fórmula, y esta tiende a agotarse. El disco editado este 2026, Krushers of the World, se siente como un refrito en donde solo destacan los cortes de difusión. Y, siendo sincero, esto pasa hace tres discos fácilmente.

Pero aun así, siguen teniendo fama de ser un acto en vivo muy bueno, por lo que la gira estaba siendo muy exitosa a nivel ventas. También sumaban las bandas teloneras: los veteranos del death metal Carcass, otra banda pionera del thrash como Exodus y, por último, la banda de grindcore Nails. El pasado 25 de abril, este gigantesco tour terminó en la ciudad de Copenhague, donde pudimos apreciarlo.

Nails, los encargados de abrir la noche, dieron un show corto pero conciso. El trío desplegó su grindcore violento, generando una excelente reacción en el público. La ejecución de los temas fue quirúrgica y cuidada, sobre todo la del baterista, quien demostró ser un virtuoso del instrumento.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Kreator en Glasgow: “Caos, fuego y thrash sin concesiones”

Lamentablemente, el sonido no les jugó a favor. Era poco claro y muy grave, con la voz flotando por arriba. Pero esto no evitó que contentaran a la gente.

Llegó el turno de los gigantes del thrash Exodus, quienes dieron inicio a su show tímidamente con “3111”, perteneciente a su último disco, Goliath, que no tuvo buena recepción. Por suerte, la timidez dejó la presentación gracias al clásico “Bonded by Blood”, donde Poolen se transformó en un campo de batalla, y así continuó hasta el final. Rondas enormes, wall of death violentos y montones de crowdsurfers volando por los aires.

Esto no se debió únicamente al setlist asesino, sino también a la energía de la banda, sobre todo la del icónico guitarrista Gary Holt y el vocalista Rob Dukes, quienes orquestaban el desmadre. La ejecución de los temas fue asesina, con una energía y una potencia envidiables. Esta potencia tenía como corazón al gran baterista Tom Hunting, que le pega súper fuerte a los tambores, aportando una fuerza increíble.

Desafortunadamente, el sonido fue feo. Era una bola de ruido dispar, en la que costaba apreciar los instrumentos con detalle. Apenas se distinguían los riffs; la voz estaba en un volumen correcto, pero se perdía en la mezcla. Lo único que se escuchó bien fue la batería.

Sin embargo, esto no opacó un concierto que se transformó en una fiesta metalera.

El tercer acto fue Carcass, y desde el primer momento la diferencia de sonido fue notoria. Contaron con un sonido claro, nítido y definido, permitiendo apreciar hasta el más mínimo detalle en todos los instrumentos y, por sobre todo, disfrutar de esas melodías de guitarra tan icónicas y que nos hacen tan felices.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR:Exodus – Goliath (2026)

Desafortunadamente, el baterista de Carcass, Daniel Wilding, debió dejar el tour por una emergencia familiar, por lo que fue reemplazado por el actual baterista de Opeth, Waltteri Väyrynen, una auténtica bestia del instrumento. No solo cumplió su rol, sino que también aportó otros matices y toques personales a las ya intrincadas canciones.

El setlist estuvo compuesto por los temas más icónicos del grupo, incluyendo todas sus etapas. Los momentos más destacados fueron “Incarnated Solvent Abuse”, donde el pogo estalló; “Exhume to Consume”, cantada por Bill Steer; y el final con la clásica e icónica “Heartwork”.

Tras un extenso saludo y luego de arrojar al público montones de púas, palillos y listas de temas, Jeff Walker y los suyos dejaron el escenario caliente para el plato principal de la noche.

Apenas terminó la banda anterior, un telón blanco tapó el escenario. Este sirvió como pantalla para reflejar el video de introducción de Kreator, que dio pie a “Seven Serpents”, primer corte del último trabajo.

Y acá reapareció el principal enemigo de la noche: el sonido. Al menos adelante, ambas guitarras estaban bajas. La principal de Sami se escuchaba apenas, pero igual era tapada por el resto de los instrumentos e incluso por el coreo de melodías por parte del público. En cambio, la guitarra rítmica de Mille era casi inexistente. Se veía que estaba desplegando riffs asesinos y palancazos por doquier, pero no se podía apreciar. Esto, por suerte, se acomodó con el correr de los temas y la cuestión mejoró bastante. Pero el trago amargo de escuchar “Enemy of God” casi sin guitarras no me lo saca nadie.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Kreator – Krushers of the World (2026)

El setlist representó las dos caras de la moneda. Fue contundente, tribunero y muy festejado. Pero eso quiere decir que fue la misma lista de hace años, sin casi ninguna sorpresa, salvo por las canciones nuevas y “Endless Pain”, que no sonaba hace mucho tiempo.

Un momento a destacar fue “Loyal to the Grave”, donde Petrozza se colocó alas de ángel negro y el bajista tomó el cargo de la segunda guitarra.

Dejando de lado estos detalles de sonido y de la lista de temas, que son propios de un fanático exquisito, el concierto fue una paliza de thrash metal. La energía de la banda fue contagiosa e hizo que los 2300 asistentes perdieran la cabeza. El pit fue enorme durante todo el show y la gente no paró de volar por los aires. Esto hacía que los músicos se emocionaran y pidieran aún más energía y desmadre por parte del público.

El final llegó de la mano de dos de los más grandes clásicos del grupo: “Violent Revolution” y “Pleasure to Kill”, donde papeles rojos cayeron del cielo como si fuera una lluvia de sangre.

Al terminar, Kreator agradeció a los presentes, a la crew y a las otras bandas, ya que esta fecha fue el cierre del tour.

Sin duda, este tour fue muy memorable, ya que contamos con cuatro bandas icónicas y esenciales en su género. Si bien hubo desajustes sonoros, la energía del metal se mantuvo más viva que nunca y el espíritu de comunión está más fuerte que nunca.

Nekrogoblikon es una banda muy importante para mí. Los conocí con Welcome to Bonkers y después devoré toda su discografía. Me obsesioné con ellos, me aprendí de memoria cada videoclip, me compré su libro de autoayuda y me suscribí a su hilarante programa de entrevistas Right Now!. Tuve la oportunidad de verlos en 2020 en Madrid (poco antes de que todo cerrara por la pandemia) en su gira con Gloryhammer y Windrose y hasta les paré por la calle para adorarles. Me sentí entonces como la única fan que la banda tenía en España y aunque esto no sea verdad, todo el amor que les tenía valía por un estadio lleno. 

A primera vista puede parecer un tanto rara mi obsesión con Nekrogoblikon, ya que para los profanos no es más que un gimmick humorístico, una banda cuya mascota es un goblin y punto. Pero yo siempre he visto algo más en ellos. Para empezar es que me encanta escucharlos, me sienta bien cómo cae su música en mis oídos: es virtuosa, original y llena de ritmo; los teclados de Aaron “Aarynstar” Minich son embriagadores y la batería de Eric W. Brown “Brown of fire”, es frenética. La voz de Nicky “Scorpion” Callone siempre ha sido un portento tanto en limpios como en guturales: escucharle me ha hecho amar y entender mucho mejor el género del Death Metal Melódico. Pero es que además la metáfora de los goblins del espacio exterior, llenos de maldad y rencor, asqueados de su propia inmortalidad, me parece absolutamente perfecta para hablar del género humano. Las letras están llenas de existencialismo, humor negro, genialidad y melancolía. Leerlas ha sido para mí como reconocerme en un espejo roto y ennegrecido por el tiempo.

En 2022 vino Fundamental Slimes and Humours y sentí que se superaban a sí mismos una vez más. ¿No es bonito cuando tu banda favorita está en activo y el material nuevo te sigue emocionando?

