El próximo 22 de mayo verá la luz, vía Scarlet Records, el nuevo EP de los italianos de Vision Divine consagrando el retorno a los estudios de grabación de la nueva/clásica formación con el regreso del vocalista Michele Luppi y el tecladista Oleg Smirnoff.
Para los amantes del power metal con tintes progresivos es indudable que la reunión había generado una importante expectativa teniendo en cuenta las anteriores gemas que alumbraron años atrás la mayoría de los actuales miembros de la banda. Y esa expectativa, con los nuevos temas que nos trae este EP, A Clockwork Reverie, no ha sido defraudada en absoluto, colocando la vara bastante alta para sus próximas producciones.
La nueva producción arranca con una breve intro, “Sator Rotas”, para desembocar inmediatamente en el tema que da título al lanzamiento. “A clockwork reverie” un tema instrumentalmente excelso que muestra todas las características de esta agrupación: cambio de ritmo, melodía, potencia que te mantienen pegado al equipo de música de principio a fin. Parece destinado a convertir en un futuro clásico de la banda.
Luego, “18 (It feels like heaven)”, canción utilizada como adelanto, muestra otra de las facetas del grupo. Un tema donde bajan un poco la velocidad en función de la generación de climas matizado por las melodías vocales del señor Luppi.
Finalmente, el último de los temas nuevos es “Andromeda” con un comienzo más denso y pesado, acompañado por los teclados del maestro Smirnoff, da paso a una pieza de power metal que, seguramente, se encontrara entre las mejores del género en este 2026.
La banda incorpora al lanzamiento una nueva versión de tres clásicos de la época dorada: “Identities” que originalmente diera cierre a Stream of Consciousness, “God is dead” que formara parte de The Perfect Machine y “The 25th hour” que diera nombre al último de los discos donde estuviera Luppi al comando de las melodías vocales. Versiones que mantienen esa esencial que las convirtió en clásicos de la agrupación italiana, pero ahora presentadas con un sonido más moderno.
En ocasiones versionar temas anteriores es un riesgo para las bandas; este no es el caso, suenan tan buenas como originalmente sonaron, pero con un sonido más acorde a los años que transcurrieron entre una y otra producción.
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Este lanzamiento confirma que la banda suena ajustadísima, tal y como pudimos ver en sus presentaciones en Latinoamérica durante el año pasado. La voz de Luppi te conduce por cada uno de los estados emocionales que el vocalista quiere hacerte sentir, mostrando toda su gama de colores a lo largo de tan solo seis temas, y confirmando que se encuentra en un alto nivel vocal.
Todo suena compacto en cada composición. Cada elemento está en su justo lugar e insertado en beneficio de la composición. El EP no muestra excesos de ningún tipo (ni melódicos, ni de velocidad, ni de abusos de cambio de ritmo, etc.) que busquen mostrar algo más que solo buenas y contundentes composiciones. Es decir, la banda no fuerza parecerse a aquella de la trilogía de principios de los 2000 con Michele Luppi en las voces, sino que parece mostrarnos que las composiciones, por si solas, al ser ejecutadas se van acercado por decantación a la mejor versión de la banda de manera armónica.
Este adelanto de los italianos nos muestra una banda que parece reencontrarse compositiva y musicalmente, con un sonido moderno, pero sin perder su esencia. Hay reencuentro de formaciones “clásicas” que pasan intrascendentemente por la escena musical, este EP parece mostrar que VISION DIVINE tiene un futuro más que prometedor. Un beneficio para la escena y para todos los fanáticos de la banda.
El retorno de miembros claves ha permitido a la banda ofrecernos un producto que cuenta con melodía, técnica instrumental y sentimentalismo en cada una de las piezas que lo componen, incluidas los clásicos reversionados, con un sonido moderno y pulido, pero sin perder la esencia que caracterizó a esos lanzamientos de antaño.
“A Clockwork Reverie” pone de manifiesto que el futuro nos deparara nuevamente grandes composiciones de estos italianos. La vara esta alta.
Los alemanes The Narrator han sacado un álbum (el segundo LP de su carrera) que dará muchísimo que hablar a lo largo de 2026. Phosphor se presenta cómo una oda al Metalcore Moderno y marca un antes y un después para la banda.
El trabajo arranca con una canción homónima y nos indica que no hay intención alguna de perder el tiempo. Un tema con todos los elementos “básicos” del género (riffs pesados, un Fabian a la voz que no hace más que mejorar en varios registros con el paso del tiempo y un breakdown absolutamente demoledor).
Continuamos con la que es para mi una de las mejores canciones del álbum. “Aurora” ya se presentó como single y tuvo una recepción increíble por parte de críticos y público general. En este caso, nos llevan hacia un terreno un poco más melódico que el primer tema sin perder la agresividad que caracteriza a la banda y con un importante mensaje “político” en su letra. Cabe destacar que a nivel producción/mezcla es uno de los trabajos más pulidos de lo que llevamos de año y Ted Jansen de Sterling Sound (Bring Me The Horizon, Korn, Green Day) tiene mucho que ver con ello.
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Vamos ahora con uno de los temas más pesados que es “Modern Age Blasphemy”. Una canción que nos enseña la versión más cruda de la banda y que está ganando popularidad dentro de la escena. Sin dejar de contar con un estribillo memorable y cantable para los directos, el ritmo y la atmósfera me hacen acordar de bandas del estilo de Paleface Swiss y similares con esa sensación de agobio y caos tan característicos.
“Stasis” fue otro de los singles previos al álbum de los que pudimos disfrutar. En este caso nos encontramos con una colaboración con la banda Avralize (también originarios de Alemania) que aporta un poco más de profundidad y variedad al tema. Un concepto parecido a “Aurora”, con la estructura típica del género, otro estribillo para el recuerdo y un solo final replicando la melodía del mismo que le da un aire fresco al cierre de la canción.
El álbum sigue con “Pills From The Start”. Una canción que se publicó en 2025 y que nos recibe con un riff especialmente contundente sin introducción alguna. Volvemos a la cara más “pesada” de la banda y con un tema que por el título se podría deducir que habla del posible abuso de sustancias pero que si prestamos atención a las letras (especialmente importantes con The Narrator) vemos que trata sobre las relaciones tóxicas.
En “Agnosia” nos reencontramos con la parte más moderna de la banda. Un riff más adaptado a las tendencias de 2026, otro increíble estribillo como es habitual en la banda y un breakdown para perder la cabeza. Creo que es importante volver a destacar el trabajo de Ted en álbum para resaltar la claridad y la contundencia con la que se escuchan todos los instrumentos, pistas y voces a lo largo de todo el disco pero especialmente en esta canción.
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Para “Two Lives” (otro de los singles), volvemos a la faceta más polivalente de la banda y especialmente de Fabian (voz). Contamos con una introducción que consta de la voz melódica y varias pistas a nivel atmosférico que nos acompañan hasta el épico estribillo (otra vez) del tema. Repetimos la estructura para la segunda parte del tema pero incorporando la batería y algún que otro arreglo de guitarra antes de volver al estribillo. Eso sí, pese a la mayor presencia de voz melódica y la aparente tranquilidad del tema, nos regalan un breakdown final que pega especialmente bien en esta canción.
Por si nos habíamos olvidado de la pegada de The Narrator, “Dissection” nos devuelve a la senda del agobio y la violencia. Podríamos definir el tema como un breakdown de 2 minutos y 30 segundos de duración con nula presencia de voces melódicas. Una descarga de energía y rabia que actúa de antesala al cierre del disco.
“Iron Grip” y “9010” son un perfecto reflejo de todo el álbum y de la propia banda en si. Una mezcla perfectamente equilibrada entre riffs, breakdowns, guturales, voces melódicas y estribillos que no tardaremos en aprender para cantarlos en futuros conciertos. Un trabajo que nos demuestra que el Metalcore Moderno está en muy buenas manos, sin duda.
Victorius es una de esas bandas de power metal tan desenfadadas y algo inocentonas que resultan perfectas para fiestas, festivales, escuchar en el gimnasio o incluso para disfrutarlas con los pequeños de la casa. Algo del estilo de Grailknights, Angus McSix, All for Metal o incluso Feuerschwanz en sus inicios (aunque estos ya han ascendido a otro nivel).
Los conocí hace unos años y todo en ellos me evocaba “juventud”: la voz de David Baßin es muy juvenil, las guitarras son muy vivas y elásticas y toda la estética de la banda con disfraces, mascarillas, armas locas y láseres me hacía pensar en los protagonistas de algún anime de adolescentes, ¡desde luego en el buen sentido!
Ha pasado el tiempo y estos alemanes han madurado, se han cambiado el peinado, han colgado los trajes negros de ninjas espaciales y… ¡se han subido a sus dinosaurios para seguir haciendo lo mismo de siempre! Y saben hacerlo muy bien.
La verdad es que ver sus actualizaciones de Instagram suele ser uno de mis momentos favoritos de la semana. Son divertidos, están llenos de amigos y además hacen buena música. Con lo mal que está la vida, Victorius es una ráfaga de aire fresco.
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World War Dinosaur es nada más y nada menos que lo que uno espera: riffs muy épicos, solos power-metaleros, escalas mayores que levantan el ánimo y letras que se esfuerzan en detallar toda una diversidad de soldados-dinosaurio. Nos hablan de unidad, libertad, honor, eternidad… pero sin tomarse muy en serio a sí mismas.
Nos recibe además con una portada loquísima de colores neón en la que un megalodón gigante (y uno pequeñito al fondo) luchan contra dinosaurios robóticos capitaneados por la banda con uniformes dorados de superhéroes. Ah, y también hay ninjas ¡nunca se fueron!, solo habían salido un momento para recoger sus espadas láser.
El tópico de los dinosaurios en guerra se va desarrollando a lo largo de todo el disco y el orden de las canciones tiene lógica interna (aunque sin ser exactamente un disco conceptual de los de planteamiento, nudo y desenlace). Tienen algunos videoclips muy simpáticos como “Kingdom of the Strong”, con temática medieval, o “Brachio Bazooka Battalion”, de dibujos animados. Creo que los mejores temas del álbum son precisamente estos dos y también “Golden Glory”, que empieza con un guitarreo muy rápido y una voz susurrada muy sugerente. También tiene interés la canción homónima del disco en la que colaboran Angus McSix y Orden Ogan.
