Los alemanes de Aeon Gods están próximos a lanzar su nuevo larga duración bajo el nombre de Reborn To Light; editado a través de Scarlet Records verá la luz el 20 de febrero del 2026.
Luego del debut con King Of Gods, inspirado en leyendas de la antigua Babilonia, nos llega este nuevo álbum cuya historia se basa en el radiante y sombrío reino del antiguo Egipto.
La banda integrada por Alex ‘Sol’Ra-tu’ Hunzinger (voces), Anja ‘Su’en -Chel’ Hunzinger (teclados), Pat ʹUr’Athtarʹ Hesse y Robert ‘Abzu’Kean’ Altenbach (guitarras) y Elias ‘Iš’Taru’ Knorr (batería), nos traen un álbum potente, veloz, con interesantes sinfonías y ambientes cinematográficos para narrarnos antiguas leyendas egipcias.
A eso debemos sumar la presencia de algunas melodías orientales que colaboran para ambientar la historia que los teutones nos quieren contar.
El inicio se encuentra a cargo de uno de los sencillos que sirvieron a modo de adelanto de lo que vendrá: “Birth Of Light”, un tema de power metal clásico con melodías y coros épicos y la velocidad característica del género.
“Flames Of Ember Dawn” y “Feather Or Heart”, respectivamente, nos muestran a la banda bajando la velocidad en la primera parte del estribillo para luego subirla nuevamente y darle un tono claramente épico al coro y poniendo en evidencia, en la segunda de las canciones mencionada, el lado más rockero del grupo.
TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Tailgunner – Midnight Blitz (2026)
Las joyas compositivas de esta producción se encuentran a cargo de “Amduat” y “Re’s Dying Reign” y sus cuatro y tres partes respectivamente. Ambas composiciones no se entienden sin cada una de las canciones que la integran donde la banda recurre a la combinación de distintos elementos que le permiten crear diferentes atmosferas que te acompañan a lo largo de cada uno de los temas que dan vida a estas historias. Cada una de las partes se encuentra pensada en función de las restantes, lo que permite a la agrupación sumergirte en una tormenta de arena musical.
La primera de las composiciones mencionadas se encuentra formada por “Barque Of Millions (Amduat pt. I)” un comienzo casi a un medio tempo que con “The Sacred Union (Amduat pt. II)” vuelve a incrementar la velocidad con una melodía épica y un más que interesante blast beat; a su turno “Soldiers Of Re (Amduat pt. III)” se encuentra caso a mitad de camino entre las dos anteriores presentando unos riffs pesados y densos y un estribillo corto y melódico, para dar paso a “Reborn To Light (Amduat pt. IV)”, un gran cierre con un coro épico hecho para ser gritado a plena voz en vivo, velocidad y melodía.
Por su parte, “Rebellion (Re’s Dying Reign pt. I)”, “Blood And Sand (Re’s Dying Reign pt. II)” y “Blood And Sand (Re’s Dying Reign pt. II)” dan forma a esta trilogía. Con un inicio narrado y un tema pesado pero sin abusar de la velocidad, la banda nos introduce en esta nueva historia para luego bajar las revoluciones y generar la atmósfera necesaria para la explosión de power metal que representa la tercera parte: sin dudas las melodías más powermetaleras de todo el larga duración y un doble bombo que grita presente de principio a fin para hacer llegar a nuestros oídos un coro épico que seguramente será uno de los momentos destacados en las futuras presentaciones en vivo de los teutones. Desde el comienzo de la primera parte hasta el último acorde de la trilogía la presencia de melodías orientales nos permite ambientarnos en las arenas del alto y bajo Egipto.
La placa nos presenta todos los elementos propios del genero colocados acertadamente en el lugar que permite potenciarlos y ofrecer a los oyentes un disco de power metal que no decepciona ni aburre. Ninguno de dichos elementos se encuentra sobreexplotado, sino que son usados en su justa medida para beneficio de las composiciones.
El nuevo disco de Sylosis supone otro paso firme en la evolución reciente de los británicos. Tras el notable A Sign of Things to Come (2023), la banda vuelve a apretar los dientes con: The New Flesh, un trabajo donde recuperan agresividad sin perder el pulso melódico que siempre ha marcado su identidad. Lejos quedan ya los días de Conclusion of an Age o Dormant Heart, pero su esencia sigue ahí, ahora reforzada por una producción más contundente bajo el respaldo de Nuclear Blast Records.
Desde el arranque con “Beneath the Surface” queda claro que el grupo apuesta por riffs más densos y un enfoque más groove, sin abandonar su base metalcore. Hay más peso en las guitarras, más intención en cada breakdown y un equilibrio mejor medido entre melodía y violencia. La sombra del thrash clásico aparece en varios pasajes, con ese regusto afilado que inevitablemente recuerda a Slayer, pero siempre filtrado por el sello propio de la banda.
TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Sylosis en Copenhague: “Cuando la expectativa se vuelve violencia”
En temas como “Spared from the Guillotine” o “Circle of Swords” la maquinaria rítmica brilla con especial intensidad. La batería de Ali Richardson golpea con precisión quirúrgica, mientras que las guitarras construyen muros de sonido compactos y directos al cuello. “Erased” y “Lacerations” recuperan ese equilibrio entre técnica y pegada que tan bien dominan, mientras que “Mirror Mirror” introduce pequeños matices atmosféricos que amplían el espectro sin suavizar el conjunto.
A nivel vocal, Josh Middleton suena más agresivo, más rasgado y convincente, reforzando el tono oscuro del álbum. Incluso cuando bajan ligeramente la intensidad, como en “Everywhere at Once”, la tensión nunca desaparece. The New Flesh es un disco compacto, directo y sin relleno, donde Sylosis demuestra que puede sonar más feroz sin renunciar a su ADN.
A estas alturas de la película creo no ser el único que piensa que de no existir una banda como Converge, habría que inventarla, ya que su manera de expresarse, de transmitir emociones e incluso de hacerte pensar con cada disco que publican es digno de admiración y al alcance de unos pocos.
Esta breve pero más que sincera introducción se debe a que con su undécimo trabajo de estudio, la banda de Salem (Massachusetts), lo ha vuelto a hacer, ha vuelto a entregar una obra exquisita, llena de matices y misterios a descubrir en cada escucha y donde el dolor y la rabia que sale de la garganta del señor Jacob Bannon, sirve al oyente como una suerte de catarsis abrumadora, pero con unos resultados más que satisfactorios.
Recordemos también que la banda regresa tras un lustro desde su álbum en conjunto con Chelsea Wolfe, donde exploraron otros terrenos, intercambiando ideas con la cantante californiana y donde el resultado fue más que interesante, intenso, hermoso, brutal y honesto, pero que también adolecía de cierto “ADN” propio de Converge en algunas partes del mismo.
TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Ov Sulfur – Endless (2026)
Ahora, la banda vuelve a lo que son, un conjunto de mentes inquietas, llenas de preguntas sin respuestas fáciles y con mucho que analizar y transmitir a su público.
Si dejamos un poco el romanticismo y la fascinación, lo que podemos entender con estas diez piezas, es que Converge son una banda que no tiene techo y que siempre va a encontrar un giro para seguir mejorando su discografía y este nuevo trabajo es la penúltima adición a la misma.
Y porque sucede esto?, simple y llanamente porque las canciones aquí entregadas están al mismo nivel que todo lo que los norteamericanos han publicado a lo largo de su carrera, quizás no sea un disco histórico como Jane Doe o menos frenético que Axe to Fall, pero igual de interesante que ambos trabajos y eso ya dice muchísimo en favor de estos muchachos.
Pongamos algunos ejemplos para ilustrar el disco, ahí tenemos la acelerada “To Feel Something”, con ese ritmo abrasador y cargado de energía que se contrapone a “Amon Amak”, igual de feroz, pero mucho más densa y llena de fango, acercándose al sonido más propio del sludge y donde dejas salir tus demonios en cada grito que Jacob escupe por el micrófono y que tiene en “Gilded Cage”, una suerte de puente tenebroso con tintes post metaleros, que es una absoluta delicia para el oyente.
Entonces, volvamos al principio, con este nuevo disco Converge no solamente vuelven a dar en la diana, si no que además, siguen haciendo de la desolación, el dolor y la angustia, una suerte de arte hecho música.
Si querés entender el estado mental de Maynard James Keenan en Normal Isn’t, no hace falta leer entrevistas enteras ni ponerse a analizar letras con lupa: alcanza con mirar el personaje en el que parece reflejarse. El disco se apoya en una figura mucho más incendiaria y al borde del colapso, cercana a William Foster, el protagonista de Un día de furia. Un tipo empujado al límite por la fealdad cotidiana, la estupidez normalizada y la violencia estructural del mundo moderno. Esa tensión permanente atraviesa todo el álbum.
Normal Isn’t llega cinco años después de Existential Reckoning, aquel disco atravesado por la pandemia, donde todavía había espacio para pensar en comunidad, empatía y reconstrucción. Hoy el panorama es más áspero. El mundo no se calmó: se radicalizó. Polarización política, cinismo global, guerras asomando, tecnología avanzando sin ética, redes sociales embruteciendo y una sensación constante de que todo está fuera de eje. Este disco no grita eso: lo respira.
Musicalmente, Puscifer sigue siendo ese terreno donde Maynard James Keenan juega sin red. Electrónica oscura, groove pesado, guitarras secas, climas post-punk y una base rítmica que no busca lucirse sino hipnotizar. El trío Maynard James Keenan, Carina Round y Mat Mitchell está más afilado que nunca, funcionando como un organismo único. Acá no hay canciones hechas para el algoritmo; hay ideas que se desarrollan con paciencia, tensión y repetición.
TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Soen – Reliance (2026)
A diferencia de Existential Reckoning, Normal Isn’t es más sutil, pero también más oscuro. Hay momentos sorprendentemente pegadizos, como “Bad Wolf” e “ImpetoUs”, que funcionan casi como trampas melódicas dentro de un disco denso. También aparece el humor ácido de siempre, como en “Mantastic”, donde se ríen de las contradicciones ridículas de la masculinidad moderna. Pero, en general, el tono es serio, porque el contexto no da para chistes largos.
Uno de los puntos más fuertes del disco es “The Quiet Parts”, una canción hermosa y peligrosa a la vez. No levanta la voz, no acusa directamente, pero señala algo fundamental: el problema no siempre son los villanos evidentes, sino nuestra pasividad frente a ellos. Escucharla hoy, con discursos deshumanizantes cada vez más normalizados, pega distinto.
El cierre con “The Algorithm” apunta directo al corazón del presente: redes sociales, distracción constante, indignación programada y la sensación de que estamos siendo idiotizados justo cuando más falta haría actuar. No desde el enojo adolescente, sino desde un cansancio lúcido.
TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Pelican – Ascending (2026)
Si el disco tiene un mensaje general, no es apocalíptico, aunque lo parezca. Puscifer recuerda que la civilización humana siempre fue un péndulo: extremos que van y vienen, épocas de luz y de sombra. La clave está en no naturalizar el odio, no dejar que la brutalidad se vuelva cotidiana. Aguantar. Resistir. Elegir conscientemente no convertirse en aquello que uno critica.
Normal Isn’t no es un disco fácil ni inmediato. No busca likes ni catarsis rápida. Es denso, coherente, incómodo y profundamente honesto. No reinventa el universo de Puscifer, pero lo oscurece, lo profundiza y lo vuelve más urgente.
La verdadera fortaleza de Puscifer y de Maynard James Keenan en particular (que es lo que aprecio de corazón de este artista y amo) está en su capacidad para tomar temas profundamente incómodos y críticos, digerirlos sin simplificarlos ni suavizarlos, y transformarlos en música que no baja línea, pero sí pega directo en el alma. Normal Isn’t no busca consolar ni dar respuestas: expone, incomoda y resuena. Y, en ese proceso, logra algo mucho más difícil que la denuncia o el enojo: convertir el caos del mundo en una experiencia artística honesta, intensa y humana, que se siente tanto en la cabeza como en el cuerpo.
Los alemanes de Wolfchant editarán el próximo 13 de febrero su noveno álbum de estudio, Echoes of a Time Once Past. Este es su segundo trabajo luego de su regreso en 2019. Recordemos que la banda se separó en 2018 y que en 2019 volvió con nuevos integrantes, aunque recién editó nuevo material en 2024.
En este nuevo disco se percibe una combinación muy acertada entre folk y power metal, con pasajes más extremos cercanos al death metal melódico o al black metal. Todo esto se construye a base de melodías vocales muy épicas, acompañadas por guitarras igual de heroicas. Aunque por momentos estas toman una posición más agresiva, es allí donde las voces guturales entran en escena.
Las canciones van surfeando entre estos elementos, pero rara vez se encuentran superpuestos. Es decir, cuando la canción se vuelve extrema, todos los componentes lo hacen. No hay una fusión simultánea entre estas dos facetas.
TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Rites of the Blood Moon invoca una noche de metal pagano en Dinamarca
Por supuesto, los instrumentos folklóricos están presentes, aportando color a las composiciones y reforzando ese espíritu de guerra medieval que la banda busca transmitir. La batería mantiene un nivel de intensidad muy alto durante todo el disco, aunque siempre sabe cómo adaptarse a cada parte de la canción. De esta forma aparecen momentos de blast beats, ritmos más cercanos al power metal y otros donde acompaña la épica general del álbum.
