El segundo día de Radar Festival dio comienzo a otra jornada repleta de música en directo y con presencia de todo tipo de géneros. Sin embargo, en comparación con el énfasis del día anterior en el metal más pesado y agresivo, esta jornada estuvo marcada por bandas con un sonido muy cercano al nu-metal, mezclando numerosos elementos de rap, electrónica y hip hop. Esto supuso un cambio interesante, haciendo que la atmósfera general del día fuera bastante diferente a la anterior, aunque manteniendo de forma inconfundible esa combinación de géneros tan particular y variada de Radar Fest.

Abriendo la jornada en el pequeño Shure Stage, tuvimos una actuación muy divertida y energética de la banda de metalcore DACARA. Su puesta en escena tenía un marcado aire cyberpunk, con pantallas y textos desplazándose al estilo Matrix como parte del apartado visual, mientras que su vocalista, Emma Shippen, parecía salida directamente de una película de ciencia ficción como Blade Runner o de un videojuego como Cyberpunk 2077. Hablando de videojuegos, una de las actuaciones que más gratamente me sorprendió fue la interpretación por parte de la banda de “MEGALOVANIA”, perteneciente al popular juego indie Undertale. Tomar una pieza instrumental escrita originalmente sin intención de incluir voces y convertirla en una canción de metalcore pegadiza no es una tarea sencilla, pero DACARA lo consiguió. En general, disfruté mucho de su actuación y fue una de las bandas que más llamó mi atención.

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Siguiendo con el cambio rítmico entre escenarios, nos desplazamos al más grande Obscure Clothing Stage para ver a Seething Akira. Como mencioné anteriormente, este día tenía un marcado aire de nu-metal y mucho rap, y Seething Akira ciertamente ofreció ese tipo de sonido y mucho más, combinando elementos electrónicos con voces que me recordaron a numerosos artistas británicos de rap, acompañadas de guitarras distorsionadas y rápidas. La energía de los músicos sobre el escenario era indudablemente contagiosa, con todos ellos saltando de un lado a otro, animando al público y creando el ambiente. Como primera banda grande del día, no era fácil encargarse de calentar a todos los asistentes para el resto de la jornada, pero los chicos de Seething Akira lo consiguieron. Aunque personalmente encontré algunas canciones bastante similares entre sí, disfruté igualmente viendo su actuación.

Los siguientes en el Shure Stage fueron EVILLE. Este trío de hardcore, que se autodefine con un sonido “Brat-Metal”, resultó bastante distintivo a nivel sonoro, recordándome a artistas como Poppy y Wargasm UK, gracias al uso de sonidos rave con mucho protagonismo del bajo y samples de EDM. Por desgracia, sentí que sus voces en directo no terminaban de convencerme. Tenían una energía fantástica y tuve que abandonar su actuación para realizar una entrevista, por lo que puede que las canciones posteriores fueran mejores. De hecho, mientras me marchaba pude escuchar algunos growls realmente impresionantes. Sin duda me gustaría tener otra oportunidad de verlos en directo, ya que, a pesar de algunos aspectos mejorables, vi muchas cosas que me gustaron.

Siguiendo con los tríos de nu-metalcore que utilizan sintetizadores, The Hara tomó el escenario principal. Cambiando los sonidos de hardcore agresivos y con influencia punk por un metalcore más melódico y de mayor escala, ofrecieron un auténtico espectáculo. Uno de los momentos más destacados de su actuación llegó cuando su vocalista, Josh Taylor, se metió entre el público y comenzó un “Wall of Love”, una divertida referencia a la prohibición de los wall of death por parte del recinto. Una prohibición aparentemente tan estricta que hizo necesario colocar carteles sobre el escenario indicando directamente “NO WALLS OF DEATH”. Para sortear la prohibición, el “Wall of Love” fue mucho menos agresivo y consistió más bien en un circle pit convencional. En general, fue una gran actuación de la banda y una que estaría encantado de volver a ver.

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Por desgracia, tuve que perderme la actuación de Glass Bridges, ya que necesitaba comer algo. Esta sigue siendo mi única crítica al sistema de horarios sin solapamientos del festival, aunque sigo considerándolo una mejora respecto a los horarios de otros festivales. También aproveché para descubrir otra de las características particulares de Radar: las masterclasses. No asistí a la mayoría porque, además de ser todas muy populares y llenarse a menudo hasta completar el aforo, eran el único evento que realmente coincidía con las actuaciones de las bandas, por lo que tenían una prioridad menor.

En esta masterclass participaron Simone Dow y Scott Kay, de la banda Voyager, quienes ofrecieron una “Guitar Clinic”. Es precisamente aquí donde Radar se convierte en el festival soñado para cualquier músico que esté empezando, ya que no solo puedes disfrutar de una amplia variedad de música en directo muy experimental y técnicamente impresionante, así como descubrir y potencialmente comprar nuevos equipos como guitarras o amplificadores, sino que también puedes ver a esos mismos músicos que actúan en directo hablar sobre sus instrumentos y explicar con detalle aspectos interesantes de su interpretación.

De vuelta al escenario principal, los siguientes fueron Heart Of A Coward. Hasta ese momento habían ofrecido uno de los espectáculos de luces más impresionantes del festival y el ambiente era perfecto. Abriendo su set con “Drown In Ruin”, los mosh pits y los crowd surfers aparecieron inmediatamente. Su vocalista, Kaan Tasan, tenía una voz increíble y lo dio todo durante la actuación, haciendo que su concierto resultara todavía más disfrutable.

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Volviendo al Shure Stage, llegó el turno de Royal Sorrow, una banda que tenía muchas ganas de ver en directo después de haber escuchado algunos de sus trabajos más recientes y de haber hablado con su vocalista, Markus Hentunen, durante una entrevista. Con un sonido muy cinematográfico y melódico, Royal Sorrow me recordó a artistas como TesseracT y Atlas. Abriendo con mi canción favorita de su discografía en aquel momento, “Samsara” fue un tema absolutamente himno y consiguió aumentar todavía más mis ganas de escuchar el resto de su actuación.

En mi opinión, Royal Sorrow tiene la presencia escénica y el estilo necesarios para darlo todo con facilidad en el escenario grande, ya que sentí que su sonido amplio y cinematográfico estaba prácticamente limitado por las reducidas dimensiones del escenario. Si regresan al Radar del próximo año, que ya ha anunciado su traslado del O2 Victoria Warehouse de Manchester al Magna Centre de Sheffield, puedo imaginar a Royal Sorrow actuando en escenarios mucho más grandes, y espero volver a verlos en directo pronto.

Cambiando los sonidos cinematográficos y melódicos de Royal Sorrow, llegaron las guitarras complejas de tech-metal y djent de los canadienses de metal progresivo Protest The Hero. Mucho más frenéticos y agresivos que la banda anterior, Protest The Hero fueron otro ejemplo de un grupo que parece hecho a medida para un festival como Radar, gracias a su compleja interpretación de guitarra progresiva y sus voces diversas e impresionantes, combinando géneros y estructuras de canciones poco convencionales para ofrecer una actuación completamente única. El público también disfrutó muchísimo de su set, protagonizando algunos de los circle pits más rápidos y energéticos del día hasta ese momento, además de numerosos crowd surfers.

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La siguiente banda fue otra de las que tenía un sonido más cercano al nu-metal y probablemente la que más protagonismo dio al rap durante la jornada: BLACKGOLD. Combinando elementos de Limp Bizkit, House Of Pain y Eminem, estos músicos también fueron fácilmente los más distintivos a nivel visual, apareciendo sobre el escenario con máscaras doradas, cada una con un estilo único y diferente. Al frente estaba un vocalista extremadamente energético que utiliza únicamente “Spookz” como nombre artístico.

Las bandas con máscaras se han convertido en algo bastante habitual dentro del metal contemporáneo, gracias a la influencia de grupos como Slipknot, Ghost y, más recientemente, Sleep Token. BLACKGOLD ciertamente destaca y eso hace que su actuación sea todavía más memorable. Personalmente, no soy demasiado fan del protagonismo de las voces de rap dentro de un sonido de metal como este, por lo que mis sensaciones están inevitablemente condicionadas contra la propuesta general de la banda. Sin embargo, no puedo negar que su energía era contagiosa. Especialmente divertido fue ver a Spookz saltando por el escenario, trepando por el techo y la valla del público e interactuando tanto con sus compañeros como con los asistentes.

Llegando a las actuaciones finales del segundo día, la penúltima actuación en el escenario principal corrió a cargo de la banda más solicitada de la historia de Radar Festival. No eran otros que los australianos de metalcore progresivo Northlane. Siendo un fan bastante casual y distante de Northlane, y conociendo únicamente un puñado de canciones, tenía muchas ganas de verlos finalmente en directo y comprender todo el entusiasmo que los rodeaba. Ya en la segunda canción entendí inmediatamente por qué habían sido una banda tan solicitada.

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Su sonido increíblemente pegadizo y cargado de sintetizadores, combinando elementos electrónicos, hizo que su actuación fuera tremendamente entretenida. Su vocalista, Marcus Bridge, tiene una voz sencillamente increíble, con una enorme potencia y fuerza detrás. Mi canción favorita de la banda, “Bloodlines”, sonó fantástica en directo y también consiguió animar enormemente al público. Otro tema que llevó a los asistentes al máximo fue “Carbonized”, perteneciente a su álbum de 2022. La interpretación previa al lanzamiento de su nuevo single, “CUT_iT”, también fue un auténtico placer y demuestra que Northlane todavía tiene mucho que ofrecer a sus seguidores.

Por desgracia, solo pude ver unas pocas canciones de la penúltima banda de la noche, Unpeople. Punk, agresivos y musicalmente complejos, Unpeople han experimentado un gran crecimiento últimamente y que fueran los encargados de cerrar el Shure Stage durante el segundo día resultó apropiado para su actual tamaño. El cuarteto tenía una energía embriagadora que hacía que fueran un auténtico placer de ver, ya que parecía que estaban pasándolo en grande sobre el escenario. Canciones como “Waste” y “Going Numb” tenían un sonido crudo y sin complejos, pura diversión. Me dio pena perderme la mayor parte de su actuación, pero la necesidad de comer era más importante.

Hablando precisamente de comida y gastronomía en general, el festival contaba con una oferta pequeña pero bastante decente. Había un excelente puesto de pizza, una furgoneta de hamburguesas bastante competente, un agradable puesto de bowls de arroz veganos y una acogedora cafetería con opciones veganas, lo que proporcionaba un número razonable de alternativas, aunque ninguna especialmente compleja ni demasiado variada desde el punto de vista nutricional.

