Hay bandas que parecen ser una sorpresa estar hablando de ellas en pleno 2026. Como si hubiesen estancado en una época. O hubiesen desaparecido del mapa. Y sé que muchos al leer el nombre de la reseña se preguntarán: “¿Lacrimas Profundere? ¿Los alemanes que hacían death/doom a fines de los 90′? ¿Los mismos que sacaron el grandioso Memorandum (1999)? ¿Los que luego se vendieron para subirse a la moda emo de principios de los 2000′?”

Pues las respuestas a todas esas preguntas sería un firme y rotundo: SI. Estamos hablando de los mismos Lacrimas Profundere. La misma banda que formó parte de la adolescencia de más de un fanático de los sonido más pesados y melancólicos.

Con esta duda aclarada, creo que es normal que a más de uno se le vengan nuevas preguntas como: “¿Siguen vivos? ¿Quiénes están? ¿Qué no habían cerrado ese antro?” Todas preguntas válidas que tienen su explicación.

Y es que Lacrimas Profundere siempre estuvo ahí. Nunca se fue. De la mano y mente de Oliver Nikolas Schmid(unico miembro original) el grupo se mantuvo en el tiempo, transitando por distintos caminos. Desde el death/doom más trágico de sus inicios hasta el rock más gótico y emo de comienzos de siglo en pos de alcanzar el éxito en el mercado mainstream.

Pero ¿qué hacen hoy en día? Pues en el último tiempo el grupo ha experimentado por sonidos y tendencias que los han llevado por distintas corrientes musicales. Sin embargo, desde el 2019 con la salida de su Bleeding the Stars, los alemanes vienen combinando la brutalidad de sus inicios junto con la dinámica ganchera de su segunda etapa. Practicando un hibrido entre el metal gótico y el metalcore. Lo que ellos autodenominan Gothicore. Una mezcla que en los papeles quizás suene rara o hasta absurda. Pero que en estudio les viene dando resultados.

Y es que la llegada de Julian Larre le dio el soplo de aire que el grupo necesitaba. Puntualmente, con el regreso de los guturales. En esta obra el vocalista intercala entre su voz limpia y agresiva, consiguiendo los matices que las composiciones precisan.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Motionless in White – Decades (2026)

El disco está compuesto de 10 piezas, en las que hay espacio para explorar las dos facetas del conjunto. La más pesada y violenta. Y también la más melódica y pegajosa. Consiguiendo un balance entre un mundo y otro.

Buen ejemplo de ello es el comienzo con “Days Of Doom” y “Nevermore”. Mientras que la primera nos recibe a base de oscuridad y riffs densos, la siguiente se encarga de meter esas voces melosas propias del metalcore, para endulzar un poco la propuesta y mostrarnos como los alemanes saben buscar el gancho fácil. Pero también hay casos en dónde el grupo integra estas dos facetas en la misma pieza, como sucede con “Faceless”, que maneja un nivel de agresividad y dinámica no muy alejado del metalcore. Mostrando que se pueden mover y adaptar con suma comodidad entre estos rangos musicales.

Los temas no presentan grandes estructuras. Todos consisten un versos y estribillos fácilmente identificables, como para que uno como oyente no pierda la atención y se mantenga enganchado. Y es que los 40 minutos de duración que tiene el disco, en ningún momento terminan por sentirse largos o pesados. Todo lo contrario, se pasan volando en un abrir y cerrar de ojos. De tal forma que el factor de reescucha sea inmediato.

En definitiva, el 2026 nos ubica a Lacrimas Profundere experimentando una suerte de nueva juventud, de mano de este estilo musical en el que se vienen apoyando, en buena parte gracias a los atributos vocales de Julian Larre. No será una obra que recupere a aquellos puristas que conocieron al conjunto en sus inicios. Ni tampoco pretende serlo. En algún punto, se trata de un álbum que se mueve hacia adelante. Y nos trae a una alineación con plena confianza en lo que hacen. Rompiendo de alguna manera, los lineamientos del mercado.

Como gusto culposo, Lacrimas sigue cumpliendo. Y recordándome que hasta en las uñas pintadas, el flequillo emo y el maquilla gótico, hay propuesta.

No soy demasiado partidario de las recopilaciones, pero lo de Tren Loco con Haciendo Historia es otra historia. Después de más de tres décadas de trayectoria, numerosos cambios de formación y la pérdida de Gustavo Zavala, la banda argentina merecía un trabajo que sirviera como homenaje a su propio legado. Aquí encontramos clásicos revisados, con un sonido actualizado y la voz de Daniel Medina, que aporta otros matices a canciones que forman parte de la historia del heavy metal argentino. Carlos Cabral es una leyenda y nadie puede discutir su importancia, pero tenía mucha curiosidad por escuchar cómo funcionarían estos temas con el actual vocalista, y el resultado ha superado mis expectativas.

Se nota especialmente la mano de El Zombie en esta nueva interpretación del repertorio, algo que seguramente no sorprenderá a quienes conocen su intención de llevar a Tren Loco hacia un sonido más moderno. Junto a Dany Wolter en batería, Pablo Soler en segunda guitarra y Sergio “Isopo” Wilson al bajo, la banda consigue darle una nueva dimensión a canciones que muchos conocemos de memoria. Lo interesante es que no se limitan a mejorar la producción o adaptar las voces, sino que también se animan a introducir cambios en los arreglos, demostrando que no tienen miedo de retocar algunos clásicos. “Pampa del Infierno” es uno de los grandes momentos del álbum y esta nueva versión consigue poner la piel de gallina.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Ram – Against (2026)

Evidentemente, habrá seguidores a los que les cueste escuchar “Hoy”, “Apocalipsis” o “Barrio Bajo” con otra voz y un sonido diferente al que recuerdan, pero creo que es una apuesta muy acertada. “Fuera de la Ley”, uno de mis clásicos favoritos de la banda, también tiene una interpretación sublime y, personalmente, me gusta incluso más que la original. Sí, seguramente alguno me quiera matar por decirlo, pero los cambios funcionan y permiten disfrutar de estas canciones desde otra perspectiva. Además, esta actualización puede ser una buena puerta de entrada para que nuevas generaciones descubran el repertorio de una banda fundamental del heavy metal argentino.

El apartado gráfico presenta una portada correcta, que personalmente encuentro bastante más acertada que la de Vieja Escuela. Sin embargo, lo verdaderamente importante está en el contenido y Haciendo Historia termina siendo un gran acierto. No estamos ante una simple recopilación para alimentar la nostalgia, sino frente a una revisión de canciones fundamentales de Tren Loco, con una formación que aporta frescura, una producción renovada y una interpretación vocal que encaja muy bien con esta nueva etapa. Respetar el legado no significa necesariamente dejarlo intacto, y los argentinos demuestran que también se puede rendir homenaje a su propia historia mirando hacia adelante.

Tres años después de Zwielicht, los alemanes Mental Cruelty regresan con Echoes of a Forlorn Land, un álbum que supone un nuevo paso adelante en la evolución de su sonido. Lo que comenzó como una propuesta más cercana al deathcore tradicional ha ido incorporando cada vez más elementos del black metal sinfónico, hasta encontrar una combinación que hoy resulta especialmente convincente. Desde “Weltennacht”, queda claro que la banda ha apostado por desarrollar esa identidad, alternando pasajes de enorme brutalidad con arreglos orquestales, atmósferas oscuras y guitarras que tienen mucho más protagonismo del que suele ser habitual en este tipo de producciones.