La formación ha sufrido algunos cambios a lo largo del tiempo pero lleva estable desde 2016 y además, el núcleo principal de David Baßin (voces), Dirk Scharsich (guitarra) y Andreas Dockhorn (bajo) es el mismo desde su fundación en 2004; quizás por eso su buena química y compenetración hacen que parezca fácil tocar de forma tan fluida y virtuosa. Por cierto que todos reciben apodos prehistóricos: Baßin es “T‑Rex”, Scharsich es “Raptor”, Dockhorn es “Triceratops”, el batería, Frank Koppe, es “Pteranodon” y el otro guitarrista, Florian Zack, recibe el nombre más friki de todos: “Lasertooth Tiger” (“tigre dientes de láser”, en lugar de “dientes de sable”). En el videoclip “Raptor Squad Attack” podemos ver además cuáles son sus armas y habilidades espaciales, con una divertida estética de videojuego retro.
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La principal pega que podemos ponerles es que el álbum se hace un tanto repetitivo. No cansa, porque es una música ligera y agradable de escuchar. Pero, pese a un par de pequeños experimentos aquí o allá (como unos guturales en “Evil Mean Megalodon” y alguna locución épica aquí y allá), el conjunto suena muy uniforme.
Por otro lado, el exagerado tema bélico, que en otras circunstancias sería simplemente un toque de humor o la trama de una serie animada de los ochenta… en 2026 se me hace más difícil de digerir. Lo entiendo: ¿qué clase de Power Metal podríamos hacer sin batallas? Es un tema clásico y está abordado desde una perspectiva cien por cien lúdica y de fantasía disparatada: son braquiosaurios con bazucas y raptores de choque. Pero cuando el mundo real se está rompiendo en pedazos por la guerra y la codicia, se me hace más difícil escuchar canciones que exaltan el honor en los conflictos, la heroicidad de los soldados que dan el primer golpe o la gloria de la victoria. No hay en todo el disco ni una sola reflexión sobre el género humano ni la política, toda relación que podamos encontrar con la actualidad es puramente casual. Y sin embargo esto tampoco borra mis reparos a escuchar canciones desenfadadas sobre una guerra global, aunque esta sea protagonizada por dinosaurios futuristas.
Entonces, me resulta una música muy disfrutable pero algo frívola. Está para pasarlo bien sin pensar demasiado, ¡y quizás eso ya sea suficiente! Verlos en directo tiene que ser super divertido, cosa que podremos hacer en diversos festivales veraniegos a lo largo de Europa, como Metal Frenzy, AHAU Open Air, Rock Castle y Rock Dievillage. Por el momento no tienen planes de visitar España.
Los norteamericanos From Ashes to New vuelven este año con su esperadísimo nuevo trabajo Reflections, para demostrar como el metal moderno (que no metalcore, a dios gracias visto el estado el género en la actualidad…) está más vivo y en mejor forma que nunca.
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Los de Lancaster, Pennsylvania, siguen en la línea marcada por sus dos trabajos anteriores, pero con el toque necesario para aportar un poquito más en su evolución como banda.
En estos doce cortes, podremos observar como los chicos han sabido recrear el sonido propio del nu metal, el post hardcore e inyectarle pinceladas pop que los han convertido en una de las punta de lanza en este estilo durante este último tiempo.
El disco abre fuego con “Drag Me” y ya podemos entender que si la fórmula funciona bien, para que vamos a cambiarla, así pues, tenemos esos versos rapeados de Matt Brandyberry más que logrados y combinados con la voz melódica de su compañero Danny Case, formando una dupla explosiva con clara influencia de Limp Bizkit, Linkin Park y Papa Roach, sin duda alguna.
La melancólica “Forever”, hereda el sonido de HIM, pero lo combina con guitarras más modernas y un juego de voces irresistible que hará las delicias de los que crecimos con este sonido a comienzos de los 2000.
Por algo Blind Channel los acompañaron en una de sus últimas giras con Joel Hokka a la voz en Estados Unidos, porque ambas bandas comparten muchas de las mismas fuentes musicales y de inspiración.
“Die For You” es una delicia, con cierta herencia de BMTH, pero muy bien ejecutada y con una melodía imposible de ignorar, sin duda una de las joyas ocultas del disco, que estoy convencido sonará aún mejor en vivo.
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El disco sigue vibrando con “Black Hearts”, quizás el corte más cañero hasta el momento y donde vemos la explosión entre el pop, el rap core y el rock alternativo, todo mezclado y con el sello propio de FATN, pero que si te gustan LP vas a disfrutar de lo lindo.
“Upside Down” y “(Not) Psycho”, muestran ese lado “Old School” de la banda y vemos la gran importancia que le dan a los arreglos, los loops y todo lo que les permita hacer las canciones más redondas posible y aviso a navegantes…Aquí hay unas cuantas.
“New Disease”, muestra como ha evolucionado el metal moderno y si la canción tiene un estribillo con gancho va a pegar seguro, FATN se suma con esta pieza a cortes actuales de bandas como Spiritbox y Sleep Token, además de dejar fuera de juego a I Prevail, ya que parece que dicha banda se olvidó bastante de como hacer piezas redondas, pero tranquilos, que este 2026 ya tenemos a From Ashes to New para solucionar este pequeño percance.
Pero no todo es oro en el disco, ya que “Darkside” no aporta mucho al disco, repitiendo la fórmula de mezclar todo lo anterior pero con un resultado donde lo mejor sin duda es la parte rapeada, al ser el puente sospechosamente parecido al himno “By My Self” de Linkin Park…Una cosa es la influencia y otra el semi-robo descarado, lo mismo que sucede con “Falling From Heaven”, al ser una pieza “Comodín”, si no estaba en este disco, podría haber estado tanto en el anterior como en el próximo que grabe la banda, aún así, es efectiva y mejora a su predecesora sin duda.
Para cerrar tenemos “Your Ghost” y quizás el cierre está bien, pero con un par de canciones menos, sumaría algún punto más al resultado final, aún así, siguen por encima de la media tanto en su discografía como entre sus compañeros de profesión y lo único que esperamos es que no se duerman en los laureles y se acomoden, porque FATN siguen con la maquinaría engrasada y llena de energía…Que no la pierdan nunca!
El nuevo EP de los australianos Sugar Spine, Soul Before Spirit, es una carta de presentación muy sólida para quienes no los tenían en el radar. En pocas canciones, la banda deja claro su enfoque: mezclar partes melódicas con momentos mucho más agresivos, moviéndose en una línea cercana al metalcore con toques de deathcore. No es un trabajo especialmente largo, pero sí lo suficientemente consistente como para enganchar desde la primera escucha.
La intro “Daun” marca perfectamente el camino del EP. Comienza con una voz melódica que va creciendo poco a poco, generando tensión hasta que finalmente rompe con un sonido mucho más pesado, cercano al deathcore. Es un inicio que funciona muy bien porque prepara al oyente para lo que viene después, mostrando desde el principio esa dualidad entre lo melódico y lo agresivo que define el disco.
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Con “The Coldness Of Your Absence”, la banda sube el nivel de intensidad. Arranca con mucha fuerza y un punto de caos controlado que le da carácter, para luego abrirse hacia un estribillo melódico muy bien resuelto. Ese contraste es uno de los puntos fuertes del EP, y aquí lo ejecutan de forma especialmente efectiva. Por su parte, “Chained To Your Garden” es otro de los temas más destacados, con un riff muy marcado y una interpretación vocal que lleva el peso del tema. Es una canción directa, bien construida y fácil de recordar.
El cierre llega con “Prisioner of More”, que termina de redondear el EP manteniendo la misma línea y dejando buenas sensaciones. Soul Before Spirit es un muy buen trabajo, compacto y sin relleno, que presenta a una banda con ideas claras y capacidad para moverse entre distintos registros sin perder coherencia. Para quienes no los conocían, es un lanzamiento que merece la pena tener en cuenta.
Nekrogoblikon es una banda muy importante para mí. Los conocí con Welcome to Bonkers y después devoré toda su discografía. Me obsesioné con ellos, me aprendí de memoria cada videoclip, me compré su libro de autoayuda y me suscribí a su hilarante programa de entrevistas Right Now!. Tuve la oportunidad de verlos en 2020 en Madrid (poco antes de que todo cerrara por la pandemia) en su gira con Gloryhammer y Windrose y hasta les paré por la calle para adorarles. Me sentí entonces como la única fan que la banda tenía en España y aunque esto no sea verdad, todo el amor que les tenía valía por un estadio lleno.
A primera vista puede parecer un tanto rara mi obsesión con Nekrogoblikon, ya que para los profanos no es más que un gimmick humorístico, una banda cuya mascota es un goblin y punto. Pero yo siempre he visto algo más en ellos. Para empezar es que me encanta escucharlos, me sienta bien cómo cae su música en mis oídos: es virtuosa, original y llena de ritmo; los teclados de Aaron “Aarynstar” Minich son embriagadores y la batería de Eric W. Brown “Brown of fire”, es frenética. La voz de Nicky “Scorpion” Callone siempre ha sido un portento tanto en limpios como en guturales: escucharle me ha hecho amar y entender mucho mejor el género del Death Metal Melódico. Pero es que además la metáfora de los goblins del espacio exterior, llenos de maldad y rencor, asqueados de su propia inmortalidad, me parece absolutamente perfecta para hablar del género humano. Las letras están llenas de existencialismo, humor negro, genialidad y melancolía. Leerlas ha sido para mí como reconocerme en un espejo roto y ennegrecido por el tiempo.
En 2022 vino Fundamental Slimes and Humours y sentí que se superaban a sí mismos una vez más. ¿No es bonito cuando tu banda favorita está en activo y el material nuevo te sigue emocionando?
