Pocas bandas como Crashdiet saben lo que es la resiliencia en el mundo del rock y el metal. Pocos también conocen mucho más allá del nombre. La banda, comandada hoy en día solo por Martin Sweet, acaba de lanzar su séptimo albúm (si no me fallan las cuentas) titulado Art Of Chaos bajo el sello NineTone Records.

Una banda que de alguna manera supo estar en la “cresta de la ola” allá por finales de la primer década del nuevo milenio, dando aires renovados a la escena del sleaze metal que supo ser grandiosa en los 80s.

Al margen de la excelencia musical y la identidad propia que encontraron dentro del género, Crashdiet es una agrupación que ha sido atravesada por innumerables cambios de músicos. Podemos nombrar al fallecido Dave Leppard, miembro fundador y mente originaria de este proyecto como primer vocalista, luego sustituido por el extrovertido Olli Hermann. Simon Cruz que fuera parte del tercer y cuarto álbum (a mi parecer, la mejor época de la banda) y que se fue repentinamente para algunos años después dar lugar a Gabriel, el último vocalista que le conocimos.

Parecieran tener una gran colección de solo cantantes, pero al día de hoy la banda solo se encuentra tocando con Martin como miembro original. Si, la salida de Peter London (temporal hasta donde sabemos) en el bajo y Eric Young en batería, le dieron directamente espacio a una nueva formación, una nueva banda, con Michael (hermano de Martin) en batería, Chris Young en bajo y como vocalista el virtuoso John Elliot de Confess.

El disco fue promocionado por algunos singles, que de entrada no me resultaron del todo de mi agrado, o no al menos a la altura de las grandes composiciones de Crashdiet: “Satizfaction”, “Loveblind”, “Sick Enough For Me” y “Chaos Magnetic”. De todas maneras, me anticipaba a mi mismo, que como muchas bandas hacen actualmente, quizás eran estas las piezas menos convincentes del disco.

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Lejos de parecerme malas canciones, los 4 singles promocionales se pueden disfrutar como muy buenas piezas, pero todos aquellos conocemos a esta banda, sabemos que están para mucho más.

La canción que me cautivó por completo y me hace creer que finalmente tenía razón, es “Can Of Worms”. Un segmento narrado por una persona que se confiesa sobre toda la oscuridad que tiene por dentro, con un estribillo demasiado ganchero, pasivo y oscuro al mismo tiempo y hasta coros de niños. Aquí está el punto cúspide de Art Of Chaos, sin duda alguna.

Bueno, no es que me quede fascinado por un solo tema. El disco se completa con todas muy buenas piezas. Algunas un poco mas sobresalientes que otras. “Get Out” excelente, pero no compite contra “Killing It Now”, “Quitter” y “Silent Planet”.

El cierre a cargo de “Edge Of A Knife” está muy bien logrado, para redondear un disco que termina mucho mejor de lo que comienza.

La producción es símil a lo que ya se conoce de sus trabajos anteriores. La voz de Elliot es un gran acierto, un poco más cercana al heavy metal que la de su antecesor.

Seguramente no volvamos a escuchar al Crashdiet de Rest In Sleaze (2005) y Generation Wild (2009) pero con Art Of Chaos quizás Martin y Peter puedan refundar las bases de la banda que supieron ser, con las ideas frescas y acompañados de un gran cantante virtuoso como lo es John Elliot.

Una impresionante portada del artista Agostino Arrivabene nos da la bienvenida al octavo disco de la banda sueca Draconian: In Somnolent Ruin. Un título potente que nos sugiere grandeza y decadencia, delicadeza y exceso. 

Esta combinación es plenamente acorde con sus voces, que conjugan la limpia y femenina de Lisa Johansson, con los guturales profundos y masculinos de Anders Jacobsson. Una perfecta sincronía entre Bella y Bestia, capaz de transportarnos a los más oscuros parajes del sueño.

La concepción platónica del alma así como el tema de la muerte, los elementos naturales y la imaginería mitológica y religiosa pueblan un conjunto de nueve canciones, casi todas cercanas a los siete minutos. Los títulos son muy sugerentes y evocadores y juegan con la sinestesia y la contraposición de elementos encontrados. De entre ellas destacaría especialmente tanto la primera “I Welcome Thy Arrow” como la última, especialmente bella, “Lethe”.

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Un elegante Doom Metal, con trazas de Death Metal Melódico, muy atmosférico, envolvente, que va creciendo en oleadas hasta elevarse en ecos de catedral. El papel de los teclados es sutil pero protagónico, especialmente en la introducción de varios de los temas. Johan Ericson se erige como principal compositor y arreglista y hace un enorme trabajo trazando el camino de las canciones, dibujando su contorno con el piano, para luego dejar paso generosamente a los riffs y solos de guitarra, a cargo del mismo músico y de su compañero Niklas Nord.

Las narraciones de Simon Bibby (My Silent Wake) le aportan un toque cinematográfico. También cuentan con la colaboración del también sueco Daniel Änghede en la canción “Anima”.

La banda, fundada en 1994 originalmente como Kerberos, se ha asentado como uno de los exponentes clásicos y más duraderos de la escena doom/death de tonos más góticos y nos tiene acostumbrados a álbumes técnicamente impecables, muy espaciados en el tiempo. Lo que aporta In Somnolent Ruin, es una versión aún más depurada de la misma fórmula tras asentarse los últimos cambios de miembros en su formación. 

Se encuentran actualmente inmersos en una extensa gira que incluirá fechas en Latinoamérica, Europa, Japón y Turquía. Podremos verles en España a su paso por Dark Echoes Fest en Madrid el 25 de septiembre de 2026.

Metalmorphosis es el título que Masterplan ha puesto a su nuevo disco de estudio, luego de 13 años desde su anterior lanzamiento, el que verá la luz el próximo 26 de junio de 2026 a través de Frontiers Music. El líder de la banda Roland Grapow ha dicho al respecto que la nueva producción hace “un giro hacia un sonido más directo y contundente, reduciendo los elementos progresivos y evitando un enfoque demasiado melódico o comercial”.

La actual formación de Masterplan, compuesta por Roland Grapow (guitarras), Rick Altzi (voces), Axel Mackenrott (teclados), Jari Kainulainen (bajo) and Kevin Kott (batería), brinda a sus fanáticos un producto mejorado con respecto a su antecesor, tanto a nivel sonido como a nivel compositivo. Un disco efectivamente directo y con estribillos melódicos y gancheros.

La nueva obra de Masterplan pareciera querer volver al espíritu de los dos primeros discos de la banda. Si bien por momentos lo logran, no llegan a alcanzar la majestuosidad de esos primeros lanzamientos, aunque si se nota que la banda logra transitar, por momentos, el camino que Grapow señala.

El primer adelanto del álbum presenta una particularidad: data del año 2024 y es el tema que cierra lo que será el sexto lanzamiento de la banda. Un tema con fuerza y un riff que te atrapa desde el arranque.

La placa comienza con otro de los sencillos “Chase the light” donde en momentos de la canción aparece la voz de Graspow. Luego de un comienzo épico nos encontramos con una canción melódica y con un estribillo ganchero.

La segunda pieza de la producción, “Electric nights”, es una de las mejores canciones de la nueva obra de Masterplan. Una canción con un inicio duro y directo que se torna en melódica y power, cercana a las raíces de la banda.

En “Shadow man”, bajan un poco la velocidad para ofrecer un riff más cadencioso a lo largo de toda la canción que solo es interrumpido en la parte del solo.

Uno de los puntos altos del álbum está dado por “Bound to fall” una de las canciones que recuerda al MASTERPLAN de los primeros álbumes con un estribillo destacable.

Luego nos encontramos con “Pain of yesterday”, donde se notan influencias de la música oriental, y “Ghostlight”, un tema que no aporta demasiado al álbum.

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El tema que da nombre a la placa presenta una de las mejores partes instrumentales de este nuevo lanzamiento y las guitarras rememoran los primeros discos. No puede dejar de notarse un aire compositivo a discos de otras bandas donde Grapow ha sido participe (“The Time of the Oath”).

El tercer y último sencillo adelanto es “Through the storm”. Sin duda una de las mejores composiciones de la placa. La más cercana al power metal de vieja escuela, con un aire a anteriores bandas de los integrantes, melódica y rápida. La actuación de Altzi escapa un poco a lo que nos muestra durante todo el álbum.

Finalmente, “The call”, el tema más largo del disco, presenta un estribillo y partes instrumentales más que interesantes, contando con la participación vocal de Grapow en varias partes de la canción.

La banda parece mostrar destellos de sus mejores épocas en aquellos temas que suenan cercanos a un power metal rápido y melódico.

Debemos señalar que la voz del cantante le quita fuerza a las composiciones: es monocorde, monótona, suena parecida en la gran mayoría de los temas.