Uno de los grandes aciertos del disco es el equilibrio entre sus diferentes elementos. Los breakdowns siguen presentes, la batería mantiene una intensidad demoledora y las voces recorren distintos registros, pero todo está construido con suficiente claridad para que cada instrumento tenga su espacio. En algunos momentos es inevitable encontrar puntos en común con Lorna Shore, especialmente por la combinación de deathcore y elementos sinfónicos, aunque Mental Cruelty consigue aportar otros matices a través de sus influencias de black metal melódico y ciertos detalles cercanos al folk nórdico. “Blood for Blood”, “The Serpent of Midgard” y “Helheim” son buenos ejemplos de esta dirección, incorporando riffs y melodías que enriquecen las composiciones sin restarles agresividad.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: All Shall Perish en Leeds: “Una celebración del deathcore”

El componente épico también tiene un peso importante en el desarrollo de Echoes of a Forlorn Land. Canciones como “Fenrir”, “Draugar” y “Raise the Raven Banner” muestran una banda cada vez más cómoda mezclando sus raíces deathcore con pasajes de inspiración black metal, mientras que “Helheim” sorprende incluso con un solo de guitarra de marcado carácter heavy metal. La temática y los títulos de las canciones refuerzan esa ambientación nórdica que atraviesa el álbum, creando una sensación de conjunto que va más allá de reunir una colección de temas extremos. Todo ello acompañado de una producción contundente, pero suficientemente definida para apreciar los detalles de cada composición.

Con aproximadamente 44 minutos de duración, Echoes of a Forlorn Land es un trabajo muy completo que demuestra hasta dónde puede llegar Mental Cruelty cuando consigue combinar sus diferentes influencias sin depender únicamente de la espectacularidad. La banda ha encontrado una fórmula que le permite sonar brutal, melódica y cinematográfica, con canciones que ofrecen nuevos detalles en cada escucha. Personalmente, me ha parecido un disco tremendo y uno de los lanzamientos más interesantes dentro del deathcore actual. Si Zwielicht ya apuntaba buenas maneras, este nuevo trabajo consolida aquella evolución y deja a los alemanes en un momento creativo excepcional.

Los combativos hardcoretas canadienses Get The Shot vuelven con un potente EP, que lleva por título Crucifixion Depiction, publicado el pasado viernes 23 de octubre de este 2026 vía Arising Empire y donde siguen haciendo gala de músculo, riffs cortantes y breakdowns que quitan el aliento.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR:  Converge – Love is Not Enough (2026)

A pesar de la baja de su anterior vocalista JP Legacé, los muchachos no dan una pizca de debilidad ni quisiera en el aspecto vocal ya que Mathieu Dahni ha encajado muy bien en su labor, contagiando la agresividad y la tensión que esta banda siempre ha tenido y por ello son tan queridos dentro de su escena.

Ya con los primeros alaridos de “Feed Me To The Pigs”, te haces una idea de que nada ha cambiado aquí y que cuidado con cuestionar a los canadienses, por sencillamente te van a aplastar y pasar por encima, a base de un sonido pesado, a veces metal, a veces hardcore, con voces agudas que sirven de apoyo y momentos más “Prototípicos”, dentro del sonido de GTS.

La hermandad HXC se puede ver en el siguiente corte, aunque su similitud con el inicio del disco, hace que en el conjunto global se pierda un poquito en el resultado final, cosa que no ocurre con la feroz y ultra breve “Strained”, donde aquí si la banda arrasa con todo a su paso en 45 segundos y destilando un odio y una bronca que no conviene guardarse nunca.

Para concluir, “Praying Eyes”, cierra este potente trabajo de la banda, que quizás había generado ciertas dudas con los cambios de formación recientes, pero que claramente han sido despejados con este ejercicio brutal y despiadado de hardcore que los sigue poniendo bien arriba entre las bandas más potentes, destacadas y completas de su escena.

Los griegos Elysion celebran sus veinte años de trayectoria con Identity, su cuarto álbum de estudio, un trabajo que demuestra que todavía hay margen para encontrar propuestas interesantes dentro del metal con voz femenina. No suelo conectar demasiado con este estilo, pero el disco me ha sorprendido gratamente gracias a una combinación de melodías envolventes, guitarras contundentes y ciertos detalles modernos que aportan frescura al conjunto. “Do Or Die” abre el álbum con una introducción engañosamente delicada antes de dar paso a un riff que deja claras las intenciones de la banda: alternar momentos atmosféricos con pasajes de mayor intensidad.

La voz de Christianna es uno de los grandes atractivos de Identity. Su interpretación se mueve con soltura entre las partes más suaves y melódicas y los momentos en los que necesita imprimir mayor fuerza, manteniendo siempre una presencia que da personalidad a las composiciones. “Guardian Angel” eleva la intensidad con una estructura más agresiva y una temática especialmente dura, mientras que “Dead Loves” aborda el dolor de la pérdida desde una perspectiva emocional. Son dos ejemplos de cómo Elysion consigue variar los matices sin alejarse de una identidad musical reconocible.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Moonspell – Far From God (2026)

Uno de los aspectos que más me han convencido es la manera en que el grupo incorpora elementos contemporáneos a una fórmula que combina metal gótico, melodía y contundencia. La producción potencia las guitarras y la base rítmica, pero deja espacio para los sintetizadores y los arreglos atmosféricos, evitando que las canciones se conviertan en una sucesión de estructuras previsibles. “Phoenix” destaca por su capacidad para quedarse en la cabeza, mientras que “Gravity” y “Moment In Time” apuestan por unas melodías especialmente atractivas. Aquí es donde Identity gana puntos, gracias a unos estribillos efectivos y a una sonoridad que mira al presente sin renunciar a las raíces del grupo.

El álbum también cuenta con colaboraciones que aportan variedad al repertorio. Konstantinos Togas, de Nightrage, participa en “The Last Ride”, mientras que Sakis Tolis, de Rotting Christ, aparece en “Cosecha”, una de las sorpresas del disco. Estas intervenciones amplían los registros de un trabajo que no depende únicamente de sus momentos más accesibles. En el tramo final, “Nighttime Whispers” ofrece un cierre de carácter más delicado, con guitarras acústicas, sintetizadores y voces que van construyendo una atmósfera progresivamente más intensa. Una despedida bien planteada que demuestra que la banda también sabe desenvolverse cuando reduce la contundencia y deja respirar a las composiciones.

Con Identity, Elysion no pretende reinventar el metal gótico ni romper con las convenciones del género, pero sí entregar un álbum sólido, bien producido y con suficientes detalles propios para destacar entre propuestas similares. Su principal virtud está en combinar melodía, fuerza y arreglos modernos sin perder de vista las canciones, algo que se agradece especialmente en un estilo donde resulta fácil caer en fórmulas demasiado repetitivas. Personalmente, me he encontrado con un disco mucho más interesante de lo que esperaba, con varios temas que invitan a volver a escucharlo y una interpretación vocal que sostiene buena parte de su atractivo. Una agradable sorpresa desde Grecia que merece más atención.

Tras dos años desde su segundo y fantástico trabajo Fuego, los chicos de Xeria vuelven a la escena con Agua, el tercer elemento fundamental en la tierra y donde la banda liderada por Marina Sweet, evidencia que a veces, menos no es más…Es mucho más.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: The Warning – Everything’s Falling (2026)

La banda continúa su evolución y esto ya se puede notar en el corte que abre el disco “Arena entre los Dedos”, donde combinan su sonido clásico con elementos electrónicos, sorprendiendo al oyente pero muy bien armado y con una letra combativa y que evidencia lo delicada que es la situación actual en el mundo.

Marina brilla con luz propia, con su particular estilo vocal, cargado de matices a descubrir con cada escucha y que seguro se engrandece más en directo.

“Tormenta”, sigue la línea de su predecesora, pero quizás con ciertos aires nórdicos que podrían usar bandas como HIM y Battle Beast, aunque siendo meras referencias y una muestra de como estos chicos están creciendo y enriqueciendo su sonido a pasos agigantados.

El corte se hace aún más completo gracias al excelente solo de guitarra a cargo de Carlos, quién está soberbio en todo el disco, consiguiendo de a poco un sonido muy personal tras las seis cuerdas.