Las canciones resultan llevaderas y transitan bien todos sus pasajes, pero en varias ocasiones los finales no se sienten del todo trabajados, ya que varias composiciones terminan de forma abrupta o mediante un efecto de fade out.
Uno de los puntos que no funciona es el sonido. El mismo resulta demasiado agudo, con los graves apoyándose casi exclusivamente en la batería. Las guitarras suenan blandas y faltas de cuerpo, lo que además provoca que queden tapadas por las orquestaciones y otros elementos de la música. El bajo prácticamente no tiene presencia; de hecho, por momentos parece inexistente.
Echoes of a Time Once Past es un trabajo muy llevadero para quienes disfrutan de la música épica que transita entre varios géneros, pero sus problemas de sonido le restan varios puntos al resultado final.
En las pesadas noches del verano del hemisferio sur, nadie se encuentra lo suficientemente relajado para una escucha emocional o introspectiva. Lo único que queremos es un buen disco de heavy metal, una bebida bien fría y dejar el cerebro estimularse con los mejores solos de guitarra.
Bueno, no es mi caso (ja). En mi papel de crítico, mi principal responsabilidad es la de comunicarles de la manera más transparente posible, las sensaciones que un disco me deja para que ustedes acepten, o no, la invitación a escucharlos.
Tailgunner es una banda relativamente nueva, que tiene sus orígenes apenas un par de años antes de la pandemia, pero que se presenta como banda oficialmente desde 2022. Con un disco ya en su haber, que pasó sin pena ni gloria, vuelven a la carga, ahora bajo el sello Napalm Records (gran salto). A pesar de mi rol, anteriormente comentado, se me antoja escuchar lo nuevo de esta banda, Midnight Blitz, por el simple hecho de sus evidentes influencias de lo mejor del heavy metal británico (si, el de la nwobhm).
El disco salió… ¿Hoy? Si, hoy 6 de febrero, pero me hice del suficiente espacio durante mis horas de trabajo para darle por lo menos 4 pasadas. Si su material anterior dejo sabor a poco y nada, me atrevo a decir que con Midnight Blitz se reivindicaron de una manera categórica.
Categórico es también su comienzo con la pieza de nombre homónimo al álbum, que entre sirenas de defensa aérea y sintetizadores abre paso a la voz de Craig Cairns para evocar temas típicos de las guerras en el aire, que se repetirán en piezas como “War In Heaven” y “Blood Sacrifice”. Especial mención para la primera, que tiene una intro al fiel estilo new age 80s (reinvindicado por la serie televisiva Stranger Things y que ya muchas bandas se encargaron de volver a sobre explotar) pero que luego y rápidamente se convierte en una power balada que pareciera cantada por el mismísimo Timo Kotipelto de Stratovarius.
TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Twisted Sister anuncia la cancelación completa de su próxima gira europea
“Tears In Rain” es de mi favoritas, por ese estribillo tan ganchero, un punto alto del disco sin duda alguna. Después te podés encontrar algunas piezas con un tonó más análogo al power metal, como “Follow Me In Death”.
Otro punto alto de este material es “Dead Until The Dark” que da un giro de 180 grados en cuanto a melodía refiere, por un excelente puente muy bien colocado antes del estribillo.
El resto de las canciones es tarea para el hogar…pero algo les prometo, no se van a decepcionar en lo absoluto.
Tailgunner se pone realmente serio con Midnight Blitz. Lleva la producción a otro nivel, con un mejor sello, con un mejor masterizado y bajo el mando del gran KK Downing. La banda se ve completa además de Craig, por Bones en bajo, Zach Salvini y Rhea Thompson en guitarras y Eddie Mariotti en percusión.
No pretenden reinventar la rueda como ellos mismos aseguran, tampoco apelar a la nostalgia como muchas otras bandas lo intentaron y lo intentan. Simplemente nos dan una obra que conmemora lo mejor de los tempranos 80s en Gran Bretaña, con las influencias de Maiden, Judas y quien sabe cuántas leyendas más. Analizo este material con la mera finalidad de saber cuan recomendable pueda llegar a ser y sin duda el resultado es más que contundente. Hacía mucho que no tenía tanta seguridad para recomendar un disco y Tailgunner con Midnight Blitz rompe el hielo.
Desde las frías tierras de Aarhus, al norte de Dinamarca, Sunken pisó fuerte dentro del underground danés. Esto se debe tanto a discos muy bien valorados, como Livslede (2020), como a sus intensas presentaciones en vivo, que llevaban al extremo el clima de introspección presente en sus álbumes. Por este motivo, el esperado nuevo trabajo Lykke llegaba con varias misiones por cumplir: demostrar una evolución musical y, al mismo tiempo, ampliar el alcance de la banda dentro del circuito del black metal europeo. Algo que se vio reflejado en un extenso tour por el norte de Europa.
En lo musical, este disco encuentra la forma de no repetirse. A su base de black metal atmosférico le suman elementos del depressive black metal, visibles sobre todo en el tratamiento vocal. Las voces pasan de los gritos agudos clásicos a registros más intensos, cercanos al lamento. Las atmósferas, por su parte, se sienten más densas y tristes. Si bien las guitarras etéreas y fantasmales características del proyecto siguen presentes, estas alternan entre riffs más pesados y otros más sensibles, aportando dinamismo sin perder cohesión.
TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Ellende en Copenhague: “Atmósferas que ahogan y emocionan”
Las canciones son extensas y en todas aparece al menos un interludio que funciona como respiro entre tanta intensidad. Estos pasajes están adornados con instrumentos de cuerda, teclados y guitarras acústicas, aportando variedad y reforzando el costado creativo del álbum sin romper su coherencia. Al mismo tiempo, la duración prolongada de los temas exige una escucha atenta y paciente, algo que potencia la inmersión en su clima melancólico, pero que también demanda compromiso por parte del oyente.
Las letras abordan temáticas existenciales y la paradoja de la felicidad, contrastando la búsqueda de bienestar con la dureza de la vida y el sufrimiento. Esto deja en claro que las líricas cargan con un peso emocional considerable, acompañado de manera efectiva por un sonido sólido, donde las bases cumplen su rol mientras las guitarras toman protagonismo cuando la composición lo requiere.
Sunken logra, sin reinventar la rueda, sumar nuevos matices a su identidad sonora y evolucionar de forma firme y consistente. Lykke no busca comodidad ni concesiones: es un disco que se sumerge de lleno en la tristeza y la introspección, y que recompensa a quienes estén dispuestos a entregarse a su atmósfera opresiva y melancólica. Un paso adelante para la banda dentro del black metal underground europeo.