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Y por fin llegó quizás el nombre más grande de todo el cartel del festival. Los gigantes del reggae nu-metal Skindred subieron al escenario principal al ritmo de “Thunderstruck” de AC/DC, para después hacerlo con la Marcha Imperial de Star Wars. Nunca había visto a Skindred en directo y no tenía ni idea de qué esperar, pero la cantidad de canciones de otras bandas utilizadas como samples y remixes a modo de interludios fue enorme y tremendamente entretenida.

Segundos antes de su gran aparición sobre el escenario, el vocalista y emblemático frontman de Skindred, Benji Webbe, anunció su presencia ante el público de Manchester con un ensordecedor “MANCHESTER WAG WAN!”, que fue recibido con un enorme rugido. Durante su actuación hubo numerosas interacciones con el público, incluyendo muchos intercambios de bromas entre Webbe y los asistentes, con el vocalista metiéndose con los miembros del público menos entusiastas y burlándose de quienes no animaban lo suficiente.

En un emotivo homenaje hacia el final del concierto, se interpretó una versión de “War Pigs” con elementos de EDM en memoria del recientemente fallecido y legendario Ozzy Osbourne. Para un último estallido de caos y diversión con el público, el concierto terminó con el ya icónico “Newport Helicopter” de Skindred, en el que todos los asistentes toman una camiseta y la hacen girar sobre sus cabezas como si fuera un helicóptero. El mar de camisetas convirtió al público en un océano de tela y cuerpos en movimiento. Fue una manera espectacular de terminar la noche.

El segundo día estuvo a la altura del primero, pero fue lo suficientemente diferente como para no caer en el riesgo de resultar repetitivo. La mezcla y variedad de propuestas de Radar son, con diferencia, uno de sus mayores atractivos, algo que el tercer y último día demostraría a la perfección.

Darko US no necesita demasiadas presentaciones dentro del deathcore moderno. Desde Pt. 1 Dethmask, el proyecto ha construido una identidad basada en llevar el género hacia terrenos electrónicos, nu-metal y dance, convirtiendo sintetizadores y efectos digitales en parte central de su sonido. Apenas unos meses después de su anterior lanzamiento, regresan con CUCKOO, un EP que mantiene prácticamente intacta esa fórmula, pero que también deja la sensación de que Darko está empezando a moverse demasiado dentro de su propia zona de confort.

“State of Decay” abre el EP con sintetizadores, guitarras entrecortadas y una batería que termina explotando en una sucesión de riffs pesados. “Death Spiral” continúa por el mismo camino, apoyándose especialmente en el contraste entre los registros vocales de Tom Barber y Nick, mientras que “Perfected Ultra Instinct” introduce un tramo de drum and bass que rompe momentáneamente la estructura y vuelve a demostrar que la electrónica sigue teniendo un papel protagonista en la propuesta. El problema es que, aunque los ingredientes funcionan, la sorpresa desaparece rápido porque Darko lleva varios lanzamientos utilizando recursos similares.

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Donde la banda continúa estando un paso por encima es en las voces. Tom Barber vuelve a moverse con facilidad entre guturales profundos, gritos medios y agudos desgarradores, mientras las letras mantienen esa mezcla de rabia social, frustración y conflicto personal. “Death Spiral” concentra especialmente esa agresividad, mientras “State of Decay” dirige la mirada hacia un terreno más introspectivo. También aparecen las habituales referencias a la cultura popular que forman parte de la identidad de Darko, en este caso dentro de “Perfected Ultra Instinct”, siguiendo una tradición que ya estaba presente en trabajos anteriores.

El EP termina con “Landslide”, versión del clásico de Fleetwood Mac, con Marcus Bridge de Northlane aportando las voces limpias. Curiosamente, es uno de los momentos más llamativos del lanzamiento y también el que genera más dudas: la interpretación funciona, Bridge encaja perfectamente y la canción aporta una dimensión diferente, pero resulta significativo que el tema que más destaca no sea una composición propia. CUCKOO suena contundente, está bien producido y mantiene la personalidad de Darko, aunque a estas alturas la fórmula empieza a resultar demasiado previsible para una banda que inicialmente destacó precisamente por su capacidad para romper las reglas del deathcore.

Marilyn Manson editó este año la segunda parte de su nueva saga discográfica: One Assassination Under God.

Antes de adentrarnos en esta segunda parte, me gustaría hacer un repaso de lo que fue el regreso de Marilyn Manson hace ya dos años.

Marilyn Manson se encontraba en la ruina y acabado, principalmente por una serie de acusaciones de abuso sexual y juicios que aún siguen en proceso. Esto derivó en que la discográfica y gran parte de su equipo le soltaran la mano, quedando prácticamente solo y con su carrera prácticamente muerta.

A esto también hay que sumarle que hacía años venía perdiendo credibilidad y público debido a álbumes de poca calidad y presentaciones en vivo desastrosas. Se lo podía ver en mal estado físico y con un consumo excesivo de sustancias que afectaba notablemente su desempeño.

Contra todo pronóstico, volvió a presentarse en vivo en 2024 y demostró estar recuperado de sus adicciones. Esto estuvo respaldado por un rendimiento vocal y un estado físico ampliamente superiores a lo presenciado antes de la pandemia y las acusaciones.

Como si esto fuera poco, salieron a la luz los singles del disco de ese año y la expectativa creció a niveles impensados. Había vuelto a componer música de calidad y con un mensaje pensado e interesante.

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Esto fue correspondido con el lanzamiento del disco a finales de ese mismo año. Un trabajo muy bien recibido que, si bien contaba con guiños a la época dorada de los noventa y principios de los 2000, construía una nueva identidad. Esta tenía un enfoque más cercano al rock gótico o post-punk, pero con momentos más pesados y directos.

En este trabajo, titulado One Assassination Under God – Chapter 2, continúa esa idea, pero desde otro lado.

El trabajo anterior buscaba tener canciones directas, con momentos que fueran más explosivos. Y con esto no me refiero únicamente a lo agresivo, sino también a momentos más gancheros o bailables. Canciones con una idea más frontal, que buscaban generar un impacto similar al de un golpe. Inclusive las canciones más lentas tienen esa impronta de ir por todo y contra todos.

En esta segunda parte, el enfoque es más atmosférico. Las canciones buscan generar atmósferas oscuras y tétricas, sin recurrir siempre a un estribillo explosivo o buscar generar agresión.

Esto ya queda marcado desde el comienzo con “Unalive”, un título muy interesante y atractivo. Esta canción es de medio tiempo, con un desarrollo muy atmosférico a base de teclados, guitarras y la voz de Manson. Si bien tiene un estribillo potente, donde se escuchan gritos, al segundo la canción vuelve al tono atmosférico.

Hay momentos en donde la agresión toma el control, como en los singles “Exit Wound” y “Front Towards Enemy”, pero son pequeños y contados momentos.

Si bien el resto de las canciones tiene un enfoque similar, centrado en las atmósferas, esto no hace que sea un disco monótono, ya que cada canción cuenta con su propia personalidad.

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Por ejemplo, “Don’t Answer the Door” es súper densa y oscura, con una letra atrapante y escalofriante. Mientras que “None of the Suns” tiene un ritmo y una melodía más cercanos al post-punk de bandas como Joy Division. Y si bien sigue sonando oscuro, funciona como una pausa entre tanta densidad.

Otro punto destacable es “Lucifer’s Teardrop”, que arranca como una canción con el mismo enfoque post-punk, pero termina con un estribillo explosivo y rockero que muestra un costado más punk dentro del género gótico.

Mientras tanto, en “The Arsonist” tenemos una mezcla perfecta entre esta nueva identidad y guiños a los noventa. Hay coros que parecen salidos de Antichrist Superstar y que recuerdan al estribillo de “Apple of Sodom”, canción compuesta para la película Lost Highway.

Para el final deja “Enantiomorph”, una especie de balada que da cierre al disco con un recitado oscuro y perturbador, y que invita a reflexionar sobre ciertas acciones y comportamientos. Esta canción se puede comparar con “All the Vilest Things”, ya que tiene un aura similar.

En cuanto a lo técnico, la producción me parece increíble. Todo suena acomodado, en su lugar y con mucha presencia. Si bien no considero que sea un disco pesado desde la composición, la producción hace que suene con peso y solidez. Esto se debe claramente a la presencia y contundencia de los instrumentos, que consiguen que incluso las partes menos agresivas tengan una fuerza considerable.

Además, los momentos de estridencia resaltan mucho más al estar rodeados de pasajes atmosféricos. Al no tener constantemente guitarras agresivas o estribillos explosivos, cuando estos elementos aparecen generan un contraste mucho mayor y consiguen un impacto más fuerte.

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La voz de Manson es la protagonista del disco, y está bien que así sea. Él demuestra que está en uno de sus mejores momentos vocales, pasando por todos los recursos que supo utilizar a lo largo de su carrera. Pero da la sensación de que estos están bien administrados y utilizados de una forma más inteligente.

El bajo y la batería hacen un gran trabajo llevando el ritmo del álbum y dándole el peso que necesita. Sobre todo la batería, que por momentos sale de los ritmos simples y toma más protagonismo para darle mayor desarrollo a las canciones.

Los teclados, si bien ya no son tan abundantes como antes, están para acentuar momentos y aportar más dramatismo. Si bien me gusta la formación actual con dos guitarras, me llama la atención la falta de teclado en la formación en vivo, al menos hasta donde se puede apreciar.

Las guitarras se destacan muchísimo, ya que son las encargadas de llevar el desarrollo de las canciones. Estas son muy variadas, ya que pasan de riffs góticos muy simples a otros más agresivos y cercanos al metal industrial. Pero lo más notorio es la versatilidad, ya que suelen sacar sonidos muy extraños y llamativos, que son los que terminan conformando las atmósferas, elemento principal del álbum.

Creo que la intención de este disco, más que golpear, es la de perturbar. Y esto se puede ver tanto en las canciones como en las letras. Musicalmente, los temas son menos explosivos que los de la primera parte, pero al mismo tiempo resultan más intrigantes. En lugar de buscar constantemente el impacto inmediato, generan tensión y construyen atmósferas que hacen que uno quiera descubrir hacia dónde va cada canción.

Lo mismo ocurre con la mayoría de las letras. Si bien hay alguna más chocante y directa, en general son más oscuras, creando imágenes extrañas y perturbadoras. En la primera parte, las letras tenían una intención mucho más frontal, buscando el choque de manera directa. Acá, en cambio, Manson parece más interesado en generar incomodidad e intriga a través de imágenes y situaciones que quedan dando vueltas en la cabeza.