Con “Luciérnaga”, llegamos quizás al corte más cañero del álbum y donde Xeria combina todos los elementos que construyen su sonido, una base rítmica potentísima pero de fácil llegada al público rockero, unas guitarras afiladas y de nuevo, Marina haciendo magia frente al micrófono y es que esta chica, ya tiene un sonido propio con la voz, pero en este nuevo trabajo se desmarca aún más de cualquier otra compañera de profesión y seguramente sea uno de los puntos más brillantes de este breve, pero intenso trabajo.

Con “La Jaula de los Días Dóciles”, el disco se acaba, muy a pesar nuestro ya que queríamos seguir indagando en el particular “Universo Xeria”, descubrir sus secretos y ver hacia donde los lleva su evolución, quizás por este motivo, el disco se nos haga más corto de lo deseado, ahora bien mucho cuidado muchachos, porque si esto es solo un “Aperitivo”, creo que no sois muy conscientes de lo que puede llegar a ser el “Álbum Completo”, quedáis avisados y no les perdáis la pista porque aquí hay banda y de las que pueden marcar un camino a seguir en los próximos años.

Tengo un enorme respeto por Tony Iommi y su trayectoria, así que afrontar una reseña de From The Dark no es tarea sencilla. Veintiún años después de Fused, el guitarrista regresa con un nuevo trabajo en solitario que vuelve a demostrar su capacidad para adaptarse a los tiempos sin perder esa personalidad que lo convirtió en una figura fundamental del heavy metal. Con Jorn Lande al frente de las voces, el disco apuesta por una combinación de riffs pesados, melodías poderosas y arreglos que amplían el sonido sin restarle protagonismo a las guitarras.

Desde “Over The Violent Sun”, Iommi deja claras sus intenciones con un repertorio contundente que encuentra en la voz de Lande uno de sus grandes atractivos. El vocalista noruego se mueve con soltura entre registros melódicos, interpretaciones más agresivas y pasajes cargados de dramatismo, aportando una personalidad que encaja perfectamente con las composiciones. “World Alone” y “Stormwatcher” ya anticipaban ese buen entendimiento entre ambos, con estribillos potentes y una interpretación vocal que recuerda algunos de los mejores momentos de su etapa en Ark y Beyond Twilight.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Ram – Against (2026)

La variedad también juega un papel importante en los 42 minutos del álbum. “Beyond The Dead” y “Death Wake” destacan por sus atmósferas oscuras, reforzadas por los teclados y las orquestaciones de Mike Exeter, que enriquecen las composiciones sin saturarlas. En el otro extremo, “Return Of The Arbalist” imprime mayor velocidad y dinamismo, con un Lande que aprovecha cada cambio de ritmo para desplegar sus recursos vocales. Esa combinación de pesadez, melodía y detalles atmosféricos permite que las canciones tengan su propio carácter sin perder la cohesión del conjunto.

Lo interesante de From The Dark es comprobar cómo Tony Iommi mantiene intacta su identidad mientras explora distintas posibilidades sonoras. Sus riffs siguen siendo el eje central de unas composiciones que no dependen únicamente de la nostalgia ni buscan reproducir fórmulas del pasado. La presencia de Jorn Lande resulta especialmente acertada, tanto por su versatilidad como por la intensidad que imprime a cada interpretación. “Legacy”, encargada de cerrar el álbum, prolonga esa combinación de contundencia y melodía que define un trabajo en el que la guitarra de Iommi vuelve a ocupar el lugar que le corresponde.

Los suecos RAM tienen muy claro lo que quieren ofrecer y Against es una buena muestra de ello. Su propuesta mira directamente al heavy metal de los años ochenta, con riffs afilados, guitarras sólidas y ese gusto por las melodías que convierten una canción en algo reconocible desde los primeros compases. No hay grandes sorpresas ni intentos de reinventar el género, pero tampoco parece que esa sea la intención de una banda que lleva desde 1999 defendiendo sus principios. Después de siete años desde su anterior álbum de estudio, el grupo regresa con once canciones que mantienen intacta su apuesta por el sonido clásico.

Desde “Obsession” hasta “The Final Hour”, RAM construyen un repertorio que se mueve con soltura entre el heavy metal tradicional y ciertas inclinaciones hacia el Hard Rock de la década de los ochenta. “Ghost Emperor” destaca por su contundencia y su fidelidad a los patrones clásicos, mientras que “One Vs All” deja entrever la influencia de Accept en sus riffs directos y su carácter combativo. Por su parte, “1984” recupera ese espíritu más melódico y rockero, y “Abattoir” añade una dosis de velocidad y agresividad que aporta variedad al conjunto. Son diferentes maneras de recorrer un territorio conocido, pero ejecutadas con convicción y buen criterio.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Nicklas Malmqvist (Hällas): “La música de Mega Man es como Iron Maiden pero sintetizado”

Es cierto que Against no aporta nada especialmente novedoso al género, aunque eso no significa que estemos ante un mal disco. Hay fórmulas que funcionan y siguen gustando con el paso de las décadas; de lo contrario, AC/DC no ocuparían el lugar que tienen en la historia del rock. La clave está en saber utilizar esos recursos sin que las canciones pierdan fuerza, y ahí RAM cumplen con nota. El sonido es afilado, compacto y sólido, con unas guitarras que encuentran el equilibrio entre la contundencia y el gancho melódico. No hace falta buscar giros inesperados cuando los temas funcionan por sí mismos y mantienen el interés a lo largo de sus 42 minutos.

Con Against, RAM vuelven a demostrar que conocen perfectamente las reglas de su juego. Puede que quienes busquen nuevas direcciones dentro del heavy metal encuentren pocos motivos para sorprenderse, pero los seguidores de los sonidos clásicos tienen aquí un trabajo disfrutable, con buenas canciones y una ejecución que no deja demasiados cabos sueltos. Un buen trabajo de los suecos, que prefieren aferrarse a una identidad reconocible antes que perseguir una originalidad forzada.

Eslovaquia no es un país conocido por tener una escena metalera particularmente fructífera, sobre todo comparada con sus vecinos Austria y, sobre todo, Polonia. Pero en el contexto europeo hasta los países más pequeños pueden tener algún nombre a destacar en el panorama internacional, y si Andorra puede tener a Persefone entonces Eslovaquia puede tener a Signum Regis. Este quinteto de power progresivo la ha hecho muy bien estableciéndose como una agrupación de enfoque internacional, algo donde su elección de estilo le ha venido muy bien: las comunidades de ambos estilos deben ser de las más dadas a romper fronteras, pudiendo encontrar proyectos saliendo de los lugares más remotos. Y si hablamos de juntar gente sin importar fronteras, hay que hablar de este Beyond Spacetime, su octavo LP de estudio.

El nuevo álbum de Signum Regis se fue gestando en circunstancias bastante particulares, según el mismo bajista Ronnie König. A pesar de que König suele ser el compositor principal, la mayor parte de Beyond Spacetime arrancó como un álbum solista del guitarrista Filip Koluš que se decidió redestinar y adaptar a su banda principal. Y con la parte instrumental casi completada, Signum Regis sufrió la baja de su cantante, el brasileño Jota Fortinho: sin tiempo para buscar un cantante fijo que además pudiera grabar de inmediato el álbum, la banda optó por llamar a un listado de cantantes estrellas del heavy metal como invitados, dando lugar a secuela espiritual de Exodus, su álbum de 2013 que recurriera al mismo recurso.