Pero entonces, ¡oh calamidad!, a finales de 2023, Nicky “Scorpion” Callone abandonó el grupo. El mismísimo fundador, principal compositor, letrista y único vocalista de la banda desapareció de la noche a la mañana. La banda emitió un breve comunicado sobre que partía en buenos términos con los compañeros para centrarse en sus proyectos personales. También anunciaron a su sustituto: nada menos que Dickie Allen (ex Infant Annihilator). Poco después supe que también lo dejaba Aaron “The Zoot” VanZutphen, el bajista, de forma aún más discreta.
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Justo cuando estaban en un momento de enorme popularidad, tras una gira por sus natales EEUU, con pocos meses de rodaje del disco… ¿qué pasaría con la banda ahora?
En realidad, quienes quedan son unos músicos de gran talento y muchos años de experiencia. Eric “Brown of fire” destaca por ser el autor de la banda sonora del multipremiado videojuego Sea of Stars, entre otras creaciones. Aaron “Aarynstar” es pianista y compositor. Joe D. Nelson imparte masterclass de su instrumento… todos tienen mucho que aportar y en todo momento han mostrado la firme voluntad de seguir adelante.
Por su parte, incorporar a alguien con tanto bagaje como Dickie Allen a los guturales, supone un fichaje incontestable (por cierto, que hace poco leí una entrevista con Will Ramos, de Lorna Shore, quien le citaba como referente e ídolo personal).
Para las voces limpias, sin embargo, han tomado una decisión arriesgada: adjudicárselas al propio John Goblikon, la mascota e inseparable compañero del grupo, con su impactante caracterización. Pero aquí es cuando la cosa se lía aún más. Quien encontramos bajo la máscara no es el habitual Dave Rispoli, actor y periodista, que aparece en sus videoclips, conduce el programa de entrevistas Right Now! y coescribió el libro de autoayuda de la banda: “Guide to Living Your Best Life”. No. Para grabar las voces y ejecutar los directos con el disfraz, el fichaje ha sido Grady Welch (alias “Shady Grady”), cantante y cómico. Sospecho que Grady también es la persona bajo la máscara en la gira de monólogos stand up de John Goblikon… ¿Quién será el encargado de responder a los fans en Cameo? Supongo que lo mejor es dejarse llevar y asumir que John es un ser ubicuo y de fantasía que puede hacer cualquier cosa.
Es curioso ver cantar los limpios a un goblin, cuando su voz de personaje es muy raspada y forzada. Debo decir que Grady no es el mejor cantante del mundo, pero puede defender las partes que le corresponden, sobre todo cuando son más secundarias y corales, o en los temas nuevos, que se han creado a la medida de su rango vocal y el de Allen.
Con todos estos ingredientes, vamos a analizar el nuevo álbum, The Boiling Sea, coincidente con el veinte aniversario de la banda. En realidad es un álbum algo breve, ya que se compone de apenas seis canciones originales, a las que se suman cinco grabaciones en directo de algunos de sus temas más icónicos, cada uno correspondiente a una época diferente.
Sobre los temas nuevos, lo primero que debo decir es que sí suena a Nekrogoblikon. No a sus mejores trabajos, pero sí mantiene la dirección general del grupo y los instrumentos no abandonan su virtuosismo. La pista homónima del disco es la que me ha sonado más auténtica y agradable de escuchar, pero también son interesantes las demás, especialmente “Fiend” con un entretenido videoclip de stop motion, y “Secret Elephant” en colaboración con la banda de Punk-Ska Reel Big Fish cuyos vientos encajan muy bien en el proyecto. Estas dos últimas han sido singles con videoclip así como “Show Me Your Goblin” y “Dead-ish”, dirigidos todos por el habitual Brandon Dermer, excepto el último, que está animado por Kris Baldwin.
En cuanto a las letras, exploran temas habituales de la banda y se esfuerzan en encontrar metáforas sorprendentes. Aún así, son más básicas y no conectan automáticamente con mi sensibilidad como lo hacían sus anteriores trabajos, pero tampoco suponen una caída en picado.
Sobre las grabaciones de los directos, tengo sentimientos encontrados. Siempre es peligroso de cara a los fans reinterpretar un tema antiguo, y más cuando es tan representativo como los escogidos. Por un lado me alegra que esas canciones sigan vivas; por otro, las comparaciones son odiosas.
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En mi opinión, dos cortes superan medianamente bien la prueba. Estos serían “Prince of the Land of Stench”, original de 2011, que surge como un homenaje a la película “Dentro del Laberinto” y “This is it”, del disco inmediatamente anterior al actual. La primera funciona quizás por la ilusión de retomar ese tema tan antiguo y porque la carga vocal recae casi absolutamente sobre Dickie Allen; mientras que la segunda es muy nueva, no tan recubierta por la carga emocional de los clásicos y con un buen equilibrio entre ambas voces… sin embargo, aunque esta también funcione, justamente el contenido de las letras hace que me pregunte si era la opción más adecuada; dice literalmente: “este es mi momento, no el tuyo”, por lo que no estoy segura de que sea un gran acierto relanzarla tras estos cambios importantes entre los miembros de la banda.
Después, considero “Powercore” en la línea del aprobado. Suena muy bien pero es que es un tema tremendamente bueno. Creo que sonaría bien lo tocara quien lo tocase. Sin embargo, la interpretación vocal original era muy especial y artística, y no se puede emular con dos vocalistas ya que se pierde todo el sentido de ese diálogo esquizofrénico que Nicky mantenía consigo mismo, alternando limpios y guturales sin apenas respirar.
Finalmente, “No One Survives” y “The Magic Spider” desde mi humilde opinión, no dan la talla. La primera es el origen de todo, el primer videoclip en el que aparece el personaje de John Goblikon y el tema que le dio popularidad a la banda allá por 2012; en la nueva grabación las voces no alcanzan la perfecta dicción del vocalista anterior e incluso cambia un poco la musicalidad instrumental (recordemos que actualmente giran sin bajista y esto le resta algo de pegada al conjunto). Respecto a la segunda, el protagonismo es del teclado (que sí está magnífico) y de la voz limpia (que no lo está tanto); esta es una pieza muy original y única, que por su delicadeza es difícil de interpretar para que siga sonando a metal y… el resultado no me ha dejado satisfecha. Como digo, me alegra que estas canciones sigan vivas, pero no las elegiría para escucharlas en diferido.
Entonces, tratando de ser lo más objetiva posible, diré que The Boiling Sea me deja un sabor agridulce. Voy a continuar siguiendo a Nekrogoblikon y creo que tienen potencial para seguir emocionándome en un futuro. Desde luego se están esforzando por mantener vivo el proyecto, se están moviendo mucho, están haciendo colaboraciones interesantes con otros artistas (como la que hicieron con Dragonforce para el videojuego Beat Saber), y están girando actualmente con las japonesas Hanabie y con Enterprise Earth. Lo que queda por saber es si terminarán conformándose con ser simplemente una banda divertida y fiestera, sin cultivar esa profundidad artística, lírica y emocional que les distinguía y que les colocaba en el podio de mis bandas favoritas. Espero sus próximas entregas para confirmar su rumbo.
Tras ocho años de larga espera y muchas cosas en el medio, los titanes del heavy metal español Saratoga, regresan con su esperadísimo nuevo disco En Estado Puro, el primero con Charly Parra a la guitarra y Aranu Martí a los parches, quienes junto a Niko del Hierro y Tete Novoa, vuelven a desplegar todo su poder demostrando que a veces, los cambios son para mejor.
El disco comienza con el binomio que ya conocíamos antes de la salida del disco, la poderosa “Inteligencia Artificial” y la feroz y rápida “A Toda Velocidad”, ambas muy bien ejecutadas, con ritmos trepidantes marcados por Niko y Arnau y un Tete Novoa, que te puede gustar más o menos, pero es uno de los 3 mejores cantantes que tiene este país en lo que a heavy metal se refiere, no hay mucho más debate al respecto.
Dicho esto, vamos con las piezas restantes y aunque no quiero caer en la repetición, la realidad tras escucharlas todas es que los cambios que han producido en la banda, han dado ese soplo de aire fresco que venían necesitando desde hacía mucho tiempo, si ponemos este disco al lado de Aeternus, su último disco de 2018, la diferencia es abismal, mucho mejor producido este nuevo, con mejores canciones y remontando un vuelo que venía muy bajo.
En “Silencio”, la banda vuelve a sus orígenes con un sonido muy clásico, pero dotándolo del toque moderno propio del metal que hará las delicias tanto de sus fans más veteranos como de las nuevas generaciones.
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Sin embargo, las revoluciones bajan y con “Alma de Cristal”, Saratoga vuelve a tocarnos la fibra sensible al tratar por medio de la letra la lucha de unos padres que se enteran de que uno de sus hijos sufre una de esas enfermedades infantiles denominadas “Raras” y lejos de venirse abajo intentan afrontarla con valentía y poder para tratar de combatirla.
La voz de Tete pone los pelos como escarpias desde el segundo uno en que escuchas esta pieza y es imposible que no se te haga un nudo en la garganta con la misma.
La poderosa “Vientos de Libertad”, nos muestra que a veces es necesario dar vuelta la página y seguir adelante, ya sea en lo laboral, personal o en cualquier aspecto de nuestra vida cotidiana, Charly Parra bien lo sabe, que se ha tenido que cruzar todo el océano para venir a Madrid a vivir y a comenzar una nueva etapa junto a sus (ya no tan) nuevos compañeros de viaje en Saratoga.
El lado más pesado se hace presente en “Basta ya de Horror”, un potente corte antiguerra y con un trasfondo cercano al sentimiento de paz y la agridulce “Todo Acabó”, donde pese a la oscuridad, uno tiene que intentar remontar y salir adelante.
Las guitarras de Charly suenan espectaculares, se notan los casi 4 años que lleva girando con la banda en América Latina y estaba cantando que el sería el guitarrista ideal para Saratoga, una vez sabido que Jero Ramiro abandonó las filas de la formación madrileña.
Niko como siempre suena impecable marcando el ritmo de la banda junto con Arnau, transmitiendo un poderío admirable para una persona que lleva más de 35 años en esto del heavy metal.
Para resumir lo que es En Estado Puro, podemos afirmar que es un puñetazo sobre la mesa de una banda que ya curó sus heridas y que ahora tiene que seguir adelante, con el paso firme que siempre han tenido y demostrando porque son uno de los nombres propios en la historia del metal español.