Pelican, la banda de post-metal oriunda de Chicago, acaba de sacar a la venta su nuevo trabajo Ascending. Este nuevo EP cuenta tan solo con 4 canciones y llega en un momento significativo, ya que captura a la banda en un renovado vigor creativo. A pesar de ser un compilado de rarezas y material de sesiones grabadas durante la producción de Flickering Resonance (su último disco oficial), Ascending no se siente fragmentado ni como meros descartes de estudio; al contrario, hay una coherencia deliberada y cuidadosamente orquestada que transforma estas cuatro piezas en una declaración artística propia.
El track que abre y le da nombre al EP es una pieza compositiva única que demanda espacio para respirar, que necesita su propio momento, y en donde las guitarras alternan entre pasajes de sludge denso y melodías bien desarrolladas y cautivantes. La batería de Larry Herweg proporciona una base propulsiva pero nunca apresurada: cada golpe de tom resuena con intención.
TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: MØL – Dreamcrush (2026)
El bajo de Bryan Herweg, frecuentemente el elemento más subestimado en bandas instrumentales, acá tiene un protagonismo merecido. En lugar de simplemente seguir la guitarra rítmica, serpentea por debajo con una línea melódica propia, añadiendo una tercera capa armónica que enriquece la textura general sin saturarla y que, cuando se percibe, cambia la experiencia de toda la canción.
La canción “Cascading Crescent”, con la colaboración en la voz de Geoff Rickly de Thursday, se puede mencionar como un experimento bien logrado, ya que alterna entre voces melódicas apenas audibles y gritos desgarradores. Esa entrega emotiva podría parecer un desajuste fundamental con el enfoque medido y atmosférico de la banda y, sin embargo, contra todos los pronósticos, funciona bastante bien.
Uno de los aspectos más notables de Ascending es su producción. El sonido es limpio y claro, y cada instrumento ocupa su propio espacio en la mezcla: nada está enterrado ni sobresaturado. Hay suficiente textura para mantener el carácter orgánico de las grabaciones. Las guitarras tienen cuerpo y presencia, el bajo es audible y definido, y la batería conserva claridad sonora sin saturar, llevando el pulso de forma adecuada y dándole espacio a cada instrumento.
TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Hanabie – Hot Topic (2026)
Ascending no redefinirá el género, eso es seguro. Tampoco es el disco más original de Pelican si se lo compara con otras producciones de su catálogo, pero sí refina la comprensión de lo que la banda puede hacer y, por extensión, de lo que el post-metal instrumental aún tiene para ofrecer este año.
Hanabie vuelve a la carga en formato breve con Hot Topic, un EP que funciona como una descarga directa y sin rodeos dentro de su particular universo sonoro. Lejos de plantearlo como un simple relleno entre discos largos, el lanzamiento se siente pensado para el impacto inmediato: canciones cortas, dinámicas y diseñadas para convivir tanto en playlists como en el directo. Aquí no hay introducciones largas ni desarrollos innecesarios; todo entra rápido y con intención clara, reforzando esa identidad híbrida donde el metalcore moderno se cruza sin complejos con el J-Pop, la electrónica y el caos kawaii que define a la banda.
El arranque con “Iconic” marca el tono desde el primer segundo: riffs contundentes, bases electrónicas bien integradas y un juego vocal constante entre agresividad y melodía pop. Hanabie entiende perfectamente el lenguaje del metalcore actual, pero lo filtra a través de una estética propia que evita caer en fórmulas occidentales recicladas. La producción es limpia, potente y muy enfocada al golpe rítmico, algo que permite que los cambios bruscos de tempo y estilo no suenen forzados, sino naturales dentro de su ADN musical.
TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Hanabie en Barcelona: “Kawaii, Purpurina y Metal”
A medida que avanza el EP, temas como “Spicy Queen”, “トキメキ About You” y “Girl’s Talk” refuerzan ese carácter explosivo y adictivo que ha hecho crecer a la banda fuera de Japón. Aquí conviven breakdowns pesados con estribillos pegajosos, líneas casi rap y detalles electrónicos que rozan el synthpop sin diluir la pegada metalera. El uso del japonés no es un obstáculo, sino un elemento más que suma personalidad y convierte cada canción en algo reconocible al instante, incluso para oyentes que no entienden el idioma.
El cierre con “はなびえんちゃん。のテーマ” introduce un tono más desenfadado y casi lúdico, rompiendo cualquier expectativa de solemnidad y recordando que Hanabie también juega con el humor y la autoimagen sin perder identidad. Hot Topic se mueve así entre la agresión, la inmediatez pop y la actitud irreverente, consolidando una propuesta que sigue creciendo en visibilidad internacional y que demuestra que, incluso en formato EP, la banda sabe cómo dejar huella canción tras canción.
The Ruins of Beverast vuelve a escena con Tempelschlaf, nuevo lanzamiento a través de Van Records y una duración que ronda la hora repartida en siete cortes extensos. Detrás del proyecto sigue estando Alexander von Meilenwald, quien una vez más se encarga de dar forma a un disco de desarrollo pausado, atmósferas cargadas y una producción que encaja perfectamente con el carácter oscuro del material.
Si algo ha definido la trayectoria del proyecto es la falta de repetición entre discos. Desde Unlock the Shrine hasta Exuvia, cada etapa ha mostrado cambios claros en sonido y enfoque. Tempelschlaf se apoya en composiciones largas, con estructuras que se transforman constantemente y evitan la inmediatez, apostando más por la construcción progresiva de climas que por el impacto directo.
TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Ellende – Zerfall (2026)
El tema que da nombre al disco, “Tempelschlaf”, abre con un tono ritual y denso, alternando pasajes pesados con otros más contenidos. “Day of the Poacher” eleva el ritmo con guitarras más rápidas y un tratamiento vocal más agresivo, dejando ver una base de black metal más marcada. En “Cathedral of Bleeding Statues” el protagonismo recae en las melodías y las voces limpias, con un aire sombrío que se mueve entre lo gótico y lo feroz sin perder coherencia.
La parte central del álbum se vuelve más directa en lo instrumental. “Alpha Fluids” descarga riffs contundentes y una batería que empuja con fuerza, mientras las voces vuelven a jugar entre registros limpios y rasgados. “Babel, You Scarlet Queen!” mantiene un tono caótico y agresivo durante casi todo su recorrido, resultando uno de los cortes más fáciles de asimilar dentro del conjunto. “Last Theatre of the Sea” continúa esa línea, aunque su desarrollo se oscurece y baja la intensidad en su tramo final.
El cierre llega con “The Carrion Cocoon”, una pieza extensa que combina momentos introspectivos, voces habladas y acordes melancólicos con irrupciones más violentas bien dosificadas. Tempelschlaf se perfila como uno de los trabajos más accesibles de The Ruins of Beverast, manteniendo su complejidad habitual pero con una estructura que permite una escucha más fluida y continua.