La sensación que nos deja este álbum es dudosa: no queda claro si se trata de un intento de retornar a la época dorada de la banda; o es una declaración de querer ser algo distinto como pareciera indicar el título escogido. Sea una u otra la conclusión es clara: sentimos que se queda a mitad de camino en cualquiera de las dos direcciones.

Si echamos la vista atrás y recordamos la breve euforia que se vivió en la llamada “Escena Warped“, la década pasada e incluso tres lustros atrás, podremos afirmar que dentro del llamado “SadBoi Pop Punk“, corriente donde destacaron bandas como As It Is, Neck Deep, Real Friends, Trash Boat, Citizen o Trophy Eyes, entre otros, que se llevo su momento de gloria conectando con esta escena y su público, hablamos por supuesto de American Football.

Formados en 1997 y con una primera etapa que duró hasta el año 2000, donde se convirtieron en un grupo de culto para muchos de los que estábamos creciendo escuchando el punk, el rock alternativo y el emo, junto a compañeros como Chamberlain, Saves The Day, The Get Up Kids o Texas is the Reason, entre otros, para luego en 2014 regresar de manera triunfal y certificar dicho regreso con un fantástico segundo disco homónimo, muy bien recibido tanto por el público como por la prensa especializada.

Ahora seis años después de su tercer disco, la banda vuelve con LP 4, si nunca fueron unos ases en cuanto a los títulos de sus álbumes, pero poco importa cuando la calidad musical aquí plasmada, es simplemente magnífica.

El disco ya comienza con el pie derecho, gracias a “Man Overboard” (que no chicos, no es un cover del hit popularizado por Blink 182), donde la producción es cruda, desprolija, intensa y te sumerge de lleno en el universo del disco, porque lo que siempre han tenido American Football es la capacidad de hacer de la desprolijidad y la imperfeccón, algo hermoso y único.

Vale, si “No Feeling”, tiene el gancho de contar con Brendan Yates, vocalista de Turnstile como invitado, pero lejos de sonar a triquiñuela comercial, es de recibo que este chico este, ya que aporta su color de voz y junto a Mike Kinsella, crean una atmósfera muy especial juntos y que ya quisieran para si mismos bandas como Death Cab For Cutie, en sus años dorados.

Pero por si queda alguna duda de que este disco puede ser para las grandes masas, ahí tenemos los 8 minutos y trece segundos de “Bad Moons”, donde lo único que hay que hacer es cerrar los ojos, respirar hondo y dejarse llevar por el sonido de AF, donde la tristeza y la belleza sonora se dan la mano, sin perder en ningún momento el hilo conductor del álbum y lo que este representa.

Es un tema triste y hermoso a la vez, con unas armonías muy bien planteadas y cierto toque de pesadez, pero repito, todo hecho de forma honesta y que te llega al instante.

“Blood On My Blood”, es otro ejemplo de lo que el disco quiere transmitir, con Mike interpretando muy bien la letra y transmitiendo esa melancolía propia del género que te hace imaginarte en un muelle en plena tarde de otoño con el sol que te da ese calor que las templadas temperaturas suelen presentar en esa época del año y ves de fondo tanto el río como las fábricas en la lejanía.

La vulnerabilidad y la ausencia de “Artefactos” sonoros, hacen de American Football, una banda especial, de esas con las cuales si llegas a conectar, lo harás por siempre, esperándoles lo que haga falta, porque sabes que su música te hace bien al alma.

El interludio “Lullabye”, es una caricia para esa herida que no termina de cerrarse y oxigena al disco, con una paz intranquila, pero necesaria, antes de despedir al mismo con “No Soul to Serve”, un corte que sigue la línea planteada a lo largo del álbum y que tiene esos aires de indie rock emo, que tanto nos influencio a muchos y quizás no por ser nuestro género favorito, pero si como una clara vía de escape, lejos del ruido y la toxicidad que nos rodea.

Una vez más y siendo justos, American Football ha vuelto a entregar uno de esos discos que no solamente hay que escuchar si o si durante este año y seguramente los venideros hasta que tengamos el siguiente de la banda, si no uno de esos discos, que te hace reflexionar, sonreír, llorar, emocionar y sobre todo…volver a escuchar en cualquier estado de ánimo que estés atravesando.

Si hablamos de metal extremo, todos estaremos de acuerdo en que una de las piedras angulares para entender el género y en como se desarrolló en estos últimos 40 o 50 años, es sin duda Venom, la oscura y peligrosa agrupación inglesa formada en 1979 y que hoy componen Cronos, su líder al bajo y la voz, Rage a la guitarra y La Dante en los parches.

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Tras casi ocho años sin publicar material nuevo, la banda vuelve a la carga con Into Oblivion, su decimosexto álbum, donde vuelven a evidenciar que en lo suyo, no tienen apenas rivales y siguen sonando especiales y diferentes al resto de la media.

Ya desde el inicio con el tema que da título al disco, la banda deja claro que no intenta replicar el pasado, pero si mirar al futuro con la cabeza alta y regalándonos lo mejor de si mismos en estos tiempos actuales, donde no es fácil triunfar con nuevos trabajos y más cuando tu pasado es tan glorioso como el de estos tipos.

Es clave también que hayan podido mantener el nivel de “Suciedad” en la producción, pero con la calidad que esta banda merece ya que suena pesado, veloz, orgánico, pero muy agresivo y frenético, con guiños al speed, el black primerizo, la NWOBHM y ciertas pinceladas de punk callejero.

Así pues cortes como “Lay Down Your Soul”, puede gustar tanto a un fan de Slayer como de Mötorhead, mientras que en la lejanía de “Nevermore” asoman retales de la primera época de la NWOBHM.

Por otro lado, muestran su cara más “Accesible”, en temas como “Man & Beast” o “Metal Bloody Metal”, donde coquetean con toques groove y quizás sean los momentos en donde el disco flaquea un poquito y se vuelve medio repetitivo, pero sin caer en el abismo de la mediocridad.

Y quizás el momento que más va a sorprender llega, cuando los primeros acordes de “Death The Leveller”, comienzan y el espíritu hard rockero se hace presente en el disco, muy bien ejecutado y que demuestra que estos señores aún tienen cuerda para rato.

Quizás, el tracklist se excede un poquito más de lo deseado ya que no todos los 13 cortes generan el mismo entusiasmo para el oyente, pero en su conjunto, Venom consiguen nivelar la balanza hacia el lado positivo y conseguir que tras 16 discos y más de 45 años de trayectoria, siguen sonando notables, oscuros, desafiantes y sobre todo impecables en lo que al estilo se refiere.

Parece ser que el tiempo finalmente ha puesto las cosas en su lugar y Black Veil Brides comienzan a tener el respeto y estatus que se merecen tras años siendo uno de los mejores (y más despreciados, todo hay que decirlo) grupos de su generación, quizás en su evolución hayan perdido fans por el camino, pero cuidado que con su nuevo disco Vindicate, pueden conseguir unos cuantos más.

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La banda liderada por Andy Biersack vuelve este 2026 con su séptimo trabajo y para asombro de la gran mayoría, lo hacen con uno de sus discos más cañeros (si no el que más…) hasta la fecha, evidenciando que tienen las armas cargadas y mucha pólvora aún por quemar.

La primera curiosidad es la inclusión de “Bleeders”, un tema que ya pudimos escuchar en 2024 y donde quedamos maravillados con ese sonido tan oscuro y pesado que presentaban (a ver no eran Whitechapel o Lorna Shore, tampoco nos engañemos) y que nos hizo plantear si seguirán por esa línea en su siguiente trabajo y así ha sido.

A pesar de tardar casi un lustro en publicar este disco, la banda ha afilado los cuchillos al máximo y ese inicio de “Vindicate”, así lo evidencia, con Andy cantando limpio, pero arropado por una base rítmica brutal y si, un estribillo algo más melódico de lo que nos gustaría, pero que evidencia lo mucho que ha mejorado Biersack como vocalista.

La influencia de Metallica, se deja ver en “Certainty”, con esos riffs pesados y unos screams brutales de fondo, sumados a un estribillo más coreable y marca de la casa, las guitarras de Jixx y Jake Pitts echan fuego y evidencian lo infravalorados que han estado estos dos muchachos durante toda la carrera de la banda (quizás por ser eternamente comparados con Avenged Sevenfold).

Las revoluciones bajan con el medio tiempo “Cut”, muy radiable y que podría haber estado firmado por los actuales Papa Roach, contando además con la colaboración de Lilith Czar o como todos los que crecimos en la escena conocemos a dicha artista, Juliet Simms, esposa de Andy y reconocida por haber formado parte de Automatic Loveletter.

La munición vuelve a ser cargada y explota con el binomio “Alive”, uno de los cortes más cañeros de la banda hasta la fecha y el bombazo “Revenger”, donde para sorpresa de todos cuentan con la colaboración especial de Rob Flynn, vocalista de Machine Head, amigo de la banda y el cual aporta su característica voz al corte, siendo una de las joyas del disco y junto a “Alive”, de lo mejorcito del mismo.