Con un compositor diferente encargado de casi todas las canciones y un listado larguísimo de cantantes con voces y estilos diferentes apareciendo en ellas, cabría esperar que este Beyond Spacetime quedara un tanto descolocado en la discografía del grupo. Pero no creo los fans de Signum Regis y su estilo deban temer en ese aspecto, porque desde el inicio con “Time To Pay” el álbum se ajusta sin problemas a lo que cabe esperarse de parte de los eslovacos.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Mastodon – Marrow Deep (2026)

¿Canciones rápidas marcadas por el doble bombo? ¿Estribillos súper melódicos demostrando las capacidades vocales del cantante? ¿Alguna balada que supura dramatismo por cada poro? ¿Riffs llenos de virtuosismo neoclásico? ¿Pasajes de teclado con ese sonido de clavecín que tanto usan en el power metal? Todo ello está aquí y en buena cantidad: la canción título “Beyond Spacetime” es pura adrenalina power, y la antes mencionada “Time To Pay” podría haber estado en el Invincible Shield de Judas Priest sin problemas y créanme que eso es un cumplido.

“Morning Dawn” muestra el costado más progresivo de Signum Regis, pasando de los riffs vertiginosos a los pasajes melódicos y hasta teniendo un par de momentos de blast beats sorpresivos, algo tan llamativo que tuve que retroceder unos segundos apenas lo escuché para apreciarlo de vuelta. No fue el único momento que me dejó descolocado, porque en “Demon Lord” tenemos ese inicio a pura velocidad y maltrato tanto de cuerdas como de parches de batería… que de repente se vuelve una base de corte funk donde König demuestra su habilidad detrás de las cuatro cuerdas… bueno, en su caso usa un bajo de seis cuerdas. Al igual que en la introducción de “Throne of Gold”, otro de los grandes momentos de Beyond Spacetime.

La lista de cantantes es de verdad una constelación de estrellas, con nombres como Ralf Scheepers (Primal Fear), Ripper Owens (KK’s Priest) y Matt Smith (Theocracy) entre los más destacados, e incluso teniendo a Mayo Petranin, quien ya fuera cantante de Signum Regis y volviera al puesto después de completarse el álbum, cantando junto a Jota Fortinho, quien fuera su reemplazante y a quien ahora también estará reemplazando: König de verdad no mentía cuando decía que de verdad era confuso.

Y si tuviera que sacarme de la manga alguna observación negativa entre tantos cumplidos, diría que el número de cantantes sería lo más probable. Todos los vocalistas hacen un gran trabajo, pero hay tantos que por momentos el disco corre peligro de sentirse más un compilado de canciones de diferentes bandas que un disco completo de Signum Regis. Tal vez como uno de esos lanzamientos donde las bandas regraban sus canciones junto a diferentes cantantes pero sin que nosotros hayamos escuchado las canciones originales.

Pero si no le importan los cambios de voces entre canciones, no veo por qué este Beyond Spacetime no podría ser del agrado de usted, señor/a lector/a, siempre y cuando ya le guste este estilo de power progresivo neoclásico ultra recargado y tenga el estómago listo y preparado para los momentos más azucarados y empalagosos que la fórmula de Signum Regis es capaz de producir.

Kai Hansen es sin dudas la principal figura del metal alemán y también europeo (continental). Miembro fundador de Helloween y uno de sus principales compositores; también supo brillar al frente de Gamma Ray y de tantos otros proyectos (Iron Savior, Unisonic). Su carrera ha ayudado a definir, más que nadie, el sonido del Power Metal. Es por eso que resulta en principio interesante entender cuál sería la dirección de su carrera solista, por llamarla de alguna manera, y qué es lo que tiene para decir este gran artista en el 2026 por fuera de su labor en dichas bandas.

Recordemos que hace 10 años se editó XXX – Three Decades in Metal; un álbum que, si bien presentaba composiciones nuevas, era más bien un esfuerzo realizado con amigos e invitados, un poco al estilo de Avantasia. Uno entendía que se trataba de un gusto que se daba Kai Hasen, en una época donde aún no había vuelto con Helloween y tenía más tiempo libre. En cambio, este álbum que nos convoca hoy llega en un contexto totalmente diferente, con Hansen abocado como nunca a giras mundiales con el conjunto que ayudó a fundar en los 80s. Born With a Hammer ofrece una experiencia completamente distinta o al menos algo alejada de lo esperado. Una propuesta conformada por canciones heterogéneas y cambiantes, donde los hilos conductores son la diversidad y el intento de salir del molde.

Para esta placa Hansen optó por una banda fija, conformada por Eike Freese y Tim Hansen (su hijo) en guitarras, además de él mismo, por supuesto; Alexander Dietz en bajo y Daniel Wilding en la batería. También participa de la producción que, desde lo técnico es impecable, y desde lo artístico quedará en cada uno decidirlo.

Al poner play esa diversidad en el repertorio que mencionamos se hace evidente ya desde los primeros compases de “Feeding The Beast”, una buena elección para abrir. Como sucede en casi toda la placa, el Hansen clásico es reconocible especialmente en las trabajadas melodías vocales y lo bien armados de los estribillos; aunque el vértigo y la velocidad del power metal están ausentes en favor de otros estilos.

“Welcome To Life” es, por su parte, una canción con un espíritu más hardrockero, más festivo, y que me produjo algo de incertidumbre al llegar al quiebre del solo, donde el tema adquiere un ritmo algo cercano al reggae o al ska. Ya estamos en condiciones de apreciar lo que será una constante a lo largo de la placa: la falta de una dirección fija.

Debo decir que “Don´t Care” es de los temas que más me desconcertó. Coqueteando con sonidos electrónicos es la más particular de todas las canciones, y la más alejada del ADN del guitarrista y cantante. La tendencia a experimentar distintos ritmos prosigue con “Wait and See” donde en esta oportunidad se inclina por una atmosfera oscura y recursos propios del Metal Industrial y hasta electrónico y alternativo.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Helloween – Giants & Monsters

El tema que da nombre al álbum, “Born With a Hammer”, es también el número más largo, complejo y trabajado de la placa. Desde el título, la intro, el piano, los arreglos vocales y de guitarra; es una canción que remite directamente a Queen y la genialidad de la banda británica. Una canción ambiciosa, que no intenta ocultar el homenaje, y que se vuelve algo extensa. Requiere bastante más atención que el resto de las canciones para ser apreciada en profundidad.

El dinamismo vuelve de la mano de I.D.G.A.F., por lejos la canción más rockera de la placa y la más desinhibida. No por nada su título son las iniciales de la frase “I don´t give a fuck” tal como se grita desde su estribillo.

“End of The Road” parecía encausar un poco la propuesta, pero su contundente base de guitarras queda en segundo lugar, detrás de un teclado que remite a los años 80s. Imagino que, con otro tratamiento, podría haber sido una buena canción de Helloween (por ej. de haber contado con doble bombo).

“Triple Trouble” es otra de esas canciones difíciles de definir, que mezcla elementos del Hard Rock con Power y hasta algo de Punk. Sin dudas una descarga de energía que vuelve a romper la continuidad sonora del álbum.

“Invaders” ofrece el pasaje más reconocible del artista y lo que uno está acostumbrado a escuchar de él. Es contundente y directa, una canción que debería conformar a quienes seguimos a Hasen desde épocas remotas.

El cierre llega de la mano de “Wonderland”, que aporta el momento más pesado de la placa y que también nos recuerdan de dónde viene esta prolongada historia. Una combinación entre potencia y melodía, acaso las mejores cartas del artista.

Born With a Hammer no parece tanto un disco en sí; sino más bien un rejunte de ideas que Kai Hansen no puede plasmar en Helloween o Gamma Ray, por lo distintas que resultan; y que encontraron su lugar en este 2026. Claramente no busca recorrer caminos similares a obras maestras como los Keeper of The Seven Keys o Land of the Free, y quizás resulte mejor que así sea. Esos pergaminos ya están bien ganados y no hay necesidad de buscar repetirlos.

Aunque la portada hecha con IA sea un espanto, siempre hay que darle una oportunidad a un músico que con semejante carrera sigue poseyendo un espíritu creativo y, sobre todo, que se divierte de hacer lo que más le gusta.