Los alemanes de Aeon Gods están próximos a lanzar su nuevo larga duración bajo el nombre de Reborn To Light; editado a través de Scarlet Records verá la luz el 20 de febrero del 2026.
Luego del debut con King Of Gods, inspirado en leyendas de la antigua Babilonia, nos llega este nuevo álbum cuya historia se basa en el radiante y sombrío reino del antiguo Egipto.
La banda integrada por Alex ‘Sol’Ra-tu’ Hunzinger (voces), Anja ‘Su’en -Chel’ Hunzinger (teclados), Pat ʹUr’Athtarʹ Hesse y Robert ‘Abzu’Kean’ Altenbach (guitarras) y Elias ‘Iš’Taru’ Knorr (batería), nos traen un álbum potente, veloz, con interesantes sinfonías y ambientes cinematográficos para narrarnos antiguas leyendas egipcias.
A eso debemos sumar la presencia de algunas melodías orientales que colaboran para ambientar la historia que los teutones nos quieren contar.
El inicio se encuentra a cargo de uno de los sencillos que sirvieron a modo de adelanto de lo que vendrá: “Birth Of Light”, un tema de power metal clásico con melodías y coros épicos y la velocidad característica del género.
“Flames Of Ember Dawn” y “Feather Or Heart”, respectivamente, nos muestran a la banda bajando la velocidad en la primera parte del estribillo para luego subirla nuevamente y darle un tono claramente épico al coro y poniendo en evidencia, en la segunda de las canciones mencionada, el lado más rockero del grupo.
TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Tailgunner – Midnight Blitz (2026)
Las joyas compositivas de esta producción se encuentran a cargo de “Amduat” y “Re’s Dying Reign” y sus cuatro y tres partes respectivamente. Ambas composiciones no se entienden sin cada una de las canciones que la integran donde la banda recurre a la combinación de distintos elementos que le permiten crear diferentes atmosferas que te acompañan a lo largo de cada uno de los temas que dan vida a estas historias. Cada una de las partes se encuentra pensada en función de las restantes, lo que permite a la agrupación sumergirte en una tormenta de arena musical.
La primera de las composiciones mencionadas se encuentra formada por “Barque Of Millions (Amduat pt. I)” un comienzo casi a un medio tempo que con “The Sacred Union (Amduat pt. II)” vuelve a incrementar la velocidad con una melodía épica y un más que interesante blast beat; a su turno “Soldiers Of Re (Amduat pt. III)” se encuentra caso a mitad de camino entre las dos anteriores presentando unos riffs pesados y densos y un estribillo corto y melódico, para dar paso a “Reborn To Light (Amduat pt. IV)”, un gran cierre con un coro épico hecho para ser gritado a plena voz en vivo, velocidad y melodía.
Por su parte, “Rebellion (Re’s Dying Reign pt. I)”, “Blood And Sand (Re’s Dying Reign pt. II)” y “Blood And Sand (Re’s Dying Reign pt. II)” dan forma a esta trilogía. Con un inicio narrado y un tema pesado pero sin abusar de la velocidad, la banda nos introduce en esta nueva historia para luego bajar las revoluciones y generar la atmósfera necesaria para la explosión de power metal que representa la tercera parte: sin dudas las melodías más powermetaleras de todo el larga duración y un doble bombo que grita presente de principio a fin para hacer llegar a nuestros oídos un coro épico que seguramente será uno de los momentos destacados en las futuras presentaciones en vivo de los teutones. Desde el comienzo de la primera parte hasta el último acorde de la trilogía la presencia de melodías orientales nos permite ambientarnos en las arenas del alto y bajo Egipto.
La placa nos presenta todos los elementos propios del genero colocados acertadamente en el lugar que permite potenciarlos y ofrecer a los oyentes un disco de power metal que no decepciona ni aburre. Ninguno de dichos elementos se encuentra sobreexplotado, sino que son usados en su justa medida para beneficio de las composiciones.
El nuevo disco de Sylosis supone otro paso firme en la evolución reciente de los británicos. Tras el notable A Sign of Things to Come (2023), la banda vuelve a apretar los dientes con: The New Flesh, un trabajo donde recuperan agresividad sin perder el pulso melódico que siempre ha marcado su identidad. Lejos quedan ya los días de Conclusion of an Age o Dormant Heart, pero su esencia sigue ahí, ahora reforzada por una producción más contundente bajo el respaldo de Nuclear Blast Records.
Desde el arranque con “Beneath the Surface” queda claro que el grupo apuesta por riffs más densos y un enfoque más groove, sin abandonar su base metalcore. Hay más peso en las guitarras, más intención en cada breakdown y un equilibrio mejor medido entre melodía y violencia. La sombra del thrash clásico aparece en varios pasajes, con ese regusto afilado que inevitablemente recuerda a Slayer, pero siempre filtrado por el sello propio de la banda.
TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Sylosis en Copenhague: “Cuando la expectativa se vuelve violencia”
En temas como “Spared from the Guillotine” o “Circle of Swords” la maquinaria rítmica brilla con especial intensidad. La batería de Ali Richardson golpea con precisión quirúrgica, mientras que las guitarras construyen muros de sonido compactos y directos al cuello. “Erased” y “Lacerations” recuperan ese equilibrio entre técnica y pegada que tan bien dominan, mientras que “Mirror Mirror” introduce pequeños matices atmosféricos que amplían el espectro sin suavizar el conjunto.
A nivel vocal, Josh Middleton suena más agresivo, más rasgado y convincente, reforzando el tono oscuro del álbum. Incluso cuando bajan ligeramente la intensidad, como en “Everywhere at Once”, la tensión nunca desaparece. The New Flesh es un disco compacto, directo y sin relleno, donde Sylosis demuestra que puede sonar más feroz sin renunciar a su ADN.
A estas alturas de la película creo no ser el único que piensa que de no existir una banda como Converge, habría que inventarla, ya que su manera de expresarse, de transmitir emociones e incluso de hacerte pensar con cada disco que publican es digno de admiración y al alcance de unos pocos.
Esta breve pero más que sincera introducción se debe a que con su undécimo trabajo de estudio, la banda de Salem (Massachusetts), lo ha vuelto a hacer, ha vuelto a entregar una obra exquisita, llena de matices y misterios a descubrir en cada escucha y donde el dolor y la rabia que sale de la garganta del señor Jacob Bannon, sirve al oyente como una suerte de catarsis abrumadora, pero con unos resultados más que satisfactorios.
Recordemos también que la banda regresa tras un lustro desde su álbum en conjunto con Chelsea Wolfe, donde exploraron otros terrenos, intercambiando ideas con la cantante californiana y donde el resultado fue más que interesante, intenso, hermoso, brutal y honesto, pero que también adolecía de cierto “ADN” propio de Converge en algunas partes del mismo.
TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Ov Sulfur – Endless (2026)
Ahora, la banda vuelve a lo que son, un conjunto de mentes inquietas, llenas de preguntas sin respuestas fáciles y con mucho que analizar y transmitir a su público.
Si dejamos un poco el romanticismo y la fascinación, lo que podemos entender con estas diez piezas, es que Converge son una banda que no tiene techo y que siempre va a encontrar un giro para seguir mejorando su discografía y este nuevo trabajo es la penúltima adición a la misma.
Y porque sucede esto?, simple y llanamente porque las canciones aquí entregadas están al mismo nivel que todo lo que los norteamericanos han publicado a lo largo de su carrera, quizás no sea un disco histórico como Jane Doe o menos frenético que Axe to Fall, pero igual de interesante que ambos trabajos y eso ya dice muchísimo en favor de estos muchachos.
Pongamos algunos ejemplos para ilustrar el disco, ahí tenemos la acelerada “To Feel Something”, con ese ritmo abrasador y cargado de energía que se contrapone a “Amon Amak”, igual de feroz, pero mucho más densa y llena de fango, acercándose al sonido más propio del sludge y donde dejas salir tus demonios en cada grito que Jacob escupe por el micrófono y que tiene en “Gilded Cage”, una suerte de puente tenebroso con tintes post metaleros, que es una absoluta delicia para el oyente.
Entonces, volvamos al principio, con este nuevo disco Converge no solamente vuelven a dar en la diana, si no que además, siguen haciendo de la desolación, el dolor y la angustia, una suerte de arte hecho música.
Si querés entender el estado mental de Maynard James Keenan en Normal Isn’t, no hace falta leer entrevistas enteras ni ponerse a analizar letras con lupa: alcanza con mirar el personaje en el que parece reflejarse. El disco se apoya en una figura mucho más incendiaria y al borde del colapso, cercana a William Foster, el protagonista de Un día de furia. Un tipo empujado al límite por la fealdad cotidiana, la estupidez normalizada y la violencia estructural del mundo moderno. Esa tensión permanente atraviesa todo el álbum.
Normal Isn’t llega cinco años después de Existential Reckoning, aquel disco atravesado por la pandemia, donde todavía había espacio para pensar en comunidad, empatía y reconstrucción. Hoy el panorama es más áspero. El mundo no se calmó: se radicalizó. Polarización política, cinismo global, guerras asomando, tecnología avanzando sin ética, redes sociales embruteciendo y una sensación constante de que todo está fuera de eje. Este disco no grita eso: lo respira.
Musicalmente, Puscifer sigue siendo ese terreno donde Maynard James Keenan juega sin red. Electrónica oscura, groove pesado, guitarras secas, climas post-punk y una base rítmica que no busca lucirse sino hipnotizar. El trío Maynard James Keenan, Carina Round y Mat Mitchell está más afilado que nunca, funcionando como un organismo único. Acá no hay canciones hechas para el algoritmo; hay ideas que se desarrollan con paciencia, tensión y repetición.
TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Soen – Reliance (2026)
A diferencia de Existential Reckoning, Normal Isn’t es más sutil, pero también más oscuro. Hay momentos sorprendentemente pegadizos, como “Bad Wolf” e “ImpetoUs”, que funcionan casi como trampas melódicas dentro de un disco denso. También aparece el humor ácido de siempre, como en “Mantastic”, donde se ríen de las contradicciones ridículas de la masculinidad moderna. Pero, en general, el tono es serio, porque el contexto no da para chistes largos.
Uno de los puntos más fuertes del disco es “The Quiet Parts”, una canción hermosa y peligrosa a la vez. No levanta la voz, no acusa directamente, pero señala algo fundamental: el problema no siempre son los villanos evidentes, sino nuestra pasividad frente a ellos. Escucharla hoy, con discursos deshumanizantes cada vez más normalizados, pega distinto.
El cierre con “The Algorithm” apunta directo al corazón del presente: redes sociales, distracción constante, indignación programada y la sensación de que estamos siendo idiotizados justo cuando más falta haría actuar. No desde el enojo adolescente, sino desde un cansancio lúcido.
TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Pelican – Ascending (2026)
Si el disco tiene un mensaje general, no es apocalíptico, aunque lo parezca. Puscifer recuerda que la civilización humana siempre fue un péndulo: extremos que van y vienen, épocas de luz y de sombra. La clave está en no naturalizar el odio, no dejar que la brutalidad se vuelva cotidiana. Aguantar. Resistir. Elegir conscientemente no convertirse en aquello que uno critica.
Normal Isn’t no es un disco fácil ni inmediato. No busca likes ni catarsis rápida. Es denso, coherente, incómodo y profundamente honesto. No reinventa el universo de Puscifer, pero lo oscurece, lo profundiza y lo vuelve más urgente.
La verdadera fortaleza de Puscifer y de Maynard James Keenan en particular (que es lo que aprecio de corazón de este artista y amo) está en su capacidad para tomar temas profundamente incómodos y críticos, digerirlos sin simplificarlos ni suavizarlos, y transformarlos en música que no baja línea, pero sí pega directo en el alma. Normal Isn’t no busca consolar ni dar respuestas: expone, incomoda y resuena. Y, en ese proceso, logra algo mucho más difícil que la denuncia o el enojo: convertir el caos del mundo en una experiencia artística honesta, intensa y humana, que se siente tanto en la cabeza como en el cuerpo.
Los alemanes de Wolfchant editarán el próximo 13 de febrero su noveno álbum de estudio, Echoes of a Time Once Past. Este es su segundo trabajo luego de su regreso en 2019. Recordemos que la banda se separó en 2018 y que en 2019 volvió con nuevos integrantes, aunque recién editó nuevo material en 2024.
En este nuevo disco se percibe una combinación muy acertada entre folk y power metal, con pasajes más extremos cercanos al death metal melódico o al black metal. Todo esto se construye a base de melodías vocales muy épicas, acompañadas por guitarras igual de heroicas. Aunque por momentos estas toman una posición más agresiva, es allí donde las voces guturales entran en escena.
Las canciones van surfeando entre estos elementos, pero rara vez se encuentran superpuestos. Es decir, cuando la canción se vuelve extrema, todos los componentes lo hacen. No hay una fusión simultánea entre estas dos facetas.
TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Rites of the Blood Moon invoca una noche de metal pagano en Dinamarca
Por supuesto, los instrumentos folklóricos están presentes, aportando color a las composiciones y reforzando ese espíritu de guerra medieval que la banda busca transmitir. La batería mantiene un nivel de intensidad muy alto durante todo el disco, aunque siempre sabe cómo adaptarse a cada parte de la canción. De esta forma aparecen momentos de blast beats, ritmos más cercanos al power metal y otros donde acompaña la épica general del álbum.