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Personalmente, me parece un disco muy bueno, que muestra otra fase de Manson que, si bien ya había sido explorada anteriormente, nunca había ocupado un lugar tan central en su propuesta. One Assassination Under God – Chapter 2 es un trabajo muy maduro y cuidado, donde cada elemento parece estar puesto en su lugar para construir una identidad clara.

Después de todo lo ocurrido en los últimos años, no deja de ser interesante que Manson haya conseguido regresar no intentando repetir exactamente lo que hizo en su época dorada, sino mostrando una faceta que siempre estuvo presente, pero que ahora toma el protagonismo. Y por eso creo que este trabajo no solo demuestra que el Reverendo sigue vigente, sino que todavía tiene mucho más para ofrecer y puede entrar tranquilamente entre los mejores discos del año.

The Hu ha construido su identidad alrededor de una fórmula que no necesita demasiadas etiquetas para funcionar: instrumentos tradicionales de Mongolia, voces de raíz ancestral y una base cada vez más cercana al rock. Desde sus primeros lanzamientos, la banda consiguió llamar la atención precisamente por esa combinación, convirtiendo elementos culturales propios de su país en una propuesta accesible para un público internacional. Hun, su tercer álbum, profundiza en esa dirección y deja claro que el camino de los mongoles está mucho más cerca del folk rock que del metal, aunque algunos momentos puedan acercarse a terrenos más pesados.

Desde “Warrior Chant” hasta “Second Face”, The Hu se mueve con comodidad entre el rock, el blues y el rock and roll, utilizando sus instrumentos tradicionales como parte fundamental de los arreglos y no simplemente como un elemento decorativo. “Shadow” es un buen ejemplo de esta evolución, con guitarras y melodías tradicionales funcionando dentro de una estructura claramente rockera. La propuesta está bien definida y, sobre todo, suena natural: la banda no necesita forzar la contundencia para que su identidad resulte reconocible.

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El disco también abre espacio para terrenos más alternativos. “Lost Soul”, junto a Nothing More, es probablemente el momento más cercano al pop y al rock alternativo, hasta el punto de recordar por momentos a Muse, mientras que “Universe” utiliza sus casi siete minutos para desarrollar el componente más ceremonial y folclórico de la banda. En el extremo contrario aparecen “The Real You” y “Grey Hun”, donde The Hu aumenta la intensidad y se acerca más claramente al metal, incluso con algunos pasajes que pueden recordar a Epica o introducir matices industriales. Son momentos interesantes, pero representan una parte muy pequeña del conjunto.

Con alrededor de 50 minutos de duración, Hun funciona mejor cuando acepta sin complejos su condición de disco de rock con una fuerte identidad folclórica. Intentar encajarlo dentro del metal resulta innecesario cuando la mayor parte del álbum apuesta por riffs de rock, estructuras accesibles, blues y melodías tradicionales. Lo realmente interesante está precisamente en cómo The Hu consigue que instrumentos y recursos propios de su cultura convivan con una producción moderna sin perder personalidad.

Hun es un paso más en la consolidación de una fórmula que The Hu lleva desarrollando desde sus comienzos. No necesita reinventarse para demostrar que todavía existe espacio para explorar la conexión entre el folclore mongol y el rock, y canciones como “Warrior Chant”, “Shadow” o “Lost Soul” muestran las distintas posibilidades que ofrece esa combinación.

Electric Callboy llega a Tanzeid en el mejor momento de su carrera. Después del impacto de TEKKNO, los alemanes han conseguido convertir su mezcla de metalcore, electrónica y pop en una fórmula reconocible y, sobre todo, tremendamente efectiva en directo. Precisamente por eso cuesta reseñar este lanzamiento como un álbum propiamente dicho: buena parte del material ya había sido presentado previamente como singles, mientras que el resto se completa con remixes. La banda tiene la atención del público y parece lógico aprovecharla sacando material rápido, directo y consumible.

El principal problema es que Tanzeid llega con muy pocas sorpresas. “RATATATA”, “TANZELIED”, “Elevator Operator” o “The Devil” ya han circulado lo suficiente como para que su escucha completa no descubra demasiado. “The Way You Are” destaca dentro del conjunto por reunir de forma especialmente equilibrada la electrónica, el pop y el metalcore, además de ese componente festivo que la banda maneja con tanta facilidad. “Heartbreak Paradise” y “The Saviour” aportan material menos conocido, aunque tampoco suponen un cambio de dirección respecto a lo que Electric Callboy viene haciendo desde TEKKNO.

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Los alemanes siguen sonando enormes. La producción es limpia, contundente y preparada para funcionar delante de miles de personas, pero también deja claro que el componente metalero cada vez ocupa menos espacio frente a la electrónica y el pop. No es necesariamente algo negativo, porque esta evolución forma parte de la identidad actual de la banda, pero sí hace que Tanzeid resulte menos intenso que su predecesor. Aquí la fórmula está más pulida que desarrollada y, después de tantos singles, cuesta encontrar un recorrido real de álbum.

También sobran los remixes. En un trabajo que ya parte de canciones conocidas y que apenas supera la media hora de material principal, añadir reinterpretaciones posteriores termina alargando innecesariamente una propuesta que funcionaría mejor siendo más corta. Es difícil no pensar que estamos ante un par de canciones nuevas acompañadas por material que sirve para completar el lanzamiento. Los influencers de turno, vinilo bajo el brazo, podrán venderlo como un DISCAZO, pero dejando fuera el canje, los billetes y el entusiasmo automático, Tanzeid simplemente no llega a ese nivel.

Tanzeid no está mal y probablemente cumplirá perfectamente con los fans de Electric Callboy, especialmente con quienes buscan esa combinación de fiesta, electrónica y metal que la banda ha convertido en su sello. Suena increíble, tiene canciones pegadizas y está diseñado para el directo, pero poco más. A estas alturas, prefiero ver a Electric Callboy sobre un escenario que escuchar sus canciones en casa o en una plataforma de streaming.

Bajo el nombre Infernum, el nuevo álbum de Beto Vazquez Infinity llegó para reafirmar el talento del grupo para la experimentación musical. Lanzado el 6 de junio de este año, el disco cuenta con 11 canciones que recorren el power metal, metal sinfónico, metal progresivo, y reúnen elementos del heavy clásico.

Con Beto Vazquez en el bajo y la composición, Guillermo Carpintero en batería, Melani Hess en la voz, Leonardo Lukaszewicz en guitarras, y Daiana Benítez en teclados y coro, Infernum nos trae un sonido poderoso, con un ambiente de fantasía oscura, que va alternando entre diferentes géneros con un bajo que destaca y marca el ritmo de cada track, solos de guitarra rápidos y precisos, voces líricas, teclados y coros que aportan sentimiento y profundidad.

“Morbid Fascination” da inicio a este viaje al introducir un ambiente místico, con mucha épica y suspenso, preparando el camino para lo que vendrá. “Broken Soul” y “Fell the Void” llegan para imponer la potencia sonora del bajo y el doble bombo, que marcarán la energía que predomina a lo largo de todo el álbum.

En “Silent Scream”, podemos escuchar las primeras colaboraciones de este álbum, algo que ya es costumbre para Beto Vazquez Infinity. El poder aumenta con los guturales de Victor Monin y la guitarra estilo thrasher de Javier Bagalá.

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Más adelante, “Kill Technology” llega con la colaboración de Magnus Westman, en la voz, y la guitarra de Hernán Chaves. Aquí podemos distinguir claramente el Power Metal dominando la escena, con una melodía veloz, voces más agudas y un solo de guitarra que, en mi opinión, es el mejor de este álbum.

Siguiendo hasta “Destination Anywhere”, aparece la voz principal y los coros de Andrey “Vocaluga” Yuzhakov. Los teclados roban protagonismo, con riffs marcados y veloces, envolviendo al track en una mística de fantasía. Un solo de bajo, que destaca por su velocidad, da paso a solos de guitarra. El factor instrumental sigue siendo igual de influyente en todos los tracks. Otra prueba de ello es “My Element”, un tema instrumental de bajo de 54 segundos, que si bien puede pecar de básico, suma mucho a la ambientación y atmósfera del disco.

La despedida llega con el bonus track “The Long Goodbye”. Una canción con poder, pero que a su vez inspira melancolía, con teclados y coros que evocan un sentimiento de despedida, pero también de satisfacción por el camino recorrido. Un justo cierre para estos 42 minutos de música con los que Beto Vazquez Infinity cumple 26 años de actividad ininterrumpida, sosteniendo sus 2 estandartes principales: la experimentación y la colaboración con grandes artistas.

Hablar de Galneryus, es hablar de talento y grandeza. Es referirse a una de las bandas más ingeniosas, virtuosas y prestigiosas de los últimos tiempos. Es mencionar un nombre insignia dentro de su país, lleno de calidad y consistencia. Es escuchar a su líder Syu y pensar en uno de los mejores guitarristas que existen en la actualidad. Es ver un disco suyo y saber que va a ser glorioso. Es enfrentar su música con la sensación de estar frente al Power Metal más majestuoso y exquisito jamás escrito sobre la faz de la tierra. Todo eso y mucho más, es Galneryus.

Formados en Osaka en 2001, desde sus comienzos los japoneses han sabido ser los sucesores de los míticos X Japan, y captado la atención con trabajos que marcaron un notable nivel compositivo. Y que con el tiempo, no fue más que solo subiendo.

Sería a partir del 2010, con la llegada del cantante Masatoshi “Sho” Ono, que el grupo liderado por el habilidoso e indomable Syu alcanzaría las cimas del género y se mantendría en lo más alto durante años. Sacando discos que eran sinónimo de gloria y encabezaban los tops anuales no solo del power metal, sino del heavy metal en general.

Sin embargo, entre las tantas cosas que logró Galneryus a lo largo de su carrera, una de ellas fue la de nunca parar. Y estar constantemente editando discos. Bajo un ritmo acelerado y firme. Lo cual, nos ha permitido disfrutar de su notable despliegue y talento de forma continua, durante el último tiempo.

No obstante, lo que por tiempo fue su mayor virtud se terminó convirtiendo en su talón de Aquiles. Y es que a menos de dos años de su último lanzamiento, los nipones vuelven a la carga con el presente A Cry From The Sky Above. Una obra que en primera instancia, puede parecer otro triunfo por parte de Syu y compañía. Pero que visto más de cerca, resulta más bien en un déjà vu. En un eco de lo que ya han hecho.