Pero entonces, ¡oh calamidad!, a finales de 2023, Nicky “Scorpion” Callone abandonó el grupo. El mismísimo fundador, principal compositor, letrista y único vocalista de la banda desapareció de la noche a la mañana. La banda emitió un breve comunicado sobre que partía en buenos términos con los compañeros para centrarse en sus proyectos personales. También anunciaron a su sustituto: nada menos que Dickie Allen (ex Infant Annihilator). Poco después supe que también lo dejaba Aaron “The Zoot” VanZutphen, el bajista, de forma aún más discreta.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Samurai Pizza Cats – Press Start (2026)

Justo cuando estaban en un momento de enorme popularidad, tras una gira por sus natales EEUU, con pocos meses de rodaje del disco… ¿qué pasaría con la banda ahora?

En realidad, quienes quedan son unos músicos de gran talento y muchos años de experiencia. Eric “Brown of fire” destaca por ser el autor de la banda sonora del multipremiado videojuego Sea of Stars, entre otras creaciones. Aaron “Aarynstar” es pianista y compositor. Joe D. Nelson imparte masterclass de su instrumento… todos tienen mucho que aportar y en todo momento han mostrado la firme voluntad de seguir adelante.

Por su parte, incorporar a alguien con tanto bagaje como Dickie Allen a los guturales, supone un fichaje incontestable (por cierto, que hace poco leí una entrevista con Will Ramos, de Lorna Shore, quien le citaba como referente e ídolo personal).

Para las voces limpias, sin embargo, han tomado una decisión arriesgada: adjudicárselas al propio John Goblikon, la mascota e inseparable compañero del grupo, con su impactante caracterización. Pero aquí es cuando la cosa se lía aún más. Quien encontramos bajo la máscara no es el habitual Dave Rispoli, actor y periodista, que aparece en sus videoclips, conduce el programa de entrevistas Right Now! y coescribió el libro de autoayuda de la banda: “Guide to Living Your Best Life”. No. Para grabar las voces y ejecutar los directos con el disfraz, el fichaje ha sido Grady Welch (alias “Shady Grady”), cantante y cómico. Sospecho que Grady también es la persona bajo la máscara en la gira de monólogos stand up de John Goblikon… ¿Quién será el encargado de responder a los fans en Cameo? Supongo que lo mejor es dejarse llevar y asumir que John es un ser ubicuo y de fantasía que puede hacer cualquier cosa.

Es curioso ver cantar los limpios a un goblin, cuando su voz de personaje es muy raspada y forzada. Debo decir que Grady no es el mejor cantante del mundo, pero puede defender las partes que le corresponden, sobre todo cuando son más secundarias y corales, o en los temas nuevos, que se han creado a la medida de su rango vocal y el de Allen.

Con todos estos ingredientes, vamos a analizar el nuevo álbum, The Boiling Sea, coincidente con el veinte aniversario de la banda. En realidad es un álbum algo breve, ya que se compone de apenas seis canciones originales, a las que se suman cinco grabaciones en directo de algunos de sus temas más icónicos, cada uno correspondiente a una época diferente. 

Sobre los temas nuevos, lo primero que debo decir es que sí suena a Nekrogoblikon. No a sus mejores trabajos, pero sí mantiene la dirección general del grupo y los instrumentos no abandonan su virtuosismo. La pista homónima del disco es la que me ha sonado más auténtica y agradable de escuchar, pero también son interesantes las demás, especialmente “Fiend” con un entretenido videoclip de stop motion, y “Secret Elephant” en colaboración con la banda de Punk-Ska Reel Big Fish cuyos vientos encajan muy bien en el proyecto. Estas dos últimas han sido singles con videoclip así como “Show Me Your Goblin” y “Dead-ish”, dirigidos todos por el habitual Brandon Dermer, excepto el último, que está animado por Kris Baldwin.

En cuanto a las letras, exploran temas habituales de la banda y se esfuerzan en encontrar metáforas sorprendentes. Aún así, son más básicas y no conectan automáticamente con mi sensibilidad como lo hacían sus anteriores trabajos, pero tampoco suponen una caída en picado.

Sobre las grabaciones de los directos, tengo sentimientos encontrados. Siempre es peligroso de cara a los fans reinterpretar un tema antiguo, y más cuando es tan representativo como los escogidos. Por un lado me alegra que esas canciones sigan vivas; por otro, las comparaciones son odiosas.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Angus McSix – Angus McSix And The Sword Of Power (2023)

En mi opinión, dos cortes superan medianamente bien la prueba. Estos serían “Prince of the Land of Stench”, original de 2011, que surge como un homenaje a la película “Dentro del Laberinto” y “This is it”, del disco inmediatamente anterior al actual. La primera funciona quizás por la ilusión de retomar ese tema tan antiguo y porque la carga vocal recae casi absolutamente sobre Dickie Allen; mientras que la segunda es muy nueva, no tan recubierta por la carga emocional de los clásicos y con un buen equilibrio entre ambas voces… sin embargo, aunque esta también funcione, justamente el contenido de las letras hace que me pregunte si era la opción más adecuada; dice literalmente: “este es mi momento, no el tuyo”, por lo que no estoy segura de que sea un gran acierto relanzarla tras estos cambios importantes entre los miembros de la banda.

Después, considero “Powercore” en la línea del aprobado. Suena muy bien pero es que es un tema tremendamente bueno. Creo que sonaría bien lo tocara quien lo tocase. Sin embargo, la interpretación vocal original era muy especial y artística, y no se puede emular con dos vocalistas ya que se pierde todo el sentido de ese diálogo esquizofrénico que Nicky mantenía consigo mismo, alternando limpios y guturales sin apenas respirar. 

Finalmente, “No One Survives” y “The Magic Spider” desde mi humilde opinión, no dan la talla. La primera es el origen de todo, el primer videoclip en el que aparece el personaje de John Goblikon y el tema que le dio popularidad a la banda allá por 2012; en la nueva grabación las voces no alcanzan la perfecta dicción del vocalista anterior e incluso cambia un poco la musicalidad instrumental (recordemos que actualmente giran sin bajista y esto le resta algo de pegada al conjunto). Respecto a la segunda, el protagonismo es del teclado (que sí está magnífico) y de la voz limpia (que no lo está tanto); esta es una pieza muy original y única, que por su delicadeza es difícil de interpretar para que siga sonando a metal y… el resultado no me ha dejado satisfecha. Como digo, me alegra que estas canciones sigan vivas, pero no las elegiría para escucharlas en diferido.

Entonces, tratando de ser lo más objetiva posible, diré que The Boiling Sea me deja un sabor agridulce. Voy a continuar siguiendo a Nekrogoblikon y creo que tienen potencial para seguir emocionándome en un futuro. Desde luego se están esforzando por mantener vivo el proyecto, se están moviendo mucho, están haciendo colaboraciones interesantes con otros artistas (como la que hicieron con Dragonforce para el videojuego Beat Saber), y están girando actualmente con las japonesas Hanabie y con Enterprise Earth. Lo que queda por saber es si terminarán conformándose con ser simplemente una banda divertida y fiestera, sin cultivar esa profundidad artística, lírica y emocional que les distinguía y que les colocaba en el podio de mis bandas favoritas. Espero sus próximas entregas para confirmar su rumbo.

La noche en la Razzmatazz ya arrancaba marcada por el cartel de Sold Out. La sala estaba llena hasta donde daba, con ese calor previo a un show esperado. Esta vez no hubo banda telonera, algo que se sintió raro para una cita de este nivel, dejando todo el peso directamente en Saxon. Aun así, la expectativa era alta, con el público listo desde el primer momento.