Pero crees que se ha terminado aquí?, espera a escuchar “Sorrow”, un pelotazo de metal moderno que ya quisieran para si mismos Architects o Bullet For My Valentine, donde la banda da una clase de como sonar modernos y contundentes a la vez, sin perder la esencia de la banda.

El disco guarda otro pequeño (gran) tesoro en “Ave Maria”, con un comienzo trepidante, agresivo y unas voces imponentes de Andy tanto en los momentos gritados como en los melódicos, aquí tenemos, posiblemente, la mejor canción del álbum y quizás una de las mejores en toda la carrera de la banda norteamericana.

El disco cierra su ciclo con “Woe & Pain”, un cañonazo más para dejar noqueado al oyente y que quizás hubiese ganado algún punto más, de haber estado un poquito más hacia la mitad del álbum pero que sin embargo, lo cierra de manera más que notable.

Así pues, Black Veil Brides suman otro gran disco a su catálogo, demostrando que casi después de 20 años de carrera, aún tienen mucho para decir y de manera bastante más destacada e interesante que muchos de sus compañeros de profesión, que no es poco.

El próximo 22 de mayo verá la luz, vía Scarlet Records, el nuevo EP de los italianos de Vision Divine consagrando el retorno a los estudios de grabación de la nueva/clásica formación con el regreso del vocalista Michele Luppi y el tecladista Oleg Smirnoff.

Para los amantes del power metal con tintes progresivos es indudable que la reunión había generado una importante expectativa teniendo en cuenta las anteriores gemas que alumbraron años atrás la mayoría de los actuales miembros de la banda. Y esa expectativa, con los nuevos temas que nos trae este EP, A Clockwork Reverie, no ha sido defraudada en absoluto, colocando la vara bastante alta para sus próximas producciones.

La nueva producción arranca con una breve intro, “Sator Rotas”, para desembocar inmediatamente en el tema que da título al lanzamiento. “A clockwork reverie” un tema instrumentalmente excelso que muestra todas las características de esta agrupación: cambio de ritmo, melodía, potencia que te mantienen pegado al equipo de música de principio a fin. Parece destinado a convertir en un futuro clásico de la banda.

Luego, “18 (It feels like heaven)”, canción utilizada como adelanto, muestra otra de las facetas del grupo. Un tema donde bajan un poco la velocidad en función de la generación de climas matizado por las melodías vocales del señor Luppi.

Finalmente, el último de los temas nuevos es “Andromeda” con un comienzo más denso y pesado, acompañado por los teclados del maestro Smirnoff, da paso a una pieza de power metal que, seguramente, se encontrara entre las mejores del género en este 2026.

La banda incorpora al lanzamiento una nueva versión de tres clásicos de la época dorada: “Identities” que originalmente diera cierre a Stream of Consciousness, “God is dead” que formara parte de The Perfect Machine y “The 25th hour” que diera nombre al último de los discos donde estuviera Luppi al comando de las melodías vocales. Versiones que mantienen esa esencial que las convirtió en clásicos de la agrupación italiana, pero ahora presentadas con un sonido más moderno.

En ocasiones versionar temas anteriores es un riesgo para las bandas; este no es el caso, suenan tan buenas como originalmente sonaron, pero con un sonido más acorde a los años que transcurrieron entre una y otra producción.

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Este lanzamiento confirma que la banda suena ajustadísima, tal y como pudimos ver en sus presentaciones en Latinoamérica durante el año pasado. La voz de Luppi te conduce por cada uno de los estados emocionales que el vocalista quiere hacerte sentir, mostrando toda su gama de colores a lo largo de tan solo seis temas, y confirmando que se encuentra en un alto nivel vocal.

Todo suena compacto en cada composición. Cada elemento está en su justo lugar e insertado en beneficio de la composición. El EP no muestra excesos de ningún tipo (ni melódicos, ni de velocidad, ni de abusos de cambio de ritmo, etc.) que busquen mostrar algo más que solo buenas y contundentes composiciones. Es decir, la banda no fuerza parecerse a aquella de la trilogía de principios de los 2000 con Michele Luppi en las voces, sino que parece mostrarnos que las composiciones, por si solas, al ser ejecutadas se van acercado por decantación a la mejor versión de la banda de manera armónica.

Este adelanto de los italianos nos muestra una banda que parece reencontrarse compositiva y musicalmente, con un sonido moderno, pero sin perder su esencia. Hay reencuentro de formaciones “clásicas” que pasan intrascendentemente por la escena musical, este EP parece mostrar que VISION DIVINE tiene un futuro más que prometedor. Un beneficio para la escena y para todos los fanáticos de la banda.

El retorno de miembros claves ha permitido a la banda ofrecernos un producto que cuenta con melodía, técnica instrumental y sentimentalismo en cada una de las piezas que lo componen, incluidas los clásicos reversionados, con un sonido moderno y pulido, pero sin perder la esencia que caracterizó a esos lanzamientos de antaño.

“A Clockwork Reverie” pone de manifiesto que el futuro nos deparara nuevamente grandes composiciones de estos italianos. La vara esta alta.

Los alemanes The Narrator han sacado un álbum (el segundo LP de su carrera) que dará muchísimo que hablar a lo largo de 2026. Phosphor se presenta cómo una oda al Metalcore Moderno y marca un antes y un después para la banda. 

El trabajo arranca con una canción homónima y nos indica que no hay intención alguna de perder el tiempo. Un tema con todos los elementos “básicos” del género (riffs pesados, un Fabian a la voz que no hace más que mejorar en varios registros con el paso del tiempo y un breakdown absolutamente demoledor). 

Continuamos con la que es para mi una de las mejores canciones del álbum. “Aurora” ya se presentó como single y tuvo una recepción increíble por parte de críticos y público general. En este caso, nos llevan hacia un terreno un poco más melódico que el primer tema sin perder la agresividad que caracteriza a la banda y con un importante mensaje “político” en su letra. Cabe destacar que a nivel producción/mezcla es uno de los trabajos más pulidos de lo que llevamos de año y Ted Jansen de Sterling Sound (Bring Me The Horizon, Korn, Green Day) tiene mucho que ver con ello.

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Vamos ahora con uno de los temas más pesados que es “Modern Age Blasphemy”. Una canción que nos enseña la versión más cruda de la banda y que está ganando popularidad dentro de la escena. Sin dejar de contar con un estribillo memorable y cantable para los directos, el ritmo y la atmósfera me hacen acordar de bandas del estilo de Paleface Swiss y similares con esa sensación de agobio y caos tan característicos.

“Stasis” fue otro de los singles previos al álbum de los que pudimos disfrutar. En este caso nos encontramos con una colaboración con la banda Avralize (también originarios de Alemania) que aporta un poco más de profundidad y variedad al tema. Un concepto parecido a “Aurora”, con la estructura típica del género, otro estribillo para el recuerdo y un solo final replicando la melodía del mismo que le da un aire fresco al cierre de la canción. 

El álbum sigue con “Pills From The Start”. Una canción que se publicó en 2025 y que nos recibe con un riff especialmente contundente sin introducción alguna. Volvemos a la cara más “pesada” de la banda y con un tema que por el título se podría deducir que habla del posible abuso de sustancias pero que si prestamos atención a las letras (especialmente importantes con The Narrator) vemos que trata sobre las relaciones tóxicas.

En “Agnosia” nos reencontramos con la parte más moderna de la banda. Un riff más adaptado a las tendencias de 2026, otro increíble estribillo como es habitual en la banda y un breakdown para perder la cabeza. Creo que es importante volver a destacar el trabajo de Ted en álbum para resaltar la claridad y la contundencia con la que se escuchan todos los instrumentos, pistas y voces a lo largo de todo el disco pero especialmente en esta canción. 

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Para “Two Lives” (otro de los singles), volvemos a la faceta más polivalente de la banda y especialmente de Fabian (voz). Contamos con una introducción que consta de la voz melódica y varias pistas a nivel atmosférico que nos acompañan hasta el épico estribillo (otra vez) del tema. Repetimos la estructura para la segunda parte del tema pero incorporando la batería y algún que otro arreglo de guitarra antes de volver al estribillo. Eso sí, pese a la mayor presencia de voz melódica y la aparente tranquilidad del tema, nos regalan un breakdown final que pega especialmente bien en esta canción. 

Por si nos habíamos olvidado de la pegada de The Narrator, “Dissection” nos devuelve a la senda del agobio y la violencia. Podríamos definir el tema como un breakdown de 2 minutos y 30 segundos de duración con nula presencia de voces melódicas. Una descarga de energía y rabia que actúa de antesala al cierre del disco. 

