Desde 2020 Tormentor Tyrant viene siendo una banda creada cómo un proyecto paralelo de miembros de otras bandas algunas tales cómo Corpessed , Tyranny y Solothus entre otras. Oriundos de Finlandia han sacado variedad de Ep’s y singles en estos 5 años de carrera pero el 2025 los encontró juntos para sacar su primer disco el cual llamaron “Excessive Escalation of Cruelty” en donde la joven banda nos lleva por un viaje que mezcla tanto death de la vieja escuela, thrash y un poco de grindcore y que da cómo resultado un álbum muy bien logrado.

Viendo la portada del disco podemos imaginarnos que sería algún tipo de homenaje al “Altars of Madness” de Morbid Angel pero bastante lejos de eso se encuentra ya que encontramos influencias de otras bandas de manera más directa cómo Deicide quizá. Más allá de esto la placa se desarrolla de manera dinámica haciendo que sea fácil de escuchar pero no por eso que deje de ser interesante porque los climas que arma hacen que nos enganchemos al instante con la canción que estamos escuchando.

La intro a cargo de “Upheaval of Tyranny” nos prepara para que suene “Capital of Pain” donde de inmediato notamos la fuerte unión del death y el thrash y si bien es algo muy notable al escucharse no resulta molesto o obvio porque está muy bien armado en cuanto al balance de los dos estilos en sí. Es el turno de “Torture Divine” y acá es más clara aún la influencia directa de Deicide para el tema aunque con algunos tintes pequeños de thrash también. Suena después “Tartarean Iron Grip” y no puedo evitar encontrar cierta idea rockera en la canción que se mezcla con el thrash que maneja la banda durante el disco y da cómo resultado un tema muy bien logrado, que por ahí viene a ser el tema más atípico del disco. Llega “Crueler Tomorrow” en donde volvemos a tener una mezcla de géneros esta vez entre el death y el grindcore que se aprecia con los riffs y las voces tirando a Napalm Death sin dejar de lado el death metal clásico.

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Pasando la mitad del disco llega “Pit of Anguish” y desde este momento hasta el final de la placa la banda opta por ir directo al death metal sin vueltas, fórmula que se repite en “Cosmic Wild Hunt” con un tempo más lento pero igual de directo. Cerca del cierre llega “Terminal Revelation” y volvemos a la influencia de Deicide esta vez más directa que nunca sin tintes de nada, solo death puro. El final llega con “Heavy Death Bombardment” la cual mantiene la misma idea del death metal incluso con una lírica que habla del mismo género, cerrando de esta manera el primer disco de Tormentor Tyrant que es un muy buen resultado para una banda que viene dando sus primeros pasos lentos pero firmes.

Así nos pasó por encima “Excessive Escalation of Cruelty” y deja claro que el death metal es un género que sigue vivo y que tenemos muy buenos exponentes que siempre le rinden homenaje de manera tradicional o con influencias externas. Cada banda es un mundo y lo lindo de cuando se juntan amigos a hacer música es la fusión de esas ideas y cómo se llevan a cabo. Cómo dicen por ahí puede haber una docena Tormentors y muchos Tyrants pero Tormentor Tyrant hay uno solo, ese que está dejando una marca en la escena musical y muy bien hecha.

EP debut de los polacos Postmortal en donde encontraremos un claro funeral doom metal de pura cepa. La banda fue formada en el año 2016, aunque en el medio hubo varios cambios de formación, incluyendo un hiato de unos 6 años, o al menos eso es lo que comentan los propios integrantes de la banda que, en este caso, se trata de un duo conformado por Dawid en voces y Michal en la parte musical, es decir, el resto de los instrumentos (guitarras, bajo y batería).

Editado a través de la discográfica inglesa Aesthetic Death, la grabación data del pasado año (2024), pero se trata de un álbum compuesto por canciones creadas entre el año 2017 y 2018 aproximadamente, previo al hiato, que sucedió por motivos que no se dejan claros, posiblemente se trate de algo relacionado a problemas internos con miembros que se fueron apartando y cuestiones de tiempo para dedicarle al proyecto. A nivel de producción, este Full-Length fue mezclado y masterizado por Przemyslaw Nowak, quien ha realizado este tipo de aportes a bandas como Devilish Impressions. En esta oportunidad, nos adentramos dentro de un disco con un sonido muy reconocible y clásico en el género, la batería bien marcada, una guitarra con una distorsión cruda y una voz gutural profunda, que sumado a una reverberación generalizada, claramente identificable a simple escucha, da como resultado un sonido cavernoso o de ultratumba, sin dar lugar a muchas sutilezas, tal vez apuntando a lo que se puede denominar un sonido minimalista, aunque con algunos detalles puntuales que se irán desglosando más adelante, que impiden que se caiga en la monotonía total.

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Este trabajo “Profundis Omnis” (traducido del latín, sería algo así como “Desde lo más profundo”), en cuya tapa se vislumbra la figura de un hombre desprovisto de vestimenta y cubierto de un denso líquido negro, en lo que se interpreta una expresión facial de un grito de agonía, corresponde a una fotografía tomada a Gabriel Lapierre-Mróz, quien ha trabajado con otras bandas polacas como Blaze of Perdition, donde fue vocalista entre 2007 y 2012; y ha participado en el casting para uno de sus videoclips, actualmente tiene su propio proyecto Cien.

El disco consta de 6 canciones, de las cuales hemos tenido 2 adelantos mediante “Fallen”, que es el tema que justamente abre este disco y “Decay of Paradise” que es la tercera pista, que contiene el aporte de Anna Charczuk-Salamon en voces, ya notable en la intro, con una voz que, en lo personal, la melodía me recuerda al estilo árabe, pero con un dejo de tristeza, que se repite en la canción a medida que se ejecuta nuevamente el riff del verso inicial. Si hablamos del apartado lírico, en ambos casos, tenemos letras que hablan de la desolación total, con un tono totalmente desesperanzador, con frases como “Bonded by misery Where life is curse of world” (Unidos por la miseria, donde la vida es la maldición del mundo) o “I seek no helpful hand” (“no busco una mano que me ayude” o “no busco que alguien me ayude”), no hay lugar para segundas lecturas, la intencionalidad es bien clara y consecuente con el género. El resto del álbum transita dentro del mismo espectro musical, sin mayores sobresaltos salvo algunas melodías ocasionales o quizá un efecto de echo por el lado de las guitarras, con una duración de las canciones en un rango entre 8 y 11 minutos, lo cual es bastante normal se puede decir, en comparación a otros exponentes del estilo.

Una experiencia sonora solo apta para los más acérrimos fanáticos del Funeral Doom, no pasará a los anales de la historia como un lanzamiento formidable, pero si es digno de escuchar y le da un final feliz a estas canciones que tuvieron que esperar varios años para finalmente ver la luz.

Tiempo teníamos de no saber de The Hellacopters. Uno de los exponentes más importantes de la escena hard rockera había sacado su último álbum en 2022 y fue “Eyes of Oblivion”, el cual trajo un bocado de frescura y nos hizo recordar lo grandioso de esta banda. Pero este 2025 el proyecto del legendario Nicke Anderson trajo un nuevo trabajo de estudio el cual titularon “Overdriver”, que en sus 11 temas de duración nos lleva por un viaje a toda velocidad por un sin fin de estilos dentro del hard rock, solo cómo los Hellacopters saben hacerlo.

Dando inicio a la placa llega “Token Apologies”, acá nos encontramos con un tema con la vibra clásica de los Hellacopters, bien rockero, ganchero que nos hace mover el pie al momento que comienza y con una parte melódica en el medio que combina muy bien con toda la canción en sí. Continuando suena “Don’t Let Me Bring You Down” donde se refuerza el elemento melódico pero sin dejar de lado el rockero y con un riff de guitarra que se te pega al momento que lo escuchas. Es el turno de “(I Don’t Wanna Be) Just a Memory” donde se sigue por esa vena más tranquila ya incluso dejando un poco más de lado lo rockero, trayendo un sonido con más vibras de rock sureño que da muy buen resultado en lo que se viene escuchando hasta el momento. Pero había que recordar que los Hellacopters son una banda de rock and roll duro y para eso suena “Wrong Face On” con un ritmo rápido, rabioso y directo que nos deja claro que esta banda maneja muy bien los géneros. Bajando un poco la velocidad pero manteniendo el mismo palo llega “Soldier On” que tiene un riff simple pero que te hace tararearlo apenas lo escuchas, acompañado de música un poco más lenta dando una combinación más que efectiva. Con una vibra más setentas llega “Doomsday Dreams” y trae consigo un estribillo bien ganchero. Hasta esta mitad del disco vemos que hay un buen balance entre los estilos que la banda maneja teniendo un tema para cualquiera de ellos que se busque.

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Para no alejarse mucho los Hella vuelven a rock directo con “Faraway Looks” con el riff potente, el piano de fondo rápido bien típico de la banda que hacen mover la cabeza en cada nota y en cada solo. El momento balada llega con “Coming Down” donde vemos unos tintes similares a Lynyrd Skynyrd con solos más melódicos y un tema más de rock de estadio quizá pero que no deja de tener el sello propio. Sin salir del lado tranquilo pasa “Do You Feel Normal” el cual además el corte difusión de la placa con su propio videoclip. Pasando un poco al blues llega “The Stench” con un tono más pesado que roza el stoner, sin dejar de lado el rock siempre. El cierre llega con el tema más largo de toda la placa y definitivamente uno de los mejores, con “Leave a Mark” y su final instrumental nos lleva por un viaje de distintos climas con estilos que varían mezclandose muy bien cerrando un disco sin puntos bajos ni momentos flojos.

Paso Overdriver el nuevo trabajo de The Hellacopters y deja claro que la esencia es la misma, si bien no es un disco tan rockero cómo su antecesor es un disco que cumple muy bien con su propuesta. Nuevamente el equipo de Nicke Anderson cumplió cómo siempre, nos dio algo más que aceptable que se suma al gran catálogo musical que manejan en su actualidad. Si bien el sueco tiene muchos proyectos musicales, The Hellacopters siempre fue de los más ambiciosos y definitivamente el que cambió el punto de vista sobre Anderson, mostrando que era capaz de moverse en cualquier sonido que se proponga. Por ahora esta banda está de vuelta, es algo que se debe festejar y porque no ilusionarse a que puedan bajar a nuestros pagos para traer un poco de rock and roll del bueno a nuestras vidas.

Con motivo del décimo aniversario de su disco debut, los chicos de As It Is han editado una versión muy especial de Never Happy, Ever After, donde han contado con la colaboración de grandes músicos y amigos, para recordar uno de los mejores discos del estilo en la década pasada y que le dio un aire fresco a una escena que venía haciendo aguas gracias a discos mediocres de las bandas anteriores como All Time Low o A Day To Remember, entre otros.