El arranque fue directo con “Hell, Fire and Damnation”, con la banda entrando firme y un sonido que, en general, respondió bien. Rápidamente cayeron clásicos como “Power and the Glory” y “Sacrifice”, con la gente cantando cada línea. Biff Byford se mostró cercano, manejando el ritmo del show, mientras las guitarras de la banda mantenían todo en su sitio. La conexión con el público fue constante desde el inicio.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Enforcer en Buenos Aires: “Heavy Metal sueco en estado puro”

El repaso siguió mezclando temas nuevos con material clásico, pasando por “Heavy Metal Thunder” y momentos más intensos como “Dallas 1 P.M.”. Hubo espacio para un bloque especial con Wheels of Steel, tocado en orden, donde sonaron “Motorcycle Man”, “747 (Strangers in the Night)” y “Wheels of Steel”. En ese tramo aparecieron algunos problemas de sonido, pero no llegaron a frenar el ambiente, con la sala completamente entregada.

En la parte final llegaron los temas más esperados, con “Denim and Leather”, “Crusader” y el cierre con “Princess of the Night”. El público acompañó en todo momento, aunque el lleno total también trajo empujones y momentos incómodos cerca del final. Saxon se mantuvo firme sobre el escenario, sosteniendo el show con experiencia y una lista de canciones que sigue funcionando en directo.

Tras ocho años de larga espera y muchas cosas en el medio, los titanes del heavy metal español Saratoga, regresan con su esperadísimo nuevo disco En Estado Puro, el primero con Charly Parra a la guitarra y Aranu Martí a los parches, quienes junto a Niko del Hierro y Tete Novoa, vuelven a desplegar todo su poder demostrando que a veces, los cambios son para mejor.

El disco comienza con el binomio que ya conocíamos antes de la salida del disco, la poderosa “Inteligencia Artificial” y la feroz y rápida “A Toda Velocidad”, ambas muy bien ejecutadas, con ritmos trepidantes marcados por Niko y Arnau y un Tete Novoa, que te puede gustar más o menos, pero es uno de los 3 mejores cantantes que tiene este país en lo que a heavy metal se refiere, no hay mucho más debate al respecto.

Dicho esto, vamos con las piezas restantes y aunque no quiero caer en la repetición, la realidad tras escucharlas todas es que los cambios que han producido en la banda, han dado ese soplo de aire fresco que venían necesitando desde hacía mucho tiempo, si ponemos este disco al lado de Aeternus, su último disco de 2018, la diferencia es abismal, mucho mejor producido este nuevo, con mejores canciones y remontando un vuelo que venía muy bajo.

En “Silencio”, la banda vuelve a sus orígenes con un sonido muy clásico, pero dotándolo del toque moderno propio del metal que hará las delicias tanto de sus fans más veteranos como de las nuevas generaciones.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR:  Kaelis – Stellar Waves (2026)

Sin embargo, las revoluciones bajan y con “Alma de Cristal”, Saratoga vuelve a tocarnos la fibra sensible al tratar por medio de la letra la lucha de unos padres que se enteran de que uno de sus hijos sufre una de esas enfermedades infantiles denominadas “Raras” y lejos de venirse abajo intentan afrontarla con valentía y poder para tratar de combatirla.

La voz de Tete pone los pelos como escarpias desde el segundo uno en que escuchas esta pieza y es imposible que no se te haga un nudo en la garganta con la misma.

La poderosa “Vientos de Libertad”, nos muestra que a veces es necesario dar vuelta la página y seguir adelante, ya sea en lo laboral, personal o en cualquier aspecto de nuestra vida cotidiana, Charly Parra bien lo sabe, que se ha tenido que cruzar todo el océano para venir a Madrid a vivir y a comenzar una nueva etapa junto a sus (ya no tan) nuevos compañeros de viaje en Saratoga.

El lado más pesado se hace presente en “Basta ya de Horror”, un potente corte antiguerra y con un trasfondo cercano al sentimiento de paz y la agridulce “Todo Acabó”, donde pese a la oscuridad, uno tiene que intentar remontar y salir adelante.

Las guitarras de Charly suenan espectaculares, se notan los casi 4 años que lleva girando con la banda en América Latina y estaba cantando que el sería el guitarrista ideal para Saratoga, una vez sabido que Jero Ramiro abandonó las filas de la formación madrileña.

Niko como siempre suena impecable marcando el ritmo de la banda junto con Arnau, transmitiendo un poderío admirable para una persona que lleva más de 35 años en esto del heavy metal.

Para resumir lo que es En Estado Puro, podemos afirmar que es un puñetazo sobre la mesa de una banda que ya curó sus heridas y que ahora tiene que seguir adelante, con el paso firme que siempre han tenido y demostrando porque son uno de los nombres propios en la historia del metal español.

Bajo el cielo plomizo de Granollers, aquel sábado 18 de abril de 1026 no amaneció: se invocó. Crucé el umbral de la Nau B1 como quien entra en una cripta, con la certeza de que lo que aguardaba dentro no era música, sino una forma antigua de comunión: un pacto sellado con sudor, distorsión y una fe torcida. Con los cambios de horario, el aire ya estaba denso, cargado de esa electricidad previa al derrumbe, y cuando Arkhaeth descargó el primer golpe a las 16:00, sentí cómo algo en mi interior se alineaba con el caos: no había melodía, había fricción, acero contra hueso.

Cuando Abysmal Lord irrumpió, la sala dejó de ser sala: era fosa. Todo era suciedad, crudeza sin domesticar, una violencia informe que me arrastraba sin pedir permiso. La penumbra se espesó con Necroracle, cuyo descenso a “Depths of Tartarus” no fue un tema, sino un sepulcro abierto bajo nuestros pies: una masa sonora adherida a la piel como una segunda sombra.

Más tarde, Adorior emergió como una herida abierta; vi a Julie Kiss escupir cada verso como si expulsara siglos de veneno acumulado, y cuando “Author of Incest” me atravesó, entendí que aquello no era un repertorio, sino una disección. “Ophidian Strike” y “Bleed on My Teeth” no se escuchaban: se sufrían. Y yo permanecía allí, inmóvil y entregado, mientras el sonido me erosionaba por dentro.

Pero fue Wrang quien me empujó definitivamente al borde; su liturgia de blasfemia y melancolía —articulada en un set que avanzaba como una invocación (Doodgeslagen onschuld, Haatspraak, Nachten in Wahlheim, Domstad swart metael, Voor ons de zee, Morbide Delirium)— transformó el pogo en un ritual tribal donde cada cuerpo chocaba como si quisiera desintegrarse en el otro, y no cerró su actuación: la dejó suspendida en el aire, como un presagio oscuro que sugería que aún no habíamos tocado fondo.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Winds of Agony II Día 1: “Una reunión de muerte y oscuridad”

Y entonces llegó el momento en que el tiempo dejó de avanzar. A las 22:20, cuando Tom Gabriel Warrior apareció al frente de Triumph Of Death, no vi a un músico: vi a un custodio de algo primigenio, un canal abierto hacia los cimientos mismos del metal extremo. El primer acorde de “The Third of the Storms (Evoked Damnation)” no sonó: descendió. Fue como si el aire se rasgara y dejara pasar una corriente antigua, un eco directo de Hellhammer que me golpeó el pecho con una gravedad casi física. Sentí el riff como una pulsación mineral, como si la sala entera respirara a través de amplificadores moribundos. Cada tema fue una invocación deliberada: “Massacra” y “Maniac” no eran canciones, eran reliquias afiladas, huesos desenterrados que aún conservaban carne; “Blood Insanity” me atravesó con su lentitud malsana, como un veneno que decide tomarse su tiempo, y “Decapitator” cayó sobre nosotros con la inevitabilidad de una sentencia ya escrita. Pero lo que realmente me desgarró fue ese tono de guitarra, ese sonido sucio, cavernoso, casi enfermo, que Warrior arrastraba como una cadena oxidada: no buscaba perfección, buscaba verdad, y la encontró en cada nota torcida, en cada silencio incómodo.