Y esto puede ser normal a estas alturas de la carrera de Galneryus. Después de todo, estamos hablando de un grupo que ya lleva a sus espaldas la humilde cantidad de 14 discos de estudio. Todo en un lapso de menos de 30 años. Eso sin contar los EPs de más de media hora que tienen dentro de su catálogo. Una cifra abismal, aún para unos tipos que viven y respiran por la música como hacen ellos. De modo, que es válido verlos repetir ideas, formulas o incluso hasta bases musicales de vez en cuando. Después de todo, algo de humanidad e imperfección tienen que mostrar, pese a la elevada vara musical que manejan.

Pero una cosa es que tus canciones se parezcan entre sí y otra es tener exactamente el mismo patrón que en tu disco anterior. Con un recorrido conceptual idéntico. Ya que si nos ponemos a hacer el análisis minucioso, terminamos descubriendo que el presente A Cry From The Sky Above presenta la misma estructura que The Stars Will Light The Way (2024). Desde el comienzo hasta el fin. Desde el primer tema, hasta el último. Y es que resulta llamativo cuanto menos, esta similitud en la concepción de las obras.

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En ambos trabajos, tenemos un inicio instrumental de unos 3 minutos. En este caso, “Call Of The Horizon”, donde Syu nos dibuja las primeras notas y nos mete en ambiente con el brillo y esplendor de su instrumento para lo que se viene: una descarga mastodóntica de técnica, velocidad y epicidad de la mano de “The Light Of Hope”.

Acá vale mencionar que la banda suele arrancar sus discos con una intro instrumental desde que tengo uso de la memoria. Lo que se podría considerar ya una práctica habitual en su discografía. Pero que a eso, le siga el single de presentación con una duración extensa, luego el tema power acelerado y pesado del disco, y después la pieza melódica y de proporciones más luminosas, todo en ese orden como su predecesor, me habla de una banda que busca replicar al pie de la letra, lo que ya le funcionó. Sin cambio alguno. Como si siguieran un manual de instrucciones.

La idea de reservarse la balada y el opus magnum de 15 minutos para el tramo final tal como en el lanzamiento anterior, refuerza este concepto. O la de poner punto final al disco con un outro instrumental.

Y ojo, no le quiero caer a las composiciones, porque en ese sentido Galneryus no falla y sabe darnos clases magistrales llenas de momentos excelsos y alucinantes como en “Break The Silence”, “Let No Time Decay”, o la apoteósica “Without You”. Nadie duda de su capacidad musical para producir verdaderas gemas. El problema es que quizás tantas gemas juntas, terminan perdiendo un poco su brillo. Y al final del día, esta tendencia a sacar álbumes de forma seguida “normaliza” su estándar de calidad. Lo que antes impactaba e impresionaba, ahora es moneda corriente. Y esa es la sensación que deja A Cry From The Sky Above.

Mientras que otros contemporáneos de sus tierras como Lovebites o Unlucky Morpheus, se la juegan y buscan expandir sus horizontes, Galneryus parece haberse quedado estancado en el mismo sitio.

Si bien siguen siendo los maestros del estilo, y unas de las bandas abanderadas del Power Metal actual a nivel global, la realidad es una pausa no les vendría mal. Relajarse un poco. Tomarse las ideas con más calma. Y entrar al estudio cuando el tiempo realmente lo disponga. Después de todo, en su terreno neoclásico y progresivo, sabemos que nadie les gana.

La escena black metal noruega tuvo su esplendor en los años 90, donde las bandas principales del género dieron a luz a los discos fundacionales durante principios de la década.

En la segunda mitad de la misma, no solo las bandas clásicas siguieron construyendo y expandiendo el género, sino que también emergieron otros grupos que, tomando influencias anteriores, ampliaron la visión.

Tal es el caso de Taake, proyecto unipersonal del vocalista y multiinstrumentista Hoest.

Este tomó las bases del Gorgoroth más melódico y las llevó a un terreno más introspectivo que violento, profundizando en la inmensidad de los riffs y las melodías gélidas. También agregó instrumentos extraños al género, como pasajes de piano y hasta un banjo. Con el tiempo, fueron tomando una postura más rockera y directa.

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Este año editaron su noveno disco de estudio, En Skog av Nidstang. Y este sigue un poco la dirección del anterior, Et Hav av Avstand. Canciones largas, que toman el tiempo para desarrollarse, pero que, a su vez, fluyen. Cada sección está excelentemente bien conectada con la anterior y suena muy natural. En ningún momento la canción pierde la esencia, ni da la sensación de ser más de una canción en una. Se siente que es la misma composición, pero el desarrollo es tan natural y orgánico que no aburre.

Una particularidad es que este es un disco oscuro. Con melodías frías, clásicas de la banda. Pero, a su vez, se siente colorido y hasta reconfortante. Logrando una dualidad similar a las bandas de blackgaze, pero sin sacrificar oscuridad o agresión.

Creo que hay influencia de dicho estilo, pero no llega a cambiar la identidad del grupo.

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Es como si el disco te llevara a pasear por una paleta de colores que tiene todos los posibles tonos de negro y gris. Es agradable, pero, a la vez, distante y tajante.

La voz de Hoest está en perfecto estado. Da la sensación de que se dio el gusto de gritar y forzar la voz un poco menos. Pero sigue sonando poderosa. Es uno de los mejores cantantes del género que vi en directo. Y me atrevo a decir que el mejor frontman de una banda de black metal que he presenciado.

Para destacar un momento del álbum, me quedo con el final del mismo. Los últimos dos minutos de “Av Guds ville Naade”, donde evocan al clásico Lifelover. Con riffs que suenan amigables, pero, a la vez, son súper fríos. Y un Hoest sollozando y transmitiendo mucho dolor.

Este álbum muestra un Taake maduro, con intenciones más profundas que solo escandalizar. Busca invitar a la introspección y a viajar dentro de la soledad, para conocer más su interior.

Hay bandas que, si bien son fundacionales o fundamentales de un género, no logran tener un público masivo. Tal es el caso de Moonspell, banda ícono del metal portugués y que es clave al entender el metal gótico.

A lo largo de toda su carrera fueron moldeando su identidad y el estilo, tomando influencias de distintos estilos. Como del black metal melódico para Wolfheart o Night Eternal, o el pop electrónico para Sin/Pecado.

Pero hace ya varios trabajos que viene apuntando a hacer metal gótico. Sin ningún tipo de aderezo, sino usar cada herramienta que da el género para crear algo puro. Y dicho estilo tiene mucha tela para cortar; no es para nada un género cuadrado o simple.

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Far From God es exactamente eso. Un álbum en el que todos los elementos góticos están presentes.

Las voces profundas de barítono tienen el protagonismo en el disco, aunque varios gritos aparecen para dar un poco de variedad. Los susurros, los sollozos y demás elementos teatrales le dan aún más matices a la voz. Está a cargo del mítico Fernando Ribeiro, quien es un vocalista y frontman de primer nivel, y líder del grupo.

Como es recurrente en el gótico, la base rítmica es hipnótica y, a su vez, coquetea con lo bailable. Con un bajo grave, pero que no satura, sino que lleva el ritmo y agrega algún detalle interesante. Acompañado por una batería que busca hacer lo mismo: llevar el ritmo y el clima de la canción, y aportar un detalle cuando es requerido. Ambos hacen una labor muy buena, ya que, en una era donde todo está sobreproducido y llevado al tecnicismo extremo, demuestran que lo correcto es hacer lo que la canción pide.

El teclado suma atmósferas y colchones de teclados que dan dramatismo a las canciones. Y, por momentos, se disputa la melodía con la voz y la guitarra.

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Esta última tiene una labor muy elegante. Si bien tiene momentos pesados, la mayoría del tiempo busca crear alguna melodía etérea y bailable. O decorar la base rítmica con punteos, sonidos e incluso solos de guitarra exquisitos.

Como dije, el disco tiene momentos muy diferentes entre sí. Como, por ejemplo, los dos singles, “Cross My Heart” y “Far From God”, cuya función es ser más accesibles, digeribles y recordables.

Luego hay momentos más introspectivos, como “Your Promise of Life”, y otros que pasan de una estrofa pequeña a algo grandilocuente, como “The Great Wolf in the Sky”, que cuenta con la única artista invitada, la violinista Alicia Nurho.

Moonspell nos entregó un trabajo sólido, entretenido y muy rico. Que sirve como estandarte de un género, ya que, solo usando elementos del mismo, creó un álbum variado, creativo y que se posicionará dentro de lo mejor del año.

Con una trayectoria que supera las dos décadas, DevilDriver ha sabido mantenerse fiel a una identidad marcada por la combinación de groove metal, melodeath y metalcore, sin dejarse arrastrar por las modas del momento. Strike And Kill encuentra a la banda en un punto de madurez evidente, apostando por un sonido más contundente y compacto que en sus trabajos recientes. No busca reinventar su propuesta, sino sacar el máximo partido a una fórmula que sigue funcionando cuando está respaldada por buenas canciones.

La apertura con “Dig Your Own Grave” marca el camino desde el primer minuto: riffs pesados, estribillos con gancho y la inconfundible presencia de Dez Fafara, que continúa siendo el gran eje de la formación gracias a una interpretación agresiva y llena de personalidad. El álbum mantiene un ritmo constante, alternando momentos de puro impacto con otros donde el groove toma el control, sin perder nunca la sensación de fuerza que recorre todo el repertorio.

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Entre los cortes más destacados aparecen “Dead In The Water”, “In The Moonlight” y “Headed For The Fall”, tres ejemplos de cómo DevilDriver ha refinado su manera de escribir sin renunciar a la contundencia. Las guitarras encuentran el equilibrio entre melodía y agresividad, mientras que la sección rítmica sostiene cada tema con una pegada demoledora. También hay espacio para composiciones como “You’re Just A Ghost” o “Oath Of Iron”, donde la banda potencia su faceta más cercana al groove metal clásico con estribillos pensados para el directo.

A lo largo de sus cincuenta minutos, Strike And Kill consigue mantenerse fresco gracias a una producción potente y a un repertorio que evita la repetición excesiva. DevilDriver recupera parte de la inspiración que muchos echaban de menos en sus últimos lanzamientos y entrega un disco sólido, cargado de energía y con suficientes momentos memorables para satisfacer tanto a quienes siguen a la banda desde sus primeros años como a los aficionados al metal moderno más contundente.