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El disco arranca por todo lo alto con el clásico “Speak Soft”, para el cual han contado con la colaboración de Kellin Quinn, vocalista de Sleeping With Sirens y que aporta su particular tono y color de voz aguda que encaja bastante bien con la de Patty Walters.

No sorprende en exceso, pero es un bonito “remember” de la versión original, mucho más lograda esta la preciosa y pop punkera “Cheap Shots & Seatbacks”, donde Alex Costello de Roam y Mikey Chapman de Mallory Knox, nos recuerdan aquellos años dorados para la escena alternativa británica, con un emotivo y excelente dueto y combinación vocal que hará emocionar a los que vivimos aquel “Revival” del género en primera línea de batalla.

Para “Sorry”, hace acto de presencia la bellísima y talentosa Mikaela Delgado de Yours Truly, que en su día fueron considerados como una especie de cruce entre Tonight Alive y los propios As It Is, siendo esta comparación algo bastante acertado.

La cantante sigue brillando como antaño y con los años ha madurado su voz, siendo una auténtica delicia escucharla cantar este tema.

La nostalgia sigue a pleno con “Drowning Deep in Doubt”, uno de los mejores temas del disco y para el cual los chicos de Beauty School acompañan en las partes vocales y una vez más con un excelente resultado, consiguen recrear la magia de la versión original.

Pero si una canción me tenía realmente intrigado por ver como iba a sonar diez años después y encima con la colaboración de Lucas Woodland de Holding Abscence, esa no era otra que “Dial Tones”, y habiéndola escuchado más de 50 veces, puedo afirmar que podría haber sido la original y todos estaríamos felices por ello, es imposible no sentir escalofríos cuando los primeros acordes suenan y Patty sigue emocionando como en sus comienzos, para luego deleitarte con el toque personal de Woodland.

Las revoluciones bajan, pero no las emociones y es que en la balada “My Ocean Were Lakes”, los chicos cuentan con Rachel Walters, esposa de Patty, quién con su toque dulzón, aumenta el toque bonito y romántico de la pieza y Dave “Brownsound” Barksh de Sum 41 pone un hermoso solo de guitarra para coronar esta sentida pieza, que ha sido recreada de forma muy especial.

Las energías se renuevan con “Concrete”, otro de los temas más veloces del disco y que se torna aún más enérgico gracias a la colaboración de Trash Boat, otra de las bandas alternativas de los “2010” que brillaron dentro de lo que se conoció como “SadBoi Pop Punk” y que hoy sigue sonando tan potente y acertada como en aquella época.

Las voces algo gritadas de Tobi Duncan y Dann Bostock, suenan tremendas en esta pieza y ojalá pudiésemos recuperar aquella época tan especial para muchos de nosotros.

La “Sangre Nueva” se hace notar cuando ARTIO toman el protagonismo en la melódica “Turn Back To Me”, con una Rae Brazill espléndida a las voces con un tono muy melódico y que encaja de perlas en esta gran canción, que de nuevo parece escrita ayer debido a que conserva la frescura de la versión original.

Quizás la sorpresa a nivel personal llega de la mano de “Can’t Save Myself”, uno de los singles clásicos del disco y que hoy se ve actualizado gracias a Noah Finnce, un chico que ejerce de Youtuber, cantante y activista por los derechos LGTBIQ+.

Si bien conocía los covers de este chico, así como su debut del año pasado, me ha gustado mucho como su voz más “Pop” se combina con las de Patty y Ben y el resultado es bastante logrado.

Pero si hay un dueto que representa como añoramos aquellos días, ese es sin duda el conformado por As It Is y Hidden In Plain View, una de las bandas con la que crecí dentro del pop punk, el post hardcore y el emopop en los 2000 gracias a los años dorados de Drive Thru Records.

Volver a escuchar a Joe Reo, es una auténtica maravilla, no es que HIPV fueran los mejores ni los más grandes (ahí estaban Fall Out Boy, Taking Back Sunday, Brand New, antes de que Jesse tirase la carrera de la banda a la basura o New Found Glory), pero si que es una banda que me gustaba mucho y más de 15 años después volver a escucharles ha sido un viaje muy emotivo.

El disco se cierra con la delicada y ahora mejorada “You, The Room & The Devil on Your Shoulder”, que adquiere un toque bastante épico y se embellece gracias a la inestimable ayuda de Transit, quienes por medio de Ella Amber Meadows, hacen un bonito y muy personal contraste con las voces melódicas de Patty Walters y Ben Biss, cerrando el disco de manera brillante y justificando de sobra su edición, para celebrar este décimo cumpleaños con broche de oro.

Como la versión original del álbum siempre estará ahí, este disco es una oportunidad de oro para conocer a As It Is y entender porque fueron una de las mejores bandas de su generación y aunque el tiempo haya pasado, sus canciones siguen emocionándonos como antaño.

En esta ocasión tengo el agrado de presenciar el debut de Tetramorphe Impure en formato de larga duración, por parte de esta one man band italiana a cargo de Damien Dell’Amico (aka Damien), lanzado bajo el sello inglés Aesthetic Death. Primer lanzamiento que por lo visto tardó un tiempo considerable en concretarse, ya que el proyecto había arrancado en el año 2006, nada menos que unos ¡19 años! Aunque no tuvo actividad constante sino a partir del año 2021, con el lanzamiento del compilado Dead Hopes/The Last Chains que, como su nombre indica, incluía el EP Dead Hopes y el demo The Last Chains lanzado inicialmente en 2008.

A nivel sonoro, la banda apunta a un sonido muy influenciado por bandas de los ’90, como la primera época de My Dying Bride, Evoken e incluso Esoteric, por lo cual podemos aseverar que se define dentro de un death/doom, con una gran influencia funeral doom e incluso algunas pinceladas de black/death a la Behemoth del “The Satanist”, especialmente en la forma de componer algunos riffs tremolados con algunos blast beats. La producción, en cambio, está muy lejos de sonar crudo, sino más bien, lo contrario, muy pulida, aquí se aprecian los instrumentos de forma clara, quien estuvo a cargo de esta labor fue el bielorruso Alex Sedin, que, tal vez no es un nombre muy conocido, pero ha participado en trabajos como el tercer y más reciente disco de Anachronism, grabando el bajo y encargándose de la mezcla y mastering (disclaimer: dato relevante solo para quienes están metidos en el nicho del tech/prog death), retomando el disco, puede notarse que si bien tiene algo de crudeza en el tono de la guitarra, es perfectamente entendible cada nota, al igual que el resto de los instrumentos, los niveles están parejos.

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Hablando de las canciones, nos encontramos con 4 piezas que son bastante variadas, aunque siempre presentando una atmosfera plenamente oscura, por lo cual pensar en un álbum plano y aburrido no es algo que vaya a suceder, afortunadamente. Tenemos guitarras practicando melodías, riffs tremolados, multitud de arpegios, los clásicos colchones para dar ambiente, arreglos en diferentes instrumentos, probablemente creados con algún VST o hechos mediante teclados. La introducción de este trabajo con “Forsaken Light”, nos pone en contexto de que va todo lo mencionado anteriormente, arrancando con sonidos ambientales y una voz femenina con un efecto fantasmagórico hablándonos del otro mundo para de forma subsecuente introducir el primer riff de guitarra marcado, bien funeral doom, que nos sumerge paulatinamente en el concepto creado por Damien, para luego dar comienzo a la sección percusiva por parte de la batería, inesperadamente tenemos una sección de blast-beats y doble bombo que le dan velocidad, algo que será en cierta forma una constante, ya que hay muchas subidas y bajadas de tempo, aunque no necesariamente utilizando estos recursos continuamente.

Tenemos más pasajes lentos que nuevamente se encasillan dentro del funeral doom en la intro de “Night Chants”, con las típicas guitarras marcadas y los tempos bajos característicos del género (aquí podemos apreciar unos +/- 68 BPM), para luego dar paso a semicorcheas en +/- 165 BPM, introduciendo los instantes más rápidos del disco con unos blast-beats y algunos momentos a lo black/death. La batería en este caso es programada/electrónica claramente, en algunos puntos se puede notar levemente, especialmente en pasajes donde la notación es corta, por ejemplo, algún blast-beat, pero este dato no disminuye para nada el disfrute del escucha, la voz es muy asociable al doom/death de corte gutural con un tono que recuerda bastante a Nergal, aunque por momentos hay algunos cantos similares al estilo gregoriano, profundas e impostadas, por momentos más vocalizado, en otros en formato de narración. Adicionalmente, existe un pasaje acústico para el cierre en “The Sunset of Being”, a partir de la mitad de la canción, para de a poco ir aclimatando lo que será la culminación de esta entrega.

Finalizando y a modo de conclusión, se puede dilucidar que se trata de un muy buen comienzo discográfico, no me animaría a decir que esto se trata de un clásico ineludible que debería estar obligatoriamente en la discoteca de cualquier fan del doom/death o funeral doom, pero sin duda es un trabajo logrado, que merece ser escuchado, tenido en cuenta e incluso ser re-escuchado cada tanto, más que recomendado prestarle atención de aquí a futuro.

Que a estas alturas de la película (de terror, por supuesto) tengamos el retorno de Wednesday 13, ya es motivo de celebración para unos cuantos (entre los que están quién suscribe esta reseña) ya que se trata de un personaje bastante particular y hasta entrañable, dentro de la escena alternativa.

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Con más de diez discos editados, contando este nuevo trabajo, no podemos pretender que Wednesday haga una revolución ni nada por el estilo, sin embargo escuchando a fondo el disco, si podemos afirmar que el músico norteamericano ha vuelto a ofrecer lo mejor de si mismo, con un disco potente y directo, quizás algo más ligero que sus dos anteriores, pero con un puñado de buenas canciones que mantienen el nivel y el ADN de este sujeto y su banda de forma más que interesante.

Desde el comienzo con “There’s no Such Things as Monsters”, una tétrica intro que deja paso a “Decease and Desist”, el disco ya no tiene vuelta atrás y como ocurría en la clásica “La Casa de los 1000 Cadaveres“, uno se sube al tren del terror y buena suerte queriendo escapar del mismo. Esta pieza recuerda un poquito al pasado de Wednesday en Murderdolls con pinceladas y guiños a White Zombie, que seguro harán las delicias de los que son seguidores de estas bandas.

Tanto “When the Devil Commands” como “Rotting Away”, siguen esa línea musical con toques de horror industrial y unas líricas propias de la “Serie B”, que tan bien ejecuta este sujeto.

Sin embargo el horror punk vuelve a aparecer con “No Apologies”, un tema bastante logrado que cuenta con la participación de Taime Downe, de Faster Pussycat y lo cierto es que la unión funciona bastante bien, sin ser una pieza magistral ni mucho menos, pero cumple bastante bien lo que pretende ofrecer.