Cuando atacaron “Chainsaw” y “Reaper”, sentí que el suelo desaparecía bajo mis pies; el público ya no era público, éramos un solo organismo convulsionando, un coro sin voz entregado al pulso primitivo que ellos dictaban. Y entonces llegó “Messiah”, y en ese instante supe que no estaba presenciando un homenaje, sino una resurrección incompleta, deliberadamente imperfecta, como todo lo verdaderamente vivo. El guiño a Celtic Frost con “Visions of Mortality” abrió una grieta de solemnidad, una belleza oscura que contrastaba con la crudeza anterior, y yo me encontré suspendido entre dos eras, dos formas de entender la misma oscuridad. Pero el final… el final no fue un final. “Triumph of Death” se desplegó como una plegaria agonizante, repetitiva, casi hipnótica, y en su cadencia lenta sentí algo parecido a la rendición: no al cansancio, sino a la aceptación de que esa música no se posee, te posee. Miré a Warrior, su figura rígida, casi hierática, y comprendí que él no interpretaba esas canciones: las mantenía vivas, como brasas que se niegan a extinguirse.

Cuando Naglfar tomó el relevo, el frío escandinavo limpió parcialmente la herida, elevando el espíritu con una precisión casi quirúrgica, pero ya era tarde: yo seguía atrapado en el eco anterior. Pestkraft volvió a sumergirnos en la rabia, y Caveman Cult selló la noche con una violencia terminal, como si todo debiera terminar reducido a escombros. Salí de nuevo a las calles de Granollers con los oídos en llamas y el alma extrañamente serena, consciente de haber atravesado algo irrepetible. Aún ahora, mientras recuerdo, los riffs de Hellhammer siguen resonando dentro de mí, como un latido antiguo que insiste en recordarme que, en lo más hondo del abismo, siempre arde una luz negra que no guía… sino que reclama.

El segundo día comenzaría mucho más pronto para nosotros, desde primera hora con Yellow Eyes y su Black Metal de nuevo cuño. El suyo fue uno de los discos más sorprendentes del pasado 2025 y en la Engine Room lo pudieron desplegar debidamente. Son una de esas bandas destinadas a crecer mucho, aunque no tanto como los belgas Wiegedood, quienes hace años que se pasaron el juego en Roadburn, y cada nueva edición tratan de hacer algo nuevo para saltar la banca. En esta ocasión, reinterpretaron parte de su discografía, acompañados por los vientos de los Blind Man. Una autentica locura que solo puede ocurrir una vez en la vida y que solo puede darse en este maravilloso festival. 

Atropelladamente comprobamos un rato la mala hostia que se gastan los Planning For Burial, para llegar hasta otro de los grandes momentos del festi. Agriculture presentando uno de los grandes discos de los últimos tiempos. El sonido espiritual de los americanos pasaría por encima del 013 como un tornado y constató lo mucho que han mejorado desde su primera comparecencia en la misma plaza. Lo que antes era timidez, ahora sería confianza absoluta y una puesta en escena propia de grandes estrellas. Seguramente sean la banda de Post Black más en forma del momento, por encima de tótems como Deafheaven o Alcest.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Roadburn Festival 2026 Día 1: “De lo inesperado a lo trascendental”

Del futuro del género, pasaríamos a uno de los tres sets que Krallice iban a ofrecer en Roadburn, concretamente en el que rememorarían sus primeros tiempos. Su aplastante técnica convencería a todos los presentes de que sus galones no habían sido regalados y nos serviría de perfecto preámbulo para un nuevo set de Cult Of Luna, en este caso atacando sus creaciones más recientes. Resultaría otro bolo excelso, pero menos impactante que el que vivimos el jueves. 

Finalmente renunciaríamos a la locura de Zu en el Paradox, para ver en el Engine Room a Bosse-De-Nage, constatando como su actuación acabaría siendo la menos lucida de todo el viernes. Por el camino nos quedó por ver a Mandy Indiana, Street Sex y un largo etcétera, pero es lo que tiene el Roadburn. Al tener todo el tiempo al alcance semejante oferta conciertil, uno tiene que elegir y puede que a veces no acierte del todo. 

 

Los norteamericanos From Ashes to New vuelven este año con su esperadísimo nuevo trabajo Reflections, para demostrar como el metal moderno (que no metalcore, a dios gracias visto el estado el género en la actualidad…) está más vivo y en mejor forma que nunca.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Mothica – Somewhere in Between (2026)

Los de Lancaster, Pennsylvania, siguen en la línea marcada por sus dos trabajos anteriores, pero con el toque necesario para aportar un poquito más en su evolución como banda.

En estos doce cortes, podremos observar como los chicos han sabido recrear el sonido propio del nu metal, el post hardcore e inyectarle pinceladas pop que los han convertido en una de las punta de lanza en este estilo durante este último tiempo.

El disco abre fuego con “Drag Me” y ya podemos entender que si la fórmula funciona bien, para que vamos a cambiarla, así pues, tenemos esos versos rapeados de Matt Brandyberry más que logrados y combinados con la voz melódica de su compañero Danny Case, formando una dupla explosiva con clara influencia de Limp Bizkit, Linkin Park y Papa Roach, sin duda alguna.

La melancólica “Forever”, hereda el sonido de HIM, pero lo combina con guitarras más modernas y un juego de voces irresistible que hará las delicias de los que crecimos con este sonido a comienzos de los 2000.

Por algo Blind Channel los acompañaron en una de sus últimas giras con Joel Hokka a la voz en Estados Unidos, porque ambas bandas comparten muchas de las mismas fuentes musicales y de inspiración.

“Die For You” es una delicia, con cierta herencia de BMTH, pero muy bien ejecutada y con una melodía imposible de ignorar, sin duda una de las joyas ocultas del disco, que estoy convencido sonará aún mejor en vivo.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Against The Current regresa en plena forma con “Heavenly”

El disco sigue vibrando con “Black Hearts”, quizás el corte más cañero hasta el momento y donde vemos la explosión entre el pop, el rap core y el rock alternativo, todo mezclado y con el sello propio de FATN, pero que si te gustan LP vas a disfrutar de lo lindo.

“Upside Down” y “(Not) Psycho”, muestran ese lado “Old School” de la banda y vemos la gran importancia que le dan a los arreglos, los loops y todo lo que les permita hacer las canciones más redondas posible y aviso a navegantes…Aquí hay unas cuantas.

“New Disease”, muestra como ha evolucionado el metal moderno y si la canción tiene un estribillo con gancho va a pegar seguro, FATN se suma con esta pieza a cortes actuales de bandas como Spiritbox y Sleep Token, además de dejar fuera de juego a I Prevail, ya que parece que dicha banda se olvidó bastante de como hacer piezas redondas, pero tranquilos, que este 2026 ya tenemos a From Ashes to New para solucionar este pequeño percance.

Pero no todo es oro en el disco, ya que “Darkside” no aporta mucho al disco, repitiendo la fórmula de mezclar todo lo anterior pero con un resultado donde lo mejor sin duda es la parte rapeada, al ser el puente sospechosamente parecido al himno “By My Self” de Linkin Park…Una cosa es la influencia y otra el semi-robo descarado, lo mismo que sucede con “Falling From Heaven”, al ser una pieza “Comodín”, si no estaba en este disco, podría haber estado tanto en el anterior como en el próximo que grabe la banda, aún así, es efectiva y mejora a su predecesora sin duda.

Para cerrar tenemos “Your Ghost” y quizás el cierre está bien, pero con un par de canciones menos, sumaría algún punto más al resultado final, aún así, siguen por encima de la media tanto en su discografía como entre sus compañeros de profesión y lo único que esperamos es que no se duerman en los laureles y se acomoden, porque FATN siguen con la maquinaría engrasada y llena de energía…Que no la pierdan nunca!

CTM, conocido artisticamente como Claudio “Tano” Marciello, regresa nuevamente a la ciudad portuaria de Bahia Blanca a presentar su último lanzamiento Vive, lanzando durante el transcurso del anterior año.