Hay bandas que parecen ser una sorpresa estar hablando de ellas en pleno 2026. Como si hubiesen estancado en una época. O hubiesen desaparecido del mapa. Y sé que muchos al leer el nombre de la reseña se preguntarán: “¿Lacrimas Profundere? ¿Los alemanes que hacían death/doom a fines de los 90′? ¿Los mismos que sacaron el grandioso Memorandum (1999)? ¿Los que luego se vendieron para subirse a la moda emo de principios de los 2000′?”

Pues las respuestas a todas esas preguntas sería un firme y rotundo: SI. Estamos hablando de los mismos Lacrimas Profundere. La misma banda que formó parte de la adolescencia de más de un fanático de los sonido más pesados y melancólicos.

Con esta duda aclarada, creo que es normal que a más de uno se le vengan nuevas preguntas como: “¿Siguen vivos? ¿Quiénes están? ¿Qué no habían cerrado ese antro?” Todas preguntas válidas que tienen su explicación.

Y es que Lacrimas Profundere siempre estuvo ahí. Nunca se fue. De la mano y mente de Oliver Nikolas Schmid(unico miembro original) el grupo se mantuvo en el tiempo, transitando por distintos caminos. Desde el death/doom más trágico de sus inicios hasta el rock más gótico y emo de comienzos de siglo en pos de alcanzar el éxito en el mercado mainstream.

Pero ¿qué hacen hoy en día? Pues en el último tiempo el grupo ha experimentado por sonidos y tendencias que los han llevado por distintas corrientes musicales. Sin embargo, desde el 2019 con la salida de su Bleeding the Stars, los alemanes vienen combinando la brutalidad de sus inicios junto con la dinámica ganchera de su segunda etapa. Practicando un hibrido entre el metal gótico y el metalcore. Lo que ellos autodenominan Gothicore. Una mezcla que en los papeles quizás suene rara o hasta absurda. Pero que en estudio les viene dando resultados.

Y es que la llegada de Julian Larre le dio el soplo de aire que el grupo necesitaba. Puntualmente, con el regreso de los guturales. En esta obra el vocalista intercala entre su voz limpia y agresiva, consiguiendo los matices que las composiciones precisan.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Motionless in White – Decades (2026)

El disco está compuesto de 10 piezas, en las que hay espacio para explorar las dos facetas del conjunto. La más pesada y violenta. Y también la más melódica y pegajosa. Consiguiendo un balance entre un mundo y otro.

Buen ejemplo de ello es el comienzo con “Days Of Doom” y “Nevermore”. Mientras que la primera nos recibe a base de oscuridad y riffs densos, la siguiente se encarga de meter esas voces melosas propias del metalcore, para endulzar un poco la propuesta y mostrarnos como los alemanes saben buscar el gancho fácil. Pero también hay casos en dónde el grupo integra estas dos facetas en la misma pieza, como sucede con “Faceless”, que maneja un nivel de agresividad y dinámica no muy alejado del metalcore. Mostrando que se pueden mover y adaptar con suma comodidad entre estos rangos musicales.

Los temas no presentan grandes estructuras. Todos consisten un versos y estribillos fácilmente identificables, como para que uno como oyente no pierda la atención y se mantenga enganchado. Y es que los 40 minutos de duración que tiene el disco, en ningún momento terminan por sentirse largos o pesados. Todo lo contrario, se pasan volando en un abrir y cerrar de ojos. De tal forma que el factor de reescucha sea inmediato.

En definitiva, el 2026 nos ubica a Lacrimas Profundere experimentando una suerte de nueva juventud, de mano de este estilo musical en el que se vienen apoyando, en buena parte gracias a los atributos vocales de Julian Larre. No será una obra que recupere a aquellos puristas que conocieron al conjunto en sus inicios. Ni tampoco pretende serlo. En algún punto, se trata de un álbum que se mueve hacia adelante. Y nos trae a una alineación con plena confianza en lo que hacen. Rompiendo de alguna manera, los lineamientos del mercado.

Como gusto culposo, Lacrimas sigue cumpliendo. Y recordándome que hasta en las uñas pintadas, el flequillo emo y el maquilla gótico, hay propuesta.

No soy demasiado partidario de las recopilaciones, pero lo de Tren Loco con Haciendo Historia es otra historia. Después de más de tres décadas de trayectoria, numerosos cambios de formación y la pérdida de Gustavo Zavala, la banda argentina merecía un trabajo que sirviera como homenaje a su propio legado. Aquí encontramos clásicos revisados, con un sonido actualizado y la voz de Daniel Medina, que aporta otros matices a canciones que forman parte de la historia del heavy metal argentino. Carlos Cabral es una leyenda y nadie puede discutir su importancia, pero tenía mucha curiosidad por escuchar cómo funcionarían estos temas con el actual vocalista, y el resultado ha superado mis expectativas.

Se nota especialmente la mano de El Zombie en esta nueva interpretación del repertorio, algo que seguramente no sorprenderá a quienes conocen su intención de llevar a Tren Loco hacia un sonido más moderno. Junto a Dany Wolter en batería, Pablo Soler en segunda guitarra y Sergio “Isopo” Wilson al bajo, la banda consigue darle una nueva dimensión a canciones que muchos conocemos de memoria. Lo interesante es que no se limitan a mejorar la producción o adaptar las voces, sino que también se animan a introducir cambios en los arreglos, demostrando que no tienen miedo de retocar algunos clásicos. “Pampa del Infierno” es uno de los grandes momentos del álbum y esta nueva versión consigue poner la piel de gallina.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Ram – Against (2026)

Evidentemente, habrá seguidores a los que les cueste escuchar “Hoy”, “Apocalipsis” o “Barrio Bajo” con otra voz y un sonido diferente al que recuerdan, pero creo que es una apuesta muy acertada. “Fuera de la Ley”, uno de mis clásicos favoritos de la banda, también tiene una interpretación sublime y, personalmente, me gusta incluso más que la original. Sí, seguramente alguno me quiera matar por decirlo, pero los cambios funcionan y permiten disfrutar de estas canciones desde otra perspectiva. Además, esta actualización puede ser una buena puerta de entrada para que nuevas generaciones descubran el repertorio de una banda fundamental del heavy metal argentino.

El apartado gráfico presenta una portada correcta, que personalmente encuentro bastante más acertada que la de Vieja Escuela. Sin embargo, lo verdaderamente importante está en el contenido y Haciendo Historia termina siendo un gran acierto. No estamos ante una simple recopilación para alimentar la nostalgia, sino frente a una revisión de canciones fundamentales de Tren Loco, con una formación que aporta frescura, una producción renovada y una interpretación vocal que encaja muy bien con esta nueva etapa. Respetar el legado no significa necesariamente dejarlo intacto, y los argentinos demuestran que también se puede rendir homenaje a su propia historia mirando hacia adelante.

Tres años después de Zwielicht, los alemanes Mental Cruelty regresan con Echoes of a Forlorn Land, un álbum que supone un nuevo paso adelante en la evolución de su sonido. Lo que comenzó como una propuesta más cercana al deathcore tradicional ha ido incorporando cada vez más elementos del black metal sinfónico, hasta encontrar una combinación que hoy resulta especialmente convincente. Desde “Weltennacht”, queda claro que la banda ha apostado por desarrollar esa identidad, alternando pasajes de enorme brutalidad con arreglos orquestales, atmósferas oscuras y guitarras que tienen mucho más protagonismo del que suele ser habitual en este tipo de producciones.