“Iron Grip” y “9010” son un perfecto reflejo de todo el álbum y de la propia banda en si. Una mezcla perfectamente equilibrada entre riffs, breakdowns, guturales, voces melódicas y estribillos que no tardaremos en aprender para cantarlos en futuros conciertos. Un trabajo que nos demuestra que el Metalcore Moderno está en muy buenas manos, sin duda.

Victorius es una de esas bandas de power metal tan desenfadadas y algo inocentonas que resultan perfectas para fiestas, festivales, escuchar en el gimnasio o incluso para disfrutarlas con los pequeños de la casa. Algo del estilo de Grailknights, Angus McSix, All for Metal o incluso Feuerschwanz en sus inicios (aunque estos ya han ascendido a otro nivel).

Los conocí hace unos años y todo en ellos me evocaba “juventud”: la voz de David Baßin es muy juvenil, las guitarras son muy vivas y elásticas y toda la estética de la banda con disfraces, mascarillas, armas locas y láseres me hacía pensar en los protagonistas de algún anime de adolescentes, ¡desde luego en el buen sentido!

Ha pasado el tiempo y estos alemanes han madurado, se han cambiado el peinado, han colgado los trajes negros de ninjas espaciales y… ¡se han subido a sus dinosaurios para seguir haciendo lo mismo de siempre! Y saben hacerlo muy bien.

La verdad es que ver sus actualizaciones de Instagram suele ser uno de mis momentos favoritos de la semana. Son divertidos, están llenos de amigos y además hacen buena música. Con lo mal que está la vida, Victorius es una ráfaga de aire fresco.

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World War Dinosaur es nada más y nada menos que lo que uno espera: riffs muy épicos, solos power-metaleros, escalas mayores que levantan el ánimo y letras que se esfuerzan en detallar toda una diversidad de soldados-dinosaurio. Nos hablan de unidad, libertad, honor, eternidad… pero sin tomarse muy en serio a sí mismas.

Nos recibe además con una portada loquísima de colores neón en la que un megalodón gigante (y uno pequeñito al fondo) luchan contra dinosaurios robóticos capitaneados por la banda con uniformes dorados de superhéroes. Ah, y también hay ninjas ¡nunca se fueron!, solo habían salido un momento para recoger sus espadas láser.

El tópico de los dinosaurios en guerra se va desarrollando a lo largo de todo el disco y el orden de las canciones tiene lógica interna (aunque sin ser exactamente un disco conceptual de los de planteamiento, nudo y desenlace). Tienen algunos videoclips muy simpáticos como “Kingdom of the Strong”, con temática medieval, o “Brachio Bazooka Battalion”, de dibujos animados. Creo que los mejores temas del álbum son precisamente estos dos y también “Golden Glory”, que empieza con un guitarreo muy rápido y una voz susurrada muy sugerente. También tiene interés la canción homónima del disco en la que colaboran Angus McSix y Orden Ogan.

La formación ha sufrido algunos cambios a lo largo del tiempo pero lleva estable desde 2016 y además, el núcleo principal de David Baßin (voces), Dirk Scharsich (guitarra) y Andreas Dockhorn (bajo) es el mismo desde su fundación en 2004; quizás por eso su buena química y compenetración hacen que parezca fácil tocar de forma tan fluida y virtuosa. Por cierto que todos reciben apodos prehistóricos: Baßin es “T‑Rex”, Scharsich es “Raptor”, Dockhorn es “Triceratops”, el batería, Frank Koppe, es “Pteranodon” y el otro guitarrista, Florian Zack, recibe el nombre más friki de todos: “Lasertooth Tiger” (“tigre dientes de láser”, en lugar de “dientes de sable”). En el videoclip “Raptor Squad Attack” podemos ver además cuáles son sus armas y habilidades espaciales, con una divertida estética de videojuego retro.

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La principal pega que podemos ponerles es que el álbum se hace un tanto repetitivo. No cansa, porque es una música ligera y agradable de escuchar. Pero, pese a un par de pequeños experimentos aquí o allá (como unos guturales en “Evil Mean Megalodon” y alguna locución épica aquí y allá), el conjunto suena muy uniforme.

Por otro lado, el exagerado tema bélico, que en otras circunstancias sería simplemente un toque de humor o la trama de una serie animada de los ochenta… en 2026 se me hace más difícil de digerir. Lo entiendo: ¿qué clase de Power Metal podríamos hacer sin batallas? Es un tema clásico y está abordado desde una perspectiva cien por cien lúdica y de fantasía disparatada: son braquiosaurios con bazucas y raptores de choque. Pero cuando el mundo real se está rompiendo en pedazos por la guerra y la codicia, se me hace más difícil escuchar canciones que exaltan el honor en los conflictos, la heroicidad de los soldados que dan el primer golpe o la gloria de la victoria. No hay en todo el disco ni una sola reflexión sobre el género humano ni la política, toda relación que podamos encontrar con la actualidad es puramente casual. Y sin embargo esto tampoco borra mis reparos a escuchar canciones desenfadadas sobre una guerra global, aunque esta sea protagonizada por dinosaurios futuristas. 

Entonces, me resulta una música muy disfrutable pero algo frívola. Está para pasarlo bien sin pensar demasiado, ¡y quizás eso ya sea suficiente! Verlos en directo tiene que ser super divertido, cosa que podremos hacer en diversos festivales veraniegos a lo largo de Europa, como Metal Frenzy, AHAU Open Air, Rock Castle y Rock Dievillage. Por el momento no tienen planes de visitar España.

Los norteamericanos From Ashes to New vuelven este año con su esperadísimo nuevo trabajo Reflections, para demostrar como el metal moderno (que no metalcore, a dios gracias visto el estado el género en la actualidad…) está más vivo y en mejor forma que nunca.

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Los de Lancaster, Pennsylvania, siguen en la línea marcada por sus dos trabajos anteriores, pero con el toque necesario para aportar un poquito más en su evolución como banda.

En estos doce cortes, podremos observar como los chicos han sabido recrear el sonido propio del nu metal, el post hardcore e inyectarle pinceladas pop que los han convertido en una de las punta de lanza en este estilo durante este último tiempo.

El disco abre fuego con “Drag Me” y ya podemos entender que si la fórmula funciona bien, para que vamos a cambiarla, así pues, tenemos esos versos rapeados de Matt Brandyberry más que logrados y combinados con la voz melódica de su compañero Danny Case, formando una dupla explosiva con clara influencia de Limp Bizkit, Linkin Park y Papa Roach, sin duda alguna.

La melancólica “Forever”, hereda el sonido de HIM, pero lo combina con guitarras más modernas y un juego de voces irresistible que hará las delicias de los que crecimos con este sonido a comienzos de los 2000.

Por algo Blind Channel los acompañaron en una de sus últimas giras con Joel Hokka a la voz en Estados Unidos, porque ambas bandas comparten muchas de las mismas fuentes musicales y de inspiración.

“Die For You” es una delicia, con cierta herencia de BMTH, pero muy bien ejecutada y con una melodía imposible de ignorar, sin duda una de las joyas ocultas del disco, que estoy convencido sonará aún mejor en vivo.

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El disco sigue vibrando con “Black Hearts”, quizás el corte más cañero hasta el momento y donde vemos la explosión entre el pop, el rap core y el rock alternativo, todo mezclado y con el sello propio de FATN, pero que si te gustan LP vas a disfrutar de lo lindo.

“Upside Down” y “(Not) Psycho”, muestran ese lado “Old School” de la banda y vemos la gran importancia que le dan a los arreglos, los loops y todo lo que les permita hacer las canciones más redondas posible y aviso a navegantes…Aquí hay unas cuantas.

“New Disease”, muestra como ha evolucionado el metal moderno y si la canción tiene un estribillo con gancho va a pegar seguro, FATN se suma con esta pieza a cortes actuales de bandas como Spiritbox y Sleep Token, además de dejar fuera de juego a I Prevail, ya que parece que dicha banda se olvidó bastante de como hacer piezas redondas, pero tranquilos, que este 2026 ya tenemos a From Ashes to New para solucionar este pequeño percance.

Pero no todo es oro en el disco, ya que “Darkside” no aporta mucho al disco, repitiendo la fórmula de mezclar todo lo anterior pero con un resultado donde lo mejor sin duda es la parte rapeada, al ser el puente sospechosamente parecido al himno “By My Self” de Linkin Park…Una cosa es la influencia y otra el semi-robo descarado, lo mismo que sucede con “Falling From Heaven”, al ser una pieza “Comodín”, si no estaba en este disco, podría haber estado tanto en el anterior como en el próximo que grabe la banda, aún así, es efectiva y mejora a su predecesora sin duda.

Para cerrar tenemos “Your Ghost” y quizás el cierre está bien, pero con un par de canciones menos, sumaría algún punto más al resultado final, aún así, siguen por encima de la media tanto en su discografía como entre sus compañeros de profesión y lo único que esperamos es que no se duerman en los laureles y se acomoden, porque FATN siguen con la maquinaría engrasada y llena de energía…Que no la pierdan nunca!