Vomitory siempre ha sabido ofrecer exactamente lo que sus seguidores buscan: Death Metal directo, sin rodeos y con una identidad muy clara. Lejos de encasillarse en el típico sonido sueco, la banda ha construido su estilo a base de contundencia y actitud, algo que ya se percibía desde Redemption (1999) y que alcanzó uno de sus puntos más altos con Blood Rapture (2002), consolidando una fórmula basada en riffs efectivos y una energía constante.
El desgaste creativo se hizo evidente en Opus Mortis VIII (2011), un trabajo que marcó el cierre de una etapa antes de su separación temporal. No obstante, su regreso en 2017 trajo consigo una revitalización clara, especialmente con All Heads Are Gonna Roll (2023), donde retomaron el sonido que definió su mejor época. Sin buscar reinventarse, apostaron por reforzar su esencia: Death Metal crudo con ese toque de Grindcore que siempre ha estado presente en su propuesta.
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Con In Death Throes, editado nuevamente por Metal Blade Records, la banda continúa ese camino, aunque con un enfoque ligeramente distinto. A lo largo de sus 37 minutos, el disco mantiene la agresividad característica, pero introduce un ritmo algo más controlado. No pierde fuerza, pero sí muestra una intención de equilibrar mejor la intensidad con estructuras más trabajadas.
Desde “Rapture in Rupture” hasta “Oblivion Protocol”, el álbum deja claro que Vomitory no pretende desviarse de su identidad. Hay guiños a discos como Terrorize Brutalize Sodomize (2007) y Carnage Euphoria (2009), especialmente en las secciones más pesadas, donde priorizan el groove sobre la velocidad extrema. Esa decisión aporta variedad sin romper la coherencia del conjunto.
Canciones como “In Death Throes” y “Cataclysmic Fleshfront” reflejan perfectamente su fórmula, mientras que “Forever Scorned” añade matices más contenidos que enriquecen la escucha. Hacia el final, “Two and a Half Men” y “Erased in Red” recuperan sensaciones de sus primeros años, combinando crudeza, dinamismo y ciertos guiños a influencias más cercanas al thrash, cerrando el disco con fuerza y personalidad.
Este 10 de abril de 2026, los alemanes Lord of the Lost lanzan la tercera y última entrega de su ambiciosa trilogía Opvs Noir, terminando este proyecto por todo lo alto, con un montón de interesantes colaboraciones y con canciones de enorme calidad, que para nada son sobras o caras B de los discos anteriores, sino que incluso pareciera que han dejado lo mejor para el final.
Se han asegurado de dejarnos con un buen sabor de boca para que no nos olvidemos de ellos. Y es que ya han anunciado que tras los festivales de verano se tomarán un descanso de los escenarios, para reponer fuerzas, componer aún más y, en el caso particular del bajista Class “Klaas” Grenayde, centrarse en su salud mental.
Es cierto que llevan unos años de enorme actividad y que en los últimos meses, desde agosto de 2025, nos han regalado un montón de material de escucha, con estos tres volúmenes de Opvs Noir. El descanso es merecido.
En este Vol. 3, observamos una apuesta algo más gótica y pesada que las entregas anteriores. Once canciones absolutamente memorables. Pegajosas y oscuras como el chocolate fundido, con letras empoderantes y positivas en equilibrio con otras tremendamente cargadas de melancolía.
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La hipnótica voz de Chris Harms despliega su rango más amplio e incluso se atreve con el francés en “La Vie Est Hell”, la cual por cierto tiene un estupendo videoclip con la colaboración de Hannes Braun (Kissin’ Dynamite). Por su parte, la instrumentación es equilibrada y tan pegadiza como siempre, dando espacio a cada uno de los seis miembros de la banda. Varias de las canciones añaden algunos adornos e insertos originales, como el del coro infantil en la canción que acabo de nombrar, pero que no creo que resulten en ningún tipo de impedimento para trasladar los temas al directo. Es un trabajo muy redondo.
Resulta fácil destacar detalles y argumentos positivos de cada pista. Todas y cada una de ellas llegarán a ser la favorita de alguien.
El disco abre con “Kill The Lights”, una canción melancólica pero con un estribillo absolutamente impactante y que ya ha demostrado su eficacia abriendo también sus últimos directos.
Tras ello tenemos un estupendo trío de canciones con ritmos groovy y glam, entre las cuáles no sabría elegir cuál es mi favorita. No por casualidad las tres han sido singles del disco, con su correspondiente videoclip: “I’m A Diamond” (feat. Saltatio Mortis) es todo un canto a la recuperación de la autoestima; me seduce por su metáfora del diamante, desde una perspectiva afín pero diferente al reciente éxito de Lorna Shore, “Unbreakeable”. “My Funeral” es una canción muy original y con un punto de humor que además viene acompañada con un videoclip de anime que toca mi tecla de la obsesión; creo que llevará a más de uno a planificar el código de vestimenta de su propio funeral. Por último, “I Hate People” es todo un himno, muy en consonancia con los tiempos actuales. Su título no deja indiferente, pero no nos engañemos, no es una canción misántropa, sino totalmente humanista y en defensa de la autenticidad de cada individuo y la libertad de expresión. En su videoclip podemos además disfrutar de la colaboración con Wednesday 13 (con quien han estado girando por EEUU y Canadá a principios de este año).
Las siguientes dos pistas tratan temas de introspección y de aceptación de la dureza de la propia existencia, al igual que hará más tarde “Take Me Far Away”, con la colaboración de Damien Edwards (de Cats In Space).
Después estamos ante un pequeño bloque de tres canciones que giran en torno al amor o más bien al desamor, de la cuales me ha sorprendido la madurez de las letras. En general, se hace notar positivamente la colaboración del letrista británico Anthony J. Brown a lo largo del disco y de toda la trilogía, demostrando el buen tándem que desarrolla desde hace años con el vocalista Chris Harms.
Finalizan el álbum con “The Days Of Our Lives”, donde la presencia sutil de los teclados me resulta sobrecogedora. Y lo hacen de forma atípica, con un quinto videoclip, que a primera vista resulta muy enigmático, pero que esconde la capacidad de partirnos el corazón en mil pedazos si lo observamos hasta el final.
No puedo terminar esta review sin mencionar el siempre cuidado aspecto estético: Opvs Noir Vol. 1 nos mostraba en su portada la llave, el Vol. 2 nos enseñaba el candado, y por fin, en este Vol. 3 hemos alcanzado la puerta a través de la cual llegaremos al corazón de la banda.
Creo que es una impecable manera de cerrar esta trilogía. Un Lord of the Lost en estado puro: ambicioso, pegadizo, muy glam y muy noir… “negro, hasta que encuentren un color más oscuro”.
Tras una sorpresiva salida de Blind Channel, el vocalista finlandés Joel Hokka ha vuelto a entregar nueva música, en esta ocasión bajo el nombre de Hokka, proyecto que comparte con Paul Rantasalmi, conocido por su labor pasada en The Rasmus a la guitarra y el batería Jimi Aslak.
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Y que tiene para ofrecernos el rubio cantante en este álbum debut, pues una colección de temas que navegan las heladas aguas escandinavas entre el rock alternativo, el pop metal moderno y alguna pincelada de nu metal.
Esto se pone de manifiesto en “Blackbird”, un poderoso comienzo que podría haber estado firmado por Dead by April o From Ashes to New y donde vemos que la irresistible voz de Joel sigue derritiendo barreras y complejos a su paso como hizo con su anterior banda durante una década.
El single “In The Darkness”, fue lo primero que escuchamos del disco y esos ecos a The Rasmus y HIM, son tan obvios como efectivos, demostrando el toque melancólico que este muchacho le sabe dar a sus composiciones, pudiendo llegar a todo tipo de público sin perder la esencia que lo caracteriza.
El binomio compuesto por “Death by Cupid’s Arrow” y “Via Miseria”, siguen la línea de sus dos temas previos, la primera con unos teclados deliciosos que claramente evocan a la banda de Ville Valo y te transportan sin escalas a los 2000, mientras que la segunda es mucho más potente con unas guitarras iniciales bien marcadas y un Joel que combina diferentes registros vocales, brillando sobre todo en el estribillo, el cual podría haber estado en un disco como Violent Pop de BC y creo que no hubiera desencajado para nada.
Esta pinta a ser uno de los bombazos de la banda en directo, sin duda.
La melancolía se adueña de “Heart Said No”, una hermosa y delicada pieza con trasfondo pop oscuro y congelado bajo una intensa nevada en Helsinki que te puede arrancar esas lágrimas que necesitas soltar de vez en cuando, en esta versión suya Joel demuestra porque es un gran artista que no tiene miedo a combinar todas sus influencias a la hora de crear una canción.
“Bon Apetit”, sorprende con un ritmo medio alternativo, combinado con diferentes texturas electrónicas y que deja paso al baladón “Murder Ballad (Dying Flame)”, la cual pone los pelos como escarpias al oyente desde el minuto uno y encaja muy bien dentro de la temática del álbum.
La energía vuelve y las llamas se encienden con “Angels Fall”, un potente corte con guitarras nu metaleras y sensibilidad oscura, al más puro estilo Linkin Park o Papa Roach, de discos como Getting Away With Murder y un Joel Hokka impecable a las voces, con esos agudos tan característicos suyos y mostrando partes más cantadas con otras algo más susurradas, evidenciando que su versatilidad sigue a pleno en esta nueva era.
Tras una continuista, pero acertada “Serpent’s Song”, la banda cierra el disco y sorprende con un cover de “Kiss From a Rose”, precioso tema popularizado por Seal allá por 1994 y que formó parte de la banda sonora de Batman Forever, ahora llevado al terreno de Hokka y siendo justos, de manera muy inteligente ya que encaja con lo que el disco quiere transmitir.
Así pues, sanada la herida por la salida de Joel de su ex-banda, la realidad es que Hokka cumplen a la perfección con lo que esperábamos de ellos en este disco y veremos hacia donde los lleva el mismo, pero de momento, esta sólida colección de canciones, se cuela entre lo más destacado que hemos visto editado esta temporada dentro de su estilo.