El Tano, conocido por su enorme carrera en Almafuerte, al lado del extravagante Ricardio Iorio, se ve comprometido desde hace un tiempo con su carrera solista. Durante el 2025 no solo presento el mecionado album, sino que realizo una gira federal para conmemorar el nombre de Almafuerte, logrando tocar para una multitud enorme en el estadio Obras Sanitarias.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: CTM & Vitico y los Leones en Buenos Aires: Dos pesos pesados

El próximo sábado 16 de mayo, volvera a la ciudad de Bahía Blanca para seguir el recorrido de la gira presentación de Vive de la mano de TDR Producciones. El evento tendra lugar en el íconico Bailotage y contará también con la presencia de las bandas locales Tayer  y NSN y como invitados especiales la banda Viejo Blanco.

El show está pactado para las 20hs y las entradas se pueden conseguir en formato físico en Pitagoras (Drago 63/ Local 18 al 21) y de manera on-line a través de sistema MiEntrada.

Un show con un setlist donde no solo mostrara lo mejor de su faceta solista sino que rememorará el legado de Almafuerte con alguno de sus clásicos. Una gira que promete seguir llegando a varios destinos del pais como Neuquen, Cordoba, General Villegas, Concordia, Chacabuco, etc.

Mentiría si no señalara que he conocido a Hortzak debido a las estupendas películas del director Paul Urkijo, vocalista del proyecto. Pero Hortzak esconde eso y mucho más: el virtuosismo de unos músicos consagrados en la escena vasca (David Zabala, Asier Gabiola y Mike Cuesta, son sus compañeros), letras críticas y monstruosas, y un poco de esa referencialidad friki que tanto me gusta.

Sus dos álbumes de estudio son pequeñas joyas para disfrutar, sobre todo en formato físico ya que las portadas y arte interior son realmente impactantes. 

Y además podremos verles por primerísima vez en directo, este próximo mes de mayo de 2026, el día 10 en Vitoria, el 23 en Larratxo, Donostia (con Anestesia y Kudai) y el 30 de mayo en Lekeitio.

Sobre todo esto, hemos charlado con Paul Urkijo.

Buenos días, Paul, gracias por concederme esta entrevista. Hablamos de “Ez dut pozik egon nahi”, el nuevo álbum de tu banda, Hortzak. Es un trabajo excelente y en él me quiero centrar, pero desde luego no puedo obviar tu faceta como cineasta. Es muy probable que muchas personas te conozcan principalmente por éxitos como “Irati” o “Gaua”. Es casi obligatorio que te pregunte al menos ¿Cómo combinas estas dos vertientes artísticas? ¿Existen sinergias positivas entre ellas? 

Bueno, uno es mi oficio (el cine) y el otro es un proyecto que surge entre amigos. En plena pandemia del Covid, David Zabala, que es amigo de hace muchos años y guitarra de Hortzak, me dijo que estaba componiendo temas con Asier Gabiola (batería). Me propuso cantar porque sabía que me gustaba berrear… así que con ciertas dudas me puse a escribir las letras de las canciones. Hortzak surgió sin ningún tipo de pretensión. Solo para divertirnos y desahogarnos. Pero de alguna manera, al escribir las letras termino contando historias al igual que en las pelis. Supongo que las dos (las pelis y la música) son una forma expresión o de catarsis.

Tu nuevo trabajo musical es efectivamente “Ez dut pozik egon nahi” (“No quiero ser feliz”), un título que es toda una declaración de intenciones en una sociedad de consumo salvaje y artificial, que esconde muchos trapos sucios. Esto se refuerza en todo el álbum, especialmente en la canción del mismo nombre. Por favor, háblame un poco del proceso creativo de este álbum y de su mensaje principal.

Efectivamente es un grito de rabia y es un desahogo ante lo feo que estamos dejando el mundo y de la impotencia y la hipocresía en la que vivimos… Y básicamente el proceso creativo ha sido así: David y Asier hacen los temas y me los pasan para que les ponga letras. Y, en este último disco, Mike Cuesta se unió a la banda con el bajo. En el caso de las letras, se me van ocurriendo temas de los que me gusta hablar. En general son historias fantásticas, monstruosas o mitológicas, mezcladas con temas de mala ostia y violencia.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Hortzak – Ez dut pozik egon nahi (2026)

Hortzak es una banda que defiende su música en euskera, en un género que, aunque sigue teniendo como idioma mayoritario el inglés, sí que se presta a la diversidad. Cada vez nos llegan más bandas cuya lengua y señas de identidad están muy arraigadas a sus lugares de origen, sean Noruega, Islandia, Mongolia o Brasil. Entonces: ¿Cómo es tocar metal en euskera? ¿Crees tú también que el metal se presta a la diversidad simbólica y lingüística?

Yo siempre he escuchado música en euskera. Y aquí siempre ha habido una escena muy potente de Metal, Hard Core, Black metal… con gente como Su Ta Gar, Anestesia, Numen, Berri Txarrak… Hay un montón de bandas y estilos muy diversos. Y para nosotros es normal porque hemos crecido con ello. Pero siempre hay un factor de reivindicar nuestra cultura e idioma. Y también de ser críticos con nuestro propio entorno.

Yo todavía no soy capaz de hablar euskera, pero sí he podido reconocer enseguida algunos insertos en el álbum, como el profeta loco de “La vida de Brian” que abre el álbum y más tarde la buena noticia de que volvemos a tener carne en el menú de “Las dos torres”, que le dan un toque de humor algo friki a un álbum que por lo demás trata temas serios y oscuros. ¿Puedes hablarme de estas referencias? 

¡Jajaja! Sí, es bastante Freak. Pero es lo que somos. Nos gusta meter esa clase de audios. Como lo han hecho muchas bandas antes de nosotros. La intro es del gran Terry Gilliam de profeta desquiciado, con el cual nos identificamos en su tono apocalíptico y absurdo. Y el audio de los Uruk Hai gritando eso de que hay carne de orco, siempre nos ha hecho mucha gracia (para mí una de las mejores escenas de LOTR) y nos venía genial para la canción “Antropofagia” que habla de la gente rica comiéndose a gente pobre porque la brutalidad del mercado libre lo ampara. Además, la primera canción “Horda Beltza” es un homenaje a los Orcos en general, que son los mejores, aunque siempre mueran.

También he visto de casualidad que, como yo, sigues entre otros a Raised By Owls, una banda a la que tengo mucho cariño pese a no ser nada conocidos en España, y que aportan grandes cantidades de humor a su música. Así que, siguiendo también el hilo de la pregunta anterior: ¿Qué papel tiene el humor en el metal, en tu opinión?

Pues siempre está presente porque nos lo queremos pasar bien y no nos tomamos demasiado en serio a nosotros mismo, en la vida en general. Pero también porque entre los miembros del grupo y colegas cercanos, el humor negro es una de las formas en las que mejor expresamos nuestras frustraciones. 

Como decía, los temas tratados en el álbum son profundos, serios y relevantes: encontramos violencia, avaricia, la impunidad de los poderosos… junto a la imaginería mitológica y religiosa y siempre con una fuerte perspectiva existencialista. ¿Cuáles son vuestras fuentes de inspiración? ¿Cómo de importante es la crítica social para Hortzak?

Pues lo que comentaba. Son tema que me molan, y la verdad es que no sé hacer nada sin cierta crítica o reflexión social. Y creo que mis compañeros piensan igual. Mis pelis también lo tienen de alguna manera. Creo que la rabia y el desahogo con la que vibra la potencia de las canciones precisamente viene de exponer el mundo en el que vivimos. Y la mitología siempre esta lleno de personajes y símbolos que ayudan a hablar de ello, pero desde una perspectiva monstruosa.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Neurosis – An Undying Love For a Burning World (2026)

Sois una banda relativamente joven, fundada en 2020 si no me equivoco, y siendo este vuestro segundo álbum de estudio. Parece que os estáis consolidando rápidamente como banda y en cuanto a sonido. ¿Puedes hablarnos un poco de los inicios de Hortzak y de la etapa que está viviendo la banda ahora mismo?