Pocas bandas como Crashdiet saben lo que es la resiliencia en el mundo del rock y el metal. Pocos también conocen mucho más allá del nombre. La banda, comandada hoy en día solo por Martin Sweet, acaba de lanzar su séptimo albúm (si no me fallan las cuentas) titulado Art Of Chaos bajo el sello NineTone Records.

Una banda que de alguna manera supo estar en la “cresta de la ola” allá por finales de la primer década del nuevo milenio, dando aires renovados a la escena del sleaze metal que supo ser grandiosa en los 80s.

Al margen de la excelencia musical y la identidad propia que encontraron dentro del género, Crashdiet es una agrupación que ha sido atravesada por innumerables cambios de músicos. Podemos nombrar al fallecido Dave Leppard, miembro fundador y mente originaria de este proyecto como primer vocalista, luego sustituido por el extrovertido Olli Hermann. Simon Cruz que fuera parte del tercer y cuarto álbum (a mi parecer, la mejor época de la banda) y que se fue repentinamente para algunos años después dar lugar a Gabriel, el último vocalista que le conocimos.

Parecieran tener una gran colección de solo cantantes, pero al día de hoy la banda solo se encuentra tocando con Martin como miembro original. Si, la salida de Peter London (temporal hasta donde sabemos) en el bajo y Eric Young en batería, le dieron directamente espacio a una nueva formación, una nueva banda, con Michael (hermano de Martin) en batería, Chris Young en bajo y como vocalista el virtuoso John Elliot de Confess.

El disco fue promocionado por algunos singles, que de entrada no me resultaron del todo de mi agrado, o no al menos a la altura de las grandes composiciones de Crashdiet: “Satizfaction”, “Loveblind”, “Sick Enough For Me” y “Chaos Magnetic”. De todas maneras, me anticipaba a mi mismo, que como muchas bandas hacen actualmente, quizás eran estas las piezas menos convincentes del disco.

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Lejos de parecerme malas canciones, los 4 singles promocionales se pueden disfrutar como muy buenas piezas, pero todos aquellos conocemos a esta banda, sabemos que están para mucho más.

La canción que me cautivó por completo y me hace creer que finalmente tenía razón, es “Can Of Worms”. Un segmento narrado por una persona que se confiesa sobre toda la oscuridad que tiene por dentro, con un estribillo demasiado ganchero, pasivo y oscuro al mismo tiempo y hasta coros de niños. Aquí está el punto cúspide de Art Of Chaos, sin duda alguna.

Bueno, no es que me quede fascinado por un solo tema. El disco se completa con todas muy buenas piezas. Algunas un poco mas sobresalientes que otras. “Get Out” excelente, pero no compite contra “Killing It Now”, “Quitter” y “Silent Planet”.

El cierre a cargo de “Edge Of A Knife” está muy bien logrado, para redondear un disco que termina mucho mejor de lo que comienza.

La producción es símil a lo que ya se conoce de sus trabajos anteriores. La voz de Elliot es un gran acierto, un poco más cercana al heavy metal que la de su antecesor.

Seguramente no volvamos a escuchar al Crashdiet de Rest In Sleaze (2005) y Generation Wild (2009) pero con Art Of Chaos quizás Martin y Peter puedan refundar las bases de la banda que supieron ser, con las ideas frescas y acompañados de un gran cantante virtuoso como lo es John Elliot.

Una impresionante portada del artista Agostino Arrivabene nos da la bienvenida al octavo disco de la banda sueca Draconian: In Somnolent Ruin. Un título potente que nos sugiere grandeza y decadencia, delicadeza y exceso. 

Esta combinación es plenamente acorde con sus voces, que conjugan la limpia y femenina de Lisa Johansson, con los guturales profundos y masculinos de Anders Jacobsson. Una perfecta sincronía entre Bella y Bestia, capaz de transportarnos a los más oscuros parajes del sueño.

La concepción platónica del alma así como el tema de la muerte, los elementos naturales y la imaginería mitológica y religiosa pueblan un conjunto de nueve canciones, casi todas cercanas a los siete minutos. Los títulos son muy sugerentes y evocadores y juegan con la sinestesia y la contraposición de elementos encontrados. De entre ellas destacaría especialmente tanto la primera “I Welcome Thy Arrow” como la última, especialmente bella, “Lethe”.

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Un elegante Doom Metal, con trazas de Death Metal Melódico, muy atmosférico, envolvente, que va creciendo en oleadas hasta elevarse en ecos de catedral. El papel de los teclados es sutil pero protagónico, especialmente en la introducción de varios de los temas. Johan Ericson se erige como principal compositor y arreglista y hace un enorme trabajo trazando el camino de las canciones, dibujando su contorno con el piano, para luego dejar paso generosamente a los riffs y solos de guitarra, a cargo del mismo músico y de su compañero Niklas Nord.

Las narraciones de Simon Bibby (My Silent Wake) le aportan un toque cinematográfico. También cuentan con la colaboración del también sueco Daniel Änghede en la canción “Anima”.

La banda, fundada en 1994 originalmente como Kerberos, se ha asentado como uno de los exponentes clásicos y más duraderos de la escena doom/death de tonos más góticos y nos tiene acostumbrados a álbumes técnicamente impecables, muy espaciados en el tiempo. Lo que aporta In Somnolent Ruin, es una versión aún más depurada de la misma fórmula tras asentarse los últimos cambios de miembros en su formación. 

Se encuentran actualmente inmersos en una extensa gira que incluirá fechas en Latinoamérica, Europa, Japón y Turquía. Podremos verles en España a su paso por Dark Echoes Fest en Madrid el 25 de septiembre de 2026.

Metalmorphosis es el título que Masterplan ha puesto a su nuevo disco de estudio, luego de 13 años desde su anterior lanzamiento, el que verá la luz el próximo 26 de junio de 2026 a través de Frontiers Music. El líder de la banda Roland Grapow ha dicho al respecto que la nueva producción hace “un giro hacia un sonido más directo y contundente, reduciendo los elementos progresivos y evitando un enfoque demasiado melódico o comercial”.

La actual formación de Masterplan, compuesta por Roland Grapow (guitarras), Rick Altzi (voces), Axel Mackenrott (teclados), Jari Kainulainen (bajo) and Kevin Kott (batería), brinda a sus fanáticos un producto mejorado con respecto a su antecesor, tanto a nivel sonido como a nivel compositivo. Un disco efectivamente directo y con estribillos melódicos y gancheros.

La nueva obra de Masterplan pareciera querer volver al espíritu de los dos primeros discos de la banda. Si bien por momentos lo logran, no llegan a alcanzar la majestuosidad de esos primeros lanzamientos, aunque si se nota que la banda logra transitar, por momentos, el camino que Grapow señala.

El primer adelanto del álbum presenta una particularidad: data del año 2024 y es el tema que cierra lo que será el sexto lanzamiento de la banda. Un tema con fuerza y un riff que te atrapa desde el arranque.

La placa comienza con otro de los sencillos “Chase the light” donde en momentos de la canción aparece la voz de Graspow. Luego de un comienzo épico nos encontramos con una canción melódica y con un estribillo ganchero.

La segunda pieza de la producción, “Electric nights”, es una de las mejores canciones de la nueva obra de Masterplan. Una canción con un inicio duro y directo que se torna en melódica y power, cercana a las raíces de la banda.

En “Shadow man”, bajan un poco la velocidad para ofrecer un riff más cadencioso a lo largo de toda la canción que solo es interrumpido en la parte del solo.

Uno de los puntos altos del álbum está dado por “Bound to fall” una de las canciones que recuerda al MASTERPLAN de los primeros álbumes con un estribillo destacable.

Luego nos encontramos con “Pain of yesterday”, donde se notan influencias de la música oriental, y “Ghostlight”, un tema que no aporta demasiado al álbum.

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El tema que da nombre a la placa presenta una de las mejores partes instrumentales de este nuevo lanzamiento y las guitarras rememoran los primeros discos. No puede dejar de notarse un aire compositivo a discos de otras bandas donde Grapow ha sido participe (“The Time of the Oath”).

El tercer y último sencillo adelanto es “Through the storm”. Sin duda una de las mejores composiciones de la placa. La más cercana al power metal de vieja escuela, con un aire a anteriores bandas de los integrantes, melódica y rápida. La actuación de Altzi escapa un poco a lo que nos muestra durante todo el álbum.

Finalmente, “The call”, el tema más largo del disco, presenta un estribillo y partes instrumentales más que interesantes, contando con la participación vocal de Grapow en varias partes de la canción.

La banda parece mostrar destellos de sus mejores épocas en aquellos temas que suenan cercanos a un power metal rápido y melódico.

Debemos señalar que la voz del cantante le quita fuerza a las composiciones: es monocorde, monótona, suena parecida en la gran mayoría de los temas.