El próximo 22 de mayo verá la luz, vía Scarlet Records, el nuevo EP de los italianos de Vision Divine consagrando el retorno a los estudios de grabación de la nueva/clásica formación con el regreso del vocalista Michele Luppi y el tecladista Oleg Smirnoff.
Para los amantes del power metal con tintes progresivos es indudable que la reunión había generado una importante expectativa teniendo en cuenta las anteriores gemas que alumbraron años atrás la mayoría de los actuales miembros de la banda. Y esa expectativa, con los nuevos temas que nos trae este EP, A Clockwork Reverie, no ha sido defraudada en absoluto, colocando la vara bastante alta para sus próximas producciones.
La nueva producción arranca con una breve intro, “Sator Rotas”, para desembocar inmediatamente en el tema que da título al lanzamiento. “A clockwork reverie” un tema instrumentalmente excelso que muestra todas las características de esta agrupación: cambio de ritmo, melodía, potencia que te mantienen pegado al equipo de música de principio a fin. Parece destinado a convertir en un futuro clásico de la banda.
Luego, “18 (It feels like heaven)”, canción utilizada como adelanto, muestra otra de las facetas del grupo. Un tema donde bajan un poco la velocidad en función de la generación de climas matizado por las melodías vocales del señor Luppi.
Finalmente, el último de los temas nuevos es “Andromeda” con un comienzo más denso y pesado, acompañado por los teclados del maestro Smirnoff, da paso a una pieza de power metal que, seguramente, se encontrara entre las mejores del género en este 2026.
La banda incorpora al lanzamiento una nueva versión de tres clásicos de la época dorada: “Identities” que originalmente diera cierre a Stream of Consciousness, “God is dead” que formara parte de The Perfect Machine y “The 25th hour” que diera nombre al último de los discos donde estuviera Luppi al comando de las melodías vocales. Versiones que mantienen esa esencial que las convirtió en clásicos de la agrupación italiana, pero ahora presentadas con un sonido más moderno.
En ocasiones versionar temas anteriores es un riesgo para las bandas; este no es el caso, suenan tan buenas como originalmente sonaron, pero con un sonido más acorde a los años que transcurrieron entre una y otra producción.
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Este lanzamiento confirma que la banda suena ajustadísima, tal y como pudimos ver en sus presentaciones en Latinoamérica durante el año pasado. La voz de Luppi te conduce por cada uno de los estados emocionales que el vocalista quiere hacerte sentir, mostrando toda su gama de colores a lo largo de tan solo seis temas, y confirmando que se encuentra en un alto nivel vocal.
Todo suena compacto en cada composición. Cada elemento está en su justo lugar e insertado en beneficio de la composición. El EP no muestra excesos de ningún tipo (ni melódicos, ni de velocidad, ni de abusos de cambio de ritmo, etc.) que busquen mostrar algo más que solo buenas y contundentes composiciones. Es decir, la banda no fuerza parecerse a aquella de la trilogía de principios de los 2000 con Michele Luppi en las voces, sino que parece mostrarnos que las composiciones, por si solas, al ser ejecutadas se van acercado por decantación a la mejor versión de la banda de manera armónica.
Este adelanto de los italianos nos muestra una banda que parece reencontrarse compositiva y musicalmente, con un sonido moderno, pero sin perder su esencia. Hay reencuentro de formaciones “clásicas” que pasan intrascendentemente por la escena musical, este EP parece mostrar que VISION DIVINE tiene un futuro más que prometedor. Un beneficio para la escena y para todos los fanáticos de la banda.
El retorno de miembros claves ha permitido a la banda ofrecernos un producto que cuenta con melodía, técnica instrumental y sentimentalismo en cada una de las piezas que lo componen, incluidas los clásicos reversionados, con un sonido moderno y pulido, pero sin perder la esencia que caracterizó a esos lanzamientos de antaño.
“A Clockwork Reverie” pone de manifiesto que el futuro nos deparara nuevamente grandes composiciones de estos italianos. La vara esta alta.
Los alemanes The Narrator han sacado un álbum (el segundo LP de su carrera) que dará muchísimo que hablar a lo largo de 2026. Phosphor se presenta cómo una oda al Metalcore Moderno y marca un antes y un después para la banda.
El trabajo arranca con una canción homónima y nos indica que no hay intención alguna de perder el tiempo. Un tema con todos los elementos “básicos” del género (riffs pesados, un Fabian a la voz que no hace más que mejorar en varios registros con el paso del tiempo y un breakdown absolutamente demoledor).
Continuamos con la que es para mi una de las mejores canciones del álbum. “Aurora” ya se presentó como single y tuvo una recepción increíble por parte de críticos y público general. En este caso, nos llevan hacia un terreno un poco más melódico que el primer tema sin perder la agresividad que caracteriza a la banda y con un importante mensaje “político” en su letra. Cabe destacar que a nivel producción/mezcla es uno de los trabajos más pulidos de lo que llevamos de año y Ted Jansen de Sterling Sound (Bring Me The Horizon, Korn, Green Day) tiene mucho que ver con ello.
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Vamos ahora con uno de los temas más pesados que es “Modern Age Blasphemy”. Una canción que nos enseña la versión más cruda de la banda y que está ganando popularidad dentro de la escena. Sin dejar de contar con un estribillo memorable y cantable para los directos, el ritmo y la atmósfera me hacen acordar de bandas del estilo de Paleface Swiss y similares con esa sensación de agobio y caos tan característicos.
“Stasis” fue otro de los singles previos al álbum de los que pudimos disfrutar. En este caso nos encontramos con una colaboración con la banda Avralize (también originarios de Alemania) que aporta un poco más de profundidad y variedad al tema. Un concepto parecido a “Aurora”, con la estructura típica del género, otro estribillo para el recuerdo y un solo final replicando la melodía del mismo que le da un aire fresco al cierre de la canción.
El álbum sigue con “Pills From The Start”. Una canción que se publicó en 2025 y que nos recibe con un riff especialmente contundente sin introducción alguna. Volvemos a la cara más “pesada” de la banda y con un tema que por el título se podría deducir que habla del posible abuso de sustancias pero que si prestamos atención a las letras (especialmente importantes con The Narrator) vemos que trata sobre las relaciones tóxicas.
En “Agnosia” nos reencontramos con la parte más moderna de la banda. Un riff más adaptado a las tendencias de 2026, otro increíble estribillo como es habitual en la banda y un breakdown para perder la cabeza. Creo que es importante volver a destacar el trabajo de Ted en álbum para resaltar la claridad y la contundencia con la que se escuchan todos los instrumentos, pistas y voces a lo largo de todo el disco pero especialmente en esta canción.
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Para “Two Lives” (otro de los singles), volvemos a la faceta más polivalente de la banda y especialmente de Fabian (voz). Contamos con una introducción que consta de la voz melódica y varias pistas a nivel atmosférico que nos acompañan hasta el épico estribillo (otra vez) del tema. Repetimos la estructura para la segunda parte del tema pero incorporando la batería y algún que otro arreglo de guitarra antes de volver al estribillo. Eso sí, pese a la mayor presencia de voz melódica y la aparente tranquilidad del tema, nos regalan un breakdown final que pega especialmente bien en esta canción.
Por si nos habíamos olvidado de la pegada de The Narrator, “Dissection” nos devuelve a la senda del agobio y la violencia. Podríamos definir el tema como un breakdown de 2 minutos y 30 segundos de duración con nula presencia de voces melódicas. Una descarga de energía y rabia que actúa de antesala al cierre del disco.
“Iron Grip” y “9010” son un perfecto reflejo de todo el álbum y de la propia banda en si. Una mezcla perfectamente equilibrada entre riffs, breakdowns, guturales, voces melódicas y estribillos que no tardaremos en aprender para cantarlos en futuros conciertos. Un trabajo que nos demuestra que el Metalcore Moderno está en muy buenas manos, sin duda.
Victorius es una de esas bandas de power metal tan desenfadadas y algo inocentonas que resultan perfectas para fiestas, festivales, escuchar en el gimnasio o incluso para disfrutarlas con los pequeños de la casa. Algo del estilo de Grailknights, Angus McSix, All for Metal o incluso Feuerschwanz en sus inicios (aunque estos ya han ascendido a otro nivel).
Los conocí hace unos años y todo en ellos me evocaba “juventud”: la voz de David Baßin es muy juvenil, las guitarras son muy vivas y elásticas y toda la estética de la banda con disfraces, mascarillas, armas locas y láseres me hacía pensar en los protagonistas de algún anime de adolescentes, ¡desde luego en el buen sentido!
Ha pasado el tiempo y estos alemanes han madurado, se han cambiado el peinado, han colgado los trajes negros de ninjas espaciales y… ¡se han subido a sus dinosaurios para seguir haciendo lo mismo de siempre! Y saben hacerlo muy bien.
La verdad es que ver sus actualizaciones de Instagram suele ser uno de mis momentos favoritos de la semana. Son divertidos, están llenos de amigos y además hacen buena música. Con lo mal que está la vida, Victorius es una ráfaga de aire fresco.
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World War Dinosaur es nada más y nada menos que lo que uno espera: riffs muy épicos, solos power-metaleros, escalas mayores que levantan el ánimo y letras que se esfuerzan en detallar toda una diversidad de soldados-dinosaurio. Nos hablan de unidad, libertad, honor, eternidad… pero sin tomarse muy en serio a sí mismas.
Nos recibe además con una portada loquísima de colores neón en la que un megalodón gigante (y uno pequeñito al fondo) luchan contra dinosaurios robóticos capitaneados por la banda con uniformes dorados de superhéroes. Ah, y también hay ninjas ¡nunca se fueron!, solo habían salido un momento para recoger sus espadas láser.
El tópico de los dinosaurios en guerra se va desarrollando a lo largo de todo el disco y el orden de las canciones tiene lógica interna (aunque sin ser exactamente un disco conceptual de los de planteamiento, nudo y desenlace). Tienen algunos videoclips muy simpáticos como “Kingdom of the Strong”, con temática medieval, o “Brachio Bazooka Battalion”, de dibujos animados. Creo que los mejores temas del álbum son precisamente estos dos y también “Golden Glory”, que empieza con un guitarreo muy rápido y una voz susurrada muy sugerente. También tiene interés la canción homónima del disco en la que colaboran Angus McSix y Orden Ogan.