Las canciones resultan llevaderas y transitan bien todos sus pasajes, pero en varias ocasiones los finales no se sienten del todo trabajados, ya que varias composiciones terminan de forma abrupta o mediante un efecto de fade out.
Uno de los puntos que no funciona es el sonido. El mismo resulta demasiado agudo, con los graves apoyándose casi exclusivamente en la batería. Las guitarras suenan blandas y faltas de cuerpo, lo que además provoca que queden tapadas por las orquestaciones y otros elementos de la música. El bajo prácticamente no tiene presencia; de hecho, por momentos parece inexistente.
Echoes of a Time Once Past es un trabajo muy llevadero para quienes disfrutan de la música épica que transita entre varios géneros, pero sus problemas de sonido le restan varios puntos al resultado final.
En las pesadas noches del verano del hemisferio sur, nadie se encuentra lo suficientemente relajado para una escucha emocional o introspectiva. Lo único que queremos es un buen disco de heavy metal, una bebida bien fría y dejar el cerebro estimularse con los mejores solos de guitarra.
Bueno, no es mi caso (ja). En mi papel de crítico, mi principal responsabilidad es la de comunicarles de la manera más transparente posible, las sensaciones que un disco me deja para que ustedes acepten, o no, la invitación a escucharlos.
Tailgunner es una banda relativamente nueva, que tiene sus orígenes apenas un par de años antes de la pandemia, pero que se presenta como banda oficialmente desde 2022. Con un disco ya en su haber, que pasó sin pena ni gloria, vuelven a la carga, ahora bajo el sello Napalm Records (gran salto). A pesar de mi rol, anteriormente comentado, se me antoja escuchar lo nuevo de esta banda, Midnight Blitz, por el simple hecho de sus evidentes influencias de lo mejor del heavy metal británico (si, el de la nwobhm).
El disco salió… ¿Hoy? Si, hoy 6 de febrero, pero me hice del suficiente espacio durante mis horas de trabajo para darle por lo menos 4 pasadas. Si su material anterior dejo sabor a poco y nada, me atrevo a decir que con Midnight Blitz se reivindicaron de una manera categórica.
Categórico es también su comienzo con la pieza de nombre homónimo al álbum, que entre sirenas de defensa aérea y sintetizadores abre paso a la voz de Craig Cairns para evocar temas típicos de las guerras en el aire, que se repetirán en piezas como “War In Heaven” y “Blood Sacrifice”. Especial mención para la primera, que tiene una intro al fiel estilo new age 80s (reinvindicado por la serie televisiva Stranger Things y que ya muchas bandas se encargaron de volver a sobre explotar) pero que luego y rápidamente se convierte en una power balada que pareciera cantada por el mismísimo Timo Kotipelto de Stratovarius.
TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Twisted Sister anuncia la cancelación completa de su próxima gira europea
“Tears In Rain” es de mi favoritas, por ese estribillo tan ganchero, un punto alto del disco sin duda alguna. Después te podés encontrar algunas piezas con un tonó más análogo al power metal, como “Follow Me In Death”.
Otro punto alto de este material es “Dead Until The Dark” que da un giro de 180 grados en cuanto a melodía refiere, por un excelente puente muy bien colocado antes del estribillo.
El resto de las canciones es tarea para el hogar…pero algo les prometo, no se van a decepcionar en lo absoluto.
Tailgunner se pone realmente serio con Midnight Blitz. Lleva la producción a otro nivel, con un mejor sello, con un mejor masterizado y bajo el mando del gran KK Downing. La banda se ve completa además de Craig, por Bones en bajo, Zach Salvini y Rhea Thompson en guitarras y Eddie Mariotti en percusión.
No pretenden reinventar la rueda como ellos mismos aseguran, tampoco apelar a la nostalgia como muchas otras bandas lo intentaron y lo intentan. Simplemente nos dan una obra que conmemora lo mejor de los tempranos 80s en Gran Bretaña, con las influencias de Maiden, Judas y quien sabe cuántas leyendas más. Analizo este material con la mera finalidad de saber cuan recomendable pueda llegar a ser y sin duda el resultado es más que contundente. Hacía mucho que no tenía tanta seguridad para recomendar un disco y Tailgunner con Midnight Blitz rompe el hielo.
Desde las frías tierras de Aarhus, al norte de Dinamarca, Sunken pisó fuerte dentro del underground danés. Esto se debe tanto a discos muy bien valorados, como Livslede (2020), como a sus intensas presentaciones en vivo, que llevaban al extremo el clima de introspección presente en sus álbumes. Por este motivo, el esperado nuevo trabajo Lykke llegaba con varias misiones por cumplir: demostrar una evolución musical y, al mismo tiempo, ampliar el alcance de la banda dentro del circuito del black metal europeo. Algo que se vio reflejado en un extenso tour por el norte de Europa.
En lo musical, este disco encuentra la forma de no repetirse. A su base de black metal atmosférico le suman elementos del depressive black metal, visibles sobre todo en el tratamiento vocal. Las voces pasan de los gritos agudos clásicos a registros más intensos, cercanos al lamento. Las atmósferas, por su parte, se sienten más densas y tristes. Si bien las guitarras etéreas y fantasmales características del proyecto siguen presentes, estas alternan entre riffs más pesados y otros más sensibles, aportando dinamismo sin perder cohesión.
TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Ellende en Copenhague: “Atmósferas que ahogan y emocionan”
Las canciones son extensas y en todas aparece al menos un interludio que funciona como respiro entre tanta intensidad. Estos pasajes están adornados con instrumentos de cuerda, teclados y guitarras acústicas, aportando variedad y reforzando el costado creativo del álbum sin romper su coherencia. Al mismo tiempo, la duración prolongada de los temas exige una escucha atenta y paciente, algo que potencia la inmersión en su clima melancólico, pero que también demanda compromiso por parte del oyente.
Las letras abordan temáticas existenciales y la paradoja de la felicidad, contrastando la búsqueda de bienestar con la dureza de la vida y el sufrimiento. Esto deja en claro que las líricas cargan con un peso emocional considerable, acompañado de manera efectiva por un sonido sólido, donde las bases cumplen su rol mientras las guitarras toman protagonismo cuando la composición lo requiere.
Sunken logra, sin reinventar la rueda, sumar nuevos matices a su identidad sonora y evolucionar de forma firme y consistente. Lykke no busca comodidad ni concesiones: es un disco que se sumerge de lleno en la tristeza y la introspección, y que recompensa a quienes estén dispuestos a entregarse a su atmósfera opresiva y melancólica. Un paso adelante para la banda dentro del black metal underground europeo.