La sensación que nos deja este álbum es dudosa: no queda claro si se trata de un intento de retornar a la época dorada de la banda; o es una declaración de querer ser algo distinto como pareciera indicar el título escogido. Sea una u otra la conclusión es clara: sentimos que se queda a mitad de camino en cualquiera de las dos direcciones.

Si echamos la vista atrás y recordamos la breve euforia que se vivió en la llamada “Escena Warped“, la década pasada e incluso tres lustros atrás, podremos afirmar que dentro del llamado “SadBoi Pop Punk“, corriente donde destacaron bandas como As It Is, Neck Deep, Real Friends, Trash Boat, Citizen o Trophy Eyes, entre otros, que se llevo su momento de gloria conectando con esta escena y su público, hablamos por supuesto de American Football.

Formados en 1997 y con una primera etapa que duró hasta el año 2000, donde se convirtieron en un grupo de culto para muchos de los que estábamos creciendo escuchando el punk, el rock alternativo y el emo, junto a compañeros como Chamberlain, Saves The Day, The Get Up Kids o Texas is the Reason, entre otros, para luego en 2014 regresar de manera triunfal y certificar dicho regreso con un fantástico segundo disco homónimo, muy bien recibido tanto por el público como por la prensa especializada.

Ahora seis años después de su tercer disco, la banda vuelve con LP 4, si nunca fueron unos ases en cuanto a los títulos de sus álbumes, pero poco importa cuando la calidad musical aquí plasmada, es simplemente magnífica.

El disco ya comienza con el pie derecho, gracias a “Man Overboard” (que no chicos, no es un cover del hit popularizado por Blink 182), donde la producción es cruda, desprolija, intensa y te sumerge de lleno en el universo del disco, porque lo que siempre han tenido American Football es la capacidad de hacer de la desprolijidad y la imperfeccón, algo hermoso y único.

Vale, si “No Feeling”, tiene el gancho de contar con Brendan Yates, vocalista de Turnstile como invitado, pero lejos de sonar a triquiñuela comercial, es de recibo que este chico este, ya que aporta su color de voz y junto a Mike Kinsella, crean una atmósfera muy especial juntos y que ya quisieran para si mismos bandas como Death Cab For Cutie, en sus años dorados.

Pero por si queda alguna duda de que este disco puede ser para las grandes masas, ahí tenemos los 8 minutos y trece segundos de “Bad Moons”, donde lo único que hay que hacer es cerrar los ojos, respirar hondo y dejarse llevar por el sonido de AF, donde la tristeza y la belleza sonora se dan la mano, sin perder en ningún momento el hilo conductor del álbum y lo que este representa.

Es un tema triste y hermoso a la vez, con unas armonías muy bien planteadas y cierto toque de pesadez, pero repito, todo hecho de forma honesta y que te llega al instante.

“Blood On My Blood”, es otro ejemplo de lo que el disco quiere transmitir, con Mike interpretando muy bien la letra y transmitiendo esa melancolía propia del género que te hace imaginarte en un muelle en plena tarde de otoño con el sol que te da ese calor que las templadas temperaturas suelen presentar en esa época del año y ves de fondo tanto el río como las fábricas en la lejanía.

La vulnerabilidad y la ausencia de “Artefactos” sonoros, hacen de American Football, una banda especial, de esas con las cuales si llegas a conectar, lo harás por siempre, esperándoles lo que haga falta, porque sabes que su música te hace bien al alma.

El interludio “Lullabye”, es una caricia para esa herida que no termina de cerrarse y oxigena al disco, con una paz intranquila, pero necesaria, antes de despedir al mismo con “No Soul to Serve”, un corte que sigue la línea planteada a lo largo del álbum y que tiene esos aires de indie rock emo, que tanto nos influencio a muchos y quizás no por ser nuestro género favorito, pero si como una clara vía de escape, lejos del ruido y la toxicidad que nos rodea.

Una vez más y siendo justos, American Football ha vuelto a entregar uno de esos discos que no solamente hay que escuchar si o si durante este año y seguramente los venideros hasta que tengamos el siguiente de la banda, si no uno de esos discos, que te hace reflexionar, sonreír, llorar, emocionar y sobre todo…volver a escuchar en cualquier estado de ánimo que estés atravesando.

Si hablamos de metal extremo, todos estaremos de acuerdo en que una de las piedras angulares para entender el género y en como se desarrolló en estos últimos 40 o 50 años, es sin duda Venom, la oscura y peligrosa agrupación inglesa formada en 1979 y que hoy componen Cronos, su líder al bajo y la voz, Rage a la guitarra y La Dante en los parches.

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Tras casi ocho años sin publicar material nuevo, la banda vuelve a la carga con Into Oblivion, su decimosexto álbum, donde vuelven a evidenciar que en lo suyo, no tienen apenas rivales y siguen sonando especiales y diferentes al resto de la media.

Ya desde el inicio con el tema que da título al disco, la banda deja claro que no intenta replicar el pasado, pero si mirar al futuro con la cabeza alta y regalándonos lo mejor de si mismos en estos tiempos actuales, donde no es fácil triunfar con nuevos trabajos y más cuando tu pasado es tan glorioso como el de estos tipos.

Es clave también que hayan podido mantener el nivel de “Suciedad” en la producción, pero con la calidad que esta banda merece ya que suena pesado, veloz, orgánico, pero muy agresivo y frenético, con guiños al speed, el black primerizo, la NWOBHM y ciertas pinceladas de punk callejero.

Así pues cortes como “Lay Down Your Soul”, puede gustar tanto a un fan de Slayer como de Mötorhead, mientras que en la lejanía de “Nevermore” asoman retales de la primera época de la NWOBHM.

Por otro lado, muestran su cara más “Accesible”, en temas como “Man & Beast” o “Metal Bloody Metal”, donde coquetean con toques groove y quizás sean los momentos en donde el disco flaquea un poquito y se vuelve medio repetitivo, pero sin caer en el abismo de la mediocridad.

Y quizás el momento que más va a sorprender llega, cuando los primeros acordes de “Death The Leveller”, comienzan y el espíritu hard rockero se hace presente en el disco, muy bien ejecutado y que demuestra que estos señores aún tienen cuerda para rato.

Quizás, el tracklist se excede un poquito más de lo deseado ya que no todos los 13 cortes generan el mismo entusiasmo para el oyente, pero en su conjunto, Venom consiguen nivelar la balanza hacia el lado positivo y conseguir que tras 16 discos y más de 45 años de trayectoria, siguen sonando notables, oscuros, desafiantes y sobre todo impecables en lo que al estilo se refiere.

Parece ser que el tiempo finalmente ha puesto las cosas en su lugar y Black Veil Brides comienzan a tener el respeto y estatus que se merecen tras años siendo uno de los mejores (y más despreciados, todo hay que decirlo) grupos de su generación, quizás en su evolución hayan perdido fans por el camino, pero cuidado que con su nuevo disco Vindicate, pueden conseguir unos cuantos más.

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La banda liderada por Andy Biersack vuelve este 2026 con su séptimo trabajo y para asombro de la gran mayoría, lo hacen con uno de sus discos más cañeros (si no el que más…) hasta la fecha, evidenciando que tienen las armas cargadas y mucha pólvora aún por quemar.

La primera curiosidad es la inclusión de “Bleeders”, un tema que ya pudimos escuchar en 2024 y donde quedamos maravillados con ese sonido tan oscuro y pesado que presentaban (a ver no eran Whitechapel o Lorna Shore, tampoco nos engañemos) y que nos hizo plantear si seguirán por esa línea en su siguiente trabajo y así ha sido.

A pesar de tardar casi un lustro en publicar este disco, la banda ha afilado los cuchillos al máximo y ese inicio de “Vindicate”, así lo evidencia, con Andy cantando limpio, pero arropado por una base rítmica brutal y si, un estribillo algo más melódico de lo que nos gustaría, pero que evidencia lo mucho que ha mejorado Biersack como vocalista.

La influencia de Metallica, se deja ver en “Certainty”, con esos riffs pesados y unos screams brutales de fondo, sumados a un estribillo más coreable y marca de la casa, las guitarras de Jixx y Jake Pitts echan fuego y evidencian lo infravalorados que han estado estos dos muchachos durante toda la carrera de la banda (quizás por ser eternamente comparados con Avenged Sevenfold).

Las revoluciones bajan con el medio tiempo “Cut”, muy radiable y que podría haber estado firmado por los actuales Papa Roach, contando además con la colaboración de Lilith Czar o como todos los que crecimos en la escena conocemos a dicha artista, Juliet Simms, esposa de Andy y reconocida por haber formado parte de Automatic Loveletter.

La munición vuelve a ser cargada y explota con el binomio “Alive”, uno de los cortes más cañeros de la banda hasta la fecha y el bombazo “Revenger”, donde para sorpresa de todos cuentan con la colaboración especial de Rob Flynn, vocalista de Machine Head, amigo de la banda y el cual aporta su característica voz al corte, siendo una de las joyas del disco y junto a “Alive”, de lo mejorcito del mismo.