Uno de los grandes aciertos del disco es el equilibrio entre sus diferentes elementos. Los breakdowns siguen presentes, la batería mantiene una intensidad demoledora y las voces recorren distintos registros, pero todo está construido con suficiente claridad para que cada instrumento tenga su espacio. En algunos momentos es inevitable encontrar puntos en común con Lorna Shore, especialmente por la combinación de deathcore y elementos sinfónicos, aunque Mental Cruelty consigue aportar otros matices a través de sus influencias de black metal melódico y ciertos detalles cercanos al folk nórdico. “Blood for Blood”, “The Serpent of Midgard” y “Helheim” son buenos ejemplos de esta dirección, incorporando riffs y melodías que enriquecen las composiciones sin restarles agresividad.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: All Shall Perish en Leeds: “Una celebración del deathcore”

El componente épico también tiene un peso importante en el desarrollo de Echoes of a Forlorn Land. Canciones como “Fenrir”, “Draugar” y “Raise the Raven Banner” muestran una banda cada vez más cómoda mezclando sus raíces deathcore con pasajes de inspiración black metal, mientras que “Helheim” sorprende incluso con un solo de guitarra de marcado carácter heavy metal. La temática y los títulos de las canciones refuerzan esa ambientación nórdica que atraviesa el álbum, creando una sensación de conjunto que va más allá de reunir una colección de temas extremos. Todo ello acompañado de una producción contundente, pero suficientemente definida para apreciar los detalles de cada composición.

Con aproximadamente 44 minutos de duración, Echoes of a Forlorn Land es un trabajo muy completo que demuestra hasta dónde puede llegar Mental Cruelty cuando consigue combinar sus diferentes influencias sin depender únicamente de la espectacularidad. La banda ha encontrado una fórmula que le permite sonar brutal, melódica y cinematográfica, con canciones que ofrecen nuevos detalles en cada escucha. Personalmente, me ha parecido un disco tremendo y uno de los lanzamientos más interesantes dentro del deathcore actual. Si Zwielicht ya apuntaba buenas maneras, este nuevo trabajo consolida aquella evolución y deja a los alemanes en un momento creativo excepcional.

Los combativos hardcoretas canadienses Get The Shot vuelven con un potente EP, que lleva por título Crucifixion Depiction, publicado el pasado viernes 23 de octubre de este 2026 vía Arising Empire y donde siguen haciendo gala de músculo, riffs cortantes y breakdowns que quitan el aliento.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR:  Converge – Love is Not Enough (2026)

A pesar de la baja de su anterior vocalista JP Legacé, los muchachos no dan una pizca de debilidad ni quisiera en el aspecto vocal ya que Mathieu Dahni ha encajado muy bien en su labor, contagiando la agresividad y la tensión que esta banda siempre ha tenido y por ello son tan queridos dentro de su escena.

Ya con los primeros alaridos de “Feed Me To The Pigs”, te haces una idea de que nada ha cambiado aquí y que cuidado con cuestionar a los canadienses, por sencillamente te van a aplastar y pasar por encima, a base de un sonido pesado, a veces metal, a veces hardcore, con voces agudas que sirven de apoyo y momentos más “Prototípicos”, dentro del sonido de GTS.

La hermandad HXC se puede ver en el siguiente corte, aunque su similitud con el inicio del disco, hace que en el conjunto global se pierda un poquito en el resultado final, cosa que no ocurre con la feroz y ultra breve “Strained”, donde aquí si la banda arrasa con todo a su paso en 45 segundos y destilando un odio y una bronca que no conviene guardarse nunca.

Para concluir, “Praying Eyes”, cierra este potente trabajo de la banda, que quizás había generado ciertas dudas con los cambios de formación recientes, pero que claramente han sido despejados con este ejercicio brutal y despiadado de hardcore que los sigue poniendo bien arriba entre las bandas más potentes, destacadas y completas de su escena.

Los griegos Elysion celebran sus veinte años de trayectoria con Identity, su cuarto álbum de estudio, un trabajo que demuestra que todavía hay margen para encontrar propuestas interesantes dentro del metal con voz femenina. No suelo conectar demasiado con este estilo, pero el disco me ha sorprendido gratamente gracias a una combinación de melodías envolventes, guitarras contundentes y ciertos detalles modernos que aportan frescura al conjunto. “Do Or Die” abre el álbum con una introducción engañosamente delicada antes de dar paso a un riff que deja claras las intenciones de la banda: alternar momentos atmosféricos con pasajes de mayor intensidad.

La voz de Christianna es uno de los grandes atractivos de Identity. Su interpretación se mueve con soltura entre las partes más suaves y melódicas y los momentos en los que necesita imprimir mayor fuerza, manteniendo siempre una presencia que da personalidad a las composiciones. “Guardian Angel” eleva la intensidad con una estructura más agresiva y una temática especialmente dura, mientras que “Dead Loves” aborda el dolor de la pérdida desde una perspectiva emocional. Son dos ejemplos de cómo Elysion consigue variar los matices sin alejarse de una identidad musical reconocible.

TAMBIEN TE PUEDE INTERESAR: Moonspell – Far From God (2026)

Uno de los aspectos que más me han convencido es la manera en que el grupo incorpora elementos contemporáneos a una fórmula que combina metal gótico, melodía y contundencia. La producción potencia las guitarras y la base rítmica, pero deja espacio para los sintetizadores y los arreglos atmosféricos, evitando que las canciones se conviertan en una sucesión de estructuras previsibles. “Phoenix” destaca por su capacidad para quedarse en la cabeza, mientras que “Gravity” y “Moment In Time” apuestan por unas melodías especialmente atractivas. Aquí es donde Identity gana puntos, gracias a unos estribillos efectivos y a una sonoridad que mira al presente sin renunciar a las raíces del grupo.

El álbum también cuenta con colaboraciones que aportan variedad al repertorio. Konstantinos Togas, de Nightrage, participa en “The Last Ride”, mientras que Sakis Tolis, de Rotting Christ, aparece en “Cosecha”, una de las sorpresas del disco. Estas intervenciones amplían los registros de un trabajo que no depende únicamente de sus momentos más accesibles. En el tramo final, “Nighttime Whispers” ofrece un cierre de carácter más delicado, con guitarras acústicas, sintetizadores y voces que van construyendo una atmósfera progresivamente más intensa. Una despedida bien planteada que demuestra que la banda también sabe desenvolverse cuando reduce la contundencia y deja respirar a las composiciones.

Con Identity, Elysion no pretende reinventar el metal gótico ni romper con las convenciones del género, pero sí entregar un álbum sólido, bien producido y con suficientes detalles propios para destacar entre propuestas similares. Su principal virtud está en combinar melodía, fuerza y arreglos modernos sin perder de vista las canciones, algo que se agradece especialmente en un estilo donde resulta fácil caer en fórmulas demasiado repetitivas. Personalmente, me he encontrado con un disco mucho más interesante de lo que esperaba, con varios temas que invitan a volver a escucharlo y una interpretación vocal que sostiene buena parte de su atractivo. Una agradable sorpresa desde Grecia que merece más atención.

Tras dos años desde su segundo y fantástico trabajo Fuego, los chicos de Xeria vuelven a la escena con Agua, el tercer elemento fundamental en la tierra y donde la banda liderada por Marina Sweet, evidencia que a veces, menos no es más…Es mucho más.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: The Warning – Everything’s Falling (2026)

La banda continúa su evolución y esto ya se puede notar en el corte que abre el disco “Arena entre los Dedos”, donde combinan su sonido clásico con elementos electrónicos, sorprendiendo al oyente pero muy bien armado y con una letra combativa y que evidencia lo delicada que es la situación actual en el mundo.

Marina brilla con luz propia, con su particular estilo vocal, cargado de matices a descubrir con cada escucha y que seguro se engrandece más en directo.

“Tormenta”, sigue la línea de su predecesora, pero quizás con ciertos aires nórdicos que podrían usar bandas como HIM y Battle Beast, aunque siendo meras referencias y una muestra de como estos chicos están creciendo y enriqueciendo su sonido a pasos agigantados.

El corte se hace aún más completo gracias al excelente solo de guitarra a cargo de Carlos, quién está soberbio en todo el disco, consiguiendo de a poco un sonido muy personal tras las seis cuerdas.