El segundo día de Radar Festival dio comienzo a otra jornada repleta de música en directo y con presencia de todo tipo de géneros. Sin embargo, en comparación con el énfasis del día anterior en el metal más pesado y agresivo, esta jornada estuvo marcada por bandas con un sonido muy cercano al nu-metal, mezclando numerosos elementos de rap, electrónica y hip hop. Esto supuso un cambio interesante, haciendo que la atmósfera general del día fuera bastante diferente a la anterior, aunque manteniendo de forma inconfundible esa combinación de géneros tan particular y variada de Radar Fest.

Abriendo la jornada en el pequeño Shure Stage, tuvimos una actuación muy divertida y energética de la banda de metalcore DACARA. Su puesta en escena tenía un marcado aire cyberpunk, con pantallas y textos desplazándose al estilo Matrix como parte del apartado visual, mientras que su vocalista, Emma Shippen, parecía salida directamente de una película de ciencia ficción como Blade Runner o de un videojuego como Cyberpunk 2077. Hablando de videojuegos, una de las actuaciones que más gratamente me sorprendió fue la interpretación por parte de la banda de “MEGALOVANIA”, perteneciente al popular juego indie Undertale. Tomar una pieza instrumental escrita originalmente sin intención de incluir voces y convertirla en una canción de metalcore pegadiza no es una tarea sencilla, pero DACARA lo consiguió. En general, disfruté mucho de su actuación y fue una de las bandas que más llamó mi atención.

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Siguiendo con el cambio rítmico entre escenarios, nos desplazamos al más grande Obscure Clothing Stage para ver a Seething Akira. Como mencioné anteriormente, este día tenía un marcado aire de nu-metal y mucho rap, y Seething Akira ciertamente ofreció ese tipo de sonido y mucho más, combinando elementos electrónicos con voces que me recordaron a numerosos artistas británicos de rap, acompañadas de guitarras distorsionadas y rápidas. La energía de los músicos sobre el escenario era indudablemente contagiosa, con todos ellos saltando de un lado a otro, animando al público y creando el ambiente. Como primera banda grande del día, no era fácil encargarse de calentar a todos los asistentes para el resto de la jornada, pero los chicos de Seething Akira lo consiguieron. Aunque personalmente encontré algunas canciones bastante similares entre sí, disfruté igualmente viendo su actuación.

Los siguientes en el Shure Stage fueron EVILLE. Este trío de hardcore, que se autodefine con un sonido “Brat-Metal”, resultó bastante distintivo a nivel sonoro, recordándome a artistas como Poppy y Wargasm UK, gracias al uso de sonidos rave con mucho protagonismo del bajo y samples de EDM. Por desgracia, sentí que sus voces en directo no terminaban de convencerme. Tenían una energía fantástica y tuve que abandonar su actuación para realizar una entrevista, por lo que puede que las canciones posteriores fueran mejores. De hecho, mientras me marchaba pude escuchar algunos growls realmente impresionantes. Sin duda me gustaría tener otra oportunidad de verlos en directo, ya que, a pesar de algunos aspectos mejorables, vi muchas cosas que me gustaron.

Siguiendo con los tríos de nu-metalcore que utilizan sintetizadores, The Hara tomó el escenario principal. Cambiando los sonidos de hardcore agresivos y con influencia punk por un metalcore más melódico y de mayor escala, ofrecieron un auténtico espectáculo. Uno de los momentos más destacados de su actuación llegó cuando su vocalista, Josh Taylor, se metió entre el público y comenzó un “Wall of Love”, una divertida referencia a la prohibición de los wall of death por parte del recinto. Una prohibición aparentemente tan estricta que hizo necesario colocar carteles sobre el escenario indicando directamente “NO WALLS OF DEATH”. Para sortear la prohibición, el “Wall of Love” fue mucho menos agresivo y consistió más bien en un circle pit convencional. En general, fue una gran actuación de la banda y una que estaría encantado de volver a ver.

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Por desgracia, tuve que perderme la actuación de Glass Bridges, ya que necesitaba comer algo. Esta sigue siendo mi única crítica al sistema de horarios sin solapamientos del festival, aunque sigo considerándolo una mejora respecto a los horarios de otros festivales. También aproveché para descubrir otra de las características particulares de Radar: las masterclasses. No asistí a la mayoría porque, además de ser todas muy populares y llenarse a menudo hasta completar el aforo, eran el único evento que realmente coincidía con las actuaciones de las bandas, por lo que tenían una prioridad menor.

En esta masterclass participaron Simone Dow y Scott Kay, de la banda Voyager, quienes ofrecieron una “Guitar Clinic”. Es precisamente aquí donde Radar se convierte en el festival soñado para cualquier músico que esté empezando, ya que no solo puedes disfrutar de una amplia variedad de música en directo muy experimental y técnicamente impresionante, así como descubrir y potencialmente comprar nuevos equipos como guitarras o amplificadores, sino que también puedes ver a esos mismos músicos que actúan en directo hablar sobre sus instrumentos y explicar con detalle aspectos interesantes de su interpretación.

De vuelta al escenario principal, los siguientes fueron Heart Of A Coward. Hasta ese momento habían ofrecido uno de los espectáculos de luces más impresionantes del festival y el ambiente era perfecto. Abriendo su set con “Drown In Ruin”, los mosh pits y los crowd surfers aparecieron inmediatamente. Su vocalista, Kaan Tasan, tenía una voz increíble y lo dio todo durante la actuación, haciendo que su concierto resultara todavía más disfrutable.

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Volviendo al Shure Stage, llegó el turno de Royal Sorrow, una banda que tenía muchas ganas de ver en directo después de haber escuchado algunos de sus trabajos más recientes y de haber hablado con su vocalista, Markus Hentunen, durante una entrevista. Con un sonido muy cinematográfico y melódico, Royal Sorrow me recordó a artistas como TesseracT y Atlas. Abriendo con mi canción favorita de su discografía en aquel momento, “Samsara” fue un tema absolutamente himno y consiguió aumentar todavía más mis ganas de escuchar el resto de su actuación.

En mi opinión, Royal Sorrow tiene la presencia escénica y el estilo necesarios para darlo todo con facilidad en el escenario grande, ya que sentí que su sonido amplio y cinematográfico estaba prácticamente limitado por las reducidas dimensiones del escenario. Si regresan al Radar del próximo año, que ya ha anunciado su traslado del O2 Victoria Warehouse de Manchester al Magna Centre de Sheffield, puedo imaginar a Royal Sorrow actuando en escenarios mucho más grandes, y espero volver a verlos en directo pronto.

Cambiando los sonidos cinematográficos y melódicos de Royal Sorrow, llegaron las guitarras complejas de tech-metal y djent de los canadienses de metal progresivo Protest The Hero. Mucho más frenéticos y agresivos que la banda anterior, Protest The Hero fueron otro ejemplo de un grupo que parece hecho a medida para un festival como Radar, gracias a su compleja interpretación de guitarra progresiva y sus voces diversas e impresionantes, combinando géneros y estructuras de canciones poco convencionales para ofrecer una actuación completamente única. El público también disfrutó muchísimo de su set, protagonizando algunos de los circle pits más rápidos y energéticos del día hasta ese momento, además de numerosos crowd surfers.

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La siguiente banda fue otra de las que tenía un sonido más cercano al nu-metal y probablemente la que más protagonismo dio al rap durante la jornada: BLACKGOLD. Combinando elementos de Limp Bizkit, House Of Pain y Eminem, estos músicos también fueron fácilmente los más distintivos a nivel visual, apareciendo sobre el escenario con máscaras doradas, cada una con un estilo único y diferente. Al frente estaba un vocalista extremadamente energético que utiliza únicamente “Spookz” como nombre artístico.

Las bandas con máscaras se han convertido en algo bastante habitual dentro del metal contemporáneo, gracias a la influencia de grupos como Slipknot, Ghost y, más recientemente, Sleep Token. BLACKGOLD ciertamente destaca y eso hace que su actuación sea todavía más memorable. Personalmente, no soy demasiado fan del protagonismo de las voces de rap dentro de un sonido de metal como este, por lo que mis sensaciones están inevitablemente condicionadas contra la propuesta general de la banda. Sin embargo, no puedo negar que su energía era contagiosa. Especialmente divertido fue ver a Spookz saltando por el escenario, trepando por el techo y la valla del público e interactuando tanto con sus compañeros como con los asistentes.

Llegando a las actuaciones finales del segundo día, la penúltima actuación en el escenario principal corrió a cargo de la banda más solicitada de la historia de Radar Festival. No eran otros que los australianos de metalcore progresivo Northlane. Siendo un fan bastante casual y distante de Northlane, y conociendo únicamente un puñado de canciones, tenía muchas ganas de verlos finalmente en directo y comprender todo el entusiasmo que los rodeaba. Ya en la segunda canción entendí inmediatamente por qué habían sido una banda tan solicitada.

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Su sonido increíblemente pegadizo y cargado de sintetizadores, combinando elementos electrónicos, hizo que su actuación fuera tremendamente entretenida. Su vocalista, Marcus Bridge, tiene una voz sencillamente increíble, con una enorme potencia y fuerza detrás. Mi canción favorita de la banda, “Bloodlines”, sonó fantástica en directo y también consiguió animar enormemente al público. Otro tema que llevó a los asistentes al máximo fue “Carbonized”, perteneciente a su álbum de 2022. La interpretación previa al lanzamiento de su nuevo single, “CUT_iT”, también fue un auténtico placer y demuestra que Northlane todavía tiene mucho que ofrecer a sus seguidores.

Por desgracia, solo pude ver unas pocas canciones de la penúltima banda de la noche, Unpeople. Punk, agresivos y musicalmente complejos, Unpeople han experimentado un gran crecimiento últimamente y que fueran los encargados de cerrar el Shure Stage durante el segundo día resultó apropiado para su actual tamaño. El cuarteto tenía una energía embriagadora que hacía que fueran un auténtico placer de ver, ya que parecía que estaban pasándolo en grande sobre el escenario. Canciones como “Waste” y “Going Numb” tenían un sonido crudo y sin complejos, pura diversión. Me dio pena perderme la mayor parte de su actuación, pero la necesidad de comer era más importante.

Hablando precisamente de comida y gastronomía en general, el festival contaba con una oferta pequeña pero bastante decente. Había un excelente puesto de pizza, una furgoneta de hamburguesas bastante competente, un agradable puesto de bowls de arroz veganos y una acogedora cafetería con opciones veganas, lo que proporcionaba un número razonable de alternativas, aunque ninguna especialmente compleja ni demasiado variada desde el punto de vista nutricional.