El ecuador del disco viene marcado por “Decapitation”, un corte que quizás sea el mejor desde el segundo track del álbum y que puede representar muy fielmente el estilo clásico de W13 con los toques actuales que le ha ido dando a su música en esta última década o los últimos tres lustros.

“In Misery”, es una pieza particular y quizás sea de mis favoritas del disco, justamente porque deja a un lado el sonido más salvaje e industrial de Wednesday, en favor de un tono más melancólico y oscuro, rockero si, pero mucho más redondo que casi toda la primera mitad del disco.

Para la traca final, tenemos un poquito de todo: Desde el humor “macabro” que tiene “My Funeral” y que es una pieza que aunque quisieron, Aiden jamás pudieron componer hasta el sonido más prototípico de Wednesday en “I Hurt You” o el cañonazo medio sleazy glam horror que es “Sick and Violent”, con el que se cierra el disco de una forma más que acertada y correcta.

Por que si amigos, Wednesday 13 no ha inventado nada nuevo, ni siquiera es que se haya reinventado a si mismo con este nuevo disco, sin embargo si que mantiene un gran nivel a 20 años de su disco debut con este proyecto y eso queridos, ya es motivo de respecto y cuanto menos reconocimiento.

El nuevo trabajo de los americanos Fallujah és definitivamente un antes y un después en la historia de la propia banda. A través de Nuclear Blast, la banda se ha podido reconfigurar completamente tras la llevada de su nuevo guitarrista Sam Mooradian (Inhale Existence), además del canadiense Kevin Alexander (Dysembodied Tyrant). Juntamente con Evan Brewer, Kyle Schaefer y el fundador Scott Carstairs, estos han escrito un capítulo nuevo en el que sin duda, nos someteremos a posiblemente una de las mejores experiencias auditivas de este 2025.

Con Xenotaph, como dicta Schaefer “Los fans, con suerte, se sorprenderán y emocionarán con las nuevas direcciones a las que estamos apuntando (…) también podrán reconocer algunos de los elementos del core que hemos ido construyendo en el pasado. Hay algunos momentos donde hemos querido que nuestra música se sienta completamente nueva incluso fuera de nuestro carácter, con también momentos donde hemos querido inclinarnos a lo que la banda ya sabía hacer bien. Se trata de ser dinámico y excitante, mientras se siente como una única pieza cohesionada lírica y narrativamente. Queremos hacer que esta música impacte a nuestros fans de la manera que nuestra música preferida nos ha impactado a nosotros“.

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La encargada de abrir el sexto álbum de estudio de la banda es el prólogo “In Stars We Drown“, donde, bajo un manto técnico y groovie acompañado de una gran melodía intercalando armónicos y guturales, dando esta paso a “Kaleidoscopic Waves“. Aquí nos muestran una faceta frenética con hiatos casi acústicos, propios del progresivo, todo a escala mayor.

Sin duda, a lo largo del tema, se hace cada vez más agradable escucharlo, gracias también a la maravillosa producción del álbum. Esta canción, “A Parasitic Dream” sirve como ejemplo de lo que nos espera en el resto del trabajo; double-beats, armónicos, coros, increibles solos de parte de Mooradian y Carstairs y unas agresivas pero agradables vueltas.

“Labrynth Of Stone” és uno de los temas que más he escuchado, aquí el tecnicismo alcanza una pequeña cúspide en lo que se refiere al álbum en su totalidad. Este se ve suficientemente matizado por otro de los mejores chorus del álbum, remarcando la semejante calidad de Kyle Schaefer en la voz, yendo de la mano de las polirrítmias y compases asimétricos con otro puente pesado. Cinco minutos que en cierto modo, se te hacen cortos.

El ecuador de los ocho que componen el álbum, es un pequeño canon de lo que es su anterior tema, aunque subiendo el nivel en términos de pesadez. En “The Crystaline Veil” siguen jugando entre el death técnico y el progresivo melódico, sin soltar el apartado gutural, pudiéndose considerar un tema promedio de la banda; excelencia en todos los ámbitos.

Con “Step Through The Portal And Breathe” podemos llegar a notar algo de monotonía en cierto modo comparándola con los anteriores temas, siguiendo esta una fórmula similar sin llegar a sentirse repetitivo ni mucho menos. Está escrito de tal manera que se sienta parte del álbum (sin parecer sufrir una crisis de personalidad como otras bandas), tomando cada aspecto que identifica a Fallujah como una de las mejores bandas del género.

La banda rompe esa monotonía (que para nada es algo negativo) convirtiéndola en un tema muy original, postulándose como uno de los mejores de este LP. “The Obsidian Architect”. Pasando a una tonalidad menor dejando de lado la parte melódica y agradable en gran parte del tema, donde irrumpe una faceta extrema de manera excelente que lleva el tema In Crescendo hacia un memorable solo por parte de Sam Mooradian, prosiguiendo a otro de Carstairs. Esto da paso a un epílogo donde los growls de Schaefer me hacen partir el cuello (yendo acorde con el tempo esta vez, cosa no muy probable en este género).

Nos encontramos con el último tema, el homónimo “Xenotaph”. Una canción rítmica en las estrofas, pero con un espectacular blastbeat envolvente en el estribillo propios del black atmosférico que cuaja completamente con la dirección de la canción. La segunda parte retorna de manera técnica otra vez cayendo de golpe en una pausa armónica y sintetizada, manteniéndose esta a la última vuelta para cerrar el álbum por todo lo alto.

Otra vez, Fallujah sigue sin decepcionar. Han experimentado lo suficiente como para darnos un sabor refrescante manteniendo a la vez la identidad propia que define a la banda. Un excelente álbum que lo postula como uno de los mejores del ecuador de este 2025, con muchas ganas de que los de la West-Coast pisen nuestro país para brindarnos en vivo este nuevo Xenotaph.

…And Oceans es una banda que se puede calificar de “excéntrica”. Dieron sus primeros pasos en los noventas con su propia versión de la nueva corriente sinfónica del black metal, con la llegada del nuevo milenio se pudieron contar entre los pioneros del black metal industrial, adoptaron un nuevo nombre para marcar este cambio de estilo, sacaron un disco industrial como Havoc Unit, se separaron en 2013 y en 2017 anunciaron su vuelta, aunque con un par de cambios de formación antes de poder llegar a editar su regreso con Cosmic World Mother en 2020. Cambios de estilo, de nombre, de seudónimos y una tonelada de rumores extraños acerca de sus miembros, …And Oceans ha sabido hacerse una mitología personal bastante particular.

Tanto en Cosmic World Mother como en As in Gardens, So in Tombs, los dos álbumes esta nueva etapa en su carrera, …And Oceans se habían mostrado firmes en su idea de volver al sonido de black metal sinfónico de sus inicios, con sus blast beats y riffs helados mezclados con teclados grandilocuentes, sin tantos de los sonidos industriales que habían caracterizado a sus producciones inmediatamente previas a su separación. Para este The Regeneration Itinerary, séptimo trabajo del grupo, las cosas se mantienen (casi) por el mismo camino.

Tracks como “Förnyelse i Tre Akter”, “The Terminal Filter” y “I Am Coin, I Am Two”, por sólo elegir un puñado, muestran bien este sonido épico y aplastante a lo Emperor que ha caracterizado las últimas producciones de …And Oceans. Estos tracks, y muchos más, muestran la tremenda tarea no sólo de la dupla de guitarras de Timo “T” Kontio y Teemu Saari, los dos integrantes que se mantienen de la formación original, sino también de Kauko Kuusisalo en la batería y Antti Simonen en los teclados, estos últimos el elemento fundamental que le termina dando su identidad al álbum.

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El acelerador está apretado al fondo durante casi todo The Regeneration Itinerary, pero de vez en cuando el sexteto se toma la libertad de rebajar un poco las canciones, como se da en “Prophetical Mercury Implement” o “The Fire In Which We Burn”, por mencionar un par. Pero por regla general el doble bombo domina los ritmos, a veces en solitario pero casi siempre con los blast beats bien al frente.

En reglas generales la descripción de The Regeneration Itinerary podría arrancar y terminar ahí, siendo un disco dentro de todo homogéneo en sus intenciones: la atmósfera épica, los rugidos brutales de Mathias Lillmåns y los colchones de teclados dominan casi toda la placa. Pero hay lugar para ciertas cosas inesperadas, siendo una de ellas que parece que estos finlandeses decidieron echarle un ojo al pasado y volver a darle espacio a esos sonidos de máquina de vuelta en su fórmula, sin dejar de lado los machaques blackmetaleros. 

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Esto se ve ya en la inicial “Inertiae”, que también fue el primer adelanto del álbum: una introducción de sintetizadores que da paso a una ola de blast beats y rugidos, para de repente pasar a una sección corta dominada por los beats electrónicos antes de volver al black metal hecho y derecho. Estos elementos electrónicos también aparecen en “The Form And The Formless”, pero creo que el mejor uso que se le da es en la final “The Discord Static”, la canción más experimental de The Regeneration Itinerary. Esto se ve en la manera en la que la canción se apoya en unos teclados programados, tiene su sección electrónica en el medio y en el final poco a poco se va distorsionando hasta convertirse simplemente en estática. Es un buen final para el álbum, o al menos uno con su sello distintivo.

Esto no significa que The Regeneration Itinerary marque el regreso del …And Oceans más industrial, pero la idea de mezclar su sonido más directo actual con las tendencias electrónicas que dominaron su sonido durante la década de los 2000 termina siendo no sólo interesante, sino que también da resultados interesantes en el proceso. E incluso aquel que no se sienta tan entusiasmado con esta idea podrá encontrar mucho para gustar en este nuevo álbum, porque …And Oceans mantienen la potencia blackmetalera en cada una de sus canciones, ofreciendo mucho a aquellos que simplemente quieran ese sonido grandilocuente y lleno de detalles que el grupo viene cultivando. Son más unos detalles acá y allá que le agregan variedad a las canciones, y que da lugar al que me parece su lanzamiento más interesante en esta segunda etapa de la banda.

Dicen que no hay mal que por bien no venga y quizás sea la mera necesidad de auto consolarme por la fallida visita de Horcas a la ciudad de Bahía Blanca, show que prometía ser mi primera cobertura para Track To Hell y la primera del medio fuera de la ciudad de la furia. Aunque…bueno, es de público conocimiento que (nuevamente) una inclemencia climática azotó a la ciudad e hizo prácticamente imposible que el show aconteciera. Sin embargo, gracias al flyer que prometía el recital que no fue, es que me encontré con la banda que hoy motiva esta nueva reseña. Por eso, si, no hay mal que por bien no venga.