Como te he comentado antes, el comienzo fue algo improvisado. “Zabala” y “Asi” tenían los temas del primer disco y luego metí yo la voz. Luego como no se saben estar quietos pues se cascaron en muy poco tiempo otros doce temas. Y yo, no sé cómo, entre peli y peli saco el tiempo para escribir las letras… Ahora con Mikel y el segundo disco nos hemos propuesto hacer algún bolo. Aunque Zabala ya me dijo ayer que ya tiene un tema nuevo… no sabe parar el chaval, jajaja.

El nuevo álbum acaba de caer en mis manos hace pocos días y ya lo estoy quemando a base de darle vueltas en mi reproductor de CD. ¿Tendremos la oportunidad de disfrutarlo también en directo este año 2026?

Pues nos vamos a desvirgar en directo, porque tenemos algunos conciertos programados ahora en mayo por la zona de País Vasco. El 10 en Vitoria, el 23 en Donostia y el 30 en Lekeitio. Y habrá alguno más si sobrevivimos a estos. 

Y ya para terminar: ¿Dónde te gustaría ver a Hortzak dentro de otros 6 años?

Pues siempre decimos que Hortzak es para disfrutar y sin pretensiones. Sin ningún tipo de compromiso. Así que espero que sigamos sacando temas porque significará que seguimos disfrutando de hacer ruido.

Mila esker, muchas gracias por tu tiempo y enhorabuena por el buen trabajo.

El nuevo EP de los australianos Sugar Spine, Soul Before Spirit, es una carta de presentación muy sólida para quienes no los tenían en el radar. En pocas canciones, la banda deja claro su enfoque: mezclar partes melódicas con momentos mucho más agresivos, moviéndose en una línea cercana al metalcore con toques de deathcore. No es un trabajo especialmente largo, pero sí lo suficientemente consistente como para enganchar desde la primera escucha.

La intro “Daun” marca perfectamente el camino del EP. Comienza con una voz melódica que va creciendo poco a poco, generando tensión hasta que finalmente rompe con un sonido mucho más pesado, cercano al deathcore. Es un inicio que funciona muy bien porque prepara al oyente para lo que viene después, mostrando desde el principio esa dualidad entre lo melódico y lo agresivo que define el disco.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Charlie Rolfe (As Everything Unfolds): “Este ha sido el disco más difícil que hemos hecho en nuestra vida”

Con “The Coldness Of Your Absence”, la banda sube el nivel de intensidad. Arranca con mucha fuerza y un punto de caos controlado que le da carácter, para luego abrirse hacia un estribillo melódico muy bien resuelto. Ese contraste es uno de los puntos fuertes del EP, y aquí lo ejecutan de forma especialmente efectiva. Por su parte, “Chained To Your Garden” es otro de los temas más destacados, con un riff muy marcado y una interpretación vocal que lleva el peso del tema. Es una canción directa, bien construida y fácil de recordar.

El cierre llega con “Prisioner of More”, que termina de redondear el EP manteniendo la misma línea y dejando buenas sensaciones. Soul Before Spirit es un muy buen trabajo, compacto y sin relleno, que presenta a una banda con ideas claras y capacidad para moverse entre distintos registros sin perder coherencia. Para quienes no los conocían, es un lanzamiento que merece la pena tener en cuenta.

Una de las bandas más importantes actualmente es Kreator. Esto gracias a sus clásicos discos de los 80, que ayudaron a forjar la identidad de los géneros extremos, y a sus trabajos a partir del 2000, donde a su rabia y violencia le agregaron una gran carga melódica.

El problema es que hace más de dos décadas continúan con la misma fórmula, y esta tiende a agotarse. El disco editado este 2026, Krushers of the World, se siente como un refrito en donde solo destacan los cortes de difusión. Y, siendo sincero, esto pasa hace tres discos fácilmente.

Pero aun así, siguen teniendo fama de ser un acto en vivo muy bueno, por lo que la gira estaba siendo muy exitosa a nivel ventas. También sumaban las bandas teloneras: los veteranos del death metal Carcass, otra banda pionera del thrash como Exodus y, por último, la banda de grindcore Nails. El pasado 25 de abril, este gigantesco tour terminó en la ciudad de Copenhague, donde pudimos apreciarlo.

Nails, los encargados de abrir la noche, dieron un show corto pero conciso. El trío desplegó su grindcore violento, generando una excelente reacción en el público. La ejecución de los temas fue quirúrgica y cuidada, sobre todo la del baterista, quien demostró ser un virtuoso del instrumento.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Kreator en Glasgow: “Caos, fuego y thrash sin concesiones”

Lamentablemente, el sonido no les jugó a favor. Era poco claro y muy grave, con la voz flotando por arriba. Pero esto no evitó que contentaran a la gente.

Llegó el turno de los gigantes del thrash Exodus, quienes dieron inicio a su show tímidamente con “3111”, perteneciente a su último disco, Goliath, que no tuvo buena recepción. Por suerte, la timidez dejó la presentación gracias al clásico “Bonded by Blood”, donde Poolen se transformó en un campo de batalla, y así continuó hasta el final. Rondas enormes, wall of death violentos y montones de crowdsurfers volando por los aires.

Esto no se debió únicamente al setlist asesino, sino también a la energía de la banda, sobre todo la del icónico guitarrista Gary Holt y el vocalista Rob Dukes, quienes orquestaban el desmadre. La ejecución de los temas fue asesina, con una energía y una potencia envidiables. Esta potencia tenía como corazón al gran baterista Tom Hunting, que le pega súper fuerte a los tambores, aportando una fuerza increíble.

Desafortunadamente, el sonido fue feo. Era una bola de ruido dispar, en la que costaba apreciar los instrumentos con detalle. Apenas se distinguían los riffs; la voz estaba en un volumen correcto, pero se perdía en la mezcla. Lo único que se escuchó bien fue la batería.

Sin embargo, esto no opacó un concierto que se transformó en una fiesta metalera.

El tercer acto fue Carcass, y desde el primer momento la diferencia de sonido fue notoria. Contaron con un sonido claro, nítido y definido, permitiendo apreciar hasta el más mínimo detalle en todos los instrumentos y, por sobre todo, disfrutar de esas melodías de guitarra tan icónicas y que nos hacen tan felices.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR:Exodus – Goliath (2026)

Desafortunadamente, el baterista de Carcass, Daniel Wilding, debió dejar el tour por una emergencia familiar, por lo que fue reemplazado por el actual baterista de Opeth, Waltteri Väyrynen, una auténtica bestia del instrumento. No solo cumplió su rol, sino que también aportó otros matices y toques personales a las ya intrincadas canciones.

El setlist estuvo compuesto por los temas más icónicos del grupo, incluyendo todas sus etapas. Los momentos más destacados fueron “Incarnated Solvent Abuse”, donde el pogo estalló; “Exhume to Consume”, cantada por Bill Steer; y el final con la clásica e icónica “Heartwork”.

Tras un extenso saludo y luego de arrojar al público montones de púas, palillos y listas de temas, Jeff Walker y los suyos dejaron el escenario caliente para el plato principal de la noche.

Apenas terminó la banda anterior, un telón blanco tapó el escenario. Este sirvió como pantalla para reflejar el video de introducción de Kreator, que dio pie a “Seven Serpents”, primer corte del último trabajo.

Y acá reapareció el principal enemigo de la noche: el sonido. Al menos adelante, ambas guitarras estaban bajas. La principal de Sami se escuchaba apenas, pero igual era tapada por el resto de los instrumentos e incluso por el coreo de melodías por parte del público. En cambio, la guitarra rítmica de Mille era casi inexistente. Se veía que estaba desplegando riffs asesinos y palancazos por doquier, pero no se podía apreciar. Esto, por suerte, se acomodó con el correr de los temas y la cuestión mejoró bastante. Pero el trago amargo de escuchar “Enemy of God” casi sin guitarras no me lo saca nadie.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Kreator – Krushers of the World (2026)

El setlist representó las dos caras de la moneda. Fue contundente, tribunero y muy festejado. Pero eso quiere decir que fue la misma lista de hace años, sin casi ninguna sorpresa, salvo por las canciones nuevas y “Endless Pain”, que no sonaba hace mucho tiempo.