Pero crees que se ha terminado aquí?, espera a escuchar “Sorrow”, un pelotazo de metal moderno que ya quisieran para si mismos Architects o Bullet For My Valentine, donde la banda da una clase de como sonar modernos y contundentes a la vez, sin perder la esencia de la banda.

El disco guarda otro pequeño (gran) tesoro en “Ave Maria”, con un comienzo trepidante, agresivo y unas voces imponentes de Andy tanto en los momentos gritados como en los melódicos, aquí tenemos, posiblemente, la mejor canción del álbum y quizás una de las mejores en toda la carrera de la banda norteamericana.

El disco cierra su ciclo con “Woe & Pain”, un cañonazo más para dejar noqueado al oyente y que quizás hubiese ganado algún punto más, de haber estado un poquito más hacia la mitad del álbum pero que sin embargo, lo cierra de manera más que notable.

Así pues, Black Veil Brides suman otro gran disco a su catálogo, demostrando que casi después de 20 años de carrera, aún tienen mucho para decir y de manera bastante más destacada e interesante que muchos de sus compañeros de profesión, que no es poco.

El próximo 22 de mayo verá la luz, vía Scarlet Records, el nuevo EP de los italianos de Vision Divine consagrando el retorno a los estudios de grabación de la nueva/clásica formación con el regreso del vocalista Michele Luppi y el tecladista Oleg Smirnoff.

Para los amantes del power metal con tintes progresivos es indudable que la reunión había generado una importante expectativa teniendo en cuenta las anteriores gemas que alumbraron años atrás la mayoría de los actuales miembros de la banda. Y esa expectativa, con los nuevos temas que nos trae este EP, A Clockwork Reverie, no ha sido defraudada en absoluto, colocando la vara bastante alta para sus próximas producciones.

La nueva producción arranca con una breve intro, “Sator Rotas”, para desembocar inmediatamente en el tema que da título al lanzamiento. “A clockwork reverie” un tema instrumentalmente excelso que muestra todas las características de esta agrupación: cambio de ritmo, melodía, potencia que te mantienen pegado al equipo de música de principio a fin. Parece destinado a convertir en un futuro clásico de la banda.

Luego, “18 (It feels like heaven)”, canción utilizada como adelanto, muestra otra de las facetas del grupo. Un tema donde bajan un poco la velocidad en función de la generación de climas matizado por las melodías vocales del señor Luppi.

Finalmente, el último de los temas nuevos es “Andromeda” con un comienzo más denso y pesado, acompañado por los teclados del maestro Smirnoff, da paso a una pieza de power metal que, seguramente, se encontrara entre las mejores del género en este 2026.

La banda incorpora al lanzamiento una nueva versión de tres clásicos de la época dorada: “Identities” que originalmente diera cierre a Stream of Consciousness, “God is dead” que formara parte de The Perfect Machine y “The 25th hour” que diera nombre al último de los discos donde estuviera Luppi al comando de las melodías vocales. Versiones que mantienen esa esencial que las convirtió en clásicos de la agrupación italiana, pero ahora presentadas con un sonido más moderno.

En ocasiones versionar temas anteriores es un riesgo para las bandas; este no es el caso, suenan tan buenas como originalmente sonaron, pero con un sonido más acorde a los años que transcurrieron entre una y otra producción.

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Este lanzamiento confirma que la banda suena ajustadísima, tal y como pudimos ver en sus presentaciones en Latinoamérica durante el año pasado. La voz de Luppi te conduce por cada uno de los estados emocionales que el vocalista quiere hacerte sentir, mostrando toda su gama de colores a lo largo de tan solo seis temas, y confirmando que se encuentra en un alto nivel vocal.

Todo suena compacto en cada composición. Cada elemento está en su justo lugar e insertado en beneficio de la composición. El EP no muestra excesos de ningún tipo (ni melódicos, ni de velocidad, ni de abusos de cambio de ritmo, etc.) que busquen mostrar algo más que solo buenas y contundentes composiciones. Es decir, la banda no fuerza parecerse a aquella de la trilogía de principios de los 2000 con Michele Luppi en las voces, sino que parece mostrarnos que las composiciones, por si solas, al ser ejecutadas se van acercado por decantación a la mejor versión de la banda de manera armónica.

Este adelanto de los italianos nos muestra una banda que parece reencontrarse compositiva y musicalmente, con un sonido moderno, pero sin perder su esencia. Hay reencuentro de formaciones “clásicas” que pasan intrascendentemente por la escena musical, este EP parece mostrar que VISION DIVINE tiene un futuro más que prometedor. Un beneficio para la escena y para todos los fanáticos de la banda.

El retorno de miembros claves ha permitido a la banda ofrecernos un producto que cuenta con melodía, técnica instrumental y sentimentalismo en cada una de las piezas que lo componen, incluidas los clásicos reversionados, con un sonido moderno y pulido, pero sin perder la esencia que caracterizó a esos lanzamientos de antaño.

“A Clockwork Reverie” pone de manifiesto que el futuro nos deparara nuevamente grandes composiciones de estos italianos. La vara esta alta.

Los alemanes The Narrator han sacado un álbum (el segundo LP de su carrera) que dará muchísimo que hablar a lo largo de 2026. Phosphor se presenta cómo una oda al Metalcore Moderno y marca un antes y un después para la banda. 

El trabajo arranca con una canción homónima y nos indica que no hay intención alguna de perder el tiempo. Un tema con todos los elementos “básicos” del género (riffs pesados, un Fabian a la voz que no hace más que mejorar en varios registros con el paso del tiempo y un breakdown absolutamente demoledor). 

Continuamos con la que es para mi una de las mejores canciones del álbum. “Aurora” ya se presentó como single y tuvo una recepción increíble por parte de críticos y público general. En este caso, nos llevan hacia un terreno un poco más melódico que el primer tema sin perder la agresividad que caracteriza a la banda y con un importante mensaje “político” en su letra. Cabe destacar que a nivel producción/mezcla es uno de los trabajos más pulidos de lo que llevamos de año y Ted Jansen de Sterling Sound (Bring Me The Horizon, Korn, Green Day) tiene mucho que ver con ello.

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Vamos ahora con uno de los temas más pesados que es “Modern Age Blasphemy”. Una canción que nos enseña la versión más cruda de la banda y que está ganando popularidad dentro de la escena. Sin dejar de contar con un estribillo memorable y cantable para los directos, el ritmo y la atmósfera me hacen acordar de bandas del estilo de Paleface Swiss y similares con esa sensación de agobio y caos tan característicos.

“Stasis” fue otro de los singles previos al álbum de los que pudimos disfrutar. En este caso nos encontramos con una colaboración con la banda Avralize (también originarios de Alemania) que aporta un poco más de profundidad y variedad al tema. Un concepto parecido a “Aurora”, con la estructura típica del género, otro estribillo para el recuerdo y un solo final replicando la melodía del mismo que le da un aire fresco al cierre de la canción. 

El álbum sigue con “Pills From The Start”. Una canción que se publicó en 2025 y que nos recibe con un riff especialmente contundente sin introducción alguna. Volvemos a la cara más “pesada” de la banda y con un tema que por el título se podría deducir que habla del posible abuso de sustancias pero que si prestamos atención a las letras (especialmente importantes con The Narrator) vemos que trata sobre las relaciones tóxicas.

En “Agnosia” nos reencontramos con la parte más moderna de la banda. Un riff más adaptado a las tendencias de 2026, otro increíble estribillo como es habitual en la banda y un breakdown para perder la cabeza. Creo que es importante volver a destacar el trabajo de Ted en álbum para resaltar la claridad y la contundencia con la que se escuchan todos los instrumentos, pistas y voces a lo largo de todo el disco pero especialmente en esta canción. 

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Para “Two Lives” (otro de los singles), volvemos a la faceta más polivalente de la banda y especialmente de Fabian (voz). Contamos con una introducción que consta de la voz melódica y varias pistas a nivel atmosférico que nos acompañan hasta el épico estribillo (otra vez) del tema. Repetimos la estructura para la segunda parte del tema pero incorporando la batería y algún que otro arreglo de guitarra antes de volver al estribillo. Eso sí, pese a la mayor presencia de voz melódica y la aparente tranquilidad del tema, nos regalan un breakdown final que pega especialmente bien en esta canción. 

Por si nos habíamos olvidado de la pegada de The Narrator, “Dissection” nos devuelve a la senda del agobio y la violencia. Podríamos definir el tema como un breakdown de 2 minutos y 30 segundos de duración con nula presencia de voces melódicas. Una descarga de energía y rabia que actúa de antesala al cierre del disco. 