El Otro Humano es un proyecto de groove metal que acaba de nacer en la ya mencionada ciudad de Bahia Blanca, conformada por sus 3 miembros Martín y Agustín Saccone y Gonzalo Torres. Y nunca mejor bienvenida una banda que abraza un estilo de metal que en mis 14 años viviendo aquí, no he logrado reconocer en otras agrupaciones (pero si, digamos, una comunidad muy grande de black metal). Para conmemorar el origen de su nuevo camino, El Otro Humano acaba de lanzar bajo producción independiente su nuevo EP Acción Imperfecta, que consta de 3 piezas y una duración aproximada de 11 minutos.

Como obertura de este lacónico álbum tenemos a “Yo soy solo”, una canción donde es recurrente el nombre de la misma y con un riff de arranque por demás potente, con mucha distorsión, no dando lugar a las conjeturas sobre de que va.  Aquí nuestro narrador experimenta una catarsis producto de un mundo que no acompaña sus percepciones, pero al mismo tiempo se regocija de ello. Un gran arranque de disco, una gran presentación de banda.

La obra continua con “Al dependiente” que emprende con un espectacular fill de batería. Un segmento que transcurre con constantes cambios de matices, bajando y subiendo el ritmo, pero siempre con una impronta de música aguerrida. La canción, en definitiva, es un periplo: termina de la misma forma que comienza. Punto a destacar las voces interpuestas en lo que denota una gran producción vocal.

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El cierre definitivo lo da “El Tercer Mundo”. Aquí podemos notar ligeramente tintes melódicos a diferencia de sus predecesoras sustentados por un excelente riff de guitarra. Un grito en el cielo que manifiesta la inconformidad con la marginalidad que le toca vivir en ese tercer mundo. Adorna esta excelente pieza, que sin cuestionamiento alguno es mi favorita, un magnífico solo de guitarra que conecta muy bien con el desenlace de la misma.

11 minutos que coronan un gran comienzo para esta emergente banda. Un álbum que al margen de ser corto por su mero formato EP, también lo es por la corta duración de sus canciones, pero que al mismo tiempo resulta en un shock de adrenalina por su constante entrega de energía y metal. La producción estuvo a cargo de la misma banda, lo cual lo hace más significativamente brillante (y lo mucho que sabemos los argentinos del trabajo a pulmón de las bandas). Guitarras potentes y bien ejecutadas, voces bien producidas, letras que llaman a la introspección. Quizás, por momentos, el bajo se nota algo perdido o muy bajo (valga la redundancia) pero aún así el EP no pierde cuerpo en ningún momento. El arte de tapa estuvo a cargo de Gonzalo Torres, mismo miembro de la banda.

Una banda que emerge y que aún con su tácito derecho a equivocarse, logra superar con creces el inicio de carreras de muchas bandas del momento. Y que a pesar de las dificultades impuestas por las grandes distancias en un país de basto territorio que concentra la mayoría de los sucesos musicales en la ciudad capital, puede hacerle frente a cualquiera de los proyectos que cuentan con más recursos. Acción Inmediata es una muy buena oportunidad para dar apoyo a quienes realmente se toman en serio la música y el metal y por ello, invito a ustedes, estimados lectores, a escucharlo.

Grata sorpresa tengo al recibir el nuevo trabajo discográfico de los monstruos canadienses de Cryptopsy, uno de los pioneros del tech/brutal Death; y el gravity blast e hyper blasting de la mano de Flo Mounier. Ahora bien ¿Por qué llamarlo sorpresa? Por 2 motivos principalmente: por un lado, la reciente visita a Buenos Aires en febrero, donde tuvimos el agrado de recibir esta banda por primera vez, que nos dejó ganas de más por algunas cuestiones técnicas que acortaron el set (pueden leer la reseña a cargo de Gaston Coco en el link que dejo más abajo) y no estuvieron adelantando ningún nuevo tema; y por el otro, el antecedente que supone el lapso transcurrido entre el actual último lanzamiento As Gomorrah Burns en 2023 y el álbum homónimo Cryptopsy en 2012, dando nada menos que un tal de unos ¡11 años de diferencia! Aunque si nos ponemos técnicos podríamos decir que los 2 EP’s que salieron en el medio podrían constituir un “disco”, pero, en fin, todo hacía suponer que no veríamos una nueva producción en un corto plazo, especialmente en menos de 2 años, aparentemente decidieron acelerar luego de la pandemia y seguir agrandando su discografía con cierta continuidad.

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Dejando de lado el contexto, vamos al álbum, primero se puede mencionar que el lanzamiento viene de la mano de los franceses de Season of Mist, es decir que de esta forma se despegan del sello alemán Nuclear Blast, siendo el primer lanzamiento por este medio. Dándole un vistazo a la portada, esta fue realizada por Martin Lacroix, exvocalista de la agrupación, fallecido hace poco más de 1 año, por lo cual se puede considerar un homenaje póstumo, con un diseño de tipo fantasmagórico/difuminado que recuerda un poco a los trabajos realizados por los ’90, puntualmente se puede hacer mención de Whisper Supremacy por el estilo minimalista y la forma de uso de la paleta de colores, aunque más oscura en este caso, y tal parece que esto da una pista de la aparición invitada de otro exvocalista de la banda, Mike DiSalvo, quien se encargó de grabar el disco mencionado previamente y justamente tiene una aparición en la pista “Embrace The Nihility”.

Sonoramente estamos hablando de un muy lógico sucesor de As Gomorrah Burns, si te gustó ese sonido en líneas generales, esto te va a gustar también. Como siempre, desde su llegada hace unos 20 años, tenemos a Christian Donaldson a cargo del apartado de la producción, por lo cual su criterio está más que claro a esta altura. Tenemos el sonido de tipo orgánico en el kit de batería al que nos tiene acostumbrados Flo Mounier, lo cual considero que es un gran acierto, debido a que forma parte de la identidad de la banda, es un sello característico de la casa esto de no usar triggers, a excepción del bombo, lo cual le da una expresión mucho más genuina y se sienten perfectamente las diferentes intensidades en cada uno de los golpes. En cuanto a las guitarras, si bien el sonido es similar al álbum previo, se sienten presentes 2 diferencias: en primer lugar, el tono se lo siente un poco más agresivo/crudo, lo que no hace más que mejorar lo que significa el brutal death; y en segundo lugar, se siente mayor presencia de la guitarra en la mezcla, está levemente más al frente, lo que también ayuda a que tenga mayor contundencia en las canciones.

Escuchando a Matt McGachy, considero que este lanzamiento sin duda es su mejor ejecución dentro de la banda hasta la fecha, por consolidar su estilo, y también porque su voz se la escucha mejor, como si su técnica o “estado de salud” hubiera mejorado respecto del lanzamiento anterior, ya que se la sentía un poco rasposa por momentos, incluso ha mejorado o explorado mejor su registro más alto, ya que en esta ocasión se pueden escuchar los gritos más agudos que haya dado en la discografía de los canadienses, me retrotrajo a la época dorada de Brain Drill, donde Steve tenía los guturales graves y a contrapartida, sus gritos agudos bien arriba, bueno, los gritos de McGachy rondan por ese registro. Y no nos olvidemos de Olivier Pinard, gran bajista, que, si bien el bajo aquí no es tan protagonista, se pueden notar algunos highlights como se aprecia en el adelanto “Until There’s Nothing Left”, algo que es costumbre también en la agrupación. Hasta acá, todo hace suponer que estamos ante un nuevo discazo ¿Será así? Veamos los temas.

Como bien mencionaba, el primer adelanto elegido fue Until There’s Nothing Left, un tema que arranca al más puro estilo inconfundible de Cryptopsy, riffs tremolados, la bateria de Flo Mounier pegando los traditional blast-beats con la formula intercalada de redoblante por un lado y por el otro, crash y bombo, alternando la notación entre tresillos de corcheas y semicorcheas (tomando un metrónomo a +/-320 BPM), todo esto sumado a los gritos de McGachy, la letra bien parece hablar de algo relacionado al ciberacoso, desde la perspectiva de la persona manipuladora que atrae a su victima para aprovecharse, posiblemente extrayendo fotos sin ropa con el fin de chantajear, o al menos esa sensación da en una simple leída. En el medio tenemos como mencionaba, el highlight en el bajo de Olivier previo a un pseudo-slam con una variación en el riff utilizando ligados para dar paso a un solo muy melódico, aunque esto es típico de Donaldson, quien además de poner solos por momentos rápidos, suele meter inherentemente mucha melodía para que no se trate simplemente de una ejecución de licks para meter la mayor cantidad de notas por segundo. Sin duda un tema que muestra gran parte de lo que representan los canadienses para este disco.

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Por dar un vistazo general musicalmente, ya desde el minuto cero escuchando “The Nimis Adoration” está claro con que nos vamos a encontrar arrancando a toda máquina, excelente elección ya que se aprecian los recursos que caracterizan al Cryptopsy post-2010, que mezcla de forma muy homogénea la forma de tocar de sus primeros años con algunos elementos más modernos en los riffs, ya que en el medio de la canción tenemos un riff tremolado más melódico para dar paso a un solo de guitarra excepcional. También podemos notar un punto bastante particular, en “Our Great Deception” tenemos una intro sin distorsión (sería incorrecto decir acústico) que hace recordar un poco a ese recurso que utiliza la banda para salirse un poco de contexto y “divertirse”, como en el caso de “Red-Skinned Spacegoat” del álbum homónimo que incorpora un pasaje de tipo música lounge (o al menos ellos lo han definido de este modo), hay puntos altísimos a nivel vocal en “Dead Eyes Replete” y “Fools Last Acclaim”, donde McGachy explora su registro más alto por momentos utilizando las falsas cuerdas vocales, resultando en alaridos sorprendentes.

El disco en líneas generales es variado a nivel compositivo, lo cual hace que, a pesar de ser ejecutado a altas velocidades, no impida que sea un taladro de notas insoportable. Recién llegando al final tenemos el tema más largo del disco, rozando los 6 minutos, de la mano de “Malicious Needs”, que destaca por ser una canción más bien rítmica, si bien comienza con un hyper blasting, intercambiando con skank beats, también se escucha algún ritmo más “pausado” con ghost notes para dar un poco de aire, dando una pista de lo que sucede más adelante, bajando bastante la frecuencia de BPM, dando un cierre épico más “tranquilo” para lo que suele ser la banda.

Como para cerrar y en parte reiterando lo ya mencionado, este disco es un digno sucesor de As Gomorrah Burns, por lo cual tranquilamente entra como uno de los mejores lanzamientos del año, nuevamente los Cryptopsy demuestran de que son capaces y que están lejos aún del retiro, en especial viendo cómo se han revitalizado en estos últimos años. Dicho sea de paso, esperamos que puedan volver a estas tierras, ya que su debut en suelo argentino se demoró demasiado y seguramente si vienen presentando esta producción van a arrasar.