Un momento a destacar fue “Loyal to the Grave”, donde Petrozza se colocó alas de ángel negro y el bajista tomó el cargo de la segunda guitarra.

Dejando de lado estos detalles de sonido y de la lista de temas, que son propios de un fanático exquisito, el concierto fue una paliza de thrash metal. La energía de la banda fue contagiosa e hizo que los 2300 asistentes perdieran la cabeza. El pit fue enorme durante todo el show y la gente no paró de volar por los aires. Esto hacía que los músicos se emocionaran y pidieran aún más energía y desmadre por parte del público.

El final llegó de la mano de dos de los más grandes clásicos del grupo: “Violent Revolution” y “Pleasure to Kill”, donde papeles rojos cayeron del cielo como si fuera una lluvia de sangre.

Al terminar, Kreator agradeció a los presentes, a la crew y a las otras bandas, ya que esta fecha fue el cierre del tour.

Sin duda, este tour fue muy memorable, ya que contamos con cuatro bandas icónicas y esenciales en su género. Si bien hubo desajustes sonoros, la energía del metal se mantuvo más viva que nunca y el espíritu de comunión está más fuerte que nunca.

Nekrogoblikon es una banda muy importante para mí. Los conocí con Welcome to Bonkers y después devoré toda su discografía. Me obsesioné con ellos, me aprendí de memoria cada videoclip, me compré su libro de autoayuda y me suscribí a su hilarante programa de entrevistas Right Now!. Tuve la oportunidad de verlos en 2020 en Madrid (poco antes de que todo cerrara por la pandemia) en su gira con Gloryhammer y Windrose y hasta les paré por la calle para adorarles. Me sentí entonces como la única fan que la banda tenía en España y aunque esto no sea verdad, todo el amor que les tenía valía por un estadio lleno. 

A primera vista puede parecer un tanto rara mi obsesión con Nekrogoblikon, ya que para los profanos no es más que un gimmick humorístico, una banda cuya mascota es un goblin y punto. Pero yo siempre he visto algo más en ellos. Para empezar es que me encanta escucharlos, me sienta bien cómo cae su música en mis oídos: es virtuosa, original y llena de ritmo; los teclados de Aaron “Aarynstar” Minich son embriagadores y la batería de Eric W. Brown “Brown of fire”, es frenética. La voz de Nicky “Scorpion” Callone siempre ha sido un portento tanto en limpios como en guturales: escucharle me ha hecho amar y entender mucho mejor el género del Death Metal Melódico. Pero es que además la metáfora de los goblins del espacio exterior, llenos de maldad y rencor, asqueados de su propia inmortalidad, me parece absolutamente perfecta para hablar del género humano. Las letras están llenas de existencialismo, humor negro, genialidad y melancolía. Leerlas ha sido para mí como reconocerme en un espejo roto y ennegrecido por el tiempo.

En 2022 vino Fundamental Slimes and Humours y sentí que se superaban a sí mismos una vez más. ¿No es bonito cuando tu banda favorita está en activo y el material nuevo te sigue emocionando?

Pero entonces, ¡oh calamidad!, a finales de 2023, Nicky “Scorpion” Callone abandonó el grupo. El mismísimo fundador, principal compositor, letrista y único vocalista de la banda desapareció de la noche a la mañana. La banda emitió un breve comunicado sobre que partía en buenos términos con los compañeros para centrarse en sus proyectos personales. También anunciaron a su sustituto: nada menos que Dickie Allen (ex Infant Annihilator). Poco después supe que también lo dejaba Aaron “The Zoot” VanZutphen, el bajista, de forma aún más discreta.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Samurai Pizza Cats – Press Start (2026)

Justo cuando estaban en un momento de enorme popularidad, tras una gira por sus natales EEUU, con pocos meses de rodaje del disco… ¿qué pasaría con la banda ahora?

En realidad, quienes quedan son unos músicos de gran talento y muchos años de experiencia. Eric “Brown of fire” destaca por ser el autor de la banda sonora del multipremiado videojuego Sea of Stars, entre otras creaciones. Aaron “Aarynstar” es pianista y compositor. Joe D. Nelson imparte masterclass de su instrumento… todos tienen mucho que aportar y en todo momento han mostrado la firme voluntad de seguir adelante.

Por su parte, incorporar a alguien con tanto bagaje como Dickie Allen a los guturales, supone un fichaje incontestable (por cierto, que hace poco leí una entrevista con Will Ramos, de Lorna Shore, quien le citaba como referente e ídolo personal).

Para las voces limpias, sin embargo, han tomado una decisión arriesgada: adjudicárselas al propio John Goblikon, la mascota e inseparable compañero del grupo, con su impactante caracterización. Pero aquí es cuando la cosa se lía aún más. Quien encontramos bajo la máscara no es el habitual Dave Rispoli, actor y periodista, que aparece en sus videoclips, conduce el programa de entrevistas Right Now! y coescribió el libro de autoayuda de la banda: “Guide to Living Your Best Life”. No. Para grabar las voces y ejecutar los directos con el disfraz, el fichaje ha sido Grady Welch (alias “Shady Grady”), cantante y cómico. Sospecho que Grady también es la persona bajo la máscara en la gira de monólogos stand up de John Goblikon… ¿Quién será el encargado de responder a los fans en Cameo? Supongo que lo mejor es dejarse llevar y asumir que John es un ser ubicuo y de fantasía que puede hacer cualquier cosa.

Es curioso ver cantar los limpios a un goblin, cuando su voz de personaje es muy raspada y forzada. Debo decir que Grady no es el mejor cantante del mundo, pero puede defender las partes que le corresponden, sobre todo cuando son más secundarias y corales, o en los temas nuevos, que se han creado a la medida de su rango vocal y el de Allen.

Con todos estos ingredientes, vamos a analizar el nuevo álbum, The Boiling Sea, coincidente con el veinte aniversario de la banda. En realidad es un álbum algo breve, ya que se compone de apenas seis canciones originales, a las que se suman cinco grabaciones en directo de algunos de sus temas más icónicos, cada uno correspondiente a una época diferente. 

Sobre los temas nuevos, lo primero que debo decir es que sí suena a Nekrogoblikon. No a sus mejores trabajos, pero sí mantiene la dirección general del grupo y los instrumentos no abandonan su virtuosismo. La pista homónima del disco es la que me ha sonado más auténtica y agradable de escuchar, pero también son interesantes las demás, especialmente “Fiend” con un entretenido videoclip de stop motion, y “Secret Elephant” en colaboración con la banda de Punk-Ska Reel Big Fish cuyos vientos encajan muy bien en el proyecto. Estas dos últimas han sido singles con videoclip así como “Show Me Your Goblin” y “Dead-ish”, dirigidos todos por el habitual Brandon Dermer, excepto el último, que está animado por Kris Baldwin.

En cuanto a las letras, exploran temas habituales de la banda y se esfuerzan en encontrar metáforas sorprendentes. Aún así, son más básicas y no conectan automáticamente con mi sensibilidad como lo hacían sus anteriores trabajos, pero tampoco suponen una caída en picado.