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Y por fin llegó quizás el nombre más grande de todo el cartel del festival. Los gigantes del reggae nu-metal Skindred subieron al escenario principal al ritmo de “Thunderstruck” de AC/DC, para después hacerlo con la Marcha Imperial de Star Wars. Nunca había visto a Skindred en directo y no tenía ni idea de qué esperar, pero la cantidad de canciones de otras bandas utilizadas como samples y remixes a modo de interludios fue enorme y tremendamente entretenida.

Segundos antes de su gran aparición sobre el escenario, el vocalista y emblemático frontman de Skindred, Benji Webbe, anunció su presencia ante el público de Manchester con un ensordecedor “MANCHESTER WAG WAN!”, que fue recibido con un enorme rugido. Durante su actuación hubo numerosas interacciones con el público, incluyendo muchos intercambios de bromas entre Webbe y los asistentes, con el vocalista metiéndose con los miembros del público menos entusiastas y burlándose de quienes no animaban lo suficiente.

En un emotivo homenaje hacia el final del concierto, se interpretó una versión de “War Pigs” con elementos de EDM en memoria del recientemente fallecido y legendario Ozzy Osbourne. Para un último estallido de caos y diversión con el público, el concierto terminó con el ya icónico “Newport Helicopter” de Skindred, en el que todos los asistentes toman una camiseta y la hacen girar sobre sus cabezas como si fuera un helicóptero. El mar de camisetas convirtió al público en un océano de tela y cuerpos en movimiento. Fue una manera espectacular de terminar la noche.

El segundo día estuvo a la altura del primero, pero fue lo suficientemente diferente como para no caer en el riesgo de resultar repetitivo. La mezcla y variedad de propuestas de Radar son, con diferencia, uno de sus mayores atractivos, algo que el tercer y último día demostraría a la perfección.

Darko US no necesita demasiadas presentaciones dentro del deathcore moderno. Desde Pt. 1 Dethmask, el proyecto ha construido una identidad basada en llevar el género hacia terrenos electrónicos, nu-metal y dance, convirtiendo sintetizadores y efectos digitales en parte central de su sonido. Apenas unos meses después de su anterior lanzamiento, regresan con CUCKOO, un EP que mantiene prácticamente intacta esa fórmula, pero que también deja la sensación de que Darko está empezando a moverse demasiado dentro de su propia zona de confort.

“State of Decay” abre el EP con sintetizadores, guitarras entrecortadas y una batería que termina explotando en una sucesión de riffs pesados. “Death Spiral” continúa por el mismo camino, apoyándose especialmente en el contraste entre los registros vocales de Tom Barber y Nick, mientras que “Perfected Ultra Instinct” introduce un tramo de drum and bass que rompe momentáneamente la estructura y vuelve a demostrar que la electrónica sigue teniendo un papel protagonista en la propuesta. El problema es que, aunque los ingredientes funcionan, la sorpresa desaparece rápido porque Darko lleva varios lanzamientos utilizando recursos similares.

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Donde la banda continúa estando un paso por encima es en las voces. Tom Barber vuelve a moverse con facilidad entre guturales profundos, gritos medios y agudos desgarradores, mientras las letras mantienen esa mezcla de rabia social, frustración y conflicto personal. “Death Spiral” concentra especialmente esa agresividad, mientras “State of Decay” dirige la mirada hacia un terreno más introspectivo. También aparecen las habituales referencias a la cultura popular que forman parte de la identidad de Darko, en este caso dentro de “Perfected Ultra Instinct”, siguiendo una tradición que ya estaba presente en trabajos anteriores.

El EP termina con “Landslide”, versión del clásico de Fleetwood Mac, con Marcus Bridge de Northlane aportando las voces limpias. Curiosamente, es uno de los momentos más llamativos del lanzamiento y también el que genera más dudas: la interpretación funciona, Bridge encaja perfectamente y la canción aporta una dimensión diferente, pero resulta significativo que el tema que más destaca no sea una composición propia. CUCKOO suena contundente, está bien producido y mantiene la personalidad de Darko, aunque a estas alturas la fórmula empieza a resultar demasiado previsible para una banda que inicialmente destacó precisamente por su capacidad para romper las reglas del deathcore.

Marilyn Manson editó este año la segunda parte de su nueva saga discográfica: One Assassination Under God.

Antes de adentrarnos en esta segunda parte, me gustaría hacer un repaso de lo que fue el regreso de Marilyn Manson hace ya dos años.

Marilyn Manson se encontraba en la ruina y acabado, principalmente por una serie de acusaciones de abuso sexual y juicios que aún siguen en proceso. Esto derivó en que la discográfica y gran parte de su equipo le soltaran la mano, quedando prácticamente solo y con su carrera prácticamente muerta.

A esto también hay que sumarle que hacía años venía perdiendo credibilidad y público debido a álbumes de poca calidad y presentaciones en vivo desastrosas. Se lo podía ver en mal estado físico y con un consumo excesivo de sustancias que afectaba notablemente su desempeño.

Contra todo pronóstico, volvió a presentarse en vivo en 2024 y demostró estar recuperado de sus adicciones. Esto estuvo respaldado por un rendimiento vocal y un estado físico ampliamente superiores a lo presenciado antes de la pandemia y las acusaciones.

Como si esto fuera poco, salieron a la luz los singles del disco de ese año y la expectativa creció a niveles impensados. Había vuelto a componer música de calidad y con un mensaje pensado e interesante.

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Esto fue correspondido con el lanzamiento del disco a finales de ese mismo año. Un trabajo muy bien recibido que, si bien contaba con guiños a la época dorada de los noventa y principios de los 2000, construía una nueva identidad. Esta tenía un enfoque más cercano al rock gótico o post-punk, pero con momentos más pesados y directos.

En este trabajo, titulado One Assassination Under God – Chapter 2, continúa esa idea, pero desde otro lado.

El trabajo anterior buscaba tener canciones directas, con momentos que fueran más explosivos. Y con esto no me refiero únicamente a lo agresivo, sino también a momentos más gancheros o bailables. Canciones con una idea más frontal, que buscaban generar un impacto similar al de un golpe. Inclusive las canciones más lentas tienen esa impronta de ir por todo y contra todos.

En esta segunda parte, el enfoque es más atmosférico. Las canciones buscan generar atmósferas oscuras y tétricas, sin recurrir siempre a un estribillo explosivo o buscar generar agresión.

Esto ya queda marcado desde el comienzo con “Unalive”, un título muy interesante y atractivo. Esta canción es de medio tiempo, con un desarrollo muy atmosférico a base de teclados, guitarras y la voz de Manson. Si bien tiene un estribillo potente, donde se escuchan gritos, al segundo la canción vuelve al tono atmosférico.

Hay momentos en donde la agresión toma el control, como en los singles “Exit Wound” y “Front Towards Enemy”, pero son pequeños y contados momentos.

Si bien el resto de las canciones tiene un enfoque similar, centrado en las atmósferas, esto no hace que sea un disco monótono, ya que cada canción cuenta con su propia personalidad.

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Por ejemplo, “Don’t Answer the Door” es súper densa y oscura, con una letra atrapante y escalofriante. Mientras que “None of the Suns” tiene un ritmo y una melodía más cercanos al post-punk de bandas como Joy Division. Y si bien sigue sonando oscuro, funciona como una pausa entre tanta densidad.

Otro punto destacable es “Lucifer’s Teardrop”, que arranca como una canción con el mismo enfoque post-punk, pero termina con un estribillo explosivo y rockero que muestra un costado más punk dentro del género gótico.

Mientras tanto, en “The Arsonist” tenemos una mezcla perfecta entre esta nueva identidad y guiños a los noventa. Hay coros que parecen salidos de Antichrist Superstar y que recuerdan al estribillo de “Apple of Sodom”, canción compuesta para la película Lost Highway.

Para el final deja “Enantiomorph”, una especie de balada que da cierre al disco con un recitado oscuro y perturbador, y que invita a reflexionar sobre ciertas acciones y comportamientos. Esta canción se puede comparar con “All the Vilest Things”, ya que tiene un aura similar.

En cuanto a lo técnico, la producción me parece increíble. Todo suena acomodado, en su lugar y con mucha presencia. Si bien no considero que sea un disco pesado desde la composición, la producción hace que suene con peso y solidez. Esto se debe claramente a la presencia y contundencia de los instrumentos, que consiguen que incluso las partes menos agresivas tengan una fuerza considerable.

Además, los momentos de estridencia resaltan mucho más al estar rodeados de pasajes atmosféricos. Al no tener constantemente guitarras agresivas o estribillos explosivos, cuando estos elementos aparecen generan un contraste mucho mayor y consiguen un impacto más fuerte.

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La voz de Manson es la protagonista del disco, y está bien que así sea. Él demuestra que está en uno de sus mejores momentos vocales, pasando por todos los recursos que supo utilizar a lo largo de su carrera. Pero da la sensación de que estos están bien administrados y utilizados de una forma más inteligente.

El bajo y la batería hacen un gran trabajo llevando el ritmo del álbum y dándole el peso que necesita. Sobre todo la batería, que por momentos sale de los ritmos simples y toma más protagonismo para darle mayor desarrollo a las canciones.

Los teclados, si bien ya no son tan abundantes como antes, están para acentuar momentos y aportar más dramatismo. Si bien me gusta la formación actual con dos guitarras, me llama la atención la falta de teclado en la formación en vivo, al menos hasta donde se puede apreciar.

Las guitarras se destacan muchísimo, ya que son las encargadas de llevar el desarrollo de las canciones. Estas son muy variadas, ya que pasan de riffs góticos muy simples a otros más agresivos y cercanos al metal industrial. Pero lo más notorio es la versatilidad, ya que suelen sacar sonidos muy extraños y llamativos, que son los que terminan conformando las atmósferas, elemento principal del álbum.

Creo que la intención de este disco, más que golpear, es la de perturbar. Y esto se puede ver tanto en las canciones como en las letras. Musicalmente, los temas son menos explosivos que los de la primera parte, pero al mismo tiempo resultan más intrigantes. En lugar de buscar constantemente el impacto inmediato, generan tensión y construyen atmósferas que hacen que uno quiera descubrir hacia dónde va cada canción.

Lo mismo ocurre con la mayoría de las letras. Si bien hay alguna más chocante y directa, en general son más oscuras, creando imágenes extrañas y perturbadoras. En la primera parte, las letras tenían una intención mucho más frontal, buscando el choque de manera directa. Acá, en cambio, Manson parece más interesado en generar incomodidad e intriga a través de imágenes y situaciones que quedan dando vueltas en la cabeza.