Desde 2020 Tormentor Tyrant viene siendo una banda creada cómo un proyecto paralelo de miembros de otras bandas algunas tales cómo Corpessed , Tyranny y Solothus entre otras. Oriundos de Finlandia han sacado variedad de Ep’s y singles en estos 5 años de carrera pero el 2025 los encontró juntos para sacar su primer disco el cual llamaron “Excessive Escalation of Cruelty” en donde la joven banda nos lleva por un viaje que mezcla tanto death de la vieja escuela, thrash y un poco de grindcore y que da cómo resultado un álbum muy bien logrado.

Viendo la portada del disco podemos imaginarnos que sería algún tipo de homenaje al “Altars of Madness” de Morbid Angel pero bastante lejos de eso se encuentra ya que encontramos influencias de otras bandas de manera más directa cómo Deicide quizá. Más allá de esto la placa se desarrolla de manera dinámica haciendo que sea fácil de escuchar pero no por eso que deje de ser interesante porque los climas que arma hacen que nos enganchemos al instante con la canción que estamos escuchando.

La intro a cargo de “Upheaval of Tyranny” nos prepara para que suene “Capital of Pain” donde de inmediato notamos la fuerte unión del death y el thrash y si bien es algo muy notable al escucharse no resulta molesto o obvio porque está muy bien armado en cuanto al balance de los dos estilos en sí. Es el turno de “Torture Divine” y acá es más clara aún la influencia directa de Deicide para el tema aunque con algunos tintes pequeños de thrash también. Suena después “Tartarean Iron Grip” y no puedo evitar encontrar cierta idea rockera en la canción que se mezcla con el thrash que maneja la banda durante el disco y da cómo resultado un tema muy bien logrado, que por ahí viene a ser el tema más atípico del disco. Llega “Crueler Tomorrow” en donde volvemos a tener una mezcla de géneros esta vez entre el death y el grindcore que se aprecia con los riffs y las voces tirando a Napalm Death sin dejar de lado el death metal clásico.

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Pasando la mitad del disco llega “Pit of Anguish” y desde este momento hasta el final de la placa la banda opta por ir directo al death metal sin vueltas, fórmula que se repite en “Cosmic Wild Hunt” con un tempo más lento pero igual de directo. Cerca del cierre llega “Terminal Revelation” y volvemos a la influencia de Deicide esta vez más directa que nunca sin tintes de nada, solo death puro. El final llega con “Heavy Death Bombardment” la cual mantiene la misma idea del death metal incluso con una lírica que habla del mismo género, cerrando de esta manera el primer disco de Tormentor Tyrant que es un muy buen resultado para una banda que viene dando sus primeros pasos lentos pero firmes.

Así nos pasó por encima “Excessive Escalation of Cruelty” y deja claro que el death metal es un género que sigue vivo y que tenemos muy buenos exponentes que siempre le rinden homenaje de manera tradicional o con influencias externas. Cada banda es un mundo y lo lindo de cuando se juntan amigos a hacer música es la fusión de esas ideas y cómo se llevan a cabo. Cómo dicen por ahí puede haber una docena Tormentors y muchos Tyrants pero Tormentor Tyrant hay uno solo, ese que está dejando una marca en la escena musical y muy bien hecha.

EP debut de los polacos Postmortal en donde encontraremos un claro funeral doom metal de pura cepa. La banda fue formada en el año 2016, aunque en el medio hubo varios cambios de formación, incluyendo un hiato de unos 6 años, o al menos eso es lo que comentan los propios integrantes de la banda que, en este caso, se trata de un duo conformado por Dawid en voces y Michal en la parte musical, es decir, el resto de los instrumentos (guitarras, bajo y batería).

Editado a través de la discográfica inglesa Aesthetic Death, la grabación data del pasado año (2024), pero se trata de un álbum compuesto por canciones creadas entre el año 2017 y 2018 aproximadamente, previo al hiato, que sucedió por motivos que no se dejan claros, posiblemente se trate de algo relacionado a problemas internos con miembros que se fueron apartando y cuestiones de tiempo para dedicarle al proyecto. A nivel de producción, este Full-Length fue mezclado y masterizado por Przemyslaw Nowak, quien ha realizado este tipo de aportes a bandas como Devilish Impressions. En esta oportunidad, nos adentramos dentro de un disco con un sonido muy reconocible y clásico en el género, la batería bien marcada, una guitarra con una distorsión cruda y una voz gutural profunda, que sumado a una reverberación generalizada, claramente identificable a simple escucha, da como resultado un sonido cavernoso o de ultratumba, sin dar lugar a muchas sutilezas, tal vez apuntando a lo que se puede denominar un sonido minimalista, aunque con algunos detalles puntuales que se irán desglosando más adelante, que impiden que se caiga en la monotonía total.

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Este trabajo “Profundis Omnis” (traducido del latín, sería algo así como “Desde lo más profundo”), en cuya tapa se vislumbra la figura de un hombre desprovisto de vestimenta y cubierto de un denso líquido negro, en lo que se interpreta una expresión facial de un grito de agonía, corresponde a una fotografía tomada a Gabriel Lapierre-Mróz, quien ha trabajado con otras bandas polacas como Blaze of Perdition, donde fue vocalista entre 2007 y 2012; y ha participado en el casting para uno de sus videoclips, actualmente tiene su propio proyecto Cien.

El disco consta de 6 canciones, de las cuales hemos tenido 2 adelantos mediante “Fallen”, que es el tema que justamente abre este disco y “Decay of Paradise” que es la tercera pista, que contiene el aporte de Anna Charczuk-Salamon en voces, ya notable en la intro, con una voz que, en lo personal, la melodía me recuerda al estilo árabe, pero con un dejo de tristeza, que se repite en la canción a medida que se ejecuta nuevamente el riff del verso inicial. Si hablamos del apartado lírico, en ambos casos, tenemos letras que hablan de la desolación total, con un tono totalmente desesperanzador, con frases como “Bonded by misery Where life is curse of world” (Unidos por la miseria, donde la vida es la maldición del mundo) o “I seek no helpful hand” (“no busco una mano que me ayude” o “no busco que alguien me ayude”), no hay lugar para segundas lecturas, la intencionalidad es bien clara y consecuente con el género. El resto del álbum transita dentro del mismo espectro musical, sin mayores sobresaltos salvo algunas melodías ocasionales o quizá un efecto de echo por el lado de las guitarras, con una duración de las canciones en un rango entre 8 y 11 minutos, lo cual es bastante normal se puede decir, en comparación a otros exponentes del estilo.

Una experiencia sonora solo apta para los más acérrimos fanáticos del Funeral Doom, no pasará a los anales de la historia como un lanzamiento formidable, pero si es digno de escuchar y le da un final feliz a estas canciones que tuvieron que esperar varios años para finalmente ver la luz.

Tiempo teníamos de no saber de The Hellacopters. Uno de los exponentes más importantes de la escena hard rockera había sacado su último álbum en 2022 y fue “Eyes of Oblivion”, el cual trajo un bocado de frescura y nos hizo recordar lo grandioso de esta banda. Pero este 2025 el proyecto del legendario Nicke Anderson trajo un nuevo trabajo de estudio el cual titularon “Overdriver”, que en sus 11 temas de duración nos lleva por un viaje a toda velocidad por un sin fin de estilos dentro del hard rock, solo cómo los Hellacopters saben hacerlo.

Dando inicio a la placa llega “Token Apologies”, acá nos encontramos con un tema con la vibra clásica de los Hellacopters, bien rockero, ganchero que nos hace mover el pie al momento que comienza y con una parte melódica en el medio que combina muy bien con toda la canción en sí. Continuando suena “Don’t Let Me Bring You Down” donde se refuerza el elemento melódico pero sin dejar de lado el rockero y con un riff de guitarra que se te pega al momento que lo escuchas. Es el turno de “(I Don’t Wanna Be) Just a Memory” donde se sigue por esa vena más tranquila ya incluso dejando un poco más de lado lo rockero, trayendo un sonido con más vibras de rock sureño que da muy buen resultado en lo que se viene escuchando hasta el momento. Pero había que recordar que los Hellacopters son una banda de rock and roll duro y para eso suena “Wrong Face On” con un ritmo rápido, rabioso y directo que nos deja claro que esta banda maneja muy bien los géneros. Bajando un poco la velocidad pero manteniendo el mismo palo llega “Soldier On” que tiene un riff simple pero que te hace tararearlo apenas lo escuchas, acompañado de música un poco más lenta dando una combinación más que efectiva. Con una vibra más setentas llega “Doomsday Dreams” y trae consigo un estribillo bien ganchero. Hasta esta mitad del disco vemos que hay un buen balance entre los estilos que la banda maneja teniendo un tema para cualquiera de ellos que se busque.

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Para no alejarse mucho los Hella vuelven a rock directo con “Faraway Looks” con el riff potente, el piano de fondo rápido bien típico de la banda que hacen mover la cabeza en cada nota y en cada solo. El momento balada llega con “Coming Down” donde vemos unos tintes similares a Lynyrd Skynyrd con solos más melódicos y un tema más de rock de estadio quizá pero que no deja de tener el sello propio. Sin salir del lado tranquilo pasa “Do You Feel Normal” el cual además el corte difusión de la placa con su propio videoclip. Pasando un poco al blues llega “The Stench” con un tono más pesado que roza el stoner, sin dejar de lado el rock siempre. El cierre llega con el tema más largo de toda la placa y definitivamente uno de los mejores, con “Leave a Mark” y su final instrumental nos lleva por un viaje de distintos climas con estilos que varían mezclandose muy bien cerrando un disco sin puntos bajos ni momentos flojos.

Paso Overdriver el nuevo trabajo de The Hellacopters y deja claro que la esencia es la misma, si bien no es un disco tan rockero cómo su antecesor es un disco que cumple muy bien con su propuesta. Nuevamente el equipo de Nicke Anderson cumplió cómo siempre, nos dio algo más que aceptable que se suma al gran catálogo musical que manejan en su actualidad. Si bien el sueco tiene muchos proyectos musicales, The Hellacopters siempre fue de los más ambiciosos y definitivamente el que cambió el punto de vista sobre Anderson, mostrando que era capaz de moverse en cualquier sonido que se proponga. Por ahora esta banda está de vuelta, es algo que se debe festejar y porque no ilusionarse a que puedan bajar a nuestros pagos para traer un poco de rock and roll del bueno a nuestras vidas.

Con motivo del décimo aniversario de su disco debut, los chicos de As It Is han editado una versión muy especial de Never Happy, Ever After, donde han contado con la colaboración de grandes músicos y amigos, para recordar uno de los mejores discos del estilo en la década pasada y que le dio un aire fresco a una escena que venía haciendo aguas gracias a discos mediocres de las bandas anteriores como All Time Low o A Day To Remember, entre otros.