Sobre las grabaciones de los directos, tengo sentimientos encontrados. Siempre es peligroso de cara a los fans reinterpretar un tema antiguo, y más cuando es tan representativo como los escogidos. Por un lado me alegra que esas canciones sigan vivas; por otro, las comparaciones son odiosas.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Angus McSix – Angus McSix And The Sword Of Power (2023)

En mi opinión, dos cortes superan medianamente bien la prueba. Estos serían “Prince of the Land of Stench”, original de 2011, que surge como un homenaje a la película “Dentro del Laberinto” y “This is it”, del disco inmediatamente anterior al actual. La primera funciona quizás por la ilusión de retomar ese tema tan antiguo y porque la carga vocal recae casi absolutamente sobre Dickie Allen; mientras que la segunda es muy nueva, no tan recubierta por la carga emocional de los clásicos y con un buen equilibrio entre ambas voces… sin embargo, aunque esta también funcione, justamente el contenido de las letras hace que me pregunte si era la opción más adecuada; dice literalmente: “este es mi momento, no el tuyo”, por lo que no estoy segura de que sea un gran acierto relanzarla tras estos cambios importantes entre los miembros de la banda.

Después, considero “Powercore” en la línea del aprobado. Suena muy bien pero es que es un tema tremendamente bueno. Creo que sonaría bien lo tocara quien lo tocase. Sin embargo, la interpretación vocal original era muy especial y artística, y no se puede emular con dos vocalistas ya que se pierde todo el sentido de ese diálogo esquizofrénico que Nicky mantenía consigo mismo, alternando limpios y guturales sin apenas respirar. 

Finalmente, “No One Survives” y “The Magic Spider” desde mi humilde opinión, no dan la talla. La primera es el origen de todo, el primer videoclip en el que aparece el personaje de John Goblikon y el tema que le dio popularidad a la banda allá por 2012; en la nueva grabación las voces no alcanzan la perfecta dicción del vocalista anterior e incluso cambia un poco la musicalidad instrumental (recordemos que actualmente giran sin bajista y esto le resta algo de pegada al conjunto). Respecto a la segunda, el protagonismo es del teclado (que sí está magnífico) y de la voz limpia (que no lo está tanto); esta es una pieza muy original y única, que por su delicadeza es difícil de interpretar para que siga sonando a metal y… el resultado no me ha dejado satisfecha. Como digo, me alegra que estas canciones sigan vivas, pero no las elegiría para escucharlas en diferido.

Entonces, tratando de ser lo más objetiva posible, diré que The Boiling Sea me deja un sabor agridulce. Voy a continuar siguiendo a Nekrogoblikon y creo que tienen potencial para seguir emocionándome en un futuro. Desde luego se están esforzando por mantener vivo el proyecto, se están moviendo mucho, están haciendo colaboraciones interesantes con otros artistas (como la que hicieron con Dragonforce para el videojuego Beat Saber), y están girando actualmente con las japonesas Hanabie y con Enterprise Earth. Lo que queda por saber es si terminarán conformándose con ser simplemente una banda divertida y fiestera, sin cultivar esa profundidad artística, lírica y emocional que les distinguía y que les colocaba en el podio de mis bandas favoritas. Espero sus próximas entregas para confirmar su rumbo.

La noche en la Razzmatazz ya arrancaba marcada por el cartel de Sold Out. La sala estaba llena hasta donde daba, con ese calor previo a un show esperado. Esta vez no hubo banda telonera, algo que se sintió raro para una cita de este nivel, dejando todo el peso directamente en Saxon. Aun así, la expectativa era alta, con el público listo desde el primer momento.

El arranque fue directo con “Hell, Fire and Damnation”, con la banda entrando firme y un sonido que, en general, respondió bien. Rápidamente cayeron clásicos como “Power and the Glory” y “Sacrifice”, con la gente cantando cada línea. Biff Byford se mostró cercano, manejando el ritmo del show, mientras las guitarras de la banda mantenían todo en su sitio. La conexión con el público fue constante desde el inicio.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Enforcer en Buenos Aires: “Heavy Metal sueco en estado puro”

El repaso siguió mezclando temas nuevos con material clásico, pasando por “Heavy Metal Thunder” y momentos más intensos como “Dallas 1 P.M.”. Hubo espacio para un bloque especial con Wheels of Steel, tocado en orden, donde sonaron “Motorcycle Man”, “747 (Strangers in the Night)” y “Wheels of Steel”. En ese tramo aparecieron algunos problemas de sonido, pero no llegaron a frenar el ambiente, con la sala completamente entregada.

En la parte final llegaron los temas más esperados, con “Denim and Leather”, “Crusader” y el cierre con “Princess of the Night”. El público acompañó en todo momento, aunque el lleno total también trajo empujones y momentos incómodos cerca del final. Saxon se mantuvo firme sobre el escenario, sosteniendo el show con experiencia y una lista de canciones que sigue funcionando en directo.

Tras ocho años de larga espera y muchas cosas en el medio, los titanes del heavy metal español Saratoga, regresan con su esperadísimo nuevo disco En Estado Puro, el primero con Charly Parra a la guitarra y Aranu Martí a los parches, quienes junto a Niko del Hierro y Tete Novoa, vuelven a desplegar todo su poder demostrando que a veces, los cambios son para mejor.

El disco comienza con el binomio que ya conocíamos antes de la salida del disco, la poderosa “Inteligencia Artificial” y la feroz y rápida “A Toda Velocidad”, ambas muy bien ejecutadas, con ritmos trepidantes marcados por Niko y Arnau y un Tete Novoa, que te puede gustar más o menos, pero es uno de los 3 mejores cantantes que tiene este país en lo que a heavy metal se refiere, no hay mucho más debate al respecto.

Dicho esto, vamos con las piezas restantes y aunque no quiero caer en la repetición, la realidad tras escucharlas todas es que los cambios que han producido en la banda, han dado ese soplo de aire fresco que venían necesitando desde hacía mucho tiempo, si ponemos este disco al lado de Aeternus, su último disco de 2018, la diferencia es abismal, mucho mejor producido este nuevo, con mejores canciones y remontando un vuelo que venía muy bajo.

En “Silencio”, la banda vuelve a sus orígenes con un sonido muy clásico, pero dotándolo del toque moderno propio del metal que hará las delicias tanto de sus fans más veteranos como de las nuevas generaciones.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR:  Kaelis – Stellar Waves (2026)

Sin embargo, las revoluciones bajan y con “Alma de Cristal”, Saratoga vuelve a tocarnos la fibra sensible al tratar por medio de la letra la lucha de unos padres que se enteran de que uno de sus hijos sufre una de esas enfermedades infantiles denominadas “Raras” y lejos de venirse abajo intentan afrontarla con valentía y poder para tratar de combatirla.

La voz de Tete pone los pelos como escarpias desde el segundo uno en que escuchas esta pieza y es imposible que no se te haga un nudo en la garganta con la misma.

La poderosa “Vientos de Libertad”, nos muestra que a veces es necesario dar vuelta la página y seguir adelante, ya sea en lo laboral, personal o en cualquier aspecto de nuestra vida cotidiana, Charly Parra bien lo sabe, que se ha tenido que cruzar todo el océano para venir a Madrid a vivir y a comenzar una nueva etapa junto a sus (ya no tan) nuevos compañeros de viaje en Saratoga.

El lado más pesado se hace presente en “Basta ya de Horror”, un potente corte antiguerra y con un trasfondo cercano al sentimiento de paz y la agridulce “Todo Acabó”, donde pese a la oscuridad, uno tiene que intentar remontar y salir adelante.

Las guitarras de Charly suenan espectaculares, se notan los casi 4 años que lleva girando con la banda en América Latina y estaba cantando que el sería el guitarrista ideal para Saratoga, una vez sabido que Jero Ramiro abandonó las filas de la formación madrileña.

Niko como siempre suena impecable marcando el ritmo de la banda junto con Arnau, transmitiendo un poderío admirable para una persona que lleva más de 35 años en esto del heavy metal.

Para resumir lo que es En Estado Puro, podemos afirmar que es un puñetazo sobre la mesa de una banda que ya curó sus heridas y que ahora tiene que seguir adelante, con el paso firme que siempre han tenido y demostrando porque son uno de los nombres propios en la historia del metal español.