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Personalmente, me parece un disco muy bueno, que muestra otra fase de Manson que, si bien ya había sido explorada anteriormente, nunca había ocupado un lugar tan central en su propuesta. One Assassination Under God – Chapter 2 es un trabajo muy maduro y cuidado, donde cada elemento parece estar puesto en su lugar para construir una identidad clara.

Después de todo lo ocurrido en los últimos años, no deja de ser interesante que Manson haya conseguido regresar no intentando repetir exactamente lo que hizo en su época dorada, sino mostrando una faceta que siempre estuvo presente, pero que ahora toma el protagonismo. Y por eso creo que este trabajo no solo demuestra que el Reverendo sigue vigente, sino que todavía tiene mucho más para ofrecer y puede entrar tranquilamente entre los mejores discos del año.

The Hu ha construido su identidad alrededor de una fórmula que no necesita demasiadas etiquetas para funcionar: instrumentos tradicionales de Mongolia, voces de raíz ancestral y una base cada vez más cercana al rock. Desde sus primeros lanzamientos, la banda consiguió llamar la atención precisamente por esa combinación, convirtiendo elementos culturales propios de su país en una propuesta accesible para un público internacional. Hun, su tercer álbum, profundiza en esa dirección y deja claro que el camino de los mongoles está mucho más cerca del folk rock que del metal, aunque algunos momentos puedan acercarse a terrenos más pesados.

Desde “Warrior Chant” hasta “Second Face”, The Hu se mueve con comodidad entre el rock, el blues y el rock and roll, utilizando sus instrumentos tradicionales como parte fundamental de los arreglos y no simplemente como un elemento decorativo. “Shadow” es un buen ejemplo de esta evolución, con guitarras y melodías tradicionales funcionando dentro de una estructura claramente rockera. La propuesta está bien definida y, sobre todo, suena natural: la banda no necesita forzar la contundencia para que su identidad resulte reconocible.

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El disco también abre espacio para terrenos más alternativos. “Lost Soul”, junto a Nothing More, es probablemente el momento más cercano al pop y al rock alternativo, hasta el punto de recordar por momentos a Muse, mientras que “Universe” utiliza sus casi siete minutos para desarrollar el componente más ceremonial y folclórico de la banda. En el extremo contrario aparecen “The Real You” y “Grey Hun”, donde The Hu aumenta la intensidad y se acerca más claramente al metal, incluso con algunos pasajes que pueden recordar a Epica o introducir matices industriales. Son momentos interesantes, pero representan una parte muy pequeña del conjunto.

Con alrededor de 50 minutos de duración, Hun funciona mejor cuando acepta sin complejos su condición de disco de rock con una fuerte identidad folclórica. Intentar encajarlo dentro del metal resulta innecesario cuando la mayor parte del álbum apuesta por riffs de rock, estructuras accesibles, blues y melodías tradicionales. Lo realmente interesante está precisamente en cómo The Hu consigue que instrumentos y recursos propios de su cultura convivan con una producción moderna sin perder personalidad.

Hun es un paso más en la consolidación de una fórmula que The Hu lleva desarrollando desde sus comienzos. No necesita reinventarse para demostrar que todavía existe espacio para explorar la conexión entre el folclore mongol y el rock, y canciones como “Warrior Chant”, “Shadow” o “Lost Soul” muestran las distintas posibilidades que ofrece esa combinación.

Electric Callboy llega a Tanzeid en el mejor momento de su carrera. Después del impacto de TEKKNO, los alemanes han conseguido convertir su mezcla de metalcore, electrónica y pop en una fórmula reconocible y, sobre todo, tremendamente efectiva en directo. Precisamente por eso cuesta reseñar este lanzamiento como un álbum propiamente dicho: buena parte del material ya había sido presentado previamente como singles, mientras que el resto se completa con remixes. La banda tiene la atención del público y parece lógico aprovecharla sacando material rápido, directo y consumible.

El principal problema es que Tanzeid llega con muy pocas sorpresas. “RATATATA”, “TANZELIED”, “Elevator Operator” o “The Devil” ya han circulado lo suficiente como para que su escucha completa no descubra demasiado. “The Way You Are” destaca dentro del conjunto por reunir de forma especialmente equilibrada la electrónica, el pop y el metalcore, además de ese componente festivo que la banda maneja con tanta facilidad. “Heartbreak Paradise” y “The Saviour” aportan material menos conocido, aunque tampoco suponen un cambio de dirección respecto a lo que Electric Callboy viene haciendo desde TEKKNO.

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Los alemanes siguen sonando enormes. La producción es limpia, contundente y preparada para funcionar delante de miles de personas, pero también deja claro que el componente metalero cada vez ocupa menos espacio frente a la electrónica y el pop. No es necesariamente algo negativo, porque esta evolución forma parte de la identidad actual de la banda, pero sí hace que Tanzeid resulte menos intenso que su predecesor. Aquí la fórmula está más pulida que desarrollada y, después de tantos singles, cuesta encontrar un recorrido real de álbum.

También sobran los remixes. En un trabajo que ya parte de canciones conocidas y que apenas supera la media hora de material principal, añadir reinterpretaciones posteriores termina alargando innecesariamente una propuesta que funcionaría mejor siendo más corta. Es difícil no pensar que estamos ante un par de canciones nuevas acompañadas por material que sirve para completar el lanzamiento. Los influencers de turno, vinilo bajo el brazo, podrán venderlo como un DISCAZO, pero dejando fuera el canje, los billetes y el entusiasmo automático, Tanzeid simplemente no llega a ese nivel.

Tanzeid no está mal y probablemente cumplirá perfectamente con los fans de Electric Callboy, especialmente con quienes buscan esa combinación de fiesta, electrónica y metal que la banda ha convertido en su sello. Suena increíble, tiene canciones pegadizas y está diseñado para el directo, pero poco más. A estas alturas, prefiero ver a Electric Callboy sobre un escenario que escuchar sus canciones en casa o en una plataforma de streaming.

Bajo el nombre Infernum, el nuevo álbum de Beto Vazquez Infinity llegó para reafirmar el talento del grupo para la experimentación musical. Lanzado el 6 de junio de este año, el disco cuenta con 11 canciones que recorren el power metal, metal sinfónico, metal progresivo, y reúnen elementos del heavy clásico.

Con Beto Vazquez en el bajo y la composición, Guillermo Carpintero en batería, Melani Hess en la voz, Leonardo Lukaszewicz en guitarras, y Daiana Benítez en teclados y coro, Infernum nos trae un sonido poderoso, con un ambiente de fantasía oscura, que va alternando entre diferentes géneros con un bajo que destaca y marca el ritmo de cada track, solos de guitarra rápidos y precisos, voces líricas, teclados y coros que aportan sentimiento y profundidad.

“Morbid Fascination” da inicio a este viaje al introducir un ambiente místico, con mucha épica y suspenso, preparando el camino para lo que vendrá. “Broken Soul” y “Fell the Void” llegan para imponer la potencia sonora del bajo y el doble bombo, que marcarán la energía que predomina a lo largo de todo el álbum.

En “Silent Scream”, podemos escuchar las primeras colaboraciones de este álbum, algo que ya es costumbre para Beto Vazquez Infinity. El poder aumenta con los guturales de Victor Monin y la guitarra estilo thrasher de Javier Bagalá.

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Más adelante, “Kill Technology” llega con la colaboración de Magnus Westman, en la voz, y la guitarra de Hernán Chaves. Aquí podemos distinguir claramente el Power Metal dominando la escena, con una melodía veloz, voces más agudas y un solo de guitarra que, en mi opinión, es el mejor de este álbum.

Siguiendo hasta “Destination Anywhere”, aparece la voz principal y los coros de Andrey “Vocaluga” Yuzhakov. Los teclados roban protagonismo, con riffs marcados y veloces, envolviendo al track en una mística de fantasía. Un solo de bajo, que destaca por su velocidad, da paso a solos de guitarra. El factor instrumental sigue siendo igual de influyente en todos los tracks. Otra prueba de ello es “My Element”, un tema instrumental de bajo de 54 segundos, que si bien puede pecar de básico, suma mucho a la ambientación y atmósfera del disco.

La despedida llega con el bonus track “The Long Goodbye”. Una canción con poder, pero que a su vez inspira melancolía, con teclados y coros que evocan un sentimiento de despedida, pero también de satisfacción por el camino recorrido. Un justo cierre para estos 42 minutos de música con los que Beto Vazquez Infinity cumple 26 años de actividad ininterrumpida, sosteniendo sus 2 estandartes principales: la experimentación y la colaboración con grandes artistas.

Hablar de Galneryus, es hablar de talento y grandeza. Es referirse a una de las bandas más ingeniosas, virtuosas y prestigiosas de los últimos tiempos. Es mencionar un nombre insignia dentro de su país, lleno de calidad y consistencia. Es escuchar a su líder Syu y pensar en uno de los mejores guitarristas que existen en la actualidad. Es ver un disco suyo y saber que va a ser glorioso. Es enfrentar su música con la sensación de estar frente al Power Metal más majestuoso y exquisito jamás escrito sobre la faz de la tierra. Todo eso y mucho más, es Galneryus.

Formados en Osaka en 2001, desde sus comienzos los japoneses han sabido ser los sucesores de los míticos X Japan, y captado la atención con trabajos que marcaron un notable nivel compositivo. Y que con el tiempo, no fue más que solo subiendo.

Sería a partir del 2010, con la llegada del cantante Masatoshi “Sho” Ono, que el grupo liderado por el habilidoso e indomable Syu alcanzaría las cimas del género y se mantendría en lo más alto durante años. Sacando discos que eran sinónimo de gloria y encabezaban los tops anuales no solo del power metal, sino del heavy metal en general.

Sin embargo, entre las tantas cosas que logró Galneryus a lo largo de su carrera, una de ellas fue la de nunca parar. Y estar constantemente editando discos. Bajo un ritmo acelerado y firme. Lo cual, nos ha permitido disfrutar de su notable despliegue y talento de forma continua, durante el último tiempo.

No obstante, lo que por tiempo fue su mayor virtud se terminó convirtiendo en su talón de Aquiles. Y es que a menos de dos años de su último lanzamiento, los nipones vuelven a la carga con el presente A Cry From The Sky Above. Una obra que en primera instancia, puede parecer otro triunfo por parte de Syu y compañía. Pero que visto más de cerca, resulta más bien en un déjà vu. En un eco de lo que ya han hecho.