La formación ha sufrido algunos cambios a lo largo del tiempo pero lleva estable desde 2016 y además, el núcleo principal de David Baßin (voces), Dirk Scharsich (guitarra) y Andreas Dockhorn (bajo) es el mismo desde su fundación en 2004; quizás por eso su buena química y compenetración hacen que parezca fácil tocar de forma tan fluida y virtuosa. Por cierto que todos reciben apodos prehistóricos: Baßin es “T‑Rex”, Scharsich es “Raptor”, Dockhorn es “Triceratops”, el batería, Frank Koppe, es “Pteranodon” y el otro guitarrista, Florian Zack, recibe el nombre más friki de todos: “Lasertooth Tiger” (“tigre dientes de láser”, en lugar de “dientes de sable”). En el videoclip “Raptor Squad Attack” podemos ver además cuáles son sus armas y habilidades espaciales, con una divertida estética de videojuego retro.
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La principal pega que podemos ponerles es que el álbum se hace un tanto repetitivo. No cansa, porque es una música ligera y agradable de escuchar. Pero, pese a un par de pequeños experimentos aquí o allá (como unos guturales en “Evil Mean Megalodon” y alguna locución épica aquí y allá), el conjunto suena muy uniforme.
Por otro lado, el exagerado tema bélico, que en otras circunstancias sería simplemente un toque de humor o la trama de una serie animada de los ochenta… en 2026 se me hace más difícil de digerir. Lo entiendo: ¿qué clase de Power Metal podríamos hacer sin batallas? Es un tema clásico y está abordado desde una perspectiva cien por cien lúdica y de fantasía disparatada: son braquiosaurios con bazucas y raptores de choque. Pero cuando el mundo real se está rompiendo en pedazos por la guerra y la codicia, se me hace más difícil escuchar canciones que exaltan el honor en los conflictos, la heroicidad de los soldados que dan el primer golpe o la gloria de la victoria. No hay en todo el disco ni una sola reflexión sobre el género humano ni la política, toda relación que podamos encontrar con la actualidad es puramente casual. Y sin embargo esto tampoco borra mis reparos a escuchar canciones desenfadadas sobre una guerra global, aunque esta sea protagonizada por dinosaurios futuristas.
Entonces, me resulta una música muy disfrutable pero algo frívola. Está para pasarlo bien sin pensar demasiado, ¡y quizás eso ya sea suficiente! Verlos en directo tiene que ser super divertido, cosa que podremos hacer en diversos festivales veraniegos a lo largo de Europa, como Metal Frenzy, AHAU Open Air, Rock Castle y Rock Dievillage. Por el momento no tienen planes de visitar España.
Los norteamericanos From Ashes to New vuelven este año con su esperadísimo nuevo trabajo Reflections, para demostrar como el metal moderno (que no metalcore, a dios gracias visto el estado el género en la actualidad…) está más vivo y en mejor forma que nunca.
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Los de Lancaster, Pennsylvania, siguen en la línea marcada por sus dos trabajos anteriores, pero con el toque necesario para aportar un poquito más en su evolución como banda.
En estos doce cortes, podremos observar como los chicos han sabido recrear el sonido propio del nu metal, el post hardcore e inyectarle pinceladas pop que los han convertido en una de las punta de lanza en este estilo durante este último tiempo.
El disco abre fuego con “Drag Me” y ya podemos entender que si la fórmula funciona bien, para que vamos a cambiarla, así pues, tenemos esos versos rapeados de Matt Brandyberry más que logrados y combinados con la voz melódica de su compañero Danny Case, formando una dupla explosiva con clara influencia de Limp Bizkit, Linkin Park y Papa Roach, sin duda alguna.
La melancólica “Forever”, hereda el sonido de HIM, pero lo combina con guitarras más modernas y un juego de voces irresistible que hará las delicias de los que crecimos con este sonido a comienzos de los 2000.
Por algo Blind Channel los acompañaron en una de sus últimas giras con Joel Hokka a la voz en Estados Unidos, porque ambas bandas comparten muchas de las mismas fuentes musicales y de inspiración.
“Die For You” es una delicia, con cierta herencia de BMTH, pero muy bien ejecutada y con una melodía imposible de ignorar, sin duda una de las joyas ocultas del disco, que estoy convencido sonará aún mejor en vivo.
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El disco sigue vibrando con “Black Hearts”, quizás el corte más cañero hasta el momento y donde vemos la explosión entre el pop, el rap core y el rock alternativo, todo mezclado y con el sello propio de FATN, pero que si te gustan LP vas a disfrutar de lo lindo.
“Upside Down” y “(Not) Psycho”, muestran ese lado “Old School” de la banda y vemos la gran importancia que le dan a los arreglos, los loops y todo lo que les permita hacer las canciones más redondas posible y aviso a navegantes…Aquí hay unas cuantas.
“New Disease”, muestra como ha evolucionado el metal moderno y si la canción tiene un estribillo con gancho va a pegar seguro, FATN se suma con esta pieza a cortes actuales de bandas como Spiritbox y Sleep Token, además de dejar fuera de juego a I Prevail, ya que parece que dicha banda se olvidó bastante de como hacer piezas redondas, pero tranquilos, que este 2026 ya tenemos a From Ashes to New para solucionar este pequeño percance.
Pero no todo es oro en el disco, ya que “Darkside” no aporta mucho al disco, repitiendo la fórmula de mezclar todo lo anterior pero con un resultado donde lo mejor sin duda es la parte rapeada, al ser el puente sospechosamente parecido al himno “By My Self” de Linkin Park…Una cosa es la influencia y otra el semi-robo descarado, lo mismo que sucede con “Falling From Heaven”, al ser una pieza “Comodín”, si no estaba en este disco, podría haber estado tanto en el anterior como en el próximo que grabe la banda, aún así, es efectiva y mejora a su predecesora sin duda.
Para cerrar tenemos “Your Ghost” y quizás el cierre está bien, pero con un par de canciones menos, sumaría algún punto más al resultado final, aún así, siguen por encima de la media tanto en su discografía como entre sus compañeros de profesión y lo único que esperamos es que no se duerman en los laureles y se acomoden, porque FATN siguen con la maquinaría engrasada y llena de energía…Que no la pierdan nunca!
El nuevo EP de los australianos Sugar Spine, Soul Before Spirit, es una carta de presentación muy sólida para quienes no los tenían en el radar. En pocas canciones, la banda deja claro su enfoque: mezclar partes melódicas con momentos mucho más agresivos, moviéndose en una línea cercana al metalcore con toques de deathcore. No es un trabajo especialmente largo, pero sí lo suficientemente consistente como para enganchar desde la primera escucha.
La intro “Daun” marca perfectamente el camino del EP. Comienza con una voz melódica que va creciendo poco a poco, generando tensión hasta que finalmente rompe con un sonido mucho más pesado, cercano al deathcore. Es un inicio que funciona muy bien porque prepara al oyente para lo que viene después, mostrando desde el principio esa dualidad entre lo melódico y lo agresivo que define el disco.
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Con “The Coldness Of Your Absence”, la banda sube el nivel de intensidad. Arranca con mucha fuerza y un punto de caos controlado que le da carácter, para luego abrirse hacia un estribillo melódico muy bien resuelto. Ese contraste es uno de los puntos fuertes del EP, y aquí lo ejecutan de forma especialmente efectiva. Por su parte, “Chained To Your Garden” es otro de los temas más destacados, con un riff muy marcado y una interpretación vocal que lleva el peso del tema. Es una canción directa, bien construida y fácil de recordar.
El cierre llega con “Prisioner of More”, que termina de redondear el EP manteniendo la misma línea y dejando buenas sensaciones. Soul Before Spirit es un muy buen trabajo, compacto y sin relleno, que presenta a una banda con ideas claras y capacidad para moverse entre distintos registros sin perder coherencia. Para quienes no los conocían, es un lanzamiento que merece la pena tener en cuenta.
Nekrogoblikon es una banda muy importante para mí. Los conocí con Welcome to Bonkers y después devoré toda su discografía. Me obsesioné con ellos, me aprendí de memoria cada videoclip, me compré su libro de autoayuda y me suscribí a su hilarante programa de entrevistas Right Now!. Tuve la oportunidad de verlos en 2020 en Madrid (poco antes de que todo cerrara por la pandemia) en su gira con Gloryhammer y Windrose y hasta les paré por la calle para adorarles. Me sentí entonces como la única fan que la banda tenía en España y aunque esto no sea verdad, todo el amor que les tenía valía por un estadio lleno.
A primera vista puede parecer un tanto rara mi obsesión con Nekrogoblikon, ya que para los profanos no es más que un gimmick humorístico, una banda cuya mascota es un goblin y punto. Pero yo siempre he visto algo más en ellos. Para empezar es que me encanta escucharlos, me sienta bien cómo cae su música en mis oídos: es virtuosa, original y llena de ritmo; los teclados de Aaron “Aarynstar” Minich son embriagadores y la batería de Eric W. Brown “Brown of fire”, es frenética. La voz de Nicky “Scorpion” Callone siempre ha sido un portento tanto en limpios como en guturales: escucharle me ha hecho amar y entender mucho mejor el género del Death Metal Melódico. Pero es que además la metáfora de los goblins del espacio exterior, llenos de maldad y rencor, asqueados de su propia inmortalidad, me parece absolutamente perfecta para hablar del género humano. Las letras están llenas de existencialismo, humor negro, genialidad y melancolía. Leerlas ha sido para mí como reconocerme en un espejo roto y ennegrecido por el tiempo.
En 2022 vino Fundamental Slimes and Humours y sentí que se superaban a sí mismos una vez más. ¿No es bonito cuando tu banda favorita está en activo y el material nuevo te sigue emocionando?