Con “Luciérnaga”, llegamos quizás al corte más cañero del álbum y donde Xeria combina todos los elementos que construyen su sonido, una base rítmica potentísima pero de fácil llegada al público rockero, unas guitarras afiladas y de nuevo, Marina haciendo magia frente al micrófono y es que esta chica, ya tiene un sonido propio con la voz, pero en este nuevo trabajo se desmarca aún más de cualquier otra compañera de profesión y seguramente sea uno de los puntos más brillantes de este breve, pero intenso trabajo.

Con “La Jaula de los Días Dóciles”, el disco se acaba, muy a pesar nuestro ya que queríamos seguir indagando en el particular “Universo Xeria”, descubrir sus secretos y ver hacia donde los lleva su evolución, quizás por este motivo, el disco se nos haga más corto de lo deseado, ahora bien mucho cuidado muchachos, porque si esto es solo un “Aperitivo”, creo que no sois muy conscientes de lo que puede llegar a ser el “Álbum Completo”, quedáis avisados y no les perdáis la pista porque aquí hay banda y de las que pueden marcar un camino a seguir en los próximos años.

Tengo un enorme respeto por Tony Iommi y su trayectoria, así que afrontar una reseña de From The Dark no es tarea sencilla. Veintiún años después de Fused, el guitarrista regresa con un nuevo trabajo en solitario que vuelve a demostrar su capacidad para adaptarse a los tiempos sin perder esa personalidad que lo convirtió en una figura fundamental del heavy metal. Con Jorn Lande al frente de las voces, el disco apuesta por una combinación de riffs pesados, melodías poderosas y arreglos que amplían el sonido sin restarle protagonismo a las guitarras.

Desde “Over The Violent Sun”, Iommi deja claras sus intenciones con un repertorio contundente que encuentra en la voz de Lande uno de sus grandes atractivos. El vocalista noruego se mueve con soltura entre registros melódicos, interpretaciones más agresivas y pasajes cargados de dramatismo, aportando una personalidad que encaja perfectamente con las composiciones. “World Alone” y “Stormwatcher” ya anticipaban ese buen entendimiento entre ambos, con estribillos potentes y una interpretación vocal que recuerda algunos de los mejores momentos de su etapa en Ark y Beyond Twilight.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Ram – Against (2026)

La variedad también juega un papel importante en los 42 minutos del álbum. “Beyond The Dead” y “Death Wake” destacan por sus atmósferas oscuras, reforzadas por los teclados y las orquestaciones de Mike Exeter, que enriquecen las composiciones sin saturarlas. En el otro extremo, “Return Of The Arbalist” imprime mayor velocidad y dinamismo, con un Lande que aprovecha cada cambio de ritmo para desplegar sus recursos vocales. Esa combinación de pesadez, melodía y detalles atmosféricos permite que las canciones tengan su propio carácter sin perder la cohesión del conjunto.

Lo interesante de From The Dark es comprobar cómo Tony Iommi mantiene intacta su identidad mientras explora distintas posibilidades sonoras. Sus riffs siguen siendo el eje central de unas composiciones que no dependen únicamente de la nostalgia ni buscan reproducir fórmulas del pasado. La presencia de Jorn Lande resulta especialmente acertada, tanto por su versatilidad como por la intensidad que imprime a cada interpretación. “Legacy”, encargada de cerrar el álbum, prolonga esa combinación de contundencia y melodía que define un trabajo en el que la guitarra de Iommi vuelve a ocupar el lugar que le corresponde.

Los suecos RAM tienen muy claro lo que quieren ofrecer y Against es una buena muestra de ello. Su propuesta mira directamente al heavy metal de los años ochenta, con riffs afilados, guitarras sólidas y ese gusto por las melodías que convierten una canción en algo reconocible desde los primeros compases. No hay grandes sorpresas ni intentos de reinventar el género, pero tampoco parece que esa sea la intención de una banda que lleva desde 1999 defendiendo sus principios. Después de siete años desde su anterior álbum de estudio, el grupo regresa con once canciones que mantienen intacta su apuesta por el sonido clásico.

Desde “Obsession” hasta “The Final Hour”, RAM construyen un repertorio que se mueve con soltura entre el heavy metal tradicional y ciertas inclinaciones hacia el Hard Rock de la década de los ochenta. “Ghost Emperor” destaca por su contundencia y su fidelidad a los patrones clásicos, mientras que “One Vs All” deja entrever la influencia de Accept en sus riffs directos y su carácter combativo. Por su parte, “1984” recupera ese espíritu más melódico y rockero, y “Abattoir” añade una dosis de velocidad y agresividad que aporta variedad al conjunto. Son diferentes maneras de recorrer un territorio conocido, pero ejecutadas con convicción y buen criterio.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Nicklas Malmqvist (Hällas): “La música de Mega Man es como Iron Maiden pero sintetizado”

Es cierto que Against no aporta nada especialmente novedoso al género, aunque eso no significa que estemos ante un mal disco. Hay fórmulas que funcionan y siguen gustando con el paso de las décadas; de lo contrario, AC/DC no ocuparían el lugar que tienen en la historia del rock. La clave está en saber utilizar esos recursos sin que las canciones pierdan fuerza, y ahí RAM cumplen con nota. El sonido es afilado, compacto y sólido, con unas guitarras que encuentran el equilibrio entre la contundencia y el gancho melódico. No hace falta buscar giros inesperados cuando los temas funcionan por sí mismos y mantienen el interés a lo largo de sus 42 minutos.

Con Against, RAM vuelven a demostrar que conocen perfectamente las reglas de su juego. Puede que quienes busquen nuevas direcciones dentro del heavy metal encuentren pocos motivos para sorprenderse, pero los seguidores de los sonidos clásicos tienen aquí un trabajo disfrutable, con buenas canciones y una ejecución que no deja demasiados cabos sueltos. Un buen trabajo de los suecos, que prefieren aferrarse a una identidad reconocible antes que perseguir una originalidad forzada.

Eslovaquia no es un país conocido por tener una escena metalera particularmente fructífera, sobre todo comparada con sus vecinos Austria y, sobre todo, Polonia. Pero en el contexto europeo hasta los países más pequeños pueden tener algún nombre a destacar en el panorama internacional, y si Andorra puede tener a Persefone entonces Eslovaquia puede tener a Signum Regis. Este quinteto de power progresivo la ha hecho muy bien estableciéndose como una agrupación de enfoque internacional, algo donde su elección de estilo le ha venido muy bien: las comunidades de ambos estilos deben ser de las más dadas a romper fronteras, pudiendo encontrar proyectos saliendo de los lugares más remotos. Y si hablamos de juntar gente sin importar fronteras, hay que hablar de este Beyond Spacetime, su octavo LP de estudio.

El nuevo álbum de Signum Regis se fue gestando en circunstancias bastante particulares, según el mismo bajista Ronnie König. A pesar de que König suele ser el compositor principal, la mayor parte de Beyond Spacetime arrancó como un álbum solista del guitarrista Filip Koluš que se decidió redestinar y adaptar a su banda principal. Y con la parte instrumental casi completada, Signum Regis sufrió la baja de su cantante, el brasileño Jota Fortinho: sin tiempo para buscar un cantante fijo que además pudiera grabar de inmediato el álbum, la banda optó por llamar a un listado de cantantes estrellas del heavy metal como invitados, dando lugar a secuela espiritual de Exodus, su álbum de 2013 que recurriera al mismo recurso.