“Iron Grip” y “9010” son un perfecto reflejo de todo el álbum y de la propia banda en si. Una mezcla perfectamente equilibrada entre riffs, breakdowns, guturales, voces melódicas y estribillos que no tardaremos en aprender para cantarlos en futuros conciertos. Un trabajo que nos demuestra que el Metalcore Moderno está en muy buenas manos, sin duda.

Victorius es una de esas bandas de power metal tan desenfadadas y algo inocentonas que resultan perfectas para fiestas, festivales, escuchar en el gimnasio o incluso para disfrutarlas con los pequeños de la casa. Algo del estilo de Grailknights, Angus McSix, All for Metal o incluso Feuerschwanz en sus inicios (aunque estos ya han ascendido a otro nivel).

Los conocí hace unos años y todo en ellos me evocaba “juventud”: la voz de David Baßin es muy juvenil, las guitarras son muy vivas y elásticas y toda la estética de la banda con disfraces, mascarillas, armas locas y láseres me hacía pensar en los protagonistas de algún anime de adolescentes, ¡desde luego en el buen sentido!

Ha pasado el tiempo y estos alemanes han madurado, se han cambiado el peinado, han colgado los trajes negros de ninjas espaciales y… ¡se han subido a sus dinosaurios para seguir haciendo lo mismo de siempre! Y saben hacerlo muy bien.

La verdad es que ver sus actualizaciones de Instagram suele ser uno de mis momentos favoritos de la semana. Son divertidos, están llenos de amigos y además hacen buena música. Con lo mal que está la vida, Victorius es una ráfaga de aire fresco.

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World War Dinosaur es nada más y nada menos que lo que uno espera: riffs muy épicos, solos power-metaleros, escalas mayores que levantan el ánimo y letras que se esfuerzan en detallar toda una diversidad de soldados-dinosaurio. Nos hablan de unidad, libertad, honor, eternidad… pero sin tomarse muy en serio a sí mismas.

Nos recibe además con una portada loquísima de colores neón en la que un megalodón gigante (y uno pequeñito al fondo) luchan contra dinosaurios robóticos capitaneados por la banda con uniformes dorados de superhéroes. Ah, y también hay ninjas ¡nunca se fueron!, solo habían salido un momento para recoger sus espadas láser.

El tópico de los dinosaurios en guerra se va desarrollando a lo largo de todo el disco y el orden de las canciones tiene lógica interna (aunque sin ser exactamente un disco conceptual de los de planteamiento, nudo y desenlace). Tienen algunos videoclips muy simpáticos como “Kingdom of the Strong”, con temática medieval, o “Brachio Bazooka Battalion”, de dibujos animados. Creo que los mejores temas del álbum son precisamente estos dos y también “Golden Glory”, que empieza con un guitarreo muy rápido y una voz susurrada muy sugerente. También tiene interés la canción homónima del disco en la que colaboran Angus McSix y Orden Ogan.

La formación ha sufrido algunos cambios a lo largo del tiempo pero lleva estable desde 2016 y además, el núcleo principal de David Baßin (voces), Dirk Scharsich (guitarra) y Andreas Dockhorn (bajo) es el mismo desde su fundación en 2004; quizás por eso su buena química y compenetración hacen que parezca fácil tocar de forma tan fluida y virtuosa. Por cierto que todos reciben apodos prehistóricos: Baßin es “T‑Rex”, Scharsich es “Raptor”, Dockhorn es “Triceratops”, el batería, Frank Koppe, es “Pteranodon” y el otro guitarrista, Florian Zack, recibe el nombre más friki de todos: “Lasertooth Tiger” (“tigre dientes de láser”, en lugar de “dientes de sable”). En el videoclip “Raptor Squad Attack” podemos ver además cuáles son sus armas y habilidades espaciales, con una divertida estética de videojuego retro.

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La principal pega que podemos ponerles es que el álbum se hace un tanto repetitivo. No cansa, porque es una música ligera y agradable de escuchar. Pero, pese a un par de pequeños experimentos aquí o allá (como unos guturales en “Evil Mean Megalodon” y alguna locución épica aquí y allá), el conjunto suena muy uniforme.

Por otro lado, el exagerado tema bélico, que en otras circunstancias sería simplemente un toque de humor o la trama de una serie animada de los ochenta… en 2026 se me hace más difícil de digerir. Lo entiendo: ¿qué clase de Power Metal podríamos hacer sin batallas? Es un tema clásico y está abordado desde una perspectiva cien por cien lúdica y de fantasía disparatada: son braquiosaurios con bazucas y raptores de choque. Pero cuando el mundo real se está rompiendo en pedazos por la guerra y la codicia, se me hace más difícil escuchar canciones que exaltan el honor en los conflictos, la heroicidad de los soldados que dan el primer golpe o la gloria de la victoria. No hay en todo el disco ni una sola reflexión sobre el género humano ni la política, toda relación que podamos encontrar con la actualidad es puramente casual. Y sin embargo esto tampoco borra mis reparos a escuchar canciones desenfadadas sobre una guerra global, aunque esta sea protagonizada por dinosaurios futuristas. 

Entonces, me resulta una música muy disfrutable pero algo frívola. Está para pasarlo bien sin pensar demasiado, ¡y quizás eso ya sea suficiente! Verlos en directo tiene que ser super divertido, cosa que podremos hacer en diversos festivales veraniegos a lo largo de Europa, como Metal Frenzy, AHAU Open Air, Rock Castle y Rock Dievillage. Por el momento no tienen planes de visitar España.

Los norteamericanos From Ashes to New vuelven este año con su esperadísimo nuevo trabajo Reflections, para demostrar como el metal moderno (que no metalcore, a dios gracias visto el estado el género en la actualidad…) está más vivo y en mejor forma que nunca.

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Los de Lancaster, Pennsylvania, siguen en la línea marcada por sus dos trabajos anteriores, pero con el toque necesario para aportar un poquito más en su evolución como banda.

En estos doce cortes, podremos observar como los chicos han sabido recrear el sonido propio del nu metal, el post hardcore e inyectarle pinceladas pop que los han convertido en una de las punta de lanza en este estilo durante este último tiempo.

El disco abre fuego con “Drag Me” y ya podemos entender que si la fórmula funciona bien, para que vamos a cambiarla, así pues, tenemos esos versos rapeados de Matt Brandyberry más que logrados y combinados con la voz melódica de su compañero Danny Case, formando una dupla explosiva con clara influencia de Limp Bizkit, Linkin Park y Papa Roach, sin duda alguna.

La melancólica “Forever”, hereda el sonido de HIM, pero lo combina con guitarras más modernas y un juego de voces irresistible que hará las delicias de los que crecimos con este sonido a comienzos de los 2000.

Por algo Blind Channel los acompañaron en una de sus últimas giras con Joel Hokka a la voz en Estados Unidos, porque ambas bandas comparten muchas de las mismas fuentes musicales y de inspiración.

“Die For You” es una delicia, con cierta herencia de BMTH, pero muy bien ejecutada y con una melodía imposible de ignorar, sin duda una de las joyas ocultas del disco, que estoy convencido sonará aún mejor en vivo.

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El disco sigue vibrando con “Black Hearts”, quizás el corte más cañero hasta el momento y donde vemos la explosión entre el pop, el rap core y el rock alternativo, todo mezclado y con el sello propio de FATN, pero que si te gustan LP vas a disfrutar de lo lindo.

“Upside Down” y “(Not) Psycho”, muestran ese lado “Old School” de la banda y vemos la gran importancia que le dan a los arreglos, los loops y todo lo que les permita hacer las canciones más redondas posible y aviso a navegantes…Aquí hay unas cuantas.

“New Disease”, muestra como ha evolucionado el metal moderno y si la canción tiene un estribillo con gancho va a pegar seguro, FATN se suma con esta pieza a cortes actuales de bandas como Spiritbox y Sleep Token, además de dejar fuera de juego a I Prevail, ya que parece que dicha banda se olvidó bastante de como hacer piezas redondas, pero tranquilos, que este 2026 ya tenemos a From Ashes to New para solucionar este pequeño percance.

Pero no todo es oro en el disco, ya que “Darkside” no aporta mucho al disco, repitiendo la fórmula de mezclar todo lo anterior pero con un resultado donde lo mejor sin duda es la parte rapeada, al ser el puente sospechosamente parecido al himno “By My Self” de Linkin Park…Una cosa es la influencia y otra el semi-robo descarado, lo mismo que sucede con “Falling From Heaven”, al ser una pieza “Comodín”, si no estaba en este disco, podría haber estado tanto en el anterior como en el próximo que grabe la banda, aún así, es efectiva y mejora a su predecesora sin duda.

Para cerrar tenemos “Your Ghost” y quizás el cierre está bien, pero con un par de canciones menos, sumaría algún punto más al resultado final, aún así, siguen por encima de la media tanto en su discografía como entre sus compañeros de profesión y lo único que esperamos es que no se duerman en los laureles y se acomoden, porque FATN siguen con la maquinaría engrasada y llena de energía…Que no la pierdan nunca!