Y esto puede ser normal a estas alturas de la carrera de Galneryus. Después de todo, estamos hablando de un grupo que ya lleva a sus espaldas la humilde cantidad de 14 discos de estudio. Todo en un lapso de menos de 30 años. Eso sin contar los EPs de más de media hora que tienen dentro de su catálogo. Una cifra abismal, aún para unos tipos que viven y respiran por la música como hacen ellos. De modo, que es válido verlos repetir ideas, formulas o incluso hasta bases musicales de vez en cuando. Después de todo, algo de humanidad e imperfección tienen que mostrar, pese a la elevada vara musical que manejan.

Pero una cosa es que tus canciones se parezcan entre sí y otra es tener exactamente el mismo patrón que en tu disco anterior. Con un recorrido conceptual idéntico. Ya que si nos ponemos a hacer el análisis minucioso, terminamos descubriendo que el presente A Cry From The Sky Above presenta la misma estructura que The Stars Will Light The Way (2024). Desde el comienzo hasta el fin. Desde el primer tema, hasta el último. Y es que resulta llamativo cuanto menos, esta similitud en la concepción de las obras.

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En ambos trabajos, tenemos un inicio instrumental de unos 3 minutos. En este caso, “Call Of The Horizon”, donde Syu nos dibuja las primeras notas y nos mete en ambiente con el brillo y esplendor de su instrumento para lo que se viene: una descarga mastodóntica de técnica, velocidad y epicidad de la mano de “The Light Of Hope”.

Acá vale mencionar que la banda suele arrancar sus discos con una intro instrumental desde que tengo uso de la memoria. Lo que se podría considerar ya una práctica habitual en su discografía. Pero que a eso, le siga el single de presentación con una duración extensa, luego el tema power acelerado y pesado del disco, y después la pieza melódica y de proporciones más luminosas, todo en ese orden como su predecesor, me habla de una banda que busca replicar al pie de la letra, lo que ya le funcionó. Sin cambio alguno. Como si siguieran un manual de instrucciones.

La idea de reservarse la balada y el opus magnum de 15 minutos para el tramo final tal como en el lanzamiento anterior, refuerza este concepto. O la de poner punto final al disco con un outro instrumental.

Y ojo, no le quiero caer a las composiciones, porque en ese sentido Galneryus no falla y sabe darnos clases magistrales llenas de momentos excelsos y alucinantes como en “Break The Silence”, “Let No Time Decay”, o la apoteósica “Without You”. Nadie duda de su capacidad musical para producir verdaderas gemas. El problema es que quizás tantas gemas juntas, terminan perdiendo un poco su brillo. Y al final del día, esta tendencia a sacar álbumes de forma seguida “normaliza” su estándar de calidad. Lo que antes impactaba e impresionaba, ahora es moneda corriente. Y esa es la sensación que deja A Cry From The Sky Above.

Mientras que otros contemporáneos de sus tierras como Lovebites o Unlucky Morpheus, se la juegan y buscan expandir sus horizontes, Galneryus parece haberse quedado estancado en el mismo sitio.

Si bien siguen siendo los maestros del estilo, y unas de las bandas abanderadas del Power Metal actual a nivel global, la realidad es una pausa no les vendría mal. Relajarse un poco. Tomarse las ideas con más calma. Y entrar al estudio cuando el tiempo realmente lo disponga. Después de todo, en su terreno neoclásico y progresivo, sabemos que nadie les gana.

La escena black metal noruega tuvo su esplendor en los años 90, donde las bandas principales del género dieron a luz a los discos fundacionales durante principios de la década.

En la segunda mitad de la misma, no solo las bandas clásicas siguieron construyendo y expandiendo el género, sino que también emergieron otros grupos que, tomando influencias anteriores, ampliaron la visión.

Tal es el caso de Taake, proyecto unipersonal del vocalista y multiinstrumentista Hoest.

Este tomó las bases del Gorgoroth más melódico y las llevó a un terreno más introspectivo que violento, profundizando en la inmensidad de los riffs y las melodías gélidas. También agregó instrumentos extraños al género, como pasajes de piano y hasta un banjo. Con el tiempo, fueron tomando una postura más rockera y directa.

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Este año editaron su noveno disco de estudio, En Skog av Nidstang. Y este sigue un poco la dirección del anterior, Et Hav av Avstand. Canciones largas, que toman el tiempo para desarrollarse, pero que, a su vez, fluyen. Cada sección está excelentemente bien conectada con la anterior y suena muy natural. En ningún momento la canción pierde la esencia, ni da la sensación de ser más de una canción en una. Se siente que es la misma composición, pero el desarrollo es tan natural y orgánico que no aburre.

Una particularidad es que este es un disco oscuro. Con melodías frías, clásicas de la banda. Pero, a su vez, se siente colorido y hasta reconfortante. Logrando una dualidad similar a las bandas de blackgaze, pero sin sacrificar oscuridad o agresión.

Creo que hay influencia de dicho estilo, pero no llega a cambiar la identidad del grupo.

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Es como si el disco te llevara a pasear por una paleta de colores que tiene todos los posibles tonos de negro y gris. Es agradable, pero, a la vez, distante y tajante.

La voz de Hoest está en perfecto estado. Da la sensación de que se dio el gusto de gritar y forzar la voz un poco menos. Pero sigue sonando poderosa. Es uno de los mejores cantantes del género que vi en directo. Y me atrevo a decir que el mejor frontman de una banda de black metal que he presenciado.

Para destacar un momento del álbum, me quedo con el final del mismo. Los últimos dos minutos de “Av Guds ville Naade”, donde evocan al clásico Lifelover. Con riffs que suenan amigables, pero, a la vez, son súper fríos. Y un Hoest sollozando y transmitiendo mucho dolor.

Este álbum muestra un Taake maduro, con intenciones más profundas que solo escandalizar. Busca invitar a la introspección y a viajar dentro de la soledad, para conocer más su interior.

Hay bandas que, si bien son fundacionales o fundamentales de un género, no logran tener un público masivo. Tal es el caso de Moonspell, banda ícono del metal portugués y que es clave al entender el metal gótico.

A lo largo de toda su carrera fueron moldeando su identidad y el estilo, tomando influencias de distintos estilos. Como del black metal melódico para Wolfheart o Night Eternal, o el pop electrónico para Sin/Pecado.

Pero hace ya varios trabajos que viene apuntando a hacer metal gótico. Sin ningún tipo de aderezo, sino usar cada herramienta que da el género para crear algo puro. Y dicho estilo tiene mucha tela para cortar; no es para nada un género cuadrado o simple.

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Far From God es exactamente eso. Un álbum en el que todos los elementos góticos están presentes.

Las voces profundas de barítono tienen el protagonismo en el disco, aunque varios gritos aparecen para dar un poco de variedad. Los susurros, los sollozos y demás elementos teatrales le dan aún más matices a la voz. Está a cargo del mítico Fernando Ribeiro, quien es un vocalista y frontman de primer nivel, y líder del grupo.

Como es recurrente en el gótico, la base rítmica es hipnótica y, a su vez, coquetea con lo bailable. Con un bajo grave, pero que no satura, sino que lleva el ritmo y agrega algún detalle interesante. Acompañado por una batería que busca hacer lo mismo: llevar el ritmo y el clima de la canción, y aportar un detalle cuando es requerido. Ambos hacen una labor muy buena, ya que, en una era donde todo está sobreproducido y llevado al tecnicismo extremo, demuestran que lo correcto es hacer lo que la canción pide.

El teclado suma atmósferas y colchones de teclados que dan dramatismo a las canciones. Y, por momentos, se disputa la melodía con la voz y la guitarra.

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Esta última tiene una labor muy elegante. Si bien tiene momentos pesados, la mayoría del tiempo busca crear alguna melodía etérea y bailable. O decorar la base rítmica con punteos, sonidos e incluso solos de guitarra exquisitos.

Como dije, el disco tiene momentos muy diferentes entre sí. Como, por ejemplo, los dos singles, “Cross My Heart” y “Far From God”, cuya función es ser más accesibles, digeribles y recordables.

Luego hay momentos más introspectivos, como “Your Promise of Life”, y otros que pasan de una estrofa pequeña a algo grandilocuente, como “The Great Wolf in the Sky”, que cuenta con la única artista invitada, la violinista Alicia Nurho.

Moonspell nos entregó un trabajo sólido, entretenido y muy rico. Que sirve como estandarte de un género, ya que, solo usando elementos del mismo, creó un álbum variado, creativo y que se posicionará dentro de lo mejor del año.

Con una trayectoria que supera las dos décadas, DevilDriver ha sabido mantenerse fiel a una identidad marcada por la combinación de groove metal, melodeath y metalcore, sin dejarse arrastrar por las modas del momento. Strike And Kill encuentra a la banda en un punto de madurez evidente, apostando por un sonido más contundente y compacto que en sus trabajos recientes. No busca reinventar su propuesta, sino sacar el máximo partido a una fórmula que sigue funcionando cuando está respaldada por buenas canciones.

La apertura con “Dig Your Own Grave” marca el camino desde el primer minuto: riffs pesados, estribillos con gancho y la inconfundible presencia de Dez Fafara, que continúa siendo el gran eje de la formación gracias a una interpretación agresiva y llena de personalidad. El álbum mantiene un ritmo constante, alternando momentos de puro impacto con otros donde el groove toma el control, sin perder nunca la sensación de fuerza que recorre todo el repertorio.

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Entre los cortes más destacados aparecen “Dead In The Water”, “In The Moonlight” y “Headed For The Fall”, tres ejemplos de cómo DevilDriver ha refinado su manera de escribir sin renunciar a la contundencia. Las guitarras encuentran el equilibrio entre melodía y agresividad, mientras que la sección rítmica sostiene cada tema con una pegada demoledora. También hay espacio para composiciones como “You’re Just A Ghost” o “Oath Of Iron”, donde la banda potencia su faceta más cercana al groove metal clásico con estribillos pensados para el directo.

A lo largo de sus cincuenta minutos, Strike And Kill consigue mantenerse fresco gracias a una producción potente y a un repertorio que evita la repetición excesiva. DevilDriver recupera parte de la inspiración que muchos echaban de menos en sus últimos lanzamientos y entrega un disco sólido, cargado de energía y con suficientes momentos memorables para satisfacer tanto a quienes siguen a la banda desde sus primeros años como a los aficionados al metal moderno más contundente.