Pero entonces, ¡oh calamidad!, a finales de 2023, Nicky “Scorpion” Callone abandonó el grupo. El mismísimo fundador, principal compositor, letrista y único vocalista de la banda desapareció de la noche a la mañana. La banda emitió un breve comunicado sobre que partía en buenos términos con los compañeros para centrarse en sus proyectos personales. También anunciaron a su sustituto: nada menos que Dickie Allen (ex Infant Annihilator). Poco después supe que también lo dejaba Aaron “The Zoot” VanZutphen, el bajista, de forma aún más discreta.
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Justo cuando estaban en un momento de enorme popularidad, tras una gira por sus natales EEUU, con pocos meses de rodaje del disco… ¿qué pasaría con la banda ahora?
En realidad, quienes quedan son unos músicos de gran talento y muchos años de experiencia. Eric “Brown of fire” destaca por ser el autor de la banda sonora del multipremiado videojuego Sea of Stars, entre otras creaciones. Aaron “Aarynstar” es pianista y compositor. Joe D. Nelson imparte masterclass de su instrumento… todos tienen mucho que aportar y en todo momento han mostrado la firme voluntad de seguir adelante.
Por su parte, incorporar a alguien con tanto bagaje como Dickie Allen a los guturales, supone un fichaje incontestable (por cierto, que hace poco leí una entrevista con Will Ramos, de Lorna Shore, quien le citaba como referente e ídolo personal).
Para las voces limpias, sin embargo, han tomado una decisión arriesgada: adjudicárselas al propio John Goblikon, la mascota e inseparable compañero del grupo, con su impactante caracterización. Pero aquí es cuando la cosa se lía aún más. Quien encontramos bajo la máscara no es el habitual Dave Rispoli, actor y periodista, que aparece en sus videoclips, conduce el programa de entrevistas Right Now! y coescribió el libro de autoayuda de la banda: “Guide to Living Your Best Life”. No. Para grabar las voces y ejecutar los directos con el disfraz, el fichaje ha sido Grady Welch (alias “Shady Grady”), cantante y cómico. Sospecho que Grady también es la persona bajo la máscara en la gira de monólogos stand up de John Goblikon… ¿Quién será el encargado de responder a los fans en Cameo? Supongo que lo mejor es dejarse llevar y asumir que John es un ser ubicuo y de fantasía que puede hacer cualquier cosa.
Es curioso ver cantar los limpios a un goblin, cuando su voz de personaje es muy raspada y forzada. Debo decir que Grady no es el mejor cantante del mundo, pero puede defender las partes que le corresponden, sobre todo cuando son más secundarias y corales, o en los temas nuevos, que se han creado a la medida de su rango vocal y el de Allen.
Con todos estos ingredientes, vamos a analizar el nuevo álbum, The Boiling Sea, coincidente con el veinte aniversario de la banda. En realidad es un álbum algo breve, ya que se compone de apenas seis canciones originales, a las que se suman cinco grabaciones en directo de algunos de sus temas más icónicos, cada uno correspondiente a una época diferente.
Sobre los temas nuevos, lo primero que debo decir es que sí suena a Nekrogoblikon. No a sus mejores trabajos, pero sí mantiene la dirección general del grupo y los instrumentos no abandonan su virtuosismo. La pista homónima del disco es la que me ha sonado más auténtica y agradable de escuchar, pero también son interesantes las demás, especialmente “Fiend” con un entretenido videoclip de stop motion, y “Secret Elephant” en colaboración con la banda de Punk-Ska Reel Big Fish cuyos vientos encajan muy bien en el proyecto. Estas dos últimas han sido singles con videoclip así como “Show Me Your Goblin” y “Dead-ish”, dirigidos todos por el habitual Brandon Dermer, excepto el último, que está animado por Kris Baldwin.
En cuanto a las letras, exploran temas habituales de la banda y se esfuerzan en encontrar metáforas sorprendentes. Aún así, son más básicas y no conectan automáticamente con mi sensibilidad como lo hacían sus anteriores trabajos, pero tampoco suponen una caída en picado.
Sobre las grabaciones de los directos, tengo sentimientos encontrados. Siempre es peligroso de cara a los fans reinterpretar un tema antiguo, y más cuando es tan representativo como los escogidos. Por un lado me alegra que esas canciones sigan vivas; por otro, las comparaciones son odiosas.
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En mi opinión, dos cortes superan medianamente bien la prueba. Estos serían “Prince of the Land of Stench”, original de 2011, que surge como un homenaje a la película “Dentro del Laberinto” y “This is it”, del disco inmediatamente anterior al actual. La primera funciona quizás por la ilusión de retomar ese tema tan antiguo y porque la carga vocal recae casi absolutamente sobre Dickie Allen; mientras que la segunda es muy nueva, no tan recubierta por la carga emocional de los clásicos y con un buen equilibrio entre ambas voces… sin embargo, aunque esta también funcione, justamente el contenido de las letras hace que me pregunte si era la opción más adecuada; dice literalmente: “este es mi momento, no el tuyo”, por lo que no estoy segura de que sea un gran acierto relanzarla tras estos cambios importantes entre los miembros de la banda.
Después, considero “Powercore” en la línea del aprobado. Suena muy bien pero es que es un tema tremendamente bueno. Creo que sonaría bien lo tocara quien lo tocase. Sin embargo, la interpretación vocal original era muy especial y artística, y no se puede emular con dos vocalistas ya que se pierde todo el sentido de ese diálogo esquizofrénico que Nicky mantenía consigo mismo, alternando limpios y guturales sin apenas respirar.
Finalmente, “No One Survives” y “The Magic Spider” desde mi humilde opinión, no dan la talla. La primera es el origen de todo, el primer videoclip en el que aparece el personaje de John Goblikon y el tema que le dio popularidad a la banda allá por 2012; en la nueva grabación las voces no alcanzan la perfecta dicción del vocalista anterior e incluso cambia un poco la musicalidad instrumental (recordemos que actualmente giran sin bajista y esto le resta algo de pegada al conjunto). Respecto a la segunda, el protagonismo es del teclado (que sí está magnífico) y de la voz limpia (que no lo está tanto); esta es una pieza muy original y única, que por su delicadeza es difícil de interpretar para que siga sonando a metal y… el resultado no me ha dejado satisfecha. Como digo, me alegra que estas canciones sigan vivas, pero no las elegiría para escucharlas en diferido.
Entonces, tratando de ser lo más objetiva posible, diré que The Boiling Sea me deja un sabor agridulce. Voy a continuar siguiendo a Nekrogoblikon y creo que tienen potencial para seguir emocionándome en un futuro. Desde luego se están esforzando por mantener vivo el proyecto, se están moviendo mucho, están haciendo colaboraciones interesantes con otros artistas (como la que hicieron con Dragonforce para el videojuego Beat Saber), y están girando actualmente con las japonesas Hanabie y con Enterprise Earth. Lo que queda por saber es si terminarán conformándose con ser simplemente una banda divertida y fiestera, sin cultivar esa profundidad artística, lírica y emocional que les distinguía y que les colocaba en el podio de mis bandas favoritas. Espero sus próximas entregas para confirmar su rumbo.
Tras ocho años de larga espera y muchas cosas en el medio, los titanes del heavy metal español Saratoga, regresan con su esperadísimo nuevo disco En Estado Puro, el primero con Charly Parra a la guitarra y Aranu Martí a los parches, quienes junto a Niko del Hierro y Tete Novoa, vuelven a desplegar todo su poder demostrando que a veces, los cambios son para mejor.
El disco comienza con el binomio que ya conocíamos antes de la salida del disco, la poderosa “Inteligencia Artificial” y la feroz y rápida “A Toda Velocidad”, ambas muy bien ejecutadas, con ritmos trepidantes marcados por Niko y Arnau y un Tete Novoa, que te puede gustar más o menos, pero es uno de los 3 mejores cantantes que tiene este país en lo que a heavy metal se refiere, no hay mucho más debate al respecto.
Dicho esto, vamos con las piezas restantes y aunque no quiero caer en la repetición, la realidad tras escucharlas todas es que los cambios que han producido en la banda, han dado ese soplo de aire fresco que venían necesitando desde hacía mucho tiempo, si ponemos este disco al lado de Aeternus, su último disco de 2018, la diferencia es abismal, mucho mejor producido este nuevo, con mejores canciones y remontando un vuelo que venía muy bajo.
En “Silencio”, la banda vuelve a sus orígenes con un sonido muy clásico, pero dotándolo del toque moderno propio del metal que hará las delicias tanto de sus fans más veteranos como de las nuevas generaciones.
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Sin embargo, las revoluciones bajan y con “Alma de Cristal”, Saratoga vuelve a tocarnos la fibra sensible al tratar por medio de la letra la lucha de unos padres que se enteran de que uno de sus hijos sufre una de esas enfermedades infantiles denominadas “Raras” y lejos de venirse abajo intentan afrontarla con valentía y poder para tratar de combatirla.
La voz de Tete pone los pelos como escarpias desde el segundo uno en que escuchas esta pieza y es imposible que no se te haga un nudo en la garganta con la misma.
La poderosa “Vientos de Libertad”, nos muestra que a veces es necesario dar vuelta la página y seguir adelante, ya sea en lo laboral, personal o en cualquier aspecto de nuestra vida cotidiana, Charly Parra bien lo sabe, que se ha tenido que cruzar todo el océano para venir a Madrid a vivir y a comenzar una nueva etapa junto a sus (ya no tan) nuevos compañeros de viaje en Saratoga.
El lado más pesado se hace presente en “Basta ya de Horror”, un potente corte antiguerra y con un trasfondo cercano al sentimiento de paz y la agridulce “Todo Acabó”, donde pese a la oscuridad, uno tiene que intentar remontar y salir adelante.
Las guitarras de Charly suenan espectaculares, se notan los casi 4 años que lleva girando con la banda en América Latina y estaba cantando que el sería el guitarrista ideal para Saratoga, una vez sabido que Jero Ramiro abandonó las filas de la formación madrileña.
Niko como siempre suena impecable marcando el ritmo de la banda junto con Arnau, transmitiendo un poderío admirable para una persona que lleva más de 35 años en esto del heavy metal.
Para resumir lo que es En Estado Puro, podemos afirmar que es un puñetazo sobre la mesa de una banda que ya curó sus heridas y que ahora tiene que seguir adelante, con el paso firme que siempre han tenido y demostrando porque son uno de los nombres propios en la historia del metal español.