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El disco arranca por todo lo alto con el clásico “Speak Soft”, para el cual han contado con la colaboración de Kellin Quinn, vocalista de Sleeping With Sirens y que aporta su particular tono y color de voz aguda que encaja bastante bien con la de Patty Walters.

No sorprende en exceso, pero es un bonito “remember” de la versión original, mucho más lograda esta la preciosa y pop punkera “Cheap Shots & Seatbacks”, donde Alex Costello de Roam y Mikey Chapman de Mallory Knox, nos recuerdan aquellos años dorados para la escena alternativa británica, con un emotivo y excelente dueto y combinación vocal que hará emocionar a los que vivimos aquel “Revival” del género en primera línea de batalla.

Para “Sorry”, hace acto de presencia la bellísima y talentosa Mikaela Delgado de Yours Truly, que en su día fueron considerados como una especie de cruce entre Tonight Alive y los propios As It Is, siendo esta comparación algo bastante acertado.

La cantante sigue brillando como antaño y con los años ha madurado su voz, siendo una auténtica delicia escucharla cantar este tema.

La nostalgia sigue a pleno con “Drowning Deep in Doubt”, uno de los mejores temas del disco y para el cual los chicos de Beauty School acompañan en las partes vocales y una vez más con un excelente resultado, consiguen recrear la magia de la versión original.

Pero si una canción me tenía realmente intrigado por ver como iba a sonar diez años después y encima con la colaboración de Lucas Woodland de Holding Abscence, esa no era otra que “Dial Tones”, y habiéndola escuchado más de 50 veces, puedo afirmar que podría haber sido la original y todos estaríamos felices por ello, es imposible no sentir escalofríos cuando los primeros acordes suenan y Patty sigue emocionando como en sus comienzos, para luego deleitarte con el toque personal de Woodland.

Las revoluciones bajan, pero no las emociones y es que en la balada “My Ocean Were Lakes”, los chicos cuentan con Rachel Walters, esposa de Patty, quién con su toque dulzón, aumenta el toque bonito y romántico de la pieza y Dave “Brownsound” Barksh de Sum 41 pone un hermoso solo de guitarra para coronar esta sentida pieza, que ha sido recreada de forma muy especial.

Las energías se renuevan con “Concrete”, otro de los temas más veloces del disco y que se torna aún más enérgico gracias a la colaboración de Trash Boat, otra de las bandas alternativas de los “2010” que brillaron dentro de lo que se conoció como “SadBoi Pop Punk” y que hoy sigue sonando tan potente y acertada como en aquella época.

Las voces algo gritadas de Tobi Duncan y Dann Bostock, suenan tremendas en esta pieza y ojalá pudiésemos recuperar aquella época tan especial para muchos de nosotros.

La “Sangre Nueva” se hace notar cuando ARTIO toman el protagonismo en la melódica “Turn Back To Me”, con una Rae Brazill espléndida a las voces con un tono muy melódico y que encaja de perlas en esta gran canción, que de nuevo parece escrita ayer debido a que conserva la frescura de la versión original.

Quizás la sorpresa a nivel personal llega de la mano de “Can’t Save Myself”, uno de los singles clásicos del disco y que hoy se ve actualizado gracias a Noah Finnce, un chico que ejerce de Youtuber, cantante y activista por los derechos LGTBIQ+.

Si bien conocía los covers de este chico, así como su debut del año pasado, me ha gustado mucho como su voz más “Pop” se combina con las de Patty y Ben y el resultado es bastante logrado.

Pero si hay un dueto que representa como añoramos aquellos días, ese es sin duda el conformado por As It Is y Hidden In Plain View, una de las bandas con la que crecí dentro del pop punk, el post hardcore y el emopop en los 2000 gracias a los años dorados de Drive Thru Records.

Volver a escuchar a Joe Reo, es una auténtica maravilla, no es que HIPV fueran los mejores ni los más grandes (ahí estaban Fall Out Boy, Taking Back Sunday, Brand New, antes de que Jesse tirase la carrera de la banda a la basura o New Found Glory), pero si que es una banda que me gustaba mucho y más de 15 años después volver a escucharles ha sido un viaje muy emotivo.

El disco se cierra con la delicada y ahora mejorada “You, The Room & The Devil on Your Shoulder”, que adquiere un toque bastante épico y se embellece gracias a la inestimable ayuda de Transit, quienes por medio de Ella Amber Meadows, hacen un bonito y muy personal contraste con las voces melódicas de Patty Walters y Ben Biss, cerrando el disco de manera brillante y justificando de sobra su edición, para celebrar este décimo cumpleaños con broche de oro.

Como la versión original del álbum siempre estará ahí, este disco es una oportunidad de oro para conocer a As It Is y entender porque fueron una de las mejores bandas de su generación y aunque el tiempo haya pasado, sus canciones siguen emocionándonos como antaño.

En esta ocasión tengo el agrado de presenciar el debut de Tetramorphe Impure en formato de larga duración, por parte de esta one man band italiana a cargo de Damien Dell’Amico (aka Damien), lanzado bajo el sello inglés Aesthetic Death. Primer lanzamiento que por lo visto tardó un tiempo considerable en concretarse, ya que el proyecto había arrancado en el año 2006, nada menos que unos ¡19 años! Aunque no tuvo actividad constante sino a partir del año 2021, con el lanzamiento del compilado Dead Hopes/The Last Chains que, como su nombre indica, incluía el EP Dead Hopes y el demo The Last Chains lanzado inicialmente en 2008.

A nivel sonoro, la banda apunta a un sonido muy influenciado por bandas de los ’90, como la primera época de My Dying Bride, Evoken e incluso Esoteric, por lo cual podemos aseverar que se define dentro de un death/doom, con una gran influencia funeral doom e incluso algunas pinceladas de black/death a la Behemoth del “The Satanist”, especialmente en la forma de componer algunos riffs tremolados con algunos blast beats. La producción, en cambio, está muy lejos de sonar crudo, sino más bien, lo contrario, muy pulida, aquí se aprecian los instrumentos de forma clara, quien estuvo a cargo de esta labor fue el bielorruso Alex Sedin, que, tal vez no es un nombre muy conocido, pero ha participado en trabajos como el tercer y más reciente disco de Anachronism, grabando el bajo y encargándose de la mezcla y mastering (disclaimer: dato relevante solo para quienes están metidos en el nicho del tech/prog death), retomando el disco, puede notarse que si bien tiene algo de crudeza en el tono de la guitarra, es perfectamente entendible cada nota, al igual que el resto de los instrumentos, los niveles están parejos.

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Hablando de las canciones, nos encontramos con 4 piezas que son bastante variadas, aunque siempre presentando una atmosfera plenamente oscura, por lo cual pensar en un álbum plano y aburrido no es algo que vaya a suceder, afortunadamente. Tenemos guitarras practicando melodías, riffs tremolados, multitud de arpegios, los clásicos colchones para dar ambiente, arreglos en diferentes instrumentos, probablemente creados con algún VST o hechos mediante teclados. La introducción de este trabajo con “Forsaken Light”, nos pone en contexto de que va todo lo mencionado anteriormente, arrancando con sonidos ambientales y una voz femenina con un efecto fantasmagórico hablándonos del otro mundo para de forma subsecuente introducir el primer riff de guitarra marcado, bien funeral doom, que nos sumerge paulatinamente en el concepto creado por Damien, para luego dar comienzo a la sección percusiva por parte de la batería, inesperadamente tenemos una sección de blast-beats y doble bombo que le dan velocidad, algo que será en cierta forma una constante, ya que hay muchas subidas y bajadas de tempo, aunque no necesariamente utilizando estos recursos continuamente.

Tenemos más pasajes lentos que nuevamente se encasillan dentro del funeral doom en la intro de “Night Chants”, con las típicas guitarras marcadas y los tempos bajos característicos del género (aquí podemos apreciar unos +/- 68 BPM), para luego dar paso a semicorcheas en +/- 165 BPM, introduciendo los instantes más rápidos del disco con unos blast-beats y algunos momentos a lo black/death. La batería en este caso es programada/electrónica claramente, en algunos puntos se puede notar levemente, especialmente en pasajes donde la notación es corta, por ejemplo, algún blast-beat, pero este dato no disminuye para nada el disfrute del escucha, la voz es muy asociable al doom/death de corte gutural con un tono que recuerda bastante a Nergal, aunque por momentos hay algunos cantos similares al estilo gregoriano, profundas e impostadas, por momentos más vocalizado, en otros en formato de narración. Adicionalmente, existe un pasaje acústico para el cierre en “The Sunset of Being”, a partir de la mitad de la canción, para de a poco ir aclimatando lo que será la culminación de esta entrega.

Finalizando y a modo de conclusión, se puede dilucidar que se trata de un muy buen comienzo discográfico, no me animaría a decir que esto se trata de un clásico ineludible que debería estar obligatoriamente en la discoteca de cualquier fan del doom/death o funeral doom, pero sin duda es un trabajo logrado, que merece ser escuchado, tenido en cuenta e incluso ser re-escuchado cada tanto, más que recomendado prestarle atención de aquí a futuro.

Que a estas alturas de la película (de terror, por supuesto) tengamos el retorno de Wednesday 13, ya es motivo de celebración para unos cuantos (entre los que están quién suscribe esta reseña) ya que se trata de un personaje bastante particular y hasta entrañable, dentro de la escena alternativa.

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Con más de diez discos editados, contando este nuevo trabajo, no podemos pretender que Wednesday haga una revolución ni nada por el estilo, sin embargo escuchando a fondo el disco, si podemos afirmar que el músico norteamericano ha vuelto a ofrecer lo mejor de si mismo, con un disco potente y directo, quizás algo más ligero que sus dos anteriores, pero con un puñado de buenas canciones que mantienen el nivel y el ADN de este sujeto y su banda de forma más que interesante.

Desde el comienzo con “There’s no Such Things as Monsters”, una tétrica intro que deja paso a “Decease and Desist”, el disco ya no tiene vuelta atrás y como ocurría en la clásica “La Casa de los 1000 Cadaveres“, uno se sube al tren del terror y buena suerte queriendo escapar del mismo. Esta pieza recuerda un poquito al pasado de Wednesday en Murderdolls con pinceladas y guiños a White Zombie, que seguro harán las delicias de los que son seguidores de estas bandas.

Tanto “When the Devil Commands” como “Rotting Away”, siguen esa línea musical con toques de horror industrial y unas líricas propias de la “Serie B”, que tan bien ejecuta este sujeto.

Sin embargo el horror punk vuelve a aparecer con “No Apologies”, un tema bastante logrado que cuenta con la participación de Taime Downe, de Faster Pussycat y lo cierto es que la unión funciona bastante bien, sin ser una pieza magistral ni mucho menos, pero cumple bastante bien lo que pretende ofrecer.