Pelican, la banda de post-metal oriunda de Chicago, acaba de sacar a la venta su nuevo trabajo Ascending. Este nuevo EP cuenta tan solo con 4 canciones y llega en un momento significativo, ya que captura a la banda en un renovado vigor creativo. A pesar de ser un compilado de rarezas y material de sesiones grabadas durante la producción de Flickering Resonance (su último disco oficial), Ascending no se siente fragmentado ni como meros descartes de estudio; al contrario, hay una coherencia deliberada y cuidadosamente orquestada que transforma estas cuatro piezas en una declaración artística propia.
El track que abre y le da nombre al EP es una pieza compositiva única que demanda espacio para respirar, que necesita su propio momento, y en donde las guitarras alternan entre pasajes de sludge denso y melodías bien desarrolladas y cautivantes. La batería de Larry Herweg proporciona una base propulsiva pero nunca apresurada: cada golpe de tom resuena con intención.
TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: MØL – Dreamcrush (2026)
El bajo de Bryan Herweg, frecuentemente el elemento más subestimado en bandas instrumentales, acá tiene un protagonismo merecido. En lugar de simplemente seguir la guitarra rítmica, serpentea por debajo con una línea melódica propia, añadiendo una tercera capa armónica que enriquece la textura general sin saturarla y que, cuando se percibe, cambia la experiencia de toda la canción.
La canción “Cascading Crescent”, con la colaboración en la voz de Geoff Rickly de Thursday, se puede mencionar como un experimento bien logrado, ya que alterna entre voces melódicas apenas audibles y gritos desgarradores. Esa entrega emotiva podría parecer un desajuste fundamental con el enfoque medido y atmosférico de la banda y, sin embargo, contra todos los pronósticos, funciona bastante bien.
Uno de los aspectos más notables de Ascending es su producción. El sonido es limpio y claro, y cada instrumento ocupa su propio espacio en la mezcla: nada está enterrado ni sobresaturado. Hay suficiente textura para mantener el carácter orgánico de las grabaciones. Las guitarras tienen cuerpo y presencia, el bajo es audible y definido, y la batería conserva claridad sonora sin saturar, llevando el pulso de forma adecuada y dándole espacio a cada instrumento.
TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Hanabie – Hot Topic (2026)
Ascending no redefinirá el género, eso es seguro. Tampoco es el disco más original de Pelican si se lo compara con otras producciones de su catálogo, pero sí refina la comprensión de lo que la banda puede hacer y, por extensión, de lo que el post-metal instrumental aún tiene para ofrecer este año.
Hanabie vuelve a la carga en formato breve con Hot Topic, un EP que funciona como una descarga directa y sin rodeos dentro de su particular universo sonoro. Lejos de plantearlo como un simple relleno entre discos largos, el lanzamiento se siente pensado para el impacto inmediato: canciones cortas, dinámicas y diseñadas para convivir tanto en playlists como en el directo. Aquí no hay introducciones largas ni desarrollos innecesarios; todo entra rápido y con intención clara, reforzando esa identidad híbrida donde el metalcore moderno se cruza sin complejos con el J-Pop, la electrónica y el caos kawaii que define a la banda.
El arranque con “Iconic” marca el tono desde el primer segundo: riffs contundentes, bases electrónicas bien integradas y un juego vocal constante entre agresividad y melodía pop. Hanabie entiende perfectamente el lenguaje del metalcore actual, pero lo filtra a través de una estética propia que evita caer en fórmulas occidentales recicladas. La producción es limpia, potente y muy enfocada al golpe rítmico, algo que permite que los cambios bruscos de tempo y estilo no suenen forzados, sino naturales dentro de su ADN musical.
TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Hanabie en Barcelona: “Kawaii, Purpurina y Metal”
A medida que avanza el EP, temas como “Spicy Queen”, “トキメキ About You” y “Girl’s Talk” refuerzan ese carácter explosivo y adictivo que ha hecho crecer a la banda fuera de Japón. Aquí conviven breakdowns pesados con estribillos pegajosos, líneas casi rap y detalles electrónicos que rozan el synthpop sin diluir la pegada metalera. El uso del japonés no es un obstáculo, sino un elemento más que suma personalidad y convierte cada canción en algo reconocible al instante, incluso para oyentes que no entienden el idioma.
El cierre con “はなびえんちゃん。のテーマ” introduce un tono más desenfadado y casi lúdico, rompiendo cualquier expectativa de solemnidad y recordando que Hanabie también juega con el humor y la autoimagen sin perder identidad. Hot Topic se mueve así entre la agresión, la inmediatez pop y la actitud irreverente, consolidando una propuesta que sigue creciendo en visibilidad internacional y que demuestra que, incluso en formato EP, la banda sabe cómo dejar huella canción tras canción.
The Ruins of Beverast vuelve a escena con Tempelschlaf, nuevo lanzamiento a través de Van Records y una duración que ronda la hora repartida en siete cortes extensos. Detrás del proyecto sigue estando Alexander von Meilenwald, quien una vez más se encarga de dar forma a un disco de desarrollo pausado, atmósferas cargadas y una producción que encaja perfectamente con el carácter oscuro del material.
Si algo ha definido la trayectoria del proyecto es la falta de repetición entre discos. Desde Unlock the Shrine hasta Exuvia, cada etapa ha mostrado cambios claros en sonido y enfoque. Tempelschlaf se apoya en composiciones largas, con estructuras que se transforman constantemente y evitan la inmediatez, apostando más por la construcción progresiva de climas que por el impacto directo.
TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Ellende – Zerfall (2026)
El tema que da nombre al disco, “Tempelschlaf”, abre con un tono ritual y denso, alternando pasajes pesados con otros más contenidos. “Day of the Poacher” eleva el ritmo con guitarras más rápidas y un tratamiento vocal más agresivo, dejando ver una base de black metal más marcada. En “Cathedral of Bleeding Statues” el protagonismo recae en las melodías y las voces limpias, con un aire sombrío que se mueve entre lo gótico y lo feroz sin perder coherencia.
La parte central del álbum se vuelve más directa en lo instrumental. “Alpha Fluids” descarga riffs contundentes y una batería que empuja con fuerza, mientras las voces vuelven a jugar entre registros limpios y rasgados. “Babel, You Scarlet Queen!” mantiene un tono caótico y agresivo durante casi todo su recorrido, resultando uno de los cortes más fáciles de asimilar dentro del conjunto. “Last Theatre of the Sea” continúa esa línea, aunque su desarrollo se oscurece y baja la intensidad en su tramo final.
El cierre llega con “The Carrion Cocoon”, una pieza extensa que combina momentos introspectivos, voces habladas y acordes melancólicos con irrupciones más violentas bien dosificadas. Tempelschlaf se perfila como uno de los trabajos más accesibles de The Ruins of Beverast, manteniendo su complejidad habitual pero con una estructura que permite una escucha más fluida y continua.