Con un compositor diferente encargado de casi todas las canciones y un listado larguísimo de cantantes con voces y estilos diferentes apareciendo en ellas, cabría esperar que este Beyond Spacetime quedara un tanto descolocado en la discografía del grupo. Pero no creo los fans de Signum Regis y su estilo deban temer en ese aspecto, porque desde el inicio con “Time To Pay” el álbum se ajusta sin problemas a lo que cabe esperarse de parte de los eslovacos.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Mastodon – Marrow Deep (2026)

¿Canciones rápidas marcadas por el doble bombo? ¿Estribillos súper melódicos demostrando las capacidades vocales del cantante? ¿Alguna balada que supura dramatismo por cada poro? ¿Riffs llenos de virtuosismo neoclásico? ¿Pasajes de teclado con ese sonido de clavecín que tanto usan en el power metal? Todo ello está aquí y en buena cantidad: la canción título “Beyond Spacetime” es pura adrenalina power, y la antes mencionada “Time To Pay” podría haber estado en el Invincible Shield de Judas Priest sin problemas y créanme que eso es un cumplido.

“Morning Dawn” muestra el costado más progresivo de Signum Regis, pasando de los riffs vertiginosos a los pasajes melódicos y hasta teniendo un par de momentos de blast beats sorpresivos, algo tan llamativo que tuve que retroceder unos segundos apenas lo escuché para apreciarlo de vuelta. No fue el único momento que me dejó descolocado, porque en “Demon Lord” tenemos ese inicio a pura velocidad y maltrato tanto de cuerdas como de parches de batería… que de repente se vuelve una base de corte funk donde König demuestra su habilidad detrás de las cuatro cuerdas… bueno, en su caso usa un bajo de seis cuerdas. Al igual que en la introducción de “Throne of Gold”, otro de los grandes momentos de Beyond Spacetime.

La lista de cantantes es de verdad una constelación de estrellas, con nombres como Ralf Scheepers (Primal Fear), Ripper Owens (KK’s Priest) y Matt Smith (Theocracy) entre los más destacados, e incluso teniendo a Mayo Petranin, quien ya fuera cantante de Signum Regis y volviera al puesto después de completarse el álbum, cantando junto a Jota Fortinho, quien fuera su reemplazante y a quien ahora también estará reemplazando: König de verdad no mentía cuando decía que de verdad era confuso.

Y si tuviera que sacarme de la manga alguna observación negativa entre tantos cumplidos, diría que el número de cantantes sería lo más probable. Todos los vocalistas hacen un gran trabajo, pero hay tantos que por momentos el disco corre peligro de sentirse más un compilado de canciones de diferentes bandas que un disco completo de Signum Regis. Tal vez como uno de esos lanzamientos donde las bandas regraban sus canciones junto a diferentes cantantes pero sin que nosotros hayamos escuchado las canciones originales.

Pero si no le importan los cambios de voces entre canciones, no veo por qué este Beyond Spacetime no podría ser del agrado de usted, señor/a lector/a, siempre y cuando ya le guste este estilo de power progresivo neoclásico ultra recargado y tenga el estómago listo y preparado para los momentos más azucarados y empalagosos que la fórmula de Signum Regis es capaz de producir.

Kai Hansen es sin dudas la principal figura del metal alemán y también europeo (continental). Miembro fundador de Helloween y uno de sus principales compositores; también supo brillar al frente de Gamma Ray y de tantos otros proyectos (Iron Savior, Unisonic). Su carrera ha ayudado a definir, más que nadie, el sonido del Power Metal. Es por eso que resulta en principio interesante entender cuál sería la dirección de su carrera solista, por llamarla de alguna manera, y qué es lo que tiene para decir este gran artista en el 2026 por fuera de su labor en dichas bandas.

Recordemos que hace 10 años se editó XXX – Three Decades in Metal; un álbum que, si bien presentaba composiciones nuevas, era más bien un esfuerzo realizado con amigos e invitados, un poco al estilo de Avantasia. Uno entendía que se trataba de un gusto que se daba Kai Hasen, en una época donde aún no había vuelto con Helloween y tenía más tiempo libre. En cambio, este álbum que nos convoca hoy llega en un contexto totalmente diferente, con Hansen abocado como nunca a giras mundiales con el conjunto que ayudó a fundar en los 80s. Born With a Hammer ofrece una experiencia completamente distinta o al menos algo alejada de lo esperado. Una propuesta conformada por canciones heterogéneas y cambiantes, donde los hilos conductores son la diversidad y el intento de salir del molde.

Para esta placa Hansen optó por una banda fija, conformada por Eike Freese y Tim Hansen (su hijo) en guitarras, además de él mismo, por supuesto; Alexander Dietz en bajo y Daniel Wilding en la batería. También participa de la producción que, desde lo técnico es impecable, y desde lo artístico quedará en cada uno decidirlo.

Al poner play esa diversidad en el repertorio que mencionamos se hace evidente ya desde los primeros compases de “Feeding The Beast”, una buena elección para abrir. Como sucede en casi toda la placa, el Hansen clásico es reconocible especialmente en las trabajadas melodías vocales y lo bien armados de los estribillos; aunque el vértigo y la velocidad del power metal están ausentes en favor de otros estilos.

“Welcome To Life” es, por su parte, una canción con un espíritu más hardrockero, más festivo, y que me produjo algo de incertidumbre al llegar al quiebre del solo, donde el tema adquiere un ritmo algo cercano al reggae o al ska. Ya estamos en condiciones de apreciar lo que será una constante a lo largo de la placa: la falta de una dirección fija.

Debo decir que “Don´t Care” es de los temas que más me desconcertó. Coqueteando con sonidos electrónicos es la más particular de todas las canciones, y la más alejada del ADN del guitarrista y cantante. La tendencia a experimentar distintos ritmos prosigue con “Wait and See” donde en esta oportunidad se inclina por una atmosfera oscura y recursos propios del Metal Industrial y hasta electrónico y alternativo.

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR: Helloween – Giants & Monsters

El tema que da nombre al álbum, “Born With a Hammer”, es también el número más largo, complejo y trabajado de la placa. Desde el título, la intro, el piano, los arreglos vocales y de guitarra; es una canción que remite directamente a Queen y la genialidad de la banda británica. Una canción ambiciosa, que no intenta ocultar el homenaje, y que se vuelve algo extensa. Requiere bastante más atención que el resto de las canciones para ser apreciada en profundidad.

El dinamismo vuelve de la mano de I.D.G.A.F., por lejos la canción más rockera de la placa y la más desinhibida. No por nada su título son las iniciales de la frase “I don´t give a fuck” tal como se grita desde su estribillo.

“End of The Road” parecía encausar un poco la propuesta, pero su contundente base de guitarras queda en segundo lugar, detrás de un teclado que remite a los años 80s. Imagino que, con otro tratamiento, podría haber sido una buena canción de Helloween (por ej. de haber contado con doble bombo).

“Triple Trouble” es otra de esas canciones difíciles de definir, que mezcla elementos del Hard Rock con Power y hasta algo de Punk. Sin dudas una descarga de energía que vuelve a romper la continuidad sonora del álbum.

“Invaders” ofrece el pasaje más reconocible del artista y lo que uno está acostumbrado a escuchar de él. Es contundente y directa, una canción que debería conformar a quienes seguimos a Hasen desde épocas remotas.

El cierre llega de la mano de “Wonderland”, que aporta el momento más pesado de la placa y que también nos recuerdan de dónde viene esta prolongada historia. Una combinación entre potencia y melodía, acaso las mejores cartas del artista.

Born With a Hammer no parece tanto un disco en sí; sino más bien un rejunte de ideas que Kai Hansen no puede plasmar en Helloween o Gamma Ray, por lo distintas que resultan; y que encontraron su lugar en este 2026. Claramente no busca recorrer caminos similares a obras maestras como los Keeper of The Seven Keys o Land of the Free, y quizás resulte mejor que así sea. Esos pergaminos ya están bien ganados y no hay necesidad de buscar repetirlos.

Aunque la portada hecha con IA sea un espanto, siempre hay que darle una oportunidad a un músico que con semejante carrera sigue poseyendo un espíritu creativo y, sobre todo, que se divierte de hacer lo que más le gusta.