El ecuador del disco viene marcado por “Decapitation”, un corte que quizás sea el mejor desde el segundo track del álbum y que puede representar muy fielmente el estilo clásico de W13 con los toques actuales que le ha ido dando a su música en esta última década o los últimos tres lustros.

“In Misery”, es una pieza particular y quizás sea de mis favoritas del disco, justamente porque deja a un lado el sonido más salvaje e industrial de Wednesday, en favor de un tono más melancólico y oscuro, rockero si, pero mucho más redondo que casi toda la primera mitad del disco.

Para la traca final, tenemos un poquito de todo: Desde el humor “macabro” que tiene “My Funeral” y que es una pieza que aunque quisieron, Aiden jamás pudieron componer hasta el sonido más prototípico de Wednesday en “I Hurt You” o el cañonazo medio sleazy glam horror que es “Sick and Violent”, con el que se cierra el disco de una forma más que acertada y correcta.

Por que si amigos, Wednesday 13 no ha inventado nada nuevo, ni siquiera es que se haya reinventado a si mismo con este nuevo disco, sin embargo si que mantiene un gran nivel a 20 años de su disco debut con este proyecto y eso queridos, ya es motivo de respecto y cuanto menos reconocimiento.

El nuevo trabajo de los americanos Fallujah és definitivamente un antes y un después en la historia de la propia banda. A través de Nuclear Blast, la banda se ha podido reconfigurar completamente tras la llevada de su nuevo guitarrista Sam Mooradian (Inhale Existence), además del canadiense Kevin Alexander (Dysembodied Tyrant). Juntamente con Evan Brewer, Kyle Schaefer y el fundador Scott Carstairs, estos han escrito un capítulo nuevo en el que sin duda, nos someteremos a posiblemente una de las mejores experiencias auditivas de este 2025.

Con Xenotaph, como dicta Schaefer “Los fans, con suerte, se sorprenderán y emocionarán con las nuevas direcciones a las que estamos apuntando (…) también podrán reconocer algunos de los elementos del core que hemos ido construyendo en el pasado. Hay algunos momentos donde hemos querido que nuestra música se sienta completamente nueva incluso fuera de nuestro carácter, con también momentos donde hemos querido inclinarnos a lo que la banda ya sabía hacer bien. Se trata de ser dinámico y excitante, mientras se siente como una única pieza cohesionada lírica y narrativamente. Queremos hacer que esta música impacte a nuestros fans de la manera que nuestra música preferida nos ha impactado a nosotros“.

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La encargada de abrir el sexto álbum de estudio de la banda es el prólogo “In Stars We Drown“, donde, bajo un manto técnico y groovie acompañado de una gran melodía intercalando armónicos y guturales, dando esta paso a “Kaleidoscopic Waves“. Aquí nos muestran una faceta frenética con hiatos casi acústicos, propios del progresivo, todo a escala mayor.

Sin duda, a lo largo del tema, se hace cada vez más agradable escucharlo, gracias también a la maravillosa producción del álbum. Esta canción, “A Parasitic Dream” sirve como ejemplo de lo que nos espera en el resto del trabajo; double-beats, armónicos, coros, increibles solos de parte de Mooradian y Carstairs y unas agresivas pero agradables vueltas.

“Labrynth Of Stone” és uno de los temas que más he escuchado, aquí el tecnicismo alcanza una pequeña cúspide en lo que se refiere al álbum en su totalidad. Este se ve suficientemente matizado por otro de los mejores chorus del álbum, remarcando la semejante calidad de Kyle Schaefer en la voz, yendo de la mano de las polirrítmias y compases asimétricos con otro puente pesado. Cinco minutos que en cierto modo, se te hacen cortos.

El ecuador de los ocho que componen el álbum, es un pequeño canon de lo que es su anterior tema, aunque subiendo el nivel en términos de pesadez. En “The Crystaline Veil” siguen jugando entre el death técnico y el progresivo melódico, sin soltar el apartado gutural, pudiéndose considerar un tema promedio de la banda; excelencia en todos los ámbitos.

Con “Step Through The Portal And Breathe” podemos llegar a notar algo de monotonía en cierto modo comparándola con los anteriores temas, siguiendo esta una fórmula similar sin llegar a sentirse repetitivo ni mucho menos. Está escrito de tal manera que se sienta parte del álbum (sin parecer sufrir una crisis de personalidad como otras bandas), tomando cada aspecto que identifica a Fallujah como una de las mejores bandas del género.

La banda rompe esa monotonía (que para nada es algo negativo) convirtiéndola en un tema muy original, postulándose como uno de los mejores de este LP. “The Obsidian Architect”. Pasando a una tonalidad menor dejando de lado la parte melódica y agradable en gran parte del tema, donde irrumpe una faceta extrema de manera excelente que lleva el tema In Crescendo hacia un memorable solo por parte de Sam Mooradian, prosiguiendo a otro de Carstairs. Esto da paso a un epílogo donde los growls de Schaefer me hacen partir el cuello (yendo acorde con el tempo esta vez, cosa no muy probable en este género).

Nos encontramos con el último tema, el homónimo “Xenotaph”. Una canción rítmica en las estrofas, pero con un espectacular blastbeat envolvente en el estribillo propios del black atmosférico que cuaja completamente con la dirección de la canción. La segunda parte retorna de manera técnica otra vez cayendo de golpe en una pausa armónica y sintetizada, manteniéndose esta a la última vuelta para cerrar el álbum por todo lo alto.

Otra vez, Fallujah sigue sin decepcionar. Han experimentado lo suficiente como para darnos un sabor refrescante manteniendo a la vez la identidad propia que define a la banda. Un excelente álbum que lo postula como uno de los mejores del ecuador de este 2025, con muchas ganas de que los de la West-Coast pisen nuestro país para brindarnos en vivo este nuevo Xenotaph.

…And Oceans es una banda que se puede calificar de “excéntrica”. Dieron sus primeros pasos en los noventas con su propia versión de la nueva corriente sinfónica del black metal, con la llegada del nuevo milenio se pudieron contar entre los pioneros del black metal industrial, adoptaron un nuevo nombre para marcar este cambio de estilo, sacaron un disco industrial como Havoc Unit, se separaron en 2013 y en 2017 anunciaron su vuelta, aunque con un par de cambios de formación antes de poder llegar a editar su regreso con Cosmic World Mother en 2020. Cambios de estilo, de nombre, de seudónimos y una tonelada de rumores extraños acerca de sus miembros, …And Oceans ha sabido hacerse una mitología personal bastante particular.

Tanto en Cosmic World Mother como en As in Gardens, So in Tombs, los dos álbumes esta nueva etapa en su carrera, …And Oceans se habían mostrado firmes en su idea de volver al sonido de black metal sinfónico de sus inicios, con sus blast beats y riffs helados mezclados con teclados grandilocuentes, sin tantos de los sonidos industriales que habían caracterizado a sus producciones inmediatamente previas a su separación. Para este The Regeneration Itinerary, séptimo trabajo del grupo, las cosas se mantienen (casi) por el mismo camino.

Tracks como “Förnyelse i Tre Akter”, “The Terminal Filter” y “I Am Coin, I Am Two”, por sólo elegir un puñado, muestran bien este sonido épico y aplastante a lo Emperor que ha caracterizado las últimas producciones de …And Oceans. Estos tracks, y muchos más, muestran la tremenda tarea no sólo de la dupla de guitarras de Timo “T” Kontio y Teemu Saari, los dos integrantes que se mantienen de la formación original, sino también de Kauko Kuusisalo en la batería y Antti Simonen en los teclados, estos últimos el elemento fundamental que le termina dando su identidad al álbum.

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El acelerador está apretado al fondo durante casi todo The Regeneration Itinerary, pero de vez en cuando el sexteto se toma la libertad de rebajar un poco las canciones, como se da en “Prophetical Mercury Implement” o “The Fire In Which We Burn”, por mencionar un par. Pero por regla general el doble bombo domina los ritmos, a veces en solitario pero casi siempre con los blast beats bien al frente.

En reglas generales la descripción de The Regeneration Itinerary podría arrancar y terminar ahí, siendo un disco dentro de todo homogéneo en sus intenciones: la atmósfera épica, los rugidos brutales de Mathias Lillmåns y los colchones de teclados dominan casi toda la placa. Pero hay lugar para ciertas cosas inesperadas, siendo una de ellas que parece que estos finlandeses decidieron echarle un ojo al pasado y volver a darle espacio a esos sonidos de máquina de vuelta en su fórmula, sin dejar de lado los machaques blackmetaleros. 

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Esto se ve ya en la inicial “Inertiae”, que también fue el primer adelanto del álbum: una introducción de sintetizadores que da paso a una ola de blast beats y rugidos, para de repente pasar a una sección corta dominada por los beats electrónicos antes de volver al black metal hecho y derecho. Estos elementos electrónicos también aparecen en “The Form And The Formless”, pero creo que el mejor uso que se le da es en la final “The Discord Static”, la canción más experimental de The Regeneration Itinerary. Esto se ve en la manera en la que la canción se apoya en unos teclados programados, tiene su sección electrónica en el medio y en el final poco a poco se va distorsionando hasta convertirse simplemente en estática. Es un buen final para el álbum, o al menos uno con su sello distintivo.

Esto no significa que The Regeneration Itinerary marque el regreso del …And Oceans más industrial, pero la idea de mezclar su sonido más directo actual con las tendencias electrónicas que dominaron su sonido durante la década de los 2000 termina siendo no sólo interesante, sino que también da resultados interesantes en el proceso. E incluso aquel que no se sienta tan entusiasmado con esta idea podrá encontrar mucho para gustar en este nuevo álbum, porque …And Oceans mantienen la potencia blackmetalera en cada una de sus canciones, ofreciendo mucho a aquellos que simplemente quieran ese sonido grandilocuente y lleno de detalles que el grupo viene cultivando. Son más unos detalles acá y allá que le agregan variedad a las canciones, y que da lugar al que me parece su lanzamiento más interesante en esta segunda etapa de la banda.

Dicen que no hay mal que por bien no venga y quizás sea la mera necesidad de auto consolarme por la fallida visita de Horcas a la ciudad de Bahía Blanca, show que prometía ser mi primera cobertura para Track To Hell y la primera del medio fuera de la ciudad de la furia. Aunque…bueno, es de público conocimiento que (nuevamente) una inclemencia climática azotó a la ciudad e hizo prácticamente imposible que el show aconteciera. Sin embargo, gracias al flyer que prometía el recital que no fue, es que me encontré con la banda que hoy motiva esta nueva reseña. Por eso, si, no hay mal que por bien no venga.