Vomitory siempre ha sabido ofrecer exactamente lo que sus seguidores buscan: Death Metal directo, sin rodeos y con una identidad muy clara. Lejos de encasillarse en el típico sonido sueco, la banda ha construido su estilo a base de contundencia y actitud, algo que ya se percibía desde Redemption (1999) y que alcanzó uno de sus puntos más altos con Blood Rapture (2002), consolidando una fórmula basada en riffs efectivos y una energía constante.
El desgaste creativo se hizo evidente en Opus Mortis VIII (2011), un trabajo que marcó el cierre de una etapa antes de su separación temporal. No obstante, su regreso en 2017 trajo consigo una revitalización clara, especialmente con All Heads Are Gonna Roll (2023), donde retomaron el sonido que definió su mejor época. Sin buscar reinventarse, apostaron por reforzar su esencia: Death Metal crudo con ese toque de Grindcore que siempre ha estado presente en su propuesta.
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Con In Death Throes, editado nuevamente por Metal Blade Records, la banda continúa ese camino, aunque con un enfoque ligeramente distinto. A lo largo de sus 37 minutos, el disco mantiene la agresividad característica, pero introduce un ritmo algo más controlado. No pierde fuerza, pero sí muestra una intención de equilibrar mejor la intensidad con estructuras más trabajadas.
Desde “Rapture in Rupture” hasta “Oblivion Protocol”, el álbum deja claro que Vomitory no pretende desviarse de su identidad. Hay guiños a discos como Terrorize Brutalize Sodomize (2007) y Carnage Euphoria (2009), especialmente en las secciones más pesadas, donde priorizan el groove sobre la velocidad extrema. Esa decisión aporta variedad sin romper la coherencia del conjunto.
Canciones como “In Death Throes” y “Cataclysmic Fleshfront” reflejan perfectamente su fórmula, mientras que “Forever Scorned” añade matices más contenidos que enriquecen la escucha. Hacia el final, “Two and a Half Men” y “Erased in Red” recuperan sensaciones de sus primeros años, combinando crudeza, dinamismo y ciertos guiños a influencias más cercanas al thrash, cerrando el disco con fuerza y personalidad.
Este 10 de abril de 2026, los alemanes Lord of the Lost lanzan la tercera y última entrega de su ambiciosa trilogía Opvs Noir, terminando este proyecto por todo lo alto, con un montón de interesantes colaboraciones y con canciones de enorme calidad, que para nada son sobras o caras B de los discos anteriores, sino que incluso pareciera que han dejado lo mejor para el final.
Se han asegurado de dejarnos con un buen sabor de boca para que no nos olvidemos de ellos. Y es que ya han anunciado que tras los festivales de verano se tomarán un descanso de los escenarios, para reponer fuerzas, componer aún más y, en el caso particular del bajista Class “Klaas” Grenayde, centrarse en su salud mental.
Es cierto que llevan unos años de enorme actividad y que en los últimos meses, desde agosto de 2025, nos han regalado un montón de material de escucha, con estos tres volúmenes de Opvs Noir. El descanso es merecido.
En este Vol. 3, observamos una apuesta algo más gótica y pesada que las entregas anteriores. Once canciones absolutamente memorables. Pegajosas y oscuras como el chocolate fundido, con letras empoderantes y positivas en equilibrio con otras tremendamente cargadas de melancolía.
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La hipnótica voz de Chris Harms despliega su rango más amplio e incluso se atreve con el francés en “La Vie Est Hell”, la cual por cierto tiene un estupendo videoclip con la colaboración de Hannes Braun (Kissin’ Dynamite). Por su parte, la instrumentación es equilibrada y tan pegadiza como siempre, dando espacio a cada uno de los seis miembros de la banda. Varias de las canciones añaden algunos adornos e insertos originales, como el del coro infantil en la canción que acabo de nombrar, pero que no creo que resulten en ningún tipo de impedimento para trasladar los temas al directo. Es un trabajo muy redondo.
Resulta fácil destacar detalles y argumentos positivos de cada pista. Todas y cada una de ellas llegarán a ser la favorita de alguien.
El disco abre con “Kill The Lights”, una canción melancólica pero con un estribillo absolutamente impactante y que ya ha demostrado su eficacia abriendo también sus últimos directos.
Tras ello tenemos un estupendo trío de canciones con ritmos groovy y glam, entre las cuáles no sabría elegir cuál es mi favorita. No por casualidad las tres han sido singles del disco, con su correspondiente videoclip: “I’m A Diamond” (feat. Saltatio Mortis) es todo un canto a la recuperación de la autoestima; me seduce por su metáfora del diamante, desde una perspectiva afín pero diferente al reciente éxito de Lorna Shore, “Unbreakeable”. “My Funeral” es una canción muy original y con un punto de humor que además viene acompañada con un videoclip de anime que toca mi tecla de la obsesión; creo que llevará a más de uno a planificar el código de vestimenta de su propio funeral. Por último, “I Hate People” es todo un himno, muy en consonancia con los tiempos actuales. Su título no deja indiferente, pero no nos engañemos, no es una canción misántropa, sino totalmente humanista y en defensa de la autenticidad de cada individuo y la libertad de expresión. En su videoclip podemos además disfrutar de la colaboración con Wednesday 13 (con quien han estado girando por EEUU y Canadá a principios de este año).
Las siguientes dos pistas tratan temas de introspección y de aceptación de la dureza de la propia existencia, al igual que hará más tarde “Take Me Far Away”, con la colaboración de Damien Edwards (de Cats In Space).
Después estamos ante un pequeño bloque de tres canciones que giran en torno al amor o más bien al desamor, de la cuales me ha sorprendido la madurez de las letras. En general, se hace notar positivamente la colaboración del letrista británico Anthony J. Brown a lo largo del disco y de toda la trilogía, demostrando el buen tándem que desarrolla desde hace años con el vocalista Chris Harms.
Finalizan el álbum con “The Days Of Our Lives”, donde la presencia sutil de los teclados me resulta sobrecogedora. Y lo hacen de forma atípica, con un quinto videoclip, que a primera vista resulta muy enigmático, pero que esconde la capacidad de partirnos el corazón en mil pedazos si lo observamos hasta el final.
No puedo terminar esta review sin mencionar el siempre cuidado aspecto estético: Opvs Noir Vol. 1 nos mostraba en su portada la llave, el Vol. 2 nos enseñaba el candado, y por fin, en este Vol. 3 hemos alcanzado la puerta a través de la cual llegaremos al corazón de la banda.
Creo que es una impecable manera de cerrar esta trilogía. Un Lord of the Lost en estado puro: ambicioso, pegadizo, muy glam y muy noir… “negro, hasta que encuentren un color más oscuro”.
Tras una sorpresiva salida de Blind Channel, el vocalista finlandés Joel Hokka ha vuelto a entregar nueva música, en esta ocasión bajo el nombre de Hokka, proyecto que comparte con Paul Rantasalmi, conocido por su labor pasada en The Rasmus a la guitarra y el batería Jimi Aslak.
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Y que tiene para ofrecernos el rubio cantante en este álbum debut, pues una colección de temas que navegan las heladas aguas escandinavas entre el rock alternativo, el pop metal moderno y alguna pincelada de nu metal.
Esto se pone de manifiesto en “Blackbird”, un poderoso comienzo que podría haber estado firmado por Dead by April o From Ashes to New y donde vemos que la irresistible voz de Joel sigue derritiendo barreras y complejos a su paso como hizo con su anterior banda durante una década.
El single “In The Darkness”, fue lo primero que escuchamos del disco y esos ecos a The Rasmus y HIM, son tan obvios como efectivos, demostrando el toque melancólico que este muchacho le sabe dar a sus composiciones, pudiendo llegar a todo tipo de público sin perder la esencia que lo caracteriza.
El binomio compuesto por “Death by Cupid’s Arrow” y “Via Miseria”, siguen la línea de sus dos temas previos, la primera con unos teclados deliciosos que claramente evocan a la banda de Ville Valo y te transportan sin escalas a los 2000, mientras que la segunda es mucho más potente con unas guitarras iniciales bien marcadas y un Joel que combina diferentes registros vocales, brillando sobre todo en el estribillo, el cual podría haber estado en un disco como Violent Pop de BC y creo que no hubiera desencajado para nada.
Esta pinta a ser uno de los bombazos de la banda en directo, sin duda.
La melancolía se adueña de “Heart Said No”, una hermosa y delicada pieza con trasfondo pop oscuro y congelado bajo una intensa nevada en Helsinki que te puede arrancar esas lágrimas que necesitas soltar de vez en cuando, en esta versión suya Joel demuestra porque es un gran artista que no tiene miedo a combinar todas sus influencias a la hora de crear una canción.
“Bon Apetit”, sorprende con un ritmo medio alternativo, combinado con diferentes texturas electrónicas y que deja paso al baladón “Murder Ballad (Dying Flame)”, la cual pone los pelos como escarpias al oyente desde el minuto uno y encaja muy bien dentro de la temática del álbum.
La energía vuelve y las llamas se encienden con “Angels Fall”, un potente corte con guitarras nu metaleras y sensibilidad oscura, al más puro estilo Linkin Park o Papa Roach, de discos como Getting Away With Murder y un Joel Hokka impecable a las voces, con esos agudos tan característicos suyos y mostrando partes más cantadas con otras algo más susurradas, evidenciando que su versatilidad sigue a pleno en esta nueva era.
Tras una continuista, pero acertada “Serpent’s Song”, la banda cierra el disco y sorprende con un cover de “Kiss From a Rose”, precioso tema popularizado por Seal allá por 1994 y que formó parte de la banda sonora de Batman Forever, ahora llevado al terreno de Hokka y siendo justos, de manera muy inteligente ya que encaja con lo que el disco quiere transmitir.
Así pues, sanada la herida por la salida de Joel de su ex-banda, la realidad es que Hokka cumplen a la perfección con lo que esperábamos de ellos en este disco y veremos hacia donde los lleva el mismo, pero de momento, esta sólida colección de canciones, se cuela entre lo más destacado que hemos visto editado esta temporada dentro de su estilo.