El Otro Humano es un proyecto de groove metal que acaba de nacer en la ya mencionada ciudad de Bahia Blanca, conformada por sus 3 miembros Martín y Agustín Saccone y Gonzalo Torres. Y nunca mejor bienvenida una banda que abraza un estilo de metal que en mis 14 años viviendo aquí, no he logrado reconocer en otras agrupaciones (pero si, digamos, una comunidad muy grande de black metal). Para conmemorar el origen de su nuevo camino, El Otro Humano acaba de lanzar bajo producción independiente su nuevo EP Acción Imperfecta, que consta de 3 piezas y una duración aproximada de 11 minutos.

Como obertura de este lacónico álbum tenemos a “Yo soy solo”, una canción donde es recurrente el nombre de la misma y con un riff de arranque por demás potente, con mucha distorsión, no dando lugar a las conjeturas sobre de que va.  Aquí nuestro narrador experimenta una catarsis producto de un mundo que no acompaña sus percepciones, pero al mismo tiempo se regocija de ello. Un gran arranque de disco, una gran presentación de banda.

La obra continua con “Al dependiente” que emprende con un espectacular fill de batería. Un segmento que transcurre con constantes cambios de matices, bajando y subiendo el ritmo, pero siempre con una impronta de música aguerrida. La canción, en definitiva, es un periplo: termina de la misma forma que comienza. Punto a destacar las voces interpuestas en lo que denota una gran producción vocal.

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El cierre definitivo lo da “El Tercer Mundo”. Aquí podemos notar ligeramente tintes melódicos a diferencia de sus predecesoras sustentados por un excelente riff de guitarra. Un grito en el cielo que manifiesta la inconformidad con la marginalidad que le toca vivir en ese tercer mundo. Adorna esta excelente pieza, que sin cuestionamiento alguno es mi favorita, un magnífico solo de guitarra que conecta muy bien con el desenlace de la misma.

11 minutos que coronan un gran comienzo para esta emergente banda. Un álbum que al margen de ser corto por su mero formato EP, también lo es por la corta duración de sus canciones, pero que al mismo tiempo resulta en un shock de adrenalina por su constante entrega de energía y metal. La producción estuvo a cargo de la misma banda, lo cual lo hace más significativamente brillante (y lo mucho que sabemos los argentinos del trabajo a pulmón de las bandas). Guitarras potentes y bien ejecutadas, voces bien producidas, letras que llaman a la introspección. Quizás, por momentos, el bajo se nota algo perdido o muy bajo (valga la redundancia) pero aún así el EP no pierde cuerpo en ningún momento. El arte de tapa estuvo a cargo de Gonzalo Torres, mismo miembro de la banda.

Una banda que emerge y que aún con su tácito derecho a equivocarse, logra superar con creces el inicio de carreras de muchas bandas del momento. Y que a pesar de las dificultades impuestas por las grandes distancias en un país de basto territorio que concentra la mayoría de los sucesos musicales en la ciudad capital, puede hacerle frente a cualquiera de los proyectos que cuentan con más recursos. Acción Inmediata es una muy buena oportunidad para dar apoyo a quienes realmente se toman en serio la música y el metal y por ello, invito a ustedes, estimados lectores, a escucharlo.

Grata sorpresa tengo al recibir el nuevo trabajo discográfico de los monstruos canadienses de Cryptopsy, uno de los pioneros del tech/brutal Death; y el gravity blast e hyper blasting de la mano de Flo Mounier. Ahora bien ¿Por qué llamarlo sorpresa? Por 2 motivos principalmente: por un lado, la reciente visita a Buenos Aires en febrero, donde tuvimos el agrado de recibir esta banda por primera vez, que nos dejó ganas de más por algunas cuestiones técnicas que acortaron el set (pueden leer la reseña a cargo de Gaston Coco en el link que dejo más abajo) y no estuvieron adelantando ningún nuevo tema; y por el otro, el antecedente que supone el lapso transcurrido entre el actual último lanzamiento As Gomorrah Burns en 2023 y el álbum homónimo Cryptopsy en 2012, dando nada menos que un tal de unos ¡11 años de diferencia! Aunque si nos ponemos técnicos podríamos decir que los 2 EP’s que salieron en el medio podrían constituir un “disco”, pero, en fin, todo hacía suponer que no veríamos una nueva producción en un corto plazo, especialmente en menos de 2 años, aparentemente decidieron acelerar luego de la pandemia y seguir agrandando su discografía con cierta continuidad.

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Dejando de lado el contexto, vamos al álbum, primero se puede mencionar que el lanzamiento viene de la mano de los franceses de Season of Mist, es decir que de esta forma se despegan del sello alemán Nuclear Blast, siendo el primer lanzamiento por este medio. Dándole un vistazo a la portada, esta fue realizada por Martin Lacroix, exvocalista de la agrupación, fallecido hace poco más de 1 año, por lo cual se puede considerar un homenaje póstumo, con un diseño de tipo fantasmagórico/difuminado que recuerda un poco a los trabajos realizados por los ’90, puntualmente se puede hacer mención de Whisper Supremacy por el estilo minimalista y la forma de uso de la paleta de colores, aunque más oscura en este caso, y tal parece que esto da una pista de la aparición invitada de otro exvocalista de la banda, Mike DiSalvo, quien se encargó de grabar el disco mencionado previamente y justamente tiene una aparición en la pista “Embrace The Nihility”.

Sonoramente estamos hablando de un muy lógico sucesor de As Gomorrah Burns, si te gustó ese sonido en líneas generales, esto te va a gustar también. Como siempre, desde su llegada hace unos 20 años, tenemos a Christian Donaldson a cargo del apartado de la producción, por lo cual su criterio está más que claro a esta altura. Tenemos el sonido de tipo orgánico en el kit de batería al que nos tiene acostumbrados Flo Mounier, lo cual considero que es un gran acierto, debido a que forma parte de la identidad de la banda, es un sello característico de la casa esto de no usar triggers, a excepción del bombo, lo cual le da una expresión mucho más genuina y se sienten perfectamente las diferentes intensidades en cada uno de los golpes. En cuanto a las guitarras, si bien el sonido es similar al álbum previo, se sienten presentes 2 diferencias: en primer lugar, el tono se lo siente un poco más agresivo/crudo, lo que no hace más que mejorar lo que significa el brutal death; y en segundo lugar, se siente mayor presencia de la guitarra en la mezcla, está levemente más al frente, lo que también ayuda a que tenga mayor contundencia en las canciones.

Escuchando a Matt McGachy, considero que este lanzamiento sin duda es su mejor ejecución dentro de la banda hasta la fecha, por consolidar su estilo, y también porque su voz se la escucha mejor, como si su técnica o “estado de salud” hubiera mejorado respecto del lanzamiento anterior, ya que se la sentía un poco rasposa por momentos, incluso ha mejorado o explorado mejor su registro más alto, ya que en esta ocasión se pueden escuchar los gritos más agudos que haya dado en la discografía de los canadienses, me retrotrajo a la época dorada de Brain Drill, donde Steve tenía los guturales graves y a contrapartida, sus gritos agudos bien arriba, bueno, los gritos de McGachy rondan por ese registro. Y no nos olvidemos de Olivier Pinard, gran bajista, que, si bien el bajo aquí no es tan protagonista, se pueden notar algunos highlights como se aprecia en el adelanto “Until There’s Nothing Left”, algo que es costumbre también en la agrupación. Hasta acá, todo hace suponer que estamos ante un nuevo discazo ¿Será así? Veamos los temas.

Como bien mencionaba, el primer adelanto elegido fue Until There’s Nothing Left, un tema que arranca al más puro estilo inconfundible de Cryptopsy, riffs tremolados, la bateria de Flo Mounier pegando los traditional blast-beats con la formula intercalada de redoblante por un lado y por el otro, crash y bombo, alternando la notación entre tresillos de corcheas y semicorcheas (tomando un metrónomo a +/-320 BPM), todo esto sumado a los gritos de McGachy, la letra bien parece hablar de algo relacionado al ciberacoso, desde la perspectiva de la persona manipuladora que atrae a su victima para aprovecharse, posiblemente extrayendo fotos sin ropa con el fin de chantajear, o al menos esa sensación da en una simple leída. En el medio tenemos como mencionaba, el highlight en el bajo de Olivier previo a un pseudo-slam con una variación en el riff utilizando ligados para dar paso a un solo muy melódico, aunque esto es típico de Donaldson, quien además de poner solos por momentos rápidos, suele meter inherentemente mucha melodía para que no se trate simplemente de una ejecución de licks para meter la mayor cantidad de notas por segundo. Sin duda un tema que muestra gran parte de lo que representan los canadienses para este disco.

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Por dar un vistazo general musicalmente, ya desde el minuto cero escuchando “The Nimis Adoration” está claro con que nos vamos a encontrar arrancando a toda máquina, excelente elección ya que se aprecian los recursos que caracterizan al Cryptopsy post-2010, que mezcla de forma muy homogénea la forma de tocar de sus primeros años con algunos elementos más modernos en los riffs, ya que en el medio de la canción tenemos un riff tremolado más melódico para dar paso a un solo de guitarra excepcional. También podemos notar un punto bastante particular, en “Our Great Deception” tenemos una intro sin distorsión (sería incorrecto decir acústico) que hace recordar un poco a ese recurso que utiliza la banda para salirse un poco de contexto y “divertirse”, como en el caso de “Red-Skinned Spacegoat” del álbum homónimo que incorpora un pasaje de tipo música lounge (o al menos ellos lo han definido de este modo), hay puntos altísimos a nivel vocal en “Dead Eyes Replete” y “Fools Last Acclaim”, donde McGachy explora su registro más alto por momentos utilizando las falsas cuerdas vocales, resultando en alaridos sorprendentes.

El disco en líneas generales es variado a nivel compositivo, lo cual hace que, a pesar de ser ejecutado a altas velocidades, no impida que sea un taladro de notas insoportable. Recién llegando al final tenemos el tema más largo del disco, rozando los 6 minutos, de la mano de “Malicious Needs”, que destaca por ser una canción más bien rítmica, si bien comienza con un hyper blasting, intercambiando con skank beats, también se escucha algún ritmo más “pausado” con ghost notes para dar un poco de aire, dando una pista de lo que sucede más adelante, bajando bastante la frecuencia de BPM, dando un cierre épico más “tranquilo” para lo que suele ser la banda.

Como para cerrar y en parte reiterando lo ya mencionado, este disco es un digno sucesor de As Gomorrah Burns, por lo cual tranquilamente entra como uno de los mejores lanzamientos del año, nuevamente los Cryptopsy demuestran de que son capaces y que están lejos aún del retiro, en especial viendo cómo se han revitalizado en estos últimos años. Dicho sea de paso, esperamos que puedan volver a estas tierras, ya que su debut en suelo argentino se demoró demasiado y seguramente si vienen presentando esta producción van a arrasar.